U R A GHOST V02!

HK119-Imaginature (2013)

2013-05-22T12:00:00.000+08:00

HK119-Imaginature (2013)

La revolución postmoderna nos estalla aquí, directamente en nuestra cara, vivo con la idea de que las oportunidades son para aprovecharlas y que sólo un tonto las deja ir, pero aún y cuando nos quejemos incansablemente de lo injusta que la vida puede ser, esta en ocasiones nos sorprende y nos concede una segunda oportunidad para muchas cosas que jamás imaginamos pudieran suceder, HK119 es el seudónimo de Heidi Kipelainen artista finlandesa con incursiones en el mundo del arte audiovisual, como muchos, a Heidi le conocí a través de sus videos en Youtube, en los cuales no sólo conocí su música sino su arte visual, una creadora de un universo propio en verdad, muy particular, su música en esencia minimalista arrancó como un mero acompañamiento de sus creaciones visuales, sorprendentemente llamando la atención poderosamente de muchos, entre ellos la también inquieta Leila Arab, cercana colaboradora de Bjork y salvadora del ambicioso (tanto que casi se pierde) Biophilia, tanto que Arab pasó el aviso a Bjork y fue así como HK119 terminó en la disquera de Bjork, dos discos después Heidi nos llega ahora con este Imaginature, dónde ya podemos hablar de una propuesta madura, en la cual Heidi luego de un primer disco en bruto y un experimental segundo disco, nos trae ahora su depurada propuesta ¿Será su verdadero yo esta vez? Una suerte de Lady Gaga de una dimensión bastante desconocida, inmersa en un denso mundo de sintetizadores oscuros, ritmos sintéticos y ritmos minimalistas, en los cuales Heidi libera una personalidad obviamente inspirada por grandes como la tremenda y amenazadora Grace Jones, Wild Grass es una impresionante pieza para abrir este disco, con sus épicos sintetizadores y ensoñadoras atmósferas, con una HK derrochando sensualidad a la pieza y añadiendo toques de los momentos más etéreos de una Kate Bush.

Snowblind conlleva una musicalización más áspera, HK119 toma la ruta difícil y se planta con tremendos bajos y una ejecución excepcional nuevamente, “la mujer blanca perfecta” diría Bjork, una suerte de Marlene Dietrich para un mundo postmoderno, con una cadencia envidiable y adictiva, antes de entrar en un arrebatador coro, que eleva las cosas a las alturas, antes de lanzarnos a un demencial vacío poblado por sus murmullos, Hide nuevamente recurre a esta electrónica dura, obviamente inspirada por Arab, en la cual HK119 pareciera irse inclinando, aunque claro, hay que aclarar que Arab es una maestra en estos temas y HK119 solamente roza parte de esa genialidad, con sus respectivas distancias, lo de Heidi es más crear atmósferas enigmáticas, densas eso si, a más no poder y después iluminarlas con la sensualidad de su voz, la estética lo fi del pasado ya ha quedado muy lejos, estamos ante una artista casi completamente formada que busca un buen sonido, que busca un sonido exuberante y que no se ve limitada por estéticas ajenas, como Milky Way lo demuestra, en la cual HK119 se adentra en una estética bastante pop, con buenos arreglos, aunque con un gradiente demasiados extraño para el radio, carente de coros y repleto de intrincados pasajes y percusiones inesperadas.

Para Whale HK119 se pone monstruosa con arreglos masivos y ritmos titánicos que nos golpean en un océano de delicados sonidos mezclados con potentes tratamientos, en un tema intenso y estático a la vez, digno de una verdadera creadora de música electrónica fuera de serie, y si bien, ya vimos a Brian Eno respaldando a la ENORME Grace Jones, no sería descabellado pensar que Eno estaría mejor construyendo parte de la dimensión HK119 que parte de la dimensión Coldplay, la cual en piezas como Iceberg denotan una arriesgada dinámica que resulta funcionar y que sin duda muestra un lado de HK119 que me recuerda sin duda la exhuberancia musical de Eno en los inicios de su carrera solista.

Imaginature podrá carecer del impacto sorpresivo de su primer disco, o de el arrojo experimental del segundo, pero posee un admirable ajuste en las miras de esta alucinante artista, un universo que empieza a tomar impresionante forma y un carácter muy propio y particular, HK119 empieza a crecer como una propuesta musical más profunda, que si bien, aún no esta a la par de una Leila Arab o de una Bjork, no tardará mucho en su propia propuesta postmoderna que pueda seguir los pasos de estas dos, con la ventaja de la tremenda y arrolladora personalidad de Heidi que en cualquier momento pudiera eclipsar a muchas artistas desechables que pululan las listas hoy en día, con la obvia ventaja de peso que HK119 es una artista de verdad.

Daft Punk- Random Access Memories (2013)

2013-05-21T12:00:00.000+08:00

Daft Punk- Random Access Memories (2013)

Curiosamente la profecía recitada por James Murphy de los LCD Soundsystem parecería estar volviéndose una realidad, y los chicos que alguna vez vendieron sus guitarras para comprar torna mesas, ahora están vendiendo torna mesas para comprar guitarras, o bueno, por lo menos alquilarlas.

Y este es el caso de los Daft Punk, cuyo espíritu también invocara Murphy en uno de los temas de su grupo, se que sonará a sacrilegio, pero siempre he visto a los DP como fieles seguidores de la senda recorrida por los Kraftwerk, tal vez no musicalmente, pero si conceptualmente, cada vez eliminando en lo mayor posible, desde sus orígenes como banda de rock, los elementos humanos de su música, pues bien, con este Random Access Memories o RAM, los DP dan al trasto con esta dirección, abandonan sus fantasías robóticas y asumen un nuevo papel en el cual lo humano juega un papel preponderante, ¿Se irán a quitar los cascos?) y toman el ENORME acierto, de hacerse a su lado del gran Nile Rodgers, parte primordial de la GRAN banda Chic, sería Rodgers el encargado de proseguir con la labro de productor en los discos más exitosos de David Bowie, luego de Tony Visconti, en los 70s/80s, Rodgers ese de la guitarra precisa y exacta que engalanaran también muchos de los discos del gran Bryan Ferry, precisamente ese gran guitarrista y visionario que es Rodgers aparece para apadrinar esta nueva dirección musical por parte de los DP, en la cual, la banda abandona sus torna mesas y se ponen tras de sendos sintetizadores y guitarras y se hacen apoyar por una serié de conocidos músicos de la escena electrónica, bailable y productores de música moderna, ¿El Fin? Crear un disco bailable como pocos se han hecho en años recientes, abandonando el uso de maquinas y llevando el ritmo a la par de los latidos del corazón, y sorprendentemente saliendo airosos en la labor de abandonar su mecánica existencia y convirtiéndose en humanos.

Random Access Memories es un disco asombroso, muy probablemente uno que en su procesos atormentó tanto a Julian Casablancas, tanto que hizo que los Strokes voltearan y girarán su timón en extrañas direcciones, y que seguramente se convertirá en un parte aguas de la música moderna, marcando una tendencia a la música más orgánica y probablemente el abandono de la música programada y torna mesas, una tendencia que ellos crearon y que ahora parecieran destruir con toda la intención, como Bowie hiciera con el glam y con el punk.

Give Life Back To Music no puede ser más obvia, la banda busca a toda costa recuperar su humanidad y dramatiza esta búsqueda usando la nostalgia de la música bailable de finales de los 70s, tomando para este tema, a los ya mencionados Chic, como base de despegue, flanqueados brillantemente por la inquieta guitarra de Rodgers, quien sin duda consigue revivir el gran espíritu de su legendaria banda, The Game Of Love me recuerda a los Roxy Music más exuberantes de finales de los 70s, aunque la banda no teme repentinamente en acercarse en la ejecución de los sintetizadores a arreglos casi progresivos, lo cual brinda un aire bastante fresco e interesante a piezas como esta o a la impresionante Giorgio By Moroder, en la cual rinden homenaje a uno de los grandes pioneros de la música electrónica bailable, iniciando con un ritmo bastante constante, en el cual los sintetizadores van creciendo hasta llegar a deslumbrarnos con su magia intensa y casi progresiva, señalándonos claramente la que podría ser en verdad el futuro de la música, todo esto a la par a la narración que el gran Moroder hace y en la cual nos comparte parte de su carrera, en un tema que sin duda resultará una delicia para los amantes de los sintetizadores.

Daft Punk se anota otro triunfo con un servidor al incluir a una gran figura casi olvidada del mundo de los musicales de los 70s, el ENORME Paul Williams, si, el fantasma de la opera en la ENORME versión musical que Brian de Palma hizo de esta historia bajo el nombre Phantom Of The Paradise, un clásico de la televisión nocturna de los 70s, y que me tocó ver en la televisión nacional gracias a esa extraña programación que solían pasar en las noches y para la cual solía esperar a que mis padres se durmieran para poder ver a escondidas, Williams se une a los DF para traernos un tema hermoso de principio a fin, que a muchos nos recordará a algo así como a los VdGG con el gran Peter Hammill al frente, una fabula musical de cósmicas proporciones, que para los que pensaron que los DP eran solo música bailable, lo tendrán que pensar dos veces, ya que con este RAM se re configuran y nos traen una extraño sueño-pesadilla en el cual los mundos de la música de los 70s y la música futurista convergen, en dónde la música bailable y la progresiva se fusionan y en dónde las guitarras se ponen hombro con hombro con los sintetizadores, un disco espectacular.

Canciòn de Tumba-Julian Herbert (2012)

2013-05-18T12:00:00.000+08:00

Canciòn de Tumba-Julian Herbert (2013)

Aunque no lo queramos, aunque quisiéramos tener toda nuestra vida futura planeada y bajo control, el azar suele jugar por lo regular un papel importante en nuestras vidas, por ello mi afición por el free jazz, por la libre improvisación como algo que va más allá de la música, la vida misma es una larga improvisación, es un escenario en dónde somos puestos junto con otros músicos y los instrumentos que nos dio la vida, en ocasiones guiaremos la melodía y en otras tendremos que seguir a otros, siempre adaptándonos a los cambios súbitos y a los estados de ánimos propios y de los demás, por un buen tiempo, como ya lo había comentado me alejé de los escritores nacionales, los rusos tomaron su lugar, pero de alguna manera, la vida me fue llevando y enfilando nuevamente a viejas sendas recorridas y nuevamente descubrí la belleza de los escritos nacionales, de ese México tan complejo en el que vivimos en estos días, y de ese equilibrio tan delicado en el que nos desenvolvemos y el cual solemos hacer llevadero con mucho humor.

Estos azares del destino me llevaron de manera misteriosa a Canción de Tumba, de Julián Herbert, conocido escritor del norte “bárbaro” del país, desde el nombre, esta novela es una clara alusión a las canciones de cuna, a los infantes, al nacimiento, pero también a la muerte de los seres queridos, con que brillantez consigue Herbert hacer toda una alegoría poderosa a la vida y la muerte, al México brutal en que vivimos y en dónde se vislumbra la esperanza de poder salir de esta situación, Herbert nos lleva por un intenso y despiadado viaje que se debate entre la alegre llegada de un nuevo ser y la amarga despedida de una madre, que rompe, como lo hizo Buñuel en la LEGENDARIA Los Olvidados, con el prototipo de la madre mexicana, literalmente. “Dándole en la madre…”

Herbert nos muestra a lo largo de toda esta breve novela su mordaz estilo capaz de reclamar a su propia madre el no haber sido una buena madre, la atropellada y nómada vida, que su madre, prostituta de profesión, le dio a él y a sus hermanos, y su posterior madurez enferma y desahuciada, con leucemia, postrada en hospitales, desde los cuales Herbert narra la historia desde aquellas salas, directamente a su laptop, mediante, su afilada prosa, ¿Y como no?, Canción de Tumba es un libro duro si, y despiadado también, al cual Herbert añade fuertes dosis de humor para de alguna manera hacerlo llevadero, o por lo menos causar suficiente morbo para que sigamos leyendo tan dura historia, una historia que establece fuertes y sorprendentes lazos con mi vida, con la manera en que mi madre se fue hace ya más de una década y con algunas cosas que me ha tocado experimentar en el proceso, en el caso de Herbert, este nos narra muy a su manera propia, tan desgarradora historia, pero a su vez Herbert maneja brillantemente la narración que nos pone al tanto del nacimiento de su hijo, contra parte esperanzadora en la historia y que podría sonar a vil cliché de película joligudense, pero que les puedo asegurar que Joligud no se atrevería (tal vez Bollywood) jamás a filmar algo así, Herbert consigue salirse de sentimentalismos y ser tan brutal como el cemento que inunda nuestras ciudades, Canción de Tumba es el equivalente a uno de esos discos de hardcore, brutal, intenso, que nos hace preguntarnos: ¿Cuándo se detendrá todo esto? Pero que a la vez no queremos que pare.

Una grata sorpresa, una impactante lectura que me cala hondo y que refleja parte de vida, confirmando eso que se dice de que la vida es la que imita el arte y no viceversa.

Tricky-False Idols (2013)

2013-05-17T12:00:00.000+08:00

Tricky-False Idols (2013)

Pueden llamar a Tricky como quieren, inclusive lo pueden hacer enfurecer llamándolo. “El mago del trip hop”, muy probablemente además de un puñetazo por parte suya, les hará preguntarse si en verdad saben lo que es el trip hop.

Tricky esta de vuelta con este False Idols y la recomendación es que no se lo pierdan ya que Tricky nuevamente se ha armado con estupendos colaboradores, densos arreglos, ritmos callejeros, atmósferas soul, y esa electrónica oscura tan propia y fascinante.

False Idols es un nuevo viaje en la historia de Tricky con su habilidad nata para crear sombras danzantes que crean sonidos en las sombras, esa capacidad de evocar voces anónimas, extirparles el cuerpo, dejarlas en puro espíritu y hacerlas memorables, como cada uno de sus temas, si el GENIAL Prince alguna vez quiso desaparecer hasta su nombre de la historia, Tricky lo hace literalmente, escondiéndose tras sus vocalistas y apareciendo de manera casual, en Somebody`s Sins se roba la entrada del clásico Horses de la GRAN Patti Smith, recitando el “jesus died for somebody`s sins, but not mine…”, el cual crea el tono perfecto para este disco, con una voz lánguida, tras la cual Tricky desliza su fantasmal voz en un tema amenazante, lento y oscuro.

Para Nothing Matters, Tricky nos trae nuevamente una voz familiar que reclama fuertemente el protagonismo, como alguna vez hizo Martina Topley Bird, y Trocky impone sus candentes tambores y un ritmo del cual es imposible escapar, repleto de sombras, de oscuridad, de noche y de olor a cigarro, con arreglos electrónicos de los cual definitivamente es imposible escapar, un vacío que irremediablemente nos captura y del cual es imposible escapar, y ni que decir de la estupenda Valentine, una joya sutil en la cual Tricky susurra las vocales de un tema irresistiblemente adictivo, repleto de pequeños detalles que demuestran su magia y el como con poco Tricky pueda crear verdaderos monstruos de sonido.

Nuestros pies empiezan a moverse hipnotizados por ritmos bailables que Tricky nos lanza en la genial Bonnie & Clyde, una pieza digna de causar verdadero terrorismo y muerte en las pistas de baile, pura subversión bailable de la mejor manufactura, mientras que Parenthesis penetra los poros de la piel con su evocación más pura a la música soul y gospel, Tricky maneja de manera genial la mezcla de ritmos y de influencias y adereza con filosas guitarras que destripan todo a su paso antes de dejarnos a merced de un lejano piano, ¿Postmodernismo Kanye? Tricky lo invento.

Sin duda alguna Nothing`s Change es una de las grandes joyas del disco, con ese desgarrador conjunto de cuerdas elevándonos por los aires y después un contundente ritmo que nos mete de lleno en las calles, en una sublime mezcla de alucinante realismo, esa magia que otros de Bristol como los Massvive Attack o los Portishead nos han sabido brindar, y ni que decir del cambio radical que se nos presenta en el siguiente tema, If I Only Knew, donde nuestra alma es estrujada y exprimida con brutal fuerza en una entrega tan tierna como intensa acompañada de los brutales ritmos de Tricky, en un tema sin duda destinado a encantar a las masas, si estas estuvieran dispuestas a escuchar, cosa que lo dudo.

False Idols no es un disco inmediato, Tricky nunca lo ha sido, la magia de sus creaciones se va revelando poco a poco, va progresando cada vez que le escuchamos, los detalles se van descubriendo y la sublime esencia va quedando al final descubierta, lista para ser apreciadas por unos cuantos, en un mensaje encriptado que sin duda es la intención de este mago del sonido, el cual no deleita a lo largo de todo este disco con gemas del pop de primer nivel, como la espectacular Is That Your Life que posee los elementos necesario para crear una amalgama perfecta de pop, rock y hip hop que sólo Tricky sabe cocinar, un disco mayúsculo sin duda.

Bill Orcutt And Chris Corsano-The Raw and the Cooked (2013)

2013-05-16T12:00:00.000+08:00

Bill Orcutt And Chris Corsano-The Raw and the Cooked (2013)

Era cuestión de tiempo para que Bill Orcutt regresara a ese caos sonoro que sólo el sabe invocar, guitarra en mano, y esta vez una eléctrica como en sus viejos tiempos con los Harry Pussy, Orcutt suena tan devastador como en sus mejores tiempos, cuando era acompañado por Adry de Hoyos, y ambos eran el núcleo principal de aquella legendaria banda de noise, una leyenda en su propio tiempo que muchos se niegan a olvidar y como hacerlo, una banda legendaria que rompió con muchos de los clichés de la era y llevo el sonido a una nueva etapa de salvajismo y atonalidad.

En el sonido de Orcutt podemos percibir ese salvajismo de Zoot Horn Rollo en su época con el Capitan Beefheart, la pasión religiosa exacerbada de un Albert Ayler y ese crossover que hizo Lou Reed con el mundo del free jazz en Heard Her Call My Name, luego de años de haber abandonado el estilo y de crear uno nuevo, tan desafiante como abrasivo pero en la guitarra acústica, Orcutt el devastador esta de regreso y no viene sólo.

Chris Corsano no requiere mucha introducción, uno de los más versátiles y temerarios del rock experimental, colaborador de gente como Bjork y Ben Chasny, entre otros, Corsano posee una impresionante carrera como colaborador de artistas en verdad iconoclastas y por si fuera poco, Corsano posee una estrujante carrera solista en la cual verdaderamente empuja su instrumento hasta el límite, precisamente, haciendo alusión sobre este mismo tema, en algún lado leí una entrevista en la cual Corsano señalaba a Adry de Hoyos como su principal influencia, así que, ¿Qué mejor oportunidad para Corsano que sentarse en la silla de su gran inspiración?

The Raw And The Cooked tiene tintes pugilistas en verdad, es una pelea a muerte entre dos fieros contrincantes, algo así como ese comic de la Marvel en que Wolverine apareció por primera vez, luchando contra el Hulk, en una intensa analogía en la cual Orcutt podría hacer el papel de Wolverine con sus afiladas garras destripando todo a su paso y Corsano en el papel de un Hulk, convirtiendo en papilla todo a su paso.

El primer lado nos muestra a un Orcutt ágil, moviéndose a la velocidad de la luz y esquivando y respondiendo a las impresionantes descargas aplastantes de Corsano, el cual, cual demonio de Tasmania se mueve con velocidad impresionante a través de cada uno de los tambores de sus instrumento, al tiempo que Orcutt siempre sorprendente se las arregla para surcar el brazo de su guitarra a todo lo largo hasta el punto más recóndito, una pieza de larga duración en dónde ambos participes intercambia potentes ataques sonoros, los cuales gracias a la naturaleza de sus instrumentos uno agudo y otro grave, podemos percibir a su máxima expresión sin que uno opaque al otro, invocando peligrosamente el espíritu de aquellas bestiales sesiones de los Harry Pussy, festejando gloriosamente cada embestida y después retomando tras unos segundos de aparente calma el ritmo y la respiración.

El lado B es igual de intenso, aunque ambos participantes se dan unos segundos para transmitirse telepáticas instrucciones, podemos sentir la guitarra de Orcutt emitiendo un feedback que el mismo se encarga de callar, Corsano organizando sus combatientes percusiones, una suerte de rodeo, una suerte de reconocimiento antes de la batalla, con ambos contrincantes adoloridos de la batalla del lado anterior, pero con ninguno de ellos dispuestos a ceder un paso, esto hasta que Corsano parece hacer estallar el cielo mismo, como ese rayo que escuche en la mañana y que cimbró los cristales de la casa, Orcutt introduciendo se navaja de seis filos a las hostilidades, con un intercambio no tan directo y más enfocado a sorprender, esta vez con ambos mostrando músculo en un impresionante despliegue que muestra otro lado de los participantes, quienes muestran sus habilidades en lugar de atacarse esta vez.

The Raw and the Cooked es una grabación explosiva, sumamente devastadora y una muestra fiel de los brutales talentos de sus participantes, Corsano y Orcutt subiéndose a la cima de la colina del noise, la experimentación y la libre improvisación.

Ghostface Killer-Twelve Reasons To Die (2013)

2013-05-15T12:00:00.000+08:00

Ghostface Killer-Twelve Reasons To Die (2013)

Hace poco les platicaba de uno de los discos que más ha captado mi atención fuertemente en estos meses que han pasado del 2013, en el cual Andrian Younge, productor en pleno ascenso de hip hop se encargaba de respaldar el regreso del sonido de los Delfonics, consiguiendo una sublime confección de los sonidos soul del pasado, y unirlos en una sacrílega conjunción al callejero hip hop del presente, para muchos, este no será un disco autentico de los Delfonics, y podrían estar en lo correcto, pero el experimento muy a su manera y en mi muy humilde opinión, funciona gracias a la atención que Younge ha puesto en las producciones de gente como The RZA, en dónde el soul es pieza fundamental, y es evocado constantemente, y precisamente Younge toma ese sonido como base para sus producciones, retomando la estafeta dejada por The RZA.

Ghostface Killah una de las voces más familiares en el espectro de los Wu Tang Clan , uno de esos personajes que cuando The RZA formó el colectivo, ya estaba bien definido en su personaje y no tardó en llamar la atención, poseedor de una fluidez narrativa envidiable, creador nato de imágenes, precisamente GK nos trae este Twelve Reasons To Die, (si Iggy esta listo para morir, GK nos trae las razones), disco en el cual GK se une a Younge, el cual sirve nuevamente como pilar esencial para el regreso de un artista que nos ha sorprendido enormemente con las capacidades ya mencionadas, y sus tremendas historias, que si bien podemos decir que GK pertenece a la vertiente un tanto tradicional del genero, este jamás ha caído en los clichés tan temidos del genero, en el caso de GK la violencia, las armas y el sexo pertenecen más a una tradición literaria, cuasi cinematográfica, más que a una estricta narración de violencia absurda, glorificación a las armas y a la misógina, GK proyecta imágenes en nuestra mente y esta vez el respaldo de Younge sin duda le reporta enormes dividendos con un disco que suena encerrado en una burbuja suspendida en el tiempo, dentro de su propia dimensión.

La producción a cargo de Younge es brillante, exuberante en sonidos, arropando complejamente las rimas de GK, una tarola omnipresente, que ya de sobra conocemos, coros soul y ese órgano (a veces un harpsicordio) con un sabor y vibra a los 60s, imposible de pasar por alto, en palabras del mismo Younge, Twelve Reasons To Die es un artefacto lleno de imágenes y sonido, una película para los oídos, un relato, de características terroríficas, inspirado en partes iguales en Scarface y en el cine de horror italiano del cual el gran Dario Argento era protagonista como autor, y que de una manera bizarra se conjuga aquí, exudando talento por parte de Younge quien consigue atar todos los cabos sueltos entre estas disparatadas fuentes de inspiración.

Harpsicordio y fantasmales vocales soul forman la base de Beware of The Stare, tema con que abre este disco, pero la pesadez de sus arreglos se siente más densa en Rise of The Black Suits, en el cual los pianos fantasmas inspirados en las producciones de The RZA los ritmos duros y teclado de película de terror conforman el fondo de un tema tan florido que combate frete a frente con las rimas del GK, quien sin dudarlo escupe rimas aterradoras de violencia poética que no suena absurda, sino repleta de imágenes que explotan en nuestras mentes, un tema genial que suena pesado, escalofriante y que GK usa inteligentemente para aumentar el efecto de sus infalibles rimas, el fantasma esta vez viene acompañado de arreglos de ultra tumba, los cuales aumentan de manera exponencial su letal ataque.

Rise Of The Black Suits es impresionante en sus arreglos de órgano, transportándonos de inmediato al pasado, a mi me trae memorias de la clásica música de películas del Santo o de los temas del GRAN Mulatu Astatke, los pianos atmosféricos nos traerán inmediatas memorias de los legendarios sonidos conjurados por The RZA, I Declare War es épica, y Blood On The Cobblestones, es un tajo sin misericordia a la cabeza, recordando viejos tiempos de la vieja esuela en que Ice Cube recién salido de los NWA, se asentaba en la costa este y ponía a la escena de cabeza con esa lluvia de rimas brutales.

Younge y GK prueban ser una combinación letal de rimas intensamente brutales y ritmos y arreglos alucinantes, GK recupera el aliento de manera admirable y Younge se alza como el productor que ha conseguido descifrar la magia detrás del legendario sonido de The RZA y los Wu Tang, lo que probablemente lo convertirá en poco tiempo en uno de los productores musicales más importantes.

The Haxan Cloak (Excavation (2013)

2013-05-14T12:00:00.000+08:00

The Haxan Cloak (Excavation (2013)

Si en sus primeras aventuras sonicas, Boby Krlic ya hacia fuertes referencias al trabajo casi cinematográfico de Ben Frost, en este Excavation la referencia es aún mayor y no me malinterpreten, The Haxan Cloak no podría ser considerado jamás como un mero clon del trabajo musical de Frost, en este Krlic mezcla mucho de su background ingles con potentes sonidos y oscuros ambientes, una suerte de estudioso de los fenómenos recientes de gente como Scorn, Burial, Emptyset, Raime y The Bug, y es que este Excavation desarrolla exitosamente un sonido que deja huella en nuestras mentes con singular detalle y talento, Krlic asume total control de su obra, la cual crece exponencialmente, se convierte en un titán sonico y amenaza con destruir todo a su alrededor a paso lento pero devastador.

Las monstruosas vibraciones de bajos poderosos se cuelan bajo nuestros pies, como presagio de algo muy malo que esta por llegar, Krlic nos sumerge violentamente en su mundo de vibraciones de bajo espectro, mientras que los pasos de este gigante muestran que cada vez más se acerca a nosotros mientras sacude violentamente nuestros entornos, Consumed produce miedo, es un vacío terrible esperando para devorarnos, en cada segundo de esta pieza se percibe esa sensación de horror y de espantosa fatalidad, Krlic reduce esos sonidos tormentosos del dubstep y los reduce a tiempos en extremo lentos, toca por momentos aquellos pulverizantes momentos que alguna vez nos trajeron los Wolf Eyes, una conexión increíble pero que hace sentido, Excavation (Part 1) nuevamente pone a temblar el piso, pareciera que The Haxan Cloak encontraran un perverso placer en estos sonidos que sacuden nuestros pies, después esos sonidos agudos, como descargas lanzadas hacia nosotros, una sensación de suspensión en la nada y una oscuridad que nos abraza hasta asfixiarnos, si Bukowski nos hablo de la música de cañerías, The Haxan Cloak lleva el concepto al extremo de la brutalidad, guiándonos por un complicado y surrealista túnel que corre bajo el suelo, haciendo ecos a esa novela de Murakami en que el personaje principal se enredaba en una extraña red de ciencia, túneles subterráneos, criaturas carnívoras y una vida alterna en un mundo de ensueño.

Krlic por momentos se emparientan con el gran Shackleton y nos trae ritmos mutados extraídos del mundo del techno, los cuales suenan oníricos al ser inyectados en estas atmósferas oscuras y densas aunque manteniendo su gélida mecánica, Excavation (Part 2) consigue desmembrar tiempos y dimensiones trayéndonos sensaciones que engañan por momentos nuestros sentidos, el cuidado en el manejo de detalles, el fino esculpido de los sonidos y como estos se desintegran ante nuestra presencia, dejando sólo recuerdos de algo que fue.

Amenazadora y extravagante, así arranca Mara, con un ritmo minimalista y tribal, con sintetizadoras que resuenan a lo lejos además de poderosos acentos sonoros de aspecto industrial que van ampliando el abanico de posibilidades, si en el pasado Krlic se había manifestado mediante el masivo y fúnebre manejo de cuerdas, esta vez su inmersión en el mundo de la electrónica es total, yendo tan lejos, como en Miste, incluyendo en este tema sampleos de voces los cuales son convertidas en eternos ciclos de sonios que se repiten una y otra vez hasta el cansancio, o hasta que estos se terminan disolviendo en el aire.

Excavation nos muestra una nueva cara de The Haxan Cloak, si de por si el proyecto era oscuro y estremecedor, las nuevas incursiones del Krlic en el mundo de la electrónica y un aparente interés por el mundo del dubstep han llevado a este proyecto en direcciones bastante interesantes, si consideramos que esto es sólo el principio, el futuro seguramente nos traerá cosas más brillantes por parte de este increíble proyecto.

Ash Borer-Bloodlands (2013)

2013-05-13T12:00:00.000+08:00

Ash Borer-Bloodlands (2013)

Para muchos el mundo se acerca a su fin, la sobre explotación de los recurso naturales es una realidad y así como hay grupos de la talla de Greenpeace que hacen esfuerzos enormes por rescatar a este planeta de la catástrofe, en el mundo de la música hay grupos cuya filosofía abraza esta guerra ecológica por la supervivencia del planeta y sus recursos, muchos de ellos, surgiendo en el vecino país del norte, precisamente uno de los países más industrializados del planeta y causante en gran medida de parte de esta gran devastación, y en dónde la factura se empieza a cobrar en la forma de fenómenos naturales cada vez más poderosos, como Katrina, o las supertormentas que llegan hasta Nueva York, arremetiendo fuertemente contra ellos.

Por si fuera poco, el vecino país del norte se empieza a desmembrar lenta y discretamente, en algún libro leí que en el futuro una ley mundial separaría los estados del vecino país del norte para restarles poder, como sanción luego de una posible guerra, tal como pasó con Alemania, para muchos esto no es ficción y por si fuera poco, la ya consabida lucha interna entre el sur y el norte, los ricos y los pobres, los blancos y los negros, los liberales y los conservadores, los punks y los heavy metaleros (buenos estos últimos ya no).

Dentro de esta guerra interna y discreta, surge la región de Cascadia, región de ensueño localizada en el noroeste de los Esclavos Hundidos de Amnésica, caracterizada por sus densos bosques, altísimos árboles, parques nacionales y cascadas de gran tamaño, inspirados en esta región, grupos como Wolves In The Throne Room y Ash Borer crean su propia versión del black metal, implantado en los oscuros y densos bosques de esta región, que muchos quieran ver como un país aparte, el oscuro genero, que se conjuga aquí con esa preocupación por la ecología y esa búsqueda de trascender.

Ash Borer es una banda de guerreros sonicos que salen de estos bosques con una propuesta original que adapta el abrasivo género surgido en los gélidos bosques escandinavos y lo trasladan directo a Cascadia, Bloodlands es su más reciente grabación de carácter épico y ensordecedor, las peores pesadillas de Wagner haciéndose realidad en tierras del norte de América, Bloodlands arranca con Oblivion`s Spring pieza majestuosa e intensa que denota la sed y voracidad de esta banda, verdaderos demonios del bosques en una lucha sangrienta por salvar a la naturaleza y la humanidad del salvaje embate de la civilización, ritmos intensos que denotan una fiereza inusitada y guitarras como sierras eléctricas que resuenan ferozmente, una pieza larga de más de 15 minutos en los cuales los Ash Borer crean con increíble talento paisajes sonoros repletos de oscuridad y densidad, consiguiendo momentos intensos a más no poder y pasajes de inquietante tranquilidad, demostrando capacidad para enriquecer su sonido y no caer en la monotonía de algunas bandas del genero, además de la capacidad de mantener las cosas interesantes por casi 20 minutos, que no cualquier grupo en este genero puede ostentar, hundiéndonos por momentos en verdaderamente alucinantes intercambios instrumentales

Dirge/ Purgation es un tema aún más ambicioso con sus casi 20 minutos de duración, salvaje y abrasivo a más no poder, con guitarras monstruosas que podían arrancarnos la piel y esa capacidad tan especial del black metal de sublimarse y convertirse en algo casi etéreo desvaneciendo cualquier línea estructural y convirtiéndose en algo amorfo, intangible e invasivo, mostrando un poder de atracción impresionante con arreglos destinados a crear más una sinfonía de la decadencia humana que una canción de protesta.

Bloodlands es una impresionante grabación de una de las legendarias y casi anónimas bandas que libran su propia batalla en la misteriosa región de Cascadia, un ritual majestuoso que se realiza en medio de los densos y oscuros bosques míticos de esta región.

Femi Kuti-No Place For My Dream (2013)

2013-05-11T12:00:00.000+08:00

Femi Kuti-No Place For My Dream (2013)

Hay que admitir que aunque siempre he considerado a Fela Kuti como un genio musical, sus ideas a veces tenían poco que hablar a su favor, misoginia, drogadicción, y un enorme ego, muchos de estas característica de alguna manera formaron parte de la decadencia del amo y señor del afro beat, posiblemente su declive musical (con la salida del GRAN Tony Allen, quien sin duda era pieza fundamental de su sonido) y su afición enfermiza por las mujeres, que si su muerte fue por sida pudo haber coadyuvado a esta, claro, Fela no era un santo, pero si un guerrero musical, seria difícil entender la herencia musical de Fela hacia sus dos hijos, Seun y Femi, perro tratemos de analizarlo, de alguna manera veo a Seun como la parte muscular de la herencia musical de Fela, muy cercano en el sonido de su padre, aunque sin muchas innovaciones, sin duda el heredero de la furia de Fela, bien encausado por el GRAN Brian Eno en su más reciente disco, sin duda, Seun se vio enormemente beneficiado por la experiencia de Eno y su sonido reproduce el tren a toda velocidad y sin frenos que era el sonido de Fela, por otro lado, Femi es mas cerebral, carece de ese poder desbocado de la música de Seun, pero posee una habilidad innata para la experimentación y los arreglos musicales que dejan a más de uno con la boca abierta.

Femi se ha equivocado, claro, un par de veces, el que no arriesga no gana y el que no hace nada, nunca se equivoca y Femi en este departamento es inquieto, se ha acercado al mundo del hip hop y del reggae, a diferencia de Seun quien se a mantenido firme en el afro beat, Femi a molestado a muchos seguidores conservadores del sonido de su padre quienes le han criticado la ocasiones que ha tratado de expandir su sonido, y es entendible, aunque también es admirable la inteligencia musical de Femi para desmarcarse de la sombra de su padre, nada fácil.

No Place For My Dream es el regreso de Femi al afro beat, su anterior incursión al mundo del hip hop ha quedado atrás, Femi regresa a territorio conocido, pero esto no significa que Femi busque el camino fácil, No Place For My Dream muestra un progreso notable, un dinamismo admirable y un deseo de no recorrer viejos caminos, sino descubrir nuevos, si bien algunos temas de Femi carecen del músculo de la música de Seun, despliegan una agilidad sorprendente, una capacidad de reinventarse y transformarse en todo momento, de mantener altas las expectativas y de muchas veces rebasarlas.

La música de Femi es en cierta forma similar a la que Fela hizo después de la salida de Tony Allen de su grupo, los ritmos son intensos pero carecen de esa fuerza y contundencia, pero Femi lo compensa de maravillas con algo que Fela carecía en ese momento, una sección de metales “devastadora” como lenguas de fuego devorando todo a su paso, Femi configura de manera maravillosa los coros, esos llamados y respuestas tan característicos de la música africana, que resulta una delicia escuchar, además de esa consciencia social característica de la familia Kuti, como es rápidamente perceptible en Nothing To Show For It, dónde su grupo se comporta como un escuadrón de asesinos profesionales, exactos y letales, en The World Is Changing hay un ritmo infeccioso y nuevamente esas aguerridas secciones de metales que Femi comanda con singular bravura, ese coraje del tercer mundo levantándose y buscando nivelar el desequilibrio social, esa esperanza por el futuro de una África surgiendo desde abajo con la mira muy en alto, el gran sueño de Fela, aún muy lejano, pero a la vista, No Place For My Dream sin duda nota a un Femi sincronizado a la perfección con la visión de Fela en un discurso admirable que sin duda pone de inmediato la piel de gallina, Eno muy probablemente debería abrazar a estos dos descendentes de Fela y llevarlos a la estratosfera en lugar de perder el tiempo haciendo sonar decentes a bandas mediocres como los Coldplay.

Los caminos del mundo a veces me sorprenden, en una época en que no había tanta información, muchos no conocimos a Fela, ahora con la Internet y la gran era de la información, sería pecado no conocerle, y estar agradecidos que en lugar de una pantera de Nigeria, ahora tenemos dos fieros y aguerridos como su legendario padre.

Wolf Eyes-No Answer: Lower Floors (2013)

2013-05-10T12:00:00.000+08:00

Wolf Eyes-No Answer: Lower Floors (2013)

Hace algunos años casi diez para ser exactos, nos topamos con la noticia de que el genial compositor Anthony Braxton colaboraría con los Wolf Eyes en un concierto en vivo, inesperado hasta cierto punto para algunos, si, pero no para quienes conocíamos el ímpetu vanguardista de Braxton, su afición por el compositor Karlheinz Stockhausen, ante la petición, Braxton se unió de manera efusiva con los WE, dándonos de esta manera la pauta para saber que en los WE había algo distinto a los otros grupos de noise de la época, y es que en los Wolf Eyes no es difícil encontrar referencias a una disparatada dimensión musical, con referencias claras al mundo del dub, del techno, del free jazz, del post punk y hasta del black metal, y es que si algo han tenido estos de Detroit, es que su ambición por devorar y asimilar géneros es voraz, con sobresalientes colaboraciones con gente como el ya mencionado Braxton, el japonés Merzbow y el francés Heldon, cosa nada fácil si tomamos el rango musical en que opera cada uno de estos artistas, los WE han probado ser un conjunto altamente progresista con la mira bien puesta en la evolución de su sonido, el desconocimiento de paradigmas y la búsqueda de desafiar las limitantes de su concepto, no por nada su clásico Burned Mind bizarramente editado en la icónica Sub Pop, fue todo un parte aguas en el mundo del noise, colocando a una banda de este genero en los reflectores con giras con bandas como Sonic Youth que acogían a la banda estandarte de un movimiento fieramente independiente.

Si bien los WE jamás se convirtieron en el nuevo Nirvana, algo que nadie llegamos jamás a pensar, ni ellos mismo, estoy seguro, se convirtieron en una banda omnipresente capaces de crear música o sonidos fuera de este mundo, que para nada se quedaban enclaustrados en el espectro del noise, sino que reventaban las limitantes y desbordaban su creatividad de mil maneras y en mil direcciones distintas, No Answer: Lower Floors es algo así como un regreso triunfal de la banda, una banda que nunca se ha ido, pro cuyas grabaciones continúas son hechas de manera casera, no así este disco, que se edita de manera formal y se ofrece a las masas, que podrán detestarlo, más no ignorar su inquietante sonido.

NALF nos ofrece algo nuevo a todos, por un lado en Choking Flies, la banda nos presenta un ritmo tribal que toma de alguna manera el protagonismo, un ritmo bastante trabado y repetitivo que denota el amor de la banda por el techno minimalista de Detroit, por otro lado tenemos unas vocales amenazantes que atraviesan la oscura atmósfera y sintetizadores que se desbordan e incendia entre olas de distorsión, la banda crea poco a poco su propio universo uno muy oscuro, extraño y repleto de perversión que definitivamente se aleja de su pasado abrasivo y se entromete en mundos más oscuros, evolucionados y enigmáticos, aquí la banda se dedica con singular tesón a crear atmósferas inusuales, en alusión al título, y de manera análoga a los legendarios círculos del black metal, aquí los WE nos sitúan en los calabozos de Detroit, edificios abandonados y semi destruidos en donde la banda, al igual que los roedores y termitas que terminan de marchitar a la civilización en Detroit, encuentran tierra firme y fértil para sus siniestras explotaciones de sonido de altos decibeles.

Estos WE son algo inusual, por un lado, tenemos al recientemente salido de esta banda Mike Connelly, quien aparece y que continua sosteniendo una indestructible amistad con los miembros de la banda, por otro lado tenemos a Aaron Dilloway, ex miembro de la banda (remplazado por Connelly) quien también, continua en contacto con la banda y aparece de manera sorprendente, haxciendo de este disco una ocasión especial en verdad digna de lo mejor del canon de los WE, una de esas reuniones de viejos amigos en uno de los templos de la decadencia del vecino país del norte, Born Liar, con su paso marcial y rechinidos similares a gaitas tenebrosas es un recordatorio de la capacidad de los WE para transportarte a otras dimensiones, No Answer: Lower Floors definitivamente no nos trae las respuestas que queríamos, nos cambia radicalmente la ecuación, nos presenta una banda evolucionada que cambia de piel y se reinventa, Catering Lead no nos reventará los oídos, pero si nos helará la sangre, Confession Of The Informer no destruirá nuestras bocinas, pero si sacudirá nuestros interiores, y es así como estos WE regresan y nos dan una prueba de vida desde el más allá, dejando en claro, que aún estos bárbaros trogloditas practicantes del noise más extremo se han convertido en seres sofisticados, en almas de la noche que apuntan al futuro y dejan atrás sus pieles para convertirse en una amenaza que no esta dispuesta a morir.

Tyler The Creator-Wolf (2013)

2013-05-09T12:00:00.000+08:00

Tyler The Creator-Wolf (2013)

Dos discos han bastado para engancharme con el rollo hiper ofensivo de Tyler The Creator y su nueva escuela de hip hop bizarro e independiente, dónde el shock, el verdadero shock, no los chistes sucios y baratos de Eminem, se manifiesta de verdad, discos como Bastard y Goblin se han convertido en delicias ante un hip hop casi estancado y hundidos en los clichés del gangsta rap, con cosas grotescas como Snoop Dog pasándose con las drogas y alucinando que es la reencarnación de Bob Marley e incluso sacando un espantoso disco de algo que el llama reggae, lo cual esta en su derecho de arruinar su carrera de la manera que guste, pero que solo recuerde que el reggae se canta…y el cantante…no es, pero volviendo a Tyler tenemos a un creador poderoso en línea con el también bizarro Lil B, cuyas temerarias y osadas producciones sin duda representan una corriente de aire fresco a un genero que cada vez más huele a estancado y obsoleto.

FUCK YOU! Es una manera bastante cul de arrancar un disco, y más que de alguna manera este Wolf representa un punto d quiebre para Tyler, un punto en que debe probar su valía como artista, de más probado como provocador, Tyler aquí se lanza a convencernos de que es un artista, de que hay algo más allá del shock extremo y que Tyler ha aprendido a dar riqueza musical a sus creaciones en busca de una deseada trascendencia en el mundo de la música y del hip hop.

Y si a mi me preguntan Wolf es de alguna manera un triunfo, es extremo dentro de sus parámetros y por si fuera poco, efectivamente muestra un crecimiento en el concepto de Tyler, aunque Tyler es un creador extremo y por momentos vemos como la riqueza en los arreglos crece de manera exponencial, Tyler no vacila en irse a veces a las raíces y acomodar sus vulgares rimas con ritmos muy básicos, trayéndonos una enriquecedora combinación de estilos que muestra que The Creator esta aquí para quedarse, Wolf arranca con un curioso intro en el cual Tyler pone las cartas sobre la mesa y escuchamos que se anuncia “que ha estado practicando…”, es así como llegamos a Jamba, en la cual su compañero de colectivo Hodgy Beats le acompaña en medio de una lluvia de bajos distorsionados con gran influencia de la música electro, sintetizadores y todo, en una pieza por demás redonda y que encaja a la perfección en su rol de abridora, Hodgy Beats haciendo lo suyo con líneas bastante fluidas y una habilidad para el mundo de la rimas en verdad envidiable, la profanidades a la orden del día, abundantes, tremendas confesiones sexuales y referencias a drogas, así que Tyler no se ha suavizado en lo más mínimo.

Para la siguiente parada tenemos Cowboy, poderoso tema minimalista en el cual Tyler se hace acompañar de una intensa batería y algo de piano que da un ambiente un tanto jazzy, que sin duda sienta a la perfección a la atmósfera mientras Tyler ejecuta sus rimas duras, con ese estilo rugoso y áspero, que lesiona y causa interés, “i am the cowboy of my own trip…” es sin duda una de las mejores melodías que Tyler ha escrito, con su genial gancho que vuelve al tema sumamente adictivo, puro combustible esperando a que el cerillo lo prenda, el cual se enlaza de inmediato con Awkward, tema que muestra la marcada influencia de los mundos del soul y la psicodelia, faros luminosos que Tyler parece estar siguiendo para guiarse en estos últimos años, acercándose un poco a los mejores momentos musicales de Lil B, Tyler nos trae un tema que sin duda muestra más exhuberancia y complejidad que sus anteriores trabajos, y esto para alguien que sin duda representa ya de por si la vanguardia de un genero, resulta sorpréndete.

La voz de Tyler explota en la explosiva Domo23, un tema que sin duda tomara a más de uno descuidado, Tyler nos trae ritmos duros, sonidos inusuales muy a la Spank Rock, y su ejecución vocal que pareciera el equivalente a una bocina reventándose luego de ser llevada al máximo de volumen.

Temas como Answer muestran una progresión admirable, Tyler dándoles algo más a sus escuchas, añadiendo nuevas dimensiones a su sonido, presentándose como un artista con ramificaciones melódicas al mundo del soul psicodelico de gente como Erykah Badu y los tremendos Sa-Ra.

Increíbles participaciones de el gran Frank Ocean, Laetitia Sadier, Earl Sweatshirt y Erykah Badu hacen de este Wolf sin duda un suceso especial, que si bien no es un paso gigantesco en tiempo hacia el futuro, se antoja como un tremendo ejercicio de expansión estilística, ambicioso como pocos, que nos trae a un Tyler tomando un poco aire antes de lo que podría ser sin duda un momentos musical que lo lleve a consolidarse.

The Sonics-Here Are The Sonics (1965)

2013-05-08T12:00:00.000+08:00

The Sonics-Here Are The Sonics (1965)

Here Are The Sonics! El gran debut de la legendaria banda de Seattle, si claro, podría poner muchos ejemplos de que la música no nació ahí con el grunge, pro que mejor ejemplo que los Sonics, una banda BRUTAL de los sesentas, que sin duda pudo poner a temblar a muchos de sus contemporáneos con su furiosa intensidad, y emotiva reverencia al rock más salvaje, con un clásico The Witch que sin duda se adelanto DECADAS al rock de garaje de unos Mudhoney, entre otros.

Here Are The Sonics! Contiene muchos homenajes a temas clásicos de la época, como el tremendo Do You Love Me, que la banda ataca con descomunal furia, uno de mis temas favoritos de la época, conservando la desenfrenada manía de los primeros años del rock n roll, expresados a través de una banda, que dudo mucho que en verdad supiera la repercusión futura que su anárquica ejecución llegaría a tener, por poner un ejemplo, aquí podríamos encontrar parte de la naturaleza sonica extrema de uno MC5, que inspirados en parte por los Sonics habrían de iniciar su carrera un par de años más tarde.

Roll Over Beethoven es la obligada referencia al gran Chuck Berry y su locomotora sonica, con la banda metiéndole coraje y velocidad al por mayor, con unos riffs poderosos que sin duda ya auguraban el trabajo descomunal en cuanto a volumen y agresividad de los ya mencionados MC5, los Stooges o los New York Dolls, claro, los Velvet serían la influencia directa, pero sin duda los Sonic supieron transmitir si amor por el volumen y por el verdadero rock n roll a sus seguidores futuros, una escuchada Boss Hoss para darnos cuenta de la fuerza avasalladora que denota la banda, con una sección rítmica capaz de reducir cualquier lugar a ruinas, un vocalista a tope de su garganta, sacrificándola en pro de la intensidad que aplica la banda y el reconocimiento del saxofón como el predecesor directo de las guitarras eléctricas.

Have Love, Will Travel otro clásico trabajado de nuevo aquí demuestra la dureza de los arreglos de la banda, con esas guitarras como alambre de púas y ese ritmos devastador como gancho al hígado, imposible de evadir y causante de gran daño, nuevamente aquí un brillante trabajo de sax, explotando en el momento justo, mientras uno es molido a golpes de batería hasta caer en el piso, el sax como demonio en ruedas nos arrolla sin misericordia, y con un ritmo muy similar la banda continua el despiadado ataque con un tema alucinante, llamado,¿De que otra manera? Psycho, que sin duda ya sembraba las raíces para la revolución nihilista que Green River, los U-Men y después los Mudhoney de encargarían de explotar en el norte de los Esclavos Hundidos de Amnésica.

Aunque la banda baje un poco la guardia en los asaltos rítmicos de Walking The Dog y de Night Time Is The Right Time, la búsqueda de temas oscuros y la maniática ejecución del vocalista nos pone en sintonía directa con los ejercicios más brutales de música soul del maestro James Brown, a la vez que somos sometidos de manera despiadada por el trabajo de las guitarras que amenazan con destriparnos y poner nuestras vísceras expuestas luego de arrollarnos, así de poderoso y masivamente destructivo resulta el ataque de esta legendaria banda, olvidada por muchos, pero inolvidable en su arriesgada entrada al mundo de la música con clásicos como Strychnine, sin duda un mortal ataque a las buenas conciencias y a los oídos conservadores de la época, ¿Díganme que los Stones eran los chicos malos? Claro que no, estos Sonics sin duda llevaron el concepto a los extremos y de pasada nos regalaron un ejemplo de la música extrema de aquellas épocas llevada a la expresión, en un disco imprescindible que sin duda los MC5 tratarían de recrear años más tarde con su Back In The USA.

Ilusión Que Se Esfuma

2013-05-07T12:00:00.000+08:00

Ilusión Que Se Esfuma

La gran ilusión del ascenso del llamado Tigre Azteca comienza a diluirse a medida que vemos como la falta de capacidad para concretar propuestas se va haciendo más evidente, por un lado el tema de la inseguridad sigue presente ahí, sin resolverse, a pesar de que fue muy criticado en el sexenio pasado, todos los candidatos tenían una solución, para el peor pecado del ex presidente, hoy vemos que la gran solución, es la misma solución del pasado, no vemos avance y por el contrario el retrocesos es evidente con el surgimiento de grupos armados que toman la defensa de manera propia y ante los cuales el gobierno de EPN se ha mostrado incapaz de tomar una postura al respecto, todo esto combinado con el dudoso origen de dichas organizaciones, se va gestando lo que pudiera ser, al sumarse al movimientos de los maestros (otro lastre) como una posible causa de un fuerte estallido social que podría llevar más aún a convertirse en polvo los planes del prometedor futuro, recordemos que parte de nuestra ultima gran caída, el llamado “error de diciembre” se debió en parte a una combinación de fallas económicas, políticas y SOCIALES, con el EZLN surgiendo en el sur y poniendo a temblar a los inversionistas extranjeros, ¿Acaso no aprendimos la lección y queremos repetirla?

El gobierno de EPN dio un importante paso con la decapitación del sindicato nacional de maestros, uno de los sindicatos más grandes de latinoamericano y cuyos dirigentes lo habían llevado por malos caminos, esto con el fin de preparar la base para la promisoria reforma educativa, sorprendentemente, sindicatos de maestros más pequeños, pero más radicales en el sur, se han convertido en una enorme piedra en el zapato para el gobierno y ante la nula actuación de las autoridades va tomando más fuerza y sus iniciativas van tornándose más violentas, ¿Qué pasa con el tan mencionado Estado de Derecho? ¿Cuándo se aplica? ¿Por qué ese sentimiento de secuestro que siente la autoridad y que los hace ver impotentes para resolver estos temas, peor aún, vemos como pseudos grupos de encapuchados toman acciones absurdas en contra de planteles educativos y nuevamente…NO SE HACE NADA... en este país comienza a darse un movimiento de protestas desestabilizadoras, con quien sabe que fines, ante los cuales el gobierno se ha mostrado tristemente pasivo, en una mesa que esta posicionada en tres pies, lo político, lo económico y los social, el pie más fuerte sigue siendo el que nos dejaron los gobiernos de Ernesto Zedillo, Vicente Fox y Felipe Calderón, el lado económico, creado gracias a medidas austeras bien aplicadas, por otro lado la parte política no acaba de cuajar, ya que en el presente se ha carecido de una mano dura que sepa coordinar y dirigir al país hacia metas comunes, y obviamente corregir al que amenaza el proyecto nacional, escucharlo claro, pero aplicar mano dura a necedades que no son por el bien de las mayorías, y por consecuencia, en detrimento de lo social, el otro gran apoyo que se nos va desbaratando poco a poco, y si muchas veces hemos escuchado mencionar el gran “sueño americano”, el sueño mexicano, que también hemos escuchado mencionar pero que aun no vemos materializado, comienza a esfumarse o a escurrírsenos entre los dedos, entre grandes propuestas que el gobierno no ha tenido la fuerza para impulsarlas, y sabemos perfectamente que hay un costo, hay un costo a la iniciativas, por más brillantes que sean, pero que no sean ejecutadas de manera eficiente, la gran oportunidad se nos va, en cuestión de meses puede volverse obvio que la gran promesa mexicana puede convertirse en solamente señales de humo que nadie querrá atender.

La reforma educativa empieza a irse al carajo, la gran reforma financiera nació en medio de la desgracia y la reforma hacendaría podría no cuajar en clima inestable y en medio de inestabilidad social, el tiempo de actuar para el gobierno de EPN es ahora, señor presidente, déjese de viajes, sea firme en sus convicciones y concrete en este momento tan crucial e histórico en el que nos hallamos, el sueño mexicano que todos queremos ver, pase a la historia como lo que muchos no quisimos creer de usted, o confirme lo mucho que se dijo.

Por lo pronto, sigamos sobreviviendo en “slimlandia”.

Big Star- Nothing Can Hurt Me (2013)

2013-05-06T12:00:00.000+08:00

Big Star- Nothing Can Hurt Me (2013)

Dicen que las oportunidades se deben aprovechar y sería pecado mortal dejarlas pasar, y que delicia esta gran oportunidad de hablar de uno de mis grupos favoritos, los Big Star, esa gran banda que supo conjugar de manera brillante las melodías etéreas de los Beach Boys, los Beatles o los Byrds (los Big “B” de los sesentas) con los ritmos estremecedores de unos Kinks, y en el inter inventar, muchos años antes de que se le denominara de esta manera, el “power pop”, con un ojo clínico para el pop de volúmenes ensordecedores, con el genio creativo de Chris Bell y con la descarada espectacularidad del gran Alex Chilton, además de una capacidad expresiva digna de admiración en verdad volátil, no por nada, luego de unirse a la banda de Bell, y luego de un espectacular e injustamente ignorado primer disco, la mancuerna explotó y se rompió, dejando a Chilton con el grupo que Bell había formado, de alguna manera Bell era el ying para el yang de Chilton, por lo que a su salida, Chilton mantuvo a los Big Star al borde del colapso y de pasada consiguiendo grabar otros dos discos repletos de desbordantes y fascinantes direcciones que entusiasmaban y a la vez asustaban, como en el auto destructivo y desgarrador ultimo disco, Big Star de esta manera se convertiría en una banda de culto que se adelantaba a su tiempo y conseguía la incomprensión de las masas, esto sumado a compañías disqueras ineptas que no supieron explotar el diamante en bruto que tenían entre manos.

Nothing Can Hurt Me es un título que resulta obvio cuando escuchamos a los Big Star, una banda que desafió las tendencias musicales y que le añadió verdadero “crunch” a la excelencia compositiva, una grabación recopilada con el fin de proporcionar la música del documental que esta por salir de esta banda de culto, una especie de homenaje a la grandeza d Chilton y compañía y un recordatorio de un mundo que pudo ser y no fue, ténganlo por seguro que de no ser por Chilton y compañía, bandas como los Repalcements, los R.E.M., los Cramps, The Knack, Cheap Trick, los Gin Blossoms o los Lemonheads nunca hubiesen existido, y estos temas son la excusa perfecta para escribir a fondo de la banda y de sus temas, presentados aquí en versiones distintas a las que conocimos originalmente en sus discos, una gran oportunidad de ir más allá en el conocimiento de esta verdadera leyenda de la música.

Y es así como nuevamente somos sacudidos por esas abrasivas guitarras de O My Soul en versión demo, con esas guitarras capaces de arrancar la piel, esa interacción de cuerdas y la rasposa voz de Chilton, un ritmo imposible de ignorar y esa sección en la que Chilton saca sangre sus dedos al rasgar las cuerdas de su guitarras, pura genialidad, In The Street, probablemente su tema más conocido, gracias al cover de los Cheap Trick, con esa tremenda melodía infalible de pura rebeldía de inicios de la juventud, When My Baby`s Beside Me es brillante a pesar de la fallida mezcla que se presenta aquí, un ritmo que nos mece sin misericordia y por momentos elevándonos y arrojándonos al vacío.

The Ballad Of El Goodo es sin duda uno de mis temas favoritos de esta banda, un tema desgarrador que estruja sin miramientos el corazón, con un Chilton escribiendo con el alma de fuera sin guardarse nada, y desafiando al mundo, suponiendo que nada podría lastimarlo, o tal vez sin importarle si lo hacían, Feel rockea duro, en una versión menos restringida que la muchos conocimos como definitiva, aquí la banda se “echa” un poco atrás, pero la versión sin duda llama la atención, y ni que decir de la gran ganadora, Dont Lie to Me, un tema que nos muestra al Chilton más bravucón y gruñón, aquí yéndose al limite de sus vocales.

Los grandes clásicos de la banda se materializan con ciertas diferencias, aunque Thirteen no pierde ni un gramo de su acústica belleza y aturde el hecho de que Holocaust y Kanga Roo se presenten en versiones “más” crudas de las que conocimos, que ya de por si eran bastante crudas, nos llega también I Am The Cosmos tema del único disco solista que Bell editó y que es toda una joya de culto también, el gran cierre, no podía ser de otra manera, con una de mis canciones favoritas, September Gurls, con una melodía perfecta de la cual es imposible escapar, claro Chilton la dedicó a las chicas de septiembre, pero los chicos de ese mes también escuchamos atentamente, el panteón de lo que pudo ser esta lleno de grandes bandas, los Velvet, los Love, los discos de experimentales de los Beach Boys, y los de los Big Star por supuesto, una joya que nos da la oportunidad de dar una mirada más allá y conocer con mayor profundidad a una gran leyenda del rock de los 70s.

Bombino-Nomad (2013)

2013-05-04T12:00:00.000+08:00

Bombino-Nomad (2013)

En lo particular no me entusiasma en lo absoluto escuchar a los Black Keys, sin afán de ofender a nadie no encuentro nada espectacular en su música, la cual me resulta decente más no trascendental, y su reciente éxito me parece una obvia reacción con tendencia a alejarse del lado deprimente de lo “alternativo” (que a fin de cuentas emana del post punk ingles), en busca de algo más cercano a las raíces locales del vecino país del norte, de ahí que surjan grupos como estos Black Keys, los White Stripes, los Alabama Shakes o los King Of Leon, una escena que si bien no aplaudo representa lo mismo que representó el grunge y posteriormente el pop punk en su momento, un punto y aparte de lo anterior, un deseo de algo más natural, más sencillo y menos complicado, la simplicidad de un Lady Madonna después de la exhuberancia del Sgt Peppers o el introspectivo John Wesley Harding posterior al expansivo Blonde On Blonde, pero hay algo que sin duda debo reconocerle a los Black Keys o específicamente a su guitarrista y vocalista Dan Auerbach, y eso es su exquisito gusto musical y finas habilidades como productor, respaldando el regreso de artistas como el gran Dr. John, que tuvo un muy buen regreso con el apoyo de Auerbach, así como el disco que en esta ocasión nos ocupa, el Nomad a cargo de Bombino.

Este mundo cada vez se vuelve más pequeño e intercomunicado, tanto que el mundo sonoro se empieza a convertir en un caldo de cultivo de influencias y los sonidos se mezclan y mutan en algo nuevo y sorprendente, para esta ocasión llama poderosamente mi atención el sonido del blues Tuareg de varias bandas como los Tinariwen, Group Doueh o el Group Bombino, quienes se han convertido en un obligado referente mundial de la música que traspasa fronteras, con gente muy “moderna” como Thom Yorke o artistas clásicos con ideas muy progresistas como Robert Plant, tomando a estas bandas como inmediata referencias para sus experimentos futuristas o para sus re descubrimientos progresistas.

Bajo mi punto de vista el blues no surgió en el profundo sur, fruto de tradiciones musicales traídas por los esclavos negros procedentes de África, algunos de ellos procedentes de tierras milenarias como Etiopía y que eran llevados muchas veces por los Tuaregs u otras tribus nómadas, a través de tierras desérticas como Níger, Libia, Algeria, Malí y Burkina Faso, para su venta y traslado hacia América, aquí la gran interrogante es: ¿El blues fue traído desde Etiopia o fue transmitido por los Tuaregs a sus esclavos? La otra gran teoría es que los Tuaregs en conjunto con los esclavos fueron recogiendo sonidos de todas esas tierras que fueron recorriendo por años durante la triste era del esclavismo, creando una gran mezcla que termino desembocando en el sur del vecino país del sur, me inclino por esta ultima, ya que a la par de que el blues llegó a América, una parte de este sonido se quedó en África del Oeste, tanto en comunidades negras en Malí, como en las tribus nómadas Tuareg.

Omara Moctar, también conocido como Bombino nació en Níger y ahí formó a Group Bombino, banda descubierta por los inquietos hermanos Bishop y su GENIAL sello Sublime Frequencies resultando en una corriente de blues eléctrico del desierto que resultó tan intensa y trascendente que el mismo Robert Plant salió disparado al desierto a buscar ese sonido que prometía una nueva beta de blues.

Aquí la gran variable es que Moctar deja los sellos independientes, es fichado por la Warner y es respaldado por Aucherbach en la producción, dándole a Bombino un explosivo fondo que potencia de manera exponencial el ya de por si intenso sonido que Moctar venía trabajando.

Moctar explota con este gran respaldo desde el primer tema de este Nomad, Amidinine, tema en que las fluidas líneas de su guitarra traen inmediato recuerdo de las contagiosas líneas de guitarra del GRAN Jerry Garcia, las cuales nuevamente se manifiestan en Ahulakamine Hulan, dónde los ritmos tribales recrean algunas de las cintas lo fi que grabó para SF, Bombino se interna más en el mundo del blues en Azamane Tiliade, en el cual su guitarra adquiere tintes incendiarios y la sección rítmica adquiere una brutalidad contagiosa, aquí es dónde verdaderamente la producción de Auerbach le da un fuerte impulso a Bombino, le da una solidez que carecía y que se ve maximizada en temas como Imuhar, dónde Bombino realmente termina de cuajar y nos da una muestra del tremendo potencial de este concepto.

Niamey Jam presenta una intensa influencia de Jimi Hendrix y de Carlos Santana con la guitarra de Moctar escupiendo lenguas de electricidad en el ambiente, todo esto sumado a un órgano que le proporciona un dinámico impulso instrumental en el cual cada músico brilla de manera singular, detallando movimientos serpenteantes que resultan asombrosos y regocijantes para el espíritu.

Ni duda cabe que Nomad, con tanta expectación respecto al blues eléctrico del desierto despierte bastante interés de los conocedores y de los novatos en estos sonidos, con un Bombino saltando con singular fuerza a las primeras ligas mundiales de sonidos fuera de serie.

Ensemble Pearl- Ensemble Pearl (2013)

2013-05-03T12:00:00.000+08:00

Ensemble Pearl- Ensemble Pearl (2013)

El llamado Ensemble Pearl se compone de poderosos músicos, cada uno, como dioses paganos del pasado, capaces de crear huracanes, tormentas, ciclones y temblores por si mismos, todos ellos a las órdenes del buen Stephen O Malley, una de las mentes maestras detrás los tremendos magos del drone Sunn O))), sin llegar a las densas y oscuras vibraciones del mencionado grupo, O Malley se reúne con gente como el tremendo Michio Kurihara, en la guitarra (poseedor de un tremendo disco solista) y Atsuo, baterista de los Boris, además del bajista Bill Herzog, todos ellos conformando un “ensamble” más “movido” que los Sunn O))) definitivamente, eso si, sin perder esa reptante densidad y expansivo sonido, que nos ocasiona por momentos la sensación de “no pasa nada”, pero que nos demanda una gran cantidad de atención para poder apreciar el delicado detalle de sus creaciones, Ghost Parade se compone de poderosas y resonantes cuerdas, como pesadilla causada por comer tanta pasta a altas horas de la noche, generada en la mente de Ennio Morricone, Kurihara y O Malley intercambian sonidos de sus instrumentos, representando dos opuestos, por un lado O Malley, representando el lado oscuro, la estática y por otro lado Kurihara representando la luz y dándole algo de dinamismo vertical al sonido, elevando las notas más allá de lo que O Malley ha alcanzado con su más conocido dueto de encapuchados densos, consiguiendo configurar su sonido como si un enloquecido tren nocturno se enfilara sin frenos hacia nosotros.

Painting On A Corpse demanda la aparición de Atsuo, quien comienza a generar fuego dentro del “ensamble” batiendo sus tambores con pasión tribalista, dando origen a este oscuro ritual de expansivos sonidos, esta vez haciéndose acompañar por Kurihara, quien emite repetitivos sonidos que se hinchan y se reparten el espacio, ondas sonoras que ponen al escucha en trance inmediato, mientras que O Malley apuntala la pieza junto a Herzog, cabe mencionar que este tema difiere bastante del anterior principalmente a la participación de Atsuo, quien sin duda añade músculo al tema y una singular atmósfera, robando un poco la atención del resto del grupo, la cual es rápidamente reclamada por Kurihara, quien insiste con sus experimentos dentro del mundo del drone, pero llevados a altos y ensordecedores niveles, arrasando brutalmente con lo que se atraviese en su paso.

El Ensemble Pearl se introduce en mundos micro tonales en Wray, tema en el cual el ensamble se olvida un poco de sonios extremos, crea con ligeros toques de sonido una cuadro de contrastantes luminosos colores y opacas sombras, la banda en un plan bastante ambient nos trae un tema lleno de calma, introspectivo que nos da espacio para la meditación y que abandona lo invasivo, y cuya gran sorpresa es que muy probablemente sea los más placido que le hemos escuchado a cada uno de sus participantes, nada extraordinario o que nos cambie la vida, pero un gran tema de tensión y restricción que denota un gran trabajo de concentración y enfoque por parte del grupo.

El espíritu de los Sunn O))) se aparece muy sutilmente al inicio de Island Epipahny, pero sin duda Kurihara y Atsuo se encargan de mantener la propuesta en algo original si caer en la imitación, por un lado Kurihara mintiendo se destreza técnica y aplicándola al minimalismo del ensamble, llevándonos con verdadera habilidad por pasajes casi espaciales, fuera de este mundo, y por otra Atsuo proporcionando un ritmo palpable, como mapa sonoro a la perdición, mientras que Giant, precisamente proporciona notas de dimensiones gigantescas que O Malley y Kurihara parecieran empeñados en no dejar desaparecer y en mantenerlas vibrando de manera eterna, una suerte de invocación al legendario espíritu onírico del GRAN La Monte Young, aquí el ensamble se transforma en algo más que en grupo musical, se convierten en sonido puro y dejan su huella sonora brutalmente empresa en nuestra memoria.

Ensemble Pearl y su disco debut muy posiblemente no alcance la altura de los legendarios SunnO))) o la brutalidad de los Boris, pero dudo mucho que la banda tenga eso en mente, el deseo de conseguir algo diferente a su bandas originales es un deseo tácito en este disco y la banda resulta exitosa en su cometido, creando una entidad diferente, que si bien, su música no es del todo original, presenta una propuesta que como punto de parida resulta algo prometedor.

El Rass, Munma-Unveiling The Hidden (2013)

2013-05-02T12:00:00.000+08:00

El Rass, Munma-Unveiling The Hidden (2013)

Ya sea América, Asia o África, el hip hop comienza a perder sus raíces en los barrios pobres de Nueva York y comienza a adquirir una naturaleza mundial, convirtiéndose con gran fuerza en la nueva gran voz de los pueblos oprimidos, tomando la estafeta del punk, ritmo que me tocó escuchar en miles de idiomas y cuyo fenómeno mundial el hip hop parece cerca de alcanzar y rebasar, no en vano hemos escuchado hip hop en japonés, en alemán, en turco y en francés, que no nos resulte extraño escucharlo ahora en lenguas árabes (en africanas ya lo hemos escuchado varias veces, hasta Femi Kuti, el hijo del gran Fela hizo un disco con MCs), cuya fluidez expresiva es reconocida a nivel mundial.

Unveiling The Hidden, a cargo del proyecto Kachf El Mahjoub es precisamente el fuerte surgimiento del hip hop en las tierras del Líbano a cargo de artistas reconocidos que se unen para dar una identidad nacional a este género, por un lado, los duros y alucinantes ritmos y arreglos a cargo de Jawad Nawfal, reconocido productor electrónico con conexiones que alargan su influenza al mundo del dubtsep, es quien se encarga de proporcionar la base y la construcción de los temas en esta singular grabación, Nawfal, conocido como Munma, se encarga de armar los duros bajos, ecos dub y ritmos procedentes de los mundos del hip hop, el dubtsep, y el dance hall, en un proyecto que increíblemente alcanza tintes sonoros similares a los que nos han traído los Kode9 & The Spaceape

Por otro lado tenemos a la otra mitad de este proyecto, el MC conocido como Mazen El Sayed, cuyo nombre artístico es El Rass, o la cabeza, un MC cuya particular pronunciación árabe le añade un muy singular fraseo, además de una alucinante manera de ejecutar sus vocales, que no nos resultaría extraño imaginárnoslo integrándose en alguna colaboración con los Death Grips, en Fout 3ª Rassi /Enter The Head, tenemos exactamente la gran entrada de El Rass, con un frase bastante dañado y bizarro que nos pone en el limite entre lo abstracto y lo demencial, perfectamente resuelto por Munma quien brillantemente se encarga de los scratches en la mesa de Dj, asì como de los profundos bajeos que hacen temblar el piso.

Para los que tuvieron suerte de ver Babel, esa joya a cargo de nuestro paisano Gonzalez Iñarritu, escuchar Unveiling The Hidden les resultara un recordatorio grato de esa mezcolanza de culturas y surgimiento de ritmos mundiales, esa suerte de mezcla de lo oculto y lo primitivo, con lo moderno y agitado, en Tkhayal/Conceive nos enfrentamos nuevamente a un gran trabajo por parte de El Rass, raspando sus vocales, haciéndolas abrasivas y peligrosas, con esa locura árabe que se antoja deliciosa y llena de un sentido de que todo se puede precipitar de un momento a otro, Mounma en los ritmos nos acerca a una especie de reggae que nos deja flotando encima de las ardientes dunas del desierto.

La vida en las grandes ciudades de la legendaria región árabe sale de inmediato a flote en Borkan Beirut, con la inquietante incursión de instrumentos de viento ciclados de manera enferma en verdad, y El Rass atacándonos con sus rimas más duras e hirientes, las atmósferas adquiriendo en verdad un poder misterioso y milenario, los secretos del oriente descubriéndose frente a nosotros con ritmos contagiosos, misteriosos y místicos, mientras que en Rissala/Sub Literal, el espíritu de un jazz del desierto pareciera alzarse desde las milenarias arenas que quisieran devorarlo todo.

Las cosas se ponen bastante abstractas en Sanadet/ Treasury Bonds, dónde los ritmos son incomprensibles, pero funcionan perfectamente bien como objetos de destrucción masiva, que El Rass consigue transformar en vehículos llenos de peligro dirigidos hacia nosotros.

Unveiling The Hidden es un gran disco que no se conforma con “imitar” el hip hop estadohundidense, sino que lo reinventa, emparienta el hip hop con la electrónica y anexa a El Rass, quien consigue convocar una verdadera tormenta en el desierto que despega de manera gloriosa y se convierte en una experiencia nueva y diferente para todos, trayéndonos un disco que va muchos pasos delante de los ritmos mundiales, acercando dos mundos en apariencia muy distantes que no quieren entenderse, pero que en la música consiguen una identificación única que se convierte en algo poderoso y cuyos puntos comunes es el levantamiento de las clases más desprotegidas que exigen un mejor nivel de vida.

MayObamarama

2013-05-01T12:00:00.000+08:00

MayObamarama

Y ya estamos en preparaciones para la visita de Obamarama a nuestro país en el mes de Mayo, esto con el fin de entablar discusiones sobre la reforma migratoria, reforma que alguna vez pareció favorecer la migración al vecino país del norte hace más de 10 años, y que se vino abajo luego de los atentados del 9/11, ahora, nuevamente nos encontramos con atentados que sacuden al vecino país del norte y que nuevamente nos afectan directamente en las negociaciones de esta ley de migración, viendo los números, 2 de cada 10 mexicanos en este mundo, viven en el vecino país del norte, 1 de cada 4 emigrantes en aquel país, son mexicanos, la gran mayoría de los mexicanos viviendo en aquel país, tienen simpatía por el partido liberal de Obama, mostrando su repudio al partido republicano, me pregunto yo: ¿A quien no le conviene la entrada de más mexicanos al vecino país del norte? Hagan sus apuestas, dirán las oscuras fuerzas del vecino país del norte (y no me refiero a Obamarama) que apretar en sus leyes migratorias prevendrán sucesos como el de Boston, y aquí Obamarama si lo acepta se equivoca en dos cosas, los “terroristas” chechenos, si se confirma que fueron ellos, no eran chechenos, eran estadohundidenses, con sus papeles de residentes en regla desde hace años, es decir, ciudadanos de ese país, hechos ahí, forjados con la violencia absurda de este país, en el que se lamentan por ataques terroristas dónde mueren 3 personas y no hacen nada por evitar las 30,000 muertes producidas por arma de fuego en el país, ocasionadas por sus mismos ciudadanos y no por emigrantes.

El presidente EPN tiene un buen de trabajo en estas semanas, ya que con la visita de Obamarama el país estará en la mira del mundo y situaciones como las protestas de “maestros” y la proliferación de grupos de auto defensa están a la orden del día, con ambos movimientos inclinándose uno hacia otro, poniendo en peligro en verdad la estabilidad nacional y creando el gran riesgo de que la delincuencia organizada encontrara aquí una manera de explosionar sus alcances de manera disfrazada.

¿Y si las fronteras se cierran?

Nos vamos al abismo económico, después del todo el vecino país del norte es nuestro principal cliente, si hemos salido avantes en lo económico es por que ellos han podido resolver de alguna manera su problemática y han salido a flote, si no hemos conseguido avanzar más es por que ellos avanzan a paso lento, pero al parecer seguro.

Y mientras tanto se gesta un nuevo problema, PSY nos trae el tema que pudiera ser el sustituto del Gangnam Style, bueno, eso no es tan grabe en realidad, el problema es que en China se gesta un nuevo virus y el fantasma de la pandemia regresa a nuestro mundo y ahora con China abriendo cada vez más sus fronteras el mundo enfrenta un nuevo riesgo que pudiera ponerse peor cada día.

¿Cerramos o abrimos las fronteras?

Aquí te esperamos Obamarama, con los maestros, que ni son maestros, alborotados.

Iggy & The Stooges- Ready To Die (2013)

2013-04-27T12:00:00.000+08:00

Iggy & The Stooges- Ready To Die (2013)

Wow! Otro disco de los Stooges, bueno no, si nos vamos por la parte técnica del asunto, los Stooges editaron tres discos, el debut, el Fun House y el The Weirdness, Ready To Die es la continuación de Raw Power, a cargo de Iggy & The Stooges, ¿Quedó claro?

Miren que presentarse en estos momentos con un cinturón de cartuchos de dinamita resultará tan controversial como lo eran las películas de accidentes aéreos después del 9/11, agréguenle a eso un tema (de los mejores del disco) que lleva por nombre Gun, que sigue la idea de la mala leche contenida en My Idea Of Fun, con letras como …if I had a fuckin gun I could shoot ay everyone…,y es que la salida de este disco irónicamente se presenta en paralelo a una serie de sucesos explosivos en el vecino país del norte, las bombas en Boston, Atlanta y la explosión de una fabrica de fertilizantes cerca de Waco, Texas, así que mi estimado Iggy, nuevamente estas en el ojo del huracán.

Ready To Die es un disco difícil de describir la verdad, si quisiera ponerlo en liga con (¿Satàn?, no esos son los Venom) erraría enormemente ya que nada tiene que ver con los dos primeros discos de la banda, si quisiera considerarlo como la continuación del mítico Raw Power, la verdad sería injusto, como lo fue comparar The Weirdness con el Fun House, la verdad es que son discos completamente distintos, a cargo de prácticamente dos bandas distintas, The Weirdness eran los Stooges más Mike Watt, en resumen un grupo de veteranos del camino y no los amateurs hundidos en drogas que grabaron el primer par de discos, en mi muy humilde opinión, la banda que grabó este Ready To Die poco o nada tiene que ver con la banda que grabó el Raw Power, Pop ha aprendido a escribir canciones, ya no improvisa discos como en el pasado y se ha encontrado a si mismo, en lugar de debatirse entre la influencia de Jim Morrison, Lou Reed, Mick Jagger o James Brown, y bueno, hablar de Scott Asheton quien ya no suena como el baterista primitivo que parecía golpear un tronco (bueno por momentos si) y un par de cajas con un mazo, y extrañamente la presencia de MacKay no es tan prominente como otras veces, esta vez parece quedar conforme con “acompañar”, en lugar de “atravesarse” en las acciones.

Si me preguntan Ready To Die funciona y bien, incluso mejor que The Weirdness, dónde la producción de Albini dejo a la banda sonando muy diminuida, en cambio en Ready to Die la banda suena robusta, si bien New Values (un disco solista de Pop de finales de los 70s) fue la única ocasión que tuve oportunidad de escuchar la producción de James Williamson, este repite de alguna manera aquí la formula y hace máx. robusta la producción, haciendo sonar, precisamente a Ready To Die como una versión de New Values en esteroides, si me preguntan el tiempo ha pasado mejor por Pop que por Bowie, si este disco fuese un disco solista de Pop (que lo es por mucho), supera con creces a The Next Day, a cualquiera de Aerosmith o Kiss (ambos seguidores de bandas como The Stooges o los New York Dolls, quienes de igual manera siguen tan sólidos, a pesar de las bajas, como estos Stooges)

Burn es la bestia, esa bestia a la que pocos pusieron atención, pero que de alguna manera desató una revolución, aquí Iggy y sus Stooges suenan rejuvenecidos y hambrientos, la guitarra de Williamson ya no estalla en las bocinas, ahora suena más controlada, pero ha riesgo en su estilo de tocar, y ya es algo de agradecerse ya que la ultima vez que supimos de él fue como productor (papel que aquí repite) ya que se había retirado de la guitarra, pues bien, bienvenido seas a las seis cuerdas Williamson, te habíamos extrañado, Sex And Money trae lo mejor y los peor de los Stooges a la vez, por una lado es un tema furioso, por otro lado posee esas letras que de alguna manera resultan vergonzosas y torpes por parte de Pop, el tema por momentos trae algunos de los clichés baratos de los Stones, una fuerte fuente inspiración para Pop, y el saxofón del gran Steve MacKay se pierde un poco en imitar el estilo del otro MacKay, Andy de los Roxy Music, de hecho, el tema por momentos se asemeja a la dinámica de los Roxy Music, lo cual confusamente termina sonando a esa vez en que los Mudhoney hicieron un cover de Editions of You.

Williamson continua mostrando músculo maduro al por mayor, Job es un agradecido regreso a la forma con guitarras que abren heridas y las hacen sangrar, un ritmo minimalista pero contundente por parte de Asheton, algo que definitivamente es difícil de entender o de explicarse es la función de Mike Watt un GRAN bajista que se ve un tanto desperdiciado en los Stooges, ya que aquí la cosa es el minimalismo brutal y no la ejecución técnica, por otro lado, si en The Weirdness, Watt fue sacrificado en la mezcla por parte de Albini, aquí su trabajo resalta un poco más, pero no le hace nuevamente mucha justicia, pero no ponemos pero alguno a Gun, que suena excitantemente a una especie de re make (re model) de Death Trip, con su infeccioso y letal riff de guitarra y el robusto trabajo de Watt que aquí SI podemos apreciar mejor, Pop en mejor forma de lo que lo hemos escuchado en años (y hay que reconocer que Pop siempre se ha mantenido en forma, con excepción de algunos momentos en The Weirdness en que le perdimos), lo malo, y hay que admitirlo es que el disco se pierde mucho con “baladas” o temas lentos, que sin duda muestran a un Williamson en otra faceta, con un estilo madurado y expresivo, que definitivamente encaja con las inquietudes de la carrera solista de Pop, pero que definitivamente no va con los Stooges, Unfriendly World, les mata el paso, y Beat That Guy y The Departed simplemente son un mal final para un disco de una de las bandas más increíbles de finales de los 60s y dinamita, a diferencia de bandas que les siguieron, como Aerosmith o Kiss, no suena húmeda, ¿Que si están listos para morir?, no Pop no, increíblemente podría apostar que aún tiene uno o dos discos brillantes por hacer, ¿Metallica estará disponible?

Wiley-The Ascent (2013)

2013-04-26T12:00:00.000+08:00

Wiley-The Ascent (2013)

En lo personal no soporto los elevadores, el reducido espacio y la posibilidad de quedar atrapado ahí me produce una sensación bastante incomoda, claustrofobia, si probablemente, en alguna ocasión subí alrededor de 10 pisos a pie, lo cual la verdad fue bastante intenso y agotador, pero en medio de una tormenta no me hubiera arriesgado a un fallo de luz que me dejara atrapado en uno de esos inquietos ataúdes de acero inoxidable, que cosa tan cul si ustedes como yo recuerdan al Wiley que salió de las calles inglesas del este de Londres, la parte más pobre de la ciudad, de esas batallas de MCs que se llevaban a cabo en garajes no aptos para claustrofóbicos, atiborrados de gente y en dónde los Djs producían sonidos con sus celulares, y cuyas batallas adquirían rojos tonos al intercambiar rimas y ataques verbales, que en ocasiones terminaban en peleas a golpes entre los jóvenes de color, Wiley junto con otro grande del genero Dizzee Rascal sobresalieron en esos círculos en que el dance hall adquirió distorsionadas dimensiones al mezclarse con el llamado UK garage y el hip hop, una nueva mutación con origen en el hip hop, si bien, gente como Tricky y los Massive Attack reconocieron su incapacidad para adoptar las ejecuciones vocales de los MCs estadohundidenses, concentrándose en el aspecto sònico, Wiley y compañía se pusieron las pilas en serio para desarrollar una versión musical que compitiera vocalmente con el hip hop y en el camino se volvieron MUY buenos para rimar.

Escuchar un disco de Wiley es tener que estar preparado para las acrobacias incendiarias que las rimas de este son capaces de realizar, cientos de palabras por minuto y rimas acomodadas cual maestro del tetris en huecos existentes entre irregulares ritmos, y es que en Wiley no sólo encontramos destreza vocal, ya que lo pone a Wiley por encima realmente del resto de los practicantes del llamado grime, es su asombrosa capacidad como productor, con un input salido del mundo de la música electrónica que cusa envidia de los mejores productores del genero, dándole dos armas muy poderosas a este singular creador.

The Ascent es la grabación más reciente de Wiley, su segunda o tercera producción de la que platicamos en este espacio, si hablamos de grime no suelo pasar de Wiley o de Dizzee, por lo que es una razón para estar alerta cada vez que sale una nueva grabación del “rey” del grime, First Class, tema con que abre el disco ataca los sentidos de manera inmisericorde, con esos bajos potentes y distorsionados, abstractos añadidos de sonido y ritmos quebrados, el equivalente a un boxeador practicando sus movimientos en un reducido espacio, Wiley muestra su músculo y nos golpea con sus fuertes sonidos y esas deslumbrantes inclusiones vocales, como en la convulsiva Skill Zone, dónde junto a otros MCs invitados las rimas fluyen de manera intensa dando de brincos y estrellándose contra las paredes, nuevamente Wiley se encarga de bombardeándonos con bajos que rechinan y se retuercen junto a sintetizadores que refuerzan el efecto dramático de los temas convirtiéndolos en una verdadera pelea callejera con guerreros que se mueven a la velocidad de la luz.

Sucede algo curioso a la par que el disco va avanzando, Wiley pareciera perder el foco y la intensidad se pierde y los temas y ritmos tienden a suavizarse, lo cual ciertamente le cuesta fuerza al disco, Wiley fue criticado hace unos años por algunos temas que sus seguidores encontraron con muchas inclinaciones comerciales, algo escandaloso hasta cierto punto tomando en cuenta los orígenes callejeros de Wiley y su promesa de jamás caer en la tentación comercial como muchos de sus contemporáneos, si bien nunca he considerado a Wiley como un artista comercial, a partir del aquí el disco cambia un poco su tono, tal vez Hands In The Air o Reload pudieran encontrar nuevamente este tipo de acusaciones hechas hacia él, aunque dudo que se llegue el día en que a pesar de lo infeccioso que resulta el tema encuentre algún lugar en la radio, aún así muestran la tremenda convicción de Wiley como productor creativo de primera que si en realidad fuera su deseo podría con facilidad ocupar el puesto que alguna vez tuvo Timbaland o que ostenta el buen Kanye West.

Chainsaw repite la formula de la accesibilidad y los ritmos pierden algo del tono creativo, por suerte Heatwave muestra a Wiley recuperando su foco y adentrándose en un contagioso tema sumergido en la gran tradición del dance hall, para recuperar las retorcidas atmósferas que le caracterizan en So Alive, Wiley confecciona piezas de exuberantes y explosivos sonidos, y se reúne con otro veterano salido de las calles, Tinchy Stryder en el tema Lights On, otra acertada grabación que se beneficia del colmillo retorcido de Stryder.

En The Ascent Wiley se queda corto y no alcanza a ascender como el titulo lo sugiere, otros como Kode9, The Spaceape o The Bug han despegado de posiciones similares y han llevado sus convulsivos ritmos a nuevas audiencias, Wiley, pionero de estos sonidos parece haberse estancado un poco y encontrarse falto de visión para llevar su proyecto a nuevas dimensiones, The Ascent desgraciadamente se queda corto, y a pesar de ser un buen disco, no es lo que podríamos esperar de un Wiley en verdadero acsenso.

The Botanist- Mandragora (2013)

2013-04-25T12:00:00.000+08:00

The Botanist- Mandragora (2013)

El black metal siempre me resulta maravilloso cuando se sabe mezclar con un espíritu vanguardista igual de salvaje que los oscuros orígenes del genero, no me cansaré de manifestar que el BM se ha convertido en una actitud, que como el punk, ha trascendido sus orígenes como un sonido o una etiqueta y que se ha transformado en una cualidad, en algo intangible pero perceptible ciertamente, sin reglas, e irónicamente en su mejor “forma” cuando se libra de estas.

En este, su humilde blog, ya hemos platicado en ocasiones anteriores sobre este proyecto que lleva por nombre The Botanist, proyecto de BM de un sólo hombre, que en verdad rompió con muchos paradigmas del genero en su momento, tal vez Burzum y Xasthur fueron formados también por un solo miembro, pero en este caso particular The Botanist solamente se hace cargo de la batería y un dulcimer una variante de piano percutivo, para producir su música, intensa en todo momento, en un proyecto que de alguna manera toma elementos obsesivos, como alguna vez los Carcass lo hicieron con el gore y los términos médicos, The Botanist lo hace con las plantas y la ecología, en un alucinante proyecto musical que pareciera incluir a Poison Ivy en el dulcimer, a Plancton, el villano de las caricaturas de Bob Esponja en la batería y a de Swamp Thing en las vocales, si, esa criatura humano-planta extraída de la mente del genial Alan Moore, todos ellos en una violenta venganza contra el avance tecnológico de la humanidad, en un ataque frontal por parte del mundo del eco activismo y del anarco primitivismo, poniéndose en sintonía con espíritus similares como los Wolves In The Throne Room, entre otros habitantes de los bosques de la zona rebelde de Cascadia en el noroeste del vecino país del norte.

Arboreal Gallows arranca con velocidad, incesantes reverbs y vocales que parecieran correr a cargo del mismo Popeye, más un seco crujido que una voz, a fin de cuentas, lo que se supone que escuchamos es la voz de una planta y no una voz humana, hasta aquí, The Botanist cumple su cometido con gran ingenio, las baterías son dinámicas al por mayor, introduciendo cambios para mantener el interés del escucha y añadiendo interesantes dosis de melodía, mismos que se manifiestan intensamente en Nightshade, segunda pieza de este disco, aquí el tema suena vibrante, acercándose de manera sorprendente a un post punk repleto de sintetizadores, muy a pesar de no existir ninguno, de alguna manera aquí The Botanist se emparienta un poco con otra banda de la que también ya hemos platicado mucho aquí Circle Of Ouroborus, ambos trascendiendo de manera radical las limitantes del BM más ortodoxo a favor de un sonido completamente experimental y etéreo que no reconoce limites y aplicando un ingenio superior que les permite añadir dimensiones inimaginables a su particular instrumentación.

To Amass An Army se destaca por su épica belleza, una suerte de aplicación de la famosa “pared de sonido” de Phil Spector, a partir de la mínima instrumentación, pero con un ingenio para crear capas de sonido abrasivo y a la vez cósmico, que de igual manera nos lacera y nos eleva por los aires, To Amass An Army es muy posiblemente la pieza más accesible que The Botanist a grabado, poseedora de una melodía hermosa y nostálgica brillantemente concebida.

Mandrake Legion es sin duda un joya compositiva con resonantes líneas de dulcimer y un intenso trabajo de batería grabado en tonos muy agudos, pudiéramos aquí hacer alguna referencia a la estética lo fi, tan característica en el BM, pero sería de alguna manera injusto, ya que The Botanist aprovecha precisamente estas limitantes de sonido a su favor para lograr confeccionar su espinoso y lacerante sonido.

Sophora Tetraptera y Rhyncholaelia Glauca cierran este asombroso disco, sin decaer el ritmo frenético de la grabación, con intenso golpeteos de tarola y platillos, un sonido minimalista embellecido por el trabajo del dulcimer bien distorsionado.

The Botanist ha extendido por cuatro asombrosos discos su proyecto botánico musical extremo, con resultados que sin duda han puesto alertas a los experimentadores más fieros del genero, quienes sin duda han tomado nota sobre el asombrosos experimento de este creador, tal vez el concepto empieza a debilitarse un poco, cuatro discos diluyen cualquier sorpresa, aunque Mandrágora da claras muestras de una diversificación del sonido, tal vez un nuevo disco bajo este mismo estilo podría terminar el proyecto con una nota baja, pero si The Botanist ya puso alta la vara para los innovadores del BM no hay una razón para pensar que el mismo puede elevarse a nuevas alturas con un nuevo enfoque en su proyecto.

Life Of Pi-Ang Lee (2012)

2013-04-24T12:00:00.000+08:00

Life Of Pi-Ang Lee (2012)

¿Que puedo decir de Ang Lee? Director taiwanes de cine de vanguardia con películas, muchas de ellas esenciales, que para sorpresa de más de uno, ha conseguido crear obras de verdadero valor universal, cuyo encanto traspasa con facilidad las salas de los cines de arte conquistando a las masas, innovador e iconoclasta, muchos podrán considerar a Lee como un director de cine comercial, por su éxito en la taquilla y presencia en eventos como Cannes o los Oscares, pero son sus propuestas las cuales llevan un gran significado y un gran riesgo que Lee ha conseguido llevar a la costa de manera segura, sin naufragar, a pesar de lo arriesgado de su propuesta, de alguna manera veo a Lee como la respuesta a un Gabriel Garcia Márquez- claro con sus debidas distancias- capaz de trascender más allá de las diferencias culturales, haciendo con el cine lo que Márquez hizo con la literatura, haciéndola universal, traspasando mercados impensables para un escritor sudamericano, como el asiático.

Como muchos, conocí a Lee con su película Sense and Sensabilty, su primera película “occidental”, que mostró una sensibilidad que rebasaba fronteras, un “director autor” con una visión propia, como ya lo decía, “universal” (muy en la línea de nuestro Gonzalez Iñarritu) que no temía enfrentar cualquier tema por osado que pareciera, mientras fuese de su interés, después de eso, le perdí la pista un poco, hasta que, como todos, le volví a encontrar con la increíble Crouching Tiger, Hidden Dragon, extraordinaria fabula en la cual Lee retomaba su esencia oriental y la llevaba a las salas de cine, y a las salas de nuestros hogares, llevando esa mística de su tierra a muchos, que nunca tuvieron el tiempo o el deseo de explorar el genial cine de fantasía chino, japonés o taiwanes, ¿Cine de genero? Claro, y Lee lo explotó de la mejor manera, autentificando en occidente un genero poco reconocido en las salas de arte, con excepción de algunos rebeldes visionarios como Quentin Tarantino o The RZA.

Ang hizo dos películas más, nuevamente de naturaleza “universal”, una de ellas, la tan incomprendida Hulk, si, la película sobre el legendario “superhéroe” que se pone verde cuando se enoja y cuya serie de televisión resultó LEGENDARIA, con una acercamiento que gustó poco al publico en general, que esperaba a un Hulk vomitando efectos, destruyendo todo a su paso, súper villanos disparando rayos láser, explosiones, aviones de alta tecnología, que si los hubo, pero no lo suficiente para complacer a las audiencias pasivas y sedientas de acción sin sentido de Hollywood, por el contrario hubo mucho de ese genial tratamiento psicológico al personaje que en aquel tiempo Peter David estaba llevando a alturas insospechadas en el comic, desarrollándolo más como un medio de comunicación de historias, emociones inteligentes y adultas, dónde el protagonista era Bruce Banner (pésimamente interpretado por Eric Bana, hay que reconocerlo) y su atormentada vida, y no el monstruo verde destruyendo miserables humanos, pero Lee regresaría por la puerta grande con la controversial y reivindicadora Brokeback Mountain, que despertó el morbo en muchos y abarrotó las salas gracias a su radical propuesta, brillantemente ejecutada por sus actores.

Life of Pi es la película más reciente de Lee, y ¡Que sorpresa tan más agradable nos ha dado!, Lee nos presenta nuevamente una propuesta arriesgada, que me trae un poco a la mente esa cinta de Danny Boyle, Slumdog Millionaire, tal vez por su localización de la historia en India, una historia alucinante, con toques de fantasía, que hace un brillante tratado sobre la fe, y que nos muestra claras influencias del dinámico cine de Kurosawa, la poesía visual de un Terence Mallick y la audaz búsqueda de la perfección de un Yasujiro Ozu.

Life Of Pi nos trae la historia de Piscine Monitor Patel, en una narración que de alguna manera me trae a la mente Forrest Gump de Robert Zemeckis, una narración de un individuo sobre su vida, en la cual se van detallando una serie de sucesos, algunos de ellos fantásticos, en el caso de Pi nos cuenta desde su niñez y el problema con su nombre, que se resuelve, el descubrimiento de la fe, la búsqueda infantil de una verdad y el encuentro de un joven amor, posteriormente Life of Pi nos lleva a la parte extraordinaria en la cual la familia de Pi pretende mudar un zoológico de la región hindú de Pondicherry a Canadá, el subsiguiente naufragio y la muerte de la familia de Pi, la tripulación y de los animales, con excepción de Pi, una cebra, una hiena, un gorila y un tigre, todos ellos, conviviendo salvajemente en un bote salvavidas en medio del océano, Pi nos va narrando su convivencia con estos animales, su difícil contacto con los animales, los cuales van aniquilándose entre ellos, hasta quedar sólo el tigre y Pi, Lee nos lleva de manera maravillosa a entender y engancharnos con esta extraña relación de supervivencia y amistad que se va dando, con un Pi madurando y aprendiendo a convivir con el animal a lo largo de una extensa y tortuosa travesía que los termina llevando luego de muchos, muchos días, a las costas de México.

Life of Pi es una gran, gran película, prueba innegable del talento de Lee para contar historias extraordinarias, aquí, Lee nos presenta una historia fantástica, repleta de tremendas imágenes que desafían nuestra imaginación, y que hablan en un idioma universal, transmitiéndonos una hermosa historia de fe, supervivencia e imaginación, un acierto más en la brillante carrera de Lee.

Ghost Writer En Abril

2013-04-23T12:00:00.000+08:00

Ghost Writer En Abril

Básicamente debo confesar que el hecho de saber que David Bowie y The Stooges tendrían discos nuevos en estas semanas me emocionó bastante, la expectación fue creciendo rápidamente cada día, en el caso de Bowie volví a escuchar una y otra vez clásicos como el Low, el Scary Monsters y el Heroes, por otro lado, le puse más atención a discos como el Station To Station, Lets Dance y Young Americans, tratando de descubrir algo de lo nuevo que Bowie nos podía traer), algo similar me pasó con Lou Reed en la época del GRAN Lulu (uno de sus mejores discos sin duda), me la pasé escuchando The Blue Mask, Magic & Loss, Berlin y el Master of Puppets de Metallica, imaginando como podría sonar la mezcla de todo esto y que el nuevo disco muy probablemente sonará así, y no me equivoque por mucho, por fortuna, distintamente en el caso del disco de Bowie, aunque el The Next Day es un muy buen disco, obviamente se queda corto ante un Low, o el Station To Station, incluso tristemente se queda corto ante el fallido experimento de Lets Dance, eso si, resultando superior al Heathen o al Reality, cosa no muy complicada o de mucho merito la verdad.

En el caso de los Stooges, sería criminal pretender que cualquier cosa que Pop o sus camaradas pudiesen hacer igualaría el disco de debut de los Stooges, ese que produjo John Cale, una joya única, extraña y bizarra en medio de la época de la música de garaje en los Esclavos Hundidos de Amnésica, o el Fun House, uno de los discos más abstractos y radicales de la época, es más ni siquiera el brutal Raw Power por más que se alegue que la producción de Bowie lo echó a perder, eso según la leyenda, aunque el disco es una joya a pesar de lo que digan, cualquiera de estos tres discos es imposible de imitar o igualar, son monumentos inmensos de sonido realizadas brillantemente por una partida de brutos sin mucha educación musical, pero apasionados de lo que hacían (y sumidos hasta las cachas en la droga), cosas difíciles de repetir (excepto tal vez por lo de la droga), pesadas lozas que Pop y los Stooges cargaran hasta sus últimos momentos, por ello, junto a los discos de Bowie me enfrente de nueva cuenta mejor al Lust For Life, uno de mis discos favoritos de Pop, al American Caesar uno de los mejores discos de Pop en solista de los tiempos más recientes, y ni que decir de la oportunidad que me di para re descubrir el The Idiot, un disco ENORME y revolucionario para la época, con un Pop explicándose a si mismo su amor por James Brown y por Kraftwerk a la vez, otros discos de Pop que me di a la tarea de escuchar nuevamente fueron el Beat Em Up, y el New Values, el New Values lo descubrí hace años, y a pesar de ser un disco perecedero que pertenecía a un momento, no deja de ser digno de disfrutarse nuevamente y respecto al Beat Em Up, se enlaza un poco con el disco más reciente de los Stooges, The Weirdness, ambos discos vacilan mucho y carecen de esa letal carga de los Stooges, o de Pop, ambos dudan en irse directamente a la yugular y pecan de ser comunes, aunque el volumen sea algo que se disfrute de igual manera, hay que reconocerlo, el Beat Em Up se disfruta por lo tonto y extremo y el The Weirdness igual.

Ahora bien, ¿Podrán los Stooges e Iggy superarse? Lo dudo, es imposible que la banda y Pop puedan recuperar ese sonido amateur, esa cabeza dura que exhibían en aquellos años, esa rebeldía y esa desfachatez, Ready To Die muy probablemente termine sonando como ese disco en vivo de los Sex Pistols que sacaron tras su gira de reunión, o el que recientemente editaron los PIL de John Lydon, discos buenos que suenan a una banda de rock profesional y nada más, ya no suenan como los monstruos imbèciles que no sabían tocar, pero que hacían el rock más glorioso que pudiéramos imaginar, para eso necesitarían volver a nacer o perder la memoria de los últimos cuarenta años, y no pretendo que les de Alzheimer a todos, pero por un momento imaginemos a las Shaggs volviéndose a reunir pretendiendo hacer un disco, sonaría espantoso, espantoso concientemente, sin esa gracia de lo espantoso espontáneo e inconsciente, hasta los Fugs fueron perdiendo su gracia mientras se volvían más profesionales, y ni aprendiendo a tocar pudieron superar esos dos primeros discos en los cuales ni tocaban ni cantaban ¡Pero que buen ruido hacían!

Atomic- Theres A Hole In The Mountain (2013)

2013-04-22T12:00:00.000+08:00

Atomic- Theres A Hole In The Mountain (2013)

Es siempre un gusto indescriptible estar ante la presencia de un nuevo disco de jazz libre y más si este es procedente de la ahora sagrada escena escandinava en donde el mejor jazz libre se ha estado produciendo en los últimos años, un jazz intenso, innovador y experimental aderezado con una curiosa actitud bastante rockanrolera a cargo de sus ejecutantes, de esta manera es como esta banda de nombre Atomic, cuyo sonido, literalmente lo es, nos traen su grabación más reciente, como es de esperarse, capturada en vivo, aquí las estructuras formales salen sobrando, los planes preconcebidos no existen y los músicos solamente se dejan llevar por el fuego anterior, tomando oportunidades por igual para guiar las acciones, por momentos siguiendo a Havard Wiik, quine se hace cargo del piano, deleitándonos con sus particulares líneas emitidas en el instrumento, algunas veces muy esporádicas, otras intensamente fluidas, en Accidentals que abre este fenomenal Theres A Hole In The Mountain, sus líneas de piano en casada junto a los fenomenales ritmos conjurados por el GRAN Paal Nilssen Love nos brindan un espectacular inicio en el cual bajista y baterista se complementan a la perfección para crear un ritmo por demás dinámico sobre el cual la sección de metales se muestra combativa, si bien no intensa y eso es algo que llama poderosamente la atención de la ejecución de los metales, los cuales por lo menos en este tema no buscan un papel protagónico, se lo ceden al piano de Wiik, quien se ve ágil y aguzado, y excelentemente bien flanqueado, eso si, por los metales representados por un potente saxofón y una incendiaria trompeta.

En Wolf Cage nuevamente tenemos a Wiik y su piano abriendo de manera muy sutil el tema, los metales hacen su presencia de manera tímida, aquí es curioso como la banda hace gran uso de los silencios, apenas acariciando un dialogo cruzado que no satura el ambiente, los metales cruzan sonidos y Wiik remata con resonantes líneas de piano, la banda aquí se muestra más contemplativa, en un estado de introspección total, con Nilssen Love añadiendo algunos matices con los platillos de su batería, dando paso poco a poco a un incremento en las actividades, Wiik y Nilssen Love comienzan a hacer más intenso el dialogo y nuevamente saxofón y trompeta funcionan como pivotes para alzar el sonido y elevarlo al siguiente nivel, Wiik metiendo velocidad a su piano a través de su dedos, recordándonos por momentos aquellas composiciones echas por el GRAN Conlon Nancarrow, Nilssen Love no pierde oportunidad para mostrarnos su virtuosa técnica en la batería, contorsionándose de manera salvaje tras el instrumento, al tiempo que bajo y metales encuentran un ritmo vacilante que crea una llamativa secuencia que nos lleva a un súbito alto quedando a cargo del saxofón, quien toma su turno para establecer un intenso dialogo con el contra bajo y con la batería de Nilssen Love, quienes nos traen una sección rítmica de primera que junto al saxofón nos dan una muestra de cómo este quinteto se transforma en un ligero trío, esto antes de que Wiik se les una tímidamente, el saxofón empiece a convulsionar en la mejor tradición de la fire music más clásica, y la banda consiga esos puntos altamente furiosos de esta espectacular e intensa música.

Civilion es un enorme trabajo en la cual nuevamente la banda busca un ritmo y después lo estresa hasta extraerle su alma de fuego, nuevamente la trompeta aparece y nos lleva a otro nivel, nos eleva por las nubes y nos pone en manos del gran Nilssen Love quien se encarga de poner en marcha el ritmo, la banda se da espacio, deja que cada uno de los instrumentos y los sonidos fluyan de manera natural, no buscan la saturación o la intensidad sin sentido, van construyendo una música, un sonido que va quemando y retorciendo en nuestro interior y que poco a poco va liberando su poder y su furia, en una explosión que controlan al máximo antes de dejarla salir por completo, consiguiendo momentos de poderosa tensión instrumental.

Available Exits es una pieza poderosa con un inicio espectacular en dónde la banda muestra una interacción prodigiosa, el quinteto integrándose y hablándose entre ellos mismos mediante sus instrumentos a la perfección, cabe destacar la agilidad con que Havard Wiik se mueve en su instrumento y el excelente respaldo que Ingebrigt Haker Flaten le proporciona en el bajo, todo esto al tiempo que la sección de metales crea un verdadero infierno de fondo, podemos sentir como la banda cocina una verdadera sección caliente que va inflamándose y elevando su temperatura de manera vertiginosa al momento que Paal Nilssen Love apuntala el tema con un prodigioso ritmo sobre el cual, los metales se unen de manera simultanea.

Theres A Hole In The Mountain es un disco particular de free jazz de una banda que busca nuevas formas de expresión, que saben a la perfección como crear momentos verdaderamente intensos y saben como controlar sus estallidos sònicos a su voluntad, unos artesanos del sonido improvisado de primer nivel de una de las escenas más vibrantes de jazz libre del mundo.

Colin Stetson- New History Warfare Vol 3: To See More Light (2013)

2013-04-20T12:00:00.000+08:00

Colin Stetson- New History Warfare Vol 3: To See More Light (2013)

Anthony Braxton nos demostró que el saxofón se bastaba por si mismo para crear una grabación completa, y se atrevió a hacer lo que muchos no pudieron, grabar un disco completo de puro saxofón, de ahí vendrían muchos otros, pero debemos agradecer a Braxton el atrevimiento y el rompimiento de paradigmas tremendos que nos hubiera impedido poder llegar a esto.

Colin Stetson es uno de mis héroes musicales de la actualidad, un hombre que ha sabido trascender de manera impresionante las limitaciones de su instrumento al grado de crear su propio universo sonoro, muy lejano a cualquiera que conozcamos, en su disco solista anterior nos dejó maravillado con su técnica más allá de la de cualquier saxofonista de jazz, muy posiblemente con un antecedente en la música del gran Anthony Braxton, quien definitivamente trascendía el mundo del jazz y se declaraba fan de los sonidos espaciales de Stockhausen, Stetson también pertenece al linaje de un John Butcher, otro mago de los metales, aunque Stetson definitivamente va más allá del asombroso trabajo de Butcher, agregando elementos insólitos a su técnica.

New History Warfare Vol. 3: To See More Light es la nueva entrega de esta serie de increíbles discos solistas de Stetson, y es un disco en dónde el trabajo de Stetson nuevamente alcanza dimensiones insospechadas, And In Truth inicia este disco en un tono menor que se repite constantemente siguiendo el trabajo del gran minimalista Philip Glass, Stetson añade vocales a esta pieza en plan cuasi gospel, que acerca las voces a la espiritualidad de los trabajos de la gran Mahalia Jackson, si en algún momento, en algún universo esta se hubiera reunido con el gran Albert Ayler, Hunted prosigue rápidamente con más vocales fantasmales evocadoras de mil espíritus y filtradas a través del instrumento de Stetson, quien añade sobrenaturales sonidos a su minimalismo sorprendente, que se traduce en una atmósfera por demás original con un ataque de intensos bajos provenientes del mismo instrumento de Stetson, nuevamente aquí acercándose al intensamente una vez más al espiritual trabajo del gran Albert Ayler.

High Above The Grey Green Sea es otra pieza de espectral belleza, con Stetson manteniendo un ritmo formal, una línea bastante melódica y una voz que no manifiesta palabra alguna pero que transmite de manera muy efectiva nostálgicas emociones, en un trabajo que se antoja titánico, para los que estén familiarizados con Stetson sabrán que prácticamente TODOS los sonidos que escuchamos, con excepción de alguna voces, las produce Stetson con su voz, o su aliento, o mediante su instrumento, en tiempo real, en una suerte de hombre orquesta que cada vez incrementa su vocabulario musical y se vuelve más poderoso y capaz de integrar mayor complejidad a sus melodías.

In Mirrors el sonido de Stetson se acerca bastante a los trabajos del legendario John Butcher, otro hombre que a desarrollado una técnica similar mediante la cual su instrumento libera un sin fin de inimaginables sonidos, aquí Stetson explora las capacidades sonoras de su instrumento, aplicando respiraciones circulares y otras golpeando los botones de este, los cuales por cierto en Brute reciben un brutal tratamiento en una pieza de una potencia asombrosa en la cual prácticamente Steton recrea en dichos botones una asombrosa sección percutiva que se torna profunda y candente de manera ASOMBROSA, a esto agréguenle unas monstruosa vocales y esto nos deja con la versión de Stetson de música verdaderamente extrema.

Among The Sef pareciera una de esas veloces melodías minimalistas que Glass solía crear en sus mejores momentos, ciclos interminables de alientos que se acercan de manera curiosa a aquellos sonidos de tapping de Steve Hackett o de Eddie Van Halen, Justin Vernon de los Bon Iver se le suma en Who The Waves Are Roaring For un tema que gracias a las vocales adquiere una textura accesible que pudiera significar el principio de algo más en la carrera de Stetson, complementándose con Vernon de manera soberbia en una pieza que suena menos abstracta, pero en la cual Stetson no baja la guardia y mantiene la intensidad en niveles altos.

To See More Light obviamente es la pieza central de este disco, con sus inclinaciones clásicas que se integran con grandes dosis de melodía y tono, con Stetson añadiendo pasajes repletos de terror sonoro y densidad impresionante, que es bien grabada y mezclada por el gran Ben Frost, quien sin duda aquí imprime parte de su genio sonoro para aportar a Stetson su propia profundidad sonora durante los casi 15 minutos de duración del tema.

What Are They Doing In Heaven nuevamente visita los territorios del gospel, para cerrar por ultimo con This Bed of Shattered Bone, otro tema sobresaliente que se beneficia por la excelsa tècnica de Stetson para usar prácticamente la totalidad de su instrumento para crear sonidos coordinados y paralelos amplificados de manera impresionante por su instrumento, proporcionándole en conjunto a Stetson una calificación que ya conoce y aquí vuelve a repetir, la de genio sonoro, la de visionario y la de férreo experimentador, que luego de esta sucesión de discos parece decidid a demostrarnos que su momento ha llegado.