Un rincón de palomitas

Tiempos modernos

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 12 Jul 2026 15:30:39 +0000

Título original: Modern Times
Año: 1936
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografía: Roland Totheroh e Ira H. Morgan

Reparto:
Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Sandford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia...

Ambientada en la época de la Gran Depresión en los Estados Unidos, un obrero metalúrgico (Charles Chaplin) trabaja en una asfixiante fábrica, sometido al ritmo frenético de la producción en cadena de una gigantesca corporación.

El estrés extremo y la deshumanización del trabajo mecanizado acaban provocándole un ataque de nervios, lo que desencadena una serie de caóticos equívocos que lo llevan de la fábrica a un hospital psiquiátrico, y de ahí directo a la cárcel por ser confundido con el líder de una manifestación comunista.

Al salir de prisión, la vida del vagabundo cambia por completo al cruzarse en el camino de una joven huérfana y sin hogar (Paulette Goddard) que huye de la ley.

Juntos deciden unir sus fuerzas y enfrentarse a las duras e injustas condiciones de la vida moderna, encadenando todo tipo de trabajos precarios y peripecias con el único objetivo de encontrar la felicidad, la estabilidad y su propio lugar en el mundo.

Aún con el paso de los años y las décadas, Tiempos modernos sigue conservando toda su fuerza, donde Charles Chaplin no solo demuestra una vez más el enorme talento que tenía como cineasta y actor, sino también su compromiso con quienes peor lo pasaban en una época marcada por la pobreza, el desempleo y unas condiciones laborales cada vez más deshumanizadas.

Aunque el cine sonoro ya era una realidad, Chaplin decidió mantenerse fiel a la esencia de Charlot durante gran parte de la película, aunque en esta ocasión el personaje incluso llega a cantar y los efectos de sonido tienen más presencia.

La película nos sitúa en unos Estados Unidos golpeados por la Gran Depresión y a través del humor, Chaplin construye una crítica contra un sistema que convierte a las personas en simples piezas de una maquinaria donde solo importa producir más y más. Charlot intenta sobrevivir en ese mundo imposible, enfrentándose a trabajos repetitivos, fábricas que marcan el ritmo de cada movimiento y una sociedad que parece avanzar demasiado deprisa para alguien que solo quiere vivir con un poco de dignidad.

Los primeros minutos me parecen absolutamente brillantes, una magnífica sátira sobre la obsesión por la productividad que sigue siendo tan divertida como inquietante, pero tengo que reconocer que después de ese arranque tan extraordinario siento que la película pierde algo de intensidad.

La película nos habla del derecho a un trabajo digno, de las dificultades para encontrar un empleo, de la pobreza, de la falta de oportunidades, del acceso a una vivienda y de la necesidad de conservar la propia humanidad en un mundo que parece empeñado en arrebatársela... parece que no hemos cambiado tanto y nos resulta demasiado familiar y desgraciadamente, actual.

Respecto al guion, hubo acusaciones de que Chaplin había tomado ideas de À nous la liberté, de René Clair y es verdad que existen semejanzas entre ambas películas, igual que pueden encontrarse ecos de Metrópolis, pero Chaplin consigue convertir todas esas influencias en una historia con su marca tan única y personal.

Visualmente me parece que tiene una magnífica fotografía a manos de Roland Totheroh e Ira H. Morgan, quienes consiguen crear imágenes que ya forman parte de la historia del cine, y por supuesto, junto a Chaplin destaca una maravillosa Paulette Goddard, cuya presencia aporta luz y esperanza.

Puede que para mí no alcance la perfección de otras obras de Chaplin porque ese comienzo tan extraordinario pone el listón casi imposible de mantener, pero sigue siendo una película imprescindible. Divierte, emociona y sobre todo, nos invita a reflexionar sobre un modelo de sociedad que convierte a las personas en números y olvida que la dignidad siempre debería estar por encima de cualquier beneficio. Esa mirada es lo que hace que Tiempos modernos continúe siendo tan necesaria hoy como lo fue en 1936.

Pulp Fiction

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Jul 2026 23:27:21 +0000

Año: 1994
Duración: 153 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino y Roger Avary
Música: Varios
Fotografía: Andrzej Sekula
Reparto:
John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Ving Rhames, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, María de Medeiros, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Christopher Walken, Paul Calderon...

La historia entrelaza el destino de varios criminales singulares: Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), dos matones a sueldo con crisis existenciales que trabajan para el capo Marsellus Wallace (Ving Rhames), Mia Wallace (Uma Thurman), la enigmática esposa del jefe, que sufre una sobredosis mientras queda bajo el cuidado de Vincent y Butch Coolidge (Bruce Willis), un boxeador en decadencia que estafa a Marsellus al ganar una pelea que debía perder y emprende una huida desesperada.

Oscar 1995 al Mejor Guion Original

Globo de Oro 1995 al Mejor Guion

BAFTA 1995 al Mejor Actor Secundario para Samuel L. Jackson

BAFTA 1995 Al Mejor Guion Original

Palma de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cannes 1994

Independent Spirit Award 1994 a la Mejor Película

Independent Spirit Award 1994 a la Mejor Dirección

Independent Spirit Award 1994 al Mejor Actor para Samuel L. Jackson

Independent Spirit Award 1994 al Mejor Guion

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1994 a la Mejor Dirección

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1994 al Mejor Guion

National Society of Film Critics Award 1994 a la Mejor Película

National Society of Film Critics Award 1994 al Mejor Director

National Society of Film Critics Award 1994 al Mejor Guion

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1994 a la Mejor Película

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 al Mejor Actor para John Travolta

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 al Mejor Guion

Premio David di Donatello 1995 al Mejor Actor Extranjero para John Travolta

Premio David di Donatello 1995 al Mejor Film Extranjero

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1994 al Mejor Director

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1994 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 al Mejor Guion

Premio Saturn 1994 a la Mejor Película de Acción / Aventuras

Hay películas de las que cuesta hablar porque da la sensación de que cualquier palabra se queda corta, y eso es exactamente lo que me pasa con Pulp Fiction, porque cada vez que la veo encuentro un detalle nuevo, un diálogo que no había apreciado igual o una escena que vuelve a sorprenderme como si fuera la primera vez.

El reparto es una auténtica barbaridad... reunir a tantos intérpretes brillantes y conseguir que todos estén a un nivel tan alto no es fácil de conseguir, aunque si tuviera que quedarme con alguien y elegir a uno solo, elegiría sin duda a Samuel L. Jackson. Me impresiona la capacidad que tiene para construir personajes... todos poseen una personalidad tan marcada que resulta imposible olvidarlos.

La música merece una mención aparte... cada canción aparece en el momento justo y termina convirtiéndose en un recuerdo inseparable de muchas de sus escenas.

El guion me parece extraordinario... está lleno de conversaciones que terminan siendo inolvidables y de referencias al cine que hacen que cada que la ves (y ya voy unas cuantas) tengas algo nuevo que descubrir y guste más o guste menos, es imposible negar la influencia que ha tenido en el cine posterior ya que Tarantino ha creado una forma muy personal de contar historias y Pulp Fiction representa uno de los ejemplos de ese universo tan reconocible.

No conozco a mucha gente que haya visto Pulp Fiction y no recuerde varias de sus escenas con total claridad. Tiene imágenes, frases y momentos que ya forman parte de la historia del cine y que siguen siendo igual de impactantes con el paso de los años.

Creo que es una película provocadora, atrevida y original y entiendo que haya personas a las que no les convenza su estilo, porque Tarantino nunca deja indiferente. Con sus películas suele ocurrir eso... conectas por completo con su forma de entender el cine o te alejas por completo y yo estoy entre quienes la disfrutan.

Si tuviese que hacer un resumen diría que Pulp Fiction es una experiencia cinematográfica en la que puedes sumergirte una y otra vez y treinta años después, sigue demostrando que el cine puede ser salvaje, divertido, impredecible y, sobre todo... eterno.

Soñando con leones

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Jul 2026 21:25:57 +0000

Título original: Sonhar com Leões
Año: 2024
Duración: 88 min.
País: Portugal
Dirección: Paolo Marinou-Blanco
Guion: Paolo Marinou-Blanco

Música: Toni M. Mir

Fotografía: Glauco Firpo

Reparto:
Denise Fraga, João Monteiro, Joana Ribeiro, Victória Guerra, Sandra Faleiro, Roberto Bomtempo, António Durães, Felipe Rocha...

Gilda (Denise Fraga), es una mujer de mediana edad afincada en Lisboa que padece un doloroso cáncer de médula espinal. Desesperada por su situación y tras encadenar varios intentos fallidos de suicidio, decide buscar una alternativa.

Es así como contacta con una organización clandestina que realiza seminarios de eutanasia para pacientes en fase terminal que desean acabar con su vida sin dolor.

En esas charlas conoce a Amadeu (João Nunes Monteiro), un joven muy tímido que padece un tumor cerebral y trabaja en una funeraria. Entre ambos surge una complicidad inmediata nacida de su deseo compartido de escapar del sufrimiento bajo sus propios términos.

Premio a la Mejor Película Talent Balear en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2025

Premio Sophia 2025 a la Mejor Película de Comedia

Soñando con leones es una película que aunque gira alrededor de la muerte, en realidad habla de la vida y, sobre todo, de la libertad de decidir cómo queremos despedirnos de ella.

La película nos presenta a una mujer con una enfermedad terminal que ha tomado una decisión sobre su futuro. El director nos la presenta con un inesperado toque de humor negro que marca el tono de muchas de las escenas posteriores y ese equilibrio entre momentos duros y otros cargados de una ironía casi absurda consigue que la historia sea más llevadera.

Realmente, más que centrarse en el hecho de morir, la película reflexiona sobre el derecho a elegir. Habla de la eutanasia con una enorme naturalidad y a través de los personajes que rodean a la protagonista aparecen distintas formas de entender este tema... quienes lo miran desde la religión, quienes se refugian en normas médicas y administrativas o quienes, simplemente, no son capaces de aceptar la pérdida porque temen quedarse solos.

Me ha gustado cómo evoluciona la relación entre la protagonista y el joven trabajador de una funeraria al que conoce en un peculiar grupo de apoyo para personas que conviven con la enfermedad o con la cercanía de la muerte. Entre ambos nace una amistad basada en la comprensión, el respeto y la compañía.

Una de las grandes sorpresas para mí ha sido su protagonista, Denise Fraga. No conocía su trabajo, sus películas anteriores y me ha parecido absolutamente extraordinaria.

Al final, al terminar la película he sentido una extraña sensación de paz. Es una película valiente, sensible y también comprometida, que invita a pensar sobre la autonomía, la dignidad y el derecho de cada persona a decidir sobre su propia vida.

Entre la crudeza del final y la ironía que nos salva del abismo, la película traza un puente de complicidad y ternura y en un mundo que a menudo nos obliga a transitar el dolor en silencio, esta película nos hace ver que la dignidad es el último derecho de nuestra existencia.

El gran dictador

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 09 Jul 2026 00:49:38 +0000

Título original: The Great Dictator
Año: 1940
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin y Meredith Willson

Fotografía: Roland Totheroh y Karl Struss

Reparto:
Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert...

La historia sigue de forma paralela a dos personajes idénticos, ambos interpretados por Chaplin: Adenoid Hynkel, el despiadado, ridículo y megalómano dictador de la nación de Tomania y un humilde barbero judío que regresa a su barrio tras pasar años en un hospital amnésico a causa de sus heridas en la Primera Guerra Mundial.

Mientras Hynkel planea la persecución de los judíos y se alía con el dictador de Bacteria, Napaloni (Jack Oakie), para invadir una nación vecina, el barbero intenta retomar su vida y su oficio. Al regresar a su gueto, descubre horrorizado la opresión de las fuerzas de choque del régimen, pero encuentra apoyo en Hannah (Paulette Goddard), una valiente joven de la que se enamora.

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1940 al Mejor Actor para Charles Chaplin

Con esta película, Charles Chaplin no solo demostró que era un genio de la comedia, sino también una persona profundamente comprometida con su tiempo, ya que en pleno inicio de la Segunda Guerra Mundial, cuando Hitler seguía extendiendo el terror por Europa y todavía había quienes preferían mirar hacia otro lado, Chaplin se atrevió a hacer algo impensable en ese momento... ridiculizar al nazismo y a su máximo responsable a través del humor.

Detrás de cada gag hay una crítica feroz contra el fanatismo, el autoritarismo y el odio hacia quienes son diferentes. Cambian los nombres, cambian las caras e incluso los peinados, pero los mismos discursos o muy parecidos y las formas de manipular a la sociedad los tenemos actualmente en nuestra sociedad, por eso me resulta imposible no encontrar paralelismos con algunos dirigentes actuales que utilizan el miedo, el enfrentamiento y la mentira como herramientas políticas, ya sea a nivel internacional cambiando el bigote por una peluca rubia o si nos quedamos más cerca, en este país de patriotas que se van a Andorra, a Suiza, a Abu Dabi o se compran un ático en Madrid, perfectamente podría llevar el nombre de "Anotop At" o el de su nuevo mejor amigo, si, el de la "prioridad nazional".

Tengo que reconocer que viendo esta película me lo paso realmente bien viendo cómo Chaplin convierte el horror en una inmensa burla, pero también es verdad que esa risa siempre me deja un poso amargo, porque detrás de cada escena está el recuerdo de una tragedia real.

La película retrata de forma brillante la obsesión enfermiza por la superioridad racial y la ambición desmedida de quienes solo entienden el poder desde la violencia.

Chaplin nos regala secuencias que forman parte de la historia del cine... es imposible olvidar a Hynkel bailando con el globo terráqueo mientras sueña con dominar el mundo o la escena del afeitado al ritmo de la música de Brahms. Pero si hay una escena que me sigue poniendo un nudo en la garganta es el discurso final... Chaplin deja a un lado tanto al barbero como al dictador para hablar directamente al espectador y es cierto que puede que su mensaje resulte muy idealista, pero no se puede negar su fuerza. Es un llamamiento a la libertad, a la convivencia, a la dignidad humana y al derecho de cada persona a vivir y pensar sin miedo a ser perseguida.

Esta fuera la primera película completamente sonora de Chaplin... durante muchos años se resistió a abandonar el cine mudo, pero cuando decidió hacerlo fue para utilizar la voz como una herramienta de denuncia, así que la espera mereció la pena, porque pocas veces unas palabras han tenido tanta fuerza dentro de una película.

La película se rodó mientras la guerra ya había comenzado y Chaplin asumió un enorme riesgo al enfrentarse públicamente al totalitarismo cuando Estados Unidos aún no había entrado en el conflicto y existían importantes presiones para que la película no saliera adelante.

En España (cómo no) permaneció prohibida hasta abril de 1976, lo que demuestra el miedo que siempre han tenido las dictaduras a la cultura y al humor. Como curiosidad, comentara que esta interpretación le dio a Chaplin su primera y única nominación al Oscar como mejor actor.

Tengo siempre la sensación que con Chaplin las palabras se me quedan cortas... su cine transmite mucho más de lo que dicen los diálogos y en esta ocasión, con El gran dictador consigue hacer reír mientras denuncia uno de los capítulos más oscuros de la humanidad... ojalá hoy en día hubiese más directores que se atreviesen a denunciar los genocidios que se están cometiendo por parte del estado de Israel, las dictaduras, los asesinatos, las mentiras, el fascismo y a los fascistas maquillados de "democrátas".

Para mí esta película es una obra imprescindible... una película valiente e inteligente que demuestra que el humor también puede convertirse en una poderosa forma de resistencia frente al odio y la intolerancia. Desgraciadamente, más de ocho décadas después de su estreno, su mensaje continúa siendo tan necesario como entonces.

National Anthem

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 06 Jul 2026 22:01:00 +0000

Año: 2023
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Luke Gilford
Guion: Kevin Best, Luke Gilford y David Largman Murray
Música: Nick Urata y Perfume Genius
Fotografía: Katelin Arizmendi
Reparto:
Charlie Plummer, Eve Lindley, Mason Alexander Park, Robyn Lively...

Dylan (Charlie Plummer), es un joven de 21 años que, sobrecargado por la responsabilidad de cuidar a su hermano menor y una madre alcohólica (Robyn Lively), trabaja jornadas como obrero en Nuevo México.

Para salir adelante, acepta un empleo en el rancho House of Splendor, un refugio rural queer donde conoce a Sky (Eve Lindley), una mujer trans que lo deslumbra con su confianza y libertad, y a Pepe (Rene Rosado), el dueño del lugar que lo acoge. Entre rodeos, drag queens, días bajo un cielo abierto y las vibraciones de la vida comunitaria, Dylan comienza una experiencia de revelación interna: descubre la belleza de la identidad, el deseo y el vínculo elegido frente al rechazo al que siempre se enfrentó.

Luke Gilford construye una historia que nos habla de la identidad, la libertad y la pertenencia a un lugar de donde te sientes que formas parte de él y nos habla de Dylan, un joven que vive atrapado en una rutina marcada por las dificultades y las responsabilidades. Su llegada a un rancho donde convive una comunidad queer cambia por completo su manera de mirar el mundo y de mirarse a sí mismo. Allí no solo encuentra un lugar donde sentirse aceptado, sino también la oportunidad de descubrir quién quiere ser realmente.

Tengo que reconocer que la película me ha fascinado, especialmente por esa mirada optimista que resulta especialmente valiosa porque nace de la empatía y de la confianza en que otra forma de convivir es posible.

Visualmente me ha parecido una auténtica maravilla... la fotografía tiene una belleza casi hipnótica y el uso del formato de 35 mm convierte los paisajes en imágenes llenas de poesía. Es una película en la que podría detenerme ante cualquier plano y estoy convencida que encontraría belleza.

También me ha conquistado por su autenticidad, quizá porque se nota que el director conoce el universo que retrata y consigue mostrar una comunidad que durante demasiado tiempo ha permanecido invisible en el cine y en nuestra sociedad, y como ópera prima, me parece una carta de presentación maravillosa.

Es verdad que hay momentos en los que la película se deja llevar demasiado por su lado más contemplativo y que me habría gustado conocer mucho mejor a quienes forman esa gran familia elegida, porque hay algunos personajes que apenas llegan a desarrollarse, se quedan en un segundo plano y me parecen realmente interesantes. Aun así, esa pequeña distancia emocional nunca llega a romper el interés y el mundo que nos presenta resulta tan diferente y tan lleno de verdad, que quedas completamente hipnotizada.

Otro de los grandes aciertos es el reparto, en especial, Charlie Plummer, Eve Lindley y Mason Alexander Park... y no puedo dejar de mencionar la música. La banda sonora me ha parecido maravillosa y todas las canciones que acompañan la película son un acierto total.

National Anthem me ha parecido una película hermosa, delicada, que nos habla de la búsqueda de uno mismo, de la libertad para amar y de la importancia de encontrar un lugar donde nadie te obligue a esconderte ni a esconder quién eres y Luke Gilford firma una primera película muy personal, que demuestra que el cine también puede ser un refugio donde imaginar un mundo más libre, más diverso y mucho más acogedor.

Las guerreras k-pop

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 05 Jul 2026 17:42:00 +0000

Título original: K-Pop Demon Hunters
Año: 2025
Duración: 88 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Chris Appelhans y Maggie Kang
Guion: Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans

Música: Marcelo Zarvos

Reparto:
Arden Cho, Ahn Hyo-seop, May Hong, Ji-young Yoo, Kim Yoon-jin, Joel Kim Booster, Liza Koshy, Daniel Dae Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun...

En un mundo donde el K-pop no es solo música sino también poder, un grupo femenino de superestrellas llamado Huntr/X —formado por Rumi, Zoey y Mira— no solo arrasa con sus canciones y coreografías, sino que ocultan una doble vida: son cazadoras de demonios.

Cuando una amenaza oscura comienza a extenderse y pone en peligro a sus fans y al equilibrio entre los humanos y los seres sobrenaturales, las integrantes de Huntr/X deberán combinar su talento musical, ritmo, fuerza y habilidades especiales para enfrentarse a criaturas maléficas y a una banda rival, los Saja Boys, cuyos miembros resultan ser demonios disfrazados.

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 2025 a la Mejor Película de Animación

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 2025 al Mejor Film de Animación

Critics Choice Award 2026 a la Mejor Canción "Golden"

Critics Choice Award 2026 al Mejor Largometraje de Animación

Globo de Oro 2026 a la Mejor Canción Original "Golden"

Globo de Oro 2026 al Mejor Filme de Animación

Premio Annie 2026 a la Mejor Película

Premio Annie 2026 a la Mejor Dirección

Premio Annie 2026 al Mejor Guion

Premio Annie 2026 a la Mejor Animación de Personajes

Premio Annie 2026 al Mejor Diseño de Producción

Premio Annie 2026 al Mejor Doblaje

Premio Annie 2026 a la Mejor Música

Premio Annie 2026 al Mejor Montaje

Premio Annie 2026 a los Mejores Efectos Animados

Oscar 2026 a la Mejor Canción

Oscar 2026 al Mejor Largometraje de Animación

Premio del Sindicato de Productores (PGA) 2026 a la Mejor Película de Animación

Premio Grammy 2026 a la Mejor Canción de Cine y TV para "Golden"

Las guerreras K-pop es una película que, si solo lees la sinopsis, puede parecer una idea un poco disparatada... tres estrellas del K-pop que, cuando se bajan del escenario, se dedican a luchar contra demonios mientras un grupo de chicos guapísimos intenta robarles a sus seguidores.

No diría que es una película que vaya a marcar un antes y un después en la animación, pero tiene una personalidad muy definida... es divertida, tiene mucho ritmo y consigue que sea muy fácil dejarse llevar por su propuesta. Realmente creo que en ningún momento pretende ser más de lo que es, y precisamente ahí está parte de su encanto.

La película nos cuenta la historia de Rumi, Mira y Zoey, tres jóvenes que forman uno de los grupos de K-pop más famosos del momento. Lo que nadie sabe es que, además de llenar estadios, también son unas poderosas cazadoras de demonios cuya misión consiste en proteger las almas de las personas. Todo cambia cuando aparece una nueva banda masculina encabezada por Jinu. Detrás de su imagen perfecta se esconde una amenaza mucho más peligrosa de lo que parece, ya que en realidad son demonios que buscan conquistar al público para cumplir sus propios objetivos.

Aunque toda esa parte fantástica funciona muy bien como entretenimiento, lo que más me ha gustado es que la película aprovecha esa aventura para hablar de algo mucho más importante... el aprender a aceptarse tal y como una es, dejar de esconder aquello que nos hace diferentes y entender que precisamente esas diferencias pueden convertirse en nuestra mayor fortaleza.

Visualmente no creo que revolucione el mundo de la animación, pero sí ofrece un estilo muy colorido, lleno de energía y con escenas de acción realmente vistosas.

Otro de sus grandes aciertos es la música... las canciones son de esas que se te quedan dando vueltas en la cabeza irremediablemente y encajan perfectamente con la historia.

El humor también está bastante bien dosificado y los personajes tienen suficiente carisma para que resulte fácil conectar con ellas.

Es verdad que la historia no sorprende demasiado si estás acostumbrada a este tipo de aventuras, pero tampoco creo que eso sea un problema porque la película nunca pierde el ritmo ni deja de resultar entretenida.

Tengo que reconocer que Las guerreras K-pop me ha gustado y se me ha pasado el tiempo volando mientras la veía y demuestra que a veces, el cine no necesita redefinir las reglas del juego para dejarnos un buen sabor de boca. Cuando la música se apaga y los créditos comienzan a rodar, te descubres con una sonrisa cómplice y la certeza de haber presenciado una pequeña partitura de evasión que, sin pretensiones, consigue hacernos recordar que nuestra mayor fortaleza siempre empieza en nuestro propio escenario interior.

27 horas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 04 Jul 2026 23:35:36 +0000

Año: 1986
Duración: 81 min.
País: España
Dirección: Montxo Armendáriz
Guion: Montxo Armendáriz y Elías Querejeta

Música: Ángel Illarramendi

Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto:
Martxelo Rubio, Maribel Verdú, Antonio Banderas, Ramón Barea, Joseba Apaolaza...

La historia sigue de cerca durante un día y tres horas la vida de Jon (Martxelo Rubio), un joven que vive en el San Sebastián de los años 80 y que se encuentra atrapado en el destructivo mundo de la adicción a la heroína.

A lo largo de ese breve periodo de tiempo, la película retrata su rutina y la de sus amigos, divididos entre el desempleo, la falta de perspectivas de futuro y la delincuencia menor para poder costearse las dosis diarias.

Concha de Plata en el Festival de San Sebastián 1986

Luces de la ciudad

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 22 Jun 2026 19:48:55 +0000

Título original: City Lights
Año: 2025
Duración: 1931 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin
Música: Charles Chaplin
Fotografía: Roland Totheroh y Gordon Pollock
Reparto:
Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Allan Garcia, Hank Mann, Henry Bergman...

Charlot (Charles Chaplin), es un bondadoso vagabundo que se enamora perdidamente de una joven florista ciega (Virginia Cherrill). Ella lo confunde con un hombre millonario debido a un malentendido con la puerta de un coche de lujo.

Paralelamente, el vagabundo salva la vida de un excéntrico millonario alcohólico (Harry Myers) que intentaba suicidarse. Este millonario se convierte en su mejor amigo cada vez que está borracho, pero lo echa a la calle y no lo reconoce en cuanto recupera la sobriedad.

Decidido a pagar una costosa operación médica para devolverle la vista a la florista y evitar que sea desahuciada con su abuela (Florence Lee), el vagabundo acepta todo tipo de trabajos, incluyendo un caótico combate de boxeo profesional.

La magia de Luces de la ciudad reside en algo que muy pocas películas consiguen... hacerme sonreír y emocionarme con la misma facilidad, pero detrás de las risas hay una mirada profundamente humana. La historia transcurre en una gran ciudad norteamericana golpeada por la crisis económica de principios de los años treinta. El desempleo, la pobreza y la desesperanza forman parte del paisaje cotidiano. En medio de ese escenario, un hombre sin recursos se enamora de una joven ciega y hace todo lo posible por conseguir el dinero que permita devolverle la vista. La generosidad con la que actúa, sin esperar nada a cambio, convierte la película en una preciosa historia sobre el amor desinteresado y sobre la capacidad de sacrificarse por otra persona.

He de reconocer que siempre me ha fascinado que Chaplin decidiera seguir confiando en el cine mudo cuando las películas sonoras ya habían llegado para quedarse. En este caso, tardó dos años en sacar adelante este proyecto sin apenas diálogos y, sin embargo, cada emoción te llega profundamente... siento que Chaplin realiza una declaración de amor a un lenguaje cinematográfico que muchos consideraban acabado.

La banda sonora, compuesta por el propio Chaplin, me fascina y quizás haya que detenerse en el tema de "The Flower Girl / La violetera", pero me temo que ello se merece una dedicatoria completa y especial, a esta maravillosa composición del maestro José Padilla en 1914, el cual denunció a Chaplin por carecer de los derechos de la canción... pleito que ganó el compositor español.

Me sigue maravillando el personaje de Charlot... su manera de caminar y esa mezcla de ingenuidad y nobleza que hacen que resulte imposible no quererlo.

Y que puedo decir del final de la película... uno de los más hermosos que ha dado el cine, y que por muchas veces que la vea, sigue emocionándome. Ahí está condensado todo lo que Chaplin sabía hacer... mezclar la comedia con el drama, la realidad con la poesía y la tristeza con la esperanza.

Luces de la ciudad demuestra que la grandeza del cine puede nacer de una historia sencilla... es una de esas películas que nunca envejecen y que, cada vez que regresan a mi vida, me recuerdan por qué amo tanto el cine.

La teta asustada

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 20 Jun 2026 23:12:31 +0000

Año: 2009
Duración: 94 min.
País: Perú
Dirección: Claudia Llosa
Guion: Claudia Llosa
Música: Selma Mutal
Fotografía: Natasha Braier
Reparto:
Magaly Solier, Susi Sánchez, Antolín Prieto...

Fausta (Magaly Solier), es una joven que padece un mal místico y atávico que se llama "la teta asustada". Según las creencias de las comunidades andinas, esta "enfermedad" se transmite a través de la leche materna de mujeres que fueron violadas o maltratadas durante la época del terrorismo y el conflicto armado en el Perú.

La creencia popular sostiene que quienes nacen infectados por este miedo nacen sin alma, lo que condena a Fausta a vivir en un estado de terror absoluto y constante aislamiento. Para proteger su propia intimidad frente al pánico obsesivo que le tiene a los hombres y a sufrir una agresión sexual, Fausta oculta un impactante secreto: se ha introducido una patata en la vagina a modo de escudo protector.

Tras la súbita muerte de su madre, Fausta se ve obligada a afrontar el mundo exterior por sí misma para cumplir el último deseo de su progenitora: conseguir el dinero necesario para llevar su cuerpo de regreso a su pueblo natal y darle un entierro digno.

Para lograrlo, la protagonista empieza a trabajar como empleada doméstica en la residencia de Aída (Susi Sánchez), una refinada concertista de piano de clase alta en Lima.

Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival Internacional de Berlín 2009

FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica en el Festival Internacional de Berlín 2009

Premio Coral a la Mejor Película en el Festival del Nuevo Cine Iberoamericano de La Habana 2009

Premios APRECI 2009 a la Mejor Película

La película se convierte en el eje de una historia que habla de heridas que pasan de una generación a otra y de un miedo que se instala en el cuerpo y en el alma... la directora peruana ha explicado en varias ocasiones que su intención era mantener viva la memoria de las víctimas que sufrieron la violencia que sacudió Perú durante los años ochenta y noventa, tanto por parte de los grupos armados como de las fuerzas del Estado y con esta intención se nos presenta desde el primer momento este significado para poder adentrarnos en la historia.

Magaly Solier sostiene prácticamente toda la película con una interpretación contenida... interpretando a una mujer atrapada por los temores heredados, alguien que vive encerrada en sí misma, con una tristeza permanente y una fragilidad que apenas deja espacio para mostrar emociones más evidentes.

La historia avanza despacio, casi al ritmo pausado de las canciones que entona la protagonista y esa lentitud hace que todo tenga un aire muy áspero y seco... como esos caminos polvorientos que recorren los personajes. Sin embargo, también me ha provocado que en algunos momentos la narración resulte demasiado uniforme y líneal.

Lo que sin duda es incuestionable es la belleza de las imágenes... hay algo poético en la manera en que Claudia Llosa retrata los barrios humildes y las casas levantadas en las laderas... ese mosaico de tejados de colores, las calles de tierra, las personas que continúan adelante pese a las dificultades y una vida marcada por la pobreza, pero también por pequeños instantes de alegría y dignidad.

La fotografía posee una enorme sensibilidad y convierte escenas sencillas en imágenes llenas de lirismo. A eso se suma el magnífico trabajo musical de Selma Mutal... la música y las canciones tienen un peso muy importante y contribuyen a crear ese universo tan particular que respira la película.

Quizá donde más dudas me ha dejado ha sido en la capacidad de trasladarme ese miedo que constituye el centro del relato. Aun así, La teta asustada posee una personalidad propia y una mirada poco común, y quizá, entre tanta tristeza y tanta dureza, también deja espacio para una pequeña melodía de esperanza que asoma tímidamente al final.

La película me genera ciertos sentimientos encontrados... en un principio, vuelvo a decir que la trama me pareció sumamente prometedora al partir de un tema que a mí, personalmente, siempre me interesa: las represiones, el terrorismo de Estado y las dictaduras en ciertos rincones del mundo, centrándose en este caso en la historia de Perú, sin embargo, tras esos primeros cinco minutos tan potentes, la propuesta pasa a convertirse en una película muy lineal y plana. Creo que la directora podría haber exprimido muchísimo más tanto el potente eje político y social del que parte, como ese "realismo mágico un poco particular" que rodea a la protagonista y respecto a la actuación de Magaly Solier, es cierto que su interpretación no me transmite ningún tipo de emoción, aunque no obstante, quizás este vacío sea deliberado y responda a esa misma leyenda que da título a la película, según la cual los hijos nacidos de mujeres violadas nacen con "la teta asustada" y carecen de alma. Donde tengo claro, muy claro, clarísimo, que la película no deja espacio a la duda es en su apartado técnico, destacando una vez más la fabulosa fotografía y su banda sonora que, para mí, son sin duda lo mejor de toda la película y son precisamente estos elementos visuales y sonoros los que realmente creo que logran insuflar vida y lirismo a un relato que, a pesar de sus flaquezas narrativas, se despide dejándonos una pequeña pero bellísima melodía de esperanza.

En el borde del mundo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 14 Jun 2026 21:26:23 +0000

Título original: Au bord du monde
Año: 2024
Duración: 105 min.
País: Bélgica
Dirección: Sophie Muselle y Guérin van de Vorst
Guion: Sophie Muselle y Guérin van de Vorst
Fotografía: Fiona Braillon
Reparto:
Mara Taquin, Sasha Deprez, Nathalie Richard, Tijmen Govaerts...

Alexia (Mara Taquin), es una joven enfermera de 25 años, de carácter fuerte, profundamente idealista y con un trasfondo de gran fragilidad, que llega a realizar sus prácticas profesionales al pabellón cerrado de un hospital psiquiátrico.

Allí es recibida por Joëlle (Nathalie Richard), la veterana enfermera jefe, quien se encarga de enseñarle los complejos engranajes del oficio.

La rutina de Alexia cambia por completo cuando conoce a Mila (Sasha Deprez), una paciente de 20 años consumida por la ira y firmemente convencida de que su internamiento es un error y no pertenece a ese lugar.

Conmovida por su sufrimiento e ignorando las estrictas advertencias de Joëlle sobre la necesidad de mantener una distancia profesional terapéutica con los internos, Alexia cruza los límites éticos para acercarse a ella. Así, vuelca toda su energía y obsesión en un arriesgado intento por sacarla de allí, difuminando peligrosamente las líneas entre la ayuda, el compromiso personal y la contención institucional.

Premio a la Mejor Película en el Festival de Mar del Plata 2024

Premio a la Mejor Interpretación para Mara Taquin en el Festival de Mar del Plata 2024

En el borde del mundo es una película que se adentra en las grietas de un sistema lleno de limitaciones, contradicciones y personas que intentan hacer lo mejor que pueden en circunstancias muy difíciles.

La historia nos presenta a Alexia, una joven enfermera que llega llena de entusiasmo a una unidad psiquiátrica... allí conoce a Beline, una paciente de apenas veinte años que vive atrapada entre la rabia, el sufrimiento y una enorme fragilidad emocional. Desde el primer momento surge entre ambas una conexión especial que va creciendo poco a poco, hasta el punto de que Alexia comienza a involucrarse más de lo que debería.

Me ha gustado como sus directores observan y nos muestran la humanidad de todos sus personajes... personas cargadas de miedos, heridas, dudas y contradicciones.

La película nos hace plantearnos, si no lo habíamos hecho ya, muchas preguntas sobre la importancia del cuidado y la atención de la salud mental... ¿Cuánto hay de enfermedad y cuánto de abandono, incomprensión o soledad?

Otro aspecto interesante es cómo muestra el delicado equilibrio que deben mantener quienes trabajan en la salud mental... la empatía resulta imprescindible, pero también puede convertirse en un problema cuando la implicación emocional cruza ciertos límites.

Sophie Muselle y Guérin van de Vorst construyen una historia bastante contenida pero sensible... y lejos de los excesos dramáticos, prefieren acercarse a los personajes con respeto, permitiendo que sean sus silencios y emociones los que hablen por sí mismos.

En el borde del mundo es un retrato sobre la salud mental, pero también sobre la empatía, los prejuicios y las carencias de un sistema que a menudo está desbordado. Una película que encuentra pequeños destellos de luz en medio de la oscuridad y que recuerda que detrás de cada diagnóstico hay una persona que necesita ser escuchada, comprendida y tratada con dignidad.

Una película que nos muestra como el acto más revolucionario y humano en una sociedad desbordada no es intentar salvar a los demás de sus propias tormentas, sino tener la valentía de quedarnos a su lado, bajo la lluvia, sosteniendo el paraguas de la dignidad, porque en este mundo desbordado, todos estamos a un solo paso, a una sola mala racha o a un solo golpe de soledad, de terminar habitando el borde del mundo.

Ninotchka

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 13 Jun 2026 20:31:40 +0000

Año: 1939
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ernst Lubitsch
Guion: Charles Brackett, Billy Wilder y Walter Reisch
Música: Werner R. Heymann
Fotografía: William H. Daniels
Reparto:
Greta Garbo, Melvyn Douglas, Béla Lugosi, Ina Claire, Sig Ruman, Felix Bressart, Alexander Granach, Gregory Gaye, Edwin Maxwell, Richard Carle...

París, tres camaradas y delegados soviéticos son enviados por el gobierno de la URSS para vender unas valiosas joyas confiscadas a una aristocracia tras la revolución. Sin embargo, los tres delegados se dejan seducir rápidamente por los placeres capitalistas, los lujos y el champán de la capital francesa, en gran parte gracias a las manipulaciones del seductor conde León d'Algout (Melvyn Douglas), quien trabaja para la antigua propietaria de las joyas.

Para enderezar la situación y rescatar el botín, Moscú envía a París a Nina Ivanovna "Ninotchka" Yakushova (Greta Garbo), una enviada especial disciplinada, fría, estrictamente ideológica e incorruptible.

El choque cultural y político es inmediato cuando Ninotchka y el conde León se conocen. A pesar de sus visiones del mundo totalmente opuestas, León se propone derretir el gélido corazón de la estricta funcionaria comunista a base de encanto y humor.

Ninotchka es una de esas películas que demuestran que la inteligencia, el humor y la elegancia pueden ir de la mano, pero también tiene un valor especial dentro de la trayectoria de Greta Garbo, una actriz que hasta entonces había brillado sobre todo en papeles dramáticos y que aquí se atreve con un registro completamente distinto, mostrando una faceta sorprendente y encantadoramente arrebatadora.

La historia nos traslada a la Europa de finales de los años treinta, entre Moscú, París y Constantinopla. Allí conocemos a Ninotchka, una estricta enviada soviética que llega a Francia para resolver un asunto relacionado con unos funcionarios de su país. Acostumbrada a la disciplina, a las normas y a una visión muy rígida de la vida, su mundo empieza a tambalearse cuando se cruza en su camino el conde León d'Algout, un hombre encantador, despreocupado y amante de los "placeres cotidianos".

Lo que podría haber sido una simple comedia romántica se convierte en una brillante sátira sobre dos formas opuestas de entender la existencia. A través de situaciones divertidas y diálogos llenos de ingenio, la película contrapone la severidad del sistema soviético de la época con la ligereza, la libertad y el optimismo que representa el mundo occidental.

Uno de los mayores aciertos de la película es su extraordinario guion. Detrás de él encontramos los nombres de Charles Brackett, Billy Wilder y Walter Reisch... y la verdad, es que se nota.

Greta Garbo está magnífica... sí, lo reconozco, siento cierta debilidad por la Garbo y frente a ella tenemos a Melvyn Douglas con quien consigue tener una química que traspasa la pantalla.

Para mí, estamos ante una de las grandes comedias clásicas del cine. Divertida, inteligente, romántica y sorprendentemente moderna en muchos aspectos... una película que sigue funcionando décadas después gracias a la fuerza de sus personajes, a la brillantez de sus diálogos y al enorme talento reunido delante y detrás de la cámara.

En un mundo a menudo demasiado rígido y cuadriculado, volver a ver Ninotchka es regresar a la edad de oro de la inteligencia en pantalla... una caricia cinematográfica que nos susurra que el amor y el humor son las únicas revoluciones que de verdad transforman el alma. La Garbo rió, sí... y nosotros, atrapados para siempre en su mirada, seguimos riendo y suspirando con ella a través del tiempo.

Testigo de cargo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 13 Jun 2026 00:24:35 +0000

Título original: Witness for the Prosecution
Año: 1957
Duración: 114 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Billy Wilder
Guion: Billy Wilder y Harry Kurnitz
Música: Matty Malneck
Fotografía: Russell Harlan
Reparto:
Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton, Elsa Lanchester, John Williams, Una O'Connor, Henry Daniell, Norma Varden, Torin Thatcher, Ian Wolfe, Francis Compton...

Sir Wilfrid Robarts (Charles Laughton), es un brillante, sarcástico y ya anciano abogado criminalista que, a pesar de su delicada salud y las estrictas órdenes de su enfermera, decide aceptar un caso sumamente complejo: la defensa de Leonard Vole (Tyrone Power).

Vole es un hombre agradable pero ingenuo, acusado del brutal asesinato de una viuda rica que, poco antes de morir, lo había nombrado heredero universal de su fortuna. Todo apunta a una condena inevitable, y la única baza para la defensa es la esposa del acusado, Christine Vole (Marlene Dietrich).

Sin embargo, la estrategia se desmorona por completo cuando ella da un giro inesperado y decide testificar en el juicio, no a favor de su marido, sino como testigo de la acusación.

Globo de Oro 1958 a la Mejor Actriz de Reparto para Elsa Lanchester

Premio David di Donatello 1958 al Mejor Actor Extranjero para Charles Laughton

Testigo de cargo es una película que juega constantemente con quien está al otro lado de la pantalla... cuando parece que ya tienes todas las piezas encajadas, aparece un nuevo giro que vuelve a desmontarlo todo. Es cierto que, vista hoy, algunas de sus vueltas de tuerca pueden parecer excesivas e incluso algo difíciles de creer, pero Billy Wilder consigue que eso importe poco porque el viaje resulta tremendamente entretenido.

Lo que más disfruté viendo la película fue, sin duda, la agilidad de sus diálogos, ese humor elegante, marca de la casa, que aparece cuando menos lo esperas... esa mezcla que hace que una trama judicial que podría resultar pesada y aburrida se convierta en una escena dinámica y muy entretenida.

En el reparto hay mucho talento, de eso no hay duda, aunque para mí quien domina la función de principio a fin es Charles Laughton. Su Sir Wilfrid está lleno de personalidad, ironía y carisma y cada vez que aparece en pantalla resulta imposible apartar la mirada de él. A su lado, Tyrone Power ofrece una interpretación sólida... especialmente emotiva si se recuerda que fue la última de su carrera, ya que fallecería pocos meses después del estreno, y qué decir de Marlene Dietrich, siempre elegante, siempre magnética, aunque sin poder ejar aún lado esa frialdad que la caracterizó pero dejando frases tan memorables como aquella en la que asegura que nunca se desmaya porque no está segura de caer con suficiente elegancia... poco más puedo decir.

La película está considerada una de las mejores adaptaciones cinematográficas de una obra de Agatha Christie (me reservo mi opinión), pero sin duda el guion está construido con enorme precisión y consigue mantener el misterio hasta el último momento.

Reconozco que el paso de los años se nota en algunos aspectos y personalmente no la colocaría entre las obras más redondas de Billy Wilder... hay otras películas suyas que me parecen más brillantes.

Aún así, Testigo de cargo continúa siendo una película inteligente, entretenida, una de esas historias que consiguen mantener la atención de principio a fin gracias a unos personajes magníficos, un reparto memorable y un guion que juega con el espectador hasta el último instante. Puede que algunas de sus sorpresas resulten hoy algo exageradas, pero sigue teniendo la capacidad de engancharte a la pantalla y de dejarte con una sonrisa cuando aparecen los créditos finales.

April

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 12 Jun 2026 00:53:12 +0000

Título original: Aprili
Año: 2024
Duración: 134 min.
País: Georgia
Dirección: Dea Kulumbegashvili
Guion: Dea Kulumbegashvili
Música: Mathew Herbert
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto:
Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Merab Ninidze...

Nina (Ia Sukhitashvili), es una experimentada ginecoobstetra que trabaja en el hospital de una empobrecida y patriarcal zona rural de Georgia.

Su carrera da un vuelco trágico cuando un recién nacido muere durante un parto bajo su supervisión. El padre del bebé la culpa de negligencia, lo que desata una rigurosa investigación hospitalaria que amenaza con sacar a la luz su mayor secreto: Nina viaja clandestinamente por los pueblos colindantes suministrando píldoras y practicando abortos ilegales a mujeres desamparadas que lo necesitan.

Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia 2024

Ganadora de la sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián 2024

April es una película que no hace fácil el camino al espectador que se pone frente a ella, y es que la directora georgiana Dea Kulumbegashvili se adentra en un tema incómodo y doloroso como es el aborto en Georgia a través de Nina, una ginecóloga que vive atrapada entre sus convicciones, las leyes de su país y una sociedad que sigue juzgando con dureza las decisiones de las mujeres.

La película retrata una realidad dura en la que las mujeres siguen teniendo que enfrentarse a numerosos obstáculos para decidir sobre sus propios cuerpos. Nina conoce bien las consecuencias de una maternidad impuesta y observa de cerca cómo muchas mujeres viven condicionadas por el miedo, la tradición, la religión y el control social, y eso la lleva a tomar decisiones arriesgadas.

La directora apuesta por una puesta en escena muy contenida, con escenas largas... muy largas, silencios prolongados... muy pronlongados y situaciones que resultan incómodas de contemplar... muy incómodas, hasta el punto que en algunas escenas incluso tuve que apartar la vista de la pantalla.

Más allá del debate sobre el aborto, April también habla del miedo, de la cobardía colectiva, de las relaciones que nunca terminan de encontrar su lugar y de la enorme soledad que suele acompañar a quienes se atreven a desafiar las normas establecidas... y esa soledad es mayor cuando quien desafía esas normas es una mujer.

Es cierto que la frialdad con la que está narrada puede crear cierta distancia emocional, sin embargo, creo que precisamente esa mirada seca y austera forma parte de la propuesta de Kulumbegashvili.

Detrás de sus 134 minutos hay una reflexión sobre la violencia ejercida contra las mujeres, sobre la moral impuesta desde las instituciones y sobre cómo una sociedad entera puede convertir en heroína o en culpable a una persona simplemente por intentar ayudar a otras.

No es una película cómoda de ver, ni agradable, ni fácil de recomendar a cualquiera... es áspera, perturbadora y, en ocasiones, incluso desagradable, pero también es una obra interesante, precisamente porque se niega a endulzar aquello que no admite ningún tipo de azúcar.

El infierno

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 09 Jun 2026 22:19:12 +0000

Título original: L'Inferno (Dante's Inferno)
Año: 1911
Duración: 70 min.
País: Italia
Dirección: Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan
Fotografía: Emilio Roncarolo
Reparto:
Salvatore Anzelmo Papa, Arturo Pirovano, Giuseppe de Liguoro, Augusto Milla...

La trama narra el viaje alegórico del poeta Dante (Salvatore Anzelmo Papa) a través de los nueve círculos del infierno. Tras perderse en un bosque oscuro y ser acechado por tres bestias, su amada Beatriz envía al poeta clásico Virgilio (Arturo Pirovano) para rescatarlo y guiarlo en un descenso al inframundo.

A lo largo de su travesía, Dante contempla los crueles castigos eternos asignados a cada pecado capital y se encuentra con diversas figuras históricas y mitológicas (como Cleopatra, el conde Ugolino o heresiarcas atrapados en tumbas de fuego).

El perturbador recorrido visual culmina en el epicentro congelado del abismo, donde ambos poetas se enfrentan cara a cara con el mismísimo Lucifer devorando a los grandes traidores de la historia.

Es soprendente, como hay películas que, más de un siglo después de su estreno, siguen provocando asombro... al menos a mí, y justo esto es lo que me ha ocurrido con la película El infierno dirigida por Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan. No sólo estamos ante el primer largometraje de la historia del cine italiano, sino también ante una obra que permite viajar a los auténticos orígenes de este arte, cuando todo estaba todavía por inventarse.

Basada en la primera parte de La Divina Comedia de Dante Alighieri e inspirada en las ilustraciones de Gustave Doré, la película nos conduce por el descenso de Dante a los dominios infernales acompañado por Virgilio. Juntos atraviesan diferentes círculos poblados por almas condenadas que sufren castigos relacionados con sus pecados. Asesinos, hipócritas, violentos, traidores y otros personajes desfilan por un universo oscuro y extraño que conserva intacta gran parte de su capacidad para fascinar.

Una de las cosas que más me ha impresionado ha sido la enorme imaginación visual que desprende cada escena... cada decorado, cada truco visual y cada composición contribuyen a construir una atmósfera de pesadilla que parece surgir directamente de un sueño y esa apariencia primitiva, incluso ingenua en algunos momentos, le otorga una personalidad única.

La película estaba formada originalmente por cincuenta y cuatro rollos y supera la hora de duración, algo verdaderamente sorprendente para su época.

La versión restaurada incorpora una banda sonora compuesta por el grupo Tangerine Dream. Personalmente, no terminé de conectar con ella porque me parece que en lugar de reforzar la experiencia, en algunos momentos restaba fuerza a la atmósfera original.

Más de cien años después, esta pequeña joya italiana continúa invitando a soñar, a maravillarse y a recorrer rincones oscuros que parecen nacidos de una pesadilla y quizá ahí resida precisamente su magia... en demostrar que, incluso cuando el cine apenas empezaba a caminar, ya era capaz de transportarnos a lugares imposibles.

Un testimonio eterno de que el cine, desde su más tierna infancia, ya poseía las llaves del inframundo y el poder de dar forma a nuestras pesadillas más profundas. Los pioneros italianos no solo tradujeron la inmortal palabra de Dante, sino que demostraron que el celuloide es el verdadero espejo del subconsciente.

Doce hombres sin piedad

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 06 Jun 2026 19:12:55 +0000

Título original: 12 Angry Men
Año: 1957
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Sidney Lumet
Guion: Reginald Rose
Música: Kenyon Hopkins
Fotografía: Boris Kaufman
Reparto:
Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, George Voskovec, Joseph Sweeney, Edward Binns, Rudy Bond...

Ambientado en una claustrofóbica sala de deliberaciones, doce miembros de un jurado deben decidir por unanimidad si condenan a muerte a un joven acusado de asesinar a su padre. Al inicio, once de ellos votan "culpable" para acabar rápido, pero el jurado número 8 (Henry Fonda) vota "inocente", exigiendo un debate serio al albergar una duda razonable sobre las pruebas.

A través de una discusión milimétrica, este único hombre va desmontando los testimonios de la acusación, obligando al resto a enfrentarse a sus propios prejuicios raciales, traumas y contradicciones.

BAFTA 1958 al Mejor Actor Extranjero para Henry Fonda

Oso de Oro 1957 a la Mejor Película en el Festival Internacional de Berlín

Premio OCIC en el Festival Internacional de Berlín 1957

Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) 1958 al Mejor Guion de Drama

Doce hombres sin piedad, dirigida por Sidney Lumet, es una extraordinaria película que nos cuenta la historia, que transcurre prácticamente toda en una única sala, donde doce miembros de un jurado deben decidir si un joven acusado de matar a su padre es culpable o inocente... si el veredicto es de culpabilidad, la condena será la pena de muerte.

Desde el primer momento parece que la decisión está tomada... once hombres quieren votar culpable y terminar cuanto antes, sin embargo, el jurado número 8 se niega a dar por cerrado el asunto. No asegura que el acusado sea inocente, pero sí cree que existe una duda razonable que merece ser discutida y a partir de ese instante comienza un intenso intercambio de opiniones que poco a poco va cambiando el rumbo de la deliberación.

Una de las cosas que hace grande a esta película es que todo lo que sabemos llega a través de las palabras de los personajes, y aun así... la historia resulta absorbente. Cada detalle que sale a la luz te obliga a replantearte lo que parecía evidente, y al final, acabas sintiéndote una integrante más de ese jurado, analizando cada argumento y cuestionando cada prueba.

Además de plantear un interesante debate sobre la justicia, a medida que avanza la discusión, salen a la superficie prejuicios, resentimientos, miedos y experiencias personales que influyen en la forma de juzgar a los demás.

Resulta admirable comprobar cómo Sidney Lumet logra tanto con recursos tan sencillos... su puesta en escena demuestra que una gran película no depende del presupuesto, sino de una buena historia y de saber contarla.

Casi siete décadas después de su estreno, sigue conservando toda su fuerza y continúa siendo una referencia imprescindible dentro del cine judicial. Para mí, es una de las películas que deberían verse al menos una vez en la vida... o dos.... o tres... o las que te apetezca, ya que me parece una lección magistral sobre cómo contar una historia y, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la sociedad y la justicia.

Lumet convierte su ópera prima en un prodigio cinematográfico con solo doce sillas, una bombilla desnuda y la inmensa valentía de un hombre dispuesto a encender la luz en mitad de la sombra.

El extranjero

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 05 Jun 2026 20:06:18 +0000

Título original: L'Étranger
Año: 2025
Duración: 122 min.
País: Francia
Dirección: François Ozon
Guion: François Ozon
Música: Fatima Al Qadiri
Fotografía: Manuel Dacosse
Reparto:
Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud, Christophe Malavoy, Jean-Charles Clichet, Jean-Benoît Ugeux, Mar Sodupe...

Meursault (Benjamin Voisin), es un hombre dominado por una profunda apatía y desapego emocional hacia la vida, cuya indiferencia escandaliza a la sociedad desde el momento en que no derrama una sola lágrima en el entierro de su madre.

La historia da un vuelco trágico cuando, cegado por el sol sofocante de una playa, Meursault asesina a un hombre árabe sin motivo aparente. Durante el posterior proceso judicial, el sistema y la fiscalía no lo juzgan tanto por el crimen cometido, sino por su falta de remordimiento y su nula moralidad social, convirtiendo el juicio en una implacable condena a su honestidad brutal y a su incapacidad para fingir sentimientos ante un mundo absurdo.

Premio César 2026 al Mejor Actor Secundario para Pierre Lottin

La adaptación que François Ozon realiza de El extranjero se enfrenta a un desafío enorme... trasladar a la pantalla la novela de Albert Camus con todo lo que ello implica, y aunque, es cierto que el director francés aborda el proyecto con respeto, el resultado no me ha terminado de convencer.

La película nos cuenta la historia de Meursault, un hombre incapaz de relacionarse con el mundo según las normas emocionales que la sociedad considera aceptables. Todo cambia cuando, en una playa abrasada por el sol, acaba matando a un hombre en un acto tan desconcertante como difícil de explicar. A partir de ahí, el relato se convierte en el retrato de una sociedad que parece más escandalizada por la ausencia de emociones visibles que por el propio asesinato.

Ozon recrea con mucho cuidado el ambiente de la Argelia colonial, se percibe el esfuerzo por respetar el espíritu de la obra de Albert Camus y por mantener intacta su esencia, sin embargo, esa fidelidad también acaba siendo una de las principales limitaciones de la película ya que la narración reproduce con bastante precisión los hechos de la novela, pero le cuesta encontrar una manera cinematográfica de transmitir la complejidad interior de Meursault.

Benjamin Voisin compone un protagonista contenido y enigmático, un personaje difícil de interpretar porque gran parte de lo que siente —o de lo que no siente— permanece oculto... pero, al menos para mí, quienes terminan destacando son algunos de los secundarios, entre ellos especialmente Pierre Lottin.

Si hay un apartado que destaca por encima de todo lo demás es el visual... la luz, las sombras y la quietud de muchos planos crean una belleza indiscutible. Sin embargo, aunque la película respeta la obra original y luce impecable en la parte visual, rara vez consigue trascender esa condición de adaptación fiel y no aporta una mirada nueva ni profundiza de una forma distinta en los temas que plantea la novela.

Aun con esas reservas, agradezco que una obra como El extranjero vuelva a encontrar espacio en el cine actual. Siento que esta versión nos deja ante un lienzo de indiscutible belleza pero desprovisto del alma que late en el papel... impecable por fuera, pero frío e inaccesible a las emociones.

Balearic

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 31 May 2026 22:11:08 +0000

Año: 2025
Duración: 74 min.
País: España
Dirección: Ion de Sosa
Guion: Ion de Sosa, Chema García Ibarra, Burnin' Percebes, Julián Génisson y Lorena Iglesias
Música: Xenia Rubio
Fotografía: Cristina Neira
Reparto:
Lara Gallo, Elías Hwidar, Christina Rosenvinge, Maria Llopis, Luka Peros, Moisés Richart, Lorena Iglesias, Julián Génisson...

Un grupo de jóvenes, buscando un momento de diversión veraniega y hedonismo, deciden allanar y colarse en la piscina de una lujosa mansión que parece estar vacía. Sin embargo, la incursión se transforma rápidamente en una pesadilla claustrofóbica cuando tres feroces perros dóberman los emboscan y los mantienen prisioneros dentro del agua, dejándolos completamente acorralados y con una de las chicas (Lara Gallo) gravemente herida por mordeduras.

Mientras los adolescentes viven una situación extrema de supervivencia al límite, el vecindario burgués de la zona se encuentra a escasos metros celebrando una multitudinaria fiesta con paella para festejar el inicio del verano.

Balearic es una película que me ha dejado sensaciones encontradas. Durante buena parte de su metraje me pregunté varias veces hacia dónde quería llevarme y, siendo sincera, hubo momentos en los que pensé que quizá no merecía la pena seguir adelante... sin embargo, cuando terminó, me di cuenta de que detrás de esa apariencia sencilla y algo irregular había más de lo que parecía a primera vista.

La historia transcurre durante la noche de San Juan en Mallorca. Un grupo de jóvenes decide colarse en la piscina de una enorme vivienda de lujo aparentemente deshabitada para pasar una noche de diversión. Lo que comienza como una travesura veraniega acaba convirtiéndose en una situación angustiosa cuando varios dóberman los acorralan dentro del recinto y les impiden escapar. A partir de ahí, la película plantea una especie de encierro al aire libre donde el agua, el calor y el miedo terminan convirtiéndose en una trampa.

Mientras estos chicos luchan por salir de una situación cada vez más desesperada, muy cerca de allí se celebra una fiesta para dar la bienvenida al verano. Esa contradicción entre quienes sufren y quienes siguen disfrutando sin enterarse de nada es una de las ideas más interesantes de la película y poco a poco, la historia deja de ser un relato de supervivencia para hablar de las diferencias sociales, de la indiferencia colectiva y de una sociedad que parece mirar hacia otro lado incluso cuando el problema está delante de sus ojos.

Visualmente tiene momentos que consiguen crear una atmósfera extraña e hipnótica, sin embargo, creo que la película no siempre consigue sostener el interés con la misma fuerza. Algunas interpretaciones me parecieron bastante limitadas y además, el ritmo puede resultar desesperante en determinados momentos.

Aun así, lo curioso es que, cuando la película acaba, una sigue pensando en ella... hay reflexiones, frases y pequeños detalles que continúan dando vueltas en la cabeza. No puedo decir que me haya gustado especialmente ni que haya disfrutado del viaje en todo momento, porque no sería cierto, sin embargo, tampoco puedo negar que es una propuesta con una personalidad muy marcada y reconocible en su director.

Balearic tiene defectos evidentes y momentos que ponen a prueba la paciencia, pero también guarda un trasfondo interesante que termina aflorando cuando una mira más allá de su superficie.

Kill Bill. Volumen 2

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 24 May 2026 21:36:29 +0000

Título original: Kill Bill: Volume 2
Año: 2004
Duración: 137 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino

Fotografía: Robert Richardson
Reparto:
Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Gordon Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, Michael Parks, James Parks, Bo Svenson, Jeannie Epper, Caitlin Keats, Christopher Allen Nelson...

La película retoma la sangrienta odisea de venganza de Beatrix Kiddo (Uma Thurman), conocida como "La Novia" o "Mamba Negra", quien continúa en su implacable búsqueda para asesinar a los miembros restantes del Escuadrón de Asesinato Víbora Venenosa y, finalmente, a su antiguo jefe y amante, Bill (David Carradine).

Premio Saturn 2004 a la Mejor Película de Acción/Aventuras

Premio Saturn 2004 a la Mejor Actriz de Reparto para Daryl Hannah

Premio Saturn 2004 al Mejor Actor de Reparto para David Carradine

Premio Sant Jordi 2004 a la Mejor Película Extranjera

Hay secuelas que simplemente continúan una historia y otras que consiguen cerrar un viaje y Kill Bill. Volumen 2 sería esta segunda opción y aunque sigo pensando que la primera entrega me impactó más y me parece superior, esta segunda parte continúa siendo una auténtica barbaridad cinematográfica.

Es verdad que en esta segunda parte Quentin Tarantino baja un poco la velocidad frenética del primer volumen y apuesta más por las conversaciones, que tiene menos explosión visual y menos locura desenfrenada y que gana en profundidad emocional.

La película retoma la venganza de “La novia”, interpretada nuevamente por una inmensa Uma Thurman (siempre tengo la sensación que hay un oceano en su mirada) después de todo el baño de sangre vivido anteriormente y ya sólo quedan unos pocos nombres pendientes antes de llegar hasta Bill, el hombre que ordenó acabar con ella.

Me fascina cómo Tarantino mezcla estilos sin miedo alguno... hay ecos del western clásico, del cine de samuráis, del kung-fu más exagerado y hasta de un humor extraño y retorcido que aparece cuando menos te lo esperas y aun así, todo encaja dentro de su universo.

El guion me parece brillante, el montaje está muy bien construido y la música acompaña cada momento de una forma espectacular... la banda sonora vuelve a ser una maravilla. También me parece maravillosa la fotografía y, sobre todo esos primeros planos tan intensos.

En cuanto al reparto, Daryl Hannah, David Carradine y Michael Madsen están en otra dimensión.

El desenlace me parece más contenido de lo que posiblemente mucha gente esperaba pero precisamente por eso, quizás resulta todavía más demoledor. Sigue habiendo violencia, litros de sangre y escenas completamente pasadas de vueltas... Tarantino en estado puro y reconocible desde el primer minuto. Kill Bill. Volumen 2 quizá no me deslumbre tanto como la primera, pero me parece un cierre enorme para una historia inolvidable.

Una sinfonía de pólvora y sangre... un "wéstern" crepuscular donde los mitos caen, los monstruos se vuelven humanos y el viaje de "La novia" se sella para siempre.

The Smashing Machine

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 23 May 2026 22:57:27 +0000

Año: 2025
Duración: 123 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ben Safdie
Guion: Ben Safdie

Música: Nala Sinephro
Fotografía: Maceo Bishop

Reparto:
Dwayne Johnson, Emily Blunt, Bas Rutten, Paul Lazenby, Whitney Moore, Andre Tricoteux, Oleksandr Usyk, Paul Cheng, Yoko Hamamura...

Mark Kerr (Dwayne Johnson), es un legendario luchador de artes marciales mixtas (MMA) y dos veces campeón del torneo de peso pesado de la UFC. La película está ambientada entre 1997 y 2000 y profundiza en el meteórico ascenso y la posterior caída de este pionero del octágono durante los brutales e incipientes años de la disciplina.

La película contrasta la ferocidad y el apodo de "máquina aplastadora" de Kerr en el ring con sus devastadoras crisis en la vida real. Fuera de la lona, el luchador se enfrenta a una severa adicción a los analgésicos opiáceos derivada del dopaje y del tremendo castigo físico de los combates, a la par que intenta mantener a flote una relación sentimental volátil y compleja con su mujer, Dawn Staples (Emily Blunt).

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia 2025

Hay películas que parecen querer profundizar hondamente en las heridas de sus personajes, pero se quedan girando alrededor de ellas sin atreverse a zambullirse de lleno, y justo eso es lo que he sentido con The Smashing Machine, la nueva película de Ben Safdie. La película nos cuenta la historia de Mark Kerr, uno de los nombres más conocidos de los primeros años de las artes marciales mixtas, en una etapa situada entre finales de los noventa y comienzos de los dos mil, e intenta mostrar tanto el ascenso brutal de ese hombre convertido en leyenda como el desgaste físico y emocional que vino después.

Dwayne Johnson probablemente hace aquí el esfuerzo más serio de toda su carrera... se nota que quiere salir del personaje que lleva años interpretando una y otra vez, pero aun así, siento que sigue moviéndose en un registro emocional algo limitado. Funciona porque el personaje tampoco exige demasiados matices externos, y ahí encuentra una zona cómoda donde defenderse mejor de lo habitual y bueno, no diría que está mal pero tampoco termina de alcanzar el nivel de una gran interpretación.

La sensación que tuve durante gran parte de la película es que todo está demasiado calculado... es verdad que hay escenas interesantes, sobre todo en las peleas, donde Benny Safdie sabe colocar la cámara y el montaje musical tiene momentos muy buenos, pero cuando toca entrar en el dolor humano, en las adicciones, en el vacío, en toda esa oscuridad que rodeaba a muchos luchadores de aquella época, la película se queda corta, y quizá ese sea el gran problema de la película... que tiene mucho músculo pero le falta alma.

Al final, The Smashing Machine me deja la sensación que se queda en la superficie de la lona y que realmente es una crónica descafeinada sobre la caída de un titán. La película filma el sudor, la sangre y el impacto de los puños, pero se olvida de registrar el auténtico temblor del alma herida, dejándonos el amargo sabor de una tormenta que prometía arrasarlo todo y se quedó solo en un frío viento de paso. Una película que, a pesar de sus esfuerzos, termina siendo justo lo que su protagonista intentaba no ser... pura fachada sin un corazón que palpite detrás.

El carnicero

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 23 May 2026 16:13:35 +0000

Título original: Butcher’s Stain
Año: 2025
Duración: 25 min.
País: Israel
Dirección: Meyer Levinson-Blount
Guion: Meyer Levinson-Blount
Fotografía: Sefi Elisha-Nahmani
Reparto:
Omar Sameer Mahamid, Meyer Levinson-Blount, Rona Toledano, Dror Marko, Sara Raed, Oron Caspi...

Samir (Omar Sameer Mahamid), es un ciudadano árabe israelí que trabaja como carnicero en un supermercado local. Su vida se complica drásticamente cuando un compañero lo acusa de haber arrancado los carteles de los rehenes israelíes secuestrados en Gaza que estaban colgados en la sala de descanso.

A partir de esa acusación, Samir se ve envuelto en una tensa lucha contra el racismo y la sospecha colectiva dentro de su entorno laboral. Desesperado por no perder el empleo que tanto necesita para subsistir, el protagonista emprende una carrera contrarreloj para demostrar su inocencia en medio de un clima de trauma colectivo y profunda polarización política.

Se tiene que morir mucha gente

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 22 May 2026 23:07:14 +0000

Año: 2026

Temporadas: 1 temporada (6 episodios)

País: España

Dirección: Victoria Martín, Sandra Romero y Nacho Pardo

Guion: Victoria Martín

Música: Remate

Fotografía: Angello Faccini

Reparto:

Anna Castillo, Macarena García, Laura Weissmahr, Sofía Otero, Alba Galocha, Óscar de la Fuente...

Bárbara (Anna Castillo), Maca (Laura Weissmahr) y Elena (Macarena García) son tres mujeres que fueron mejores amigas en el colegio y que, 20 años después, intentan mantener a flote su relación en plena crisis de la mediana edad.

Se tiene que morir mucha gente, creada por Victoria Martín, Sandra Romero y Nacho Pardo, me ha parecido una de esas series que cuando termina el capítulo, no puedes evitarlo y necesitas poner el siguiente. Basada en la novela de la propia Victoria Martín, consigue algo muy difícil, al menos para mí... hacerte reír mientras, por debajo de todo ese humor ácido y disparatado, asoma también la tristeza, las inseguridades y el caos emocional de unos personajes que sientes muy reales y cercanos.

La serie tiene un humor muy vivo, muy actual, cargado de ironía y situaciones absurdas que funcionan precisamente porque resultan creíbles dentro de esa locura cotidiana que plantea. Hay escenas realmente delirantes y diálogos con muchísimo ritmo, pero detrás de todo eso también hay heridas, frustraciones y relaciones que se tambalean constantemente.

El reparto está espectacular... Anna Castillo vuelve a demostrar el talento enorme que tiene, Macarena García es como siempre maravillosa con esa luz tan especial que brilla en sus ojos y su sonrisa. Entre ambas hay una conexión y química increíble que viene ya de largo, y eso se nota y mucho, porque es inevitable ver la complicidad entre ellas.

También me ha encantado Laura Weissmahr, que aporta un equilibrio perfecto al grupo, y la joven Sofía Otero, que está absolutamente brillante, que tiene una naturalidad impresionante y un desparpajo que hace imposible no quedarse mirándola cada vez que aparece.

Y como regalo... la canción de Amaral creada especialmente para la serie, que acaba redondeando aún más la personalidad de la historia.

La verdad que he disfrutado muchísimo esta serie porque tiene esa energía fresca y despreocupada de las comedias que simplemente te hacen sentir bien. Es divertida, ligera cuando tiene que serlo, pero también inteligente y muy consciente de lo que quiere contar.

Se tiene que morir mucha gente es el reflejo de un espejo agrietado pero extrañamente hermoso... es el eco de las risas que compartimos para no llorar ante el abismo de hacernos mayores, y el recordatorio de que, entre el caos, las heridas y las verdades que duelen, la verdadera balsa de salvación sigue siendo la mirada cómplice de quienes nos conocen desde siempre.

Kill Bill. Volumen 1

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 18 May 2026 02:00:47 +0000

Título original: Kill Bill: Volume 1
Año: 2003
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Richardson
Reparto:
Uma Thurman, Lucy Liu, Daryl Hannah, Vivica A. Fox, Sonny Chiba, Chiaki Kuriyama, Michael Bowen, Julie Dreyfus, Michael Parks, David Carradine, Michael Madsen, Gordon Liu, Jun Kunimura...

La Novia (Uma Thurman), es una antigua asesina de élite que, tras despertar de un coma de cuatro años, emprende una implacable misión de venganza contra el escuadrón criminal que masacró a los invitados el día de su boda e intentó matarla por orden de su enigmático jefe y examante, Bill (David Carradine).

Tras recuperar la consciencia, la protagonista elabora una lista negra con los cinco responsables de la matanza.

En este primer volumen, viaja a Japón para armarse con una catana única forjada por el maestro Hattori Hanzō (Sonny Chiba) y se dirige a Tokio para saldar cuentas con su primer gran objetivo: O-Ren Ishii (Lucy Liu), convertida ahora en la líder de la Yakuza.

Premio del Público en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2003

Premio Saturn 2003 a la Mejor Película de Acción / Aventuras

Premio Saturn 2003 a la Mejor Actriz para Uma Thurman

Premio Sant Jordi 2004 a la Mejor Película Extranjera

Hay películas que no necesitan que nadie explique de qué van porque hablan solas a través de las imágenes, de la música y de la manera en la que cada escena te golpea... nunca mejor dicho en esta ocasión. Eso es exactamente lo que pasa con Kill Bill: Vol. 1., que más que una película de acción es una explosión absoluta donde hay escenas que parecen coreografías, momentos donde la violencia se mezcla con una belleza casi hipnótica e incluso, a veces pienso que si fuese una película muda... seguiría siendo igual de impactante.

Es verdad que la historia avanza algo desordenada, dividida en capítulos que tienen estilos totalmente distintos entre sí y en esta primera parte nos encontramos con una mujer que despierta después de 4 años en coma y empieza a tachar nombres de una lista de personas que le destrozaron la vida.

La película es una mezcla salvaje y maravillosa de referencias... cine de samuráis, western moderno, artes marciales, cómic, cultura pop japonesa, luces de neón, katana en mano y estética imposible de olvidar. Tarantino hace literalmente lo que quiere y convierte ese caos en una historia con personalidad propia. Hay excesos, claro... estamos hablando de Tarantino, quien lleva todo al límite, como si quisiera convertir la venganza en un espectáculo cinematográfico gigantesco y la verdad que lo consigue.

La música es uno de los grandes corazones de la película, como pasa con las películas de Tarantino, pero si hay algo, mejor dicho, alguien, que destaca por encima de todo es Uma Thurman, que se adueña de toda la película, aunque es cierto que sería injusto no mencionar a unos estupendos secundarios como Lucy Liu.

Haciendo un pequeño resumen diría que Kill Bill: Vol. 1 es una carta de amor salvaje al propio cine, un festín donde Quentin Tarantino coge todos los géneros que ama, los mete en una coctelera de sangre y neón, y nos sirve una obra icónica. Me quedo con ese duelo final bajo la nieve entre La Novia y O-Ren Ishii, donde el estruendo de las katanas da paso a un silencio poético y casi místico, demostrando que detrás de cada salpicadura de sangre hay una belleza plástica incontestable.

Solamente puedo decir que yo personalmente la he disfrutado muchísimo. Es pura adrenalina, sangre, música inolvidable... una locura visual servida como un festín de cine y palomitas.

Recién nacidas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 17 May 2026 14:28:17 +0000

Título original: Jeunes mères
Año: 2025
Duración: 104 min.
País: Bélgica
Dirección: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Guion: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Fotografía: Benoît Dervaux
Reparto:
Elsa Houben, Babette Verbeek, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi, India Hair...

La película transcurre en un centro de acogida en Lieja, Bélgica, donde las vidas de Jessica (Babette Verbeek), Perla (Lucie Laruelle), Julie (Elsa Houben), Ariane (Janaina Halloy) y Naïma (Samia Hilmi) han tenido que madurar de golpe.

Criadas en entornos marcados por la precariedad, la ausencia de apoyo familiar, el abandono o el maltrato, las adolescentes comparten espacio en el refugio mientras luchan de cinco maneras diferentes por construir un futuro mejor para ellas y sus bebés.

Premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes 2025

Jeunes mères de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, es una película que mira de frente a esas personas, quienes casi siempre quedan apartadas y que sobreviven como pueden mientras intentan encontrar un poco de estabilidad en medio del caos.

Sinceramente, no entiendo por qué aquí le han cambiado el título original por el de Recién nacidas, (que manía con inventarse los títulos), ya que desde mi punto de vista, pierde valor respecto a lo que realmente nos cuentan los hermanos belgas... la vida de varias chicas muy jóvenes que acaban de ser madres y que intentan decidir qué hacer con sus vidas y con las de sus hijos mientras viven en un centro de acogida. Todas arrastran heridas distintas... algunas vienen marcadas por el abandono familiar, otras por relaciones dependientes o por una pobreza que parece no dejarles respirar, pero, a pesar de ello, la película nunca cae en el dramatismo fácil ni en la pena impostada.

Los Dardenne llevan años construyendo un cine muy pegado a la realidad y aquí vuelven a hacerlo con esa sensibilidad tan suya. Filman a estas jóvenes desde la cercanía... unas chicas llenas de contradicciones, de errores, de miedo y también de ganas de seguir adelante.

Es verdad que al contar varias historias en una misma película no todas pueden desarrollarse con la misma profundidad. Algunas apenas aparecen esbozadas y me habría gustado conocer más sobre ciertas protagonistas, aun así, no siento que eso perjudique al conjunto porque lo importante es ese instante decisivo en sus vidas donde todavía existe la posibilidad de cambiar las cosas.

Dentro de toda la dureza que atraviesa la película, también hay espacio para algo importante, muy importante: la esperanza... porque Jeunes mères habla de segundas oportunidades y de la posibilidad de reconstruirse.

Resumiendo diría que Jeunes mères me hace quedarme con esa esperanza que surje de la red de apoyo mutuo y de la inmensa valentía de quienes, teniendo todo en contra, deciden no rendirse. Una película que nos regala un retazo de vida auténtico y nos demuestra que, mientras quede un hilo de aliento y una mano dispuesta a sostener a otra, siempre habrá espacio para empezar de nuevo.

El forajido y su esposa | Los proscritos

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 16 May 2026 23:30:07 +0000

Título original: Berg-Ejvind och hans hustru
Año: 1918
Duración: 136 min.
País: Suecia
Dirección: Victor Sjöström
Guion: Sam Ask y Victor Sjöström
Fotografía: Julius Jaenzon
Reparto:
Victor Sjöström, Edith Erastoff, John Ekman, Jenny Tschernichin-Larsson, Artur Rolén, Nils Ahrén, Emil Fjelström, Gucken Cederborg, Hildur Carlberg, Sigurd Wallén...

Ejvind (Victor Sjöström), es un hombre acosado por el hambre que cometió un pequeño robo en el pasado y que escapa a las montañas para evitar la cárcel y adopta una identidad falsa bajo el nombre de Kári.

Consigue trabajo en la granja de Halla (Edith Erastoff), una viuda rica y respetada. Con el tiempo, ambos se enamoran profundamente, pero cuando las autoridades descubren el pasado de Ejvind, Halla decide renunciar a todas sus riquezas y huir con él a las montañas más inhóspitas.

Juntos inician una dura vida como forajidos, donde su amor se convertirá en su único refugio frente a la implacable persecución de la sociedad y la brutal hostilidad del invierno.

Hay películas que parecen hechas de nieve, de viento y de silencio y El forajido y su esposa, también conocida como Los proscritos, me ha parecido una de esas historias... y tengo que decir que la he disfrutado muchísimo, muchísimo más de lo que esperaba. Me ha atrapado desde el principio y no me ha soltado hasta ese final tan duro, tan hermoso y tan triste al mismo tiempo.

La película, dirigida y protagonizada por Victor Sjöström, tiene algo especial... es una historia sobre dos personas arrinconadas por una sociedad incapaz de perdonar, dos seres humanos intentando sobrevivir mientras el mundo les da la espalda.

La película está construida en 7 actos y está basada en la obra teatral Fjalla Eyvindur de Jóhann Sigurjónsso, donde nos cuenta la historia de Ejvind, un hombre marcado por un robo cometido tiempo atrás a causa del hambre que escapa para evitar la cárcel y termina trabajando bajo una identidad falsa en la granja de Halla, una viuda con dinero y una gran posición social. Entre ambos nace un amor profundo, pero cuando el pasado de él sale a la luz, ella decide abandonarlo todo para marcharse con él a las montañas.

Hay imágenes que se te quedan grabadas como esa lucha constante contra el invierno, contra la montaña y contra el destino que acaba convirtiéndose en una tragedia inevitable y precisamente ahí es donde siento que la película alcanza toda su grandeza, porque habla del amor, sí... pero también de la culpa, de la pobreza, del castigo social y de cómo algunas personas terminan expulsadas del mundo simplemente por intentar sobrevivir.

Resumiendo diría que El forajido y su esposa.. o Los proscritos es una película que me ha hecho sentir que el amor más puro solo puede respirar en los márgenes de la civilización, aunque el precio a pagar sea la propia existencia. Victor Sjöström filma la nieve como el lienzo blanco donde se escribe el destino inevitable de sus personajes... un sudario que va cubriendo sus huellas hasta borrarlos del mundo. Me quedo con ese desenlace desolador y bellísimo, donde el frío exterior se funde con el dolor de la culpa y el aislamiento, dejándonos una de las imágenes más impresionantes del cine mudo. Una película que más de un siglo después de su filmación, consigue congelarte el aliento, demostrando que la mayor calidez humana, a veces, solo se encuentra en el abrazo final de dos almas que prefirieron la inmensidad de la tormenta a la mezquindad del hombre.

La viajera

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 10 May 2026 16:02:00 +0000

Título original: Yeohaengjaui pilyo
Año: 2024
Duración: 90 min.
País: Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Reparto:
Isabelle Huppert, Lee Hye-young, Kwon Hae-hyo, Cho Yun-hee, Ha Seong-guk...

Iris (Isabelle Huppert) es una mujer francesa de origen misterioso que deambula por Seúl. Sin dinero ni medios para mantenerse, comienza a trabajar como profesora de francés utilizando un método poco convencional: pide a sus alumnos que expresen emociones profundas y personales, que ella traduce y anota en tarjetas para que las memoricen.

Mientras vaga por parques, toca la flauta dulce y disfruta del makgeolli (vino de arroz coreano), Iris entabla conversaciones introspectivas con extraños que revelan la dificultad de comunicar lo que realmente sentimos.

Oso de Plata - Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Berlín 2024

La viajera es una de esas películas que te puede fascinar o desesperar... en mi caso, me dejó en una especie de tierra de nadie entre el interés y el cansancio.

La película pone en el foco central a Iris, una mujer que se mueve por Seúl dando clases de francés con un método tan extraño como abstracto, basado más en las emociones que en las palabras. La idea podría haber dado pie a algo realmente especial, pero la sensación que tuve es que la película se queda girando continuamente sobre sí misma, repitiendo gestos, conversaciones y silencios hasta vaciar por completo lo que intenta transmitir. Hay momentos en los que parece buscar una profundidad enorme en cosas muy pequeñas, aunque muchas veces lo único que consigue es quedarse suspendida en una especie de apatía constante.

Es verdad que el cine de Hong Sang-soo funciona así... sus personajes aparecen y desaparecen casi sin contexto y aquí juega con esa forma de narrar, tan libre como desordenada.

La película quiere ser delicada, casi flotante, pero en bastantes escenas se vuelve fría y distante y esa idea de “sentir las palabras” termina por parecer más un eco vacío que como algo realmente transformador.

Lo curioso es que, pese a todo, esa manera de mirar a los personajes puede resultar incluso divertida si consigues entrar en el juego de Hong Sang-soo, pero detrás de esa aparente sencillez hay una película que puede resultar plana, repetitiva y demasiado encerrada en sí misma.

Al final, La viajera se queda suspendida en esa extraña zona donde la sencillez roza la intrascendencia. Me ha resultado una película que, al igual que su protagonista, parece caminar sin rumbo fijo, confiando en que el azar y el alcohol rellenen los huecos de un guion que se desvanece mientras se escribe.

Me quedo con la presencia magnética de Isabelle Huppert y con Lee Hye-young en esta película que, como el método de Iris, nos pide sentir más que entender, aunque al terminar el viaje la sensación sea la de haber contemplado un paisaje hermoso a través de un cristal empañado.