Un rincón de palomitas

Golpes

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Apr 2026 23:31:00 +0000

Año: 2025
Duración: 101 min.
País: España
Dirección: Rafael Cobos
Guion: Rafael Cobos y Fernando Navarro
Música: Bronquio
Fotografía: Sergi Vilanova
Reparto:
Luis Tosar, Jesús Carroza, Teresa Garzón, Cristina Alcázar, Carlos Bernardino, Cristalino, Mafo, Antonio Estrada, María José Mariscal, Alejandro Escamilla...

En la Sevilla de 1982, Migueli (Jesús Carroza) sale de prisión con la intención de saldar deudas del pasado y prosperar.

Para lograrlo, reúne a su antigua banda y comete una serie de atracos que lo ponen en el punto de mira de la policía, liderada precisamente por su hermano Sabino (Luis Tosar), quien conoce a la perfección sus métodos y debe decidir entre la ley o la familia.

Hay historias que parten de una herida y Golpes es justo eso... una historia que gira en torno a dos hermanos que viven en lados opuestos sin poder dejar de mirarse. Migueli sale de la cárcel con una idea fija... recuperar a su padre, darle un lugar digno y cerrar una historia que les rompió en mil pedazos su infancia, pero para eso necesita dinero, y el camino que conoce no es precisamente el mejor para conseguirlo, así que se lanza a una cadena de atracos que, inevitablemente, lo colocan justo delante de su hermano Sabino, que es policía.

La idea en principio, es muy interesante y la verdad que tiene un buen comienzo, pero también es verdad que hay algunas partes que me desconectaron completamente de la trama con escenas que se repiten en tono e intención... quizás me faltó un poco más de riesgo y sobre todo, algo que me atrapase de verdad.

Aun así, hay cosas interesantes, como la interpretación de Jesús Carroza, que sin ninguna duda, es quien más destaca de todo el reparto, pero, también me ha gustado... y mucho, la interpretación de Teresa Garzón, a la que no hay que perder la pista, porque creo que nos puede dar muchas sorpresas, si tiene la suerte de que sigan contando con ella para más películas.

A nivel visual, no hay discusión posible ya que es otro de los puntos más destacables y su banda sonora a manos de Bronquio también merece una mención especial, ya que no es la primera vez que escucho una banda sonora suya y tiene un estilo muy reconocible y destacable.

Las escenas de acción cumplen, pero no llegan a impresionar, ya que me faltó quizás una sensación mayor de pelígro... es como si le faltase más calle, más barrio, más verdad.

Al final, por hacer un pequeño resumen, diría que Golpes me ha dejado una sensación un poco agridulce... tiene una base muy potente, momentos que funcionan bien y un conflicto que podría haber sido mucho más rompedor, pero se queda a medio camino. Aún así, hay algo en ella que te deja dándole vueltas a la cabeza y quizá sea la idea de que hay heridas que, por mucho tiempo que pase, siguen marcando nuestro rumbo y nuestra vida.

Jurassic Park III (Parque Jurásico III)

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Apr 2026 18:16:00 +0000

Título original: Jurassic Park III
Año: 2001
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Joe Johnston
Guion: Peter Buchman, Alexander Payne y Jim Taylor
Música: Don Davis
Fotografía: Shelly Johnson
Reparto:
Sam Neill, William H. Macy, Téa Leoni, Alessandro Nivola, Trevor Morgan, Michael Jeter, Laura Dern, Bruce A. Young, John Diehl, Julio Oscar Mechoso...

El paleontólogo Alan Grant (Sam Neill) es engañado por Paul (William H. Macy) y Amanda Kirby (Téa Leoni), una pareja que busca a su hijo Eric (Trevor Morgan), desaparecido en la Isla Sorna.

Tras un aterrizaje forzoso, el grupo debe sobrevivir al acoso de un Spinosaurus y a una manada de velocirraptores inteligentes mientras intentan escapar de la isla con la ayuda de Billy Brennan (Alessandro Nivola).

Cuando ves Jurassic Park III, lo haces con esa mezcla rara de cariño por la saga y cierta desconfianza, ypor desgracias, la verdad es que mi intución no me ha fallado.

Esta tercera entrega, dirigida por Joe Johnston, nació con prisas y eso se nota desde el principio ya que a diferencia de las dos anteriores, no parte de ninguna historia de Michael Crichton, y ni siquiera John Williams regresó para componer la banda sonora y lo único que me transmite es la sensación de que el estudio quería sacar otra película sí o sí, a costa de lo que sea... y claro, cuando empiezas una película con un guion a medio hacer, es complicado que el resultado funcione. La historia avanza de forma atropellada, con decisiones que no terminan de tener sentido y personajes fuera de lugar. el resultado final... que no terminas de conectar del todo con ellos.

Vale... no todo es negativo. La isla sigue teniendo ese aire salvaje que siempre me ha gustado, la escena de la pajarera creo que es de lo mejor de la película y por un momento consigue meterte en la historia y también me gustaron esos instantes en los que aparecen grupos de dinosaurios moviéndose juntos, pero incluso en la parte visual, que siempre ha sido uno de los puntos fuertes de la saga, no termina de destacar y fascinarte.

En conjunto, para mí es la más floja de toda la franquicia... aun así, no voy a negar que tiene su parte entretenida y si la ves sin grandes pretensiones, puede pasar un rato entretenido.

Me da un poco de pena, porque al final se queda en una película que podría haber sido mucho más y que se salva por los pelos solo por algunos momentos que te recuerdan por qué esta historia, en su esencia, sigue siendo tan fascinante.

El padrino

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 05 Apr 2026 18:34:00 +0000

Título original: The Godfather
Año: 1972
Duración: 175 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Francis Ford Coppola
Guion: Francis Ford Coppola y Mario Puzo
Música: Nino Rota
Fotografía: Gordon Willis
Reparto:
Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard S. Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo, Rudy Bond, John Marley, Richard Conte...

Nueva York de la posguerra, el clan de los Corleone es una de las "Cinco Familias" de la mafia ítalo-americana. El patriarca, Don Vito Corleone (Marlon Brando), es un hombre poderoso, respetado y temido que rige su imperio bajo un estricto código de honor y lealtad familiar.

El conflicto estalla cuando Don Vito se niega a entrar en el emergente negocio del narcotráfico, lo que provoca un brutal atentado contra su vida y desata una guerra sangrienta entre las familias rivales.

Ante la debilidad de su padre y la impulsividad de su hermano mayor, Sonny, el hijo menor de Vito, Michael Corleone (Al Pacino) —un héroe de guerra que inicialmente quería mantenerse al margen de los negocios turbios de su padre—, se ve obligado a tomar las riendas.

Oscar 1973 a la Mejor Película

Oscar 1973 al Mejor Actor Principal para Marlon Brando

Oscar 1973 al Mejor Guion Adaptado

Globo de Oro 1973 a la Mejor Película de Drama

Globo de Oro 1973 a la Mejor Dirección

Globo de Oro 1973 al Mejor Actor Principal de Drama para Marlon Brando

Globo de Oro 1973 al Mejor Guion

Globo de Oro 1973 a la Mejor Banda Sonora Original

Premio Anthony Asquith a la Mejor Música en los BAFTA 1973

Sindicato de Guionistas (WGA) 1973 al Mejor Guion Adaptado de Drama

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1972 al Mejor Actor de Reparto para Robert Duvall

National Society of Film Critics Award 1972 al Mejor Actor para Al Pacino

National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1972 al Mejor Actor Secundario para Al Pacino

Premio David di Donatello 1973 al Mejor Film Extranjero

Premio David di Donatello 1973 Premio Especial para Al Pacino

Directors Guild of America Award (DGA) 1972 a la Mejor Dirección/Película

Hay películas que parecen intocables, que todo el mundo las clasifica y las eleva a lo más alto del olimpo cinematográfico y que no puedes decir nada malo de ellas porque una avalancha de "sabios" se te echan encima... pues a mi me pasa eso con El padrino, película basada en la novela de Mario Puzo,

No puedo decir que sea una mala película, ni de lejos. Marlon Brando está enorme y Al Pacino está fantástico, al igual que la espectacular banda sonora, la ambientación y frases que ya forman parte de la cultura popular... sí, lo sé, todo encaja y aparentemete es perfecto, pero a mí se me ha quedado un poco atragantada, especialmente porque no hay un momento que pueda decir que me ha atravesado el alma y me haya hecho sentir, y hecho en falta ese pequeño "click" que hace que una historia te toque por dentro.

El cine no es una fórmula exacta, aunque haya quien lo crea así... no funciona como una suma de elementos bien hechos que automáticamente te llevan a emocionarte. Puedes tener grandes interpretaciones, una dirección impecable, una fotografía preciosa… y aun así no conectar... y al final, lo que importa es lo que te provoca, lo que te hace sentir y eso no se puede medir.

Por eso, aunque entiendo perfectamente por qué El padrino está donde está y por qué tanta gente la considera una obra enorme, yo no consigo colocarla en ese lugar. La veo como una película muy bien hecha, pero no como una de esas que me remueven por dentro o que se me quedan grabadas para siempre.

No la recuerdo por una escena concreta, ni por un instante que me haya dejado sin palabras. La recuerdo como un todo correcto, casi impecable… pero sin ese latido que, para mí, marca la diferencia... y al final, en algo tan personal como el cine, como en casi todo en esta vida, las emociones son las que te hacen moverte y expresarte.

La mitad del cielo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 04 Apr 2026 14:04:00 +0000

Año: 1986
Duración: 127 min.
País: España
Dirección: Manuel Gutiérrez Aragón
Guion: Manuel Gutiérrez Aragón y Luis Megino
Música: Milladoiro
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto:
Ángela Molina, Margarita Lozano, Fernando Fernán Gómez, Antonio Valero, Nacho Martínez, Santiago Ramos, Francisco Merino, Enriqueta Carballeira, Julia Martínez, Concha Leza, Mónica Molina...

Durante la posguerra española, en un pequeño pueblo de Cantabria, Rosa (Ángela Molina), una joven viuda y humilde, decide abandonar la vida rural tras la muerte de su marido para buscar un futuro mejor. Se traslada a Madrid con su hija pequeña y su abuela.

En la capital, Rosa empieza a trabajar como ama de llaves y nodriza para un influyente jefe de abastos. Gracias a su inteligencia, su intuición y su habilidad en la cocina, comienza a escalar socialmente en un mundo dominado por hombres.

Su ascenso culmina con la apertura de su propio restaurante, que se convierte en un centro de reunión para la élite política y social.

Goya 1987 a la Mejor Música Original

Concha de Oro a la Mejor Película en el Festival de San Sebastián 1986

Concha de Plata a la Mejor Actriz para Ángela Molina en el Festival de San Sebastián 1986

Fotogramas de Plata 1987 a la Mejor Película Española según la crítica

Fotogramas de Plata 1987 a la Mejor Actriz de Cine para Ángela Molina

Fotogramas de Plata 1987 al Mejor Actor de Cine para Fernando Fernán Gómez

Tú y yo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 04 Apr 2026 00:02:00 +0000

Título original: Love Affair
Año: 1939
Duración: 87 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Leo McCarey
Guion: Donald Ogden Stewart y Delmer Daves
Música: Roy Webb
Fotografía: Rudolph Maté
Reparto:
Irene Dunne, Charles Boyer, Maria Ouspenskaya, Maurice Moscovitch, Lee Bowman, Astrid Allwyn, Scotty Beckett, Ferike Boros, Bess Flowers...

Michel Marnet (Charles Boyer), es un elegante playboy francés, y Terry McKay (Irene Dunne), una cantante estadounidense. Ambos se conocen a bordo de un transatlántico que viaja de Europa a Nueva York. Aunque ambos están comprometidos con otras personas, se enamoran profundamente durante el trayecto.

Al llegar a Nueva York, deciden poner a prueba su amor: se dan un plazo de seis meses para arreglar sus vidas, buscar empleos estables y demostrar que su sentimiento es real.

Acuerdan encontrarse en lo más alto del Empire State Building. Sin embargo, el día de la cita, un trágico accidente impide que uno de ellos llegue, lo que da lugar a una serie de malentendidos y un reencuentro cargado de emoción meses después.

Tú y yo es una deliciosa película que empieza en un barco, con dos personas que se cruzan casi por casualidad: él, un hombre elegante y seguro de sí mismo... ella, una mujer que te atrapa desde el primer momento. Los dos están comprometidos con otras personas, pero eso no impide que, durante el viaje, surja entre ellos el amor.

Cuando llegan a Nueva York, deciden separarse durante unos meses para ordenar sus vidas y comprobar si lo que sienten es de verdad y quedan en reencontrarse en lo más alto del Empire State Building, con la idea de empezar de cero... pero el destino se cruza en sus caminos y lo cambia todo.

La verdad es que la película tiene un encanto muy especial, especialmente gracias a la pareja protagonista, ya que Charles Boyer e Irene Dunne tienen una química que traspasa la pantalla y que hizo que se volviesen a encontrar en alguna que otra película más.

Con un gran guion y unos magníficos diálogos, el director consigue que la historia te llegue de una manera que a veces echo de menos en las películas más actuales.

Es verdad que puede parecer una historia sencilla e incluso previsible en algunos momentos, pero no importa... porque Tú y yo es el ejemplo perfecto de ese cine romántico que te hace soñar, que te habla de segundas oportunidades y que es capaz de dibujarte una sonrisa.

Ojalá no se perdieran nunca este tipo de películas y podamos seguir disfrutándolas... pase el tiempo que pase.

Los creyentes

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 29 Mar 2026 23:08:00 +0000

Título original: Rörelser | Raptures
Año: 2025
Duración: 108 min.
País: Suecia
Dirección: Jon Blåhed
Guion: Jon Blåhed
Música: Rebekka Karijord
Fotografía: Mimmo Hildén
Reparto:
Jessica Grabowsky, Jakob Öhrman, Hannes Suominen, Samuli Niittymäki, Alma Pöysti, Elina Knihtilä, Hannu-Pekka Björkman...

Suecia, años 30. La vida de Rakel (Jessica Grabowsky), una ferviente creyente cristiana que vive en una comunidad rural cambia drásticamente cuando su marido (Jakob Öhrman) funda un movimiento sectario extremista alegando recibir "instrucciones directas de Dios".

A medida que el culto se vuelve más explícito y tiránico, Rakel se ve atrapada en una espiral de fanatismo que la obliga a elegir entre su lealtad espiritual, el bienestar de su hija y su propia libertad personal.

Premio VPRO Big Screen en el Festival Internacional de Rotterdam 2025

Premio Guldbagge 2026 de la Academia de Cine Sueca a la Mejor Actriz para Jessica Grabowsky

Premio Guldbagge 2026 de la Academia de Cine Sueca a la Mejor Música

El mundo perdido: Jurassic Park

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 29 Mar 2026 19:32:00 +0000

Título original: The Lost World: Jurassic Park
Año: 1997
Duración: 129 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Steven Spielberg
Guion: David Koepp
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto:
Jeff Goldblum, Julianne Moore, Vince Vaughn, Pete Postlethwaite, Arliss Howard, Vanessa Lee Chester, Richard Schiff, Peter Stormare, Richard Attenborough, Thomas F. Duffy, Camilla Belle, Joseph Mazzello, Ariana Richards...

Han pasado cuatro años desde el desastre del parque original. El matemático Ian Malcolm (Jeff Goldblum) descubre que John Hammond ha perdido el control de su compañía, InGen, frente a su ambicioso sobrino.

Hammond convence a Malcolm para que se una a una expedición científica para documentar a los animales en su entorno natural, con el fin de proteger la isla como una reserva biológica.

Malcolm acepta a regañadientes solo para rescatar a su novia, la paleontóloga Sarah Harding (Julianne Moore), que ya está allí sola. Sin embargo, los planes de conservación se complican cuando llega un segundo equipo de InGen: un grupo de cazadores fuertemente armados cuya misión es capturar a los dinosaurios para llevarlos a un nuevo zoológico en San Diego.

Ambos grupos deberán unir fuerzas para sobrevivir cuando los depredadores, liderados por una pareja de T-Rex, comienzan a darles caza.

El mundo perdido: Jurassic Park, basada en la novela de Michael Crichton, me deja una sensación un poco contradictoria... por un lado, es una película que se disfruta, que tiene ritmo, pero por otro, es imposible no compararla con la primera, y ahí es donde sale perdiendo porque no llega al mismo nivel.

La historia nos sitúa unos años después de lo ocurrido en el parque original. Esta vez se traslada a una isla donde los dinosaurios viven sueltos, sin control humano, en un entorno mucho más salvaje y a partir de ahí, la película arranca como una expedición que pretende observar y proteger a los dinosaurios, pero pronto se convierte en una lucha por sobrevivir cuando entra en juego otro grupo de personas con intereses muy distintos.

Me gusta ese cambio de escenario porque le da un tono más oscuro, donde hay más violencia, más sensación de peligro real y los dinosaurios son una amenaza constante.

La película no da respiro, pasa de una escena a otra con mucha acción, persecuciones, ataques y en ese sentido funciona bastante bien, pero también siento que, en medio de todo ese espectáculo, se pierde esa mezcla de asombro y reflexión que tenía la primera película, ya que aunque sigue habiendo una idea de fondo interesante no se desarrolla con la misma fuerza.

En general, la película funciona como entretenimiento... es ágil y mantiene el interés, pero también me da la sensación de repetir fórmulas, de intentar recrear lo que ya funcionó sin encontrar del todo una identidad propia.

No diría que es una mala película, ni mucho menos... simplemente juega en una liga muy complicada, aunque si la ves sin compararla demasiado, se disfruta, pero si esperas sentir lo mismo que con la primera, lo más probable es que te quedes un poco a medias.

Cabiria

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 29 Mar 2026 17:51:00 +0000

Título original: Cabiria, Visione Storica del Terzo Secolo A.C

Año: 1914
Duración: 126 min.
País: Italia
Dirección: Giovanni Pastrone

Guion: Gabriele D'Annunzio y Giovanni Pastrone

Música: Manlio Mazza

Fotografía: Augusto Battagliotti, Eugenio Bava, Natale Chiusano, Segundo de Chomón, Carlo Franzeri y Giovanni Tomatis

Reparto:
Lidia Quaranta, Bartolomeo Pagano...

Siglo III a. C., durante la Segunda Guerra Púnica, en Sicilia, la niña noble Cabiria y su nodriza huyen de la erupción del volcán Etna, siendo capturadas por piratas fenicios.

La pequeña es vendida como esclava en Cartago para ser sacrificada al dios Moloch en un horno de fuego. Es rescatada en el último momento por el noble romano Fulvio Axilla y su fuerte esclavo, Maciste.

Ver en nuestros días Cabiria es como asomarse al origen de todo y es casi como presenciar el momento en el que el cine empieza a entenderse a sí mismo como un espectáculo.

La película nos lleva a la época de las guerras entre Roma y Cartago, cuando una niña, Cabiria, logra escapar de la erupción del volcán Etna, pero termina siendo capturada y vendida lejos de su hogar, en una tierra donde su vida corre peligro... y a partir de ahí, la película se convierte en una aventura llena de viajes, rescates y enfrentamientos, con personajes que se cruzan en su camino para ayudarla.

Siendo una película de 1914, en algunos momentos me quedo con la sensación de estar viendo algo sorprendentemente moderno... los escenarios son enormes, con una sensación constante de grandeza, hay muchísima gente en pantalla, movimientos muy coordinados, animales, paisajes muy distintos… desde zonas volcánicas hasta desiertos o ciudades imponentes.

También me ha llamado la atención la forma en la que se mueve la cámara en algunos planos y la verdad, que teniendo en cuenta la época en la que fue rodada, hay escenas y planos que me parecen fantásticos. Habrá a quien igual le parezca sencillo si se mira con los ojos de la actualidad cinematográfica... pero en ese momento imagino que sería grandioso verlo por vez primera.

Es verdad que, vista desde ahora, puede tener partes que se notan propios de su tiempo, pero aun así, me parece espectacular, porque siento que a través de ella puedes sentir como nace esa idea del cine como algo grande, ambicioso, pensado para asombrarnos y hacernos solar y estoy convencida que muchas de las películas de aventuras que vinieron después beben directamente de ella.

Armado solo con una cámara: Vida y muerte de Brent Renaud

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 28 Mar 2026 23:43:00 +0000

Título original: Armed Only with a Camera: The Life and Death of Brent Renaud

Año: 2025
Duración: 38 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Craig Renaud

Música: Peter G. Adams, Bonnie Montgomery y Luca Mattison Tafoya

Fotografía: Jon Alpert, Juan Arredondo, Stephen Bailey, Christof Putzel, Craig Renaud y Andy Sarjahani

Brent Renaud, fue el primer periodista estadounidense asesinado durante la guerra de Ucrania en 2022. Dirigido por su hermano y colaborador habitual, Craig Renaud, el documental narra la trayectoria de Brent como cineasta comprometido con las historias humanas en las zonas de conflicto más peligrosas del mundo, desde Irak y Somalia hasta las rutas migratorias en Centroamérica.

La obra combina material de archivo inédito de sus décadas de carrera con las grabaciones finales de Brent en Ucrania, recuperadas por su hermano.

Ver Armado solo con una cámara: Vida y muerte de Brent Renaud me ha dejado con una sensación difícil de explicar, porque no es un documental fácil de digerir, más bien todo lo contrario, incluso hay escenas que me han resultado imposibles de mantener la mirada, pero aún así, pese a la dureza, creo que merece la pena verlo.

Es un mediometraje que nos cuenta quién fue Brent Renaud, un periodista que perdió la vida en 2022 mientras cubría la guerra de Ucrania, pero más allá de ese final tan terrible, lo que hace el documental es mirar hacia atrás y enseñarnos todo el camino que recorrió hasta llegar a ese final.

Está dirigido por su hermano, Craig Renaud, y pese que an algún momento me ha costado entender ciertas escenas rodadas, finalmente las entiendo como un intento de recordarle y también de rendirle homenaje. A través de imágenes grabadas durante años vamos descubriendo a una persona que dedicó su vida a contar historias en lugares complicados... guerras, crisis, situaciones límite donde casi nadie quiere estar.

Me impactado la forma de mirar a través de la cámara que tenía Brent, ya que en realidad, lo que hacía era ir a buscar a las personas que estaban dentro de los conflictos y no a contar los conflictos en sí mismos, ya que su trabajo estaba centrado en la parte humana y en dar voz a quienes casi nunca la tienen.

El documental también incluye imágenes de sus últimos días, y ahí es donde es especialmente duro mantener la mirada... yo no he podido hacerlo.

Me pareció muy interesante que también se muestre su lado más personal, el de alguien más reservado, diagnosticado con síndrome de Asperger y lo que ello le supuso para poder relacionarse con el mundo.

El documental también habla del riesgo que implica el periodismo en ciertos lugares, de lo peligroso que puede ser contarnos y transmitirnos lo que está pasando en otros lugares del mundo y en hacernos llegar la verdad, pese a que muchos gobiernos lo quieran ocultar.

No es un documental perfecto, pero tampoco lo necesita... porque al final, me quedo con la sensación de haber conocido a alguien que entendía su trabajo como una forma de mirar el mundo y de intentar que los demás también lo veamos.

Eternity

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 28 Mar 2026 18:08:00 +0000

Año: 2025
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos
Dirección: David Freyne

Guion: Patrick Cunnane y David Freyne

Música: Dave Fleming

Fotografía: Ruairi O'Brien

Reparto:
Miles Teller, Elizabeth Olsen, Callum Turner, Da'Vine Joy Randolph, John Early, Betty Buckley, Olga Merediz, Barry Primus, Olga Petsa, Panta Mosleh, Jeanie Cloutier...

En un peculiar más allá que funciona como una especie de terminal o centro de convenciones retro, las almas recién fallecidas tienen exactamente una semana para elegir en qué entorno temático desean pasar el resto de la eternidad.

Joan (Elizabeth Olsen), quien tras morir después de una larga vida, llega a esta antesala y recupera su apariencia de cuando era joven, se enfrenta allí a una decisión imposible: debe elegir con quién pasará la eternidad.

Sus opciones son: Larry (Miles Teller), el hombre con el que compartió 65 años de matrimonio y construyó una vida real, con sus alegrías y asperezas cotidianas o Luke (Callum Turner), su primer gran amor, quien murió joven en la guerra y ha pasado décadas esperándola en el más allá, manteniéndose tal y como ella lo recordaba en su memoria idealizada.

Eternity es una deliciosa comedia romántica que parte de una idea... llamemosle curiosa, en el que en un "más allá" las personas que acaban de morir tienen una semana para decidir cómo quieren pasar la eternidad.

En ese lugar aparece Joan, quien debe elegir con quién quedarse para siempre... con el hombre con el que compartió toda una vida, con todo lo que eso implica, lo bueno y lo no tan bueno o con su primer amor, alguien que se quedó congelado en el tiempo y en el recuerdo, esperando durante años en ese mismo lugar.

El trío protagonista está perfecto, cada uno en sus respectivos personajes, pero Elizabeth Olsen está maravillosa, aunque también quiero destacar a Da’Vine Joy Randolph que está muy divertida.

Aunque la película se mueve dentro de lo que podríamos esperar de una historia romántica, tiene algo distinto que la diferencia de otras de su estilo, quizás sea en cómo plantea ese viaje por los recuerdos, por los momentos compartidos, por todo lo que al final termina definiendo una vida. Es cierto que hay pequños altibajos y que la decisión final te la imaginas desde el principio, pero en conjunto es una película que funciona y la he disfrutado muchísimo.

Visualmente es muy agradable, con una estética cuidada y con una preciosa banda sonora.

Eternity es una historia sobre la toma de decisiones, de los recuerdos que nos llevamos y principalmente... sobre el amor. No es una película perfecta, pero tiene algo especial que consigue que al terminar de verla te des cuenta que la has visto con una pequeña sonrisa permanente.

Ah si, importante... cuidado, por favor, con las Pretzel!!

La búsqueda de Martina

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 28 Mar 2026 01:07:00 +0000

Título original: A Procura de Martina

Año: 2024
Duración: 87 min.
País: Brasil
Dirección: Márcia Faria

Guion: Gabriela Amaral y Márcia Faria

Música: Nicolas Rodriguez Mieres y Manuel Scabone

Fotografía: Leo Bittencourt
Reparto:
Mercedes Morán, Carla Ribas, Luciana Paes, Fernando Eiras, Adriana Aizemberg, Cristina Banegas, Stella Rabello, Julia Bernat...

Martina García (Mercedes Morán), es una viuda argentina de 75 años que ha pasado más de tres décadas buscando a su nieto, nacido en cautiverio tras el secuestro de su hija durante la dictadura militar.

Su búsqueda adquiere una urgencia desesperada cuando le diagnostican Alzheimer, dándose cuenta de que está perdiendo la carrera contra el tiempo y su propia memoria.

Tras recibir una pista que indica que su nieto podría estar en Río de Janeiro, Martina viaja sola desde Buenos Aires a Brasil. En este viaje, el pasado y el presente se entrelazan mientras ella intenta reconstruir su identidad y encontrar a su familiar antes de que la enfermedad borre sus recuerdos por completo.

Premio a la Mejor Película Latinoamericana en el Festival de Mar del Plata 2024

Después de ver La búsqueda de Martina termino con el corazón encogido. La película nos cuenta la historia de Martina, una mujer argentina que lleva media vida buscando a su nieto, un niño que nació cuando su hija fue secuestrada durante la dictadura argentina y su vida ha girado siempre en torno a esa ausencia, pero ahora el tiempo empieza a volverse en su contra ya que le diagnostican Alzheimer, y con ello... llega el miedo a olvidar justo aquello que más necesita recordar.

A partir de aquí, la película se convierte en una carrera... Martina recibe una pista que la lleva hasta Brasil y decide viajar sola y en ese viaje no solo cruza un país, también atraviesa su propia memoria, la del pasado y el presente que empiezan a mezclarse, y a confundirse.

Sin duda, si alguien destaca en la película, es su protagonista absoluta, Mercedes Morán que está impresionante, pero también quiero destacar la forma en la que está rodada, la luz, los espacios… todo te hace sentir que estas dentro de la cabeza de alguien que empieza a desdibujarse.

Realmente, la historia que nos cuentan, no es solo una historia personal... es una forma de hablar de la memoria colectiva, de todo lo que ocurrió durante la dictadura argentina y que no se puede ni se debe olvidar y la película envía ese mensaje claramente... el de recordar, el de resistir frente al olvido, tanto el individual como el de un país entero.

La película transmite perfectamente esa sensación de lucha contra el tiempo para cerrar una herida antes de que sea demasiado tarde.

La búsqueda de Martina es una película delicada, triste, pero necesaria, porque habla de la memoria, del amor y de la resistencia, y lo hace consiguiendo que la emoción te llegue irremediablemente, hasta atravesarte.

"Memoria, verdad y justicia para que no vuelva a pasar nunca más".

Zootrópolis

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 27 Mar 2026 21:53:00 +0000

Título original: Zootopia

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush

Guion: Jared Bush y Phil Johnston

Música: Michael Giacchino

Reparto:
Ginnifer Goodwin, Jason Bateman, Idris Elba, Jenny Slate, Nate Torrence, Bonnie Hunt, Don Lake, Tommy Chong, J.K. Simmons, Octavia Spencer, Alan Tudyk, Shakira, Raymond S. Persi, Byron Howard...

Judy Hopps (Ginnifer Goodwin), es una optimista coneja que se convierte en la primera de su especie en unirse al cuerpo de policía de una metrópolis donde animales herbívoros y depredadores conviven en paz.

Determinada a demostrar su valía, Judy se hace cargo de un caso de una desaparición misteriosa. Para resolverlo, se ve obligada a trabajar con Nick Wilde (Jason Bateman), un zorro estafador y cínico.

Juntos descubren una conspiración criminal que amenaza con romper la armonía de la ciudad, despertando prejuicios olvidados y haciendo que los depredadores se vuelvan "salvajes" sin explicación aparente.

Oscar 2017 al Mejor Largometraje de Animación

Globo de Oro 2017 al Mejor Filme de Animación

Premio del Sindicato de Productores (PGA) 2017 a la Mejor Película de Animación

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 2016 a la Mejor Película de Animación

Critics Choice Award 2016 al Mejor Largometraje de Animación

Premio Annie 2016 a la Mejor Película

Premio Annie 2016 a la Mejor Dirección

Premio Annie 2016 al Mejor Guion

Premio Annie 2016 al Mejor Storyboard

Premio Annie 2016 al Mejor Diseño de Personajes

Premio Annie 2016 al Mejor Doblaje para Jason Bateman como Nick Wilde

Ver Zootrópolis es hacerlo con una sonrisa inmensa que consigue meterte de lleno en su mundo... del que no quieres salir.

La película nos presenta una ciudad habitada por animales donde cada uno ocupa su lugar y es fascinante ver cómo construye ese universo lleno de pequeños detalles y de guiños donde nos encontramos a Judy Hopps, una conejita que sueña con ser policía y que, contra todo pronóstico, lo consigue, aunque nadie la toma en serio, y tiene que demostrar constantemente que vale más de lo que los demás creen... y en ese camino se cruza con Nick Wilde, un zorro buscavidas, con el que acaba formando una pareja muy divertida.

La película tiene aventura, misterio, humor y la trama avanza sin hacerse pesada... siempre manteniendo el interés. Los personajes son fantásticos... no solo los protagonistas, sino todos los que aparecen.

Pero en el fondo, Zootrópolis nos habla de temas importantes en nuesto día a día... de lo difícil que es abrirse camino en este mundo, de lo que cuesta encajar cuando eres diferente y de los prejuicios que tenemos hacia los demás, a veces, sin darnos cuenta.

La animación es una pasada, desde los escenarios hasta las miradas de los personajes... y la música acompaña muy bien, claro, que estamos hablando que detrás está el gran Michael Giacchino.

Al final, puede que tenga ese toque emocional típico en las películas de Disney, ese cierre que busca tocarte y pellizcarte el corazón, y sí... inevitablemente caes en la trampa, pero, al menos yo, lo he hecho con la mirada de esa niña que sigue disfrutándo y divirtiéndose viendo una película.

Para mí, es una película que funciona muy bien, que te hace reír, te entretiene y si no la has visto y te gusta el cine de animación, te la recomiendo sin dudarlo. Un pequeño viaje a un lugar que se parece mucho más a nuestra realidad de lo que parece en un principio.

Singular

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 22 Mar 2026 19:41:00 +0000

Año: 2025
Duración: 100 min.
País: España
Dirección: Alberto Gastesi
Guion: Alex Merino y Alberto Gastesi
Música: Jon AguIrrezabalaga y Ana Arsuaga
Fotografía: Esteban Ramos
Reparto:
Patricia López Arnaiz, Javier Rey, Miguel Iriarte, Iñigo Gastesi, Emilia Lazo, Betiza Bismark...

Diana (Patricia López Arnaiz), es una brillante científica y docente experta en IA que vive volcada en su trabajo. Doce años después de la trágica muerte de su hijo y de su separación, Diana se reencuentra con su exmarido Martín (Javier Rey), quien abandonó su carrera para vivir retirado de la civilización.

El encuentro tiene lugar en su antigua casa de verano junto a un lago, con el pretexto de conmemorar el que habría sido el 18º cumpleaños de su hijo.

La frágil paz del reencuentro se rompe con la aparición de Andrea (Miguel Iriarte), un joven enigmático que guarda un parecido físico asombroso con su hijo fallecido.

A partir de ese momento, surgen sospechas y secretos del pasado que plantean una duda inquietante: si el joven es real o una creación tecnológica diseñada para sustituir lo perdido.

Alberto Gastesi construye en Singular una historia que, aparentemente, se mueve dentro de la ciencia ficción a través de la Inteligencia Artificial pero creo que más bien es una excusa para hablar de quiénes somos, cómo nos definimos, qué pasa cuando perdemos a alguien y cómo nos afecta en nuestra vida personal y familiar.

La historia se sitúa en un entorno rodeado de naturaleza, en un bosque que genera una sensación extraña a través de unos personajes que desde el principio te dejan claro que algo esconden.

Sin duda alguna, si algo, mejor dicho... alguien, salva la película es Patricia López Arnaiz que cómo siempre está impresionante. Hay tanta verdad en su mirada, en su forma de hablar, de moverse, de expresarse, que hasta las películas más "singulares" merecen la pena verlas por ella.

Visualmente, está claro que la película tiene una buena fotografía y la música también suma, creando una atmósfera que te envuelve durante toda la película.

Pero, aun con todo eso, hay algo que no me ha terminado de encajar, no puedo a llegar a explicar qué es exactamente lo que hace que no llegue a conectar profundamente con la historia, quizás sea la sensación de esperar más de lo que acaba ofreciendo.

Singular es una película reflexiva, que se toma su tiempo, en algunos momentos inquietante, con momentos muy buenos en la parte interpretaviva y en la visual, pero le falta un poco más de fuerza para conseguir atraparte y deslumbrarte.

Drácula

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 21 Mar 2026 18:46:00 +0000

Título original: Dracula
Año: 2025
Duración: 129 min.
País: Francia
Dirección: Luc Besson
Guion: Luc Besson
Música: Danny Elfman
Fotografía: Colin Wandersman
Reparto:
Caleb Landry Jones, Zoë Bleu Sidel, Christoph Waltz, Matilda De Angelis, David Shields, Guillaume de Tonquedec, Salomon Passariello, Ivan Franek, Haymon Maria Buttinger...

Rumanía del siglo XV, el príncipe Vlad II (Caleb Landry Jones) vive un romance apasionado con su esposa, la princesa Elisabeta (Zoë Bleu Sidel). Tras la devastadora muerte de ella durante un conflicto con el Imperio Otomano, un Vlad roto por el dolor renuncia a Dios y es maldecido con la vida eterna.

Condenado a vagar como un vampiro durante siglos, la istoria se traslada al París de la Belle Époque (1889), donde Drácula cree encontrar la reencarnación de su amada en Mina (Zoë Bleu Sidel), la prometida de un joven abogado llamado Jonathan Harker.

Besson se apropia del mito de Drácula y lo lleva a su terreno, intentando construir una historia de amor intensa, casi trágica... y en algunos momentos lo consigue con esa idea de un amor que atraviesa el tiempo.

Pero también es verdad que, aunque promete mucho, no siempre termina de llegar a donde quiere. Es cierto que a nivel visual hay cosas interesantes, con una fotografía que con esos contrastes de luz y sombra, crea una atmósfera bastante potente, pero luego aparecen elementos que rompen ese tono, como ciertas criaturas que me han resultado más extrañas e inverosímiles que inquietantes y te sacan un poco de la película.

Creo que lo mejor de la película es Caleb Landry Jones que con su interpretación de Drácula consigue transmitir esa mezcla de violencia y tristeza, y a su lado, incluso Christoph Waltz, que siempre es un actor sólido y muy interesante, queda completamente desdibujado.

Hay una escena en partícular que me ha fascinado... la del convento con las monjas, pero por lo demás, en cuanto a la historia y a algunos personajes no ha terminado de emocionarme ni atraparme del todo... la música, eso sí, me ha parecido de lo mejor.

Tengo la sensación de estar ante una película que pretendía ser muy grande, muy intensa, muy inolvidable, más aún viniendo con la firma de Luc Besson… pero que se queda a medio camino. Tiene momentos, tiene imágenes, tiene algunas escenas interesantes pero no me ha terminado de entusiasmar.

Estoy leyendo bastantes críticas comparándola con otras versiones y es cierto que si la comparas... posiblemente sale perdiendo, así que mejor no hacerlo, pero si la miras por separado, sin pensar en lo que hayas podido ver anteriormente, tiene ciertos destellos que merecen la pena. Una especie de sombra que deslumbra por momentos, pero a la que le falta algo para quedarse en tu mente y atraparte de verdad.

Leo & Lou

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 19 Mar 2026 23:16:00 +0000

Año: 2025
Duración: 101 min.
País: España
Dirección: Carlos Solano
Guion: Carlos Camba Tomé y Carlos Solano
Música: Iván Palomares
Fotografía: Borja López
Reparto:
Isak Férriz, Julia Sulleiro, Manuel Manquiña, Marta Larralde, María Pujalte, Maggie Civantos, Miguel de Lira, Denis Gómez, Alejandro Carro, Pedro Moreno...

Leo (Julia Sulleiro), es una niña huérfana de 12 años que no habla y que decide escaparse de su centro de acogida para cumplir un sueño: participar en una competición de pesca en Lugo. En su huida, se cruza con Lou (Isak Férriz), un hombre solitario, gruñón y algo desastroso que se convierte en su involuntario compañero de viaje.

A lo largo de su recorrido por la costa gallega, estos dos personajes —una niña que no habla y un hombre que parece no querer escuchar— deberán aprender a entenderse y a confiar el uno en el otro.

Mención Especial en el Festival de Mar del Plata 2025

Leo & Lou es una deliciosa película que nos habla sobre las segundas oportunidades y sobre la necesidad de poder encontrar un lugar en el mundo cuando tienes la sensación que ya no queda ninguno para ti.

La película gira en torno a Leo, una niña de diez años que vive en un centro de acogida desde que perdió a sus padres. Desde entonces no habla y se comunica a través de la lengua de signos... entonces aparece Lou.

Vale, si... la idea no es nueva ni original, pero esta película tiene algo especial que te atrapa el corazón.

Julia Sulleiro, que da vida a Leo, me parece un pequeño descubrimiento y por su parte, Isak Férriz construye a un Lou desde la dureza, desde ese tipo de personaje que parece que no quiere saber nada del mundo… hasta que poco a poco se le va colando la vida por las grietas. Juntos forman una pareja extraña pero con una inmensa química que es lo que hace que te creas la historia y que la sientas.

La película es una pequeña road movie que recorre la costa gallega, lo que le da a la película una atmósfera muy especial, con esos paisajes, esa luz, ese mar que acompaña toda la historia... y la música, la música que forma la banda sonora es, sencillamente, maravillosa.

Es verdad que imaginas el final de la historia desde el mismo momento en que Leo y Lou se encuentran y que en ese sentido no sorprende demasiado, pero, sinceramente... da igual, porque al final, me quedo con su capacidad para hacerme sonreir, emocionar y disfrutar de una historia que nos habla de la posibilidad de volver a empezar, y es que a veces, cuando todo parece roto, solo hace falta que alguien se quede un poco más con nosotros, que nos coja de la mano y nos de un abrazo para que la vida vuelva a tener sentido.

Stockholm

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 18 Mar 2026 21:39:00 +0000

Año: 2013
Duración: 90 min.
País: España
Dirección: Rodrigo Sorogoyen
Guion: Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña

Fotografía: Álex de Pablo
Reparto:
Javier Pereira, Aura Garrido, Jesús Caba, Susana Abaitua...

En una discoteca de Madrid, un chico (Javier Pereira) se queda prendado de una chica (Aura Garrido) y se lo confiesa de inmediato. Ella se muestra distante y escéptica, pero ante la persistencia de él, termina aceptando que la acompañe de camino a casa. Tras una larga noche de confidencias y juegos de seducción por las calles de la ciudad, ella accede a subir a su apartamento.

Al despertar a la mañana siguiente, la atmósfera cambia de forma drástica. Lo que parecía el inicio de una historia de amor se rompe cuando ambos revelan sus verdaderas personalidades.

Él se vuelve frío, distante y casi irreconocible, mientras que ella comienza a mostrar una vulnerabilidad y un comportamiento que descoloca por completo al chico, invirtiendo los roles de poder y atrapándolos en una espiral de tensión psicológica e incomodidad.

Goya 2014 al Mejor Actor Revelación para Javier Pereira

Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Málaga 2013

Premio a la Mejor Actriz para Aura Garrido en el Festival de Málaga 2013

Premio al Mejor Guion Novel en el Festival de Málaga 2013

Premio Feroz 2014 a la Mejor Película Dramática

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 2013 a la Mejor Actriz Principal para Aura Garrido

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 2013 al Mejor Director Revelación

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 2013 al Mejor Actor Revelación para Javier Pereira

Premio Sant Jordi 2013 a la Mejor Actriz Española para Aura Garrido

Stockholm deconstruye el tópico de "chico conoce chica" para transformarlo en algo mucho más oscuro e inquietante. La película se mete de lleno en ese terreno resbaladizo que es el cortejo, ese juego en el que muchas veces se dice una cosa y se piensa otra, donde se interpreta, se exagera, se oculta… y casi siempre alguien acaba pagando el precio. En Stockholm no hay romanticismo, ni bonito ni idealizado... hay una especie de partida desigual desde el primer momento.

Inquieta ver cómo se construye esa relación... él observa, elige, insiste y va directamente a por ella, a por la más frágil, la que se intuye que arrastra algo en su interior , y aun así, sigue adelante, como si fuera un reto personal... un juego sin consecuencias.

La fotografía está muy cuidada... la luz, los colores, los espacios y Aura Garrido está estupenda, al igual que su compañero de rodaje, Javier Pereira.

Es una película que no habla tanto del amor, sino de algo mucho más incómodo, porque en el fondo de la historia hay violencia... no es física, no es evidente, pero es una violencia que se cuela en los gestos, en las palabras, en las decisiones que tomas o que te llevan a tomar, una violencia que muchas veces pasa desapercibida y que incluso, y esto es lo terrible, se normaliza.

Una historia que nos habla de la fragilidad emocional, del poder mental que se ejerce en otra persona, de desequilibrios... de ese lugar donde una persona juega… y la otra se rompe.

Your Show Time

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 18 Mar 2026 16:23:00 +0000

Año: 1949

Temporadas: 1 (26 episodios)

País: Estados Unidos

Dirección: Sobey Martin

Música: William Lava

Fotografía: William Bradford

Reparto:

Arthur Shields, Leif Erickson, John Archer, Hugo Haas, Maria Palmer, Selena Royle, Richard Travis, Alan Napier, Evelyn Ankers, Melville Cooper, Edgar Barrier, Julie Adams...

Primera serie de televisión en la historia en ganar un premio Emmy que no tiene una trama continua, sino que cada uno de sus 26 episodios es una dramatización independiente de media hora basada en relatos cortos de la literatura clásica universal.

Las historias eran presentadas y narradas por el actor Arthur Shields, quien a menudo aparecía en un escenario que simulaba una librería, reforzando el tono literario del programa.

Adaptaba obras de autores renombrados como Guy de Maupassant, Charles Dickens, Arthur Conan Doyle, Victor Hugo, Robert Louis Stevenson y Mark Twain.

Premio Emmy 1949 al Mejor Telefilm - "The Necklace"

El viaje a ninguna parte

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 18 Mar 2026 01:01:00 +0000

Año: 1986
Duración: 134 min.
País: España
Dirección: Fernando Fernán Gómez
Guion: Fernando Fernán Gómez

Música: Pedro Iturralde

Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto:
José Sacristán, Fernando Fernán Gómez, Juan Diego, María Luisa Ponte, Nuria Gallardo, Gabino Diego, Laura del Sol, Agustín González, Óscar Ladoire, Queta Claver, Simón Andreu, Carlos Lemos, Carmelo Gómez...

Ambientada en la España de los años 40 y 50, la película narra la decadencia de una modesta compañía de cómicos de la legua (actores ambulantes) que recorre los pueblos de la "España profunda" representando obras de repertorio en cafés y plazas.

A través de los recuerdos de Carlos Galván (José Sacristán), un antiguo cómico que ahora vive en un asilo y relata sus vivencias a un psicólogo, la historia sigue a la familia Galván y su pequeña compañía, los Iniesta-Galván, quienes luchan contra el hambre, la precariedad y el olvido en una época marcada por la postguerra.

Goya 1987 a la Mejor Película

Goya 1987 a la Mejor Dirección

Goya 1987 al Mejor Guion Original

Fotogramas de Plata 1987 al Mejor Actor de Cine para Fernando Fernán Gómez

Premio Sant Jordi 1986 a la Mejor Película Española

El viaje a ninguna parte es una historia que habla de actores que sobreviven como pueden, que van de un sitio a otro con lo justo, intentando llenar el estómago con lo único que saben hacer... actuar, da igual si bien, mal, si mejor o peor, ya que lo importante era continuar sin un lugar fijo, sin un destino claro, solo carreteras, pensiones y escenarios improvisados.

El reparto es una barbaridad... Fernando Fernán Gómez, José Sacristán, Juan Diego y Agustín González están inmensos, pero hay algo especial en Fernán Gómez que llena la pantalla, demostrándonos en cada escena que entiende perfectamente ese mundo desde dentro, porque lo ha vivido.

La película es en el fondo un homenaje al teatro y a toda esa gente que recorría los pueblos, que montaba funciones donde podía, que hacía de cada representación una forma de supervivencia... y también es una mirada crítica a un momento en el que ese mundo empezaba a quedarse atrás, desplazado por otras formas de entretenimiento que iban ocupando su lugar.

Es una película que te hacer ver de otra manera una profesión que muchas veces se idealiza, pero que aquí se muestra con todas sus grietas, un homenaje a los cómicos, esos actores y actrices que aunque no llenaran grandes teatros, sostuvieron durante años la magia de contar historias.

Adiós, Mr. Chips

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 17 Mar 2026 17:42:00 +0000

Título original: Goodbye Mr. Chips

Año: 1939
Duración: 114 min.
País: Reino Unido
Dirección: Sam Wood

Guion: Claudine West, Sidney Franklin, R.C. Sherriff y Eric Marschwitz

Música: Richard Addinsell

Fotografía: Freddie Young
Reparto:
Robert Donat, Greer Garson, John Mills, Terry Kilburn, Paul Henreid, Judith Furse, Lyn Harding, Frederick Leister, Milton Rosmer...

La película recorre varias décadas de la vida de "Chips" (Robert Donat), desde su llegada como un joven docente rígido e impopular hasta su vejez. Su vida cambia radicalmente al conocer a Katherine (Greer Garson), una mujer alegre que logra suavizar su carácter, enseñándole a conectar con sus alumnos a través de la empatía y el humor.

A pesar de sufrir tragedias personales y vivir los horrores de la Primera Guerra Mundial, Chips se convierte en el pilar espiritual de la escuela.

Oscar 1940 al Mejor Actor Principal para Robert Donat

Reconozco que antes de empezar a ver Adiós, Mr. Chips, basada en una novela de James Hilton, lo hacía con ese prejuicio de las historias de profesores que cambian la vida de sus alumnos y acaban convirtiendo el aula en un lugar casi idílico, pero resulta que no, que aquí hay algo más... mucho más.

Por supuesto que hay un maestro... hay un colegio, pero realmente de lo que nos habla es del paso del tiempo, de la vida que se va quedando en las aulas y de la vocación que se siente o no se siente. El señor Chips llega a ese internado inglés tan estirado y rígido sin encajar del todo, con dificultades, con distancia, sin ese carisma inmediato que solemos ver en otras historias de temática similar.

El trabajo de Robert Donat es una maravilla... construye un personaje que va creciendo poco a poco junto a su amor por enseñar, por su trabajo, por esos chicos a los que ve pasar año tras año. También hay espacio para el amor con la aparición de Katherine, interpretada por Greer Garson, que aporta una luz especial a la historia.

La película tiene ese aire evocador que te hace sonreír, te acaricia un poco por dentro y, en algunos momentos, también te hace que se escape alguna lágrima.

A nivel visual, hay que reconocer que con los medios de la época, el envejecimiento del personaje tiene sus limitaciones, pero aun así no está mal, sobre todo porque consigue hacernos sentir que estamos viendo una vida entera pasar ante nuestra mirada.

Mr. Chips, es un personaje humano, imperfecto y en cierta manera, eso hace que parezca que sigue dando clases en Brookfield, con esa mezcla de timidez y ternura que lo define.

No es la mejor película del año y la verdad que entre las grandes que se realizaron en ese 1939, parece pasar un poco desapercibida, pero tiene algo especial y al final termina encontrando un lugar dentro de ti... y sí, tengo que darles la razón a Chips y Katherine,el Danubio para mí también es azul.

Asalto y robo de un tren

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 17 Mar 2026 01:09:00 +0000

Título original: The Great Train Robbery

Año: 1903
Duración: 10 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Edwin S. Porter

Guion: Edwin S. Porter

Fotografía: Edwin S. Porter
Reparto:
Bronco Billy Anderson, A.C. Abadie, Justus D. Barnes, Donald Gallaher...

La película narra el atraco planeado por una banda de forajidos a un tren de correo y pasajeros.

Los bandidos irrumpen en la oficina del telégrafo de la estación, atan al operador y lo obligan a detener el tren. Una vez a bordo, asaltan el vagón de correo.

Siempre resulta fascinante volver a uno de esos momentos en los que el cine estaba comenzando y en este caso, estamos ante un cortometraje rodado en 1903 considerado como el primer western de la historia del cine... un pequeño film pionero que, sin saberlo, estaba abriendo un camino que después recorrerían miles de películas.

El corto nos narra la historia de una banda de cuatro forajidos que asalta un tren de pasajeros a punta de pistola y se lleva el botín. Acción, crimen, aventura… todo en apenas unos minutos.

El cortometraje está compuesto por catorce escenas y en él se empiezan a consolidar formas de narrar que hoy nos parecen normales, pero que en aquel momento abrían una nueva manera de contar historias.... movimiento, profundidad, personajes que se acercan o se alejan de la cámara.

Fue una innovación enorme para la época y uno de los motivos por los que esta película se convirtió en un éxito rotundo que provocó una auténtica oleada de imitaciones.

Hay un momento especialmente icónico... el del pistolero disparando directamente a la cámara, una escena fascinante, que podía colocarse al principio o al final de la proyección, según decidiera el dueño del cine y que seguramente dejó a muchos espectadores de principios del siglo XX con el corazón acelerado.

Visto desde hoy, es verdad que la película no es espectacular pero al mismo tiempo me resulta imposible no sentir cierta admiración al verla, porque en esos minutos está el germen de muchas cosas que el cine repetiría después, por eso me resulta tan interesante volver a estos comienzos ya que aquí el cine estaba descubriéndose a sí mismo, y en cierto modo también estaba descubriendo al espectador, haciéndole sentir en estos pocos minutos que el cine empezaba a hacerse grande.

La canción

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 15 Mar 2026 20:11:00 +0000

Año: 2025

Temporadas: 1 (3 episodios)

País: España

Dirección: Pepe Coira, Fran Araújo y Alejandro Marin

Guion: Pepe Coira y Fran Araújo

Fotografía: Andreu Ortoll

Reparto:

Patrick Criado, Àlex Brendemühl, Carolina Yuste, Marcel Borrás, Laia Manzanares, Carlos Santos, Eneko Sagardoy, Mariano Peña, Xosé A. Touriñán, Carlos González, Joan Sentís...

1968, Esteban Guerra (Patrick Criado), es un joven y ambicioso ejecutivo de RTVE que recibe una orden directa desde las altas esferas del poder: España debe ganar el festival de Eurovisión a toda costa para mejorar su imagen internacional.

Sin apenas conocimientos musicales, Esteban se embarca en una misión frenética junto al veterano realizador Arthur Caps (Alex Brendemühl). El camino se complica cuando el candidato original, Joan Manuel Serrat (Marcel Borràs), se niega a cantar si no puede hacerlo en catalán.

En una carrera contra el tiempo de apenas nueve días, localizan a Massiel (Carolina Yuste), quien finalmente representará a España en Londres con el icónico "La, la, la".

La serie nos lleva hasta 1968, el año en que España ganó por primera vez el Festival de Eurovisión gracias a Massiel y su “La, la, la”, pero la serie no se limita a recordar aquel triunfo ya que lo realmente interesante es todo lo que ocurrió detrás... la intrahistoria de cómo TVE terminó consiguiendo aquella victoria.

Uno de los aspectos que más me ha gustado es el enorme cuidado con el que está recreado aquel momento histórico, con el vestuario, los coches, los decorados… incluso las imágenes recuerdan a las emisiones televisivas de aquellos años, como si realmente estuviéramos viendo la pequeña pantalla de finales de los sesenta.

La banda sonora es otro de los grandes placeres de la serie... a lo largo de los tres episodios que tiene la miniserie van apareciendo canciones que forman parte del paisaje musical de aquella España. Suenan Los Bravos, Juan y Junior, la propia Massiel, Cliff Richard, Sandie Shaw o Joan Manuel Serrat.

Los tres capítulos pasan volando. El ritmo es muy dinámico, lleno de referencias a la cultura pop del momento y también a la situación política de aquellos años... las revueltas estudiantiles, los tímidos intentos de apertura hacia Europa, el ambiente de una España que intentaba cambiar.

Si tengo que destacar una interpretación, me quedo con Álex Brendemühl, que como siempre me encanta y en este caso interpreta a Artur Kaps. El resto del reparto en general funciona bastante bien y la serie evita caer en la caricatura fácil.

La canción no es solo la historia de cómo se ganó aquel año Eurovisión... también es el retrato de un país que intentaba respirar otros aires y al mismo tiempo muestra las contradicciones del franquismo, ese intento de proyectar una imagen moderna hacia Europa mientras la dictadura seguía controlándolo todo.

Una miniserie bien escrita, con tres capítulos que se ven casi sin darte cuenta, bien interpretada y con un apartado visual impecable... un pequeño viaje a una España que esperemos no regrese y se quede como parte del pasado.

Dos personas intercambiando saliva

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 15 Mar 2026 01:40:00 +0000

Título original: Deux personnes échangeant de la salive

Año: 2024
Duración: 36 min.
País: Francia
Dirección: Natalie Musteata y Alexandre Singh
Guion: Natalie Musteata y Alexandre Singh

Música: Bobak Lotfipour

Fotografía: Alexandra de Saint Blanquat
Reparto:
Zar Amir-Ebrahimi, Luàna Bajrami, Mustapha Abourachid, Alice Douard...

En una versión surrealista de París, el contacto físico romántico, específicamente el beso, es un crimen capital castigado con la muerte. En este mundo, la violencia se ha normalizado hasta el punto de que los bofetones sirven como moneda de cambio: los ciudadanos pagan por productos y servicios recibiendo golpes en la cara de forma proporcional al precio del artículo.

Malaise (interpretada por Luàna Bajrami) es una joven que comienza a trabajar en unos lujosos grandes almacenes. Allí conoce a Angine (Zar Amir Ebrahimi), una mujer adinerada e insatisfecha que compra de manera compulsiva. A pesar de las estrictas leyes y la vigilancia, surge entre ambas una conexión íntima y peligrosa que despierta los celos de la supervisora de la tienda, Pétulante.

Premio del Público al mejor cortometraje en el Festival de Clermont Ferrand 2025

Oscar 2026 al Mejor Cortometraje de Ficción

Dos personas intercambiando saliva es un cortometraje que te atrapa desde el primer momento... un pequeño festín cinematográfico que, durante sus treinta y seis minutos, me dejó completamente hipnotizada.

La película nos sitúa en un mundo extraño, donde las normas sociales funcionan al revés de lo que conocemos en la actualidad, (aunque dale un poco de tiempo y veremos dónde y cómo acabamos). Allí los besos están prohibidos, las compras se pagan con una bofetada y todo parece organizado como una sociedad perfectamente ordenada en un mundo profundamente individualista, donde el contacto humano resulta sospechoso y peligroso.

La historia gira alrededor de tres personajes: Malaise, Petulante y Angine, y entre ellos destaca Malaise, que parece incapaz de encajar en ese mundo tan rígido y es como si fuese una grieta en una estructura que se pretende perfecta.

Poco a poco la película deja claro que su existencia es casi una amenaza, ya que Malaise representa la posibilidad de romper las reglas, de cuestionar aquello que todos los demás aceptan sin pensar y eso, en una sociedad rígida y que no cuestiona, es peligroso... muy peligroso.

Rodado en blanco y negro, el corto tiene una estética fascinante. Cada plano, las luces, las sombras, la manera en que la cámara se acerca a los rostros… todo contribuye a crear una atmósfera casi hipnótica, especialmente los de Zar Amir‑Ebrahimi.

Más allá de una historia de amor prohibido, la película es un reflejo de esas estructuras invisibles que a veces gobiernan nuestras vidas y que castigan cualquier intento de romper las reglas establecidas.

Me parece un corto extraño, elegante, inquietante y fascinante... podría verlo muchas veces más y estoy convencida de que en cada nuevo visionado descubriría algo distinto. Sencillamente... cine.

Elio

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 14 Mar 2026 22:20:00 +0000

Año: 2025
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina
Guion: Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones
Música: Rob Simonsen
Reparto:
Yonas Kibreab, Zoe Saldaña, Remy Edgerly, Brad Garrett, Jameela Jamil, Shirley Henderson, Young Dylan, Jake T. Getman, Brandon Moon, Matthias Schweighöfer, Ana de la Reguera, Atsuko Okatsuka...

Elio Solís es un niño de 11 años solitario y con una gran imaginación que, tras la muerte de sus padres, vive con su tía Olga. Obsesionado con la vida extraterrestre, Elio intenta hacer contacto con el espacio y termina siendo transportado accidentalmente al Comuniverso, una organización intergaláctica que reúne a embajadores de diversos planetas.

Debido a un error de comunicación, es identificado como el embajador oficial de la Tierra. Sin ser el líder que los alienígenas esperan, Elio debe navegar por la política interplanetaria, enfrentarse a crisis cósmicas y forjar nuevas amistades para descubrir su verdadero lugar en el universo.

Voy a empezar diciendo que quizá no sea una de esas películas que marcan época dentro de Pixar, pero aun así, Elio conserva ese encanto tan particular que el estudio ha sabido construir durante años.

La película nos presenta a Elio, un chico bastante normal, con sus inseguridades, sus fantasías y esa sensación tan reconocible de no encajar del todo en el mundo que le rodea y de pronto, por una serie de circunstancias inesperadas, acaba convertido en algo así como el representante de la humanidad ante una especie de comunidad de civilizaciones extraterrestres.

El film mezcla aventura espacial con el sentimiento de soledad del protagonista y sobre la necesidad de ser escuchado... un conjunto de emociones que forma parte de la esencia del estudio y aquí vuelve a aparecer.

Al principio tengo que reconocer que me costó un poco entrar en la historia, sin embargo, a medida que la película avanza la cosa empieza a cambiar y poco a poco el relato encuentra su ritmo y termina levantando el vuelo.

Visualmente la película es una auténtica maravilla... los mundos alienígenas están llenos de imaginación, de colores, de criaturas extrañas y de pequeños detalles impresionantes.

El mensaje que deja la película está bastante claro... la importancia de comunicarnos, de escuchar a los demás, de aceptar nuestras rarezas y no tener miedo a ser quienes somos, y aunque sean temas importantes, se mueve por terrenos bastante previsibles.

Por eso, aunque tiene muchas virtudes, la película da la sensación de quedarse un poco en la zona segura... le falta ese pequeño riesgo, esa chispa inesperada que convierte algunas películas de animación en algo inolvidable.

Aun así, creo que Elio cumple... es una aventura entretenida, con un mensaje bonito y con un apartado visual espectacular. Quizá no sea una película que marque un antes y un después dentro de Pixar, pero sigue demostrando que el estudio sabe contarnos historias que mezclan ternura, humor y emoción de una forma muy difícil de imitar.

A Friend of Dorothy

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 14 Mar 2026 00:51:00 +0000

Año: 2025
Duración: 21 min.
País: Reino Unido
Dirección: Lee Knight
Guion: Lee Knight

Música: Stuart Hancock

Fotografía: Vanessa Whyte
Reparto:
Miriam Margolyes, Alistair Nwachukwu, Stephen Fry, Oscar Lloyd

Dorothy es una viuda anciana que vive una existencia solitaria y rutinaria, marcada por los crucigramas y la toma de medicinas. Su tranquila vida da un vuelco cuando JJ, un joven de 17 años, patea accidentalmente su balón de fútbol al jardín de ella.

Lo que comienza como un simple encuentro para recuperar el balón se convierte en una amistad inesperada.

A pesar de pertenecer a mundos completamente distintos, ambos descubren que comparten una pasión por el teatro y una profunda necesidad de ser comprendidos, ayudándose mutuamente a sentirse "vistos" de nuevo.

Premio al Mejor Director en el HollyShorts Film Festival 2025

Premio del Jurado al Mejor Cortometraje en el Naples International Film Festival 2025

Premio del Jurado al Mejor Actor en el Indie Shorts Awards Cannes 2025 para Alistair Nwachukwu

Premio al Mejor Debut Direccional en el Indy Shorts International Film Festival 2025

A Friend of Dorothy es uno de esos cortometrajes que pasan desapercibidos y que nos cuenta una historia sobre la soledad en la vejez y la necesidad que todos tenemos de sentirnos acompañados.

La protagonista es Dorothy, una mujer mayor que vive sola desde que enviudó. Su cuerpo ya no responde como antes pero sin embargo, su mente sigue despierta y completamente lúcida. Su vida transcurre dentro de una rutina de medicinas y pequeños hábitos que llenan las horas de días que parecen repetirse unos a otros, pero de forma inesperada aparece en su vida JJ y a partir de ese momento comienza entre ellos una relación que nadie habría imaginado... ni siquiera ellos mismos.

Dorothy y JJ vienen de mundos completamente distintos, la distancia generacional es enorme y sus vidas no podrían ser más diferentes, pero poco a poco empiezan a descubrir que, a pesar de todo, comparten más cosas de las que pensaban.

El resultado es un delicioso cortometraje que consigue dibujarte una sonrisa... y también un pequeño nudo en la garganta.

The Three Sisters

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 13 Mar 2026 22:48:00 +0000

Año: 2024
Duración: 14 min.
País: Rusia
Dirección: Konstantin Bronzit
Guion: Konstantin Bronzit

Tres hermanas viven una existencia aislada y solitaria en una pequeña isla remota, habitando cada una su propia casa. Tras sufrir un percance económico, se ven obligadas a alquilar una de las viviendas para obtener ingresos.

La llegada de un nuevo inquilino —un rudo marinero con una pipa en los dientes— rompe la paz del lugar. Lo que comienza como una convivencia incómoda pronto se transforma en una feroz competencia entre las hermanas, que cambian sus rutinas y vestimentas para disputarse la atención y el afecto del recién llegado.

Best of the Fest Award en el Blow-Up Chicago International Arthouse Film Fest 2024

The Three Sisters no tiene absolutamente nada que ver con la famosa obra teatral de Antón Chéjov... el corto nos lleva a una pequeña isla donde viven tres hermanas que llevan una vida bastante gris y monótona. Para mejorar un poco su situación económica deciden alquilar una de sus casas y a partir de ese momento aparece un nuevo inquilino, un viejo lobo de mar barbudo, con pipa en la boca y aspecto de marinero curtido por el tiempo, rompiendo por completo la tranquilidad del lugar.

Las tres hermanas empiezan entonces a competir sin ningún disimulo por captar su atención y de pronto aquellas mujeres que vestían siempre de forma apagada cambian su aspecto, se arreglan, se ponen vestidos más llamativos y empiezan a desplegar toda una pequeña guerra doméstica por conquistar al visitante, convirtiéndose en una especie de carrera por ganar su favor.

El director estuvo trabajando en el corto durante seis años, lo cual dice bastante del nivel de paciencia del proyecto y curiosamente, el origen de la idea está relacionado con una vieja leyenda de Montenegro.

También resulta curioso que el director decidiera ocultar su nombre en los créditos finales (que tengo que decir que es lo más gracioso de todo el corto, al igual que los títulos del inicio) y lo hizo para comprobar si su trabajo podía abrirse camino únicamente por su calidad sin depender del prestigio del autor.

En mi caso, tengo que reconocer que el corto no me ha entusiasmado demasiado, porque hay momentos en los que la forma en que se retrata a las tres hermanas me resulta un poco incómoda ya que esa competencia constante por agradar al hombre, casi como si toda su existencia girara alrededor de él, me deja una sensación algo anticuada.

Eso no significa que no tenga cosas rescatables... de hecho hay un par de momentos realmente divertidos y que consiguen arrancarte una risa.

En conjunto me parece un cortometraje curioso, con una historia sencilla que mezcla comedia y aire de cuento popular y aunque no me ha conquistado, sí que tiene pequeños destellos que hacen que el visionado resulte, al menos, simpático, por decirlo de alguna manera.