Un rincón de palomitas

Smile 2

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 03 Aug 2026 21:22:57 +0000

Año: 2024
Duración: 127 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Parker Finn
Guion: Parker Finn

Música: Cristobal Tapia de Veer

Fotografía: Charlie Sarroff

Reparto:

Naomi Scott, Kyle Gallner, Rosemarie Dewitt, Miles Gutierrez-Riley, Ray Nicholson, Dylan Gelula, Raúl Castillo, Lukas Gage, Peter Jacobson, Drew Barrymore...

Skye Riley (Naomi Scott) es una superestrella del pop internacional de fama mundial que está a punto de dar inicio a una ambiciosa y masiva gira de regreso tras haber sobrevivido a un trágico accidente automovilístico y haber superado sus graves adicciones.

Mientras lidia con la inmensa presión de la fama, su controladora madre y el dolor crónico en la espalda, Skye visita en secreto a su antiguo traficante y compañero de escuela, Lewis Fregoli, para conseguir analgésicos.

Al llegar, es testigo horrorizado de cómo Lewis, presa de un pánico absoluto y bajo el influjo de una espeluznante y tétrica sonrisa, se machaca brutalmente el rostro con una pesa de gimnasio hasta morir.

Diane Warren: Relentless

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 03 Aug 2026 20:54:24 +0000

Año: 2024
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Bess Kargman

Música: Lesley Barber

Fotografía: Jenna Rosher

Reparto:
Diane Warren, Cher, Jennifer Hudson, Ke$ha, LeAnn Rimes, Randy Jackson, Common, Gloria Estefan, Frances Fisher, Jerry Bruckheimer, Clive Davis...

El documental ofrece un acceso al día a día y al desordenado espacio de trabajo de Diane Warren, la mujer detrás de más de 400 canciones interpretadas por gigantes de la música como Cher, Beyoncé, Lady Gaga, Céline Dion y Aerosmith y profundiza en sus orígenes en California como una joven rebelde e incomprendida que encontró en la música un refugio frente a la inseguridad y el rechazo de su entorno familiar (especialmente de su madre).

A través de un recorrido cronológico que combina material de archivo, filmaciones en el estudio y entrevistas, Relentless muestra la extrema y casi obsesiva ética de trabajo de Warren, quien se niega rotundamente a jubilarse porque considera que componer no es un trabajo, sino su propia vida.

La vida es bella

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 03 Aug 2026 01:59:32 +0000

Título original: La vita è bella
Año: 1997
Duración: 117 min.
País: Italia
Dirección: Roberto Benigni
Guion: Roberto Benigni y Vincenzo Cerami

Música: Nicola Piovani

Fotografía: Tonino Delli Colli

Reparto:

Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini, Marisa Paredes, Giustino Durano, Horst Buchholz, Lidia Alfonsi, Giuliana Lojodice...

Guido Orefice (Roberto Benigni) es un joven judío vital, optimista y desbordante de imaginación que llega a la ciudad de Arezzo con el sueño de abrir una librería. Guido se enamora perdidamente de Dora (Nicoletta Braschi), una profesora de buena familia a la que llama cariñosamente "Princesa". Guido logra conquistarla, se casan y tienen un hijo llamado Giosuè (Giorgio Cantarini).

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi en Italia, Guido y el pequeño Giosuè son detenidos y deportados a un campo de concentración nazi debido a su origen judío y Dora, a pesar de no ser judía, decide subirse voluntariamente al tren para no abandonar a su familia.

Una vez dentro del horror del campo, Guido toma la determinación absoluta de proteger la inocencia y la salud mental de su hijo. Para lograrlo, utiliza su desbordante imaginación para hacerle creer al niño que todo es un complejo y emocionante juego de estrategia.

Oscar 1999 al Mejor Actor Principal para Roberto Benigni

Oscar 1999 a la Mejor Película Internacional

Oscar 1999 a la Mejor Banda Sonora

Goya 2000 a la Mejor Película Europea

BAFTA 1999 al Mejor Actor para Roberto Benigni

Premio César 1999 al Mejor Film Extranjero

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 1998

Premio del Cine Europeo 1998 a la Mejor Película

Premio del Cine Europeo 1998 al Mejor Actor para Roberto Benigni

Premio del Público a la Mejor Película en el Festival de Toronto 1998

Premio del Sindicato de Actores (SAG) 1998 al Mejor Actor de Largometraje para Roberto Benigni

Premio Logro Especial de la National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1998

Premio del Cine Alemán 1999 a la Mejor Película Extranjera

Premio del Sindicato de Críticos de Cine Francés 1999 al Mejor Film Extranjero

Premio David di Donatello 1998 a la Mejor Película

Premio David di Donatello 1998 al Mejor Director

Premio David di Donatello 1998 al Mejor Actor para Roberto Benigni

Premio David di Donatello 1998 al Mejor Guion

Premio David di Donatello 1998 a la Mejor Fotografía

Premio David di Donatello 1998 al Mejor Vestuario

Premio David di Donatello 1998 a la mejor Producción

Premio David di Donatello 1998 al Mejor Diseño de Producción/Escenografía

Critics Choice Award 1998 a la Mejor Película de Habla no Inglesa

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1998 a la Mejor Película Extranjera

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 1999 a la Mejor Película Extranjera

Premio Lumière 1998 a la Mejor Película Extranjera

Rosa de Sant Jordi a la Mejor Película Extranjera en los Premio Sant Jordi 1999

Smile

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 03 Aug 2026 01:25:58 +0000

Año: 2022
Duración: 115 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Parker Finn
Guion: Parker Finn

Música: Cristobal Tapia de Veer

Fotografía: Charlie Sarroff

Reparto:

Sosie Bacon, Jessie T. Usher, Kyle Gallner, Caitlin Stasey, Kal Penn, Rob Morgan, Judy Reyes, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner...

La Dra. Rose Cotter (Sosie Bacon), es una psiquiatra que trabaja en una unidad hospitalaria y que carga con el trauma de haber presenciado el suicidio de su madre cuando era niña.

Su vida cambia drásticamente tras atender una sesión de emergencia con Laura Weaver (Caitlin Stasey), una joven estudiante universitaria visiblemente aterrorizada.

Laura le confiesa que está siendo perseguida por una entidad maligna e invisible para los demás, la cual toma la forma de distintas personas (conocidos o extraños) que la miran fijamente exhibiendo una inquietante sonrisa.

Lulú de noche

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 01 Aug 2026 18:22:00 +0000

Año: 1985
Duración: 96 min.
País: España
Dirección: Emilio Martínez-Lázaro
Guion: Emilio Martínez-Lázaro

Música: Ángel Muñoz Alonso

Fotografía: Juan Amorós

Reparto:

Imanol Arias, Amparo Muñoz, Antonio Resines, Assumpta Serna, Patricia Adriani, Asunción Balaguer, Fernando Vivanco, Mercedes Camins, Chus Lampreave...

Germán Ríos (Antonio Resines) es un joven y poco exitoso director de teatro que está completamente obsesionado con llevar a los escenarios madrileños su próximo gran proyecto: una libre recreación del trágico mito de Lulú, la arquetípica mujer devoradora de hombres que termina como prostituta callejera asesinada por Jack el Destripador.

Mientras lidia con la falta de recursos y un sinfín de obstáculos financieros y creativos, Germán se cruza en el camino de Rufo (Imanol Arias), un músico de jazz introvertido, misterioso y un tanto huraño, en quien ve al actor perfecto para interpretar al oscuro asesino de la obra.

El crepúsculo de los dioses

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 01 Aug 2026 17:59:48 +0000

Título original: Sunset Blvd. (Sunset Boulevard)
Año: 1950
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Billy Wilder
Guion: Charles Brackett, Billy Wilder y D.M. Marshman Jr.

Música: Franz Waxman

Fotografía: John F. Seitz

Reparto:

William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Lloyd Gough, Jack Webb, Fred Clark, Cecil B. DeMille, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, Hedda Hopper, H.B. Warner, Franklyn Farnum, Julia Faye, Ruth Clifford...

Joe Gillis (William Holden) es un escritor de segunda fila asfixiado por las deudas y perseguido por sus acreedores. Mientras huye de ellos, pincha una rueda y se refugia por azar en una decadente y lúgubre mansión. Allí habita Norma Desmond (Gloria Swanson), una legendaria y acaudalada antigua estrella del cine mudo que vive completamente aislada del mundo real y obsesionada con un triunfal regreso a las pantallas.

Al descubrir que Joe es guionista, Norma lo contrata para revisar un denso guion que ella misma ha escrito sobre Salomé. Joe acepta por pura necesidad económica y se muda a la mansión, pero pronto se ve atrapado en una red claustrofóbica de manipulación, locura y celos enfermizos alimentada por el delirio de la diva y la complicidad de su enigmático mayordomo (Erich von Stroheim).

Oscar 1951 a la Mejor Historia y Guion

Oscar 1951 a la Mejor Banda Sonora

Oscar 1951 a la Mejor Dirección Artística

Globo de Oro 1951 a la Mejor Película de Drama

Globo de Oro 1951 a la Mejor Dirección

Globo de Oro 1951 a la Mejor Actriz Principal de Drama para Gloria Swanson

Globo de Oro 1951 a la Mejor Banda Sonora Original

Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) 1951 al Mejor Guion de Drama

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1950 a la Mejor Película

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1950 a la Mejor Actriz para Gloria Swanson

Exit 8

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 01 Aug 2026 17:33:24 +0000

Título original: 8-ban deguchi
Año: 2025
Duración: 95 min.
País: Japón
Dirección: Genki Kawamura
Guion: Genki Kawamura y Hirase Kentaro

Música: Shouhei Amimori y Yasutaka Nakata

Fotografía: Keisuke Imamura

Reparto:

Kazunari Ninomiya, Yamato Kôchi, Naru Asanuma, Nana Komatsu, Kotone Hanase...

Un hombre común (Kazunari Ninomiya) se despierta completamente desorientado y atrapado en un pasillo subterráneo estéril, lúgubre e interminable de una estación de metro japonesa. Pronto se da cuenta de que se encuentra en un bucle espacio-temporal claustrofóbico de espacios liminales.

Para lograr escapar y alcanzar la ansiada "Salida 8", el protagonista debe seguir estrictamente una única regla mental perturbadora: observar con absoluta atención su entorno y avanzar solo si todo parece normal... si detecta la más mínima anomalía, debe retroceder de inmediato.

Cualquier descuido, por insignificante que sea (un cartel ligeramente movido, un rostro distorsionado o luces que parpadean), lo castigará reiniciando el bucle por completo desde la planta cero.

La desesperación, la paranoia y la distorsión de la realidad se apoderarán de él mientras intenta descifrar qué es real y qué es una trampa mortal de la estación.

Mejor Banda Sonora Original en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2025

Premio de la Academia Japonesa a la Nueva Estrella del Año 2025 para Yamato Kôchi

No sabía muy bien qué esperar de Exit 8 y sinceramente, ha terminado gustándome bastante más de lo que imaginaba. Desde los primeros minutos consiguió despertar mi curiosidad... esa apertura, con el Bolero de Ravel acompañando un vagón de metro lleno de personas absortas en sus teléfonos móviles, ya lanza un mensaje bastante directo, ya que es una imagen que, por desgracia, forma parte de nuestro día a día: cabezas inclinadas hacia una pantalla y una desconexión casi total con lo que sucede alrededor.

La película adapta un videojuego independiente japonés creado por Kotake Create, y consigue trasladar muy bien esa sensación de estar atrapada en un lugar del que parece imposible escapar. Para lograr esa fidelidad, incluso se construyeron dos pasillos de metro idénticos a tamaño real, algo que ayuda a que todo resulte mucho más inmersivo. Además, juega constantemente con nuestra atención, haciendo que quienes estamos viendo la película participemos también de la experiencia, intentando descubrir pequeños cambios en cada recorrido para decidir si el protagonista debe seguir adelante o dar media vuelta.

Exit 8 nos presenta a un hombre que abandona un vagón de metro después de presenciar una situación bastante incómoda entre varios pasajeros. Cuando intenta salir de la estación descubre que el pasillo parece repetirse una y otra vez, como si estuviera atrapado en un círculo sin fin. Poco a poco comprende que solo detectando las pequeñas anomalías que aparecen en ese recorrido podrá acercarse a la misteriosa salida número ocho.

Podría parecer que repetir continuamente el mismo escenario acabaría siendo aburrido, pero a mí me ha ocurrido justo lo contrario, aunque es verdad que, a partir de la segunda mitad, la película adopta un tono y una intención moral sobre el aborto que, personalmente, me sobraba por completo.

Aun así, me parece una propuesta original dentro del cine actual y demuestra que no hacen falta grandes escenarios ni un despliegue espectacular de recursos para construir una historia capaz de atraparte y es una muestra de que el cine de suspense aún puede encontrar fórmulas frescas apostando por el minimalismo y el juego interactivo.

Aunque ese volantazo discursivo y moralista de la segunda mitad me descoloque, me ha resultado una experiencia claustrofóbica recomendable y ahora estoy buscando "anomalías" por todos lados... por si acaso.

La fuerza bruta (De ratones y hombres)

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 01 Aug 2026 17:12:40 +0000

Título original: Of Mice and Men
Año: 1939
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Lewis Milestone
Guion: Eugene Solow

Música: Aaron Copland

Fotografía: Norbert Brodine

Reparto:
Burgess Meredith, Betty Field, Lon Chaney Jr., Charles Bickford, Bob Steele, Noah Beery Jr., Roman Bohnen...

Ambientada en los campos de California durante la dura era de la Gran Depresión, narra la trágica historia de George Milton (Burgess Meredith) y Lennie Small (Lon Chaney Jr.), dos trabajadores rurales golondrina que viajan juntos de rancho en rancho buscando empleo.

George es un hombre ingenioso, protector y centrado, mientras que Lennie es un gigante con una fuerza descomunal pero con una severa discapacidad intelectual que lo hace comportarse como un niño.

Ambos comparten el sueño dorado de ahorrar el dinero suficiente para comprar una pequeña granja propia donde puedan vivir tranquilos y Lennie pueda cuidar de los conejos.

Tras conseguir trabajo en un nuevo rancho en Soledad, su sueño parece estar más cerca de cumplirse al unirse económicamente con el anciano Candy (Roman Bohnen). Sin embargo, la fatalidad se cruza en su camino debido a la naturaleza temperamental de Curley (Bob Steele), el hijo del dueño, y la infelicidad de Mae, su esposa (Betty Field).

Hay películas que, aunque hayan pasado muchas décadas desde su estreno, siguen teniendo la capacidad de removerte por dentro y La fuerza bruta (De ratones y hombres), adaptación de la novela de John Steinbeck, es una de ellas.

Tengo que reconocer que he sufrido mucho viendo esta película... hay escenas que me han encogido el corazón y que me han dejado con un nudo en la garganta.

La historia nos lleva a los años de la Gran Depresión, donde George y Lennie llegan a un rancho buscando trabajo y aferrándose a un sueño muy sencillo: reunir el dinero suficiente para tener un pequeño hogar propio. George es responsable, paciente y siempre intenta proteger a su inseparable compañero. Lennie, en cambio, es un hombre de una fuerza descomunal, pero con la inocencia de un niño, incapaz de comprender las consecuencias de muchos de sus actos.

La película habla de la pobreza, de la soledad, de las personas que viven al margen y de esos sueños que muchas veces parecen inalcanzables y Steinbeck sabía mirar muy bien a quienes casi nadie veía.

Las interpretaciones son magníficas... tanto Burgess Meredith como Lon Chaney Jr. están estupendos, pero quiero hacer una una mención especial a Roman Bohnen, que nos regala quizás, al menos para mí, el personaje más inolvidable.

Siempre me ha parecido curioso que en España se optara por el título La fuerza bruta, porque deja completamente en un segundo plano el verdadero espíritu de la historia. Quizá esa decisión haya contribuido a que hoy sea una película mucho menos conocida de lo que merece y me resulta sorprendente si se tiene en cuenta que fue una de las candidatas al Oscar a la mejor película en aquella extraordinaria cosecha cinematográfica de 1939.

Puede que existan otras adaptaciones de la obra de Steinbeck con un desarrollo más profundo, pero esta conserva intacta toda la emoción de una historia que habla de esperanza, de amistad y de supervivencia, y a pesar del nudo en la garganta que deja su desenlace, el viaje de George y Lennie merece ser rescatado del olvido.

Salida de los obreros de la fábrica Lumière

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 26 Jul 2026 11:02:20 +0000

Título original: La sortie des usines Lumière
Año: 1895
Duración: 1 min.
País: Francia
Dirección: Louis Lumière

Fotografía: Louis Lumière

El argumento es de una sencillez absoluta y puramente testimonial: registra de manera fidedigna el momento exacto en que las puertas de la factoría fotográfica Lumière, situada en el barrio de Monplaisir en Lyon (Francia), se abren de par en par al mediodía para dar por terminada la jornada laboral.

Durante los escasos segundos que dura la filmación, una multitud compuesta por decenas de trabajadores, en su gran mayoría mujeres vestidas con largos vestidos y sombreros de la época, seguidas por hombres con trajes obreros y algunos capataces, desfilan apresuradamente saliendo del recinto hacia los lados de la pantalla.

Cada vez que vuelvo a ver la Salida de los obreros de la fábrica Lumière, no veo delante de mí únicamente a un grupo de personas abandonando su trabajo al terminar la jornada, sino que aparece el instante en el que el cine comenzó a caminar por primera vez.

La propuesta no puede ser más sencilla... las puertas de la fábrica Lumière, en Lyon, se abren y los trabajadores y trabajadoras salen al exterior con la naturalidad de quien termina un día cualquiera. No hay personajes inventados, ni intérpretes, ni una historia escrita de antemano... son personas reales viviendo un momento cotidiano que, sin saberlo, acabaría convirtiéndose en uno de los fragmentos más importantes de la historia de la cultura y precisamente ahí reside toda su grandeza ya que lo que hoy puede parecer una imagen corriente fue, en su momento, una auténtica revolución. Aquella breve grabación consiguió algo que hasta entonces parecía imposible... atrapar un pedazo de la vida y conservarlo para siempre.

Mientras observo a esas personas cruzar la puerta de la fábrica, me gusta imaginar que entre ellas también avanzan, invisibles, todos los sueños que el cine nos regalaría después. Entre esos pasos casi puedo imaginar el bastón de Charles Chaplin, la intensidad de Greta Garbo, la mirada de Mastroianni, el universo de Federico Fellini, la energía de Pedro Almodóvar, la presencia de Katharine Hepburn, el talento de Meryl Streep, la fuerza de Anthony Hopkins, la elegancia de Audrey Hepburn, el inconformismo de Jane Campion, la creatividad de Guillermo del Toro o el sombrero de Sergio Leone esperando su momento... todos ellos, y miles de nombres más, nacieron simbólicamente en ese mismo instante.

Aquel pequeño milagro abrió una puerta que nunca más volvería a cerrarse y de esas imágenes también surgieron las historias que nos han emocionado durante más de un siglo... relatos inspirados en hechos reales, ficciones inolvidables, comedias capaces de hacernos reír, dramas que nos rompieron el corazón, aventuras, wésterns, musicales, documentales y tantos otros géneros que han llenado las pantallas de emociones. Detrás de todo ello han estado generaciones de directoras y directores, guionistas, productoras y productores, actrices, actores, técnicas, técnicos, especialistas, figurantes y un sinfín de personas que han convertido el cine en un lenguaje universal.

Cada vez que una película consigue emocionarme, hacerme reflexionar o acompañarme durante unas horas, siento que sigue latiendo aquella primera chispa nacida frente a una fábrica de Lyon, por eso este cortometraje significa mucho más que un documento histórico... es el primer latido de un arte que ha aprendido a hacernos reír, llorar, imaginar y comprender un poco mejor el mundo y a quienes lo habitamos. Todo empezó con unas puertas abriéndose y unas personas regresando a casa... nadie podía sospechar que, junto a ellas, también estaban saliendo millones de historias que todavía hoy continúan escribiéndose. Más de un siglo después, la magia sigue intacta.

Harakiri

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 26 Jul 2026 10:53:07 +0000

Título original: Seppuku (Harakiri)
Año: 1962
Duración: 133 min.
País: Japón
Dirección: Masaki Kobayashi
Guion: Shinobu Hashimoto

Música: Tôru Takemitsu

Fotografía: Yoshio Miyajima

Reparto:
Tatsuya Nakadai, Rentarô Mikuni, Akira Ishihama, Shima Iwashita, Tetsurô Tanba, Masao Mishima, Ichirô Nakatani, Kei Sato, Yoshio Inaba, Hisashi Igawa, Tatsuo Matsumura...

Japón, 1630. Hanshirō Tsugumo (Tatsuya Nakadai), un veterano rōnin (un samurái sin amo) empobrecido tras la abolición de su clan, se presenta en la residencia del poderoso clan Iyi. Su petición es solemne: solicita un lugar honorable en su patio para cometer el seppuku (suicidio ritual).

Para disuadirlo, el consejero del clan, Kageyu Saitō (Rentarô Mikuni), le relata una advertencia: meses atrás, otro joven rōnin llamado Motome Chijiiwa (Akira Ishihama) llegó con la misma solicitud, una estrategia desesperada muy común en la época para inspirar lástima y conseguir algunas monedas.

Sin embargo, para dar ejemplo ante los "faroleros del suicidio", el clan Iyi forzó despiadadamente al joven a cumplir su palabra, obligándolo a rajarse el abdomen de la manera más dolorosa posible utilizando su propia espada, la cual resultó ser de bambú porque había tenido que vender el metal para alimentar a su familia enferma.

Lejos de acobardarse, Hanshirō insiste en continuar, pero pide un último deseo antes de morir: relatar los acontecimientos que lo llevaron a tomar esa trágica decisión.

Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 1963

Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes 1963

Hay películas que cuestionan todo aquello que durante años se ha dado por incuestionable y Harakiri es una de ellas. Lo que comienza con la llegada de un samurái a un castillo para solicitar permiso para quitarse la vida siguiendo el ritual tradicional acaba convirtiéndose en un relato devastador sobre la injusticia, el poder y el verdadero significado del honor.

La historia nos traslada al Japón del siglo XVII, después de la caída de un importante clan, dejando a miles de samuráis sin señor y condenados a la pobreza. En ese contexto aparece Tsugumo, un hombre que pide realizar el harakiri en el castillo del clan Ii.

Impresiona la forma en que la película desmonta la imagen idealizada del código de honor samurái. La película plantea preguntas con una enorme inteligencia y demuestra que muchas veces las normas solo sirven para proteger el prestigio de quienes tienen el poder, mientras condenan a quienes más necesitan comprensión.

Masaki Kobayashi construye una historia profundamente triste, marcada por la pérdida, la pobreza y la desesperación, pero también por la dignidad de un hombre que decide enfrentarse a un sistema basado en la apariencia y la hipocresía. No busca glorificar a los samuráis, sino mostrar sus contradicciones y denunciar unas reglas que convierten a las personas en prisioneras de una idea vacía del honor.

Tatsuya Nakadai realiza una interpretación extraordinaria pero también me fascinó el enorme cuidado con el que Kobayashi construye cada secuencia. La composición de las imágenes, la fotografía y la forma en la que utiliza los espacios son impresionantes y todo está al servicio de una historia que nunca pierde su intensidad y que consigue mantener la tensión hasta el último momento.

Harakiri no es únicamente una película sobre samuráis... es una reflexión sobre la dignidad, la humillación, la desigualdad y una crítica a la doble moral y a las estructuras que sostienen el poder bajo la apariencia del honor.

Ver una película de Masaki Kobayashi es quedar completamente impresionada y con esta película firmó una obra de una enorme fuerza emocional con la que te invita a pensar. Para mí, es una de las grandes obras maestras del cine japonés y una de esas películas que te recuerdan por qué el cine también puede convertirse en una poderosa herramienta para cuestionar el mundo que nos rodea.

Laberinto en llamas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 26 Jul 2026 10:29:58 +0000

Título original: The Lost Bus
Año: 2025
Duración: 129 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Paul Greengrass
Guion: Brad Ingelsby y Paul Greengrass

Música: James Newton Howard

Fotografía: Pål Ulvik Rokseth

Reparto:
Matthew McConaughey, America Ferrera, Ashlie Atkinson, Yul Vazquez, Danny McCarthy, Spencer Watson...

El pánico se desata en la pequeña localidad de Paradise cuando un devastador e incontrolable incendio forestal comienza a rodear la zona a una velocidad aterradora. En medio del caos de la evacuación, 22 niños de una escuela primaria se quedan completamente desamparados y atrapados debido a que sus familiares no logran llegar a tiempo a por ellos antes de que las llamas bloqueen las carreteras.

La responsabilidad de salvarlos recae sobre Kevin McKay (Matthew McConaughey), un conductor de autobús escolar sumido en serios problemas personales, y Mary Ludwig (America Ferrera), una comprometida maestra de educación infantil.

Juntos inician un angustioso y claustrofóbico viaje a contrarreloj a bordo del autobús, adentrándose en carreteras completamente oscurecidas por el humo espeso, cercadas por lenguas de fuego e invadidas por el viento, con la misión desesperada de guiar a los pequeños hacia un lugar seguro en medio de un auténtico infierno terrenal.

Hay películas que no solo te cuentan una historia, sino que consiguen hacerte sentir dentro de ella y eso me pasa con Laberinto en llamas, dirigida por Paul Greengrass y basada en el libro de investigación Paradise: One Town's Struggle to Survive an American Wildfire de la periodista Lizzie Johnson, que reconstruye el devastador incendio que arrasó Paradise, en California, en 2018, una de las mayores tragedias provocadas por el fuego en la historia reciente de Estados Unidos.

Paul Greengrass vuelve a demostrar que tiene una forma muy personal de contar este tipo de historias... su manera de rodar hace que la tensión esté presente durante toda la película.

La historia gira alrededor de un conductor de autobús escolar que cuando el incendio comienza a extenderse sin control, se ve obligado a intentar sacar de allí a una maestra y a veintidós niños... no necesita complicarse mucho para mantener el interés porque el verdadero enemigo ya está presente desde el primer minuto y Matthew McConaughey sostiene practicamente todo el peso de la historia con una interpretación muy buena.

Durante sus poco más de dos horas de duración apenas hay momentos para poder relajarte... la tensión permanece constante y el calor parece atravesar la pantalla y casi puedes sentir la sensación de asfixia, el humo envolviéndolo todo y el avance imparable de unas llamas que no dan tregua.

El sonido merece una mención especial... el crujido de los árboles al romperse, el viento empujando el fuego, la ceniza golpeando la carrocería del autobús o el silencio que aparece entre explosiones consiguen transmitir una inquietud constante.

No creo que sea una obra maestra pero tengo que decir que sí me parece un relato muy eficaz que logra mantener la tensión de principio a fin y que funciona gracias a la humanidad de sus personajes y a la forma en la que consigue que el espectador comparta su miedo.

Mientras la veía, me resultaba imposible no pensar en lo que estamos viviendo también aquí... en este verano en el que volvemos a contemplar incendios que arrasan bosques, pueblos y montañas. Igual que ocurrió el verano pasado y tantos otros anteriores y que, por desgracia, todo hace pensar que seguiremos viendo imágenes parecidas en los próximos años si la prevención continúa siendo la gran olvidada.

Cada verano aplaudimos el trabajo heroico de los bomberos forestales cuando se juegan la vida entre las llamas, sin embargo, cuando termina la temporada de calor (que cada vez dura,más) otra vez vuelve la precariedad, los contratos temporales y la falta de recursos. Los incendios no empiezan en junio, empiezan mucho antes, cuando durante meses no se invierte lo suficiente en limpiar los montes, en mantener los bosques, en planificar, en formar equipos estables y en ofrecer salarios dignos a quienes dedican su vida a proteger nuestro patrimonio natural y en protegernos a nosotros.

Tendríamos que preguntarnos qué es realmente prioritario, porque mientras siguen apareciendo partidas presupuestarias para gastos completamente prescindibles, para comidas institucionales en los Ventorros de turno o para nuevas compras de áticos, la inversión en prevención continúa siendo insuficiente... y la prevención siempre será mucho más barata —y, sobre todo, mucho más humana— que lamentar después vidas pérdidas, hogares reducidos a cenizas y miles de hectáreas convertidas en un paisaje negro y silencioso.

Laberinto en llamas creo que no pretende dejarte impresionada por la espectacularidad del fuego, lo que busca es mostrarnos que los verdaderos héroes no llevan capa ni poseen poderes extraordinarios... son personas corrientes que, cuando todo se derrumba a su alrededor, hacen lo imposible por salvar la vida de los demás. Ojalá no hicieran falta más películas como esta para recordar que, frente a los incendios, la mejor herramienta siempre será la prevención.

Cuando los créditos comienzan a rodar y el humo parece disiparse, la película nos deja una llamada de atención desesperada frente a la desidia institucional. Al final, el rugido del fuego en Paradise es el mismo que devora nuestros montes ante la pasividad de una gestión política que prefiere el gasto superfluo y el aplauso tardío antes que la inversión real en prevención y en condiciones dignas para nuestros bomberos.

La solución al estilo de Alabama

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 25 Jul 2026 11:57:32 +0000

Título original: The Alabama Solution
Año: 2025
Duración: 117 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Andrew Jarecki y Charlotte Kaufman
Guion: Andrew Jarecki, Charlotte Kaufman y Page Marsella

Música: Mark Batson, Mondo Boys y Chris Hanebutt

Fotografía: Nicholas Kraus

El documental destapa la corrupción sistemática, la brutalidad institucional y el encubrimiento de muertes dentro del sistema carcelario de Alabama, catalogado como uno de los más mortíferos de los Estados Unidos.

La investigación comenzó de forma accidental en 2019, cuando los directores visitaron una prisión estatal para filmar un evento religioso. Fuera de cámaras, varios reclusos se les acercaron sigilosamente para susurrarles que en el interior ocurrían abusos gravísimos que las autoridades ocultaban.

A partir de ese momento, se inició una exhaustiva investigación encubierta que duró seis años. Dado que la ley permite a las prisiones denegar el acceso a periodistas, el documental se sostiene en una estrategia audaz: los propios líderes encarcelados arriesgaron sus vidas utilizando teléfonos celulares de contrabando para registrar en video el hacinamiento, el trabajo forzado y la violencia cotidiana.

La solución al estilo de Alabama es un documental que te remueve por dentro y te deja con mal cuerpo, porque muestra una realidad que muchas veces permanece oculta o no queremos mirar. Lo que en un principio parecía ser la grabación de un encuentro religioso dentro de una prisión de Alabama acaba convirtiéndose en una investigación inesperada cuando varios internos, aprovechando los momentos en los que las cámaras dejan de grabar, confían a los cineastas que tras los muros del penal se cometen abusos continuos que permanecen silenciados.

A partir de ese instante, el documental cambia por completo de rumbo y se transforma en una denuncia sobre un sistema penitenciario donde el miedo, el aislamiento y las represalias forman parte del día a día. Muchos de los presos que decidieron contar lo que estaba ocurriendo terminaron pagando un precio muy alto por hacerlo, sufriendo castigos y medidas disciplinarias mientras avanzaba el rodaje.

Andrew Jarecki y Charlotte Kaufman cuentan esta historia dejando que sean los propios testimonios y las imágenes quienes hablen y es justo esa forma de narrar lo que hace que todo resulte más inquietante y difícil de olvidar.

El documental te invita a reflexionar sobre un modelo penitenciario que, desde hace décadas, ha convertido el encarcelamiento masivo estadounidense en parte de su funcionamiento, afectando especialmente a las personas más vulnerables y evidenciando profundas desigualdades sociales y raciales.

Tras su estreno, surgió The Alabama Solution Campaign, un movimiento impulsado por organizaciones defensoras de los derechos humanos que reclama mayor transparencia y cambios reales en el sistema penitenciario estadounidense.

Por terminar, decir que siento que La solución al estilo de Alabama da voz a quienes el sistema prefiere mantener en el anonimato y en el silencio, demostrando una vez más, que el terror cinematográfico no nace de la ficción, sino de las realidades más absolutas y terribles que muchas veces decidimos ignorar.

Ser o no ser

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 25 Jul 2026 11:42:19 +0000

Título original: To Be or Not to Be
Año: 1942
Duración: 99 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ernst Lubitsch
Guion: Edwin Justus Mayer

Música: Werner R. Heymann

Fotografía: Rudolph Maté

Reparto:
Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn, Henry Victor, Maude Eburne, Halliwell Hobbes, Miles Mander...

Varsovia en 1939, justo durante la invasión y posterior ocupación alemana. Joseph (Jack Benny) y Maria Tura (Carole Lombard) son un matrimonio de actores y las vanidosas estrellas de una compañía de teatro local. Mientras Joseph interpreta el famoso monólogo de Hamlet de Shakespeare, Maria aprovecha para recibir en su camerino las visitas de Stanislav Sobinski (Robert Stack), un joven y apuesto piloto de la aviación polaca.

Cuando estalla la guerra, el piloto huye a Inglaterra junto a la resistencia, pero allí descubre una terrible amenaza: el respetado profesor Alexander Siletsky (Stanley Ridges) es en realidad un espía doble al servicio de la Gestapo. Siletsky viaja de regreso a Varsovia con una lista detallada que contiene los nombres de los familiares de los aviadores polacos y los líderes de la resistencia clandestina, lo que significaría su ejecución inmediata.

Para evitar la catástrofe, Sobinski se lanza en paracaídas sobre Polonia y contacta con Maria Tura. A partir de ese momento, toda la compañía teatral decide usar sus dotes de actuación, sus armarios de vestuario militar y los decorados de una obra censurada sobre Adolf Hitler para montar una farsa monumental.

Los actores se disfrazan de altos mandos de las SS y de la Gestapo para interceptar al traidor, infiltrarse en el cuartel general nazi y salvar a la resistencia polaca.

Premio Especial del Jurado en los Premios Sant Jordi 1970

Pocas veces una película consigue hacerte reír mientras habla de uno de los momentos más oscuros de la historia y eso es exactamente lo que pasa cuando ves Ser o no ser. Ernst Lubitsch demuestra que el humor también puede convertirse en un arma para ridiculizar el fanatismo y el autoritarismo, sin perder nunca la inteligencia ni la elegancia.

Desde sus primeros minutos te atrapa por completo... la forma en la que juega con la llegada de "Hitler" a las calles de Varsovia es brillante y poco después, todo empieza a cobrar sentido con una narración que mezcla realidad y ficción de una manera sorprendente.

La historia mezcla romance, espionaje, malentendidos y una sátira demoledora contra el nazismo con un equilibrio que a veces parece imposible. Cada situación da paso a otra todavía más ingeniosa, los diálogos están llenos de dobles sentidos y de respuestas brillantes y el ritmo nunca decae.

Destacable la valentía de Lubitsch que en plena Segunda Guerra Mundial decidió responder al horror con inteligencia, ridiculizando a Hitler, a la cúpula nazi, al militarismo y a la obediencia ciega y fanática, dejando en evidencia la absurda arrogancia del poder.

El reparto es magnífico, con unos secundarios maravillosos, un Jack Benny estupendo, pero resulta imposible no detenerse en el trabajo de Carole Lombard ya que saber que esta fue su última película añade un componente especialmente emotivo. El rodaje había terminado meses antes de que falleciera trágicamente en un accidente de avión, con solo 33 años, y el estreno se produjo poco después de su muerte, convirtiéndose en una de las interpretaciones más recordadas de toda su carrera.

Ser o no ser me parece una de esas películas que nunca pierden su fuerza... es divertida, inteligente y tremendamente actual en todo lo que cuenta, porque si Lubitsch siguiese entre nosotros en estos tiempos, se pondría las botas ridiculizando al fascismo y a los fascistas.

Ser o no ser es el testimonio de que la risa es, en muchas ocasiones, el acto de resistencia más elegante y feroz. Ernst Lubitsch no solo desafió al horror de su tiempo con una genialidad desbordante, sino que convirtió el escenario teatral en el escudo perfecto para desarmar la prepotencia del totalitarismo. Más de ochenta años después, cuando las luces de la sala se apagan, nos queda la certeza de que frente a la barbarie, el fanatismo y la rigidez de las dictaduras, el ingenio humano siempre tendrá la última y más brillante palabra.

Together

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 24 Jul 2026 20:52:51 +0000

Año: 2025
Duración: 102 min.
País: Australia
Dirección: Michael Shanks
Guion: Michael Shanks

Música: Cornel Wilczek

Fotografía: Germain McMicking

Reparto:
Alison Brie, Dave Franco, Damon Herriman, Sunny S. Walia, Jack Kenny, Mia Morrissey...

Tim (Dave Franco) y Millie (Alison Brie) son una pareja que lleva años de relación pero que se encuentra en una profunda crisis emocional. Buscando un nuevo comienzo para salvar su relación, toman la drástica decisión de abandonar la ciudad y mudarse a una casa en el entorno rural y aislado del campo.

Lejos de encontrar la paz que esperaban, las tensiones acumuladas y la hostilidad entre ambos no tardan en florecer. La situación da un giro pesadillesco cuando la pareja descubre una misteriosa cueva en los alrededores de su propiedad. Esta cueva está habitada por una fuerza antinatural y sobrenatural vinculada al agua.

Al beber de ella, una terrible maldición se desata sobre ellos: sus cuerpos y su propia carne comienzan a sufrir grotescas deformaciones y mutaciones físicas. A través de este horror corporal, sus transformaciones físicas reflejarán la codependencia, la fusión total y la imposibilidad de separarse de su destructivo lazo amoroso.

Había escuchado comentarios muy positivos sobre Together y eso me hizo empezar a verla con interés y aunque intento no dejarme llevar por ese tipo de expectativas porque muchas veces juegan más en contra que a favor, en esta ocasión no he podido evitarlo y lo que me he encontrado ha sido con una película con buenas ideas, pero también con bastantes altibajos. Tiene momentos realmente inquietantes y, si disfrutas del body horror, seguramente encontrarás aquí imágenes muy potentes, efectos especiales logrados y varias secuencias capaces de provocar cierta incomodidad.

Michael Shanks debuta en la dirección con la historia de una pareja que decide empezar una nueva vida en un pequeño pueblo rodeado de naturaleza pero todo cambia después de pasar una noche en una misteriosa cueva, cuando ambos comienzan a sufrir unas extrañas transformaciones físicas que alteran por completo su relación y su propia identidad.

Realmente, si eliminas todo el componente fantástico y grotesco, lo que queda es un drama sobre una pareja que atraviesa una crisis importante y la verdad que ese conflicto emocional me resulta más interesante que muchos de los sobresaltos que propone la película ya que la historia acaba recurriendo a demasiadas situaciones que cualquier aficionado al género puede anticipar y eso hace que parte de la tensión se vaya perdiendo.

Visualmente tiene imágenes impactantes y hay secuencias realmente desagradables en el mejor sentido posible para quienes disfrutan de este tipo de cine, pero después de todo lo que planteaba la historia, esperaba una resolución más coherente y potente, y en cambio, me ha dejado una sensación agridulce.

Por hacer un cierre, diría que Together brilla cuando utiliza el body horror no como un simple generador de impactos visuales, sino como un reflejo físico y grotesco del desgaste emocional, la codependencia y el miedo al cambio que acechan a cualquier relación en crisis, sin embargo, su incapacidad para escapar de los tópicos más trillados del cine de terror y una parte final que no termina de rematar la audaz premisa inicial acaban lastrando el conjunto.

La venganza del cámara de cine

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 24 Jul 2026 20:32:35 +0000

Título original: Mest kinematograficheskogo operatora (Cameraman's Revenge)
Año: 1912
Duración: 12 min.
País: Rusia
Dirección: Wladyslaw Starewicz
Guion: Wladyslaw Starewicz

Música: Roger White

El Señor Escarabajo, aburrido de su matrimonio, viaja con frecuencia a la ciudad con la excusa de atender sus negocios, aunque en realidad aprovecha para frecuentar un cabaret y encontrarse con su amante, la Señorita Libélula.

En dicho lugar, el escarabajo se enzarza en una pelea contra el Señor Grillo —el pretendiente rechazado de la libélula— y logra expulsarlo bruscamente. Lo que el Señor Escarabajo ignora es que el grillo es en realidad un astuto operador de cámara de cine.

Herido en su orgullo y movido por el rencor, el camarógrafo persigue en secreto a los amantes y los filma a través del ojo de una cerradura en un hotel, capturando pruebas irrefutables de su romance clandestino. Mientras esto sucede, la Señora Escarabajo también comete su propia infidelidad en casa al recibir las visitas amorosas de un amante, el Señor Saltamontes.

El clímax y "la venganza" ocurren cuando el Señor Escarabajo regresa al hogar y, tratando de reconciliarse con su esposa, la invita a una función en el teatro local. Para su absoluto horror, la película proyectada en la gran pantalla por el grillo es el metraje de su propia aventura amorosa, desatando el caos absoluto en la sala de cine.

La venganza del cámara de cine de Władysław Starewicz, me ha parecido una auténtica maravilla que no solo sorprende por su creatividad, sino también por la enorme paciencia y el ingenio que hay detrás de cada uno de sus fotogramas.

Me ha fascinado conocer cómo consiguió dar vida a sus personajes... Starewicz utilizó insectos reales disecados, convirtiéndolos en pequeñas figuras articuladas. Sustituyó sus patas por finos alambres y modificó sus cuerpos con otros materiales para poder moverlos poco a poco delante de la cámara. Sabiendo que anteriormente había dirigido un museo de historia natural en Lituania y que incluso había filmado documentales sobre insectos antes de trasladarse a Moscú para trabajar en el cine, resulta evidente que supo unir sus conocimientos con una imaginación desbordante. Gracias a esa combinación nació una forma de hacer animación que marcaría el camino del stop-motion tal y como hoy lo conocemos.

La historia, aunque pueda parecer sencilla, tiene bastante más fondo de lo que aparenta... un matrimonio de escarabajos tiene una relación que se tambalea por culpa de una libélula, mientras un saltamontes que trabaja como cámara acaba teniendo un papel decisivo en el desenlace.

En varios momentos del corto me da la sensación de que el cine se convierte en un testigo silencioso que observa aquello que los personajes creen que nadie está viendo, incluso espiando a través de una cerradura (maravillosa la escena de la cerradura).

Es mucho más que una curiosidad histórica o una pionera pieza de museo... es una declaración de amor a las infinitas posibilidades del nacimiento del séptimo arte. Władysław Starewicz no solo obró el milagro de insuflar una expresividad asombrosa a la rigidez de la muerte, sino que convirtió a sus diminutos escarabajos en el espejo perfecto de las vanidades, secretos e hipocresías de la condición humana. Más de un siglo después, ver estas pequeñas criaturas cobrar vida fotograma a fotograma nos conecta con la magia más pura e ingenua de los orígenes de la animación, y nos demuestra que el verdadero genio no reside en la sofisticación de la tecnología actual, sino en la inmensidad de una mirada capaz de desafiar al tiempo y a la propia naturaleza desde la mesa de un taller.

El golpe

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 20 Jul 2026 19:33:30 +0000

Título original: The Sting
Año: 1973
Duración: 129 min.
País: Estados Unidos
Dirección: George Roy Hill
Guion: David S. Ward

Música: Marvin Hamlisch

Fotografía: Robert Surtees

Reparto:
Robert Redford, Paul Newman, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston, Eileen Brennan, Harold Gould, Dana Elcar, Charles Dierkop, Dimitra Arliss, Robert Earl Jones, Avon Long...

Ambientada en la ciudad de Chicago durante la Gran Depresión de los años 30, la trama arranca cuando Johnny Hooker (Robert Redford), un joven y astuto estafador de poca monta, roba sin saberlo una enorme cantidad de dinero a un correo que trabaja para Doyle Lonnegan (Robert Shaw), un despiadado y poderoso jefe de la mafia neoyorquina. En represalia, Lonnegan ordena asesinar a Luther Coleman, el veterano mentor y socio de Hooker.

Destrozado y buscando justicia, Hooker huye a Chicago para contactar a Henry Gondorff (Paul Newman), un viejo amigo de Luther y maestro de la gran estafa que vive ocultándose del FBI.

Juntos, Hooker y Gondorff deciden vengar la muerte de su amigo montando una monumental, complejísima y teatral estafa para arruinar financieramente a Lonnegan sin que este se dé cuenta de que está siendo engañado. Para lograrlo, reclutan a un numeroso grupo de timadores profesionales y crean desde cero una falsa casa de apuestas de carreras de caballos clandestina.

Oscar 1974 a la Mejor Película

Oscar 1974 a la Mejor Dirección

Oscar 1974 al Mejor Guion Original

Oscar 1974 al Mejor Montaje

Oscar 1974 a la Mejor Canción Original

Oscar 1974 al Mejor Diseño de Producción

Oscar 1974 al Mejor Vestuario

National Board of Review Award 1973 (Asociación de Críticos Norteamericanos) a la Mejor Película

Premio David di Donatello 1974 al Mejor Actor Extranjero para Robert Redford

Directors Guild of America Award (DGA) 1973 a la Mejor Dirección/Película

Hay películas que, por mucho tiempo que pase, siguen teniendo la capacidad de atraparme como si fuera la primera vez que las veo y El golpe es una de ellas. La he visto más de una vez y siempre consigue sorprenderme, atraparme y hacer que disfrute de cada escena.

George Roy Hill volvió a reunir a Paul Newman y Robert Redford después del enorme éxito de Dos hombres y un destino y el resultado no pudo ser mejor... los dos están extraordinarios y desprenden una complicidad que pocas veces se ve en pantalla, aunque si tengo que decantarme por uno de los dos, lo tengo claro, me quedo con Paul Newman.

Pero el reparto no termina con ellos dos... Robert Shaw también está sensacional. Consigue dar vida a un personaje duro y peligroso pero al mismo tiempo despierta una extraña simpatía ya que cuando termina la película me resulta imposible no sentir un poco de compasión por la forma en la que acaba siendo engañado.

La historia está construida con una inteligencia admirable y aunque ya conozca lo que va a ocurrir, nunca pierde su capacidad para sorprenderme... esa es una de las razones por las que considero que sigue siendo una película tan especial décadas después de su estreno.

La recreación de la época también me parece impecable... el vestuario, los decorados y todos los pequeños detalles consiguen transportarme por completo a otro tiempo... y luego está esa banda sonora que forma parte de la historia del cine.

Pero si hay una secuencia que siempre espero con ganas es la inolvidable partida de póker en el tren... me parece una escena brillante, aunque, siendo sincera, podría mencionar casi cualquier momento porque la película mantiene un nivel altísimo de principio a fin.

El golpe no es solo un clásico indiscutible... es la representación de por qué nos enamoramos del séptimo arte. Cada vez que los créditos finales comienzan a rodar, nos queda la maravillosa certeza de haber asistido a la estafa más hermosa de la historia del cine... un timo magistral en el que, aun conociendo de antemano el truco del mago, los espectadores nos dejamos engañar una y otra vez con absoluta felicidad, deseando volver a subir a ese tren para volver a jugar la partida.

Sarah's Oil: El oro negro

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 20 Jul 2026 18:42:59 +0000

Título original: Sarah's Oil
Año: 2025
Duración: 103 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Cyrus Nowrasteh
Guion: Betsy Giffen Nowrasteh y Cyrus Nowrasteh

Música: Kathryn Bostic

Fotografía: Johnny Derango

Reparto:
Zachary Levi, Naya Desir-Johnson, Sonequa Martin-Green, Garret Dillahunt, Mel Rodriguez, Kenric Green, Bridget Regan, Stelio Savante, Marco Fuller...

La trama se ambienta en la década de 1900 en el Territorio Indio de Oklahoma. Sarah, de apenas 11 años, recibe una parcela de tierra aparentemente estéril y desértica como parte de las asignaciones estatales. A pesar del pesimismo general, la niña mantiene una fe inquebrantable en que bajo ese suelo árido se esconde una inmensa riqueza.

Su presentimiento demuestra ser completamente acertado cuando se descubre un gigantesco yacimiento de petróleo en su propiedad. Sin embargo, la bendición pronto desata una amenaza: una horda de codiciosos especuladores, empresarios y "tiburones" del petróleo acechan para intentar arrebatarle el control de sus tierras aprovechándose de su edad y de los prejuicios raciales de la época.

Para defender su herencia y su fortuna, Sarah tendrá que recurrir a la fuerza de su familia, a sus amigos y a la alianza de perforadores independientes de Texas, entablando una batalla legal y social contra el sistema establecido.

Premio Image 2026 a la Mejor Intérprete Joven para Naya Desir-Johnson

Hay historias reales que parecen escritas para el guion de una película y la de Sarah Rector es una de ellas. Sarah's Oil: El oro negro recupera la vida de esta niña afroamericana que, a comienzos del siglo XX, pasó de tener unas tierras que nadie valoraba a convertirse, con apenas once años, en una de las primeras mujeres afroamericanas millonarias de Estados Unidos.

La película, inspirada en el libro Searching for Sarah Rector: The Richest Black Girl in America de Tonya Bolden, pone el foco en la lucha de Sarah por proteger aquello que le pertenece cuando el petróleo aparece bajo sus tierras y despierta la ambición de quienes solo ven una oportunidad para enriquecerse. A su alrededor encuentra el apoyo de su familia, de sus amistades y de un vaquero texano que la ayudan a defender sus derechos frente a quienes intentan arrebatárselos.

Realmente, lo que más me interesaba era saber como su director era capaz de transimitir esta historia ya que la vida de Sarah Rector tiene la fuerza suficiente para emocionar por sí sola... sin embargo, la sensación que me ha quedado tras terminar de verla, es que la película opta por el camino más fácil y evita profundizar en los conflictos que podrían haberle dado mucha más intensidad.

La película avanza de una forma bastante previsible, los diálogos resultan demasiado sencillos hasta el punto de transmitir una sensación algo ingenua. Aun así, la joven Naya Desir-Johnson consigue sostener gran parte de la película gracias a su presencia en pantalla y tiene suficiente carisma para que resulte fácil empatizar con Sarah.

La película de Cyrus Nowrasteh funciona como un correcto homenaje didáctico, no obstante, me resulta imposible ignorar la sensación de que una historia tan interesante sobre la resiliencia racial, la codicia y el triunfo familiar merecía un guion mucho más valiente.

Sarah's Oil: El oro negro no consigue aprovechar todo el potencial de su protagonista, aunque es una propuesta que despierta la curiosidad suficiente por conocer la vida de una niña que desafió las injusticias de su época y consiguió cambiar su destino contra todo pronóstico.

La tregua

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 20 Jul 2026 00:10:18 +0000

Año: 2025
Duración: 150 min.
País: España
Dirección: Miguel Ángel Vivas
Guion: Fran Carballal, Ignasi Rubio y Miguel Ángel Vivas
Música: Víctor Reyes
Fotografía: Rafa García
Reparto:
Miguel Herrán, Arón Piper, Javier Pereira, Fernando Valdivielso, Manel Llunell, José Pastor, Alejandro Jato, Federico Pérez, Diego Montejo...

Tras el final de la Guerra Civil Española, un grupo de soldados republicanos exiliados intenta abandonar Rusia, pero las autoridades soviéticas los consideran traidores y son enviados al Spassk-99, un brutal gulag situado en la fría estepa de Kazajistán.

Poco después, el régimen estalinista hacina en el mismo campo de trabajo a un grupo de prisioneros españoles del bando opuesto: soldados de la División Azul, capturados tras luchar junto a las tropas nazis en Leningrado.

o que comienza como un profundo odio y una irreconciliable división ideológica heredada de la guerra civil, se transforma paulatinamente en una alianza obligada por la supervivencia.

Para resistir el hambre, el frío extremo y la brutalidad del campo, ambos grupos deberán dejar atrás sus banderas, desnudarse de sus ideologías y unir fuerzas para organizar una fuga durante una de las actuaciones musicales de los prisioneros.

La tregua es una película que antes incluso de empezar ya me había despertado interés por la historia real en la que está inspirada y que nos lleva hasta los campos de trabajo de la antigua Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial, donde muchos españoles quedaron atrapados y tuvieron que sobrevivir al hambre, al frío y a unas condiciones de vida insoportables.

La película se ha rodado en Bizkaia y el enorme decorado construido para recrear el campo de trabajo está muy conseguido y junto con la ambientación y el trabajo visual, logra transmitir esa sensación de dureza, desesperanza y aislamiento.

Sin embargo, aunque el punto de partida es muy prometedor y la intención de la película es evidente, tengo la sensación de que el resultado no termina de estar a la altura de todo lo que quiere nos contar y también creo que el relato pierde fuerza al abrir demasiados caminos que terminan de desviar la atención de lo que realmente, al menos a mí, me interesaba... la lucha por sobrevivir y la complicada convivencia entre personas enfrentadas por la guerra pero obligadas a colaborar para seguir con vida.

Otro aspecto que juega en su contra es la duración... si, le sobra minutos, muchos minutos, y creo que una versión más corta habría ganado y habría conseguido mantener el interés de principio a fin.

Resumiendo diría que La tregua se queda como un testimonio visualmente impecable pero narrativamente diluido... es una lástima que una factura técnica tan imponente, un diseño de producción tan inmersivo y una premisa histórica tan potente terminen sepultados bajo el peso de un metraje excesivo y una preocupante falta de concreción. Miguel Ángel Vivas se olvida de ajustar el ritmo y de pulir la dirección de unos actores que no siempre logran la dimensión dramática necesaria. No es, ni mucho menos, una mala película, sin embargo, al terminar de verla, me queda esa inevitable espina clavada de saber que, con un montaje mucho más afilado y un guion que hubiese ido directo a la raíz del conflicto humano, podríamos haber estado ante una película fantástica del cine bélico reciente, y no solo ante una notable oportunidad perdida.

Tiempos modernos

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 12 Jul 2026 15:30:39 +0000

Título original: Modern Times
Año: 1936
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografía: Roland Totheroh e Ira H. Morgan

Reparto:
Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Sandford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia...

Ambientada en la época de la Gran Depresión en los Estados Unidos, un obrero metalúrgico (Charles Chaplin) trabaja en una asfixiante fábrica, sometido al ritmo frenético de la producción en cadena de una gigantesca corporación.

El estrés extremo y la deshumanización del trabajo mecanizado acaban provocándole un ataque de nervios, lo que desencadena una serie de caóticos equívocos que lo llevan de la fábrica a un hospital psiquiátrico, y de ahí directo a la cárcel por ser confundido con el líder de una manifestación comunista.

Al salir de prisión, la vida del vagabundo cambia por completo al cruzarse en el camino de una joven huérfana y sin hogar (Paulette Goddard) que huye de la ley.

Juntos deciden unir sus fuerzas y enfrentarse a las duras e injustas condiciones de la vida moderna, encadenando todo tipo de trabajos precarios y peripecias con el único objetivo de encontrar la felicidad, la estabilidad y su propio lugar en el mundo.

Aún con el paso de los años y las décadas, Tiempos modernos sigue conservando toda su fuerza, donde Charles Chaplin no solo demuestra una vez más el enorme talento que tenía como cineasta y actor, sino también su compromiso con quienes peor lo pasaban en una época marcada por la pobreza, el desempleo y unas condiciones laborales cada vez más deshumanizadas.

Aunque el cine sonoro ya era una realidad, Chaplin decidió mantenerse fiel a la esencia de Charlot durante gran parte de la película, aunque en esta ocasión el personaje incluso llega a cantar y los efectos de sonido tienen más presencia.

La película nos sitúa en unos Estados Unidos golpeados por la Gran Depresión y a través del humor, Chaplin construye una crítica contra un sistema que convierte a las personas en simples piezas de una maquinaria donde solo importa producir más y más. Charlot intenta sobrevivir en ese mundo imposible, enfrentándose a trabajos repetitivos, fábricas que marcan el ritmo de cada movimiento y una sociedad que parece avanzar demasiado deprisa para alguien que solo quiere vivir con un poco de dignidad.

Los primeros minutos me parecen absolutamente brillantes, una magnífica sátira sobre la obsesión por la productividad que sigue siendo tan divertida como inquietante, pero tengo que reconocer que después de ese arranque tan extraordinario siento que la película pierde algo de intensidad.

La película nos habla del derecho a un trabajo digno, de las dificultades para encontrar un empleo, de la pobreza, de la falta de oportunidades, del acceso a una vivienda y de la necesidad de conservar la propia humanidad en un mundo que parece empeñado en arrebatársela... parece que no hemos cambiado tanto y nos resulta demasiado familiar y desgraciadamente, actual.

Respecto al guion, hubo acusaciones de que Chaplin había tomado ideas de À nous la liberté, de René Clair y es verdad que existen semejanzas entre ambas películas, igual que pueden encontrarse ecos de Metrópolis, pero Chaplin consigue convertir todas esas influencias en una historia con su marca tan única y personal.

Visualmente me parece que tiene una magnífica fotografía a manos de Roland Totheroh e Ira H. Morgan, quienes consiguen crear imágenes que ya forman parte de la historia del cine, y por supuesto, junto a Chaplin destaca una maravillosa Paulette Goddard, cuya presencia aporta luz y esperanza.

Puede que para mí no alcance la perfección de otras obras de Chaplin porque ese comienzo tan extraordinario pone el listón casi imposible de mantener, pero sigue siendo una película imprescindible. Divierte, emociona y sobre todo, nos invita a reflexionar sobre un modelo de sociedad que convierte a las personas en números y olvida que la dignidad siempre debería estar por encima de cualquier beneficio. Esa mirada es lo que hace que Tiempos modernos continúe siendo tan necesaria hoy como lo fue en 1936.

Pulp Fiction

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Jul 2026 23:27:21 +0000

Año: 1994
Duración: 153 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino y Roger Avary
Música: Varios
Fotografía: Andrzej Sekula
Reparto:
John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Ving Rhames, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, María de Medeiros, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Christopher Walken, Paul Calderon...

La historia entrelaza el destino de varios criminales singulares: Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), dos matones a sueldo con crisis existenciales que trabajan para el capo Marsellus Wallace (Ving Rhames), Mia Wallace (Uma Thurman), la enigmática esposa del jefe, que sufre una sobredosis mientras queda bajo el cuidado de Vincent y Butch Coolidge (Bruce Willis), un boxeador en decadencia que estafa a Marsellus al ganar una pelea que debía perder y emprende una huida desesperada.

Oscar 1995 al Mejor Guion Original

Globo de Oro 1995 al Mejor Guion

BAFTA 1995 al Mejor Actor Secundario para Samuel L. Jackson

BAFTA 1995 Al Mejor Guion Original

Palma de Oro a la Mejor Película en el Festival de Cannes 1994

Independent Spirit Award 1994 a la Mejor Película

Independent Spirit Award 1994 a la Mejor Dirección

Independent Spirit Award 1994 al Mejor Actor para Samuel L. Jackson

Independent Spirit Award 1994 al Mejor Guion

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1994 a la Mejor Dirección

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1994 al Mejor Guion

National Society of Film Critics Award 1994 a la Mejor Película

National Society of Film Critics Award 1994 al Mejor Director

National Society of Film Critics Award 1994 al Mejor Guion

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1994 a la Mejor Película

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 al Mejor Actor para John Travolta

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1994 al Mejor Guion

Premio David di Donatello 1995 al Mejor Actor Extranjero para John Travolta

Premio David di Donatello 1995 al Mejor Film Extranjero

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1994 al Mejor Director

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1994 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1994 al Mejor Guion

Premio Saturn 1994 a la Mejor Película de Acción / Aventuras

Hay películas de las que cuesta hablar porque da la sensación de que cualquier palabra se queda corta, y eso es exactamente lo que me pasa con Pulp Fiction, porque cada vez que la veo encuentro un detalle nuevo, un diálogo que no había apreciado igual o una escena que vuelve a sorprenderme como si fuera la primera vez.

El reparto es una auténtica barbaridad... reunir a tantos intérpretes brillantes y conseguir que todos estén a un nivel tan alto no es fácil de conseguir, aunque si tuviera que quedarme con alguien y elegir a uno solo, elegiría sin duda a Samuel L. Jackson. Me impresiona la capacidad que tiene para construir personajes... todos poseen una personalidad tan marcada que resulta imposible olvidarlos.

La música merece una mención aparte... cada canción aparece en el momento justo y termina convirtiéndose en un recuerdo inseparable de muchas de sus escenas.

El guion me parece extraordinario... está lleno de conversaciones que terminan siendo inolvidables y de referencias al cine que hacen que cada vez que la ves (y ya voy unas cuantas) tengas algo nuevo que descubrir y guste más o guste menos, es imposible negar la influencia que ha tenido en el cine posterior ya que Tarantino ha creado una forma muy personal de contar historias y Pulp Fiction representa uno de los ejemplos de ese universo tan reconocible.

No conozco a mucha gente que haya visto Pulp Fiction y no recuerde varias de sus escenas con total claridad. Tiene imágenes, frases y momentos que ya forman parte de la historia del cine y que siguen siendo igual de impactantes con el paso de los años.

Creo que es una película provocadora, atrevida y original y entiendo que haya personas a las que no les convenza su estilo, porque Tarantino nunca deja indiferente. Con sus películas suele ocurrir eso... conectas por completo con su forma de entender el cine o te alejas por completo y yo estoy entre quienes la disfrutan.

Si tuviese que hacer un resumen diría que Pulp Fiction es una experiencia cinematográfica en la que puedes sumergirte una y otra vez, y treinta años después, sigue demostrando que el cine puede ser salvaje, divertido, impredecible y, sobre todo... eterno.

Soñando con leones

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 11 Jul 2026 21:25:57 +0000

Título original: Sonhar com Leões
Año: 2024
Duración: 88 min.
País: Portugal
Dirección: Paolo Marinou-Blanco
Guion: Paolo Marinou-Blanco

Música: Toni M. Mir

Fotografía: Glauco Firpo

Reparto:
Denise Fraga, João Monteiro, Joana Ribeiro, Victória Guerra, Sandra Faleiro, Roberto Bomtempo, António Durães, Felipe Rocha...

Gilda (Denise Fraga), es una mujer de mediana edad afincada en Lisboa que padece un doloroso cáncer de médula espinal. Desesperada por su situación y tras encadenar varios intentos fallidos de suicidio, decide buscar una alternativa.

Es así como contacta con una organización clandestina que realiza seminarios de eutanasia para pacientes en fase terminal que desean acabar con su vida sin dolor.

En esas charlas conoce a Amadeu (João Nunes Monteiro), un joven muy tímido que padece un tumor cerebral y trabaja en una funeraria. Entre ambos surge una complicidad inmediata nacida de su deseo compartido de escapar del sufrimiento bajo sus propios términos.

Premio a la Mejor Película Talent Balear en el Atlàntida Mallorca Film Fest 2025

Premio Sophia 2025 a la Mejor Película de Comedia

Soñando con leones es una película que aunque gira alrededor de la muerte, en realidad habla de la vida y, sobre todo, de la libertad de decidir cómo queremos despedirnos de ella.

La película nos presenta a una mujer con una enfermedad terminal que ha tomado una decisión sobre su futuro. El director nos la presenta con un inesperado toque de humor negro que marca el tono de muchas de las escenas posteriores y ese equilibrio entre momentos duros y otros cargados de una ironía casi absurda consigue que la historia sea más llevadera.

Realmente, más que centrarse en el hecho de morir, la película reflexiona sobre el derecho a elegir. Habla de la eutanasia con una enorme naturalidad y a través de los personajes que rodean a la protagonista aparecen distintas formas de entender este tema... quienes lo miran desde la religión, quienes se refugian en normas médicas y administrativas o quienes, simplemente, no son capaces de aceptar la pérdida porque temen quedarse solos.

Me ha gustado cómo evoluciona la relación entre la protagonista y el joven trabajador de una funeraria al que conoce en un peculiar grupo de apoyo para personas que conviven con la enfermedad o con la cercanía de la muerte. Entre ambos nace una amistad basada en la comprensión, el respeto y la compañía.

Una de las grandes sorpresas para mí ha sido su protagonista, Denise Fraga. No conocía su trabajo, sus películas anteriores y me ha parecido absolutamente extraordinaria.

Al final, al terminar la película he sentido una extraña sensación de paz. Es una película valiente, sensible y también comprometida, que invita a pensar sobre la autonomía, la dignidad y el derecho de cada persona a decidir sobre su propia vida.

Entre la crudeza del final y la ironía que nos salva del abismo, la película traza un puente de complicidad y ternura y en un mundo que a menudo nos obliga a transitar el dolor en silencio, esta película nos hace ver que la dignidad es el último derecho de nuestra existencia.

El gran dictador

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 09 Jul 2026 00:49:38 +0000

Título original: The Great Dictator
Año: 1940
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin y Meredith Willson

Fotografía: Roland Totheroh y Karl Struss

Reparto:
Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert...

La historia sigue de forma paralela a dos personajes idénticos, ambos interpretados por Chaplin: Adenoid Hynkel, el despiadado, ridículo y megalómano dictador de la nación de Tomania y un humilde barbero judío que regresa a su barrio tras pasar años en un hospital amnésico a causa de sus heridas en la Primera Guerra Mundial.

Mientras Hynkel planea la persecución de los judíos y se alía con el dictador de Bacteria, Napaloni (Jack Oakie), para invadir una nación vecina, el barbero intenta retomar su vida y su oficio. Al regresar a su gueto, descubre horrorizado la opresión de las fuerzas de choque del régimen, pero encuentra apoyo en Hannah (Paulette Goddard), una valiente joven de la que se enamora.

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1940 al Mejor Actor para Charles Chaplin

Con esta película, Charles Chaplin no solo demostró que era un genio de la comedia, sino también una persona profundamente comprometida con su tiempo, ya que en pleno inicio de la Segunda Guerra Mundial, cuando Hitler seguía extendiendo el terror por Europa y todavía había quienes preferían mirar hacia otro lado, Chaplin se atrevió a hacer algo impensable en ese momento... ridiculizar al nazismo y a su máximo responsable a través del humor.

Detrás de cada gag hay una crítica feroz contra el fanatismo, el autoritarismo y el odio hacia quienes son diferentes. Cambian los nombres, cambian las caras e incluso los peinados, pero los mismos discursos o muy parecidos y las formas de manipular a la sociedad los tenemos actualmente en nuestra sociedad, por eso me resulta imposible no encontrar paralelismos con algunos dirigentes actuales que utilizan el miedo, el enfrentamiento y la mentira como herramientas políticas, ya sea a nivel internacional cambiando el bigote por una peluca rubia o si nos quedamos más cerca, en este país de patriotas que se van a Andorra, a Suiza, a Abu Dabi o se compran un ático en Madrid, perfectamente podría llevar el nombre de "Anotop At" o el de su nuevo mejor amigo, si, el de la "prioridad nazional".

Tengo que reconocer que viendo esta película me lo paso realmente bien viendo cómo Chaplin convierte el horror en una inmensa burla, pero también es verdad que esa risa siempre me deja un poso amargo, porque detrás de cada escena está el recuerdo de una tragedia real.

La película retrata de forma brillante la obsesión enfermiza por la superioridad racial y la ambición desmedida de quienes solo entienden el poder desde la violencia.

Chaplin nos regala secuencias que forman parte de la historia del cine... es imposible olvidar a Hynkel bailando con el globo terráqueo mientras sueña con dominar el mundo o la escena del afeitado al ritmo de la música de Brahms. Pero si hay una escena que me sigue poniendo un nudo en la garganta es el discurso final... Chaplin deja a un lado tanto al barbero como al dictador para hablar directamente al espectador y es cierto que puede que su mensaje resulte muy idealista, pero no se puede negar su fuerza. Es un llamamiento a la libertad, a la convivencia, a la dignidad humana y al derecho de cada persona a vivir y pensar sin miedo a ser perseguida.

Esta fue la primera película completamente sonora de Chaplin... durante muchos años se resistió a abandonar el cine mudo, pero cuando decidió hacerlo fue para utilizar la voz como una herramienta de denuncia, así que la espera mereció la pena, porque pocas veces unas palabras han tenido tanta fuerza dentro de una película.

La película se rodó mientras la guerra ya había comenzado y Chaplin asumió un enorme riesgo al enfrentarse públicamente al totalitarismo cuando Estados Unidos aún no había entrado en el conflicto y existían importantes presiones para que la película no saliera adelante.

En España (cómo no) permaneció prohibida hasta abril de 1976, lo que demuestra el miedo que siempre han tenido las dictaduras a la cultura y al humor. Como curiosidad, comentar que esta interpretación le dio a Chaplin su primera y única nominación al Oscar como mejor actor.

Tengo siempre la sensación que con Chaplin las palabras se me quedan cortas... su cine transmite mucho más de lo que dicen los diálogos y en esta ocasión, con El gran dictador consigue hacer reír mientras denuncia uno de los capítulos más oscuros de la humanidad... ojalá hoy en día hubiese más directores que se atreviesen a denunciar los genocidios que se están cometiendo por parte del estado de Israel, las dictaduras, los asesinatos, las mentiras, el fascismo y a los fascistas maquillados de "democrátas".

Para mí esta película es una obra imprescindible... una película valiente e inteligente que demuestra que el humor también puede convertirse en una poderosa forma de resistencia frente al odio y la intolerancia. Desgraciadamente, más de ocho décadas después de su estreno, su mensaje continúa siendo tan necesario como entonces.

National Anthem

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 06 Jul 2026 22:01:00 +0000

Año: 2023
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Luke Gilford
Guion: Kevin Best, Luke Gilford y David Largman Murray
Música: Nick Urata y Perfume Genius
Fotografía: Katelin Arizmendi
Reparto:
Charlie Plummer, Eve Lindley, Mason Alexander Park, Robyn Lively...

Dylan (Charlie Plummer), es un joven de 21 años que, sobrecargado por la responsabilidad de cuidar a su hermano menor y una madre alcohólica (Robyn Lively), trabaja jornadas como obrero en Nuevo México.

Para salir adelante, acepta un empleo en el rancho House of Splendor, un refugio rural queer donde conoce a Sky (Eve Lindley), una mujer trans que lo deslumbra con su confianza y libertad, y a Pepe (Rene Rosado), el dueño del lugar que lo acoge. Entre rodeos, drag queens, días bajo un cielo abierto y las vibraciones de la vida comunitaria, Dylan comienza una experiencia de revelación interna: descubre la belleza de la identidad, el deseo y el vínculo elegido frente al rechazo al que siempre se enfrentó.

Luke Gilford construye una historia que nos habla de la identidad, la libertad y la pertenencia a un lugar de donde te sientes que formas parte de él y nos habla de Dylan, un joven que vive atrapado en una rutina marcada por las dificultades y las responsabilidades. Su llegada a un rancho donde convive una comunidad queer cambia por completo su manera de mirar el mundo y de mirarse a sí mismo. Allí no solo encuentra un lugar donde sentirse aceptado, sino también la oportunidad de descubrir quién quiere ser realmente.

Tengo que reconocer que la película me ha fascinado, especialmente por esa mirada optimista que resulta especialmente valiosa porque nace de la empatía y de la confianza en que otra forma de convivir es posible.

Visualmente me ha parecido una auténtica maravilla... la fotografía tiene una belleza casi hipnótica y el uso del formato de 35 mm convierte los paisajes en imágenes llenas de poesía. Es una película en la que podría detenerme ante cualquier plano y estoy convencida que encontraría belleza.

También me ha conquistado por su autenticidad, quizá porque se nota que el director conoce el universo que retrata y consigue mostrar una comunidad que durante demasiado tiempo ha permanecido invisible en el cine y en nuestra sociedad, y como ópera prima, me parece una carta de presentación maravillosa.

Es verdad que hay momentos en los que la película se deja llevar demasiado por su lado más contemplativo y que me habría gustado conocer mucho mejor a quienes forman esa gran familia elegida, porque hay algunos personajes que apenas llegan a desarrollarse, se quedan en un segundo plano y me parecen realmente interesantes. Aun así, esa pequeña distancia emocional nunca llega a romper el interés y el mundo que nos presenta resulta tan diferente y tan lleno de verdad, que quedas completamente hipnotizada.

Otro de los grandes aciertos es el reparto, en especial, Charlie Plummer, Eve Lindley y Mason Alexander Park... y no puedo dejar de mencionar la música. La banda sonora me ha parecido maravillosa y todas las canciones que acompañan la película son un acierto total.

National Anthem me ha parecido una película hermosa, delicada, que nos habla de la búsqueda de uno mismo, de la libertad para amar y de la importancia de encontrar un lugar donde nadie te obligue a esconderte ni a esconder quién eres y Luke Gilford firma una primera película muy personal, que demuestra que el cine también puede ser un refugio donde imaginar un mundo más libre, más diverso y mucho más acogedor.

Las guerreras k-pop

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 05 Jul 2026 17:42:00 +0000

Título original: K-Pop Demon Hunters
Año: 2025
Duración: 88 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Chris Appelhans y Maggie Kang
Guion: Danya Jimenez, Hannah McMechan, Maggie Kang y Chris Appelhans

Música: Marcelo Zarvos

Reparto:
Arden Cho, Ahn Hyo-seop, May Hong, Ji-young Yoo, Kim Yoon-jin, Joel Kim Booster, Liza Koshy, Daniel Dae Kim, Ken Jeong, Lee Byung-hun...

En un mundo donde el K-pop no es solo música sino también poder, un grupo femenino de superestrellas llamado Huntr/X —formado por Rumi, Zoey y Mira— no solo arrasa con sus canciones y coreografías, sino que ocultan una doble vida: son cazadoras de demonios.

Cuando una amenaza oscura comienza a extenderse y pone en peligro a sus fans y al equilibrio entre los humanos y los seres sobrenaturales, las integrantes de Huntr/X deberán combinar su talento musical, ritmo, fuerza y habilidades especiales para enfrentarse a criaturas maléficas y a una banda rival, los Saja Boys, cuyos miembros resultan ser demonios disfrazados.

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 2025 a la Mejor Película de Animación

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 2025 al Mejor Film de Animación

Critics Choice Award 2026 a la Mejor Canción "Golden"

Critics Choice Award 2026 al Mejor Largometraje de Animación

Globo de Oro 2026 a la Mejor Canción Original "Golden"

Globo de Oro 2026 al Mejor Filme de Animación

Premio Annie 2026 a la Mejor Película

Premio Annie 2026 a la Mejor Dirección

Premio Annie 2026 al Mejor Guion

Premio Annie 2026 a la Mejor Animación de Personajes

Premio Annie 2026 al Mejor Diseño de Producción

Premio Annie 2026 al Mejor Doblaje

Premio Annie 2026 a la Mejor Música

Premio Annie 2026 al Mejor Montaje

Premio Annie 2026 a los Mejores Efectos Animados

Oscar 2026 a la Mejor Canción

Oscar 2026 al Mejor Largometraje de Animación

Premio del Sindicato de Productores (PGA) 2026 a la Mejor Película de Animación

Premio Grammy 2026 a la Mejor Canción de Cine y TV para "Golden"

Las guerreras K-pop es una película que, si solo lees la sinopsis, puede parecer una idea un poco disparatada... tres estrellas del K-pop que, cuando se bajan del escenario, se dedican a luchar contra demonios mientras un grupo de chicos guapísimos intenta robarles a sus seguidores.

No diría que es una película que vaya a marcar un antes y un después en la animación, pero tiene una personalidad muy definida... es divertida, tiene mucho ritmo y consigue que sea muy fácil dejarse llevar por su propuesta. Realmente creo que en ningún momento pretende ser más de lo que es, y precisamente ahí está parte de su encanto.

La película nos cuenta la historia de Rumi, Mira y Zoey, tres jóvenes que forman uno de los grupos de K-pop más famosos del momento. Lo que nadie sabe es que, además de llenar estadios, también son unas poderosas cazadoras de demonios cuya misión consiste en proteger las almas de las personas. Todo cambia cuando aparece una nueva banda masculina encabezada por Jinu. Detrás de su imagen perfecta se esconde una amenaza mucho más peligrosa de lo que parece, ya que en realidad son demonios que buscan conquistar al público para cumplir sus propios objetivos.

Aunque toda esa parte fantástica funciona muy bien como entretenimiento, lo que más me ha gustado es que la película aprovecha esa aventura para hablar de algo mucho más importante... el aprender a aceptarse tal y como una es, dejar de esconder aquello que nos hace diferentes y entender que precisamente esas diferencias pueden convertirse en nuestra mayor fortaleza.

Visualmente no creo que revolucione el mundo de la animación, pero sí ofrece un estilo muy colorido, lleno de energía y con escenas de acción realmente vistosas.

Otro de sus grandes aciertos es la música... las canciones son de esas que se te quedan dando vueltas en la cabeza irremediablemente y encajan perfectamente con la historia.

El humor también está bastante bien dosificado y los personajes tienen suficiente carisma para que resulte fácil conectar con ellas.

Es verdad que la historia no sorprende demasiado si estás acostumbrada a este tipo de aventuras, pero tampoco creo que eso sea un problema porque la película nunca pierde el ritmo ni deja de resultar entretenida.

Tengo que reconocer que Las guerreras K-pop me ha gustado y se me ha pasado el tiempo volando mientras la veía y demuestra que a veces, el cine no necesita redefinir las reglas del juego para dejarnos un buen sabor de boca. Cuando la música se apaga y los créditos comienzan a rodar, te descubres con una sonrisa cómplice y la certeza de haber presenciado una pequeña partitura de evasión que, sin pretensiones, consigue hacernos recordar que nuestra mayor fortaleza siempre empieza en nuestro propio escenario interior.

27 horas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 04 Jul 2026 23:35:36 +0000

Año: 1986
Duración: 81 min.
País: España
Dirección: Montxo Armendáriz
Guion: Montxo Armendáriz y Elías Querejeta

Música: Ángel Illarramendi

Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto:
Martxelo Rubio, Maribel Verdú, Antonio Banderas, Ramón Barea, Joseba Apaolaza...

La historia sigue de cerca durante un día y tres horas la vida de Jon (Martxelo Rubio), un joven que vive en el San Sebastián de los años 80 y que se encuentra atrapado en el destructivo mundo de la adicción a la heroína.

A lo largo de ese breve periodo de tiempo, la película retrata su rutina y la de sus amigos, divididos entre el desempleo, la falta de perspectivas de futuro y la delincuencia menor para poder costearse las dosis diarias.

Concha de Plata en el Festival de San Sebastián 1986