Un rincón de palomitas

Luces de la ciudad

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 22 Jun 2026 19:48:55 +0000

Título original: City Lights
Año: 2025
Duración: 1931 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin
Música: Charles Chaplin
Fotografía: Roland Totheroh y Gordon Pollock
Reparto:
Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Allan Garcia, Hank Mann, Henry Bergman...

Charlot (Charles Chaplin), es un bondadoso vagabundo que se enamora perdidamente de una joven florista ciega (Virginia Cherrill). Ella lo confunde con un hombre millonario debido a un malentendido con la puerta de un coche de lujo.

Paralelamente, el vagabundo salva la vida de un excéntrico millonario alcohólico (Harry Myers) que intentaba suicidarse. Este millonario se convierte en su mejor amigo cada vez que está borracho, pero lo echa a la calle y no lo reconoce en cuanto recupera la sobriedad.

Decidido a pagar una costosa operación médica para devolverle la vista a la florista y evitar que sea desahuciada con su abuela (Florence Lee), el vagabundo acepta todo tipo de trabajos, incluyendo un caótico combate de boxeo profesional.

La magia de Luces de la ciudad reside en algo que muy pocas películas consiguen... hacerme sonreír y emocionarme con la misma facilidad, pero detrás de las risas hay una mirada profundamente humana. La historia transcurre en una gran ciudad norteamericana golpeada por la crisis económica de principios de los años treinta. El desempleo, la pobreza y la desesperanza forman parte del paisaje cotidiano. En medio de ese escenario, un hombre sin recursos se enamora de una joven ciega y hace todo lo posible por conseguir el dinero que permita devolverle la vista. La generosidad con la que actúa, sin esperar nada a cambio, convierte la película en una preciosa historia sobre el amor desinteresado y sobre la capacidad de sacrificarse por otra persona.

He de reconocer que siempre me ha fascinado que Chaplin decidiera seguir confiando en el cine mudo cuando las películas sonoras ya habían llegado para quedarse. En este caso, tardó dos años en sacar adelante este proyecto sin apenas diálogos y, sin embargo, cada emoción te llega profundamente... siento que Chaplin realiza una declaración de amor a un lenguaje cinematográfico que muchos consideraban acabado.

La banda sonora, compuesta por el propio Chaplin, me fascina y quizás haya que detenerse en el tema de "The Flower Girl / La violetera", pero me temo que ello se merece una dedicatoria completa y especial, a esta maravillosa composición del maestro José Padilla en 1914, el cual denunció a Chaplin por carecer de los derechos de la canción... pleito que ganó el compositor español.

Me sigue maravillando el personaje de Charlot... su manera de caminar y esa mezcla de ingenuidad y nobleza que hacen que resulte imposible no quererlo.

Y que puedo decir del final de la película... uno de los más hermosos que ha dado el cine, y que por muchas veces que la vea, sigue emocionándome. Ahí está condensado todo lo que Chaplin sabía hacer... mezclar la comedia con el drama, la realidad con la poesía y la tristeza con la esperanza.

Luces de la ciudad demuestra que la grandeza del cine puede nacer de una historia sencilla... es una de esas películas que nunca envejecen y que, cada vez que regresan a mi vida, me recuerdan por qué amo tanto el cine.

La teta asustada

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 20 Jun 2026 23:12:31 +0000

Año: 2009
Duración: 94 min.
País: Perú
Dirección: Claudia Llosa
Guion: Claudia Llosa
Música: Selma Mutal
Fotografía: Natasha Braier
Reparto:
Magaly Solier, Susi Sánchez, Antolín Prieto...

Fausta (Magaly Solier), es una joven que padece un mal místico y atávico que se llama "la teta asustada". Según las creencias de las comunidades andinas, esta "enfermedad" se transmite a través de la leche materna de mujeres que fueron violadas o maltratadas durante la época del terrorismo y el conflicto armado en el Perú.

La creencia popular sostiene que quienes nacen infectados por este miedo nacen sin alma, lo que condena a Fausta a vivir en un estado de terror absoluto y constante aislamiento. Para proteger su propia intimidad frente al pánico obsesivo que le tiene a los hombres y a sufrir una agresión sexual, Fausta oculta un impactante secreto: se ha introducido una patata en la vagina a modo de escudo protector.

Tras la súbita muerte de su madre, Fausta se ve obligada a afrontar el mundo exterior por sí misma para cumplir el último deseo de su progenitora: conseguir el dinero necesario para llevar su cuerpo de regreso a su pueblo natal y darle un entierro digno.

Para lograrlo, la protagonista empieza a trabajar como empleada doméstica en la residencia de Aída (Susi Sánchez), una refinada concertista de piano de clase alta en Lima.

Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival Internacional de Berlín 2009

FIPRESCI - Premio Internacional de la Crítica en el Festival Internacional de Berlín 2009

Premio Coral a la Mejor Película en el Festival del Nuevo Cine Iberoamericano de La Habana 2009

Premios APRECI 2009 a la Mejor Película

La película se convierte en el eje de una historia que habla de heridas que pasan de una generación a otra y de un miedo que se instala en el cuerpo y en el alma... la directora peruana ha explicado en varias ocasiones que su intención era mantener viva la memoria de las víctimas que sufrieron la violencia que sacudió Perú durante los años ochenta y noventa, tanto por parte de los grupos armados como de las fuerzas del Estado y con esta intención se nos presenta desde el primer momento este significado para poder adentrarnos en la historia.

Magaly Solier sostiene prácticamente toda la película con una interpretación contenida... interpretando a una mujer atrapada por los temores heredados, alguien que vive encerrada en sí misma, con una tristeza permanente y una fragilidad que apenas deja espacio para mostrar emociones más evidentes.

La historia avanza despacio, casi al ritmo pausado de las canciones que entona la protagonista y esa lentitud hace que todo tenga un aire muy áspero y seco... como esos caminos polvorientos que recorren los personajes. Sin embargo, también me ha provocado que en algunos momentos la narración resulte demasiado uniforme y líneal.

Lo que sin duda es incuestionable es la belleza de las imágenes... hay algo poético en la manera en que Claudia Llosa retrata los barrios humildes y las casas levantadas en las laderas... ese mosaico de tejados de colores, las calles de tierra, las personas que continúan adelante pese a las dificultades y una vida marcada por la pobreza, pero también por pequeños instantes de alegría y dignidad.

La fotografía posee una enorme sensibilidad y convierte escenas sencillas en imágenes llenas de lirismo. A eso se suma el magnífico trabajo musical de Selma Mutal... la música y las canciones tienen un peso muy importante y contribuyen a crear ese universo tan particular que respira la película.

Quizá donde más dudas me ha dejado ha sido en la capacidad de trasladarme ese miedo que constituye el centro del relato. Aun así, La teta asustada posee una personalidad propia y una mirada poco común, y quizá, entre tanta tristeza y tanta dureza, también deja espacio para una pequeña melodía de esperanza que asoma tímidamente al final.

La película me genera ciertos sentimientos encontrados... en un principio, vuelvo a decir que la trama me pareció sumamente prometedora al partir de un tema que a mí, personalmente, siempre me interesa: las represiones, el terrorismo de Estado y las dictaduras en ciertos rincones del mundo, centrándose en este caso en la historia de Perú, sin embargo, tras esos primeros cinco minutos tan potentes, la propuesta pasa a convertirse en una película muy lineal y plana. Creo que la directora podría haber exprimido muchísimo más tanto el potente eje político y social del que parte, como ese "realismo mágico un poco particular" que rodea a la protagonista y respecto a la actuación de Magaly Solier, es cierto que su interpretación no me transmite ningún tipo de emoción, aunque no obstante, quizás este vacío sea deliberado y responda a esa misma leyenda que da título a la película, según la cual los hijos nacidos de mujeres violadas nacen con "la teta asustada" y carecen de alma. Donde tengo claro, muy claro, clarísimo, que la película no deja espacio a la duda es en su apartado técnico, destacando una vez más la fabulosa fotografía y su banda sonora que, para mí, son sin duda lo mejor de toda la película y son precisamente estos elementos visuales y sonoros los que realmente creo que logran insuflar vida y lirismo a un relato que, a pesar de sus flaquezas narrativas, se despide dejándonos una pequeña pero bellísima melodía de esperanza.

En el borde del mundo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 14 Jun 2026 21:26:23 +0000

Título original: Au bord du monde
Año: 2024
Duración: 105 min.
País: Bélgica
Dirección: Sophie Muselle y Guérin van de Vorst
Guion: Sophie Muselle y Guérin van de Vorst
Fotografía: Fiona Braillon
Reparto:
Mara Taquin, Sasha Deprez, Nathalie Richard, Tijmen Govaerts...

Alexia (Mara Taquin), es una joven enfermera de 25 años, de carácter fuerte, profundamente idealista y con un trasfondo de gran fragilidad, que llega a realizar sus prácticas profesionales al pabellón cerrado de un hospital psiquiátrico.

Allí es recibida por Joëlle (Nathalie Richard), la veterana enfermera jefe, quien se encarga de enseñarle los complejos engranajes del oficio.

La rutina de Alexia cambia por completo cuando conoce a Mila (Sasha Deprez), una paciente de 20 años consumida por la ira y firmemente convencida de que su internamiento es un error y no pertenece a ese lugar.

Conmovida por su sufrimiento e ignorando las estrictas advertencias de Joëlle sobre la necesidad de mantener una distancia profesional terapéutica con los internos, Alexia cruza los límites éticos para acercarse a ella. Así, vuelca toda su energía y obsesión en un arriesgado intento por sacarla de allí, difuminando peligrosamente las líneas entre la ayuda, el compromiso personal y la contención institucional.

Premio a la Mejor Película en el Festival de Mar del Plata 2024

Premio a la Mejor Interpretación para Mara Taquin en el Festival de Mar del Plata 2024

En el borde del mundo es una película que se adentra en las grietas de un sistema lleno de limitaciones, contradicciones y personas que intentan hacer lo mejor que pueden en circunstancias muy difíciles.

La historia nos presenta a Alexia, una joven enfermera que llega llena de entusiasmo a una unidad psiquiátrica... allí conoce a Beline, una paciente de apenas veinte años que vive atrapada entre la rabia, el sufrimiento y una enorme fragilidad emocional. Desde el primer momento surge entre ambas una conexión especial que va creciendo poco a poco, hasta el punto de que Alexia comienza a involucrarse más de lo que debería.

Me ha gustado como sus directores observan y nos muestran la humanidad de todos sus personajes... personas cargadas de miedos, heridas, dudas y contradicciones.

La película nos hace plantearnos, si no lo habíamos hecho ya, muchas preguntas sobre la importancia del cuidado y la atención de la salud mental... ¿Cuánto hay de enfermedad y cuánto de abandono, incomprensión o soledad?

Otro aspecto interesante es cómo muestra el delicado equilibrio que deben mantener quienes trabajan en la salud mental... la empatía resulta imprescindible, pero también puede convertirse en un problema cuando la implicación emocional cruza ciertos límites.

Sophie Muselle y Guérin van de Vorst construyen una historia bastante contenida pero sensible... y lejos de los excesos dramáticos, prefieren acercarse a los personajes con respeto, permitiendo que sean sus silencios y emociones los que hablen por sí mismos.

En el borde del mundo es un retrato sobre la salud mental, pero también sobre la empatía, los prejuicios y las carencias de un sistema que a menudo está desbordado. Una película que encuentra pequeños destellos de luz en medio de la oscuridad y que recuerda que detrás de cada diagnóstico hay una persona que necesita ser escuchada, comprendida y tratada con dignidad.

Una película que nos muestra como el acto más revolucionario y humano en una sociedad desbordada no es intentar salvar a los demás de sus propias tormentas, sino tener la valentía de quedarnos a su lado, bajo la lluvia, sosteniendo el paraguas de la dignidad, porque en este mundo desbordado, todos estamos a un solo paso, a una sola mala racha o a un solo golpe de soledad, de terminar habitando el borde del mundo.

Ninotchka

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 13 Jun 2026 20:31:40 +0000

Año: 1939
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ernst Lubitsch
Guion: Charles Brackett, Billy Wilder y Walter Reisch
Música: Werner R. Heymann
Fotografía: William H. Daniels
Reparto:
Greta Garbo, Melvyn Douglas, Béla Lugosi, Ina Claire, Sig Ruman, Felix Bressart, Alexander Granach, Gregory Gaye, Edwin Maxwell, Richard Carle...

París, tres camaradas y delegados soviéticos son enviados por el gobierno de la URSS para vender unas valiosas joyas confiscadas a una aristocracia tras la revolución. Sin embargo, los tres delegados se dejan seducir rápidamente por los placeres capitalistas, los lujos y el champán de la capital francesa, en gran parte gracias a las manipulaciones del seductor conde León d'Algout (Melvyn Douglas), quien trabaja para la antigua propietaria de las joyas.

Para enderezar la situación y rescatar el botín, Moscú envía a París a Nina Ivanovna "Ninotchka" Yakushova (Greta Garbo), una enviada especial disciplinada, fría, estrictamente ideológica e incorruptible.

El choque cultural y político es inmediato cuando Ninotchka y el conde León se conocen. A pesar de sus visiones del mundo totalmente opuestas, León se propone derretir el gélido corazón de la estricta funcionaria comunista a base de encanto y humor.

Ninotchka es una de esas películas que demuestran que la inteligencia, el humor y la elegancia pueden ir de la mano, pero también tiene un valor especial dentro de la trayectoria de Greta Garbo, una actriz que hasta entonces había brillado sobre todo en papeles dramáticos y que aquí se atreve con un registro completamente distinto, mostrando una faceta sorprendente y encantadoramente arrebatadora.

La historia nos traslada a la Europa de finales de los años treinta, entre Moscú, París y Constantinopla. Allí conocemos a Ninotchka, una estricta enviada soviética que llega a Francia para resolver un asunto relacionado con unos funcionarios de su país. Acostumbrada a la disciplina, a las normas y a una visión muy rígida de la vida, su mundo empieza a tambalearse cuando se cruza en su camino el conde León d'Algout, un hombre encantador, despreocupado y amante de los "placeres cotidianos".

Lo que podría haber sido una simple comedia romántica se convierte en una brillante sátira sobre dos formas opuestas de entender la existencia. A través de situaciones divertidas y diálogos llenos de ingenio, la película contrapone la severidad del sistema soviético de la época con la ligereza, la libertad y el optimismo que representa el mundo occidental.

Uno de los mayores aciertos de la película es su extraordinario guion. Detrás de él encontramos los nombres de Charles Brackett, Billy Wilder y Walter Reisch... y la verdad, es que se nota.

Greta Garbo está magnífica... sí, lo reconozco, siento cierta debilidad por la Garbo y frente a ella tenemos a Melvyn Douglas con quien consigue tener una química que traspasa la pantalla.

Para mí, estamos ante una de las grandes comedias clásicas del cine. Divertida, inteligente, romántica y sorprendentemente moderna en muchos aspectos... una película que sigue funcionando décadas después gracias a la fuerza de sus personajes, a la brillantez de sus diálogos y al enorme talento reunido delante y detrás de la cámara.

En un mundo a menudo demasiado rígido y cuadriculado, volver a ver Ninotchka es regresar a la edad de oro de la inteligencia en pantalla... una caricia cinematográfica que nos susurra que el amor y el humor son las únicas revoluciones que de verdad transforman el alma. La Garbo rió, sí... y nosotros, atrapados para siempre en su mirada, seguimos riendo y suspirando con ella a través del tiempo.

Testigo de cargo

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 13 Jun 2026 00:24:35 +0000

Título original: Witness for the Prosecution
Año: 1957
Duración: 114 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Billy Wilder
Guion: Billy Wilder y Harry Kurnitz
Música: Matty Malneck
Fotografía: Russell Harlan
Reparto:
Tyrone Power, Marlene Dietrich, Charles Laughton, Elsa Lanchester, John Williams, Una O'Connor, Henry Daniell, Norma Varden, Torin Thatcher, Ian Wolfe, Francis Compton...

Sir Wilfrid Robarts (Charles Laughton), es un brillante, sarcástico y ya anciano abogado criminalista que, a pesar de su delicada salud y las estrictas órdenes de su enfermera, decide aceptar un caso sumamente complejo: la defensa de Leonard Vole (Tyrone Power).

Vole es un hombre agradable pero ingenuo, acusado del brutal asesinato de una viuda rica que, poco antes de morir, lo había nombrado heredero universal de su fortuna. Todo apunta a una condena inevitable, y la única baza para la defensa es la esposa del acusado, Christine Vole (Marlene Dietrich).

Sin embargo, la estrategia se desmorona por completo cuando ella da un giro inesperado y decide testificar en el juicio, no a favor de su marido, sino como testigo de la acusación.

Globo de Oro 1958 a la Mejor Actriz de Reparto para Elsa Lanchester

Premio David di Donatello 1958 al Mejor Actor Extranjero para Charles Laughton

Testigo de cargo es una película que juega constantemente con quien está al otro lado de la pantalla... cuando parece que ya tienes todas las piezas encajadas, aparece un nuevo giro que vuelve a desmontarlo todo. Es cierto que, vista hoy, algunas de sus vueltas de tuerca pueden parecer excesivas e incluso algo difíciles de creer, pero Billy Wilder consigue que eso importe poco porque el viaje resulta tremendamente entretenido.

Lo que más disfruté viendo la película fue, sin duda, la agilidad de sus diálogos, ese humor elegante, marca de la casa, que aparece cuando menos lo esperas... esa mezcla que hace que una trama judicial que podría resultar pesada y aburrida se convierta en una escena dinámica y muy entretenida.

En el reparto hay mucho talento, de eso no hay duda, aunque para mí quien domina la función de principio a fin es Charles Laughton. Su Sir Wilfrid está lleno de personalidad, ironía y carisma y cada vez que aparece en pantalla resulta imposible apartar la mirada de él. A su lado, Tyrone Power ofrece una interpretación sólida... especialmente emotiva si se recuerda que fue la última de su carrera, ya que fallecería pocos meses después del estreno, y qué decir de Marlene Dietrich, siempre elegante, siempre magnética, aunque sin poder ejar aún lado esa frialdad que la caracterizó pero dejando frases tan memorables como aquella en la que asegura que nunca se desmaya porque no está segura de caer con suficiente elegancia... poco más puedo decir.

La película está considerada una de las mejores adaptaciones cinematográficas de una obra de Agatha Christie (me reservo mi opinión), pero sin duda el guion está construido con enorme precisión y consigue mantener el misterio hasta el último momento.

Reconozco que el paso de los años se nota en algunos aspectos y personalmente no la colocaría entre las obras más redondas de Billy Wilder... hay otras películas suyas que me parecen más brillantes.

Aún así, Testigo de cargo continúa siendo una película inteligente, entretenida, una de esas historias que consiguen mantener la atención de principio a fin gracias a unos personajes magníficos, un reparto memorable y un guion que juega con el espectador hasta el último instante. Puede que algunas de sus sorpresas resulten hoy algo exageradas, pero sigue teniendo la capacidad de engancharte a la pantalla y de dejarte con una sonrisa cuando aparecen los créditos finales.

April

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 12 Jun 2026 00:53:12 +0000

Título original: Aprili
Año: 2024
Duración: 134 min.
País: Georgia
Dirección: Dea Kulumbegashvili
Guion: Dea Kulumbegashvili
Música: Mathew Herbert
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto:
Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Merab Ninidze...

Nina (Ia Sukhitashvili), es una experimentada ginecoobstetra que trabaja en el hospital de una empobrecida y patriarcal zona rural de Georgia.

Su carrera da un vuelco trágico cuando un recién nacido muere durante un parto bajo su supervisión. El padre del bebé la culpa de negligencia, lo que desata una rigurosa investigación hospitalaria que amenaza con sacar a la luz su mayor secreto: Nina viaja clandestinamente por los pueblos colindantes suministrando píldoras y practicando abortos ilegales a mujeres desamparadas que lo necesitan.

Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia 2024

Ganadora de la sección Zabaltegi en el Festival de San Sebastián 2024

April es una película que no hace fácil el camino al espectador que se pone frente a ella, y es que la directora georgiana Dea Kulumbegashvili se adentra en un tema incómodo y doloroso como es el aborto en Georgia a través de Nina, una ginecóloga que vive atrapada entre sus convicciones, las leyes de su país y una sociedad que sigue juzgando con dureza las decisiones de las mujeres.

La película retrata una realidad dura en la que las mujeres siguen teniendo que enfrentarse a numerosos obstáculos para decidir sobre sus propios cuerpos. Nina conoce bien las consecuencias de una maternidad impuesta y observa de cerca cómo muchas mujeres viven condicionadas por el miedo, la tradición, la religión y el control social, y eso la lleva a tomar decisiones arriesgadas.

La directora apuesta por una puesta en escena muy contenida, con escenas largas... muy largas, silencios prolongados... muy pronlongados y situaciones que resultan incómodas de contemplar... muy incómodas, hasta el punto que en algunas escenas incluso tuve que apartar la vista de la pantalla.

Más allá del debate sobre el aborto, April también habla del miedo, de la cobardía colectiva, de las relaciones que nunca terminan de encontrar su lugar y de la enorme soledad que suele acompañar a quienes se atreven a desafiar las normas establecidas... y esa soledad es mayor cuando quien desafía esas normas es una mujer.

Es cierto que la frialdad con la que está narrada puede crear cierta distancia emocional, sin embargo, creo que precisamente esa mirada seca y austera forma parte de la propuesta de Kulumbegashvili.

Detrás de sus 134 minutos hay una reflexión sobre la violencia ejercida contra las mujeres, sobre la moral impuesta desde las instituciones y sobre cómo una sociedad entera puede convertir en heroína o en culpable a una persona simplemente por intentar ayudar a otras.

No es una película cómoda de ver, ni agradable, ni fácil de recomendar a cualquiera... es áspera, perturbadora y, en ocasiones, incluso desagradable, pero también es una obra interesante, precisamente porque se niega a endulzar aquello que no admite ningún tipo de azúcar.

El infierno

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 09 Jun 2026 22:19:12 +0000

Título original: L'Inferno (Dante's Inferno)
Año: 1911
Duración: 70 min.
País: Italia
Dirección: Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan
Fotografía: Emilio Roncarolo
Reparto:
Salvatore Anzelmo Papa, Arturo Pirovano, Giuseppe de Liguoro, Augusto Milla...

La trama narra el viaje alegórico del poeta Dante (Salvatore Anzelmo Papa) a través de los nueve círculos del infierno. Tras perderse en un bosque oscuro y ser acechado por tres bestias, su amada Beatriz envía al poeta clásico Virgilio (Arturo Pirovano) para rescatarlo y guiarlo en un descenso al inframundo.

A lo largo de su travesía, Dante contempla los crueles castigos eternos asignados a cada pecado capital y se encuentra con diversas figuras históricas y mitológicas (como Cleopatra, el conde Ugolino o heresiarcas atrapados en tumbas de fuego).

El perturbador recorrido visual culmina en el epicentro congelado del abismo, donde ambos poetas se enfrentan cara a cara con el mismísimo Lucifer devorando a los grandes traidores de la historia.

Es soprendente, como hay películas que, más de un siglo después de su estreno, siguen provocando asombro... al menos a mí, y justo esto es lo que me ha ocurrido con la película El infierno dirigida por Giuseppe de Liguoro, Francesco Bertolini y Adolfo Padovan. No sólo estamos ante el primer largometraje de la historia del cine italiano, sino también ante una obra que permite viajar a los auténticos orígenes de este arte, cuando todo estaba todavía por inventarse.

Basada en la primera parte de La Divina Comedia de Dante Alighieri e inspirada en las ilustraciones de Gustave Doré, la película nos conduce por el descenso de Dante a los dominios infernales acompañado por Virgilio. Juntos atraviesan diferentes círculos poblados por almas condenadas que sufren castigos relacionados con sus pecados. Asesinos, hipócritas, violentos, traidores y otros personajes desfilan por un universo oscuro y extraño que conserva intacta gran parte de su capacidad para fascinar.

Una de las cosas que más me ha impresionado ha sido la enorme imaginación visual que desprende cada escena... cada decorado, cada truco visual y cada composición contribuyen a construir una atmósfera de pesadilla que parece surgir directamente de un sueño y esa apariencia primitiva, incluso ingenua en algunos momentos, le otorga una personalidad única.

La película estaba formada originalmente por cincuenta y cuatro rollos y supera la hora de duración, algo verdaderamente sorprendente para su época.

La versión restaurada incorpora una banda sonora compuesta por el grupo Tangerine Dream. Personalmente, no terminé de conectar con ella porque me parece que en lugar de reforzar la experiencia, en algunos momentos restaba fuerza a la atmósfera original.

Más de cien años después, esta pequeña joya italiana continúa invitando a soñar, a maravillarse y a recorrer rincones oscuros que parecen nacidos de una pesadilla y quizá ahí resida precisamente su magia... en demostrar que, incluso cuando el cine apenas empezaba a caminar, ya era capaz de transportarnos a lugares imposibles.

Un testimonio eterno de que el cine, desde su más tierna infancia, ya poseía las llaves del inframundo y el poder de dar forma a nuestras pesadillas más profundas. Los pioneros italianos no solo tradujeron la inmortal palabra de Dante, sino que demostraron que el celuloide es el verdadero espejo del subconsciente.

Doce hombres sin piedad

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 06 Jun 2026 19:12:55 +0000

Título original: 12 Angry Men
Año: 1957
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Sidney Lumet
Guion: Reginald Rose
Música: Kenyon Hopkins
Fotografía: Boris Kaufman
Reparto:
Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, George Voskovec, Joseph Sweeney, Edward Binns, Rudy Bond...

Ambientado en una claustrofóbica sala de deliberaciones, doce miembros de un jurado deben decidir por unanimidad si condenan a muerte a un joven acusado de asesinar a su padre. Al inicio, once de ellos votan "culpable" para acabar rápido, pero el jurado número 8 (Henry Fonda) vota "inocente", exigiendo un debate serio al albergar una duda razonable sobre las pruebas.

A través de una discusión milimétrica, este único hombre va desmontando los testimonios de la acusación, obligando al resto a enfrentarse a sus propios prejuicios raciales, traumas y contradicciones.

BAFTA 1958 al Mejor Actor Extranjero para Henry Fonda

Oso de Oro 1957 a la Mejor Película en el Festival Internacional de Berlín

Premio OCIC en el Festival Internacional de Berlín 1957

Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) 1958 al Mejor Guion de Drama

Doce hombres sin piedad, dirigida por Sidney Lumet, es una extraordinaria película que nos cuenta la historia, que transcurre prácticamente toda en una única sala, donde doce miembros de un jurado deben decidir si un joven acusado de matar a su padre es culpable o inocente... si el veredicto es de culpabilidad, la condena será la pena de muerte.

Desde el primer momento parece que la decisión está tomada... once hombres quieren votar culpable y terminar cuanto antes, sin embargo, el jurado número 8 se niega a dar por cerrado el asunto. No asegura que el acusado sea inocente, pero sí cree que existe una duda razonable que merece ser discutida y a partir de ese instante comienza un intenso intercambio de opiniones que poco a poco va cambiando el rumbo de la deliberación.

Una de las cosas que hace grande a esta película es que todo lo que sabemos llega a través de las palabras de los personajes, y aun así... la historia resulta absorbente. Cada detalle que sale a la luz te obliga a replantearte lo que parecía evidente, y al final, acabas sintiéndote una integrante más de ese jurado, analizando cada argumento y cuestionando cada prueba.

Además de plantear un interesante debate sobre la justicia, a medida que avanza la discusión, salen a la superficie prejuicios, resentimientos, miedos y experiencias personales que influyen en la forma de juzgar a los demás.

Resulta admirable comprobar cómo Sidney Lumet logra tanto con recursos tan sencillos... su puesta en escena demuestra que una gran película no depende del presupuesto, sino de una buena historia y de saber contarla.

Casi siete décadas después de su estreno, sigue conservando toda su fuerza y continúa siendo una referencia imprescindible dentro del cine judicial. Para mí, es una de las películas que deberían verse al menos una vez en la vida... o dos.... o tres... o las que te apetezca, ya que me parece una lección magistral sobre cómo contar una historia y, al mismo tiempo, una mirada crítica sobre la sociedad y la justicia.

Lumet convierte su ópera prima en un prodigio cinematográfico con solo doce sillas, una bombilla desnuda y la inmensa valentía de un hombre dispuesto a encender la luz en mitad de la sombra.

El extranjero

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 05 Jun 2026 20:06:18 +0000

Título original: L'Étranger
Año: 2025
Duración: 122 min.
País: Francia
Dirección: François Ozon
Guion: François Ozon
Música: Fatima Al Qadiri
Fotografía: Manuel Dacosse
Reparto:
Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Swann Arlaud, Christophe Malavoy, Jean-Charles Clichet, Jean-Benoît Ugeux, Mar Sodupe...

Meursault (Benjamin Voisin), es un hombre dominado por una profunda apatía y desapego emocional hacia la vida, cuya indiferencia escandaliza a la sociedad desde el momento en que no derrama una sola lágrima en el entierro de su madre.

La historia da un vuelco trágico cuando, cegado por el sol sofocante de una playa, Meursault asesina a un hombre árabe sin motivo aparente. Durante el posterior proceso judicial, el sistema y la fiscalía no lo juzgan tanto por el crimen cometido, sino por su falta de remordimiento y su nula moralidad social, convirtiendo el juicio en una implacable condena a su honestidad brutal y a su incapacidad para fingir sentimientos ante un mundo absurdo.

Premio César 2026 al Mejor Actor Secundario para Pierre Lottin

La adaptación que François Ozon realiza de El extranjero se enfrenta a un desafío enorme... trasladar a la pantalla la novela de Albert Camus con todo lo que ello implica, y aunque, es cierto que el director francés aborda el proyecto con respeto, el resultado no me ha terminado de convencer.

La película nos cuenta la historia de Meursault, un hombre incapaz de relacionarse con el mundo según las normas emocionales que la sociedad considera aceptables. Todo cambia cuando, en una playa abrasada por el sol, acaba matando a un hombre en un acto tan desconcertante como difícil de explicar. A partir de ahí, el relato se convierte en el retrato de una sociedad que parece más escandalizada por la ausencia de emociones visibles que por el propio asesinato.

Ozon recrea con mucho cuidado el ambiente de la Argelia colonial, se percibe el esfuerzo por respetar el espíritu de la obra de Albert Camus y por mantener intacta su esencia, sin embargo, esa fidelidad también acaba siendo una de las principales limitaciones de la película ya que la narración reproduce con bastante precisión los hechos de la novela, pero le cuesta encontrar una manera cinematográfica de transmitir la complejidad interior de Meursault.

Benjamin Voisin compone un protagonista contenido y enigmático, un personaje difícil de interpretar porque gran parte de lo que siente —o de lo que no siente— permanece oculto... pero, al menos para mí, quienes terminan destacando son algunos de los secundarios, entre ellos especialmente Pierre Lottin.

Si hay un apartado que destaca por encima de todo lo demás es el visual... la luz, las sombras y la quietud de muchos planos crean una belleza indiscutible. Sin embargo, aunque la película respeta la obra original y luce impecable en la parte visual, rara vez consigue trascender esa condición de adaptación fiel y no aporta una mirada nueva ni profundiza de una forma distinta en los temas que plantea la novela.

Aun con esas reservas, agradezco que una obra como El extranjero vuelva a encontrar espacio en el cine actual. Siento que esta versión nos deja ante un lienzo de indiscutible belleza pero desprovisto del alma que late en el papel... impecable por fuera, pero frío e inaccesible a las emociones.

Balearic

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 31 May 2026 22:11:08 +0000

Año: 2025
Duración: 74 min.
País: España
Dirección: Ion de Sosa
Guion: Ion de Sosa, Chema García Ibarra, Burnin' Percebes, Julián Génisson y Lorena Iglesias
Música: Xenia Rubio
Fotografía: Cristina Neira
Reparto:
Lara Gallo, Elías Hwidar, Christina Rosenvinge, Maria Llopis, Luka Peros, Moisés Richart, Lorena Iglesias, Julián Génisson...

Un grupo de jóvenes, buscando un momento de diversión veraniega y hedonismo, deciden allanar y colarse en la piscina de una lujosa mansión que parece estar vacía. Sin embargo, la incursión se transforma rápidamente en una pesadilla claustrofóbica cuando tres feroces perros dóberman los emboscan y los mantienen prisioneros dentro del agua, dejándolos completamente acorralados y con una de las chicas (Lara Gallo) gravemente herida por mordeduras.

Mientras los adolescentes viven una situación extrema de supervivencia al límite, el vecindario burgués de la zona se encuentra a escasos metros celebrando una multitudinaria fiesta con paella para festejar el inicio del verano.

Balearic es una película que me ha dejado sensaciones encontradas. Durante buena parte de su metraje me pregunté varias veces hacia dónde quería llevarme y, siendo sincera, hubo momentos en los que pensé que quizá no merecía la pena seguir adelante... sin embargo, cuando terminó, me di cuenta de que detrás de esa apariencia sencilla y algo irregular había más de lo que parecía a primera vista.

La historia transcurre durante la noche de San Juan en Mallorca. Un grupo de jóvenes decide colarse en la piscina de una enorme vivienda de lujo aparentemente deshabitada para pasar una noche de diversión. Lo que comienza como una travesura veraniega acaba convirtiéndose en una situación angustiosa cuando varios dóberman los acorralan dentro del recinto y les impiden escapar. A partir de ahí, la película plantea una especie de encierro al aire libre donde el agua, el calor y el miedo terminan convirtiéndose en una trampa.

Mientras estos chicos luchan por salir de una situación cada vez más desesperada, muy cerca de allí se celebra una fiesta para dar la bienvenida al verano. Esa contradicción entre quienes sufren y quienes siguen disfrutando sin enterarse de nada es una de las ideas más interesantes de la película y poco a poco, la historia deja de ser un relato de supervivencia para hablar de las diferencias sociales, de la indiferencia colectiva y de una sociedad que parece mirar hacia otro lado incluso cuando el problema está delante de sus ojos.

Visualmente tiene momentos que consiguen crear una atmósfera extraña e hipnótica, sin embargo, creo que la película no siempre consigue sostener el interés con la misma fuerza. Algunas interpretaciones me parecieron bastante limitadas y además, el ritmo puede resultar desesperante en determinados momentos.

Aun así, lo curioso es que, cuando la película acaba, una sigue pensando en ella... hay reflexiones, frases y pequeños detalles que continúan dando vueltas en la cabeza. No puedo decir que me haya gustado especialmente ni que haya disfrutado del viaje en todo momento, porque no sería cierto, sin embargo, tampoco puedo negar que es una propuesta con una personalidad muy marcada y reconocible en su director.

Balearic tiene defectos evidentes y momentos que ponen a prueba la paciencia, pero también guarda un trasfondo interesante que termina aflorando cuando una mira más allá de su superficie.

Kill Bill. Volumen 2

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 24 May 2026 21:36:29 +0000

Título original: Kill Bill: Volume 2
Año: 2004
Duración: 137 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino

Fotografía: Robert Richardson
Reparto:
Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Gordon Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, Michael Parks, James Parks, Bo Svenson, Jeannie Epper, Caitlin Keats, Christopher Allen Nelson...

La película retoma la sangrienta odisea de venganza de Beatrix Kiddo (Uma Thurman), conocida como "La Novia" o "Mamba Negra", quien continúa en su implacable búsqueda para asesinar a los miembros restantes del Escuadrón de Asesinato Víbora Venenosa y, finalmente, a su antiguo jefe y amante, Bill (David Carradine).

Premio Saturn 2004 a la Mejor Película de Acción/Aventuras

Premio Saturn 2004 a la Mejor Actriz de Reparto para Daryl Hannah

Premio Saturn 2004 al Mejor Actor de Reparto para David Carradine

Premio Sant Jordi 2004 a la Mejor Película Extranjera

Hay secuelas que simplemente continúan una historia y otras que consiguen cerrar un viaje y Kill Bill. Volumen 2 sería esta segunda opción y aunque sigo pensando que la primera entrega me impactó más y me parece superior, esta segunda parte continúa siendo una auténtica barbaridad cinematográfica.

Es verdad que en esta segunda parte Quentin Tarantino baja un poco la velocidad frenética del primer volumen y apuesta más por las conversaciones, que tiene menos explosión visual y menos locura desenfrenada y que gana en profundidad emocional.

La película retoma la venganza de “La novia”, interpretada nuevamente por una inmensa Uma Thurman (siempre tengo la sensación que hay un oceano en su mirada) después de todo el baño de sangre vivido anteriormente y ya sólo quedan unos pocos nombres pendientes antes de llegar hasta Bill, el hombre que ordenó acabar con ella.

Me fascina cómo Tarantino mezcla estilos sin miedo alguno... hay ecos del western clásico, del cine de samuráis, del kung-fu más exagerado y hasta de un humor extraño y retorcido que aparece cuando menos te lo esperas y aun así, todo encaja dentro de su universo.

El guion me parece brillante, el montaje está muy bien construido y la música acompaña cada momento de una forma espectacular... la banda sonora vuelve a ser una maravilla. También me parece maravillosa la fotografía y, sobre todo esos primeros planos tan intensos.

En cuanto al reparto, Daryl Hannah, David Carradine y Michael Madsen están en otra dimensión.

El desenlace me parece más contenido de lo que posiblemente mucha gente esperaba pero precisamente por eso, quizás resulta todavía más demoledor. Sigue habiendo violencia, litros de sangre y escenas completamente pasadas de vueltas... Tarantino en estado puro y reconocible desde el primer minuto. Kill Bill. Volumen 2 quizá no me deslumbre tanto como la primera, pero me parece un cierre enorme para una historia inolvidable.

Una sinfonía de pólvora y sangre... un "wéstern" crepuscular donde los mitos caen, los monstruos se vuelven humanos y el viaje de "La novia" se sella para siempre.

The Smashing Machine

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 23 May 2026 22:57:27 +0000

Año: 2025
Duración: 123 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Ben Safdie
Guion: Ben Safdie

Música: Nala Sinephro
Fotografía: Maceo Bishop

Reparto:
Dwayne Johnson, Emily Blunt, Bas Rutten, Paul Lazenby, Whitney Moore, Andre Tricoteux, Oleksandr Usyk, Paul Cheng, Yoko Hamamura...

Mark Kerr (Dwayne Johnson), es un legendario luchador de artes marciales mixtas (MMA) y dos veces campeón del torneo de peso pesado de la UFC. La película está ambientada entre 1997 y 2000 y profundiza en el meteórico ascenso y la posterior caída de este pionero del octágono durante los brutales e incipientes años de la disciplina.

La película contrasta la ferocidad y el apodo de "máquina aplastadora" de Kerr en el ring con sus devastadoras crisis en la vida real. Fuera de la lona, el luchador se enfrenta a una severa adicción a los analgésicos opiáceos derivada del dopaje y del tremendo castigo físico de los combates, a la par que intenta mantener a flote una relación sentimental volátil y compleja con su mujer, Dawn Staples (Emily Blunt).

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia 2025

Hay películas que parecen querer profundizar hondamente en las heridas de sus personajes, pero se quedan girando alrededor de ellas sin atreverse a zambullirse de lleno, y justo eso es lo que he sentido con The Smashing Machine, la nueva película de Ben Safdie. La película nos cuenta la historia de Mark Kerr, uno de los nombres más conocidos de los primeros años de las artes marciales mixtas, en una etapa situada entre finales de los noventa y comienzos de los dos mil, e intenta mostrar tanto el ascenso brutal de ese hombre convertido en leyenda como el desgaste físico y emocional que vino después.

Dwayne Johnson probablemente hace aquí el esfuerzo más serio de toda su carrera... se nota que quiere salir del personaje que lleva años interpretando una y otra vez, pero aun así, siento que sigue moviéndose en un registro emocional algo limitado. Funciona porque el personaje tampoco exige demasiados matices externos, y ahí encuentra una zona cómoda donde defenderse mejor de lo habitual y bueno, no diría que está mal pero tampoco termina de alcanzar el nivel de una gran interpretación.

La sensación que tuve durante gran parte de la película es que todo está demasiado calculado... es verdad que hay escenas interesantes, sobre todo en las peleas, donde Benny Safdie sabe colocar la cámara y el montaje musical tiene momentos muy buenos, pero cuando toca entrar en el dolor humano, en las adicciones, en el vacío, en toda esa oscuridad que rodeaba a muchos luchadores de aquella época, la película se queda corta, y quizá ese sea el gran problema de la película... que tiene mucho músculo pero le falta alma.

Al final, The Smashing Machine me deja la sensación que se queda en la superficie de la lona y que realmente es una crónica descafeinada sobre la caída de un titán. La película filma el sudor, la sangre y el impacto de los puños, pero se olvida de registrar el auténtico temblor del alma herida, dejándonos el amargo sabor de una tormenta que prometía arrasarlo todo y se quedó solo en un frío viento de paso. Una película que, a pesar de sus esfuerzos, termina siendo justo lo que su protagonista intentaba no ser... pura fachada sin un corazón que palpite detrás.

El carnicero

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 23 May 2026 16:13:35 +0000

Título original: Butcher’s Stain
Año: 2025
Duración: 25 min.
País: Israel
Dirección: Meyer Levinson-Blount
Guion: Meyer Levinson-Blount
Fotografía: Sefi Elisha-Nahmani
Reparto:
Omar Sameer Mahamid, Meyer Levinson-Blount, Rona Toledano, Dror Marko, Sara Raed, Oron Caspi...

Samir (Omar Sameer Mahamid), es un ciudadano árabe israelí que trabaja como carnicero en un supermercado local. Su vida se complica drásticamente cuando un compañero lo acusa de haber arrancado los carteles de los rehenes israelíes secuestrados en Gaza que estaban colgados en la sala de descanso.

A partir de esa acusación, Samir se ve envuelto en una tensa lucha contra el racismo y la sospecha colectiva dentro de su entorno laboral. Desesperado por no perder el empleo que tanto necesita para subsistir, el protagonista emprende una carrera contrarreloj para demostrar su inocencia en medio de un clima de trauma colectivo y profunda polarización política.

Se tiene que morir mucha gente

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 22 May 2026 23:07:14 +0000

Año: 2026

Temporadas: 1 temporada (6 episodios)

País: España

Dirección: Victoria Martín, Sandra Romero y Nacho Pardo

Guion: Victoria Martín

Música: Remate

Fotografía: Angello Faccini

Reparto:

Anna Castillo, Macarena García, Laura Weissmahr, Sofía Otero, Alba Galocha, Óscar de la Fuente...

Bárbara (Anna Castillo), Maca (Laura Weissmahr) y Elena (Macarena García) son tres mujeres que fueron mejores amigas en el colegio y que, 20 años después, intentan mantener a flote su relación en plena crisis de la mediana edad.

Se tiene que morir mucha gente, creada por Victoria Martín, Sandra Romero y Nacho Pardo, me ha parecido una de esas series que cuando termina el capítulo, no puedes evitarlo y necesitas poner el siguiente. Basada en la novela de la propia Victoria Martín, consigue algo muy difícil, al menos para mí... hacerte reír mientras, por debajo de todo ese humor ácido y disparatado, asoma también la tristeza, las inseguridades y el caos emocional de unos personajes que sientes muy reales y cercanos.

La serie tiene un humor muy vivo, muy actual, cargado de ironía y situaciones absurdas que funcionan precisamente porque resultan creíbles dentro de esa locura cotidiana que plantea. Hay escenas realmente delirantes y diálogos con muchísimo ritmo, pero detrás de todo eso también hay heridas, frustraciones y relaciones que se tambalean constantemente.

El reparto está espectacular... Anna Castillo vuelve a demostrar el talento enorme que tiene, Macarena García es como siempre maravillosa con esa luz tan especial que brilla en sus ojos y su sonrisa. Entre ambas hay una conexión y química increíble que viene ya de largo, y eso se nota y mucho, porque es inevitable ver la complicidad entre ellas.

También me ha encantado Laura Weissmahr, que aporta un equilibrio perfecto al grupo, y la joven Sofía Otero, que está absolutamente brillante, que tiene una naturalidad impresionante y un desparpajo que hace imposible no quedarse mirándola cada vez que aparece.

Y como regalo... la canción de Amaral creada especialmente para la serie, que acaba redondeando aún más la personalidad de la historia.

La verdad que he disfrutado muchísimo esta serie porque tiene esa energía fresca y despreocupada de las comedias que simplemente te hacen sentir bien. Es divertida, ligera cuando tiene que serlo, pero también inteligente y muy consciente de lo que quiere contar.

Se tiene que morir mucha gente es el reflejo de un espejo agrietado pero extrañamente hermoso... es el eco de las risas que compartimos para no llorar ante el abismo de hacernos mayores, y el recordatorio de que, entre el caos, las heridas y las verdades que duelen, la verdadera balsa de salvación sigue siendo la mirada cómplice de quienes nos conocen desde siempre.

Kill Bill. Volumen 1

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 18 May 2026 02:00:47 +0000

Título original: Kill Bill: Volume 1
Año: 2003
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Richardson
Reparto:
Uma Thurman, Lucy Liu, Daryl Hannah, Vivica A. Fox, Sonny Chiba, Chiaki Kuriyama, Michael Bowen, Julie Dreyfus, Michael Parks, David Carradine, Michael Madsen, Gordon Liu, Jun Kunimura...

La Novia (Uma Thurman), es una antigua asesina de élite que, tras despertar de un coma de cuatro años, emprende una implacable misión de venganza contra el escuadrón criminal que masacró a los invitados el día de su boda e intentó matarla por orden de su enigmático jefe y examante, Bill (David Carradine).

Tras recuperar la consciencia, la protagonista elabora una lista negra con los cinco responsables de la matanza.

En este primer volumen, viaja a Japón para armarse con una catana única forjada por el maestro Hattori Hanzō (Sonny Chiba) y se dirige a Tokio para saldar cuentas con su primer gran objetivo: O-Ren Ishii (Lucy Liu), convertida ahora en la líder de la Yakuza.

Premio del Público en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2003

Premio Saturn 2003 a la Mejor Película de Acción / Aventuras

Premio Saturn 2003 a la Mejor Actriz para Uma Thurman

Premio Sant Jordi 2004 a la Mejor Película Extranjera

Hay películas que no necesitan que nadie explique de qué van porque hablan solas a través de las imágenes, de la música y de la manera en la que cada escena te golpea... nunca mejor dicho en esta ocasión. Eso es exactamente lo que pasa con Kill Bill: Vol. 1., que más que una película de acción es una explosión absoluta donde hay escenas que parecen coreografías, momentos donde la violencia se mezcla con una belleza casi hipnótica e incluso, a veces pienso que si fuese una película muda... seguiría siendo igual de impactante.

Es verdad que la historia avanza algo desordenada, dividida en capítulos que tienen estilos totalmente distintos entre sí y en esta primera parte nos encontramos con una mujer que despierta después de 4 años en coma y empieza a tachar nombres de una lista de personas que le destrozaron la vida.

La película es una mezcla salvaje y maravillosa de referencias... cine de samuráis, western moderno, artes marciales, cómic, cultura pop japonesa, luces de neón, katana en mano y estética imposible de olvidar. Tarantino hace literalmente lo que quiere y convierte ese caos en una historia con personalidad propia. Hay excesos, claro... estamos hablando de Tarantino, quien lleva todo al límite, como si quisiera convertir la venganza en un espectáculo cinematográfico gigantesco y la verdad que lo consigue.

La música es uno de los grandes corazones de la película, como pasa con las películas de Tarantino, pero si hay algo, mejor dicho, alguien, que destaca por encima de todo es Uma Thurman, que se adueña de toda la película, aunque es cierto que sería injusto no mencionar a unos estupendos secundarios como Lucy Liu.

Haciendo un pequeño resumen diría que Kill Bill: Vol. 1 es una carta de amor salvaje al propio cine, un festín donde Quentin Tarantino coge todos los géneros que ama, los mete en una coctelera de sangre y neón, y nos sirve una obra icónica. Me quedo con ese duelo final bajo la nieve entre La Novia y O-Ren Ishii, donde el estruendo de las katanas da paso a un silencio poético y casi místico, demostrando que detrás de cada salpicadura de sangre hay una belleza plástica incontestable.

Solamente puedo decir que yo personalmente la he disfrutado muchísimo. Es pura adrenalina, sangre, música inolvidable... una locura visual servida como un festín de cine y palomitas.

Recién nacidas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 17 May 2026 14:28:17 +0000

Título original: Jeunes mères
Año: 2025
Duración: 104 min.
País: Bélgica
Dirección: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Guion: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne
Fotografía: Benoît Dervaux
Reparto:
Elsa Houben, Babette Verbeek, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi, India Hair...

La película transcurre en un centro de acogida en Lieja, Bélgica, donde las vidas de Jessica (Babette Verbeek), Perla (Lucie Laruelle), Julie (Elsa Houben), Ariane (Janaina Halloy) y Naïma (Samia Hilmi) han tenido que madurar de golpe.

Criadas en entornos marcados por la precariedad, la ausencia de apoyo familiar, el abandono o el maltrato, las adolescentes comparten espacio en el refugio mientras luchan de cinco maneras diferentes por construir un futuro mejor para ellas y sus bebés.

Premio al Mejor Guion en el Festival de Cannes 2025

Jeunes mères de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, es una película que mira de frente a esas personas, quienes casi siempre quedan apartadas y que sobreviven como pueden mientras intentan encontrar un poco de estabilidad en medio del caos.

Sinceramente, no entiendo por qué aquí le han cambiado el título original por el de Recién nacidas, (que manía con inventarse los títulos), ya que desde mi punto de vista, pierde valor respecto a lo que realmente nos cuentan los hermanos belgas... la vida de varias chicas muy jóvenes que acaban de ser madres y que intentan decidir qué hacer con sus vidas y con las de sus hijos mientras viven en un centro de acogida. Todas arrastran heridas distintas... algunas vienen marcadas por el abandono familiar, otras por relaciones dependientes o por una pobreza que parece no dejarles respirar, pero, a pesar de ello, la película nunca cae en el dramatismo fácil ni en la pena impostada.

Los Dardenne llevan años construyendo un cine muy pegado a la realidad y aquí vuelven a hacerlo con esa sensibilidad tan suya. Filman a estas jóvenes desde la cercanía... unas chicas llenas de contradicciones, de errores, de miedo y también de ganas de seguir adelante.

Es verdad que al contar varias historias en una misma película no todas pueden desarrollarse con la misma profundidad. Algunas apenas aparecen esbozadas y me habría gustado conocer más sobre ciertas protagonistas, aun así, no siento que eso perjudique al conjunto porque lo importante es ese instante decisivo en sus vidas donde todavía existe la posibilidad de cambiar las cosas.

Dentro de toda la dureza que atraviesa la película, también hay espacio para algo importante, muy importante: la esperanza... porque Jeunes mères habla de segundas oportunidades y de la posibilidad de reconstruirse.

Resumiendo diría que Jeunes mères me hace quedarme con esa esperanza que surje de la red de apoyo mutuo y de la inmensa valentía de quienes, teniendo todo en contra, deciden no rendirse. Una película que nos regala un retazo de vida auténtico y nos demuestra que, mientras quede un hilo de aliento y una mano dispuesta a sostener a otra, siempre habrá espacio para empezar de nuevo.

El forajido y su esposa | Los proscritos

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 16 May 2026 23:30:07 +0000

Título original: Berg-Ejvind och hans hustru
Año: 1918
Duración: 136 min.
País: Suecia
Dirección: Victor Sjöström
Guion: Sam Ask y Victor Sjöström
Fotografía: Julius Jaenzon
Reparto:
Victor Sjöström, Edith Erastoff, John Ekman, Jenny Tschernichin-Larsson, Artur Rolén, Nils Ahrén, Emil Fjelström, Gucken Cederborg, Hildur Carlberg, Sigurd Wallén...

Ejvind (Victor Sjöström), es un hombre acosado por el hambre que cometió un pequeño robo en el pasado y que escapa a las montañas para evitar la cárcel y adopta una identidad falsa bajo el nombre de Kári.

Consigue trabajo en la granja de Halla (Edith Erastoff), una viuda rica y respetada. Con el tiempo, ambos se enamoran profundamente, pero cuando las autoridades descubren el pasado de Ejvind, Halla decide renunciar a todas sus riquezas y huir con él a las montañas más inhóspitas.

Juntos inician una dura vida como forajidos, donde su amor se convertirá en su único refugio frente a la implacable persecución de la sociedad y la brutal hostilidad del invierno.

Hay películas que parecen hechas de nieve, de viento y de silencio y El forajido y su esposa, también conocida como Los proscritos, me ha parecido una de esas historias... y tengo que decir que la he disfrutado muchísimo, muchísimo más de lo que esperaba. Me ha atrapado desde el principio y no me ha soltado hasta ese final tan duro, tan hermoso y tan triste al mismo tiempo.

La película, dirigida y protagonizada por Victor Sjöström, tiene algo especial... es una historia sobre dos personas arrinconadas por una sociedad incapaz de perdonar, dos seres humanos intentando sobrevivir mientras el mundo les da la espalda.

La película está construida en 7 actos y está basada en la obra teatral Fjalla Eyvindur de Jóhann Sigurjónsso, donde nos cuenta la historia de Ejvind, un hombre marcado por un robo cometido tiempo atrás a causa del hambre que escapa para evitar la cárcel y termina trabajando bajo una identidad falsa en la granja de Halla, una viuda con dinero y una gran posición social. Entre ambos nace un amor profundo, pero cuando el pasado de él sale a la luz, ella decide abandonarlo todo para marcharse con él a las montañas.

Hay imágenes que se te quedan grabadas como esa lucha constante contra el invierno, contra la montaña y contra el destino que acaba convirtiéndose en una tragedia inevitable y precisamente ahí es donde siento que la película alcanza toda su grandeza, porque habla del amor, sí... pero también de la culpa, de la pobreza, del castigo social y de cómo algunas personas terminan expulsadas del mundo simplemente por intentar sobrevivir.

Resumiendo diría que El forajido y su esposa.. o Los proscritos es una película que me ha hecho sentir que el amor más puro solo puede respirar en los márgenes de la civilización, aunque el precio a pagar sea la propia existencia. Victor Sjöström filma la nieve como el lienzo blanco donde se escribe el destino inevitable de sus personajes... un sudario que va cubriendo sus huellas hasta borrarlos del mundo. Me quedo con ese desenlace desolador y bellísimo, donde el frío exterior se funde con el dolor de la culpa y el aislamiento, dejándonos una de las imágenes más impresionantes del cine mudo. Una película que más de un siglo después de su filmación, consigue congelarte el aliento, demostrando que la mayor calidez humana, a veces, solo se encuentra en el abrazo final de dos almas que prefirieron la inmensidad de la tormenta a la mezquindad del hombre.

La viajera

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 10 May 2026 16:02:00 +0000

Título original: Yeohaengjaui pilyo
Año: 2024
Duración: 90 min.
País: Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Fotografía: Hong Sang-soo
Reparto:
Isabelle Huppert, Lee Hye-young, Kwon Hae-hyo, Cho Yun-hee, Ha Seong-guk...

Iris (Isabelle Huppert) es una mujer francesa de origen misterioso que deambula por Seúl. Sin dinero ni medios para mantenerse, comienza a trabajar como profesora de francés utilizando un método poco convencional: pide a sus alumnos que expresen emociones profundas y personales, que ella traduce y anota en tarjetas para que las memoricen.

Mientras vaga por parques, toca la flauta dulce y disfruta del makgeolli (vino de arroz coreano), Iris entabla conversaciones introspectivas con extraños que revelan la dificultad de comunicar lo que realmente sentimos.

Oso de Plata - Gran Premio del Jurado en el Festival Internacional de Berlín 2024

La viajera es una de esas películas que te puede fascinar o desesperar... en mi caso, me dejó en una especie de tierra de nadie entre el interés y el cansancio.

La película pone en el foco central a Iris, una mujer que se mueve por Seúl dando clases de francés con un método tan extraño como abstracto, basado más en las emociones que en las palabras. La idea podría haber dado pie a algo realmente especial, pero la sensación que tuve es que la película se queda girando continuamente sobre sí misma, repitiendo gestos, conversaciones y silencios hasta vaciar por completo lo que intenta transmitir. Hay momentos en los que parece buscar una profundidad enorme en cosas muy pequeñas, aunque muchas veces lo único que consigue es quedarse suspendida en una especie de apatía constante.

Es verdad que el cine de Hong Sang-soo funciona así... sus personajes aparecen y desaparecen casi sin contexto y aquí juega con esa forma de narrar, tan libre como desordenada.

La película quiere ser delicada, casi flotante, pero en bastantes escenas se vuelve fría y distante y esa idea de “sentir las palabras” termina por parecer más un eco vacío que como algo realmente transformador.

Lo curioso es que, pese a todo, esa manera de mirar a los personajes puede resultar incluso divertida si consigues entrar en el juego de Hong Sang-soo, pero detrás de esa aparente sencillez hay una película que puede resultar plana, repetitiva y demasiado encerrada en sí misma.

Al final, La viajera se queda suspendida en esa extraña zona donde la sencillez roza la intrascendencia. Me ha resultado una película que, al igual que su protagonista, parece caminar sin rumbo fijo, confiando en que el azar y el alcohol rellenen los huecos de un guion que se desvanece mientras se escribe.

Me quedo con la presencia magnética de Isabelle Huppert y con Lee Hye-young en esta película que, como el método de Iris, nos pide sentir más que entender, aunque al terminar el viaje la sensación sea la de haber contemplado un paisaje hermoso a través de un cristal empañado.

El padrino. Parte II

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 10 May 2026 00:47:00 +0000

Título original: The Godfather Part II
Año: 1974
Duración: 200 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Francis Ford Coppola
Guion: Francis Ford Coppola y Mario Puzo
Música: Nino Rota y Carmine Coppola
Fotografía: Gordon Willis
Reparto:
Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire, Gastone Moschin, Michael V. Gazzo, Marianna Hill, Bruno Kirby, Danny Aiello, Harry Dean Stanton...

La película entrelaza dos historias... por un lado, seguimos a un joven Vito Corleone (Robert De Niro) a principios del siglo XX, desde su llegada como inmigrante huérfano a Nueva York hasta cómo consolida su poder en el Harlem italiano.

En paralelo, en los años 50, su hijo Michael Corleone (Al Pacino) intenta expandir el imperio familiar hacia Las Vegas y Cuba, enfrentándose a traiciones internas y a una investigación del Senado que amenaza con destruirlo todo.

Mientras Vito construye la familia para proteger a los suyos, Michael la destruye obsesionado por mantener el control.

Oscar 1975 a la Mejor Película

Oscar 1975 a la Mejor Dirección

Oscar 1975 al Mejor Actor de Reparto para Robert De Niro

Oscar 1975 al Mejor Guion Adaptado

Oscar 1975 a la Mejor Banda Sonora

Oscar 1975 al Mejor Diseño de Producción

BAFTA 1976 al Mejor Actor para Al Pacino

Premios del Sindicato de Guionistas (WGA) 1975

National Society of Film Critics Award 1974 al Mejor Director

National Society of Film Critics Award 1974 a la Mejor Fotografía

Directors Guild of America Award (DGA) 1974 a la Mejor Dirección|Película

Hay películas que no solo continúan una historia, sino que la llevan todavía más lejos y The Godfather Part II de Francis Ford Coppola consigue algo que parecía imposible, mirar de frente a la primera entrega y, para mí... superarla.

La película transcurre a través de dos caminos que, aunque ocurren en épocas diferentes y con personajes distintos... por un lado, conocemos el pasado de un joven Vito Corleone, desde su llegada a Nueva York siendo apenas un niño inmigrante y huérfano hasta convertirse en una figura respetada y temida dentro de la comunidad italiana y al mismo tiempo seguimos a Michael en los años cincuenta, intentando ampliar los negocios familiares mientras las traiciones, la ambición y el miedo comienzan a devorarlo poco a poco.

Robert De Niro está extraordinario dando vida al joven Vito Corleone, consiguiendo captar la esencia del personaje sin imitarlo y construyendo una figura propia, y Al Pacino sinceramente, me parece que hace una interpretación inolvidable como Michael Corleone.

Hay escenas absolutamente inmensas como las del juicio, las de las reuniones familiares o esa conversación devastadora en la parte final entre Michael y Kay que me parece fascinante.

Se suele decir que las segundas partes nunca alcanzan el nivel de la original, pero Coppola rompió completamente esa idea. The Godfather es un clásico eterno, eso es indiscutible, pero esta continuación me parece mucho mejor, más profunda, más compleja y mucho más dolorosa, emocionalmente hablando, y quizá por eso sigue siendo tan grande tantos años después.

Resumiendo diría que esta segunda entrega es el retrato de una victoria que huele a derrota. Mientras la cámara de Coppola nos muestra a un Vito que construye un imperio desde la necesidad de proteger a los suyos, nos devuelve el reflejo de un Michael que, poseyendo ya todo el mundo, termina perdiendo su propia alma. Una obra maestra que no solo expande un universo, sino que nos recuerda que el precio del poder absoluto es la soledad más absoluta.

Brides

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 03 May 2026 14:26:00 +0000

Año: 2025
Duración: 93 min.
País: Reino Unido
Dirección: Nadia Fall
Guion: Suhayla El-Bushra
Música: Alex Baranowski
Fotografía: Clarissa Cappellani
Reparto:
Ebada Hassan, Safiyya Ingar, Yusra Warsama, Aziz Çapkurt, Leo Bill, Ali Khan, Amanda Lawrence...

Doe (Ebada Hassan) y Muna (Safiyya Ingar) son dos adolescentes musulmanas británicas que, asfixiadas por una vida de marginación, racismo y falta de horizontes en el Reino Unido, deciden huir hacia Siria.

Atraídas por la propaganda en redes sociales que les promete identidad y propósito, emprenden un viaje incierto a través de Estambul y lo que comienza como una aventura impulsiva pone a prueba su lealtad y su fe mientras se enfrentan a la cruda realidad que aguarda al final del camino.

Trofeo Fritz Gerlich por su contribución a los derechos humanos y al antirracismo a través del cine en el Festival de Cine de Múnich 2025

Premio del Jurado TeenArena a la Mejor Película en el Festival de Cine de Sarajevo 2025

Brides, la primera película de Nadia Fall, se mete de lleno en una realidad dura y difícil hasta a veces de entender... la de dos chicas adolescentes que deciden dejar atrás su vida en el Reino Unido para viajar a Siria y unirse al ISIS. Lo hacen arrastradas por un entorno marcado por la islamofobia, el rechazo y esa sensación de sentir que no encajas en ningún sitio.

La película arranca con esa huida pero todo se complica cuando el contacto que debía guiarlas no aparece y quedan atrapadas en Estambul, en una ciudad que no conocen, sin saber muy bien en quién confiar ni qué paso dar y es ahí donde comienza, no solo el viaje físico, sino el viaje emocional de dos chicas que, en el fondo, siguen siendo muy jóvenes y están llenas de dudas, miedo y contradicciones.

La verdad que me ha parecido una película muy interesante, con unas sorprendentes interpretaciones de sus dos protagonistas, Ebada Hassan y Safiyya Ingar, especialmente Ebada que con su mirada consigue traspasar cualquier pantalla y llenarla de emociones.

No todo en ella es ensalzable, ya que es cierto que el final de la historia se intenta cerrar con un golpe emocional fuerte, pero a mí personalmente, creo que se queda a medio camino sin llegar a golpearnos definitivamente.

En conjunto me parece una película valiente, que trata un tema complicado desde una posición muy humana y que no es solo el relato de una huida, sino el espejo de una fractura social que deberiamos atrevernos a mirarla de frente. Nadia Fall nos regala el retrato de dos almas a la deriva que, buscando un destino donde por fin ser alguien, acaban perdiéndose en el laberinto de sus propias soledades. Me quedo con la mirada de Ebada Hassan, un faro de vulnerabilidad que brilla con más fuerza que cualquier ideología, y con esa amarga certeza de que, a veces, el viaje más peligroso no es el que cruza fronteras, sino el que se emprende intentando escapar de un mundo que te ha cerrado todas las puertas. Una película que, pese a su cierre algo contenido, nos obliga a preguntarnos qué parte de culpa tenemos nosotros en el naufragio de quienes solo buscaban un lugar al que llamar hogar.

Blue Sun Palace

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 02 May 2026 20:57:00 +0000

Año: 2024
Duración: 117 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Constance Tsang
Guion: Constance Tsang
Música: Sami Jano
Fotografía: Norm Li
Reparto:
Wu Ke-xi, Lee Kang-sheng, Haipeng Xu...

Amy (Wu Ke-xi) y Didi (Haipeng Xu) son dos amigas y compañeras que trabajan en un salón de masajes en Flushing, Queens. Lejos de sus hogares y bajo la presión de extenuantes jornadas laborales, ambas han construido un fuerte vínculo de hermandad que las sostiene frente al desarraigo.

Su mundo se fractura cuando una tragedia inesperada ocurre durante las celebraciones del Año Nuevo Lunar. A raíz de esta pérdida, Amy establece una conexión con Cheung (Lee Kang-sheng), un hombre solitario que también formaba parte de la vida de su amiga.

Juntos navegan por el duelo y la soledad, intentando encontrar un sentido de pertenencia en una sociedad que a menudo les resulta hostil.

Cairo International Film Festival Prize for Best Actor 2024 for Lee Kang-sheng

Premio French Touch del Jurado en la Semana de la Crítica del 77º Festival de Cannes 2024

Tengo una sensación extraña con Blue Sun Palace... es como si sintiese que hubiera tenido delante de mí una película muy interesante y con mucho potencial pero que no he podido retenerla entre mis emociones y se me ha escapado como arena entre los dedos.

La película nos habla del duelo, de la pérdida, de cómo algo que te rompe también puede abrir una grieta por donde entra un poco de afecto y bueno... al principio de la historia, esta promete, tiene algo especial, pero a medida que avanza, no sé exactamente lo que es, pero siento que algo se me va escapando. El ritmo se vuelve demasiado pausado, con silencios que en lugar de llenar espacios, acaban vaciándolo del todo y que me deja fuera de la historia, la cual queda estancada en una especie de repetición constante y eso hace que el impacto emocional se diluya y no logre atravesarme.

Es curioso, porque no diría que es una mala película. De hecho, Constance Tsang durante la primera mitad lo consigue con bastante acierto, pero poco a poco esa fuerza inicial se va apagando, como si la historia se cansara de sí misma.

Me quedo con la sensación de estar ante una ópera prima con mucho potencial, pero que se queda a medio camino y que termina siendo como un eco que se desvanece antes de que podamos descifrar su mensaje. Me queda el recuerdo de un aroma que prometía ser intenso y que acabó diluyéndose en el aire, dejándome con la extraña nostalgia de lo que pudo haber sido y no fue. Es una película que como sus propios personajes, están ahí, los vemos, pero cuando intentamos abrazarla, solo encontramos el frío cristal de una ventana que nos separa de su verdadera emoción.

Rondallas

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 02 May 2026 02:02:00 +0000

Año: 2025
Duración: 112 min.
País: España
Dirección: Daniel Sánchez Arévalo
Guion: Daniel Sánchez Arévalo
Música: Federico Jusid
Fotografía: Rafa García
Reparto:
Javier Gutiérrez, María Vázquez, Judith Fernández, Tamar Novas, Carlos Blanco, Fernando Fraga, Xosé A. Touriñán, Lucía Sá, Marta Larralde, Lola Rodríguez, Marcos Pereiro...

Dos años después del trágico naufragio del pesquero Gran Sol, que acabó con la vida de siete marineros, el luto sigue pesando sobre los habitantes del pueblo. En un intento por recuperar la alegría y la unión, los vecinos deciden refundar su rondalla, una agrupación musical tradicional que mezcla a niños y ancianos.

Liderados por la joven Andrea (Judith Fernández), quien hereda el papel de su padre fallecido en el mar, el grupo comienza a ensayar versiones de éxitos modernos con instrumentos tradicionales, enfrentándose al reto de superar el dolor colectivo para competir de nuevo en el certamen regional.

Medalla de la Solidaridad del del Círculo de Escritores Cinematográficos 2025

Tenía muchas ganas de ver Rondallas... por fin lo he conseguido y tengo que decir, que me alegro de haberlo hecho, porque además de arrancarte alguna que otra lágrima, también te dibuja sonrisas y te reconcilia un poco con la gente y con todo lo que, a veces, parece perdido.

Estamos ante una película que nos habla de personas... personas que sienten de verdad, que se equivocan, que se sostienen unas a otras, y creo que eso es precisamente lo que la hace funcionar.

La historia transcurre en un pequeño pueblo costero de Galicia, un lugar donde el tiempo se mueve a otro ritmo y donde la música es una forma de encontrarse y de recomponerse como un hilo invisible que va uniendo a todos.

El reparto es fantástico, no se le puede poner un pero, con Javier Gutiérrez y María Vázquez al frente.

Daniel Sánchez Arévalo vuelve a demostrarnos que el cine más grande es el que se fija en las cosas pequeñas... en la mano que sostiene otra, en el sonido de una gaita que rompe el silencio del duelo y en esa convicción de que, mientras haya alguien al lado para seguir el ritmo, nunca estaremos del todo a la deriva. Estamos ante una película que es un refugio hecho de sal y música donde comprendemos que la memoria de los que se fueron no es un ancla que nos hunde, sino el viento que nos empuja a seguir cantando a la vida.

Esperando la noche

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 25 Apr 2026 21:33:00 +0000

Título original: En attendant la nuit
Año: 2023
Duración: 99 min.
País: Francia
Dirección: Céline Rouzet
Guion: William Martin y Céline Rouzet
Música: Jean-Benoît Dunckel
Fotografía: Maxence Lemonnier
Reparto:
Mathias Legout Hammond, Elodie Bouchez, Jean-Charles Clichet, Céleste Brunnquell, Laly Mercier...

La familia Feral se muda a un tranquilo barrio residencial con el objetivo de pasar desapercibidos y parecer una familia completamente normal. Sin embargo, su hijo de 17 años, Philémon (Mathias Legout Hammond), no es como los demás: padece una sed de sangre insaciable y una extrema sensibilidad a la luz solar.

A pesar de los esfuerzos de sus padres por controlar su condición mediante transfusiones caseras, todo se complica cuando Philémon se enamora de su vecina Camila (Céleste Brunnquell).

Su deseo de libertad y de vivir una vida adolescente convencional hace que su verdadera naturaleza sea cada vez más difícil de ocultar, poniendo en riesgo la seguridad de toda la familia.

Esperando la noche de Céline Rouzet, no es la típica historia de vampiros que una espera encontrarse, ni creo que busque serlo. La historia gira en torno a una familia que intenta empezar de cero en un barrio tranquilo y sin querer llamar la atención ya que su hijo Philémon carga la necesidad diaria de recibir transfusiones de sangre y una sensibilidad extrema a la luz que le hace no tener una vida social y estar oculto.

Realmente creo que la película nos habla de la incomodidad de no encajar con el resto de la sociedad, el peso de sentirse observado permanentemente y el miedo constante a ser descubierto.

Me ha parecido una película, de entrada, interesante, que consigue captar tu atención desde el principio, aunque también es cierto que tiene ciertos momentos en los que pierde un poco el rumbo y se vuelve algo irregular.

Después de terminar de verla me he quedado con la sensación de que no termina de llegar a todo lo que prometía al inicio pero si que resulta interesante en el mensaje que, al menos a mí me deja... que el verdadero miedo no lo causa quien es diferente, sino que se encuentra, una vez más, en la mirada de los demás, y es justo ahí, donde más me gusta la película, cuando nos habla de prejuicios, del rechazo al que no es cómo tú y de ese impulso de señalar al otro como amenaza.

No es una película redonda, pero tiene algo que la hace interesante, se deja ver, y sobre todo, me deja con ganas de ver hacia dónde puede ir la directora en sus próximos trabajos... así que le seguiremos la pista.

El pájaro de la felicidad

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 24 Apr 2026 23:07:00 +0000

Año: 1993
Duración: 118 min.
País: España
Dirección: Pilar Miró
Guion: Mario Camus
Música: Jordi Savall
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto:
Mercedes Sampietro, José Sacristán, Aitana Sánchez-Gijón, Carlos Hipólito, Daniel Dicenta, Asunción Balaguer, Lluís Homar, Mari Carmen Prendes, Eulàlia Ramon, Jordi Torras, Enric Majó, Josep Maria Pou, Adriana Ozores...

Carmen (Mercedes Sampietro), es una restauradora de arte de mediana edad que, tras sufrir una agresión sexual y enfrentarse a la soledad, decide reevaluar su vida por completo.

Tras el trauma de la violación y al sentirse distanciada de su hijo (Carlos Hipólito) y de un novio con el que no conecta (Lluís Homar), Carmen emprende un viaje hacia el sur de España.

En su recorrido por tierras andaluzas, busca sus raíces y el sentido de su existencia, refugiándose en el trabajo de restauración y en la soledad de una casa frente al mar.

Goya 2024 a la Mejor Fotografía

Premio Ondas 1993 a la Mejor Actriz para Mercedes Sampietro

Una amiga me preguntó: "¿Has visto el pájaro de la felicidad de Pilar Miró?", y mi respuesta fue no, así que por recomendación de ella, me decidí a verla con la sensación de estar abriendo una puerta sin saber muy bien qué me voy a encontrar al otro lado, y lo que me he encontrado es una maravillosa película que nos habla de una mujer que atraviesa un momento durísimo tras sufrir una agresión y a partir de ahí, su vida se rompe en mil pedazos y empieza un proceso de reconstrucción y de búsqueda de sí misma, con preguntas que no siempre tienen respuesta... un viaje hacia dentro, hacia todo eso que una, a veces, arrastra aunque intente seguir adelante cada día.

Pilar Miró dirige con una calma muy consciente, dejando que cada escena respire, y luego está la fascinante Mercedes Sampietro, que lleva absolutamente todo el peso de la historia y que nos regala una interpretación magnífica... realmente, me cuesta imaginar esta historia con otra actriz, porque ella le da una verdad muy difícil de igualar.

Por otro lado está el resto del reparto... no sé le puede pedir más a un elenco en el que absolutamente todos son unos actores y actrices inmensos... da igual el papel que interpreten... tan solo unos minutos en pantalla de cualquiera de ellos engrandecen más esta película. Luego está el magnífico guion escrito por el gran Mario Camus, en el que los diálogos parecen surgir de la propia vida.

He tenido la sensación de estar ante una película poco común dentro del cine español... pero claro, estamos hablando que al frente estaba Pilar Miró y quizás eso lo explique todo. Una película que nos hace pensar en qué haríamos nosotros si la vida que tenemos ya no nos llena, en cómo nos enfrentamos a nuestro pasado que nos ha hecho ser quienes y cómo somos y si de verdad es posible encontrar un lugar donde sentirnos en paz y donde nos podamos reconstruir.

Caballero sin espada

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 19 Apr 2026 21:44:00 +0000

Título original: Mr. Smith Goes to Washington
Año: 1939
Duración: 129 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Frank Capra
Guion: Sidney Buchman
Música: Dimitri Tiomkin
Fotografía: Joseph Walker
Reparto:
James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains, Edward Arnold, Guy Kibbee, Thomas Mitchell, Eugene Pallette, Beulah Bondi, H.B. Warner, Harry Carey, William Demarest...

Jefferson Smith (James Stewart) llega a Washington con el sueño de crear un campamento nacional para boy scouts, pero pronto descubre que el sistema político está corrompido por intereses económicos y fraudes.

Al negarse a participar en un negocio sucio de tierras, los políticos veteranos intentan destruir su reputación. Con la ayuda de Clarissa Saunders (Jean Arthur), su secretaria, utiliza un agotador discurso ininterrumpido en el Senado para denunciar la corrupción y defender sus principios democráticos.

Oscar 1940 a la Mejor Historia

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1939 al Mejor Actor para James Stewart

Hay películas que no envejecen a pesar del paso del tiempo, que siguen respirando con la misma fuerza aunque pasen los años, y eso es exactamente lo que me pasa con Caballero sin espada de Frank Capra, que nos cuenta la historia Jefferson Smith, un tipo ingenuo, sencillo en su manera de entender la vida, que de repente aterriza, sin él pretenderlo en el Senado estadounidense, y claro... no tarda en darse de bruces con el poder, descubriendo lo fácil que se manipula y se compra, donde la corrupción se filtra en cada rincón. Nada que no estemos viendo, viviendo y sufriendo hoy en día en cualquier lugar del mundo y en este país en particular con las cloacas del estado campando a sus anchas, manipulando los medios de comunicación, comprándolos y alterando hasta los poderes judiciales, pero bueno... esto sería otra película, desgraciadamente sin Capra al mando.

Sin duda, quien sostiene la película es James Stewart, demostrando una vez más, que es uno de los nombres imprescindibles del cine, pero, también quiero detenerme un momentito en Jean Arthur, que a veces queda injustamente en segundo plano cuando se habla de la película, su actor principal y su director. Su personaje aporta una mirada más consciente del mundo en el que se mueven y sin ella, la historia sería más plana.

Capra, por su parte, vuelve en esta película a ese terreno que tan bien maneja... poniendo sobre la mesa la honestidad, la dignidad, la importancia de mantenerse fiel a uno mismo aunque sepa que el sistema está lleno de grietas.

Es verdad que es una película muy marcada por el "orgullo estadounidense", y en algunos momentos puede resultar excesivo, pero a pesar de ello, creo que la intención de Capra no es vender una imagen perfecta y muestra que el problema está en quienes obstentan el poder políctico ensuciando la democracia.

Sin duda, merece la pena verla y si ya la has visto... volver a hacerlo.