Un rincón de palomitas

Yo no moriré de amor

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 12 Sep 2026 16:56:52 +0000

Año: 2026
Duración: 94 min.
País: España
Dirección: Marta Matute
Guion: Marta Matute

Música: Simon Fransquet

Fotografía: Sara Gallego

Reparto:
Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weissmahr, Guillermo Benet, Daniel Guerro, Rocío Calvo, Chema del Barco, Fran Cantos, Lorea Intxausti, Sofía de Iznájar...

A sus 18 años, Claudia (Júlia Mascort) siente como la repentina irrupción del alzhéimer en la vida de su madre actúa como una tormenta silenciosa que sacude los cimientos de su hogar. Esta dolorosa realidad obliga a redefinir bruscamente los roles de una familia que arrastraba un largo historial de desconexión y desapego.

Atrapada en un profundo conflicto emocional entre el deber moral de cuidar a su progenitora y su legítimo anhelo de exprimir la vida como cualquier chica de su edad, Claudia iniciará un viaje prematuro, buscando la manera de amar y sostener a los suyos sin terminar renunciando a sí misma en el proceso.

Biznaga de Oro a la Mejor Película en el Festival de Málaga 2026

Premio a la Mejor Actriz para Júlia Mascort en el Festival de Málaga 2026

Premio al Mejor Actor de Reparto para Tomás del Estal en el Festival de Málaga 2026

Premio Feroz Puerta Oscura 2026 en el Festival de Málaga 2026

Yo no moriré de amor es el debut en el cine de la directora y guionista madrileña Marta Matute en la que nos presenta a Claudia que tiene 18 años y está viviendo ese momento de la vida en el que todavía queda mucho por descubrir, por equivocarse, por disfrutar y por empezar a decidir quién quieres ser… pero la enfermedad de su madre aparece de golpe y cambia por completo las reglas. De repente, esa juventud que parecía tener por delante se llena de responsabilidades para las que nadie está preparado y Claudia se ve obligada a crecer demasiado deprisa.

Marta Matute nos enseña a través de esta historia el cansancio, las discusiones, las diferencias entre quienes cuidan a las personas mayores, a las personas enfermas, las responsabilidades que no siempre se reparten como deberían entre los diferentes miembros de la familia y esa tensión que se va instalando dentro de una casa hasta terminar afectándolo todo.

Cuidar a una persona enferma no es solamente estar pendiente de ella… también significa aprender a vivir con una realidad que no has elegido, reorganizar tu vida, aparcar muchas veces tus propias necesidades y enfrentarte a sentimientos que ni siquiera tu misma sabes bien cómo colocar en tu interior.

Tengo que decir que en bastantes momentos me he sentido especialmente cerca de lo que estaba viendo. He vivido situaciones con mi amatxo que, aunque evidentemente no sean exactamente las mismas que aparecen en la película, me han hecho reconocer determinadas emociones, cansancios y sentimientos, y por ello, la película me ha tocado de una manera que me resulta muy difícil de explicar, porque ha habido escenas en las que he sentido como si algo me apretara por dentro, como si el pecho se hiciera más pequeño y respirar costara un poquito más.

Cuando una película consigue removerte de esa manera ya no puedes verla únicamente desde fuera… la terminas y te quedas pensando, y no sabes muy bien qué sientes, si alivio porque ha terminado, tristeza por todo lo que te ha hecho recordar o esa extraña sensación de descubrir que hay muchas personas atravesando situaciones que, a veces, creemos que solo nos han tocado a nosotras.

Es cierto que quizás yo hubiese ido un poco más lejos y me habría gustado que profundizara más en algunas de esas situaciones que pueden llegar a romper a una familia, alterar la vida de todos sus miembros, cambiar sus relaciones con los demás y dejar un desgaste emocional que no desaparece cuando la enfermedad termina, pero también entiendo que, si hubiera mostrado toda esa realidad con una crudeza todavía mayor, quizá habría sido una película casi insoportable de ver… y bastante difícil ha sido ya para mí en algunos momentos.

Las interpretaciones de Júlia Mascort y Tomás del Esnal están fuera de toda duda, pero quiero detenerme especialmente en Sonia Almarcha, porque Sonia Almarcha tiene algo que pocas intérpretes consiguen… parece que no está interpretando y en una historia como esta, donde las emociones están tan a flor de piel, esa naturalidad resulta fundamental. Su trabajo me ha parecido inmenso. Por supuesto, imposible no hablar de Laura Weissmahr, que vuelve a ganarme… poco más puedo decir ella, bueno, no es cierto… podría decir mucho y todo bueno.

Yo no moriré de amor me ha parecido una película sensible y muy humana, que me ha tocado, me ha removido y sobre todo, me ha hecho recordar y creo que su gran triunfo es su capacidad para romper la pantalla y abrazar a quienes hemos estado en esa trinchera. Marta Matute ha filmado un espejo doloroso pero necesario en el que podemos vernos reflejadas y darnos cuenta que no estamos solas en el cansancio ni en la culpa. Una película que raspa la memoria, que te obliga a respirar hondo al terminar de verla y que nos hace sentir que aunque la enfermedad arrase con todo, hay lazos que ninguna tormenta logrará borrar.

Katharine Hepburn

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 27 Aug 2026 22:15:19 +0000

Nombre completo: Katharine Houghton Hepburn
Nacimiento: 12 de mayo de 1907, Hartford, Connecticut
Fallecimiento: 29 de junio de 2003, Old Saybrook, Connecticut
Nacionalidad: Estadounidense
Años de actividad: 1928–1994

Cine: 44 películas

Televisión: 8 telefilmes

Teatro: 33 obras

Premios Óscar: 4

Katharine Hepburn nació el 12 de mayo de 1907 en Hartford, Connecticut, en una familia con unas ideas bastante poco convencionales para la época. Su madre, Katharine Martha Houghton, defendía los derechos de las mujeres y su padre, Thomas Norval Hepburn, era médico. En su casa se hablaba de política, de educación y de libertad y a sus hijos se les animaba a pensar por sí mismos y a no aceptar una norma simplemente porque todo el mundo la siguiera… quizá por eso Hepburn creció con una personalidad que nunca terminó de encajar en los moldes de su tiempo.

Estudió en Bryn Mawr College y cuando terminó sus estudios en 1928, se marchó a Nueva York empezando a trabajar sobre los escenarios. No fue un camino sencillo, pero aquella joven alta, delgada y pelirroja tenía algo que llamaba la atención… tenía presencia y también tenía carácter.

En 1932 llegó su primera película, A Bill of Divorcement, dirigida por George Cukor. La película funcionó y Hollywood descubrió rápidamente que aquella actriz tenía algo diferente. Solo un año después llegó Morning Glory y con ella, el primero de sus cuatro Óscar.

Katharine Hepburn tenía entonces poco más de veinte años y ya empezaba a construir una carrera que iba a durar décadas. Después llegó Little Women, donde interpretó a Jo March… una mujer independiente, rebelde, inteligente y poco dispuesta a aceptar que su vida tuviera que parecerse a la que otros habían decidido.

En una época en la que Hollywood tenía muy claro cómo debía comportarse una estrella femenina, ella decidió hacer las cosas a su manera… pero Hollywood también puede ser un lugar cruel con quienes se salen del camino.

Después de varios éxitos llegaron películas que no funcionaron. Bringing Up Baby, estrenada en 1938, es hoy una de las grandes comedias de la historia del cine, pero en su momento no tuvo el éxito esperado y Hepburn llegó a ser considerada una actriz difícil de vender al público.

Podría haberse rendido pero lo hizo y entonces llegó The Philadelphia Story y esa película se convirtió en su regreso y también una demostración de que podía decidir sobre su propia carrera ya que Hepburn había adquirido los derechos de la obra teatral y consiguió llevarla al cine con George Cukor como director.

A partir de ahí comenzó una de las etapas más importantes de su trayectoria: Woman of the Year, Adam's Rib, Pat and Mike… y Spencer Tracy.

Hepburn y Tracy hicieron nueve películas juntos y construyeron una de las parejas cinematográficas más memorables del Hollywood clásico.

En 1951 llegó The African Queen y apareció otra Hepburn a través de aquel viaje por el río junto a Humphrey Bogart que iba a hacer que descubriera otra parte de sí misma donde John Huston dirigió una película de aventuras que terminó convirtiéndose en un clásico y Hepburn volvió a demostrar que podía hacerlo prácticamente todo… comedia, drama, romance, personajes históricos, mujeres frágiles y mujeres fuertes.

Durante los años cincuenta continuó construyendo una filmografía extraordinaria con títulos como Summertime, The Rainmaker, Desk Set y Suddenly, Last Summer y mientras Hollywood iba cambiando, ella también… ya no era aquella joven que había llegado a los estudios en los años treinta, era una mujer madura y pero aún así seguía trabajando.

En 1962 interpretó a Mary Tyrone en Long Day's Journey Into Night, adaptación de la obra de Eugene O'Neill… su interpretación le proporcionó otra nominación al Óscar. Después llegó una pausa de cinco años y durante ese tiempo estuvo muy cerca de Spencer Tracy, cuya salud se había deteriorado.

En 1967 rodaron juntos Guess Who's Coming to Dinner que sería su última película juntos y también sería la última película de Tracy ya que él murió pocas semanas después de terminar el rodaje… Hepburn recibió por aquella interpretación su segundo Óscar.

Al año siguiente volvió a ganarlo esta vez por The Lion in Winter, donde interpretó a Leonor de Aquitania… dos Óscar consecutivos y todavía quedaba uno más.

En 1981, con 74 años, protagonizó On Golden Pond junto a Henry Fonda y Jane Fonda. Volvió a ser nominada… y volvió a ganar. Era su cuarto Óscar… cuatro premios a la mejor actriz y doce nominaciones.

Pero lo más interesante de Katharine Hepburn nunca fueron sus premios… fueron sus personajes y la manera en que consiguió interpretar a tantas mujeres inteligentes, contradictorias, independientes, divertidas, orgullosas, vulnerables o simplemente humanas.

No interpretaba mujeres perfectas… interpretaba mujeres que querían vivir y quizá por eso a día de hoy siguen estando tan vivas.

En los últimos años de su carrera trabajó principalmente en televisión aunque también continuó apareciendo ocasionalmente en el cine. Su última película fue Love Affair, en 1994. Ese mismo año realizó su último trabajo televisivo, One Christmas.

Katharine Hepburn murió el 29 de junio de 2003, a los 96 años, en Old Saybrook, Connecticut.

Katharine Hepburn convirtió la independencia en una forma de interpretar. Sus personajes podían enamorarse sin dejar de ser libres, podían equivocarse sin convertirse en personas débiles, podían enfrentarse a los hombres sin que la película necesitara castigarlas por ello y tenía una cualidad que pocas estrellas poseen… personalidad propia.

Katharine Hepburn realizó 44 películas a lo largo de su carrera cinematográfica. La relación está contrastada con el catálogo del American Film Institute y las filmografías de referencia.

Años 30

1932

A Bill of Divorcement

1933

Christopher Strong
Morning Glory: La película que le dio su primer Óscar y que permitió descubrir a una actriz con una fuerza poco habitual en esos años.
Little Women: Su Jo March sigue siendo uno de sus personajes más queridos y una perfecta muestra de aquella Hepburn joven, rebelde e inconformista.

1934

Spitfire The Little Minister

1935

Break of Hearts
Alice Adams
Sylvia Scarlett

1936

Mary of Scotland
A Woman Rebels

1937

Quality Street
Stage Door: Una magnífica comedia dramática con un reparto femenino extraordinario.

1938

Bringing Up Baby: Una de las grandes comedias disparatadas de Hollywood. Hepburn y Cary Grant están sencillamente maravillosos.
Holiday

Años 40

1940

The Philadelphia Story: Probablemente una de las películas imprescindibles para entender a Hepburn y su enorme capacidad para la comedia.

1942

Woman of the Year: La primera de sus nueve películas con Spencer Tracy.
Keeper of the Flame

1943

Stage Door Canteen

1944

Dragon Seed

1945

Without Love

1946

Undercurrent

1947

The Sea of Grass
Song of Love

1948

State of the Union

1949

Adam's Rib: Una comedia inteligente sobre una pareja de abogados que se enfrenta en los tribunales mientras intenta sobrevivir también en casa.

Años 50

1951

The African Queen: Hepburn y Humphrey Bogart. Una aventura, una historia de amor y dos interpretaciones inolvidables.

1952

Pat and Mike

1955

Summertime: Una Hepburn más madura, romántica y vulnerable.

1956

The Rainmaker
The Iron Petticoat

1957

Desk Set

1959

Suddenly, Last Summer: Uno de sus trabajos dramáticos más intensos.

Años 60

1962

Long Day's Journey Into Night: Una de las interpretaciones más exigentes de su carrera.

1967

Guess Who's Coming to Dinner: Su última película junto a Spencer Tracy y su segundo Óscar.

1968

The Lion in Winter: Leonor de Aquitania. Una mujer poderosa interpretada por una actriz que sabía perfectamente lo que significaba tener carácter.

1969

The Madwoman of Chaillot

Años 70

1971

The Trojan Women

1973

A Delicate Balance

1975

Rooster Cogburn

1978

Olly, Olly, Oxen Free

Años 80

1981

On Golden Pond: Su cuarto Óscar y una de las películas más emotivas de su última etapa.

1985

Grace Quigley

Años 90

1994 Love Affair

Además de su trabajo cinematográfico, Hepburn realizó ocho películas para televisión y otros trabajos televisivos.

1973 — The Glass Menagerie

1975 — Love Among the Ruins

1979 — The Corn Is Green

1985 — The Spencer Tracy Legacy: A Tribute by Katharine Hepburn

1986 — Mrs. Delafield Wants to Marry

1988 — Laura Lansing Slept Here

1992 — The Man Upstairs

1994 — This Can't Be Love

1994 — One Christmas

El teatro fue fundamental en la carrera de Hepburn. Comenzó profesionalmente en 1928 y continuó vinculada a los escenarios durante décadas. Llegó a interpretar obras de Shakespeare y George Bernard Shaw, además de protagonizar The Philadelphia Story, Coco y The West Side Waltz, entre otras.

Entre sus trabajos teatrales destacan:

The Admirable Crichton (1930)
A Month in the Country (1930)
The Cat and the Canary (1931)
The Warrior's Husband (1932)
The Philadelphia Story (1939–1941)
As You Like It (1950)
The Millionairess (1952)
The Taming of the Shrew (1955)
Measure for Measure (1955)
The Merchant of Venice (1955, 1957)
Much Ado About Nothing (1957)
Twelfth Night (1960)
Antony and Cleopatra (1960)
Coco (1969–1970)
A Matter of Gravity (1976–1977)
The West Side Waltz (1981)

Katharine Hepburn consiguió 12 nominaciones al Óscar y cuatro victorias, todas como mejor actriz. Es la intérprete que más veces ha ganado este premio en esa categoría.

Además recibió otros importantes reconocimientos, entre ellos dos premios BAFTA y un Emmy, y fue reconocida en numerosas ocasiones por asociaciones de críticos y festivales.

En 1999, el American Film Institute la situó en el primer puesto de su lista de las grandes leyendas femeninas del cine estadounidense.

Katharine Hepburn dejó algo más importante que cuatro Óscar... ser ella misma, y hay algo especialmente emocionante en volver a ver o descubrir ahora sus películas y comprobar que aquella mujer que parecía demasiado diferente para el Hollywood de entonces, terminó siendo una de las mujeres que ayudaron a cambiarlo.

Katharine Hepburn no necesitó convertirse en otra persona para ser una estrella… le bastó con ser Katharine y quizá esa sea la mejor manera de recordar a una actriz que hizo de la libertad no solamente una característica de sus personajes, sino también una forma de vivir.

Al final, aquella niña que creció en Connecticut aprendiendo a pensar por sí misma nunca dejó de ser la misma persona. Cuando el telón de su vida cayó definitivamente a los 96 años, no solo se despidió una actriz irrepetible, sino la encarnación misma de una era.

Plan 75

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 22:35:03 +0000

Año: 2022
Duración: 108 min.
País: Japón
Dirección: Chie Hayakawa
Guion: Chie Hayakawa

Música: Rémi Boubal

Fotografía: Hideho Urata

Reparto:
Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Motomi Makiguchi...

En un Japón de un futuro cercano, el acelerado envejecimiento demográfico empuja a las autoridades a tomar una medida extrema. El gobierno implementa el "Plan 75", un programa oficial que alienta e invita de forma voluntaria a los ciudadanos mayores de 75 años a someterse a la eutanasia con el fin de aliviar las cargas económicas y sociales del Estado.

A cambio, los ancianos reciben una suma de dinero para gastar en sus últimos días, asesoramiento logístico y un entierro gratuito.

Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima - Mención Especial en el Festival de Cannes 2022

Je m'appelle Agneta

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 21:59:19 +0000

Año: 2026
Duración: 113 min.
País: Suecia
Dirección: Johanna Runevad
Guion: Isabel Nylund y Johanna Runevad

Música: Kalle Frid, Pär Frid y Ludvig Klint

Fotografía: Ragna Jorming

Reparto:
Eva Melander, Claes Månsson, Jérémie Covillault, Björn Kjellman, Alain Doutey...

Agneta (Eva Melander) es una mujer de 49 años llena de color y humor ocultos bajo una fachada gris. Se siente completamente invisible: sus hijos ya han dejado el nido, su empleo en la oficina de tráfico no tiene futuro y su marido, Magnus (Björn Kjellman), vive absorto en su propio mundo de baños helados y costosos equipos de ciclismo.

Tras perder repentinamente su trabajo y negándose a aceptar que su vida ya ha dado todo de sí, toma una decisión desesperada para romper la rutina. Agneta decide dejarlo todo atrás y viaja a la idílica región de la Provenza, en Francia, tras aceptar una oferta de trabajo como au pair de un "niño" sueco.

Sin embargo, al llegar al antiguo monasterio donde debe trabajar, se topa con un divertido malentendido: el "chico" en cuestión es Einar (Claes Månsson), un anciano excéntrico, vitalista y con demencia senil.

A partir de ese caótico encuentro, se forja una hermosa e inesperada amistad entre los maravillosos paisajes provenzales, copas de vino barato y platos gourmet. Este choque cultural y generacional despierta en Agneta su libido dormida, su alegría por los pequeños placeres y la empuja a redescubrir quién quiere ser realmente en la segunda mitad de su vida.

El hombre que mató a Liberty Valance

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 21:21:00 +0000

Título original: The Man Who Shot Liberty Valance
Año: 1962
Duración: 119 min.
País: Estados Unidos
Dirección: John Ford
Guion: James Warner Bellah y Willis Goldbeck

Música: Cyril J. Mockridge

Fotografía: William H. Clothier

Reparto:
John Wayne, James Stewart, Vera Miles, Lee Marvin, Edmond O'Brien, Andy Devine, Ken Murray, John Carradine, Jeanette Nolan, John Qualen, Willis Bouchey, Carleton Young, Woody Strode...

La historia comienza con la llegada en tren del anciano y respetado senador Ransom Stoddard (James Stewart) junto a su esposa Hallie (Vera Miles) al decadente pueblo de Shinbone. El motivo de su viaje es asistir al humilde funeral de Tom Doniphon (John Wayne), un vaquero local que ha muerto en la más absoluta pobreza y el olvido.

Ante la curiosidad de los periodistas locales, que no entienden por qué un político tan importante acude al entierro de un don nadie, Stoddard decide contar la verdadera historia de su pasado a través de un largo flashback.

Décadas atrás, Ransom llegó a Shinbone siendo un joven e idealista abogado que creía ciegamente en que la ley y los libros podían traer el orden al Salvaje Oeste. Sin embargo, su llegada fue violenta: la diligencia en la que viajaba fue asaltada por el sádico y despiadado forajido Liberty Valance (Lee Marvin), quien lo golpeó brutalmente.

En el pueblo, el único hombre capaz de plantarle cara a Valance era Tom Doniphon, un rudo y diestro ganadero que dominaba la ley del revólver pero que, paradójicamente, defendía al indefenso abogado.

El conflicto estalla cuando Liberty Valance desafía al torpe e inexperto Ransom a un duelo a muerte en mitad de la calle. Para sorpresa de todos, Ransom sobrevive y Valance cae muerto.

Este suceso convierte al abogado en un héroe legendario, impulsando su exitosa carrera política hacia el éxito. Sin embargo, la confesión final de Stoddard ante los periodistas revela el amargo secreto detrás de aquel tiroteo nocturno y el trágico sacrificio de Doniphon, quien renunció a su propia felicidad, a su estilo de vida y al amor de Hallie para permitir que el progreso y la ley triunfaran en el Oeste.

Monsieur Aznavour

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 23 Aug 2026 11:33:34 +0000

Año: 2024
Duración: 133 min.
País: Francia
Dirección: Mehdi Idir y Grand Corps Malade
Guion: Mehdi Idir y Grand Corps Malade

Música: Varda Kakon

Fotografía: Brecht Goyvaerts

Reparto:
Tahar Rahim, Bastien Bouillon, Marie-Julie Baup, Petra Silander, Rupert Wynne-James, Tiffany Hofstetter, Soufiane Guerrab, Sharon Mann...

Ambientada inicialmente en los duros años de la posguerra en París, la trama nos muestra a un joven Aznavour (Tahar Rahim) viviendo en la pobreza e intentando ganarse la vida subiéndose a los escenarios a cambio de unas pocas monedas.

A pesar de los rechazos iniciales de la industria —que criticaba su físico menudo y una voz rasgada alejada de los cánones de la época—, su inquebrantable fuerza de voluntad lo empuja a seguir adelante.

El gran punto de inflexión en su destino ocurre cuando conoce a la legendaria Édith Piaf (Marie-Julie Baup). Fascinada por su tenacidad, Piaf lo acoge bajo su tutela y lo introduce en los círculos artísticos más selectos.

A partir de sus primeras composiciones y su dúo musical junto a su amigo inseparable Pierre Roche, la cinta avanza de forma episódica retratando sus sacrificios familiares, sus crisis personales y su obsesión por el trabajo.

Maldita suerte

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 23 Aug 2026 11:09:38 +0000

Título original: Ballad of a Small Player
Año: 2025
Duración: 104 min.
País: Reino Unido
Dirección: Edward Berger
Guion: Rowan Joffe

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: James Friend

Reparto:
Colin Farrell, Fala Chen, Tilda Swinton, Deannie Yip, Alex Jennings, Jason Tobin...

Un estafador británico que se hace llamar Lord Doyle (Colin Farrell) se esconde en el paraíso del juego de Macao (China). Huyendo de un turbulento pasado y de una montaña de deudas en su país natal, Doyle malgasta sus días y noches ahogado en alcohol y apostando lo poco que le queda en las mesas de bacará de los deslumbrantes casinos envueltos en neón pero su fachada de opulencia fingida oculta una realidad marcada por la autodestrucción y la culpa.

Su monótona espiral descendente cambia drásticamente cuando conoce a Dao Ming (Fala Chen), una enigmática empleada del casino que parece comprender su vacío y se convierte en una especie de alma gemela que le ofrece una inesperada vía de escape y redención.

Sin embargo, la salvación no será sencilla: mientras Doyle intenta aferrarse a esta nueva esperanza, los límites de su realidad comienzan a desmoronarse debido al delirio.

Al mismo tiempo, el pasado lo alcanza en forma de Cynthia Blithe (Tilda Swinton), una implacable investigadora privada decidida a encontrarlo y obligarlo a confrontar todos los crímenes y deudas de los que ha estado escapando.

Alguien voló sobre el nido del cuco

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 15:27:39 +0000

Título original: One Flew Over the Cuckoo's Nest
Año: 1975
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Milos Forman
Guion: Bo Goldman y Lawrence Hauben

Música: Jack Nitzsche

Fotografía: Haskell Wexler

Reparto:
Jack Nicholson, Louise Fletcher, Brad Dourif, William Redfield, Mews Small, Sydney Lassick, Will Sampson, Christopher Lloyd, Danny DeVito, William Duell, Scatman Crothers...

Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre de espíritu libre, rebelde y con un largo historial de delitos menores, es condenado a prisión. Para eludir los trabajos forzados de la cárcel, finge sufrir una enfermedad mental con el objetivo de ser trasladado a un hospital psiquiátrico estatal, creyendo erróneamente que allí pasará una estancia cómoda y relajada.

Sin embargo, a su llegada se topa con la fría realidad del centro: un entorno opresivo y dictatorial gobernado con mano de hierro por la inflexible enfermera Mildred Ratched (Louise Fletcher).

Ratched utiliza la humillación, la medicación forzada, la terapia de grupo manipuladora y la sutil violencia psicológica para mantener despojados de toda dignidad e individualidad a los pacientes, quienes viven sumisos y aterrorizados.

McMurphy, incapaz de doblegarse, entabla una guerra abierta e ideológica contra la autoridad de la enfermera. Con su carisma desbordante, empieza a contagiar a sus compañeros de pabellón un renovado deseo de vivir, organizando partidos de baloncesto clandestinos, fugas para ir de pesca e incluso fiestas nocturnas dentro del hospital.

Lo que comienza como una divertida gamberrada para desafiar las reglas se transforma en un trágico y desesperado pulso por la supervivencia de la cordura y el alma humana frente a un sistema dispuesto a destruir a cualquiera que intente pensar por sí mismo.

Oscar 1976 a la Mejor Película

Oscar 1976 a la Mejor Dirección

Oscar 1976 a la Mejor Actriz Principal para Louise Fletcher

Oscar 1976 al Mejor Actor Principal para Jack Nicholson

Oscar 1976 al Mejor Guion Adaptado

Globo de Oro 1976 a la Mejor Película de Drama

Globo de Oro 1976 a la Mejor Dirección

Globo de Oro 1976 al Mejor Actor Principal de Drama para Jack Nicholson

Globo de Oro 1976 a la Mejor Actriz Principal de Drama para Louise Fletcher

Globo de Oro 1976 al Mejor Actor Revelación para Brad Dourif

Globo de Oro 1976 al Mejor Guion

BAFTA 1977 a la Mejor Película

BAFTA 1977 a la Mejor Dirección

BAFTA 1977 al Mejor ACtor para Jack Nicholson

BAFTA 1977 a la Mejor Actriz para Louise Fletcher

BAFTA 1977 al Mejor Actor Secundario para Brad Dourif

BAFTA 1977 al Mejor Montaje

Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) 1976 al Mejor Guion Adaptado de Drama

Premios del Círculo de Críticos de Nueva York 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

National Society of Film Critics Award 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1975 a la Mejor Película

Premio David di Donatello 1976 al Mejor Actor Extranjero para Jack Nicholson

Premio David di Donatello 1976 al Mejor Director Extranjero

Directors Guild of America Award (DGA) 1975 a la Mejor Dirección/Película

Premio Sant Jordi 1976 a la Mejor Interpretación Extranjera para Jack Nicholson

No hables con extraños

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 13:52:10 +0000

Título original: Speak No Evil
Año: 2024
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos
Dirección: James Watkins
Guion: James Watkins, Christian Tafdrup y Mads Tafdrup

Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans

Fotografía: Tim Maurice-Jones

Reparto:
James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Dan Hough, Alix West Lefler, Kris Hitchen, Motaz Malhees...

Ben y Louise Dalton (Scoot McNairy y Mackenzie Davis) son un matrimonio estadounidense que atraviesa una crisis de pareja. Durante unas vacaciones familiares en Italia junto a su hija Agnes (Alix West Lefler), entablan amistad con Paddy y Ciara (James McAvoy y Aisling Franciosi), una pareja británica carismática, apasionada y de espíritu libre que viaja con su reservado hijo Ant (Dan Hough).

Semanas después de regresar a la monotonía de Londres, los Dalton reciben una invitación para pasar un fin de semana en la idílica y aislada granja rústica de sus nuevos amigos en la campiña inglesa.

Buscando desconectar de sus problemas, Ben y Louise aceptan la invitación. Sin embargo, lo que prometía ser un retiro pacífico se transforma rápidamente en una pesadilla.

A su llegada, el comportamiento de Paddy y Ciara empieza a volverse errático, incómodo y sutilmente agresivo. Los anfitriones cruzan constantemente las líneas del respeto y explotan las debilidades emocionales de los Dalton, quienes, atrapados por las normas de la cortesía social y el miedo a parecer maleducados, toleran los abusos iniciales.

Cuando la verdad sobre las perturbadoras y siniestras intenciones de la pareja local sale a la luz, el fin de semana se convierte en una brutal lucha de supervivencia para la familia Dalton.

The Dog

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 00:49:25 +0000

Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Suecia
Dirección: Baker Karim
Guion: Baker Karim, Victor Gatonye, George Mungai y Mikael Newihl

Música: Jens Lindgård y Petter Lindgård

Fotografía: Baker Karim y Andrew Mungai

Reparto:
Alexander Karim, Caroline Midimo, Caroline Muthoni...

MZ (Alexander Karim) es un traficante de drogas de poca monta que trabaja en las caóticas calles de la ciudad costera de Mombasa. Su implacable jefa, una matriarca del crimen llamada Saddam (Caroline Midimo), le asigna una tarea aparentemente sencilla: convertirse en el chofer de Kadzo (Caroline Muthoni Muita), una joven escort, para llevarla y traerla de sus citas con los clientes, bajo la estricta orden de no involucrarse con ella bajo ninguna circunstancia.

Sin embargo, rompiendo todas las reglas, MZ queda completamente cautivado por la belleza de Kadzo y su sueño de escapar a una isla paradisíaca. Convencido de que debe "salvarla" de su situación, se enamora perdidamente de ella.

El gran conflicto surge cuando se choca con la realidad: Kadzo no quiere ser rescatada, le gusta su vida y deja claro que no necesita a ningún hombre que la salve.

Espoleado por una mezcla de obsesión y masculinidad tóxica, MZ intenta dar un gran golpe en un negocio de drogas para conseguir el dinero suficiente y forzar un nuevo comienzo juntos, lo que arrastra a ambos a una peligrosa espiral de deudas, traición y violencia extrema.

Premios Guldbagge 2026 de la Academia de cine sueca al Mejor Sonido

Casablanca

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 21 Aug 2026 17:37:37 +0000

Año: 1942
Duración: 102 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Michael Curtiz
Guion: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch

Música: Max Steiner

Fotografía: Arthur Edeson

Reparto:
Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey...

Durante la Segunda Guerra Mundial, la ciudad marroquí de Casablanca, controlada por la Francia de Vichy, se convierte en el destino desesperado de miles de refugiados que intentan huir del régimen nazi con la esperanza de llegar a Lisboa y, finalmente, a América. El epicentro de esta red de intrigas es el Rick's Café Américain, un club regentado por Rick Blaine (Humphrey Bogart), un cínico y amargado expatriado norteamericano que jura mantenerse neutral ante el conflicto político.

La calculada frialdad de Rick se desmorona por completo cuando aparece en su local su antiguo y gran amor, Ilsa Lund (ingrid Bergman), acompañada de su esposo, Victor Laszlo (Paul Henreid), un célebre e idealista líder de la resistencia checa perseguido por la Gestapo.

Ilsa y Laszlo necesitan desesperadamente unos salvoconductos inestimables para poder escapar de la ciudad, unos visados legales que, por azares del destino, están escondidos en el café de Rick.

A partir de ese reencuentro, Rick se debate en un doloroso conflicto: usar los documentos para huir con la mujer de sus sueños, a la que nunca pudo olvidar desde su idilio en París, o sacrificarse por el bien común ayudando a escapar al hombre que lidera la lucha contra el nazismo.

Oscar 1944 a la Mejor Película

Oscar 1944 a la Mejor Dirección

Oscar 1944 al Mejor Guion

El padre

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 21:08:09 +0000

Título original: The Father
Año: 2020
Duración: 97 min.
País: Reino Unido
Dirección: Florian Zeller
Guion: Florian Zeller y Christopher Hampton

Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Ben Smithard

Reparto:
Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker...

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre de 80 años ingenioso y terco que vive en Londres y rechaza firmemente a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para él.

Anne está desesperada porque necesita asegurar el bienestar de su padre antes de mudarse a París para vivir con el hombre que ama ya que a medida que su mente se deteriora, Anthony empieza a dudar de sus seres queridos, de su propia percepción y de la estructura misma de la realidad que lo rodea.

Oscar 2021 al Mejor Actor Principal para Anthony Hopkins

Oscar 2021 al Mejor Guion Adaptado

Goya 2021 a la Mejor Película Europea

BAFTA 2021 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

BAFTA 2021 al Mejor Guion Adaptado

Premio César 2022 al Mejor Film Extranjero

Premio del Público en el Festival de San Sebastián 2020

Premio del Cine Europeo EFA 2021 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

Premio del Cine Europeo EFA 2021 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) 2020 al Mejor Montaje

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 2020 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 2020 a la Mejor Dirección Novel

British Independent Film Award 2020 al Mejor Guion

British Independent Film Award 2020 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

British Independent Film Award 2020 al Mejor Montaje

Satellite Award 2020 al Mejor Guion Adaptado

Rosa de Sant Jordi 2020 a la Mejor Película Extranjera

El Alzheimer es una enfermedad terrible porque no solo va llevándose los recuerdos… también puede ir desdibujando la identidad, las personas conocidas, los lugares familiares y hasta la propia sensación de estar en casa. Poco a poco, aquello que durante toda una vida nos ha servido para saber quiénes somos empieza a desaparecer y El padre consigue mostrarlo de una manera especialmente dolorosa.

Anthony es un hombre mayor que empieza a perder el control sobre su propia realidad. No sabemos qué está ocurriendo de verdad, qué recuerda correctamente y qué está imaginando y precisamente ahí está la fuerza de la película, porque a través de ella sentimos el desconcierto de su protagonista, su miedo, su rabia y esa angustia de no entender qué está pasando a tu alrededor.

La película nos presenta esta dura enfermedad pero también nos enseña su otra cara, la de quienes están alrededor, en este caso, la hija que intenta cuidar, ayudar y tomar decisiones difíciles… porque esta enfermedad no la sufre solamente quienes la padecen, también deja heridas profundas en quienes les quieren.

Anthony Hopkins está sencillamente extraordinario pero destacar también a Olivia Colman que también está magnífica, transmitiendo con una mirada todo ese cansancio, ese amor y esa impotencia que muchas veces no necesitan palabras.

Me ha parecido una película dura, pero también muy hermosa. Me ha emocionado, me ha inquietado y me ha hecho pensar en las personas mayores que hemos tenido cerca y en lo difícil que es ver cómo alguien que quieres empieza a perder aquello que le hacía reconocerse a sí mismo.

Como ese reloj que Anthony busca desesperadamente y que parece haberse detenido en un laberinto sin salida, la película nos recuerda que el cine, a veces, sirve para narrar aquello que parece invisible. Florian Zeller no nos permite ser simples espectadores… nos encierra en el mismo encuadre asfixiante que su protagonista, obligándonos a habitar su laberinto de espejos rotos y al terminar la película descubrimos que su verdadera genialidad no radica solo en la sobrecogedora lección interpretativa de Hopkins y Colman, sino en su inmensa humanidad. Es un tributo cinematográfico a la memoria herida, una caricia silenciosa para todas aquellas almas que sostienen la mirada de quienes ya no saben quiénes son.

Mi querida señorita

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 10:50:07 +0000

Año: 2026
Duración: 112 min.
País: España
Dirección: Fernando González Molina
Guion: Alana S. Portero

Música: Álex de Lucas y Zahara

Fotografía: Carlos Rigo

Reparto:
Elisabeth Martínez, Anna Castillo, Paco León, Nagore Aranburu, Manu Ríos, Lola Rodríguez, Eneko Sagardoy, María Galiana, Esperanza Guardado...

Pamplona, finales de los años 90. Adela (Elisabeth Martínez) es la solitaria hija única de una acomodada familia profundamente conservadora y religiosa. Su ordenada y monótona rutina transcurre entre la regencia de la tienda de antigüedades familiar y las clases de catequesis que imparte.

Su existencia está marcada por la sobreprotección de su madre y por un gran silencio impuesto sobre su propia intersexualidad, una condición biológica que ella misma desconoce por completo pero que ha condicionado toda su realidad corporal y emocional.

El frágil equilibrio de su vida salta por los aires debido a una reacción en cadena provocada por tres personas: una hermosa amistad con un sacerdote recién llegado, el regreso de un gran amigo de la infancia y la irrupción de Isabel (Anna Castillo), una vital mujer que revoluciona sus sentimientos.

Este torbellino emocional empujará a Adela a romper con la rigidez de su entorno y emprender un liberador viaje de autodescubrimiento de Pamplona a Madrid, donde necesitará del amor y el apoyo de los demás para reconstruir su propia identidad.

La carreta fantasma

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 10:24:23 +0000

Título original: Körkarlen (The Phantom Carriage)
Año: 1921
Duración: 106 min.
País: Suecia
Dirección: Victor Sjöström
Guion: Victor Sjöström

Fotografía: Julius Jaenzon

Reparto:
Victor Sjöström, Hilda Borgström, Tore Svennberg, Astrid Holm, Einar Axelsson, Nils Ahrén, John Ekman...

En una fría noche de Fin de Año, David Holm (Victor Sjöström), un hombre violento, alcohólico y cruel que ha destruido por completo la vida de su familia, se encuentra bebiendo en un cementerio junto a dos compañeros de juerga. Mientras repasan sus vidas, recuerdan una tétrica leyenda: la última persona que muera en el año justo antes de las doce campanadas se verá obligada a conducir la carreta fantasma de la Muerte, recogiendo las almas de los difuntos durante los siguientes doce meses.

Al verse envuelto en una violenta pelea con sus amigos, David cae muerto justo cuando el reloj marca la medianoche. Es entonces cuando la espectral carreta se detiene ante él, conducida por Georges (Tore Svennberg), un antiguo amigo suyo que le precedió en el cargo el año anterior.

Antes de entregarle la guadaña y las riendas, Georges obliga al alma de David a realizar un doloroso viaje en el tiempo para presenciar el daño irreparable que sus vicios han causado en su esposa, sus hijos y en Edit (Astrid Holm), una joven y abnegada enfermera del Ejército de Salvación que agoniza pidiendo verle una última vez.

Uno de los nuestros

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 19 Aug 2026 10:45:23 +0000

Título original: Goodfellas
Año: 1990
Duración: 148 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Martin Scorsese
Guion: Nicholas Pileggi y Martin Scorsese

Música: Varios

Fotografía: Michael Ballhaus

Reparto:
Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Chuck Low, Christopher Serrone, Debi Mazar, Gina Mastrogiacomo, Frank Sivero, Illeana Douglas, Tony Darrow, Frank DiLeo...

Henry Hill (Ray Liotta), un joven mitad irlandés y mitad siciliano de Brooklyn, vive fascinado por el glamur y el poder que ostentan los gánsteres de su barrio, miembros de la familia mafiosa Lucchese. Decidido a formar parte de ellos, Henry abandona la escuela a una temprana edad para empezar a trabajar como recadero de la organización.

Poco a poco, gracias a su astucia, escala posiciones dentro del organigrama criminal junto a sus dos inseparables compañeros de fechorías: Jimmy Conway (Robert De Niro), un cerebral y elegante planificador de robos, y Tommy DeVito (Joe Pesci), un gánster psicópata, impulsivo y extremadamente violento.

A lo largo de tres décadas, Henry experimenta la riqueza, el estatus y los excesos de la vida mafiosa, llegando a participar en el multimillonario robo a la aerolínea Lufthansa. Sin embargo, la adicción a la cocaína, los asesinatos internos no autorizados y el acoso constante del FBI amenazan con derrumbar su imperio, colocándolo ante la encrucijada de mantener la ley de la calle (la omertà) o delatar a sus mejores amigos para salvar su propia vida.

Oscar 1991 al Mejor Actor de Reparto para Joe Pesci

BAFTA 1991 a la Mejor Película

BAFTA 1991 a la Mejor Dirección

BAFTA 1991 al Mejor Guion Adaptado

BAFTA 1991 al Mejor Montaje

BAFTA 1991 al Mejor Diseño de Vestuario

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia 1990

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 a la Mejor Película

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 a la Mejor Dirección

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 al Mejor Actor para Robert De Niro

National Society of Film Critics Award 1990 a la Mejor Película

National Society of Film Critics Award 1990 al Mejor Director

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Actriz Secundaria para Lorraine Bracco

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Fotografía

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Director

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 a la Mejor Actriz Secundaria para Lorraine Bracco

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 al Mejor Actor de Reparto para Joe Pesci

Fotogramas de Plata 1990 a la Mejor Película Extranjera según la Crítica

La red fantasma

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 19 Aug 2026 09:55:31 +0000

Título original: Les fantômes
Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Francia
Dirección: Jonathan Millet
Guion: Jonathan Millet y Florence Rochat

Música: Yuksek

Fotografía: Olivier Boonjing

Reparto:
Adam Bessa, Tawfeek Barhom, Julia Franz Richter, Hala Rajab, Pascal Cervo, Sabrina Ould Hammouda...

Hamid (Adam Bessa) es un antiguo profesor de literatura sirio que vive en el exilio tras haber sobrevivido a las brutales torturas de la infame prisión militar de Saydnaya. En Europa, Hamid forma parte de Yaqaza, una red clandestina de ciudadanos sirios refugiados dedicada a rastrear y localizar de manera secreta a criminales de guerra del régimen camuflados bajo identidades falsas.

Su obsesiva búsqueda lo lleva hasta la ciudad de Estrasburgo, donde cree haber identificado a Harfaz (Tawfeek Barhom), su antiguo y despiadado torturador. Sin embargo, la misión plantea una complicación extrema: en prisión Hamid siempre estuvo encapuchado, por lo que nunca vio el rostro de su verdugo.

Guiado únicamente por su memoria olfativa, la forma de caminar y el tono de voz del sospechoso, Hamid inicia un peligroso y milimétrico juego de acecho que lo situará en una encrucijada moral entre la justicia colectiva y una visceral necesidad de venganza.

Jurassic World

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 15:44:31 +0000

Año: 2015
Duración: 124 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Colin Trevorrow
Guion: Colin Trevorrow, Rick Jaffa, Amanda Silver y Derek Connolly

Música: Michael Giacchino

Fotografía: John Schwartzman

Reparto:
Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Nick Robinson, Vincent D'Onofrio, Ty Simpkins, Irrfan Khan, Jake Johnson, Omar Sy, BD Wong, Judy Greer, Lauren Lapkus, Brian Tee, Katie McGrath...

Veintidós años después de los fatídicos acontecimientos del Parque Jurásico original, la Isla Nublar cuenta por fin con un parque temático de dinosaurios completamente funcional y seguro, tal y como lo soñó John Hammond: Jurassic World.

Sin embargo, tras años de éxito, el número de visitantes del complejo comienza a descender debido a que el público se ha acostumbrado a la existencia de estos animales prehistóricos. Para solucionar este problema y generar expectación, los científicos del laboratorio genético crean una nueva atracción: el Indominus Rex, un dinosaurio híbrido modificado genéticamente, mucho más grande, inteligente y letal que cualquier criatura conocida.

La situación se sale de control cuando el astuto monstruo burla las medidas de seguridad y escapa de su recinto, desatando el caos en una isla repleta de miles de turistas.

Owen Grady (Chris Pratt), un exmilitar experto en el comportamiento de los velociraptores, y Claire Dearing (Bryce Dallas Howard), la estricta jefa de operaciones del parque, deberán unir fuerzas para sobrevivir a la catástrofe y salvar a los sobrinos de esta antes de que sea demasiado tarde.

Premio Saturn 2015 al Mejor Intérprete Joven para Ty Simpkins

La quimera del oro

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 15:12:08 +0000

Título original: The Gold Rush
Año: 1925
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Max Terr

Fotografía: Roland Totheroh y Jack Wilson

Reparto:
Charles Chaplin, Mack Swain, Georgia Hale, Malcom Waite, Henry Bergman, Betty Morrisey, Tom Murray...

Charlot (Charles Chaplin), un vagabundo solitario y optimista, viaja a las gélidas e implacables tierras de Alaska a finales del siglo XIX para unirse a la fiebre del oro y buscar fortuna. Sin embargo, una terrible tormenta de nieve lo obliga a refugiarse en una remota y precaria cabaña de madera en medio de la nada.

Allí coincide con Big Jim (Mack Swain), un rudo buscador de oro que acaba de encontrar un yacimiento millonario, y con Black Larsen (Tom Murray), un peligroso fugitivo de la ley. Tras pasar días aislados pasando un hambre extrema que los lleva al borde de la locura, consiguen salir con vida.

Más tarde, Charlot llega a un próspero pueblo minero donde se enamora perdidamente de Georgia (Georgia Hale), una bella y esquiva bailarina de salón.

Los lazos que nos unen

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 14:52:54 +0000

Título original: L'attachement
Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Francia
Dirección: Carine Tardieu
Guion: Carine Tardieu, Raphaële Moussafir, Agnès Feuvre y Agnès de Sacy

Música: Eric Slabiak

Fotografía: Elin Kirschfink y Yann Maritaud

Reparto:
Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, César Botti, Vimala Pons, Raphaël Quenard, Catherine Mouchet, Marie-Christine Barrault...

Sandra (Valeria Bruni Tedeschi) es una mujer soltera, de unos cincuenta años y profundamente independiente, que regenta una librería feminista en su barrio y ha decidido voluntariamente vivir sin ataduras familiares ni hijos.

Su tranquila rutina da un vuelco absoluto cuando la pareja del apartamento contiguo, conformada por Alex y Cécile, le pide un favor de urgencia: cuidar de su hijo de seis años, Elliott (César Botti), mientras ellos se trasladan al hospital para el inminente parto de su segunda hija.

Desafortunadamente, surgen graves complicaciones médicas y Cécile fallece inesperadamente durante el alumbramiento de la pequeña Lucille. Sacudida por la tragedia vecinal, Sandra comienza a implicarse de forma progresiva en el cuidado de los niños para ayudar a Alex (Pio Marmaï), un padre y arquitecto completamente desconsolado.

Contra todo pronóstico, entre la solitaria librera, el viudo y los pequeños empieza a tejerse un lazo íntimo y afectivo profundo que sacudirá todas las certezas e ideales previos de Sandra sobre la soledad y la maternidad.

César 2026 a la Mejor Película

César 2026 a la Mejor Actriz Secundaria para Vimala Pons

César 2026 al Mejor Guion Adaptado

El estudiante de Praga

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 14:27:17 +0000

Título original: Der student von Prag
Año: 1913
Duración: 85 min.
País: Alemania
Dirección: Stellan Rye y Paul Wegener
Guion: Hanns Heinz Ewers y Alfred de Musset

Música: Josef Weiss

Fotografía: Guido Seeber

Reparto:
Paul Wegener, Grete Berger, Lyda Salmonova, John Gottowt...

Praga, siglo XIX. Balduin (Paul Wegener) es un estudiante brillante y un hábil espadachín que arrastra una vida miserable debido a su extrema pobreza. Su suerte parece cambiar cuando rescata de morir ahogada a la hermosa condesa Margit von Schwarzenberg (Grete Berger), de quien se enamora perdidamente.

Consciente de que su nulo estatus social le impide cortejar a una aristócrata, Balduin cae en la desesperación. En ese momento aparece Scapinelli (John Gottowt), un misterioso y siniestro anciano de tintes diabólicos que le ofrece una inmensa fortuna en monedas de oro.

A cambio, el anciano solo le pide una condición: poder llevarse de la habitación del estudiante cualquier objeto que elija. Balduin acepta el pacto Fausto y, para su horror, Scapinelli decide llevarse el propio reflejo del joven atrapado en el espejo.

Aunque el estudiante usa su nueva riqueza para escalar socialmente y conquistar a la condesa, su reflejo cobra vida propia bajo las órdenes de Scapinelli, persiguiéndolo por la ciudad como un Doppelgänger siniestro decidido a arruinar su cordura y su vida.

El estudiante de Praga es una película que vista en la actualidad te obliga a hacer un pequeño viaje en el tiempo para entender hasta qué punto algunas de sus imágenes debieron de resultar sorprendentes en 1913. Estamos ante una historia pionera dentro del cine de terror, con una atmósfera oscura y extraña que ya deja entrever caminos que, años después, recorrería el expresionismo alemán.

La historia gira alrededor de Balduin, un estudiante que acepta un pacto que terminará cambiando su vida de la forma más inquietante. La idea del doble, de enfrentarse a una parte de uno mismo que parece haber cobrado vida, resulta muy atractiva y tiene algo perturbador incluso más de un siglo después, pero si hay algo que me llama especialmente la atención, es la manera en la que la película consigue mostrar a Paul Wegener frente a su propio doble.

Guido Seeber, director de fotografía, utilizó el recurso de la doble exposición para hacer posible que ambos aparecieran en una misma escena. Hoy estamos acostumbradas a ver todo tipo de efectos en el cine pero pensando en que esto se hizo en 1913, el resultado tiene muchísimo mérito.

La historia en sí es sencilla, pero precisamente ahí está también parte de su encanto. También ayudan muchísimo los lugares escogidos para contar la historia… hay una ambientación gótica, heredera de esos relatos de misterio y terror del siglo XIX, que le sienta perfectamente a la película. El cementerio, las calles, los espacios sombríos… todo contribuye a crear esa sensación de pesadilla que va creciendo poco a poco y la escena en la que Margit busca a Balduin en el cementerio es, para mí, una de las que mejores.

Eso sí, tengo que reconocer que también hay algún momento que me resulta desconcertante divertido a partes iguales y es con la actriz que persigue constantemente al protagonista y trata de esconderse de él tiene una manera de hacerlo bastante peculiar, por no decir inocente, por ser amable y decirlo suavemente… entiendo que don esas cosas del cine de esa época que también forma parte de su encanto.

El estudiante de Praga puede tener una historia sencilla y algunos gestos interpretativos que hoy nos resultan lejanos, pero hay que mirarla también teniendo en cuenta el momento en el que fue realizada y desde ahí, resulta realmente admirable. La imaginación puesta al servicio de esos trucos visuales, la presencia del doble y toda esa atmósfera oscura convierten la película en una obra muy especial dentro de la historia del cine.

Más de cien años después, sigue teniendo imágenes capaces de llamar la atención y aunque quizá sus efectos parezcan ingenuos comparados con los de ahora, detrás de ellos hay una imaginación enorme y unas ganas de explorar lo imposible delante de nuestros ojos.

Acercarse hoy a El estudiante de Praga es hacer un ejercicio de arqueología cinéfila con sus exageraciones gestuales y su entrañable inocencia y ese reflejo maldito atrapado en el celuloide por Guido Seeber sigue proyectando una sombra alargada e inquietante que cruza los siglos. Puede que los trucos visuales revelen sus costuras ante nuestros ojos modernos, pero la angustia existencial de Balduin frente a su doble conserva intacta su fuerza universal. Es el nacimiento del terror psicológico en la gran pantalla… una película que no solo inventó las pesadillas que poblarían el cine posterior, sino que nos enseñó que el monstruo más terrorífico no se esconde debajo de la cama, sino dentro de nuestro propio espejo.

La evasión

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 16 Aug 2026 16:17:53 +0000

Título original: Le Trou
Año: 1960
Duración: 131 min.
País: Francia
Dirección: Jacques Becker
Guion: Jose Giovanni, Jacques Becker y Jean Aurel

Música: Philippe Arthuys

Fotografía: Ghislain Cloquet

Reparto:
Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier...

Cuatro reclusos condenados a largas penas de cárcel comparten una celda estrecha y han planificado en secreto una fuga excavando un túnel subterráneo. Su rutina cambia por completo cuando las autoridades trasladan a su celda a Gaspard Claude (Marc Michel), un joven de buena familia acusado del intento de asesinato de su esposa.

Ante el riesgo inminente de ser descubiertos si mantienen el secreto, los cuatro presos deciden confiar en el recién llegado e integrarlo en la operación. A partir de ese momento, el grupo trabaja en perfecta sincronía diurna y nocturna, utilizando herramientas improvisadas para perforar el suelo de cemento y conectar con el alcantarillado de París.

Premio del Sindicato de Críticos de Cine Franceses 1961 a la Mejor Película

La película de Jacques Becker parte de un hecho real ocurrido en 1947… cuatro presos comparten una celda en la que forman una pequeña comunidad en la que cada uno tiene un rol establecido de compañerismo para llevar a cabo una fuga, pero la llegada de Gaspard, un nuevo recluso, cambia el equilibrio del grupo.

La película no necesita persecuciones ni grandes artificios para mantenerte en tensión, al contrario… consigue dejarte pegada a la pantalla enseñándote cada pequeño paso del plan. El trabajo es lento, agotador y desesperadamente preciso… los presos tienen que esconder lo que están haciendo, controlar los tiempos, improvisar herramientas y conseguir que, desde fuera, todo parezca normal.

Imposible olvidar los golpes contra la pared y el suelo… ese sonido repetido del hierro contra el cemento que termina metiéndose en tu cabeza, y es que Becker convierte algo tan sencillo como abrir un agujero en una experiencia de suspense extraordinaria. Tienes la sensación de casi, poder tocar las paredes de aquella celda, notar el polvo, escuchar el metal y acompañar a los presos mientras avanzan por ese mundo oscuro que existe debajo de la prisión dispuestos a abrirse camino hacia la libertad.

Para reconstruir la celda y reproducir las herramientas utilizadas durante aquella fuga, Becker contó con tres supervivientes del intento de fuga de 1947 como asesores y quizás por eso todo parece tan estudiado.

La evasión fue la última película de Jacques Becker… el director murió apenas dos semanas después de terminar el rodaje y fue su hijo, Jean Becker, quien tuvo que completar el trabajo de posproducción y las mezclas de sonido.

Cuando terminas de ver la película, lo haces con la sensación de haber estado allí dentro en la celda, escuchando cada golpe, esperando cada paso, mirando hacia la puerta cada vez que sentías un ruido y quizá esta sea la mejor manera de explicar por qué La evasión es una película tan extraordinaria… porque durante sus casi dos horas no estas simplemente viendo cómo unos presos intentan escapar… estás intentando escapar con ellos, por eso, cuando finalmente llegan los créditos, tardas unos segundos en reponerte y recordar que estás a salvo en tu sofá.

Jacques Becker se despidió del séptimo arte regalándonos no solo una obra maestra indiscutible del cine carcelario, sino una lección magistral de cómo generar suspense puro a través de los detalles más pequeños. Una película eterna, física y magnética que nos demuestra que no hacen falta grandes bandas sonoras ni efectos especiales cuando se tiene la capacidad de encerrar al espectador en una celda y hacerle partícipe de una de las mayores hazañas de la historia del cine.

Becker consigue convertir el eco de un pico contra el suelo en el sonido más emocionante del mundo y nos arrastra a un viaje asfixiante donde la lealtad y el miedo se miden en cada segundo.

La vida fuera

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 16 Aug 2026 15:53:56 +0000

Título original: Fuori
Año: 2025
Duración: 114 min.
País: Italia
Dirección: Mario Martone
Guion: Ippolita Di Majo y Mario Martone

Música: Valerio Vigliar

Fotografía: Paolo Carnera

Reparto:
Valeria Golino, Matilda De Angelis, Elodie, Corrado Fortuna, Daphne Scoccia, Antonio Gerardi, Luisa De Santis, Francesco Gheghi, Francesco Siciliano, Ondina Quadri...

Roma, verano de 1980. La escritora Goliarda Sapienza (Valeria Golino), tras dedicar una década entera a su obra cumbre (El arte de la alegría), sufre el rechazo absoluto de todo el mundo editorial italiano. Sumida en una profunda frustración y rabia, comete un inesperado acto delictivo: robar joyas.

Esto la lleva a ingresar en la cárcel femenina de Rebibbia, un lugar de privación que, paradójicamente, se transforma en un espacio de renacimiento personal. Allí entabla una estrecha e intensa relación con un grupo de jóvenes reclusas.

Tras recuperar su libertad durante un sofocante verano romano, estas mujeres continúan reuniéndose. Goliarda consolida un lazo inquebrantable y marginal con Roberta (Matilda De Angelis), una activista política y delincuente reincidente.

Esta insólita amistad, incomprendida por la sociedad exterior, le devolverá a la autora las ganas de vivir y el impulso vital para volver a escribir.

Premio David di Donatello 2026 a la Mejor Actriz Secundaria para Matilda De Angelis

La vida fuera, la película que nos entrega Mario Martone sobre la escritora italiana Goliarda Sapienza no creo que sea un biopic redondo ni que haga verdadera justicia a una mujer con una vida tan extraordinaria, pero sí consigue al enos, un punto que es de agradecer… despertar la curiosidad por ella y por su obra.

La película nos lleva a Roma en 1980. Goliarda Sapienza acaba de ingresar en la cárcel de Rebibbia para cumplir condena por el robo de unas joyas. Allí conoce a un grupo de mujeres mucho más jóvenes que ella, procedentes de ambientes muy distintos, algunas marcadas por la marginalidad, otras por historias personales muy duras y también por el compromiso político. Entre ellas nace una relación de amistad y complicidad que no termina cuando Goliarda recupera la libertad… fuera de la prisión seguirán encontrándose, intentando reconstruir sus vidas y buscando una estabilidad que parece escapárseles continuamente.

La vida fuera habla de mujeres que han pasado por situaciones muy diferentes, pero que encuentran en las demás una especie de refugio. Son relaciones de sororidad intensas, imperfectas, llenas de afecto, discusiones, acercamientos y distancias… amistades que a veces parecen capaces de salvarlas y que otras veces se rompen con una facilidad casi dolorosa para después volver a reconstruirse.

Uno de los problemas que veo en la película es que se queda en una parte muy concreta de la vida de Sapienza y deja fuera muchísima parte de lo que la convierte un personaje verdaderamente fascinante. Goliarda no fue solamente la escritora que conocemos por El arte de la alegría… fue una mujer comprometida, que vivió experiencias políticas y personales muy intensas, que durante la ocupación nazi de Roma llegó a participar en la resistencia y también estuvo vinculada al teatro y al cine, relacionándose con figuras como Luchino Visconti… y todo ese pasado apenas aparece sutilmente y para mí es una oportunidad perdida para presentarnos a una mujer fascinante.

A mí, personalmente, me habría interesado mucho más conocer a la mujer que había detrás de esa Goliarda que encontramos en Rebibbia… saber de dónde venían sus ideas, qué principios defendía, qué había vivido antes de llegar a aquella prisión y cómo todas esas experiencias habían construido su manera de mirar el mundo. Es verdad que la película hace alguna pequeña referencia a ello, pero pasa demasiado deprisa por una parte de su vida que creo que habría dado mucha más profundidad al personaje.

Me ha resultado curioso conocer que la película se rodó en la auténtica cárcel de Rebibbia y contó incluso con mujeres que estaban allí cumpliendo condena, además de utilizar la verdadera casa de Goliarda en Roma.

Agradable sorpresa reencontrase con Valeria Golino, la cual, antes de interpretar a Sapienza en la película, había dirigido anteriormente la adaptación de su obra El arte de la alegría, pero si tengo que destacar a alguien, es a Matilda De Angelis… una auténtica robaplanos. Cada vez que aparece en pantalla es muy difícil no fijar la atención en ella, porque tiene una luz especial y un talento inmenso.

La vida fuera me deja con sentimientos encontrados… me gusta su mirada sobre la amistad entre mujeres y esa necesidad de apoyarse unas en otras cuando la vida se empeña en ponerlas contra las cuerdas, pero al mismo tiempo siento que la película se ha quedado demasiado en la superficie de una mujer que merecía mucha más atención.

Paradójicamente, lo mejor que puede hacer este biopic es conseguir que después de terminarlo una quiera saber más de Goliarda Sapienza… y quizá eso también sea uno de sus puntos fuertes.

Aunque no creo que La vida fuera consiga retratarla y hacerle toda la justicia que merecía, sí que consigue acercarnos a una mujer singular, libre, incómoda y difícil de encerrar en una sola definición, y por eso, aunque me hubiera gustado una película más arriesgada, más profunda y emocionalmente más contundente, agradezco haberme reencontrado con Goliarda Sapienza a través del cine.

Creo que La vida fuera funciona mejor como prólogo literario que como testamento cinematográfico, que Mario Martone no logra abarcar la inmensidad de un alma inabarcable, pero nos abre la puerta de su celda para que seamos nosotros quienes busquemos el resto de sus respuestas en las librerías o blibliotecas. Con sus carencias y sus aciertos, esta aproximación a Goliarda Sapienza es un viaje imperfecto que rasca la superficie de una mujer indomable, recordándonos que hay vidas tan sumamente libres que resultan sencillamente imposibles de encajonar en dos horas de celuloide.

Un poeta

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 15 Aug 2026 17:07:05 +0000

Año: 2025
Duración: 120 min.
País: Colombia
Dirección: Simón Mesa Soto
Guion: Simón Mesa Soto

Música: Matti Bye y Trío Ramberget

Fotografía: Juan Sarmiento G.

Reparto:
Ubeimar Ríos, Rebeca Andrade, Guillermo Cardona...

Óscar Restrepo (Ubeimar Ríos) fue en su juventud una gran promesa de la literatura local, pero a sus más de 50 años su realidad es completamente prosaica: está divorciado, es un padre ausente, vive con su anciana madre y lidia con un severo problema de alcoholismo.

Obsesionado con el gran poeta José Asunción Silva, Óscar sobrevive dictando clases en una escuela para ganar algo de dinero. Su lánguida rutina da un vuelco cuando descubre a Yurlady (Rebeca Andrade), una de sus jóvenes alumnas de origen humilde que posee un talento innato, salvaje y brillante para la escritura.

Al ver en ella un diamante en bruto, Óscar la toma bajo su mentoría y decide impulsarla a presentarse a un concurso literario.

Un Certain Regard - Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2025

Premio Horizontes a la Mejor Película Latinoamericana en el Festival de San Sebastián 2025

Un poeta es una historia de personajes imperfectos y de sueños que quizá llegan demasiado tarde… el protagonista es un hombre de 56 años que lleva buena parte de su vida intentando convertirse en poeta. No parece tener demasiadas cosas resueltas en su vida y acepta trabajar como profesor en un colegio más por necesidad que por vocación. Allí conoce a una alumna con una sensibilidad especial para escribir y para mirar el mundo pero cuyas posibilidades están condicionadas por el lugar que ocupa en la sociedad y por las dificultades que la rodean y entre los dos nace una relación que va mucho más allá de enseñar y aprender.

Un poeta tiene una mirada muy interesante sobre el arte y sobre quienes viven aferrados a él y lo hace con bastante ironía, especialmente cuando se acerca a determinados ambientes culturales y a esos discursos sociales que muchas veces suenan muy bien mientras las personas que los pronuncian viven bastante alejadas de las realidades que dicen defender.

Su fotografía nos presenta una ciudad áspera, gastada, triste, casi como un reflejo del propio protagonista y la imagen rodada en 16 mm consigue transmitir perfectamente esa sensación de suciedad, nostalgia y melancolía que encaja con el estado de ánimo de la historia.

Sin embargo, no todo me ha convencido. En algunos momentos he sentido que la película perdía algo de fuerza y me ha llegado a desconcertar un poco esa dificultad para expresar qué quiere decir sobre la poesía y sobre el propio acto de crear… si estamos ante algo capaz de salvarnos o ante una especie de broma amarga cuando nos enfrentamos a la realidad.

Un poeta es una historia en la que los personajes están llenos de defectos y contradicciones, pero también de humanidad y quizá su mayor virtud sea hablar de la poesía sin idealizarla, de los sueños sin prometer que se cumplen y de la vida cuando el talento, el deseo y la realidad no consiguen caminar juntos.

A pesar de sus pequeños baches de ritmo y de esa ambigüedad que a ratos me ha llegado a descolocar, Un poeta termina consolidándose como un retrato profundamente conmovedor sobre la frustración. Simón Mesa Soto firma una obra imperfecta, áspera y gris, pero dotada de una autenticidad arrolladora, entregando una propuesta que se niega a endulzar las derrotas y que nos demuestra que, a veces, el verdadero sentido del arte no está en el aplauso o en el éxito, sino en la pura obstinación de seguir buscando la belleza en mitad del barro.

Psicosis

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 15 Aug 2026 16:45:43 +0000

Título original: Psycho
Año: 1960
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Alfred Hitchcock
Guion: Joseph Stefano

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: John L. Russell

Reparto:
Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock...

Marion Crane (Janet Leigh) es una joven secretaria de Phoenix agobiada por las deudas y el deseo de casarse con su novio que decide cometer un acto impulsivo: robar 40.000 dólares en efectivo de la inmobiliaria donde trabaja. Tras huir de la ciudad en su coche, una intensa tormenta la obliga a desviarse de la carretera principal.

Exhausta, decide pasar la noche en un apartado y decadente motel de carretera: el Bates Motel. Allí es atendida por Norman Bates (Anthony Perkins), un joven tímido, callado y aparentemente inofensivo que vive en la gran casa sombría que corona la colina junto a su controladora y posesiva madre.

Tras mantener una cena informal y una reveladora conversación con Norman, Marion decide ducharse en su habitación para limpiar sus culpas antes de regresar a devolver el dinero. En ese instante, una figura en las sombras asalta el baño, desatando una brutal cadena de acontecimientos que obligará a su hermana Lila y a un detective privado a emprender una angustiosa búsqueda de su paradero.

Globo de Oro 1960 a la Mejor Actriz de Reparto para Janet Leigh

Alfred Hitchcock consiguió con esta película algo que muy pocos directores han logrado… convertir una historia aparentemente sencilla en una experiencia que todavía hoy consigue incomodarme, sorprenderme y mantenerme en tensión. Para mí, es una de sus obras más importantes y una de esas películas que explican perfectamente por qué Hitchcock sigue siendo un nombre imprescindible cuando hablamos de cine.

La película, escrita por Joseph Stefano a partir de la novela de Robert Bloch publicada en 1959, comienza siguiendo los pasos de Marion Crane, una mujer que toma una decisión que cambiará por completo su vida. A partir de ahí, Hitchcock va llevando la historia por caminos que prefiero no desvelar, porque buena parte de la grandeza de Psicosis está precisamente en dejarse sorprender por lo que ocurre… y eso es algo que consigue hacer incluso cuando ya conocemos la película por haberla visto miles de veces y sabemos perfectamente hacia dónde nos lleva y qué va a pasar.

Me impresiona la manera en la que Hitchcock consigue crear una sensación de inquietud constante… en cada rincón, en cada silencio, en cada mirada. No necesita recurrir continuamente a darte sustos porque sabe que muchas veces es mucho más inquietante aquello que imaginamos que aquello que vemos y claro, si hablamos de escenas imposible no hablar de la escena de la ducha. Pocas secuencias han alcanzado una dimensión tan grande dentro de la historia del cine… es imposible hablar de Psicosis sin pensar en esos pocos minutos que terminaron convirtiéndose en una de las imágenes más reconocibles de Hitchcock y del cine.

También hay que destacar la música de Bernard Herrmann, que para mí es fundamental para crear esa sensación de peligro que recorre toda la película y las interpretaciones de Anthony Perkins y Janet Leigh terminan de darle personalidad a una historia perturbadora.

Pero, por encima de todo, está Hitchcock. Su manera de entender el suspense, de jugar con nuestros miedos y de hacernos partícipes de lo que sucede convierte Psicosis en mucho más que una película de terror… Hitchcock entiende como nadie que el espectador también forma parte de la historia y juega con nosotros para hacernos sentir vulnerables, haciéndonos mirar, a pesar del paso de los años, la puerta del baño con cierta desconfianza.

Psicosis no es solo un clásico indiscutible… es la prueba definitiva del genio de un director que supo diseccionar los miedos humanos y proyectarlos en la pantalla como nadie volverá a hacerlo. Absolutamente imprescindible.

Cómo construir una biblioteca

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 14 Aug 2026 18:46:49 +0000

Título original: How to Build a Library
Año: 2025
Duración: 103 min.
País: Kenia
Dirección: Maia Lekow y Christopher King
Guion: Maia Lekow, Christopher King y Ricardo Acosta

Música: Maia Lekow, Daniel Hoffknecht, Katya Mihailova y Ken Myhr

Fotografía: Nyasha Kadandara, Christopher King, Wambui Muigai, Timothy Mwaura, Emma Nzioka, Michael Onyango, Ronald Ronics, Steve Ruiyi, Peter Gitonga, Leon Malu, Joe Mwihia y Amit Ramrakha

El documental sigue la titánica travesía de dos intrépidas y visionarias mujeres en Nairobi: la escritora Shiro Koinange y la editora Angela Wachuka. Ambas deciden dejar sus empleos para fundar Book Bunk, una organización sin ánimo de lucro destinada a restaurar y revitalizar la Biblioteca Conmemorativa McMillan. Este imponente edificio colonial, construido en 1931, estuvo reservado exclusivamente para ciudadanos blancos hasta 1958.

Filmado a lo largo de casi una década, el documental registra cómo se enfrentan a la laberíntica burocracia local, recaudan millones de dólares para la reconstrucción y lidian con las tensiones generacionales, con el firme propósito de transformar una reliquia colonial en desuso en un epicentro cultural para la ciudadanía y los creadores kenianos.

Durante años, los directores de Cómo construir una biblioteca siguen de cerca un proyecto en el que levantar una biblioteca se convierte en algo mucho más importante que construir un espacio lleno de libros. A lo largo de más de cinco años acompañan y nos muestran sus dificultades, los enfrentamientos con el sistema, las dudas, los momentos en los que parece que todo se complica y también esas pequeñas victorias que demuestran que seguir adelante siempre merece la pena.

Realmente, de este documental en particular, lo que más me ha interesado es precisamente todo lo que hay detrás de ese objetivo, porque siento que los libros y la cultura son el punto de partida para hablar realmente de la identidad, de la memoria, de la educación, de servicio público y de la necesidad de que una comunidad pueda conservar y contar su propia historia, además de para recordar un pasado a veces muy duro y para señalar los abusos y las injusticias cometidas por los malditos imperialismos y colonialismos.

Me parece especialmente valioso que el documental no presente la biblioteca únicamente como un lugar donde guardar libros… la convierte en un espacio de encuentro, de conocimiento y también de reivindicación.

Creo que este tipo de iniciativas son las que realmente pueden ayudar a hacer del mundo un lugar un poco mejor y precisamente por eso también me deja una sensación agridulce, porque soy consciente que todavía existen demasiados rincones del mundo donde queda muchísimo por hacer, como por ejemplo, luchar por algo tan básico y necesario como el acceso a la cultura.

Cómo construir una biblioteca me parece un proyecto hermoso… una historia sobre quienes entienden que construir una biblioteca también significa construir una comunidad, abrir una puerta hacia un futuro diferente, además de demostrarnos que un libro nunca es solo papel y tinta… es un territorio en disputa donde se libra la batalla por la memoria de todo un pueblo.

En este laberinto de estanterías vacías que poco a poco se llenan de identidad y futuro, el documental se erige en un canto a la dignidad colectiva. Mientras existan personas dispuestas a resistir ante la burocracia para salvaguardar el saber, las bibliotecas seguirán siendo los faros comunitarios más hermosos del mundo, alumbrando el camino hacia el lugar al que queremos llegar.