Un rincón de palomitas

Niebla

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 04 Oct 2026 16:01:25 +0000

Título original: Da Meng (A Foggy Tale)
Año: 2025
Duración: 133 min.
País: Taiwán
Dirección: Chen Yu-Hsun
Guion: Chen Yu-Hsun

Música: Lu Luming

Fotografía: Chen Chi-Wen

Reparto:
Caitlin Fang, Will Or, 9m88, Chin-Hua Tseng, Chen Yi-Wen, Tsai Chang-Hsien, Ching-i Pai...

La historia se sitúa en 1954... Yue (Caitlin Fang), una adolescente de 14 años que vive en Chiayi, se entera de una terrible noticia: su hermano mayor ha sido ejecutado por el gobierno represor por motivos políticos.

Decidida a no dejarlo en el olvido, la joven decide viajar completamente sola en tren hacia la capital, Taipéi, con una misión extremadamente peligrosa: recuperar sus restos mortales para llevarlos a casa y darle un entierro digno.

Al llegar a una ciudad desconocida, hostil y sumida en la paranoia militar, Yue se encuentra completamente desorientada. Sin embargo, la fortuna la cruza con Chao Kung-tao (Will Or), un exsoldado cantonés licenciado que se gana la vida a duras penas trabajando como conductor de un bicitaxi.

A pesar de no tener ningún parentesco y provenir de mundos distintos, entablan una profunda y leal amistad. Juntos deciden adentrarse en los engranajes burocráticos y corruptos del régimen, arriesgando sus propias vidas con el fin de reunir una gran suma de dinero exigida para poder recuperar el cuerpo del hermano de Yue.

Premio Golden Horse a la Mejor Película de Drama 2025

Premio Golden Horse al Mejor Guion Original 2025

Premio Golden Horse a la Mejor Dirección Artística 2025

Premio Golden Horse al Mejor Diseño de Maquillaje y Vestuario 2025

Niebla está ambientada ambientada en el periodo del Terror Blanco, cuando Taiwán vivía bajo la ley marcial y la película se convierte en un homenaje a todas aquellas personas que fueron víctimas de la represión y también, a las familias que durante años tuvieron que convivir con la ausencia y con preguntas sin respuesta. No es una historia política en el sentido más estricto de la palabra y prefiere a ese pasaod histórico de Taiwán desde un lugra más íntimo… desde el dolor de una hermana que solo quiere encontrar a su hermano.

Yue es una joven de una zona rural de Chiayi que viaja sola hasta Taipéi para recuperar los restos de Yun, su hermano, ejecutado por el régimen del Kuomintang. Ella sabe poco de política y su objetivo es unicamente encontrar a su hermano y poder llevárselo a casa. A través de su viaje vamos descubriendo una sociedad marcada por el miedo, la desconfianza y el silencio, donde hay familias buscando los restos de sus seres queridos, antiguos presos que han quedado apartados y personas que han aprendido a esconder lo que sienten para poder sobrevivir.

La niebla, que da título a la película no solamente aparece en determinados momentos de la historia para crear una determinada atmósfera… para mí representa la verdad que no termina de salir a la luz, los recuerdos que se confunden a lo largo del tiempo y las vidas de tantas personas que tuvieron que vivir ocultando quiénes eran o lo que habían sufrido. También el duelo se convierte en una especie de niebla de la que no siempre se consigue salir, porque hay pérdidas que no tienen un final perfecto ni una manera digna de poder cerrar el capítulo de sus vidas y porque a veces lo único que queda es aprender a convivir con ellas.

Realmente Yue no está buscando solamente un cuerpo… está buscando un lugar para su hermano, un lugar al que poder ir, donde poder rezar, hablarle, llorarle. Tener un sitio al que acudir puede parecerle a alguna personas algo de poca importancia, pero para quien ha perdido a alguien sin poder despedirse es inmensamente importante… de alguna manera es una forma de darle un lugar a esa persona que existió, que tuvo una vida y que no ha desaparecido completamente de la memoria de quienes la quisieron.

Yo la he visto en versión original, porque me gusta sentir las películas que utilizan el idioma y los acentos para mostrarnos las diferencias entre las personas y en este caso, el taiwanés y el mandarín aparecen como parte de una sociedad en la que cada palabra podía revelar de dónde venías, con quién estabas y hasta cuánto podías confiar en los demás.

Niebla es una película sobre el duelo, sobre la memoria y las ausencias, pero también… de la necesidad de porder recordar… una historia sobre las heridas que permanecen cuando todo lo demás intenta olvidarlas y sobre la importancia de conservar un lugar para quienes ya no están.

Chen Yu-hsun logra que esa bruma que envuelve la pantalla trascienda la pantalla misma, convirtiéndose en el reflejo de una herida colectiva y al igual que el viaje de Yue, la película no pretende cambiar el pasado, sino rescatar de la oscuridad las historias de quienes fueron silenciados. Con una delicadeza abrumadora nos hace sentir que mientras quede alguien dispuesto a buscar, a recordar y a reclamar un lugar para sus ausentes, la memoria vencerá siempre al olvido y la niebla, tarde o temprano, terminará por disiparse.

"Si no hacemos nada, no cambiará nada".

Mi querida señorita

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 03 Oct 2026 21:04:07 +0000

Año: 1972
Duración: 80 min.
País: España
Dirección: Jaime de Armiñán
Guion: José Luis Borau y Jaime de Armiñán

Música: Rafael Ferro

Fotografía: Luís Cuadrado

Reparto:
José Luis López Vázquez, Julieta Serrano, Antonio Ferrandis, Enrique Avila, Lola Gaos, Mónica Randall, Chus Lampreave, Cristina Suriani, Ana Suriani, Manolo Otero, Luis Barbero...

Adela Castro (José Luis López Vázquez) es una respetable solterona de 43 años que vive de la costura en una asfixiante ciudad de provincias. Sumida en una moral ultrareligiosa y conservadora, Adela siempre se ha sentido una mujer fea, poco agraciada y apartada del mundo.

Sin embargo, oculta un secreto que la perturba: se afeita todas las mañanas y experimenta una intensa atracción hacia Isabelita (Julieta Serrano), su joven e ingenua criada.

Tras confesarse con un sacerdote y por recomendación de este, Adela acude a la consulta de un médico en Madrid. Allí descubre la verdad sobre su propio cuerpo: biológicamente es un hombre. A partir de ese momento Adela asume su identidad masculina, se traslada a la capital y adopta el nombre de Juan.

Hugo de plata al Mejor Actor para José Luis López Vázquez en el Festival Internacional de Chicago 1972

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 1972 al Mejor Director

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 1972 al Mejor Guion

Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos 1972 al Mejor Actor Principal para José Luis López Vázquez

Premio Sant Jordi 1972 a la Mejor Película Española

Premio Sant Jordi 1972 a la Mejor Interpretación Española para Julieta Serrano

Mi querida señorita es una película que en plena dictadura franquista, cuando hablar abiertamente de identidad, sexualidad o de cualquier realidad que se saliera de lo establecido podía convertirse en un problema, se atrevió a contar una historia que, para aquella España, resultaba tremendamente incómoda y adelantada a su tiempo.

La historia de Adela es la de una mujer que ha vivido toda su vida haciendo aquello que los demás esperaban de ella, hasta que empieza a sentirse extraña dentro de su propio cuerpo que le hace acudir a un especialista y a partir de ahí comienza un proceso que cambiará por completo su manera de entender quién es y qué vida quiere llevar, enfrentándose por primera vez a una identidad que durante años ha mantenido escondida.

Para poder atravesar la censura franquista, Jaime de Armiñán y José Luis Borau tuvieron que buscar caminos indirectos y llegaron a preparar varias versiones del guion… incluyeron situaciones provocadoras que sabían que iban a llamar la atención de los censores y que podían ser eliminadas, mientras lo verdaderamente importante quedaba escondido entre conversaciones, silencios, gestos y miradas.

Creo que es imposible valorar Mi querida señorita sin tener presente aquel contexto en el que se creó y quizás, vista desde hoy puede parecer una película contenida, pero en 1972 hablar de una persona enfrentándose a la identidad que le había sido impuesta a lo largo de su vida, merece todo reconocimiento.

José Luis López Vázquez está inmenso, pero quiero destacar a Julieta Serrano que me parece que está magnífica, las escenas que comparten tienen una fuerza especial y la música de Chopin acompaña algunos de esos momentos con una sensibilidad extraordinaria.

También es verdad que hoy se pueden encontrar elementos que han envejecido y que pertenecen claramente a la manera de entender estas cuestiones en aquella época. La mirada sobre la identidad y el lenguaje utilizado están inevitablemente condicionados por el tiempo en que fue rodada, pero creo que eso no le resta importancia, al contrario, también nos permite entender hasta dónde podía llegar una película española en aquellos años y todo lo que tuvo que esquivar para poder existir.

Mi querida señorita se atrevió a hablar de un tema tan importante como el derecho de cada persona a descubrir quién es y a poder vivir de acuerdo con ello. Con sus imperfecciones y su inevitable anclaje a la época, la valentía de Armiñán y Borau sigue brillando con esta película que es el retrato de una España que empezaba a despertar… el ejemplo perfecto de que incluso, en los tiempos más oscuros, el cine siempre encuentra una rendija por la que dejar pasar la luz de la libertad y la dignidad humana.

La bola negra

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 27 Sep 2026 14:41:17 +0000

Año: 2026
Duración: 158 min.
País: España
Dirección: Los Javis, Javier Calvo y Javier Ambrossi
Guion: Los Javis, Javier Calvo, Javier Ambrossi y Alberto Conejero

Música: Raül Refree

Fotografía: Gris Jordana

Reparto:
Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Penélope Cruz, Glenn Close, Lola Dueñas, Antonio de la Torre, Albert Plà, Hugo Welzel, Antonio Dechent, Yenesi, Julio Torres...

La película narra las vidas interconectadas de tres hombres homosexuales en tres épocas distintas de la historia de España: 1932, 1937 y 2017. El eje central y simbólico que une sus historias es el manuscrito inacabado de Federico García Lorca.

En 1932, un joven de buena familia intenta ingresar en el exclusivo Casino de Granada, un club que vota la idoneidad de sus miembros usando bolas blancas o negras, sufriendo el rechazo por su orientación sexual.

En 1937, en plena Guerra Civil, los hilos del deseo y el dolor se entrelazan trágicamente en el frente de batalla.

Finalmente, en 2017, la trama conecta estas complejas herencias emocionales con la identidad queer contemporánea, mostrando cómo las heridas del pasado se transmiten y resuenan a través de las generaciones.

Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Cannes 2026

Premio del Público en el Festival de San Sebastián 2026

Premio del Público a la Mejor Película en el Festival de Toronto | TIFF 2026

Ayer fui al cine a ver La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi y tengo que reconocer que me pasé la última media hora sin poder parar de llorar. Me encontré con una película enorme, ambiciosa, bellísima y también, es cierto, excesiva en algunos de sus momentos… pero precisamente por eso me ha resultado tan especial. Los Javis han querido lanzarse de lleno a contarnos una historia de amor, deseo, miedo, culpa, memoria y libertad que atraviesa distintas épocas de España.

El punto de partida es fascinante… la película nace de las apenas cuatro páginas que Federico García Lorca llegó a escribir de La bola negra, la obra teatral que dejó inacabada antes de ser asesinado en 1936, y se encuentra también con La piedra oscura, de Alberto Conejero. A partir de ahí, los Javis construyen algo que no es exactamente una adaptación de ninguna de las dos obras, sino una película con identidad propia que utiliza esas historias y esos personajes para entregarnos magia hecha cine.

La estructura me parece uno de sus grandes aciertos… tres hombres, tres momentos diferentes y tres vidas que avanzan por caminos separados, pero que terminan conectándose de una manera mucho más profunda porque hay puntos que las unen y que pasan de una generación a otra como el deseo, el miedo a ser uno mismo, la represión, la culpa, los secretos, las heridas y muchas de las libertades que hoy damos por hechas y que fueron imposibles para otras personas en tiempos pasados y que ojalá no vuelvan.

Empieza la película con unos maravillosos títulos de crédito y a lo largo de la película nos encontramos con escenas impresionatemente bellas como ese larguísimo plano secuencia en un bar del Sacromonte, en la Granada de principios del siglo XX con la cámara moviéndose entre la gente mientras suena el flamenco, la gente que baila y bebe, un niño taconeando y la cantaora llenando la escena con una voz impresionantemente poderosa… toda la escena parece un sueño que no quieres que termine.

La película está rodada en 35 mm y los lugares elegidos son preciosos… el pueblo abandonado de Castil de Carrias, Comillas, Sigüenza y distintos rincones del Albaicín de Granada, y la fotografía, los decorados, el vestuario y todo el trabajo artístico están cuidados hasta el último detalle.

Me impresiona, una vez más, como Los Javis son capaces de entender perfectamente la relación entre música, emoción e imagen y en La bola negra llevan esa manera de contar tan personal que tienen más allá de lo imaginado con unas escenas y planos maravillosos como los fuegos artificiales junto al mar, Sebastián subiendo por las flechas de la estatua del mártir que lleva su nombre o la escena del cabaret con Penélope Cruz como protagonista de un número fantástico.

La música, cómo en todo lo que han hecho hasta ahora sus directores, tiene un papel fundamental con canciones populares de los años treinta que encajan maravillosamente con las escenas, el piano, la trompeta, el flamenco y toda la banda sonora con música original de Raül Refree que me ha parecido preciosa, van acompañando a los personajes a lo largo de sus más de dos horas de duración.

El reparto, qué puedo decir del reparto… impresionante, desde el primero hasta el últimos de sus interpretes, destacando a Miguel Bernardeau y Guitarricadelafuente interpretando a un Sebastián atrapado en un tiempo que no le permite vivir como quiere y que acaba representando a toda una generación que se vio obligada a callar y que tuvieron que vivir el amor a escondidas.

Aquí es justo donde aparece la España más oscura como un lugar donde desear podía convertirse en un peligro, donde ser diferente podía marcarte para siempre y donde muchas personas tuvieron que esconder una parte fundamental de quienes eran.

Es cierto que en algunos momentos La bola negra pueda resultar excesiva, pero sinceramente, me da absolutamente igual… prefiero una película que en algunos momentos pueda perder un poco el equilibrio, a otra perfectamente correcta que dos días después ya no recuerdas ni el título. Además… así son Los Javis, capaces de darlo todo y eso es lo que hacen en esta película, donde nos regalan planos preciosos, cuerpos convertidos casi en paisajes, fiestas que parecen sacadas de un sueño, ruinas, playas, nieve, soldados, cabaret, flamenco, poesía, sexo, lágrimas…todo cabe perfectamente aquí, construyendo una película con personalidad, con riesgo y con una enorme capacidad de emocionar.

La escena final me parece sobrecogedoramente emocionante con ese “¡Mira que nos acechan todavía!”, que me puso la piel de gallina. Es cierto que quizás no sea perfecta… ni falta que le hace. Es una película desbordante, visualmente maravillosa, musicalmente preciosa y con una ambición enorme… un torrente de belleza, una obra imperfectamente colosal que te agarra del pecho en el primer minuto y te lleva de viaje a través de la maravillosa locura de Los Javis que han filmado su proyecto más maduro y arriesgado.

Como ya he dicho… salí del cine con los ojos hinchados de llorar, pero con el alma encendida gracias a ese sobrecogedor aviso lorquiano con el que se cierra la película, que no es solo un broche de oro, es una llamada de atención directa a nuestro presente.

Tú nunca entenderás lo que te quiero

porque duermes en mí y estás dormido.

Yo te oculto llorando, perseguido

por una voz de penetrante acero.

Norma que agita igual carne y lucero

traspasa ya mi pecho dolorido

y las turbias palabras han mordido

las alas de tu espíritu severo.

Grupo de gente salta en los jardines

esperando tu cuerpo y mi agonía

en caballos de luz y verdes crines.

Pero sigue durmiendo, vida mía.

¡Oye mi sangre rota en los violines!

¡Mira que nos acechan todavía!

Federico García Lorca

Yo no moriré de amor

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 12 Sep 2026 16:56:52 +0000

Año: 2026
Duración: 94 min.
País: España
Dirección: Marta Matute
Guion: Marta Matute

Música: Simon Fransquet

Fotografía: Sara Gallego

Reparto:
Júlia Mascort, Sonia Almarcha, Tomás del Estal, Laura Weissmahr, Guillermo Benet, Daniel Guerro, Rocío Calvo, Chema del Barco, Fran Cantos, Lorea Intxausti, Sofía de Iznájar...

A sus 18 años, Claudia (Júlia Mascort) siente como la repentina irrupción del alzhéimer en la vida de su madre actúa como una tormenta silenciosa que sacude los cimientos de su hogar. Esta dolorosa realidad obliga a redefinir bruscamente los roles de una familia que arrastraba un largo historial de desconexión y desapego.

Atrapada en un profundo conflicto emocional entre el deber moral de cuidar a su progenitora y su legítimo anhelo de exprimir la vida como cualquier chica de su edad, Claudia iniciará un viaje prematuro, buscando la manera de amar y sostener a los suyos sin terminar renunciando a sí misma en el proceso.

Biznaga de Oro a la Mejor Película en el Festival de Málaga 2026

Premio a la Mejor Actriz para Júlia Mascort en el Festival de Málaga 2026

Premio al Mejor Actor de Reparto para Tomás del Estal en el Festival de Málaga 2026

Premio Feroz Puerta Oscura 2026 en el Festival de Málaga 2026

Yo no moriré de amor es el debut en el cine de la directora y guionista madrileña Marta Matute en la que nos presenta a Claudia que tiene 18 años y está viviendo ese momento de la vida en el que todavía queda mucho por descubrir, por equivocarse, por disfrutar y por empezar a decidir quién quieres ser… pero la enfermedad de su madre aparece de golpe y cambia por completo las reglas. De repente, esa juventud que parecía tener por delante se llena de responsabilidades para las que nadie está preparado y Claudia se ve obligada a crecer demasiado deprisa.

Marta Matute nos enseña a través de esta historia el cansancio, las discusiones, las diferencias entre quienes cuidan a las personas mayores, a las personas enfermas, las responsabilidades que no siempre se reparten como deberían entre los diferentes miembros de la familia y esa tensión que se va instalando dentro de una casa hasta terminar afectándolo todo.

Cuidar a una persona enferma no es solamente estar pendiente de ella… también significa aprender a vivir con una realidad que no has elegido, reorganizar tu vida, aparcar muchas veces tus propias necesidades y enfrentarte a sentimientos que ni siquiera tu misma sabes bien cómo colocar en tu interior.

Tengo que decir que en bastantes momentos me he sentido especialmente cerca de lo que estaba viendo. He vivido situaciones con mi amatxo que, aunque evidentemente no sean exactamente las mismas que aparecen en la película, me han hecho reconocer determinadas emociones, cansancios y sentimientos, y por ello, la película me ha tocado de una manera que me resulta muy difícil de explicar, porque ha habido escenas en las que he sentido como si algo me apretara por dentro, como si el pecho se hiciera más pequeño y respirar costara un poquito más.

Cuando una película consigue removerte de esa manera ya no puedes verla únicamente desde fuera… la terminas y te quedas pensando, y no sabes muy bien qué sientes, si alivio porque ha terminado, tristeza por todo lo que te ha hecho recordar o esa extraña sensación de descubrir que hay muchas personas atravesando situaciones que, a veces, creemos que solo nos han tocado a nosotras.

Es cierto que quizás yo hubiese ido un poco más lejos y me habría gustado que profundizara más en algunas de esas situaciones que pueden llegar a romper a una familia, alterar la vida de todos sus miembros, cambiar sus relaciones con los demás y dejar un desgaste emocional que no desaparece cuando la enfermedad termina, pero también entiendo que, si hubiera mostrado toda esa realidad con una crudeza todavía mayor, quizá habría sido una película casi insoportable de ver… y bastante difícil ha sido ya para mí en algunos momentos.

Las interpretaciones de Júlia Mascort y Tomás del Esnal están fuera de toda duda, pero quiero detenerme especialmente en Sonia Almarcha, porque Sonia Almarcha tiene algo que pocas intérpretes consiguen… parece que no está interpretando y en una historia como esta, donde las emociones están tan a flor de piel, esa naturalidad resulta fundamental. Su trabajo me ha parecido inmenso. Por supuesto, imposible no hablar de Laura Weissmahr, que vuelve a ganarme… poco más puedo decir ella, bueno, no es cierto… podría decir mucho y todo bueno.

Yo no moriré de amor me ha parecido una película sensible y muy humana, que me ha tocado, me ha removido y sobre todo, me ha hecho recordar y creo que su gran triunfo es su capacidad para romper la pantalla y abrazar a quienes hemos estado en esa trinchera. Marta Matute ha filmado un espejo doloroso pero necesario en el que podemos vernos reflejadas y darnos cuenta que no estamos solas en el cansancio ni en la culpa. Una película que raspa la memoria, que te obliga a respirar hondo al terminar de verla y que nos hace sentir que aunque la enfermedad arrase con todo, hay lazos que ninguna tormenta logrará borrar.

Katharine Hepburn

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 27 Aug 2026 22:15:19 +0000

Nombre completo: Katharine Houghton Hepburn
Nacimiento: 12 de mayo de 1907, Hartford, Connecticut
Fallecimiento: 29 de junio de 2003, Old Saybrook, Connecticut
Nacionalidad: Estadounidense
Años de actividad: 1928–1994

Cine: 44 películas

Televisión: 8 telefilmes

Teatro: 33 obras

Premios Óscar: 4

Katharine Hepburn nació el 12 de mayo de 1907 en Hartford, Connecticut, en una familia con unas ideas bastante poco convencionales para la época. Su madre, Katharine Martha Houghton, defendía los derechos de las mujeres y su padre, Thomas Norval Hepburn, era médico. En su casa se hablaba de política, de educación y de libertad y a sus hijos se les animaba a pensar por sí mismos y a no aceptar una norma simplemente porque todo el mundo la siguiera… quizá por eso Hepburn creció con una personalidad que nunca terminó de encajar en los moldes de su tiempo.

Estudió en Bryn Mawr College y cuando terminó sus estudios en 1928, se marchó a Nueva York empezando a trabajar sobre los escenarios. No fue un camino sencillo, pero aquella joven alta, delgada y pelirroja tenía algo que llamaba la atención… tenía presencia y también tenía carácter.

En 1932 llegó su primera película, A Bill of Divorcement, dirigida por George Cukor. La película funcionó y Hollywood descubrió rápidamente que aquella actriz tenía algo diferente. Solo un año después llegó Morning Glory y con ella, el primero de sus cuatro Óscar.

Katharine Hepburn tenía entonces poco más de veinte años y ya empezaba a construir una carrera que iba a durar décadas. Después llegó Little Women, donde interpretó a Jo March… una mujer independiente, rebelde, inteligente y poco dispuesta a aceptar que su vida tuviera que parecerse a la que otros habían decidido.

En una época en la que Hollywood tenía muy claro cómo debía comportarse una estrella femenina, ella decidió hacer las cosas a su manera… pero Hollywood también puede ser un lugar cruel con quienes se salen del camino.

Después de varios éxitos llegaron películas que no funcionaron. Bringing Up Baby, estrenada en 1938, es hoy una de las grandes comedias de la historia del cine, pero en su momento no tuvo el éxito esperado y Hepburn llegó a ser considerada una actriz difícil de vender al público.

Podría haberse rendido pero lo hizo y entonces llegó The Philadelphia Story y esa película se convirtió en su regreso y también una demostración de que podía decidir sobre su propia carrera ya que Hepburn había adquirido los derechos de la obra teatral y consiguió llevarla al cine con George Cukor como director.

A partir de ahí comenzó una de las etapas más importantes de su trayectoria: Woman of the Year, Adam's Rib, Pat and Mike… y Spencer Tracy.

Hepburn y Tracy hicieron nueve películas juntos y construyeron una de las parejas cinematográficas más memorables del Hollywood clásico.

En 1951 llegó The African Queen y apareció otra Hepburn a través de aquel viaje por el río junto a Humphrey Bogart que iba a hacer que descubriera otra parte de sí misma donde John Huston dirigió una película de aventuras que terminó convirtiéndose en un clásico y Hepburn volvió a demostrar que podía hacerlo prácticamente todo… comedia, drama, romance, personajes históricos, mujeres frágiles y mujeres fuertes.

Durante los años cincuenta continuó construyendo una filmografía extraordinaria con títulos como Summertime, The Rainmaker, Desk Set y Suddenly, Last Summer y mientras Hollywood iba cambiando, ella también… ya no era aquella joven que había llegado a los estudios en los años treinta, era una mujer madura y pero aún así seguía trabajando.

En 1962 interpretó a Mary Tyrone en Long Day's Journey Into Night, adaptación de la obra de Eugene O'Neill… su interpretación le proporcionó otra nominación al Óscar. Después llegó una pausa de cinco años y durante ese tiempo estuvo muy cerca de Spencer Tracy, cuya salud se había deteriorado.

En 1967 rodaron juntos Guess Who's Coming to Dinner que sería su última película juntos y también sería la última película de Tracy ya que él murió pocas semanas después de terminar el rodaje… Hepburn recibió por aquella interpretación su segundo Óscar.

Al año siguiente volvió a ganarlo esta vez por The Lion in Winter, donde interpretó a Leonor de Aquitania… dos Óscar consecutivos y todavía quedaba uno más.

En 1981, con 74 años, protagonizó On Golden Pond junto a Henry Fonda y Jane Fonda. Volvió a ser nominada… y volvió a ganar. Era su cuarto Óscar… cuatro premios a la mejor actriz y doce nominaciones.

Pero lo más interesante de Katharine Hepburn nunca fueron sus premios… fueron sus personajes y la manera en que consiguió interpretar a tantas mujeres inteligentes, contradictorias, independientes, divertidas, orgullosas, vulnerables o simplemente humanas.

No interpretaba mujeres perfectas… interpretaba mujeres que querían vivir y quizá por eso a día de hoy siguen estando tan vivas.

En los últimos años de su carrera trabajó principalmente en televisión aunque también continuó apareciendo ocasionalmente en el cine. Su última película fue Love Affair, en 1994. Ese mismo año realizó su último trabajo televisivo, One Christmas.

Katharine Hepburn murió el 29 de junio de 2003, a los 96 años, en Old Saybrook, Connecticut.

Katharine Hepburn convirtió la independencia en una forma de interpretar. Sus personajes podían enamorarse sin dejar de ser libres, podían equivocarse sin convertirse en personas débiles, podían enfrentarse a los hombres sin que la película necesitara castigarlas por ello y tenía una cualidad que pocas estrellas poseen… personalidad propia.

Katharine Hepburn realizó 44 películas a lo largo de su carrera cinematográfica. La relación está contrastada con el catálogo del American Film Institute y las filmografías de referencia.

Años 30

1932

A Bill of Divorcement

1933

Christopher Strong
Morning Glory: La película que le dio su primer Óscar y que permitió descubrir a una actriz con una fuerza poco habitual en esos años.
Little Women: Su Jo March sigue siendo uno de sus personajes más queridos y una perfecta muestra de aquella Hepburn joven, rebelde e inconformista.

1934

Spitfire The Little Minister

1935

Break of Hearts
Alice Adams
Sylvia Scarlett

1936

Mary of Scotland
A Woman Rebels

1937

Quality Street
Stage Door: Una magnífica comedia dramática con un reparto femenino extraordinario.

1938

Bringing Up Baby: Una de las grandes comedias disparatadas de Hollywood. Hepburn y Cary Grant están sencillamente maravillosos.
Holiday

Años 40

1940

The Philadelphia Story: Probablemente una de las películas imprescindibles para entender a Hepburn y su enorme capacidad para la comedia.

1942

Woman of the Year: La primera de sus nueve películas con Spencer Tracy.
Keeper of the Flame

1943

Stage Door Canteen

1944

Dragon Seed

1945

Without Love

1946

Undercurrent

1947

The Sea of Grass
Song of Love

1948

State of the Union

1949

Adam's Rib: Una comedia inteligente sobre una pareja de abogados que se enfrenta en los tribunales mientras intenta sobrevivir también en casa.

Años 50

1951

The African Queen: Hepburn y Humphrey Bogart. Una aventura, una historia de amor y dos interpretaciones inolvidables.

1952

Pat and Mike

1955

Summertime: Una Hepburn más madura, romántica y vulnerable.

1956

The Rainmaker
The Iron Petticoat

1957

Desk Set

1959

Suddenly, Last Summer: Uno de sus trabajos dramáticos más intensos.

Años 60

1962

Long Day's Journey Into Night: Una de las interpretaciones más exigentes de su carrera.

1967

Guess Who's Coming to Dinner: Su última película junto a Spencer Tracy y su segundo Óscar.

1968

The Lion in Winter: Leonor de Aquitania. Una mujer poderosa interpretada por una actriz que sabía perfectamente lo que significaba tener carácter.

1969

The Madwoman of Chaillot

Años 70

1971

The Trojan Women

1973

A Delicate Balance

1975

Rooster Cogburn

1978

Olly, Olly, Oxen Free

Años 80

1981

On Golden Pond: Su cuarto Óscar y una de las películas más emotivas de su última etapa.

1985

Grace Quigley

Años 90

1994 Love Affair

Además de su trabajo cinematográfico, Hepburn realizó ocho películas para televisión y otros trabajos televisivos.

1973 — The Glass Menagerie

1975 — Love Among the Ruins

1979 — The Corn Is Green

1985 — The Spencer Tracy Legacy: A Tribute by Katharine Hepburn

1986 — Mrs. Delafield Wants to Marry

1988 — Laura Lansing Slept Here

1992 — The Man Upstairs

1994 — This Can't Be Love

1994 — One Christmas

El teatro fue fundamental en la carrera de Hepburn. Comenzó profesionalmente en 1928 y continuó vinculada a los escenarios durante décadas. Llegó a interpretar obras de Shakespeare y George Bernard Shaw, además de protagonizar The Philadelphia Story, Coco y The West Side Waltz, entre otras.

Entre sus trabajos teatrales destacan:

The Admirable Crichton (1930)
A Month in the Country (1930)
The Cat and the Canary (1931)
The Warrior's Husband (1932)
The Philadelphia Story (1939–1941)
As You Like It (1950)
The Millionairess (1952)
The Taming of the Shrew (1955)
Measure for Measure (1955)
The Merchant of Venice (1955, 1957)
Much Ado About Nothing (1957)
Twelfth Night (1960)
Antony and Cleopatra (1960)
Coco (1969–1970)
A Matter of Gravity (1976–1977)
The West Side Waltz (1981)

Katharine Hepburn consiguió 12 nominaciones al Óscar y cuatro victorias, todas como mejor actriz. Es la intérprete que más veces ha ganado este premio en esa categoría.

Además recibió otros importantes reconocimientos, entre ellos dos premios BAFTA y un Emmy, y fue reconocida en numerosas ocasiones por asociaciones de críticos y festivales.

En 1999, el American Film Institute la situó en el primer puesto de su lista de las grandes leyendas femeninas del cine estadounidense.

Katharine Hepburn dejó algo más importante que cuatro Óscar... ser ella misma, y hay algo especialmente emocionante en volver a ver o descubrir ahora sus películas y comprobar que aquella mujer que parecía demasiado diferente para el Hollywood de entonces, terminó siendo una de las mujeres que ayudaron a cambiarlo.

Katharine Hepburn no necesitó convertirse en otra persona para ser una estrella… le bastó con ser Katharine y quizá esa sea la mejor manera de recordar a una actriz que hizo de la libertad no solamente una característica de sus personajes, sino también una forma de vivir.

Al final, aquella niña que creció en Connecticut aprendiendo a pensar por sí misma nunca dejó de ser la misma persona. Cuando el telón de su vida cayó definitivamente a los 96 años, no solo se despidió una actriz irrepetible, sino la encarnación misma de una era.

Plan 75

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 22:35:03 +0000

Año: 2022
Duración: 108 min.
País: Japón
Dirección: Chie Hayakawa
Guion: Chie Hayakawa

Música: Rémi Boubal

Fotografía: Hideho Urata

Reparto:
Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Motomi Makiguchi...

En un Japón de un futuro cercano, el acelerado envejecimiento demográfico empuja a las autoridades a tomar una medida extrema. El gobierno implementa el "Plan 75", un programa oficial que alienta e invita de forma voluntaria a los ciudadanos mayores de 75 años a someterse a la eutanasia con el fin de aliviar las cargas económicas y sociales del Estado.

A cambio, los ancianos reciben una suma de dinero para gastar en sus últimos días, asesoramiento logístico y un entierro gratuito.

Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima - Mención Especial en el Festival de Cannes 2022

Je m'appelle Agneta

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 21:59:19 +0000

Año: 2026
Duración: 113 min.
País: Suecia
Dirección: Johanna Runevad
Guion: Isabel Nylund y Johanna Runevad

Música: Kalle Frid, Pär Frid y Ludvig Klint

Fotografía: Ragna Jorming

Reparto:
Eva Melander, Claes Månsson, Jérémie Covillault, Björn Kjellman, Alain Doutey...

Agneta (Eva Melander) es una mujer de 49 años llena de color y humor ocultos bajo una fachada gris. Se siente completamente invisible: sus hijos ya han dejado el nido, su empleo en la oficina de tráfico no tiene futuro y su marido, Magnus (Björn Kjellman), vive absorto en su propio mundo de baños helados y costosos equipos de ciclismo.

Tras perder repentinamente su trabajo y negándose a aceptar que su vida ya ha dado todo de sí, toma una decisión desesperada para romper la rutina. Agneta decide dejarlo todo atrás y viaja a la idílica región de la Provenza, en Francia, tras aceptar una oferta de trabajo como au pair de un "niño" sueco.

Sin embargo, al llegar al antiguo monasterio donde debe trabajar, se topa con un divertido malentendido: el "chico" en cuestión es Einar (Claes Månsson), un anciano excéntrico, vitalista y con demencia senil.

A partir de ese caótico encuentro, se forja una hermosa e inesperada amistad entre los maravillosos paisajes provenzales, copas de vino barato y platos gourmet. Este choque cultural y generacional despierta en Agneta su libido dormida, su alegría por los pequeños placeres y la empuja a redescubrir quién quiere ser realmente en la segunda mitad de su vida.

El hombre que mató a Liberty Valance

noreply@blogger.com (SsJ) — Mon, 24 Aug 2026 21:21:00 +0000

Título original: The Man Who Shot Liberty Valance
Año: 1962
Duración: 119 min.
País: Estados Unidos
Dirección: John Ford
Guion: James Warner Bellah y Willis Goldbeck

Música: Cyril J. Mockridge

Fotografía: William H. Clothier

Reparto:
John Wayne, James Stewart, Vera Miles, Lee Marvin, Edmond O'Brien, Andy Devine, Ken Murray, John Carradine, Jeanette Nolan, John Qualen, Willis Bouchey, Carleton Young, Woody Strode...

La historia comienza con la llegada en tren del anciano y respetado senador Ransom Stoddard (James Stewart) junto a su esposa Hallie (Vera Miles) al decadente pueblo de Shinbone. El motivo de su viaje es asistir al humilde funeral de Tom Doniphon (John Wayne), un vaquero local que ha muerto en la más absoluta pobreza y el olvido.

Ante la curiosidad de los periodistas locales, que no entienden por qué un político tan importante acude al entierro de un don nadie, Stoddard decide contar la verdadera historia de su pasado a través de un largo flashback.

Décadas atrás, Ransom llegó a Shinbone siendo un joven e idealista abogado que creía ciegamente en que la ley y los libros podían traer el orden al Salvaje Oeste. Sin embargo, su llegada fue violenta: la diligencia en la que viajaba fue asaltada por el sádico y despiadado forajido Liberty Valance (Lee Marvin), quien lo golpeó brutalmente.

En el pueblo, el único hombre capaz de plantarle cara a Valance era Tom Doniphon, un rudo y diestro ganadero que dominaba la ley del revólver pero que, paradójicamente, defendía al indefenso abogado.

El conflicto estalla cuando Liberty Valance desafía al torpe e inexperto Ransom a un duelo a muerte en mitad de la calle. Para sorpresa de todos, Ransom sobrevive y Valance cae muerto.

Este suceso convierte al abogado en un héroe legendario, impulsando su exitosa carrera política hacia el éxito. Sin embargo, la confesión final de Stoddard ante los periodistas revela el amargo secreto detrás de aquel tiroteo nocturno y el trágico sacrificio de Doniphon, quien renunció a su propia felicidad, a su estilo de vida y al amor de Hallie para permitir que el progreso y la ley triunfaran en el Oeste.

Monsieur Aznavour

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 23 Aug 2026 11:33:34 +0000

Año: 2024
Duración: 133 min.
País: Francia
Dirección: Mehdi Idir y Grand Corps Malade
Guion: Mehdi Idir y Grand Corps Malade

Música: Varda Kakon

Fotografía: Brecht Goyvaerts

Reparto:
Tahar Rahim, Bastien Bouillon, Marie-Julie Baup, Petra Silander, Rupert Wynne-James, Tiffany Hofstetter, Soufiane Guerrab, Sharon Mann...

Ambientada inicialmente en los duros años de la posguerra en París, la trama nos muestra a un joven Aznavour (Tahar Rahim) viviendo en la pobreza e intentando ganarse la vida subiéndose a los escenarios a cambio de unas pocas monedas.

A pesar de los rechazos iniciales de la industria —que criticaba su físico menudo y una voz rasgada alejada de los cánones de la época—, su inquebrantable fuerza de voluntad lo empuja a seguir adelante.

El gran punto de inflexión en su destino ocurre cuando conoce a la legendaria Édith Piaf (Marie-Julie Baup). Fascinada por su tenacidad, Piaf lo acoge bajo su tutela y lo introduce en los círculos artísticos más selectos.

A partir de sus primeras composiciones y su dúo musical junto a su amigo inseparable Pierre Roche, la cinta avanza de forma episódica retratando sus sacrificios familiares, sus crisis personales y su obsesión por el trabajo.

Maldita suerte

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 23 Aug 2026 11:09:38 +0000

Título original: Ballad of a Small Player
Año: 2025
Duración: 104 min.
País: Reino Unido
Dirección: Edward Berger
Guion: Rowan Joffe

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: James Friend

Reparto:
Colin Farrell, Fala Chen, Tilda Swinton, Deannie Yip, Alex Jennings, Jason Tobin...

Un estafador británico que se hace llamar Lord Doyle (Colin Farrell) se esconde en el paraíso del juego de Macao (China). Huyendo de un turbulento pasado y de una montaña de deudas en su país natal, Doyle malgasta sus días y noches ahogado en alcohol y apostando lo poco que le queda en las mesas de bacará de los deslumbrantes casinos envueltos en neón pero su fachada de opulencia fingida oculta una realidad marcada por la autodestrucción y la culpa.

Su monótona espiral descendente cambia drásticamente cuando conoce a Dao Ming (Fala Chen), una enigmática empleada del casino que parece comprender su vacío y se convierte en una especie de alma gemela que le ofrece una inesperada vía de escape y redención.

Sin embargo, la salvación no será sencilla: mientras Doyle intenta aferrarse a esta nueva esperanza, los límites de su realidad comienzan a desmoronarse debido al delirio.

Al mismo tiempo, el pasado lo alcanza en forma de Cynthia Blithe (Tilda Swinton), una implacable investigadora privada decidida a encontrarlo y obligarlo a confrontar todos los crímenes y deudas de los que ha estado escapando.

Alguien voló sobre el nido del cuco

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 15:27:39 +0000

Título original: One Flew Over the Cuckoo's Nest
Año: 1975
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Milos Forman
Guion: Bo Goldman y Lawrence Hauben

Música: Jack Nitzsche

Fotografía: Haskell Wexler

Reparto:
Jack Nicholson, Louise Fletcher, Brad Dourif, William Redfield, Mews Small, Sydney Lassick, Will Sampson, Christopher Lloyd, Danny DeVito, William Duell, Scatman Crothers...

Randle McMurphy (Jack Nicholson), un hombre de espíritu libre, rebelde y con un largo historial de delitos menores, es condenado a prisión. Para eludir los trabajos forzados de la cárcel, finge sufrir una enfermedad mental con el objetivo de ser trasladado a un hospital psiquiátrico estatal, creyendo erróneamente que allí pasará una estancia cómoda y relajada.

Sin embargo, a su llegada se topa con la fría realidad del centro: un entorno opresivo y dictatorial gobernado con mano de hierro por la inflexible enfermera Mildred Ratched (Louise Fletcher).

Ratched utiliza la humillación, la medicación forzada, la terapia de grupo manipuladora y la sutil violencia psicológica para mantener despojados de toda dignidad e individualidad a los pacientes, quienes viven sumisos y aterrorizados.

McMurphy, incapaz de doblegarse, entabla una guerra abierta e ideológica contra la autoridad de la enfermera. Con su carisma desbordante, empieza a contagiar a sus compañeros de pabellón un renovado deseo de vivir, organizando partidos de baloncesto clandestinos, fugas para ir de pesca e incluso fiestas nocturnas dentro del hospital.

Lo que comienza como una divertida gamberrada para desafiar las reglas se transforma en un trágico y desesperado pulso por la supervivencia de la cordura y el alma humana frente a un sistema dispuesto a destruir a cualquiera que intente pensar por sí mismo.

Oscar 1976 a la Mejor Película

Oscar 1976 a la Mejor Dirección

Oscar 1976 a la Mejor Actriz Principal para Louise Fletcher

Oscar 1976 al Mejor Actor Principal para Jack Nicholson

Oscar 1976 al Mejor Guion Adaptado

Globo de Oro 1976 a la Mejor Película de Drama

Globo de Oro 1976 a la Mejor Dirección

Globo de Oro 1976 al Mejor Actor Principal de Drama para Jack Nicholson

Globo de Oro 1976 a la Mejor Actriz Principal de Drama para Louise Fletcher

Globo de Oro 1976 al Mejor Actor Revelación para Brad Dourif

Globo de Oro 1976 al Mejor Guion

BAFTA 1977 a la Mejor Película

BAFTA 1977 a la Mejor Dirección

BAFTA 1977 al Mejor ACtor para Jack Nicholson

BAFTA 1977 a la Mejor Actriz para Louise Fletcher

BAFTA 1977 al Mejor Actor Secundario para Brad Dourif

BAFTA 1977 al Mejor Montaje

Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) 1976 al Mejor Guion Adaptado de Drama

Premios del Círculo de Críticos de Nueva York 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

National Society of Film Critics Award 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1975 al Mejor Actor para Jack Nicholson

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1975 a la Mejor Película

Premio David di Donatello 1976 al Mejor Actor Extranjero para Jack Nicholson

Premio David di Donatello 1976 al Mejor Director Extranjero

Directors Guild of America Award (DGA) 1975 a la Mejor Dirección/Película

Premio Sant Jordi 1976 a la Mejor Interpretación Extranjera para Jack Nicholson

No hables con extraños

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 13:52:10 +0000

Título original: Speak No Evil
Año: 2024
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos
Dirección: James Watkins
Guion: James Watkins, Christian Tafdrup y Mads Tafdrup

Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans

Fotografía: Tim Maurice-Jones

Reparto:
James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Aisling Franciosi, Dan Hough, Alix West Lefler, Kris Hitchen, Motaz Malhees...

Ben y Louise Dalton (Scoot McNairy y Mackenzie Davis) son un matrimonio estadounidense que atraviesa una crisis de pareja. Durante unas vacaciones familiares en Italia junto a su hija Agnes (Alix West Lefler), entablan amistad con Paddy y Ciara (James McAvoy y Aisling Franciosi), una pareja británica carismática, apasionada y de espíritu libre que viaja con su reservado hijo Ant (Dan Hough).

Semanas después de regresar a la monotonía de Londres, los Dalton reciben una invitación para pasar un fin de semana en la idílica y aislada granja rústica de sus nuevos amigos en la campiña inglesa.

Buscando desconectar de sus problemas, Ben y Louise aceptan la invitación. Sin embargo, lo que prometía ser un retiro pacífico se transforma rápidamente en una pesadilla.

A su llegada, el comportamiento de Paddy y Ciara empieza a volverse errático, incómodo y sutilmente agresivo. Los anfitriones cruzan constantemente las líneas del respeto y explotan las debilidades emocionales de los Dalton, quienes, atrapados por las normas de la cortesía social y el miedo a parecer maleducados, toleran los abusos iniciales.

Cuando la verdad sobre las perturbadoras y siniestras intenciones de la pareja local sale a la luz, el fin de semana se convierte en una brutal lucha de supervivencia para la familia Dalton.

The Dog

noreply@blogger.com (SsJ) — Sat, 22 Aug 2026 00:49:25 +0000

Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Suecia
Dirección: Baker Karim
Guion: Baker Karim, Victor Gatonye, George Mungai y Mikael Newihl

Música: Jens Lindgård y Petter Lindgård

Fotografía: Baker Karim y Andrew Mungai

Reparto:
Alexander Karim, Caroline Midimo, Caroline Muthoni...

MZ (Alexander Karim) es un traficante de drogas de poca monta que trabaja en las caóticas calles de la ciudad costera de Mombasa. Su implacable jefa, una matriarca del crimen llamada Saddam (Caroline Midimo), le asigna una tarea aparentemente sencilla: convertirse en el chofer de Kadzo (Caroline Muthoni Muita), una joven escort, para llevarla y traerla de sus citas con los clientes, bajo la estricta orden de no involucrarse con ella bajo ninguna circunstancia.

Sin embargo, rompiendo todas las reglas, MZ queda completamente cautivado por la belleza de Kadzo y su sueño de escapar a una isla paradisíaca. Convencido de que debe "salvarla" de su situación, se enamora perdidamente de ella.

El gran conflicto surge cuando se choca con la realidad: Kadzo no quiere ser rescatada, le gusta su vida y deja claro que no necesita a ningún hombre que la salve.

Espoleado por una mezcla de obsesión y masculinidad tóxica, MZ intenta dar un gran golpe en un negocio de drogas para conseguir el dinero suficiente y forzar un nuevo comienzo juntos, lo que arrastra a ambos a una peligrosa espiral de deudas, traición y violencia extrema.

Premios Guldbagge 2026 de la Academia de cine sueca al Mejor Sonido

Casablanca

noreply@blogger.com (SsJ) — Fri, 21 Aug 2026 17:37:37 +0000

Año: 1942
Duración: 102 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Michael Curtiz
Guion: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch

Música: Max Steiner

Fotografía: Arthur Edeson

Reparto:
Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Dooley Wilson, Joy Page, John Qualen, Leonid Kinskey...

Durante la Segunda Guerra Mundial, la ciudad marroquí de Casablanca, controlada por la Francia de Vichy, se convierte en el destino desesperado de miles de refugiados que intentan huir del régimen nazi con la esperanza de llegar a Lisboa y, finalmente, a América. El epicentro de esta red de intrigas es el Rick's Café Américain, un club regentado por Rick Blaine (Humphrey Bogart), un cínico y amargado expatriado norteamericano que jura mantenerse neutral ante el conflicto político.

La calculada frialdad de Rick se desmorona por completo cuando aparece en su local su antiguo y gran amor, Ilsa Lund (ingrid Bergman), acompañada de su esposo, Victor Laszlo (Paul Henreid), un célebre e idealista líder de la resistencia checa perseguido por la Gestapo.

Ilsa y Laszlo necesitan desesperadamente unos salvoconductos inestimables para poder escapar de la ciudad, unos visados legales que, por azares del destino, están escondidos en el café de Rick.

A partir de ese reencuentro, Rick se debate en un doloroso conflicto: usar los documentos para huir con la mujer de sus sueños, a la que nunca pudo olvidar desde su idilio en París, o sacrificarse por el bien común ayudando a escapar al hombre que lidera la lucha contra el nazismo.

Oscar 1944 a la Mejor Película

Oscar 1944 a la Mejor Dirección

Oscar 1944 al Mejor Guion

Casablanca es una película que consigue escapar de etiquetas superfluas para convertirse en una historia eterna… cada vez que la veo tengo la sensación de estar entrando en un café que ya conozco desde tiempo, lleno de humo, copas, secretos y despedidas, donde el pasado vuelve a llamar a la puerta cuando menos se le espera y cómo siempre, vuelvo a quedarme atrapada desde el primer minuto, en la que sin duda es una de las mejores películas de todos los tiempos.

Michael Curtiz consigue contar una historia que lo tiene todo… su trabajo es extraordinario y la película funciona como un mecanismo perfecto, aunque detrás de esa aparente perfección hubo un rodaje bastante menos ordenado de lo que podemos imaginar.

El guion partía de una obra de teatro que nunca llegó a estrenarse, Everybody Comes to Rick's, y durante el rodaje se fueron haciendo cambios prácticamente sobre la marcha… incluso Ingrid Bergman rodó buena parte de sus escenas sin saber con cuál de los dos hombres terminaría por irse su personaje.

Aunque la historia nos lleva hasta una Casablanca exótica, oscura y magnética, la película se rodó completamente en California, en los estudios de Warner Bros. y en el aeropuerto de Van Nuys. Ninguno de los protagonistas llegó a conocer la verdadera Casablanca durante el rodaje… incluso el avión que aparece en ese inolvidable final no era un avión real, sino una maqueta, utilizada junto a la perspectiva y la colocación de los extras para crear la ilusión de que estábamos ante un avión de verdad… y funciona, dundiona porque en Casablanca la magia también consiste en hacernos creer que nosotros mismos estamos allí siendo testigos de esa despedida.

Estamos en diciembre de 1941, en una ciudad convertida en refugio y frontera para personas que huyen de la guerra. Por allí pasan exiliados, espías, contrabandistas, delincuentes, nazis y miembros de la Resistencia y en medio de todo ese mundo está Rick Blaine, interpretado por Humphrey Bogart, un hombre aparentemente frío, distante y desencantado que ha construido una especie de refugio para no volver a enfrentarse a sus propios sentimientos. Pero el pasado tiene una manera muy particular de regresar… y lo hace con Ilsa.

Ingrid Bergman ilumina la pantalla con esa mezcla de fragilidad, tristeza, fuerza y una emoción que parece estar siempre a punto de desbordarse. Tiene unos primeros planos impresionantes, espcielamente los de la escena final con una iluminación, no sé si tecnicamente perfecta… para mí lo es.

Rick e Ilsa representan una historia de amor que no necesita un final feliz para convertirse en eternas. Se han amado, se han perdido y vuelven a encontrarse cuando la vida ha cambiado las reglas del juego.

Pocas películas han conseguido dejar tantas escenas, frases y momentos en la memoria cinematográfica, pero Casablanca no vive solamente de sus frases inolvidables… vive también de las miradas, de los silencios, de la música, de los personajes que entran y salen del café, de esa sensación constante de que cualquier encuentro puede ser también una despedida.

Y luego está As Time Goes By… esa canción que atraviesa toda la película como un hilo que une el pasado con el presente y que inevitablemente me lleva directamente a ese piano, a Sam, a Rick e Ilsa, a todo aquello que fuimos y que de alguna manera sigue viviendo dentro de nosotros.

El tiempo pasa, las películas envejecen, pero el Rick's Café permanece abierto y mientras sigan sonando las notas del piano de Sam, siempre nos quedará el consuelo de saber que, en algún rincón de la memoria, París nunca dejará de existir. Curtiz nos regaló un refugio contra el olvido, un lugar brumoso y perfecto al que siempre querremos regresar, porque aunque conozgamos el desenlace de memoria y sepamos que esa despedida es inevitable, cada vez que vuelvo a ver la película me descubro deseando deseando que el avión nunca llegue a despegar.

"El mundo desmoronándose y escogimos este momento para enamorarnos".

El padre

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 21:08:09 +0000

Título original: The Father
Año: 2020
Duración: 97 min.
País: Reino Unido
Dirección: Florian Zeller
Guion: Florian Zeller y Christopher Hampton

Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Ben Smithard

Reparto:
Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker...

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre de 80 años ingenioso y terco que vive en Londres y rechaza firmemente a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para él.

Anne está desesperada porque necesita asegurar el bienestar de su padre antes de mudarse a París para vivir con el hombre que ama ya que a medida que su mente se deteriora, Anthony empieza a dudar de sus seres queridos, de su propia percepción y de la estructura misma de la realidad que lo rodea.

Oscar 2021 al Mejor Actor Principal para Anthony Hopkins

Oscar 2021 al Mejor Guion Adaptado

Goya 2021 a la Mejor Película Europea

BAFTA 2021 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

BAFTA 2021 al Mejor Guion Adaptado

Premio César 2022 al Mejor Film Extranjero

Premio del Público en el Festival de San Sebastián 2020

Premio del Cine Europeo EFA 2021 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

Premio del Cine Europeo EFA 2021 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) 2020 al Mejor Montaje

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 2020 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 2020 a la Mejor Dirección Novel

British Independent Film Award 2020 al Mejor Guion

British Independent Film Award 2020 al Mejor Actor para Anthony Hopkins

British Independent Film Award 2020 al Mejor Montaje

Satellite Award 2020 al Mejor Guion Adaptado

Rosa de Sant Jordi 2020 a la Mejor Película Extranjera

El Alzheimer es una enfermedad terrible porque no solo va llevándose los recuerdos… también puede ir desdibujando la identidad, las personas conocidas, los lugares familiares y hasta la propia sensación de estar en casa. Poco a poco, aquello que durante toda una vida nos ha servido para saber quiénes somos empieza a desaparecer y El padre consigue mostrarlo de una manera especialmente dolorosa.

Anthony es un hombre mayor que empieza a perder el control sobre su propia realidad. No sabemos qué está ocurriendo de verdad, qué recuerda correctamente y qué está imaginando y precisamente ahí está la fuerza de la película, porque a través de ella sentimos el desconcierto de su protagonista, su miedo, su rabia y esa angustia de no entender qué está pasando a tu alrededor.

La película nos presenta esta dura enfermedad pero también nos enseña su otra cara, la de quienes están alrededor, en este caso, la hija que intenta cuidar, ayudar y tomar decisiones difíciles… porque esta enfermedad no la sufre solamente quienes la padecen, también deja heridas profundas en quienes les quieren.

Anthony Hopkins está sencillamente extraordinario pero destacar también a Olivia Colman que también está magnífica, transmitiendo con una mirada todo ese cansancio, ese amor y esa impotencia que muchas veces no necesitan palabras.

Me ha parecido una película dura, pero también muy hermosa. Me ha emocionado, me ha inquietado y me ha hecho pensar en las personas mayores que hemos tenido cerca y en lo difícil que es ver cómo alguien que quieres empieza a perder aquello que le hacía reconocerse a sí mismo.

Como ese reloj que Anthony busca desesperadamente y que parece haberse detenido en un laberinto sin salida, la película nos recuerda que el cine, a veces, sirve para narrar aquello que parece invisible. Florian Zeller no nos permite ser simples espectadores… nos encierra en el mismo encuadre asfixiante que su protagonista, obligándonos a habitar su laberinto de espejos rotos y al terminar la película descubrimos que su verdadera genialidad no radica solo en la sobrecogedora lección interpretativa de Hopkins y Colman, sino en su inmensa humanidad. Es un tributo cinematográfico a la memoria herida, una caricia silenciosa para todas aquellas almas que sostienen la mirada de quienes ya no saben quiénes son.

Mi querida señorita

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 10:50:07 +0000

Año: 2026
Duración: 112 min.
País: España
Dirección: Fernando González Molina
Guion: Alana S. Portero

Música: Álex de Lucas y Zahara

Fotografía: Carlos Rigo

Reparto:
Elisabeth Martínez, Anna Castillo, Paco León, Nagore Aranburu, Manu Ríos, Lola Rodríguez, Eneko Sagardoy, María Galiana, Esperanza Guardado...

Pamplona, finales de los años 90. Adela (Elisabeth Martínez) es la solitaria hija única de una acomodada familia profundamente conservadora y religiosa. Su ordenada y monótona rutina transcurre entre la regencia de la tienda de antigüedades familiar y las clases de catequesis que imparte.

Su existencia está marcada por la sobreprotección de su madre y por un gran silencio impuesto sobre su propia intersexualidad, una condición biológica que ella misma desconoce por completo pero que ha condicionado toda su realidad corporal y emocional.

El frágil equilibrio de su vida salta por los aires debido a una reacción en cadena provocada por tres personas: una hermosa amistad con un sacerdote recién llegado, el regreso de un gran amigo de la infancia y la irrupción de Isabel (Anna Castillo), una vital mujer que revoluciona sus sentimientos.

Este torbellino emocional empujará a Adela a romper con la rigidez de su entorno y emprender un liberador viaje de autodescubrimiento de Pamplona a Madrid, donde necesitará del amor y el apoyo de los demás para reconstruir su propia identidad.

Han pasado más de cinco décadas desde que Jaime de Armiñán dirigiese Mi querida señorita, una película que consiguió hablar de las identidades que no encajaban en las normas de una sociedad profundamente conservadora, esquivando además la censura de la época. Ahora Fernando González Molina recupera aquella historia desde una mirada completamente diferente, creo que no con la intención de repetirla, sino de llevarla a nuestro tiempo y abrir nuevas preguntas.

La actual Mi querida señorita es una adaptación libre y contemporánea que cambia algunas cosas de la original y que pone en el centro de la historia la intersexualidad, el no binarismo y la identidad de género y creo que ahí está precisamente su mayor interés… no estamos ante una simple actualización de la película de 1972, sino ante una historia que toma aquella idea como punto de partida para construir algo propio.

Adela es una joven solitaria, hija única, educada en una familia profundamente conservadora de Pamplona. Su vida transcurre entre la tienda de antigüedades familiar y las clases de catequesis, dentro de una rutina marcada por el silencio, las apariencias y la enorme protección de su madre. Adela vive sin conocer una parte fundamental de sí misma, una realidad biológica que le ha sido ocultada y que terminará descubriendo cuando una visita médica cambie por completo la manera en la que se ha sentido hasta ese momento.

A partir de ahí comienza su verdadero viaje… un viaje que no es solamente físico, sino también emocional, ya que Adela empieza a hacerse preguntas sobre quién es, sobre lo que desea y sobre todo, la necesidad de conocerse sin sentir que tiene que encajar obligatoriamente en una etiqueta que le han impuesto.

La película se puede dividir en dos partes… la primera funciona como un drama costumbrista y centrado en la angustia de una mujer que siente que hay algo en ella que no comprende y que no puede compartir con nadie y la segunda abre la historia hacia la búsqueda de libertad y hacia un Madrid que vive el cambio de milenio. Es cierto que el contraste es interesante, aunque también hace que el conjunto resulte un tanto irregular y descompensado.

Mientras en la película de Armiñán, José Luis López Vázquez interpretaba a aquella mujer que escondía una identidad que ni siquiera ella misma comprendía, aquí se ha apostado por una actriz intersex para interpretar a Adela. Elisabeth Martínez debuta así en el cine desde una experiencia que forma parte de su propia realidad, algo que da a la película una dimensión de representación que no estaba en la original.

También hay un posicionamiento claro frente a la violencia médica que a lo largo de la historia han sufrido muchas personas intersexuales, especialmente cuando se han tomado decisiones sobre sus cuerpos sin que pudieran decidir por sí mismas y la película introduce esta cuestión dentro de la historia y la conecta con debates que hoy están mucho más presentes en nuestra sociedad.

En cuanto a las interpretaciones, Elisabeth Martínez tenía complicado estar a la altura de la interpretación que hizo José Luis López Vázquez, por lo que la comparación es prácticamente imposible, aún así, creo que su trabajo podría haber tenido más matices ya que su interpretación me ha resultado demasiado lineal.

Y hablando de interpretaciones… qué bonito regalo el encontrarnos al final de la película con Julieta Serrano. Su presencia, su sonrisa y esa mirada tan especial llenan la pantalla de una luz difícil de explicar… es uno de esos pequeños momentos que tienen algo de homenaje y también de agradecimiento a quienes hicieron posible que aquella historia de 1972 llegara hasta nosotros.

Mi querida señorita me parece una película entretenida que no creo que pretenda mejorar la obra de Armiñán, porque sería una batalla perdida desde el principio y lo que hace es tomarla, mirarla desde el presente y preguntarse qué podemos contar hoy que entonces no podía contarse de la misma manera, y quizá ahí está lo mejor de esta nueva película… recordarnos que conocernos a nosotros mismos debería estar por encima de cualquier nombre que los demás quieran ponernos, ya que a veces la verdadera libertad empieza justo cuando dejamos de intentar ser quienes esperan que seamos.

No estamos ante una película perfecta ni ante un nuevo hito cinematográfico, pero sí ante una propuesta honesta que utiliza el eco del pasado para reflejar que la identidad sigue siendo una de las batallas más complejas y humanas de nuestro presente.

La carreta fantasma

noreply@blogger.com (SsJ) — Thu, 20 Aug 2026 10:24:23 +0000

Título original: Körkarlen (The Phantom Carriage)
Año: 1921
Duración: 106 min.
País: Suecia
Dirección: Victor Sjöström
Guion: Victor Sjöström

Fotografía: Julius Jaenzon

Reparto:
Victor Sjöström, Hilda Borgström, Tore Svennberg, Astrid Holm, Einar Axelsson, Nils Ahrén, John Ekman...

En una fría noche de Fin de Año, David Holm (Victor Sjöström), un hombre violento, alcohólico y cruel que ha destruido por completo la vida de su familia, se encuentra bebiendo en un cementerio junto a dos compañeros de juerga. Mientras repasan sus vidas, recuerdan una tétrica leyenda: la última persona que muera en el año justo antes de las doce campanadas se verá obligada a conducir la carreta fantasma de la Muerte, recogiendo las almas de los difuntos durante los siguientes doce meses.

Al verse envuelto en una violenta pelea con sus amigos, David cae muerto justo cuando el reloj marca la medianoche. Es entonces cuando la espectral carreta se detiene ante él, conducida por Georges (Tore Svennberg), un antiguo amigo suyo que le precedió en el cargo el año anterior.

Antes de entregarle la guadaña y las riendas, Georges obliga al alma de David a realizar un doloroso viaje en el tiempo para presenciar el daño irreparable que sus vicios han causado en su esposa, sus hijos y en Edit (Astrid Holm), una joven y abnegada enfermera del Ejército de Salvación que agoniza pidiendo verle una última vez.

La carreta fantasma es una película que cuanto más pienso en ella y más veces la veo, más me sorprende por lo adelantada que estaba a su tiempo. Para mí, es una de las grandes obras del cine mudo y una película que demuestra hasta dónde podía llegar el lenguaje cinematográfico cuando todavía estaba dando sus primeros pasos.

La película transcurre durante la noche de Nochevieja y parte de una antigua leyenda… quien haya llevado una vida especialmente cruel y sea la última persona en morir antes de que suenen las doce quedará condenado a conducir durante el año siguiente la Carreta Fantasma, un carruaje destinado a recoger las almas de quienes mueren, y lo que podría haberse quedado en una simple historia sobrenatural acaba convirtiéndose en un relato mucho más profundo sobre la culpa, la pobreza, el alcohol, la violencia y las consecuencias de nuestros actos.

El guion está basado en la novela Körkarlen, publicada en 1912 por Selma Lagerlöf, una escritora que fue la primera mujer en recibir el Premio Nobel de Literatura en 1909 y la película va y viene en el tiempo mediante recuerdos y relatos dentro de otros recuerdos.

Uno de los puntos que más impresionada me deja es su fotografía y su iluminación… Julius Jaenzon, responsable de la fotografía, consiguió crear mediante sobreimpresiones realizadas directamente sobre la película esas apariciones transparentes de la carreta, el conductor y las almas. Hoy en día estamos acostumbrados a ver cualquier efecto especial pero pensar que estas imágenes fueron creadas hace más de cien años, sin las herramientas que tenemos ahora… me resulta realmente fascinante.

Tengo que reconocer que todo lo que he visto hasta ahora de Victor Sjöström me fascina. Es una pena que su nombre no tenga la presencia que debería tener cuando hablamos de los grandes directores de la historia del cine y La carreta fantasma es una prueba magnífica de lo que fue capaz de hacer.

La carreta fantasma es un testamento del poder inmortal del cine… una película que trasciende su época para consolidarse como un ejercicio de narrativa y técnica impecable, y quiero reivindicar a Victor Sjöström como el gigante del cine que siempre fue.

Uno de los nuestros

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 19 Aug 2026 10:45:23 +0000

Título original: Goodfellas
Año: 1990
Duración: 148 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Martin Scorsese
Guion: Nicholas Pileggi y Martin Scorsese

Música: Varios

Fotografía: Michael Ballhaus

Reparto:
Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Chuck Low, Christopher Serrone, Debi Mazar, Gina Mastrogiacomo, Frank Sivero, Illeana Douglas, Tony Darrow, Frank DiLeo...

Henry Hill (Ray Liotta), un joven mitad irlandés y mitad siciliano de Brooklyn, vive fascinado por el glamur y el poder que ostentan los gánsteres de su barrio, miembros de la familia mafiosa Lucchese. Decidido a formar parte de ellos, Henry abandona la escuela a una temprana edad para empezar a trabajar como recadero de la organización.

Poco a poco, gracias a su astucia, escala posiciones dentro del organigrama criminal junto a sus dos inseparables compañeros de fechorías: Jimmy Conway (Robert De Niro), un cerebral y elegante planificador de robos, y Tommy DeVito (Joe Pesci), un gánster psicópata, impulsivo y extremadamente violento.

A lo largo de tres décadas, Henry experimenta la riqueza, el estatus y los excesos de la vida mafiosa, llegando a participar en el multimillonario robo a la aerolínea Lufthansa. Sin embargo, la adicción a la cocaína, los asesinatos internos no autorizados y el acoso constante del FBI amenazan con derrumbar su imperio, colocándolo ante la encrucijada de mantener la ley de la calle (la omertà) o delatar a sus mejores amigos para salvar su propia vida.

Oscar 1991 al Mejor Actor de Reparto para Joe Pesci

BAFTA 1991 a la Mejor Película

BAFTA 1991 a la Mejor Dirección

BAFTA 1991 al Mejor Guion Adaptado

BAFTA 1991 al Mejor Montaje

BAFTA 1991 al Mejor Diseño de Vestuario

León de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Venecia 1990

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 a la Mejor Película

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 a la Mejor Dirección

Premio del Círculo de Críticos de Nueva York 1990 al Mejor Actor para Robert De Niro

National Society of Film Critics Award 1990 a la Mejor Película

National Society of Film Critics Award 1990 al Mejor Director

National Board of Review Award (Asociación de Críticos Norteamericanos) 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Actriz Secundaria para Lorraine Bracco

Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles 1990 a la Mejor Fotografía

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Director

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Actor Secundario para Joe Pesci

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 a la Mejor Actriz Secundaria para Lorraine Bracco

Premio de la Asociación de Críticos de Chicago 1990 al Mejor Guion

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 a la Mejor Película

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 a la Mejor Dirección

Premio de la Asociación de Críticos de Boston 1990 al Mejor Actor de Reparto para Joe Pesci

Fotogramas de Plata 1990 a la Mejor Película Extranjera según la Crítica

Tres hombres viajan en un coche por una carretera, de repente escuchan unos golpes que vienen del maletero, deciden parar y abrirlo… dentro hay un hombre malherido que todavía sigue vivo y lo que ocurre después sirve como declaración de intenciones de todo lo que nos vamos a encontrar en la película.

A partir de ahí comienza el viaje de Henry Hill, un joven que desde niño siente una fascinación enorme por el mundo gansteril y que sueña con formar parte de él. La película está basada en Wiseguy, el libro de no ficción del periodista Nicholas Pileggi, construido a partir de las experiencias del auténtico Henry Hill, y Scorsese convierte todo ese material en una historia que resulta tremendamente absorbente.

Siempre he pensado que hacer una gran película sobre la mafia después de El Padrino, sobre todo de El Padrino II no debía ser nada sencillo, ya que la comparación era inevitable, pero afortunadamente Scorsese no intenta hacer una copia, porque tampoco hubiese tenido mucho sentido, sino construir una nueva historia con una mirada diferente.

A través de Henry Hill, interpretado magníficamente por Ray Liotta, conocemos el ambiente del mundo mafioso desde dentro y lo vemos viendo como su protagonista pasa de ser un adolescente que contempla a los mafiosos del barrio con admiración a convertirse en uno de ellos. Asistimos a su ascenso, a los privilegios que consigue, al dinero fácil y a esa vida que parece "maravillosa" mientras todo marcha bien, pero también vemos cómo poco a poco esa misma vida empieza a devorarlo, ya que en ese mundo nadie está realmente a salvo.

Ray Liotta, como ya he comentado, está perfecto en su papel, pero si hay dos personajes que se comen la pantalla cada vez que aparecen en ella son los interpretados por Robert De Niro y Joe Pesci.

La película tiene un ritmo que no deja que decaiga en ningún momento, la cámara se mueve consiguiendo unos planos perfectos con la voz de Henry acompañándonos durante buena parte del relato y después está la música… para mí otro de los grandes protagonistas de la película. Scorsese utiliza las canciones de una manera espectacular… la banda sonora, el montaje y la puesta en escena están perfectamente unidos y hacen que esas casi dos horas y media pasen volando.

Uno de los nuestros es, para mí, una película que refleja por qué el cine puede ser tan fascinante… Scorsese consigue entrar en el mundo de la mafia sin convertirlo en una historia glorificada y al mismo tiempo, logra que no podamos apartar la mirada en cada escena.

Uno de los nuestros es una clase magistral de dirección, montaje y narrativa cinematográfica donde Scorsese huye de la idealización para sumergirnos en las entrañas de una mafia ruidosa, adictiva y mortalmente peligrosa, sostenida por las interpretaciones antológicas de un trío protagonista inolvidable.

La red fantasma

noreply@blogger.com (SsJ) — Wed, 19 Aug 2026 09:55:31 +0000

Título original: Les fantômes
Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Francia
Dirección: Jonathan Millet
Guion: Jonathan Millet y Florence Rochat

Música: Yuksek

Fotografía: Olivier Boonjing

Reparto:
Adam Bessa, Tawfeek Barhom, Julia Franz Richter, Hala Rajab, Pascal Cervo, Sabrina Ould Hammouda...

Hamid (Adam Bessa) es un antiguo profesor de literatura sirio que vive en el exilio tras haber sobrevivido a las brutales torturas de la infame prisión militar de Saydnaya. En Europa, Hamid forma parte de Yaqaza, una red clandestina de ciudadanos sirios refugiados dedicada a rastrear y localizar de manera secreta a criminales de guerra del régimen camuflados bajo identidades falsas.

Su obsesiva búsqueda lo lleva hasta la ciudad de Estrasburgo, donde cree haber identificado a Harfaz (Tawfeek Barhom), su antiguo y despiadado torturador. Sin embargo, la misión plantea una complicación extrema: en prisión Hamid siempre estuvo encapuchado, por lo que nunca vio el rostro de su verdugo.

Guiado únicamente por su memoria olfativa, la forma de caminar y el tono de voz del sospechoso, Hamid inicia un peligroso y milimétrico juego de acecho que lo situará en una encrucijada moral entre la justicia colectiva y una visceral necesidad de venganza.

La red fantasma de Jonathan Millet, es una película con un inicio pausado pero que casi sin darte cuenta, terminas completamente atrapada en la historia. El director, antes de dar el salto a la ficción había trabajado como documentalista en diferentes zonas de conflicto y en esta película, construye un thriller político basado en hechos reales donde se nos presenta a Hamid, un joven sirio que vive en Estrasburgo y que está convencido de haber reconocido entre las calles de la ciudad a uno de los hombres que lo torturaron durante la guerra en Siria. A partir de ese momento comienza una búsqueda obsesiva para descubrir si sus sospechas son ciertas.

Jonathan Millet consigue que la tensión vaya escalando y aunque es cierto que la historia avanza despacio, esa calma es engañosa al ir sintiendo la misma inseguridad y dudas que siente el protagonista… ¿Realmente es él?, ¿Y si se está equivocando?, ¿Hasta dónde puede llevarte el recuerdo de algo tan terrible?

Me ha gustado la forma que tiene su director de entregarnos una historia de venganza sin la necesidad de convertirla en una película de acción y de esta manera La red fantasma se convierte en una película sobria, pausada y muy atmosférica, que confía más en la tensión que en la acción y que consigue que esa búsqueda se vaya convirtiendo poco a poco en una auténtica espiral de paranoia.

Estamos ante una película que cuando termina, al menos a mí, deja muchas preguntas sobre la venganza, la justicia, la memoria y las consecuencias de sobrevivir al horror y se convierte en una dolorosa radiografía sobre las cicatrices invisibles del exilio.

Jonathan Millet firma una ópera muy interesante, que huye del morbo para centrarse en el eco ensordecedor del trauma… una historia en la que la búsqueda de justicia es la única manera de empezar a enterrar a los monstruos del pasado.

Jurassic World

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 15:44:31 +0000

Año: 2015
Duración: 124 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Colin Trevorrow
Guion: Colin Trevorrow, Rick Jaffa, Amanda Silver y Derek Connolly

Música: Michael Giacchino

Fotografía: John Schwartzman

Reparto:
Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Nick Robinson, Vincent D'Onofrio, Ty Simpkins, Irrfan Khan, Jake Johnson, Omar Sy, BD Wong, Judy Greer, Lauren Lapkus, Brian Tee, Katie McGrath...

Veintidós años después de los fatídicos acontecimientos del Parque Jurásico original, la Isla Nublar cuenta por fin con un parque temático de dinosaurios completamente funcional y seguro, tal y como lo soñó John Hammond: Jurassic World.

Sin embargo, tras años de éxito, el número de visitantes del complejo comienza a descender debido a que el público se ha acostumbrado a la existencia de estos animales prehistóricos. Para solucionar este problema y generar expectación, los científicos del laboratorio genético crean una nueva atracción: el Indominus Rex, un dinosaurio híbrido modificado genéticamente, mucho más grande, inteligente y letal que cualquier criatura conocida.

La situación se sale de control cuando el astuto monstruo burla las medidas de seguridad y escapa de su recinto, desatando el caos en una isla repleta de miles de turistas.

Owen Grady (Chris Pratt), un exmilitar experto en el comportamiento de los velociraptores, y Claire Dearing (Bryce Dallas Howard), la estricta jefa de operaciones del parque, deberán unir fuerzas para sobrevivir a la catástrofe y salvar a los sobrinos de esta antes de que sea demasiado tarde.

Premio Saturn 2015 al Mejor Intérprete Joven para Ty Simpkins

El sueño de John Hammond por fin se ha hecho realidad… el parque está abierto y esta vez podemos recorrerlo en todo su esplendor, con sus atracciones, restaurantes, espectáculos y una tecnología capaz de hacer que los dinosaurios vuelvan a caminar entre nosotros. Reconozco que volver a pisar Isla Nublar, escuchar la música de John Williams y reencontrarme con algunos de los elementos que hicieron tan especial a la película original me puso la piel de gallina.

A partir de ahí nos encontramos con una historia bastante sencilla y con unos personajes que, siendo sincera, tampoco buscan demasiadas complicaciones. Chris Pratt aparece convertido en una especie de súper héroe y el personaje de Bryce Dallas Howard me resulta bastante plano y poco interesante… y luego están los dos niños de turno, porque parece que en una película de Jurassic Park tiene que haber niños sí o sí y estos dos en partícular consiguen ponerme un poquito de los nervios.

El resto del reparto va pasando por la historia como una colección de personajes bastante reconocibles pero tampoco venía buscando aquí grandes interpretaciones ni personajes complejos. Lo que esperaba era entretenimiento y la acción me resulta demasiado plana y previsible… echo de menos la tensión, el miedo y ese misterio que Spielberg sabe crear tan bien. Es cierto que en está secuela hay carreras, rugidos, explosiones, dinosaurios corriendo de un lado para otro y mucho ruido, pero pocas veces siento verdadero peligro.

Mención especial para el "momento tacones"… si Bryce Dallas Howard puede atravesar un bosque, correr delante de dinosaurios y sobrevivir a semejante caos subida a unos tacones sin que se le tuerza el tobillo ni se le rompa uno, mañana sin falta voy a ir a comprarme unos iguales.

Aún así y pese a todo lo escrito anteriormente, Jurassic World consigue exactamente lo que pretende… entretener. No es la mejor película de la saga y está muy lejos de la magia de la primera, pero tampoco creo que pretendiera competir con ella. Tiene dinosaurios, una isla, turistas, persecuciones, nostalgia y un montón de espectáculo, con esos ingredientes tampoco esperaba encontrar una historia especialmente compleja.

Jurassic World es un gigantesco y ruidoso parque de atracciones que cumple su función si vas dispuesto a apagar el cerebro un par de horas. No busques aquí la tensión psicológica del T-Rex bajo la lluvia de 1993, porque solo encontrarás acción digital y personajes de cartón piedra. Una secuela hecha por y para la nostalgia que se disfruta como un gran cubo de palomitas… te llena en el momento, pero te olvidas de ella en cuanto se apaga la pantalla.

Esta nueva visita a Isla Nublar es una película tan entretenida como fácilmente olvidable, ideal para nostálgicos poco exigentes que solo quieran ver a dinosaurios rompiendo cosas una vez más.

La quimera del oro

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 15:12:08 +0000

Título original: The Gold Rush
Año: 1925
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Charles Chaplin
Guion: Charles Chaplin

Música: Max Terr

Fotografía: Roland Totheroh y Jack Wilson

Reparto:
Charles Chaplin, Mack Swain, Georgia Hale, Malcom Waite, Henry Bergman, Betty Morrisey, Tom Murray...

Charlot (Charles Chaplin), un vagabundo solitario y optimista, viaja a las gélidas e implacables tierras de Alaska a finales del siglo XIX para unirse a la fiebre del oro y buscar fortuna. Sin embargo, una terrible tormenta de nieve lo obliga a refugiarse en una remota y precaria cabaña de madera en medio de la nada.

Allí coincide con Big Jim (Mack Swain), un rudo buscador de oro que acaba de encontrar un yacimiento millonario, y con Black Larsen (Tom Murray), un peligroso fugitivo de la ley. Tras pasar días aislados pasando un hambre extrema que los lleva al borde de la locura, consiguen salir con vida.

Más tarde, Charlot llega a un próspero pueblo minero donde se enamora perdidamente de Georgia (Georgia Hale), una bella y esquiva bailarina de salón.

La quimera del oro es una película que forma parte de la historia del cine y que a pesar del tiempo transcurrido desde su estreno sigue teniendo la capacidad para hacernos sonreír y emocionarnos.

La historia nos lleva hasta Alaska, en plena fiebre del oro, donde Charlot llega como un buscador solitario dispuesto a encontrar fortuna en medio de un paisaje helado y poco amable. Allí se cruzará con Big Jim McKay, Black Larsen y Georgia, la mujer de la que terminará enamorándose, mientras el frío, el hambre, las tormentas y la mala suerte parecen empeñados en complicarle todavía más la vida.

Esta película tiene escenas memorables como la del famoso baile de los panecillos, ese pequeño milagro en el que dos simples bollos sujetos por tenedores se convierten en los pies de Charlot y empiezan a bailar sobre la mesa, o la de la cabaña a punto de caer por el precipicio, la tormenta que mantiene a los personajes atrapados, las peleas por la supervivencia, la soledad de Charlot y esa noche de fin de año en la que la ilusión de una cena y la esperanza de encontrar el amor vuelven a aparecer en medio de tanta miseria. Curiosamente, Georgia no iba a ser interpretada inicialmente por Georgia Hale… la primera elección era Lita Grey, que en aquel momento era la esposa de Chaplin, pero su embarazo obligó a detener la producción y finalmente el personaje terminó en manos de Hale.

Al margen de anecdotas, La quimera del oro es una película preciosa y llena de imágenes que se han quedado para siempre en nuestra memoria, pero aunque reconozco todo lo que hay de extraordinario en ella, tengo que reconocer que no está entre mis películas favoritas de Chaplin… quizá porque echo de menos esa mezcla de amor, romanticismo y humor que en otras de sus historias consigue tocarme de una manera mucho más profunda.

Aun así, hay algo en Charlot que permanece intacto… es ese hombre hambriento y eternamente perdido que consigue enfrentarse a la vida con una dignidad enorme, con ternura, ingenuidad y una capacidad casi infinita para meterse en problemas sin proponérselo. Puede ser torpe, puede equivocarse y puede estar completamente arruinado, pero nunca pierde las ganas de seguir adelante y creo que ahí está una parte de la magia de Chaplin… en ese personaje que nos recuerda que la felicidad no siempre tiene que ver con tener dinero, éxito o una vida perfecta, a veces basta con conservar la bondad, la ilusión, el cariño y esa capacidad de reírse incluso cuando las cosas vienen mal dadas.

Me habría encantado viajar hasta aquellos años veinte y encontrarme por alguna calle con aquel vagabundo de sombrero, bastón y enormes zapatos… quizá caminar un rato a su lado, contagiarme de su optimismo y descubrir que detrás de aquella apariencia desgarbada había uno de los artistas más grandes que ha conocido el cine.

Qué enorme era Chaplin y qué enorme sigue siendo, porque consiguió algo que muy pocos artistas alcanzan… hacernos reír y al mismo tiempo, dejarnos un pequeño nudo en la garganta. Su cine habla de la soledad, del amor, de la desigualdad, de los sueños y de esa necesidad que tenemos todos de encontrar un lugar donde sentirnos queridos y sobre todo, de ser felices.

La quimera del oro es el testimonio perfecto de un cineasta que entendió el alma humana como pocos, capaz de transformar el hambre extremo en comedia y la soledad en poesía. Un siglo después, Charlot sigue caminando con su bastón por ese paisaje helado, haciéndonos sentir que mientras mantengamos intacta la dignidad y la capacidad de soñar, nunca estaremos del todo perdidos. Un clásico imprescindible que, con sus imperfecciones o distancias, sigue siendo historia viva del séptimo arte.

Los lazos que nos unen

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 14:52:54 +0000

Título original: L'attachement
Año: 2024
Duración: 106 min.
País: Francia
Dirección: Carine Tardieu
Guion: Carine Tardieu, Raphaële Moussafir, Agnès Feuvre y Agnès de Sacy

Música: Eric Slabiak

Fotografía: Elin Kirschfink y Yann Maritaud

Reparto:
Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, César Botti, Vimala Pons, Raphaël Quenard, Catherine Mouchet, Marie-Christine Barrault...

Sandra (Valeria Bruni Tedeschi) es una mujer soltera, de unos cincuenta años y profundamente independiente, que regenta una librería feminista en su barrio y ha decidido voluntariamente vivir sin ataduras familiares ni hijos.

Su tranquila rutina da un vuelco absoluto cuando la pareja del apartamento contiguo, conformada por Alex y Cécile, le pide un favor de urgencia: cuidar de su hijo de seis años, Elliott (César Botti), mientras ellos se trasladan al hospital para el inminente parto de su segunda hija.

Desafortunadamente, surgen graves complicaciones médicas y Cécile fallece inesperadamente durante el alumbramiento de la pequeña Lucille. Sacudida por la tragedia vecinal, Sandra comienza a implicarse de forma progresiva en el cuidado de los niños para ayudar a Alex (Pio Marmaï), un padre y arquitecto completamente desconsolado.

Contra todo pronóstico, entre la solitaria librera, el viudo y los pequeños empieza a tejerse un lazo íntimo y afectivo profundo que sacudirá todas las certezas e ideales previos de Sandra sobre la soledad y la maternidad.

César 2026 a la Mejor Película

César 2026 a la Mejor Actriz Secundaria para Vimala Pons

César 2026 al Mejor Guion Adaptado

La película adapta la novela L'Intimité, de Alice Ferney, y la historia gira alrededor de un padre viudo que intenta continuar adelante después de la muerte de su mujer mientras cuida de un bebé y trata de mantener a su lado a su otro hijo. Es un hombre que está intentando recomponerse mientras la vida le exige seguir adelante, aunque por dentro todavía esté atravesando el duelo.

Entonces aparece Sandra… una mujer independiente, soltera, feminista, algo áspera en sus maneras y acostumbrada a vivir a su aire. Al principio parece alguien que está muy lejos de necesitar una familia, pero poco a poco empieza a descubrir algo que quizá no sabía que necesitaba.

Quizás, lo más interesante de la película es el mensaje que deja sobre las familias que vamos construyendo a lo largo de la vida con personas que llegan sin avisar y terminan ocupando un lugar importante en nosotros, en nuestra vida… esa gente que aparece cuando más falta hace, que acompaña, que cuida y que permanece cuando todo lo demás se tambalea. Tengo la sensación de que a la película le cuesta encontrar el equilibrio y que algunas escenas no aportan profundidad y en ocasiones he sentido cierta distancia… como si la película no terminara de encontrar el camino para emocionarme.

Para mí, lo mejor de la película es Valeria Bruni Tedeschi… me encanta esta actriz y ella es la que le da más valor a la historia gracias a su interpretación, especialmente a través de su mirada.

Los lazos que nos unen me parece una película sobre el duelo, pero sobre todo sobre la necesidad de querer y de sentirnos queridos… sobre esos vínculos que aparecen en los momentos más inesperados y que terminan convirtiéndose en refugio… quizá ahí está lo que más me llega de esta historia.

Los lazos que nos unen es el reflejo de que las familias no siempre se heredan, sino que a veces se encuentran en los lugares más insospechados y aunque la película flaquee en algunos momentos y la emoción no termine de estallar, la película se sostiene gracias a la verdad que desprende su actriz protagonista. Una obra imperfecta pero cálida, recomendable para quienes buscan una historia tierna sobre las segundas oportunidades afectivas que nos regala la vida.

El estudiante de Praga

noreply@blogger.com (SsJ) — Tue, 18 Aug 2026 14:27:17 +0000

Título original: Der student von Prag
Año: 1913
Duración: 85 min.
País: Alemania
Dirección: Stellan Rye y Paul Wegener
Guion: Hanns Heinz Ewers y Alfred de Musset

Música: Josef Weiss

Fotografía: Guido Seeber

Reparto:
Paul Wegener, Grete Berger, Lyda Salmonova, John Gottowt...

Praga, siglo XIX. Balduin (Paul Wegener) es un estudiante brillante y un hábil espadachín que arrastra una vida miserable debido a su extrema pobreza. Su suerte parece cambiar cuando rescata de morir ahogada a la hermosa condesa Margit von Schwarzenberg (Grete Berger), de quien se enamora perdidamente.

Consciente de que su nulo estatus social le impide cortejar a una aristócrata, Balduin cae en la desesperación. En ese momento aparece Scapinelli (John Gottowt), un misterioso y siniestro anciano de tintes diabólicos que le ofrece una inmensa fortuna en monedas de oro.

A cambio, el anciano solo le pide una condición: poder llevarse de la habitación del estudiante cualquier objeto que elija. Balduin acepta el pacto Fausto y, para su horror, Scapinelli decide llevarse el propio reflejo del joven atrapado en el espejo.

Aunque el estudiante usa su nueva riqueza para escalar socialmente y conquistar a la condesa, su reflejo cobra vida propia bajo las órdenes de Scapinelli, persiguiéndolo por la ciudad como un Doppelgänger siniestro decidido a arruinar su cordura y su vida.

El estudiante de Praga es una película que vista en la actualidad te obliga a hacer un pequeño viaje en el tiempo para entender hasta qué punto algunas de sus imágenes debieron de resultar sorprendentes en 1913. Estamos ante una historia pionera dentro del cine de terror, con una atmósfera oscura y extraña que ya deja entrever caminos que, años después, recorrería el expresionismo alemán.

La historia gira alrededor de Balduin, un estudiante que acepta un pacto que terminará cambiando su vida de la forma más inquietante. La idea del doble, de enfrentarse a una parte de uno mismo que parece haber cobrado vida, resulta muy atractiva y tiene algo perturbador incluso más de un siglo después, pero si hay algo que me llama especialmente la atención, es la manera en la que la película consigue mostrar a Paul Wegener frente a su propio doble.

Guido Seeber, director de fotografía, utilizó el recurso de la doble exposición para hacer posible que ambos aparecieran en una misma escena. Hoy estamos acostumbradas a ver todo tipo de efectos en el cine pero pensando en que esto se hizo en 1913, el resultado tiene muchísimo mérito.

La historia en sí es sencilla, pero precisamente ahí está también parte de su encanto. También ayudan muchísimo los lugares escogidos para contar la historia… hay una ambientación gótica, heredera de esos relatos de misterio y terror del siglo XIX, que le sienta perfectamente a la película. El cementerio, las calles, los espacios sombríos… todo contribuye a crear esa sensación de pesadilla que va creciendo poco a poco y la escena en la que Margit busca a Balduin en el cementerio es, para mí, una de las que mejores.

Eso sí, tengo que reconocer que también hay algún momento que me resulta desconcertante divertido a partes iguales y es con la actriz que persigue constantemente al protagonista y trata de esconderse de él, que tiene una manera de hacerlo bastante peculiar, por no decir inocente, por ser amable y decirlo suavemente… entiendo que son esas cosas del cine de esa época que también forma parte de su encanto.

El estudiante de Praga puede tener una historia sencilla y algunos gestos interpretativos que hoy nos resultan lejanos, pero hay que mirarla también teniendo en cuenta el momento en el que fue realizada y desde ahí, resulta realmente admirable. La imaginación puesta al servicio de esos trucos visuales, la presencia del doble y toda esa atmósfera oscura convierten la película en una obra muy especial dentro de la historia del cine.

Más de cien años después, sigue teniendo imágenes capaces de llamar la atención y aunque quizá sus efectos parezcan ingenuos comparados con los de ahora, detrás de ellos hay una imaginación enorme y unas ganas de explorar lo imposible delante de nuestros ojos.

Acercarse hoy a El estudiante de Praga es hacer un ejercicio de arqueología cinéfila con sus exageraciones gestuales y su entrañable inocencia y ese reflejo maldito atrapado en el celuloide por Guido Seeber que sigue proyectando una sombra alargada e inquietante que cruza los siglos. Puede que los trucos visuales revelen sus costuras ante nuestros ojos modernos, pero la angustia existencial de Balduin frente a su doble conserva intacta su fuerza universal. Es el nacimiento del terror psicológico en la gran pantalla… una película que no solo inventó las pesadillas que poblarían el cine posterior, sino que nos enseñó que el monstruo más terrorífico no se esconde debajo de la cama, sino dentro de nuestro propio espejo.

La evasión

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 16 Aug 2026 16:17:53 +0000

Título original: Le Trou
Año: 1960
Duración: 131 min.
País: Francia
Dirección: Jacques Becker
Guion: Jose Giovanni, Jacques Becker y Jean Aurel

Música: Philippe Arthuys

Fotografía: Ghislain Cloquet

Reparto:
Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Kéraudy, Raymond Meunier...

Cuatro reclusos condenados a largas penas de cárcel comparten una celda estrecha y han planificado en secreto una fuga excavando un túnel subterráneo. Su rutina cambia por completo cuando las autoridades trasladan a su celda a Gaspard Claude (Marc Michel), un joven de buena familia acusado del intento de asesinato de su esposa.

Ante el riesgo inminente de ser descubiertos si mantienen el secreto, los cuatro presos deciden confiar en el recién llegado e integrarlo en la operación. A partir de ese momento, el grupo trabaja en perfecta sincronía diurna y nocturna, utilizando herramientas improvisadas para perforar el suelo de cemento y conectar con el alcantarillado de París.

Premio del Sindicato de Críticos de Cine Franceses 1961 a la Mejor Película

La película de Jacques Becker parte de un hecho real ocurrido en 1947… cuatro presos comparten una celda en la que forman una pequeña comunidad en la que cada uno tiene un rol establecido de compañerismo para llevar a cabo una fuga, pero la llegada de Gaspard, un nuevo recluso, cambia el equilibrio del grupo.

La película no necesita persecuciones ni grandes artificios para mantenerte en tensión, al contrario… consigue dejarte pegada a la pantalla enseñándote cada pequeño paso del plan. El trabajo es lento, agotador y desesperadamente preciso… los presos tienen que esconder lo que están haciendo, controlar los tiempos, improvisar herramientas y conseguir que, desde fuera, todo parezca normal.

Imposible olvidar los golpes contra la pared y el suelo… ese sonido repetido del hierro contra el cemento que termina metiéndose en tu cabeza, y es que Becker convierte algo tan sencillo como abrir un agujero en una experiencia de suspense extraordinaria. Tienes la sensación de casi, poder tocar las paredes de aquella celda, notar el polvo, escuchar el metal y acompañar a los presos mientras avanzan por ese mundo oscuro que existe debajo de la prisión dispuestos a abrirse camino hacia la libertad.

Para reconstruir la celda y reproducir las herramientas utilizadas durante aquella fuga, Becker contó con tres supervivientes del intento de fuga de 1947 como asesores y quizás por eso todo parece tan estudiado.

La evasión fue la última película de Jacques Becker… el director murió apenas dos semanas después de terminar el rodaje y fue su hijo, Jean Becker, quien tuvo que completar el trabajo de posproducción y las mezclas de sonido.

Cuando terminas de ver la película, lo haces con la sensación de haber estado allí dentro en la celda, escuchando cada golpe, esperando cada paso, mirando hacia la puerta cada vez que sentías un ruido y quizá esta sea la mejor manera de explicar por qué La evasión es una película tan extraordinaria… porque durante sus casi dos horas no estas simplemente viendo cómo unos presos intentan escapar… estás intentando escapar con ellos, por eso, cuando finalmente llegan los créditos, tardas unos segundos en reponerte y recordar que estás a salvo en tu sofá.

Jacques Becker se despidió del séptimo arte regalándonos no solo una obra maestra indiscutible del cine carcelario, sino una lección magistral de cómo generar suspense puro a través de los detalles más pequeños. Una película eterna, física y magnética que nos demuestra que no hacen falta grandes bandas sonoras ni efectos especiales cuando se tiene la capacidad de encerrar al espectador en una celda y hacerle partícipe de una de las mayores hazañas de la historia del cine.

Becker consigue convertir el eco de un pico contra el suelo en el sonido más emocionante del mundo y nos arrastra a un viaje asfixiante donde la lealtad y el miedo se miden en cada segundo.

La vida fuera

noreply@blogger.com (SsJ) — Sun, 16 Aug 2026 15:53:56 +0000

Título original: Fuori
Año: 2025
Duración: 114 min.
País: Italia
Dirección: Mario Martone
Guion: Ippolita Di Majo y Mario Martone

Música: Valerio Vigliar

Fotografía: Paolo Carnera

Reparto:
Valeria Golino, Matilda De Angelis, Elodie, Corrado Fortuna, Daphne Scoccia, Antonio Gerardi, Luisa De Santis, Francesco Gheghi, Francesco Siciliano, Ondina Quadri...

Roma, verano de 1980. La escritora Goliarda Sapienza (Valeria Golino), tras dedicar una década entera a su obra cumbre (El arte de la alegría), sufre el rechazo absoluto de todo el mundo editorial italiano. Sumida en una profunda frustración y rabia, comete un inesperado acto delictivo: robar joyas.

Esto la lleva a ingresar en la cárcel femenina de Rebibbia, un lugar de privación que, paradójicamente, se transforma en un espacio de renacimiento personal. Allí entabla una estrecha e intensa relación con un grupo de jóvenes reclusas.

Tras recuperar su libertad durante un sofocante verano romano, estas mujeres continúan reuniéndose. Goliarda consolida un lazo inquebrantable y marginal con Roberta (Matilda De Angelis), una activista política y delincuente reincidente.

Esta insólita amistad, incomprendida por la sociedad exterior, le devolverá a la autora las ganas de vivir y el impulso vital para volver a escribir.

Premio David di Donatello 2026 a la Mejor Actriz Secundaria para Matilda De Angelis

La vida fuera, la película que nos entrega Mario Martone sobre la escritora italiana Goliarda Sapienza no creo que sea un biopic redondo ni que haga verdadera justicia a una mujer con una vida tan extraordinaria, pero sí consigue al menos, un punto que es de agradecer… despertar la curiosidad por ella y por su obra.

La película nos lleva a Roma en 1980. Goliarda Sapienza acaba de ingresar en la cárcel de Rebibbia para cumplir condena por el robo de unas joyas. Allí conoce a un grupo de mujeres mucho más jóvenes que ella, procedentes de ambientes muy distintos, algunas marcadas por la marginalidad, otras por historias personales muy duras y también por el compromiso político. Entre ellas nace una relación de amistad y complicidad que no termina cuando Goliarda recupera la libertad… fuera de la prisión seguirán encontrándose, intentando reconstruir sus vidas y buscando una estabilidad que parece escapárseles continuamente.

La vida fuera habla de mujeres que han pasado por situaciones muy diferentes, pero que encuentran en las demás una especie de refugio. Son relaciones de sororidad intensas, imperfectas, llenas de afecto, discusiones, acercamientos y distancias… amistades que a veces parecen capaces de salvarlas y que otras veces se rompen con una facilidad casi dolorosa para después volver a reconstruirse.

Uno de los problemas que veo en la película es que se queda en una parte muy concreta de la vida de Sapienza y deja fuera muchísima parte de lo que la convierte un personaje verdaderamente fascinante. Goliarda no fue solamente la escritora que conocemos por El arte de la alegría… fue una mujer comprometida, que vivió experiencias políticas y personales muy intensas, que durante la ocupación nazi de Roma llegó a participar en la resistencia y también estuvo vinculada al teatro y al cine, relacionándose con figuras como Luchino Visconti… y todo ese pasado apenas aparece sutilmente y para mí es una oportunidad perdida para presentarnos a una mujer fascinante.

A mí, personalmente, me habría interesado mucho más conocer a la mujer que había detrás de esa Goliarda que encontramos en Rebibbia… saber de dónde venían sus ideas, qué principios defendía, qué había vivido antes de llegar a aquella prisión y cómo todas esas experiencias habían construido su manera de mirar el mundo. Es verdad que la película hace alguna pequeña referencia a ello, pero pasa demasiado deprisa por una parte de su vida que creo que habría dado mucha más profundidad al personaje.

Me ha resultado curioso conocer que la película se rodó en la auténtica cárcel de Rebibbia y contó incluso con mujeres que estaban allí cumpliendo condena, además de utilizar la verdadera casa de Goliarda en Roma.

Agradable sorpresa reencontrase con Valeria Golino, la cual, antes de interpretar a Sapienza en la película, había dirigido anteriormente la adaptación de su obra El arte de la alegría, pero si tengo que destacar a alguien, es a Matilda De Angelis… una auténtica robaplanos. Cada vez que aparece en pantalla es muy difícil no fijar la atención en ella, porque tiene una luz especial y un talento inmenso.

La vida fuera me deja con sentimientos encontrados… me gusta su mirada sobre la amistad entre mujeres y esa necesidad de apoyarse unas en otras cuando la vida se empeña en ponerlas contra las cuerdas, pero al mismo tiempo siento que la película se ha quedado demasiado en la superficie de una mujer que merecía mucha más atención.

Paradójicamente, lo mejor que puede hacer este biopic es conseguir que después de terminarlo una quiera saber más de Goliarda Sapienza… y quizá eso también sea uno de sus puntos fuertes.

Aunque no creo que La vida fuera consiga retratarla y hacerle toda la justicia que merecía, sí que consigue acercarnos a una mujer singular, libre, incómoda y difícil de encerrar en una sola definición, y por eso, aunque me hubiera gustado una película más arriesgada, más profunda y emocionalmente más contundente, agradezco haberme reencontrado con Goliarda Sapienza a través del cine.

Creo que La vida fuera funciona mejor como prólogo literario que como testamento cinematográfico, que Mario Martone no logra abarcar la inmensidad de un alma inabarcable, pero nos abre la puerta de su celda para que seamos nosotros quienes busquemos el resto de sus respuestas en las librerías o bibliotecas. Con sus carencias y sus aciertos, esta aproximación a Goliarda Sapienza es un viaje imperfecto que rasca la superficie de una mujer indomable, recordándonos que hay vidas tan sumamente libres que resultan sencillamente imposibles de encajonar en dos horas de celuloide.