Un pequeño rincón para el conocimiento

Andy Warhol: El arte por dinero

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 30 Apr 2012 17:41:00 +0000

"Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma". (Andy Warhol funda el estudio 'The Factory', 1963).

¿Genio o fraude? Esta insidiosa pregunta suele rondar por la mente del espectador siempre que se encuentra ante una obra de arte pop. Y no se trata de la reacción airada del público de gustos decimonónicos ante las innovadoras propuestas de las vanguardias artísticas que no era capaz de entender, como señaló Ortega y Gasset en el clásico "La rebelión de las masas". En el caso del "arte popular" (eso es lo que significa "arte pop") estamos ante algo distinto: son los propios artistas quienes parecen incentivar esa duda en un juego de provocaciones que, en definitiva, no hace sino aumentar la fama de sus "productos" artísticos.

En 1967, el situacionista y teórico político Guy Debord, icono de la contracultura, publica su ensayo "La sociedad del espectáculo", donde describía "el momento histórico en el cual la mercancía completa su colonización de la vida social". Éste es el espíritu de la época que el arte pop acertó a plasmar, la plena época de apogeo de la "reproductibilidad técnica del arte". Y de ahí las claves de este estilo: la visión del publicista con liturgia de artista, la pegada por encima de la expresión, la concesión a todos los públicos con dinero elevada a la categoría de arte... El arte que parecía pedir la sociedad del espectáculo.

El propio Andy Warhol (1928 - 1987) se había formado en una escuela de Commercial Art, donde aprendió a producir imágenes con los objetivos comerciales propios del diseño gráfico o la publicidad. Y cuando en 1963 fundó su celebérrimo taller artístico, en la quinta planta del número 231 de la calle 47 Este de Manhattan, lo llamó significativamente The Factory, es decir, "La fábrica".

Los numerosos avances de la técnica del siglo XX hicieron que muchos artistas se replantearan el sentido y el alcance de las expresiones artísticas. Los autores del pop art creían que todas las artes estaban relacionadas entre sí, y podían enriquecerse mutuamente. Por ello en el estudio de Warhol se reunía la flor y nata del arte estadounidense, para ayudar a Warhol a "producir" cuadros como en una fábrica, sólo que sin cadena de montaje.

Los creadores del pop art basan sus creaciones artísticas en la cultura de masas de Estados Unidos, es decir, el cine de Hollywood, la televisión, las revistas del corazón y de moda o los tebeos, queriendo aprovechar en sus obras las posibilidades de nuevos medios creativos, como la publicidad o el cine. Es un arte que tiene como base los colores muy vivos y brillantes, y busca temas que el público conozca, como objetos cotidianos, unas latas de sopa, un plátano un refresco.

Imagen 1 "Andy Warhol". Imagen 2 "Lata de 'Sopas Campbell's', 1962, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York". Fuente: en.wikipedia.org.

Bach: La cumbre de la música religiosa barroca

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 29 Apr 2012 16:27:00 +0000

"Mis penurias desaparecerían en caso de que Su Majestad me favoreciera otorgándome el título de capellán de corte de Su Alteza". (Bach dignifica el oficio de músico, 1750).

El siglo XVIII, los músicos tenían la misma categoría que un artesano, como un zapatero, un herrero o cualquier otro oficio. A partir de la obre del músico alemán Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), los compositores se ganaron un merecido prestigio y adquirieron la reputación de artistas, en tanto que eran autores de obras de arte musicales.

Músico de prestigio, se ganó la reputación como organicista y clavecinista, aunque también sabía tocar con suma destreza y precisión el violín y la viola de gamba. Pese a ello y al hecho de ser nombrado compositor de la capilla de la corte real en 1736, las creaciones de Bach, sin embargo, no obtuvieron un reconocimiento unánime hasta prácticamente un siglo después de su muerte.

En vida compuso multitud de piezas musicales, casi todas ellas obras maestras de la música clásica de todos los tiempos, como los Conciertos de Brandenburgo, la Pasión según San Mateo o la Misa en si menor. Sin embargo, el compositor alemán ha pasado a la historia sobre todo como el máximo exponente de la música religiosa en el Barroco, una de las épocas más fecundas de la música que destacó especialmente por el desarrollo de la armonía tonal, el gusto por el contraste y la coralidad múltiple, interpretada en un incomparable marco de barroca ornamentación, teatralidad y dramatismo.

Prolífico autor de más de doscientas cantatas religiosas y hasta diez misas, empleó todo su talento y energía creadora en pos de la proclamación de un cristianismo universal, que alcanzara a todas las almas del mundo, logrando en la Misa en si menor un grado de profunda y misteriosa espiritualidad no escuchado antes jamás por ningún oído humano.

Por último cabe decir que Bach también destacó por ser el primer músico que improvisaba a la hora de interpretar las piezas musicales, un hecho insólito en una época en que todos los músicos se ceñían a interpretar fielmente las partituras.

Imagen 1 "Retrato de Bach por Elias Gottlob Haussmann en 1746, Museo de la Ciudad de Leipzig". Imagen 2 "Sonata para violín nº 1 en si menor de Johann Sebastian Bach, primera página del autógrafo". Fuente: es.wikipedia.org.

Adam Smith: Una "mano invisible" regula el mercado

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 28 Apr 2012 10:32:00 +0000

"Todo hombre vive... del intercambio, o se convierte en alguna medida en un mercader, y la sociedad misma crece para convertirse en lo que es, propiamente, una sociedad comercial". (Adam Smith publica 'La riqueza de las naciones', 1776).

Al discreto y recto Adam Smith (1723 - 1790), profesor de filosofía moral de la universidad de Glasgow, sin duda le habría sorprendido comprobar que su nombre acabara vinculado al capitalismo salvaje en su versión más amoral. Lo cierto es que este probo pensador escocés se acercó a la economía desde presupuestos firmemente morales, pues para él era de justicia defender la libertad en el ámbito de las actividades económicas y atacar las inmorales prácticas monopolísticas en el comercio, así como las injerencias del Estado, que perjudicaban los intereses del consumidor. Además, Smith admitió siempre que había áreas en que la legislación resultaba esencial para salvaguardar la equidad y el juego limpio.

Lo que hace de "La riqueza de las naciones" la obra que inaugura la ciencia de la economía es su enfoque revolucionario. Smith se sabe en el umbral de una nueva etapa de la civilización. Asume que en su época se había producido un cambio hacia un nuevo tipo de sociedad, la sociedad comercial, y que el lugar que ocupa en ella el nuevo "hombre económico" se define por lo que puede comprar y vender. A diferencia de los fisiócratas, que definían a los manufactureros como la "clase estéril" frente a la productiva agricultura, generadora de excedentes, Adam Smith defendía que el valor económico reside en la productividad, fuera cual fuese el sector, y en el valor añadido por el intercambio comercial.

Para Adam Smith, al igual que la mano invisible de Dios ordena el mundo, la "mano invisible" del mercado se autorregula de manera natural. Esto es así porque, siguiendo la idea que ya había sido expuesta por Mandeville en su "Fábula de las abejas" (1705), para Smith el egoísmo individual, la búsqueda del interés particular, acaba siendo una fuente de orden, bienestar y prosperidad para el conjunto de la sociedad. Así pues, según esta teoría, en un mercado donde se permite la inciciativa, la competencia y la motivación de la ganancia personal, la dinámica de la oferta y la demanda garantiza que los productores generen bienes y servicios que los consumidores desean comprar a un precio que ofrece un beneficio razonable pero no excesivo. Smith también fue pionero en su defensa de la especialización y la división del trabajo para aumentar la riqueza de las naciones, 130 años antes de que Henry Ford introdujera la cadena de montaje.

Imagen 1 "Perfil de Adam Smith". Imagen 2 "Primera página de 'La riqueza de las Naciones'. Londres 1776". Fuente: es.wikipedia.org.

Busto de Nefertiti: El primer realismo escultórico

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 27 Apr 2012 18:00:00 +0000

"Los antiguos egipcios crearon un mundo de fuerzas sobrenaturales tan vívido y poderoso que la preparación para la muerte era el momento más importante de la vida". (Tutmosis retrata la belleza ideal, 1335 antes de Cristo).

Conocida como la Mona Lisa de la Antigüedad por si exquisita belleza y elegancia y el halo de misterio que desprende la expresión de su rostro, el busto de Nefertiti es una de las piezas maestras del arte egipcio. Se trata de la obra más relevante del escultor Tutmosis (fallecido hacia 1330 antes de Cristo), artesano que trabajó al servicio del faraón Akhenatón, décimo monarca de la dinastía XVIII.

También llamado en la Antigüedad "el busto de la Reina", la escultura representa a la Reina Nefertiti (nombre que significa "la bella ha llegado"), esposa de Akhenatón, mujer que poseía una belleza extraordinaria. Fue realizado en piedra caliza, policromada con vivos colores que aún se pueden distinguir, y hallado en 1912 por un arqueólogo alemán en el lugar que ocupó el antiguo taller de Tutmosis. Fue donado al Museo Egipcio de Berlín, donde se halla expuesto en la actualidad.

Ésta y otras realizaciones de Tutmosis contribuyeron a la renovación artística impulsada por Amenofis IV y el propio Akhenatón, que dio lugar a un nuevo estilo en el que se representaba la figura de manera realista, con una detallada recreación de los rasgos físicos, incluso los posibles defectos, anticipando los cánones de belleza clásicos que establecerían algunos siglos más tarde los griegos.

La escultura egipcia, como todo el arte del antiguo Egipto, se halla estrechamente relacionada con las prácticas funerarias. Probablemente por este motivo, la mayoría de las esculturas han sido halladas en tumbas y templos funerarios. La estatua era considerada la recreación del difunto, que garantizaba a éste la vida eterna en el caso de que el cuerpo momificado desapareciera. Esta teoría explica el detalle con que se representaban los rostros de los faraones y otras dignidades de la época.

Imagen "Busto de Nefertiti en el Museo de Berlín". Fuente: es.wikipedia.org.

El cantor de jazz: El sonido de la vida

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 26 Apr 2012 10:35:00 +0000

"Un momento, un momento... ¡Todavía no habéis oído nada!". ('El cantor de jazz' inaugura el cine sonoro, 1927).

La invención en los años veinte de un sistema para sincronizar el sonido con la imagen que sería bautizado con el nombre de Vitaphone (una palabra compuesta por el griego phone, 'sonido', y el latín vita, 'vida') y su aplicación en el año 1927 en la película "El cantor de jazz" le valieron a ésta un lugar privilegiado en la historia del cine. El sistema Vitaphone permitía por primera vez sincronizar los diálogos con la imagen, aunque no se trataba de una banda sonora, sino de un fonógrafo conectado al motor del reproductor de las bobinas de la película.

La película escogida para comenzar la que sería una nueva era en el cine fue "El cantor de jazz", una adaptación de la obra de teatro "El día de la expiación", de Samson Raphaelson, basada en la biografía del cantante Al Jolson, que era la estrella del espectáculo.

La historia es bastante simple y de carácter marcadamente sentimental, y explica la vida del hijo de un cantor judío, educado para ocupar el lugar de su padre en la sinagoga cuando éste muera; pero el chico quiere dedicarse a cantar jazz, algo que su familia rechaza completamente. Pintando su rostro con un betún negro que le da el aspecto físico característico que lo ha hecho famoso, Jack Rabinowitz se convierte en Jack Robin, un cantante con un vozarrón muy personal que interpreta grandes éxitos como "My Mammy" y "Toot, toot, tootsie". Aunque la película puede considerarse un musical, en realidad las canciones no forman parte de la trama, y únicamente sirven para que el protagonista luzca todo su talento.

El triunfo de público de "El cantor de jazz" mostró un camino abierto para las productoras cinematográficas del momento y logró que Warner Bros, que había estado al borde de la bancarrota financiera hasta el momento, se recuperase gracias a su recaudación de casi cuatro millones de dólares.

El cambio de era en el mundo del cine que simboliza esta película ha sido un tema muy tratado en películas posteriores, como la famosa "Cantando bajo la lluvia" (1952) o "The artist" (2011).

Imagen "Cartel de la película 'El cantor de jazz'". Fuente: es.wikipedia.org.

Adam: Redescubrimiento de lo clásico

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 25 Apr 2012 16:20:00 +0000

"Las tres puertas de la ciudad-palacio son la Áurea o del norte, Férrea al poniente, y Aenea en el oriente; las dos calles principales, la Plaza o Patio del Palacio; los templos, de Júpiter y Esculapio". (Robert Adam diseña la Casa Osterley Park, 1761).

A mediados del siglo XVII creció el interés por el arte clásico de la Antigüedad, en especial a partir de los estudios arqueológicos de las ruinas de los principales monumentos griegos y romanos. Se iniciaron las excavaciones de las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, sepultadas bajo las cenizas volcánicas del Vesubio que, al mismo tiempo, hicieron posible que se mantuvieran casi intactas.

Al mismo tiempo, los arquitectos británicos James Stuart y Nicholas Revett se dedicaron a elaborar los planos arquitectónicos de edificios atenienses que poco tiempo atrás no se tenían en consideración o sencillamente se daban por desaparecidos. La publicación de los mismos despertó el interés de otro británico, el arquitecto y diseñador Robert Adam (1728 - 1792), quien se trasladó a Italia para trazar los planos de varios monumentos, como el palacio de Diocleciano.

El redescubrimiento del arte clásico, tres siglos después del Quattrocento, llevó a Adam a proyectar edificios de estilo neoclásico como las residencias Osterley Park y Syon House, ambas en el Reino Unido, planificadas según los conceptos arquitectónicos que regían en la Antigüedad y cuidadosamente decoradas con motivos griegos e incluso auténticas columnas romanas adornadas con capiteles griegos y culminadas con estatuas doradas, a imagen y semejanza de las que coronaban los arcos de triunfo en la Roma Imperial. Precisamente otro arco triunfal, el de Constantino, inspiró la fachada de Kedleston Hall, casa residencial de enormes dimensiones.

A partir de la fusión del arte clásico, Adam consiguió un resultado asombroso y espectacular en la decoración de los interiores, que contribuyó a la difusión entre sus contemporáneos de las artes decorativas de la arquitectura antigua, como el recurso de las pinturas murales, toques decorados y columnas de mármol.

Imagen 1 "Casa Osterley Park en Londres". Imagen 2 "Kendleston Hall". Fuente: es.wikipedia.org.

Alfabeto: La palabra escrita

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 24 Apr 2012 16:22:00 +0000

"Gracias a los fenicios, la cuna de grandes civilizaciones posteriores (Grecia, Roma, Cartago) pudo expresarse de forma escrita". (Se desarrollan los primeros alfabetos, 1500 - 1200 antes de Cristo).

De haberse mantenido la escritura como fue en sus orígenes, un complicado y nutrido conjunto de pictogramas figurativos o de ideogramas, el acceso universal a la alfabetización se hubiera visto seriamente perjudicado. La facilidad de manejo era algo esencial a la hora de extender la forma de utilizar el idioma, y la única manera era contar con un sistema sencillo, con pocos símbolos pero de cuya combinación se pudiera seguir la expresión de cualquier concepto.

Una vez establecido el criterio del habla como base de la escritura, fueron las lenguas semíticas las primeras en crear los alfabetos tal y como los conocemos, sistema que se impone frente a los sistemas silabarios, ya que obliga a manejar un conjunto de entre 20 ó 30 signos, frente a los casi 80 del sistema por sílabas. A partir de aquí, la práctica totalidad de las lenguas occidentales hasta la actualidad han seguido esta premisa.

Fueron los fenicios, un pueblo fundamentalmente comerciante antes llamado cananeo que habitó en las tierras del actual Líbano, quienes tuvieron la idea de profundizar en la correspondencia entre las grafías y los sonidos para crear unos signos fonéticos. Lo hicieron entre el 1500 y 1200 antes de Cristo. Desarrollaron unos signos que eran una especie de acrónimos, es decir, de siglas formadas por una, dos o tres letras, vinculadas a sendos sonidos. Puestos unos al lado del otro, estos signos permitían transcribir palabras.

El alfabeto que triunfó, y que está en el origen actual alfabeto, se fraguó en Biblos y estaba compuesto solo por veintidós signos distintos, correspondientes cada uno a un sonido aislado. Fue finalizado entre los siglos IX y VI antes de Cristo, y al cabo de cuatro siglos adoptado por la brillante cultura griega, que añadió seis de los signos semíticos para representar las vocales. Luego los etruscos de Italia copiaron el modelo griego para su propio abecedario, y de este procede el antiguo abecedario romano de veintitrés letras.

Imagen "Alfabeto fenicio". Fuente: es.wikipedia.org.

Bipedestación: Lucy camina sobre dos piernas

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Apr 2012 20:13:00 +0000

"Antes del Austrolopithecus, nunca un mamífero había desarrollado una anatomía que le permitiera andar erguido de forma habitual". (Un homínido camina sobre dos piernas, 3'4 millones de años antes de Cristo).

El hallazgo más célebre de un resto de homínido se realizó en 1974 por Donald Johnson en Afar, Etiopía, bautizado como Lucy, en honor a la canción de los Beatles "Lucy in the sky with diamonds" que sonaba en esos momentos. Con una antigüedad de 3'4 millones de años, el Austrolopithecus afarensis consistía en una serie de restos de un ejemplar de hembra entre los que destaca un cráneo pequeño similar al de un primate, y por encima de todo, unos miembros posteriores que indicaban que el individuo caminaba de pie, sobre dos piernas. Los homínidos habían dado al fin el primer paso hacia la bipedestación.

El descubrimiento del Austrolopithecus afarensis supone toda una revolución, y no solo por la novedad de la bipedestación por sí sola, o por ser un rasgo humano presente en el individuo sapiens actual, que nos indica el principio de la evolución del primitivo homínido, sino que sus implicaciones van mucho más allá: caminar erguido tiene una serie de implicaciones que afectan, aparte del desplazamiento, a la propia evolución del individuo.

En primer lugar, el tipo de visión cambia por completo, poseyendo una forma de contemplar la naturaleza totalmente distinta. En segundo lugar, los brazos quedan liberados de la labor de desplazarse y pueden emplearse para otros menesteres, lo cual es el principio de una evolución que cambia los hábitos alimentarios y biológicos: se posibilita la recolección de alimento de los árboles, así como el uso de utensilios, todavía rocas y piedras poco o nada trabajadas, pero que darán lugar a la caza de pequeñas y grandes piezas.

A su vez, esto hará variar la dieta, que pasa de la casi exclusiva recolección herbívora a la caza carnívora. El nuevo alimento, no tan duro de masticar, hará que las quijadas se suavicen, y que la laringe descienda hasta colocarse en lugar más semejante al de los humanos que al de los simios actuales, mejor posicionada para la pronunciación y finalmente para el habla.

Por todo ello, el cambio de posición, de caminar y de desplazarse no es una simple cuestión de nueva postura, sino que sus implicaciones van mucho más allá, y afectan a la propia evolución del homínido hacia el género homo.

Imagen 1 "Reconstrucción de Lucy en el Museo Nacional de Antropología de México". Imagen 2 "Reconstrucción de Lucy en el Museo Nacional de Historia Natural en Washington D. C.". Fuente: es.wikipedia.org.