Una butaca con vistas

Elling

2012-02-17T19:52:00.004+01:00

Pocos espectáculos hay actualmente en los escenarios madrileños tan emocionantes y magnéticos como «Elling», que interpretan en el teatro Galileo Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez (las funciones se han prorrogado hasta el 15 de abril). Se trata de la adaptación teatral, realizada por David Serrano, de una novela del noruego Ingvar Ambjornsen, y la dirección es de Andrés Lima.
Confieso que acudí sin mayores expectativas, porque el tema, dos enfermos mentales a los que el Gobierno traslada a un piso, en un proyecto experimental, para facilitar así su reinserción social, no me llamaba mucho la atención; no obstante, la calidad de los dos actores y las buenas referencias que había recibido de su trabajo terminaron de animarme. No puedo estar más contento de haberlo hecho. Vi el espectáculo -qué privilegiado soy- desde la primera fila; el escenario, una plataforma levantada apenas medio metro del suelo, está rodeado por los espectadores, y en este caso la cercanía (que en algunas funciones impide ver el bosque) es una ventaja a la hora de apreciar lo que es el mayor activo de la obra: las formidables interpretaciones de los dos protagonistas (a quienes acompañan, con excelentes trabajos también, Rebeca Montero y Chema Adeva).
La versión de David Serrano es inteligente, posee claridad, ritmo y precisión. La historia de los dos «locos» (una palabra políticamente incorrecta pero más expresiva que todos sus eufemismos) resulta atractiva, y Andrés Lima maneja el viaje de los dos personajes hacia la «normalidad» con pulso y tacto. Pero sin el portentoso trabajo de los dos actores nada sería igual. Ambos personajes (extraordinariamente dibujados) rondan los cuarenta años: Elling (Carmelo Gómez) ha perdido a su madre y su desequilibrio es evidente; Kjell Bjarne (Javier Gutiérrez) está obsesionado con perder la virginidad. Los dos pasan de compartir habitación en el hospital a habitar juntos un piso. Cosas tan cotidianas como responder al teléfono o salir a comer o hacer la compra supone para los dos un esfuerzo mayúsculo. Con la presión del funcionario que cuida su desarrollo van andando el camino.
Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez consiguen que los espectadores se enamoren de sus dos personajes. Los dotan de humanidad, los dibujan con maestría, sin traspasar nunca (con lo difícil que eso resulta) la frontera de lo grotesco ni llegar a la caricatura. Hay un admirable trabajo de concentración que se hace todavía más encomiable ante la cercanía y la visibilidad del público. Resultan tiernos, frágiles, compadecibles, pero en ningún momento patéticos. Y los espectadores se convierten en firmes cómplices de sus peripecias y alientan con sus risas y sus silencios emocionantes ese viaje a la normalidad. Los dos merecen, y el público se la dio puesto en pie (imagino que así ocurrirá todos los días), una ovación tan admirada como cariñosa. No es para menos.

Antonio Ruiz Soler

2012-02-06T20:23:00.000+01:00

Recuerda Pilar Yust en Facebook que ayer, 5 de febrero, se cumplieron dieciséis años de la muerte de Antonio Ruiz Soler, y se queja de que los medios han ignorado la fecha una vez más. España olvida pronto a sus muertos, es verdad. En el caso de Antonio -Antonio «el bailarín»- ese olvido ya se había posado sobre él en sus últimos años. Él mismo, creo, se había encargado de enfangar en parte su recuerdo al aceptar (o no evitar) convertirse en carne de la prensa rosa y pasar a formar parte (no sé si voluntaria o involuntariamente) de la «fauna marbellí» de los años setenta y ochenta. El día de su muerte, escribí: «Hoy se arroja incienso sobre el recuerdo de un genio que vivió sus últimos años surcado por las añoranzas, tocado por las polémicas que olvidaban e ignoraban su gloria, abrumado por su propia historia y enlodado en mil y una historias. Las ovaciones, que hacía años se habían callado, han despertado para despedir al mejor bailarín que ha dado España al mundo».
Conocí a Antonio gracias a María Rosa. Ella me llevó una noche a cenar a su casa, en la urbanización de La Florida, a las afueras de Madrid (a su lado vivía Paloma San Basilio). Acudí intimidado por la trascendencia del personaje. Tras los saludos, nos sentamos en el porche, al lado de la piscina en cuyo fondo había dibujada una paloma de Picasso. Era un hombre de un carisma arrebatador, parlanchín (le ayudaba el whisky, del que abusaba), melancólico y que tenía clavada una espinita con ABC. Por aquel entonces, Antonio estaba vetado en mi periódico. Su entonces director, Luis María Anson, íntimo amigo de la duquesa de Alba, no le había perdonado al bailarín que hubiera dicho que él era el padre de Fernando, uno de los hijos de la aristócrata. ABC era el periódico de Antonio, el que a él le gustaba leer y el que había contado con mayor profusión sus éxitos, y por eso le dolía el silencio hacia su persona que me impidió, por ejemplo, completar una serie de entrevistas en profundidad con las cuatro principales figuras vivas de la historia de la danza española: Pilar López, Mariemma, Antonio Gades y él. Sin embargo, Anson se olvidó de ello el día de su muerte, y ABC publicó un completo cuadernillo coronado con la portada del periódico. El homenaje a su figura siguió unos días después en el suplemento ABC Cultural.
Compartí con Antonio (siempre de la mano de María Rosa) cuatro o cinco veladas más; en una de ellas me enseñó su estudio, el célebre local de la calle Coslada, donde hoy se encuentra la escuela «Scaena» de Carmen Roche. Pisé el escenario, pasamos por los camerinos y otros cuartos donde se apilaban los trajes de sus producciones; nos sentamos en su despacho y allí me asomé por la ventana desde la que contemplaba el trabajo de sus bailarines. Una noche fuimos al desaparecido tablao Zambra, en la calle Velázquez, para ver a Antonio Canales, al que admiraba profundamente. Y en otra ocasión fuimos a la discoteca Pirandello, para ver la actuación de Paco España, con quien había trabajado en los años setenta. Allí, claro, fue el centro de atención y de los focos desde que Paco España le viera sentado en una mesa. Allí, también, vi la otra cara de Antonio, que dejaba a un lado la dignidad del artista para mutarse en un hombre excesivo y desprejuiciado. Confieso que no me sentí a gusto esa noche...
La última vez que hablé con él fue en el teatro de Madrid; ya necesitaba la silla de ruedas para moverse, y su mirada estaba prácticamente apagada. Fui a saludarle y tardó unos segundos en reconocerme. «¡Hijo, pareces el de los ciegos!» Supongo, no recuerdo la fecha, que era la primera vez que me vio con barba y mi cara mofletuda le debió de recordar a Miguel Durán, entonces director de la ONCE...
Me dolió mucho su muerte, le tenía un gran cariño; y siento que, por edad, no pudiera nunca verle bailar. Quedan sus intervenciones en las películas y en la televisión, y quedan los miles de testimonios sobre un arte irrepetible. El arte del mejor bailarín que ha dado España al mundo.

Luces de bohemia

2012-02-03T22:23:00.002+01:00

Probablemente ningún texto teatral me ha impresionado tanto como «Luces de bohemia», de Valle-Inclán, a pesar de que lo leí por obligación en el colegio (creo recordar que era en 2º de BUP, unas siglas que solo a los más veteranos os sonarán, y que significan Bachillerato Unificado Polivalente). Ya tenía yo por entonces intenciones literarias y en las páginas de aquella obra teatral encontré inspiración y deleite -y perdón por la palabra, que quizás suene cursi, pero es la que mejor define mis sentimientos tras aquella lectura. El texto de «Luces de bohemia» es oloroso y sabroso como un guiso exquisito. Es imposible no marearse con esa catarata de expresiones tan ricas en sonoridad, en significado, en metáfora. No es posible resistirse a personajes de tanta enjundia como los dos protagonistas, Max Estrella y Latino de Hispalis, que son en tantos aspectos el revés de Don Quijote y Sancho Panza: El caballero de la triste figura y el «primer poeta de España» comparten hidalguía pero los delirios de aquel son desencanto en éste, y la nobleza y generosidad del escudero cervantino son en Don Latino arribismo y actitud parásita, con idéntica admiración en uno y otro.
Lo más hermoso, sin embargo, de «Luces de bohemia», son para mi las acotaciones, soberbios ejercicios de poesía que iluminan la imaginación del lector y le conducen a ese Madrid ajado y ennegrecido, esperpéntico y carnoso, de brillos enmohecidos. Un Madrid que respira amargura e ingenio al tiempo, que aun mutilado mantiene la compostura y la hidalguía...
Vi hace más de veinte años la magnética producción que dirigió Lluís Pasqual en el María Guerrero, con José María Rodero -uno de los actores que más me ha emocionado- como Max Estrella. También vi la producción que dirigió mi añorado José Tamayo, con Carlos Ballesteros como protagonista. Y he visto, hace unos días, el nuevo montaje presentado en el María Guerrero, con dirección de Lluís Homar. Es un trabajo notable, con el empaque propio de las producciones del Centro Dramático Nacional, con interpretaciones de altura y un pulcro respeto por el texto de Valle. Pero a la función le falta abrocharse. Gonzalo de Castro es un actor magnífico, lo ha demostrado en numerosas ocasiones, y en su Max Estrella hay un encomiable trabajo. Pero es, en mi opinión, excesivamente joven para encarnar a este hombre derrotado por la salud y por la vida; al también siempre excelente Enric Benavent le falta aguijón para ese sinvergüenza que es Latino de Hispalis. Del resto del reparto me gustaron especialmente Miguel Rellán (soberbio), José Ángel Egido, Isabel Ordaz, Marina Salas, sobre todo cuando encarna a Claudinita...
El ritmo es el principal lastre de este espectáculo, instalado en la umbría y con la chispa lijada... Es, con todo, una función notable, porque está Valle y porque hay un trabajo tan serio como encomiable. Quizás el problema sea que las expectativas eran muy altas...

José Carlos Martínez

2012-01-25T20:50:00.003+01:00

No tengo excusa (así que no la daré) para haber tenido desatendido el blog durante más de un mes. No hay otra razón que cierta pereza por mi parte. Así que pido disculpas a todos los que lo seguís, y prometo no volver a dejar pasar tanto tiempo.
Tengo varios espectáculos por comentar, como «La mecedora» o «Drácula», así como de personajes como Luis Merlo o Alberto Iglesias, pero quiero hablar primero (lo siento, Pablo) del debut de José Carlos Martínez como director de la Compañía Nacional de Danza. Ya dije en su día que aplaudía totalmente su elección para sustituir a Nacho Duato cuya etapa al frente del conjunto, talento y logros al margen, había tocado ya a su fin. Convenía abrir las ventanas y airear un poco. José Carlos tiene tanta altura física (y artística) como discreción. Hace años pude compartir con él el escenario y le vi trabajar de cerca; era ya étoile en la Ópera de París y vino a Madrid para bailar, de forma desinteresada, en un «Cascanueces» semiprofesional. No hubo en él ni un solo gesto de superioridad, y actuó con una disciplina y educación envidiables.
Cuando se le nombró, mucha gente del mundo de la danza esperaba que encabezara una revolución en la Compañía Nacional de Danza, y que empezara a montar «El lago de los cisnes», «Giselle» o «La bella durmiente». A esos, probablemente, habrá decepcionado su primer programa en el teatro de la Zarzuela, presentado tan solo cuatro meses después de ponerse a trabajar. Muy poco tiempo para llevar a cabo una revolución; en realidad, en el mundo de la danza, muy poco tiempo para cualquier cosa. Pero ni el proyecto de José Carlos ni sus planes van por ese camino. Su idea, como ha repetido en los días previos al estreno, es ampliar horizontes y lograr una compañía más dúctil y flexible que pueda abordar con garantías de calidad el mayor número posible de estilos.
Titulé mi crítica en ABC «Prudencia y variedad». Para mí, la prudencia es una virtud, y por eso quiero aplaudir la actitud de José Carlos Martínez; algunos le han calificado de timorato y continuista, pero creo que es injusto. El fuego lento es siempre mejor que el microondas, y no se puede hacer una paella sin arroz, y permitidme los símiles gastronómicos. Creo, sinceramente, que la Compañía Nacional de Danza está en muy buenas manos, que vamos a poder seguir gonzando con ella (como hicimos casi siempre durante la etapa de Duato); lo deseo como aficionado y como crítico

«En la luna», de Alfredo Sanzol

2011-12-12T18:10:00.000+01:00

El teatro de Alfredo Sanzol tiene una exuberancia que contrasta con su carácter discreto y algo retraído (por lo menos, en público) de este dramaturgo brillante e ingenioso. Lo conocí en el Bristol Bar, en la calle Almirante, en un desayuno de trabajo del Centro Dramático Nacional antes del estreno de «Sí, pero no lo soy», en la Sala de la Princesa del teatro María Guerrero. Era la segunda obra de una trilogía que había arrancado con «Risas y destrucción» y que cerraría después con «Días estupendos». Me llamó la atención, como a todos mis compañeros presentes en aquel desayuno, el método con el que buscaba inspiración a sus historias, y que consistía en poner en el buscador de google el título y extraer argumentos y personajes de las respuestas.
Con el tiempo he comprendido que la singularidad del procedimiento era, en realidad, tan sólo la punta del iceberg de un autor y director con mucho peso específico, con una extraordinaria personalidad, una peculiar manera de entender el teatro y unas obras en las que emplea un patrón similar: la concatenación de historias bajo el paraguas de un mismo título y un único (y evocador) decorado.
«En la luna» es el título de su nuevo trabajo, que se puede ver estos días en La Abadía. El nacimiento, hace unos meses, de su primer hijo, Juan (fruto de su relación con la actriz Lucía Quintana), fue el origen de esta obra que vuelve a llenarse de nostalgia, ternura, humor, recuerdos, absurdo, imaginación... Ingredientes que hacen de sus obras piezas llenas de atractivo. La divertida historia de un científico que en su día construyó, sin que se le pagara por ello, un esferisterio para Franco, que ha dejado escrito en su testamento que sea uno de los portadores de su féretro; otra en la que el testigo de un atraco a un banco recibe la visita de dos sospechosos policías; una estrafalaria fiesta de cumpleaños... Son algunas de las piezas que Sanzol incorpora a su puzzle escénico, que gira y se vertebra en torno a los años de la Transición y a sus recuerdos. Es un friso agridulce, donde las risas tienen gotas de amargura, en la senda de (mi admirado Marcos Ordóñez dixit) Rafael Azcona, excelente relator de esa España de puertas adentro.
Y cuenta, claro, con la soberbia complicidad de seis actores -Jesús Noguero, Juan Codina, Luis Moreno, Palmira Ferrer, Lucía Quintana y Nuria Mencía- que han aprendido perfectamente el idioma de Sanzol (algunos lo hablan con fluidez desde hace años) y dan vida a decenas de personajes, a muchos de los cuales conocemos perfectamente porque son, a fin de cuentas nosotros mismos. Y ahí está uno de los grandes méritos de Sanzol, un autor-director que crece a pasos agigantados y que es además, me consta, una persona estupenda. Lo cual me hace admirarle más todavía.

Agosto (Condado de Osage)

2011-12-07T15:07:00.001+01:00

La primera noticia que tuve de «Agosto (Condado de Osage)», de Tracy Letts, fue a través de Norma Aleandro. Hablaba con ella sobre «El hijo de la novia» a propósito de una promoción de ABC y al preguntarle qué estaba haciendo me respondió que estaba ensayando una obra que le tenía fascinada, y que era la mejor función teatral que había hecho en años. Que una de las actrices más importantes de nuestros días diga algo así es como para interesarse por ella. Y es que desde su estreno en Nueva York, hace cuatro años, esta obra se ha convertido en uno de los más deslumbrantes fenómenos de la escena internacional. Supe más adelante que Lola Herrera tenía los derechos de la obra (o estaba detrás de ellos), pero el proyecto no salió adelante; en Barcelona, Sergi Belbel la estrenó en catalán en el Teatre Nacional de Catalunya. Finalmente, ha sido Gerardo Vera quien la ha puesto en pie, como despedida suya al frente del Centro Dramático Nacional.
Tuve el martes la oportunidad de ver el ensayo general de esta producción, que estoy seguro de que será un importante jalón dentro de la historia de nuestra escena. «Agosto (Condado de Osage)» es sin lugar a dudas uno de los más grandes textos del teatro contemporáneo. Posee pulso, tensión, humor, vitriolo, poesía, dolor, calor... Sus personajes están arrancados de la tierra; tienen carne, sangre y, sobre todo, un corazón que late con fuerza en todas sus palabras y en todas sus acciones. La historia que cuenta Tracy Letts no es, en principio, nada original: se trata de una familia que se reúne con motivo de la muerte de uno de sus miembros; tampoco es nuevo el desarrollo, con las miserias y los secretos de sus miembros saliendo a la luz y convirtiéndose en reproches y peleas generacionales. Hay, naturalmente, giros insospechados, sorpresas que van trufando la intrahistoria de esta familia, que es en el fondo el símbolo de una sociedad decadente. El mérito de Letts es que desde la primera escena (un prólogo en el que se presenta y se despide al tiempo al patriarca de la familia) consigue atrapar con el lazo de sus palabras al espectador, al que después va acercando poco a poco hasta su historia hasta darse de bruces con ella. Es imposible no sentirse absolutamente fascinado. Especialmente por la violencia y la profunda teatralidad de la escena final del primer acto, una cena que es casi una competición de dardos verbales; o las escenas últimas, donde afloran los secretos inconfesados y donde, como en la «Sinfonía de los adioses», los personajes van abandonando a la madre hasta que esta queda en soledad y llora impotente: «¡Ya no estáis, ya no estáis, ya no estáis!»
Gerardo Vera ha seguido ese tantas veces acertado lema de que la mejor dirección es la que no se nota. Los hilos con los que mueve a sus personajes son invisibles, y son ellos quienes se mueven en escena encarnados por un reparto tan compacto como brillante. Después de doce años, Amparo Baró ha vuelto a los escenarios para brindar uno de los mejores trabajos de su vida, si no el mejor. Sola o en compañía de Carmen Machi -otra actriz monumental, gigantesca, de colores incontables-, su interpretación es antológica. Violet Weston, una mujer agria y sinuosamente malvada, se beneficia del talento de esta actriz que no necesita de focos para brillar en escena. Son las dos puntas de lanza de un reparto donde Irene Escolar sube otro escalón (o tres o cuatro de golpe) en su cada vez admirable carrera; su Jean (el personaje tiene 14 años) está servido con inocencia y sensualidad a partes iguales, e Irene lo hace pasear en ese filo con absoluta convicción. También dignas de mención son la solidez de Antonio Gil, la airada contención de Alicia Borrachero o la callada discreción de Marina Seresesky.
No me cabe duda, repito, de que el estreno de «Agosto» no va a ser solo uno de los acontecimientos del año, sino que pasará a la historia de la escena española como una de esas funciones irrepetibles e inolvidables. Si podéis, no os lo perdáis. No os asusten las casi cuatro horas de representación. Ni se notan...

No me hagas daño

2011-12-05T13:19:00.001+01:00

Siento, como no podía ser de otra manera, repugnancia por el maltrato a la mujer. Pero, por cuestiones familiares, siento la misma repugnancia por las mujeres que utilizan la injusta ley de violencia de género para sacar provecho de su ventaja legal y, en muchos casos, tratar de arruinar la vida de sus maridos. Conozco muy bien esta cuestión. Por eso cuando se plantea, como en la obra No me hagas daño, de Rafael Herrero, en la sala pequeña del teatro Español, una historia de maltrato, me disgusta su punto de vista maniqueo y políticamente correcto (aunque absolutamente real y terrible), y que nadie cuente una realidad tan triste como denunciable, y que acarrea también grandes tragedias.
Avanzo esta explicación porque quizás sean mis circunstancias personales las que no me hicieron emocionarme apenas al ver la función salvo por el trabajo de los actores. Cuenta, sí, una historia que no por repetida deja de ser menos atroz, pero creo que la acumulación de tópicos y el estilo narrativo le da un tono más documental que teatral. La puesta en escena de Fernando Bernués huye del morbo y es limpia, serena, tiene ritmo, y deja el peso de la función en manos de sus actores. Me gustó mucho Alfonso Torregrosa (sustituto de un enfermo Kike Díaz de Rada) en el papel de Raúl, el marido de la víctima, convertido en un psicópata terrible. Me parecieron correctos Maiken Beitia, Olaia Gil e Isidoro Fernández. Pero lo mejor de la función, para mi, es Sandra Ferrús, una actriz a quien ya había admirado en El mal de la juventud, de Ferdinand Brückner. Al igual que en aquella función, aunque de manera totalmente distinta, su personaje realiza un viaje desde el cielo a los infiernos, y Sandra, que posee en escena una luz especial, y que arranca esta obra como un personaje secundario, llena de colores a su personaje, una colombiana (su tratamiento del acento, sutil pero omnipresente, es otra muestra de su calidad) que protagoniza las últimas escenas con una conmovedora convicción.

Oficina de patentes

2011-12-04T17:27:00.001+01:00

Ya han pasado tres días desde el estreno de Oficina de patentes en Microteatro por dinero, y al público parece gustarle. En prácticamente todas las sesiones hemos llenado la sala y los comentarios son positivos. Estoy feliz, pero también algo perplejo y confuso, porque es una situación totalmente nueva para mí; todo se ha desarrollado muy deprisa y ha ido sobre ruedas. A finales de julio, Sonia Dorado y yo asistimos a Microteatro; yo había oído hablar mucho y muy bien de este proyecto, y me encantó la fórmula. Sonia comentó conmigo la posibilidad de hacer algo, y al cabo de unas semanas me había comprometido a escribir algo para ella y para Alberto Sánchez. No recuerdo cómo llegué a la idea de situar la obra en una oficina de patentes y de plantear la situación: el diálogo entre una funcionaria y el hombre que llega para patentar un invento. Escribí un par de folios y se los di a leer para ver si se encontraban cómodos con el tono de la comedia, que arranca con diálogos muy vivos y escuetos. Les gustó y unos días después (gracias a la sugerencia de Sonia sobre el invento de nuestro protagonista) tenía listo el texto. A los actores les pareció bien y yo se lo envié a Juan Carlos Pérez de la Fuente (que además de uno de los grandes directores de este país es un buen amigo), a quien le pedí que lo leyera y me diera su opinión sincera. Me llamó encantado con el texto y eso me animó a preguntarle si quería dirigirlo. No dudó, así que teníamos proyecto. Lo enviamos a Microteatro por dinero y un par de semanas más tarde nos llegaba la gran noticia: nos habían seleccionado para formar parte de la programación de diciembre. Presenté a los actores a Juan Carlos, que ha mostrado desde el primer minuto una generosidad superlativa, y comenzaron a trabajar. A mí me "apartaron" de los ensayos; lógico, el texto ya era suyo. Se incorporó al equipo Alicia, la hermana de Sonia, para idear la escenografía, y el 1 de diciembre se "levantó" el telón.
Juan Carlos Pérez de la Fuente ha llenado la puesta en escena de detalles que enriquecen enormemente la peripecia, y ha encontrado en los dos actores, Sonia y Alberto (curtidos en el musical, pero con escasa experiencia en el teatro de texto), la complicidad, la dedicación y la calidad necesarias para dar vida a los personajes. Los dos se han entregado por completo al proyecto, y muestran una naturalidad y una chispa verdaderamente plausibles.
Hay más personas a quien tengo que agradecerles su amistad: Danny Mejías, que lo primero que me dijo cuando supo que estrenábamos: "Yo te hago la prensa". Danny es uno de los mejores jefes de prensa que conozco, y un gran amigo, prácticamente un hermano. Ángel de Antonio no puso un solo pero cuando le pedí que hiciera unas fotos de los actores y del director; la sesión en casa de Juan Carlos Pérez de la Fuente, sin apenas condiciones, fue muy divertida y fructífera. Y he encontrado una respuesta extraordinaria en compañeros míos, tanto de mi periódico como de otros medios, que han ayudado con mucha generosidad a difundir nuestra presencia en Microteatro.
No me considero autor; tengo demasiado respeto por esa palabra, porque sé que escribir una obra de teatro es una labor que requiere de un esfuerzo que yo no soy consciente de haber realizado. No sé, me lo han preguntado varias veces, si voy a seguir escribiendo teatro; siempre, lo confieso, me ha tentado, e incluso había pergeñado el inicio de alguna función, que se ha quedado en simple intento. Quizás lo retome, quizás prepare otro proyecto para Microteatro, quizás pruebe a escribir un texto largo, quizás... Solo quizás. De momento, me quedo con la experiencia de estos días, que me están llenando mucho más de lo que yo había podido imaginar.

El Ballet Nacional, en Rusia

2011-11-29T19:32:00.001+01:00

El Ballet Nacional de España ha comenzado una gira por Rusia que ha comenzado en el mítico teatro Mariinski de San Petersburgo y concluirá el 9 de diciembre en el no menos legendario Bolshoi de Moscú. Y no puedo por menos que recordar mi primer viaje profesional al extranjero, en marzo de 1987, precisamente acompañando al Ballet Nacional a San Petersburgo (entonces todavía Leningrado) y Moscú. Fue aquella una experiencia verdaderamente inolvidable en todos los sentidos; hace unos días, me encontré con Carmen Morillas y Carlos Guerrero, dos de los técnicos de aquella gira -ella sigue todavía en Sastrería, él se jubiló ya como jefe de Iluminación-, y volvimos a recordar el viaje, que me sirvió para conocer a una compañía extraordinaria. Lo he dicho mil veces, y lo vuelvo a repetir ahora. El Ballet Nacional de España, por características, calidad y repertorio es un tesoro único de nuestra cultura que conviene mimar y cuidar de una manera especial.
En aquel viaje pasaron muchas cosas. La primera, que en el trayecto Madrid-Francfort-Moscú me perdieron la maleta. Imaginaos: yo, con veintitrés años, llego a la Unión Soviética (entonces no era Rusia) y me encuentro con que hemos llegado con mucho retraso, mi maleta no está y tengo que cambiar de aeropuerto para tomar otro avión rumbo a Lenignrado. El mundo se me vino abajo. Menos mal que en el aeropuerto de Moscú me esperaba Sara, una de las traductoras (creo recordar que en el Ballet las llamaban «periboches») asignadas a la compañía para su estancia en la capital soviética. Ella se ocupó de los trámites para reclamar mi maleta, de acompañarme al otro aeropuerto y de conseguirme un billete en el siguiente avión (el mío lo había perdido, claro) hacia Leningrado. Éste era como un autobús de línea de tercera, pero por el aire, y allí empecé a notar algo que me llamó la atención durante todo el viaje: el penetrante y desagradable olor que había en prácticamente todos los lugares cerrados.
Cuando llegué a Leningrado -noche cerrada y gélida- me estaba esperando Luis Llorente, por aquel entonces jefe de prensa del Ballet. Ya en el hotel, cenamos, nos bebimos junto al desaparecido Carlos Valverde, sobreintendente de la compañía (creo que había alguien más, pero no lo recuerdo bien), una botella de vodka. Solo me di cuenta de lo que había bebido cuando me levanté y la sala empezó a dar vueltas.
La habitación era apenas un camarote; lavé en el cuarto de baño la ropa interior (con una pequeña pastilla de jabón, no había más) para poder usarla al día siguiente, y dormí profundamente después de un día terrible.
La maleta apareció a los tres días; ya nos habíamos ido a Moscú, y confieso que cuando la vi en el hall del hotel (el Rossia, un monumental edificio; tanto, que había una recepción con las llaves en cada planta) la abracé como si me hubiera reencontrado con una vieja amiga. Pude cambiarme de ropa (por cuestiones de talla, los bailarines no me habían podido prestar nada, y estuve ese tiempo con las mismas prendas) y confieso que fue una verdadera felicidad. Menos mal que estábamos a 17 bajo cero. Si me hubiera ocurrido en pleno verano, no hubiera podido despegar los brazos del cuerpo.
Lo pasé realmente bien en aquel viaje. Paco Ruiz, un antiguo bailarín reconvertido en fotógrafo, recibió el encargo de «ponerse a mi servicio» para hacer las fotos que yo necesitara para el reportaje, que se publicó en Los domingos de ABC. Nos hemos reído mucho siempre recordando esa frase. Fui testigo del entusiasmo que despertaba la compañía en las dos ciudades, donde el público subía con flores y regalos hasta el mismo escenario (esa era la costumbre). Madrugué para acompañar a los técnicos en el montaje del espectáculo en el impresionante palacio del Kremlin de Moscú, en cuyo escenario, del tamaño de un campo de fútbol, descansaba una gigantesca cabeza de Lenin. Pasé con ellos y con muchos miembros de la compañía muchas horas; nos fotografiamos en el Kremlin (la foto corresponde a ese momento), delante del Bolshoi... Pude visitar el Mariinski (entonces Kirov), el museo de la Guerra de Leningrado, el Hermitage (donde coincidimos con la compañía del Centro Dramático Nacional, que representaba en una gira inversa «Luces de Bohemia», de Valle-Inclán, con el gran José María Rodero al frente)... Me reuní junto a varios corresponsales con el ministro de Cultura, Javier Solana... Seguí alguna representación junto a los técnicos de sonido, de luces y Juanjo, el pianista... E hice buenos amigos, entre ellos mi querida Merche Esmeralda, una bailaora excepcional y una mujer maravillosa.
Tengo muchos y muy vivos recuerdos de aquella gira, de la que escribí un largo reportaje dividido en cuatro, como si fueran las cuatro sevillanas (todavía tenía muchos conceptos equivocados sobre el flamenco y la danza española). Y hubo en el texto su anécdota, porque durante el montaje del espectáculo me confesó el director técnico, Freddy Gerlache, que en los viajes metían alguna botella de vino en las cajas de la escenografía y las luces. No recuerdo la cifra, pero la multipliqué por mucho y a los técnicos les cayó una reprimenda que me comentaron después entre risas.
Perdonad la extensión de la entrada, pero había mucho que contar... Y eso que me he dejado muchas cosas en el tintero...

José Ramón Fernández

2011-11-25T13:20:00.001+01:00

Hace unos días, José Ramón Fernández fue galardonado con el premio Nacional de Literatura Dramática por su obra «La colmena científica o El café de Negrín«, que se estrenó en el teatro María Guerrero hace algo más de un año. Me alegra porque además de ser un dramaturgo importante, imaginativo y profundo es un tipo estupendo.
Nos conocimos en mayo de 1986. El entonces jefe de Cultura, Tomás Cuesta, me envió al Ateneo para entrevistar a un grupo de jóvenes que habían creado una singular candidatura para las elecciones a la junta de gobierno del Ateneo. Ya con el nombre de la candidatura dejaban claras sus provocativas intenciones: Gandidatura Irresponsable y Lasciva para la Destrucción del Ateneo (GILDA). Entre los cinco jóvenes que conformaban el grupo estaba José Ramón Fernández. Lo que pretendían era sacudir las solapas de una institución que estaba entonces (ahora tengo la sensación de que es todavía peor) en un estado de decadente sopor. Con propuestas como «quemar públicamente todos los libros», «bajar todas las plantas a la planta baja» o «hacer descapotable la biblioteca» querían ser un revulsivo para la institución. Creo recordar que no consiguieron ser elegidos ninguno de ellos.
Volví a encontrarme con José Ramón años más tarde, cuando él era jefe de Prensa del Centro Dramático Nacional, y hemos mantenido el contacto y la buena relación. Nunca lo he visto alterado, es sin duda «el hombre tranquilo». Ahora desarrolla una extraordinaria labor en el Centro de Documentación Teatral. Como autor, tuvo su primer gran éxito con la trilogía de la junventud, especialmente con «Las manos», escrita junto a Yolanda Pallín y Javier Yagüe. En realidad no fue un éxito, sino un acontecimiento. También ha escrito obras de mucha calidad como «Nina» o «La tierra», y ha realizado adaptaciones con mucho fundamento y claridad. Es, por tanto, uno de los grandes valores de la dramaturgia española actual, y me satisface mucho poder felicitarle y recordar aquel primer encuentro con Gilda.

La Valdés

2011-11-16T13:48:00.001+01:00

Mi amigo y colega Nacho Fresno me llamó la mañana del pasado domingo para darme la noticia. «Falleció La Valdés». Se refería, claro, a María Jesús Valdés, una de las más grandes actrices que ha dado nuestro país en las últimas décadas, y una mujer a quien era imposible no tomar cariño. Yo la conocí hace pocos años, cuando representaba, de la mano de mi buen amigo Juan Carlos Pérez de la Fuente, «Carta de amor», ese monólogo de Fernando Rabal que ella convirtió en una sobrecogedora experiencia teatral, y que pude ver un par de veces en Madrid y una tercera en París. No puedo decir que nos viéramos mucho; apenas dos o tres encuentros, pero hablábamos por teléfono con cierta frecuencia. Tenía siempre conectado el contestador automático, y al oir mi nombre descolgaba. Siempre, siempre, me hablaba con la voz sonriente y luminosa. Ella era -al menos así la conocí yo- una mujer optimista, vital, de mirada franca. Me llamaba la atención la claridad de su dicción (también fuera del escenario), ese castellano límpido con el que se expresaba.
La Valdés. Hay pocas actrices que merezcan este «aristocrático» tratamiento. Y estoy convencido de que cuando se les otorga es porque hay en ellas algo especial que trasciende al hecho de ser grandes actrices. Son mujeres de una extraordinaria categoría humana, tan o mayor que la artística. Era el caso de La Valdés, sin duda. Y baste una anécdota para ilustrar esa grandeza. Hablábamos un día por teléfono, para una entrevista con motivo de algún premio o alguna fecha redonda en su gira de «Carta de amor». La conversación profesional fue derivando hacia lo personal y -la carta del título se la dirige Arrabal a su madre- acabamos hablando de mi madre, con quien me une, muchos lo sabéis, una relación muy especial, fundamentalmente a raíz de la muerte, hace 18 años, de mi padre. María Jesús -La Valdés- me escuchaba hablar de ella, me acariciaba y me sonreía (así lo sentía yo a pesar de que nos separaba la línea telefónica), y antes de colgar me dijo con resolución: «¡Julio, dame la dirección de tu madre, que le voy a mandar unas flores!» «No, María Jesús, no te molestes», contesté. «No es molestia. Quiero hacerlo, porque tiene que ser una mujer maravillosa». «Sí, claro que lo es», dije yo. «Insisto. Espera que vaya a por algo para apuntar y me la das. Tengo yo ese gusto». Y le dí la dirección, claro. Un par de días más tarde mi madre recibió en su casa una hermosa planta. No recuerdo la dedicatoria, pero había en ella un cariño extraordinario. El mismo que yo le he tenido siempre, y el mismo que llena mi recuerdo sobre esta actriz superlativa y, sobre todo, maravilloso ser humano. María Jesús, te mando un beso agradecido.

Carmen Machi y Juicio a una zorra

2011-11-07T20:42:00.001+01:00

No suelo escribir más de una entrada en el mismo día, pero no quiero que se me quede en el tintero el comentario sobre Carmen Machi y su Juicio a una zorra (escrito y dirigido por Miguel del Arco); estará en La Abadía únicamente hasta el día 20, y os aconsejo que si podéis no os lo perdáis.
Mi primer contacto con Carmen Machi fue la llamada telefónica que le hice hace unos tres años para comunicarle que había ganado el premio ABC de teatro (el primero, y confío que no el último, que se concedía), por su trabajo en La tortuga de Darwin. Al medio minuto de conversación se había creado ya una corriente de simpatía mutua que se mantiene intacta a día de hoy. Tuve la sensación, y me ocurre muy pocas veces, de que nos conocíamos de toda la vida. La entrevisté unos días después, en la misma Abadía, y nos hemos encontrado varias veces desde entonces.
Carmen es una mujer que irradia simpatía, bondad. Quienes han trabajado con ella hablan de una profesional de primera categoría, de una compañera de generosidad extraordinaria. Quienes hemos compartido siquiera unos minutos con ella sabemos de su inteligencia, su claridad, su atención, su sinceridad... Y quienes hemos podido verla sobre el escenario nos hemos encontrado con una actriz aspiradora, capaz de llegar a los más escondidos recovecos de sus personajes, para después convertirlos en parte de sí misma. Toda la naturalidad que desprende la tienen también sus interpretaciones. Probablemente le ha costado mucho despegarse de ese devorador personaje de Aida, y sé de más de uno que la ha mirado con recelo en los carteles de los teatros. Pero Carmen Machi ha sabido, gracias a su talento, su empeño y su enorme capacidad de trabajo, ser Carmen Machi y sus circunstancias (o sea, sus personajes).
En este precioso y difícil monólogo hecho a medida por Miguel del Arco, y que estaba previsto que se viera únicamente en el pasado festival de Mérida (afortunadamente va a viajar por toda España), Carmen Machi se vuelve Helena de Troya; una mujer que reivindica el olvido, que toma la palabra para contar la historia desde su punto de vista, para defender su comportamiento, para negar los cargos que se le han imputado a lo largo de los siglos... Para repetir que su único pecado fue amar.
Y Carmen Machi, o Helena de Troya, convierten la función en una catarata de sensaciones, de hechos, de palabras, de nombres; en un espectáculo magnético, que se abraza al espectador desde el primer minuto; un espectáculo hermoso, lleno de pulso (no pude evitar el recuerdo de Purgatorio y comparar sus diferentes ritmos y tensiones), trágico, divertido, profundo y, sobre todo, emocionante. Y con una actriz ante la que hay que quitarse el sombrero.

"Purgatorio" y Viggo Mortensen

2011-11-07T19:38:00.002+01:00

Asistí con mucho interés y curiosidad al estreno de Purgatorio, el pasado viernes en las Naves del Español, en el Matadero. No había escuchado buenos comentarios sobre la función (de gente que había visto alguno de los ensayos generales), pero tanto el autor, Ariel Dorfman (su obra La muerte y la doncella me encanta) como los actores, Carme Elías y Viggo Mortensen, eran reclamo suficiente para ir con optimismo. Desgraciadamente, éste se desvaneció pronto y salí enormemente decepcionado.
No me gustó el texto, demasiado oscuro, lóbrego, impenetrable, y que se remite a uno de los grandes mitos clásicos, el de Medea. Sobre el horroroso crimen -ella mata con sus propias manos a sus dos hijos- sobrevuelan los conceptos del perdón y la redención, a través de unos personajes demasiado fríos, demasiado hieráticos, demasiado lúgubres; demasiado ambiguos y faltos de carne también. Me gustó menos aún la dirección, que encontré totalmente falta de pulso, contagiada por el tono discursivo de texto y personajes. No hay musculatura en un enfrentamiento que apenas se templa en un par de ocasiones. Un duelo como el que se plantea en la obra es siempre susceptible de ser coloreado, pero en esta puesta en escena solo vi grises resueltos además con pinceladas gruesas y faltas de detalles.
Carme Elías tiene la extraordinaria capacidad de otorgar calidad a todas sus intervenciones, incluso aquellas en las que su personaje (sus personajes) peca de inconsistencia. Y Viggo Mortensen, comprensiblemente la gran atracción de este montaje, apenas concede vuelo a su interpretación; cuando se viste la bata blanca se acomoda en una mezza voce interpretativa que se agranda algo cuando encarna al amante de la mujer, al padre de los niños que han perdido la vida cruelmente. Pero el motor nunca termina de arrancar y uno tiene la sensación de que ese purgatorio se ha convertido en realidad en un limbo etéreo e indeterminado que no se sabe bien adónde conduce.

Viggo Mortensen

2011-11-02T20:55:00.000+01:00

No es la primera estrella de Hollywood a quien me ha tocado entrevistar, pero encontrarme frente a frente con Viggo Mortensen me resultó extraño. Fue el lunes, antes de la rueda de prensa que iba a ofrecer, junto al resto del equipo artístico, por el estreno de «Purgatorio», una obra de Ariel Dorfman que se estrena este viernes en las Naves del Español, en el Matadero Madrid, con dirección de Josep Maria Mestres. Hice la entrevista junto a Rosana Torres, mi amiga y colega de «El país», y Mortensen acudió junto a su compañera de reparto, Carme Elías (al parecer ha querido que estuviera en todas las entrevistas que le hicieran a él, un bonito detalle de generosidad por su parte). Tiene una mirada azulada y transparente y una expresión tranquila. Habla con una voz ligeramente arañada y en un español perfecto de acento indefinible que, de vez en cuando, salpica con giros y dejes argentinos. Y es que, como ya sabéis muchos, el actor nació en Nueva York, pero pasó buena parte de su infancia en Argentina. Muy futbolero, es fácil oirle presumir de su fidelidad por el San Lorenzo de Almagro. Ahora pasa, además, largas temporadas en Madrid, porque aquí vive su actual pareja, Ariadna Gil.
Precisamente la actriz catalana iba a ser su compañera de reparto en el primer intento de montar en el Español «Purgatorio», hace un par de años. No pudo ser, y el proyecto se retomó meses más tarde, ya con Emma Suárez en el lugar de Ariadna Gil, embarcada en otros trabajos. La enfermedad de la madre de Viggo Mortensen hizo que de nuevo el montaje se postergara (muchos pensaban que de manera indefinida). Pero no: aunque, como el propio actor nos dijo a Rosana y a mí, no había obligación por su parte, él tenía la sensación de que tenía una deuda con el público de Madrid, con el Español, con Ariel Dorfman, y que el círculo no se había cerrado.
Pero a la tercera va la vencida. Hace veinticuatro años que no se sube a un escenario (interpretó «Bent» en California en 1987), y es la primera vez que hace teatro en español. «Es una ansiedad que crece y crece -nos reconocía-, es una obra que no permite relajarse ni un segundo, que no hay escape, y hay momentos de pánico donde... No sé cómo va a ser cuándo esté lleno de gente... Me voy a morir. . Yo he preguntado varias veces (aquí creció su acento argentino): "¿Por qué tiene que venir gente?" Nos estamos divirtiendo, ya estamos aprendiendo mucho. No hay que ser tan vanidoso, no tiene que venir nadie».
En media hora no se puede conocer a alguien, claro, pero Viggo Mortensen, que mira a los ojos de su interlocutor cuando habla, me pareció un hombre educado, afable, simpático, incluso sencillo, alejado totalmente del estereotipo de la estrella de Hollywood. Es, o al menos esa impresión me dio, un hombre elocuente, reflexivo, inteligente, de ideas claras. Al hablar del perdón, la médula espinal de la obra, fue inevitable referirse a ETA; en la rueda de prensa posterior también lo hizo, y ha habido interpretaciones muy diversas a su intervención sobre una cuestión más que vidriosa. Y es que es difícil explicar en pocas palabras, y menos en un titular, lo que dijo y el subtexto de sus palabras. Él se refería al concepto del perdón; la obra, explicó, plantea muchas preguntas; entre ellas, si se puede perdonar todo, y la única respuesta que ofrece es que el perdón, si es verdadero, no puede exigir condiciones. El perdón de ETA, por tanto (un perdón todavía inexistente, que los terroristas no han pedido), debe de ser incondicional. Y si la sociedad perdona a ETA también debe de hacerlo sin condiciones. Pero Mortensen diferenció entre perdón y amnistía (según la RAE, «Olvido legal de delitos, que extingue la responsabilidad de sus autores»): perdonar no significa que no se aplique la ley y que no paguen por sus delitos; «Uno puede perdonar al mayor monstruo -argumentó- y al tiempo encerrarle en la cárcel». Yerran, creo, quienes interpretaron en sus palabras que él era partidario de perdonar (de «amnistiar», en realidad) a los terroristas. Aunque, como he hablado con varios compañeros, tampoco sea relevante lo que Viggo Mortensen pueda opinar en este sentido.
Tengo ganas de verle sobre el escenario, y confío en que como actor de teatro me produzca una impresión tan positiva como la que me produjo la persona.

La foto es de mi compañero Jaime García

El Rey León

2011-10-27T21:30:00.000+02:00

Quienes seguís este blog -de nuevo, ¡gracias!- sabéis la pasión que siento por «El Rey León» desde que vi el musical en Nueva York, hace catorce años, así que comprenderéis la emoción de poder verlo ahora en Madrid. El viernes pasado publiqué en ABC la crítica de la producción española del espectáculo (http://www.abc.es/20111025/cultura/abci-criticaelreyleon-201110251933.html), pero quiero resumir aquí, de una manera más personal, mis sensaciones e impresiones sobre el montaje.
De la producción en sí, poco más que decir que no haya dicho antes: que es una catarata de imágenes, un fascinante derroche de imaginación, un espectáculo de una inteligencia extraordinaria, mimado al detalle, con un vestuario de una riqueza deslumbrante y una inigualable colección de marionetas, máscaras y muñecos que conforman una impresionante reino animal. El reino de la fantasía, como titulé mi crítica en ABC.
El Lope de Vega (espléndidamente reformado) no es el teatro ideal para presentar «El Rey León», y los productores españoles (Julia Gómez Cora, directora de Stage, ha peleado lo indecible para traer este espectáculo a nuestro país) han tenido que usar el calzador para que pudiera entrar todo. El montaje es gigantesco, pero lo que ve el público es únicamente la punta del iceberg de una producción que tiene un espectacular trasiego interior. En este sentido, no ha podido hacerse que la Roca surja desde el subsuelo, como ocurre en el montaje original, sino que aparece desde uno de los laterales; pero no es algo que sea tan importante como en principio podría parecer. Sí sufren las escenas corales, que presentan una mayor confusión y abigarramiento (el espectáculo se ve mejor desde el primer piso que desde el patio de butacas). Son, no obstante, inconvenientes que no merman la grandeza del espectáculo.
Me confesaba Julia Gómez Cora que en ninguna de sus anteriores producciones había sido tan difícil completar el reparto. Se han realizado audiciones en varios lugares del mundo y por ellas han pasado más de cinco mil personas. Finalmente, se ha reunido a un elenco multicultural e internacional, con diversas nacionalidades entre los principales intérpretes, que proceden de Panamá, Italia, México, Suráfrica o Cuba. He escuchado quejas entre algunos actores españoles por este hecho, y no me parece del todo justo. La productora está en su derecho de buscar fuera de nuestro país a los intérpretes que considere más idoneos para cada espectáculo, y «El Rey León» requiere de un reparto muy particular. Otra cosa es que lo de fuera no supere a lo de dentro, como posiblemente sucede en algunos casos. La cuestión de los acentos, que en actores como Daniella Pobega o David Comrie se notan todavía mucho, me parece también un problema muy menor.
El nivel general de los protagonistas, lo decía en la crítica, es correcto. Me gusta especialmente, y creo que en este sentido es lo mejor de la función, Carlos Rivera, un mexicano que hizo carrera en aquel país tras su paso por Operación Triunfo, y que interpreta a Simba. Curiosamente, ha sido el personaje más difícil de adjudicar, y su elección es acertadísima. Tiene presencia, atractivo, una voz luminosa... Todo lo que hay que pedirle a Simba, el «más protagonista» de una obra muy coral. También Sergi Albert está espléndido en un papel, el de Scar, en principio alejado de sus características y con una exigencia interpretativa mayor de lo que estaba acostumbrado, pero al que se ha amoldado perfectamente.
De entre todos los comentarios que he escuchado sobre el musical, la mayor polémica la provoca el exagerado acento andaluz que le han adjudicado al personaje de Timón (David Ávila); a mí, particularmente, no me molesta ni me parece un horror como he escuchado decir a alguna persona, pero me parece absolutamente innecesario y no aporta nada; creo que distrae más que ayuda, pero he de decir que el día de la función de prensa a la que acudí el público se rió mucho con este personaje.
Pienso también que Jordi Galcerán ha realizado un espléndido trabajo con la traducción. Como siempre, hay personas (empezando por mi sobrino Pablo) que echan de menos las letras de la versión española de la película, pero los textos de Galcerán tienen naturalidad y son cantables.
Y creo que no se me olvida nada... Os recomiendo que no os lo perdáis (sé que los precios son muy altos, pero merece la pena), reitero mi admiración ilimitada hacia Julie Taymor y deseo, como manda la tradición, larga vida al Rey (León).

Fuerza bruta

2011-10-25T21:21:00.000+02:00

Tengo pendiente todavía hacer una crítica de El Rey León más personal de la que se publicó el viernes en ABC (y que espero que esté en breve colgada en la web), pero antes quiero referirme a «Fuerza bruta», un espectáculo que ha estado hasta el domingo en el Price. Lo han creado Diqui James (uno de los dos fundadores, junto a Pichón Baldinu, del grupo argentino De La Guarda) y Gaby Kerpel (compositor musical de dicho conjunto). De La Guarda es un referente del teatro aéreo, de una manera de entender el espectáculo desde su expresión más física. «Fuerza bruta» mantiene estas premisas y agita todos los sentidos del público en apenas una hora de espectáculo. Luces y música elevan su nivel para despertar la tensión de los espectadores. Desde el momento inicial, un hombre que corre sobre una cinta contínua sin llegar a ninguna parte, el ritmo se acelera con imágenes y situaciones de gran potencia visual, subrayadas por una incesante música; los actores atraviesan muros, se dejan caer, corren sobre la cinta continua o sobre una gigantesca cortina que rodea a los espectadores, bailan desenfrenadamente en un minúsculo cubículo o se dejan empapar por una ducha en la que parte del público se mete también...
Pero la principal apuesta de este espectáculo es una gigantesca piscina situada sobre las cabezas de los espectadores, colgada de una gigantesca estructura y con su fondo transparente. El público puede tocar esa piscina en la que un grupo de actrices (y atletas, y acróbatas, y bailarinas, y...) se arroja, repta, medio nada (apenas hay agua). Las formas logradas entre los cuerpos, el agua y las luces, subrayadas por la música, producen los momentos más bellos y relajados del espectáculo.
Es curioso ver la respuesta entusiasmada del público, que sigue de pie el espectáculo y se mueve según las necesidades técnicas de cada momento; un público, por otra parte, particular y, en general, poco habitual en las salas teatrales. Se entregan casi desde el minuto uno y se dejan seducir por el envolvente espectáculo que es entretenido y diferente.

Irene Escolar

2011-10-19T10:35:00.000+02:00

Hoy cumple años Irene Escolar (es muy joven, pero no diré su edad, uno es un caballero); y además de felicitarla desde aquí, la ocasión me parece una excusa como otra cualquiera para dedicarle una entrada en este blog, que me consta que sigue, lo que para mí es un verdadero honor. La conozco poco, apenas tres o cuatro conversaciones, y no he visto más que tres funciones suyas -«Rock'n'roll», «El mal de la juventud» y «Oleanna»-, más la película «Los girasoles ciegos», pero creo que es más que suficiente para saber que es un bello ser humano y una estupenda actriz, muy comprometida y enamorada de una profesión que -no encuentro ninguna expresión mejor que el tópico- lleva en la sangre. Es nieta de Irene Gutiérrez Caba y, por tanto, sobrina-nieta de Julia y Emilio Gutiérrez Caba, que no son malos antecedentes.
Que haya trabajado ya con directores como Álex Rigola, Mario Gas o Andrés Lima, que Gerardo Vera la haya incluido en el reparto de «Agosto» y que Miguel del Arco cuente con ella en «De ratones y de hombres» -las dos producciones se estrenarán el año próximo- dice mucho de su progresión como actriz. Ya escribí en este mismo blog lo mucho que me impresionó su trabajo en «Oleanna», la difícil obra de Mamet que interpretó en el teatro Español junto a Jose Coronado, con dirección de Manuel de Benito. No me repetiré, pero sí recordaré la detallista precisión de su delicado trabajo.
Este verano coincidimos en Londres; antes de viajar, recibí un mensaje suyo en Facebook. Se había enterado de que iba y, como ella estaba ya allí, me dio cuatro o cinco títulos para ver. Todo un detalle. Nos encontramos una mañana, frente a la puerta del Donmar Warehouse, adonde habíamos ido mi sobrino Pablo y yo para, infructuosamente, tratar de conseguir entradas para «Anna Christie». Irene iba con su pareja, el también actor Martín Rivas. Más tarde nos volvimos a ver en el teatro, donde vimos «Betrayal», de Harold Pinter. Salimos los cuatro emocionados por el montaje y por la interpretación de los actores, entre los que estaba Kristin Scott-Thomas. «Creo que es el mejor Pinter que he visto nunca», me dijo Irene, a quien, repito, le desborda la pasión por el teatro. Me alegró ver hace unas semanas que estaba (también Martín) entre los actores que trabajaron en Avilés con Kevin Spacey. Seguro que ha aprovechado la experiencia, porque sus ganas de aprender son infinitas.
Lo dicho, Irene: ¡¡Muchísimas felicidades!!

Musicales en Madrid

2011-10-17T12:23:00.002+02:00

Me anima mi sobrino Pablo -y me alegro, porque tengo el blog totalmente desatendido, por lo que os pido disculpas-, a escribir sobre los musicales que han abierto sus puertas en este arranque de temporada. Falta todavía el más esperado, «El Rey León», y la vuelta de «Chicago» en noviembre, pero no me parece mala idea reunir en una entrada mis impresiones sobre las tres funciones que he visto: «Shrek», «Más de cien mentiras» y «Hair». De las dos primeras ya he dado cuenta en ABC; la crítica de la tercera saldrá en breve.
Que Madrid cuente con cuatro (pronto serán cinco) musicales de gran formato al mismo tiempo es signo de que el género ha encontrado acomodo en la cartelera y, por tanto, en el gusto de los espectadores; por eso los productores apuestan por él incluso en estos tiempos de obligados ahorros y restricciones. Significa igualmente que se están haciendo bien las cosas (en líneas generales, claro), porque de otra manera el público daría la espalda.
No nos engañemos: Madrid sigue teatralmente a mucha distancia de Londres o Nueva York (con las que siempre buscamos comparación), pero por delante de capitales como Roma o París, dos indiscutibles referentes. El Ayuntamiento y la Comunidad son conscientes de la importancia que tiene el teatro tanto desde el punto de vista cultural como turístico (especialmente, en este aspecto, los grandes musicales) y lo apoyan decididamente (en el caso del Consistorio hasta niveles exagerados, porque la exposición dedicada a «El Rey León» en un espacio público y la iluminación de Cibeles con sus colores me parece totalmente excesiva). Pero en fin, más vale pecar por exceso (aunque debería ser de forma equilibrada) que por defecto.

Y vamos ya con el comentario a los tres musicales citados: «Shrek», «Más de 100 mentiras» y «Hair». El primero, y siento decirlo, me ha parecido el más flojo. Vi hace algo más de dos años el musical en el Broadway Theater de Nueva York y me pareció una producción soberbia de una obra más bien floja -con dos o tres canciones de mérito-, donde la escenografía, los efectos especiales y los números coreográficos eran casi su única razón de ser. Los condicionantes de la muy voluntariosa producción española hacen que sea, en líneas generales, una pálida copia del original. Me duele porque el esfuerzo artístico y económico es evidente y la ilusión de sus intérpretes desbordante. Pero es un espectáculo decepcionante, con una dirección desdibujada y poco detallista. De todos modos, ojalá el público no piense lo mismo que yo y llene el teatro todos los días.

A «Más de cien mentiras» acudí con cierta prevención, lo reconozco. No figura Joaquín Sabina entre mis gustos musicales, y los precedentes de la productora Drive -«Hoy no me puedo levantar», «Enamorados anónimos» y «Los cuarenta principales»- eran poco estimulantes. Pero me encontré con un musical muy serio, en el que la historia era un esqueleto firme para personajes de carne y hueso, con corazón y verdad. Que se les haya caído el bote de Mimosín en el final de la obra no empaña el trabajo cuidado de los guionistas, encabezados por David Serrano. Me dicen que después del estreno siguen perfilando cosas para afinar más un montaje muy bien hecho en líneas generales. A mi juicio, sobran números musicales que no hacen más que alargar en exceso la historia. Veinte minutos menos le vendrían bien al espectáculo, que se beneficiaría también de una dirección más cuidada en algunas escenas -especialmente las coreografiadas-: no siempre tiene que llenarse la escena de bailarines, máxime cuando el escenario del Rialto no tiene ni de lejos las dimensiones deseables. Me gusta mucho, pero mucho, el trabajo de los tres protagonistas, Guadalupe Lancho, Juan Pablo di Pace y Álex Barahona. Al magnífico Víctor Massán le han dibujado un personaje a medio camino entre el Colate de «Hoy no me puedo levantar» y el maestro de ceremonias de «Cabaret», y Diego Paris, Manitas, sale directamente del musical de Mecano sin que el personaje que allí encarnaba haya variado un ápice; es un gracioso pero a mí, sinceramente, no me hace gracia. Las canciones, por su parte, están muy bien arregladas, suenan teatrales y, salvo mínimas excepciones, están incluidas con tino dentro de la trama y de la historia.

Y le llega el turno a «Hair», uno de los títulos legendarios del teatro musical. Su estreno a finales de los años sesenta supuso una auténtica revolución en Broadway hasta alcanzar niveles de escándalo. La película que dirigió en 1977 Milos Forman popularizó aquella obra de hippies en el entorno de la guerra de Vietnam con un puñado de magníficas y potentes canciones. El montaje que se ha estrenado en el Coliseum vio la luz la pasada temporada en Barcelona, con un reparto lleno de novedades. Me habían llegado muy malas opiniones de esa producción, así que fui al teatro con escasa ilusión. Pero conforme avanzaba la primera parte de la función mis sentimientos iban cambiando, y en el descanso estaba satisfecho y entretenido. Otra cosa es la segunda parte, con una interminable escena de la alucinación de uno de los protagonistas que lastra mucho el espectáculo. Y matizo: no me parece un espectáculo redondo, ni mucho menos. Creo equivocada la visión «arqueológica» del musical, porque lo hace superficial, lejano y pasado de moda. El vestuario y las pelucas abaratan, a mi gusto, el espectáculo. No digo yo que la acción se sitúe en la Puerta del Sol en el 15-M, pero sí creo que una estilización de la imagen y una cierta descontextualización acercaría al público a la historia.
Hay mucha energía y una entrega admirable en todos los intérpretes, en un montaje que les exige un gran esfuerzo y un diálogo constante con el público, y peleando con un sonido sinceramente mejorable. Las coreografías están muy bien integradas en la acción, y hay mucho talento en escena: Eva Cortés, su hermano Momo, Joan Vázquez, María Virumbrales, Lourdes Zamalloa... Lucía Jiménez, el rostro más popular del reparto, aporta una luz especial a la tribu y canta más que correctamente -su dicción e intención son impecables y de ella tendrían que aprender cantantes con mucha mejor voz-, aunque posiblemente «Qué sencillo es» («Easy to be hard») le venga algo grande.

Puro teatro

2011-09-26T21:11:00.000+02:00

Por cuestiones de trabajo, no puedo ir normalmente al teatro más que los fines de semana que libro; uno sí, uno no. Así que no es raro verme viernes, sábado y domingo en un patio de butacas. Es lo que tiene trabajar en algo que te gusta. Este último fin de semana no ha sido una excepción, e incluso he rizado el rizo, porque sábado y domingo hice doblete. Soy un degenerado, lo sé... Pero anoche, después de asistir al último espectáculo, La gaviota, pensaba en las muchas posibilidades que ofrece la cartelera madrileña, con una oferta de una extraordinaria variedad y con propuestas de mucha calidad.
El viernes fui al Canal, a ver La Cenicienta, presentado por el Ballet Nacional de Cuba, que dirige la incombustible Alicia Alonso. El sábado, vi primero Llama un inspector, de Priestley, en La Latina, y después Traición, de Harold Pinter, en el Español. Y el domingo, dos piezas en Microteatro, Adentro y Yo te amo, antes de La Gaviota, de Chéjov, en el Lara. No puede haber mayor variedad; un ballet clásico, una obra de teatro británico de 1945 y otra de 1978, con montajes muy diferentes; dos piezas breves en un entorno muy singular, y una adaptación de uno de los textos fundamentales en la historia del teatro universal y ofrecida en un espacio particular.
De La Cenicienta escribí en abc.es (http://www.abc.es/20110924/cultura-teatros/abci-renovado-regreso-201109241706.html) pero puedo decir, en resumen, que me alegré de ver de nuevo al Ballet Nacional de Cuba y que me alegré también de ver buen ballet clásico en Madrid, algo que debería ser habitual pero que, desafortunadamente, es cada vez más difícil.
Llama un inspector es una de las obras más conocidas y representadas del excelente dramaturgo británico J. B. Priestley. José María Pou ha forrado de roble su propuesta, con una escenografía clásica, apabullante y magnífica. Su versión, en la que ha podado el texto hasta dejarlo en el tuétano, es clara, directa, subraya con maestría y sutileza los muchos aspectos político-sociales que tiene el inteligente y teatral texto, presentado a menudo como un simple policíaco; la interpretación es en líneas generales excelente, y Pou ha creado una magnífica función de teatro de toda la vida.

En otro nivel está Traición, una magnética obra de Harold Pinter, que pude ver hace apenas un par de meses en Londres, con un reparto que incluía a Kristin Scott-Thomas; hablé de la función y del texto en este blog (http://unabutacaconvistas.blogspot.com/2011/08/londres-i.html); confieso que acudía a la sala pequeña del Español con ciertas reservas, porque el montaje aludido me había fascinado, pero salí del Español feliz y satisfecho. María Fernández Ache firma la dirección de esta versión de Traición dibujada en blanco y negro, con el público a ambos lados de la escena, dispuesta en un pasillo central. Se trata de un excelente trabajo, inteligente, cuidado, detallista, con un descomunal actor, Will Keen, un prodigio gestual que además convierte lo que en principio podría ser un inconveniente (su inocultable acento inglés) en un aliado para una interpretación magnética, que araña los sentidos del espectador, al que arrastra como un imán irresistible.

Ya he hablado también del proyecto Microteatro por dinero (http://unabutacaconvistas.blogspot.com/2011/08/microteatro-por-dinero.html), y también de La gaviota (http://unabutacaconvistas.blogspot.com/2011/04/la-gaviota.html); me ratifico en lo que escribí entonces sobre esta apasionada adaptación de Rubén Ochandiano, que arroja a sus actores al escenario para que compartan con el público un acto de amor al teatro, al arte, a la verdad... Y ellos, con mención especial para Toni Acosta, Nausicaa Bonnín y Javier Pereira, lo hacen con un encomiable coraje y con mucho, mucho talento.
Perdonad la extensión de esta entrada, pero había mucho de lo que hablar...

Julie Taymor

2011-09-23T17:01:00.000+02:00

Lo he contado anteriormente: El Rey León es el espectáculo en el que más he disfrutado en toda mi vida. Lo vi en el New Amsterdam Theatre, en la mítica calle 42 neoyorquina, en una de sus funciones previas, a principios de noviembre de 1997. La verdad es que no sabía nada del espectáculo, pero lo había pasado muy bien en La bella y la bestia, el montaje anterior de Disney, así que compré la entrada. El teatro, uno de los legendarios locales de Broadway, presentaba un aspecto deslumbrante; no en vano estaba también de estreno después de la restauración realizada por Disney, que entraba dentro de los planes del alcalde Rudolph Giuliani para "limpiar" la calle 42 (tomada en los últimos años por locales y negocios de "dudosa reputación", como suele decirse, y bastante sombría) y devolverle su condición de corazón de Broadway.
Sentado en una de las últimas filas del patio de butacas, junto a un pasillo lateral, asistí con asombro infantil a la primera escena, The circle of life, ese caleidoscópico e hipnótico desfile animal, y me emborraché durante toda la función con esa continua cascada de imágenes y de ideas; un derroche de imaginación que jamás había visto sobre un escenario.
Desde aquel día soy un rendido admirador de Julie Taymor. Por eso me hacía una ilusión especial entrevistarla; tuve la ocasión de hacerlo la semana pasada, y acudí a la cita, lo confieso, con nerviosismo. Me ocurre siempre con aquellos por quienes siento una gran admiración. Temo no estar a la altura, desaprovechar lo que para mi es una magnífica oportunidad. Y además me sale el fan que llevo dentro y pierdo profesionalidad... Afortunadamente, me ha ocurrido en contadísimas ocasiones.
Salí muy satisfecho de la entrevista (no sé si ella también); la había visto el día antes, cuando fue presentada al reparto de la producción española del musical, y me había conquistado su energía y su entusiasmo. En teoría, estaba previsto simplemente que saludara a los intérpretes y que estos hicieran un par de números que habían estado preparando para darle la bienvenida. Pero ella empezó a contarles una historia de su etapa en Indonesia, después otra sobre una familia que había encontrado en El Rey León consuelo tras una desgracia familiar... Lo hizo con pasión, tratando de transmitir a los actores la importancia de su trabajo, de contagiarles su entrega, de estimularles y acelerar sus pulsos.
Apenas pude estar algo más de veinte minutos en la entrevista (tenía varias concertadas), y reconozco que me hubiera gustado estar con ella toda la mañana (me ocurre muy pocas veces, lo confieso); es una mujer inteligente, abierta, educada, cordial, atenta, una excelente conversadora que ama el teatro y lo expresa con elocuencia. El Rey León es, se nota, su hijo más querido; es consciente de que ha creado una pieza maestra, un ejemplo de lo que debe de ser un espectáculo teatral. Y es que su puesta en escena está llena de detalles, a menudo imperceptibles para el espectador, pero que demuestran su total implicación y compromiso con la obra, las muchas horas que dedicó a una historia que, me contaba, es universal, que es, al fin y al cabo, la historia bíblica del hijo pródigo, que cualquier cultura puede entender. En la raíz, en aquellas sombras proyectadas en las paredes de una cueva, que fueron la primera manifestación teatral de la humanidad, está la verdad del teatro, y es a ella, dice, adonde hay que acudir para lograr que el espectador se conmueva y salga de la sala distinto a como entró. Lo dicho, un ser humano fascinante con quien espero tener ocasión de volver a charlar algún día.

Si queréis consultar la entrevista completa, aquí tenéis el enlace:
http://www.abc.es/20110916/cultura-teatros/abcm-julie-taymor-esencia-teatro-201109152037.html
La foto es de mi compañero José Alfonso

Antonio Canales

2011-09-07T21:17:00.000+02:00

Admiro y aprecio a Antonio Canales desde hace mucho tiempo. Es uno de los más grandes artistas del baile flamenco, pero su cabeza no siempre ha sabido estar a la altura de su talento; en realidad, esto último ha ocurrido en muy escasas ocasiones. Y las imágenes que han inundado las televisiones en los últimos días, y que imagino que darán que hablar durante unas cuantas semanas más, van a enterrar un poco más al artista, devorado por un personaje que me parece, perdón por el adjetivo, repulsivo.
Al hilo de este escándalo me ha venido a la mente la figura de Antonio Ruiz Soler, tan grande que no necesitaba de apellido: era Antonio el bailarín. Tuve ocasión de conocerle y de compartir con él varias veladas, siempre gracias a María Rosa, como conté hace poco tiempo en este mismo blog. Al concluir una de aquellas cenas, Antonio dijo que nos fuéramos a Zambra, a ver a Antonio Canales. «¡Ese sí es un artista de verdad!», recuerdo que dijo. Le admiraba, decía, por su genio interior, por la sinceridad de su baile, por su duende, por su magnetismo.
Antonio Ruiz Soler fue una figura irrepetible, uno de esos artistas distintos, siempre luminosos, imaginativo e innovador. Su huella en la danza española es imborrable, pero en sus últimos años se convirtió en su peor enemigo. En los años ochenta fue mucha su exposición pública en las fiestas que se celebraban en Marbella y al calor de su figura se acercaron un buen número de aprovechados de los que no supo (quizás no quiso) defenderse, y que colaboraron a que el personaje fuera erosionando poco a poco la memoria del artista. Tampoco sus declaraciones ayudaron a evitarlo.
A Canales le ha pasado algo parecido. No hay dos artistas comparables, y probablemente su trascendencia en la danza española nunca hubiera sido igual que la de Antonio, pero su talento es extraordinario. Hace siete u ocho años, en una gala en el City Center neoyorquino, bailó después de que lo hiciera Farruquito, el gran fenómeno de aquel momento. Éste había dado un recital de nervio y arrebato flamenco. Canales, con veinte años más que él, pasado de peso, entró desde uno de los laterales y caminó, despacio, muy despacio, hacia el centro del escenario... Para mí, hubo mucho más arte en ese paseo que en todos los giros y zapateados de Farruquito.
Creo que a Antonio le ha perjudicado notablemente la rivalidad con Joaquín Cortés. Éste, antes de enredarse en esa narcisista espiral que no le ha dejado crecer como hubiera sido de desear, tuvo el favor de la prensa (también de la del corazón, para quien fue un entretenido juguete) y del público, y Canales -que me corrijan si me equivoco- se enceló. Dentro del mundo del baile, los partidarios de Antonio superaban a los de Joaquín (no era mi caso,), pero popular y mediáticamente la repercusión de éste era mucho mayor. Y eso, junto con su propia inestabilidad, su inseguridad y muchos malos consejos, han ido erosionando una imagen que -¡ojalá no sea así!- puede haber sellado ya su defunción.

Arranque de temporada

2011-08-31T19:04:00.005+02:00

Ya vuelven... De aquí a que concluya septiembre, y sin ser exhaustivo en el recuento, levantarán el telón en Madrid más de una treintena de producciones escénicas. Para que os hagáis una idea, mañana, día 1, se estrenan «El Nacional», de Els Joglars, en el Nuevo Alcalá (una obra de 1994 que ahora recupera la compañía catalana para celebrar sus cincuenta años de vida); «Crimen perfecto» en el Reina Victoria; «La reina de belleza de Leanne», de Martin Donagh, en la sala pequeña del Nuevo Alcalá; «No es tan fácil», de Paco Mir, en la sala AZarte, y regresan a escena «El cavernícola», con Nancho Novo, en el Fígaro; y «El pisito», basado en el guión de Rafael Azcona, en los teatros del Canal.
Me llama la atención precisamente, en este arranque de temporada, la cantidad de recuperaciones y retornos: al margen de las dos mencionadas, ya está de nuevo en el teatro Príncipe-Gran Vía «Toc Toc», dirigida por Esteve Ferrer, uno de los grandes fenómenos de la escena madrileña reciente, y que afronta su tercera temoprada; también regresa «La ratonera», el clásico de Agatha Christie, y que esta vez se alojará en el Muñoz Seca; «Fuga», de Jordi Galcerán, reanuda sus funciones en el Alcázar, lo mismo que «La cena de los idiotas», con Josema Yuste, en el Infanta Isabel; al Alfil vuelve «Animales», al Lara «La gaviota», en versión de Rubén Ochandiano; y la Abadía abre la temporada con «Veraneantes», la excepcional versión de la obra de Gorki firmada por Miguel del Arco. Mucho me temo que no es únicamente el éxito el motivo de estas reposiciones o recuperaciones, y que algo tendrá que ver la crisis, que empuja a los empresarios, lógica y legítimamente, a minimizar los riesgos. En cualquier caso, bienvenidas de nuevo, y confío en que repitan su éxito de anteriores temporadas... o mejor, que lo superen.
También me parece destacable que dos directores jóvenes y discretos (tercera acepción de Discreción, según la RAE: «Reserva, prudencia, circunspección») tengan más de una obra en cartel. Víctor Conde («Crimen perfecto» y «La ratonera») y Gabriel Olivares («Burundanga», «Venecia en la nieve» y, pronto, «Se quieren») son ya nombres fijos en el teatro madrileño de los últimos años.
Y más reclamos, cada uno por motivos muy diferentes: «Traición», el fascinante texto de Harold Pinter, con versión y dirección de María Fernández Ache; «Llama un inspector», de J. B. Priestley, con el siempre magnífico José María Pou, garantía de calidad y buen hacer; la recuperación de un texto semidesconocido de Jardiel Poncela, «Las cinco advertencias de Satanás», con el tándem Gustavo Pérez Puig-Mara Recatero y una jovencísima actriz que, me dice Pérez Puig, dará que hablar, Aloma Romero; la nueva aventura de Arturo Fernández, un género teatral en sí mismo, «Los hombres no mienten»; el «Tartufo» de Molière dirigido por Hernán Gené: el todavía indefinible «The hole», con Paco León como primer maestro de ceremonias; y la prometedora (y apta sólo para «muy teatreros») trilogía de Tom Stoppard, «Costa de utopía». Todo esto sólo en septiembre.
Y además, danza y musicales (lo mío, ya lo sabéis): de lo primero, los Ballets de Montecarlo en el Real, el Ballet Nacional de Cuba en el Canal, Cecilia Gómez, Farruquito...; y de lo segundo, ahora «Shrek» y más adelante «Más de cien mentiras», «Chicago», «Hair», «El Rey León», «Zarkana» (Cirque du Soleil)...

Y ya lo advierto: en ABC no voy a tener papel para todos ni podré atender a todos tampoco aquí, así que confío en que me perdonéis las ausencias...

Pdta. La foto es de «Crimen perfecto», con María Castro, Jorge Sanz y Pablo Puyol. ¿Por qué ésta y no otra? Porque es del estupendo Javier Naval, porque la foto me gusta mucho y porque me da la gana... Je, je.

Londres (y V)

2011-08-22T21:35:00.000+02:00

Concluyo con esta entrada mis reseñas de las obras que he visto en mi reciente estancia en Londres. La verdad es que cuando miré la cartelera no tuve en cuenta la Chocolate Factory, un espacio situado cerca del London Bridge y donde se han estrenado varias producciones de musicales muy interesantes, como A little night music, de Sondheim, que pude ver después en Broadway protagonizada por Catherine Zeta Jones y Angela Lansbury. Mi admirado Marcos Ordóñez, sin embargo, me alertó de que en este lugar (una antigua fábrica de chocolate, como su propio nombre indica) se podía ver el estreno en Europa de Road Show, de Stephen Sondheim. El empujón definitivo me lo dio mi amiga Sonia Dorado, que iba a estar en Londres esos días, y que tenía muchas ganas de conocer el lugar. Así que allí nos juntamos la propia Sonia, su novio, Dan; mi sobrino Pablo y yo. Y allí nos encontramos con Julia Möller, la protagonista de la última producción española de «La bella y la bestia». (Paréntesis: esa misma mañana me la había encontrado en Portobello, en medio de una auténtica marabunta de personas, la mayoría españolas, y hace unos años también me tropecé con ella en plena calle en Londres. ¡Increíble!)
Me encantó el lugar, que tiene un restaurante y un bar por el que se accede a la sala; ésta es, en realidad, una nave industrial que conserva mucho de su sabor añejo. En esta producción (no sé si será lo habitual), el escenario forma un pasillo central, y los espectadores (el aforo es de doscientas personas) se situán a ambos lados. La orquesta ocupa una esquina de la nave. No estaba lleno, algo que me sorprendió ya que era la función del sábado por la noche.
Road Show es un musical que ha pasado por distintas etapas. Se basa en la azarosa vida de los hermanos Addison y Wilson Mizner, dos de los creadores de Boca Ratón, la turística ciudad situada en Miami. La obra vio la luz en noviembre de 1999, en un workshop, con el título de Wise guys. Cuatro años después se estrenó, con muchas variaciones, y con nuevo título, Bounce, en Chicago, en una producción dirigida por Hal Prince que no llegaría a Broadway. Y por fin, nuevamente rehecho y ya con el título de Road Show, se presentó hace tres años en el Off-Broadway neoyorquino, con dirección de John Doyle, que es también quien la ha puesto en pie en Londres.
Se trata de un montaje inteligente, atractivo, con una partitura totalmente Sondheim: teatral, brillante, original, sonora, viva. Es ingenioso y particular -aunque para mí gusto, por ponerle una pega, no siempre funciona del mismo modo- el juego escénico que Doyle desarrolla, con la escasa escenografía acumulada en los dos extremos del pasillo y un centro donde el único objeto que se mueve es una cama multifunción. La docena de intérpretes es simplemente extraordinaria, con mención especial para David Bedella (Wilson), con una completa paleta de matices, y que convierte su actuación en una continua fiesta expresiva.
En definitiva, un musical que gusta incluso a los que no les gusta los musicales. Y a los que sí nos gustan (los buenos).

Londres (IV)

2011-08-21T20:32:00.001+02:00

Fue mi amigo y compañero Pablo Juanarena quien me animó a ver Ghost cuando fuera a Londres. «Me ha sorprendido mucho», me insistía; no he visto la película y no la tenía entre mis previsiones, pero finalmente me decidí a ir, y he de decir que Pablo tenía razón. Ghost es un estupendo espectáculo, un ejemplo de musical bien hecho. La historia es la que es y a mí, personalmente, no me interesa demasiado, aunque hay que recordar que el guión de Bruce Joel Rowin, que ha escrito también el libreto del musical y varias de sus letras, ganó el Oscar. Glen Ballard, un premiadísimo autor de canciones y productor, y Dave Stewart, ex Eurythmics, son los autores de una música sencilla y agradable, con alguna canción pegadiza y que funciona bien en el contexto de la obra; no falta, naturalmente, «Unchained melody», que esboza primero el protagonista acompañado de una guitarra y suena más tarde en la radio interpretada por los Righteous Brothers.
Pero lo que hace destacabale a este musical es el espectáculo. Lo dirige Matthew Warchus, que ha dirigido óperas para la English National Opera, musicales como The lord of the rings y Tell me on a sunday, y también obras como Art y God of Carnage, de Yasmina Reza, o Hamlet, para la Royal Shakespeare Company; es decir, con un serio currículum. Su trabajo en Ghost es impecable, y se apoya en una producción discretamente espectacular (es decir, sin excesos), donde los efectos especiales están primorosamente hechos (vi la obra desde la primera fila y no fui capaz de descubrir ninguno de los trucos). Mención aparte para las excepcionales luces de Hugh Vanstone, tan sutiles como efectivas, y que con tonos azules saben darle al protagonista masculino su apariencia fantasmal en medio de escenas iluminadas con colores calientes.
La estadounidense Caissie Levy (a mí me recordaba a Nancy Travis en la serie Becker) y Richard Fleeshman (con un aire a Timothy Hutton) son dos espléndidos protagonistas; ella, especialmente, es una magnífica cantante (ha protagonizado en EE.UU. musicales como Hair, Rent o Wicked. Les acompaña una divertida y dinámica Sharon D Clarke en el papel que le valió a Whoopi Goldberg el Oscar a la mejor actriz de reparto.
Y antes de que me hagais la pregunta, os contesto: sí, no se han olvidado de la escena de la alfarería.

Londres (III)

2011-08-19T20:03:00.000+02:00

Billy Elliot fue el primer título que mi sobrino Pablo me dijo que quería ver en Londres. No me extrañó, porque conoce bien la película de Stephen Daldry, le apasiona la historia y ha escuchado varias veces la música de Elton John. Yo ya había visto la obra hace unos años, pero no me importó repetir. Creo que Billy Elliot es uno de los musicales más importantes de los últimos años, uno de los títulos que dignifica el género y que gusta -¡qué paradoja!- incluso a aquellos que reniegan de los musicales; lo que viene a reforzar mi teoría de que no hay género malo.
Billy Elliot es un musical ejemplar. Cuenta con varios de los creadores de la exitosa película: el libreto y las letras son de Lee Hall, el guionista del filme, y el director es también Stephen Daldry. A ello se suma la espléndida partitura de Elton John, que ha encontrado en el teatro musical un magnífico medio de expresión, y que escribió para esta obra canciones tan bellas como Electricity o The letter. La historia de Billy, el adolescente que quiere bailar y que pelea por ello dentro de un entorno familiar y social contrario -¡cuántos bailarines han tenido, y tienen todavía, que pasar por esta situación!- se entremezcla con la complicada situación económica de una localidad minera británica en los años ochenta, con Margaret Thatcher en el poder... El resultado es una apasionante pieza teatral, dramática, vital, convincente, con una magnífica música. Daldry no renuncia al gran espectáculo, construye escenas de gran aparato escénico y coreográfico, corales o individuales... Pero siempre con la mirada puesta en la historia, con la intención de saber más de ese joven y de ese opresivo entorno, y aliviando con humor (la abuela, Michael, el número de Merry Christmas, Margaret Thatcher) la oscura narración.
Pero... Nada de esto sería posible sin un protagonista de un nivel extraordinario. El personaje de Billy Elliot exige de un actor, cantante y bailarín de entre doce y catorce años, que además de todo ello tenga carisma. Algo realmente difícil, no me extraña que los productores hagan audiciones constantes y sometan a los futuros Billys a una intensiva preparación. Billy Elliot es un delicado castillo de naipes y si la última carta, la del protagonista, no se coloca bien se puede derribar sin remedio. Afortunadamente, en la función que vi interpretó el papel Josh Baker, un prodigio que convierte el personaje en una auténtica fiesta, especialmente en su faceta de bailarín. Definitivamente, Billy Elliot es una muy buena razón para pasar la tarde en el teatro.