Una estantería anexa

También fue pirata...

2011-03-23T13:59:00.001-07:00

Hasta Siempre

2011-03-22T12:45:00.000-07:00

"Yo Cyanhuro, Gradiva, Mercedes la pintora, me despido de quienes me habéis seguido en este blog. Me habría gustado quedarme más tiempo, aunque no llegar a vieja, seguir investigando y descubriendo mujeres artistas para compartirlo con vosotr@s. He vivido como he deseado, he disfrutado del arte, de la magia de pintar, he sentido el calor de mis amig@s, he amado y me he sentido amada."

Quizás se hubiera despedido así Mercedes si hubiera tenido la posibilidad... Pero no la ha tenido

La noche que más cerca estaba la luna de la tierra,
cuando más brillante y más grande la podemos ver,
aprovechó ella para llevarse a Mercedes, quizás
para que le llene el firmamento de cuadros, colores
y ensayos de grandes mujeres aún por descubrir.

Aquí abajo, se nos ha apagado una luz, hasta siempre Mer

El deseo atrapado por la cola

2011-01-29T13:21:00.001-08:00

El deseo atrapado por la cola (Le désir attrapé par la queue), es una farsa teatral surrealista en seis actos escrita por Pablo Picasso en 1941, que se representó en París, en el apartamento del matrimonio formado por Michel y Louise Leiris, el 19 de marzo de 1944 -(4º piso del 53 bis, quai des Grands-Augustins)-.

Las fiestas (reuniones acuñadas con ese término, en español) organizadas por los Leiris constituían todo un acontecimiento en París, al que acudían los artistas, escritores e intelectuales más relevantes (entre los que abundaban los afiliados al Partido Comunista francés y seguidores heterodoxos del surrealismo) que, por convencimiento o por circunstancias adversas, residían en la capital francesa durante la ocupación.

Michel Leiris fue el encargado de seleccionar a los actores, Georges Hugnet realizó el acompañamiento musical y Albert Camus se ocupó de la dirección de la obra.

La representación contó con un singular reparto: Michel Leiris (Le Gros Pied), Raymond Queneau (L’Oignon), Zanie Campan (La Tarte), Simone de Beauvoir (Sa Cousine), Jean- Paul Sartre (Le Bout Rond), Louise Leiris (Le Deux Toutous), Jacques-Laurent Bost (Le Silence), Germaine Hugnet (L’Angoise grasse), Dora Maar (L’Angoise maigre) y Jean Aubier (Les Rideaux).

En la primera lectura de Le désir attrapé par la queue, Picasso, a modo de homenaje, colocó, sobre la chimenea del apartamento de los Leiris, un retrato de su amigo el poeta Max Jacob, fallecido quince días antes en el campo de concentración de Drancy.

Como testimonio de aquel estreno de la obra, Pablo Picasso reunió a sus amigos para agradecerles su colaboración. Existen dos fotografías de Brassaï, realizadas el 16 de junio de 1944 en el estudio de Picasso, situado en el nº 7 de la Rue des Grands-Augustins de París, tres meses más tarde del acontecimiento.

De pie: Jacques Lacan, Cécile Eluard, Pierre Reverdy, Louise Leiris, Zanie Campan, Pablo Picasso, Valentine Hugo, Simone de Beauvoir. Sentados: Sartre (Le Bout rond), Albert Camus (metteur en scène), Michel Leiris (Le Gros Pied), Jean Aubier (Les Rideaux) y Kazbek, el perro afgano de Picasso.

No se encuentran en estas fotos : Dora Maar (L'Angoisse Maigre), Germaine Hugnet (L'Angoisse Grasse), Raymond Queneau (L'Oignon) y Jacques Bost (Le Silence)

El deseo atrapado por la cola, de Picasso, está considerada como una de las obras más características y representativas de la literatura que se produjo en Francia durante la ocupación alemana. Refleja, además de subrayar la penosa situación de carestía que sufría la población, una influencia determinante de los acontecimientos bélicos, tanto de los que habían acontecido en la guerra española como de los que sucedían en aquel momento, causados directamente por la contienda mundial.

Poco tiempo después, el 25 de agosto de 1944, se produjo la liberación de París. Según escribió Louis Parrot:

Picasso, en la noche de ese día, percibió que el cielo y las nubes habían cambiado de color; y supo, que uno de los primeros carros de combate que se habían detenido ante el Ayuntamiento de París llevaba escrita, en grandes letras blancas, la palabra Guernica.

Y, también, que el oficial que había descendido del vehículo era español. Casi un año más tarde, el 8 de mayo de 1945, el ejército alemán capituló y finalizó la guerra.

Fuentes:

http://elcrimenhperfecto.blogspot.com/2010/11/brassai-1899-1984-repetition-du-desir.html (29/01/2011)

Bibliografía relacionada:

FERNÁNDEZ MOLINA, Antonio: Picasso, escritor, Prensa y Ediciones Iberoamericanas S.A., Madrid, 1988

“As de Artista”: Antonio Fernández Molina, exposición de grabados en Fuendetodos

2011-01-26T12:42:00.001-08:00

Sala Zuloaga, Fundacion Goya, Fuendetodos –Zaragoza- desde el 29 de enero al 20 de marzo de 2011.

La sala “Ignacio Zuloaga” de Fuendetodos inicia la programación del presente año con una muestra del artista manchego, afincado durante sus últimas tres décadas en Zaragoza: Antonio Fernández Molina, fallecido hace seis años.

Antonio Fernández Molina fue un polifacético creador autoproclamado ante todo: poeta, “entendido como manera de especial de enfrentarse a la vida, de ver, sentir y crear”, lo que le llevó a realizar una variada y amplia labor autodidacta en terrenos como la literatura, la poesía, el teatro, la crítica literaria, el cine, la pintura o el grabado, afrontándolos todos ellos con ese carácter trasgresor e innovador, donde los límites, las fronteras de géneros y los arquetipos estéticos se diluyen bajo un único criterio: su propia y libérrima capacidad imaginativa.

Como creador plástico-poético, el artista fue capaz de plasmar tanto en lienzos como en sus grabados ese universo onírico, lleno de guiños risueños, en el que todo es lo que es, pero también lo que pudiera ser o parecer, invitando para ello al espectador a participar, jugar e interpretar según su propia visión y su capacidad soñadora. Recordando las palabras de Picasso: “Todos los niños nacen artistas. El problema es seguir siendo artista al crecer”, las imágenes que Antonio Fernández Molina nos pone delante nos devuelven por momentos a esos momentos de la niñez, pero con la inteligencia de que quien ha sabido crecer: creando, imaginando.

La exposición que ahora se inaugura en el pueblo natal de Goya, seleccionada directamente por la hija del propio artista, Ester Fernández Echeverría, reúne cincuenta piezas de su obra gráfica, con un cierto carácter retrospectivo, y permite contemplar la amplia trayectoria del artista desde sus primeros linograbados al comienzo de los años setenta hasta su más reciente y simbólica obra personal, con un claro predominio de aguafuertes y serigrafías.

Información extraída de la página web de la Fundación Goya Fuendetodos

(Fotografía: col. particular)

SATIEMANÍA, según Zdenko Gasparovic

2010-12-26T09:13:00.000-08:00

En este vídeo, las composiciones de Erik Satie inspiran, con diferente tratamiento plástico, los “dibujos animados” de Zdenko Gasparovic y sus colaboradores

Satiemania, by Zdenkó Gasparovich, 1978

DIRECTOR: Zdenko Gasparovic

La Gran Vía de Antonio López

2010-12-26T04:29:00.001-08:00

La Gran Vía, una de las obras más conocidas de Antonio López fue pintada en las madrugadas durante los veranos de 1974 y 1981. Incansable, día tras día, a la misma hora, a la misma luz.

De la Gran Vía, del cuadro y de Antonio López trata este reportaje, emitido el 20 de diciembre de 2010 en TV2.

Para verlo, pincha el enlace:

http://www.rtve.es/mediateca/videos/20101220/mitad-invisible-antonio-lopez/969498.shtml

Els 4 GATS. Barcelona

2010-12-24T14:06:00.001-08:00

Els 4 Gats está situado en los bajos de un edificio neo-gótico proyectado por el arquitecto Puig Cadafalch, la Casa Martí, en Barcelona –España-.

El establecimiento fue ideado por Pere Romeu a semejanza del Chat Noir de París, como una especie de taberna para artistas. Cuando Pere Romeu comentó a sus amigos la idea de abrir una cervecería-restaurante en la calle Montsió, Santiago Rusiñol le dijo que le parecía una idea descabellada puesto que a su restaurante sólo irían “cuatro gatos”. A Romeu le hizo gracia el comentario y decidió llamar así al restaurante: Els Quatre Gats, que finalmente fue abierto al público el 12 de junio de 1897 y que él mismo regentó y en el que trabajó como camarero.

Ramón Casas financió el local. Por allí pasaron Gaudí y su ayudante en las obras de la Sagrada Familia, Ricardo Opisso, Adolf Mas, Isidre Nonell, Vidal i Ventosa, Manolo Hugué, Joaquim Mir, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Ricard Canals, Pablo Picasso y Pere Romeu. Todos ellos fueron Els Quatre Gats. Estuvieron, se sentaron, comieron, bebieron y fumaron, hablaron y se conocieron unos a otros. Y sin duda, fumaron.
Sólo duró seis años: de 1897 a 1903

Dibujo de Ricardo Opisso de una tertulia en Els 4 Gats:
(de izquierda a derecha: Adolf Mas, Isidro Nonell, Vidal y Ventosa, Manolo Hugué, Joaquin Mir, Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Ricardo Canals, Pablo Picasso y Pere Romeu)

Copia de la obra “Ramón Casas y Pere Romeu en tándem”, en Els 4 Gats.

En 1897 Ramon Casas pintó esta gran tela para la pared principal de la cerveceria Els Quatre Gats, que se ha convertido en una de las pinturas más celebres del artista y del Modernismo. Romeu y el pintor viajan juntos, en un tàndem.

Cuatro años después, coincidiendoi con la entrada en el nuevo siglo, Casa modernizó su primera propuesta con un cuadro en el que los dos amigos han dejado la bicicleta y van en un flamante automóvil.

Los cuadros originales se encuentran en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC)

NO, señores, No, Global Tour

2010-11-09T08:31:00.001-08:00

El Ministerio de Cultura español concedió, el pasado 4 de noviembre, el Premio Nacional de Artes Plásticas 2010, dotado con 30.000 €, al artista Santiago Sierra.

El premio reconoce la labor de aquellos autores que contribuyan al enriquecimiento del patrimonio cultural de España. En esta ocasión, fue a parar a Sierra "por su obra crítica, que reflexiona sobre la explotación y la exclusión de las personas, y genera un debate sobre las estructuras de poder [...]".

La respuesta del artista no se hizo esperar:

NO.

(Fotografía del proyecto NO, GLOBAL TOUR. Santiago Serra)

Conociendo un poco su proyecto artístico… al menos hay que reconocer que SÍ, Santiago Sierra parece, al menos, coherente, que NO es poco.

En una breve carta dirigida a la ministra González-Sinde, publicada en el blog "Contraindicaciones", Santigo Sierra agradecía la concesión pero rechazaba aceptar el premio argumentando que él es un artista serio y el premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado.

Ésta fue su respuesta:

Madrid, Brumaire 2010

Estimada señora González-Sinde,

Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.

Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.

El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.

¡Salud y libertad!

Santiago Sierra

No, Global Tour, es la obra más importante de Santiago Sierra.

Un proyecto que comenzó en Lucca (Italia), desde donde un gran NO de 3’20 x 4 metros y un peso de 250 Kilos por letra, viajó, transportado en un camión, por diferentes ciudades del mundo. Un NO que era un grito contra el sistema. “Las personas que están luchando activamente contra el sistema necesitan imágenes y los artistas se las debemos proporcionar. Este NO está hecho para todos los que ya están hartos de la injusticia, la dominación, la censura y la opresión.” (Santiago Sierra)

Más información sobre el proyecto

Ver álbum completo

¿Será este NO de Santiago Sierra al Premio Nacional de Artes Plásticas –2010- sólo una etapa más, o será el final del proyecto…? ¿Será quizás el principio de otro…?

A mí, la verdad, lo que hace Santiago Sierra NO me gusta, como arte, y algunas de sus propuestas anteriores me parecen… una chorrada, (como lo de aparcar 100 coches negros nuevos en una calle… pero…

Y seguramente recordemos mejor a Santiago Sierra, como el artista que en 2010 dijo no, que los anteriores premiados que son… ¿Los recuerdas?

Más:

A propósito del Premio Nacional de Artes Plásticas (Gradiva, Arte Total)

Fuentes:

(Imágenes: Santiago Sierra, No, Global Tour)

Ramón Unzueta… un pintor, un cuadro

2010-10-31T06:17:00.001-07:00

Ramón Unzueta... un pintor, un cuadro
Cargado por TELEBEMBA. - Mira videos web originales.

“Montparnasse”, poème du café crème. Eugène Deslaw (1929)

2010-10-16T15:14:00.001-07:00

Eugène Deslaw realizó la película “Montparnasse”, en 1929. Filmada y montada de manera experimental, es un documento imprescindible para conocer el ambiente que ha hecho de Montparnasse un lugar mítico en la historia del arte del siglo XX.

En este cortometraje nos muestra la vida del barrio de Montparnasse: la caótica circulación en torno al Carrefour Vavin – antes de la instalación de la escultura de Balzac- y por los amplios boulevares de Montparnasse y Raspail, donde se mezclan los modernos automóbiles, los tranvías, los carros tirados por caballos que transportan esculturas religiosas desde el taller de algún escultor…, cabras y peatones…

sus paseantes, edificios y jardines, mercados y ferias de arte en la calle en la que es posible encontrar – y reconocer- a artistas que luego han ocupado salas en museos y exposiciones…

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Eugéne Deslaw nos adentra en el estudio de algunos artistas de Montparnasse, como Marie Vassilieff (ver estracto del vídeo) y Sacha Zaliouk:

En este paseo por el Montaparnasse artístico, Deslaw nos sienta a la mesa de una terraza de alguno de sus famosos cafés; La Rotonde, Le Select, Le Dome, La Coupole…

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… y nos deja compartir un café crème –es un decir-, la tertulia y las bromas con, entre otros, el cineasta aragonés Luis Buñuel, que ese mismo año –1929- rodaría junto a Salvador Dalí la película “Un perro andaluz”.

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El gusto de Eugéne Deslaw por los reflejos se aprecia en toda la película, pero sobre todo en la sombra proyectada sobre la mesa por las manos de alguna artista española tocando las castañuelas.

También vemos al pintor Foujita,

A Silvio…

… y muchos otros personajes de ese escenario de modernidad internacional que fue Montparnasse:

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EUGÈNE DESLAW

Poco se sabe de la vida de Eugène Deslaw: nacido en Tahantcha (Ukraine), emigó a Checoslovaquia en los años 20’, donde conoció al cineasta Zet Molas y se adhirió al movimiento vanguardista checo. Realizó una obra vanguardista breve y fulgurante en la que se aprecia su tendencia moderna:

Poesía del maquinismo (La marche des machines, 1929, realizada en colaboración con Boris Kaufmann)
Fascinación por las ciudades y la vida artificial (Les nuits electriques, 1929)
Exploración de las posibilidades plásticas del medio (Negatif, 1930)

Pero su obra es igualmente remarcable por su tendencia mórbida hacia el lado oscuro de la vida moderna, la deformidad y la descomposición (Montparnasse. Poème du café crème, Vers les robots).

Después de realizar un documental de factura experimental sobre el rodaje de “La fin du monde” de Abel Gance, Eugène Deslaw fue barrido de la historia por la llegada del cine sonoro.

Murió en el anonimato, en 1966.

Pero nos dejó un documento inolvidable.

“El pintor Miguel Utrillo en los jardines del Moulin de la Galette”: una obra invitada

2010-10-14T02:37:00.001-07:00

"El pintor Miguel Utrillo en los jardines del Moulin de la Galette", uno de los tres retratos que Rusiñol hizo a su amigo Miguel Utrillo, se muestra hasta el 9 de enero de 2011 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, gracias al programa 'La obra invitada', procedente del Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Santiago Rusiñol (1861-1931) pintó este cuadro en París, el invierno de 1910-1911. En él aparecen los farolillos del Moulin de la Galette, pero la atmósfera invernal y el ambiente desolador, solitario y melancólico que rodea a la figura de Utrillo está alejado del de los bailes que el recinto albergaba en verano y recuerda a una obra de Ramón Casas, del mismo periodo (abajo, a la derecha)

(Ramón Casas)

Miguel Utrillo, pintor, ingeniero y periodista, ocupa el centro de la gran composición – el cuadro mide 222x151 centímetros- y aparece ensimismado, apoyándose en un bastón para sobrellevar mejor el tiempo de pose, o de espera, o…

Los papeles que lleva en la mano pueden sugerir su estatus de periodista.

En la parte inferior derecha, dos plantas anticipan el tratamiento pictórico que Rusiñol aplicó después a sus paisajes, que le hicieron famoso.

Algunos hasta ven una huella de Picasso en el rostro de la estatua que asoma por la derecha.

PARA SABER MÁS:

BIBLIOGRAFÍA: Biblioteca de Mujeres Artistas

Ursus Wehrli ordena el arte

2010-10-12T04:03:00.001-07:00

El suizo Ursus Wehrli explica, con humor, su visión sobre el arte. El orden, la composición, el uso del color y las formas, es analizado a través de alguna de las obras de Donald Baechler, Miró, Klee, Nikkie de Saint-Phalle, Jasper Jones…

Al reorganizar y reordenar las pinturas de maestros modernos en sus componentes básicos, Ursus Wehrli logra una teoría del arte muy “suiza”, logrando el máximo aprovechamiento y rentabilidad.

Puedes desplegar los subtítulos, que están en español.

El París de Man Ray. Herbert R. Lottman

2010-09-26T10:28:00.001-07:00

LOTTMAN, Herbert R.: El París de Man Ray

Colección Tiempo de Memoria, Tusquets Editores, 2003.

ISBN: 84-8310-876-3

309 págs. incluye Apéndice (notas e índice onomástico)

(MGBravo15EJaca)

“Cuando en 1921 Man Ray llegó a París, llevaba por todo equipaje una cámara de fotos. No tardó en integrarse en la vida artística de Montparnasse, que, más que un barrio, era un estado de ánimo, un modo de vivir, del que rápidamente se convirtió en uno de los principales exponentes. Frecuentó por igual a Dadaístas, surrealistas y a la fauna bohemia de la época, y logró fotografiarlos a todos sin que le afectaran los debates que los enfrentaban. Herbert R. Lottman nos invita a seguirle en sus encuentros con Joyce, Picasso, Brancusi o Breton, la célebre musa Kiki, la modelo Lee Miller y las demás mujeres de su vida, así como en sus andanzas por cafés (La Rotonde, Dôme) y salones como los de Gertrude Stein o Paul Poiret. Artista a la par que testigo privilegiado de aquel mítico París, Man Ray se convierte así en la figura escogida por Lottman para ofrecer un panorama de los movimientos artísticos que revolucionaron el arte de la primera mitad del siglo XX.”

(Texto de la sobrecubierta)

Libros relacionados:

El París de Kiki
Les heures chaudes de Montparnasse

Paul Joseph Victor Dargaud, (1873 1921)

2010-09-25T14:56:00.001-07:00

Contemporáneo de Jean Beraud, de Manet y los impresionistas, Dargaud estaba interesado en reflejar y capturar momentos de la vida urbana, particularmente de París y la burguesía parisina durante los años que siguieron a la guerra franco-prusiana. . Algunos de sus paisajes parisinos se muestran en el Museo Carnavalet de París.

Victor Dargaud: “La Statue de la Liberté de Bartholdi dans les ateliers Gaget-Gauthier, rue de Chazelles.” Musée du Carnavalet, París.

Dargaud se dedicó, también, a la pintura de género, naturalezas muertas, y paisajes, y expuso regularmente en el Salón de Paris desde 1873. Viajó por Francia e Italia, donde pintó vistas de Florencia.

Coalición de Artistas de Puerto Rico

2010-09-24T12:24:00.001-07:00

Coalición de Artistas de Puerto Rico, la única Red Cultural de Artes Plásticas en Puerto Rico con más de 400 miembros entre historiadores del arte, restauradores, educadores, curadores, artistas y otros profesionales de las artes plásticas. Con 6,000 obras de arte y sobre 200 videos de arte registrados se ha convertido en el principal centro de registro, referencia, educación y documentación cibernética sobre arte puertorriqueño en la Internet para escuelas, universidades, bibliotecas, estudiosos, investigadores, profesores, estudiantes, artistas, críticos de arte, educadores, museos, galerías, revistas de arte, coleccionistas, restauradores, gestores culturales.

VISITALOS en http://coapr.org/

Coalición de Artistas de Puerto Rico
P.O. Box 11670
San Juan, PR 00910-2721

Marguerite Duras entrevista a Francis Bacon (1971)

2010-07-23T02:46:00.001-07:00

No dibujo. Empiezo haciendo todo tipo de manchas. Espero lo que llamo «el accidente»: la mancha desde la cual saldrá el cuadro. La mancha es el accidente. Pero si uno se para en el accidente, si uno cree que comprende el accidente, hará una vez más ilustración, pues la mancha se parece siempre a algo.
No se puede comprender el accidente. Si se pudiera comprender, se comprendería también el modo en que se va a actuar. Ahora bien, este modo en el que se va actuar, es lo imprevisto, no se lo puede comprender jamás: It's basically the technical imagination: “la imaginación técnica”. Durante mucho tiempo, he buscado un nombre para esta forma imprevisible, con la que se va a actuar. Sólo he encontrado estas palabras: imaginación técnica.
Entienda usted, el tema es siempre el mismo. Es el cambio de la imaginación técnica lo que puede “dar la vuelta» al tema, el sistema nervioso personal.
Imagine escenas extraordinarias, esto carece de todo interés, desde el punto de vista de
la pintura, esto no es imaginación. La verdadera imaginación está construida por la imaginación técnica. El resto es la imaginación imaginaria, y esto no lleva a ninguna parte.
No puedo leer a Sade por este motivo. No me asquea del todo, pero me aburre. También
hay escritores mundialmente conocidos que tampoco puedo leer. Escriben cosas que son
historias sensacionales, sólo esto. But they have not the technical sensation.
Es siempre por medio de los técnicos, como se encuentran las verdaderas aperturas. La
imaginación técnica es el instinto que trabaja fuera de las leyes, para volver al tema sobre el sistema nervioso con la fuerza de la naturaleza.
Hay jóvenes pintores que excavan la tierra, toman la tierra y luego exponen esta tierra
en una galería de pintura. Es tonto, y prueba la falta de imaginación técnica. Es interesante que tengan ganas de cambiar de tema, hasta el punto de llegar a esto: arrancar un pedazo de tierra, y ponerla sobre un pedestal. Pero, lo importante sería que
la “fuerza”, con la cual arrancan la tierra, “regresara”. Que el pedazo de tierra sea arrancado, sí, pero que sea arrancado a su sistema personal y hecho con su imaginación
técnica.
La noción de progreso en la pintura, ¿es una falsa noción?
Es una falsa noción. Tome la pintura paleolítica del norte de España - no me acuerdo del
nombre de la gruta -. Ahí se encuentran, en las figuras, movimientos que nunca han sido
mejor captados. El futurismo está “completamente” allí. Es la escenografía perfecta del movimiento.
La noción de progreso personal, ¿es falsa también?
Menos falsa. Se trabaja sobre uno mismo para obligarse a desarrollar las cosas de forma cada vez más aguda.
¿Qué es el peligro?
La sistematización. Y la creencia en la importancia del tema. El tema no tiene ninguna importancia. El talento puede regresar, marcharse. Las excepciones de la historia son Miguel Angel, Ticiano, Velázquez, Goya, Rembrandt: nunca regresión.
Se progresa ¿cómo?
- Work. Work makes work. ¿Está usted de acuerdo?
No. Es necesario un punto de partida. Sin esto, es inútil trabajar. Cuando leo ciertos libros, encuentro que escribir de un determinado modo es aún escribir menos, que no escribir en absoluto. Que leer de determinada manera es aún leer menos que no leer en absoluto, etc.
En pintura es parecido. Pero no se sabe nunca con la imaginación técnica, ésta puede dormir y un buen día despertarse. Lo principal es que esté allí.
Volvamos a las manchas de color.
Sí. Espero siempre que llegue una mancha sobre la cual construiré «la apariencia».
¿Siempre son las manchas las primeras en salir?
Casi siempre. Son “los acontecimientos que me suceden", pero que suceden merced a mí, por mi sistema nervioso que ha sido creado en el momento de mi concepción.
La felicidad de pintar» es ¿acaso una noción tan tonta como la
de «la felicidad de escribir»?
Igual de tonta.
¿Se siente usted en peligro de muerte cuando pinta?
Me pongo muy nervioso. Sabe usted, Ingres lloraba durante horas antes de empezar un cuadro. Sobre todo un retrato.
¿Goya es sobrenatural?
Quizá no. Pero es fabuloso. Conjugó las formas con el aire. Parece que sus pinturas están hechas de la materia del aire. Es extraordinario, fabuloso. El mayor Goya, para mí, está en Castres, La Junta de Filipinas.

¿A qué ha llegado la pintura en el mundo?
A un momento muy malo. Debido a que el tema era tan difícil, fuimos hacia lo abstracto. Y, lógicamente, este parecía ser el medio hacia el que tenía que ir la pintura.
Pero, como en él arte abstracto se puede hacer cualquier cosa, se llega simplemente a la
decoración. Entonces, parece que el tema vuelve a ser necesario, pues sólo el tema hace trabajar a todos los instintos y buscar y encontrar los medios de expresarlo, a él, el tema.
Ve usted, volvemos a la técnica.
¿No había pintado nunca antes de los treinta años?
No. Antes yo era un drifter, ¿cómo lo traduce usted?
El que va a la deriva.
Siempre miré la pintura. Y en un momento dado me dije: quizá yo mismo. Tardé quince años en llegar a algo. Empecé a hacer algo a los cuarenta y cinco años. La suerte que tuve fue no aprender nunca la pintura con profesores.
¿La crítica respecto a su trabajo?
Siempre estuvo contra mí. “Siempre", y “todos”. Desde hace algún tiempo los hay que dicen que soy un genio, y otras cosas así. Pero, esto no cuenta. Me habré muerto antes de saber quién soy, porque para saberlo, el tiempo tiene que pasar. Sólo con el tiempo se empieza a ver el valor.
Con frecuencia, hemos hablado juntos del “accidente”.
No puedo definirlo. Sólo se puede hablar “en torno”. En sus cartas, Van Gogh tampoco ha hecho otra cosa que hablar “en torno” a la pintura. Sus “toques", al final de su vida, la fuerza de sus toques no requieren ninguna explicación.
Inténtelo, desde el exterior.
Pues si tomáramos materia y la lanzáramos contra un muro o sobre una tela, se hallarían
enseguida rasgos del personaje que quisiéramos retener. Esto se habría hecho sin voluntad. Se llegaría a un estado inmediato del personaje, y fuera de la ilustración del sujeto. Cuando los pintores que pintan un piso hacen manchas en la pared, antes de empezar su trabajo, se trata del mismo modo de conseguir un estado inmediato de la materia. Los expresionistas abstractos americanos han intentado pintar de esta manera, pero con la fuerza de la materia.
No es suficiente. Sigue siendo decoración.
La fuerza no debe ser, no está en la fuerza de lanzar la materia. La fuerza debe estar completamente congelada en el tema. La materia lanzada sobre el muro, sería quizás el accidente, sabe. Lo que sucede después es la imaginación técnica.
¿Duchamp?
Se ha cargado la pintura americana para cien años. Todo viene de él, y todos. Lo que es curioso, muy curioso, es que él hacía la pintura más estética del siglo XX. Pero su trazo era muy firme, y su inteligencia muy firme.
¿Podemos llamar al accidente, la suerte o el azar?
Sí, estas palabras son todas las mismas.
¿Cuál es el momento privilegiado, cómo se define?
Es cuando los «músculos» trabajan bien. Entonces, las manchas parecen tener más sentido, más fuerza.
Todo es concreto.
Todo. Yo no entiendo mis cuadros mejor que los demás. Los veo como válvulas de mi imaginación técnica en distintos niveles. No hay nadie a quién se pueda enseñar un cuadro, y que sea capaz de ver lo que hay de nuevo en este cuadro.
Dice usted no comprender, y sus cuadros estallan de
inteligencia.
¿Es posible esto?
Lo creo. Conocí una niña que preguntaba: ¿qué es el calor, cuando no hay nadie que tenga calor? Yo le pregunto: ¿qué es la inteligencia cuando el pensamiento está ausente de ella? ¿Qué es la inteligencia cuando nadie experimenta o nadie utiliza esta inteligencia con fines críticos, juicios, etc.? ¿No estamos muy cerca de lo que usted llama el instinto?
Estoy de acuerdo. Quisiera hacer retratos y todas mis otras pinturas, con el mismo choque que el que usted recibe en la vida ante la «naturaleza».
¿Y por esto, cree en este trabajo dentro de la imbecilidad?
Absolutamente, completamente. A veces el sentido crítico aparece, el cuadro se hace visible durante un instante, luego se va.
¿Cuándo trabaja usted?
Por la mañana, con la luz. Por la tarde, voy a los bares o a las salas de juego. A veces, veo a amigos. Para trabajar tengo que estar completamente solo. Nadie en la casa. Mi instinto no puede trabajar si los demás están ahí - y cuando uno los ama es peor - sólo puede trabajar con la libertad.

(Original: La Quinzaine littéraire (1971) Edição Guinefort 2007 (archivo PDF))

CALIGRAMAS. Guillaume Apollinaire

2010-06-27T06:27:00.001-07:00

caligrama. (Del fr. calligramme).

1. m. Escrito, por lo general poético, en que la disposición tipográfica procura representar el contenido del poema. (DRAE)-Diccionario de la Real Academia Española-

Un caligrama es un texto, a veces una simple frase o palabra, generalmente poético en el que se utiliza la disposición de las palabras, la tipografía o la caligrafía para procurar representar el contenido del poema. Los caligramas son poemas donde la disposición de los versos sugiere una forma gráfica. (Wikipedia)

El término caligrama fue propuesto por el poeta Guillaume Apollinaire en 1918 para denominar algunos de sus poemas. Este neologismo es el resultado de la unión de dos palabras: "ideograma" y "caligrafía". El primero designa los símbolos gráficos que representan unidades de sentido, como los signos del alfabeto chino; la segunda es el nombre que recibe el arte de la escritura.

(Sociétaire cubiste du Salon d’Automne et des Indépendants allant prendre son apéritif le mardi à la closerie des lilas)

Trad.: “Socio cubista del Salon d’Automne y de los Indépendants yendo el martes a tomar su aperitivo a la Closerie des Lilas.”

(Américaine apprenant la peinture la sculpture la gravure la couture l’architecture la caricature l’agriculture la littèrature et faisant mille conjectures sur la nature)

Trad.:Señora americana que aprende pintura,escultura, caricatura, agricultura, literatura y a hacer mil conjeturas sobre la naturaleza

Etrange maison sans portes et sans fenêtres qui se houvre (sic) à Montparnasse et oú vivent 100.000 peintres et poètes avec le regret le dédain a l’avenir et Guillaume Apollinaire)

Trad.: Extraña casa sin puertas y sin ventanas que existe en Montparnasse donde viven cien mil pintores y poetas con pesar, desprecio al futuro y Guillaume Apollinaire.

Ver álbum completo

Breve historia del caligrama

Sitio oficial de Guillaume Apollinaire

Bibliografía:

KLÜVER, Billy y MARTIN, Julie, El París de Kiki: Artistas y amantes 1900-1930, Tusquets editores, Barcelona, 1990.
Miquel d'ORS. El caligrama, de Simmias a Apollinaire. Ediciones Universidad de Navarra, S.A. Pamplona.
BOUGAULT, Valérie, Paris Montparnasse: A l’heure de l’Art Moderne 1910-1940, Terrail. Paris, 1996

Las vanguardias

Las vanguardias (II)

Creacionismo y Ultraísmo

Caligramas y poemínimos

Escrituras poéticas

Guillaume Apollinaire (Wikipedia)

Joan Brossa (poesía visual)

Poesía visual (Wikipedia)

Poesía visual (ejemplos)

Histoires dites et entendues (ejemplos)

Otras fuentes:http://www.materialesdelengua.org/LITERATURA/PROPUESTAS_LECTURA/VANGUARDIAS/caligramas/caligramas_historia.htm)

Modigliani: ¿Un pintor que esculpe o un escultor que pinta?

2010-06-23T04:13:00.000-07:00

Dibujo:Mercedes Garcia Bravo (Moleskine, 14 x 9 cm)

La escultura "Tête" de Amadeo Modigliani (1884-1920), una de las pocas obras escultóricas que realizó durante su carrera, fue subastada en París por la casa Christie's alcanzando la cifra récord para el artista de 43,185 millones de euros, superando los 31,36 millones de dólares (25,2 millones de euros) del último récord para una obra de Modigliani.

Modigliani:¿Un pintor que esculpe o un escultor que pinta?

Pese a que hay quien opina que la escultura no fue mas que una etapa en la carrera del pintor Amedeo modigliani, muchos creen que “una fuerza irresistible le empujaba a esculpir”, y que fueron sus problemas de salud los que se lo impidieron.

El critico aleman de arte Ernest Stoemer, que conocio a Modigliani en 1909 recuerda que “encargaba que le llevaran un bloque de piedra a su estudio y esculpia en talla directa. Su trabajo le acaparaba completamente… Desde el amanecer se oia el ruido del cincel. Las figuras salian de la piedra, sin necesidad de hacer estudios previos. Se sentia predestinado a ser escultor.”

Ortiz de Zarate, pintor español, cuenta que en 1903, recien llegado a Paris desde Venecia, Modigliani le habia confesado “que tenia el ardiente deseo de convertirse en escultor” y que “se lamentaba del elevado precio de los materiales necesarios…Pintaba solo a falta de algo mejor; queria trabajar la piedra a toda costa y no dejo de quererlo durante toda su vida”.

Y su madre, Eugenie, cuando le escribia a Paris, dirigia sus cartas a “Amedeo Modigliani, escultor”

Tête

La escultura Tête, subastada en Paris, representa una cabeza oval, con ojos en forma de almendra, una larga nariz triangular y plana, labios finos y pequeños, y el cuello alargado -caracteristicas tambien de sus retratos-.

La cabeza, de 65 centímetros de altura, fue concebida entre 1910 y 1912 cuando Modigliani tenia su estudio en Montparnasse. Picasso y el cubismo empezaban a reinar en el mundo artistico, el arte primitivo llegaba a Paris y mostraba nuevas formas de representacion. Pero mas que de estas influencias, la escultura de Modigliani es seguidora del arte arcaico griego y de la escultura de su amigo Constantin Brancusi.

Es una de las tres únicas esculturas de Modigliani que se han puesto a la venta

La directora del Departamento de Arte Impresionista y Moderno de la casa de subastas Christie's, Anika Guntrum, explicó que "Tête" es "increíblemente rara" porque desde hace más de diez años no salía a la venta ninguna escultura de Modigliani.

La pieza subastada era la "joya" principal un lote de obras que pertenecían a Gaston Levy (1893-1977), empresario y fundador de la cadena de supermercados francesa Monoprix, aficionado al coleccionismo de obras de arte. Levy adquirió la "Tête" de Modigliani en 1927, en una venta en el Hôtel Drouot de París.

Esculturas de Modigliani- Salon d’Automne, Paris 1912

Fuentes:

PARISOT, Christian. Amedeo Modigliani 1884-1920: Biographie, Canalearte editions.Turin, 2000, pp 127-133.

23 de abril: Día del Libro.

2010-04-23T04:10:00.000-07:00

Sin bibliotecas, ¿qué nos quedaría? No tendríamos pasado ni futuro. (Ray Bradbury)

“En Egipto se llamaban a las bibliotecas el tesoro de los remedios del alma. En efecto, curábase en ellas de la ignorancia, la más peligrosa de las enfermedades y el origen de todas las demás”.(Jackes Benigne Bossuet)

“Lee y conducirás, no leas y serás conducido”. Santa Teresa de Jesús.

Filippo Tommasso Marinetti: Futurismo

2010-04-05T14:19:00.001-07:00

Filippo Tommasso Marinetti, fundador del movimiento artístico conocido como “futurismo”, nació en Alejandría (Egipto) el 22 de diciembre de 1876; y murió de un ataque cardíaco en Bellagio- Como- el 2 de diciembre de 1944.

Después de haberse doctorado en las carreras de Letras en París y de Jurisprudencia en Génova, publicó sus primeros libros. En Milán, en 1905, con la colaboración de Sem Benelli, fundó la revista Poesía en la que contribuyeron Jean Cocteau, Miguel de Unamuno, William Butler Yeats, Gian Pietro Lucini, Giovanni Pascoli, Trilussa – pseudónimo de Carlos Alberto Salustri –, Aldo Palazzeschi, Corrado Govoni, Ada Negri y Biagio Marin.

El primer manifiesto del futurismo fue publicado por Filippo Tommaso Marinetti el 20 de febrero de 1909 en Le Figaro de París y un año después, el 8 de marzo de 1910, los pintores futuristas lo leían en el teatro Chiarella de Turín.

El movimiento futurista por él fundado, responde a la actitud desdeñosa y aristocrática de los intelectuales de vanguardia en relación con las realidades comunes y con los valores clásicos y tradicionales. Busca la originalidad, el irracionalismo, la exaltación de la euforia por los momentos fugaces y la exaltación de la tecnología.

A través de veladas poéticas de encuentro con el público, y de revistas como Lacerba, los futuristas difundieron sus ideas, en las que exaltaban sentimientos ultranacionalistas, el amor al peligro, la exaltación de la energía, del coraje y de la audacia; la admiración por la velocidad, la lucha contra el pasado y la exaltación de la agresividad y de la guerra, considerada como “la única higiene del mundo”.

Manifiesto futurista

1. Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad.
2. El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía.
3. La literatura exaltó, hasta hoy, la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo.
4. Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia.
5. Queremos ensalzar al hombre que lleva el volante, cuya lanza ideal atraviesa la tierra, lanzada también ella a la carrera, sobre el circuito de su órbita.
6. Es necesario que el poeta se prodigue, con ardor, boato y liberalidad, para aumentar el fervor entusiasta de los elementos primordiales.
7. No existe belleza alguna si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra maestra. La poesía debe ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para forzarlas a postrarse ante el hombre.
8. ¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!... ¿Porqué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente.
9. Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer.
10. Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria.
11. Nosotros cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, cantaremos al vibrante fervor nocturno de las minas y de las canteras, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas, devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; a los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte, y a las locomotoras de pecho amplio, que patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta. Es desde Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy el futurismo porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios. Ya por demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de ropavejeros. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren por completo de cementerios.

Camden Town Group

2010-04-02T10:49:00.000-07:00

Camden Town Group es el nombre con el que se conoce al grupo de artistas ingleses post-impresionistas que solían reunirse en el estudio del pintor Walter Richard Sickert, en el área londinense de Camden Town. Tenía fijado en 16 el número máximo de miembros. Estuvo activo entre 1911 y 1913. Sus principales influencias eran Vincent Van Gogh y Paul Gaugin.

Entre los miembros del Camden Town Group figuraban Walter Richard Sickert, Harold Gilman, Spencer Frederick Gore, Lucien Pissarro (hijo del pintor impresionista francés Camille Pissarro), Wyndham Lewis, Walter Bayes, J.B. Manson, Robert Bevan, Augustus John, Henry Lamb, Malcolm Drummond, James Dickson Innes, Maxwell Gordon Lightfoot –sustituido tras su muerte por Duncan Grant , William Ratcliffe, John Doman Turner y Charles Ginner.

El grupo no aceptaba mujeres entre sus miembros, lo que impidió que artistas como Stanislawa de Karlowska, esposa de R. Bevan, y otras muchas, pudieran pertenecer al grupo.

BIBLIOGRAFÍA

Robert Upstone, Modern Painters: The Camden Town Group, catálogo de la exposición, Tate Britain, London, 2008 ISBN 1854377817

Movimientos Artísticos/ grupos relacionados:

Fitzroy Street Group · Allied Artists Association · Vorticismo · London Group · Cumberland Market Group · Group X

Pablo Gargallo. Dibujos (1881-1934)

2010-03-31T08:38:00.000-07:00

Esta exposición, que se inserta dentro del proyecto Maestros del dibujo español de la Fundación Marcelino Botín, destinado a recopilar y dar conocimiento de la obras sobre papel de grandes figuras del arte español, muestra todas las etapas, influencias y movimientos por los que pasó el escultor aragonés Pablo Gargallo (Maella, 1881-Reus, 1934).

La faceta de dibujante de Gargallo se muestra al público con sus trabajos más representativos e importantes, provenientes de la colección familiar de y de instituciones y particulares de distintos lugares del mundo, gran parte de los cuales se ven por primera vez en España.

El acercamiento al proceso creativo de este artista vanguardista del s.XX se realiza a través de sus trabajos sobre papel más representativos e importantes. La selección de dibujos y bocetos se divide en cuatro grandes grupos: los trabajos de juventud y formación (entre 1885 y 1903), bocetos y estudios para esculturas, las obras puramente plásticas, retratos y autorretratos (de 1896 a 1929).

La exposición -que puede verse desde el 25 de marzo al 30 de mayo de 2010 en la Fundación Marcelino Botín, de Santander sirve de marco para hacer público el resultado de la investigación realizada por María José Salazar, que ha recopilado, catalogado y comparado toda la faceta dibujística del genial escultor.

Pablo Gargallo (1881-1934). Española con mantilla, 1930.

Otro sitio estupendo para conocer la obra de Pablo Gargallo:

Museo Pablo Gargallo. Zaragoza

Chop Suey. Edward Hopper, 1929

2010-03-05T12:40:00.001-08:00

En la época de Edward Hopper, decir Chop Suey era decir Nueva York. El plato, que consistía en una amplia mezcla de ingredientes, no era un plato tradicional chino, sino una minuciosa interpretación americana de la cocina china.

Los restaurantes de Chop Suey eran lugares sin pretensiones, ubicados casi siempre en las plantas superiores de antiguos comercios. Grandes carteles luminosos se extendían a lo largo de la fachada del edificio, llamando la atención de los transeúntes que pasaban por la calle. Los restaurantes atrajeron la atención de un público de lo más diverso y sus comedores se convirtieron en un reflejo de la moderna sociedad de Nueva York.

Edward Hopper encontró en los restaurantes y cafés el tema para muchos de sus cuadros.

Eran lugares en los que podía sentarse y mirar a la gente, perfeccionando su capacidad de observación y registro de personajes típicos. De 1906 a 1925 había trabajado como ilustrador de prensa – una forma de comercializar su arte- y se había habituado a crear imágenes muy descriptivas que sugerían historias y situaciones diferentes.

En los restaurantes, Hopper vio reflejado el nuevo rostro de la mujer americana. Las reglas y costumbres victorianas sobre la feminidad estaban siendo transgredidas en todas partes. Para una mujer honesta, “salir a comer” significaba tradicionalmente hacerlo en compañía de alguien adecuado –y con escolta-, si no… corría el riesgo de ser tomada por una prostituta; generalmente sólo los hombres de negocios o los viajeros comían en restaurantes.

Cuando un discreto pero amistoso cartel anunciaba en los ventanales “Mesas para señoritas”, se sabía que se trataba de un lugar en el que los cambios sociales eran aceptados.

En 1925, un columnista escribió que el chop suey representaba un papel fundamental en la vida de los neoyorkinos: el chop suey se había convertido en “un alimento básico… en férrea competencia con los sandwiches y las ensaladas como alimentación principal de las jóvenes oficinistas y telefonistas de las calles John, Dey y Fulton…A la hora de comer se producía un éxodo hacia China Town de las mujeres trabajadoras empleadas en las calles Franklin, Duane y Worth. Para ellas el barrio chino no era un exótico trozo de oriente transplantado en el centro de Nueva York. Simplemente era un buen sitio para comer.

Marius de Zayas: artista y coleccionista

2010-02-20T10:56:00.001-08:00

Marius de Zayas, nacido en 1880 en Veracruz (México), hijo del famoso intelectual mexicano Rafael de Zayas, se inició en el mundo del arte en Nueva York, a donde llegó en 1907 con su familia (y donde murió en 1961).

De la mano de Alfred Stieglitz y de su galería de arte, la 291 (Fifth Avenue), Zayas entró en contacto con las corrientes artísticas más novedosas del momento: el cubismo, el expresionismo o el dadaísmo, del que fue un activo representante.

Alfred Stieglitz

Comenzó a trabajar como caricaturista, medio en el que desarrolló una particular forma de expresión: la «psicografía» (la imagen de una persona vista de forma subjetiva por el artista).

Gertrude Vanderbilt Whitney, 1908.

Durante sus estancias en París se relacionó con Picasso, Rodin, Cezanne, Toulouse-Lautrec, Derain, Matisse o Duchamp, cuyas obras difundió por Estados Unidos a través de exposiciones y de ensayos en revistas de arte.

En la galería de Alfred Stieglitz, Zayas organizó muestras tan importantes como la de 1914, en que se exponían por primera vez en Nueva York esculturas del África negra; al año siguiente, se mostraron esculturas de Gabón junto a obras de Picasso y Braque. Estas exhibiciones y otras celebradas en Europa desde 1900 revelaron el extraordinario valor estético (y no sólo etnográfico o cultural) del arte negro africano o de otras culturas, y resultaron en un auténtico revulsivo para algunos artistas de la época (Matisse o Picasso y sus Señoritas de Avignon —1907—, son la mejor muestra de ello).

Zayas concibió entonces la idea de reunir una colección de esculturas de pueblos arcaicos (sumerios, egipcios, del Extremo Oriente o de la Antigua Grecia), parte de la cual luego donó al Museo del Prado, en 1944. Parece probable que con la donación de siete de sus esculturas al Museo del Prado, Zayas intentara obtener cierta protección del régimen de Franco para escapar y salvaguardar su colección de arte.

En 1943, en plena segunda guerra mundial, el mexicano Marius de Zayas (Veracruz, México, 1880-Nueva York, 1961) vivía con su mujer, la norteamericana Virgina Randolph Harrison, en un castillo cerca de Grenoble. Por su doble condición de americano, enemigo por ende de los alemanes, y de artista degenerado, según la definición que los nazis hacían del arte del movimiento Dada, del que era miembro, su presencia en la Francia ocupada suponía un riesgo. La actitud del régimen de Vichy y la presencia de partisanos y tropas alemanas en las cercanías les hacía temer lo peor: requisa de bienes y deportación a un campo. En este contexto tan delicado, El caricaturista mexicano escribió en marzo de 1943 al embajador español en Vichy, José Félix de Lequerica, ofreciendo la colección al Museo pero sin revelar de forma clara su identidad. Decía ser un mexicano descendiente de españoles, interesado en donar a la «madre patria» su colección. El gobierno franquista aceptó de buen grado el ofrecimiento y se iniciaron los trámites para el traslado, aparentemente sin sospechar siquiera que aquél «Mario» de Zayas era amigo nada menos que de Picasso, el autor del Guernica, y de otros artistas de vanguardia vinculados al Partido Comunista y a la II República española.

El traslado de las obras a España fue más lento de lo previsto por las trabas administrativas impuestas por las autoridades francesa y alemana. Todo el proceso quedó recogido en la correspondencia entre el propio Zayas y el embajador Lequerica y entre éste y las distintas estancias de Madrid, documentos publicados recientemente por S. F. Schröder. Por fin, el 27 de enero de 1944 llegaron las esculturas a Madrid y en marzo se expusieron en una de las rotondas del edificio de Villanueva.

Escultura griega (mediados del s. VI a. C.): Kouros

Entre ellas estaba este pequeño torso de Kouros, o estatua de un joven de época Arcaica, adquirido por Zayas en París. Procede de la isla de Naxos y ha sido datado a mediados del siglo VI a. C. El kouros es un tipo escultórico que representa a un hombre joven, normalmente desnudo, caracterizado por una frontalidad rigurosa, los brazos pegados al cuerpo de forma simétrica, los puños cerrados, la pierna izquierda adelantada (forma de dar estabilidad a la estatua) y una musculatura modelada de forma dura y angulosa. Si bien le faltan la cabeza y las piernas a partir de las rodillas, se puede apreciar la esbeltez de esta figura del Prado. Difiere en tamaño de la mayoría de los kouroi, que pueden superar los 2 metros, aunque estas pequeñas estatuas también fueron frecuentes. Tanto unas como otras tenían un carácter votivo, pues eran obras encargadas por familias importantes para ofrecerlas a los dioses en sus templos. Encarnaban el ideal de belleza del hombre griego, una belleza hierática y fría todavía. En ese sentido pueden representar tanto a los hombres (quizá al aristócrata que lo encargaba), como a los dioses.

Escultura mesopotámica (ca. 2110 a. C.): Cabeza sumeria

No es extraño que los rasgos geométricos y duros que imprimen personalidad a este rostro de diorita atrajeran al caricaturista mexicano: un cráneo rapado, unas voluminosas cejas arqueadas que se unen con la nariz y enmarcan unos ojos almendrados y saltones, una boca con labios apretados, un redondeado mentón. A. Blanco identificó esta cabeza como perteneciente a una estatua de Gudea, el gobernador de Lagash, dada su similitud con otras estatuas suyas halladas en Tell Lagash, la capital sumeria (Iraq), sobre todo con una del British Museum. Dataría, por tanto, de hacia 2110 a. C.

Aunque el régimen franquista le llegó a conceder la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica y la de Alfonso X el Sabio, la figura de Marius de Zayas, donante, se mantuvo casi en el anonimato y rodeada de sombras. Las fechas y las azarosas circunstancias en que se produjo la donación y la condición del donante, que nunca quiso aclarar su verdadera personalidad, provocaron una incertidumbre que afectó tanto al propietario como a las obras. Así, los primeros encargados de catalogar en 1952 las siete esculturas entregadas al Museo del Prado, A. Blanco Freijeiro y A. García y Bellido, hablaban de un diplomático mexicano destinado en su día en Oriente Próximo que había obtenido protección de la Embajada española en Francia durante la segunda guerra mundial.

Las dudas sobre el donante y la colección hicieron cuestionar la autenticidad de las esculturas. Estudios recientes, como el catálogo de escultura del museo, han permitido conocer mejor las piezas.

Los vorticistas en el Restaurante de la Torre Eiffel, primavera 1915. William Roberts

2010-01-31T07:45:00.000-08:00

William Roberts

The Vorticists at the Restaurant de la Tour Eiffel, Spring 1915, 1961–2
Oleo/lienzo, 183 cm x 213.5 cm

El restaurante de la Tour Eiffel, al que alude el título de este cuadro pintado en 1961-62, no es el famoso restaurante parisino, sino uno bastante más modesto que se encontraba en Londres, en el nº1 de Percy Street, y que era el lugar de reunión de los miembros del grupo vorticista.

En el cuadro aparecen: de izquierda a derecha, sentados, Cuthbert Hamilton, Ezra Pound detrás, William Roberts (autor del cuadro), Wyndham Lewis, Frederick Etchells y Edward Wadsworth, mientras que de pie están Jessica Dismorr y Helen Saunders (también miembros del movimiento), además de Joe, camarero del restaurante, y Rudolph Stulik, su propietario entre 1908 y 1937.)

El centro del cuadro lo ocupa la copa de champán que sostiene Windham Lewis, líder y fundador del Vorticismo, que aparece en posición central y de mayor tamaño que el resto de personajes.

La escena parece celebrar la aparición del primer número de Blast, la revista oficial del grupo, si bien la fecha aludida en el título- primavera de 1915- no se correspondería con ello, ya que su publicación data de 1914. El segundo y último número de Blast apareció en julio de 1915. ¿Quizás la preparación de éste último…?

Joe, el camarero, trae dos copas y una botella a las dos mujeres que entran por la puerta, a la izquierda: Jessica Dismorr y Helen Saunders, únicas mujeres que formaban parte del movimiento desde sus orígenes, y que participaron en todas las exposiciones organizadas, así como en el manifiesto de Blast. Detrás de ellas se adivina la arquitectura urbana del exterior. La parte derecha de la obra está ocupada por un cuadro típicamente vorticista, colgado de la pared.

En una entrevista en The Listener (21 de marzo de 1957), Roberts comentó sobre las tardes pasadas en el restaurante: “En mi memoria la cocina francesa y el Vorticismo están indisolublemente unidos” .

Sin embargo, Champán y pasteles no debían ser un menú habitual entre los vorticistas, dado el estado económico de algunos de los miembros: David Bomberg vivía en Whitechapel, por entonces un insalubre suburbio de Londres (famoso por los asesinatos de Jack el destripador ocurridos pocos años antes);Henri Gaudier-Brzeska vivía y esculpía bajo un puente de ferrocarril en Putney; y Jacob Epstein, era otro artista bohemio que tuvo enormes dificultades para sobrevivir…