Una Voce Poco Fa

Fidelio en el Teatro Regio de Turín, Italia

2012-01-29T09:20:00.000-08:00

Foto: Ramella&Giannese - Fondazione Teatro Regio di Torino.

Renzo Bellardone

Fidelio forma parte del proyecto que el Regio de Turín ha ofrecido sapientemente a sus espectadores invitándolos a recorrer juntos el camino hacia la búsqueda de la libertad. Si bien es una opera poco conocida, su trama es notable y es una piedra angular del panorama operístico y un monumento de composición que emociona. Aquí, emergió el vigor en la dirección de Gianandrea Noseda, con la madurez del director hoy conocido, quien supo extraer de la partitura hasta la introspección mas temida. El coro dirigido por Claudio Fenoglio fue un protagonista con definidos acentos interpretativos. La dirección escénica de Mario Martone fue apreciable por la idea de realizarla a través de la esencia metálica de la escena fija, que cambió solo en el segundo acto. Para una opera de espesor, invenciones escénicas podrían parecer artificiales, mientras que la referencia de los campos de concentración nazis, no hicieron más que acentuar la emotividad en su percepción. La iluminación de Nicolas Bovey fue utilizada con sapiente discreción; y sobrios fueron los vestuarios de Ursula Patzak. Miranda Keys, en el doble papel de Leonora y de Fidelio ofreció una significativa prueba vocal, afrontando a los personajes con la determinación de una mujer con coraje que arriesga todo para liberar a su hombre de las cadenas de la injusticia. Kor-Jan Dusselejee, fue aplaudido como Florestan, y a pesar de una molestia vocal ofreció una prestación de mucho espesor. El barítono Thomas Gazheli interpretó con seguridad escénica y vocal a Don Pizarro. Marzelline contó con la deliciosa soprano Barbara Bargnesi y el tenor Alexander Kaimbacher fue un claudicante Jaquino, en la parte escénica, aunque su emisión no fue del todo agradable. Robert Holzer fue el bajo profundo que dio voz y cuerpo a Don Fernando.

Tosca en el Teatro Regio de Turín, Italia.

2012-01-28T19:53:00.000-08:00

Foto: Ramella&Giannese - Fondazione Teatro Regio de Torino

Renzo Bellardone

La música de Tosca es profunda y simplemente bella porque evidencia la sensible genialidad como compositor de Puccini. Con la sobresaliente dirección del maestro Gianandrea Noseda, la poesía puccininia que acaricia, tomo vida en una vigorosa y conmovedora dimensión humana. La orquesta del Regio de Turín se alzó con una ecléctica transfiguración de sonidos con las vibrantes y pasionales señas del director, quien atento y participativo, vivió la opera en un vibrante crescendo del escenario y el foso. Frecuentemente se omiten las consideraciones sobre el libreto de la opera, pero en este caso se debe subrayas la genialidad de Illica y Giacosa quienes ofrecen un texto sin tiempo, donde la fragilidad y la pasión conviven en contraposición en esta obra. En escena, la sobria producción de Isabelle Partiot-Pieri no omitió ninguno de los significados impregnados en la opera, con pocos movimiento técnicos en escena y con la genialidad del uso apropiado del “video” de inicio al fin de la función, hasta el salto mortal al vacío de la protagonista de lo mas alto del Castel Sant Angelo, con la misma técnica visual. Muy apreciada fue la dinámica dirección de Jean-Louis Grinda los elegantes vestuarios de Christian Gacs y la iluminación de Roberto Venturi. Tosca fue personificada por Maria Jose Siri quien debutó el papel en el Regio con voz que emitió sin incertidumbres y retornó profunda y sufrida o amenazadora y vengativa en un caleidoscópico tableau de colores. Lorenzo De Caro afrontó el personaje de Cavaradossi con tono vocal seguro en línea con su óptima prestancia física, ofreciendo tonalidades de mucho cuerpo que son particularmente significativas para el papel. Silvio Zanon fue un Scarpia corpulento y de colores imperiosamente oscuros con los que trazó histriónicamente de manera innegable y segura al personaje. El coro dirigido por Claudio Fenoglio también en esta ocasión mostró un envolvente equilibrio vocal en una amalgama de luces y sombras que iluminaban al mismo tiempo. ¡La música vence siempre!

Al Teatro Regio di Torino le genialità si incontrano: Tosca

2012-01-28T19:47:00.000-08:00

Foto: Ramella & Giannese - Fondazione Teatro Regio di Torino

Renzo Bellardone

La musica di Tosca è profondamente e semplicemente bella, quindi il profondersi in uno sproloquio di aggettivi appare superfluo, mentre è di tutta evidenza la sensibile genialità compositiva di Puccini. Con la geniale direzione del Maestro Gianadrea Noseda la carezzevole poesia pucciniana prende vita in una vigorosa e commovente dimensione umana; l’orchestra del Regio di Torino assurge ad eclettica trasfigurazione dei suoni ai cenni vibranti e passionali del direttore che attento e partecipativo vive l’opera in un crescendo vibrante con palco e buca. Sovente si tralasciano le considerazioni sul libretto dell’opera, ma in questo caso si può e si deve sottolineare la genialità di Illica e Giacosa nell’offerta di un testo senza tempo, dove le fragilità e le passionalità vivono in Tosca la duellante contrapposizione di sempre. Ed ora osservando le altre genialità si considera il palco dove un sobrio allestimento di Isabelle Partiot-Pieri, che non tralascia però nessun dei significati pregnanti dell’opera, con pochissimi movimenti tecnici di scena e la genialità dell’utilizzo in modo del tutto appropriato del ‘video’ inizia la vicenda dal finale…ovvero dal salto mortale nel vuoto della protagonista dagli spalti di Castel Sant Angelo; con la stessa tecnica visiva e con lo stesso tragico momento si concluderà l’opera apprezzatissima anche per la dinamica regia di Jean-Louis Grinda. Gli eleganti costumi di Christian Gacs e le sapientissime luci (spettacolare il rosso al finale) di Roberto Venturi valorizzano l’allestimento diretto da Saverio Santoliquido che si è avvalso anche di Elisabetta Acella in qualità di assistente alla regia. I particolari registici da sottolineare sarebbero molti, ma per sobrietà si evidenzia solo il ribaltamento della scena; ad esempio ovvero il pubblico vede l’ingresso della chiesa e non l’altare e poi ancora Cavaradossi al momento della fucilazione sarà di spalle verso la platea che allo sparo vede il fumo dei fucili; ideazione accorta che coinvolge e capta ancor più le emozioni. Tosca è impersonata da Maria Jose Siri che debutta il ruolo al Regio con voce che sale senza incertezze per ritornare profonda e sofferente o minacciosa e vendicativa in un caleidoscopico tableau di colori. Lorenzo De Caro affronta il personaggio di Cavaradossi con piglio vocale sicuro: in abbinamento all’ottima prestanza fisica non lesina le emozioni che la partitura prevede, offrendo toni corposamente ambrati particolarmente significativi nel ruolo. Il viscido Scarpia è Silvio Zanon che corpulento e con colori imperiosamente scuri o istrionicamente ingannevoli tratteggia il personaggio con professionale sicurezza. Luca Casalin è il buon tenore che interpreta Spoletta; Francesco Palmieri è un ottimo Angelotti sia per presenza scenica che ancor più per l’apprezzabile prestazione vocale. Significativa la presenza di Federico Longhi nei panni di Sciarrone e di Riccardo Mattiotto in quelli del carceriere. Il pastorello –voce bianca- è il giovanissimo Tommaso Paronuzzi che tiene il palcoscenico alla stregua dei ben più adulti professionisti. La tragica vicenda –così come in tutte le quotidianità- annovera anche una presenza che almeno all’inizio della storia alleggerisce la tensione ovvero ‘il sagrestano’ che al Regio affida le vesti ad un brillantissimo Matteo Peirone che pur nulla tralasciando all’espressione vocale, si cimenta nel un goffo, simpatico personaggio del frate. Il coro diretto da Claudio Fenoglio è anche in questa occasione l’espressione del coinvolgente equilibrio vocale in un amalgama di luci ed ombre che magicamente illuminano l’insieme. La musica vince sempre.

Il Maestro di Musica” y “Il Don Chisciotte” de Martini en Bolonia.

2012-01-28T18:45:00.000-08:00

Foto: Luca Toffolon

Renzo Bellardone

Admirado por Mozart y formador del maestro de música de Gioacchino Rossini, el Padre Giovanni Battista Martini (Bolonia 1706-1784) de la orden de los frailes menores conventuales, dejó un patrimonio invaluable de libros, manuscritos y partituras que ahora son patrimonio del Museo Internacional y Biblioteca de la Música de Bolonia. Su actual redescubrimiento y valorización se debe al minucioso trabajo de la Accademia degli Astrusi a través de su director Federico Ferri, quien creó el “Festival Martini” en Bolonia la ciudad natal del compositor. En el Teatro Comunale de Bolonia, se presentaron en su estreno absoluto en época moderna dos intermezzi: “Il Maestro di Musica” seguido de “Il Don Chisciotte” en la edición critica de Daniele Proni y de Federico Ferri, también director musical, quien ofreció una conducción atenta y puntual de la orquesta, con gesto amplio y vigorosamente descriptivo, además de poner mucha atención también al escenario. El primer intermezzo se presentó como una piedra preciosa de música muy ligera y bien interpretada tanto en lo actoral como en lo vocal que nunca desilusionó Laura Polverelli fue Olimpino la estudiante de música y Aldo Caputo, Tamburlano, el maestro de música. Polverelli logró modular los sonidos poco usuales que acentúan el divertido intermezzo y Caputo emitió con seguridad y mantuvo la música con dominio. El canto por momentos difícil y de no inmediata lectura se realizó de manera virtuosa y agradable. Fue un gusto asistir a una prima absoluta y fue aun más agradable sentir como fue llevada por una orquesta cada vez más afianzada en el repertorio. Decididamente, estuvo agradable y envolvente este refinado divertissement con las buenas voces y los gratos sonidos. “Il Don Chisciotte” utilizó como escenografias bocetos creados por el Premio Nobel Dario Fo con trazos en azul gris definidos en un fondo anaranjado creado por las luces de Daniela Naldi. Aquí, Laura Polverelli ofreció una brillante interpretación de la femeninamente astuta Nerina, y Aldo Caputo, fue un temeroso Don Quijote manipulado por un grotesco pero astuto Sancho Panza, interpretado por el mimo Matteo Belli quien concluyó el intermezzo sobre los dos personajes y a su gusto los manejo como un titiritero que movía sus marionetas. Este intermezzo podría ser también considerado como una verdadera “operita” ya que gracias a la divertida dirección escénica de Gabrielle Marchesini y a la escenografía de Stefano Lannetta arrancó más de una divertida sonrisa, con Nerina cabalgando un caballito mecedora y cambiándose sus vestuarios con la escena abierta mientras adquiría facultades mágicas.

Firenze, Accademia Bartolomeo Cristofori. Recital del pianista Marco Rapetti.

2012-01-25T21:14:00.000-08:00

Leonardo Monterverdi

Un programma monografico su Anatolij Ljadov è stato presentato dal pianista genovese Marco Rapetti all’Accademia del fortepiano Bartolomeo Cristofori di Firenze lo scorso dicembre. Di Ljadov si conosce pochissimo, almeno da noi, dell’abbondante produzione pianistica ma di certo un pezzo lo conoscono tutti: “Una tabacchiera musicale”. Ma non tutti sanno che Ljadov era un esponente importantissimo della vita musicale russa tra i due secoli e che fu in stretta relazione con il gruppo dei Cinque, stimatissimo compositore ma, come ci ha raccontato Rapetti, che ogni tanto forniva informazioni aneddotiche assai brillanti e simpatiche sull’autore, pigrissimo: fu per il suo assenteismo che fu cacciato dal conservatorio di San Pietroburgo, dalla classe di Rimskij-Korsakov. Due anni dopo, però, fu riammesso per diplomarsi in composizione. In realtà questa sua pigrizia è apparente, vista la produzione così corposa di brani per pianoforte. Tra l’altro Rapetti è anche l’esecutore di un pregevole cofanetto di cinque CD dell’opera omnia per pianoforte di Ljadov, edito per Brilliant Classic nel 2011. La produzione di Ljadov si distingue per un certo numero di piccoli brani descrittivi, musica a programma, un po’ nello stile schumanniano delle piccole immagini come in Kinderszenen, quasi tutti con titolo, vere e proprie miniature musicali, accanto a Preludi, mazurke, intermezzi, parafrasi, variazioni, tutti brani uno più interessante dell’altro, visto il virtuosismo per il quale l’autore era famoso all’epoca, virtuosismo richiesto anche ai suoi esecutori e che Rapetti ha mantenuto. Pur esperto e stimato orchestratore, la pigrizia impedì a Ljadov di comporre opere o brani sinfonici che lo distogliessero dal suo mondo di rilassatezza. Rapetti ricordava infatti, nei suoi racconti, che il primo compositore ad essere interpellato da Diaghilev per “L’uccello di fuoco” fu proprio Ljadov, ma visti i suoi ritardi e temporeggiamenti, l’ideatore dei Ballets Russes incaricò Stravinskij. Per fortuna, diremmo noi, perché altrimenti non possederemmo quel capolavoro assoluto. Iniziato con “Birjul’ki” (gioco degli stecchetti), della produzione giovanile di Ljadov, una sorta di esercizi pianistici un po’ sterili se si vuole, ma che comunque mostrano la capacità compositiva dell’autore in erba, il programma ha proseguito con un bel Preludio in si minore e una “Shestovije” (processione), suggestiva. L’attenzione all’infanzia era rappresentata da un “Pro starinu” (C’era una volta) e una “Kolïbel’naya” (Ninna nanna), due deliziosi pezzi degli anni 90, le Variazioni su un tema polacco, del 1901, che concludeva la prima parte. Nella seconda parte abbiamo ascoltato cinque preludi di vari periodi, ma tutti degli anni 90, per concludere con i “Quattro pezzi op. 64”. Rapetti, che ama e diffonde con affetto questi programmi un po’ gozzaniani, ha sfoderato tutto il fascino del suo pianismo, espressivo e pertinente, purtroppo un po’ penalizzato da un pianoforte a tre quarti di coda non perfettamente in ordine. Molti bis, tra cui la famosa “Tabacchiera”.

Proyecto Mahler: LA Philharmonic y Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

2012-01-24T15:29:00.000-08:00

Foto: Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela.

FundaMusical Bolívar

El mensaje esperanzador de la obra de Gustav Mahler llegará a Venezuela, desde el 7 de febrero, con un ciclo que lleva por nombre “Con Dudamel por la paz” y que previamente se realizará en la ciudad de Los Ángeles. Este año, el Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, en alianza con la Organización de las Naciones Unidas (ONU), dedica toda su programación musical a uno de los grandes anhelos del hombre: la paz. Gustavo Dudamel es uno de los motores de la iniciativa que ya está dando sus primeros pasos en Los Ángeles con el Proyecto Mahler, donde los jóvenes de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, nombrados voceros por la paz por la ONU, están llevando su música para la esperanza. Aunque durante su vida Mahler no gozó del respeto que ahora todos le profesan, hoy es considerado un icono en la historia de la música. Tenía razón cuando él mismo dijo proféticamente: “Mi tiempo llegará” y ese momento llegó. Es ahora. Las más importantes orquestas tocan en sus temporadas las sinfonías de este compositor, pero ninguna ha hecho lo que de manera titánica, como el ciclo que comenzó el viernes 13 de enero y que concluirá el 18 de febrero. 2400 músicos de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, 16 coros del Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, la Filarmónica de Los Angeles y 16 coros de esa ciudad estadounidense, darán vida a todas las sinfonías de Gustav Mahler tanto en Los Ángeles como en Caracas, dirigidos por Gustavo Dudamel. Gracias a los esfuerzos del Sistema de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela y de la Filarmónica de Los Ángeles, se tocarán desde el 13 de enero las nueve sinfonías de Mahler en Los Ángeles y luego, desde el 7 de febrero, la programación se repetirá en Caracas, específicamente en la Sala Ríos Reyna del Teatro Teresa Carreño. En ambos países, las obras contarán con la participación de solistas de destacada trayectoria como los cantantes Anna Larsson, Alexander Vinogradov, Brian Mulligan, Buckhard Fritz, Klara Ek, Charlotte Hellekant, Julianna di Giacomo, Kiera Duffy y Manuela Uhl. Por primera vez, la Filarmónica de Los Ángeles pisa suelo venezolano para unirse con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela. Ambas instituciones no sólo comparten un mismo director musical -Gustavo Dudamel-, sino también han encontrado en la música un camino y una herramienta para insertar la paz en la vida de miles de niños, jóvenes, familias y comunidades. La Filarmónica de Los Ángeles, inspirada en El Sistema venezolano y con el padrinazgo de Gustavo Dudamel, creó la YOLA, que es la Orquesta Juvenil de Los Ángeles por sus siglas en inglés. En este programa se trabaja con habitantes de las comunidades más necesitadas de atención y educación; dos programas, en momentos y en países diferentes han entendido la música como un proyecto social que une y que genera paz ciudadana.

Programación en Caracas: Todos los conciertos en Caracas se realizarán en la Sala Ríos Reyna del Complejo Cultural Teatro Teresa Carreño

Martes 7 de febrero / 7:00 pm

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Sinfonía n.º 2 en do menor “Resurrección”

Miércoles 8 de febrero / 7:00 pm

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Coro Sinfónico Juvenil de Venezuela

Niños Cantores de Venezuela

Anna Larsson, mezzo-soprano

Sinfonía n.º 3 en re menor

Jueves 9 de febrero / 7:00 pm

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor

Viernes 10 de febrero / 7:00 pm

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Sinfonía n.º 7 en mi menor

Sábado 11 de febrero / 5:00 pm

Filarmónica de Los Ángeles

Sinfonía n.º 9 en re mayor

Lunes 13 de febrero / 7:00 pm

Filarmónica de Los Ángeles

Sinfonía n.º 4 en sol mayor

Miércoles el 15 de febrero / 7:00 pm

Filarmónica de Los Ángeles

Sinfonía n.º 6 en la menor

Jueves 16 de febrero / 7:00 pm

Filarmónica de Los Ángeles

Sinfonía n.º 1 en re mayor “Titán”

Sinfonía n.º 10 “Inconclusa”

Sábado 18 de febrero / 6:30 pm

Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela

Filarmónica de Los Ángeles

Coro Sinfónico Juvenil de Venezuela

Sinfonía n.º 8 en mi bemol mayor “De los mil”

(1400 músicos en escena)

Opera Lafayette of Washington D.C. uncovers Monsigny work once sung by Marie-Antionette

2012-01-24T15:12:00.000-08:00

Photo: Louis Forget

Opera Lafayette of Washington D.C.´s period instrument orchestra staged the opera "Le Roi et le fermier" (1762) an opéra-comique in three acts by french composer Pierre-Alexandre Monsigny (1719-1817). The opera was reviewed by Tim Smith of the Baltimore Sun.

http://weblogs.baltimoresun.com/entertainment/classicalmusic/2012/01/opera_lafayette_uncovers_monsi.html

Los desafíos de la ópera para sobrevivir en un mundo en crisis según: Joan Matabosch, Gerard Mortier y Helga Schmidt

2012-01-22T12:40:00.000-08:00

Foto: Helga Schmidt

En el siguiente artículo publicado en el periódico El País de España, los directores artísticos de los teatros más importantes de España expresan su opinión sobre los desafíos que deben superar en los próximos años para mantener la excelencia en sus respectivos teatros. Esos directores son: Gerard Mortier (Teato Real), Joan Matabosch (Gran Teatre del Liceu) y Helga Schmidt (Palau de les Arts)

http://blogs.elpais.com/el-concertino/2012/01/desafios-opera-mundo-crisis.html

Gerard Mortier

Joan Matabosch

Firenze. Teatro del Maggio Musicale. Apertura Stagione 2012: Gioachino Rossini “Il Viaggio a Reims”.

2012-01-21T14:26:00.000-08:00

Foto: Maggio Musicale Fiorentino

Leonardo Monteverdi

Alle terme con Rossini: “Il Viaggio a Reims”

Non si può dire che la scenografia di Italo Grassi non fosse fatta bene e anche piacevole a guardarsi. Era una struttura architettonica niente male, molto geometrica, un po’ da appartamento IKEA, se vogliamo, con l’angolo per il pranzo, la palestra, anche una piscina. Non si può dire che i costumi di Maurizio Millenotti fossero brutti, ché invece erano elegantissimi, ben confezionati, e tornavano anche bene a chi non avesse proprio un fisico longilineo. Quasi quasi gli chiedo se ne fa uno anche a me, che non sono filiforme. Le luci di Marco Filibeck assecondavano scene e costumi, in maniera fredda e distaccata, puntualizzando quasi l’immobilità della situazione, dei gesti e dei caratteri. La musica, poi, sublime, è una delle partiture più belle di Rossini. Non si può dire che gli artisti non fossero al livello richiesto, forse non tutti proprio a posto, ma considerando le difficoltà vocali dei ruoli, erano bravi. Nemmeno si può dire che l’orchestra diretta da Daniele Rustioni abbia suonato male, né d’altro canto è facile che un’orchestra ottima come quella del Maggio suoni male. Eppure ogni tanto succede che anche se tutte le cose singolarmente siano di buona fattura non si combinino bene insieme e non si arrivi al risultato sperato. La magia del teatro, la sua alchimia, è assai complessa e ha bisogno di qualche ingrediente in più e di condizioni particolari per realizzarsi al suo meglio. Certo, va detto che il libretto di quest’opera, di Luigi Balocchi, non aiuta a una realizzazione scenica perché succede assai poco: nobiluomini e nobildonne, borghesi, artisti si trovano in un albergo termale in attesa di ripartire per andare all’incoronazione di Carlo X a Reims, ma non si trovano i cavalli per il trasporto e potranno ripiegare andando solo al rinfresco a Parigi, dove avverranno grandi festeggiamenti per l’incoronazione, tutti ospiti della Contessa di Folleville. Il tutto, in questa edizione, trasportato in un Novecento imprecisato, ma certo più vicino alla seconda metà che all’inizio del secolo. A livello di azione non succede assolutamente niente se non le presentazioni dei personaggi attraverso la propria aria, accompagnata ogni tanto da strumenti solistici come l’arpa (brava, Susanna Bertuccioli) e il flauto (fluido ed elegante, Guy Eshed). Schermaglie amorose tra alcuni personaggi sono l’unica cosa che succede in un albergo termale, un po’ come i personaggi nel loft del Grande Fratello, in fondo sono tutte figure di una grande inutilità le cui vicende possono solo essere oggetto di giornali scandalistici e niente più… c’era la contessa che si appartò nel giardino col barone, ma il ministro, suo marito, gelosissimo, non la perdeva d’occhio e patatì e patatà… E qui si pone il problema del regista su come fare agire questi caratteri sulla scena per ben tre ore. Le scelte di Marco Gandini, le sue idee, ahimè, non sono apparse così funzionali come forse era nelle intenzioni, peraltro non espresse nelle note di sala. L’uso smodato della piscina in scena (una volta costruita bisogna sfruttarla…) con tuffi, scherzi, bagnanti, giochi etc. etc. alla fine risultava ripetitivo, greve e noioso. Né si riusciva ad allontanare la noia con dei clown scatenati, perché poi, alla fine, tutto questo movimento disturbava senza aggiungere alcunché, per non parlare degli enormi palloni-bandiera, simbolo (?) delle nazioni presenti in scena, lanciati di qua e di là, che riapparivano da ogni direzione, per troppo tempo, anche galleggiando sulla piscina, o con una folla di massaggiatori, ginnasti, nuotatori, camerieri e cameriere, tutti bellocci come al Grande Fratello…

Ma tra i personaggi sembrava non esserci una vera complicità, erano come delle monadi indipendenti, senza autentiche interazioni, a parte alcune. Si può dire una zeffirellata con tanta zavorra? L’ambientazione novecentesca avrebbe potuto essere più interessante se situata proprio poco prima dello scoppio della Grande Guerra, alla fine dell’ovattato e spesso fatuo mondo della Belle Époque, proprio perché carica di significato e dello sgretolamento di quelle certezze di pace e di prosperità che si credevano raggiunte ed immutabili, e forse aggiungere un finale non scritto, perché l’opera celebrativa di Rossini, in effetti, oggi ha ben poco da dire, come nota giustamente Gandini nelle note. Così era pura estetica, ma senza neanche dei giochi di società per variare la minestra, a parte quello, in partitura, delle imitazioni degli inni musicali nell’ultima parte che, oggi, appare assai ingenuo... Un po’ noiosa, alla fine, come si dice a Firenze: sa di poco. Dal punto di vista musicale abbiamo apprezzato diverse voci, semplicemente eccellenti, anche per le difficoltà tecniche di tutti i ruoli, nessuno escluso. Su tutti si stagliavano Michele Pertusi, Lord Sidney, elegantissimo, dalla voce sempre perfetta, e Marianna Pizzolato, a suo agio nei panni della Marchesa Melibea, dalle colorature acrobatiche e dalla voce calda e mai forzata, ormai giovane mezzosoprano di riferimento per Rossini. Il tenore cinese Yijie Shi ha sorpreso per la disinvoltura vocale e declamatoria, una voce impostata benissimo e, cosa ancora più apprezzabile, un’impeccabile pronuncia italiana e una coscienza prosodica che neanche alcuni artisti italiani hanno. Un figurone. Discreta Eva Mei, Madama Cortese, anche se forse il suo personaggio era penalizzato registicamente da una quasi costante presenza in sedia a rotelle (era forse incidentata e non lo sapevamo? Comunque, meglio che sia spinta da un forzuto giovanotto piuttosto che far sempre da sé, distogliendosi dal canto), che ha esibito i suoi sovracuti adamantini e snocciolati come perle.

Espressivo come sempre Bruno Praticò, un buffo barone Trombonok, e credibile il Don Profondo di Marco Camastra, che ha sostituito l’indisposto Bruno de Simone. Auxiliadora Toledano, Corinna, che ha ben cantato la prima aria da dietro le quinte, non ha mantenuto poi il livello di direzione del suono in scena, pur se disinvolta attorialmente, mentre il tenore Lawrence Brownlee, Libenskof, dall’invidiabile coloratura, ma dal suono pallido e disorientato nel resto, ipercinetico, accompagnava quasi ogni nota da una vibrazione del corpo. Vincenzo Taormina, Don Alvaro, attillatissimo nel suo costume spagnoleggiante, ha esibito una vocalità apprezzabile ma senza essere indimenticabile. Leah Partridge, Contessa di Folleville, cantava tutte le note, senza dubbio, ma di rossiniano c’era poco nel suo canto: si potrebbe dire, la sua, una lettura solamente sulla superficie del mondo di Rossini, o poco più in basso, mentre c’era da approfondire moltissimo il carattere parodistico e grottesco del personaggio, anche solo dal punto di vista vocale. Si salvava scenicamente, aiutata da una bellissima figura con una certa verve, ma nel complesso forse non adatta a un primo cast per un teatro come quello del Maggio. Rustioni, ventottenne debuttante, dirigeva l’opera con sonorità qualche volta forse troppo uniformi e questo non aiutava una varietà in palcoscenico, non essendo emersi tutti i colori che Rossini di solito richiede ai suoi interpreti, e in alcuni punti, come nel funambolico duetto Melibea-Libenskof della seconda parte, tutto era ridotto quasi al parossismo vocale per la rapidità scelta, mentre i due artisti sgranavano agilità sovrumane, chapeau. Alla fine, però, una differenziazione maggiore in orchestra avrebbe giovato alla messa in scena, di per sé statica, costretta da una scenografia invariabile e anodina e dalla drammaturgia già di per sé immobile. Ottimo il coro di Piero Monti e discreti tutti gli artisti comprimari. Ipercinetici anche gli accompagnamenti dei recitativi al fortepiano di Andrea Severi, troppe note, ogni tanto. Successo tiepido e qualche dissenso alla regia da parte del pubblico.

La Stagione Lirica 2011/12 della Fondazione Teatro delle Muse

2012-01-21T11:46:00.000-08:00

ANCONA

TEATRO DELLE MUSE

Stagione Lirica 2011/12

venerdì 27 gennaio ore 20.30, domenica 29 gennaio 2012 ore 16.00

LE NOZZE DI FIGARO

musica di Wolfgang Amadeus Mozart

dramma giocoso in quattro atti

poesia di Lorenzo Da Ponte (1785/1786)

interpreti principali Carmela Remigio, Alessandro Luongo, Riccardo Novaro, Adriana Kučerová, Giacinta Nicotra

direttore Guillaume Tourniaire

regia, scene, costumi Pier Luigi Pizzi

nuovo allestimento Fondazione Teatro delle Muse

FORM-Orchestra Filarmonica Marchigiana

Coro Lirico Marchigiano “V. Bellini”

Maestro del coro, Simone Baiocchi

sabato 18 febbraio 2012 ore 21.00

Premio Internazionale “Franco Corelli”

Recital di PAOLO FANALE

FORM - Orchestra Filarmonica Marchigiana

direttore Carla Delfrate

musiche di Gaetano Donizetti, Wolfgang Amadeus Mozart, Charles Gounod, Giuseppe Verdi

sabato 25 febbraio 2012 ore 21.00

Concerto di LUIGI PIOVANO, violoncello - ANTONIO PAPPANO, pianoforte

musiche di Giovanni Battista Cirri, Ludwig van Beethoven, Giuseppe Martucci, Johannes Brahms

in collaborazione con gli Amici della Musica “Guido Michelli”

venerdì 23 marzo 2012 ore 21.00

SINFONIA N. 9

in re minore op. 125

musica di Ludvig van Beethoven

direttore Hubert Soudant

FORM - Orchestra Filarmonica Marchigiana

Coro Lirico Marchigiano “V. Bellini”

Maestro del coro, Simone Baiocchi

sabato 21 aprile ore 20.30, domenica 22 aprile 2012 ore 16.00

IL LAGO DEI CIGNI

musica di Piotr Iľjič Čajkovskij

Balletto Accademico di Stato di San Pietroburgo

fondato da Leonid Jacobson

coreografia di Marius Petipa e Lev Ivanov

direttore Mikhail Gertz

FORM - Orchestra Filarmonica Marchigiana

INFO BIGLIETTERIA 071 52525 biglietteria@teatrodellemuse.org

www.teatrodellemuse.org

Anna Bonitatibus - Il Barbiere di Siviglia "Una Voce Poco Fa"

2012-01-20T22:19:00.000-08:00

"Una Voce Poco fa"

Anna Bonitatibus (mezzosoprano) - Rosina

Anna Bonitatibus: Il Barbiere di Siviglia "Dunque io son"

2012-01-20T22:13:00.000-08:00

Anna Bonitatibus (mezzosoprano) Rosina

DANIEL BAREMBOIM LLEGA A MADRID DONDE DARÁ UNA CHARLA Y RUEDA DE PRENSA EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH EL 19 DE ENERO

2012-01-20T21:54:00.000-08:00

Foto: Daniel Barenboim

Alicia Perris

El público de Madrid está acostumbrado a su concierto de verano en la Plaza Mayor, pero también a sus incursiones como solista o director de orquesta en otras salas durante la temporada musical fuera del periodo vacacional. Regresa ahora a la capital junto a la Staatskapelle de Berlín, de la que es responsable desde 1992, para proponer dos conciertos (el 19 y 20 de enero) dentro del ciclo que organiza Ibermúsica en el Auditorio Nacional. Desgraciada y reiteradamente ni el Auditorio ni Ibermúsica como instituciones ofrecen ninguna facilidad al crítico musical (salvo en contadísimas excepciones a representantes consagradísimos, ¿quién determina quiénes lo son?) para asistir acreditados a las funciones que preparan, con lo cual, como en el fondo el proyecto artístico se convierte en una cuestión crematística, el periodista especializado no acude o tiene que pagar de su bolsillo la compra de la entrada con todos los inconvenientes y limitaciones que ello acarrea. La “Cuarta” y la “Tercera” de Bruckner sonarán esta vez como parte del homenaje al director Sergiu Celibidache, que, según confiesa el propio Baremboim, ejerció una influencia considerable sobre su propia trayectoria profesional. Desde que era pequeño Daniel Baremboim conoció y trató al maestro rumano y posteriormente tuvo la ocasión de colaborar con él en algunos proyectos comunes. Para el director argentino “Celibidache tenía uno de los mejores oídos y una de las mentes musicales más perspicaces que he encontrado jamás”. Bruckner, Baremboim con el aura espiritual y musical de fondo de “Celi”, pueden resultar una experiencia irrepetible. Posteriormente retomará a Bruckner en el Palau de la Música Catalana y ofrecerá uno de los conciertos para piano de Wolfang Amadeus Mozart, pero antes hará una incursión a la Fundación March, la noche del 19 de enero, donde desde su “Autobiografía intelectual”, hablará sobre su trayectoria vital y artística. (En la Fundación March tienen, por cierto, una colaboración y disponibilidad absolutas con los profesionales especializados). “Nací en Argentina, mis abuelos eran judíos rusos, crecí en Israel, viví la mayor parte de mi vida adulta en Europa. Pienso en el idioma en que tengo que hablar en cada momento”, escribía Baremboim en “Mi vida en la música” (1991). Nacido en Buenos Aires en 1942, debutó como pianista a los siete años y recorrió medio mundo como intérprete y director de orquesta. El último de sus desafíos es haberse convertido en el Director Musical del Teatro Alla Scala de Milán, debutando con el “Don Giovanni”, de Mozart. Cercano y afable habitualmente con los que se le acercan, siempre y cuando se haya desprendido de sus compromisos urgentes, a menudo el maestro regala al interlocutor una sonrisa franca o el murmullo entre dientes de un tango que llega espontáneamente a su boca. Un lujo inenarrable. Continuará…

La compañia Long Beach Opera presenta la opera-tango de Astor Piazzola: María de Buenos Aires

2012-01-20T12:15:00.000-08:00

Obra maestra del Nuevo Tango de Astor Piazzolla: MARIA DE BUENOS AIRES

Long Beach Opera la situará en la Guerra Sucia de Argentina

La compañía Long Beach Opera presentará la obra maestra del Nuevo tango MARIA DE BUENOS AIRES de Astor Piazzolla y libreto de Horacio Ferrer en el contexto de la Guerra Sucia Argentina, periodo entre 1976 y 1983, cuando el país fue gobernado por juntas militares, que aplicaron una represión feroz, caracterizada por la tortura y el terrorismo del estado. La obra se presentará en el Warner Grand de San Pedro el 29 de enero y el 4 de febrero.

María de Buenos Aires se estrenó en 1968 y es cronológicamente más cercana a la Guerra Sucia que a la época de los treintas y cuarentas en que normalmente se ubica. Durante la dictadura militar, mas de 30 000 personas desaparecieron, muchas mas fueron torturadas y sometidas a toda clase de abusos. “Estos temas están implícitos en la música de Piazzolla y la poesía de Ferrer,” afirma Andreas Mitisek, director artístico y general de la Long Beach Opera. “Nuestra producción explora el alma de la obra y le da un significado contemporáneo que va mas allá de los clichés y estereotipos.”

Mitisek explica, “Nuestra María representa a la mujer argentina que puede ser seductora como el tango, pero también tiene la resistencia y la fuerza para enfrentarse a la dictadura en un país de acendrado machismo. Llevando el tango a su extremo más brutal, la Guerra Sucia fue la danza ensangrentada de la tortura, implementada desde los más altos eslabones del poder. En María, el tango se convierte en una danza de vida o muerte. Piazzolla enfrentó el tango de manera radical, lo llevó a un nivel mas profundo, intensificó todo - las armonías, los ritmos, los sonidos, los contrastes- hizo una verdadera revolución en el tango.”

“La María de Piazzolla es una metáfora de el corazón y el alma de Argentina pero también, una metáfora de amor, esperanza, miedo y resistencia,” continúa Mitisek. “ En nuestra producción, María es una de las víctimas de la Guerra Sucia que renace en las miles de Madres y abuelas de la Plaza de Mayo, cuyos hijos desaparecieron. Es una paradoja que aquellas que fueron tratadas con mayor dureza por la dictadura, fueron las mas fuertes, ya que fueron precisamente estas madres y abuelas de la Plaza de mayo, las que con sus protestas y demandas de justicia, pusieron de rodillas a los militares.”

MARIA DE BUENOS AIRES (1968)

ENERO/ FEBRERO 2012

Compositor – Astor Piazzolla / Libreto - Horacio Ferrer

En español con subtítulos en inglés

Lugar: Teatro Warner Grand en San Pedro CA

Domingo, Enero 29, a las 2:00 PM

Sábado, Febrero 4, a las 8:00 PM

Elenco

María: Peabody Southwell

Payador, otros: Gregorio González El Duende: Gregorio Luke Actor: Mark Bringelson Bailarines del Nannette Brodie Dance Theatre

Producción

Conductor/Director/ Concepto: Andreas Mitisek

Coreógrafa: Nannette Brodie

Diseño de Luces: Dan Weingarten

Diseño de Video: Adam Fleming

Diseño de Sonido: Bob Christian

Boletos: El precio de los boletos es de $29 - $150. Se ofrecen descuentos a subscriptores. Los subscriptores por primera vez reciben un 50% de descuento en los boletos de la temporada. Se pueden adquirir los boletos hablando a la taquilla de la Long Beach Opera al 562 432 5934 o en la página web de la Long Beach Opera: www.longbeachopera.org/tickets.

Elenco:

María: En el papel de María estará la messo-soprano Peabody Southwell. Entre otros roles que ha interpretado con la Long Beach Opera, están Ramírez en Moctezuma de Vivaldi, la Zorra en The Cunning Little Vixen de Leos Janacek, Neris en Medea de Luigi Cherubini y Nefertiti en Akhnaten de Philip Glass. El crítico Mark Swed de Los Ángeles Times elogió, “la belleza y seguridad de sus notas altas” y después de ver su interpretación en Vixen predijo que “llegaría lejos”. Conquistó a los críticos el verano pasado en la Central City Opera de Colorado donde Kyle MacMillan del Denver Post escribió que ella era “la artista más destacada del elenco… con la seguridad y la técnica depurada de una veterana, así como un extraordinario sentido del movimiento y un gran carisma teatral.”

El Payador: Nacido en México, el barítono Gregorio González ha actuado en Estados Unidos, Europa y México. Recientemente interpretó el rol de Di Cosimo en el estreno mundial en los Ángeles y el estreno en Viena de la ópera de Daniel Catán Il Postino, ha interpretado una gran variedad de roles desde Handel hasta Donizetti, incluyendo Der Klug en The Emperor of Atlantis en el Festival de Ojai bajo la dirección de Kent Nagano. Mistlav Rostropovich describe a Gregorio como, “No solo un buen cantante sino un gran músico.” Plácido Domingo afirma, “Posee una voz bella y musical. Su credibilidad como actor le da una tremenda fuerza a sus interpretaciones.”

El Duende: El conocido experto en arte Latino Americano y ex director del Museo de Arte Latino Americano MoLAA, Gregorio Luke hace su debut escénico interpretando el rol de El Duende. Luke trae al rol el mismo fervor y entusiasmo que despliega en sus aclamadas conferencias. Edward Goldman de KCRW describe a Luke como, “elocuente y apasionado” y Agustín Gurza de Los Angeles Times afirma, “Luke habla como si hubiera visto una visión. Y los espectadores no pueden evitar verla también.”

Sobre la opera: Por muchos años, el joven compositor Argentino Astor Piazzolla buscó un estilo personal en la composición, tratando de decidir si debería componer de acuerdo a los cánones de la música clásica o la música de tango que amaba. Decidió fundir ambos géneros, y al hacerlo, creó un nuevo estilo musical que ha recorrido el mundo. En 1967 inició una colaboración con el también argentino Horacio Ferrer, que culminó con su única ópera María de Buenos Aires.

La obra se estrenó en la Sala Planeta en Buenos Aires en mayo de 1968 con la orquesta de diez músicos de Piazzolla, Amelita Baltar hizo el papel de María, y Horacio Ferrer el Duende. La ópera se estrenó en Estados Unidos en el Houston Grand Opera en 1991 y la Long Beach Opera presentó el estreno en la costa oeste en el 2004. Afirma Mitisek, “Hay obras que necesitan volver a presentarse y esta es una de ellas. La nueva producción explorará nuevos ángulos de María como metáfora del corazón y el alma de la Argentina.”

Sobre el compositor: Astor Piazzolla (3/11 1921 – 7/4 1992) Astor Piazzolla nació en Mar del Plata, Argentina y en 1925 emigró con su familia a Nueva York. Creció escuchando la música de Bach y el jazz. A los ocho años su padre le regaló un bandoneón, (instrumento alemán muy popular en Argentina y Uruguay). A los trece años Astor lo tocaba tan bien que impresionó al famoso cantante Carlos Gardel, quien le pidió interpretar un pequeño rol en una de sus películas y lo invitó a participar en una gira con su orquesta. Los padres del joven Astor se opusieron a que se integrara a la orquesta, lo que resultó providencial, pues tanto Gardel como sus músicos murieron en un accidente aéreo poco tiempo después. En 1936 la familia regresó a la Argentina. De joven Piazzolla tocó en cabarets locales, dirigió varias orquestas para bailes y compuso tangos. Cuando estudió música clásica se alejó del tango, tratando de componer en el estilo de Stravinski, Bartok y Ravel. Después de ganar un premio en 1953, el gobierno de Francia le dio una beca para estudiar con Nadia Boulanger en París. Boulanger habría de transformar su vida.

Después de conocerlo y leer sus partituras, Boulanger le dijo: “No puedo encontrar a Piazzolla en esto” Con dificultad Piazzolla le habló de su afición por tocar el bandoneón en los cabarets y luego interpretó para ella algunos de los tangos que había compuesto. Al oír éstas obras Boulanger exclamó: “Idiota… ese es Piazzolla” - “Tomé toda la música que había compuesto en diez años - diría Piazzolla al recordar el incidente- y la mandé al diablo en dos segundos”

Regresó a Argentina para componer en su singular estilo, fusionando las influencias clásicas con el tango. Durante este periodo tocó en varios conjuntos, colaboró con otros artistas y escribió partituras para películas. Aunque se estableció como una de las figuras principales, su nuevo estilo generó el odio de los tangueros “ortodoxos”. A pesar de las duras críticas continuó componiendo piezas de concierto originales. Aunque pasaba temporadas en Nueva York e Italia siempre regresaba a la Argentina. En 1968 él y el poeta Horacio Ferrer escribieron su única ópera María de Buenos Aires, un recorrido místico y surreal por las calles de Buenos Aires, con la figura de María como metáfora del pueblo argentino y la pasión de la cultura Latina. En los ochentas las composiciones de Piazzolla aumentaron su popularidad en Europa y los Estados Unidos, impulsada por sus grabaciones y colaboraciones con Gary Burton, Lalo Schiffrin, Mistlav Rostropovitch, y el cuarteto Kronos. Hoy sus obras forman parte del repertorio de las principales orquestas del mundo. El violinista Gidon Kremer ha promovido la obra de Piazzolla y hecho varias grabaciones de su música incluyendo María de Buenos Aires, el Hommage a Piazzolla que fue nominado para un Grammy y El Tango así como Soul of Tango con el chelista Yo Yo Ma.

Sobre el autor del libreto: Horacio Ferrer (poeta, 7/2 1933- ) Nacido en Montevideo, Uruguay, Horacio Ferrer empezó a escribir canciones, poemas y tangos a temprana edad, acompañándose con su guitarra. Un tío que vivía en Buenos Aires lo introdujo a los cabarets y la vida nocturna de la ciudad. Mientras estudiaba arquitectura en Uruguay en los años cincuenta, inició un programa semanal de radio llamado “Selección de Tangos” donde defendió los nuevos estilos avant-garde. En 1955 conoció a Astor Piazzolla. En 1959 publicó su primer libro El Tango. Su historia y evolución, participó también en programas de radio y televisión. Durante esta época fue co-autor de “La última grela” un trabajo con el que se ganó prestigio como letrista. En 1967 después de grabar sus poemas “Romancero canyengue” fue invitado por Piazzolla a trabajar en su operita María de Buenos Aires que fue su primera colaboración. Durante 1969 sus siguientes colaboraciones en una serie de “baladas” le dieron a Piazzolla un éxito masivo en Argentina. Ferrer y Piazzolla continuaron colaborando hasta 1973. Ferrer trabajó también durante su carrera con otros artistas importantes. Su edición de tres tomos de su obra “El libro del Tango, Arte Popular de Buenos Aires” está considerada como una referencia obligatoria para todo investigador de música y la danza del tango en Argentina.

Sobre la Long Beach Opera La Long Beach Opera LBO es internacionalmente reconocida por lo avanzado de sus interpretaciones de un repertorio no-convencional. LBO crea producciones innovadoras, valientemente avant–garde para un público de avanzada y se distingue del resto de las compañías de ópera en el mundo por el número de estrenos mundiales, norteamericanos y de la costa oeste que ha presentado. Fue fundada en 1979 y es la compañía de ópera más antigua de la región de Los Ángeles y Orange County. Ha presentado más de 90 óperas desde operas del siglo XVII hasta operas del siglo XXI.

LBO ha presentado obras en lugares que van desde estacionamientos, centros nocturnos, el casco de un transoceánico, una alberca olímpica y una mueblería hasta teatros tradicionales. Estos lugares reflejan el deseo de la LBO de dar al público experiencias teatrales novedosas que presenten operas en una nueva luz. A través de sus diversas producciones, sus conciertos especiales, proyección de películas en sedes múltiples en la zona de Los Ángeles y Orange county, un activo programa educativo matinés para estudiantes la Long Beach Opera continúa haciendo la ópera accesible para un público en continuo crecimiento.

La nueva temporada de la Long Beach Opera empieza el 29 de enero con María de Buenos Aires de Astor Piazzolla y continúa hasta el 24 de junio del 2012 con obras que incluyen The Breasts of Tiresias de Poulenc, Tears of a Knife de Martinu, Ainadamar de Golijov, y The Man who Mistook His Wife for a Hat de Nyman. En septiembre del 2012, se llevará a cabo la primera producción de Outer Limits una nueva serie de óperas de cámara que abrirá con Paper Nautilus de Gavin Bryars en el Acuario del Pacífico.

INFORMACION ADICIONAL

Para más información de la temporada incluyendo links a la música de María de Buenos Aires, información biográfica del elenco, por favor visite la página web de la Long Beach Opera http://www.longbeachopera.org/

Long Beach Opera: Andreas Mitisek, Director Artístico y general 507 Pacific Avenue Long Beach CA 90802 (562) 432- 5934

Francesco Micheli è il nuovo direttore artistico dello Sferisterio, Macerata

2012-01-20T11:23:00.000-08:00

Scelta unitaria del CDA sulla prossima stagione lirica e sulle linee di sviluppo per il futuro dello Sferisterio.

Giancarlo del Monaco curerà un progetto per le collaborazioni e cooproduzioni con i teatri internazionali e con la Cina in particolare. Scelta unitaria del CdA dello Sferisterio sulla prossima stagione lirica e sul futuro dello Sferisterio secondo un progetto che coniuga sviluppo economico e culturale del territorio alla promozione internazionale dell’Arena maceratese. Ad attuare il nuovo corso dello Sferisterio sarà Francesco Micheli, nominato all’unanimità direttore artistico della stagione 2012. Traviata Bohème e Carmen saranno le opere in cartellone. Alla base della scelta del giovane regista emergente alla direzione artistica dello Sferisterio è l’idea forte di coniugare la tradizione con la valorizzazione dei giovani talenti, il rafforzamento del legame tra il teatro d’opera e il territorio nonché la capacità di far dialogare il melodramma con altre forme d’arte, indicati dal CdA nelle linee guida. Accanto alla direzione artistica, il Cda ha voluto fin d’ora mettere in campo un progetto di promozione internazionale dello Sferisterio e dell’intero territorio, avvalendosi di Giancarlo del Monaco per curare nei prossimi due anni le collaborazioni e coproduzioni con i maggiori teatri esteri e della Cina in particolare. Il Festival 2012 che, come già annunciato, vivrà quindi sotto il nume tutelare del grande Josef Svoboda nel decennale della morte e nel ventennale della sua memorabile Traviata degli specchi, vedrà anche una serata speciale dedicata al trentennale della morte di Mario del Monaco curata dal figlio Giancarlo. Confermata la collaborazione con Civitanova Danza per una serata di balletto. Lo Sferisterio si aprirà anche a nuovi generi quali il musical, avvalendosi dell’esperienza di Saverio Marconi. Un cartellone fondato quindi su tre dei più significativi e popolari titoli del grande repertorio, allestiti con spettacoli classici ma nello stesso tempo aggiornati alla contemporaneità e in grado di aprirsi ad altri generi ed altri eventi, per fare della città di Macerata e del suo territorio un palcoscenico della musica e del teatro. “Non ci sono parole per descrivere il sentimento di soddisfazione e responsabilità per questo incarico in una teatro importante come lo Sferisterio di Macerata, commenta il neo direttore artistico, Francesco Micheli. Che il teatro si sia rivolto ad una persona che ha meno di 40 anni, è un segno molto forte di attenzione verso i giovani in un momento in cui si parla molto della loro valorizzazione. Metterò tutta la mia energia per un Festival di cui si parla in tutto il mondo. Spero di essere all’altezza di questo incarico, la cui importanza è attestata dalla levatura del mio predecessore, da cui ho tanto appreso e che ho tanto ammirato in quanto regista”“Esprimo soddisfazione – dichiara il presidente Carancini - per la decisione unitaria del CdA. Pienamente convincenti appaiono le parole chiave che hanno ispirato le scelte: i giovani e il futuro nella tradizione segnano una svolta che rilancerà lo Sferisterio, la città di Macerata e l’intero territorio provinciale al centro di un progetto innovativo e coraggioso”.Il vice presidente Pettinari sottolinea con soddisfazione “l’unanimità del CdA sul progetto innovativo che vuole fare dello Sferisterio anche un’occasione di sviluppo per il territorio provinciale sia dal punto di vista economico e turistico, sia per le tante realtà ed istituti culturali e formativi che esso esprime”

Francesco Micheli

Nato nel 1972 a Bergamo, laureato in Lettere Moderne, si è diplomato a 24 anni alla Civica Scuola d'Arte Drammatica "Paolo Grassi" di Milano. Insegna regia presso il biennio di specializzazione in Scenografia all’Accademia di Brera e collabora con la rete satellitare SKY Classica nell’ideazione e conduzione di programma relativi all’opera lirica. E’ stato recentemente insignito del prestigioso XXX Premio Abbiati per la regia de Il Killer di parole di Claudio Ambrosini su soggetto di Daniele Pennac, rappresentato al Teatro la Fenice di Venezia, che andrà in scena la prossima estate anche all’Opera Nazionale Loren di Nancy. Sempre per la Fenice ha firmato recentemente la regia de la Bohème e curerà la nuova produzione de L’Otello di Giuseppe Verdi che inaugurerà per la prossima stagione 2012 del teatro veneziano. Francesco Micheli inizia a lavorare come aiuto regista per il circuito lirico regionale toscano (Manon Lescaut), il circuito lirico regionale lombardo (Falstaff, Trovatore), il Festival di Wexford (Cavalieri di Ekebù). Nella regia d'opera debutta nel 1997 con La Cantarina di Niccolò Piccinni, per il Museo del Teatro alla Scala. Nello stesso anno dà inizio alla collaborazione con l’As.Li.Co. per il progetto Opera Domani che conduce nei successivi tre anni alla produzione de L'Isola di Merlino da Gluck, Il Piccolo Flauto Magico da Mozart, Don Chisciotte da Massenet, distribuiti poi al Teatro Comunale di Firenze e alla Fenice di Venezia.

E’ autore di lavori innovativi che si collocano tra il concerto e lo spettacolo per il desiderio di dare forma al teatro lirico di ricerca. Tale progetto lo porta a collaborare con vari teatri italiani, con lavori quali W Verdi, Da Vivaldi a Pasolini, Da Verdi a Mina. In quest’ottica ha inoltre curato una collaborazione con enti non teatrali in cui il repertorio classico si trovi a dialogare con i linguaggi del contemporaneo: dal Carcere di San Vittore a locali jazz milanesi fino all’inaugurazione dei Padiglioni Atrium di Giorgio Giugiaro per le Olimpiadi di Torino. Ha curato la regia di numerose opere: Le Nozze di Figaro per il Luglio Musicale Trapanese, Il Nabucco per il Circuito lirico Lombardo, Mozart e Salieri e il piccolo Mozart per i Pomeriggi Musicali di Milano, l’opera inedita Tana a Candragopoli per il Festival di Montepulciano, Il Flauto Magico di Mozart per il circuito regionale lombardo, ripreso per la rassegna Milano-estate 2000, organizzata dal Teatro alla Scala. E ancora La Bohème di Puccini per il circuito lirico lombardo, un’opera contemporanea al Teatro Goldoni di Firenze per il Maggio Musicale, collaborazione col Festival Verdi per le celebrazioni nazionali al Teatro Regio di Parma assistendo Andrej Kontchalovskji nel Ballo in Maschera (diretto da Valery Gergiev) e firmando la regia del Trovatore. Nell’estate 2002 per il Festival Opera Barga cura la regia de l’Orlando Furioso di Antonio Vivaldi. Caratteristica della sua attività come regista d’opera è la sperimentazione e la ricerca che lo ha portato a ramificare la sua attività in diversi ambiti: dalla pedagogia alla scrittura, dall’interazione con i nuovi media alla direzione artistica di progetti complessi; creando un laboratorio sperimentale permanente per vivere il teatro lirico anche in contesti inusuali, dialogando con le forme di comunicazione della contemporaneità quali linguaggi cibernetici, video, televisione, convinto della necessità che il melodramma torni al centro della vita sociale nazionale. Ha ideato e curato il progetto Opera.it per la produzione di spettacoli di sperimentazione e divulgazione destinati al pubblico giovanile. Ha collaborato con il Massimo di Palermo al progetto per le scuole ideando, scrivendo e allestendo spettacoli di vario genere, ha ideato e diretto eventi in piazza e progetti a carattere sperimentale con l’Accademia di Santa Cecilia di Roma, il Maggio Musicale Fiorentino, le Olimpiadi invernali di Torino, il Rossini Opera Festival, per il quale ha allestito un evento multimediale dedicato al Barbiere di Siviglia cooprodotto con Sky.

The National Youth Orchestra of the United States of America is currently being established and its first conductor will be Valery Gergiev.

2012-01-17T20:45:00.000-08:00

Photo: Valery Gergiev

New York’s Carnegie Hall is founding the first National Youth Orchestra of the USA which is set to include one hundred and twenty musicians aged between sixteen and nineteen from all over the country. Clive Gillinson, Executive and Artistic Director of Carnegie Hall, stated that the orchestra’s first performances will take place in the summer of 2013 at the Concert Hall of Purchase College University, New York State. The orchestra will subsequently appear at the Kennedy Center in Washington after which it will undertake an international tour, giving concerts in Moscow, St Petersburg and London. The orchestra will be performing at Carnegie Hall in the summer of 2014. The orchestra will appoint a new conductor on an annual basis. Valery Gergiev, Artistic and General Director of the Mariinsky Theatre, will be the orchestra’s conductor for its first season. The programme and dates of the tour will be announced early in 2013, although one work that the orchestra will be performing is already known – Shostakovich’s Tenth Symphony in E Minor.

http://www.carnegiehall.org/Education/National-Youth-Orchestra-of-the-United-States-of-America/

Anna Bonitatibus interpreta Par che mi nasca in seno de Tamerlano de Handel

2012-01-16T23:16:00.000-08:00

Anna Bonitatibus (mezzosoprano) - Irene de Tamerlano de Hancel

Par che mi nasca in seno

Entrevista con la clavecinista y directora de orquesta francesa Emmanuelle Haïm

2012-01-14T18:47:00.000-08:00

Fotos: Emmanuelle Haïm. Copyright: Simone Fowler - Virgin Classics

Directora de orquesta, clavecinista y hoy directora artística de la agrupación de música antigua Le Concert d’Astrée, Emmanuelle Haïm es pianista y organista de formación. Después de haber realizado sus estudios de clavecín con Kenneth Gilbert y de obtener diversos premios en el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, la pasión de esta talentosa artista francesa por la expresión vocal la llevó a la dirección de canto en el Centro de Música Barroca de Versalles. De 1990 al 2002 dio cursos de música vocal y repertorio barroco en el Conservatorio de París y ha dirigido a renombrados solistas y formaciones en prestigiosos escenarios internacionales. Tuvo gran éxito dirigiendo con la Glyndebourne Touring Opera Rodelinda y Theodora de Händel.

Emmanuelle fue la primera mujer en dirigir una ópera con la compañía Lyric Opera de Chicago, que fue Giulio Cesare en el 2007. Se presenta frecuentemente en el Festival de Glyndebourne, donde en el 2008 presentó una nueva producción de L’incoronazione di Poppea de Monteverdi, y dirige regularmente a las orquestas Age of Enlightment, de Birmingham, de Escocia, de Frankfurt así como la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Berlín. En Norteamérica debutó recientemente dirigiendo la Filarmónica de Los Ángeles y próximamente lo hará con la de Nueva York. En producciones de ópera ha colaborado con directores de escena como Robert Carsen, Peter Sellars, Jean-François Sivadier, Jean-Louis Martinoty, Jean-Marie Villégier, Robert Wilson, David McVicar, y con su grupo le Concert d’Astrée ha dirigido obras como Thésée de Lully, Hippolyte et Aricie de Rameau, L’Orfeo de Monteverdi, Le nozze di Figaro de Mozart, Agrippina y Orlando, así como Giulio Cesare de Händel, con puesta escénica de Laurent Pelly en la Opéra Garnier de Paris.

Emmanuelle Haïm aceptó amablemente realizar esta entrevista, un día después de su debut orquestal norteamericano en el que dirigió a la Los Ángeles Philharmonic en un programa de música de Handel. donde nos habla sobre su carrera y su interés por la voz y la música antigua. http://www.leconcertdastree.fr/

Comencemos por un aspecto que quizás para ti nunca ha tenido importancia, pero en un mundo pensado para hombres, y más tradicionalista de lo que se puede pensar, ¿ser directora de orquesta mujer ha sido complicado para ti?

Es algo que me han preguntado en varias ocasiones pero en lo que no pienso demasiado; como tampoco en los obstáculos que pudieran existir, quizás porque mi trabajo lo hago con pasión, con temperamento, e incluso con ingenuidad. Te cuento una anécdota: cuando tenía nueve años de edad en la escuela me pidieron que dirigiera un coro, y de cierta forma eso fue algo que me dio una pauta para continuar y para pensar dónde y cómo llevar a cabo mis estudios de música. Generalmente se tiene la idea de que un líder, una figura política y un director de orquesta debe ser siempre un hombre mayor; no una mujer, y menos aún si es joven o guapa. Pero lo que yo he descubierto es que la verdadera dificultad para ser director o manager radica más en cómo saber mantener y manejar un grupo y en cómo crear y hacer música.

En tu pasado fuiste pianista y organista; en tu presente eres clavecinista y directora ¿Cómo ves tu futuro?

En realidad yo no lo planeé así, ya que es un proceso que se ha dado en mí y que me ha llevado a ser organista, pianista, clavecinista y luego directora de orquesta, actividad en la que tengo ya 10 años. Éste es un medio de relaciones, una microsociedad, por llamarla así, que te permite explorar y descubrir muchas cosas, por lo que, en cuanto a mi futuro se refiere, me veo haciendo lo mismo que ahora, pero además realizando investigaciones y editando y publicando música.

¿Qué significa para ti dirigir a cantantes y a instrumentistas? ¿Encuentras muchas diferencias?

No encuentro una diferencia y, de hecho, no creo que una cosa deba estar separada de la otra, ya que tanto el drama como la música tienen una historia y a mí me interesa descubrir qué es lo que esa historia tiene y quiere decirnos. Los cantantes, por su parte, pueden actuar además de cantar la música.

Es conocido el interés que tienes por las voces ¿Qué es lo que mas te fascina de la voz humana?

Me gusta sobre todo por su ductilidad, por sus colores y sus matices. Es una parte íntima y frágil de una persona que a la vez puede ser universal. Como lo es por ejemplo una cantata de Bach.

¿Cómo nace para ti el proyecto de hacer una ópera? ¿Cómo eliges el título y cómo creas un elenco cuando tienes la ocasión de elegir todo tú?

La elección de un título de opera en realidad se da inicialmente con base en un gusto o deseo personal, aunque después se debe considerar si el proyecto es viable desde el punto de vista económico y las dificultades que implicaría, por ejemplo, el montar una ópera francesa o de Rameau. Un proyecto se puede realizar mediante teatros que se asociaron para un proyecto. Yo trabajo frecuentemente con los teatros de ópera de Lille y Dijon, como también con los de París. Un proyecto grande se puede probar primero de manera experimental y a menor escala, presentándose ante estudiantes, por ejemplo. Los elencos se eligen dependiendo del teatro y los medios disponibles, ya que no siempre se puede contar con estrellas.

Frecuentemente vemos representaciones de óperas de música antigua con puestas en escena modernas en las que parecería que la parte escénica va en sentido contrario a la música. ¿Qué piensas al respecto?

Con base en investigaciones podemos darnos una idea y conocer cómo eran históricamente las representaciones y el público que asistía a las óperas barrocas. Hoy nos enfrentamos a un público moderno que tiene más conocimientos y experiencias, por lo que la representación de una obra histórica debe estar enfocada a ese público, y el hecho de que estas obras sean alcanzables para el público depende del trabajo del director de escena y de la actuación. Si lo moderno es una forma de llegar al público, entonces considero que está bien; como la reciente puesta en escena moderna que hicimos de Agrippina de Händel en Lille, que funcionó bien tanto en lo musical y como en la parte escénica, con una producción situada en una epoca moderna.

Monteverdi, Händel, Mozart ¿Son estos los compositores que más se acercan a tu sensibilidad?

Sí, los tres que mencionas indudablemente son algunos, aunque la elección algunas veces depende también del estado de ánimo del día. Yo agregaría a la lista a Bach, Rameau, Lully, Couperin, Cavalli, Purcell por el lado de la música antigua; y entre los contemporáneos mencionaría a Stravinski, Ravel, Ligeti, y Schumann, Schubert entre los románticos.

¿Qué tan importante consideras que debe ser ejecutar y presentar obras de autores desconocidos?

Ya que esto va ligado a un uso de recursos que hoy en el mundo de la cultura parecen escasear cada vez más. Creo que todas las obras que tiene un valor musical e histórico deben ser representadas. Hablo desde obras conocidas como podrían ser Acis and Galatea o Il trionfo del tempo e del disinganno de Händel, por mencionar algunas, hasta las obras menos conocidas de Rameau o los grandes motetes de Mondoville, por ejemplo; sólo que en la actualidad se deben considerar cuidadosamente los riesgos financieros que la ejecución de algunas obras pueden tener en los teatros y orquestas que las presentan. Por otra parte, los recursos son siempre necesarios para realizar mayores investigaciones y para la creación musical, que es como finalmente se crea un patrimonio.

¿Cuál consideras que es la importancia de la música en tiempos de crisis?

Yo estoy convencida de la necesidad de las artes y sobre todo de la música en tiempos de crisis. La música fue creada sin fines de lucro, y ello debe guiar a la gente a vivir de manera más simple y sin tantos lujos, a ponerse metas más altas y a encontrar la manera de alcanzarlas.

¿Qué importancia le das el papel que juega la mercadotecnia en la música antigua?

Creo que es una parte muy importante y necesaria de mi trabajo, cuyo propósito es el de difundir y compartir con la mayor cantidad de gente, y de hacer universal un estilo de música que es considerado como de museo y sobre todo elitista.

¿Qué nos puedes decir en relación al papel que juega un manager musical para un artista? ¿Has encontrado personas que te han alentado y facilitado tu trabajo?¿Cuál es tu experiencia al respecto?

Mi experiencia en ese sentido ha sido positiva, ya que mi grupo y yo tuvimos a una mujer como manager y su papel fue extremadamente importante: nos ayudó mucho porque apostó en nosotros como artistas, apoyándonos y animándonos a tomar riesgos y a realizar proyectos. Sé incluso que en ocasiones no dormía pensando en cosas que ni yo ni ninguno de nosotros mismos se hubieran imaginado.

¿Cómo consideras que se deba hacer para generar más interés en la música antigua? En Francia, por ejemplo, el público está formado en su mayoría por jóvenes. ¿Por qué? ¿A qué se debe?

Ya hablábamos sobre la difusión que se le debe dar a la música antigua, pero, en mi caso, parte de mi trabajo es dedicar tiempo a realizar proyectos educativos para diversos públicos. Varios miembros de mi grupo y yo tenemos hijos, por lo que estamos conscientes de la importancia que tiene introducir los niños a la música desde muy temprana edad. Hemos realizado versiones reducidas de obras importantes e históricas y de música de cámara en escuelas, mediante el uso dibujos animados, incluso al nivel de niños muy pequeños.

Finalmente ¿Consideras que en este mundo de hoy algo se ha perdido irremediablemente?

No creo que algo se haya perdido, porque soy una persona optimista, porque tengo esperanzo y porque creo en la gente. RJ

Una obra considerada inédita de Brahms tendrá pronto su estreno mundial

2012-01-13T12:34:00.000-08:00

Foto: Andras Schiff

Una obra para piano recientemente descubierta del compositor romántico alemán Johannes Brahms (1833-1897) tendrá su estreno mundial en una de las emisoras de la BBC la próxima semana, casi 160 años después de haber sido escrita. Brahms compuso esta pieza de dos minutos de duración en 1853, con sólo 20 años, pero la obra fue descubierta recientemente por casualidad por el director de orquesta y musicólogo británico Christopher Hogwood mientras consultaba una colección de manuscritos en la Universidad de Princeton (Estados Unidos), según la BBC. La página de música de piano, que llevaba la firma de Brahms, figuraba en un libro de visitas que perteneció al director musical de Göttingen (Alemania), y que incluía también mensajes de Franz Liszt, Felix Mendelssohn o Robert Schumann, entre otros ilustres invitados. La obra, titulada Aque, se considera inédita, y era hasta ahora desconocida incluso para los estudiosos de Brahms. Sin embargo, es una obra "pequeña pero perfectamente formada, con sus apropiados acentos expresivos. Tiene un principio, un medio y un final", explicó el corresponsal de arte de la BBC, Will Gompertz. Además, contiene un tema que Brahms repitió 12 años después en el segundo movimiento de su Trío para Cuerno op.40. La emisora Radio 3 ha grabado por primera vez esta obra interpretada por el célebre pianista húngaro Andras Schiff. "Albumblatt es un increíble descubrimiento que nos da elementos fascinantes para entender cómo funcionaba ese gran compositor", dijo el responsable de la emisora, Roger Wright, antes del estreno previsto para el 21 de enero.

Florencia - Temporada 2012 - un grand tour a través de las obras maestras - en un año caracterizado por el tema del viaje - 75a edición del Festival del Mayo Musical de Florencia - 4 de mayo – 10 de junio 2012‏

2012-01-12T19:21:00.000-08:00

Temporada 2012, un grand tour a través de las obras maestras en un año caracterizado por el tema del viaje temporada 2012 (enero - diciembre). 75a edición del Festival del Mayo Musical de Florencia 4 de mayo – 10 de junio 2012

Son muchas las novedades en esta temporada, durante un año que se caracteriza por el tema del viaje, que vuelve, desarrollado en múltiples formas y claves de lectura, a lo largo de recorridos musicales, literarios y artísticos, filosóficos, históricos y geográficos, en sintonía con las celebraciones vespucianas. Desde las numerosas producciones hasta las tournées (cabe destacar la más importante en América del Sur en agosto de 2012, precisamente para recordar al explorador florentino Américo Vespucio – Florencia, 9 de marzo de 1454 – Sevilla, 22 de febrero de 1512), desde los conciertos hasta las renovadas colaboraciones con las instituciones territoriales, el Teatro del Mayo Musical de Florencia aumenta la producción alcanzando ya para el 2012 un incremento del 20%% de subidas del telón.

La temporada 2012 se inaugura con un título rossiniano de 1825, que meterá a los espectadores en una experiencia tanto irónica como solemne – la ocasión es la de la coronación del rey Carlo X de Francia – un auténtico grand tour del siglo XIX: Il viaggio a Reims ossia L'albergo del Giglio d'Oro (18 – 24 de enero de 2012), dirige la orquesta el joven Daniele Rustioni (nacido en 1983), con la dirección de Marco Gandini en una nueva producción del Mayo Musical de Florencia; a este le seguirá otro título italiano, Tosca de Giacomo Puccini (21 - 26 de febrero), que vuelve en la producción florentina de Mario Pontiggia, dirige la orquesta Daniel Oren.

Seguirá un melodrama, también italiano, Anna Bolena de Gaetano Donizetti (15 – 24 de marzo), con la dirección musical de Roberto Abbado, dirigido por Graham Vick, escenografía y vestuario de Paul Brown, iluminación de Giuseppe di Iorio; la producción retoma la que se puso en escena en el Teatro Filarmónico de Verona, coproducida por la Fundación Arena di Verona y el Teatro Verdi de Trieste.

La Traviata de Giuseppe Verdi seguirá después del 75° Festival del Mayo Musical de Florencia (20 – 26 de junio); se trata de una puesta en escena histórica, realizada en colaboración con Maggio Formazione, con la vuelta del muy joven director de orquesta Andrea Battistoni, ya aplaudido en Florencia en ocasión del 74° Festival. La dirección es de Franco Ripa di Meana, con escenografía de Edoardo Sanchi, vestuario de Silvia Aymonino, iluminación de Guido Levi. El verano se cerrará con Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, de nuevo en colaboración con Maggio Formazione (17 – 22 de julio).

El 24 de noviembre de 2012, la primera opera después de la pausa de verano será Turandot de Giacomo Puccini (en escena durante seis representaciones hasta el 6 de diciembre), para inaugurar finalmente el Nuevo Teatro de la Ópera de Florencia: Zubin Mehta en la ya apreciada y varias veces aplaudida producción de Zhang Yimou. El fil rouge de toda la temporada 2012 será el repertorio italiano, a través de un grand tour que empieza por la Francia del Viaggio a Reims, para continuar en la República romana de Floria Tosca y de Scarpia, y luego en la Inglaterra de la época de los Tudor con Anna Bolena, para volver a la Francia del siglo XIX de La dame aux camélias (La Traviata…), pasando por la Florencia infernal de Dante con el Gianni Schicchi hasta llegar a una China mágica contada por Carlo Gozzi y retomada luego por Puccini en su último título de ópera (Turandot), mientras que el 75° Festival del Mayo Musical de Florencia será totalmente dedicado a la Mitteleuropa de comienzos del siglo XX, al mito de una Europa en fermento, al melancólico ocaso del Imperio de los Austrias.

El 75° Festival del Mayo Musical de Florencia (4 de mayo – 10 de junio 2012) estrenará con Der Rosenkavalier de Richard Strauss (4 – 11 de mayo de 2012), ópera representada por primera vez el 26 de enero de 1911. Para su dirección volverá entre nosotros Eike Gramss (ya autor en Florencia de una afortunada edición de el Ratto del Serraglio de Mozart), a la batuta el ya habitual, Zubin Mehta, que en 2012 celebrará 50 años de dirección florentina desde su primer estreno: era el 11 de febrero de 1962, en programa Incontri de Giorgi, el Concierto para piano de Schumann como solista el gran Friedrich Gulda y la Sinfonia n. 1 de Gustav Mahler, un autor poco conocido por entonces en Italia.

Sigue, como de costumbre, una ópera encargada especialmente para el Mayo, La metamorfosi (tres representaciones de 22 a 25 de mayo), de la joven compositora italiana Silvia Colasanti, e inspirada en el homónimo texto de Franz Kafka, editado en 1915. Algunos días más tarde, del 31 de mayo al 5 de junio, se pondrán en escena dos obras maestras del compositor húngaro Béla Bartók: El mandarín maravilloso (empezada en 1918 y representada por primera vez en 1926) y El castillo de Barbazul (cuya primera redacción remonta a 1911 y luego ejecutada en 1918) dirigidas por Seiji Ozawa, cuya vuelta al Mayo Musical crea gran expectación. Se trata de una coproducción con el Saito Kinen Festival, con la dirección y coreografía de Jo Kanamori.

Dentro de este recorrido que atraviesa Austria, Alemania, Bohemia y Hungría, en un repertorio inspirado en los acontecimientos de comienzos del siglo XX, se incluyen las creaciones de MaggioDanza: la primera engastada en El mandarín maravilloso, la segunda en ocasión de Die vier Temperamente (17 – 20 de mayo en el Teatro della Pergola) con música de Paul Hindemith, coreografía de George Balanchine, también en programa Verklärte Nacht con música de Arnold Schönberg y coreografía de Susanne Linke.

El Ballet, dirigido por Francesco Ventriglia, llegará al Festival después de volver a proponer El lago de los cisnes. El enigma Č Tchaikovsky (4 – 8 de febrero), con músicas de Pyotr Ilyich Tchaikovsky y coreografía de Paul Chalmer, producción muy apreciada por el público y la crítica en la temporada 2011. En el Teatro Goldoni, de 10 a 16 de marzo, se propondrá una nueva creación, Short Time, que inaugurará un concurso para jóvenes coreógrafos en sus primeras experiencias. Después de la gala de danza en la Plaza de la Señoría (28 de junio), MaggioDanza volverá al Anfiteatro de las Cascine para volver a representar The Genesis Tribute (11 - 13 de julio).

En septiembre, un nuevo montaje, que incluye Sechs Tänze, con músicas de Mozart y la coreografía de Jirí Kylián, y Les Noces, con músicas de Igor Stravinskij y la coreografía de Andonis Foniadakis (27 – 30 de septiembre), cuenta con la colaboración de MaggioDanza y el Coro del Mayo Musical de Florencia junto con la Scuola di Musica de Fiésole.

En el Nuevo Teatro de la Ópera de Florencia Nir Kabaretti dirigirá la Orquesta del Mayo Musical de Florencia para un nueva creación de MaggioDanza, Il Mago di Oz (19 – 23 de diciembre).

A la batuta de El Mayo se alternarán grandes directores (junto a la dirección de Zubin Mehta, Kazushi Ono, Daniel Oren, Seiji Ozawa) y jóvenes de talento reconocido y aclamado, a los que se han entregado producciones de ópera y conciertos sinfónicos. Daniele Rustioni (nacido en 1983) estará en el podio para el título inaugural de la temporada – Il viaggio a Reims – y Andrea Battistoni (nacido en 1987) en la Traviata a final de verano, mientras que Diego Matheuz (nacido en 1984) será el primer protagonista del primer concierto de la temporada sinfónica el 28 de enero, Omer Meir Wellber, discípulo de Daniel Barenboim (1981), dirigirá la prima mundial de una ópera encargada por el Teatro del Mayo Musical de Florencia, Invisibile Acropolis de Carlo Boccadoro (5 y 7 de octubre), Ryan McAdams (nacido en el 1982) estará en cambio a la batuta del Teatro Comunale el 12 y 14 de octubre y Pietari Inkinen (1980) dirigirá a Salvatore Accardo en el concierto del 19 y 21 de octubre.

Juraj Valcuha y Tomas Netopil (respectivamente nacidos en 1976 y 1975) precederán los últimas citas de la temporada encargadas a la batuta de Florencia, la prestigiosa y querida de Zubin Mehta (9 de noviembre y 30 de noviembre).

En los programas de los conciertos sinfónicos compositores y óperas ya se encajan en el tema del viaje, ya parecen adelantar o evocar sugestiones y ecos de la Mitteleuropa, y aquí vemos repetirse varias veces los nombres de Gustav Mahler, Béla Bartók y Antonín Dvorák, que, con la Sinfonía n. 9 en mi menor, Op. 95 Desde el Nuevo Mundo, (dirigida por Zubin Mehta el 10 de mayo) sugiere el descubrimiento de Américo Vespucio.

Los grandes solistas volverán al escenario florentino, desde Radu Lupu el 5 de mayo, hasta el ya mencionado Salvatore Accardo el 19 de octubre.

Los amantes del repertorio barroco no se pueden perder la cita del 10 de junio con Fabio Biondi, violinista y director de orquesta, uno de los mayores especialistas actuales del género barroco, por primera vez dirigiendo la Orquesta y el Coro del Mayo Musical de Florencia, en ocasión del 75° Festival, interpreta Israel in Egypt, uno de los más extraordinarios oratorios de Georg Friedrich Händel, que no se había presentado en el Comunale desde 1985.

En el programa, por lo tanto, junto a títulos conocidos, queridos por el gran público, aparecen óperas nunca representadas en el Teatro Comunale (por ejemplo Il viaggio a Reims y Anna Bolena), y otras encargadas precisamente por el Teatro, para subrayar una vez más la atención hacia el redescubrimiento del repertorio y la propensión a valorar la música contemporánea.

Durante el 75° Festival, menos dilatado en el tiempo pero muy intenso, con ritmos cerrados, volverán las colaboraciones con las más importantes instituciones de Florencia, en los eventos MAGGIOBIMBI, MAGGIOARTE, MAGGIOMOSTRE, MAGGIOLIBRI, etc.

El calendario completo del 75° Festival se comunicará en los próximos meses con una rueda de prensa con este objetivo.

Orquesta, Coro, Ballet MaggioDanza

Laboratorios y Técnicos del Mayo Musical de Florencia

Dirección Artística Paolo Arcà

Dirección Zubin Mehta

Dirección del Coro Piero Monti

Dirección de MaggioDanza Francesco Ventriglia

Dirección escenográfica Italo Grassi

Las novedades para los espectadores y los abonados

Vuelven los conciertos sinfónicos el domingo por la mañana, la matinée, para facilitar a un público que no reside en Florencia; de este modo, con este restablecimiento de horario, se amplia el abanico de abonos y posibilidades, para satisfacer las exigencias de cada categoría de espectadores.

Muchas representaciones del sábado empezarán en cambio a las 18.00.

Se ha puesto especial atención en la formación del público con la introducción de guías para la mejor audición antes de las representaciones de las matinée de óperas y conciertos, realizadas en colaboración con los Amici del Teatro del Mayo Musical de Florencia: cada domingo, a las 14.45 en ocasión de las óperas y a las 15.45 de los conciertos, durante más o menos 30 minutos en el Piccolo Teatro será posible profundizar sobre asuntos sinfónicos y de ópera, útiles para mejor comprender y apreciar el contexto del espectáculo.

Estos momentos de profundización, en la sede y en la fecha de la representación, no van a sustituir las citas habituales en el Piccolo Teatro, realizadas en colaboración con Firenze Lirica e Il Foyer. Se intensificarán los encuentros incluso fuera del teatro, ya que se realizarán en lugares emblemáticos de la ciudad para así consolidar las colaboraciones ya existente con muchas instituciones civiles (mencionamos sólo Villa Cora, el Museo Stibbert y el Auditorium del Duomo). Aumentan las actividades para las escuelas, dedicadas a más de 20.000 estudiantes, que cada año frecuentan los laboratorios didácticos y los espectáculos a ellos dedicados. Todas las iniciativas y los espectáculos para los niños dentro de poco serán objeto de una rueda de prensa con este objetivo.

La Hora del Mayo

En Rete Toscana Classica, desde el 16 de enero 2012, cada lunes a las 15.40, Francesca Zardini y Giovanni Vitali cuentan la vida del Teatro. Noticias, curiosidades, profundizaciones, entrevistas, audiciones: un programa en directa para descubrir anécdotas curiosas, escuchar canciones de los archivos del Teatro, seguir las producciones con entrevistas de entre bastidores.

RAI RADIO 3

Toda la cartelera de ópera se transmitirá en directo en RAI RADIO 3.

http://www.maggiofiorentino.com/

Celebraciones y aniversarios:

- 500 años de la muerte de Américo Vespucio (Firenze, 9 de marzo de 1454 – 22 de febrero de 1512) dentro de las Celebrazioni Vespucciane

- 400 años de la muerte de Giovanni Gabrieli (1557 - 1612)

- 150 años del Teatro Comunale (inaugurado el 17 de mayo de 1862, en tiempos del Politeama Fiorentino)

- 75° Festival del Mayo Musical de Florencia

- 50 años del debut del Maestro Zubin Mehta a la batuta del Mayo Musical de Florencia (11 de febrero de 1962)

Unos números de la temporada y del festival 2012:

- 19 producciones de los cuales:

o 9 óperas

o 10 ballets

- 18 grandes conciertos y 2 Galas de verano

- 3 nuevas producciones:

o Il viaggio a Reims de Gioachino Rossini

o Der Rosenkavalier de Richard Strauss

o Gianni Schicchi de Giacomo Puccini

- 2 primas mundiales:

o La metamorfosi de Silvia Colasanti

o Invisibile Acropolis de Carlo Boccadoro

- 2 primeras representaciones en Italia:

o Dear Maler Träumt para barítono y orquesta de Wolfgang Rihm

o Pelleas und Melisande op. 5 de Arnold Schönberg, versión para orquesta de cámara de Cliff Colnot

- 2 primas absolutas en el Teatro Comunale:

o Il viaggio a Reims de Gioachino Rossini

o Anna Bolena de Gaetano Donizetti

- 5 reposiciones:

o Tosca de Giacomo Puccini

o La Traviata de Giuseppe Verdi

o Turandot de Giacomo Puccini

o El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky

o The Genesis Tribute coreografía con músicas de los Genesis

- 1 coproducción:

o El mandarín maravilloso y El castillo de Barbazul Mandarino con Saito Kinen Festival

- 4 nuevas creaciones coreográficas:

o Short Time

o Verklärte Nacht

o Les Noces

o El maravilloso Mago de Oz

Oxana Arkaeva - soprano

2012-01-11T19:20:00.000-08:00

Oxana Arkaeva - soprano

http://www.arkaeva.com/

Ukrainian born soprano made her first stage appearance at the age of six. She studied the Russian folk instrument Domra and Piano and sang in her mother's vocal ensemble, performing various repertoire from folk songs to classical compositions. She studied at the Tchaikowsky State Conservatory, where she made her operatic debut as Euridice in Gluck's "Orfeo" and as Tatiana in Tchaikowsky' s "Eugene Onegin". Then followed two years at the Manhattan School of Music in New York, where she performed numerous recitals including the famous Steinway Hall.

Oxana Arkaeva is a winner of such renowned international Competitions such as.

1. Prize at the "Operalia - 94", World Opera Competition in Mexico -City.

2. Prize at the "Olga Koussewitzky Singing Contest", New York, USA

2. Prize at the "S´Hertogenbosch" International Vocal Competition, Netherlands

2. Prize "XXII Academia di perfezionamento di arte vocale", Italy

She continuosly performs at different theatres and concert halls throughout Germany and Europe, and has sung in Venezuela, Mexico, Russia and USA. She was a member of Frankfurt Opera and State Theatre in Saarbrucken opera ensambles and since the 2009-2010 she is a member of the Opera in Ulm, Germany

Ángeles Blancas: Lou Salomé en La Fenice-Venezia: Protagonista del estreno italiano de la ópera di Sinopoli

2012-01-11T11:21:00.001-08:00

Enero 2012 - En las últimas temporadas Ángeles Blancas se ha destacado como una cantante versátil que ha podido asumir retos de gran complejidad sin problema alguno. Ahora está delante de uno de ellos y bien importante. Se trata del estreno italiano de "Lou Salomé", ópera compuesta por el fallecido director de orquesta y compositor Giuseppe Sinopoli estrenada en München en 1981. Estas funciones tienen lugar en el Teatro de la Fenice de Venezia para celebrar el 10º Aniversario de la muerte del compositor y el 30ª Aniversario del estreno de la obra. El argumento narra la vida de Lou Andreas-Salomé, controvertida escritora rusa nacida en 1861 que tuvo relación con importantes personalidades de su época como Nietzsche o Rilke, con una prolífica obra publicada. La Fenice ha confiado en Ángeles Blancas para que sea quien presente esta difícil obra ante el público italiano. Las funciones serán entre el 21 y el 28 de enero del 2012 y cuenta con la dirección musical de Lothar Zagrosek y la puesta en escena de Luca Ronconi. No es la primera vez que la soprano española representa óperas de esta dificultad. Recordemos que ya interpretó "Die Gezeichneten" de Schreker en Palermo y "La Cabeza del Bautista" de Enric Palomar en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona. Inmediatamente después de Venezia se trasladará a Madrid, más concretamente al Teatro de la Zarzuela. Representará su retorno en una producción escénica en ese teatro madrileño desde 1994. Lo hará protagonizando "El Gato Montés" de Penella, con dirección escénica de José Carlos Plaza y dirección musical de Cristóbal Soler.

Próximos compromisos:

*Enero 2012
Teatro de la Fenice-Venezia
"Lou Salomé" (G. Sinopoli) - [Lou Salomé]

* Febrero-Marzo 2012
Teatro de la Zarzuela-Madrid
"El Gato Montes" (M. Penella) - [Solea]

* Mayo-Junio 2012
Teatro Villamarta-Jerez
"Tosca" (G. Puccini) - [Tosca]

"Lou Salomé" italian premiere at La Fenice-Venezia: Ángeles Blancas sings the leading role in Sinopoli's opera

2012-01-11T11:21:00.000-08:00

January 2012 - In the last seasons Ángeles Blancas has emerged as a versatile singer who has been able to take on very complex challenges without problems. Now she is in front of one of those and a very important one. This is the Italian debut of "Lou Salomé" at Teatro Della Fenice di Venezia, opera composed by the deceased conductor and composer Giuseppe Sinopoli, which was premiered in Munich in 1981. These performances are held to celebrate the 10th anniversary of the composer's death and the 30th anniversary of the work's premiere. The storyline is about the life of Lou Andreas-Salomé, controversial Russian writer born in 1861 that was related to important personalities of her time as Nietzsche or Rilke, with a prolific published work. La Fenice di Venezia has entrusted Ángeles Blancas the presentation of this difficult work to the Italian public. The performances will take place between the 21st and 28th January 2012 with the musical direction of Lothar Zagrosek and the staging of Luca Ronconi. It is not the first time that the Spanish soprano faces operas of this difficulty. She performed "Die Gezeichneten" of Schreker in Palermo and "La Cabeza del Bautista" by Enric Palomar at the Gran Teatro del Liceo in Barcelona. Immediately after Venice she will move to Madrid, specifically to the Teatro de la Zarzuela, in what will represent the return there to a scenic production since 1994. It will be with the leading role in "El Gato Montés" by Penella, with stage direction by José Carlos Plaza and musical direction by Cristóbal Soler.

Next performances:

*January 2012

Teatro de la Fenice-Venezia

"Lou Salomé" (G. Sinopoli) - [Lou Salomé]

* February-March 2012

Teatro de la Zarzuela-Madrid

"El Gato Montes" (M. Penella) - [Solea]

* May-June 2012

Teatro Villamarta-Jerez

"Tosca" (G. Puccini) - [Tosca]

La couronne de fleurs y La descente d'Orphée aux Enfers de Charpentier en Boston

2012-01-11T10:58:00.000-08:00

Foto: André Costantini

Lloyd Schwartz

Gracias al Boston Early Music Festival, muchos aficionados de la música antigua y de la opera en general, pueden agregar a su lista, el haber visto dos operas mas del compositor francés del siglo XVII Marc Antoine Charpentier, amigo y colaborador de Molière quien es muy conocido por su obra maestra Medée. Una de las dos operas de esta velada fue el pastoral La couronne de fleurs en la que la diosa Flora reta a unos pastores a una competencia para ver quien canta el mejor poema sobre las victorias de Luis XIV. Esta pequeña obra parece haber sido la revisión del prologo inicial de Le malade imaginaire, la ultima obra de Molière. La otra opera interpretada fue la inconclusa La descente d'Orphée aux Enfers una de muchas operas que se basan en el mito de la música como respuesta a la muerte. Por una idea del director de escena Gilbert Blin, se escenificaron los dos actos existentes de la opera de Orfeo, antes de la entrada al concurso de La couronne, pero antes del inicio de esta escena, un personaje vestido de mayordomo interrumpió la música para decir que solo Lully (el competidor mas férreo de Charpentier) tenia permitido interpretar estas operas, algo que pareció divertido, ya que algunas producciones pasadas del BEMF se han perdido en conceptos muy elaborados, y este si funcionó. La música de Charpentier es muy elegante, pero su mejor música estuvo en la partitura de Orfeo, con conmovedora música en la muerte de Eurdice en el infierno. Ambas obras tuvieron momentos de innumerable belleza, especialmente en los ensambles. La orquesta, compuesta por diez elementos y sus directores Paul O´Dette y Stephen Stubbs en la tiorba y la guitarra, fue el centro de la atención. En esta ocasión, el director de escena colocó a los músicos en el centro del escenario, la rodeó de una corona de guirnaldas, y toda la acción y los bailables se desarrollaron alrededor de ella. El cantante sobresaliente tenía que ser Orfeo y en ese sentido, el tenor Aaron Sheehan estuvo perfecto. Con su dulce y liquida voz y elegancia estilística, expresó su devoción por Euridice, el dolor por su muerte y su determinación por recuperarla del bajo mundo. La soprano Mireille Asselin fue una simpática Flora de brillante voz y el barítono Douglas Williams impresionó con su calido tono, como uno de los pastores y como Plutón. Los demás cantantes estuvieron mejor siendo parte del coro que en sus interpretaciones individuales

"CARMINA BURANA" EN RUINAS DE HUANCHACA CHILE

2012-01-11T10:47:00.000-08:00

MÁS DE 8 MILPERSONAS VIERON OBRA SINFÓNICO CORAL"CARMINA BURANA" EN RUINAS DE HUANCHACA.

ANTOFAGASTA, CHILE, Johnny Teperman A.

En una producción gigantesca, el Ministerio de Minería de Chile, el Teatro Municipal de Santiago y la empresa cuprífera Xstrata Copper, presentaron la gran obra “Carmina Burana”, de Carl Orff, en uno de los entornos patrimoniales más emblemáticos del norte del país. Más de 8 mil personas disfrutaron y se conmovieron con la presentación de la obra “Carmina Burana”, de Carl Orff, en un mágico entorno natural con las Ruinas de Huanchaca como telón de fondo, en la Región de Antofagasta. El aplaudido espectáculo, fue ofrecido por la Orquesta Filñarmónica de Santiago y el Coro del Teatro Municipal de Santiago. Esta fue la segunda de cuatro presentaciones de “Carmina Burana” que se están realizando en las principales localidades mineras del país, en el contexto de la gira “Un Canto a la Minería”, iniciativa que responde al esfuerzo mancomunado de importantes actores de la industria minera nacional: Xstrata Copper,Codelco y Doña Inés de Collahuasi, las que actúan como co-organizadoras de este proyecto liderado por la cartera de Minería y el Teatro Municipal de Santiago. La obra fue interpretada por el Coro del Teatro Municipal, que dirige el maestro Jorge Klastornick, formado por 60 voces, junto a la soprano Pamela Flores, el barítono Pablo Oyanedel y el tenor Germán Greene y fue acompañado por la Orquesta Filarmónica de Santiago, con 82 músicos.El concierto fue dirigido por el maestro José Luis Domínguez. "Estamos muy contentos porque a través de esta iniciativa estamos acercando la minería a los chilenos y chilenas, por ello escogimos las Ruinas de Huanchaca como locación porque sin duda es un ícono de la minería de principios del siglo XX y fue el escenario perfecto para que los antofagastinos disfrutasen de un espectáculo de gran nivel al aire libre y totalmente gratuito. Esta gira ha logrado entregar al público un espectáculo monumental en entornos espectaculares”, afirmó el Ministro de Minería, Hernán de Solminihac.

El vicepresidente de Asuntos Corporativos y Desarrollo de Negocios de Xstrata Copper, Nicolás Fúster, señaló: “Anoche, la comunidad de Antofagasta pudo disfrutar de una velada maravillosa con este concierto único e inolvidable, que llegó a las Ruinas de Huanchaca gracias a la alianza entre el Ministerio de Minería, el Teatro Municipal de Santiago y Xstrata Copper. Se generó un gran interés en presenciar la obra ‘Carmina Burana’, lo que como empresa presente en la región a través de nuestra mina Lomas Bayas y el Complejo Metalúrgico Altonorte, nos enorgullece, pues se realizó un espectáculo cultural y de entretención familiar que esperamos sea un aporte para la comunidad de Antofagasta”. “Hemos presentado un espectáculo de gran calidad, con un esfuerzo enorme de producción, por lo que sentimos gran satisfacción al ver la excelente recepción que tuvo esta gran obra en la comunidad antofagastina. Este es otro hito en nuestra misión de llegar con lo mejor de la producción artística del Teatro Municipal de Santiago a todos los chilenos”, manifestó Pablo Zalaquett, Alcalde de Santiago. Las siguientes presentaciones de “Carmina Burana” serán en la playa Cavancha del puerto de Iquique y en la medialuna (recinhto de rodeo) de la ciudad de Rancagua, en la Sexta Región, del centro sur del país.