Une semaine, un chapitre

Explication du film Mulholland Drive de David Lynch

Ariane — Sat, 14 Nov 2009 16:50:00 +0100

Mulholland Drive, c’est l’histoire de deux actrices qui évoluent à Hollywood et rêvent de devenir des stars.
Les thèmes abordés par le film : remord, succès/échec, Hollywood : rêve/cauchemar, réalité/rêve.

Ce billet sera découpé en deux axes :

les trois explications principales du film,
une tentative d’explication plus personnelle où j’essaierai de me demander si David Lynch n’est pas un cinéaste de la citation plutôt qu’un cinéaste expérimental.

Avant d'aller plus avant dans les explications, je conseille aux personnes qui n'ont pas encore vu le film, de le voir. Mulholland Drive est une merveille à voir, la première fois, sans chercher à l'expliquer. L'essentiel pendant le premier visionnage est de se laisser bercer par les scènes, les images, en étant attentif à la beauté de la mise en scène. Essayer de comprendre vient après.

I 3 histoires possibles pour un même film

Je me base ici sur un livre écrit par Hervé Aubron (Mulholland Drive de David Lynch, Dirt walk with me), pour proposer les trois interprétations possibles du film de David Lynch.

1 L’hypothèse du jeu
Le film est une énigme à rapprocher du Rubk’s Cube. David Lynch donne au spectateur un puzzle, qu’il va falloir reconstituer, réorganiser, pour comprendre l’enchainement des événements. Il faut donc reconstituer les corps, les rôles et les accessoires.

2 L’hypothèse mentale
Le film est une mise en images de la folie d’un esprit féminin, c’est-à-dire Diane, qui s’invente en Betty pour s’éloigner de sa sombre réalité. Diane se rêve donc en Betty, personnage lumineux et talentueux, qui va être instantanément remarqué par les studios hollywoodiens.
Le spectateur passe donc une partie du film à percevoir non pas la réalité, mais le scénario que Diane monte dans sa tête pour échapper à la réalité.

3 L’hypothèse ésotérique
Le film concerne les « apparitions spectrales ». Rita et Betty ne seraient en fait que des fantômes : la première est morte dans un accident de voiture, la seconde s’est suicidée chez elle.
Le spectateur regarde des fantômes évoluer et découvre comment ils sont devenus des fantômes.
Pour mieux comprendre cette hypothèse, il est intéressant de se référer à Sunset Boulevard, où l’intrigue consiste à expliquer comment la personne qui nous parle en voix off pendant tout le film a été retrouvée morte dans une piscine.

II Mulholland Drive : film expérimental ou film de la citation ?

On se reposera sans doute la même question avec les autres films de David Lynch.
Ce réalisateur est réputé expérimental et hermétique.
Il est vrai qu’un film qui commence avec des images floues et rapides d’un concours de danse, et se termine par le mot « Silencio » prononcé par un personnage bleu dans un théâtre rouge peut paraître impénétrable. On dit donc que David Lynch est un réalisateur expérimental d’œuvres très belles visuellement mais incompréhensibles.

Il y a, je pense, une autre façon de parler des films de David Lynch, en le considérant comme l’exemple parfait de l’auteur de cinéma postmoderne.
Un auteur de cinéma postmoderne, c’est un auteur dont la culture cinématographique va être un élément essentiel de son œuvre.
Prenons un exemple plus facile : si on considère Scream de Wes Craven, les références et les citations sont omniprésentes : dans le détail, avec un balayeur habillé comme Freddy, dans les références avec la citation d’une scène d’Halloween. Dans ce cas précis, les références servent à accentuer la peur, mais aussi à faire rire. Elles ne servent pas à déstabiliser le public.
Dans Mulholland Drive, au contraire, les références multiples brouillent les pistes, emmêlent la trame narrative.

Quelques exemples :

La première scène du film et son dernier mot : « Silencio » sont probablement des références au film Le Mépris de Jean-Luc Godard, un film, comme par hasard, consacré au milieu du cinéma
le cow-boy peut être considéré comme une réminiscence du court métrage de Lynch intitulé The Cow-Boy and The Frenchman.

La perspective est la même dans Eraserhead, film réputé hermétique. Les passages réservés à la fée du radiateur paraissent tout à fait incongrus : une jeune femme, défigurée, se dandine sur un théâtre entouré de néons en chantant une chanson comme une petite fille. Le spectateur pense, et moi avec : magnifique ! Surréaliste ! Mais inexplicable.
C’est plus tard, en découvrant le film What ever happened to Baby Jane de Robert Aldrich que j’ai compris qu’il s’agissait d’autre chose. Dans ce film, une vieille femme qui a fait carrière dans le music hall quand elle était enfant décide de reprendre des cours de chant pour remonter sur les planches. Lors de ses répétitions, des néons identiques figurent, son physique et sa voix sont évidemment similaires à la fée du radiateur, si bien qu'il est possible d'affirmer que David Lynch a vu What ever happened to Baby Jane.

Alors pour conclure cet article, une nouvelle façon de comprendre les films de David Lynch (sans occulter les autres, le but n’est pas d’être réducteur et de considérer ses films comme uniquement référentiels) serait de le faire à travers les films qu’il a vus et aimés.
Je ne prétends pas les connaître tous, et heureusement ! J’espère bien, encore, retrouver cette petite étincelle que j’ai eu devant Le Mépris ou What ever happened to Baby Jane où j’ai pensé soudainement à Mulholland Drive ou Eraserhead.
Nous voilà, avec David Lynch, dans le méta-méta cinéma, puisque pour le moment, les références de ses films concernent presque exclusivement le genre du métafilm (les films qui prennent pour thème et pour lieu le cinéma).

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The Box : Sartre mis en boite

Ariane — Thu, 12 Nov 2009 21:48:00 +0100

Le synopsis de The Box est plus qu’attractif : Norma (Cameron Diaz, intéressante dans un rôle dramatique mais dont le visage semble totalement refait) découvre un matin, devant sa porte, une boite. Si elle appuie sur le bouton, elle gagne 1 million de dollars. En contrepartie, une personne meurt. C’est ce que lui raconte Arlington Steward (Frank Langella) un homme étrange au visage défiguré, absent de moitié.

Le début de The Box distille à merveille tension et malaise. Norma a 24 heures pour appuyer. Si elle prévient la police, elle perd de toute façon l’argent. S’ensuit une réflexion complexe, avec son mari (James Marsden, aux petits airs de Tom Cruise) : peut-on appuyer et risquer de tuer pour se mettre à l’abri du besoin ? Arlington Steward est-il sérieux ? Est-ce un maniaque ?

C’est quand Norma appuie sur le bouton que les choses se gâtent (le film aussi). Un complot global semble se saisir du couple, soudainement poursuivi par des dizaines de personnes, lors de scènes qui sont plus risibles qu’effrayantes. L’idée de départ, excellente, qui reviendrait à considérer le film comme un thriller, se noie alors dans des effets spéciaux médiocres et le genre de la science fiction. Les extraterrestres ne débarquent pas, mais c’est tout comme, et entre la NASA, l’homme au demi-visage et les humains employés qui saignent du nez, l’attention du spectateur baisse.
Le milieu du film est lent, rehaussé par quelques scènes très bien menées, comme le montage parallèle entre la soirée du couple à l’extérieur et celle de l’enfant avec sa baby sitter. Les scènes de fluide sont par contre à éviter, l’explication abracadabrante à la sauce science fiction aussi. The Box aurait gagné à ne représenter que la folie humaine, plutôt qu’à se perdre dans les méandres d’une science fiction incompréhensible et ennuyeuse. Car niveau scénario, le spectateur est vite perdu, en attente d'explications que The Box ne donnera pas vraiment.

On pressent de ci de là, que The Box se veut un film philosophique (référence à Sartre s’il vous plait : l’enfer c’est les autres), on se croirait par moments dans un Lost Highway de David Lynch, un Eyes Wide Shut de Kubrick ou encore un Funny Games d’Haneke, sans que, jamais, The Box rivalise avec l’un de ces films.

Le dénouement réconcilie pourtant le spectateur avec The Box : la mise en scène et l’action renaissent, loin des conceptions philosophiques et des effets spéciaux liquides. Richard Kelly se concentre à nouveau sur une tension palpable, des actions et une mise en scène difficilement soutenables.

Note The Box : 5/10
Le choix d’insérer le genre de la science fiction dans le film l’encombre et le vide d’une pureté qui n’est plus présente qu’au début et à la fin du film, dans la mise en scène et la mise en place des sentiments. Les théories du complot développées, la « zombification » de dizaines de personnes alourdissent l’ensemble.
The Box, après Donnie Darko, est une petite déception.

Bande annonce, The Box

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Micmacs à Tire Larigot : le nouveau film de Jean-Pierre jeunet

Ariane — Wed, 11 Nov 2009 13:11:00 +0100

Jean-Pierre Jeunet, c’est avant tout un style, une esthétique. Micmacs à Tire Larigot en porte la marque au fer blanc, comme précédemment Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain ou Un long dimanche de fiançailles.
Tout est là : un univers décalé de personnages à la fois étranges et attachants, bizarres même, l’amour du langage et des petites choses de la vie, du détail, d’un petit objet, un jeu sur les couleurs vives, mordorées, les éclairages bleutés, chauds, la précieuse voix off qui perce les pensées des personnages emplis de questions poétiques et curieuses (Combien de temps une marche met-elle pour s’éroder ?).
Du côté de la distribution, on retrouve des têtes connues : Dominique Pinon, Yolande Moreau (magnifique en mère Tambouille), André Dussollier, etc.

Au niveau du personnage principal, exit Amélie, Malthilde, et donc Audrey Tautou. Un petit nouveau trouve sa place dans l’univers farfelu de Jean-Pierre Jeunet : Dany Boon, qui joue le rôle de Bazil, un jeune homme prêt à tout pour un monde sans arme parce qu'il vit avec une balle perdue dans le front et a perdu son père à la guerre.
Le traitement est résolument burlesque : dans Micmacs à Tire Larigot, les méchants, caricaturaux et furieux, font collection des rognures d’ongle de Churchill et de l’œil de Mussolini, ou ne passent leur temps qu’à regarder la télévision.

Tire Larigot, le spectateur le découvre vite, n’est pas un village perdu dans la campagne. Il s’agit d’un micro-quartier de Paris, situé dans une déchetterie. A cette trouvaille étonnante, suit une découverte encore plus originale : une famille recomposée vit dans une immense et magnifique maison faite de bric et de broc. Avec de la récupération, on peut faire des choses merveilleuses : un château, et métaphoriquement une famille prête à s’entraider coûte que coûte.
Les personnages éclectiques qui peuplent Tire Larigot, ont chacun un talent à eux, un talent infime ou qui peut sembler inutile, mais que le scénario rend presque toujours essentiel. La contorsionniste (Julie Ferrier) tient dans un paquet surprise ou une bouche d’aération, Remington (Omar Sy) emploie son dictionnaire de proverbes pour traiter avec les deux directeurs des usines d’armes dans des scènes à chaque fois cocasses à souhait, Calculette (Marie-Julie Baup) a un compas dans l’œil, Fracasse (Dominique Pinon) est l’homme canon, etc.

Jean-Pierre Jeunet connaît aussi la beauté du silence et de l’art pour l’art, avec le personnage muet de Petit Pierre (Michel Cremades, très touchant), un inventeur talentueux qui crée à partir de bouts de tôles des marionnettes aux mécanismes très humains.

Pourtant, Micmacs à Tire Larigot malmène l’une des pièces maitresses qui fait d’un film un chef d’œuvre : l’histoire, ici trop basique, qui tient seulement dans la vengeance d’un être faible et simple qui s’attaque à deux directeurs cossus. Dommage…

Note Micmacs à Tire Larigot de jean Pierre Jeunet : 8/10
Tout est plaisant dans Micmacs à Tire Larigot : les personnages burlesques et caricaturaux (les méchants), les personnages étranges et sensibles (la bande à Tire Larigot), la mise en scène- feu d’artifice, l’amour de l’image et des mots.
Seule l’histoire fait figure de parent pauvre. C’est la pièce manquante du film, disparue un jour sans rien dire, comme la mère du petit Bazil.

Bande annonce Micmacs à Tire Larigot

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Les chasses du comte Zaroff en dvd : les débuts du genre de l'horreur

Ariane — Sun, 08 Nov 2009 13:17:00 +0100

Les Chasses du comte Zaroff (The Most Dangerous Game), conserve encore aujourd’hui une originalité scénaristique séduisante et terrifiante : le comte Zaroff, un homme cultivé, vit reclus sur son île où son passe temps favori consiste à chasser, en compagnie de ses serviteurs et de ses chiens le gibier le plus difficile à tuer... L'homme !

Ce film de 1932 reste une source intarissable du cinéma d’horreur et du cinéma d’action.
Battle Royale, avec l’île comme vase clos et la thématique de la lutte pour la vie fait référence aux chasses du comte Zaroff dans le type d’arme utilisé : si Zaroff a l’arc et le fusil, Robert Rainsford (John McCrea) n’a qu’un couteau, et le film japonais prolonge cette inégalité jusqu’au comique avec la casserole comme arme.
Quant à la saga James Bond, elle emprunte avec régularité les spécificités du comte Zaroff pour créer les ennemis de Bond : de belles manières, accompagnées d’une tare physique (la cicatrice de Zaroff, les larmes de sang du méchant Le Chiffre dans Casino Royale). Ajoutons à ces premières caractéristiques un fort accent étranger et toujours un beau brin de folie. Cerise sur le gâteau : une demeure plus qu’originale puisque le comte Zaroff vit reclus sur un île, dans un château à la collection extravagante de têtes humaines.

Le film est très court (58 minutes) et distille au son et à l’image suspense et tension : l’arrivée chez le comte, soulignée par une musique étrange et les paroles à double sens d’Eve Trowbridge (Fay Wray), cultivent une atmosphère mystérieuse, que le brouillard des marais prend ensuite en charge, dans des scènes d’une beauté visuelle remarquable.

Les Chasses du comte Zaroff, comme de nombreux films du début des années 1930, sont la démonstration vivante du passage du muet au parlant : certains plans, destinés à montrer les émotions des personnages, ou à jouer sur la brume et les paysages se rattachent facilement à l’esthétique du muet, tandis que les dialogues rappellent la révolution du parlant.
A ce titre, Les Chasses du comte Zaroff est un film dynamique et visionnaire, démontrant à la fois que le cinéma comme art de l’image et du montage survivra, tout en intégrant les caractéristiques du son.

Le DVD propose au spectateur deux bonus :
- une présentation du film par Serbe Bromberg.
On apprend entre autres que le film a été tourné presque en même temps que King Kong, et qu’il a d’ailleurs été un test avant la sortie de King Kong en salles. Le studio utilise donc des décors identiques dans les deux films, ou encore les mêmes acteurs : Fair Wray par exemple, joue dans Les Chasses du comte Zaroff et dans King Kong.
A cette époque, un nom est également très important chez RKO : David O’Selznick, qui est considéré comme l’un des plus grands producteurs américains de l’histoire du cinéma.
- une version colorisée du film Les Chasses du comte Zaroff pour les personnes réfractaires au noir et blanc.

Je remercie les éditions Montparnasse pour m’avoir permis de découvrir Les Chasses du comte Zaroff dans son intégralité.

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Petit point santé à l'approche de l'hiver

Ariane — Fri, 06 Nov 2009 21:02:00 +0100

Avec la grippe A qui rôde en France, un point sur la santé du blog me semble important cette semaine !
Après mon emphase lors du dernier billet, consacré à la carte ugc illimité, je vais faire plus bref, mais avec la même passion !
Ce mois-ci, Une semaine un Chapitre se porte plus que bien : le nombre d'abonnés est en nette augmentation (on a dépassé la centaine, merveilleux!).
L'autre bonne nouvelle est du côté des partenariats !

Je souhaitais depuis longtemps développer la catégorie DVD du blog, qui ne comporte pour le moment que la critique de Valse avec Bachir. Voilà qui est fait : les éditions Montparnasse et Wild Side ont rejoint Chez les filles, Attitude-net et Little Stone Distribution dans la catégorie des "partenaires".

Des billets seront donc désormais réservés à la sortie en DVD de films contemporains, mais aussi de films classiques.
Je vais par exemple vous faire partager certains films RKO, reçus cette semaine, pas plus tard que ce week end.
Au programme, Les Chasses du comte Zaroff (1932), un film fantastique réalisé par Ernest B. Schoedsack (réalisateur du premier King Kong) et Miss Manton est folle (1938) avec Barbara Stanwyck et Henry Fonda.
Ces nouveaux partenariats sont donc aussi l'occasion de faire découvrir des films de l'époque hollywoodienne classique.

Ces billets auront deux parties :

La critique du film (sauf si elle figure déjà sur le blog)
La critique du DVD (les bonus, la présentation).

Et c'est parti pour un premier visionnage !

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Carte ugc illimité : mon premier bilan

Ariane — Thu, 05 Nov 2009 21:57:00 +0100

Après six mois d’abonnement à la carte ugc illimité duo (35 euros), un petit bilan s’impose, globalement très positif.
Le bilan mois par mois étant très explicite pour souligner les nombreux avantages de la carte et ses deux inconvénients, je vais procéder en commençant par le mois de Mai et ainsi de suite.

Quelques précisions

Je calculerai pour chaque mois le prix global sans la carte ugc illimité, en tenant compte de deux tarifs : le tarif étudiant de la semaine (7.70) et le tarif normal du week end (10.20), en considérant que nous allons autant au cinéma en semaine qu’en week end.
Je parle de la carte ugc illimité duo : une séance de cinéma revient donc à 15,4 euros ou 20,40 euros sans la carte.
Il y a certains moments où je vais au cinéma toute seule, je ne compte alors évidemment qu’une seule place.

Mois de Mai : 10 films vus
Prix sans la carte ugc illimité duo : 170 euros.
Avec un chiffre pareil, j’ai refait le calcul plusieurs fois… Pour m’assurer de ne pas m’être trompée !
On a donc une carte ugc qui a coûté 35 euros, et a permis de voir pour 170 euros de cinéma… Sympathique non ?
On peut bien sûr se dire que sans la carte ugc, nous n’aurions peut-être pas vu dix films. C’est vrai, mais le fait d’avoir la carte nous a permis d’aller au cinéma plus souvent.
On peut ensuite objecter qu’il s’agit du premier mois : le mois où l’on va se servir de sa carte le plus possible.

Mois de Juin : 6 films
Le prix sans la carte ugc illimité duo : 99 euros.
La rentabilité est toujours au rendez-vous.

Mois de Juillet : 6 films
Le prix sans la carte ugc illimité duo : 83 euros.
La carte ugc illimité duo est toujours rentable.
Le nombre de films vus est identique au mois de Juin, mais moins de films ont par contre été vus à deux, ce qui explique la différence de prix.

Mois d’Août : 2 films
C’est l’effet vacances : on va peu au cinéma.
Le prix sans la carte ugc illimité : 35 euros.
Le prix payé change cette fois, puisque nous avons vu le film Inglorious Basterds dans un cinéma du sud ouest qui n’était pas affilié à ugc… Ce mois-ci, la dépense cinéma, c’est dont 50 euros…

Mois de Septembre : 4 films
Le prix sans la carte ugc illimité duo : 44 euros.
La carte ugc illimité duo est à nouveau rentable, mais pas au niveau des premiers mois.

Mois d’Octobre : 6 films
Le prix sans la carte ugc illimité duo : 72 euros.
Nous avons payé 50 euros ce mois-ci puisque nous avons vu Fame dans le sud est. Problème : vers Marseille, il n’y a pas de partenariat entre UGC et les cinémas.

Quelles conclusions ?

Les avantages

Quand on va au cinéma régulièrement, la carte ugc illimité duo est rentable même si quelquefois on va au cinéma tout seul. Sur ce bilan de 6 mois, le budget consacré au cinéma a été de 240 euros. Sans la carte, il était de 503 euros (je trouve ce dernier chiffre tout à fait effrayant).
La carte ugc illimité est à conseiller à tous les passionnés de cinéma : la programmation des cinémas est ouverte, avec les blockbusters qui côtoient les films d’auteurs, les films américains qui côtoient les films français et certains films internationaux.
Avec une carte ugc, tout est facilité, avec par exemple la possibilité de réserver ses billets sur Internet sans payer un surplus.
Les invitations à des événements sont multiples : avant-premières, projections tests, etc.

Les limites

Il est intéressant de se renseigner sur l’implantation des UGC et des cinémas partenaires en France puisque certaines zones géographiques ne sont pas couvertes.
Le second problème, c’est le fameux mois d’Août : les vacances. Néanmoins, sur les 6 mois, il est tout à fait rentabilisé.

PS :
Une chose a changé dans l'écriture de ce billet, par rapport aux autres : j'utilise pour la première fois les points noirs pour les énumérations.
Les inconditionnels du blog pourront se demander si cette originalité tient à la curiosité de tester une autre mise en page, ou aux méthodes d'HEC qui commencent à rentrer...

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Le Ruban blanc : pureté du cinéma, pureté de l'âme ?

Ariane — Tue, 03 Nov 2009 20:35:00 +0100

Avec Le Ruban blanc, Michael Haneke confirme un parti-pris esthétique et narratif pur et glacial. La découverte de Funny Games US est l’un des moments cinéma que je n’oublierai pas : attrait pour les images, pour l’esthétique, frappante et magistrale, dégoût et malaise devant la mise en scène du mal.
Attention, le dernier film de Michael Haneke : Le Ruban blanc (Palme d'or à Cannes cette année), s’adresse, comme ses prédécesseurs, à un cercle restreint de spectateurs qui ont le cœur et la cinéphilie bien accrochés.

Le Ruban blanc est comme un retour dans le temps, un retour aux origines du mal : Michael Haneke dresse la vie des habitants d’un village de l’Allemagne du Nord à l’aube de la première guerre mondiale. Tout commence par la chute du médecin, qui tombe de cheval. Il ne s’agit pas d’un accident, mais bien d’un acte prémédité : un câble invisible a été tendu dans le champ. Les catastrophes, dès lors, n’auront de cesse de s’enchaîner : enfants kidnappés, retrouvés battus sous la forme d’un rituel punitif, champs saccagés. Dans ce monde d’adultes conservateurs et d’enfants aux visages d’ange, qui a bien pu commettre l’impensable ?

Accompagné de la voix off de l’instituteur (personnage bien laid de l'extérieur, mais pur à l'intérieur, naïf et innocent) le spectateur est confronté à une enquête latente, qui laisse la place centrale au portrait de plusieurs familles dont les origines sociales divergent (aristocratie, notables, paysannerie), mais toujours confrontés à l’éducation complexe de leurs enfants.
Du côté des parents, comme du côté des enfants, une question brûle chaque plan : où trouver la pureté ? Comment la positionner en faveur des parents, l’un violeur, l’autre attachant son fils chaque soir dans son lit pour lui éviter les péchés de la chair ? Comment donner la pureté à un beau visage d’enfant, quand, dans le malaise, peu à peu, les suspicions les concernent tout autant ? La figure du jeune instituteur, et celle du couple frais et timide qu’il forme avec une jeune nourrice tranchent avec le paysage ambiant, grisâtre.

Le Ruban blanc est aussi une course lente vers la pureté du cinéma. La mise en scène, austère, choisit le noir et blanc et l’absence presque totale de plans en mouvement. Les longs plans fixes s’enchainent, jouant sur le champ et le hors champ, le premier plan et l’arrière plan. Les discussions, rythmées par le champ contre-champ brillent par leur sobriété limpide. L’immersion du spectateur est totale, le souffle lent, comme s’il suivait la longue respiration des plans séquences.

Et le ruban blanc, qu’est-ce que c’est ?
C’est dans le film un système d’éducation dont se sert le pasteur pour rappeler à ses enfants qu’ils doivent incarner la pureté. S’ils ont mal agi, ils doivent porter autour du poignet un ruban blanc en souvenir de l’idéal qu’ils doivent viser : le bien, l’innocence.
Paradoxalement, le ruban blanc est donc la marque d’une certaine impureté.

Mon avis sur Le Ruban Blanc : 8/10
Le Ruban blanc n’est pas un divertissement et par là-même il s’adresse (et surtout plaira, hélas), à un cercle restreint de spectateurs. Pourtant, le film brille par ses qualités : scénario brillant et malsain, jeu d’acteur juste et émouvant, mise en scène épurée et lumineuse.
Comme Funny Games US, Le Ruban blanc est une expérience plutôt qu’un visionnage cinématographique plus classique.

Si vous appréciez les films de Michael Haneke, la cinémathèque française propose en ce moment une rétrospective consacrée à tous ses films, jusqu’au 21 novembre.

Bande annonce, Le Ruban blanc, Michael Haneke

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Récapitulatif cinéma : Octobre, ses films, leurs notes

Ariane — Mon, 02 Nov 2009 14:19:00 +0100

8/10 Mary et Max d'Adam Elliott

7/10 500 jours ensemble de Marc Webb

6,5/10 The Descent part 2 de Jon Harris

5/10 Jennifer's Body de Karyn Kusama

4,5/10 Fame de Kévin Tancharoen

3/10 Lucky Luke de James Huth

Mary et Max a été la bonne surprise de ce mois d'octobre. Inventif et original en matière de film d'animation, il est aussi émouvant mais à ne pas mettre entre tous les yeux, particulièrement ceux des enfants, d'après moi.

Le mois a été très anglo-saxon, hormis Lucky Luke qui se retrouve dernier du classement.
Cette déception me fait hésiter à aller voir Cinéman dont l'histoire m'intéresse pourtant beaucoup. Comme dans La Rose pourpre du Caire, ou encore Last Action Hero, un personnage de film se retrouve propulsé dans l'écran du cinéma. Un personnage de film qui se retrouve dans un film dans le film, ou (autre traduction possible) la perspective de jolies mises en abyme.

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La photo du mois d'octobre

Ariane — Sat, 31 Oct 2009 10:15:00 +0100

Ce mois -ci, on continue dans la lignée éditoriale de la photo du mois de septembre. Au programme : un endroit très connu, vu d'une façon un peu originale, avec un intérêt plutôt conséquent porté au sol !

Quelqu'un a-t-il une idée du lieu où la photo a été prise ?
Comme Versailles a été très facilement trouvé le mois dernier, je m'attends à ce que la photo du mois d'octobre soit assez facile.
A vos idées.

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Les diablogues : Muriel Robin et Annie Grégorio au théâtre Marigny

Ariane — Fri, 30 Oct 2009 12:46:00 +0100

En ce moment au théâtre Marigny, deux femmes se renvoient la balle et se renvoient des mots : Les diablogues est mis en scène par jean-Michel Ribes, avec sur scène la brune et la blonde : Annie Grégorio et Muriel Robin, un duo pétillant et coloré.

L’humour est de rigueur dans ces sketches audacieux et absurdes : les situations décalées s’enchainent, la gestuelle pétille et les dialogues font mouche, tordant les ventres de rire à plusieurs reprises.
Les deux femmes tentent d’écrire un roman sans parler d’une seule intrigue, philosophent sur une actrice vieillissante toujours sur scène dans Bérénice ou répètent un concerto de musique dans un placard, avec comme instrument leurs voix aux interjections tantôt virulentes, tantôt mélancoliques.
Les diablogues se consacre aux arts avec humour, sans oublier le sport, avec le sketch de taping-tapang entre les deux artistes (ou comment envoyer une balle imaginaire, et répliquer comme on jouerait au ping pong), ou encore le cours très dangereux de karaté que Muriel Robin donne à Annie Grégorio. Mention spéciale également au sketche du plongeon, mémorable dans sa mise en scène de la problématique temporelle du plongeon à plusieurs.

Les fils directeurs de ces sketches ? La cousine Paulette sans doute, qui revient à plusieurs reprises, dans un comique de répétition savoureux. Et surtout la complicité entre Muriel Robin et Annie Grégorio. Le duo fonctionne à merveille dans un décor minimal tout en fourrure, composé d’un escalier et d’une chaise, absurde en quelque sorte, tout comme les dialogues.

La seule déception réside dans la durée du spectacle : 1h25. Un peu court, tant on aurait voulu deux ou trois autres sketches.

Mes deux sketches préférés du spectacle Les diablogues: le plongeon et la musique de placard, loufoques à souhait.

La pièce Les diablogues, avec Muriel Robin et Annie Grégorio, se joue au Théâtre Marigny jusqu’au 31 décembre 2009.
La mise en scène est signée Jean-Michel Ribes, réalisateur du magnifique Musée haut Musée bas.

Petite leçon d’Histoire : Les diablogues, qu’est-ce que c’est ? D’où ça vient ?
Ce sont tout simplement de courtes pièces de théâtre écrites par Roland Dubillard.
A l’origine, il s’agissait de sketches radiophoniques qui s’intitulaient Grégoire et Amédée, en 1953. En 1975, les sketches sont mis en scène au théâtre sous le nom de diablogues.

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les mots clés de septembre 2009

Ariane — Tue, 27 Oct 2009 23:10:00 +0100

Je vous laisse déguster le cru des mots clés les plus farfelus qui ont mené à Une Semaine Un Chapitre pendant le mois de septembre.

10 chevaux hippiques
Vous l’avez compris, on est dans l’univers équestre là.

9 joana travesti indienne Marseille
Depuis les fois précédentes, un cap a été franchi. La travesti Joana, de Marseille, doit aussi être indienne.

8 la cheminée du voisin qui fume noire ou déposer une plainte ?
Quel choix !

7 Boule de la semaine
Initiative originale.

6 Alec Ramsay paris
Le héros de L’Etalon noir à Paris ! tout un mythe.

5 je n'arrive pas a sauter avec buck comment faire
Qu’est-ce que buck ? (ou qui est buck ?)

4 proverbe français sardine mouette
Je vous passe le témoin : si vous connaissez un proverbe de ce genre, n’hésitez pas à le mettre dans les commentaires.

3 Avoir un heval en jigne
De petites fautes de frappe sympathiques.

2 comment conduire une voiture en photo
J’avoue, ça m’a fait rire.

1 mon numéro s’affiche quand on m’appelle
Sans commentaire…

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Lucky Luke, sur les pas d'Astérix aux Jeux Olympiques

Ariane — Sun, 25 Oct 2009 13:57:00 +0100

C’est officiel : le cinéma français prend un malin plaisir à adapter au cinéma des BD cultes et le résultat, deux fois sur trois est d’une rare médiocrité.
Après Astérix aux jeux Olympiques, Lucky Luke de James Huth concourt désormais dans le cercle très fermé des nanars français à gros budget qui s’attaquent à des personnages et des histoires cultes pour viser le plus grand public possible et amasser le plus d’argent.

Problème : il est encore plus complexe de prétendre au cercle fermé du film culte en partant d’un livre déjà culte. L’adaptation d’Harry Potter en est un exemple parmi d’autres.

Et Lucky Luke, en terme d’adaptation, n’arrive pas même à la cheville d’Harry Potter. Le principal responsable : le secteur des dialogues, ratés du début à la fin. Entre les blagues qui ne fonctionnent pas, comme un patch (apache) pour expliquer que Lucky Luke ne fume pas, les anachronismes et la vulgarité de certaines répliques, il n’y a rien à sauver.
Du côté de l’histoire, terrible mais vrai : on s’ennuie. L’intrigue est décousue, sans grand intérêt, et une fois encore, une observation de la salle est nécessaire pour essayer de rester éveillé.

Jean Dujardin en Lucky Luke ne convainc pas. Son jeu est trop proche de ses personnages précédents, comme Hubert de la Batte, pour rendre crédible la légende de l’Ouest, que James Huth s’attarde à moquer sans esprit plutôt qu’à vénérer. Les fans de la BD crieront au scandale, les amoureux de Shakespeare crieront au carnage. Imaginez Jesse James, caricatural à souhait, déclamer des extraits d’Hamlet ou du Marchand de Venise… Il y a un petit air de Wild Wild West au final, version ratée. James Huth prend ça et là toutes les influences qu’il peut, pour arriver à un film insipide où chaque saveur a anéanti l’autre.

L’unique intérêt de Lucky Luke, c’est sans doute l’esthétique, très soignée, dans la docile référence à la mise en scène des westerns passés. Il y a Calamity Jane (Sylvie Testud) aussi, le seul personnage vraiment attachant.
Billy the Kid (Michael Youn) fera peut-être rire les enfants de moins de 7 ans, Pat Poker (Daniel Prévost) le grand méchant les effrayera sans doute un peu. Le rôle caricatural d’Alexandra Lamy (son personnage s'appelle quand même Belle) est d’une rare niaiserie, hormis sa première apparition chantée à la Marilyne Monroe. Lucky Luke nous offre une galerie de personnages secondaires fadasses et caricaturaux...
Comme souvent, ce type de films oublie que le succès narratif, esthétique et public d’un film ne dépend pas seulement du choix d’un livre culte et d’un panel d’acteurs célèbres ultra-déguisés.

Note Lucky Luke 3/10
Les trois points vont au décor, et à la beauté de plusieurs plans. L’esthétique est réussie, et reprend assez habilement les clichés du genre, comme la porte ouverte sur la wilderness ou encore le cow boy seul à cheval dans une étendue désertique.
Le film pâtit de l’absence de deux figures cultes de la BD : Rantanplan et les Daltons, qui d’un autre côté, échappent au carnage.
La solution, la voici peut-être : considérer Lucky Luke comme un film muet, c’est-à-dire couper tout dialogue et le voir un soir de semaine, quand il sera diffusé à la télévision.

Bande annonce Lucky Luke, James Huth

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Pause musicale : Ecoutez la bo Lucky Luke

Ariane — Sat, 24 Oct 2009 11:01:00 +0200

Autant je n'ai pas été conquise par le film Lucky Luke, autant la bo laisse au spectateur une bonne surprise.
Bruno Coulais est l'auteur de la plupart des musiques. Quant aux chansons, elles permettent de découvrir Térez Montcalm, chanteuse de jazz à Montréal.
Elle interprète dans la bo Lucky Luke trois morceaux.

BO Lucky Luke, Térez Montcalm, "Mon lonesome cowboy"

"Mon lonesome cowboy" est une chanson importante dans la narration du film, puisqu'elle présente Belle, la chanteuse du saloon, interprétée par Alexandra Lamy. La scène est sensuelle, la musique magnifique : c'est l'un des plus beaux passages de Lucky Luke.

BO Lucky Luke, Térez Montcalm, "Si toi aussi tu m'abandonnes"

BO Lucky Luke, Térez Montcalm, "High noon" ("Do not forsake me")

Côté musique dynamique, Freddie Meyer avec "The bandit manchot" offre un beau contrepoint à la musique douce et sensuelle de Térez Montclar.

BO Lucky Luke, Freddie Meyer, "The bandit manchot"

En bref,la bo Lucky Luke, tout comme la texture de l'image et le choix des plans, est l'un des points d'intérêt et l'une des réussites esthétiques du film.

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Pause musicale : Ecoutez la BO jennifer's body

Ariane — Fri, 23 Oct 2009 15:20:00 +0200

En bon film d’adolescent, Jennifer’s Body a parié pour la bo de type High School-Rock.
Le film joue cependant une carte plus originale en faisant de la chanson phare du film : « Through the trees », une chanson leitmotiv que l’héroine Needy déteste, parce qu’elle condense toute l’horreur des jours vécus récemment et l’intéressement du groupe musical diégétique.
La chanson a donc une saveur particulière, pour les spectateurs également : Needy est sans cesse contrainte de l’entendre et le spectateur finit par se prendre au jeu du harcèlement musical à tonalité comique. En bref, Needy est poursuivie par de la soupe...

BO Jennifer's Body, Low Shoulder, "Through the trees"

Voilà un morceau kitsch à souhait, qui résume de manière assez complète la bo de Jennifer's Body, qui n'hésite pas, par exemple, à revisiter "I can see clearly now" version hard rock.

De jolies découvertes aussi, comme cette chanson de Lissy Trullie.
BO Jennifer's Body, Lissy Trullie, "Ready for the floor"

BO Jennifer's Body, Hayley Williams, "Teenagers"

BO Jennifer's Body, White Lies, "Death"

BO Jennifer's Body, Silversun Pickups, "Little Lover’s So Polite"

BO Jennifer's Body, Cobra Starshi, "Chew Me Up and Spit Me Out"

BO Jennifer's Body, Panic! At the Disco, "New Perspective"

BO Jennifer's Body, Compilation des musiques

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Jennifer's Body : quand la beauté devient le mal

Ariane — Thu, 22 Oct 2009 19:33:00 +0200

Jennifer’s Body paraît à première vue original : le scénario s’écarte du droit chemin, avec non pas des monstres masculins, de type Freddy, Michael Myers, mais un monstre diaboliquement féminin incarné par la plus belle (et la plus vulgaire) fille du lycée : Jennifer (Megan Fox).
La beauté, c’est le mal, thématique bien loin des sentiers battus horrifiques. Jennifer’s body va encore plus loin, en mettant en scène de manière systématique la relation ambiguë et étrange qui lie deux meilleures amies.

En bref, le film de Karyn Kusama est un film de filles, même si le physique avantageux de Jennifer et son rituel de meurtre sensuel n’oublient pas le public masculin.

Tout commence dans une petite bourgade américaine. Jennifer et Needy (Amanda Seyfried) ont grandi ensemble et sont meilleures amies depuis le bac à sable. L’une est blonde, à lunettes, un peu pataude et pas franchement sûre d’elle. L’autre est brune, élancée et ne rêve que de sa prochaine cible masculine : un chanteur qui vient jouer dans le bar du coin.
Ledit bar s’enflamme (au sens figuré et ensuite au sens propre), Needy réussit à sauver Jennifer des flammes, sans parvenir ensuite à l’extirper des mains du chanteur qui l’emmène avec son consentement dans son fourgon ! Les deux amies sont donc séparées. Quelques heures plus tard, Jennifer se rend chez Needy, sanguinolente et en état de choc. Le lendemain, elle mange littéralement un lycéen de l’équipe de sport dans les bois !

Il faut l’avouer, le scénario, abracabrantesque, ne sert pas et ne décortique pas l’idée originale de départ de Jennifer’s Body, à savoir l’incarnation du mal dans la beauté.
A la place, les stéréotypes s’enchainent à une vitesse foudroyante, avec pêle mêle un groupe de rock satanique, des recherches très brèves sur les sorcières à la bibliothèque, la tentation lesbienne, le lycéen un peu bizarre de l’école grand fan de rock.

Le film oscille entre la fable potache et le genre de l’horreur, d’où la perplexité du spectateur lors de certaines scènes : faut-il rire ? Avoir peur ? Etre ému ? On hésite.

Du côté de la mise en scène, pas grand chose à se mettre sous la dent : Jennifer’s Body fait preuve d’une platitude déconcertante, hormis peut-être dans le traitement du corps féminin, quelquefois semblable à une tige de bois ou un animal maléfique ondulant, métamorphosable à souhait dans les jeux d’ombre et à travers les différents vêtements. La métaphore est vite dévoilée : Jennifer’s Body met en images le malaise adolescent lié aux changements du corps, aux pulsions morbides et sexuelles, qui transforment deux jeunes femmes, et mettent en question leur amitié.

Note Jennifer's Body : 5/10
Le scénario global de Jennifer’s Body n’est pas à la hauteur de l’idée de départ. Le point d’intérêt du film se joue alors dans le jeu des deux actrices principales et la mise en scène de leur étrange amitié. Côté horreur, rien de très mémorable.
La réplique que j’ai aimé : « Allons dîner à la Cheesecake Factory. »

Bande annonce, Jennifer's Body, Karyn Kusama

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Pause musicale : Ecoutez la BO 500 jours ensemble

Ariane — Wed, 21 Oct 2009 23:19:00 +0200

Cela fait maintenant presque un an qu’Une Semaine un Chapitre concilie la critique d’un film et sa bo.
Le film 500 jours ensemble ne va pas déroger à la règle, la bo regroupant tout un panel de chansons romantiques du domaine du rock ou de la pop, avec par exemple The Smiths ou encore Patrick Swayze.
Le petit clin d'oeil musical européen réjouira les amoureux de Carla Bruni : "Quelqu'un m'a dit" est repris dans une scène où le couple discute en voiture.

Voici pour commencer la chanson leitmotiv du film. Dynamique, elle suggère pour moi à la fois la fourmilière qu'est LA et des sentiments et un quotidien qui se bousculent pour les deux personnages principaux.

BO 500 jours ensemble, Regina Spektor, US

Voici ensuite les morceaux de la Bo qui ont retenu plus particulièrement mon attention.

BO 500 jours ensemble, The temper trap, "Sweet disposition"

BO 500 jours ensemble, Charles Thompson, "Here comes your man"

BO 500 jours ensemble, The Smiths, "There is a light that never goes out"

BO 500 jours ensemble, The Smiths, "Please, please, please, let me get what I want"

BO 500 jours ensemble, Black Lips, "Bad Kids"

BO 500 jours ensemble, Patrick Swayze, "She's like the wind"

BO 500 jours ensemble, Lee Greenwood, "God Bless the USA"

BO 500 jours ensemble, jack Penate, "Have I been a fool ?"

BO 500 jours ensemble, Carla Bruni, "Quelqu'un qui m'a dit"

BO 500 jours ensemble, Feist, "Mushaboom"

BO 500 jours ensemble, Mumm-Ra, "She's got your high"

Pour un film dont le genre se rapproche de la comédie romantique, la BO reste très classique. Elle offre donc un contrepoint intéressant par rapport à la narration, volontairement originale et insistante sur le fait qu'il ne s'agit en réalité pas vraiment d'une histoire d'amour.

Vous pouvez aussi lire sur une semaine un chapitre la critique de 500 jours ensemble.

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500 jours ensemble renouvelle le genre de la comédie romantique

Ariane — Mon, 19 Oct 2009 21:36:00 +0200

500 jours ensemble ne paye pas de mine si l’on s’arrête au titre, pas franchement attractif. Voilà une petite erreur, car cette romance pleine d'humour et de finesse vaut le détour.

Tom (Joseph Gordon-Levitt), rédacteur dans une entreprise de cartes de vœux, tombe un jour sur l’assistante de son patron : Summer (Zooey Deschanel). C’est le coup de foudre pour le jeune homme, qui tente alors de manière gauche et timide de se rapprocher de la jeune femme.
Rien de bien transcendant jusque là. Mais c’est oublier le parti-pris esthétique et narratif : Marc Webb crée une succession de souvenirs de Tom sans tenir compte de la chronologie et en mettant en scène sa passion pour l’architecture.
Cette toile d’araignée narrative, peu à peu, tisse l’inéluctable destin de Tom et Summer, c’est-à-dire deux destins séparés, délimités dès le départ par cette assez amusante référence à la réplique bien connue « toute ressemblance avec des personnes réelles est fortuite », suivie d’un prénom et d’un nom de famille. Les ficelles du genre seront là, dans 500 jours ensemble, mais pour mieux les contredire ensuite.

Marc Webb joue avec les codes des histoires d’amour, et ça marche. Il déconstruit un genre ultra codifié, et n’hésite pas à répéter plusieurs scènes, en changeant simplement l’angle des plans, la scène dans le magasin de vinyles montrant à la perfection la diversité d’interprétations d’une scène selon l’angle de prise de vues.
A noter également, une scène assez intéressante où le découpage de l’écran en deux parties montre d’un côté les attentes de Tom et de l’autre la réalité. Il n’y a pas à dire, 500 jours ensemble choisit Tom comme bouc émissaire.

Du côté des interprétations, Zooey Deschanel montre à nouveau tout son potentiel d’actrice charmeuse. Comme dans Yes Man, elle pousse la chansonnette dans 500 jours ensemble, tissant en deux films une persona déjà bien assise de femme indépendante des hommes, au charme mystérieux, mélancolique et sauvage. Joseph Gordon-Levitt n’est pas franchement mis en valeur, la faute au rôle de jeune adulte niais qu’il incarne, moins pragmatique et moins réfléchi que sa petite sœur âgée de dix ans…

La bo de 500 jours ensemble ajoute au charme du film, avec même la très amusante présence de « Quelqu’un m’a dit » de Carla Bruni lors d’une scène. 500 jours ensemble, même si l’histoire se passe à Los Angeles, a résolument un côté européen et même français, visible par exemple dans l’une des scènes qui se passe au cinéma.

Note, 500 jours ensemble, Marc Webb : 7/10
500 jours ensemble est un film original, et loufoque, une comédie romantique qui choisit dès le départ d’innover : il s’agira, dès la première minute, non pas d’une histoire d’amour, mais d’une histoire entre un homme et une femme, où l’amour ne sera jamais réciproque.
Les spectateurs qui ont aimé peuvent se tourner vers Eternal Sunshine on the Spotless Mind ou La Science des rêves, deux films réalisés par Michel Gondry, où les histoires d’amour éclatent, se libèrent de la narration et des présupposés du genre.

Bande annonce, 500 jours ensemble

Par ici pour écouter nos morceaux préférés de la BO 500 jours ensemble.

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The Descent, part 2, on prend la même et on recommence

Ariane — Fri, 16 Oct 2009 23:14:00 +0200

The Descent a fait l’objet, sur une semaine un chapitre, d’un article un peu spécial. Plus que la critique du film, il s’agissait plutôt d’analyser le visionnage d’un film d’horreur chez soi, à plusieurs. L’expérience avait été très réussie.
La sortie de The Descent part 2 était donc attendue avec impatience, bien qu’avec une certaine angoisse en même temps, étant donné l’extrême rareté des suites horrifiques de qualité.

The Descent part 2 laissera les fans du premier opus sur une sensation mitigée.

Le plaisir de la reconnaissance est là, savamment orchestré. L’ambivalence entre l’horreur du monstre et l’horreur humaine subsiste, tout comme les thématiques de la mère et de la revenante, la peur liée au noir et à la claustrophobie domine à nouveau et les monstres sont identiques (des êtres cannibales et aveugles, au physique humain et au visage proche de l’alien en colère). Leur absence de vue permet d’ailleurs plusieurs plans truculents où les héros et les monstres se frôlent. Effrayant !

Le plaisir des retrouvailles est réussi, mais dans une trame courue d’avance : Sarah qui ne se souvient plus de ce qu’elle a vécu dans les profondeurs et a donc oublié la mort des ses amies, est ramenée sous terre par une poignée de spéléologues et un shérif avide de résoudre la disparition des autres jeunes femmes. Très vite, les potentiels futurs survivants sont repérés. Dommage : le suspense en pâtît terriblement. Ensuite, Jon Harris voue une obsession sans bornes aux blessures au cou, toujours sanguinolentes à souhait, et bien répétitives pour une référence aux vampires.

La faiblesse de The Descent part II c’est surtout le manque de nouveauté. Quelques changements sont à noter, mais ne suffisent pas. Cette fois-ci, par exemple, l’expédition est mixte, mais l’analyse des rapports d'homme à homme est presque inexistante. Il faut ajouter à la mixité une nouvelle ambigüité chez Sarah qui montre ses capacités à vivre dans les profondeurs, quelquefois comme un animal, le point sans doute le plus intéressant du film.

Note The Descent, part 2, Jon Harris, 6,5/10
The Descent Part 2 est un film d’horreur honnête, qui ne bénéficie plus de l’effet de surprise dont a bénéficié son grand frère. Le plaisir de la reconnaissance fonctionne à plein mais l’absence de vraie originalité est déceptive.
Il faudra attendre les toutes dernières minutes pour trouver au film un souffle nouveau et glaçant.

Bande annonce, The Descent, part 2

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Fame version 2009 : une comédie musicale sans saveur

Ariane — Wed, 14 Oct 2009 19:56:00 +0200

Dans la famille des remakes, il y a maintenant Fame. La version 2009 ne cache pas longtemps son jeu : plaire à tous les publics.
Le spectateur le sent, autant au niveau des personnages qu’au niveau musical. Pour les fleurs bleues, il y a la naïve Jenny (Kay Panabaker) et Marco (Asher Book), chanteur romantique à la sauce boys band ou lover décati. Pour les fans de rap, et de hip hop, Malik et Denise sont au rendez-vous, taraudés par leurs problèmes familiaux. Vous aimez les chanteuses afro-américaines à voix ? Denise (Naturi Naughton) est là pour vous. Pas de panique pour les accros au Fame de 1980, on retrouve par exemple la chanson "Fame" nouvelle version.

On a donc les chanteurs. Mais n’oublions pas la danse avec Alice et Kévin, ou encore le cinéma avec Neil, toujours investi par une idée de film. Bref, à force de trop en faire (danse, chant, théâtre, cinéma), de démultiplier les personnages, Fame de Kevin Tancharoen s’englue dans un remake sans épaisseur, la palme revenant sans hésitation au père de Denise, buté et ridicule jusqu’au bout quant à l’avenir de sa fille.

Du côté de l’histoire, c’est la table rase. Fame n’a pas d’histoire, hormis une mince intrigue qui tient en quelques mots : trois années passées dans une académie du spectacle, avec au final la révélation sur qui peut devenir star et qui ne le sera jamais. Plutôt étriqué.

Kevin Tancharoen fait les mauvais choix : au lieu de développer davantage le rôle de Denise, ou encore celui d’Alice ou Kévin, il s’intéresse aux vagues amourettes lycéennes de Jenny et Marco. Le romantisme mis en scène est niais à souhait et le spectateur ne peut pas vraiment s’empêcher de rire de situations pourtant dramatiques, comme lorsque Jenny, naïve, croit pouvoir décrocher un rôle dans une série télévisuelle.

La bonne surprise du film se résume à quelques mises en scène assez esthétiques, mais tournées à grands renforts de déguisements outranciers et d’ambiances bleutées, dans une vague de hurlements frénétiques.
L’un des meilleurs moments reste l’imitation par un candidat de la célèbre chanson « All that jazz », chantée dans Chicago. Fame 2009 est sympathique, mais ce n’est pas assez dans un genre qui a connu de si nombreux succès : logiquement, le spectateur sort de ce bouillon multi-saveurs avec l’idée de louer dans son vidéo-club Chicago, ou bien l’original de Fame.

Vous pouvez écouter sur une semaine un chapitre la BO Fame, sans doute la partie la plus intéressante du film puisque quelques morceaux restent en tête à la sortie du cinéma.

Note Fame : 4,5 /10
Ecrire pour plaire à tous ne fonctionne pas toujours.
Fame sera un bon film du dimanche soir, fade à souhait, lisse à la perfection. Etrange, surtout lorsqu’il s’agit d’un film dédié aux arts.

Bande annonce Fame, Kevin Tancharoen

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Burger Paris : l'équation impossible ?

Alexis — Mon, 12 Oct 2009 11:13:00 +0200

La bonne nouvelle : l'équation burger Paris a été résolue. Et mieux encore : le burger à Paris avec ambiance américaine, c'est possible.
Quelques préalables, tout d'abord, pour expliquer la situation.
Généralement, quand on a quitté la France pour les Etats Unis, il se passe une ou deux semaines avant que votre estomac et votre cerveau vous supplient : de la verdure, de la salade, des légumes, des fruits, des yaourts.
C'est normal : vous avez dépassé votre niveau d'adaptation culinaire. Les burgers, les frites, les milk shakes, le coca, les pizzas, pour l'instant c'est fini.

Le plus amusant, c'est en revenant des Etats Unis, quelques envies étranges, qui s'immiscent dans votre quotidien.
Pourquoi donc la France n'a-t-elle pas de In et Out, et qui plus est sur les autoroutes ? Le meilleur moment, pour manger un burger, à mon goût, c'est quand on part en voyage !
Et surtout, un midi, rêver de commander des frites dans une barquette à pain, un burger juteux et épicé, en se délectant d'une corona avec citron ou d'un jus d'orange pressé, pour finir avec une part de cheesecake. Je vais donc répondre à cette question : comment assouvir ce désir à Paris ? Ce désir de burger. Ce désir d'amérique.

Un premier point déjà : Le Mac Do, c'est proscrit. Pour l'odeur. Pour la qualité. Pour l'ambiance.
Parce que manger un burger avec des frites, aux Etats Unis, ce n'est pas seulement aller se goinfrer aux fast foods.
C'est aussi rentrer dans ces petits restaurants américains avec le bar, où la plupart des clients mangent, accoudés, avec le vieux juke box dans les parages. Les serveuses vous demandent avec un grand sourire si avec le burger vous préférez limonade maison ou coca (la limonade bien sûr) et frites ou coleslaw (avec généralement un coleslaw à tomber).
Retrouver ce petit plaisir du burger, à Paris, c'est une nécessité.

La réponse parisienne, pour redonner un goût à ses souvenirs de voyage, c'est le BIA (Breakfast in America). Il y en a deux : un 17 rue des écoles, un 4 rue Malher. Le nom peut être un peu trompeur, puisque le BIA propose en fait deux types de service : le petit déjeuner à l'américaine et le burger à l'américaine, à Paris.
Au programme : les burgers (burger sauce barbecue, burger à la mexicaine, burger classique, burger roquefort), les frites (avec fromage fondu, etc), le coleslaw, les milk shakes, le cheesecake, le carrot cake, le café jus de chaussette (mais on peut tout à fait prendre un Nespresso à la place), et même les WRAP, c'est sandwichs tendus, souvent au poulet et à la salade, accompagnés de frites. La qualité est au rendez-vous, même si elle ne dépasse pas certains burgers mangés de l'autre côté de l'Atlantique.
Niveau décor : on est comme aux US. Niveau ambiance : c'est tout pareil. On peut même commander en anglais !
En bref, l'équation burger Paris, le vrai burger américain, en plein centre de Paris, ça existe !
Il ne manque plus que la Cheesecake Factory.

Burger Paris : en direct du BIA

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Pourquoi les guides de voyage sur les Etats Unis ne parlent-ils donc jamais des fast foods ?