Une semaine, un chapitre

De rouille et d'os de Jacques Audiard

Ariane — Mon, 28 May 2012 19:46:00 +0200

De rouille et d'os signe le retour de Marion Cotillard dans le cinéma français : une première raison d'aller voir De rouille et d'os, d'autant qu'elle y joue un rôle complexe - celui de Stéphanie, une princesse des temps modernes, dresseuse d'orques (et d'hommes), qui suite à un accident pendant un spectacle au Marineland, se retrouve amputée des deux jambes.

Rentrée chez elle, dans son fauteuil roulant, elle décide un jour d'appeler Ali (Matthias Schoenaerts) qui avait eu la gentillesse de la raccompagner en voiture après une altercation à la sortie d'une boite de nuit. Ali, sa vie n'est pas toute rose : il s'est installé chez sa soeur avec son fils de 5 ans Sam et tente tant bien que mal de subsister avec de petits boulots et en participant à des combats illégaux. Son tempérament brut, sa brutalité, s'estompent près de Stéphanie qu'il prend l'habitude d'aller voir souvent.
De rouille et d'os est un film sur le corps : son pouvoir, sa destruction, son immobilisme, sa reconstruction. C'est l'obsession principale de ces personnages : Stéphanie doit réapprivoiser son corps et Ali mieux gérer sa relation aux autres tout en faisant de son corps un outil de travail.

Jacques Audiard propose avec De rouille et d'os une mise en scène brute, au plus proche des éléments : la thématique de l'eau est omniprésente, avec tout ce qu'elle comporte de sensation de liberté et de danger. Les jeux de lumière, des rayons, mais aussi de l'obscurité, ajoutent à cette sensation d'un film minéral, élémentaire.
Les personnages sont aussi filmés comme éléments bruts, sans concession : les plans ne cachent pas les moignons de Stéphanie, bien au contraire, ni les blessures suite aux coups que peut recevoir Ali.
On retiendra quelques très belles scènes : celle du lit d'hôpital, celle du balcon avec Firework de Katy Perry en fond sonore, et dans leur ensemble les scènes d'eau (mer, neige).

Le duo Marion Cotillard et Matthias Schoenaerts fonctionne à merveille. On sent une fois encore émerger la persona de Marion Cotillard (personnages féminins sensibles, avec un don, mais qui traversent des difficultés physiques tout en gardant une surprenante aura). Matthias Schoenaerts en personnage masculin brut, tendre et maladroit, est convaincant.

La seule dérive possible de De rouille et d'os, était dans l'accentuation de son côté mélodramatique et film social. Mais le film réussit à équilibrer plusieurs genres sans basculer totalement dans l'un d'eux.

Mon avis sur De rouille et d'os de Jacques Audiard : 9,5/10
Il est rare de voir au cinéma une mise en scène autant coller aux deux acteurs principaux : Jacques Audiard a mis dans tous les éléments de De rouille et d'os, une matière brute et élémentaire, mais également une tendresse, une délicatesse.
Le résultat : un film lumineux, sensuel et douloureux.

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

"Starbuck" et ses 533 enfants

Ariane — Sat, 26 May 2012 18:19:00 +0200

David Wozniack est un homme d'une petite quarantaine d'années, qui vit encore comme un éternel adolescent : il travaille dans la boucherie de son père mais n'est pas très doué et a du mal à s'organiser, sans compter des connaissances un peu louches qui lui demandent de rembourser 80 000 dollars et lui rendent des visites peu courtoises.

Le thème de la paternité va venir d'engouffrer, d'une façon forcément surréaliste pour coller au personnage : alors qu'il est sur le point d'être père, David découvre qu'il est en réalité le géniteur anonyme de 533 enfants ! En effet, David a beaucoup fréquenté, pendant deux ans, un centre de don...
Cerise sur le gâteau : 142 de ces enfants ont entamé une action judiciaire car ils souhaitent connaître l'identité de leur géniteur.
Grâce à une enveloppe avec les 142 fiches, David va peu à peu rencontrer certains de ces enfants et tenter de devenir leur ange gardien, sans pour autant bien sûr dévoiler qui il est vraiment.

Comédie canadienne, Starbuck adopte un ton déjanté et décalé grâce à des personnages sympathiques et hors normes. La thématique de la paternité est traitée avec un humour décomplexé : la fréquence sonore des parents que les enfants n'entendent pas, la future maman qui trouve les gamins insupportables et débiles, sans compter le très attachant David entouré de ses 142 enfants lors d'un week end barbecue !
Le film n'évite pas la caricature, notamment dans les caractérisations des enfants de David, mais elle permet aussi de relancer l'humour.
La langue canadienne donne aussi un petit côté fun au film. Attention, les sous titres sont nécessaires, sans ça, on ne comprend pas tout.

En regardant Starbuck, on rigole. Mais, peu à peu, le film installe une nouvelle tonalité, tendre et émouvante (peut-être même un peu trop). Des liens naissent entre les personnages, et l'histoire dévoile de nouvelles facettes de David, qui au fur et à mesure devient un personnage de plus en plus complexe et attachant. L'acteur Patrick Huard joue le rôle à la perfection et a d'ailleurs raflé au Festival International du Film de Comédie de l'Alpe d'Huez le prix d'interprétation masculine.

Mon avis sur Starbuck de Ken Scott, au cinéma le 27 juin : 8,5/10
Starbuck de Ken Scott est un petit bijou d'humour qui enchaîne les situations surréalistes et les personnages attachants. Pourtant, le film commençait de manière assez raide au centre de dons avec David, ses magazines sexys et un pot !

Bande annonce Starbuck de Ken Scott, au cinéma le 27 juin

Starbuck

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Dark Shadows : Burton et le mythe du vampire

Ariane — Fri, 18 May 2012 18:10:00 +0200

Tim Burton revient à ses amours gothico-humoristiques dans Dark Shadows. Barnabas Collins (Johnny Depp) est maudit : Angélique Bouchard (Eva Green) - une dangereuse et belle sorcière, est amoureuse de lui et va peu à peu décimer ceux qu'il aime pour espérer l'avoir enfin rien que pour elle. Le stratagème ne fonctionnant pas, Angélique transforme Barnabas en vampire et le fait enterrer vivant. On est en 1752.

Les années passent. 1972 : Barnabas est enfin libéré grâce à des travaux. Impossible pour lui de savoir combien de temps a passé. Il part donc vers sa demeure (digne de Citizen Kane), en espérant de tout coeur qu'elle est encore occupée par sa famille.

Dark Shadows est un film qui ne se prend pas au sérieux, un mélange entre Beetlejuice, La Famille Adams et Les Visiteurs.
Barnabas est un vampire, mais avant tout un homme de 1752, qui va découvrir pour la première fois les voitures, la télé, et garder tout le long du film un vocabulaire et des tournures de phrases qui se rapprochent d'un discours précieux. Tim Burton reprend là une recette humoristique qui marche : un personnage décalé dans le temps, et excentrique, joué par un Tim Burton qui n'a pas lésiné sur le maquillage.

Dark Shadows réunit un casting haut en couleur : Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Eva Green et Chloé Moretz. Johny Depp est bien entouré... C'est le duo Eva Green / Johnny Depp qui est bien sûr le plus présent à l'écran, au détriment parfois de seconds rôles pourtant intéressants : le docteur Hoffman incarné par Helena Bonham Carter par exemple.

L'histoire est tarabiscotée et nécessite qu'on entre dans l'univers sans trop se poser de questions. Après tout, on est dans un monde peuplé de vampires, de loups garous et de fantômes...

Tim Burton fait le choix d'une mise en scène colorée et fun qui fonctionne, rythmée par la BO de Danny Elfmann mais aussi par des chansons de tous les univers : on retrouve par exemple The Moody Blues ou encore Alice Cooper qui fait même une apparition en cameo.

Mon avis sur Dark Shadows de Tim Burton : 7/10
Dark Shadows est un Tim Burton fun et coloré qui permet de passer un bon moment au sein d'une famille relativement déjantée. Il manque pourtant un élément au film, qui finalement survole les personnages et l'histoire sans jamais aller dans la profondeur. Pas de poésie dans ce Dark Shadows : du fun, simplement.

Bande annonce Dark Shadows de Tim Burton

Pour écouter la BO Dark Shadows, rendez-vous sur AlloBo.

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Maman : film triste et pas inoubliable

Ariane — Tue, 15 May 2012 20:58:00 +0200

Pas facile de se mettre dans le bain quand, parce que Dark Shadows est complet, on se retrouve dans la salle de Maman. Les exercices de style ne se ressemblent pas.
Avec Maman, on est dans le film français, et plus précisément dans la comédie dramatique puisque le film raconte comment deux soeurs kidnappent leur mère pour essayer de comprendre pourquoi celle-ci ne les aime pas et tenter, aussi, de se faire aimer d'elle.

Josiane Balasko endosse le rôle pas facile de la maman. Marina Fois et Mathilde Seigner jouent le rôle des deux soeurs (pas facile non plus).
La thématique abordée est terrible : l'absence d'amour maternel d'une mère, qui a crée deux femmes incapables d'aimer. Alexandra Leclère l'intègre à sa mise en scène en jouant sur le dépouillement, la fixité et les couleurs fanées. Maman est un film à voir quand on est en grande forme, car son sujet, profondément déprimant, ne fait pas ressortir heureux.

L'austérité a aussi sa place dans les dialogues : de longs moments de silence sont privilégiés, et le discours, quand il est utilisé, a vocation à réveiller et faire mal. Maman, c'est le portrait de trois femmes paumées et déprimées, avec des portraits poussés à l'extrême et instables.
Quelques notes d'humour allègent l'ensemble ici et là : une ancre pour retenir la maman par exemple. Mais ce n'est clairement pas la fonction principale du film.

Mon avis sur Maman d'Alexandra Leclère : 2/10
Maman est un film à éviter car c'est un film triste. Ni le peu d'humour, ni la mise en scène, ni la performance des acteurs ne peuvent compenser un drame trop poussé et des personnages perdus. Pas cette fois.

Bande annonce de Maman d'Alexandra Leclère

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

The Avengers : L'union fait la force

Ariane — Sat, 28 Apr 2012 12:17:00 +0200

The Avengers. Marvel, depuis déjà plusieurs années, tisse petit à petit une toile ingénieuse : les films s'enchainent pour présenter les super-héros : Iron Man, Hulk, Thor, Captain America, avec, dans l'ombre, et de plus en plus présent, le personnage de Nick Fury, du Shield. The Avengers est une première cerise sur le gâteau : le rassemblement, dans un seul film, de ces super-héros Marvel.

Aux commandes : Joss Whedon, le créateur de Buffy contre les vampires, qui conserve dans The Avengers l'action et l'humour, en prenant garde, dans ce monde très masculin, de laisser une place de choix à une héroine : la Veuve Noire (Scarlett Johansson).

The Avengers met la barre très haut. Logique : le film est un rassemblement de stars et de super-héros (Robert Downey Junior pour iron Man, Chris Evans pour Captain America, Mark Ruffalo pour Bruce Banner/Hulk, Chris Hemsworth pour Thor.
On retrouve aussi Samuel L. Jackson qui joue le rôle de Nick Fury, Tom Hiddleston qui est Loki. En bref : un déchaînement de testostérone.

Loki est le point de départ de l'histoire : il passe sur terre et vole un cube d'énergie au pouvoir illimité. Pour Nick Fury, il est temps de tenter un pari fou : espérer réunir tous les super-héros qu'il connaît pour monter l'équipe des Avengers.
Le film se découpe ainsi en trois parties très distinctes, de manière très classique : il s'agit d'abord de regrouper l'équipe, l'occasion de donner à chacun un petit moment pour se présenter au public. La seconde étape correspond à une plongée dans le fonctionnement du Shield, où, sur un vaisseau dernier cri, les super héros vont tenter de localiser le fameux cube et être confrontés à différents problèmes. Troisième étape : le climax avec l'invasion de New York par l'armée de Loki et un déchaînement d'effets spéciaux tout simplement spectaculaires.

La mise en scène, très classique, ne manque pas d'énergie. Les plans s'enchainent, dynamiques, et Joss Whedon y insuffle même la caractérisation de ses personnages : plans fixes pour le Thor Shakespearien, travelling pour l'Iron Man volant, utilisation du miroir pour la Veuve noire, personnage féminin ambigu et complexe.
Joss Whedon parvient à doser son film à merveille : il travaille à la fois sur les individualités des personnages et la constitution d'une équipe, dans un environnement où l'action cotoie l'humour. Les piques ne manquent pas dans les dialogues : il y a bien sûr Tony Stark qui n'a pas sa langue dans sa poche, mais des personnages comme Black Widow font tout autant de ravages.
On rit beaucoup et on s'attache à chacun : Banner/Hulk, Thor, Iron Man, Captain America. Tous ont leur moment de gloire mais aussi une personnalité à chaque fois très travaillée.

Avec le pitch de The Avengers, on pouvait redouter le pire : le déchaînement du n'importe quoi, l'overdose de super-héros et un manque de temps qui aurait mené à bâcler l'ensemble. Joss Whedon évite tous ces obstacles, un peu comme la Veuve Noire s'extirpe avec grâce et habileté de tous les mauvais pas.
Le seul reproche à faire au film, c'est quelques longueurs en deuxième partie. Et peut-être aussi la mise en scène des humains qui tout au long du film ne servent à strictement rien.

Mon avis sur The Avengers de Joss Whedon : 8/10
The Avengers est taillé pour plaire aux fans de super-héros, tout en restant accessible à tous : le film est une belle porte d'entrée dans le monde Marvel, qui a le mérite de présenter en une fois plusieurs de ses personnages. En bref : un très bon divertissement.

Bande annonce The Avengers de Joss Whedon

La BO Avengers est sur AlloBo !

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Hunger Games : une Battle Royale à l'américaine

Ariane — Wed, 25 Apr 2012 22:25:00 +0200

Hunger Games, pressenti quelquefois comme le nouveau Twilight - un argument pas vraiment sexy quand on connait la saga vampirique - est bien davantage un Battle Royale à l'américaine, c'est à dire sans le gore du film japonais et avec les ficelles narratives américaines en plus.

Tout commence de la même manière : des adolescents sont choisis au hasard pour participer à un jeu qui se terminera lorsqu'il ne restera qu'un seul survivant. Pour être ce survivant, il va falloir se débarrasser des autres. Katniss (Jennifer Lawrence), pour sauver sa soeur qui vient d'être désignée pour participer au jeu, se porte volontaire. Elle part avec les organisateurs et Peeta, le garçon de son district qui a été tiré au sort.

Adaptation du premier roman d'une trilogie, ce Hunger Games choisit de prendre son temps en posant les bases d'un monde aux trois lieux essentiels : les districts, la forteresse qui sert de lieu de préparation aux jeux et "l'arène" composée de forêts et de plaines, d'où peuvent surgir des monstres ou des incendies dès que les organisateurs du jeu le souhaitent.

La meilleure partie correspond clairement à la partie du film dans laquelle se jouent les Hunger Games. Le film peine en fait à démarrer avec une description du district 12 entre pauvreté et prémonitions, le tout affublé d'une caméra sans cesse en mouvement qui donne très vite le tournis. Le film devient plus intéressant lors de la préparation aux jeux, avec l'arrivée plus marquée de l'aspect télévisuel (et donc de la mise en scène dans la mise en scène).

Katniss, dont on connait le courage et la sagesse, va y apprendre les bases du combat, mais surtout l'élément essentiel pour espérer rester en vie : susciter des réactions de la part du public et des organisateurs, quitte à inventer. C'est aussi tout l'intérêt de la dernière partie du film où, lâchée dans la nature, Katniss va utiliser ce qu'elle a appris. Où se situe le vrai du faux ? Hunger Games n'est pas le premier à poser la question, mais a le mérite de s'interroger.
Le meilleur élément de ce Hunger Games, c'est le personnage de Katniss, attachant et charismatique. Une vraie héroine, qu'on a hâte de retrouver pour le prochain opus et incarnée par une actrice qui avait déjà marqué les esprits dans Winter's Bone. On retiendra aussi le personnage de Rue du District 11 (Amandla Stenberg) et Peeta (Josh Hutcherson).

Mon avis sur Hunger Games de Gary Ross : 6/10
Hunger Games est un divertissement bien mené, avec des personnages attachants et une réflexion sur la mise en scène de soi, le rapport entre la vérité et le faux. Mais la mise en scène n'est pas vraiment à la hauteur de l'histoire et des héros, avec une tendance caméra épaule qui donne le tournis, particulièrement au début du film et un filmage qui manque ensuite de rythme.

Bande annonce Hunger Games de Gary Ross

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Twixt de Francis Ford Coppola

Ariane — Sun, 15 Apr 2012 20:56:00 +0200

C'est l'un des films les plus complexes de ce début d'année : Twixt de Francis Ford Coppola est un film d'épouvante qui mêle passé et présent dans une petite bourgade américaine affublée d’un beffroi hanté et de personnages hors du commun.

Hall Baltimore (Val Kilmer) est un écrivain spécialisé dans les romans de sorcellerie, qui fait la tournée des petits patelins américains pour vendre son livre et signer des autographes. Il y rencontre le vieux shérif Bobby Lagrange, un drôle d'oiseau qui l'emmène de suite à la morgue pour lui montrer le cadavre d'une jeune fille qui pour lui fait écho à un massacre d'enfants perpétré il y a de nombreuses années. Le but du shérif est clair : pousser Hall à écrire une histoire avec lui, qui s'inspire de ces terribles événements.

Coppola est aux commandes de ce film mais on sent aussi deux références très nettes à deux univers : celui de Tim Burton avec des personnages comme Virginia ou les enfants, une esthétique noir et blanc gothique marquée par les contrastes de luminosité et le monde de David lynch avec les personnages présents comme le shérif et la mise en scène de la petite ville américaine qui rappelle par moment le traitement de Twin Peaks.

Cet univers ne fonctionne pas complètement : le rythme très lent, une fois le premier temps de surprise passé, rend le spectateur quelque peu extérieur. Val Kilmer qui joue le rôle de Hall n'apporte aucune dynamique et s'avère plus antipathique qu'autre chose même si Coppola le caractérise à de nombreuses reprises. Le souci c'est le côté flagrant de cette caractérisation avec une mise en scène et un jeu d'acteur trop voyants, qui, finalement, colle au monde d'épouvante mis en place.
Tout est excessif dans Twixt avec comme point de départ le fameux beffroi qui indique 7 ou 8 fois l'heure et dans la continuité les bouteilles d'alcool vidées et le traitement esthétique des personnages disparus. Rien d'étonnant, des lors, de croiser Edgar Allan Poe qui dans les rêves de Hall est son guide dans le monde du sommeil et de l'inconscient, hanté par le deuil.
L'utilisation du noir et blanc dans les séquences rêvées permet une mise en scène réellement fantomatique avec des êtres d'une blancheur lumineuse, dans le décor sombre de la forêt. On est dans le cinéma de la vision, le cinéma du rêve.

Pour décrypter Twixt, il faut mettre à plat plusieurs événements et plusieurs époques, mais aussi la frontière entre rêve et réalité, film et histoire du roman : « L'exécution du vampire ». Le film se concentre finalement autour de Hall qui n'arrive pas à faire le deuil de sa fille, morte par accident lors d'une promenade en bateau avec ses copains. Ainsi, Hall retranscrit cet horrible événement dans le livre qu'il écrit : il y a le lac, les jeunes qui vivent près du lac, conduits par Flamingo et jugés dangereux par les adultes, les enfants innocents qui sont assassinés et la remise en cause du modèle d'autorité à travers les figures du shérif et du prêtre. Par cette remise en cause, Hall indique son sentiment de culpabilité.
Le temps détraqué dans Twixt, c’est une ode à l’être cher, un dernier espoir de le retrouver en remontant le temps, de comprendre, le signe d’un monde qui ne tourne pas rond aussi.

Mon avis sur Twixt de Francis Ford Coppola
Plutôt qu'un pur film de genre sur les vampires et les fantômes, Twixt est en réalité un film sur la mort et le deuil, vécu par Hall, par Poe aussi et par Coppola, qui livre un film très personnel aux explications multiples. A la fois série B et grand film, Twixt est une étrange combinaison, qui associe au glauque la poésie, dans un monde où l’innocence et la beauté sont vouées à disparaitre.

Bande annonce Twixt de Francis Ford Coppola

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Sur la piste du Marsupilami d'Alain Chabat

Ariane — Fri, 13 Apr 2012 23:25:00 +0200

Même si la bande annonce de Sur la route du Marsupilami laisse présager un film assez moyen, un film réalisé par Alain Chabat, ça donne envie.
C'est parti pour les aventures de Dan Geraldo (Alain Chabat), un journaliste qui repart en Palombie pour faire l'interview du chef de la tribu des Payas et ainsi faire de l'audimat. Son contact sur place : Pablito (Jamel Debbouze), qui doit le mener dans la forêt palombienne jusqu'au fameux clan.
Rien ne se passe bien sûr comme prévu.

Le principal défaut de Sur la piste du Marsupilami, c'est son côté brouillon et son désir de trop vouloir en faire : multiplicité des personnages et survol au global, avec des personnages secondaires sans intérêt : la présentatrice, les méchants palombiens, un colosse à la voix de crécelle ou encore la troupe d'enfants. Toute cette multiplication de personnages et de couleurs crée un folkore pas toujours amusant et trop souvent excessif.

Pourtant, il faut avouer qu'on rigole. Si le film, dans son ensemble, est très moyen, certaines scènes ont un potentiel humoristique important : pour certains ce sera le marsupilami qui virevolte et joue avec les personnages, pour d'autres les séquences dans la tribu paya avec entre autres un chien très câlin et des danses exotiques plutôt marrantes.
Pour d'autres, il s'agira d'un personnage à part entière : le général (Lambert Wilson), fan de Céline Dion, qui n'hésitera pas à utiliser un taser pour amener chez lui Dan et lui demander dans son sous-sol aménagé selon sa passion pour Céline Dion, de lui faire rencontrer la chanteuse. Mieux encore, la version karaoké du général ("I'm alive), à la fin du film, qui reprend tous les codes de la comédie musicale en allant de la fontaine à eau aux chorégraphies à plusieurs, avec de-ci delà, des choix absolument inattendus : il faut imaginer un militaire déguisé en Céline Dion glisser le long d'un drapeau qui ressemble à ceux du führer pour saisir l'essence de la démarche - aller dans le surréaliste et à l'aide d'un assemblage irréel créer le rire.
Le marsupilami est plutôt réussi et très très mignon. Tout comme la tribu paya, il permet à Alain Chabat de jouer sur les sons en créant des langues de toutes pièces, qui contribuent à l'humour du film.

Mon avis du film Sur la route du Marsupilami d'Alain Chabat : 5/10
Hormis quelques scènes très drôles, Sur la route du Marsupilami va trop loin dans l'excessif avec une utilisation constante de la caricature et des personnages poussifs. Il manque un peu de légèreté dans ce monde d'hyperactifs sur-bruyants et survitaminés mais on passe quand même un bon moment.

Bande annonce Sur la route du Marsupilami d'Alain Chabat

Retrouvez la BO Sur la route du Marsupilami sur AlloBO.

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Les Adieux à la reine de Benoit Jacquot

Ariane — Tue, 10 Apr 2012 22:51:00 +0200

Benoit Jacquot, avec Les Adieux à la reine, revient sur la période troublée de 1789. Récit archiconnu : prise de la bastille le 14 juillet, rébellion du peuple.
On ne verra rien de tout ça : Les Adieux à la reine se concentre sur la façon dont la reine - et la sphère féminine de Versailles - va vivre ces événements, en restant dans son cocon et avec ses habitudes. 

Dans ce microcosme, on suit Sidonie, la lectrice de la reine, dévouée et mystérieuse, jouée par Lea Seydoux, impeccable. Marie Antoinette est cette fois ci jouée par Diane Kruger, qui insuffle au personnage une aura de fascination. Tantôt frivole et gaie, souvent sérieuse et grave, appréciée et detestée du spectateur, elle est multi-facette, comme ses bijoux. 
Ce couple lectrice/reine est opposé au couple Gabrielle de Polignac/ la reine. Virginie Ledoyen, qui joue ce troisième rôle féminin est l'objet de fascination de la reine. Un triangle amoureux/amitié s'est formé, que le réalisateur va dépeindre dans l'atmosphère de Versailles, au début paisible puis au goût de fin d'un monde.
 Le casting des Adieux à la reine est l'une des qualités du film qui, associée à un vrai travail sur le langage de l'époque et les décors (le vrai Versailles) permet un film patrimonial précis et réussi. 

On est dans le film d'atmosphere : celle, intimiste de l'entourage de la reine, avec une mise en scène qui se concentre sur les visages des actrices, et en même temps, dans l'atmosphere gothique avec un début de chaos, la peur et la mise en scène du Versailles nocturne, bercé entre les ombres des grands couloirs déserts et les lueurs des bougies. 

Sidonie connait beaucoup de monde, et nous permet de faire la rencontre de personnages secondaires intéressants et émouvants : Mr Moreau, par exemple, qui met par écrit tous les événements qui se produisent.
 Le jour, les activités quotidiennes restent inchangées : les broderies, la lecture, les réunions politiques qui sont aussi l'occasion de se montrer. La nuit, les démons s'installent : la liste des têtes à couper qui circule, les bagages préparés dans la précipitation. Ce qui est commun au jour et à la nuit, c'est l'amour de la reine pour son amie Gabrielle de Polignac, un amour passionnel et tragique, qui est le thème principal de ces adieux à la reine.

Mon avis sur Les Adieux à la reine de Benoit Jacquot : 8,5/10
Les Adieux à la reine est un film historique maitrisé de bout en bout, qui ramène à la vie une période houleuse de l'Histoire de France sous un angle d'approche intimiste : le microcosme de Versailles et de l'aristocratie à l'époque de la monarchie, confronté aux troubles de 1789.
 Seule la fin du film, assez abrupte, après un événement scénaristique pourtant haut en couleur, déçoit quelque peu en interrompant le spectacle.

Bande annonce Les Adieux à la reine de Benoit Jacquot

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

My Week with Marilyn

Ariane — Sat, 24 Mar 2012 16:00:00 +0100

Le cinéma aime parler des stars. Et plus précisément des stars de cinéma, fictives ou non. Dans My Week with Marilyn, c'est de Marilyn Monroe qu'il s'agit. On pourrait se croire reparti pour un énième biopic, très à la mode en ce moment. Mais My Week with Marilyn est plus proche du métafilm, en choisissant de se concentrer sur une semaine de la vie de la star, partie en Angleterre pour le tournage du film Le Prince et la danseuse, réalisé par Sir Laurence Olivier.

Le film échappe ainsi à un scénario facile et un point de vue simplement biographique, qui serait allé de la naissance de la star à sa mort.

Michelle Williams incarne à l'écran Marilyn Monroe avec une grande facilité. Elle irradie l'écran, à la fois sensible, angoissée, vulnérable et attachante. L'actrice est même l'interprète des chansons du film et des numéros dansés, par exemple "When love goes Wrong" et "That old black magic".
A ses côtés, Eddie Redmayne, très convaincant, joue le rôle de Colin Clark, un jeune homme passionné de cinéma qui réussit à être nommé troisième assistant du réalisateur et tombe amoureux de Marilyn. On retrouve aussi au casting Kenneth Branagh (Laurence Olivier) et Emma Watson dans le rôle d'une costumière.

Ce qui est intéressant, dans My Week with Marilyn, c'est la dualité entre l'actrice américaine, suivie par sa coach adepte de "La Méthode (identification physique et psychologique de l'acteur à son personnage par jeu constant avec l'émotion) et l'acteur anglais, Sir Laurence Olivier, pour qui le travail de l'acteur doit se faire sans chichi et dans la concentration. Colin résume bien un autre paradoxe qui sépare Marilyn et Sir Laurence : Marilyn est une grande star qui veut prouver qu'elle peut être une grande actrice, et Laurence Olivier est un grand acteur, qui veut prouver qu'il peut devenir une star. Il en résultat des scènes de tournage à la fois difficiles et comiques : Laurence Olivier ne comprend pas pourquoi Marilyn a les nerfs tant à vif et lui se bat pour que le texte soit respecté au mot près. Quant à Marilyn, elle oublie son texte, ne comprend pas vraiment certaines scènes de l'histoire qui ne lui semblent pas logiques.

L'autre pendant du film, c'est l'histoire d'amour anecdotique entre Colin et Marilyn, racontée de manière assez convenue mais plaisante. Il manque quelques bouffées d'oxygène à ce film, de facture très classique : mise en scène sobre, nombreuses scènes en costume pour les besoins du tournage du film dans le film. Un petit vent de folie aurait été parfait.

Mon avis sur My week with Marilyn de Simon Curtis, au cinéma le 4 avril : 8/10
My Week with Marilyn donne une vision éphémère et belle de Marilyn Monroe, star de cinéma mais aussi jeune femme qui manque de confiance en elle. Le mystère de la star reste entier et c'est tant mieux.
Au final, My week with Marilyn est un film de facture très classique, qui manque d'un brin d'originalité.

Bande annonce de My week with Marilyn de Simon Curtis, au cinéma le 4 avril

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Projet X - méfiez-vous des mauvais mélanges

Ariane — Tue, 20 Mar 2012 20:23:00 +0100

De temps en temps, au cinéma, on se fait plaisir avec une purge. Il y a eu Shark Night 3D l’année dernière. Cette fois-ci c’est Projet X qui s’y colle.
Imaginez-vous une fête d’ados à Pasadena pour fêter l’anniversaire de l’un d’eux : Thomas, un gars qui n’est pas vraiment la star du lycée et traine avec les boloss du coin. Par le plus grand des hasards (et surtout parce que son pote Costa parle de la soirée partout et même sur internet), la petite cinquantaine de personnes prévue se transforme en centaines de jeunes qui ont dû chacun rester des mois enfermés dans une cage tant ils se bougent les fesses devant la caméra.

Le scénario est prévisible et très simple et le réalisateur Nima Nourizadeh, au global, filme un clip à la durée d’un long métrage. Dans ce type d’exercice, mieux vaut avoir des acteurs charismatiques. Ce qui bien sûr n’est pas le cas. Seul le petit Thomas (Thomas Mann) sort un peu du lot avec un petit côté attachant. Costa, le gai-luron de la bande est antipathique au possible et l’autre copain trop évincé pour être retenu.

Que peut-on sauver du film ? Quelques moments assez drôles : les deux jeunes chargés de la sécurité qui prennent leur rôle très à cœur et transforment presque pour de trop rares instants le film en thriller, ou encore le traitement du nain de jardin.

Au niveau du montage, peu d’inspiration : des coupes franches, et une reprise avec toujours des scènes de danse. Lassant… Il faut dire que le principe reste de transposer la caméra épaule du film d’horreur au film pour adolescent. Pourquoi pas après tout. Mais là où Chronicle et Le Projet Blair Witch réussissaient à créer une véritable esthétique, Project X s’écroule avec un filmage façon clip sur MTV. Et là le clip dure une heure et demi, quand même.

Projet X fait preuve d’un mauvais goût incontestable. Parfois ça passe : rappelez-vous de Piranha 3D, de ses boobs et de sa musique électro survoltée. Dans Projet X, ça casse. Le mauvais goût n’a pas de goût, pas d’humour.

Il reste la playlist, pas mal pour donner quelques idées pour une prochaine soirée bien arrosée.

Mais le pire sans doute dans Projet X est son côté effrayant. Car si on laisse un peu de côté le second degré propre au film, de redoutables questions sur la philosophie adolescente surgissent : aujourd’hui, pour avoir une chance d’être célèbre au lycée, faut-il risquer de détruire sa maison ? Pour être reconnu par ses pairs, faut-il aller jusqu’à se mettre en danger et sauter d’un toit ? En bref : pour exister, il faut tout risquer. C'est un peu l'idée véhiculée par ce film, derrière le second degré apparent.

Mon avis sur Projet X de Nima Nourizadeh : 2/10
Pas de surprise : si le réalisateur de Projet X : Nima Nourizadeh, est inconnu au bataillon, derrière le réalisateur se cache le producteur Todd Phillips… Réalisateur du chouette Very Bad Trip et de l’assommant Very Bad Trip 2. Pas besoin de se creuser la tête au final : il suffit de transposer un enterrement de vie de garçon en anniversaire des 17 ans d’un ado, à un détail près : la trame narrative qui pour Projet X filme en direct et enlève tout suspense.
Sur le fond et sur la forme, Projet X est une sorte de mauvais mélange, un peu comme si on avait proposé un cocktail à base de vodka, chocolat et liquide vaisselle.

Bande annonce Projet X de Nima Nourizadeh

12 personnes ont déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Cloclo : le biopic avec le sens du détail

Ariane — Sun, 18 Mar 2012 13:30:00 +0100

Le genre du biopic est à la mode. Après J. Edgar et La Dame de Fer, c'est Cloclo qui débarque : le biopic de Claude François réalisé par Florent Emilio Siri.
Il va falloir s'y faire : chacune des grandes stars de la chanson française aura tôt ou tard son biopic. Il y avait eu La Mome pour Edith Piaf, Gainsbourg vie héroique. Il y a maintenant Cloclo.

Florent Emilio Siri choisit une ligne directrice très simple et rafraichissante : il n'est pas question d'un puzzle de flashbacks avec des retours au présent pour montrer la star vieillissante (impossible d'ailleurs puisque Cloclo est parti très très tôt). Il s'agit tout simplement d'aller de son enfance à sa mort, avec comme fil conducteur sa soif de réussite et derrière l'artiste les failles d'un homme.

La réussite du film, c'est de réussir à associer les difficultés de l'homme et ses rapports avec sa famille et les femmes, avec les aspirations de l'artiste. On passe ainsi de l'un à l'autre en virevoltant : Cloclo enchaine les femmes comme il enchaine les tubes, et la stabilité qu'il cherche chez sa famille est mise à rude épreuve : un père qui ne lui adresse plus la parole et une mère qui dépense tout ce qu'elle a au casino. Sans compter le traumatisme de l'exil forcé en France après toute une enfance passée en Egypte.

Bien mené, le film n'échappe pourtant pas à quelques faiblesses : un casting parfois inégal avec un ou deux seconds rôles moins à la hauteur, un Claude François censé avoir à un moment 17 ans et qui en parait 30 et surtout un film fleuve d'une durée de deux heures et demi, qui perd l'attention de son spectateur à une ou deux reprises.

Néanmoins le film réussit avec brio à retranscrire l'itinéraire de l'artiste et de l'homme, chacun rongé par la peur de l'échec, tout en construisant une certaine poésie du personnage : les paillettes jetées sur scène pendant les concerts ne peuvent que rappeler le miroitement de l'eau dans lequel, enfant, Cloclo plongeait. L'itinéraire de l'homme artiste, c'est retrouver cet instant d'enfance très précis. Retrouver son père, aussi.

Jérémie Renier, dans le rôle de Claude François réussit une très belle prestation : voix, chant, physique. On s'y croirait et les décors et les costumes y sont aussi pour quelque chose. La reconstitution est dans chaque détail, dans chaque tenue. A ce titre, le film colle à sa star, Cloclo manipulant les détails avec une grande précision, toujours à la recherche de la perfection, et bien souvent très odieux avec son entourage.

Mon avis sur Cloclo de Florent Emilio Siri : 7/10
Si vous êtes allergiques aux chansons de Claude François, Cloclo n'est pas pour vous... Le film est à conseiller aux fans du chanteur et aux fans de cinéma qui découvriront de très belles scènes (Claude François en voiture qui dit bonjour à tous ses fans, la scène de concert en Angleterre). Coloré et dynamique, Cloclo est un biopic réussi, mais qui n'a pas l'audace d'un Gainsbourg vie héroïque.

Bande annonce de Cloclo de Florent Emilio Siri

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Chronicle : des super héros et le faux documentaire

Ariane — Wed, 07 Mar 2012 21:16:00 +0100

On a tous rêvé un jour d’avoir de super pouvoirs. Pour faire le bien. Et parfois pour faire le mal.
C’est l’histoire de Chronicle de Josh Trank, qui à la manière d’un documentaire amateur raconte l’histoire de trois ados qui ont hérité de super pouvoirs.
Andrew, Matt et Steve, lors d’une soirée bien arrosée en bordure de forêt font la découverte d’une grotte dans laquelle ils vivent une étrange expérience. Dès le lendemain, ils ont hérité de petits pouvoirs de télékinésie. Andrew est le plus agile à ce petit jeu et bien vite, les trois garçons découvrent qu’ils peuvent même voler.

Chronicle réutilise un concept déjà largement utilisé : celui du faux documentaire. Le Projet Blair Witch avait ouvert la brèche, et c’est vers une tournure plus proche de la science fiction que Josh Trank s’oriente, avec des plans qui se veulent réalistes et amateurs.

C’est au niveau des personnages que le film est plus faible avec un Andrew très caricatural : une maman malade, un père au chômage alcoolique et pour ajouter à cela, une propension impressionnante à être le souffre douleur de toute la planète. Alors bien sûr, au niveau du scénario, on comprend très vite ce qu’il va finir par arriver. Une vengeance. Tout simple.

Ce qui est plutôt intéressant dans Chronicle, c’est le mélange entre le film adolescent et le film de super héros. Kick Ass avait déjà tenté l’aventure, mais Chronicle est dans un tout autre style : le faux documentaire, les vrais pouvoirs. On est comme face à des enfants qui peu à peu grandissent : ce sont d’abord les legos qui bougent, métaphorisant l’enfance des pouvoirs avant d’entrer dans la phase d’adolescence, qui va révéler de plus belle les personnalités de chacun : le positivisme et la joie de vivre de Steve, le côté philosophique de Matt et la colère d’Andrew.

Chronicle se suit sans jamais s’ennuyer et réussit un beau crescendo au niveau des effets spéciaux, jusqu’à des dernières scènes de destruction urbaines qui restent relativement réalistes.
Une certaine poésie pessimiste se dégage du film avec le besoin permanent de s’élever pour essayer de comprendre le monde et surtout de se comprendre soi. Cette réflexion se fait dans la prise de risque et par les dialogues entre les trois amis.

Mon avis sur Chronicle de Josh Trank : 7,5/10
Chronicle est un faux documentaire à la mode super héros frais et bien mené. Le scénario sans surprise et des personnages caricaturaux sont les principaux défauts d’un film qui se laisse pourtant très bien regarder. On n’a même pas mal au cœur malgré une caméra qui virevolte sans cesse. Il manque peut être une ou deux musiques un peu plus mises en avant pour davantage marquer les esprits.

Bande annonce de Chronicle de Josh Trank

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

John Carter : dépaysement garanti sur Mars

Ariane — Sun, 04 Mar 2012 12:25:00 +0100

John Carter, personnage inventé par le romancier Edgar Rice Burroughs débarque au cinéma. C'est le premier des super héros avec une apparition en 1912 dans un magazine américain avec une histoire à épisodes "Under the moon of Mars".
Tout commence sur la planète Terre où nous rencontrons John Carter, un aventurier obnubilé par son or. Inexplicablement, John Carter se retrouve propulsé sur Barsoom (la planète Mars). Cherchant par tous les moyens à comprendre ce qui lui est arrivé et à rentrer chez lui, il va pourtant faire la rencontre de personnages hors-normes qui vont le transformer en héros.

Andrew Stanton (réalisateur de Wall E) est aux commandes de ce film d'aventure épique et esthétiquement très réussi. John Carter est un blockbuster gonflé à bloc, qui fait honneur à ses personnages, tous plus canons les uns que les autres. Commençons par les Tars Tarkas, avec leurs quatre bras et leur allure élancée. Ajoutons à cela les superbes dinosaures qui leur font office de chevaux, des singes blancs pas gentils du tout et un chien énorme plus rapide que l'éclair : dépaysant et intelligent à la fois. Car parmi les Tars Tarkas, on trouve un peuple bien sûr exotique, mais aussi des individualités qui se détachent. Chaque personnage est affublé d'une caractéristique spéciale (vitesse du chien par exemple), qui les définit et permet de créer une base de caractère.

L'autre force du film, c'est son humour. John Carter est un film qui ne se prend pas au sérieux, particulièrement dans le traitement du personnage de John Carter au début du film. Il en ressort des scènes d'anthologie : le montage très bien fait du départ qui montre John Carter comme étant un aventurier prêt à tout pour se libérer du joug de l'armée américaine, mais qui n'arrive qu'à s'enliser et s'entraver davantage. Et le jeu de vocabulaire grâce aux différences de langage sur Barsoom : le premier Tars Tarkas qu'il rencontre se persuade ainsi que John Carter s'appelle Virginia. Ce nom suivra John une bonne partie du film : le comique de répétition est là.
Andrew Stanton joue le jeu à fond, car si la mécanique des noms donnés à John Carter fait rire, elle fait aussi réfléchir. Finalement, le film John Carter est le film de la naissance d'un héros. Et pas à pas, Andrew Stanton nous raconte que devenir un héros, c'est passer d'un état au suivant (évoluer, se chercher), qui passe ici par les changements de nom. John Carter devient Virginia, John Carter of Earth, puis John Carter of Mars.

Dans cette découverte de Mars, hélas, de gros vaisseaux spatiaux cachent un peu le paysage, quand pourtant la relative absence de ces engins volants donnait une originalité au genre de la science fiction. Dommage. Du côté des méchants, c'est assez hésitant aussi : un trio d'hommes chauves avec un manteau de fourrure, si bien que la première apparition est assez risible. On laissera le bénéfice du doute : premier degré ou second degré, mais l'apparition arrive beaucoup trop tôt pour empêcher l'effet kitsch assuré. C'est la petite maladresse du début du film.
Au niveau du casting, Taylor Kitsh assure mais Lynn Collins (la princesse Dejah) est un peu moins convaincante.

Mais dans l'ensemble, ce John Carter en met plein la vue tout en gardant pour la fin quelques révélations sympathiques qui permettent, à la sortie, de reconstituer le lien dans le temps entre les passages sur Mars et les passages sur Terre et d'avoir une vision de l'histoire bien plus complexe, ce qui est très rare dans la catégorie des blockbusters.

Mon avis sur John Carter d'Andrew Stanton, le 7 mars au cinéma : 7,5/10
John Carter est le premier blockbuster de 2012 : un mix détonnant d'Avatar, Star Wars, 300, qui sait pourtant se détacher de ces références grâce à une histoire qui tient la route. Divertissement réussi, John Carter est un dépaysement assuré qui n'oublie pas non plus de faire réfléchir ses spectateurs avec une fin qui invite à reconstituer tout le puzzle.
C'est un film pour toute la famille.

Bande annonce John Carter d'Andrew Stanton, le 7 mars au cinéma

Vous pouvez également découvrir ou redécouvrir la BO John Carter sur AlloBo.

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

La dame de fer

Ariane — Fri, 24 Feb 2012 11:27:00 +0100

Avec une bande annonce qui donne vraiment envie, La Dame de fer était le film du 15 février à voir.
On en ressort évidemment assez déçu, car hormis la prestation impressionnante de Meryl Streep, La Dame de fer enchaine à gros traits les poncifs du film biographique.

La construction du film, faite de multiples flashbacks avec un retour constant au temps présent (un temps où Margaret Thatcher est devenue une vieille femme qui perd la tête) crée une lourdeur accentuée par l’atmosphère choisie : l’émotion à tout prix. Le parti-pris de Phyllida Lloyd est évident : faire pleurer dans les chaumières.
Comment s’y prendre ? La recette est simplissime : montrer Margaret Thatcher seule, qui perd la tête, n’arrive pas à faire le deuil de son mari et se souvient, par à-coups de son ascension dans le milieu politique jusqu’à la place très convoitée de prime minister. La vieillesse c’est la décadence. Restent les souvenirs. Ou la folie. Et évidemment ça marche, les larmes ne sont pas loin, mais les fils pour les amener sont un peu gros.

La Dame de Fer ne laisse aucune place à la légèreté, si ce n’est en survolant des années de politique. Difficile de condenser toute une vie dans une heure et demie. On assiste donc à un morcellement de faits, un puzzle de scènes qui laisse une vision assez floue du personnage de Margaret Thatcher et paradoxalement donne la sensation de voir un film qui s’étire en longueur.

Par contre, au niveau du casting, impossible de bouder son plaisir : Meryl Streep en Margaret Thatcher est divine, et les deux acteurs qui jouent le rôle de Denis (Harry Lloyd et Jim Broadbent) sont tout aussi convaincants. Le film se laisse voir avec plaisir et Phyllida Lloyd réussit à rendre ses personnages attachants.

Mon avis sur La Dame de fer de Phyllida Lloyd : 6/10
En jouant trop sur la corde sensible et en provoquant la pitié, Phyllida Lloyd fait de La Dame de fer une biographie plus émotionnelle que politique. Un parti-pris intéressant mais qui manque de dosage.

Bande annonce La Dame de fer de Phyllida Lloyd

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

La Taupe de Thomas Alfredson

Ariane — Wed, 15 Feb 2012 22:09:00 +0100

Le film La Taupe commence magistralement : ambiance cinématographique et esthétique des années 1970, complexité de l'enchainement des images : ce film d'espionnage de Thomas Alfredson annonce la couleur. En effet, il va falloir s'accrocher pour suivre, et accepter de prendre son temps (le film, pour être accessible demande une certaine attention), mais c'est pour un très beau résultat.
Tout commence en 1973 avec une mission ratée du coté des services secrets britanniques. Plusieurs personnes sont renvoyées, dont George Smiley (Gary Oldman, épatant) qui est pourtant réembauché peu après pour une mission très complexe : trouver quel employé des services secrets britanniques est la taupe qui fournit des informations aux russes.

Thomas Alfredson signe un film qui brille par son casting et sa maîtrise de la mise en scène.
Le casting masculin est composé entre autres de Gary Oldman, John Hurt, Colin Firth et Tom Hardy. D'un côté se joue la maturité avec par exemple un Gary Oldman réfléchi et posé et de l'autre la fougue de la jeunesse avec Ricky, le personnage de Tom Hardy, qui a du mal à contrôler ses émotions et encaisse les premiers mois d'expérience comme il peut. De très beaux personnages, attachants et vrais, interprétés avec brio : telle est la première force de La Taupe.

Au niveau du scénario, pas vraiment d'invention car l'histoire de La Taupe est issue d'un roman d'espionnage de John Le Carré. Mais Thomas Alfredson réussit à créer une vraie atmosphère de guerre froide, ouatée et omniprésente, avec une mise en scène qui n'hésite pas à jouer avec le cinéma pour créer un puzzle narratif. On est totalement à l'inverse des films comme la saga James Bond. Ici, pas de gadgets ni de scènes d'action qui se terminent avec des explosions : la guerre froide est une guerre du secret, une guerre des nerfs, une guerre mystérieuse qui se fait à voix basse, dans l'ombre.

Si le film peut paraitre compliqué au départ, l'explication de La Taupe se dévoile au fur et à mesure, très lentement, le réalisateur semant ça là et là quelques indices qui permettent de reconstruire peu à peu la totalité de l'histoire.
Le style (autant dans les décors que dans le choix de la photographie) crée une ambiance nostalgique et très anglaise, où le tweed, le thé et le flegme britannique sont des valeurs sûres.

Mon avis sur La Taupe de Thomas Alfredson : 8/10
La Taupe permet de revenir à un autre cinéma : un cinéma d'atmosphère, qui rappelle que le film d'espionnage peut avoir une autre teneur que les James Bond et au contraire jouer sur la complexité, la nostalgie et une vraie mise en scène. La classe.

Bande annonce de La Taupe de Thomas Alfredson

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin

Ariane — Sun, 12 Feb 2012 18:48:00 +0100

Martha Marcy May Marlene n'est pas l'histoire de quatre jeunes femmes mais d'une seule, jouée par Elizabeth Olsen (la petite soeur de de Mary-Kate et Ashley Olsen de la célèbre série La Fête à la maison).

Un matin, Martha décide de s'enfuir de la secte dans laquelle elle vit depuis presque deux ans. Sa grande soeur se précipite pour aller la chercher et la ramène chez elle, dans sa maison de vacances en bordure d'un lac. Avec son mari, Lucie va tenter de venir en aide à Martha mais celle-ci a des réactions que le couple peine à comprendre.

Martha Marcy May Marlene fait partie de la catégorie étroite des films qui provoquent le malaise en continu. Le réalisateur Sean Durkin choisit une construction parsemée de flashbacks pour montrer la vie dans la secte. Le présent, plus rassurant, reste pourtant troublant : Martha a du mal à se réhabituer à une vie "normale" et développe peu à peu une paranoia, craignant que les adeptes de la secte ne la retrouvent.
Les allers retours du passé au présent et inversement sont de plus en plus troubles, avec souvent des jeux de mise en scène qui donnent l'impression que présent et secte vont se rencontrer. C'est quelquefois un peu artificiel, d'autres fois très bien fait. Lorsque Martha nettoie le sol par exemple, et qu'on pense tout de suite à l'environnement de la secte pour découvrir qu'il s'agit en fait de la maison de sa soeur, on comprend que Martha, prisonnière de son passé, rejoue le quotidien qu'elle vivait dans la secte.
Au niveau du scénario, le film pâtit d'un moment de vide au milieu de l'histoire, accentué par la sensation de vide et la mélancolie éprouvée par le personnage principal. On peut même avoir cette sensation, étrange, d'un scénario qui hésite, se cherche, ne sait plus comment avancer.

Elizabeth Olsen rayonne dans ce film à la fois lumineux et naturel.
Lors des flashbacks, l'horreur de la secte se dévoile insidieusement, petit à petit : on peut penser au départ à une communauté du type des mormons, retranchée sur des valeurs plus proches du XIXème siècle que du XXIème siècle.
Viennent ensuite tous les travers possibles de la secte : l'esclavage des femmes, les viols, les préceptes, l'argent demandé aux familles, l'instrumentalisation des femmes et même le meurtre. Et en même temps, des passages extrêmement déroutants, comme le moment où Patrick (John Hawkes) joue de la guitare et chante une chanson dédiée à Marcy May (le nouveau nom de Martha) : une chanson plutôt jolie, aux paroles hypnotisantes et effrayantes sur la femme comme simple image.

Mon avis sur Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin, le 29 février au cinéma : 8/10
Martha Marcy May Marlene est un beau film américain indépendant, qui n'est pas sans rappeler quelquefois des films comme Winter's Bones, Funny Games ou Virgin Suicides. Le film distille une atmosphère de malaise avec efficacité et met sous les projecteurs une actrice prometteuse : Elizabeth Olsen. Attention cependant, Martha Marcy May Marlene est un peu le contraire du "film sourire". A voir quand on est en forme donc.
Et la fin s'avère assez décevante, prenant l'exemple sur des dizaines de films qui ont choisi de se terminer à un moment où, justement, rien n'est encore terminé.
Le film a déjà eu quelques récompenses, dont le prix de la mise en scène au Festival de Sundance.

Bande annonce Martha Marcy May Marlene de Sean Durkin, le 29 février au cinéma

Martha Marcy May Marlene

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Cheval de guerre : Spielberg réinvente le film de guerre avec la magie du conte

Ariane — Sat, 04 Feb 2012 08:58:00 +0100

Cheval de guerre de Steven Spielberg appartient à la catégorie très étroite des films qui associent à la guerre un élément narratif autre, ici le conte. Comme dans Le Labyrinthe de pan, La Vie est belle ou encore Inglorious Basterds, le réalisme laisse à plus ou moins haute dose la place à l'imagination.

Cette grande épopée commence dans le Devon. Albert, un adolescent, fait la promesse à sa mère de former Joey, le jeune cheval que son père vient d'acheter, pour qu’il laboure les champs de la ferme.

À ce stade de l'histoire déjà, les éléments réalistes se mélangent à ceux du conte car si l'histoire est bien réelle - la difficulté de survivre pour les fermiers -, les décors semblent tout droit sortis d'un livre d'images et les animaux, en plus d'avoir des rôles importants sont dotés d'un certain bon sens ( l'oie qui poursuit ces messieurs, un peu comme une extension de la maitresse de maison et bien sûr le cheval Joey qui pour Spielberg a improvisé à plusieurs reprises lors du tournage).
On n’est pas loin non plus des films de John Ford, avec un travail du rapport entre intérieur et extérieur très proche du western.

Un fort orage qui fait perdre la récolte et l'annonce de la guerre décident les parents à vendre Joey qui va partir pour la France avec l'armée anglaise. Le personnage principal c'est en effet ce cheval dont nous allons suivre le voyage et les rencontres.

L'angle choisi - la guerre de 1914-1918 vue par un cheval - efface très vite une approche binaire (les deux camps qui s'affrontent) pour plutôt proposer des rencontres entre différents protagonistes : Joey et Tophorn, Joey et deux jeunes allemands, Joey et un grand père avec sa petite fille, etc. Le lien entre toutes ces rencontres, c’est bien sûr Joey et le fanion qu’il a sur son harnachement. Ce fanion est un trait d’union entre les différentes étapes de l’histoire, une métaphore de la continuité.

Steven Spielberg n'oublie pas pour autant le nerf de la guerre avec plusieurs scènes de bataille à couper le souffle et la mise en scène d'un no man's land terrifiant. La mise en scène est ainsi traversée par deux courants différents : l'esprit de reconstitution et la persévérance du conte à toute épreuve.

Dans son casting, Spielberg mélange les pointures (Niels Arestrup, Emily Watson) à des acteurs dont c'est le premier film (Jeremy Irvine par exemple, qui apporte au film fraîcheur et naïveté dans le rôle d'Albert). Les chevaux font aussi un remarquable travail d'acteur dans les rôles de Joey et Tophorn. Magnifiques, excessivement bien dressés, ils ont chacun cette faculté de nous dire des choses sans pour autant (heureusement) parler.

Mon avis sur Cheval de guerre de Steven Spielberg, le 22 février au cinéma : 9/10
Spielberg nous embarque dans une magnifique histoire de courage qui mêle deux genres très différents : le conte et le film de guerre. Le réalisateur américain s'impose comme un maître de l'image mais aussi de l'émotion, une émotion disparue dans Tintin, et de retour dans Cheval de guerre avec une force tragique et métaphorique.
Cheval de guerre est un film à voir avec des yeux d’enfants : du grand Spielberg divertissant et émouvant, à appréhender comme un conte tout autant qu’un film de guerre. C’est la clé pour comprendre et aimer ce film qui peut risquer, autrement, de ne pas être apprécié à sa juste valeur.

Spielberg était en France lundi 9 janvier pour l’avant première du film et une masterclass remarquable à la cinémathèque que vous pouvez encore découvrir sur le site d’Arte et sur le site de la cinémathèque. Vous y découvrirez plein d’anecdotes de Cheval de guerre, et l’avis de Spielberg sur des sujets aussi variés que le final cut, ses habitudes de tournage ,les réalisateurs qui l’inspirent, etc.

Bande annonce de Cheval de guerre de Steven Spielberg, le 22 février au cinéma

Rendez-vous sur AlloBo pour en savoir plus sur la BO de Cheval de guerre.

3 personnes ont déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Take Shelter : la fin du monde revisitée

Ariane — Thu, 12 Jan 2012 10:00:00 +0100

Curtis mène une vie paisible entouré de sa femme et de sa fille. Une nuit, il fait un cauchemar très marquant : une pluie opaque et cuivrée tombe, une tornade approche. Le cauchemar se répète. Le lendemain, le surlendemain, avec toujours plus de force car cette étrange pluie rend les humains dangereux.
Obsédé par le besoin de protéger sa famille (et lui-même), Curtis se lance dans l’agrandissement de leur abri anti tornade.

Take Shelter joue sur l’une de nos peurs les plus profondes : la peur d’une catastrophe naturelle et ses conséquences.
La force du film tient déjà dans son casting avec dans le rôle de Curtis Michael Shannon, impeccable en mari protecteur et parano. A la fois flegmatique et terrifié, quelquefois insupportable et cependant aimant, Curtis est un personnage complexe qui trouve face à lui sa femme Samantha (Jessica Chastain qu’on a déjà vu dans The Tree Of Life et La couleur des sentiments), compréhensive et tenace.

Pas besoin de monticules d’effets spéciaux pour installer un climat de malaise : le réalisateur Jeff Nichols utilise à la perfection la trouble frontière qu’il tisse entre la réalité et les cauchemars de Curtis. Démêler le vrai du faux : c’est la lourde tache qui incombe à Curtis, dont la paranoïa monte graduellement pendant le film, et c’est aussi le lot des spectateurs de savoir différencier ces deux états.
Take Shelter est un très beau film sur la thématique de la perception : biaisée par l’esprit de Curtis, différente avec la petite fille de Sam et Curtis qui n’entend pas, réaliste et spontanée pour Samantha. Il en ressort un thriller envoutant et angoissant à la fois, qui oscille entre le drame et le film d’horreur, la comédie dramatique et le film de fin du monde.

Mon avis sur Take Shelter de Jeff Nichols : 9/10
Take Shelter est, dans la lignée de Melancholia de Lars Von Trier, un film sur la fin du monde qui se concentre sur le vécu psychique des personnages plutôt que sur les effets spéciaux.
Jeff Nichols livre ici une version américaine de fin du monde revisitée. C’est une idéologie américaine malade qui côtoie la peur des catastrophes naturelles.
Un très beau film, vu deux fois au cinéma.

Bande annonce Take Shelter de Jeff Nichols

aucun commentaire
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Malveillance : un film de genre réussi et flippant

Ariane — Tue, 10 Jan 2012 14:21:00 +0100

On reste en Espagne pour ce nouveau film de Jaume Balaguero et dans un immeuble historique dans lequel les habitants vivent sans se rendre compte que leur concierge César est un homme qui leur veut du mal.
Jaume Balaguero garde donc le concept de huis-clos – même si certaines scènes se passent dans une chambre d’hôpital. C’est en fait entre quatre murs, dans l’enfermement, que le réalisateur construit son histoire, dans la tension et le malaise, exactement comme c’était le cas dans Rec.

César, s’il veut du mal à tous les habitants de son immeuble, a jeté son dévolu sur Clara, une jeune femme qui a constamment le sourire et semble heureuse à chaque seconde.

Le film commence assez tranquillement, et avec habileté : César a dormi avec Clara, mais tout semble normal. C’est la nuit suivante qu’on découvre le stratégème de César : dès que Clara est endormie, il sort de sous le lit, l’endort avec un produit et se blottit dans son lit. Terrifiant. Grâce à la voix off et au récit qu’il fait de sa vie à sa maman malade, on sait tout : César, petit à petit, veut que Clara arrête de sourire.
La première partie du film va donc consister à organiser tout un tas de crasses et de problèmes pour que la jeune femme se sente mal. L’imagination de César n’est pas débordante : cafards répandus dans l'appartement, effets personnels jetés à la poubelle ou bousillés. Mais dans la deuxième partie du film, César passe à un stade plus avancé avec tout simplement la préparation du meurtre de Clara.

Malveillance ressemble par certains points au très bon Harry un ami qui vous veut du bien. Il est des gens qu’il vaut mieux ne pas croiser, sous peine de se mettre en danger et de mettre en danger les personnes que l’on connait. A ce jeu là, l’acteur Luis Tosar, tout comme Sergi Lopez, est très bon dans le rôle du calme et machiavélique faux gentil.
La référence au conte n’est pas loin non plus avec finalement une petite fille très intelligente et malsaine pour son âge (la petite voisine de palier de Carla) et Carla, avec tous les soirs un ogre sous et dans son lit, qui, finalement, est la petite fille innocente de ce Malveillance.

Le scénario du film est un bon exemple de distillation des informations : c’est petit à petit que les petits détails et les horreurs apparaissent, jusqu’à la révélation finale pour le personnage de Clara. L’histoire n’hésite pas non plus à malmener César qui va se retrouver dans diverses situations très difficiles. La prise de risque augmente au fur et à mesure pour cet homme qui finalement n’a rien à perdre. Il en ressort certaines situations délicates et même comiques.

L’atmosphère pesante et malsaine crée un niveau de stress toujours plus haut, que Jaume Balaguero maitrise à la perfection. Le film est ainsi interdit aux moins de 12 ans, et en effrayera un très grand nombre.
L'utilisation perverse du silence et de la parole contribue à ce stress du spectateur : dans les séquences avec sa maman à l'hôpital, qui ne peut plus parler, César n'hésite pas à raconter ouvertement ses plus noirs desseins pour la terrifier. Le spectateur est dans une position semblable : assis dans la salle de cinéma, il est spectateur et ne peut rien faire que regarder et écouter.

Mon avis sur Malveillance de Jaume Balaguero : 7,5/10
Efficace et malsain, Malveillance est un film à éviter si on a parfois peur chez soi… Car la première chose qu’on souhaite faire en sortant de la salle, c’est rajouter un ou deux verrous à sa porte d’entrée et vérifier que personne n’a la place de se glisser sous le lit.
Jaume Balaguero montre une nouvelle fois qu’il sait créer suspense et tension, dans un environnement cette fois-ci complètement malsain.

Bande annonce de Malveillance de Jaume Balaguero

1 personne a déjà commenté cette article
Venez donner votre avis en cliquant ici

A lire également :

Links for 2011-09-24 [Digg]

Sun, 25 Sep 2011 00:00:00 PDT

Soundtrack Drive : The best score of 2011
Listen for free to the soundtrack Drive. In Drive sountrack, all the songs are amazing : 'Desire' and 'Oh my love' from Riz Ortonali are two great songs too. This is the best ost I heard since january 2011.