Universi Incantati

Recensione "Chobits" delle CLAMP (Star Comics)

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Thu, 16 Feb 2012 15:30:00 +0000

(Recensione complessiva degli 8 volumi)

La felicità è... l'uomo solo per me!

"Chobits" è il primo manga delle CLAMP che ho letto, nonché uno dei lavori più famosi di questo gruppo di mangaka tutto al femminile.

La serie, composta da soli 8 volumi, narra le storia di Hideki Motosuwa, uno squattrinato ronin (ripetente che non ha passato l'esame d'ammissione all'università) che dalla campagna si è trasferito a Tokyo, dove è subito rimasto colpito dalla massiccia presenza di PC antropomorfi. Tali PC non solo aiutano le persone durante le più svariate esigenze della vita quotidiana, ma sono parte integrante della società moderna, è infatti frequente incontrare un individuo accompagnato a una bella ragazza-PC (o ragazzo-PC), tanto diventa profondo il legame di un essere umano per il proprio computer. I PC, infatti, malgrado la sembianza umana non sono in grado di provare sentimenti, e Hideki questo lo sa bene; desidera intensamente un PC antropomorfo perché carino, semplifica la vita, li consente di chattare e inviare e-mail, e soprattutto di guardare siti porno! Mentre si affligge perché non può permettersi questi terminali di ultima generazione, Hideki trova proprio uno di questi PC in un vicolo, abbandonato tra i rifiuti: è una bellissima ragazza che se non fosse per le gigantesche "orecchie" ai lati della testa, si direbbe umana. Dopo averla faticosamente trasportata fino a casa (il peso del suo corpo sembra essere quello di un complicato "oggetto elettronico", ma solo nel primo volume - touché!), Hideki, che dei computer non conosce nemmeno le basi, s'interroga su dove sia il tasto d'accensione finché, dopo aver provato dappertutto, con estremo imbarazzo prova a toccarla lì. Questo è il primo di una serie di richiami hentai della serie, un erotismo che potrebbe infastidire qualcuno ma che nel complesso definirei soft, perché in ogni caso non va oltre alla malizia (pur essendo connesso a uno dei temi principali, come vedremo poi).

La ragazza-PC, una volta accesa, non fa che ripetere una sola parola: "Chii" (da pronunciare come la "c" di "ciglia"), quindi Hideki sceglie di chiamarla proprio così. Chii, però, oltre a non saper parlare, a differenza degli altri PC non sa fare proprio nulla! Non sa cosa sia giusto né cosa sia sbagliato, non ha il senso del pudore o il benché minimo di coscienza morale (a parte che è un PC, dovrebbe comunque averlo come regola di comportamento nel suo programma), insomma, Chii è innocenza e purezza, e man mano che Hideki le insegna ogni minima cosa fino a spiegarle il significato di gesti che hanno a che fare coi sentimenti (la ragazza-PC fa sempre tante domande) Chii li impara e li fa suoi, mentre Hideki cade in confusione: sorrisini, abbracci, regali, preoccupazione per lei... "ma è pur sempre un PC!", dice lui. Riuscirà a mantenersi così freddo e cosciente quando riceverà delle e-mail anonime che gli instillano il dubbio che Chii sia uno dei PC leggendari chiamati "Chobits", capace, magari, di provare sentimenti? Per di più, due misteriosi personaggi sono sulle tracce di Chii; sembra, infatti che la nostra protagonista abbia una pericolosa influenza sugli altri PC antropomorfi...

La trama di "Chobits" ricorda molto da vicino diversi altri manga (come dice anche Hideki quando trova Chii), in particolare è facile paragonarlo a "Video Girl Ai" di Masakazu Katsura o "Elfen Lied" di Lynn Okamoto (con cui condivide la protagonista che si esprime con una sola parola - "Nyu" - e il fatto che abbia delle "orecchie" sulla testa, ma è una storia dalle tinte infinitamente più cupe), e anche qui nonostante il comune mix di generi (fantascienza, storia d'amore e spionaggio) il tema centrale è il sociale, più precisamente il relazionarsi degli esseri umani con i PC. Intere tavole ci mostrano come umani e PC passeggiano insieme, di come le persone si preoccupano non appena i PC manifestano un malfunzionamento, e soprattutto lo vediamo nel "manga dentro il manga", ossia nel libro illustrato "La città deserta" che Chii legge con estremo interesse: "Questa città era uguale alle altre dato che per i loro abitanti era più divertente stare insieme a quella cosa piuttosto che stare insieme ad altre persone... e così nessuno usciva più di casa"; non è un po' quel che accade alla nostra stessa società? Figuriamoci se i PC avessero le sembianze umanoidi. Non a caso, da un certo punto in poi, Hideki si fermerà su una precisa domanda: perché i PC hanno le sembianze di una persona? Troveremo la risposta precisa sul finale, ma nel frattempo avremo modo di comprenderlo osservando le storie parallele, quelle dei personaggi secondari: abbiamo la Professoressa Shimizu, il cui rapporto col marito è andato pian piano spegnendosi perché le attenzioni di lui erano sempre più concentrate sul suo PC al punto di arrivare a dimenticarsi della moglie; la vicenda del genio informatico Minoru che ha creato un PC avente le sembianze e la personalità della defunta sorella; la bella studentessa Yumi che soffre per la competizione impari tra l'essere umano e una ragazza-PC programmata per compiacere il partner; per finire con la storia del pasticcere Ueda che ha preso una decisione importante per definire il suo rapporto con la donna-PC di cui era innamorato.

Gli esseri umani si abbandonano all'amore nei confronti dei PC perché tale sentimento è collegato a un altro: la ricerca della felicità. Il manga è probabilmente più concentrato su questo sentimento, più che all'amore in sé. Porto ad esempio la frase di Minoru: "Yuzuki non è mia sorella ma un computer, però a volte mi viene voglia di dimenticarlo"; sembra un volersi illudere piuttosto che affrontare la dura realtà. Poi aggiunge: "Sono felice quando sto con Yuzuki ma a volte [...] più sono felice con lei, più mi sento triste dopo". Ciò che emerge da questa frase è qualcosa di complesso: è il dramma umano, una serie di sentimenti contrastanti che definiscono la nostra essenza.

Concetti universali e profondi come questi li troviamo anche nel filosofico e già citato "La città deserta", che colpisce anche per come si presenta, ossia con disegni dal tratto lineare e semplice abbinati a una scrittura quasi elementare, e dai concetti ripetitivi, il che è necessario perché nella storia si rivolge a Chii. Ne "La città deserta" abbiamo come protagonista una specie di coniglietto rosa che parla di sé (quindi di Chii) e di "l'altra me stessa", la cui vera identità sarà svelata verso la fine della storia. Sono "Atashi" e "Watashi" ("io" e "me" in giapponese) e attraverso questo libro Chii comprende che anche lei deve trovare la felicità, e può trovarla poiché "l'altra se stessa" ha provato viceversa l'esperienza del dolore e della tristezza. Non solo, al di là del libro, "l'altra se stessa" la mette in guardia e la protegge entrando in comunicazione con Chii appena lei chiude gli occhi; se Chii non ha memoria riguardo al suo passato e al precedente proprietario, "l'altra se stessa" invece ricorda... tuttavia qualcosa di questi ricordi è rimasto anche in Chii, basta vedere la sua pronta reazione al suono della parola "morte" o la ferma convinzione quando parla del vestito che le ha "consegnato" l'amministratrice del condominio (vedova, ricorda da vicino Kyoko Otonashi di "Maison Ikkoku" di Rumiko Takahashi).

Le CLAMP disegnano Chii e l'abbigliano come una bambolina; una gothic lolita, per la precisione. La bellezza di Chii non passa inosservata nemmeno all'interno della storia, così avremo modo di vedere che ci sono uomini che arrivano ad approfittare pure delle ragazze come lei, le ragazze-PC. Mi soffermo su questo episodio per riallacciarmi a quello che avevo annunciato a inizio recensione, ossia la parte del corpo che accende Chii; viceversa, è quella che la fa spegnere. Chiaro. Logico. Ma forse è meglio avvisare: AVVISO SPOILER! CORRERE A FINE PARAGRAFO PER NON ROVINARVI LA SORPRESA!

Se Chii si spegne, ciò equivale a una perdita di lei così come la conosciamo; se si spegne non sarà più la stessa e non avrà più alcun ricordo. L'altra se stessa dice a Chii: "Finché non trovi una persona che ti ama veramente, qui in fondo non devi farti toccare da nessuno. Poi, la prossima volta che qualcuno potrà farlo, lo decideremo noi!" Da qui emerge il concetto della sacralità nel concedersi, ma è una frase che racchiude anche il senso della dignità e dell'indipendenza. L'intera storia si concentra comunque su questo particolare, che è infatti il limite principale di Chii, il motivo del "Sayonara" di cui si parla ampiamente nel libro illustrato e che ha a che fare con la ricerca de "L'uomo solo per me". Chii sarà felice se troverà colui che è in grado di accettarla così com'è (cit. "che mi ami perché io sono io"), capace di sorvolare su quello che per gli esseri umani è l'unione generatrice, la massima espressione dell'amore, scegliendo così la purezza del sentimento, che va oltre ciò che è fisico. Hideki non si rende conto, ma già dall'inizio tratta Chii come una persona; continua a rifiutare di credere che sia innamorato di lei, condizionato anche dalle storie degli amici che lo circondano, ma sono poi gli stessi personaggi che lo aiutano a far luce sui propri veri sentimenti. C'è poi questo particolare: i Chobits non sono diversi da un comune PC antropomorfo, ciò significa che anche per loro ogni emozione è frutto di un programma basato su calcoli e variabili; non sono capaci di provare sentimenti. A questa cruda e deludente consapevolezza, aggiungiamo la frase che il pasticcere Ueda rivolge a Hideki: "Non sarà mai come se non fosse successo niente. Anche se venisse cancellata la sua memoria, lei esisterà per te finché tu ti ricorderai di lei". Ecco allora che cosa narra il manga: non è una storia d'amore fantastica tra un essere umano e un PC, è una storia simbolica di come nasce un'amore, indipendentemente da chi, o meglio, da cosa, la scatena. E' assurdo che un uomo finisca con l'innamorarsi di un oggetto inanimato, ma se la sua mente e il suo cuore racchiudono questo sentimento non c'è nulla da fare: l'amore è amore. Non importa chi o cosa si ama, purché si ami.

C'è chi ancora non comprende l'amore per un cane, un gatto o un qualsiasi altro animale domestico, figuriamoci per un PC; in "Chobits" è trattato anche il pensiero comune, lo vediamo proprio con il pasticcere Ueda che pur essendo giudicato dalla gente compie la scelta più giusta secondo il suo cuore. La scelta capace di renderlo felice. Siamo poi così sicuri che l'essere umano non agisca secondo un suo personale e ben preciso programma? Chi lo dice che anche i nostri sentimenti non siano il frutto di una serie di variabili?

Le CLAMP stuzzicano il nostro modo di pensare.

Contenuti seri ma non dimentichiamo che tipico dei manga è anche la risata, che nasce da situazioni imbarazzanti e gag varie, ad esempio con la carinissima PC-portatile Sumomo, vivace e chiassosa, che si contrappone alla portatile Kotoko, riservata e misteriosa.

Graficamente parlando, se dovessimo riassumere con un aggettivo l'intera opera nulla è più indicato di "kawaii" (carino, in giapponese): Chii è graziosa, Sumomo e Kotoko sono anche loro delle piccole bamboline, aggiungiamo che l'edizione della Star Comics ha le prime pagine a colori... che bellezza! Da notare che la sequenza d'immagini presenti all'inizio di ogni capitolo sembrano "stacchetti" (come quelli che si usano nel mezzo di una puntata di un anime), tanto danno il senso di movimento.

In conclusione, quattro stelle perché non mi ha emozionato tanto quanto "Video Girl Ai" (sottolineo, "tanto"), ma a livello di contenuti sono entrambe due opere di grande livello, dove in questo caso è soprattutto interessante il simbolismo celato nella storia; basta non fermarsi alle apparenze.

Recensione pubblicata per la rubrica "Jappo W" su:

Recensione "Il Burattinaio" di Francesco Barbi (Baldini Castoldi Dalai)

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Wed, 08 Feb 2012 19:47:00 +0000

"Il destino non lo si può cambiare, ma lo si può ingannare"

Dopo "L'Acchiapparatti" non vedevo l'ora di ritrovare la compagnia di Zaccaria, il gigante Orgo e gli altri. A muovere la storia erano infatti i personaggi, protagonisti grotteschi che catturavano l'attenzione tanto che non ci si accorgeva che la trama si sviluppava al tempo stesso, e in sottofondo, come conseguenza delle loro azioni. Ne "Il Burattinaio", invece, i personaggi che abbiamo imparato a conoscere sono al servizio della storia: si percepisce che tra un punto di vista e un altro si va svelando, tassello per tassello, una trama ben precisa. Dove vuole arrivare la storia? Se vi chiedete questo, siete stati ingannati anche voi. "Il destino non lo si può cambiare, ma lo si può ingannare", così, a muovere le sorti di ogni personaggio e a definire la storia è un unico e solo personaggio: il Burattinaio!

Quattro anni dopo la scomparsa del Boia di Giloc, l'Arconte Ossor riceve una lettera dal Consigliere della Signoria di Giloc, Melzo, che evidenzia alcuni misteri sulla vicenda, in particolare riguardo al legame tra l'orrenda creatura e lo stregone che l'ha evocata, rappresentato da un cerchietto metallico capace di piegare il Necromortenorth (questo il vero nome del Boia) ai suoi ordini. Consultando l'Oracolo che ha previsto la caduta del Regno di Olm, l'Arconte Ossor si convince che l'imminente catastrofe ha a che fare con l'oscura vicenda riportata da Melzo, per cui invia a Giloc il suo fidato Indice a capo di una squadra di Guardiani dell'Equilibrio al fine di condurre alcune indagini e riesumare il cadavere della creatura per ritrovare il fantomatico oggetto.

L'acchiapparatti ora stregone Zaccaria, intanto, si è stabilito nelle vicinanze di Ombroreggia con la strabica strega Guia, il mentecatto gigante Orgo, e gli orfani Steben e Frida scampati al massacro del Boia di Giloc nel primo libro. Zaccaria ha sempre parlato al plurale quando si riferiva a se stesso, ma ora è chiaro più che mai che in lui abitano, non due, ma ben tre diverse personalità, una di queste temuta dall'intera compagnia, che quando prende il sopravvento in Zaccaria lo lascia terribilmente dolorante e sfinito: Zaccaria lo chiama Gul. Gùlghezac è invece il nome che Zaccaria usa per definire se stesso quando è occupato dalle tre personalità in contemporanea: se "Zac" lo conosciamo e "Gul" lo impareremo a conoscere, colui che si nasconde in "Ghe" ci stupirà. Ma quale delle tre prenderà il sopravvento?

Dal primo libro faranno una breve apparizione anche Tamarkus lo speziale e Osmano il proprietario del bordello, mentre seguiremo parallelamente, fino al loro incrociarsi, le vicende dell'ex-prostituta Teclisotta (Isotta per gli amici), il capitano della Guardia di Giloc, Fulciero, ma soprattutto lo sfigurato cacciatore di taglie Gamara, colui che più di tutti incarna la figura dell'eroe invincibile.

Grandi ritorni ma anche grosse novità, con l'arrivo di personaggi come i figli di Fulciero, Tino e Nodo, lo squallido raccogli-orfani Medoro con gli orfani al seguito, e poi ancora menestrelli, girovaghi e nani, in un lungo viaggio che parte dalle Terre di Confine e va oltre, fino al Regno di Olm. La mappa che vediamo in prima pagina, subito dopo la copertina, si estende infatti fino all'ultima facciata del libro; ecco perché non trovavo il villaggio di Medara!

La scrittura di Francesco Barbi era ottima, ora è eccellente, con una padronanza linguistica da far invidia, termini tecnici e descrizioni dosate al giusto in una lettura che non annoia mai, nemmeno se si tratta di 527 pagine. L'alternarsi dei POV non disturba, al contrario aggiunge intrigo e suspance (ad esempio, leggere che Gamara sta per lanciarsi all'attacco per poi passare al punto di vista di chi sta per subirlo), inoltre, siccome mi sono trovata a leggere il libro negli intervalli di tempo - purtroppo -, sono riuscita comunque a star dietro alla vicenda, segno che non si tratta solo di una buona memoria, ma piuttosto di una storia che sa farsi ricordare, complice, lo ripeto, la personalità ben definita dei personaggi, tanto che solo a leggere una parte del testo si capisce chi è che sta parlando.

Il momento che più definisce un personaggio è proprio durante il dialogo: già avevamo il contorto esprimersi di Zaccaria, folle quanto saggio, e i proverbi di Orgo pronunciati quasi fossero un dialetto (risate garantite; continuo ad adorare il gigante), ora abbiamo l'Oracolo che si esprime in numeri, un nano balbuziente, una delle Guardie di Confine, Tibaldo, che dopo aver perso un dente perde anche la lettera "t" (adoro la cura nei dettagli!), ma soprattutto c'è lui, l'Indice, che sostituisce la "c" con la "z" e raddoppia la "s", insomma, che così parlando fa ridere, ma vedendo poi come si comporta ci viene automatico chiudere la mascella; in sintesi, un antagonista spietato che ha anche dei punti deboli (e non solo nella pronuncia).

A proposito dell'indole spietata dell'Indice, anche stavolta troveremo delle scene crude e violente: nel primo romanzo si presentavano nel momento in cui entrava in scena il Boia di Giloc; in questo seguito vedremo come anche gli esseri umani siano capaci di atrocità (il che è anche peggio), siano essi l'Indice o i Guardiani dell'Equilibrio, sia pure con Gamara. Abbiamo violenza anche nella parte che riguarda il raccogli-orfani (soprattutto psicologica), o più sul finale quando si presenta la vicenda dei Malnati (il comportamento dei Servi della Luce ricorda vagamente la realtà ebrea). Il primo libro, inoltre, aveva visto la morte di diversi personaggi innocenti, perlopiù si trattava di personaggi secondari, qui invece vedremo la scomparsa di alcuni di quelli che si possono considerare di rilievo, cosa che mi ha colto di sorpresa ma che contribuisce a rendere una storia fantasy più realistica. Solo, è un peccato che non si spenda qualche parola in più sugli interessati.
Che "Il Burattinaio" sia indirizzato a un pubblico adulto lo si evince anche dalla presenza di alcune scene erotiche, non tanto perché siano spinte, più che altro per via del comportamento provocatorio femminile. Mi riferisco a Frida, l'unica bellissima nella storia de "Il Burattinaio" (e nemmeno ne "L'Acchiapparatti" c'erano i belli) che essendo anche giovane vive appieno le passioni legate alla fisicità e la scoperta di nuove sensazioni; vedremo come la giudicheranno gli uomini, Guia, e persino Isotta (che lo faceva di mestiere), ma d'altra parte vedremo anche come cambierà in un epilogo da rimanere a bocca aperta.

Ci sarebbe ancora altro da dire, a proposito del culto della Luce, dei suoi fanatici seguaci e degli "infedeli" (l'Equilibrio non può esistere solo nella Luce; si deve considerare anche l'Ombra!), a proposito degli effetti della Spinavera (una vera e propria droga che causa anche dipendenza), di quello spirito che entra nei corpi altrui ma che si contamina della loro coscienza e agisce anche tenendola in considerazione (fantastico, lo adoro!), di come la Somma Lucernaria ricordi la pratica della sedia elettrica (che tensione...) e a episodi geniali come il modo in cui a Gamara viene consegnata una certa chiave, ma mi limito, appunto, a queste brevi considerazioni tra parentesi perché preferisco soffermarmi sullo straordinario epilogo.
A parte che non vedevo l'ora che quell'"essere" ritornasse, a un passo dalla resa dei conti me lo immaginavo che sarebbe finita così, vista la ricorrenza di parole come "sacrificio", "scelta", "vendetta", "consapevolezza" e "accettazione". Poi quel ciondolo che rappresenta la speranza, il giovane che scampa al pericolo e la frase che Guia rivolge a Steben, una delle migliori frasi che abbia mai letto.
Ancora più emozionante è vedere cosa accade in seguito, in quelle che non sono nemmeno una ventina di righe: Steben ha scelto chi essere; parla come lui.
In quelle poche righe è racchiuso un intero, nuovo romanzo, un ipotetico terzo libro che credo Barbi non ci regalerà, ma che la nostra mente può comunque elaborare.
Allora sognerò ancora.

Recensione "Princess Mononoke" di Hayao Miyazaki (Studio Ghibli)

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Thu, 02 Feb 2012 13:00:00 +0000

"Il fato vuole che tu vada a vedere cosa accade, con occhi non velati dall'odio"
"Gli alberi gridano quando vengono uccisi, ma gli umani non possono udire i loro gemiti."

Comincio la recensione con queste citazioni tratte dall'opera; impossibile scegliere tra le due che meglio rappresentano l'anime, considerando che sono anche quelle che mi hanno emozionato di più.
A differenza delle altre opere di Miyazaki, magico-favolistiche, in "Princess Mononoke" si respira un'atmosfera pregna d'odio, dove violenza, sangue e crudeltà si manifestano con sempre più frequenza fino al tragico epilogo. Il messaggio ambientalista, tema costante delle opere del maestro, ed evidente nella seconda citazione, qui si fa duro, spietato come non mai.

E' subito chiaro come l'anime sia destinato a un pubblico adulto.

Ciò non significa, però, che si tratti di un film tetro e deprimente, anzi; materialismo, tensione e politica si mescolano con le immagini di una natura rigogliosa, l'amore e la speranza.

Tutto comincia quando Ashitaka, principe di un villaggio Emishi, è costretto ad affrontare un gigantesco demone-cinghiale di nome Nago,.apparso improvvisamente dai boschi e diretto verso il villaggio. Durante lo scontro, il demone colpisce Ashitaka al braccio, infettandolo della propria maledizione; l'uccisione di Nago, però, non cambia il destino del ragazzo, ora condannato a subire atroci sofferenze con un'infezione diretta ad espandersi per tutto il corpo fino a provocarne la morte.

Su consiglio della Saggia Madre, Ashitaka parte per l'Occidente in cerca di salvezza, risalendo alle cause che portarono quello spirito-cinghiale a tramutarsi in demone; per guardare ciò che accade "con occhi non velati dall'odio", appunto.

L'indizio che fa pensare la Saggia Madre all'Occidente, è un oggetto estratto dal corpo del cinghiale, che Ashitaka scoprirà poi trattarsi di un proiettile; sono infatti le guerre l'evento scatenante, in particolare quella che riguarda la "Città del Ferro", con in testa Lady Eboshi, e la Foresta del Dio Cervo, difesa da un branco di giganteschi spiriti-lupi e l'umana San, chiamata "Mononoke" (spirito vendicativo).

Appena Ashitaka scopre che Lady Eboshi mira a disboscare la Foresta in quanto risorsa principale del ferro, e San addirittura si presenta con l'intenzione di uccidere Lady Eboshi, decide d'intervenire ascoltando entrambe le parti e cercando di farle riappacificare: è a causa del loro reciproco odio che è nata la maledizione che lo sta lentamente consumando.
Ma ci sono altri interessi coinvolti nella vicenda: si dice che la testa del Dio Cervo sia la fonte dell'immortalità, per questo l'imperatore ha assoldato dei mercenari per ottenerla...

Dal proiettile rinvenuto nel corpo del cinghiale alle armi prodotte dagli abitanti della città del ferro, si sviluppa il tema centrale di quest'anime: le guerre. Non si tratta solo del conflitto tra civiltà (la città del ferro) e natura (la foresta), ma riguardano anche gli uomini che si scontrano fra loro. Già nelle prime sequenze vediamo che durante il suo viaggio Ashitaka s'imbatte in un villaggio assediato dai samurai, probabilmente gli stessi che poi attaccano anche la Città del Ferro.

Sono la ricchezza e il potere a muovere gli umani, per questo San "Mononoke" li disgusta, tanto da rinnegare la propria natura e considerarsi come la lupa che l'ha adottata, Moro. Nella storia troviamo anche un accenno alla discriminazione, con gli spiriti-scimmie e gli spiriti-cinghiali della foresta che, infuriati con gli umani che attaccano senza sosta anche di notte, quando gli spiriti-scimmie piantano nuovi alberi, ribadiscono come San non sia né umana né animale.

Emergono anche problematiche quali intolleranza e disinteresse abbinati all'assenza di comunicazione, come se ognuno si sentisse autorizzato a perseguire i propri scopi senza contare delle esigenze altrui, eppure, come nelle altre opere di Miyazaki, è difficile etichettare un personaggio come buono o cattivo: se da una parte certe esigenze individuali non sono propriamente nobili, dall'altra certe azioni portano a rivalutare i comportamenti e a non condannarli.

Un esempio è il monaco Jigo che mira semplicemente a portare a termine la missione del recupero della testa del Dio Cervo per conto dell'imperatore; non si cura se sia giusto o sbagliato, si limita ad eseguire. Potremmo forse condannarlo quando vediamo che è anche un cacciatore, ma tentenniamo ricordando che ha aiutato Ashitaka all'inizio della storia, con il suggerimento di dirigersi alla Foresta perché il Dio Cervo avrebbe potuto salvarlo dalla maledizione.

Altro esempio è Lady Eboshi: mira ai profitti derivanti dal commercio del ferro, ma al tempo stesso si prende cura delle donne che erano schiave e dei lebbrosi emarginati, anche se, altra contraddizione, "li adopera" per la causa, con le donne a lavorare il ferro e i lebbrosi a produrre armi; lavorano anche di notte, sebbene a turni.

A tal proposito è interessante la condizione sociale della Città del Ferro, con quel divario fra uomini e donne dove le une si sentono più importanti degli altri perché lavorano (quindi producono), mentre gli uomini si limitano a scortare Lady Eboshi quando va a fare provviste per il villaggio o va in missione nella Foresta. Le donne, pur essendo la storia ambientata nel periodo Muromachi (1336-1573), si permettono di replicare agli uomini senza indugi, talvolta dando pubblicamente dell'imbecille. E' degno di nota anche il fatto che Lady Eboshi faccia costruire fucili leggeri perché destinati a braccia femminili, così come il fatto che lasci la Città del Ferro in completa custodia delle donne quando parte per la Foresta con gli uomini. Poi c'è quella scena in cui Ashitaka aiuta le donne durante il lavoro: con la sua forza a fare da contrappeso, si evidenzia come le doti maschili facciano la differenza.

Ashitaka sembra essere l'unico da cui emerga il senso della giustizia e l'altruismo: soccorre i feriti, impedisce lo scontro tra Lady Eboshi e San, non si cura delle sue sofferenze e va avanti spinto da nobili ideali. Si sente in colpa quando si rende conto che il suo braccio maledetto colpisce gli avversari con una forza omicida, ma poi impara a conviverci e lo sfrutta in ciò che esula dai combattimenti (sollevando un portone, piegando una spada...); nel corso della storia vedremo anche come la maledizione si propagherà, fino a raggiungergli la mano, poi il torace. Ashitaka sembra essere anche l'unico capace di amare davvero, e col suo amore potrebbe salvare San se solo lei si lasciasse avvolgere da questo sentimento.

La selvaggia San ha tutti i comportamenti tipici di un essere che ha vissuto in mezzo agli animali: si muove con agilità, ha una furia bestiale, fiuto... ma ha anche dei modi dolci, come quando dorme rannicchiata come un cucciolo o quando imbocca un Ashitaka troppo debole per masticare; quest'ultimo comportamento dimostra anche quanto sia sensibile, così come quando decide di affiancare lo spirito-cinghiale Ottoko perché cieco, e non lo abbandona nemmeno quando la situazione degenera. San infatti è una ragazza di sani valori e principi, ma l'unico modo che conosce per farli valere e attraverso l'uso della forza, spesso anche dove non è affatto necessaria (tipo l'opporsi ad Ashitaka verso il finale). Con alcuni dei suoi atteggiamenti, comunque, San suscita una gran tenerezza.

Un altro personaggio che mi ha intenerito è il fedele stambecco Yakul che, tra le altre, quando è libero dalle briglie sceglie di restare comunque con il padrone.

Oltre ai protagonisti, un personaggio d'assoluta importanza è il Dio Cervo; le sequenze cinematografiche sono studiate apposta per creare intorno alla sua figura un alone di magia e mistero, di rispetto e timore. La scena che vede il suo arrivo e che si svolge nel totale silenzio, dove di lui vediamo solo le zampe e i fiori che nascono e muoiono al suo passaggio è un'immagine forte, di una bellezza inquietante,

di una poesia agrodolce; l'immagine diventa metafora, perché è il dio che può dare la vita così come la può togliere.

Un altro dettaglio che mi ha colpito, è che siccome il dio cammina a pelo sull'acqua, quando viene ferito le sue zampe s'inabissano per un po', ma poi riemerge...

Al di là di quelli che potrebbero sembrare particolari effimeri, anche le azioni del Dio Cervo non sono dettate a caso: egli, come già accennato, cura la ferita di Ashitaka ma non la sua maledizione; stabilisce il destino di Okkoto, poi quello di Moro e infine quello di San. Ma non cadrò in ulteriori spoiler.

Come non nominare, poi, i simpatici spiriti della foresta, i Kodama? Con quel tintinnio e il movimento della testa dapprima inquietante abbinato a una presenza evanescente, quasi tendessero a mostrarsi con timidezza, sanno essere anche buffi quando imitano Ashitaka che porta in spalle un uomo ferito.

I Kodama diventano anche un simbolo, nella sequenza finale: basta un'inquadratura per trasmettere un messaggio di speranza; è questo il bello delle opere di Miyazaki e lo Studio Ghibli.

E' quindi un finale senza eccessi, basato sulla presa di coscienza e quell'ultima immagine evocativa: la natura sopravvive comunque! Ci sono cose per cui noi esseri umani non potremmo mai avere il potere assoluto... per fortuna.

La splendida colonna sonora di Joe Hisaishi non è solo la cornice di questo che considero uno dei miei anime preferiti, bensì una componente importante, oserei dire della storia, perché capace di enfatizzare momenti ed emozioni.
E allora, emozioniamoci:

... e continuerei con queste bellissime immagini...

Leggi questa recensione anche su:

con l'impaginazione e le immagini a cura di Alessandro Iascy!

Anteprima eventi: San Giorgio di Mantova Fantasy 2012

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Tue, 31 Jan 2012 15:11:00 +0000

Carissimi, emergono le prime indiscrezioni su San Giorgio di Mantova Fantasy 2012!

Universi Incantati sarà uno dei fortunati blog che seguirà l'evento da vicino, ma al momento vi lascio al primo comunicato stampa ufficiale; stay tuned!

È confermato!

Il più grande festival d’Italia dedicato alla letteratura fantasy ritorna anche nel 2012.

Dopo il grande successo dello scorso anno si rinnova il sodalizio tra il comitato organizzatore del festival, presieduto dallo scrittore mantovano Mauro Fantini, e il Comune di San Giorgio di Mantova.

Quest’anno il divertimento sarà doppio. Le giornate dedicate alla letteratura fantasy saranno due: sabato 9 e domenica 10 giugno 2012.

Il sabato mattina sarà dedicato ai bambini con incontri nelle scuole cittadine e un concorso tutto per loro.

I più grandi non saranno trascurati, ci sarà la premiazione di due importanti premi letterari: il Premio Cittadella e il Premio Magia Urbana Pret-a-porter indetti dall’associazione “Sogni nel cassetto”.

Nel pomeriggio potremmo immergerci tra ospiti scrittori, illustratori di fama internazionale e tanti, tanti libri. Non solo, fantastici oggetti e giochi a tema ci catapulteranno in quell’atmosfera che solo il fantasy è capace di creare.

La domenica il comitato organizzatore ha pensato di portare gli amanti del fantastico direttamente dentro le storie di questi libri parlando di quelli che sono diventati delle trasposizioni cinematografiche. Prima con lo staff del Fantasy Magazine poi incontrando i doppiatori che danno le voci ai protagonisti della serie cult dell’anno Game of Thrones (vera chicca dell’edizione 2012. )

Si parlerà di libri e si sfoglieranno le loro storie per due giorni, lasciandosi trasportare nel mondo fantastico della magia, del mistero, dell’horror, della fantascienza e delle favole per i più piccini.

Presto, molto presto, quando anche gli ultimi ospiti avranno detto sì, verrà reso noto il programma definitivo dei due giorni.

È al momento on line il promo trailer dell’evento da gustare tutto d’un fiato e che vi farà rimanere con l’acquolina in bocca: https://www.facebook.com/photo.php?v=2863268115326

Restate in contatto con noi attraverso il sito: http://www.sangiorgiodimantovafantasy.it/

e il gruppo in Facebook https://www.facebook.com/pages/SAN-GIORGIO-DI-MANTOVA-FANTASY/228379707235720

Per tutte le info scrivete al comune di San Giorgio di Mantova oppure a: info@sangiorgiodimantovafantasy.it

Grazie a tutti!

Claudia Tonin

Addetta ufficio stampa

Giveaway "Le Torri di Mezzanotte" su libreriafantasy.it!

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 30 Jan 2012 16:05:00 +0000

Carissimi, vi segnalo il nuovo Giveaway organizzato da libreriafantasy.it:

"Le Torri di Mezzanotte" di Brandon Sanderson,

penultimo romanzo del ciclo "La Ruota del Tempo" di Robert Jordan

Trovate in questa pagina di Facebook il regolamento per la partecipazione.
In bocca al lupo!

The Versatile Blogger Award!

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 23 Jan 2012 20:19:00 +0000

TADAAAAAAAAAAAN!!!!

Ringrazio Stefy di Inchiostro e Cioccolato e Luigi di Letteratura & Cinema per aver premiato anche il mio Universi Incantati (che vista la frequenza di commenti è anche un po' vostro ;))!
Ora vi lascio con 7 cose che non sapete di me, dopodiché nominerò 15 blog meritevoli di questo premio ^.^

1) Adoro viaggiare. Sono stata fortunata che i miei genitori mi abbiano sempre portato in vacanza con loro, non solo perché ho visto posti meravigliosi, ma perché vedere altre realtà porta alla riflessione, all'apertura mentale e all'ispirazione! Quand'ero piccolina ho visto posti come Madonna di Campiglio, il Gargano, l'isola d'Elba, la Sardegna... poi abbiamo iniziato a varcare i confini italiani e siamo andati in Austria, poi in Egitto, dopodiché a ruota libera con la Repubblica Dominicana, Maldive, Seychelles, Cuba, Messico. A un certo punto i miei si sono fermati e io ho cominciato a viaggiare con la mia metà: Capo Verde, di nuovo Repubblica Dominicana, e a parte le immancabili mete italiane (Riva del Garda, Saturnia) abbiamo fatto un favoloso viaggio di nozze alle Maldive a febbraio dell'anno scorso (come vorremmo riandarci! *_*) Vorrei poter girare il mondo: sono tanti i paesi che mi affascinano. Su tutti, e ultimamente ci sono proprio fissata, il Giappone; andarci è il mio sogno!

io alle Maldive (febbraio 2011)

2) L'acqua è il mio habitat naturale. Un'affermazione che ha dell'assurdo, eppure l'acqua è senza dubbio il mio elemento: sono del Cancro (nata il 13 luglio ^^); i miei mi hanno iscritto a nuoto ch'ero piccolina e ho seguito i corsi per 8 anni, nel corso dei quali ho vinto anche delle gare e battuto l'allora record della scuola (nuoto SEMPRE a rana, il mio stile vincente!); quando vado nelle mete esotiche mi tuffo dal catamarano, non importa la profondità delle acque; mi piace fare snorkeling e fotografare i pesciolini; ma soprattutto, quando entro nell'acqua mi passano tutti i mali (se ho il mal di stomaco, questo se ne va!), mi rilasso, mi sento libera... provo delle sensazioni profonde di pace e serenità. Poi mi verrebbe da rotolarmi nella sabbia come una sogliola impanata XD

Una balena spiaggiata alle Maldive XD

3) Mi piace fotografare. Ecco un altro motivo per cui una si sente vicina al Giappone XD Rispetto a una volta, che giravo costantemente con una macchina fotografica nella borsa, oggi ne faccio molto meno, ma non esiste che io vada in un posto, o assista a un particolare evento/fiera/festività senza la mia fida "immortalatrice d'attimi"! A volte voglio essere il soggetto principale, e oltre alle persone (il marito, gli amici, i famigliari) fotografo un po' di tutto, là dove i miei occhi si posano e scoprono un'emozione. Mi piace poi focalizzare i dettagli più che il soggetto completo. Può inoltre capitare che mentre guido sento il bisogno d'immortalare, ad esempio, delle nuvole che assumono le più svariate forme, oppure il cielo quando si tinge di sfumature contrastanti, oppure ancora, quando si proietta un fascio di luce (W la fotocamera nel cellulare!), purtroppo però non riesco mai a rendere giustizia a lei, la voce numero 4...

La fotografa si fotografa

4) La luna. Con la luna è un po' come il mare: vivo un legame spirituale. Mi capita spesso di cercarla nella notte; non so perché senta questo bisogno di vederla, poi mi viene spontaneo ammirarla, contemplarla, addirittura le parlo... a volte faccio persino fatica a staccarle gli occhi di dosso (sempre quando guido XD). E' bellissima, la venero.

Il cielo sorridente di qualche anno fa: che fenomeno meraviglioso!

5) Insomma, quante volte guardo questo cielo? Forse perché spero di avvistare un drago! I draghi sono infatti un'altra delle mie fissazioni. Non so bene quando sia cominciata, se sia nata dopo aver visto, Falcor/Fucur de "La storia infinita" o la leggendaria creatura di "Dragonheart", fatto sta che ho l'hard disk pieno zeppo d'immagini coi draghi, e 10 anni fa ho comprato la mia prima statuina di resina raffigurante un drago, la prima di una lunga serie che procede tuttora! Rossi, verdi, blu, arancioni; che dormono, che soffiano fuoco, che tengono una sfera, che s'attaccano, che custodiscono un tesoro... c'è posto per tutti! Almeno finché la mia casina non si riempie tanto che dobbiamo uscire noialtri :P

Lui è Indaco! E ha il suo perché nella mia vita...

6) Poco sopra ho raccontato dei miei viaggi all'estero, ebbene, dalla Repubblica Dominicana e Cuba, è nata la mia passione per i balli latino-americani! Ricordo ancora quando a sedici/diciassette anni scoprii il Merengue a Santo Domingo. Diversi anni fa ho frequentato una scuola di ballo dove ho imparato bachata, cha-cha-cha, merengue, e la fantastica salsa cubana (un po' anche la portoricana) cui si va ad aggiungere la vuelta che si balla a gruppi. Se mio marito non avesse abbandonato il corso avrei continuato (d'oh!)... ma ciò non significa che rinunci a muovere qualche passo appena me ne capita l'occasione! Come mi mette di buon umore quella musica... fa sorge il sole dentro me.

Che voglia di ballare! *__*

7) E veniamo a oggi. Ho da poco ricominciato la mia nuova vecchia vita, da inizio dicembre, ad essere precisi. Sveglia alle 5:50 del mattino, dalla mezz'ora all'ora di viaggio (solo considerando l'andata), scarico merce con "costruzione" dell'ambiente di vendita, dopodiché si commercia e si ripete il tutto in senso contrario. Insomma, ho ricominciato a fare i mercati in piazza!!!! :D Per poterlo fare, ho chiuso il negozio. Non mi soffermerò su quanto sia stato pesante, per me, l'anno scorso, stare segregata in quelle quattro mura in una via buia e desolata dove dopo uno spiacevole episodio non sono più riuscita a sentirmi serena o al sicuro, complice la mia condizione solitaria. Forse sarebbe stata la vita per me se i miei genitori non mi avessero fatto conoscere il mercato per 8 anni (senza contare le stagioni estive quand'ero ragazzina), perché abituata com'ero tra muovermi, tra lo stare sempre all'aperto, tra l'avere costantemente la compagnia di qualcuno (di papà, dei clienti, dei "colleghi" ambulanti), e le continue nuove uscite di certi clienti che fanno sbellicare dalle risate (certo, ogni tanto ci si arrabbia pure), è stato un cambiamento che, non mi sono resa conto subito, ma mi ha spento poco alla volta... E' vero, l'ho provato sulla mia pelle: non sai mai quanto sia importante una cosa fino a quando non l'hai persa. Ma almeno l'ho ritrovata! E chi se ne importa delle intemperie, della sveglia, della fatica, dei bagni pubblici, e se ho meno tempo per stare su Facebook (XD): mi sento viva! :D

Il mio banco a Faenza (RA)

Dopo questa lunga chiacchierata/sfogo, passo la parola ai 15 blog che ho selezionato:

1) Alla fine del sogno

2) Beyond the Crimson Walls

3) Dusty Pages in Wonderland

4) Enchanted Forest

5) Il Portale Segreto

6) Libri e Caffèlatte

7) Otherworlds

8) Procino Kafé

9) Romanticamente Fantasy, urban fantasy, paranormal romance & co.

10) Sognando Leggendo

11) Young Adult Lit

12) Diario di Pensieri Persi

13) Il libro Eterno

14) Esedion

15) La Stamberga dei Lettori

Complimenti!

Recensione "The Legend of Zelda - Minish Cap" delle Akira Himekawa

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Thu, 19 Jan 2012 15:52:00 +0000

Recensione "The Legend of Zelda - Minish Cap" delle Akira Himekawa (J-Pop)

Un'impresa malriuscita

E' piuttosto raro che io valuti una lettura con una o due stelle, ma è cosa ancor più rara che io dia un giudizio tale quando si tratta di Zelda. Le opere di Miyamoto e soci (questo è un titolo sviluppato dalla Capcom) sono magiche, epiche, appassionanti; se le Akira Himekawa sono comunque riuscite ad essere all'altezza con la conversione manga di "Ocarina of Time", "Majora's Mask" e "Four Swords +", non si può dire che qui abbiano fatto lo stesso.
La storia di "Minish Cap" narra del giovanissimo Link che, come sempre, deve salvare la sua amica Principessa Zelda, stavolta tramutata in una statua di pietra a seguito di un sortilegio del mago Vaati. Il malvagio si è liberato di lei per agire incontrastato nel recupero della Forza di Luce, oggetto sacro capace di conferire l'onnipotenza, e credendo fosse custodito nello scrigno della famiglia reale, Vaati ne ha rotto il sigillo della Spada Sacra, ma con il solo risultato di liberare tutte le forze del male in esso imprigionate. Mentre il mondo di Hyrule si popola di mostri d'ogni genere, Vaati riprende la ricerca della Forza di Luce, e Link intraprende la sua avventura per salvare Zelda riforgiando la Spada Sacra, l'unico oggetto capace di spezzare la maledizione; secondo delle antiche leggende, infatti, la Spada Sacra fu forgiata dai Picori, ovvero gnomi grandi quanto un pollice che aiutano gli umani nel quotidiano senza farsi vedere (un po' come Arrietty di Miyazaki!), gli stessi esseri che in un'era remota aiutarono l'eroe a contrastare le forze del male donandogli proprio quella spada magica. I Picori vivono nelle Minish Woods (la foresta dei Minish) e si dice che solo i bambini siano in grado di vederli...
Una volta raggiunta la foresta, Link s'imbatte in una strana creatura, un cappuccio parlante di nome Ezlo che dice di sapere parecchie cose sui Picori, ad esempio che per scovarli occorre essere minuscoli, così suggerisce a Link di salire sopra a un ceppo lì vicino, dove a seguito di qualche parola magica il nostro eroe si rimpicciolisce! Quando trova i Picori, scopre che per riparare la Spada Sacra occorre recuperare i quattro elementi (terra, acqua, fuoco e vento) sparsi per Hyrule.

Questa la trama che trapela dal manga così come dal videogioco, ma per quanto riguarda il manga, in realtà, già dalle prime pagine partiamo male. Leggiamo: "Ti hanno mai narrato dei Picori?" ed è un'introduzione di un solo foglio, messa lì senza criterio, perché nel foglio subito dopo vediamo che Link e il suo parente sono in tutt'altre faccende affaccendati, dunque di chi era quella voce narrante? Ho persino controllato su delle scan online se il manga iniziava davvero in questo modo e non ci sono pagine mancanti, è proprio così che comincia la storia! Mi ha dato una così brutta impressione che sono andata a caricare il gioco presente nel mio 3DS (grazie al "Programma Ambasciatori Nintendo" l'ho ricevuto in omaggio, tra gli altri giochi, per aver acquistato il 3DS prima del taglio del prezzo) e perché avevo ricordi confusi, visto che il gioco è del 2004 e uscì per Gameboy Advance; ebbene, se la storia fosse almeno iniziata come nel videogioco, ossia con l'antica leggenda della Spada Minish forgiata dai Picori... nel manga è nominata in seguito ma non è la stessa cosa; una gestione "spartana" della trama che crea anche confusione.
Della storia mi è subito sembrato strano anche il fatto che il fabbro fosse il nonno di Link; ho controllato, e infatti nell'originale si parla di zio (mamma mia quanto sono precisina quando si tratta di Zelda...!) che in realtà Link non deve prepararsi per combattere, quindi non viene bocciato (le Akira Himekawa gli fanno pure fare la parte dello "sfigato"), e in generale hanno dato a Link e Zelda un'interpretazione del carattere che non mi è piaciuta proprio: Link che non crede all'esistenza dei Picori?! Dov'è finito il suo cuore puro? Poi approfitta del suo essere minuscolo per guardare sotto la gonna di una ragazza; questo non è Link! E chi è quella Zelda capricciosa che pur di convincere Link ad accompagnarla alla festa del paese si mette a lagnare e piangere?! E va bene che nel genere manga è tipica la presenza di qualche "sipario comico", ma questi non sono gli eroi che conosciamo noi appassionati! Mi ricordavo una Zelda vivace, un po' maschiaccio e ribelle perché sfugge al comportamento consono a una principessa, ma non una così viziata e capricciosa come ci viene mostrata nel manga!

Un altro aspetto che è un peccato non sia stato mantenuto, è la particolarità della lingua Minish: quando Link incontra per la prima volta i Picori, le due razze non riescono a capirsi. Mentre seguivo il manga ho provato a leggere al contrario le frasi pronunciate dai Picori: non avevano comunque senso, ma mi ha ricordato il giapponese. Nel videogioco, infatti, da brava otaku sono andata a controllare per poi (ri)scoprire che i Picori parlano italiano al contrario, e a quanto pare i traduttori hanno sorvolato questo dettaglio lasciando il linguaggio com'era nel manga originale (ossia il giapponese al contrario). Riguardo all'edizione della J-pop c'è da dire che sono presenti anche degli errori di stampa.
Come già visto negli altri manga della serie proposti dalle Akira Himekawa, anche in questo volume la storia scorre fin troppo in fretta quando si tratta di dungeon, boss, e oggetti speciali che poi entrano nell'arsenale d'armi di Link; in questo manga la presenza di tali elementi è ancora più scarna. D'un tratto vediamo Link in un dungeon che ottiene quello straordinario oggetto chiamato Giara Magica, poi lo vediamo con il Bastone Sottosopra, e sempre più a mo' di sketch, eccolo indossare i Guantoni Talpa! Ma che tristezza, non c'è un benché minimo di approfondimento e nemmeno una situazione che mostri come ognuno di questi oggetti sia importante per il proseguimento dell'avventura.

Durante la mia esperienza videoludica di Minish Cap, ricordo il tempo che dedicai alla ricerca dei cosiddetti "Frammenti di Felicità", amuleti spezzati da fondere con la giusta (e smarrita) metà. Era una fase di gioco lunga e impegnativa, perché si accumulavano pezzi senza trovare la controparte mancante, e ce n'erano un'infinità! Pur essendo una sub-quest era appassionante anche perché rivelava degli approfondimenti sui vari personaggi; nel manga, invece, la fusione dei frammenti si presenta solo un paio di volte, cosicché non nasce lo stesso entusiasmo.
E' proprio questo ciò che manca al manga: entusiasmo, phatos, coinvolgimento. E' del tutto assente la magia che si respirava nel videogioco, quella sensazione di trovarsi in un altro mondo quando in realtà è lo stesso ma visto al microscopio, dove ti sembra essere una formica che passeggia tra ghiande e bottoni giganti, arrampicandoti nelle coste dei libri e temendo la polvere, col rischio d'affogare in quello che sembra un lago ma in realtà è solo una piccola pozzanghera, sfuggendo a gatti e pulcini che ti scambiano per cibo. Veramente ci sarebbero anche questi siparietti, ma nel videogioco era più intenso, aveva più spazio ed era vissuto costantemente come caratteristica principale della storia (un altro esempio, controllare tutto ciò che ti circonda alla ricerca di sentieri e piccole casette a cui si accede solo in forma Minish).

Nella storia cartacea sono poi sbandierati dei messaggi positivi talmente scontati e banali che fanno cadere le braccia. Mi si era creata una certa aspettativa sulla vicenda della farfalla che canta (non ricordo se fosse presente anche nel videogioco; in questo caso non ho controllato perché dovrei rifare tutta l'avventura!) ma alla fine si conclude in poche pagine e le solite battute melense.

Le Akira Himekawa ci regalano però degli extra, 6 pagine che riguardano il passato di Vaati. Beh, non fanno né caldo né freddo; non era meglio dedicare quelle pagine alla storia vera e propria?
Si salvano solo i disegni, ma si era visto di meglio con "Ocarina of Time" e "Majora's Mask".

Recensione "Lisa Verdi e il ciondolo elfico" di M.P.Black

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 16 Jan 2012 19:01:00 +0000

Recensione "Lisa Verdi e il ciondolo elfico" di M.P.Black (0111 Edizioni)

Desiderare d'essere Lisa

Mi è finalmente capitata l'occasione di leggere il primo libro della trilogia de "La Signora degli Elfi", l'esordio dell'autrice fantasy nostrana M.P. Black.
Ho concluso la lettura da qualche giorno, ma nella mia mente sono ancora impresse certe scene e situazioni, non solo, mi ha lasciato una piacevole sensazione, come se fossi tornata sedicenne con la voglia di sognare ventitré ore su ventiquattro fantasticando d'avventure e d'amori.

Lisa Verdi, infatti, è una sedicenne come tante che prende la bicicletta per andare a scuola assieme al suo migliore amico Paolo, e ha un'amica, Matilde, che osservando i due s'accorge che Paolo è innamorato di Lisa, cosa che lui stesso le confiderà di lì a poco, gettando la ragazza nel panico.
Mentre cerca di fare luce sui propri veri sentimenti, Lisa segue dal telegiornale la notizia della morte del signor Marchi, proprietario di un bar a un'isolato da casa sua; quel che più la sconvolge è che si tratta di omicidio e, cosa alquanto strana, l'arma del delitto è una freccia, che i RIS hanno trovato impiantata nel torace della vittima. Appena Lisa comunica la notizia alla zia Anna, sua tutrice, quest'ultima assume un'insolito comportamento, a cui segue la decisione di partire alla volta della casa nel bosco dove abitava Lisa quando i genitori erano ancora vivi. Costantemente restia e poco convinta dell'agire della zia, Lisa è anche bisognosa di risposte perché negli ultimi tempi è vittima di terribili incubi nel corso dei quali è anche apparsa la madre a comunicarle messaggi enigmatici, inoltre, solo allora, la zia le consegna un ciondolo con una felce verde smeraldo, uguale al suo ma che apparteneva alla madre di Lisa. Per aiutare la nipote a scoprire la verità, Anna la esorta ad andare in una verde pianura in mezzo al bosco, dove poi Lisa vede se stessa da bambina e rivive il suo vero, tragico passato: scopre così che la madre Marta è ancora viva, in attesa di lei in una dimensione parallela, quella del Regno degli Elfi dove Marta ne è la Signora; scopre inoltre di avere un fratello di nome Luca, ora uno dei generali del Regno, e che il padre non morì a seguito di un incidente, bensì fu assassinato dal Nero Signore che vuole tuttora conquistare il potere eliminando la famiglia reale, quindi Marta, Luca, e soprattutto Lisa, in quanto futura erede del Regno degli Elfi.

Uno degli elementi che più mi ha colpito (e conquistato) nel romanzo è proprio che il Regno degli Elfi sia fondato da una dinastia femminile: "Girl power", finalmente! Da premiare soprattutto per questo, oltre che per l'originalità.
Un altro aspetto insolito è la sorprendente origine degli elfi: lo vediamo dal prologo che la razza elfica è nata dell'unione di esseri umani con popoli alieni, ben diecimila anni or sono. E non è tutto! Gli Elfi di M.P. Black cavalcano cavalli bionici e usano pistole laser, con il risultato che il lettore si trova di fronte a un fantasy contaminato dalla fantascienza. Ciò è evidente anche dal fatto che appena Lisa entra nel Regno degli Elfi trova cieli verdi e pianure azzurre, uno scambio che è sinonimo di realtà parallela, concetto più vicino al contesto fantascientifico che al genere fantasy; mi è piaciuto!

Il libro, nonostante qualche refuso di poco conto, è scorrevole e scritto in maniera semplice, di facile lettura, ma ciò che ho notato in particolare è che è molto curato dal punto di vista dei dettagli: non mi riferisco alle descrizioni dei paesaggi, quanto piuttosto alle precisazioni sugli atti che i personaggi compiono mentre dialogano fra loro (specie quando parla Lisa), il che contribuisce a definire il carattere di ognuno.
Nella vicenda di Lisa sono infatti coinvolti tanti altri personaggi: si aggiungono alla timida amica Matilde, lo scontroso Gianni e il goffo Bartolomeo. Quest'ultimo è un ragazzo elfo nonché il "bodyguard" di Lisa, e diventa uno dei personaggi principali man mano che si prosegue la lettura. Paolo, infatti, cede spazio a Bartolomeo in tutti i sensi, ed evitando spoiler mi limito a dire che un'altra caratteristica positiva di questo romanzo è che conquista il tipo sporco e trasandato dai modi bruschi, piuttosto che il solito belloccio di turno tutto "fighettino" e tutta... apparenza. Tipi del genere brulicano comunque nel romanzo, ma come "soprammobili" (^.^) e qui Lisa "sbavicchia" e fantastica come la più classica delle adolescenti. La protagonista mi è sembrata un po' sopra le righe quando afferma di voler uccidere il Nero Signore, ma quando si mostra capricciosa e agisce d'impulso, trovo giustificazione (ancora) nella sua età.
Riguardo al Nero Signore mi è dispiaciuto che l'uscita di scena fosse così rapida e "indolore", specie dopo le occasioni in cui aveva dimostrato quanto fosse violento e crudele (non sono da meno i fantasmi), e sebbene mi aspettassi quel voltafaccia di... non mi sbilancerò di chi (ma nel romanzo è volutamente lasciato intendere) non pensavo che costui potesse arrivare ad essere così bastardo e senza pietà, della serie: "il vero cattivo era un altro", oppure, "una persona non la conosci mai fino in fondo".
Se in questo preciso sviluppo s'intende bene dove voglia arrivare l'autrice, il finale-epilogo è invece imprevedibile: si tratta di un bel finale di forte impatto emotivo, che invoglia a leggere al più presto il seguito ("Lisa Verdi e l'antico codice"); ho adorato tutto il "non detto", ad esempio quando Lisa percepisce la mancanza di qualcosa mentre va a scuola, oppure quando la temibile prof. Rinaldi si aggiusta i capelli con un gesto preciso, insomma, tutti quei riferimenti che trapelano tra le righe.

Nel romanzo, però, ci sono anche alcuni aspetti che non mi sono piaciuti, in primo luogo l'ostinazione di Anna e Marta nel non credere alla parola di Bartolomeo, oppure il fatto che si risolva in modo un po' troppo semplicistico la faccenda del generale Luca. In generale non mi è piaciuto il personaggio di Marta, fredda con la figlia e a tratti superficiale, mentre la zia ha cominciato a starmi antipatica col passare delle pagine. In generale, ho comunque trovato appassionante la vicenda famigliare di Lisa, ma forse ancor più quella del Nero Signore che sembra riservare ulteriori sorprese.
Spesso il libro mi ha provocato risate (Lisa che calcia l'aria per colpire Bartolomeo) e mi ha fatto sorridere quando la ragazzina ha "agito verbalmente per vie legali" nella scena finale; quest'ultima, di primo impatto mi è sembrata più una barzelletta che la soluzione al problema, tuttavia sono riuscita ad accettarla in nome della magia, della favola, e del fatto che dopotutto si è chiuso con le stesse modalità di come si era aperto (mi rendo conto di parlare per enigmi, questo per non cadere nello spoiler, ma chi ha letto il libro sono certa che capirà).

In conclusione, Lisa Verdi lascia solo emozioni positive, per questo è una lettura perfetta per ragazzi (le femminucce poi, ne andranno pazze), ma potrebbe interessare anche il pubblico adulto perché risveglia ricordi e sensazioni. Personalmente avrei voluto leggerlo da adolescente, ci avrei sognato per giorni e giorni, ma, dopotutto, mi sembra che sia accaduto ugualmente!
Grazie, Paola!

Recensione "Moby Dick 5" di Tetsuo Imazawa

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Wed, 11 Jan 2012 16:40:00 +0000

Recensione "Moby Dick 5" di Tetsuo Imazawa (distribuzione Yamato Video)

E' una grande balena spaziale, luccicante astronave nel sole...

Come iniziare questa recensione se non citando la prima strofa della sigla cantata da "I Cavalieri del Re" con quella ritmica incalzante e un testo che s'imprime nella mente quasi fosse una filastrocca? Impossibile non canticchiarla: "è un vascello ma senza le vele la Moby Dick 5... Moby Dick!" Ma non lasciatevi ingannare (com'è successo a me!): questa storia non ha nulla a che fare con il celebre romanzo di Herman Melville, poiché tra le due opere c'è in comune semplicemente la presenza di una balena bianca (e forse lo stesso messaggio ecologico-ambientalista, che però in "Moby Dick 5" è accennato), infatti il titolo originale dell'opera è "Mu no Hakugei", ossia "la Balena Bianca di Mu".

Mu è un continente sommerso nel Pacifico, e pur essendo finito nelle profondità marine ha conservato la sua dimensione fatta di terra e cielo, persino d'ecosistema, tuttavia sembra che conti la presenza di un solo abitante, una misteriosa ragazza di nome Madora. Mentre diversi fenomeni catastrofici sconvolgono la Terra, Madora si precipita per trovare e riunire cinque ragazzi terrestri sull'isola di Pasqua. Ken, Jo, Rei, Shin e Marabù (sembra siano tutti giapponesi tranne Jo, sudamericano) non sanno che Madora li ha riuniti per il preciso compito di salvare la Terra combattendo al fianco della maestosa Balena Bianca di Mu una guerra cominciata trentamila anni prima contro il malvagio impero di Atlantide.

Esatto, Atlantide: il mitico continente sommerso!

Ma com'è che qui il continente sommerso si chiama Mu mentre Atlantide la vediamo come un'isola che fluttua nello spazio? Ebbene, Mu è un altro mito, di certo meno conosciuto rispetto a quello di Atlantide per cui rimando i curiosi a questa pagina di wikipedia. Per rispondere alla domanda, invece, ci pensano gli autori stessi nel 4° episodio, quando mostrano come trentamila anni prima Ra-Mù (il re di Mu nonché padre di Madora) concluse la guerra contro Zarkon, l'imperatore di Atlantide, utilizzando la pietra dei nemici stessi, l'Olyhalcon: questo minerale dall'enorme potere provocò la sparizione di entrambi i continenti dalla Terra (l'uno finì sott'acqua, l'altro lontano nello spazio), e se lo spirito di Ra-Mù si fuse e si conservò nel corso dei millenni nella Balena Bianca, Zarkon invece rimase ibernato nella sua Atlantide.

Nel presente, gli Atlantidi sono capitanati dalla malvagia consorte dell'imperatore, la regina Condra, e il loro obiettivo è quello di ritornare sulla Terra per rintracciare l'Olyhalcon e risvegliare quindi Zarkon, dopodiché "riappropriarsi" della Terra riportando il continente nel luogo d'origine e conquistare l'intero pianeta con la forza; dalla loro hanno armi micidiali e una tecnologia avanzata il cui punto di forza è chiaramente l'Olyhalcon.

Uno degli elementi che mi ha subito colpito in questa storia, è che i cinque eroi riuniti da Madora e il padre Ra-Mù, non sono dei prescelti tra i terrestri (non credo di anticipare troppo visto che lo si scopre nel secondo episodio) bensì sono gli stessi abitanti di Mu; si tratta delle reincarnazioni di cinque eroi del passato, scelti perché il loro spirito si risvegliasse dopo trentamila anni a concludere la guerra per la salvezza della Terra.Fantastico; vado matta per queste cose. Se poi si aggiunge un amore che trascende il tempo... Madora infatti, specie all'inizio, chiama Ken come Kein, la vecchia reincarnazione del ragazzo; in quel passato, tra i due c'era una storia. Ma come può, Madora, essere sopravvissuta per trentamila anni? Ecco, nonostante abbia notato che quest'importante rivelazione è svelata già dalla trama in diversi siti, io conserverò il mistero limitandomi a dire che la natura di Madora è fantascienza allo stato puro; ci voleva per una storia ambientata tra navicelle spaziali (anche se i protagonisti indossano abiti della mitologia greca)!

L'anime si compone di 26 episodi, tutti concentrati sullo sviluppo della trama. I combattimenti tra i caccia degli atlantidi e i Mecha in stile "barchetta" dei nostri eroi (che tanto mi ricordano la serie di videogiochi - guarda caso - "Atlantis", della Cryo Interactive) sono spesso noiosi, ma in un episodio di venti minuti circa si riesce a bilanciare con una controparte narrativa appassionante, questo perché svela sempre qualcosa di nuovo che è poi un continuo colpo di scena. Tra i tanti spicca la verità su Ra-Male, la rossa guerriera atlantide innamorata del principe Platos. La vicenda di Ra-Male mi ha tenuta incollata allo schermo, dal confronto con Madora (forte e determinata l'una, dolce e fragile l'altra), al conflitto interiore (provocato dall'avere legami con l'impero di Atlantide come con Mu) dall'accettare la verità (la rivelazione), all'amore per Platos che la porta a prendere scelte rischiose (affrontate di petto anche se si tratta di sacrificare se stessa); ho apprezzato anche l'epilogo della loro storia d'amore perché è una scelta ricercata, nient'affatto scontata.

Riguardo a Platos, invece, è senz'altro uno dei personaggi che attira subito l'attenzione dello spettatore: col suo animo dedito ai sentimenti e alla giustizia è l'esatto contrario degli altri atlantidi, spietati oltre ogni dire; ne abbiamo esempio diretto nella madre, la regina Condra, e nel padre, l'imperatore Zarkon, che infatti non si fanno remore di alcun tipo quando si tratta di potere e dominio. Ma proprio nessuna.

E' in queste occasioni che emerge il lato "materiale" degli atlantidi, mentre per gli abitanti di Mu la filosofia è una sola: amore e pace.

Come si evincerà nella battuta finale, infatti, "Moby Dick 5" non è tanto la storia di una lotta tra il bene e il male, ma la più complessa, tra spirito e materia. Basti pensare al semplice fatto che se l'imperatore Zarkon viene risvegliato, re Ra-Mu non è corpo, ma sotto forma di spirito nella Balena Bianca; la Balena Bianca patisce più volte le ferite nel corpo, ma il suo spirito ogni volta si rinnova, e si evolve anche nell'aspetto (fino a diventare una vera e propria astronave). E come combattono i nostri eroi a bordo dei loro Mecha? Attraverso un comando telepatico! Ciò avviene anche all'interno della Balena Bianca, dove le menti dei cinque eroi si amalgamano per sferrare attacchi di potenza maggiore (il classico: l'unione fa la forza).

C'è da dire, però, che questa caratteristica dei combattimenti, la telepatia, non è spiegata affatto, la si presume, e qui veniamo alle note dolenti! Perché se da un lato la trama appassiona, dall'altro si nega. Prima cosa: da un episodio in poi troveremo sempre Miyu, una sorta di cupido, ma chi è Miyu? Quel che sappiamo è quel che vediamo, ossia un personaggio che probabilmente ha il ruolo di pura mascotte, che per via dell'aspetto (e della voce) dovrebbe suscitare tenerezza e ilarità, invece è solo una lagna. Seconda: per tutti gli eroi ci sarà uno spazio per raccontare il loro passato, di tutti meno che Rei! La ragazza si adopera nella preveggenza e noi restiamo allibiti perché non capiamo da dove derivi questa importante dote; al pubblico non piace sentirsi stupido (^.^). Terza e ultima cosa, ma così importante che spero sia sfuggita a me la spiegazione: se Madora ha trecento anni e sapremo poi il perché, e se c'è un motivo anche per Condra e Zarkon se sono ancora in vita dopo tanto tempo, cosa dobbiamo pensare di Platos, suo fratello e Ra-Male? Sono anche loro come Madora e Condra? Oppure erano "congelati" come Zarkon? Qui a qualcuno è sfuggito qualcosa...

E' per via di questi aspetti che ho abbassato la media del giudizio; ad essere obiettivi avrei dovuto dare tre stelle, solo che la storia mi ha emozionato in più di un'occasione, complice la magia del romanticismo. Mi è inoltre piaciuto come all'inizio si presentino i vari luoghi che sono un mistero da secoli, tipo le piramidi dell'Egitto o il "triangolo delle Bermuda", che gli autori risolvono in modo originale e in linea con l'opera (tipo il costante scenario dell'isola di Pasqua con i caratteristici Moai), ma di contro c'è l'aspetto tecnico, con i personaggi che quando camminano sembrano tronchi, e con alcune scene di combattimento riciclate, ma almeno le immagini sono luminose e nitide, il sonoro è buono così come le musiche, infine il doppiaggio è davvero ben fatto.

L'opera si regge in equilibrio sulla bilancia; se l'esito sarà positivo o negativo dipende solo da come (e cosa) lascia allo spettatore quando cala il sipario. Nel mio caso, applausi.

Meme 2011

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Thu, 05 Jan 2012 20:05:00 +0000

Eccomi qua (reduce da un'antipatica influenza) a partecipare su invito di Stefy di Inchiostro e Cioccolato a un curioso Meme dedicato alle letture del 2011.
Una volta risposto a tutte le domande (mi servirò della mia libreria su aNobii per dare risposte più precise!), passerò il compito ad altri cinque follower :)

1- Quanti libri hai letto nel 2011?

58, meno del 2010

2- Quanti erano fiction e quanti no?

Si tratta perlopiù di fiction

3- Quanti scrittori e quante scrittrici?

Tantissime scrittrici e pochi scrittori (la cosa soprende anche me)

4- Il miglior libro letto?

"L'ultimo elfo" di Silvana De Mari e "Fahrenheit 451" di Ray Bradbury entrati subito nella lista dei miei libri preferiti

5- E il più brutto?

Ce n'è uno, anzi, un paio, ma preferirei non rispondere (si può comunque immaginare leggendo le recensioni che ho scritto... ops!)

6- Il libro più vecchio che hai letto?

"Fahrenheit 451" di Ray Bradbury, scoperto in modo inaspettato perché mi è stato detto che il mio inedito gli assomiglia (magari fosse!)

7- E il libro più recente?

"Nemesis 2 - La chiave di Salomone" di Francesco Falconi

8- Qual'è il libro con il titolo più lungo?

"I Guardiani delle Anime - la maledizione della Regina" di M.P.Black

9- E quello più corto?

"436" di Anna Giraldo!

10- Quanti libri hai riletto?

Nessuno

11- E quali vorresti rileggere?

Ne vorrei rileggere alcuni, ma non ora, è troppo presto... prima devo dimenticarmeli un po' ^^

12- I libri più letti dello stesso autore quest'anno?

Dello stesso autore, nessuno, ma solo perché alcuni libri li sto per cominciare (e uno l'ho già cominciato) adesso, quindi non li possono conteggiare come letture del 2011

13- Quanti scritti da autori italiani?

Per la maggior parte si tratta di autori italiani, diciamo un 80%

14- E quanti libri letti sono stati presi in biblioteca?

Nessuno.

15- Dei libri letti quanti erano ebook?

E questo è tutto!

Passoparola a:

- Chiara di A Book Bite
- Girasonia di Cuore d'inchiostro
- Voce del silenzio de Le mele del silenzio
- Sam di Libri e Caffèlatte
- Dilhani Heemba del suo omonimo blog

Ci risentiamo presto con un paio di nuove recensioni!

Articolo per TrueFantasy "Jappo W!": Sonic!

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Sun, 01 Jan 2012 16:05:00 +0000

BUON 2012 A TUTTI!!!!

Che sia un anno sereno e felice,

a dispetto della massacrante manovra finanziaria,

della profezia dei Maya,

e di chissà che cosa da chicchessia;
gliela faremo vedere noi!

Iniziamo subito con un nuovo articolo, celebrativo del ventennale di Sonic, pubblicato oggi su TrueFantasy per la mia rubrica "Jappo W!"

Buona Lettura!

Cari amici di TrueFantasy,
come annunciato nello scorso articolo iniziamo l'anno nuovo celebrando il ventesimo anniversario di un'altra serie, quella del riccio più famoso dei videogiochi: Sonic The Hedgehog!

La serie di Sonic è stata ideata nel 1991 dalla SEGA (per la precisione da Naoto Oshima, Hirokazu Yasuhara e Yuji Naka), principalmente per competere con la diretta rivale di allora: la Nintendo e la sua famosissima mascotte Super Mario. Sonic è diventata la mascotte ufficiale della SEGA sul Sega Mega Drive, e guarda caso è una serie che si basa sullo stesso genere di Mario: il platform (piattaforma).
Ciò che differenzia le due serie, i creatori lo hanno voluto evidenziare nel nome del loro personaggio: "sonic", infatti, tradotto dall'inglese significa "sonico", questo perché il riccio blu è caratterizzato dall'abilità di correre e saltare molto velocemente; in due parole, velocità supersonica. Chiunque abbia preso in mano un gioco della serie si sarà subito accorto di quanto Sonic sia dinamico e scattante: discese frenetiche, giri della morte, sfrecciate sott'acqua, rincorse tra una piattaforma e l'altra...

La trama del gioco è delle più classiche: l'eroe, Sonic, deve salvare il mondo dal male! Il male è in questo caso impersonato dal malvagio Ivo Robotnik (detto Dr. Eggman), un illustre genio dal QI pari a 300 che vuole creare la sua personale utopia (Eggmanland), rubando i Sette Smeraldi del Caos; questi Smeraldi racchiudono energia positiva e negativa, perciò producono Chaos, una potente energia capace di trasformare e donare poteri a chi la usa.
Sonic può usare gli Smeraldi a piacimento, e una volta riuniti tutti può trasformarsi in Super Sonic, diventando così dorato, avvolto da un'aura che lo rende pressoché invulnerabile, e acquisisce tanti nuovi poteri tra cui la capacità di volare.
Ma ci sono altre forme che Sonic può assumere: Hyper Sonic ("Sonic The Hedgehog 3" e "Sonic & Knuckles"), Darkspine Sonic ("Sonic e gli anelli segreti"), Werehog Sonic ("Sonic Unleashed"), e tante altre trasformazioni che sono un'esclusiva dei comics o della serie animata, e ad esempio di quest'ultima citiamo Dark Sonic, della serie anime "Sonic X", ossia la controparte oscura di Super Sonic fatta di emozioni negative e risentimenti.

Riguardo all'aspetto "di base" di Sonic c'è da dire che è cambiato nel corso degli anni: dallo sguardo vispo e le forme arrotondate create da Naoto Oshima, alla versione adulta con corpo e gambe più slanciate e occhi verdi del restyling di Yuki Uekawa nel 1998.

Guardiamo la sua evoluzione scorrendo l’elenco dei titoli usciti fin'ora.

1991	Sonic the Hedgehog	Mega Drive, Arcade, Saturn, Dreamcast, PC, GameCube (in “Sonic Mega Collection”) PS2 e Xbox (in “Sonic Mega Collection Plus”), Gameboy Advance, PSP, PS3 e Xbox360 (in “Sega Mega Drive Ultimate Collection”), Nintendo DS (“Sonic Classic Collection”), Virtual Console del Wii, Xbox live, e per cellulari
1992	Sonic the Hedgehog 2 (arriva Miles “Tales” Prower, futuro co-protagonista della serie)	Mega Drive, Game Gear, Saturn, GameCube (in “Sonic Mega Collection”), PS2 e Xbox (in “Sonic Mega Collection Plus”), PC, PS3 e Xbox360 (in “Sega Mega Drive Ultimate Collection”), PSP, Nintendo DS (“Sonic Classic Collection”), Virtual Console del Wii, Xbox live, e per cellulari
1993	Sonic Chaos	Master System, Game Gear, GameCube e PC (incluso in “Sonic Adventure DX), PS2, Xbox, Virtual Console del Wii
1993	Sonic the Hedgehog CD (arrivano Amy Rose e Metal Sonic)	Mega CD, PC, GameCube, PS2, PS3, Xbox360
1994	Sonic the Hedgehog 3 (arriva Knuckles the Echidna)	Mega Drive, Saturn, GameCube, PS2, Xbox, PC, PS3, Xbox360, Nintendo DS
1994	Sonic & Knuckles (seguito di “Sonic the Hedgehog 3”)	Mega Drive, Saturn, GameCube, PS2, Xbox, PC, PS3, Xbox360, Nintendo DS
1994	Sonic Triple Trouble (seguito di “Sonic Chaos”)	Game Gear, GameCube, PS2, PC, Virtual Console del Wii
1996	Sonic 3D Blast (con un “finto” 3D)	Mega Drive, Saturn, PC, GameCube, PS2, Xbox, PS3, Xbox360
1996	Sonic Blast	Master System, Game Gear, Dreamcast, PC, PS2, Xbox, GameCube, Xbox360, Xbox live
1999	Sonic Adventure (il primo tridimensionale)	Dreamcast, GameCube, PC, PSN, Xbox live
2001	Sonic Adventure 2 (arrivano Rouge the Bat e Shadow the Hedgehog)	Dreamcast, GameCube
2002	Sonic Advance	Gameboy Advance, N-Gage
2002	Sonic Advance 2 (arriva Cream the Rabbit)	Gameboy Advance
2004	Sonic Heroes (il giocatore controlla tre personaggi contemporaneamente)	GameCube, PS2, Xbox, PC
2004	Sonic Advance 3 (arriva Marine the Raccon)	Gameboy Advance
2007	Sonic e gli anelli segreti (ambientato nelle “Storie delle mille e una notte”)	Wii
2008	Sonic Unleashed	PS2, Wii, PS3, Xbox360
2009	Sonic e il Cavaliere Nero (ambientato nel mondo di Re Artù, prevede la lotta con la spada)	Wii
2010	Sonic Colors	Wii, Nintendo DS
2011	Sonic Generations	Nintendo 3DS, PC, PS3, Xbox360
2012	Sonic the Hedgehog 4	PSN, Xbox live, WiiWare

Dalla lista sono esclusi i vari pinball, corse, picchiaduro e party-game, oltre agli spin-off di Tails e il gioco che ha Shadow come protagonista (“Shadow the Hedgehog”, 2005, per GameCube, PS2, Xbox).

“Sonic Generations” è il gioco ideato per celebrare il ventesimo anniversario della serie: Sonic è catapultato vent’anni nel passato a causa di un tunnel temporale, e incontra il se stesso di vent’anni prima. Il gioco è diviso in due tipi di livelli, dove in uno vestiamo i panni del Sonic Classico in 2D, mentre nell’altro abbiamo il Sonic Moderno in 2,5D; il sistema di controllo e la musica cambia a seconda del personaggio in uso.

Abbiamo iniziato quest’articolo dicendo che Sonic, made in SEGA, è il diretto concorrente di Mario, mascotte della Nintendo. Ebbene, era.

Quando nel 2001 SEGA uscì dal mercato delle console per dedicarsi esclusivamente ai software e ai videogiochi, Sonic cominciò ad apparire anche nelle console Nintendo (oltre a Playstation e Xbox, naturalmente), ma mai i fan si sarebbero aspettati di vedere le loro mascotte preferite finalmente insieme, cosa che accadde nel 2007 con “Mario & Sonic ai giochi olimpici”! Da allora i due (con gli altri personaggi delle rispettive serie) sono diventati compagni (e rivali) inseparabili nei giochi olimpici, da Atene ai giochi invernali a Vancouver, per finire oggi con le olimpiadi di Londra 2012 (questa serie è prodotta in esclusiva per Wii e Nintendo DS). La collaborazione si ripete anche nel 2008 con “Super Smash Bros. Brawl” su Wii, dove Sonic fa la sua prima apparizione nella serie picchiaduro fan service della Nintendo.

Come accennato all’inizio, dalla serie di Sonic sono stati tratti anche diverse serie anime, “Sonic X” (78 episodi trasmessi anche su Italia1, Jetix e K2), “Adventures of Sonic the Hedgehog” (91 episodi, unito con “Sonic the Hedgehog” e trasmesso su Italia1 e Fresbee), “Sonic Underground” (40 episodi trasmessi su Boing), un OVA di due episodi, “Sonic the Hedgehog the Movie” che si può trovare anche su youtube come fansub in italiano, infine il cortometraggio “Sonic: Night of the Werehog”, costoso filmato in computer grafica ideato per promuovere il gioco “Sonic Unleashed”.

“Sonic X” è stato adattato anche come fumetto, in Italia edito all’interno della Jetix Magazine, inoltre esistono i fumetti di “Sonic the Hedgehog” e la serie secondaria “Sonic Universe” edite entrambe dalla statunitense Archie Comics.

Auguri, Sonic!

E auguri a tutti gli amici di TrueFantasy per un Felice 2012!

Buon Natale 2011!

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Sat, 24 Dec 2011 15:47:00 +0000

Agli amici di Universi Incantati, che siate follower, simpatizzanti, visitatori, o capitati qui per sbaglio ^^:

TANTI AUGURI DI

BUON NATALE!

...che sotto l'albero troviate

ciò che più desiderate nel profondo!

Dimentichiamo crisi, arrabbiature, frenesia.

Natale è pazienza, tolleranza, solidarietà;

l'occasione giusta per avvicinare i nostri cuori.

Perché Natale è amore.

(immagine animata creata da Lamù Lum, fonte: http://lamuruseiyatsura.altervista.org/home.html - passateci perché è un sito davvero completo su "Urusei Yatsura" alias Lamù! ^^)

Recensione "436" di Anna Giraldo (Casini Editore)

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Fri, 23 Dec 2011 19:21:00 +0000

Recensione "436" di Anna Giraldo (Casini Editore)

Il fascino del passato

Ci risiamo: un urban fantasy che ha come protagonista una diciassettenne.
Ma la ragazza in questione, Redlie, è un peperino che non si fa mettere i piedi in testa da nessuno; ha imparato a badare a se stessa fin da bambina perché la madre Alessandra non si è mai preoccupata dei bisogni della piccola (inclusi quelli primari, come il cibo) abbandonandola spesso per giorni senza nemmeno avvisarla che usciva di casa. Il padre scozzese, invece, Redlie non l'ha mai conosciuto; non sa nemmeno come si chiama.
Ci risiamo, ancora: un bel giorno arriva una tutrice che preleva la protagonista e la porta con sé in una nuova realtà; per la precisione, dall'Italia a Londra.
Ma zia Daisy è un tipetto particolare, giovane e pazzerello, che lavora in un'erboristeria dove prepara intrugli dall'aspetto magico, e spesso organizza feste in casa colme d'invitati che si trattengono fino al giorno dopo; si tratta d'individui che sembrano nascondere qualcosa di sovrumano, compresi i quattro ragazzi con cui Redlie fa amicizia, ossia Tim (detto "Honey"), Lucas, Tree e Anthony.
L'intero gruppo (ossia un clan di esseri particolari) vede che la protagonista ha qualcosa di speciale che sfugge a lei stessa; eccola là, la dote dell'umile (e non dell'eroe).
Ma di cosa si tratta, nello specifico? Ha a che fare con le visioni che le giungono inaspettate e le scene che sembrano provenire da un passato remoto? Spesso Redlie pensa: "sono ciò che sono", ma in realtà non ha piena coscienza di sé. Uno dei grandi misteri in questa storia è infatti proprio quello, per Redlie, di scoprire la sua vera natura e i poteri ad essa connessi.
Nel frattempo, la protagonista instaura un legame stretto con i quattro ragazzi e soprattutto col dolce e sensibile Honey, tuttavia s'innamora del belloccio di turno e del suo fascino oscuro; insomma, il tipico bello, dannato e irraggiungibile.
Ma Sean non è un vampiro. Cos'è lui realmente è un altro dei misteri che Redlie deve risolvere, e mai e poi mai mi sarei aspettata un mix del genere! Certo, mi ha lasciato perplessa la facilità con cui la ragazza intuisce la verità, ma prima di puntare il dito contro l'autrice bisogna leggere il romanzo fino alla fine e vedere che ogni cosa ha il suo perché.

In quest'introduzione ho giocato con i cliché del genere per portare attenzione su questo principio: è normale che un fantasy (in questo caso, urban) abbia delle basi in comune con altre storie della sua stessa impronta, tuttavia in "436" queste basi sono dei semplici punti di partenza da subito proiettati verso sviluppi originali.
L'inizio del libro è uno dei migliori incipit che abbia mai letto: diretto, chiaro. Ha un ritmo in crescendo, in linea con la protagonista che narra dalla sua infanzia, l'adolescenza, fino ai suoi diciassette anni. Abbiamo il background della protagonista perfettamente delineato; cosa volere di più? Nonostante non sia nuovo il tema infelice di una madre che non si cura della figlia, Redlie ci racconta in prima persona il suo vissuto con un linguaggio accattivante, che ha personalità, ed è capace di creare subito un legame con il lettore; da una parte curioso di conoscere come e se si evolverà il rapporto con la madre, dall'altra perché sensibilizzato.
Arriva zia Daisy, poi l'inizio di una nuova vita a Londra con un gruppo di amici speciali: se pensiamo che gli inglesi siano freddi, è qui che invece Redlie trova il calore della famiglia. Si nota subito come il nuovo ambiente domestico si contrapponga alla solitaria esistenza che la ragazza svolgeva in Italia: il vivere tutti insieme sotto lo stesso tetto, lo "spreco" di vezzeggiativi tipicamente inglesi quali "darling", la coccola dell'ora del tè, i continui contatti fisici tra abbracci consolatori, baci casti e strette di mano protettive; la nuova famiglia di Redlie "straripa" d'amore per lei, lei che per diciassette anni non si è mai sentita amata. All'inizio fa un certo effetto vedere tutte queste smancerie, ma come tutte le cose occorre farci l'abitudine: è un modo di vivere la vita che dovremmo invidiare, altroché!

Poi arriva Sean, e quasi contemporaneamente, l'antagonista David.
La mia lettura procedeva interessata finché non sono partite dichiarazioni d'amore un po' troppo aperte per due persone che si conoscono da così poco tempo, tuttavia ho cercato di non darci peso e ho proseguito: incredibile, ciò che mi era parso come "storto" ha un suo perché, ancora!
Prima di arrivarci, però, la parte centrale l'ho sentita sottotono, principalmente perché gli sviluppi tardano a manifestarsi; è come se assistessimo alla vita di Redlie di tutti i giorni; non ci si accorge che delle piccole evoluzioni scorrono, intanto, sotto i nostri occhi.
Le rivelazioni appaiono solo alla fine del libro.
L'autrice è abile a mantenere il segreto così a lungo, ma questa caratteristica può essere un'arma a doppio taglio per chi, come me, a un certo punto ha bisogno come l'aria di avere delle risposte. Persino il titolo, "436", svela il suo significato solo alla fine; ma proprio alla fine-fine!
C'è dell'altro: a lettura ultimata non tutto viene perfettamente chiarito in ogni suo punto. Mi sarebbe piaciuto, ad esempio, capirne di più a proposito di Epiphany e Breathless... forse un'ulteriore lettura potrebbe fare più luce sulla vicenda, altrimenti gli approfondimenti potrebbero esserci nel seguito "Thunder + Lightning"; chissà.

Tornando alla parte centrale del romanzo, personalmente ho ricominciato a provare interesse dall'apparizione di James. Ad emozionarmi, infatti, non è stata tanto la storia d'amore tra Redlie e Sean (pur trattandosi di un amore romantico dove ho però trovato un eccesso di battibecchi - non è che a provocarli è la mentalità della donna moderna? ^.^), bensì il rapporto della ragazza col padre. Ogni loro piccolo gesto mi ha trasmesso emozione: l'imbarazzo dell'incontro e il non sapere cosa aspettarsi, la sorpresa di un primo accenno d'affetto, quel vezzeggiativo, quel comportamento eccessivo tipicamente paterno, gli scontri tra due mentalità (e personalità);è questa la parte del romanzo che mi è entrata nel cuore. Mi è piaciuto anche il concetto che si rimarca all'inizio del romanzo, ossia "il non dare un nome alle cose"; toccante.

Un altro aspetto del libro che ho apprezzato è il particolare dell'allenamento: Redlie avrà pure una capacità innata, ma deve imparare a gestirla, affinarla; finalmente un'eroina che suda e si allena duramente! Diventa un bell'esempio di tenacia, oltretutto.
Più in generale, inoltre, mi sono piaciuti i sipari che riguardano il passato e/o le visioni: ho un debole per queste cose.
Mi ha invece lasciata indifferente l'antagonista David: è un cattivo un po' sciatto, acerbo. Non ho percepito la sua malvagità, né mi ha dato tensione se non nella scena riguardante gli amici di Redlie. Pensavo che David avrebbe dato il meglio di sé (ossia il peggio) nella scena finale, ma a conti fatti la sua presenza è superficiale anche ai fini della storia: Redlie e Sean monopolizzano l'evento chiave.

Per finire, un accenno alle caratteristiche "tecniche" del romanzo: prima o poi mi abituerò alla scelta della Casini di non numerare le pagine, ma qui emerge più che altro l'esigenza di una traduzione a pié pagina per le frasi in inglese; alcune le ho capite, ma per altre si è resa necessaria una consultazione esterna, e non avrei voluto staccarmi dalla lettura!

Rileggerei questo libro volentieri, intanto, per chi ancora non lo avesse letto, lascio il Booklet con le prime pagine del romanzo, preso direttamente dal Promo Center della Casini Editore: buona lettura!

Nuovo articolo per TrueFantasy "Jappo W!": Dragon Quest

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 19 Dec 2011 15:49:00 +0000

E' appena stato pubblicato su TrueFantasy, rubrica "Jappo W!", il mio articolo sulla serie di videogiochi "Dragon Quest".
Come sempre lo riporto anche qui, mentre per leggerlo su TrueFantasy basta che clicchiate sul banner qui di seguito. Buona lettura!

Cari amici di TrueFantasy,

il 2011 sta per finire, ma non possiamo salutare l'anno senza prima ricordare che altre due note saghe videoludiche festeggiano il venticinquesimo anniversario. Quella che trattiamo oggi è la serie high-fantasy RPG di “Dragon Quest"!
Creata da Yuji Horii col suo studio Armor Project, Akira Toriyama (il mangaka di “Dragon Ball”) ai disegni, e Koichi Sugiyama in qualità di compositore della colonna sonora orchestrale, la serie è prodotta dalla Square Enix (Enix fino al 2003) e appare per la prima volta nel 1986 sulla console 8 bit della Nintendo (il Nes) per poi approdare nel corso degli anni anche sulle piattaforme MSX-DOS, Playstation, e i telefoni cellulari.

Yuji Horii dichiara d'essersi ispirato a videogiochi di ruolo occidentali come "Wizardry" e "Ultima", con la differenza che "Dragon Quest" è un gioco semplice e divertente dove non è necessario pensare alle strategie, questo anche grazie al gameplay intuitivo.

Conosciuta come “Dragon Warrior” negli Stati Uniti (ha conservato questo nome fino al 2005 perché "Dragon Quest" era un marchio registrato per un omonimo RPG da tavolo) si sviluppa intorno alla classica trama dell'eroe che lotta per salvare il mondo dalle forze del male, compito che egli svolge assieme a una compagnia d'altrettanti valorosi guerrieri (il numero dei membri varia a seconda del titolo).

A scanso equivoci lo diciamo subito: ogni "Dragon Quest" è una storia a sé, quindi non c'è un ordine cronologico, né una diretta connessione tra i giochi.

Solitamente, la storia si svolge tra diverse città (dove si provvede anche a rifornire il proprio arsenale d’armi), vari dungeon, e attraverso la mappa del mondo. I compiti degli eroi si alternano tra il ritrovamento di certi oggetti e le missioni che prevedono la sconfitta di un certo nemico. Nel frattempo, l’incontro con altri personaggi “non giocabili”, serve a salvare la partita (il prete o la suora nella Chiesa) o per dare il via a trattative sugli oggetti da vendere o comprare, ma è anche determinante ai fini della storia, che sia per lo sviluppo della trama, oppure perché un certo personaggio potrebbe decidere di unirsi alla compagnia. Tanti i minigames presenti nel gioco, mentre per completare l'avventura, spesso gli eroi devono sconfiggere l'antagonista principale della storia.

Il gioco si svolge in base a un sistema di combattimento a turni dove il giocatore decide preventivamente gli attacchi che dovrà sferrare ogni membro della compagnia; certi personaggi dispongono anche di magia o particolari abilità che, tra le altre, portano al recupero di energia o al ripristino delle condizioni normali di stato. Il sistema di gioco dei vari "Dragon Quest" è basato sull'incontro di nemici casuali mentre ci si sposta per i dungeon o per la mappa, ma da “Dragon Quest IX” i nemici diventano visibili e si possono evitare, così come si è liberi di scegliere di affrontarli.

Sconfiggendo i nemici, come in ogni classico RPG, anche in "Dragon Quest" i personaggi guadagnano punti esperienza che fanno sì che possano crescere di livello e passare a una classe superiore (da “Dragon Quest III” è possibile scegliere la classe di appartenenza di ogni membro della compagnia).

Tra i vari mostri presenti in “Dragon Quest” lo Slime è il più famoso, tanto che si tratta della mascotte della serie. Questa gelatina sorridente, a forma di goccia blu, è il primo mostro che s’incontra in ogni gioco, e – probabilmente per questo – il più facile da sconfiggere. Ma non tutti gli Slime sono nemici; con alcuni ci si può spendere qualche chiacchiera, e addirittura possono chiedere di unirsi alla compagnia di eroi (cosa che accade anche con altri tipi di mostri). Il successo dello Slime ha portato allo sviluppo di un paio di spin-off aventi lui come protagonista.

Tralasciando gli spin-off tra cui la serie “Dragon Quest Monsters”, ad oggi la serie principale conta nove titoli (il decimo in uscita nel 2012) tra i quali alcuni remake; vediamoli nel dettaglio.

1986	Dragon Quest	Nes, Snes, Gameboy Color, Wii
1987	Dragon Quest II: Pantheon di spiriti maligni	Nes, Snes, Gameboy Color, Wii
1989	Dragon Quest III: E così entrò nella leggenda…	Nes, Snes, Gameboy Color, Wii
1990	Dragon Quest IV: Le cronache dei prescelti	Nes, Snes, Playstation, DS
1992	Dragon Quest V: La sposa del destino	Snes, Playstation 2, DS
1995	Dragon Quest VI: Nel regno dei sogni	Snes, DS
2000	Dragon Quest VII: I guerrieri dell’Eden	Playstation
2004	Dragon Quest VIII: L’odissea del re maledetto	Playstation 2
2009	Dragon Quest IX: Le sentinelle del cielo	Nintendo DS
2012	Dragon Quest X: Rise of the five tribes - Online	Wii, Wii U

É stato da poco annunciato che quest'ultimo titolo sarà un MMORPG (Massive Multiplayer Online RPG - come "World Of Warcraft", per intenderci) ma sembra sarà possibile giocare anche in singolo e offline, per non scontentare i fan della serie.

Per ogni gioco della serie principale è stato adattato un manga e/o un anime.

In Italia sono usciti “L’emblema di Roto” (21 volumi, Star Comics) e “Dai – La grande avventura” (37 volumi, Star Comics); da quest'ultimo è stato tratto anche l'anime “I Cavalieri del drago”, una serie di 46 episodi, e il film “Dragon Quest Dai no Daibouken” mai uscito in Italia (come anche i film "Stand Up!! Disciples of Avan" e "Destroy!! The Reborn 6 Commanders").
In Giappone la serie ha avuto un successo tale da spingere la Square Enix ad aprire un ristorante a Tokyo nel quartiere Roppongi: direttamente da “Dragon Quest IX: Le sentinelle del cielo”, ecco il Luida’s Bar! Il ristorante, oltre ad essere arredato seguendo fedelmente l’originale, offre piatti ispirati al mondo di "Dragon Quest", ad esempio il riso a forma di King Slime, ali di chimera alla griglia, carne di drago, e pizzette che riproducono lo scudo con l’emblema della casata di Roto. Non è tutto: sembra che il ristorante acquisisca punti esperienza man mano che trova clienti, e di conseguenza possa crescere ed espandersi in perfetto stile RPG! I prezzi del menu sono poi espressi in Gold, ossia la moneta del videogioco; per ogni consumazione il cliente guadagna dei Medal Points che possono essere spesi per acquistare gadgets e premi esclusivi.

Buon venticinquesimo anniversario, Dragon Quest!

Valentina Bellettini

Recensione "Arrietty - il mondo segreto sotto il pavimento"

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Fri, 02 Dec 2011 14:08:00 +0000

Recensione "Arrietty - il mondo segreto sotto il pavimento"di Hiromasa Yonebayashi (Studio Ghibli)

Una piccola amica per una grande storia

Come abbiamo visto ne "Il mio vicino Totoro" e "La città incantata", anche l'ultima opera dello Studio Ghibli comincia con un trasloco, o meglio, un trasferimento. Seguiamo il viaggio di un'auto con a bordo un ragazzino di nome Sho, la cui voce fuori campo comincia a narrare di quell'estate passata nella villa dove sua madre aveva vissuto l'infanzia. Sho è malato. Il trasferimento è dovuto al fatto che presto dovrà affrontare una delicata operazione al cuore, presumibilmente in quella città, Koganei.
Lungo la stradina che porta alla villa, Sho scende dall'auto e s'incammina verso il giardino per guardare là dove il gatto sta puntando qualcosa; tra le piante, infatti, c'è un esserino, precisamente una ragazza, che si muove e si arrampica tra gli steli in cerca di un nascondiglio.

La ragazzina ha quattordici anni, si chiama Arrietty, ed è una "prendimprestito", ossia un essere alto appena 10 centimetri comunemente conosciuto come "gnomo". L'appellativo "prendimprestito" deriva dal fatto che quelli della sua specie sono soliti uscire all'aperto in cerca di oggetti utili al loro fabbisogno (ad esempio, una foglia di alloro riuscirà a sfamarli per un anno) ma una volta usciti di casa devono preoccuparsi di non essere visti dagli umani, cosa che accade ad Arrietty proprio quel giorno, quando Sho la nota sia la mattina sia quella sera stessa, colta sul fatto nella stanza del ragazzo mentre lei e il padre erano intenti a sollevare un fazzoletto dalla scatola (modello "kleenex"). Per lo spavento, Arrietty perde la zolletta di zucchero rendendo così inutile l'uscita, ma soprattutto, essendo stata vista, la sua famiglia è ora costretta a trasferirsi.
Il giorno dopo, Arrietty trova la stessa zolletta di zucchero lasciata fuori nel giardino, assieme a un messaggio da parte di Sho: nonostante la paura e le raccomandazioni dei genitori, la curiosità di avvicinarsi all'umano è troppo forte, così, superate le barriere e gli ingiustificati pregiudizi, nasce un rapporto che è qualcosa di più di un'amicizia, perché basato sul rispetto e il sostegno reciproco; è un'occasione di crescita per entrambi.

Sho e Arrietty hanno infatti bisogno l'uno dell'altra; sono due esseri fragili. La fragilità di Arrietty deriva principalmente dalle sue proporzioni, poiché in realtà è tenace, ha un'incredibile forza di volontà, e le inquadrature sul suo primo piano ci mostrano uno sguardo determinato, esattamente come le protagoniste delle altre opere dello Studio Ghibli (Nausicaa e Kiki). Però, Arrietty non può contare sul lato "magico" come ci si potrebbe aspettare da creature come lei: i "prendimprestito", infatti, non hanno alcuna caratteristica fatata; sono come gli umani, solo più piccoli.
Passando a Sho, invece, vediamo come egli non possa contare sulla forza fisica, ma nemmeno su quella morale. Egli è malato, gracile, minuto, ha il viso pallido, e la maggior parte del tempo è costretto a letto. Soffermandoci sul suo viso vediamo soprattutto una fragilità emotiva: egli ha un'espressione dimessa, gli occhi spenti; conserva quello sguardo persino quando trova Arrietty nella sua stanza, questo perché Sho è arreso, disilluso, e su tutte, solo. Egli deve operarsi, ma i suoi genitori sono occupati ognuno nelle proprie faccende; lontani da lui fisicamente quanto spiritualmente.
Arrietty gli trasmette un po' del suo coraggio e della sua determinazione, mentre Sho sente di doverla proteggere, ponendola prima della sua stessa salute.

Ad essere precisi, non è che le azioni di Sho vadano sempre a favore di Arrietty; ecco, lui agisce in buona fede, tuttavia, forse anche per via della giovane età, non pensa alle conseguenze delle sue azioni. Sostituire la modesta cucina della piccola famiglia con quella elegantissima della casa delle bambole, significa, per i poveretti, un vero e proprio terremoto in casa. Poi non è che i piccoletti volessero quell'abitazione sfarzosa, infatti quando Arrietty e il padre la raggiungono nel corso della prima missione della ragazzina, ne ammirano il lusso, poi però vanno oltre, dispiacendosi piuttosto dell'idea di lasciare la loro vecchia casa perché non è più un luogo sicuro.

E' infatti colpa della negligenza di Sho se la governante scopre l'esistenza delle creaturine. Per lei sono dei "rubacchiotti"! Ignora come Arrietty e la sua famiglia prendano solo beni di primaria necessità che gli umani hanno in quantità "industriale" (zucchero, fazzoletti), oppure oggetti dimenticati (uno spillo, una molletta) oppure ancora, cose che agli umani non servono più.
Ci si potrebbe leggere una lezioncina di economia, specie in tempi di crisi come i nostri.
La governante, comunque, diventa l'antagonista della storia. Di certo non è realmente cattiva, ma le sue sono delle azioni malvagie, specie se viste sotto la prospettiva dei piccoletti: vedersi scoperchiare la casa, essere rinchiuso in un barattolo e poi nascosto, addirittura arriva a chiudere a chiave la stanza di Sho per impedirgli di uscire e intervenire a favore dei suoi piccoli amici. Non è chiaro il perché la governante reagisca così, se li detesti o se voglia mostrarli al pubblico come fossero trofei, ma ciò che è certo è che si tratta di una persona continuamente preda delle proprie emozioni.
Il fatto che non ci sia un antagonista vero e proprio, bensì la sua sola sfumatura, non è cosa nuova nelle opere dello Studio Ghibli, ma stavolta non mi ha soddisfatto. Forse sarebbe bastato colmare alcune lacune nel comportamento della governante, dando qualche spiegazione in più. Solo per questo, il mio giudizio si ferma a quattro stelle.

Questa pellicola segna l'esordio alla regia di Hiromasa Yonebayashi, già animatore de "La città incantata" e "Ponyo sulla scogliera". L'impronta di Hayao Miyazaki alla sceneggiatura, però, si sente eccome, e la si percepisce anche nell'atmosfera: segno di una personalità dominante (quella di Miyazaki), o di un allievo che ha colto alla perfezione i suoi insegnamenti (Yonebayashi)? Nonostante l'inizio sia un po' lento rispetto agli standard cui ci ha abituato lo Studio (che non è detto sia un male con tutto il nostro correre quotidiano), Yonebayashi ci conduce per mano dentro la storia, senza lasciarci sfuggire il più piccolo particolare (lo strap dello zaino che si scolla), ci incanta con le immagini di una natura brillante e coloratissima (la stanza di Arrietty e il giardino), ci culla con la dolcezza dei protagonisti (espressa nei gesti oltre che trasparire dai visi), e il risultato è quello che lo Studio Ghibli regala da sempre: un delicato sussurro che tocca nel profondo l'animo dello spettatore.
La storia è di per sé piuttosto semplice ed è tratta dalla serie di racconti fantasy per ragazzi "Gli Sgraffignoli", dell'inglese Mary Norton (è stato tratto anche un film nel 1997, "I rubacchiotti", regia di Peter Hewitt), ma ormai sono dell'idea che lo Studio Ghibli impreziosisca tutto ciò che tocca: sarà per i disegni in stile classico in un'era dominata da computer grafica e 3D, sarà perché trattano temi sociali e di sensibilizzazione che si colgono "tra le righe", più che essere sbandierati, sarà perché sono ancora un genere "di nicchia" piuttosto che commerciale, fatto sta che fanno breccia nel mio cuore come pochi film d'animazione sanno fare. Sottolineo: film. Guai se sento la definizione: "cartoni per bambini"!
Immagini, trama e contenuti, senza dimenticare l'importanza della musica. Una colonna sonora composta e cantata dalla bretone Cécile Corbel che si sposa perfettamente con l'atmosfera: delicata, poetica, magica. Che magnifica sorpresa sentire il tema principale, la "Arrietty's Song", cantato in italiano durante la sequenza finale e i titoli di coda. La musicista ha interpretato la canzone anche in giapponese, francese e inglese.

Il finale è commovente, e per la prima volta triste.
Il messaggio è positivo, ma può lasciare insoddisfatti coloro che si aspettano una conclusione netta piuttosto che lasciata intuire; non si tratta di un "vissero felici e contenti" ma non è detto che ciò non accada comunque. Come dimenticarsi, poi, del selvaggio Spiller, in cui si potrebbe leggere un altro messaggio sottinteso? Ossia, Arrietty e i suoi familiari non sono forse troppo civilizzati e dipendenti dagli umani? Perché non farli tornare in mezzo alla natura?
Ho già voglia di rivedere questo splendido film.
E questa canzone, non riesco a fare a meno di ascoltarla e riascoltarla:

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Recensione dedicata alla memoria della mia piccola amica Celeste,

scomparsa all'improvviso mercoledì scorso, proprio sul più bello (a pochi giorni dalla schiusa delle sue uova).

Tu mi richiamavi, e io ti rispondevo.

Tu avevi bisogno, e io avevo bisogno di te.

Abbiamo sofferto quando se n'è andata Zorrina; ci siamo fatte compagnia e legate strette l'una all'altra, inconsapevoli che sette mesi dopo te ne saresti andata anche tu.

Entrambe avevamo i nostri progetti, che s'intrecciavano.

Mi volevi bene, lo so.

Io te ne vorrò per sempre.

Avrò cura di Kiwi; non sarà mai solo.

E a te... a te un grazie.

Perché è sempre un privilegio quando un animale ti accoglie nel suo cuore.

Recensione videogioco "Time Hollow" (Nintendo DS)

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Tue, 22 Nov 2011 11:03:00 +0000

Recensione videogioco "Time Hollow" (Nintendo DS)

Basta poco per cambiare il nostro destino

Per la prima volta mi accingo a recensire un videogioco: volevo farlo da tempo, ma sembra proprio questa l'occasione giusta per rompere il ghiaccio, poiché "Time Hollow" fa parte di quella tipologia di videogiochi che, se non fosse per la componente interattiva, sarebbero libri. Si tratta infatti di un'avventura grafica, di quelle che ebbero origine sul PC e che coniarono la definizione "punta e clicca"; il Nintendo DS sembra fatto apposta per questo genere, grazie al pennino e allo schermo touch-screen.
Ma torniamo al videogioco.
Come ogni avventura grafica che si rispetti, "Time Hollow" ha come punto di forza la trama: nel giorno del suo diciassettesimo compleanno, Ethan Kairos (Tokyo Horo, nella versione originale giapponese) si risveglia dopo un terribile incubo nel quale i suoi genitori - più giovani di come sono in realtà - erano imprigionati in un edificio in fiamme. Ancora sconvolto, Ethan si alza dal letto, il tempo di vedere che l'arredamento della sua camera è leggermente diverso, poi scende al piano inferiore e trova suo zio che lo aspetta per la colazione: ma come, lo zio Derek vive con lui? Da quando? Ma soprattutto, dove sono finiti i suoi genitori? Confuso, Ethan parla con Derek, e viene improvvisamente a conoscenza dell'assurda verità: i suoi genitori sono scomparsi da quando aveva dodici anni! Ciò che aveva vissuto quella mattina, infatti, non era un sogno, ma la cruda realtà. Ethan s'interroga su come sia possibile, visto che fino alla sera prima aveva parlato coi genitori del suo regalo di compleanno, ma la verità è che si trova in universo alternativo, un mondo parallelo. Poco dopo, Ethan scopre che per cambiare le cose occorre identificare i flashback che ha di volta in volta, e sfruttare i poteri della Hollow Pen, una misteriosa penna che gli viene recapitata assieme a un bigliettino anonimo legato al collare del suo gatto Sox; tramite la Hollow Pen, Ethan impara ad aprire dei varchi temporali nel passato, e intervenendo, cambia il presente. Ma non solo il suo: la sua vita, come quella degli amici e delle persone che gli stanno accanto, con ogni piccola variazione, anche la più insignificante, è soggetta a continui risvolti inaspettati, a volte addirittura drammatici. Chi ha dato origine a tutto questo scompiglio non ci è dato sapere (lo si può ipotizzare una volta finita l'avventura), ciò che è certo, è che qualcun'altro sta intervenendo sulle loro vite, una persona che agisce nell'ombra e che Ethan non conosce; un'altro che possiede la Hollow Pen. Quest'informazione sarà rivelata da una ragazza misteriosa che piomba improvvisamente nel liceo e nella vita del ragazzo: Kori.

Fin dall'inizio, la storia mi ha ricordato il manga/anime "Death Note", perché usare la Hollow Pen è come usare il quaderno della morte, infatti i protagonisti determinano i destini delle vite altrui come se fossero una sorta di dio. In entrambe le opere, inoltre, lo strumento finisce nelle mani di una seconda persona, che nel caso di "Time Hollow" è l'antagonista.
Se paragonato ai videogiochi, invece, è facile associare il titolo ad altre avventure per Nintendo DS, come quelle dell'avvocato Phoenix Wright, anche se qui non ci sono casi da risolvere, le indagini sono più alla leggera, e anche le azioni da compiere sono più limitate, perciò lo assocerei piuttosto a un "Hotel Dusk: room 215" che è una sorta di romanzo interattivo, così come "Another code: two memories" con cui ha in comune anche la brevità dell'avventura.
E qui occorre chiarire.
Prima di tutto, la caratteristica delle azioni limitate.
Contrariamente a ciò che sembra, le possibilità di cambiare il passato non sono infinite, e non lo si può fare a piacimento sperimentando le alternative; piuttosto, è come se ci si muovesse su dei binari, perché si può intervenire solo in determinate circostanze (quando la Hollow Pen brilla) per apportare quelle specifiche modifiche che danno poi quel preciso risvolto. Una maggiore libertà in questo senso avrebbe aggiunto longevità al titolo, ma soprattutto, lo avrebbe reso più ricco, perché avrebbe creato anche situazioni curiose e simpatiche, quando il più delle volte, invece, si respira un'atmosfera tetra e drammatica. Mi sarebbe piaciuto, ad esempio, provare a modificare il destino dell'amico Vin, che a causa di un infortunio non può più giocare a basket, oppure fare in modo che la cameriera s'interessasse all'amico Ben, che ha una cotta (non ricambiata) per lei. Di certo, tutte le avventure grafiche si svolgono in modo che si debba arrivare a quella determinata fine (a parte titoli come "Post Mortem", per PC, che si diramano in più sviluppi e finali) ma c'è una bella differenza se s'induce il giocatore a compiere certi passi spontaneamente, lascinadolo a tu per tu con l'avventura.
Anche l'ambiente di gioco è limitato: nonostante la grandezza della mappa, le locations raggiungibili sono pochissime, e per di più, una volta esaurita la necessità di andarci, non saranno più evidenziate. In questo modo, inevitabilmente, si dimezza la quantità di enigmi e anche la loro tipologia, perché a parte interagire con gli oggetti (spostandoli, prendendoli, modificandoli, eccetera) l'unica alternativa è quella dei dialoghi, dove però ho trovato una forzatura: non solo si è costretti a cliccare sulle frasi da dire in quanto non ci sono altre opzioni, ma, peggio, occorre ripetere le stesse domande perché altrimenti non se ne esce!
Fortunatamente, nel capitolo finale si cambia impostazione e i dialoghi presentano varie opzioni di risposta ai quesiti (non capisco perché non sia stata adottata questa scelta fin dall'inizio) comunque, anche nel caso si rispondesse in maniera errata, non c'è alcuna penalità, e a voler essere pignoli non sarebbe stato male prendere l'esempio di "Phoenix Wright" che per ogni risposta sbagliata si restringe la barra di energia; insomma, in questo gioco manca un po' di sfida.
Una forzatura l'ho percepita anche nelle occasioni in cui sapevo come procedere ma il gioco m'impediva di agire perché richiedeva di fare prima altri passi, ad esempio, passare da tutte le locations disponibili e sentirmi rispondere ogni volta qualcosa del tipo: "qui non è", finché arrivavo al punto giusto, che era poi quello che avevo in mente fin dall'inizio (e qui ci vuole una faccetta frustrata >_<)
Sono questi, e non la brevità dell'avventura, gli aspetti negativi del gioco.
Ci sono avventure, ci sono storie, che seppur brevi, regalano momenti emozionanti e intensi, difficili da dimenticare: "Time Hollow" (nonostante i difetti elencati) è proprio uno di questi; l'ho trovato avvincente. Ero catturata dalle vicende e dai possibili sviluppi della trama, perché si tratta di una storia ricca di colpi di scena. Inoltre, il susseguirsi di eventi a catena trasmette un ritmo adrenalinico, che specie negli ultimi due capitoli si trasforma in una corsa contro il tempo per riparare ciò che ha causato il nemico.
Ho concluso l'avventura in soli due giorni perché ero avida di sapere come andava a finire; non è una cosa che accade proprio con i romanzi? E' poi entusiasmante vedere che rivoluzionando certi eventi del loro passato, mutino anche le personalità dei personaggi; buona la caratterizzazione psicologica.

Come si nota dalle immagini, i personaggi sono riprodotti in stile anime, e nel corso della storia assistiamo a diverse sequenze filmate - che nell'edizione europea sono doppiate in inglese e sottotitolate in italiano -d'impeccabile fattura, capaci di far sperare in un anime. Guarda caso, all'inizio dell'avventura abbiamo anche una sigla a tutti gli effetti, cantata da Masanori Akita e contenuta in "Dance Dance Revolution 2 Supernova" per PS2.
A parte che non condivido la scelta di cambiare i nomi giapponesi con nomi inglesi (e tradurre i cognomi con un gioco dei numeri che comunque in inglese non rende alla pari), la traduzione italiana non è delle migliori, e trattandosi di un libro interattivo l'uso corretto della lingua è fondamentale... invece troviamo errori grammaticali, addirittura ortografici, e se chiudiamo un occhio, poi succede che verso l'atto finale troviamo un oggetto con un numero, il 15, che successivamente, durante un dialogo, si trasforma in 18! Il bello è che c'è un enigma correlato a questo oggetto: ma quale dei due numeri va preso in considerazione? Imperdonabile.

Il finale della storia è qualcosa di magico, romantico e intelligente. L'epilogo si sviluppa in un modo che inizialmente può sembrare privo di senso, ma una volta che si assiste alla scena finale, tutto, ma proprio tutto, torna. E vogliamo dimenticare la breve scena che appare dopo la sigla? Da sognarci sopra elaborando teorie su teorie.
A quel punto si vorrebbe che la storia continuasse, e in un certo senso è davvero quello che accade: il cosidetto finale alternativo, lo vedrei piuttosto come un inizio alternativo, perfettamente logico considerando come finisce la storia (ma anche come inizia), e presenta un nuovo finale che è ancora più enigmatico; sempre che sia quella, la fine!

In conclusione, "Time Hollow" ha un'ottima trama e un'ottima storia, con personaggi davvero belli da vedere e una buona grafica; se fosse un manga, un anime, o anche un libro, meriterebbe cinque stelle. Siccome, però, si tratta di un videogioco, occorre tenere in considerazione anche le caratteristiche fondamentali del genere, tra cui il gameplay, la difficoltà, e la qualità degli enigmi, per cui non me la sento di andare oltre al 7. Beh, mica male!

Voto globale: 7

Recensione "Nemesis 2 - La chiave di Salomone" di Francesco Falconi

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Fri, 18 Nov 2011 17:43:00 +0000

Recensione "Nemesis 2 - La chiave di Salomone" di Francesco Falconi (Castelvecchi)

Cento volte meglio di Nemesis 1!

Il Demone Emerso Ellen Lynch e l'Angelo Ombra Kevin Shaw tornano in un sequel indimenticabile, uno di quei rari casi in cui il seguito è meglio del primo libro (a pensarci meglio, accade lo stesso con "Prodigium", l'altra saga di Falconi); a "Nemesis - L'ordine dell'Apocalisse" avevo dato quattro stelle, ma confrontandolo con "La chiave di Salomone" mi sembra poco, ora, darne cinque a quest'ultimo!
C'era qualcosa che mancava in Nemesis 1; non so dire cosa, di preciso, ma mi sono resa conto che non era riuscito a coinvolgermi, e una volta terminata la lettura l'avevo già dimenticato.
Per fortuna, visto che è ormai passato un anno dall'uscita (e dalla lettura) del primo libro, "Nemesis - La chiave di Salomone" si apre con un riassunto del percedente, mascherato come una lettera scritta dalla stessa Ellen: ottimo! Sia per ricordarci gli eventi accaduti, sia come stile narrativo. La lettera in questione è indirizzata ai suoi genitori: la demone soffre terribilmente la loro mancanza e prova dei sensi di colpa perché li ha lasciati (assieme al ritrovato fratello Damien) senza nemmeno salutarli, presa com'era dalla fuga d'amore con il suo angelo Kevin.
Un breve prologo e comincia il libro, con i capitoli sviluppati nuovamente secondo l'alternanza del racconto di Ellen con quello di Kevin, e scopriamo che i due ora si trovano in Italia, a Roma, alle prese con una vita apparentemente normale: Ellen fa la barista, Kevin lavora in una biblioteca. Ma quella parvenza di normalità dura poco: un bacio, ed Ellen sviene. Non è nemmeno il tramonto, quei pochi minuti in cui emerge con prepotenza la vera natura (opposta) dei due. Pur non riuscendo a trovare chiare risposte ai loro dubbi, Ellen e Kevin comprendono che il tramonto sta dilatando i suoi tempi, con il rischio che la loro natura cominci a prevalere sulla volontà e i sentimenti. Era proprio questo l'intento di Nemesis e dei Discepoli del suo Ordine: la rottura dell'Equilibrio. La demone e l'angelo ancora non sanno che Nemesis è tornato, reincarnato in un nuovo corpo grazie al rito della sua fedele e folle "serva" Inghinn (per chi non se lo ricordasse, Inghinn è l'Angelo Ombra che tradì il clan di Kevin, Nora, e il capoclan Angus); l'Ordine è ancora determinato a provocare l'Apocalisse, partendo dalla ricerca della Chiave di Salomone...

Il romanzo è un crescendo di adrenalina, con un continuo susseguirsi di eventi e colpi di scena capaci di confondere, atterrire e stravolgere i protagonisti, che non hanno un attimo di respiro. Proprio come il lettore. I soprannaturali Ellen e Kevin sono umani più che mai, e le loro debolezze, i loro dubbi, le apprensioni, i rimorsi, gli amori e i dolori, sono facilmente riconducibili alle nostre "misere" esistenze. La caratteristica dell'"umanità" era presente anche nel primo libro, tuttavia, e forse è proprio a causa del peso delle nuove vicende che i due devono affrontare, questo sequito è più complesso, profondo e coinvolgente; toccante, perché i colpi di scena spesso riguardano gli affetti (e qui non mi sbilancio) anche se uno in particolare non è così inaspettato poiché lo si faceva intuire fin dall'inizio, ma fa comunque male vederne i risvolti sull'animo dei protagonisti. Già, mi ha fatto male. Specialmente la terza e ultima parte: tesa, angosciante, drammatica; non so quante volte mi sono ritrovata a cacciare indietro il magone. Le parole esplicite di Ellen e la reazione involontariamente controllata di Kevin: due linguaggi diversi che mi hanno trasmesso lo stesso dolore. Non saprei dire quale sia stato l'evento che ha avuto maggior impatto su di me, ma mi ha spiazzato ciò che accade l'attimo prima in cui si preparano per tornare a casa, a Inverness.

Va detto che nel corso della storia ci sono due personaggi che raggiungono l'angelo e la demone a Roma; si tratta di Angus, il capoclan di Kevin che ora agisce in maniera più indipendente rispetto al Consiglio, e Hugh, il migliore amico di Ellen. Con l'arrivo di costui, il romanzo comincia a tracciare un triangolo amoroso: Kevin-Ellen-Hugh. Non sono un'amante dei triangoli, spesso li trovo banali e scontati, ma qui sorge in maniera inaspettata e spontanea, perché Hugh è per Ellen un amico di lunga data, e sono complici, affiatati, non hanno segreti, inoltre Hugh rappresenta gli affetti che lei ha lasciato a Inverness, affetti che le mancano e per i quali prova rimorsi; come se non bastasse, Hugh ha qualcosa in comune con Ellen, un qualcosa di nuovo che va indubbiamente a suo vantaggio, rispetto a Kevin, soprattutto in un momento simile.
Tuttavia io sono per "il primo amore non si scorda mai", quindi pussa via, Hugh!

Del romanzo mi è piaciuta anche l'ambientazione nostrana, specie perché si prendono in considerazione i misteri italiani, rievocando leggende e, al tempo stesso, costruendo fantasie inedite ("la città fantasma": non sapevo esistesse davvero!), poi ho apprezzato anche i vari riferimenti a un'altra opera di Falconi che però non ho avuto ancora il piacere di leggere, ossia "Underdust - l'aurora delle streghe" (Reverdito) con la sua Barcellona e le streghe kalé.
Riguardo al finale, invece, mi ha lasciato un po' d'amaro in bocca, forse perché avrei voluto avere meno sottintesi e più certezze, dopo tutto il trambusto vissuto assieme ai protagonisti. Se non altro è realista: non si può sapere cosa ci attende in futuro; dobbiamo vivere per scoprirlo.
Ancora altri colpi di scena si concentrano sul finale, con un gioco delle parti un po' pesante, eccessivamente teatrale (voltagabbana a go-go), e un epilogo commovente, ma ancora una volta "Shakespeariano" nel dialogo con Hugh; però può darsi sia voluto, visti i tanti riferimenti alle opere di Shakespeare contenuti nel romanzo.
Nel libro si "nasconde" anche il titolo del romanzo di prossima uscita dell'autore (aveva organizzato anche un contest in merito), ma, sinceramente, ero talemente presa da tutto quel che stava accadendo che non me ne sono minimamente accorta... meglio così!

In conclusione, consiglio vivamente di leggere questo seguito, anche se non si è letto il primo: la storia è ugualmente comprensibile, e anzi, una volta chiusa l'ultima pagina viene voglia di rileggere come tutto è iniziato. Un altro aspetto importante, infatti, è che il seguito s'intreccia, s'interseca, e si ricongiunge perfettamente al volume che lo precede. Queste sì che sono soddisfazioni!

Universi Incantati compie 1 anno! Un po' di statistiche

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Wed, 16 Nov 2011 15:44:00 +0000

Non è proprio il giorno esatto, ma non è mai tardi per festeggiare:

Universi Incantati compie 1 anno!

(la torta se l'è mangiata tutta L)

E' un anno qui su Blogger, perché il blog era ospitato in principio da Windows Live, ma col mio nome in una sorta di diario, con recensioni che in realtà erano commenti smilzi, e degli aggiornamenti meno frequenti, per non parlare della poca varietà!

Insomma, Universi Incantati è cresciuto, grazie anche alla collaborazione col blog TrueFantasy, che mi stimola a scrivere nuovi articoli ogni settimana, e grazie ad alcune case editrici che mi hanno fornito materiale, come la Baldini Castoldi Dalai.

Sono ancora tanti i passi da fare, ma con le mie due gambette vado avanti su questa strada, sperando nel contempo di trovare compagnia. Per questo, un gigantesco grazie anche ai follower! Siano essi su Blogger, Facebook, Networked Blogs o il neonato Google+; siano essi sul web, siano essi nella vita... :)

Fino a questo preciso istante, Universi Incantati conta 56'090 visitatori.

Per festeggiare, condividerò i dati registrati dal blog, per chi, come me, è curioso di saperne le statistiche.

Questa è la classifica dei post più visualizzati di sempre:

Sul podio abbiamo: al primo posto l'articolo sulla serie videoludica di Super Mario, al secondo, la segnalazione dell'uscita del romanzo "Gli scoiattoli di Central Park sono tristi il lunedì", e al terzo, la recensione al manga "Angel Sanctuary" (sapeste quanto è stato faticoso elaborarla!); seguono, il premio One Lovely Blog, la recensione al romanzo "Cuore Nero", la recensione all'anime "La città incantata", la notizia di un traguardo raggiunto dal blog, l'articolo sulla saga videoludica "The Legend of Zelda" (il mio amore!), la recensione del libro "I Guardiani delle anime - la maledizione della prima luna", e la segnalazione di una recensione al mio "Profumo d'incenso", scritta da Sognando Leggendo.

Alla luce di tutto ciò si può dire che il pubblico di Universi Incantati ha gusti vari, proprio come me! Dai videogiochi ai manga, dai romanzi agli anime, più qualche curiosità sul blog (vedremo allora cosa registrerà questo post XD), comunque, sembra che la maggior parte di visualizzazioni riguardino le recensioni, indipendentemente dalla forma d'arte a cui appartengono.

Ho accennato al pubblico, ebbene, guardate qua:

Salut à tous nos amis français!

Ben 40'940 francesi! Segue l'Italia, con un distacco di 12'634 utenti, e gli Stati Uniti con 780. Poi ancora, Federazione Russa, Germania, Svizzera, Regno Unito, Brasile, Canada e Paesi Bassi.

Ci sono anche i grafici dei browser e i sistemi operativi usati dai visitatori.

Le origini del traffico provengono da google.it (6'837), google.com (410) e facebook (251).

Ed ecco le parole più cercate:

1° Super Mario (622)

2° Kirby (224)

3° Angel Sanctuary (194)

4° Gli scoiattoli di Central Park sono tristi il lunedì frasi (125 - frasi!)

5° Universi Incantati (61 volte!)

6° Vampire Knight (53)

7° La città incantata (33)

8° La città incantata Haku (29 volte specificatamente per il personaggio!)

9° valentinabellettini.blogspot.com (18 con l'indirizzo preciso del blog)

10° Evangelion 2.22 (15)

Questi ultimi dati riportano la vittoria schiacciante dei videogiochi, i manga e gli anime, sui libri :( Che dipenda dal fatto che quando si va a "googlare" si cerchino per lo più immagini? Chissà.

Concludendo, sono felice dei risultati raggiunti, considerando poi i mesi in cui il blog si è fermato perché ero sommersa dai preparativi per il matrimonio ^^ Provo costantemente a migliorarlo, ad esempio, qualche giorno fa ho eliminato la chat (troppa spam!) e ho spostato gli elementi chiave al top della pagina (ultimi post ed etichette) facendo scalare il numero di visitatori e i vari follower; spero che il blog sia così più pulito e venga caricato in modo più fluido :P

Non mi resta che salutarvi, ma non prima di lasciare un'anticipazione: presto sarà pubblicata la mia prima recensione a un videogioco (finora erano solo articoli)! Stay tuned! ^^

Lucca Comics & Games 2011!

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Wed, 09 Nov 2011 10:01:00 +0000

L'articolo è appena stato pubblicato su TrueFantasy

Questo articolo avrei dovuto pubblicarlo una settimana fa, ma una "simpatica" influenza mi ha costretto a letto per quattro giorni, quindi eccomi a recuperare solo ora (sorry!).

Lo chiarisco subito, non mi sono raffreddata in fiera, perché quest'anno - a differenza della terribile tempesta dell'anno scorso - c'è stato un tempo soleggiato e addirittura caldo (superiore ai 20°C), che di meglio non si poteva chiedere (e personalmente, prima di andare in fiera ho pregato e supplicato richieste su richieste!).
Quest'anno il Lucca Comics & Games ha registrato il record assoluto di presenze, con 155'000 visitatori di cui 50'000 solo nella giornata di domenica, ma date le premesse, non avevo dubbi che sarebbe andata diversamente: con l'estensione della manifestazione, cinque giornate anziché tre; la scelta di dare finalmente un proprio spazio alla letteratura fantasy, con tanti diversi editori (in passato se ne contavano appena un paio); infine, con lo sfruttamento totale del Japan Palace, ossia con gli interi due piani occupati da espositori e mostre.

Come al solito, ho cominciato la mia visita proprio dal Japan Palace.

Tra gli artbook e le action figures direttamente dal Giappone, tra i kimono, i bento, i ventagli, e l'artigianato locale, quest'anno mi ha particolarmente colpito che ci fosse una bancarella dedicata al gioco della pesca giapponese, che prevedeva (esattamente come accade durante le feste tradizionali giapponesi, "matsuri") di catturare dei pesci rossi tramite un retino (che assomiglia a un colino) per poi "depositarli" in un piatto piccolo e di pochi centimetri di spessore; giocando due euro, si potevano tenere tutti i pesci pescati, sempre se si riusciva a prenderli!

Un'altra cosa che ho notato, è stata la presenza di un paio di stand italiani che vendevano creazioni realizzate a mano ispirate alle icone del mondo manga/anime giapponese; mi riferisco a oggetti più o meno utili come gli appendini di Memole, gli orecchini con i Nerini del buio di Totoro, il posacenere di Calcifer de "Il castello errante di Howl", poi ancora tazze, specchi, orologi...

Nel piano superiore del Japan Palace era facile perdersi: un dedalo di stanze e corridoi pieni zeppi d'espositori, oltre alle scuole di manga e gli stand che promuovevano viaggi-studio in Giappone.

Passeggiando, in un'aula ho notato Mari Yamazaki che presentava il suo "Thermae Romae"edito dalla Star Comics. Il manga narra le vicende dell'architetto Lucius che progetta le terme nella Roma dei tempi di Adriano, quando un giorno viene risucchiato dal buco sul fondo di una vasca e finisce col ritrovarsi in un bagno pubblico del Giappone odierno. Quest'insolita avventura, che si svolge tra le due ere, ha vinto il Manga Taisho Award 2010, perciò la Yamazaki era una degli ospiti maggiormente attesi, assieme a Jiro Taniguchi che ha tenuto showcase e talk per Planet Manga (divisione Panini).
All'uscita del Japan Palace, ho poi notato la presenza di alcune macchinette self-service che vendevano, incredibile, manga e action figures! Forse un po' sleale nei confronti dei tanti espositori presenti, in ogni caso ha dato i suoi frutti visto che il giorno dopo c'erano interi scompartimenti vuoti.

Nei vari padiglioni Comics c'erano più o meno i soliti stand, tra gli editori più conosciuti e quelli dei fumetti di nicchia, tra la Yamato Video e la Disney che celebrava il suo Topolino, tra le mostre di Gundam e i sempreverdi Saint Seya (cavalieri dello zodiaco) e i giganteschi supereroi Marvel, oltre alle nuovissime star, gli Angry Birds, e gli immancabili personaggi di Star Wars, tra modellini in scala, spade laser, mezzibusti, peluche sonori e un R2-D2 telecomandato che si aggirava per la fiera.
Girovagando tra gli stand ho scoperto che il prolifico autore fantasy Neil Gaiman ha pubblicato una serie di fumetti dal titolo "The Sandman", che hanno come protagonista Sogno, personificazione antropomorfa dei sogni, e più in generale, delle storie; i fumetti sono editi da Pianeta DeAgostini e raccolti in volumi corposi dall'aspetto pregiato.
Tra gli eventi da ricordare c'è stato quello di lunedì pomeriggio nel padiglione comics di Piazza Napoleone, dove si è tenuto lo showcase di Yakou Hiroshi, direttore dell'animazione de "Le Chevalier D'Eon" e key animator di "Full Metal Alchemist".

Il padiglione Games è, come sempre, quello più ricco e variegato, nonché il più affollato! Nella serata di domenica siamo riusciti a vedere ben poco: per la tanta confusione, io e mio marito ci siam sentiti male e siam dovuti uscire, ma abbiamo rimediato il giorno dopo dedicandoci fin dalla mattina (e passandoci gran parte del pomeriggio!).

Una delle cose che più desideravo, fin dal mio arrivo, era quella di andare allo stand Nintendo per provare in anteprima "The Legend of Zelda: Skyward Sword" per Wii, che infatti uscirà il18 novembre. Mi sono piazzata davanti allo schermo (NB: quella nella foto sono io, cosplayer di Ai Amano di "Video girl Ai") e ho provato tutte e tre le sezioni di gioco disponibili, potendo così constatare che la difficoltà della saga è davvero aumentata, sia per quanto riguarda gli enigmi (che vanno dallo sbloccare le porte, alla strategia con cui affrontare i nemici - addirittura non riuscivo a eliminare un semplice ragno, neanche fosse un boss finale!), sia per quanto riguarda la sessione di volo (non così immediata come pensavo, ma che una volta intuito il meccanismo si è rivelata appassionante e coinvolgente, agitando su e giù il wiimote plus, al momento opportuno, come se sbattessi le ali del Solcanubi), in più, una maggior difficoltà è data dal sistema di combattimento totalmente affidato al wiimote plus, ossia alla riproduzione 1:1 dei movimenti del nostro braccio; è stata una sorpresa muovere intuitivamente anche il nunchuck nella mano sinistra, e vedere che così facendo avevo fatto uso dello scudo! Il boss in questione era l'ormai già famoso mago Ghiraim, che mi ha dato del filo da torcere, e visto il protrarsi della battaglia, a un certo punto mi sono messa da parte per dare anche agli altri la possibilità di gustarsi questa fantastica anteprima.
Lo stand Nintendo, per celebrare i venticinque anni della saga di Zelda, aveva anche organizzato diversi tornei nell'arco delle cinque giornate della manifestazione, come la ricerca alle rupie o la battaglia a tempo dei boss, distribuiti in vari orari e divisi in fasce d'età; lo stand esponeva in bella mostra anche i manga tratti dalla saga. Non solo Zelda, però, perché i videogiocatori hanno potuto provare in anteprima anche gli attesissimi "Super Mario 3D Land" (18 novembre), "Mario Kart 7" e "Super Pokémon Rumble" (entrambi il 2 dicembre) per Nintendo 3DS, "Il professor Layton e il richiamo dello spettro" (25 novembre) per DS e 3DS, "Mario e Sonic ai Giochi olimpici di Londra 2012" (18 novembre) e "Go vacation" (ora nei negozi) per Wii.

Anche se nelle mie vene pulsa sangue nintendaro, non ho potuto fare a meno di notare le affollate postazioni di gioco degli attesi "Rayman Origins" (24 novembre) per PS3, Xbox 360 e Wii, ma soprattutto, "Assassin's Creed: Revelations" (15 novembre) per PS3, Xbox 360, PC. Si è potuto vedere qualcosa di nuovo anche per quanto riguarda i giochi per PC, più che altro sullo sfruttamento della tecnologia in 3D stereoscopico, con schermi e televisori che lo supportano, e gli occhialini che permettono di visualizzare la profondità dell'effetto; "Assassin's Creed: Revelations" sarà uno dei giochi che supporterà questa tecnologia.

Come avrete già visto, il manifesto del Lucca Comics & Games di quest'anno (disegnato da Don Maitz) ha come soggetto il pirata Sandokan, ossia uno dei personaggi più celebri creati dallo scrittore Emilio Salgari; il soggetto perfetto, visto che quest'anno si è cominciato a dare più spazio alla letteratura fantasy!

Tra gli editori presenti ricordiamo Mondadori, Giunti, DeAgostini, Baldini Castoldi Dalai, Gruppo Editoriale Armenia e La Corte Editore, ma il più sorprendente è stato senza dubbio Casini Editore, con il suo enorme stand interattivo e il ricco calendario di eventi, tra cui il workshop di scrittura creativa con Anna Giraldo (autrice di "436"), e l'iniziativa Storytellers, dove aspiranti scrittori erano chiamati a presentare il proprio romanzo in tre minuti (con una ripresa video in diretta), sperando di convincere l'editor per una prossima pubblicazione. Tra gli eventi di spicco dell'editore, va ricordato l'Amon Day (domenica), dedicato alla saga di Paola Boni, con sessioni di gioco di ruolo da tavolo e di gioco di carte ("Amon War"), poi la presentazione del terzo e ultimo libro, "Amon Saga 3: l'Apocalisse", il manga "Amon Propecy", il libro di Mario Erminio Bussini "Amon Eclipse", e infine le miniature ispirate alla saga.

Quest'anno non sono riuscita ad assistere ad alcuna presentazione dei libri, anche se avevo in programma quella de "Il burattinaio" di Francesco Barbi (ediz. Baldini Castoldi Dalai, seguito de "L'acchiapparatti") , di "Cuore Nero" di Amabile Giusti (Baldini Castoldi Dalai), e di "Nemesis 2: la chiave di Salomone" di Francesco Falconi (Castelvecchi), anche se poi ho incontrato l'autore allo stand di "10 righe dai libri", tra l'altro insieme a Luca Azzolini per promuovere il loro "Evelyn Starr: il diario delle lune" (Piemme - Battello a vapore). In compenso, ho assistito alle illustrazioni che Paolo Barbieri operava sul momento (e su richiesta) presso il suo stand, dove il libro illustrato, "Favole degli dei" (Mondadori) era già esaurito.

Momenti da ricordare anche per quanto riguarda la musica, con il concerto della AUN-J Classic Orchestra che si è esibita domenica, all'Auditorium San Romano, nelle musiche degli anime di Hayao Miyazaki, e nella stessa giornata, appena un paio d'ore più tardi, l'esibizione di Cristina D'Avena e Giorgio Vanni insieme, per cantare le celebri sigle dei cartoni animati dagli anni '80 ad oggi.

Per finire, vorrei un attimo soffermarmi sui cosplayers, che sono un po' la vera anima della festa; quest'anno ho visto intere famiglie impersonare personaggi fantastici, ed è un piacere vedere come il fenomeno si stia pian piano diffondendo, perdendo la superficiale definizione di "pratica per bambini". Ad esempio, le sfilate dei personaggi di Star Wars e quella degli zombie catturati dalla Umbrella Corporation di Resident Evil, rappresentano uno spettacolo a tutti gli effetti.

Complice il bel tempo, quest'anno sono riuscita anch'io a partecipare in veste di cosplayer, e la cosa ha aggiunto divertimento e coinvolgimento; essere chiamata per strada come Ai, ed essere fermata per delle foto, mi ha fatto sentire "parte della festa". Inoltre, indossando i panni di un personaggio, accade qualcosa di magico, come se si accorciassero le distanze con gli altri, perché da un momento all'altro (e per puro caso) si cominciano delle conversazioni con degli sconosciuti, e animati dalla stessa passione si parla come se ci si conoscesse da tempo. Senz'altro, anche un ottimo scacciapensieri, una full immersion nella fantasia per evadere dalla realtà, o al contrario, per rendere vera (True) la fantasia (Fantasy)!

Valentina "Ai Amano" Bellettini

Segnalazione Giveaway da Libreriafantasy.it

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 17 Oct 2011 10:03:00 +0000

Il prossimo 25 ottobre uscirà per Mondadori il decimo volume delle Cronache del ghiaccio e del fuoco di George R.R. Martin: "I guerrieri del ghiaccio".

Libreria Fantasy celebra l'occasione proponendo un Giveaway!

Trovate a questa pagina il regolamento per partecipare; affrettatevi, avete tempo fino al 25 ottobre!

Recensione "Le voci di Nike" di Silvia M. Damiani

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 10 Oct 2011 16:34:00 +0000

Recensione "Le voci di Nike" di Silvia M. Damiani (ExCogita Editore)

The answer my friend is blowing in the wind

La fine di una guerra e la vittoria dei protagonisti. Inizia così questo fantasy atipico: con una vittoria. Ma alla corte del re non si festeggia né si sorride, perché il principe Nabil è morto. La regina Amelia, suo marito il re Malesius (fratello di Nabil), e l'erede al trono, il principe Dereck (nipote di Nabil, nonché figlio di Amelia e Malesius), soffrono in silenzio, e solamente una bambina da libero sfogo al dolore della perdita: la piccola Nike; Nabil era suo zio, ma soprattutto, il suo eroe.
Prima di questa scena, un prologo che vede un'anziana donna muovere i suoi lenti passi verso un luogo a cui sembra tornare spesso, da un certo "lui", poi sorride nell'ascoltare un canto, una voce che in quello stesso momento è percepita anche dal principe Nabil, qui ancora in vita.
Si da per scontato che questo prologo sia l'inizio di tutto, ma tempo poche pagine che non si è più così certi!

Di questo romanzo breve è difficile identificare precisamente quando la storia abbia avuto inizio, poiché se dopo la scena della morte del principe Nabil ci riporta nel passato, a quando la guerra non era ancora iniziata e regnava il padre di Nabil e Malesius, alla luce di ciò che si svelerà poi nemmeno questo è il vero inizio, ma uno dei primi indizi. In questa scena del passato, si mostra il giorno in cui la famiglia reale incontra "il nemico", ma nemmeno su questo nemico viene data qualche informazione precisa, ad esempio sul perché costui sia diventato tale, fatto sta che si tratta di una strega, Rhea, nonché la responsabile del destino delle vite di tutti loro (compresa la propria); si tratta di destini maledetti, che si ripetono tante quante sono le reincarnazioni dei protagonisti, e prevedono una fine che, sebbene in modalità diverse, è sempre uguale a se stessa. Un ritornello. Come le parole già dette che aspettano d'essere nuovamente pronunciate, ripetute dal vento che è l'unico che conosce la risposta, come dice la canzone di Bob Dylan.
Il lettore dovrà "ascoltare" soprattutto quelle frasi, e cercare di risolvere l'enigma ponendole a confronto con ciò che gli viene di volta in volta mostrato.

Non si tratta di una lettura immediata, la soluzione è svelata solo alla fine del libro, inoltre, a complicare l'enigma c'è l'intreccio tra i personaggi, legati a doppio filo l'uno con l'altro: il principe Nabil era innamorato della regina Amelia, probabilmente era anche ricambiato, ma il destino (o meglio, la maledizione) ha voluto che andasse a finire diversamente; al suo posto ora c'è un demone che ha preso il suo nome (e le vite passate), intenzionato ad arrivare a Nike, ora ragazza, per scopi che saranno svelati, anche qui, verso la fine.
Nike, inoltre, è una protagonista fragile e debole che sembra sia coinvolta nella faccenda pur non avendoci nulla a che fare, eppure quando incontra Kaspar, sottoposto del "nuovo" Nabil, ha la sensazione di averlo già visto e conosciuto... cara Nike, non sai quanto!

Più che essere coinvolto nelle emozioni dei protagonisti, il lettore è spettatore del dramma, e guarda caso, verso l'atto finale, l'autrice paragona i protagonisti come degli attori sul palco che recitano sempre la stessa parte; in compenso si può comprendere e far proprio il movente dell'intera vicenda, perché si tratta di un sentimento che ognuno di noi ha provato, fosse stata anche solo una volta, ed è quindi questo aspetto a fare breccia, muovendo la sensibilità del lettore sul finale piuttosto che durante le centotrentasei pagine.
C'è poi da dire che, nonostante questa impossibilità di capire il succo della storia se non all'ultima pagina, la lettura è intrigante: personalmente ho letto il libro tutto d'un fiato, talmente ero curiosa di scoprire la verità.

Originale e sorprendente, è per libri come questi che vale la pena leggere le piccole pubblicazioni: offrono spazio a quelle opere che forse non hanno un alto grado di commerciabilità, ma sicuramente contano su di un certo valore letterario. E scusate se è poco.

e-Book gratuiti: "Storia di Geshwa Olers II. La faida dei Logontras" di Fabrizio Valenza

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Mon, 10 Oct 2011 09:10:00 +0000

Un post veloce veloce per segnalare che dall'1 ottobre è disponibile il secondo ebook della saga di Geshwa Olers di Fabrizio Valenza, ossia "La faida dei Logontras".
Ricordo che il download è gratuito.

Storia di Geshwa Olers II. La faida dei Logontras

Per maggiori informazioni sull'iniziativa di Fabrizio Valenza vi rimando a questo post, ora aggiornato.

Buon download e buona lettura!

Recensione "Fahrenheit 451 - gli anni della fenice" di Ray Bradbury

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Wed, 05 Oct 2011 17:32:00 +0000

Recensione "Fahrenheit 451 - gli anni della fenice" di Ray Bradbury (Mondadori)

In un libro degli anni '50 la nostra attuale condizione umana

Di questo libro non ne avevo mai sentito parlare, e con una copertina del genere non mi avrebbe nemmeno attirato, ma ci siamo incontrati ed è stato amore a prima vista. Questo libro mi è stato consigliato da persone che nemmeno conosco, ma che leggendo il mio inedito lo hanno trovato somigliante; ha ricordato questo racconto fantascientifico per via dei temi che sono trattati.

In un futuro non specificato, Guy Montag è un vigile del fuoco, ma il termine (e il mestiere) ha assunto col tempo un significato diverso, perché i pompieri non estinguono le fiamme (nemmeno si ricordano che inizialmente era questo il loro compito), bensì le provocano, perché c'è una legge che impone che i libri siano bruciati, siano essi una Bibbia o un Corano, un poema di Omero o una poesia di Shakespeare, un saggio di Freud o una biografia, una storia d'amore o un racconto d'avventura, insomma, tutti, nessuno escluso. La prima domanda che sorge spontanea è: perché? Ma non ci è dato saperlo subito, altrimenti non capiremo il messaggio nascosto in questo meraviglioso, se vogliamo "profetico", libro; occorre prima indignarci davanti a quest'umanità fredda, menefreghista e ottusa, che si è dimenticata delle cose veramente importanti (le emozioni, il pensiero, la libertà, l'amore, l'amicizia) a favore di tutto ciò che è materiale e consumismo.
Il protagonista non è molto diverso dalla società, e visto il suo compito, incendia case piene di libri convinto che sia la cosa giusta, anzi, nemmeno si pone il dubbio, almeno finché un giorno, nella strada verso casa, incontra una ragazza di nome Clarisse. Clarisse è la diversa, non per via dei suoi diciassette anni, ma perché è una delle poche (se non rare) persone che stanno ancora all'aria aperta a guardare la luna quand'è sera, e ad ammirare la rugiada sull'erba la mattina presto; Montag è inizialmente a disagio perché effettivamente questi particolari non se li ricorda, ma comincia così a riflettere e ad aprire gli occhi sulla condizione attuale sua e di sua moglie, che è poi la condizione della società intera. Grazie alle parole di Clarisse, che sono anche le perle di saggezza dello zio, Montag si rende conto che c'è qualcosa che non va se sua moglie Mildred ogni notte ha bisogno di una "conchiglia" nell'orecchio che le trasmetta musica soft per addormentarsi, qualcosa non va se quella stessa sera lui la ritrova senza vita con un tubetto di farmaci abbandonato sul pavimento, ma non va ancor più che dal nulla salti fuori un macchinario, un "serpente con l'occhio" che entra nella gola della moglie per disintossicarla, e poi le sostituisce il sangue con uno completamente nuovo tanto da darle delle gote rosee che in realtà non le appartengono; è come se una persona non avesse nemmeno la libertà di morire, ma soprattutto Guy dovrebbe chiedersi perché Mildred lo abbia fatto.

La società ha offerto di tutto: divertimenti e svaghi d'ogni genere, automobili sempre più veloci, pareti TV che permettono allo spettatore di "entrare" nello show stando comodamente seduto in salotto, poi ancora, piscine, lavoro e sicurezza economica. Per fare tutte queste cose, non ci rendiamo conto di quanto il tempo sfugga al nostro controllo, di quanto la nostra attenzione sia monopolizzata dalla pubblicità, dal potere che ha la televisione nel convincerci di certe idee perché immediata, veloce, molto diversa da un libro che lo puoi chiudere per fermarti a pensare... ed è proprio della facoltà di pensare che si priva la società moderna. Il capo dei vigili del fuoco, Beatty, fa l'esempio delle chiusure lampo che hanno sostituito i bottoni nei vestiti: così si è velocizzata una parte della giornata, ma ciò ha comportato la privazione di un altro prezioso momento per pensare.
E' impressionante come l'argomento sia attuale, che ci sia arrivato uno scrittore negli anni '50, che probabilmente già si rendeva conto del grosso cambiamento in atto, e che personalmente trovo inquietante, perché rispetto agli anni '50 oggi andiamo ancora più veloce...
Me lo chiedo tutti i giorni che cosa corriamo a fare. E' solo mia la sensazione che nel frattempo ci stiamo perdendo "qualcosa"? L'argomento mi sta a cuore al punto che l'ho trattato più di una volta nei miei scritti, specie in quelli degli ultimi anni. Ognuno di noi in fondo lo sa che sta correndo troppo, e questa condizione si manifesta nel fisico (spesso vedo mani che tremano anche da ferme) e nella mente (esempio a tema, l'insonnia di Mildred). Non vorrei che queste riflessioni portassero oltre la recensione, ma questo è un libro che sembra essere fatto apposta per riflettere; me ne ha scatenate così tante che me le sono dovuta appuntare. Non solo, mi sono appuntata su dei fogli alcune parti di questo racconto, ma per quante ne ho raccolte sarebbe da rileggere il libro così com'è per intero! Ho trovato in ogni concetto una realtà, la nostra. In parte m'inquietava, in parte mi faceva innamorare, un po' per le idee comuni, un po' per alcuni particolari di cui non avevo mai tenuto conto. Non riuscirei a scrivere una recensione a un libro come questo senza metterci del personale; mi ha coinvolto, toccato nel profondo.
Ma torniamo al libro.

C'è un fatto importante da tenere in considerazione a proposito del protagonista: nonostante Guy non si ponga problemi nel bruciare libri, e nonostante apra gli occhi solamente dopo che incontra Clarisse, qualcosa in lui si stava muovendo già da prima, visto che nel condotto di aerazione della sua casa custodisce illegalmente alcuni libri; non si sa quando abbia cominciato, non importa che ancora non li abbia sfogliati, quel che conta è che ci sono. Ciò mi fa pensare al buonsenso; in fondo lui sa che è sbagliato bruciare i libri, allora ne salva qualcuno. Probabilmente è anche curioso, ma se non li ha ancora sfogliati non direi che sia propriamente la curiosità a muovere il suo comportamento. Guy Montag non è un protagonista "senza macchia", in più di un'occasione agisce d'impulso e diventa addirittura pericoloso, questo perché è come un animale in gabbia, che dopo aver sofferto tra le sbarre, una volta libero è fuori controllo, sfoga tutto ciò che ha trattenuto senza pensare alle conseguenze perché ebbro dell'improvvisa libertà e della voglia di rivalsa, così come della voglia di cambiare le cose, tutte e subito. Ma non si può pretendere che la gente cambi da un giorno all'altro... ed ecco che Guy trova un complice, o per meglio dire, una guida: il Professore Faber. L'intellettuale è l'equivalente maschile di Clarisse, ma al contrario della ragazza è un uomo anziano, e in quanto tale, meno propenso all'azione, almeno finché si convince che, nonostante i rischi, il passo valga la pena d'essere fatto, complice l'esempio che gli da il protagonista (nonostante l'impulsività eccessiva).
Ci sarebbero da spendere altre parole sul personaggio di Mildred, perché la moglie è l'esempio perfetto della società attuale; sembra esagerata, ma il libro ci da modo di capire che l'intera società sia proprio come lei. Mildred è insensibile davanti ai turbamenti del marito, indifferente quando viene a sapere della morte di qualcuno (e con quanta leggerezza le sue amiche parlano della guerra!), vuota, tanto che non si ricorda nemmeno come e quando lei e Guy si siano conosciuti: che amarezza.

Il libro si conclude in quella che non è propriamente una conclusione, quanto piuttosto un messaggio di speranza, ossia, facendo leva sul fatto che la guerra che incombe possa essere, per una volta, l'occasione di una rinascita, come la fenice che risorge dalle ceneri. Sembra proprio che non si possa pretendere che le cose cambino, se non quando, al limite, siamo costretti a ricominciare tutto d'accapo, senza altri beni se non quello della propria conoscenza, dei ricordi e della testimonianza, sperando di non cadere nuovamente negli stessi errori.
A dire il vero per il finale mi aspettavo di più, per questo ero tentata nel dare quattro stelle, ma poi ho pensato che non valeva la pena di togliere un voto al libro, talmente ricco di contenuti e spunti, per questo finale in sospeso; solitamente è un aspetto che mi fa cadere il giudizio sul libro, ma forse questo è uno di quei casi in cui siamo noi a decidere la fine. Chiudiamo il libro. Pensiamo. E salviamoci. Fin... no, questo è un inizio.

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Per iniziare, lascio queste citazioni tratte dal libro:

"Una volta, quand'era bambino, essendo venuta a mancare la luce, sua madre aveva trovata e accesa un'ultima candela, e c'era stata una breve ora di riscoperta, un'ora d'interiore illuminazione che lo spazio perdeva le sue vaste dimensioni per trarsi confortevolmente loro intorno, soltanto intorno a loro, madre e figlio, che trasformati, s'erano messi a sperare che la luce elettrica tardasse un bel po' a tornare." (ricordi di Montag)

"Nessuno ha più tempo per gli altri." (Clarisse)

"Sapete cosa ho scoperto? Che la gente non dice nulla [...] parla di una gran quantità di automobili, parla di vestiti e di piscine e dice che sono una meraviglia! Ma non fanno che dire le stesse cose e nessuno dice qualcosa di diverso dagli altri." (Clarisse)

"E nei musei, ci siete mai stato? Tutta roba astratta [...] lo zio dice che era differente una volta [...] i quadri e la cultura dicevano delle cose precise, mostravano addirittura delle persone!" (Clarisse)

"La gente assimila sempre meno. Tutti sono sempre più impazienti, più agitati e irrequieti. Le autostrade e le altre strade d'ogni genere sono affollate di gente che va un po' da per tutto, ovunque, ed è come se non andasse in nessun posto." (Beatty)

"La maggior parte di noi non può correre qua e là notte e giorno, parlare con tutti, conoscere tutte le città della Terra, non abbiamo tempo, denaro, nemmeno tanti amici. Le cose che voi cercate, Montag, sono su questa Terra, ma il solo modo per cui l'uomo medio potrà vederne il novantanove per cento sarà un libro." (Faber)

Nuovo articolo per TrueFantasy "Jappo W!": Metroid

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Tue, 04 Oct 2011 09:21:00 +0000

E' online l'articolo che ho scritto per TrueFantasy rubrica "Jappo W!": stavolta tratto la saga di Metroid.

Cari amici di TrueFantasy,

oggi torniamo a parlare di videogames e grandi saghe sviluppate per questa forma d’intrattenimento (e d’arte). Se qualche mese fa avevamo celebrato il venticinquesimo anniversario della saga fantasy “The Legend of Zelda”, c’è un’altra saga Nintendo che compie gli stessi anni in questo stesso periodo, ed è quella fantascientifica di “Metroid”. Creata da Gunpei Yokoi (morto in un incidente stradale nel 1997 è stato ideatore, tra l’altro, della console Gameboy), è ambientata nell’anno cosmico 20X5, quando la Federazione Galattica scoprì una forma aliena originaria del pianeta SR-388 e la battezzò col nome Metroid. Gli scienziati scoprirono che tali creature potevano essere utilizzate per molti scopi utili, ma il loro immenso potere aveva anche proprietà negative, cosa che attirò l’attenzione dei Pirati Spaziali. Decisi a impiegarli come armi biologiche, i Pirati Spaziali rubarono alcuni esemplari e iniziarono degli esperimenti nel pianeta fortificato di Zebes; la Federazione non riuscì a contrastarli, e l’ultima speranza fu quella di rivolgersi alla cacciatrice di taglie Samus Aran, nota in tutta la galassia per le sue incredibili imprese. Del suo passato sappiamo che Samus è l’unica sopravvissuta alla distruzione della Colonia Terrestre K-2L, evento che vide la morte dei suoi genitori e che fu provocato proprio dai Pirati Spaziali, ciò che la muove è quindi la vendetta, ma anche una

combinazione del destino: Samus, infatti, fu trovata e adottata dall’antica e pacifica civiltà aliena Chozo, la stessa ed evoluta razza che creò i Metroid per salvare il proprio pianeta dai Parassiti X, inoltre, in base a ciò che riportano le incisioni delle Rovine Chozo in “Metroid Prime”, la civiltà confidava nell’arrivo di un salvatore, e per questo nascosero dei potenziamenti adatti alla tuta di Samus (la “Tuta energia”, un esoscheletro altamente tecnologico sempre costruito dai Chozo per lei, che porta un Braccio Cannone con munizioni infinite); la cacciatrice di taglie diventa quindi come l’eroe di una profezia, la predestinata che deve salvare la galassia dai Pirati Spaziali, ma soprattutto, che deve porre rimedio alla situazione portata dai Chozo con i Metroid. Queste creature, infatti, si attaccano alla preda con le doppie mandibole e si nutrono della sua energia vitale; possono unirsi anche tra loro, diventando quindi una minaccia senza controllo. Per questo motivo, Samus viene poi chiamata dalla Federazione Galattica per eliminare anche i Metroid. C’è un episodio, però, dove la nostra eroina incontra un Metroid diverso dagli altri: accade in “Metroid II: Return of Samus” (1991, GBA) dove Samus trova un uovo di Metroid, l’uovo si schiude, e la creatura che ne esce riconosce Samus come sua madre; l’episodio è sviluppato in questo gioco per poi essere

ripreso, ulteriormente approfondito, in “Metroid: Other M”(2010, Wii). Tra eventi naturali quali la caduta dei meteoriti e le inevitabili contaminazioni, situazioni estreme come i pianeti portati all’autodistruzione e la ricostruzione del DNA a scopi malvagi, vedranno protagonisti i due acerrimi nemici di Samus: Ridley (alieno simile a un drago, prende il nome dal regista di “Alien”, Ridley Scott) e il capo dei Pirati Spaziali MotherBrain (cervello madre, solitamente il boss finale).

Una caratteristica dei giochi di “Metroid” è che i boss hanno dimensioni colossali. Ma in realtà, la cosa che più intimorisce, nella serie, è quella sensazione d’immensa solitudine: siamo nei panni di Samus, e lei viaggia sola, sola in un pianeta vastissimo, pieno di labirinti e insidie, in una natura sconosciuta, dove gli unici esseri viventi che trova sono nemici. Nei titoli in prima persona, poi, solo qualche rara musica di sottofondo, perché principalmente sentiamo il rumore dei suoi passi, il respiro che si affanna quando corre… e sale la tensione sotto il visore verde in modalità “Scan”, per scansionare ogni cosa che capita d’incontrare, sia per prepararsi all’eventuale attacco, sia perché magari rappresenta la chiave per superare l’enigma. Ebbene, non lasciatevi ingannare dal Braccio Cannone della tuta che indossa, perché Metroid non è uno sparatutto, bensì un insieme di avventura,

esplorazione ed enigmi, insomma, è tutt’altro che immediato, specie considerando l’elevata difficoltà e le numerose volte in cui si rimarrà bloccati senza sapere come procedere: è impensabile giocarci senza prendere appunti! Il gioco, infatti, è costituito da un’unica e immensa mappa, che va a svelarsi man mano che procediamo verso aree prima sconosciute; non ci sono livelli, piuttosto si vedrà che non si riesce a proseguire oltre perché manca qualche potenziamento alla tuta di Samus. I potenziamenti riguardano: il Raggio Energia, che può evolversi, ad esempio, nelRaggio Onda (lancia flussi di energia elettrica, utile anche per riattivare oggetti), nel Raggio Gelo (efficace contro i Metroid) e nel Raggio Plasma (il più potente, dal calore intenso); il Visore, che dal Combat, per dirne alcuni, può diventare Termico (ad infrarossi) o a Raggi X (la cui funzione varia leggermente da gioco in gioco); infine c’è la Tuta Energia, che può diventare più resistente come Termotuta, oppure può consentire a Samus di camminare sott’acqua quando diventa Tuta Gravità, e

tante altre ancora, tutte a coprire quella che la nostra cacciatrice indossa sotto, la Zero Suit (tuta zero), molto aderente e che non fornisce alcuna protezione, infatti la vediamo quando la Tuta Energia viene distrutta a forza di subire attacchi, e in mancanza del Braccio Cannone, Samus è costretta a usare una pistola di emergenza. Oggi tutti sanno chi si nasconde realmente sotto quella pesante “armatura”, ma all’epoca dell’uscita del primo “Metroid” (1986, Nes), i giocatori erano probabilmente convinti di star guidando un uomo, fino a che nella sequenza finale, la protagonista si toglieva la tuta e rivelava la sua vera identità (cosa che accadeva, tra l’altro, solo se si completava l’avventura entro un certo limite di tempo!); Samus Aran è probabilmente una delle prime eroine del mondo dei videogiochi. Altri potenziamenti riguardano i Missili (Missili gelo, Missili Diffusione, Supermissili…) i salti (Supersalto, Astrosalto, Ipercinesi, Salto multiplo…) e la Bomba, che diventa Gigabomba; quest’ultima capacità è possibile quando Samus entra nella modalità Morfosfera, ossia, Samus si trasforma in una sfera! Questo concetto, che ricorda molto da vicino lo sparatutto “Turrican” (chi ha copiato chi?) è utile per entrare in cunicoli e raggiungere zone altrimenti inaccessibili, ma attenzione, con queste sembianze si è più vulnerabili!

Vediamo ora i titoli pubblicati fino a oggi e in quale piattaforma trovarli:

1986	Metroid	Nes, Virtual Console (Wii), Nintendo 3DS (programma fedeltà) e come gioco bonus connettendo gamecube e Gba con i giochi “Metroid Prime” e “Metroid fusion”.
1991	Metroid II: Return of Samus	Gameboy
1994	Super Metroid	Super Nintendo, Virtual Console (Wii)
2002	Metroid Fusion	Gameboy Advance
2002	Metroid Prime (il primo della serie in prima persona, sviluppato in tre dimensioni)	Gamecube, e incluso in “Metroid Prime Trilogy” per Wii
2004	Metroid Prime 2: Echoes	Gamecube, e incluso in “Metroid Prime Trilogy” per Wii
2004	Metroid Zero Mission (il remake del “Metroid” per Nes)	Gameboy Advance
2006	Metroid Prime Hunters(sparatutto in prima persona e unico in multiplayer)	Nintendo DS
2007	Metroid Prime Pinball (spin-off)	Nintendo DS
2007	Metroid Prime 3: Corruption	Wii, e incluso in “Metroid Prime Trilogy” sempre per Wii
2009	Metroid Prime Trilogy(racchiude la trilogia Prime)	Wii
2010	Metroid: Other M (diretto seguito di “Metroid II: Return of Samus”, alterna terza e prima persona)	Wii

I personaggi, le ambientazioni, e gli oggetti di “Metroid” appaiono, come tutti i videogiochi targati Nintendo, anche nei vari episodi della serie picchiaduro “Super smash Bros.”.

Ora non mi resta che salutarvi e darvi appuntamento la prossima settimana con un’altra saga che festeggia venticinque anni… ma bando alle anticipazioni, piuttosto vado ad accendere “Metroid: Other M”: devo assolutamente trovare quei maledetti Supermissili, sono bloccata!

Recensione anime "Maison Ikkoku (Cara dolce Kyoko)" di Rumiko Takahashi

noreply@blogger.com (Valentina Bellettini) — Tue, 27 Sep 2011 15:44:00 +0000

Recensione anime "Maison Ikkoku (Cara dolce Kyoko)" di Rumiko Takahashi

Dopo l'inverno nel cuore, la primavera.

Ho finito per la terza volta di guardare questo anime; sì, per la terza volta. Complice l'orario "pausa pranzo" della programmazione (l'anno scorso sul canale "Man-ga" di Sky, quest'anno su "Anime Gold" del digitale terrestre) la tentazione di guardarlo è stata troppo forte, pur conoscendo la storia a memoria e pur avendo letto il manga; e pensare che fino a un paio d'anni fa nemmeno lo conoscevo...

"Maison Ikkoku" ("Cara dolce Kyoko" in Italia) è una commovente storia sulla vita e sulla morte, ma soprattutto, sulla rinascita.

Il protagonista della storia è Yusaku Godai, un ronin (ossia uno studente che deve ripetere l'esame d'ammissione all'università, tradotto nell'anime semplicemente col termine "matricola") squattrinato e sfortunato, tanto da essere oggetto di continuo scherno da parte dei tre inquilini della pensione Maison Ikkoku, ossia la pettegola signora Ichinose (col figlio Kentaro), la scostumata Akemi Roppongi e lo scroccone Yotsuya; se il povero Godai non riesce a prepararsi agli esami è anche a causa delle continue feste a suon di birra e sake che gli inquilini svolgono nella sua stanza, senza il suo consenso, ovviamente. Davanti all'ennesima nottata in bianco, Godai decide di lasciare definitivamente la Maison Ikkoku, ma quello stesso giorno (e in quell'esatto momento) incontra una ragazza con le valigie in attesa sull'uscio: il suo nome è Kyoko Otonashi ed è la nuova amministratrice; porta con sé un grosso cane dal nome Soichiro, nome che lei pronuncia in occasioni tali da far sembrare che ne sia innamorata, o che addirittura si tratti del suo compagno, ma la verità (rivelata dopo alcuni episodi) è che il cane porta il nome del suo padrone, Soichiro Otonashi, il marito di Kyoko.

Godai, innamorato di Kyoko a prima vista, un giorno accompagna la ragazza e il vecchio Otonashi (suocero di Kyoko e proprietario della Maison Ikkoku) a visitare una tomba, ed è proprio in quell'occasione che scopre che Kyoko ha soli ventitré anni ed è vedova; Soichiro è morto per una malattia ad appena un anno dalle nozze. Così poco tempo insieme... ma la vita va avanti, pensa Godai, e prima o poi lei dovrà dimenticarlo per fare spazio a lui!

Godai è di due anni più giovane della vedova, ancora ingenuo e immaturo per comprendere che in realtà Kyoko non dimenticherà mai Soichiro, men che meno così facilmente e in breve, ma ciò nonostante ci prova, specie all'inizio, ma in modo talmente impacciato da sembrare prepotente, specie perché si trata di continui tentativi per baciarla. Kyoko, però, è un tipino bello tosto, testardo e spesso aggressivo, che non esita a mollare un ceffone anche quando tale reazione, ehm, è un pelino esagerata! Vista la drammaticità della situazione, infatti, l'abile sensei Takahashi inserisce nella sua storia dell'ironia, portando lo spettatore ad assistere all'evoluzione del loro rapporto giorno dopo giorno, superando gli ostacoli uno alla volta come nella vita quotidiana.

Ma non è tutto qui.

La vita è caratterizzata da scelte, occasioni che dal momento in cui le cogliamo portano a delle conseguenze, ed è proprio ciò che accade a Kyoko quando decide, sotto consiglio della Signora Ichinose che la vede sempre in casa, d'iscriversi a una scuola di tennis; qui incontra lo "scapolo d'oro" Shun Mitaka, che un po' come il ricco Mendo che in "Urusei Yatsura (Lamù)" è rivale di Moroboshi, diventa il rivale di Godai nella conquista della bella Otonashi (precisamente, si tratta di amici/nemici). L'aitante giovane ha però un punto debole, la paura per i cani, per questo non riesce ad avvicinarsi più di tanto alla Maison Ikkoku, almeno fino a quando non trova il modo di superare questa sua fobia.

Nel contempo, però, anche Godai stesso complica le cose: a causa della sua mancanza di coraggio e costante indecisione, non chiarisce mai i suoi sentimenti con Kozue Nanao, una ragazza conosciuta grazie a uno dei suoi lavori part-time dove entrambi erano colleghi. Kozue è una ragazza molto ingenua, che fraintende i comportamenti di Godai aiutata dal fatto che lui si comporta sempre in modo molto gentile con lei per non farla soffrire, ma questo causa la gelosia di Kyoko; è infatti grazie alla sua presenza che capiamo come Kyoko provi qualcosa di più per Godai, altro che dovere d'amministratrice!

Oltre al triangolo Godai-Kyoko-Mitaka, vediamo quindi che l'intreccio si complica con la presenza di Kozue, cui si va ad aggiungere quella della prepotente studentessa Ibuki Yagami, che s'innamorerà di Godai durante il suo periodo di supplenza nella stessa scuola femminile in cui Kyoko s'innamorò di Soichiro (anch'egli era un professore), e la timidissima Asuna Kujo (che nel doppiaggio italiano è diventata Atsuko) appassionata di cani e la cui famiglia è tra i maggiori correntisti della banca dello zio di Mitaka, per cui egli realizzerà un matrimonio combinato senza l'approvazione del nipote (nonostante la fama da playboy, infatti, non vede altre che Kyoko).

La serie si compone di 96 episodi ed è abbastanza fedele al manga, a parte il grosso errore commesso nell'adattamento italiano a proposito del vero nome di Godai che è Yusaku: il protagonista è infatti chiamato per cognome (Godai) persino da quel vulcano di sua nonna e dagli stessi genitori; questa confusione deriva dalle forme di cortesia usate in Giappone che prevedono che oltre a dare del lei, ci si rivolga agli altri chiamandoli per cognome (per questo abbiamo Signora Ichinose, Signora Otonashi, e l'appellativo "Amministratrice" riferito a Kyoko), e se si segue attentamente l'anime capita anche di sentire che Godai sia chiamato col nome proprio da un professore (un paradosso), oppure come Yukari, che è il nome della nonna (no comment!).

Poi ci sarebbe un'altra questione che può essere una sottigliezza per noi occidentali ma che ha un gran significato nel contesto giapponese: nel manga, Kyoko e Godai (continuo a chiamarlo così per non fare confusione) si danno del lei più o meno fino alla fine, infatti cominciano a darsi del tu solamente dopo che fanno chiarezza sui propri sentimenti e diventano più intimi; è un fatto di rillievo, specie se consideriammo che la storia si sviluppa in ben cinque anni e questi continuano a trattarsi come degli estranei nonostante tutto quello che succede!

A parte queste due cose che dipendono dalla traduzione italiana, qualche piccola differenza tra anime e manga c'è, e siccome mi piace fare queste ricerche, comincerò ad elencarle.

Nella storia svolgono un ruolo piuttosto importante anche i genitori di Kyoko, col padre geloso che si era opposto al matrimonio con Soichiro e che, visto com'è finita, non vede di buon occhio nemmeno ora una nuova unione, anzi, preferirebbe che la figlia tornasse a vivere con loro, mentre la madre, già a un anno dalla scomparsa di Soichiro, desidera che Kyoko si sistemi con un altro uomo, e in questo è veramente molto insistente (in tali occasioni emerge il lato più duro e testardo di Kyoko; è una lotta all'indipendenza, la sua, anche considerando il lavoro che svolge alla Maison Ikkoku, anche questo non approvato dai genitori perché la vedono continuare a stare legata alla famiglia Otonashi). Ebbene, proprio la madre, incontra Mitaka nel volume 6 del manga, con largo anticipo rispetto all'anime e in maniera diversa, poiché nell'anime l'incontro avviene quando Kyoko e le famiglie Otonashi e Chigusa si riuniscono davanti alla tomba di Soichiro per l'anniversario della morte; ai fini dello sviluppo della storia non è che sia di per sé una grossa differenza, ma con questo fatto, dove la madre conosce anche Godai ed egli passa addirittura un bel po' di tempo col padre di Kyoko, si rafforza come il ragazzo non sia minimamente preso in considerazione dalla famiglia Chigusa, specie considerato che anche verso la fine non ricordano nemmeno il suo nome: lo chiamano ancora matricola (se lo ricordano giusto per gl'insuccessi, poverino)!

In più, nel corso di un altro incontro tra la madre di Kyoko e Mitaka (con Godai sempre nel mezzo!) si arriva a parlare di figli, oltre che di matrimonio, e ne nasce un capitolo molto carino dove infine emerge il desiderio di maternità di Kyoko, desiderio che trova un breve accenno anche nell'anime nell'episodio dei due bambini lasciati in custodia a Godai da una delle ragazze del Cabalet (locale notturno dove lavorerà, anche qui, part-time).
La maternità di Kyoko ha comunque il suo piccolo spazio in un'altra occasione: pochi fotogrammi, ma tra i più importanti.

Uno dei motivi per cui preferisco il manga, è che nell'anime è riservato troppo spazio alla studentessa Yagami, personaggio che non sopporto. Un'ulteriore piccola differenza, infatti, è che nella prima parte dell'anime sono stati omessi alcuni capitoli del manga, e tali capitoli sono stati riportati successivamente

aggiungendo l'insolente Yagami perché entrata a far parte del cast (in realtà la sua è solo una parentesi, seppur determinante per il rapporto tra Kyoko e Godai, in particolare per "smuovere" la signora Otonashi). Ad esempio, nel manga Yagami entra a far parte, per un brevissimo tempo, delle "conigliette" del Cabalet, oppure ancora, nell'episodio della partita di baseball, sostituisce la nipote di Kyoko, la piccola Ikkuko, e si aggiunge anche Kozue, quando in realtà l'incontro tra le due contendenti avviene nell'appartamento di Godai (e rimangono ugualmente interdette dalla reciproca presenza).

Più che Yagami, infatti, c'è da dire che il manga riserva qualche capitolo in più al rapporto tra Kozue e Godai, ad esempio, capita più volte che Godai tenti di baciarla tanto per provare (è alla prima esperienza), e poi c'è un capitolo sui fiori "non ti scordar di me", significativo per far riflettere Kyoko sui sentimenti di Godai per Kozue; possiamo però notare che nell'anime c'è sempre un vaso di "non ti scordar di me" nella stanza dell'amministratrice.

Tra gli esclusi dall'anime, risalta subito la mancanza del quarto inquilino che occupa la stanza numero tre della Maison Ikkoku, ossia Nikaido Nozomu, un ragazzino che entra a far parte della combriccola dal quattordicesimo volume in poi (su 27 totali); al suo posto nell'anime vediamo alloggiare per un brevissimo tempo e nella stessa stanza, un uomo di mezza età anche lui vedovo, per cui Kyoko proverà una forte simpatia dovuta al fatto che le ricorda il marito.
Nell'anime manca anche la ragazza con gli occhiali che Godai incontra quando va in campeggio (Godai parte dopo l'ennesimo litigio con Kyoko, avvenuto in piscina; i due fuggono spesso pur di non affrontarsi, ma così non riescono mai a chiarirsi), e la cugina di Godai, Akira, che appare nel manga per due capitoli quando lui finisce all'ospedale per via di una frattura alla gamba (molte volte vedremo come la Maison Ikkoku necessiti di una ristrutturazione...).

Le mancanze dell'anime che si fanno più sentire, però, riguardano un paio di episodi di Kyoko e Godai.
Il primo è, incredibile ma vero, il primo bacio tra i due, che avviene in maniera accidentale (o almeno così sembra) dopo che il bacio di un'Akemi ubriaca (bacia tutti e due!) ha scatenato in entrambi sogni agitati e il desiderio improvviso di riceverne un'altro dalla persona cui sono interessati (forse è più che altro "bisogno", nel caso della gliovane vedova), cosa che poi inaspettatamente si realizza. Nell'anime, questo capitolo è stato completamente trasformato in un episodio concentrato sulla vita sentimentale di Akemi dal titolo "Fine di un amore"; niente attrazioni fatali né baci, purtoppo.
L'altro episodio "incriminato" è il 92: "La dichiarazione". Dopo che Godai insegue Kyoko fino alla metropolitana e si ritrovano in un viale alberato dove infine lui si dichiara con dolci parole d'amore,

inspiegabilmente, nella scena successiva vediamo che Kyoko è tornata alla Maison Ikkoku mentre Godai è tornato a lavorare al Cabalet; ebbene, manca una scena! Anzi, un episodio. Prima di tutto, Godai e Kyoko non si ritrovano in un viale alberato bensì in una via davanti a un "love hotel" (albergo a ore), e Godai, invece di fare quella dichiarazione romantica, esasperato dall'atteggiamento di lei fa una dichiarazione molto più esplicita, e lo fa gridando! Poi si rende conto di ciò che si è lasciato sfuggire ed è pronto ad andarsene, ma lei gli afferra la manica del giacchetto e, sorpresa, acconsente. Entrano quindi in una stanza d'albergo, entrambi imbarazzati e incapaci di proferir parola, se non una, precisamente un nome, che anche se riferito all'omonimo cane, finisce con il compromettere la situazione; nella loro unione c'è ancora, pesante, l'ombra di Soichiro, e Godai non riesce a rilassarsi. Sicuramente è meno romantico, ma è senz'alto anche più realistico perché non dimentica di considerare ciò che rappresenta Soichiro per Kyoko, ma anche cosa rappresenta per Godai, infatti non sono poche le occasioni in cui emerge come il ragazzo tema di non essere all'altezza, pensando più a sostituire il defunto marito invece di sperare che lei lo accetti così com'è.
"Maison Ikkoku" è una storia di rinascita, ma anche la rivincita dei "falliti", con Godai e la sua lotta, non solo alla conquista di Kyoko, ma per trovare il suo posto nella società, prima con l'ammissione all'università, poi con la ricerca di un lavoro stabile che gli consenta la tanto sudata indipendenza economica; anche in questo la serie è piuttosto realistica, e tratta anche il tema della "raccomandazione", poiché nelle grandi aziende del Giappone non è possibile entrare se non si hanno conoscenze.

Riguardo all'aspetto tecnico, la serie ha visto succedersi due doppiaggi diversi; personalmente preferisco il primo cast con la voce di Monica Ward a interpretare Kyoko, e Alessio Cigliano per Godai (stesso discorso per Mitaka e Akemi), senza contare che, a discapito del secondo cast, c'è anche il fatto che molto spesso non si sentono le parole, e talvolta l'interprete di Kyoko parla con tono talmente basso e dimesso che devo alzare il volume per capire cosa dice!

Ottime, invece, le tante sigle (giapponesi) e le musiche, tanto che quando leggo il manga mi capita di sentirne la mancanza, o addirittura di ricordare la melodia che si sente nell'anime in quella determinata situazione, perché ogni situazione è associata a un brano, ad esempio quando Kyoko ricorda Soichiro... comunque, in generale sono tutte melodie toccanti, a parte quelle più gioiose dei bambini mentre giocano, del ritmato jingle bells, del lugubre motivo dello strano Yotsuya... insomma, l'anime ha una colonna sonora splendida che lascia il segno, come quest'indimenticabile storia che, una volta finita, non riesco a fare a meno di sentirne già la mancanza, anche se è la terza volta che la riguardo.

Non ho resistito, ho dovuto almeno inserire la prima opening, col testo tradotto in italiano *.*