UnodiQuaUnodiLa

UnodiQuaUnodiLa - Biennale di Venezia video 2

2011-11-01T04:16:00.000-07:00

Ecco la pubblicazione del secondo video che abbiamo registrato alla Biennale di Venezia, mostra d'arte contemporanea, nella location principale dell'Arsenale. Buona visione

Che emozioni vi suscita questo frammento del filmato?

Biennale di Venezia. Installazione artistica

2011-10-22T10:04:00.000-07:00

Installazione artistica alla Biennale di Venezia nella location Giardini. Cosa c'è dietro quella maschera?

[16/10/2011] Venice

THIS MUST BE THE PLACE e il sogno americano di Sorrentino.

2011-10-20T07:11:00.000-07:00

La verifica sullo stato del cinema italiano si fa sempre più incerta.

Dopo la sorpresa de “Il Divo” in concorso a Cannes nel 2007 (malgrado, per alcuni, l’interpretazione di Servillo nel ruolo di Andreotti sia stata poco convincente), ci si aspettava da un ottimo regista come Sorrentino il salto di qualità. Ed eccolo infatti tornare a Cannes quest’anno con una mega produzione Italia-Irlanda-Francia …ma non con un film impegnato: questa volta la scelta è stata quella di raccontare una sorta di fiaba moderna dolceamara. Dolceamara come sono le vite degli artisti maledetti che tutti noi abbiamo adorato da adolescenti.

Potremmo dire - c’era una volta Cheyenne, un divo del dark-rock pieno di eccessi e di poesia; c’erano i grandi concerti in giro per il mondo e le folle di ragazzini adulanti. Poi, due di loro si suicidarono e Cheyenne smise di scrivere canzoni. Si ritirò nella sua villa di Dublino con la moglie, continuando a vivere sotto il peso di quel ricordo.

Gli anni passavano tra la noia e gli investimenti in borsa (Cheyenne era ebreo, sapeva come far fruttare i soldi guadagnati).

Anche a cinquant’anni, ogni mattina Cheyenne si truccava come ai tempi d’oro, con i capelli neri cotonati, la matita sugli occhi ed il rossetto rosso ed andava in giro a far compere, in banca o a portar fiori sulla tomba dei due ragazzi suicidi.

Poi un giorno arrivò una telefonata a rompere la noia quotidiana: suo padre, ex prigioniero nei lager nazisti in Polonia, era in fin di vita. Per Cheyenne iniziò una nuova avventura-

Una cosa è certa: tutti quanti si innamoreranno dello strampalato Cheyenne, interpretato dallo straordinario Sean Penn, e delle sue risatine. Si innamoreranno di quella capigliatura e di quel trucco alla Rober Smith dei Cure. In molti usciranno dalla sala cinematografica pronunciando la frase – Quest’anno Sean Penn vincerà il suo secondo Premio Oscar come miglior attore! –

Ma in pochi (pochissimi) forse avranno il coraggio di ammettere che, in fondo, di questo rocker milionario annoiato e in crisi alla gente comune non je può fregà de meno!

Mi spiego meglio: “This Must Be The Place” è sicuramente un film ben fatto, pieno di trovate comiche e drammatiche degne di nota; un prodotto che saremo ben felici di esportare nel resto del mondo.

Ma in un periodo come questo, magari gradiremmo che qualcuno (soprattutto chi le capacità per farlo bene ce le ha) puntasse anzitutto l’occhio della telecamera sulla crisi che quotidianamente mette in ginocchio la gente comune …su quelli che nonostante tutto continuano a lottare per vivere una vita dignitosa e che magari non vivono in una mega villa a Dublino, ma in un paesino sconosciuto della periferia milanese, per esempio.

Vedere questo cinquantenne eterno bambino a bordo di un pick-up gigante (che poi prenderà fuoco a causa del troppo olio nel motore), o che tira fuori dalla tasca un ventaglio di banconote per regalare una piscina ad grasso bambino americano viziato, fa sicuramente uno strano effetto. Si fa fatica ad accettare un confronto con una realtà fatta di plastica e così lontana dal quotidiano.

A mostrarci la bella vita delle star, piena di passioni sfrenate e tormenti ineguagliabili, ci pensa già la televisione, e lo fa ormai quotidianamente e a qualsiasi ora. Non è necessario che lo faccia anche il cinema (che in quanto forma d’arte dovrebbe occuparsi di tutt’altro!)

E poi, in tutta onestà, dopo un capolavoro come “Into The Wild” (uscito nelle sale italiane nel 2008), di cui molti di noi conservano ancora un vivo (vivissimo!) ricordo, avevamo proprio bisogno di un altro roadmovie girato in America sul senso della vita, sui rapporti familiari controversi ecc. ecc.?

A questa considerazione è sicuramente possibile replicare che un artista, quando è ispirato e sente la necessità di raccontare, non può certo star lì a valutare se i personaggi che ha ideato sono moralmente apposto o meno. Ed anche questo è vero! Però una casa di produzione chiamata a valutare una sceneggiatura o a stabilire se un film deve essere realizzato o meno …e beh! …un minimo di analisi sull’opportunità di fare uscire un film in un dato momento storico, piuttosto che in un altro la deve pur fare!

Al contrario de “Il Divo”, “This Must Be The Place” è un film che sicuramente non rientrerà negli annali della storia del cinema, malgrado alcune scene siano destinate a rimanere impresse nella memoria di molti (come per esempio la scena del dialogo tra Cheyenne e David Byrne che interpreta sé stesso), rimanendo comunque l’ottima prova di un artista maturo.

Personalmente, tra i registi italiani, a Sorrentino continuo a preferire Garrone.

P.S. A distanza di due giorni dalla visione del film, penso a come potrebbe essere la storia di un Cheyenne vissuto nella Bologna punk-rock degli anni ’80. Chissà se qualcuno verrà mai voglia di raccontarcela quest’altra storia.

Gianluca Impedovo (quello di qua)

CHEMICAL TRAILS. Seguendo una scia chimica nella Rete.

2011-10-08T02:02:00.000-07:00

Un consiglio - Spegnete la televisione! -
Se volete rilassarvi, guardate un video o ascoltate musica sul Web, che è meglio. Iniziate a farlo magari la domenica pomeriggio, per un’oretta. Scoprirete che navigando da un sito all’altro avrete la possibilità di soddisfare a pieno i vostri gusti musicali, cinematografici, ecc. …qualsiasi essi siano.
Internet è il Paese delle Meraviglie: esploratelo!

Ed è così che, sfogliando le pagine di Reverbnation.com, ci siamo imbattuti in tre volti a noi familiari; tre musicisti della provincia di Bari. Questi ragazzi hanno deciso di fare sul serio: hanno messo su un progetto che si chiama CHEMICAL TRAILS e sono partiti alla conquista di Londra.

Già, Londra! …Perché Londra?
Perché se provi a dare uno sguardo a quello che hanno da offrire le case di produzione italiane a quanti sognano oggi di affermarsi nel campo della musica a livello nazionale o internazionale, ti viene da piangere; ti passa la voglia di scommettere su te stesso. Del resto, basta vedere quale tipologia di prodotto musicale siamo riusciti ad esportare (e soprattutto dove) negli ultimi vent’anni, per capire che il rock in Italia è ormai morto (eccezion fatta per quei pochi che riescono a sopravvivere grazie al popolo degli acquirenti internauti …e che comunque sono costretti a fare tour estenuanti, uno dopo l’altro, per riuscire ad intascare qualcosa).
I Chemical Trails non sono certo il solito gruppetto rock chitarra, basso e batteria.
I due fondatori del gruppo, Fabrizio Francone e Gregorio Pasanisi (il terzo elemento è Giuseppe De Mita), hanno impiegato circa tre anni per costruire il corposo sound di quei brani che oggi potete ascoltare in Rete (seguite il link qui sotto), supportando anche costi non indifferenti, soprattutto nella fase di ‘rifinitura’ (mixaggio ecc.).
Il risultato è una perfetta sintesi del meglio della storia del rock ‘mainstream’ degli ultimi 30 anni. Gli ingredienti fondamentali ci sono tutti: ci sono le sonorità electro-dark dei Depeche Mode, (soprattutto) le linee melodiche stile Coldplay e gli U2 del periodo migliore.
Basta ascoltare la prima traccia disponibile, “Living Volcain”, per rendersi conto che la miscela è perfetta.
L’intera sequenza di brani è un vero piacere per le orecchie, soprattutto per chi è alla ricerca di artisti in grado di rivisitare quelle sonorità tipiche anni 80-90 in modo originale, senza cadere nella mediocrità del ‘copia ed incolla’.
Non c’è nulla fuori posto. Anzi, in alcuni passaggi gli allievi sembrano, a nostro giudizio, aver superato i maestri: “Running Forward”, per esempio (dove di tanto in tanto fa capolino una chitarra ‘sbilenca’ stile Joy Division), è un piccolo capolavoro di scelte ritmiche.

Cos’altro aggiungere? … Ascoltateli e votate i loro brani su Reverbnation.com.

Auguriamo alla band di riuscire a trovare al più presto un buon manager e un’ottima casa di produzione. Magari estera, che è meglio.
Sarebbe un peccato veder tanto lavoro concretizzarsi in un nulla di fatto.
Speriamo, infine, di poterli ascoltare prossimamente dal vivo in Italia.

P.s.: Daje, Frank!!! …Dajeeee!

Band: CHEMICAL TRAILS
Album: omonimo (2011)
Genere: Rock / Brit Pop
Formazione: Fabrizio Francone/Frank Francone (voce e chitarra); Gregorio Pasanisi/Easy Greg (chitarra e tastiere); Giuseppe De Mita/Jepp De Mita (basso)

Gianluca Impedovo (quello di qua)

Potete ascoltare i Chemical Trails su: http://www.reverbnation.com/chemicaltrails

CARNAGE: TeatroPolanski.

2011-09-22T05:36:00.000-07:00

Il primo ad aver colto a pieno il messaggio di Polanski è l’autore della locandina del film: non siamo altro che la maschera che indossiamo. Siamo ormai così abituati e orgogliosi di interpretare quel personaggio socialmente accettato e che noi stessi abbiamo plasmato nel corso degli anni, che non riusciamo più a separarcene. Ne siamo innamorati.

Al lavoro, in treno, mentre diciamo “buongiorno” al telefono; persino quando ci rapportiamo con le persone più care. Di noi quasi sempre non rimane che un’immagine, una smorfia, un’ombra.

Ionesco, il grande maestro del teatro dell’assurdo, avrebbe detto che siamo un aneddoto e non una storia.

Troppa televisione? Troppo cinema? …Troppo conformismo?

Polanski torna sul grande schermo, dopo un anno per lui molto difficile, a causa delle note vicende giudiziarie che l’hanno visto coinvolto, con un’opera cinematografica che poco ha a che fare col cinema tradizionalmente inteso (ammesso che il cinema possa considerarsi una forma d’arte pura!).

Il film è infatti la trasposizione cinematografica della pièce teatrale, scritta da Yasmina Reza, “Il dio del massacro”, campione d’incassi della scorsa stagione a Broadway, e che vedeva nella parte del Signor Longstreet (oggi interpretata da Christoph Waltz) il mitico Gandolfini, attore della serie americana “The Sopranos”.

Nella capacità e nel desiderio di Polanski di rimanere fedele all’opera ispiratrice (il film è ambientato quasi completamente all’interno di una sola stanza) sta la forza e anche, in un certo senso, la debolezza del film: c’è una telecamera al posto della quarta parete. Mancano dunque i presupposti necessari affinché possa ricrearsi quella stessa magia del rapporto fisico tra attore e platea. Le emozioni sono di un’intensità inferiore.

“Carnage” in inglese significa “massacro”, “carneficina”. In realtà nel film non vi sono omicidi: il massacro cui il titolo allude è quello verbale che si scatena nel salotto della famiglia Longstreet.

La trama

La trama è molto semplice. Un ragazzino, al parco, colpisce un coetaneo con un bastone; i genitori (altolocati) del colpevole si recano dalla famiglia della vittima (appartenente alla piccola-media borghesia) per scusarsi; a causa di alcune incomprensioni e posizioni di principio, il tutto degenera in uno crescendo di scambi di accuse reciproche. Tutti i peggiori difetti dei vari personaggi vengono a galla, complice anche qualche bicchiere di troppo: immaturità, menefreghismo, cinismo, isteria, istinti repressi. Crollano le maschere, rimangono quattro miserabili seduti uno difronte all’altro.

Un film che è anzitutto (o forse soltanto) un capolavoro di recitazione.

Regia di Roman Polanski, con Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz, John C. Reilly. Genere: drammatico. Produzione: Francia, Germania, Polonia, Spagna. Anno: 2011. Durata: 79 minuti circa.

Gianluca Impedovo (quello di qua)

Crialese. TERRAFERMA. Raccontare il sud del Mondo

2011-09-16T08:38:00.000-07:00

Dopo "Respiro" nel 2002 e "Nuovomondo" nel 2006, il regista e sceneggiatore Emanuele Crialese realizza un nuovo film: "Terraferma". Appena premiato con il Premio Speciale della Critica al Film Festival di Venezia, il film e' da poco nelle sale italiane. Il regista italiano, che è nato a Roma e ha studiato regia a New York City, ottiene cosi' un importate riconoscimento per l'ultimo lavoro realizzato.

Gia' dal film Respiro Criaelese ha dato prova di saper raccontare il mare e il sud del mondo, tema poi sviluppato, di volta in volta, contestualmente ad argomenti storici e sociali, affascinato dalle storie e dalle persone siciliane che nell'isola hanno origine e che spesso partono per lunghi viaggi. Terra, quella siciliana, che può diventare anche destinazione finale...come accade in quest’ultimo film. In "Respiro", storia ambientata a Lampedusa, c’era una donna (interpretata da Valeria Golino) che, tra stati di gioia e manie depressive, viveva ai limiti della consapevolezza il rapporto con il marito e il figlio; in "Nuovomondo" il racconto della massiccia fuga degli anni '50 dei meridionali verso l'America. In "Terraferma" tutto cambia: questa volta e' la terra di Sicilia che viene raggiunta da emigranti africani in fuga dalla miseria.

Crialese ormai e' un regista affermato a livello internazionale: il film Respiro vinse il Critic Week Grand Prize al Film Festival di Cannes e la nomination per miglior film europeo al Cesar Awards, uno dei piu' importanti premi cinematografici francesi, oltre ad altre nomination e premi in vari festival europei. Ricevendo, dopo la versione in lingua inglese uscita nel 2003, numerose recensioni sui magazine americani come il Washington Post e il New York Times; il critico Peter Debruge, della celebre rivista cinematografica newyorkese Première, ha scritto "Negli annali delle piu' belle storie che raccontano le isole del Mediterraneo, Respiro riflette la grazia spontanea come il film Il Postino".

Terraferma

Nel trittico di storie immaginate, dove Respiro rappresenta il prologo, Nuovomondo lo sviluppo della storia e Terraferma la conclusione, il regista dipinge l'incontro tra due realta' contrappposte: quella di culture autoctone, dove non c'e scarto temporale tra lavoro, socializzazione, creativita' e l'economia di mercato, per quanto questa possa svilupparsi in luoghi decentralizzati del potere. Tutta la retorica sull'immigrazione, cliche' borghesi e intolleranza dei clandestini sono sempre lasciati come un rumore di sottofondo mentre la storia è rappresentata con splendide immagini che portano il film dritto al cuore dello spettatore.

Una madre, un figlio (interpretato dal bravo Filippo Pucillo), e il nonno ex-pescatore: di pesca sull'isola non si vive più, ormai, come dice un collega del nonno "I nostri avi andavano in mezzo al mare e pescavano tanti pesci, oggi in mezzo al mare si pesca solo carne nera!" Cosa fare? Vivere di turismo ma come nascondere il non-detto, il rimosso, agli occhi e alle orecchie di estranei?

C’è una barca con 77 persone a bordo che parte dalla Libia e, dopo 217 miglia, rimane per 21 giorni alla deriva in mare al largo delle coste italiane, senza acqua né cibo. Nessuna imbarcazione presta soccorso e porta i dispersi in salvo. Il barcone approda sulle coste di Lampedusa e i marinai della Guardia Costiera trovano a bordo 73 persone morte e 4 sopravvissuti, tra cui 3 uomini e una sola donna: Timnit. T. Questa è la storia vera che ha ispirato il regista, “Se la nostra si definisce una “civiltà” perché si lasciano morire in mare uomini, donne e bambini? Ho scritto la storia come se mi rivolgessi a un bambino, per essere il più semplice possibile, dopo che ho incontrato Timnit ho visto i suoi occhi…dicevano che quando ha visto la terra è come se avesse visto il paradiso” ha dichiarato.

Il film è stato girato l'estate scorsa a Linosa. Crialese sfiora con maestria tabu' culturali come l'incesto, il fratricidio - la violenza insita in questo - e l'accettazione reciproca del diverso, temi che fanno emergere la verita' dei valori rispetto alla mistificazione dei non-valori. Durante tutto il film il dialetto siciliano diventa familiare, come se ci si sentisse nel proprio intimo coinvolti nelle scelte che presuppone il film e nelle domande generali su cui il regista prova a far interrogare l'opinione pubblica.

Crialese al festival di Venezia ha detto: "Il film è una storia, un'analisi e anche una domanda aperta; io mentre filmo mi faccio delle domande a cui non è detto debba dare io delle risposte. Sicuramente il fatto di porgerle al pubblico sucisterà un dibattito e allora il frutto di questa interazione tra il film e le reazioni del pubblico troveranno delle conseguenze".

La madre siciliana, interpretata da una straordinaria Donatella Finocchiaro ("Per me il personaggio di Giulietta rappresenta questa lotta tra l'accoglienza e l'ostilità" ha dichiarato), sara' sempre interdetta tra aiutare gli immigrati oppure liberarsene, perche' gia' versa in una situazione economica disagiata. Alla fine piangera' cosi' da far capire che la condivisione e' l'atto piu' alto dell'esser umano. Un grande film per quello che ormai e' il piu' grande cineasta italiano contemporaneo.

La capacita' di trattare le grandi tematiche della società italiana di oggi con semplicita', senza mai scadere nella retorica, dando sempre spunti di riflessioni e facendo appassionare alla storia in se', la maestria nel descrivere il Sud, con le sue contraddizioni e bellezze, sempre al riparo da paradigmi culturali e stereotipi, la bellezza delle immagini e la raffinatezza nel descrivere peculiarita' umane e paesaggistiche fanno di questo regista uno dei piu' sopraffini del panorama internazionale odierno.

Un ultimo appunto: in questo film ha lavorato il mio amico fumettista, Giuseppe Liotti, come storyboard artist: ha disegnato cioe' le tavole per le immagini del film, che sono a tratti dei veri e propri quadri. Complimenti Peppe.

Vito Lopriore

Un barese a Roma, quartiere Pigneto: dagli accattoni ai punkabbestia

2011-09-09T11:12:00.000-07:00

Se hai un buon amico che abita a Roma e sa che hai letto “Ragazzi di vita” e visto il film “Accattone”, prima o poi ti ritrovi al Pigneto (ai tempi di Accattone nella foto sopra) …perché <<tu che adori Pasolini e vieni a Roma devi prendere un caffè o un aperitivo al “Necci”, per forza!>>.

Considerata la sfinente canicola estiva del periodo, è consigliabile arrivare in zona VI Municipio nel tardo pomeriggio, attorno alle 18.00; se non altro perché bisogna necessariamente muoversi a piedi; diversamente è impossibile che l’occhio riesca a cogliere ogni particolare del quartiere.

Partendo da Via di Acqua Bullicante, che segna il confine ad Est del quartiere, camminando verso Ovest, si fiancheggiano le palazzine in cemento armato degli anni 60-70, l’una esteticamente diversa dalle altre, che sembrano monoliti piantati senza alcun criterio nell’asfalto. A differenza dei loro antenati preistorici, sono lì ad indicare unicamente che la cerchia urbana s’è allargata. Sono le stesse palazzine che ritroviamo nelle aree periferiche di qualunque città del sud Italia. Una schifezza totale.

Per fortuna, durante il pomeriggio domenicale, queste strade si riempiono di vita: bambini ed adolescenti che scendono in strada a giocare, nonni che portano i nipoti a zonzo, madri che spingono il passeggino. Tutti si ritrovano solitamente in una delle numerose piazzette del quartiere, all’ombra dei caratteristici alti pini di Roma .

Man mano che ci si avvicina al Vallo ferroviario che taglia in due il quartiere, le costruzioni si fanno più basse. Sono ancora presenti alcuni alti palazzoni risalenti all’epoca fascista che assomigliano a scatoloni di cemento.

Il bar “Necci” (in Via Fanfulla da Lodi) è una delusione totale. L’opera di ricostruzione, dopo l’incendio del 2009, ha cancellato ogni traccia del caratteristico bar di borgata. È molto difficile oggi rimaner seduti nel cortiletto del bar, sotto gli alberi, e riuscire respirare la stessa atmosfera del film “Accattone”. Impossibile ricostruire mentalmente quelle scene in bianco e nero con Franco Citti assieme agli amici della borgata.

Gli ultimi anni

Negli ultimi anni nel quartiere i privati hanno avviato un’attività di recupero incontrollata delle vecchie palazzine degli anni 30. Alcune delle facciate grigie, stile slum londinese, sono ormai ricoperte da stucchi lisci e dipinte di giallo scuro o aragosta, modello casa coloniale.

Anche il “Necci” ha subito questo scempio: sembra di trovarsi in un baretto di qualche zona balneare alla moda. Gli interni sono in uno stile a metà tra il minimalista e il Pop anni 60; le due stanze sono separate da una specie di libreria a cubi adattata a scaffale, dove sono esposti tutti i prodotti a marchio “Necci”.

Nello sforzo di accontentare anche i nostalgici più incalliti, sono stati conservati i vecchi tavolini in legno grezzo; in un angolo della seconda stanza c’è un piccolo televisore anni 60; un vecchio jukebox è stato posizionato all’ingresso sulla sinistra, sovrastato da un’immagine di Pasolini colorata stile Andy Warhol, che è meglio dimenticare.

Decisamente più caratteristico il blocco di case dall’altra parte della strada, sul lato nord, dove accanto ad una palazzina anni 20 (con i mattoni e le travi a tratti in bella vista) ne trovi una più bassa stile ‘800 inglese (che sembra la casa di Dorian Gray), seguita da un palazzone imponete in perfetto stile fascista, senza balconi, che guarda verso il Vallo ferroviario oltre la Circonvallazione Casilina.

Il pigneto

Vista da qui la zona alta del Pigneto (come è oggi nella foto sopra) sembra proprio quello che era nella prima metà del secolo scorso: un ghetto per operai.

Superato il ponte sul Vallo, si arriva nel cuore del quartiere.

Le case basse che si affacciano a schiera sul lato est della Circonvallazione sono anch’esse per la maggior parte ristrutturate.

Si sale lungo la prosecuzione di Via del Pigneto. La strada è costeggiata da alberi, dietro i quali si trovano i nuovi locali alla moda e i nuovi negozietti che hanno invaso il quartiere. Ci sono anche ristoranti di livello medio-alto, con i tavolini all’esterno, arredati (ovviamente) in stile minimal-bianco.

Lungo i marciapiedi si possono incontrare uomini di tutte le età e provenienti da ogni parte del mondo; tra un albero ed l’altro qualche musicista o artista di strada; oppure lo stand di una delle tante associazioni giovanili della zona.

Ci fermiamo per un aperitivo sotto gli ombrelloni rossi del “Cargo”, seduti sugli sgabellini in ferro. Da sotto il cavalcavia della Tangenziale-Est un tramonto metà arancione, metà viola invade l’intera discesa di Via del Pigneto, mentre un gruppetto di mezzi video-artisti realizza interviste comiche fermando la gente che passeggia.

Una serata romana

Giunta la sera, la strada viene invasa da spacciatori di colore e da giovani: borghesi; universitari; qualche turista …e i punkabbestia con i loro inseparabili cani.

I fast-food sono presi d’assalto. Tra i più gettonati, il Kalapà con le sue specialità greche (tra le tante, la patata ripiena) e una sauna in omaggio mentre aspetti il tuo turno in fila davanti alla cassa.

Questo dunque è il significato che qui danno alla parola “recuperare”: il vecchio quartiere lo si recupera, anzitutto, incentivando l’apertura di negozi, ristoranti e localini per intrattenere i giovani …che ovviamente invadono, in primo luogo, la via centrale; le strade secondarie, meno cariche di fascino, sono solitamente lasciate alle attività degli extracomunitari. Ogni decisione in merito al metodo e allo stile è rimessa al privato: chi ha buon gusto riesce a coniugare necessità d’impresa e spirito di conservazione; chi non ce l’ha butta via il vecchio, stucca e dipinge (per la gioia degli artisti che poi dipingono graffiti o incollano le loro opere su carta più facilmente lungo le facciate).

Quel che rimane dello spirito del vecchio Pigneto è in alcune delle stradine laterali dove ancora vivono coloro che hanno ereditato le vecchie case degli operai e i ragazzi di borgata ormai diventati vecchi anche loro …e dove ancora non ci sono attività commerciali. Per fortuna qui si incontrano anche bambini che giocano indisturbati sotto il portone di casa con una palla o in sella ad un triciclo.

Torniamo giù verso il ponte ed ordiniamo un amaro con ghiaccio nel bar più caratteristico di tutto il Pigneto: da Mary. Qui l’arredo è ancora quello degli anni 60, con le vetrinette mezze vuote lungo le pareti e il bancone stretto, in acciaio, con una fantasia di quadrati e cerchi in finto legno sulla parte frontale in tipico stile Pop.

Sediamo all’esterno attorno ad un tavolino rosso in plastica firmato “Peroni”. Qualche passo più in là, un gruppo di punkabbestia seduti per terra a parlare, bere e fumare (con i relativi cani) ha invaso tutto il marciapiede per circa tre metri.

La signora del bar, sulla sessantina e col grembiulino bianco, viene a raccontarci una delle sue storielle: – Oggi pomeriggio arriva uno de questi (che, come dico io, non so’ punkabestia, ma solo bestia) vestito come ‘no straccione …arriva spedito. Je faccio “ndo vai?; me fa al bagno; no, no, bello! Tu non ce vai al bagno mio!”. Me fa “ma questo è un bar pubblico! Ho diritto di andare in bagno!”; “Sé! Bar pubblico ‘na pippa! …E l’affitto ‘mo paghi te allora? …A zozzone!”.

Ancora una sigaretta poggiati alla ringhiera di protezione che costeggia il Vallo, con lo guardo rivolto verso la zona alta, ripensando a quell’ultima scena di “Accattone”, dove Citti cade rovinosamente dal motorino e, prima di morire sul ciglio della strada, sospira: Mo' sto bbene;.

Gianluca Impedovo (quello di qua)

"Habemus Papam" di Moretti, l'ironia dell'uomo diventato Papa paragonata alla grandezza della Chiesa nel mondo

2011-06-02T02:44:00.000-07:00

Il 15 Aprile 2011 è uscito nelle sale il film “Habemus Papam”, ultimo lavoro del regista italiano Nanni Moretti. L’undicesimo lungometraggio del regista romano ha per oggetto la Chiesa e il suo rapporto col mondo. L’idea è quella suprema: l’elezione del nuovo Papa.

Gli accenni storici sono molteplici: dalla contestualizzazione dei problemi moderni della chiesa agli occhi del mondo alla eredità storica lasciata da Wojtyla, dalle difficoltà di modernizzazione legate ai rapporti con la scienza allo spettro della perdita d’identità. Dopo la riunione del conclave, si sceglie il nuovo Papa, ben interpretato da Michel Piccoli. Il prescelto accetta, titubante, l'incarico così prestigioso: quello che lo aspetta è l’incontro col mondo. Ma l’uomo, nominato Papa, inizia ad essere in disaccordo con la sua nuova veste pubblica e scoppia il caso politico internazionale che viene raccontato dal regista con profonda delicatezza, trasformandolo in un caso umano.

Come risolvere l'impasse internazionale?

Si decide di chiedere l’aiuto di uno psicanalista, che, nello svolgimento di tutti i rituali all’interno del Vaticano, “umanizza” la Chiesa; riporta i cardinali al loro substrato inconscio ludico, quasi fanciullesco, riscopre gli uomini che si nascondono dietro le vestali e il potere spirituale. La scena in cui il Papa, fuggito dalle anguste camere del Vaticano, anguste nella sua rappresentazione mentale e humour ma maestose all’esterno, si ritrova nel teatro, è degna dei più grandi film della nouvelle vague. La teatralità viene raccontata come se rappresentasse l’espiazione generale delle colpe, ed in particolare una sorta di catarsi dai traumi rimossi e redenzione psicanalitica dall'altro da sè. Il finale a sorpresa chiude il cerchio di un capolavoro.

Il vaticanista Salvatore Izzo, in una lettera ripresa da vari blog e pubblicata dall'Avvenire, invita al "boicottaggio della pellicola" e, anche se la Chiesa ha manifestato contrastanti opinioni sul film, dovrebbe dire “grazie” a Moretti per la riabilitazione dell'immagine come rappresentante spirituale del mondo occidentale. Il regista dimostra maestria e temerarietà nel rapportarsi a tematiche così grandi, senza mai esagerare nè scadere nel ridicolo, con un'abilità sublime nel conoscere e realizzare sempre i limiti delle situazioni umane rapportate alle idee spirituali. La religione, naturalmente, il rapporto dell’uomo con Dio, la materialità dell’esistenza, la vanità delle cose terrene, il potere, il bisogno spirituale degli uomini, la ricerca della verità e della felicità e l’ironia.

In Autunno sarà pubblicato un libro da Fandango Libri in cui saranno raccolte molte fotografie di scena e backstage, per la maggior parte inedite, realizzate dal fotografo Philippe Antonello; foto che raccontano i momenti più salienti delle riprese di Habemus Papam.

L’APOCALISSE DELLE ARDENNE. Céline, “Trilogia del Nord: Da un castello all’altro, Nord, Rigodon”

2011-05-10T08:22:00.000-07:00

È sufficiente leggere le prime cinquanta pagine di “Da un castello all’altro”, per provare quasi un senso di vergogna e di miseria nel misurarsi con quest’uomo che per mesi ha vissuto fuggendo (assieme alla moglie Lili ed al gatto Bebert) da un paese all’altro della Germania sotto i bombardamenti incessanti. Coperto di pochi stracci, svolgendo la professione di medico tra le macerie delle città, in condizioni al limite dell’umano, reggendosi su due bastoni … fu costretto ad osservare le atrocità più indicibili.

Vien voglia di prendere a schiaffi gente come Obama, Sarkozy e tutti i potenti (queste menti illuminate, pluripremiate e plurilaureate!) che ancora oggi non perdono occasione per dimostrarci che nulla hanno imparato dall’esperienza di chi ci ha preceduto; nonostante le migliaia e migliaia di pagine scritte dai migliori autori del secolo scorso sul tema “Secondo conflitto mondiale”.

L’esperienza celiniana ci conferma che la guerra è il trionfo della stupidità umana e dell’incapacità dei governanti di proteggere le masse dalla tentazione di conquiste materiali pagate col sangue altrui.

Fallito dunque il tentativo di evitare il ripetersi di catastrofi, quel che rimane di buono è l’arte.

Ciò che caratterizza lo stile di Céline, in questi tre romanzi più che nei precedenti, è il sovrabbondate uso dei tre puntini. Ogni pagina della Trilogia ne è piena.

Questa scelta è indubbiamente indicativa di una presa di coscienza, da parte dell’autore, della palese inadeguatezza della parola come mezzo per comunicare un’esperienza reale ed allo stesso tempo fuori dall’ordinario: per quanto uno possa sforzarsi, non ci saranno mai parole sufficienti per descrivere l’orrore delle migliaia e migliaia di corpi massacrati dal un nemico che arriva dall’alto e, nel suo delirio di onnipotenza, distrugge, senza operare alcuna distinzione tra civili, militari, tra armati e disarmati (…è la morte che arriva senza un volto!).

La novità è invece rappresentata da quella che in molti hanno definito la petite musique celiniana.

È un grande passo in avanti nella ricerca, iniziata nel 1933 con “Viaggio al termine della notte”, di un linguaggio nuovo che sia in grado di spiegare la modernità (intesa come stravolgimento di ogni assetto sociale ed economico occidentale) del periodo post rivoluzione industriale.

È Céline stesso, come racconta Henri Godart nella prefazione alla Trilogia, che si pone come obbiettivo quello di mettere in secondo piano i contenuti dell’opera a vantaggio dello stile della narrazione. Quel che ne vien fuori attraverso l’uso continuo di iperboli, ellissi e la ripetizione di frasi ed elenchi, è un ritmo che ricorda molto le composizioni più sperimentali di Stravinsky (e, nella pittura, la complessità e la potenza di opere come il “Guernica” di Picasso).

Al fine di comprendere a fondo la grandezza dell’opera, riporto di seguito la presentazione redatta dall’editore Roger Nimer in occasione della prima pubblicazione, nel 1960, di “Nord”, il romanzo più riuscito della Trilogia.

Céline nel cuore della Germania in fiamme: è questo l’argomento di Nord. Attore sulla scena e nello stesso tempo veggente, l’autore si ritrova a Baden-Baden, nei mesi che precedono il crollo del Reich. Strano albergo di lusso, dove il caviale, la “bouillabaisse” e lo champagne contano più dei bombardamenti. Stupefacente baronessa von Seckt, superstite di un altro mondo che giudica Hitler: - Lei sa signor Céline il trionfo del Diavolo sta soprattutto nel fatto che quelli che lo conoscevano bene non ci sono più…-.

E poi Berlino, le case sventrate, l’ostentazione di un’irritante organizzazione in mezzo alle macerie. Céline e i suoi compagni di sventura (la moglie Lili, l’attore Le Vigan, il gatto Bebert) vengono spediti a cento chilometri dalla capitale, a Zornhof, in una proprietà sconfinata governata, da un pazzo. A est, la pianura si estende fino agli Urali. E intorno ai quattro francesi (ché Bebert conta proprio per un francese) vive una famiglia shakespeariana in un paese abitato da Polacchi, prostitute berlinesi e da obbiettori di coscienza, tutti ben pasciuti e robusti, che costruiscono bare per ordine del Reich.

Céline vuole essere cronista; in realtà descrive la Germania della disfatta come Dante visitava i cerchi del suo Inferno. Da un lato i grandi di questo mondo, continuamente accaniti ad approfittare della vita; dall’altro i miserabili ai quali si getta un “ideale”, come un osso da rosicchiare.

Gianluca Impedovo (quello di qua)

"Il gioiellino" da svendere ... nel film di Andrea Molaioli

2011-04-08T02:40:00.000-07:00

Uno dei film italiani che più ha fatto discutere negli ultimi tempi è stato “Il gioiellino” con Toni Servillo nel ruolo di co-protagonista. E’ la storia di un imprenditore di provincia che mette su un grande gruppo industriale capace di scalare, nel proprio settore, le vette del mercato. E’ raccontata la vicenda del gruppo Parmalat, che nel film prende il nome di “Leda”.

In provincia si immagina di scalare il mondo degli affari attraverso le piccole e sane abitudini. Per emergere non c’è bisogno di grandi titoli, ma di idee, un po’ di fortuna e la giusta dose di coraggio. Lo sanno bene quelli che misero su il progetto industriale che portò Parmalat a costruire una multinazionale (con sviluppi in Russia, Sudamerica etc.) e un brand che sponsorizzò squadre di calcio e altri grandi progetti. Ma il latte non garantisce ampia marginalità, così i titolari si trovarono ben presto in una crisi aziendale serissima.

Il mood del film si svolge intorno alle vite individuali dei protagonisti che non pensano ad ambiziosi progetti esistenziali (se non in ambito professionale) quanto a mantenere il loro genere di vita, fatto di piaceri quotidiani tutti italiani (il buon vino etc...), poche parole e una sorta di misconoscenza congenita delle pratiche del gran mondo; non fanno entrare in fabbrica e non gradiscono persone se non provenienti dal proprio territorio, nel perfetto stile campanilistico italiano del tempo.

Qualcosa va storto, la bancarotta è vicina e i fornitori sono fuori in strada che protestano. Rimane una sorta di cecità del top management che non conosce limiti al proprio egoismo. Pochi vizi, poche qualità ma una sorta di invincibile determinazione all’auto-conservazione: proprio come il latte a lunga conservazione inventato da Tanzi, vera svolta industriale del gruppo di Collecchio.

I giochi per il controllo della società sono ancora oggi aperti. Società estere e cordate italiane stanno tentando di comprare partecipazioni, influire sulla governance del “gioiellino” e determinarne, così, le scelte industriali e le strategie aziendali future. L’azienda viene dichiarata ancora una volta di interesse nazionale.

Tanzi riuscì, attraverso abili manovre finanziarie, a ingannare migliaia di azionisti fino alla bancarotta, salvata da un emendamento di procedura di amministrazione straordinaria, varato dal Ministero delle Attività Produttive.

Non c’è action. Tutto sembra fermo e indifferente; proprio per significare l’amoralità dei protagonisti coinvolti e la cecità che questa produce. Gli azionisti imbestialiti, i fornitori sul lastrico e il gruppo che cerca risorse ovunque anche ingannando e ingigantendo gli utili con la sottoscrizione di documenti falsi.

Il film è composto di frammenti, frammenti di immagini, storie, viaggi, intraprese economiche, dubbi, discernimenti facili e una disumana assenza di passioni. La paura dei sentimenti che porta a racchiudersi dentro di sé senza più riuscire a distinguere dove finisce la legalità e dove inizia la illegalità.

“Il gioiellino”. Un film di Andrea Molaioli. Con Toni Servillo, Remo Girone, Sarah Felberbaum, Lino Guanciale, Fausto Maria Sciarappa. continua» Drammatico, durata 110 min. - Italia, Francia 2011.

Urban Ritual Capoeira: London capoeira scene

2011-03-30T05:09:00.000-07:00

Urban Ritual Capoeira: London capoeira scene

La paura, la tristezza e le speranze nel film di Alan Parker "Le ceneri di Angela"

2011-03-28T09:09:00.000-07:00

Il regista Alan Parker nel 1999 ha diretto il film intitolato “Le ceneri di Angela”, tratto dall'omonimo romanzo di Frank McCourt.
La storia suscita molte emozioni, vivide, che attraversano dolorosamente la vita di una donna, madre e moglie, che vive di ristrettezze economiche. Il film è ambientato tra l’America degli anni '40- '50, terra di sogni per molte persone che emigravano in cerca di lavoro, e l’Irlanda che versava in grave crisi finanziaria e sociale.
Era una terra abbandonata che viveva nell’odio contro gli inglesi, afflitti da una religione che più che un “credo” divenne ossessione, piaggeria e forma di accettazione sociale. E' la storia di una saga familiare che ricorda quella raccontata nel libro “Giobbe” di Joseph Roth: la figura biblica che dovette affrontare molte sofferenze prima di vedere una catarsi esistenziale, terrena ancor prima che ultra-terrena.

Max Weber sosteneva che il protestantesimo, in accordo col capitalismo, si affermò proprio per offrire agli uomini in terra la possibilità di esperire il proprio successo, economico e sociale, dunque vivere il Paradiso, oppure il fallimento, e in tal caso l’Inferno.

Parker racconta una specie di Inferno: un marito bevitore che non lavora e non porta soldi a casa e dei bimbi, a volte neonati, che vivono di stenti, senza latte o zuppe calde, nell’umidità delle case del tempo.

Tra le istanze di debrayage ed embrayage del racconto cinematografico, la voce off descrive un irlandese che ha appena qualche soldo in tasca e preferisce spenderlo in un pub esponendo così la famiglia al ludibrio pubblico. Sarà proprio il figlio primogenito a trovarlo in birreria ma senza riuscire a fermarlo, spaventato delle conseguenze nefaste che potrebbe avere una scena pubblica del genere sulla sua famiglia.

Rimane un quadro desolante. Un altro bambino che muore, un altro sogno spezzato ... la colonna sonora di John Williams accompagna un film che commuove sin dalle prime battute. Il padre rimane sempre una figura contraddittoria: al ritratto disperato che viene dato dai suoi comportamenti fa da contraltare la sua apparenza sempre elegante (egli afferma che un uomo senza giacca e cravatta non ha rispetto per sé) e rimane, anche se in casa e disoccupato, a tratti gioviale e ironico con i figli. Quasi che conservasse, a dispetto delle sue azioni, una saggezza e una bontà antica nel cuore.

Partirà per Londra; è un film di addi, ritorni, oscillazioni tra tragedie in terra e la speranza, quella della vita dei figli che potranno riscattare le sofferenze dei genitori.

“Le ceneri di Angela”. Un film di Alan Parker. Con Robert Carlyle, Ciaran Owens, Emily Watson, Pauline McLynn, Joe Breen. Titolo originale Angela's Ashes. Drammatico, durata 145 min. - USA, Gran Bretagna 1999

Revolutionary Road

2011-03-18T12:13:00.000-07:00

Il film “Revolutionary Road” è stato tratto dall’omonimo romanzo di Yates scritto negli anni ’60. Gli attori principali sono Leonardo Di Caprio e Kate Winslet con la regia del suo ex-marito Sam Mendes.

La trama ruota intorno ad una coppia di sposi, negli anni ’60 in America, in procinto di trasferirsi a Parigi, in quanto più economica e aperta a possibilità sia artistiche che di vita bohemien.

Sarà proprio la Winslet, nel film April, che proverà a convincere il marito, in carriera, a cambiar città.

Lui accetta. Sta per diventare quasi come il suo odiato padre che conduceva un lavoro alienante che non lo soddisfaceva affatto.

April è spesso su di giri perchè voleva fare l’attrice e invece si ritrova a fare la casalinga. La donna che gli ha affittato la casa comincia a farle visite più assidue e la spinge a conoscere suo figlio.

37 volte sotto elettroshock il ragazzo, depresso e costretto a casa con i genitori. Adorava la matematica e, dopo iniziali tensioni, comincia a capire le trame psicologiche della coppia che si sentirà finalmente compresa da qualcuno.

Nell’incipit del film compare April, al termine di uno spettacolo teatrale deludente, e il marito, Frank Wheeler , in procinto di giustificarsi con alcuni amici per non poter andare a cena perchè hanno dimenticato di lasciare i bambini dalla babysitter. Questi bambini rimarranno sempre sullo sfondo del film, a guardare, quasi che intorno a loro si sviluppino le ansie e le preoccupazioni della madre.

Sembra di ricordare alcuni racconti di Carver o il film con Nicole Kidman “The Others”… in cui i suoi poveri bambini altro non sono che dei fantasmi.
Oppure un quadro di Hopper.

C’è il sogno americano, una vita normale, una coppia sull’orlo di una crisi di nervi ed un passato che non vuole passare.

Il film contiene delle isotopie continue, di linguaggio, espressione degli attori, colonna sonora e la visione ossessiva della casa in collina che, nell’immaginario, costituisce il modello simbolico di abitazione della famiglia americana perbene.

Sam Mendes. E’ stato lui il regista di uno dei più importanti film di questo tempo e cioè “American Beauty”… cosa si nasconde dietro l’apparenza patinata della middle class?

La riflessione sulla società di quel tempo, e di riflesso anche sui rapporti di coppia e sulla vita odierna in generale, non attiene, forse, ad ambiti classisti od economici quanto ad una questione prettamente culturale e simbolica, di rimando politica, ossia se sia meglio andare a fondo nella propria esistenza (real life) o indossare maschere socialmente condivise.

Revolutionary Road. Un film di Sam Mendes. Con Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Kathryn Hahn, David Harbour, Ryan Simpkins. continua» Drammatico, durata 119 min. - USA, Gran Bretagna 2008. - Universal Pictures uscita venerdì 30 gennaio 2009.

I JUST WANT TO BE PERFECT. “IL CIGNO NERO” di DARREN ARONOFSKY.

2011-03-09T06:44:00.000-08:00

Ancora sulla follia. Ancora sulla fragilità della mente umana.

Perché è la capacità di resistere o meno al caos totale che ci circonda (e di cui ormai abbiamo piena consapevolezza) che dovrebbe essere oggetto di costante indagine da parte nostra. …Dovrebbe! …Ma siamo ormai così abituati a giustificare tutte le nostre deficienze e debolezze usando la parolina magica “modernità”, che… (non voglio tediarvi oltre con le solite confuse riflessioni da esistenzialista pasoliniano).

Per fortuna ci sono ancora gli artisti. Quelli capaci di sbatterci in faccia la realtà e di raccontarci il mondo così com’è.

Questa volta ci occupiamo del mondo della danza classica.

I format televisivi offerti dalle tv commerciali e di Stato c’hanno (purtroppo) abituati, da qualche anno, ad un’idea della danza classica degradata a spettacolo di intrattenimento per casalinghe e adolescenti.

Malgrado ciò, la danza come forma d’arte (re)esiste ancora. È un’arte che si esprime attraverso l’armonia delle movenze, la grazia e la passione nell’interpretazione. Ma non solo: alla base vi è, anzitutto, una dura preparazione tecnica, ore ed ore di allenamenti, tanti sacrifici e l’idea ossessiva della ricerca della perfezione nel movimento.

Il film “Black Swan” (Il cigno nero) del regista, già premio Oscar con “The Wrestler”, Darren Aronofsky è incentrato proprio sulla combinazione “ricerca della perfezione nel movimento-passione nell’interpretazione”.

La trama.

Una compagnia di ballo di New York sta allestendo una versione de “Il lago dei cigni” (opera del XIX secolo musicata da Čajkovskij) molto essenziale ed incentrata sulla figura della prima ballerina che, secondo quanto previsto dal copione originale, dovrà interpretare sia Odette, l’innocente e graziosa regina dei cigni bianchi, che Odile, il sensuale ed ammaliante cigno nero.

La parte viene affidata alla fragile e timida Nina, una ballerina figlia d’arte, che sembra esser nata per interpretare il ruolo di Odette, ma è del tutto incapace di esprimere la sensualità di Odile.

Per questo le viene affiancata Lily, una ballerina disinibita e tutto pepe, pronta a sostituirla in caso di necessità.

Nina non è mai stata adolescente; non ha conosciuto altro che l’arte della danza; ha una madre iperprotettiva che ha sempre scelto al suo posto …Nina vive in un mondo tutto suo.

La preparazione al ruolo si trasforma in un'ambigua ossessione che le fa perdere la percezione di ciò che è reale e ciò che è frutto della sua fantasia.

Nina impara a conoscere Odile, il cigno nero; impara a conoscere la parte oscura di sé stessa …troppo in fretta …senza nessuna guida.

Nina è interpretata da una straordinaria Natalie Portman (vincitrice del Premio Oscar 2011 come miglior attrice protagonista). Una scelta più che azzeccata, considerato il carattere introverso e l’eleganza innata dell’attrice americana.

Il film è tutto incentrato sulla sua performance.

Un film cupo ...dark (come l’affascinante sguardo della Portman).

È sempre notte. Si ha l’impressione che questa Nina non abbia mai visto la luce del sole.

Nelle ambientazioni interne predominano le tinte grigie e blu. Le luci sono basse.

Nel teatro che ospita la compagnia di ballo ci sono specchi giganti dappertutto. Specchi capaci di riflettere sia il reale che l’inconscio delle persone.

Curiosità. Agli appassionati di cinema non sfuggirà certamente la scena dell’incontro/scontro tra Beth, l’ex prima ballerina della compagnia, interpretata da Winona Ryder, e Nina (la Portman), che subentra nel ruolo. Sembra quasi di assistere al passaggio dello scettro di “icona dark del cinema americano” dalla diva degli anni ‘90 a quella del nuovo millennio.

Buona visione (di visioni)

Gianluca Impedovo (quello di qua)

“Celebrity”, un flop che avrebbe dovuto deridere lo showbiz

2011-03-04T09:23:00.000-08:00

Ho sempre voluto vedere questo film di Woody Allen, così l’altra sera, anche se ho molti film da vedere (da "Revolutionary Road" a "L’Anticristo" di Lars Von Trier) l’ho scelto. Film noioso, lo dico da subito, ma i giudizi, come i gusti, si sa, divergono.

La storia è quasi tronca, involve invece che evolvere. La solita coppia in crisi, la solita quarantene nevrastenica che non crede più in nulla ma riesce a trovare un uomo, come spesso accade nei film di Allen, che la comprende e la realizza, come donna ma anche nel lavoro. Di solito poi questa quarantenne è abbastanza avvenente, ma il suo ex-marito, evidentemente, ne ha trovata un’altra più bella, o più giovane.

Sullo sfondo si muovono star (che anche nella vita normale sono star) prese da deliri di onnipotenza, fan scatenate all’uscita degli hotel e appuntamenti presi all’ultimo minuto.

Celebre la battuta con la banana "A cosa pensi? Alla crocifissione".

Rimane ben poco. La splendida interpretazione del protagonista, Kenneth Branagh, altro solito alter ego di Allen; quando non può partecipare nel film delega qualcun altro che si muove e parla come lui...nel senso che fa finta di non capire molto e, nella sua tenerezza e tenacia, riesce sempre a farla franca.

L'avete visto, cosa ne pensate?

Rimango un fan di Allen, sotto sotto, ma ci sono film migliori.

“Celebrity” di Woody Allen. Con Joe Mantegna, Kenneth Branagh, Melanie Griffith, Judy Davis, Leonardo DiCaprio, Sam Rockwell, Charlize Theron, Winona Ryder, J. K. Simmons, Debra Messing, Dylan Baker, Famke Janssen, Bebe Neuwirth, Jeffrey Wright, Allison Janney Commedia, durata 114 min. - USA 1998.

"Il discorso del re" vince quattro premi Oscar

2011-02-28T01:23:00.000-08:00

La scorsa settimana ho visto un film bellissimo, emozionante così provo a raccontarvelo senza svelarvi la trama ma provando a darvi una impressione istantanea, (una gestalt), del film.

Innanzitutto il titolo “Il discorso del re” ed un cast davvero niente male: l’attore che interpretò il famoso pianista nel film “Shine”, Geoffrey Rush, ed un ottimo attore principale, Colin Firth, che interpreta il ruolo del futuro re (vincitore del premio Oscar come miglior attore).

Storia vera, che si rifà anche ad antiche tragedie shakespeariane, infatti il logopedista che curerà il re spesso reciterà in scene familiari alcuni passi del celebre drammaturgo britannico.

Il regista, Tom Hooper, dà al film un mood coinvolgente, svolge la storia lentamente suscitando inizialmente l’empatia con un male così fastidioso e pericoloso, soprattutto per un re, della balbuzie. Incurabile all’epoca e forse anche oggi, ma migliorabile sicuramente.

Tom, il nome del futuro re, ad un certo punto diventerà insofferente, il suo ultimo tentativo di curarsi gli sembra un fallimento. Tutto gli appare vano: non riuscirà mai a parlare bene in pubblico e così essere acclamato dalla follla.

L’Europa all’inizio del secolo scorso era una fucina di nazionalismi esasperati, odi ed aggressioni militari che sfociarono nelle guerre mondiali.

Oggi questi scenari di guerra stanno colpendo le zone dell’Africa centrale e del Nord Africa confinanti con il Medio Oriente. Tutto ciò sta a significare forse una spinta dei popoli contro i loro governi, oppure allo stesso tempo la democrazia come un progressivo miglioramento delle condizioni intellettuali dei poveri. E’ ovvio che avere accesso ai new media come Twitter e Facebook migliora la consapevolezza delle persone intorno alla propria vita e a quella di chi abita lontano, ma solo spazialmente.

“Il discorso del re” racconta l’incontro tra un uomo comune ed un futuro re. Il logopedista proverà a capire la psicologia del monarca e, mantenendo la sua dignità di uomo medio, contribuirà alla grandezza di un momento storico così importante come quello in cui bisogna raccontare ai popoli che la pace è finita.

Vito Lopriore

Analogie rock: tra rimembranze del passato e digressioni romantiche

2011-02-23T16:33:00.000-08:00

Il videoclip del brano musicale intitolato “Aspettando di rivederla” è stato girato in Puglia ed è prodotto da DeMì & The Public Relations.

Le immagini descrivono sia l’angoscia dell'attesa e della scelta, in senso kierkegaardiano, sia la voluttà della gente del sud che intravede spesso, aldilà dell’orizzonte, un motivo di felicità e una promessa di gioia.

La visione della nave, che si vede all’orizzonte, e “I gabbiani mangiare, le madri ai figli irrequieti badare”, sono proprio le metafore che rappresentano le via di fuga dai pilastri di cemento, in cui vediamo sia DeMì che il chitarrista Giorgio Guarini avventurarsi durante il video.

Il mare diviene, con “il soffio di vento”, proprio quell’anelito di libertà e speranza che il sud richiama.

DeMì racconta di storie ataviche o moderne, che si vorrebbero tramandare, impresse quasi nelle pietre e nei muri dei paesi, o sperdute nell’ignoto, nel confine non quantificabile dello sperduto mar.

La femminilità desiderata è come la terra madre che si vuole più che possedere, dominare. La ricerca del dominio del femmineo contraddistinguerà altre opere, musicali e pittoriche, di DeMì.

Arriverà il delirio, (“il tuo fottuto cuore”), accompagnato dallo stridio metallico della chitarra di Giorgio, perché la vita non restituisce le speranze e le gioie desiderate (cit. Leopardi “O Natura, o Natura perché non mantieni quel che prometti allor?”).

Il sound finale, nostalgico, scandisce l’attesa in uno spazio altro, mentre DeMì si incammina al di là del mare, verso qui...verso la terra e le scale da salire. Metafore di un tempo che non è quasi mai compiutamente, come le emozioni, esplorato né vissuto.

L’ultimo anelito di DeMì:: “Un tempo mi fermavo a guardare seduto sul molo”.

La mera osservazione impressionista si disperde in una angosciosa melodia rock.

Vito Lopriore

Official videoclip “Aspettando di rivederla”: regia Pasquale Zivoli, fotografia Francesco Sportelli.

"L'onda": la linea sottile tra fiction e reality

2011-02-13T14:12:00.000-08:00

Il terrore di non essere da soli. A cosa può portare la disoccupazione, l’odio sociale e l’anti-politica.

Lo descrive bene il film di Dennis Gansel, intitolato non a caso “L’onda”.
L’onda che travolge decine di ragazzi che hanno tutto ma non credono in niente, anzi credono che l’unica forma di vita intelligente sia proprio quella di guardarsi bene dagli altri. Forse il miglior modo di fare i propri interessi è quello di fare l’interesse altrui.

Nel film si sente la pulsazione creata dalla forza del gruppo, il gruppo che si sta creando, e in cui le menti più solitarie prima, adesso possono esplodere con tutta la loro perversa dirompenza.

Ci troviamo in un paese di provincia in Germania, ai giorni nostri, e un professore si mette in testa di indagare quali sono i concetti su cui si basa l’autocrazia, e di realizzarli, in un certo qual modo, in un corso che avrebbe avuto la durata di una settimana. Ma il fenomeno esplode.
Lo stesso esperimento fu messo davvero in pratica da un professore californiano, un tale Ron Jones, nel 1967; quindi parliamo di una storia vera, ampliata e ricondotta, nelle sue implicazioni e potenzialità distruttive, ai tempi moderni.

Ovvio, vengono a galla tutte le frustrazioni di ognuno, in primis quelle dell’insegnante, che viene lasciato dalla compagna e che inizia un percorso che lo porterà alla rovina esistenziale.
Cosa rende il film interessante? I principi su cui si fonda il governo di uno o di pochi sulla massa, individuazione di: carisma, nazionalismo (ideologia), nemico, riconoscibilità estetica dei membri (i ragazzi/e decideranno di indossare tutti delle camicie bianche).

Esplodono pratiche di diffusione tecnologica del messaggio, ecco un’altra trovata grandiosa del regista, l’attualizzazione moderna delle pratiche di diffusione simbolica. I ragazzi si scambiano informazioni con i cellulari, postano video sul sito, creano blog, fanno video in classe del loro capo che, da essere chiamato per nome, diviene il signor Rainer.

Rainer avrà un ripensamento, una mancanza, del tutto umana e frutto degli effetti della storiografia politica degli anni ’60 secondo me, ma ormai siamo in un punto di non ritorno, c’è già qualcuno per cui il gruppo, e la sua unione, sono diventati il fine supremo dell’esistenza.

Un film di Dennis Gansel. Con Jürgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul.

Titolo originale Die Welle. Drammatico, durata 101 min. - Germania 2008.

Vito Lopriore

Io che t’ho fatto di disfo! …come ti faccio ti disfo! …Pio pio pio pio pio pio pio! “La pecora nera” di Ascanio Celestini.

2011-02-08T09:26:00.000-08:00

Ne ho conosciuti di matti. Coi matti devi stare sempre attento, perché a stare coi matti va a finire che diventi matto anche tu.

I matti non sono tutti uguali: alcuni sono matti perché sono nati così; altri perché lo sono diventati.

Alcuni matti sembrano matti, ma in realtà fanno i matti. Magari sono solo dei poveri coglioni.

Regole fondamentali per entrare nella casa sei matti.

Regola numero 1: i matti sono persone normali, solo che ragionano in modo diverso da noi, secondo parametri diversi. I matti sono persone che hanno perso tutto, tranne la ragione.

Regola numero 2: i matti non parlano mai da soli. I matti parlano con persone che noi non possiamo vedere. Noi usiamo la ragione; i matti pure …ma sono capaci anche di andare oltre la ragione. Ed è per questo che sono Santi.

Regola numero 3: chi mette in ordine ritrova tutto; chi mette in disordine non trova niente.

Il disordine è male. Basta distrarsi un attimo e si crea disordine.

Basta poco e il cervello va in corto circuito.

Anche l’amore ti può mandare in corto circuito.

L’amore è una distrazione: a volte crea disordine.

Esistono due tipi di amore. C’è quello che …ci si conosce, ci si addomestica, si cresce, ci si sposa, si fanno i figli, ci si sorregge a vicenda, ecc. ecc.

Tutto perfetto, tutto ragionato. Tutta convenienza.

E poi c’è l’amore di un attimo. Quello che quando lo vivi ti sembra che tutta la bellezza del mondo si sia concentrata davanti ai tuoi occhi. Ma è un attimo e non ci devi ragionare. Devi solo fare in modo che quell’attimo continui sempre a ripersi all’infinito.

È faticoso come scavalcare cento cancelli. Come quelli della barzelletta sui matti; quella che fa - Ci sono due matti. Per fuggire dal manicomio devono scavalcare cento cancelli. Scavalcano il primo; poi il secondo; poi il terzo… Arrivati al novantanovesimo uno fa all’altro "Basta! Sono stanco. Torniamo indietro!"
(http://www.youtube.com/watch?v=ikwi9J1I6sc&feature=player_embedded#)

Per uscire dal manicomio devi superare i cento cancelli. Se non superi l’ultimo è come se non ne avessi superato nessuno. Resti dentro al manicomio assieme agli altri matti.

Se ci pensi su un attimo è finita. Crei disordine. E chi crea disordine rischia il corto circuito.

"L’amore è solo per i coraggiosi; il resto sono solo coppie" (come dice Barbara Alberti).

Avrei voluto parlarvi del film “La pecora nera” di Ascanio Celestini. Ve ne ho raccontato solo un quarto. Il resto è poesia. Un’ora e mezza di poesia.

La poesia non si spiega. Devi solo leggerla o ascoltarla. La poesia che sta nelle cose, poi, puoi solo vederla.

Se la capisci è bene. Se non la capisci, pazienza …guarda qualche altra cosa.

Io che t’ho fatto di disfooo! …come ti faaaccio ti disfooo!

…Piiio pio pio pio pio pio pio! …Piiio pio pio pio pio pio pio!

Gianluca Impedovo (quello di qua)

P.S. E sotto er monumento de Mazzini…

"American life" e il senso dell'unione

2011-01-27T08:40:00.000-08:00

L’altro giorno ho visto al cinema l’ultimo film di Sam Mendes, “American life”. Tra la poca scelta che c’era nella sale (il film di Checco Zalone è in programmazione in un numero esorbitante di sale romane) la mia scelta non è stata difficile.

Sam Mendes è stato autore di film che hanno fatto la storia moderna del cinema: da “American Beauty” a “Jarhead” (che racconta la prima guerra in Iraq), da “Revolutionary road” a “Era mio padre” (con la splendida interpretazione di Tom Hanks nei panni di un padre che insegna la sua vita da criminale al figlio).

Dunque, American life.

In un certo qual modo racconta la vita moderna: molte persone in cerca di identità. Che provano a legarsi a piccoli momenti intimi con il proprio amante, che cercano spazi, sempre più ristretti, di adattamento al contesto sociale circostante. Come un viaggio a ritroso nelle emozioni.

(http://www.youtube.com/watch?v=OT8QT4BEOTo&feature=related)

Il film a cui ho pensato è stato “Il posto delle fragole” (titolo originale Smultronstället) di Bergman in cui viene raccontata la storia di un uomo vecchio che, alla sola visione di un giardino, inizia un viaggio a ritroso nella propria infanzia. Raccontandone, turbato, le proprie esperienze.

American life può esser raccontato anche così, come un viaggio che non si dirige in avanti ma indietro. Spesso durante la visione del film appare la didascalia: “go away”. Ecco, per l’appunto…non andare avanti ma fuori. Fuori dalla quotidianeità, fuori dagli schemi, fuori dalle solite parole, dai soliti pensieri, andar via, per poi tornare, ovviamente.

Una coppia sta per avere un bambino e prova ad organizzarsi per questo evento.

Mi hanno colpito molto i comportamenti buffi del ragazzo che prova in ogni modo a intrattenere e non annoiare la sua fidanzata, un modo così carino per accogliere un nuovo ospite in casa.

Quando torneranno nella casa natia di lei, sarà come vedere qualcosa che appartiene sì al passato ma già anche al futuro.

La splendida colonna sonora accompagna un viaggio nelle riflessioni e nelle paure che si avvicinano molto a quelle della mia generazione.

Vito Lopriore

La vicenda Ruby e il caso Berlusconi

2011-01-21T09:17:00.000-08:00

Forse nel titolo andrebbero invertiti gli accostamenti, ma mi sembra che più che “caso Ruby” si debba parlare di “caso Berlusconi”.

Credo che tutta la storia delle prostitute è affrontata dal paese e dai media in maniera decente.

Partiamo da alcuni presupposti. Verrebbe da citare Toqueville “Il requisito fondamentale della democrazia è la trasparenza”, o il caposaldo di ogni teoria che fondasse il principio del governo del Demos (del popolo): “in democrazia non ci può essere commistione tra economia e politica”, altrimenti il passo sarebbe troppo breve.

I politici devo occuparsi della cosa pubblica (che nel linguaggio arretrato ma svelto del sud divenne “cosa nostra”) e non fare gli interessi materiali dei singoli. Si sa che viviamo in una penisola attraversata da secoli di storia e di odi, invidie e campanilismi tra le diverse parti, tra le diverse regioni e anche tra i diversi paesi, addirittura.

In America Clinton dovette sottostare al ludibrio pubblico internazionale (e non solamente nazionale come si lamentò tempo fa il nostro premier per cose più irrilevanti, il litigio con Fini). Meno gravi del caso Ruby e non solo.

La magistratura italiana vuole rendere chiaro a tutti che la giustizia in Italia ancora esiste e chiunque può essere piegato alla legge se sospettato di infrangerla.

Il chiasso mediatico non deve intaccare il potere istituzionale e politico ma deve smuovere le coscienze. Smuoverle…così si ritorna alla politica, non ci si può render conto di un problema e far finta che non esista, ecco lo scacco (morale) al premier e ai suoi. La politica che si riprende il posto che le spetta.

Gadda scrisse “Eros e Priapo” per esaltare, denigrandole, le protuberanze sessuali, non solo fisiche ma anche linguistiche e caratteriali, insiste in ogni costume del Duce. Adesso sono passati 50 anni ma il paradosso priapesco, in forme ancora più degenerate, si può applicare anche a Berlusconi.

I media, lo sconforto delle coscienze, il ludibrio pubblico aiuteranno la nostra democrazia a crescere. Se il gossip politico diviene così forte da sconvolgere il sistema generale allora si sente, anche se lontano dal divenir reale, un seme di libertà.

Martedì sera a Ballarò Rosy Bindi, presidente del partito democratico, citava il nome del premier ogni tre parole che pronunciava.

In America Clinton dovette lasciare la presidenza americana (impeachment) perché la vita privata di un leader, in democrazia, è così importante tale da comprometterne il successo pubblico e politico. Solo chi ha una vita privata sana ha meno da temere nell’immagine e nel giudizio altrui. L’immagine del leader e il suo corpo (rif. Gadda) divengono anche l’immagine e il corpo della nazione diffuso in patria e all’estero. Il corpo umano del leader diviene simbolo del corpo sociale.

Kantorowicz sosteneva che nel corpo del re in realtà convivevano 2 corpi; uno sociale e politico (mistico e immortale) e uno privato. Si potrebbe dire “La dissacrazione (profana) moderna del corpo privato da parte del leader significa una degradazione morale e simbolica della nazione”, ma potremmo sembrare troppo “politically correct”.

Noi non siamo in America e questa vicenda prenderà svolte prevedibili, credo, ma almeno lo sdegno e il chiasso mediatico sono segni che la democrazia esiste.

Vito Lopriore

La versione di Barney: una drammatica commedia

2011-01-18T03:55:00.000-08:00

Ieri sera ho visto al cinema “La versione di Barney”. Devo confessare che avevo iniziato a leggere il libro ma l’avevo lasciato a metà: mi sembrava una storia prevedibile. Così non è stato vedendo il film: è descritta la vita di un uomo che sceglie una vita ordinata ma si circonda di amici stravaganti e amanti irrequiete. Forse la sua geografia sociale rappresenta la parte nascosta, cioè quello che vorrà o che voleva sempre essere.

Parlare di un film a chi non l’ha ancora visto è sempre un po’ difficile. Si rischia di dire troppo, o troppo poco. In effetti “La versione di Barney” è un gran film proprio perché racconta una storia semplice, ma lo fa con leggerezza e dolcezza.

Come ci si può innamorare di un’altra persona proprio nel giorno del proprio matrimonio?

Come ci si può circondare di amicizie intime che in verità non si rivelano tali?

Come si può ancora credere nell’amore, e fare follie per esso, in una società per lo più materialista dove i reali interessi della maggioranza delle persone sono quelli relativi alla tecnica e al business?

Chiedetelo a Barney. (http://www.youtube.com/watch?v=al21Vtlsg4A)

Il suo miglior amico, Boogie, gli rimprovera di essere diventato “una puttana della tv” (Barney lavora per una soap di successo in un canale televisivo americano) dopo essersi portato sua moglie a letto anche se Barney, in un certo qual modo, lo desiderava. Ma come poter organizzare una cosa del genere, impossibile.

Sullo sfondo rimane la sua bellissima moglie, sempre affascinante e col solito look, simbolo di un essere che non sfiorisce mai contrapposto alla decadenza della figura e della esistenza del marito.

Non vi svelo il finale, ma, ripeto, è un gran film.

La versione di Barney. Un film di Richard J. Lewis. Con Paul Giamatti, Dustin Hoffman, Minnie Driver, Rosamund Pike, Rachelle Lefevre. continua» Titolo originale Barney's Version. Commedia, durata 132 min. - Canada, Italia 2010. - Medusa uscita venerdì 14 gennaio 2011.

Vito Lopriore

Recensione del brano musicale “Have you ever been”, by DeMì

2011-01-12T09:19:00.000-08:00

http://www.facebook.com/demiarts

Leggendo solo il titolo del pezzo, senza ascoltare subito il brano, verrebbe da chiedersi: dove. La domanda del “dove” attiene sia a luoghi fisici che a luoghi mentali o emotivi; in ogni modo possiamo considerarla riferita a spazi esperienziali. Ecco perché ogni volta il “dove” crea dei complessi, delle indecisioni e dei dubbi.
Siamo proprio sicuri di esserci stati o di volerci andare?

Partiamo con l'ascolto: http://www.reverbnation.com/play_now/song_6346732.

Inizia un martellante suono elettronico e metallico che ci introduce in abissi bui. Come se ci colpisse la paura di scoprire qualcosa che non conosciamo.

Cosa sono, in realtà, i luoghi che non conosciamo; cosa i nomi delle città se non riusciamo a sentire il mood delle persone che ci abitano (o che non ci abitano più) e lo spirito astratto, nascosto nelle cose, nei palazzi e nell’architettura.

Come se ci fosse sempre una linea di demarcazione tra le strade più affollate, con le vetrine dei negozi delle griffes più importanti del mondo, e quelle delle periferie, aggressive e silenziose, dove si svolgono le storie più crude e nascoste di una metropoli. Forse è la stessa linea di demarcazione tra il conscio e l’inconscio individuale.

Conoscendo DeMì credo che in questo brano si debba riconoscere una differenza culturale tra l’esistere in provincia e in città. La città pone molti più interrogativi esistenziali sulle possibilità umane.

Il dissidio tra naturalità e artificialità della scelta, riconoscibile nell’ambivalenza tra piccola comunità e metropoli, si risolve in un nichilistico, seppur aperto alla “recherche”, “Well , I don’t know”.

Have you ever been to Moscow, Vienna, Rome or Electric Ladyland (per citare Hendrix)?

DeMì sta lavorando al suo ultimo progetto musicale ispirandosi a sonorità garage che ricordano un pò gli ultimi Liars e le contaminazioni tecnho dei Prodigy.

La ricerca dei luoghi esteriori non può che partire dalla ricerca del sé che, seguendo la massima della filosofia greca “Conosci te stesso”, rimane l’orizzonte più lontano e avvincente da raggiungere.

Vito Lopriore

MURCOF live in Bari 20.11.2010. UN CAMPIONATORE PER SCATENARE LE FORZE DELLA NATURA.

2010-11-30T06:54:00.000-08:00

Che tipo di suono emettono i pianeti? …E le galassie nel loro espandersi? Una tempesta magnetica dovrebbe emettere un suono terrificante. Il magma che scorre lento sotto la crosta terreste, invece, produce sicuramente un suono molto cupo.
L’immagine di una palestra abbandonata, può essere tradotta in musica?
Risposta: chiedete a Piero Angela o a Fernando Corona, in arte Murcof, che sicuramente c’ha già provato.

Lo spettacolo, cui abbiamo assistito in circa 300 persone sabato 20 Novembre presso il Teatro Kursaal Santa Lucia di Bari, ha forse dell’incredibile; se non altro per la perfetta sincronia ottenuta tra le atmosfere sonore, create dall’artista messicano, i giochi di liquidi e le pennellate proiettate sullo schermo, al centro del palco, dal videoartista bolognese Saul Saguatti.
Al confronto, l’altrettanto fantastica combinazione suoni-immagini presentata a Bari nel 2005 (sempre nell’ambito della rassegna “Time Zones”) dalla coppia Ryuichi Sakamoto - Alva Noto, sembra oggi ben poca cosa.
Incredibile è stato anche l’ingresso sul palco del piccolo genio Murcof.

Dopo la performance dei sempre più melanconici e romantici Fabryka (made in Bari …è roba buona!), c’è un attimo di pausa. La gente inizia a parlottare; c’è chi va in bagno; c’è chi si alza per sgranchirsi le gambe.
Un uomo barbuto sulla quarantina, berretto in testa e giubbotto scuro con la zip tirata su, attraversa lentamente il palco con le mani in tasca, ignorando il pubblico, che sua volta non dà alcuna importanza a quella figura che si aggira tra gli strumenti. – Sarà sicuramente un tecnico di palco! – avrà pensato qualcuno.
Il barbuto prende posizione di fronte al un pc portatile ed alcuni “giocattolini” elettronici; inforca gli occhiali. Dalla parte opposta del palco Saguatti ha già acceso la sua lavagna luminosa ed impugnato i pennelli.
Prove tecniche? No, niente affatto. Tempo trenta secondi e la sfida contro il silenzio ha inizio.
Il pubblico in gran parte ignora cosa stia accadendo; non ha neanche il tempo di dedicare un applauso di benvenuto a colui che oggi è, a detta degli esperti del genere, il miglior esponete dell’ambient-elettronica.
Ci si avvia lentamente attraverso paesaggi immaginari fatti di onde, di interminabili file di linee parallele, a volte solcate da una marcata linea bianca, di cangianti ammassi nuvolosi.

Poi è la volta delle forme arrotondate, simili a pianeti, a costellazioni, all’immensità dell’Universo. Murcof sul lato destro del palco, continua invece a dar forma di suono alle sue idee, servendosi del suo campionario di suoni ora puri, ora distorti.
Sembra un piccolo Michelangelo intento a scolpire il blocco di marmo che pian piano diverrà scultura.
La musica classica è sempre in evidenza: il violoncello e il pianoforte la fanno da padroni.
Musica da camera, si direbbe. Musica colta.
Niente drum-machine (eccezion fatta per l’ultimo brano in scaletta). Solo suoni campionati. Alcuni in modo così perfetto da sembrare reali.
Non c’è dubbio: l’erede del miglior Brian Eno anni ’70 è lui.

Per avere (solo) un’idea di ciò che vi siete persi, cliccate sul questo link
http://www.youtube.com/watch?v=r_nOYsakDuE

Gianluca Impedovo (quello di qua)

Abiti Nuziali

2010-11-22T00:13:00.000-08:00

Pubblico il link per ascoltare la nuova traccia musicale di DeMì "Abiti Nuziali" di cui si può leggere la recensione più in basso.

http://www.myspace.com/438295774/music/songs/76799615