Valadrem

Europa

2026-05-09T08:31:00.005+02:00

Liberamos a Europa del fascismo, pero nunca nos perdonarán por ello.

Gueorgui Zhúkov
Mariscal de la Unión Soviética

Por qué no me gusta Zootopia 2

2025-12-26T16:24:00.018+01:00

No es ningún secreto que Zootopia (lo siento, me niego a llamarla Zootrópolis) es una de mis películas favoritas. Por desgracia, después de nueve años esperando una continuación, la experiencia con esta segunda parte recién estrenada no ha podido ser más negativa. Pasados los créditos me resultaba difícil no considerar que estaba no solo ante una mala secuela sino directamente ante una de las mayores y más catastróficas decepciones del año.

El mal sabor de boca que me dejó Zootopia 2 acabó llevándome a mantener una larga conversación con otros admiradores de la franquicia que sí habían pasado un buen rato, para intentar entender qué veían en ella. Intercambiar opiniones me hizo considerar la posibilidad de que no estuviese siendo justo y me prometí a mí mismo darle otra vuelta a mi primera impresión.

Tras una reflexión que me he podido permitir por mi amor por la primera película, creo que es de justicia reconocer que esta secuela no es tan terrible como la consideré en un primer momento y, vale, tiene bastantes escenas buenas. Igualmente, puedo entender que para quien supiera ignorar los errores de Zootopia 2, como yo supe ignorar los de la primera parte, puede ser una película entretenida y no quiero negar a nadie su derecho de amar una película en la que puedo ver que el equipo puso una buena dosis de pasión.

Pero, por más que lo he intentado, esta reconciliación no llega a ser completa. Zootopia 2 no me ha gustado y, sinceramente, incluso preferiría no haberla visto. No he podido disfrutar de la película en absoluto porque en esta ocasión sus errores me han resultado imposibles de ignorar. No es esto algo que vaya a cambiar nada, y desde luego no pretendo convencer a nadie que disfrutara de la película de que estaba equivocado, pero creo que necesito desgranar por qué esos errores son, esta vez, tan graves para mí.

Ni que decir tiene, destripo por completo la película, así que, por favor, deja de leer si no la has visto pero todavía quieres verla. Es más, si la has visto y te ha gustado, creo que tampoco deberías leer esto. Bueno, de hecho, creo que esto no debería leerlo nadie, lo he publicado porque necesitaba desahogarme, pero lo más probable es que acabe borrando esta entrada después de todo. En fin.

1. Acabando con el racismo para siempre... por segunda vez
Uno de los motivos por los que considero la primera Zootopia una gran película es porque estaba orgullosa de su mensaje. No era una película que se limitara a soltarnos un rollo, quería mostrarnos que realmente creía en lo que predicaba. Bien es cierto que teníamos que poner algo de nuestra parte, teníamos que pasar por alto que buscar símiles directos entre el mundo real y Zootopia tenía implicaciones desafortunadas, y teníamos que dar por bueno que en una ciudad sumida en el caos el miedo irracional al diferente podía solucionarse en un ratito y ya. Pero creo que valía la pena poner de nuestra parte. Zootopia no venía a pretender que podemos acabar con el racismo en una tarde, solo quería defender que un mundo en el que luchemos por solucionar los problemas que nos separan es un mundo en el que vale la pena vivir.

Zootopia 2 intenta repetir el mensaje de la primera película, pero lo hace rematadamente mal, precisamente porque una de las cosas que habíamos tenido que aceptar era que los ciudadanos de Zootopia ya habían abierto su corazón a luchar contra sus prejuicios. Para poder volver a repetir la misma idea, la película añade reptiles al mundo de Zootopia, un mundo donde hasta ahora solo habíamos visto mamíferos. No creo que los reptiles estén fuera de lugar en este mundo, pero es difícil imaginar un modo peor de introducirlos que soltar que en realidad hay un barrio de reptiles pero todo el mundo pasa de él y de sus habitantes porque todo el mundo odia a las serpientes en particular y a todos los reptiles en general, pero no lo habíamos mencionado hasta ahora porque patata.

Que todos aquellos que aprendieron una lección sobre tolerancia como una semana atrás mantuvieran en su corazón ese odio está tan absolutamente fuera de lugar que devalúa por completo el mensaje de la primera película. Si en la película anterior los mamíferos solo aprendieron a respetarse entre ellos y en ésta solo a respetar a los reptiles, la conclusión obvia es que literalmente jamás hubo un mensaje de respetar a los demás, sino solo de respetar a lo que toque ese día. El mensaje se vuelve no solo desafortunado sino directamente perverso porque los mamíferos y los reptiles podrían tener, qué sé yo, anfibios esclavizados y torturados en sus sótanos y no iría contra lo que han "aprendido" en estas películas hasta que aprendan que eso también está mal.

En todo caso, ni siquiera la propia integración de los reptiles resulta satisfactoria, porque no se llega a mostrar. Cuando en la primera película los ciudadanos lograban superar los prejuicios que Bellwether había exacerbado como parte de su plan, se podía dar por bueno todo porque la ciudad no tenía que sufrir grandes cambios. Aquí no solo tenemos la creación de un nuevo distrito, sino que es de esperar que en un mundo donde, incluso en esta película, "mamífero" se usa como sinónimo de ciudadano, la llegada de ciudadanos que no son ya mamíferos cause profundos cambios sociales. Pero no llegamos a ver las consecuencias reales de nada porque todo queda reducido a un par de escenas en apenas unos escasos segundos al final de la película. Que en lugar de poder ver esa Zootopia mejor simplemente tengamos que aceptar ciegamente que todo está bien reduce el mensaje a un mero salto de fe.

Por si lo anterior no fuera suficiente, la escena tras los créditos nos lanza el cebo de que en la tercera película vamos a tener pájaros. Si repetir el mensaje de la primera película en esta secuela ya acaba siendo un error mayúsculo que hace aguas por todas partes, intentar repetirlo una tercera vez puede ser directamente criminal. Además, pese a lo absurdo del nuevo-viejo odio a los reptiles de esta película, al menos se puede llegar a dar por creíble si somos generosos. Si la tercera película realmente intenta hacernos creer que los mamíferos también odian a los pájaros, a pesar de que todos oímos a Gazelle cantando positivamente sobre ellos en su primera canción, estaríamos ante el más absoluto de los ridículos.

Aún cuando es cierto que este último punto es pura especulación e incluso aunque reconozco que Gary me ha parecido bastante encantador, tanto la increíblemente torpe presentación de los reptiles como el inexistente intento de hacer nada con ellos dejan la desagradable sensación de que ampliar el universo de la película este modo no solo no sirve de nada, sino que incluso lo hace peor. Una conclusión terriblemente incómoda en una película sobre tolerancia, que se vuelve aún más incómoda si con estos fallidos antecedentes lo primero que pensamos sobre añadir aún más especies es que harán este mundo aún peor.

2. Cómo NO hacer un villano
Sin ser una de las villanas más memorables del cine, la historia de Bellwether en la primera película resultaba bastante aceptable. Presentada como la sufrida segundona de un alcalde no demasiado admirable, el giro en el que se descubre su auténtica naturaleza y su plan de medrar en el ayuntamiento para hacerse con el poder de la ciudad funcionaba, Bellwether dejaba de ser una pobre víctima para revelar que todo formaba parte de un plan maquiavélico. Tal vez se le podría dar una vuelta, pero no estaba mal para nuestra historia de detectives, el giro era coherente con lo que habíamos visto y resolvía todos los misterios de la trama, que es de lo que se trataba.

El problema con Zootopia 2 es que todo, literalmente todo lo que funcionaba en Bellwether está completamente ausente en el nuevo villano. Pawbert no es un maestro del crimen, sino que tiene unas motivaciones completamente infantiles. No tiene una sed de poder, simplemente quiere sentirse aceptado por su padre. No odia a los reptiles, su único motivo para perjudicarles es que cree que eso hará feliz a su padre. Es un villano de Hacendado. Pero lo peor viene cuando la película se da cuenta de lo poco que tiene para ofrecernos si quiere hacerle pasar por el malo final, y por intentar crear más tensión acaba hundiéndose en la miseria más absoluta.

A pesar de las previsiblemente horribles consecuencias de su plan, a pesar de engañar miserablemente a aquellos que le consideran un amigo, Pawbert no hace nada completamente imperdonable, o, siendo más precisos, no hace nada en absoluto... hasta que, de la nada, intenta asesinar a Judy inyectándole veneno. Un giro estúpido, indefendible e incluso innecesario para la trama, habida cuenta de que, al contrario que Bellwether, él ni siquiera necesitaba deshacerse de Judy, solo destruir la patente, como la propia película nos recuerda más tarde. Convertirle en un psicópata por sorpresa no le hace mejor villano en modo alguno, solo hace aún más visible lo vacío de la trama y que simplemente estamos ante un intento desesperado y fallido de hacer más interesante la película.

En una franquicia donde los personajes que toman las decisiones equivocadas necesitan tiempo, en ocasiones años como en el caso de Gideon, para enmendar sus errores, resulta completamente fuera de lugar que lo único que aquí se nos ofrece para convencernos de que Pawbert es un caso perdido es que no acepta la mano tendida de Judy para corregir su error inmediatamente. Algo más absurdo si cabe después de que la película se haya molestado en establecer que viene de una familia criminal, solo para después pasarlo completamente por alto y reducir sus motivaciones al ridículo. La película no sabe salir del jardín en el que se ha metido, así que se limita a ignorar todas las reglas de su propio universo.

La parte más triste es que estoy convencido de que, ahora que ya teníamos marcada la casilla de Bellwether como villana incorregible y orgullosa de su maldad, Pawbert habría funcionado muy bien como villano que acaba recapacitando. Incluso manteniendo el giro de su traición, incluso con Pawbert intentando completar su plan hasta el final, darle la opción de lamentar sus malas decisiones, reconciliarse con Gary y acabar enfrentándose a su familia ayudando a los reptiles a los que iba a perjudicar podría haber sido un final satisfactorio para su personaje, muy en línea con el mensaje de la primera película sobre aprender de nuestros errores. Una puerta que, en un giro incomprensible, queda completamente cerrada tras un intento múltiple de asesinato sin el más mínimo sentido. Una pena.

2.b. La sonrisa de Hans
Puede que lo que más me moleste de que Pawbert sea no solo un villano sino específicamente un villano que jamás tendrá ocasión de redimirse es que esto hace que Zootopia 2 repita el peor y más repugnante truco de la infame Frozen. La sonrisa de Hans. Cuando el príncipe Hans hace acto de presencia en Frozen, todos damos por descontado que seguramente va a ser malo, como efectivamente acaba siendo. Sorpresa. Pero para que podamos picar, la película intenta entonces convencernos de que no, qué va, en realidad es un tío majísimo. No lo hace mediante las escenas con Elsa, sino en una escena destinada exclusivamente al público, una sonrisa amable que Elsa ni siquiera puede ver y es un descarado mensaje directo a los espectadores donde los directores nos dicen, no preocuparse, que es bueno. No nos miente Hans, nos miente la película.

Zootopia 2 repite este truco y además lo hace de un modo más rastrero si cabe. Cuando la cabaña donde Nick y Judy buscan pistas se empieza a derrumbar, uno de los policías que les persiguen dispara un dardo con tranquilizante a Judy, lo que hace que esté a punto de caer al vacío. Pawbert, que no tendría por qué estar allí, le salva la vida. No es solo que Pawbert no necesite a Judy para cumplir su plan, es que si piensa deshacerse de ella no hay motivo alguno para que quiera salvarla primero. No tiene el menor sentido. La trama podría haber avanzado exactamente igual y llegado al mismo punto si al menos hubiera sido Gary quien la salvara. La única explicación posible para este rescate es que nos encontramos ante una sonrisa de Hans, Pawbert salva a Judy solo para que nosotros podamos pensar que es buena gente aun cuando podíamos haber visto venir su traición desde años luz de distancia.

Incluso aunque la película hubiese acabado igual y nunca hubiéramos vuelto a ver a Pawbert, esta escena por si sola no sería especialmente sangrante. Simplemente aceptaríamos que en el fondo había algo de bondad en Pawbert, y supondríamos que que eso le haga cambiar o no solo depende de él. Es la combinación de esta escena junto con la innecesaria confirmación de que Pawbert es un psicópata lo que me molesta especialmente. Nuevamente, no es Pawbert quien nos engaña, sino la película, que intenta hacernos creer que hay algo bueno en él... solo para inmediatamente después decirnos que es un monstruo al que no se puede salvar. Literalmente, ¿por qué? ¿Para qué? ¿Qué clase de giro es ése?

3. Está en su ADN
Uno de los mejores y más cruciales momentos de la primera película es cuando Bellwether convence a Judy de que dé una rueda de prensa para hablar de su recién resuelto caso. Intentando buscar una explicación a lo que ha pasado, Judy se atreve a sugerir que los depredadores se han vuelto violentos... porque está en su ADN. Una frase que resume todos los prejuicios que Judy ha ido absorbiendo y rompe el corazón de Nick cuando éste se da cuenta de que, a pesar de demostrar a su compañera que lo que había oído sobre los zorros era mentira, en el fondo ella sigue sin confiar en él.

No es hasta después de dejar la policía y volver a su pueblo cuando Judy al fin se da cuenta de que se había dejado llevar por sus prejuicios y de que estos no están basados en la realidad, sino que alguien los está explotando para esparcir el odio en la ciudad. Que Judy se dé cuenta de su error y decida hacer todo lo posible por enmendarlo es, en último extremo, lo que nos lleva a un emotivo final en el que el principal mensaje no es que no debemos cometer errores, sino aprender a corregirlos.

Al principio de Zootopia 2, Mr. Big avisa a Judy y Nick de que los linces son unos asesinos. Ni siquiera los Lynxley, sino los linces. Una advertencia irónica viniendo de un jefe mafioso que también intentó asesinar a Judy y Nick, algo que la película prefiere olvidar por completo. Una advertencia que recuerda muy desagradablemente a la fallida rueda de prensa de Judy cuando decía que la violencia de los depredadores estaba en su ADN. Una advertencia que termina siendo verdad cuando la película revela, sucesivamente, que los Lynxley descienden de un asesino, que el padre de Pawbert es también un asesino al que no le importa acabar con la vida de su propio hijo cuando cree que éste le va a traicionar, y que el propio Pawbert también es un asesino porque para qué quedarse cortos.

Toda vez que en la película no hay más linces aparte de los Lynxley, que resultan ser una larga estirpe de asesinos, la frase de Mr. Big resulta ser cierta. Las generalizaciones hirientes de las que Bellwether se aprovechaba para controlar la ciudad ya no son horribles, ahora son advertencias válidas, y Zootopia es un mundo donde cualquiera puede ser lo que quiera, menos los linces, que son asesinos. Vivan los prejuicios, muerte a los linces.

En conclusión
A pesar del infinito cariño que tengo por la película original, no puedo considerar, en absoluto, que Zootopia 2 sea una buena segunda parte. Más bien al contrario, una película que repite y hace aún peores los errores de la primera parte, a la vez que dinamita de un modo tan cruel sus mayores aciertos, es una película que me hace sentir una tristeza difícil de describir. Una desazón mayor y más dolorosa si cabe al llevar casi una década esperando una nueva película en este universo, y haber estado prácticamente incluso contando los días hasta poder verla una vez que por fin se anunció oficialmente, solo para acabar teniendo esto.

Sin embargo, tengo que reconocer algo. Creo que ninguno de estos errores es completamente imborrable. Zootopia 2 es una segunda parte y, como tal, no puede juzgarse por sí sola, sino como parte de una historia más amplia. Hace unos meses me deshacía en elogios a Gundam Build Divers Re:Rise, una secuela, por conseguir corregir los errores de su mediocre primera parte, convirtiendo una serie insustancial en parte de un todo que merece ser visto. Es un caso tan extraordinario que me cuesta recordar otra secuela que haya conseguido algo parecido, pero al menos puede pasar.

Si Zootopia 3 se atreve a volver atrás y corregir los errores de Zootopia 2, esta segunda parte no se convertirá mágicamente en santo de mi devoción, pero puede que el conjunto vuelva a ser para mí algo tan digno de admiración como lo era antes. Mis esperanzas están bajo mínimos, por no decir que son nulas. Si una película que tardó nueve años en hacerse cometió estos errores, es ingenuo esperar que una secuela que probablemente se hará a toda prisa pueda permitirse reflexionar lo más mínimo. Pero, en cierto modo, confiar en que la gente pueda corregir sus errores es el espíritu de Zootopia. Así que, Jared, Byron, demostrad que es ése un mensaje que vale la pena escuchar. Por favor, intentadlo.

Como decía alguien en una de mis películas favoritas, no os rindáis, no cedáis. Intentadlo, aunque podáis fallar. Intentadlo todo.

Y esta fase del duelo, niños, se llama negociación.

Conte de Noël

2025-12-10T00:37:00.002+01:00

Gundam Build Divers Re:RISE (2019)

2025-10-26T22:04:00.018+01:00

Cuando hace año y pico completé mi repaso de series de anime con animales, me dejé una en el tintero. Bueno, en realidad obviamente me dejé muchas, pero hubo una omisión completamente intencionada, una serie de la que pasé de largo no solo sabiendo que existía sino a pesar de que me habían hablado bien de ella: Gundam Build Divers Re:RISE.

Tenía motivos para ignorar esta serie. Para empezar, Gundam es una franquicia de finales de los años 70 sobre peleas con robots gigantes o mechas. Propiedad de Bandai, la venta de gunplas, o gundams de plástico, es el eje principal de la marca. Vamos, que resultaba más que evidente que es ante todo una serie para anunciar juguetes. A esto se le suma que, si no estoy equivocado, no sería hasta varias décadas después de su creación, en Gundam Build Divers, serie inmediatamente anterior a la que nos ocupa, cuando Gundam contó con animales antropomórficos entre sus personajes por primera vez. La cosa pintaba a excusa barata para llamar la atención de gente que de otro modo no tendría el menor interés por Gundam, así que decidí no picar.

Después de pasar de Re:RISE durante varios años dando por sentado que no me estaba perdiendo nada, recientemente volví a encontrarme con algunos comentarios sobre la serie... y esta vez la curiosidad pudo más. La cosa seguía sin ser fácil, en más de cuatro décadas de la marca el número de series, especiales y películas del universo Gundam se cuentan por docenas, en ningún caso era plan de ponerse a ver todo. Por suerte, un hilo de Reddit de gente que ya tuvo la misma duda en su momento indicaba que la serie se podía ver perfectamente por sí sola, únicamente con la sugerencia de ver primero la ya mencionada Build Divers, aunque sin que esto fuera imprescindible, así que me decidí por esto último, por si acaso.

Lanzada en 2018, Gundam Build Divers es la tercera entrega del universo Build de Gundam, tras Gundam Build Fighters en 2013 y Gundam Build Fighters Try en 2014. En este universo, que lleva al extremo el descaro de ser un anuncio de juguetes, ya no se trata de ver auténticas peleas con robots gigantes: los propios gunplas son enormemente populares y se organizan torneos para hacer batallas con ellos. En las entregas anteriores, que no hace falta conocer para ver ésta, estos torneos se hacían usando una mesa holográfica que aquí veremos de pasada, pero la novedad de Build Divers es que los avances de la tecnología han permitido desarrollar un mundo de realidad virtual inmersiva donde los jugadores pueden escanear sus muñequitos de plástico y jugar junto a ellos como si fueran auténticos robots gigantescos, lo que en principio permite dar algo más de interés a las batallas que se muestran.

En esta entrega seguiremos a Riku, un aficionado a los gunplas que decide apuntarse a Gunpla Battle Nexus Online, GBN, el nuevo mundo de realidad virtual de la serie, con el objetivo de llegar a ser tan buen jugador como su héroe, Kyoya, el actual campeón. A partir de aquí, la serie es básicamente lo que se espera de ella, un anuncio muy largo. Sí puedo decir que las batallas están bastante curradas, pero siendo que es algo que no llamaba mucho, la mayor parte de la serie no me ha interesado demasiado.

Como comentaba antes, es en esta serie donde conocemos a los primeros furros de Gundam: el armiño Rommel y Tigerwolf, un lobo to mazao. Personajes secundarios pero bastante carismáticos y que acaban teniendo roles bastante importantes, pero que aun así no justificarían por sí solos ver la serie, toda vez que ni siquiera podemos olvidar que los jugadores de GBN son todos humanos que simplemente pueden personalizar su apariencia en el juego.

De todos modos, tengo que decir que al llegar a los últimos episodios, la serie por fin coge ritmo y plantea una historia más interesante que lo que sea que habíamos estado viendo en los primeros 20 episodios, así que a pesar de un comienzo bastante insustancial y anodino creo que haber elegido ver esta serie para empezar no ha sido una pérdida de tiempo después de todo. Decisión en la que me reafirmo al pasar a lo que considero el plato principal, haciendo mía la recomendación de ver Build Divers antes que su secuela ya que este prólogo hace a la segunda aún mejor.

Un año después del final de Build Divers veía la luz su secuela Gundam Build Divers Re:RISE, una entrega que, al contrario que la serie de televisión anterior, era lanzada directamente en el canal oficial de YouTube de Gundam. Situada en el mismo universo que Build Divers pero dos años después de los eventos con los que acababa su predecesora, Re:RISE comienza con el anuncio de una nueva versión de GBN, mucho más realista y con infinitas misiones para que los divers puedan poner a prueba sus gunplas.

En el primer episodio conoceremos a Hiroto, un jugador que tuvo una experiencia bastante negativa en GBN relacionada con lo visto en la serie anterior. A pesar de su desencanto, la actualización de GBN le sirve de excusa para volver a visitar un mundo virtual que le resulta muy doloroso. En pleno lamento de prota atormentado, un cantamañanas con ganas de ser el primero en encontrar una de las nuevas misiones secretas se le acopla. Seguidos de cerca por un jugador novato en busca de un equipo con el que jugar, todos oyen unos gritos desesperados. Al buscar su origen, que encuentran junto con otra jugadora que pasaba por allí, descubren una ventana del juego donde conocen a Freddie, un personaje con forma de perrete que les cuenta que necesita su ayuda.

Ante la perspectiva de ser los primeros jugadores de GBN que superan una de las nuevas misiones secretas de la actualización, el improbable grupo de cuatro jugadores bastante desiguales que se acaban de conocer se apunta y sus avatares son transportados a una nueva arena. Tras derrotar a los enemigos y constituirse oficialmente en un nuevo equipo vuelven al mundo central del juego, pero quedan decepcionados al ver que no han recibido ninguna recompensa por su partida. Descartando pues que la misión que han aceptado fuera un evento único, solo les queda suponer que se trata de una misión de historia que necesitará de varias batallas antes de llegar a un final. Tras muchas dudas deciden continuar, esperando que la recompensa para una misión de ese tipo valga la pena.

Irónicamente, las monumentales batallas que podíamos ver continuamente en la entrega anterior y que eran prácticamente su único punto fuerte resultan aquí algo más comedidas y menos espectaculares, al menos en la primera parte de la serie, así que quien estuviese buscando más de lo mismo tal vez quedara un poco decepcionado con el inicio de esta secuela. No era mi caso, así que yo me he centrado sobre todo en otros aspectos y, ahora sí, tengo que decir que he quedado absolutamente impresionado.

Con un ritmo y una acción impecables, un desarrollo de personajes que, vale, rechina y mucho al principio pero coge fuerza enseguida pero, especialmente, una historia que me ha enganchado desde el primer episodio, Re:RISE ha sido, de lejos, una de las sorpresas más agradables que recuerdo en mucho tiempo. Una serie vista con muchas dudas de la que no esperaba absolutamente nada pero que me ha acabado enamorando, una de las mejores secuelas que he visto jamás que abraza y consigue corregir magistralmente los muchos errores de su primera parte, e incluso una insospechada aunque no demasiado disimulada revisión de algún clásico del género al que, contra todo pronóstico, llega a superar con creces.

Lo gracioso es que no puedo negar que tuviera algo de razón al principio. La serie no intenta esconder en ningún momento que es, literalmente, un anuncio de muñecos de plástico, y también queda bastante claro que el único motivo por el que el reparto incluye kemonos es para llamar la atención de la gente como yo. Pero, por increíble que parezca, funciona.

No es un anuncio al que solo le añadieran perretes-persona para despistar, realmente es una auténtica serie sobre perretes-persona, hecha con todo el cariño que se podía, mezclada con un anuncio. Y sí, es raro de narices. Y sí, qué duda cabe de que sería incluso mejor si no fuera un anuncio. La verdad, ni siquiera estoy seguro de que tenga sentido como anuncio, porque después de todo sigo sin tener ningún interés en ponerme a armar gunplas. Pero al menos sí puedo decir que es un pedazo de serie que queda muy, muy arriba entre mis favoritas y que merece un destacadísimo puesto de honor en aquella lista en la que me resistí a incluirla.

Decir que la recomiendo sería quedarme corto y me alegro mucho de haberle dado una oportunidad. Sencillamente, fantástica.

Actualizado: Se me olvidaba comentar que Re:RISE tuvo un pequeño epílogo, Gundam Build Divers Battlogue, un ~~anuncio~~ corto de 10 minutos mostrando a los protagonistas jugando una última batalla de gunplas. A pesar de no aportar nada a la historia ni tener la menor relevancia, al menos es una buena excusa para poder disfrutar del bueno de Freddie un ratito más, así que se deja ver.

El universo Build tendría continuación (y probablemente cierre) en 2023 con Gundam Build Metaverse, una olvidable miniserie de tres ~~episodios~~ anuncios sin pies ni cabeza y con una animación bastante inferior a la de las series precedentes. Lanzada como conmemoración del décimo aniversario de Build Fighters, su único interés es volver a ver a algunos personajes de las cuatro series anteriores, que entran y salen a lo loco y sin siquiera respetar sus respectivas continuidades. Aunque Freddie también tiene un (minúsculo) cameo aquí, no hago extensiva mi recomendación anterior y creo que Battlogue es el mejor punto para dejarlo.

Más gatos y más zorros

2025-10-22T21:31:00.002+02:00

Han pasado ya varios meses desde mi última entrada sobre videojuegos. Creo que ya tocaba una actualización, así que hoy voy a hacer algunos comentarios sobre los cuatro que he encontrado más reseñables de entre todos los que he jugado. Que, casualmente, son solo estos mismos cuatro. Venga.

A medida que se acercaba el estreno de Silksong decidí darle otra oportunidad a su primera entrega, Hollow Knight, un juego en el que pese a mis múltiples intentos he sido incapaz de entrar. Esta vez tampoco hubo suerte y acabé abandonando la partida, pero entre las recomendaciones de juegos similares me encontré con uno que me llamó la atención: Crypt Custodian.

Aunque en principio podría parecer absurdo seguir las recomendaciones relacionadas con un juego que sigo abandonando una y otra vez, lo cierto es que Crypt Custodian sí consiguió engancharme de principio a fin. El juego sigue a Plutón, un gato que tras morir llega al palacio del más allá, pero por un malentendido acaba obligado a barrer la basura del exterior. Partiendo de esta premisa, el desarrollo es bastante similar a lo visto en otros metroidvanias, se trata de explorar un mapa para derrotar enemigos para desbloquear nuevas habilidades con las que acceder a nuevas zonas del mapa, pero allí donde el juego del pequeño caballero se me hacía agotador aquí todo funcionaba mucho mejor, desde un mapa que sí que funciona como se espera hasta un sistema de viaje rápido realmente útil que no hace perder el tiempo.

Es cierto que Crypt Custodian puede ser un juego un poco demasiado fácil para quien ande buscando un auténtico desafío, pero debo decir que tanto el desarrollo del juego como su historia hacen de él un juego más que recomendable, a mí personalmente me ha encantado, así que recomendado queda.

⁂

Siguiendo con las recomendaciones del algoritmo llegué a otro juego vagamente relacionado: Cat Quest.

Aquí el protagonista sigue siendo un gato, pero en este caso nos encontramos frente a un RPG. Un aventurero gato debe rescatar a su hermana secuestrada por un malvado hechicero, para lo que deberá conseguir armas, aprender hechizos y resolver misiones por las aldeas que encuentra.

La verdad es que es un juego muy simpático, aunque no tengo muy claro cuál es el público objetivo. Tanto la baja dificultad, como el diseño de los personajes, como los constantes juegos de palabras con gatos parecen indicar que estaba pensado para un público infantil. Por otro lado, las numerosas referencias, especialmente a Juego de Tronos, así como una historia bastante enrevesada parecen ir un poco en contra de esta idea. En cualquier caso, como juego para pasar un rato está bastante entretenido. Añadir, además, que para quien se quede con ganas de algo un poco más complicado, el juego ofrece la opción de volver a jugar añadiendo restricciones para hacer la partida más interesante. Igualmente, comentar que el juego tuvo dos secuelas, Cat Quest II y Cat Quest III, para quien necesite vivir más aventuras en este gatástico mundo.

⁂

Por probar algo nuevo, el siguiente juego en mi lista era un estreno bastante reciente que ha recibido muchas alabanzas en el fandom furro: Back to the Dawn.

Nuevamente un RPG, aquí se puede elegir entre una serie de posibles historias, pero si no me equivoco la historia principal es una en la que nos metemos en la piel de Thomas, un zorro reportero que descubre que el alcalde de su ciudad es un corrupto que se enriquece a costa de poner en riesgo la salud de sus ciudadanos. Cuando el equipo del alcalde descubre los planes de Thomas de destapar todo, plantan pruebas falsas contra él y Thomas acaba en la cárcel, con solo tres semanas para limpiar su nombre.

La verdad, la experiencia con este juego ha sido un tanto agridulce. Por un lado, debo reconocer que el juego está impecablemente bien escrito, con una cantidad enorme de diálogos, un montón de cosas que se pueden hacer, todo ello cuidado al extremo. Por otro lado, me ha parecido bastante frustrante que, una y otra vez, cuando descubría cuál era el mejor siguiente paso, era algo que debería haber hecho antes, de modo que al llegar el último día de los 21 días todavía me habrían hecho falta un par de días más para llegar al final bueno. A juzgar por algunos comentarios, parece que tener que conformarse con el final malo la primera vez no es algo fuera de lo común y mucha gente comentaba que había necesitado jugar al juego una segunda vez. La verdad, aunque el juego en principio tiene méritos de sobra para querer volver a jugar, me parece algo tramposo que el modo de llegar al final bueno sea básicamente repetir la partida cuando ya sabes lo que tienes que hacer. No puedo decir, por tanto, que haya quedado muy conforme con tragarme el final malo, pero sí debo reconocer que la partida fue muy entretenida, así que, bueno, ahí queda.

⁂

Y ya para terminar, he vuelto a un juego que dejé pendiente hace unos meses: New Super Lucky's Tale.

Remaster (por decir algo) de Super Lucky's Tale, del que ya hablé por aquí, NSLT reinicia las aventuras del joven Lucky Swiftail, corrigiendo algunos de los problemas de la anterior entrega, especialmente aquella cámara bastante terrible que aquí sí se comporta de un modo mucho más razonable, aunque también con cambios menores que pueden ser muy de agradecer, como los disfraces que se pueden comprar con dinero del juego y ahora sí pueden coleccionarse a placer sin tener que estar horas buscando monedas como en el juego original. También hay otros cambios que parecen estar ahí simplemente para marcar distancias con aquel Super Mario 64 al que tanto se parecía el original, como una historia bastante cambiada, o el nuevo objetivo de recoger páginas de un libro en lugar de tréboles dorados que tal vez recordaban demasiado a las estrellas del fontanero.

Entiendo que quienes quedaron horrorizados con la cámara del primer juego prefirieran esta nueva versión, pero, la verdad, yo no puedo considerarla estrictamente superior. NSLT reúne varios de los niveles del juego original y sus dos DLCs, así como algún nivel nuevo, pero muchos niveles quedan fuera con lo que al final el contenido total se siente algo limitado. Igualmente, y aunque el cambio de la cámara es muy de agradecer, NSLT se esfuerza tanto en corregir errores que algunas cosas se vuelven demasiado triviales comparadas el original. No quiero desmerecer el juego porque sigue siendo muy recomendable pero, a riesgo de parecer que llevo la contraria, me parece que incluso con sus problemas el juego original con sus dos expansiones era más entretenido que esta reedición. Lo bueno es que, al menos en Steam, ambos juegos se venden como uno solo, por lo que queda al gusto de cada uno decidir a qué versión jugar y elegir entre más niveles y un desafío mayor, o niveles más pulidos y una cámara mejor.

Creo que por hoy ya vale. Cuando juegue a más juegos, más.

Slappers only!

2025-10-04T15:35:00.001+02:00

(visto en Espinof: Amazon acaba de censurar a James Bond)

Cinco semanas

2025-08-27T08:58:00.006+02:00

Aunque ayer hablaba de Google y su repugnante plan para convertir Android en una copia cutre de iOS, no deja de ser curioso que este anuncio se haya producido justo ahora. Precisamente ahora.

En las últimas cinco semanas, Steam e itch.io se han visto obligados a censurar miles de juegos, completamente legales, única y exclusivamente porque no le gustaban a una organización ultracatólica de Australia que por lo visto tiene autoridad en todo el mundo porque patata. Tras protestar contra este disparate, Steam ha visto como su proveedores de pagos tomaban represalias y bloqueaban los pagos a la plataforma en docenas de países, todo un aviso a navegantes para recordar que ni siquiera la mayor plataforma de videojuegos está a salvo de la ira de los de arriba y que, cuando los que mandan te vacilan, tú te callas y lo asimilas.

Dentro de estas mismas cinco semanas, ha entrado en vigor en el Reino Unido una ley demencial que, esencialmente, hace que foros y blogs con comentarios pasen a ser ilegales y que obliga a fichar a los visitantes de las páginas web como si de delincuentes se trataran. Una ley que, curiosamente, ha servido de excusa para que Twitter se suba al carro y sin ninguna base legal demande también a los visitantes de la Unión Europea que se hagan una foto si quieren acceder a los contenidos que la plataforma considere inapropiados, como pudieran ser los vídeos mostrando los genocidios que financiamos en territorio ocupado, que nadie necesita ver eso.

Dentro de estas mismas cinco semanas, Google no se ha conformado con destrozar Android, también ha anunciado sus planes para utilizar inteligencia artificial para identificar en todo momento a los usuarios de YouTube y su búsqueda web por si acaso no te apetece iniciar sesión, ahí, como si fueras un puto terrorista, así como la desquiciada amenaza de obligar a los usuarios a presentar un documento de identidad cuando la inteligencia artificial falle.

Dentro de estas mismas cinco semanas, una surrealista denuncia contra Roblox, plataforma de juego alabada por asociaciones de padres gracias a sus ejemplares controles parentales, ha llevado a que en un tiempo récord, para nada sospechoso, miembros del gobierno de Trump avisen de que la única solución a un problema que, literalmente, no existe, es obligar a todo el mundo a usar un documento de identidad en internet. Para que no queden dudas, la denuncia se basa en que vigilantes "anónimos" que querían documentar un supuesto abuso a menores veían como al intentar participar en conversaciones con depredadores acababan baneados como todos los otros miembros, con lo que no hacían sino probar una y otra vez que los controles funcionaban. Pero no dejemos que la realidad nos estropee los planes, así que p'alante.

Y también dentro de estas mismas cinco semanas, la ilegítima y antidemocrática Comisión Europea ha anunciado, una vez más, su intención de sacar adelante su plan para violar la correspondencia privada de todos los ciudadanos de la Unión Europea. Que, por cierto, es algo a lo que no se ha atrevido ni siquiera esa malvada China que tanto debemos temer. Menos mal que las violaciones masivas de los derechos humanos están to guapas cuando eres una democracia occidental, que si no igual hasta quedábamos mal.

Eso por no mencionar que dentro de estas mismas cinco semanas, la Liga española, de la mano de Movistar, ha retomado esa divertidísima costumbre con la que ya nos tuvieron entretenidos hace unos meses de bloquear sin motivo y durante horas y horas miles de páginas que no tienen absolutamente nada que ver con la piratería ni con su puto cáncer de seudodeporte para subnormales. No sea que alguien se crea que internet se debería poder usar para algo más que para suscribirse a Movistar LaLiga de los Cojones Plus para ver a unos cuantos millonarios gilipollas haciendo el imbécil un rato antes de irse de putas.

Todo en las mismas cinco putas semanas. Un ataque tras otro a internet, un ataque tras otro a la libertad, desde todos los flancos a la vez: cristofreaks, bancos, big tech, el Reino Unido, Trump, la Unión Europea, el puto fútbol. Actores supuestamente muy diferentes pero, por lo que sea, todos de acuerdo en lo mismo. Una guerra sin cuartel, por saturación, en la que lo único que importa es recordar quién manda y que si alguien está pensando en salirse del guion mejor que se lo piense otra vez por si acaso. ¿Con qué mierda nos atacarán hoy? ¿Y mañana? ¿Y la semana que viene?

Google iOS

2025-08-26T16:19:00.001+02:00

En su enésimo paso hacia la aniquilación de cualquier resto de libertad en internet, y viendo la falta total de objeción a todos los pasos anteriores, Google se ha venido arriba y ha anunciado que, a partir del año que viene, Android dejará de ser un sistema abierto a todo el mundo y únicamente los desarrolladores aprobados por Google podrán crear aplicaciones para su sistema.

Por descontado, se acabó YouTube ReVanced, lo cual probablemente era el primer y principal objetivo de este cambio, pero también se acabó F-Droid y esas incontables apps completamente legítimas pero que no estaban en la tienda oficial. Se acabó poder usar tu móvil sin estar permanentemente rastreado por Google. Se acabó encontrar una app en GitHub que resolvía ese pequeño problema que solo os interesaba a ti y a un tío de Letonia. Se acabó modificar el código de las apps de código abierto que podías mejorar tú mismo y se acabó descompilar esa app abandonada de hace 10 años que se niega a funcionar en la última versión de Android pero que funciona perfectamente cambiando solo una línea del manifest. En resumen, se acabó Android, a partir de ahora tendremos que conformarnos con una suerte de iOS lite de mierda, igual de cerrado que el de Apple, pero más lento y con menos actualizaciones. Planazo.

Si esto suena vagamente familiar es porque tiene un precedente directo: Firefox. Desde su origen hace más de dos décadas, la filosofía del navegador era cualquier persona podía escribir extensiones que hicieran cualquier cosa. Exactamente igual que en Android. Software libre y eso, que decían. No hace ni ocho años que "Mozilla" decidió, en nombre de la seguridad, que las extensiones debían quedar reducidas a su más mínima expresión, solo deberían poder hacer lo que Mozilla expresamente aprobara y solo deberían poder instalarse si estaban firmadas por una cuenta de desarrollador autorizado. Exactamente igual que ocurrirá en Android a partir de ahora. Como decía Ignatius, la casualidad...

A nadie se le debería escapar que, a pesar de una impostada independencia de la que no dejan de presumir sin motivo, Mozilla está casi enteramente financiado por Google. Algo que, por cierto, ni siquiera es por falta de interés de los internautas que preferirían tener una navegador realmente libre: Mozilla expresamente renuncia a donaciones que ayuden a mantener vivo Firefox y cualquier donación a la fundación se dedica exclusivamente a financiar supuestas actividades sociales entre las que, por supuesto, no se encuentra la defensa del software libre ni cualquier otra movida que pueda poner nerviosos a sus amos.

No es de extrañar que, una vez comprobado que el experimento ha sido todo un éxito y la gente está dispuesta a asumir controles draconianos en su sedicente software libre, Android pueda permitirse seguir el mismo camino con total seguridad. Por cierto, gran parte del código de Android está basado en Linux y, supuestamente, debería estar regido por mogollón de licencias de software libre cuyo propósito original es, literalmente, evitar que se recorten derechos a los usuarios. ¿Ha oído alguien, alguna vez, a algún representante de Linux protestar por estas putas mierdas? No, por lo que sea, esa gente esta a otras cosas. Que una cosa es ser "libre", con muchísimas comillas, y otra cosa es no estar a lo que nos digan desde Estados Unidos, que para eso son ellos los que deciden lo que debemos entender por "libertad".

Tal vez, si no fuéramos completamente gilipollas, empezaríamos a cuestionarnos cómo es posible que Google no haya tenido ningún problema en modificar por completo la instalación de aplicaciones en Android para introducir un enorme cambio que absolutamente nadie ha pedido, mientras que a día de hoy actualizar el sistema operativo a su última versión todavía sigue siendo misión imposible en miles de modelos. Casi pareciera que ponen más interés en joder a los usuarios que en tomar medidas útiles que ayudarían a reducir enormemente la generación de residuos electrónicos. Menos mal que somos gilipollas y podemos seguir creyéndonos que Google es una empresa chupiguay que se preocupa mogollón por todos nosotros y nuestro planeta y su puta madre en bata.

Fuga: Melodies of Steel

2025-07-16T14:00:00.002+02:00

A principios de año hablaba por aquí de Solatorobo, secuela del adorable Tail Concerto y que acabó enamorándome casi incluso más que el original. Terminaba la entrada mencionando que la serie iniciada por estos dos juegos tuvo su continuación varios años más tarde en la trilogía Fuga: Melodies of Steel. No hace mucho que se ha lanzado la tercera y última parte de Fuga y, armándome de valor, he decidido darle una oportunidad a esta saga. Aunque en el momento de escribir esto únicamente he jugado al primer juego de la trilogía, creo que puede ser suficiente para dedicarle unas líneas.

Vaya por delante decir que armándome de valor no es una exageración. Fuga es, de entrada, un juego con un funcionamiento muy diferente a las dos entregas anteriores, ya que aquí cambiamos las plataformas en 3d por un juego de combate por turnos. Además, el tono del tráiler del juego no podía estar más alejado del tono con el que se presentaba Tail Concerto. Si bien es cierto que Solatorobo ya era un juego con un tono algo más maduro que el de su predecesor, aquí pareciera que este cambio se lleva al extremo.

En Fuga viajaremos al pasado de la franquicia, mil años antes de Solatorobo, y nos pondremos en la piel de seis chicos y chicas, tanto caninus como felinekos. Vecinos de un pequeño pueblo a las afueras de su país que se ven obligados a ponerse a los mandos de un colosal tanque para rescatar a sus familias, quienes han sido tomadas como prisioneros por un ejercito fascista invasor durante una de las peores guerras del país. Por si esto no fuera suficiente, a bordo de este tanque se encuentra un arma prohibida, el cañón de almas, capaz de derrotar a cualquier enemigo... a costa de sacrificar la vida de un miembro de la tripulación. Casi nada.

Empecé a jugar el juego con el mayor de los recelos, con el temor de que una entrega que a priori no parecía tener nada que ver con las anteriores pudiera empañar el recuerdo de una franquicia por la que tengo muchísimo cariño. Es posible que esa absoluta falta de expectativas tuviera algún efecto en la opinión que acabaría teniendo sobre el juego, pero fuese para bien o para mal, no puedo sino reconocer que la experiencia no podía haber sido más positiva.

Aunque se echa un poco de menos poder explorar nuevas zonas como hacíamos en Tail Concerto y Solatorobo, la nueva mecánica de combate por turnos, aun aparentemente simple, es enormemente adictiva y resulta muy interesante pensar en las mejores estrategias para enfrentarse a los distintos tipos de enemigos. Además, tanto los enormemente carismáticos personajes como una historia que engancha de principio a fin (y sirve de complemento perfecto a lo que vimos en Solatorobo) consiguen que un juego aparentemente tan diferente merezca estar junto a sus predecesores en cualquier lista de imprescindibles que se precie. Todo ello mientras disfrutamos de ese siempre fantástico y encantador arte kemono, marca de la casa que acompaña a todos los juegos de la franquicia.

Sí es cierto que sigo pensando que Fuga es un juego extraño. Anunciado con un tono mucho más oscuro que el de las entregas anteriores, mucho me temo que no seré ni de lejos el único que vio este aparente cambio de rumbo con muchísima prevención. Al mismo tiempo, el alma que derrocha el juego por los cuatro costados puede que acabara pillando por sorpresa a quien se viera atraído por esa aparente oscuridad. Así y todo, y aunque creo que tanto tiempo después de su primera aventura en CyberConnect2 todavía siguen teniendo problemas para anunciar adecuadamente sus proyectos más personales, si que puedo decir que al menos siguen sabiendo hacer auténticos juegazos que merecen mucha más atención.

Por si acaso tenemos que esperar otros diez años antes de la próxima entrega de Little Tail Bronx, voy a reservarme durante algún tiempo la segunda y tercera partes de esta trilogía. Pero sí que puedo decir desde ya que ahora no lo haré esperando lo peor, sino con la mayor de las confianzas en un estudio que ha demostrado que sabe poner todo su corazón en sus juegos.

Ah, por cierto, no quiero acabar sin mencionar la serie de cómics animados Fuga: Comedies of Steel, el complemento perfecto para disfrutar aún más del juego y rebajar tensión cuando lleguemos a algún punto complicado. Absolutamente recomendable.

Nine Sols

2025-06-26T12:55:00.000+02:00

Y si en la anterior entrada hablaba de juegos sencillos y amables, hoy es el turno de algo bastante opuesto. Uno de los juegos más difíciles a los que he jugado, violento, y que incluso llega a abrazar el gore en algún momento. Hoy voy a hablar de Nine Sols.

Nine Sols tiene una parte importante de juego de plataformas, pero creo que lo que más lo define es que es uno de esos juegos en los que toca morir muchas, muchas, muchas veces cada vez que te enfrentes a un jefe hasta que consigas hacerte con sus movimientos. Un tipo de juego por el que normalmente no tengo el más mínimo interés y, como ya comenté en alguna entrada anterior, es esta aversión algo que me ha mantenido alejado de la saga Dark Souls, pero en este caso no ha impedido que el juego haya conseguido engancharme hasta el final.

A este inesperado interés han contribuido dos factores. En primer lugar, el combate. Los controles en todo el juego son una delicia, incluso en los movimientos más complicados sientes que el mando responde, pero donde más luce el combate en Nine Sols es en la importancia del parrying, cuando parar los ataques del enemigo es en ocasiones casi más importante que atacar directamente. No es una mecánica completamente original, los desarrolladores del juego abiertamente reconocen que está inspirada por Sekiro, que es un juego que tampoco conocía, pero en cualquier caso funciona realmente bien y resulta sorprendentemente satisfactoria.

El otro factor, más importante si cabe, es la historia. Nine Sols no es un mero juego de exploración en el que vas recorriendo mazmorras a ver qué pasa, lo haces por un buen motivo. Sin querer destripar demasiado sí que puedo añadir que el juego, desarrollado en Taiwán, incluye constantes alusiones a la mitología china, con mención especial al Taoísmo, lo que mezclado con la temática de ciencia ficción de la historia crea una combinación realmente curiosa y adictiva. Tanto es así que, aunque el juego estaba claramente por encima de mi nivel y algunas partes me costaron más tiempo del que me gustaría reconocer, querer conocer más de la historia era uno de los mayores alicientes para seguir adelante.

Reconozco que cuando empecé Nine Sols no esperaba gran cosa, pero acabó siendo uno de los juegos que más me han enganchado, es, de lejos, el juego más difícil que me he molestado en completar al 100% y está muy arriba en mi lista de juegos recomendados. Soy consciente de que esta entrada queda bastante coja porque ni siquiera he hecho un resumen somero de la historia, pero cuando empecé a jugarlo yo no sabía más de lo que he puesto en esta entrada y, creo, eso hizo que ir descubriendo el juego fuese incluso más interesante, así que voy a dejarlo aquí.

Añadir que, además de obviamente en Steam, el juego también está a la venta en la web de los desarrolladores, en una versión sin DRM, lo cual siempre es de agradecer.

Zorros con suerte y gatos pequeños

2025-06-20T13:18:00.000+02:00

Retomo mis críticas en profundidad de videojuegos para comentar por encima dos a los que, aunque jugué hace ya algún tiempo, me apetecía dejar por escrito por estos lares.

Empiezo con Super Lucky's Tale. Un juego de plataformas protagonizado por un zorrito que deberá recorrer distintos mundos para recoger tréboles de cuatro hojas con los que ayudar a su hermana a proteger un libro mágico.

Abiertamente inspirado por juegos de plataformas clásicos, el juego es parada imprescindible para quien disfrutara con títulos como Super Mario 64. Muy especialmente Super Mario 64, de hecho. El funcionamiento de algunos niveles, el modo de conseguir los distintos tréboles, o incluso el propio uso de un overworld recuerdan enormemente las aventuras del pequeño fontanero pero, lejos de sentirse como una burda copia, los carismáticos personajes y lo variado de los niveles hacen que sea una experiencia muy entretenida y más que recomendable. Tanto es así que, emulando mi logro hace veintipico de años cuando conseguí las 120 estrellas del SM64, también aquí he conseguido todos los tréboles aunque no fueran necesarios para llegar hasta el final.

Super Lucky's Tale es la secuela de Lucky's Tale, un juego para gafas de realidad virtual que, lamentablemente, no he tenido ocasión de probar. En su salto a juego de plataformas convencional, tanto los controles como muy especialmente la cámara quedaron un poco a medio hacer. De hecho, recuerdo al menos dos puntos concretos en los que hay que avanzar literalmente a ciegas brevemente porque es imposible ver al personaje. Por culpa de esto, el juego recibió algunas críticas muy negativas. Aun así, discrepo completamente de estas críticas, probablemente porque la cámara del Super Mario 64 original ya era lo suficientemente horrible como para que esté curado de espanto y creo que, dejando de lado esos detalles puntuales, el juego es realmente muy agradecido.

Un par de años después, el mismo estudio lanzó New Super Lucky's Tale, un remake que arreglaría muchos de los problemas del original y recibió unas críticas muchísimo más positivas. Todavía no he tenido ocasión de jugar a este remake, más que nada porque entiendo que será muy parecido al juego al que ya he jugado, así que prefiero esperar algo más de tiempo antes de ponerme con él, pero en cualquier caso y, en contra de la opinión de la crítica, sí que creo que por muy bien que esté el remake, en mi opinión el original también es un juego muy digno de atención.

⁂

El otro juego del que quiero hablar hoy es Little Kitty, Big City.

Cuando el año pasado hablé de Stray, comenté que me había dejado un regusto agridulce. Me gustaba gran parte del juego, pero me parecía que la historia era demasiado exagerada, por así decirlo, y mencionaba que me gustaría haber visto un juego más sencillo que se centrara en los puntos cotidianos del juego. Parece que no fui el único que pensó algo así, porque LKBC es, casi exactamente, el juego que esperaba encontrar cuando empecé a jugar Stray.

En LKBC nos ponemos en la piel de un gato que está echando la siesta en su ventana cuando por accidente cae a la calle y tiene que buscar el modo de volver a casa, para lo que tendrá que recorrer toda la ciudad. Un comienzo similar al de su referente, pero que da lugar a un juego muchísimo más blanco y amable. Además de, obviamente, esta enorme diferencia de tono, otra diferencia entre ambos juegos es el estilo visual. LKBC apuesta por una estética de dibujo animado que no consigue ser tan espectacular como aquellos fantásticos gráficos que vimos en Stray, pero sin ninguna duda resulta realmente adorable.

Tengo la sensación de que este encantador juego no recibió ni de lejos la atención que tuvo Stray en su día, pero a mí me pareció una auténtica delicia y estoy seguro de que mucha más gente lo disfrutaría igualmente si lo conociera, así que no quería dejar pasar la oportunidad de hablar de él. Por cierto, tampoco quiero olvidarme de la fantástica traducción al español, algo a lo que no suele prestarse mucha atención pero que en un juego con bastantes juegos de palabras e incluso alguna rima, todo ello resuelto de modo sobresaliente, me pareció un trabajo realmente bien hecho.

Wake me up

2025-05-25T19:38:00.013+02:00

En uno de los episodios de la segunda temporada de Los ensayos, la serie de Nathan Fielder, toma un especial protagonismo la canción Bring Me To Life de Evanescence. Además de un clásico intemporal, es una canción con una historia bastante curiosa. Historia que, por quedar fuera del tema del episodio, no llega a mencionarse, pero me parece interesante conocer.

Escrita en el año 2000 pero lanzada en el 2003 como sencillo del primer álbum del grupo, Fallen, la canción originalmente iba a ser... diferente. Amy Lee, compositora del tema y vocalista del grupo, intentó defender su visión, pero ante la negativa de la discográfica a producir el disco si no se aceptaban sus cambios, acabó cediendo y así nació la versión que todos conocemos y hemos oído cientos de veces. Una versión en la que la voz de Amy Lee se complementa con unos coros en forma de rap por Paul McCoy como estrella invitada.

Aunque este rap acabó marcado a fuego como hito en la historia de la música, no se incluyó por amor al arte. La discográfica estaba convencida de que nadie querría oír una canción de metal solo con una voz femenina. Temor que, según se haría público años después, venía causado muy especialmente por los aún recientes atentados del 11 de septiembre en Estados Unidos y la idea de que una voz potente de mujer haría sentir emasculados a los pobres americanitos. Incluir un rapero varón cantando encima de la voz de mujer fue la solución que encontró la discográfica para vender un grupo que consideraban imposible de promocionar.

La extraordinaria acogida del sencillo llevó a que esta modificación pasase a considerarse como uno de los mayores ejemplos de executive meddling exitoso. No sería hasta muchos años después, en 2017, cuando Amy Lee volvió a grabar Bring Me To Life solo con su voz. Lo hizo para el disco Synthesis, aunque en una versión con unos arreglos tan diferentes que casi parece enteramente otra canción, con lo que la comparación con el original manoseado por aquel temor machista resulta poco menos que imposible.

Es imposible saber si, contra lo que mantenía la misoginia de la discográfica, el Bring Me To Life original habría podido tener el mismo éxito sin añadir berridos extemporáneos encima. Lo que, por suerte, no es imposible es saber cómo habría sonado esa versión que se supone que nadie querría oír. Y suena fantástica.

Solatorobo: Red the Hunter

2025-02-11T16:13:00.003+01:00

El pasado verano hablé un poco por encima de Tail Concerto, un juego para PlayStation que pasó bastante desapercibido en su día pero que a mí me pareció muy recomendable. Hoy quiero hablar de Solatorobo: Red the Hunter, considerado su secuela espiritual.

Después del injusto fracaso comercial de la primera entrega, el estudio CyberConnect2, que había lanzado Tail Concerto con la clara intención de desarrollar un universo a su alrededor, tuvo que esperar más de diez años antes de poder continuar con sus planes. Para cuando Solatorobo por fin tuvo luz verde, ya no lo haría para contar las nuevas aventuras del policía Waffle en el reino de Prairie, sino que seguiríamos a Red en la república de Shepherd. Un cambio que probablemente vino forzado por la negativa de Bandai-Namco a participar en la secuela de un juego que apenas se vendió pero que, a cambio, nos permite descubrir nuevos lugares y enfrentarnos a nuevas mecánicas de juego.

Afortunadamente para los nostálgicos de la primera entrega, tendremos la suerte de que Shepherd es un país vecino a Prairie dentro del mismo universo de Little Tail Bronx, y a lo largo del juego nos encontraremos en alguna ocasión con Waffle y algún otro personaje del primer juego. También nos cruzaremos en nuestro camino con Mamoru-kun, un personaje creado por CC2 para un microjuego y que en su momento llegó a ser la mascota de la prefectura de Fukuoka en Japón (tristemente ya no).

Eso sí, no solo de referencias vive Solatorobo, en la aventura conoceremos a muchos personajes nuevos, empezando por el nuevo protagonista Red Savarin. Presentado con el rol de Hunter, cazador, podría considerarse un soldado de fortuna, siempre dispuesto a ayudar a quien necesite de sus servicios a cambio de un pequeño pago. Este dinero también está presente en las peleas de robots en las que podremos participar a lo largo del juego y supone un gran cambio respecto al funcionamiento del robot de Waffle ya que en función de lo que ganemos podremos mejorar nuestro mecha, haciéndolo más rápido o más resistente a los golpes, por ejemplo.

Por desgracia, a pesar haberse lanzado más de diez años después de la primera parte y a pesar del enorme cariño que el equipo puso en la nueva entrega, la Nintendo DS no era precisamente mucho más potente que la PlayStation y unos cartuchos con apenas una décima parte de la capacidad de un CD no ayudaron en absoluto a hacer que el juego mostrara todo lo que tenía que ofrecer. El diseño de los personajes en pantalla es aún más simple que en Tail Concerto, los cuidados escenarios están demasiado recortados al tener que verse en una pantalla diminuta, los controles están muy limitados por la falta de sticks analógicos y ni siquiera tendremos diálogos con voz.

Así y todo, los desarrolladores dieron lo mejor de sí para superar estos problemas. Los controles están limitados, pero a cambio todo está convenientemente ajustado para que esto nunca sea un obstáculo. No hay diálogos completos, pero algunas palabras sueltas en francés ayudan a enfatizar el tono de cada escena y a que demos voz a los personajes. Por problemas de espacio es imposible tener escenas animadas como aquellas que adornaban Tail Concerto, pero al menos tendremos a cambio una intro sencillamente magnífica. Solatorobo merecía mucho más que estar en Nintendo DS, pero está claro que la gente que había esperado más de diez años para sacar su juego adelante no se iba a dejar vencer por las dificultades.

Y si hay algo que demuestre la pasión que los desarrolladores pusieron en el juego es, me atrevería a decir, su historia. Cuando hablé de Tail Concerto comenté que el juego se sentía algo incompleto porque veíamos constantes miguitas que nos llevaban a una historia que no acababa de desarrollarse. Solatorobo opta por ir por el camino contrario. Aquí sí tendremos una auténtica historia, completamente desarrollada, y que a ratos hace que más que ante un simple juego parezca que estamos ante una película de ciencia ficción. Debo reconocer que el choque entre lo sencillo de algunas misiones y lo épico de la historia resulta a ratos extraño y también me ha parecido divertido que la historia reescriba un par de detalles de lo que vimos en Tail Concerto para que todas las piezas encajen, pero nada de esto desmerece en absoluto una historia espectacular.

En resumen, Solatorobo me ha encantado. Es una grandísima (casi) secuela que en muchos aspectos supera a un juego al que ya le cogí mucho cariño en su momento y, aunque hubiese preferido que se lanzase para una consola mejor, es imposible no admirar el afecto y el esfuerzo que la gente de CyberConnect2 puso en cada aspecto del juego. Absolutamente recomendable. Aunque el juego se encuentra descatalogado, se puede jugar fácilmente usando un emulador como melonDS y la ROM del juego, preferiblemente la versión americana ya que tiene un poquito más de contenido que la europea (aunque, eso sí, solo en inglés).

No quiero acabar sin lamentar la dolorosa decepción de saber, en retrospectiva, que, al igual que Tail Concerto, Solatorobo no recibió ni de lejos la atención que merecía, lo que hizo que el mundo de caninus y felinekos volviera a acabar tirado en un cajón durante otros diez años. No sé demasiado de la más reciente entrega, la trilogía de Fuga: Melodies of Steel, y lamentablemente lo poco que he oído sobre ella me hace pensar que el estudio abandonó parte del fantástico espíritu de estas dos primeras entregas para intentar algo diferente. Llegado el momento, probablemente le daré una oportunidad a esta nueva entrega y de ser así seguramente hablaré sobre ella. Pero, pase lo que pase, creo que tanto Tail Concerto como Solatorobo forman por sí solos un maravilloso universo digno de un gran cariño y un mayor reconocimiento.

Actualizado: dejo por aquí la entrada sobre Fuga.

Sand Land (2024)

2024-12-30T22:49:00.002+01:00

En la entrada anterior me dejaba en el tintero mi comentario sobre una de las series que he visto estos últimos meses. La serie en cuestión es SAND LAND. Basada en un manga de Akira Toriyama, la serie presenta un mundo en el que el agua se ha convertido en un producto de lujo. El sheriff de un pequeño pueblo, acompañado de un par de demonios, emprenderá la búsqueda de un manantial legendario para que la gente de su país tenga agua suficiente.

Soy, probablemente, la única persona hispanohablante sobre la faz de la tierra que jamás ha visto un episodio de Bola de dragón, así que esta serie ha sido mi introducción al mundo de uno de los autores más conocidos y queridos de Japón. A pesar de estar considerado una obra menor, lo cierto es que la experiencia ha sido francamente satisfactoria, con unos personajes increíblemente carismáticos (enorme Beelzebub), montones de acción, algunos momentos muy divertidos y una ambientación excelente, la serie me ha enganchado desde el primer minuto y sin duda no podía haber pedido más. No va a cambiar mucho porque no me veo con fuerzas de embarcarme en la disparatada tarea de ponerme a ver los miles de episodios de las múltiples series de Bola de dragón, pero si una obra menor puede ser tan entretenida, entiendo el amor incondicional de tantos millones de fans por la obra principal.

Por cierto, pese a la escasa duración del anime, únicamente la primera mitad de la única temporada está basada en el manga y, como tal, cuenta una historia que perfectamente se puede dejar ahí. De hecho, esta primera mitad se lanzó originalmente como película antes del estreno de la serie. La segunda mitad de la temporada introduce una gran cantidad de nuevos personajes y escenarios para contar una nueva historia, con importantes agujeros de guion que se pueden hacer demasiado obvios, pero ofrece la oportunidad de seguir un poco más con nuestro trío de protagonistas, así que para quien les haya cogido cariño creo que vale sobradamente la pena.

Junto con la serie también se lanzó un más que notable videojuego de mundo abierto que cuenta básicamente lo mismo que el anime, de modo exageradamente expansivo (estamos hablando de cerca de 50 horas de videojuego) por lo que es básicamente café para los muy cafeteros, aunque afortunadamente con un buen número de cambios para que no resulte un calco directo.

Además de la introducción de dinosaurios y robots a cascoporro, entre esos cambios destaca la introducción de aún más personajes, algunos de ellos, irónicamente, más interesantes que algunos de los personajes nuevos de la segunda mitad del anime, así como cambios en las motivaciones y acciones de algunos de los otros personajes, en ocasiones bastante acertadamente. Me ha llamado especialmente la atención un detalle bastante menor, aunque no por ello menos desconcertante, en el que los personajes están a punto de hacer algo que hacían en la serie pero terminan haciendo algo diferente y comentan de pasada que haber hecho lo otro habría sido absurdo.

Aunque le dedico una entrada separada tal vez esta serie no sea especialmente superior a algunas de la entrada anterior. Pero, la verdad, me ha resultado enormemente entretenida, me ha dejado completamente enganchado y he disfrutado un montón tanto con la serie como con el videojuego, así que me apetecía dedicarle algunas líneas más que meramente un breve comentario de pasada.

Cuatro más

2024-12-29T20:16:00.003+01:00

Dado que, por algún motivo y sin que recuerde bien cómo, hace un tiempo empecé a llevar un registro de los animes que iba viendo, he pensado en publicar una actualización para comentar los que han caído desde Tonari no Yokai-san el pasado verano. Han sido nada menos que cinco series en estos meses, así que voy a ir muy por encima, aunque me permito saltarme aquí la tercera de la lista, a la que dedicaré una entrada aparte.

Empiezo con Tragones y mazmorras. Un dragón ataca a un grupo de exploradores en una mazmorra mágica, devorando a la hechicera del grupo. El resto del grupo, obligado a escapar durante el ataque, vuelve a la mazmorra a rescatar a su compañera, pero sin dinero para provisiones toman la decisión de alimentarse de los monstruos de la mazmorra durante su búsqueda del dragón.

Una de las series más recomendadas del año, debo decir que me ha gustado bastante. Muy buen desarrollo del mundo mágico, buena mezcla de lore y acción, buena animación y buenos personajes. Por desgracia, saltar a una serie tan basada en la tradición occidental inmediatamente después de una serie sobre yokai tal vez no fuera una gran idea porque ver tantos monstruos familiares después de ver criaturas que no conocía de nada estropeaba un poco la parte fantástica, pero no era esto en modo alguno problema de la serie sino mío. También quiero comentar que me ha gustado el doblaje en español, con mención especial a cierto algo que le pasa a los personajes cerca del final de la temporada, donde en mi opinión los dobladores lo dan todo, momentazo.

⁂

La segunda serie de la lista es Solo Leveling. El cazador de mazmorras más débil del mundo queda atrapado en una mazmorra muy superior a su nivel y ve como la mayor parte de los miembros de su equipo, todos ellos más experimentados que él, mueren a manos de monstruos terribles. Aunque todo parece perdido, acaba despertando en un hospital prácticamente ileso y con una nueva capacidad única en el mundo que le permite aumentar su poder y aprender habilidades nuevas como ningún otro cazador.

Serie a la que llegué por su vaga similitud con la anterior, reconozco sin embargo que me costó mucho entrar en ella. Desde el momento en el que el protagonista sobrevive a su paso por la mazmorra maldita, la serie adopta una estética de videojuego, convirtiendo al protagonista en un jugador. Estadísticas, movimientos especiales, hasta un inventario con consumibles, el lote completo. Aunque entiendo que esta decisión ayuda mucho a mostrar la evolución del protagonista como cazador con un símil muy familiar, para mí chocaba frontalmente con el trasfondo dramático que quería transmitir la trama y me hacía muy difícil tomarme la historia en serio. En su defensa decir que el ritmo es fantástico e incluso con enormes dudas no se hace nada pesada, pero también debo decir que al llegar al último episodio de la temporada y ver que la historia no acaba, no me siento especialmente tentado de seguir.

⁂

Me salto la tercera de la lista y paso a Shangri-La Frontier. Un gamer con una predilección por los videojuegos basura decide darle una oportunidad a Shangri-La Frontier, considerado una obra maestra de los videojuegos de realidad virtual inmersiva.

Encontré esta serie completamente por casualidad y me hizo gracia el resumen, sobre todo teniendo Solo Leveling tan fresca. Irónicamente, a pesar de que en este caso el protagonista sí está, realmente, jugado a un videojuego, el tono completamente diferente de la serie me ayudó a aceptarlo desde el primer momento. Sin llegar a ser una serie que abrace exageradamente el absurdo, detalles tontos como la máscara de pájaro del protagonista o algunos momentos disparatados de vez en cuando marcan la diferencia por completo, ya no es una historia seria que no me puedo tomar en serio, es que no es una historia seria y la serie se molesta en recordártelo para que no te flipes.

No solo de esos momentos de humor vive Shangri-La Frontier, también ayudan, y mucho, unos excelentes personajes, donde resulta imposible no enamorarse de Ellym (desu wa!), disfrutar de algunos momentazos de Pencilgon soltándose la melena y donde incluso la arquetípica chica que está coladita por el protagonista pero es demasiado tímida para declararse tiene un papel más importante del que cabía esperar en un principio. Muy, muy entretenida, solo he visto la primera temporada pero ya tengo ganas de ponerme con la segunda, que ha empezado hace poco.

⁂

Acabo esta entrada con Dan Da Dan. Un chico que cree en extraterrestres pero no en fantasmas se tropieza con una compañera de instituto que cree en fantasmas pero no en extraterrestres y se desafían para ver quién tiene razón, solo para acabar teniendo que enfrentarse juntos a fantasmas y extraterrestres.

Uno de los bombazos de la temporada con una auténtica legión de fans, por desgracia para mí víctima de su propio éxito. Ante las críticas que la consideraban poco menos que serie del siglo tenía unas expectativas altísimas que la serie no ha llegado a cumplir. Aunque la animación es excelente y el desarrollo de toda la parte fantástica está muy bien, no me ayuda mucho a conectar con los dos protagonistas que la grandísima turbo vieja se coma la escena siempre que está presente o que los grotescos extraterrestres salidos resulten más cómicos que los líos amorosos en el cuadrángulo amoroso de los protagonistas.

No quiero desmerecer la serie y muy probablemente seguiré viéndola cuando se estrene la siguiente temporada, pero al menos en mi opinión no es esa obra maestra que esperaba encontrar. En cualquier caso, en honor a la verdad, hay un episodio en concreto que me pareció absolutamente brillante y destaca por encima del resto, por lo que entiendo y respeto que hiciera que mucha gente se enamorara de la serie.

Termino la lista en la siguiente entrada.

El helicóptero suizo

2024-11-04T12:15:00.000+01:00

Ayer pude ver Apocalipsis Z: El principio del fin, más que digna adaptación del muy recomendable libro del mismo título (que leí hace más de diez años (!!) gracias a una recomendación de Microsiervos). No es de la película de lo que quiero hablar, sino de uno de esos detalles que a veces se nos pasan por alto pero que una vez que conoces no dejas de ver. Este helicóptero suizo.

Espera, ¿qué? Sí, si pensamos en cuál es el símbolo más obvio para indicar que algo está relacionado con la medicina, casi cualquier persona se irá inmediatamente a la icónica cruz griega de color rojo de la apropiadamente denominada Cruz Roja. El tema es que esta cruz es una marca registrada y su uso está completamente regulado, tanto por convenciones internacionales como por movidas incomprensibles de propiedad industrial.

Es por eso que, para quitarse de líos, el uso del símbolo original fuera de referencias directas es extremadamente raro. En ocasiones se opta por una cruz verde como compromiso, o los diseñadores se ponen algo creativos, como en el caso de My Little Pony: Friendship is Magic, donde la enfermera de Ponyville vio como su apenas disimulada cruz roja pasaba a tener un poco más de fantasía después del pertinente aviso del equipo legal. En la mayor parte de producciones audiovisuales, sin embargo, la cruz roja es sustituida por su más inmediato sucedáneo: una cruz blanca sobre fondo rojo. Una bandera suiza como la del helicóptero, vaya.

Aunque lo de la bandera suiza se limita a la ficción, la asociación de la cruz griega como símbolo sanitario está tan arraigada que casi todas las comunidades autónomas la incluyen de algún modo en el distintivo de su sistema de salud. Así tenemos una cruz (azul) con una estrella en el caso de Madrid, una cruz como espacio negativo en la S del servicio de salud de Castilla-La Mancha, y muchas otras cruces hasta llegar a la abstracta cruz de Asturias o la apenas visible cruz escondida en el logo de Cataluña.

Lo más divertido del tema es que, en realidad, existe un símbolo internacional para representar la sanidad, la vara de Esculapio, presente por ejemplo en el logotipo de la Organización Mundial de la Salud. Y, además, un símbolo específicamente para urgencias sanitarias, la estrella de la vida, una cruz de seis puntas que se puede encontrar en casi cualquier ambulancia. Casi cualquiera, excepto, obviamente, las de la Cruz Roja, que pueden permitirse quedarse con el original.

Por cierto, por si había alguna duda, sí, la cruz blanca sobre fondo rojo no se limita a las películas. En el mundo real, los vehículos de Suiza también utilizan su propia bandera. Eso que llevan ganado.

Palworld

2024-09-19T22:24:00.004+02:00

Aunque Palworld fue enormemente popular a principios de año, no fue hasta hace cosa de un par de meses que me decidí a darle una oportunidad. En estos dos meses le he dedicado puede que unas 100 horas y eso que todavía no he llegado a acabar las misiones principales. Contra todo pronóstico, estoy encantado con el juego. Tenía pensado escribir una entrada más adelante pero, dadas las circunstancias, he pensado que igual para luego es tarde.

No deja de ser curioso que el principal motivo que me llevó a evitar el juego del que todo el mundo hablaba era, precisamente, su fama de ser Pokémon con pistolas. No voy a pretender que, después de años celebrando el mítico «parecen fuegos de artificio», tenga nada en contra de Pokémon. Jugué a Pokémon Rojo hace un millón de años y guardo con aún más cariño el recuerdo de las horas que le eché a Pokémon Oro. Sin embargo, no conseguí pillarle el punto a Rubí y no llegué a interesarme por ninguno de los subsiguientes cienes de juegos que vinieron después. Pokémon podía ser algo para recordar, pero no algo a lo que mereciera la pena dedicar más tiempo. A priori, plagio o no, la idea de añadir pistolas a la ecuación no lo hacía en modo alguno más atractivo, así que durante meses ignoré Palworld por completo.

A principios de julio empecé a ver nuevamente gente hablando sobre el juego. La cresta de la ola de la moda había remitido hace meses, pero acababa de lanzarse la primera gran actualización que añadía una isla entera y un montón de movidas más y todavía quedaba quien quería hablar de ello. Muchos de esos comentarios me hicieron darme cuenta de que, más que un mero clon de Pokémon con tiros, Palworld tenía algunas mecánicas que podían hacerlo interesante. Casi por casualidad me animé a probar el juego. Y quedé completamente enganchado.

Sí, es cierto que Palworld tiene cosas que recuerdan mucho a Pokémon. Mogollón de criaturas extrañas que capturamos con bolas especiales y pasan a hacernos caso cuando son nuestras. Diferentes tipos con fortalezas y debilidades. Ataques nuevos que se aprenden al pasar de nivel. Los parecidos llegan hasta a incluir algunas de las cosas que nunca tuvieron mucho sentido, como no poder capturar pokémon debilitados, o lo ridículo de estar forzado a capturar muchos pokémon para poder avanzar aunque te sepa mal que acaben viviendo en el PC de Bill cuando no los necesitas para nada y podrían estar mejor en el campo. Algo esto último que Palworld hace todavía más siniestro cuando ni siquiera puedes liberar pals y tus únicas opciones cuando el almacenamiento se llena es vendérselos a señores turbios o sacrificarlos.

Puede que ese punto edgy para intentar marcar diferencias con Pokémon sea lo más ridículo de Palworld. El juego empieza con algún comentario sobre lo cruel que es usar un bate para debilitar pals lo suficiente para poder capturarlos aun cuando hacia el final del juego (espoiler) estarás usando lanzacohetes contra los bichos de nivel más alto. Eso sin contar lo retorcido de que uno de los modos más sencillos de hacer tus pals más fuertes es metiendo muchos otros en una máquina siniestra para absorber su esencia. Y, sin embargo, a pesar de sus continuos esfuerzos por ser horrible, el juego tiene un encanto indiscutible.

A todo el rollo que puede recordar a Pokémon se añade un componente de supervivencia que hace el juego mucho más entretenido. Despertamos en una isla desconocida, sin ningún objeto. Antes de que llegue la noche debemos cuidarnos de recoger madera suficiente para hacer una fogata o un refugio. Y, a partir de ahí, en los días sucesivos iremos ampliando nuestra base con una mesa de trabajo en la que construir herramientas, o una pequeña granja con la que obtener alimentos. Todo ello con la ayuda de nuestros pals a los que, afortunadamente, podemos tratar con cariño si así lo decidimos.

Ir explorando el inmenso mapa que aparece completamente en negro al principio es una auténtica gozada. Una gran variedad de escenarios, diferentes climas a los que adaptarse, una fauna diferente en cada zona e incluso secretos escondidos aquí y allá para hacerlo todo aún más atractivo hacen de esta exploración algo que se puede saborear con calma. Conseguir una montura con la que avanzar más rápido por tierra, o con la que poder recorrer mayor distancia por el agua sin ahogarnos son grandes hitos que celebrar, y eso por no hablar de cuando obtenemos nuestro primer pájaro con el que poder ir a sitios que antes estaban fuera de nuestro alcance. En resumen, un juego que consigue hacer mucho más interesante la mera idea de simplemente capturar bichos con los que pelear, ya sea con pistolas o sin ellas.

Estaba retrasando esta entrada hasta que hubiera acabado el juego por algo que me llevaba molestando unos días. Así como al principio del juego la dificultad es bastante razonable, a medida que nos acercamos al final parece que el balance está un poco roto. Para poder avanzar a un nivel superior no basta ya con enfrentarnos a quienes nos encontremos paseando al azar, hay que ir activamente buscando enemigos. Muchos. Los objetos de alto nivel necesitan materiales cada vez más difíciles de conseguir, rozando lo absurdo en ocasiones. Casi parece que cuanto más cerca estamos del final estamos menos tiempo jugando y más simplemente grindeando, lo que es una pena para un juego que por lo demás funcionaba bastante bien.

Tengo la sensación de que parte de este problema viene dado, precisamente, por la actualización que me animó a empezar a jugar. Una actualización pensada, sobre todo, para gente que ya había jugado al juego y solo tenía un jefe nuevo al que enfrentarse, pero que probablemente no estaba lo suficientemente calculada para quien empezara desde cero, haciendo que ese nuevo jefe quedara quizás demasiado lejano. En cualquier caso, estos problemas hacia el final no desmerecen en absoluto las horas y horas de entretenimiento que tenemos por delante desde que ponemos el pie en las islas Palpagos.

Palworld es un juego en beta. Según admiten los propios creadores, está sin acabar y además de la isla que se reveló en verano quedaban varias otras pendientes de añadir. Las mejoras de rendimiento y correcciones de errores que he podido disfrutar estos meses me hacían confiar en que algunos de los problemas que todavía tenía el juego fuesen resolviéndose poco a poco. Por desgracia, Nintendo ha decidido que ya ha tenido suficiente y hace apenas unas horas ha denunciado a los creadores de Palworld. Es difícil saber qué pasará a continuación, pero no sería de extrañar que una vez más la empresa más mafiosa del mundo de los videojuegos se saliese con la suya y este sea el final de Palworld.

Sería una pena que así fuese.

Tonari no Yokai-san (2024)

2024-07-01T22:04:00.000+02:00

Después de haber visto ya unos cuantos animes porque me venían recomendados, ya fuera por personas humanas o por El Algoritmo, hace unos meses decidí darle una oportunidad a un anime nuevo sin tener ninguna referencia sobre el mismo. La serie elegida fue la reciente Tonari no Yokai-san, algo así como Mi vecino yokai, y la he venido siguiendo desde su estreno en abril. Este fin de semana se emitió el último episodio y me apetecía dedicarle unas palabras.

La acción transcurre en un pueblecito de Japón, pero en un mundo diferente al nuestro en el que humanos conviven con yokai, espíritus de todo tipo. Uno de estos yokai es Buchio, uno de los protagonistas de la serie, nacido como un gato normal y corriente que a los 20 años de edad renace como nekomata y debe adaptarse a su nueva vida en la que ya no es una simple mascota sino un ciudadano más, con trabajo, carnet de conducir y seguro médico. O, por ejemplo, otro es Jiro, un tengu, hombre cuevo con poderes sobrenaturales, encargado de proteger el pueblecito en el que viven.

El universo de la serie resulta enormemente atractivo, el modo en el que la serie integra sus elementos fantásticos es genial y las continuas perlas de folclore japonés resultan una delicia. Tampoco se quedan atrás los personajes, no puedo ocultar que Buchio me parece encantador, pero muchos otros personajes resultan igualmente muy interesantes. Y no quiero dejar de alabar uno de sus mayores aciertos, puede que el más inesperado, los momentos de reflexión que nos regala la serie, donde las dudas y los hallazgos vitales de los personajes en un mundo tan diferente al nuestro quizás acaban siendo mucho más cercanos de lo que parece en un principio.

Por desgracia, pese a sus muchos puntos fuertes, la serie resulta a ratos frustrante. Basada en un manga de cierta longitud pero con capítulos muy cortos, la adaptación acaba pareciendo algo caótica. Así, mientras el manga está claramente estructurado como una colección de breves escenas del día a día en la vida en Fuchigamori, esto es algo que la serie no ha sabido plasmar por completo para quien venga de nuevas, haciendo que la sensación que deje es la de que las tramas principales se mezclan sin ningún criterio con otras tramas secundarias que apenas se desarrollan.

Al no conocer en absoluto el manga de antemano, al que solo me he asomado una vez terminado el anime, este aspecto de la serie me parecía muy extraño, pero haber leído unos pocos capítulos me ha ayudado a reconciliarme por completo con el mismo. Lamentablemente, el manga no ha sido traducido oficialmente a ninguna lengua romance y la única traducción hecha por fans está incompleta, con lo que apenas es posible encontrar en inglés 23 de los más de 100 capítulos. Así y todo, recomiendo encarecidamente echarle un ojo a alguno de estos primeros capítulos antes de entrar en el anime, me arriesgaría a decir que hace la adaptación muchísimo más valiosa.

En cualquier caso, y pese a lo extraño de su ritmo al que solo he acabado cogiendo el punto en retrospectiva, Tonari no Yokai-san me ha parecido una serie preciosa y una gran experiencia. Siendo que es una serie que ha acabado pasando muy desapercibida, me alegra haberle dado una oportunidad sin haber esperado a una recomendación que seguramente nunca habría llegado.

Perros, gatos y un mapache

2024-06-02T23:02:00.000+02:00

Han pasado ya varios meses desde la última entrada que le dediqué a un videojuego, creo que es un buen momento para dedicar unas líneas a algunos de los juegos a los que he jugado desde entonces.

Empiezo con Tail Concerto. Lanzado a finales de los noventa para PlayStation, aunque solo en Japón, Francia y Estados Unidos, en Tail Concerto nos meteremos en el papel de Waffle un perro-persona policía que, justo cuando está a punto de empezar sus vacaciones, recibe el encargo de acabar con una banda conocida con el nombre de Black Cats que está sembrando el caos en el tranquilo reino de Prairie. Tras detener a un puñado de gatitos en el pueblo de Resaca, la sorpresa de Waffle es mayúscula al descubrir que la banda está liderada por Alicia, una gata-persona amiga de su infancia.

A pesar de su tono infantil y de que su mayor dificultad está en llegar a dominar unos controles que fallan algo más de lo deseable, Tail Concerto es una delicia de juego. Con una ambientación fantástica y unos niveles que saben combinar muy acertadamente los elementos del juego para no hacerse repetitivos, todo ello acompañado con unas escenas animadas bastante adorables, es una experiencia más que recomendable que bien merece una visita.

Por desgracia, la historia se siente incompleta. A lo largo del juego se plantan muchos detalles sobre el mundo de Prairie que prometen mucho pero no se exploran lo suficiente. Muy probablemente esto se deba a que entre los planes del estudio estaba la idea de lanzar un Tail Concerto 2 que jamás llegó a hacerse a causa de las malas ventas del primer juego. Tendrían que pasar más de diez años hasta que el estudio consiguió lanzar otro juego ambientado en el mismo universo, Solatorobo: Red the Hunter para Nintendo DS, y otra década más hasta la siguiente entrada, Fuga: Melodies of Steel. Juegos todos ellos que no sé si resuelven estos misterios pero que ya tienen un puesto de honor en mi lista de pendientes.

El siguiente juego en la lista es Stray. Lanzado en 2022, el mismo año que mi idolatrado Tunic, acabó ganándole varios de los premios en las categorías que ambos compartieron, lo que, unido a que es un juego protagonizado por un gato, hizo que estuviera muy arriba en la lista de juegos que no quería perderme. Por diferentes razones, no ha sido hasta finales del mes pasado que pude por fin meterme en harina. En este caso el juego sigue a un gato callejero que vive junto a su colonia en una parte deshabitada a las afueras de una ciudad, y la historia comienza cuando por accidente el gato cae al vacío y termina encerrado en una ciudad subterránea, aparentemente desierta, aunque pronto descubriremos que no es así.

Pese a la enorme anticipación (o tal vez por ella), la experiencia me ha resultado un tanto desigual. No puedo negar que algunas partes del juego me han encantado, pero igualmente tampoco puedo negar que no he podido evitar la sensación de que la historia resulta un tanto exagerada, casi como si en los primeros pasos del desarrollo del juego decidiesen que un juego sobre un gato sin más quedaría cutre y la historia necesitaba ser absolutamente épica. Siendo que el juego acabaría siendo considerado uno de los comfort games del año incluso con una historia que a ratos lucha con uñas y dientes contra ese comfort, es difícil no preguntarse si el juego no habría recibido aún más cariño con una temática algo más sencilla.

En cualquier caso, como digo, Stray no deja de ser un juego notable. Por descontado, todo alrededor de nuestro gato, desde el modo de moverse por los niveles hasta las interacciones con los elementos, es sobresaliente, resultando imposible no dejarse cautivar por lo inesperadamente divertido de dejar nuestros objetivos de lado un momento para rascar un sofá o saltar a una mesa para tirar las cosas que hay encima. El cuidadísimo diseño de los niveles también es digno de mención, tanto en lo bien que encajan las diferentes partes unas con otras como en lo orgánico que resulta el conjunto a pesar de su linearidad, y no quiero dejar de mencionar los espectaculares efectos de iluminación que hacen que todo se vea genial. Aunque desearía haber podido disfrutar el juego un poco más y lamento ese regusto algo agridulce que ha dejado en mí, sí celebro haber podido disfrutar de todos estos puntos positivos.

Termino la entrada con algo tan corto que más que juego es casi una demo técnica. Indigo Park: Chapter 1. Lanzado hace apenas unos días, Indigo Park es el millonésimo juego de terror con mascotas que cobran vida para acabar con la nuestra, en este caso en un parque de atracciones abandonado y al que rodea un misterio que nuestro protagonista sin rostro quiere descubrir.

Si bien el juego no aporta demasiado al manido mundo de los corredores oscuros y los jumpscares, aun así ha recibido muchísimo cariño de la gente que se ha animado a probarlo gracias sobre todo al mapache Rambley, un personaje enormemente carismático que justifica por sí solo dedicar un rato a completar el juego y del que resulta imposible no enamorarse gracias a su adorable personalidad y su sorprendentemente pegadiza canción.

Acabo con el recordatorio de que Tail Concerto se encuentra descatalogado desde hace décadas y el único modo de jugar es consiguiendo la ISO del juego y tirando de emulador (recomiendo DuckStation). Por su parte, Stray está disponible para la mayor parte de plataformas, con ofertas habituales en Steam para la versión de PC. Por último, Indigo Park está disponible en Steam de modo gratuito, de momento únicamente con una primera parte que se puede completar en menos de una hora, pero ya con planes para ampliar el juego gracias al masivo apoyo recibido.

The Murder of Sonic the Hedgehog

2024-04-29T08:15:00.001+02:00

Aggretsuko (2018) y Odd Taxi (2021)

2024-04-28T15:54:00.010+02:00

Hace algún tiempo que no hablaba de algún anime por aquí, así que hoy rompo la racha por partida doble. Empiezo con Aggretsuko, serie de 2018 que sigue a Retsuko, una contable de Tokio que por las noches se desahoga de su trabajo insufrible cantando death metal en una cabina de karaoke.

Debo reconocer que empecé a ver la serie en cierto modo engañado. Netflix a menudo la incluye en una lista común con BNA y Beastars, dos series que ya había visto antes pero con las que, ciertamente, Aggretsuko tiene más bien poco que ver. Así, mientras BNA y Beastars beben mucho de Zootopia (perdón, Zootrópolis) y basan una parte enorme de su trama en la condición animal de sus personajes y en el desarrollo de mundos notablemente diferentes al nuestro, Aggretsuko es una serie más tradicional en la que las personas tienen apariencia animal únicamente por razones de estilo.

Puede que las aventuras de Retsuko no sean tan espectaculares como las de Michiru o Legoshi, pero así y todo su serie acaba resultando muy recomendable. Es difícil no simpatizar con Retsuko y su lucha por salir adelante, o no cogerle cariño a los otros personajes, especialmente sus compañeros Fenneko y Haida. A pesar de algunos altibajos y un par de momentos algo dudosos, la serie consigue mantener su espíritu amable a ritmo de death metal durante cinco temporadas que se ven enseguida.

La segunda serie es Odd Taxi, de 2021. Aquí seguiremos los pasos de Odokawa, un peculiar taxista nocturno, y sus variopintos clientes, desde la noche de la misteriosa desaparición de una chica en Tokio.

Aunque la premisa de Odd Taxi me interesó tan pronto oí hablar de ella, quiso la mala suerte que mientras estaba intentando comprobar si la serie había sido doblada al castellano (por cierto, no), leyese por accidente un comentario que destripaba por completo el último episodio. Si normalmente saber cómo acabará una serie de misterio es suficiente para quitarle gran parte del encanto, en este caso la cosa era aún peor ya que cierto detalle revelado en aquel comentario me parecía a priori bastante desafortunado: así como Aggretsuko era la víctima inocente de un malentendido promovido por Netflix, aquí (mal)interpreté que era la propia serie la que intentaba ser algo que no era, por lo que acabé dejándola aparcada.

Pasaron casi dos años hasta que volví a encontrarme con Odd Taxi y, pese a aquella reticencia inicial, me animé a darle una oportunidad después de todo. Me alegro enormemente de que así fuera. Con un ritmo fantástico que engancha desde el primer episodio, incluso sabiendo qué va a pasar, es imposible no seguir mirando para ver cómo encajan todas las piezas. Puede que no todos los personajes estén igual de desarrollados o tengan el mismo interés, pero juntos conforman una apasionante historia digna del mayor respeto. Me resultó especialmente curioso ver como aquel detalle que me hizo apartarme de la serie en un primer momento acaba siendo, para bien o para mal, una parte de la historia y no la mera trampa cutre que me pareció en un primer momento. Una serie, en resumen, formidable y absolutamente recomendable.

La serie fue recortada y (mínimamente) ampliada en forma de película con el título de Odd Taxi: In the Woods. A pesar de que puede resultar tentador decantarse por la película en lugar de ver la única temporada de la serie, debo decir que lo considero una terrible idea que desaconsejo por completo. Aunque incomprensiblemente la película mantiene algunos elementos que eran poco más que mero relleno, recorta brutalmente el que es, de lejos, el mejor episodio del anime, reduciéndolo a su más mínima expresión. Sin desmerecer la película como oportunidad para repasar la serie y volver a ver las miguitas que estaban por el camino, tristemente me parece una edición malograda que empañará la experiencia para quien la use para conocer la historia por primera vez.

Hasta aquí las recomendaciones de hoy.
En cuanto Japón se anime a animar más animes con animales, más.

Klonoa 2

2024-03-03T15:51:00.004+01:00

Hace algo menos de un año hablaba por aquí de un juego que acababa de descubrir pero consiguió enamorarme desde el primer momento. Klonoa: Door to Phantomile para PlayStation. Aunque en la misma entrada comentaba que el juego tenía una secuela, decidí que quería hacer durar la experiencia un poco más y dejé este segundo juego aparcado unos meses. Este año finalmente llegó el momento y, una vez jugada la secuela, hoy quiero dedicarle unas palabras a Klonoa 2: Lunatea's Veil para PlayStation 2.

Vaya por delante decir que el listón no podía estar más alto, a lo que se ha sumado la anticipación de esperar más de medio año para jugar. Con estos antecedentes, solo puedo decir que Klonoa 2 no ha cumplido las expectativas. Las ha superado con creces. Magistral ejemplo de cómo hacer una secuela, Klonoa 2 mantiene todo lo que funcionaba en la primera entrega y lo amplía para crear un juego capaz de ofrecer algo nuevo. Unos gráficos impresionantes que exprimen al máximo el salto del la quinta a la sexta generación, unos preciosos niveles cuidados al detalle y unos personajes enormemente carismáticos hacen que esta segunda parte sea la mejor continuación posible para el estupendo juego original.

Cuando a finales de 2022 hablaba del fantástico Tunic, mencionaba de paso que me gustaba jugar a juegos que ya tuvieran unos añitos, fue precisamente ésta la razón que me llevó a descubrir esta franquicia. En los últimos años he podido descubrir muchos otros juegos clásicos, algunos decepcionantes, algunos del montón, e incluso joyas ocultas merecedoras de todo respeto, pero de entre todos esos juegos ninguno ha conseguido cautivarme y crear en mí el sentimiento de veneración que siento por esta preciosa bilogía.

El injusto e incomprensible fracaso comercial de la secuela supondría el final de las aventuras de Klonoa, pero quiso la casualidad, o la previsión de unos programadores que no las tenían todas consigo, que las últimas palabras que Klonoa pronuncia en el juego no solo sean un gran final para el juego, sino que en retrospectiva sirven también como la despedida perfecta para la franquicia, haciendo que esta segunda parte no se limite a ser una nueva oportunidad de ver al bueno de Klonoa, sino que consigue dar incluso más valor a la primera entrega, convirtiendo el conjunto en algo aún más perfecto. No puedo más que considerar esta pareja de juegos como una auténtica obra maestra digna de la mayor admiración y cariño.

Ha querido la mala suerte (y, supongo, la falta de confianza de Bandai Namco en una de sus viejas marcas) que la versión definitiva lanzada en 2022 quede, en algunos aspectos, por debajo del original, por lo que puede que irónicamente el mejor modo de jugar la franquicia sea tirando de emulación (gracias por existir, PCSX2). Algo que quedaba un poco menos claro en el caso del primer juego, donde la versión definitiva es un extraño híbrido del excelente remake para Wii (que funciona perfectamente en Dolphin) con unos pocos elementos recuperados del maravilloso original para PlayStation (que funciona perfectamente en DuckStation), por lo que la mejor versión dependía del gusto de cada uno, pero tristemente menos abierto a debate por lo que respecta a esta segunda parte.

A pesar de todo, por primera vez que yo recuerde y sin que sirva de precedente, tras emular el primer juego decidí tirar de cartera para mostrar mi apoyo por la marca. Una decisión de la que, tras haber jugado a esta soberbia secuela, estoy todavía más orgulloso y, de todo corazón, espero sea imitada por quien sienta el mismo aprecio por esta encantadora obra de arte en forma de videojuego. Es ingenuo pensar que, dos décadas después del juego para PlayStation 2, si Klonoa Phantasy Reverie Series recibe la atención suficiente tal vez podamos volver a ver a Klonoa en una nueva aventura pero, por una vez, creo que vale la pena soñar. Rupurudu!

Apple & Onion (2018)

2023-12-11T14:25:00.000+01:00

Hace unos meses, cuando me deshacía en elogios hacia Kiff, aprovechaba para recordar a Gumball e Historias corrientes y comentaba que su marcha había dejado un hueco en el mundo de los dibujos animados. Aunque se me pasó en su momento por razones no demasiado difíciles de imaginar, lo cierto es que había otra serie de Cartoon Network que, por pleno derecho, tal vez debía tener su nombre ahí también. Apple & Onion, conocida (por decir algo) en España como Manzana y Cebolleta.

Originalmente creada por un antiguo artista de storyboard de Gumball, Apple & Onion es una comedia de humor absurdo en la que una manzana y una cebolleta se mudan a una gran ciudad, en la que todos los habitantes son comida rápida.

Pese a lo desafortunado de un estilo que difícilmente causará una primera buena impresión a quien le pille de nuevas, lo cierto es que Apple & Onion es una serie muy divertida que nos arrancará más de una carcajada. Algo a lo que contribuye, sin duda, el genial Richard Ayoade, a quien conocimos como Moss en The IT Crowd y que presta su voz a Onion en la versión original. Un humor que no se limita a la pareja protagonista sino que se extiende a los secundarios de lujo, como el maravilloso Falafel o el inolvidable Chicken Nugget.

Por desgracia, incluso a pesar de su corta duración, la serie entra en barrena hacia el final de su segunda y última temporada, donde algunos episodios tienen un tono incomprensiblemente amargo y por momentos algunas interacciones entre Onion y Apple llegan a resultar incómodas. Algo que se hace patente incluso en el cambio que sufre la cabecera, que abandona la vitalidad de la primera temporada y muestra a los personajes abatidos. Ignoro a qué pudo deberse este cambio y mentiría si no dijera que deja un regusto agrio después de una serie por lo demás brillante, pero al menos es algo que solo afecta a apenas un puñado de episodios.

En cualquier caso, creo que Apple & Onion es una serie enormemente recomendable, así que recomendada queda.

20 + 20 years ago

2023-12-08T23:06:00.003+01:00

Leo en Espinof que estos días se cumplen 40 años del estreno de Scarface, por aquí conocida como El precio del poder.

Una película icónica que nos dejó algunos momentos inolvidables y que descubrí, al igual que varios de mis colegas, gracias a su conexión con la saga de Grand Theft Auto. Una conexión por partida doble y cuyo máximo exponente fue el modo en que la película inspiró aquel Grand Theft Auto: Vice City de 2002-2003. Sí, Vice City como en ese futuro GTA VI, que curiosamente también se anuncia estos días. Igual no es casualidad que el esperado tráiler haya coincidido en el tiempo con esta celebración.

Aunque la inspiración de Vice City era innegable, había una conexión aun más directa. Un año antes, Grand Theft Auto III venía con parte de la banda sonora de El precio del poder en una de sus emisoras, Flashback 95.6. A pesar de que, dentro del juego, en esa radio presumían de tener todos los grandes éxitos, Rockstar todavía no era la máquina de hacer dinero que es hoy y el presupuesto no daba para el despliegue que si se pudo permitir GTA: Vice City poco tiempo después, así que en lugar de grandes éxitos de verdad, la emisora se tuvo que conformar con cinco canciones que se habían escrito para la película. No quitó para que, incluso entonces, Flashback FM fuera mi emisora favorita y acabara aprendiéndome de memoria los apenas 20 minutos del bucle.

Ahora que celebramos los cuarenta años de Scarface no he podido evitar acordarme de uno de los indicativos de aquella emisora.

All the songs you were tired of twenty years ago. Flashback FM.

Aquel corte es hoy tan viejo como entonces lo eran aquellas canciones. Casi nada. Felices veinte+veinte años, Tony.

Matthew Perry

2023-10-29T09:47:00.001+01:00