Perramus es un gran fresco de América del Sur en el que los autores han transpuesto todos los símbolos y mitos que les son queridos. La historia está salpicada de aventuras, cada una más increíble que la anterior, y Perramus es de hecho un viaje a través de la historia de América Latina, con un telón de fondo de represión política y actos de resistencia…

Creada en el ocaso de la dictadura militar argentina, Perramus representa hoy, tras más de dos décadas después de su primera edición, el último eslabón de una cadena que tuvo siempre a la historieta argentina entre las más creativas del mundo…por lo que tenemos una obra situada en la coyuntura del final de la dictadura (en la que se concibió) y en el período de la recuperación democrática (en el que se publicó).

Aventura pura y dura que Breccia le pidió a Sasturain que le escribiera y que Sasturain efectivamente le escribió (y que sería su primer guión de historieta).

La obra se empezó a gestar en 1983, en los estertores de la Junta Militar Argentina que sumió a la Argentina en 7 años de desapariciones, torturas, censura y horror. Es un exorcismo de rabia y angustia, pero sin caer en el mensaje vacuo, sino todo lo contrario.

Tenemos ante nosotros una de las mejores historietas de la historia, poco conocida, de Breccia en sus últimos momentos de experimentación narrativa, y de Sasturain, que realiza el cambio narrativo que marcaria su carrera, pasando del Policial típico a algo mucho mejor, que lo dejaría en los altos escalones de la narración mundial.

En las dos primeras historias de este integral, puede decirse que ya está todo, es decir, el mecanismo y el personaje y el estilo único que hacen de Perramus una de esas lecturas que se quedan grabadas. En “El piloto del olvido” el protagonista abandona cobardemente a sus compañeros de lucha y pierde todos sus recuerdos en una extraña e irreal cantina, donde pide casi a gritos el olvido, y con él su nuevo nombre, Perramus, con el que lo bautizan sus antiguos enemigos tomándolo del impermeable que lleva puesto. En las sucesivas aventuras y desventuras irá conociendo a sus inseparables amigos (con nombres como Canelones, El Enemigo, o el propio Borges -¿os suena de algo este nombre?), con los que emprenderá una cruzada para salvar a una serie de personas en las que descansa a su vez la salvación de la ciudad de Santa María.

Más allá de esos símbolos que permiten volver a crear un sentimiento de pertenencia a una identidad común, la base de la nueva identidad de Perramus es la resistencia. Para mí uno de los momentos clave del relato es cuando Perramus se encuentra frente al mismo dilema con que se abre el relato: salvarse a sí mismo, o luchar con los otros y arriesgar la vida.

Empieza así el esperpéntico periplo de Perramus por el inmundo universo de las dictaduras y las falsas democracias, donde aventura, polar y western se dan la mano con la sátira, el esperpento y el increíble collage gráfico del maestro Breccia, regalándonos una generosa mezcla de géneros a la que Sasturain agrega la aventura más clásica y cierto realismo costumbrista.

Hay que leer Perramus como la historia de un personaje inolvidable, un hallazgo que es todo historieta..y, por encima de todo, su histórico abrigo que es disfraz detectivesco y protección (¿eternáutica?) contra los malos tiempos, y su personalidad inconfundible que no se deja definir. Es un personaje complicado ya que Sasturain lo prefiere así: sin ser el propio narrador de la historia pero sí su guía secreta, compartiendo esa característica de no entender del todo aquello que está viviendo.

El uso de la metáfora, de la personificación, permite introducir una reflexión muy personal sobre el necesario trabajo de memoria que debe efectuar la sociedad «post dictadura». En este sentido, el trabajo de interpretación del lector es facilitado por los protagonistas, que buscan relaciones entre su historia y este espectáculo del horror extremo que contrasta con la figura polisémica de Perramus, que encarna varios roles: desde ser una víctima, un traidor o un exiliado.

Huelga decir que no es una historia «facilona», asi que cuando uno se da el tiempo que eso exige, la historieta se disfruta mucho más.

En cuanto a Breccia: La soltura en el trazo es proverbial, así como sus caricaturescos retratos de personajes reales y su siempre magnífica puesta en página, impulsado sin duda por el talento y la inspiración sublime de Sasturain.
No se trata de imágenes cómodas para el lector, detrás de las sombras de Breccia se adivinan los carniceros de uniformes, los cuerpos lanzados al mar, la indiferencia de todo un pueblo ante una tragedia sin vuelta atrás.

Alberto Breccia es considerado uno de los mayores maestros del cómic. Ha inspirado y sigue inspirando a cientos de autores con sus obras expresionistas, el excepcional uso del blanco y negro, los experimentos con herramientas no convencionales y la capacidad innata de abarcar diferentes géneros y estilos.

Sin lugar a dudas, Perramus es una de esas historietas que uno tiene que leer; pero que también se puede disfrutar por su despliegue visual. Alberto Breccia intentó que cada viñeta fuera una obra de arte. Pero no por una búsqueda elitista, sino porque le gustaba dibujar y experimentar.

Es ésta una lectura que requiere segundas, terceras y sucesivas visitas. Uno tiene la sensación de que en sus manos hay un pedazo de la historieta universal.

En definitiva: hay que agradecer de manera efusiva la recuperación de un material como Perramus, ya que hay que leerlo en la línea de los GRANDES relatos que recorren la cultura argentina y en SU doble sentido: “Grandes” por su calidad y también por lo que intentan y logran abarcar.

La edición de Astiberri es magnífica en todos sus aspectos, detalle que redondea ya de por sí esta gran experiencia lectora.

Por Francisco José Arcos Serrano

A finales del siglo XX, superhéroes, genios, locos y activistas se precipitan hacia la Tercera Guerra Mundial. Un héroe «de hierro» soviético, un presidente estadounidense aferrado al poder, un soldado cyborg con superpoderes, una mujer afgana empeñada en construir una vida mejor para su pueblo y un periodista en busca de la verdad convergen en un escenario desolador donde los límites de nuestra realidad y ficción se tocan, se solapan… y luego explotan.

Desde el mismo inicio de esta reseña hay que advertir que «20th Century Men» no es para nada un cómic amable, requiere de una actitud abierta y un cierto esfuerzo por parte del lector.
Cuesta, de hecho, ubicarnos al principio y saber qué nos quieren contar Deniz Camp y Stipan Morian. Saltan atrás y adelante en el tiempo, cambian de estilo gráfico y narrativo, trasladan constantemente la voz del narrador… no se preocupa lo más mínimo en poner facilidades; es más: el juego de Camp me retrotrae a esa cierta densidad caótica de aquellos Peter Milligan o Jamie Delano de principios de los 90 (quienes hayáis leído algo de estos autores, sabréis a qué me refiero).

«20th Century Men» es una especie de ucronía, un tebeo de ciencia ficción y política-ficción que nos sitúa en un mundo al borde de una nueva guerra, con Estados Unidos y la URSS en plena tensión. El gran protagonista se encuentra en el lado soviético: el mariscal Platonov, un soldado-cyborg enfundado en una descomunal armadura que lo hace invulnerable y letal en el campo de batalla.

Podríamos hablar de que estamos ante «otro» mundo alternativo más donde existieron superhéroes en momentos cruciales de la historia mundial. El escenario particular de Camp se centra en la invasión soviética de Afganistán; Al igual que en ‘Watchmen’ , vemos como la presencia de superhéroes ha demostrado ser un excelente elemento disuasorio para el equilibrio geopolítico.

Es además «20th Century Men» un tebeo construido para plantear muchas preguntas. Todo esto crea una especie de lectura un tanto esquizofrénica, que sin duda alimenta el clima de conspiración que impera durante todo el tebeo…

Con un guion ambicioso que no rehúye tocar temas tan incómodos como el patriotismo, el imperialismo o el negocio de la guerra, Camp ofrece una obra que pide una lectura pausada. No es un relato sencillo: aquí abundan las tramas cruzadas, los dilemas morales y las reflexiones sobre la naturaleza humana.

Constantemente cambia de género, de estilo, de punto de vista y personaje, genera montones de ruido y todo eso lo hace un tebeo un tanto complicado de leer, pese a que la estructura básica es una investigación clásica en la que una pista lleva a otra. La atmósfera cambia con la escena; cada época de la historia tiene su propia paleta, cada personaje su estilo. Pero llegará un momento en que veremos que este arriesgado experimento no tiene nada de arbitrario y que probablemente no haya otro camino para llegar al punto al que nos quiere llevar.

Y si hablamos de las influencias gráficas de Morian: a veces es Bill Sienkiewicz, otras es Frank Miller, y otras una amalgama de Sam Kieth, Kyle Baker, Richard Corben y Enki Bilal…
Sinceramente, uno de esos trabajos que no puedes quitarte de la cabeza por su desgarradora potencia visual.

En definitiva: «20th Century Men» es una reinterpretación increíble de la Guerra Soviético-Afgana. Se construye en estas páginas un relato fascinante que nos sumerge en un caótico campo de batalla narrativo y visual, que nos permite revisitar y revisionar la Historia bajo el prisma de la ciencia ficción. Realmente su lectura me dejó boquiabierto. Sinceramente, uno de los mejores cómics de lo que llevamos de año.

Por Francisco José Arcos Serrano

Treinta y cinco años antes de los eventos de «Little Bird», la rutinaria cacería de “mods”, seres modificados, por el cazador Max Weaver, da un giro sangriento e inesperado al cruzarse con un niño modificado. Ahora, cargando con una modificación impredecible que podría ser la clave para desbloquear sus recuerdos perdidos, Max pronto descubrirá que no es el único interesado en las habilidades únicas del niño. Y que si quiere saber más, le podría costar todo lo que tiene. De hecho, el futuro mismo podría depender de ello.

Ambientado décadas antes de la rebelión liderada por la joven protagonista de Little Bird, «Precious Metal» nos traslada a un mundo aún más sombrío y desolado. Aquí seguimos a Max Weaver, un rastreador solitario y amargado que ha hecho carrera cazando “mods”, humanos alterados genéticamente. Su nueva misión: capturar a un niño modificado que podría tener la clave para reconstruir su memoria perdida.

Al finalizar la intrincada historia que nos cuentan aquí Darcy Van Poelgeest e Ian Bertram es bastante probable que nos sintamos apabullados, exhaustos y hasta perdidos. Pero son sensaciones buscadas por los propios autores que nos hacen conectar de manera muy poderosa e íntima con el protagonista, el cual vive su propio periplo precisamente así, sin ser capaz de asimilar todo lo que le está pasando casi en tiempo real, asimilando las circunstancias y las continuas sorpresas por clara inercia.

El trío de artistas detrás del proyecto, Darcy Van Poelgeest en guion, Ian Bertram para el dibujo y Matt Hollingsworth a cargo del increíble color nos ofrecen una experiencia sensorial única con viñetas densas, oníricas, llenas de detalles orgánicos (muy a lo Cronenberg), arquitectura imposible y mucha simbología religiosa.

En el guion de Van Poelgeest encontramos claras influencias de Jodorowsky y en el cual la experiencia del guionista (previamente se dedicaba a cortometrajes y otras producciones antes de su trabajo en «Little Bird») hace acto de presencia en cada apartado en el sentido global de que se nota que sabe cómo hacer bien las cosas. Nos ofrece unos textos intrincados y poéticos junto a un saber hacer en su conjunto para que todo funcione como un reloj bien sincronizado.
Con respecto al dibujo de Bertram: nos deja sensaciones que remiten directamente a la era más gloriosa de Metal Hurlant, a Moebius, a una ciencia ficción distinta, en la que se apostaba por naturalizar elementos impensables en planos de lo más cotidianos. Quizá esa sea la clave visual más interesante de esta obra: que comprendemos la física de este mundo sin más explicaciones que las visuales de cada momento, y Bertram ha conseguido que nos dejemos llevar en los momentos más violentos y espectaculares sin que pensemos que es imposible lo que estamos viendo.
El mundo que aquí se nos ofrece no necesita toneladas de información superflua porque su sola visión ya nos da sensación de coherencia a nivel de idea cuando hay un dibujante que lo sabe hacer de sobra.
Su diseño de personajes ya es algo digno de mención, así como el de los distintos decorados que desfilan por la obra, llenos de originalidad y personalidad propia. Pero el arte de Bertram tiene algo especial, y es la inclusión de un aura orgánica y visceral que recorre todo el cómic, y que le da a la obra un toque tan especial como inquietante.

Para completar el deleite visual, Matt Hollingsworth hace estallar todo un caleidoscopio cromático que llena las páginas del cómic de una vibración y una profundidad espectaculares.

Pero este no es un simple thriller de ciencia ficción. A través de una historia cargada de flashbacks y visiones, el cómic nos adentra en una fuerte reflexión sobre la identidad, la espiritualidad y la desconexión humana, todo ello en un mundo moldeado por la tecnología y el fanatismo religioso…, temas que dan mucho juego.

La conexión con Little Bird es potente, pero no hasta el punto de hacerla necesaria. ¿Es recomendable leer Little Bird previamente? Pues si se puede antes de abordar Precious Metal se tendrá más claro lo que ocurrirá con alguno de los personajes que veis nacer en estas páginas.

Aunque se ubica cronológicamente antes que «Little Bird», su tono es más turbio si cabe, más cercano a un noir existencialista salpicado de psicodelia.

En definitiva: «Precious Metal» no es una lectura sencilla. Exige tiempo, atención y, posiblemente, una relectura. Pero quienes se atrevan a sumergirse descubrirán una obra que recompensa la paciencia con escenas tan inquietantes como bellas y con una historia que se atreve con temas candentes que no dejan indiferentes al lector. La edición en cartoné por parte de Nuevo Nueve es excelente, detalle que siempre atesoramos los amantes del noveno arte.

Por Francisco José Arcos Serrano

Alguien falta, alguien no está, y él, el ausente, era la columna que lo sostenía todo, el atlante que cargaba sobre sus hombros el ovillo apretado, infinito, de las causas y los efectos. ¿Quién retomará el hilo de la historia, si este yace por tierra, cortado e inerte? Los tambores siguen resonando en los barracones de la noche, negros clarines de guerra cuyos ecos van a morir en las playas de lejanos archipiélagos, convocando a todos para el acto final, a los vivos y los muertos y a aquellos que nadan entre dos aguas…

Con Las aventuras del Capitán Torrezno volumen 6, que recoge el tomo de La última curda, así como una decena de páginas extras en blanco y negro y color, se completa por ahora (de hecho, La última curda se cierra con el anuncio del próximo título: Anamnesis -ya publicado por Astiberri-), una de las sagas más ambiciosas del cómic español, cuando se cumple ya un cuarto de siglo de la primera entrega publicada.

El universo que ha creado Santiago Valenzuela en su ya vasta serie sobre Torrezno es el Micromundo. Hablando con propiedad, el demiurgo, tal y como lo concibió Platón, no crea; lo que hace es ordenar, dar forma al mundo a partir de una materia ya existente. Y eso es lo que hace Valenzuela al introducir en el espacio de la representación su nuevo mundo particular: el Micromundo. Hay un trabajo de síntesis impresionante en la propuesta de este autor.
El Micromundo es un mundo paralelo al nuestro. Pero no es del todo ajeno a él. En el universo del arte, es posible que las realidades paralelas se entrecrucen. Y como muestra de ello, ahí está el Micromundo de Valenzuela.

En este volumen que tenemos entre manos, ese mundo se tambalea. Torrezno, el héroe de Santiago Valenzuela, es un personaje simpático. Aparece ya en la primera y siguientes viñetas de Horizontes lejanos, el primer tomo de su serie de aventuras en Micromundo.
Su casticismo es de bar. Es feo, torrija, espontáneo, astuto, pequeño y sentimental. Capaz de meterse en muy grandes hazañas sin saber de qué va la cosa.

Santiago Valenzuela se marca la desaparición más visible de la historia del cómic, donde el personaje principal no sale… pero está en todas partes…

¡Torrezno no aparece! Pero a cambio tenemos a toda la panda: los místicos, los chusqueros, los estrategas con resaca, los monjes macarras, los ingenieros del caos, los capitanes de nada. Y ellos, como nosotros, vagan como pollos sin cabeza por los pasillos de ese universo creado en un sótano, esperando una señal, una frase, un brindis o una metedura de pata que reanime el tinglado. Porque el mundo sin Torrezno es como un texto sin puntos, un botellón sin litronas o un tebeo sin personas detrás: caos; Y en medio de todo, «la voz» de Torrezno: Un eco que lo llena todo, pero sin estar. Se respira puro Torrezno en un universo tan coherente como incoherente.

Valenzuela va repartiendo cartas a su galería de personajes secundarios que de pronto se vuelven protagonistas, pero no demasiado. Uno ve a personajes impactantes que quedan en un flash, apagados, ninguneados, marginalizados u olvidados o, aun peor, adecenados…pero que después cobran una importancia capital en algún que otro acontecimiento importante.

El mundo creado por Valenzuela a partir de la cultura pop española y la Historia es complejísimo, original, fantástico en todas sus acepciones, e intrigante, pero lo interesante de los relatos no es el ambiente en que ocurren sino lo que ocurre entre bambalinas.

Y del dibujo: pues nos volvemos a encontrar con un detallismo casi enfermizo que hace que te detengas por un tiempo en cada viñeta. Valenzuela logra, con su trazo único y su prosa ácida, hacer que el lector se sienta parte de esta imponente cruzada interminable: un juego constante entre lo épico y lo ridículo, entre la fe y la desesperación de perderlo todo…que ya es marca de la casa.

Si tiene oportunidad de leer este cómic españolísimo (por su humor, su antiépica, su resignación y el protagonismo de los marginados), fresco e intrigante no la deje pasar, merece la pena, porque tiene calidad, se van divertir encontrando las múltiples referencias, citas y homenajes que contiene y, sobre todo, va a ser una lectura única. No hay otro cómic igual y eso es una muy buena razón para asomarse a esta obra capital.

Por Francisco José Arcos Serrano

No hay justicia en la rueda ciega de las cosas, afirman los gurús en la corte de los milagros del Khan. Solo la destrucción es verdadera, aseguran, con el enemigo a las puertas, y sin embargo allá, en lo alto, los maestros de obra siguen añadiendo un piso tras otro a la torre, perforando las nubes con sus andamios. Ay de ti, Babilonia, se oía gritar por los campamentos. Y ahora, cae la noche, en torno a las hogueras, alguien murmura bajo el casco gálico: el general ha muerto. Viva el general.

Volvemos por aquí para reseñar Babel, el quinto tomo de Las aventuras del Capitán Torrezno, publicación que cumple un cuarto de siglo desde que se publicara la primera entrega de la serie en 2001. Valenzuela no solo ha alcanzado un nivel superior en el arte narrativo y una maestría indiscutible en el dibujo de su particular universo en viñetas, sino que es capaz de exprimirlo y expandirlo sin perder de vista todos los cabos sueltos pendientes, que ni mucho menos los tiene olvidados. Babel contiene uno de esos pico bélicos más grandes que la vida, así que lo que venga a partir de ahora representará el comienzo del fin, con la crónica anunciada de la huida hacia el mundo exterior y posterior viaje al norte donde Torrezno creará su propio micro-imperio. Algo ya pudimos ver en el volumen anterior en una de las páginas más fascinantes hasta entonces dibujadas por Valenzuela que consistía en una imponente instantánea de dicho paisaje.

Otra cosa que me gusta mucho de Valenzuela en general, y Torrezno en concreto, es como pasa absolutamente de modas y tendencias. Torrezno es un tebeo extremadamente literario, que relaciono con aquellas antiguas adaptaciones a historieta de clásicos de aventuras que leía de pequeño y que se preocupa sobre todo por la maquinaria interior que anima su narración, construida de manera minuciosa y extenuante, y que no tiene miedo a rematar su estilo con enormes tochos de texto, tanto de apoyo como de diálogo. Ejemplos de ello lo podemos encontrar en la nueva puesta en página de algo archivisto como es otro asedio, pero con un dramatis personae de las tropas involucradas en la batalla o un par de reconocimientos aéreos que invitan a detenerse y recrearse en cada detalle; o un desarrollo del plan contado mediante ilustraciones cenitales a toda página, salpicado con pequeñas viñetas que desarrollan el despliegue.

Leo y releo y aún me asombra cómo la serie se reinventa sobre la marcha desde el cómo te cuenta las cosas y cómo acumula las capas de contenido, manteniéndose fiel a unas raíces presentes desde las primeras entregas. Epicidad, patetismo, humor…todo cabe en esta gran aventura del tebeo español del siglo XXI; Sin duda nuevas sorpresas y maravillas nos aguardan en manos del Dios del Ático Santiago Valenzuela y aquí estaré yo para comprobarlo.

Finalizo esta reseña haciendo hincapié en que la experiencia de enfrascarse en un tebeo de Torrezno es para mí sumamente intensa, densísima, inmersiva, fascinante y completamente absorbente, generando una visceralidad, una pasión y un aliento épico excepcionales.

El imponente tomo a gran tamaño con edición exquisita contiene como extras un total de veinticuatro páginas de extras, gráficamente espectaculares, dieciséis de ellas en color, con material inédito que sale con este volumen a la luz.

Ya sólo queda esperar unos meses para ver finalizada la serie, ya que tendrá continuidad con el volumen 6 (La última curda, mayo de 2025), la última obra que queda por rescatar por Astiberri, que por ahora concluye con el volumen 7, Anamnesis, ya editado (Astiberri, 2023).

Por Francisco José Arcos Serrano

En El bloque, Jeff Lemire y Andrea Sorrentino ahondan con esta nueva novela gráfica en uno de los muchos horrores que aguardan a ser descubiertos en los Mitos del Huerto de los huesos, una atrevida y ambiciosa serie que conforma un universo de terror compartido y que hasta ahora ha abarcado las historias autoconclusivas de El pasadizo y Diez mil plumas negras.

Estrenada originalmente en 2023 como The Tenement, la más reciente de las obras de Los Mitos del Huerto de los Huesos es también la más extensa hasta la fecha. Diez grapas componen la serie completa, que nos llega en español como siempre de la mano de Astiberri en un volumen integral de más de 300 páginas en su excelente formato cartoné de lomo recto.

En esta ocasión la historia nos lleva junto a siete personas, todas ellas residentes de un humilde bloque de apartamentos. Cuando uno de los vecinos aparece muerto, todos ellos se verán arrastrados a un terrorífico y demencial viaje por sobrevivir que los hará adentrarse en un mundo más allá del nuestro, en el que cada nuevo paso descubrirá una nueva amenaza y secretos más antiguos que la propia humanidad. Fuera ya no está la calle sino lo que parece ser un infierno sobre la tierra y además serán perseguidos por hombres y mujeres con máscara que pretenden asesinarlos. Para evitarlo tendrán que bajar los siete pisos del bloque para encontrar la salida y durante ese trayecto Lemire se encarga de desarrollarnos, muy bien por cierto, a cada personaje.

El Bloque nos sumerge muy pronto en una terrorífica aventura que se desarrolla en una doble realidad: la primera se encuentra en un ordinario plano físico, mientras que la segunda se desarrolla en una dimensión desconocida tras una puerta del piso de uno de los vecinos. Se convierte en la primera obra en la que empezamos a tener una visión algo más clara de los hilos que conectan este universo y en encontrar algunas respuestas sobre lo que hay de fondo en todas las historias de la colección; Sí, seguimos aún con preguntas por responder, pero la idea general y troncal ya empieza a cobrar forma ante nuestros ojos. Claramente este es un tomo diseñado para incomodar al lector, llevándonos por una narrativa demencial que, poco a poco, nos arrastra hacia un infierno muy físico.

En el apartado artístico volvemos a encontrarnos las mismas sensaciones que nos viene dejando Andrea Sorrentino en todos sus trabajos anteriores. El artista italiano continúa explotando su particular e inquietante estilo, en el que recurre a las referencias fotográficas para realizar viñetas llenas de ese fotorrealismo sucio que tanto lo caracteriza, con altos contrastes de tonos negros y recurrente uso de espacio negativo. Sus caleidoscópicas composiciones de página siguen mostrando una inventiva radiante que amplifican el tono de pesadilla de sus obras de terror, y el color de Dave Stewart, habitual en sus trabajos, termina de rematar ese tono oscuro que pide una obra de estas características.

En definitiva: El bloque me ha parecido lo mejor de este universo hasta la fecha con un tomo que por fin nos da respuestas y un argumento que mezcla a Lovecraft con el terror más bíblico. A la pregunta de: ¿Puedes leer esto sin haber leído lo anterior? mi respuesta es sí, pero sin tienes los dos tomos anteriores leidos recientemente, las piezas te encajarán aún más y, por ende, esa sensación de encontrar la imagen del puzzle es más satisfactoria.

Por Francisco José Arcos Serrano

Ha pasado un porrón de años desde que Buddy encontró a Lisa, momento en que el destino de ambos quedó unido para siempre. Hoy tienen un hijo en común, Harold, que ya empieza a tener claro cómo debe vivir su vida, y son tíos de Alexis y Tyler, vástagos de su hermana Babs, quien, por cierto, acaba de ver frustrada la boda con su novio pakistaní, un lumbrera que dice ser musulmán solo cuando le conviene.

Este nuevo cómic de Odio de 2024 empieza en Seattle en 1990 (¿recuerdas el grunge?) con una historia no contada sobre cómo Buddy conoció y se acostó con Lisa, su futura esposa (en algún momento después de otra relación fallida con Buddy). Esta, así como todas las secuencias de los 90, está en blanco y negro, un retroceso a esos viejos cómics pero también un gran recurso para plantear sobre entonces y el ahora…cómo los tiempos son diferentes y cómo son iguales al mismo tiempo, llegando a la conclusion de que tampoco han cambiado demasiado las cosas.

Como muestra Bagge en este nuevo cómic, hemos avanzado, pero Buddy se ha mantenido en gran medida igual que cuando lo conocimos.
Al volver a Odio , Bagge capturó esa sensación de ponerse al día con alguien después de años de no estar realmente en contacto. Están los recuerdos del tiempo que pasamos juntos (o en nuestro caso, leyendo sus desventuras) y la comprensión de que todos hemos cambiado con los años. Los recuerdos nos unen, pero todavía existe esa distancia creada por el tiempo. Y finalmente, nos separamos, prometemos llamar o escribir y regresamos a nuestras vidas normales.

Incluso si no estuviste allí en ese entonces, Bagge estructura este cómic con segmentos que tienen lugar a principios de la década de 1990 y en 2024. Saltando de un período a otro, nos da una visión de Buddy y sus amigos de entonces y de ahora. Hay una imagen de ellos hace 34 años y de ahora, donde vemos a Buddy y sus relaciones con su esposa, su ex y sus antiguos compañeros de habitación como eran y como son. Para un cómic como este que tiene una historia antigua con la que algunos de nosotros estamos familiarizados, el esfuerzo de Bagge por no depender de esa vieja familiaridad sino de presentar una historia de comparación y contraste, nos ayuda a ver cuánto puede y no puede cambiar durante ese período. Introduce tensiones entre el pasado y el presente, que se ven principalmente cuando la ex de Buddy, Valerie, le pregunta qué pasó con su antiguo compañero de habitación Stinky.

Conforme avanzamos en la lectura del tomo, existe la sensación de que cuanto más cambian las cosas, más siguen siendo iguales. Peter Bagge ha estado volviendo a visitar a Buddy Bradley, su familia y sus amigos, poniéndose al día con ellos en 2024, tal como Buddy está haciendo en un viaje de regreso a Nueva Jersey. Como lector de Bagge desde hace mucho tiempo, existe la sensación de familiaridad aquí, pero también existe la sensación de sorpresa, al descubrir que el hermano de Buddy, Butch, está prácticamente (y sin saberlo) en una milicia de derecha o enterarse de que su hermana tiene un nuevo novio, alguien del pasado de Buddy.

Aunque Bagge juega con la nostalgia en esta serie, no es un libro nostálgico. Bagge y Buddy no están melancólicos por «los buenos viejos tiempos». Ambos miran hacia atrás con una sobria comprensión de qué es el pasado y quiénes fueron mientras reconocen el crecimiento y el cambio. Hay un par de momentos en este número en los que Buddy demuestra cómo ha cambiado con los años. Sigue siendo Buddy, Lisa sigue siendo Lisa y Butch sigue siendo Butch, pero también son la culminación de sus experiencias y simplemente no sabemos qué han estado haciendo desde la última vez que pasamos algún tiempo con ellos.

Lo que el lector obtendrá en este tomo es un buen puñado de historias que se insertan dentro de la continuidad de la serie principal y que siguen en el mismo tono y estilo: El humor socarrón, las situaciones absurdas, los diálogos brillantes y unos personajes que son los que recordamos brillan en esta nueva entrega.

El trabajo de Bagge se inserta perfectamente en la cultura americana, pero no para ensalzarla, sino para exhibir sus vergüenzas y mostrar que el Sueño Americano no es más que un eslogan publicitario para la mayor parte de sus conciudadanos. Y lo hace de una forma tan descarnada y al mismo tiempo tan cómica, que no puede extrañar que otros productos culturales (empezando por Los Simpson) hayan seguido su estela.

Visualmente, “Odio” sigue siendo un comic claramente underground. Bagge utiliza (sobre todo en sus partes en B/N) la trama manual como técnica para crear profundidad, atmósfera y textura, pero también como homenaje a los comics underground clásicos de los sesenta de los que bebió en su juventud. El estilo excesivo y engañosamente sencillo de Bagge camufla una fuerte carga emocional en su forma más cruda.
Las figuras parecen no tener articulaciones, y se mueven de una viñeta a otra encogidas y balanceando sus brazos y piernas como si fueran tentáculos. Las reacciones están siempre reflejadas de forma exageradamente histriónica.

Aquí hay un cambio que llama la atención en el ámbito gráfico. Las elaboradas páginas en blanco y negro características de Bagge han sido sustituidas por planchas de brillante colorido que apagan en cierta manera sus tintas tan marca de la casa, consiguiendo así un fuerte contraste entre lo inteligente y lo estúpido, lo pueril y lo adulto…con lo que todo se magnifica.

Para mí, personalmente, debido a mi infinito amor por estos personajes, ¡Odio desatado! es uno de los cómics del año, que demuestra que Bagge sigue en plena forma. Si has disfrutado previamente de anteriores entregas de Odio, ni dudes en hacerte con esta entrega.

Por Francisco José Arcos Serrano

Hay dupletas en el mundo del noveno arte que por el mero hecho de que un cómic cuente con ellos a la hora de componerlo es motivo suficiente para su compra con el mismo ansia, lujuria y desenfreno que si fuera un puto saldo de los de ECC en Bibliostock. Y me estoy refiriendo a la dupla compuesta por Teresa Radice y Stefano Turconi, los cuales suelen ser siempre sinónimo de calité y personalmente todas las cosillas que he leído de ellos me han cautivado (tengo por ahí pendiente de leer aún el tomo ese de los patos hippies que ha publicado recientemente la editorial Panini). Así que cuando en su día vi esta novedad publicada por la editorial Nuevo Nueve me lancé a por ella a lo Arteche…

Este tomo titulado El Contador de historias nos pone en el pellejo de un jovenzuelo que vive felizmente en un pequeño pueblo en el corazón de la selva amazónica. Este chavalín es un ferviente admirador de su hermano mayor, quien va de «sobrao» por la vida haciendo gala de sus múltiples viajes que lleva a cabo por el mundo, conociendo todo tipo de lugares y de gentes (cuyas historias asombran a su joven hermano por la cantidad de aventuras que parece estar viviendo cuando él lo único que conoce es esa mierda de pueblecito donde vive). Pero claro, ya dice el refrán que «se pilla antes a un mentiroso que a un cojo» y pronto descubrirá que todas esas andanzas que cuenta su hermano mayor quizás no sean tan ciertas como éste les quiere hacer creer. Bajo esta premisa se irá desarrollando el paso de la inocencia de nuestro protagonista hacia un mundo de decepciones y desilusiones (lo que viene siendo la transición a la vida adulta, vaya), a medida que va descubriendo todos los «embolaos» en los que anda metido su hermano, que no tienen nada que ver con esa visión idílica y efusiva que solía contar en las historias de sus viajes. Un cómic que recomiendo por su historia tan humana y emotiva, narrada perfectamente y que te llega a la patata.

Tres impactantes relatos basados en la historia real de combatientes rusas, sin miramientos a la hora de describir cómo se combatía en el violento frente oriental. Para los que ya conocéis a Garth Ennis, sabréis que una de las constantes del escritor es su querencia por las historias bélicas. Relatos en su mayoría tan humanos como inmisericordes, de los que se escriben y leen sin anestesia; en definitiva: Retratos de la guerra con toda la crudeza que implica un conflicto armado. Este tomo en cartoné que acaba de publicar Aleta reune tres historias que comparten una misma protagonista femenina.

Battlefields vol. 1: Las brujas de la noche. El primero de estos volúmenes está dedicado a la que puede que sea una de las historias más fascinantes de la Segunda Guerra Mundial: la del 588 regimiento de aviadoras rusas: las llamadas Brujas de la noche. En este escuadrón se incorporaron, no sin muchas miradas aviesas de sus compañeros hombres y superiores, una serie de mujeres pilotos, a las que se destinaron los peores aeroplanos (biplanos obsoletos de la guerra anterior) para realizar misiones nocturnas de infiltración y bombardeo. La historia de estas mujeres es sin duda admirable: tuvieron que sobreponerse no sólo a las durísimas condiciones de combate en el frente oriental de la guerra y a sus escasos recursos, sino también al ambiente hostil que contra ellas reinaba en los cuarteles generales.
Ennis realiza una concienzuda documentación sobre el tema y factura un cómic crudo y sin concesiones, como suele ser su costumbre. La violencia y la desesperación de la guerra quedan bien reflejadas entre sus páginas y contrastan con los sueños y los ideales que cada personaje alberga en su interior.

Battlefields vol. 6: Madre patria. Aquí vuelven Ennis y Braun a la vida de Anna para narrarnos lo que vivió esta dama del aire tras lo acontecido en “Las Brujas…”. La historia también incluye un ingrediente romántico e incluso toques humorísticos, pero predomina la acción y el entorno bélico. Garth Ennis es un experto ya en estas lides y cuida hasta el mínimo detalle la ambientación de todas sus historias de guerra. En todo momento nos creemos lo que acontece tanto en las secuencias de combate como a ras del suelo.
Estamos ante la secuela directa del primer arco argumental y es una oportunidad única que Ennis aprovecha para mostrar las muescas psicológicas que Anna carga para sí: La amargura de la experiencia ya ha hecho mella mientras la guerra continua. Una guerra donde ya ha descubierto Anna que pase lo que pase no habrá final feliz y siempre quedará el dolor de lo vivido.
Un relato implacable, de supervivencia, de horror y de soledad.

Battlefields vol. 8: La caída y ascenso de Anna Kharkova. Vamos a hablar del octavo volumen, tercero y final de la historia de la protagonista, que narra la vida de una piloto soviética desde el final de la guerra hasta la década de los 60.
En los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, un terrible accidente deja a la piloto de cazas rusa Anna Kharkova herida de gravedad y exiliada involuntariamente de su país. Anna comienza una odisea que la llevará de la batalla aérea sobre Corea a los horrores de los campos de castigo soviéticos, mientras crecen sus dudas sobre la causa por la que está luchando.
Final muy acertado para cerrar esta historia de las Brujas de la Noche. Inspirado además en la triste realidad de muchas combatientes soviéticas que lo dieron todo por una patria que se resiste paradójicamente a la evolución social que tanto proclamaba. Anna Kharkova es la representación de todas aquellas heroínas de guerra olvidadas en los libros de historia.
La historia no tiene tintes demasiado agradables en muchos momentos, por ejemplo por el final del primer acto o el juicio militar que vemos en el segundo, trufado de insultos y un machismo aberrante.

Lo bueno del universo que describe Ennis es que cada episodio se puede leer de manera independiente, aunque haya conexiones con entregas precedentes como las que hay en esta tercera entrega.

La parte artística corre a cargo de Russ Braun, el cual realiza un dibujo de corte clásico, con una narración limpia. Se nota el esmero en el diseño de los bombarderos rusos. La doble página en la que encontramos una batalla con más de veinticinco aviones es impresionante. El acuartelamiento, los uniformes, los tanques… No hay detalle dejado al azar por el artista.
Braun tiene un estilo realista y detallado que se adapta muy bien al tono dramático y crudo de la narración, complementándose a la perfección con el trabajo del colorista Tony Aviña. Este utiliza una paleta de colores sobria y acorde con la ambientación histórica. Predominan los tonos oscuros y apagados, que reflejan el horror y la tragedia de la guerra. Sin embargo, también hay algunos toques de color más vivos, que contrastan con el resto y simbolizan la esperanza o el amor

En definitiva: Battlefields es una nueva serie antológica que se nutre de un ángulo fresco con el que hablar de un género algo olvidado en las últimas décadas, y hay que reconocer que Ennis y Braun han sabido encontrarlo para construir historias relativamente cortas que construyen un universo propio…y a las que es difícil encontrar pero alguno.

Por Francisco José Arcos Serrano

Si algo bueno nos dejó este 2024 que ya se ha ido a tomar por culo fue la publicación por parte de la editorial Moztros del llamado Universo Energon. Y mira que al principio cuando lo vi anunciado no me llamó demasiado la atención, pero tras ir escuchando las primeras críticas de gente que lo había empezado a leer decidí darlo una oportunidad y me pillé el tomo de Void Rivals (donde todo este meollo daba comienzo de la mano de Robert Kirkman) y el posterior tomo de Transformers (el hecho de que estuviera de por medio el bueno de Daniel Warren Jonhson tuvo bastante que ver en que me decidiera a meterme de cabeza en todo este gran «sarao», porque me mola mucho ese autor…

Y fue en ese mencionado primer tomo de los Transformers donde vimos aparecer por primera vez, en una especie de cameo, a este personaje que nos ocupa en la reseña de hoy (el gran Duke), donde se topaba por primera vez con unos de esos extraños seres robóticos alienígenas y salía con vida para poder contarlo por los pelos. Y precisamente, debido a ciertos daños colaterales que ocurrieron en ese encontronazo, el bueno de Duke ha jurado tratar de averiguar qué coño era ese robot que se transformó delante de sus narices dejándolo ojiplático, a pesar de que nadie cree que eso que cuenta sea verdad. Y ciertamente me gusta la forma en la que se está presentando todo este Universo Energon muy en la línea del UCM de Marvel, pues primero vamos a ir conociendo a los principales protagonistas de manera individual para luego juntar todo este meollo de los Transformers con los G.I.Joe, lo cual me hace salivar como el perro de Pavlov, pues si estos números que sirven de presentación para los principales protagonistas tienen ya este nivelazo, cuando se junten todos esto puede ser la polla. Tras haber leído todo lo que se ha publicado de momento de este nuevo Universo he de decir que me está molando un huevo y es una de las mejores colecciones que me hago actualmente. Me puto flipa este Universo Energon, pues a parte de ser pura nostalgia ochentera esto está cojonudo y muy bien hecho, señores…