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The Walking Dead, seconda stagione da paura

noreply@blogger.com (Cricci) — Sat, 03 Sep 2011 01:54:00 +0000

Un lancio in contemporanea mondiale lo scorso anno per una prima stagione breve ma intensa.

Un'epidemia, racconta la sua versione della storia Andrew Lincoln, uno degli attori protagonisti, tramuta l'umanità in zombie. In realtà non è ben specificato cosa sia successo, e il punto, che sottolinea il creatore della serie, Frank Darabont, è che non è importante il perché bensì il come: pustole, occhi iniettati di sangue, pelle cadente ed un'irresistibile, contagiosa voglia di mangiare uomini. Con un solo morso possono ridurti come loro. Il perché questo aspetto sia importante è subito spiegato: una manciata di persone è rimasta immune a questa inaspettata trasformazione e si ritrova a scappare dal menù a la carte dei morti viventi. Così termina il nostro fugace sunto per chi ultimamente fosse vissuto sotto una roccia.

Ora, cosa ci aspetti per la prossima stagione, questo sì, lo sanno in pochi. Perché il cast e la troupe custodiscono a peso d'oro le informazioni estratte dalle nuove sceneggiature, il doppio in numero rispetto allo scorso anno, per un’annata più lunga e più articolata.

La promessa è una quantità di zombie mai vista prima, e questo fa tirare un sospiro di sollievo ai fan, e una più intricata analisi dei personaggi, che, con un cast corale di 13 protagonisti può diventare interessante. Il corollario è che superato lo shock iniziale il grappolo di superstiti debba cominciare a fare i conti con una nuova esistenza, contaminata, perseguitata, e mai più come una volta. Non si tratterà più solo di scappare, ognuno di loro dovrà decidere come affrontare il domani, se combattere, e come, per sopravvivere o lasciarsi andare. Sarà così che assisteremo a una grande crescita personale e collettiva mentre il gruppo di fuggiaschi diventa man mano una famiglia allargata, comprendendo i Grimes, madre padre e figlio, gli altri superstiti incontrati nella prima serie ed una nuova famiglia su cui è impossibile rubare indiscrezioni.

Anche quest’anno è previsto un battage pubblicitario planetario che lancerà la serie nell’iperspazio dei nerd con biglietto di sola andata. Ma facciamo una pausa e chiediamo al cast cosa voglia dire essere nerd. “Un nerd è un entusiasta” dice Lincoln, “secondo questa definizione io sono un nerd, ognuna delle persone coinvolte in The Walking Dead lo è”. La forza del prodotto secondo i protagonisti e i creatori sta infatti nell’incredibile entusiasmo con cui è realizzato, che porta gli episodi a essere così esplosivi, gli effetti speciali così dettagliati e il pubblico così reattivo. Una giornata sul set è come una festa di Halloween trattata con molta serietà, con attenzione al dettaglio, dedizione e professionalità, le quali trasudano poi dallo schermo decretandone il successo. Nessuno si sorprende dunque che un contenuto così di genere abbia avuto un successo planetario, perché la cultura popolare, dicono, è un organo democratico, e ciò permette a un animale da nicchia come questo, se realizzato onestamente e con passione, di stimolare altrettanto sincero interesse. Una squadra che non teme concorrenti finché, come pare che sia, il lavoro procederà a ranghi serrati con sceneggiature che tengono il fiato sospeso, un’impeccabile attenzione ai dettagli e indiscusso rispetto per il concetto originale, un mondo straordinario ma ferocemente realistico.

Realistico nelle relazioni. Costrette a vivere fianco a fianco diverse personalità che fanno a cazzotti si trovano a dover cooperare contro un nemico più grande. Un continuo divenire, sia per chi guarda che per chi recita. Non ci si annoia mai negli studi della AMC, un giorno ci si deve odiare, il giorno dopo è necessario difendersi a vicenda da un inaspettato attacco di zombie. Le emozioni sono mantenute vive, la performance interessante.

Realistico nelle interpretazioni. Lanciati in una foresta popolata di animali assurdi per girare una scena della seconda stagione, gli attori non hanno dovuto faticare per fingere di essere spaventati dall’imminente attacco dei morti viventi dovendosi guardare per davvero le spalle dalle bestie selvatiche.

A tal proposito, come in tutti i greggi c’è una pecora nera. Così come in ogni mondo post-apocalittico non c’è niente di veramente al sicuro. Chiunque dall’oggi al domani potrebbe essere morso e trasformato. I produttori ci tengono a sottolineare che tutto può succedere e nessuno, nessuno, è salvo, lanciando gli attori in una sessione straordinaria di analisi a microfono aperto in cui raccontano come sia meraviglioso lavorare con un gruppo così coeso, finendo in un panegirico rivolto al boss Darabont il cui succo ha tanto il sapore di una supplica per mantenere il proprio posto di lavoro. Sono candidi nell’affermarlo, sperano davvero che il loro personaggio sopravviva per non dover abbandonare lo show, ma ne hanno la certezza soltanto di settimana in settimana quando ricevono la sceneggiatura della nuova puntata, al che si chiudono in un luogo isolato per leggerla tutta d’un fiato. Tra i giornalisti si mormora, la curiosità a questo punto bolle finché, per tornare alla pecora nera, la bionda del gruppo, Laurie Holden, per non tradire le aspettative legate al suo colore di capelli, quando le viene chiesto quanto tempo si impiega a truccare uno zombie cinguetta: “Che ne sappiamo noi, nessuno dei presenti è stato ancora trasformato”. Ci sarà da crederle?

(Cristina Fanti)
da Sky Magazine

L'Alba del Pianeta delle Scimmie, la rEvoluzione

noreply@blogger.com (Cricci) — Thu, 01 Sep 2011 07:13:00 +0000

In origine fu Charlton Eston, che alla fine trovò la Statua della Libertà e capì che si trovava sulla terra. Poi andarono di moda gli uomini muscolosi e fu la volta di Mark Whalberg, che alla fine trovò il Lincoln Memorial e capì che si trovava sulla terra.

Oggi è il momento della svolta animalista e di rivivere la mitologia de Il Pianeta delle Scimmie attraverso gli occhi di un primate. Non uno qualsiasi bensì quello che ha iniziato la guerra che ha posto fine al mondo come lo conosciamo.

Era ora, sostiene il regista Rupert Wyatt, di rivisitare questo mito senza tempo, mantenendo delle similitudini con il passato ma azzerando gran parte di ciò che abbiamo visto fin ora, soprattutto i vari viaggi nel tempo che, diciamocelo, sono nati fondamentalmente dalla necessità di arrangiare un sequel. Liberi da questa schiavitù narrativa il team dietro a L’Alba del Pianeta delle Scimmie si è concentrato sulla storia di uno scimpanzé dotato di un’intelligenza raffinata, mutata dal virus dell’alzheimer, e allevato da un ricercatore (James Franco) come un membro della sua famiglia, dunque abituato a vivere come un uomo.

Era ora perché finalmente è stato possibile affrancarsi da costumi pelosi e protesi facciali e popolare la scena di veri primati senza bisogno d’impiegarne alcuno. Quantomeno ipocrita sarebbe stato lo sfruttamento di scimmie per un film che racconta della loro liberazione. E così è ancora una volta l’avanzamento tecnologico a fare da propulsore all’arte. Insomma, se la vita ti da i limoni non ti resta che fare la limonata. Per indugiare nella nostra metafora, il regista assicura che la performance capture (e cioè la registrazione computerizzata dei movimenti del corpo per poi sostituirne le fattezze) è solo il bicchiere, ovvero un mezzo per dissetare lo spettatore, e non il succo della comunicazione, non dunque un genere cinematografico a se stante.

Uno splendido strumento, commenta Andy Serkis, protagonista del film, che slega l’attore dal suo corpo e lo mette in grado d’interpretare qualsiasi cosa, con il solo limite dell’immaginazione. E’ naturalmente molto difficile riuscire a ignorare la tuta e la maschera, i cavi e i sensori che permettono la cattura del movimento e inanellare una buona performance, ma lui in questa pratica è considerato il leader mondiale. Il motivo secondo Wyatt è semplicemente, anche se in molti se lo scordano, che è un grande attore.

Affezionato alle scimmie, che interpreta per la seconda volta dopo il Kong di King Kong di Peter Jackson, racconta di aver prima studiato come si comporta uno scimpanzé e di aver poi costruito su quell’impalcatura il personaggio di Caesar, la cui intelligenza descrive come quella di un bambino super dotato: inconsapevole. Innanzitutto è stato questo soggetto molto complesso ad attrarlo alla storia, un essere sfaccettato che fra le altre caratteristiche aveva quella di essere un animale.

Caesar cresce fra gli uomini e crede di fare parte della nostra specie ma non gli sono stati attribuiti connotati troppo umanoidi, quale presunzione avvicinare a noi ogni essere d’intelligenza superiore. La sua brillantezza, così come la sua brutalità risulteranno credibili e il duo assicura che la sua essenza non è stata “disneyficata”.

D’altra parte le scimmie in questo film non parlano, i pensieri e le decisioni di Caesar devono dunque passare attraverso le espressioni e i movimenti del corpo, senza essere però troppo didascalici rischiando di tradire la realistica fisicità animale. Una bella sfida. Una sfida molto costosa, sottolinea il regista.

La verità nascosta fra le pieghe della sua pelle coriacea esplode quando Caesar raggiunge un punto di rottura con il suo mondo e si rende conto di essere diverso dalla famiglia con cui è cresciuto. E’ rinchiuso quindi in un santuario, uno zoo avanguardista, che ospita parecchie scimmie dal passato traumatico incapaci d’interpolarsi fra loro se non con la violenza, come in una galera, ed entra finalmente in contatto con la sua specie, che però non riconosce come tale.

In questo limbo esistenziale nel quale è stato innestato in qualche modo dall’uomo e dalla scienza Caesar trasformerà l’evoluzione in rivoluzione. Appuntamento al 23 Settembre, quando un nuovo mondo sorgerà.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

Andrew Niccol predice il futuro

noreply@blogger.com (Cricci) — Thu, 01 Sep 2011 04:48:00 +0000

È lento e quasi strisciante il passo di Andrew Niccol, si muove piano e si siede adagio, un po' piegato su se stesso. Neozelandese, di poche parole, spalle leggermente spioventi, occhi chiari, sguardo timido e sorriso furbetto. Ricorda nelle forme e nei colori un posato, aggiornato George McFly. Siamo al Comic-Con di San Diego, si potrebbe quasi ipotizzare un travestimento-citazione, ma Niccol il suo estro lo esprime altrove e l'omaggio è solo nella testa di chi guarda.

D'altronde stuzzicare la mente dello spettatore è il suo gioco preferito, la sua penna ha firmato sceneggiature come The Truman Show e Gattaca, visioni di un mondo contorto da far pulsare la materia grigia. Passato dietro la macchina da presa solo per la seconda di queste pellicole ha continuato a produrre idee regalandole ad altri cantastorie, come per The Terminal e Steven Spielberg.

Quest'anno, a cinque dal suo ultimo lavoro, Lord of War, ci presenta un thriller fantascientifico, come ci tiene a definirlo, che ancora una volta passa al microscopio la nostra società proponendosi di anticipare domande fondamentali per una moderna autoanalisi collettiva.

Come The Truman Show aveva presentato il tema della tv realtà, ancora poco esplorato all'epoca, e con S1m0ne indagava le implicazioni della fama e della tecnologia cinematografica, in questo nuovo viaggio tratta di ricchezza e povertà estreme, dove il vero lusso è il tempo, e non è una frase fatta.

In questo mondo che ho creato, dice, la buona notizia è che si smette d’invecchiare a 25 anni, la cattiva notizia è che ognuno è geneticamente programmato per vivere soltanto un altro anno. Al compimento del quarto di secolo infatti sull’avambraccio sinistro, nella forma di una sorta di tatuaggio luminoso, comincia a scorrere un countdown dei giorni, delle ore e dei secondi che mancano alla propria terminazione. La lotta alla sopravvivenza diventa dunque una corsa alla conquista di tempo che letteralmente sostituisce ogni moneta. Si lavora, e alla fine del mese si guadagna una settimana. Si va a cena fuori e all’arrivo del conto si perdono due giorni. Molto semplice. Ne consegue che i ricchi vivranno per sempre e sulle teste dei poveri pende un’affilata mannaia.

L’idea nasce dalla sensazione che in questo periodo storico l’uomo sia a poco a poco disumanizzato da una schiavitù economica che livella la popolazione in due classi, separate da un grande nulla, e in cui la scienza rischia di oltrepassare limiti invalicabili. E’ un gioco d’ingegneria genetica finito male che da inizio a questa spaventosa realtà in cui la fontana dell’eterna giovinezza non solo esiste, ma è gestita da pochi.

Si tratta di un mondo realistico, precisa Niccol, mentre il cast alle sue spalle annuisce, condito da quell’elemento disturbatore che lo tinge di fantascienza, questo orologio biologico che, si dice nel film, è la morte di tutte le altre invenzioni. I poveri infatti non hanno abbastanza tempo per ideare nulla, utile o meno che sia, e i ricchi non hanno alcun incentivo per fare oggi quello che potranno fare fra cento anni. Non è un caso che si sia girato a Los Angeles, ridacchia il regista, la capitale del desiderio di restare giovani per sempre.

Interessante scoprire come il casting lo abbia fatto sudare, costretto a cercare vecchie anime in corpi giovani per personaggi che in apparenza hanno appena toccato il quinto lustro ma che in fondo non hanno età. Senza l’aiuto di attori caratteristi dal volto segnato il regista ha dovuto scavare molto a fondo, e ha trovato Justin Timberlake e Amanda Seyfried che sicuramente lo ripagheranno in pubblico.

Molti andranno vedere il film per loro, qualcuno lo farà per le pistole, gli inseguimenti e l’azione, e per i palati più fini si promettono anche delle idee, e una storia d’amore. Il tutto shakerato dal regista come su una montagna russa. Ma queste sono per ora solo parole. La grande anteprima regalata alla platea di San Diego ci ha mostrato uno spunto semplice: un ragazzo ordinario si sveglia a un giorno dalla fine del suo conto alla rovescia e cerca di restare vivo, supplicando, rubando e forse anche uccidendo. Sempre di corsa, perché non c’è tempo da perdere.

Sperando che il nostro conto alla rovescia inizi il più tardi possibile sarà l’uscita del film a sancire se ancora una volta ci sentiremo riflessi negli occhi piccoli e schivi di Niccol.

(Cristina Fanti)
da The Cinema Show

Comic-Con 2011 - Day 2

noreply@blogger.com (Cricci) — Mon, 25 Jul 2011 07:11:00 +0000

Due le portate principali della seconda giornata del Comic-Con 2011. A mezzogiorno Steven Spielberg presenta Tintin, a cena un assaggio di The Amazing Spiderman con un supereroe dal fiato corto per l'emozione.

La vera colazione, un antipasto mattutino se vogliamo, è stata invece servita per la stampa su una terrazza mozzafiato in compagnia del cast di The Walking Dead. Bagels e bacon, fucili e zombie, secondo il gusto americano. Grandi promesse per la nuova stagione, tra un giro di sciroppo d'acero e l'altro, ugualmente dolci per le orecchie dei fan: maggiore esplorazione dei personaggi, il doppio degli episodi e molti, molti più morti viventi. Non si preannuncia però saccarosio nella trama, il telefilm non perderà la sua grinta, tanto che gli attori sono perseguitati dall'incubo di restare senza lavoro qualora il loro personaggio venisse trasformato. Nessuno si spinge oltre, anche se sembra di capire che tutti i presenti siano ancora ben lontani dalla decomposizione.

Due giri di orologio e torna la fame. Spielberg sazia la folla mostrando un video test per la realizzazione di Milù, fido compagno di Tintin, in cui un tale Jackson Peter, produttore del film, inscena una finta audizione per il ruolo del capitano Haddock durante la quale alza un po’ il gomito e finisce per tuffarsi in mare. Subito dopo lo splash le luci si riaccendono e quel Peter è di nuovo sullo schermo. Solo che questa volta è ripreso dalle telecamere in sala. È con noi a San Diego. Segue uno dei migliori panel offerti quest'anno. Si parla di tecnologia e Spielberg ammette che volentieri tornerà a utilizzare il 3D, anche se non lo trova adatto a tutti i tipi di storie. Se questo film avrà successo, aggiunge, farà dirigere il sequel da Jackson stesso. Dalla sedia a fianco Peter sorride e accetta con piacere la proposta. Anche per lui due commenti sul 3D, chiarisce che non deve essere mai confuso con un genere cinematografico, bensì chiaramente identificato come un mezzo per raccontare storie conservando lo sguardo curioso di un bambino. All’apertura delle domande dal pubblico si vira ovviamente su Lo Hobbit. Sul tema Peter risponde con un caldo sorriso neozelandese e una dichiarazione inequivocabile: mi sto divertendo un casino.

Sul tavolo degli stuzzichini, il franchise di Underworld è tornato con il quarto episodio Awakening, rinfilando Kate Beckinsale nel costume di latex abbandonato cinque anni fa, abbastanza confortevole per piegarsi (il pubblico maschile ride mentre la fantasia vola imbarazzando l’attrice) ma decisamente troppo stretto dopo il pranzo. Se mai verrà girato un nuovo capitolo della saga Kate ci assicura che di certo non mangerà un secondo gelato.

Il cast di Fright Night ha mostrato il meglio che aveva da offrire, e cioè il fondoschiena di Colin Farrell quando si è accovacciato a favore di telecamera per fare un autografo a una fan. Il megaschermo della gremita Hall H fa gradito regalo alle donne del Convention Center. Colin capisce ma da duro irlandese fa spallucce, sistema il girovita e regala un sorriso. In altre immagini alcune scene del remake. Una lunga sequenza d’inseguimento in auto realizzata con una grossa macchina da presa in 3D grazie ad una complicata coreografia in cui parti del veicolo slittano creando spazio per il movimento di tecnici e attori. Effettivamente lodevole, ma saprà tenerle testa il resto del film?

Il nuovo Ghost Rider conserva la sua parte migliore dietro le quinte con un backstage in cui fa buon uso pubblicitario dei due registi che si lanciano su pattini rotelle e liane per catturare immagini perfette. Due stuntman con l’occhio al buco che riescono a vendere il film ancor meglio della star che siede loro accanto. Effetti speciali decisamente migliori del suo predecessore, il parrucchino di Nicolas Cage sembra davvero convincente.

All’ora di cena, tra una conferenza e l’altra, giunge tra il pubblico un ansimante Spiderman casereccio, costume del Lidl dell’anno passato, si avvicina al microfono a disposizione per le domande in platea e viene quasi cacciato dal moderatore. Il ragazzo conquista la parola e dichiara che il suo sogno è sempre stato quello di trovarsi nell’Hall H del Comic-Con di San Diego nelle vesti dell’aracno-eroe, il moderatore s’impietosisce e ascolta. Il ragazzo confessa che l’uomo ragno l’ha salvato in tenera età dal più classico complesso d’inferiorità, quello della gracilità, la voce trema e mentre parla cala maschera. Boati e schiamazzi quando spunta dalla tuta blu e rossa il viso di Andrew Garfield.

Scalda il pubblico la sua performance, che sembra sentita, e colpo dopo colpo, prima un trailer in 3D, poi alcune scene non ancora renderizzate fra Peter Parker e Gwen Stacy (Emma Stone), infine l’attesissima mai vista prima trasformazione del dottor Connors in Lizard, la temperatura bolle per il film fin’ora meglio recepito della manifestazione.

Direttamente dalla pentola al cestino dell’umido va invece il remake di Atto di Forza (Total Recall) con Colin Farrell nei panni del Douglas Quaid che fu dell’ex governatore Shwarzenegger. Il confronto non sussiste e l’adattamento di Len Wiseman da quello che lui stesso ci ha mostrato già fa puzza.

Lo sfortunato cast di Total Recall: da sinistra Len Wiseman (regista), Jessica Biel,

Bryan Cranston, John Cho, Kate Beckinsale e Colin Farrell.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

Comic-Con 2011 - Day 1

noreply@blogger.com (Cricci) — Mon, 25 Jul 2011 06:33:00 +0000

Se la mattina di buon’ora apri la porta della tua stanza di motel e sul ballatoio di fronte, incorniciato da palme alte e sottili, vedi passare il personaggio di un manga con lunghi capelli blu raggruppati in aculei che sfidano la gravità, arco e frecce in spalla e biglietto dell’autobus in mano, con buona probabilità sei al Comic-Con di San Diego. Nel qual caso le meraviglie sono solo all’inizio.

Quest’anno la manifestazione, che ormai raccoglie molto più che fumetti e che, come ci ha detto ridacchiando l’attrice Amanda Seyfried, sarebbe più giusto chiamare solo Con, ha aperto i battenti ieri, mercoledì 20 luglio, con una preview night all’insegna di JJ Abrams. Le anteprime mondiali di Alcatraz e Person of Interest sono state lanciate nell’atmosfera. La prima fa esplodere la folla, con giochi di parole e riferimenti all’“isola”, evidentemente una diversa e più nota di quella a cui siamo abituati, dalla bocca di Jorge “Hurley” Garcia, uno dei protagonisti, e una trama che intreccia mistero sovrannaturale e thriller, ben degna dell’interesse generato dal suo fratello maggiore. Il secondo atterra in piedi ma non esalta, nonostante il boato per l’ingresso in scena di Michael “Ben Linus” Emerson, altro purosangue abramsiano. La strana coppia Emerson - Jim Caviezel non convince del tutto, ma vedere Gesù abbattere malviventi a gruppi di cinque a mani nude tra le strade di New York può avere il suo perché. Entrambe le serie saranno trasmesse in autunno rispettivamente su FOX e CBS.

Tornando ad oggi, alle palme e a San Diego, l’obiettivo primario è battagliare la folla che giunge in città per il primo giorno ufficiale di mostra. Allungando un braccio si toccano le stelle e la frenesia è palpabile.

La mattina comincia presto, al primo albeggiare, breaking dawn, con i fan di Twilight Saga accampati fuori alla famigerata Hall H, che contiene 6500 corpi ed è il cuore cinematografico del Comic-Con. E’ impossibile entrare per i sani di mente, ma mi dicono che Pattinson ha portato con sé un interessante capigliatura. Buon per lui.

Il press tour per i non vampiri è inaugurato da In Time, il nuovo thriller sci-fi di Andrew Niccol. In una futuristica Los Angeles la moneta con cui fare affari è il tempo. A 25 anni si smette d’invecchiare e si muore l’anno successivo a meno che non vengano immessi nuovi anni nel sistema. Il tempo si baratta e si ruba, tutto pur di sopravvivere, da eterni ragazzi. Justin Timberlake e Amanda Seyfried, il cui unico commento intelligente della giornata ho già anticipato, sono due fuggiaschi, e ad un certo punto si baciano. Questo e poco altro è ciò che ci è stato fatto vedere nel trailer di presentazione. Niccol scrive e dirige, ed etichetta il film come un Fuggitivo che incontra Blade Runner. Nelle sale il prossimo Halloween, non promette scintille, anche se il tatuaggio luminoso che indica quanto tempo resta ad ognuno potrebbe fare moda.

Sbarca poi sul palco Andy Serkis con il suo regista Rupert Wyatt per mostrare un paio di scene da L’Alba del Pianeta delle Scimmie, un prequel del remake dell’originale, in cui si racconta come uno scimpanzé allevato da un uomo (James Franco) e per questo dotato di una sensibilità speciale, abbia guidato la rivoluzione dei primati che ha spazzato via la nostra specie e distrutto la statua della libertà. Realizzato con sofisticata motion capture, che ormai dovrebbe contenere la parola “serkis” nel nome, graficamente sembra spiccare il volo. Narrativamente resta un grande punto interrogativo.

La giornata tocca il suo picco più alto con Ridley Scott, in collegamento dall’Islanda, e Charlize Theron, in carne ed ossa, che parlano, ma in realtà non dicono niente, di Prometheus, attesissimo prequel di Alien, che più che un prequel è una storia liberamente ispirata da. Più precisamente, alla fine di una chiacchiera lunga un’ora, si capisce che l’unico collegamento fra i due film è la presenza di una sostanza aliena. Il resto verrà mantenuto tassativamente segreto fino all’uscita, ad un anno da ora. E’ stato comunque un piacere vederti Ridley.

Robert Rodriguez presenta i suoi nuovi progetti. Spy Kids 4 in 4D, con una cartolina da grattare in corrispondenza di alcuni tasselli quando appare un’indicazione sullo schermo per poter sentire gli stessi odori che titillano le narici dei protagonisti. Due nuovi film tratti dal fumetto Heavy Metal e dal mondo visionario di Frank Frazetta. Ma soprattutto la sua nuova casa di produzione che bypassa le major. Un genio. E molto più sexy di Timberlake.

La giornata si conclude con Guillermo del Toro e Jon Favreau che parlano di Cowboys and Aliens, la cui prima mondiale si terrà su queste spiagge sabato sera, e dei nuovi progetti legati alla Disney. Del Toro dirigerà un adattamento cinematografico della giostra Haunted Mansion, come è successo per Pirates of the Caribbean, e ci racconta di aver nascosto delle monetine lungo il percorso del trenino che vi passa attraverso perché, cito, è un “weird fat motherfucker”. Se avete in programma una gita a Disneyland sapete come intrattenervi.

Dopo un cameo di Stan Lee, che ci porta il primo fumetto con colonna sonora incorporata, protagonista una star della musica giapponese, tutti incolonnati per tornare in albergo, di corsa, a riposare, perché domani arriva Spielberg!

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

RED

noreply@blogger.com (Cricci) — Sun, 08 May 2011 21:31:00 +0000

RED sta per “Retired Extremely Dangerous”, pensionato pericoloso diremmo noi. Da ciò già capiamo che il film schiaccia pesantemente l’acceleratore della fantasia più sfrenata. D’altronde stiamo attingendo all’immaginario fumettistico della DC Comics, per cui apriamo la nostra mente a tutto.

Bruce Willis si alza dal letto e mostra una certa rotondità a livello addominale. Da ciò capiamo che un’era è finita. Ma speriamo, sempre, che a un certo punto lo si ritrovi a indossare soltanto una canotta sudicia e strappata. Questo, perché lo sappiate, non avviene. La cifra stilistica di questo action con deambulatore, invece che attraverso i tradizionali muscoli oliati in evidenza, è espressa nel quantitativo di metallo sparato dalle più varie armi da fuoco. Per la legge della compensazione forse. A pochi minuti dall’inizio siamo bombardati da una parata di bossoli inusitata in una delle scene assolutamente più fuori di testa del genere.

E’ una nuova giovinezza dunque, che scavalca i limiti dell’azione targata anni 90, di cui questo film è erede in tutto per tutto, in una sorta di fanta-action al limite fra la realtà e Spiderman. Sempre in bilico tra azione e commedia, com’è ormai in uso da qualche anno per restituire spinta ad un genere che da sempre si è retto sul modello di un eroe di fine millennio tutto muscoli e ferite che ora non esiste più. I bodybuilder di un tempo hanno perso i capelli, sono ingrassati e diventati governatori.

Qualcosa dei vecchi tempi è però sopravvissuto, e cioè che la trama non conta. Sappiamo che Bruce, sebbene in pensione, è ricercato dai cattivi in quanto testimone di pesanti crimini di guerra all’epoca in cui era ancora un agente attivo della Cia, ma al momento della resa dei conti, e delle consuete spiegazioni finali, tutto si risolve in una supercazzola. Peraltro riuscita male.

Basti sapere che come lui ci sono altre persone in pericolo, i suoi vecchi compagni di battaglia e l’operatrice telefonica dell’ufficio pensionistico di cui si è innamorato, Sarah. Per questo bisogna riunire la banda, acciuffare la bella in pericolo e sconfiggere il nemico.

A parte alcune scene d’azione esaltanti (che però purtroppo sono tutte nel trailer), il film non mostra quel mordente che ci si aspetta dopo l’apertura ad alta concentrazione ferrosa. Per rimettere insieme i pezzi della vecchia macchina da guerra, ad esempio, la comitiva viaggia attraverso gli Stati Uniti, e ciò è banalmente sottolineato da cartoline che appaiono in sovraimpressione fra una tappa e l’altra. Un espediente poco fantasioso e decisamente televisivo a cui diciamo basta. Nelle scene non mostrate dal trailer, a parte uno John Malkovich molto sopra le righe e un paio di scontate ma funzionanti battute a stelle e strisce sulla vecchiaia – nonnetto, chiamano Frank, ma lui farà cambiare loro idea - la pressione è bassa e quasi necessita un controllo dal cardiologo.

Il sempreverde Bruce Willis fa quello che da decenni gli riesce meglio, con un paio di acciacchi in più. Tira due pugni e spara quel sorriso mezzo storto che conquista. Morgan Freeman è praticamente una comparsa. Mary-Louise Parker esercita i muscoli dell’ironia nella parte del sacco di patate trascinato qua e la, gli occhi e le orecchie del pubblico trasportati in medias res. Fa ridere perché ci s’immedesima con la sua normalità. Helen Mirren si trasforma in una Martha Stewart da trincea.

Karl Urban è l’unico “giovane” del cast. Pettinato da Hugh Jackman e vestito da primo della classe rappresenta il moderno agente segreto, programmato per uccidere e ingessato dalle regole. Di grande impatto, e inaspettata bellezza.

RED piacerà agli uomini e alle donne rustiche per le sparatorie, alle restanti donne per gli attori sexy e ai bambini per John Malkovich. Vi farà trascorrere due ore di piacevole encefalogramma piatto e alla fine vi sembrerà come un’ape che vi ha punto con la forza di una zanzara. Una grattatina, e avanti il prossimo.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

CHE NE PENSI DI QUESTO FILM?

CHE NE PENSI DI QUESTA RECENSIONE?

Come l'acqua per gli elefanti - Water for elephants

noreply@blogger.com (Cricci) — Mon, 02 May 2011 13:18:00 +0000

Capita a volte di discutere con chi non mangia pane e cinema su cosa faccia di un film un bel film. C’è chi crede che la chiave di volta sia la storia e non si accorge com’è appunto scopo del filmmaker dell’importanza della tecnica, che senza farsi notare costruisce e arricchisce l’opera al di fuori e al di sopra di ciò che essa racconta. Spesso in tali situazioni è difficile sostenere questa teoria senza esempi chiari e tangibili e a ciò Come l’acqua per gli elefanti ci viene incontro.

Una reinterpretazione del Titanic di James Cameron ambientata in un circo itinerante invece che su un transatlantico, e sviluppato a parti inverse. E’ infatti l’anziano Jacob ad essere presentato in apertura e a raccontare ad un giovane fintamente interessato le sue avventure amorose del 1931. Attraverso un lungo flashback scopriamo che Jacob è stato costretto dalla morte dei suoi genitori benestanti a vagare ramingo sui binari del treno e, saltando su un vagone a caso, è finito con il diventare il veterinario del famigerato circo dei fratelli Benzini. Si è innamorato poi della moglie del crudele direttore, che naturalmente, scoperto l’inganno, ha preteso la sua testa su un piatto d’argento. Salvo che, indovinate, l’amore ha trionfato, e dopo aver salvato la sua amata su una metaforica porta galleggiate, Jacob ha condotto una vita piena di gioie e di bellissimi ricordi.

Ma veniamo alle differenze. Per quanto entrambe le pellicole appartengano a un genere dichiaratamente sdolcinato e non gradito dai palati di tutti, non si può negare che la stesura e la realizzazione del colossal del 1997 sia stata curata nei minimi dettagli e giunga dunque, senza che questi ne individuino necessariamente i meccanismi, al cuore degli spettatori.

Tredici anni dopo non si usa la stessa attenzione, e benché la storia del romanzo da cui il film è tratto abbia avuto successo fra milioni di lettori, la sua trasposizione cinematografica è piatta come l’encefalogramma di un elefante. I personaggi hanno lo spessore di un post-it, e così di conseguenza la loro storia d’amore, che sboccia senza preavviso come una verruca. Un uomo e una donna che si conoscono appena e che all’improvviso si dicono “ti amo”, questo il sunto. Chiaramente si è puntato tutto sulle ricche atmosfere circensi, dimenticandosi che per un piatto ben riuscito bisogna dosare in maniera intelligente tutti gli ingredienti. Se ciò non avviene, anche se chi degusta non sa definire il perché, non gradisce il sapore di ciò che gli si serve.

L’unico lampo di recitazione brilla negli occhi di Christoph Waltz, che forse dovrebbe meditare di licenziare il suo agente. L’attore prova a lanciare piccoli ami di onore e compassione nel complesso del suo personaggio, ma il film è scritto con tale banalità nell’approccio alla dicotomia bene-male che tutti i suoi sforzi sono vanificati in un grosso cliché. August, il viscido direttore che maltratta animali e uomini, è ingoiato in un tunnel che lo costringe ad essere nulla più di questo. Il suo tentativo di scrollarsi di dosso il puzzo del colonnello nazista fallisce dunque, e anzi lo incasella ancora di più nello stereotipo del cattivo.

Reese Witherspoon ha una bella parrucca.

Di Robert Pattinson è meglio non parlare, non si spara sulla croce rossa.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

CHE NE PENSI DI QUESTO FILM?

CHE NE PENSI DI QUESTA RECENSIONE?

Machete

noreply@blogger.com (Cricci) — Sun, 01 May 2011 20:54:00 +0000

E’ nato prima l’uovo o la gallina? Nel grande schema dell’universo a questa domanda non c’è risposta. Nell’industria cinematografica si. Il primo è il film, poi il trailer. Quando l’ordine viene invertito è probabile che qualcosa vada storto.

Nel 2007 Rodriguez si diverte con il suo compagno di merende Quentin Tarantino a inframezzare il loro Grindhouse con ironici trailer immaginari di film inesistenti.

Passano gli anni, uno di loro diventa realtà, e in qualche modo l’ironia si perde.

L’inizio del film è promettente. Machete, un agente federale, combatte la battaglia del giusto contro un trafficante locale, Steven Segal. Si, quello Steven Segal, con indosso un centinaio di chili di troppo di lipidi complessi. Tutto nella scena di apertura è conforme agli standard del genere: gli angoli di ripresa, la saturazione del colore, i graffi alla pellicola, le decapitazioni, il sangue, le donne nude, chi più ne ha più ne metta. In pieno stile exploitation, molto goloso per chi ne è fan. A seguito di questa iniezione di violenza con abbondante scarica di sudicia aggressione visiva, il film collassa.

Tre anni dopo il prologo Machete fa l’operaio in Texas e viene ingaggiato per commettere l’omicidio del Senatore fanta-razzista Robert DeNiro. Si scoprirà che è stato incastrato, e che come regola generale è meglio non far arrabbiare qualcuno che somiglia a Danny Trejo, il quale ovviamente non la prende bene e si lancia in una corsa alla vendetta. Tutta la storia di qui in poi consiste nel tentativo di Machete di stare un passo avanti rispetto ai suoi nemici, che aumentano a vista d’occhio.

Robert Rodriguez, regista, autore, produttore e montatore della pellicola, avrebbe tratto serio beneficio da qualche taglio in più. Il film è oppresso dall’ingombro di un fiume di personaggi e da una trama tortuosa che sottrae minuti preziosi di presenza sullo schermo al viso rugoso del suo protagonista. Alla stregua di quel che successe per C’era una volta in Messico, con cui Rodriguez puntò all’epos ma si scordò che la sua forza risiedesse nel bagno di sangue.

Tutto ciò diventa particolarmente frustrante quando quello che del film funziona, funziona dannatamente bene. Le scene d’azione sono coinvolgenti e creative, e il sangue zampilla a secchiate senza però disgustare. Alcune battute sono molto divertenti, e se ne sente la mancanza nei frequenti momenti in cui il ritmo stagna nel cercare di trovare un senso logico agli avvenimenti attraverso i dialoghi. Innanzitutto, un senso logico non c’è, secondo poi, il film non ne ha minimamente bisogno.

Il personaggio di Lindsay Lohan, che praticamente interpreta se stessa, figlia di un uomo benestante, drogata e ninfomane, fenomeno mediatico di YouTube, potrebbe essere asportato completamente. Michelle Rodriguez, una militante di stampo guevariano, tant’è vero che si fa chiamare Shé, e Jessica Alba, una spietata agente del dipartimento d’immigrazione di frontiera, che però mostra di avere un cuore, avrebbero potuto essere combinate in un unico personaggio. Il villain di DeNiro sarebbe dovuto essere centellinato con maggiore parsimonia, il suo impatto è infatti inversamente proporzionale ai minuti di presenza.

A onor del vero quando Machete incastra termometri da arrosto dentro le persone, o si lancia dai piani alti di un ospedale usando gli intestini di un uomo come liana, o ancora quando Jessica Alba si scontra con un energumeno mascherato da wrestler usando come arma un paio di scarpe di vernice rossa tacco 12, ci si dimentica di tutti i problemi. Fatto è che questi a fasi alterne si ripresentano.

Il maggiore è che il film vuole prendere posizione rispetto al dibattito sull’immigrazione, ma il suo intervento praticamente si riduce ad un crasso, inutile “non siate razzisti con i messicani”.

C’è una sorta di distacco fra lo schermo e lo spettatore, l’atmosfera in sala manca spesso di slancio. Questo Machete sembra affilato come un coltello da burro.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Cappuccetto Rosso Sangue - Red Riding Hood

noreply@blogger.com (Cricci) — Sat, 16 Apr 2011 12:54:00 +0000

C'è un gioco che si chiama Lupus in tabula.

Un gruppo di amici si siede in cerchio e si assegnano con discrezione dei ruoli da interpretare: gli innocenti villici, la veggente, il pazzo, il prete. E il lupo. Tutti chiudono gli occhi e nella notte quest’ultimo colpisce uccidendo uno dei compagni. Al risveglio il villaggio inaugura un processo per cercare di scoprire dietro il volto di chi di loro si celi il mostro.

C'è un film che si chiama Cappuccetto Rosso Sangue (grazie ai nostri fantasiosi traduttori, in paesi meno nevrotici semplicemente Cappuccetto Rosso) che è l'adattamento cinematografico di tale gioco, né più né meno, con l'eccezione dell'aggiunta del personaggio della nonna, la cui unica funzione narrativa è quella di donare a Valerie (Cappuccetto appunto) una cappa color rosso (rosso sangue visto che siamo in Italia).

La differenza fra il primo e il secondo è che il gioco ti coinvolge, il film ti distrugge.

Catherine Hardwicke, di fama twilightiana, ma ben più navigata nel mondo del cinema, ha preso una svista. Sembra che stia dirigendo un prequel della famosa serie dei vampiri senza capire che il traino di questa vicenda sarebbe dovuto essere la suspance, e non una storia d'amore. Se l’ardimentosa alchimia tra mostri e cottarelle ha funzionato una volta, perché sfidare la sorte?

Un gotico triangolo amoroso fra una bella adolescente dalla famiglia tutta particolare e due giovani del suo stesso villaggio, uno ricco e misterioso, l’altro falegname e... possibilmente lupo mannaro. Suona familiare? Lo è.

Questa pellicola non prova nulla, a parte che la regista conferma di saper scegliere la giusta musica rock da abbinare alle scene d’azione.

In un paio di passaggi si accenna quasi a un montaggio da thriller, ma per il resto abbiamo tutto il tempo di studiare molto dettagliatamente che tipo di applicazione è stata utilizzata per il trucco degli occhi degli attori.

L’attesa dello smascheramento del lupo è costruita decentemente ma spezzata, masticata e risputata quando il lupo stesso appare. Decenni di sviluppi tecnologici e non usarli.

Quando finalmente arriva, la rivelazione della sua identità per lo meno stupisce, ma senza grandi risvolti di meraviglia. Non entrerà di certo nella top ten dei migliori colpi di scena hollywoodiani.

La trama è stata messa sotto terapia astringente e laddove si tenti di costruire dei sub plot si sentono volare grossi sbadigli. I corteggiatori della nostra protagonista fra le altre cose, diciamocelo, sono brutti. Le donne del cast, Virginia Madsen e Julie Christie, sono troppo occupate a non spettinarsi.

In sostanza sarebbe bello invitare la Hardwicke a revisionare il film, ma questa volta con occhi grandi, per vederci meglio.

(Cristina Fanti)
da filmfilm.it

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Scream 4

noreply@blogger.com (Cricci) — Thu, 14 Apr 2011 17:29:00 +0000

È difficile parlare di Scream 4 senza raccontarlo, perché alcune delle trovate più geniali sono appunto nelle pieghe inaspettate che prende la trama. Ma ci proviamo, partendo dalle certezze.

La prima: una catena di Sant’Antonio di rimandi cinefili, dai più agguerriti agli scontati (le bombe a mano lanciate su Saw IV, oggigiorno il maggiore concorrente della saga degli urli).

La seconda: il sangue, qualche ettolitro, sparso in ogni dove e senza mai più di cinque minuti d’intervallo. Un cast pesante e di grandi nomi per questo capitolo, pochi dei quali dovranno prevedere di tenersi liberi nel fortuito caso di uno Scream 5, solo per darvi un’idea.

La terza: l’(auto)ironia. Il film continua a prendere sagacemente in giro decenni di pellicole horror ma si ripiega anche su se stesso, con l’irriverente, reiterata insistenza sulle pecche della serie Squartati (iniziata in Scream 2 ma qui arrivata all’inverosimile settimo sequel), l’alter ego del franchise.

La quarta: la metacomunicazione. Fino allo stremo, fino anche alla risata un tantino forzata, un gioco di matrioske cinematografiche a cui non viene data mai pace.

La quinta: la tecnologia. E’ una nuova decade, cita il poster americano, e il film si diverte a toccare tutti quei tasti che non esistevano al momento della sua prima apparizione nella storia. La rovina dei valori della gioventù legata alla sete di fama, la vulnerabilità di un’umanità che vive in pubblico sui social network. E’ facile capire perché si senta il bisogno di confrontarcisi ma purtroppo sono tutte tematiche scadute cinque minuti prima.

Insomma, Sidney torna a Woodsboro dopo dieci anni di assenza per presentare il suo libro motivazionale su come sia possibile superare la condizione di vittima. La sua agente, che verrà giustamente punita dalla sorte, le organizza questo fortunato incontro pubblicitario proprio nel giorno dell’anniversario dei famosi delitti che le hanno cambiato la vita. C’è chi non impara mai. Con Sidney di nuovo in città l’aria diventa densa e Ghostface torna a colpire. Linus e Gale nel frattempo si sono sposati, il primo è lo sceriffo della città, la seconda una casalinga disperata, autrice delle sette sceneggiature di Squartati, ispirate alle “vere” vicende del primo Scream, ed ora in cerca di un reboot di gloria. Poi ci sono i giovani 2.0, ma solo i nati dopo il 1990 andranno a vedere Scream 4 per loro. La cugina di Sidney, le sue amiche, l’ex fidanzato e i nerd del club di cinema che servono a veicolare la prima e la quarta certezza.

Il modo in cui Williamson (lo sceneggiatore) riesce ancora a prendersi gioco degli stilemi del genere horror, per quanto forse è vero, è la terza volta che glielo vediamo fare, ha sempre un non so che di brillante. Il gioco alla destrutturazione delle regole danza su un filo teso fra la norma e il suo contrario, lasciando lo spettatore sempre un po’ indeciso se debba aspettarsi un colpo di scena di genere, o uno vero, innovativo. E ce ne sono di entrambi.

L’arte di Craven (il regista) e del suo pennello di sangue non è mutata. Per intenderci la violenza è vera, e non ridicolizzata alla Scary Movie, ma non ci troviamo neppure davanti al classico modello torturale che tanto piace alle folle di questi tempi. E’ poco sadica, molto più vintage che nuovo millennio.

E’ dunque chiaro che questo film non è pane per i denti di tutti. Andrà bene per i fan della serie, per i cinefili incalliti, per chi vuole tornare a respirare un po’ d’aria anni ’90 e per chi a quest’aria ci voglia educare fratellini o cuginetti.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

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Limitless

noreply@blogger.com (Cricci) — Fri, 08 Apr 2011 09:37:00 +0000

Una metafora dei nostri tempi. “E se una pillola ti rendesse ricco e potente?” Il sogno americano, la sovranità intellettuale e di mezzi rispetto ai vili consimili. Ecco così che postulata l'ipotesi, il teorema si risolve con un metodo assolutamente contemporaneo.

Uno scrittore che ha accesso all'intero potenziale del suo cervello attraverso l'assunzione di una droga che ne rende le funzioni, appunto, “illimitate”, abbandona i suoi lodevoli sogni di realizzazione artistica, che un tempo lo avevano fatto rinunciare perfino all’amore, e s’immola all’altare del dio denaro. Molto in fretta per giunta, e con che facilità!

Iniziata la scalata al successo grazie al suo (illegale) asso nella manica comincia a scoprire che come sempre per ogni scorciatoia c’è un prezzo da pagare. Stiamo citando l’attore protagonista, Bradley Cooper, che dopo la proiezione ci ha parlato del film. Nella vita, per non correre rischi, non ne prende, ma il suo personaggio invece ci naviga a vele spiegate.

Un’avventura iper-attiva, iper-luminosa, iper-grottesca, iper-panoramica, tratta da un libro che curiosamente non ha lo stesso finale. Sulla carta stampata Eddie Morra, il nostro simpatico e belloccio tossico d’alto bordo, si ritrova solo e squilibrato ad aspettare la morte in una casa buia; nei cinema è invece un vincitore che strizza l’occhio al dubbio sulla sua incerta onestà, ma che ciò nonostante si tiene stretto, e si gode, i suoi allori. Cooper sostiene che tale cambiamento è stato pensato per concludere il film con lo stesso spirito propositivo e leggero con il quale inizia. Ma viene presto in mente che anche una certa abitudine del cinema mainstream a non ammettere nuance e a farsi specchio quasi esclusivamente delle realtà invincibili possa averci messo il suo zampino.

Il che peraltro fa a cazzotti, e in un film così questa metafora ci sta proprio bene, con una regia che è invece abbastanza fuori dagli schemi. Tra giochi d’inquadrature e movimenti di macchina veloci attraverso, oggetti, edifici e mezzi di trasporto, il regista si trastulla con flashback e inserti quasi Eisensteiniani.

Segno particolare un pittoresco quanto elementare espediente volto a identificare le fasi umorali dei personaggi: l’esasperato cambio di luce ogni qual volta questi siano sotto l’effetto della pillola miracolosa, che non è blu ma trasparente, e che vira l’immagine tutta in un’aura dorata, come in un mondo di dei.

A proposito di divinità, Robert De Niro interpreta un magnate della finanza che intreccia la sua strada con quella di Eddie. Poche scene, poco pathos, ma la solita presenza che cattura l’occhio dello spettatore dentro al suo.

A tirare le somme Limitless è un film grasso e fresco come una torta gelato che tratta la corruzione dell’essere umano cospargendola di zucchero a velo. Solo le donne, anche quelle che provano la pillola e ne accarezzano l’ebbrezza, sembrano sottrarsi al suo potere. Che non ne abbiano bisogno? Sarà il caso di rivedere la teoria Darwiniana?

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Easy girl - Easy A

noreply@blogger.com (Cricci) — Thu, 03 Mar 2011 20:35:00 +0000

La sfilata lenta e regolare nei ben noti corridoi liceali d’irrilevanti commedie adolescenziali, i nerd della scuola, è stata negli anni occasionalmente ravvivata dal passaggio veloce di quel bellissimo giocatore di football o di quella bionda cheerleader, che hanno fatto girare molte teste. Parliamo delle fortunate rielaborazioni di classici riassettati in base all’ultima moda, che le donne di oggi citano religiosamente a memoria: Ragazze a Beverly Hills, ad esempio, Emma di Jane Austen, e 10 cose che odio di te, La bisbetica domata di quel tale William Shakespeare.

Easy Girl passeggia tra una classe e l’altra al cambio dell’ora tenendo a buon titolo la testa alta ed entra con convinzione nell’aula del club di letteratura. Non è un pedissequo remake de La lettera scarlatta di Nathaniel Hawthorne, piuttosto un'occhiata indiscreta alle tematiche del romanzo - ipocrisia, umiliazione, conformismo, codardia sociale, bontà individuale - all'interno di un liceo californiano dove il libro è inserito nel programma didattico.

Emma Stone, difetto di pronuncia incluso, confeziona un personaggio intelligente e sagace, che quasi ci si chiede come facciano i suoi ciechi coetanei a non trovarla attraente. Ma questa domanda ce la siamo posta un po' tutte crescendo e la risposta è sempre stata la stessa. Gli uomini in adolescenza non posseggono il lume della ragione.

Dunque Olive, la Stone, è una ragazza come tante, che passa metà del suo tempo a parlare di sesso e l’altra metà nella sua stanza a non farlo. Messa alle strette e desiderosa d’impressionare la sua amica più discinta, di cui non può che invidiare le tette enormi, confessa un finto rapporto sessuale, mentre la mostruosa fondamentalista cattolica di turno origlia e provvede poi a trasformare questo pettegolezzo in uno scandalo. Presto, per far trent’uno, dopo aver aiutato un gay tormentato ad apparire agli occhi dei compagni come un perfetto eterosessuale, Olive si guadagna una A+ in prostituzione giovanile.

Nonostante una ragazza come lei avrebbe dovuto intuire che le cose stavano per mettersi male, Olive sceglie con cognizione di giocare al femminismo postmoderno. Usa la sua sessualità senza vergogna, vestendosi da spogliarellista di prima mattina e cucendo una “A” scarlatta su tutti i suoi mini bustini. Ma quando confessa a coloro di cui si fida di essere in realtà ancora vergine, beh, non mostra vergogna neanche in questo. Easy Girl è come un ananas dopo il pranzo alla mensa, fresco, e depurativo. E’ libero da giudizi morali sulle variabili del fare sesso o meno concludendo che non importa con chi si vada a letto basta che ognuno lo tenga per sé. Non si tratta del messaggio più rivoluzionario, certo, ma di uno assente nella maggior parte dei teen-movies, ossessionati dall’incasellare il sesso in un senso o nell’altro.

Puntuale come una campanella fra una lezione e la successiva, su alcuni passaggi la trama diventa troppo tentacolare: le avventure del professore di lettere con moglie fedifraga e di un pluri-ripetente di 22 anni sembrano prese in prestito da un film peggiore, meno sicuro di sé. Molto bizzarra anche la parte di Amanda Bynes, ex regina di questo genere di pellicole, che pare trapiantata da uno dei suoi vecchi film senza essersi messa nel frattempo al passo con i tempi. La Bynes interpreta Marianne, una replicante figlia del cattolicesimo, la quale, anche considerando gli standard di grande caratterizzazione dei personaggi che piagano questo tipo di film, non è niente più che un bullo di una sola dimensione che rifiuta di seguire il corso “religioni delle altre culture” bollandolo come fantascienza. Mandy Moore in Saved dopo che qualcuno l’ha scordata nella varechina.

Questo esperimento della neo wave hughesiana non possiede la scintilla di Una pazza giornata di vacanza o la frizzantezza di Mean Girls, ma fornisce una puntuale, intelligente istantanea della natura della reputazione nell’era della socializzazione online, quando qualsiasi cosa che sia inviata per sms o pubblicata su facebook è automaticamente vera, anche senza lo straccio di una prova. La stessa protagonista ricorrerà a YouTube per fornire la sua versione dei fatti. Finché non accende una telecamera, se la punta addosso e trasmette dalla sua stanzetta, infatti, nessuno la sta neppure ad ascoltare.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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The Fighter

noreply@blogger.com (Cricci) — Wed, 02 Mar 2011 22:20:00 +0000

Un film cullato per tre anni, nato da un cortometraggio, voluto con fatica da persone che si sono innamorate della storia di redenzione di questi due fratelli e ci hanno creduto. Giunto nelle mani di Mark Wahlberg, lui, appassionato della vicenda già da tempo, e combattivo più che mai, lo ha portato alla luce, la luce del Massachusetts, che ha impressionato la pellicola con i toni spenti della periferia. Scenografie, costumi e apparenze poco lusinghiere degli attori costruiscono un mondo reale e crudo, un crudo neppure troppo ripulito con il noto smacchiatore “Hollywood”. Questa troupe ha giocato a fare l’indipendente, mostrando di affidarsi alla recitazione invece che ai numeri della produzione. Una decisione che giunge dal cuore ma che forse al cuore non arriva fino in fondo.

Si tratta di un Rocky impolverato, rotolato nel terriccio e sgrullato grossolanamente. Lo scheletro del film è lo stesso di molti altri del genere, una storia di drammatiche conquiste atletiche, ma la forma e il tono della carne poggiata sopra queste ossa distingue The Fighter da molti dei suoi cugini cinematografici. La storia di Mickey, che cerca nelle difficoltà di arrivare al successo, con un allenatore drogato, suo fratello, vecchia gloria della boxe, e una manager alcolista, sua madre, che si crogiola nel bagliore della fama ormai scaduta del primogenito, costituisce l’arco narrativo. Ma sono i personaggi ciò su cui batte il fuoco la macchina da presa. Fallati e pacchiani come oggetti acquistati al discount, ma, come questi, anche positivamente basici, veri, all’osso. Russell non si allontana quasi mai dalle facce e dai corpi dei suoi protagonisti, lasciando che le loro espressioni e i loro gesti, sia fuori che dentro il ring, veicolino il nucleo pulsante che si cela dietro lo spettacolo offerto dallo sport, che è poi il punto stesso del film. E’ aiutato dalle scintille che emanano i dialoghi, fruste lanciate avanti e indietro come affilati pugnali.

I blocchi di scene corali della famiglia Ward-Eklund sono la cifra di un film costruito con cura. Nulla giace troppo a lungo e lo stile di lotta testa-corpo/testa-corpo che ha reso famoso Ward ha un eco nello stile di regia di Russell, che alterna nel suo spartito boxe-famiglia/boxe-famiglia. Il film si apre con un’ottima prima scena, apice artistico della pellicola, nella quale seguiamo Dicky e Mickey che camminano per strada, facendosi belli in giro per il quartiere, tampinati da una troupe televisiva che filma quello che Dicky pensa sarà un documentario sul suo ritorno al ring. La macchina da presa è portata con leggerezza, s’incunea e si ritrae dalla messa in scena, danza come un pugile, ma presto poi purtroppo si dimentica di come si combatte.

Mickey Ward è uno strumento monocorde. Nella vita, trascurato in favore delle sue sorelle impossibili e del suo vistoso fratello, ha sempre parlato poco e picchiato molto. In questo senso Wahlberg lo suona alla perfezione, sembra quasi non recitare affatto e si potrebbe perfino incolparlo di aver lasciato che il cast di supporto riuscisse nell’adombrare così tanto il proprio leader (non a caso è l’unico rimasto a secco di nomination).

Dicky d’altro canto ha una mente fenomenale e conosce la boxe meglio di ogni altra cosa. Ad eccezione di dove trovare del crack. Bale ci convola a nozze, ci mostra un angolino di recitazione con la “R” maiuscola e ci apre un mondo, come è solito fare. A questa divinità del trasformismo va incontro la più nuova moda cinematografica, che prevede per i film basati su persone reali il dovere legale di mostrare almeno un fotogramma, sentimentale e celebrativo, di queste stesse durante i titoli di coda. E così li vediamo, tanto riconoscibili quanto ovviamente non così attraenti come i divi che prestano loro il corpo, a sottolineare l’autenticità del film con la loro palpabile verità, e il lavoro che questo sconvolgente attore ha palesemente compiuto su se stesso si tinge di nuove profondità.

Nonostante tutte le nomination agli Oscar, e le relative vittorie, The Fighter andando a stringere non è altro purtroppo che la somma delle sue parti e una semplice, discreta vetrina per far brillare ancora una volta la più eclettica, meravigliosa stella del firmamento hollywoodiano, un certo Christian Bale.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

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Un gelido inverno - Winter's bone

noreply@blogger.com (Cricci) — Sat, 19 Feb 2011 10:46:00 +0000

Il cinema americano ci mette nuovamente di fronte alla storia di un’adolescente. Questa volta invece del classico armadietto nel corridoio della scuola c’è una cucina scassata; al posto della squadra di football c’è una madre catatonica e due fratelli da mantenere; invece di pigiama party e sedute di trucco c’è la caccia e lo scuoiamento di piccoli scoiattoli; a sostituire il fidanzato biricchino un padre che spaccia metanfetamine, ed è momentaneamente scomparso.

Un gelido inverno appartiene alla più classica categoria di film da festival indipendenti, conquistati da storie gravi di gente miserabile che vive negli angoli più poveri del paese, i cosiddetti “stati da sorvolare”, e i cui alti e bassi morali ed emotivi sono accompagnati da chitarre acustiche e panorami evocativi, generalmente indifferenti allo humor.

S’inizia con una melodia sottotono nell’indigenza di una casa divorata dal bosco e si finisce con un crescendo horror con sega elettrica in un lago illuminato dalla luna. Questo spartito segue l’errare di una ragazza costretta a mettersi sulle tracce di suo padre quando questo usa la loro casa come cauzione. Per tenere un tetto sulla testa di tutti Ree (Jennifer Lawrence) deve trovarlo e portarlo in tribunale il giorno designato, ma nel tentativo di condiscendere a questo insolito obbligo familiare comincerà a far emergere segreti che non hanno un buon odore. Girovaga nel sottobosco di porta in porta chiedendo informazioni, aiuto o solo un brandello di basilare gentilezza.

Così facendo è costretta a tradire il codice del silenzio che mantiene la sua famiglia allargata, quasi l’intero paese, fermamente e orgogliosamente sul lato sbagliato della giustizia, oppure affrontarne le conseguenze. Ree è una moderna Antigone dalle pretese etiche che sono insieme interamente coerenti e potenzialmente fatali. Sebbene conosca e accetti le regole tribali che guidano il suo mondo, deve scegliere di scavalcarle, armata di un senso di giustizia considerato come il peggior sgarbo possibile da chi la circonda.

E’ tangibile il rammarico dei compaesani di non poter togliere di mezzo questa ragazzina ficcanaso causa legami di sangue, seppur labili. Allo stesso tempo le promettono tanto dolore, molto più di quello previsto per uno sconosciuto comunque, se tiri troppo la corda di questo privilegio.

Chiunque conosca la verità su suo padre è disposto a tutto per tenerla nascosta. Chiunque la incontri la fulmina con gli occhi. La persona potenzialmente più pericolosa di tutte è suo zio Teardrop – dal tatuaggio a forma di lacrima sotto l’occhio sinistro - (John Hawkes). Dà l’impressione che in ogni istante potrebbe aiutarla, assalirla o ucciderla. Il pubblico non può attestarlo con sicurezza, così anche Ree, e nemmeno Teardrop stesso.

Alcuni degli attori non sono professionisti e fra un tocco di banjo e una passeggiata nel bosco, in una pellicola che tutto sommato è molto taciturna, ci consegnano di quando in quando le loro battute con perfetta ingenuità (e accento, che si perde naturalmente al doppiaggio).

Granik ci presenta un dramma naturalistico con punte di thriller inaspettate usando musica country per sottolineare lo stoicismo e la melanconia di questo brutale mondo privo di morale.

Ad una scena, quando Bree tenta di entrare nell’esercito per incassare i 40.000 dollari di ricompensa, affida la risoluzione dl film. Il soldato che intervista la ragazza demolisce con tatto il suo sogno di scappare. Lui appartiene a un mondo fatto di possibilità ragionevoli, Ree vive altrove, in un universo governato da antichi rancori ed elaborati, inflessibili obblighi, onore e vergogna. E così il film si trasforma in ciò che in definitiva è: una storia di formazione attraverso cui la protagonista scopre quanto sia crudele il suo habitat naturale e contemporaneamente sia iniziata ad esso senza grande concreta possibilità di fuggire.

Noi però possiamo fuggire senza problemi da questa pellicola che fa sensazione per la bravura dell’attrice, come tante altre brave attrici, e per le tematiche scomode, trattate con mano adeguata, a cui si sa piace sempre battere le mani, ma che non genera molto più di qualche rispettoso sbadiglio.

(Cristina Fanti)

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Sono il numero quattro - I am number four

noreply@blogger.com (Cricci) — Thu, 17 Feb 2011 12:24:00 +0000

I giganti calvi con tatuaggio tribale al posto dei capelli, branchie intorno al naso e denti dall’aspetto cariato ci sono. La stellina del tv-show del momento anche. Musiche di grido direttamente da MTV ad accompagnare pirotecniche esplosioni. Petti gonfiati, addomi scolpiti ed effetti speciali. Un cocktail gustoso, colorato, e con la fragolina a bordo bicchiere, ma shakerato con la vodka del discount, come quello dispensato a ripetizione, ormai per pochi spiccioli, dai nostri teleschermi. Con la differenza che questa volta siamo al cinema, di fronte ad un lungo, glorificato, episodio di telefilm.

Buffy l’ammazzavampiri incontra Heroes. Fratello del primo causa personaggi malvagi poco credibili, caricati al massimo nelle loro caratteristiche mutanti, che poi si risolvono nella semplice, piccola alterazione di alcune forme umane. Ancora si sente l’odore del silicone ed è calda sulla pelle degli attori l’impronta digitale del makeup artist. Cugino del secondo per l’impegnativa avventura di formazione di colui che riceve dei poteri senza sapere come usarli e deve aggiustare la sua vita a questo dono. Atmosfere buie e acrobazie fenomenali, con l’auspicato potenziale d’innalzo del sex appeal del protagonista per impennare i risultati al botteghino.

Una sorta di genero di Twilight, perché frutto di una fatica letteraria, neanche a farlo a posta una saga, e per quel suo protagonista un po’ outsider che alla prima occhiata fa scendere l’entusiasmo ma alla seconda la gonnella, rivelandosi di un altro mondo, uno speciale. Molto poco speciale invece la sua performance, che tutto sommato non è spiccata come i suoi muscoli, e lascia un buco nell’ordito.

Lo sfortunato erede di un mondo distrutto è costretto a nascondersi sulla Terra e a cambiare scuole come un normale ragazzo cambia t-shirt. Il suo nome è inventato, la sua identità è in realtà legata a un numero, il Quattro, anche se non si capisce bene perché. Nove sono i superstiti del pianeta Lorien e i terribili calvi di cui sopra li stanno eliminando, senza motivo, in ordine crescente. Fin ora hanno avuto la meglio sui primi tre di loro e per questo John, insieme al suo protettore Henri, decide di mischiare un po’ le carte trasferendosi ancora una volta. Nel suo nuovo liceo, popolato da figurine scollatesi dall’album della banalità, il quoterback, la biondina e il nerd, è necessario mantenere un basso profilo, cosa molto difficile se ti si accendono i palmi delle mani come schermi dell’iPhone e se puoi lanciare in aria persone e macchine della polizia come fossero carte da gioco. Diciamo che Numero Quattro incontra grossi problemi a non finire su YouTube.

Insomma, ci stanno raccontando una storia adolescenziale corretta, come fu per The Faculty nel 1998 e come è per tanti telefilm ai giorni nostri, da quando il binomio scuola e vampiri ha creato più assuefazione di quello caffè e sigaretta. Una base su cui si può lavorare, ma che Caruso e il suo produttore Michael Bay non sanno ottimizzare, lasciandosi prendere la mano dalla computer grafica senza darle il sostegno necessario da parte della storia e dei personaggi affinché questa ci lasci senza fiato. Tradiscono a suon di raggi laser lo spirito inizialmente evocato nei primi minuti di film, quello di un incontro ravvicinato molto radicato nella realtà. Vorrebbe essere il nuovo Tranformers (il primo naturalmente), ma in nulla riesce a sollevarsi sopra la media.

Sono il numero quattro non sarà il numero uno. Alcuni sinceri sentimenti che rappresenta, come confusione, rabbia giovanile e ricerca dell’identità, avrebbero potuto dare risultati inaspettati se sapientemente mischiati ai suoi elementi fantascientifici. Invece queste due locomotive, l’adolescenza e l’epica aliena, si muovono su binari paralleli. A volte sembra come se le pizze di due film diversi siano state mischiate in sala di proiezione.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Rabbit Hole

noreply@blogger.com (Cricci) — Fri, 11 Feb 2011 17:05:00 +0000

Nicole Kidman era scomparsa per un po’, da vera diva torna alla ribalta a bordo di una nave di cui è lei timone, scafo, albero maestro e soprattutto polena. Un film costruito per far brillare lei, la sua bravura e le sue ritrovate rughe.

Questo è Rabbit Hole.

Basato sull’omonima piece teatrale di David Lindsay-Abaire, racconta il lutto di una coppia che piange la morte del proprio figlio di quattro anni avvenuta pochi mesi prima per un incidente stradale. Ah però, lo so. La Kidman reagisce chiudendosi in una vita di forzata solitudine, sciatta e struccata, alla Virginia Woolf meno il naso, cerca di eliminare ogni ricordo del figlio sopprimendo le emozioni fino a far sembrare a chi le sta intorno che non ne abbia. Il suo degno marito, Aaron Eckart, si tuffa invece nel lavoro e gioca a squash con gli amici, continua a guardare vecchi video di suo figlio imbevendo magistralmente la sua sospettosa positività con una profonda filigrana di tristezza. Due strade parallele che si osservano da lontano.

Un carrozzone assemblato per trainare la Kidman sul tappeto rosso del Kodak Theatre, e che si è mosso bene. La vetrina in cui è stata inserita è perfettamente trasparente e immacolata. Ma ciò che c’è intorno al contrario della sua protagonista è stato praticamente ignorato. Con un DNA teatrale molto vivo, nel senso purtroppo peggiore del termine, consiste principalmente di dialoghi, lenti, lentissimi - ma di devastante profondità, una prova d’attore difficile (e superata a pieni voti dalla coppia), ma che forse si ferma a un mero esercizio di forma, poco prono a ricevere grandi consensi.

La sceneggiatura evita un diretto confronto con il dramma, per lo meno in senso convenzionale, e si focalizza piuttosto sull’imprevedibile, erratico fluttuare delle emozioni. I personaggi sono modellati come vasi vuoti che d’improvviso esplodono in un’onda repentina che fa risacca fra calma e tempesta. Si esplorano i classici percorsi di recupero, ma in maniera critica. Invece che fornire facili risposte il film si domanda come si possa andare avanti rifiutando i soliti cliché moralisti.

C’è dell’umorismo nascosto nel cinismo che la Kidman mostra con la sua insofferenza verso le banali consolazioni ecclesiastiche e l’ipocrisia del gruppo di auto-aiuto che la coppia frequenta, o con le paternali fatte a sua madre, che ha perso un figlio adulto per droga, per aver paragonato i loro rispettivi dolori. Usata sia per commuovere che per rilassare il pubblico, la risata sa essere curativa e amara. Questi piccoli particolari donano al film una sincerità di solito estranea a tematiche così drammatiche.

Il regista John Cameron Mitchell opta per un filo di leggerezza e con essa cuce il racconto con un afflato al contempo poco familiare e confortante. Aiutato da una fotografia intimista, crea una perfetta piattaforma organica perché gli attori dimostrino la loro bravura.

L’ambiguità di questo film, la sua resistenza nell’impegnarsi sia in un triste pessimismo che in una felice risoluzione rende Rabbit Hole un prodotto interessante, ma ostico per un pubblico più propenso ad aprirsi a racconti di epiche vittorie o di drammi su scala più semplicisticamente perversa o horror.

Meravigliosa la locandina americana, che racchiude in una potente immagine tutto il senso della difficoltà di fondersi in un unico per superare la tragedia. Una frase senza la quale non riesco a vivere come sottotitolo: “l’unico modo per uscire è passare attraverso”.

(Cristina Fanti)

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Il Truffacuori - L'arnacoeur

noreply@blogger.com (Cricci) — Sun, 06 Feb 2011 15:26:00 +0000

C’era una volta il regno fatato della commedia romantica, fra le colline di Hollywood negli Stati Uniti. Poi un soffio di vento ha trasportato il seme della levità attraverso il mondo, in alcuni luoghi ha attecchito e prosperato, in altri no. E così anche i francesi hanno cominciato a saper impacchettare piccole graziose storie d’amore. Agli italiani invece è toccato Moccia.

Lo spunto di questo racconto è pretestuoso e stralunato, Alex Lippi, presentato a inizio film come uno 007 durante una sfilata in aeroporto, a ralenti e con sottofondo rock, è un sabotatore di coppie, un lavoro, come vediamo subito, molto credibile. Si occupa, con l’arma della seduzione, nonostante la mascella prepotente, di sfasciare relazioni amorose, ma soltanto nel caso in cui la donna sia infelice; nobile proposito, anche questo assolutamente credibile.

Infiltra la coppia con una mascherata coadiuvato da una squadra di collaboratori, sorella e cognato, propina la facciata di uomo sensibile, sparge qualche lacrima qua e la e apre gli occhi alle fanciulle su ciò che manca al loro uomo. Lo schema è sempre lo stesso e funziona, da dieci anni. Tutto fila liscio insomma, fin quando non gli viene presentata una missione impossibile: chiudere lo spazio fra gli incisivi di Vanessa Paradis. No, questa sarebbe fantascienza. Ha dieci giorni di tempo per mandare a monte il suo matrimonio perché il suo ricchissimo promesso sposo la sta facendo diventare estremamente facoltosa, e questo si sa renderebbe infelice ogni donna.

Il tono è naturalmente spensierato, pervaso di una vena comica piuttosto efficace e che regge bene il ritmo per tutti i 105 minuti, con picchi di vera ilarità della quale si resta stupiti se come me ci si approccia ai film francesi con sospetto, chapeau. I personaggi sono classici tipi da commedia, il bello, il brutto, il cattivo, il cattivissimo, la sagace e l’astronomica figa con la puzza sotto il naso, per lo più stereotipati e funzionali alle varie gag, ma pur sempre piacevoli. Gli episodi sono sopra le righe, rocambolesche comiche fisiche o piccoli giochi d’ironia. L’immagine di Romain Duris che pratica il carling per arrivare a conquistare una donna stabilisce il carattere del film fin dal primo minuto. Per non parlare dei suoi impacciati tentativi d’imparare la famosa coreografia di Dirty Dancing. Semplice e innocente comicità giocata sulle goffaggini di un personaggio altresì perfetto. Magari un tantino già vista, ma sicuramente ben lavorata. Le luci sono articolate, le immagini soffuse e dal gusto retrò, i colori studiati, la regia intelligente e veloce con brillanti scatti della macchina da presa e un divertente uso della quarta parete, gli abiti da favola.

Vanessa Paradis pare interpretare se stessa, quasi ci si scorda che il personaggio abbia un altro nome. Algida e imbronciata, tipicamente d’oltralpe, infonde però alla sua Juliette una tale grazia che sembra che plani piuttosto che camminare. Con ogni probabilità i tacchi da 14 centimetri che indossa l’hanno aiutata. Dolce e affascinante quando accenna un motivo del più vintage George Michael nascondendo seducentemente il viso per la vergogna. Comincio a entrare nella prospettiva di Johnny Depp.

Il tutto è molto ben amalgamato e seppure la storia d’amore fra i due protagonisti risulti alla fine come sbocciata dal nulla, priva di grosse nuance, in fondo in questo tipo di pellicola è il viaggio, e non il traguardo, che conta.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

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Kill me please

noreply@blogger.com (Cricci) — Tue, 11 Jan 2011 22:15:00 +0000

Bianco e nero nella forma, molto nero nei contenuti. Kill me please è una farsa scura e politicamente scorretta che prende le mosse in una clinica per la “buona morte” in cui si aiutano i pazienti a dipartire da questo nostro mondo infame. Ha i suoi momenti, ma soffre di un certo avaro desiderio di essere irritabile, compassionevole e provocatorio presupponendo di continuare a far sbellicare ininterrottamente dalle risate. Una certa freschezza e originalità ci sono, nel suo modo sardonico di trattare un taboo, e questo aiuta a reggere il pubblico tra gli infiniti cambiamenti di tono e cul de sac drammatici. Purtroppo a conti fatti è un film frustrante, mai così intenso, dissacrante o semplicemente divertente come vorrebbe essere.

I picchi di comicità sono soprattutto negli scambi verbali e nei guizzi fisici dei protagonisti, piuttosto che in scene realmente studiate per far ridere nella loro complessità. Qualche coup de theatre ben piazzato aiuta a ritirare su l’attenzione dopo alcuni piccoli cali di voltaggio.

Lo stile di ripresa vagamente documentario, camera a mano e fotografia austera, resta tutto sommato inspiegato. La macchina da presa è invadente ma non si rivela mai come giocatore attivo; sembra che i personaggi da un momento all’altro si rivolgano alla troupe ma in realtà non lo fanno mai, lasciandoci così timidamente in bilico fra soggettività grottesche e fissità impersonali.

Confidando su questo formato semi documentaristico Barco non ha la necessità di puntellare troppo la storia, e così il gran finale arriva sospinto da fragili ali drammatiche. Similmente, nonostante degli sprazzi in cui gli incastri funzionano, alla pellicola nel suo complesso sembra mancare coerenza. A dispetto della dichiarata indole farsesca e laconica la vicenda pare faticosamente cercare un messaggio complesso, senza però che si capisca quale. Forse che anche le strategie di fuga (dalla vita, in questo caso) più meticolosamente programmate hanno la strana abitudine di andare a finire nel verso sbagliato? Il semplice fatto che ce lo chiediamo fa meditare sulla riuscita dell’opera, che pure non ha scoraggiato la giuria del Festival del cinema di Roma dal conferirgli il premio più ambito.

Il perno della vicenda, il direttore della clinica, dott. Kruger, sembra minaccioso e sfuggente quando ci viene presentato, facendoci sperare che loschi affari emergeranno per il nostro sollazzo dai lettini della struttura. Man mano che la storia procede però queste sue qualità sono impastate in maniera sempre meno saporita, fino a volerci far credere che il motivo per cui si sia dato tanta pena nel mettere in piedi una tale struttura, con tanto di faida con il vicino villaggio con il quale intrattiene sparatorie alla Robocop, sia semplicemente perché convinto sostenitore del diritto umano di scegliere il modo, il tempo e il luogo di morire e niente più. Terribilmente blando, le nostre papille gustative battono in ritirata, sconfitte. Un personaggio sprecato.

Nel caso dei suoi pazienti invece accade il contrario; tutti sono soffritti lentamente e aggiungendo via via manciate di pepe. Cercare di scoprire fin quanto ognuno di essi sia effettivamente fuori di testa sembra il vero scopo della visione del film. Forse non quello per cui siamo venuti, ma pur sempre gustoso.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Hereafter

noreply@blogger.com (Cricci) — Mon, 03 Jan 2011 18:56:00 +0000

Il film si apre in una camera da letto, poi una spiaggia e una tipica trappola per turisti, una stradina popolata da bambine sorridenti e bancarelle mangia dollari in un villaggio della, diciamo, Tailandia. Bam, il mare si gonfia, un’onda che potrebbe contenere un sottomarino rotola verso la spiaggia. Vorrei scappare tanto sembra vera. Ottimo, un grande film d’azione. Dieci minuti al cardiopalma mentre una dei nostri protagonisti è investita in pieno dallo tsunami, un’automobile spinta dalla marea le sfonda il cranio, diventa blu, ha una visione e infine torna a respirare. Accidenti, questa roba piace. La tensione è interrotta spostandoci a San Francisco. Scopro che nel cast c’è Matt Damon, e anche che non si tratta di un film d’azione, ma di un duro viaggio all’interno di forti individualità centrato intorno ad uno dei maggiori misteri della vita: la morte. Clint Eastwood ci ha gabbato.

160 lustri, una pellicola all’anno da quando gli orologi hanno segnato i suoi 65, uno stile di regia sobrio e curato, diverso dal mainstream hollywoodiano. “Mi piace abbracciare quelle storie che ci fanno conoscere i personaggi nel dettaglio piuttosto che incoraggiare il breve spettro di attenzione della moderna generazione”. In traduzione eastwoodiana, quello che tutti abbiamo pensato uscendo dalla sala: “questo film è lento”.

Hereafter parla di morte, e lo fa offrendo diverse prospettive in materia: l’esperienza sovrannaturale della giornalista francese vittima dello tsunami, che dopo la sua visione di un deserto abitato da sagome di luce ha difficoltà a concentrarsi nel lavoro; Matt Damon, un sensitivo che connette le persone con i loro cari defunti, quelle stesse sagome di luce di quello stesso deserto, traumatizzato dal suo dono, che vede più come una condanna; il lutto di un bambino che perde suo fratello gemello, al quale è legato da un filo fin troppo doppio al fine di fronteggiare una madre eroinomane e senza un briciolo di dignità.

Si spazia tra toni opposti, dal caos iniziale a quiete e ombra dell’appartamento in cui Damon fornisce riluttante i suoi servizi. Ciò prova che mirabolanti effetti speciali possono essere accoppiati a un grande dramma e non sempre devono contare sulla presenza di alieni in 3D o robot in computer grafica per essere apprezzati dal pubblico. Grande l’elasticità del regista che riesce a seguire senza deragliare il delicato tracciato della sua storia, non forzando mai il suo punto di vista. Il film non si allinea, non fornisce particolari messaggi, narra e lascia allo spettatore le somme da tirare. Conquisterà alcuni e annoierà altri, ma la promessa di cura e passione non è mai tradita.

La narrazione è seguita con grazia, bilanciando l’intreccio fra l’ossessione della morte e il suo più diretto risultato, il lutto, e quello che significa vivere, e andare avanti. Tutti i protagonisti scopriranno che non esiste una facile risposta ma ciò non vuol dire che non ci sia speranza di trovare conforto.

Purtroppo il messaggio non è chiaro allo sceneggiatore che nel finale vira egli stesso proprio su quella strada più facile, contando, forse troppo, su un senso di provvidenza non presente nel resto del film. Forte la necessità di far quadrare i conti, anche se nel resto della storia ci ha mostrato a più riprese che la vita, così come la morte, è un’esperienza imprevedibile.

Eastwood e i suoi attori trattano la sceneggiatura con una mano gentile e rispettosa. Nessuno esagera mai in termini di emozioni, giusta intuizione per un racconto molto intricato, facile da far rotolare lungo il declivio del melodramma se le performance avessero spinto troppo sul patetico.

L’inevitabile struttura dei film con storie multiple porta con sé una problematica: è prevedibile. Sappiamo esattamente cosa succederà. Forse non sappiamo come, ma sappiamo che succederà. Le vite dei protagonisti alla fine s’intersecano in qualche modo, e tutta la buona recitazione, la raffinata regia e i dialoghi pesati del mondo, non eviteranno che gli spettatori riescano a fare due più due. Molta magia viene sottratta al percorso che questi compiono insieme ai personaggi se possono facilmente seguirne la traccia da bendati. Non aiuta il fatto che la pellicola sia lunga una mezz’oretta di troppo nel centro, utile solo ad inspessire le fondamenta del gran finale ma senza aggiungere nulla in termini di energia, e resa guardabile più che altro dalla performance meravigliosamente in sordina di Damon.

Come film di domande sulla vita e la morte funziona, come film su un uomo reso miserabile dalle sue abilità funziona, ma appena si capisce come tutti i nodi verranno al pettine, l’incanto muore come travolto da un’onda anomala.

(Cristina Fanti)
da filmfilm.it

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Un altro mondo

noreply@blogger.com (Cricci) — Wed, 22 Dec 2010 15:59:00 +0000

Cronistoria del film di Natale.

Anni 80: Una poltrona per due.

Anni 90: Schwarzenegger fa il papà di famiglia, bambini cercano tesori e mettono trappole sentendosi grandi per un giorno, qualche batuffolo di neve e redenzione per tutti nel finale.

Anni 2000: donne nude, seni, sederi e volgarità.

Anni 2010: Silvio Muccino.

Tale pare la piega presa dal filone con questo lancio coraggioso della Universal durante la festività più amata dagli italiani. Coraggioso perché nel film non ci sono né Boldi né De Sica.

Bensì tanti sentimenti, anche se un po’ scorretti perché tutti facilmente affidati agli occhioni di Michael Rainey Jr., il bimbo protagonista, nero e orfano, praticamente un magnete di simpatie per il pubblico. Gli adulti invece, quasi tutti freddi e imbalsamati per la maggior parte del film, senza grande sforzo per gli attori chiamati a interpretarli, restituiscono una realtà un po’ troppo stilizzata. Secondo i produttori si tratta di una storia di redenzione che si fa paladina dei veri ideali da diffondere a Natale. La concorrenza di questi tempi è effettivamente abbordabile, ma in qualche modo il film, nonostante i vantaggi di cui sopra, esce sconfitto.

In conferenza stampa si parla di esistenzialismo, perché, nell’anno e mezzo in cui Silvio Muccino e Carla Vangelista (autrice del libro da cui il film è tratto) si sono impegnati a scrivere la sceneggiatura, hanno avuto abbastanza tempo per rimpinzarla di tutti i temi più vaghi e generici che attanagliano la natura umana: il razzismo, la solitudine, il rapporto con il proprio corpo, quello con gli altri, la povertà e dulcis in fundo la morte, che unisce sempre famiglie e spiriti e coagula la formula perfetta per le feste.

Chiuso il cerchio di questo “vero” film di Natale, si sente forte profumo di fiera delle banalità.

Muccino ci informa che ama i racconti di formazione ed è stato per questo attratto dal libro della Vangelista, che costringe i propri personaggi a guardarsi dentro, fare i conti con il proprio passato e diventare uomini. Peccato che ciò che vediamo nel loro profondo sia no-io-so.

La recitazione non aiuta; anche se come al solito tutti gli attori dichiarano quanto interpretare questo ruolo sia stato bellissimo, fuori dal comune, e che abbia dato loro la possibilità di mettersi alla prova, di abbattere barriere, di superare se stessi e migliorarsi nella loro arte, la piattezza ci affonda. L’unico ad emozionare qua e là è il bambino.

Le risate e i commenti in sala a scena aperta lo confermano: ad una interessante premessa del soggetto corrisponde una sceneggiatura inesistente e dei dialoghi da raccapriccio, vero motore di ilarità. Non si spiega come la scrittrice-sceneggiatrice abbia avuto la fantasia di martoriare volontariamente la sua opera narrativa. A condire, alcune scelte discutibili, come la lunghissima sezione di apertura in cui Silvio fa da narratore descrivendo ciò che i vari personaggi fanno in video. Didascalico, tautologico e ridondante. Neppure foneticamente interessante considerate le ripetute visite del nostro dal logopedista.

Ammirevole il coraggio che Muccino ha nel proporsi come autore cinematografico in un paese in cui l’arte va morendo. Uno dei pochi che ancora scrive, dirige e recita. I risultati fanno però presupporre che il ragazzo sia quantomeno acerbo, e che forse prima di lanciarsi a capofitto in opere bibliche sarebbe meglio si dedicasse ad uno solo dei settori di suo interesse, per approfondirne i meccanismi. Un Tarantino c’è già stato, e non è nato in Italia.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Tron Legacy

noreply@blogger.com (Cricci) — Tue, 14 Dec 2010 09:07:00 +0000

Per chi non ha visto il primo film questa storia è piatta e insulsa. Per chi invece ha familiarità con il prequel, ma di blando coinvolgimento, è più che altro un insulto. Prodotto Disney che scivola facilmente in un regno di pertinenza Chicco. Un intreccio da encefalogramma piatto. Personaggi con lo spessore di una velina (il foglio di carta, ma anche la soubrette se preferite). E’ superfluo contemplare il punto di vista degli aficionados del franchise; l’amore si sa, è cieco.

Il vecchio Tron datato 1982 è stato applaudito a ragion veduta per le sue implicazioni rivoluzionarie. Creato su un computer con 2MB di memoria, che un bambino delle elementari ormai non sa neanche immaginarseli, e con un procedimento certosino. Date le difficoltà tecnologiche di dettagliare gli effetti digitali, che non conoscevano comunque ancora il modo di essere mischiati con le immagini catturate dal vivo come invece facciamo ai giorni nostri, si è deciso di utilizzare il colore nero per nascondere le imperfezioni. Si è girato così in bianco e nero, su un set completamente nero; stampate le immagini su pellicola a forte contrasto, poi stratificata con vari livelli di copie positive e negative, queste sono state colorate a mano per donare loro connotati futuristici.

Il nuovo Tron si propone di raddoppiare il primato e di replicare, a distanza di trent’anni, la fortunata introduzione di tecnologie innovative. Ripetere la storia però non è facile. Ci provano comunque, convinti, vantando di essere il primo film in 3D realizzato con lenti e sensori da 35mm. Inoltre per la prima volta un attore, Jeff Bridges, che ritorna nei panni del Kevin Flynn già interpretato nel prequel, per essere digitalmente ringiovanito recita fra i suoi colleghi indossando un casco creato con uno stampo del suo viso e dotato di 52 sensori, che catturano le sue espressioni e le trasferiscono ad un modello realizzato con un patchwork di decine di sue vecchie foto. Interessante. Ma non saprei quantificare quanto pioneristico. La parola Avatar mi gira vorticosamente in testa.

All’opposto su alcuni tasti si è scelto di non picchiare diversamente dal passato, bensì conservare la matrice originaria. Il pesante bagno di nero nato all’epoca del primo capitolo dalla necessità, è mantenuto fino allo stremo. Dopo un’ora gli occhi, già oberati dagli appannati (indipendentemente da quante volte si tenta di pulirli con l’apposito panno) occhiali 3D, fanno fatica a distinguere cose e persone.

Il regista, laureato in ingegneria meccanica e architettura, affascinato dalle linee geometriche, ha serbato inoltre l’impianto visivo squadrato di stampo anni 80, sia come omaggio al suo predecessore, sia perché intrigato dalla possibilità di integrare diverse tipologie di oggetti di design, come ad esempio sedie barocche e neon nella casa digitale di Flynn. Il tutto in un misurato equilibrio, fortemente voluto, fra quegli elementi d’arredo in cui si può inciampare e un meno ingombrante blue screen.

Il 3D, utilizzato soprattutto all’interno del mondo digitale, a cui fanno da reggilibro un incipit e un epilogo in due dimensioni che si svolgono nel mondo reale, non è invadente ed è integrato in maniera quasi impercettibile, eccezion fatta naturalmente per i fastidiosi occhiali. Nei rocamboleschi combattimenti non ci sono dischi, armi di fiducia del protagonista e relativi nemici, lanciati contro il pubblico, né moto luminose che durante gli inseguimenti saltano fuori dallo schermo per farci nascondere dietro al nostro vicino. Kosinski ha usato la tecnologia più blasonata del momento in maniera intelligente, per arricchire l’esperienza visiva e non per essere l’esperienza visiva.

Il lavoro creativo è stato elaborato. Sono stati chiamati a collaborare per il design dei veicoli gli ingegneri delle più grandi case automobilistiche; i costumi, realizzati in gomma con inserti di lampade elettroluminescenti, anche in questo caso per privilegiare il realismo alla computer grafica, hanno necessitato di ricerche e sarti all’avanguardia; perfino alcuni scienziati sono stati disturbati per accertarsi che la storia narrata fosse conforme alle maggiori leggi scientifiche. Mi lascia basita dunque che da un impegno così importante sia risultato un prodotto tanto banale, per non dire terribile.

Si dice che al centro dei ragionamenti ci sia stata l’intenzione di rendere al meglio il peso del rapporto tra padre e figlio, ma sinceramente, dalle tre battute in cui questo tema viene sfiorato, non mi è sembrato che gli sceneggiatori abbiano avuto delle brillanti relazioni genitoriali cui ispirarsi.

Per tutti i film brutti della storia, nel trovare qualcosa da salvare, capita di fare i complimenti alla musica. In questo caso sono veri. Gestita interamente dai Daft Punk e vera protagonista, dal momento che il materiale narrativo è scadente, tocca a lei guidare il gioco fra un esperimento grafico e l’altro, come se fossimo sintonizzati su un promo di MTV.

Una nota positiva, in questo brodo riscaldato di eroi, antieroi, geniali scienziati, ragazzi prodigio e grandi topolone cibernetiche, il seguente picco di coraggio: tra i due protagonisti, giovani e fighi, finanche nella sentimentale scena finale, il film resiste dal far scoccare il più classico dei baci risolutori. Almeno questo cliché ci è stato risparmiato. Fino al prossimo sequel.

(Cristina Fanti)

da cinema4stelle.it

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Le cose che restano

noreply@blogger.com (Cricci) — Wed, 08 Dec 2010 19:17:00 +0000

La fiction televisiva, concetto interessante. Raccontare lentamente in sei ore, ovvero quattro puntate, quello che si potrebbe raccontare con un po' di ritmo in una volta sola. Non è un'idea che mi fa impazzire; al contrario sono molto parziale alla parola Santamaria. Perciò partecipo alla maratona di questo che vuole essere un film epico, una sorta di romanzo storico, un Ivanhoe de noantri, prosecuzione ideale di quei La vita che verrà e La meglio gioventù che hanno tracciato negli anni passati i modi in cui l’Italia ha reagito a quattro decenni di menate politiche e compagnia cantando.

Questa volta arriviamo al presente, capolinea della trilogia. La scintilla è una casa, culla di una famiglia calda e fracassona. Borghese e luminosa, a seguito della tragica morte del figlio più piccolo, così come la madre reagisce al lutto scappando in una clinica, così la casa si svuota e rimane al buio. I tre fratelli sopravvissuti cercano di trovare ognuno la propria strada attraverso conflitti e rapporti che permetteranno loro di ripopolarla stanza per stanza, restituendole le sue funzioni vitali e trasformandola nel simbolo della possibilità di creare nuove forme di famiglia, non più legate al sangue ma al bisogno di un’identità esistenziale talvolta ancor più profonda.

Per lanciare questo messaggio di positività, restare nella quotidianità degli eventi e fare nel contempo un quadro generale della situazione italiana di questo preciso momento storico si scomodano talmente tanti argomenti che il risultato è un calderone di tematiche grosso e confuso. Fornisco un conciso sommario.

C’è una psicologa, con tutte le pesanti implicazioni di questo mestiere. Soprattutto essa tratta il caso di un militare che a seguito di un incidente ha perso la memoria, si parla di guerra. C’è un laureato in architettura che però va a lavorare in cantiere, ed ecco il precariato. C’è un funzionario ministeriale che si occupa di controllo dell’immigrazione e ci porta con lui ad uno sbarco in Sicilia. C’è un omosessuale che s’innamora di un uomo che ha una figlia, si affrontano le coppie gay e la paternità. C’è la madre di questa figlia che è una tossica senza fissa dimora, su un piatto d’argento droga e vagabondaggio. C’è un malato terminale. C’è un locale di spogliarelliste che nasconde un giro di prostituzione e di sfruttamento di straniere, una delle quali è brutalmente uccisa, guidandoci alla riflessione su una salma non identificabile che “tornerà al suo paese senza un nome e senza amici”. Ci sono un paio d’immigrate che cercano di ottenere un visto, un ulteriore pizzico d’integrazione culturale. C’è un aborto, tradimenti e divorzi, per parlare della vita e del valore della famiglia. C’è un architetto che indaga sugli abusi avvenuti in un orfanotrofio che sta cercando di restaurare, ombre di violenza; lo stesso architetto con il progetto dell’orfanotrofio cerca di vincere un concorso, per voi l’amministrazione pubblica. C’è una madre che impazzisce dopo la perdita del figlio, si medita sulle malattie mentali. Naturalmente poi c’è la morte di un diciassettenne, con tutte le conseguenze del lutto, e cioè la fiction stessa.

A coronare questo polpettone (nel senso di una pietanza fatta di tanti ingredienti, per carità), senza alcun motivo, durante una panoramica di un parcheggio, indugiamo per qualche lungo secondo su un pulmino dal quale scende un gruppetto di ragazzi down. Meno male, adesso non manca proprio niente.

L’impressione è che in Italia non si riesca a mantenersi su un nucleo narrativo solido, piuttosto quando si opta per progetti importanti come questo si sente sempre il bisogno di allargare lo spettro dell’indagine alla società tutta. E così ogni volta si producono film che durano mezza giornata e che per ovvi motivi hanno come unico sbocco possibile la televisione. Nonostante una disponibilità di tempo tanto generosa alcune situazioni sono ugualmente poco approfondite e nebulose. Il rapporto romantico fra un’immigrata e il poliziotto incaricato di sorvegliarla, su tutte, è superficiale, banale e assolutamente non declinato.

Considerato ciò la storia resta comunque scritta bene, uno o due personaggi sono molto intriganti e i dialoghi in alcune scene davvero sopra la media. Insomma non stiamo parlando di una soap con Gabriel Garko. Sicuramente e genuinamente un altro livello.

La musica è curata con zelo, bella la scelta di utilizzare tanta classica; alcune svolte registiche palesemente cinematografiche non passano inosservate; pulita la fotografia che ricerca riflessi arditi in scene come quella in cui il volto di un uomo si riflette negli occhi della donna che ama, ed appare e scompare ad ogni battito di ciglia.

Le linee narrative migliori e i momenti più toccanti sono riservati all’amore, delicati e sentimentali al punto giusto, a onor del vero ben fatti, tra le coppie Balducci-Liskova e Santamaria-Neuvic. Proprio Neuvic e Fantastichini regalano performance da brividi.

Quest’ultimo dichiara di avere una visione rosselliniana della TV che dovrebbe educare le masse, aumentare la qualità della loro coscienza civile, insegnare a combattere l’intolleranza, a promuovere l’integrazione e l’armonia; proprio quello che ottiene a suo parere Le cose che restano. Non condivido, credo invece che questo prodotto rischi troppe volte di ottenere l’effetto contrario, di essere noioso e di scoraggiare in ultimis lo spettatore. In tutta onestà se non fossi stata invitata a vederlo senza soluzione di continuità in una sala cinematografica, e non avessi accettato causa casting furbetto di Santamaria, i troppi elementi di piattezza dell’intreccio, la mancanza di colpi di scena, la poca affezione sviluppata con la vicenda e soprattutto la vocazione troppo generalista della serie non mi avrebbero affatto invogliato a collegarmi di settimana in settimana per gli episodi successivi.

Le cose che restano andrà in onda in prima serata su Rai Uno dal 13 Dicembre. Ve lo consiglio, come blando sonnifero.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

CHE NE PENSI DI QUESTA FICTION?

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Criccintervista - Johnny Knoxville e Chris Pontius, Jackass 3D

noreply@blogger.com (Cricci) — Sat, 04 Dec 2010 12:20:00 +0000

Una sala molto candida e accogliente, un perfetto tavolo rotondo, acqua, bicchieri e mentine. Ci aspettiamo che da un momento all'altro ci venga vuotato un secchio di fango in testa o qualcuno alle nostre spalle ci seghi d'improvviso le gambe della sedia. Invece Johnny Knoxville e Chris Pontius arrivano pacati e sorridenti, limitandosi ad un semplice insulto nella nostra lingua, così, per ricordarci che siamo qui per parlare di Jackass.

Si comincia con le curiosità più ovvie mentre Johnny pondera con concentrazione le sue risposte e Chris prende a disegnare fiamme tribali su una cartellina, lanciando un occasionale sguardo spiritato in giro per la sala.

A Jackass è tutto vero e realizzato con l'unico scopo di divertirsi e far divertire. Niente ragionamenti, niente aspirazioni altre. Niente di artistico, a parte, ci tiene a sottolineare Knoxville, qualche pene qua e là.

L'idea è quella di un cartone animato vivente, ispirato all'animazione Warner, come Tom & Jerry e Road Runner. Ma tutto nasce in realtà dal padre di Johnny, proprietario di una fabbrica di pneumatici che amava sorprendere i propri dipendenti con guerre di pistole giocattolo e lassativi nel latte. Un vero modello. Di rimando, alla sua progenie lo stesso Knoxville lascia fare scherzi ma non esperimenti pericolosi. Chi l'avrebbe detto che uno che si lancia da una collina con una moto d'acqua potesse essere un genitore coscienzioso.

Jackass è pura stupidità, chi guarda la serie, ci confessa il suo creatore, lo fa' perché gli ricorda come passa o vorrebbe passare il tempo con i propri amici, ma soprattutto perché è affezionato alla truppa, con la quale s’identifica epidermicamente.

Si gira per sette mesi e mezzo, montando il materiale lungo la strada. Due settimane di lavoro alternate ad altrettante di riposo utili a rifocillare il corpo e la mente dalle continue tensioni di chi è costretto a proteggere costantemente la propria vita dagli attacchi a sorpresa dei colleghi. Noi siamo al sicuro però, ci tengono ad aggiungere, colpi al cuore e ossa rotte sono un regalo che si fanno solo l'un l'altro.

Ci assicurano di vivere lo show anche nella vita, anzi, è proprio a telecamere spente che il gioco si fa duro e le situazioni cominciano a sfuggire di mano. Cioè, più fuori del vulcano-ano? Qualunque cosa sia non la voglio sapere.

Il bilancio del film è in attivo, con il 25% di donne in più in sala rispetto all'ultima uscita (chi vorrebbe perdersi l'opportunità di vedere dei peni in 3D?) e con un trauma cranico, spalla slogata, punti sulla mano, colpo della strega e dente saltato causa dildo-bazooka (un vibratore volante lanciato con un fucile ad aria) sul referto medico di Knoxville.

Ci vuole esercizio, i protagonisti si tengono in forma come possono per far fronte all'impegno fisico. Guardo nei loro occhi e capisco che molto ha a che fare con bicipiti torniti ad alzate di gomito e addominali scolpiti a forza di risate.

Anche la messa a punto dei vari numeri non è sempre semplice, trovare le giuste reazioni alle candid-camera può richiedere molto tempo e dedizione. Per la scena in cui nonno e nipote si succhiano la faccia e si tastano le chiappe sono stati fatti prima alcuni tentativi in un ristorante, sperando che i commensali intervenissero, e poiché invece ognuno continuava a fissare il proprio piatto la banda ha dovuto cambiare strategia, trasferendo la scenetta sulla strada.

Si sostiene che negli anni il format sia migliorato, con più energia e maggior spirito. Dando più spazio a tutti i membri del gruppo, meglio rappresentati rispetto al passato, si permette a Knoxville di rifiatare un po’ e si rinfrescano le idee. Ciò che divertiva un tempo forse ora non diverte più, ma con la maturità dei personaggi hanno acquistato nuovo spessore i contenuti. Non posso credere di aver appena scritto una frase del genere su Jackass...

Chris Pontius ci dice che Steve-O la chiama una malattia progressiva. E questo penso riassuma il tutto effettivamente molto bene.

Arriva poi il momento degli argomenti più impegnati.

Johnny racconta che dopo Jackass 2 ha preso una pausa di tre anni dalla recitazione per produrre alcuni documentari, ma adesso ha intenzione di riarruolarsi sulla nave dei film hollywoodiani. Chris Pontius, che ora è intento nella rappresentazione di un messicano col sombrero, invece si può ammirare in Somewhere di Sophia Coppola.

Non c'è più MTV nel futuro di Jackass, ma se siamo fortunati forse un altro film.

Sull'inutile 3D, mi permetto questo guizzo opinionistico, Knoxville sostiene di essere stato inizialmente scettico, ma quando ha visto i marchingegni costruiti appositamente per lo show così da permettere di continuare a registrare il prodotto come lo si era sempre fatto, senza che il cast dovesse preoccuparsi delle telecamere, ne è stato conquistato. Pontius esce dalla sua trance aggiungendo che finalmente è nata la tecnologia che permette a Jackass di esprimersi nella sua pienezza. Grossi punti interrogativi sui nostri volti, e anche sui vostri se vedrete il film, vi accorgerete che di tridimensionale c'è ben poco, a parte, appunto, qualche pene.

(Cristina Fanti)

da filmfilm.it

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We Want Sex - Made in Dagenham

noreply@blogger.com (Cricci) — Fri, 03 Dec 2010 23:30:00 +0000

Atmosfere da Billy Elliot per questa commedia che cosparge di zucchero a velo e confettini colorati un evento storico di portata internazionale, condensando una storia di rivendicazioni sociali in una girandola di situazioni e personaggi che però mancano del mordente necessario per essere considerati speciali.

L’industria cinematografica inglese conferma ancora una volta di amare i film in costume nostalgici e accattivanti, e incarta insieme commedia e dramma con un bel fiocchetto dalle nuance anni 60.

Questa è Dagenham, anno domini 1968. Nella fabbrica della Ford un gruppo di 187 donne cuce rivestimenti per sedili di automobili in uno scantinato al cui interno l’acqua piovana gocciola dal soffitto e per il caldo si lavora in reggiseno, ciarlando come dal parrucchiere e mettendo in imbarazzo qualsiasi collega di sesso maschile irrompa in tale regno. Quando per loro si prefigura un abbassamento del salario, sostenute da un affettuoso sindacalista (Bob Hoskins), questo drappello di cotonate elegge la timida e pacata mamma di famiglia Rita (Sally Hawkins) come propria rappresentante al tavolo delle contrattazioni. Inaspettatamente la piccola donna stravolge le carte in tavola e con un impeto di risolutezza chiede che il salario femminile venga portato al livello di quello degli uomini, dichiarando sé e colleghe ufficialmente in sciopero. La sua determinazione contro lo scetticismo dei loro datori di lavoro, colleghi e persino mariti le aiuterà a lasciare un marchio nella storia d’Inghilterra e aprirà la strada alla legge sull’uguaglianza del trattamento economico due anni dopo.

Il film è un insieme d’illuminazione pittoresca e graziose performance che accecano e nascondono qualsiasi forma di reali ambiguità, conflitto e complicazioni. La scelta non è scavare nel contesto, e questo è chiaro fin dalle prime inquadrature, ma non si può pretendere di mostrare credibilmente la storia se con essa si gioca distratti e veloci. Spariscono per non offendere nessuno ogni amarezza e senso di oppressione generalmente associati alle lotte industriali, e così ci si trincera dietro l’assoluta condivisibilità della tematica centrale; chi se la sentirebbe di essere in disaccordo con il desiderio di uguaglianza? Il consenso facilmente si forma sull’idea che combattere il maschilismo sia un’istanza apolitica.

Mantenendo il tono volutamente poco complicato e solare, e facendo in modo che tutti gli antagonisti abbiano modo di redimersi, ogni sentimento rivoluzionario e potenziale drammatico sono succhiati via, ottenendo così la rappresentazione più leggera che si possa immaginare sul tema del rischiare tutto per una giusta causa.

Sally Hawkins è spinta oltre il limite della naturalezza quando a ogni frase trema d’indignazione con gli occhi gonfi di disprezzo. Del suo talento è fatto molto buon uso invece nelle scene in cui interagisce con il marito.

Questa tendenza all’esasperazione si ripete anche nella sceneggiatura stessa, che sottolinea molto marcatamente temi e chiavi di svolta.

Ogni personaggio ha i suoi quindici minuti di gloria e così tutti sono contenti di questo prodotto: gli attori, perché hanno modo di lavorare e mettersi in mostra; il regista, perché un attore soddisfatto vuol dire il 70% di problemi in meno; e il pubblico, perché è appagato da uno sfarfallio di colori primari. Eccetto che il pubblico non è contento affatto.

Il film è sicuramente piacevole agli occhi ma resta superficiale. Puntando tutto sul divertimento piuttosto che sui saldi ideali seppur presenti nella storia, e così attuali, è reo di populismo e alla ricerca di un facile successo, ma tutto ciò che riuscirà a ispirarvi è solo una flebile risata.

Alcuni punti semi-femministi sono lanciati qua e la ma tuttosommato questa vuole essere ed è un’avventura calda e idealista che sconfigge la dura regola delle difficili battaglie, spesso perse, dei lavoratori.

Alla Festa del Cinema in sala con noi erano presenti alcune delle vere protagoniste della rimostranza. Chissà cosa avranno pensato rispetto a questo gesto che ha definito la loro vita, una generazione, e un po’ il mondo intero, e che ora passa davanti ai loro occhi come una sfilata di capi d’abbigliamento vintage durante la quale poco è mancato che tutto il cast cominciasse a sculettare sulle note di “Hot Chocolate” a la Full Monty.

(Cristina Fanti)

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Jackass 3D

noreply@blogger.com (Cricci) — Sat, 27 Nov 2010 14:34:00 +0000

Bisogna intervistare Johnny Knoxville, la prossima settimana a Roma per presentare Jackass 3D.

Io? Jackass?? Dai, mi ha fatto ridere un totale di due volte in tutta la mia vita ed entrambe quando ero al liceo, sono certamente, abbondantemente, fuori dal suo target.

Non a caso dopo appena mezz’ora di proiezione comincio a intessere un forte carteggio di e-mail dal cellulare.

Per chi non conoscesse il fenomeno, si tratta di uno show televisivo affacciatosi nel 2000 su MTV in cui un drappello di deficienti esegue numeri pericolosi e disumani esperimenti. Una frase emblematica di questo ultimo capitolo della saga (passato al cinema con due precedenti uscite per motivi apparentemente inspiegabili, ma forse se dico “soldi” non ci vado molto lontana) afferma che i cardini della serie sono, perdonate il francese ma rispetto la proprietà intellettuale citando meticolosamente, “merda, vomito e adrenalina”. Non si dicono bugie, questo film, e con disgustata rassegnazione uso questo termine, ne è pieno.

La dinamica del “documentario”, così categorizzato su IMDb, è la seguente: ogni scherzo, ogni prova, ogni candid camera realizzata da questi “somari” (in traduzione letterale il titolo del franchise) inizia con l’esecutore che declina le proprie generalità in caso d’imminente morte e con il titolo dell’impresa che appare in sovraimpressione e buca la terza dimensione.

Abbiamo un ricco carnet di straordinarie esecuzioni delle quali non si poteva proprio fare a meno: lancio della freccetta tramite flautolenza con successiva perforazione di un palloncino gonfiato ad aria e tenuto tra le natiche del partner, sempre tra le natiche una mela mangiata da un maiale (e anche da un uomo), seduta di bunjee jumping dentro un WC chimico usato, cocktail di sudore bevuto dallo stesso uomo della mela e infine un bel plastico di una verde campagna solcata da un trenino con un piccolo vulcano che erutta – il vulcano per farla breve è un ano.

Una succinta lista giusto per nominare i picchi più salienti. Per il resto alcuni stunt sono apprezzabili, salti ed evoluzioni con vari mezzi di locomozione. Le scene d’apertura e di chiusura sono quasi stonate, con ralenti e art direction interessante fra ricerche cromatiche ed effetti speciali ben realizzati. Inutile credo sottolineare che il 3D non ha motivo di essere.

Evitando ogni forma di vana retorica, in soldoni, mi sono annoiata, sono stata disgustata in alcuni passaggi e in generale ho rosicato di aver sprecato il mio tempo e due biglietti della metro per guardare una decina di decerebrati che pensano ci interessi vederli dare sfogo alle loro voglie masochistiche (vere? Architettate per inventarsi un lavoro?).

Può essere che io sia cromosomicamente impossibilitata ad apprezzare le loro gesta, anche se, sono sincera, mi ha strappato un sorriso la prova della flautolenza e del palloncino, impressionante emissione d’aria. Gli uomini in sala dal canto loro hanno dato prova di gradire, ridendo fragorosamente durante quasi tutta la mia via crucis. Diversi, deo gratias.

Non so se si possa ridurre tutto a una mera questione sessista, forse come i protagonisti della pellicola sono affascinati dall’arte del vomito esiste qualcuno, a prescindere dal sesso, a cui piace osservarne la messa in fieri.

Per quanto mi riguarda lo stanziamento di denaro per produrre e distribuire questa merda (per usare un termine che anche i “somari” capiscano) è vergognoso e veramente al di là di ogni mia comprensione.

L’industria non concede scrupoli e la mente è perversa, questa la lezione che porto a casa oggi. Chiederò a Johnny Knoxville la sua opinione a riguardo.

(Cristina Fanti)

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