AgendaPoetica2025

C’è ancora tempo (la scadenza è stata prorogata al 25 novembre) per aderire all’iniziativa dell’Agenda Poetica di NTL Nuova Tribuna Letteraria, molto apprezzata da autori e lettori nei quattro anni precedenti (la prima edizione fu quella per il 2021). Ovviamente la proposta è rivolta a tutti, non soltanto agli abbonati. Nel regolamento allegato tutte le informazioni, ma scriveteci tranquillamente per ogni eventuale chiarimento!

Stefano Valentini

The post AgendaPoetica2025 appeared first on Venilia Editrice.

 

---

STRUTTURA DELL’OPERA

---

---

CARATTERISTICHE TECNICHE

– Formato A5 (15×21 cm)

– 174 pagine a colori

– Carta patinata Magno Volume da 150 grammi

– Rilegatura a spirale

– Copertina da 400 grammi con plastificazione lucida

The post È disponibile CineAgenda2025 appeared first on Venilia Editrice.

La Giuria composta da collaboratori della rivista e coordinata da Stefano Valentini, esaminati in forma anonima i componimenti pervenuti nei termini stabiliti dal bando riservato agli abbonati, ha designato le dieci poesie finaliste, elencate seguendo l’ordine alfabetico degli autori:

Brivido di Claudio Carbone (Formia, Lt), Facciamo ritorno al cuore di Vincenzo Caruso (Tremestieri Etneo, Ct), Le nuvole sopra il granaio… di Roberto Casati (Vigevano, Pv), Non si scappa dalle vespe di Stefano Colli (Grosseto), Ultima notte d’estate di Carmelo De Marco (Messina), Cappella degli Scrovegni di Marina Enrichi (Padova), Monferrato di Grazia Fassio Surace (Moncalieri, To), Ancora primavera di Mirco Invernali (Monza, Mb), Il prato verde di Francesco Maria Mosconi (Ivrea, To), Il silenzio dell’acqua di Vito Sorrenti (Sesto San Giovanni, Mi).

La Giuria ha deliberato inoltre di segnalare le poesie di Giovanni Barison (Varallo Pombia, No), Maria Gabriella D’Armi (Civitella Casanova, Pe), Cristina Gaiani (Villanova di Camposampiero, Padova), Giacomo Giannone (Torino), Giuseppina Mazzocato (Crocetta del Montello, Tv), Domenico Novaresio (Carmagnola, To), Antonio Rossi (Berchidda, Ss), Ferruccio Zanin (Treviso). I testi segnalati saranno pubblicati su questa rivista a partire dal prossimo numero.

Le poesie finaliste che pubblichiamo di seguito (l’ordine alfabetico è modificato esclusivamente per ragioni di impaginazione grafica), come da regolamento, vengono ora sottoposte al giudizio dei lettori i quali dovranno esprimere la loro preferenza entro il 31 dicembre 2024 attraverso l’apposita scheda allegata alla rivista o inviando un messaggio (oggetto “Voto poesia 2024”) all’indirizzo email nuovatribuna@yahoo.it. Si ringraziano fin d’ora i lettori che avranno la sensibilità di partecipare alla consultazione.

BRIVIDO

Dammi la serenità degli elementi

quando si combinano in allegria

senza nulla pretendere dammi figlio

l’audacia dei frammenti

che si ricompongono dopo un cataclisma

Fammi avere la fluidità dell’acqua

attraverso i ricordi in piena

sopra gli ostacoli della crescita

Prenditi l’eredità delle tradizioni

custodiscile ad evitare il caos

come l’abbraccio di alba e tramonto

dopo l’incertezza del giorno

Lascia agli occulti desideri

il muto evolversi della scena

allorché tenore e soprano

irrompono nell’arsura dei sensi

a regalarti un brivido.

Claudio Carbone   Formia (Lt)

FACCIAMO RITORNO AL CUORE

Facciamo ritorno al cuore

     se abbiamo smarrito la via

     e il senso della vita.

Facciamo ritorno al cuore

     che oblia il male ricevuto e perdona,

     che guarda all’oltre dell’oggi

e delle fragilità dell’uomo,

     che ha compassione delle comuni ferite e dolori,

     che ama sempre, custode d’una scintilla di luce

     che, a volte seppur fioca, rimane sempre accesa.

Facciamo ritorno al cuore,

quando sembrano mancare speranza e sogni,

per ripartire, come in nuova vita

e ri-esistere.

Vincenzo Caruso   Tremestieri Etneo (Ct)

LE NUVOLE SOPRA IL GRANAIO…

Le nuvole sopra il granaio

raccoglievano i tuoi passi stanchi

il campo di spine e neve

nell’ultimo fuoco, nel fumo

di numeri carne ed ossa,

raccontava il dolore inutile dell’altalena.

Nessun bimbo a dondolarsi

a coccolare sogni sui capelli rasati.

Non c’erano ancora farfalle

ma nel taciuto avamposto della cenere

si sentiva il profumo del mare

e scivolava stanca la promessa

un viaggio con la tua sposa

cercando asilo per nuove parole.

Roberto Casati   Vigevano (Pv)

NON SI SCAPPA DALLE VESPE

Non si scappa dalle vespe

me lo dici con quella risata

così radiosa da far invidia al firmamento.

Io ti guardo e ammutolisco

stregato dalla tua bellezza

ogni parola sarebbe superflua

per questo sono figlie dei poeti

così inutili in questo gran mercato

dove tutto va esposto in vetrina

con il cartellino bene in vista.

La vespa si posa sul bicchiere

ne saggia il bordo ma io non ci bado

mi basta abbeverarmi alla tua bocca

da cui escono parole misurate

alla tua pelle chiara che pare avorio

alle tue mani delicate che donano grazia

a me che cado verso il crepuscolo

verso la notte. La vespa

è volata via, lontana

e io mi riprendo il bicchiere

come a volermi aggrappare al ricordo

di questo momento, prima

che si eclissi, anch’esso, nel bagliore

di un mattino d’estate.

  Stefano Colli   Grosseto

ULTIMA NOTTE D’ESTATE

Nudi sulla battigia

ubriachiamo i corpi

di acqua salmastra.

La luna piena poggia

i suoi raggi d’argento

sulle forme dei sessi,

ci spoglia dell’ombra

che li nasconde bagnati

alla spuma del mare nero.

La risacca ignora

le buone maniere,

ritira il suo lenzuolo

e la luna illumina

un unico corpo,

le labbra incollate,

il respiro del piacere.

Carmelo De Marco   Messina

CAPPELLA DEGLI SCROVEGNI

Una Oooh di stupore sul viso

come il cerchio perfetto

così leggendario

che un giorno tracciasti.

E la storia di Dio

che si fa storia umana

ci conquista improvvisa

al vederla.

Troppi anni di vita

chiederebbe il racconto

che tu, Giotto, dispieghi

su pareti affrescate

al Divino

che in ognuno di noi

nel profondo dimora.

Ho negli occhi l’incontro alla porta dell’Oro

dei due Coniugi Santi

il castissimo bacio dell’amore sponsale.

Ho negli occhi la roccia che precipita al suolo

dove il Cristo deposto viene accolto

e da mani e da braccia protese

dal dolore straziate.

Nell’azzurro sovrano impazziscono gli angeli.

Terra al cielo si fonde

nel compianto al Messia.

Ma soltanto l’umano percorso è concluso

“Ora tutto è compiuto” disse il Figlio dell’Uomo.

Ma i colori di Giotto danno gloria e splendore

al Risorto Signore.

E tu piccola chiesa,

famosissima al mondo

che Scrovegni ti chiama,

puoi riprendere ancora

Il tuo titolo antico

alla “Carità Santa di Maria” dedicata.

Marina Enrichi   Padova

MONFERRATO

Le mie colline hanno dolci fattezze

morbide pezze di terra a vigne

pioppi degradanti sul torrente

prati e stagni ove andavamo

zingare fanciulle a litigare

con altrettanti monelli.

Le mie colline hanno fattorie

con piccole finestre

orlate di mattoni

aie calde di bambini

e nebbia chiara che dai prati sale

negli umidi mattini.

Le mie colline hanno cuore mente

memoria

rammentano i passi che per celia amore

lavoro o guerra le hanno calpestate

ricordano un uomo appeso

a tegole rosse tra spicchi di cielo

che salutava una vita.

Grazia Fassio Surace   Moncalieri (To)

ANCORA PRIMAVERA

Una notte chiara brilla sotto le arcate

come una galleggiante lama di falce liquida;

ha il profumo d’un fiore

di magnolia ubriacata dalla brezza,

ha una schiera di biocchi che corre dentro uno specchio

a portare il tepore dell’aria e ricordi.

Forse ve l’hanno detto: quando dalle sue grotte

esce fuori il vento, quando il ragazzo insonne

dentro il suo letto sente l’urlo della primavera

e le gemme del sangue rimescolato bruciano

dentro i suoi rami,

c’è un non so che nel cuore, come di linfa

dolce, un non so che di strano mentre s’accende il giorno.

Si ripetono i segni del tempo:

l’arrotino che dà la voce, le porte, il vino,

gli ombrelli,

le finestre aperte sulla strada; e gli orti, pare,

stendono un tappeto di verde chiaro,

le adolescenti scoppiano nelle vecchie magliette,

i materassi sono stesi al sole;

e tutto, tutto è una bandiera che sbatte sopra il carro

nuovo di primavera.

Il carro di primavera lo tirano cavalli

con fiocchi e sonagliere e ferri nuovi

e l’aria intorno ride per gli schiocchi

d’una frusta invisibile e profuma.

Di giorno in giorno il sole allunga la sua strada,

si drizza sopra i tetti:

le nubi che si sciolgono, senza più lacrime,

la luce chiusa da mesi dentro le lampade,

nelle case,

le rondini tornate, i tigli che spandono fiocchi,

il verde tenero del grano che non si può vedere

senza sperare,

tutto torna al mio cuore che batte

ancora una volta.

Mirco Invernali   Monza

IL PRATO VERDE

Quando il tramonto farà impallidire il cielo

ti porterò con me nel verde prato.

Gli eredi delle quattordici dinastie

come serpenti hanno mutato la pelle

ma la storia incide il loro lento cammino

fra resti di battaglie e tenebre d’inferno.

Quando la pioggia avrà posato lacrime sulle foglie

tu verrai con me nel verde prato.

Il pianto disperato del bimbo orfano

geme a memoria sulla tomba di Oscar Romero

mentre gli altri continuano il cammino di Cristo

varcando i confini verso la verità.

Allora io e te nel verde prato

vedremo il tramonto della luna

e la luce del sole sulle ali di un gabbiano.

Le foglie degli alberi danzeranno nell’aria

beffandosi delle menzogne di Jaime Abdul Guitierrez

innalzando l’urlo dal cuore della madre

perché giunga a risvegliare il Dio del pueblo.

Francesco Maria Mosconi   Ivrea (To)

IL SILENZIO DELL’ACQUA

Nei suoi occhi il silenzio dell’acqua

che non trova sbocchi per fluire al mare.

Nel suo cuore il tumulto della preda

assiduamente braccata da una belva feroce.

Nel suo fiato le note appassite

del mirto sfiorito e delle speranze deluse.

L’osservo, turbato, mentre sfoglia a ritroso

le foto sbiadite del suo paradiso perduto

e geme sotto il peso d’un amore mostruoso

che infuria imperioso sulla sua anima offesa

dalle promesse mancate, che non osa

denunciare gli abusi e le violenze subite

del suo feroce aguzzino,

e un uncino di pena mi uncina l’anima.

Vito Sorrenti   Sesto San Giovanni (Mi)

The post La Poesia del 2024: le finaliste appeared first on Venilia Editrice.

Esce oggi ELIO PETRI. VOLEVO FAR SAPERE. Dichiarazioni alla stampa pubblicato da ALTROMODO.

Dopo PAROLA SOLENNE. DIALOGHI E VISIONI NEL CINEMA DI ELIO PETRI (Venilia Editrice, 2021), Natale Luzzagni torna ad occuparsi del regista romano. Si tratta di un ricco volume (532 pagine) che raccoglie interviste, recensioni ed interventi pubblici nel periodo 1960-1983.

PIANO EDITORIALE

1. CONTENUTO DELL’OPERA

Il volume illustra l’attività professionale del regista Elio Petri utilizzando numerosi documenti ricavati dagli archivi storici della stampa nazionale nel periodo 1960-1983. Giornali e riviste d’epoca diventano delle fondamentali fonti per raccogliere le dichiarazioni ufficiali del regista romano e importanti testimonianze dei più importanti critici cinematografici.

Il volume privilegia testi raccolti da i tre quotidiani nazionali – Corriere della Sera, La Stampa, L’Unità – che vantano i più assortiti e corposi archivi storici.

Gli articoli presi in considerazione presentano le firme di un nutrito numero di critici: Mirella Acconciamessa e Aggeo Savioli (L’Unità), Paolo Valmarana (Il Popolo), Callisto Cosulich (Paese Sera, Il Piccolo, ABC), Giovanni Grazzini (La Nazione, Corriere della Sera), Fernaldo Di Giammatteo (Gazzetta del Popolo, La Stampa, Bianco e nero, Rivista del cinematografo), Natalia Aspesi (La Notte, Il Giorno, La Repubblica), Maurizio Liverani (Paese Sera), Alfredo Barberis (Il Giorno), Morando Morandini (L’Ordine, La Notte, Il Giorno), Valentino De Carlo (La Notte), Lietta Tornabuoni (L’Espresso, L’Europeo, La Stampa, Corriere della Sera), Gian Luigi Rondi (Il Tempo), Guglielmo Biraghi (Il Messaggero), Alberto Ceretto (Corriere d’informazione), Domenico Meccoli (Epoca), Angelo Maccario (Corriere della Sera), Alfonso Madeo (Corriere della Sera), Carlo Galimberti (Corriere della Sera), Paolo Cervone (Corriere della Sera), Franco Occhiuzzi (Corriere della Sera), Lina Sotis (Corriere della Sera), Piero Zanotto (La Stampa), Liliana Madeo (La Stampa), Tullio Kezich (Panorama, La Repubblica, Corriere della Sera), Lina Coletti (L’Europeo), Enzo Siciliano (La Stampa), Adele Gallotti (Stampa Sera), Elena Doni (Il Messaggero), Valerio Riva (L’Espresso). A questi nomi vanno aggiunti quelli di prestigiosi intellettuali – Alberto Moravia, Mario Soldati, Ennio Flaiano, Tommaso Chiaretti, Luigi Chiarini – che si sono misurati con la materia cinematografica e, nel caso di questo libro, con l’analisi delle opere filmiche di Elio Petri.

Attraverso la sintesi del materiale giornalistico – ampiamente virgolettato e, talvolta, offerto in forma integrale – emerge il carattere originale della produzione cinematografica di Elio Petri e l’attivismo culturale e politico che ne ha contraddistinto l’attività di fine polemista fuori dal set.

2. STRUTTURA DELL’OPERA

Il libro si compone di una parte introduttiva che sintetizza la storia professionale di Petri e i fondamenti ispirativi del suo cinema. Nell’anticipare il carattere dei rapporti di Petri con la stampa, si fa riferimento anche ai rilievi che i giornali francesi hanno riservato al regista capitolino. Un dettagliato percorso biografico conclude la prima parte del volume.

A partire dal 1960 – anno in cui Petri inizia a cimentarsi come regista del primo lungometraggio, L’assassino – il libro è strutturato in singole sezioni dedicate, anno per anno, al contesto culturale, artistico e politico in cui prendono forma le dichiarazioni del regista e i rilievi critici che riviste e giornali gli riservano. Gli articoli scelti contengono, nella quasi totalità dei casi, esplicite dichiarazioni del regista. Fanno eccezione alcuni contributi giornalistici (recensioni, testi critici, fondi) che – pur in assenza della “voce” del cineasta – per il prestigio degli autori o per l’interesse dei temi scelti nell’analisi dei film del regista romano, meritano un opportuno rilievo.

3. CONTRIBUTI SPECIALI

Il libro si compone di un apparato fotografico con oltre 170 istantanee in bianco e nero (alcune delle quali inedite) e numerosi riferimenti documentali provenienti dall’archivio del Fondo Petri presso il Museo del Cinema di Torino. Nel volume sono presenti estratti giornalistici relativi al racconto del panorama cinematografico che, anno per anno, illustra i frequenti interventi della censura ministeriale, le iniziative dell’Anac (Associazione nazionale autori cinematografici), le partecipazioni ai festival internazionali e gustose note di costume.

Il volume è acquistabile solo attraverso i nostri canali al prezzo di 35 euro + spese postali.

Natale Luzzagni

ELIO PETRI. VOLEVO FAR SAPERE. Dichiarazioni alla stampa

Formato 21×21 cm, Pagg. 532

ALTROMODO, Lozzo Atestino (Pd), Aprile 2024

Euro 35,00

Per informazioni e ordini scrivere a ordinivenilia@yahoo.com  

o telefonare al 338.5865311.

The post Esce oggi ELIO PETRI. VOLEVO FAR SAPERE appeared first on Venilia Editrice.

È nato ALTROMODO

Venilia e Valentina Editrici sono liete di informare che nel 2024 è nato ALTROMODO. Si tratta di un marchio che va ad impreziosire i nostri prodotti editoriali. ALTROMODO sarà presente in particolari collane di testi, soprattutto quelle ad indirizzo artistico e fotografico. Permetterà di arricchire i volumi con immagini accattivanti e formati speciali. L’idea nasce dalla necessità di dare un’ulteriore svolta alla nostra esperienza grafica, convinti come siamo di poter ottimizzare la combinazione tra testi ed immagini. Il nuovo marchio ALTROMODO comparirà anche in una gamma di prodotti quali serie di poster, manifesti e riproduzioni artistiche. Chi vorrà saperne di più può contattarci o attendere le novità che riporteremo in questo spazio web.

Per celebrare l’evento abbiamo realizzato una serie poster a colori in formato 70×50 e 70×100 cm con frasi tratte da celebri film. Per ulteriori informazioni chiamateci al 338 5865311. A presto!

The post È nato ALTROMODO appeared first on Venilia Editrice.

Milan Kundera

Il libro del riso e dell’oblio

Nel luglio di quest’anno ci lasciava lo scrittore ceco Milan Kundera. Il libro del riso e dell’oblio, pubblicato per la prima volta nel 1978, è stato definito dallo stesso autore come un «romanzo in forma di variazioni». L’opera ruota attorno al pericolo dell’oblio: se una nazione perde la cognizione della propria storia e memoria è destinata inevitabilmente a soccombere e scomparire

Negli archivi Rai è presente un’intervista del 1980 in cui Milan Kundera parla di Il libro del riso e dell’oblio. Il testo che accompagna il documento video chiarisce gli aspetti fondamentali dell’opera: «Ciò che interessa Kundera è il problema dell’oblio: partendo da un episodio del comunismo cecoslovacco realmente accaduto, Kundera parla di “oblio organizzato”, ossia dell’uso strumentale della dimenticanza che i regimi totalitari utilizzano per mantenere il potere. Kundera ritiene che se una nazione perde la cognizione della sua storia e della sua memoria è destinata a scomparire, a soccombere. Un tema, questo, che anche a distanza di anni noi potremmo applicare a molti aspetti delle nostre società, benché libere e democratiche. Il romanzo Il libro del riso e dell’oblio è diviso in sette sezioni eterogenee, apparentemente non coese perché costituite da materiali diversi: informazioni storiche, aneddoti autobiografici e, naturalmente, materia romanzesca. Dalla vicenda grottesca del ritocco fotografico ai danni di un ex eroe del comunismo cecoslovacco (l’episodio realmente accaduto da cui Kundera prende spunto per la sua narrazione), alla storia intima di una vedova che lotta per mantenere intatti tutti i ricordi che ha di suo marito, Kundera vuole indagare i meccanismi della rimembranza e dell’oblio».

IL LIBRO

Questo è l’incipit del romanzo: «Nel febbraio 1948 il dirigente comunista Klement Gottwald si affacciò al balcone di un palazzo barocco di Praga per parlare alle centinaia di migliaia di cittadini che gremivano la piazza della Città Vecchia. Fu un momento storico per la Cecoslovacchia. Un momento fatale, come ce ne sono uno o due in un millennio. Gottwald era circondato dai suoi compagni e proprio accanto a lui c’era Clementis. Faceva freddo, cadevano grossi fiocchi di neve, e Gottwald era a capo scoperto. Clementis, premuroso, si tolse il berretto di pelliccia che portava e lo posò sulla testa di Gottwald».

Boemia, 1971. Mirek dice: la lotta dell’uomo contro il potere è la lotta della memoria contro l’oblio. Di mestiere fa il manovale in un cantiere edile, e venticinque anni prima ha avuto una relazione con Zdena. Mirek tiene un diario in cui annota tutte le riunioni riguardo la situazione politica fin troppo opprimente che stanno vivendo lui e i suoi compatrioti, e decide di trasferire i documenti compromettenti dove non possano essere rintracciati, ma prima vuole assolutamente recuperare qualcosa da Zdena, la sua vecchia amante: lettere. Lettere che proprio lui era solito inviarle. Mentre Mirek è diretto verso di lei, però, nota dallo specchietto della macchina che qualcuno lo sta seguendo… Karel e Markéta sono una coppia. La mamma di Karel ha da poco perso il marito, e così, vedendola triste e sola al funerale, i due decidono di invitarla a stare da loro per una settimana. Markéta è adulta ormai, e le considerazioni negative che aveva fatto tempo prima sulla suocera sono cambiate. Ad un tratto le sembra quasi “piccola e indifesa come un bambino”. Domenica la coppia ha un impegno, ovvero accogliere una loro amica, Eva, che abita distante e ha intenzione di sostare una notte dai due amici. La mamma però rimane inaspettatamente un giorno in più del previsto, e aspetta con Karel e Markéta la misteriosa Eva, donna di una bellezza procace, che i due spacceranno per una lontana cugina. La serata prende una piega inaspettata, e la mamma si rivela un grande ostacolo per i tre…

Romanzo in forma di variazioni, diviso in sette parti, ciascuna delle quali narra una storia indipendente dalle altre, ma collegata indissolubilmente sul piano tematico. La narrazione segue scorrevole e le riflessioni sono fortemente critiche nei confronti della cornice storica entro cui si collocano i personaggi. Non sono sempre gli stessi però, i personaggi. Cambiano di racconto in racconto, eccetto due parti che sono prettamente autobiografiche, e il personaggio di Tamina, che compare due volte, nella quarta e nella sesta parte. È l’alter ego femminile di Milan Kundera. Tempo prima è stata costretta a fuggire dal suo paese natio, e ora cerca di recuperare diari che conservava segretamente e che sono il ponte con il suo passato. Fa di tutto pur di non dimenticare il volto del marito scomparso, ed è anche per questo che i suoi vecchi diari acquisiscono una tale importanza, “(…) giacché se il vacillante edificio dei ricordi crollasse come una tenda mal montata, di Tamina non resterebbe che il mero presente, questo punto invisibile, questo nulla che avanza lentamente verso la morte”. Si contrappongono vari tipi di oblio; tra i quali uno politico (o meglio “organizzato”, come lo definisce l’autore stesso) e uno umano. Quello politico è un tipo di oblio che è necessario per chi è al potere, in un contesto totalitario. Un oblio che cancella tutto ciò che si potrebbe rivoltare contro un tale governo, compresa memoria storica, e s’impone sontuoso a depennare ogni forma di resistenza ideologica. E Kundera non è di certo estraneo a questo tipo di regime, che dopo la Primavera di Praga ha costretto l’autore a fuggire, proprio come Tamina. L’altro è un tipo di oblio che accade. È una carenza umana, non imposta da nessuno se non dalla difficoltà di rievocare momenti, persone, volti. Così succede al padre di Kundera, che in una delle due parti autobiografiche del romanzo cessa di ricordare le parole stesse a causa di una malattia che lo sta portando alla morte. Gran parte dei temi verranno ripresi nel romanzo L’insostenibile leggerezza dell’essere, ma già qui lo scrittore ceco li sviluppa profondamente. La prosa leggera e al contempo così pesante ripercorre l’interiorità di personaggi che cercano di riconciliarsi con sé stessi attraverso il proprio passato, in una Boemia oppressa e disillusa.

Di questo libro Kundera ha scritto: «Nel Libro del riso e dell’oblio, la coerenza dell’insieme è data unicamente dall’unicità di alcuni temi (e motivi), con le loro variazioni. È un romanzo, questo? Io credo di sì». E lo stesso vale per i numerosissimi lettori che questo libro ha avuto dal 1979 a oggi e che vi hanno riconosciuto una delle più audaci imprese letterarie del nostro tempo: un «romanzo in forma di variazioni». Cambiano totalmente i personaggi e le situazioni, in ciascuna delle sette parti in cui (come d’obbligo in Kundera) il libro si divide. Ciascuna è autosufficiente e tutte si susseguono «come le diverse tappe di un viaggio che ci conduce all’interno di un tema, all’interno di un pensiero, all’interno di una sola e unica situazione la cui comprensione, per me, si perde nell’immensità». Su tutto, un gesto si mostra con peculiare insistenza: il tentativo di sottrarsi alla cancellazione di ciò che è avvenuto. Come dice un personaggio del romanzo: «la lotta dell’uomo contro il potere è la lotta della memoria contro l’oblio».

Alcune citazioni tratte da Il libro del riso e dell’oblio

«Le persone affascinate dall’idea del progresso non intuiscono che ogni passo in avanti è nello stesso tempo un passo verso la fine».

«Con un oroscopo, in effetti, si può influenzare a meraviglia, anzi dirigere, il comportamento delle persone. Si può facilmente raccomandare loro certi comportamenti, distoglierli da altri e condurli all’umiltà con sottili allusioni a catastrofi future».

«Le donne non cercano gli uomini belli. Le donne cercano gli uomini che hanno avuto donne belle».

«Anch’io ho danzato in girotondo. Era la primavera del 1948 […] Poi, un giorno, ho detto qualcosa che non dovevo dire, sono stato espulso dal partito e ho dovuto uscire dal cerchio. È stato allora che ho capito il significato magico del cerchio. Quando si è allontanati da una fila, è ancora possibile tornarci. È una formazione aperta. Ma il cerchio si richiude, e per questo, quando lo si lascia, è per sempre. Non per caso i pianeti si muovono in cerchio, e la pietra che se ne stacca si allontana inesorabilmente, spinta dalla forza centrifuga. Simile a una meteorite staccatasi da un pianeta, io sono uscito dal cerchio e non ho finito, ancora oggi, di cadere. Ci sono persone alle quali è dato morire durante la traiettoria e altre che si schiantano alla fine della caduta. E queste ultime (delle quali faccio parte) serbano sempre dentro di loro una sorta di segreta nostalgia per il girotondo perduto, perché tutti siamo abitanti di un universo nel quale ogni cosa gira a cerchio».

«Gli uomini gridano di voler creare un futuro migliore, ma non è vero. Il futuro è solo un vuoto indifferente che non interessa nessuno, mentre il passato è pieno di vita e il suo volto ci irrita, ci provoca, ci offende, e così lo vogliamo distruggere o ridipingere. Gli uomini vogliono essere padroni del futuro solo per poter cambiare il passato».

«Sa bene di cosa si tratta. Gli fanno sapere che ha ancora cinque minuti di tempo per proclamare a gran voce che sconfessa tutto quello che ha detto e fatto. Conosce questo tipo di commercio. Sono pronti a vendere a un uomo il futuro in cambio del suo passato. […] Lo costringeranno a dare un calcio alla sua vita e a diventare un’ombra, un uomo senza passato, un attore senza parte, a trasformare in un’ombra anche la sua vita buttata via, anche quella parte abbandonata dall’attore. Così, trasformato in un’ombra, lo lasceranno vivere».

«Nei tempi in cui la storia camminava ancora lentamente i suoi non copiosi eventi si potevano facilmente ricordare e creavano uno sfondo a tutti noto davanti al quale si svolgeva l’emozionante teatro delle private avventure umane. Oggi il tempo avanza a passi veloci. L’evento storico, dimenticato in una notte, brilla già l’indomani della rugiada della novità, così che nel racconto del narratore non costituisce più lo sfondo, ma una sorprendente avventura che si svolge sullo sfondo della ben nota banalità della vita privata».

«Ricorderete certo questa scena vista in decine di brutti film: un ragazzo e una ragazza si tengono per mano e corrono in un bel paesaggio primaverile (o estivo). Corrono, corrono, corrono e ridono. Le risa dei due corridori devono annunciare al mondo intero e agli spettatori di tutti i cinema: siamo felici, siamo contenti di essere al mondo, siamo d’accordo con l’essere! È una scena stupida, uno stereotipo, e tuttavia esprime un atteggiamento umano fondamentale: il riso serio, il riso al di là dello scherzo. Tutte le chiese, tutti i fabbricanti di biancheria, tutti i generali, tutti i partiti politici sono d’accordo su questo riso e tutti si precipitano a piazzare l’immagine dei due che corrono ridendo sui manifesti che fanno propaganda alla loro religione, ai loro prodotti, alla loro ideologia, al loro popolo, al loro sesso e al loro detersivo».

«Considerare il diavolo un partigiano del Male e l’angelo un combattente del Bene significa accettare la demagogia degli angeli. La faccenda, in realtà, è più complessa. Gli angeli sono partigiani non del Bene, ma della creazione divina. Il diavolo, invece, è colui che nega al mondo divino un senso razionale. Come si sa, angeli e demoni si spartiscono il dominio del mondo. Tuttavia, per il bene del mondo non occorre che gli angeli abbiano il sopravvento sui demoni (come credevo quando ero bambino), ma che i poteri degli uni e degli altri siano all’incirca in equilibrio. Se nel mondo c’è un eccesso di senso incontestabile (dominio degli angeli), l’uomo soccombe sotto il suo peso. Se il mondo perde tutto il suo senso (dominio dei demoni), è altrettanto impossibile vivere. Le cose che vengono private di colpo del loro senso presunto, del posto assegnato loro nel preteso ordine delle cose (un marxista formatosi a Mosca che crede agli oroscopi), provocano in noi il riso. All’origine, il riso appartiene dunque al diavolo. Vi è in esso qualcosa di malvagio (le cose si rivelano di colpo diverse da come volevano farci credere di essere), ma anche una parte di benefico sollievo (le cose sono più leggere di come apparivano, ci lasciano vivere più liberamente, smettono di opprimerci con la loro austera serietà)».

«I bambini sono senza passato ed è questo tutto il mistero dell’innocenza magica del loro sorriso…».

(Alfonso Genovese, Palomar, n.41, novembre 2023)

The post Milan Kundera | Il libro del riso e dell’oblio appeared first on Venilia Editrice.

Personaggi

Filoteo Alberini

L’italiano che inventò il cinema

Un’incursione tra la fine dell’800 e i primi del ’900, quando un pioniere italiano rischiò di passare alla storia come l’inventore del cinematografo. Ma così non fu, varie vicissitudini e il suo carattere mite lasciarono onori e gloria ai fratelli Lumière

Il libro di Giovanna Lombardi Filoteo Alberini. L’italiano che inventò il cinema (Europa Edizioni, Roma, 2021) racconta la vita, i progetti e i sogni artistici di un pioniere del cinema tra i più sconosciuti dei tanti che godono fama di essere i padri del cinema: la nascita nel marzo 1867 nella cittadina toscana di Orte ancora sotto lo Stato Pontificio, un nome antiquato e anacronistico, un impiego modesto al catasto di Firenze, un tipo sì curioso e abile come falegname, fabbro, stagnino ma anche incostante per inseguire altri progetti che nel frattempo gli sono frullati in testa senza preoccuparsi, prima, di ottenerne il brevetto. è attratto immediatamente dalla macchina fotografica di un ambulante, va a 17 anni a Roma e frequenta la scuola tecnica, quella di disegno e nudo, gli istituti scientifici ma non affronta mai gli esami. Dopo il servizio militare, per la sua predisposizione alla fotografia, viene reclutato dall’Istituto Geografico Militare di Firenze e, congedato, nel Catasto. Si sposa, ha due figli ma non manca di averne anche fuori dal matrimonio.

La riproduzione delle immagini ha origine nella notte dei tempi: le ombre cinesi, la lanterna magica fin dalla metà del Seicento con successo nelle fiere e nelle piazze come nei salotti aristocratici e borghesi, i dischi rotanti, le immagini fotografiche su carta e su lastre di vetro, il fucile fotografico, il cronofotografo, il kinetografo di Dickson, il kinetosopio di Edison (1893). Edison costruisce anche il primo teatro di posa e apre la prima sala di visione pubblica a New York con biglietto d’ingresso di 1 nickel (5 centesimi). Si tratta però ancora di proiezione “dentro la scatola” e, quando nel 1896 presenta la sua macchina “completa” di ripresa-proiezione, la Vitagraph, è già battuto in Europa dai fratelli Lumière, dai fratelli tedeschi Skladanoswky e dall’italiano Alberini che l’hanno preceduto nel 1895. Il “kinetografo” di Alberini è una macchina di ripresa e di proiezione, filma 16,6 fotogrammi al secondo (16 fotogrammi al secondo è la velocità standard fino al cinema sonoro che nel 19 passerà a 24)

In Germania i pionieri sono Max ed Emil Skladanowsky, figli di un “mercante di immagini”, i quali inventano il Bioscopio e proiettano in pubblico numeri di varietà con la famosa Danse serpentine il primo novembre 1895. I fratelli Lumière, Louis e Auguste, sono figli di un fotografo di Lione, hanno fatto studi scientifici e tecnici, affiancano all’azienda del padre una piccola fabbrica di lastre fotografiche al bromuro d’argento d’altissima sensibilità che presto prospera (300 operai, 15 milioni di lastre). Ispirato da un sogno, Louis inventa il congegno per l’avanzamento della pellicola alla velocità di 16 fotogrammi al secondo (il “piedino” delle macchine da cucire per far avanzare il tessuto) e con la loro agevole macchina da ripresa, proiezione e stampa 0rganizzano la prima proiezione pubblica al Gran Cafè al n. 14 del Boulevard des Capucines con schermo di tela, un centinaio di sedie, ingresso 1 franco: 28 dicembre 1895.  Spettatori solo trentatrè, la stampa invitata non si presenta, lo spettacolo con una decina di film (scene di circa 1 minuto): L’uscita dalle fabbriche Lumière, L’arrivo del treno alla stazione di Ciotat, riprese di vita familiare. Nel 1897, convinti che la loro invenzione non avrà successo, si ritirano dal “mercato cinematografico” e nel 1902 cedono i diritti del loro “cinematographe” a Charles Pathé.

A questo punto entra in scena Louis Augustin Le Prince, nato a Metz, laureatosi a Parigi in “arte pittorica”, studi di chimica e di fisica, direttore di esposizioni e viaggiatore tra Parigi, Londra, New York il quale tra il 1886-’88 sperimenta un apparecchio de presa e proiezione con pellicola perforata Kodak e un dispositivo d’avanzamento a Croce di Malta. Il 16 settembre 1890 sale sul treno espresso Digione-Parigi, con una valigia piena di brevetti, prima di partire con tutta la famiglia per gli Stati Uniti, ma da quel momento scompare senza lasciare traccia: non si ritroverà mai né cadavere né bagaglio. Recentemente sono stati rinvenuti fotogrammi di alcuni brevi filmati (3”) e un opuscolo stampato da un suo collaboratore, che testimonia i risultati ottenuti da Le Prince e accusa Edison di essersi avvalso delle sue ricerche per costruire le proprie macchine di ripresa e di proiezione. Le Prince realizza i primi film della storia del cinema nel 1887-’88 (7 anni prima della proiezione Lumière!) riprendendo un uomo che cammina vicino ad un angolo di strada.

Alberini e i Lumière. A giudizio della Lombardi, Alberini va posto accanto ad Edison, ai fratelli Skladanowsky, ai Lumière, a Le Prince. Alberini vede il kinetoscopio per fotografia animata Edison in un negozio di Piazza Vittorio Emanuele nell’ottobre-novembre 1894 e dice di averci lavorato due mesi per il suo kinetografo, cioè nel dicembre 1894 e gennaio 1895. I fratelli Lumière sono contraddittori nel dichiarare la data del loro brevetto: quella ufficiale sarebbe il febbraio 1895 ma Louis, in una intervista del 1935, sostiene di aver brevettato il cinematografo per la prima volta il 12 gennaio 1895 e, in un’intervista a Georges Sadoul del 1946, cita invece il 13 febbraio 1894, dichiarando di aver realizzato il suo primo film nell’estate del 1894. In realtà, dati alla mano, lo storico Bernard Chardère sostiene che nell’agosto 1894 Louis Lumière “non aveva né pellicola né macchina da presa” e quindi L’uscita dalle officine Lumière sarebbe stata girata il 19 marzo 1985.

Alberini apre la prima sala cinematografica a Firenze, il “Reale Cinematografo Lumière”, nel 1899, dopo aver ottenuto l’autorizzazione da un agente Lumière; visita gli stabilimenti a Lione nel 1905, si confronta con Luis sul cinema stereoscopico sul quale anche il francese sta lavorando, ma già in una gita a Parigi (e forse anche a Lione) nel 1895 incontra Charles Pathé che, agli inizi del ’900, acquista il brevetto Lumière e diventa uno dei più importanti produttori mondiali di macchine cinematografiche. Va però anche detto che i nipoti di Alberini hanno sempre raccontato ai figli come i Lumière avessero  “rubato” il cinema allo zio. Ma non c’è dubbio che a loro spettano i meriti di aver perfezionato le invenzioni dei predecessori e dei contemporanei e di aver realizzato la prima proiezione pubblica.

In ogni modo va riconosciuto che il passaggio dalla fotografia alle immagini in movimento ha più di un padre. Tra i pionieri italiani è doveroso ricordare il fotografo modenese Italo Pacchini che, nel 1897, si costruisce una macchina da presa senza brevetto e gira brevi film sull’esempio dei Lumière: Arrivo del treno alla stazione di Milano, Battaglia di neve…; nello stesso anno anche il genovese Luigi Sciatto realizza una macchina da presa-proiezione e gira Scene di vita genovese mentre Oreste Pasquarelli, che abita in provincia di Alessandria, con il suo apparecchio non proietta le immagini ma le stampa su carta albuminata: Ciclisti a Torino. Sempre nel 1897 il trasformista romano Leopoldo Fregoli passa una settimana a “curiosare” negli stabilimenti dei due fratelli a Lione, modifica la loro macchina con la sua “Fregoligraph” e realizza film di 20’ da lui interpretati (Fregoli al caffè, Fregoli al ristorante, Un sogno di Fregoli…) come attrattiva per i suoi spettacoli. Sono film “a trucchi”, quando Georges Méliès era ancora ignorato in Italia. Nel 1898 il romano Luigi Topi, abile meccanico, apre in Piazza in Lucina una specie di lunapark dove, tra le altre attrattive, c’è anche il cinematografo. Tra i suoi brevi filmati sembra abbia girato una Passione di Cristo e continuerà a far l’esercente per molti anni.

Alberini esercente. Il cinematografo dei Lumière arriva in Italia con le proiezioni organizzate dal fotografo torinese Vittorio Calcino nel corso del 1996 a Roma e a Milano (marzo), a Napoli (aprile), Torino (novembre) ma lo spettacolo delle “fotografie animate” non incontra il successo sperato. A Firenze, dove risiede Alberini, la prima visione ha luogo nel gennaio 1897 ma, secondo studi più recenti, già qualche mese prima con una macchina Edison. Queste prime proiezioni in pubblico vengono effettuate in locali di ristoro, in teatri e fiere. Francesco Felicetti, agente dei Lumière per l’Italia, è tra i primi ad aprire un locale sotto i portici di Piazza Vittorio Emanuele a Firenze. Da lui Alberini ottiene il permesso di gestire una sua sala cinematografica, il “Lumière”, con soggetti variati, prezzo d’ingresso basso, macchina da proiezione di ultima produzione, pubblicità degli spettacoli sui quotidiani, visioni per un pubblico indifferenziato, per famiglie distinte e speciali per le scuole, apportando per di più sulla pellicola la novità della coloritura a mano. A far concorrenza ad Alberini è un esercente ferrarese, Rodolfo Remondini, con la sala “Eden”, con il kinetoscopio Edison che ha il vantaggio di sincronizzare le immagini con il fonografo, a prezzi d’ingresso di 30 centesimi (rispetto ai 20 del cinema Alberini), con spettacoli quotidiani che si prolungano dalle 17 alle 24, programmi vari e improntati all’attualità in Italia e all’estero (I funerali di Umberto I°, Il disastro di Castel Giubileo, La guerra in Cina), strumentalizzando anche la fede con “quadri religiosi” (Leone XIII che benedice la folla). Nell’aprile 1901 Alberini è costretto a chiudere il “Lumière” ma a dicembre riapre con il “Cosmorama”, sala di proiezioni fisse e animate (tra i film Il viaggio sulla luna di Méliès), al quale Remondini contrappone visioni di eventi importanti della vita cittadina e la ripresa, durante lo spettacolo, dei presenti che possono ritornare, la settimana successiva, a vedersi sullo schermo. Con il suo “Edison” Remondini continuerà le proiezioni fino all’aprile 1902 mentre Alberini, che non ha mai smesso di fare l’impiegato al catasto, quando l’ufficio viene trasferito a Roma, lo seguirà nella capitale e grazie al finanziamento di una misteriosa “Compagnia Americana” (forse la Massoneria) apre il “Moderno”, di cui non risulta proprietario ma direttore tecnico con il compito di procurare le pellicole, dirigere il personale, assumere i pianisti per le esecuzioni musicali, con la presenza di due maestri che eseguono le musiche d’accompagnamento durante le proiezioni. La sala di prim’ordine, la perfezione del macchinario, i soggetti a colori, le pellicole di Méliès e di Fernand Zecca o d’attualità (La commemorazione di Porta Pia, Il disastro di Marino ), la comica finale e, sull’esempio di Remondini, l’autocompiacimento del pubblico a rivedersi assicurano al “Moderno” un grande successo per cui, con l’acquisto delle migliori macchine di proiezione Pathè e con la presenza di lui stesso in cabina accanto ai proiezionisti, Alberini aprirà e gestirà all’insegna del moderno comfort, dell’eleganza e del buon gusto altre sale a Napoli, Ferrara, Orte, Bari, Messina.

Alberini e la prima casa di produzione italiana. Al cinema “Moderno” Alberini proietta anche brevi film d’attualità, da lui stesso girati in giro per l’Italia. Spinto per natura a cambiare e a migliorare, s’associa con un amico di Orte, Dante Santoni, che si è arricchito come appaltatore e speculatore di Borsa e fonda nel 1902 una casa di produzione sulla via Appia Nuova, la Alberini & Santoni. Lo stabilimento ha intorno una vasta area, con una immensa vasca per realizzare pellicole nautiche, e vi lavorano 50 operai. La casa di produzione è in grado di effettuare le riprese, il montaggio, la stampa e la colorazione dei film. Inoltre Alberini non si limita ad assoldare dei pianisti per accompagnare dal vivo la proiezione, ma incarica dei musicisti per comporre partiture originali per orchestra. Il primo film a soggetto è La presa di Roma (1905), l’entrata a Roma attraverso la breccia di Porta Pia dell’esercito italiano con l’occupazione dello Stato Pontificio: è lungo 250 metri, contro i 150 delle contemporanee pellicole francesi e inglesi, e la durata è di 10 minuti. Dei suoi film Alberini è produttore (con l’apporto finanziario della Massoneria), sceneggiatore e coordinatore delle scelte artistiche, cioè regista. Con La presa di Roma inventa anche il genere cinematografico storico-celebrativo nel quale, qualche anno dopo, Enrico Guazzoni con Quo vadis? e Giovanni Pastrone con Cabiria (sceneggiato da Gabriele D’Annunzio) raggiungeranno una spettacolarità di portata mondiale. Non basta: documenta le ricerche sperimentali in campo fisiologico del professor Osvaldo Polimanti, inaugurando la cinematografia scientifica di grande valenza didattico-educativa

La Alberini&Santoni si trasforma in Cines. La casa di produzione Alberini&Santoni dura appena qualche mese e realizza una dozzina di titoli perché i due soci cedono l’impresa ai Pouchain, padre e figlio, potente famiglia romana di industriali e affaristi, che le danno il nome di Cines, l’affidano ai tecnici esperti della Pathé Frères, vi fanno lavorare ben 150 persone e realizzano, tra il 1907-1908, un centinaio di titoli, diventando la maggiore “manifattura italiana” a livello mondiale con filiali a New York, Londra, Parigi, Berlino, Mosca, Vienna, Varsavia, Kiev, Buenos Aires. Intanto i vecchi stabilimenti, non coperti da assicurazione, sono nel 1907 distrutti da un incendio. Anche la prima Cines (1906-1910) ha vita breve, a causa delle spericolate operazioni finanziarie e di un’espansione affrettata e azzardata. Vi subentra il presidente del Banco di Roma, Ernesto Pacelli (zio del futuro Papa Pio XII), che si orienta verso una migliore qualità di film come quelli storici e biblici del regista Enrico Guazzoni, ex decoratore del cinema “Moderno” di Alberini (Il trionfo della luce), che realizza come detto Quo vadis?, kolossal che per lunghezza e spettacolarità segna l’avvento del lungometraggio italiano e che viene distribuito in tutto il mondo, di Mario Caserini ex scenografo, di Nino Oxilia regista di Rapsodia satanica con commento musicale di Pietro Mascagni. Dopo che la Cines, associata da un setificio di Padova, viene ceduta negli anni 1916-1919 ad un acquirente francese, è costituita l’UCI (Unione Cinematografie Italiane) che riunisce tutte le principali aziende cinematografiche d’Italia, al fine di evitare una dannosa concorrenza. Infine, negli anni 1930-1934, rinasce la terza fase della Cines con la Società anonima Pittaluga, per l’intraprendenza di questo esercente e noleggiatore di Genova: fagocitata dal fascismo produce La canzone dell’amore, primo film italiano parlato e sonoro, e nel 1937, anno della morte di Alberini, è costruita a tempo di record Cinecittà, di cui viene eletto presidente Luigi Freddi (1940-’43) che arruola i De Filippo, Gino Cervi, Osvaldo Valenti, Amedeo Nazzari e produce una trentina di film. Poi, nel 1943, cade il fascismo e Cinecittà viene trasferita nei padiglioni della Biennale ai Giardini di Venezia, produce soltanto otto film ma tra essi c’è Ossessione, l’esordio-capolavoro di Luchino Visconti. Cines-Cinecittà riapre a Roma nel dopoguerra e rinasce splendidamente con il neorealimo, con registi e film che entrano nella storia del cinema.

Per tornare alla Cines di Alberini&Santoni, di cui il primo è direttore tecnico e l’altro cassiere, il primo ad andarsene è Santoni che acquista un hotel e si dà anche al commercio di caffè, bevande, concerti mentre Alberini fa l’esercente delle sue sale “Moderno” e “Lumière”; allestisce un teatrino di posa dove gira Raffaello e la Fornarina (1907) che include una scena cantata con l’Autocinefonio, sua geniale invenzione per concordare l’immagine con il parlato o la musica. E nel 1908 presenta il film-opera Il Trovatore, applicando il fonografo al cinematografo. Continuerà a gestire i propri cinema fino al 1919 (il “Moderno” è tuttora aperto), accanto all’attività di inventore, e fonderà nel 1918 la “Società tra gli esercenti e noleggiatori d’Italia”, di cui sarà presidente fino al 1923. Nel 1920 gira Mara su incarico dei Savoia, per i quali aveva allestito visioni private e fornito l’operatore (il nipote Bixio Alberini) per il volo dall’Europa al Giappone di re Umberto, e anche, purtroppo perduto, un giallo-western sul rapimento di una bimba da parte di una zingara, interpretato da membri della casa reale.

Alberini inventore. La vita di Alberini fu sempre operosa e animata dalla passione di inventare, innovare, migliorare. Ottiene il brevetto per il suo Kinetrografo soltanto il 21 dicembra del 1895 e appena una settimana dopo ha luogo la prima proiezione dei Lumière. Nel 1899 presenta all’Esposizione fotografica di Firenze il Cinesigrafo a serie, apparecchio cinepresa-proiettore molto più economico rispetto ai precedenti. Ormai regista ed esercente da Firenze a Roma, nel 1907 propone senza successo in Italia la “pulitrice meccanica delle pellicole cinematografiche”, vedendola invece applicata con successo in America ma riconosciuta come “opera di terzi” (p. 175). Del 1910 è il Cineorologio, un dischetto utile per cambiare e stampare film. In anticipo di decenni sulle multisale degli anni ’80, nel 1920 inaugura la Pariola, un enorme parco con sale cinematografiche, teatri, saloni per concerti, ristoranti, piste di pattinaggio, definita “la più grande platea d’Europa” (p. 179). Il finanziamento si suppone provenga non dagli amici massonici ma dall’enorme successo come luogo di divertimento per benestanti, dai guadagni ricavati dal film Mara, dalla vendita della casa di Orte. Contemporaneamente Alberini studia, progetta e realizza il cinema panoramico (1911-1923) con pellicola doppia rispetto all’usuale, cinepresa con obiettivo girevole, visione molto più ampia e simile a quella dei nostri occhi. Di essa si avvale magistralmente l’amico-regista Guazzoni per girare La Gerusalemme Liberata (1911) e Il sacco di Roma (1920). Si tratta in effetti dell’invenzione del cinemascope, utilizzato con successo nei kolossal hollywoodiani degli anni ’50 e rilanciati dalle tecnologie più avanzate del 2000. Ma anche in questo caso, durante il suo viaggio a New York del 1923, Alberini vede la sua macchina utilizzata “senza il suo permesso e per di più con l’attribuzione dell’invenzione a un altro” (p. 188). Le invenzioni di Alberini continueranno senza sosta: dalla cinematografia stereoscopica con gli occhiali (1923) all’apparecchio per la registrazione di foto rapide (1930).

Alberini muore nell’aprile 1937, nella casa in via Nazionale a Roma, completamente solo e in ristrettezze economiche: la moglie è mancata qualche anno prima, i figli si sono allontanati rinfacciandogli di aver sacrificato la sua vita al cinema e di aver sperperato molti soldi per il viaggio in America e la realizzazione della Pariola. “Il geniale inventore”, “il vero pioniere” del cinema e dell’industria cinematografica italiana è stato dimenticato da tutti. Solo il nipote Bixio è riuscito, negli anni ’50, a dedicare al suo nome il cinema di Orte. Ora questo documentato, illustrato, amoroso libro di Giovanna Lombardi – corredato di filmografia e cronologia accurate e utilissime – e, sul suo testo, il bel documentario realizzato da Stefano Anselmi (bluecinematv.com) finalmente gli restituiscono degno riconoscimento e, si spera, anche meritata fama.

Angelo Zanellato (tratto da Palomar, n.41, novembre 2023)

The post Personaggi | Filoteo Alberini appeared first on Venilia Editrice.

In attesa del prossimo numero

Una rivista come La Nuova Tribuna Letteraria, occupandosi di letteratura ed arte, contiene contributi critici e saggi che illustrano l’attività di narratori, poeti, artisti, personaggi storici. L’idea è quella di raccontare la loro attività, il senso dello spirito che li ha guidati, gli elementi che fanno delle loro opere un patrimonio imperdibile. Purtroppo, per quanto risultino stimolanti e puntuali i nostri articoli, il limite di un trimestrale come il nostro è quello di non avere sufficiente spazio per inserire l’opportuno corredo di testi e citazioni degli stessi autori trattati. Per comprendere a fondo il percorso di uno scrittore o di un pittore sarebbe necessario arricchire le nostre pagine di estratti, dichiarazioni e fotografie utili a offrire un ulteriore motivo di riflessione ed approfondimento.

Palomar, quaderno mensile di Ntl, vuole assolvere questa funzione attraverso la pubblicazione di brani tratti da libri, discorsi, interviste, corrispondenze epistolari, immagini e fotografie. Il lettore ha la possibilità di raccogliere ed archiviare pagine dedicate a personaggi della storia e della contemporaneità, trovando nuovi spunti per le proprie ricerche.

Il formato dei quaderni è quello elettronico (pdf) per ovviare alle spese di stampa e spedizione postale che rendono già problematica la sopravvivenza del nostro trimestrale cartaceo. Anche se una rivista nel suo formato tradizionale regala il piacere di poter essere sfogliata e costituisce un oggetto cui è facile affezionarsi, anche questo tipo di pubblicazione, consultabile attraverso un computer o dal proprio telefono, vi conquisterà.

Palomar è il titolo dei nostri quaderni. Raccoglie quello di un famoso libro di Italo Calvino: è un termine spagnolo che significa “colombaia”. Abbiamo scelto questo nome per i quaderni dopo aver considerato molte altre ipotesi.

Ogni quaderno è di circa 32 pagine e uscirà nei mesi in cui non è prevista l’uscita di Ntl (verso la fine di febbraio, marzo, maggio, giugno, settembre, novembre e dicembre).

Per abbonarsi a Palomar basta utilizzare le stesse indicazioni che valgono per Ntl a pagina 2. Gli interessati possono scriverci via e-mail (nuovatribuna@yahoo.it o veniliaeditrice@gmail.com) mettendo come oggetto la parola Palomar, oppure telefonare al numero 338.5865311.

Il costo annuale per i 7 numeri di Palomar è di 20 € per gli abbonati de La Nuova Tribuna Letteraria e di 30 € per gli altri. Chi deciderà di abbonarsi troverà al proprio indirizzo di posta elettronica tutti i dettagli per ricevere il file pdf di Palomar.

The post Ancora Palomar appeared first on Venilia Editrice.

John Steinbeck

Lettera al figlio sull’amore

A Life in Letters costruisce una biografia alternativa dell’iconico autore attraverso circa 850 delle sue lettere più ponderate, spiritose, oneste, vulnerabili e rivelatrici indirizzate a familiari, amici, al suo editore e ad una cerchia di personaggi pubblici noti e influenti. Nella sua corrispondenza è presente una bellissima risposta, risalente al 1958, alla lettera del figlio maggiore Thom che gli confessava di essersi perdutamente innamorato di una compagna di corso all’Università, Susan

Che cos’è l’amore è forse una delle domande esistenziali a cui è più difficile dare risposta. La più dolorosa a cui trovar risposta quando l’amore manca, o se n’è andato. La più incerta da dare quando l’amore sfugge, o è appena nato. Che cos’è l’amore quello bello e misterioso, quello brutto e paralizzate, ce lo spiega perfettamente John Steinbeck in una lettera indirizzata al figlio adolescente per la prima volta innamorato. Thom, all’epoca quattordicenne, aveva confessato ai genitori di essere disperatamente innamorato di Susan, una sua compagna di scuola. La risposta di Steinbeck, il padre scrittore e premio Nobel proprio per la sua capacità di raccontare l’animo umano, è una delle pagine di letteratura più di cuore che siano mai state scritte. C’è la protezione di un padre nei confronti del figlio, c’è l’onestà di un adulto nei confronti di un adolescente che si sta affacciando al mondo, c’è la saggezza di chi in amore ha perso e vinto, e ha imparato la differenza tra le due cose. Il risultato è quello che di più bello sull’amore sia mai stato scritto. C’è la spiegazione più vicina alla verità di che cos’è l’amore.

Steinbeck decide di non limitarsi alle congratulazioni e a esprimere la gioia di un padre, ma di rispondere alla domanda che emerge, con un po’ di pudore e paura, dalla lettera del figlio: “Non credo che tu stessi chiedendomi cosa provi. Tu lo sai meglio di chiunque altro. Tu vuoi un aiuto per capire cosa fare, e io posso dirtelo”. L’amore per una donna irrompe nella vita del giovane Steinbeck il quale, come ogni ragazzo o ragazza della sua età, è inebriato dall’eccitazione che gli procura il sentimento, ma timoroso di non sapere come comportarsi. Lo scrittore nordamericano esordisce invitando il figlio a gioire dell’amore che prova e a difenderlo: “Primo, se sei innamorato, è una cosa bella, forse la migliore che possa capitarti. Non permettere che nessuno la sminuisca o la renda meno importante”.

Lettera al figlio

New York, 10 novembre 1958

Caro Thom,

abbiamo ricevuto la tua lettera stamattina. Risponderò dal mio punto di vista e naturalmente Elaine dal suo.

Innanzitutto, se sei innamorato, questa è una buona cosa – direi che è la cosa migliore che possa succedere a chiunque. Non lasciare che nessuno la riduca a una cosa piccola e insignificante.

In secondo luogo, ci sono diversi tipi d’amore. Ce n’è uno egoista, meschino, avido, interessato, che usa l’amore per il proprio narcisismo. Questo è il tipo d’amore brutto e paralizzante. L’altro è un fuoriuscire di tutto ciò che c’è di buono in te – gentilezza, considerazione, rispetto -, che non sono solo il rispetto sociale delle buone maniere ma una forma di rispetto più grande che consiste nel riconoscere un’altra persona come unica e preziosa. Il primo tipo d’amore può renderti ammalato, piccolo e debole, ma il secondo può liberare in te forza, coraggio, bontà e perfino saggezza che non sapevi di avere.

Dici che questa non è solo una cotta da ragazzini. Se la senti in modo così profondo naturalmente non lo è. Ma non credo che tu mi stessi chiedendo cosa provi. Lo sai meglio di chiunque altro. Quello che ti serviva da me era sapere cosa fare al riguardo, e questo posso dirtelo.

Innanzitutto gioiscine e sii molto felice e riconoscente per il fatto che è successo.

L’oggetto dell’amore è la cosa più bella che esista. Prova ad esserne all’altezza.

Se ami qualcuno, non c’è assolutamente nulla di male nel dirlo, però devi ricordare che alcune persone sono molto timide e talvolta quando lo si dice bisogna tenere quella timidezza in considerazione.

Le ragazze hanno una loro maniera di capire o sentire quello che senti, ma di solito vogliono sentirselo dire.

A volte succede che quello che senti non sia reciproco per un motivo o per un altro, ma questo non rende i tuo sentimenti meno preziosi e degni.

Infine, conosco la sensazione che stai provando perché la possiedo anch’io e sono contento che la provi anche tu.

Saremo lieti di incontrare Susan. Sarà assolutamente benvenuta. Ma sarà Elaine a occuparsene perché quello è il suo campo e sarà molto lieta di farlo. Anche lei sa qualcosa dell’amore e forse può aiutarti più di me. E non preoccuparti di perdere. Se deve succedere, succederà: l’importante è non avere fretta. Le cose buone non scappano via.

Con affetto,

Papà

(Articolo tratto dal n°41 di Palomar)

The post John Steinbeck | Lettera al figlio sull’amore appeared first on Venilia Editrice.

I quadri dell’artigiano centenario

Divino e umano

Nel quadro del Realismo magico, già ampiamente trattato in questa rubrica, è opportuno sostare sulla preziosa opera di Ugo Celada (1895-1995), pittore mantovano, “escluso” per decenni dai rilievi della ribalta nazionale. Si deve al critico e storico dell’arte Flavio Caroli il merito di aver contribuito alla rivalutazione dell’artista lombardo quando, nel 1985, curò il catalogo della mostra permanente inaugurata nel paese natale del pittore. Ugo Celada nacque a Cerese di Virgilio (oggi Borgo Virgilio), a sei chilometri dalla città. Il precoce talento nel disegno indusse il padre ad avviarlo agli studi, prima nella Scuola locale di Arti e Mestieri e più tardi, col sostegno di una borsa di studio, affidandolo all’Accademia di Belle Arti di Brera. Fu allievo di Cesare Tallone, autorevole pittore ligure – amico di Ada Negri, Sibilla Aleramo, Gabriele d’Annunzio, Filippo Tommaso Marinetti – già maestro di Pellizza da Volpedo, celebre per la sua abilità di ritrattista che gli aveva garantito ben tre commissioni da parte di Margherita di Savoia. Celada si conquistò la fama fin da giovane partecipando con le sue opere a tre edizioni della Biennale di Venezia (1920, 1924 e 1926). Il vigore simbolico delle sue tele, maniacalmente realistiche e sapientemente cariche di rimandi misteriosi, lo ponevano vicino alle connotazioni “stranianti” che caratterizzavano le opere di Cagnaccio di San Pietro e Antonio Donghi. Nel 1926 riscosse un notevole successo di pubblico e di critica con il dipinto Distrazione che catturò l’attenzione del pittore e critico francese Emile Bernard, allora presidente della giuria veneziana, che definì Celada «il maggiore autore italiano». L’anno successivo, al rientro da Parigi, partecipò alla Quadriennale di Torino, mentre nel 1928 si presentò alla Galleria Scopinich e alla Permanente di Milano e nel 1929 tenne una personale alla Galleria Bardi. Si firmava Ugo Celada da Virgilio, un toponimo da maestro del pieno Rinascimento.

La precoce carriera gli permise di entrare in contatto con il “cerchio magico” dell’influente Margherita Sarfatti che al tempo sosteneva gli artisti della corrente Novecento. I favori, garantiti dal contatto con i pittori votati al culto dei valori plastici, vennero meno quando Celada, fedele alle modulazioni del suo realismo “morbido”, si distaccò dalle istanze moderniste di Sironi e Carrà, proiettati alla ricerca di un’irrituale monumentalità geometrica, spigolosa e dissacrante. Da questa corrente prese le distanze quando nel 1931 firmò con Bresciani, Nodari Pesenti, Moretti Foggia, Lomini e Arrigo Andreani un manifesto “antinovecentista”; l’iniziativa provocò una graduale discesa della sua considerazione pubblica, isolandolo dal sistema artistico e relegandolo per decenni al più severo oblio.

Già nel 1926 il pittore virgiliano aveva sostenuto e promosso il Movimento dei pittori moderni della realtà. La “poetica del movimento” sottendeva l’idea di un’arte legata alla pratica artigiana più meticolosa e attenta nella rappresentazione del reale. Fu lo stesso Celada a sintetizzarne l’assunto metodologico: «Un modo per vedere e spiegare, per cantare il divino che c’è nell’umano». La via scelta dal genio lombardo fu quella di prodursi in un paziente esercizio di stile, acceso da colori vividi e dominanti, inserito in artifici compositi, utilizzando temi iconografici quali la natura morta, il ritratto e il nudo. Ed è proprio il suo stile nitido, elegantemente definito a garantirgli il favore della borghesia colta e dei collezionisti più attenti che bramavano un prodotto della sua destrezza manuale, limpidamente visibile tanto nelle fiere espressioni dei volti quanto nei riflessi vitrei dei cristalli alla luce.

Nel suo pregevole saggio critico del 1985, Flavio Caroli rende merito al talento dell’artista mantovano: «Io non negherò che Celada cada talora in un verismo troppo meccanico e stereotipato. Ma quando penso alla misteriosa complessità del suo lunghissimo percorso; quando penso ai segreti baratti con la cultura degli anni Venti o Trenta, in un tempo in cui la pittura italiana fu importante per tutta l’Europa; quando penso che Celada supera in qualità tutti i suoi potenziali, valorizzatissimi emuli tedeschi e francesi; quando penso ai tesori di sapienza artistico-artigianale addentrata nei suoi fagiani o nei suoi peltri; quando penso agli squisiti rintocchi delle sue tende scarlatte sui guanciali bianchi come la neve; quando penso alla pulsazione dei triangoli pubici, e al desiderio che sanno ancora comunicarci; quando penso tutto questo, capisco che Celada come De Chirico diceva di Morandi – “esegue la pittura dei buoni artigiani d’Europa”. Quando penso tutto questo, concludo che il nostro artista merita di essere studiato e apprezzato come si fa di tanti grandi e piccoli maestri del passato. Perché di loro è spesso più profondo; più segnato dai crismi della vocazione; più smagliante».

(Natale Luzzagni, Ntl n.150, giugno-settembre 2023)

The post Ugo Celada da Virgilio appeared first on Venilia Editrice.