Vida Cinéfila

Crítica : O Escorpião de Jade (2001)

2015-08-19T19:14:00.001-07:00

Woody Allen é um gênio! Isso é um fato. Além de produzir um filme por ano esse simpático judeu, ou melhor, ateu de 79 anos dirigi e escreve todos os seus filmes e também é um excelente dramaturgo, além claro de músico. Mas, além disso, Allen é apaixonado pelas artes em modo geral. Seja por coisas mais finas como quadros de Picasso, van Gogh, Renoir e Rembrandt. Isso fica mais evidente em seu filme “Meia Noite em Paris” de 2011, tirando isso suas obras é uma grande homenagem a literatura, psicanálise e de certa forma uma “ode” a outros diretores que ele admira como Bergman, Fellini, Os irmãos Marx ou Ernst Lubitsch.

Mas uma coisa que fica evidente também é como ele gosta de coisas populares. Seja a pornografia que vemos em seus primeiros filmes como “Bananas” ou até em “O Escorpião de Jade” onde ele faz uma homenagem aqueles histórias “Pulp’s” dos anos 40, onde tínhamos como os heróis ou anti-heróis os detetives que faziam tudo para desmascarar um bandido, mas isso não queria dizer que ele era totalmente integro e de boa índole. Nisso recordamos de um gênero que estava em alta na Hollywood dos anos 40 e 50, o “Noir”. Allen é um grande fã de Humphrey Bogart que tinha realizado “O Falcão Maltes” do diretor Howard Hawks. Podemos ver admiração dele no filme “Sonhos de um Sedutor” ou “Play It Again, Sam” uma homenagem ao filme de Michael Curtiz “Casablanca”.

Em “O Escorpião de Jade” Allen faz um detetive de seguros. CW Briggs é o típico detetive bonachão e machista que não suporta que as mulheres mandem nele e também odeia não conseguir resolver um caso. Em contraponto temos a nova funcionaria onde CW trabalha é a competente e “workaholic” Betty (Hellen Hunt) que vive para o trabalho e tem um caso escondido com o seu chefe que é interpretado por Dan Aykroyd. Quando eles vão na festa da firma e encontram um hipnotizador, Betty e CW são hipnotizados e sempre que surge uma palavra chave eles fazem algo. E assim CW começa a roubar jóias de grandes mansões sobre o comando do hipnotizador. Logo ele é acusado do furto e é preso, mas algumas reviravoltas o fazem fugir da cadeia e assim sua vida vira de cabeça pra baixo.

O legal desse filme é como Allen trabalha a época em questão os anos 40 e assim coloca várias coisas comuns da sociedade moderna coisas como mulheres no mercado de trabalho, feminismo e também o assedio. Claro que não gritado e sim de uma forma suavizada. A melhor crítica é a comedia e o sarcasmo e nisso Woody Allen é um mestre, coisa que podemos ver em todos os seus filmes. A genialidade do diretor é incrível quando ele trata com alguns temas como o sexo, mulheres e a vida e morte. Suas tiradas a cada frase é de uma genialidade que deixa bobo. Recomendo muito para verem os filmes dele, ainda mais que a “netflix” está com algum dos seus filmes em catalogo. Então é só aproveitar e ver de perto sua genialidade comprovada.

Nota:

Crítica: Suspeita (1941)

2015-07-27T17:03:00.002-07:00

Hitchcock talvez seja o sinônimo de perfeição no cinema. Nunca um diretor soube como equilibrar a trama, com boas atuações e uma direção incrível. Acho que sua filmografia já fala por si só como os clássicos absolutos como “Psicose”, “Janela Indiscreta” e “Um Corpo que Cai”. Além de saber se equilibrar no suspense, daí que vemos seu apelido como “Mestre do Suspense”. Alfred Hitchcock também vai para outros gêneros como a comedia e também sabe como fazer um excelente filme.

Em “Suspeita” temos várias assinaturas pessoais que vão seguir em sua carreira. Como sua obsessão pelo assassinato, a culpa, mulheres fortes e também como somos enganados facilmente em vários momentos. Esse é o primeiro filme em que Hitchcock aparece como produtor. O filme foi escrito com a ajuda da sua mulher Alma Reville, Samson Raphaelson que tinha escrito também “O Cantor de Jazz” e “A Loja da Esquina” do diretor Ernst Lubitsch. Joan Harrison outra roteirista que completa esse time criativo já trabalhou anteriormente em alguns filmes do mestre do suspense como “Rebecca, a mulher inesquecível” e “Estalagem Maldita”. Podemos notar várias referencias ao “noir”, mas talvez um “noir” inverso. Invés da “dama falta” temos um homem que é interpretado por Cary Grant, num excelente papel de um playboy falido que tenta manter as aparecia, mas mesmo assim só se mete em confusões e por outro lado temos sua esposa Joan Fontaine, uma mulher forte e inteligente que aos poucos vai descobrindo a verdadeira face de seu marido. E claro outra referencia é como o perigo é mostrando em tela. Temos as cortinas que forma na sombra o aspecto de uma grade de prisão e como a palavra ou até o sentindo “murder” é colocado em cena. Na parte em que ela está jogando “scrubes” com o marido e um amigo dele e os dois discutem sobre um terreno e o que aconteceria se o seu sócio morresse, vemos como as engrenagens começam a se encaixar na mente de Lina (Fontaine) e ela forma “assassino” no jogo e ela percebe que seu marido talvez seja um “serial killer”.

Os diálogos precisos e também as atuações completa dos personagens fazem o filme girar de um modo criativo e também inesperado, visto pelo seu final apreensivo e revelador. É gozado como algumas decisões podem alterar para sempre um filme. Caso é em “A Suspeita” onde no roteiro Johnnie (Grant) era para ser um assassino cruel e o estúdio decidiu mudar essa parte. O que foi muito bem colocado e que deixou o filme mais leve e muito mais real com as situações propostas. Uma curiosidade é que Joan Fontaine foi à única atriz a ganhar o Oscar num filme de Hitchcock.

Em “A Suspeita”, mostra todo o conteúdo criativo de Hitchcock, como sua facilidade em lidar com questões humanas como o egoísmo e também as ações das pessoas com outras e a tolerância, assunto que fica ainda mais palpável em outro filme do diretor que é “Marnie - Confissões de uma ladra”. Acho que o começo do diretor em seus filmes é um gigante começando a andar com passos grandes e que aos poucos começa a correr para nunca mais parar. É incrível como os filmes do diretor conseguem ser atuais e também deixar o publico tenso não importando quantas vezes você já viu o filme. Acho que esse é o mérito do “mestre do suspense”.

Nota:

Crítica: O Ultimo Matador (1996)

2015-07-17T07:07:00.000-07:00

Um dos gêneros mais pessoais que eu gosto é o western e o cinema samurai, por assim dizer. Mas se analisarmos bem os dois se encontram, vendo por grandes clássicos como os filmes Akira Kurosawa com “Yojinbo” e os “Sete Samurais” ambos refilmados excelentemente, um pelo cinema americano e outro pelo italiano.

Mas é incrível que mudando alguns elementos, propósitos ou até etnias o filme ganha outro aspecto. Que foi o caso de ‘Yojinbo” que nas mãos de Sergio Leone virou “Por uns dólares a mais”, ele colocou o western americano em cena,usando um personagem cativante de poucas palavras e implacável que é o “Homem sem nome” e também os propósitos dos personagens, bem esse ultimo continua o mesmo, já que a principal características de ambos é o dinheiro, e lucrar em cima de algo.

Em 1996 o diretor “Walter Hill” que já havia dirigido filmes muito bons como o clássico “Warriors”, “Inferno Vermelho” e as duas partes de “48 horas”. Hill que adaptou a história de Kurosawa e colocou alguns elementos novos, no caso tirou o “velho oeste” e colocou a máfia no lugar e o filme se passa nos anos 30 ou 40, já que não temos a data certa do ocorrido no filme. Mas bem, o que mais deixou o filme esquecido, é a ambientação e como toda hora temos que lembrar que não estamos no western e sim num mundo, mas moderno. O maior erro do filme foi isso, invés dele colocar o filme numa cidade grande no caso “Chicago” já que o filme vive citando esse lugar, ele preferiu usar o velho oeste mesmo. Jericho, perto da fronteira do México, é onde a história se passa. Mas realmente valeu a pena mudar isso? O filme parece mais um “western spagheti” B.

O filme começa com a narração de John Smith (Bruce Willis), que alias a narração é o que acompanha o filme em todas as cenas. Isso deixou o filme lento e previsível. Com a chegada do desconhecido na cidade, ele provoca a curiosidade de duas famílias de mafiosos. Não sabemos o passado de Smith e nem o que aconteceu para ele ir para aquele fim de mundo. O que sabemos só é que Smith é um ótimo atirador e vive pelas suas regras. Logo ele começa a ver o terreno onde está pisando e decide lucrar com isso, e trabalha para as duas famílias mafiosas rivais, colocando entre choque as duas. O roteiro não muda, é a mesma coisa se compararmos os filmes antigos do Kurosawa e do Leone, o que mais marca no caso é Bruce Willis no filme que empenha um ótimo papel, mas é prejudicado com a narração, o lance dele não falar nada e o deixar ainda mais misterioso é ofuscado com a narração, que tira esse “carisma” que o personagem apresenta.

Logo ele começa suas artimanhas e lucra bastante com isso, Mas o que vemos com um filme que poderia dar certo e ser um dos melhores filmes do “novo western” são atrapalhados e confusos. Primeiro pelos elementos que falei que é ambientação que confunde muito e toda hora você ter que lembrar que não é o velho oeste, e os planos que são poucos explorados, principalmente que a maior referencia do diretor seja Sergio Leone, séria interessante o uso dos famosos planos de “Por um punhado de dólares a mais” nesse filme.

A produção não é de todo ruim, mas alguns elementos fazem isso e prejudicam a trama bastante, como o caso que séria o conflito maior de Smith que é outro assassino o famoso “Hickey” (Christopher Walken), ele é mais descartável do que os outros coadjuvantes, não chegando a ser nenhum peso a mais para o nosso herói lidar e sim só mais um nome no filme. E isso foi tão “broxante” que você não acredita no péssimo final do filme. Mas mesmo com todos esses problemas, ele consegue nos divertir pelo menos. Mas ele chegar a ser mais um caso de um filme que poderia ser um grande épico ou até uma grande produção, mas é atrapalhado por escolhas erradas, o colocando no posto de “remakes” errados.

“O Ultimo Matador” claramente se tornou um filme de produtor, deixando o cinema de autor atrás de princípios, principalmente pelos filmes que Hill dirigiu. Parece que não foi dessa vez que tivemos um grande matador e nem um ultimo filme de um gênero que tanto gosto.

Nota:

Crítica: Entre o Amor e a Paixão (2011)

2015-07-10T16:55:00.001-07:00

Acho que nunca vi um filme como “Entre o Amor e a Paixão”. É um misto enorme de emoções, você começa com uma felicidade e depois passa para uma melancolia, daí você entra em um estado de pena dos personagens até que volta novamente para o estado de felicidade, acho que é esse o sentimento que Sarah Polley a diretora do filme quer passar para gente.

Falando da Sarah Polley que sempre foi uma atriz e começou fazendo alguns curtas-metragens, até chegar aos longas-metragens, se mostra uma ótima diretora e roteirista. Primeiro por que o roteiro é impecável nos pontos de viradas e ao compartilhar os sentimentos dos personagens e segundo pela parte técnica que é formidável, ela usa uns ângulos bem ousados e tem uma parte de uso de “travelling” que é muito bem feito. Sem contar como os personagens são bem explorados, visto pela protagonista do filme Margot (Michelle Williams) que mostra seus sentimentos pelas cores, o legal de como o filme é diferente é quando ela fica triste ou perdida com ela mesma, ela reflete isso nas suas roupas, por exemplo: Ela usa sempre roupas multicoloridas, batom com cores fortes e seu esmalte é sempre com cores vibrantes é legal que mesmo ela usando cores vivas, ela passa um sentimento de melancolia e quando finalmente ela fica bem com ela mesma, ela usa uma roupa neutra sem sentimento algum.

O filme começa na Nova Escócia, Margot está passeando para buscar inspirações para um livro e logo encontra Daniel (Luke Kirby) um estranho que começa a ter um interesse por ela, até ai o espectador é levado a crer que uma historia de amor inocente é criado. Quando os dois voltam para o Canadá, ela conta que é casada. E isso gera um estranho sentimento de raiva. Por que ela não contou antes que era casada? Seu marido Lou (Seth Rogen) é um cozinheiro especialista em frangos e divide sua atenção com Margot e sua paixão a cozinha. Alguns filmes colocam a infidelidade do personagem como uma desculpa para mostrar, o porquê de a pessoa trair, se o marido é um escroto e tal já seria um motivo de traição. Mas Lou é um doce de pessoa atencioso com a sua mulher, e nunca a deixa em segundo plano e quando Margot insiste em ter alguma coisa extraconjugal com Daniel, você fica se entender o porquê desse comportamento de Margot, ela diz que ama o marido, mas mostra outra cena e ela está em cima de Daniel o provocando.

O sentimento que a Sarah Polley quis transmitir de mostrar esse misto de “Entre o amor e a paixão” é perfeito por que realmente o que é o amor? E o que é a paixão? Um é mais forte que o outro? As tramas paralelas do filme também são muito bem feitas como o papel incrível que ficou para Sarah Silverman, de irmã de Lou, ela interpreta Geraldine uma ex-alcoólatra que ainda sofre pelo efeito do vicio. É interessante como às tramas ficam melhorando pouco a pouco e mexe com vários sentimentos internos das pessoas, mas no final você descobre que Margot é uma pessoa viciada em “começo de relacionamentos” onde se tem mais paixão e as coisas são melhores como o sexo, a convivência e depois que você vai se acostumando ela pula fora desse relacionamento.

Um bom filme para quem já viveu essa situação ou provavelmente vá viver, por que nenhum relacionamento é para sempre e mesmo que seja quem garante que as duas partes são felizes. Acho que Margot é um pouco de cada um de nós, é a pessoa que se ilude com uma nova paixão, e pensa que as coisas vão ser diferentes, é a pessoa que só quer recomeçar e recomeçar ou também é aquela pessoa que só quer a parte boa do relacionamento o “sexo”.

Mas aviso que esse é um filme dolorido por que, quem já teve essa experiência de traição pode se imaginar na pele de Lou que é pego de surpresa pela atitude de Margot e mesmo você vendo tudo isso do lado de fora ainda dói na alma sentir aquele gosto da traição.

Nota:

Crítica: Complicações do Amor (2014)

2015-07-05T21:08:00.000-07:00

Em seu primeiro longa metragem o diretor Charlie McDowell, filho de Malcolm McDowell. Consegue equilibrar um bom romance com uma ficção muito bem bolada. A história apesar de simples no começo tem um desfecho bem interessante. Apesar dele não ter escrito o roteiro isso ficar nas mãos do também estreante Justin Lader. Os desfechos são bem construídos e os diálogos muito bem elaborados. O que gostei mais no filme é como os personagens apesar do começo parecerem bem neutros, eles vão mudando e mostrando uma face que não imaginávamos ou até mesmo os personagens dentro da história não pensavam. A atuação do casal vivido pelos atores Mark Duplass e Elizebeth Moss.

“Complicações do Amor” começa com Ethan (Duplass) e Sophie (Moss) na terapia. Eles conversam de como está difícil a relação e desgastante ao mesmo tempo. O terapeuta deles que é vivido por Ted Danson, sugere que eles fiquem na casa de campo onde ele aluga para os casais se recuperarem. Decididos a mudar e também recomeçar novamente, eles embarcam até a casa. Um lugar muito bonito realmente. O legal desses filmes mais “indies” e alternativos é como eles escolhem lugares muito lindos para a gravação o que melhora e muito a fotografia do filme também. Quando eles vão para a nova casa, começamos a perceber que tudo é preparado para eles se acomodarem, voltarem a ficar juntos e tal. Mas o que não contamos e achei maravilhoso na história é uma espécie de “buraco de minhoca” que é colocado na trama e a questão de não explicarem ou tentarem dar uma explicação muito elaborada para aquilo tudo.

No começo é difícil você pegar o que está acontecendo também, não é um filme muito fácil de se assistir. Ele é um pouco complicado, ainda mais no ponto da ficção, de você tentar entender o que está acontecendo naquela casa. Até o momento que você descobre as coisas junto com o casal. Mas, afinal o que está acontecendo? Bom o que acontece é que ao entrar num outro ponto da casa, o casal tem um contato, ou melhor, uma versão melhorada deles. E o legal é que isso só funciona se cada um entrar separado do seu parceiro. Então temos Ethan conhecendo uma Sophie mais agradável ou uma Sophie conhecendo um Ethan menos paranóico e mais divertido. Assim ela se apaixona pelo seu marido de outro universo. O que causa um choque no Ethan do começo do filme. A primeira vista parece bem confuso tudo isso e realmente é. Mas o roteiro e a direção conseguem explorar e simplificar tão bem essa questão que fica fácil nos aproximar ou ter uma empatia pelo casal das duas versões.

O filme depois de um tempo brinca com essa questão de universos paralelos, misturado com o drama que eles vivem. Em certo ponto não sabemos quem está certo ou errado em se envolver com quem não se deve ou deve. Essa mistura e esses sentimentos fazem com que fiquemos confusos com nos mesmo. E isso é o maior trunfo do roteiro. Com um final bem legal, ou melhor, uma aceitação bem legal “Complicações do amor” consegue manter uma trama bem elaborada e também uma direção muito eficiente. Que só melhora como eu disse com a atuação de Duplass e Moss. Um bom filme para ver com quem se ama ou sozinho. Bom você escolhe, ou melhor, pense o que o seu eu estaria fazendo num universo diferente. É legal pensar nessas possibilidades de interação. Mas como um primeiro filme e também um primeiro roteiro para longa-metragem Charlie McDowell e Justin Lader estão de parabéns e tomares que façam mais filmes com essa mesma temática, ou melhor, até. É esperar para ver.

Nota:

Crítica: Cala Boca, Philip (2014)

2015-06-29T09:33:00.002-07:00

Alex Ross Perry é aquele típico diretor que é mais conhecido em festivais independes do que por sua grande fama com o publico, ou seja, um pequeno “nicho” o conhece. Mas isso também aconteceu com diretores como Tarantino, Robert Rodriguez, Wes Anderson e etc.

Chegando em seu terceiro longa metragem o diretor e roteirista de apenas 30 anos consegue contar uma boa história, boêmica e também madura sobre relacionamentos pessoais e interpessoais e sobre a vida também. Ao longo da produção, acompanhamos a rotina de três personagens, mas todos se apoiam em Philip (Jason Schwartzman), um escritor que não consegue alcançar seu próprio sucesso pessoal. Na verdade não sabemos o que ele quer da vida. Mesmo sendo reconhecido e tendo um retorno desse investimento que é a escrita e tal. Ele é amargo e cruel com as pessoas o tempo todo. Acho que isso é o charme de Philip na trama, por isso ele conquista o veterano autor Ike Zimmerman (Jonathan Pryce) com quem se refugia numa casa de campo. Mas vemos que Ike usou Philip como um apoio motivacional para ele voltar a escrever.

Nesse meio tempo vemos a história de Ashley (Elisabeth Moss) a namorada de Philip. O legal do filme é como o diretor aborda todos os lados. Se num momento temos a história do ator principal acontecendo, ele para de contar essa história de um personagem, e foca em outro. Em meia hora ficamos sabendo como superar um relacionamento. Ashley larga esse sentimento de ter Philip como seu namorado e assume que ele em primeiro lugar é um canalha e segundo que ele nunca a amou. Então ela supera os lugares onde eles viviam juntos, volta a frequentar bares, sair com pessoas e etc. É legal como Alex Ross Perry invoca esse espírito em poucas paginas no roteiro, achei muito real e engraçado algumas coisas mesmo sendo rápido. É fácil a identificação com os relacionamentos errados nesse ponto da história.

Voltando para Philip como protagonista, ele consegue um emprego como professor numa faculdade e assim fica por um tempo e conhece algumas pessoas como Yvette (Joséphine de La Baume), uma professora dedica que se apaixona por Philip, acredito que ele realmente se sente desejado e também tem um amor naquilo tudo. Mas como ele é egoísta e fala as coisas sem pensar e também como ele se coloca como “vitima” em várias situações, acaba afastando as pessoas. Gostei como o roteiro e as falas rápidas de todos os protagonistas conduzem o file num estilo certo e também muito divertido na trama, como o humor negro típico de Philip e a leveza que vemos a história de Ashley.

A fotografia de Sean Price Williams, no qual ele já contribui em trabalhos anteriores do diretor. Carrega um ar dramático, os pontos marrons que ele coloca em sua fotografia, mostra a antipatia do personagem. Mesmo em momentos felizes que vemos com outros personagens, a cena é escura e podemos perceber que isso da um impacto por causa da presença de Philip, a presença dele é obscura. Mas ao mesmo tempo em que ele não está em cena. Como foi o caso onde temos a historia de Ashley, onde as palhetas de cores são mais alegres e vivas também.

Um bom filme com um final bem coerente e até imaginável em certo ponto, a filmografia de Alex Ross Perry é bem nova para mim, mas já digo que sem duvidas ele já me conquistou. Agora é ver seus filmes anteriores e esperar ansiosamente pelos outros.

Nota:

Crítica: O Estranho sem Nome (1973)

2015-06-23T18:23:00.000-07:00

Revisitando a filmografia de Clint Eastwood você descobre vários filmes diferentes de sua personalidade que vai de “As Pontes de Madson”, “Gran Torino” e o genial “Menina de Ouro”. E claro coisas grotescas como “Sniper Americano”, “Curvas da Vida” e “O Estranho sem Nome”. Esse ultimo que é o segundo filme de Eastwood na direção conta com vários planos e até mesmo a história que podemos lembra da trilogia do “Homem sem Nome” de Sergio Leone. Mas a questão é que o filme foi muito mal realizado. A questão de se assumir a direção como Leone fazia com os planos médios, americanos e planos gerais se copia do começo ao fim. E assim não temos uma ousadia do diretor em seu segundo longa.

A história de um pistoleiro sem nome que chega numa cidade. Onde primeiro é visto como um vagabundo e rapidamente mudando esse “status” para um pistoleiro rápido e cruel, toma conta do filme e assim também a personalidade do estranho. Normalmente temos a presença do “anti-herói” em todo “western spaghetti”, mas o papel de Clint está mais que ultrapassado. Nas primeiras cenas já vemos um estupro acontecendo. A polemica só agrava, quando vemos ele sendo “escroto” com todos da cidade. Usando e abusando de todos, ele consegue extorquir a maioria. O que causa a fúria das principais autoridades.

Sabemos por meio de “flash-backs” quem na verdade é o estranho. Essa parte ficou bem confusa. Como ninguém lembra a cara do xerife da cidade? Essa parte em si ficou muito mal explicada. Quando temos o conflito tanto do personagem com o restante da cidade, vemos que ninguém presta em nenhum lado. Em “Sniper Americano” acredito fielmente que Eastwood quis falar algo com aquele filme, como ele quis falar nesse de 1972. Mas o que ele queria na verdade?

Ernest Tidyman, o roteirista do filme e também criador de excelentes roteiros para o cinema como “Operação França” e “Shaft”. Conseguiu deixar confusa a história. Desde o porquê da matança, chegada do estranho na cidade, suas intenções também o motivo da vingança. Apesar de ser um clássico do faroeste americano. Sua história é confusa, o filme é sem graça e também a direção de Eastwood começa grandiosa, mas acredito que os deslizes no roteiro seja o que mais prejudicou o filme. Coisa que não vemos de diretores como John Ford e até o já citado Sergio Leone. Mas como um segundo trabalho do “novato” Eastwood. O filme peca e muito, não teve nenhuma ousadia e sim conseguíamos prever cada ação ao longo da história.

O legal de ver os primeiros filmes de grandes diretores é como percebemos a evolução no estilo e também na forma de narrar à história e acredito que a premiação de Eastwood esteja ai pra provar como ele melhorou e fiz coisas lindas para o cinema. É espetacular a evolução dele aos longos das décadas. Mas “O Estranho sem Nome” é um filme pra ser visto como titulo de curiosidade e não como uma obra prima do diretor e menos como para o cinema de western. Mas confira é sempre bom ver o passado.

Nota:

Crítica: Amaldiçoado (2013)

2015-06-18T06:04:00.001-07:00

A primeira vez que vi algo falando de “Amaldiçoado” pensei que ia ser uma coisa chata sem fim. Ou um romance “teen” usando o sobrenatural como plano de fundo. Mas me surpreendi quando vi que a história é baseada no livro “Horns” do escritor Joe Hill, filho de Stephen King. Confesso que ainda não li nenhum livro de Joe Hill, apesar de ter comprado “A Estrada da Noite”. Mas deixando os livros de lado. O filme conta com Daniel Radcliffe como personagem principal.

O diretor Alexandre Aja é um veterano no terror e conseguiu equilibrar bem o filme entre um "thriller" bem elaborado, misturado com a ficção que da todo o charme da produção. Ig (Radcliffe) é um garoto que teve sua namorada morta e ele é o principal assassino. Mas contra tudo e todos ele pretende provar sua inocência mesmo que para isso ele tenha que perder sua alma. Numa noite ele quebra algumas imagens religiosas e no dia anterior ele nasce com chifres. Achei legal isso de não explicar como ou porque ele ganha esses e simplesmente ele possui. Isso nos livra de explicações bobas e também deixa a imaginação do espectador fluir livremente.

A história que é muito bem contada e tem uma trilha sonora magnífica que já começa com “David Bowie” desperta uma emoção legal. Principalmente nas cenas onde vemos o relacionamento de Ig e Merrin (Juno Temple) se desenrolar. As cenas de felicidades entram em contraponto com a dura realidade que a garota da sua vida foi morta e você está sendo acusado desse crime. Como você se comportaria? Elogiar Radcliffe parece ser redundante nesse caso porque ele realmente faz um excelente trabalho no filme. Nem lembramos ou o relacionamos como “Harry Potter”. O amadurecimento do ator para esse filme ficou ótimo e também muito bem feita. Pena que no Brasil o filme foi completamente ignorado.

A parte técnica do filme é excelente. Tanto pelo diretor de fotografia Frederick Elmes que coloca as cores quentes e frias ao mesmo tempo em cena, no qual nos remete a um “Éden” esquecido ou um misto de paraíso e inferno. Como as lembranças de Ig que são fortes e assim temos as cores mais fortes como o amarelo e o vermelho e sentimos o calor das cenas e quando ele volta pra realidade vemos as cores mais frias e também a frieza da cidade. Esse trabalho realmente ficou incrível. E não é atoa também, Elmes é diretor de quase todos os ótimos filmes que marcaram a história do cinema como os principais de David Lynch que vai de “Veludo Azul” até “Coração Selvagem”. O editor Baxter que é velho de guerra, amigo do diretor e trabalhou em quase todos os filmes que ele dirigiu faz um ótimo trabalho com a edição também.

“Amaldiçoado” é um ótimo filme que vale ser visto e reconhecido como um misto de terror e fantasia. E sai também do convencional de “teen horror”. A família King está de parabéns. O roteiro que ficou por conta de Joe Hill e também do iniciante Keith Bunin ficou ótimo e assim vemos a verdade através dos olhos de várias pessoas e o ponto de vista também. O que não deixa a história nem um pouco óbvia e chata. A “Netflix” disponibilizou o filme em sua grade então é só correr e se surpreender pelo papel de Radcliffe e também pelo excelente trabalho de Alexandra Aja.

Nota:

Crítica: O Grande Hotel Budapeste (2014)

2015-06-08T18:17:00.001-07:00

É incrível como vemos alguma cena e já podemos identificar de qual diretor aquele filme pertence. Seja por Hitchcock, Kubrick ou as viagens psicodélicas de Jodorowsky. Ou até citando os diretores mais novos, podemos notar pelas cores, ou melhor, pela paleta de cores de qual filme ele é. Exemplo David Fincher que usa sempre uma luz mais agressiva em toda a sua filmografia. Caso assim é do também Wes Anderson, um dos meus diretores favoritos. Apensar do assunto meio batido em algumas das suas histórias. Vista por “Moonrise Kingdon” onde ele muda um pouco o contexto de família, o diretor sempre retorna a esses assuntos em sua filmografia. Então sempre vemos o conflito familiar desde toda a família, irmãos ou pai e filho. E claro sua famosa simetria em todos os planos, roteiro redondinho e suas cores que é o mais colorido e extravagante possível.

Mas o que mais podemos notar de Wes Anderson são seus personagens incríveis e caricatos dentro da proposta de cada filme. E também sua trupe que o acompanha em cada produção exemplos como: Bill Murray, Owen Wilson e Jason Schwartzman. Às vezes os vemos como coadjuvantes como o caso de “Moonrise Kingdon” e agora “O Grande Hotel Budapeste”. O já citado grande hotel foi um filme que mais sobressaiu ano passado, seja pelo numero de críticas positivas ou as indicações ao Oscar desse ano. O fato é que o amadurecimento de Anderson se prova como igual e isso é ótimo tanto para nos como para os amantes do cinema, que pegou as ótimas referencias que ele cria dentro do seu próprio universo. Indo de Chaplin a Buster Keaton, o filme usa as comédias dos anos 20 como uma proposta narrativa, ou até uma história dentro de uma história. Se ao mesmo tempo temos a narração de um jovem autor que é vivido na fase mais velha por Tom Wilkinson e na juventude por Jude Law. Isso acontece também com “Zero” F. Murray Abraham e depois Tony Revolori. Achei muito interessante essa proposta e também como ele sai do comum de seus filmes anteriores.

A história começa narrada por Tom Wilkinson, Jude Law e depois temos a verdade dos fatos sobre a tutela de F. Murray Abraham que conta como ficou dono de um hotel mais luxuoso do mundo, ou melhor, era. Mas tudo se resume a uma pessoa, M. Gustav (Ralph Fiennes) que está incrível no filme. Ele consegue equilibrar um leve ar melancólico, com um humor sarcástico e físico que é soberbo. E claro também Zero (Revolori) que é um complemento para construir tanto a trama como a personalidade dos dois. Gustav é o gerente do Grande Budapeste e nisso ele tira o proveito de tudo que pode. Desde transar com velinhas por dinheiro até paparicar autoridades. Quando sua paquera atual morre num acidente bizarro, ele vai até a mansão de sua ex para a leitura do testamento. Onde se descobre que ele herda um quadro valiosíssimo o que atrai a fúria de Dmitri (Adrien Brody). Através dessa trama se inicia uma história incrível e também um mundo particular entre Gustav e Zero. Que apesar do filme se cercar num mundo perfeito que é o Hotel, temos o inicio de uma guerra entre fronteiras e a intolerância também.

Uma utopia por completo, que só ficar melhor com a proposta da fuga de realidade que vemos tanto no próprio hotel como pelo próprio Gustav no ponto de vista de Zero, que o enxerga não como um pai, mas sim um mestre, ou melhor, um guia para sobreviver nesse mundo cruel, que vemos principalmente no final do “Grande Budapeste Hotel”. O lance amoroso entre Zero e Agatha (Saoirse Ronan) me lembrou bastante os filmes do diretor alemão Ernst Lubitsch que contava com um misto de inocência e também uma malicia sexual. Coisa que ficou marcado ao longo da produção. Outra coisa que temos que tirar o chapéu é a fotografia do Robert D. Yeoman que fez a direção de todos os filmes de Wes Anderson, com seus planos típicos e bem coreografados. Coloco o “Grande Budapeste Hotel” como a melhor produção em toda filmografia de Anderson. Desde o amadurecimento técnico e narrativo até a direção dos atores que está fantástica.

O uso do “Whodunnit” ou no português claro “Quem Matou?” é o que pouco importa na trama e também descobrir a verdade por trás do testamento de Madame D. (Tilda Swinton). O que importa na verdade é a memória dos fatos que marcaram Zero e toda gama de pessoas incríveis ao longo da sua vida. E claro a história por trás de todas as cenas e personagens que vemos apenas uma vez, mas mesmo assim já fica marcada em nossa mente. Wes Anderson é uma mente criativa sem limites que prova mais uma vez como o cinema é belo independente de sua época e concepção. Um gênio na minha humilde opinião sempre vai agradar com histórias fenomenais e um elenco incrível.

Nota:

Crítica: Chef (2014)

2015-06-01T10:45:00.001-07:00

Combinar duas paixões normalmente é difícil. Você se dedica às vezes tanto tempo a uma e esquece a outra. Ou esse amor fica tão sufocante que você para de amar aquilo e tenta se lembrar porque dedicou tanto tempo a uma coisa. No cinema não é difícil você ver atores ou diretores se desvinculando daquilo que os “lançaram” ao mundo para se dedicar a cozinhar, pintar ou até trabalhar com marcenaria que é o caso do diretor David Lynch.

Em “Chef” o diretor e também ator do filme Jon Favreau vive Carl. Uma pessoa nervosa e despreocupada com o filho e coloca toda a sua atenção na sua carreira e na sua paixão que é a comida. Ao mesmo tempo em que Carl vive para a cozinha, ele também vive para dizer que é o melhor “chefe do mundo”. No qual críticas estão às cimas dele e nada pode atingi-lo. Quando uma crítica negativa surge no blog de um famoso crítico gastronômico. A vida de Carl vai pra água abaixo, junto com a sua autoconfiança. Então seu emprego é ameaçado e ele sai do restaurante onde ele tem todo o prestigio que merece junto com uma bajulação tremenda. E nesse ponto parece que não muda nada ao longo do filme. Com a vida em aperto, ele decide aceitar os conselhos da sua ex-mulher Inez (Sofía Vergara) e virar chefe em um “food truck”. O lado bom de ser um cara popular em Hollywood é como você consegue vários amigos pra fazer seus filmes e nisso falamos de Dustin Hoffman, Scarlett Johansson e Robert Downey Jr. Que deve ter aceitado fazer as pontas por um preço de banana. Apesar das aparições rápidas foram bem colocadas e nem um pouco gratuitas. O interessante é como Fraveau que também é o roteirista do filme conseguiu montar as cenas e também os diálogos de uma forma inocente, apaixonante e inteligente. Sem cair no sarcasmo e também à inocência boçal, como os filmes com essa mesma pegada mais família se propõe a fazer.

O filme aponta algumas questões mais pessoais na trama que fica evidente ao poucos. É muito gostoso ver aquilo de trabalho e viajar dar certo no ao longo do filme como a viagem por dentro dos E.U.A e toda aquela pegada mais pessoal também de pai e filho. É um reencontro tanto para eles como para nos. É gostoso como o filme marca algumas coisas, do tipo trabalho em equipe, tradições (não no sentido babaca, mas de ter uma coisa que une, ou deixa em algo comum nas pessoas ). Mas o lance do filme dar essas reviravoltas de mudar, ou melhor, se adaptar aos novos tempos deixa tudo melhor. O trabalho de fotografia do filme também é excelente. Kramer Morgenthau o diretor de fotografia que já tinha trabalho em filmes como "Thor- O Mundo Sombrio", muda totalmente de estética ao abordar “Chef”. Optando por lugares mais alegres e com cores mais ressaltadas na foto. É um quadro que completa não só as próprias personalidades dos personagens, como uma transformação ao longo do filme.

As cenas em que Carl está trabalhando na cozinha fechada é um tom muito mais escuro com algumas pitadas em branco pra mostrar como o personagem se sente. Mas quando ele parte com o “food truck”, isso muda totalmente. O ar fica mais leve e percebemos facilmente as viradas tanto humor e atitude de Carl como de seu filho Percy (Emjay Anthony).

O filme acaba de um jeito ótimo. A redenção do personagem nas questões da família e de como ele muda o seu jeito de pensar em relação ao trabalho e também a profissão. Coisa que vemos quando na tomada final do filme. Temos câmera passando pelo restaurante e vemos primeiro a bancada cheia de comida, sem o Carl e quando ele segue com o plano seqüência. Temos nos fundos do restaurante o casamento dele com Inez. Achei espetacular essa cena, Fraveau cortou o diálogo desnecessário pra mostrar de um jeito simples e gostoso como o seu personagem mudou seus valores, ou melhor, mudou sua escala de importância né? Apesar de ser bem light o filme. Ele é gostoso, inteligente, sincero e que claro vai te deixar com uma água na boca. E que venham mais produções pessoais com uma temática universal.

Nota:

Crítica: Mad Max: A Estrada da Fúria (2015)

2015-05-24T19:05:00.003-07:00

Mad Max sempre vai existir no coração dos fãs da geração anos 80 e 90, ou seja, a minha geração. A trilogia que nasceu nos anos 70 com um ator que não era nada, pra ser um dos melhores de todos os tempos. O filme é marcado por várias curiosidades, primeiro por ser uma produção totalmente independente e ter um orçamento mais rentável da história. Mas o que mais é fantástico é como o diretor George Miller revolucionou de vez um gênero, que é base para filmes com a mesma temática.

Mas um fato curioso sobre as produções “antigas” é como eles nunca se interligaram. O fato de existir nos títulos dos filmes o “2” e “3” é uma coisa de tradução. Muitas vezes eles lembram a trilogia do “homem sem nome” do Sergio Leone. O “anti-herói” que surge pra resolver um problema no qual ele não quer e depois de resolvido ele vai embora e não quer saber das glórias dos seus atos, só do problema resolvido. Como John Wayne em “Rastros de Ódio”, na famosa cena da silhueta. Clássico definitivo do western e claro dos filmes do John Ford.

Falando em Western é incrível como esse novo filme bebe muito da fonte. Além dos claros já citados podemos lembrar facilmente de “No Tempo das Diligencias” do também John Ford. A influencia de vários estilos é maravilhoso.Sem falar no talento do próprio George Miller em dirigir os filmes.

Definir “A Estrada da Fúria” é um pouco difícil. Porque do mesmo jeito que ele não é uma continuação, ele também não é um começo. E sim uma história baseada numa mitologia que já conhecemos. Tom Hardy que faz Max mostra um lado recuperado do segundo filme do herói. Aquele ar dramático, melancólico e ao mesmo tempo salvador. Já que mesmo ele tendo uma atitude de não querer entrar na onda de ajudar e se afastar dos problemas alheios. Podemos ver que ele também quer ajudar, ou melhor, dar um pouco de humanidade as pessoas. Coisa que fica mais evidente no quarto filme.

Esse novo elenco foi que mais conseguiu afastar os julgamentos dos antigos filmes. Temos de tudo nessa nova produção. Novos atores, novo Max e claro uma nova ambição e a ação que está espetacular. George Miller realmente consegue mostrar pra que veio. Um excelente diretor de filmes de ação e com um sincronismo com cada cena que realmente é fantástica. A direção de fotografia ficou magnífica. John Seale que já tinha trabalhado com Miller em “O Óleo de Lorenzo” faz um ótimo trabalho com as cenas no deserto, os carros em fuga e claro os planos frontais que são a marca registrada da franquia.

Outro ponto que vale muito a pena falar é a importância do papel da mulher no filme e claro no futuro. Max ficou um coadjuvante na trama e podemos falar que “A Furiosa” papel da incrível Charlize Theron tomou de assalto o filme todo. Com um papel forte que desprende da sua beleza, mas mesmo assim podemos dizer que o seu poder seduz qualquer espectador, principalmente os “acrotomofiliacos”. A mitologia para esse filme surpreende também porque se nos primeiros "Mad Max" falamos da crise da gasolina e etc. Nesse temos o problema ambiental e também a falta de água no mundo. É sempre interessante ver o que esses diretores pensam para o nosso futuro apocalíptico. Seja por “Walter World” até “Ratos – A Noite do Terror”dos diretores italianos Bruno Mattei e Claudio Fragasso. O futuro é sempre algo interessante na mente de outras pessoas. Ainda mais o apocalipse. Mas “Mad Max” sempre foi campeão em formatar o caos e entregar o inesperado.

Mas realmente uma coisa temos que ficar grato. É um alivio George Miller voltar pra direção do filme e não entregar pra outra pessoa dirigir. O sucesso foi tão grande que podemos esperar para mais um filme. E digo sem preocupações que podemos respirar aliviados, a franquia conseguiu se sustentar depois de 30 anos desde o ultimo filme e também por vários problemas na produção ele conseguiu se lançar sozinho. E que belo dia pra reviver Mad Max. Que belo dia.

Nota:

Crítica: A Entrega (2014)

2015-05-15T07:50:00.001-07:00

Tom Hardy é um cara realmente multi versátil. Tanto ele quanto James Gandolfini. Ele que na “A Entrega” do diretor Michaël R. Roskam aparece apagado como um ser violento e inconsequente. Coisa que em “Sopranos” preenche esses dois requisitos. Se na série da HBO vemos ele como um violento mafioso italiano. Aqui ele faz um dono de bar que já teve dias áureos, mas vive das glorias do passado e pensando em modos fáceis de ganhar a vida.

O filme sai um pouco da linha de filmes de gangster clássicos onde vemos uma violência desenfreada como “Os Bons Companheiros” de Martin Scorsese e sim se concentra no drama e até num ótimo suspense. Tom Hardy da o “tom” do filme que apresenta uma excelente fotografia. Nicolas Karakatsanis é o diretor de fotografia, no qual ele faz uma excelente escolha com planos convencionais até. Mas abusa da iluminação nos cenários. E isso só aumenta tanto a tensão nas cenas, como também para mostrar as personalidades dos personagens. Caso em uma cena onde Bob (Hardy) está sendo confrontado por um bandido, e quando munda o plano, a iluminação munda também. Passando para um vermelho que se reflete nele e o semblante de Bob muda, de um cara calmo para um ser agressivo. Essa cena realmente é espetacular. Tom Hardy é um excelente ator e sua interpretação só engrandece ainda mais esse ótimo filme e de certa forma podemos até pensar que é uma homenagem póstuma a James Gandolfini já que esse é o seu ultimo trabalho.

O roteiro que é baseado num conto do também roteirista do filme Dennis Lehane (Sobre Meninos e Lobos e a Ilha do Medo) conta a vida do submundo da máfia. Bob começa com uma excelente narração falando que o bar do seu primo, Marvin (Gandolfini) é um deposito de dinheiro do crime. Numa noite eles são assaltados e isso serve tanto pra começar uma investigação sobre o bar como também sobre o passado de Bob e Marvin. Na mesma noite Bob está indo pra casa e ouve um gemido, ele abre uma lata de lixo e um filhotinho de pitbull está ensanguentado. Essa cena serve também para ele conhecer a garçonete Nadia (Noomi Rapace) que cuida do cachorro, e assim se cria um vinculo de amizade entre os dois.

O filme apresenta algumas reviravoltas que são geniais, tanto de Bob como de Marvin. Principalmente pra Bob, que explica o porquê da fé e do seu autocontrole em frente a soluções de enfrentamento. Achei muito legal a simbologia de ele encontrar um filhote de pitbull e quando ele diz pra Nadia que eles são maus cães, ela vira e fala “isso depende do modo como ele é criado”. A história coloca um ótimo ponto de vista da alma primitiva do homem e também o impulso sobre as situações.

Acho que o único momento que o filme peca é quando ele deixa um pouco confuso o passado de Bob, mas claro que são interpretações que o próprio diretor quer que você aprofunde, ou melhor, pense sobre como podemos mudar e acalmar “nossas feras” principalmente nesses tempos dos extremos. Uma boa produção e uma bela homenagem aos filmes de crime e também como ele sai da vertente de produções desse tipo e mergulha no drama e também bebe um pouco do suspense. Além claro de vislumbrar um ótimo trabalho de Tom Hardy que está se mostrando um dos melhores atores dessa geração e também pra se despedir desse excelente ator que foi James Gandolfini.

Assista “A Entrega” e tire suas próprias conclusões sobre o obscuro ou a iluminação da alma humana.

Nota:

Crítica: Life Itself – A Vida de Roger Ebert (2014)

2015-02-18T08:31:00.001-08:00

É difícil você falar de uma pessoa que você admira e tentar se expressar sobre isso numa crítica. Primeiro que acho que em certos assuntos um crítico ou jornalista não deva entrar no campo emocional. Dizer que sempre acompanhei o trabalho do Roger Ebert é mentira, o conheci no dia da sua morte. E isso se deve aos vários textos de “colegas” críticos anunciando seu falecimento, Li texto do Pablo Villaça, NY Post e claro o Chicago Tribune onde ele escrevia. Aos poucos fui cada vez mais entrando no mundo de Ebert e vendo sua importância para o cinema, jornalismo, críticas cinematográficas e ainda mais um levante pessoal.

Quando fiquei sabendo que ia lançar um documentário sobre ele fiquei muito empolgado. Lembro que pensei “Nossa, finalmente vou ver como um crítico trabalha”. Fiquei admirado com aquele mundo quando assisti o documentário de Steve James. O “doc” em si é incrível, o diretor conseguiu reunir várias obras, fotos pessoais e depoimentos de pessoas de peso de Hollywood, como Martin Scorsese, Werner Herzog e Ava DuVernay. Sem falar no pessoal da crítica e também familiares e sua parceria com o seu antigo companheiro de programa Gene Siskel.

Uma coisa que também chamou bastante atenção é como o documentário mostrava a pessoa em si e não tenta “santificar” a pessoa relatada. No decorrer dos depoimentos, percebemos que Ebert, na verdade era uma pessoa sarcástica, inteligentíssima, acreditava nele mesmo e em seu talento. Algumas histórias aparecem como seu vicio no álcool e também seu ego que acabava prejudicando outras pessoas. Mas de certa forma ele não é mostrado como um monstro quando ele fala sobre os filmes, como em dois casos. O primeiro quando vai no “talk show” do Johnny Carson e Chevy Chase está lá e o apresentador pergunta o que assistiu recentemente? E ele responde que odiou “Os Três Amigos” e Chase que não é conhecido por ser a melhor pessoa do mundo, fica com uma reação impagável na frente do crítico. Mas é de certa forma admirável como ele consegue trabalhar todos esses conceitos, ou melhor, de ser autentico tanto com ele como para seu publico. Outro caso interessante é quando temos o depoimento de Scorsese e ele fala que acabou de fazer “Touro Indomável” entrou em declínio na carreira, se afundando nas drogas e seu terceiro casamento tinha acabado. E ele não conseguia mais se reerguer, então Ebert e Siskel fizeram uma homenagem para Scorsese em Toronto e ele percebeu sua importância ao meio artístico como por parte do publico. Mas isso não ajudou quando os dois detonaram “A Cor do Dinheiro”.

Roger Ebert e Gene Siskel

O documentário decorre a vida de Ebert, passando por várias fazes como seu casamento com a sua mulher Chaz Ebert. Como ele trata de assuntos delicados como o fato dela ser negra e ele branco e que mesmo num assunto tão delicado consegue passar com bom humor. Isso mostra uma personalidade e também conhecimento sobre as pessoas por parte dele. Percebemos também como ela conseguiu mostrar outro lado para Ebert, e também como “uma mulher transforma um homem”. Uma cena em particular que me deixou muito impactado é quando ele fala sobre a morte. Basicamente ele fala que não teme ela, e que ele vai estar lá até o final, quer ver o que está atrás dela. Acho difícil você encarar a morte quando é um doente terminal, mais fácil ser macabro quando saudável, já que a morte vai demorar a vir.

Roger e Chaz Ebert

A história do documentário acaba na morte de Roger Ebert. É emocionante ver como a construção da edição do diretor consegue nos envolver, é impossível não ficar emocionado com a vida dele. E ainda mais deu para perceber como a frase de Woody Allen faz ainda mais sentindo quando vemos esse documentário. Allen diz: “Talento é sorte, o mais importante na vida é ter coragem”. E isso Rober Ebert teve de sobra, uma pessoa realmente impactante. E um documentário ambicioso, corajoso e muito bem realizado. Valeu todas as homenagens a esse grande crítico, apresentador, roteirista e ainda mais por cima uma grande pessoa.

Nota:

Crítica: Amantes (2008)

2015-01-16T15:26:00.005-08:00

Nunca um filme foi tão verdadeiro ao mostrar as relações “homem e mulher”, e ainda mais expor os sentimentos de uma forma tão verdadeira e cruel. É incrível como a direção de James Gray consegue focar tanto na esperança como na dor de um amor. Facilmente conseguimos nos identificar com todos os personagens da trama. Como o homem dividido entre a certeza e atração, uma mulher insegura com ela mesma e se envolve em relacionamentos fracassados e outra que pede por socorro silenciosamente e se entrega a ele.

Quando disse que facilmente conseguimos nos identificar com a história, é porque quem nunca passou por uma “friendzone”? Mesmo vendo a pessoa que você ama se afundando em problemas você fica com ela em todos os momentos, jurando que aquela devoção cega um dia vai ser retribuída como amor verdadeiro. Mas no fundo sabemos que isso nunca vai acontecer. É o que Leonard (Joaquin Phoenix) passa e queremos ajudá-lo no filme todo, e quando ele conhece Sandra (Vinessa Shaw) e percebermos que ela é a mulher ideal para ele, ficamos felizes. Mas ao mesmo tempo com aparição de Michelle (Gwyneth Paltrow) ficamos meio abalados em relação aos próprios sentimentos de Leonard. Como disse facilmente nos vemos em tela e podemos nos identificar com a dor do personagem e todo aquilo que nos destrói por dentro. Como se não tivesse saída, e não podemos ver a felicidade na nossa frente.

A bela fotografia que Gray usa no filme ajuda a compor o cenário, e o uso das cores também, alias as cores é algo forte na filmografia do diretor. Desde “Os Donos da Noite” até “Amantes” as cores significa algo especial para os seus personagens.

O roteiro que conta com uma história até simples, de um homem que se vê perdido depois do rompimento com a sua noiva, e de como ele seguiu sua vida até as suas tentativas de suicídio. Assim no começo do filme vemos Leonard tentando se matar, mas algo o faz desistir. Os seus pais são donos de uma lavanderia assim ele tenta se desapegar daquele mundo parado, e ainda mais religioso já que eles são judeus. Na mesma noite em que ele tenta o suicídio ele conhece a bela Sandra, vemos que ele não é tão afim dela, mas ela é. No dia seguinte a vida de Leonard muda, ele conhece Michelle uma estranha mulher com quem ele de imediato se identifica e também se apaixona. Mas as verdades sobre a paixão é que um se apaixona, mas o outro não. Assim o vemos se afundando como disse no começo da crítica nos problemas de Michelle. E assim ele tenta de todas as formas seguir em frente, mas ela ainda mexe com ele.

O amor que Leonard sente é condizente tanto com seu lado patológico, ou seja, ele é distorcido. Não é condizente com a realidade. Mas será tão diferente a visão de um louco sobre o amor como a nossa? Falam que morrer de amor é única forma aceitável de morrer e isso não é uma loucura? Acompanhar o ponto de vista nos olhos de Leonard é ver o mundo de uma forma cinza, e volto a repetir a importância das cores no filme. A forma com que ele lida com as promessas de Michelle é linda, já que sabemos que desde o começo elas não vão se realizar. E ao mesmo tempo o desespero e o alivio acompanham ele, o que é maravilhoso nas cenas finais do filme. Quando pensamos que Leonard vai tentar se matar novamente ele olha para uma luva que é preta, ou seja, o fim e vê algo brilhante nela. O simbolismo para a luz no fim do túnel. É claro que o limite poético da narrativa é rompido sempre, principalmente no ponto de vista dos personagens tanto da mãe de Leonard que é interpretado pela bela Isabela Rossellini, como por ele próprio que vê em Sandra, uma mulher desesperada. Leonard vê nela a chance de ser feliz, ou tentar se acostumar com aquela felicidade nunca alcançada.

Amantes, é um filme que você precisa ver de acordo com o seu estado de espírito. A parte técnica do filme como enquadramentos, direção de arte ou até mesmo atuação são sublimes, talvez seja um clássico contemporâneo das relações nunca alcançadas. Mas se você ver no estado de espírito destruído por alguma paixão, esse filme vai ser a melhor coisa que já assistiu. Mas te aviso que você vai sair pior do que entrou. Porque mais verdadeira que seja sua situação ela é apenas verdadeira, e a patologia independente do seu diagnostico é uma “O Amor dói”.

Nota:

Crítica: Eu Sei Que Vou Te Amar (1986)

2015-01-05T13:34:00.002-08:00

O amor é uma coisa estranha, e a prova disso são os filmes de Arnaldo Jabor onde ele aborda esse assunto. Um dos filmes mais aclamados da pornochanchada no qual ele dirigiu foi “Toda Nudez Será Castigada” onde ele conta como o amor encontra várias vertentes, desde um pai de família que se apaixona por uma prostitua e se casa com ela, e ao mesmo tempo ela se apaixona pelo seu enteado, no qual ele tem um bizarro caso com “O ladrão boliviano”. Como o próprio filme diz o amor não se explica, simplesmente sentimos.

Em 1986, Jabor escreveu e dirigiu “Eu Sei Que Vou Te Amar” que é uma forma de contar como o amor sobrevive mesmo com suas idas e vindas. A história fala sobre um casal que se separa e três meses depois e reencontra numa mansão para discutir o que aconteceu durante todo tempo de casado. Arnaldo Jabor é conhecido pela sua quebra de estrutura de roteiro, então ele não segue os caminhos normais da narrativa. A linguagem do filme lembra muito o “Acossado” do Godard, que usa a quebra da estrutura clássica e começa a contar outra história dentro do próprio filme. Mas a discussão lírica de “Eu Sei Que Vou Te Amar” é que da o charme a obra. O lirismo é uma abertura para mostrar um pouco do nonsense presente no filme também.

Fernanda Torres e Thales Pan Chacon são os divorciados que se encontram. O filme fala e abordam todos os aspectos da relação, que vai das brigas constantes, traições e as verdades que por mais estranhas que sejam eles falam sem rodeios. O dialogo do filme é muito bom, as tiradas do casal são incríveis. É impactante a química entre os dois, a combinação da estrutura do roteiro com os enquadramentos completa essa maestria do cinema nacional. As tensões sexuais do filme também é algo que da um ar diferenciado. Outro ponto são as obras de artes que enfeita a mansão, elas são um prato cheio para psicanalistas desvendarem ainda mais a “psique” do casal.

Apesar dos comentários de Jabor na televisão, que ele trás para o filme e causa certa “idiotice” para o papel de Thales Pan Chacon, o filme consegue se salva por ele mesmo que brinca com alguns tabus tanto do universo masculino como do feminino. Jabor apesar de falar muito “pepino” hoje em dia, é inegável sua qualidade como poeta e também como diretor.

O filme é um prato cheio de surpresas, ele mostra como o amor pode ser destruidor e ao mesmo tempo uma coisa doce que nos da esperança. Ele consegue captar os dois pontos na tela. Mas uma coisa eu garanto, você não vai terminar o filme sem algumas lagrimas e também indiferente sobre as relações tanto de casais, amigos ou familiares. Um excelente filme que merece ser visto como toda a filmografia de Arnaldo Jabor.

Nota:

Os Melhores Lançamentos de 2014.. Top 10!

2014-12-27T16:53:00.000-08:00

Final de ano é marcado por tradições, e para marcar essa data saiu à primeira lista de “top 10 de filmes lançados em 2014”

Se liguem ai...

Garota Exemplar

David Fincher é o diretor favorito da maioria dos cinéfilos, por causa de seus filmes mais cultuados como “Clube da Luta”, “Seven” e o excelente “Zodíaco”. Em seu novo filme que tem no elenco Ben Afleck, ele conseguiu montar uma boa história de conspiração, uma crítica a mídia americana e também da sociedade de forma geral. Um dos melhores filmes do ano que conta com a estréia da escritora do livro e que também escreveu o filme a estreante Gillian Flynn. Vale muito a pena assistir, principalmente para quem gosta de mistérios e ser surpreendido a cada cena.

The Skeleton Twins

Esse filme é um pouco complexo de se falar, ele foi dirigido pelo Craig Johson. Ele só tinha feito um filme em toda sua carreira que é o estranho “True Adolescents”. Mas em seu novo projeto que conta com a dupla de amigos e também Ex-SNL Kristen Wiig e Bill Hader, o filme conta a história de dois irmãos que crescem e perdem o contato, até que Harder tenta suicídio e Wiig o acolhe em sua casa. Assim eles refletem o passado, revisam a infância e escolhem o futuro. Um filme muito bonito que trata essa lealdade entre irmãos.

Rudderless

William H. Macy é um ator bem conhecido, ele fez alguns dos filmes mais legais do cinema como “Fargo” dos irmãos Coen, “Boogie Nights” e “Magnólia” ambos do Paul Thomas Anderson. Em Rudderless Macy dirigi, escreve e também produz o filme. Aqui ele conta a história de um pai que perde o filho num tiroteio na faculdade, nisso ele perde o emprego e se isola do mundo e vive de subempregos. Mas um dia sua ex-mulher trás as coisas do filho e ele descobre que ele era compositor. Assim ele começar a tocar as músicas do filho e aos poucos Sam (Bill Crudup) enfrenta a verdade sobre os eventos da faculdade e também começa a encarar a vida depois desse acidente.

Frank

Acho que tirando “Guardiões da Galáxia”, “Frank” é o filme mais nonsense nessa lista. Michael Fassbender faz um cantor excêntrico que usa máscara o tempo todo e tem uma banda, cujo os membros são mais estranhos que ele. Nisso ele parte para os E.U.A, mas o medo faz com que Frank entre numa paranoia. Assim ele se perde dele mesmo e da sua banda. O filme vale à pena, tanto pelo elenco que é excelente, como atuação do Fassbender e a trilha sonora que é incrível. Um dos melhores do ano que vale estar nessa lista.

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho

Baseado no curta que saiu em 2010, “Hoje Eu Quero Voltar Sozinho” é uma bela história de amor, independência e também um trabalho contra o preconceito. Daniel Ribeiro que dirigi e também escreve o filme fez um excelente trabalho, tanto na direção geral como na direção dos atores que foi essencial. A equipe em si tem certo entrosamento que é raro se ver em alguns filmes nacionais. Para mim esse é o melhor filme nacional do ano.

Boyhood - Da Infância à Juventude

Richard Linklater é um visionário em termos de inovação de como contar um filme. Seja pela sua excelente trilogia do “Antes” que foi lançado sempre de 9 em 9 anos no qual acompanhamos a vida de um casal. A primeira vez que vi a trilogia achei a coisa mais incrível que pude assistir, porque as situações são tão reais, ou melhor, tentam ser. O novo projeto dele foi filmado ao longo de 12 anos e nisso podemos sim ver a realidade, os planos errados e a vida acontecendo. Para mim de longe um dos melhores filmes do ano e também o melhor de toda sua carreira.

Guardiões da Galáxia

Alguém achava que esse filme ia ser alguma coisa? Bom se você apostava, bem... Parabéns. Mas se você foi igual a mim, com certeza levamos um puta tapa na cara. Guardiões da Galáxia é o “MELHOR FILME DA MARVEL”. A direção é incrível, personagens, atores, roteiro e o que falar da trilha sonora? “Awesome MIX tape” é a melhor trilha de 2014.

Ela

Spike Jonze é um fofo! Sua criatividade é sem limites, acho que só se compara com Michel Gondry e Charlie Kaufman. Mas em “Ela” ele conseguiu trazer o tema relacionamento em outro patamar. Abordando várias coisas em uma só, como namoro a distancia que de certa forma é o que conta o filme e também o físico, em resumo ele diz que como os relacionamentos são difíceis e complexos não importa por quem você que apaixone. Um filme maravilhoso e que mereceu toda atenção no Oscar e na mídia esse ano.

The Grand Budapest hotel

Wes Anderson criou esse ano um dos filmes mais simpáticos e criativos de toda a sua carreira. Com o seu elenco de sempre que contam com Bill Murray, Jason Schwartzman e Owen Wilson como coadjuvantes, ele mudou um pouco e escalou como atores principais Ralph Fiennes, F. Murray Abraham e Tony Revolori. O filme é uma homenagem as produções da década de 20 e 30 e podemos ver isso nas cenas em que nos lembramos dos filmes de Chaplin até Buster Keaton, essa retrospectiva é maravilhosa e assim ele brinca tanto com a comédia como drama, sem falar na direção de arte que é maravilhosa.

Horns

Junto com guardiões esse filme foi uma surpresa. Apesar de ser baseado no livro de Joe Hill o filho de Stephen King, você fica com um pé atrás por causa do elenco e da história que é mais um romance bem dramático do que outra coisa. Mas o filme surpreende pela suas características pouco peculiares, como Ig (Daniel Radcliffe) vender a alma ao diabo para conseguir descobrir quem matou sua namorada e nisso ele ganha uma habilidade especial, fazer com que as pessoas digam a verdade sobre tudo. A direção fica por conta de Alexandre Aja, a trilha sonora é outro ponto alto, temos de David Bowie até Iggy Pop. E o desenvolvimento da trama é muito bem feito. Uma das melhores adaptações de livro desse ano. Ainda continua inédito no Brasil, mas um filme que vale muito a pena quando ele sair, se sair.

Crítica: Magia ao Luar (2014)

2014-12-08T08:29:00.001-08:00

Talvez “Magia ao Luar” seja o filme mais pessoal de Woody Allen, depois claro de “Memórias” e “A Era do Rádio”. Digo isso porque ele coloca no mesmo quadro a crença e a racionalidade. Além dos roteiros incríveis que Allen consegue fazer, destaco também a ótima fotografia de Darius Khondji que já tinha trabalho com o Woody Allen em “Para Roma, com Amor” e o excelente “Meia-Noite em Paris”. Em ambos os filmes a fotografia se destaca. Mas em “Meia- Noite em Paris” é outra história. É incrível a beleza da paisagem parisiense se misturando com a época da “Belle-Époque”, que faz esse misto com o novo e o velho, e assim faz um visual policromático em que tudo se combina.

O filme conta a história de um mágico Stanley (Colin Firth) que mesmo vivendo das artes do mistério e do sobrenatural ele é crente e acredita que o mundo é horrível, com pessoas medíocres que vivem nele e a base de tudo é a racionalidade. Stanley está na sua ultima apresentação antes de entrar em férias e viajar com a sua noiva, mas um antigo colega de profissão faz uma visita e revela que uma “médium” está ganhando fortunas à custa de uma família rica. Ele chama Stanley para tentar desmascarar essa mulher, já que ele próprio começou acreditar nela.

As locações foram gravadas na Europa, e usou o ambiente dos anos 20, tiro destaque também para a caracterização de época que está perfeita, os detalhes dos vestidos e das roupas, revelam muito da característica dos personagens. Colocamos como exemplo Stanley, que sempre usa roupas listradas, com cores sempre num tom comum, seja no marrom ou o preto, que revela uma antipatia e também uma carência de felicidade até. O que entra em choque com Sophie (Emma Stone), a cartomante, ela sempre usa roupas claras, soltas e também já modernas. Outro ponto interessante é como o novo se mistura com o velho. Seja pelo racional que é a cabeça de Stanely e por Sophie que mistura a crença no mundo holístico.

Aos poucos, Stanley também começa acreditar em Sophie. Até que ele se rende a ela. Mas a racionalidade é mais forte nele, então novamente ele pensa nela como uma fraude. Então a razão de Stanley impera novamente, e quando vemos que ela realmente é uma fraude, o mundo na visão de Stanley nos trás o que ele vê da vida, um mundo maçante e cansativo. Mas uma “magia” ocorre que na concepção do filme é o “amor” então os dois se apaixonam, essa metáfora para explicar o amor é muito interessante, principalmente para o final do filme.

Achei “Magia ao Luar” fofo ao abordar isso no final do filme, que independente da racionalidade ou da crença ambos estão sujeitos apaixonar. E nada é mais forte do que o amor seja pela química que despertar no nosso cérebro quando nos apaixonamos ou pelo destino. Apesar do final previsível, o roteiro tem pontos de viradas interessantes. Ele ainda consegue nos cativar seja pelos atores super carismáticos, pela ótima fotografia ou também pela trilha sonora. “Magia ao Luar” perde de longe de ser um ótimo filme como foi “Blue Jasmine” ano passado. Mas ainda sim é cativante e motivacional a sua maneira. Talvez Woody Allen esteja renovando sua crença na humanidade depois de se afundar em filmes do Bergman como foi seu começo de carreira, talvez ele parou de enxergar o mundo de Stanely e abraçou a irracionalidade de Sophie.

Nota:

Crítica: Babadook (2014)

2014-11-24T17:39:00.001-08:00

“Babadook” é o típico filme que você vai se surpreender por suas camadas no roteiro e também pelo seu terror psicológico que é chocamente. A história principal é sobre uma mãe que perde seu marido quando ele está a levando para o hospital para dar a luz. Sete anos depois com o nascimento de Samuel (Noah Wiseman), ela não conseguiu superar nem a perda do marido e também de ser mãe solteira. Assim sua vida é uma loucura constantemente.

Amélia (Essie Davis) não consegue conciliar sua vida, assim a vemos aos poucos ficar consumida por algo negro e nefasto. Os problemas com Samuel só aumentam, quando ele tem problemas na escola e ela o tira de lá, sua vida só piora e o estresse também. Uma noite quando Amélia está lendo para o seu filho, ele acha um livro escrito “Babadook” e quando ela lê vemos que não é uma leitura comum, já que os livros contem algumas coisas bizarras e figuras assustadoras. Aquele livro impressiona Samuel que acredita que o monstro é real.

Aos poucos o medo de Samuel, vai tomando conta de Amélia que começa a ficar fora de si, vê coisas em sua casa e barulhos a noite que a deixar sem dormir. O interessante de filmes com esse terror psicológico, como o próprio “Iluminado”, no qual aborda se aquilo que vemos é real ou apenas alucinação do personagem. Amélia está sofrendo um transtorno de personalidade e não saber lidar com o seu filho, aquele acúmulo de estresse e canseira faz com que ela libere o pior lado dela. É interessante esse ponto do “breaking bad” de quebrar literalmente para o lado ruim, e talvez o “Babadook” seja essa manifestação desse lado negro que ela tem, ou melhor, como todos nos temos e tentamos dominá-lo só que às vezes ele fica maior que nos.

Os atores do filme são impressionantes. A estreante diretora e roteirista Jennifer Kent que só tinha feito um curta que chamado “Monster” que também aborda os mesmos elementos desse filme. Mas em “Babadook” ela consegue explorar melhor a temática entre mãe e filho e esse medo que toma conta deles. O filme impressiona tanto pela câmera e pelos efeitos quanto pelo roteiro que é muito bem explorado e os atores que são muito expressionistas. Principalmente Noah Wiseman que tem uns jeitos para atuação que impressiona. Se valorizarem o talento do garoto, não fico impressionado se daqui alguns anos não o virmos concorrendo algum premio da academia. Mas o filme tem os seus defeitos como a trama arrastada no segundo ato, onde a diretora poderia explorar mais os atores na primeira parte do filme e deixar o terror e suspense mais explícito na segunda parte.

O que mais me chamou atenção no filme é a psicologia usada na trama. O fato de Amélia derrotar o monstro simplesmente o enfrentando e vendo seus demônios de frente faz com que “Babadook” se esconda no porão da casa. Podemos interpretar o porão como a mente da personagem, assim ela o fica alimentando o seu medo invés de dominá-lo de vez. É interessante como a psicologia e interpretação muda o seu ponto de vista em relação ao filme e o aborda com outra ótica. “Babadook” é uma produção que você deve ter certo olhar crítico sobre ele, ver sua interpretação e aos poucos desvendando as camadas do filme. Só espero que a diretora Jennifer Kent faça mais filmes inteligentes de terror, porque é o falta para o mercado de hoje em dia e também para o amadurecimento para esse mercado consumidor, que deseja filmes onde eles não tem o esforço de pensar sobre a trama.

Nota:

Crítica: Invasores de Corpos (1978)

2014-11-10T17:56:00.001-08:00

É interessante como os filmes usam a linguagem da época para criar algo, seja por desastres econômicos, doenças ou violência. Os filmes flertam diretamente com a linguagem da época. Nesse caso podemos falar de Invasores de Corpos de 1978. O filme é um “remake” do clássico “Vampiros de Alma” do diretor Don Siegel. Nos anos 50 o filme falou sobre o perigo do comunismo se infiltrar dentro de uma sociedade e mudar todo o seu contexto. Já o "remake" trata da paranoia, medo e também de conspirações.

O filme começa de um jeito magnífico, explicando como essa ameaça chegou ao planeta Terra, uma explicação básica e até coerente. Na verdade são a base para a crença do começo da vida na terra, organismos entrando na atmosfera e anos de evolução. Mas claro que a ficção faz sua parte e deixa as coisas mais divertidas. Mas é interessante como ele retrata a paranoia nos anos 70, tanto pelo movimento político da época, como o caso “Watergate”, derrubada de presidentes, a quebra de arquivo confidencial e claro, todo um mundo novo, com a descoberta da AIDS; enfim aquela aura do medo que ficou mais forte até hoje.

Com um elenco principal pequeno que conta com Donald Sutherland, Brooke Adams, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright e Leonard Nimoy, a trama é bem feita e muda bastante do filme dos anos 50, deixando a ação mais explicita que combina com a produção. A direção de Philip Kaufman está sensacional. É muito bacana como ele monta o filme e deixa mais evidente esse tom da paranoia tanto coletiva como individual, de que tudo pode ser coisa da sua cabeça, mas no final revela-se uma invasão mesmo. Mas a montagem do filme é o que faz a trama, tanto com o som que é uma coisa que mistura o som diegético, ou seja, que está em cena como o não diégetico que está fora. Mas ao mesmo tempo é uma coisa crua e às vezes cruel que deixa um suspense antes mesmo de aparecer algo em tela para dar esse medo em você.

As atuações estão ótimas, tanto de Sutherland que faz um agente de saúde, que no começo não acredita no que está acontecendo, ou melhor, não acredita na paranoia coletiva, quanto a Brooke Adams que vê naquilo como um medo insistente que fica mais visível seu efeito nela. Mas o melhor papel fica mesmo com Sutherland e Leonard Nimoy. Nimoy que faz um famoso psiquiatra ajuda seus amigos a pensar que aquilo não passa de um estado de medo coletivo, mas depois vemos que ele é na verdade uma pessoa infectada e que está manipulando seus amigos. Acho que essa cena é fundamental ao mostrar que aquilo não tem escapatória e que na verdade não adianta fugir e que estamos condenados.

“Invasores de Corpos” é um filme conhecido por ter um final poderoso e marcante. Realmente é algo complexo se você for parar para pensar, como a vida está condenada e aquela sociedade utópica é um câncer que vai crescendo e crescendo. Mas é interessante pensar nos pontos que o filme leva, do tipo vale à pena ter uma vida melhor sem liberdade? Eu acho que a principal coisa que o filme coloca, liberdade e paranoia entram em choque. Realmente esse filme é incrível, mas é incrível ainda são as possibilidades de pensamento que o filme pode nos mostrar. Podemos encaixar o filme com a nossa realidade, tanto mundial como nacional, principalmente na pós-eleição que tivemos esse ano.

Assistam “Invasores de Corpos” e vejam as camadas que o filme da para você desenvolver, ou melhor, desenrolar. Preste atenção no som do filme que é incrível e sua fotografia que é fenomenal e depois tire suas conclusões do que a nossa sociedade se formou principalmente no pós 11 de setembro.

Nota:

Crítica: Uma Noite sobre a Terra (1991)

2014-10-25T14:07:00.001-07:00

Jim Jarmush talvez seja um dos melhores roteiristas que o cinema já viu. Com histórias simples que beiram ao brilhantismo, ele sabe como introduzir personagens numa trama sem grandes “truques”. Prova disso é “Flores Partidas” onde Bill Murray parte numa busca para encontrar seu filho e também o western “Dead Man” no qual mostra um Johnny Deep com uma vida incerta. E seu filme mais recente que é “Amantes Eternos” no qual passa a reflexão da descida criativa e também mística de um mundo cada vez mais chato.

Em “Uma Noite sobre a Terra” podemos ver novamente em ação seu gênio criativo. Com um roteiro espetacular e uma direção simples, ele transforma a vida de cinco pessoas comuns através de várias óticas, tanto cultural, étnica e também emocional. É interessante como ele consegue colocar a humanidade no ponto mais alto em todos os seus filmes e o retrato da vida comum também.

A história do filme é dividida em cinco partes, ou melhor, em cinco cantos da terra. Los Angeles, Nova York, Paris, Roma e Helsínquia (Finlândia). Através desses lugares as pessoas vão se apresentando. O legal do filme é como ele se passa todo dentro de táxis, então a importância do dialogo bem construído é fundamental, e também atuação para envolver o público. Já que toda ação é dentro de um único lugar. Em Los Angeles temos a história de Corky (Winona Ryder) ela faz uma taxista que se mostra uma pessoa experiente e com jogo de cintura dentro de um universo masculino. Pelos diálogos que ela fala podemos ver como ela se posiciona dentro do seu próprio mundo e fora dele. Quando uma rica produtora aparece no seu taxi e acontece o diálogo entre elas, é interessante ver como Victoria Snelling (Gena Rowlands) e Corky se mostram em vários assuntos. Enquanto ela quer encontrar um homem que a respeite, trabalhe duro e a de filhos, Victoria deseja só alcançar as coisas mais fáceis como dinheiro e o poder. Ela deseja colocar Corky dentro do seu mundo oferecendo uma oportunidade para ser atriz. Mas Corky recusa deixando Victoria sem palavras. Jarmush parece que tem uma abominação quanto à fama, podemos ver isso nos seus filmes como já citei em “Amantes Eternos” e também o ótimo “Sobre Café e Cigarros” que apresenta muito bem esse lado da fama e do esquecimento.

O filme também apresenta algumas figurinhas repetidas nos filmes de Jarmush como Isaach De Bankolé e Roberto Benigni que são personagens incríveis. Bankolé que faz um taxista parisiense e retrata um personagem interessante ao mostrar uma pessoa comum com seus defeitos. Quando ele entra em cena, está com dois africanos no carro que estão o insultando por causa de seu regionalismo. E quando ele pega outra passageira ele faz o papel de discriminador já que ela é cega. É interessante ver essa troca de comportamento e também a fragilidade humana nessa cena, em cada detalhe e comportamento. E quando temos Benigni um taxista romano a inversão do drama para a comédia é excelente, a sua atuação de simplesmente contar os fatos, ou melhor, ser uma comédia mais de situações do que tentar provocar risos é fenomenal. Jarmush mostra um controle na direção e ainda mais no roteiro e na hora de escalar os atores que é simplesmente genial.

Outro ponto interessante é a história de dois taxistas Europeus. Helmut Grokenberger (Armin Mueller-Stahl) um alemão que se mudou para Nova York para ganhar a vida e de certa forma mudar a dele, entra em choque com a cultura do ocidente e do oriente. E também da ultima história que o filme conta que é do taxista Mika (Matti Pellonpää) que vive um homem frustrado pelo seu passado como a relação com sua esposa, a vida dura e a perda de um filho. É legal como as duas histórias mesmo sendo ponto de vistas diferentes abordam a perda humana em relação tanto ao material como o emocional.

Jim Jarmush é um diretor sensacional que sabe como ninguém contar uma boa historia e como passar isso para os seus atores. Uma noite sobre a Terra é um ótimo filme, inspirador do começo ao fim. Uma humanidade que tocam em vários sentimentos não explorados no cinema de forma geral. Um excelente filme que vale a pena ser conferido.

Nota:

Crítica: Evil Dead (2013)

2014-10-06T10:59:00.002-07:00

Uma continuação ou “remake” é sempre difícil de realizar, principalmente quando se trata de um clássico do cinema de horror. Visto pelas continuações de filmes como “O Massacre da Serra Elétrica”, “Sexta Feira 13” e até o infame “O Planeta dos Macacos”, do cada vez pior diretor de todos os tempos Tim Burton. Às vezes é difícil também um “remake” ficar tão bom quanto o original ou mesmo reformular seu universo, prova de poucos exemplos deram certo foram com filmes como: “Scarface” do diretor Brian De palma, “Cabo do Medo” de Martin Scorsese e sua versão americana de “Os Infiltrados”. Ou até mesmo Sergio Leone que realizou “Por um punhado de Dólares” com Clint Eastwood um clássico do “Wester Spaghetti”, mas ele copiou quadro a quadro “Yojimbo” do diretor Akira Kurosawa. E o resultado é espetacular, mas claro que estamos falando de deuses, não de mortais que podem cometer erros.

Hollywood pode te amar e te condenar facilmente por qualquer erro, mas sempre tem aqueles que não ligam para os estúdios, prova disso seja Sam Raimi que dirigiu a trilogia “Homem-Aranha” e mais recentemente “Oz - Mágico e Poderoso”. Raimi começou sua carreira aos 22 anos fazendo aquela que seria sua obra-prima “Evil Dead”, mas nesse ano ele deixou a direção para o bem novato Fede Alvarez que só tinha realizado curtas-metragens. Com os trailers ficou visível que mesmo um novato conseguiu readaptar esse clássico dos filmes gore e levar o filme para outro patamar. O longa foi vendido pelo mundo como “O filme mais apavorante que você verá nessa vida”. E devo dizer que ele cumpriu o que prometeu, com a produção de Sam Raimi e a consultoria de Bruce Campebell (O nosso glorioso Ash dos filmes originais.) Um ponto legal é como o filme foi produzido sem efeitos especiais, e só com os efeitos de antigamente como o uso de maquiagem e poucos efeitos com CGI (Common Gateway Interface ou traduzindo Imagens geradas por computador).

A trama também é outro destaque Álvares deu outra visão para o filme, ele conseguiu transformar a história e deixar o espectador sem entender seu personagem principal. A trama começa já surtada, primeiro ao mostrar um ritual de exorcismo, você não sabe bem onde está sendo realizado esse ritual somente você vê gatos mortos pendurados em todos os cantos, uma mulher velha e uma garota amarrada em um tronco, logo você é levado a pensar que a mulher, vai ser estuprada ou morta em algo bizarro. Mas a história muda e te surpreende e se acostume, porque quase todo o filme é isso, pequenos “inserts” de nada do que você vê é real.

Passando um tempo cinco amigos se reúnem em uma cabana para tratar de Mia (Jane Levy), uma dependente química que desejar sair do mundo das drogas, ela é acompanhada pelos seus amigos Eric (Lou Taylor Pucci), sua enfermeira Olívia (Jéssica Lucas), pelo seu irmão que ela não vê há bastante tempo David (Shiloh Fernandez) e sua namorada Natalie (Elizabeth Blackmore). Eles encontram um porão onde se revela que o exorcismo no começo do filme foi realizado ali. O destaque principal do filme é um livro que se chama “Necromicon”, ele é uma espécie de portal para demônios virem para a terra. David e Eric descem até o porão e acham o ritual que usaram e logo em seguida o livro. Curioso Eric abre o livro e mesmo com os avisos que estão marcados de não mexer. Eric lê assim mesmo.

Passado algum tempo e voltando com histórico de drogas de Mia, que por sinal é muito bem desenvolvido. Ela foge da cabana já que ela está se desintoxicando e rouba um carro dos seus amigos. Como ela é a mais sensível entre todos, logo começa a perceber os sinais e vê uma mulher entre a floresta, ao fugir com o carro ela bate e foge. E mantendo o clima do original, Fede Alvarez usa a câmera subjetiva (é utilizado para quando você vê o que o personagem vê naquele momento, no caso o demônio que está na floresta) para guiar o público. Mia foge e a floresta está viva! E novamente lembrando uma cena do filme original a floresta a estupra e possui sua alma. Quem já assistiu aos filmes antigos sabe que depois disso você pode esperar um banho de sangue, cenas nojentas e tensão do começo ao fim. E assim começa desde cenas de vômitos na cara, até mutilações e várias sequências que te fazem pular da cadeira.

O filme tem várias homenagens ao original como o carro de Ash que aparece abandonado na mata, o banco que tem na varada da casa, o personagem Eric que brinca com os baralhos e um colar que tem no novo filme, mas é usado em outro contexto nessa refilmagem.

Evil Dead é um filme totalmente despretensioso que acertou de mão cheia em tudo, desde direção, elenco, produção, roteiro e uso prático invés de CGI. E mais ainda um filme corajoso, ao mostrar mutilação sem efeitos especiais.

Isso é uma homenagem a velhos como eu que cresceram com o “Cine-Trash” e outros filmes de terror dos anos 80 e 90.

Confiram o filme nos melhores cinemas, leve um saquinho de vomito (porque talvez precise) e fiquem até o final do filme, fãs das antigas.

Nota:

Crítica: O Mestre (2012)

2014-09-25T13:57:00.001-07:00

Paul Thomas Anderson é um gênio e isso é inegável, e ainda mais falar de um assunto tão polêmico que é a religião, mas em tempos modernos e se tratando dos Estados Unidos, estamos falando da “Cientologia” uma religião criada nos anos 50 pelo roteirista L.Ron Hubbard, que acredita que viemos do espaço fugindo de um alien. Realmente a origem da cientologia não tem importância, “South Park” já fez um episodio falando disso que se intitula “Tom Cruise saia do armário”, como prova que um simples desenho causou tanta polêmica, que um dos personagens principais saiu da série e ainda eles receberam tantos processos e pressões que tiveram que parar o desenho por um tempo. Com “O Mestre” não foi diferente; O filme foi mal nas bilheterias, teve pouca publicidade em torno dele e o diretor Paul Thomas Anderson ficou de fora do Oscar e não concorreu a melhor diretor e nem a melhor filme. Mas tudo bem outro gênio do cinema Stanley Kubrick nunca ganhou um Oscar e vai me dizer que ele é menos espetacular por causa disso.

O filme não ataca diretamente a cientologia, mas não escapa das críticas e de ser taxado como uma seita que está ali só para ganhar dinheiro e enganar as pessoas, “A Causa” que é usado como se fosse uma bíblia é escrita pelo líder da seita Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) Ele é quem move a trama para frente. Hoffman está brilhante como o mestre, ele é confuso, misterioso e você não consegue definir bem sua personalidade que é sempre controlada e uma vez ou outra ele explode. O interessante em Lancaster é que você não sabe se tudo aquilo é picaretagem ou ele realmente acredita que está fazendo o bem para as pessoas, e ainda propaga a filosofia da “Causa”. E no outro lado tem sua esposa à sensacional Amy Adams que está ótima no papel.

Ela vive a esposa de Lancaster, Amy é bem diferente do marido, ela é controladora e sinceramente a verdadeira “mestre”. Em uma cena em que Lancaster está trabalhando em sua maquina de escrever, ela fala com ele como se desse ordens, e diz sobre como a causa precisa triunfar e como devemos destruir as pessoas que não acreditam nela. O interessante na cena é de como Hoffman trabalha abaixado como se tivesse realmente recebendo ordens e Peggy Dodd (Adams) não fica na frente dele conversando ela fica atrás, e ele só ouve e não reage por que ele sabe de como sua mulher está certa. Peggy é controladora e deseja o poder, mesmo às pessoas que estão dentro da “causa” se atrapalharem o andamento da seita ela tira eles de cena é o que ela faz com Freddie Quell (Joaquin Phoenix) um cara que tem vários problemas tanto mentais como sexuais, e Peggy vê nele um problema.

Joaquin Phoenix da vida a Freddie, que está assustador, uma atuação arrasadora. Ele vive um ex-marinheiro que logo que acaba a guerra ele se vê em um mundo cheio de oportunidades, mas ele não sabe aonde seguir e isso faz com que ele pule de empregos e de cidades. Você nunca sabe sua reação ou o que ele está pensando no momento, ele simplesmente fica lá. O único trabalho que ele repete novamente no filme é de fotografo. Penso que ele tem essa profissão talvez para se sentir mais próximo das pessoas ou querer ser elas. Freddie tem problema com a raiva como é visto na melhor cena em que fica preso na cadeia junto com Lancaster. Ele simplesmente pira e o estado em que ele fica da ainda mais impacto ao seu personagem. Freddie é meio corcunda e se apóia com as mãos nos joelhos seu rosto é paralisado e ele move poucos os lábios só o canto direito que deixa ainda mais difícil entender o que ele está dizendo. Ele também é bem perturbado e suas emoções são confusas para ele mesmo, em duas cenas que todos do culto estão cantando e dançando ele simplesmente vê todas as mulheres peladas e a câmera acompanha normalmente como se você tivesse no ponto de vista de Freddie, simplesmente brilhante, em outra cena é quando ele está no cinema e tem uma visão que Lancaster conversa com ele e diz o que ele deve fazer. Talvez essa “visão” comprove a eficácia do culto, antes de Freddie conseguir se livrar totalmente desse lado doentio que ele tem, Lancaster propõe para alguns um teste e em outra sacada genial do roteiro e da brilhante inteligência de Paul Thomas Anderson em volta da psique humana. Você também não sabe se o que Lancaster faz com os testes é um controle mental sobre as pessoas ou ele quer ajudar Freddie, mas a sua personalidade o deixa a desejar sobre os métodos de Lancaster o faz o mestre falhar sempre. Em um exercício de confiança que é proposto pelo “mestre” aonde Lancaster vai até certo ponto, mas volta, Freddie faz à mesma coisa e simplesmente vai embora. Mas voltando ao comentário do cinema, essa é a maior eficácia da lavagem cerebral a pessoa não consegue ficar longe de seu mestre e volta para ele.

Joaquin Phoenix se mostra uma pessoa imprevisível e mesmo toda a lavagem cerebral não consegue tirar esse lado dele, outra curiosidade, é de como ele mistura suas bebidas usando óleo de motor, tiner e outros ingredientes poucos ortodoxos e isso deixa uma áurea ainda mais sombria sobre ele.

Freddie Quell é uma pessoa que você vê que ele não tem futuro. Ele simplesmente está lá, ele não sabe o que faz ou o que diz ou como se situa em cada situação, ele simplesmente vive o momento sem se preocupar com as conseqüências de seus atos. Vejo também essa situação de Freddie como os Estados Unidos estão vivendo no momento. Eles acabaram de sair de uma guerra superaram uma crise econômica que era de 1929 e vê uma grande economia ressurgindo. Talvez esses anos de 20/30 que foram difíceis para o povo americano se agravem ainda mais pelo fato que Freddie é um ex-soldado e acabou de voltar da guerra, que vai ser um problema enfrentado novamente com os jovens que voltavam do Vietnã. Mas o fato dele parecer com a América é que mesmo superando uma crise e uma guerra, os cidadãos se vêm perdido e mesmo com uma grande chance que está vindo que é o “american way of life” essa grande oportunidade mostra também uma grande falta de mão-de-obra. E isso é uma conseqüência também do por que “A causa” conseguiu ser tão popular nos anos 50, eles prometiam coisas como uma vida melhor, alegria eterna e outras promessas para chamar o publico. Como religiões que fazem iguais, tanto à católica ou a que está mais evidente é a evangélica que pode ser considerado a cientologia da América do sul, eles fazem lavagem cerebral, prometem felicidade eterna e ainda fica com o seu dinheiro e se você fala mal deles você é simplesmente destruído ou é taxado como intolerante.

O Mestre é um excelente filme sem duvidas e não esperava menos de um gênio que é Paul Thomas Anderson que tem em seu currículo filmes como Jogada de Risco, Boogie Nights, Magnólia, Embriagado de Amor e Sangue Negro. O diretor demorou 5 anos para lançar “O Mestre” e sinceramente não ligo para o tempo desde que ele lance sempre essas obras primas. Paul Thomas Anderson já é um dos diretores mais geniais e originais da atualidade.

E sem contar com a brilhante trilha sonora de Jonny Greenwood que faz um excelente trabalho tanto na parte instrumental como na vocal que da um ar místico a obra e deixa todos os elementos certos. Às vezes um pouco confusa para elementos que não precisa de ação ou outras quando o personagem necessita ou no caso o publico para se sentir um pouco dentro da ação e dentro da cabeça de Freddie. Mas é uma surpresa agradável ter ela no filme.

O filme pode ser cansativo para algumas pessoas, talvez por não entenderem, por achar difícil ou não entender a linguagem do diretor que muda bastante de um filme para outro. Coloco “O Mestre” no altar de “2001 – Uma Odisséia no Espaço”, mesmo um filme que trata de religião e outro que se afasta completamente dela, os dois são complexos e bem estruturados, uma obra-prima que vale ver, rever, rever, rever e lembre-se: Se piscar volte para o inicio.

Nota:

Crítica: A Mulher de Preto (2012)

2014-09-13T18:18:00.001-07:00

Fazer um filme de terror hoje em dia não é fácil, como disse em criticas anteriores o terror está se tornando um gênero morto e muito mal aproveitado.

A Mulher de Preto que é um “remake” de um filme para TV de 1989 produzida pelo lendário estúdio inglês “Hammer House of Horror” e que voltou recentemente ao mercado produzindo ótimos filmes como a versão americana de “Deixe Ela Entrar”. A “Hammer House” é conhecida pelo terror gótico e Clássico, que esse estilo apresenta. Podemos dizer também que é bem inglês no quesito de ser contestador a aristocracia e fazer criticas a posse, consumismo um pouco desenfreado e ao comodismo.

Essa nova versão não é diferente. A escolha de contratar Daniel Radcliffe (Harry Potter) para o papel principal do advogado Arthur Kipps. Que na versão original de 1989 foi interpreta pelo “Seu Pai” nos filmes da saga Harry Potter.

A Historia começa em Londres apresentando a vida de Arthur ele tem um filho de 4 anos e perdeu sua mulher no parto do filho,vivendo nessa fase ainda da perda,ele fica na corda bamba no escritório de advocacia aonde trabalha. Ele viaja até uma pequena vila no interior de Londres para fazer um inventario sobre a venda de uma casa.

O Filme é ambientado todo no final do Séc.XIX no interior da Inglaterra, aonde o ambiente cai como uma luva. E mostra a razão enfrentando o misticismo e até certo modo a crendice popular ser mais alta do que a razão e a lógica.

Kipps chega à mansão e não se incomoda com os avisos das pessoas locais de ir embora e esquecer da casa e a venda dela. Mas o comportamento lógico e racional de Kipps faz com que ele não leve esses avisos a sério.

Ao investigar mais a fundo os mistérios que rondam a família. Cotterstock Hall que é a mansão onde metade do filme se passa é cercada de vários mistérios como quem é a Mulher de Preto e por que todas as crianças que moram no vilarejo morrem. O clima de tensão entre os moradores locais e Arthur é muito bem explorado você sente o medo e a insegurança das pessoas a cada evento novo ou pessoa nova. Arthur tem a ajuda de Mr. Bentley (Roger Allam) que parece ser a única pessoa racional no meio de todos, ele como o resto das pessoas também teve uma perda que foi de seu filho, a sua mulher Mrs. Daily (Janet McTeer) não teve a mesma sorte e acaba enlouquecendo e virando um fardo para Bentley, mas a questão da loucura e o racional são duas coisas que não se batem no gênero terror, até a pessoa mais racional pode se dar mal quando se tratam de falar de espíritos, demônios e maldiçoes. Talvez a maior crítica do filme a sociedade em geral seja que o homem racional, aristocrata e essa estagnação social tão pulsante estejam tirando o que eles têm que é a crença em algo que seja mais forte ou inexplicável que eles mesmos.

O Filme é bem trabalho no visual e na proposta de ser mais “Dark” visto pelo final do filme, que foi um final corajoso e digno da velha e boa forma da “Hammer”.

A Mulher de preto é um filme para ver pensando que aquele ator não é o Harry Potter, e que Daniel Radcliffe conseguiu sair daquele papel que fez a carreira dele, e se ele souber escolher bem os papeis, talvez consiga se revelar um excelente ator em um futuro próximo.

Nota:

Crítica: In the Loop (2009)

2014-09-13T10:34:00.002-07:00

Em “In the Loop” Armando Iannucci usa do melhor jeito de contar sobre os bastidores do poder, através do humor negro e desbocado. Ultimamente ele está envolvido na série da HBO “Veep” que é a versão americana de “The Thick of It”, onde conta novamente sobre os bastidores do poder de forma sátira. Em Veep se conta a historia de Selina Meyer (Julia Louis-Dreyfus) que é a vice-presidente dos Estados Unidos, ela tem uma pequena equipe que assessoria, que é pior equipe de todas. Eles são mesquinhos, sarcásticos e um pouco idiotas e essa comparação da série com o filme você percebe bem nos governos tanto americano como inglês.

No filme a trama começa contando um mal entendido que acontece com o Secretário Britânico de Estado para o Desenvolvimento Internacional. O ministro Simon Foster (Tom Hollander) que diz em uma entrevista na rádio que a guerra pode acontecer! Só que ele usa essa frase em outro contexto. E outro ministro vivido pelo genial Peter Capaldi, que na historia é o boca suja Malcolm Tucker, que toda hora tenta consertar o que Simon diz; por exemplo, quando eles vão para América conversar sobre o mal entendido, Simon dá uma entrevista falando que no momento eles estão “escalando uma montanha de conflitos”, só que na verdade não existe conflito nenhum. Malcolm vê isso na TV e diz a seguinte frase para Simon: “Climbing the mountain of conflict”? You sounded like a Nazi Julie Andrews! Esse comentário é soberbo e é uma sacada ótima de Iannucci para o roteiro. Enquanto a conferência está acontecendo em Washington, você percebe a clara diferença da cultura de lugares. Karen Clark (Mimi Kennedy) uma secretaria assistente para a diplomacia, tenta impedir de qualquer jeito a guerra e o General George Miller (James Gandolfini), insiste na ideia da guerra e vê em Simon um bode expiatório. Ele é jogado de um lado para outro.

A trama se salva pelo ótimo desempenho dos atores e da direção. Basicamente quem gosta de “Veep” ou até “Westing Wing” vai gostar muito do filme.

O conflito de informações erradas se intensifica quando documentos são expostos para a mídia; quando em uma reunião secreta entre os dois governos, um espião inglês infiltrado no governo americano, que tem o apelido de “Iceman” e a incompetência de Simon frente ao mandato.

Mas no meio dessa confusão toda, Malcom encontra uma saída para a crise no ministério inglês e consegue tirar todos os problemas de uma vez só, e claro nós divertindo com o seu linguajar. É incrível como cada palavrão que ele solta parece poesia, como ele diz para uma secretária:“Within your ‘purview’? Where do you think you are, some fucking regency costume drama? This is a government department, not some fucking Jane fucking Austen novel! Allow me to pop a jaunty little bonnet on your purview and ram it up your shitter with a lubricated horse cock!” É muito engraçado como no meio da sofisticação e aristocracia inglesa você vê pessoas como Simon e Malcom, que manipulam e falam mal a vontade de pessoas do próprio governo e das situações que estão vivendo.

Mas o filme merece ser visto. Faz tempo que não vemos um filme que fala do lado negro da política com tanta eficácia e inteligência.

Há pontos negativos no filme, como surgir sempre alguns elementos novos que fica um pouco confuso em um longa-metragem; mas seria mais bem explorada numa série. O filme lembra bastante “O Rato que Ruge” de Jack Arnold e “Dr.Fantástico” que foi dirigido por Stanley Kubrick.

Em 2010 ele ganhou o Oscar de melhor roteiro adaptado, por uma própria peça de Iannucci. Assistam para se divertir com um filme inteligente e sarcástico que não se via há muito tempo, e sinceramente os ingleses são muito bons em usar o humor para criticar várias situações do cotidiano.

Nota:

Crítica: Último Desejo (2013)

2014-09-13T10:27:00.002-07:00

Nos últimos tempos James Franco se mostrou um ator muito versátil para todos os tipos de papeis no cinema desde comedia, drama, romance. Sem contar como escritor já que um de seus contos foi recentemente filmado por Gia Coppola neta de Francis Ford Coppola. O romance “Palo Alto” que recebeu vários elogios em festivais de filmes independentes. Superando até o filme de sua tia a poderosa Sofia Coppola, que infelizmente realizou um filme pouco impactante que é “Bling Ring”.

Mas Franco em seu novo filme, que ele mesmo dirige,atua e produz. É baseado na obra do escritor William Faulkner, o “Último Desejo” mostra uma família de fazendeiros no inicio dos anos 20, que perde a mãe, e saem numa cruzada para enterrá-la no lugar que ela deseja. A família mostra várias faces ao longo da jornada, mostrando um poço de segredos que ficam evidentes em algumas cenas, em outras só percebemos com o uso da metalinguagem. James Franco foi bem fiel ao livro e ficou inusitado o seu formato em tela, já que ele fica dividido o tempo todo, às vezes uma parte da tela mostra o que a família está fazendo e a outra fica livre tanto para voltar no passado, presente e também para mostrar depoimento dos familiares, amigos, parente e etc…

Darl Bundren (Franco) interpreta o irmão que é frio o tempo todo como todos da família, principalmente com o seu irmão Jewel (Logan Marshall-Green) que é o mais afastado e independente deles. Esse relacionamento é o conflito principal e não é solucionado, achei isso muito legal já que os dois não precisam chegar ao um acordo, e isso não interessa na historia.

Com a ótima atuação de Tim Blake Nelson que faz o pai da família, o filme faz de um simples fato uma jornada ao interior deles, como segredos de casamento e que irmãos às vezes são seus piores inimigos. Franco conseguiu captar o sentimento de cada um, e a narração ficou muito bem captada. Às vezes um pouco exagerada as ações de alguns personagens, principalmente de James Franco e Ahna O’Reilly que interpreta a única irmã da família, a historia dela poderia ser mais explorada. Ela esconde o tempo todo que está grávida e vai para a cidade para fazer um aborto, mas o médico faz um acordo com ela pedindo sexo em troca do aborto. Será que esse conflito não poderia ser mais bem explorado? Do que simplesmente deixar as intenções dos personagens jogadas. Achei um ponto perdido essa parte, e principalmente o final que poderia ser menos literal e colocar alguns pingos na historia da família.

Mas James Franco conseguiu ilustrar muito bem a obra de um grande autor que é William Faulkner. Franco tem mostrado grande competência em vários campos da arte e mostrando também uma excelente escolha de filmes para dirigir. Um mais alternativo do que outro e saindo bem dos padrões hollywoodianos. Coisa que pelo menos Franco nunca foi.

Nota: