Et voici nos nouveautés pour le mois de juillet !
L’expédition Missouri de Hugh Glass en 1823, qui inspira The revenant à Alejandro Gonzalez Inarritu l’an dernier, avait déjà été l’objet d’une adaptation dès 1971 par Richard Caspar Sarafian. Le convoi sauvage, réalisé la même année que le culte Point limite zéro, n’a malheureusement pas bénéficié du même succès d’estime, et la récente réédition est l’occasion de le redécouvrir. Laissé pour mort par ses pairs après s’être fait attaqué par un ours, un trappeur lutte pour sa survie en milieu sauvage. Western mais pas tant, adaptation de faits réels délaissant une approche réaliste et lorgnant davantage vers le merveilleux, survival également, l’épopée rédemptrice de Zach Bass (tel qu’il est renommé ici) rappelle celle de Vincent Gallo dans le magnifique Essential Killing de Skolimowski. Tournée en Espagne avec un petit budget – les indiens furent joués par des Gitans rencontrés durant le tournage – le film se paie même le luxe de John Huston dans le rôle du capitaine Henry, sombre figure évoquant un Captain Achab des sables ou un Fitzcarraldo américain.

« Je filme pour ne pas perdre la mémoire », ainsi débute Cinq caméras brisées, documentaire in situ tourné durant 5 ans par Emad Burnat dans la petite ville de Bil’in, en Cisjordanie, qui jouxte une barrière de séparation israélienne. En 2004, suite à la naissance de son fils, on lui offre une caméra qui servira finalement davantage à capter un événement moins heureux : l’arrivée des géomètres puis des pelleteuses dans les oliveraies séculaires du village, qui empiéteront progressivement sur plus de la moitié du territoire. Les manifestations pacifiques, au quotidien, seront réprimées de plus en plus violemment, et les caméras d’Emad en seront les victimes symboliques. Chutes, tirs à balles réelles, viendront à bout de 5 caméras en 5 années, imprimant artefacts et erreurs de signal numérique directement sur les images de la lutte des habitants. Primé partout dans le monde, et notamment au Cinéma du Réel en 2012, nous vous recommandons cet extraordinaire témoignage.

Nous attirons votre attention également sur La femme bourreau de Jean-Denis Bonan, auquel nous avions consacré une séance en février dernier, ainsi que sur Foxfire : Confessions d’un gang de filles qui s’inscrit dans la veine de ces films indépendants abordant les luttes de femmes, mettant en scène la constitution d’un groupe solidaire, à l’instar de Mustang ou Much loved.

Vous retrouverez également une sélection de nouveautés jeunesse pour ce début de vacances scolaires avec Boy de Taika Waititi, Anina de Alfredo Soderguit, la fin de la saison de Téléchat, et le dernier film des studios Pixar : Le voyage d’Arlo. La suite de l’ajout des filmographies en cours (Herzog, Théo Angelopoulos, Nicolas Roeg), la suite des sagas commencées précédemment (Le hobbit, la trilogie Paradis d’Ulrich Seidl), les habituels films de réalisateurs déjà mis à l’honneur dans la salle de cinéma (revoir le Dorian Gray de Albert Lewin, découvrir Desert Moon de Shinji Aoyama), du cinéma de genre (Bullet Ballet) et du classique hollywoodien (Les cavaliers). Chacun devrait pouvoir y trouver son compte !

> Les conditions locatives et formules d’abonnement

Mediterranea – Jonas Carpignano
Leopardi, il giovane favoloso – Mario Martone
5 caméras brisées – Emad Burnat & Guy Davidi
Desert moon – Shinji Aoyama
Babylon, USA – Eric Mendelsohn
Bullet Ballet – Shinya Tsukamoto
Les cavaliers – John Ford
Le convoi sauvage – Richard C. Sarafian
Le portrait de Dorian Gray – Albert Lewin
La féline – Paul Schrader
Téléchat (épisodes 61 à 78) – Roland Topor & Henri Xhonneux
Le hobbit : La désolation de Smaug – Peter Jackson
Je ne suis pas féministe, mais.. & L’abécédaire de Christine Delphy – F. & S. Tissot
Paradis : Foi – Ulrich Seidl
Cobra verde – Werner Herzog
Les chasseurs – Théo Angelopoulos
La femme bourreau – Jean-Denis Bonan
Enquête sur une passion – Nicolas Roeg
Histoire de Judas – Rabah Ameur-Zaimeche
Foxfire, confessions d’un gang de filles – Laurent Cantet
Boy – Taika Waititi
Anina – Alfredo Soderguit
Le voyage d’Arlo – Peter Sohn
Point limite zéro – Richard C. Sarafian (BluRay)

> Voir les films dans le catalogue locatif

> Découvrir le nouvel agenda cinéma

Toutes les prochaines projections à partir d’aujourd’hui, dimanche 19 juin 2016, sont consultables dans le nouvel agenda du cinéma de Videodrome 2, plus clair et plus complet.

A bientôt, au cinéma !

Les liens entre littérature et cinéma sont anciens, parfois conflictuels, souvent féconds. Quelques auteurs sont consacrés comme écrivains et cinéastes à part égale : Marcel Pagnol, Jean Cocteau, ou encore Marguerite Duras. Certains écrivains ont souvent mis leur plume au service des scénarios, comme Paul Gégauff sur les films d’Eric Rohmer, Roger Nimier sur ceux de Michelangelo Antonioni ou de Louis Malle, ou encore pour l’adaptation d’autres œuvres littéraires au cinéma. Ainsi de Joseph Kessel, qui collabora notamment avec Jean-Pierre Melville sur L’armée des ombres et Luis Bunuel sur Belle de jour.

Pour compléter cette entrée littéraire dans les films du vidéoclub, cette sélection met aussi en avant les documentaires retraçant la vie et l’œuvre d’écrivains comme Louis-Ferdinand Céline ou Lovecraft, des biopics (Truman Capote, Sagan) et quelques adaptations littéraires telles que Le festin nu de William Burroughs. Bonne lecture !

> Pour louer des films au vidéoclub

:: Les écrivains du cinéma

Entre les murs – Laurent Cantet / François Bégaudeau (scénario)
La moustache – Emmanuel Carrère
Retour a Kotelnitch – Emmanuel Carrère
Le signe du lion – Eric Rohmer / Paul Gégauff (dialogues et adaptation)
Plein soleil – René Clément / Paul Gégauff (dialogues et adaptation)
La possibilité d’une ile – Michel Houellebecq
De l’amour – Jean Aurel / Jacques Laurent (scénario et dialogues)
Ascenseur pour l’échafaud – Louis Malle / Roger Nimier (scénario)
La nuit – Michelangelo Antonioni / Roger Nimier (scénario)
La chamade – Alain Cavalier / Françoise Sagan (roman et coécriture)
La vie nouvelle – Philippe Grandrieux / Eric Vuillard (coécriture et scénario)
Crésus – Jean Giono
Belle de jour – Luis Bunuel / Joseph Kessel (adaptation)
L’armée des ombres – Jean-Pierre Melville / Joseph Kessel (adaptation)
Généalogies d’un crime – Raoul Ruiz / Patrick Modiano (acteur)
La poison – Sacha Guitry
India song – Marguerite Duras
Marius / Fanny / César – Marcel Pagnol
Le sang d’un poète / La belle et la bête / Le testament d’Orphée – Jean Cocteau
Lovecraft – Patrick Mario Bernard & Pierre Trividic
In girum imus nocte et consumimur igni – Guy Debord
La société du spectacle – Guy Debord
La véritable histoire d’Artaud le momo – Gérard Mordillat et Jérome Prieur
L’abécédaire de Gilles Deleuze – Pierre-André Boutang
The pervert guide’s to cinema – Slavoj Zizek
Dialogues avec Soljenitsyne – Alexandre Sokourov
Céline vivant (entretiens TV)
Godard / Sollers l’entretien – Jean-Paul Fargier
Le festin nu – David Cronenberg
Truman Capote – Bennet Miller
The hours – Stephen Daldry
Sagan – Diane Kurys

> Voir le catalogue « Les écrivains du cinéma »

Mercredi 8 juin à 16h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Séance jeune public dans le cadre du programme Kinetica

À partir de 5 ans

Charlot fait une cure
Charles Chaplin – 1917, États-Unis, 30 minutes, Muet

Charlot est alcoolique notoire, et se trouve, sans raison apparente, à entamer une cure de santé dans une station thermale.
C’est un film de la période Mutual de Chaplin. Encore dépendant, pour le coup, d’un studio (c’est après la Mutual qu’il fondera United Artists avec Fairbanks, Griffith et Pickford), Chaplin bénéficiait d’une liberté néanmoins folle et quasiment absolue au sein de la Mutual. Le travail s’organisait souvent de la façon suivante : arrivée le matin sur un plateau, organisation d’un gag, tournage dudit gag (et quand on les voit, on ne peut que comprendre que certains d’entre eux ont pris des heures à se régler), et à partir de ce gag, le désir du suivant se créait, et ainsi de suite, jusqu’à épuisement du filon, et passage au film d’après. L’écriture, le scénario dans tout ça ? Néant. (Chaplin commencera à scénariser ses films à la toute fin de la période Mutual, quand il se dirigera vers des durées plus longues.)
L’harmonie et la cohérence de ces films Mutual tient donc à la personne même de Chaplin, à ce corps inouï, dont chaque mouvement semble tenir du miracle, toujours au bord de la dislocation, de la chute, et qui pourtant tient bon, rebondit, esquive. La précision des cadrages, la rigueur du montage, le rythme exemplaire. Et la beauté des personnages de Chaplin, toujours marginaux, mais qui toujours, au sein des situations les plus violentes, amères ou tristes, peuvent faire exister la part de bonté qui est en eux.
Alors on rit, de joie, d’étonnement, de cette liberté qui s’offre à nos yeux.

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Vendredi 17 juin à partir de 18h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

18h – entrée libre
:: LABORATOIRE DE L’OUÏE

Et parce que la vie bat son plein à ces endroits de rencontre, un laboratoire de l’ouie précédera chaque soirée proposant en live, des improvisations de projections sonores et filmiques.

20h30 – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Film
Sur un air de Charleston
Jean Renoir – 1927, France, 21min (35mm ou en video)

En 2028, un savant africain décide d’explorer les terres inconnues d’Europe. Son aéronef atterrit sur une colonne Morris dans un Paris dévasté, retourné à l’état sauvage. Là, il est capturé par une autochtone qui l’accroche à un poteau et se met à danser. Le savant reconnait cette «ﾠdanse primitive des Blancsﾠ» et demande à l’apprendre. Après une danse endiablée, il repart avec la jeune femme dans son aéronef.

:: Musique électroacoustique
Les filles du sommeil
Georges Boeuf – 1987, France, 30 min 34

« Danae », « Leda », « Serpent d’eau », « L’épousée », tableaux de Gustav Klimt où les femmes sont selon l’expression de Kawata, « les belles endormies ». Ces femmes sont seules : elles s’abandonnent au sommeil et à leurs rêves érotiques. C’est alors que l’or, la nuit, l’eau et les voiles deviennent des matières complices de cette riche et vibrante solitude.
Texte extrait de la pochette du disque GMEM Effect input .

:: Film : Asyl
Kurt Kren – 1975, Autriche, 6min (16mm)

Un paysage se transforme au rythme des saisons et commence doucement à décliner sous l’influence de l’éloignement technique. En résultent d’étonnants effets en trois dimensions, comme si l’écran devenait une sorte de caisse sur laquelle s’asseoir, dans laquelle des éléments d’une photographie en mouvement sont interchangeables

:: Musique électroacoustique : Dedans Dehors
Bernard Parmegiani – 1977, France, 22 min 24

« la notion de métamorphose est l’un des principes qui conduit le déroulement de cette suite : les métamorphoses entre les sons reflètent des changements : passages fluide-solide (eau/glace/feu) ; ou des mouvements flux/reflux/vague, inspiration/expiration ; ou encore des passages intérieur-extérieur (porte/individu/foule). Ainsi l’objet perçu n’est-il pas tout à fait celui-que nous aurions souhaité qu’il fût.Notre musique nous rapproche des uns en même temps qu’il nous éloigne des autres : à chacun son dedans » (B.P.)

:: Film : Money
Henri Hills – 1985, Etats -Unis, 15min (16mm)

Money, une oeuvre condensée à l’extrême déclinant de multiples points de vue, est un document sur la situation de la pratique du «contemporain» parmi les poètes, les musiciens et les danseurs dans le New York des années 80.
Avec: John Zorn, Diane Ward, Carmen Vigil, Susie Timmons, Sally Silvers, Ron Silliman, James Sherry, David Moss, Mark Miller, Arto Lindsay, Pooh Kaye, Fred Frith, Alan Davies, Tom Cora, Jack Collom, Yoshiko Chuma, AbigaiI Child, Charles Berstein, Bruce Andrews.

> Voir toutes les séances du cycle de l’institut de la mécanique des turbulences à Videodrome 2

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Dimanche 19 juin à 20h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

20h00 – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Film
La champignonne
Pascal Aubier – 1973, France, 9 min

FIlm-séquence d’une course poursuite entre une caméra prédatrice et une femme.
Avec Elisabeth Prouvost.

:: Musique électroacoustique
Tides
Denis Smalley – 1984, Nouvelle-Zélande, 30 min

Tides se base sur des analogies entre l’eau et le son – mouvement, textures, images de turbulence, de force et de tranquilité.
1 Tides – Pools and currents
2 Tides – Sea flight

:: Film
Mass For Dakota Sioux
Bruce Baillie – 1964, Etats-Unis, 26 min (16mm)

Le film est dédié par Baillie «  aux religieux détruits par la civilisation qui a développé la Messe ». Hommage en creux aux « natives », indiens d’Amérique à l’encontre d’une société américaine envahissante.
Un film profond poétique et complexe dans lequel le spectateur est invité à se perdre.

:: Musique électroacoustique
Petit poucet magazine
Beatriz Ferreyra – 1985, Argentine, 18 min 40

Imaginé à partir de l’histoire du Petit Poucet racontée par Emmanuelle (petite fille à l’époque), à sa manière avec ses silences et ses hésitations, ses rires…

:: Film
Dreamwork
Pierre Tscherkassky – 2001, Autriche, 11 min

Dans Dream Work, comme dans un vrai rêve, aucune image n’est isolée, chaque image radicalement fortuite, mais leur relation nécessaire au point qu’une autre solution est impensable (à moins de changer d’univers). C’est donc le meilleur des mondes oniriques possibles, si effroyable qu’il paraisse.
Bert Rebhandl

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Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Samedi 18 juin à partir de 18h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

18h – entrée libre
:: LABORATOIRE DE L’OUÏE

Et parce que la vie bat son plein à ces endroits de rencontre, un laboratoire de l’ouie précédera chaque soirée proposant en live, des improvisations de projections sonores et filmiques.

20h30 – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Film
Connection of the photosonicneurokinaesthograph (video)
BOTBORG – 2009, 10 min (video)

BOTBORG est un groupe de performance audiovisuelle international dont le travail porte sur la création d’expériences intenses de synesthésie de son et de couleur en temps réel.Le Photosonicneurokineasthographe est le nom que BOTBORG a donné au méta-instrument utilisé pour conduire ses expériences audio et vidéo.

:: Musique électroacoustique
Sud
Jean Claude Risset – 1985, France, 23 min 36

La pièce a été construite à partir de quelques sons, pour la plupart des sons de nature enregistrés près de Marseille, et également quelques sons de synthèse réalisés par ordinateur à Marseille. Les sons ont été transformé par ordinateur, à l’aide de programmes développés par Benedict Maillard et Yann Geslin (GRM).
I. La mer le matin. Eveil d’oiseaux criards s’animant du pointillisme à la strette. Nuages harmoniques. Venant du grave, accumulation d’êtres hybrides. Chaleur. Luminy, au pied du Mont Puget : insectes et oiseaux réels et imaginés.
II. Appel – comme une bouée à cloche animée par la mer. Agitation, flux, dérives, péripéties, mistral, tempête, feu de la terre, ou orage intérieur ?
III. Le profil de la mer, de plus en plus coloré : le bruit devient hauteur stridente. Hybrides animés. La grille harmonique se dévoile, excitée de toutes parts: pulsions programmées, raga d’oiseaux, vagues de la mer. Reflux: le bruit du ressac.

:: Film
Impresiones en la alta atmosphera
José Antonio Sistiaga – 1989, Espagne, 7 min (35mm)

Vision imaginaire d’un monde cosmique en perpétuelle mutation suggérant le drame cosmogonique de l’univers.

:: Musique électroacoustique
Mouvement Rythme étude
Pierre Henry – 1970, France, 64 min 50

Mouvement-Rythme-Étude, sous-titré barre-fiction, est dédié à Maurice Béjart  (qui l’utilisera ultérieurement pour son ballet Nijinsky, clown de Dieu).
La pièce utilise des sons brefs profilés (faisant entendre une intention liée au geste ), qui tourne se répètent toujours, traversés par un mouvement de variation qui les rend irrégulièrement périodiques.

première partie :
1. battements 4’10
2. positions 3’12
3. exercice I 3’29
4. pureté 3’19
5. sauts 2’06
6. exercice II 3’17
7. figures 2’29
8. danse 3’06
9. premier adagio 4’42
10. variations 2’27

deuxième partie :
11. continuum 7’25
12. tours 2’38
13. détiré-écarté 2’50
14. variance d’exercice 2’24
15. temps de pointe 0’53
16. élan 2’05
17. manèges 3’02
18. enchaînements 1’38
19. deuxième adagio 2’05
20. valse 2’42
21. troisième adagio 4’59

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Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Jeudi 16 juin à partir de 18h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

18h – entrée libre
:: LABORATOIRE DE L’OUÏE

Et parce que la vie bat son plein à ces endroits de rencontre, un laboratoire de l’ouie précédera chaque soirée proposant en live, des improvisations de projections sonores et filmiques.

20h30 – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Musique électroacoustique
L’île re-sonante
Eliane Radigue – 2005, France, 55 min 22

Oeuvre minimaliste, méditative d’un compositrice, originale indépendante et inclassable. Lente progression autour d’infimes variation de textures, de transparence, de légers mouvements d’agitation (la houle?), la pièce de 55 minutes invite à l’écoute et ouvre des espace imaginaires d’une très grand richesse.

:: Film
Il pianeta Azzuro
Franco Piavoli – 1981, Italie, 80 min

Une année de vie sur la planète Terre: les quatre saisons se passent le relais, mais grâce au montage des images et des sons, le temps du film est aussi celui d’une seule journée. Un poème visuel novateur qui propose une expérience du regard inédite sur la Nature, le Temps et l’Homme.

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Mercredi 15 juin à 21h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

21h – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Musique électroacoustique
Etudes aux objets
Pierre Schaeffer – 1958, France, 17 min10 X 5

L ‘Etude aux objets « s’efforce, avec un matériel nouveau et expérimental, de respecter trois principes classiques / la permanence du matériel orchestral, l’idée de thème et de variation, enfin la structure en mouvements … Les cinq mouvements disent assez éloquemment leur propos : les objets seront exposés , liés, dispersés , étendus, rassemblés.
Pierre Schaeffer cité par Michel Chion, Guy Reibel – les musiques électroacoustiques INA GRM Edisud

:: Film
FILM IST (1-6) (16mm)
Gustav Deutsch – 1998, Autriche,  X6

1 – Mouvement et temps (15′)
2 – Lumière et obscurité (10′)
3 – Un instrument (10′)
4 – Matériel (8′)
5 – Un clin d’oeil (7′)
6 – Un miroir (10′)
Le film peut être composé librement avec un minimum de trois chapitres. FILM IST. ne comprend pratiquement que des extraits de films scientifiques sur les vols des pigeons et sur les tests d’intelligence faits avec des singes, sur «les mondes à l’envers» et sur la vue stéréoscopique, sur les ouragans et sur «les ondes de choc dans l’air», sur le verre qui se brise, l’enfant en bas âge qui marche et la voiture Daimler-Benz qui heurte – au ralenti – un mur de pierre. (…) FILM IST. recueille une abondance de telles images. On y ressent non seulement la politique, mais aussi la poésie particulière du genre «film scientifique» qui se sert fréquemment des moyens conceptuels expérimentaux (…). Des images qui n’ont rien à voir les unes avec les autres (en ce qui concerne leur origine), qui ne sont pas de la même famille sont comparées, confrontées, juxtaposées.»
Alexander Howarth

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Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Mardi 14 juin à partir de 18h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

18h – entrée libre
:: LABORATOIRE DE L’OUÏE

Et parce que la vie bat son plein à ces endroits de rencontre, un laboratoire de l’ouie précédera chaque soirée proposant en live, des improvisations de projections sonores et filmiques.

20h30 – entrée à prix libre
:: INSTITUT DE LA MECANIQUE DES TURBULENCES

Programme enchâssé de pièces du répertoire d’électroacoustique et de films expérimentaux.
Les pièces d’électroacoustique seront toutes interprétées en live et diffusées sur un acousmonium.

:: Musique électroacoustique
Hétérozygote
Luc Ferrari – 1963, France  26min19

« Et à propos d’Hétérozygote, pensez-vous qu’on puisse classer cette œuvre également dans la catégorie Hörspiel, en raison notamment de sa structure narrative ?
Oui Hétérozygote, on pourrait le considérer comme un Hörspiel, on pourrait aussi le classer dans la catégorie qu’on aime bien appeler « cinéma pour l’oreille ». Luc aimait bien l’idée que l’auditeur se fabrique ses propres images et scènes en écoutant. Bien entendu il souhaitait aussi susciter des sensations et des émotions, mais cela dans toutes ses œuvres »
Extrait de l’interview de Evelyne Gayou interrogeant Brunhild Ferrari

:: Film
Au bord du lac
Patrick Bokanowski – 1994, France, 6min (35mm- couleur sonore)

Métamorphoses au bord d’un lac.
Musique de Michèle Bokanowski.

:: Musique électroacoustique
Sonate avec Likenbé
Marcel Frémiot – 1971, France  9min30

L’oeuvre présente une démarche originale, en proposant la mise en œuvre, dans une pièce de musique concrète, du modèle de la sonate classique. Le matériau sonore est issu d’une seule source, une sanza africaine.
Marcel Frémiot est l’un des fondateurs du GMEM et a créé la classe de musique électroacoustique du conservatoire de Marseille.

:: Film
Passage à l’acte
Martin Arnold – 1993, Autriche, 12min (16mm)

« Une famille américaine à table, enfermée dans le rythme cadencé de la table de montage. La courte séquence originale est parlante, elle est d’une harmonie classique et trompeuse, passant outre tout ce qui est essentiel pour empêcher l’aliénation. Arnold démonte ce scénario quotidien en brisant sa continuité originale. Il s’attarde sur les bruits de tôle, laisse les mouvements bizarres des acteurs en suspens. Le message supprimé, perdu, profondément ancré derrière cette idylle de famille s’appelle la guerre.»
Stefan Griessemann

:: Musique électroacoustique
Bye Bye Butterfly
Pauline Oliveiros – 1997, Etats-Unis, 8min04

« J’ai fabriqué Bye Bye Butterfly comme une performance de studio en temps réel, à une époque où cela était peu courant. J’ai inventé une technique qui me permettait de jouer mes pièces au lieu de les monter . J’ai voulu ajouter un enregistrement à mon « mix », et j’ai pris un disque qui se trouvait là dans le studio, je l’ai posé sur la platine. Il est apparu être un extrait de Madame Butterfly. J’ai alors improvisé avec celui- ci en temps réel.
Pauline Oliveiros

:: Film
Oh I can’t Stop
Zbig Rybczynski – 1975, Pologne, 10min (video coul sonore)

Un monstre se déplace très rapidement et dévore tout ce qu’il rencontre : personnes, animaux, voitures, immeubles.

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Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Dimanche 19 juin  à 17h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Entrée à prix libre

17h
Lectures poétiques de Arno Calleja, Annabelle Verhaghe et David Soriano
durée totale : 30min

Arno Calleja, né en 1975, a étudié la philosophie et a commencé à publier en revues au début des années 2000. Il vit dans le sud de la France. Ses textes se caractérisent par une parole libre, déraillante, saisie avant toute censure et laissée à son auto-engendrement. Sans majuscule ni ponctuation, sa langue avance en spirales et en éclatements. S’alléger du poids du temps, recouvrer le flux du monde dans un flux langagier, voilà l’ambition de cette parole qui de toute pulsion fait texte. Co-dirige la revue Muscle avec Laura Vazquez.

Annabelle Verhaeghe
Née peu après l’explosion de Tchernobyl, vit à Aix. Pratique l’écriture de textos depuis 2010. Petite centaine d’abonnés : pour grossir les rangs, donner votre numéro via fb ou le site. Fait des films, des sons (seule ou avec Julian Baubil, Sylvain Courtoux, Ludovic Girard), de la peinture à l’huile, des mobiles de chimères, des performances, des installations, du théâtre, et écrit. Voudrait faire une comédie musicale, danser une grande danse expiatoire, aller en Russie. Travaille parfois avec le Muerto Coco, organise des soirées performatives.

David Soriano est né en 1990. Après des études d’art du spectacle, et un passage dans la Compagnie d’Entraînement sous la direction d’Alain Simon, il fonde la Compagnie « La tête dans le mur » avec Simone Saint-Beuve. Résidant du Nouveau Théâtre d’Art (NTA) de Villembleau, il collabore régulièrement aux revues Perspectives Po-Ethiques et Contusion. Il travaille également avec des personnes qui existent réellement, notamment la compagnie En Cours.

17h45
:: La rivière
Tsai Ming-Liang – 1997, Taïwan, 1h55, VOstFR
Hsiao-Kang, un jeune homme désoeuvré, accompagne une amie sur le tournage d’un film. La réalisatrice filme une scène où un cadavre flotte dans un fleuve pollué. Mécontente du mannequin utilisé, elle demande au jeune homme de le remplacer. Il accepte. Le lendemain Xiao-Kang ressent de violentes douleurs dans la nuque et aux épaules. Rien ne le soulage, la douleur s’amplifie et il est sur le point de devenir fou.

> Voir toutes les séances cinéma

Mercredi 15 juin à 16h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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(à partir de 5 ans)

durée totale du programme : 46min

:: Relief de l’invisible, papillon
Pierre-Oscar Lévy, Gabriel Turkieh et Jean-Michel Sanchez – 2000, France, 3 min
Une plongée dans la matière de l’échelle un à l’échelle atomique, à partir d’images réelles de microscopie électronique, avec un traitement numérique qui permet une parfaite fluidité du mouvement.

:: Les anges déchets
Pierre M. Trudeau – 2008, Québec/Canada, 5 min
Un documentaire animalier sans animaux. La découverte d’une nature faite d’objets inanimés. Une célébration de la vie en compagnie de déchets.

:: Marseille recyclers
Nikki Schuster – 2015, France/Allemagne, 3 min
Atelier de réalisation collective avec des enfants et adolescents du Centre Social de la Capelette (Marseille).

:: Planet A
Momoko Seto – 2008, France, 7 min 40
Le monde est devenu une vaste planète desséchée, où la culture du coton exercée à outrance pour des raisons économiques, est la cause principale de la désertification. Un désert salin recouvre des hectares de terrain asséché où apparaissent de curieux arbres de sel. Ce phénomène fait écho à une plus grande catastrophe écologique, la désertification de la mer d’Aral, et toujours l’homme comme responsable…

:: Hyas et Sténorinques
Jean Painlevé – 1927, France, 13 min
Présentation de ces petits crustacés dont la particularité est de se couvrir, selon leur gré, de colonies végétales ou animales. Convivialité avec leur voisin, le ver spirographe.

:: De l’autre côté de la plage
Marie Daniel et Fabien Mazzocco – 2011, France, 15 min
« Il nous arrive parfois, en allant voir la mer, de traverser un univers de sable et de chaleur, où nos pieds s’emmêlent, où la vie semble impossible, où rien n’est stable, où tout dévale. En nous empêchant d’avancer rapidement dans leur sable, les dunes nous invitent à prendre le temps… et c’est un peu inquiet mais charmé que l’on s’abandonne alors à regarder et écouter. Des odeurs, des traces et des chants ! Le peuple des dunes émerge peu à peu… »

:: Le partenaire de programmation
Fondée en 1993 à Marseille, l’association Polly Maggoo a pour ambition de créer des rencontres entre des cinémas pluriels et un large public. Depuis l’origine, son exigence a été de proposer des espaces de visibilité à des programmations de films et de vidéos contemporains trouvant difficilement leur place dans les circuits traditionnels de diffusion.

À partir de 2002, elle a développé des projections thématiques autour des sciences.

Les diversités de productions cinématographiques mêlant tous les genres (documentaire, art vidéo, expérimental, essai, animation, fiction) et tous supports, sont autant de possibilités permettant de créer un dialogue entre le cinéma et l’univers des sciences, considérées comme un domaine de création.

Le temps fort du festival RISC (Rencontres Internationales Sciences et Cinémas), organisé chaque année en automne depuis 2006, est un écrin singulier où se déroulent ces relations toujours nouvelles entre les sciences dans leur grande diversité et le cinéma comme art.
Une quinzaine de séances en direction du grand et jeune public, des séances scolaires (collèges, lycées) se déroulent dans différents lieux du centre ville de Marseille (Maison de la Région, BMVR Alcazar, Cinéma Les Variétés, Cinéma Le Prado, Museum d’Histoire Naturelle et Musée d’Histoire de Marseille).
Le festival RISC accorde une grande importance aux rencontres entre cinéastes et scientifiques/chercheurs invités à échanger avec le public après chaque projection.

> Voir toutes les séances proposées par RISC au Videodrome 2

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec l’adhésion annuelle
3€ la séance avec l’adhésion de soutien
2€ pour les moins de 14 ans et séances du mercredi

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Créée en 2014 à Marseille  -à suivre-  est une association qui soutient la création photographique. Son but est de répondre aux nécessités des photographes, depuis la prise de vue jusqu’à la présentation finale d’un travail. Zoème éditions publient des ouvrages au sein de l’association. Pour ce premier rendez-vous avec -à suivre-, ce sont les travaux en cours de trois photographes qui vous seront présentés dans un programme intitulé Matières humaines.

Jeudi 9 juin à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Projections des travaux en cours des photographes, Anouk Deville, Franck Deglise et Stéphanie Lemaire.

Matières humaines rassemble dans une séance de projection les travaux en cours des photographes Anouk Deville, Franck Déglise et Stéphane Lemaire. Empreintes, signes de vie, zoographies: à même la pellicule, le présent que corps et espaces traversent devient une sorte de futur parfait; et pourtant ses spectres, quoique fixes, restent ici mouvants, scintillent d’une figure l’autre – comme, point de fuite et souffle de toute image, l’oeil, s’il consent à voir, très vite, paupière mi-close, vibre.

Franck Déglise est né à Dijon en 1969, il vit et travaille à Marseille depuis 2002. diplômé de l’université Lyon 2. (études cinématographiques et audiovisuelles et science du langage), intervenant pour des ateliers de pratique photographique, il mène en parallèle sa carrière de photographe en France et en Europe.
Introspectif mais infiniment ouvert au dehors, sobre et lyrique, son travail est fortement marqué par le langage cinématographique. Il a participé à plusieurs expositions collectives. Il a publié Garde-fou (Filigranes éditions/Zoème éditions, 2014).
« Garde-fou explore les rapports entre expérience et photographie, avenir et mémoire. Les images de Franck Deglise forment un tissu serré qui donne consistance au temps et tel un filet capture sa durée. On peut suivre au fil des pages les lignes d’émergence et de fuite du sens: il s’offre et se dérobe, perce l’image et la déplace, s’enlise dans la matière pour resurgir, hors de l’image, sur le point extrême où l’oeil d’un portrait en noir et blanc fait écho au bleu d’une masse d’eau lourde, entre une radiographie crânienne et une capture d’écran. Au fil d’un vécu sourd, la photographie s’expose ici à l’expérience de l’absurde. La rencontre est d’autant plus violente que le photographe tente sans cesse de rattraper le sens, de produire et reproduire ses effondrements pour donner à voir sa fragilité extrême. »
Rafael Garido

Anouk Deville tient entre l’âge de 15 à 25 ans, un journal intime numérique, composé de photos, rythmé par des textes issus de ses correspondances.
Elle utilise la photo dans sa quête à la découverte du monde et d’elle même, elle se photographie dans l’intime, face à la sexualité, la douleur, la mort et la vieillesse.
Elle se livre sans limite dans ce travail que l’on peut qualifier de “photo-thérapie”. Son écriture photographique est représentative d’une nouvelle génération de photographes, où tous les moyens sont bons pour s’exprimer en images (iPhone, captures d’écran…).

Stéphane Lemaire est photographe. Projet d’ordre biographique en même temps qu’exercice (extrême) de dépersonnalisation, son travail est axé sur la crudité (tendresse et cruauté) des rapports entre sujet et monde sensible. Il a participé à plusieurs expositions collectives.

:: Le partenaire de programmation

Association -à suivre-
Zoème éditions
52, rue Edmond Rostand.
13006 Marseille
tél: 06 14 59 50 34

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Films de Force Majeure

Samedi 11 juin à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Projection présentée par la réalisatrice Alina Skrzesweszka

Bush Mama
Hailé Gérima – 1979, USA, 1h37

Une jeune femme noire vit seule avec sa fille dans les faubourgs de Los Angeles. La misère dans laquelle elle se trouve et sa condition de femme noire seront à l’origine d’une prise de conscience et de son engagement politique, radical, éventuellement violent. Toute ressemblance avec des événements actuels serait…

D’origine éthiopienne, Hailé Gérima est un réalisateur américain. Nous avions envisagé de diffuser son travail lors de la semaine consacrée à l’histoire du Black Panther Party, en décembre 2015, car son oeuvre est essentielle et incandescente dans l’histoire du cinéma et de la représentation des luttes et de l’émancipation des Noirs américains. Nous n’avions pu le faire à l’époque. Alors, la proposition d’Alina Skrzesweszka de nous faire découvrir ce travail a un impact particulier.

:: Le partenaire de programmation

Films de Force Majeure est une société de production et de distribution basée à Marseille (France) depuis 2010.
Comme producteur délégué, FFM développe et (co)produit courts et longs-métrages sans limite de contenu ni de format. Leurs deux priorités sont, d’une part, la défense d’un cinéma singulier et audacieux, d’autre part, les collaborations internationales.
En tant que distributeur, FFM se focalise sur le documentaire d’auteur, témoignant d’un engagement fort à l’égard du réel, à travers une proposition formelle originale.

Les séances précédentes proposées par Films de Force Majeure au Videodrome 2 :
> Welcome to Skid Row – Soirée de soutien à Game Girls :: Jeudi 9 avril à 20h
> Films de Force Majeure présente : Paul Wenninger : De la danse à l’animation :: Samedi 17 octobre à 20h

: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Vendredi 10 juin à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Monty Python : Sacré Graal !
Terry Jones et Terry Gilliam – 1975, Grande Bretagne, 1h31, VOstFR

Le roi Arthur et les Chevaliers de la Table Ronde se lancent à la conquête du Graal. Ce qui n’est pas rien. Il y aura des épreuves, des émotions, de l’action, un chevalier à trois têtes, des jouvencelles en chaleur, un terrible lapin tueur. Il  aura du cinéma.

Le film qui ferait passer Ben-Hur pour un documentaire, et dont la projection à Cannes fut interrompue par une alerte à la bombe. La finesse de Jones et Gilliam, des Monty Python à dire vrai, à mettre en scène la distanciation, à poser, au sein même de la représentation cinématographique, sa limite, et surtout, à rire, en rire et en faire rire. Il n’est pas dit que la puissance subversive de ce film ait été tant de fois égalée.

:: Le partenaire de programmation
L’association Fotokino, créée en 2000 à Marseille, se consacre à la diffusion de travaux artistiques dans le champ des arts visuels. Notre programmation se situe au croisement des disciplines et s’attache à décloisonner les pratiques artistiques et les publics en proposant tout au long de l’année des rendez-vous liés aux arts graphiques, à la photographie, à la peinture, à l’illustration, au cinéma, à la création vidéo ou sonore…

> Voir toutes les séances proposées par Fotokino au Videodrome 2

:: Les tarifs des projections cinéma :

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Pour ce qui est des films projetés que vous auriez manqués, que vous aimeriez faire découvrir ou simplement revoir, nous ajoutons La fête est finie qui affichait guichet complet durant le cycle consacré à Marseille, avec l’aimable autorisation de Nicolas Burlaud, mais aussi le film de Michel Deville, Benjamin ou les mémoires d’un puceau, diffusé durant la rétrospective Pierre Clémenti.

Nous continuons comme à notre habitude l’ajout des filmographies d’auteurs essentiels avec de nouveaux films de Werner Herzog, Miklos Jancso, Théo Angelopoulos, et Nicolas Roeg.

Enfin, un documentaire sur Jeffrey Lee Pierce, chanteur du Gun Club, réalisé deux ans avant sa mort par Henri-Jean Debon qui ne put regarder son propre film pendant 13 ans. Images sobres, prises à la volée dans l’appartement du chanteur ou dans le pub du quartier, alors qu’il terminait sa carrière sans argent ni gloire. Singulier objet édité par Francis Lecomte que nous avons accueilli par deux fois au Vidéodrome 2, et dont on connait la capacité à dénicher et produire des pépites qui passerait trop facilement inaperçues.

> Les conditions locatives et formules d’abonnement

La fête est finie – Nicolas Burlaud
Un pigeon perché sur une branche philosophait sur l’existence – Roy Andersson
Paradis : amour – Ulrich Seidl
Les sœurs Quispe – Sebastian Sepulveda
The lobster – Yorgos Lanthimos
La désintégration – Philippe Faucon
Hôtel transylvanie 2 – Genndy Tartakovsky
Clair de femme – Costa Gavras
L’état sauvage – Francis Girod
Hardtime killin’ floor blues – Henri-Jean Debon
Le voyage des comédiens – Theo Angelopoulos
Le banni – Howard Hawks
Psaume rouge – Miklos Jancso
Conversation animée avec Noam Chomsky – Michel Gondry
Des monstres et des hommes – Alexeï Balabanov
La fille de tes rêves – Fernando Trueba
Qhapaq Nan, la voix des Andes – Sébastien Jallade & Stéphane Pachot
The president’s last bang – Im Sang-Soo
Ne vous retournez pas – Nicolas Roeg
Benjamin ou les mémoires d’un puceau – Michel Deville
Le pays où rêvent les fourmis vertes – Werner Herzog
La nuit – Michelangelo Antonioni
Persona – Ingmar Bergman
Tootsie – Sydney Pollack
Game of thrones (saison 4) – D.B. Weiss & David Benioff

> Voir les films dans le catalogue locatif

Mercredi 8 juin à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

En présence des réalisateurs Darjeeling Bouton et Emmanuel Vigier

En collaboration avec le Bus 31/32
En parallèle du programme « Conférence Addictions / migrations »
organisée au Pharo par le Respadd et le Bus 31/32 les 7 et 8 juin.

Bas Seuil
Darjeeling Bouton – 2014, France, 40 min
Des hommes franchissent
le seuil d’un bus arrêté aux
franges de la ville,
de la vie.
A l’asphalte et au vent,
se mêlent leur solitude,
leur vide, leur manque.
Le film s’ancre au cœur
de ce lieu d’échanges,
le Bus Méthadone,
point de rencontre entre
deux mondes.
Dérives ou errances, usagers
et praticiens, oscillent selon
des mouvements imprévisibles
de ceux qui reviennent
ou jamais.
Darjeeling Bouton

« Toujours proches, trop proches pour qu’ils soient près de nous. Et cependant séparés par le seul mouvement de leur venue. Ils viennent. Ils ne viennent pas. »
Maurice Blanchot, Le Pas Au-Delà.

Héro(s)
Emmanuel Vigier – 2015, France, 55 min La plupart ont croisé l’héroïne au moment où elle tuait plus que jamais, pendant les années SIDA. Bruno est écrivain. Jean-Jacques peint dans sa longue mise au vert. Isabelle se soigne. Fanny fait des images avec ceux et celles qui sont aujourd’hui au bord du vide, comme elle l’a été elle aussi. Sur leurs pas, d’autres destins d’usagers adviennent. Une histoire, des histoires de Marseille longtemps restées hors-champ.

« Je défie quiconque de ne jamais avoir connu une quelconque dépendance. A une musique. A des mots. Un être. Ou un produit. Je n’ai pas voulu faire un film à thèse, un plaidoyer pour ou contre la poudre. Mais un film en marche avec des femmes et des hommes qui tous ont en commun le désir de transmettre une mémoire particulière, entre ombres et lumières. Une mémoire intime et collective qui colle à la peau de Marseille.  »   Emmanuel Vigier.

Conscient de la diffusion massive de l’héroïne dans Marseille au cours des années 80 et 90, Emmanuel Vigier constate aujourd’hui un certain silence sur ces épisodes : il est par exemple très difficile de savoir précisément combien de personnes sont décédées des conséquences de l’usage de l’héroïne ; la mémoire générale semble tourner le dos à cet épisode historique sombre de la ville. Comme il le soulève lors de son entretien chez Radio Grenouille : le cinéma s’est souvent intéressé au trafic de la drogue mais jamais  réellement aux usagers (sauf exceptions notables, il cite par exemple Neige de Juliet Berto). Ces derniers perpétuellement réduits à la figure de délinquants ou de malades comme si ils étaient accessoires alors qu’ils représentent en réalité (comme le soulève précisément William Burroughs dans son ouvrage Le Festin Nu en 1959) la demande, donc le noyau de la diffusion.

Par son documentaire Emmanuel Vigier espère ne plus parler à la place des premiers concernés mais bien leur donner la parole afin de les laisser raconter eux-mêmes leur histoire.  Pour lui les usagers ne sont pas à considérer comme des victimes isolées mais à intégrer à une histoire collective participant à l’évolution de la mise en place de structures pour la réduction des risques.

Héro(s) c’est aussi l’abécédaire de la blanche : Héro(s) écrit par Claire Duport, 2016  ::    » De « A pour Amour » à « Z pour Za’ma », une myriade d’histoires qui nous plongent au cœur de l’héroïne. »

> Lire des extraits de l’ouvrage :: Claire Duport, Hero(s)

Un éclairage :
Depuis le XVIIIème siècle, les drogues sont soumises à un contrôle étatique dont l’objet varie selon les lieux et les époques. Tantôt il s’agit de favoriser l’usage de drogues dans un but commercial (comme pour le vin) ou fiscal (comme pour le tabac en métropole, l’opium et le cannabis dans les colonies françaises). Tantôt il s’agit de limiter l’usage des drogues, au nom de considérations morales et religieuses ou de la santé publique. Le sort de l’usager, sa santé, ne sont préoccupation majeure des politiques publiques que depuis peu, au milieu des années quatre-vingt- dix.
Le débat public et politique sur les drogues, en France est donc particulier et complexe. Nous assistons régulièrement-ce qui est bien différent d’un débat à des alertes de type sanitaire ou sécuritaire […] Lancées par le gouvernement ou des experts, coproduites par les médias (presse, télévision), elles portent tantôt sur la dangerosité des consommations des « jeunes », sur la diffusion de la cocaïne ou du crack, l’extension des trafics dans les cités dites « sensibles », les violences et homicides qui leur sont attribués. Il est aussi régulièrement question du rôle et de la violence des organisations criminelles et des réseaux de trafics à l’échelle nationale et internationale.
Ainsi tous les politiste en conviennent : la mise sur l’agenda politique n’est, dans bien des cas, pas strictement liées à la gravité objective du problème considéré, mais partiellement déterminés par les compétitions politique du moment.

La réduction des risques :
Une définition :
Le message anglo-saxon pragmatique de la réduction des risques est le suivant : « Si vous le pouvez, ne vous droguez pas. Sinon, essayez de sniffer au lieu d’injecter. Sinon, utilisez une seringue propre. Sinon, réutilisez la vôtre. Au pire, si vous partagez une seringue, nettoyez là à l’eau de Javel ».

La politique de réduction des risques se caractérise par quelques fondamentaux du point de vue de la démarche. Elle valorise la capacité des individus à se prendre en charge. La réduction des risques consisterait ainsi à leur proposer des mesures de santé adaptées à leurs besoins, et non pas imposées de l’extérieur. La réduction des risques fait appel à une dimension pragmatique de santé publique (Lert, 18 Définition tirée de l’Institut National de la Santé et de la recherche Médicale (INSERM) : réduction des risques infectieux chez les usagers de drogues, démarche collective, Juin 2010, 62, Pages 1998) qui prend en compte la trajectoire de l’usager de drogues (Coppel, 1996) et ses conditions d’existence pour répondre à ses besoins (Jauffret-Roustide, 2004). Du point de vue philosophique, la réduction des risques opère un changement paradigmatique fondamental qui rompt avec l’idéal d’éradication des drogues et propose plutôt d’apprendre à « vivre avec les drogues » tout en promouvant la notion de mesure à la place de l’abstinence (Ehrenberg, 1996). Ce changement permet ainsi de dépasser une vision moralisatrice des drogues et de mettre en œuvre une approche fondée sur le non jugement (Stafford, 2007).

La réduction des risques postule la responsabilité des usagers de drogues et invoque leur capacité à modifier leurs comportements si on leur en donne les moyens (Jauffret-Roustide, 2004 ; Moore et Fraser, 2006), c’est-à- dire l’accès à des outils leur permettant de limiter les risques liés à la consommation de drogues. Ce postulat signifie une représentation spécifique de l’usager de drogues et du rapport aux drogues à partir des notions de responsabilité individuelle, d’autonomie, de rationalité des comportements et de participation citoyenne aux politiques publiques (Fraser et Moore, 2008 ; Jauffret-Roustide, 2009). La réduction des risques contribue ainsi à la promotion d’un discours spécifique autour de l’individu, du rapport au corps, et à la place accordée aux usagers de drogues dans la société.

> En savoir plus sur le Respadd
> Le programme « Conférence Addictions / migrations » organisée au Pharo par le Respass et le Bus 31/32 les 7 et 8 juin

> Voir toutes les séances du cycle « Dépendances » à Videodrome 2

: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Samedi 4 juin à partir de 20h00
La Cité Radieuse, 280 boulevard Michelet, 13008 Marseille

Entrée libre

Réservation auprès du Festival de Marseille : 04 91 99 00 20

:: Pourvu qu’on ait l’ivresse
Jean-Daniel Pollet – 1958, France, 20 min
Dans un dancing, un jeune homme timide observe les jolies filles. Il cherche à se donner une contenance, enviant l’audace des autres garçons. La gaucherie ou l’aisance des danseurs, les hésitations des dragueurs, le bonheur des couples évoluant sur les rythmes à la mode, l’ambiance de fête et de dérision du dancing, sont filmés avec humour et sensibilité sans commentaire ni dialogue.

Ayant en tête de filmer l’ennui le dimanche, Jean-Daniel Pollet promène sa caméra dans les dancings de banlieue, en bord de Marne. En visionnant les rushes, il tombe en arrêt devant une face lunaire et une silhouette frêle et hésitante. Il s’agit de Claude Melki, jeune titi parisien, juif originaire d’Afrique du Nord, assistant tailleur dans le Sentier, qui deviendra son acteur fétiche.
Dans les courts-métrages de Pollet, le dancing apparaît comme le lieu d’une lutte pour l’espace, où se développent des stratégies spatiales et territoriales avec l’idée de venir au centre (la piste), sans cesse désamorcée et mise en échec. L’idée de séduire et d’inviter une demoiselle à danser, manière indirecte de rejoindre le centre et la norme, obéissent à la même logique.
En mars 1959, Jean-Luc Godard écrit dans Les Cahiers du cinéma que Pourvu qu’on ait l’ivresse emprunte « la même tendresse que Raymond Queneau » mais aussi « la même férocité que Jean Vigo ».

:: Véronique Doisneau
Jérome Bel et Pierre Dupouey – 2005, France, 37 min, VF
Véronique Doisneau est né de la rencontre entre deux univers, celui de Jérôme Bel, chorégraphe iconoclaste, « concepteur », et celui du berceau de la danse classique, le Ballet de l’Opéra national de Paris. L’œuvre, qui s’inscrit en décalage avec le répertoire, est un vibrant hommage rendu à l’ensemble des danseurs de la Compagnie. Pour répondre à l’invitation de Brigitte Lefèvre, Directrice de la Danse à l’Opéra, Jérôme Bel a assisté pendant deux ans aux productions chorégraphiques programmées au Palais Garnier et à l’Opéra Bastille. De la découverte de ce monde, il a souhaité mettre en lumière non pas les Étoiles ou les Premiers Danseurs mais donner la parole à un artiste du Corps de Ballet qui, dans l’ombre du spectacle, participe pleinement à son éclat. Il a pour cela élaboré un dispositif permettant à l’un d’entre eux de s’engager artistiquement envers le public. À la manière d’un autoportrait, Véronique Doisneau, Sujet dans la hiérarchie du Ballet, à un an de son départ du Ballet au moment de la création de la pièce, évoque ainsi sa condition de danseuse, confie sans pathos et souvent avec humour ses préférences, les moments qui l’ont fait souffrir, ceux qui l’ont emplie de joie, sa réalité…

La pièce, créée au Palais Garnier en septembre 2004, est un moment fort qui éclaire sous un autre jour le quotidien des danseurs et permet au public de découvrir une facette de leur travail et de leur engagement.

La pièce Gala de Jérome Bel sera présentée le mardi 5 juillet et le mercredi 6 juillet au Théâtre de la Criée, dans le cadre du Festival de Marseille.

:: À propos du partenaire de programmation
Le Festival de Marseille – danse et arts multiples affiche, depuis sa création en 1996, grands noms de la création internationale et artistes émergents. Au cœur de sa programmation la danse, que croisent le théâtre, la musique et les arts visuels.
Festival nomade mais résolument ancré dans sa ville, il investit chaque année, dès le début de l’été, de nouveaux lieux, emblématiques et parfois inattendus.
Engagé dans une véritable démarche citoyenne, le Festival a fait de l’accès à la culture pour tous l’une de ses priorités. Au fil de ses 20 ans, il a multiplié les dialogues et les rencontres et a renforcé d’année en année ses partenariats avec les structures majeures et événements phares de son territoire, mais aussi sur le plan national et international.
Le Festival propose, dans le prolongement de sa programmation, une série de rencontres et d’ateliers s’inscrivant au cœur de la ville et de ses habitants.
Une nouvelle étape s’annonce pour le Festival de Marseille avec l’arrivée de Jan Goossens qui signe la programmation de l’édition 2016. Nommé directeur artistique du Festival de Marseille en mai 2015, il a pris ses fonctions en septembre dernier, succédant ainsi à Apolline Quintrand, directrice-fondatrice de la manifestation ; il en deviendra le directeur général après cette 21e édition.

L’édition 2016 aura lieu du 24 juin au 19 juillet.

> Voir toutes les séances du cycle « Danse et Cinéma » au Videodrome 2

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Dimanche 5 juin  à 19h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Entrée à prix libre

En collaboration avec le Bus 31/32
En parallèle du programme « Conférence Addictions / migrations »
organisée au Pharo par le Respadd et le Bus 31/32 les 7 et 8 juin.

Drugstore Cowboy
Gus Van Sant – 1989,États-Unis, 1h40, VOstFR
Les errances d’un junkie qui vit de rapines dans les drugstores de la côte Ouest pour se procurer son unique raison de vivre : la drogue. Le jour où une de ses amies meurt d’une overdose, il décide de changer de vie mais son passé ne tarde pas à le rattraper.

« C’est un peu Bonnie and Clyde à Portland, Oregon. Si ce n’est que Bob et Diane s’attaquent aux pharmacies plutôt qu’aux banques, avec un goût pour la mise en scène et une prédilection pour les pilules de Dilaudil, le ­produit le plus proche de l’héroïne dans le commerce. Par ailleurs, Bob, beau gosse et grande gueule (c’est Matt Dillon, au top de son charme hébété), et Diane, maîtresse femme, sont flanqués d’un autre couple un peu boiteux, Rick, le demeuré, et Nadine, la cruche. D’où le côté Pieds Nickelés de leurs expéditions, dont le moteur est l’irrépressible dépendance de Bob.

Le junkie est décrit ici comme un malade, mais un malade qui connaît le plaisir autant que la douleur. Gus Van Sant concentre le film sur son cas, évacue sans ménagement les comparses, sauf la figure, très américaine, du flic pater­naliste, à laquelle il oppose celle, moins conventionnelle, du vieux drogué non repenti — un curé ! Ce fantôme (à peine incarné par le génial William Burroughs) peut être, pour Bob le superstitieux, promesse de vie ou signe de mort. Mais le suspense a été tué dès le prologue du film, et c’est tout l’art du cinéaste d’avoir tenu le fil sur un tel sujet. Car le programme du junkie, jamais aussi clairement montré comme parangon de l’angoisse moderne, est de toujours savoir de quoi sera fait le moment suivant, bref d’éliminer le suspense. Faussement relâché, Drugstore Cowboy est un tour de force ».  »
François Gorin pour Télérama

Un éclairage :
Depuis le XVIIIème siècle, les drogues sont soumises à un contrôle étatique dont l’objet varie selon les lieux et les époques. Tantôt il s’agit de favoriser l’usage de drogues dans un but commercial (comme pour le vin) ou fiscal (comme pour le tabac en métropole, l’opium et le cannabis dans les colonies françaises). Tantôt il s’agit de limiter l’usage des drogues, au nom de considérations morales et religieuses ou de la santé publique. Le sort de l’usager, sa santé, ne sont préoccupation majeure des politiques publiques que depuis peu, au milieu des années quatre-vingt- dix.
Le débat public et politique sur les drogues, en France est donc particulier et complexe. Nous assistons régulièrement-ce qui est bien différent d’un débat à des alertes de type sanitaire ou sécuritaire […] Lancées par le gouvernement ou des experts, coproduites par les médias (presse, télévision), elles portent tantôt sur la dangerosité des consommations des « jeunes », sur la diffusion de la cocaïne ou du crack, l’extension des trafics dans les cités dites « sensibles », les violences et homicides qui leur sont attribués. Il est aussi régulièrement question du rôle et de la violence des organisations criminelles et des réseaux de trafics à l’échelle nationale et internationale.
Ainsi tous les politiste en conviennent : la mise sur l’agenda politique n’est, dans bien des cas, pas strictement liées à la gravité objective du problème considéré, mais partiellement déterminés par les compétitions politique du moment.

La réduction des risques :
Une définition :
Le message anglo-saxon pragmatique de la réduction des risques est le suivant : « Si vous le pouvez, ne vous droguez pas. Sinon, essayez de sniffer au lieu d’injecter. Sinon, utilisez une seringue propre. Sinon, réutilisez la vôtre. Au pire, si vous partagez une seringue, nettoyez là à l’eau de Javel ».

La politique de réduction des risques se caractérise par quelques fondamentaux du point de vue de la démarche. Elle valorise la capacité des individus à se prendre en charge. La réduction des risques consisterait ainsi à leur proposer des mesures de santé adaptées à leurs besoins, et non pas imposées de l’extérieur. La réduction des risques fait appel à une dimension pragmatique de santé publique (Lert, 18 Définition tirée de l’Institut National de la Santé et de la recherche Médicale (INSERM) : réduction des risques infectieux chez les usagers de drogues, démarche collective, Juin 2010, 62, Pages 1998) qui prend en compte la trajectoire de l’usager de drogues (Coppel, 1996) et ses conditions d’existence pour répondre à ses besoins (Jauffret-Roustide, 2004). Du point de vue philosophique, la réduction des risques opère un changement paradigmatique fondamental qui rompt avec l’idéal d’éradication des drogues et propose plutôt d’apprendre à « vivre avec les drogues » tout en promouvant la notion de mesure à la place de l’abstinence (Ehrenberg, 1996). Ce changement permet ainsi de dépasser une vision moralisatrice des drogues et de mettre en œuvre une approche fondée sur le non jugement (Stafford, 2007).

La réduction des risques postule la responsabilité des usagers de drogues et invoque leur capacité à modifier leurs comportements si on leur en donne les moyens (Jauffret-Roustide, 2004 ; Moore et Fraser, 2006), c’est-à- dire l’accès à des outils leur permettant de limiter les risques liés à la consommation de drogues. Ce postulat signifie une représentation spécifique de l’usager de drogues et du rapport aux drogues à partir des notions de responsabilité individuelle, d’autonomie, de rationalité des comportements et de participation citoyenne aux politiques publiques (Fraser et Moore, 2008 ; Jauffret-Roustide, 2009). La réduction des risques contribue ainsi à la promotion d’un discours spécifique autour de l’individu, du rapport au corps, et à la place accordée aux usagers de drogues dans la société.

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: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Entrée à  prix libre
Ouverture de la billetterie 30 min avant le début de chaque séance
Un débat pourra se tenir avec les équipes soignantes et les auteurEs des films à l’issue de la projection

Les rêveurs
Emmanuel Vigier, Séverine Mathieu  – 2013, France

Pendant plus de deux ans, les réalisateurs Emmanuel Vigier et Séverine Mathieu, Association « DIS-Formes, ont accompagné patients et soignants dans des ateliers de création cinématographiques sur la thématique des rêves. Le premier est intervenu au Centre Médico-Psychologique de l’Hôpital Sainte-Marguerite, tandis que la seconde était présente à l’hôpital de jour de la rue Lafon.

Pour interroger la folie, la place dans la cité des uns et des autres, la psychiatrie, la santé mentale, l’amour, l’écriture, le fait d’avoir un toit à soi, la relation aux autres, les thérapies alternatives, l’affection… mais pas que.
Pendant 3 jours, nous serons Là. Là pour tenter de faire bouger les représentations liées à la santé mentale, à la folie, à la différence. Ensemble, sur la place publique, et sur les ondes du 88.8, après avoir bidouillé, fabriqué, inventé pendant 9 mois à la Friche Belle de Mai à l’atelier Euphonia et à Radio Grenouille.Sur le Cours Julien, mais aussi à l’Équitable Café, à la Dar Lamifa, à Videodrome 2 et à l’Arthémuse. Trois jours de radio avec aussi un peu de cinéma, de lectures à haute voix, de chansons, de performances, et de danse.

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Mercredi 1er juin à 16h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

à partir de 6 ans

:: Tout morose
José Montalvo et Dominique Hervieu – 1997, France, 4 min, VF
et autres courts-métrages surprise…
Le même effet anime tout le film : de l’eau coule derrière une vitre, donne du flou aux visages et aux corps qui se contorsionnent derrière, jette des gargouillis dans les voix et teinte de bleu les différentes scènes. Réalisateur et chorégraphes proposent ici un contrepoint coloré et amusé à la morosité de ce jour terne, chanté par la voix claire de Jeanne Moreau.
Il y a un côté cirque dans cet univers qui fait la nique aux grises mines, avant de s’abstraire dans un espace entièrement blanc piqueté de danseurs colorés comme des papillons épinglés dans un cadre. Olivier Mégaton, José Montalvo et Dominique Hervieu ont oublié les mots de la chanson pour magnifier le tempérament de son interprète.

D’autres courts-métrages surprise à découvrir ensuite …

:: Mansouria
Luc Riolon / Josette Baïz – 1991, France, 33 min, VF
Dans un quartier de Marseille, un enfant court de place en place, de cour d’école en salle de classe, en passant par un terrain vague occupé par des gitans. Dans chacun de ces lieux, il rencontre des groupes d’enfants qui chantent et dansent sur des tubes du top 50 ou des musiques rappelant leurs origines. Chaque rencontre est le prétexte au commencement d’une histoire ou d’un rêve.

Par la danse et la musique, Luc Riolon et Josette Baïz, qui travaillent depuis longtemps avec des enfants, ont dressé la cartographie sensible du mélange ethnique composant la cité de la Bricarde à Marseille. Les rêves et les espoirs des enfants ont été scénarisés et mis en scène avec leur participation. Solitude, incommunicabilité entre filles et garçons, envie de rencontre et de fête, fantasme du mariage et de la reconnaissance sociale sont autant de thèmes abordés avec humour ou gravité dans une succession de séquences jouées, dansées et filmées avec pudeur ou avec un exhibitionisme assumé.

Ce mercredi, à midi pile, la compagnie Grenade vous invite sur le parvis de l’Opéra, dans le cadre de Sirènes et Midinettes pour un tourbillon frénétique imaginé avec les enfants d’écoles primaires de Marseille, avec la création Fire steps !

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Mardi 31 mai à partir de 19h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

19h – entrée à prix libre
:: SANS
performance de Robin Decourcy, suivie de la projection de Near West (12min)

Muni d’un système d’occultation sensoriel, le performer explore sa psyché avec le public comme témoin et protecteur de son expérience intérieure. SANS est le test d’une utilisation de langage comme matière plastique première, extrait d’un corps en mouvement, émis et infusé en direct dans l’espace d’exposition.

:: À propos de Robin Decourcy
Engagé dans des pratiques visant à métisser ou à perturber les disciplines artistiques, Robin Decourcy est à la fois peintre, dessinateur, chorégraphe, performer. Créateur des Trek Danse et enseignant de pratiques d’improvisation, il privilégie aujourd’hui des processus de micro-politiques en utilisant les arts vivants : des formes d’expériences à partager en public (jeux, stages, laboratoires, etc) qui questionnent les normes de l’organisation sociale.
« Capable de traverser l’Espagne, plusieurs mois durant, avec un âne (notamment), d’installer au milieu d’une Galerie un épais volume de ronce sèche, ou de mettre en place des dispositifs de performances touchant à des problématiques liées à une forme d’introspection, il jouit sans relâche de sa liberté pour échafauder une oeuvre dont l’enjeu se situe par-delà la forme. (…) »  Guillaume Mansart

 » Le corps humain, le paysage ou l’objet à la portée du corps humain, semble être au final dans la pratique plastique de Robin Decourcy , le support d’une méditation, d’une réflexion plus large à partager. Jouissances, contemplations, abandons, solitudes, maladies psychiques, vices, accidents sont autant d’états qu’ont peut commencer à identifier dans le tressage de son iconographie mais il apparaîtrait que, tout comme dans ses supports de présentation, ses encadrements ou certaines délimitations de ces dessins il y ait une préférence donnée à une inconstance du sujet, d’une spécialité dans sa dissémination, comme une obéissance profondément tactile, contre-tactique. » Sylvain Pack

20h30
projection

:: A study in choreography for camera
Maya Deren – 1945, Etats-Unis, 3 min
Cette oeuvre emblématique et toujours fascinante répond à ce que Maya Deren appelait le « film danse » : métissage intentionnel de deux formes de créations artistiques.  3 minutes de pure beauté, où l’exercice consiste à dégager le danseur de l’espace statique de la scène d’un théâtre vers un espace qui serait aussi mobile et volatile que lui-même. Il s’agissait en fait d’un duo entre Talley Beatty, qui danse, et l’espace, qui était fait pour danser au moyen de la caméra et du montage.

:: Rue des petites maries
Laurence Rebouillon, Cie Ex Nihilo – 2003, France, 12 min, VF
En présence d’Anne Le Batard, Cie Ex Nihilo
Les villes bombardées gardent en leurs murs les traces de la défaite. Johan, hanté par ses souvenirs, revient dans le quartier de son enfance à Marseille. Là, son jeune amant lui propose une nouvelle forme de lutte : danser dehors.
Voir ce film aujourd’hui, c’est aussi retrouver les premiers gestes de la Cie Ex Nihilo, il y a plus de 10 ans, dans les rues de Belsunce. Peu de gens alors, dansaient dehors… « Nous voyons notre usage nomade des lieux comme un emprunt éphémère et léger plutôt qu’une appropriation, un usage qui n’exclut jamais l’autre. Nous plaçons le danseur sur le même sol que « n’importe qui » : c’est un Monsieur tout le monde, mais dont la danse est le langage… » Anne Le Batard et Jean-Antoine Bigot
Fidèle collaboratrice de la compagnie, Laurence Rebouillon porte un regard sensible sur ces gestes, sur ces êtres, pour en tirer le fil d’une histoire, d’une fiction qui répond à leur expérience du réel.

:: Nora
David Hinton et Alla Kovgan – 2008, Grande-Bretagne/Mozambique, 35 min, VOstFR
« L’histoire de Nora est parsemée de drames mais l’idée n’était pas de les raconter d’une façon grave et dramatique mais plutôt de manière poétique. Il fallait quelque chose de vif, de rapide, quelque chose qui combine clarté et narration avec intensité. » Marie Bergeret
La danseuse Nora Chipaumire est née au Zimbabwe en 1965. Dans ce film, elle revient aux paysages de son enfance et voyage à travers les mémoires vives de sa jeunesse, interprétant par la danse les évènements phares de sa vie (le divorce de ses parents, le décès de son père, son engagement politique, l’exil).
Entre ombre et lumière, silences et bruits, images figées et mouvements saccadés, Nora reconsidère de façon originale le film de danse, qui se fait ici documentaire expérimental, voyage envoutant. La réalisation est signée par Alla Kovgan et David Hinton, dont vous aviez pu découvrir l’année dernière une autre oeuvre sublime : All this can happen.  La performance de Nora Chipaumire, d’une violence sauvage et primitive, toujours en décalage par rapport aux images à caractère anthropologique, est engagée. Au delà du corps, la danse est l’expression même du « je » mêlant identité, racines et cultures.
D’une grande sensibilité, cette biographie physique joue la carte de la distanciation par le biais de la performance et de la théâtralisation de moments précis. À l’instar de Jean Genet, l’auteur des Nègres, Nora interroge de manière très personnelle la relation politique, économique et idéologique entre l’Afrique et l’Occident.

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Samedi 4 juin à 19h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

entrée à prix libre

Séance en présence du réalisateur

:: La minute Cormier
Julien Desplantez –2013, France/Canada, 1h05
Lauréat d’un appel à projet européen, Julien Desplantez, de la compagnie Quetem, est invité à Montréal en 2013, pour une création chorégraphique avec 13 danseurs. En parallèle, il investit le « Studio Ernest Cormier », édifice des années 30 de l’architecte du même nom, pour y réaliser un film de vidéo-danse : La minute Cormier.

« Tourné en caméra fixe, avec des contraintes et des règles de tournage liées au temps, à l’architecture, à l’espace et à la danse, ce film n’a aucun but narratif mais s’inscrit dans une volonté de plonger le spectateur dans un panel d’univers et d’états corporels. En portant une attention particulière à la qualité des plans et de l’image, mon envie est d’inviter le spectateur dans cet espace rare et que j’ai eu la chance de pouvoir habiter grâce au soutien du Conseil des Arts et des Lettres du Québec.
La danse, elle, est improvisée. »
Julien Desplantez

:: À propos de la cie Quetem
Après avoir fait ses premiers pas chez Jean-Claude Gallotta, Julien Desplantez se lance en tant que chorégraphe, avec trois pièces en 2001 et 2002 : Loco, Le bruit des choses dans ces moments-là et Akufen. Il recherche une danse organique, instinctive, rapide, où le corps est libre de réagir aux impulsions et moteurs. Une danse généreuse et contrastée. Une danse de l’instant.
En 2004, il intègre la compagnie L’estampe-Nathalie Pubellier puis la compagnie Corinne Lanselle.
D’autres créations suivront au sein de la compagnie Quetem qu’il a créée : Quetem – le couloir, Bathroom, on the road, puis en 2011 Anou lé olam… sur le thème des origines. Il rejoint en même temps la Cie Caroline Bo.
En 2013, il crée le Festival de danse de Lourdes, qu’il dirige depuis.

Il donne régulièrement des stages à l’international ainsi que des cours de danse contemporaine au studio Harmonic :
« Je propose un travail autour de l’amplitude du mouvement, de la recherche d’appuis terriens associés à une danse fluide et dynamique. J’amène le danseur à trouver, avec le plus de liberté corporelle possible, et une détente articulaire, un ancrage solide dans le sol. J’aime passer de la station verticale à la station horizontale rapidement.
En poursuivant ce travail, j’axerai l’atelier sur l’utilisation du poids du corps, ses résonances (globales et isolées), pour aller jusqu’au lâcher-prise tout en contrôlant son centre et ses appuis.
Une liberté de mouvement dans la prise d’espace.
Une danse organique, instinctive et spontanée. »
Julien Desplantez est également chorégraphe invité pour la Cie La Cybèle (Dir/ Chrystelle Massa), invité au Centre de formation professionnelle MDC (Cagnes Sur Mer) et il intervient dans la Formation du Grenier du Corps à Marseille.

Julien Desplantez donnera un stage de 3 jours au Grenier du Corps à Marseille, du 3 au 5 juin 2016. Plus d’informations ici.

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Vendredi 3 juin à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

:: La complainte du progrès
Alis et Claudio Pazienza – 1997, France/Belgique, 5 min
Ironie douce et implacable, La Complainte du progrès de Boris Vian, vue par ALIS et Claudio Pazienza, nous plonge dans un univers loufoque, où le réel dérape sans cesse dans l’incongru, l’absurde, voire l’inquiétante étrangeté. Un couple méticuleusement occupé à diverses activités (se servir un café, se raser, s’habiller, préparer le repas, laver le linge) voit son univers envahi par les assauts répétés du progrès.
Les pirouettes visuelles qui marquent les méfaits du progrès, ses conséquences fâcheuses et drôles, entraînent tout doucement vers la déliquescence finale. Tout se déglingue. Les lavabos débordent, les corps se blessent et les gestes les plus anodins retiennent toute notre attention. Et quand d’un simple coup de rouleau à pâtisserie, surgissent des lettres de couleur, on se dit que la magie fait peu cas des machines sophistiquées qui domestiquent notre réel.

:: Pourvu qu’on ait l’ivresse
Jean-Daniel Pollet – 1958, France, 20 min

Dans un dancing, un jeune homme timide observe les jolies filles. Il cherche à se donner une contenance, enviant l’audace des autres garçons. La gaucherie ou l’aisance des danseurs, les hésitations des dragueurs, le bonheur des couples évoluant sur les rythmes à la mode, l’ambiance de fête et de dérision du dancing, sont filmés avec humour et sensibilité sans commentaire ni dialogue.

Ayant en tête de filmer l’ennui le dimanche, Jean-Daniel Pollet promène sa caméra dans les dancings de banlieue, en bord de Marne. En visionnant les rushes, il tombe en arrêt devant une face lunaire et une silhouette frêle et hésitante. Il s’agit de Claude Melki, jeune titi parisien, juif originaire d’Afrique du Nord, assistant tailleur dans le Sentier, qui deviendra son acteur fétiche.
Dans les courts-métrages de Pollet, le dancing apparaît comme le lieu d’une lutte pour l’espace, où se développent des stratégies spatiales et territoriales avec l’idée de venir au centre (la piste), sans cesse désamorcée et mise en échec. L’idée de séduire et d’inviter une demoiselle à danser, manière indirecte de rejoindre le centre et la norme, obéissent à la même logique.
En mars 1959, Jean-Luc Godard écrit dans Les Cahiers du cinéma que Pourvu qu’on ait l’ivresse emprunte « la même tendresse que Raymond Queneau » mais aussi « la même férocité que Jean Vigo ».

:: The cost of living
DV8 Physical Theatre – 2004, Grande-Bretagne, 35 min, VOstFR

David et Eddie font un spectacle de rue dans une ville au bord de la mer. Nous les suivons dans leur travail, leurs discussions, leurs tentatives de drague. Si Eddie est dans la norme, Dave quant à lui n’a pas de jambes. À mi-chemin entre la chronique sociale à la Ken Loach et la danse contemporaine, ce film pose la question de notre propre estime et de notre rapport avec les autres de manière éblouissante.

Produit en 2004 pour la télévision britannique, The cost of living a été conçu par Lloyd Newson – connu pour ses chorégraphies provocatrices au sein du collectif DV8 Theatre (« dévier » en français) – et ses danseurs. Ceux-ci vont du « corps extrêmement performatifs à un homme sans jambes » : David Toole, dont l’incroyable performance met au défi notre vision de la capacité et participe à la « critique de l’obsession de notre société pour l’image« . Ainsi nous l’explique Lloyd Newson :

« The cost of living parle de ces gens qui ne correspondent pas aux valeurs du marché, si l’on joue sur l’aspect financier du coût de la vie. Qu’arrive-t-il dans l’expérience de la vie ? Y perd-on sa naïveté ? Que perd-on à vivre ? Est-ce que l’expérience peut nous aider ?
La question que je me pose ici est : devient-on aussi amer et cynique que le coût de la vie ? Pour certains personnages, les plus aigris, l’important est de faire partie du club, d’être bien habillé, attirant, de réussir. Et si on ne réussit pas complètement, on peut au moins être normal. Mais qu’arrive-t-il à ceux qui ne rentrent dans aucune catégorie ?
La danse a souvent à voir avec la jeunesse, la beauté, les corps valides. Je crois que la danse est une forme géniale pour parler de ces questions. C’est un peu comme un concours de beauté, en fait un concours de beauté et un concours de force. Nous voulons savoir ce qu’il y a derrière les sourires et les corps attirants des couvertures de magazines : qui a fait de la chirurgie plastique, qui cache ses défauts. Certains ne peuvent se cacher autant que d’autres. Dans la compagnie, nous avons un danseur handicapé, ainsi qu’un danseur très gros. Et il est évident qu’ils sont, visuellement, très différents de nous. Et, qu’en est-il de ceux qui peuvent masquer leurs imperfections physiques mais pas leurs imperfections psychologiques ? Pourquoi est-il si important de leur donner cet ‘air de Prozac’ ? J’avais tendance à dire que la danse était le Prozac des formes d’art. C’est donc de cela que parle ce film : de ceux qui ne sont pas parfaits et ne peuvent y prétendre, de ceux qui ne rentrent pas dans les cases car ils ne jouent pas le jeu. »
Lloyd Newson.

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Jeudi 2 juin à partir de 20h00
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

à 20h
:: focus sur le Festival de Marseille – Danse et Arts Multiples
En avant-séance ce soir, venez boire un verre et découvrir la programmation de l’édition 2016 du Festival de Marseille, qui nous sera présentée par son nouveau directeur : Jan Goossens.

à 20h30
:: Chronophotographies
Etienne-Jules Marey – 1891, France, 5 min
Quelques années avant l’avènement du cinématographe, le scientifique Etienne-Jules Marey invente la chronophotographie. Ce système permet d’impressionner plusieurs fois la même pellicule, afin de donner à voir la décomposition du mouvement sur une même photographie. Locomotions et mouvements divers de l’homme, du cheval, du poisson, etc … seront ainsi capturés. Outre leurs vertus scientifiques (correspondant aux recherches physiologiques de Marey), ces images véhiculent une immense poésie : la fascination de découvrir ce qui était jusqu’alors invisible dans le galop d’un cheval, le vol d’un oiseau, le saut de l’homme.

:: Pas de deux
Norman McLaren – 1968, Canada, 13 min
Film expérimental qui met en scène Margaret Mercier et Vincent Warren, deux étoiles des Grands Ballets canadiens. Les danseurs vêtus de blanc évoluent dans un décor peint en noir, et l’ensemble, harmonieux, traduit toute la créativité de McLaren.

:: Nine variations on a dance theme
Hilary Harris – 1966, Etats-Unis, 13 min
Bettie de Jong (danseuse de la Paul Taylor Company) réalise la même phrase chorégraphique neuf fois d’affilée, commençant et finissant dans la même position. La caméra tourne autour de la danseuse, comme autour d’une sculpture mouvante qu’elle approche, découvre, étudie, se faisant de plus en plus aventureuse.
Réalisé par l’auteur de cinéma expérimental Hilary Harris, ce film est aussi simple et direct que son titre le suggère : un examen puissant de la forme humaine et de la forme filmique et des possibilités de leur interaction.

:: Calico Mingling
Lucinda Childs, Babette Mangolte – 1973, Etats-Unis, 10 min

Sur une grande esplanade new-yorkaise, quatre danseuses effectuent, en silence, des trajectoires en lignes droites, mouvements circulaire et allers-retours répétés à l’infini. Le sol quadrillé, la gestuelle géométrique et la blancheur immaculée des costumes s’inscrivent dans une recherche de pureté chorégraphique que vient épouser la caméra de Babette Mangolte. Celle-ci, chef-opérateur (notamment pour Chantal Akerman) s’intéresse de près à la danse moderne et à sa mise en image. Elle choisit ici le noir et blanc, la sobriété, mais aussi l’image de vues plongeantes offrant une perception nouvelle de l’espace de la danse.

:: One flat thing, reproduced
Thierry de Mey, William Forsythe – 2006, Belgique/Etats-Unis, 26 min

One Flat Thing, reproduced est à la fois un prolongement du projet scénique éponyme, et une œuvre complètement inédite, spécialement conçue comme un film. Cette création constitue une étape d’importance majeure dans le parcours de William Forsythe, en donnant lieu pour la première fois à une œuvre audiovisuelle. Le film réalisé par Thierry de Mey – un des plus importants réalisateurs de films de danse (fidèle collaborateur de Anne Teresa de Keersmaeker) – est conçu comme une œuvre filmique à part entière, où la création est filmée comme un film d’action. Une alternance de plans fixes, travellings et arrêts sur image, montés de manière saccadée et tranchante. Thierry De Mey filme la danse sous des angles inhabituels (au-dessus et en dessous des tables) pour élaborer une syntaxe d’images originales et transcrire cette danse. Grâce aux rapports entre les objets fixes, les corps en mouvement et l’articulation de la caméra, le film capture les principes chorégraphiques développés par Forsythe, fondés sur un système de signes visuels et interactifs entre les danseurs, en les transformant en langage du cinéma. La manière de filmer, sensible aux regards et aux échanges entre les danseurs permet de mieux percevoir la complexité de la création. Ainsi, surgissent de manière apparente : l’esthétisme des formes, l’intensité des gestes et également une certaine humanité, due aux échanges des regards.

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Le huis clos – littéralement porte fermée – désigne au cinéma, au sens premier, une œuvre dont l’action se situe en un lieu coupé de l’extérieur. Par extension, toute histoire se déroulant dans une unité de lieu unique, isolé d’un ailleurs, répond à l’appellation. La pièce fermée, la cellule ou la maison que nous évoque le terme peut ainsi être entendue dans une acceptation plus ouverte (sic), et on peut déceler dans l’histoire du cinéma des cas de huis clos en extérieur, où les personnages semblent enfermés dehors (souvenez-vous du film d’Albert Dupontel du même nom, qui paradoxalement n’en est pas un).

Ainsi, de genre il n’est pas question. Le huis clos est davantage un dispositif, une contrainte que l’on pose. Certains grands réalisateurs privilégièrent cette forme, notamment Roman Polanski dans Répulsion, La jeune fille et la mort, Rosemary’s baby, Le locataire, Cul-de-sac, ou plus récemment Carnage et La vénus à la fourrure, et même son tout premier long-métrage Le couteau dans l’eau, excellent exemple de huis clos en extérieur. Hitchcock, également, on pense à La corde, Lifeboat, Fenêtre sur cour ou encore Le crime était presque parfait. John Carpenter enfin, avec Assaut, The thing, ou Prince des ténèbres.

Contraindre l’action à un espace bouclé sur lui-même, abolir la possibilité pour les personnages de sortir, c’est aussi forcer la narration et les thèmes abordés à s’ouvrir à d’autre dimension que la dimension spatiale. Si l’on ne peut plus évoluer à l’horizontal, c’est sur un axe vertical que cette contrainte nous mène : au-dessus de nous, dieux et forces invisibles, en-dessous, strates géologiques et passés lointains de ce qui précède l’Homme, et enfin en nous-même, les méandres de la psychologie. C’est ainsi que le huis clos se trouve naturellement être une forme idéale pour ce qui relève du mystique (Ordet de Carl Theodor Dreyer), des vices et fantasmes (les films de Polanski, mais aussi La grande bouffe ou The servant), et de la peur de l’inconnu (Bug, Alien).

> Pour louer des films au vidéoclub

:: Huis clos

Le locataire – Roman Polanski
La jeune fille et la mort – Roman Polanski
Le couteau dans l’eau – Roman Polanski
Bug – William Friedkin
La corde – Alfred Hitchcock
The descent – Neil Marshall
Ten – Abbas Kiarostami
Assaut – John Carpenter
Key largo – John Huston
Douze hommes en colère – Sydney Lumet
La nuit la plus longue – José Bénazéraf
Gerry – Gus Van Sant
Lifeboat – Alfred Hitchcock
Buried – Rodrigo Cortes
Snake eyes – Brian De Palma
Alien – Ridley Scott
Cris et chuchotements – Ingmar Bergman
La grande bouffe – Marco Ferreri
Rec – Jaume Balaguero
Un conte de Noël – Arnaud Desplechin
The servant – Joseph Losey
The We and the I – Michel Gondry
Ordet – Carl Theodor Dreyer
Shining – Stanley Kubrick
Gouttes d’eau sur pierres brûlantes – François Ozon
Funny games – Michael Haneke
Salo ou les 120 journées de Sodome – Pier Paolo Pasolini

> Voir le catalogue « Huis clos »

Mardi 24 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Entrée à prix libre

Une proposition de Jean Baptiste Sauvage
Gratuit pour les étudiants de l’ESADMM

Le projet Partition/passation interroge la notion de partition, d’écriture et de transcription d’une œuvre à un acteur extérieur (ou pas). Nous analyserons les différents  statuts de ces partitions on les disciplines et les projets, qu’il s’agisse d’art (avec bien sur l’art conceptuel et ses descendants) ou de design avec le retour massif du “do it yourself” ou encore d’architecture de papier et aujourd’hui le phénomène des fablab et autres communautés open source. Cette question de la partition se déplace et ré-interroge aujourd’hui (comme hier)  autant la question du statut de l’auteur que  celui  de l’œuvre.

Sortie d’usines
Sandy Amerio – 2004, France, vidéo (boucle de plusieurs min)

« Le 20 février 2004, lorsque les salariés de l’usine OCT de Dourdan arrivent sur leur lieu de travail, les machines ont mystérieusement disparu durant la nuit. Une lettre de licenciement anonyme leur est distribuée. Privés de leur outil de travail, ils décident de se mobiliser. Une vague médiatique s’ensuit, relatant les faits et les batailles juridiques des salariés contre leurs patrons. La parole des licenciés diluée dans le commentaire journalistique m’apparaissant terriblement stéréotypée, je décide de les rencontrer en mai 2004.

Je travaille à cette époque sur le business storytelling¹ et c’est dans ce contexte que j’ai l’idée d’élaborer avec eux une sorte de storytelling à l’envers. Sur support vidéo, je recueille leur parole in extenso, ne leur donnant qu’une seule consigne, à savoir commencer leur récits par « Il était une fois… ». Une distanciation s’opère alors tout naturellement à l’écran, les licenciés hésitant entre un improbable « Il était une fois je » et l’invention d’un personnage fictif les représentant. Tel un jeu de rôle, Sorties d’usines (titre en forme de clin d’oeil au film des frères Lumières) opère ainsi le prélèvement de ceux qui ont été « racontés » dans le but de reprendre la parole. Parallèlement, je les filme chez eux refaisant les gestes qu’ils faisaient aux machines…sans les machines.

Un documentaire poétique présenté sous forme d’installation naîtra de ces rencontres. Les ouvriers de l’usine OCT de Dourdan sont aujourd’hui retombés dans l’oubli. Dans la fosse commune des travailleurs anonymes de l’Histoire. Sysyphe dépourvus de rocher à porter, ils miment tragiquement les temps modernes. Des temps où la disparition de l’objet aliénant n’est plus synonyme de celle de l’aliénation même. »
Texte de Sandy Amerio publié dans la revue de(s)générations.

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Una luz en la Pared
Alissone Perdrix – 2015, France, 29 min VOstFR

« ll ne s’agit pas d’un documentaire sur l’imprimerie en Colombie. Il s’agit d’un regard, d’une rencontre, d’une fois, entre une réalisatrice et deux imprimeurs. Entre un œil cinématographique et  les mécanismes secrets et implicites de la mécanique. Deux outils différents – la caméra et l’imprimerie – mais qui se retrouvent liés dans ce documentaire, associés, noués. Car finalement, quel est le but de ces deux outils ? Produire des images. Les réaliser, les imprimer, raconter une histoire. L’analogie est là.

Et petit à petit nous entrons dans l’imprimerie. On s’immisce dans cet univers à travers l’œil de la caméra, dans cet espace sombre et dense, aux bruits de métal, de rouages, de mécaniques. On voit des mains, des mains qui collent, qui ajustent, qui dessinent, qui gravent, qui impriment. Des mains tachées. Des mains rugueuses. Mais des mains précises et délicates. Parfois un visage. Ou des jambes, qui dansent, la salsa, à côté d’un pot d’encre. Car il ne faut pas oublier que nous sommes à Cali, ville de la salsa. C’est un concept de photographie animée qui nous est présenté ici. Photographie animée, et sonore. Nous entendons les  rouages  des  machines,  leurs  grognements, leurs  gémissements,  leurs  chuintements.  Et  la machine s’arrête, le rouage se suspend. Alors reprend le murmure de la radio, de la salsa, qui s’élève, accompagné de la voix de ces hommes. C’est réellement un processus qui s’offre à notre regard, voire un double processus. Petit à petit les machines se dévoilent, de la même manière que l’objet  cinématographique  s’exprime  et  se  déroule sous nos yeux.

Alissone Perdrix construit réellement un univers, univers d’engrenages, pour arriver petit à petit à ces  hommes,  à  ces  hommes  qui  s’incarnent  à travers leur espace et leurs gestes. Des mains qui apparaissent, disparaissent, des visages qui disparaissent ou surgissent, tel que le phénomène de l’obturation. On apprécie également le contraste fort entre la répétition, les rouages, les machines, et la vitalité de ces hommes dans le travail, leur minutie, leur concentration. Machines d’un autre temps,  elles  semblent  désuètes,  mais  ces hommes continuent de faire les vivre et vibrer, continuent de dormir dedans, de monter dessus, comme pour arrêter un temps qui ne fait que filer.  Comme  une  lutte  pour  survivre  dans  ce monde industrialisé. Confrontation de machines, entre l’archaïque et le numérique, confrontation d’âge, cet objet cinématographique est une réelle mise en abyme, une représentation d’une œuvre, dans une œuvre similaire, malgré tous les écarts qui peuvent survenir, pour peindre une relation charnelle entre le cinéma et l’impression. Empreint de réel, ce film nous hypnotise et nous dévoile une pratique, rendant hommage à ces hommes, à ces hommes artisans-artistes. Jusqu’à ce que finalement, la lumière sorte, et s’exprime, quitte cet atelier obscur, ctte chambre obscure, et s’empreigne sur les murs de la ville, d’un écran, soit projetée, et vue. Jusqu’à ce qu’une lumière soit sur le mur. »
Camille Cuisnier

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:: Les tarifs des projections cinéma :

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Mercredi 25  mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

Une programmation croisée avec Le Gyptis

Une séance en collaboration avec Cinépage et animée par Azita Hempartian, spécialiste de la littérature perse (traductrice littéraire)

Sang et Or
Jafar Panahi – 2004, Iran, 1h37, VOstFR

 L’Iran de nos jours. Hussein est livreur de pizzas à Téhéran, mais ne manifeste guère d’enthousiasme à l’égard de ce métier. Las de cette vie routinière, un jour, avec l’aide d’un collègue de travail, il entreprend de braquer une bijouterie très chic d’un quartier de Téhéran.

C’est lors d’une discussion avec son ami Abbas Kiarostami que Jafar Panahi a eu l’idée de réaliser Sang et or. Il raconte : « Il m’a raconté un fait divers qu’il venait de lire dans le journal : un cambrioleur s’était trouvé piégé par le système de sécurité d’une bijouterie et avait fini par tuer le bijoutier avant de se donner la mort. Cette histoire m’a obsédé. Je me suis interrogé sur les raisons qui pouvaient pousser un être humain à cette extrémité. »

Les comédiens de Sang et or sont non-professionnels. Pour le réalisateur Jafar Panahi, utiliser des acteurs connus tuerait le type de cinéma qu’il affectionne. Mais « diriger des acteurs non-professionnels demande plus de travail, car il est faux de croire que ces acteurs sont les personnages. Leur sélection ne tient compte que de leur physique et de ce qui s’en dégage. Il s’agit par la suite de faire rentrer le personnage dasn cette enveloppe. »

« Sang et or est parti d’un fait divers, un jeune homme qui s’est suicidé suite à un cambriolage. Un cambriolage, c’est banal : ce qui m’intéressait, c’est le pourquoi du cambriolage et du suicide. J’ai placé la scène du braquage au début, pour que la question de la progression du film soit tout de suite réglée et que le spectateur se concentre sur le pourquoi. On a essayé de laisser le film ouvert pour permettre au spectateur de s’y projeter et de l’interpréter librement. Mais c’est vrai qu’à travers le personnage d’Hussein, il y a un état des lieux de toutes les limitations, économiques, sociales, que le système impose. Ce que subit Hussein est partagé par une bonne partie de la population. Hussein n’est pas un voleur, son combat n’est pas une affaire d’argent. Il veut réparer une humiliation. Son seul bien, c’est sa fierté, son honneur. »
Jafar Panahi

Voir toutes les séances du cycle « Regards sur l’Iran » à Videodrome 2

:: Le partenaire de programmation
Créée en 1997 par un groupe de passionnés du cinéma, l’association Cinépage propose des activités autour de l’image animée : ciné-club mensuel, journées de formation, séances spéciales, et organise chaque année les Rencontres du Cinéma Européen. Du 22 au 30 janvier, entre films-culte et raretés, les Rencontres 2016 permettront de voir ou de revoir 13 films emblématiques des années 60 – 70. Les uns ouvertement politiques, les autres utilisant la satire, la farce ou l’ironie pour mieux dénoncer les scandales, les injustices, les petits arrangements entre amis et les abus de pouvoir.
Une rétrospective à la fois forte et jubilatoire dans laquelle viennent se glisser quelques films récents, eux aussi adeptes de « l’indignation à l’italienne ». Les Rencontres feront escale à l’Alcazar, aux Variétés, à l’Institut Culturel Italien et au Videodrome 2.

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Samedi 28 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

Un film inédit en France, en présence de Shadi Fathi 

Une programmation croisée avec Le Gyptis

La Fête du Feu
Asghar Farhadi – 2007, Iran, 1h44, VOstFR
Ce mardi est « Chahar shanbeh souri », une fête du feu plurimillénaire. Rouhi, une jeune aide-ménagère qui vit un bonheur complet et va bientôt se marier, est employée pour la journée chez un jeune couple. Elle découvre un foyer en pleine crise, dont la femme soupçonne son mari de la tromper avec une voisine…

Dissoudre la vérité à l’écran et mettre le spectateur au travail
« Jeune couple à moto, Rouhi et son ami parcourent avec insouciance une route montagneuse et sinueuse des environs de Téhéran. Ce pourrait être le début d’un nouveau « film-flux » d’Abbas Kiarostami, mais Asghar Farhadi s’en détourne rapidement puisque de longs segments de La Fête du feu se déroulent dans un appartement dont les protagonistes entrent et sortent, toujours pour y revenir, comme s’il aimantait les protagonistes mais aussi la caméra : la logique du huis clos se trouve à l’œuvre.

Future mariée, Rouhi est employée à Téhéran comme aide-ménagère chez un couple assez aisé, Modjeh et son mari Morteza. On ne sait s’ils partent ou arrivent, mais l’espace domestique semble en suspens : le désordre du domicile conjugal correspond à celui de ce couple en crise. Et pour cause, Modjeh soupçonne son mari de la tromper avec Simin, la voisine divorcée. À partir de cette situation, La Fête du feu s’organise en un théâtre de l’intime et un cruel triangle amoureux : indices, éclats de voix, stratégies, malentendus, portes qui claquent… Et ambiguïtés : dans une perspective de brouillage, le cinéaste laisse longtemps planer le doute sur la réalité de la relation adultère entre Morteza et Simin.

Cette situation met le hors champ à l’honneur puisque l’appartement du couple légitime jouxte précisément celui de Simin. Une bouche d’aération de la salle de bain offre même à qui veut l’entendre quelques bruits parvenant de l’autre côté de la cloison. Ce film d’intérieur se déroule sur une journée lors de Nôrouz – le nouvel an iranien [1]. Une ville en fête, et en feu, maintenue hors champ, si ce n’est lors d’une stupéfiante déambulation nocturne – tournée en « conditions réelles ». Les constantes déflagrations de pétards constituent une matière sonore oppressante et obsédante venue du dehors, à laquelle les déchirements du couple répondent de l’intérieur. Le fait qu’Asghar Farhadi vienne du théâtre étonne peu, mais il sait assortir ce sens de la dramaturgie d’idées de cinéma d’une belle limpidité.

Les mœurs d’Iran sont observées et interrogées ; dans la première scène, le trajet du jeune couple est stoppé pour cause de tchador pris dans l’essieu de la roue arrière de la moto – ce qui fut censurée en Iran. Asghar Farhadi fait la part belle aux (beaux) visages, évidemment couverts lorsqu’ils sont féminins ; s’organise une sorte de typologie des stratégies du port du voile. Celui de Simin, la femme divorcée soupçonnée d’adultère avec Morteza, est coloré, notamment l’un d’un bleu éclatant, et encadre un visage maquillé. Modjeh, sans fard, le porte noir et sévèrement, peut être davantage dans un souci plus normatif que religieux. Quant à Rouhi, elle affiche la cagoule traditionnelle à l’intérieur et le tchador en extérieur. Résonne dans ces variations un principe d’enfermement dans un impitoyable carcan social.

En venant travailler chez ce couple, Rouhi accède à un milieu social qui lui est étranger. Confrontée à ce traditionnel triangle adultérin, elle est un élément extérieur, un œil et des oreilles conviés malgré eux. La jeune femme devient un regard certes décontenancé, mais de plus en plus scrutateur et intéressé : un quatrième côté du triangle représentant également une sorte d’extension intérieure de « l’instance spectateur » – autre idée forte de mise en scène que l’on retrouve largement dans Une séparation (les enfants et le vieillard). Cette position de Rouhi ne manquera pas de modifier – du fait de sa jeunesse et de son inexpérience – son regard sur l’amour au terme de ce périple d’un jour. Ce dernier ne sera assurément plus le même, et elle perd sans doute en chemin quelques illusions ainsi qu’une innocence. »
Arnaud Hée pour Critikat

Shadi Fathi
Grande cinéphile, Shadi Fathi nous transmet sa connaissance du cinéma iranien par le prisme de son décryptage de la société iranienne. Née en 1977 à Téhéran, de famille kurde, Shadi Fathi s’est formée au sétar auprès d’Ostad Dariush Tala’i, très grand maître de tar et de sétar. Elle en est devenue soliste concertiste dès l’âge de quinze ans. En 2002, elle s’installe en France et intègre de nombreux projets (musique, danse, théâtre) qu’elle enrichit de sa pratique de la musique classique persane.

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Vendredi 27 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

Un film inédit en France

Une programmation croisée avec Le Gyptis

Fish and Cat
Shahram Mokri – 2013, Iran, 2h14, VOstFR

Des restaurateurs du nord de l’Iran condamnés pour avoir servi de la viande humaine à leurs clients. Image: Un groupe d’étudiant(e)s campent aux abords d’un lac à l’orée d’une forêt où rôdent deux hommes aux mines patibulaires et au comportement aussi étrange qu’inquiétant. Ceux-là sont venus participer à une compétition de cerfs-volants. Il a suffi de peu de choses à Shahram Mokri, jeune cinéaste iranien, pour créer une atmosphère troublante et instiller le doute et l’angoisse. Et qui plus est, en un seul plan.

L’avènement du numérique a élargi l’éventail des possibilités techniques pour la fabrication d’un film. On aurait pu croire que Sokourov, avec son Russian Ark, après avoir fait le tour de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, aurait aussi fait le tour de la question de l’utilisation de ces possibilités technologiques en proposant un seul long plan séquence pour la durée d’un film. Fish and Cat et Shahram Mokri nous prouvent que nous n’avons encore rien vu. Chez le Russe, l’action était unique, se déroulait dans un espace clos, et la caméra suivait un couple de personnage faisant office de fil conducteur, les passages d’une salle à l’autre formant les chapitres de cette action. Tout cela permettait au spectateur de garder la maîtrise du temps. Avec l’Iranien, rien de tel. La scène n’a plus de limite physique, nous partons d’un restaurant avec deux hommes pour pénétrer dans une forêt, où discutent un père et son fils, et finalement arriver parmi un groupe d’étudiants campant au bord d’un lac, ayant perdu en chemin les deux personnages du début pour en retrouver d’autres. La caméra en suit un, l’abandonne pour un autre, change encore de direction avec un troisième… et, sans crier gare, nous revoilà au point de départ. En toute logique, l’utilisation d’un seul et unique plan pour mettre en scène une histoire impliquerait la linéarité du récit, et le déroulement de celui-ci en temps réel. Mokri se libère avec habileté de cette fausse contrainte et nous offre, l’air de rien, une superbe illustration de ce que signifie concrètement le fameux ruban de Moebius. Deux heures d’un ballet à la chorégraphie élégante et fluide, et cette fois-ci nous avons perdu la maîtrise du temps. Cette vivacité continuelle n’empêche pourtant pas que des tableaux d’une harmonie parfaite surgissent au détour d’un mouvement de caméra. Fish and Cat, c’est une nouvelle belle surprise du cinéma iranien qui n’en finit pas de nous étonner.

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Jeudi 26 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

Un film inédit en France, en présence de Shadi Fathi 

Une programmation croisée avec Le Gyptis

Modest reception
Mani Haghighi – 2012, Iran, 1h40, VOstFR

Un couple étrange roule dans la montagne, le coffre bourré de sacs où sont empilés des billets de banque. A quel jeu peut-il bien jouer à distribuer ces sacs aux gens qu’il rencontre au hasard de la route? Aumône faite aux indigents ou jeu pervers auquel s’adonnent cet homme et cette jeune femme élégante? Une comédie burlesque aux multiples rebondissements qui offre une allégorie d’une extrême finesse de la société iranienne d’aujourd’hui.

« Modest Reception créa la surprise au festival de Berlin. Et il y avait de quoi: comment un tel brûlot avait-il pu échapper aux foudres de la censure de son pays, que l`on sait maintenant prompte à embastiller ceux des cinéastes qui ne marchent pas droit? Cependant, on s`excuse d`estimer que cet aspect resterait anecdotique si il ne s`y ajoutait, en plus, le côté résolument, et totalement, «non cinématographiquement correct» du film qui le place en parfaite adéquation avec l`état du monde, de celui de l`Iran, de celui des croyances. On y passe, en effet, de la comédie la plus dé-
jantée à la réflexion la plus profonde sur l`état du monde, dans cette région perdue, oubliée, des montagnes arides et inhospitalières, proches de la frontière. Et le chaos de la fiction correspond en tout point au désordre de notre réalité où les certitudes vacillent comme celles des personnages, où la morale peut devenir perverse.

Le réalisateur Mani Haghighi (il joue lui-même, magistralement, le rôle de l´homme dans le couple) nous promène, c`est le cas de le dire, dans ce road-movie ébouriffant, de surprise en surprise, ne ratant jamais une occasion pour dynamiter le confort dans lequel le spectateur aurait pu s`installer. On devrait en sortir épuisé et c`est tout le contraire qui se passe, car le culot que le cinéaste montre est tout sauf agressif, il est au contraire rafraîchissant: on se délecte des scènes drôles, on est touché aussi par le regard, malgré tout attendri, porté sur ces personnages rencontrés au hasard du récit. En cela, Modest Reception donne à voir du vrai cinéma et, sur ce point tout le monde ne peut que tomber d`accord, il prouve l`incro-yable vitalité d`un cinéma iranien, qui n`a de cesse de chercher de nouvelles formes, d`ouvrir de nouvelles voies, accepter de nouveaux défis. »
Martial Knaebel

Shadi Fathi
Grande cinéphile, Shadi Fathi nous transmet sa connaissance du cinéma iranien par le prisme de son décryptage de la société iranienne. Née en 1977 à Téhéran, de famille kurde, Shadi Fathi s’est formée au sétar auprès d’Ostad Dariush Tala’i, très grand maître de tar et de sétar. Elle en est devenue soliste concertiste dès l’âge de quinze ans. En 2002, elle s’installe en France et intègre de nombreux projets (musique, danse, théâtre) qu’elle enrichit de sa pratique de la musique classique persane.

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:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Mercredi 25 mai à 16h00

Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Séance jeune public dans le cadre du programme Kinetica

durée totale : 42 minutes

Maman corbeau et le renard
Mohammad-Ali Soleymanzadeh – 2013, Iran

Maman Corbeau met au point une stratégie pour se débarrasser d’un renard affamé.

Le mariage du papillon
Mahin Javaherian – 2013, Iran

La fête bat son plein chez les papillons…

La noce de Hajar
Mahin Javaherian – 2013, Iran

Un village prépare avec enthousiasme, le mariage de la belle Hajar !

Le mariage du corbeau
Mahin Javaherian – 2013, Iran
Maître Corbeau va se marier sous les yeux d’un chat ébahi !

La citrouille qui roule
Morteza Ahadi – 2013, Iran

Grand-Mère qui n’a pas froid aux yeux prend la route pour rendre visite à son petit fils qui vient de naître.

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Mercredi 18 mai à 16h00

Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Séance jeune public dans le cadre du programme Kinetica
entrée en libre accès

:: Les films projetés en 16mm

La petite taupe dans le désert
Zdenek Miller – 1975, République Tchèque,6 min
Alors qu’il réfléchit à un nouveau personnage en se promenant en forêt, le peintre et illustrateur tchèque Zdeněk Miler trébuche sur une taupinière…
Ainsi la Petite Taupe, Taupek, est née. Plutôt rondelette, elle a de grands yeux, un museau
rouge, trois cheveux sur la tête et se tient sur deux pattes. Toujours souriante, elle est
maladroite. Véritable star dans son pays, elle a fait son chemin et conquis un public
beaucoup plus large. Elle est même déclinée sous des formes aussi variées que des films, livres, peluches, gadgets, vêtements, linge de maison. Taupek est entourée de ses amis, des animaux de la forêt : la petite souris Mishka, sa meilleure amie qui l’accompagne dans ses aventures ; Zajic, le gentil lapin paisible ; Jezek le hérisson un peu paresseux…

Aventure forestière
8 min

Le voleur de pomme
1972, pologne, 6 min

Charlot s’evade
Charlie Chaplin – 1917, États-Unis, 15 minCharlot, un prisonnier, réussit à échapper à la vigilance des gardiens de la prison. Il sauve ensuite une jeune femme et sa mère de la noyade en se faisant passer pour un millionnaire, et il est ensuite invité à la réception donnée en son honneur par les parents de la jeune fille. Pourtant, l’un des invités va reconnaître en lui le bagnard évadé. Une course-poursuite s’engage alors.

:: CinéMioches
Le collectif lyonnais CinéMioches a pour but d’établir des programmes de projections auprès de la petite enfance, de soutenir les projets de même type, sous la seule mais rigoureuse réserve d’adhérer à sa charte. La charte CinéMioches demande de
sauvegarder, restaurer, ménager, conserver, entretenir tout ce qui concerne la projection cinématographique faisant usage de la pellicule. CinéMioches organise ou participe à des projections cinématographiques, des débats, des démonstrations et transmet ainsi les savoirs de la projection cinématographique afin que demain encore, on sache se servir de la pellicule et des appareils cinématographiques.

> Voir toutes les séances proposée par CinéMioches

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Samedi 14 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Crésus
Jean Giono– 1960, France, 1h40
Jules, (Fernandel) est un berger de Haute-Provence. Il entretient des relations sentimentales (?) avec Joséphine, une veuve de ses voisines. Un jour, Jules découvre un container, parachuté pendant la guerre, bourré de billets de banque de 5000 francs. Le berger ramène cette fortune chez lui, mais Joséphine le surprend. Comment cette soudaine richesse va-t-elle altérer la vie de cette communauté rurale ?

Giono, dont le nom a si durablement était entaché de collaboration, revient sur l’opération Bernhard, une gigantesque opération de fausse-monnaie montée par les allemands durant la seconde guerre. Il transpose en Provence les effets induits par une soudaine manne monétaire.
Mais surtout, il pose un regard et un usage du cinéma en rupture avec celui de Pagnol, l’autre « grand » provençal. Pagnol avait réalisé des films d’après Giono (Angèle, Regain, avec Fernandel, déjà), et cela avait induit une discorde entre eux (avec procès, et tout le tintouin).
Parce que Giono estimait que la fascination de Pagnol pour le parlant, les succulentes galéjades, dénaturaient la nature des personnages, leur sincérité.

Et la vision de Crésus de surprendre (si l’on s’attend à du Pagnol), dès lors : décors naturels, épure, quasi austérité dans le champ, sobriété de Fernandel (!!!), au service du lyrisme typique et émouvant de Giono.

> Voir toutes les séances du cycle « un écrivain, un film »

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Dimanche 22 mai à 18h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Entrée à prix libre

Séance en présence des réalisatrices Julie Moreau et Emilie Gasia

:: 18h
Um minuto, uma hora ou uma vida
Julie Moreau et Emilie Gasia – 2016, France, 25 min, VOstFR

Voyage poétique au Brésil à travers le témoignage de passionnés de forró, rythme traditionnel et danse de couple du Nord-Est. Remède à tous les maux pour certains, facteur de socialisation pour d’autres, ou encore marqueur d’identité, le forró enivre et emporte ceux qui se prêtent à la danse.

:: À propos des réalisatrices
Auteure de films documentaires, Julie Moreau a réalisé Métissons, un 52 minutes sur les danses et musiques traditionnelles de Mayotte, diffusé sur France Ô en 2012.
Elle est en train de terminer Sans Point ni Virgule, actuellement en post-production. Ce film traite des difficultés de la création à partir du travail de la metteur en scène Jeanne Poitevin et de la Cie de théâtre Alzhar autour du roman Le Premier Homme d’Albert Camus. En 2012, dans le cadre de l’atelier documentaire de la FEMIS, elle a amorcé l’écriture du projet Quand soufflent les mémoires avec la danseuse Sofia Bouazaoui. Un film sur l’histoire franco-algérienne qui associe aussi l’écrivaine Géhanne Khalfallah et la chanteuse Bertille Puissat.
Um minuto, uma hora ou uma vida est une autoproduction co-réalisée en 2015-2016 avec la danseuse Emilie Gasia.

Passionnée de culture brésilienne, Emilie Gasia s’est formée à la danse forró lors de ses voyages au Brésil. Elle anime des cours et des stages de forró depuis 2014 à Marseille et dans le sud de la France. Désireuse de perfectionner ses méthodes pédagogiques, elle a obtenu en 2014 la certification professionnelle régionale « formateurs en danse d’ici et d’ailleurs » délivrée par l’organisme Tétraccord à Marseille. Elle est l’actuelle présidente et l’une des membres fondateurs de l’association Daqui a pouco qui diffuse le forró à Marseille à travers l’organisation d’événements festifs, de projections et de stages de différentes disciplines artistiques.

:: de 19h à 23h
Bal forró mecânico

….. DANSONS !!!  Nous aurons la joie de pouvoir goûter à la fraîcheur du Cours Julien pour agiter nos corps à l’air libre.
Mais l’espace public étant une notion subtile (frileuse/fumeuse/bidon), quand 21h sonneront, nous regagnerons doucement l’intérieur du bar,  sa  chaleur en été, pour poursuivre notre joli bal …

:: Le partenaire de programmation
Daqui a Pouco est une association qui réunit à Marseille des passionnés de musique et de danse forró. Son objet consiste à promouvoir et diffuser la culture brésilienne en France et à l’étranger à travers l’organisation de divers événements tels que des soirées festives, concerts, stages de danse et musique, pratique de danse, projections.

:: Les tarifs des projections cinéma :

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Mardi 17 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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:: Grand prix du Festival À Nous de Voir de Oullins 2011, Prix de la Création au Festival Traces de Vies 2012, Prix du Documentaire Historique au Rendez vous (de l’histoire) de Blois 2012, Étoile de la SCAM 2013.

Moniseur M, 1968
Isabelle Berteletti et Laurent Cibien – 2011, France, 55 min
Ce documentaire propose une réflexion sur l’ordre et le désordre, sur le temps et la modernité à partir des carnets de Monsieur M, un ouvrier cartographe qui, toute sa vie, a couché ses réflexions et consigné son quotidien sur le papier.
Durant l’année 1968, Monsieur M vit chez ses parents et travaille à l’Institut Géographique National. Les événements qui viennent ponctuer sa vie quotidienne et routinière sont décrits, sans passion ni sentiment, et illustrés par l’intermédiaire des annotations couchées sur un agenda acheté le 13 décembre 1967 : ses trajets, les plans et cartes sur lesquels il travaille, ses petites habitudes, la télévision, les grèves et manifestations de mai 68, son arrêt maladie, sa reprise du travail en juin, sa semaine de congé en juillet, etc.
Une vie bien réglée qui nous parle d’un temps d’avant. D’avant que tout se dérègle. Sous la mine du crayon à papier de Monsieur M, des échos de plus en plus forts d’une révolte en train de naître, d’un monde en train de changer, se font entendre.La narration des réflexions et observations de Monsieur M est ponctuée de nombreuses images d’archives et d’illustrations.

 » « Lorsqu’elle m’a donné à lire ses carnets, l’homme que j’y ai découvert m’a bouleversé, expli­que le documentariste Laurent Cibien. Dans l’agenda de 1968, la manifestation du 13 mai ou l’invasion de la Tchécoslovaquie cohabitent, sans aucune forme de hiérarchisation, avec les visites de sa mère chez le dentiste, la livraison d’un frigo et ses trajets entre Montreuil et Saint-Mandé, où il travaillait comme cartographe à l’IGN. L’individu qui s’y révèle est singulier par sa maniaquerie, tout en étant proche de nous. » Ne sommes-nous pas, nous-mêmes, prompts à pester contre une météo pluvieuse après que la radio nous a instruits des derniers malheurs du monde ? « On a tous quelque chose de Monsieur M », insiste Laurent Cibien, qui a réduit l’identité de son personnage-titre à une initiale, pour inciter le spectateur à retrouver un peu de soi en lui, malgré l’aliénation que révèlent ses carnets. La force du film tient à cette tension savamment entretenue entre l’exotique et le familier. » François Ekchajzer, Télérama

:: Le partenaire de programmation
Fondée en 1993 à Marseille, l’association Polly Maggoo a pour ambition de créer des rencontres entre des cinémas pluriels et un large public. Depuis l’origine, son exigence a été de proposer des espaces de visibilité à des programmations de films et de vidéos contemporains trouvant difficilement leur place dans les circuits traditionnels de diffusion.

À partir de 2002, elle a développé des projections thématiques autour des sciences.

Les diversités de productions cinématographiques mêlant tous les genres (documentaire, art vidéo, expérimental, essai, animation, fiction) et tous supports, sont autant de possibilités permettant de créer un dialogue entre le cinéma et l’univers des sciences, considérées comme un domaine de création.

Le temps fort du festival RISC (Rencontres Internationales Sciences et Cinémas), organisé chaque année en automne depuis 2006, est un écrin singulier où se déroulent ces relations toujours nouvelles entre les sciences dans leur grande diversité et le cinéma comme art.
Une quinzaine de séances en direction du grand et jeune public, des séances scolaires (collèges, lycées) se déroulent dans différents lieux du centre ville de Marseille (Maison de la Région, BMVR Alcazar, Cinéma Les Variétés, Cinéma Le Prado, Museum d’Histoire Naturelle et Musée d’Histoire de Marseille).
Le festival RISC accorde une grande importance aux rencontres entre cinéastes et scientifiques/chercheurs invités à échanger avec le public après chaque projection.

> Voir toutes les séances proposées par RISC au Videodrome 2

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Dimanche 15 mai à 19h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Kuhle Wampe, oder: Wem gehört die Welt?, Ventres glacés
Slatan Dudow, écrit produit et supervisé par Bertold Brecht– 1932, Allemagne, 1h11, VOstFR
Fruit de la collaboration de Dudow et Brecht, le film repose sur un fait divers : un jeune ouvrier s’est défenestré à Berlin après avoir enlevé sa montre. Berlin, fin des années 20, début des années 30. Peu de villes auront brillé d’un tel éclat dans une durée si courte. L’avant-garde artistique mondiale, la lutte politique, la fête, qui régnaient dans cette ville, ont durablement marqué le XXème siècle.
Kuhle Wampe se place (Brecht était devenu marxiste à l’époque) du côté du monde des prolétaires. À qui appartient le monde ? est le sous-titre du film. Exploration des espoirs, des luttes et du quotidien des ouvriers dans Berlin en pleine crise économique, telle est la proposition du film. On se trouve ainsi à des années-lumières du film de Ruttman, Berlin, symphonie d’une grande ville, film moyennement traversé (c’est un euphémisme) par la question politique et sociale.
Mais, et c’est plus q’une singularité, ce film (schématiquement, sur le papier, on pourrait croire à une fiction prolétarienne, avec son déluge de situations larmoyantes et son lent cheminement vers une prise de conscience révolutionnaire), est réalisé, conçu, par des hommes de la forme (Dudow avait étudié le théâtre avec Meyerhold, et Brecht, inutile de dire son implication et sa place dans la pensée esthétique de ce siècle).
Peut-être se souvenir ici de Pasolini :
« Le théâtre facile est objectivement bourgeois ; le théâtre difficile est pour les élites bourgeoises cultivées ; le théâtre très difficile est le seul théâtre démocratique. »
Pasolini (Manifeste pour un nouveau théâtre, 1968) qui disait de Brecht : 
« Dans le présent manifeste, le nom de Brecht ne sera cité nulle part. C’est le dernier homme de théâtre qui ait pu faire une révolution théâtrale (à l’intérieur du théâtre) dans le théâtre […] Quoi qu’il en soit, c’est une certitude : les temps de Brecht sont définitivement révolus. »

Ainsi, même daté, tout dans la mise en scène et la réalisation de Kuhle Wampe est tentative, innovation, puissance. Tout est la mise en forme d’une pensée puissante et radicale quant à la représentation.
Brecht a été un grand déçu du cinématographe. Il écrivait son amertume concernant son travail avec Lang aux USA :
« Je m’aperçois maintenant que ce travail cinématographique m’a rendu quasiment malade. Ces « surprises » dues au fait que l’impossible arrive, ces « suspenses » dus au fait qu’on cache des choses au public, […], ces effets de Théâtre de Rose anno 1880, ces explosions d’imagination sordide, de sentimentalité puant l’argent, de réaction triomphante profondément enracinée, de violents ressentiments rentrés eu égard aux prétentions de faire un grand film tandis que la mise en scène est coupée en tranches… Et puis les images qu’il a été si difficile de dégager retournent au magma, les personnages reprennent l’allure caricaturale des types anciens, dans la construction viennent s’incorporer d’épaisses colonnes qui ne portent rien, l’habilité devient sottise, le progrès régression, la noblesse vulgaire, le vulgaire séduisant. » Bertold Brecht, Journal.

Mais il reste Kuhle Wampe, et sa chanson finale :
« Debout, peuples de cette terre,
Pour ce seul but unissez-vous :
Que la terre soit votre terre
Et qu’elle vous nourrisse tous

En avant ! N’oubliez jamais
Que notre force est l’unité,
Ventre plein ou ventre affamé,
En avant, n’oubliez jamais
La solidarité !

Jaunes ou bruns, blancs comme noirs,
Cessez donc de vous massacrer !
Que les peuples puissent parler
L’accord se fera sans retard !

En avant ! N’oubliez jamais
Que notre force est l’unité,
Ventre plein ou ventre affamé,
En avant, n’oubliez jamais
La solidarité !

Si nous voulons vite arriver
Vous tous nous êtes nécessaires :
Celui qui n’aide pas son frère
C’est lui qu’il refuse d’aider.

En avant ! N’oubliez jamais
Que notre force est l’unité,
Ventre plein ou ventre affamé,
En avant, n’oubliez jamais
La solidarité !

Tous, et autant qu’ils sont, nos maîtres
Voient d’un bon œil nos dissensions,
Car le temps qu’elles dureront
C’est vrai qu’ils resteront nos maîtres.

En avant ! N’oubliez jamais
Que notre force est l’unité,
Ventre plein ou ventre affamé,
En avant, n’oubliez jamais
La solidarité !

Prolétaires de tous pays
L’union, c’est votre liberté :
Vos bataillons et vos armées
Viendront à bout des tyrannies !

En avant, jamais n’oublions,
Ventre affamé ou ventre plein,
Et posons tout net la question :
Qui donc possède le matin ?
À qui le monde appartient donc ? »

> Voir toutes les séances du cycle « un écrivain, un film »

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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La semaine sera ensuite consacrée au cycle Regards sur le cinéma iranien, en collaboration avec le Gyptis. Dans ce pays infiniment complexe, où la censure semble paradoxalement stimuler la création, le cinéma contemporain est un art majeur, poétique, profond. « La censure est à la fois une aide et un empêchement, parce qu’en se pliant à des règles strictes, on fait des conclusions plus belles, parce qu’en affrontant les contraintes, on arrive à une forme plus neuve que lorsqu’on est libre » (Abbas Kiarostami). Deux cinéastes seront à l’honneur, avec des oeuvres qui dévoilent l’intimité de la vie dans le Téhéran des Mollahs : La fête du feu, d’Asghar Farhadi, et Sang et Or de Jafar Panahi.

Dans le premier, une femme soupçonne son mari de la tromper avec la voisine, une jeune employée devient le témoin passif, puis actif, de leur crise de couple. Le soir même a lieu le nouvel an iranien. Asghar Farhadi utilise cette situation avec une grande habileté, jouant sur les faux-semblants, pour montrer un Iran aux antipodes des clichés, avec la même subtilité qui sera à l’oeuvre dans le film qui l’a plus tard consacré : Une séparation.

Sang et Or s’ouvre sur cette scène : un homme braque une bijouterie, abat son propriétaire et retourne l’arme contre lui. Quelques jours avant, le même homme, modeste livreur de pizza, traverse la ville sur sa motocyclette. De livraison en livraison, de maison en appartement, les vies qu’ils croisent sont ainsi simplement juxtaposées, dévoilées. Ainsi se saisit aussi la violence sociale : sillonner les quartiers chics, aller servir les nantis, pénétrer leur vie. Ce polar urbain, dont le scénario est l’oeuvre d’Abbas Kiarostami, nous fait apercevoir la rébellion larvée de la classe populaire iranienne. Pour cette soirée en collaboration avec Cinépage, le film sera présenté par Azita Hempartian.

Deux films inédits à Marseille viendront compléter ces regards : Modest réception, de Mani Haghighi, et Fish and cat, de Shahram Mokri. Dans le premier, un couple étrange roule dans la montagne, le coffre bourré de sacs où sont empilés des billets de banque. Au hasard de la route, ils distribuent des sacs aux gens qu’ils croisent. Aumône ou jeu pervers ? Cette comédie burlesque offre une allégorie très fine de la société iranienne d’aujourd’hui. Fish and cat quant à lui semble suivre l’affirmation de Jafar Panahi selon laquelle : « les merveilleuses possibilités du cinéma d’aujourd’hui ne laissent aucune excuse aux cinéastes sans production ». Il met cette déclaration à exécution avec un brio étonnant : grâce aux possibilités offertes par les moyens numériques, il tourne en un seul plan séquence un film qui explose les limites physiques, navigue d’une scène à une autre, d’un restaurant à une forêt, suivant ou abandonnant ses personnages, se jouant du temps … tel un ruban de Moebius.

Laissons nous transporter par ce ruban qui courbe l’espace pour entrer dans la danse, qui envahira notre écran pour la deuxième semaine de programmation. Arts du mouvement, Danse et Cinéma ne pouvaient que se rencontrer. Les cinéastes primitifs se sont d’ailleurs tout de suite intéressés à la danse. Leur alliance semble si naturelle que Dominique Païni parla même de la « fatalité chorégraphique de l’invention du cinéma ». Pour autant, dans les oeuvres qui tentent une rencontre de ces 2 médiums (sans qu’un soit subordonné à l’autre), les deux langages se superposent et se combinent, élaborant une forme spécifique « hybride » : fiction chorégraphique, « ‘étude » filmée du mouvement, portrait documentaire, etc.
Pour la soirée d’ouverture de ce cycle, nous serons guidés par ces mots : danser dehors. Adage de la Cie Ex Nihilo, que vous pourrez voir dans le court-métrage Rue des petites maries, c’est aussi le souffle vital qui traverse le portrait de Nora et les expériences sensorielles et dansées de Robin Decourcy. Rue des petites maries danse dans les rues de Belsunce et en invente un récit fictionnel poétique et puissant. Nora choisit de raconter une vie par la danse : revenir aux paysages de l’enfance, rejouer ainsi des épisodes clés d’une vie. Celle de la danseuse zimbabwéenne Nora Chipaumire. Profusion de sons et d’images poétiques, ce film intense, brut et pourtant précis, est l’oeuvre des réalisateurs Alla Kovgan et David Hinton dont vous aviez pu découvrir l’année dernière le magnifique All this can happen…
Jeudi soir, nous emprunterons le titre de Maya Deren : A study in choreography for camera, pour une programmation suivant un cheminement scientifique. Des films dont la démarche analytique, raisonnée, soumise à des règles précises de danse et de cadrage, creusent justement l’endroit de leur rencontre. Et, y trouvent au passage une poésie abstraite ou phénoménologique des plus fascinantes. Nous irons ainsi des Chronophotographies d’Etienne-Jules Marey à One flat thing, reproduced, collaboration de Thierry de Mey et William Forsythe, en passant par Pas de deux de Norman MacLaren, et quelques autres. En avant-séance, nous aurons le plaisir d’accueillir Jan Goossens, nouveau directeur du Festival de Marseille – Danse et Arts Multiples. Il viendra nous présenter la programmation de l’édition de cette année, qui se tiendra du 24 juin au 19 juillet.
Vendredi soir, trois films très différents pour une danse amoureuse et mélancolique. Dans La complainte du progrès, Claudio Pazienza, qui n’a pas son pareil pour faire parler les objets, les fera ici danser pour nous raconter la vie d’un vieux couple. Pourvu qu’on ait l’ivresse, splendide court-métrage de Jean-Daniel Pollet, c’est un bal des années 50 où un jeune homme timide observe les jolies filles, cherche à se donner une contenance. Aucun dialogue, mais les corps et les regards disent tout de ces danseurs, de ce garçon perdu, aux allures keatoniennes.
Samedi soir, un premier rendez-vous est prévu à 19h avec la projection de La minute Cormier : film-essai de Julien Desplantez, chorégraphe de la Cie Quetem. En résidence au Canada, il découvre une étonnante maison et en fait son terrain de jeu. Mais qui dit jeu, dit règles, que Julien Desplantez nous racontera le soir-même, en mots et certainement aussi en gestes, dans la salle de projections ou ailleurs. Le second rendez-vous aura lieu à la tombée du jour, sur le toit du Corbusier, pour une double projection, en ouverture du Festival de Marseille – Danse et Arts Multiples !
Les séances jeune public se mettront au diapason de ces cycles : mercredi 25 mai, les touts-petits pourront découvrir le cinéma d’animation iranien avec le programme Portrait de famille. Et, mercredi 1er juin, quelques courts-métrages surprise autour de la danse, ainsi qu’un film malicieux :Mansouria de Josette Baïz et Luc Riolon où chaque rencontre devient une danse, une histoire, un rêve. Courant, dansant, les enfants du quartier de la Bricarde dressent une cartographie sensible et cosmopolite.
Dimanche 5 juin, enfin, Le Bus 31/32 inaugurera un cycle qui vise à interroger nos représentations liées aux addictions, de questionner la construction sociale de ce que l’on dénomme communément « drogue ». Trois films seront proposés au public, comme trois portes d’entrée dans une problématique essentielle de notre société mais difficilement appréhendable.

Mardi 24 mai à 20h30
Gestes de travail : une proposition de L’ESADMM
:: Una luz en la Pared
Alissone Perdrix – 2015, France, 29 min VOstFR
:: Sortie d’usines
Sandy Amerio – 2004, France, vidéo (boucle de plusieurs min)
> Voir le programme de la soirée

Mercredi 25 mai à 16h
Séance jeune public
(à partir de 2 ans)
:: Portrait de famille
Divers – 2013, Iran, 42 min
Programme de 5 courts-métrages d’animation
> Voir le programme de l’après-midi

Mercredi 25 mai à 20h30
Regards sur le cinéma iranien
:: Sang et or
Jafar Panahi – 2004, Iran, 1h37, VOstFR
Avec l’intervention d’Azita Hempartian (traductrice littéraire)
En collaboration avec Cinépage
> Voir le programme de la soirée 

Jeudi 26 mai à 20h30
Regards sur le cinéma iranien
:: Modest reception
Mani Haghighi – 2012, Iran, 1h40, VOstFR
En présence de Shadi Fathi
> Voir le programme de la soirée 

Vendredi 27 mai à 20h30
Regards sur le cinéma iranien
:: Fish and Cat
Shahram Mokri – 2013, Iran, 2h14, VOstFR
> Voir le programme de la soirée 

Samedi 28 mai à 20h30
Regards sur le cinéma iranien
:: La Fête du feu
Asghar Farhadi – 2007, Iran, 1h44, VOstFR
En présence de Shadi Fathi
> Voir le programme de la soirée

Mardi 31 mai à partir de 19h
Danse et cinéma #1
19h – entrée à prix libre
:: SANS
performance de Robin Decourcy, suivie de la projection de Near West
20h30
:: A study in choreography for camera
Maya Deren – 1945, Etats-Unis, 3 min – projection en 16mm
:: Rue des petites maries
Laurence Rebouillon, Cie Ex Nihilo – 2003, France, 12 min, VF
En présence d’Anne Le Batard, Cie Ex Nihilo
:: Nora
David Hinton et Alla Kovgan – 2008, Grande-Bretagne/Mozambique, 35 min, VOstFR
> Voir le programme de la soirée

Mercredi 1er juin à 16h
Séance jeune public : Danse et cinéma #2
(à partir de 6 ans)
:: Tout morose
José Montalvo et Dominique Hervieu – 1997, France, 4 min, VF
et autres courts-métrages surprise…
:: Mansouria
Luc Riolon / Josette Baïz – 1991, France, 33 min, VF
> Voir le programme de l’après-midi

Jeudi 2 juin à partir de 20h
Danse et cinéma #3
à 20h
focus sur la programmation du Festival de Marseille
présenté par Jan Goosens, directeur artistique du Festival
à 20h30
:: Chronophotographies
Etienne-Jules Marey – 1891, France, 5 min
:: Nine variations on a dance theme
Hilary Harris – 1966, Etats-Unis, 13 min
:: Pas de deux
Norman MacLaren – 1968, Canada, 13 min – projection en 16mm
:: Calico Mingling
Lucinda Childs, Babette Mangolte – 1973, Etats-Unis, 10 min
:: One flat thing, reproduced
Thierry de Mey, William Forsythe – 2006, Belgique/Etats-Unis, 26 min
> Voir le programme de la soirée

Vendredi 3 juin à 18h
Les rêveurs sont là : dans le cadre de Radio Là
(entrée à prix libre)
:: Les rêveurs  – 2013
Projection d’un cycle de courts métrages, création partagée en psychiatrie, guidée par Séverine Mathieu  (DIS-formes) et Emmanuel Vigier.
Programme radiophonique sur le Cours Julien les 2, 3 et 4 juin
> Voir le programme de la soirée

Vendredi 3 juin à 20h30
Danse et cinéma #4
:: La complainte du progrès
Alis et Claudio Pazienza – 1997, France/Belgique, 5 min
:: Pourvu qu’on ait l’ivresse
Jean-Daniel Pollet – 1958, France, 20 min
:: The cost of living
DV8 Physical Theatre – 2004, Grande-Bretagne, 35 min, VOstFR
> Voir le programme de la soirée 

Samedi 4 juin à 19h
Danse et cinéma #5
(entrée à prix libre)
:: La minute Cormier
Julien Desplantez – 2013, France/Canada, 1h
En présence du réalisateur
> Voir le programme de la soirée 

Samedi 4 juin à partir de 20h
Danse et cinéma #6 : ouverture du Festival de Marseille
:: Projection surprise sur le toit du Corbusier
> Voir le programme de la soirée

Dimanche 5 juin à 19h
Dépendances 1/3
(entrée en libre accès)
:: Drugstore Cowboy
Gus Van sant – 1989,États-Unis, 1h40, VOstFR
En collaboration avec le Bus 31/32
En parallèle du programme « Conférence Addictions / migrations »
organisée au Pharo par le Respadd et le Bus 31/32 les 7 et 8 juin.
> Voir le programme de la soirée

Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir tous les agendas des séances

Vendredi 20 mai à partir de 18h
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

:: 18h – entrée en libre accès
« Conversation avec Thierry Durousseau  »

Thierry Durousseau, architecte DPLG urbaniste mène de front une activité libérale et des études sur le patrimoine urbain et architectural. Membre fondateur de Mars 76 et du Syndicat de l’Architecture, il a enseigné à l’Ecole d’architecture de Marseille-Luminy, au sein du laboratoire INAMA de 1981 à 1985. Il est également Architecte Conseil de la Ville d’Arles et membre de la Commission Régionale du Patrimoine et des Sites et correspondant de l’Académie de Marseille.

:: 20h
Go forth
Soufiane Adel – 2014, France, 1h14
À travers le portrait d’une femme de 79 ans, Taklit Adel, ma grand-mère, née en Algérie et vivant en France depuis 60 ans, se noue à la fois le fil de la petite et de la grande Histoire et l’exploration de la banlieue et de son ensemble. Une histoire personnelle prise dans l’histoire collective.
Il y a quelque chose d’utopique dans certaines banlieues de France que l’on ne voit pas ailleurs, une chose qui m’a bouleversé aux Mordacs (à Champigny-sur-Marne, dans le Val de Marne) : sa rénovation, une rénovation à échelle humaine, aussi belle esthétiquement que les appartements de Le Corbusier à Firminy, à Alger, à la Cité Universitaire de Paris. J’ai vu aux Mordacs des maisons type « pavillons », perchées à 20 mètres du sol, l’image était surréaliste. J’ai eu envie de regarder ce quartier, cette cité qu’habite Taklit, ma grand-mère, depuis presque toujours. Ce territoire est en continuité avec l’Algérie, comme une liaison, comme deux territoires qui se touchent, se juxtaposent. De le regarder du ciel avec un drone (engins volants de taille réduite, équipé d’une caméra), que l’on utilise souvent pour faire la promotion de certains lieux pour mettre en avant leur beauté vu de haut. Je souhaite arriver à cette sensation de territoire, de chemins, de forme, de vies, de cartographie et d’espace.
Soufiane Adel,

Une interview de Soufiane Adel parlant de son film

Le projet d’Image de ville :
Promouvoir un cinéma qui ouvre sur le monde pour animer un espace public de réflexion sur la civilisation urbaine, en organisant deux événements festivaliers annuels et des rendez-vous publics réguliers ;
en élaborant des programmations cinématographiques spécifiques ; en favorisant l’émergence de projets cinématographiques sur l’architecture et l’espace urbain ; en proposant des sessions d’éducation à l’image et de formation audiovisuelle sur les questions urbaines.

Image de ville, structure culturelle aixoise créée en 2003, organise, chaque année, deux événements – le festival Image de ville en automne, et, depuis 2006, les Journées du film sur l’environnement au printemps, – et propose des rendez-vous publics réguliers autour des questions de la fabrique de la ville, de la transformation urbaine.
Image de ville conçoit également des programmations cinéma spécifiques – en lien avec les questions de la ville et de son environnement – à la demande d’institutions régionales et nationales, de festivals ou de structures culturelles, en France ou à l’étranger.
Disposant de divers moyens techniques de production, tournage et montage, l’équipe répond à différentes demandes ; de la simple captation de conférences à la réalisation de documentaires sur l’architecture, la ville et les problématiques liées à l’environnement et au développement durable.
Souhaitant encourager et favoriser la création et la production cinématographiques sur l’architecture et l’espace urbain, Image de ville accompagne des auteurs pour l’écriture et le développement de leurs projets de films. Et participe à l’édition de DVD autour de ces mêmes questions.

La programmation proposée au Videodrome 2 est conçue en partenariat avec la Maison de l’architecture et de la ville (MAV) PACA , les Éditions Parenthèses

> Voir toutes les séances proposées par Image de Ville au Videodrome 2

:: Tarifs des projections cinéma :

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec l’adhésion annuelle
3€ la séance avec l’adhésion de soutien
2€ pour les moins de 14 ans et séances du mercredi

Adhésion annuelle à l’association : 5€
Adhésion de soutien à l’association : 20€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

> Voir toutes les séances cinéma

Samedi 21 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Entrée à prix libre

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

Khamsa
Karim Dridi – 2008, France 1h48
Agé de 11 ans et placé dans une famille d’accueil, Marco, dit Khamsa, décide de retourner dans le camp de gitans de son enfance. Le jeune fugueur y retrouve son cousin, le nain Tony et son ami Coyote. Il nourrit toujours les mêmes rêves de liberté et de vie facile. Avec Coyote et Rachitique, jeune Arabe d’une cité voisine, Khamsa enchaîne petits larcins, vol de scooter et même cambriolage de maisons…

Avant de donner son premier tour de manivelle, Karim Dridi a passé beaucoup de temps avec les gamins gitans, fantastiques acteurs naturels de son film, de même qu’il a longuement rencontré les différents acteurs sociaux gravitant autour de la communauté gitane (instituteurs, éducateurs, pédopsychiatres, etc.). Il a d’ailleurs tenu un très intéressant blog de tournage pendant plusieurs mois sur le site Rue89.
Cette imprégnation profonde se ressent à chaque instant du film, où une vérité humaine éclate vingt-quatre fois par seconde. Elle a aussi permis de mieux affûter toutes les qualités que Dridi avait déjà en lui : une générosité de regard qui dirige sa caméra prioritairement vers les “marginaux”, vers ceux qui n’ont pas d’image, ou alors une image très déformée. Un sens de l’intensité de chaque scène. Une facilité à entremêler comédie et tragédie. Une capacité à rendre de la beauté et de la dignité à des êtres généralement considérés comme laids et indignes. L’intelligence aussi de ne pas juger, de se tenir à égale distance de l’héroïsation et du misérabilisme.

:: Le partenaire de programmation

Aflam est une association née en 2000 de l’intérêt commun de Marseillaises et de Marseillais pour les cultures arabes à travers l’image et le cinéma.
Riches d’un patrimoine cinématographique qui témoigne de leur histoire, les pays arabes ont tous développé une production cinématographique spécifique. Aflam souhaite donner une visibilité et un espace à ces cinémas peu connus à Marseille et dans la région pour favoriser une meilleure connaissance des cultures arabes et encourager les échanges autour des films réalisés au Maghreb, au Proche-Orient, et au sein des diasporas arabes.

> Voir toutes les séances cinéma

Mardi 10 mai  à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

Entrée à prix libre
Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

Précédé d’une lecture d’Emmanuelle Sarrouy

Prototype
Emmanuelle Sarrouy, Coralie Amédéo – 2001/2006, France, 48 min

Un portrait, pas un hommage ! Un film rock’n’punk !
Matérialiser un fantôme, à la fois joyeux et mélancolique, devenu à lui-même son propre fantôme, figure prototypale qui se mêle allègrement aux grains pelliculaires et aux pixels de la vidéo, aux formes et aux couleurs, qui apparaît dans les raccords et l’occurrence d’une étoile filante. Ses possibilités de métamorphose plastique et esthétique sont infinies. Ce film se veut avant tout un portrait aux ramifications multiples. Le portrait d’un jeune homme, d’un accessoiriste de cinéma, d’un ami aujourd’hui disparu… Un éclat de vie. Mais c’est aussi, au travers d’une histoire singulière, parcourue d’instants cinématographiques mémorables, de références littéraires, musicales, le portrait d’une époque, d’une génération… Celle de la fin du XXe siècle.

Née en 1968 à Lausanne, Emmanuelle Sarrouy vit et travaille à Marseille. Elle passe son enfance au bord de la Manche, à Dieppe. Arrivée en Provence depuis 1988, elle soutient une Maîtrise d’Études Cinématographiques sur le film « gore » des années 80 avec Nicole Brenez, en 1993. Elle est d’abord traductrice de scénarios de dessins animés, régisseuse de cinéma, puis directrice de casting.

Programmatrice de courts-métrages au Festival Tous Courts d’Aix-en-Provence, elle réalise depuis l’année 2000 des vidéos et installations qui sont montrées dans de nombreuses manifestations internationales, dont les festivals Cinémas Différents, Vidéoformes, Instants Vidéo, Images Contre Nature, Hambourg, Printemps des Poètes, Videopoésia (Buenos Aires), Zebra Poetryfil, Festival du Film d’Aubagne, et à la Cinémathèque Française.

Membre du Collectif Jeune Cinéma, elle fonde en 2007, en collaboration avec Jean-Paul Noguès, la société de production de films Endogène.

Auteur de longue date, Emmanuelle Sarrouy publie de nombreux articles sur le cinéma et le cinéma expérimental, notamment dans Admiranda, Repérages, Simulacres, Exploding, Les Inrockuptibles, La Marseillaise, etc. Grande adepte du métissage, elle pratique l’hybridation des formes et le mélange des genres. Emmanuelle Sarrouy flirte depuis toujours avec le journal intime, la compilation/collection, l’archivage, la récupération, les petites formes et la poésie. Elle travaille régulièrement sur le portrait et l’hybridation entre l’homme et l’animal, son « Humanimalité » et l’homme et la nature, son « Humanaturalité ».

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:: Le partenaire de programmation
L’association P’silo  se consacre à la diffusion de travaux artistiques dans le champ du cinéma expérimental grâce à une vidéothèque et à au Festival Images Contre Nature qui a lieu à Marseille pendant plusieurs jours depuis 2001. Il permet à un public cinéphile et néophyte de découvrir un pan du cinéma peu diffusé grâce la présentation de réalisations contemporaines.

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]]> 11129 videodromedeux https://videodrome2.wordpress.com/2016/05/05/les-primeurs-du-blog-documentaire-4-mercredi-18-mai-et-jeudi-19-mai-a-20h30/ Thu, 05 May 2016 19:52:02 +0000 http://videodrome2.wordpress.com/?p=11119 Lire la suite →]]>
« C’est un film qui s’avance comme une fausse piste : Sherif arrive au Caire où il vient rendre visite à sa famille. Voyage d’agrément, comme on dit dans les formulaires des compagnies aériennes ? Pas seulement. Car si l’on découvre le decorum de la famille que l’expatrié retrouve avec l’émotion distante de celui qui partage sa vie entre deux cultures, c’est pour très vite en arriver au fait. La fiancée du Nil n’est pas un film d’ambiance : ou alors l’ambiance est dans la trame narrative amenée avec un air d’évidence, quasi fictionnelle tant elle s’inscrit limpide dans les enjeux des personnages. » Nicolas Bole

Mercredi 18 mai à 20h30
Jeudi 19 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Entrée à prix libre
Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de la séance

Séance en présence du réalisateur, Edouard Mills-Affif

La fiancée du Nil
Edouard Mills-Affif – 2015, France, 1h02, VOstFR

Dans un village reculé du delta du Nil, au sein d’une famille traditionnelle égyptienne, un drame quasi antique se joue. Comme des milliers de jeunes filles à travers le monde, Heba doit épouser un homme qu’elle n’a pas choisi. L’ambiance vire peu à peu au psychodrame familial, avec ses secrets d’alcôve, ses intrigues, ses renoncements et ses mensonges.

Sélections festivals et prix :
Mention spécial du jury – Prix Ahmed Attia – Medimed 2015 (Sitges, Espagne)
RIDM – Rencontres internationales du documentaire de Montréal 2015
FIGRA – Festival international du grand reportage d’actualité 2016 (Le Touquet, France)
SOLE LUNA FILM FESTIVAL 2016 (Palerme, Italie)

« Heba doit se marier avec un homme qu’elle n’aime visiblement pas. Sa mère tente de l’éloigner de son premier amour, icône romantique qui rode avec son désespoir et une forme de rouerie dans les pattes de Sherif, qui s’intronise entremetteur entre l’éconduit et la future fiancée qui lui échappe. Mais difficile pour le personnage principal, sorte de complice du réalisateur en même temps qu’acteur dépassé par la tournure des événements, de s’y prendre quand on adopte une grille de lecture extérieure, qui brise les codes sociaux égyptiens. L’amour face à l’honneur, la parole donnée contre le fol espoir de relations libérées des traditions : l’opposition est connue. Mais tout n’est simple qu’en apparence : à rebours des films qui nous content des histoires pour mieux faire la morale (souvent ethno-centrée, pourfendant avec délice « archaïsmes » et autres « obscurantismes »), La Fiancée du Nil développe lentement le récit d’une société prise entre de multiples feux. Ceux du désir légitime de faire parler le coeur. Ceux de respecter autant la tradition que la valeur d’un engagement. Et ceux d’une lutte, féconde, intime, bien plus complexe qu’il n’y paraît, entre personnes des deux sexes. Il y a dans les relations entre hommes et femmes autre chose qu’une dialectique soumission/domination latente que certains se plaisent à répéter ad nauseam comme l’alpha et l’omega de la « culture arabe ». Il y a des arguties, des silences qui en disent long, des joies non feintes, aussi. Ce qu’Edouard Mills-Affif parvient à saisir, c’est cette réactualisation incessante des normes sociales, qu’il serait idiot de voir comme un bloc monolithique. Ici des fissures dans l’entente de la famille, là-bas des désirs de reconquête confiés à Sherif dans une semi-pénombre : autant d’agencements intimes qui disent que le théâtre de l’amour galant peut aussi se jouer sur une partition légère, sans être pour autant anecdotique. Car on sourit souvent avec les personnages, comme on souriait souvent avec Anna Roussillon dans Je suis le peuple : parce que le fatalisme qui enveloppe l’histoire de ce mariage arrangé n’exclut pas non plus le volontarisme et l’expression des sentiments, on se retrouve au coeur d’une mécanique où l’amour se déclame comme un enjeu social. Ce que nous avons pour une bonne part oublié, pour mieux célébrer l’universalité de l’amour, à mi-chemin entre lyrisme échevelé et grands drames passionnels. Ici, le terrain de jeu est plus petit, à l’échelle d’un quartier, et la cause amoureuse se défend, plus prosaïquement peut-être, mais aussi avec davantage de ferveur, dans le carcan du réel et des conventions. »
Nicolas Bole

:: Le partenaire de programmation

Le Blog documentaire est le site d’informations et d’analyses incontournable sur les arts documentaires au cinéma, à la télévision, sur le web et ailleurs.
Fondé en 2011, cet espace collaboratif ouvert à toute proposition éditoriale regroupe toutes les actualités du secteur, des analyses de films et de programmes interactifs, des compte-rendus de festivals ainsi que de nombreux entretiens avec des auteurs, des producteurs et des diffuseurs. Cédric Mal en est le directeur de la publication. L’animation éditoriale du site est menée conjointement par Nicolas Bole et Cédric Mal.

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Vendredi 13 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

La pudeur ou l’impudeur
Hervé Guibert – 1992, France, 62 min
Hervé Guibert met en scène les derniers moments de sa vie en utilisant des images de son quotidien de malade du sida. Les séquences sont tournées dans son appartement (dans sa chambre à coucher, sa salle de bains, ses toilettes), chez ses grand-tantes, en milieu hospitalier (lors d’une biopsie, lors d’un suivi médical) et sur l’île d’Elbe. Des entretiens avec des proches ponctuent le film. Le film mêle des images d’une grande dureté et des images poétiques. Dans Le Protocole compassionnel, Hervé Guibert écrit « Je crois que nous venons de tourner un des documentaires les plus bizarres qui soient ».

Bien qu’achevé en février 1991, le film ne sera diffusé à la télévision que le 30 janvier 1992. Le contexte épidémique, période de grande mortalité due au sida (4 000 morts par an en 1991), l’image de la dégradation physique du jeune écrivain, la qualité testamentaire du film expliquent en partie les réticences à la diffusion.

Hervé Guibert, qui rêve de cinéma depuis toujours, se voit proposer un budget, une caméra, par Pascale Breugnot de TF1, pour tourner un film sur lui, qu’il réalise entre juin 1990 et avril 1991. Très intimiste, ce film se veut une radicalisation de son écriture. Tout dire et tout montrer, disait-il (annoncé déjà dans : La Mort propagande, en 1977), décidant ici de nous faire partager quotidiennement sa propre lutte contre la maladie, le corps faiblissant, la mort, jusqu’à la mise en scène de son propre suicide, des suites duquel il finit par mourir le 27 décembre 1991. Il disait: «Le sida m’a permis de radicaliser un peu plus encore certains systèmes de narration, de rapport à la vérité, de mise en jeu de moi même au-delà même de ce je pensais possible.»

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:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Il y a un effet d’« élévation au carré » lorsqu’un film est l’oeuvre unique d’un-e écrivain-e : il possède à la fois l’aura de fulgurance du film unique, et fait écho aux écrits de son auteur. Nous proposons donc, du 10 au 15 mai, de voir les films uniques d’écrivains : Giono, Genet, Guibert, Brecht, Beckett…
Nous ouvrons la semaine par les deux films courts de Beckett et Genet; respectivement Film et Un chant d’amour.

Mercredi 11 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille

Film
Samuel Beckett, Alan Schneider – 1965, Etats-Unis, 24 min

Ce court-métrage muet d’une vingtaine de minutes montre le parcours d’un homme, qui, sur son passage terrifie tout le monde, hommes, femmes, animaux, etc… On le voit longer un mur, évitant tous les regards, puis monter dans une pièce où il s’enferme. Il en fait sortir le chaton et les deux petits chiens qui s’y trouvent, recouvre la cage d’un perroquet, le bocal d’un poisson, un miroir puis déchire un portrait cloué au mur, pour enfin aller s’asseoir dans une chaise à bascule. Il sort d’une enveloppe quelques photos de famille, qu’il finit par déchirer à leur tour. Quand enfin il semble avoir annulé tout regard sur lui, il s’assoupit paisiblement dans la chaise, pour se réveiller, en se retrouvant face à son double qui le regarde droit dans les yeux. On découvre alors le visage du personnage, un borgne.

Un projet inespéré se dessine à l’horizon. Beckett reçoit une proposition d’une firme américaine: la commande d’un scénario de film muet et expérimental en 16mm, au titre facile de: Film, d’une durée de 11 minutes.
La production a souhaité avoir pour vedette Charlie Chaplin, mais celui-ci ne répond à aucun courrier concernant l’affaire. Le metteur en scène Alan Schneider se tourne donc vers l’autre génie du cinéma muet et burlesque : Buster Keaton.
Ce dernier, très fatigué, gros, asthmatique, ayant dépassé les soixante-douze ans, a vaguement entendu parlé du talent inédit d’un certain Beckett, auteur franco-irlandais. Il accepte de tourner le film, sans grand enthousiasme, et n’a pour exigence que de porter l’un des vieux chapeaux cabossés, son fétiche.
Ainsi que le scénario l’indique, on filme l’acteur de dos, courant et évitant des poubelles et des tas d’immondices amoncelées au pied d’un mur de brique. Pendant le tournage, Beckett ne fournit qu’une consigne à son interprète: « Chercher à ne pas être. Par tous les moyens, effacer toute image et tout relief » et Keaton ne cesse de murmurer : « Je n’y entrave que dalle ».

Un chant d’amour
Jean Genet – 1950, France, 26 min

Depuis leur cellule, deux prisonniers entretiennent une relation amoureuse grâce à un minuscule trou percé dans le mur qui les sépare. Sous la pupille dilatée de leur geôlier sadique, ils se livrent à des jeux sensuels. Erotique, brut et rugueux, ce poème visuel se pose à mi-chemin entre le songe et la réalité, entre l’introspection autobiographique et l’expression d’un sentiment fictif. L’auteur du “Condamné à mort” aborde le thème du désir et du fantasme homosexuel liés à l’enfermement, à une époque où l’homosexualité était encore considérée comme une maladie mentale.

Brûlot charnel et sublime, Un Chant d’amour demeure l’unique film jamais réalisé par Jean Genet. Encensé par Sartre et Cocteau, le court métrage du révolté de la scène littéraire française a été censuré pendant 25 ans.

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:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
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Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

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Jeudi 12 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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L’Emprise des ténèbres
Wes Craven -1988, États-Unis, 1h38 , VOstFR

Denis Allan, un anthropologue diplômé de Harvard, est de retour à Boston après un long séjour en Amazonie, où il a pu étudier et expérimenter les drogues utilisées par les chamanes. Un représentant d’une entreprise pharmaceutique lui propose alors de se rendre en Haïti, en quête d’une hypothétique substance utilisée par les sorciers vaudous pour zombifier leurs victimes. En effet, si les rumeurs sur les zombis sont fondées et qu’une telle drogue existe, ses applications dans le domaine de l’anesthésie seraient des plus intéressantes. Allan se rend donc sur l’île, où il sera confronté à la puissance ténébreuse du Vaudou, à son emprise sur la société haïtienne, et à l’usage qu’en font les sbires du dictateur Jean-Claude Duvalier.

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:: Le partenaire de programmation
Peuple & Culture Marseille est une association culturelle d’éducation populaire membre du réseau national Peuple & Culture né en 1945. Elle mène des actions autour de la langue et de l’image, et plus particulièrement de la littérature et du cinéma documentaire à travers des activités de diffusion, de médiation, de pratique, de formation et d’échanges interculturels.

:: Les tarifs des projections cinéma :

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
La carte 10 séances + adhésion annuelle : 40€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

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Dimanche 8 mai à 20h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
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Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

En présence de Richard Brouillette

L’Encerclement
Richard Brouillette – 2008, Canada, 2h40, VOstFRDéréglementer, réduire la taille de l’État, privatiser, limiter l’inflation plutôt que le chômage, bref, financiariser et dépolitiser l’économie : les différents dogmes de cette pensée prêt-à-porter sont bien connus. Et s’ils s’immiscent lentement dans nos consciences c’est qu’ils sont diffusés à travers un vaste et inextricable réseau de propagande.

« L’écologie et le néolibéralisme constituent depuis quelques années les deux grands dossiers d’une production documentaire, souvent militante, dont la sortie en salle nourrit les débats.

C’est encore le cas avec L’Encerclement, du Canadien Richard Brouillette, film consacré aux méfaits du capitalisme moderne, qui a fait avec succès le tour des festivals depuis deux ans. A juste raison, puisque le film offre une alternative estimable aux dérives pamphlétaires qui discréditent trop souvent ce genre de production.

Deux raisons à cela. Un parti pris formel : filmage sobre en super-16 millimètres noir et blanc, absence de voix off, privilège donné à la parole plutôt qu’à la harangue ou à l’agit-prop. Mais aussi une disposition d’esprit, qui accorde à la réflexion et au temps qu’il faut pour la déployer (2 heures 40 minutes bien pesées) tous ses droits. Cela confère à ce film une ambition vulgarisatrice qui parie sur l’intelligence et la curiosité du spectateur, au risque de l’austérité du dispositif. »
Jacques Mandelbaum, Le Monde

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Séance jeune public dans le cadre du programme Kinetica

À partir de 6 ans
Entrée en libre accès

Zazie dans le métro
Louis Malle – 1960, France, 1 h 29

– Zazie, déclare Gabriel en prenant un air majestueux trouvé sans peine dans son répertoire, si ça te plaît de voir vraiment les Invalides et le tombeau véritable du vrai Napoléon, je t’y conduirai.
– Napoléon mon cul, réplique Zazie. Il m’intéresse pas du tout, cet enflé, avec son chapeau à la con.
– Qu’est-ce qui t’intéresse alors ?
Zazie répond pas.
– Oui, dit Charles avec une gentillesse inattendue, qu’est-ce qui t’intéresse ?
– Le métro.
extrait du roman de Raymond Queneau

Zazie, une jeune gamine espiègle, vient à Paris chez son oncle Gabriel. Il lui fait visiter la ville, mais elle n’a qu’une idée en tête : prendre le métro. Hélas, il est en grève. C’est donc dans le taxi de Charles, l’ami de son oncle, que Zazie démarre ses trois jours de vie parisienne endiablée.

:: À propos du livre de Raymond Queneau
Paru en 1959, Zazie dans le métro est le premier succès populaire de Raymond Queneau. Il s’amuse à y parodier plusieurs formes romanesques (roman d’apprentissage, épopée, etc) et joue avec la langue française, mêlant langue orale et familière au récit écrit, et malmenant l’orthographe, à l’image du terme Doukipudonktan qui ouvre le roman.
C’est tout juste un an après la parution du livre que Louis Malle l’adapte au cinéma dans une comédie burlesque, avec une Zazie dont l’espièglerie rend fou les adultes rangés et ronchons. Queneau dira à propos du film :
« En même temps que je reconnais Zazie dans le métro en tant que livre, je vois dans le film une œuvre originale dont l’auteur se nomme Louis Malle, une œuvre insolite et à la poésie à laquelle je suis moi-même pris. »

:: Les tarifs des projections cinéma

5€ la séance sans adhésion
4€ la séance avec adhésion
2€ pour les moins de 14 ans
2€ pour les séances jeune public

Adhésion annuelle à l’association : à partir de 5€
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Dans Snow therapy, une famille suédoise part en vacances d’hiver dans une station de ski des Alpes. Le deuxième jour, une avalanche manque de s’abattre sur la terrasse où mangent Ebba, Tomas et leurs deux enfants. Dans la panique, et tandis que la mère tente de protéger ses petits, le père s’enfuit se réfugier à l’intérieur du restaurant. Tout le monde est sauf, mais la réaction inattendue de Tomas, et par dessus tout son impossibilité de reconnaître sa fuite, sera vécue comme une cassure, comme le point de départ d’une crise. Ruben Östlund se sert de cet évènement-prétexte pour décortiquer le modèle de la famille nucléaire, et plus particulièrement le rôle du patriarche dans la famille moderne. Certains évoquèrent à sa sortie Le charme discret de la bourgeoisie pour l’intention, même si la forme en est bien loin, et s’approcherait davantage du Festen de Thomas Vinterberg pour le malaise instillé tout au long du film. Drame psychologique et social, tourné dans une HD glaçante et stérile, dans une station de loisirs hyper-industrielle, le film vaut le coup d’œil.

Recommandé chaudement, le documentaire Eau argentée sorti fin 2014, fruit de la collaboration de Ossama Mohammed et Wiam Simav Bedirxan, un réalisateur syrien réfugié à Paris et sa collaboratrice kurde qui vivait en Syrie et filmait au jour le jour pour faire parvenir ses images au premier. Salué par la critique comme le film-témoin le plus abouti sur le conflit, sélectionné dans de nombreux festivals, Eau argentée conserve sa pertinence et sa nécessité d’être tant la situation ne finit de s’enliser dans le pays.

Pour les plus jeunes, nous vous proposons une collection de courts-métrages Pixar, la suite de la série Téléchat, et Les boxtrolls, film d’animation des créateurs de L’étrange pouvoir de Norman.

Rendez-vous en juin !

> Les conditions locatives et formules d’abonnement

Silence et cri – Miklos Jancso
Snow therapy – Ruben Ostlund
Stormy Weather – Solveig Anspach
Riz amer – Giuseppe de Santis
Regarde elle a les yeux grand ouverts – Yann le Masson
La rumeur – William Wyler
Duel dans le pacifique – John Boorman
Jours de 36 – Théo Angelopoulos
L’opérateur – Buster Keaton & Edward Sedgwick
Ugly – Anurag Kashyap
Killing Zoe – Roger Avary
Le cabaret des étoiles – Frank Borzage
Youth – Paolo Sorrentino
Valley of love – Guillaume Nicloux
La collection des courts-métrages Pixar 2 – Divers
Les boxtrolls – Graham Annable & Anthony Stacchi
Téléchat (épisodes 41 à 60) – Henri Xhonneux & Roland Topor
Transit Palace – Pawel Pawlikowski
Au loin s’en vont les nuages – Aki Kaurismaki
Z – Costa-Gavras
Un homme qui crie – Mahamat-Saleh Haroun
La peau de bax – Ale Van Warmerdam
Queen of earth – Alex Ross Perry
Eau argentée – Ossama Mohammed
Les hommes – Ariane Michel

Evil dead – Sam Raimi (BluRay)

> Voir les films dans le catalogue locatif

C’est en explorant l’idée d’un film traitant du « rapport des vivants aux morts » qu’Emmanuelle Demoris pénètre pour la première fois en 1999 dans le quartier de Mafrouza : ancienne nécropole d’Alexandrie transformée en bidonville. Entrer dans Mafrouza c’est entrer dans une ville troglodyte, presque un souterrain. Eblouie par la liberté d’esprit et l’humanité solaire de ses habitants, Emmanuelle Demorris s’y rend à plusieurs reprises, avec une petite caméra DV. Adoptée par le quartier, elle est invitée à filmer un mariage ou la confection du pain, à recueillir des paroles. Elle entreprend alors de filmer Mafrouza deux années durant, avec le soutien essentiel de Jean Gruault, qui fut le scénariste de François Truffaut, et s’invente producteur pour permettre à ce film d’exister.

« Le peuple incarné, dans sa souffrance et dans sa joie, dans son impertinence et sa dignité, tel que le régime général des images l’ignore ; la vie même, célébrée avec une frénésie carnavalesque, un désorde de dévotion et de truculence, jusque dans les immondices d’un dépotoir social. » Le monde, Jacques Mandelbaum

Caméra au poing, elle est souvent interpellée par les habitants. Plutôt que de cacher ce qui pourrait être considéré comme du travail préparatoire, le film donne à voir la construction de cette relation. Emmanuelle Demorris opte pour une caméra participante, au sens où l’entendait Jean Rouch. Une caméra au cœur des fêtes, des danses, des interactions. En prenant le temps qu’il faut, elle révèle des personnalités complexes et chaleureuses. Le résultat est une œuvre « poétique et politique, brut de brut et romanesque, concrète et symbolique, rude et sensuelle, qui embrasse la maison et le monde, l’injustice sociale et l’énergie de vivre. Ode à l’esprit de résistance, Mafrouza est un film juste indispensable. » Les inrockuptibles, Serge Kaganski

Ce film-monstre, ce film-monde se déploie en cinq parties intitulées ainsi : Oh la nuit ! / Cœur / Que faire ? / La main du papillon / Paraboles. La réalité se chargera de l’épilogue : Mafrouza a été rasé en 2007, et ses habitants relogés à 15 kilomètres de la ville, dans la radieuse Cité Moubarak.

Mafrouza, le film, est donc tout ce qu’il en reste. Un tombeau poétique, une prophétie politique, un film d’amour.

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Samedi 7 mai à 20h30
et Dimanche 8 mai à 18h30
Videodrome 2, 49 Cours Julien, 13006 Marseille
> Voir le plan

cinéconcert : 6€
tarif enfant : 4€

Ouverture de la billetterie 30 minutes avant le début de chaque séance

Nanouk l’esquimau
Robert Flaherty – 1922, Etats-Unis/France, 1 h 09

A partir de 1910, Robert Flaherty, que le désir d’exploration pousse toujours plus loin, arpente en tous sens le Nord canadien. C’est ainsi qu’il fait la connaissance du peuple esquimau, qu’il filme pour la première fois en 1914. Quelques années plus tard, avec Nanouk l’Esquimau, il réalise ce qui est encore considéré comme le premier documentaire de l’histoire du cinéma. Durant quinze mois, à Port Harrison, dans la baie d’Hudson, Flaherty côtoie Nanouk et les siens et saisit leur quotidien, de la vente des fourrures, à la chasse à l’otarie, la pêche en mer, en passant par la construction de l’igloo…
Robert Flaherty ne se contente pas de photographier les activités des hommes du froid ni d’immortaliser la fantaisie indomptable de son ami l’Esquimau. Il raconte comment Nanouk se débat avec la nature hostile pour glaner son bonheur quotidien : un steak de morse, un frottement de nez avec son épouse, une partie de glissades avec son fils… Les congères râpeuses, la mer tumultueuse, le vent coléreux deviennent des personnages à part entière, dont le cinéaste prend soin d’évoquer le vacarme dans ses intertitres poignants. Quatre-vingt-dix ans se sont écoulés depuis le tournage de ce chef-d’oeuvre, considéré comme le premier film documentaire au monde. Le visage de Nanouk, dans sa modernité, est toujours aussi proche de nous.

:: Bande annonce du ciné-concert

:: Le cinéconcert : performance musicale de Romain Joubert
Tout en s’inspirant de la technique vocale ancestrale des chants gutturaux Inuits et du réalisme brut des images de Robert Flaherty, Romain Joubert nous offre une friandise colorée, mêlant bruitages sonores à base d’objets, de voix, accompagnés d’instruments classiques tels que la contrebasse, le Kalimba, ou encore la flûte traversière.
Le compositeur nous propose dans son cinéconcert une envolée musicale originale, aux sonorités authentiques et sauvages, où l’instrument devient vent, le papier devient neige, et le froid une couleur…

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