VIRALATA

Personagem nos muros (Direto da Ilustríssima - Folha de S.Paulo)

2011-10-02T09:45:00.000-03:00

Parte das minhas memórias está hoje no caderno "Ilustríssima" da Folha de S.Paulo deste domingo. A foto que acompanha a edição impressa é um detalhe do grafite que tenho do célebre Alex Valauri, como não dá para ver na edição online publico abaixo a foto original do meu arquivo pessoal. Enjoy:

São Paulo, domingo, 02 de outubro de 2011

ARQUIVO ABERTO
MEMÓRIAS QUE VIRAM HISTÓRIAS
Personagem nos muros
São Paulo, anos 1980

CAETANO VILELA
Em meados dos anos 80, antes mesmo de completar 18 anos, eu trabalhava como garçom ou vendedor para pagar meus cursos de teatro. As mais lindas lembranças daqueles tempos guardo de gente que conheci nos empregos temporários; Paulo Penna foi um deles.
Paulo morreu jovem, aos 39 anos, em decorrência da Aids. Era artista plástico, cenógrafo e figurinista. Gostava mais de pintar e quase sempre São Paulo era a sua modelo, retratada com óleo sobre tela, aquarela, litografia e xilografia. Era sua forma de retribuir a generosidade com que a cidade o acolheu quando chegou do Rio Grande do Sul, nos anos 70.
Nós nos conhecemos quando fui trabalhar numa papelaria na esquina da rua Duque de Caxias com a avenida São João. Ele morava 13 andares acima e aparecia para xerocar livros e documentos. Um dia nossa conversa foi além do "bom dia". Passamos a falar de arte, pintura, teatro; ele me indicou livros e filmes. Quando soube que pedi demissão, me convidou a organizar seu acervo, representá-lo nas galerias, enfim, organizar a burocracia da sua vida. Aceitei.
Passei a acompanhá-lo nos trabalhos mais loucos dos anos 80: apresentações das Dzi Croquettes; exposições no badaladíssimo Espaço Off, de Celso Curi; shows no Lira Paulistana; reuniões na redação da "Interview"; performances nas boates Madame Satã e Homo Sapiens; produções de filmes soft-pornô-trash da Boca do Lixo e de peças soft-pornô-chic no Bexiga.
Por aquela época, Paulo leu na Folha uma entrevista em que Carlos Drummond de Andrade falava de sua relação com religião. Ficou tão tocado que enviou ao poeta um cartão e uma gravura. Veio a resposta: "[...] Deixei o aconchego da religião tradicional para me instalar no cantinho tranquilo do agnosticismo, que não exclui a espiritualidade difusa."
Desde então deixei a cafonice de me declarar ateu para me assumir poeticamente como 'agnóstico difuso'.
Também naqueles anos, Paulo me apresentou um dos primeiros (ou "o" primeiro) grafiteiros da cidade, o italiano-etíope-brasileiro Alex Vallauri, uma figura. O cara saía de madrugada por Pinheiros e pela Vila Madalena com latas de spray e moldes vazados de lagartixa, frango assado e colunas gregas, com o objetivo de "deixar a cidade mais bonita, honey", como dizia com aquele delicioso sotaque indecifrável. Criou uma personagem nos muros, espécie de pin-up que batizou de Rainha do Frango Assado, até hoje um ícone kitsch.
Numa festa, antes de eu conhecer Paulo, Alex deu a ele um embrulho ilustrado com abacaxis, onde grafitou uma coluna e, é claro, o frango. Nunca soube o que tinha na caixa, mas o papel fez tanto sucesso que Alex teve de assiná-lo para para Paulo pôr na parede.
Drummond e Alex morreram em 1987. O poeta, vítima do coração; já o fim do grafiteiro foi mais triste, num quarto escuro, no aniversário de 38 anos, cego e inconsciente. Foi um dos primeiros artistas brasileiros a morrer com Aids.
Paulo morreu quase um ano depois, debilitado, mas com menos sofrimento. Os últimos dias não quis passar no hospital. Foi para casa, onde o vi morrer -ele parou de respirar e ficou ali deitado, os olhos voltados para a janela, de onde se via o Pico do Jaraguá.
Um dia antes, ele me deu a carta do Drummond, o grafite de Alex e uma jaqueta que comprara na Europa para invernos rigorosos. Ainda guardo a carta, e o grafite emoldura minha sala de trabalho. A jaqueta eu mantive por anos, até, numa turnê com o grupo de Antunes Filho, emprestar a um amigo que ia arriscar a vida na Espanha. Esse amigo trabalhou como pedreiro, lavador de pratos e quase morreu entre mercenários na Legião Estrangeira. Um dia, a fome foi maior que o frio e ele vendeu a jaqueta. Hoje é um promissor cineasta -mas isso é outra história.

10º Encontro Internacional de Ópera/Saltillo - México

2011-08-06T01:33:00.000-03:00

Participei como convidado de 2 semanas intensas em Saltillo (norte do México) dando classes de interpretação para jovens cantores de ópera. O resultado final foi um espetáculo com cenas de vários trechos de óperas apresentada no Teatro da Cidade.
Mas o resultado REAL, saberemos num futuro breve já que o México é famoso por exportar cantores líricos mundo afora; o que tenho a dizer é que o trabalho foi árduo e a dedicação foi intensa!
Abaixo, reportagem no jornal local "Vanguardia":

VANGUARDIA

Publicado en la edición impresa por Edgardo Valero - 04/08/2011

10 Encuentro Internacional de Ópera: Presentan ‘examen musical’

Concluyen curso con la presentación de ‘Escenas de Ópera’ en el Teatro de la Ciudad, evento en el que estudiantes y maestros comparten escenario y muestran frutos de su preparación
Fotos: VANGUARDIA-Daniel Becerril

Saltillo.- Como cada año en Saltillo, jóvenes cantantes de ópera detuvieron el tiempo en el escenario del Teatro de la Ciudad
Fernando Soler.
Fueron 46 voces extraordinarias las que unieron su talento a las creaciones de grandes autores de la ópera que hicieron pasar a muchos un momento inolvidable la tarde del martes.
Y es que el 10 Encuentro Internacional de Ópera una vez más triunfó, pues los cerca de 500 asistentes en cada una de las dos presentaciones quedaron encantados con el poder de la música y la versatilidad de cada uno de los intérpretes que en esta ocasión formaron parte del encuentro.
Sin prisa y a tiempo, la primera parte de la presentación de las “Escenas de Ópera” inició a las 18:30 horas. Un siempre bien recibido Mozart fue el encargado de hacer viajar a los espectadores con “Der Schauspieldirektor”, una comedia que parodia las relaciones entre aquellos que hacen posible la magia del teatro. Lo encargados de darle vida a los tres personajes de esta primera escena fueron Scherezada Cruz, Fabiola Ontiveros y el único tenor participante de Saltillo en este encuentro, Carlos Aveldaño.
La música W. Amadeus Mozart de nueva cuenta fue la protagonistas de las siguientes dos escenas, continuaron de “Indomeneo” y “Cosi Fan Tute”.
La manos de la recocida maestra de música Marioara Trifan se encargaron de dar la notas en el piano que acompañó a las potentes voces de los personajes de “Electra”, “Idamante” e “Idomeneo”.
Pieza clave de la ópera es “Carmen”. No hay quien no haya escuchado por lo menos una vez en su vida alguna aria de esta famosa obra del compositor Georges Bizet. Y en esta ocasión, “La Cigarrera” fue interpretada por Ligia López, quien con cabello rizado y labios carmesí, interpretó con pasión a este personaje que alguna vez intepretara la soprano María Callas.
Jacques Offenbach y C. Gounod fueron los compositores cuyas obras maestras se materializaron en el escenario con adaptaciones bastante actualizadas gracias al ingenio y la experiencia de cada uno de los alumnos de este encuentro.
La pieza “Chanson à Boiré” de “La Chanson de Fortunio”, de Offenbach, fue interpretado por mujeres, que le dieron juego y gracia a esta aria hecha para voces masculinas, cuyos personajes piden comida, pero terminan borrachos.
Para terminar esta primera parte, que duró alrededor de dos horas, volvió de nueva cuenta Mozart con “Don Giovanni”, en específico “La Nozze di Figaro”.
En punto de la 20:30 horas el espectáculo siguió. Ahora Giuseppe Verdi coronaría esta segunda entrega de escenas. “Rigoletto” contó la voz de una de las promesas de la ópera mexicana, Anabel de la Mora, interpretando a “Gilda”, mientras que “Rigoletto” corrió a cargo de Iván Nadal.
Otra vez el público quedaría maravillado, como lo había hecho una noche antes en la Plaza de Armas, pero ahora la ópera tuvo un escenario que se convirtió en diversos espacios para que el desarrollo de cada de una de las escenas fuera posible.
Los prestigiosos maestros que conformaron este encuentro fueron los encargados de crear la magia. Además, de Trifan, André Dos Santos, Claude Corbeil, Christian Capocaccia, Alejandro Sánchez Miyaki, estuvieron durante estas dos tandas frente al piano.
Oswaldo Martín del Campo, Caetano Vilela e Iker Arce Herrera pusieron su empeño en la dirección escénica.
Siguió Verdi de nueva cuenta con “Falstaff” y con las arias de Fenton y Nanneta, para continuar con “Romeo y Julieta” de G. Guonoud, “Thais” de J. Massenet.
Con la ópera “Der Rosenkavalier” las voces de la maestra Ivonne Garza, Anabel de la Mora y Rebeca Samaniengo se unieron para dar una melancólica interpretación de un tema sobre el amor no correspondido. Un pieza que logró sonoros aplausos del público.
Para finalizar, Offenbach con “La Belle Helene” dio ese toque de festividad al recinto con el aria de “Oreste” y “La Marche des Rois”. Esta ópera está basada en el famoso poema “La Ilidada” del poeta griego Homero.
Así, terminó el concierto y también el romance musical que por casi un mes llenó las calles de la ciudad y los corazones de muchos saltillenses que gracias a la labor de Teresa Rodríguez y un grupo de entusiastas enamorados de la ópera, ofrecieron al público otra opción músical.
Ahora queda esperar al verano del 2012 que seguramente traerá más voces a Saltillo, más experimentados maestros, más ópera a espacios de la ciudad y más arias a un público ávido de soñar.

Direto do Blog de Reinaldo Azevedo: "Gargólios, de Gerald Thomas: a nostalgia do sentido"

2011-07-19T02:31:00.001-03:00

Blog

Reinaldo Azevedo

11/07/2011

às 6:21

Gargólios, de Gerald Thomas: a nostalgia do sentido

Angus Brown e Maria de Lima em "Gargólios", de Gerald Thomas

Há dois anos, o teatro, ou a possibilidade de inovação do teatro, teve uma má notícia. Gerald Thomas anunciou que estava caindo fora. Não queria mais saber do ofício. Não era Jean-Paul Sartre dizendo que a literatura não fazia sentido diante do horror. Era Thomas dizendo que o teatro não fazia sentido diante da banalidade do mundo. Em setembro do ano passado, no entanto, ele estreou Throats, em Londres, com a London Dry Opera Company. Estava de volta. Era a sua leitura do mundo pós-11 de Setembro, o evento traumático da civilização ocidental que ele viu acontecer literalmente da janela de seu apartamento, em Nova York. Na mais absoluta escuridão de sentido, a exemplo do resto do mundo, restou-lhe descer e se integrar às brigadas civis que tentavam socorrer as vítimas.

Throats foi bem-recebida pela crítica, mas nem tanto pelo próprio Thomas. Percebia que o motivo que o levou a anunciar a renúncia ao teatro persistia na sua própria peça. Que motivo? Eu o resumiria assim: o discurso SOBRE a realidade não dava conta da complexidade do mundo nem como política nem como arte; no primeiro caso, ele se mostrava reducionista; no segundo, ah, meus amigos, no segundo, o problema vem lá de longe, da mimese aristotélica, segundo a qual, no drama, o verossímil, o crível, tem prevalência sobre o factível.

Thomas decidiu eliminar de Throats qualquer sombra de discurso programático, organizador, eficiente para a pólis (volto a este ponto daqui a pouco); decidiu também pôr fim a qualquer conforto ao espectador; os atores que estão no palco não querem iludir ninguém; são alegorias. O autor e diretor reduziu também Throats a escombros, e surgiu em seu lugar a performance Gargólios, que ele trouxe ao Brasil, junto com o London Dry Opera Company. A maior parte do espetáculo, pois, se desenvolve em inglês, com algumas falas em português da atriz Maria de Lima, que é portuguesa. Há legendas.

Assisti no sábado à pré-estréia do espetáculo, que fica no SESC Vila Mariana até o dia 24 de julho. Num palco tomado pelos mesmos escombros do 11 de Setembro, estranhos super-heróis disputam espaço no divã de um Freud (Adam Napier) da civilização, que usa vistosos sapatos femininos, vermelhos. Do teto do palco, pende uma mulher seviciada, e seu sangue se esvai em gotas numa espécie de pote macabro e sagrado, onde se persigna um mordomo elegantemente vestido (o espetacular ator Angus Brown). Num painel translúcido, vê-se uma grande imagem, acho, de Os Dez Mandamentos, de Cecil B. DeMille. Thomas vai tratar do mundo desde o começo. Ou desde o fim.

É inútil tentar perseguir o fio de uma narrativa linear. Num dado momento, Maria de Lima ensaia um discurso sobre a crise de valores do nosso tempo, em tom um tanto grandiloqüente, que ficaria bem na boca de um desses petistas ou esquerdistas que dão plantão na esquina. Interrompe a fala e a submete ao ridículo, dizendo ser uma porcaria de texto. Nada de falas programáticas. Thomas — isto arrisco eu, ele não me disse — parece estar disposto a contestar também a contestação.

Os escombros das Torres Gêmeas que estão no palco são menos uma metáfora do que uma metonímia. Numa linguagem muitas vezes telegráfica, cheia de citações, a performance — assim o próprio Thomas define o trabalho — eles são uma parte de algo muito maior que parece aos pedaços. Ali está um retrato angustiado, sarcástico, muitas vezes cômico, de uma cultura ocidental que perdeu suas referências. Ousaria dizer que a linguagem a que Thomas recorre é transgressora, incômoda, agressiva às vezes, mas a força que a inspira tem uma matriz nostálgica, conservadora quem sabe: o tempo em que havia hierarquia de valores.

Não por acaso, um dos poemas — e acho que a Gargólios é isto: um sucessão de poemas — ironiza impiedosamente estes dias dos iPhones, Ipods, Facebook, redes sociais, a era, enfim, da horizontalização da cultura, em que se misturam sagrado e profano, importante e desimportante, raso e profundo. Aqueles super-heróis alquebrados, impiedosamente psicanalisados por um Freud de sapatos vermelhos, são sobreviventes de uma catástrofe do sentido. Sim, estamos diante de uma visão bastante pessimista do mundo. Um dos ótimos momento do espetáculo, vejam lá, é o jogo de palavras entre “entender/ não entender”. Estamos esmagados pela informação. Faltam-nos idéias formadoras.

O próprio Thomas participa do espetáculo, como um narrador. Mas um narrador muito particular: fala por meio de solos de um baixo, que pontuam a música composta para o espetáculo por John Paul Jones, do Led Zeppelin.

É inútil falar e seria inútil não falar da briga que já tivemos, Thomas e eu — se não o faço, alguém o fará. E dela surgiu uma amizade fraterna, que nos gratifica a ambos. Não escrevo sobre o espetáculo do meu amigo, mas sobre o trabalho de um autor e diretor sem receio de ousar sobre a própria ousadia. Aprendemos a aprender na divergência, e elas existem, e compartilhamos algumas preocupações que considero civilizadoras.

De certo modo, aquele rompimento com o “teatro”, no sentido de um discurso programático, está mantido. Thomas preferiu o desconforto. E o Brasil, vocês verão, também está no palco, especialmente quando se ironiza certo tatibitate do nosso verde-amarelismo cafona. Assistam Gargólios. Não busquem o conforto da narrativa, mas o desconforto do sentido.

*
Gargólios, de Gerald Thomas
Até o dia 24 de julho no SESC Vila Mariana
Rua Pelotas, 141 - Tel. 5080 3000
No dias 30 e 31 de julho, no SESC Santos

Por Reinaldo Azevedo

Direto da Folha: "Google e FB são os concorrentes dos Jornais" (entrevista c/ Juan Luis Cebrián)

2011-07-11T14:39:00.002-03:00

São Paulo, segunda-feira, 11 de julho de 2011

ENTREVISTA DA 2ª JUAN LUIS CEBRIÁN

Google e Facebook são os concorrentes dos jornais

EDITOR ESPANHOL QUE FUNDOU O "EL PAÍS" É PESSIMISTA SOBRE FUTURO DOS JORNAIS PORQUE INTERNET NÃO TEM 'INTERMEDIÁRIOS'

RAUL JUSTE LORES
EDITOR DE MERCADO
SYLVIA COLOMBO
DE SÃO PAULO

Os veículos tradicionais de imprensa devem passar a preocupar-se mais com a concorrência de sites como o Google e o Facebook do que com seus tradicionais rivais.
É assim que pensa o jornalista espanhol Juan Luis Cebrián, 66, fundador do "El País" e presidente do Grupo Prisa, que, além do jornal, é dono da Santillana, grupo editorial ao qual pertence a brasileira Moderna.
O espanhol esteve no Brasil na semana passada para participar de encontros sobre a atuação da Santillana no país, que já é o maior mercado da empresa no mundo. Negocia também a produção de conteúdo para a televisão, no Rio Grande do Sul.
Leia abaixo a entrevista que ele concedeu à Folha, em São Paulo.

Folha - Há uma discussão muito intensa nos grandes jornais do mundo sobre se é conveniente ou não cobrar pelo conteúdo das versões on-line dos mesmos. O "El País" está todo aberto na rede há alguns anos. Crê que essa é a postura mais correta?
Juan Luis Cebrián - A pergunta mais importante é "um jornal pode migrar para a rede?".
Até agora a resposta tem sido negativa. Não houve veículo que foi capaz de fazer essa migração.
O problema está no fato de que um jornal na internet não é um jornal, é uma outra coisa. Sou radical nesse sentido, inclusive quando falamos da credibilidade das marcas. Até agora nenhuma das marcas tradicionais da imprensa escrita foi capaz de migrar para as operações virtuais com sucesso.

Por quê?
A rede é algo que se constrói a partir da experiência dos usuários. O Twitter, por exemplo. Jack Dorsey nunca imaginou que ele se tornaria um sistema de transmissão de notícias ou para convocar grandes manifestações.
Dorsey inventou o Twitter porque gostava de fazer mapas e não sabia como colocar as pessoas nos mapas que fazia.
O Facebook não nasceu para ser uma rede social. Provavelmente Mark Zuckerberg não teorizou a ideia de uma rede social.
Enquanto o Google nasceu com a intenção de ser um buscador mais potente, nada mais. O que determinou a transformação desses sites foi o uso que as pessoas fizeram deles.
Não foi a decisão dos que desenharam os programas que determinou seu destino, mas sim a experiência dos usuários que construíram essa força na internet.

Como ficam os jornais diante dessa nova situação?
Os jornais nasceram no começo do século 19, com a Revolução Industrial e a democracia representativa. Formam parte do establishment e das instituições da democracia moderna.
Se alguém leva a Folha ou o "Estado de S. Paulo" debaixo do braço, está se identificando com algo. Um jornal é uma bandeira, de certa maneira. E na internet não há bandeiras.
Jornal é uma concepção do mundo. Da primeira página à última está oferecendo uma visão sobre o que acontece. Está explicando a realidade aos usuários. Na rede não há intermediários.
Na internet, é comum que o protagonista de uma notícia seja aquele que a conte.
O relato das revoluções do norte da África foi feito por aqueles que as fizeram. O mesmo sistema para convocá-las foi usado para conta-las, por meio do Twitter.

O sr. crê que o leitor interessado em noticiário econômico está mais disposto a pagar pela informação?
Quem triunfou com o sistema de pagamento por conteúdo até o momento, foi o "Financial Times", e, em certa medida, o "Wall Street Journal" também, mas ambos são produtos muito específicos.
Sim, é preciso cobrar, mas por aquilo a que as pessoas estejam dispostas a pagar. E as pessoas, hoje, querem pagar aquilo que lhes interessa.
Pergunto a meus editores, por que publicamos as páginas de mercado de valores no "El País'? Seis páginas! Quem está no mercado de valores consulta isso na internet.
Para que publicar a previsão do tempo? Se eu venho a São Paulo, abro a internet no dia anterior para saber como está o clima. Não me ocorre ler isso no El País, com 24 horas de atraso. Mas continuamos a fazer isso.

Atender completamente aos leitores não deforma um jornal?
Não se trata de atender aos pedidos de todos os leitores, mas as demandas de cada leitor. Há leitores a quem lhes interessa a crise financeira, mas este mesmo leitor também pode querer saber o que aconteceu com Amy Winehouse em seu último show.
O "El País" tinha uma seção de esportes muito pequena e mal cobria celebridades. Hoje começamos a dar mais espaço para ambos.
Os diários já não dão notícias. Todo mundo já sabe as notícias quando vai ler os jornais. Os jornais explicam, fazem análises, debatem.
O competidor da Folha não é o "Estado de S. Paulo", é o Google, o Facebook, estes são nossos competidores reais. E não queremos admitir porque não sabemos como competir com eles.

Como fazer que Google, Facebook e Apple dividam esses ganhos, usando noticiário alheio?
Essa é uma discussão, porque o Google pode dizer que não quer pagar, mas se o "New York Times" não quiser estar, eles o tiram dali. E ninguém quer ficar fora do Google, de jeito nenhum, preferem estar ali mesmo que eles não paguem.
Com a Apple já é diferente. O iPad é uma rede de distribuição mundial para jornais, livros, filmes que já está implantada. Se alguém quer colocar uma estação de televisão no ar, precisa levantar postes. No iPad está pronto.
Cobrar 30%, como faz a Apple, pelos ingressos na rede pode parecer muito alto, mas o custo de distribuição de um jornal tradicional é cerca de 40%, entre o que se gasta em bancas, caminhões e aviões para distribuição.

As notícias que nos chegam da Espanha e da Europa são muito pessimistas. É uma crise de liderança ou há uma crise também na sociedade?
Há tal confusão e cumplicidade entre poder financeiro e político que os políticos se sentem débeis.
Existe um problema de liderança política que tem a ver com as eleições e com o curto-prazismo dos agentes que decidem em política.
A China, sem eleições, faz como grandes empresas, com políticas de longo prazo.
A Europa manteve um modelo de vida, provavelmente o melhor modelo de vida existente nesse momento no mundo, e jornadas de trabalho curtas. Esse sistema simplesmente não se pode mais pagar, porque já perderam-se as colônias e a economia tradicional europeia.

Nos círculos ilustrados da Espanha, qual a imagem que o Brasil tem hoje?
Creio que uma imagem extraordinária, que a merece. O Brasil é hoje um um ímã que atrai todos os olhares. Acabou-se a piada sobre o país do futuro. Hoje se vê o Brasil como um dos motores importantes do século 21, mesmo com a desigualdade.

E a imagem de Dilma?
Dilma é pouco conhecida na Europa, mas tem uma imagem boa. Estive com Dilma há um mês e me impressionaram muito suas ideias sobre economia.
Creio que vai triunfar, apesar de que opera em um entorno político complicado, em que a institucionalidade dos partidos não está bem resolvida. Mas creio que continua o "milagre brasileiro".
Só é bom lembrar que a felicidade não dura para sempre e é bom que os brasileiros também se preparem para momentos tristes.

RAIO-X

NOME
Juan Luis Cebrián
IDADE
66
- Nasceu em1944,em Madri
- Co-fundouojornal El País em 1976
- Presidente do Grupo Prisa

"The Economist" destaca jornais em emergentes

DE SÃO PAULO

A revista britânica "The Economist", com vendas em alta nos últimos anos, analisou o futuro dos jornais em sua última edição.
Em uma reportagem especial de 14 páginas, a revista diz que a internet demoliu "o velho jeito de fazer as coisas, mas tornou outros possíveis". Diz que a rede estimula a inovação e que há muita "experimentação" a caminho.
Apesar de sublinhar a queda na publicidade nos jornais europeus e americanos, que sofrem encolhimento de sua circulação, a "Economist" apresenta o crescimento nos emergentes.
Segundo a revista, entre 2005 e 2009, a circulação de jornais cresceu 39,7% na Índia, 20,7% no Brasil e 10,4% na China.
Enquanto houve quedas de 11% e 8% na América do Norte e na Europa, respectivamente, a circulação subiu 5% na América do Sul, 13% na Ásia e 30% na África.
Mesmo a presença das redes sociais, como Facebook e Twitter, é avaliada positivamente. "Leitores compartilham reportagens com seus amigos e as histórias mais populares causam um congestionamento na rede", destaca a revista.
Outro aspecto abordado é o dos novos negócios desenvolvidos pelos jornais, que contam a seu favor com marcas de prestígio. Grupos jornalísticos têm criado livrarias on-line, organizado seminários e eventos, e produzem material didático e apostilas.
O britânico "Daily Telegraph" e o americano "The New York Times" criaram clubes de vinhos, enquanto o espanhol "Marca" vende produtos esportivos exclusivos a seus leitores.
A conclusão da reportagem aponta para um retorno ao jornalismo mais caótico e partidário do século 19, antes do surgimento dos meios de comunicação de massa. (RJL)

Direto da Folha: "Preconceito de homofóbico o faz chafurdar no ódio" (entrevista com Carlos Ayres Britto, Ministro do STF)

2011-07-04T11:10:00.003-03:00

São Paulo, segunda-feira, 04 de julho de 2011

ENTREVISTA DA 2ª CARLOS AYRES BRITTO

Preconceito de homofóbico o faz chafurdar no ódio

PELA 1ª VEZ, MINISTRO CONHECIDO POR CITAÇÕES POÉTICAS E VOTOS PROGRESSISTAS NO STF DEFENDE PUBLICAMENTE A CRIMINALIZAÇÃO DA HOMOFOBIA

FELIPE SELIGMAN
JOHANNA NUBLAT
DE BRASÍLIA

Conhecido por citações poéticas e votos progressistas, o ministro do STF (Supremo Tribunal Federal) Carlos Ayres Britto, 68, defende, pela primeira vez publicamente, a criminalização da homofobia, ao entender que quem a pratica "chafurda no lamaçal do ódio".
Protestos de congressistas da bancada evangélica acabaram paralisando a tramitação do projeto de lei anti-homofobia, que está estacionado há dois meses no Senado.
Para o ministro, não são necessárias novas leis para garantir aos casais gays os mesmos direitos dos heterossexuais já que a Constituição é "autoaplicável".
Em entrevista concedida à Folha na beira do lago Paranoá, em Brasília, Ayres Britto disse que vê o debate sobre as drogas como uma questão de "saúde pública".
Afirmou ainda que "se nós, os homens, engravidássemos, a autorização para a interrupção da gravidez de feto anencéfalo estaria normatizada desde sempre".

FOLHA - O STF tem sido acusado de usurpar a competência do Legislativo. O sr. concorda com essa afirmação?
CARLOS AYRES BRITTO - Não concordo. Veementemente respondo que o Supremo não tem usurpado função legislativa, principalmente do Congresso. O que o STF tem feito é interpretar a Constituição à luz da sua densa principiologia. O parágrafo 2º do artigo 5º autoriza o Judiciário a resolver controvérsias a partir de direitos e garantias implícitos.

E por que essa crítica ao STF?
As pessoas não percebem que os princípios também são normas e com potencialidade de, por si mesmos, resolver casos concretos quando os princípios constitucionais têm os seus elementos conceituais lançados pela própria Constituição. O Judiciário está autorizado a dispensar a mediação do Legislativo, porque, na matéria, a Constituição se faz autoaplicável.

No caso das uniões estáveis homoafetivas isso aconteceu?
Aconteceu, fizemos o saque de princípios constitucionais, tanto expressos quanto implícitos. Como fizemos quando proibimos o nepotismo no Judiciário e nos demais poderes. Porque o nepotismo é contrário a princípios constitucionais, até explícitos, como o princípio da moralidade. E cumprimos bem com o nosso dever: tiramos a Constituição do papel. Também no caso da homoafetividade, interpretamos os artigos da Constituição na matéria à luz de princípios como igualdade, liberdade, combate ao preconceito e pluralismo.

Qualquer nova lei virá confirmar o que foi decidido, mas nunca para criar regra diferente do que foi debatido?
Exatamente. A isonomia entre uniões estáveis heteroafetivas e homoafetivas é para todos os fins e efeitos. Em linha de princípio, é isso. Assim foi pedido pela Procuradoria-Geral da República quando propôs a ação. Não pode haver legislação infraconstitucional, parece evidente, que amesquinhe ou nulifique essa isonomia.

O que exatamente o STF decidiu sobre homoafetividade?
Pela possibilidade da união estável entre pessoas do mesmo sexo. Possibilidade jurídica, lógico. Em igualdade de condições com as uniões estáveis dos casais heterossexuais. União estável com a força de constituir uma entidade familiar.

Qual a diferença entre a decisão que negou a união estável em Goiânia e a que permitiu o casamento civil em Jacareí?
Como desfrutam de independência técnica, além da política, os magistrados são livres para equacionar juridicamente as controvérsias, desde que fundamentem tecnicamente suas decisões. Natural, portanto, que dois juízes projetem sobre a mesma causa um olhar interpretativo descoincidente, cabendo às partes insatisfeitas os devidos recursos ou, quem sabe, reclamações para o próprio Supremo.

Sem entrar no mérito de decisões específicas, qualquer decisão que diferencie a relação entre o homossexual e o heterossexual vai contra o STF?
Sim. A decisão foi claramente no sentido da igualdade de situações entre os parceiros do mesmo sexo e casais de sexos diferentes.

O Congresso precisa fazer alguma lei complementar?
Entendo que a Constituição é autoaplicável na matéria. Entretanto, há aspectos de minúcias que ficam à disposição da lei comum.

A questão deve voltar ao STF?
A Constituição atual, caracterizando-se como redentora dos direitos e garantias, e não como redutora, estimulou muito a judicialização das controvérsias, inclusive as de natureza política. Daí a expectativa de que a matéria tem potencialidade para retornar ao tribunal.

O sr. é a favor de criminalizar a homofobia?
Tenho [para mim] que sim. O homofóbico exacerba tanto o seu preconceito que o faz chafurdar no lamaçal do ódio. E o fato é que os crimes de ódio estão a meio palmo dos crimes de sangue.

Recentemente o STF decidiu sobre o direito de organização para a defesa da legalização da maconha. Será assim para todas as marchas?
A decisão se circunscreveu à chamada Marcha da Maconha, mas os respectivos fundamentos se prestam para a discussão a céu aberto de toda e qualquer política de criminalização das demais substâncias entorpecentes.

O sr. tem opinião sobre o tema?
Minha inclinação pessoal é para ver o tema como uma focada questão de saúde pública. Me inquieta o fato de que temos tantas leis de endurecimento da resposta punitiva do Estado e, no entanto, a produção, o tráfico e o uso de tais substâncias não param de crescer.

Outro tema polêmico é o do aborto em caso de feto anencéfalo. O sr. já expôs opinião favorável à prática, certo?
No voto que proferi na discussão sobre o cabimento da ADPF [ação que trata do tema] manifestei opinião de que se nós, homens, engravidássemos, a autorização para a interrupção da gravidez de feto anencéfalo estaria normatizada desde sempre.
...

Novo projeto deve tratar preconceito de forma geral

LARISSA GUIMARÃES
DE BRASÍLIA

Parado há dois meses no Senado, o projeto de lei anti-homofobia deverá ser totalmente reformulado.
A proposta inicial previa punições para quem agredisse física ou verbalmente homossexuais, além de situações como negar acesso ao trabalho e ao comércio.
A tendência agora é que o texto trate de condutas preconceituosas de forma geral, não apenas contra gays.
A polêmica começou no início do ano, quando a senadora Marta Suplicy (PT-SP) conseguiu desarquivar o projeto, que fora apresentado em 2006 na Câmara.
A proposta provocou protestos da bancada evangélica, que temia a proibição de críticas a práticas homossexuais em pregações.
Marta chegou a propor uma emenda para garantir a liberdade de críticas, mas os evangélicos não ficaram satisfeitos. Parte dos críticos afirma que é preciso começar um novo texto.
Para a comunidade LGBT (lésbicas, gays, bissexuais, travestis e transexuais), a proposta dos evangélicos não combate a homofobia.

Direto da Folha: "Vitória gay, vitória do país" por Fernando de Barros e Silva

2011-05-06T14:19:00.002-03:00

São Paulo, sexta-feira, 06 de maio de 2011

FERNANDO DE BARROS E SILVA

Vitória gay, vitória do país

SÃO PAULO - Não foi apenas uma vitória dos homossexuais. Foi uma afirmação do Estado laico, do espírito democrático e do pensamento progressista. Não é pouco no Brasil.
Basta lembrar, por exemplo, que na campanha presidencial o aborto foi objeto de uma gincana obscurantista entre os candidatos "esclarecidos". Ou não esquecer que gays (de fato ou presumidos) são espancados por gangues nas ruas, como aconteceu outro dia na Paulista.
Ao reconhecer como legal a união estável entre pessoas do mesmo sexo, o STF estendeu a esses casais os direitos dos heterossexuais -partilha de bens e herança, pensão, declaração conjunta de IR etc.
Mas, além disso, ao facultar aos gays o direito de constituir família, o STF vai contra a discriminação e a favor de uma sociedade mais tolerante e inclusiva, capaz de lidar de maneira civilizada com suas diferenças e a multiplicidade da vida.
Eram dois os argumentos legais dos adversários da causa gay: 1) a Constituição diz que "é reconhecida a união estável entre o homem e a mulher como entidade familiar"; 2) para ampliar esse conceito aos gays, seria preciso mudar a Carta, tarefa que caberia ao Congresso.
Gilmar Mendes respondeu a essas objeções no seu voto: "O fato de a Constituição proteger a união estável entre homem e mulher não significa negar a proteção à união do mesmo sexo. É dever desta Corte dar essa proteção se de alguma forma ela não foi concedida pelo órgão competente (o Congresso)".
Mas feliz, de verdade, foi a fórmula do relator do caso, ministro Ayres Britto: "Aqui é o reino da igualdade absoluta, pois não se pode alegar que os heteroafetivos perdem se os homoafetivos ganham".
Mesmo sem perder nada, foram derrotados aqueles que se sentem ameaçados pela sexualidade alheia (ou antes a sua própria). Perderam a igreja, os conservadores em geral e os homofóbicos em particular. Nem sempre o Brasil nos decepciona. Avançamos. Com a omissão do Congresso, pelas mãos do STF.

Direto da Folha de SP/Cotidiano: "Chega de sexo!" por Barbara Gancia

2011-04-09T02:39:00.001-03:00

São Paulo, sexta-feira, 08 de abril de 2011

BARBARA GANCIA

Chega de sexo!

Nesta semana, Marcelo Tas nos apresentou sua filha Luísa. Obrigada, meu amigo, valeu! Dá-lhe, Santos!

NÃO É PRECISO ser nenhum Contardo Calligaris, nenhuma Rosely Sayão, diria que não é preciso nem mesmo saber se Sigmund Freud vivia entre os aborígenes australianos ou em Viena e Londres do século 19 para ter certeza de que o atirador que encerrou prematuramente a vida de 12 brasileirinhos tinha um problema de ordem sexual.
Fico pensando no quanto alguém tem de estar perturbado para se imaginar nu e sem sopro, jogado sobre a pedra fria do IML depois de cometer um crime bárbaro seguido de suicídio, cuja única preocupação ao se ver nessa posição seja a de que irá ter o corpo manipulado por mãos ímpias, ou melhor dizendo, por quem já perdeu a virgindade.
Tudo bem, os especialistas falam em esquizofrenia, em surto e coisa e tal. Mas eu fico pensando. O pedido que ele deixou na carta-testamento encontrada pela polícia foi esse, não? Que quando seu corpo estivesse sendo preparado para ser sepultado, não deveria ser tocado por nenhum "impuro", "fornicador" ou "adúltero". Será que ele imaginava estar livrando as crianças que matou do pecado?
Foi sugerido que o atirador pudesse ser portador do vírus da Aids. Ué? Ele tinha histórico de compartilhamento de seringas por uso de drogas? Ou se imaginava como tal em mais uma de tantas facetas de uma identidade fragmentada? Agora é fácil perguntar, mas como é que ninguém ao seu redor percebeu tamanho sofrimento?
E faz sentido que, quando parece estar manifestando sua espiritualidade, ele só consiga papagaiar uma caricatura de talibã que nada tem a ver com o islâmismo. O sujeito definitivamente tentava de tudo para dominar seus instintos mais rudimentares.
Em uma sociedade evoluída, a questão da preferência sexual -são quantas, 15 ou, sei lá, 56 opções no cardápio? Sendo que ao menos 55 parecem mais ou menos iguais- não deveria ser valorizada, discutida ou sequer admitida a sua existência. Sexualidade é uma só, posto que todos temos um cérebro, um coração, uma libido e uma língua. Por isso chamamos de "sexo" e não de "atletismo" ou quiçá de "boliche", justamente porque versa sobre o íntimo e metade ou mais da graça reside em seu mistério.
Alô, seu Bolsonarossauro! Até quando o Vaticano vai usar a sexualidade da gente como instrumento político é o que a gente deveria estar se perguntando, não se a Preta Gil faz suruba.
Nesta semana, a polícia encontrou o corpo de uma garota de 16 anos, em Itarumã, Goiás. Suspeita-se que tenha sido morta a facadas, depois de ter sido emboscada por parentes de sua namorada que não aceitavam o relacionamento.
Em outro caso, no sábado passado, Michael, jogador do Vôlei Futuro, se viu forçado a assumir sua homossexualidade publicamente ao ser humilhado em estádio de Contagem, MG. "Foi a primeira vez que vi um estádio inteiro gritando "bicha" em alto e bom som", diz. "Tinha até criança, senhora, muita gente gritando". Pois eu digo que ninguém mais merece sofrer por causa da sexualidade. Ninguém.
Para combater a boçalidade, Marcelo Tas nos apresentou sua filha Luísa no "CQC" desta semana, uma luminosa estudante de direito, bolsista da American University em Washington e estagiária da OEA: youtube.com/watch?v=WLhxyOMriXU.
Fui às lágrimas quando vi e agradeço profundamente pelo gesto.

@barbaragancia

barbara@uol.com.br

www.barbaragancia.com.br

A primeira 'Bohème' a gente nunca esquece

2011-03-18T00:17:00.010-03:00

Para quem não pode comparecer em Ribeirão Preto para a estréia da minha encenação de "La Bohème" publico aqui o texto do programa, assinado por Rubens Ricciardi, e algumas imagens do nosso último ensaio geral fotografadas por Andres Costa.
Enjoy!

Caetano Vilela transporta a cena para os anos 40 do século XX - tempos da 2ª Grande Guerra que por si só já contempla todo um ambiente de crise, quase mesmo de indulgência. Ele assume também deliberadamente as diferenças em relação o gestual do século XIX. A direção cênica confere, portanto, uma maior liberdade de movimento aos cantores/atores, mais próxima também ao nosso Zeitgeist contemporâneo. Assim, nada deve parecer falso.

Mas apesar da transposição de época, permanece resguardada a essência do romantismo, bem como a “ingenuidade dos personagens, jovens artistas boêmios, com uma interpretação mais centrada nas pequenas e verdadeiras motivações dos personagens”. Ainda de acordo com as concepções de Caetano Vilela, “o espaço cênico é tomado por uma grande e modular passarela em x por onde desfilarão os personagens, livres de qualquer parede ou construção que possa evocar uma arquitetura de uma época. Embora o espaço cênico seja atemporal e com uma estrutura mínima, ele carrega todo o simbolismo da fria solidão dos protagonistas. A única identificação de uma época será revelada pelos figurinos, focado no período de guerra dos anos 40 do século XX. Ato a ato essa passarela se transforma, revelando ao público ângulos diferentes da cena, transformando com luz e pequenos adereços espaços abertos em quarto, taberna, praça, bar e rua”.

Em especial, Caetano Vilela repensa ainda as condições existenciais e as relações pessoais conflituosas entre os dois pares protagonistas: Rodolfo e Mimì, Marcello e Musetta. Há também um reflexo invertido entre eles. Mimì é uma pessoa comum. E está claro que ela tem dificuldade em se adaptar à atmosfera intelectual de Rodolfo. Entre mundo, vida e literatura só pode haver encontros com muitos desencontros entre eles. O contraste evidente está também entre Mimì e Musetta. Se Mimì é toda insegura, já Musetta se torna uma personagem forte e segura de si. Musetta de modo algum é entendida aqui como prostituta (como ocorre na maior parte das vezes em que a ópera é encenada). Ela é antes uma mulher que quer ser conquistada, mas que já conquistou seu espaço próprio (sensual sim, mas também self-made). Portanto, a insegurança passa para o lado de Marcello, que tem dificuldades em lidar com uma mulher tão independente e que pensa e age por si mesma.

No final do primeiro ato, tradicionalmente, é o velho Alcindoro quem paga a conta. Nesta versão de Caetano Vilela, já de modo bem diverso, é Musetta quem dá o dinheiro ao jovem Alcindoro antes que este pague a conta. Aqui Alcindoro é um mero objeto de passatempo de Musetta (é ela quem arca com os custos da relação e não o contrário).

Por fim, segundo ainda Caetano Vilela, “o terceiro ato resume todo o simbolismo que carrega esta encenação com pouquíssimos, mas poderosos elementos: 80 cadeiras espalhadas pelo parque (como realmente ocorre ainda hoje nas praças e parques públicos franceses, inclusive nos rigorosos invernos), criando caminhos e obstáculos para a ação e uma árvore de pinheiro natural (pintado de vermelho) de aproximadamente 6 metros, flutuando no espaço e sombreando a tragédia que esta por vir”.

Mas voltando ao compositor Puccini, naqueles mesmos anos em que ele escrevia sua La Bohème, Claude Debussy estava compondo seu Clair de lune. Interessante como um mesmo Zeitgeist perpassa ambas as obras – ainda mais se observarmos os recursos harmônicos e um mesmo processo de esgotamento do sistema tonal.

No caso de La Bohème, o ambiente parisiense do Quartier Latin é só um pretexto, pois a miséria do poeta, do pintor, do músico e do filósofo - para não falar da moça (no mínimo “namoradeira”, sempre envolta em escândalos) - é sempre a mesma em toda parte. O que diremos da pobre costureira de trágica circunstância?

Mas o que será que por trás de toda uma estrutura musical em La Bohème – e não podemos esquecer o grande melodista que foi Puccini! – ainda mais nos comove? Talvez seja o caráter efêmero das relações humanas e mesmo a fragilidade da própria vida? Ou quem sabe ainda nossa procura sempre sem resultado por um sentido existencial? Ou nossas frustrações e irritações diante da própria impotência? Eis que o chão de nossa vida se torna um abismo quando até mesmo o amor não é forte o suficiente diante do destino implacável.

Prof. Dr. Rubens Russomano Ricciardi

Titular do Departamento de Música da FFCLRP-USP

...
I Ato: Rosana Lamosa (Mimi) e Fernando Portari (Rodolfo)

II Ato - Todos no Quartier Latin no café Momus

III Ato - Soldados e Garis num parque; cai a neve em frente a taberna onde Musetta e Marcello trabalham.

III Ato - Rosana Lamosa (Mimi), Fernando Portari (Rodolfo) e Leonardo Neiva (Marcello)

III Ato - Rosana Lamosa (Mimi), Fernando Portari (Rodolfo), Leonardo Neiva (Marcello) e Yuka de Almeida Prado (Musetta)

IV Ato - De volta ao studio dos artistas, Fernando Portari (Rodolfo) e Leonardo Neiva (Marcello)

IV Ato - Morte da Mimi. FIM

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Direção Musical e Artística: Cláudio Cruz
Encenação e Iluminação: Caetano Vilela
Cenário: Chris Aizner
Figurino: Olintho Malaquias
Visagista: Eliseu Cabral
Realização: Matiz Eventos (Maria Helena Kowarick Spiritus, Mariangela Quartim e Isabel de Farias)
...

O site da Ópera você acessa aqui: http://www.operalaboheme.com.br/
E no meu Flicker tem mais fotos: http://www.flickr.com/photos/caetanovilela/

Sobre ser premiado, a amizade e a responsabilidade em ter discípulos

2011-03-16T01:35:00.010-03:00

"Dueto para Um" (foto by Lenise Pinheiro) no Tuca Arena/SP, pensei na luz como arquitetura, trabalhando com uma dramaturgia paralela que pudesse preencher o espaço seco desenhado por Cassio Brasil

Mais uma vez sou indicado a um prêmio e não posso comparecer à cerimônia de entrega, primeiro foi o Prêmio Carlos Gomes em 2009 e agora o Prêmio Shell de Teatro/SP de melhor iluminação com "Dueto para um".
Novamente passo pelo 'momento meryl streep' em ter de escrever um agradecimento para ser lido pela minha representante - e diretora - Mika Lins. O que reproduzo abaixo é uma tentativa de resumir meus sentimentos, espero que tenha conseguido:

"Dueto para um" não foi apenas mais uma peça que assinei a luz, foi uma peça em que pude retribuir 25 anos de amizade, confiança e talento à Bel Kowarick em sua primeira produção independente. Foi um convite irrecusável que aceitei sem hesitar e contei com toda a liberdade e generosidade de Mika Lins, despida de qualquer vaidade nesta sua primeira direção.
À toda equipe deste espetáculo parabéns e muito obrigado aos jurados do Prêmio Shell por terem escolhido justamente este trabalho que realizei com tanto amor e carinho.
Fiquei muito feliz em concorrer com meus talentosíssimos colegas de profissão em espetáculos elogiadíssimos! Mas o que me deixou realmente emocionado nesta lista de indicados é ter entre estes nomes uma pessoa que me procurou aos 16 anos para aprender a arte da Iluminação e que 10 anos depois ainda me acompanha em diversos trabalhos - inclusive neste momento numa ópera que dirijo e ilumino e que estréia amanhã em Ribeirão Preto. Estar numa relação de igualdade com um discípulo é tudo o que todos os mestres sonham e tenho certeza que esta luz não vai se apagar!
Todo o meu amor e respeito a Wagner Antônio que tem uma carreira brilhante pela frente. Muito obrigado.
Caetano Vilela

Eu, em si, e Wagner Antônio (foto by Andres Costa) na ópera "Viúva Alegre", produção de 2010 do Teatro S.Pedro/SP que assinei a luz e onde ele estreou como meu Iluminador Assistente, deixando para trás 10 anos de estágio comigo.

Direto do Estadão: "Literatura e Teatro, casamento feliz" por Caetano Vilela

2011-03-08T11:16:00.004-03:00

Casamento feliz

Grandes obras literárias estimulam reinvenção de linguagem nos palcos

08 de março de 2011 | 0h 00

Caetano Vilela - O Estado de S.Paulo

Não é de hoje que obras-primas da literatura servem de farol para diretores cênicos, atores e dramaturgos sedentos por um tema universal que possa tocar o público e - com sorte e talento - também apontar novos caminhos estéticos e conceituais para o teatro. Não é raro uma boa adaptação para o palco devolver o interesse ao livro, fazendo com que o público (re)descubra a obra na sua essência; e, por vezes, também é o leitor que sente curiosidade de ver seu livro/autor preferido nos palcos, fechando assim um círculo de conquista e sedução que amplia leitores e espectadores.

Cena de O Idiota. Trabalho coletivo relê romance

A adaptação expressionista de Gerald Thomas para A Metamorfose e O Processo, as duas peças mais importantes da sua Trilogia Kakfa, não só esgotou os exemplares do livro numa livraria próxima ao teatro em que estava em cartaz em São Paulo, como mudou a referência do teatro moderno brasileiro nos fins dos anos 80. Anterior a Thomas, é histórico e bastante citado o casamento moderno da literatura com o teatro em Macunaíma, do mestre Antunes Filho (ainda em ótima forma e em cartaz, resgatando Lima Barreto para o teatro com o "retrato nacional" Policarpo Quaresma). Ele plantou a semente dos rumos que o teatro nacional iria seguir e também divulgou o nome de Mario de Andrade pelos quatro cantos do planeta.

Foi com a adaptação inventiva do romance de Jorge Amado, Velhos Marinheiros, que Ulysses Cruz (dissidente do Centro de Pesquisa Teatral de Antunes Filho) fincou seu nome no teatro nacional, fundando o grupo Boi Voador, que fez história nos anos 80 influenciando dezenas de artistas e grupos que vieram logo em seguida - perda irreparável foi o fim do grupo com a ida de Cruz para o núcleo de diretores Globo; quem se deu mal foi o teatro. Suas adaptações literárias não pararam por aí, renderam ainda complexas encenações das obras de Guimarães Rosa (as sete novelas que compõem Corpo de Baile numa lisérgica encenação que deve muito ao teórico e diretor russo Meyerhold), Mario Vargas Llosa (Pantaleão e as Visitadoras, com atores enfrentando a Terra, o Ar - içados por um helicóptero cenográfico - e o Mar - o palco era literalmente inundado e invadido por patos e gansos) e Gabriel García Márquez (Erêndira, como convidado do grupo Delta de Londrina).

O gênio pau-brasil Zé Celso Martinez Corrêa buscou no rebuscado Euclides da Cunha toda a alegoria e antropologia teatral para o seu rebuscado teatro dionisíaco presenteando-nos com Os Sertões, peça em constante processo de criação, nunca trabalhada para se chegar a uma síntese, mas sempre numa versão reloaded, o que parece ser coerente com a proposta de "síntese do caráter povo brasileiro".

Cacá Carvalho, lançado como protagonista da primeira versão de Macunaíma de Antunes Filho, alcançou o status de "sir" com a sua definitiva atuação para Meu Tio Iauaretê, de Guimarães Rosa.

Mas o que leva esses artistas a construírem uma dramaturgia a partir de um texto literário? Para quem não é artista, a resposta imediata e mais óbvia é que com a literatura buscam-se temas não abordados por uma peça teatral. Mas essa resposta é um pouco mais complexa para quem lida com o fazer teatral. Talvez o enigma se esconda no processo de criação desse artista.

É esse termo caríssimo que dá embasamento teórico, subtexto e liberdade para que se crie algo absolutamente sem nenhuma referência de rubrica ou indicações de "aqui a luz se apaga", comum em textos teatrais mais conservadores. Claro que Shakespeare é genial e praticamente não existem rubricas em suas peças; claro, também, que a insuperável encenação de O Balcão, de Jean Genet, trazia imagens suficientes para o delírio destruidor do encenador franco-argentino Victor García, que literalmente destruiu um teatro. Mas saindo da obviedade dos Hamlets, Caixeiros-Viajantes e Alaides, a verdade é que entre os grandes personagens da literatura e os grandes personagens da dramaturgia ganham os primeiros, para alegria do "processo de criação" de atores e encenadores!

Totem cultural

Não é coincidência o relançamento de edições da literatura russa no Brasil (traduzidos diretamente do original e não mais de edições francesas) e recentes peças baseadas na obra de Fiodor Dostoievski, verdadeiro totem cultural. Artistas de insuspeitado talento têm procurado na obra do bardo russo motivações para questionamentos da ordem moral, espiritual e, por que não dizer, mundana da vida. Nos últimos dois anos, os teatros de São Paulo puderam conferir elogiadas encenações adaptadas de Memórias do Subsolo (monólogo com Mika Lins, numa interpretação que ia se desfigurando como em um quadro de Francis Bacon), O Grande Inquisidor (parte da narrativa do petardo Os Irmãos Karamazov) e Sonho de Um Homem Ridículo (ambas interpretadas pelo sempre denso Celso Frateschi).

Difícil mesmo será superar a ambiciosa encenação de O Idiota, realizada na sua íntegra no final do ano passado, e que volta no dia 17 ao SESC Pompeia, pela Mundana Companhia, um coletivo de artistas egressos de importantes grupos teatrais paulistanos como a Cia. Livre, o Teatro da Vertigem e o Teatro Oficina.

Como uma ópera wagneriana, a brilhante encenação de Cibele Forjaz traduz o leitmotiv novelesco de Dostoievski numa verdadeira obra de arte total, e para não perder o sotaque nacional: antropofagicamente carnavalizada. Para o sucesso desta empreitada foi muito importante a Companhia ter aceitado o conselho de Boris Schnaiderman, decano da divulgação da cultura russa no Brasil: "Ele nos aconselhou a não sermos turistas nem tampouco fiéis ao romance", relata Luah Guimarães (que também assina a dramaturgia, com a diretora e Vadim Nikitin), num esclarecedor texto no programa da peça em que descreve parte do diário de montagem e o árduo processo de criação.

Como em um "sonho de um homem ridículo" foi Aury Porto (idealizador, autor do roteiro adaptado e Príncipe Michkin, "o idiota") quem enxergou teatro naquelas mais de 600 páginas de resignação e dor. Seu príncipe não é "muito louro" como na descrição das primeiras páginas, tampouco calça "uns sapatos de sola grossa com polainas, tudo de feitio russo"; mesmo com cabelos pretos, descalços e um brasileiríssimo sotaque cearense, não há duvidas de que se está diante do ideal imaginado pelo autor, segundo citação de cartas: "Um homem positivamente belo, uma mistura de Cristo com D. Quixote".

O que se vê em cena é de tirar o fôlego: são nove atores num tour de force de 6h30 de construção/desconstrução e inventividade sob o poder dos quatro elementos da natureza, um hercúleo trabalho de produção e técnica teatral. É o olho do espectador (somente 80 pessoas por espetáculo) que vai editando a peça, dependendo do lugar em que ele se senta a cada deslocamento. A proximidade ou distância da ação oferece uma composição de cena diferente a cada um. Dependendo da disposição (física e espiritual), talvez a única coisa que todos levarão para casa será a certeza de que "o segredo da existência não consiste somente em viver, mas em saber para que se vive". Se for assim, a literatura e o teatro já cumpriram a sua função.

CAETANO VILELA, ENCENADOR E ILUMINADOR, ATUALMENTE DIRIGE A CIA. DE ÓPERA SECA NO BRASIL

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Banquete do terror" (Gerald Thomas volta ao palco em Londres)

2011-02-21T09:49:00.001-03:00

São Paulo, segunda-feira, 21 de fevereiro de 2011

Banquete do terror

Gerald Thomas volta ao palco em Londres, com peça sobre o mundo pós-11 de Setembro

Fotos Bruno Figueiredo/Folhapress

O diretor Gerald Thomas dá orientações ao ator inglês Angus Brown em ensaio do espetáculo no Pleasance Theatre

SYLVIA COLOMBO
ENVIADA ESPECIAL A LONDRES

Um ano e meio depois de dar adeus ao teatro, com uma catastrófica carta de despedida em que dizia que essa arte já não faz mais sentido nos dias de hoje, Gerald Thomas, 56, está de volta.
"Throats" (gargantas) estreou na última sexta-feira no Pleasance Theatre, em Londres. Trata-se de uma peça sobre o mundo pós-11 de Setembro. Há um atentado terrorista, que se confunde com um acidente de trânsito.
Depois dele os mortos se encontram numa espécie de banquete, onde o vinho servido é o sangue de outros atentados e de outras datas de conflitos históricos.
É a primeira obra da companhia de teatro que o dramaturgo montou na capital inglesa aos moldes, e com o mesmo nome, daquela que o tornou célebre no Brasil nos anos 80, a Ópera Seca.
Agora batizada de London Dry Opera (www.londondryopera.com), é composta de sete atores, escolhidos por meio de audições que contaram com a participação de mais de 600 candidatos.
Thomas justifica o retorno dizendo que não aguentou ficar muito tempo longe dos palcos e por não saber fazer outra coisa. "Se existisse um "rehab" para alguém se curar do vício do teatro, eu me internaria nele." Porém, afirma que tudo o que disse em seu manifesto segue valendo.
"O teatro como o conhecíamos não existe mais. Cada vez menos as pessoas se interessam por ele", diz. E culpa as novas mídias. "Há uma diluição no consumo das artes e das informações, uma personalização da percepção. Todos estão dentro de seus iPods ou iPads, cada um com aquilo que lhe interessa, não há espaço para uma arte mais aberta num mundo como este."
Também critica a "idiotização geral" do planeta. "Aqui e em Nova York, o que mais vejo é a popularização desses programas tipo "American Idol" ou "Britains Got Talent". É o show do Chacrinha globalizado; está acontecendo uma "brasileirização" do mundo."
É por sentir-se assim, meio perdido em seu próprio universo, que Thomas se incluiu em "Throats" na forma de um personagem que cruza a trajetória dos outros.
Há um garoto cego, com um nome de origem muçulmana, Yussef, que busca um endereço em Nova York. Pergunta por ele a várias pessoas. Leva nas mãos um bilhete (referência a Samuel Beckett) e uma rosa morta (referência a Jean Genet). "O menino sou eu, e o endereço é o do La MaMa, teatro onde me formei e onde está a fonte de tudo o que fiz."
A Folha acompanhou um ensaio e a estreia da montagem. Apesar de seu discurso pessimista, o diretor age como sempre.
Orienta os atores com vigor, dá broncas e faz piadas, irrita-se com a baixa qualidade da produção, improvisada às pressas. Orienta pessoalmente a entrada da luz, da trilha sonora e da fumaça, marcas pessoais de sua obra.
O cenário é montado entre ruínas das Torres Gêmeas, reforçando a mensagem política. "Meu teatro sempre foi político de certa forma. As pessoas no Brasil parece que nunca entenderam. Acham que faço teatro surreal e hermético, mas não é verdade."
Apesar disso, Thomas diz que o teatro tem pouca chance de mudar a realidade. "É arte de elite, portanto ineficaz nesse sentido. Se Augusto Boal ou Zé Celso achavam que podiam promover revoluções, estavam errados. Nem Bertolt Brecht mudou a Alemanha de Hitler."
Thomas se mostra desinteressado pela política brasileira atual. Crê que Lula "institucionalizou a burrice no poder" e não se conforma com os escândalos de corrupção que envolveram o PT.
Diz, porém, que não tem uma opinião formada nem de Dilma nem de Serra. "Estou afastado, nem me lembro bem as siglas dos partidos, prefiro assim."

Primeira noite lota teatro para 280 pessoas

DA ENVIADA A LONDRES

"Throats" estreou na última sexta-feira, uma noite gelada do inverno londrino, num teatro alternativo da cidade, o Pleasance, em Islington. O espaço, para 280 pessoas, estava praticamente lotado.
Na plateia, uma presença ilustre, John Paul Jones, do Led Zeppelin, responsável pela trilha sonora e com quem Thomas está montando uma ópera.
A peça tem todos os elementos que caracterizam o teatro do diretor, ingredientes operísticos, repetições, música alta, fumaça, texto cheio de citações, referências a Samuel Beckett (com quem Thomas trabalhou na juventude).
O palco giratório oferece dois espaços. No primeiro, acontece o banquete dos mortos após o atentado. No segundo, a crucificação e o local do acidente.
O elenco, variado, conta com dois destaques, Angus Brown, que interpreta o "garçom" do purgatório, e Adam Napier, que lembra muito o humorista Stephen Fry. A atriz portuguesa Maria de Lima canta trechos de uma canção de Cesaria Evora assim que chega à mesa do banquete.
Thomas conta que o título original era "Heaven Sexual Victims", mas que depois achou que isso "espantaria o público".
O texto foi escrito depois de escolhido o elenco, e terminado apenas dias antes da estreia. O diretor ainda estuda cortes de cenas e eventuais mudanças com relação ao que foi mostrado na sexta-feira.
Há planos de levar o espetáculo a São Paulo mais adiante, e o local escolhido seria o Sesc, mas tudo depende do desempenho dessa temporada londrina, que vai até 27 de março, com apresentações de terça a domingo.

Depoimento de Gerald Thomas sobre a perda da 'mama' Ellen Stewart

2011-01-20T12:36:00.004-02:00

São Paulo, quinta-feira, 20 de janeiro de 2011
DEPOIMENTO

Diretora, que morreu no último dia 13, foi uma "mama" de coração enorme

Ellen Stewart nos espalhou pelos teatros do mundo todo (photo: Ruby Washington/NYTimes)

GERALD THOMAS
ESPECIAL PARA A FOLHA

Ano que vem faria 30 anos de amor, filiação, admiração e algumas brigas na minha relação com a minha Mama, Ellen Stewart.
Foi em 1982 que ela me mandou dar um workshop para atores, num andar que o La MaMa [grupo teatral] tem de espaço de ensaio na Great Jones Street [em Nova York], a um quarteirão dos teatros em si.
"Texto demais", ela berrava nos ensaios finais. "Mas é Beckett, Ellen, é um texto de Beckett." "Não importa: é texto demais." "Você quer que eu corte Beckett?" Sem resposta, ela sumia.
Ellen não gostava de teatro de texto, não importa qual autor.
Entre brigas, carinhos, bajulos e críticas, esses 30 anos foram pontuados por algumas repetições engraçadas: "Welcome home baby and sit your ass right here" (Bem-vindo bebê e sente sua bunda aqui).
Num quarto mínimo, com a televisão sempre na maior altura, ela nos recebia e me pedia: "Honey, vá na geladeira e me traga uma 7 UP bem gelada".
Qual era a sua doença? O coração que não parava de crescer. Não, o que descrevo não é uma metáfora, e sim a mais pura realidade.
Ellen Stewart, a "mama" com o coração enorme, acabou morta por um coração grande demais.
Eu chegava de alguma ópera ou peça que havia montado na Europa e ela só queria mesmo saber se havia saído o nome do La MaMa no cartaz. E havia. Eu fazia questão de frisar que eu era fruto dela. Ela me inventou. E a partir da autoestima que ela me imprimiu, eu fui á luta.
O meu primeiro espetáculo que viajou saiu do La MaMa (era a Beckett Trilogy com o Julian Beck) e nos levou para o Theater am Turm, em Frankfurt (Alemanha), pelo crítico Peter Iden, da Frankfurter Rundschau.
Ela, sentada na plateia durante, distribuía notas de dinheiro, mas não entendia uma palavra do que o administrador dizia. Eu falo alemão, Julian falava alemão e Judith Malina e George Bartnenieff haviam nascido na Alemanha. "Shut up everyone. I know what I'm doing" (Calem-se todos. Eu sei o que estou fazendo).
Contou tudo errado, mas, num silêncio de admiração, gratidão e medo, não dissemos nada. A ovação que esse espetáculo recebeu em Frankfurt foi a última que Julian ouviria. Ele faleceu um mês depois.
Algumas de minhas peças que foram pra NY não foram pro La MaMa e isso foi motivo de briga entre mãe e filho que não há como descrever. Vão do inferno pra baixo.
"Flash and Crash Days", com as Fernandas, foi para o Lincoln Center: "Assim, eu não vou: nem tentem me levar porque você me traiu".
Não, eu não havia traído ninguém. "Flash and Crash" havia sido convidado pelo festival Serious Fun (1992), e eu pedi um amigo que a pegasse de carro na rua 4 e a levasse ao complexo artístico onde também fica o Metropolitan Opera House, na 66.
"Horrível aquela cena de masturbação entre mãe e filha. Como você pode pensar numa coisa suja como essa?" Nudez nunca foi um problema no La MaMa. Aquilo era pura cena de ciúme.
Foram quase 30 anos de levá-la aos hospitais e dando-lhe a mão dentro de uma ambulância, tentando um quarto melhor, com vista pra rua.
Foram quase 30 anos de um amor indescritível. O mesmo amor que ela teve quando cunhou o termo "experimental theater" (teatro experimental) nos anos 1960 e a mesma paixão que fez com que ela tirasse e salvasse o Grotowski [diretor de teatro polonês, 1933-1999], a força da Polônia de Jaruzelski [presidente entre 1989-1990].
Éramos todos adotados por ela, nós, as crianças que ela espalhou pelos teatros do mundo inteiro. Sim, De Niro, Pacino, Bob Wilson, Philip Glass, Charles Ludlam ou Harvey Fierstein e tudo que Firestein hoje chama de 80% do teatro americano.
Estou perdido e envolto numa tristeza que não tem descrição. Mas sei que esses 30 anos me serviram pra muita coisa. Entre elas, não me lamentar.
Sim, porque eu sou testemunha da dor física que ela sentiu nessas últimas décadas com um enorme sorriso nos seus lindos lábios.

GERALD THOMAS é diretor e autor teatral.

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Elite"/Fernanda Torres

2011-01-08T10:07:00.003-02:00

Concentremos nos três últimos parágrafos, tema constante nas discussões acaloradas por quem não é artista de 'manifestação de massa'.

São Paulo, sábado, 08 de janeiro de 2011

FERNANDA TORRES

Elite

SER CONSIDERADO parte da elite virou ofensa das mais graves. Um sinônimo daquilo que nas peças de Bertold Brecht é encarnado pelo burguês ganancioso, ameaçado pela ascensão dos mais humildes, cuja riqueza se baseia na exploração dos menos favorecidos.
Mas quem é a elite?
Quem, além dos que enriqueceram roubando, merece a acusação de ter contribuído ou desejado a desigualdade social? A classe A? B? Os profissionais liberais? Os engenheiros? Cientistas? Artistas? Empresários? Políticos? Latifundiários? Todos juntos?
Quem comanda a injustiça atávica, além dos que desviam milhões e lutam pelos votos da ignorância?
É bem verdade que não fomos formados pela mesma tradição protestante que fundou os Estados Unidos. Lá, desde os tempos de George Wa- shington, solidariedade se traduz em doações polpudas das grandes fortunas para instituições de caridade, hospitais, universidades, museus e pesquisa. Temos uma herança extrativista que culminou na lei de Gerson. A filantropia engatinha por aqui.
A recente estabilidade econômica possibilitou o milagre da distribuição de renda. O aumento do poder aquisitivo dos que ganham entre três e dez salários mínimos salvou o Brasil da crise de 2009 e continua prometendo.
Nenhuma revolução heroica deu voz ao povo; foi o crédito e a Bolsa Família. A classe C se transformou no Eldorado das grandes redes de TV, das poderosas agências de propaganda, do comércio varejista, dos bancos e de todas as demais forças geradoras de riqueza. Desvendar os seus anseios é o sonho de qualquer CEO com especialização em Harvard no momento.
O cacife dessa nova classe média multiplicou por sete nos últimos dez anos e, hoje, se equipara ao das classes A e B juntas.
As duas últimas abrigam o pessoal com bala na carteira para sonhar com mercado luxo.
Já é possível, sem sair de São Paulo, fazer fila para adquirir a sua bolsa de R$ 30 mil, vestir alta costura prêt-à-porter, harmonizar o vinho com a refeição e viver em ambientes paginados.
Antunes Filho considera uma tragédia a proliferação dos cadernos de culinária, moda e decoração. Jorge Mautner deu uma boa explicação para o fenômeno: até há pouco tempo, somente a nobreza e os reis tinham direito a tais requintes. A democratização do luxo se transformou na febre dos que têm direito à mais-valia.
Em um mundo que substituiu a ideologia pelo economia, não importa quanto dinheiro você tem no bolso, manda aquele que pode e deseja gastar, seja no crediário miúdo ou nas grandes tacadas dos cartões platinum. O resto é silêncio.
Tanto os que se endividam por um sapato Louboutin quanto os que o fazem pelo primeiro carro ou geladeira geram dividendos, aumentam o PIB e puxam as estatísticas mercadológicas para cima. Ambos alimentam a ciranda produtiva e estão perdoados. Quem se posicionou à margem deste rio de satisfação, arrisco dizer, foi o intelecto. O intelecto e seu imperdoável defeito de não ser consumista.
Lembro-me do choque que levei quando percebi que a primeira página da Ilustrada seria definitivamente ocupada por anúncios de meninas lânguidas e contorcidas em campanhas de estilo. A manchete podia se referir à um artista radical da Sibéria, mas a foto era de uma modelo adolescente de boca carnuda vestindo um jeans rasgado da Chanel.
Algo assim seria impensável na minha adolescência. Há 20 anos, a cultura servia de ponteiro; hoje, ela anda à mercê dos acontecimentos. Somente as manifestações de massa fazem sentido porque se justificam como mercado. Erudição é um crime.
Eu estive na posse de Darcy Ribeiro no Senado no fim da década de oitenta. Darcy fez um discurso belíssimo sobre a importância da educação e declarou que todo aquele que é capaz de ler, no Brasil, é responsável pelo analfabetismo.
Um ano de estudo significa 15% de aumento salarial. Eu espero que haja uma segunda revolução no Brasil, amparada pela reforma econômica, que se concentre não no comércio, mas na educação. Uma revolução que acabe com a ideia de que penso, logo escravizo.

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Senhor Albee" (ou: teatro não é fonte de felicidade)

2010-12-30T11:05:00.003-02:00

São Paulo, quinta-feira, 30 de dezembro de 2010

Senhor Albee

O americano Edward Albee, autor de "Quem Tem Medo de Virginia Woolf?", tem nova peça montada em São Paulo; ganhador de três prêmios Tony e três Pulitzer, ele defende que o teatro deve ser antes um ato de agressão do que uma fonte de felicidade

Mary Altaffer/Associated Press

O dramaturgo Edward Albee, em 2008, nos EUA

LUCAS NEVES
DE SÃO PAULO

Não venha falar de sonho americano para Edward Albee. Aos 82, o dramaturgo ainda prefere perturbar o sono americano com peças que desconstroem a felicidade conjugal de fachada, prospectam sem pudores as pulsões sexuais de gente comum e fazem personagens contracenar com a morte -seja a perspectiva dela a pairar sobre a cena, seja a dita cuja encarnada.
As opções temáticas fazem do teatro de Albee, há mais de 50 anos, um show de pirofagia em que quase tudo é permitido. Para atiçar chamas, vale desde um arsenal de imagens que oscilam entre o sádico e o grotesco (circuncisão reversa, mastectomia voluntária, estupro anal...) até reminiscências da juventude, marcada por um relacionamento frio com os pais adotivos.
Não espanta que as mães de sua lavra sejam quase sempre figuras odiosas. No Brasil, suas obras são montadas desde o começo dos anos 60. Em 1995, José Possi Neto dirigiu encenação bem recebida de "Três Mulheres Altas". Quatro anos anos depois, Walmor Chagas e Tônia Carrero buscavam "Um Equilíbrio Delicado" -estado que o casal beligerante vivido por Marieta Severo e Marco Nanini em "Quem Tem Medo de Virginia Woolf?" (2000) nem sonharia alcançar.
Depois de José Wilker se apaixonar por um ruminante em "A Cabra Ou Quem É Sylvia?" (2008), Karin Rodrigues interpreta a personagem-título de "A Senhora de Dubuque", em cartaz a partir do dia 29 de janeiro, no Sesc Pinheiros, em São Paulo. A morte mais uma vez tem os refletores voltados para si. E nada mais diremos aqui.
Em entrevista por telefone à Folha, Albee advoga por um teatro que configure "um ato de agressão" e não se acanhe em fazer as "perguntas difíceis", ainda que isso irrite grande parte do público -que busca "um entretenimento seguro e amigável".
Para ele, a arte "não tem de nos deixar felizes, mas sim mais conscientes de nossos sentimentos e valores". Valores que, no teatro ideal imaginado pelo americano, devem ser postos em xeque, jamais reafirmados.
Albee fala também da influência de sua biografia sobre a ficção que ele produz e da frágil formação intelectual do espectador médio de teatro na América de hoje.
Leia a seguir os principais trechos da conversa com o escritor, ganhador de três prêmios Pulitzer e igual número de Tonys:

Folha - A morte é uma presença marcante e até assume forma humana em peças de sua autoria, como "Três Mulheres Altas" e "A Senhora de Dubuque". Por que o senhor acredita que ela seja um mote tão forte para o teatro? Edward Albee - Só há duas coisas que realmente importam. Os dois grandes eventos na vida de qualquer pessoa são seu nascimento e sua morte. E então você escreve sobre esse parêntese, sobre tudo o que acontece nesse intervalo. Você não pode escrever sobre seu nascimento porque não se lembra dele.
Mas pode escrever sobre a morte, porque obviamente não tem memórias dela, mas espera por isso. Há vários tipos de morte. Muitas das minhas peças são sobre pessoas que estão vivas, mas morreram emocional e intelectualmente muito tempo atrás. Você pode estar morto no íntimo e ainda vivo.

As notícias que nos chegam sobre a cena americana incluem a estreia de uma adaptação musical de "Homem-Aranha" orçada em US$ 65 milhões (R$ 109,8 mi) e um número crescente de estrelas hollywoodianas buscando na Broadway legitimação. Que margem esse quadro deixa para provocação e tomada de riscos?
A maioria das pessoas quer um entretenimento seguro e amigável. Não desejam que seja um ato de agressão. E quase toda arte, em seu melhor, é um ato de agressão contra o status quo. Ou seja: está ali para levantar questões, não para fornecer respostas fáceis, simples.
Mas se você faz perguntas difíceis, irrita muita gente. Essa é a função da arte, entretanto. Se ela não lhe saca do conforto, não é arte. O problema é que boa parte das pessoas tem preguiça intelectual.

De que maneira a arte pode ser a um só tempo agressiva e divertida?
Atraente é uma palavra perigosa, significa que as pessoas vão gostar. O que a arte precisa é ser mobilizadora de nossa mente e de nossas emoções. Ela não tem de nos deixar felizes, mas sim mais conscientes de nossos valores. E deve nos levar a interrogar se estamos dando conta ou não de nossas responsabilidades. Não entendo como alguém pode querer ir ao teatro só para ver atores voando suspensos por fios [referência a "Homem-Aranha"]. Vá ao circo, então! O teatro deve mobilizar o intelecto e o olhar.

Como o sr. vê o jogo de forças entre o teatro que chama de comercial e o de vocação mais experimental, hoje, nos Estados Unidos?
Grande parte das obras que são produzidas com um olhar no lucro que voltará para o investidor tende a ser uma perda de tempo. Por outro lado, grande parte dos trabalhos feitos só de amor ao teatro, ainda que não seja rentável, costuma ter mais valor. Esses são feitos em teatros pequenos, não comerciais, geralmente com temporadas mais curtas do que a porcaria comercial.

E por que isso acontece?
Porque as pessoas não querem ser incomodadas quando vão ao teatro. Anseiam por ter seus valores reafirmados -se é que se chega a discutir valores em cena. Não esperam vê-los questionados. Não estão ali para ser perturbadas. Querem perder tempo e estão dispostas a gastar muito dinheiro para isso.

O sr. é, então, pessimista em relação ao futuro do teatro?
O único problema da democracia é que você tem o que quer, em vez daquilo que você deveria querer. Numa democracia, se você é bem educado, pode tentar alcançar aquilo que deveria querer. Mas tem de ser instruído para fazer a democracia funcionar e para querer um teatro que faça algo útil.
Quando eu ia à escola, tinha uma classe de formação cívica, em que aprendia como o governo trabalhava e o que significava um ato político. Não se ensina mais isso na América. Também tive aulas de música, literatura e artes visuais. Hoje, elas não são consideradas importantes. As preferências das plateias são ditadas pelo pouco que aprendem. Se o cardápio ensinado fosse mais amplo, a gama de interesses seria mais diversificada.

"Toda arte é reinvenção, não repetição"

Edward Albee defende uso de temas tabu, afirmando que se "vendidos como arte" são vistos de forma diferente

Dramaturgo também reclama de encenadores que tentam atenuar ou tornar mais "digestivo" o teor de seus trabalhos

DE SÃO PAULO

Nesta parte da entrevista, Edward Albee fala sobre sua preferência por temas tabu, nega o caráter autobiográfico de suas peças e critica a TV americana. A seguir, os principais trechos. (LUCAS NEVES)

Diante desse quadro, por que insiste em abordar temas tabu, como bestialismo (em "A Cabra"), mastectomia voluntária e circuncisão reversa (ambas em "Homelife")?
Porque isso representa o que sou, o que me interessa. É sobre isso que acredito que as pessoas deveriam refletir.

Mas esses temas ainda são capazes de ruborizar a plateia, tirá-la da zona de conforto?
As pessoas prestam atenção de um jeito diferente quando estão diante de algo que é vendido como arte.

Já foi sugerido que o sr. se vale fartamente de sua biografia para criar peças. As mães de seu teatro seriam variações da figura de sua mãe adotiva, com quem o sr. mantinha uma relação difícil. Como equilibra realidade e ficção?
Estou limitado pelas fronteiras da minha imaginação. Escrevo o que consigo imaginar. Mas não limito a minha escrita a fatos que tenham acontecido comigo, porque não penso ser um objeto teatral tão interessante assim. Me considero uma pessoa interessante, mas não um tema próprio para uma peça.

Qual a diferença entre ser uma coisa e a outra?
Para que a história de alguém se preste ao teatro, suas ações têm de fazer sentido em termos dramáticos, não apenas intelectuais. Senão você transforma uma vida chata numa peça idem. Não consigo imaginar uma peça muito boa sobre [o filósofo alemão] Immanuel Kant, por exemplo.

Em suas peças, surge com frequência um elemento "intruso", alguém que vem de fora do cenário principal para (às vezes à própria revelia) derrubar máscaras sociais, revelar hipocrisias. Como o jovem casal convidado pelos protagonistas de "Virginia Woolf", ou o par e a filha visitantes de "Um Equilíbrio Delicado". O inferno são os outros?
Dramaturgia se apoia em conflitos emocionais, físicos, psicológicos ou políticos. E se você tem um grupo de pessoas que se conhece bem, está muito feliz e não tem sobre o que falar, não há conflito. O que você tem em mãos nesse caso é televisão.

Mas não dizem que a televisão americana vive uma nova era de ouro, com enredos provocativos, personagens bem construídos?
Por "era de ouro", querem dizer um período muito rentável. Só vejo programas informativos, que possam me ensinar algo. Gosto daqueles que tratam de animais, ciência, o cérebro. A minha leitura também segue essa mesma inclinação.

E peças, o sr. lê?
Leio porque quero saber o que está acontecendo naquela história. Se vejo uma montagem sem antes ter lido o texto, não tenho a certeza de estar assistindo à peça que o dramaturgo imaginou.
Há uma hierarquia que deve ser respeitada, que determina que o texto venha antes, e a sua interpretação, depois. Essa deve apenas reforçar o que o autor concebeu.
Em duas ocasiões, senti que isso não estava acontecendo, e o resultado foi horrível. Mas não quero falar sobre isso. Você tem de ser forte para garantir que a sua visão é o que a plateia vai receber, porque às vezes tentam abrandá-la, facilitá-la, torná-la menos perturbadora, mais digestiva. Diretores às vezes fazem isso, seguindo comandos de quem está colocando dinheiro na produção.

O sr. dá aulas na Universidade de Houston. Como é o contato com grupos de jovens dramaturgos?
Ensino porque aprendo ao fazê-lo. Sou muito egoísta. Se não existisse essa via de mão dupla, não funcionaria para mim. Sempre digo aos alunos: "Escrevam a primeira peça de todos os tempos. Inventem a forma, a estrutura, a ideia". Toda arte é reinvenção, não repetição. Arte ruim é repetição. É simples assim.

RAIO-X
EDWARD ALBEE

VIDA
Nasceu em 12 de março de 1928, em Washington D.C., Estados Unidos

OBRA
Escreveu mais de 30 peças, dentre as quais "Quem Tem Medo de Virgínia Woolf", em 1962 e "A Cabra Ou Quem é Sylvia?", em 2002

PRÊMIOS
Ganhou três vezes o Tony Awards (por "Quem Tem Medo...", "A Cabra..." e pelo conjunto da obra), e três vezes o Pulitzer (por "Seascape", "Um Equilíbrio Delicado" e "Três Mulheres Altas")

Direto da Folha: "Pelo amor de Deus, não copiem os EUA" - Benjamin Moser

2010-10-24T14:21:00.003-02:00

São Paulo, domingo, 24 de outubro de 2010

TENDÊNCIAS/DEBATES

Pelo amor de Deus, não copiem os EUA!
BENJAMIN MOSER

Em vez de copiar os políticos americanos, que têm levado a nação à paralisia, os brasileiros deveriam aprender uma lição com a Argentina e Portugal

Ao longo dos últimos 40 anos, nós, americanos, temos assistido, em nome de "valores" ou da "família", a ataques religiosos contra as mulheres e os homossexuais.
Começou como reação a um movimento gay que ganhou grande ímpeto resistindo aos ataques da polícia de Nova York contra o bar Stonewall; e a um movimento feminista que celebrou uma vitória histórica em 1973, quando a Suprema Corte legalizou o aborto.
O ressentimento por essas liberdades duramente conquistadas forneceu uma oportunidade aos políticos de direita e aos pastores evangélicos.
Pastores deram a bênção aos políticos que compartilhavam da sua obsessão com a vida pessoal alheia.
Desnecessário dizer que esses mesmos pastores logo se tornaram um espetáculo nacional, caindo um atrás do outro em escândalos, quer sexuais, quer financeiros.
Mas os políticos covardes já entregaram a essa gente o direito de mandar em assuntos "morais".
Agora, com crescente desânimo, vejo o Brasil seguir o mesmo caminho. Sabe-se que o evangelismo brasileiro tem suas raízes nos missionários americanos que chegaram há exatamente cem anos, e cujos descendentes estão impondo a mesma "moralidade" na política.
Em uma carta aos candidatos, a Associação Brasileira de Gays, Lésbicas, Bissexuais, Travestis e Transexuais denunciou a "instrumentalização de sentimentos religiosos e concepções moralistas na disputa eleitoral".
Em vez de ressaltar suas admiráveis conquistas na luta contra a homofobia ou suas antigas posições a favor do aborto legalizado, Dilma e Serra estão tentando agradar a essa mesma banda.
Políticos corajosos teriam defendido uma outra moralidade. Denunciariam o fato de mulheres morrerem todo dia no Brasil por causa da criminalização do aborto.
Denunciariam a Igreja Católica, que, em nome da "família", excomungou uma mãe pernambucana que providenciou um aborto para a filha de nove anos, grávida de gêmeos após ser estuprada pelo padrasto. Denunciariam que o número de assassinatos de gays no país cresceu 62% desde 2007 e que, de acordo com um estudo do Grupo Gay da Bahia, um gay é morto a cada três dias no Brasil.
Para os americanos, isso é muito deprimente. Em vez de copiar os políticos americanos, que têm levado a nossa nação ao desastre e à paralisia, os brasileiros deveriam aprender uma lição com a Argentina, cuja presidente fez discursos eloquentes a favor de tratamento igual no casamento.
Outra lição vem de Portugal, cujo premiê, José Sócrates, conseguiu a igualdade para todos os portugueses. Não é vergonhoso -sejamos sinceros- ver o Brasil ficar atrás da Argentina e de Portugal?
Como aqueles países demonstraram, a moralidade e os valores têm, sim, um lugar na política. O Brasil oficial não se cansa de repetir que a tolerância é o valor por excelência do brasileiro. Mas não basta dizê-lo.
Um dia, o debate sobre o aborto e o casamento gay terá o mesmo caráter antiquado que hoje tem a lembrança das disputas sobre o divórcio. Mas, para ver esse dia chegar, o Brasil precisará de políticos com muito mais coragem do que a demonstrada por Dilma e Serra.
Para tornar o Brasil um país mais digno, os seus líderes terão, sim, que copiar os americanos. Não o que temos de mais detestável.
Copiem, em lugar disso, Martin Luther King, morto depois de libertar os negros; os militantes de Stonewall, que saíram na porrada com a polícia de Nova York; e os juízes da Suprema Corte, que garantiram que nenhuma mulher morreria por ter praticado um aborto ilegal.
Estes fizeram a grandeza de nosso país -a mesma grandeza hoje decadente, graças, também, aos fanáticos religiosos.

BENJAMIN MOSER, 34, americano, é escritor, crítico e tradutor. Colunista de livros da revista "Harper's", é autor de "Clarice," (Cosac Naify, trad. José Geraldo Couto).

Entrevista com Antunes Filho, direto da Ilustrada/FSP

2010-10-04T11:41:00.003-03:00

São Paulo, segunda-feira, 04 de outubro de 2010

ENTREVISTA ANTUNES FILHO

"Acabou a era do diretor tirano; o agora é a troca"

AOS 80 ANOS, DIRETOR GANHA LIVRO SOBRE SEU MÉTODO DE FORMAÇÃO TEATRAL E DIZ QUE ATOR PRECISA TER A CABEÇA LIVRE DE AUTORIDADE

Lenise Pinheiro/Folhapress

Flavia Pucci e Helio Cicero na peça "Paraíso, Zona Norte. A Falecida", em 1989

GUSTAVO FIORATTI
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Com 60 anos de carreira, o diretor teatral Antunes Filho ainda vive um impasse.
Seu método de criação e de formação de atores, exposto agora no livro "Hierofania -°O Teatro Segundo Antunes Filho", de Sebastião Milaré, se consolidou como marco do cenário teatral brasileiro, para não dizer do mundo. Mas o diretor não se satisfaz em olhar apenas um caminho já percorrido.
"Meu legado eu não sei qual é. A palavra lembra morte, e eu não penso nisso.
Meu legado é o que eu vou fazer no ensaio hoje. É o espetáculo que vou apresentar amanhã", diz, em entrevista à Folha, na sede do Centro de Pesquisa Teatral (CPT), no Sesc Consolação.

Folha - O livro "Hierofania" cita o espetáculo "Macunaíma", de 1978, como marco do teatro brasileiro. O que acontecia no cenário internacional na época? Antunes Filho - Havia uma espécie de rito de transição. Tinham surgido Peter Brook, Kazuo Ohno, Tadeusz Kantor. Todo mundo apareceu quando houve uma explosão de festivais de teatro.
Foi o início da chamada "era do diretor". O teatro era tão multifacetado naquela época. E "Macunaíma" se inseriu nesse momento de potência teatral.

Por não ter participado expressivamente da ruptura do modernismo brasileiro, o teatro estava atrasado?
Pois é. Oswald [de Andrade] criou uma ou outra peça modernista, e elas não foram encenadas na época.
Mas, ao mesmo tempo, é o teatro que estoura com o modernismo nos anos 60 e 70. A passagem do moderno para o pós-moderno foi nesse movimento internacional.

E essa chamada "era dos diretores" acabou?
Não acabou. O que acabou foi a era do diretor tirano. Agora é a época do diretor que procura cooperação. Antigamente a expressão que se usava era que as coisas vinham do Céu para a Terra. Ao umbigo do mundo, através das catedrais, se instaurava no mundo o Dharma. Agora não tem mais o Dharma. Agora é a troca.

Texto, colaboração e coautoria ganharam importância?
Sim, mas, no trabalho colaborativo, de grupo, tem ainda o cara que precisa reger. Liberdade pressupõe ordem e exige consciência. O modo como vai se estabelecer essa ordem, se é por meio de um diretor ou de uma máquina... Sei lá se pode ter máquinas fazendo isso [risos].

O sr. defende o ator como peça principal do teatro.
Claro. Qualquer peça só pode sair da estante e ir para o palco se houver um ator. Seja no velho drama, seja no futuro, seja ainda no não drama, já que hoje tudo está sendo contestado.

O que está sendo contestado?
Não somente a hegemonia do diretor, a do texto, a da trama. Tudo revela um autoritarismo que está sendo sanado ou questionado.
O ator é a pessoa que, com a sua liberdade, fica à margem dessa coerção que imaginamos haver.
Ele tem de estar livre. A cabeça dele não pode ser autoritária. Só com consciência e liberdade poderá não mais representar, mas atuar. Projetar alguma luz nisso tudo que é contemporâneo.

Isso faz do ator uma espécie de coautor?
Não. Faz dele uma janela. Mas, se ele não tem base cultural e técnica, ele é uma janela fechada.

A criação dramatúrgica, que ganhou espaço no CPT, também representa uma procura sua por novos caminhos? O que ficou velho no teatro?
Estamos num momento de impasse em termos de criação. Tentamos caminhar. Ironizamos tal coisa, parodiamos aquilo outro. Damos margem ao outro lado do nosso inconsciente.
A forma de Brecht já pode ter envelhecido. Mas Brecht como poeta não. Como escritura, ele é atualíssimo. Por meio da linguagem poética, cria rituais. Daí os mitos do inconsciente vêm à tona.

O que significa para você as mortes de Kazuo Ohno (2010) e de Pina Bausch (2009)?
Dois modelos fundamentais que se foram, mas que continuam presentes. Duas guias. A gente chegou ao fim do túnel e tinha aquela luz.
Daí estávamos ali no claro e nos perguntávamos: "E agora? O que vamos fazer? Que luz maravilhosa, né? E daí? Estamos aqui agora iluminados por essas luzes e o que vamos fazer?". E essa luz ainda está acesa.

RAIO-X
ANTUNES FILHO

VIDA
José Alves Antunes Filho, 80 anos, nasceu em São Paulo em 12 de dezembro de 1929

OBRA
Foi pioneiro em criar a partir de estudos sobre metafísica, filosofia e cultura oriental

CPT
Em 1982, recebeu um convite do Sesc para coordenar o Centro de Produção Teatral, no Sesc Consolação

Autor segue trupe por 15 anos para decifrar detalhes

COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Poucos conhecem tão bem a obra de Antunes Filho quanto Sebastião Milaré.
Para escrever "Hierofania -O Teatro Segundo Antunes Filho", o autor acompanhou de perto o processo criativo do diretor por 15 anos.
Ele acabou se tornando alguém "da casa", o que lhe possibilitou decifrar detalhes do processo criativo abastecido também pelos jovens atores do CPT.
O foco do livro é justamente o desenvolvimento desse método a partir da estreia de "Macunaíma" (1978), o espetáculo em que o diretor decide romper com uma sólida carreira -em suas próprias palavras- "comercial".
Nos anos 80, Antunes passa a criar, sob a tutela do Sesc, sempre em sintonia com um projeto educativo e de formação do ator.
Milaré se debruça sobre a técnica corporal e vocal que deu origem a espetáculos antológicos, como "Velha Nova Estória" (1991), "Vereda da Salvação" (1964/1993), "Gilgamesh" (1995) e "Medeia" (2001/2002).
A respiração e o trabalho com a voz despontam como um dos tópicos principais.
O livro não se aprofunda em questões estruturais dos espetáculos, passa apenas pela superfície de conceitos como cenografia, figurino e o coro como opção estética.
"Mas essas questões acabam aparecendo, uma vez que o método de Antunes tem uma forte base em um processo de individuação ideológica e cultural."

HIEROFANIA - O TEATRO SEGUNDO ANTUNES FILHO
AUTOR Sebastião Milaré
EDITORA Edições Sesc-SP
QUANTO R$ 85 (397 págs.)

Beijo, abraço ou aperto de mão? Parte II

2010-09-03T21:36:00.004-03:00

Quando eu tinha saco para escrever sobre política (na verdade quando as pessoas tinham saco para ler sobre política em blogs) não precisava de muita concentração para lembrar que certos temas eram pisados e repisados na mídia como "O" assunto da semana. Se você, como eu, lê uma meia dúzia de jornais (físicos ou online) também já deve ter sido internado num hospício por ranzice quando se depara com as mesmas novas-velhas notícias. E não não estou falando da charlatanice petista, disto já desisti e já sou uma 'bicha de direita' conformada (título que ganhei após publicação de alguns links sobre a escória petista via Facebook e Twitter, na verdade recebi algumas ameaças também, mas isso é uma outra história), me refiro as tais 'Cúpulas da Paz' que poderiam se chamar 'Cúpula do Pega no Meu e Balança" já que PAZ mesmo só serve pra vender camisetas cafonas com pombas brancas entre as letras.

Capa de todos os jornais de hoje (aqui o link do NYTimes, Folha e Estado só para assinantes) trazem notícia do encerramento da tal cúpula, enquanto mudam os protagonistas e aumentam as vítimas eu, você ou o político que escolheremos nas próximas eleições não têm ideia do que está acontecendo no Oriente Médio. Pronto, já me lembrei porque parei de escrever sobre política.

Hillary Clinton 'segurando vela' para o aperto de mãos entre Binyamin Netanyahu e Mahmoud Abbas na cúpula da paz encerrada ontem. Cada vez mais 'cúpula' e cada vez menos 'paz'
...

Aqui, neste mesmo Viralata, post de 28/11/2007 que reproduzo na íntegra:

O histórico aperto de mãos patrocinado por Clinton, em setembro de 1993 em Washington. Yizhar Rabin (à esquerda) e Yasser Arafat. Esse aperto valeu o Nobel da Paz mas a paz mesmo durou pouco, o terrorismo voltou com tudo e o ressentimento ressurgiu.

O aperto de mãos entre o palestino Mahmoud Abbas (à esquerda) e o israelense Ariel Sharon, pós Arafat (morto em novembro de 2004) em fevereiro de 2005. Promessas de paz e nenhum acordo formal, apenas promessas de parar com as agressões mútuas.

Ehmud Olmert (Premiê Israelense) aperta a mão do Líder Palestino Mahmoud Abbas, no centro Bush que você já conhece. O trio na cúpula de paz para o Oriente Médio, em Annapólis nesta semana de 2007. O 'aperto' deste ano é para tentar criar um Estado Palestino (coisa que todo mundo aceita e concorda), acabar com o terrorismo, libertar os presos palestinos detidos por israelenses e otras cositas mas no varejo.

Do primeiro 'aperto' de 1993 sob o olhar de Clinton até 2008 com Bush no centro das negociações aproximadamente 120 homens-bombas explodiram em Israel, a maioria sob as ordens do Hamas, como se vê o terror age de forma independente e impiedosa.

Quem sabe se os acordos fossem selados com abraços, que podem ser mais 'calorosos' do que apertos de mãos, ou talvez beijos? Pensando bem russos e romanos se beijam desde priscas eras e as coisas não caminharam muito bem não é?
Melhor mesmo é esquecer estes gestos midiáticos, arregaçar as mangas e falar a mesma língua, mas aí colocaremos em cheque toda uma babel literária de conflitos e interesses que escapa a razão humana.

Como dizia Gerald Thomas (em off, of course!) em algum espetáculo perdido no século passado:
- "Está estabelecido o conflito".

Crítica "Dueto para um"/Vejinha-SP

2010-08-23T22:55:00.000-03:00

Crítica "Dueto para um"/Folha de S.Paulo

2010-08-07T13:02:00.004-03:00

São Paulo, sábado, 07 de agosto de 2010

CRÍTICA DRAMA

Estreia de Mika Lins tem ótima encenação

Atriz faz meticulosa direção de texto de Tom Kempinski com atuações excepcionais sobre artista e seu terapeuta

LUIZ FERNANDO RAMOS
CRÍTICO DA FOLHA

O teatro como a arte do diálogo. "Dueto para Um" apresenta antológica peça de Tom Kempinski, toda construída em torno da dialética entre uma paciente e seu psicoterapeuta.
Escrita em 1980 pelo ator de cinema e dramaturgo inglês -e filmada em 1986, tendo Julie Andrews e Alan Bates como protagonistas-, chega ao Brasil marcando a feliz estreia da atriz Mika Lins como encenadora.
O drama de Kempinski é claramente inspirado na história da violoncelista britânica Jacqueline Mary du Pré. Ela fez carreira brilhante como solista e casou, no auge da fama, com o pianista e maestro Daniel Barenboim, morrendo aos 42 anos, depois de sofrer lenta deterioração física provocada por esclerose múltipla.
Na ficção encenada, o autor se concentra sobre a plausível agonia mental da artista com a doença e fabula uma situação em que ela recorre a uma terapia psiquiátrica para suportar todas as perdas sofridas. A musicista aqui chama-se Stephanie e o instrumento que ela é forçada a abandonar é o violino.

EXCEPCIONAL
A ação dramática transcorre durante seis sessões em que a artista frequenta o consultório do Dr. Feldman. Assim, das primeiras visitas, quando ela ainda resiste em admitir qualquer sofrimento psíquico, até os momentos de quase desespero com sua degradação física, o jogo dramático se dá no embate de ideias dela com seu médico.
A montagem de uma trama como essa, centrada na conversação, exige um desempenho excepcional dos atores em cena. Bel Kowarick corresponde a essa necessidade e realiza o melhor e mais potente trabalho de interpretação de sua carreira. A atriz excede em talento no virtuosismo quando constrói a evolução da personagem pelos diversos e dolorosos estágios da terapia.
O ator Marcos Suchara também aparece com brilho, compondo a convincente caracterização de um terapeuta que se entrega apaixonadamente à tarefa de apaziguar a alma atormentada de uma doente terminal.
Diante desse talentoso duo, a encenação de Mika Lins evidencia-se sutilmente, como a arbitragem de um bom juiz de futebol. Está claro que o ótimo desempenho dos intérpretes é tributário de uma meticulosa direção.
Cássio Brasil propõe uma cenografia sintética e funcional, servindo-se apenas de um praticável giratório, e a iluminação de Caetano Vilela contribui fortemente, ao lado da trilha sonora de Marcelo Pellegrini, para pontuar as transições e enfatizar os picos de tensão.
A peça "Dueto para Um" parte de um texto consagrado para reafirmar uma vocação milenar do diálogo dramático: a de representar um processo de cura pela tomada de consciência.

DUETO PARA UM

QUANDO qui. e sex., às 21h
ONDE Sesc Consolação (r. Dr. Vila Nova, 245, Vila Buarque, tel. 0/ xx/11/3234-3000)
QUANTO R$ 2,50 a R$ 10
CLASSIFICAÇÃO 14 anos
AVALIAÇÃO ótimo

O Teatro Pós-Dramático (ou: para estudar antes de citar)

2010-07-28T12:06:00.010-03:00

De repente toda a classe teatral descobriu o 'teatro pós-dramático', waalll.
Já ouvi de muitos, sem ao menos ter uma vaga ideia do entendimento do termo, as mais disparatadas 'defesas' desta estética teatral estudada pelo teatrólogo alemão Hans-Thies Lehmann. Claro que esta corrente teórica de pensamento é européia e, claro também, que quando chega ao Brasil chega com um considerável atraso, no caso mais de 40 anos!

Nos anos 80, quando comecei a estudar teatro e participar de grupos, a discussão era exatamente a mesma, só que mais rasa e por outro viés: o teatro de imagem x o teatro de texto, ou a supremacia dos encenadores x atores ou, para encerrar discussões mais profundas, eram os anos da frase mais ouvida nos saguões após os espetáculos: "achei lindo, mas não entendi nada!"
Na categoria do teatro de 'imagens' entrava Gerald Thomas e sua recentemente criada Cia. de Ópera Seca (que hoje dirijo), assim como também Ulysses Cruz e seu grupo Boi Voador (do qual fui ator em vários núcleos por 4 anos), dissidente do CPT de Antunes Filho (com quem trabalhei também como ator por mais 2 anos) talvez o 'representante eterno' do teatro de texto/ator. Ambos os grupos praticavam o que somente hoje a intelligentsia teatral paulistana entende por teatro pós-dramático e já naquela época isso não representava nenhuma novidade ao teatro que se fazia na Europa ou no pequeno nicho experimental norte americano.

Publicado em 1999 e lançado faz pouco tempo pela Cosac Naify "Teatro Pós-Dramático" é um ótimo estudo para entender os caminhos contemporâneos do teatro mundial. Para muitos brasileiros que trabalham na área será uma verdadeira 'bíblia' para ser citado em conversas descoladas. Conversa obviamente empobrecida, principalmente para quem nunca teve o privilégio em acompanhar de perto grupos e encenadores revolucionários como Robert Wilson, Tadeusz Kantor, Robert Lepage, Societa Raffaello Sanzio, Théâtre du Soleil, e muitos etc...

Abaixo, reportagem na Folha de S.Paulo de ontem sobre a vinda de Lehmann ao Brasil e, claro, teatro pós-dramático:

São Paulo, terça-feira, 27 de julho de 2010

A encruzilhada do teatro

Teórico alemão Hans-Thies Lehmann, que participa de debate em SP, diz que futuro da arte está na volta às origens

Silvia Zamboni/Folhapress

O teatrólogo alemão Hans-Thies Lehmann posa na sede de uma produtora cultural, em SP

LUCAS NEVES
DE SÃO PAULO

O teatro já vestiu os figurinos da tragédia, do drama burguês e do épico. Independentemente do disfarce, é pautado há tempos pelo texto e pela representação do mundo por meio de fábulas ordenadas, lineares, vividas por personagens bem desenhados em cujos conflitos a plateia projeta os seus.
Agora esqueça isso. O teatro que o teórico alemão Hans-Thies Lehmann, 65, chama de "pós-dramático", corrente que ganhou força a partir dos anos 60 pelas mãos de grupos alternativos e foi aos poucos incorporada pelo "mainstream", implode o primado da palavra.
Sua cartilha ilumina a composição dos elementos cênicos (luz, atores, trilha, cenário) em detrimento do enredo e contrabandeia referências da dança, das artes visuais e do cinema.
O teatrólogo, que está no Brasil a convite do Goethe-Institut São Paulo para participar hoje de uma mesa redonda sobre a cena contemporânea, diz à Folha que esse "futuro" do teatro, sem hierarquização e imperativos de coesão, na verdade constitui uma volta às origens ritualísticas, festivas da arte. Leia abaixo os principais trechos da conversa.

Folha - Na introdução ao livro "Teatro Pós-Dramático" (CosacNaify, 437 págs.), o senhor observa que o teatro deixou de ser uma arte de massa. Pode ele ainda hoje ser relevante, impactar a sociedade?
Hans-Thies Lehmann - Sim. Acredito no futuro do teatro como uma prática artística e social. Muitos acham que o seu futuro está em manter a dimensão literária, o classicismo. É assim que poderia reagir à cultura midiática, com sua velocidade e virtualidade. Não acredito que esse seja de fato seu futuro. Quando uso o termo "pós-dramático", me refiro ao teatro europeu desde os anos 60 e 70, enlaçado em redes midiáticas, que tem de encontrar seu lugar e se afasta da estrutura dramática tradicional.
Mas há uma segunda acepção do termo: estamos regressando a uma ideia muito mais ampla do que seja o teatro, com elementos de ritual, de encontros comunitários, de festividade. É o futuro que deixamos para trás.

O pós-dramático é então uma volta às origens do teatro?
Sem dúvida. Novos desenvolvimentos são muitas vezes memórias de coisas esquecidas, que estiveram presentes em tempos anteriores. Mas são também um passo em direção ao futuro.

São Paulo, terça-feira, 27 de julho de 2010

"Não há teatro político que não seja visualmente atordoante"

Lehmann afirma que a oposição às formas dramáticas estabelecidas deve ir além do discurso

Para estudioso alemão, acenos à música e ao cinema retiram do teatro rótulo de chato e renovam o público

DE SÃO PAULO

Na segunda parte da entrevista, Hans-Thies Lehmann comenta a adoção de procedimentos pós-dramáticos pelo "establishment" teatral, defende um teatro político tanto no discurso quanto na concepção visual e comenta o poder de atração dessa nova cena sobre o público jovem. (LUCAS NEVES)

O sr. entende o teatro pós-dramático como resposta à era da imagem, em que novas tecnologias põem fim ao primado do texto. Mas não se pode vê-lo também como concessão, rendição a ela?
Há esse perigo. Sei que a descoberta dessa grande variedade de linguagens cênicas pode desaguar num entretenimento "mainstream". Não acredito que um conceito teórico seja o suficiente para produzir bom teatro.
Muitas técnicas e estilos do pós-dramático foram aceitos como expressão autêntica e interessante de nosso tempo. Há mesmo quem tenha assumido o pós-dramático como discurso para fugir dos vícios do teatro dramático das grandes instituições. Mas não há teatro político que não seja visualmente incômodo, atordoante.

Há, no pós-dramático, uma mudança de foco, das intenções do sujeito para sua exposição crua, de sua vontade consciente para seus desejos. Isso torna o teatro mais autêntico, ao aproximá-lo da "essência" do homem?
Não iria tão longe. Falo de uma mudança de ênfase apenas para explicar que, em certo tipo de teatro atual, surgem comportamentos, gestos, coreografias que não podem ser interpretados em termos psicológicos. É uma nova forma de interpretar o homem, em que tudo o que é físico, instintivo vem à tona. Mas nunca alcançaremos uma verdade absoluta dos sentimentos ou do corpo.

Ao propor que o texto não seja mais o elemento a orientar montagens e que se deixem de lado a coesão e a harmonia, a cartilha pós-dramática não afasta parte de sua plateia potencial?
Alguns elementos do pós-dramático se tornaram amplamente aceitos ao incorporar a cultura popular, que é uma referência comum a todos. As plateias mudam, e penso que para melhor. As novas práticas atraem um público mais jovem, que até aqui via o teatro como chato, desinteressante.

Como o pós-dramático redefine o papel do crítico, ao exigir dele conhecimentos de outras artes? E, pelo lado dos criadores, esse intercâmbio pode abrir brecha para trabalhos incompreensíveis, não?
Sim, assim como a repetição de modelos clássicos pode ser gratuita. Usar estratégias pós-dramáticas não salva necessariamente as peças de virarem extravagâncias sem conteúdo.
Quantos aos críticos, eles realmente hoje precisam de novas habilidades para transitar entre as artes, devem estar conectados à cena musical, entender de pop art. Outro fator que complica a tarefa do crítico é o de que cada vez mais montagens dependem da reação do público, das perguntas que ele apresenta aos atores. Então, manter o distanciamento crítico é algo mais árduo.

Seu pensamento é alvo de críticas por estabelecer uma espécie de linha evolutiva para as artes, em que novas formas superariam as antigas, tornando-as anacrônicas, datadas. Como reage a isso?
Acho essa crítica compreensível. Apontei no livro "Teatro Pós-Dramático" que essa corrente amplia as possibilidades cênicas, mas nunca falo em morte do drama. Isso dito, tenho quase certeza de que nunca voltará a acontecer algo como o pós-dramático, que instaurou a dúvida sobre o homem enquanto criatura essencialmente dramática.

São Paulo, terça-feira, 27 de julho de 2010

RAIO-X
HANS-THIES LEHMANN

PROFISSÃO
Hans-Thies Lehmann é professor de Estudos Teatrais da Universidade Johann Wolfgang Goethe, em Frankfurt, e membro da Academia Alemã de Artes Cênicas; como dramaturgo, trabalhou com importantes diretores europeus

LIVROS
Ele é autor de "Teatro Pós-Dramático", "Teatro e Mito: A constituição do Sujeito no Discurso da Tragédia Antiga" e "Os Escritos Políticos: Ensaios sobre Textos Teatrais"

AGENDA EM SP
Hoje, às 19h, no Goethe-Institut (r. Lisboa, 974, tel. 0/ xx/11/3296-7000; grátis), participa da mesa-redonda "Perspectivas Pós-Coloniais do Teatro Contemporâneo"

Ele está no meio de nós (ou: Gerald Thomas voltou)

2010-07-18T11:36:00.008-03:00

Gerald Thomas voltou!
Para quem apostava que a sua "breve interrupção" seria menos breve errou por tudo o que a palavra interrupção carrega, talvez 'suspensão' soasse melhor e mais teatral: uma breve suspensão interrompe o que poderia ser um fim e, como num thriller, nos deixa suspensos... em suspense. Trocadilhos à parte (ou não, diria outro Caetano) Gerald volta, não de onde parou, mas do zero.
Ele encarou novamente Rembrandt, olhou fundo nos seus 'olhos sobre tela' e decidiu que o que era fim é (re)começo e se no princípio era o verbo logo em seguida vem o conflito e sem olhar para trás refunda a Dry Opera Company em Londres para batizá-la (numa igreja!) com o primeiro (talvez o segundo) conflito da humanidade: Caim e Abel, ou "Cain Unable", ou a Incapacidade de Ser Caim, ou Caim Incapaz, ou...

Para quem ficou confuso então ficamos assim: tanto a Dry Opera-SP quanto a Dry Opera-Lon tem em Gerald Thomas o seu mentor e fundador. No momento eu estou dirigindo a Cia. em São Paulo e o fruto deste primeiro trabalho foi "Travesties" (que estreou no Festival de Curitiba, viajará para mais 3 festivais e ainda não tem data nem patrocínio para temporada em São Paulo) e ele estréia em outubro, em Londres, "Cain Unable".
Isto esclarecido podemos também fazer um intercâmbio das Cias., ou o Gerald pode voltar a dirigir aqui em SP, ou se eu tiver algum projeto posso dirigir a Cia. em Londres, ou não...

Abaixo, reportagem de capa do Segundo Caderno do Globo deste domingo:

Gerald Thomas: a volta do que não foi

Nove meses depois de anunciar que abandonara o teatro, o diretor recria, em Londres, sua companhia; estreia é em outubro

Arnaldo Bloch

O GLOBO: O que o fez mudar de ideia tão rápido?

GERALD: Conversei com amigos, dentre eles Philip Glass, e percebi que mesmo esses momentos de “se sentir um zero à esquerda” faziam parte do que somos. Mas sair é uma coisa: sai-se por esgotamento, como foi o caso em setembro do ano passado. Olhei para minha vida e meu trabalho, e não gostei do que vi. Entrar de novo é mais parecido com ter que pedir licença para viver. Comecei a construir o caminho de volta pela Inglaterra da minha adolescência, onde casei as três primeiras vezes e criei um filho, mas que não me conhecia bem e com a qual tenho uma relação de amor e ódio.

Da ida à volta, foi exatamente o tempo até um parto…
Um parto de quíntuplos, porque é duro parir uma identidade em vez de uma peça. Você redescobre sua obra inteira e a enxerga como se estivesse vendo algo de um estranho.
Não reconhece nada. Olha tudo aquilo justamente como as pessoas que diziam que não entendiam o teatro de Gerald Thomas. Ao renascer, vou me expondo a esse povo todo em Londres sem saber o que está pela frente…

Como tem sido o processo de seleção e quando pretende estrear? Já existe o embrião de um primeiro texto?

Vi perto de 600 atores em uma semana. Aproveitei um monte. Vamos ver quem resiste ao workshop, em agosto, para a estreia, em outubro. Vou desenvolver textos para pessoas como o Kevin, um extraordinário ator, a Maria de Lima, uma portuguesa com sotaque londrino, ou o Dan, com aquela cara de judeu que deixa claro de onde viemos e que vamos para a lama. Estou brincando com o título “Cain unable”: foneticamente soa como “Cain and Abel”, os dois irmãos bíblicos, mas quer dizer “Caim incapacitado”. Os atores ingleses têm uma incrível energia. Podem não ter muita cultura, e isso me impressionou: a grande maioria não sabia quem era Samuel Beckett ou Richard Wagner, nem definir homo sapiens.

Mas aqui em Nova York a atmosfera do East Village e do teatro de onde venho está cansada. O establishment venceu mesmo! Quase não há resistência…

Já no teatro britânico existe uma longa história de agitprop theater, ou seja, o teatro do opositor.

Em setembro você dizia não estar pronto para o iTheatre.

A nova companhia incluirá o meio digital?

Sim. O próprio material dos testes já está disponível em Vimeo (melhor que YouTube porque comporta uma hora ou mais). Mas iTheater seria migrar para o território virtual.

Isso, não! Porém, ter um departamento de mídias, incluindo a tecnologia G4, sim, com prazer.

Você vai se transferir de NY para Londres? Está casado? Desde dezembro passado estou nessa ponte NY-LON:

acho que não consigo me desgrudar mais dessas calçadas. Casei de novo, sim, mas não estou a fim de dizer com quem nem dar detalhes.

Como estão os outros projetos?

Cinema e o livro “Suicide note”…

Fiz um ensaio, que está no meu videolog, intitulado “Book”.

Não é cinema, não é teatro, mas sim uma narrativa, um fio condutor de imagens e ideias que irão pontuar o filme cujo título será “Copywriter” (ideia de Claudio Martins), já que o original, “Ghost writer”, foi literalmente roubado pelo Polanski. Tem gente captando em vários lugares, inclusive no Brasil. Será uma espécie de thriller, inteiramente em película.

Um de seus últimos trabalhos no Brasil foi sobre sua mãe, que falecera. Como andam seus diálogos com ela?

Nossa, você instalou microfones aqui em casa? Tenho pensado muito, muito nela. Em como não consegui lidar direito com os últimos anos. E que a coisa teve que se resumir numa peça, através da qual tentei pedir perdão.

Pelo quê?

Falhei em tudo. Não estive lá quando ela mais precisou de mim. Coloquei-a num asilo e achei que estava o.k. Não, não estava.

Você assistiu à Copa?

Claro. Fiquei muitíssimo triste com a saída do Brasil. Quase morro.

E quando você passa por aqui?

Nunca excluo o Brasil. Mas, se eu for esperar um convite, fico sentado e viro estátua de sal.

Veja o filme, compre o livro e leia o Caetano Veloso

2010-07-04T23:36:00.009-03:00

"Os Famosos e os Duendes da Morte" da dupla dinâmica Esmir/Ismael

Esmir Filho e Ismael Canepelle têm todos os motivos para estarem felizes neste domingão. Caetano Veloso, na sua coluna no jornal O Globo é só elogios ao livro (Ismael) e ao filme (Esmir) "Os Famosos e os Duendes da Morte"!

Premiadíssimo no Brasil e no Exterior, em breve fará parte de uma programação latina no Moma/NY, este é o primeiro longa do Esmir que estréia mais autoral do que nunca, quanto ao Ismael eu conheço de outros carnavais, quando eu entrava na Cia. de Ópera Seca ele estava saindo, sempre nos encontramos com milhões de novidades. Depois que assisti na Mostra de Cinema/SP "Os Famosos..." no ano passado, fiquei chocado com a teatralidade do filme, disse ao 'Isma' que aquilo era teatro puro. Corta!

Hoje estamos trabalhando na adaptação de um novo romance seu (inédito) que pode estrear nos palcos e nas livrarias simultaneamente. É um projeto a longo prazo que está me dando muito prazer em descobrir imagens para sintetizar no palco todo o 'realismo fantástico' que a sua literatura carrega.
Talvez seja isso que tenha encanto o meu 'xará', leia aqui a íntegra da coluna do Veloso: http://twitpic.com/22ezhl

E se você ainda não assistiu ao filme aguardem, Esmir disse no seu twitter que ele será lançado em setembro em dvd, enquanto isso, veja o trailer abaixo e corra pro cinema mais perto:

Carta a um Amigo (Alberto Guzik 1944-2010)

2010-07-02T01:04:00.011-03:00

Alberto Guzik no seu aniversário no ano passado num jantar oferecido por Ivam Cabral (também autor da foto) em sua casa

Guzik, querido fiquei tão feliz da última vez que te visitei no hospital que apaguei do meu coração a tristeza da minha primeira visita ao te ver inconsciente saindo de uma delicada cirurgia.
Foi surpreendente encontrá-lo com humor, lutando, não só contra uma doença delicada mas também, contra todos os fantasmas que enlouquecem qualquer um que tem a vida brecada pelo destino e é obrigado a repensá-la numa longa e dolorosa sessão de análise sem terapeuta.
Ri muito quando você me disse que não era louco de, naquela situação, ler "O Lobo da Estepe" de Herman Hesse e que logo nas primeiras páginas o trocou por qualquer coisa de Agatha Christie. Talvez por você já ter vivido tudo como o personagem intelectual de Hesse, que depois dos 50 anos troca as certezas da vida burguesa pela mundana vida boêmia do jazz, putas e os desvarios dos 'undergrounds' anos 20.
Lembro da supresa geral da classe artística quando soube que o 'mestre e crítico' Alberto Guzik havia se tornado ator, e 'pior', no meio de travestis, bêbados, poetas e desvairados sonhadores no meio da Praça Roosevelt! Nada mais 'hesse' de ser do que descobrir ser dono de mais de mil almas depois dos 50 anos.
Lembro ainda no final da minha visita quando você praticamente implorou, segurando minha mão, para que eu fizesse um plano de saúde e, como sempre, esquecia de você e se preocupava com os outros querendo saber como estava caminhando os meus projetos e em como você poderia me ajudar.
Você já ajudou meu amigo, me ensinou que generosidade é uma virtude que tem que se pregar com constância e que na nossa profissão não existe medo, só dor. E a dor nos fortalece!
Um grande beijo.
Seu,
C.V.
...

Nesta sexta, 02/07/2010, às 18h será realizada uma missa em homenagem a este homem de teatro. Vamos celebrá-lo!
...

No site da SP Escola de Teatro (http://spescoladeteatro.org.br/albertoguzik/), que Guzik ajudou a fundar, há uma página linda com textos de amigos e também do próprio Guzik, retirados do seu blog: http://os.dias.e.as.horas.zip.net/
...

Abaixo, depoimento de Gerald Thomas sobre o amigo Alberto Guzik, publicado na Folha de S.Paulo:

São Paulo, terça-feira, 29 de junho de 2010

DEPOIMENTO
Morte de Guzik, uma breve interrupção

Em artigo para a Folha, dramaturgo e diretor Gerald Thomas comenta a morte do crítico de teatro, autor e ator

GERALD THOMAS
ESPECIAL PARA A FOLHA, DE LONDRES

O que se diz sobre a morte de um comunicador? Sobre uma pessoa de teatro, diz-se que "caiu o pano". Sobre um romancista, poderia se dizer que "virou a pagina" e assim por diante.
O fato é que, quando morre um "comunicador", alguém que compreende todas essas funções e as leva até o fim da linha, o impacto dessa morte vira também um grande enigma.
E, como grande comunicador, Alberto Guzik, que morreu no último sábado, escolheu ir entre os aniversários de morte de Michael Jackson e Pina Bausch. É claro, o Guzik não poderia ter deixado por menos.
Eu, Gerald, que virei o homem dos obituários aqui na Folha, desta vez não me encontro. Digo, o impacto da morte de um amigo tão próximo me deixa mudo.
Sim, trata-se de um amigo intenso, um cara que me acompanhou desde a minha chegada ao Brasil com meu teatro. Alguém cujos trabalhos eu acompanhava e vice-versa e cujos livros são prefaciados por mim ou por ele numa enorme confusão que, talvez, leve um título comum aos dois: "Homens de lugar nenhum, atormentados pela dor do mundo".
Não é à toa que o prefácio do meu livro "O Encenador de Si Mesmo" vem assinado por ninguém menos que Alberto Guzik. E não é à toa que eu estava no meio de completar o prefácio de seu mais novo romance, "Estátuas de Sal".
Como crítico, Guzik era o que se chamava de "moderado". Como ator, era um apaixonado. Como um homem da cultura, um estudioso "in love". Como professor, romancista ou acadêmico, todas as virtudes acima.

ETERNO CONFLITO
E agora? "Vá em paz, Guzik"? Não! Paz, não. Alberto Guzik era um pacifista, mas não era um cara da paz. O Alberto era o homem do eterno conflito. Todos eles e ao mesmo tempo.
Ah, sim. Sabia lidar (como ninguém), com eles: seus livros "Risco de Vida" e "O Que é Ser Rio, e Correr" são exemplos de que ele se aventurava pelas vias mais duras, mais árduas imagináveis.
Jogam o ser humano num mundo dantesco e rodrigueano-judaico. Sua vida como crítico teatral (sucessor de Sabato Magaldi no "Jornal da Tarde") era uma aventura que o jogava a favor e contra a "classe".
E? Alberto Guzik mandou tudo pra PQP uma vez que voltou a ser ator e cofundou o Satyros na praça Roosevelt em São Paulo. Seu novo livro (ainda não publicado), "Estátuas de Sal" é um romance brilhante que nos afunda em separações, mortes. Alberto sempre soube onde pisar forte.
Não irá falhar desta vez, após a sua (temporária) morte. Digo, não deixaria de nos interromper num momento onde a interrupção deixa de ser uma metáfora e passa a ser uma verdade: o relógio parou. Guzik morreu. E, por algum tempo, mesmo que seja por pouco, o tempo ficará parado com ele.
Adeus, meu amor.

GERALD THOMAS é autor e diretor teatral.

Cia. de Ópera Seca sob a direção do 'protégé' de Gerald Thomas. Na Time Out

2010-06-22T00:08:00.004-03:00

"Ópera Aberta", mais uma maluquice pra minha lista

2010-06-06T19:59:00.020-03:00

Encerrou sábado passado mais uma "Oferenda Musical", painel da música de Câmara produzida pela Arte Matriz (Eser Menezes e Giane Martins) no Teatro S.Pedro/SP com direção artística do maestro Alex Klein. Nesta terceira edição 'conviveram pacificamente' desde Mozart, Klughardt, Brahms, Beethoven até o experimentalismo de George Crumb (musicando um incrível poema de Lorca) e Gilberto Mendes com uma inacreditável "Ópera Aberta: para Soprano e Halterofilista" que dirigi e iluminei e já que era para ser experimental também dei a minha contribuição concebendo uma nova versão do que foi proposto na década de 70.

No ano passado dirigi "A História do Soldado"/Stravinski (dá uma olhada aqui e aqui) e quando o maestro Klein me deu as opções do que eu gostaria de fazer, nem pensei duas vezes ao me deparar com o título da obra de Mendes (ao lado, na platéia depois da apresentação). Surpresa maior foi saber que na verdade se tratava mais de uma performance do que uma ópera propriamente escrita, já que não temos musicos e muito menos MUSICA!!!!
Cada encenador dá a sua versão do que pode acontecer em cena e também não há um tempo determinado de duração, apenas que dure o "tempo necessário para que tudo ocorra sem deixar cair o interesse do expectador" como explica Mendes num roteiro escrito em 1976, abaixo:

Agora já que se trata de uma criação experimental mando abaixo uma sequência do que se viu (espetáculo) e o que não se viu (bastidores) num ensaio assinado por Andres Costa, enjoy:

Simone Foltran foi a "Soprano"

Valério dos Santos foi o "Halterofilista"

Dan Nakagawa foi o meu precioso assistente de direção

E completando o meu elenco, todo o meu carinho à dedicação dos meus atores: Christian Barros, Erica Negreiros, Felipe Ramos, Flávia Meyer, Lucas Pchara, Murilo de Paula, Priscilla Maia, Vanessa Vascouto
E também aos meus eternos Chris Aizner (cenógrafo e make up) e Olintho Malaquias (figurinos) e seus respectivos assistentes, Thiago Roque e Camila Fogaça.
Um carinho especial ao meu pupilo assistente de luz Wagner Antônio.