VISIONS FANTASMAGORIQUES

L'ARTISTE PEINTRE AMÉRICAIN ROBIN WEISS RÉVÉLE LA BEAUTÉ D'UN MONDE QUI PASSE SOUVENT INAPERÇU...

2026-07-28T11:04:06.961-04:00

La côte nord-ouest des États-Unis et du Canada est l’un des plus beaux coins du monde. Les paysages y sont à la fois sauvages et majestueux, avec une faune et une flore riches et variées. Les villes proposent des atmosphères variées et séduisantes, et leurs habitants incarnent la force et l’inspiration de leur cadre de vie.

Le touriste ou le visiteur qui découvre cette superbe côte du Pacifique est émerveillé par les trésors qu’elle recèle. Il ne sait plus où poser les yeux, tant il y a de beautés à admirer.

Pourtant, les habitants de ces endroits exceptionnels finissent souvent par s’y habituer, au point de ne plus en apprécier pleinement la beauté. Ils ne remarquent plus vraiment la beauté des lacs et rivières, la majesté des montagnes, l’animation de la vie maritime, les panoramas époustouflants ou l’énergie vibrante de la vie urbaine.

C’est là qu’entre en scène l’artiste peintre Robin Weiss, qui ne se verrait vivre nulle part ailleurs qu’à Poulsbo (Salt Marsh, photo ci-dessus), une petite localité de 12 000 habitants qui borde la baie Liberty, située à 28 kilomètres au nord-ouest de Seattle.

Seattle est surnommée la “Ville Émeraude” pour ses innombrables parcs, ses majestueux conifères, et sa végétation luxuriante, éclatante toute l’année. Une beauté naturelle capable d’inspirer tous les artistes, et les peintres en particulier.

Robin Weiss décrit ainsi son travail d'artiste pour mettre en valeur la beauté de sa région aux yeux des visiteurs et de ses concitoyens : «En tant que peintre, je pense que c’est mon rôle de donner au spectateur une chance, ou un second regard, sur une scène inobservée ou négligée que l’on ne remarquerait pas au premier abord».

Peintre prolifique d’environ 70 ans (sa courte biographie ne précise pas sa date de naissance, seulement qu’il a grandi dans le nord-est de l’État de l’Ohio), il connaît sa région sur le bout des doigts tant il l’a explorée et peinte sous tous les angles et dans les lumières les plus flatteuses. Il ferait un guide touristique extraordinaire ! Mais à travers ses nombreuses toiles, il nous invite tout de même à parcourir son royaume de beauté...

🎨UN TALENT PRÉCOCE, UN MENTOR EXCENTRIQUE ET UNE MAISON INSPIRANTE...

Robin Weiss a commencé à dessiner dès son plus jeune âge, et les cours d'art de son lycée à Chagrin Falls faisaient partie des rares matières qui le passionnaient vraiment. C’est à ce moment-là qu’il a profité de l’enseignement du professeur et peintre Lou Penfield, qui allait devenir son mentor et un ami de longue date.

Weiss se souvient : «Après mon entrée au lycée, le cours d’art a eu une grande influence sur moi. En fait, c’était l’un des rares cours qui retenait vraiment mon attention, principalement grâce à mon professeur, Lou Penfield. Il a vu en moi un certain potentiel en tant qu’artiste et a commencé à m’enseigner la peinture à l’aquarelle. C’est devenu une amitié pour la vie, et je dois beaucoup à Lou pour la personne que je suis aujourd’hui».

Lou Penfield (né à Willoughby, Ohio, le 31 décembre 1918 et décédé au Chardon Healthcare Center le 23 mars 2002) était un artiste excentrique et extravagant, au point de solliciter du célèbre architecte américain Frank Lloyd Wright les plans de construction de sa maison à Willoughby Hills, dans l’Ohio.

Commencée en 1955, cette maison de 1 730 pieds carrés de surface a été conçue sur mesure pour accommoder les six pieds huit pouces du géant Lou Penfield. Les plafonds, les portes et les fenêtres devaient être particulièrement hauts, atteignant 12 pieds ! Mais le budget de 25 000 $ que l’audacieux peintre avait prévu pour ériger le bâtiment original s’est épuisé rapidement, et Penfield n'a pu le terminer.

Frank Lloyd Wright (né le 8 juin 1867 à Richland Center dans le Wisconsin, mort le 9 avril 1959 à Phoenix dans l'Arizona) a aussi dessiné les plans d'un studio adjacent à la demeure, et Lou Penfield le réalisera plus tard avec l'aide du jeune étudiant Robin Weiss. Ce dernier ira d'ailleurs chercher des pierres de construction près de la rivière Chagrin située à proximité.

C'est à cet endroit magnifique que l'apprenti peintre pratiquera son art en créant en plein air des aquarelles. Il se remémore : « Que je peigne des natures mortes ou que je collecte des matériaux pour des sculptures naturelles, je prenais conscience de l'élégance des objets, des gens et des lieux de tous les jours. »

Nul doute que la maison imaginée par le grand architecte Frank Lloyd Wright, (une des neuf "Usonian houses" conçues par lui dans l'État de Washington), a pu l’inspirer par son caractère exceptionnel.

Elle ne rivalisait pas avec la splendeur de Falling Water, le chef-d’œuvre de Wright, mais la maison Lou Penfield a été restaurée et achevée par son fils, Paul Penfield, qui l’avait héritée de son père. En 2003, elle a été inscrite au registre national des lieux historiques et a ensuite servi de résidence de location pour les touristes.

🎨LA MARINE AMÉRICAINE ET LA FORMATION AUPRÈS DE MAÎTRES IMPORTANTS...

Avant de rejoindre l’Olympic College, après avoir déménagé à Poulsbo, Robin Weiss a effectué son service militaire dans la marine américaine. Il n’a pourtant jamais mis de côté la peinture. Pendant cette période, il réalisait des aquarelles alors qu’il se trouvait à bord des navires.

Après son service militaire, il entame des études collégiales en ingénierie architecturale et en arts à l’Olympic College, près de Poulsbo, avant de se lancer dans une carrière à plein temps en peinture.

Au collège, ses professeurs Jane Wallace et Deanne Lemley l’encouragent et l’aident à perfectionner ses aquarelles.

Plus tard, lorsqu’il se tournera vers la peinture à l’huile, les œuvres des peintres professionnels Richard Schmid (1934-2021, photo ci-dessus), John Singer Sargent, et Joaquin Sorolla, influenceront fortement son savoir-faire artistique.

Weiss a aussi suivi de nombreux cours et participé à plusieurs ateliers animés par des maîtres tels que : Darrell Anderson, Jim Lamb et Ned Mueller.

Mais le véritable tournant dans son apprentissage a eu lieu il y a une vingtaine d’années, entre 2005 et 2006, lorsqu’il a rejoint en ligne le mouvement « Daily Painters », après avoir découvert des artistes tels que Duane Keiser et Julian Merrow Smith.

C’est en s’imposant de réaliser une peinture chaque jour que Robin Weiss a développé une discipline solide, améliorant rapidement et fortement sa technique, ainsi que son sens de l’observation et de l’interprétation des sujets à peindre. Cela a également éliminé sa peur de rater ses tableaux. Ne dit-on pas que c'est en forgeant qu'on devient forgeron ?

Même s'il est maintenant un vétéran peintre septuagénaire, Weiss avoue qu'il continue à apprendre et à progresser artistiquement et techniquement. Mais le savoir-faire acquis avec l'expérience et l'enseignement de ses anciens professeurs lui permettent aujourd'hui d'enseigner son art à sont tour, au studio Knowles, chez lui, à Poulsbo.

🎨 LA RECONNAISSANCE DE SON ART, ET SES SUJETS DE PRÉDILECTION...

Même si certains critiques d’art rangent Robin Weiss dans la catégorie un peu réductrice de peintre de plein air régional, il reste un artiste reconnu pour ses paysages « atmosphériques », ses scènes urbaines et maritimes riches (comme "The Ferry to Varenna", photo ci-dessus), et sa manière unique de saisir les variations de la lumière naturelle.

Son travail n’est pas de tout repos. En tant que peintre de plein air, il doit affronter les caprices du temps comme la chaleur écrasante, le froid mordant, le vent, ou la pluie ; dénicher le bon angle pour peindre ses sujets sur des terrains parfois compliqués ; et travailler rapidement pour saisir le moment de la journée où la lumière est idéale, ce qui peut ne durer qu’une vingtaine de minutes.

Chaque toile doit être réalisée "alla prima", c’est-à-dire en une seule séance, avant que la lumière ne change. Weiss insiste sur le fait que tout repose sur la luminosité et le timing. Avec son sens affûté de l’observation et du rythme, il cherche le moment précis où la lumière du jour métamorphose les paysages, et où leurs couleurs s’illuminent des teintes recherchées.

Il insiste sur deux points essentiels avec ses étudiants : corriger leur principal défaut, qui est de ne pas mettre assez de peinture sur leur palette, de se perdre dans les détails, et apprendre à mieux observer leur sujet.

Il explique : « ... Une observation attentive de la scène avant de peindre est très importante. Il est facile de s’enthousiasmer pour une belle scène de la nature, puis de se dépêcher de commencer, avant d’observer attentivement la relation entre formes et couleurs. La technique rapide du croquis miniature est utile pour éviter d’être submergé par les détails, surtout pour les débutants ».

Inspiré par la beauté de son environnement, Robin Weiss affectionne particulièrement la lumière d’ambiance qui enveloppe les paysages du Nord-Ouest du Pacifique, la végétation côtière, l’architecture historique de la région, la vie marine du détroit de Puget près de chez lui, ainsi que les scènes de rue animées de Seattle.

🎨 SON INSPIRATION, SON RÔLE, SA MISSION...

Robin Weiss puise avant tout son inspiration dans la beauté de la nature, qu’il considère comme une œuvre divine et intemporelle. Sa mission est de saisir toute sa magnificence et sa poésie, particulièrement lorsque la lumière atteint son apogée au moment sublime.

Il raconte : « Avec de la peinture à l’huile, j’essaie de capturer ce que mon œil voit et ce que mon cœur ressent de la beauté incroyable qui m’entoure » (...) « Les aperçus de la nature arrivent souvent au coin de mon oeil, dans un éclair de lumière et d’ombre. Ce sont les sujets qui me fascinent le plus. Parfois, juste pour un instant fugace, ces scènes sont des bijoux à capturer et le défi est de garder leur éclat intact sur des canevas ou du papier ».

Selon lui, sa mission, son rôle, c’est la recherche de la beauté et de la vérité dans son art, parce qu’elles reflètent l’oeuvre divine du Créateur suprême. Weiss a résumé ainsi sa conception de l'art : « L’art est plus qu’une vocation, pour certains je crois que c’est un appel. En combinant imagination et foi, on crée de magnifiques œuvres d’art qui nous rappellent Sa perfection et son intemporalité. Dans l’art, on nous donne un présage d’éternité ».

🎨 SES TECHNIQUES

En général, Robin Weiss débute ses peintures en esquissant en arrière-plan les grandes masses du paysage, ou de son sujet, avec des couleurs diluées. Dans le nord-ouest du Pacifique, les paysages regorgent de tons bleus et verts. Weiss veille donc à éviter la monotonie en explorant d’autres nuances de couleurs pour apporter équilibre et harmonie à ses compositions.

Il complète :« Je commence presque toujours mes peintures par une teinte rougeâtre/orangée pour compléter les verts et bleus prédominants de notre paysage. Vous trouverez donc toujours de l’oxyde d’orange transparent ou, mon nouveau favori, la rouille de la quinacridone. J’inclus aussi Bleu Outremer, Viridian et Jaune Hansa ».

Avant de commencer, il réalisera un petit croquis ou une simple esquisse de son sujet à l’aide d’un cadre en carton ou en plastique transparent. Cela permet de bien cadrer, de prendre les bonnes mesures ou dimensions, et d’éliminer dès le départ une bonne partie des détails inutiles qui risqueraient de surcharger ou d'embrouiller sa toile.

Après avoir peint l’arrière-plan de son tableau, Weiss affine les formes, ajoute des jeux de lumière et des reflets, puis construit peu à peu la profondeur du paysage. Le résultat final est une scène naturelle lumineuse, réalisée directement sur place en une seule séance de travail. Ce processus est démontré dans la vidéo ci-dessous...

🎨 SES OEUVRES MARQUANTES...

Robin Weiss est considéré comme un peintre régional plutôt qu’un maître de renom. Ainsi, ses toiles ne s’écoulent pas pour des centaines de milliers ou des millions de dollars, mais se situent plutôt dans une fourchette de 400 à 1 500 $ US. Ses œuvres les plus prisées et connues représentent le nord-ouest du Pacifique, des scènes urbaines, et des paysages côtiers.

☆ Ses oeuvres signatures :

🎨 City Shade, Seattle : une peinture à l’huile de 20 x 20 révélant la maîtrise des couleurs et des jeux de lumière et d’ombre par Robin Weiss, dans un décor urbain typique de la ville de Seattle. Son prix de détail avoisine les 1 400 $.

🎨 First and Pine, Seattle : Un exemple phare de son style de rues "mouillé sur mouillé" (wet-on-wet) capturant l’ambiance sombre du centre-ville de Seattle.

🎨 Bagley Lake : huile 20 X 20. Peinture de paysage de montagne typique du travail de Robin Weiss, centrée sur la lumière, la sérénité, et la nature du Nord-Ouest américain. Le lac Bagley est situé près du mont Shuksan dans la chaîne des Cascades.

Les arbres et les montagnes environnantes se reflètent dans le lac miroir au centre de la composition. Weiss utilise des verts profonds, des bleus limpides, et des touches de violet ou d'ocre pour suggérer la lumière changeante, et une impression de tranquillité alpine. C'est toujours ce qu'il recherche dans ses tableaux.

🎨 Washington Coast at La Push : huile 15 X 30. La plage de La Push, sur la côte du Pacifique, est connue pour ses rochers monumentaux, ses vagues puissantes, et ses falaises sombres. C'est un sujet de choix pour Robin Weiss qui accentue les contrastes de couleurs entre l'écume blanche et les rochers sombres. Le tableau évoque la force brute du Pacifique, avec une lumière dramatique, et un ciel chargé, typique des scènes marines qu'affectionne Weiss. Tout comme Bagley Lake, ce tableau se vend dans les $ 1 400.

🎨 Suldan's Boat Shed, Port Orchard, WA : c'est un exemple des petits formats (6 X 8) des tableaux de Robin Weiss qui se vendent très rapidement, pour environ $ 425. Weiss aime peindre des scènes maritimes et l'architecture illustrant de vieilles structures côtières. Suldan's Boat Shed est un ancien hangar à bateaux situé sur le front de mer de Port Orchard, typique des structures maritimes du Puget Sound : bois patiné, lumière côtière, et ambiance portuaire authentique.

Parmi mes tableaux préférés figurent « Coral Cove » (photo ci-dessous) et « UW Cherry Bomb » (photo ci-dessus). Les contempler me procure un effet « WOW » garanti, qui traduit toute mon admiration pour les œuvres de Robin Weiss. Je suis un grand fan ! Il n’a pas seulement peint dans sa région, mais a également créé de superbes toiles en Californie, en Floride, en Irlande, et en France.

Robin Weiss est un peintre prolifique qui a vendu des centaines de toiles, aussi bien à des particuliers, qu’à des collectionneurs d’entreprises à travers le monde. Ses œuvres ont été publiées dans diverses revues, comme "Plein Air Magazine", ainsi que sur des sites web tels que "Daily Painters". Plusieurs galeries d’art, comme Scott Milo, Cole, Front Street, ou Liberty Bay, exposent souvent, et proposent également de vendre, plusieurs de ses réalisations.

🎨 STYLE ET COMPARAISONS...

Le style pictural de Robin Weiss s’inscrit clairement dans l’impressionnisme contemporain américain, et le mouvement moderne du plein air (démontré avec éloquence dans le tableau ci-dessus "Dosewallips + Elk). On peut le comparer à celui de certains peintres contemporains, ou à celui de grands maîtres historiques. Parmi ces derniers :

🎨 Camille Pissaro (1830-1903): un peintre Français reconnu comme le doyen des impressionnistes, qui comme Robin Weiss aimait peindre des paysages ruraux, et des scènes de rues animées. Les deux artistes ont brillamment su capturer le mouvement des personnages grâce à la lumière filtrant entre les arbres et les éléments architecturaux.

🎨 Childe Hassam (1859-1935) : En tant qu’impressionniste américain de premier plan, Hassam a peint de manière célèbre les rues pluvieuses de New York et des côtes de la Nouvelle-Angleterre. Les peintures de Weiss représentant les rues humides et scintillantes de Seattle partagent avec lui une ambiance, une palette de couleurs, et une texture identiques.

🎨 Duane Keiser (né en 1966 à Beaufort en Caroline du Sud) : est un artiste peintre américain contemporain célèbre pour avoir initié le mouvement international "A painting a day" (une peinture par jour) en 2004. C'est ce mouvement qui a inspiré Robin Weiss en 2005. Les deux artistes pratiquent la méthode "alla prima", et saisissent des sujets en apparence banals – comme un coin de chambre ou la façade d’un magasin – qu’ils transforment en scènes extraordinaires, grâce à leur jeu de lumière.

🎨 Michele Usibelli (née à Seattle en 1962) : Une autre peintre impressionniste du Nord-Ouest Pacifique. Comme Weiss, Usibelli utilise une texture riche et picturale, ainsi qu’une palette de couleurs vibrantes, pour représenter des paysages régionaux, des scènes maritimes, et des figures, avec un fort sens de la lumière et du drame. Elle est donc proche de Robin Weiss à tous points de vue...

🎨 John Burton (né à Salt Lake City, Utah, le 13 mars 1966) : est un peintre moderne en plein air de renom, connu pour ses compositions puissantes, et ses paysages atmosphériques. Burton et Weiss s’appuient tous deux sur un pinceau lâche et assuré, ainsi qu’une compréhension approfondie de la théorie des couleurs, pour établir la profondeur et l’ambiance en scènes extérieures.

Pour clôturer en beauté cet article, découvrez ci-dessous un diaporama des plus belles œuvres de Robin Weiss...

DANS LE FASCINANT LABORATOIRE PICTURAL DE L'ARTISTE PEINTRE ZOEY FRANK.

2025-08-25T16:28:00.000-04:00

L'artiste peintre américaine Zoey Frank ressemble à une scientifique. Chaque jour, elle fait de la recherche en peignant ses tableaux. Elle évolue d'un tableau à l'autre, chaque toile répond formellement à l'autre. Curieuse, elle questionne, enquête, formule des hypothèses dont elle vérifiera la validité en peignant.

Elle entretient une sorte de conversation ou de dialogue avec sa toile. Ça devient une rencontre entre elle et son sujet. Une rencontre qui s'enrichit au fur et à mesure de son dénouement, et qui parvient à définir sa propre façon de percevoir son environnement, et le monde.

Sans plan pré établi, sans thème ou objet particulier, elle part presque du hasard, ou d'une idée furtive, pour se lancer dans une recherche formelle active. Le point de départ pourra aussi être l'application d'une étude de couleurs, ou un simple croquis. Un élément en appellera un autre. S'il ne convient pas au premier, ou au 10e, il sera effacé partiellement, gratté, enlevé, superposé, ou modifié.

GIRL IN STRIPED SHIRT

Une toile ne sera finie que si l'oeil averti de Zoey Frank n'accroche nulle part sur le canevas. Si tout est respecté : composition, espace, couleurs, équilibre, rythme, tension, lumière. Ou si un problème précédent a bien été résolu.

Le tout est fait dans un but esthétique, qui fait briller les petits détails, les petites choses ordinaires, anodines, ou négligées, qui deviennent tout à coup, par son art, des objets ou des motifs de beauté, qui nous touchent avec éloquence.

Ce qui est extra avec cette artiste née en 1987, à Boulder, au Colorado, c'est la riche diversité de ses oeuvres. Elle ne se cantonne pas, comme beaucoup d'autres peintres, à un style, un genre, ou à un sujet en particulier.

BRUNCH

Certains peintres sont strictement des paysagistes, des portraitistes, des naturalistes, etc. Zoey Frank peut être tout cela à un moment ou à un autre. Sa peinture évolue sans cesse, mais elle semble aller de plus en plus vers l'abstraction. Bien que le figuratif garde toujours une place pour bien ancrer la composition dans la vérité.

Enfant, la petite Zoey passait beaucoup de temps à dessiner ou à fabriquer des choses. À l'école, en 7e année, après une leçon portant sur la Renaissance Italienne, c'était décidé : elle serait une artiste.

L'été suivant, elle suit des cours de dessin, et la suite de son éducation fut orientée vers l'art pictural. Rendue à l'étape de l'apprentissage au niveau collégial et universitaire, Zoey s'impatiente et choisit une formation plus pratique en s'inscrivant à "l'Atelier Classique de la Gage Academy of Art". Elle étudie avec Juliette Aristides.

SANDWICH # 2

À cet endroit, elle acquiert les techniques et les compétences de base du métier de peintre (leçons d'anatomie, d'observation, de structures). C'est une formation traditionnelle, classique. On apprend ce qu'il faut faire, et ne pas faire.

Mais les procédés enseignés à cette école sont trop limitatifs ou étouffants pour Zoey Frank. Certes, ils fournissent des outils utiles et nécessaires pour savoir peindre, mais la jeune peintre voudra rapidement s'affranchir des normes que ces procédés sous-tendent.

Frank sent alors le besoin de pousser plus loin son désir de se perfectionner. Elle fait sa maîtrise en art (Master of Fine Arts) au Laguna College of Art and Design, à Laguna Beach, en Californie.

LEMON TREE

Dans cette école, elle apprend grâce à une grande variété de professeurs. Elle apprend aussi au contact d'une multitude d'étudiants venant de tous les horizons. Les travaux pratiques, également fort diversifiés, lui permettent d'essayer des techniques et des méthodes nouvelles, qui vont l'orienter vers la découverte de sa propre façon personnelle de peindre.

Zoey Frank n'attendra pas de maîtriser tout son savoir technique ou professionnel pour commencer à peindre sérieusement. Déjà, durant ses études, -et pour justement payer ses études-, elle vendra ses toiles sur le marché public. On lui a pourtant conseillé le contraire, c'est-à-dire, attendre d'être bien établie avec un bon nombre d'oeuvres valables, avant de les publier.

Mais, puisque, instinctivement, le talent est déjà là, et qu'elle veut explorer l'univers visuel vers lequel elle tend, et pour lequel elle se passionne au plus haut point, Zoey Frank lance sa carrière, sans attendre. Les ventes hâtives de ses toiles, l'attention et la collaboration rapides des galeries d'art, lui prouvent qu'elle avait raison de précipiter ses débuts professionnels.

Bien sûr, Zoey Frank ressentait de l'incertitude et de la vulnérabilité en se lançant si jeune dans l'exigeant monde commercial. Après avoir progressé dans son métier, madame Frank a pu jeter un oeil critique sur ces premières toiles rendues publiques. Elle y a vu les défauts et les erreurs, mais elle a aussi constaté qu'ils lui avaient servie à progresser dans son développement en tant qu'artiste. Elle avait simplement fait de son mieux, à cette étape précoce de son cheminement...

Sa façon unique de peindre, elle l'a davantage apprise par elle-même, en autodidacte, en observant les oeuvres des grands maîtres à travers l'Histoire. En comprenant, adaptant et modernisant leur approche, leur langage pictural, leur style, leur perception du réel, et leur manière de peindre. Zoey Frank pourra même s'inspirer de leurs divers procédés à travers les époques (médiéval, cubisme, moderniste, etc) pour peindre différemment un même objet, aussi banal ou stupide qu'un sandwich, par exemple.

Cette étude de l'évolution historique de l'art de peindre a exacerbé cet intérêt initial et primordial dans son propre art : montrer le mouvement, le changement progressif des objets, des endroits, des situations, et des êtres. Ce faisant, Zoey Frank refuse le concept de "nature morte", et on verra dans ses toiles beaucoup de fragmentations, et de superpositions.

KIRSTEN

Par exemple, des objets, des plantes, des endroits, pourront être peints plusieurs fois selon qu'ils auront vieilli, ou changé en fonction du temps, ou de la lumière extérieure; au fil des heures de la journée ou des saisons. La toile pourra même conserver des éléments rappelant l'état initial du début du changement, ou les étapes suivantes du mouvement.

Madame Frank aime jouer avec les échelles de grandeur des objets et des figures sur ses tableaux. Elle veut établir des relations actives, entre les divers éléments de ses compositions. Dans l'espace de ses toiles, chaque endroit, chaque objet, chaque forme, chaque couleur, chaque position, est d'importance égale. Même l'arrière plan...

Chacun des élément est une pièce du puzzle, et il doit être placé au bon endroit, au bon moment. Tant qu'il ne l'est pas, Zoey cherchera ce qui ne va pas dans la composition du tableau. Elle pourra ajouter, enlever, modifier l'élément problématique dix fois, vingt fois, jusqu'à ce qu'elle ait trouvé la solution satisfaisante qui s'accorde à l'ensemble des parties de l'oeuvre.

TABORET

L'élément manquant, qui sera ajouté, est souvent insolite : une couleur surprenante, une plante exotique, un oiseau en cage, ou une forme géométrique inattendue. Tout ça pour dynamiser l'ensemble de la toile, attirer la curiosité ou l'attention de l'observateur, en le déstabilisant un peu...

Ce qu'elle vise par ce procédé, c'est créer un impact, un choc visuel, sans que le sujet ait nécessairement une signification explicite. Elle dira : «Je ne veux pas peindre ce que je vois, mais ce que je ressens en peignant».

Son approche est profondément contemporaine. Elle valorise le processus, l'intuition, la transformation. Elle ne cherche pas à illustrer un sujet, mais à faire émerger une peinture vivante, vibrante, qui reflète son cheminement artistique personnel.

POOL PARTY

Zoey Frank utilise la peinture comme un laboratoire visuel pour tester, déconstruire et réinventer les règles de la composition, de la couleur et de l'espace pictural. Elle procède par essais et erreurs, un peu à la façon d'un savant dans son laboratoire. Chaque correction est une avancée vers une découverte révélatrice. Elle cherche à équilibrer les couleurs et les masses.

C'est toujours un "work in progress" expérimental, jusqu'à ce qu'il n'y ait plus rien à apporter ou à modifier pour faire du tableau une réussite. Selon que Zoey Frank rencontre des difficultés ou des problèmes, en peignant une toile, celle-ci pourra demeurer incomplète, ou en "jachère", pour des semaines ou des mois, en attendant que le temps fasse son oeuvre.

Elle ne s'acharnera pas en vain, ou jusqu'à l'écoeurement, sur une toile difficile, qui refuse de livrer ses promesses, ses clés, ou ses secrets.

WHITE DRESS

C'est ainsi que madame Frank pourra avoir une dizaine de tableaux en attente. Pas question de forcer les choses pour, par exemple, fournir un nombre "x" de toiles pour une exposition à venir. Dans son travail quotidien, c'est essentiel de garder la fraîcheur et l'élan initial.

Puisque chaque tableau de Zoey Frank est le fruit d'expérimentations de toutes sortes qui se révèlent dans plusieurs couches de peinture sur la toile, l'observation de ses oeuvres, par l'amateur d'art, devient un voyage visuel qui provoque une sorte de rêve éveillé, entre le réel et l'irréel, entre la perception et le sentiment.

Chaque regard dévoile de nouveaux détails du tableau, qui tracent une perspective originale et racontent de nouvelles parties d'une histoire captivante, quoique, parfois, assez déroutante.

PARADE

Puisque les oeuvres figuratives de madame Frank intègrent de plus en plus de caractères abstraits, il me semble qu'elles s'approchent du surréalisme, sans en épouser pour autant le côté sombre, et sans devenir brouillonne. Au contraire, ses peintures demeurent charmantes, et un brin innocentes, ou doucement nostalgiques.

Elle ne sait pas elle-même ou ses expérimentations de "laboratoire" vont la conduire dans le futur. Mais à en juger par le chemin parcouru, on ne risque pas d'être déçu par son évolution.

GIOVANNI SANESI : L'INTEMPOREL À LA RECHERCHE DE L'ÉTERNEL...

2025-03-20T12:21:00.000-04:00

LE JEUNE ITALIEN DE 32 ANS S'EST HISSÉ RAPIDEMENT PARMI LES GRANDS PEINTRES CONTEMPORAINS.

Les œuvres du peintre italien Giovanni Sanesi sont loin d'être ordinaires. Elles reflètent son somptueux lieu de naissance, situé près d'une des plus belles villes artistiques du monde, Florence. Elles sont imprégnées de son incroyable cocon familial composé de pas moins de 17 frères et sœurs. Elles sont influencées par ses études de philosophie qui l'ont conduit à orienter son travail sur la condition humaine et les relations sociales.

Depuis son plus jeune âge, Sanesi est passionné par l'expression artistique. Que ce soit la peinture, le dessin, la sculpture, la musique, la photographie ou la vidéo, tout l'intéresse et l'inspire.

À l'âge de 9 ans, il fréquente déjà l'école d'art Léonard de Vinci de Prato, où son talent précoce lui permet d'être immédiatement admis dans des cours pour adultes.

Deux ans plus tard, il se fait connaître du grand public en participant à une exposition organisée par sa municipalité de Prato et le Centre Luigi Pecci.

Ensuite, pendant une dizaine d'années, il perfectionnera son art au contact de divers maîtres à l'Institut d'Art de Porta Romana à Florence.

Sa renommée s'est développée à un rythme accéléré, tant au niveau national qu'international, grâce à des participations à des concours prestigieux tels que l'Arte Laguna de Venise, la Biennale méditerranéenne BJCM, la Galerie Agora de Chelsea à New York, et l'exposition "Taci anzi parla" sous les auspices de la Gallery of Modern Art.

Sanesi travaille principalement à partir de documents vidéo ou photographiques représentant son environnement, que ce soit en Italie ou aux États-Unis.

Il utilise un mélange de résines, d'acryliques, d'huiles et de techniques de peinture numérique pour créer des oeuvres ayant pour thèmes la société post-pandémique, les problèmes contemporains liés à la sensibilisation à l'environnement, la fluidité des genres et les avancées technologiques. Il souhaite témoigner de l'évolution du monde et illustrer notre époque.

L'identité des individus, les différences chez les humains, leurs relations, l'équilibre entre isolement et intimité, ainsi que le passage du temps sont d'autres sujets de prédilection de ses toiles.

Le cadre de ses recherches, de son travail, est complexe et long à exploiter. Il a déclaré, lors d'une de ses expositions à Prato, en 2021 : «Mes oeuvres ne sont jamais vraiment achevées. Certaines toiles ont dû attendre des années avant d'être enfin peintes : parfois, on n'arrive jamais à mûrir ce qu'on veut dire et l'oeuvre reste inachevée, car elle attend qu'on vive intérieurement l'expérience qu'on veut raconter.»

Ce que le jeune peintre cherche à accomplir, en fin de compte, c'est d'exprimer des moments et des images véritablement marquants de la vie. : «Il y a une sorte d'intemporalité dans certains moments de la vie» explique-t-il. «...on le sait parce qu'on se souvient clairement de ces images, et dans certaines ouvres d'art, cela se voit. Certaines choses persistent au-delà du temps, car elles sont au-delà de lui. J'essaie de capturer ces instants éternels dans mes toiles.»

Ces moments forts, au cours de relations humaines particulièrement riches, ont façonné son expérience et donné du sens à sa vie, tant en tant qu'artiste qu'en tant que personne.

Pour rendre ce qu'il ressent sur ses tableaux, Sanesi emploie plusieurs matériaux, des couleurs vives et fortes, de même que des signes incisifs. Le surréalisme n'est jamais loin. Il peint la lumière de façon extraordinaire, particulièrement dans ses arbres, ses ciels et ses cours d'eau.

Ses toiles racontent une histoire qui nous transporte dans un univers où le temps semble suspendu, où tout devient possible. Ses personnages sont enveloppés d'un flou qui les fait apparaître comme dans des rêves ou des mystères.

À 32 ans seulement, Giovanni Sanesi n'a pas fini de nous émerveiller par ses oeuvres singulières et originales. Jusqu'à quel niveau d'excellence ses découvertes et son art pourront-ils nous entraîner dans son monde de rêve et de fantaisie ?

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MEG : UNE ADOLESCENTE QUÉBÉCOISE QUI FAIT COURIR LES AMATEURS ET LES COLLECTIONNEURS DE PEINTURES...

D'exposition en exposition de ses oeuvres, la jeune artiste peintre Mégane Fortin (alias MEG), de Stoneham, au Québec, bat des records pour la rapidité avec laquelle elle vend ses toiles.

Déjà, il y a sept ans, à l'occasion de ses premiers vernissages, l'adolescente maintenant âgée de seize printemps, voyaient ses tableaux être achetés en quelques jours. Puis, l'an dernier, l'entièreté de sa collection "2 vies" (dix-neuf toiles) trouvait preneurs en dix minutes, à la galerie d'art Perreault de Québec.

Puis, plus récemment, cette année, au Festival Doucouvr'ART, toujours dans la vieille capitale québécoise, MEG, nommée présidente d'honneur de l'événement, ne prenait que sept minutes pour disposer de sa nouvelle collection. Amateurs, admirateurs et collectionneurs, venant d'aussi loin que l'Europe, jetaient leur dévolu sur ses peintures abstraites, aux couleurs vives.

Ses expositions sont devenues des événements. Avant les ouvertures, plus de 150 personnes font la file à l'extérieur des galeries, en attendant de pouvoir admirer les oeuvres de la jeune peintre surdouée.

Les commandes, les offres et les demandes s'accumulent. Son carnet est rempli pour au moins trois ans. Son passage au Artexpo de New York, l'an dernier, n'a fait qu'amplifier sa popularité. Plus de 30 000 visiteurs ont défilé devant ses toiles. L'effet était d'autant plus fort qu'ils pouvaient observer ses peintures en 3D, grâce à des lunettes spéciales. Un fait unique parmi les exposants, dont MEG était évidemment la plus jeune.

Encore là, Mégane est revenue chez elle les mains vides, puisque tous ses tableaux sont partis entre les mains de collectionneurs internationaux.

Comment expliquer un tel engouement pour le travail de cette artiste précoce qui peint depuis l'âge de sept ans ? Son style original et si personnel, ses créations flamboyantes aux couleurs si riches, y sont sûrement pour quelque chose. Si MEG exprime ses émotions par la peinture, celles-ci rejoignent les personnes qui regardent ses oeuvres. Certains admirateurs sont même émus jusqu'aux larmes à la vue de ses tableaux.

Ses compositions aux traits éclatants sont si recherchées qu'elles sont reproduites sur plusieurs objets commerciaux : chaussures, vêtements, serviettes, étiquettes de bouteilles de bière, etc. Ses toiles se retrouvent également dans des bureaux, et elles sont mises en valeur dans des entreprises importantes.

Le talent de Mégane est inné. À quatre ans, elle passait son temps à dessiner. À l'école primaire, occupée par ses études, elle était frustrée de ne pas avoir assez de temps pour peindre. Voyant cela, sa mère décida de lui adjoindre un professeur pour développer ce talent précoce et dévorant ! De 2015 à 2018, le peintre Maurice Louis la guide à titre de mentor.

Dès le départ, Maurice Louis est impressionné par le naturel et les réflexes artistiques de sa jeune élève. Il dit : «MEG prend du recul avant d'appliquer la couleur. Elle regarde sa toile sous différents angles avant de continuer. L'harmonie et l'équilibre des masses démontrent qu'elle sait ce qu'elle fait.»

À partir de 2018, c'est l'artiste peintre Marie-Josée Lépine qui prend la relève de Maurice Louis pour parfaire la formation de MEG. C'est un coup de coeur immédiat pour la nouvelle tutrice. Elle voit le potentiel énorme de l'enfant prodige. Elle remarque : «Mégane crée avec l'énergie de l'enfance, avec un contrôle et une technique qu'elle semble maîtriser depuis des années. Elle ose, et ses toiles, épurées et puissantes donnent envie d'y plonger.»

Madame Lépine ajoute que sa protégée a «un instinct acéré pour l'art» (pur et vrai...) «il y a une énergie, une émotion qui nous est transmise. Ça ne s'enseigne pas. Il y a des gens à qui on pourrait enseigner plein de techniques, mais qui n'ont pas naturellement cette articulation naturelle pour faire quelque chose qui est beau, qui est esthétique et qui est toi.»

L'année suivante, en 2019, la carrière de MEG prend vraiment son envol. Un envol de grande envergure. Son talent est reconnu à l'international. À douze ans à peine, elle remporte le Prix "Internation'Art" (vote du public). Elle est aussi lauréate du Prix "Découverte Artistique de l'Art Total Multimédia (expert en art), et la jeune merveille obtient le Certificat de Reconnaissance du Musée d'Art Contemporain VR3D de Longwy (France).

Mégane est acceptée au sein du Collectif Internationnal d'artistes "ArtZoom" qui en fait une professionnelle de son art. Expertisée, la valeur de ses oeuvres est établie pour les marchés canadiens, américains et européens.

Son premier vernissage "professionnel" a lieu à Los Angeles (USA) en janvier 2019.

Plus les médias parlent de MEG, plus sa renommée grandit rapidement. Elle est en demande un peu partout et ses ouvrages sont très recherchés. Ses toiles se vendent entre $ 1 000 et $ 2 500 US. Elle pourrait exiger le double de ces prix, mais elle veut que ses créations demeures accessibles au monde "ordinaire", aux moyens plus modestes. Aux gens de son pays. Ceux qui continuent de l'encourager et de la soutenir depuis ses tout débuts.

Son immense succès la surprend. Elle ne s'y attendait pas. Elle se sent privilégiée de pouvoir vivre de son art, si tôt dans sa vie. Elle a un besoin vital de peindre. C'est essentiel à son équilibre mental. À son bonheur. Mais elle ne veut pas devenir une usine à production pour répondre aux nombreuses commandes ou demandes qui viennent de partout.

Tant que l'inspiration est présente, MEG veut la suivre sans forcer, sans exagérer, sans excès, à un rythme contrôlé. Pour éviter de se "brûler" : «Ce que je préfère, c'est peindre. Et j'ai la possibilité de vivre de mon art. C'est ce que j'aimerais continuer de faire comme travail. Enseigner, faire des expositions dans le monde. Mais je me garde une autre porte de sortie quand même, alors je vais aussi poursuivre des études dans le domaine muséal.»

Très mature dès ses douze ans, elle a en effet désiré partager sa passion pour la peinture en devenant enseignante pour les élèves de son école. Professeur aussi précoce qu'artiste avant l'âge ! Modeste, elle croit que ses apprentis peuvent faire aussi bien qu'elle.

Mais ceux-ci n'ont pas tous ce don étrange et rare sur lequel Mégane Fortin peut compter pour se distinguer du commun des artistes. En effet, MEG est "atteinte" du phénomène de la synesthésie. Cette particularité neurologique singulière se caractérise par l'association de deux ou plusieurs sens.

Ainsi, pour la jeune Québécoise, les couleurs de ses tableaux vont de pair avec des calculs mathématiques. Par exemple, 8 X 8 = 64 désigne la couleur mauve. 6 X 6 = 36, c'est le rouge. Chaque mois de l'année représente aussi une couleur : avril est rose, novembre est mauve, mai et juin sont verts...

On ne peut que se demander jusqu'où ira la progression et l'avancement de cette jeune artiste si étonnante. Comment évoluera-t-elle ? C'est à suivre !!!

2023-12-09T17:49:00.000-05:00

LES VISIONS FANTASMAGORIQUES D'ADRIAN GHENIE.

Difficile d'imaginer un artiste qui cadre mieux avec le titre de ce blogue ! Le peintre roumain Adrian Ghenie reproduit sur ses toiles sa vision très personnelle de grands personnages et des traumatismes collectifs de l'Histoire humaine, de même que celle de l'histoire de l'art de la peinture.

Ghenie, 46 ans, originaire de Baia Mare, au nord de la Roumanie, près de la frontière avec l'Ukraine, vie depuis une dizaine d'années dans son atelier de Berlin. C'est un des plus célèbres peintres contemporains. Ses oeuvres sont très recherchées des collectionneurs internationaux, et certaines se vendent plusieurs millions de dollars. Mises aux enchères à un bon prix, elles finissent souvent par se vendre à dix fois l'évaluation de départ.

NICKELODEON (2008) LA TOILE QUI A RENDU CÉLÈBRE ADRIAN GHENIE

Il se décrit lui-même comme un marginal de la société, et il préfère l'anonymat. Et bien qu'il ait été influencé par des peintres comme Titien (Italie 1488-1576 ⇨ par sa technique de superposition de couches de couleurs), l'Irlandais Francis Bacon (Dublin 1909-Madrid 1992), l'Espagnol Pablo Picasso (Malaga 1881-Mougins 1973), le Suisse Alberto Giacometti (Borgonovo 1901-Coire 1966), l'Ukrainien Kasimir Malevitch (1879-1935) et le Néerlandais Piet Mondrian (1872-1944), par leur façon de déconstruire et de reconstruire autrement les objets et le corps humain, Ghenie possède son propre style et il choisit les sujets de ses tableaux sans se soucier de ce que les autres artistes ou les gens, en général, disent, veulent, aiment ou pensent.

Sa technique et ses idées de création, il les a apprises de chaque tableau des grands maîtres qui ont jalonné l'histoire de la peinture. Des Grecs Anciens jusqu'aux grands peintres du 20e siècle.

Par exemple, dans ses toiles plus récentes, portant sur la manie actuelle des gens accrochées aux écrans d'ordinateurs et aux téléphones intelligents, desquels émanent une lumière ou une lueur bleue, Ghenie a fait un rapprochement avec les tableaux des peintres de la Renaissance qui faisaient le portrait de Saints auréolés et éclairés d'un rayon de lumière venant du ciel (Dieu).

SANS TITRE (2023)

Il travaille lentement (il produit une douzaine de toiles, en moyenne, par année), au milieu de son atelier, où le désordre et le chaos règnent. C'est un fouillis qui est même nécessaire à sa création.

Avant de peindre sa toile, il a une idée de ce qu'il va faire à 60%. L'autre 40% est un "work in progress". Ses compositions sont faites de couches de peinture et de formes diverses, de distorsions juxtaposées et assemblées à la manière de l'art du collage.

Selon le sujet choisi, les couleurs sont chaudes ou froides, tantôt harmonieuses, tantôt contrastantes. Ce que recherche Ghenie, au-delà du jugement esthétique des personnes qui regardent ses toiles, c'est de frapper leur imagination. Qu'elles trouvent ses oeuvres belles ou non, ce qui compte c'est de leur en laisser une impression marquante, un peu mystérieuse et magique, durable, inoubliable.

L'ARRIVÉE (2014)

Ses oeuvres sont également le reflet de sa propre histoire, de son inconscient, de son angoisse, de ses rêves, et de ses hallucinations, qu'il interprète à la manière du psychiatre suisse Carl Jung (1875-1961).

Surtout au début de sa carrière, Ghenie a travaillé à partir de ses souvenirs profonds. De son enfance et de son adolescence marquées par son père, un dentiste. Et de ses livres de médecine. Un paternel athée et devenu indifférent à ce qui se passait dans le monde, et à la société, après sa retraite.

Un genre de maniaque souvent dépressif, qui amassait toutes sortes d'objets endommagés ou usagés (comme des pneus, ou des bouteilles). Il gardait et empilait ces rebuts hétéroclites dans son garage, et dans le sous-sol de sa maison, avec le but de les réparer et/ou de les réutiliser plus tard.

BOOGEYMAN (2010)

À sa mort, vers 70 ans, c'est son fils Adrian qui a eu la lourde tâche de faire le ménage dans ces endroits devenus une véritable jungle ou un immense dépotoir inextricable.

Les livres de médecine et d'anatomie de son père lui ont donné cette fascination pour le corps humain et sa composition. Un de ceux-ci montrait des photographies horribles de tentatives de reconstructions chirurgicales de soldats défigurés lors de la première guerre mondiale. Des images qui l'inspireront plus tard dans ses peintures.

Le désordre du garage et du sous-sol, dont il a dû disperser les contenus épars, l'a influencé dans le sens de sa façon de peindre ses sujets, soit en les reconstruisant dans un "savant" désordre, après les avoir déconstruits.

DR MENGELE 2 (2011)

Le désordre et la saleté (taches de peinture partout, y compris sur ses vêtements) de son atelier, son indifférence à l'argent et à la religion; de même que sa tendance à la déprime, et à s'ennuyer, sont également des héritages de son père. Son angoisse aussi, même s'il a tout de même un certain sens de l'humour.

L'acte de créer en peignant lui donne un sentiment de puissance, d'être en charge, libre et indépendant. D'avoir le pouvoir de changer les choses, de les déterminer. Il apparente son travail et ses oeuvres à de la science fiction, surtout maintenant, grâce aux applications technologiques qui permettent de modifier, fragmenter, déformer et transformer : couleurs, dessins et images.

Ayant vécu la première partie de sa vie sous le régime du dictateur roumain Nicolae Ceausescu (1918-1989), Adrian Ghenie a probablement été marqué par ce personnage assez monstrueux, et par l'histoire de ses grands-parents qui ont eux-mêmes vécus dans des pays également sous le joug de dictateurs ou de bourreaux comme les Nazis (Hitler, le Dr Mengele), ou les dirigeants autoritaires et sanguinaires de la Russie (Lénine).

POINT TOURNANT 1 (2009)

Ce sont d'ailleurs les portraits (aux figures décomposées et recomposées, un peu à la Frankenstein) de ces "méchants" personnages ou d'artistes légendaires (Marilyn, Elvis, Van Gogh, Darwin) de l'Histoire qui ont fait connaître et apprécier le travail de Ghenie. Sa série de tableaux sur lesquels apparaissent des personnages entartés (batailles de tartes à la crème) a également fait fureur et est très convoitée par les collectionneurs de partout sur la planète.

Voici un diaporama montrant quelques-unes de mes toiles préférées de Ghenie.

DANS LA FOISONNANTE JUNGLE URBAINE DE GREGORY HERGERT.

2022-08-08T14:28:00.000-04:00

Le fondateur du surréalisme urbain, l'artiste peintre Gregory Hergert, se nourrit de l'énergie vibrante et grouillante de la faune urbaine dans laquelle il vit (Portland, Oregon) pour créer des oeuvres éloquentes, satiriques, et saisissantes. Ses peintures s'éclatent en humour, en couleurs vives, en contrastes frappants, et en érotisme, dans des formes savamment soumises à des distorsions qui produisent des effets sensationnels.

GREGORY HERGERT

L'américain Greg Hergert est né en 1952 à Corvallis, Oregon. Mais il a grandi à Shelton, une petite localité agricole et forestière, dans l'état de Washington. Ses amis étaient des fils de bûcherons. Ils fumaient tous de la drogue. Détail important qui explique peut-être pourquoi on retrouve des cigarettes dans la plupart de ses tableaux originaux.

Hergert en a-t-il fumé lui aussi avec ses amis durant son adolescence ? Je ne le sais pas. Mais plusieurs drogues provoquent des hallucinations ou des rêves étranges qui ont inspirés bien des artistes visuels ainsi que des musiciens. Et Hergert a vécu sa jeunesse en pleine période «hippie». Alors, il se peut qu'il ait été influencé par cette contre-culture révolutionnaire.

ANDY WARHOL - ZEBRA

Son père était un chimiste mais il rêvait d'être un artiste. Il amenait souvent sa famille voir des expositions dans les musées. Son fils Gregory a donc été mis en contact avec l'art assez tôt dans sa vie. Il appréciait particulièrement les oeuvres d'Andy Warhol. Il aurait bien aimé imiter son idole, mais il n'avait aucune idée de comment y arriver.

Parmi les arts, le jeune Hergert préférait davantage la littérature. Il adorait lire des histoires. Ce goût pour les récits fantastiques l'inspirera plus tard dans sa carrière de peintre. Par exemple, il a peint une toile représentant la fable du Petit Chaperon rouge.

À dix-sept ans, il déménage avec sa famille à Madison, dans le New Jersey. Hergert suit son instinct et ses rêves en choisissant d'étudier en design au Rhode Island School of Design. Ses collègues étudiants sont pour la plupart des fils d'illustrateurs ou de peintres.

NORMAN ROCKWELL - THE PLUMMERS CIRCA

Beaucoup d'entre eux sont des admirateurs du célèbre illustrateur Norman Rockwell (1894-1978). Greg s'intéresse aussi à son oeuvre, qui l'influencera beaucoup, plus tard dans sa carrière. De Rockwell il aime particulièrement son style «raconteur d'histoires», ses personnages à la tête surdimensionnée, et l'usage qu'il fait de la caricature pour accentuer le caractère comique de certaines situations qu'il peint.

Fraîchement diplômé de l'école de design de Rhode Island, Hergert retourne chez ses parents, sans savoir quoi faire pour gagner sa vie avec sa nouvelle formation.

Pour se divertir, il regarde souvent son magazine favori, Humorama. C'est une revue contenant des caricatures comiques et des photos de pin-up (Bettie Page, Eve Meyer), d'effeuilleuses (Lili St-Cyr) ou d'actrices sexy (Joi Lansing, Tina Louise, Sophia Loren), accompagnées de gags pour la plupart sexistes.

Plusieurs dessins montrent des secrétaires sexy au décolleté profond, à la poitrine et au postérieur proéminents, aux pulls moulants, reluquées libidineusement par des patrons ou des collègues masculins. Certaines d'entre elles ne s'intéressent aux hommes que pour leur argent.

Parmi ces caricaturistes de Humorama, plusieurs sont d'excellents artistes qui ont, ou qui auront de belles carrières. Il faut notamment mentionner : Dan Decarlo (Archie), Bill Wenzel (Sex to Sexty), Bill Ward (Torchy) et Jack Cole (Playboy).

DESSIN PAR BILL WARD

Les anciens numéros de la revue Humorama -surtout ceux de la faste période 1955-1965- sont devenus des objets de collection très recherchés par les amateurs de «vintage» et de «kitsch», ainsi que par des historiens et même, fait surprenant, par des femmes !

Ce genre d'art populaire marquera aussi le style pictural du futur peintre Hergert, notamment son goût pour l'hyper sexualisation de ses personnages de femmes en forme de sablier ⌛.

À l'endos de chaque numéro, se trouvent les adresses des collaborateurs du magazine. Un d'entre eux habite tout près de la famille Hergert. Greg prend son courage à deux mains et il décide d'aller le rencontrer. C'est ainsi qu'il découvre un mentor qui lui enseignera les trucs du métier d'illustrateur. Grâce à ses nombreux et importants contacts, il lui fera également obtenir ses premiers contrats.

À Manhattan, New York, qui est le principal centre de l'industrie de la publication aux USA, Hergert se taille une carrière enviable de 1978 à 1997. Il décroche beaucoup de contrats d'illustrateur, notamment pour Penthouse, McCall's, CBS et la revue Psychology Today.

Ensuite, une expérience marquante viendra changer son orientation et son chemin. En effet, quand sa mère est atteinte de la maladie d'Alzheimer, Gregory interrompt sa carrière et se rend en Pennsylvanie pour être son proche aidant naturel. Sa façon de voir la vie, sa pensée, seront transformées par cet épisode éprouvant.

Après le décès de sa mère, Gregory Herbert reprend son métier d'illustrateur, mais, graduellement, c'est la peinture qui l'occupe de plus en plus.

UNE OEUVRE DE ROBERT WILLIAMS

Il est inspiré par le mouvement artistique «Lowbrow», surnommé également «surréalisme pop», qu'il découvre sur le web. Né en Californie (L.A.) à la fin des années 1960, ce genre artistique se définit par un amalgame de cultures ou de sous-cultures du type «punk» ou «tiki»; de bandes dessinées comiques underground, et de graffitis. Un de ses représentants, à l'origine de son appellation «Lowbrow», est le peintre Robert Williams.

Aux fins de ses productions picturales, Gregory Herbert nourrit son imagination fertile de toutes sortes d'images issues de courants artistiques divers, et de quantités de dessins, de photos et d'objets hétéroclites dont l'intense accumulation transforme parfois son atelier en un véritable capharnahüm.

UNE OEUVRE DE JOSEPH CORNELL

Mais il accepte ce désordre et apprend à composer avec lui, surtout depuis qu'il a lu un livre au sujet du sculpteur new yorkais Joseph Cornell (1903-1972), qui, comme lui, collectionnait toutes sortes d'objets, les assemblaient pour en faire des oeuvres d'art dans des genres de coffrets ou d'armoires. Il fut un pionnier dans ce genre artistique.

D'ailleurs, en peinture, chez les surréalistes du siècle dernier, le collage était un art couramment pratiqué. Herbert s'inspirera également de ces idées et, grâce au merveilleux exemple de Cornell, devenu un maître à penser, celui qui s'est toujours considéré comme étant un marginal, se sentira légitimé d'accumuler autant de choses dans son bordélique atelier !

Au début de son parcours de peintre, Greg Herbert versait pas mal dans la nostalgie et ses souvenirs pour trouver des sujets à peindre. Mais lorsqu'il s'est mis à simplement observer les scènes de rues autour de chez lui, il a découvert que c'est là que l'action se déroulait et qu'il pouvait y puiser une multitude de sujets à traiter.

Bien des peintres se servent de la photographie comme outil de travail avant de commencer à dessiner. Herberg utilise rarement ce moyen car les sujets sont intimidés par son appareil photographique, ou bien il arrive aussi que les personnes qu'il veut photographier réagissent agressivement et refusent qu'on leur tire le portrait !

Avec de l'entraînement, Greg a appris à se passer de son appareil photo, et à mémoriser minutieusement les détails de chaque scène urbaine qui l'inspire pour ses tableaux. C'est un travailleur acharné, qui passe dix heures par jour, six jours par semaine, à dessiner et à peindre dans son studio. Ce dur labeur explique pourquoi ses oeuvres sont si abondantes et si riches.

Favorisé par son talent naturel, sa longue expérience, sa curiosité sans bornes, son coeur à l'ouvrage, et les bonnes techniques qu'il a su maîtriser, Gregory Herbert est devenu un des peintres dominants de sa génération.

Sa renommée fait en sorte qu'il est très sollicité, y compris à titre d'illustrateur, par toutes sortes d'organismes, d'institutions, ou pour des expositions. D'autres artistes, comme ceux de la scène musicale, ont recours à ses services pour créer leurs affiches de spectacles, ou des illustrations pour leurs albums.

Comme tous les surréalistes, Greg Herbert est toujours à l'affût de ce qui sort de l'ordinaire : l'inusité, l'inorthodoxe, le bizarre. Il aime peindre des personnages colorés, qui ont du caractère et sont en action. Il est inspiré par des scènes dramatiques comme des accidents, des incendies, des crises de colère, des confrontations, des interactions intéressantes entre les humains de son entourage urbain.

Il recherche les contrastes, les juxtapositions inattendues, par exemple entre la richesse et la pauvreté, entre les différentes classes sociales. Il montre souvent les côtés sombres et laids de la ville, ceux que les gens ne veulent pas voir. Comme les mendiants, les sans abri, la saleté, les crimes. Les modes en vogue (cellulaires, vêtements, bijoux) et les moeurs actuelles des américains sont également dépeintes dans ses ouvrages.

En ce sens, Herbert se définit comme un communicateur qui veut révéler le côté caché ou pittoresque du milieu urbain, et les multiples facettes de la condition humaine d'aujourd'hui.

Sur ses toiles, les animaux et les humains se mêlent et on ne sait plus qui est qui. Il dessine des animaux avec des traits humains et vice versa. Il incorpore des personnages de bandes dessinées ou de dessins animés célèbres. Il peut partir d'un petit détail et l'extrapoler pour imaginer une histoire complète, qu'il reproduira ensuite sur ses peintures.

Hergert veut surprendre celui ou celle qui va regarder ses tableaux. Rendre beau ce qui est laid, comme seuls les peintres les plus talentueux osent, savent et peuvent le faire. Le tout sous forme de satire fantasque, de comédie délirante, de fantaisie absurde, qui rend ses toiles intéressantes et agréables à regarder et à savourer !

Sur la musique de Big K.R.I.T. (Energy), voici un montage de quelques-unes des plus remarquables oeuvres de Gregory Hergert. Enjoy !

GRÂCE À LYNDA LANKER, LES FEMMES DE RANCH ONT FAIT LEUR PLACE DANS L'HISTOIRE AMÉRICAINE.

2021-11-07T14:07:00.003-05:00

Enfants, quand nous jouions aux cowboys et aux Indiens, elles n'étaient pas là.

À la télé, lorsque nous regardons des films de western, elles ne sont pas là.

À l'école, lorsque nous avons étudié l'Histoire Américaine, elles n'étaient pas dans nos livres, non plus.

Jusqu'aux années 1990-2000, j'ignorais leur existence. Et je peux affirmer que bien peu de gens connaissaient leurs histoires.

Mais grâce à l'immense travail de découverte et de création de la portraitiste américaine Lynda Lanker, ces femmes extraordinaires, exerçant le rude métier de «rancher» dans l'Ouest américain, ont pu trouver leur place dans la grande Histoire de leur vaste pays.

Oui, ces femmes valeureuses exploitant d'immenses ranchs de l'Ouest américain en s'occupant du bétail, des chevaux, des cultures et des autres durs travaux de cet exigeant métier ordinairement exercé par des hommes appelés «Cowboys», ont réellement vécu ce genre d'aventure peu commune.

Pendant près de vingt ans de labeur, en révélant au monde entier l'existence et les histoires fascinantes de ces femmes fortes et indépendantes à travers ses dessins ou ses portraits peints avec une multitude de techniques et de matériaux artistiques, Lynda Lanker, une Américaine de Eugene, Oregon, née en 1943 à Kansas City, a tellement été marquée par cette expérience et ses sujets, qu'elle en a été personnellement changée à jamais.

Il faut dire que c'était un sujet de rêve pour une artiste peintre. Un sujet riche, jamais exploré, révélateur, sensationnel : une mine d'or ! Avec des paysages et des personnages fabuleux, beaux à couper le souffle, dignes des héros de la Conquête de l'Ouest. Des portraits d'héroïnes insoupçonnées, d'autant plus précieux qu'ils décrivent une race en voie d'extinction, qui risquait de s'éteindre avant même qu'on l'ait découverte...

Désormais, depuis cette année, leur précieux héritage est conservé pour toujours par un musée du Texas, le «National Cowgirl Museum and Hall of Fame» qui a acquis 65 portraits de l'oeuvre magnifique de Lynda Lanker, qui avait aussi été exposée auparavant, à divers endroits aux USA, et qui a également fait l'objet d'un livre intitulé «Tough by Nature».

Au départ, au début des années 1990, «Tough by Nature» était un tout petit projet dont l'idée était de Elizabeth Brinton, une amie peintre de Lynda Lanker. Le lieu visé était une petite partie de l'Est de l'état de l'Oregon. Brinton devait peindre les paysages et Lanker les personnages. Cette dernière voulait pousser plus loin ses investigations mais son amie n'était pas disposée à voyager davantage. Lanker décida alors de faire cavalier seul.

Pendant qu'elle visitait de plus en plus de ranchs tenus par des femmes, en la voyant peindre de plus en plus de portraits, son mari, le renommé photographe Brian Lanker réalisait bien plus que son épouse à quel point ses travaux étaient importants. Qu'ils étaient véritablement historiques...

Aux yeux de Brian Lanker, ce projet formidable devait être élargi; faire l'objet d'un livre où non seulement l'oeuvre de sa conjointe devait être reproduite, mais montrer également des photographies de ses singuliers sujets, et transcrire les interviews que Lynda faisaient avec eux.

Brian Lanker, fortement impressionné, et conscient de la valeur inestimable du projet artistique de sa tendre moitié, décide alors de mettre en veilleuse ses propres projets professionnels pour se consacrer pendant au moins un an à mettre en valeur et à promouvoir les travaux de sa femme. Malheureusement, il ne peut achever sa tâche puisqu'il meurt d'un cancer dans les mois suivants. Mais le projet du livre qu'il voulait faire lui survit et il fait maintenant lui aussi partie de l'Histoire sous le titre de «Tough by Nature».

Pendant deux décennies, Lynda Lanker a parcouru treize états de l'Ouest américain. Elle a interviewvé, photographié, dessiné, peint, connu et admiré une cinquantaine de ces femmes de ranch. La plupart de ces êtres originaux étaient assez âgés. Plusieurs sont décédés depuis. Les plus jeunes se distinguaient parfois par leur participation à des rodéos.

Ces femmes fantasques ont confié à madame Lanker qu'elles avaient une particularité par rapport à leurs collègues masculins participant aux courses de barils, au concours de lancer du lasso ou de capture de veaux, ou en chevauchant des taureaux sauvages. Lorsqu'elles se blessaient (fractures) en tombant de leur monture, elles ne montraient pas leur douleur aux spectateurs parce qu'elles ne voulaient pas qu'ils la plaignent en disant que c'étaient de faibles femmes qui ne devraient pas essayer de rivaliser avec des hommes naturellement plus durs à leur corps...

Dans les portraits de Lynda Lanker, ces cowgirls plus jeunes se distinguent aussi de leurs aînées par leur attitude joyeuse, exubérante, défiante. Tandis que leurs consoeurs plus âgées montrent souvent un visage ridé, brûlé par le soleil ardent de l'Ouest, un visage fatigué, pensif et parfois mélancolique.

Cette usure s'explique non seulement par la rudesse de leur métier mais parce qu'elles ont dû être des «super women» qui, en plus de trimer dur sur leur ferme, ont été des mères qui ont élevé leurs enfants tout en tenant maison.

Si elles semblent un peu tristes, c'est qu'elles n'ont pas de relève pour leur ranch. Âgées, à bout de force, elles se résignent à vendre leur propriété, souvent à de grands propriétaires terriens, qui agrandissent ainsi leurs terres pour y pratiquer une agriculture industrielle fortement mécanisée et automatisée.

Ou bien ce sont de gros promoteurs immobiliers qui achètent leurs terres bien-aimées et la transforment en développements résidentiels, prolongeant ainsi la ville toute proche.

Au moins, avant de disparaître, ces femmes exceptionnelles auront eu la consolation d'être enfin reconnues par le monde, et immortalisées grâce à l'art fantastique de Lynda Lanker.

Certaines d'entre elles ont visité l'exposition à titre d'invitées d'honneur. Elles étaient à la fois heureuses, émues et fières, de savoir qu'elles ne seront pas oubliées; de savoir qu'elles ont maintenant leur place dans l'Histoire de leur grand pays; et d'avoir démontré courageusement cet autre «american way of life» trop méconnu, celui du mystique Ouest américain.

Voici un aperçu de cette merveilleuse exposition :

CECILY BROWN A RÉINVENTÉ L'ART DU NU.

2021-06-13T11:28:00.001-04:00

Les arts visuels montrent la nudité humaine depuis des temps immémoriaux.

Dans les Balkans, dans un passé récent, on a retrouvé des figurines de personnages nus remontant à 7 000 ans avant Jésus-Christ.

Dans les anciennes civilisations de Babylone, d'Égypte, de l'Inde, de la Grèce, et du Japon, les sculptures représentaient les dieux et les déesses sans le moindre vêtement.

Il est vrai que dans la plupart de ces régions, le climat était chaud, et que les gens ordinaires étaient souvent nues, ou presque nues, pour vaquer à leurs activités quotidiennes. La nudité n'était pas quelque chose d'anormal ou de choquant.

Après les Grecs anciens, la nudité a été exclue des représentations artistiques jusqu'à la période de la Renaissance. Ce long hiatus, surtout au Moyen Âge, est attribuable à la chrétienté, doctrine pour qui la nudité est synonyme de honte, de péché et de faiblesse.

Et même lorsqu'elle réapparaîtra au XVe siècle, on sculptera et on dessinera encore la nudité à travers des personnages anciens, comme Vénus (Vénus endormie, par Giorgione), issus de la mythologie grecque ou romaine.

Il faudra attendre Michel-Ange, et ses oeuvres géniales dans la Chapelle Sixtine, pour que la nudité soit réhabilitée comme "art religieux".

Ce n'est pas avant Édouard Manet (Déjeuner sur l'herbe, 1863) que l'on pourra admirer des nus autres que les divinités antiques.

À la fin du XIXe siècle, l'invention de la photographie relancera l'art du nu. Le célèbre peintre Eugène Delacroix s'inspirera, entre autres, de ce nouveau médium.

Au siècle suivant, la peinture abstraite renouvellera la façon de dessiner les corps nus. Picasso (Demoiselles d'Avignon), par exemple, ajoutera une grande part d'imaginaire pour peindre des nus comme on en avait jamais vus.

Dans notre période contemporaine, beaucoup d'artistes trouvent le nu démodé. Mais certains peintres comme Cecily Brown (photo ci-dessus) ont réussi des tableaux remarquables sur ce thème délaissé.

Née en 1969, en Angleterre, de parents oeuvrant dans le domaine de l'art, Cecily Brown reçoit sa formation de peintre à la Slade School of Fine Art, au début des années 1990. Alors qu'elle cherche sa voie artistique et son style, elle ne trouve pas l'inspiration dans le milieu, les idées et la façon de faire des jeunes peintres de son pays.

Quelques années plus tard, c'est à New York, à la galerie d'art de Jeffrey Deitch, que Brown effectuera des débuts éblouissants et sera catapultée vers le statut de vedette acclamée. Elle s'établit dès lors dans la métropole américaine.

De son propre aveu, Cecily Brown croit que si elle n'était pas une femme, elle aurait percé plus tôt le marché de la peinture commerciale, qui est encore dominé par le genre masculin. Elle a réussi l'exploit d'être une des premières, si ce n'est pas la première peintre féminine, à franchir la barre du million de dollars (U.S.) pour la vente d'une de ses oeuvres.

Depuis, le prix de ses tableaux a atteint et dépassé régulièrement et largement ce seuil. Sa célébrité et sa fortune lui laissent même la liberté de détruire certaines peintures qui ne la satisfont pas, mais qui auraient pu se vendre $ 350 000 ou $ 400 000 u.s. sur le marché, par la seule valeur de sa signature.

Au fil de sa carrière, l'art de Cecily Brown a évolué toujours plus vers l'abstrait. Mais elle s'est toujours efforcée de garder au moins un ou quelques éléments figuratifs dans ses toiles, afin que le visionneur ait quelque chose de bien réel sur lequel «s'accrocher».

Au début, surtout dans ses oeuvres "érotiques", qui lui ont d'ailleurs permis d'acquérir sa renommée, la nouvelle New-Yorkaise avait le don de transformer ses personnages figuratifs en images abstraites.

Mais déjà, à ce stade précurseur, ses tableaux portaient sa marque de commerce. C'est-à-dire qu'ils représentaient des personnages, des animaux, des paysages ou des objets en mouvement, dans des situations de tension, de violence, de conflits, de guerre, de chaos, d'excitation. Souvent dans un déluge de couleurs.

Dans le cas de ses peintures érotiques, ses acteurs apparaissent soit dans des orgies ou/et en état de jouissance orgasmique. Toujours dans l'intensité. Pour frapper l'imagination ou créer le fantasme.

Car pour Cecily Brown, il faut qu'il se passe quelque chose entre ses tableaux et ceux qui les voient. Il faut que ce soit interactif. Que le spectateur participe. Qu'il entre dans la représentation, dans le mouvement. Qu'il le ressente. Qu'il y trouve sa propre interprétation. Qui elle-même pourra changer en même temps que l'individu, qui va changer lui aussi, car il est en mouvement, avec la vie et ses expériences. Peindre le mouvement, l'intensité, la mouvance, c'est peindre la vie. Sinon, à quoi bon ?

Brown peint plusieurs tableaux à la fois. Le travail sur chaque oeuvre, en alternance, peut durer des mois et des années. Ainsi, à mesure que chaque peinture progresse ou fermente, le temps fait son oeuvre. Au fil du temps, le tableau gagne en maturité, s'invente lui-même, dans ce «work in progress» autant dans le cerveau ou le coeur de l'artiste que sur sa toile.

Cecily Brown ne planifie pas ce qu'elle va faire sur ses toiles. Elle peint d'instinct. À partir de presque rien. Une esquisse spontanée, sans idée préconçue, au gré de sa fantaisie, conduira, ou pas, à une peinture quasi-automatique qu'elle considérera aboutie ou ratée, digne pour l'exposition ou seulement bonne pour les vidanges...

S'ÉMERVEILLER COMME LES ENFANTS !

2021-03-12T12:17:00.000-05:00

Sans contredit, le plus magnifique pays du monde est celui de l'art ! Cette contrée fabuleuse où les artistes font jaillir au bout de leurs doigts habiles ce chatoiement et ce foisonnement de couleurs et de formes qui nous enchantent ou nous laissent interdits...

Pour le plaisir et la jouissance de tous nos sens, ces êtres fantaisistes embellissent nos existences en nous faisant voyager au-delà du réel, du possible, de l'ordinaire.

Au royaume de leur imaginaire débridé, ils nous entraînent dans leurs aventures fantastiques.

Ils nous surprennent par des éclairs de génie, par leur audace ou la finesse de leur esprit. Ils nous égaient et nous émeuvent.

Ils touchent notre coeur ou nous font réfléchir. Ils nous contentent, nous consolent, nous divertissent, nous ébahissent et nous inspirent.

C'est ce que je veux montrer avec ce blog. Ce regard sublime des créateurs en arts visuels : peinture, photographie, images 3-D, architecture, sculpture, illustrations publicitaires.

Le trait commun de tout ce que je veux vous montrez : le surprenant, l'original, le peu banal. Cela pourra être drôle ou sidérant.

Le plus souvent, ces réalisations se situeront à mi-chemin entre l'art abstrait et le figuratif. Pas trop dans l'abstrait pour ne pas s'y perdre; pas trop dans le figuratif pour ne pas s'ennuyer.

Dans un univers comme celui que décrivait Fellini : «Ce sont ces limbes, cette frontière entre le monde du tangible et de l'intangible - qui sont vraiment le royaume de l'artiste».

Les plus grands artistes sont fréquemment de grands enfants. Qui sont restés rivés aux livres d'images de leur prime jeunesse. Qui ont conservé ce regard émerveillé qui transforme toute chose.

Cette innocence et ce regard neuf qui rendent toute chose possible grâce à l'extrême richesse de l'imaginaire.

Dans les rêveries qui guident la conception de leurs oeuvres, les artistes sont comme ces petits qui nous torturent inlassablement par leurs questions. Ces "pourquoi" qui se répètent à tout propos et qui, dans le fond, ne sont que des protestations au sujet des limites que la réalité veut leur imposer. Pourquoi n'avons-nous pas des ailes pour voler comme les oiseaux ? Pourquoi le soleil s'éteint à la fin du jour ? Comment le bateau fait pour flotter sur l'eau ?

Comme les inventeurs, les artistes s'activent en se disant constamment "what if ?" En posant des hypothèses qui apparaissent parfois bizarres, absurdes ou contraires à la raison.

Leurs réponses à la fin de ce curieux et singulier processus de questionnement, les démonstrations des thèses farfelues qu'ils échafaudent, le débordement inattendu qui résulte de leur cheminement intérieur, produisent des effets stupéfiants.

Comme ces remarques enfantines qui nous désarçonnent et nous font rire, tellement elles sont fantasmagoriquement décrochées de notre train-train quotidien et de la réalité qui aseptise notre faculté de nous émerveiller et de voir le monde autrement.

Bienvenue dans VISIONS FANTASMAGORIQUES !

KRISTINA ELIZAROVA : LA CHAMPIONNE MONDIALE DE "BODY ART" QUI TRANSFORME SES RÊVES EN RÉALITÉ VIVANTE !

2021-03-12T12:07:00.002-05:00

Selon certaines études plus ou moins scientifiques, l'être humain n'exploiterait que 10 % du potentiel de son cerveau.

Nous pouvons avoir un aperçu ou une certaine idée de la puissance de notre subconscient quand, au petit matin, nous nous éveillons et que nous nous souvenons de certains rêves que nous avons faits durant la nuit, dans notre sommeil.

Wow ! Dans ces rêves fantastiques, il semble que chacun de nous peut accomplir des choses incroyables, ou ressentir de vives émotions, à un niveau surnaturel.

Comme par magie ou par enchantement, notre subconscient ou notre esprit invente et met en scène tout un monde.

Avec leur grande sensibilité et une imagination plus développée que la moyenne des mortels, les artistes utilisent-ils davantage les capacités de leur cerveau ? À voir la richesse et l'inventivité surprenante de certaines de leurs créations, on est porté à le croire.

Prenons l'exemple de la jeune artiste-peintre Kristina Elizarova. Si on prend pour acquis que la rêverie compte pour une bonne part dans le processus de création, cette jeune russe de 26 ans qui habite Moscou, doit jouir d'un imaginaire spectaculaire, à en juger par ses oeuvres foisonnantes de couleurs et de formes qui frappent le regard et coupe le souffle des amateurs d'art qui découvrent ses productions.

L'ensemble de ces petits chefs-d'oeuvres baigne dans une harmonie fascinante qui témoigne d'une maîtrise stupéfiante chez une artiste aussi peu âgée.

La qualité exceptionnelle de ses présentations a d'ailleurs été récompensée au 15e Festival International de Body Painting, qui se tenait en Autriche au début du mois dernier.

La jeune femme aux yeux vifs et au sourire espiègle, nouvellement mariée, a mérité la première place dans l'une des catégories qui mettaient en compétition les représentants d'une quarantaine de pays.

L'éclosion du talent artistique de Kristina Elizarova s'est produite alors qu'elle n'était qu'une enfant. Ses aptitudes pour le dessin et la peinture ont ensuite bénéficié d'un bon support pédagogique et technique tout au long de son cheminement scolaire.

Ces années d'apprentissage ont débouché sur la maîtrise de spécialités dans les domaines du design d'intérieur et du stylisme textile. Cette formation lui a permise de faire éclater son génie créatif sur plusieurs plans.

Elle imprime son style personnel sur une vaste gamme de projets reliés, entre autres, au cinéma, à la photographie, à la mode, à la danse et à la présentation de spectacles.

La jeune moscovite crée des vêtements, des coiffures, des meubles et des décors. Des producteurs de film font appel à ses talents de maquilleuse ou lui demandent de collaborer à la mise au point d'effets spéciaux.

Les photographes professionnels recherchent son expertise pour donner une touche artistique spéciale à leur arrière-plan ou pour peindre le corps de leurs sujets humains.

Il en est est de même pour les danseurs professionnels, les designers de mode, les artistes de scène ou les réalisateurs de vidéos en quête d'images marquantes ou d'idées originales pour assurer le succès de leurs performances ou donner une dimension sensationnelle à leurs productions.

Si, à partir de l'année 2007, Kristina Elizarova est devenue une adepte du body painting, c'est que cet art lui permet d'exprimer simultanément et harmonieusement toutes les facettes de ses talents et de ses connaissances.

Le temps d'une création, elle peut être à la fois, ou tour à tour, peintre, accessoiriste, dessinatrice, décoratrice, designer et coiffeuse ! Elle se sent alors une artiste complète, capable de donner vie aux créatures qu'elle voit dans ses rêves les plus fous ! «C'est ma vie, dit-elle, j'ai de nombreux plans pour le développement du body art dans mon pays et ailleurs dans le monde.»

À l'âge où bien des apprentis-peintres n'ont pas encore fini leurs études, Elizarova, elle, enseigne déjà son art depuis un bout de temps. Des admirateurs la réclament pour suivre ses cours, non seulement en Russie, mais aux États-Unis, en Ukraine, et ailleurs en Europe.

Et le plus hallucinant dans tout ça, c'est que sa carrière de "réalisatrice de rêves" ne fait que commencer. Kristina Elizarova n'a pas fini de nous étonner. Dans le montage ci-dessous, on retrouve quelques-unes de ses oeuvres parmi mes coups de coeur inspirés par cet art vivant qu'est le body painting...

L'ART DU POSTER : L'EXEMPLE DE L'OKTOBERFEST.

2016-09-18T12:07:00.000-04:00

En général ce besoin survient à l'adolescence...dans notre chambre... À cet âge d'effervescence où notre personnalité s'affirme, se définit; où on désire s'émanciper, marquer son territoire, et parfois se révolter. Un moyen de faire tout ça c'est de mettre des affiches (posters) sur les murs de notre chambre. Une façon de meubler notre univers, de dire ce que l'on aime, nos préférences, ce qui compte pour nous. Ces images peuvent représenter notre groupe de musique ou notre artiste favori; une équipe de sport ou un joueur de ce club dont on est un fanatique. Cela peut être une grande photo ou un dessin illustrant une cause qui nous importe, ou qui est l'expression de notre révolte d'ado. Faute de pouvoir s'offrir une oeuvre d'art, ou une peinture que l'on admire, on achètera à peu de frais un poster la reproduisant.

L'affiche possède ce pouvoir d'attraction qui peut nous inciter à faire l'achat d'un produit commercial. Elle peut également devenir un objet d'art elle-même, comme ces posters de films collectionnés par des amateurs de cinéma. À titre d'exemple, le film "The Birds", du renommé cinéaste Alfred Hitchcock, a été publicisé, à sa sortie, par plusieurs affiches. Ma préférée est celle (voir illustration ci-dessus) créée par Angelo Cesselon (1922-1992). Par le choix des couleurs et l'expression des personnages superposés dans cette oeuvre, son auteur nous saisit et nous plonge dans l'horreur de cette production cinématographique majeure des années 1960. Par sa beauté et le choc visuel qu'elle provoque, cette affiche communique avec l'observateur avec tant d'éloquence, qu'elle épouse, en quelque sorte, la définition de la poésie, cet art qui vise à dire plus en disant mieux...

À l'origine, vers la fin du XIXe siècle, les affiches servaient surtout à annoncer des événements ou à faire de la propagande politique. Dès son avènement, cette forme d'art a attiré de grands peintres ou d'extraordinaires dessinateurs comme Toulouse-Lautrec (voir exemple ci-dessus), Alphonse Mucha et Eugène Grasset. Leurs posters ont fait sensation et sont devenus bien plus que de simples annonces commerciales. Ils ont été récupérés par les musées, comme objets de valeur, tellement ils étaient populaires et admirés par le public.

Ce moyen d'expression peut être puissant. On a qu'à penser à l'affiche (ci-dessus) représentant le révolutionnaire "Che Guevara", que l'on voit encore reproduite de nos jours sur une multitude d'objets (entre autres, des T-Shirts !). Son auteur, Jim Fitzpatrick, se doutait-il, en la créant, qu'elle servirait de symbole pour tant de mouvements de protestation, de révolte et pour animer des manifestations réclamant la liberté ?

Au moment où j'écris ces lignes, l'Oktoberfest bat son plein à Munich. Le plus grand festival au monde est né il y a plus de 160 ans, à peu près en même temps que l'art de l'affiche. Les posters de cette immense fête de la bière sont précieux et font l'objet d'expositions muséales en Allemagne. Ils reflètent l'histoire, les modes, les styles de la peinture depuis 1870; de l'art nouveau jusqu'à aujourd'hui, en passant par le symbolisme, le cubisme et l'art déco. Quel bel objet d'étude et de contemplation pour illustrer cet art qui a fait son chemin jusqu'aux chambres des adolescents de notre époque ! Les artistes qui les ont créés ont su montrer les beaux symboles qui représentent la Bavière et ses habitants, ainsi que les caractéristiques de la fête. Ils nous font enter dans l'ambiance endiablée de cet événement grandiose.

En voici quelques échantillons dans le montage ci-dessous...

LA QUÉBÉCOISE LORIE HAMEL : JEUNE PRODIGE DU MAQUILLAGE ET DE L'ART CORPOREL.

2014-08-04T17:00:00.027-04:00

Lorsque je vais à la chasse ou à la pêche d'images fantasmagoriques, ou quand je pars à la recherche du "spectaculaire" dans les arts visuels, je fais toujours un détour du côté des effets spéciaux des films de science fiction avant d'aller aussi jeter un coup d'oeil aux résultats des fabuleuses compétitions du "World Bodypainting Festival" qui se tient chaque année en Autriche, au mois de juillet.

Cet événement rassemble les meilleurs spécialistes de l'art corporel, mieux connu sous son vocable anglais de "body painting". Cet été, c'était la 17e édition de ce rassemblement, le plus prestigieux et le plus couru en son genre.

Année après année, à force de voir les exemples des prodiges que réalisent les artistes provenant de plus d'une quarantaine de pays, on devient de plus en plus exigeant et un peu blasé. On veut être surpris.

Et bien, à la fin de ce concours international, la surprise est venue, non pas tant des oeuvres présentées, mais de l'identité de la gagnante de la catégorie «Effets spéciaux - Visage». Il s'agit de la jeune Québécoise Lorie Hamel, originaire de Trois-Rivières. À 26 ans, et avec ses airs d'adolescente, c'était le "bébé" parmi les participants et participantes de cette compétition de professionnels de haut niveau, où les moins âgés sont habituellement dans la mi-trentaine ou même dans la quarantaine.

Mais dans ce groupe restreint d'as du body painting, la présence de mademoiselle Hamel n'avait rien de nouveau puisqu'on la voit faire sa place dans ce milieu d'artistes d'élite depuis quatre ans déjà.

En 2010, alors qu'elle était encore étudiante au baccalauréat en arts visuels à l'Université du Québec à Trois-Rivières, elle avait ravi la troisième place dans la catégorie «effets spéciaux» à ce fameux Festival d'Autriche (WBF). On avait salué sa performance et vanté son esthétisme. «C'était l'année où j'ai commencé à faire de la compétition et je les gagnais toutes. Je n'avais jamais fait d'effets spéciaux de ma vie, et je me suis ramassée 3e au monde. Je n'étais clairement pas consciente de l'ampleur de ce festival-là», a-t-elle déclaré, après être revenue chez elle, fière de son exploit.

Cette année, au WBF, elle s'est aussi hissée jusqu'au 6e rang dans la catégorie du "airbrush" ou aérographe.

Depuis quatre ou cinq ans, le formidable américain Scott Fray, à qui nous avons déjà consacré un billet dans ce blogue, est pratiquement indélogeable de la première position dans cette catégorie maîtresse.

Avec des merveilles comme Lorie Hamel, ou le cinéaste Xavier Dolan et la joueuses de tennis Eugenie Bouchard (photo ci-dessus), le Québec produit des jeunes au talent extraordinaire qui s'affirment dans plusieurs domaines, sur la scène internationale.

On est loin de l'époque du rapport Durham (1837) dans lequel les conquérants anglais écrivaient que les Canadiens étaient un peuple sans éducation et sans culture.

Il y a à peine 50 ou 60 ans, l'écrivain, et auteur-compositeur-interprète Félix Leclerc (1914-1988) avait dû s'exiler en France pour obtenir la reconnaissance qu'il méritait. Il semblait prêcher dans le désert en disant aux Québécois de prendre leur place dans le monde en arrêtant d'avoir peur de l'inconnu, peur d'entreprendre, peur du ridicule, peur de la police, peur de leur femme (!!!), peur d'être heureux !

Depuis, des artistes comme Robert Charlebois, Robert Lepage, Diane Dufresne, Luc Plamondon, Céline Dion, Garou; ou des entreprises québécoises comme le "Cirque du Soleil" ont fait leur marque dans toute la francophonie et même au-delà.

Il semble que la jeune génération, celle de Lorie Hamel, a encore moins de complexe et plus d'audace que la génération précédente. Ils osent se lancer à l'aventure, et relever des défis en se disant : «pourquoi pas ?», même si les chances de succès paraissent minces.

Très tôt dans sa vie, Lorie a réalisé qu'elle aimait peindre. Toute petite, elle "travaillait" déjà avec du matériel d'adulte. C'est d'abord en maquillant des enfants pour toutes sortes de fêtes qu'elle a eu la piqûre de l'art corporel.

Cette facilité, ce talent précoce, s'est vite transformé en véritable passion. Elle a cherché à se perfectionner en faisant des études dans le domaine. Mais avant même d'obtenir son diplôme universitaire, elle avait déjà démontré son talent, et créé une forte demande pour ses services.

Elle s'est fait connaître et elle s'est imposée rapidement en honorant plusieurs petits contrats, et en remportant le premier prix en "Face Painting" professionnel au "Face and Body Art International Convention" (Orlando, Floride, 2010). La même année, elle a triomphé dans la catégorie "effets spéciaux" au "NZ Body Art Awards", en Nouvelle-Zélande.

Depuis ce temps, elle a beaucoup appris, et elle a beaucoup voyagé en participant et en excellant dans bien d'autres compétitions disputées un peu partout sur la planète.

Bien sûr, ses succès la réjouissent et la surprennent un peu, mais elle se sent à sa place dans cet univers fascinant de l'art corporel. Plus que les prix et la reconnaissance qu'ils lui procurent, ce sont les contacts avec les autres artistes qui l'enthousiasment et lui font aimer ces réunions et ces activités à l'étranger.

C'est en observant travailler les autres compétiteurs que Lorie peut s'améliorer et progresser dans son art. «Nous ne sommes pas beaucoup à faire ça et c'est l'occasion d'échanger et de créer des liens» mentionne la jeune Trifluvienne. «Puisque les artistes peuvent laisser libre cours à leur imagination le temps d'un projet où tout est permis, ça fait vivre les idées créatives et ça nous permet d'encore mieux faire notre travail par la suite. Ça fait vivre l'art ! C'est tout à fait incroyable pour un artiste de vivre ce rassemblement».

En plus de briller dans des concours mondiaux, Lorie Hamel a aussi impressionné, sur le plan professionnel, en participant à des projets excitants, notamment en cinéma et dans le domaine des jeux vidéo.

Entre autres, elle a fait du maquillage pour le film "Immortals" de Tarsem Sight et elle a agi comme chef maquilleuse pour la compagnie Ubisoft dans le projet "Black Eyed Peas".

Même si sa carrière débute à peine, on ne compte plus ses participations ou ses collaborations dans diverses expositions , des tournages de vidéo clips ("4brother" pour le vidéoclip de Imposs et Corneille), des festivals et des conférences.

Polyvalente, Lorie a également fait de la direction artistique, conçu des costumes et des coiffures, publié un article dans "The Art of Bodypainting" (2012) et organisé une compétition de bodypainting près de chez elle.

Facile d'approche et pas prétentieuse pour deux sous, malgré ses succès remarquables, Mlle Hamel veut transmettre la passion de son art au public et à ceux et celles, encore plus jeunes qu'elle, qui ont suivi ses cours de peinture, il y a déjà dix ans de cela ! Oui, à quinze ans seulement, Lorie était professeure pour des enfants de 9-10 ans ! Quand on disait qu'elle était précoce...

On peut seulement rêver à ce que cette artiste très douée pourra accomplir dans les prochaines décennies. Fort occupée présentement, Lorie n'a pas le temps de reprendre son souffle entre ses participations à des festivals de peinture, son travail sur les plateaux de tournage de studios de cinéma, ses responsabilités en tant qu'animatrice de rue chez elle à Trois-Rivières, ou son boulot dans divers événements corporatifs au Qatar ou à Dubaï. Mais elle apprécie ce travail aussi excitant qu'imprévisible : «ma vie, c'est toujours dernière minute !» avoue-t-elle, en riant.

Bien que ses oeuvres soient fatalement éphémères, Lorie les aime justement à cause de cela : elles sont uniques, fragiles, magiques et vivantes ! Elles n'auront été exécutées qu'une fois seulement, avec leur composition particulière, leur finalité précise et les multiples détails qui les personnalisent. Seuls les photographes auront pu les immortaliser, si on peut dire...

La peau de ses modèles est pour Lorie le plus beau des canevas car cet épiderme est fragile, réactif et subtil. Toutefois, gare à la chaleur quand le body painter est à l'oeuvre ! Car sous l'effet de la transpiration du modèle, la peinture est gâchée et disparaît !

Un peu comme les magiciens qui font disparaître des objets ou des personnes, les artistes corporels sont des illusionnistes passés maîtres dans la magie du "trompe-l'oeil" et du fantastique...

LES ÉBLOUISSANTES PEINTURES DANSANTES DE RACHELLE DYER ET COMPAGNIE...

2014-07-29T23:30:00.006-04:00

DE NOLI - Belly Dancer of Chatanoga

«Cette fête du corps, devant nos âmes, offre lumière et joie». Paul Valéry

Nous vivons à une formidable époque dans laquelle science et art s'unissent pour sublimer et enrichir notre expérience du "beau". Ce mariage intime entre esprit scientifique et sensibilité artistique est relativement nouveau. Ces deux entités différentes s'étant plutôt ignorées ou "snobées" depuis l'avènement des temps modernes. Mais voilà que les préjugés ou les frontières ont explosé, entre ces deux mondes, au cours des dernières décennies; pour notre plus grand bonheur ! Les nouvelles technologies, notamment en infographie et en techniques cinématographiques, ont permis à des artistes de génie de faire éclater les genres et d'offrir des spectacles grandioses issus d'une approche multidisciplinaire.

ROBERT LEPAGE

Robert Lepage, de Québec, en est un bon exemple. Attiré dès son jeune âge par toutes les formes d'art, ce metteur en scène de 56 ans, a conquis le monde entier par sa puissante et originale opération de création, tenant à la fois de la globalisation et de la symbiose du théâtre, du cinéma, de la musique, du cirque, de la projection d'images, de la littérature, de la mise en lumière, de l'opéra et de la chanson. Cet amalgame et cette fusion des arts sont mis en valeur et poussés à leur paroxysme par des moyens techniques à la fine pointe de l'innovation. Cette prospection tous azimuts nous entraîne dans un univers étonnant et envoûtant, même s'il peut être déroutant et déstabilisant, parfois...le temps de l'apprivoiser et d'y entrer de plain-pied.

Cette fête des arts qui s'épousent, se fécondent et produisent des fruits savoureux, je l'ai retrouvée dans les oeuvres de jeunes peintres qui, comme Lepage, ont pris le beau parti de décloisonner les genres et d'inventer leur propre style. Voici un bref regard sur leur passionnant parcours...

RACHELLE DYER - Lunge to the Side

«Quand tu danses...tu sors de toi-même, tu deviens plus grand et plus puissant, plus beau. Pendant quelques minutes, tu es héroïque. C'est la puissance. C'est la gloire sur terre. Et cela t'appartient, chaque soir.» Agnes de Mille

Certains arts sont proches parents et peuvent être maîtrisés ou combinés mieux que d'autres par le même artiste. Mais il faut être doué, fort savant ou très instinctif pour exceller avec autant de talent dans plus d'une discipline à la fois. Avoir expérimenté personnellement, intensément et intrinsèquement ces formes d'art distinctes est certes un grand avantage et un atout incomparable. C'est le cas pour une brillante jeune artiste canadienne du nom de Rachelle Dyer. Dès l'âge de six ans, cette résidente de Burnaby, en Colombie-Britannique, influencée par une famille dans laquelle les arts fleurissent dans un bon terreau, tombe en amour avec la danse. Elle se met au ballet parce qu'elle aime la beauté et la grâce de ces mouvements dynamiques et rythmés qui lui procurent des sentiments de paix et de liberté lorsqu'elle est sur scène. Mais à peine entamée, sa carrière professionnelle de danseuse est compromise, et bientôt avortée, par des blessures chroniques.

RACHELLE DYER

C'est alors qu'elle se tourne vers la peinture, dont elle avait appris les rudiments au cours de ses études secondaires. Mais tout son corps, son coeur et son âme sont toujours possédés par la danse et la musique qui l'accompagne habituellement. Ce bagage d'intuition, de sensations et d'expérience lui servira à jamais d'inspiration pour ses oeuvres dessinées et peintes. Rachelle, dans la quête absolue de la maîtrise de son style, cherche à capturer, sur ses toiles, l'émotion et l'essence des mouvements propres aux danseurs. Le but de cette ingénieuse autodidacte est de faire ressentir aux personnes qui observent ses tableaux, les mêmes vibrations que celles qui l'animent intérieurement quand elle peint.

RACHELLE DYER - Moving Through

Cette jolie Canadienne d'à peine 26 ans fait passer sa magie artistique par la lumière et la passion qu'elle met dans les yeux de ses sujets "dansants". Ces tours de prestidigitation se traduisent aussi dans la tension et l'élan que mademoiselle Dyer insuffle dans les bras et les jambes de ses personnages, touchés par l'amour de leur art... Le résultat s'avère superbe et on se demande jusqu'où pourra bien aller cette poète du pinceau, déjà excellente à un si jeune âge ! Quelle danseuse elle devait être ! Du genre de celles dont Henry Havelock Ellis a dû s'inspirer pour écrire, dans son livre "LA DANSE DE LA VIE" : «La danse est le plus sublime, le plus émouvant, le plus beau de tous les arts, parce qu'elle n'est pas une simple traduction ou abstraction de la vie; c'est la vie elle-même». Rachelle Dyer est-elle une danseuse qui peint, ou bien un peintre qui danse dans ses toiles ? Il semble que les deux hypothèses sont vraies et font d'elle une artiste exceptionnellement remarquable...

A. KURASOV - Salome Dance

Beaucoup de peintres admirables se sont inspirés de la danse pour ravir les amateurs d'art. Parmi mes préférés : encore un Canadien, Oliver Ray, la Bulgare Galya Bukova, les Russes Misti Pavlov et Leonid Afremov (Biélorussie), l'Anglaise Josephine Wall et, bien sûr, l'incontournable maître français Edgar Degas. Le diaporama suivant nous montre certains de leurs chefs-d'oeuvre, accompagnés par la poésie musicale d'un illustre compatriote de Rachelle Dyer, le montréalais Leonard Cohen, qui chante, en concert, son immense succès DANCE ME TO THE END OF LOVE. Sur ces accords envoûtants, qui font un peu penser à ceux du folklore musical grec, on peut s'imaginer facilement en train d'admirer, en pleine action, la déesse de la danse, la captivante Terpsichore. À moins que ce ne soit les Bacchantes ou Salomé... Tous les rêves sont permis...

JOANNE GAIR : DES INDIGÈNES MAORI AUX CÉLÉBRITÉS DE HOLLYWOOD...

2013-06-22T21:23:00.041-04:00

«Les grands artistes sont ceux qui imposent à l'humanité leur illusion particulière.»
Guy de Maupassant

Vous avez beau avoir entendu parler d'un phénomène, lorsqu'il se retrouve soudain à deux mètres de votre visage, vous pouvez ressentir un véritable choc !

C'est ce que me racontait, il y a quelques mois, un proche parent qui travaille comme serveur dans un grand hôtel de la ville où j'habite. Au long de sa carrière de presque 40 ans au service des banquets de cet employeur de renommée internationale, il a côtoyé des gens de toutes les nationalités et de tous les métiers lors de réunions, de colloques, de congrès et de fêtes de toutes sortes.

De l'humble fermier, membre de l'Union des Producteurs Agricoles, pas mal perdu dans la vaste salle de bal de ce grand hôtel, jusqu'au président des États-Unis assistant à une conférence mondiale, il en a vu de toutes les couleurs mais jamais il n'avait été confronté à un telle surprise...

En qualité de serveur, il est souvent appelé à donner un coup de main pour décorer les tables et les salles où les clients se rassemblent pour manger, travailler ou se divertir. Mais cette décoration-là, il n'en avait jamais vu de semblable. Jamais au grand jamais ! D'ailleurs, les invités au banquet n'avaient d'yeux que pour elle. Pour "elles", en fait, parce qu'elles étaient deux.

Il s'agissait de deux jeunes femmes qui n'avaient pour tout vêtement qu'une couche de maquillage ou de peinture sur le corps. Ah ! ce n'est pas tout à fait exact, l'une d'elles portait un mini slip mais si petit que... Bon nombre de congressistes étaient donc fort distraits et ils ne suivaient guère les présentations habituellement assez ennuyantes de ce genre d'activités d'affaires.

Les plus hardis se risquaient même à demander des autographes aux deux centres d'attraction de la place, histoire de les admirer de plus près. Hum ! Hum ! Curieusement, c'est celle qui ne portait pas de slip qui recevait le plus de demandes, et qui semblait la plus gênée de ces regards inquisiteurs posés sur sa personne !

Décidément, on n'a plus les "hommes sandwichs" que l'on avait dans la première moitié du XXe siècle ! Dans ce temps-là, en effet, on voyait parfois des hommes se promener dans les rues des grandes villes avec une double pancarte attachée au cou, et qui leur pendait sur le torse et sur le dos.

Sur ces affiches il pouvait y avoir de la publicité, des offres de services, des slogans de manifestation, des menus de restaurants, des annonces d'événements, de la propagande, des caricatures, etc. L'essentiel c'était d'attirer l'attention du public.

Aujourd'hui, avec le body painting ou la peinture corporelle, le but est le même mais disons que les moyens ou le "matériel" ont bien changé !

Manifester ainsi ses opinions, ses intérêts, ses intentions ou son appartenance à une compagnie ou à un groupe n'a pourtant rien de nouveau. Les tribus primitives des premières nations le faisaient déjà il y a plusieurs milliers d'années ! Des indigènes comme les Maori de Nouvelle-Zélande (photo ci-dessus) dont s'est inspiré une artiste de ce pays, Joanne Gair, qui est devenue célèbre à Hollywood !

Cette femme de 55 ans qui a grandi à Auckland avant de faire plusieurs séjours à l'étranger pour enfin élire domicile à Los Angeles en 1984, est reconnue comme la "leader" de son art dit "du trompe-l'oeil". Gair se décrit d'ailleurs elle-même comme une "illusionniste", une "faiseuse" d'images qui oeuvre dans l'univers des perceptions.

Les plus cyniques en profiteront pour souligner que cette artiste est bien de son temps : un temps où la tromperie, l'hypocrisie, la superficialité, le "paraître", la chirurgie plastique et les fausses apparences sont à la mode...

Joanne Gair est arrivée en Californie au milieu des années 1980, à l'époque où l'industrie du vidéo-clip naissait. Cette nouveauté a d'ailleurs grandement stimulé sa créativité.

À la base, c'est une maquilleuse. Dans ses années de formation et de découverte elle a été impressionnée et influencée par la tradition des peintures corporelles et des ornements présente dans la culture des Indiens d'Amérique, des Indiens Mehndi et des geishas japonaises.

L'accoutrement et les "déguisements" des groupes de musique rock ou "heavy metal" américains (comme le groupe Kiss) l'ont également marquée.

À 19 ans, elle avait déjà commencé à utiliser des crayons "sharpie" pour dessiner sur le corps des gens. Et dès son installation en Californie, Gair a oeuvré dans le monde de la musique en créant des pochettes d'albums et en collaborant à des vidéos de David Lee Roth, Tina Turner, Grace Jones, Annie Lennox et Mick Jagger.

Par la suite, pendant dix ans, elle sera associée aux "décorations" et aux "idées artistiques" de Madonna. Gair a mérité de nombreuses récompenses et plusieurs trophées décernés par l'industrie du show business américain.

Elle a aussi aidé quelques-uns de ses clients dans le monde de la mode, de la publicité et du style à gagner des prix d'excellence. Gair a elle-même créé des modes et des tendances.

Joanne Gair est devenue célèbre en réalisant les fameuses peintures corporelles de Demi Moore pour les pages couvertures du magazine VANITY FAIR en août 1991, et le même mois en 1992. Ces oeuvres sont considérées encore aujourd'hui comme les exemples les plus connus du body painting moderne.

À partir de ce moment-là, elle recevra beaucoup de commandes des médias (Vogue, Rolling Stone, Playboy, BlackBook, Harper's Bazaar), des meilleurs photographes, des directeurs de production du cinéma et de la télévision, des compagnies de cosmétiques (L'Oréal, Maybelline, Revlon, Oil of Olay, Rimmel), des agences ou des firmes de publicité et de mode (Donna Karan, Versace, Victoria's Secret, Guess), des super mannequins et d'un grand nombre de célébrités (Cindy Crawford, Michelle Pfeiffer, Kim Basinger, Christina Aguilera, Gwyneth Paltrow, Sophia Loren, Celine Dion, Gwen Stefani, Aerosmith, Nine Inch Nails, etc).

Ils ou elles sollicitent tous sa collaboration ou sa touche de génie pour mettre leur travail, leurs idées ou leur personne en valeur.

Mais ce qui deviendra sa marque de commerce ou sa niche de spécialité, ce sera ses fameux faux costumes de bain pour les numéros spéciaux (Swimsuit Issues) de la revue Sports Illustrated.

C'est devenu une tradition depuis quinze ans. Les plus grandes top modèles de la planète sont passées sous son pinceau d'experte. Un "travail" que bien des hommes auraient voulu accomplir sur les superbes corps nus des Heidi Klum (photo ci-dessous), Rachel Hunter, Jessica White, Sarah O'Hare, Marisa Miller, Noémie Lenoir, et Kate Upton (photo ci-dessus), pour n'en nommer que quelques-unes...

Puisque, au début de sa carrière, Joanne Gair maquillait des visages, elle en est venue naturellement à maquiller le reste du corps de ses modèles : «De la peau, c'est de la peau», a-t-elle réalisé rapidement, «pourquoi devrait-il y avoir une séparation entre le visage et le corps ? J'ai seulement incorporé les deux ensemble.»

Pour elle, il n'y a pas de limites à ce qu'elle peut faire avec le maquillage. La même transition qu'elle a faite en passant du maquillage facial au body painting, elle l'a également réussie en passant derrière la caméra pour photographier elle-même ses chefs-d'oeuvre.

Il en a résulté deux livres : Paint A 'Licious (2005) et Body Painting : Masterpieces By Joanne Gair (2006). Sports Illustrated a aussi publié, en 2007, "In the Paint", un livre reproduisant la collection de Gair pour les éditions spéciales SwimSuit de la populaire revue.

À la différence des toiles des peintres "classiques", les "toiles" de Gair comportent des formes humaines qu'elle doit exploiter ou dont elle doit tenir compte dans ses dessins.

Mais comme les toiles ordinaires, la peau nue de ses modèles doit être parfaitement lisse, c'est-à-dire qu'elle doit être complètement dépourvue de poils ou de résidus quels qu'ils soient (crème, sueur, cosmétiques, huile de bronzage).

Les mannequins doivent aussi être déjà bronzés depuis quelque temps. Pour peindre un sujet, il faut généralement une douzaine d'heures de travail.

Puisque les photographes veulent profiter de la lumière des fins d'après-midi pour immortaliser les oeuvres de Gair, il faut donc livrer la "marchandise" pour 14 heures 30. Joanne doit commencer sa peinture vers une heure, dans la nuit qui précède. Il faut prévoir des pauses pour le lunch et le repos.

Gair est toujours bien préparée mais elle ne dessine pas son projet sur papier avant de le peindre sur la peau de son sujet. Deux assistantes l'aident dans sa tache. Les trois femmes font l'essentiel du projet dans les premières heures.

Durant cette première étape, le modèle doit se tenir debout. Ensuite il pourra être en position assise et surélevée afin que l'équipe puisse en faire le tour. Il pourra aussi être étendu sur le dos ou à plat ventre sur une table de massage.

On va continuer de le peindre même lorsqu'il dormira. Au besoin on protégera ses yeux avec du tissu ou des lunettes.

Pour les parties les plus intimes et les plus sensibles du corps des mannequins, on peut incorporer de petites pièces prosthétiques qui seront masquées par la peinture ou le maquillage.

D'autres modèles n'en auront pas besoin si elles se sentent confortables et en confiance après avoir vécu, par exemples, d'autres expériences avec les gens sur place.

L'art de Joanne Gair a bénéficié des avancées technologiques au fil de ses trente ans de carrière. De la peinture à l'eau, elle est passée à un vaste assortiment de pigments, d'encres, de cosmétiques et de processus techniques qui étendent sa palette et sa liberté de création.

Ce qui lui donne le plus de fil à retordre ce sont les textures qu'elle doit parfois reproduire sur la peau de ses modèles.

Pour peindre le corps de Alyssa Miller, récemment, elle a dû faire une imitation d'un genre de suède blanc. Une double difficulté. D'abord, justement à cause de la composition de la texture, et aussi parce que le blanc est une couleur dure à appliquer en raison de la poudre plus abondante contenue dans ses pigments. Cette caractéristique rend cette couleur fragile, et il est ardu de déterminer la quantité suffisante de peinture requise pour assurer une bonne couverture de la surface peinte.

En général c'est facile pour Joanne Gair de travailler avec des mannequins célèbres. Ce sont des professionnelles et elles sont toutes dotées d'une très belle peau.

Gair a spécialement aimé peindre le corps de Kate Upton. Celle-ci se sent très bien dans sa peau et c'est une fille pleine de vie. Elle sait comment relaxer et garder un bon moral. Elle adopte une attitude zen pendant les longues heures de "travail" tout en faisant preuve d'humour. La splendide blonde a beaucoup de personnalité.

Avec elle comme avec ses autres modèles, Joanne Gair se fixe l'objectif de les montrer sous leur meilleur jour afin qu'elles dégagent l'image de filles athlétiques et en parfaite santé. On est à l'opposé du concept du mannequin maigrichon à la froide beauté plastique...

Certes, sa spectaculaire collection de SwimSuit de Sports Illustrated a fait la renommée de Joanne Gair. Mais, personnellement, ce n'est pas le "glamour" de ces oeuvres qui m'impressionne et me ravit le plus dans le catalogue ou les expositions de cette grande artiste originaire de Nouvelle-Zélande.

Ce sont plutôt ses idées et ses réalisations dans le domaine de la publicité et de la photographie (exemple ci-dessus avec Pamela Anderson). La grande qualité de l'esthétisme de ses photos pour la compagnie Guess est difficile à surpasser.

En body painting, Gair est à son mieux quand elle s'inspire de la nature et de la culture de son pays d'origine pour créer des compositions organiques superbes.

L'ART AU SERVICE DES HUMAINS POUR CONSOLER LEURS CHAGRINS DANS CETTE VALLÉE DE LARMES...

2011-11-30T01:11:00.017-05:00

S'il est vrai que notre terre est une vallée de larmes... Si nos espoirs de bonheur finissent par s'échouer comme des naufragés sur les récifs de la mort de nos amours, de nos fidèles animaux de compagnie, de nos amis, de nos êtres chers... Si la mort de nos proches nous assomme, nous fait perdre conscience, nous plonge dans la froideur et la noirceur des ténèbres...

Après le choc de la mort, après le déni et l'incompréhension qui s'ensuivent; après la colère qui nous envahit; vient cette immense tristesse qui semble nous vider de notre propre vie... Comment soulager notre douleur et notre affliction ? Qui peut nous donner un peu d'apaisement, de sérénité, de paix, pour finir par accepter l'inévitable ?

Pour certains endeuillés, la foi, la prière et la religion peuvent les aider à passer à travers cette épreuve terrible de la mort d'un être aimé. Leur foi profonde en la résurrection, ou leur croyance en une réunion future avec leurs chers disparus, dans un monde meilleur, peut même raviver leur spiritualité et changer leur vie pour le mieux.

Pour d'autres, c'est la mère nature, le soleil, les espaces verts, la paix des champs, une mer qui vous berce dans ses flots, le grand air de la montagne, le chant des oiseaux, ou simplement le temps qui passe et un peu de méditation, qui arrangeront les choses, leur permettront de retrouver l'équilibre, de remettre de l'ordre dans leurs idées et leur vie.

Et puis, c'est aussi le rôle de l'art et des artistes de guérir, de bercer, de consoler les humains quand ils souffrent ou sont désespérés. Il existe un art du deuil, une façon de le traverser pour qu'il devienne une expérience positive. Pour que les endeuillés évitent de sombrer dans les regrets, les remords, les tourments, la confusion, la dépression.

Le remède le plus efficace pour soigner ces malaises est la chaleur humaine. Il faut que la personne affligée puisse compter sur l'écoute attentive, la compréhension et l'amour des siens. Elle doit exprimer ses sentiments, sa douleur, sa tristesse afin de s'en libérer petit à petit.

Si elle ne trouve pas les mots ou les moyens pour le faire, c'est l'oeuvre d'un artiste : une chanson, une musique, un poème, le tableau d'un peintre qui pourra la secourir ou l'aider à "réussir" son deuil.

Les artistes eux-mêmes, ces experts de l'expression et de la communication, répètent souvent que leur art est une thérapie qui leur permet de vivre ou de supporter la vie. Face au deuil (le leur ou celui de leurs proches), c'est leur plume, leur instrument de musique, leur pinceau qui leur permet de descendre au plus profond des âmes, d'y voir clair, et de trouver les moyens de la réconforter.

À titre d'exemple, la chanson intitulée "À ma mère" (aussi connue sous le titre "Perce les Nuages") écrite et composée par Paul Daraîche, est faite d'une poésie toute simple mais qui dit tout ce qu'un enfant endeuillé ressent et devrait dire à sa mère, elle qui, en perdant le conjoint avec qui elle vivait un amour fusionnel, se trouve à perdre la moitié de son être.

Aussi simple soit-elle, c'est une grande chanson, une merveilleuse berceuse qui remplit bien ce rôle d'instrument de consolation de la douleur humaine.

Quelle belle idée de demander tour à tour au grand soleil, au vent de la mer et à une étoile de la nuit de se faire tout à la fois messagers et acteurs afin de soutenir des personnes affectées par la perte d'un être cher.

Ce n'est pas pour rien que tant de chanteurs et de chanteuses ont repris cette oeuvre bienfaisante, entre autres : Isabelle Boulay, Patrick Normand, Mario Pelchat, etc.

Cette mélodie est également jouée lors de funérailles. La voici, interprétée par Isabelle Boulay, et accompagnée d'images que j'ai sélectionnées...

IMAGINONS COMMENT SCOTT FRAY POURRAIT PEINDRE LE CORPS DE LA JOCONDE SI ELLE VIVAIT AUJOURD'HUI !

2011-08-06T15:33:00.001-04:00

Les puristes des beaux-arts seraient indignés et horrifiés même si cette idée ne faisait qu'effleurer leur esprit. Mais ne serait-il pas amusant d'essayer de les convaincre que le génial Léonard de Vinci, s'il vivait aujourd'hui, ne ferait pas le portrait d'une Mona Lisa mais préférerait peindre... directement sur son corps nu ?! Avant-gardiste révolutionnaire et très ouvert d'esprit, le grand maître italien qui a peint la Joconde entre 1503 et 1506, aurait beaucoup de plaisir en vivant à notre époque. À la fois scientifique, inventeur et maître dans plusieurs arts, il pourrait faire éclater ses multiples talents et son ingéniosité sans bornes en pratiquant le body painting. Cet art moderne qui connait un grand essor, surtout depuis le début du 21e siècle, lui permettrait de n'avoir pour limites que sa propre imagination. Grand peintre devant l'éternel, Léonard de Vinci saurait encore de nos jours comment exploiter à merveille toutes les formes du corps humain. Sculpteur en son temps, il ferait aujourd'hui des prodiges en coiffant et en ornant les cheveux et la tête des modèles contemporains qui prêtent leur physique aux adeptes de l'art corporel. Nul doute qu'il aurait aussi maîtrisé l'art du maquillage pour faire de ses sujets des chefs-d'oeuvre incomparables. Et sa Mona Lisa de 2011 pourrait servir son génie créateur de façon extraordinaire, avec toute une panoplie de poses et d'expressions faciales diverses. Pas seulement par le sourire énigmatique qui a fait sa renommée et celle de celui qui l'a peint...

Trêve de rêves psychédéliques et d'hypothèses fabuleuses, les maîtres actuels du body painting nous donnent, par leurs oeuvres magnifiques bien réelles, une idée de ce que Léornard de Vinci aurait pu accomplir s'il vivait dans le présent siècle. Des artistes comme l'Américain Scott Fray et son assistante Madelyn Greco (photo ci-dessus) repoussent, année après année, les frontières de l'impossible en matière de body art. Ils éblouissent des dizaines de milliers de spectateurs qui sont témoins de leurs performances au cours de festivals extérieurs comme le North American Body Painting Championship (USA) ou le World Bodypainting Festival (Autriche). Deux compétions de très haut niveau qu'ils ont gagnées cette année, Fray ayant en plus l'honneur de devenir le premier et le seul artiste de body painting à être admis à l'International Fine Art Body Painting Association (IFABPA). Par leurs travaux spectaculaires et leurs productions visuelles vibrantes et très achevées, ils confondent les puristes qui refusent toujours de considérer le body painting comme une forme d'art légitime. Comme un art à part entière. Comme si cette forme d'expression n'avait pas évolué depuis ses débuts modernes quand, dans les années 1960, les hippies se dessinaient des fleurs sur la peau.

Scott Fray a commencé sa carrière de peintre corporel par hasard, au cours d'un festival de peinture, en 2002. Déjà en ces temps-là, ce peintre conventionnel cherchait une nouvelle voie ou un moyen de rendre son travail plus excitant. Une femme l'a approché afin qu'il lui fasse un dessin sur un bras. Une fois la "commande" remplie, Fray s'est aperçu, par la réaction du public, qu'il suscitait soudain beaucoup d'intérêt. Un pouvoir d'attraction qu'il n'aurait pas fait naître s'il avait exécuté son dessin sur une toile ou du papier. Renouvelant plus tard cette première expérience au cours d'évènements semblables, ce sont des applaudissements et des ovations que Fray s'attira à partir de ce moment-là. De fil en aiguille, la vocation du nouveau peintre corporel s'affirme et il choisit de faire de cette activité sa profession. Il gagne sa vie en répondant aux besoins des producteurs dans les domaine du théâtre, du cinéma, de la danse ou des concerts musicaux. Lorsqu'il peint des gens sur commande, il travaille d'instinct, dans une démarche du type "work in progress". Mais dans des compétitions relevées, de calibre international, c'est tout le contraire. Il va procéder en suivant un plan précis parfaitement adapté au modèle qu'il a choisi. Un plan détaillé qu'il aura préalablement exécuté à maintes reprises à l'entraînement. Un entraînement intensif que Fray compare à celui des athlètes olympiques. Normalement, lui et son assistante mettront entre six et huit heures pour terminer leur journée de labeur. Puisque par nature il s'agit d'oeuvres éphémères, il appartiendra à des artistes photographes de les immortaliser en "jouant" avec la lumière, en trouvant les bons angles et les meilleures poses pour mettre en valeur le travail des peintres et la beauté de leurs modèles...

Même si ces modèles ne portent souvent qu'un "string", leur nudité n'a aucune incidence à caractère sexuel dans l'ouvrage des peintres corporels. Selon Scott Fray, ses modèles vivent des sensations fortes en devenant des oeuvres d'art vivantes. Elles éprouvent un sentiment de puissance comme si elles étaient les bénéficiaires d'un important transfert d'énergie de la part des artistes qui les "transfigurent", qui les révèlent à elles-mêmes ou leur font découvrir une partie de leur personnalité qui était cachée. Certaines ressortent de cette expérience dans un état de choc, ou transformée à jamais. Comme cette jeune femme qui, un jour, a servi de "canevas" à Fray et dont le corps (et l'esprit) était marqué par une cicatrice, résultat d'un accident de voiture datant de quelques années. Depuis ce malheur, elle avait fait le deuil de la beauté de son corps et elle était très complexée. Après sa séance de body painting avec Fray, la jeune femme circula, ainsi "décorée", parmi la foule. Beaucoup de personnes l'arrêtaient pour lui dire comment elles l'a trouvaient jolie. Un compliment qu'elle n'aurait jamais cru pouvoir entendre au cours de sa vie et qui .

De tels exemples, Fray peut en citer bien d'autres, et ce pouvoir de "guérison" est l'aspect de son travail qu'il trouve le plus gratifiant. Selon lui, la triple couronne qu'il a remportée cette année en devenant membre émérite de l'IFABPA, et champion nord-américain et mondial de body painting, lui permettra d'accéder à un niveau supérieur dans sa carrière. À voir ses réalisations passées, déjà si merveilleuses, on se demande bien jusqu'où il pourra bien se rendre dans la maîtrise de son art. Un art captivant, au mille facettes, qui, en s'éclatant, pourrait marquer l'histoire de ce siècle...

LA "TENNIS GIRL" DE MARTIN ELLIOTT : UN CHEF-D'OEUVRE CLASSIQUE TEINTÉ D'HUMOUR ET DE SENSUALITÉ !

2011-03-31T21:36:00.001-04:00

Ceux et celles qui ont bien connu le photographe anglais Martin Elliott (1946-2010) l'ont décrit comme étant un esprit libre. Un homme déterminé possédant un grand sens de l'humour. Un farceur, un bon vivant et un éternel optimisme qui a toujours essayé de profiter pleinement de la vie. Enfant unique, élève brillant, il a terminé ses études sans savoir quel métier il voulait exercer. Son père travaillant dans le domaine de l'assurance, le jeune Martin tenta de suivre ses traces mais il se rendit compte rapidement que ce boulot l'ennuyait. Il en fut tout autrement lorsqu'il décida de s'intéresser davantage à la grande passion de son paternel : la photographie. Pour apprendre la profession, il s'inscrit au collège d'art de Loughborough. Et afin de compléter son éducation il fréquente le Royal College of Photography de Birmingham. Désirant vivre de son art, Elliott rêvait de vendre ses photos pour qu'elles deviennent des posters.

À cette époque, en 1976, le photographe en herbes entretenait une relation amoureuse avec une étudiante en art de 18 ans du nom de Fiona Butler, qui habitait toujours avec ses parents. Par un bel après-midi d'été, les deux tourtereaux se rendent sur le court de tennis de l'Université Birmingham, à Edgbaston, pour une séance de prises de photos. Martin a emprunté une raquette et il a fait confectionner une tenue de tennis "sexy" par un ami. Tout se déroule naturellement et fort bien. Ils ont beaucoup de plaisir. Cependant, Martin n'est pas satisfait de la lumière sur un de ses clichés. Lui et sa belle font un nouvel essai l'après-midi suivant, au même endroit. Cette fois, les conditions sont parfaites. Fiona, qui ne connaît pourtant pas le tennis et n'a jamais appris à en jouer, collabore très bien avec son amoureux et, telle une grande actrice, paraît à l'aise dans son "rôle de composition". Il faut dire qu'elle avait le physique de l'emploi pour mystifier tout le monde : épaules larges, corps d'athlète, pas de sur-poids. L'illusion était parfaite : elle ressemblait à une vraie professionnelle du tennis ! Lors de la prise de photo elle est statique mais donne réellement l'impression de marcher...

Publiée pour la première fois, la même année, à l'occasion du Jubilé de la Reine, la photographie connaît un succès instantané. Elliott la vend à l'agence Athena mais conserve un copyright. Il réalise son rêve quand son oeuvre se retrouve sous forme de poster et de calendrier dans une quantité impressionnante de chambres de garçons, un peu partout dans le monde ! À ce jour, il s'en est vendu pour plus de deux millions de copies, ce qui en fait la photographie la plus populaire de tous les temps ! Pourquoi est-elle devenue une icône classique des temps modernes ? À cause de son originalité, de son caractère intemporel, de sa brillance. On l'a qualifiée de "portrait de l'élégance dans la simplicité". De par la pose sculpturale adoptée par le joli modèle, il me semble que cette oeuvre emprunte un petit quelque chose de l'art des statues grecques de l'Antiquité. Qu'elle est une image actualisée des déesses à robe blanche de la mythologie. Avec également une touche sensuelle symbolisant la libération sexuelle des femmes des années '60 et '70. De plus, la maîtrise de la luminosité démontrée par Elliott, produit un effet pictural digne des grands peintres. Il colore brillamment, et de façon bien dosée et équilibrée, chacun des éléments ou des champs de la photographie. Pour en arriver à un résultat si éclatant, peut-être que Fiona et Martin ont su mettre magistralement à profit leurs études en histoire de l'Art !

Ce qui a contribué à captiver les esprits autour de cette photo, c'est son aura de mystère. Elliott n'a révélé l'identité de son modèle que 25 ans après la réalisation de son oeuvre-phare. Celle qui a fait sa renommée et une partie de sa fortune, bien que les biographes du photographe, né le 12 juillet 1946 à Oldbury, ne s'entendent pas sur le montant d'argent qu'il a pu tirer de ce cliché célèbre. Au début, les bonzes de l'art photographique n'ont pas reconnu la valeur du travail de Martin Elliott. Ils le regardaient pas mal de haut, avec un certain mépris. Le jeune homme était inconnu et plusieurs usurpateurs ont tenté de revendiquer la paternité de son oeuvre. Tout comme plusieurs femmes ont prétendu être le modèle apparaissant sur la photo. Ils ont tous été confondus. Les gens croyaient que c'était une star du tennis photographiée à son insu. On a longtemps et vainement essayé de deviner son identité en comparant des photos de joueuses bien connues, prises de dos.

Ce chef-d'oeuvre a tellement marqué son époque qu'il a eu une foule d'imitateurs et a été l'objet de bien des parodies. Elle a aussi fait partie des présentations de la populaire émission satirique SPITTING IMAGE à la télé anglaise. Des célébrités comme Paris Hilton et la chanteuse Kylie Minogue (photo ci-dessus) y ont puisé leur inspiration. D'autres comme les acteurs Ernest Borgnine et Charlton Heston ont été des admirateurs de la fameuse composition de Butler et Elliott. Le cruel meurtrier en séries Dennis Nielsen en était aussi un fan.

Fiona et Martin se sont fréquentés pendant deux ou trois ans avant de mettre fin à leur liaison. Ils sont restés amis. Aujourd'hui âgée de 52 ans, Fiona (ci-dessus) est encore fière de cette photo passée à l'histoire. Un accomplissement qu'elle n'aurait jamais pu imaginer lorsqu'elle a posé naïvement pour Elliott. Elle croit que c'est la qualité de la lumière qui rend cette photographie si belle et si exceptionnelle. Celle qui est maintenant illustratrice et a épousé le millionnaire Ian Walker, avec qui elle a eu un fils et des jumelles, n'a jamais reçu un sou pour sa collaboration au travail de Martin Elliott. Elle n'en a jamais eu de peine ni de ressentiment puisque c'était une faveur qu'elle faisait à son ami. Fiona sourit toujours lorsqu'elle revoit la photo, et ses enfants disent aux gens que c'est leur mère qui apparaît sur ce cliché extraordinaire. Mais rares sont les personnes qui les croient.

Martin Elliott, un maniaque de surf, de camping-caravaning et de moto, a fait carrière en publicité et a longtemps travaillé dans son studio de photographe professionnel à Birmingham. Il a développé un style très personnel, et facile à reconnaître, axé sur diverses techniques d'éclairage. Il a fait beaucoup de calendriers. Il a lutté courageusement pendant une dizaine d'années contre une forme rare de cancer à la poitrine, avant d'en mourir en mars 2010. Jusqu'à la fin, le fameux photographe de la classique "tennis girl" n'a pas cessé d'exercer son excellent sens de l'humour et de faire preuve d'un optimisme illimité, en faisant des blagues et en croyant toujours que sa santé irait mieux. Il a laissé à l'humanité une oeuvre qui vaut la peine d'être appréciée à sa juste valeur...

L'ESPRIT DE GEORGIA O'KEEFFE PLANE TOUJOURS AU-DESSUS DE GHOST RANCH...

2010-10-12T20:59:00.001-04:00

On dit parfois que le génie est proche de la folie... Que l'on peut aimer à la folie jusqu'à ne faire qu'un avec l'être aimé... Dans le cas de la célèbre peintre Georgia O'Keeffe (1887-1986), ces assertions sont des euphémismes. Entre cette grande artiste et son pays d'adoption, le Nouveau Mexique, on peut parler de passion fusionnelle; de communion parfaite autant physique que spirituelle. Dès 1917, à sa première visite de cette contrée sauvage et isolée du sud-ouest des États-Unis, celle qui devait devenir un des maîtres de la peinture moderne, sentit une attirance mystérieuse pour cette terre inconnue, inviolée, unique. Un univers en soi, fait de paysages immenses et puissants, presque surnaturels. Un trésor secret, presqu'inaccesible, parfois écrasé sous une chaleur torride ou balayé par un vent cinglant; entouré de collines, de plaines désertiques, de falaises, de canyons, de rochers, d'escarpements; avec quelques précieux points d'eau dans lesquels se reflète le bleu sans pareil du ciel du sud-ouest américain. Un vaste espace à la fois désertique, silencieux, hostile mais sublimé par la force incroyable de la vie qui réussit malgré tout à s'y implanter. Comme cet oiseau-mouche au corps si minuscule mais pourtant si palpitant que Georgia recueillit un jour dans ses mains graciles après qu'il eut heurté une des fenêtres de Ghost Ranch, qui fut sa demeure à partir des années quarante.

Une propriété isolée, au jardin fleuri, située sur une réserve indienne perdue sous un soleil de plomb qui illumine et chauffe la terre sablonneuse et pierreuse. Mais, aux différentes heures du jour, la lumière de ce soleil ardent joue à cache-cache avec les composantes de ce décor fabuleux, qui, selon la "mode" du temps, revêt des teintes grises, roses, mielleusement dorées, ou rouges ocre, tantôt fuyantes et ombrageuses, tantôt vives et resplendissantes, toujours incomparables et changeantes. Un paradis pour un peintre à la recherche d'exotisme et d'originalité. Une histoire jamais révélée ou racontée au monde contemporain...jusqu'à ce qu'une fée au pinceau magique fasse miroiter ces riches beautés sur ses toiles, et les partage avec l'ensemble de l'humanité.

À la fin de sa longue vie, qui a duré presque cent ans, Georgia O'Keeffe disait ceci sur ce pays qu'elle a aimé plus qu'elle-même: «Lorsque je pense à la mort, mon seul regret c'est que je ne pourrai plus voir ce beau pays, à moins que les Indiens aient raison lorsqu'ils disent que notre esprit continue d'habiter ici après notre départ». C'est peut-être aussi la raison qui explique pourquoi sa dernière volonté a été de faire disperser les cendres de son corps sur ces lieux qu'elle a tant adorés. Presque jusqu'à sa mort à Santa Fe, le 6 mars 1986, malgré une maladie dégénérative des yeux qui ne lui laissait plus qu'une vision périphérique partielle, la vieille dame a continué à faire de l'aquarelle et de la poterie. C'était tout naturel pour elle car sa vie c'était l'art. Elle en était certaine depuis l'âge de douze ans alors qu'elle vivait sur la ferme familiale de Sun Prairie, dans le Wisconsin, où elle est née le 15 novembre 1887. «Mon premier souvenir c'est celui de la lumière - la brillance de la lumière - la lumière partout autour de moi». Sa mère tenait à ce que ses filles, en particulier, bénéficient d'un enseignement supplémentaire en arts. Très tôt, les professeurs de Georgia se rendirent compte qu'elle avait un don spécial pour la peinture. Elle décide de poursuivre des études dans ce domaine.

Une fois sa formation complétée, la jeune femme produit bien quelques oeuvres mais celles-ci passent totalement inaperçues. Il faut se replacer dans le contexte de l'époque, au début du XXe siècle, pour comprendre que le monde de la peinture était pratiquement réservé aux hommes seulement. Les femmes étaient confinées à leur rôle d'épouse, de mère de famille et de "reine" du foyer. Dans une société américaine encore dominée par la religion, le conformisme et le puritanisme, c'était plutôt mal vu d'être artiste, encore plus si vous étiez une femme. Le sexisme et les préjugés empêchaient la gent féminine de s'émanciper et de s'épanouir dans les métiers "non traditionnels". Ces barrières n'arrêtent pas Georgia, qui a un fort caractère et un esprit extraordinairement libre pour son temps. Plus tard elle écrira : «J'ai été absolument terrifiée à chaque moment de ma vie mais ça ne m'a jamais empêché de faire une seule chose que je désirais faire». De nature solitaire, elle a toujours craint d'être incomprise ou mal comprise même si elle croyait que son art se suffisait à lui-même. D'ailleurs, les critiques ne la ménageaient guère, surtout au début de sa carrière. Ils voyaient (et déconçaient) dans ses tableaux de fragments de fleurs une symbolique reliée à l'anatomie du sexe féminin. Ce qui soulevait l'ire de l'artiste. Selon elle, les critiques avaient tout faux et elle seule pouvait vraiment connaître la signification précise de chacune de ses oeuvres... Elle disait peindre simplement ce qu'elle voyait, de la façon qu'elle le voyait, sans complications ésotériques ou psychanalytiques...

En 1915, elle fait une auto-critique de ses travaux et elle remet en question ce qu'elle a appris. Elle réalise rapidement qu'en suivant les idées reçues et en travaillant avec les méthodes enseignées pareillement à tous les élèves qu'elle a côtoyés sur les bancs d'école, elle n'arriverait jamais à élaborer une oeuvre forte et distinctive, à se forger un style bien à elle, qui traduirait ce qu'elle est au plus profond d'elle-même. Dans son esprit clairvoyant, c'était vain, inutile et stupide de copier les maîtres ou de faire comme les autres. Dans ses rêves, dans sa façon singulière de voir le monde, dans ses songes intérieurs, elle voyait des couleurs et des formes qui ne correspondaient à rien de ce qu'elle avait pu observer chez les autres peintres ou les autres artistes. Probablement parce que les femmes n'ont pas le même regard que les hommes sur la vie, et sur leur environnement, croyait-elle... À partir de cette prise de conscience, la jeune femme décida qu'elle ferait ce qu'elle voulait, comme elle le voulait, en jurant d'être fidèle à son inspiration, à ses idées et à ses goûts personnels.

Par exemple, au lieu de peindre "bêtement" des fleurs dans un vase, comme on le lui avait enseigné, Georgia choisit de peindre des fleurs qui débordaient les contours de la toile ! En s'attardant au coeur de la fleur, à un détail ou à un angle en particulier, l'audacieuse artiste exprimait plus et mieux ce qu'elle voulait dire ou signifier par son oeuvre. Jamais n'avait-on vu des fleurs si gigantesques, éclatantes et spectaculaires ! C'était le but visé : en les peignant en gros plan, se disait-elle, même les New Yorkais pressés et pris dans le tourbillon de la vie urbaine n'auraient pas le choix de s'arrêter un moment, saisis par la vision singulière de ces fleurs géantes, tellement impressionnnantes et captivantes.

Mais pour que les New Yorkais les voient, il fallait quelqu'un pour leur montrer... Heureusement pour Georgia, le photographe Alfred Stieglitz est parmi les premiers à être séduits par ses ouvrages et il les expose peu de temps après dans sa galerie d'art à New York. En dépit d'une différence d'âge de 24 ans, l'admiration réciproque que se vouent les deux artistes se transforme en amour et ils s'épousent en 1924. L'oeuvre new-yorkaise de la nouvelle mariée sera notamment inspirée des gratte-ciel de Manhattan et du paysage du Lac George dans l'état de New York. Elle peint également des toiles abstraites, fruits de ses diverses expérimentations avec les couleurs. Mais elle n'oublie pas pour autant sa fascination pour le Nouveau Mexique où elle passe les vacances d'été avec son mari. Elle affectionne particulièrement le coin d'Abiquiu, dans le nord de l'état. Elle y aura d'ailleurs un petit studio ou laboratoire où elle perfectionnera son art.

À la fin des années '40, après le décès de son époux, elle s'installera définitivement dans son lieu de prédilection, à Ghost Ranch, dans ce qu'elle appelle son "faraway". Elle est déjà célèbre et son oeuvre s'est tellement imposée par sa valeur intrinsèque, qu'elle écrase peu à peu tous les préjugés sexistes et amenuise les critiques négatives qui s'acharnent sur elle. Georgia peut être libre et indépendante comme elle l'a toujours désiré. Elle peut créer à sa guise et donner toute la mesure de son immense talent. Presque quotidiennement, de sept heures du matin jusqu'à la fin de l'après-midi, elle explore et parcourt des sentiers qui la mènent un peu partout dans les environs de son ranch ou de son studio. Elle peut aussi peindre, bien installée sur le siège arrière de son automobile. Lorsqu'elle pratique son art au grand air, le climat parfois rude et venteux de ce pays lui rend occasionnellment la tâche difficile. Elle doit rester bien assise sur son banc pendant qu'elle dessine ses tableaux, sinon le vent est assez fort pour l'emporter !

À mesure que les années passent, Georgia O'Keeffe développe une relation quasi-obsessionnelle avec sa région d'adoption. Elle se fond dans son environnement au point d'en faire partie intégrante et de se prendre pour un...coyote ! L'anecdote est authentique. Un jour, lors d'une randonnée au fond d'un canyon, elle se laissa si totalement absorber par ce milieu naturel envoûtant, que, rejetant sa tête par en arrière, à la manière des coyotes, elle se mit à hurler comme eux, à la stupéfaction des personnes qui l'accompagnaient et qui croyaient qu'elle criait parce qu'elle était blessée. Revenant à elle, Georgia leur répondit qu'elle n'avait pas pu se retenir devant la splendeur du décor : «c'est si beau» s'exclama-t-elle, enchantée et encore sous le coup d'une forte sensation...

En plus d'ouvrir toutes grandes les portes de l'art aux femmes américaines, Georgia O'Keeffe a fait vibrer la fibre patriotique de ses concitoyens en clamant haut et fort, et surtout en prouvant par la magnificence de son oeuvre, que l'art américain pouvait avoir autant de valeur sinon plus que l'art européen, qui en imposait encore beaucoup, à son époque. Si un sentiment d'infériorité pouvait persister chez les américains, vis-à-vis les grands maîtres anciens et présents de la peinture des pays d'Europe de l'ouest, tout ce grand mouvement moderniste, dont O'Keeffe faisait partie, a contribué à le faire disparaître.

Pour son talent phénoménal, son art génial qui a fait école, son travail acharné, son grand courage, sa détermination farouche, son amour sans bornes pour son pays, Georgia O'Keeffe a mérité les plus grands honneurs qu'un artiste peut recevoir de son vivant. En 1977, le président Gerald Ford lui a remis la médaille de la liberté, et en 1985 elle a reçu la médaille nationale des Arts des mains du président Ronald Reagan. Un an après sa mort, le Georgia O'Keeffe Museum ouvrait officiellement ses portes, à Santa Fe. Une bonne partie de ses réalisations artistiques y sont exposées pour émerveiller les visiteurs qui ont été plus d'un million à lui rendre hommage jusqu'ici. Ghost Ranch est aussi devenu un attrait touristique, mais dans le respect de l'environnement. De toute façon, l'esprit de Georgia veille sur les lieux pour en préserver la beauté sauvage. Pour protéger surtout ce ciel si bleu dont elle disait qu'il serait toujours là, même après que les hommes auront tout détruit...

Pour accompagner le diaporama qui suit, j'ai choisi la chanson OUT IN NEW MEXICO de Heather Nova. Les paroles évoquent ces paysages chéris par Georgia O'Keeffe qui aurait d'ailleurs aimé être chanteuse : «Chanter m'a toujours semblé la forme d'expression la plus parfaite. C'est si spontané. Après le chant, il y a probablement le violon. Puisque je ne peux pas chanter, je peins».

SOUS LE CHOC VISUEL DE LICHTENSTEIN

2010-07-18T16:14:00.001-04:00

J'imagine que ça peut arriver à tout le monde. Sans pour autant être dépressif. Même en étant jovialiste. Un jour ou l'autre, c'est dans l'air du temps, dans les aléas d'une vie humaine normale : on sent un besoin de fuir la monotonie du train-train quotidien, de mettre de la couleur dans nos rêves, de balayer la poussière des choses banales, de changer de décor et d'idées, d'ouvrir notre télescope sur une autre galaxie, d'aller voir ailleurs pour trouver du nouveau et de l'extraordinaire. Point besoin, pour s'évader, de basculer dans les paradis artificiels que sont les drogues ou l'eau-de-vie. Moi je préfère appareiller pour le beau pays des arts. Pour découvrir comment des artistes de génie ont pu voir l'univers autrement, fantastiquement. Comme l'enfant que j'ai été, je plonge hors du temps, dans des livres d'images aux paysages fabuleux, peuplés de créatures singulières habillées de couleurs éclatantes. Je pars en voyage dans les oeuvres fourmillantes de trésors des grands peintres.

En pénétrant dans le subconscient et la fantaisie des grands créateurs picturaux, j'oublie tous mes maux et mes problèmes. Je me laisse emporter, aspirer, par une attraction irrésistible, par une vision fascinante, magique. Cette démarche, cette découverte, devient une prescription contre l'ennui et les limites de temps et d'espace. Le choix de l'oeuvre et du peintre varie selon mes états d'âme et de corps. Si je manque d'énergie et que je sens une langueur insidieuse m'envahir, j'ai le remède qu'il me faut dans la stimulante et remontante puissance de ce que l'on a appelé le POP ART. Ce don, cet art de voir avec un relief tranchant et une verve enthousiaste des objets de la vie moderne ou des personnages artificiels plus grands et plus vivants que nature ! Une bonne dose de WOW, de points d'exclamation, d'énergie revigorante, dans une grosse capsule d'expressivité exacerbée. Un coup de fouet d'émotions vives, un choc visuel qui frappe, qui réveille, qui éblouit, qui nous ressuscite ! J'ai trouvé tout ça dans l'oeuvre éclatée, multidimensionnelle et multidisciplinaire du roi du POP ART, Roy Lichtenstein (New York 1923-1997).

En fait, lorsque la force incroyable et l'impressionnante vitalité de New York ont rencontré cet homme exceptionnellement doué pour le dessin et le design, ce fut tout un coup de foudre ! Quand, au début des années soixante, Lichtenstein a trouvé son style époustouflant, tout à fait BIG APPLE; la métropole américaine, les New Yorkais, l'ont célébré comme peu d'artistes l'ont été en leur temps. Il a su incarner le flash, la trépidation, l'excitation, le gigantisme, l'esprit fantasque de New York. Ce mariage parfait a porté fruits : un succès commercial phénoménal, une renommée étoilée, dont peu de peintres ont pu s'enorgueillir de leur vivant. À partir des années '80, certains tableaux de Lichtenstein se vendaient déjà pour des millions de dollars.

Dès l'adolescence, le goût et l'intérêt de Lichtenstein pour le dessin et la science se manifestent. Dans cette combinaison inhabituelle de passions il peut sembler y avoir une contradiction mais, même si Lichtenstein choisira la peinture comme profession, il le fera avec un zèle pour la recherche, et un goût de l'expérimentation, propres à l'approche scientifique. À seize ans, il étudie sérieusement l'art du dessin et de l'aquarelle. Le jeune homme aime fréquenter des clubs de jazz et réaliser des croquis des musiciens qu'il admire. Plus tard, lors de sa période faste des années '60, il se fera d'ailleurs plaisir en produisant des affiches pour des festivals mettant en vedette ce genre musical (voir ci-haut). Mais auparavant, la Seconde Guerre Mondiale interrompt sa formation puisqu'il doit faire son service militaire en Europe, de 1943 à 1946. L'armée met à contribution son talent pour le dessin en le chargeant de produire des cartes qui montrent les positions des forces ennemies.

Après le conflit, Lichtenstein complète son éducation et se met à peindre, puis à enseigner. Dans les années '50 il est très influencé par des confrères professeurs et des artistes de la nouvelle génération. Le cubisme et Picasso l'inspirent également beaucoup et auront des effets durables sur son art. Il en viendra à développer un style original que l'on peut qualifier d'expressionnisme abstrait. Au cours de cette période, le New Yorkais attire suffisamment l'attention et réussit à se faire un nom au point de pouvoir avoir droit à quelques expositions individuelles dans sa ville natale. Mais il est plus ou moins satisfait de ses accomplissements. Il cherche sa voie. Il explore. Il tente diverses expériences.

L'élément déclencheur de son accession à la célébrité sera cette toile (Girl With Ball, 1961). Des professeurs, des sommités, des experts, des amis artistes à qui Lichtenstein montre son catalogue d'oeuvres, pointent tous leur doigt sur cette création rassemblant fraîcheur, beauté plastique et maîtrise technique. Ils encouragent son auteur à exploiter ce filon. Dans ses travaux précédents, au temps de sa pratique de l'expressionnisme abstrait, Lichtenstein avait incorporé dans ses tableaux des silhouettes déformées de personnages de dessins animés tel que Bugs Bunny. Il avait aussi vu que certains peintres avaient déjà produit sur toile des séquences de dessins attachés les uns aux autres comme ceux des "comics" publiés dans les journaux. L'idée lui vient alors d'isoler ces scènes ou ces personnages de BD pour en faire des sujets pour sa peinture. Tout comme les concepts, les dessins ou les photographies qui servaient à faire de la publicité dans les médias. Poussant encore plus loin son idée, Lichtenstein empruntera ou reproduira la trame pixelisée ou les caractères d'imprimerie que l'on pourrait distinguer en observant une BD de journaux, avec une loupe. En quelque sorte, on pourrait ainsi voir en gros le "grain" (la multitude des points d'encre composant le dessin) du papier coloré d'un extrait de bande dessinée.

Comme on peut le constater dans les chefs-d'oeuvre Torpedo Los (ci-dessus, vendu pour 5,5 millions de $ en 1989) et Girl With Hair Ribbon (qui coiffe l'en-tête de cet article et qui a trouvé preneur pour 6 millions de dollars au début des années '90), l'effet visuel de cette idée et de cette technique fut prodigieux. Dès 1962, année la plus productive pour Lichtenstein, les collectionneurs s'arrachent littéralement ses tableaux, exécutés selon ce style flamboyant et si vibrant. Ainsi, cette année-là, avant même le début d'une grande exposition à New York, toutes les toiles du maître sont déjà vendues. Un exploit peu commun... C'est la folie ! L'année suivante, l'artiste abandonne son poste de professeur d'université pour se consacrer entièrement à son oeuvre. Il emploiera le reste de la décennie à satisfaire le goût insatiable du public pour ce qui restera le style et la mode POP ART, à la Lichtenstein.

Cette mode, cette manière de peindre, fera école et aura de nombreux imitateurs jusqu'à nos jours. On a dit que le pape du POP ART, Andy Warhol, avait aussi eu l'idée de créer le même genre de peintures que son confrère, mais qu'il a dû renoncer à ses projets, ayant été tout simplement pris de court par le succès aussi retentissant que fulgurant des oeuvres de Lichtenstein. Warhol aurait passé pour un copieur s'il avait donné suite à ses plans. Mais ce désir d'être très commercial, de profiter d'une mode ou d'un engouement populaire, se retrouvait au coeur du courant POP ART. D'ailleurs, les propagandistes de ce mouvement ne cachaient pas leur penchant mercantile. Lichtenstein a reproduit son style non seulement sur des toiles mais sur une grande diversité de supports et de matériaux. Ses sculptures, affiches, étampes, couvertures de revues, lithographies, sérigraphies, collages, décors, tapisseries, murales, ont été exécutés sur du verre, du bois, des tissus, du métal, de la pierre, divers types de papier, de la porceleine et même des automobiles ! Il s'est servi de plusieurs méthodes, techniques et outils pour exprimer les mille et une facettes de son immense talent.

Adaptant les travaux d'autres artistes, transformant, mélangeant, réinventant et unifiant les genres, il a sublimé et magnifié les images qu'il a mises en scène comme un cinéaste ou un homme de théâtre. Par de grands traits de pinceau ou de crayons, à coups de jets d'encre et de couleurs; en utilisant des effets théâtraux comiques ou dramatiques, des cadrages cinématographiques, des jeux d'illusion, de perspective et de miroir, il a réinterprété souvent de façon humoristique et satirique les clichés du rêve américain et du "American Way of Life". Des clichés instantanés, comprimés, "qui disent tout d'un seul coup ", empruntés à l'art de la publicité. Des images impressionnantes, frappantes, convaincantes, faisant une synthèse, un condensé imposant d'une idée claire, d'émotions fortes, d'actions prises sur le vif du moment le plus palpitant -comme les scènes figées d'un film d'action qui se serait arrêté lors de sa projection sur un écran de cinéma géant-.

En embarquant dans le tourbillon d'images de rêve de Lichtenstein, comment rester insensible à la vue de ses blondes sensuelles aux lèvres pulpeuses ? Comment ne pas être captivé par les attitudes viriles et les traits expressifs de ses super héros à la mâchoire carrée ? Comment ne pas avoir le souffle coupé par ses scènes de batailles et de guerre qui semblent vouloir nous entraîner dans leur tumulte ?

Même si l'histoire et le public a privilégié ses oeuvres à succès des années '60, on aurait tort de limiter la carrière de Lichtenstein à cette seule époque. Il existe 4 500 objets d'art, en circulation dans le monde, reliés à la richesse de l'imagination et à l'habileté des mains d'or du grand maître du POP ART, décédé à Manhattan en 1997, à l'âge de 73 ans, des suites d'une pneumonie. L'artiste était pourtant encore pimpant. Il aurait pu donner d'autres exemples de son génie créateur... Dommage que la mort l'ait emporté trop tôt...

Le montage audio-visuel qui suit, fournit un aperçu de l'ensemble des plus belles réussites artistiques de Lichtenstein. Chose certaine, lors de mon prochain séjour dans la Grosse Pomme, je compte bien refaire le plein d'énergie en me branchant sur la vitalité sans pareille de la ville et en faisant un détour à la ROY LICHTENSTEIN FOUNDATION où est exposée une grande partie de l'héritage plein de vie de cet illustre maître des chocs visuels et de la beauté artificielle.

VENT DE FRAÎCHEUR SUR L'AMITIÉ CANADO-AMÉRICAINE !

2010-04-02T11:02:00.001-04:00

Les relations amicales entre voisins américains et canadiens durent depuis 200 ans. Au rythme des événements de l'Histoire, selon la personnalité de leurs dirigeants, le Canada et les États-Unis ont entretenu des liens d'amitié plus souvent chaleureux, mais parfois tièdes. La frontière qui sépare, à peine, les deux pays, est la plus longue et la plus "pacifique" de la Terre. Chaque jour, des échanges commerciaux d'une valeur de 1,5 milliard de dollars viennent unir toujours davantage les intérêts des peuples canadiens et américains qui se côtoient pour les affaires ou le plaisir de se visiter, tout naturellement, "between friends".

De chaque côté de cette frontière presque imaginaire, les habitants se font mutuellement confiance. Un peu moins peut-être depuis les regrettables actes de terrorisme de septembre 2001, lorsque les Américains ont moins apprécié la perméabilité de la frontière et le laxisme des douaniers canadiens qui, selon eux, ont permis à des ennemis des USA de pénétrer facilement sur leur territoire, à partir du sol canadien. De plus, le fait que le Premier Ministre Jean Chrétien ait refusé l'aide du Canada à George W. Bush lors de l'invasion de l'Iraq par une coalition de pays amis des États-Unis, a jeté un froid sur les relations entre les deux pays.

Mais tout semble oublié depuis que le Canada fait sa part en sacrifiant ses soldats pour combattre les terroristes en Afghanistan. L'arrivée au pouvoir de nouveaux politiciens, plus jeunes, Stephen Harper et Barack Obama, a aussi réchauffé la vieille amitié canado-américaine. Peut-être trop au goût de certains observateurs qui reprochent aux Conservateurs de Harper de copier à outrance les politiques extérieure et environnementale des Américains. Bref, selon ces "patriotes" canadiens soucieux de maintenir une certaine indépendance vis-à-vis la super-puissance américaine, il y a quelque chose d'exagéré, (comme des excès de comportements entre adolescents), qui anime les relations entre les "jeunes" Harper et Obama. À leur goût, les deux chefs s'entendent un peu trop comme larrons en foire !

Ce qui nous conduit au photo-montage qui coiffe cet article ! Je le trouve très réussi ! Il exprime bien ce qu'il veut signifier ! Et ce dans des couleurs pimpantes, reflétant un esprit de jeunesse joyeuse qui est comme un vent de fraîcheur qui emporte tout sur son passage ! Superbe vision ! Une drôlerie qui met un sourire sur le visage de ceux et celles qui regardent cette belle composition !