VITRINE DO ROCK

Beastie Boys - Check Your Head - 1992

2012-05-08T10:47:00.000-07:00

O rap achava que não precisava disso. O rock também. O início dos anos 90 assistia à formação de dois impérios que dominariam o pop dali por diante. Nevermind (1991) devolvia às guitarras a relevância perdida e atentava a possibilidade de o rock alternativo virar o jogo. Um ano depois, e do outro lado da ponte, The Chronic revelava o poder de sedução que a vida bandida de Dr Dre exercia sobre a classe média americana, e o rap conseguia o que precisava para ganhar respeito - ou seja, ganhar muito dinheiro. Você também podia pensar que não precisava de Check Your Head, mas os Beastie Boys insistiram em criar uma terceria via.

O trio vinha de uma situação complicada. O ambicioso Paul´s Boutique (1989) falhara em repetir o impacto de Licensed to Ill(1986), o bardo machista e cervejeiro que foi acusado de clonar o hip hop, mas vendeu horrores. O trabalho meticuloso de mixagem do disco, a cargo dos Dust Brothers, confundiu quem esperava batidões e riffs metálicos. A crítica também não deu bola para o álbum, que seria cultuado por poucos ao longo dos anos até ter reconhecida sua importância. Naquele momento restava a Ad-Rock, MCA e Mike D a dura missão de partir do zero, a começar pela criação de seu próprio selo, o Grand Royal, o que daria liberdade de criação e seria o primeiro passo no extreme makeover de um trio de fanfarrões em ícones do cool.

Como boas ovelhas brancas do rap que eram, eles decidiram forçar ainda mais a diferença e aproveitaram o background de banda de hardcore para voltar aos instrumentos básicos do rock. Mas a intenção não era retomar a fúria do início da carreira - à exceção de "Time for Livin"', link quase palpável com o punk e o skate. Em suas andanças por lojas de vinis raros e fora de catálogo, os ex-garotos idiotas foram coletando discos espertos de jazz, latin soul, boogaloo, funk e groove dos mais diversos. No estúdio, eles agregaram o tecladista Mark Ramos Nishita, mais conhecido como Money Mark. O japonês mais chicano do pedaço refogou o balanço do trio com um molho picante vintage vindo de seus Hammonds e Wurlitzers.

Contudo, a chave da empreitada estava do lado de lá, na mesa de gravação. Depois de Rick Rubin e os Dust Brothers, os Beastie Boys escolheram o brasileiro Mario Caldato Jr para a missão de captar a energia de uma jam session e envolvê-la com texturas via samplers e colagens. "Esta é a primeira canção do nosso novo álbum", anuncia Mike D na introdução de "Jimmy James". Não é apenas formalismo ou tique de MC. Naquele momento, era necessário anunciar a transformação de um trio de rap caricato num símbolo de novas tendências sonoras. A faixa se baseia num sampler de baixo tocado por Hendrix ("Happy Birthday", também usado pelo De Falla no mesmo ano, mas isso é outra história). A estrutura, apesar de complexa, ainda era familiar ao universo do hip hop, mas servia para ambientar o ouvinte para o que viria em seguida: a guitarra malaca de "Funky Boss", os scratches sincronizados à bateria com eco (e acústica) de "Pass the Mie" e o espetacular baixo com fuzz de "Gratitude".

E o que dizer das instrumentais (num grupo de rap! Rap?) "Pow", "In 3's" e "Groove Holmes"? Mesmo"So What'cha Want", que foi bem nas paradas de rap, tinha algo de psicodélico que cheirava à novidade. As referências de rap da velha guarda, funk setentista, jazz dançante da Blue Note e rock alternativo alcançariam a perfeição e o gosto popular depois, com "Sabotage", megahit de Ill Communication (1994), que fez os Beastie Boys se tornarem um dos favoritos das programações das college radios americanas. Mas sem Check Your Head o apreço indie não seria possível.Compre e deixe na sua coleção o cheiro da novidade rap.

Faixas:
1 Jimmy James 3:14
2 Funky Boss 1:35
3 Pass the Mic 4:16
4 Gratitude 2:45
5 Lighten Up 2:41
6 Finger Lickin' Good 3:39
7 So What'cha Want 3:36
8 The Biz ·vs· The Nuge 0:33
9 Time for Livin' 1:48
10 Something's Got to Give 3:27
11 The Blue Nun 0:32
12 Stand Together 2:47
13 POW 2:13
14 The Maestro 2:52
15 Groove Holmes 2:33
16 Live at P.J.'s 3:18
17 Mark on the Bus 1:05
18 Professor Booty 4:12
19 In 3's 2:23
20 Namasté 4:01

Miles Davis e Seu Silencioso Caminho - Miles Davis - In A Silent Way - 1969

2012-03-28T12:34:00.000-07:00

Bom já sabemos que Miles inventou e re inventou o jazz como quis e nos deixou discos eternos. Mas depois do devastador e mais belo disco de jazz já gravado, " Kind Of Blue", Miles e seu trompete começaram a eletrificar o jazz . O trompetista montou seu novo time e foi dar início ao que conhecemos como Jazz Rock ou Fusion. Miles foi o jazzista que deu início ao novo movimento musical, e integrantes de sua banda , formariam tempos depois bandas fundamentais para a continuidade do jazz rock.

E como só um gênio como Miles poderia fazer , ele gravou um diferente disco , que não era para os fãs tradicionais do jazz ou amantes do rock e principalmente devotos do fusion. E sim um disco para quem gosta de um som que flui devagar , para quem aprecia o toque de um artista sensível o suficiente para deixar que o silêncio fale tão alto quanto a música , este é o disco In A Silent Way.

Este também é um disco para , Quem sabe saborear a liberdade única de músicos que conseguem trafegar pelos sons sem restrição, sendo este disco composto por duas peças longas , cada uma com cerca de 20 minutos de duração, temos um músico que explorou a exaustão sua musicalidade e a do final dos anos 60, a maestria dos teclados de Herbie Hancock e Chick Corea , o sax soprano de Wayne Shorter e a incrível atmosfera criada pelo tecladista Joe Zawinful. Do outro lado é simplesmente genial a contraposição entre as ondas de silêncio das melodias de Miles que são lindas mas subestimadas, e os aparentemente infinitos solos de guitarra de John Mclaughlin.

In A Silent Way se coloca no meio das incursões de Miles aos meios eletrônicos demais entusiasmadas e também pelo furor causado pelo Jazz Rock , que ele e seu supertalentoso grupo fariam na década seguinte, sendo a pedra fundamental para um estilo que teria seu momento máximo em Bitches Brew também de Miles Davis. Só uma coisa, três décadas depois o triunfo do álbum é completo e reconhecido por todos , mas você aí já tem o seu ?

Discos que Marcaram a Minha Vida - Frank Zappa - Hot Rats - 1969

2012-03-17T20:33:00.000-07:00

Visionário, polêmico, louco, ousado, provocativo, sarcástico, inventivo, contestador, virtuoso, revolucionário … para defini-lo, na verdade, bastaria um só adjetivo: genial! Falar de Frank Zappa é trazer à mente o nome de um dos artistas mais importantes do século 20 e, porque não, da história da música universal. E isso não é nenhum exagero! Sua morte, em 1993, deixou uma lacuna irreparável na música e no coração dos fãs.

Frank Vincent Zappa nasceu em 21 de dezembro de 1940, na cidade de Baltimore, Estados Unidos, filho de uma família pobre de imigrantes italianos. Ainda garoto começou a se interessar por música, ouvindo junto com os pais discos de r&b, blues e jazz. Mais tarde, passou também a se interessar por música clássica, tendo Igor Stravinsky, Karlheinz Stockhausen e Edgard Varèse como seus compositores prediletos. Vem daí a sua adoração por estruturas musicais complexas e grandiosas. Há um tempo atrás eu já havia ouvido tudo isto dito acima, e um pouco mais sobre o bigodudo mais louco do mundo da música, e foi com este disco que além de conhecer , gostar e começar a comprar seus discos, foi este que me mostrou a genialidade e exuberância musical de Frank Zappa.

Mais em 1969, Zappa além de frustrado por seus discos com o Mothers of Invention não venderem bem, pagar o salário de sua antiga banda literalmente deixou um rombo no bolso do guitarrista. Não havia outra opção,se não uma mudança de banda para o próximo lançamento e Zappa não perdeu tempo.Pegou seu fiel amigo Ian Underwood, seu chapa Captain Beefheart, e os violinistas Don Sugarcane Harris e Jean Luc Ponty, contando com um número menor de músicos em sua banda, Zappa não deixou barato, gravando e produzindo um de seus melhores álbuns.

Um álbum todo instrumental,contando com apenas uma música com vocal, Hot Rats gira em torno do jazz , do rock e algumas outras influências de Zappa, mas contamos também com o virtuosismo dos músicos e a forma como o colocam nas faixas. " Peaches En Regalia" é inspiradora e peculiar ao mesmo tempo, sendo a música preferida do público nos 20 anos seguintes, é só ouvir e comprovar; nela Zappa toca um octave bass. Já em "Willie the Pimp", com os grunhidos chapantes de Beefheart, vai fundo no Blues e tem um solo explosivo do guitarrista com wha wha. " Son of Mr.Green Genes", amplia a forma do disco anterior, com um toque mais jazzístico. A faixa " Little Umbrellas", calcada em uma linha de baixo, é mais tranquila , metálica, estranha com um arranjo peculiar, que quanto mais se ouve mais se curte.

“Hot Rats” nos reserva ainda mais um ápice musical com a incrível “The Gumbo Variations”, um rhythm and blues peculiar que serve de cama para performances arrebatadoras de Zappa, Ian Underwood e Don Harris. Ouvir seus quase treze minutos de duração é uma experiência única, e que deveria ser recomendada para toda e qualquer pessoa que tem a música como um dos elementos principais da sua vida.Encerrando, uma curiosidade histórica: a figura da capa de “Hot Rats” até hoje é apontada por muitos como o próprio Frank Zappa, mas na verdade é Christine Frka, uma das integrantes do grupo exclusivo de groupies que seguia Zappa e sua banda, as GTOs – Girls Together Outrageously. A foto, com Christine esperando na surdina dentro de uma piscina, foi tirada em uma mansão de Beverly Hills, e não deixa de ser uma metáfora para o que “Hot Rats” faz com o ouvinte: o pega de surpresa, no susto, e o leva a uma viagem fantástica, da qual ele jamais se esquecerá.

Músicas :
1 - Peaches En Regalia - 3:37
2 - Willie The Pimp - 9:16
3 - Son Of Mr. Green Genes - 8:58
4 - little Umbrellas - 3:04
5 - The Gumbo Variations - 16:55
6 - It Must Be A Camel - 5:15

Weather Report - Heavy Weather - 1977

2012-03-10T07:54:00.000-08:00

O Weather Report foi o mais duradouro dos grupos de fusion, pois agregando uma variedade de influências,indo do Free Jazz ao Rock Progressivo, eles estabeleceram seu nome definitivamente no mundo da música. Atravessaram a década de 70 e metade da década de 80 definindo e redefinindo os rumos da sua complexa e cerebral música, juntamente com a Mahavishnu Orchestra de John Mclaghlin,e o Return to Forever de Al Di Meola. O Weather Report foi fundado por músicos egressos do grupo de Miles Davis do final dos anos 60. Não apenas isso, mas o Weather Report nasceu como um verdadeiro grupo all-star que reunia alguns dos principais nomes do jazz-rock (e do jazz de maneira geral) da época. A formação original contava com Joe Zawinul aos teclados, Wayne Shorter ao sax, Miroslav Vitous ao contrabaixo, Airto Moreira à percussão e Alphonse Mouzon à bateria. Destes, Zawinul e Shorter haviam desempenhado, um papel importantíssimo junto a Miles Davis. Nessa primeira fase, o som do grupo era mais cerebral e experimental, uma extensão da música do revolucionário trompetista.Houve diversas mudanças de formação, principalmente no contrabaixo, na bateria e na percussão. Por outro lado, Shorter e Zawinul permaneceram sempre no grupo, com Zawinul assumindo gradativamente o papel de líder. Jaco Pastorius entrou no grupo em 1976, trazendo consigo sua energia característica e musicalidade inigualável, pois foi Jaco quem inventou o baixo fretless e seu timbre único,que o acompanhou por toda a carreira.

Mas tendo concorrentes que se soavam mais pesados ou com um suingue sobrenatural, era de se esperar que o Weather Report tivesse um diferencial de seus concorrentes, e foi exatamente isso que a banda mostra neste ótimo disco , pois do início ao fim ouvimos melodias cantaroláveis e com uma seção rítmica que se achava na obrigação de botar quem ouvia suas músicas para dançar, com o baterista e o percussionista impulsionando a banda com seu tom fluído afro - cubano. Ouça "Birdland" e "Teen Town", esta com Jaco Pastorius como baterista, e a 1ª que foi o hit tanto da banda como deste disco.

Tendo uma maleável estrutura jazzística , com sintetizadores moldando e colorindo,elementos da música latina esse foi o fundamental disco do Weather Report, uma série de composições devastadoras executadas de uma forma brilhantemente virtuosa.

A produção deste disco, é um verdadeiro ato de amor a música.Contando também com o inigualável e inovador virtuose Jaco Pastorius,que teve toda sua genialidade mostrada para o mundo a partir deste disco, não tem como não dizer que esta é uma obra fundamental para sua coleção.

Vamos Falar de Rock Progressivo

2012-03-03T17:27:00.000-08:00

Biografia :
Rock progressivo (também abreviado por prog rock ou prog) é um estilo que surgiu no fim da década de 1960, na Inglaterra. Conseguiu se tornar muito popular na década de 1970, e ainda hoje possui muitos adeptos.O estilo recebeu influências da música clássica e do jazz fusion, em contraste com o rock estadunidense historicamente, influenciado pelo rhythm and blues e pela música country. Ao longo dos anos apareceram muitos sub-géneros deste estilo tais como o rock sinfônico, o space rock, o krautrock, o R.I.O e o metal progressivo. Praticamente todos os países desenvolveram músicos ou bandas voltados a esse gênero.

1 - Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn - 1969 - Aonde tudo começou. O Rock nunca mais foi o mesmo depois da aparição de Syd Barret e cia. Psicodelismo, novidades sonoras embebidos em LSD, atitude e músicas marcantes que apesar de raramente terem sido tocadas , anos depois pela banda, marcou nossas vidas para sempre. Essencial.

2 - Genesis - Foxtrot - 1972 - Depois de mudanças na banda, a formação clássica e o melhor momento de todos, nas letras, nas músicas nos arranjos e o início de Peter Gabriel com suas atuações performáticas, fantasias, levando ao público um novo formato de shows de rock.

3 - Emerson, Lake and Palmer - Tarkus - 1971 - O melhor disco gravado pelo maior trio de rock progressivo já existente. Virtuosismo em sua força máxima , mais sem perder a qualidade e sem ficar na mesmice ou chato. Arranjos inovadores onde as qualidades musicais do trio são mostradas de forma inigualável. Compre de olhos fechados.

4 - Renaissanse - Prologue - 1972 - Annie Haslam estréia na banda ressucita a mesma e o disco se torna maravilhoso. Sem virtuosismo, mas tendo músicas bem executadas e melodias extraordinárias, na minha opnião algumas das melodias mais bonitas do progressivo estão aqui. Se tem coragem compra e ouça de olhos fechados.

5 - Novalis - Sommeraband - 1976 - O disco mais bonito do progressivo alemão e um dos mais belos que já escutei, melodias cativantes. Músicos com uma execução primorosa. Os temas sofrem mudanças constantes que de nenhuma forma entendia ninguém. Compre e ouça com seu amor.

6 - Premiata Forneria Marconi - Storia Di Un Minuto - 1972 - Conheci esta banda por um vizinho, e depois não parei mais. A melhor banda de progressivo italiano em seu 1º lançamento já demonstrava que nada ficava devendo aos medalhões ingleses. Um equilíbrio entre a beleza acústica e o peso elétrico do rock. Compre.

7- Yes - Fragile - 1972 - Foi o 1º disco do Yes que tive e escutei de cabo a rabo até os dias de hoje. Músicas , execução , arranjos e a produção são belíssimos. O pontapé inicial para outras pérolas que a banda gravou e nos deixou para toda a vida. Essencial.

8 - King Crimson - In The Court Of Crimson King - 1969 - Assim como o 1º disco do Pink Floyd , aqui temos outro marco na história da música, pois foi lançado no final dos 60's, e ninguém havia composto, arranjado e ou produzido algo parecido. Definiu o rock progressivo. Uma inteligente visão do que vemos hoje no mundo, a paranóia humana com o futuro da humanidade. Essencial é a palavra.

9 - Gentle Giant - Free Hand - 1972 - Pode não ser o maior album definitivo de rock progressivo, mas sem sombra de dúvidas "Free hand" ficou comercialmente acessível pelo menos para aquelas pessoas que seriam novos ouvintes desta banda estilo medieval. Por falar em medieval que ainda está presente neste album, a sonoridade também não se deixa levar com o renascentismo, algo muito incomum de bandas que fazem o estilo de folk-prog o que caracteriza . "Free hand" um trabalho tão adorado, pelos fãs e você já tem o seu?

10 - Eloy - Power and the Passion - 1975 - Outro grupo alemão que marcou presença no estilo, capitaneado pelo cantor, líder e guitarrista Frank Bornemann. Disco conceitual que conta uma história de viagem no tempo, melodicamente fabuloso, não deixando de ser Hard quando necessário, tendo uma cozinha altamente rítmica e que não deixa a peteca cair. Compre.
Bom mais uma lista no blog, já falei de Blues, Jazz, Soul e Rock Brasileiro. O intuito aqui não é criar um Top 10 , passo longe disso e sim quero criar listas que tenham bandas referências nos estilos e ajude quem nunca ouviu. Se você gostou das bandas aqui listadas, não deixe de escutar também : Marillion, Jethro Tull, Camel , Focus, Solaris entre outras. E mergulhe fundo nas histórias progressivas.

Thelonious Monk Quartet With John Coltrane - at Carnegie Hall - 1957

2012-02-25T10:59:00.000-08:00

Estamos em 1957, após uma discussão prolongada com agressão física termina uma das parcerias mais geniais e fundamentais do jazz , entre o trompetista e gênio Miles Davis , e na minha opnião o maior tenorista concebido neste planeta John Coltrane, este fato foi assistido pelo pianista Thelonius Monk , após uma apresentação da banda de Miles. Não perdendo tempo o pianista , logo chamou Coltrane para intregar seu quarteto, e o tenorista logo aceitando o convite. Em uma dupla musical também tão fundamental e genial , quanto a anterior entre Coltrane e Miles, o saxofonista e o pianista deixaram um dos mais belos discos gravados , na música. Thelonious Monk é um pianista único, um matemático que compunha melodias e criava ritmos nada usuais. Seus dedos eram rígidos, deixava-os perfeitamente eretos, e os batia nas teclas tal qual uma baqueta faria em um tambor. Preciso, fazia com duas ou três notas o que outros pianistas faziam com nove ou dez. Era um “teclador de elite”, cada nota entrava perfeitamente no contexto da música, numa mistura melódica e rítmica. Somente notas necessárias e muito bem trabalhadas. Nesse sentido sua característica se aproxima com a de Miles Davis, notas poucas e boas, aliás, perfeitas. Excêntrico, Thelonious não era muito bem visto pela crítica da época, porém era unanimidade entre os jazzistas. Por anos andou apagado, sumido dos bares de Jazz, e isso deve-se a um acontecimento muito infeliz. Em 1951 a polícia novaiorquina encontrou narcóticos no carro de Bud Powell, amigo de Monk. Ambos os músicos estavam presentes durante a apreensão e como o carro era de Powell, a polícia ligou-o com as drogas. Thelonious negou-se veementemente a testemunhar contra o seu amigo e por isso foi impedido de tocar em qualquer lugar que vendesse álcool por alguns anos. Tal acontecimento fez com que Monk se restringisse à composição, apresentações em teatros (exatamente a situação da gravação deste disco) e gravações no início dos 50′s até mais ou menos 1957. Sobre o seu estilo, pode-se dizer que era semelhante ao Bebop, sendo ele o maior pianista do estilo inaugurado por , Bird e Diz.

Todas as músicas aqui , já haviam sido tocadas anteriormente, e o quarteto simplesmente da cara nova a todas , sem excessão, tendo arranjos belíssimos por todo o decorrer da bolacha. as fitas foram encontradas por acaso por um historiador chamado Larry Applebaum, na Biblioteca do Congresso dos EUA, e relata a curta parceria entre os dois gênios naquele ano . A dupla entre os dois durou apenas nove meses no ano de 1957 e esse show foi realizado no dia de Ação de Graças, em 29 de novembro. Trane relata que apesar do tempo curto, a convivência com Monk foi fundamental para seu desenvolvimento: "aprendi muito sobre teoria, técnica e composição. Monk foi extremamente generoso e paciente comigo." Os outros 2 componenetes do quarteto também não podem ser esquecidos, o baixista Ahmed Abdul - Malik, e o baterista Shadow Wilson contribuem muito para tornar os arranjos, e os solos sobrenaturais. Outro fator que também conta a favor desta obra prima do jazz, é a produção toda feita com muito esmero e respeito que a obra merece, saindo em uma edição de cd , com controle anti cópias. Enfim , como eu disse antes um dos mais belos discos que escutei em minha vida, e que com certeza irá colorir as suas diariamente. Fundamental em nossas vidas.

Faixas :

1. Monk's Mood
2. Evidence
3. Crepescule With Nellie
4. Nutty
5. Epistrophy (Live)
6. Bye-Ya
7. Sweet And Lovely
8. Blue Monk
9. Epistrophy

King Crimson - Lizard - 1970

2012-02-20T09:52:00.000-08:00

Estamos no ano de 1.970, época de grandes acontecimentos no cenário musical em geral. No rock progressivo que começa a mostrar sua cara, não foi diferente. Nessa época muitas bandas surgiam, algumas na estrada há mais tempo lançavam ótimos álbuns. Entre esses estava o King Crimson. Está banda que por alguns recebe o titulo de criadora do progressivo, não parou por ai. A banda começou com um guitarrista britânico, seu nome é Robert Fripp. Junto com ele vieram dois irmãos Peter Giles “Baixo” e Micahel Giles “bateria”,gravaram o segundo e ultimo disco deles com o king Crimson , pois se trata de um trabalho do mesmo nível do primeiro, por incrível que pareça , tendo também o auxílio de diversos músicos de jazz, certamente superior ao seu antecessor. Lizard já abre com uma das melhores criações de Robert Fripp, a tenebrosa “Cirkus”, cuja estrutura básica consiste em lindas estrofes, cantadas com intensidade por Gordon Haskell, e sempre seguidas de um sinistro tema de mellotron, acompanhado de um dedilhado apático no violão.Esse pode ser considerado o álbum de mais difícil assimilação da banda, com evidencias claras do jazz, erudito e o sinfônico, Lizard se mostra um trabalho complexo, dinâmico, e único.

O disco também contou com a participação de Jon Anderson vocalista do Yes, ele faz os vocais da primeira parte da faixa titulo Lizard. Esse fato se deu porque algum tempo antes Jon Anderson convidou Fripp para ser o novo guitarrista do Yes, já que ma mesma época a banda procurava um novo guitarrista, depois da saída de Peter Banks logo depois do álbum Time And Word 1.969. Fripp não aceitou o convite preferindo continuar o king Crimson. Em uma forma de agradecimento convidou Jon Anderson para fazer os vocais em Lizard.Quanto ao Yes logo depois eles conseguiriam um novo guitarrista, o mago das guitarras Steve Howe. Esse se trata de um álbum de Jazz Rock, e daí vem um pergunta a cabeça, mais isso é King Crimson? Realmente a sonoridade deste álbum se diferencia muito dos trabalhos anteriores, pode ser considerada uma transformação radical. Esse fato é bem verdade, esse com certeza é o trabalho com maiores influencias do jazz e dos seus artistas, como Miles Davis, grande nome do jazz, que influenciou muita gente, na época. Não diria que esse álbum seria o melhor para começar a conhecer o King Crimson, tente primeiro ouvir In the Court of Crimson King, e Red, depois vá para a audição de Lizard, com certeza estará mais acostumado com som e os experimentalismos da banda, se gostar dos dois exemplos citados, é bem provável que goste de Lizard.

O clima torna-se ensolarado com “Indoor Games”, primeira a aproveitar a fórmula jazzística funkeada de “Cat Food”, com um resultado bem positivo, especialmente no instrumental aparentemente aleatório, mas onde todas as performances se encaixam perfeitamente. “Happy Family” é uma faixa deliciosa, que também segue a fórmula de “Cat Food”, mas de forma mais simples. Além do tema instrumental, que gera um efeito cativante ao combinar timbres díspares de vários instrumentos como piano e sintetizador, destaco nessa música o vocal de Haskell, que, assim como em “Cirkus”, não apresenta maiores virtudes técnicas, mas encaixa-se perfeitamente ao que a música pede, como que tornando-se um instrumento a mais. Após a calma “Lady of the Dancing Water”, temos a participação especialíssima nos vocais de Jon Anderson (Yes)! Ele substitui Haskell na primeira parte da belíssima suíte "Lizard". Esta inicia com o belo tema cantado por Jon, ao qual se segue um trecho instrumental de arranjo impecável, com ênfase nos sopros e ótimas intervenções de piano. Esse tema, que mantém o clima dramático da música, encerra-se com um desfecho glorioso. A esse desfecho, emenda-se um novo movimento, que vai aos poucos se definindo, inclusive com Haskell cantando timidamente, até que a parte vocal dá lugar a um trecho instrumental mais arrojado, com a entrada da bateria. Um novo tema dos sopros é então apresentado, irascível, onde destaco novamente as intervenções sapientíssimas do piano! Esse tema ensaia alguns desfechos, até que finalmente some e deixa apenas a guitarra de Fripp chorando baixinho, um choro raivoso, que logo dá lugar a uma nova utilização de colagens sonoras pela banda, encerrando esse lindo disco com um resultado novamente acima da média.Então,progger compre o seu.

Beastie Boys - ILL Communication - 1994

2012-02-12T13:46:00.000-08:00

Os Beastie Boys formaram-se em 1979, como banda punk rock, chamada The Young Aborigines. Em 1981 Adam Yauch juntou-se ao grupo e mudou o nome para Beastie Boys. O nome "Beastie" significava, originalmente "Boys Entering Anarchistic States Towards Inner Excellence," (em português quer dizer algo como "Rapazes que incorporam estados de anarquia para a excelência interna") e as iniciais B.B. tentavam mimetizar a banda punk de Washington DC, Bad Brains. A formação original da banda consistia em Adam Yauch no baixo, Kate Schellenbach na bateria, John Berry na guitarra, e Michael Diamond na voz. A sua primeira actuação foi em casa de Berry, no 17º aniversário de Yauch.A banda ganhou fama rapidamente e foram convidados pelos Bad Brains e pelos Reagan Youth em clubes como o CBGB e o Max's Kansas City, actuando na última noite destes. No mesmo ano, os Beastie Boys gravaram um EP Pollywog Stew nos 171A studios.Os Beastie Boys foram a primeira banda rap de brancos bem sucedida e um dos poucos projetos dos primeiros tempos do hip-hop que, ainda, granjeiam grande sucesso. O seu rap, influênciado pelo rock e punk, teve um impacto significativo em artistas, quer dentro, quer fora da cena hip-hop.

Os seus membros atualmente são Michael Diamond (Mike D), Adam Yauch (MCA) e Adam Horovitz (Ad-rock). Todos os membros são de ascendência judaica. E em 1994 esse grupo nova iorquino sabia muito como animar festinhas , pois haviam aperfeiçoado as habilidades com bom domínio de samplers , ouçam os álbuns "Check Your Head" e " Paul´s Boutique", anteriores a este. Para a gravação deste álbum o trio, regressou ao estúdio com disposição para experimentar, e ao mesmo tempo produzirem um disco extremamente fiel as suas paixões (budismo, as séries policiais televisivas dos anos 70 e o punk hardcore).

O disco III Communication está dividido em três partes , contendo faixas Thrash curtas e pesadas, " Tough Guy" e "Heart Attack Man", são ótimos exemplos. Depois temos uns trabalhos com verve jazzística ou mântricos como em " Flute Loop" e " Shamballa" . A parte mais eficiente de todas , tendo músicas calcadas em loops genialmente sampleados, ouça " Root Down" e tire suas próprias conclusões. Na faixa " Sabotage", além de ser uma das memoráveis músicas do trio, acontece um improviso entre os três integrantes gritando as letras, por cima da base. Como registro fonográfico, do que se passava naquele que foi um momento chave na carreira da banda. A essência aqui é sobre diversão, mas serviu para aperfeiçoar o som do trio, ficando por excelência para toda as nossas vidas.

Índice

[esconder]

Discografia Básica do Rock - Television - Marquee Moon 1977

2012-02-11T11:06:00.000-08:00

A história deles começa com o grupo Neon Boys, fundado por Tom Verlaine (guitarra e vocais) e Richard Hell (baixo e vocais) em 1971. Richard Lloyd (guitarra) e Billy Ficca (bateria) completavam o grupo, que alguns anos depois mudaria de nome para Television. Hell saiu por volta de 74, e Fred Smith, ex-baixista do Blondie, foi chamado para substitui-lo. Em 1974, o Television gravou um single e em 1977 eles assinaram com a Elektra para gravar "Marquee Moon", o seu primeiro LP.

Em meio à avalanche punk em que a maioria das bandas fazia um som rápido e primário (Ramones, Dead Boys) ou flertava com o pop (Blondie, Marbles), o Television optava por uma linha musical mais elaborada, com melodias harmoniosas, convivendo com ruídos e faixas longas que, ao vivo, se transformavam em verdadeiras jam sessions. O Television foi a primeira banda de punk rock a tocar no CBGB inaugurando o club para os sucessos posteriores como Ramones e Patti Smith Group.

Dentre essas bandas e mais algumas contemporâneas que tocaram no CBGB´S, o Television foi a banda que menos teve sucesso comercial, pois na minha opnião eles não eram uma banda punk, mas tocavam esse estilo mesclando pop e outras influências e os timbres deste disco eu até hoje nunca escutei em álbuns punk , mas sim em alguns ótimos álbuns de rock. Existiam também melodias harmoniosas, ruídos convivendo juntamente com faixas longas , que ao vivo transformavam - se em verdadeiras jam sessions, escute e tire a sua prova real. As texturas servem como molduras para as letras de Tom Verlaine, que compôs todas deste disco, fazendo deste , um item essencial tanto para o rock quanto para a música.

A música de "Marquee Moon" é leve em seus ingredientes e pesada em sua atitude. Os instrumentistas não usam efeitos ou pedais. É rock'n'roll puro, de uma fluidez impressionante. Verlaine e Lloyd formam uma das duplas de guitarristas de rock que mais deram certo. Ambos solam, se alternam em riffs, bases e harmonias. Ambas as guitarras - principalmente a de Verlaine - alcançam sonoridades que às vezes parecem com guinchos, grunhidos e gritos. Ficca e Smith formam uma cozinha "à francesa", leve, com toques jazzísticos, sem abusos.Na faixa seguinte, a balada "Venus", em que Verlaine cai direto nos braços da Vênus de Milo. Em "Friction" o destaque vai para o solo esquizofrênico de Verlaine, assim como na comprida "Marquee Moon" (que, aliás, tem um belíssimo falso gran finale).O lado B começa com uma jóia, "Elevation" ("A última palavra /é a palavra perdida /por que você não a diz então?"), onde o junkie Lloyd faz um solo emocionante. "Guiding Light" (única co-parceria de Verlaine no disco - com Lloyd) é mais uma balada que demonstra a sensibilidade harmônica de Verlaine. Em "Prove It", a combinação de base sonora simples com o caleidoscópio de images evocadas por Verlaine é mais uma vez perfeita. Em "Tom Curtain", a última música do disco, outra magnífica combinação: a voz chorosa de Verlaine relembra os anos passados, enquanto sua guitarra estridente rola suas lágrimas mais amargas.

O resultado final, foi um inigualável disco de guitarras que davam as costas para o som blueseiro que vinha dominando a guitarra desde os anos 60. Ouça "See No Evil" e suas ardentes guitarras fazendo uma celebração crescente da poluição urbana e da cultura das ruas.É este o disco que prova que eles eram, instrumentalmente, uma das bandas mais integradas da década de setenta, e não há músico ou não-músico - de qualquer gênero - que, ao ouvir o disco, não se convença disto.Compre e tenha centenas de horas de diversão.

Músicas :
1- See No Evil
2 - Venus
3- Friction
4 - Marquee Moon
5 - Elevation
6 - Guiding Light
7- Prove It
8- Torn Curtain

Rock Raro - Sir Lord Baltimore - Kingdom Come - 1970

2012-02-10T19:34:00.000-08:00

Uma da bandas mais cultuadas do hard rock setentista, o Sir Lord Baltimore foi formado em 1968 no bairro do Brooklyn, em Nova York, pelo vocalista e baterista John Garner, pelo guitarrista Louis Dambra e pelo baixista Gary Justin. O trio consegue despertar atenção de Mike Appel e Jim Cretecos, e recomendam o grupo para Dee Anthony, na época trabalhando como executivo para a gravadora Mercury Records, com a qual assinam contrato.Appel e Cretecos posteriormente trabalhariam com BRUCE SPRINGSTEEN, e Anthony seria um dos responsáveis pela ascensão de PETER FRAMPTON).Appel deu ao grupo o seu nome definitivo, além de ser o co-autor de várias faixas e um dos produtores do disco de estréia do grupo.

Batizado de Kingdom Come, o álbum foi gravado nos estúdios Vantone, en Nova Jersey, e foi produzido por Mike Appel e Jim Cretecos. A mixagem final foi realizada pelo lendário Eddie Kramer no Electric Ladyland Studios, cujo dono era Jimi Hendrix. Kingdom Come chegou às lojas em 1970 trazendo um hard pesadíssimo, repleto de grandes riffs. O baixo de Gary Justin colocava ainda mais peso às músicas, enquanto a bateria de John Garner imprimia um ritmo tribal ao proto heavy do grupo. O som lembra o Black Sabbath do início, com algumas músicas mais arrastadas e carregadas com uma atmosfera sombria e aterrorizante. O crítico Mike Saunders, da Creem Magazine, escreveu um review bastante favorável ao grupo, que se tornou histórico por ser apontado como a primeira vez em que o termo “heavy metal” foi utilizado como referência a um estilo musical. Só por aí dá pra sentir a influência do Sir Lord Baltimore na música pesada.Entre as dez faixas de Kingdom Come, destaco a que dá nome ao disco, “Hell Hound”, “Helium Head”, “Ain´t Got Hung on You”, “Master Heartache” e “Lady of Fire”. Além do conteúdo musical de primeira, Kingdom Come tem como destaque a belíssima capa, que traz a pintura de um fantasmagórico navio.Historicamente, o Sir Lord Baltimore tem importância similar para o heavy metal que grupos consagrados como Black Sabbath, Led Zeppelin e Deep Purple ostentam, o que já seria motivo mais do que suficiente para o grupo ter um reconhecimento incontestável mundo afora, o que, infelizmente, não ocorreu.

Enfim, esse álbum obrigatório para todos os que curtem Hard Rock & Heavy Metal, essa foi a primeira banda da história a receber da critica especializada o rótulo de Heavy Metal . Neste CD, lançado pela Polygram em 1994, esta presente esse álbum e o segundo trabalho da banda, nomeado somente de Sir Lord Baltimore, contendo faixas ao vivo.

Faixas:
1. Master Heartache - 4:35
2. Hard Rain Fallin' - 2:55
3. Lady of Fire - 2:50
4. Lake Isle of Innisfree - 4:03
5. Pumped Up - 4:03

6. Kingdom Come - 6:40
7. I Got a Woman - 3:00
8. Hell Hound - 3:17
9. Helium Head (I Got a Love) - 4:00
10. Ain't Got Hung on You - 2:20

11.Chicago Lives - 3:47
12.Loe and Behold - 3:43
13.Woman Tamer - 5:09
14.Caesar LXXI - 5:22
15.Man From Manhattan - 10:31
16.Where Are We Going - 3:19

Discografia Básica do Rock - Jane's Addiction - Nothing's Shocking - 1988

2012-02-04T17:36:00.000-08:00

No final dos anos 80 o rock pesado americano estava dominado por clones vestidos em lycra e visual carregado , mas que não tocavam nem heavy, nem metal , muito menos rock pesado. Ao mesmo tempo a cena underground de bandas como o Sonic Youth tinham pouco impacto comercial , mais eis que desde meados de 1986 o Jane´s Addiction vinha já demonstrando uma certa "inovação" na cena rock da Califórnia, principalmente pela atuação de seu vocalista Perry Farrel.

A banda manteve a formação com : Perry Farrel nos vocais, Eric Avery no baixo, Dave Navarro na guitarra e Stephen Perkins na bateria. Esse foi o line-up da banda durante toda sua carreira, de 1986 a 1991. Mais em 1988 é que lançaram seu 1º disco e já começaram a chocar pela capa , e fora as letras de Perry
polêmicas, poéticas , irônicas e as vezes belas. "Nothing's Shocking" o disco conseguiu o devido apelo para os dois lados abrindo caminho, para que a novata Mtv mostrasse certo interesse pela "música alternativa" e que culminou no sucesso grunge do Nirvana. A banda vinha chamando atenção da cena em Los Angeles com um álbum de mesmo nome, contendo uma gravação ao vivo e lançado de forma independente, que meio insinuava que a ambição e a extravagância psicossexual não tinham morrido na década de 70 com o Led Zeppelin.

Este disco lançado por uma grande gravadora a Warner, projetou a banda para o sucesso mundial, e também nos corações dos freaks de todo mundo, incluindo este que vos escreve.(lembrando que eu não sou um freak, ok). A música adequadamente intitulada "Ocean Size" mostrava as proezas sobre humanas, tendo um dinamismo ideal para os grandes estádios, sendo enfatizada por letras contemporâneas e uma produção grandiosa e cheia de sutilezas , inclusive isso vale para todo o disco. Uma produção que fez o hard rock americano se ajustar aos novos tempos que chegavam.

Em "Ted, Just Admit It" , acontece uma reunião sonora de pós punk, riffs em estilo funk e pancadaria tribal , para contar e justapor, a história do assassino serial Ted Bundy com o sensacionalismo da mídia, enquanto o sólido rock pesado de "Mountain Song" e " Pigs In Zen" são hinos instantâneos e repletos de energia. Mais o grupo mostra aqui um "lado romântico" com o psicodelismo de liberação lenta em "Summertime Rolls" , juntamente com a bela música acústica "Jane Says" , um retrato agridoce sobre a dependência de drogas , em que a interpretação do vocalista com sua voz nasal , exprimia uma empatia tão bem quanto furiosa. Finalmente aqui , o rock voltava a ser perigoso e excitante . Compre o seu.

Músicas :
1- Up The Beach
2 - Ocean Size
3 - Had A Dad
4- Ted, Just Admit It...
5 - Standing In The Shower... Thinking
6 - Summertime Rolls
7 - Mountain Song
8 - Idiots Rule
9 - Jane Says
10 - Thank You Boys
11 - Pigs In Zen

Chico Science , O Cara que mostrou Pernambuco para o Mundo.

2012-02-04T13:07:00.000-08:00

Chico Science & Nação Zumbi é uma banda brasileira, nascida no início da década de 1990, em Recife, capital do estado de Pernambuco, a partir da união do Loustal, banda de rock pós-punk, com o bloco de samba-reggae Lamento Negro. O líder e vocalista da banda, o cantor e compositor Chico Science, fundou, junto com a banda Mundo Livre S/A, o movimento Manguebeat. No ano de 1991, em Olinda, aconteceu o primeiro show da banda, com o nome provisório de "Loustal & Lamento Negro", numa festa chamada "Black Planet". Neste mesmo ano, Chico Science e Fred Zero Quatro (do grupo Mundo Livre S/A) escreveram um Release, que acabou virando um manifesto do movimento Manguebeat, o Manifesto dos Caranguejos com cérebro, que tem como símbolo, uma antena parabólica colocada na lama, tornando-se assim um dos principais movimentos e banda dos anos 90 no Brasil, lutando por melhorias sociais na vida da população, não só de Recife e do Estado do Pernambuco, mas como de todo cidadão brasileiro. A presença da tecnologia é uma marca do movimento, que engajava-se para a melhor exploração do mangue e alertando a todos que ali encontra-se os Caranguejos com cérebro, sempre antenados.

Incomodado pela tendência do rock brasileiro do final dos anos 80 em copiar o que se fazia lá fora, Francisco de Assis França, jovem de Olinda, cidade limítrofe a Recife, com pouco mais de vinte anos na época, fez brotar na capital pernambucana uma ressureição sócio-musical que se arrasta até hoje. O manguebeat, alcunha dada ao movimento, vem do fato do ecossistema do mangue ser o mais diversificado e biologicamente rico do planeta. Assim como no mangue encontra-se a salobra, mistura da água do rio e do mar, fontes de vida tão distintos, o movimento recifenho conseguiu misturar a cultura brasileira com a cultura pop de um modo distinto e diferente do que foi feito na Tropicália, ligando o passado ao futuro de um modo singular.Depois de uma estréia em 1994 com um disco fundamental , eis que vem o segundo tão bom e fundamental quanto o anterior "Da Lama ao Caos". Em "Afrociberdelia"(1996), ouvimos uma sonoridade africana e o interesse e influência da cibernética com psicodelia. Juntamente com ensolaradas guitarras africanas e pesadas, para se ter idéia o guitarrista Lucio consegue timbres completamente incomuns com sua Telecaster, mais os tambores que formam uma tremenda "parede sonora", rock inglês , dub jamaicano e funk intergalático dão o tom do disco e de suas atuais e inteligentes canções. Não tem como falar de faixa por faixa , ouça o disco de cabo a rabo e tire suas próprias conclusões.

O álbum foi de longe um dos mais importantes colhidos. Quando foi lançado conseguiu sintetizar, junto com o manifesto manguebeat, tudo o que Chico Science e os mangueboys queriam dizer. Tendo seus momentos divertidos cantando o louco dia a dia das cidades, momentos políticos e de ficção científica , acredito eu, ter sido um dos últimos discos brasileiros que de alguma forma além de ser genial , não copiou nada do que já existia no mercado fonográfico brasileiro e passa distante dessas porcarias descartáveis que as gravadoras nos tentam empurrar . Por falar em gravadoras , Chico ficou fulo da vida , quando soube que por debaixo dos panos "os empresários" enfiaram 3 versões diferentes da música "Maracatu Atômico", mais a versão que havia sido gravada para o disco, dizendo que eram versões Ragga Mix e Trip Hop, e que na verdade nada possuem desses estilos e servem apenas para encher linguiça, não tirando o charme ou valor desta obra prima da música de Chico Brasileiro Science e sua Nação Zumbi.

Enfim, Chico Science foi o último grande artista da música brasileira. Sua obra era genial, unindo o pop e o rock à música pernambucana com precisão cirúrgica. Afrociberdelia foi além do que Chico havia mostrado em seu primeiro álbum. O disco deu uma guinada tão boa para a banda que além de tocarem de cabo a rabo o Brasil , foram até pro Festival de Montreux e fazem sucesso até hoje fora do Brasil . E assim tanto Chico e sua Nação como outras bandas e artistas de Pernambuco foram descobertos e até hoje pipocam filhos do manguebeat. Sua morte, em 2 de fevereiro de 1997 em um acidente de carro, encerrou prematuramente uma carreira que tinha tudo para render muitos discos fundamentais, mas que, mesmo chegando ao fim de forma precoce, marcou definitivamente a música pop do nosso país e a minha vida também. Lembrando que a fábrica Polysom lançou esta obra em vinil de 180 gramas e com áudio remasterizado usando as fitas originais do cd. Então carangueijos antenados podem ir numa boa , pois além do bagulho ser bom, o barato é melhor ainda .

Ozzy Osbourne e seu Diário de um Louco

2012-02-02T17:06:00.000-08:00

Depois de sua expulsão do Black Sabbath, Ozzy pensava estar desempregado e assim isolou - se em um flat na cidade de Los Angeles. O madman então cheirou toda cocaína que seu organismo pode absorver, bebeu todas , comeu todas as pizzas do mundo, viu sua esposa Thelma e filhos se distanciarem e ouviu as histórias e propostas mais loucas de sua vida, vindas de seu empresário Don Arden. Uma das propostas era a de formar uma nova banda chamada "Sons Of Sabbath" e excursionar com sua velha banda. Isso tudo ocorria em 1980,e a filha de seu empresário e atual esposa do madman Sharon Arden, começou a tomar conta da situação e a dar uma guinada na nova carreira profissional de Ozzy. Nem é preciso dizer que a futura senhora Osbourne teve papel fundamental e determinante na organização e sucesso de tudo.

Vindo do sucesso de seu 1º LP solo (Blizzard of Ozz) a descoberta de um dos melhores músicos já concebido neste planeta, o prodígio da guitarra Randy Rhoads e uma nova banda o madman e sua trupe rapidamente foram gravar seu 2º disco, "Diary of a Madman". Em menos de 2 meses, entre fevereiro e março de 1981, Ozzy gravou Diary of a Madman , antes até de levarem a turnê do disco anterior aos EUA. Registrado em Ridge Farm a banda era a mesma de Blizzard of Ozz, Ozzy (vocais), Randy Rhoads(guitarra), Bob Daisley(baixo) e Lee Kerslake(bateria).

Logo na abertura de "Over the Mountain" com viradas de bateria, seguida pelo riff de Randy, abre o caminho para a voz do chefe e assim temos um ótimo cartão de visitas e que acabou sendo um dos singles do disco. Depois temos um dos melhores solos de guitarra em " Flying High Again", que fez sucesso nas rádios dos EUA e grande parte da Europa . Depois outro single , as 3 primeiras músicas deste disco foram lados A de compactos lançados, e assim "You Can´t Kill Rock and Roll" com sua letra traz até hoje a sua filosofia de conquistar fãs pela beleza e sinceridade. Outra música que segue a mesma linha é "Believer", que traz um grande conselho. Uma coisa que precisa ficar clara para todos, é que as composições são de primeiríssima qualidade neste disco, apesar das pendengas na justiça principalmente entre Ozzy e sua antiga cozinha, fica evidente que o maior comprometimento ficou a cargo de Ozzy e Randy Rhoads.

"Little Dolls" segue o padrão das músicas anteriores, e vem a balada "Tonight" que apesar de não ser tão genial quanto" Goodbye to Romance" do disco anterior, e que Ozzy a considera sua "Yesterday" , não é tão bem acabada quanto "So Tired" do disco "Bark at the Moon", mas acaba por não fazer feio. Com o rockão "S.A.T.O.", que era originalmente chamada "Strange Voyage", teve seu nome mudado para o que pode ser a sigla " Sharon Arden, Thelma Osbourne", nome das 2 mulheres presentes na vida de Ozzy ; apesar de existirem outras deduções como " Sailling Across The Ocean"( Velejando pelo Oceano), é a que mais se adequa pelo conteúdo da letra.

A épica e assustadoramente erudita faixa título, nasceu quando Ozzy entrou no quarto em que Randy Rhoads praticava seu violão clássico, quando perguntado sobre o que tocava o guitarrista prontamente respondeu ao chefe " Mozart". Também na gravação desta faixa Ozzy grita com o guitarrista " Quem você acha que sou? Frank Zappa?, detona o madman perplexo com o tempo pouco usual da música . Esta é a faixa que mais corrobora a imagem de Ozzy místico e maluco, o riff de guitarra é a marca registrada do álbum, juntamente com a melodia cantada com dramaticidade por Ozzy encaixa se perfeitamente na composição intricada.

Com a produção creditada a Ozzy, Randy e Max Norman, Diary of a Madman recebeu Disco de Ouro e Platina e até hoje além de ser um dos meus discos preferidos , do público e de Ozzy, é um item para toda a nossa vida.

Músicas :
1- Over The Mountain
2- Flying High Again
3- You Can´t Kill Rock and Roll
4 - Believer
5 - Little Dolls
6 - Tonight
7- S.A.T.O.
8- Diary Of A Madman

Rock Raro - Buffalo - Volcanic Rock - 1973

2012-01-30T17:43:00.000-08:00

Sabem aqueles discos que ouvimos e logo no início sentimos um "arrepio", como que antevindo que estamos diante de algo que vai passar a fazer parte de nossa vida? Pois é, foi isto que aconteceu comigo quando adquiri este CD, que a primeira vista me pareceu muito estranho, pois além da capa "pornográfica", tinha sido porcamente pirateado (sequer o nome das músicas aparecem creditadas na capa, só no selo do CD, que por sinal, foi gravado de um vinilzão cheio de chiados, sem perder o charme. Que discos desconhecidos são espetaculares, apresentam uma qualidade sonora e artística tão elevada que nos fazem pensar porque diabos as bandas que os gravaram não se transformaram em monstros sagrados e ícones incontestáveis de um estilo. Esse é o caso de "Volcanic Rock", segundo álbum do grupo australiano Buffalo, uma verdadeira jóia brilhante e reluzente, que passou anos perdida na poeira setentista.

Vamos encontrar entre 1966-67 o vocalista Dave Tice (que na realidade nasceu na Inglaterra) e o baixista Pete Wells tentando a sorte em diversas bandas na cidade de Brisbane (The Odd Colours, Strange Brew e The Capitol Show Band), que embora obtivessem algum êxito local, acabam sem deixar rastros. Ambos resolvem então, no início de 1968, montar o Head, que seria o embrião do Buffalo, ao lado de Neil Jensen (guitarra) e Steve Jones (bateria).
Decididos a tentar a sorte grande, o grupo resolve se mudar para Sydney em 1970; entretanto, Jensen e Jones não resistem às dificuldades de morar na metrópole e acabam caindo fora, sendo substituídos, respectivamente, por John Baxter e Peter Leighton (que vinham de duas bandas chamadas Mandala e Aftermath).Em 1971 o grupo faz seu registro fonográfico, com o compacto "Hobo"/ "Sad Song" e "Then" (uma raridade sem tamanho, pois até hoje não foi relançado em nenhum formato), e logo em seguida o baterista Leighton resolve sair da banda, sendo substituído por Paul Balbi, que trouxe consigo mais um vocalista, Allan Milano (também ex-integrante do tal de Mandala).

Foi aí que, graças ao então empresário do grupo, Mal Myles, eles decidem mudar de nome, pois, conforme Myles, além de Head ter uma certa conotação com drogas e sexo(!), ele achava que deveriam adotar algum nome que começasse com a letra B, afinal, bandas com esta inicial geralmente eram bem sucedidas (Beatles, Black Sabbath, etc). Não se sabe ao certo de onde surgiu a idéia de adotar o nome Buffalo, mas concretamente quem a propôs foi Milano.Talvez o empresário tivesse razão, pois em março de 1972 eles conseguem assinar contrato com ninguém menos que a lendária gravadora Vertigo (foi a primeira banda de fora da Inglaterra a conseguir tal feito), que tinha em seu cast gigantes como Uriah Heep e o próprio Black Sabbath.

Com isto, não demorou para registrarem seu primeiro trabalho, "Dead Forever", que sairia em maio de 1972, tendo sido precedido por um compacto com "Suzie Sunshine" e "No Particular Place to Go", esta última um cover de Chuck Berry que não foi editada no álbum. Ainda no mesmo ano mais um compacto, com "Just A Little Rock'N'Roll" e "Barberhop Rock", que também não constavam no LP (estes compactos são outras raridades imensas hoje em dia). Curiosamente, o "Dead Forever" chegou a ser relançado em 1991 tanto em CD quanto em LP pela Repertoire Records, mas ficou pouquíssimo tempo em catálogo, pois supostamente a gravadora alemã não detinha os direitos autorais - tanto que há uma certa controvérsia se ele teria sido ou não masterizado a partir de uma cópia em vinil, pois ouvindo-se atentamente com o fone de ouvido percebe-se alguns chiados meio característicos. Mas isso não foi o suficiente para manter a banda na ativa,e quase determinou o término da mesma. Mas em janeiro de 1973, o Black Sabbath fez uma turnê pela Austrália e a gravadora, que sabia ter um nome "de peso" (no sentido sonoro da coisa) naquele país, praticamente impôs a presença do Buffalo para abrir os shows, que foram batizados "The Clash of the Titans" e vendidos como sendo o máximo em experiência auditiva para fãs de heavy rock. Talvez por nacionalismo exarcebado ou motivos que não são conhecidos, a imprensa local teceu elogios imensos aos seus conterrâneos e não gostou muito do que apresentaram os ingleses (houve até um "crítico" que disse que o Sabbath é que deveria ter aberto o show!).

O fato é que parece que eles andavam realmente afinados ao vivo, pois cerca de duas semanas mais tarde abriram para o Slade e para o Status Quo, sendo novamente aclamados pela platéia. Como perceberam que o lance mesmo era tocar "alto e pesado", decidiram que iriam gravar um álbum com este direcionamento, e iniciam os ensaios. Neste meio tempo, Balbi sai da banda, e é substituído por Jimmy Economou, vindo do Mandala (mais um!).

O trabalho abre com "Sunrise (Come My Way)", uma faixa agitada que fará a alegria de quem ainda chama o hard rock de "rock pauleira". Destaque para o refrão, grudento e com belas linhas vocais de Dave Tice.
Já "Freedom", é uma tour de force com mais de nove minutos de duração, uma composição estupenda com uma longa introdução de guitarra de John Baxter. Sobre um andamento cadenciado, Baxter evolui com suas guitarras, despejando frases e melodias arrepiantes. Tice só aparece lá pelos dois minutos e tanto, cantando de forma arrepiante. Sua voz soa áspera e crua na medida certa, transparecendo feeling e emoção. A cama criada pela bateria de Economou e pelo baixo de Wells sustentam os delírios guitarrísticos de Baxter, que em seu solo faz uso de feedbacks e demonstra grande criatividade e talento. Enfim, "Freedom" é aquele tipo de faixa que, ao mostrar para os seus amigos que curtem som, inevitavelmente você irá ouvir o termo "sonzêra" em suas avaliações.

O LP segue com "Till My Death", onde o destaque é o baixo de Pete Wells, bem na cara e repleto de distorção. O vocal de Tice também merece menção, e a faixa fechava o lado A do vinil em grande estilo.
O lado B de "Volcanic Rock" tem início com uma das melhores faixas do disco. "The Prophet" é outra composição cadenciada, mais ou menos na linha de "Freedom", com um riff repleto de groove de John Baxter. A parte central tem mais um ótimo solo de Baxter, um guitarrista que possui um estilo muito mais focado naquilo que sente ao tocar uma canção do que na técnica propriamente dita. Aliás, essa observação não vale apenas para Baxter, mas se aplica com perfeição em toda a banda.

A dobradinha "Pound of Flesh / Shylock" fecha o álbum de maneira sublime. A primeira soa como uma sensacional jam instrumental entre os músicos. Com quase cinco minutos de duração, introduz "Shylock", um dos grandes sons do hard rock setentista. Dona de um riff cativante, a faixa é um rock pesado clássico, com ótimas linhas vocais e um refrão que não sai tão cedo da cabeça. Além disso, possui longas passagens instrumentais, em um exemplo quase didático de como um bom hard rock deve soar. Pura magia em uma composição antológica!
Indiscutivelmente, "Volcanic Rock" é um dos trabalhos mais consistentes e impressionantes do hard rock setentista. O entrosamento do quarteto, aliado à qualidade das composições, resultou em um disco excelente.
A capa do disco causou controvérsia quando o play chegou às lojas. A ilustração, mostrando um homem nu sobre uma montanha prestes a entrar em erupção, segurando uma rocha flamejante e flexível que lembra - e muito - o formato de um pênis, levou a inevitáveis interpretações e conclusões sobre o seu real sentido, fazendo com que vários lojistas se recusassem a expor e a vender o disco.
Ao longo dos anos, "Volcanic Rock" ganhou algumas reedições interessantes. O LP original, lançado pela Vertigo australiana em 1973, é objeto de desejo entre os colecionadores do cultuado selo. E, mais recentemente (em 2005), a também australiana Aztec colocou no mercado um CD remasterizado, em embalagem digipack, que, além das faixas adicionais, traz duas bônus tracks: a versão editada de "Sunrise (Come My Way)", lançado como single em 1973 para promover o disco; e uma estupenda execução de "Shylock" gravada ao vivo no Sydney Spring Festival, que aconteceu no Hyde Park de Sydney também em 1973.
Resumindo: se você nunca ouviu "Volcanic Rock" mergulhe agora mesmo nos sulcos de um dos melhores álbuns de hard rock dos anos setenta!

Faixas:

1 Sunrise (Come My Way) 4:48
2 Freedom 9:02
3 Till My Death 5:38
4 The Prophet 7:24
5 Intro: Pound of Flesh 4:33
6 Shylock 5:52

Em 1970 o Último Disco dos Beatles - Let It Be - The Beatles

2012-01-26T08:23:00.000-08:00

Não vou ficar aqui falando que o quarteto inglês , foi ou continua sendo a melhor banda de rock do planeta, ou ficar falando mal da Yoko e que foi ela quem acabou com a banda e blábláblá. Meu negócio aqui será tentar retratar os últimos dias desta que com certeza é uma das bandas mais influentes da música ocidental e como estavam seus integrantes e toda a áurea em volta de todos.

Let It Be gerou controvérsias, deixando inclusive Paul McCartney decepcionado com o resultado final. Um dos maiores desagrados estava por conta da mixagem. Pela primeira vez, George Martin não havia sido o responsável pela produção, tarefa que ficou a cargo do experiente Phil Spector.

A ideia, aliás, era mais do que simplesmente fazer um disco. Tratava-se, na verdade, de um projeto multimídia envolvendo filme, livro e LP. Inicialmente o projeto teria outro nome: "Get Back". Inspirado pela canção de Paul, o título refletia bem o clima que pretendiam passar. Cansados com as inúmeras críticas que vinham recebendo da imprensa, os rapazes resolveram fazer um disco de volta às raízes. Sem psicodelia, sem arranjos muito rebuscados. Apenas o som dos quatro integrantes tocando ao vivo dentro do estúdio, como faziam no início da carreira. A capa seria uma foto tirada no mesmo edifício onde fotografaram a capa de Please Please Me (1963).

Logo no início ficou nítido que o projeto falharia. As brigas entre os integrantes eram constantes. Paul e George discutiam o tempo todo. John não demonstrava mais interesse. Cada um tinha uma concepção diferente do que os Beatles representavam em suas vidas naquele momento. Para piorar, John, Paul, George e Ringo não se sentiam à vontade criando frente às câmeras.

Ninguém se sentia satisfeito com o material, embora John Lennon acreditasse que seria interessante lançá-lo. Acreditava que o trabalho era honesto e que saciaria o desejo das pessoas ouvirem os Beatles de maneira natural, sem as benfeitorias do estúdio. Resolveram lançar um compacto para testar a reação. Com "Get Back" de um lado e "Don't Let Me Down" de outro, resolveram creditar a participação de Billy Preston na capa. Assim, ninguém poderia dizer que não foi um trabalho de grupo.

Ainda não contentes com o resultado, engavetaram o trabalho, começaram um novo disco – Abbey Road – e pediram a George Martin que voltasse a produzi-los. Tendo acompanhado todas as brigas no início do ano (as gravações de Let It Be tiveram início em em 2 de janeiro de 1969), disse que topava, apenas com a condição de que todos os quatro cooperassem. O trabalho surpreendentemente correu bem e o álbum foi lançado. John, no entanto, estava cada vez mais afastado do trabalho dos Beatles. Começava a compor várias canções que acreditava não ter relação com o trabalho dos Beatles, entre elas estava "Cold Turkey". Em um belo dia, quando os quatro se encontraram para discutir os inúmeros problemas que vinham enfrentando (fitas de "Get Back", Apple, Allen Klein, futuro do grupo, etc), John anunciou: "quero um divórcio. Assim como tive de Cynthia".

Em janeiro de 1970, Phil Spector foi para Londres a fim de realizar seu maior sonho: produzir os Beatles. O convite foi feito pelo novo empresário Allen Klein. Uma solução tinha que ser encontrada para o lançamento daquelas fitas. Havia muito dinheiro envolvido!

A contratação de Allen Klein, inclusive, gerou uma grande polêmica entre os membros da banda. Após John Lennon ter comentado em uma entrevista que a Apple estava a um passo da falência, Klein o procurou, e seus conhecimentos impressionaram tanto John que o beatle tratou de convencer George Harrison e Ringo Starr a apoiarem sua escolha. Klein era experiente, já vinha trabalhando com os Rolling Stones, e John Lennon sentiu confiança em suas palavras durante a conversa que tiveram. A outra opção seria Lee Eastman, pai de Linda Eastman (mais tarde conhecida como Linda McCartney). Paul não concordava com a decisão e optou por não assinar o contrato. Os Beatles precisavam de um empresário, pois Brian Epstein, que era o responsável pelos contratos e pela contabilidade da banda havia falecido no segundo semestre de 1967. Brian foi encontrado morto em seu quarto, aos 32 anos, vítima de uma overdose de Carbitol (medicamento para insônia). Esse problema durou anos, uma vez que Paul McCartney abriu um processo contra os três ex-companheiros em 1971, alegando essa ter sido a causa do "divórcio" entre eles.

Phil trabalhou primeiro no mais novo single de John Lennon, "Instant Karma", e depois começou a trabalhar em Let It Be. Ficou acertado que o álbum e o livro seriam lançados em abril e o filme em maio.

Assim que recebeu o material em mãos, entregou-se ao trabalho. Antes, no entanto, pediu para que nenhum integrante dos Beatles se envolvesse na produção – direta ou indiretamente. "The Long and Winding Road" deixou Paul McCartney chocado. O músico queria que a canção fosse uma balada simples, despretensiosa, apenas com piano e voz (conforme apresentado no longa-metragem). Phil Spector, no entanto, transformou-a em uma grande produção com direito a coros e orquestra.

Tanto Paul McCartney como George Martin ficaram desiludidos. O fim dos Beatles era inevitável. George Harrison e Ringo já estavam tocando suas vidas adiante. John já havia pedido para sair. Paul viu que não havia mais solução. O grupo havia se desintegrado. Ao contrário de John, que havia optado por não declarar nada de sua saída a imprensa, Paul sentiu-se na obrigação de anunciar o fim do conjunto. Por conta disso, muitos creditam o fim dos Beatles a Paul.

A última sessão de gravação foi em 4 de Janeiro de 1970, quando Paul, George e Ringo encontraram-se para terminar "I Me Mine", de Harrison, que entraria em Get Back.George Martin já estava cansado das brigas e discussões dos Beatles e também achou que seria antiprofissional trabalhar naquelas fitas de má qualidade. Como Spector tinha produzido o recém-lançado single de Lennon, "Instant Karma", John decidiu pedir(sem autorização de McCartney), para Phil "dar uma olhada e ver o que podia ser feito".
Spector pegou uma "jam session", "Dig It", e outras conversas entre as gravações, alongou "I Me Mine", desacelerou e acrescentou cordas a "Across The Universe" e colocou cordas e coral em "The Long And Winding Road". "Get Back" também foi editada, com a parte em que Paul fala, como um bluesman, cortada. Além de produzir a mixagem toda do álbum final.
Seis faixas do álbum são gravações ao vivo (i.e. sem remix ou overdub posterior). Além das três canções gravadas ao vivo no telhado do prédio da Apple Corps., incluiam-se, "Two of Us", "Dig It" e "Maggie Mae", gravadas ao vivo nos estúdios da Apple, no porão do prédio da Apple. Enquanto as outras canções, "For You Blue", "I Me Mine", "Let It Be", "The Long and Winding Road" e "Get Back" foram gravadas nos studios da Apple, mas apresentam edições posteriores produzidas por Spector, tanto na mesa de som, e edições de splicings (i.e. cortes diretamente feitos na fita), como nas dublagens (i.e. overdubs) de vozes e instrumentos por músicos de estúdio. A 12º canção, "Across the Universe", era uma versão da gravação de ensaio original, feita em 1968, e mixada em velocidade mais lenta para álbum.

Enfim aqui não temos a psicodelia e as orquestrações que acompanharam a banda, mudança de produtor que acho muito válida, pois muitos dizem que este é um disco fraco, o que discordo em todos os genêros. Pois as músicas a gravação e produção são mais orgânicos. Algumas faixas são bem rockeiras e cruas, ou seja , uma banda de rock tocando rock.Há um tempo atrás foi relançado como disco duplo, e outra mixagem que agradaria ao Sr. Paul. Sem truques e frescuras que num todo ajudaram muito para que este disco se tornasse uma peça fundamental em suas coleções.

Músicas :

1- Two Of Us

2 - Dig a Pony

3 - Across the Universe

4 - I Me Mine

5- Dig It

6 - Let It Be

7 - Maggie Mae

8 - I've Got a Feeling

9 - One After 909

10 - The Long And Winding Road

11 - For You Blue

12 - Get Back

Discos que Marcaram a Minha Vida - Humble Pie - Smokin`- 1972

2012-01-22T15:35:00.000-08:00

Embora em 1968 Steve Marriott e Peter Frampton já tivessem adquirido uma certa fama (Marriott no Small Faces e Framptom no Herd), ambos estavam descontentes com as respectivas bandas, pois seu sucesso era decorrente de fazerem uma linha tipo "teenage pop stars", o Small Faces graças à estratégia de atuação de Andrew Oldham (manager dos Rolling Stones) e o Herd principalmente devido à pouca idade e o apelo visual de Frampton (na época um garotão com apenas 16 anos – obviamente os empresários não iriam deixar passar batido). Resolvem então formar uma banda mais ligada à rock’n’roll. Então na noite de ano novo de 68/69 enquanto Steve estava fazendo sua última apresentação como membro do Small Faces (que com sua saída se tornaria apenas Faces), Peter se encontra com Jerry Shirley, hábil baterista de estúdio e membro de uma banda chamada "Wages Of Sin", que costumava tocar nos "pubs" ingleses, e papo vai papo

vêm, resolve convidá-lo para se juntar à ele e Marriott na nova banda que estavam pensando em formar. Jerry se interessa, e no final do show se encontram nos bastidores. Faltava um baixista, então Jerry pergunta se pode convidar seu amigo Greg Ridley, na época tocando junto com o Spooky Tooth, que também estava nos bastidores. Com o sinal verde de Marriott e Frampton, estava formado o Humble Pie, com Marriott e Frampton se revezando nos vocais e guitarras, Shirley nas baquetas e Ridley no baixo.

Passam então a ensaiar e em abril de 1969 lançam seu álbum de estréia pelo selo "Immediate" de propriedade de Andrew Oldham. Inicialmente a banda é marcada por uma grande indefinição a nível musical, fazendo country rock americanizado neste e no segundo disco, lançado no fim do mesmo ano. Aliado à isto o pouco entrosamento entre os membros tornam seus shows desta época bastante confusos, parecendo um pastiche de Crosby Stills Nash & Young. Isto gera a primeira crise, pois embora fizessem um som bastante competente (a nível de country rock) sofrem uma pressão muito grande por parte de Oldham, que queria um "hit radiofônico". Após "quebrarem o pau" e dispensarem Oldham, mudam de gravadora (vão para a A&M Records) e resolvem aderir ao blues-hard-rock, com isto lançando dois ótimos discos: "Humble Pie" em 1970 e "Rock On" em 1971. Em 1972 sai o impecável "Perfomance – Rockin the Fillmore" retratando uma apresentação memorável da banda em 1970. O sucesso finalmente chega, as vendas disparam e junto vêm o reconhecimento da crítica na época (chegaram a dizer que o Humble Pie era a melhor banda ao vivo surgida desde o fim do Jimi Hendrix Experience!).

Porém o sucesso acaba subindo à cabeça de Frampton, que resolve partir em carreira-solo em 1972. Acaba entrando em seu lugar Dave "Clem" Clempson, vindo do Colosseum, e que havia sido membro fundador do Bakerloo, que embora fosse um excepcional guitarrista não possuía o mesmo carisma de Peter.
A saída de Frampton deixou os vocais totalmente à cargo de Marriott, além de tê-lo transformado praticamente em líder da banda. Então em 1972 sai mais um disco de estúdio, "Smokin". Embora seja considerado o mais coeso álbum de estúdio da banda, já apontava uma tendência característica das bandas inglesas da época: a influência do "soul", tornando se assim o cartão de visitas da banda.

A primeira faixa, "Hot 'n' Nasty", com suas guitarras vibrantes e letra "sacana", mostra uma banda disposta a finalmente cobrir a certa carência de rock 'n' roll dos seus trabalhos anteriores. E sem esquecer suas influências de blues rock, Marriott e sua trupe entregam "The Fixer", um rockão extremamente cadenciado, mas que não deixa o ritmo do álbum cair.

No extremo mais leve de "Smokin'", temos as razoáveis baladas acústicas "You're So Good for Me" e "Old Time Feelin'", bastante puxadas para o folk e o country. Mas, a verdade é que os rocks chamam muito mais atenção neste trabalho. As energéticas "C'mon Everybody" e "30 Days in the Hole" (grande hit do álbum) são verdadeiros hinos, que levam o ouvinte a imaginar a banda arrebentando ao vivo, em meio a gritos de uma multidão sedenta por rock 'n' roll puro.

Voltando às influências de blues, "Road Runner" mostra aquela mistura perfeita de rock com blues, uma sonoridade que marcou os melhores trabalhos da "british invasion" do final dos anos 60 (movimento que trouxe algumas das melhores bandas de blues rock do mundo). Na faixa "I Wonder", Marriott optou por um som mais lento, arrastado e voltado ao blues de raiz, algo que não podia ficar de fora em um álbum como esse. E fechando muito bem a track list, o rock "Sweet Peace and Time" sintetiza bem o espírito desta magnífica obra de "boogie rock".

O fato é que "Smokin'" ficou marcado como um item de discografia básica, um álbum que até hoje influencia qualquer banda de rock que ouse utilizar o blues da melhor forma possível em um contexto rock 'n' roll (alguém lembrou de Black Crowes e Quireboys?). É uma pena que Steve Marriott tenha morrido antes de lapidar ainda mais a discografia desta excelente banda. Mas, seus "filhos" estão por aí...

Músicas:
1. Hot 'N' Nasty
2. The Fixer
3. You're So Good For Me
4. C'mon Everybody
5. Old Time Feelin'
6. 30 Days In The Hole
7. Road Runners G Jam
8. I Wonder
9. Sweet Peace And Time

Discografia Básica do Rock - Yes - Fragile - 1972

2012-01-21T15:37:00.000-08:00

Um dos mais elogiados grupos do rock progressivo escreveu em definitivo seu nome no cenário mundial com um álbum de 1972. Com excelente produção do lendário Eddie Offord e capa de Roger Dean (que daria início a uma longa parceria e passaria a ser uma das marcas registradas do Yes desde então), o disco trazia ao todo nove faixas: quatro músicas desenvolvidas pelo grupo e as cinco restantes por cada um de seus integrantes, onde sua individualidade era explorada em benefício do todo.Com a saida do tecladista Tony Kaye (muito criativo mas pouco habilidoso) abriu-se no Yes espaço para a entrada do lendário tecladista Rick Wakeman (muito criativo e habilidoso) que deixou as coisas muito mais interessantes. Com essa nova excelente formação (Jon Anderson, Chris Squire, Steve Howe, Bill Bruford e Rick Wamenan), o Yes lança no fim de 1971 o disco Fragile .

A primeira faixa, “Roundabout” (que, lançada em compacto em versão reduzida, tornou-se o grande hit de “Fragile”), principiava por uma nota soando, imperceptível a princípio, e terminando não por um estrondoso acorde, como seria esperado, mas por um suave harmônico no violão de Howe. Seu arsenal de guitarras, violões, pedal steels (e o que mais você imaginar que tenha cordas), os diversos teclados de Rick Wakeman, o timbre agudo do baixo Rickenbacker de Squire (que acabou tornando o instrumento mundialmente conhecido e um must entre todos os baixistas do gênero), a bateria explorada como se fossem peças independentes de percussão por Bill Bruford e o vocal peculiarmente alto de Jon Anderson reinariam absolutos na cena progressiva nos anos seguintes e ditariam padrões para os grupos que surgiriam naqueles dias. “Roundabout” tem tudo isso numa composição de rara felicidade, onde letra, melodia e arranjo se completam. Logo após seguem se "Cans And Brahms" , faixa solo do mago Rick Wakeman em que foram usados vários teclados para reproduzir um pequeno trecho de música clássica do compositor Brahms. E depois vem "We Have Heaven", Música em que Jon Anderson cria harmonias consigo mesmo sobrepondo sua voz várias vezes com melodias interessantes.

" South Side Of The Sky" , Mais uma música excelente da banda que por razões desconhecidas, nunca foi executada ao vivo. O riff principal (que dizem ser roubado de uma composição de Howe com uma banda de que fez parte anteriormente) é intimidante, intercalado por pequenas improvisações (sim, Howe afirmou que sempre tocava e até compunha improvisando) que nunca se repetem. Ainda temos uma passagem
solo de Wakeman no piano que dá uma sensação espacial, cuja parte final é sobreposta por uma harmonia vocal belíssima feita por Anderson, Squire e Howe. A música parece que se encaminha pro fim com o som do piano ficando cada vez mais baixo, mas inesperadamente a música volta à distorcida frase principal antes de terminar .

Já em , " Five Percent For Nothing " Bruford gravou a bateria e os outros integrantes da banda foram sobrepondo riffs que contrariam qualquer teoria musical, com tempos de lógica muito obscura. A música parece estar toda quebrada quando surge um acorde de orgão para consertá-la e todos instrumentos parecem se ajeitar. O título se refere aos 5% que pertencia ao empresário da banda.5% do trabalho pra nada.

"Long Distance Runaround" , A musica mais pop do disco, se é que se pode dizer isso. Começa com piano e guitarra tocando exatamente a mesma melodia, que me lembra chorinho. Logo entram baixo e bateria tocando em tempos diferentes sobre essa melodia. A parte vocal é mais lenta com baixo e guitarra tocando praticamente a mesma coisa. E volta ao riff inicial. Isso se repete algumas vezes, com pequenas mudanças.
" The Fish (Schindleria Praematurus)", Composição solo de Squire em que baixos e mais baixos vão sendo adicionados e se sobrepondo aos poucos, acompanhados por bateria. Squire Usa baixo com vários efeitos diferentes, inclusive um wah-wah e uma distorção que fazem o baixo soar como uma guitarra. Sobre isso Anderson repete "Schindleria Praematurus" ecoando a melodia de um dos baixos.
" Mood For A Day", Belíssima música de Steve Howe, mostrando que domina o violão como poucos. Com influências óbvias de música clássica e espanhola.
" Heart Of The Sunrise", E o melhor fica guardado para o fim. A frase inicial, pesadíssima, me lembra muito uma certa parte da música 21'st Century Schizoid Man (King Crimson - In The Court Of The Crimson King). Segue-se uma frase muito bonita e lenta do baixo que aos poucos vai sendo preenchida com um mellotron com som de violino e uma bateria . Bill Bruford consegue não apenas fazer a percursão da música, como também parte da melodia!! Sem nunca repetir nada!! Esse é um dos trechos mais bonitos de música que já pude deliciar. Ao fundo a guitarra surge tocando a frase incial que se encaixa perfeitamente nesse novo tempo! Após voltar à quebradeira inicial, a musica praticamente cessa para entrar os vocais. É notável a maneira como a música passa várias vezes de totalmente empolgante para calma e pacífica em questão de segundos. Um show de todos os músicos, especialmente de Wakeman no Moog, Hammond, Piano, Mellotron. Assim termina uma produção, que irá ser um item eterno nas suas coleções.

Faixas:

1. Roundabout
2. Cans and Brahms
3. We Have Heaven
4. South Side of the Sky
5. Five Per Cent for Nothing
6. Long Distance Runaround
7. The Fish (Shindeleria Praematurus)
8. Mood For a Day
9. Heart of the Sunrise

Rita Lee - Tutti Frutti - Fruto Proibido - 1975

2012-01-19T19:48:00.000-08:00

Ela havia saído da melhor banda de rock da história do Brasil - os Mutantes -, com quem forjara cinco dos mais importantes álbuns pop brasileiros de todos os tempos. Ao final da viagem de humor e psicodelismo que empreendeu entre 1966 e 1972 com Arnaldo Baptista e Sérgio Dias, a paulistana ruiva e magricela batizada com o sonoro nome de Rita Lee já não se contentava em cantar algumas músicas e tocar pandeiro. Ela participara do centro criativo dos Mutantes, fazendo letra e música, tocando, cantando, pensando.
Expulsa dos Mutantes, Rita Lee chegava à carreira de popstar com currículo ímpar; nenhuma mulher se destacara no rock brasileiro como ela. Rita foi a primeira cantora-compositora-roqueira-instrumentista e a primeira mulher na música a abusar da rebeldia, da irreverência, da ironia, da inteligência. O fim traumáticos dos Mutantes deu à garota garra para se provar e se firmar no cenário, resultando na magnífica coleção de LPs que lançou nos anos 70, alçada - pela primeira vez - à posição de líder de uma banda, a Tutti Frutti. A qualidade de produção da Rita de então é uniforme, mas ainda assim um dos trabalhos se projeta: Fruto Proibido, de 1975, que inclui a famigerada balada "Ovelha Negra", até hoje sua marca registrada.

Musicalmente, Fruto Proibido mistura em doses equivalentes elétrico e acústico para constituir puro rock'n'roll - ou roque enrow, como Rita prefere. A voz de Rita mantém inflexões infanto-juvenis, agora não mais na vertente zombeteira e debochada dos Mutantes, mas transpirando rebeldia e - por que não? - sofrimento. Rita se estabelece como a ovelha negra da família brasileira, mulher chegada ao sexo, às drogas, ao rock, líder de uma banda masculina num cenário até há pouco hostil à criatividade feminina.
Não por acaso, Fruto Proibido é coalhado de referências candidamente feministas. Mas rock'n'roll era mesmo o que interessava. Se os exemplos que Rita tinha para seguir eram eminentemente masculinos, não fazia por menos ao selecionar os que iria utilizar; já no rescaldo da influência beatle dos Mutantes, voltava-se agora para outros bem mais rebeldes: David Bowie, Lou Reed, Mick Jagger - mais Celly e Wanderléa, que Rita nunca foi de negar suas origens. Até quando tangencia o já dinossáurico rock progressivo - em "O Toque"-, Rita consegue afastar a chatice, por absoluta falta de pretensão.

É essa, aliás, a marca da fase Tutti Frutti, indispensável em sua totalidade. Toneladas de criatividade e nenhum resquício de pretensão. Depois, viria Roberto de Carvalho.Compre o seu.

Faixas:
1 Dançar pra Não Dançar 4:13
2 Agora só Falta Você 3:25
3 Cartão Postal 3:24
4 Fruto Proibido 2:04
5 Esse tal de Roque Enrow 3:53

6 O Toque 5:20
7 Pirataria 4:29
8 Luz del fuego 4:43
9 Ovelha Negra 5:39

O Porque o Led Zeppelin se tornou um gigante do Hard Rock .

2012-01-19T18:27:00.000-08:00

Muito se fala a respeito do Zeppelin de chumbo, que foi a maior banda , turnês gigantescas, toneladas de drogas, e todo aquele clichê que envolve uma grande banda.Mais passados mais de 30 anos de sua existência , porque até hoje todos seus discos são cultuadíssimos , a influência da banda cheira até hoje na música e uma reunião é um sonho de milhares pelo mundo afora. Claro que a competência de todos os integrantes são indispensáveis para todo o resultado final que o grupo mostrou em seus discos e concorridos shows. Afinal pensar em Led Zeppelin sem a voz e as letras de Robert Plant, o baixo e toda a elegência de John Paul Jones , e a fúria musical de J. Bonham espancando seu kit la no fundão , inclusive usando as mãos, é impossível. Mas e Jimmy Page , sim o embaixador dos riffs, foi peça principal para canalisar todas estas influências e além de compor foi um mestre na produção e gravação de seus discos , como músico de estúdio aprendeu muito e soube usar como ninguém todas estas lições.

Page nasceu num subúrbio do norte de Londres, Heston, em Middlesex. Seu pai era um gerente industrial e sua mãe, secretária pessoal de um médico.
Jimmy Page, começou a aprender anos. As suas primeiras influências foram os guitarristas de rockabilly, Scotty Moore e James Burton, que tinham tocado ambos em gravações de Elvis Presley, e Johnny Day que tocou guitarra com os Everly Brothers. A canção de Presley “Baby Let´s Play House" era uma das suas favoritas. As preferências musicais de Jimmy, abrangiam também o folk acústico de Bert Jansch e John Renbourn, os sons do blues de Elmore James e B.B. King e o skiffle britânico.
Aos 14 anos, Page entrou no concurso para descoberta de talentos da ITV, “Search for Stars”. Após deixar a escola, tinha o objetivo de trabalhar como assistente de laboratório, mas o seu amor pela guitarra e pela música obrigou-o a mudar de caminho. Neil Christian do The Crusaders, convidou-o para se juntar à banda, o que lhe trouxe a sua primeira experiência de digressões, e onde entrou pela primeira vez em um estúdio para a gravação de um single, “The Road to Love”.
Enquanto estudante, Page tocou muitas vezes no Marquee com bandas como: Cyril Davis All Stars, Alexis Korner’s Blues Incorporated e com os guitarristas Jeff Beck e Eric Clapton, nos Yardbirds. Uma noite foi visto por John Gibb dos Silhouettes, que lhe pediu para ajudar gravar uns singles para a EMI, "The Worrying Kid" e "Bald Headed Woman", mas só após ter recebido um convite de Mike Leander da Decca Records, é que Page começou a ter trabalho certo como músico de estúdio. A sua primeira gravação para esta editora, o single de “Jet Harris & Tony Meehan”, “Diamonds", chegou a Nº 1 de vendas nas tabelas de 1963.

No início da década de sessenta na Inglaterra praticamente só haviam dois guitarristas profissionais de confiança para cuidar de rock 'n' roll. Eram eles 'Big' Jim Sullivan e 'Little' Jim Page. Algumas estatísticas dão uma estimativa de que os dois dividiram entre si entre 60% e 90% de tudo que foi produzido pelos estúdios londrinos entre 1963 e 66. Creio que estas estimativas estejam exageradas, no entanto, são facilitados pelo fato de não haverem registros bem documentados sobre as participações de quais músicos em quais sessões.

O público, em última análise, deveria acreditar que os músicos da banda em questão, aqueles que aparecem na capa do disco, são os que se ouvem tocando. Dependendo muitas vezes exclusivamente da memória de técnicos e outros profissionais participantes das referidas sessões, o número de gravações em que Jimmy Page tenha participado é literalmente incontável, e nem ele mesmo sabe ao certo de todas.
Bem, se é impossível saber ao certo todas as sessões em que Page tenha participado, mais impossível ainda seria poder informá-las em ordem. Versões variam sutilmente mas basicamente Jimmy Page tocava desde 1959 em uma banda de seu bairro em Epsom, com aparições regulares no Epsom Dance Hall, geralmente abrindo para a banda principal da noite. Parece que foi a namorada de Christopher Tidmarsh, então motorista de uma banda chamado Red E. Lewis Rock 'n' Roll Band, que lhe falou deste menino na guitarra que seria inacreditável.
Christopher foi vê-lo e após o seu set, que naquela noite abria para Johnny Kidd & the Pirates, chamou o então menino de apenas 15 anos de idade para excursionar pelo o país como guitarrista do Red E. Lewis Rock 'n' Roll Band. Depois de receber o consentimento dos pais, Page começa sua carreira profissional excursionando por boa parte da Inglaterra em uma van com a banda. Em determinado momento o vocalista Red E. Lewis foi demitido e Christopher Tidmarsh assume o posto, agora utilizando o nome artístico Neil Christian.
A banda igualmente mudou de nome, nascendo assim Neil Christian & the Crusaders. Jimmy Page no final de 1960, desnutrido e com febre glandular, desiste da vida de músico e passa dois anos estudando desenho em Art College. No entanto, Page durante este tempo transforma a sala de estar de sua casa em um pequeno estúdio de ensaio onde aos domingos, vários amigos aparecem para tocar com ele. Entre esses, Jeff Beck e Glyn Johns. Depois, em 1962, passaria a frequentar o Marquee Club nas noites que apresentava Cyril Davies & His All Stars. Entre sets, Jimmy Page e três outros garotos se juntavam e tocavam. Mais tarde, Jeff Beck tambem iria passar a participar destes encontros informais. Cyril Davies então convida Jimmy Page a entrar em sua banda mas temendo voltar a adoecer, Page recusa.

Com 1963 caminhando em toda sua lucrativa glória, Jimmy grava para uma banda chamada Mickie Most & The Most Brothers. Este é o mesmo Mickie Most que mais tarde viria a se tornar um dos mais importantes produtores da Inglaterra, galgando sucessos para bandas como Herman’s Hermits, Lulu & The Luvvers e Donovan. Porém, entre 1962 e 63, ainda tentando fazer sua carreira como músico lucrar, ele grava com o auxilio do guitarrista Jimmy Page algumas faixas sob uma variação de nomes que vão desde apenas o mais sucinto, Mickie Most para o curioso Mickie Most & The Gear.

Como Mickie Most & The Most Brothers, é lançado em maio de 1963 “Mr Porter” e “Yes Indeed I Do”. Embora Page seja muitas vezes creditado por participar do compacto seguinte, “The Feminine Look” e “Shame On You Boy”, este na verdade é o trabalho de Jim Sullivan. Como Mickie Most, é a vez de “Sea Cruise” e “It's A Little Bit Hot” lançado em dezembro daquele mesmo ano. Seu último compacto sai em março de 1964, com o nome de Mickie Most & The Gear. As faixas são “Money Honey” e “That's Alright.” Todos esses lançamentos contam com a participação de Jimmy Page na guitarra. É provável que a gaita em “That’s Alright” seja tambem de Page. Em um artigo datado de 1965, Jimmy Page teria comentado que o solo em “Money Honey” era o seu favorito até então.
Ainda tem a canção “Night Comes Down” que embora gravada nessa ocasião, acabou ficando de fora e arquivada. O riff desta canção seria reaproveitado por Page na composição “How Many More Times”, repertório do Led Zeppelin. Ambas tem como fonte original o riff da canção “Come Back Home” de Howlin’ Wolf. E assim gravando intensamente durante toda a década de 60 Page segue gravando com gente como : The Who, Joe Cocker, Roy Harper entre outros até chegar aos New Yardbirds e logo depois , ao Led Zeppelin.

Page foi um dos maiores produtores fonográficos e um inovador sônico, perfeccionista cuja visão fez dos álbuns do Led Zeppelin uma experiência auditiva vívida, ao invés de simples discos. Compare os seis discos que o Led Zeppelin fez de 1969 a 1975 com outros títulos clássicos do mesmo período: os primeiros discos do KING CRIMSON, os LPs do JEFF BECK GROUP, BLIND FAITH, ROLLING STONES, o PINK FLOYD antes de ‘The Dark Side Of The Moon’. Sonicamente, o trabalho de Page com o Led Zeppelin colocou os discos de estúdio de sua banda em um patamar sônico totalmente à parte.

Como guitarrista, a técnicas de microfonação o interessara desde cedo. Posteriormente, ele usaria a microfonação ambiental nos amplificadores pequenos que eram essenciais a seu som no Led Zeppelin. Mas ele estava especialmente interessado nos sons de bateria que saíam dos estúdios nos anos 60. Os bateristas eram por muitas vezes colocados em pequenas cabines naquela época, para isolá-los da banda enquanto as trilhas-guia estavam sendo gravadas, ou por puro costume. De qualquer modo, os resultados eram pífios e medíocres. Então quando Page capitaneou o Led Zeppelin no estúdio, ele se certificou de que o kit de John Bonham e seu equipamento periférico tivessem sempre bastante espaço em uma sala grande, viva e ressonante.

Page baseava sua microfonação ambiental de amplificadores de guitarra no que ele tinha aprendido ouvindo a discos clássicos de blues e do rock que emergia nas gravadoras Sun e Chess, onde um microfone era geralmente o suficiente para gravar uma banda inteira ao vivo – mas os sons de guitarra ainda assim se sobressaíam.Page aplicou a velha regra da engenharia que estabelece que ‘distância é igual à profundidade’, então quando chegou a hora de gravar as guitarras, ele colocava um microfone bem perto e um ou mais microfones adicionais a uma distância de até sete metros do amplificador. Isso permitia a Page capturar o efeito sônico pleno de um amplificador preenchendo a sala, e também o habilitava a fazer com que os amplificadores pequenos com os quais ele gravava, como o Supro Lightning Bolt, soassem bem potentes. Muitos outros produtores britânicos o copiaram antes que a prática escoasse até os EUA.

O eco reverso era outro truque que Page desenvolveu. Ele aplicou a manobra pela primeira vez em 1967, num single do Yardbirds, ‘Ten Little Indians’. Inicialmente, envolvia gravar a guitarra em duas pistas – uma com bastante eco. A seguir, a fita era virada ao contrário de modo que o som do eco ‘molhasse’ apenas certas notas em específico. A mesma técnica foi aplicada também nos pratos de bateria, resultando em um efeito bem psicodélico.

Page trocava de engenheiros entre os discos de propósito, para deixar claro que era a produção dele – e não a metodologia de estranhos – que fazia os álbuns do Led Zeppelin soarem tão dinâmicos.

Claro, qualquer grande receita começa com ingredientes sofisticados, e o arsenal de guitarras, particularmente da «marca» Gibson – que ele usava nas clássicas gravações do Led Zeppelin – era soberbo. As mais conhecidas são suas reverenciadas “Número Um” e “Número Dois”. A “Número Um” foi adquirida de Joe Walsh enquanto o Led Zeppelin estava em turnê pelos EUA. A Gibson Custom Shop replicou o instrumento de 1950, com um braço lixado, e um mecanismo que tira os humbuckers de fase na posição do meio, em uma edição limitada de 2004. A Custom Shop também recriou a “Número Dois”, uma 1959 Standard com braço lixado para ficar parecida com a “Número Um” e quatros chaves para dividir os captadores. A “Número Dois” ainda está no catálogo da Gibson.

A outra guitarra Gibson igualmente icônica no rack de Page é a EDS-1275 de dois braços, que ele notoriamente empunhava durante “Stairway to Heaven”, “The Song Remains The Same” e “Celebration Day”. Ele perdeu uma Black Beauty Les Paul Custom 1960 com uma alavanca Bigbsy em um roubo durante turnê em 1970, mas ela ainda assim foi recriada pela Gibson Custom Shop em 2008 em uma edição limitada, com 25 delas autografadas por Page. A Les Paul Standard 1969 vista no filme The Song Remains The Same ainda está em sua coleção, para ocasiões especiais como a épica reunião de 2007 entre os membros remanescentes do Zeppelin na imensa O2 Arena de Londres. E assim Jimmy Page , nos deixa discos que nos acompanharão eternamente dia após dia.

Rock Raro - Atomic Rooster - In Hearing Of - 1971

2012-01-16T15:48:00.000-08:00

Formado em 1969 pelo tecladista Vincent Crane e pelo baterista Carl Palmer, o Atomic Rooster foi um dos grupos pioneiros no que ficou conhecido como Progressive Rock. Companheiros no Crazy World Of Arthur Brown, Crane e Palmer moldaram uma sonoridade que unia a técnica privilegiada de ambos a uma dose generosa de peso, que resultou em uma das bandas mais originais do início dos anos 1970. Neste seu 3º álbum podemos ouvir e conferir todo este caldeirão de influências , já que este disco é bem mais eclético e menos sombrio que seu anterior " Death Walks Behind You". Tendo também o line up da banda para a gravação deste disco que foi Vincent Crane ( Hammond, Teclados e Vocais) líder e principal compositor, Peter French (vocal), Paul Hammond (bateria) e John Du Cann( vocais e guitarras)mas após as gravações, esses 3 últimos membros sairam da banda .

O disco abre com "Breakthrough com os teclados de Crane comandando a música num ritmo frenético,juntamente com baixo e bateria. Segue outro rockão com "Break the Ice". A veia progressia aparece em "Decision/ Indecision", 'A Spoonful of Bromide Helps The Pulse Rate Go Down" e "Black Snake" , que é a mais fraca do álbum.

E depois ouvimos um desfile de ótimas canções que mostram o casamento do rock , com pop e progressivo sem firulas ou palhaçadas inúteis. Os timbres dão um colorido a mais , dando mais charme para a bolacha. Os músicos impecáveis em suas interpretações vocais e instrumentais como em : "Head In The Sky", "The Price" e a faixa bônus , fazem deste disco pouco conhecido do grande público , uma pérola perdida do rock. Compre e ouça com atenção.

Elis Regina - Montreux Jazz Festival - 1979

2012-01-15T14:47:00.000-08:00

Em 1979 a estrela da noite brasileira no festival de Montreux era Elis Regina. E um disco ao vivo gravado no festival seria um impulso e tanto na carreira da cantora , que havia mudado de gravadora na época. Tendo uma das melhores bandas na época, contando com : Cesar Camargo Mariano ( teclados), Hélio Delmiro(guitarra),Luizão Maia(baixo), Paulinho Braga(bateria) e Chico Batera(percussão). Com os arranjos simples porém eficientes, sem maiores surpresas para brasileiros , mas um grande show para a platéia do festival que exigiu e teve uma matinê extra com show da cantora.

A lotação do cassino de Montreux estava esgotada há dias , pois o bruxo dos sons Hermeto Pachoal vindo de gravações com Miles Davis, era idilotrado por toda a platéia do festival e faria a 1ª noite brasileira. Com o show da matinê Elis arrasou, cantou com muita segurança, técnica sendo discreta e botando toda a sua emoção, num repertório de alto nível e assim arrematou toda a platéia.

Mas com o show da noite que ficou com a abertura de Hermeto e sua banda , que literalmente quebraram tudo e foram aplaudidos de pé por 15 minutos. E depois do intervalo do 1º show , eis que surge Elis para fechar a noite brasileira em Montreux, com uma orquídea azul nos cabelos, como Billie Holiday e trajando um vestido que a deixava com a aparência de mais velha , Elis com 10 minutos de show transpirava , estava tensa e nervosa , tal estado fez com que seu amigo e produtor André Midani, adentra se o palco com um copo d'água , que a cantora prontamente bebeu. Continuando o show Elis não cantava mal, mas com precisão e técnica sem tentar qualquer efeito, as vezes parecendo fazer grande esforço para cantar. Uma apresntação com pouca emoção e quase burocrática, mas os estrangeiros boquiabertos com sua afinação e timbre, e suas técnicas impecáveis e com certa tensão criativa.

Sendo assim quando o show terminou , Elis foi muito aplaudida mas nada comparado com o que Hermeto recebeu no show anterior, e estando exausta a cantora que saiu rapidamente do palco, mais eis que no meio daquela gritaria o diretor do festival Claude Nobs, chamou Hermeto de volta a cena que foi devidamente ovacionado, e havia assistido a todo o show de Elis na coxia. Sabendo que havia perdido a noite para o bruxo , Elis voltou ao palco frustrada e furiosa , pisando duro e sorindo tensa para a platéia.

Silêncio total , piano e voz . Hermeto começa a tocar "Corcovado" e Elis canta, transformando suas harmonias em dissonâncias surpreendentes , e assim cada vez mais vai ficando difícil tanto para Elis como que para qualquer outro cantor(a), seguir acompanhando o mago dentro do mar de tonalidades tão sofisticadas e dissonantes que transbordam de Hermeto e todo e qualquer instrumento que esteje tocando. Assim a dupla deixa este velho sucesso nacional , completamente e genialmente IRRECONHECÍVEL.
E Elis segue respondendo a qualquer saque do bruxo com uma precisão que o espantava e o fazia mudar ainda mais. Depois vem "Garota de Ipanema", ( Elis odiava e dizia que nunca a cantaria), ela baqueou no início mas logo se recuperou, e cantou com todo vigor que virou a canção pelo avesso, cantou uma parte em inglês com sotaque perfeito, imitando uma menina dengosa, rindo, debochando e provocando Hermeto, voaram juntos para uma platéia eletrizada. Daí com o público de pé, veio "Asa Branca", como round final entre Elis e Hermeto, e o baião de Luiz Gonzaga se transformou em ambiente free jazz e atonal, harmonias jamais sonhadas se cruzavam com fraseados audaciosos de Elis, trocas bruscas de ritmo e andamento, propostas e respostas, tiros cruzados e acima de tudo e todos arte musical de altíssimo nível sendo protagonizada por 2 dos melhores e maiores virtuosos musicais brasileiros. O show foi tão bom que precisou de uma festa , pois o presidente da gravadora estava pasmo com o que havia ouvido e assistido e tinha certeza que sairia um disco, mas Elis ameaçadora como sempre chamou seu amigo André Midani e mandou o recado : Este disco não vai sair , não é ? Difícil não, pois aqui ouvimos arranjos e performances mais que perfeitos dos músicos e César Mariano também , que casaram magistralmente com a voz e interpretação de Elis. Em 2001 numa garimpada de arquivos da gravadora , acharam todo o show gravado, e numa edição em cd, com músicas que não entraram no LP, lançou se um item que nos acompanhará por toda a vida.

Músicas :
1- Cobra Criada
2 - Cai Dentro
3 - Madalena
4 - Ponta de Areia - Fé Cega Faca Amolada - Maria Maria
5 - Na Baixa do Sapateiro
6 - Upa Neguinho
7- Corcovado
8 - Garota de Ipanema
9 - Asa Branca
10 - Amor até o Fim
11- Mancada
12 - Samba Dobrado
13- Rebento
14 - Águas de Março
15 - Onze Fitas
16 - Agora Tá

The Black Crowes - Shake Your Money Maker- 1990

2012-01-11T15:30:00.000-08:00

Com integrantes não muito mais velhos que suas próprias tendências, a banda tem a aparência tipicamente roqueira: cabelos longos, roupas aveludadas, coletes e físicos impossivelmente fracos. Além disso, aquele tradicional som "blueseiro" e alcoólatra.
O vocalista Chris Robinson é um dos mais intrigantes showmen do rock atual. Com voz de Rod Stewart, trejeitos de Mick Jagger e visual glam inspirado em David Bowie, ele faz a linha de frente do Black Crowes com seu irmão Rich Robinson, que fundiu em sua guitarra a magreza de Keith Richards e a sensação rítmica suja de Ron Wood.

Stan, o pai dos irmãos Robinson, foi cantor e teve até uma música pop famosa chamada "Boom-a-Dip-Dip". Ele sempre desencorajou os filhos a se tornarem músicos profissionais, mas por volta de 1984 eles já estavam formando a banda Mr. Crowe’s Garden (nome do conto de fadas preferido dos Robinson), que logo passou a se chamar simplesmente Black Crowes e culminou com Chris abandonando a faculdade.
Black Crowes pode ser definido como a fusão de Rolling Stones com Lynryd Skynyrd, misturando um blues pesado com rock básico.

E quando a banda se tornou um quinteto em 1990, em Atlanta, o rock americano passava por um momento de mudanças. O heavy metal vinha declinando e o grunge surgia para tomar as paradas. Com este panorama nada favorável,para uma banda que lançasse um disco que viesse a revigorar o rock antigo, baseado em blues e R&B dos anos 60, colocando a banda num patamar de Allman Brothers e Lynyrd Skynyrd, poderia ser um grande risco a se correr. Com essa mescla convocaram o baixista Johnny Colt, o guitarrista Jeff Cease e o baterista Steve Gorman para gravarem o primeiro disco. Lançado em 1990, Shake Your Money Maker é uma forte investida na mistura rock/blues e a estréia é surpreendente.

O disco vendeu mais de 7 milhões de cópias e com ele a banda foi eleita revelação do ano pelos críticos americanos. Com sua versão turbinada e não menos chocante do que a original de "Hard to Handle" do grande Otis Redding e todas as outras composições do disco exalando o clima, swing e estilo de " Exile On Main Street" dos Rolling Stones . Ouça a interpretação de uma maturidade impressionante , para a época, do vocalista e compositor Chris Robinson para a balada " She Talk to Angels", acerca de um viciado em drogas e não se emocione. Difícil.

O disco permaneceu 18 meses nas paradas americanas, e apesar de não ser uma obra revolucionária, mas tendo a musicalidade funky e a garra que este álbum possui, garantiu a reputação da banda para todas as nossas vidas. Compre.

Músicas :
1- Twice As Hard
2- Jealous Again
3 - Sister Luck
4 - Could I've Been So Blind
5 - Seeing Things
6 - Hard to Handle
7- Thick'n' Thin
8- She Talk to Angels
9- Struttin'Blues
10 - Stare It Cold

Discografia Básica do Rock - Cream - Disraeli Gears - 1967

2012-01-08T05:26:00.000-08:00

Cream foi um dos primeiros power trio do rock, a banda foi fundada por Eric Clapton ( vocais,guitarra), Ginger Baker(bateria) e Jack Bruce( vocais, gaita e baixo) em 1966, o som deles era caracterizado de um híbrido de blues, pop e rock psicadélico , com longas improvisações . O Cream representava o som energético com alto volume, combinando a voz suave de Jack o poder de Clapton e o ritmo maníaco de Baker. Eric Clapton é considerados dos melhores guitarras de sempre mas aqui ele escreve a sua cartilha da guitarra elétrica , tendo além dos elementos citados acima timbres que colorem todo este disco, como Jack Bruce é considerado um dos melhores baixistas e sendo o Ginger um ótimo baterista . Então em 1966 estreiam com o álbum Fresh Cream, que chegou a 6# no UK e a 39# nos US, este álbum consistia mais em covers de clássicos dos Blues, como Spoonfull (Willy Dixon) entre outras, o resto do álbum eram musicas escritas por Bruce como I Feel Free (foi um hit no UK mas não saiu na versão norte-americana).

Acrescentando os efeitos psicodélicos existentes nos estúdios em 1967, Clapton e seus novos refinamentos com o pedal wah wah, encharcado com distorções para guitarra , o Cream atingiu seu auge artístico em Disraeli Gears. Disraeli Gears é um dos discos mais marcantes de toda a história do rock, porque foi o que faltava para que até os mais céticos se rendessem ao som desse trio. O Cream inspirou não só os trios que viriam a ser formados nas décadas seguintes, mas bandas com muito mais integrantes assumem influência do trio inglês. E não só influênciou como ensinou um modo de integrar o blues ao rock e não a se acostumar com a concepção de que o rock é um blues acelerado.

A capa com uma colagem fluorescente, era o acompanhamento perfeito para a enxurrada de música de vanguarda contida nos sulcos desta obra prima. Strange Brew dispersa e memorável , com os gemidos fantasmagóricos de Jack Bruce que se sobrepõem ao estilo convulsivo e único, quase funk de Clapton na sua Gibson SG. E a coisa toda vai ficando melhor com Sunshine of your Love e White Room , que são as músicas mais conhecidas do trio, a 1ª serviu de inspiração para uma torrente de guitarra ao vivo despejada pelo único sério rival contemporâneo de Clapton, o mago da Fender Hendrix. "Tales of Brave Ulysses", é um poema feroz embebido na guitarra e timbre lacerante e blueseiro de Clapton. Em "Mothers Lament" o trio faz uma referência para suas influências.

Com a reputação que ganharam com suas apresentações ao vivo, pareciam que eram possuídos por Robert Johnson e Charlie Parker , e com o nascimento deste disco , que se tornou referência musical até os dias atuais , o power trio do slow hand , nos deixa incentivos musicais para severos estudos , e lições musicais para toda a vida.

Músicas :
1- Strange Brew
2- Sunshine of Your Love
3- World of Pain
4- Dance the Night Away
5- Blue Condition
6- Tales of Brave Ulysses
7- Swlabr
8- We're Going Wrong
9- Outside Woman Blues
10- Take It Back
11- Mother's Lament

The Rolling Stones - Love You Live - 1977

2012-01-06T09:29:00.000-08:00

Um disco ao vivo geralmente é uma das melhores formas de conhecermos uma banda, afinal, é no palco que comprovamos se tudo o que aparece no álbum de estúdio é real ou não. Mas na maioria dos casos os álbuns ao vivo são realmente ao vivo e não falcatruas cheias de overdubs espalhados por todos os lados.

Uma das grandes bandas ao vivo sempre foi o Rolling Stones. Seus shows são um espetáculo à parte dentro do mundo da música, principalmente pela performance teatral de Mick Jagger,e da execução de clássicos do porte de "(I Can't Get No) Satisfaction", "Start Me Up" e "Brown Sugar", para citar apenas alguns. O primeiro disco do grupo que eu tive o prazer de ouvir foi exatamente um ao vivo, o extremamente criticado Love You Live.

Lançado em 23 de setembro de 1977, esse vinil duplo concentra-se principalmente em uma apresentação do grupo em Paris, durante a turnê de divulgação do LP Black and Blue (1976). Essa turnê marcou a estreia do guitarrista Ron Wood nos palcos stonianos, e foi criticada principalmente por não ter conseguido superar em termos de produção, a turnê do álbum It's Only Rock'n'Roll, onde o palco para Mick Jagger e cia. era uma flor de lótus móvel.

Quando de seu lançamento, Love You Live foi bem recebido, chegando na terceira posição nas paradas britânicas; mas com o passar dos anos, a imprensa e os fãs começaram a torcer o nariz para o vinil, alegando que o álbum não registra toda a potência sonora que eram os Stones em cima de um palco, que Keith Richards (guitarra, vocais) estava no auge do uso de heroína, não tocando nada, e que o resto do grupo - a saber, Charlie Watts (bateria), Bill Wyman (baixo), Billy Preston (teclados), Ian Stewart (teclados) e Ollie Brown (percussão), além do já citado Wood - eram coadjuvantes de um cenário decadente e sem sal.Mas eis que dentro de Love You Live, o lado C continha canções de uma apresentação na boate El Mocambo, na cidade de Toronto, Canadá, onde o grupo se apresentou para uma seleta plateia de 300 pessoas, dentre as quais a primeira dama do país, que na mesma noite foi flagrada apenas de roupão pelos corredores onde o senhor Lábios de Borracha dormia. Anos depois, seria revelado no livro Memórias de um Rolling Stone que ela havia "jogado cartas" com Wood.

Este é um discaço, talvez o melhor ao vivo da carreira dos Stones, sem a histeria de Got Live If You Want It! (1966), o gigantismo de Get-Yer-Ya-Ya's Out! (1970) ou a prepotência de Still Life (1981). O lado A é uma prova definitiva disso. Desde o samba introdutório que leva ao tema de "Fanfare for the Common Man", até o encerramento com "Star Star", os Stones derramam suor e feeling em interpretações grudentas, sujas e puramente rock'n'roll para canções não tão clássicas do grupo.

Tirando o início arrastado, que curiosamente é com a clássica "Honky Tonk Women", à medida que o show avança parece que os músicos vão se motivando; então temos Richards soltando os dedos em "If You Can't Rock Me", com destaque para o trabalho percussivo de Ollie e para as investidas rasgadas de Richards; Stewart comandando o ritmo da paulada "Get Off of My Cloud", com uma belíssima sessão de duelo vocal entre Preston e Jagger, ambos entoando o nome da canção, e que assim como "If You Can't Rock Me", foi registrada no Earls Court, em Londres; a maravilhosa "Happy", com show de slide de Wood, além de Richards nos vocais e na guitarra; a sensacional e perfeita "Hot Stuff", com seu ritmo "embalos de sábado à noite" que coloca todos para dançar. O encerramento com "Star Star" é puro e simples rock 'n' roll, e não adianta, até o mais leigo no assunto sabe que o que o Stones faz de melhor é simplesmente tocar rock 'n' roll.

O lado B é bem mais leve, começando pela balada "Tumbling Dice", e voltando aos embalos disco/funk, com uma arrepiante "Fingerprint File", registrada no Maple Leafs de Toronto, onde Jagger abusa de efeitos nos vocais. Efeitos também estão presentes nas guitarras de Richards e Wood.

"You Gotta Move" leva o grupo de volta ao blues, com as vocalizações cantando a canção como se fossem homens negros nos campos de algodão, acompanhados apenas pelas estridentes notas de Richards e Wood, além da marcação de Watts, transformando-se em um safado blues branco durante o solo de guitarra, em um andamento sensual com mais um dueto vocal de Jagger e Preston. O lado B encerra-se com a emocionante "You Can't Always Get What You Want", onde quem acha que Richards não está tocando nada deve ouvir o solo que ele faz nessa canção. Destaque também para Jagger comandando a plateia que está nas mãos do vocalista como sempre.

O lado C, como citado, é dedicado à apresentação no El Mocambo, nos mostrando quatro grandes covers, começando com "Mannish Boy", onde o início já nos mostra a intenção do grupo, com Jagger soltando os vocais à la Muddy Waters nesse blues sensacional, com direito a harmônica, riffs sujos das guitarras de Richards e Wood, gritos de Preston ao fundo e, principalmente, com Jagger cantando muito, transpirando blues em cada palavra.

"Crackin' Up", a faixa seguinte, já possui uma levada mais reggae, onde o destaque vai para o baixo de Wyman e para as vocalizações que acompanham Jagger, além da apresentação de cada membro do grupo, enquanto "Little Red Rooster" retorna aos old blues com mais um show de Jagger. "Around and Around", de Chuck Berry, encerra esta parte do LP com um rock dançante e com um ótimo solo de piano de Stewart.

lado D volta para a turnê de Black and Blue, onde estão os grandes clássicos: "It's Only Rock 'n' Roll (But I Like It)", gravada no Maple Leaf Gardens, seguida por "Brown Sugar", além de "Jumpin' Jack Flash" e "Sympathy for the Devil", essa última registrada no Inglewood Forum, em Los Angeles. As quatro são interpretações fiéis ao que os fãs do grupo esperam, com garra, pique e as levadas de Watts para Richards e Wood brincarem com a guitarra enquanto Jagger solta sua voz entoando letras que os fãs conhecem do início ao fim.

Apesar de existirem overdubs nas guitarras e no baixo, a maior parte do que está nos sulcos de Love You Live reflete o que aconteceu nos palcos, ou seja, os Stones tocando aquilo que mais gostam. Se não é o melhor disco ao vivo da história, se não traz uma maravilha de mixagem, se não tem "Satisfaction", não importa, é um ótimo disco e está na lista dos que mais ouvi , e que entre todos as pessoas que gostam dos Stones, deveriam ter em suas coleções.

Discos que Marcaram a Minha Vida - Tracy Chapman - Tracy Chapman - 1988

2011-12-29T16:43:00.000-08:00

Sabe aqueles almoços em família, rolam aquela reunião e falação incansáveis, e tem uma hora em que você procura algo mais interessante pra fazer. Uma tia minha teve um namorado que gostava de música e compartilhava seu gostos e discos comigo, um deles foi o desta maravilhosa cantora pop americana de voz única e honestidade cortante , foi algumas vezes a trilha sonora de alguns daqueles almoços em família , e hoje em dia toca por várias vezes no meu cd player.
Tracy Chapman (Cleveland, Ohio, 30 de março de 1964) é uma cantora de música pop, R&B jazz e soul, vencedora por diversas vezes do Grammy, tornada mundialmente famosa por suas canções "Baby Can I Hold You", "Fast car" e "Bang bang bang".Ainda durante a faculdade, Chapman começou a apresentar-se nas ruas, tocando seu violão em cafés de Cambridge, Massachussets. Enquanto esperava sua graduação acadêmica, assinou contrato com a SBK Records, em 1988, lançando seu primeiro álbum, intitulado "Tracy Chapman" - que foi logo aclamado pela crítica, e ela passou a realizar tournês e conquistar o público.

Juntando sua honestidade e a pura alma das suas músicas , guitarra e voz sem amplificadores , casaram como nunca, e é um charme a mais para o disco.Pois para esta estreante desconhecida, convites como tocar no 70º aniversário de Nelson Mandela, no estádio de Wembley, era um sonho concretizado. Pois a artista conquistou uma audiência global televisiva do dia para a noite, suas baladas blues - folk e suas declarações comoventes as vezes ingenuinamente irritante.

Os músicos que acompanham a cantora dão um toque a mais e nota se um certo entrosamento entre ambos, o que faz com que as músicas ganhem um charme a mais. Aqui não temos notas tocadas a velocidade da luz , nem artistas que são mais bizarros do que seu ego inflado , não temos uma artista montada nos escritórios de uma gravadora qualquer , em algum lugar do mundo. Temos aqui uma coleção de canções , que acho desde os anos 60 não se via algo parecido na indústria fonográfica mundial. O disco vendeu bem, alcançando vários certificados de vendagem da RIAA (discos de platina), e fazendo-a vencer no ano seguinte (1989) quatro Grammy Awards, inclusive a de melhor artista revelação. As canções são tão ricas em simplicidade emotiva e baladas tão dolorosamente ternas que não foi surpresa que milhões tenham se rendido a música de Chapman. E você já se rendeu , e comprou ?

Músicas :

"Talkin' Bout a Revolution" – 2:39
"Fast Car" – 4:56
"Across the Lines" – 3:24
"Behind the Wall" – 1:49
"Baby Can I Hold You" – 3:14
"Mountains o' Things" – 4:39
"She's Got Her Ticket" – 3:56
"Why?" – 2:06
"For My Lover" – 3:12
"If Not Now..." – 3:01
"For You" – 3:09