Antes de nada, quiero que sepais que esta entrada no la he escrito ni como estudiante de cine ni como crítico ni como periodista, sino como un verdadero frikazo del gore y de la serie B hasta la serie Z que soy. Con esto quiero decir que han entrado muchas vísceras y líquidos de todos los colores por mis bonitos ojos marrones desde que era muy muy infante, y pocas cosas me afectan ya.

Martyrs entra en ese grupo de películas pseudogorestilistas modernas que a mi particularmente no me dicen nada.
Mucha ha sido la publicidad que nos han metido de esta cinta francesa, que si vómitos en las salas de cine, que si desmayos, ataques nerviosos, censura en algunos paises… de todo han inventado para asustar y dar mas morbo al espectador medio, porque ahí es donde reside el éxito de esta película, en el espectador que no ha visto nada parecido antes, para el cual esto le parecerá la carnicería mas exagerada que ha visto nunca.

Psicologicamente tambien intenta hacer daño, pero solo lo intenta, me parece a mi que en algunas escenas quiere parecerse al monstruoso genio Michael Haneke, pero ni de milagro vamos.

Una cosa que tienen bueno estas películas sangrientas con tanta producción es que los efectos especiales son cojonudísimos ( aunque no llega al realismo de las películas gore mas bizarras japonesas ), yo hacía mucho tiempo que no veía un maquillaje tan sorprendente ( quedarse sin piel nunca fue tan bonito jojojo ).
Otra cosa que me ha llamado la atención es la banda sonora que por momentos recuerda a algunas canciones de David Whittaker ( sólo los mas retros del lugar sabrán de que hablo ).

Duele oir que esta es la película mas dura de la historia del cine aunque todos los años lo dicen de alguna la verdad.

Para los que no esteis experimentados en este tipo de películas si os la recomiendo, aunque si quereis tener experiencias mas cercanas al olor de la muerte yo os sugiero que veais Niku Daruma ( no es una película porno, tampoco es una snuff movie, sólo teneis que esperar al final ), The flower of flesh and Blood de la serie Guinea Pig ( las demás tambien son buenísimas ), los hentais Bondage Game y Princess 69 o mis favoritas Saló o 120 días de Sodoma ( pobre Pasolini ) y las grandes obras maestras del genio del ULTRAGORE alemán Jörg Buttgereit sobre el sexo con cadáveres putrefactos y malolientes ( práctica tambien llamada necrofilia ) y el amor entre personas que lo practican, tituladas Nekromantic 1 y 2.
Si tuviese que hacer una lista con las mejores películas de la historia os aseguro que las dos de Nekromantic estarían entre las 10 primeras ( junto con Vértigo, El fantasma del paraiso, Barry Lindon … para que veais que mis gustos no son tan extraños ).

Repito, una película sólo para estómagos sensibles
PD: Si alguien quiere recomendarnos películas realmente duras, gores, bizarras etc por favor, escribirlo en los comentarios, estamos sedientos de crudeza, además ¿ Cual es la película mas dura que habeis visto en vuestra vida ?

IN HEAVEN EVERYTHING IS FINE

Mientras veo Tokyo Gore Police me acabo de acordar que hace unas horas he visto la última gran triunfadora de los oscar hollywoodienses, esto no significa que no me esté gustando la película gore japonesa, lo que pasa es que entre escenas de descuartizamientos de diez minutos pues a uno le da tiempo a pensar en cualquier otra cosa, pero sin quitar ojo a la pantalla ( fijaos si da tiempo que escribo este post mientras veo el filme ).

Lo primero que impresiona de la última de Danny Boyle es el control que tiene este director sobre la imagen ( hasta en La playa aun con lo mala que es ), es fuerza pura, completamente desgarrador, no le hace falta el lenguaje vocal en ningún momento para sorprenderte y he aquí cuando entiendo porque le han dado el oscar a la mejor fotografía, ya digo, tecnicamente impresionante.

La historia se va descubriendo al principio a un ritmo trepidante, y ese es el problema, que cuando llega a la mitad se nota un bajón descomunal, pero de ritmo, no de calidad, porque calidad le sobra por todos lados hasta el gran colofón final donde el corazón vuelve a funcionar como al principio ( con recuerdos de Zatoichi de mi amigo Takeshi ).
Yo le he encontrado en algunos momentos ciertas similitudes con Ciudad de Dios ( película que a mi me parece algo sobrevalorada ) porque vamos, Anil es como Zé Pequeño, pero indio.
Ha sido un descubrimiento el actor principal Dev Patel al que ya conocía por la serie Skins, pero que no tiene nada que ver su papel en la televisión con lo que hace en la película. Mención aparte merece Freida Pinto, mas que como actriz como nueva amazona india del cine, que preciosidad ( no os pongais celosas ).

Os la recomiendo personalmente, es desgarradora a lo Danny Boyle ( sentirse muerto al principio para luego sentirse mas vivo ) como Trainspotting a la misma vez que humanamente sincera, así que disfrutar de esta película en el cine como tiene que ser porque esas imágenes no tienen precio ( no tienen precio poeticamente, porque todos sabemos como está de caro esto de las películas en salas con pantallas gigantes ).
Otra cosa os digo, se merece todos los premios que ha recogido y ser la gran triunfadora en los oscars, pero estoy con Wonka en que la película del año y posiblemente de todo lo que llevamos de siglo 21 es Wall-e y con diferencia de cualquier otra, así de rotundo.
Ciao paisanos.

Bueno, vamos a ver si me centro un poco y os hablo de lo que me ha parecido el resultado de la ceremonia de ayer, a la que, pese a todo, no me invitaron. Trazaré sólo los bordes de mis opiniones para que vosotros podáis ir rellenando los huecos con los colores de las vuestras.

- “Slumdog millionaire”, fabulosa. Acudí a verla sin saber nada de ella, como siempre procuro hacer, y me sobrecogió una historia que te sacude fuerte y flojo de forma alternativa. Estructura narrativa, ambientación, ritmo, interpretaciones… y ese inconfundible difuminado marca Danny Boyle. Que sí, que es la mejor de las cinco. ¿Que son ocho óscares? Pues guay.

- Kate Winslet como mejor actriz principal… Bien. La chica ya ha demostrado que tiene más registros. Así nos lo ha demostrado en “Revolutionary road” y en “The reader”, desarrollando dos papeles de mujer atormentada que han coincidido en nuestros cines y en los que podréis apreciar que casi repite el personaje. Por si no había quedado claro, la chica de “Titanic” se nos ha hecho mayor. Pues nada, que el óscar le sirva cómo incentivo y siga evolucionando, que luego esta gente se estanca en la bipolaridad y no hay quien los saque.

- El guión original para “Milk”. Pues qué queréis que os diga… Mirad, Sean Penn está muy bien, y probablemente merezca el dorado galardón de ayer (y van dos, tras “Mystic River”), pero el guión original… No sé si la habéis visto, así que seré prudente en el destripe, pero ni el “Jesús de Nazaret” de Zefirelli me pareció tan hagiográfico. El guión de “Milk” me pareció brusco en su introducción, simple en su desarrollo y tópico en su desenlace. Vale, fue una historia real, pero me da que demasiado adornada con ese idealismo tontorrón y desfigurativo que impregna y edulcora tantos biopics políticamente correctos hechos a medida del óscar (”Descubriendo nunca jamás” o “Una mente maravillosa”, por citar dos). El mejor guión original de este año, digan lo que digan los académicos, es el de “Wall-E”.

- La perdedora: “El curioso caso de Benjamin Button”. Tres óscares técnicos. Albergo sentimientos contradictorios en mi corazoncito. Las expectativas eran enormes y salí del cine con la sensación de haber visto una gran película con notables bajones de tensión. En mi opinión, más minutaje del requerido para una peli que por momentos me recordaba más al “Big Fish” de Tim Burton que al David Fincher de “Seven” o “Zodiac”. “El curioso caso de Benjamin Button” es el ejemplo de superproducción muy bien rodada, agradable de ver y representante de los óscares clásicos: grandes historias ambientadas, a ser posible, en Estados Unidos (¿os acordáis de “Forrest Gump”?). Pues nada, giro copernicano. Quizá la película, al igual que su protagonista, ha nacido vieja.

- Y, cómo no, para el final, nuestra Pe. Guay del paraguay. He podido ver y oír a María Elena en versión original y mejora notablemente. No es ni el mejor papel de Pe ni, desde luego, la mejor película de Woody. Pero sí señora. Para ella el óscar, que se lo merece, aunque sea por “Volver” con efectos retroactivos.

Óscares irregulares para un año más bien flojo. Sigue pareciéndome triste a España lleguen las candidatas cuando las seleccionan, pero eso ya es otro asunto.

De pequeño siempre me tragaba todas las mañanas en telecinco el Pressing Catch, y cuando digo tragar me refiero a que me lo creía.
El barbero, el hombre el millón de dólares, el último guerrero, Hulk Hogan, todos eran falsos héroes para nosotros, y una cosa que me he preguntado siempre ¿ Cómo serán los entresijos de ese mundillo que tan locos nos volvió y sigue con éxito entre la clase media baja americana ?
La respuesta la he encontrado al principio de esta gran película ( es maravilloso ver todo ese mundillo barriobajero y garrulo por dentro ) y para quien se lo pregunte, si señoras y señores, Aronofsky lo ha vuelto a hacer y mejor que nunca. Ha cogido un guión simplísimo, lo ha cargado de detalles y con la cámara en mano a lo Cristian Mungiu ha arreglado lo que podría ser el típico telefilme de cuatro de la tarde.

Siempre he dicho que los pequeños detalles son lo que hacen a las películas grandes, detalles como el ver a Annie Hall ( Diane Keaton para quien no lo sepa ) acostada en la esquina de su cama antes de decirle a Alvy Singer ( Woody Allen ) que le hecha de menos, los inútiles de Fellini gritando ¡¡¡ Laboratori !!! o uno mas actual ( por eso de la discusión del Joker ) que es ver al nuevo y difunto Joker pegarle un trago a la copa de champán no sin antes haberla vaciado ( grandioso ). Sólo pongo esos tres ejemplos porque sino me vuelvo loco y tenemos que crear detallesdecine.com.
El Luchador está llena de esos pequeños detalles que se escapan para la mayoría del espectador medio, como la conversación sobre el Call of Duty 4, el baile heavy ochentero con discusión incluida de a mi me gusta mas Guns and Roses y a mi mas los Motley Crue ( que pedazo de banda sonora, ¡¡¡ Hasta el Balls to the wall de Accept y el Don´t walk away de Firehouse !!! ) y el que más me ha gustado, quedarte mirando a una mujer mientras estás trabajando y que no exista nada más a tu alrededor en ese momento.

Entrando en el apartado de los actores, Mickey Rourke no ha estado así de bien desde El corazón del ángel, y Marissa Tomei ( eternamente criticada y no entiendo por qué ), aparte de tener los mejores 44 años que he visto yo en mi vida está en plena forma ( véase Antes que el diablo sepa que has muerto, la última obra maestra de Sidney Lumet y del cine negro americano ).

La historia en si, me ha parecido en cierta manera, como la propia vida real que ha tenido Mickey Rourke en estos últimos años. Pasotismo, borracheras, derroche, vejez, hambre … y dios sabrá que cosas más, hasta llegar el momento de decir basta y fundir la realidad con el cine, hay que escuchar el monólogo del final desde el propio corazón de Mickey Rourke en vez de escucharlo desde el de su alter ego Randy.

Ya sabéis, acordaos que los detalles son lo mas importante del cine ( recuerdo las uñas pintadas de Susan Hayward en Quiero vivir ), y la próxima vez que os pongáis a ver una película fijaos hasta en las chinchetas que tiene el protagonista clavadas en su habitación sin darles uso ninguno.

Volveré.

POSTDATA: No le han dado el oscar a Mickey Rourke ¿ O debería decir a su espalda ?

Fiel a mis costumbres, persigo a las cinco películas candidatas al oscar donde quiera que vayan. Hasta el día de hoy había visto “Milk”, insolentemente hagiográfica; “El curioso caso de Benjamin Button”, una revisión de “Big Fish” a lo Fincher y con extra de maquillaje para que quede más jugosa; y “Frost/Nixon”, convincente, simple y, para muchos, demasiado humana (o humanizadora). A falta de “Slumdog millionaire”, hoy le ha tocado a “The reader”, la última propuesta de Stephen Daldry (responsable de “Billy Elliot” y “Las horas”).

El argumento es relativamente simple. En el Berlín del sesenta y seis, Michael Berg (David Kross), un joven alemán de familia pudiente, entabla una relación sexual-afectivo -en ese orden- con Hannah Schmitz (Kate Winslet), posteriormente implicada en un proceso por haber pertenecido a la sección femenina de las SS en la Alemania nazi. Al pleito asistirá Michael en calidad de estudiante de Derecho distante ya, al menos aparentemente, de Hannah. Y hasta ahí puedo leer.

No sabría cómo empezar, es decir, que lo haré por el final: he salido del cine casi más frío de lo que entré, lo cual me lleva a pensar que, o me estoy muriendo por dentro a lo Chandler, o “The reader” tiene mucho de ejercicio rocambolesco de pseudoprofundidad introspectiva y no tanto de autenticidad. Porque, si hay algo que precisamente se echa en falta en lo último de Daldry es eso: la autenticidad y la verosimilitud. La relación entre Hannah y Michael está desdibujada. Durante la primera parte, las escenas de cama y un conjunto de frases tan resultonas como vacuas resultan presuntas encubridoras de la falta de capacidad para adentrarnos en las personalidades de los protagonistas. Esa carencia será crucial a la hora de seguir el resto de la película. Si el boceto aparece difuso, el conjunto será borroso.

Y así ocurre. La fase intermedia (universidad y juicio) es, casi sin lugar a dudas, innecesaria. Y los últimos intentos estertóricos del director para dar giros de guión que impacten emocionalmente al espectador llegan tarde, porque a esas alturas yo, por lo menos, ya no me lo creo.

Esto quedaría incompleto sin una alusión, siquiera somera, a las interpretaciones. Tan somera que me dará sólo para hablar de Kate Winslet, a la que todos toman por demostración palpable de la teoría de la evolución de las actrices. Kate no pierde la oportunidad de mostrar su registro más oscuro, pero, muy probablemente debido a la planicie psicológica del personaje, no llega a conmover. No la culpo. Veremos cómo sigue.

A Daldry, aprobado por los pelos. “Billy Elliot” me divirtió y emocionó; “Las horas” me convenció de que podía bastante más que divertir y emocionar. “The reader” le ha hecho retroceder una casilla y le ha valido la candidatura. Allá él.

Siempre he tenido en la cabeza a Philip Seymour Hoffman como el secundario por excelencia, junto con William H. Macy. Hablaba de él a conocidos y a desconocidos, con lo difícil que es pronunciar su nombre. El noventa por ciento de los encuestados reconocían no ponerle cara ni demás partes del cuerpo y yo sentía desolación. El Oscar por “Capote” (Bennett Miller, 2005) redujo el porcentaje al ochenta y cinco por ciento. Lástima, porque yo sigo en mis trece, y Hoffman lo ratifica a cada película que hace.

De Meryl Streep para qué hablar. Es tan buena que no hace falta sobrevalorarla, y además tiene un bagaje a sus espaldas que la acredita de sobra como una de las grandes.

Ambos dos protagonizan la última propuesta de John Patrick Shanley, “La duda”, que por lo pronto ya aparece cinco veces en las candidaturas de los oscars de este año, y casi se cuela de rondón en la de mejor película y mejor director según apuntaban las últimas quinielas. Al final nos quedamos con mejor actor principal, mejor actriz principal, mejores actrices secundarias y mejor guión adaptado.

La trama se desarrolla en el colegio católico de San Nicolás, sito en el Bronx, en el año 1964. Soplan aires de cambio en la Iglesia católica (no está de más recordar que el Vaticano II había comenzado en 1962 para concluir en 1965), y la hermana Aloysius (Meryl Streep), madre superiora, férrea, rígida y anclada en Trento, cuanto menos, recela del capellán del colegio, padre Flynn (Seymour Hoffman), al que considera poco menos que revolucionario. Será una tercera en discordia, la hermana James (Amy Adams), inexperta y un tanto perdida, la que prenda la mecha: basta un comentario sobre las “atenciones especiales” que el sacerdote prodiga a Donald Miller, el primer y único niño negro del colegio. Poco más se puede añadir sin spoilear indiscriminadamente. Dudas, testimonios, escaramuzas, comentarios, miradas y sospechas entretejen una trama que va adquiriendo mayor carga de tensión conforme avanza el metraje.

La (presunta) pederastia, al estrado en la gran pantalla sin recursos fáciles a lo truculento. Una historia sólidamente construida sobre los dos protagonistas y las dos secundarias (Amy Adams llega en ocasiones incluso a solaparlos en algún ménage à trois en el que Meryl y Philip acusan un poquito de histrionismo de más; y Viola Davis, que encarna a la madre de Donald, opta a una estatuilla con tan sólo diez minutos en escena). No hace falta más. El carácter teatral de la cinta queda patente en el rodaje mayoritario en interiores, con recurrentes planos oblicuos que facilitan la sensación de desasosiego en el espectador.

Como ocurre con la que es, a mi modo de ver, gran precursora de este subgénero del cine dramático, “La calumnia” (William Wyler, 1962), no son necesarios los fuegos de artificio para mantener la atención y dejarnos pegados al asiento durante la hora y media larga de duda constante. Duda que, dejando a salvo algunos detalles menores, no ha lugar en este contexto si hablamos de calidad y de buen cine.