Vladimir Brontis

Estructuras alámbricas

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 16 Feb 2026 11:05:00 +0000

Los cubos de la arquitectura moderna son sencillos, son una decisión de principios, ideológica: entender una geometría, y superponerla al clima. Pero tanto el clima como otros requerimientos y condiciones llevan a una complejidad, explícita o implícita.
Hay gente que no abstrae tanto, y se adapta al medio, lo más posible. Hay gente que construye por partes, en forma más bien orgánica. Las formas geométricas les son indiferentes, y priorizan el hábitat.
Incluso en una forma pura es importante entender sus componentes. Sus propiedades pueden dar lugar a nexos o conectores. Los incrustes que hacen fuelle, y posibilitan adaptación. Vale decir, decisiones sobre potencialidades, en lugar de decidir al azar.
Ver en transparencia, ver un armazón, un esqueleto, de alguna forma va a decir dónde está colocada cada cosa. Hace entender la correspondencia de los elementos.

En torno a ver un esqueleto, comprender intersecciones vitales, y tener dominio sobre las partes de los proyectos, para posteriormente ser modificados, o servir de referentes, hago maquetas alámbricas de los últimos. La idea es hacerlo muy simple, y complejizarlo. Arriba: forma básica del techo. Abajo: techo con lucarnas.

Pensando ejemplos con piezas metálicas articuladas, el Crystal Palace fue un primer paradigma constructivo, y un ícono histórico, surgido en plena Revolución Industrial, en el Londres de 1851. Toma en su inherencia los avances tecnológicos, y la aparición de nuevos materiales. El hierro fundido, duradero, maleable, gana popularidad en proyectos industriales. Su capacidad para moldearse en formas intrincadas, y resistencia, lo hicieron apto para grandes escalas. De igual manera, el vidrio, antes frágil y caro, se vuelve asequible y fácil de fabricar.

El hierro modulado, reticulado, dota al edificio de una estructura robusta, resistente, que puede moldearse en componentes complejos y detallados, como columnas, vigas y arcos, para sostener las láminas de vidrio.
https://www.detailsinsection.org/?projects=crystal-palace

En su modularidad, la estructura se monta con elementos hechos en fábrica, para su ensamble in situ. Estrategia que acelera la construcción y minimiza la necesidad de expertos en obra. Así podía ser desarmado y ensamblado en un sitio diferente, como cuando el Crystal Palace fue trasladado a otro emplazamiento, Sydenham Hill, en 1854.

Arriba: la transparencia como partido de un proyecto, y su soportante, el fierro forjado. El sostenedor y nexo de esta nueva cualidad.

Teseracto, y proyección contemporánea de formas
“Lo estoy transmitiendo en todas las longitudes de onda, Cooper, pero no sale nada”. Tars (“Interestellar”)

Pensé en esta parte escribir algo terrorífico, o desconcertante, en medio de mis estudios de estructuras, para asustar a la gente. Pero al final tal vez también tiene que ver con el tema de articular.

Humildemente, soy de las personas que no entienden por qué “Podemos” no crece en España, por ejemplo. Y se vuelve fuerte, en cambio, “Vox”. Irritante. Repaso las noticias con ansiedad, esperando algo. Veo a Mélenchon como fuerza importante en Francia, con esperanza. No sé por qué no pasa eso con Artés o con Bregman acá en el cono sur. Tercera fuerza, no cuarto o quinto puesto. 5% en Argentina. En Chile deben ser solo unos 300.000. Hay un meme donde aparecen como “Leónidas”, me causa gracia. Me gusta Sanders, en EEUU. Es una paradoja, porque siendo una persona mayor tiene un electorado muy joven. Algo que dé esperanza, no un mundo que se vuelve viejo.
No lo sé, no quiero estar recordando siempre aquello de “mis palabras no tienen amargura sino decepción”. Me quedo con los sueños del presidente Allende, las grandes alamedas.
Previo a un cambio de mando, 11 de marzo en Chile, que no le gusta a la mayoría de la gente de la cultura, tal vez este tiempo es de aguantar, y debemos concentrarnos en nuestros proyectos.

Recordé la película IO, donde el visitante busca al Dr. Walden, pero la protagonista le explica que lo que escuchaba es solo su “protocolo”, sus grabaciones, que ha fallecido.

Me llama la atención la “gráfica” del teseracto, que para uno es más bien simple. Algo que se puede dibujar, y recordar. Casi evoca un sólido en sí mismo. Carl Sagan explicaba esta forma con trazas de manzana, con un “estampado” de la fruta en las dos dimensiones del plano.
Pasar del cubo al teseracto debe ser similar: una huella. Se suele llamar hipercubo así a la proyección 3D del mismo objeto tetradimensional, una forma 4D donde cada cara es un cubo, como la marca de manzana de otra forma.

Sueño de una noche de verano
En torno a un periodo de vacaciones y verano, por estos lugares, pensé en esta ocasión escribir algo más artístico, como el posteo “Volvelle”, más relajado. En cuanto a articulaciones pienso construcciones livianas, como las casi precarias de la UCV, en la “Casa de los Nombres” (1992), donde aparecen elementos reticulados, y una unión de materialidades. Ese proyecto en particular tiene un tema con el esqueleto, con el vestigio. Módulos efímeros en torno a una forma de sujeción, que queda como huella permanente.
Las esculturas de Theo Jansen, con encuentros meticulosos, en movimiento, por otra parte, pueden ser ejemplo de arte cinético. Es sorprendente su serie de formas orgánicas, moviéndose y avanzando con el fondo de playa, llevando al extremo lo efímero.

Evoca los autómatas, populares en el siglo XIX, como primeros robots articulados. Da Vinci también los hacía, adelantándose ya en el siglo XV (aproximadamente 1495), a través de engranajes, poleas y cables.

Volviendo a la arquitectura, es también interesante la idea de “desvestir” o “develar” una conexión en el proyecto, mostrando su solución estructural.

John Lautner, arquitecto discípulo, e influenciado por Frank Lloyd Wright, diseñó la casa Jacobsen en 1947. Se destacan en la obra los elementos de apoyo de acero, de aspecto mecánico, que sostienen el techo hexagonal. En general, en sus proyectos se mezclan elementos de armazón, estructurales, con partes opacas y sólidas, con una interesante fisonomía orgánica.

Walstrom Residence, obra de John Lautner, en Los Angeles, California (1969), otro ejemplo que lo lleva a ser reconocido por develar estructuras audaces, que integran hormigón, madera y vidrio con el paisaje.

Techo de patio central, en proyecto de locales comerciales. Modelo en alambres, propio.

Estudio reticulados de cubiertas de mis proyectos recientes. Me he dado cuenta de que en los últimos años me he basado preferentemente en estructuras metálicas, ya sea de perfiles de acero, o galvanizado, Metalcon. Las lucarnas de los últimos dos, y el patio central de los locales comerciales, de 2024-2025, con un cuerpo traslúcido, de vidrio templado, formado por cinco cerchas (arriba).

En principio empecé estos modelos, durante este verano, para resolver detalles de estructuras, y ver posibilidades de variaciones. También de modulación. Creo que convertiré estos estudios en maqueta, vistiéndolas un poco, probando opacidad, aprovechando su estado de abstracción.
En cuanto a los caminos sociales, por último, y al momento que vivimos, seguir adelante, con ánimo. Sin olvidar, en este empuje, las preocupaciones sociales por los más necesitados. Ayudar y apoyar donde se pueda. A por ello, como dicen los españoles.

Tosquedad: centímetros y milímetros

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 15 Dec 2025 19:25:00 +0000

Me llamaba la atención por qué las casas reconstruidas de Gropius, en 2014, parecían borrosas. Y es porque no se conocen sus detalles exactos: destruidas en la Segunda Guerra, están recreadas, reinterpretadas. Fue un proyecto que apareció en artículos de sitios de arquitectura en ese momento, causando cierta polémica, por su vaguedad. Pertenece a BFM Architekten (Bruno Fioretti Márquez Arquitectos), y restaura el proyecto original, de 1925-1926. ¿Hasta dónde se reconstruye una memoria? Porque reinterpretar a veces podría desnaturalizar, hacer perder la esencia original, si no se es fiel al partido que gestó la obra, o a su espíritu.
Los griegos antiguos, para vivir, exaltaban una luz, un hálito, que se enciende en determinado momento, como un personaje que aparece en una obra. A todos les llega su momento, de portar la luz, de exponer su parlamento, de ahí su importancia. Luego por qué encender la luz en otro momento, y con otro sentido.
Llaman la atención luego reconstrucciones que son exactamente iguales al proyecto original, que parece que fueran aquel, como si no hubiera pasado nada. Como si fueran la misma mano que lo generó, como si fueran la obra genuina.
Links de interés:
https://www.metalocus.es/es/noticias/minimalista-reinterpretacion-de-las-casas-de-w-gropius-por-bfm
https://www.aryse.org/las-casas-de-los-maestros-de-walter-gopius-en-dessau-restauradas-reinterpretadas/
El proyecto de BFM (arriba, en un croquis propio), sigue el partido general de volúmenes incrustados (abajo, fotografía de la casa original, 1926), pero reduce su diseño minimalista aún más, cubriendo las fachadas con un hormigón de color gris claro, produciendo que las ventanas, opacas, sean otro elemento del plano, así da lugar a una elevación exterior que parece indeterminada, confusa, mientras desde el interior lo que se percibe son siluetas grises.

La mayoría de los detalles de la vivienda original (arriba) se omiten – como las barandas metálicas – transformando los edificios en esculturas de color gris, sin escala. Idea de sustracción que continúa internamente, donde paredes y techos originales se replantean, creando otra distribución, que incorpora terrazas y balcones donde había piezas, y deja hendiduras de marcas en muros y cielos. BFM produce un edificio que parece un boceto, así, en lugar de regresar a un estado histórico específico, la restauración todavía parece estar cambiando, en oscilación permanente.
A la vez, y con versatilidad, el diseño soluciona uno de los temas principales del requerimiento: albergar eventos y exposiciones. Mientras las pequeñas habitaciones del proyecto, residencial, no bastaban para el programa, ahora los nuevos espacios ofrecen flexibilidad para ese uso.

Reinterpretación
"A veces unos pájaros, un caballo, han salvado las ruinas de un anfiteatro", como decía Borges: la gente tiende a olvidar grandes bloques de información, que a veces pueden volver por un “nexo”, o por un detalle. “La cara del poeta Ernesto Morroni”, como decía también Cortázar, a propósito de recordar lo insostentoso, lo perecido, como un par de zapatos, de los cuales se aferran bloques grandes de conocimiento, y de vivencias. En Andrés Sabella, unas botas mineras recuerdan “viejos soles”, traen lugares, territorios idos.
La gente a veces se acuerda de algo terrible, que pasó, que vio, o que incluso hizo. Cómo serviría aquello en Latinoamérica, para despertar a varios. Así es como se resuelven los casos policiales, de hecho, por detalles subrepticios. Personalmente a mí no me gusta mucho esa parte de Jorge Luis Borges, que ofrece esa especie de “amnesia” literaria, poco activa, que no sé por qué admiran varios críticos, y lectores. De nivel notable, no hay duda, pero ahí está su límite: no me parece superior a Pablo Neruda, como propuesta. “Tenga cuidado con ser contemplativo”, como nos decía Hernán Riesco, profesor de arquitectura. “Qué hiciste con tu vida”, tal vez alguien nos pregunte al partir.

Tipos de rehabilitación en arquitectura
En arquitectura, la rehabilitación de un edificio deteriorado, o su reconstrucción, va desde la reparación o conservación mínima, hasta la recreación casi total.
En cuanto a materialidad, puede tratarse solamente de proteger o reparar elementos dañados, reponer piezas perdidas, o bien reestructurar por completo el inmueble, o incluso edificarlo de nuevo.
En cuanto a decisión histórica, puede tratarse de volverlo a hacer idéntico, o bien reinterpretarlo, de forma moderna o contemporánea o, como el ejemplo citado al inicio, atemporal.
Por último, funcionalmente puede volver a tener el mismo uso, o bien ser readecuado, para cumplir otra actividad.
El arquitecto Ricardo Bofill y su equipo colaborador, en torno a este último punto, entre 1973 y 1975, encuentran y transforman una fábrica de cemento abandonada, de principios de siglo, con silos subterráneos, galerías y salas de máquinas, en la sede de su Taller de Arquitectura. Arriba: mesa de reuniones, directamente debajo de los silos. Abajo: vista exterior. Entre sus proyectos, es llamado “La Fábrica”, e implicó demoliciones parciales, limpieza y retiro de estructuras peligrosas, para revelar el esqueleto principal. De todas formas, el espíritu de la fábrica, y su tosquedad, permanecen, con rastros de actividades todavía presentes en el hormigón: “lo surrealista y lo romántico conviven con lo crudo y lo pragmático”, señala la firma, en su explicación.
A su vez, al acercarse al límite entre la estructura industrial y lo natural del emplazamiento, el entorno es transformado en jardines, árboles, y enredaderas que penetran el interior, conectando ambas instancias. Para la firma, "los jardines reflejan el lenguaje arquitectónico con un diseño aparentemente salvaje pero intencional, que hace que la estructura parezca una ruina de la antigüedad".
Links de interés:
https://www.arquitecturaydiseno.es/arquitectura/fabrica-ricardo-bofill_12767
https://www.archdaily.cl/cl/1012991/la-nueva-vida-de-la-arquitectura-industrial-en-las-ciudades-20-renovaciones-y-reconversiones-de-antiguas-fabricas-y-naves-industriales

El gran gesto
A veces no se necesita tanto detalle para generar algo, sino un gran gesto. Este es el tema en el que he estado pensando estos días, y que me ha interesado abordar también en el presente posteo.
Cómo falta recuperar la “brazada” en estos años, más que el pormenor. Al concebir, nos aproximamos a las cosas en forma tosca, necesariamente. Las líneas son gruesas, se repasan, se vuelven a aplicar, a superponer. Rayamos, sin saber qué va a pasar. Solo intuyendo. Con vehemencia por definir, en medio de trazos auxiliares, aproximándose, buscando medida, buscando que aparezca la idea fuerza, la generatriz.

Cuando importa el milímetro, y cuando importa el centímetro
Cuando un arquitecto estuvo toda la tarde en una fachada, y le pidieron un proyecto completo, tal vez por ahí no va. Entonces lo que le están pidiendo en el fondo es esquematizar, volver un poco burdas las siluetas, por ejemplo, y lanzar con fuerza el partido general. Generar decisiones con plumón grueso, y de alguna forma volcarlas en una entrega, comprensible.

Los problemas inmediatos, de sobrevivencia o emergencia, nos aproximan a la brazada, a lo más importante, a lo primero que se recoge, ante las crisis, ante los desafíos. Sería bueno incorporar luego la fuerza de los jóvenes estudiantes de arquitectura, a la vivienda social, o a la arquitectura económica, precaria, por ejemplo, en los sectores que necesiten una intervención, ante el deterioro.

La escala, por otro lado, indicará si es importante el centímetro o el milímetro. También la materialidad.
El milímetro importará en construcciones metálicas pero menos en piedras a la compresión, por ejemplo, que actúan como bloque. Cavamos para hacer una excavación, pero los bordes son imprecisos. El parámetro importante es la profundidad, más que el milímetro de ancho y largo. Una palada no es lineal, es el esfuerzo de los brazos: la huella de tierra que queda rugosa.

Hasta dónde llega un proyecto, finalmente. Y se transforma en otra cosa. Cuando decimos “el que mucho abarca poco aprieta” qué recogemos, qué nos es importante. Qué asimos.
En zonas no constituidas, o en deterioro, o que no suelen tomarse en cuenta en las planificaciones, se vuelven estos esfuerzos necesarios. Se agradece este impulso, esta brazada de emergencia. Como ayuda, rehabilitadora.
El mejor aporte, a mi juicio, es traer un tipo de generación replicable. Una solución constructiva, una buena geometría, ayudan.

Lucarnas

En el artículo anterior me refería a un proyecto de reconstrucción, que el autor, la oficina Pedro Larraín Arquitectos (2016), llama reconversión, para transformar el proyecto original de industrias Sumar, de Oreste Depetris, en un paseo comercial, llamado La Fábrica Patio Outlet, en San Joaquín, Santiago de Chile. Luego, abordaba el tema de las cubiertas, partiendo de ese caso particular.
La reconversión en arquitectura es la adaptación de edificios existentes para nuevos usos: fábricas en viviendas, centros culturales, o comerciales, como en este caso, una reutilización.
En cuanto a mis últimas actividades, he estado desarrollando la remodelación de parte de un colegio, y diseñando un jardín infantil, por otro lado. Procurando responder rápido, han salido ambos proyectos con elementos familiares, similares.

Arriba: croquis para lucarnas de colegio (comuna de Pedro Aguirre Cerda), 2025, parte de la remodelación.

En cuanto al jardín infantil, también se procura aplicar esta idea constructiva en las techumbres, aprendiendo de la construcción con piezas de acero galvanizado, casi como un mecano. Eso me interesa, como una solución factible de aplicar.

Jardín infantil, vista poniente, volumétrica y lineal (arriba). Jardín infantil, esquema desde el acceso (abajo).

Hice asimismo los planos de cálculo de ambos proyectos, y procuro que los apoyos de las lucarnas descansen bien. Que coincida arquitectura con estructura.

Subyace así un doble tema. Por una parte reconstituir, volver al total partiendo del fragmento, que es otra imagen que se me aparece. Pensando en lo que expresaba el escritor Amos Oz, en “Una historia de amor y oscuridad”, reconstruir memoria. “Recordar es como tratar de reconstruir un viejo edificio con las piedras de sus ruinas, y las piedras tienen memoria”.

Y a la vez procurar lanzar el trazo primario, que vaya que hace falta.

Techumbres

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 27 Oct 2025 09:22:00 +0000

Hay un capítulo, del programa City Tour, dedicado a las industrias Sumar. Actualmente, alberga un paseo de tiendas comerciales, llamado La Fábrica Patio Outlet San Joaquín. La he visitado y tiene una Librería Lápiz López, bastante bien provista. Si no hay madera de balsa, materiales de maqueta, o de pintura en otras sucursales, se encuentra ahí. Además, es agradable, porque no es muy concurrido.
La Fábrica Patio Outlet es un proyecto de reconversión, de rescate del patrimonio de las antiguas Manufacturas Sumar, en la comuna de San Joaquín, Santiago de Chile. En una primera etapa, consideró 25.000 m2 de tiendas, tipo Outlet, o mall de liquidaciones, un Patio de Comidas y Salas de Cine. El proyecto completo contempla 85.000 m2, para programas de servicios, entretenimientos, oficinas y viviendas. Arriba y abajo: croquis propios.

Se supone que el master plan, de las futuras etapas, según una noticia de alrededor de 2019, está siendo desarrollado por el prestigioso estudio británico Foster and Partners. Aun no se ha construido, siendo que estaba programado para 2020, y luego 2022.
Pues bien, lo sorprendente es que el proyecto original, la industria textil para la familia árabe Sumar, data de 1942, y es obra del arquitecto Oreste Depetris (1911-1998), cuyas obras son un tema en sí mismo. La fábrica muestra una atractiva modernidad, y es muy interesante su solución de iluminación y ventilación. El arquitecto Federico Sánchez, en su visita, cree ver algo de la arquitectura árabe aplicada.

Respecto a la convección
Son un vasto tema los sistemas de ventilación pasiva, a propósito de esta obra, y con los actuales calores han cobrado valor. Además, en las zonas áridas, han sobrevivido desde antiguo culturas y civilizaciones bajo temperaturas extremas, y grandes diferencias entre día y noche.

Arriba: esquema de convección simple, donde el aire cálido asciende, y el fresco, más pesado, baja. Aquello es porque al calentarse, las moléculas se mueven más rápido y separan, ocupando más volumen, lo que hace que una misma cantidad de aire caliente pese menos que el frío.

Parece interesante luego recordar algunos conceptos, que forman parte de la arquitectura desde antiguo, para adaptarse a climas poco hóspitos. Conceptos como “badgir”, “qanat” y “yakhchal”. Ideas del medio oriente, de la cultura árabe y persa (actual Irán). Un badgir es un captador de viento, una torre que por su forma y orientación captura el aire exterior, pudiendo estar solo, o combinarse con un qanat (túnel subterráneo de agua), forzando al aire a circular por un recorrido que genera refrigeración, utilizando la evaporación y la conducción de calor. El qanat lleva agua fresca desde abajo de la tierra, que se humedece en el badgir, o en los conductos de aire. Este proceso enfría el aire que luego fluye por los recintos, y a veces los qanats también se usan para refrigerar o almacenar agua para consumir.
La diferencia de temperatura, a su vez, entre interior y exterior, crea una corriente, que sale por la parte superior del badgir, manteniendo los interiores ventilados.

Arriba: sistema combinado, de torre y túnel de agua.

El refrigerador persa, llamado "yakhchal", por su parte, debe ser uno de los dispositivos más sofisticados de la antigüedad, conocidos en Irán antes de Cristo, para la producción de hielo. El link inferior describe su funcionamiento.
https://es.wikipedia.org/wiki/Yakhchal
https://ecohabitar.org/fabricando-hielo-en-el-desierto-la-tecnica-de-hace-2500-anos/

Arriba: diagrama de un refrigerador casero, sin electricidad.

A escala familiar, este dispositivo puede resultar una interesante idea, para aplicar en la cotidianeidad. Así como sirve saber hacer fuego, para hervir agua, también es bueno saber mantenerla fría, como método de supervivencia, conservando por más tiempo los alimentos. Información muy útil.
https://es.wikipedia.org/wiki/Refrigerador_de_dos_vasijas
El método a groso modo consiste en dos vasijas, concéntricas, una dentro de otra, y el espacio entre ambas se rellena con arena húmeda. Cubriéndola con un paño húmedo, la vasija interior puede preservar los alimentos.

En el proyecto de La Fábrica, volviendo a la arquitectura y al ejemplo, la ventilación superior se enriquece con la ventilación cruzada, así en los espacios comunes no es necesario el aire acondicionado.
La remodelación, de 2016, que transforma los edificios en tiendas, y mantiene la mayor parte de los aportes de su arquitectura, es obra de Pedro Larraín Arquitectos, con la colaboración de Alonso Balaguer Arquitectos. Abajo: fotos de su construcción.

En cuanto a lo que se preserva, en las fotografías, es muy distintivo el shed o techo continuo industrial, de aspecto curvo. Es como su ícono, o símbolo, rasgo que también mantiene el proyecto de Norman Foster.

Con respecto al master plan, con residencias, del que hay imágenes renderizadas en internet, seguramente ha demorado por la pandemia, y los múltiples encargos internacionales de Foster and Partners, basados en diseños corporativos, aunque con escaso conocimiento del lugar. Bueno, se entenderá que Foster no es mi favorito para un proyecto en una zona popular de Chile, pero es un impulso de renovación, y una mano talentosa, que trae el respaldo de algo serio. Aquello es de valor, antes que proponer algo banal.
Sin embargo, es como si una superestrella completara el proyecto de un artista de culto, o alternativo, para algunos espectacular, pero para otros algo esperable, que quita el ingrediente alternativo.
Personalmente, me quedo con las formas icónicas de la antigua fábrica textil, su techo o shed curvo, y el emblemático reloj central.

Arriba: edificios de siete pisos, según las ilustraciones, y madera laminada en el sector de la industria. Las vistas exteriores, de la calle, son atractivas.

Abajo: croquis propio.

Croquis lineal.

El “nuevo Chile”
Sobre esto es lo que quería reflexionar un poco. En su recuento histórico, en el programa de televisión se omite el periodo de la Unidad Popular. Llama la atención que se recalca varias veces el concepto de “nuevo Chile”. Un “nuevo Chile”, que a uno no le gusta.
Quiero volver a enfocarme luego en la arquitectura, de todas formas. Al respecto, se puede mencionar lo lejos que la izquierda chilena está de la arquitectura, o lo poco que le interesa. Debí escuchar mejor a Raúl Irarrázabal, por ejemplo, en su curso de urbanismo, cuando proponía nodos, en cruces estratégicos de la periferia de Santiago. Una idea que después aplicaría en mi proyecto de título, por eso para uno no es un recuerdo menor. Me lo aprobó, pero después dijo “está bien, pero a ellos no les interesan esos temas”. Lo recuerdo claro.

Solo menciono a continuación dos hechos, ocurridos en La Fábrica, y su entorno:
La resistencia, que duró hasta el atardecer del 11 de septiembre, con Allende ya fallecido.
Y la feroz represión, ya establecido el gobierno de Pinochet.
Dos links:
https://elporteno.cl/septiembre-de-1973-el-combate-en-indumet-sumar-y-la-legua/
https://www.ciperchile.cl/2012/09/11/la-inteligencia-militar-en-la-industria-sumar-nylon-s-a-el-11-de-septiembre-de-1973/

Fotografía de la represión en el cordón industrial (La Legua).

Septiembre de 1973: la resistencia en INDUMET, SUMAR y La Legua
Con respecto a lo primero, hablar de la resistencia en Sumar refiere la lucha que los obreros llevan a cabo contra las fuerzas golpistas, en la medida de sus escasas posibilidades, el 11 de septiembre de 1973. Después de confirmarse el alzamiento, se organizan para resistir, dadas las circunstancias en forma armada. Las fuerzas golpistas ya habían allanado la planta, el 7 de septiembre, y ante la confirmación del golpe, los obreros se organizan para defenderse, y deciden permanecer en la fábrica.
Durante el enfrentamiento, los trabajadores disparan desde los techos contra un helicóptero Puma, logrando repeler el ataque y derrotar a las tropas en su comuna.
Como consecuencia, sin embargo, el presidente del sindicato, Roberto Robles, fallecería. La lucha de los trabajadores se considera un ejemplo de resistencia popular y obrera frente a la dictadura que se instaura ese día.

A punto de volver una derecha pinochetista, en estas elecciones, de 2025, me parece necesario hacer este recuerdo, porque los medios nos muestran que todo es etéreo, todo es inocuo. Y no es lo mismo, como bien dice Boric.

El primer link, arriba, incluye un relato. A las 09:45 horas, la resistencia se congrega, cerca de Lo Valledor, hasta donde llega Carlos Altamirano, y da la orden de combatir. No contaban en ningún caso con la cantidad de armas para alterar los acontecimientos: el plan era reunir fuerza en la zona sur, con base en los cordones industriales. Luego, marchar al centro para apoyar la defensa de La Moneda y, eventualmente, rescatar al Presidente para iniciar la resistencia. En Sumar, esperaban los obreros, y cerca de las 10:30 la fábrica había sido visitada, dejándoles unas 20 metralletas y unas cuantas armas cortas.
En el Palacio de La Moneda, Domingo Blanco, Jaime Sotelo, Ricardo Pincheira, Eduardo Paredes y otros combatientes, sin embargo, caerían en manos de los golpistas.

Represalia, soplonaje, y muerte de personas
La represalia contra quienes resistieron fue brutal. La población La Legua fue allanada y detuvieron a gran número de personas, alrededor de 400, siendo trasladadas a la Base del Bosque de la Fuerza Aérea y luego al Estadio Nacional, según “El Golpe en La Legua” (Mario Garcés, Sebastián Leiva). El Informe de la Comisión Nacional de Verdad y Reconciliación registra 43 ejecutados y nueve detenidos desaparecidos: es decir, un total de 52 víctimas.
En Indumet fueron detenidas personas, incluyendo detenidos desaparecidos. El joven ingeniero Manuel Ojeda Disselkoen, que perteneció al GAP, fue atrapado herido por carabineros, siendo asesinado tras horribles torturas. En Sumar, hubo reiterados allanamientos, existiendo constancia de tres víctimas, una mujer y dos hombres, sacados de la fábrica el 23 de septiembre y luego ejecutados.
En los años siguientes, durante la persecución de la DINA a la dirección del PC, uno de los fundamentos del furor represivo fue, precisamente, la resistencia de los cordones industriales.
En el segundo link, se narra el fenómeno del “sapo”, del espía. Esa inocencia “feroz” con la que uno se encuentra en la izquierda chilena, bastante mayor que la de otros países. Los soplones, personajes detestables, claro. Se quedaron en el imaginario popular de los hechos de 1973.

Titular de La Tercera, por los hechos del 7 de septiembre de 1973.

El “nuevo Chile” de Roberto Robles
“Solo el que se atreve, aprende”, es una frase que se le recuerda al dirigente Roberto Robles, de la Industria Sumar. De pasado marino, una lesión en una pierna, lo llevó a hacerse mecánico de las máquinas de telares, convirtiéndose en líder destacado, que “hablaba con pasión del nuevo Chile que debíamos construir”, según el texto.
https://elporteno.cl/resistencia-el-11-de-septiembre-de-1973-solo-el-que-se-atreve-aprende-a-volar/
https://interactivos.museodelamemoria.cl/victims/?p=648
Meritorio y heroico, más por la voluntad que por el efecto real, lo que nos queda en la historia es lo que está registrado, y es indesmentible. Asesinatos, listas de desaparecidos. Lo que queda es la constancia de los hechos, que no tiene la derecha. Si bien la mitomanía es un mal compartido por izquierda y derecha, alguien lo vio, alguien lo recuerda. Es real. Yo no me olvido de Allende.

Volviendo al tema de la arquitectura, pensando en una escala de tiempo mayor, pienso en el carácter de una fundación arquitectónica. En el Palacio de La Moneda (1805-1929), de Santiago de Chile, se acuñaban monedas. Su nombre queda marcado por una función fabril.
Ante la ausencia de referentes, como las voluntades que comunica el ordenamiento mayor de los Virreinatos, Alejandro Aravena dice que “Chile podría ser un país libre de arquitectura”. Además del origen, casi de espacio en blanco en el mapa colonial, creo que también el componente social, desarticulado, es un factor que hace que haya “poca arquitectura”, o “arquitectura frágil”. Podría pensarse luego qué nos une. Yo veo en la arquitectura de Chile algo funcional. El origen de La Moneda me parece bien, y simbólico. No hay nada peor que los falsos reinos, y es interesante la idea de una gran industria.
Salvaría eso.

El tema de las techumbres, conclusiones y proyectos propios
Volviendo al título de este texto, y procurando rematar con mis propias experiencias, en esta ocasión me puse a pensar en un tema práctico, útil de aplicar, pero no por eso menos vasto, que es la mejor solución de techumbre posible para cada requerimiento. Pensé, mientras trabajaba en mis proyectos, que a alguien se le debería ocurrir un “Neufert” de techos. Un compendio o guía a aplicar, con parámetros modificables, como orientación, clima, luces a cubrir. Debería existir una aplicación, e ignoro si los estudiantes ya conocen o aplican una.

La Villa Savoye, de Le Corbusier, es el paradigma del techo plano. Afirmar, sin embargo, que "un techo nunca es plano" es correcto, ya que incluso en tal caso existe una pendiente mínima para el drenaje de agua, evitando así la acumulación y las filtraciones. Pendiente usualmente de 2% a 16,7%, lo que significa que no son perfectamente horizontales, pero están diseñados con una inclinación muy sutil. Requieren impermeabilización especializada para mantener la estanqueidad, ya que el agua fluye más lento. A menudo se asocian con diseños arquitectónicos modernos, y son populares en edificios comerciales e industriales.

Tanto buscando utilidad, como expresión, al generar una lucarna surge la pregunta de cómo lo haces, si dejas el muro o haces el techo (ilustración superior).

Robert A.M. Stern es un interesante arquitecto, si se buscan soluciones de hoyas y limahoyas. Como inspiración se puede hojear un libro con sus casas: de alguna forma ahí hay una guía, didáctica, y de hecho, entretenida, de frontones, dobles alturas, órdenes, construidas en la modernidad, y que recuerdan al Renacimiento. Sus casas pueden ser ese compendio, ese “Neufert de techos”, que busca un estudiante.

Conclusiones y aplicaciones
La primera noción que se tiene de la arquitectura es la necesidad de techo. Guarecerse. En la arquitectura contemporánea hay una decisión permanente sobre el "techo plano", y a menudo eso implica decidir si se continúa el muro, y hay techumbre detrás (producir un volumen), o se genera un hastial, o triángulo de remate. Pero luego nos damos cuenta de que son remates, expresiones, y lo importante es que el interior no se llueva. ¿Cuál es la lucarna más afortunada? La que aporta más luz y ventilación. Por mientras, aprendo a diseñarlas, en piezas de metalcon, hasta el nivel de detalle. He estado diseñando proyectos de colegios, de los cuales también soy calculista (abajo, diseño de cercha), espero tener más avances, en próximos posteos.

Después de estos estudios de techos, vuelvo a pensar de todas formas cómo sería este compendio, racionalizado. Centrándolo en su utilidad, algo que sirva, y aporte, que tal vez es el tema subyacente de este texto.

Arriba: Monumento a Salvador Allende, cerca de La Fábrica: el verdadero legado del nuevo Chile. Por un nuevo Chile de verdad.

Capilaridad

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 04 Aug 2025 11:28:00 +0000

La capilaridad es un fenómeno que se produce en diversos cuerpos y materiales, entre ellos el papel y el hormigón. En los suelos, es crucial, para la absorción de agua por las raíces de las plantas, y transporte de humedad.
En el papel, las fibras operan como pequeños capilares, permitiendo que el agua se desplace por su estructura. En las acuarelas, lleva los pigmentos, acción que produce efectos intencionados, como combinación de colores, difuminado de contornos y texturas.

El término “capilar” puede entenderse como tubo o conducto: muy estrecho, como cabello. Desplazamiento que se manifiesta tanto en organismos vivos, como en objetos inertes.
En los primeros, cada uno de los vasos (conductos) muy finos, enlazan las circulaciones arterial y venosa, formando redes. Así las venas, a medida que se acercan a los órganos y tejidos, se dividen en vasos más pequeños llamados vénulas. Las vénulas, a su vez, se conectan con capilares, que son vasos sanguíneos extremadamente delgados donde se produce el intercambio de oxígeno, nutrientes y desechos metabólicos entre la sangre y las células.

Es posible la asociación con los tipos de vialidad, en las ciudades: vía expresa, troncal, colectora, de servicio, y local, permite comprender el orden urbano. Algo que Le Corbusier procura llevar a efecto en la ciudad de Chandigarh, por ejemplo, haciendo una asociación explícita con el cuerpo humano. Arriba: Perspectiva de Chandigarh (Le Corbusier, 1951-1965), croquis propio en papel fabriano, donde la “cabeza” está en el Complejo del Capitolio (volumen con la cubierta arqueada, atrás). Llama la atención el uso de rojo ladrillo y verde bosque (colores terrosos), en este caso en el pasillo corredor de las viviendas, que se ve en el croquis, sobre el aparcamiento, y tras los óvalos de la fachada.

De esta forma, la capilaridad en el papel absorbente, especial para pintar acuarela, es la capacidad para asimilar y distribuir agua y tintura, lo que permite diversos efectos y texturas. Pensé en la idea de empape, que hace exudar la tinta del cauce, la imagen de algo que desborda, a punto de “abombarse”, de humedad. Algo que se controla y a la vez no se controla.
En el caso de ladrillos, y hormigón, materiales de construcción, tiene efectos negativos. En agricultura, sin embargo, es un importante recurso, que posibilita optimizar la producción de alimentos, incluso en terrenos difíciles, por su clima.
Arriba: Cooperativa Eléctrica de Chillán, de Juan Borchers, Jesús Bermejo, e Isidro Suárez (1962), acuarela y tinta china sobre papel fabriano, procurando incorporar mucha humedad, que provoque que los colores no sean uniformes.

Irrigación: el agua del desierto, y riego por capilaridad
Cómo llevar el agua al desierto, es una imagen que me apareció en la mente, y pensé que es un tema algo más poético, aparte de su sentido productivo. Como la escena del filmbook, de Duna I, que describe la vegetación de Arrakis, y termina diciendo “y se aferran a la vida”. Aferrarse a la vida es asimilar.
“En una noche del Islam que se llama la Noche de las Noches se abren de par en par las secretas puertas del cielo y es más dulce el agua en los cántaros”, como escribía Borges. Es la parte de "Tlön, Uqbar, Orbis Tertius", donde descubre algo, o siente una revelación, más bien intelectual, pero la primera imagen recuerda la experiencia del agua en un lugar inhóspito: el agua más dulce puede interpretarse como la gracia para los que están en privación, o como encontrar consuelo y belleza en lugares inesperados.

El sistema de riego por goteo, en agricultura, es conocido por su eficiencia, y ha transformado el cultivo en zonas áridas y semiáridas. Es posible así optimizar la producción en cosechas, y economizar, gracias a tecnologías que permiten destilación regulada. De hecho, existen dispositivos, que se venden en el comercio, para su aplicación en forma casera. En la cotidianeidad así existen diversos sistemas (arriba), donde se pueden usar botellas plásticas, que se pueden encontrar en internet, de modo que cuando se sale de viaje, por ejemplo, se puede dejar regando por goteo una planta. https://www.portalfruticola.com/noticias/2017/09/13/como-construir-7-diferentes-sistemas-de-riego-por-goteo/

En la capilaridad de la pintura, el color disuelve el trazo. La materia deriva, se “rebela” de la línea, y a la vez ofrece riqueza, ocupando espacios intermedios. A mayor escala, tal vez así también puede entenderse la arquitectura. Como un sistema circulatorio, un sistema vehicular, que en el crecimiento y expansión busca cauces.
Todo ese reflote marca una pequeña deriva, dirigida, que me ha interesado. Admiro a esa gente que pinta acuarelas por trazos, sin definir primero la perspectiva. Como arquitecto pienso que tal vez uno la dirige demasiado, aunque uno ve la pintura de Le Corbusier y está muy dirigida al concepto, casi como grafismo. A abstraer espacios. Tanto así que en cuanto aplicación de colores, y contornos, parece impresora desfasada, en forma deliberada. Línea, abstracción, planos, y el bloque de pintura, independiente. Le Corbusier experimentó con técnicas muy variadas, favoreciendo el trazo regulador. En cambio, la acuarela, y la pintura en sí misma, con humedad, traen una línea pilosa, que se bifurca en múltiples brazos.

La ciudad como cuerpo humano: Chandigarh
El Capitolio representaba la cabeza, el centro de la ciudad el corazón, los espacios verdes los pulmones, y las instituciones educativas las extremidades, según el mismo fundamento de Le Corbusier para su diseño de Chandigarh.

Chandigarh, la ciudad que se le encarga a Le Corbusier desde cero, es una posibilidad de ciudad utópica. Por tanto, admite todos los elementos de creatividad que se puedan aportar. Y el trazo libre, la pintura, es uno. Pertinente así es hacer mención de su pintura. Curvas que aparecen en sus cuadros aparecen después en su arquitectura. Son trazos similares. Óvalos cercanos al rectángulo. Un tipo de curva peculiar, con un empalme de radio abierto, cercano al ángulo recto.

La fotografía, arriba, muestra a Le Corbusier con uno de sus tapices, representaciones tejidas de sus pinturas, realizadas en técnicas mixtas, desde lápices a óleos. Llama la atención que son los mismos tonos de su arquitectura. Comienza a elaborar su colección a finales de la década de 1940, siendo exhibidos en la Galería Almine Rech de Nueva York, en una muestra titulada "Nomadic Murals". Fueron llamados "nómadas", por su capacidad de ser trasladados y adaptados. Le Corbusier pensaba que aportaban calidez a los interiores, según el historiador de arquitectura Jean-Louis Cohen. Los modelos a su vez son producidos por el artista Pierre Baudouin, quien convierte los cuadros en tapices. En ellos se muestra muy fuerte la línea, siendo interesante su desfase con el color.

Arriba: croquis de Chandigarh lineal, sin expresión de color ni claroscuro. La imagen muestra el Palacio de la Asamblea en Chandigarh, India, al fondo, tras un sector de vivienda y estacionamientos, socavado. Este edificio, con su curva característica, alberga la Asamblea Legislativa de Punjab y la Asamblea Legislativa de Haryana. Forma parte del Complejo del Capitolio, que también incluye la Secretaría y el Tribunal Superior. Este tipo, o forma de curva, se repite en la palma de su mano abierta. En su pintura, por su parte, ya aparecen implícitas formas de sus proyectos, más orgánicas que el ángulo recto.

La mano abierta (Le Corbusier)

La mano abierta

Abierta para recibir
Abierta también para que todos
vengan y tomen
las aguas fluyan
el sol ilumine
las complejidades entramaron
su estructura
los fluidos están en todas partes
Las herramientas en la mano
las caricias de esa mano
uno prueba la vida
amasando con las manos
la vista reside en el tacto

a manos llenas he recibido
a manos llenas doy

Más allá de críticas, y elogios, al igual que Brasilia, es una experiencia concreta de ciudad moderna desde el origen, que representa una evolución, en términos más humanistas, desde el Plan Voisin, propuesto sobre París, en 1925. Sus versos, arriba, sin ser acabados, son bellos en cuanto a la búsqueda de universalidad. Me parece correcto lo que busca.

Plasmar un discurso: Edificio Copelec, 1960-1962 (Juan Borchers, Jesús Bermejo, Isidro Suárez)
Tras el terremoto de Chillán, en el que quedó destruido (1939), comenzó una etapa de reconstrucción con énfasis en la modernidad. El edificio de la Cooperativa Eléctrica de Chillán (Copelec) es uno de los más significativos de ese periodo, diseñado por Juan Borchers, Jesús Bermejo e Isidro Suárez. Es uno de los pocos construidos por Borchers (1910-1975) siendo, junto con la Casa Meneses, su obra más representativa, dentro de un trabajo principalmente teórico.
Llego, como otros que buscan su obra, primero a través de investigar sus curvas, que me llaman la atención, parecidas a las de Le Corbusier.

Dentro de un rectángulo principal, de 21 por 12,6 metros y altura de 10,5 metros, resulta atractivo el pasadizo de acceso lateral, como umbral abierto en el lleno, que permite apreciar la profundidad, al verse luz al fondo. Es así: el proyecto está lleno de referencias, de medidas y proporciones implícitas. Al dibujarlo (arriba), en primera instancia da la impresión de que le quedan “cosas corridas”, pero a la vez es interesante y complejo. Es una obra fluida, que se recorre como discurso, generando un total coherente, y que responde a modulaciones. Acercarse entre escalas es notable: donde hay rectángulos hay una proporción hecha de cuadrados, y donde hay cuadrados hay rombos.
https://www.archdaily.cl/cl/765679/ad-classics-edificio-copelec-juan-borchers-jesus-bermejo-and-isidro-suarez

Es de recomendable lectura un artículo, en Archdaily, que critica la obra objetivamente, y que parece referir cierta ambigüedad compositiva. Pero reconoce a la vez su nivel teórico. También habla de ciertos desfases, que se detectan, por ejemplo en uno de los característicos pilares de doble cono, parece estar “demasiado próximo al muro”, pero concluyendo al final que “parece deberse a un anhelo expresivo y compositivo”.
https://www.archdaily.pe/pe/900833/la-arquitectura-de-la-copelec-hito-y-mito

Es claro que sugiere el Capitolio de Chandigarh, pero también la Villa Shodhan, procurando dar proporción desde la escala mayor al detalle. Confluyen a su vez elementos de distinta naturaleza. Creo que dice muchas cosas. Tal vez dice demasiado. Uno puede decir tres cosas, y decirlo todo. Uno a veces borra un artículo completo, y lo cambia por una sola cosa que le llamó la atención. Pero en el nuevo está todo, o eso piensa uno. Resulta, de todas formas, en su riqueza expresiva, y personalidad, una obra inagotable, e inspiradora. Otro artículo destacable está abajo, en el link, una descripción misteriosa (tal vez demasiado), de la casa Meneses, algo que por el momento aún pienso que debo hacer pasar por el cedazo de la lectura, y el estudio. https://issuu.com/fundaciondelaatlantidaargentina/docs

Se ha transformado, asimismo, en un vigente lugar de visita, y aprendizaje. Si bien urbanamente sigue estando un tanto aislado, hay personas que viajan a la ciudad para conocerlo. Arriba: planta de acceso del edificio Copelec. Abajo: planta de la casa Meneses.

La arquitectura de Neruda
Me gustaría terminar con un tema que se toca poco: la arquitectura de Neruda. Sus casas, como La Chascona, Isla Negra y La Sebastiana, no solo son residencias, sino también extensiones de su poesía, reflejando su visión del mundo y su conexión con el paisaje. Al contrario de Borchers, Neruda no va a hablar de rigurosas modulaciones, sino de una atmósfera. Acuden a sus recintos el decorativismo de los mascarones, su gusto por el coleccionismo. En vez de pormenorizadas medidas y proporciones, aparecen elementos que aportan dosis de vaguedad y misterio. Algo más para sentir que para apreciar visualmente, como sí se aprecian los módulos en Le Corbusier y Juan Borchers. Su mundo interior, sin embargo, también entra a la competitividad, algo inflexible, de la plástica de los arquitectos. Siendo que tal vez el tema es otro, y tiene que ver con el gesto, con la visión. Luego uno piensa hasta qué punto la visión de Neruda es arquitectura, o hasta qué punto las gráficas de Le Corbusier son pintura, o hasta qué punto la pintura de Matta es arquitectura. Pero la entrada a otras disciplinas ayuda a crear sociedad, a comunicarse.

Arriba: propuesta de los arquitectos Raúl Bulnes, Carlos Martner y Virginia Plubins, para Cantalao, el proyecto de arquitectura inacabado de Neruda, que trataba de residencias para artistas. Destaca en los trazos de acuarela la curva, contenedora, algo asimétrica. Es interesante la torre de la biblioteca (atrás, al medio), sobre todo vista desde el acantilado, porque tal vez lo que le ha quedado al público es la vista desde esa especie de herradura, algo plana, casi de un solo nivel. Desde el mar, sin embargo, es más interesante plásticamente, por abrirse en más niveles, entendiéndose como gesto tridimensional, y contextual.

Los proyectos no construidos en Cantalao son todo un tema, que da para un solo artículo. Un interesante link, que aborda primero el del arquitecto Sergio Soza, quien primero entabló comunicación con Neruda, y que tenía forma de caracol, y luego el de la curva, que casi se construye antes de 1973. Abajo: vista de la torre desde el acantilado, del último proyecto. https://www.bibliotecanacionaldigital.gob.cl/colecciones/BND/00/RC

Con respecto a utopía y concreción, pienso en el arquitecto teórico Bruno Taut: qué es lo que quiere decir su ciudad de cristal, por ejemplo, apenas formalizada ("Arquitectura Alpina"). He estado viendo ejercicios modernos, para arquitecturizar esa vectorialización, que es apenas un esbozo, de lo primero que se le ocurrió, ingente en el garabato, la vaguedad. El director de mi escuela decía que no le gustaba tanto Barcelona porque “está todo diseñado”. Hasta dónde podemos llegar con eso, diseñar hasta el pestillo, siendo que es tan interesante y desafiante lo naciente. Por qué le dedica su obra al Kaiser, siendo que es tan vanguardista, socialista, como un símbolo de paz. Es un tiempo de apertura social, y es más importante aquel aspecto. Es un advenimiento, más que un entrar en pormenores, algo revolucionario, a lo que se le pide expresión, como expresión debieran buscar los jóvenes en este tiempo. Interesante tema: hasta dónde llegamos los arquitectos, con el diseño. En Chile en el tiempo de Neruda lo que se vivía era un proceso social. Cantalao en todas sus versiones es principalmente un gesto. Poético como sueño inconcluso. Un partido general que no llegó a construcción, pero es un tipo de fuerza, que a veces viene por los caminos, viene por los surcos.

Entrada a la madera

Con mi razón apenas, con mis dedos,
con lentas aguas lentas inundadas,
caigo al imperio de los nomeolvides,
a una tenaz atmósfera de luto,
a una olvidada sala decaída,
a un racimo de tréboles amargos.

Caigo en la sombra, en medio
de destruidas cosas,
y miro arañas, y apaciento bosques
de secretas maderas inconclusas,
y ando entre húmedas fibras arrancadas
al vivo ser de substancia y silencio.

Dulce materia, oh rosa de alas secas,
en mi hundimiento tus pétalos
subo con pies pesados de roja fatiga,
y en tu catedral dura me arrodillo
golpeándome los labios con un ángel.

Es que soy yo ante tu color de mundo,
ante tus pálidas espadas muertas,
ante tus corazones reunidos,
ante tu silenciosa multitud.

Soy yo ante tu ola de olores muriendo,
envueltos en otoño y resistencia:
soy yo emprendiendo un viaje funerario
entre sus cicatrices amarillas:

soy yo con mis lamentos sin origen,
sin alimentos, desvelado, solo,
entrando oscurecidos corredores,
llegando a tu materia misteriosa.

Veo moverse tus corrientes secas,
veo crecer manos interrumpidas,
oigo tus vegetales oceánicos
crujir de noche y furia sacudidos,
y siento morir hojas hacia adentro,
incorporando materiales verdes
a tu inmovilidad desamparada.

Poros, vetas, círculos de dulzura,
peso, temperatura silenciosa,
flechas pegadas a tu alma caída,
seres dormidos en tu boca espesa,
polvo de dulce pulpa consumida,
ceniza llena de apagadas almas,
venid a mí, a mi sueño sin medida,
caed en mi alcoba en que la noche cae
y cae sin cesar como agua rota,
y a vuestra vida, a vuestra muerte asidme,
a vuestros materiales sometidos,
a vuestras muertas palomas neutrales,
y hagamos fuego, y silencio, y sonido,
y ardamos, y callemos, y campanas.

Conclusiones
A través de tres ejemplos: Le Corbusier, Juan Borchers y Neruda, procuré en este texto abordar el tema de la capilaridad, como imagen o pretexto de fluidez, de fuerza en movimiento. Desde la pintura y el color, el discurso, y finalmente la atmósfera. Y a mayor escala es un movimiento de ciclos: las estaciones, como la primavera, son movimientos invisibles, pero con acciones muy concretas. Asimismo, somos parte de un ciclo, material. Tarde o temprano todos vamos a entrar a la madera.
En otras noticias, mientras termino de elaborar un diseño que me ha tenido ocupado, hace poco obtuve el Permiso de Edificación de un proyecto. Así que, aparte de alegre por aquello, después del largo tiempo de trámites, y proyectos derivados, imagino que estaré ocupado, y entretenido, en su construcción.

Claroscuro, contraste y expresión de profundidad

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 18 Jun 2025 16:30:00 +0000

“Tú no diferenciarías un claroscuro de tripas de pollo”
M. Gustave (Gran Hotel Budapest)

Autocad tiene un comando que es poner detrás y poner delante. Al poner detrás el achurado de un dibujo, un hatch, da la impresión de que se generara una transparencia, y las letras y líneas se ven mucho mejor. El acrílico aguado, en pintura, es así: deja ver lo que está detrás. Así también la témpera, o gouache, tampoco es completamente opaca, a pesar de que se la conoce por esa característica: si se aplica diluida, deja ver el color previo.
Y, volviendo a Autocad, la transparencia del achurado, de hecho, también se puede cambiar, y reflejar en planos impresos, en las opciones donde dice “trazar transparencia”.
Al pintar los tonos negros, en un croquis, lo que aparece más oscuro, se entiende mucho más que en el boceto esquemático, lineal. Lo oscurecido se hunde, apareciendo la volumetría. Arriba: croquis propio de la casa en el Lago Pirihueico (2003), del arquitecto Alejandro Aravena, con sombras en tinta china.

Peso y profundidad
El peso de un cuadro, los elementos que parecen cercanos, y los lejanos, está dado por los colores, y también por el grado de oscuridad o luz. Los colores cálidos: rojo, naranja, amarillo, tienen una longitud de onda más corta, que los hace más perceptibles al ojo humano, saltando a la vista. Así parecen cerca, en cambio los colores fríos (azul, verde, morado) dan la impresión de estar lejos.
Su empleo estratégico así puede favorecer percepciones que corrijan leves defectos. Por ejemplo, pintar muros oscuros, en un cuarto grande, puede hacer que parezca más pequeño, mientras que los claros pueden hacer que parezca más grande.

Claroscuro
El claroscuro en arte es la técnica que emplea fuertes contrastes de luz y sombra, generando un efecto dramático y tridimensional, siendo utilizada en varias disciplinas, como pintura, dibujo, fotografía y cine. Arriba, primera imagen: “San Sebastián atendido por Santa Irene”, pintura con marcado contraste (1649), de Georges de La Tour. Segunda imagen: “La negación de San Pedro”, cuadro del pintor Caravaggio, exponente de la técnica del chiaroscuro (1610).
El término “chiaroscuro”, en italiano, fue establecido en el siglo XV, cuando Cennino Cennini, uno de los primeros tratadistas de arte, describe la técnica de gradaciones de tonos para generar efecto de relieve. Esto, sin embargo, ya era conocido desde el siglo XIII, para optimizar el método medieval, que era más geométrico y simbólico.
El claroscuro alcanzaría madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio (1571-1610), que daría lugar al estilo llamado tenebrismo.

El tenebrismo es una forma más intensa aún de claroscuro, con contrastes extremos, que producen un efecto dramático y misterioso. En el tenebrismo, la mayoría de la obra permanece oscura, con un foco que ilumina un sector. Esto, crea un efecto casi teatral, que resalta elementos clave y oculta el resto de los detalles.

Gerard van Honthorst (1592-1656), también conocido como Gerardo Della Notte, fue un pintor caravaggista, neerlandés, del siglo XVII, que se caracterizó por el uso intenso del contraste, a través del tenebrismo, que prácticamente semeja la luz de velas, o de una linterna actual, con personajes que quedan totalmente en penumbra. Arriba: "La negación de San Pedro", en su propia versión (1612-20).

Arriba y abajo: Casa de Alejandro Aravena en Lago Pirihueico, diferencia entre boceto lineal, y expresión de profundidad (dibujos propios).

Color de sombra: casa Pirihueico, Alejandro Aravena
En torno a la aplicación del claroscuro en arquitectura, resulta interesante la llamada casa Pirihueico (2003), proyecto de Alejandro Aravena, en la Provincia de Valdivia, XIV Región, sur de Chile. Se le encarga una casa de veraneo, emplazada en un terreno volcánico, con fuertes precipitaciones, nieve, y viento, desde norte y oriente, vistas hacia el lago (norte), y hacia el parque (sur). Abajo: plano de emplazamiento.
https://www.archdaily.cl/cl/02-7406/casa-lago-pirihueico-alejandro-aravena

El diseño parte con un techo a dos aguas, por las precipitaciones, que va modificándose de acuerdo al movimiento de las ventanas, buscando vistas y esquivando vientos, de modo que resultan altas pero delgadas, o anchas pero bajas. Abajo: contraste de geometría de plantas, en primer y segundo nivel.

Este mismo propósito, de enfoque y esquive, con vanos de marcos contrastantes, fundamenta la geometría del segundo piso, mientras el primero es una caja resistente, debido a los sismos, el terreno volcánico, y la seguridad. Las piedras de la fachada vienen de canteras cercanas, y la madera, del despeje de bosque para construir. La penumbra del proyecto restituye en parte la densidad, y lo agreste del entorno. Del camuflaje al contraste, justamente como sombra.

Valorización de elementos
Valorizar, dentro de esta temática, implica seleccionar elementos, según su importancia, características, u otro criterio. Según se decida, saltan, de una posición a otra. En la imagen inferior, he estado visualizando mis proyectos, con transparencias, colocando “atrás” y “delante”. Probando texturas, con horizontales claras, luego horizontales oscuras. Y constatando que funcionan distinto.
Pienso que a veces hay casos en que el transeúnte se da cuenta de la “arquitectura” por la valorización de un piso, o de un cielo. A veces es tal la relevancia del diseño, del color, o de la textura de estos, como en los teselados árabes, por ejemplo, que nos hacen pensar sobre el espacio en su entorno. Vemos pisos que adquieren peso, que son otra fachada.
Pisos y cielos claros, de esta forma, se perciben más amplios. Esto, porque reflejan luz, creando continuidad, mientras los tonos oscuros la absorben, pudiendo hacer ver un recinto más estrecho, o cerrado. Una percepción “envolvente”, contraria a estirar, o ampliar, por otro lado, también puede ser ventajosa, para otro tipo de requerimientos. En otros casos, así, se busca lo contrario, la cercanía. Abajo, un link que aborda el tema:
https://www.archdaily.cl/cl/935141/como-los-colores-cambian-la-percepcion-de-los-espacios-interiores

Recintos con cielos demasiado bajos, de todas formas, pueden llegar a producir efecto de encierro, claustrofobia. Considerar muros oscuros, con techos blancos, crea en cambio percepción de mayor altura que la real. En las imágenes (arriba), se pasa desde el boceto lineal, al protagonismo de elementos, percibiéndose distinto.

Del concepto, a los detalles propios de la construcción, desarrollo proyectos en curso. Visualizo en Rhino, desde Autocad. Pienso que la próxima vez tomaré el tema del vidrio y la Revolución Industrial, tal vez con el pretexto de abordar terminaciones metálicas.

Sombra y transición
En el posteo pasado, sobre el salpicado del Action Painting, procuré hacer una introducción a la tinta china, y me quedé con la idea de seguir, con esa especie de blanco y negro, donde se puede superponer color, sin que se diluya la base con el agua, a diferencia de la acuarela, y me ha pasado que me quedé con la idea de la expresión de texturas, sobre todo del cielo. Árboles, terreno indeterminado, nubosidad.

Pensé que, así como en arquitectura se controla la iluminación, en la expresión de nubes y cielo también se puede determinar la dirección de la luz, o cuan sombrío o iluminado es un día. Trataré de abordar la nubosidad así en forma más “consciente”. Arriba: croquis de un proyecto propio de casa, que plantea un lado limitante y otro permeable. Contra la luz, se encuentra el lado más hermético, en el que puede haber transiciones, de espesores y profundidad. He tratado de introducirme un poco también en la nubosidad, y que la dirección de la luz coincida con la arquitectura, tratando de dar una expresión de vaporización . Pensar un poco más, ir soltando la mano. En Photoshop hay pinceles para nubes, pero quería pasar de todas formas por el pincel físico, al que me he acostumbrado. Como herramientas, siempre Autocad, y un poco de SketchUp y Rhino. Y, desde luego, pinceles, acuarelas y acrílicos.

Expresionismo: del fuerte contraste a gradaciones
Arriba: Terminal de Aeropuerto TWA, Nueva York, 1962, proyecto expresionista de Eero Saarinen, ilustración propia.
Sin necesidad de representar nada, se aprecia que la obra ofrece por sí sola grises claros, grises más oscuros, y negro: los elementos y las lógicas de un entintado, en un cuerpo escultórico. A través de sus formas dinámicas ofrece impresionantes claroscuros, como no los tiene una forma rectangular. Como forma que se tuerce, se contorsiona, tiene líneas muy simples (boceto lineal, abajo), y a la vez complejos degradados de luz y sombra en sus curvaturas.
Las transiciones hacen entender la circulación dentro del volumen, y “capacidades”, que el plano blanco no comunica. En cuanto a nuestra percepción la oscuridad es un detector de distancias: más oscuro, más “retrocedido”.

Conclusiones en torno al claroscuro y su expresión
La diferencia de pesos, en las tonalidades, es un tema abordado en ocasiones anteriores, en el presente blog, procurando ahora hacer énfasis en el contraste, en destacar. Es una oportunidad, también, de ver el recurso sobre el concepto, y explayar un poco. Se ha aprovechado de tomar el tema del dibujo técnico, asimismo, incorporando aspectos artísticos.
Me llama la atención, por ejemplo, de acuarelistas y pintores, cómo grafican las nubes, los árboles, y la tierra. Las montañas y sus quiebres, por ejemplo. Cómo se dibuja la nieve (de la cordillera), el sol en ésta. En las ilustraciones de uno es casi un “fondo”, porque todo el énfasis está en la arquitectura, todo es perspectiva, que es lo que uno aprendió. Así, como objetivo, me gustaría dar más peso a los entornos. Tal vez haga un artículo sobre expresión de contexto.
No me parece vago: cómo el sol se refleja, en las materialidades y superficies, parece objetivo, científico.

Action painting: acto y resultado

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 30 Apr 2025 14:15:00 +0000

"He decidido hacer belleza en contraste. Encontraré su complemento y estableceré una jugada entre crudeza y delicadeza, entre lo aburrido y lo intenso, entre precisión y accidente”. Le Corbusier.

Lanzar a un lienzo un trozo de género, con engrudo, o arrojar un tarro de pintura a una pared, muestra una fuerza de choque, impacto y expansión. Las formas resultantes, ¿son caprichos o son fuerzas? Son fuerzas, que responden a una física. Rasgar un papel pegado en la pared, deja señales de agarre, de sujeción, de fuerza. Si el pegamento es bueno, la hoja no saldrá, y se verá el interior de la lámina, áspero. Y se verá una especie de zigzag, un dentelleado, marcado donde el material se fijó mejor.

Arriba/abajo: ilustraciones propias, procurando salpicar o aplicar texturas.

El “Action painting”, o pintura de acción, es una técnica que nace en el siglo XX, para expresar, a través de color y materia, movimiento, velocidad, y energía. Aunque el nombre fue empleado por el crítico Harold Rosenberg, en 1952, ya existía desde antes, designándose así por ejemplo las primeras abstracciones de Vasili Kandinsky, en el Berlín de 1919. Esto, dentro del expresionismo abstracto, y su búsqueda de espontaneidad, y emoción, donde la pintura de acción, al realzar el gesto, se convierte en su ala más radical.

Un ícono que salta al tema de inmediato es Jackson Pollock, y el recuerdo de su técnica, de derrames: goteo, vertido, y salpicado. Interiorizándose más, sin embargo, aparecen otros exponentes, y se puede descubrir a Franz Kline, y su técnica de brochazos, y brazadas. Aplicaciones de distintos efectos físicos, contra el paño en blanco. Ya sea más automáticos, o con un plan previo de cómo cubrir el espacio del lienzo, el derrame golpeado, contra éste, lo caracteriza, así como el efecto de expansión, más húmedo o seco. Una maniobra, un esfuerzo aplicado, que ha de verse reflejado en el resultado. Mientras más de “gesto” tenga, mejor el resultado.
En términos burdos, un manchón “aburrido”, podría ser que el pintor no aplicó suficiente fuerza, o lo hizo sin intención. Diríase que se tiene que “cristalizar” el golpe. Arriba: Franz Kline, junto a sus pinturas.

Arriba: manchones ocupando con cierta proporción el espacio blanco.

El arte de la entrega planimétrica
Pensé también que lo que ve una persona acercándose, desde lejos, a una entrega planimétrica de arquitectura, es un cuadro pictórico. Ve primero, en las láminas colgadas, los pesos, y nota luego donde hay líneas negras más tupidas y gruesas, y los colores predominantes. Percibe el claroscuro, antes que las líneas finas de los planos. Ya llegando al frente de las láminas, entenderá el sentido: los trazos en grosor 0,3 y 0,2. Si el arquitecto pintó las zonas cortadas, o aplicó textura, verá ese color, como un cuadro. Se percibe así primero la “tosquedad”, el grosso modo. Ya frente a la lámina, verá el 0,1, los detalles, las proyecciones, las líneas segmentadas: el sentido completo. Puede ser luego un tip interesante para alumnos de arquitectura: la dispersión gráfica hace que los proyectos se vean algo “tímidos”. Concebir desde el principio la lámina total, en cambio, hace que el proyecto se entienda mejor. El concebir el conjunto, como “cuadro”.

Arriba: croquis propio de la “Casa de los Nombres” (1992), de la Escuela de Arquitectura y Diseño PUCV, en la Ciudad Abierta de Ritoque, cuyo encargo era reunir en pleno a la Escuela: alrededor de 500 personas. Y cuya actividad era exponer su quehacer, para conmemorar los cuarenta años, en aquel momento, de su refundación (1952, cuando se crea el Instituto de Arquitectura). Nótese que la forma de la exposición ya busca intención.

Arriba: actividades de conmemoración, a 70 años de la refundación (2022). Un hito que, cada diez años, muestra el quehacer de esta Escuela.

Acto y resultado: prioridad de uno u otro
El tema del presente artículo así es el "Action painting", como parte del movimiento expresionista, y su posible influencia, con sus ventajas y desventajas, en la arquitectura.
Es posible deducir una contraposición de acto y resultado. Hay gente que prioriza mucho el acto, y no le importa tanto el resultado. “Vive y no escribas nada”, algo que escuchamos a veces. “Carpe diem”. O ser el hombre de acción, encarnarse en la fuerza, en la actividad. No en el relato, que puede ser escrito por alguien anquilosado, lejano a lo concreto.
Por otro lado, hay gente que ordena el resultado, y lo valoriza, como una cristalización, como una imagen congelada del acto. Luego, hay gente que ordena demasiado ese resultado. Puede pasar eso. Y es un extremo, igual que el otro. Los dos lados del espectro: vivir sin cristalizar, y cristalizar lo que no se vive.
Hay que cuidarse luego de que “medir” no sea desustanciar un poco la emoción. Pero el resultado, el producto, en plástica es ese: cristalizar el momento. Luego, como parte del impulso, una persona siempre debiera tener una motivación, un proyecto. Un propósito. Sea cual sea, que éste no mengüe, o sea diletante (mero aficionado), caprichoso. La fuerza de la motivación, que lleva al acto, y hace permanecer.

Aunque sean líneas básicas, por otra parte, hay una geometría tácita, que se debe conocer. Aunque no la usemos, y si la usamos, comuniquemos conocimiento. Es lo interesante de la arquitectura contemporánea: una mezcla de posibilidad de purismo, con la variabilidad de vectores de la tecnología actual. Es como concebir una Villa Savoye con posibilidades de quiebre. Y, después, volver a la Villa Savoye.
Hacer una forma purista, por miedo al desorden, resultaría inocente. Un círculo o cuadrado autoritario, del que la persona no sale, y se empecina, puede ser erróneo. Y eso sí que es un capricho. ¿Quién mandó a meterse en eso? En cambio, hacer una forma purista, en conocimiento de sus características, es lo correcto. Dominar las propiedades del círculo, no que venga como regalo místico, o esotérico.

Diseño de expansión, derrame, y ritmo: geometrizar

En animaciones, y caricaturas, a veces se dibujan líneas, y quiere decir que el personaje se mueve, está corriendo. El movimiento suprematista, con exponentes como Malevich, parece haber plasmado aquello, la representación de velocidad y movimiento. En animaciones prolijas, por ejemplo, el dibujante puede graficar pormenorizadamente el movimiento del agua, su impacto sobre superficies, su salto, o derrame, dado que responde a la misma física de todos los elementos. El apoyo de la matemática, de la geometría descriptiva, en este caso, ayuda a expresar dinamismo, con fuerzas generatrices graficadas como proyección (arriba). El choque y onda expansiva, de la naturaleza, puede registrarse. Queda entonces al autor geometrizar el accidente, tomar decisiones de orden. Valorizar.

Instalaciones o detenciones de “Amereida”
Amereida, que se refiere tanto a la travesía de 1965, como al poema que recoge las vivencias y reflexiones de ésta, es un tema que he abordado en artículos anteriores. El grupo, de argentinos y chilenos, que parte de Ushuaia, Argentina, hacia el norte, por la Patagonia, escribiendo y recitando, trazando croquis y mapas, y construyendo instalaciones en la ruta, fundacional para la Escuela de Arquitectura de Valparaíso, y registrado en el libro colectivo "Amereida" (1967). En las detenciones, se dejan instalaciones, vestigios que nos indican que algo ocurrió ahí. Una parada es una estancia, una leve permanencia dentro del camino. Son restos de una actividad, señales. La Escuela UCV deja obsequios, Atenea, por ejemplo, como una visita a Santiago, y las distintas paradas en el viaje a Santa Cruz de la Sierra, en Amereida.

"En otro registro fotográfico se aprecia, junto a un molino de viento de la pampa, el 12 de agosto de 1965, a los miembros del grupo construyendo una obra escultórica con materiales locales, junto a una batea y un estanque de metal acumulador de agua. Son las huellas poético-artísticas que van quedando en la geografía de la pampa patagónica, esculturas expresivas de los viajeros, dones sin pretensión de permanencia", Amereida: arte y geografía de una travesía por la Patagonia, Raúl Molina Otárola. Abajo: recorrido de la travesía.

Abajo: tres interesantes links. El último es un registro fotográfico, de secuencias, bastante detalladas. Son actividades espontáneas, y construcciones en gran medida precarias, pero también hay una decisión de ordenamiento, de llegar a un lugar, de seguir coordenadas.
https://books.openedition.org/eunrn/5959
https://publicacionescientificas.fadu.uba.ar/index.php/area/massidda3101
https://www.flickr.com/photos/archivo-escuela/albums/72157622471822349/with/4015862485

Manchas en el patrón

La Biblioteca Central de Calgary, Canadá, Snøhetta, de 2018 (croquis propio, arriba, en papel fabriano), parece mostrar manchas en la modulación, de patrones hexagonales. Al igual que en el GAM, abordado en el posteo anterior, se empiezan a entender al afinar la vista. Parece algo azaroso, o random, pero toma sutilezas de la trama. Al dibujarlo noté que el “cobertor”, o piel, a veces toma puntos medios, y no los puntos finales de la grilla. Con lo que se vería más tosco, o robótico, con menos “pixeles”.

Un proyecto innovador de arquitectura así primero da un “golpe”, visual, y luego ofrece una comprensión. Si es puro “golpe”, se diluiría, solo como una idea. Sin desarrollo. En términos de Husserl, sin optimización hasta lo que se percibe como perfección. Tal vez es el problema o limitación de la pintura de acción, que las arquitecturas, o las técnicas de pintura "más lentas", superan.
https://www.archdaily.cl/cl/906871/biblioteca-central-de-calgary-snohetta

Arriba: vista interior de la biblioteca. El cobertor no es una cáscara caótica, sino viene de una modulación hexagonal, generando una percepción peculiar, con la que va abriendo y cerrando la vista, dando mayor amplitud a los vanos, y hace menos rígida la trama.

Pensé sin embargo que, en el fondo, todos queremos hacer algo parecido al “action painting”, pero hay arquitectos que tienen mejor “mano”. Cuando queremos que un edificio sea permeable a un área pública, lo queremos “empujar”, “estirar”, ojalá con la espontaneidad de esos artistas. A unos les queda bien, otros llegan en forma tosca a la intención. No parece tema banal, o menor: queremos de alguna forma “geometrizar” esa fuerza. Y luego es un enigma: hasta qué punto es deriva… y luego vuelve al cálculo, para responder a la intención inicial, al requerimiento.

Arriba: Villa Feistel, Chemnitz (Alemania), proyecto construido en 1928, por Max Werner Feistel, dibujo propio, sobre base con texturas. La acuarela es derrame dirigido, deriva de formas de tinta que toman sentido, surgiendo de la vaguedad. Con respecto al proyecto, es destacable como diseño de vivienda experimental, y por su método constructivo. El cilindro de la escalera, acristalada, es el elemento central, y se complementa con volúmenes a diferentes alturas, en tres plantas, añadiéndose una cubierta para la entrada (abajo, planta). Se remata con techo plano, que puede usarse como terraza.
http://villa-feistel.de/?project=architektur
http://villa-feistel.de/?project=denkmalpflege

Feistel se inspira en la escasez habitacional, de la década de 1920, para construir en módulos, piezas prefabricadas. Incorporar una estructura de acero, sobre cimientos puntuales, y luego colocar una fachada delante. Se logra construir en solo tres meses, y posibilita espacios amplios y flexibles. El esqueleto, originalmente, iba revestido con paneles Eternit. En el interior, se instalan paneles de fibra de celulosa, de dos centímetros, para aislación térmica. El suministro de calor, por su parte, se logra mediante un sistema de ventilación, que calienta aire en el sótano, y lo distribuye a los recintos. Otro detalle innovador son las ventanas, con mecanismos de manivela, tomando como modelo las ventanas de los automóviles. Esta vivienda, actualmente, es un edificio protegido, y constituye uno de los hitos en la arquitectura de Chemnitz.

Entre precisión y accidente: Le Corbusier
Vuelvo finalmente a la cita: "Una jugada entre precisión y accidente”, de Le Corbusier. Situándose entre extremos, como un instante de exactitud, congelado, desde múltiples parámetros, y alternativas. En la travesía de la Escuela de Valparaíso, destaca el uso de los materiales que van encontrando los viajeros. Azaroso: una cinta de metal, tablas, piedras. Sin embargo, bajo una idea fundacional, que produce ilación en la aparente precariedad.
Quise abordar así el "Action painting" en este posteo, pero más que nada como posibilidad plástica. Desde la pintura. Por experiencia propia, uno a veces antes de colorear cubre en el papel o lienzo las siluetas, tapa con plantillas… y salpica. No es exactamente Action painting. En última instancia se está midiendo. Resulta luego interesante ese croquis que parece nacer de borrones, como los de Le Corbusier. Porque nacen de la vaguedad, del claroscuro, y se revelan. Se descubre en su soltura, su espontaneidad.
El impulso y la vehemencia del Action painting, por otro lado, hace que se produzcan capas algo planas, rudimentales, rápidas. La pintura choca, se esparce. La tinta sumi-e, en cambio, parece tener más profundidad, distintos pesos. Hay un tema con los tiempos.
Me hace pensar en la permanencia. Somos la permanencia de una fuerza. Y que uno procura permanecer, de alguna forma.
No hemos de desaparecer, como decía un poeta.

Entre salpicado y aguado, en croquis, busco una valorización intuitiva de la trama. En las manchas de tinta, aparecen islotes que se convierten luego en horadado. Entre la vehemencia del action painting, y la tranquilidad de la pintura sumi-e.

Pátina y ritmo

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Tue, 04 Feb 2025 16:09:00 +0000

Como ejercicio y distracción en este tiempo he estado viendo obras de Frank Lloyd Wright para uno no tan conocidas, o que no estudió en Historia de la Arquitectura. Recuerdo haber hecho una monografía de Ricardo Bofill en mis estudios (porque el arquitecto se podía elegir), pero pocos trabajos sobre Frank Lloyd Wright, siendo que fue cita natural en más de algún examen.
Wright construyó un solo rascacielos, llamado Price Tower, en 1956. Encargado por Harold Price, para sede de su empresa, Price Company, es un edificio de 19 plantas y 67 metros, en Bartlesville, Oklahoma. Los pisos están en voladizo, desde un núcleo, describiéndose por el propio arquitecto como "árbol que escapó del bosque abarrotado". La alusión al árbol, y al triángulo equilátero, son claves. El edificio es soportado por un “tronco”, que alberga cuatro huecos de ascensor, anclándose al terreno por profundos cimientos centrales, semejante a una raíz, mientras los pisos sobresalen como analogía de ramas. Los cerramientos cuelgan de forjados, revestidos con “hojas”, de cobre con pátina. El edificio es asimétrico y, como árbol, “parece diferente desde cada ángulo”. En el encabezado, un croquis propio.

Es destacable que el autor aprovecha cada intersticio de geometría para “hacer algo”. Un encuentro de tramas, o sistemas distintos, que en otros arquitectos es un error, o detalle subrepticio, que se muestra poco, como mera solución, en él se transforma en un “evento”, y le saca partido. Tiene detalles notables.

Los materiales, asimismo, resultan innovadores para un rascacielos de mitad del siglo XX: muros de hormigón prefabricado, suelos de hormigón pigmentado, ventanas y puertas de aluminio, paneles de cobre. La geometría predominante es el triángulo equilátero, de modo que todos los elementos de iluminación, y ventilación, la recuerdan, mientras los muros, y muebles, se generan de este módulo. El encuentro del giro con la trama, ortogonal, genera detalles trapezoidales. En el vestíbulo, por su parte, aparecen, como inscripciones en dorado, dos citas de Walt Whitman. La última estrofa del poema “Salut au Monde” (Saludo al Mundo), y un fragmento de “Song of the Broad-Axe” (Canto del Hacha), imagen inferior, sellando el carácter de la obra.

Es interesante lo creativo que parece el edificio, como si quisiera “expandirse”, igual que sus casas. Más allá del paralelepípedo, que todos los arquitectos hacen, sigue buscando la línea horizontal. La “separación” de sus componentes aún resulta orgánica, aunque los elementos compositivos se quieran escapar del volumen.

Ese componente más fino, por el que los elementos permanecen unidos, es el que se encarece, y nos resulta interesante, y es el que tal vez se está desmontando en este tiempo, lamentablemente: las piezas se están tratando de vender por separado, por parte del último propietario, lo que ha resultado polémico. Sin embargo, es una ilación o discurso que aún cuenta con seguidores.

Desmonte
Ha sido noticia, en artículos de prensa, que la torre ha tenido problemas de gestión, se encuentra sin uso, y que el actual propietario ha puesto a la venta elementos interiores. El último año, ha estado envuelta en demandas, exigiéndose a los actuales dueños, Anthem y Cynthia Blanchard, recuperar el mobiliario, vendido a un comerciante de artículos históricos. Lucro prohibido, según la servidumbre de conservación, que impide la venta de patrimonio sin permiso. En su defensa, los dueños argumentan que ya no es propiedad de Price Tower Arts Center, organización sin fines de lucro. Sin embargo, el edificio fue declarado Monumento Histórico Nacional en 2007 y, por lo tanto, las ventas de cualquier tipo están prohibidas.
Cabe destacar también que fue renovado por última vez en 2003, y que en edificios sin uso se pueden reducir las actividades de conservación, quedando en peligro de deterioro. Otro elemento de polémica.
https://news.artnet.com/art-world/frank-lloyd-wright-price-tower-closing-controversy-2525767
https://arquitectamoslocos.blogspot.com/2024/08/desprecio-y-veneracion.html

Arriba: sillón ejecutivo, diseñado por Wright. El mobiliario vendido incluye paneles de relieve, un sillón, mesas y taburetes de cobre.

Arquitectura de culto
El segundo artículo, en español, también es interesante, sosteniendo que la obra pasa desde los extremos de desprecio a veneración. Así se critica tanto la gestión, como cierta incomodidad en el diseño (relativa), que afectaron su demanda. Las plantas superiores, se unen formando un hotel, de culto para seguidores de Wright, y en la planta baja se arriendan salones para reuniones, y eventos. Uso que parece haber terminado este año.
Más allá de esta crítica, válida, mi opinión tiene que ver con la vida que este tipo de arquitectura sugiere a sus seguidores, como si al comprenderla la transformaran en su hábitat. La buscan, la admiran, la declaran grata. Es una interesante sociología del significado: un trapecio que para uno es estorboso, para otro es agradable.
Si es por gustos, no a todos les gustan las torres, y es parte de las dificultades que ha tenido la vivienda social en altura. Es un fenómeno parecido a la arquitectura brutalista - socialista, en Europa: para algunos es obsoleta, para otros es fuente de inspiración vigente. En el mundo de mercado, americano, es interesante la fuerza con que este tipo de arquitectura, de inspiración más naturalista, aún se mantiene.
Pensando en la arquitectura propuesta por la Escuela de la UCV, como un ejemplo cercano, lo que para unos es poética, e ideas, para otros es precariedad. Ante un hecho material, las personas “ven” distintas cosas, con distintos lentes.

Pátina y ritmo
En los balcones, y encuentros especiales, que se jerarquizan, se disponen paneles de cobre, junto con persianas, también de cobre. Su diseño (abajo, croquis propio) se refleja también en sillas, mesas, y molduras, utilizándose también en el interior. La modulación geométrica, por una parte, y el cobre verdoso, con óxido, que evoca follaje, son símbolos de una torre que sigue siendo uno de los proyectos más atractivos e inspiradores de Wright como arquitecto.

Oxidación y corrosión
En un viaje a Valdivia, pudimos constatar con compañeros de carrera que la ciudad se conformaba de capas, superpuestas, en una humedad con pátina, que la unificaba. Abajo: borde fluvial de Valdivia.
El metal expuesto al clima sufre oxidación, y también corrosión. La diferencia es que la oxidación es un proceso superficial, posible de retirar, mientras que la corrosión provoca deterioro. En el caso del cobre o el bronce, las pátinas por lo general no son perjudiciales, sino protectoras. No suele retirarse de monedas, o esculturas, por ejemplo. Si se quita, la superficie se oxida otra vez, causando leve pérdida de material.
https://www.ternium.com/es/novedades/noticias/la-oxidacion-y-la-corrosion-del-acero--13540664220

La pátina superficial es una capa de compuestos: óxidos, carbonatos, sulfuros o sulfatos, por la exposición a diversos agentes: oxígeno, lluvia, dióxido de carbono, azufre. Oxidación que, por esa variedad, se caracteriza por diferentes colores y texturas.
La oxidación del acero Corten, por ejemplo, es distintiva, al punto de ser un producto comercializado. Esta, no lleva a disminuir resistencia, y más bien genera una película impermeable, que impide que esta oxidación prosiga hacia el interior. A su vez, tiene valor expresivo, como lenguaje atractivo, cada vez más asimilado culturalmente.
https://es.wikipedia.org/wiki/Acero_corten

La oxidación así cambia la fisonomía, pero no afecta las propiedades. La corrosión, por el contrario, provoca pérdida de dimensión, deteriorando el material, y afectando su resistencia. Ante sospecha de que eso ocurra, es imprescindible la limpieza, y medición, para constatar dimensiones y, de ser considerable el daño, su reemplazo para evitar la ruptura.

Antlerita: orígenes del color verde
Un óxido de cobre es el óxido cuproso (cuprita), de color rojizo. Este, se convierte luego en óxido cúprico (tenorita), marrón oscuro. Las monedas de bronce antiguas, por ejemplo, tienen al menos una capa marrón, de óxido de cobre.
El sulfato de cobre (antlerita, imagen superior), o sulfuros de cobre (novelita y calcocita), dan un color verde a azul verdoso. El carbonato de cobre, generalmente, produce pátina verde (malaquita), y a veces azul (azurita y calconatronita). El carbonato es una reacción adicional del óxido de cobre, el cual es más estable que el primero, luego a veces es posible quitar este verde, dejando la pátina marrón. El acetato de cobre (cardenillo), también es de color verde, llamándosele verdín.

Cobre, cromo y níquel: el color naranja
El naranja característico del acero Corten, por su parte, viene del alto contenido de cobre, cromo y níquel, y varía de acuerdo al nivel de oxidación, volviéndose marrón en ambientes agresivos (imagen superior). El acero Corten a la intemperie tiene la desventaja de que con el agua se desprenden partículas de óxido, resultando manchas, difíciles de quitar en el material que se encuentre debajo. Naturales o artificiales, las pátinas así son símbolo de tiempo y contexto. Verde, o naranja, como se acaba de describir, sus colores predominantes.

Noción de elemento meteorizable
A propósito de integración de arquitecturas con su contexto, es tendencia últimamente recomendar materiales llamados meteorizables. Que puedan ir variando, con un componente flotante de texturas y pátinas, en función del clima, y el paso del tiempo. El árbol de hojas no perennes, como referente natural, es variable: está en movimiento, en distintas etapas.
La herrumbre, y verdín, cambiantes según la estación, pueden cubrir un techo metálico, si está protegido, sin afectar su resistencia. De hecho, los colores de la naturaleza están en permanente mutación, y una forma de adaptación, alternativa al color invariable, es la flotación cromática y de texturas. Rasgo inherente en elementos espontáneos, como portones y tejados, pero también posible de incorporar con nuevas tecnologías.
Un interesante tema: la química en arquitectura. Anteriormente, me había sorprendido la visión, del tiempo de Oppenheimer, y del sindicato “FAECT”, de unir la arquitectura a las ciencias exactas, y me había preguntado qué tiene que ver con la química. No es menor el tema, tiene que ver tanto con resistencia, como con variedad. La arquitectura del futuro, probablemente, estará marcada por las posibilidades de la composición interna de nuevos materiales: propiedades de aislación, ahorro en espesores, etc.

Ritmo sincopado, variabilidad
Entrando al tema del ritmo, la síncopa en música es el recurso de composición que rompe de alguna forma su regularidad. Se mantiene en continuidad reconocible, con elementos de variabilidad o deriva, que la mueven, pero aun así se trata de un total distinguible. Se está tocando una pieza “estándar”, pero muy variada. Estas arquitecturas, flotantes sobre una estructura, evocan así una especie de jazz, o síncopa en el ritmo. Una “improvisación” de la naturaleza. El material meteorizable es el elemento variable. Un baile o “vuelo” dentro de la regla. Heterogeneidad en la homogeneidad.

La fachada actual del GAM (arriba, croquis propio), muestra una interesante heterogeneidad, que se mueve alrededor de la “estructura gruesa”, elementos de ritmo, distintos tamaños, y pátina. Hay un elemento flotante, sobre otro bastante estable.
Un aspecto destacable es que son heterogéneos. Al afinar la vista, se nota que algunas partes se transparentan, y otras no: son más opacas. Viendo los detalles del proveedor de revestimientos para el proyecto del GAM, Hunter Douglas, semeja un panal, con algunas “celdas” ocupadas, y otras vacías. Arriba: croquis propio. Abajo: link con el panel del proveedor.
https://architectural.hunterdouglas.cl/proyectos-arquitectonicos/centro-cultural-gabriela-mistral-screenpanel/
https://www.archdaily.cl/cl/02-52707/centro-cultural-gabriela-mistral-cristian-fernandez-arquitectos-lateral-arquitectura-diseno

Luego de su inauguración, durante el periodo de Salvador Allende (UNCTAD III), y el uso como sede de gobierno de Pinochet, tras el fatídico golpe de Estado, el edificio original sufre un incendio, en 2006. Recuerdo una entrevista a un arquitecto sobre el tema, donde decía que tal vez “una chispa lo encendió”, dados los recuerdos disímiles que alberga, confrontados. Tal vez tiene razón.
Tras este periodo de oscuridad se reconstruye, en septiembre de 2010, como Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM, con una remodelación (2008-2010) a cargo de Cristián Fernández y Lateral Arquitectura. Más allá de lo elitistas y cerradas, para los sectores populares, que pueden ser estas intervenciones, su propuesta en cuanto a arquitectura parece interesante. Plantea, según el mismo autor, transiciones en la transparencia, mediante Corten perforado.
Abajo, una introducción de los autores:
https://www.archdaily.cl/cl/02-52707/centro-cultural-gabriela-mistral-cristian-fernandez-arquitectos-lateral-arquitectura-diseno

Incorpora salas de teatro y museo, bajo la continuidad de este revestimiento que va de lo transparente a lo opaco, alternándolo con muros cortina, y ventanales, siguiendo juegos básicos, y secundarios. La cáscara lo cubre, pero cuando el programa quiere ser visto los vidrios lo develan.

La Iglesia de Los Domínicos de Santiago (1809), otro ejemplo de revestimiento icónico, y marca de contexto, fue construida por sus frailes como conjunto de iglesia y convento, a utilizar como noviciado. En 1847, se reconstruye el frontis, completándose las torres conocidas, con cúpulas de cobre. Del rojizo original, una pátina cubre estas cúpulas, dándoles un aspecto verde característico, sin que las hayan pintado.
Constituirse en “signo” de lugar, así es un aspecto interesante, que puede ser clave para fachadas más contemporáneas.
https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_de_Los_Dominicos_(Santiago_de_Chile)
https://www.eiq.cl/dr-jaime-morales-se-refiere-a-patina-de-oxido-color-verde-que-recubre-monumentos-hechos-de-cobre/

Conclusiones
Siguiendo esta veta naturalista, a propósito, primero de Wright, y luego del proyecto de remodelación del GAM, pienso en recursos de transición, en torno a elementos anclados. Heterogeneidad mediante ritmo, y elementos ligeros.
Patrones meticulosos, matemáticos, o lo que han aportado últimamente las pátinas: texturas casi acuareladas, en movimiento. Recuerda cuando algo es inspirado, o por el contrario está muy estudiado. O está recibiendo presión, y es muy medido, meticuloso, y se le opone un verter, o derramar. Como los mismos contextos son: una indeterminación.
Un diseño geométrico no deja de producir cierta tensión. El agrado “un poco constreñido” de algo que tal vez “calzó justo”, y en cambio cuando son producto de la atmósfera pueden ser relajantes: formas de tinta, pulso, derrame.

En mis proyectos, vuelvo a la idea de un elemento liviano, colgante, de una estructura gruesa. Estoy trabajando en modulaciones, para que calcen con la arquitectura. Alterno dos tipos de muro cortina, colgante y de marcos. Abordaré el tema en forma más pormenorizada en un próximo posteo.

Con respecto al primer tema, pensaba en un próximo artículo también la idea de abordar “edificios exitosos”. Aquellos que recuperan la inversión, a propósito del primer caso visto, y su polémica. Que sean vanguardia y prosperen, más que ser solo un gran esfuerzo para dejar una especie de impronta, o ejemplo. O una especie de "suicidio" arquitectónico, o sacrificio.
Símbolos de sistemas, símbolos de una idea, o de una forma de trabajo. Tal vez busque como referencia estados de apogeo. Como los momentos "saludables" de las ideas. Seguiré, por otro lado, con la idea de patrones de fachada. Casi un rompecabezas, rítmico.

Voladizos: proporción, ligereza y pesadez

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Fri, 08 Nov 2024 08:54:00 +0000

Los voladizos de la Casa de la Cascada, de Frank Lloyd Wright, son parte crucial de esa obra. Proyectados sobre el salto de agua, directamente, conviviendo con éste, estas salientes horizontales producen percepción de ingravidez, y son un referente de las posibilidades del hormigón, a través de vigas de concreto armado empotradas, en un total monolítico con el resto de la estructura. El diseño de la casa resulta armónico con el contexto de los árboles y el cauce natural, reflejando el concepto de arquitectura orgánica. Los “cantilevers” (voladizos), suspendidos sobre la cascada, se consideran un hito de la arquitectura moderna.
https://prontubeam.com/articulos/articulos.php?Id_articulo=40
http://www.waterhistory.org/artinfo/fallingwater/

A pesar de la brillantez de Wright, sin embargo, el proyecto tenía un defecto crítico. El diseño original no proporcionaba suficiente apoyo para la sección en voladizo sobre el arroyo. Como consecuencia, las famosas terrazas comenzaron a hundirse tan pronto se construyen, causando grandes grietas en el hormigón, hundimiento que continúa durante las seis décadas siguientes. En 1995, la “Western Pennsylvania Conservancy”, propietaria del inmueble, contrata a la firma de ingeniería Robert Silman Associates, para examinar sus problemas estructurales. Los resultados de su investigación indicaron que las vigas que sostenían la casa seguían doblándose, y que el edificio terminaría derrumbándose de no hacerse nada.
Las reparaciones, de las principales vigas en voladizo, terminan en marzo de 2002. Las tensiones excesivas se resuelven a través del concepto de postensión. Así cables de acero, de alta resistencia, se fijan a ambos lados de cada viga, anclados en bloques de hormigón, y fijos al extremo de la viga (ilustración superior). Los cables, o cordones, se tensan a continuación desde el exterior, mediante una palanca hidráulica. La tensión en los hilos de postensado ejerce un momento de flexión positivo sobre la viga, contrarrestando el momento negativo causado por la acción del voladizo. El refuerzo de las vigas en voladizo del proyecto así garantiza su estabilidad estructural, durante años. Además, estabiliza la casa sin necesidad de apoyos permanentes, que se levanten del arroyo. Durante el tiempo de ejecución, se decidió colocar una celosía metálica bajo los voladizos, que frenara la caída (ilustración superior).
https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-40341010

Proyecto de vivienda
Pasando a mis proyectos, y actividades, entre otros encargos, este año estuve resolviendo una casa, en Parral, al sur de la Región del Maule (VII), y fue interesante ir chequeando sus avances constructivos.

Croquis de una casa en Parral (2024), diseño propio.

Esta fue una casa que partió desde el principio como un encargo a partir de proporciones, de distribuir espacios arquitectónicos en un total, en un perímetro construible que se le ocurrió al cliente, trazando un rectángulo de 13x6m entre el acceso de su sitio, y sus sembrados. De hecho, partió desde las estructuras, y sus ejes, que fue lo primero que se hizo: el proyecto de cálculo. El encargo inicial.

Creo que fue afortunado partir la longitud en cuatro, en principio matemáticamente, con el comando “divide” de Autocad, y después irlo adaptando a los requerimientos, que la hicieron crecer. La planta de segundo piso construida finalmente se parece bastante a la original. En la imagen (arriba), primer esquema de distribución.

En su diseño se contempló un pasillo externo en segundo piso, que a la vez da sombra para un corredor en primer piso. A su vez, se genera un remate como terraza en el costado oriente, con vista sobre los sembrados. En un principio, se pensó con apoyo de pilares distribuidos en los mismos ejes, pero, como desafío, finalmente se contemplaron, tanto pasillo, como terraza, en volado, dando una impresión “flotante”.

Esquema de placa y pernos, presentados al cliente, a mediados de este año (arriba)

Fue realmente un reto generar este voladizo, dado que la vivienda se había contemplado con dos pisos, en una cáscara de albañilería reforzada, y ya consideraba un entrepiso de vigas metálicas. Mediante placa, y una viga más ligera, pudo resolverse este detalle. Con vigas, que se prolongan, continuas, sobre una transversal, a su vez, se generó un voladizo más largo, para la terraza.

Voladizo en sector de terraza, casa en Parral (diseño propio)

Desde esta terraza, finalmente, es posible apreciar, en la lejanía, los Nevados de Chillán, y el volcán Lonquimay.
En los cursos del profesor Astaburuaga, cercano de Juan Borchers, recuerdo que hablaba de la habilidad de dibujar el valle central de Chile, de memoria. Con el tiempo, él había aprendido a esbozarlo. Yo no lo sé, tengo que estar en el lugar, por eso ese conocimiento me llama la atención.

Vista desde la terraza.

Vista desde el sur.

Vista desde el nororiente (foto tomada en la tarde)

Diseño ideológico
Estos días he estado pensando en la importancia y permanencia del tema. Ante la posibilidad de materializar, es bueno esforzarse en que la obra mantenga su criterio, antes que se diluya en casuística, en meros hechos, y posibles caprichos.
Nos debiera preocupar de dónde viene lo construido, de qué ideas. Qué tendencias nos alimentan, moviendo nuestra voluntad. Las temáticas sociales, por su parte, siempre debieran estar presentes.

Solicitación
El tema de la solicitación es muy importante.
Es muy distinto si, en una obra, está en voladizo una cubierta, que un piso transitable. También es distinto si la obra es privada o de uso público.
Ejemplo de este tema, es un puente en Estados Unidos, conocido como I-35W, cuyo colapso en 2007 fue noticia en los medios. Éste, duró 40 años en funcionamiento, porque sencillamente no estaba solicitado de la manera en que estaba cuando se derrumbó.
I-35W fue un puente de arco metálico, ubicado en la ciudad de Minneapolis. Un reticulado de acero, de largas luces, diseñado en la década de los 60. En determinado momento, se consideró que sus placas de conexión, eran demasiado delgadas para la carga y, teniendo la oportunidad, nunca se reparó aquello, y siempre se recargó más.
Las placas de "escudete" (elemento de construcción en puentes) así eran sólo la mitad de espesas de cómo deberían haber sido, según el dibujo inferior, parte de múltiples análisis que se pueden encontrar hoy en internet. Otro factor, que contribuyó a la caída, fueron las casi 300 toneladas de materiales de construcción almacenados en la cubierta, por las renovaciones. Luego, el intenso flujo vehicular, en la hora pico, que la desencadenó.
https://es.wikipedia.org/wiki/Puente_I-35W_del_r%C3%ADo_Misisipi
https://dev.thinkreliability.com/case_studies/root-cause-analysis-of-the-i-35-bridge-collapse/

En 2007, finalmente, el puente de la autopista Interestatal 35W, que cruzaba el Río Misisipi, colapsa por sobrecarga, provocando la muerte de 13 personas y unas 100 heridas. En 2006, se había planeado reforzar con acero, pero el proyecto había sido cancelado. Enumerando las causas materiales del derrumbe, en conclusión: primero, placas de conexión muy delgadas, para manejar la carga de diseño, fallando por fractura. Segundo, se incrementó la carga estática, en un 20%, al añadir 2 pulgadas (5,08 cm) de concreto, a la superficie de rodadura. Tercero: excesivo peso en materiales y equipo de construcción, sobre el punto más débil, justo a la hora del derrumbe, alrededor de las 6 PM. Pero la causa determinante, que desemboca en la caída, es el inadecuado y equivocado mantenimiento, y falla en la observación continua, que pudo haber evitado el desenlace, en cualquier reparación intermedia. Sirve acá como contrapunto, de hecho, el primer ejemplo, de la Casa de la Cascada, como caso con supervisión, y observación permanente.

Control del peso
La arquitectura transita de la ligereza a la pesadez, y a veces son convenientes las estructuras reticuladas. No todo se resuelve con gran peso, y aquello muchas veces no es viable. Colgar, aligerar es un buen recurso. Y más que volado, un elemento suspendido es un “asomo”, de un cuerpo que ya está empotrado en gran parte en un soporte, casi como estirar un brazo, o una extremidad, de un “torso” bastante sustentable.

Me han llamado la atención casos cuyo tema parece ser el centro de gravedad. Éste es el punto en el que se ejerce el peso del cuerpo, conocido también como centro de balance, o de equilibrio, y que depende de la forma, y de la distribución de la masa. Se puede utilizar para calcular el equilibrio de un sistema, vale decir donde se considera ejercido el peso, para ver donde se aplique refuerzo.
La Torre de Observación de Aves, de GMP Architekten, en Graswarder-Heiligenhafen, Alemania, construida entre 2003 y 2005, destaca por su integración con el entorno, su simplicidad, y su capacidad para acoger a un gran número de visitas.
Construida en alerce siberiano, se contextualiza con la reserva de aves en que se emplaza, mediante un entramado escultórico de vigas, travesaños, y diagonales, que potencia una generación geométrica romboide, y a la vez representa la figura de un pájaro que se posa en el suelo. Una escalera permite subir a una torre de 15 metros, con una estación de observación vidriada, como remate. Así el aporte de esta obra puede estar en una construcción sencilla, que resuelve el ascenso con una pendiente de 30°, reflejada en el partido y su diseño estructural, que solucionan tanto voladizo como arriostramiento, garantizando la indeformabilidad de manera unitaria, con diagonales que refuerzan las verticales solicitadas.
https://www.archdaily.cl/cl/02-16403/torre-de-observacion-de-aves-gmp-architekten
Buscando referentes de equilibrio, también me ha parecido interesante la reinterpretación de la casa Gropius, y de los maestros de la Bauhaus, por ser quienes primero proponen estos temas. Y la famosa silla en voladizo de Breuer, que prescinde de patas traseras. Posiblemente aborde esas obras en algún artículo próximo.
https://www.goethe.de/prj/hum/es/dos/bau/20459317.html

Volviendo al proyecto de vivienda, al ver la casa construida, más allá de planimetrías, en pantallas, e impresiones, me gustaron sus proporciones, me parecieron armónicas. El hecho de que tenga lenguaje de “casa de campo”, a petición del cliente, más bien me gusta, y me pareció interesante resolver las cubiertas, con cuatro aguas. También diseñé los muebles de la cocina, que también se construyeron, pero eso es otra historia. Junto a otros proyectos, posiblemente exponga mejor este caso en próximos posteos.

Dinamismo y giro: una relectura de Calatrava

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 23 Sep 2024 18:03:00 +0000

“Nadie enciende una lámpara para esconderla o para ponerla debajo de un cesto. Por el contrario, la pone sobre el candelero para que los que entren tengan luz”
Lucas 11:33

Calatrava es demasiado escultórico, para algunos. He leído esa crítica, hasta el punto que se ha establecido. Desde el entusiasmo de los noventa, al cuestionamiento de altos costos y problemas de construcción, en la actualidad. Por otra parte, es bello que un edificio tenga mucho del lugar, y afecte su simetría, por ejemplo. Las simetrías, y las formas plenas de geometría no parecen tan espectaculares hoy, si no reflejan mucho de su actividad y del emplazamiento que tienen. Es lo que hace que pertenezcan a él, y no sean un vehículo estacionado. Además, se agradecen la humildad, y los bajos costos.
https://www.bbc.com/mundo/noticias/2014/03/140304
https://www.latercera.com/noticia/luces-y-sombras-del-arquitecto-santiago-calatrava/#
He leído recientemente también, sin embargo, un artículo interesante, que lo reivindica. Lo que Calatrava hizo bien, en el texto (abajo), es un recordatorio de sus aspectos positivos. Cómo, partiendo de un contexto altamente exigente, como el medio académico suizo, logra proyectos que consiguen estabilidad mediante el balance de fuerzas. Eso tiene valor indiscutible, e impulsa su firma a encargos constantes, y cada vez mayores. Hasta llegar, de todas formas, al polémico y cuestionado sobrecargo de proyectos, y a un lenguaje que, en la década del 2000, también para algunos se vuelve grandilocuente.

https://andresiza.com/lo-que-calatrava-hizo-bien/
Sucede en un mundo de histeria, tanto positiva como negativa, como el de las premiaciones de arquitectura, que más bien le hace daño a la gente popular. Esa histeria tipo “Beatles”, o “hitleriana” (de audiencias eufóricas, como en los documentales de Natgeo), que hace que se acepten las cosas con desmesura total, que se acepten hasta aspectos negativos. Y que no favorecen sociedades equitativas, sino estrellas solistas, primeros cantantes, y “prima donnas”. Al festejar talentos, y estrellas, la arquitectura parece tan desmedida como el medio de la música o la pintura. Aprobaciones y desprecios sumamente taxativos, eso traen. Y mucho gasto. Lo digo con cierto orgullo, viniendo de un marco cercano a la UCV, la Escuela de Arquitectura de Valparaíso, que favorecía más el cambio social, y el uso de materiales baratos.
Es interesante que “Amereida”, poema épico de arquitectura de la UCV, por ejemplo, está escrito en minúsculas: no favorece los nombres propios.

Proyectos que hacen buena conexión conceptual
En general, la observación recurrente a Calatrava es su concentración prioritaria en la forma, extrañándose más concepto, y menos diseño. Que los layers, o capas de proyecto, hagan conexión. Entre sus proyectos que hacen buena conexión conceptual y que, sin embargo, fueron arduos y tortuosos en su construcción, figura Turning Torso, un rascacielos residencial, en Malmö, Suecia. Es el segundo edificio más alto del país, y de Escandinavia, superado en 2022 por la Karlatornet, también en Suecia.
https://arquitecturaviva.com/obras/torre-turning-torso-malmo

En la orilla del estrecho de Öresund, su inauguración tuvo lugar el 27 de agosto de 2005, tras cuatro años de construcción. Una altura de 190 metros, con 54 plantas, albergando 147 apartamentos (arriba, en el encabezado: croquis propio).
Ante el necesario entusiasmo, que debe concitar un proyecto de envergadura, a lo que se añade ser su primer rascacielos, la asociación política resulta inevitable. En 1999, el socialdemócrata Johnny Örbäck, director de una cooperativa de viviendas, decide encargarle el proyecto, revitalizando los viejos astilleros de Malmö. Sin embargo, el tiempo pasa, y el costo se excede en casi 85 millones de euros. Örbäck soporta presiones, tanto empresariales, como también de ciudadanos, que reclaman que una cooperativa no construya pisos más económicos. Al respecto, “The Socialist, The Architect and The Twisted Tower (2005)”, de Fredrik Gertten, es un documental conocido, y recomendable, que aborda la polémica, reflejando aspiraciones y frustraciones de los actores. Una mirada peculiar a la arquitectura, y a la visión artística, confrontada a la realidad.
El edificio, finalmente, le cuesta el puesto al alcalde, al director de la cooperativa, y multiplica varias veces el valor. Sin embargo, lo sucedido tiene referentes, y preserva el halo de lo que se diseña por primera vez. “¿Quién es capaz de prever el coste de algo que totalmente novedoso?”, dice el artículo.
Es cierto, y recuerda a proyectos de Tatlin, y Melnikov. A la búsqueda del ícono moderno, del símbolo. Simple, futurista, radical, pero de complejidad en su aplicación.
https://www.archdaily.cl/cl/02-61619/documental-el-socialista-el-arquitecto-y-la-torre-giratoria
The Socialist, The Architect and The Twisted Tower (2005), de Fredrik Gertten. En Youtube, está en inglés, pero se puede aplicar traductor.
https://www.youtube.com/watch?v=6-WezX4mItM&t=1179s

El tema del gestor, cambios de gobierno, y problemas con la Esquerra Unida en la Ciudad de las Artes y las Ciencias
https://es.wikipedia.org/wiki/Ciudad_de_las_Artes_y_las_Ciencias

El tema del gestor aflora como imprescindible en la construcción en estos años. Está claro el mérito de Calatrava, pero debe haber alguien que tenga la capacidad de llevar a cabo. Ante el sobreencargo, asimismo, ciertas deficiencias aparecen, y empieza a cansar en parte del público cierta repetición de conceptos, a escala monumental. El blanco, alas, esqueletos, empiezan a ser su signo evidente. Luego, una lista creciente de obras con sobrecostos, y retrasos, además de críticas de indiferencia a los clientes.

En 1989, el entonces presidente de la Generalidad Valenciana, el socialista Joan Lerma, tras una visita a la Cité des Sciences et de l'Industrie, de París, encarga al científico Antonio Ten Ros, una propuesta de Ciudad de la Ciencia, para Valencia. Ante el advenimiento de Calatrava, traído por el director general de Presidencia, José María Bernabé, y diferencias, el Dr. Ten Ros se aleja, en 1993. Las obras se inician a fines de 1994, bajo la dirección de Calatrava y, sin otro contrapeso, se aprueban los proyectos arquitectónicos y urbanos.
Con las obras adjudicadas, y fundaciones construidas, el Partido Popular (de derecha, un nombre que debiera ser perturbador para la izquierda española) llega a la Generalidad, y al poco tiempo detiene el proyecto. José Luis Olivas, consejero de Economía y Hacienda, ordena su paralización, y replanteo, "con una filosofía distinta". Tras meses de agrio debate, se decide retomar el proyecto, aunque no de la torre de comunicaciones (símbolo socialista), donde se situaría un gran surtidor de agua, llamado "el chorrito", por los medios de comunicación. Tras la polémica, éste se cancela.

Actualmente, el complejo es símbolo de Valencia, y uno de sus puntos más importantes, desde su inauguración en 1998, y último edificio construido, en 2005. En él se encuentra un planetario, un museo de ciencias, un teatro, y un acuario gigante. De 164 millones de euros iniciales, acabó costando más de 1.250 millones, despues de sucesivos replanteamientos. Además, fue polémica la lentitud, de siete años entre el primer edificio y el último. A ello, se suma el hundimiento de parte del Palacio de las Artes, en 2006, que fue el hecho más grave. Arriba: vista del Palacio de las Artes (izquierda), y L'Hemisfèric (derecha). Abajo: croquis propio de El Hemisférico (1998).

En 2012, por otra parte, empiezan a manifestarse problemas con la izquierda. Ignacio Blanco, diputado de Esquerra Unida, denuncia a través de su cuenta de Twitter que la Generalitat pagó más de 94 millones de euros a Calatrava por el proyecto y la dirección de la obra. Al ser consultado, en una entrevista publicada en junio de 2012, por la revista “Architectural Record”, atribuye las críticas a "una maniobra política de los comunistas", añadiendo: "Ellos no atacan a La Alhambra de Granada, ellos no atacan a la Catedral de Santiago de Compostela ni a El Prado en Madrid".
https://www.elmundo.es/elmundo/2012/05/03/valencia/1336046470
https://www.archdaily.cl/cl/02-313255/santiago-calatrava-recolecta-seguidores-y-tambien-criticas
https://www.lavanguardia.com/local/valencia/20120713/54325024611

Al respecto, señala haber trabajado en el complejo 20 años, y que su firma recibió unos 90 millones de euros, cifra que insiste en calificar de "modesta", si se tiene en cuenta que ha sido "responsable de todo", desde la arquitectura a la ingeniería. Cuando el periodista pregunta si el costo total no es "mucho dinero para esta economía", el arquitecto replica que España "ha recibido 100.000 millones de la Unión Europea. La gente dice que se necesitará un billón. Comparado con esto, los 1.000 millones de mis edificios no son nada".

2014 ve a Calatrava enfrentado en una pugna legal con Esquerra Unida, según el arquitecto por trato denigrante en sus publicaciones. Las he leído y son de tipo “juvenil”. Proceso también bastante agrio.
Asociación extraña: más allá de cierto poder de veto, los comunistas no parecen tener mayor poder en España. Es un país corrido bastante a la derecha, posterior a la guerra civil. Y que, al ser la madre patria, influye en los países de Latinoamérica. Comparado a la guerra civil norteamericana, con otro resultado, no es un aspecto menor: su política influye sobre Latinoamérica, llevándola a excesivo conservadurismo. Viendo los últimos gobiernos de la Generalitat, por otra parte, han favorecido bastante al PP, incluido el actual. Llama la atención.
https://www.lavanguardia.com/local/valencia/20120713/54325024611
https://www.lavanguardia.com/politica/20120503/54288884177

Aspectos de construcción
El edificio, construido en acero, vidrio y hormigón armado, se estructura en nueve cubos rotatorios, cuyo eje estructural es un núcleo de hormigón armado, de 10,6 metros de diámetro. Su centro es el eje de rotación de las plantas.

Su generación se basa en la referencia de un torso humano que gira, alzándose sobre los edificios cercanos, que en promedio tienen cuatro o cinco plantas, lo que le proporciona vistas únicas sobre el entorno. Nueve cubos, de cinco pisos, giran en torno al núcleo circular. Los dos primeros cubos son oficinas, y los siete siguientes viviendas de lujo, de superficies variables, exceptuando las dos plantas superiores, con dos salas de reuniones cada una. Además del centro de hormigón armado, de 5,30 metros de diámetro, y espesor en su base de 2,50 metros, la estructura es reforzada con un entramado exterior de acero: un exoesqueleto, estructurado por una espina helicoidal, y puntales horizontales y diagonales.

La radicalidad de la solución es manifiesta, originando distintas percepciones de acuerdo a la ubicación del transeúnte. A distancia la figura es esbelta y ligera, y el giro de 90 grados que realiza la planta es claro, pero en la aproximación es mucho más marcado el escorzo.

La fachada se conforma de dos tratamientos distintos. En el muro cortina, usado en dos frentes, predomina el vidrio, mientras que en los otros tres se emplean vanos convencionales, y las superficies opacas son predominantes. Las ventanas son romboidales, lo que acentúa la percepción desde los interiores. Arriba: detalles de terminación del exoesqueleto.

Edificios a medio vestir y vestidos: Otras exoestructuras

Heydar Aliyev Center (Azerbaiyán, 2012)

Pensando en un edificio abordado como tema reciente, que recurre a exoestructuras, el Centro Heydar Aliyev, de Zaha Hadid (2012), se articula con dos sistemas colaborantes: una estructura principal de hormigón armado, y una retícula espacial de acero. Para procurar espacios libres de columnas, y percibir continuidad, los elementos estructurales verticales son absorbidos por la envolvente y el sistema de muro cortina. La geometría de la superficie propicia soluciones estructurales no convencionales, tales como la introducción de "columnas de arranque" curvas, para lograr la cáscara inversa de la superficie de la tierra, al oeste del edificio, y la "cola de pato" estrechando las ménsulas al este del sitio. Es un sistema constructivo dinámico, que aprovecha la forma.
https://www.archdaily.cl/cl/02-310432/centro-heydar-aliyev-zaha-hadid-architects

Son interesantes los encuentros de estructuras tectónicas, de hormigón, con estructuras livianas, de acero. El contraste, por si alguien al ver el exterior piensa que todo es pétreo. Recuerdo que mi proyecto de título estructuralmente procuraba sugerir aquello: dos tipos de estructuras.

Un interior liviano, contrastante a los movimientos tectónicos. He estado pensando modulaciones livianas, dentro de estructuras más definidas, aplicándolas a los últimos proyectos en los que estoy, de los cuales también preparo una presentación.

Apreciación e isóptica
Al pensar geometrías, en el posteo anterior abordaba el círculo y la curva. Pero más que la geometría en sí, el tema subyacente es su apreciación. La generación, deliberada, o intuitiva, es una aplicación, un recurso. Pero lo importante es hasta qué punto la persona percibe estar dentro de un círculo, o ante un talud. Cuándo deja de ser un talud, y es un cambio de nivel, por las mismas dimensiones, por la proporción con la antropometría.
Así, mientras la arquitectura griega es la armonía y la proporción, el neoclásico, en el siglo XVIII y XIX, parece desescalado, casi al filo de perder percepción. Pensando términos como éntasis, e isóptica , se vuelve necesario trabajar para la apreciación. Y nos preguntamos si tiene sentido aplicar algo que no se va a entender.

Había abordado el tema del movimiento anteriormente, en otros posteos, haciendo una maqueta conceptual de la Torre Dinámica de Dubai (E.A.U.), de David Fisher, que en ese momento era un edificio proyectado, por construirse, en 2007. Leí posteriormente, sin embargo, que por las propias complejidades del edificio que, literalmente, es móvil, no se ha construido. En su lugar, en Dubai se alza la Torre Cayan (2007-2013), continuidad de ese proyecto, y bastante similar en concepto a Turning Torso. Sin embargo, se salta todo el proceso ideológico: en un contexto que poco tiene que ver con el socialismo, en Dubai, es un ícono corporativo. En su “fracaso político”, Turning Torso parece sin embargo más interesante.
https://vladimirbrontis.blogspot.com/2007/07/construccin-de-curvas-y-posibilidades.html
https://vladimirbrontis.blogspot.com/2009_03_29_archive.htmlTorsión, revirar

Pensé también que la torsión en algunos casos produce un efecto de refuerzo, helicoidal, como al revirar un alambre. Dar vuelta una materia delgada, haciéndola virar sobre sí misma.

El cubo tiene diagonales interesantes, que permiten que la base gire en 90 grados. Haciendo la variación de una volvelle (tema del articulo pasado), se puede constatar aquello. Ese momento intermedio "de transicion" cobra interés, atrayéndome el aspecto de las partes desplegadas del cubo (primera imagen).

Conclusiones: una relectura de aportes
Entrado el presente siglo, la firma Calatrava se convirtió en sinónimo de exitismo en una profesión. Y de la gente “que acompaña” a los exitosos de una profesión. Muchas veces no muy sensible.
Buscando el otro extremo, sin embargo, se agradece la radicalidad. Más que consecuencia, el sentido de concreción definitiva, de no quedarse en papel, en una arquitectura meramente teórica.
Lo que ocurre muchas veces, tanto en Chile como en otras partes, es una especie de fiscalización, por parte de la izquierda, no acompañada de obras. Esta prioridad, en lugar de fomento de la creatividad, es una de las causas de la falta de trabajo en esta época para arquitectos jóvenes, lo que es un desperdicio de fuerzas. Fiscalizacion como enfoque exclusivo, supervisión de obras de derecha, y falta de área proyectual. Endiosamiento del arquitecto sociólogo-político, por otra parte, sin obras. Es el fenómeno inverso, y que tal vez es otra forma de "vanidad", y peor: la del poder.
Me complace, por ejemplo, que en el proceso educativo me conminen a hacer mis muebles, a ver “de que estoy hecho”. No me es problema. Creo que si para otros lo hay entonces hay un tema con la profesión, o entender para qué sirve.
Molesta así que no se hagan las cosas, que se hable de fondos y no haya obra. Que la sustituyan “desmalezamientos”, “comités”, “mesas de trabajo”, sin obra. Es grave. Y hay gente que no repara en eso. El arquitecto proyectista ofrece en cambio una radicalidad, eso es positivo.

Una relectura de los aportes de arquitectos como Calatrava, con el tiempo transcurrido, con más tranquilidad y contención en términos de éxito, da oportunidad de una mirada más completa. Más integral, y es posible en estos años.
Con respecto a su aporte peculiar, que hoy vemos como tan natural, casi pasando de largo, ha permanecido el concepto de que los elementos “de apoyo” empiecen a ser protagonistas, de modo que la arquitectura no sea solo “de muros”. Su aporte arquitectónico, al que tal vez haya que dar todavía más tiempo. Por otra parte, la arquitectura tampoco debiera ser tan anodina y anónima. “Para que se luzca”, como decía el director de la Escuela donde estudié, el arquitecto José Rosas, cuando alentaba a los alumnos. Un arquitecto debiera lucirse, por supuesto haciendo penitencia de su vanidad, de alguna forma. Aportando socialmente. Ayudando. Me parece válido. Un tema del que no se habla en arquitectura mucho, por otra parte, es el de la "nobleza" de los materiales, versus el ahorro. Hasta dónde queremos ser económicos, sin sacrificar dignidad. Tal vez aborde el tema de los "materiales de construcción", en un próximo posteo.

Volvelle

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 24 Jun 2024 13:27:00 +0000

La volvelle se podría interpretar como ver las cosas a través de un mecanismo circular. Visualizar información resumida, en un mismo lugar, desplazando ventanas, o marcos alternativos. Puede verse en forma creativa, innovadora, o como herramienta de medida. Tal vez es una forma poética de hacer un gráfico circular, y también es considerada como el comienzo de la computación, en cuanto a ser un primitivo almacenamiento y procesamiento de datos. De hecho, en las reglas de cálculo circulares es posible hacer operaciones semejantes a las calculadoras, multiplicar, dividir, recurso muy útil antes de la tecnología digital. Entre proyectos, en los tiempos que tengo, he estado procurando entenderlas, y son un tema interesante. De esta intuición, he llegado a pensar en el tema de la arquitectura circular, que esbozaré en forma breve, y a lo mejor retome después, en otro texto. Arriba: probando hacer una volvelle con croquis propios, como mecanismo de transformacion, de una imagen a otra. Abajo: una regla de cálculo circular.

https://es.wikipedia.org/wiki/Volvelle
Luego fabriqué una, artesanalmente, en la foto (arriba). Es atractiva la densidad, en un instrumento tan constreñido. Una calculadora mecánica, que se puede entender con la rotación de datos concéntricos, como disco. O con el movimiento en un carril, o surco de datos, tomada en forma lineal. He podido hacer operaciones básicas, como multiplicar, lo que me ha parecido divertido. Vale decir: matemática “situada”, de puntos en el espacio, basada en la geometría. El "dato" está guardado en un "lugar", no es solo un ente digital.
En la imagen: multiplicando 3x4=12.
https://solar.physics.montana.edu/kankel/math/csr.html

Multiplicando 3x4, en la regla circular, el número 3 se sitúa en el 1 (unidad) de la pieza giratoria, y en ella misma se busca el 4, coincidiendo con el 12. Correcto. En la regla lineal, la pieza móvil debería situar el 1 en 3, pero el 4 queda afuera, luego se busca la decena (10) y, buscando el número 4, se encuentra el 2 (en la decena, vale decir 12). Correcto.

El cubismo en el siglo XX trata de mostrar una simultaneidad, así también el reciente parametrismo, del siglo XXI. Los cuadros surrealistas, por otra parte, son varias escenas en una. La modernidad tiende a concentrar la información, y los últimos años a llegar con densidad a las escalas más pequeñas, a la nanotecnología. Es el marco crítico que nos rodea. Y un tema que me quedó rondando del post anterior, al abordar los libros objeto, o especiales, como los del Renacimiento, con el ejemplo del “Liber Cosmographicus”, de Peter Apian, que incorporaban páginas interactivas, educativas.

Horadado, un disco puede también ser un calendario, o una tarjeta de invitación. De tiempos de enseñanza básica recuerdo discos giratorios educativos, con temas como los ríos de Chile, o los premios nacionales de literatura, que venían con los diarios. O un paspartú circular, entretenido, uniendo descripciones divertidas, o alternativas insólitas. Conexiones parecidas al humor, mientras se mantiene la unidad del discurso. También permiten aquello. Abajo: un ayudamemoria de “Icarito”, un suplemento de periódico. He descubierto unos tres más de ese tipo, guardados entre mis archivos.

Todos recordamos la broma del “discurso infinito”, producto de las meras articulaciones, pero sin sentido. Como una ironía. Es una formalidad de “bloques”, o párrafos repetitivos, pero que sigue el mismo principio. También ingenios, como unir primeras letras, o palabras, con resultados inesperados.

La volvelle así es un parametrismo móvil, una elección de caminos. Conectar parámetros de esa forma, a la vez, tiene que ver con la simetría, y las proporciones. Es un posible recurso, de recordatorio. Y de cambiar alternativas: mostrar una, y otra. Es atractivo pensar que la novela “Rayuela”, de Cortázar, es una tentativa por hacer eso.

Arriba: Párrafos repetitivos, de un discurso infinito. Abajo: mecanismo de una volvelle tipo diafragma, de interacción.

Mecanismo de pop-up
La volvelle luego también puede asimilarse a los mecanismos de pop-up rotatorios. Como en posteos anteriores he explorado mecanismos de pop-ups, me pareció interesante investigar en esta oportunidad los interactivos, que se operan por el lector, y modifican el cuadro.

Como mencionaba al comenzar, las volvelles, y su orden concéntrico, hacen también pensar en el tema de los proyectos de arquitectura curvos, o circulares: el círculo aplicado en diseño, desde objetos, a edificios. Y que, a pesar de que las curvas pueden ser asimilables a líneas rectas, consecutivas, hay cosas en arquitectura que solo se pueden resolver mediante la curva y el círculo. Los ductos, y las cosas que deben rotar, siempre lo son.

Arquitectura circular
Las plantas circulares pueden producir una experiencia única. Los interiores, sin vértices, pueden percibirse fluidos, generar continuidad, amplitud. Aunque desafiantes, también pueden ofrecer oportunidades y resultados excepcionales.

Zaha Hadid, la curva en arquitectura
En artículos, a Zaha Hadid se le llama “la reina de las curvas”, explorándolas desde la generación, y el partido general. Hadid así consideraba 360 grados disponibles, sin limitarse a una sola dirección.
Recuerda al “Poema del Angulo Recto”, de Le Corbusier: es como su contraste. Le Corbusier pensaba que dentro de todos los ángulos posibles se elegía uno, en cambio Hadid ocupa todos.
Sus proyectos tienen fisonomías futuristas, y cada obra es única, pero articulada con energía y fluidez. Los lugares donde las curvas encuentran ventanas, vanos, elementos de arquitectura, o el propio programa, se transforman luego en puntos cruciales. Los detalles de unión así son complejos, requiriendo soluciones creativas, para que la transición funcione y sea estética. Cada proyecto implica un equilibrio entre inspiración y construcción, destacándose el Heydar Aliyev Center (Azerbaiyán, 2012) con un aspecto de tejido, o género ondulante. Arriba: croquis propio del proyecto, acuarela sobre papel fabriano. Al dibujarlo, me he dado cuenta de que es uno de sus proyectos más logrados.
https://es.wikiarquitectura.com/edificio/centro-cultural-heydar-aliyev/
Más allá de la apreciación somera, de que el círculo es femenino, y el cuadrado masculino, arquitectos como Le Corbusier, y Juan Borchers, también aplicaron la curva, con un lenguaje que los emparenta un poco, dentro del modernismo de los 50 y 60. En 1960 Borchers diseña la Cooperativa Eléctrica de Chillán (Copelec), con curvas como elementos destacados. Las fachadas presentan formas sinuosas, que contrastan con las ortogonales. Le Corbusier por su parte concibe un diseño escultórico que incorpora curvas, y formas expresivas. El Palacio de la Asamblea de Chandigarh (1951-1962) es ejemplo de aquello.

Otro ejemplo de arquitectura curva es la de Oscar Niemeyer, que busca la naturaleza, con bordes suaves, que se inspiran en la armonía natural. Según él mismo, “de curvas está hecho todo el universo”. Arriba: Casa Das Canoas, 1951, en Rio de Janeiro, Brasil, de Niemeyer, que enfatiza el contextualismo y camuflaje con las copas de árboles, y sus sombras, que se vuelven predominantes.
Abajo: estudios de color del pintor Paul Klee, profesor de la Bauhaus, en sus cuadernos, que presenta una gama rotatoria, y estados intermedios.

Frei Otto y la UCV
Un recurso que llama la atención es la curva producto del esfuerzo, de la tensión: tensoestructuras. Frei Otto, como diseñador, logra desarrollar mediante estructuras livianas, una síntesis entre la transmisión de las cargas y la forma arquitectónica. Abajo, ilustración propia del Pabellón de la Música, en Kassel (1955).

https://wiki.ead.pucv.cl/Di%C3%A1logo_acerca_de_la_Cruz_del_Sur
https://wiki.ead.pucv.cl/Archivo:Cruzdelsur_08_web.jpg

Mención aparte es la Escuela de Arquitectura de la UCV, y su pensamiento respecto de las curvas, relacionándolas a las fuerzas universales, jerarquizándolas como elemento contenedor, primario. “Según la Teoría de la Relatividad estos campos gravitacionales en los grandes vacíos del cielo (varios miles de años luz entre estrellas) generarían una curvatura en todo desplazamiento rectilíneo. Un mundo girando hacia su propio centro, es decir, el universo que se cierra, un espacio que retorna y no sigue alejándose hacia el infinito.
La línea recta no pertenecería a este mundo, tampoco el infinito.
La recta estaría de este modo, asociada al infinito del espacio: un punto en movimiento, siempre alejándose, durante una eternidad. Sería la condición para trazarla. (Esta fue la posibilidad abierta por Galileo).”
“Diálogo acerca de la Cruz del Sur”, Alberto Cruz, Miguel Eyquem.

El ejemplo de la cruz así, según la Escuela, representa uno de los pocos ordenamientos “únicos” del cielo. Una vez vista la figura, resulta inequívoca, distinta en su entorno. Identificar estrellas significa, en primer lugar, establecer puntos reconocibles, un trazado del cielo, una rotulación, o reconocimiento de la estructura del universo, su ordenación mayor, donde la curvatura, y el movimiento, es lo real, lo que contiene lo existente.

https://www.archdaily.cl/cl/966266/como-resolver-plantas-circulares-adecuadamente
https://urban-networks.blogspot.com/2015/04/aproximacion-al-circulo-como-estructura_25.html

Federación de Arquitectos, Ingenieros, Químicos y Técnicos (FAECT)
Al ver la película “Oppenheimer”, me llamó la atención la mención al sindicato FAECT: “Federación de Arquitectos, Ingenieros, Químicos y Técnicos”, aunque más que nada por el hecho de preguntarme por qué se incluye a los arquitectos, cuando más que con científicos tienen que ver con el arte. O se les incluye en las Bellas Artes.
Pensé si era una licencia del director, pero es un organismo que realmente existió.
En el link, abajo, un hilo de opiniones sobre los intentos, y la imposibilidad, de una asociación o sindicato de arquitectos. https://www.reddit.com/r/architecture/comments/15tn8tu/

Quedé pensando también si la arquitectura era exacta o inexacta. Le di una vuelta, porque es otra forma de entender. No me había hecho esa pregunta, o inquietud. Busca la exactitud, pero es más disciplina que ciencia.
Desprendo de ese organismo tal vez un interés más funcional y social, que formal. Muy de resolver espacios de trabajo y vivienda, casi convencionalmente, y el resto muy político. Y que uno se ha formado en un espíritu más Bauhaus: se está cerca, y en contacto, del pintor y el escultor. Pero parece interesante tener cerca al químico. La cercanía a la tecnología, las dosificaciones, la composición de los materiales, sus propiedades y resistencia, por ejemplo. Recuerdo que cuando estudié todavía dábamos pruebas en San Joaquín, el campus de ingeniería. Lo encontraba natural. Sé que ahora Arquitectura tiene su propio departamento de matemáticas: no sé si es tan bueno, pero es una decisión. Luego, volviendo al tema del sindicato, y sus oportunidades fallidas, me llamó la atención el hecho y la voluntad de agruparse, en un gremio tan disperso como la arquitectura.

Conclusiones
Finalmente, volviendo a la volvelle, o forma de papel, que nace desplegada entre las páginas de los libros, de alguna forma va del ingenio, de lo intuitivo, y creativo, y los territorios propios del arte, a la ciencia exacta, y el cálculo. Volvelles artísticas, y volvelles instrumentales. Un recurso con múltiples posibilidades, que surge espontáneamente, y que nos lleva a la curva y el giro, las formas naturales y reales, según la Escuela de la UCV. Sería interesante e inspirador volver a pensar libros con estos despliegues.

Arriba: Volvelle con cambio de Casa das Canoas, a Casa de la Cascada (arquitectura orgánica).

BUENA NUEVA

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- Que estás tan contrariado
Y molesto
A la hora del noticiero central -
Que una estrella ha surcado
El apocalipsis con su estela
Que el cometa dice
Que ha nacido un niño
Nueva de signo bienhechor

Alguien saluda del otro lado
Respondiendo de exoplanetas
Un amigo que llega

Marte verde, terraformado
Bajo una atmósfera azul, es
Como una cálida voz cordial

El artista lo logró
El campeón metió el gol
En los descuentos
Qué quieres ver
Qué noticia quieres recibir

“La palabra solidaridad los hizo temblar”
Como decía un grafiti que leí de niño
“La jauría anticomunista no nos amedrenta” Eso decía
En Vicuña Mackenna, desde el bus
(Ramona Parra)

Hay celebración
Se saludan y se abrazan
Qué quieres ver
Qué noticia quieres recibir

Resolver un misterio
Alivio a la enfermedad dejar tras la epidemia
Del hambre y la pobreza - Llegar
Donde se produce energía sin fin. Energía
Bálsamo que revendían
Pero solo era agua de pozo
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Quiero ver al pueblo despertar

Arquitectura, libro y construcción

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Fri, 12 Apr 2024 10:46:00 +0000

La arquitectura ha tenido estrecha relación con el libro a través de la historia, como contenedora, en bibliotecas y librerías, como inspiración, y como tema. Como su sustento, fundamento, y como el marco cultural y social en que se construye. La cultura da sentido y dignidad a los actos que suceden en las construcciones, y se plasma como registro en los libros.
Los libros son registros de nuestras acciones. Y de alguna forma modifican e influyen en las acciones, al plantear principios, que las orientan. Es cuestión de recordar la importancia que cobran los tratados, en el periodo del Renacimiento, y los avances sociales, importancia y poder que creaban en su entorno, al reflejarse en la praxis, en la realidad. Las ilustraciones de ciencia significaban avances en la medicina, y en la tecnología. E imaginaban universos, y culturas, en la teoría.
Arriba: croquis propio de la Nueva Biblioteca de Alejandría (1996, Egipto), de la firma Snøhetta, que evoca varias características de la original, hito desaparecido de la Antigüedad.

Construye
La Escuela de Arquitectura de la UCV ha editado libros muy interesantes, especiales, que en su factura comunican una intención. Interés que puede partir en la portada, ya sea recortando, horadando, o haciendo relieve. En los libros de poesía de Godofredo Iommi, por citar un ejemplo vinculado a la Escuela, toma especial atención situar la palabra, como marca en el “terreno”, o emplazamiento, de la hoja en blanco. Poesía territorial, física, donde el blanco, la parte vacía, también empieza a cobrar significado. Me llamaba la atención visitar la biblioteca de arquitectura, cuando estudiaba en El Comendador, y hojear esos libros, inspiraban para proyectar.
Subyace el tema de los libros objeto, con interés en sí mismos, que en sí llevan parte de los diseños e ideas que se proponen en el interior. Dan lugar a un “gesto de novedad”, al interpelar, y buscar su espacio, de otra manera.

A través de Iommi se llega a una arquitectura, me llama la atención. Otros creadores no tienen ese poder convocante. Son etéreos, son filosóficos, Iommi en cambio es constructivo. Sigo pensando, sin embargo, que, actualizándose en el tiempo, desde esos años dictatoriales, de la segunda mitad de los 70, y todos los años 80, una mayor apertura política nos llevaría a mejores resultados, o por lo menos a otra mirada, a una forma de permanencia. Nos daría un sello, de una escuela más militante. Un sentido más político, lo he escrito en posteos anteriores.
La posición de Iommi, en este aspecto, no parece determinante: es pedagógico. Parece impulsar a un alumnado, es lo que comunica. No parece referir una ideología determinada. El alumno de su asignatura puede seguir uno u otro camino.
La pedagogía abre caminos al estudiante. Es un interesante tema: hasta cuándo la cultura es docencia. O si la teoría es docencia. O si Le Corbusier es docencia.
Luego uno piensa en las ventajas y limitaciones de la enseñanza. Así la desventaja, de un movimiento-escuela, es que virtualiza en un “podría ser”, en una permanente función condicional, las cosas que ejecuta. Y luego los resultados son un tanto efímeros.
Sin embargo, todo se resume en una cosa, en una palabra: construye. En un “vamos a hacerlo”. Es el sentido último.
No tiene sentido inculcar algo si se niega en los hechos. Se debe ser consecuente. Enseñar algo que no se va a construir sería un contrasentido. Iommi luego habla a un alumnado, no a seguidores políticos. Es su tono permanente.
“¿O bien el compromiso político es inevitable?”, se pregunta el poeta en “Carta del Errante”, donde también cita a Louis Aragon, poeta y académico comunista. Llama la atención, en artículos fechados en la década de los 70, bastante feroz en represión. Entonces, esos años cuando la Ciudad Abierta de Ritoque coincidía con el campo de concentración de Ritoque (que quedaba cerca, 5 Km al norte), y lo que implicaba: la prisión del arquitecto Miguel Lawner, y otros artistas.

El cálculo de un movimiento-escuela
Godofredo Iommi Marini fue un poeta nacido en Argentina, fuertemente ligado a Chile a través de la Escuela de Arquitectura de la UCV, donde fue profesor. Su hijo y nieto homónimos, además de compartir su nombre peculiar, se vinculan a las matemáticas. Godofredo Iommi Amunátegui es doctor en Ciencias Físicas y Matemáticas, y Godofredo Iommi Echeverría es doctor en Matemáticas. Ambos tienen libros interesantes, que mantienen algo de la visión del poeta, y su origen humanista.
En el texto de Iommi Amunátegui, por ejemplo, “G.W. Leibniz, N. Goodman y la noción de complejidad: Lineamiento de una teoría”, se parece buscar una estructura, un método de cálculo, parecido al que se aplica en la arquitectura, desenvuelta pero disciplinada, de la Escuela de la UCV. Tiene su influencia. La Escuela de la UCV busca un sistema, un procedimiento, que lleve a hacer. Más allá de posiciones ideológicas.
Uno no puede decir que Leibniz era conservador, si era un periodo en el que había que tener diplomacia, previo a la Revolución Francesa, por eso parece un interesante tema, de búsqueda de voz, de lenguaje.
Leyendo “Apertura de terrenos” (1971) y “Cálculo poético de Amereida” (1967), del poeta, pienso que este posteo trata sobre la elaboración, la complejidad. El verse ante la necesidad de construir la idea, y de producir resultados concretos. http://amereida.cl/Apertura_de_Terrenos

La Biblioteca de Alejandría
La Biblioteca de Alejandría fue una de las más importantes en la Historia, un referente, así como uno de los mayores acopios culturales de la Antigüedad. Fundada en el siglo III a. C., en el sector administrativo de la ciudad egipcia de Alejandría, durante el período helenista, la biblioteca formaba parte de una institución conocida como “Museion”, dedicada a las nueve musas patrocinadoras de las artes. Su creación puede haber sido idea de Demetrio de Falero, estadista ateniense exiliado, que fue su primer bibliotecario, o de Ptolomeo I, quien, al igual que Alejandro Magno, procuraba difundir el helenismo. Sin embargo, no fue construida sino hasta el reinado de su hijo, Ptolomeo II.
https://es.wikipedia.org/wiki/Biblioteca_de_Alejandria
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/biblioteca-alejandria-destruccion-gran-centro-saber-antiguedad_8593

¿Cómo era la biblioteca de Alejandría? Arquitecturas que actualmente no sabemos cómo eran, que llegan por referencias y descripciones. Las reconstruimos como un recuerdo.
https://writeclub1968.wordpress.com/2020/06/17/la-biblioteca-de-alejandria-mitos-vacios-y-logros-oscurecidos/
https://www.cinconoticias.com/como-se-monto-biblioteca-de-alejandria/

Arriba: distintas versiones de la posible fisonomía de la Biblioteca de Alejandría.

Sobre la comprensión del mensaje
Hay diferencias en cómo entiende cada persona. La idea es común, la forma de acogerla depende de cada individuo.
La gente respeta y teme a las sucesiones de gobierno por eso, por ejemplo. Las ideas por lo general no son administradas de forma similar por líderes diferentes. Hay cambios entre uno y otro, incluso en la misma tienda.
El conjunto de principios que convoca, sin embargo, debiera ser una continuidad.
Los concursos de arquitectura son reveladores, sobre cómo cada arquitecto comprende, y proyecta en un sitio. Partidos disímiles, para un mismo programa, entendidos de distinta forma. Lo que otorga una riqueza. Partidos similares hacen un concurso aburrido.
Se puede pensar el ejercicio de cómo ven distintos dibujantes una misma descripción. Y sopesar la versión propia para una descripción, por ejemplo, con otras versiones.

Arriba: las causas de la desaparición de la Biblioteca de Alejandría son oscuras. Este grabado (1876) muestra un probable incendio, del año 47 a.C., durante la guerra entre Cleopatra y su hermano.

Los libros especiales
El libro comparte con la arquitectura ser un contenedor. También es un sustento, en cuanto a objeto.
El propósito del libro es difundir, mostrar, ser un registro de lo circundante, en el lenguaje de Husserl, que he estado repasando este último tiempo, durante la elaboración de mis proyectos, y trabajo de oficina.
Los libros religiosos del medioevo, llamados “Libros de Horas”, que las personas diseñaban para sí mismas, y que también se obsequiaban, son primeros ejemplos de manuscritos creativos. Del mismo tiempo medieval, los llamados “volvelles”, son libros que contienen discos giratorios unidos a ejes, y a las páginas, anteriores a la invención de la imprenta. El lector podía girarlos para hacer cálculos, o estudiar y visualizar los sistemas astronómicos y filosóficos de ese tiempo. Uno de los autores que emplearon este mecanismo fue Ramón Llull, poeta, filósofo y místico (Mallorca, 1232-1316).
En el Renacimiento, gracias a la imprenta, la difusión de los libros se dispara, y algunos incorporaban páginas desplegables. Es el caso del “Liber Cosmographicus”, obra del siglo XVI, del matemático alemán Peter Apian, donde se podía interactuar, con mapas e instrumentos astronómicos en papel. En la misma época, aparecen insertos interactivos para describir el cuerpo humano, presentar referentes de arquitectura, y explicar astronomía y filosofía. La prensa de Gutenberg, a partir del siglo XVI, consolida las ideas del Renacimiento, y el surgimiento de la Ilustración.
En el siglo XVIII, el editor inglés John Newbery comienza a publicar fábulas, en formato pop-up. Sus libros se vuelven de culto, en Inglaterra y Francia, desconociéndose sin embargo los autores de la mayoría de las publicaciones.
Los libros cartoneros, desde los primeros años del siglo XXI, pueden entenderse como encuadernaciones a mano, con tapas de cartón. Dado que el término fue popularizado por las propias editoriales cartoneras, su definición más usual es la de "ejemplar producido por una de esas editoriales", basándose en la economía y humildad de los materiales, y su carácter artesanal.
https://www.pixartprinting.es/blog/historia-libros-desplegables/
https://www.domestika.org/es/blog/4992-breve-historia-de-los-libros-pop-up

Arriba: Volvelle astronómica del siglo XIV: un libro especial.

Elaboración, proyecto y detalle constructivo
Procuro dar nueva lectura a mis proyectos estos días.
La gente no sabe lo que demoran algunos trámites, como el hidrogeológico, lo que da tiempo sin embargo para elaborar, y ajustar. Pensé que elaborar es otro tema. A veces se puede estar sobreelaborando. O a veces el tema está demasiado crudo.
El evangelio de San Marcos es más agreste, el de Juan es muy elaborado. Son dos formas de ver, de abordar.

Haciendo calces y ajustes, me encuentro desarrollando las estructuras, viendo el total y sus pormenores. Desde el detalle constructivo a aspectos de contexto. Actualizando asimismo la arquitectura con las resistencias requeridas.

Procuro que tenga buenos detalles, pensados, donde se delegue poco, presentando decisiones claras, en feedback o retorno con arquitectura. De hecho, en algunos figuro tanto como arquitecto, como calculista, lo que permite comunicación.

Arriba: croquis propio de la Casa de los Nombres (Ritoque, Chile, 1992)

Arriba: empleo de vigas reticuladas como recurso constructivo, Ciudad Abierta de Ritoque. En consecuencia a su tesis: una descomposición de pequeños elementos constructivos que conforman un total.

Cálculo poe (lí) tico
Un aspecto interesante de la poesía de Iommi es su vínculo con el cálculo de arquitectura, y con el grupo de arquitectos, artistas y escritores que refundó la Escuela de Arquitectura de la UCV, en torno a una nueva idea de construcción, y de convivencia. Volviendo a su fragmentarismo, su búsqueda de densidad, y a la noción de complejidad, parte de la estructura propia del lenguaje, que busca una manifestación constructiva.

Leibniz es conocido por su modelo de descomposición de un número en factores primos. Así descomponer en partes simples se convierte en punto de partida de nuevas combinaciones simbólicas, de mayor complejidad. Nuestro entendimiento acoge todo aquello que pueda representarse mediante símbolos. Es una vía de ida y de vuelta, que diluye la distinción entre complejidad y simplicidad, en una configuración teórica unitaria. Proyectando el número en el espacio, cualquier ente puede ser considerado factor invariante, y convertirse en centro del mundo. Si cada punto del espacio teórico puede ser visto como centro de un sistema, es posible concebir un sistema de complejidad infinita.

Esto es, no quedarse en un esquema irreductible. Elaborar, a partir de sus componentes. Desprender en un orden. En un lenguaje más propio, diría que es evitar que el tema se agote.
Los textos de la Escuela de Arquitectura de la UCV, teóricos, son la base para un sistema, con resultados constructivos. Por eso parece interesante, o productivo.
Lleva a pensar, volviendo a lo político, que la gente en el siglo XIX se interesó por escritos basados en doctrinas sociales. Marx y Engels, por ejemplo, y su densidad. Cercana al hecho, nada de fútil. Constatando la necesidad, de un modo útil.
Su densidad había logrado entusiasmar a los sectores populares.
Lo que se ha llamado luego comunismo científico son capas cada vez más difíciles de leer, y lo que a la gente le llama la atención es el orden que se conforma. Lo que se logra con aquello en la praxis. Su manifestación, repercusión.
Que puede verse aplicado en la sociedad real. Eso interesa. Lo real, un vehículo para actuar ante la desigualdad. Las injusticias sociales. De hecho, gran parte del público no necesita llegar a esas capas. Como montañas no abordadas, habitan los valles.
Hemos llegado a un punto en que las cosas no se hacen, y tal vez resultan interesantes los vehículos para hacer.

Me parece interesante, con respecto a la Escuela, que hay un concepto de espiritualidad, que Marx no aborda, y Iommi sí. Si entendemos espiritualidad por interioridad la poesía también es espiritual. Tema tal vez para un próximo artículo, en específico.

Qué pasa que es la primavera cuándo es otoño,
A qué se debe esta luz cálida interior
Paraguas van cabizbajos y su ansiedad no me llega
Soy inmune a vientos de muerte
Si elijo volver a ese camino
La vida se va pausadamente
Entre los campos de trigo
Y no de esta forma
De esperas inclementes
Los ventanales que se abren en tormentas
Piden piedad por sus pobres personajes
Piden piedad por sus finales
De escritores alucinados
En el último café, en el último estertor, en lo último
En un London veloz, en un Pollock que se va
En un Trakl de campos sombríos

En el invierno Persephone
Tiene que regresar al inframundo
Es un ciclo, es solo un ciclo - repito
Hay una segunda vez, hay un viento nuevo
Un sol en la ventana
Hamlet lo ve por última vez
¿es el último? ¿hay otro? ¿es el último?

Aspecto astronómico de la Nueva Biblioteca de Alejandría

Al dibujar la Nueva Biblioteca de Alejandría, o Biblioteca Alexandrina (1996), de la firma Snøhetta, me llamó la atención su aspecto externo astronómico, y su aspecto interno de anfiteatro, más de mesón que de estantería (horizontal más que vertical), en sus vistas interiores.
Frente al Mediterráneo, conmemora la antigua Biblioteca destruida en la Antigüedad, procurando reavivar su atmósfera de acopio de conocimiento. Para ejecutar el proyecto se unen aportes de países europeos, americanos y árabes, más el gobierno de Egipto, y la Unesco. Las obras empiezan en mayo de 1995 y concluyen en diciembre de 1996. El 16 de octubre de 2002, la Nueva Biblioteca de Alejandría es inaugurada, acudiendo importantes jefes de Estado.

El edificio, emplazado cerca del lugar donde se supone se encontraba el antiguo, es un gran cilindro de cemento, cristal y granito, con bajorrelieves escritos, en la mayoría de los idiomas del mundo. Tiene una superficie de 36.770 m2, y una altura de 33 metros, en once niveles, de los cuales cuatro son subterráneos. Posee una sala hipóstila, evocando la arquitectura egipcia, sostenida por columnas de hormigón y madera noble, como sala de lectura, con capacidad para 2000 personas. La cubierta es circular, en cita a Ra, dios del Sol. El vidrio y aluminio son cernideros de la luz, en forma diagonal, mientras que por fuera el cuerpo se refleja hacia el Mediterráneo, como recuerdo del Faro de Alejandría.
Tiene un aspecto geométrico, frecuente en los proyectos de los años 90. De hecho, me recordó a mi proyecto de título, con su horizontal en talud, y a las obras que buscaba como referentes, de cuerpos geométricos que interactúan, como el plegado que el cilindro tiene contiguo.

Concepto de membrana y reticulado en Amereida
Buscando la praxis de cálculo de la Escuela de Arquitectura de la UCV, me ha llamado la atención el uso frecuente de cerchas y vigas reticuladas en sus proyectos de arquitectura, concepto nada inusual, reconocible. Es un buen ejemplo de complejidad en elementos solidarios, y de reconocer el triángulo como figura indeformable. En lo orgánico de sus formas, su crecimiento parece ser aditivo. Y estos triángulos básicos, indeformables, pueden ser su módulo: varias de sus obras tienen este recurso. Como también la aplicación de la tracción: el esfuerzo que estira, especialmente útil para materiales livianos y baratos, como los que emplea la Escuela.
Procuré hacer luego un croquis personal de “La Casa de Los Nombres” (abajo, boceto), obra construida en 1992, en la localidad de Ritoque, Chile, desmontada ese mismo año (no es la idea que permanezca). Parece de especial interés la relación que se da entre los autores, y su método de enseñanza, donde participan en la construcción los alumnos.

Autores: Fabio Cruz (Arquitecto), Salvador Zahr (Arquitecto), Boris Ivelic (Arquitecto), Ricardo Lang (Diseñador).
Constructores: Talleres de Arquitectura de 1°, 3°, 5° Año, y Talleres de Diseño de Objetos, Escuela de Arquitectura UCV, Chile.
Año: 1992 (obra desmontada)
Ubicación: Ciudad Abierta de Ritoque.

El requerimiento es albergar al total de la Escuela (400 personas), con objeto de exponer el quehacer de sus talleres, y conmemorar los cuarenta años de su refundación (1952). El "acto" principal luego es “habitar el espesor de las arenas, alcanzadas con el paso difícil y la luz cruda”, destacándose dos conceptos claves: Lugar y Acto. Así, aunque la obra comienza definiéndose desde el Acto, es el Lugar el que condiciona todos sus fundamentos.

Desmontada, la casa de los nombres perdura en la memoria de su acto, en las planimetrías, y en los registros fotográficos. En su negativo, o vaciado. Puede hacerse la asociación con la poesía de Iommi: la arena es la página vacía.
Queda el vestigio de los pilares de hormigón pretensado, como bosque en la duna, y el vacío excavado, como expresión del interior que se puede albergar bajo el viento.

Conclusiones
Al leer en forma somera, la tesis de la UCV tal vez parte de una premisa aparentemente errada: “quien conozca las partes, conocerá la cosa”. Lo que le nace a uno es pensar que quien conoce la parte no conoce la cosa, a no ser que exista una continuidad unificadora, un relato base. Una poética, que es la parte con comprensión de la cosa completa. Entendiendo sin embargo la idea de complejidad infinita, si cada punto del espacio teórico puede ser visto como centro del sistema, el concepto es la premisa certera de que todos somos un centro, mendigo y rey, como dice uno de sus versos. La aparente disgregación luego tiene relato, y es un relato interesante.
Los dos proyectos dibujados en este texto se contraponen: uno con materiales permanentes, nobles, y el otro con materiales baratos, pero el segundo en el descubrimiento de módulos indeformables, que se van articulando. Recursos constructivos. Uno de los legados más notables de la Ciudad Abierta de Ritoque, y la Escuela de Arquitectura de la UCV: una idea de estructura íntimamente ligada al sentido de la arquitectura.

Planificación y equidad

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 19 Feb 2024 21:10:00 +0000

Los proyectos de gran escala son significativos, transforman la fisonomía, cambian el paisaje. Las fotos contemporáneas de Santiago, por ejemplo, aparecen con nuevos hitos, que hace algunos años no existían, y un dibujante o pintor no podría obviarlo. Cada día los países árabes petroleros producen récords, récords modernos, en cuanto a altura, tamaño y tecnología de construcciones, que obligan al relato, y a los registros, a actualizarse, permanentemente.

Tema de escala y proyecto significativo, que hace pensar en arquitectos como Rem Koolhaas, o Peter Cook (Archigram, en los 60), y sus intervenciones urbanas, visualizando aquel tipo de autor al que se le ubica como “contrastante” o incluso “anti contexto”. Una morfología innovadora, que al ser de carácter original hace pensar, trae una imaginería. Es otro pensamiento, una materia crítica densa aplicada.
Por otro lado, subsisten ciudades paralelas, en un tema social de necesaria inclusión.
Chile actualmente tiene el edificio más alto de Sudamérica, ¿lo sabe la mayoría o les es relevante? Dadas las condiciones actuales del mercado, ¿no podría estar en Argentina, o Brasil?. La Gran Torre Costanera (2014), de la firma Pelli Clarke Architects (arriba, croquis propio), tiene 62 pisos y 300 metros de altura, siendo hasta la fecha, 2024, el rascacielos más alto de Sudamérica y, al momento de inaugurado, el más alto de Latinoamérica. Desde 2020, sin embargo, es el segundo, después de la Torre Obispado, en México, Monterrey (abajo). Hito de Sudamérica, más allá de una empatía, o si produce afecto, o cierto orgullo. Y, ciertamente, modifica el paisaje, dejando al distrito financiero de Santiago, en situación secundaria. Nótese la fisonomía piramidal de la Torre de la Industria, más reducida, de cómo la conoció uno, como estudiante. Al respecto, pensando en esta constante movilidad, este último edificio, con sus 110 metros, fue el más alto de Chile entre 1994 y 1996, cuando lo supera la torre CTC. Nótese las proporciones (primera imagen).

Innovar o administrar. Proyectar o consolidar. Pero consolidar qué. La pregunta planteada así lleva tal vez demasiado pronto a lo conservador o liberal. Tal vez no es tan así. No es tan obvio.
Generalmente el planificador aprovecha oportunidades, una voluntad de gestión, que puede ser construida. Y la misma realidad hace que los proyectos generalmente sean más bastos o toscos de lo que queramos, sobre todo en el aspecto social.

Planificación y continuidad
Me hice la pregunta al pensar en el Plan Nueva Alameda. Y no quise hacer la crítica sin pensar en aspectos positivos, en alternativas. Cuál es nuestro plan. Cuál es nuestra idea de sociedad. Qué queremos hacer con la ciudad, qué consideramos una capital. Qué consideramos común, o compartido.
La constructibilidad de las ideas que tenemos requiere una “administrabilidad” de la situación, un rango de maniobras, una gobernabilidad, que haga posible el desarrollo de las obras. Un apoyo, por último, que puede verse respaldado por votaciones, más o menos regulares, más o menos cíclicas. Eso es el trabajo político, que sirve para impulsar determinada obra.

Qué es lo que se está soñando. A dónde van las políticas urbanas, muchas veces bajo el impulso de políticas ideológicas. El presente pensamiento, tal vez se inscribe en el llamado actual que hacen algunos a los gobiernos y administraciones de evitar cierta “volatilidad”. Llamaría a una búsqueda de la densidad en las organizaciones sociales, y en las colectividades llamadas de izquierda, y centroizquierda, que lleve a la construcción, más que a la empecinada fiscalización de lo que produce la derecha. Que es lo que se ha estado hasta ahora, y se ha criticado.

Línea de tiempo de la planificación urbana

Visualizando una línea de tiempo de la planificación urbana en Chile, bastante basta, para poder trazarla rápido, aparecen algunos hitos. El Tratado de Tordesillas (1494), Pedro de Valdivia (1541), Benjamín Vicuña Mackenna (1872), Karl Brunner (1933), Juan Honold, Pastor Correa, y Jorge Martínez (1950), Juan Parrochia (1960), y Miguel Lawner-CORMU (1970-1973).

Dentro del cerrado ámbito de la planificación en Chile, de su elitismo, y su falta de conexión con las capas populares, que aquello de todas formas el presente artículo procura dejarlo claro en un encabezado, tal vez de todas formas es bueno fijarse en personalidades. Y estudiarlas, respetando aportes y etapas significativas, y los impulsos y voluntades que han significado avances.
Desde el Tratado de Tordesillas, que divide el mundo en dos entre España y Portugal, y constituye tal vez la primera “línea” europea sobre el continente (1494), dejando esta parte del territorio con idioma español, se han aplicado lineamientos y trazados, desde lo político administrativo, y desde las necesidades sociales.
Tal vez el primer planificador fue Pedro de Valdivia. Fundó las ciudades más antiguas de Chile, incluyendo la capital, Santiago del Nuevo Extremo (1541), La Serena (1544), Concepción (1550), Valdivia (1552) y La Imperial (1552). La vida urbana comienza así con su impulso, y la fundación de Santiago, el 12 de febrero de 1541, como asentamiento defensivo, entre los brazos del río Mapocho, y protegido por el cerro Huelén (renombrado Santa Lucía, en honor a Santa Lucía de Siracusa), desde cuya cima se tenía una amplia vista para prever movimientos.
https://www.memoriachilena.gob.cl/602/w3-article-808.html

Benjamín Vicuña Mackenna (1831-1886), abogado e intendente de Santiago, se destacó por múltiples obras urbanas. Entre las más importantes está el Paseo del Cerro Santa Lucía (ex Huelén), la canalización del río Mapocho y, la que interesa más en el presente texto, el Camino de Cintura.
La Avenida Vicuña Mackenna (el ex-Camino de Cintura) actualmente lleva su nombre, y la gente la conoce como la larga avenida que une Puente Alto con Santiago-Providencia, pero no tanto el dato de que iba a ser un primer límite y, en determinados momentos, un anillo, o circunvalación. Durante la República Liberal (1861-1891), siendo intendente, se ejecuta la “gran remodelación urbana de Santiago”, que incluía la construcción de un borde perimetral que, sin embargo, no tenía fines tan equitativos: separaba la ciudad “propia i cristiana”, de la ciudad “bárbara”, de los pobres. El “Camino de Cintura” así rodeaba el actual centro: las actuales Matucana y Exposición por el poniente, Av. Matta y Blanco Encalada por el sur, Av. Vicuña Mackenna por el oriente, y Mapocho por el norte. Alrededor, fincas agrícolas y grandes extensiones de árboles, con el propósito de contener enfermedades e infecciones, que se originaban, como mentalidad de la época, en el mundo popular. A la vez, la Alameda se consolida como eje central, y paseo para las familias acomodadas.

Arriba: Límite urbano Santiago en 1872 y en 1873, según la Revista ARQ (Santiago) N°109 (Ediciones de la PUCCh). En azul, se grafica el límite en 1872, según un informe de Marcial Plaza, encargado por Vicuña Mackenna. Al sur, el Zanjón de la Aguada, y al poniente el ferrocarril y la Quinta Normal. Al norte y al oriente, límites más difusos. En rojo, se traza el límite urbano según la Ley de 1873. En gran parte, queda definido por el Camino de Cintura. Al norte y al poniente los límites quedan sin definir, por la misma falta en esos tramos del borde propuesto.
El urbanismo nos lleva a una experiencia entrecortada, o a la experiencia continua, y nos parece que la experiencia continua puede ser mejor. Todo lo que unifique la ciudad con un hito, posiblemente dignificando tanto deterioro como consolidación, reviste interés.

Link:
https://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0717-69962021000300151

Karl Brunner, autor del Barrio Cívico de Santiago (1887 - 1960) fue un ingeniero, arquitecto, y urbanista austríaco, titulado en la Technischen Hochschule de Viena, que realizó varias intervenciones urbanas en Chile, y en Colombia.
De 1929 a 1932, trabajó en el Ministerio de Obras Públicas, en la Sección de Urbanismo dirigida por el arquitecto José Luis Mosquera. A la vez, fue profesor de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Chile (1930-1932), donde divulga los principios del urbanismo moderno, incorporando recursos como zonificación, y fotografía aérea.
Se encarga, asimismo, del estudio de ensanche de Santiago, donde aparecen primeros tramos de un anillo intermedio, idea que siempre ha rondado en los planificadores. Brunner clasifica y prioriza vías para modernizar Santiago, previendo que alcanzaría un millón de habitantes hacia 1960.
Planifica reforzar el área consolidada, y propone una articulación periférica. Proyecta esbozos del Arco Dorsal en el norte, une caminos zigzagueantes en el poniente y sur, y da jerarquía a Avenida Pedro de Valdivia, en el oriente.
El Barrio Cívico, nace en 1930 (abajo, croquis propio), proponiendo nuevos espacios en torno al Palacio de La Moneda, vaciando las cuadras que enfrentan el edificio, por el norte y el sur, y generando plazas, que lo dotan de dignidad y renovación. El proyecto se extendió hacia el sur a través de un eje en cuyo remate se ubicaría el Congreso Nacional, que no llega a construirse.
https://www.enterreno.com/moments/barrio-civico-de-santiago-en-el-ano-1941

Luego de esta estructuración central, la Circunvalación Américo Vespucio nace hacia 1950, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Chile, con Juan Honold, Pastor Correa y Jorge Martínez Campos, como respuesta a conectar sectores periféricos sin pasar por el centro. Ésta, comienza a construirse en 1962, y termina en 1987, al unirse el oriente con el norte en la Cuesta de la Pirámide, con una longitud total de 69 km.
https://www.elmostrador.cl/noticias/opinion/2013/08/10/avo-una-autopista-fraccionada/

En los años 30 ocurren cambios sociales que transforman la ciudad, producto de migraciones rurales. En los 40, Santiago tiene un fuerte crecimiento, marcado por la diversidad de servicios, y el aumento de población en los bordes, mientras la del centro decrece, convirtiéndose paulatinamente en polo administrativo y comercial.
El crecimiento de la periferia afecta a la segregación, ya que se dota de infraestructura a pocos, mientras otros sufren problemas de traslado. También el aumento vehicular, con insuficiencia de capacidad vial, afectando la calidad del aire, y tiempo de viaje.
Por eso, su propósito es la conexión, uniendo 19 comunas de las 35 de Santiago, como uno de los ejes más importantes. Por otra parte, la extensión ha sido tal que ya no es límite, sino parte de la ciudad, sufriendo una serie de cambios, al ser convertida en autopista, subdividida en tramos.
Al recorrerla, es posible constatar diferencias sociales, y distintos paisajes urbanos. Habitación, equipamientos, parques, comercio. En algunas zonas, cumple rol de soporte de desarrollos viales, a la vez que es agresivo con algunos barrios, y genera un límite para los transeúntes, siendo notorio que los sectores en que la autopista es agresiva corresponden a zonas pobres. Por el contrario, los tramos en donde se integra, con áreas verdes, corresponden a zonas acomodadas. Esto, muestra una clara inequidad de políticas urbanas, que perjudica y castiga a los habitantes de las zonas más postergadas. Vespucio, como vía estructurante, ha sido modificada en el tiempo, pasando de ser límite a parte activa. Su fisonomía de circunvalación une identidades, y participa del desarrollo vial de Santiago.

A Juan Parrochia (1930-2016), planificador del tiempo de Eduardo Frei Montalva, independiente de su posterior conexión con el régimen militar, se le debe el liderazgo en la planeación del Metro de Santiago.
En 1957, ingresa al Departamento de Estudios del MOP, que proyectaba el nuevo Plan Intercomunal. Ingresa como arquitecto y urbanista, y a partir de 1960 pasa a ser jefe del plan. Como tal, lo presenta al Ejecutivo, y es aprobado. Durante los diecisiete años siguientes, dirige proyectos que cambian la fisonomía del país. Junto a otros profesionales, fue parte de la construcción del aeropuerto Pudahuel, y de la avenida Norte-Sur, entre otras obras. Tras el terremoto de 1960, participa en la reconstrucción de Valdivia y Concepción.
A poco de asumir Frei Montalva, se cuenta que le solicitó estudiara una solución para el transporte, caracterizado por congestión e insuficiencia de locomoción. Juan Parrochia, según él mismo ha relatado, responde: “Con mucho gusto, Presidente, pero no la voy a estudiar. La voy a construir”.
En 1964, es nombrado secretario técnico de la Comisión Metropolitana de Tránsito Rápido, para proyectar soluciones acordes con este Plan Intercomunal.
La obra por la que se le recuerda más, proyectada en 1968, y terminada en 1975, es el planeamiento y construcción del Metro de Santiago. A tal punto, que sus estudios aún cobran relevancia en las actuales líneas. Como preveía, no solo se requiere infraestructura, sino interconectividad: que los lugares donde transitan tanto buses como Metro estén conectados. De esta idea surge el Metro como una de las principales arterias, integrada al sistema de buses, y al tránsito de personas. Promueve un crecimiento de la ciudad, considerando ciudades satélites con distintas funciones, de relativa autonomía.
Sin embargo, esta visión sustentable es desbaratada ya más entrada la dictadura de Pinochet, al instaurarse en 1979 una política nacional de desarrollo urbano, más mercantilista, depredadora, que retrocede en los avances alcanzados. Modelo que, sin embargo, no fue cambiado, sino profundizado en los 90 con autopistas urbanas, que fueron desplazando cada vez más el sistema diseñado por Parrochia, que buscaba equilibrio entre transporte público y privado.
Con respecto al proyecto de Metro, en julio de 1975 se realizó la inauguración técnica de la Línea 1, y el 15 de septiembre se abrió al público entre las estaciones San Pablo y La Moneda. Dos meses después, Parrochia, primer Presidente del Metro, renuncia, para dedicarse a la docencia.
http://www.quepasa.cl/articulo/actualidad/2016/02/el-hombre-que-construyo-un-metro.shtml/

Como dato curioso, Allende al asumir quería sacarlo. En su campaña presidencial, Salvador Allende hacía notar el gasto público que significaba el proyecto y, después de asumir, sacó a Juan Parrochia, y nombró en la dirección de la obra al ingeniero Eduardo Paredes. Pero era tal el respeto que inspiraba Parrochia que, un día antes del anuncio, el propio Paredes fue a verlo a su casa, ofreciéndole quedarse en una oficina de Vialidad Urbana, como cuenta su familia.
Allende comprende que el metro puede ser un sello de su gobierno, sobre todo de uno de inspiración popular, que priorice obras para la clase obrera, y así durante la Unidad Popular el proyecto sigue adelante, aunque con retrasos por los acontecimientos políticos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Parrochia
https://www.latercera.com/nacional/noticia/primer-borrador-del-metro/374677/

La Unidad Popular y la experiencia colaborativa del edificio de la UNCTAD
Miguel Lawner (1928), arquitecto, fue durante la Unidad Popular nombrado por Allende director ejecutivo de la Corporación de Mejoramiento Urbano, CORMU, donde su enfoque fue la integración social. Bajo su dirección, se realizaron 158 mil viviendas económicas, y la remodelación del Parque O´Higgins, entre otros proyectos. También ejerció como coordinador de la planificación del edificio de la UNCTAD III, símbolo de colaboración entre arquitectura, arte y diseño dentro de la “vía chilena al socialismo”. Un interesante edificio, que algunos inscriben en el brutalismo, con reminiscencias de constructivismo y expresionismo.
“Tuve la fortuna de que el año en que ingresé, en 1946, se puso en función un nuevo plan de estudios, la llamada ‘reforma del año 46’, que acabó con la concepción clásica de las escuelas de arquitectura que existían en el mundo, basadas en las escuelas de Bellas Artes de París, completamente ajenas a la realidad chilena. En consecuencia, tuve una formación muy vinculada a la sociedad en que estábamos inscritos. Me tocó vivir un tiempo de concepciones muy progresistas post Segunda Guerra Mundial. Flotaba en la humanidad entera un aire progresista con un acento muy fundamental en lo social, después de la pesadilla que significó el triunfo del nazismo. Ese magnífico plan de estudio estuvo influido por un profesor húngaro que llegó a Chile como refugiado y que había estudiado en la escuela de la Bauhaus. Esa concepción social en el ejercicio de mi profesión me ha acompañado toda la vida”, resume.
Fue así director de la CORMU durante todo el gobierno de la Unidad Popular, hasta el Golpe de Estado de 1973, de Augusto Pinochet. De la arquitectura oficial, a ser prisionero político.

https://doble-espacio.uchile.cl/2023/07/24/unctad-iii-el-legado-arquitectonico-y-cultural-de-la-unidad-popular/
https://www.santiagoadicto.cl/2018/11/26/275-dias/

En 1971, en 275 días, arquitectos, ingenieros, artistas y obreros, levantan el edificio de la UNCTAD III, para la sede de una conferencia de la ONU, que hoy es el Centro Cultural Gabriela Mistral (arriba, boceto propio). Se usó por primera vez la computación, y hubo constante convivencia con sectores populares, incluyendo un asado en Alameda, con Salvador Allende.
El diseño fue de José Covacevic, Hugo Gaggero, Juan Echenique, José Medina y Sergio González, y la construcción bajo coordinación de la CORMU. Además, el edificio integró arte al nivel de la ocasión, por parte del pintor Eduardo Martínez Bonati. Como curador, incorpora obras de Roser Bru, Gracia Barros, Luz Donoso, Guillermo Núñez, José Balmes, Mario Irarrázaval, Mario Toral, Samuel Román. Él mismo gestiona el pago, equitativo. “Fue el salario equivalente al de un obrero de terminación de primera”, recuerda Martínez.
La escala y tiempo de construcción es inédita. “El proyecto contempló dos edificios, la placa y una torre. La placa, de 24.000 m2, consistió en un pabellón de dos pisos de 170 metros de largo. En el nivel principal se ubicaron dos salas de conferencias con capacidad para 350 personas cada una, y una sala plenaria con capacidad de 2.300 personas. El nivel del ingreso se destinó a salas de reuniones y conferencias adicionales, y al salón de delegados. Los servicios de comunicación, una cafetería, y un restaurante autoservicio con capacidad para 600 personas, se localizaron en el zócalo”, explica Lawner, intermediario entre Allende y los profesionales. “La torre consideró un programa de 400 oficinas distribuidas en 20 pisos, con una superficie total de 15.000 m2 y 70 metros de altura, incluyendo un helipuerto. Ambos edificios estaban conectados entre sí mediante puentes y comunicados con el entorno urbano a través de túneles que vincularían con calles adyacentes, una estación de metro y el Parque Forestal”.
Se erigen 16 pilares, para sostener la cubierta del edificio, de 9.000 m2, permitiendo construir el resto simultáneamente. Se usan mayoritariamente materiales nacionales, reduciéndose a solo diez por ciento los importados. Y, por primera vez, la coordinación de un proyecto se realiza íntegramente con el uso de informática, lo que aceleró las obras. “La construcción se llevó a cabo en tres turnos, que funcionaban siete días a la semana. Allende visitaba la obra prácticamente a diario para alentar a los más de tres mil trabajadores”, dice Lawner.

Cronología de cambios de nombres y uso del edificio UNCTAD
En 1973, ocurrió el Golpe de Estado, y el edificio UNCTAD pasó a llamarse Diego Portales, siendo sede del gobierno de Pinochet hasta 1981, debido a la destrucción de La Moneda, que significó su bombardeo. Cae en progresivo deterioro, incluyendo un incendio en 2006, hasta que actualmente, remodelado, alberga el Centro Cultural Gabriela Mistral, GAM.

Cronología:
UNCTAD 1971-1973
Edificio Diego Portales 1973-2009 (hasta 1981 fue sede de gobierno)
GAM 2010-2024

Es posible hacer el ejercicio de graficar los periodos del edificio, en un diagrama circular, para constatar cuánto pesa la memoria de Pinochet en algunas generaciones de chilenos. Ha pasado bastante tiempo, y sigue siendo más Pinochet proporcionalmente, en cuanto a tiempo, en la ocupación de los lugares.
1973-1981 edificio como sede de gobierno
1981-1988 conferencias
1988-2010 sombra (incendio de 2006)
2010-2024 transformación

– “Es caprichoso, es frío. No entiende el negocio”. – Kendall sobre Matsson (que al final resulta ser el ganador, el que se queda con la empresa, en el final, algo trágico, de “Succession”)

Plan Nueva Alameda
Este artículo termina con una vista y crítica del actual Plan Nueva Alameda.
Se percibe, como ya he opinado antes, como un minimizar las demandas que dieron origen al estallido social, de 2019. Recordando, Piñera ganó a Lavín evadiéndolo. Hay casos exitosos de política que esquiva, o sortea, sin decirlo en forma peyorativa. La gente dice “hacer el loco”, en los casos en que se evade lo conflictivo. A veces resulta, como recurso. Como escribía al inicio, nos adaptamos a la fuerza, sea bendita o maldita. Nos adaptamos a la infraestructura.
En mi caso me gustaría algo más frontal. Y el proyecto en cuestión tiene aspectos no aceptados por todo el espectro político, como en la imagen inferior, donde Eduardo Artés reclama por la ausencia de “Jardín de la Resistencia”, dando claramente a la propuesta oficial un cariz político, algo más cercano a la derecha. Cuando los bandos políticos, además, se empiezan a pelear de quién es la propuesta, hay un problema, de originalidad al menos.

Como antecedente, en diciembre de 2022, el Presidente Gabriel Boric, el gobernador Claudio Orrego, y los municipios de Lo Prado, Estación Central, Santiago y Providencia, firman el convenio que permite la transformación del eje Alameda. Son cuatro obras principales: una ciclovía metropolitana, de 24 kilómetros, la remodelación del “Nudo Pajaritos”, y de la Plaza Italia, y por último el proyecto de recuperación del espacio público, que incluye el mejoramiento de fachadas en torno a la Alameda, la ampliación de áreas verdes, y la implementación de cámaras de seguridad. Está basado, sin embargo, en un proyecto del tiempo de la administración Bachelet, previo al estallido social, vale decir, como si no hubiera ocurrido el evento. Asimismo, con posterioridad se había descartado, como poco viable. De forma poco humilde, Orrego la ha llamado “la remodelación más importante de los últimos 50 años”. Claro, está su nombre. Se desearía, como he leído en varios artículos, más participación ciudadana.
Parece ser el remozamiento de un proyecto “para otro tiempo”. Además, “no pasa por todas partes”. Tal vez un proyecto más “integral” sería más “socialista”. Una circunvalación. O, tal vez en el mismo eje, considerar “nodos”, o puntos de articulación con la metrópolis. Pensar transversalidad, no solo axialidad.
https://www.latercera.com/la-tercera-sabado/noticia/la-remodelacion-de-la-alameda-siete-miradas-de-expertos/45TMYOS3W5BUJDOEHIDW4U7H7E/
https://nuevaalameda.cl/navega

Esa capa de pintura, que se ha presentado como proyecto urbano, además, inquieta un poco. La entiendo, pero no la asimilo como de importancia. Claramente no es Vicuña Mackenna ni Juan Parrochia. Es algo que se va a perder, y va a quedar una “obra gruesa”, una infraestructura, con la que siempre hay que trabajar. Va a quedar la tarea pendiente.
La tarea pendiente de unir la ciudad. De propiciar equidad, como principio. Rebatir la idea, equivocada a juicio del presente artículo, de que la equidad no es importante. Dentro de esta “beligerancia”, ideológica, tal vez no tan negativa, sin embargo, puede darse la capacidad de mover infraestructura “no irritable”. Nadie molesta a Elon Musk porque quiere viajar a Marte, porque es un proyecto no irritante, que no molesta, es innovador. La capacidad de mover una “novedad”, que congregue. Si Elon Musk quisiera modificar un centro urbano, el centro de París, tal vez sería irritante, problemático. De hecho lo es, al intervenir en organizaciones de trabajadores.
https://lacasadejuana.cl/la-ciudad-y-los-concursos/

Queda subyacente, al pensar en lo mejor para la ciudad, aplicar una idea equitativa, real. El ejercicio de algo más radical. Se me ocurre un sistema de anillos concéntricos. Uniendo anillos a través de transversales, tipo Vicuña Mackenna. Una idea que tracé en un curso de la universidad. Con la que aprobé bien, generando ciertos comentarios.
La capital así podría estar conformada por anillos, que reduzcan la presión sobre Américo Vespucio, y radiales, que disminuyan el impacto sobre las vías y carreteras de acceso.

Es interesante leer opiniones, como las de los links anteriores. Andrea Ortega, académica de la Universidad Católica, destaca la implementación de la ciclovía, pero cree que “falta énfasis en la recuperación y puesta en valor participativa del patrimonio urbano en todo el eje y particularmente en la Zona Cero. La recuperación del espacio público no puede estar enfocada solo en el mejoramiento de fachadas”. Destaca que es necesario discutir la metodología en la que participará la ciudadanía: “¿La recuperación del espacio público para quiénes? ¿Cuáles serán las partes interesadas consideradas en el proceso? Es necesario tener en cuenta que los conflictos en este eje de la capital no serán resueltos sólo volviendo a pintar una y otra vez las fachadas”.

Conclusiones: Gobernabilidad y proyección de ideas, reivindicación de la equidad
Cuando no se quiere modificar la sociedad aparecen capas de pintura, que en un tiempo más un manifestante va a rayar. Alguien debería decir, a quienes redactan los textos, sobre priorizar ideas, en los mismos proyectos.

Le mostró una carta a medio llenar
Algo faltaba, estaba adulterado
Alguien le había mentido
Algo no estaba bien y se supo en peligro

Viendo aspectos positivos, se puede hablar de un proyecto más bien moldeable, que puede ser factible de cambios. Es flexible, puede adaptarse. Por otra parte, la remodelación y unificación de los sectores señalados, se percibe como necesaria. Ahora, de nuevo como crítica, puede entenderse en un tiempo de satanización de lo confrontacional, o controversial. Algo frontal, en lugar de todo este trabajo de tejido y ajuste, y toda esta cosa psicológica, que favorece consensos, en lugar de ideas, cierta pereza de ideas, en suma. Radicalizar permite tomas de opiniones más libres. Radicalizar sirve para clarificar. En arte y cultura obras con ideas comprometidas, y no exclusión. Un sentido de solidaridad y, como título del presente texto, la palabra equidad.

Continuidad, proyección, legado
A dónde va este gobierno de jóvenes, que tiene aspectos positivos, como problemáticos, producto del aprendizaje. Como gran crítica, no tiene una sucesión clara, y puede caer en el mismo error de prácticas criticadas: más que ideas y principios comunes, como aporte, traer solo personas.
Desde el innovador, pero desigual liberalismo, del tiempo de Vicuña Mackenna, en el siglo XIX, muchos chilenos alcanzaron a ver una búsqueda de bienestar estatal en el siglo XX, desde la república socialista de Marmaduke Grove, a los gobiernos de Pedro Aguirre Cerda, y Allende. Luego, la dictadura militar y el aire enrarecido posterior. Con sus errores, el aporte del siglo XX es aplicar sistema.
En los croquis elegidos, en el presente artículo, procuré detenerme un tiempo en tres ejemplos, con dos extremos icónicos. De una gestión cooperativa, en 1971, del edificio de la UNCTAD, a la arquitectura de gran escala, de carácter corporativo, empresarial, de 2014: la Gran Torre Costanera. Y el Barrio Cívico de 1930, como centro de la ciudad. De Vicuña Mackenna, me llamó la atención su halo de liberalismo, respondiendo a la época, un tanto clasista. Su buena previsión técnica, e intuición correcta, sin embargo: la avenida circundante. Y los proyectos controversiales y radicales del siglo XX, y comienzos del XXI. Recuerdo reuniones de taller de arquitectura en las que hablábamos, en un círculo, en grupo, y de repente llegaba alguien atrasado. Mi curiosidad era si el alumno iba a ser deficiente, o admirable. Y mi alegría cuando era admirable, a tal punto que influía y comenzaba a modificar la conversación. Eso significa que alguien nuevo siempre puede proponer algo fuerte. Un proyecto de arquitectura así puede hablar bastante de urbanismo.
Este posteo iba a ser crítico, pero de alguna forma se transformó, en parte, en un estudio. A propósito de la puesta en marcha del Plan descrito, me interesó este tema, que quise abordar en este posteo rápido. En el próximo volveré a mis proyectos.

Arriba y abajo: bocetos propios de proyectos de escala urbana en Santiago (febrero de 2024).

Éntasis o sentido de proporción

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Sat, 30 Dec 2023 10:45:00 +0000

Generalmente no se diseña para espacios inaccesibles a la vista, sino que son para presentar, contemplar. La existencia actual de drones amplía la posibilidad de vistas a las aéreas, pero siempre se favorece al transeúnte, a la persona a pie. Las cosas en arquitectura son para ver, se favorece su apreciación. Arriba: croquis propio de la Acrópolis de Atenas, que favorece la perspectiva simultánea de cada edificio. Nótese que la disposición de las construcciones produce distintos focos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Acropolis_de_Atenas
https://thatsmaths.com/2018/06/21/optical-refinements-at-the-parthenon/
En principio, el emplazamiento no parece programado. Sin embargo, se ha observado una disposición peculiar de los tres edificios principales: el edificio de entrada, o Propileos, el Partenón, y el Erecteión. Un sistema de rayos de vistas emanan desde el Propileos, entregando una visión óptima del Partenón. Desde este punto, los límites más externos, de los otros dos hitos, forman un ángulo de 60 grados, y los tres puntos un triángulo equilátero (abajo), forma asociada con Atenea.

Esto lleva a pensar en la apreciación de los edificios y monumentos en la antigua Grecia, donde las construcciones se modificaban, a través de la llamada éntasis. Un ensanche, para mejor apreciación, rasgo que puede considerarse una cima del conocimiento geométrico: que la persona domine la geometría, no que la geometría domine a la persona. Error tan típico de estudiante, o de arquitecto en aprendizaje: ser “dominado”, constreñido. Qué bello entonces aparece el pensamiento griego, precursor del humanismo, que lleva a la naturalidad: no ve extrañas las ideas, las vuelve cotidianas, lo que lleva a la vez a una preocupación social, política. Vale decir, a que las ideas se vuelvan cotidianas, se encarnen. Que estén “a sus anchas”, plenamente. Lo que no es menor, porque coincide con periodos históricos de auge, en las civilizaciones. Aquello, en lugar de quedar atrapado en un formalismo, constreñido en un círculo, o en un cuadrado rígido. Contemplación, y sentido de la orientación, lo que buscaban priorizar.

Éntasis
Pienso la éntasis como la adaptación a la apreciación humana. En cuanto a arquitectura, es el recurso que contrarresta una ilusión óptica: la tendencia a ver líneas cóncavas (“hebilla”). Si bien es cierto que los griegos lo vuelven célebre, en el Partenón, también lo utilizan pueblos como el egipcio, los chinos, y los incas.
Curvar columnas, o soportes, ensanchándolos, genera así percepción de rectitud. Tal vez su primer uso premeditado fue en las pirámides de Giza, que tienen pendiente convexa, que produce profundidad y grandeza. Los pueblos mesopotámicos, por su parte, también utilizan el recurso en sus zigurats, construidos sin ángulos perpendiculares, donde todos los lados son levemente curvos, generando la percepción de que se levantan como parte del paisaje. Abajo: ilustración propia del zigurat de Ur, en Irak, 2100 a.C.
https://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-templo-griego-partes-caracteristicas.html

Las correcciones ópticas del Partenón
Quizá el edificio más célebre donde se utilizó la éntasis fue el Partenón, construido en el 431 a.C., en la cima de la Acrópolis de Atenas.
Algunos estudios sugieren que, además, se usó para otorgar resistencia estructural, y estabilidad a las columnas grandes. Sin embargo, la razón más difundida es que como el templo debía representar perfección, el arquitecto se permite corregir medidas, y “distorsionar” la construcción. Así, el fuste es más ancho en el centro (éntasis) para corregir el estrechamiento. En la imagen inferior, se describen estos recursos, en su fachada.

http://construcciontradicionalgeometrica.blogspot.com/2018/02/entasis-de-una-columna.html
https://revistas.unav.edu/index.php/revista-de-edificacion/article/download/35026/31110/

Esta distorsión, o refinamiento premeditado, fue reintroducido en la arquitectura renacentista por los arquitectos Andrea Palladio, y Jacopo Vignola. El periodo del Renacimiento trae luego un interesante aporte al método, a través de los tratados. La éntasis se provee de norma, pudiendo seguirse una guía de pasos, de cómo diseñarla correctamente.

Dentro de la adaptación a la apreciación, en la Villa Capra (1566), Palladio, aparte de la leve éntasis en sus columnas jónicas, recurre a otros ajustes. De los cinco intercolumnios, presentes en las fachadas, se puede apreciar que el del centro es algo más pronunciado, en correspondencia con el ancho del acceso principal. Así esto podría interpretarse como otra "corrección visual", casi imperceptible (arriba).

Arriba y abajo: bocetos propios de la Acrópolis de Atenas (Grecia), y el Zigurat de Ur, en Irak.

Correcciones ópticas en las letras de la Bauhaus
https://tiposformales.wordpress.com/2010/09/12/correcciones-opticas/
¿Qué tienen en común la letra “Futura” y las columnas del Partenón?
Para evitar percibirlas con distorsión, también se aplican modificaciones a las fuentes, o tipos de letra.
A partir de estudios, de mediados del siglo XX, se da a lugar a una serie de correcciones en tipografía. En esta fecha, cambio de folio entre la arquitectura clásica y moderna, las letras también debían representar esta transición, e incluso comunicar cambios políticos y sociales, pensando una imaginería de afiches, letreros, y documentos.
Por ejemplo, las letras curvas empiezan a ser levemente más grandes que las cuadrangulares, para verse del mismo porte. Algo similar ocurre con las agudas, por lo que su forma debe sobrepasar la línea superior, en el caso de la A, o la línea base, en el caso de la V, y W.
En 1924, Paul Renner, tipógrafo inspirado en la Bauhaus, crea la fuente “Futura”, bajo el lema "La letra de nuestro tiempo". Con el entusiasmo de una nueva época, Renner busca simplicidad, evitando decoraciones, e incorpora correcciones visuales. Así se basa en círculos, cuadrados y triángulos, de acuerdo a los postulados del modernismo, en especial de los movimientos De Stijl y Bauhaus.

De esta forma concibe “Futura”: letra que evoca un mañana prometedor, un renacer, valores estéticos y conceptuales que representa la Nueva Tipografía, que servirá de inspiración para muchas otras fuentes de este estilo (de palo seco, geométricas y neutras).
La fundición Bauersche Giesserei la presenta en 1927. Vanguardia entonces, hoy todavía se considera una fuente moderna, que transmite progreso, y se ha utilizado en todo tipo de eventos (viaje a la luna, Olimpiada soviética).
https://es.wikipedia.org/wiki/Futura
https://design.tutsplus.com/es/articles/all-about-futura-font-and-its-history--cms-35382

Ante la llegada del nazismo, en los años 30, los tipos de letra modernos, incluyendo Futura, fueron rechazados, buscando mostrarse una identidad, que en principio representó “Fraktur”, la letra gótica alemana, convertida en estándar. Sin embargo, en los 40, el régimen la considera similar al tipo hebreo, también de aspecto cuadrangular, y la prohíbe. El motivo del cambio de criterio inesperado es el descubrimiento de que “Fraktur” posiblemente no es una “letra aria”, sino tal vez una transposición de tipos “Schwabach”, de origen hebreo. Interesante tema, con origen seguramente en las autoridades de la época, y la búsqueda de asimilación al judeocristianismo.
Así, “Fraktur” es prohibida, a través de una circular, de 3 de enero de 1941, firmada por Martín Borman, quien ordena dejar de usarla, debiendo reemplazarse por “Normalschrift” (letra normal, como pasa a denominarse a “Antiqua”), tipo de origen romano, y orden clásico.

Durante la Segunda Guerra Mundial, fueron utilizados muchos sans serifs modernos diferentes por el ejército estadounidense, y Futura fue la fuente más destacada. Después, cuando la NASA necesitaba una fuente para la placa que el Apolo 11 dejaría en la luna, se eligió Futura.
Futura luego vuelve, desde el intervalo de los años 30, y como conclusión nos parece que el modernismo es lo correcto. Seguimos estudiando la éntasis, porque es un avance. Es lo nuevo, es el proceso de conocimiento. Como dice alguien, “no se detienen los procesos sociales”. Las investigaciones objetivas se pueden atacar, pero continúan su curso.

Deformación en la fotografía y percepción de la Tierra redonda
El movimiento en el que estamos, dentro del universo, da un punto de vista no estático. Aprendemos por ejemplo a hacer croquis con verticales “muy rectas”, pero ocurre que desde lo alto, y la lejanía, las líneas verticales se “perspectivan”, toman un foco, se “deforman”, luego a través de croquis es posible darse cuenta de que se simplifica, intuitivamente.
En la Tierra, todo está en movimiento. Las mismas sombras, no son iguales en todas partes. Hace poco, por ejemplo, veía nuevamente la explicación de Carl Sagan de por qué la Tierra es redonda, "con una cartulina y dos palos". Y la correcta estimación de su circunferencia, a través del cálculo de Eratóstenes.
https://www.youtube.com/watch?v=I_v4VpfIyxU

Conclusiones
Viendo ejemplos, se puede pensar luego cómo aplicar éntasis a nuestros proyectos, sin necesariamente abultar, siendo literal, sino entenderlo como algo más genérico, como concepto.
Estaba pensando que la “mano” de un arquitecto es una forma de éntasis natural, un adaptarse, dentro de lo abstracta que es la arquitectura contemporánea. El desarrollo del croquis favorece una éntasis o sentido de proporción implícito. Es la visión personal de alguien, su impresión.

Resulta notable la concepción arquitectónica de los Propileos de la Acrópolis, edificio elogiado por Le Corbusier en “Hacia una Arquitectura”, que en sí mismo mitiga la diferencia de nivel existente entre exterior e interior, de la meseta de emplazamiento. Una comprensión tridimensional, inspiradora para el modernismo.
Actualmente, afino últimos detalles de mis proyectos en cuanto estructura, lo que me ha tenido bastante ocupado. En el proyecto de gimnasio auditorio, por otra parte, he estado procurando sensibilizar las llegadas a la calle. Por seguridad, y asimilación, se emplea albañilería reforzada en la parte inferior, estucada por ambos lados, y revestimiento Isopol, a contar de los 3 metros, en la parte superior, como contraste.
Me ha preocupado estos días especialmente la proporción en las plantas de una vivienda, que actualmente ejecuto, en una zona rural, y también para las estructuras del gimnasio.

La idea de un pop up inmersivo, por otra parte, ha surgido este tiempo en mis descansos. Concebir soportes de pop ups distintos, para “Las casas de la Historia”, por ejemplo. Nuevos mecanismos, que me muestren cosas nuevas: deslizamiento y descubrimiento, e ideas atractivas, como el libro túnel, por ejemplo. Veré si puedo desarrollar esta imagen. Por mientras, procuro mezclarlos con pinturas, y con acuarelas, que tengan un aspecto menos homogéneo, pictórico. Abajo: Villa Capra, probando la textura del papel fabriano.

La idea de un adentro, en un libro, me ronda (abajo). Como otras veces, tal vez necesite un posteo especial para mostrar mis avances, y ordenarme.

He pensado finalmente que la presentación de arquitectura, la conocida “entrega”, que se enseña en las facultades, puede ser una cortesía, un acercamiento, o sensibilización, de una idea que aparece en principio en bruto. Una sensibilización de la idea. Si nos fotografiamos de cerca, por otra parte, estamos más “deformados” de cómo nos vemos en una foto frontal. Una toma dirigida a la barbilla, mirando hacia arriba, es bastante “realista”, deforma o vuelve poco estética la cara. Se puede pensar que estamos mostrando lo mejor de nosotros, siempre, y tal vez esa formalidad es una forma de deferencia. La arquitectura es similar: es mostrar una buena fotografía, en el fondo de un terreno indeterminado.
Más allá de las geometrías, se puede pensar cómo se hacen valer los sentidos, incluso pensando arquitectura para gente ciega, o con problemas de motricidad. Tal vez tiene que ver con cómo acercamos la idea, a través de la percepción, a través de los sentidos.
Lo que nos deja finalmente la éntasis: las cosas no son “matemática para nadie”, sino que están hechas para la percepción humana.

Texturas de papel fabriano.

Entradas de luz

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 25 Sep 2023 14:54:00 +0000

Alguien podría pensar un proyecto como una caja, clásica o premoderna, opaca, casi sin entradas de luz, y no estaría mal. Donde las entradas de luz serían las ventanas, las logias, los balcones, y donde el límite de penumbra y deslumbramiento queda claro.
Se puede pensar, sin embargo, en el cambio que implica la iluminación cenital en un recinto, a través de luz solar. Es significativo, no es lo mismo. Una lucarna es un foco de luz superior, que se percibe casi como lámpara, o luminaria. Abrir la cubierta trae otra percepción. Otro concepto. Cambia la idea de límite a la de permeabilidad.

La Casa Farnsworth, de Ludwig Mies van der Rohe, en torno a la permeabilidad, es una vivienda unifamiliar que es prácticamente traspasada por el entorno, prescindiendo por completo de muros exteriores. Diluye la caja.
https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Farnsworth
http://elplanz-arquitectura.blogspot.com/2012/06/mies-van-der-rohe-casa-farnsworth.html

Transparencia del modernismo
En su simplicidad, la Casa Farnsworth se aproxima mucho al ícono. A dibujar con tres trazos, a la idea de lo menos posible (imagen superior).
Una casa, por otro lado, que nos obliga a mostrarnos por entero. Es como un aliento de racionalidad.
La gente, sin embargo, quiere opacidad en los servicios higiénicos, y en las alcobas. La “caja café”, que se ve en la acuarela (primera imagen). Curiosamente la foto de la página de Wikipedia, del proyecto, no la muestra en su transparencia, sino con su recurso de opacidad: la cortina. Y el proyecto se convencionaliza un poco: la mirada choca, los árboles se cortan en la viga UPN blanca. No es la imagen que se promueve, con los árboles formando parte de la fachada (abajo).

Desde el Crystal Palace y la casa Farnsworth ha habido múltiples casas de cristal, con distintos grados de radicalidad. El proyecto de la casa de vidrio (2000), en Chile, fue en su tiempo toda una polémica, por proponer transparencia total, incluyendo los servicios. Personalmente, al tener intereses más bien políticos, que tienen más que ver con justicia social, no me llamó mucho la atención. Yo creo que a un comunista no le llama la atención ver en el baño a alguien. A un fisgón sí. Y el proyecto se llenó de fisgones. Hay gente, por otro lado, que le gusta bailar sola, ¿está fuera de la sociedad?, ¿está loca?. La gente hace “otras cosas” cuando sabe que no la ven: imagino por ejemplo a un joven haciendo “headbanging”, con audífonos.
https://www.theclinic.cl/2020/02/06/voyerismo-morbo-y-abuso-la-historia-secreta-de-la-casa-de-vidrio-a-20-anos-de-su-instalacion/

Me puse a pensar que “divagar” a lo mejor es una opacidad en el mundo socialista. Lo digo porque vengo de gente de izquierda, y aun así no me he llevado bien con parte de ellos.
El arte está lleno de gente que divaga, “pajarea”, y uno mismo se acusa.
Pienso qué sentido tiene si todos somos una especie de “monje comunista” (lo que es una paradoja), en una arquitectura blanca. Comentario que recuerdo cuando hablaban de Le Corbusier, cuando estudié. Recuerdo un curso de Wren Strabucchi.
Me puse a pensar un futuro donde todos son comunistas. Pero aparecieron comunistas buenos, y malos. Y hay conflictos que siguen. Como China con Vietnam.
Hay una parte donde Hellboy dice: “odio a los alemanes. Me ponen nervioso”. Y es divertido porque se supone que es el diablo jejeje. Me puse a pensar en el lugar donde se albergan nuestros pensamientos oscuros. Los lugares sombríos de Edgar Allan Poe, por ejemplo. Donde conviven nuestras monstruosidades, y de alguna forma nos libran del peligro.

Bueno, no se inquieten mucho por mí: solo soy liberal, en este punto. Me llama la atención el expresionismo, que sigue siendo un fenómeno de izquierda, pero a la vez tiene que ver con “llamados oscuros”.

¿Cómo se pinta la transparencia en acuarela?
Transparencia de alguna forma es entrada: dejar pasar. Juan Luis Martínez toca el tema en sus libros, siendo conocida la cita: “Si La Transparencia se observara a sí misma, / ¿Qué observaría?”
http://letras.mysite.com/jlma080123.html
Interesado, voy luego al hecho de cómo se dibuja o grafica la transparencia. Formalmente transparencia no es inexistencia, como cualidad metafísica, sino traspaso de parte de los sentidos a través de un material. De alguna forma es mezcla, un “a través de” otra cosa, un cedazo. Lo que entra deja parte suyo al ingresar. La arquitectura lleva al fenómeno físico de la idealización, donde finalmente un material deja pasar en parte la luz, y atrás se ve otro. A lo mejor solo es eso.
¿Cómo se representa la transparencia en maqueta? ¿Es un hueco, un vacío? Es una idealización: imaginar vidrio. En acuarela a lo mejor es un “bañado celeste”, o de otro color, un velo. Otra veladura, muy tenue.
Actualmente se busca la transparencia en materiales antes opacos. El hormigón transparente, por ejemplo, ha comenzado a promoverse como innovación en algunos proyectos, como mezcla de fibras ópticas y hormigón fino. Fibras diminutas que transmiten la luz, y se convierten en un componente estructural en la mezcla de hormigón homogéneo.
https://hormigonaldia.ich.cl/smartconcrete/hormigones-translucidos-un-hormigon-que-brinda-un-nuevo-aire-al-prefabricado/

Estructura de la casa Farnsworth
La estructura de la casa Farnsworth se conforma de perfiles de acero. Asimilándolos a los disponibles por estos lados, se podría hablar de una modulación de pilares H (HEB-300, que otros llaman también "doble T", o incluso I), sosteniendo un perímetro de perfiles tipo viga (UPN-400), en forma de C, o canal, dispuestos hacia adentro, donde se incrustan vigas transversales (IPE-300), o viguetas, entre las cuales se incorporan losas de hormigón prefabricado, sobre las que se dispone el resto del forjado.
El suelo, por su parte, incorpora baldosas de 90 x 60 cms de mármol travertino (también usado en el Pabellón de Barcelona), con calefacción a través de suelo radiante.
Esta obra se considera ejemplo de minimalismo, a través de sus tres planos: terraza, suelo, cubierta, y estos pilares externos, que sostienen los planos sin perforarlos. Abajo: detalle de encuentro de los tres perfiles (acuarela propia), HEB-UPN-IPE, que es un acercamiento a la esquina superior de la primera acuarela.
http://diariosdeunarquitecto.blogspot.com/2013/06/casa-farnsworth-illinois-chicago-1945.html

Las esquinas así quedan libres de estructura, por lo que permite la unión del vidrio, en una arista liviana. En el interior a su vez no hay divisiones, solo una caja de instalaciones, central. En torno a esta caja fluye un entorno continuo, sugerido, con espacios virtuales, que pueden atender a múltiples usos.

En proyectos que actualmente trabajo, en parte he procurado recurrir al uso del perfil HEB, y las vigas IPE, como sistema. La transparencia, que tanto atrae, por otra parte, es factible de sustentar a través de marcos rígidos, y uniones articuladas. Al ver perspectivas interiores del Crystal Palace (Joseph Paxton, 1841, arriba), por ejemplo, asombra la escala que se puede lograr a través de estas vigas reticuladas.
En el afán de grandeza y de comunicar prosperidad, el icónico Crystal Palace abunda en luminosidad, incorporando galerías a diversas alturas. Articulado en hierro fundido y forjado, y cristal, contemplaba 600 metros de largo, 137 de ancho y 34 metros de altura. Tenía una planta basilical de cinco naves, con crucero central abovedado, donde podían disponerse árboles, de acuerdo a la ilustración.

Foco en el escenario
Procuro “ver” dentro del proyecto de gimnasio auditorio, en diversos croquis y dibujos, poniendo foco en el escenario, como idea que me ha atraído, y llamado la atención de los mandantes. También poniendo atención en los refuerzos y “reticulado” transversal, sus partes, y las posibilidades espaciales del proyecto. Coordinando especialidades, mientras avanza la tramitación de los proyectos, también se está en la elección de lámparas, elementos de iluminación y red domiciliaria, sobre todo en el proyecto de locales comerciales.

Conclusiones
Al pensar en iluminación, subyace el tema del tipo de estructura que permite la transparencia. La transparencia la trae un material ligero, como el vidrio, suspendido de un soporte, como se aprecia en la casa Farnsworth, y su elegante marco HEB-UPN-IPE, una articulación de perfiles.
Por estos días, asimismo, esta idea de escenario me ha llegado a sugerir un nuevo libro, de tipo pop-up. Lo imagino como una experiencia más inmersiva que libros anteriores, junto a Efímera Cartonera, un poco como un "ver hacia adentro". En el próximo posteo procuraré incluir algo de desarrollo.
Si bien, por último, este tiempo me toma preocupado de soluciones constructivas, y funcionales, siempre mantengo el propósito último de uso social, y mi reiteración de apoyo a la izquierda, a la justicia y equidad. Me parece que responder al otro, con énfasis en los más necesitados, es el propósito último de la arquitectura, y debería formar parte de la autoexigencia interior al momento del diseño. Una responsabilidad, un sentido político, una conciencia social.

Referentes

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Sat, 15 Jul 2023 13:52:00 +0000

Una referencia es una relación, antecedente o semejanza. Es la mención de una historia anterior. Al trazar la primera generación de algo es bueno contemplar una. Tener un ejemplo, que pueda reflejarse en varios aspectos de la innovación. Un ejemplo temático, o de programa. Hacer mención, y mención correcta, puede ser clave al concebir, incluso al buscar la forma pura o básica. En casos afortunados, no se entiende el uno sin el otro. Arriba: Ciudad Abierta de Ritoque, Hospedería del Taller de Obras (Construcción). Croquis propio, de factura reciente.

A veces uno en los artistas ve cosas ex-nihilo, de la nada, y más bien tienen una historia previa. Y al conocer el origen empiezan a gustar y a interesar los referentes. Leonardo da Vinci, por ejemplo, se basa en bocetos griegos, romanos, y árabes, para innovar a partir de ellos. Incluso se acerca bastante a la copia, pero investiga, y avanza. Ahí también está la clave de un marco común, del avance colectivo, comunitario: un movimiento es un conjunto de referencias compartidas, un avance histórico, en la línea del tiempo. Se avanza hacia un futuro, no podríamos crear basándonos en reconstituir el pasado.

Arriba: “Høyt Under Taket” (2022), de la firma Snøheta, localizado en Skien, Noruega, de 1.500 m2 de superficie, y 15 metros de altura, es un centro para practicar escalada. A propósito de interiores de naves continuas, y la posibilidad de variación en su modulación, busco y observo estos referentes. La idea de este proyecto se basa en sugerir una caverna, quedando las visitas inmersas en la materialidad de madera laminada, en un continuo desde los muros al cielo, generando a la vez una interesante perspectiva, basada en los quiebres de la epidermis superpuesta, y la repetición de marcos.
https://www.snohetta.com/projects/hoyt-under-taket
https://arquine.com/obra/hoyt-under-taket-un-muro-de-madera-para-escalar/
https://www.dezeen.com/2023/03/01/hoyt-under-taket-climbing-centre-snohetta/

Arriba: The Chamber Church (2021), de Büro Ziyu Zhuang, de 771 m2, en Qingdao, China, es una iglesia multicultural, basada en la idea de crear un ícono moderno, a partir de componentes clásicos de un templo: campanario, arcos, y planta basilical, pero abstraídos. Evoca la seguridad y recogimiento del interior de una caverna, y el manejo de la luz a través de los espacios creados con las láminas alineadas, y la estructura de acero.
https://www.archdaily.cl/cl/996974/iglesia-de-la-camara-buro-ziyu-zhuang

Sliceforms: Formas de rebanada y estabilidad por incrustes
Las estructuras “sliceform”, viendo también este referente, son un interesante traspaso desde el plano al volumen. En su ritmo “vaciado” lo reconstruyen. Este sistema de láminas paralelas, en distinto grado de separación, podría traducirse como “rebanadas”: un recurso de construcción intuitivo. Pienso así en una especie de “escultorización” virtual, como las cotas de la cartografía, ya sean horizontales o verticales.
Los planos estabilizados a través de incrustes, por otra parte, pueden ser su medio de materialización. Al sugerir la forma, se transforman en una interesante técnica de pop-up, en un material liviano, como el papel. Arriba: un iglú, y abajo, representación del Crystal Palace, de Joseph Paxton, creaciones propias, para un libro de pop-ups.

Prominencias y estrías constructivas
Un cuerpo puede ser interiormente liso o estructurarse como un esqueleto, a través de prominencias y estrías. Desde el contrafuerte románico a la simple marca de pilar, la estructura marca una modulación, de saliente y surco. Abajo: un interior que adquiere asimetría, bajo el mismo concepto, de superficie continua cavernosa (Iglesia de Neviges, de Gottfried Böhm).

Observación
He estado pensando en la observación, a propósito de abordar la escuela de Valparaíso, en posteos anteriores. Es un elemento fundamental, y el primero, de las investigaciones, para obtener contenido valioso, datos provechosos. Gran parte de los conocimientos de la ciencia y la cultura han sido logrados a través del primer paso de la observación, que nace de la curiosidad.
Una de las cosas que ayudan, al crear una obra, es tener vistas sobre el total, no quedarse detenido en un aspecto o escala, sino verla en distintas perspectivas, y ocasiones. Levantarse de ella.
La idea que subyace así es tomar de la UCV volver a la observación como un proceso valioso. Procuraré abordar este tema en un próximo artículo.

Dibujar la hospedería de la Ciudad Abierta, por su parte, me hizo recordar la importancia que la Escuela le da al croquis, como medio de observación. Me pareció que también se genera en una repetición de piezas, en su paralelismo. Y que al dibujar se tiende a "enderezar", mientras que la fotografía perspectiva las verticales en la lejanía.

Busco la apreciación de marcos paralelos, por estos días. Una continuidad de quiebres puede ser una veta interesante. Volver al plegado, y la conexión entre marcos. Confirmar por otro lado la idea de remate, generando un escenario, como foco del total. Espero tenerlo configurado en el próximo posteo.

Como contrapunto, exploro en acuarelas y croquis, procurando incorporar un mayor grado de libertad, y “vistas nuevas” sobre los proyectos. También seguiré esta veta.

Generación

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 05 Jun 2023 12:21:00 +0000

la contra-acta
para asentar el regalo
– labremos       labre
sanbenito labre
hoy     soy todos los mendigos
a cuerpo de rey

PÁGINA 73, Amereida, 1967

La arquitectura es otro arte plástico, que juzga por un buen producto. Y el producto tiene pormenores, que dan lugar a sucesivos temas. Muchas veces nos encontramos ante “la obra sola”, sin el arquitecto que la explica. No procuraré hacer tema en estas líneas de la polémica “la arquitectura es arte” o “la arquitectura no es arte”, sino de su generación, de dónde nace. Los que dicen que la arquitectura es social, a veces son los peores mercaderes. No necesariamente es la respuesta.
El propósito luego es cómo volver a través del arte a un anhelo de sociedad.
La motivación ideológica y por otra la respuesta funcional, que resuelve demandas.
Me pregunto así acerca del nacimiento puro. De la motivación, del primer esfuerzo.

Arriba, imagen superior: primer trazo de Brasilia, Lucio Costa. Segunda imagen: boceto de Le Corbusier para Chandigarh.
La respuesta funcional es práctica: en el cielo ya no se necesitan zepelines, por poderosos que parezcan. Tal vez en Venus se necesiten zepelines. El discurso debe adaptarse a lo práctico.
Por otra parte, no todo debiera ser mera respuesta práctica, resolviendo solo el momento. Terminaríamos así justificándonos en páginas de diarios, preocupaciones momentáneas, y políticos “cosistas”, enfocados a resolver solo la materialidad de lo inmediato.
Se necesitan parámetros orientadores de diseño, al concebir una obra. Una obra nace de elementos substanciales de generación. La arquitectura a veces es una necesidad radicalizada.
La cita inicial, en el presente texto, es un fragmento de Amereida, obra de la Escuela de Arquitectura de la UCV. Es un poema, y está escrito todo en minúsculas, como símbolo de equidad. Al leerlo, es atractiva la asociación de mendigo con rey. Tiene algo brechtiano, distante del objeto, y a la vez rudo. Unívoco, internamente tranquilo, no expectante. La poética así es un tipo de generación, a través de la palabra, de nombrar.

Elementos de generación: la triada vitruviana
Este artículo así procura enfocarse a lo que nace hacer. Preguntarse por qué las cosas físicas están ahí. Qué nos mueve.
Hay gente que acampa por determinadas ofertas de tiendas, o por artistas malos, y uno entonces se pregunta por qué ocurre eso, que a veces va contra la lógica. Por qué a veces amamos a alguien que no es tan bello, porque nos resulta familiar. Qué es eso familiar.
Por qué nos gusta un equipo. Por qué algunos seguimos ideas (“este caballero nos gobernaba por su inteligencia”, como decía un ruso, acerca de Lenin, en un reportaje). Por qué en ocasiones existe voluntad de sacrificio. O por qué se difundió el cristianismo.
Marco Vituvio concibe tres principios que debieran ser la base de un diseño arquitectónico. Estos se conocen como la triada vitruviana: firmitas (firmeza), utilitas (utilidad) y venustas (belleza). El buen resultado, entonces, es un calce, un encuentro. John Ruskin, por su parte, llama "lámparas de la arquitectura" a las leyes que un autor al crear debiera considerar, enumerando siete: Sacrificio, Verdad, Poder, Belleza, Vida, Memoria y Obediencia. Se pueden imaginar como satélites, en torno a la arquitectura, que tejen relaciones, con el centro y entre ellos.

Estos días he estado resolviendo estructuras de mis proyectos, de modo que, viendo pormenores, me interesa volver a qué es lo primordial. Yendo de la generación al pormenor, y viceversa. Arriba: hasta el momento divido la obra de locales comerciales en tres partes: fundación corrida, soporte de acero y hormigón armado, y segundo piso liviano, con losa colaborante y acero galvanizado.
Veo en forma innata un sentido que yo llamaría armonía, correspondencia. Una triada de trabajo, personal, podría ser: respuesta funcional, sustento formal-estructural, y visión de sociedad.

Planes
Cómo lograr luego, con estas “leyes”, o principios, líneas “significativas”. Símbolos, que hagan que no todo parezca “arquitectura internacional”. Corporativa, impersonal. Sobre la regla, va el impulso, el germen.
Un creador al abordar un diseño procura traer “mano”, trae eso consigo. Y la “mano” se transforma en un símbolo, porque es una forma de entender. La arquitectura de la Escuela de Valparaíso en su práctica aporta un tipo de “marca”, o “sello”, una forma de trabajar, de juicio, de cierta formalidad. El inicio, en la UCV, tiene que ver bastante con nombrar, basándose en la poética. Y también en la observación, reflejada en el trabajo con croquis (abajo).

Pero si el encuentro de leyes es la armonía, el impulso se logra con planes. Con anhelos e ideales, que procuren ser altruistas, hacia la equidad, hacia el bien común.
La ciudad de Brasilia, por ejemplo, parte de una utopía, de una visión de sociedad. Su punto de partida formal es simple: un cruce de caminos, una cruz. Ésta, se dobla, siguiendo la geografía, hasta convertirse en una figura expresionista, en forma de avión, o de ave a punto de volar, articulándose como una zonificación, prolijamente entrelazada.
En los croquis de Lucio Costa, estas líneas “significativas”, procuran ser líneas “socialistas”, que traigan sociedad, que expresen ideología, cambio. La figura común busca cohesión social, a pesar de que su construcción real trajo pronto de vuelta la inequidad, y los asentamientos espontáneos, que generaron "dos ciudades". En el link inferior, algo sobre la construcción de Brasilia.
https://www.elmundo.es/la-aventura-de-la-historia/2015/11/12/5644803bca474176538b45de.html

Una reorientación, buscando dignidad y bien social
“El obrero tiene más necesidad de respeto que de pan”.
Hay una frase que puede ser controvertida, y que uno da vueltas en la cabeza, acepta, y luego rebate, porque opone que lo primero es la sobrevivencia. Dar alimento ante la intemperie. Pero luego la acepta, en otro significado. La gente lo que quiere es dignidad, más que pan. Es una cita de Marx. A lo mejor la dignidad en el socialismo real, político, ha sido mal entendida. Es importante la dignidad, es plantearse con entereza ante un desafío. Lo que pasó en Chile por ejemplo, pensando lo mal que estamos en cuanto a extremismo de derecha, es que no hubo diplomacia real con la izquierda, y se dio origen a una sociedad excesivamente derechista. En parte porque la izquierda no tuvo disuasión real, así de simple. Y, equivocadamente, tampoco buscó un posicionamiento intelectual, cultural, en la sociedad. Una presencia, más permanente. Recuerdo que Gustavo Leigh, más instigador del golpe que Pinochet (quien simplemente se acopló a última hora), dijo que el golpe de estado fue mucho más fácil de lo que imaginó. En determinado momento hay que ponerse los pantalones, y plantar resistencia. Siento que nos falta eso. Y me preocupa.
Supongamos entonces que la belleza del arte es una forma de dignidad. Perdónenme por la ultima salida: estoy procurando explayarme un poco.
A continuación, pienso en las formas de generación que tiene un proyecto de arquitectura.

Generación geométrica
En la búsqueda de armonía, correspondencia, se suele asociar, en un primer gesto, requerimiento con geometría. Bosquejar un esquema, que se busca hacer calzar, encuadrar, en un trazo burdo, o lleno de filamentos de tinta, pero que procura acusar intención. Y el esquema es el límite, lo más cerca que se está de la forma pura. El movimiento moderno, durante el siglo XX, radicaliza esta meta, buscando el cuadrado, el círculo, geometrías básicas, desnudas.

Entre tantos referentes de arquitectura moderna, por ejemplo, las plantas de Ricardo Bofill, en su etapa modernista (primera imagen), se muestran bastante simples, como radicales: generaciones de cuadrados y círculos, que son el límite de perfección. El boceto a mano alzada (segunda imagen), por su parte, es un claro encuentro con el programa, un ajuste, que precisamente tiene que ver con ocupar los espacios modulados de una fábrica.
https://www.archdaily.cl/cl/02-211397/the-factory-ricardo-bofill

Por su parte, intuitivas o no, obras expresionistas, como la Opera de Sydney, también responden a un anhelo de armonía geométrica. Arriba: primer boceto de Jorn Utzon, su autor, donde se muestra con fuerza la intención de ser un ícono, con velas o conchas al viento sobre un podio masivo, que posteriormente racionaliza. La arquitectura paramétrica, de esta última década, es un ejemplo de generación geométrica radicalizado. Iteraciones automáticas, generadas digitalmente. En el caso de Sydney, la intuición lleva finalmente a una figura geométrica generadora, que simplifica la construcción. Casi seis años después del concurso, se tomarían como referente formas esféricas, donde las conchas, o velas, son porciones de esferas de igual radio, y la plástica une éstas con sus correspondientes simétricas, obteniéndose la fisonomía final.
http://vladimirbrontis.blogspot.com/2006/03/forma-movimiento-y-equilibrio.html
https://catalogo.artium.eus/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje-por-la-arquitectura-contemporanea/obra-seleccionada-11

Generación poética
Uno de los ejercicios que los profesores de la UCV hacían a sus alumnos era fabricar sus propias sillas. Llama la atención, porque es algo que aparentemente, en sus inicios, ni siquiera tiene planta. Se basa en su sustentación, y en el “aparecer”. Y el aparecer es la primera versión de las cosas, la primera vez que se presentan. Lo completamente nuevo. Arriba: vista aérea de la Ciudad Abierta de Ritoque. Abajo: edificaciones, Hospedería de la Entrada, y Hospedería del Taller de Obras (Construcción). Miguel Eyquem extrema el concepto de "hacer": "Queremos descubrir el mundo haciendo (...) estamos haciendo cosas para vivirlas y descubrir qué significa esto frente a América".
http://arquitecturamashistoria.blogspot.com/2009/11/ciudad-abierta-de-ritoque-un.html
https://www.archdaily.co/co/916873/miguel-eyquem-en-la-ciudad-abierta-de-ritoque-estamos-descubriendo-quienes-somos
https://www.ead.pucv.cl/espacios/ciudad-abierta/

Generación estructural
Le Corbusier, al estudiar a Gaudí, plantea un encuentro de esfuerzos. Es una intuición, que lleva al cálculo. Es algo que en el primer pensamiento tampoco tiene planta, sino "detalle". Se presenta a una escala de zoom.
Le Corbusier dice: “La estética del ingeniero y la arquitectura son dos cosas que van de la mano y se complementan (…) El ingeniero, inspirado por la ley de la economía y gobernado por la precisión matemática, nos pone a tono con la ley universal. Él logra la armonía.” (Le Corbusier, 1927).

Me he dado cuenta de que todas las estructuras se repiten al menos una vez, porque son equilibrios. Son pesas. Los apoyos son similitudes. Espejos, o copias de bloques. Bloques de elementos repetidos.
También me he preguntado si el diseño es libre, o determinado por las resistencias. O si se puede provocar a las resistencias, fundar por contraste.
¿El diseño es una variación, una capacidad de elegir parámetros?
¿Podemos crear, ser creativos, o estamos obligados a una simetría final? Pensando toscamente, el arquitecto hace asimetrías, y el ingeniero se las “subdivide”, en simetrías. Y es cierto, nos debemos a una forma de sustento, de equilibrio. Actualmente, a propósito de mis últimos proyectos, pienso en uniones en estructuras de madera, y su diseño.

Generación ideológica
Le Corbusier también es un buen referente de arquitectura con generación ideológica.

En 1925, es capaz de algo tan extremo como el plan Voisin, que proponía la renovación drástica de todo el centro de París. En su provocadora simpleza, parece fundamentarse en la geometría, pero subyace la idea de fondo de sociedad, de extremar buscando un “nuevo mundo”, una utopía. Grandes edificios, separados, para recibir luz, y un primer nivel con abundantes áreas verdes, aumentando los parques y espacios abiertos.
https://es.wikipedia.org/wiki/Plan_Voisin

De la radicalidad de este plan urbano, en los inicios del modernismo, a la más consciente Brasilia (1956), de Lucio Costa y Oscar Niemeyer, y a Chandigarh (1953), del mismo Le Corbusier, el pensamiento sobre la ciudad va acogiendo sutilezas. Chandigarh muestra un avance, al superponer tramas, duras y blandas. Corredores verdes, que se entrecruzan con la grilla recta, generan recovecos irregulares, más libres, que dan al diseño desahogo y una plástica más compleja.
https://architectureboard.wordpress.com/2018/09/03/el-plan-chandigarh-de-le-corbusier/
http://arquitecturamashistoria.blogspot.com/2010/10/sc-143-chandigarh-y-la-mediateca-de.html
Todo tiene algo de política. Pensar una ciudad es abordar la idea de sociedad y ordenamiento que tenemos. Es lo que nos mueve.

Arriba: Plan Voisin y ciudad de Chandigarh, del mismo autor. Abajo: primer trazo de Chandigarh, por Le Corbusier.

Poética, estructura y función. Más Iommi, menos arquitectura de estrella
La arquitectura talentosa en estos años me tiene un poco contrariado. Tal vez políticamente. Arquitectura virtuosa y corporativa, aún de arquitectos admirables que, sin embargo, no deja de descolocar, contrariarme, tal vez como sentido del esfuerzo.
Tal vez porque no quiero ver algo muy inteligente en sí mismo, muy talentoso, pero que termine en frases hechas. En frases correctas, y a mi juicio, posiciones incorrectas. En algo que no tiene impacto social. Instaría a volver a la generación poética.

Conclusiones
A continuación retomo mis avances en los proyectos que ejecuto. Rematar, dar un fondo, me parece relevante en el proyecto de gimnasio. La idea de “aparecer” ante la vista, y la primera impresión que los volúmenes dan. Así también, que lo que lleve a este “fondo” sea una vía “noble” o principal, peatonal. La idea de “hall de acceso”, la idea de recibir, demarcado, previo a la cancha, a través de una permeabilidad, entre exterior, zaguán y destino.
Con respecto a este posteo, finalmente, quise enumerar las formas de generación que me parecen más relevantes, a la hora de todo proyecto o esquisse, en el caso de la arquitectura. Un poco más de una u otra, son fundamentales para que una obra tenga sentido, y llegue a buen desarrollo.

Ante este último tiempo, que nos llega, expongo además el convencimiento de que las cosas pueden seguir un curso más allá de lo clásico y lo obvio.
En lo político, resulta necesaria una urgente alternativa y respuesta a la extrema derecha, reflejada en las últimas candidaturas y elecciones. Al reposicionamiento de Pinochet. No puede ser "destacarse" en Latinoamérica por esto. Espero así que todo termine resolviéndose positivamente, y los equilibrios de fuerzas vuelvan. Una sociedad sana, pujante, incluyente, moderna, con la que todo urbanista debiera soñar.
A por ello, y vamos. Con todo.

  "uno es más sí mismo con algo de menos"
PÁGINA 64, Amereida, 1967

Arquitectura, orientación y referencia

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Fri, 31 Mar 2023 07:42:00 +0000

Situar es referir. Entender la ubicación de un punto permanente permite localizar, fijar en parámetros determinados. La referencia produce una orientación, de modo que un movimiento o viaje de un punto a otro sea más seguro.
En el cielo terrestre destaca una marca, una pintura derramada, un tatuaje. Un dibujo puntillista, o neoimpresionista, que es permanente. Los viajeros se ubican a través de figuras imaginarias, que son convenciones con las que se entienden las constelaciones. Parece un fundamento literario, o de arte, pero es un hecho científico. Arriba: mapamundi desde el polo norte, que podría ir girando, una de las tantas versiones de la Tierra. Abajo: versión propia de la cruz del sur, con un lenguaje de pernos.
https://www.adslzone.net/noticias/ciencia/constelaciones-seguidas-navegantes-antiguedad/

¿qué es esta américa retornada e invertida? 
  ¡es américa vista a partir de la tierra!
a partir de lo debajo    dicho de otro modo
de donde viene dante   y donde están los muertos

puede que sea el primer paso       en todo caso    es           
                                                         [paradójicamente
  la más profunda vista – antes y después de toda habitación

PAGINA 174, Amereida, 1967, varios autores

La navegación astronómica
Mi propósito en este posteo es acercarme a las ideas de la Escuela de Arquitectura de la UCV, para comprender sus posturas, respecto a la generación de proyectos, y el diseño. Y, en especial, abordar su cita permanente al viaje de Magallanes y Elcano (1519-1522), quienes conocían la navegación astronómica, la forma de orientación que enunciaba en la introducción. Estos días, he estado en el ajetreo de proyectos, tanto de desarrollo, como de concepción. Abajo: gimnasio para un colegio.

Me llama la atención la posibilidad de una expresión, vista principalmente en corte.

En alta mar, desde antiguo, los navegantes necesitaban conocer la dirección en la que se movían, para lo cual tenían como instrumento la brújula, y necesitaban también la latitud y longitud donde se encontraban. La latitud se podía obtener de forma bastante precisa, gracias al astrolabio y la ballestilla.
“Navegación astronómica”, o “navegación de altura”, es la que localiza la posición a través de la observación de los astros. El método más sencillo para ubicarse astronómicamente es el de tomar la altura, sobre el horizonte, del Sol en el momento de su paso por el meridiano del lugar, la latitud por su parte se obtiene a través de la siguiente suma algebraica: l = (90 – a) + (+- d). Luego, es igual a la distancia polar más la declinación con su signo, positivo si es norte, o negativo si es sur. La otra coordenada, la longitud, sin embargo, solo se podía obtener por estimación, vale decir considerando los rumbos y distancias recorridas.

El viaje de Magallanes y Elcano (arriba) fue la primera vuelta al mundo, y tuvo la peculiar característica de buscar en Sudamérica el paso marítimo que uniera el Atlántico y el Pacífico, para llegar a las Islas Molucas, la tierra de las especias. Por eso, es tan importante por estos lados, y se cita en el poema “Amereida”, de los profesores de arquitectura de la UCV.
https://es.wikipedia.org/wiki/Expedición_de_Magallanes-Elcano
La flota de Magallanes llega a América el 13 de diciembre de 1519, en Bahía Santa Lucía, actual Río de Janeiro, y comienza a bordearla. En determinado momento, descubre algo que parece ser un paso al mar del Sur (nombre con el que se conocía al océano Pacífico), y lo celebra, navegando hacia el interior, quince días, hasta darse cuenta de que aquello era el Río de la Plata, donde confluyen aguas dulces y saladas, entre los actuales Uruguay y Argentina. Luego de la decepción, van costeando el litoral a tierras inexploradas, llegando a la costa de lo que Magallanes llama “Patagonia”.

Arriba: Estrecho de Magallanes (mapa de Jodocus Hondius, de 1606). Nótese el gran tamaño que da a Tierra del Fuego, cuya costa sur no se conocía.

Magallanes dejaría finalmente su legado, descubriendo el paso entre los dos océanos, más allá de los errores y faltas de certeza de su época. Posterior a aquello, el largo viaje y la hambruna, en el recién nombrado Océano Pacífico. Su llegada a las islas Marianas, su muerte al intervenir en un conflicto local, en la batalla de Mactán, y la continuidad de Elcano, quien completa la travesía, atravesando el Océano Indico, y bordea África para regresar a España.

PÁGINA 144

si no fuese
por el capitán general
magallanes
nunca
habríamos navegado
  aquel estrecho
porque pensábamos
  y decíamos
que todo se nos cerraba
  alrededor
pero el capitán general
  que sabía tener
que seguir su derrota
  por un estrecho muy justo
según viera
  antes
en un mapa
  hecho
  por aquel
excelentísimo hombre
  martín de bohemia
  destacó dos naves
la san antonio y la concepción
  – que así se llamaban –
  para ver
  qué había en el fondo de la oquedad

Amereida, entrando desde la tierra

Se puede hablar de “Amereida” como el viaje hecho en 1965 por Alberto Cruz, Godofredo Iommi y otros poetas, desde Tierra del Fuego a Bolivia (sin llegar al destino programado), buscando el centro de América, y que tuvo como propósito fundar bajo un nuevo entendimiento, generando “un pueblo”, como lo hiciera Eneas, desde Grecia, para dar origen a una Nueva Troya, Roma, de acuerdo a Virgilio. Existe el antecedente previo de un gesto de constitución, y de inversión, en 1935, del artista uruguayo Joaquín Torres García, que es el dibujo de “América Invertida”, declarando: “nuestro norte es el sur”, así gira el mapa retomando protagonismo, recuperando la facultad de constituir. De este modo, la Osa Mayor, que no se ve en el Hemisferio Sur, es reemplazada por la Cruz del Sur (el punto de menor movimiento en el polo). La empresa de buscar esa guía, en una travesía, se volcaría en palabras a través de un poema con características épicas, más que líricas. E instrumentales, a modo de diario, registro.
https://es.wikipedia.org/wiki/América_invertida

En los dibujos del texto, Sudamérica es girada, incluso se invierte desde el “back”. El “back” y el “front”, como si se pensara desde una interfaz de Rhinoceros. El “top” y el “bottom”. La última vista es más radical aún. Es como la ve Dante. Como se ve “desde abajo”, entrando desde la tierra.
Links de interés:
https://wiki.ead.pucv.cl/Amereida
https://wiki.ead.pucv.cl/Diálogo_acerca_de_la_Cruz_del_Sur

Según Miguel Eyquem, “nuestros ojos de hoy deben ver las mismas estrellas que los antiguos por tanto tenemos igualmente el problema de ubicar. Es decir, trazar alguna estructura de referencia para nombrar con justeza cada estrella; aquellas a la vista” (…) “Así las estrellas rodeándonos en su asombrosa quietud. Esta actitud nos evitará que la inquietud nos invada a medida que nos elevamos hacia el centro de tal espectáculo. Cuando comencemos a descubrir ciertos ordenamientos mayores y entre ellos puntos cada vez más pequeños, más difíciles de encontrar. Finalmente se comienza a “ver” espacios dentro de espacios en profundidades crecientes, tal es la educación de nuestra vista”.

Amereida y Santa Cruz de la Sierra como capital poética
Que las personas en estas regiones no vean la Osa Mayor, el antiguo punto de referencia de la historia, sino la Cruz del Sur, es determinante para entender desde un punto de vista familiar, y no impuesto.
Por otra parte, Amereida busca este cruce de ejes, en Santa Cruz. Chile, en este orden, vincula el mar interior con los océanos y la Ciudad Abierta se emplaza, por eso, al borde, como remate. Santa Cruz se descubre como capital, mostrando al Pacífico el mar interior.
Sin embargo, no pudieron llegar a Santa Cruz, y solo llegan hasta Tarija y Villazón, lugares fronterizos entre Argentina y Bolivia, ya que el destino estaba bajo línea de fuego, entre el ejército y la guerrilla, liderada por el Che Guevara.
Amereida así no es una guerrilla, para continuar en la selva, en el viaje, sino un grupo de poetas y profesores. Por otra parte, lo que en principio era colaboración, por parte del gobierno boliviano, se transforma en bloqueo, en una ruta desde ya enrarecida.
Una interesante entrevista:
https://www.archdaily.cl/cl/806552/a-52-anos-de-amereida-es-una-intensa-relacion-entre-la-poesia-la-arquitectura-y-el-arte

Me gustaría dar un tiempo en este artículo a algo que estuve cerca de obviar: la condición de capital de Santa Cruz de la Sierra. En el giro, la constelación trazada da lugar a un quiasma, a un cruce donde, como coincidencia, se encuentra un homónimo: Santa Cruz. Vale decir, une la fundación de la ciudad (bautizada por Ñuflo de Chaves en 1561), con la marca moderna de las líneas de referencia e hitos tácitos, revalorizando el signo.
En poesía, la palabra produce realidad, como condición de origen y, por lo tanto, el nombre es inicio, entrada a un mundo. El valor de la poesía es descubrir, dar poder constituyente: reafirma un pensar para vivir lo americano de modo latino, conforme a la coincidencia de signo y realidad, bajo lo tangible. No es posible vivir sin signos y no es posible dar signo sin asumir. Es el descubrimiento de una toponimia.
Un interesante link: Carta abierta a los poetas de Santa Cruz
http://letras.mysite.com/fvdw080222.html

Amereida así es el intento de dar lugar a una poética fundadora en América.
Llama la atención que Amereida no “regrese” a Santa Cruz, con posterioridad, por la sencilla razón de que ya no se puede. La poética solo se da una vez, de una forma única. Como insinúa el mismo Marx. No se pueden repetir las cosas. Si se hace una cita, el resultado es "otra" cosa, tal vez incluso más grande, cuando incorpora con fuerza "lo nuevo", por eso cabe mantener optimismo.

Contrapuntos: La travesía de la UCV y la ruta del Che, la Ciudad Abierta y el centro de detención
Es inevitable, y a mi modo de ver no una decepción o desventaja, o contradicción vital, abordar los contrapuntos de la poética de la UCV con la realidad política. Tiene que ver con lo enunciado en el artículo anterior, sobre el expresionismo: la voluntad es lo que se aplica sobre una existencia previa, sea infausta, o sea propicia. Desventajosa o conveniente. Y nosotros seguimos aplicando lenguaje, porque somos personas, no solo producto de consecuencias, de acciones y reacciones.

Amereida se publica en dos partes, la primera en 1967 y la segunda tras veinte años. La segunda edición recoge la bitácora de la travesía, donde como se comentó, la situación política obstruye la llegada a destino. En 1971, como consecuencia de la Reforma Agraria, la Escuela de Valparaíso adquiere terrenos en Ritoque, más bien de dunas, y en estos construye la Ciudad Abierta, que incorpora sus ritos, y lenguaje formal. Da lugar a una escuela que procura aunar poesía y arquitectura, y donde los estudiantes participan de actos colectivos como introducción al diseño y construcción. Su filosofía es que la arquitectura debe ser un evento colaborativo, y con sentido, más allá de la práctica convencional. El proceso pedagógico de la Escuela de Valparaíso, desde 1952, es un contexto determinante, en lo que será esta propuesta de vida, trabajo y estudio. Amereida surge luego de la relación entre palabra y acción, y de personajes como Godofredo Iommi, uno de los fundadores. Como proyecto, es interrogante más que respuesta, y como tal, su aporte viene de proponer lo desconocido y nuevo, para vitalizar el oficio. Se trata entonces de teoría del arte, más que de método. Como propuesta libre, cumple su función, y no sería justo ponerla contra la espada y la pared de una actitud política, si bien alguien podría criticarla de cierta "virtualidad". Sin embargo, los proyectos son imprescindibles como articuladores de intenciones.

La línea de tren, que corre paralela a la playa, conecta al norte con otro asentamiento de principios de los setenta: el centro de detención, establecido por el régimen de Pinochet para presos políticos, de 1973 a 1975, actualmente demolido.
Tres años después de la fundación de la Ciudad Abierta, la dictadura de Pinochet establece un centro de detención, a solo cinco kilómetros al norte de la escuela. Los prisioneros de dicho centro, entre los que se incluían artistas, encarcelados por el contenido político de sus obras, también realizaban representaciones teatrales al interior del recinto.

https://memoriaviva.com/nuevaweb/centros-de-detencion/v-region/ritoque-comuna-de-quintero/

El Campo de Concentración de Ritoque era inicialmente un complejo de veraneo, utilizado desde junio de 1974 hasta 1975 como campo de concentración de la dictadura. Los militares cerraron el complejo con rejas de madera y alambres de púa, para llevar a cabo esos fines. Arriba: fotografía de 1985, abajo: fotografía actual.

La Unidad Popular había construido Ritoque y Melinka como balnearios para obreros y familias de escasos recursos, y pertenecían a la Central Única de Trabajadores (CUT). Entre los presos de Ritoque había miembros de gobierno, previamente detenidos en Isla Dawson, y trasladados al ex balneario, en junio de 1974. En octubre de ese mismo año, más presos fueron transferidos, desde Chacabuco y Tres Álamos.
El campo pertenecía a la jurisdicción de la Base Aérea de Quintero, a pocos kilómetros de distancia, pero la guardia rotaba entre personal de FACH y Carabineros. La mayoría de los presos así venía de una gran variedad de centros de detención, donde ya habían sido sometidos a interrogatorios y torturas, principalmente por la DINA, por personal de la Academia de Guerra Aérea (AGA), y el Servicio de Inteligencia Naval (SIN).

Como reflexión, hay un paralelismo entre ambos asentamientos, situados en el mismo sector, y en años similares. En el centro de detención, todo acto tuvo intención política, mientras la escuela se distanció en forma expresa del mundo activista, de modo que actividades y eventos tenían motivaciones muy distintas. Así el distanciamiento de la UCV marcó un confinamiento voluntario, que se entiende en el contexto de crisis y contrarreforma que marcó la dictadura de Pinochet (1973-1990), luego de la breve presidencia de Allende (1970-1973).
La UCV sigue un proceso emancipatorio desde 1952, y la Unidad Popular es continuadora y sigue el espíritu del gobierno de Pedro Aguirre Cerda, proceso que es interrumpido en 1973.
Es claro finalmente que la experiencia de supervivencia se confronta a otra que es de enseñanza. Como expresaba, la virtualidad, frente al hecho mismo de búsqueda de cambio social. La precariedad de nuestros países nos hace confrontar prontamente así a los hechos mismos. La política de izquierda, como opinión personal, bien entendida, y asumida, es buscar el hecho mismo, y es aplicación de lo nuevo.

Link: “Prisioneros de Ritoque: La Ciudad Abierta y el centro de detención”
https://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0717-69962016000100009#O02
http://mediorural.cl/amereida-libertad-sin-opcion/

La ruta del Che, pensando en el otro contrapunto con la travesía, refiere el camino seguido por los hombres de Ernesto Guevara, en Ñancahuazú, Bolivia, durante 1966 y 1967, que termina con su muerte en La Higuera, el 9 de octubre de 1967, y su entierro clandestino en Valle Grande. En 1997, un equipo de científicos encuentra en el sector siete cuerpos enterrados, entre los cuales, según peritajes, se encuentra el de Guevara, los que luego fueron expatriados a Cuba, y sepultados en Santa Clara. Actualmente, la zona en Bolivia es un frecuentado circuito, donde se le recuerda. La ruta del Che así también es fundacional y revolucionaria. Es real, los fusiles, los combates son reales, y "a muerte", como decía Guevara. Es de todas formas un admirable compromiso y valentía, confrontado a este tiempo.
Lugar de contrapuntos, Latinoamérica. Lugar de desigualdades.

“Domingo 12 de Septiembre.
Asistimos por la mañana, mientras reparan el auto, a una procesión religiosa de los indígenas frente a la iglesia catedral. A medio día preparamos el acto. Este tiene lugar en el Club. Asisten profesores y señoras. Al promediar el mismo entra un grupo ciertamente hostil que se enerva un tanto cuando oye hablar del sentido de nuestro viaje por la necesidad de un lenguaje propio, para que pueda existir sin referencias. Al finalizar el acto casi se produce la agresión pero la reacción del Rector y los profesores lo impide.

Lunes 13 de Septiembre.
La travesía de “Amereida” ha terminado. Ahora viajamos pero no en travesía. Alrededor de las tres de la tarde y no habiéndonos detenido en ninguna parte del altiplano llegamos a Villazón, puesto fronterizo boliviano. Allí nos espera el Cónsul Argentino del lugar, avisado por el de Tarija, y con él cruzamos la frontera.
Recuperamos en la noche la camioneta. Nos despedimos de las autoridades universitarias.”
Amereida, Bitácora de la Travesía, Escuela de Arquitectura UCV

La cruz del sur se puede ver y es cotidiana.
Buscar figuras en el firmamento se parece a esos ingenios como “busque el número 599” o el “gato sin cola”. O “¿ve 12 caras en estas ramas?”. Pero es acostumbrar la vista. “Busque la cruz del sur”, en este caso.
La imagen superior, de acuerdo al link que se puede visitar, fue tomada la madrugada del sábado, 4 de marzo de 2017, desde San Felipe, Chile. En la zona inferior, cerca del borde, se pueden ver las 4 principales estrellas que conforman la constelación: Acrux, Becrux, Gacrux y Delta Crucis. Ginan, más pequeña, y levemente descentrada hacia el cuadrante “derecha/debajo”, completa la figura.
https://www.eluniversohoy.net/la-constelacion-cruz-del-sur-desde-san-felipe-chile/

Arriba: constelaciones del Hemisferio Sur, imaginando un lenguaje de pernos, hacia una “estética de remaches”, pensando en una obra de madera.

https://www.aristasur.com/contenido/como-orientarse-con-la-estrella-cruz-del-sur

Para localizar la cruz del sur, o “Crux”, basta con mirar al cielo y buscar dicha constelación, compuesta por 4 estrellas en forma de rombo, cometa, o cruz. Esta constelación es tan notoria que se replica en banderas de países como Nueva Zelanda y Australia, y en la región de Magallanes, Chile, o en Tierra del Fuego, Argentina, de modo que no es difícil de encontrar. Una vez localizada, basta con alargar el travesaño vertical (el mayor) de la cruz 4,5 veces. El punto imaginario que señale, indica dónde se encuentra el sur. A partir de ahí, determinar los puntos cardinales no supone mayor dificultad.

Arquitectura y constelaciones. Próxima instalación
Llegué a este tema pensando en el tema de la orientación, y los puntos cardinales en arquitectura, conectándolo a la Escuela de Arquitectura de la UCV, y su cita al viaje de Magallanes. Me queda como conclusión la “familiaridad” de la Cruz del Sur, que hace que el fundamento de la UCV no sea raro o exótico, sino por el contrario, asimilable. Me parece importante preguntarse “qué soy yo”, en todo esto. Preocupación por el diseño, y a la vez por lo social. Y pensar siempre a donde va la verdadera excelencia, el avance, el compromiso. Expongo mi versión, con contenido necesariamente más político, y simple, como ya lo insinué cuando estudiante. Avanzar un poco, a través de mis rudimentos. Rudimentos que espero “se disculpen”, a través de la misma dificultad.
El libro que me regaló el director al titularme, “Los Hechos de la Arquitectura”, es un recuerdo que me hace valorizar aquello. Procuraré avanzar hacia una nueva obra plástica, una nueva poesía (escrita) y la concreción de mis obras de arquitectura: actualización.

Arriba: referencia de uniones en vigas de madera laminada. Abajo: maqueta de propuesta propia de gimnasio.

CURIOSIDAD

  para ver
  qué había 

la curiosidad como la flecha
de un acto de fe

  para ver
  qué había 


PUNTO DE VISTA

No estamos viendo
Ni al revés ni “correcto”
Estamos viendo suspendidos

Cuál es la cruz del sur
Cuál es la Eneida
Mis conceptos de belleza y fealdad
Se disuelven en un sueño olor a cera
En la caída irremontable  
De los territorios perdidos

Ver a través de lentes opuestos
Para observar el infinito invertido
Más allá de la estratósfera

Amereida desde el polo magnético 
Mira Sudamérica al revés
Entre una travesía y otra
A lo mejor seremos “otros”
No lo había pensado desde atrás
Desde mi telescopio peculiar
De la lente en permanente vigilia                

Lo veía tan claro. No me gustó 
esa duda relativa, inasible
Todo eran los setenta y sus sueños
De certeza y seguridad
A lo mejor yo era el “otro”
A lo mejor todo esto eran 
Minutos para un punto de vista

El punto de vista de la UCV
En el tiempo que llegué
No se sabía qué pensar
Si Ritoque era ciudad abierta
O campo de concentración
Partiendo si era invitado
O advenedizo
O si esa fe convergía 
Los planes del Che
con la gran travesía, aunados
en una sola percepción 
del espacio tiempo
Pero este es mi punto
Que aferro y digo a por ello, a
Mis esperanzas
Mi sueño, mi punto de vista

Febrero de 2023

RITOQUE Y RITOQUE

Las dos se escriben igual pero son distintas
Ciudades en la memoria
Caes en una o entras en otra
En un país que sigue siendo fragmentario
Cuál es el verdadero que me equivoco
De país y de poesía
Variando de acuerdo al público

1967

Trizadura del sueño
¿Qué sueño
Se entrecruza 
En el espejo quebrado
Inconcluso quedará sin revelar
Procurar intentar continuar
Discontinuidades   
Procuro unir
¿Qué 

Marzo de 2023

Expresión y discurso: el lenguaje en arquitectura

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Mon, 30 Jan 2023 22:04:00 +0000

“Durante millones de años, la humanidad vivió como los animales. Entonces sucedió algo que desató el poder de nuestra imaginación. Aprendimos a hablar y aprendimos a escuchar. El discurso ha permitido la comunicación de ideas, permitiendo a los seres humanos trabajar juntos para construir lo imposible. Los mayores logros de la humanidad se han logrado hablando, y sus mayores fracasos al no hablar”.
Stephen Hawking

Arriba: Torre Einstein, Erich Mendelsohn (1920-1924), obra expresionista. Serie de croquis propios, trazados rápido, menos detallados, buscando las “líneas fundamentales”, la “aparición” del proyecto. Al dibujar con líneas “sueltas” y rápidas, el ojo abre más o cierra más algunas cosas, agranda o achica de acuerdo a la percepción.

En el artículo reciente abordaba el tema del ícono, del objeto significante, y me quedé pensando en su contenedor, el lenguaje. El lenguaje en general es un gestor y articulador de la idea que tenemos para aplicar en nuestro entorno. Entendemos a través suyo, por medio de la comprobación y seguimiento de los hechos que realizamos. Vale decir, generalmente tenemos una idea, intuitiva, y la perfeccionamos mediante el discurso. La direccionamos. Aplicado, el lenguaje ha de optimizar lo circundantemente intuitivo, y lo va a llevar a un desarrollo cada vez mayor.
El discurso ayuda a articular fuertemente el motivo, sino nuestros propósitos serían instintivos, como los animales. En caso de detectar amenazas nos empujaríamos, nos agrediríamos. El lenguaje es una oportunidad de dar a conocer intenciones, y también nos ha dado leyes. Nos ha dado civilización.
Toda arquitectura se inserta en un lenguaje. Se acerca a las personas en una interfaz de signos, que hablan de cultura. Y los signos son distintivos de cultura a cultura. Son distintivos de idea a idea, y de propósito a propósito.
El tema que abordaré a continuación es la arquitectura expresionista, que me ha interesado hace tiempo, donde el lenguaje se radicaliza para generar una comunicación, lo más espontánea y directa posible.

La arquitectura expresionista: contexto histórico
La arquitectura expresionista se desarrolla en la Europa de primeras décadas del siglo XX, en paralelo al arte expresionista, caracterizándose por el uso de nuevos materiales, formas orgánicas (biomorfismo), y las posibilidades industriales del ladrillo, el acero, el vidrio. La Primera Guerra Mundial, los cambios sociales, la Revolución alemana de 1919, determinan un posterior periodo de utopías, planes colectivos y socialismo romántico. Y, por otra parte, un agudo espíritu crítico.

Arriba: Claude Monet, “Impresión, sol naciente”, 1872 (cuadro ícono del impresionismo).

Como reacción al impresionismo, caracterizado por el naturalismo de fines del siglo XIX, y el simple reflejo de los sentidos ante lo circundante, la mera impresión, los expresionistas propician un arte personal e intuitivo, que resalta el mundo interior al retratar la realidad, y lo exterioriza. Así representa de forma subjetiva, buscando plasmar sentimientos más que un sentido descriptivo. Defiende la libertad individual, el apasionamiento, y los temas prohibidos, oscuros. Refleja esta exteriorización a través de los recursos plásticos, que adquieren significados metafísicos. En pintura los trazos parecen violentos, angulosos, buscando espontaneidad. Considerado auténtica expresión del “alma alemana”, su existencialismo, y visión trágica, lo hacen reflejo de una concepción ligada al espíritu, y la temática de la vida y la muerte. Producto de circunstancias históricas, revela desengaño, y una visión pesimista, de angustia vital, que en la sociedad industrial ve al hombre alienado, aislado.
https://www.culturagenial.com/es/expresionismo/

Los expresionistas emplean la línea y el color de forma temperamental, emotiva, cargado de simbolismo, lo que lleva a romper con la generación anterior, convirtiendo al expresionismo en sinónimo de arte moderno en el principio del siglo XX. Se busca lo que subyace bajo las capas aparentes, lo permanente. Así, da lugar a una transformación que se manifiesta en el expresionismo abstracto y el informalismo. Los expresionistas reflejan un estado anímico, cercano a la melancolía, que purifica el espíritu. Desencanto, angustia, soledad, acuden en forma recurrente. Arriba: Edvard Munch, “Las Mujeres en el Puente”, 1904-1907 (expresionismo).
Lo psicológico es elemento fundamental, al sondear en el terreno de lo primario o instintivo, internándose en lo onírico y grotesco. Favorece la distorsión y tensión entre realidad y percepción. La figura se deforma, se conciben espacios oblicuos, y vistas superpuestas. Las técnicas buscan plasmar lo espontáneo. Abajo: Wassily Kandinsky, “Composición VIII”, 1923.

Con la llegada del nazismo, el expresionismo se considera “arte degenerado” (“Entartete Kunst”), vinculado al comunismo, y tildado de inmoral y subversivo, determinando que su fealdad e inferioridad eran rasgos de decadencia. En 1937, se realizó una exposición en el Parque Hofgarten, de Munich, bajo el nombre precisamente de “Arte degenerado”, vilipendiándolo como ejemplo de la baja calidad del arte de la República de Weimar. Así se confiscan unas 16.500 obras de artistas alemanes y extranjeros, entre ellos Van Gogh, Munch, Picasso, Chagall, etc. Gran parte fueron vendidas después a galeristas, aunque unas 5000 son directamente destruidas, en 1939, significando un evidente perjuicio cultural.
La prensa de la época, sin embargo, poco tiempo después de la inauguración, publicó datos de la asistencia a esta exposición, comparada a la de arte oficial, constatando que tuvo cuatro veces más público que la segunda. Irónicamente, contrario a lo que pretendían los organizadores, la exposición había tenido éxito, y constituía una forma de protesta contra el régimen.

Referentes de expresionismo en arquitectura
El expresionismo busca formas orgánicas y genera una nueva percepción de las perspectivas. Al proponer continuidad de muros, y unidad de paramento vertical y cubierta, conforma a menudo obras “de una sola pieza”, como la Torre Einstein, por ejemplo. Mediante el diseño, a su vez, es capaz de integrarse a los sitios. Así edificio, mobiliario, y contexto, pueden convertirse en partes de una composición unificada y correlacionada.

Torre Einstein, Erich Mendelsohn
En cuanto a plástica de una obra, se puede pensar qué pasa si se cincela una parte y se construye con moldaje otra, en perfectos ángulos rectos. Esculturizamos una parte, y dejamos como arquitectura la otra: qué obtenemos. Es como tener dos partidos distintos, y que se encuentren.

La torre Einstein, de Erich Mendelsohn (1924), alberga en su interior un telescopio, para el astrónomo Erwin Finlay-Freundlich, con objeto de realizar experimentos que validasen la Teoría de la relatividad, de Albert Einstein. El proyecto fue concebido en 1917, construido entre 1920 y 1921, e inaugurado en 1924. Todavía hoy la torre sigue abierta, como parte del Instituto de Astrofísica de Potsdam. Esta, parece lograda en continuidad, en una sola unidad. Al conocerla, Einstein empleó una sola palabra: “orgánico”.
https://www.dw.com/es/el-enigma-de-la-torre-einstein/a-1522909
https://www.urbipedia.org/hoja/Torre_Einstein

Arriba: croquis propio del edificio “Chilehaus”, buscando en esta serie que los trazos procuren ser expresivos, al igual que las obras que representan. La rapidez puede hacer que se enfoquen los elementos más notorios. Tender a resaltar así lo que llama más la atención. Puede haber leves errores de perspectiva, o elementos, pero la idea es que el ojo pueda advertir luces, sombras, volúmenes principales, y gestos.

Chilehaus, Fritz Höger
Chilehaus (“Casa de Chile”) es un edificio en Hamburgo (Alemania), considerado otro ejemplo de expresionismo. Levantado sobre una superficie de 5950 m², consta de diez pisos de alto, y 36.000 m² construidos.
Diseñado por Fritz Höger, la construcción fue entre 1922 y 1924. Höger fue comisionado por el empresario naviero inglés Henry Brarens Sloman, cuyo negocio era el salitre chileno, de ahí el nombre Chilehaus. El edificio es célebre por su esquina, que recuerda una proa de barco, con un ángulo muy agudo entre las calles Pumpen y Burchardstraße. La verticalidad acentuada, así como la fachada curva, dan al edificio ligereza, a pesar de su tamaño.

Yendo más allá de lo obvio, llama la atención que la planta es bastante razonable, lógica, modular. El expresionismo así es un gesto, que no implica necesariamente deconstrucción, sino una generación particular.

Ópera de Sydney, Jørn Utzon
Expresionismo se refiere al movimiento alemán. Sin embargo, también puede incluir obras que se escapan por completo, tanto de su territorio, como de su periodo de vigencia.
La Casa de la Ópera de Sydney (1957-1973) es genuinamente una construcción expresionista, con un diseño innovador, conformado por una cubierta de conchas superpuestas, cada una tomada de la misma semiesfera. Arriba: ilustración propia, en lápiz y acuarela, como un croquis de las formas principales. Me ha gustado aplicarle capas de color, a veces como manchones derramados, a veces como veladuras.
El concurso, para elegir la obra, se inicia el 13 de septiembre de 1955, recibiendo 233 proyectos, de 32 países. Según las bases, debía albergar una gran sala para 3000 asientos, y otra menor para 1200. E incorporar, además, recintos para óperas, conciertos, y eventos.

El proyecto ganador se anuncia en 1957, perteneciente a Jørn Utzon, arquitecto danés. Eero Saarinen, estadounidense de origen finlandés, que integra el jurado, influye en forma determinante para su selección. Utzon llega a Sydney en 1957, para supervisión de la obra. En 1959, la construcción comienza formalmente, desarrollándose en tres largas etapas:
Etapa I (1959–1963), donde se construye el podio superior.
Etapa II (1963–1967), donde se construyen las bóvedas externas.
Etapa III (1967–1973), dedicada al diseño interior.
El diseño de cubierta significó un desafío mayor para el equipo a cargo, que tarda 17 años en terminar el edificio. Ya incorporado al paisaje de Sydney hoy es, sin embargo, uno de los proyectos más emblemáticos del siglo XX. Icono de un expresionismo atemporal.

Casa de la Atlántida, Bernhard Hoetger (1931)
Si el expresionismo es deformación o acentuación de rasgos para plasmar un sentir, también puede llevar a esa arquitectura algo equivocada de entreguerras. O a la búsqueda de lo esotérico. Inspirado en Herman Wirth, el controvertido etnógrafo, que buscaba la herencia ancestral alemana en el continente perdido de la Atlántida, el escultor y arquitecto Bernhard Hoetger concibe la llamada “Casa de la Atlántida”, en pleno ascenso del nazismo. Internándose en el paganismo, en la fachada original, de 1931, suspende a Odín crucificado (deidad germánica), algo aberrante para algunos, el “Salvador de Atlantis”. Grotesco o no, en 1936 pierde el respaldo de los nazis. Denostado por Hitler, como cualquier otro opositor, es expulsado, asilándose en Suiza.
Hoy la casa se puede observar en Bremen. Una fachada que no dice mucho, despojada de la polémica, pero con un interior interesante, art deco, y con una futurista escalera interior. Más allá de ingresar demasiado en mundos propios, resultando poco universal, Hoetger puede considerarse como otro expresionista, recordado por detalles interesantes en un tema equivocado. Según mi opinión, a veces, es preferible detalles equivocados, y un proyecto correcto.
https://hmn.wiki/es/Atlantis_House

“Lo que dice y lo que deja”. Conclusiones
Volviendo al tema del discurso, éste puede considerarse una propuesta, una voluntad nuestra. Al aplicar en un entorno, se deja una marca distintiva, algo distinto, característico, pero no por ello se va a repetir tal cual. El discurso se aplica mediante un “esfuerzo”, y la realidad en este sentido es “libre”. Se deja sobre lo existente algo, tal vez apenas un empellón, o un jirón. Lo que se logra es un pequeño porcentaje de lo que se quiere.
El lenguaje así articula razones, fundamenta. Su articulación busca el ordenamiento intrínseco de las cosas, de lo que nos rodea. Stephen Hawking decía: "Speech has allowed the communication of ideas, enabling human beings to work together to build the impossible." Así el lenguaje cambia la situación, la lleva a un mejor estado. Es posible avanzar. Incluso en el pequeño porcentaje es mejor que lo anterior.

Me parece correcto luego mezclar lo que es palabra con manifestación física. Para que la gente de la palabra no se quede en la palabra, y la gente de la física no se quede en la física. Interponer un nuevo discurso.

La transmisión del discurso. Contenido y transmisión vacía
Está claro que lo que se logra concretar es parte, y las sutilezas y detalles muchas veces se van, se pierden en conseguir un resultado mayor, pero es interesante el ejercicio: “lo que dice, lo que deja”. Tener un control, una evaluación de “lo que se deja”. Evitar la transmisión vacía. El vacío de órdenes esquemáticas. Así buscar la transmisión de contenido.
Uno se queda pensando por qué en algunos países el llamado socialismo real se aplicó, al menos como toma de poder, y en otros fue fuertemente rechazado, como en Chile.
Un énfasis en ciertos valores podría dar lugar a una menor incidencia de clasismo, y racismo, por ejemplo. Verbalizar con más contenido, con ideas, con valores.
A lo mejor lo que en Chile se necesitaba era un castigo (por lo ocurrido en 1973), y eso nunca se verbalizó. El agua moja, el sol seca, volver a esas cosas.
A una fuerza hay que interponer otra fuerza, porque así es como se crea y se nace. Y no lo hicimos. Por la inmediatez, se pierden los objetivos más largos.

En el presente artículo, quise traer el tema del expresionismo, reivindicar el discurso y dar una continuidad al tema anterior, relativo al símbolo. En estas líneas, buscaría una revalorización del discurso constructivo. Que los que vengan cuando no estemos puedan entender lo que dijimos. A eso se refiere el discurso. Bueno, pido disculpas por haberme explayado y extendido de nuevo, es que me pareció natural reflexionar un poco sobre estas ideas, sobre todo en estos momentos. Pido disculpas si hay gente que es más bien de derecha, pero son ideas a título personal.

Vuelvo así al boceto rápido (imágenes superiores), procurando en estos días enfocarme a mis propuestas. Un comienzo, en la imagen inferior, que me ha interesado desarrollar. Me ha gustado que los croquis hoy se me dan más rápido, a pesar de leves errores. Tal vez la representación arquitectónica, de tipo expresionista, pueda ser una veta. Entendiéndolo de forma atemporal, contemporánea, como veía en la Ópera de Sydney, y no solo como parte de un movimiento con límites de tiempo. El objetivo por estos días: buscar la expresión.

Iconología, iconografía, aniconismo

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Fri, 30 Dec 2022 10:35:00 +0000

En los documentales de arquitectura, en las introducciones gráficas de distintas obras, llama la atención que a veces las presentan resumidas, abstraídas, en ocasiones casi con tres o cuatro líneas: hacen un ícono de ellas. Las sintetizan, en sus elementos más reconocibles.
Las obras de la Bauhaus, por ejemplo, se han transformado en varios íconos. Se pueden reducir en sus aspectos, sin hacer mella en la idea.

En una escuela de arquitectura que trabajó tanto el afiche, la Bauhaus, no es de extrañar que con pocos elementos puedan resumirse sus obras. La innovación a la vez en los utensilios cotidianos es memorable: han quedado como símbolo de un periodo. Arriba: casa Ocho Quebradas (Los Vilos, Chile, 2014), de Alejandro Aravena, resumida en un boceto (para la serie de documentales “Arquis”). Abajo: objetos icónicos de la Bauhaus (1919-1933). La base para resumir, así, es la “comprensión” de los elementos fundamentales. Una vivienda compuesta de tres volúmenes: uno vertical, de dormitorios y baños, otro horizontal, de estar principal, y el nexo entre los dos, un volumen inclinado, que contiene la chimenea. Partir por las ventanas, por ejemplo, harían el boceto ininteligible.
https://www.archdaily.mx/mx/623824/casa-ocho-quebradas-el-espiritu-de-lo-primitivo-elemental

El urbanismo actual a veces “grita” que se hagan figuras más bien simples. En algunos casos sencillamente se quiere unir una avenida con otra, un hito arquitectónico con otro, sin pasar por un sinfín de pormenores, que a veces hacen que la idea no se entienda, se difumine, o se contradiga. Es la aparición del pastiche, equivocado. Los diarios actuales, con noticias que se contradicen. La televisión pública de Chile, horrible, como elemento de confusión, discordante, sin ilación.

Entonces pensé: “Si tuvieras que hacer tres trazos, qué harías”
Me puse a pensar si tuviera que hacer tres trazos de mis proyectos, qué haría. Y me parece un buen ejercicio de generación, porque el autor se está preguntando “qué es lo que quiero”. O “¿soy fiel a resolver lo que tanto criticaba?”.

Revisando proyectos propios veo qué pasa si se vuelve al primer gesto, al partido, entonces procuro retroceder en los archivos fotográficos, buscando primeras intenciones.

Se puede pensar así en forma inversa: de los detalles, y planos desarrollados, volver a la generación geométrica, al partido en pocos trazos. En el primer caso, un cubo de vacío, central, y un cubo sólido, de lleno, dándole respaldo (locales comerciales). En el segundo, un movimiento espiral, que puede irse complejizando (conjunto de viviendas).

Definiciones
En el afán de buscar precisión en el vocabulario, ícono es una palabra que viene del griego “eikón”, imagen, entendida como concepto y representación. En semiología, y semiótica, un ícono es un signo visual que representa a un objeto semejante. Gracias a esta condición, puede reemplazar lo que imita. Iconología es la ciencia que estudia imágenes, alegorías y obras con que los artistas representan personajes históricos o mitológicos, diferenciándose de la iconografía en que esta última solo se ocupa de la descripción, mientras que la iconología estudia la imagen en todo aspecto, es generalizante. Iconografía, así, es la ciencia que, siendo parte de la iconología, describe y estudia el origen de las imágenes, las relaciones con lo alegórico y simbólico, así como sus identificaciones por medio de los atributos que las acompañan.
La alegoría, por su parte, pretende dar imagen a lo que no la tiene, para ser comprendido. Dibujar lo abstracto, hacer “visible” lo que es concepto, respondiendo a una intención ilustrativa o didáctica.

De la veneración de imágenes a la iconoclasia y el aniconismo
Aunque el Corán no prohíbe expresamente la representación antropomórfica, desde el siglo VIII, los musulmanes no representan figura humana. Posterior a esta fecha, no hay una imagen de Mahoma, o de Alá, no hay ángeles.
Iconoclastas, se basan en las formas geométricas. Pero la Alhambra se transforma luego también en un ícono, geométrico, a través de prolijos mosaicos, de modo que lo correcto sería entenderlo como un anti figurativismo, o anti antropomorfismo. Ausencia de animales, de figura humana. La decoración es geométrica, y vegetal. La carne, posiblemente, se considera susceptible al deterioro. Alá, como Dios único, no se deteriora, y también es el único que crea. Pero la medialuna… es un ícono poderoso. Es un signo.

El simbolismo político en Melnikov

Pienso luego en el simbolismo político en el arquitecto Konstantin Melnikov, utilizando la geometría para dar cuenta de un mensaje de revolución social. El mismo describe, en el fundamento de su proyecto para el Palacio de los Soviets (arriba), una pirámide invertida, levantada por gigantes, dejando abajo al faraón, y arriba al pueblo. La obra es bastante abstracta, pero mantiene un simbolismo, en realce del pueblo, de la clase popular: la innovación formal tiene un fundamento.
Actualmente, la clase acomodada se ha tomado el urbanismo. La base de la pirámide ha vuelto a caer sobre nosotros.

Si bien la arquitectura tiene que pasar por la estabilidad física, al igual que la escultura, es interesante que el ícono de lo estático, o estable (las formas regulares de la arquitectura clásica), es reemplazado por el de la movilidad y el cambio y, como la arquitectura constructivista, comienza a basarse en un encuentro de esfuerzos.
Llego a este tema aterrizándolo en el actual tópico del Eje Alameda-Providencia.

Un tópico de urbanismo: sobre el Eje Alameda-Providencia
No me parece bien el proyecto “Eje Alameda-Providencia” así como está. Sí la idea de un “Jardín de la Resistencia”, más significativo. Por una mayor inclusión, que más voces sean escuchadas, en un plan urbano que compete a todos.

Como todo plan a mayor escala, puede aportar soluciones, pero aparece el problema de su fundamento, de su justificación, que entorpece su formalismo. En el proyecto original, el ícono sigue apareciendo como figura central. Nótese el escaso anticipo a los procesos sociales, con la estatua al centro. Si se saca luego no es el mismo proyecto, no hay tensión, que es lo que está ocurriendo ahora. No está Baquedano, pero en su reemplazo no hay nadie. Además, cuestionable el momento en que se pretende relanzar (reaparición del "Partido del Orden", criticado durante el estallido), y su alto costo.

La contemporaneidad de tipo corporativo en la que estamos nos ha llevado, para bien o para mal, a un aniconismo de facto, en la práctica. Lo hacemos todo geométricamente, no figurativamente. Nos cuesta saber si un memorial es de víctimas de la represión de la dictadura, o de Jaime Guzmán, por ejemplo, e incluso el último (dedicado a un personero pinochetista) puede parecernos de moral cuestionable, o lejana a nosotros, pero formalmente bien (imagen inferior).
https://www.archdaily.cl/cl/02-6271/en-construccion-memorial-jaime-guzman-nicolas-lipthay
No hay una polémica en torno a la generación en sí: clasicismo-derecha, modernismo-izquierda. Ha dejado de ser así. Solo nos preocupa la materialidad de ciertas obras, como el memorial de Paine, por ejemplo. Y uno dice: "yo la habría hecho más permanente, o de material más sólido". Pero hemos llegado a un formalismo parecido con la derecha, que hace que no nos distingamos.

Tal vez, traumatizados por la “caída de las estatuas”, tanto de izquierda como de derecha, nos hemos homogeneizado, en formas no significantes. Corporativas, parecidas a la criticada “arquitectura internacional”.
https://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_Un_lugar_para_la_Memoria_(Paine)
Como comentario aparte, se puede pensar por qué el memorial de Guzmán tiene artículo de ArchDaily, y el de Paine no lo tiene. ¿Tenemos realmente materia crítica?

Obra de Alejandra Ruddoff, escultora, y de los arquitectos Jorge Iglesis y Leopoldo Prat (2007), simboliza un gran bosque de 1.000 pilares de madera, donde, al ser retirados 70 pilares, producen espacios de ausencia, que recuerdan 70 personas desaparecidas. En el centro, una plaza de 12 x 12 metros, que sirve para encuentros y conmemoraciones (arriba).
Se puede pensar también en el edificio de la UNCTAD, creado por la Unidad Popular (UP), y que se transforma en algo que después la ataca. Después de 1973, es nada menos que la sede del antagonista, al cual poco le importan sus principios.
https://www.latercera.com/culto/2022/04/02/de-la-unctad-al-gam-la-historia-del-edificio-icono-de-la-up-levantado-en-tiempo-record-hace-medio-siglo/
El ícono de la imagen del Che Guevara, conocida por todos, es algo que también aparece en el subconsciente. La sede del Ministerio del Interior, Cuba, destaca por el mural en relieve de su fachada (copia de una fotografía de Alberto Korda, en 1960), obra del artista Enrique Ávila.
https://www.archdaily.cl/cl/899353/7-edificios-en-la-habana-que-evidencian-la-rica-historia-arquitectonica-de-cuba

El tema que tal vez subyace es la recuperación de una iconología. Allende tiene un aspecto reconocible: recordamos sus facciones, sabemos cuando no es otro. Los lentes que usaba, el bigote. Puede ser interesante recuperar aquello, con la polémica que pudiera acarrear. Un simbolismo político más directo. O a lo mejor nos falta un poco más de carácter, simplemente para hacer un proyecto de tres cuerpos, uno vertical, otro horizontal, y otro girado. Eso podría ser distintivo, como la pirámide de Pei en París. O las formas visionarias de Niemeyer, en Brasilia. No recordamos que el centro de Santiago es un triángulo, por ejemplo, ¿por qué no realzar esas formas simples?. El boceto de cuatro líneas, el propósito. Y finalmente el lema social en cuanto a pensamiento de ciudad: la equidad, la reducción de las desigualdades.

Volveré a mis proyectos en el próximo posteo, en el presente quise explayarme un poco, comentar más y aprovechar de abordar un tópico contingente (arriba: Monumento al último discurso de Salvador Allende, Ing. Budge 200, San Joaquín, Santiago, del escultor Oscar Plandiura).

Arriba: boceto de la casa Ocho Quebradas, de Alejandro Aravena (serie documental "Arquis")

Armonía tácita, infraestructura y flexibilidad

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Fri, 11 Nov 2022 20:50:00 +0000

Es posible que exista un orden, o armonía tácita. Y que la naturaleza siga patrones matemáticos. Pienso esto en torno al tema de lo virtual, de la virtualidad. Lo virtual es lo que se supone, se sobreentiende, en potencia, a punto de ser trazado sin estarlo. Por otro lado, existe una formalización, que procura escoger las mejores condiciones de la virtualidad, que es el tablero o base donde la forma se mueve. Lo formal es lo concreto, lo innegable.
El prototipo “Dominó”, de Le Corbusier (1915), habla de estructura y virtualidad. Dominó es un esqueleto, que puede tener distintos resultados, a partir de una base común. La armadura o esqueleto es igual para todos, lo implícito es una potencialidad tácita sobre éste, una planta libre sobre pilotis, donde el resultado final es diverso y variable. Arriba: Prototipo Dominó de Le Corbusier, construido en madera, por la Architectural Association de Londres (2014), ilustración propia en acuarela.

Tácita, callada, silente, una potencia de trazos estructurantes está presente intrínsecamente en la naturaleza de lo que nos rodea. Manteniendo la estructura, pero variando la envolvente, construirla por módulos puede ser un partido de generación. Un elemento de soporte, y otro de variación.

La Casa Shodan (Ahmedabad, India, arriba), construida entre 1952 y 1956, puede entenderse como uno de los resultados del prototipo Dominó. Su diseño es estructuralmente simple, y complejo en cuanto a recintos. Marco general de hormigón, moldaje a la vista, destacándose la cubierta-parasol. La disposición de los pilares, hasta la altura total, se basa en el esqueleto del prototipo.

Desplegado sobre recintos heterogéneos, discontinuos, el techo reconstruye el volumen, mientras las plantas se articulan con una rampa, similar a la Villa Savoye. Al igual que en otras obras de Le Corbusier, predominan hormigón y ladrillo. Al prototipo original, luego, acuden condiciones vernáculas: control solar, permeabilidad, inercia térmica, integración con la vegetación, y muy especialmente la cultura india, que determina sus proyectos en esta etapa. Celosías horadadas, y colores internos, finalmente, otorgan una fisonomía característica a las fachadas. Arriba: una fachada más cerrada y otra con celosías, y esquema de Le Corbusier de ventilación. Abajo: plantas de la vivienda.
https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Shodan

Renacimiento y arquitectura: la figura humana ad circulum y ad quadratum
Es interesante el encuentro de lo ideal y lo físico. Y medir podría ser un nexo, porque es una referencia, construida o no. Medir es tomar parte de la virtualidad, comprenderla. Poner en relación, de alguna forma comparar, remitir a algo conocido. Y en forma precisa, exacta.
Da Vinci, y los artistas del Renacimiento, se plantearon como tema de su vida revelar las relaciones geométricas que gobiernan el mundo natural. Según sus palabras, "el hombre es el modelo del mundo", y parte de su legado son las proporciones del “Hombre de Vituvio”, dibujo realizado en torno a 1490, en uno de sus diarios.

https://es.wikipedia.org/wiki/Hombre_de_Vitruvio
https://www.elmostrador.cl/cultura/2020/07/06/leonardo-da-vinci-las-mil-y-un-maneras-en-las-que-el-hombre-de-vitruvio-revela-que-el-artista-italiano-era-un-genio/

En realidad, sin embargo, no es idea propia, sino respuesta a un antiguo desafío. Su boceto es un “intento de gráfica” de un estudio que no la tenía, planteado en “De Architectura”, por Vitruvio. Según Vitruvio, “dado que el objeto más perfecto de la naturaleza es el hombre, un edificio perfecto debía ser proporcionado como el cuerpo humano”. El dilema que plantea luego es contener un hombre con los brazos extendidos, en un círculo cuyo centro es el ombligo, y sus extremidades toquen la circunferencia. E inscribir la misma figura en un cuadrado (ad circulum y ad quadratum). Primero, es el arquitecto Giacomo Andrea quien descentra el cuadrado del círculo (dibujo de la imagen superior), y después Da Vinci (abajo) quien remarca las relaciones, y completa la respuesta, dando solución a este problema.

Este tipo de desafío, en la época moderna, es recogido y perfeccionado con masa crítica, y luego puesto en práctica, con una utilidad funcional, por arquitectos como Le Corbusier, a través del Modulor, y por Ernst Neufert, con su libro sobre estándares arquitectónicos: “Arte de Proyectar en Arquitectura”.
https://www.archdaily.cl/cl/949493/la-evolucion-de-las-escalas-humanas-en-la-arquitectura

Otro aspecto interesante de la obra de Da Vinci, es que incluso tratándose de la búsqueda del alma, Da Vinci pensaba que estaba en un lugar físico. En un lugar del cerebro, invirtiendo gran parte de su tiempo en aquello. Da Vinci ve en el cerebro luego el órgano esencial para entender la relación entre el mundo externo e interno, entre micro y macrocosmos. En este empeño, busca donde se sitúa el alma y cómo se relaciona con los sentidos, abordando así la noción de conciencia. Estudia el cráneo, la médula espinal y los nervios periféricos, a través de ilustraciones detalladas, avanzando y perfeccionando en la investigación y comprensión de la anatomía.

Arriba: estudio anatómico del cerebro, el corazón y la musculatura (Leonardo da Vinci). Nótese el grado de exactitud al que llega, comparable a la actual fotografía, y que aún tiene utilidad en la medicina.

“Arquitecturizar” y “esculturizar” para producir variedad: la composición
La composición en un proyecto de arquitectura le debe mucho a las repeticiones, pero no es solo eso. En determinado momento cambian, en determinado momento se mueven. ¿Cómo se sigue en equilibrio y no en caos?
El ejercicio que me he planteado en mis proyectos actualmente, partiendo por el conjunto "Tierra de Remolinos", es procurar variabilidad que no sea desorden, tentando con composición. Con elementos de inflexión, heterogéneos. Abajo, ejemplo de fachada continua, y variable. Buscando, en este punto, una virtualidad geométrica, para evitar lo antojadizo. Divido expresión y programa, borro la envolvente y vuelvo a cubrir de acuerdo a programa, para generar aberturas y cambios. Geometrías idénticas en planta, así, pueden tener distintas fachadas, dependiendo del uso y contexto.

Arquitecturizar y esculturizar, como “verbos”, parecen antónimos. Palabras-concepto, inventadas. A veces se necesita arquitecturizar, y a veces esculturizar. Se puede arquitecturizar una forma natural, vale decir racionalizar la multiplicidad de vectores de un terreno, por ejemplo. Esculturizar por otra parte puede significar variabilidad en lo homogéneo, algo parecido pero más cercano a la composición, al orden matemático. Algunos proyectos arquitecturizan o esculturizan, y los dos conceptos tienen relación con la potencia.

Pienso a su vez la relación con el origami, o papiroflexia. Se puede entender así un terreno como un plano plegado, que puede responder a geometrías implícitas. Las figuras icónicas del origami, por ejemplo, cuando se despliegan responden a ejes y simetrías (figura superior: patrones de origami).
Aparece un fuelle o pliegue, movimiento plisado, que transforma los sólidos. Un plegado tiene relaciones: si se vuelve a desplegar se encuentran proporciones, geometrías, correspondencias. La hoja extendida queda marcada de los rasgos o trazos de la figura tridimensional.
Estas correspondencias tienen que ver con tensiones, esfuerzos, geometría producto de física. En teselaciones y corrugaciones de la hoja plana, por ejemplo, al desenrollar se obtiene un patrón que se repite rítmica y regularmente. Recursos que pueden ser útiles para rigidizar y dar estructura a láminas, permitiendo soportar mayores pesos y esfuerzos. Un ejemplo de esta tridimensionalidad es el remolino (figura inferior).

https://origami.kosmulski.org/instructions/stacked-whirlwind-molecule https://bermarez.com/papiro/6_teselaciones_y_corrugaciones.html https://langorigami.com/article/crease-patterns-as-art/

Conclusiones
El presente texto parte recordando el prototipo Dominó, y uno de sus resultados prácticos: la casa Shodan. Como primera conclusión se ve que la aplicación de un modelo depende en forma determinante de las condiciones del lugar, de su espíritu, aptitud. Así siempre será distinto. Por orientación, por programa, por composición, por cambio de escala, un prototipo se transforma, adaptando la primera inspiración a las condiciones reales.
Luego, abordaba el desafío de Vitruvio, como hacer calces en una prueba de ingenio. La arquitectura es algo parecido. Da Vinci, luego Le Corbusier, y Neufert, lo enfrentan y actualizan.
Así como la aplicación de un modelo depende de las condiciones del lugar, el ejercicio que he estado planteándome es cerramiento y apertura, en estudios de fachada de proyectos propios. Cómo servir al programa, y cómo dividir la modulación, yendo de lo simple a lo meticuloso.

En el conjunto, generar así una fisonomía que evoque el remolino, basada en pliegues, de anversos y reversos, y dar lugar a una infraestructura unificadora, donde los elementos no estructurantes vayan moviéndose con soltura, flexibilidad. En todo orden de cosas: comprender un orden mayor, y también comprender una complejidad.

El cambio en la repetición

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Sat, 10 Sep 2022 15:53:00 +0000

Anteriormente me refería a Dominó, Monol, y Citrohan: los tres prototipos de vivienda concebidos por Le Corbusier, que desarrolla como concepto tomando el tema de la máquina, la fabricación en serie, y la vivienda social, y que despliega en algunos proyectos de vivienda concretos, otorgando peso y masa crítica a su puesta en práctica.
Dominó es reconstrucción virtual, Monol es lo artesanal y búsqueda vertical, y Citrohan es culminación de vertical y horizontal en continuidad. Pensando en esta búsqueda, inspirándome como referencia, abordé luego la idea de aplicación de un modelo como matriz de generación. Para esto, retomé el conjunto de vivienda que he estado desarrollando en los últimos posteos, que recién he podido retomar, algo ocupado con los proyectos de mi oficina durante estas semanas.
Arriba: Casa Jaoul, Le Corbusier (1954), inspirada en el prototipo Monol.

Luego, siguiendo esta veta, arquitecturizaba la estrofa que no había abordado: la número dos. La repliqué, pero al hacerlo me di cuenta de un tema que puede ser relevante al proyectar conjuntos, al momento de la asociación de módulos, de unidades: cuándo modificar, cuándo variar. Estos días, simultáneamente con trabajar en otros proyectos, he estado pensando cómo modificar un cuerpo estandarizado, cómo variar afortunadamente un módulo.
He pensado que esto podría producirse manteniendo la arquitectura, pero variando la envolvente, como una epidermis que se mueve. Arriba: “ɿomɒ ǝɈƨǝ ǝb / ɒllɒ ƨɒm ɿi 𐑕, Conjunto Tierra de Remolinos” (Prototipo N°2).
Como referente en este proyecto, vuelvo a pensar en el barrio Concha y Toro, cerca del centro de Santiago, hacia el poniente, que he tenido la oportunidad de abordar, y de recorrer físicamente, a través de varias actividades.

Arriba: Barrio Concha y Toro (Santiago), plazoleta central.

Es distinto fotografiar el barrio Concha y Toro en invierno o verano. Los árboles de hojas no perennes son como personas que se visten distinto y las copas pueden cubrir o no la arquitectura de calles estrechas. No tiene tantas curvas, una sola es prominente, aunque en los recuerdos de la gente, por lo variable que es su formalidad, da la impresión de que fueran más. La gente a lo mejor recuerda más, pero es solo una. Lo que tiene, en cambio, es multiplicidad de vectores, de ejes, cambios de perspectivas.

Un octógono es un cuadrado al que le llegan diagonales, en las esquinas: el barrio Concha y Toro sugiere eso, en la forma octogonal implícita de la planta, con la plazoleta al centro de una cruz. La gran cantidad de elementos de relieve, logias y protuberancias, en las fachadas, por otro lado, refuerzan la “poligonización” del cuadrado.

Arriba: el octógono implícito en el barrio Concha y Toro, y la poligonización o segmentación de las formas puras (abajo). Giros en segmentos, mayoritariamente rectos, que van conformando una curva.

He pensado todas las entrantes y salientes que tiene la arquitectura en este barrio: otorgan variedad, sombra. Es lo que me ha llamado la atención desde joven, como aporte. Pueden asimilarse a pliegues que marcan un dentro, en una posible arquitectura más contemporánea, más moderna.
Tiene que ver, asimismo, con ir variando una envolvente, que se mueve en ciertos parámetros de medida, en una modulación de distancias implícitas, en cierta estandarización.

“Amo la regla que corrige la emoción”
Georges Braque

Esta frase de Braque siempre me ha llamado la atención, desde mis años de estudios, porque parece que en el momento de inspiración las personas “se derraman”, sin mucha medida. Aparecen elementos innovadores, pero también ruptura, escisión. La inspiración es “lanzar”, solo por sentimiento, por intuición, y agarrar, aferrar jirones de un ideal.
Recuerdo que aprendí esta frase como la “regla que contiene la emoción”, pero el sentido es parecido: es como la imagen de un dique, de algo que vuelve a curso. Que refrena, o acota. En cierta forma una restricción, también medida. Pero un río, por ejemplo, por sí solo también vuelve a curso, a cauce, no avanza sin física, desparramando, avanza con fuerza, en su propio orden. Entonces hay que acompañar a la naturaleza de las cosas: ese es el tipo de leve restricción, o corrección. “J'aime la règle qui corrige l'émotion”, es el original.
Esta frase, un tanto clásica, y amiga de la norma, está incluida ya en un texto que Braque escribe en 1917: “La nobleza nace de una emoción contenida. La emoción no debería traducirse en un temblor agitado, tampoco puede añadirse ni imitarse. Es la semilla, la obra es la flor. Amo la regla que corrige la emoción”.

“Prefiero la emoción a las reglas correctas”
Juan Gris

Juan Gris, español, es otro cubista relevante. ¿Qué es emoción? Es un llamado interior, que se puede relacionar con la inspiración, porque la definición del diccionario es física: “Alteración del ánimo agradable o penosa, que va acompañada de cierta conmoción somática”. Pero qué produce aquello, esa “manifestación” física. La belleza, o un sentimiento sublime. La emoción más bien es la tendencia a lo bello. Es similar a la inspiración. “Estímulo que anima la labor creadora en el arte o la ciencia”, es su definición. Braque habla de nobleza, de lo que es noble para uno, qué nos emociona. Interesante tema, emoción y regla. Lo enuncio en forma intuitiva, pero tal vez también tiene que ver con la variación.

Densidad arquitectónica
Volviendo al proyecto, veo una posibilidad de similitud de distancias, de medidas antropométricas, para el conjunto “Tierra de Remolinos”, en la continuidad propuesta.

El tema del presente artículo, así llega en medio de la búsqueda de variar una repetición. Un módulo cambia, pero el cambio también puede ser medido, dentro de parámetros, como lo que Le Corbusier llamaba trazos reguladores, que no caen en el caos. A continuación, busco ejemplos de obras que lo desarrollen, lo que se refleja en la composición a través de módulos.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/625253/edificios-composicion-de-fachadas

“L’ Arboretum” (abajo) es un conjunto de vivienda en Fléville-devant-Nancy, Lorena, Francia, de 2013, con una superficie de 9800 m², de CAAU (Coldefy & Associés Architectes Urbanistes). Unifica actividades en una transición representada por la envolvente, la cual varía en una cuadrícula, con un módulo replicado, que responde a funciones del interior, y se amplía para formar logias o dobles alturas. Flexible, el módulo permite que todas las funciones coexistan armoniosamente, revelando solo la textura de su material. Arriba: esquema de modulación de fachadas, abajo: vista de conjunto.

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-322618/l-arboretum-coldefy-and-associes-architectes-urbanistes

“Tashiro 71” (abajo) es otro proyecto de vivienda, en Nagoya, Japón, de 2014, de la oficina Hideaki Takayanagi. Sus ventanas a simple vista parecen dispuestas en forma irregular, pero después de apreciar tamaño y ubicación, es posible darse cuenta de su relación con el paisaje urbano, transformándose en una forma de "desorden natural", o medido.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-352004/tashiro-71-hideaki-takayanagi

La Casa de Hospedaje “Rocío matutino” (abajo), en Corea del Sur, de 2016, y superficie de 337 m2, es una obra de Architects Group RAUM. En ella, el dueño habita una casa de 230 m2, y opera un hospedaje para turistas. El cliente es extranjero, y los usuarios también. Entonces, se trata de crear un espacio donde encontrar novedad respetando la textura de la ciudad, mostrando las características de la ubicación en Choryang. Las casas circundantes parecen disparatadas, construidas con prisa, informalmente, en las laderas. Han permanecido sin embargo y ahora se ven amistosas y ordenadas. Aunque desiguales, tienen órdenes únicos, que crean un escenario hospitalario. Y también son las reglas y orden de vida de las personas que han vivido en Busan, el sector.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/883073/casa-de-hospedaje-rocio-matutino-architects-group-raum

El bloque de viviendas “E3” (abajo) de 7 plantas, situado en el barrio Prenzlauer Berg, en Berlín, Alemania (2008), es el primer edificio residencial en altura, entre medianeros, construido parcialmente con madera en el centro de una gran ciudad europea. De la oficina Kaden Klingbeil Architekten, contempla 987 m2. Llama la atención la disposición de sus aberturas, variables pero rítmicas.
Más información:
https://www.artofit.org/image-gallery/2955555995521190/kaden-klingbeil-architekten-bernd-borchardt
http://baumad.com/2017/06/04/edificio-viviendas-e3-berlin/

Es como la danza, que es creativa sabiendo los pasos. Armonía, como la que presentan las entrantes y salientes del Barrio Concha y Toro, en la primera parte del artículo, y en los ejemplos de modulación moderna, en la segunda. Buscar así dotar la forma de densidad arquitectónica. Variabilidad sin caos, y la frase clave: masa crítica.
Y la palabra clave: crítica.

Estructuras conectadas

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 18 May 2022 10:23:00 +0000

Infraestructura debe ser uno de los términos más conocidos y usados en arquitectura y urbanismo. Se entiende como el conjunto de medios técnicos, servicios o instalaciones necesarias para el funcionamiento de una actividad, o para que un lugar pueda ser útil a un fin. Unitaria, o reiterada a intervalos, como ritmo, la infraestructura posibilita un orden o sistema aplicado en territorios a veces extensos, con carencias, o sin determinación formal.

Lo que entiendo por superestructura, por otro lado, es un orden mayor, aplicado como una idea sobre otro. Sobre otra estructura. Así es posible entender capas o niveles de orden, enlazados. Estructuras conectadas.
Arriba (dos primeras imágenes): búsqueda de una superestructura de orden, basada en un plegado continuo, para las viviendas que he presentado en los últimos posteos. Al final del artículo procuraré explayar la idea un poco más.

Tren metropolitano y paraderos de buses
Una infraestructura, inserta como nuevo equipamiento en un territorio, así puede aplicarse en continuidad o intervalo, enlazándose a la arquitectura preexistente, como otra capa, o layer.
El tren metropolitano, o metro, es un buen ejemplo, como también los paraderos de las redes de buses. El metro tiene una continuidad invisible o atenuada, que se vuelve “visible” y expuesta en sus estaciones. Se compone de líneas férreas (ferro estructura), e intervalos destacados o enfatizados: sus estaciones, que aparecen con determinada interfaz accesible al usuario, cada cierta distancia, cierto tramo. Tramos que oscilan entre los 500 metros y los 1,5 kilómetros. Y aparecen materialidades, colores, letreros, señalética, accesibilidad, diseño: las estaciones son elementos a destacar.
https://www.plataformaurbana.cl/archive/2013/09/23/estaciones-de-las-nuevas-lineas-del-metro-estaran-al-doble-de-distancia-que-las-antiguas/
Las tres fotos superiores, por otra parte, muestran los tres tipos de paradero de la red de buses de Santiago (Transantiago): tipo zig-zag, en principio para la mayoría (y que quedaron para los más grandes), tipo onda, para zonas verdes, y horizontal, para áreas patrimoniales.

Algo de materialismo histórico. Conexión de estructuras en Marx y la doctrina socialista
Un autor así requiere que algunas cosas se noten más que otras. Que unas cosas sean latentes o subyacentes, y otras manifiestas. Hay una arquitectura oculta, de funcionamiento, y una interfaz o interface: la zona de comunicación.
https://www.dtpm.cl/index.php/infraestructura/refugios-y-puntos-de-parada

En esta aproximación semántica, de estructura, infraestructura, y superestructura, pensé que el materialismo histórico de Marx en el fondo se basa en entender conexiones entre órdenes, y darles un sentido para aplicar su postulado. Así entender la estructura para aplicarla, y él la ocupa para enfatizar la clase obrera, con un diagnóstico dirigido a aquello.
En su tesis, toda función productiva del hombre depende de la base social y económica, vale decir, de una infraestructura, mientras que la superestructura es la institucionalidad que genera. Así mientras la superestructura se desarrolla siguiendo los intereses y pautas de la clase dominante, depende por otra parte de las condiciones económicas de cada sociedad, de los medios y fuerzas productivas.
Se puede concluir entonces que superestructura es un término con diferentes interpretaciones. En la corriente marxista, es parte de su base, de la representación de la estratificación en clases, y esencial para abordar e interpelar la economía social.

Evitar dar fuerza al otro en forma negativa: creacionismo físico y sentido pionero
El diagnóstico actual, sin embargo, lleva a que en vez de un fatal derrumbe del capitalismo, los sistemas económicos capitalismo-socialismo se han transformado en némesis mutuas, y se sopesan, en tiras y aflojes interminables, sin utopías. Se ha transformado en una pugna, que se va transando. Nuestro periodo contemporáneo es un “versus”, que nos deja insatisfechos a todos. El capitalismo, de todas formas, se ha debilitado a partir de 1990, luego de un periodo de euforia. Pero no cuenta con contraparte real, y se fortalece cada vez que un intento social lo interpela. El derrumbe de los sistemas ocurre en soledad, como algo que “se cansa”. Y no hay que engañarse si en la izquierda también sucede. Es como si nos mintiéramos, solo para competir con otro.
Se puede así caer en dar lugar a ansias y fuerzas que le dan fuerza al otro en forma negativa. En estos años, en cambio, haría un esfuerzo de novedad e innovación. Un esfuerzo "creacionista", citando al poeta Huidobro. Hay que volver a la voluntad. Para eso tal vez son necesarios “elementos de creatividad”. Nuevos.
Evitar esa “relación necesaria”, y volver a una izquierda propositiva.
No se puede salir del tema de la producción, y ciertamente es un foco de conflicto. Hay intelectuales que desprecian basarse en la economía, pero parece necesario. Es encontrarnos ante la cosa misma, ante la supervivencia.

Dotación o equipamiento
Un equipamiento, aplicado en la ciudad, se traza como líneas, sectores achurados, o puntos en un plano, en lo posible equidistantes. Y en la realidad se adapta a coyunturas existentes, a la arquitectura previa y accidentes posibles, como al uso focalizado, al requerimiento de las personas en esa actividad.
Un paradero de color verde, en el caso de Santiago, organiza la ciudad, y es una infraestructura de orden. Pero pensé que tal vez es muy poco, y que podrían concebirse elementos de “preocupación social”, como otro tipo de infraestructura, que proponga igualdad.

Elementos “identificantes” o identitarios
Al abordar la vivienda, pienso la posibilidad de un “travesaño” (pieza transversal), que unifique un conjunto. Una pieza de unión, un elemento común. ¿Cómo sabemos cuándo entramos y salimos del barrio Concha y Toro? Es una atmósfera de elementos, que en determinado momento comienza, y en determinado momento termina. El urbanista incluso lo achura, delimita. Son casas construidas en el mismo momento, está claro, pero responden a una identidad ¿Con qué elementos podemos “achurar” un conjunto nuestro, nuevo?
Entonces pienso la propuesta de un plegado, que se entienda continuo, que entregue esa atmósfera de comienzo y término.

Arriba: Barrio Concha y Toro (Santiago).

El ejercicio de volver a hacer lámina la arquitectura
Pensé este posteo luego como un intermedio rápido antes de presentar un poco más la arquitectura. Lo pensé como ejercicio. En este caso concebir el ejercicio inverso.
Y lo divido entre una aproximación teórica a la infraestructura, y el ejercicio mismo, la propuesta de aplicación, el hecho. Tal vez es la ética que he buscado intuitivamente: que una cosa no vaya sin la otra.
El referente espontáneo de despliegue puede ser la ronda que se hacía en el colegio, o el pop up que se abre continuo. Las cadenas de papel, que se despliegan como guirnaldas, de las más simples a las más complejas. En una sola lámina.

Arriba: mi idea es una “superestructura” plegada, que incluso pueda extenderse como lámina, en una pieza. Abajo: visión tridimensional.

En la ciudad la percepción de las distancias no es matemática. La misma distancia se puede sentir transitable, o vasta. Y puede hacerse sentir más asequible con ayuda de elementos urbanos, como árboles de cierta característica. Así también hacerse hóspita con determinada infraestructura: una cubierta que emule árboles, y haga transitable un pasillo. El tratamiento de ciertas zonas se vuelve sumamente relevante. La calidad de los lugares.
El cuerpo humano funciona de tal forma que no solo depende de la geometría, depende de factores como temperatura, insolación, pavimentación, etc. Es más complejo que un esquema aplicado.
Procuro tener este punto claro al pensar en superestructuras u órdenes mayores, sobre todo al provenir de esculturas, o formas geométricas, que en su primera versión (buscando lo escultórico) soportaban letras, versos. Similar a las infraestructuras de paraderos, procuro pensarlas como señales en la ciudad.

Amplitud: comparación del prototipo poético (estrofa escultórica) con el prototipo arquitectónico
El plegado de arquitectura, viendo los resultados, difiere un poco del plegado del prototipo, aunque ambos son familiares. El de arquitectura se “comba” para acoger más. La arquitectura es geométricamente más obtusa que aguda, más cóncava que convexa, más excavación que protuberancia. Más suplementaria que complementaria. Busca la amplitud para contener.
Pienso lo que les pasa a los alumnos de primer año cuando tratan de hacer formas triangulares, y encuentran dificultad con lo inhóspito. Entonces la idea es ir adquiriendo experiencia sobre lo “acogedor” y su aplicación rápida, como si fuera un puzle, desarrollar un oficio. El oficio de arquitectura podría entenderse entonces como hacer acogedoras, habitables, las formas.

Observé que el plegado se “comba” más que la idea inicial (arriba). Tras este ejercicio, la idea es ir pasando el proyecto por varios cedazos. Y entiendo, a través de este artículo, que una infraestructura no es obvia, sino que va entrelazada a otros sistemas de orden, que hay que comprender. Me parece interesante, por último, que un troquelado de origen a algo tridimensional, y eso he estado buscando estos días.

Buscar el travesaño, el orden transversal. Viniendo de una intuición, también haría tema de la búsqueda de un formalismo, de geometrías radicales, para aplicar en lo indeterminado.

Aplicación y realidad. Temas de voluntad de infraestructura y calce
Con respecto al encuentro de voluntad, y realidad, tal vez es interesante recordar el debate de los actuales paraderos de buses de Santiago, en su momento. Lo que decía el arquitecto Christian de Groote (fallecido en 2013) de ellos, al darse a conocer el proyecto.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-1192/polemica-tras-el-diseno-de-los-nuevos-paraderos-del-transantiago
En una carta a El Mercurio (julio de 2006), critica su diseño, habla de “grosera estridencia que ha relegado a la Fuente Alemana a una desmedrada situación de trastienda, la vincula más a un recinto ferial ganadero que a un equipamiento urbano con un mínimo de respeto por el entorno”. En la revisión del Consejo de Monumentos Nacionales, se procuró así eliminar las estaciones que bloquearan patrimonio, y ejemplo de aquello fue el retiro del paradero frente a la Biblioteca Nacional.
Las infraestructuras de esta forma deben considerar un acople, un ajuste, más allá de su esquema. Un paradero moderno siempre es un llamado, un acto de publicidad, pero hay que evitar un tema de descalce, de encuentro no bien resuelto.
Veo un gran esfuerzo por llegar al centro con esas formas. Mi tesis, pensando otras infraestructuras, va por unificar, normalizar, igualar. El concepto del urbanismo del siglo XXI. La noción de que existen estructuras constituidas y no constituidas. Y hay que operar sobre las no constituidas. Cómo hacer que las estructuras no constituidas se afirmen. Aplicar un lazo.

Conjuntos basados en la geometría
En medio de los proyectos que desarrollo, leo y busco referentes de conjuntos habitacionales, que destaquen tanto por un radicalismo formal como por la interacción de unidades, por su asociatividad. Por estos días me han llamado la atención varios ejemplos, en especial dos que me parecen dignos de hacer detenerse con más densidad, o de analizar, uno de Ricardo Bofill, otro de Rem Koolhaas. Ambos también tienen la idea de no solo pensar en planta sino pensar en sección, pensar tridimensionalmente. Leer ejes verticales.

Ricardo Bofill, “Xanadú”, 1971 (Alicante, España)

Dentro de la urbanización “La Manzanera”, Bofill concibe un bloque de 18 apartamentos, generado a partir de una combinación de cubos. Basada en un castillo, su fisonomía también se asemeja al cercano Peñón de Ifach (arriba).
Cada apartamento se compone de tres cubos, que albergan salón-estar, dormitorios, y zona de servicios. Estos tres cubos se organizan en torno al eje vertical de la escalera, articulando la circulación sobre una trama ortogonal, que incorpora terrazas resguardadas. En cuanto a concepto, el proyecto supone la aplicación de un prototipo experimental, dentro de una teoría de “ciudad jardín en el espacio”.

Cada módulo presenta aberturas al exterior, situadas en función de orientación, iluminación, extractores y ventiladores, privacidad, y de los puntos de conexión, definiéndose tras el análisis de los planos de estructura.
La geometría del cubo, base de la estructura inicial, se disgrega en ángulos exteriores con el fin de generar una fachada variada, con una atractiva interacción de luz y sombra, obteniendo múltiples vistas sobre el paisaje.

Rem Koolhaas/OMA, “Nexus World”, 1991 (Fukuoka, Japón)

En el barrio Nexus, que incorpora proyectos de varios arquitectos destacados, Rem Koolhaas propone como fisonomía de su conjunto una envolvente de granito negro, con suave trazo en planta, dispuesta como zócalo de las torres adyacentes, de la cual emergen las cubiertas flotantes de las viviendas. Su base, a su vez, es transparente, otorgando levedad al diseño. El proyecto considera 24 unidades, de tres niveles cada una, organizadas en dos bloques similares y enfrentados, con acceso a una calle interior, donde un patio vertical entra a cada casa, aportando luz.
Para la organizar su programa, Koolhaas sitúa los dominios públicos hacia la calle, mediante una fachada de cristal extrovertida, dejando los más privados hacia el interior, innovando en los grados de privacidad.

En la primera planta, se dispone de un patio privado, mientras que en la segunda se sitúan los dormitorios. En la tercera, se incorpora estar y comedor. El concepto de célula articulada, de vertical en interconexión, subyace en todo el proyecto. El módulo de vivienda, dispuesto en forma yuxtapuesta, produce una interesante sección, donde las unidades se elevan permitiendo el acceso desde abajo, invirtiendo así la relación habitual con el plano del suelo (estares arriba), en el programa.

Mi propuesta, el conjunto “Tierra de Remolinos”
Veo finalmente los prototipos de “Tierra de Remolinos” sugiriendo formas de aspas. Dentro de este sistema virtual de hélices, imaginar palas o álabes: sus componentes. Visualizar el plegado que lo generó y le dio movimiento.
Definir luego estructuras superpuestas, para aplicarlas, que es el ejercicio que presenta este posteo. Que las piezas sean colaborantes.
En términos más de fundamento, si seguimos una sola estructura sería un pensamiento esquemático: por el contrario, la idea es enriquecer nuestra experiencia con varias capas superpuestas. Una idea de lazo.

Procuro así una articulación para el conjunto “Tierra de Remolinos”. Una infraestructura de conjuntos, y una superestructura formal de continuidad, definida bajo la expresión propuesta. Procuraré extenderme más en la arquitectura en el próximo post.

Dominó, Monol y Citrohan: en torno al prototipo

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 23 Mar 2022 14:08:00 +0000

“La arquitectura es una de las necesidades más urgentes del hombre, ya que la casa ha sido siempre la indispensable y primera herramienta que se ha forjado. Una casa es una máquina de habitar: baños, sol, agua caliente, agua fría, temperatura a voluntad, conservación de los alimentos, higiene, belleza mediante la proporción”
Le Corbusier, “Hacia una arquitectura”

A lo largo de su carrera Le Corbusier concibe tres prototipos básicos de vivienda: Dominó, Monol, y Citrohan, que tienen en común el objetivo de la fabricación en serie, al igual que maquinarias, siendo el último el modelo que más alcanza a desarrollar. Este interés es uno de sus temas principales de investigación: la industrialización y el ideal de una casa que una lógica y economía. Una vivienda de carácter social, adaptada a una época de máquinas e inventos, y a la producción de nuevos transportes, aviones, vehículos, barcos elaborados mediante estandarización y piezas prefabricadas. Así concebiría las viviendas, para procurar responder en menor tiempo y costo a los requerimientos de la población. Arriba: Casa Citrohan, Le Corbusier (1927), acuarela propia.

"Si el problema de la vivienda, del departamento, se estudiase como un chasis, se vería mejorar y transformarse rápidamente nuestras casas. Si las casas fuesen construidas industrialmente, en serie, como los chasis, se vería surgir rápidamente formas inesperadas, pero sanas, defendibles, y la estética se formularía con una precisión sorprendente". Esto ante el hacinamiento e insanidad de las condiciones de vivienda de esa época.

Dom-ino: una estructura de reconstrucción de posguerra
La casa Dominó (1914-1915) viene de un sistema estructural, pensado para la reconstrucción después de la Primera Guerra Mundial, y que es bastante manifiesto: dos planos horizontales, uno dispuesto como suelo y otro como cubierta o entrepiso, soportados por seis columnas de hormigón armado, que permiten gran libertad interior y posibilitan cerramientos no estructurales con mortero de cemento y escombros de las casas destruidas, reutilizando materiales en condiciones de recuperar.
El nombre combina la palabra “domus” (casa) y la idea de piezas de dominó, ya que las unidades se pueden alinear en serie, como fichas. Por otra parte, une “domus”, con “innovación”. Este esqueleto estructural, o armazón, y la capa exterior o piel arquitectónica, se conciben ahora como dos elementos separados, diferentes en términos materiales y de función.

En 2014, a cien años, la Architectural Association de Londres inaugura el simposio “The Dom-ino Effect”, conmemorando la idea, y construyéndose en el evento un modelo en tamaño real de la estructura, en los jardines de la Bienal de Venecia. El hormigón es sustituido por madera, empleando una tecnología de construcción propia del siglo XXI, como la madera reconstituida (GSA-Tecnología). Permanecen los principios básicos del prototipo: elementos prefabricados ensamblados en el lugar, revestimientos locales, y unidades que se pueden multiplicar horizontal o verticalmente, como piezas de dominó.
Al ser construido 1:1 se obtienen interesantes perspectivas, que son más artificiales y complejas de imaginar en un esquema dibujado. Esto, si bien la ausencia de recintos, barandas y “condiciones de habitabilidad y normativas”, la convierten, y de alguna forma la limitan, en una escultura de obra gruesa, no habitada. Nótese el tope en la primera escalera, para indicar el límite para transitar.
Más sobre el prototipo Dominó:
https://tiposdearte.com/arquitectura/casa-domino-de-le-corbusier
https://marcelogardinetti.wordpress.com/2019/11/26/le-corbusier-dom-ino/

Artículo sobre “La vivienda económica en Le Corbusier”:
http://200.89.73.130/index.php/INVI/article/view/81/580

Monol: el empleo de la bóveda en serie
En el prototipo Dominó, Le Corbusier había sacrificado la flexibilidad en altura al emplear capas superpuestas de pisos rectos, de modo que buscará experimentar otras posibilidades. En la casa Monol (1919), plantea curvar la capa superior a modo de bóveda, acentuando así la verticalidad. Este énfasis es interesante, porque puede haberlo llevado a encontrar la tan buscada continuidad espacial que logra en la casa Citrohan.
Monol es un prototipo o proyecto de casa, también no construido, en el que propone una serie de espacios abovedados, con bóvedas de cañón rebajadas en la cubierta, sobre un entramado en planta, idea que después aplicará en las casas Henfel (1935) y Jaoul (1954).

Arriba: croquis de bóvedas en serie (Le Corbusier, cuaderno de viaje, 1928). Básicamente es un esquema, que muestra una búsqueda en torno a la continuidad de la cubierta entre los módulos, y sobre todo el propósito de otorgar expresividad con este elemento, que va replicándose.

El empleo de distintos materiales, como ladrillo, madera, hormigón, y el lenguaje curvo de la cubierta, otorgan autonomía con respecto a la vanguardia de la época. A pesar de ser el prototipo menos desarrollado, y el más acotado en cuanto a resultados prácticos, es interesante notar en él la influencia de Gaudí y la referencia a la bóveda catalana, que adapta a su propia visión, simplificándola. Así incorpora las innovaciones estructurales del hormigón a la expresión de un elemento artesanal. En su viaje a Barcelona, en 1928, Le Corbusier elogia estos métodos constructivos, recurriendo luego a arquitectos y maestros catalanes para procurar comprenderlos, y adaptarlos a sus proyectos.
En la casa Jaoul, dentro de la modulación, las bóvedas cubren la luz entre vigas paralelas de hormigón, que actúan como moldaje permanente para los forjados, y que descansan en muros de ladrillo. Desde afuera, el aspecto es basto, de juntas imperfectas e industrial. Por dentro, los espacios están conectados, mientras que la luz, desde múltiples direcciones, acentúa los materiales naturales: cerámica, madera, hormigón visto, con marcas de moldajes, y planos pintados a intervalos. Es de las viviendas, dentro de su obra, que tiene más fisonomía escultórica.

Antonio Bonet Castellana, Le Corbusier y la bóveda catalana: forma y orden:
https://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/5228842.pdf
Dos ejemplos empleando el prototipo: casa Henfel, y casa Jaoul:
https://es.wikiarquitectura.com/edificio/maisons-jaoul/
https://hyperbole.es/2021/02/le-corbusier-casa-henfel-celle-saint-cloud-1935/

Citrohan: la percepción de continuidad
Este último prototipo refleja desde el nombre su propósito: Citrohan "por no decir Citröen", en alusión a los vehículos, refiriéndose a él como "la máquina de habitar". Construir en serie, proponiendo prefabricación, y reducir el equipamiento al mínimo a favor de los espacios de estar. Que la casa sea a habitar como los autos, barcos y aviones a desplazarse.
Entre 1920-1922 concibe la idea, expuesta en 1920, en el Salón de Otoño, en París. Genera un proyecto, que retoma y desarrolla, hasta 1927, cuando puede construirlo para la Exposición del Deutschen Werkbund, en Weissenhof (Stuttgart). El prototipo Citrohan recoge y completa ideas del prototipo Dominó, y presenta, por primera vez en su carrera, la idea de espacio central que convoque el estar familiar.
El prototipo Citrohan conecta espacios entre las plantas, enfatizando una dirección hacia el ventanal que caracterizará la fachada. En la colonia Weissenhof (1927), obtiene una gran sala vertical, suprimiendo la parte delantera del segundo piso, y repite este recurso en la cubierta, horadando parte de ella para obtener una terraza semi interior. Habitaciones y servicios se disponen en la parte posterior, abiertos sobre el vacío principal.
Ambos prototipos, Dominó y Citrohan, ofrecen posibilidades distintas, así mientras el primero abre múltiples posibilidades horizontales, el segundo refuerza lo vertical. Le Corbusier mezclará estos dos prototipos en sus proyectos, buscando un espacio que fluya continuo, articulando física y mentalmente los pisos. Aunque en vistas interiores solo se puedan ver dos pisos conectados, es posible imaginar que en el recorrido se construye una imagen total, donde luz, aire y percepciones fluyen ininterrumpidamente. Estar en cualquier nivel, es comprender toda la casa.

Arriba: prototipo N°2, siguiendo la línea de los posteos anteriores de aplicarlo en la generación de tipos de vivienda.

Conclusiones
Esta visión en prototipos (Dominó, Monol, Citrohan), que toman un tema, y lo desarrollan, va acompañando los proyectos de Le Corbusier, y otorgándoles peso y masa crítica. Dominó es reconstrucción, y prever planos en una virtualidad, Monol es un acercamiento a lo artesanal y una primera exploración a lo vertical, y Citrohan es culminación de vertical y horizontal en conexión. Más allá de este empeño, y sus características, pienso estos días en la aplicación de un modelo como concepto de generación. Vuelvo a continuación al conjunto de vivienda que retomo cada cierto tiempo. Arriba y abajo: arquitecturización del prototipo N°2, pensado en anverso y reverso.

¿Por qué proyectar a través de un prototipo? El prototipo es tanto un ideal como un objeto de estudio. Un constructo, una construcción teórica para comprender un problema determinado, y que puede traer un ideario, una cultura, una forma de vida. Producto en sí mismo y génesis, principio para ser aplicado. Lo cierto es que la intuición me lleva ahí. Tal vez es bueno enfatizar y reivindicar aquello en este tiempo, traer un proyecto, un plan. Me parece fundamental no obrar improvisando, no ser solo producto del medio, de las circunstancias. Al pensar su asociación, y verlo, se me ocurre la imagen de un conjunto, llamado “Tierra de Remolinos”. Daré más luces en el próximo posteo, por mientras procuro articularlo y optimizarlo.

Prototipo N°2: articulación y continuidad
Con la inspiración de lograr un proyecto de recintos habitables, posibles de recorrer, y albergar programa a partir de un modelo, abordo estos días el que he llamado prototipo N°2, entre los que he construido, como obras plásticas. No había pensado mayormente en el prototipo N°2, en forma arquitectónica, pero puede ser la oportunidad de abordar ideas nuevas: ejes, asomo, y encuentro de dos tramas, giradas en 45°.
Es donde se manifiesta en forma más clara un cruce. E incorpora el “asomo”, algo que aparece de un muro, que cruza y mira hacia el otro lado.
Yendo de la parte al total y del total a la parte, me hace pensar en torno a la diferencia de escultura y arquitectura, donde esta última refiere la función.
De las últimas lecturas de Le Corbusier veo la posibilidad de articular con prototipos, así pongo en primer lugar este análisis. Últimamente, además, se me ha ocurrido un plegado mayor que los una. Voy a probarlo próximamente, en mis ejercicios de prueba y error, conjuntamente al resto de mis proyectos.
Los tres modelos así debieran ser asociativos, tener capacidad para repetirse entre sí, y ser combinados, generando un total armónico. Un poco la repetición que se ha generado en el prototipo N°1.

El verso “Hacer nacer la rosa”, en esta ocasión, se asoma, cruza a través del límite. Está todo escrito en el reverso. El reverso es la fachada principal.
Las tres estrofas de alguna forma son portadas, frentes, o aspectos de los modelos de viviendas. Se conciben así, dando distinto carácter. La idea es que el prototipo de vivienda, con recintos pensados para habitar, recoja estas portadas, como expresión de ellas. Que tengan una fisonomía distintiva, las que provienen de las estrofas 1, 2 y 3 (abajo).

Al aplicar programa, imagino los niveles de la vivienda organizándose en forma similar a los otros dos prototipos que se han presentado, con variaciones. Giran como hélices en torno al comedor, o estar comedor (abajo).

Primer nivel de estares, cocina y baño, segundo piso de dormitorio principal, terraza, y dormitorio/estudio. Los otros dos pisos alternan estares, dormitorios y estudios.

Segundo nivel de la vivienda basada en el Prototipo N°2 (arriba).

Tierra de Remolinos. Pensando en torno a la asociatividad.

Lectura de cada escala y proyecto mayor

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 29 Dec 2021 15:12:00 +0000

Arriba: Centro de Exposiciones del Centro Administrativo de Bahía, Brasil, 1974, Joao Filgueiras Lima. Abajo: Taller de arquitectura y vivienda, Agustín Hernández Navarro, Ciudad de México, 1975. Acuarelas propias.

Me ha llamado la atención que estos días ha cobrado interés el brutalismo, como movimiento arquitectónico, en artículos y opiniones que he leído. Es un tema de discusión, así que trataré de dedicar una pequeña reflexión dentro el artículo, además de estudiarlos a través de ilustraciones.

Por otra parte, he seguido pensando en torno al traspaso a la arquitectura de mis prototipos. Del prototipo poético-escultórico al prototipo arquitectónico, y al proyecto arquitectónico. Es la línea que he procurado seguir estas semanas, buscando una generación, pasando a través de estos tres estados. Así dar lugar a distintos tipos de vivienda en el conjunto habitacional que he presentado, y me preocupo de completar desde el partido al detalle. Luego, procurar verlo a través de distintas escalas, y su radio de definición.
Las escalas son distintos lentes, o lupas, y su cambio no es obvio. Reducir una planta 1:50 sin elaboración, por ejemplo, podría dar lugar a una recargada planta 1:100, y ampliarla sin mayores ajustes podría producir una planta 1:20 pobre, casi vacía. Y un buen detalle puede pertenecer a un proyecto deficiente, y viceversa. Cada planta tiene su propio mundo, y nivel de trabajo. Tiene elementos, que se destacan, enfatiza distintos temas.

El tercer prototipo
En la imagen superior, busco inspirarme en la idea de “las tres estrofas”, instalación que realicé hace algunos años, para diferenciar tipos de vivienda. En esta ocasión, me concentro en el tercer prototipo: “El próximo poema / No estará en papel”. Así busco responder con arquitectura a la expresión de ese prototipo escultórico, que presentara junto con “Efímera Cartonera” en 2015, en el barrio Concha y Toro, en esa oportunidad en madera MDF. Serían finalmente tres, al generarse la idea de las tres estrofas.

Arriba: Estudios de Prototipo N°3, para Conjunto Nueva Equidad, confrontado al que se genera de la primera “estrofa”, presentado en posteos anteriores.

En el artículo anterior pensaba en la idea de trazar “a grandes rasgos”, solo lo elemental, con la imagen principal de algo basto. Una mancha dirigida con intención, un trazo generador. Dos líneas que se desarrollan, como origen de proyecto. En la cita de Le Corbusier, ocupa la palabra “fundamental”. Fundamentos, razones para un proyecto mayor.

Arriba: foto de las “tres estrofas” como maqueta.

Detalles y escalas
Pensé luego en el nivel de detalle al que llega cada escala. La escala mayor exige cierto gesto, un esfuerzo en el partido. Las partes, particularidades, son para una escala propia. Entonces, cada escala tiene un juicio, parámetros para estar en lo correcto.
Volviendo a la idea del post anterior, a veces lo grande puede perderse en indeterminación. Y un proyecto acotado puede ser más significativo, asir más. Un desierto es muy extenso, pero no referido en límites. Así no sirve de mucho algo grande que es árido. A veces la arquitectura comunica algo grande que solo está superpuesto, y tiene más razón la intervención menor, con fundamento. Con un principio nuevo, poético. Innovador.

A un urbanista por lo general no se le pide un detalle de losa, a no ser que sea una solución-tipo, para un conjunto. Se le pide una propuesta a escala de ciudad. A veces se detalla mucho, y se puede estar en un error, siendo necesario el trazo basto, pero correcto. La decisión, la virtud de tomar un partido, y sobre todo la virtud de resistencia al ir avanzando en éste.
Una persona, por otra parte, puede dominar a la perfección su área, pero necesariamente aborda otros campos en la generalidad. Tiene un radio, de cosas conocidas, en torno suyo. Un área de conocimiento.
La gente así siempre empieza a ponerse vaga en determinado momento. Faltan piezas, nos necesitamos los unos a los otros. No lo dominamos todo.

Habitabilidad de los prototipos poéticos

Uno podría pensar en la viabilidad de un “Taller de Geometrías en zonas periféricas”, pensando que tal vez falta aquello. Innovar en zonas precarias, o en deterioro. Arriba: imágenes de proyecto propio, procurando verlo por dentro, e incorporar aquello en mi imaginería de dibujos, y pinturas. Dibujo primero la estrofa N°3, luego aplico arquitectura.

Sobre la virtud de resistir en un proyecto
La gente a veces protesta contra otros.
A veces las cosas no siguen porque sencillamente se acaba la fuerza propia. No por una enorme campaña en contra. La fuerza de Le Corbusier, por ejemplo, nunca se acabó, y hasta su muerte accidental, mientras nadaba, estuvo plenamente vigente.
La luz del griego antiguo, la luz que lo anima: eso debiera seguir en la gente.
Hay que seguir la fuerza natural. La voluntad del mar. La voluntad de la lluvia. La voluntad natural.

¿El proyecto mayor de un arquitecto es el urbanismo? ¿O una visión de ciudad, país, sociedad?. La voluntad de toda persona, de todas formas, debiera ser la asociatividad, la sociabilidad con otros. Crear algo con otros, para un bienestar común, no para sí mismo.
Las vivencias están entrelazadas, luego los proyectos también van entrelazados a otros. En este caso un conjunto, pero está adentro de otro proyecto mayor: la ciudad. Entonces hay una lectura a cada escala.

Arriba: estudios de estrofa, y aplicación de arquitectura.

Poética de la estructura: errores, aciertos, erguir la vertical
En arquitectura la estructura dice lo que está bien. Podemos volar, explorar, divagar, en múltiples direcciones, pero la arquitectura es levantar, incorporar la vertical, a la altura del ser humano, para incorporar sus movimientos, sus actos. Se puede basar en el programa, como generación de proyecto, pero el programa debe “levantarse”, erguirse sobre el terreno. Pensé luego que si bien en arquitectura hay decisiones que podrían ser “aberrantes”, o equivocadas, sobre todo en lugares urbanos de interés, como cascos históricos, en un terreno nuevo, en cambio, en un sitio virgen, es difícil errar, a no ser que se construya mal. Ahí está lo correcto o equivocado en estos casos: la capacidad de proponer algo contundente.

Al fundar algo en una periferia, pienso que el error es no construir bien, o construir algo sin determinación, informe. Si se le da importancia a una estructura, en forma consistente, en el peor de los casos va a ser un esqueleto feo. Una generación a la que adaptarse, como lo tiene que hacer una persona sin techo, para quien la mayor parte de la arquitectura “oficial” es ajena. Pero un recinto con cuatro esquinas bien hechas, es posiblemente un aporte. Acoger en la estructura es lo ético: las personas sin hogar requieren estructuras “de cubierta”, “de respaldo”. Es lo inmediato, necesario. Lo importante es construir, aportar. Por último, va a ser como una montaña basta, pero que se sustenta.

Hormigón e ideología: el brutalismo
Estos días he estado pensando en el brutalismo, a propósito de varias lecturas. Pienso en la vigencia de sus aportes, y su falsa expiración. O el equívoco diagnóstico de “fallido”. Sería equivocado seguirlo sin objeciones, en 2022, es cierto, pero es una inspiración. No parece obsoleto, si bien un arquitecto contemporáneo no se declararía “brutalista”, en un periodo actual donde la expresión de fuerza, y hacer gala de su posesión, podría ser amenaza de fascismo, y donde a mi juicio la arquitectura se ha alejado de la clase popular, y ciertamente las ostentaciones parecen intimidantes, fuera de lugar. El brutalismo es un referente, que parece válido referido a su ética, y la carencia de ello es lo que la ha hecho cobrar actualidad.
Las posibilidades del hormigón, a partir del siglo XIX, industrializado en el siglo XX, abren espacio a nuevas formas, antes solo teóricas. Ángulos, voladizos, que comienzan a concebirse a principios de siglo, llegan a su apogeo en los años sesenta y setenta, aportando vitalidad, nuevas fisonomías. En cuanto a nuevas tecnologías, así como el siglo XX trae el hormigón, el presente siglo ha traído también la incorporación de nuevos materiales (titanio, grafeno), resistentes y más livianos.

El brutalismo, como parte del movimiento moderno, tiene algo del gran rasgo, de la aplicación innovadora de lo basto. Con exponentes como Le Corbusier, Eero Saarinen, Peter Smithson, y Alison Smithson, procura una honestidad de la forma. Con el carácter inherente de estar ligado a temas éticos y sociales, se le relaciona al socialismo. Igor Vasilevsky, Victor Djorbenadze, y otros arquitectos, lo impulsan en la Unión Soviética. De hecho, a Pier Luigi Nervi, italiano, del periodo fascista (Estadio Giovanni Berta, 1929-33), no se le suele incluir, volviéndose no aplicable a las reglas. Se ve en Nervi, de todas formas, una abstracción en la geometría que va más allá del clasicismo. Estructuras repetitivas, simétricas. Hacer un resalte en cada módulo, ¿es arquitectura? Parecen nervaduras de un organismo, necesarias.
Es posible pensar una fundamentación estructural no basada en el fascismo, en medio de una teoría actual bastante corrida a la derecha, así si el brutalismo tuvo un origen más izquierdista pienso que no estamos equivocados. Buscar un pensamiento más social. Enfocarse en los arquitectos revolucionarios, que vuelven a formas primarias. El brutalismo, por su parte, también tiene exponentes en Latinoamérica. A continuación, un repaso de algunos ejemplos, en América y en el mundo:

Centro de Exposiciones del Centro Administrativo de Bahía, Brasil, 1974, por Joao Filgueiras Lima. Completamente en hormigón, con un anfiteatro para 50 personas, consta de dos torres que sostienen toda la carga, siendo una interesante expresión de esfuerzos.
https://publicdelivery.org/lele-centro-admnistrativo-da-bahia/

Taller de arquitectura y vivienda, de Agustín Hernández Navarro, Ciudad de México, 1975. Volúmenes interconectados se encajan a un elemento central, desde donde se accede al estudio, generándose una innovadora geometría.
https://arquitecturayempresa.es/noticia/geometria-y-gravedad-la-casa-taller-de-agustin-hernandez

Facultad de Arquitectura, Instituto Politécnico de Minsk, V. Anikin, I. Yesman, Bielorrusia, 1983.

Geisel Library, edificio en California, de 1970. Arquitecto: William L. Pereira & Asociados

Memorial de la Segunda Guerra Mundial, monumento en Szombathely, Hungría, de J. Heckenast, 1970

Conclusiones en torno al brutalismo
En la arquitectura brutalista la carga se sostiene con menos soportes, los pisos levitan, no doblegados por la gravedad. Recintos abiertos, terrazas: muchas posibilidades. En la tecnología del hormigón se ve una oportunidad, pero su sustento a largo plazo es ético. Es expresión de una idea.
Con el aprendizaje del tiempo, por otra parte, actualmente la arquitectura tiene más sutileza, armonizándose el hormigón con madera, o cristal, y utilizándose colores, generalmente tonos claros, que incorporen luz. En contraste con la dureza es posible aplicar madera, textiles y colores equilibrados, de serenidad. Este movimiento, con su nombre polémico, podría revitalizarse, ser humanizado con recursos contemporáneos.

La frescura de la UCV: geometría, esfuerzos y expresión de ideas a escala humana
De las conclusiones anteriores vuelvo a la arquitectura basada en una poética. Por otra parte, al interés de proponer. De erguirse, de hacer nacer en lo inexistente. Una masa teórica requiere conocimientos de restauración y conservación, contextualismo, está bien, pero ante lo precario se busca énfasis en el partido. No necesariamente conservando arquitectura patrimonial, que está bien, sino poner los esfuerzos donde se requieren : levantar. Que los jóvenes estén donde se requieren.
Imagino una enseñanza de la arquitectura adaptada a sus fuerzas y posibilidades. La frescura de la UCV, donde estas formas innovadoras son más humanas y al alcance de la antropometría. Y basada en la palabra, en la poesía.
Pienso que se estresa demasiado a los alumnos y, claro, tal vez falta educación en la construcción de algo más social. Proponer en lo nuevo. Eso falta.

Los tres cuadros
Estoy terminando “Los tres cuadros”, una serie sobre lienzo basada en el conjunto que desarrollo, en formato más grande, tal vez los fotografiaré en el próximo post. Y también espero mostrar avance en algo que me ha interesado: la asociatividad de estos tres prototipos. Todo esto, a propósito de la idea de generar una fisonomía característica para el conjunto.

Arriba: acuarela propia de estudio sobre propuesta (prototipo N°3). “El próximo poema / No estará en papel”.

El corte fugado: del trazo grueso al detalle

noreply@blogger.com (Vladimir Brontis) — Wed, 27 Oct 2021 10:18:00 +0000

“Los tres consejos a los arquitectos, el plano, el volumen, la superficie, provocaron enojo en la profesión, me juzgaron grosero, pero yo recordaba algo fundamental.”, Le Corbusier.

Con objeto de pensar la habitabilidad de un proyecto, a propósito de desarrollar los propios, me he encontrado con planos. Planimetrías. Había abordado croquis, dibujos en tres dimensiones, que generalmente recogen los partidos, en su esencia, o germen, pero también es importante ver cómo se viven los espacios, cómo se habita un lugar. Un proyecto no es solo la impresión o percepción de una forma: necesita vivirse bien.
En orden a “cortar” edificios, para verlos, en la línea seguida en post anteriores, donde últimamente también había tomado mis proyectos, una planta también es un corte, de modo que también puede recibir sombras, de las distintas alturas. También se puede abordar pictóricamente, una planta también es un corte fugado. Arriba: planta cortada a diferentes niveles de un proyecto de vivienda propio (Conjunto Nueva Equidad), pintado con colores acrílicos aguados.

La física está bien, luego el diseño puede emular la física. No hay razón de mirar con resquemor entonces el “action painting”, o los derrames de la pintura aguada, o el goteo de la acuarela. O las brazadas en una pintura mayor. Los vectores que traza un derrame en una superficie hablan de gravedad y pesos. Lo importante es entender su sentido correcto. Seguir los cursos, los cauces naturales. No oponerse a ellos. Ni a cómo escurre, ni a cómo se seca. Es posible que el universo siga una gran onda de choque, como la teoría del Big Bang. La gravedad lleva en la dirección correcta, es la generadora del ángulo recto, como en el poema de Le Corbusier.
El mundo de los sueños, por otra parte, es etéreo, y las cosas se desdibujan. El encuentro de ambos debiera ser lo que se define como bello. Debiera ser la completitud. La física (regla) y los sueños, las intuiciones, los componentes de una obra correcta. Arriba: Villa La Rotonda, de Andrea Palladio, vivienda simétrica del Renacimiento, cortada, en una acuarela propia (de la que he hecho varias versiones), pintada en bastidor sobre una base texturada. No había probado esa base, la compré en una tienda especializada, y funciona bastante bien para veladuras, con buena capacidad de absorción, y acabado más rugoso. Recuerda al papel, permitiendo varias capas sin arrugarse.

Este tiempo he estado pensando en el encuentro radical de pintar con regla y medida, y por otra parte colores casi impresionistas, derramados, que se salgan de los márgenes. Es como incorporar el grosso modo, el trazo grueso, en un plano de detalle.

Los cortes suelen pasar por zonas de tierra y roca: cortan el piso, y esa parte queda negra, como la sección de algo informe, indeterminado. Como no se ven esas capas de tierra, en la representación se achura, o aplica textura. Es una abstracción. Y cuando aparece el recinto cortado, en cambio, todo adentro de éste es medido. Las texturas son los cauces de la materialidad, en torno a la arquitectura.
Arriba: Módulo de vivienda, en planta para conjunto (Nueva Equidad), diseñado por mí. La idea es que la planimetría se vea más fina que en el croquis de Villa La Rotonda, en un dibujo más de precisión, y la idea es exponer aquello a texturas más gruesas, agrestes. Buscar ese contraste, aprovechando mostrar en el corte los niveles, y su disposición, que ya tengo más definida.
Además de estos tres “cuadros” en proceso, de mayor formato (bastidores), en estos momentos me encuentro arquitecturizando otro de mis prototipos, a abordar en el próximo posteo: la segunda de las estrofas de la instalación de caligramas urbanos, que me ha parecido una generación interesante. La idea es ver las tres relacionadas. También un nuevo prototipo 1:1, elaborándolo en primera etapa a escala 1:2. Y dibujos de estados intermedios de movimiento de mis despliegues (abajo).

El trabajo de zoom y el trabajo de músculo: tiralíneas y lápiz de carpintero
Recordando artículos anteriores, sobre el arquitecto Bruno Taut, en torno a la aplicación de colores, llevándolos a lo social, busco una imaginería de dibujos, procurando ver los proyectos por dentro. Imagino algo ideológico, que se tome fuertemente los departamentos, tal vez un formato. Letras especiales, como la Bauhaus. Colores revolucionarios.
Que no sea un conjunto más, convencional. Buscar que ese impulso vehemente, entusiasta, no se quede solo en la pintura, y los dibujos.
Una imaginería formando parte de un “llevar a cabo”. Buscar el mensaje de un mundo en cambios, que cambiará, que otra ideología, de izquierda, llegará más temprano que tarde. Producir ese ambiente. La sensación de que hay que prepararse.
En torno al tipo de herramientas a usar, me gusta ver un sentido de unidad en las disciplinas, como postulaba Walter Gropius. Escribir con tiralíneas 0.1, y lápiz de carpintero. Fino y grueso. Por mi parte, he encontrado hace poco entre mis lápices un portaminas 0.3, para alternar con el portaminas popular 0.5. No lo recordaba desde el tiempo de la universidad. Y después procurar retomar el taladro y el martillo, ver una unidad.

La forma artística
Derivado de este trasfondo social, me he preguntado sobre la forma artística, claramente necesaria. Múltiples formas nos circundan, pero lo que uno se pregunta es a qué se puede llamar forma artística.
Es la proporcionada, y a la vez es la que está provista de idea con fuerza, es expresión de un pensamiento. Logra así una singularidad, que hace pensar.
Esa es la razón de que a veces se trabaja y es infructuoso, porque no es seguir un manual de carpintería, o construir un mecano.
El arte es una comunicación, una carta a otros, y uno no escribe cualquier cosa, a veces incluso pasa en limpio lo que piensa.
Pensé que a veces se trabaja demasiado, y no son ideas fuertes. Se pulen detalles de algo que está mal, como el Chile tímido de la Concertación, esclavo de un pinochetismo cotidiano. Y en cambio lo que se necesita es el trazo más basto, pero radical.
Recuperar la percepción ante la forma, la forma artística de la arquitectura, la que cumple una función.

Formatos grandes
Grande es lo abundante, mayor en tamaño. Pero lo grande está referido respecto a algo. Luego, puede ser cualquier cosa, caer en lo indeterminado, sin forma, sin sentido. Caer a lo árido.
Algo grande puede generar vida, sobre su entorno, proteger lo pequeño, ser derramado o compartido como una especie de olla generosa. O algo grande llevarse a cabo y ser sostenido con dientes apretados, sin dar nada a nadie, en su mezquindad. Ser para sí.
Dejar huella positiva a mi juicio tiene que ver con lo primero, y tal vez sea una fundamentación implícita de cierto liberalismo.
Las cosas se pueden hacer por la fuerza, es cierto. Estudiamos el Imperio Romano, a pesar de sus sombras, de sus errores, y no a Aníbal. Y estudiaríamos más de Aníbal si hubiera ganado, ¿es inmoral? ¿Nos dejamos llevar por los ejércitos? He pensado en la realidad cotidiana de países como Chile, o Colombia, en el contexto de Latinoamérica, y creo que nos relacionamos con la vida y nos adaptamos a algo similar a que en EEUU hubiera ganado el sur, eso nunca me ha gustado. Y se tiene que encontrar interesante al general Robert E. Lee, buscarle aspectos positivos, y esas cosas. Es lo que vivimos. ¿El mundo ha perdido aportes de culturas que no tenían un ejército fuerte? Son cosas en las que he estado pensando estos días.

Sigo pensando que nada es tan superior a la izquierda, porque es buscar la inteligencia.
Por eso me ha parecido interesante volver sobre periodos como el Renacimiento, y la primera etapa del modernismo. Son los temas que he abordado en los últimos posteos, en medio de propuestas, y trabajo de oficina.

Por mientras, me gusta ver cortados mis proyectos, a propósito de desarrollarlos en cuanto a programa, procurando unir la precisión en la medida con la pincelada gruesa, con la brazada.
Ampliar mis cuadros y volver a mis prototipos grandes, y grandes maquetas, ¡aumentar las escalas de todo!