«Vor í Vaglaskógi» es una canción tradicional de amor islandesa que el cuarteto originario de Mosfellsbær ya incluyó en su primer trabajo grabado en 2013, y que ahora ha recuperado para su álbum de lanzamiento internacional: “A/B”, un disco en inglés producido en Estados Unidos.

Kaleo toma su nombre de la palabra “el sonido” en hawaiano. La marcada influencia de la cultura norteamericana transpira en la música de la banda islandesa, hasta el punto que hace dos años decidieron instalarse en Austin, en busca de su proyección mundial.

Delta Blues con orígenes nórdicos

Algunos han situado su sonoridad dentro del Delta blues, un estilo de blues originario de la región del Delta del Mississippi. Lo cierto es que la música de Kaleo fluye a través de otros muchos estilos como el pop, el indie rock o el rock alternativo, sin olvidar sus raíces de folk nórdico.

«Prefiero dejar que la gente decida lo que cada canción significa para ellos, en lugar de decir mi propia conexión personal», explica el cantante del grupo Julius Son (Jökull Júlíusson), y añade: “algunas de las canciones son muy personales para mí, pero las personas se conectan a ellas de una manera diferente, a menudo basada en experiencias personales o cosas que están pasando en ese momento.»

Las dos caras de “A/B”

Este espíritu de dualidad es la razón de ser de “A/B”, su primer álbum internacional publicado en 2016, y que ha sido elegido por Voces del Mundo como mejor disco del año. Un trabajo que muestra las múltiples caras de esta banda islandesa. La «A» apuesta por el rock y el blues («No Good», «Way Down We Go» o «Hot Blood «), mientras que la “B” se acerca al pop («All the Pretty Girls” o “I Can’t Go On Without You»).

Acompañado por sus amigos de infancia David Antonsson, Daniel Kristjansson y Rubin Pollock, la voz de Julius Son nos remite a la belleza inspiradora de la tradición nórdica, que nada tiene que ver con el legado de compatriotas suyos tan conocidos como Sigur Rós o Björk.

Se aprecia especialmente en » Vor í Vaglaskógi», una hermosa oda a su tierra, y a la gente que ha vivido en ella durante generaciones. «Lo que es realmente bello es cómo describe un momento, esa noche de primavera en el bosque. Cómo describe la Naturaleza y todo lo que está sucediendo en esa hermosa primavera o noche de verano. Es un tema que ha permitido a la gente descubrir después nuestras propias canciones», explica Julius Son.

Además de Atrapados (Ófærð), otras muchas series de TV han incluido temas de Kaleo en sus producciones, como Anatomía de Grey, Blindspot, Frequency, The Leftovers o Empire. Ya es hora de que seas tú quien los descubras.

«Queremos seguir en este oasis de libertad que es para nosotros la música, intentándolo hacer cada vez mejor«, afirma Guillem Sala. Su voz sugerente ayuda a construir la atmósfera musical de esta banda barcelonesa, a cuyos componentes no solo les une la barba que lucen y que da nombre al grupo.

Sus integrantes crecieron escuchando a referentes como Strokes, Arctic Monkeys o Vampire Weekend, y recién salidos del instituto decidieron experimentar su propio estilo compaginando la universidad con la música. Una búsqueda forjada en salas locales como Razzmatazz, Apolo, Sidecar o BeCool.

‘Curves’, sugerente album de debut

El fruto se ha plasmado este 2016 con el lanzamiento de su album de debut “Curves” («Curvas» en catalán), disponible también Spotify desde el pasado 22 de julio. Entre sus 12 temas interpretados totalmente en inglés destacan algunos notables como Spaceship, It’s so hard to forgive o Lust, que cierra el trabajo.

Pero por encima de todos, es el single Cream el que realmente aventura el potencial de este quintento de veinteñaros. Os invitamos a descubrirlos en sus próximas citas en directo: el 17 de noviembre en la Sala Costello de Madrid, y el día 18, en La Lata de Bombillas de Zaragoza.

Brian López y Gabriel Sullivan recogen las raíces de la tradición andina en la música de Xixa, donde la cumbia se mezcla con el rock y la psicodelia. Y es que la formación toma el nombre de la chicha, la cumbia peruana popular de los años 60 y 70, fusión de ritmos tropicales y andinos, que surgió como manifestación del fenómeno migratorio provocado por el terrorismo en las áreas indígenas.

El espíritu de la chicha andina

Con una extensa trayectoria musical, Brian López y Gabriel Sullivan trabajaron con Giant Sand y Calexico, acompañando también a Sergio Mendoza y La Orkesta. El indie y el rock se combinaban con la cumbia y el mambo en sus actuaciones en directo, en las que empezaron a introducir algunas canciones chicha.

«Al final de los conciertos, la gente se nos acercaba después con ganas de saber el nombre de una canción, y siempre era la de Chicha. Nos pasaba en todas partes”, explica Gabriel Sullivan. Fue la razón para recuperar canciones tradicionales y empezar a crear composiciones propias que dieron como fruto su banda propia.

La Alquimia que funde sonidos

Xixa aborda el sonido agresivo de la guitarra eléctrica en busca un sabor latino propio y sorprendente en su primer trabajo discográfico ‘Bloodline’ (Línea de sangre), publicado en febrero de este 2016. “Es raro, es sin esfuerzo”, explica Brian López. “No sé si es por nuestros orígenes entre la música latina y el rock, la Alquimia hace que se fundan. Nosotros nunca nos sentamos y dijimos: tenemos que sonar así, no es algo artificial.”

La fuerza musical de Xixa crece con el impacto visual de sus vídeos en los que han participado reconocidos artistas visuales como Daniel Martín Díaz y Paula Catherine Valencia. Su utilización de la imaginería gótica y surrealista nos dibuja el universo psicodélico del grupo.

Aquí os dejamos una muestra de ello, su primer EP «Shift and shadow» (Cambio y sombra).

Desde que nombres como los de Sean O’Riada o Ewan McColl iniciaran su labor de recuperación del folklore musical celta en los años 60, muchos fueron los que cultivaron posteriormente ese camino. Bandas como The Chieftains, Pentangle, The Dubliners, Planxty o Clannad, asaltaron la escena irlandesa, al igual que Capercaillie lo hizo en Escocia o Gwendal en Bretaña.

Pero las baladas sosegadas, melancólicas y reivindicativas, tuvieron las voces de Paddy Moloney, Jim McCan, Paddy Reilly, Luke Kelly, John Martyn, Donal y Manus Lunny, Liam Clancy, Steve Wickhamm o Johny Moynihan.

“20 Best of Ireland”

Noel McLoughlin fue uno de esos intérpretes que recorrió el cancionero popular celta durante más de tres décadas, acompañado tan solo por una guitarra. Su repertorio incluía la tradición irlandesa, pero también la escocesa, inglesa o norteamericana.

Nacido en Limerick, al suroeste de Irlanda, en 1955, empezó a tocar la guitarra a los 15 años en plena efervescencia de la música celta en los 70. Inició su carrera en grupos como The Molly Maguires y Dalriada, antes de probar fortuna con la banda Cromlach en Alemania, país donde la música folk irlandesa llegó a ser muy popular.

Fue en Hamburgo donde grabó sus primeros 5 álbumes en solitario, todos ellos recopilatorios de canciones tradicionales como “Celtic Tradition” (1984) y, muy especialmente, “20 Best of Ireland” que supuso su mayor éxito comercial llegando a ser Disco de Oro. Le siguieron “20 Best of Scotland” y “Christmas & Winter Songs from Ireland”.

Regreso a Irlanda

McLoughlin llevó la música a escenarios del centro y norte de Europa, además de Estados Unidos. Tras su regreso a Irlanda, grabó el resto de su discografía en su propio estudio, empezando con “Famous Irish Ballads” (1990), una selección de canciones folk y polkas.

A principios de los 90 formó también un grupo junto a Denis Carey y Denis Allen con el que publicó el trabajo “’Late starters in Love”. Sus últimas apariciones fueron en el programa de la TV alemana “Weihnachten in Europa” (Navidades en Europa) en 2008, y una última gira en 2012.

Entre nuestros temas favoritos figuran “As I roved out”, “Next Market Day”, “The Foggy Dew”, “Spancil Hill”, “Step It Out Mary”, “Ye Jacobites By Name”, “The Bonnie Ship The Diamond», o este reivindicativo “The Shores Of Botany Bay” (Las orillas de la bahía de Botany).

La canción narra la historia de un albañil irlandés emigrado a Australia tras ser despedido de su trabajo en un barco. Este tema popular ha sido interpretado por numerosos artistas e incluido en varios álbums. Aquí os dejamos la versión en la voz de Noel McLoughlin.

Hacía seis años del último lanzamiento de esta intérprete nacida en Lisboa, por lo que muchos la han bautizado como la voz más occidental de Cabo Verde. Fue precisamente la pérdida de la gran dama de la música africana lo que la hizo a regresar a sus raíces para grabar una canción de homenaje titulada “Nós Diva” (Nuestra Diva), que publicó en Youtube (ver aquí).

Instalada en el lugar donde habían nacido sus padres, Lura ha profundizado en las tradiciones y la música de sus orígenes para completar este fantástico “Herança”. Un canto a la multiculturalidad criolla en toda su riqueza, con temas como “Maria di Lida”, “Sabi di Más” o “Ness Tempo di Nha Bidjissa”.

Cantante por casualidad

Lura llegó al mundo de la música por casualidad: “No había nada artístico en mi familia”, explica. De sus padres solo aprendió a amar la “morna”, ese fado tradicional de Cabo Verde al que ha regresado ahora en su último trabajo.

Poco podía imaginarse en sus días de bailarina con 17 años, que la vida le cambiaría cuando el cantante de Santo Tomé y Príncipe, Juka, le propuso aparecer en su disco como corista. El artista quedó tan maravillado con la dulzura de su voz, que acabó pidiéndole hacer un dueto con él. “Yo nunca pensé en cantar, pero él insistió”, recuerda.

Su nombre saltó rápidamente a la escena internacional cuando el single de su debut “Nha Vida” (ver aquí), fue incluido en el recopilatorio a favor de la campaña de lucha contra el SIDA “Red Hot + Lisbon” (1997), que reunía a las mejores voces de la música en portugués, como los brasileños Caetano Veloso y Marisa Monte, o los portugueses Teresa Salgueiro y Madredeus.

Ya bajo el sello de Lusafrica, su tercer trabajo titulado “Di Korpu Ku Alma” estuvo nominado como mejor disco de World Music en los premios “BBC World Music Awards” del Reino Unido, y “Victoires de la Musique” de Francia en 2006. En parte fue gracias al éxito del tema “Na Ri Na” (ver aquí).

Nacido en Teherán en 1980 y educado en el Reino Unido, Sami Yusuf propone en sus canciones un viaje espiritual a las raíces del Islam, ahondando en la importancia del diálogo intercultural e interreligioso. Tal y como explicamos en la entrada que le dedicamos el pasado mes de octubre (Leer aquí), el uso del inglés en sus letras responde a la necesidad de reivindicar la identidad de los musulmanes británicos.

Los mejores del año según Voces del Mundo

“Sami Yusuf Live in Concert 2015” se suma a la lista de trabajos reconocidos por este blog como “Mejor Disco del Año”, a lo largo de nuestros años de existencia. El pasado 2014 fue el grupo catalán Txarango quien se erigió con la designación gracias a su trabajo “Som·riu” (Leer aquí).

Anteriormente la noruega Kari Bremmes había sido premiada en 2013 por “Og så kom resten av livet” (Leer aquí), al igual que la madrileña Ana Alcaide, cuyo trabajo “La Cantiga del Fuego” fue escogido como mejor disco de 2012 (Leer aquí).

La primera vez que otorgamos nuestro nombramiento fue en 2008 con la gran dama de la música griega Haris Alexiou y su maravilloso disco en directo de homenaje a Manos Loízos (Leer aquí). En 2009 habíamos reconocido el trabajo de los extremeños Acetre en “Dehesario” (Leer aquí), mientras que en 2010 y 2011 nuestro blog se mantuvo inactivo.

La prensa europea escoge a los rumanos Taraf de Haidouks

Por su parte, la asociación de críticos europeos de músicas del mundo (World Music Charts of Europe) ha premiado este año al veterano grupo rumano Taraf de Haidouks, exponente de la música romaní, por su trabajo “Of Lovers, Gamblers and Parachute Skirts” (Ver vídeo).

El primer artista español en la lista es el debut en solitario del músico, productor y antropólogo Raúl Rodríguez, ocupando el 19º puesto con “Razón de son”, un libro-disco que recoge 20 años de investigación sobre la música popular andaluza y su conexión con otras músicas (Ver vídeo).

Sin duda, Japón es uno de los grandes exportadores de cultura universal, pero su música no ha logrado hacerse un hueco en nuestro imaginario colectivo. Pocos artistas japoneses han conseguido un éxito significativo fuera de Asia. Algunos lo explican porque determinados elementos de la música japonesa tradicional son interpretados por nuestro oído occidental como “ruido”, por la ausencia de harmonía, los intervalos tonales disonantes, ritmos cambiantes, sonidos agudos y voces repetitivas.

Una barrera cultural que el cine contemplativo y simbólico sí ha sabido franquear para acceder a nuestra sensibilidad, y que la música lo intenta ahora con el sonido del Shamisen Rock, que toma el nombre del “shamisen”, también llamado “sangen”, un instrumento tradicional japonés de tres cuerdas de origen chino.

La música tradicional “shamisen” o “Tsugaru shamisen” (en referencia a la antigua denominación de una de las zonas más importantes de Japón) es una música instrumental dinámica, de ritmo in crescendo, que ha sido capaz de hipnotizar a las nuevas generaciones después de décadas de ostracismo. Los artistas contemporáneos han recuperado su sonido y lo han mezclado con instrumentos electrónicos para crear un estilo de rock metal propio.

Yoshida Brothers

Los hermanos Ryōichirō y Ken’ichi Yoshida, conocidos en su país como Yoshida Kyōda (Hermanos Yoshida), se han erigido en los embajadores más internacionales del Shamisen Rock. Su música parte de una tradición milenaria hacia los nuevos horizontes de la música rock y electrónica occidental, con un sonido absolutamente embriagador.

El remix de su canción «Kodo» se hizo mundialmente conocida por haber sido utilizada en los anuncios de la consola Nintendo Wii. También han colaborado con grupos pop como la banda canadiense-japonesa Monkey Majik (ver aquí).

Atrás ha quedado la música tradicional japonesa Hougaku y el J-Pop (Japanese-Pop) de los años 90. El Shamisen Rock han encontrado su lugar con bandas emergentes como la Wagakki Band o Hiroshi Okita.

Nacido en Teherán en 1980 y educado en el Reino Unido, Sami Yusuf se formó en la Royal Academy of Music de Londres iniciando un viaje personal que va más allá de la propia experiencia musical. “La música es una extensión de lo que soy, la expresión de mi amor por Dios y por las grandes tradiciones. Quería vivir una vida que estuviera cerca de Dios, una vida que fuese espiritual en recuerdo a Él”.

Esta declaración espiritual y profundamente religiosa se revela, al mismo tiempo, contra la visión distorsionada del Islam de nuestros días: “Vivimos en una era de increíble superficialidad e ignorancia, de consumismo, capitalismo, de olvido y modernidad. Tenemos extremistas en todas partes dando golpes de puño y gritos. Hay un exceso de exclusivismo emocional que va contra el diálogo intelectual real”.

Reivindicar la tradición

Sus canciones reivindican la importancia de recuperar la tradición para evitar esa confusión que se cultiva entre una juventud que vive tiempos difíciles en busca de su propia identidad como musulmanes. “No puedo hacer música solo por el hecho de hacer música. Tiene que haber un propósito más elevado”, argumenta.

De ese compromiso nacen letras que revelan valores islámicos como el respeto, la tolerancia, la compasión y la generosidad, que son universales y que hacen que la fe sea algo más próxima y accesible a las personas. «El mensaje que tengo es controvertido porque todas las religiones de este mundo son, en última instancia, las expresiones de una misma verdad. Tenemos que ser lo suficientemente valientes como para creer en nuestra propia fe, pero también para respetar y aceptar otras”.

Con ese fin, su trabajo quiere promover el diálogo intercultural e interreligioso: “Cuando nos acercamos a otros nos conocemos más, y eso nos hace estar más cerca de lo sagrado. Quien se conoce a sí mismo, conoce a Dios”. Una visión de hermandad entre los seres humanos que le llevó a componer el himno “The gift of love” (El regalo de amor), a favor de la unión de todas las creencias (ver aquí).

“The centre”

El título de su último trabajo discográfico publicado en 2014 “The Centre” hace referencia a esa idea del centro o corazón de todas las tradiciones y religiones. “Este álbum es muy importante para mí porque trata de algo sobre lo que ya no se habla por desgracia: la dimensión interior. Creo que si hubiera una pócima mágica o un antídoto para combatir el extremismo, la ignorancia y la estupidez de hoy en día, sería la dimensión interior y el significado interno de las cosas”.

Esta visión aperturista del Islam ha hecho que su carrera y sus conciertos hayan suscitado polémica entre los sectores más conservadores, que ven al artista más próximo al espectáculo pop occidental que a los valores espirituales musulmanes. Críticas vertidas también por ser uno de los primeros artistas islámicos en utilizar instrumentos musicales.

“La ironía es que hace cien años el uso de instrumentos musicales no hubiera sido un problema. Es la visión pervertida de un tipo particular de Islam que promueven ciertos países petroleros, que está alejada del Islam que conocen nuestros padres. Vienen y construyen mezquitas con su dinero,  pero dicen: Tienes que enseñar nuestra manera de entender el Islam”, no duda en sentenciar.

Un nuevo estilo “Spiritique”

Multi-instrumentista como su padre, Sami Yusuf reniega de la música pop, especialmente ligada al mundo islámico, y opta por un estilo personal inspirado en la música clásica turca y la música sufí, al que llama “Spiritique”, en referencia a su música espiritual. Las letras las escribe tanto en inglés, como otros muchos idiomas el árabe, el persa, azerí (azerbaiyano), turco, urdú o malayo.

El uso del inglés es una manera de reivindicar la identidad de los musulmanes británicos. “Es molesto hablar de ello pero los musulmanes son una parte de la identidad británica y han contribuido a ella de una manera significativa. La integración es muy importante, no puedo aceptar que alguien que ha estado en este país durante 40 años no sea capaz de hablar inglés, aunque fuera mi propio padre estaría molesto con él. Tenemos que crear nuestra identidad musulmana británica propia, algo que va a tomar tiempo y no va a ser fácil”.

Ese mismo compromiso social va más allá de la música y ha hecho que se involucre en numerosos proyectos de ayuda humanitaria, como el Programa Mundial de Nutrición, para el que compuso el tema “Forgotten Promises” (Promesas olvidadas) que fue grabado en 16 países de ocho países, con más de 12 millones de visitas en Internet (ver aquí).

Una maleta le acompaña sobre el escenario en todas sus actuaciones. No es un objeto depositado al azar, en realidad es una metáfora de la vida de este polifacético artista napolitano que escapa de su timidez a través de la palabra, ya sea escrita sobre el papel o bien acompañada de música. Residente en Barcelona desde hace siete años, las canciones intimistas y autobiográficas de Alessio Arena transitan del italiano al napulitano, y del español al catalán.

“Yo no soy músico, mi instrumento son las palabras”, se confiesa abiertamente. “Para mí la música es una manera de caminar entre la gente porque, como la mayoría de artistas, soy un tímido crónico y la música es una escapatoria que me permite estar entre la gente”. Se reconoce antes como escritor: “me he formado en la literatura y he nacido como escritor desde que de pequeño le escribía unas cartas infinitas a mi madre que vivía lejos”.

Quizás porque se crió en su Nápoles natal con su abuela, lejos de una madre emigrada a Barcelona y de un padre al que no conoció hasta ser adulto, Alessio Arena impregna sus palabras de recuerdos y melancolía, con melodías que desprenden la nostalgia de un tiempo perdido, de un amor inconfesable o de una infancia ya pasada y de la tierra.

Bestiari(o) familiar(e)”

Con la mirada ya puesta en su próximo álbum que llevará por título “La secreta danza”, aún suenan los ecos de su último trabajo discográfico “Bestiari(o) familiar(e)”, en el que ha dibujado un universo intimista de carácter autobiográfico. “He tardado 30 años en hacer este disco, no para escribir las canciones evidentemente, sino para vivirlas”.

Media vida encapsulada en 17 temas que se dividen en dos partes claramente diferenciadas. Una primera dedicada al hoy (avui) de su vida en la ciudad de Barcelona, con tintes sociales en español y catalán. Y una segunda que mira hacia el ayer (ajére) en busca de la memoria del pasado, de sus raíces, interpretada en italiano y napulitano.

“Los idiomas que he aprendido son para vivir y para sobrevivir”, explicaba en una entrevista reciente. “Si una cosa me ha pasado en un idioma, intento escribir la canción que habla de aquello en ese idioma”, argumenta este autor también de tres novelas en italiano y alguna obra para teatro.

Un viaje entre Nápoles y Barcelona, la literatura y la música

Músico autodidacta, fue nominado a mejor disco de canción de autor, artista revelación y mejor artista en otras lenguas en los premios Enderrock del pasado año. En Italia, su tema incluido en este último trabajo “Tutto quello che so dei satelliti di Urano” (Todo lo que sabemos de los satélites de Urano) fue finalista del principal festival de la canción italiana de autor Musicultura de 2013.

Su primera incursión en la música fue con “Autorretrato de una ciudad invisible” (2010), una crónica cantada de sus primeros años en Barcelona, con títulos como “El mar sobre Barcelona”, así como otro dedicado al escritor y activista Jean Genet o a Joan Manuel Serrat y sus “Paraules d’amor” (Palabras de amor).

“Siempre he querido explicar hechos de la vida real, los problemas que todos tenemos. Poco importa el nivel social, los orígenes. Lo que todos tenemos en común es el sufrimiento de la vida y eso es lo que nos hace interesantes”, explicaba a la revista Rockdelux en su visita del pasado año al Primavera Sound de Barcelona, donde presentó su segundo lanzamiento “Racine carrée” (Raíz cuadrada).

Stromae se dio a conocer internacionalmente en 2009 con el éxito “Alors on danse” (Entonces bailamos), una mezcla de música electrónica, hip-hop y new beat que dejaba atrás una primera etapa como rapero en las calles de Bruselas. En pocas semanas, el tema se situó en lo alto de las listas de ventas en media Europa, dando paso a su primer trabajo discográfico “Cheese” (expresión en inglés empleada para sonreír ante una foto).

Nuevos sonidos en “Racine carrée”

En “Racine carrée” da un paso hacia adelante en la experimentación con nuevos sonidos de influencias africanas y ritmos caribeños. “Cuando era adolescente y rapeaba, ya hablaba de los grandes clichés que detestaba del rap. Hasta que me di cuenta de que, en vez de criticar, podía hacer otras cosas. Redescubrí, por ejemplo, la dance music y otros géneros con los que me había formado.(…) Finalmente, me di cuenta de que había un montón de cosas interesantes en todos los estilos. Y es lo que intento integrar cada vez más”.

Este viraje hacia la música de sus raíces le ha hecho colaborar con músicos africanos como el congoleño Papa Dizzy, o los senegaleses Noumoucounda Cissoko y Tibass Kazematik. También acudió a intérpretes de Cabo Verde para el homenaje que realiza a la desaparecida Cesária Évora en el tema “Ave Cesaria”.

La energía de la música de Stromae contrasta con unas letras provocadoras que desnudan conflictos como los problemas de las relaciones humanas, la discriminación, el aislamiento que genera la tecnología, o las enfermedades como el SIDA y el cáncer de pulmón provocado por el tabaco.

Vídeos hipnóticos y contundentes

Hijo de madre belga y padre ruandés, perdió a su progenitor a los nueve años durante el genocidio de Ruanda en 1994. La ausencia de la figura paterna, no sólo física sino especialmente emocional, la plasma también en el primer sencillo del álbum: “Papaoutai” (a partir del francés “papa ou t’es?” “¿papá dónde estás?), en un vídeo explícito que cuestiona la falta de comunicación humana.

No es una excepción, los vídeos musicales de Stromae son hipnóticos y contundentes al mismo tiempo, dejando en evidencia su formación cinematográfica y su voluntad de crear un mundo estético singular que ha sabido consolidar a través de las redes sociales. Una grabación doméstica en la que se le veía deambulando ebrio cerca de una parada de tranvía, logró millones de visitas y le sirvió para el lanzamiento de su mayor éxito “Formidable”.

Otros temas como “Ta Fête”, “Sommeil”, “Merci”, “Tous les mêmes” o “Carmen”, sobresalen también de este último trabajo discográfico, un tanto irregular en ocasiones a causa del alto listón dejado por sus mejores composiciones.

Stromae ha sido noticia recientemente por verse obligado a suspender la gira europea de este verano que tenía previsto llevarle al Festival de Benicàssim el próximo 17 de julio, a causa de un tratamiento de prevención de la malaria ha producido efectos secundarios. Habrá que esperar otra oportunidad para volver a disfrutar en España del nuevo icono de la música belga, a quien se ha comparado por su forma de cantar con el mismísimo Jacques Brel.