Voices of Chaos

Aras - Hemaseye Andooh

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 09 Feb 2022 22:00:00 +0000

Los proyectos en solitario siempre están orientados por una búsqueda particular y tienden a una concepción totalizante. En el caso de Aras, esa condición resulta especialmente interesante porque su creador, Ehsan, proviene de Irán, un país en el que el Metal sigue siendo severamente censurado. No se trata de un hecho incidental, sino de una coyuntura profunda, pues esta ha restringido la música de Aras al reducto de su intimidad, a un aislamiento con el cual intenta sustraerse del hostigamiento de los musulmanes. Con todo, no ha sido posible resistir el embate de dichas persecuciones y, a pesar de que sus discos se producen a puerta cerrada y se dan a conocer solo a través de sellos foráneos, el propio Ehsan ha tenido que huir de Teherán para evitar ser encarcelado como viene sucediendo con muchos otros artistas, entre ellos, por ejemplo, los miembros de la banda Confess.

Acaso la situación de Aras, al tratarse de una banda de Black Metal, sea todavía más peligrosa: su música se levanta en el contexto religioso y político de Irán (en donde ambas cosas son una sola) como una voz de protesta cuyo objetivo principal es la crítica del régimen. En efecto, las letras de la banda denotan una misantropía general, pero también un odio focalizado hacia la imposición de los dogmas musulmanes; cualidad que, por un lado, la aleja del tradicional satanismo que pulula en el género y, por otro, la acerca, en todo caso, a la cruzada secular contra las religiones dominantes que también es propia del Black Metal y que, en su caso concreto, se ve ricamente alimentada por la "iluminación" recibida de fuentes literarias procedentes de poetas en lengua farsi como Hafiz, Shamlou, Sa'adi, Ferdowsi, Akhavan Sales, Molana y Khayam.

En el caso particular de Hemaseye Andooh (2006) esas influencias se expresan líricamente solo en la primera canción, ya que todos los otros temas son instrumentales. Sin embargo, debido a la atmósfera densa que hay en el EP (muy cercana a la de Xasthur), a su imponente atmósfera y la espesura que inunda la armonía, también se encuentra de esa concepción temática un correlato sonoro. De hecho, el predominio de los cortes instrumentales demuestra la suficiencia que tiene para Ehsan la pura música y, por supuesto, su destacable dominio de los instrumentos, en especial del teclado (con el que perfila continuamente las líneas saturadas de las guitarras) y de la batería (que, aun siendo programada, expresa un dinamismo importante y se alimenta con percusiones orientales, acaso derivadas de la música tradicional persa, que brindan al conjunto un tono bélico y fuerte).

Hemaseye Andooh fue lanzado originalmente de forma digital en 2006 y, dos años más tarde, el sello estadounidense Ragnarok Records se encargó de editarlo en una versión limitada a 1000 copias en formato DIGIPAK. La portada del EP, como puede observarse, ofrece la escena de la crucifixión en un dibujo realizado siguiendo la técnica del carboncillo; ese arte, en conjunto con la fotografía de la contraportada (y que podría equivocadamente dar a entender que se trata de una banda de Depressive Black Metal) es todo lo que puede hallarse de layout en la edición, la cual expresamente prescindió de los datos de contacto o grabación, incluyendo apenas la frase: "In the mourn of the four elements of the existence". A la fecha, esta sigue siendo la única edición del EP, si bien Aras ha seguido publicando con increíble regularidad más títulos.

ARAS. Hemaseye Andooh. Ragnarok Records. 2006.

RANK: 8/10

Tenebrarum - Alta Magia

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 02 Feb 2022 20:00:00 +0000

Tenebrarum es otra encarnación de ese Death Metal radicalmente oscuro que proponen bandas como Sargatanas, Shub Niggurath o Nothingness. En efecto, como pasa con aquellas, esta otra agrupación mexicana funda su música sobre una densidad apabullante que sumerge a quien la escucha en una suerte de extravío. El sonido de Tenebrarum, sin embargo, se alza con un temperamento propio puesto que en él convergen al menos tres corrientes diferentes: por un lado, la herencia caótica del Grind que elaboró el grupo en sus orígenes; por otro, la influencia sombría del Black Metal para la elaboración de las atmósferas y; finalmente, la inclusión de unos teclados que ya desde la canción de apertura se erigen como el principal distintivo de la banda y que, sin llamar a exageraciones, no tienen el más mínimo parangón en las propuestas de su época.

A raíz de esto Alta magia (1994) es un disco cuya imponencia se tasa en el modo en que contrasta el flujo de un sonido muy pesado con aquella fuerza más etérea, misteriosa y a veces, incluso, tranquilizadora que producen los teclados. A lo primero contribuyen la sucia distorsión de las guitarras, la ininteligibilidad que prima en las vocales y los descuelgues de velocidad que sigue la banda cada tanto; a lo segundo, en cambio, solo aquel extrañísimo hipnotismo que emana de los teclados y que en temas como "Lilith" o "Evocation" es capaz de orientar toda la armonía. Hay en este recurso, quizá, algunos vestigios de tonos ambientales, pero en realidad su horizonte resulta indescriptible, especialmente cuando junto a otros elementos -como guitarras acústicas, susurros, cantos gregorianos o audios de aullidos y hogueras- consolida aquel clima tétrico del que se ha hablado más arriba.

Tenebrarum transita los distintos caminos de su música permitiendo que una de sus aristas se pronuncie más o menos, pero no cede un instante en su intención de someter, ya sea apelando a la crudeza de los despuntes o al sortilegio de la atmósfera; así, en la parte inicial e intermedia del disco se muestra frecuentemente la última orientación, mientras que su cierre deja ver la faceta más primitiva del grupo. Por otra parte, en lo que concierne al apartado conceptual, la banda realiza un planteamiento penetrante, toda vez que sus letras, enfocadas en la magia, el esoterismo y los saberes ocultos encuentran su fundamento en autores como Rosario Castellanos, H. P. Lovecraft o Eliphas Lévi, referentes que permiten no caer en el terreno de las vacuidades, sino hallar un verdadero correlato para la oscuridad que caracteriza la parte sonora.

Alta magia fue grabado entre junio y julio de 1994 e inicialmente fue prensado en formato PRO-TAPE por la propia banda. Seis años después, American Line Productions y Morbid Ghoul Records lanzaron de forma conjunta su primera versión en CD, cambiando por entero el arte original del disco. La edición que se muestra en la fotografía, en todo caso, corresponde a una reedición hecha también por American Line en 2016, recuperando la primera portada e incluyendo como bonus los temas de la Demo de 1992 The Distortionated Guts of Idolatry. Se trata de una producción austera con un diseño bastante defectuoso, pues, aunque el arte está basado en impresionantes pinturas de Goya y Hemnling, la calidad de impresión y recorte no es la mejor. El booklet, además, no contiene las letras de las canciones, únicamente información sobre las alineaciones de la banda, un par de flyers y la portada de la Demo.

TENEBRARUM. Alta magia. American Line Productions. 2016.

RANK: 8/10

Mortes Saltantes - Yomi Kafeli

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 26 Jan 2022 22:00:00 +0000

Yomi Kafeli presenta de forma retrospectiva una recopilación del material lanzado por la banda Mortes Saltantes durante la década de los noventas, es decir, los TAPES Call from Yomi (1998), Yomitivo Ga Mafi (1996) y la Demo #1 (1995), más una canción aparecida originalmente en el sampler Thrash Corps of the Storm (1997). En general, estas grabaciones poseen un sonido destacable que, a pesar de sus variaciones (especialmente en lo que concierne a la Demo #1, que es la más cruda de todas), permiten la proyección de un Black Metal que elude el camino de la sencillez para enrutarse, más bien, hacia la consecución de una música cuidadosa de los detalles, modulada en sus componentes e ingeniosa en la manera de disponer la velocidad, el uso de los teclados, el apartado melódico y la rigurosidad en el tratamiento de los temas mitológicos que integran sus letras.

Es posible que al escuchar a Mortes Saltantes se tenga inicialmente la sensación de una influencia proveniente de grupos como Isengard, Arcturus o Storm, en especial por lo que concierne al tipo de vocales limpias que implementa; sin embargo, a pesar de coincidir con aquellas bandas en una disposición sustancialmente vanguardista, los japoneses encuentran la manera de generar una propuesta propia, en primer lugar, a través de los teclados, cargados de tesituras no occidentales y de aplicaciones que semejando el piano o el órgano producen una versión inédita de lo macabro y, en segundo término, por medio de aquellas mismas voces que en sus canciones se despliegan en coros formados hasta por tres registros diferentes y que cuentan, además, en una de las Demos con la fantástica línea operática de Yuko, quien posee un tono supersticioso y envolvente.

En las grabaciones más antiguas la velocidad de Mortes Saltantes suele incrementarse más y, por momentos, parece expresar un regusto Thrash Metal. Con todo, sin importar la fecha del material, el grupo se cuida de incorporar siempre quiebres melódicos, fragmentos sosegados, refuerzos de bajo y los mencionados aportes corales y de teclado. Además, el marco conceptual también resulta transversal, pues la banda renueva canción tras canción temas tomados de la mitología ancestral japonesa. Aquí no hay apuntes de supremacía racial o satanismo, únicamente la alusión continua a deidades como Yaoyorozu no Kami o Izanami y su adoración como entidades que controlan la vida y la muerte. Esa recuperación de las fuerzas naturales está hasta tal punto fundamentada en las tradiciones orientales que el mismo uso del corpse-paint lo justifica la banda no como un préstamo de Occidente, sino como una encarnación de la apariencia que tienen los demonios Oni en las representaciones de teatro Kabuki.

La disquera encargada de reunir el material para presentarlo en este CD fue la Zero Dimensional Records. El trabajo de diseño que hizo el sello (también japonés) debe destacarse positivamente, pues, aunque modificó la imaginería primitiva que caracteriza las Demos, consiguió mantener la orientación del grupo basándose en un arte circense y oscuro. El booklet de 8 páginas ofrece toda la información sobre la procedencia del material y, asimismo, una galería con numerosas fotografías de la banda y flyers de conciertos. Es importante no dejar de mencionar dos cosas más: primero, que en estas grabaciones tomaron parte como bajistas invitados Miduti (de la agrupación Amduscias) y Kamala (de Funeral Rites) y, segundo, que alrededor de 1999 la banda cambió su nombre a Magane, nombre con el cual lanzaron dos discos, el primero de los cuales, no solo lleva el título Mortes Saltantes, sino que está compuesto enteramente por canciones que ya antes se habían publicado en estas Demos.

MORTES SALTANTES. Yomi Kafeli (黄泉還り). Zero Dimensional Records. 2013.

RANK: 8/10

Deathcrime - Crueldad Subconsciente

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 19 Jan 2022 22:00:00 +0000

Resulta bastante difícil actualmente elaborar Death Metal de estilo clásico sin recaer en las emulaciones y lugares conocidos. Sin embargo, esta joven banda bogotana prueba que, desplegando las posibilidades que ofrece esa tradición, todavía es posible vislumbrar algunas zonas sobre las cuales forjar una identidad. Es por esta razón que el EP Crueldad subconsciente transmite la doble impresión de afincarse en el sonido de la vieja escuela (a propósito de lo cual su férrea producción es muy diciente) mientras que, al mismo tiempo, establece una personalidad que se proyecta a partir de su particular apartado rítmico y el modo en el que realiza las combinaciones vocales. Por supuesto, tratándose de un título que no supera los 15 minutos, dicha condición se presenta in nuce o, más bien, a manera de indicio de las amplias posibilidades con las que cuenta Deathcrime para la consecución de un álbum completo debido a su acople y capacidad creativa.

El EP está integrado por 5 canciones que no siguen el modelo de la simple velocidad, sino el de una disposición más vigorosa, galopante y dinámica. El trabajo de cuerdas, especialmente el de la guitarra líder, es francamente destacable: sin presunciones de orden técnico y con una distorsión enriquecida de medios -a la usanza sueca-, confecciona riffs sostenidos que orientan las canciones, dándoles sentido y carácter; además, de esos ritmos derivan a veces punteos -como el de "Prueba de muerte"- que permiten acrecentar la energía de los temas. Aunado a esto, se halla el activo juego vocal que, al ser encarado por varios músicos, garantiza un variado inventario de registros que van desde los más graves y cavernosos hasta los violentos y desgarrados. Sin duda, en el entrecruce de estos dos elementos recae la vitalidad de Crueldad subconsciente, fortalecida, finalmente, por una batería y un bajo siempre a punto.

Dada la extensión de las canciones que, por regla, están entre los 2 y 4 minutos, las letras que entrega Deathcrime son concisas, directas, con un motivo puntual que las moviliza. El nombre del EP declara con suficiencia el hilo que une las composiciones, a saber: la interiorización de la violencia que vivimos en nuestro país. En efecto, según la canción, la banda denuncia algún factor asociado a esa problemática: el nacimiento de grupos al margen de la ley en "Bacrim", la manipulación masónica en "Illuminati", la corrupción política en "Manipulación", los crímenes de lesa humanidad en "Masacre en Bojayá", o la persecución de líderes sociales en "Prueba de Muerte". Las letras tienen un sesgo crítico y su reprobación -hecha siempre en español- no menoscaba los recursos para mostrar la arremetida de la violencia y la indefensión en la que se encuentra la mayor parte de la población colombiana.

Crueldad subconsciente fue grabado bajo la asistencia técnica de Enrique Buitrago (quien ha trabajado previamente con bandas como Egaheitor, Esbbat o Mortalem, entre otras) y fue lanzado en 2021 por el sello Mutilated Records. A pesar de tratarse de un EP, la edición es muy cuidada en lo que respecta al diseño gráfico, elaborado por Felipe Mora. Como puede observarse, la portada muestra el Palacio de Justicia (epicentro en 1985 de uno de los sucesos más oscuros de nuestra historia) y el monumento a Bolívar transfigurados a través de imágenes escabrosas en un escenario de violencia, atentados y muerte. Distintos planos de ese mismo arte se replican en la contraportada y el cuadernillo, los cuales tienen una positiva calidad, descontando los varios errores de ortografía que aparecen en la presentación de las letras y los agradecimientos.

DEATHCRIME. Crueldad Subconsciente. Mutilated Records. 2021.

RANK: 8/10

Yyrkoon - Occult Medicine

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 12 Jan 2022 22:00:00 +0000

Este álbum, el tercero en la discografía de Yyrkoon, constituye un ejemplo de cosmopolitismo, puesto que la banda procede de Francia, pero la grabación se hizo en Dinamarca y contó con el apoyo del famoso baterista belga Dirk Verbeuren (quien ha trabajado, entre otros, con Aborted, Soilwork y Cadaver). Bajo estas circunstancias, es razonable que Occult Medicine tenga, por un lado, una producción formidable que garantiza la audición de todos los elementos dispuestos en la mezcla y, por otro, un horizonte moderno, sofisticado, que sabe encuadrar con envidiable corrección los recursos tomados del Death Metal técnico (cercano al de agrupaciones como Carcass, Natron o Iniquity) con aquellos componentes más melódicos que caracterizan a las bandas suecas (tipo The Haunted, The Forsaken o la referida Soilwork).

Por supuesto, Yyrkoon es más que un puente de comunicación porque esas líneas convergen en su música de forma orgánica, es decir, no lucen obligadas a comparecer allí, sino que, más bien, emanan de un mismo impulso. En este sentido, las canciones del disco -que prácticamente carecen de espacios intermedios- están concebidas por un solo nervio que las hace siempre rápidas en los despuntes, fértiles en los cambios o combinaciones, brillantes en los escapes melódicos y estilizadas cuando se permiten el uso de guitarras y voces limpias. Como no hay teclados en Occult Medicine, todo el apartado rítmico recae sobre las cuerdas, las cuales cumplen meritoriamente su tarea ofreciendo solos cautivantes, dotando de personalidad a cada tema, evitando las repeticiones y enseñando innumerables posibilidades de encarar la composición (como puede constatarse al escuchar la eximia "Censored Project").

La vocalización, por su parte, sigue un patrón gutural que descansa en ocasiones de su gravedad para revelarse más entendible, si bien conserva a cada paso un tono marcado y profesional. En cuanto a las letras, basta advertir en los agradecimientos del disco la mención hecha del doctor Herbert West para deducir que estas se encuentran enfocadas en este personaje de Lovecraft. Efectivamente, salvo por algunos cortes de índole más existencial (como "Reversed World" o "Trapped into Life"), Yyrkoon expone en sus canciones la falta de control que existe frente a las investigaciones científicas, el modo en que ciertos experimentos rompen los límites entre la vida y la muerte, o cómo la mala praxis de los médicos responde a veces a mentalidades perversas ("...studying the art of death to feed a morbid thrist", se oye justamente en la canción homónima del álbum).

A la fecha, la única edición que existe de Occult Medicine es la que se muestra en la fotografía, prensada por Osmose Productions en CD (una parte en Estados Unidos y la otra en Europa). Se trata de una versión fantástica, sumamente cuidada, tanto en lo que concierne a la calidad de los materiales como al diseño del arte. Este último corrió por cuenta de Antoine Gallais-Billaud y Nonos et Paillettes, quienes elaboraron un cuadernillo de 16 páginas combinando de forma admirable contenidos gráficos procedentes de pacientes psiquiátricos, materiales quirúrgicos, grabados anatómicos y fotografías de hospitales para conseguir una imaginería capaz de reflejar el concepto central del álbum. En el booklet, además, pueden hallarse las letras, los agradecimientos e imágenes de la banda (incluso del baterista invitado).

Yyrkoon. Occult Medicine. Osmose Productions. 2004.

RANK: 8.5/10

Maleficium - This Illusion of Humanity

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 05 Jan 2022 22:00:00 +0000

He aquí otro ejemplo de desaparición y olvido: Maleficium se formó en 1992 bajo la dirección de Arjen Boers y, tras la edición de su Demo Questions of Existence (1993) y del álbum This Illusion of Humanity (1995), inexplicablemente dejó de trabajar alrededor de 1996. De nada sirvieron los buenos comentarios que se prodigaron a aquellos títulos, tampoco la firma de un contrato con Cyber Music, la reedición de su disco por parte de Massacre Records o, incluso, la aparición de versiones no oficiales en TAPE hechas en Rusia; el grupo simplemente decidió elevar amarras, perdiéndose con ello en el horizonte, pues, de hecho, para sus integrantes (excepción hecha del mencionado Soers y Martin van der Rhee, quienes fundaron el proyecto de Metal Progresivo Confusic) aquella experiencia fue la única que tuvieron en relación con la creación musical.

Todo resulta más extraño aún en la medida en que Maleficium fue, por lo menos, una banda sugestiva. Su álbum debut propone un entrecruce de Doom y Death Metal que, inicialmente parece asemejarse al de los primeros The Gathering, pero que en su desarrollo adquiere un cariz propio gracias a la mezcla de guturales y desgarros, el uso de teclados que insinúan atmósferas y la incorporación de apartados melódicos que, como sucede en "Desillusion", permite evidenciar un gusto refinado. La mayoría de estructuras obedecen, sin más, al canon del Death Metal, solo que Maleficium sabe ensamblarlas dentro de los ritmos medios y lentos del Doom, complementando su sonido con guitarras limpias, solos depurados, pasajeras voces femeninas, espacios exclusivos de teclado o bajo y hasta la implementación del clavicordio y el saxo para alimentar la composición del instrumental "Memorare".

A propósito del apartado temático, el disco revela una sabia disposición. Maleficium concibe sus letras como un ejercicio de desvelamiento a través del cual se descubren toda clase de artificios: en "Downfall", por ejemplo, se equipara a dios con el hombre para mostrar la necesidad de la secularización; en "Uncovered Intentions", la insignificancia y animalidad que subyace a lo humano se plantean desde una mirada abiertamente nihilista; y, así, tal como indica el título del disco, la banda va descorriendo las distintas ilusiones que se esconden detrás de discursos como el de la civilización, la moral o la familia. Huelga decir que en This Illusion of Humanity no hay un interés subversivo, sino el simple deseo de mostrar la futilidad que hay en todas esas personificaciones y la posibilidad de destruirlas completamente por medio de la muerte; no en vano se escucha en "Hydrogen": "Afterlife is your future".

This Illusion of Humanity fue grabado en julio de 1994 y contó con la producción de Patrick Harreman (quien colaborara, además, con otras bandas holandesas como Usurper y Moon of Sorrow). El disco se lanzó un año después gracias al sello Cyber Music, contando con una amplia distribución internacional. La imagen que se usó en la portada, pese a su simpleza, encaja a la perfección con la ceguera que da forma al concepto de Maleficium y, así mismo, con el pesimismo que deviene en su anhelo de muerte. El librillo que acompaña el CD es de 8 páginas y posee un diseño austero, a blanco y negro; en él pueden encontrarse las letras de las canciones, los agradecimientos y algunas fotografías del grupo. Como se mencionó antes existen dos versiones más del álbum, ambas cercanas a la fecha de la edición original y con distintas modificaciones del arte.

MALEFICIUM. This Illusion of Humanity. Cyber Music. 1995.

RANK: 8.5/10

Atrofia - Programados para el Caos

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 22 Aug 2021 14:14:00 +0000

La orientación que sigue esta joven agrupación panameña corresponde a la que viene siguiéndose desde los años ochentas dentro del Thrash Metal; sin embargo, como su música no desatiende las ventajas de la producción moderna, ese sonido clásico alcanza particularidades sobresalientes. En este sentido, la banda liderada por Tony Freire y Yigo Manzo puede considerarse un ejemplo de sincretismo, pues sin perder un ápice de fidelidad a lo que es la esencia del Thrash Metal (la rapidez, la agresividad, la vehemencia), se acopla a elementos (como una mezcla limpia o el uso de efectos) que podrían contravenir los principios del género, pero que aquí, contrariamente, se ven enriquecidos al estar direccionados por la inteligencia de músicos que conocen las especificidades de sus instrumentos y también el modo en que estos deben contribuir a la proyección del conjunto.

El álbum debut del grupo, Programados para el caos, expone, como se dijo, influencias innegables: aquí y allá hay desperdigadas reminiscencias de bandas como Slayer o Destruction. Con todo, más allá de esas evocaciones que a estas alturas ya son francamente inevitables, Atrofia despunta con una energía particular, a veces porque mezcla arpegios con riffs distorsionados (tipo "Cáncer global") y otras porque se sustrae momentáneamente de la velocidad para explorar modulaciones medias que se enriquecen con juegos de guitarra y fragmentos melódicos, cuasi progresivos. Como la producción del disco es tan buena, cada elemento tiene asegurada su presencia (las líneas de bajo, el marcado acompañamiento percusivo o la fuerza de los coros) y, en realidad, la banda exhibe momentos de gran intensidad, sobre todo en los punteos, los cuales están llenos de refinamientos y despliegues siempre personales.

Quizá el aspecto menos prolífico de Atrofia sea la vocalización, ya que esta se mantiene dentro de un solo registro la mayor parte de las canciones. No obstante, un tenue delay que se aplicó sobre ella le permite desplegarse por ciertas tesituras y ganar más cuerpo. Para los hispanohablantes, por otra parte, esa voz tendrá un atractivo especial, puesto que la agrupación compone sus letras en español y, tratándose de una vocal que media entre el grito y el desgarro, el contenido es perfectamente audible. Atrofia maneja en sus letras una visión apocalíptica, ya sea en relación con el fin del mundo que se avecina o con la pérdida del presente mismo, el cual es presentado por la banda como caótico e incontrolable, demasiado vinculado a la alienación, la invasión informativa, la religión o las ideologías, como para poder darnos algún margen de independencia.

Programados para el caos fue grabado en Panamá, pero su mezcla y masterización se hizo en Venezuela bajo la dirección de Jorge Luis Medina. La versión en formato CD fue realizada de forma conjunta por 7 sellos discográficos, entre ellos, Bluespoon Records, Lógica Ciega, Green Revolution y Rompiendo Bocinas. Se trata de una edición en DIGIPAK con una manufactura que seguramente habrá satisfecho a la banda tras haber concluido las grabaciones del disco incluso con instrumentos prestados. El disco contiene un cuadernillo de 8 páginas con las letras de las canciones, información sobre la banda y agradecimientos. Esta versión, además, contiene como bonus tracks las canciones que hicieron parte de las Demos Templo de la enfermedad (2017) y La máquina del odio (2013), de suerte que permite, además de la experiencia del disco, tener una visión general de la música de Atrofia.

ATROFIA. Programados para el caos. Rompiendo Bocinas Records (et al). 2018.

RANK: 8/10

Phantom Lord - In Twilight World

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sat, 14 Aug 2021 20:07:00 +0000

Aunque Phantom Lord llegó a lanzar 4 discos entre 1999 y 2005, sorprende que no recibiera mayor atención por parte de la crítica y, más aún, que, a pesar de su probadísimo talento, terminara engrosando la lista de bandas injustamente desaparecidas. Acaso sea responsable de esto la época en que nació este cuarteto griego, por un lado, muy alejada ya del tiempo en que surgieron los pioneros del Power Metal y, por otro, excesivamente prolífica como para que todas las propuestas pudiesen descollar. En todo caso, la distancia permite ahora volver sobre esta clase de trabajos y disfrutarlos, quizá no con el gusto de la novedad, pero al menos sí con esa complacencia que se deriva de los años acumulados, lo cual otorga esa impronta nostálgica que la mirada retrospectiva usa para enriquecer los productos del pasado.

Phantom Lord convoca, así, toda una época y su disco debut, In Twilight World, ostenta un valor significativo. Lo que hay entre sus teclados de apertura y aquel cierre fastuoso constituye toda una experiencia: la muestra de un Power Metal enérgico y pesado, ejecutado a cada paso con agudeza e ingenio. Las canciones del álbum no son solo memorables, sino verdaderamente emotivas; poseen una altísima capacidad para despertar sensaciones y avivar el ánimo; además, cuentan con una expresividad arrolladora, producto de la fuerza y profusión de sus vocales (tarea dividida entre los cuatro miembros del grupo y a la altura de bandas como Helloween, Queensrÿche o Grave Digger) y el particular desenvolvimiento de las guitarras (siempre fuertes en su base, estilizadas en los armónicos y coronadas con sendos punteos que llegan incluso a ejecutarse a dúo).

Pueden escucharse en In Twilight World algunos teclados incidentales, pero el disco está lejos de lo sinfónico: su fuerza equilibra técnica y agresividad, abre espacios prolongados para la instrumentación, a veces despunta hacia riffeos más cercanos al Speed y marca un ritmo medio que en muchas ocasiones se descuelga. En cuanto al apartado conceptual, Phantom Lord realiza un acercamiento a lo fantástico con el propósito de extraer de ello una concepción humana; precisamente el título del disco hace referencia a esa época nietzscheana posterior a los dioses, cuyo crepúsculo habrá de instar al hombre a descubrir sus propias dimensiones encarando la confusión de la nueva época, ponderando lo bueno y lo malo a través de su voluntad y defendiéndose de la hostilidad y las manipulaciones que se ciernen sobre una inocencia recién adquirida.

In Twilight World fue prensado en 1999 por el conocido sello griego Black Lotus Records en dos versiones diferentes de CD, una de ellas promocional. El resultado fue magnífico, tanto en lo que concierne al grueso papel que se utilizó para la impresión, como al diseño propiamente dicho. El arte de la portada, que reproduce perfectamente un tono crepuscular, se conserva en algunas páginas del librillo y en la contraportada, mientras que en otras partes se utilizó un trazado más sobrio en tonos negros. El booklet contiene las letras de las canciones, fotografías de la banda y una pequeña lista de agradecimientos. A la fecha, el disco no ha sido reeditado y, como se comentó más arriba, Phantom Lord dejó de existir poco tiempo después de la salida de su último título, Imperial Fall (2005).

PHANTOM LORD. In Twilight World. Black Lotus Records. 1999.

RANK: 8.5/10

Kharma - SubReal

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 08 Aug 2021 15:03:00 +0000

SubReal (2015) fue el primer EP lanzado por Kharma, una agrupación venezolana que conecta satisfactoriamente el Grindcore con el Death Metal. El título apenas supera los 15 minutos, pero ese tiempo basta para corroborar que aquella simbiosis encuentra en la banda una expresión sugestiva debido, por un lado, a la positiva producción con la que cuenta el EP, la cual permite percibir todos los elementos en los que se basa la propuesta y, por otro, a que las ideas se organizan musical y conceptualmente con plena claridad, de suerte que haya un mismo encuadre para disponer siempre las canciones. Además de ello, el nivel de quienes integran el grupo concede a su música un carácter, sino admirable, al menos placentero, y, en ese sentido, aunque, por ejemplo, no existan punteos o estructuras técnicas, tampoco hay un solo instante en que la banda produzca aburrimiento.

Son 8 canciones las que hacen parte de SubReal y en todas ellas predomina la velocidad: Kharma es una agrupación frenética, su ritmo permanece a fondo, si bien nunca de forma lineal, puesto que sus composiciones ofrecen cambios y transiciones que enriquecen la experiencia de quien escucha. En los primeros tres temas del EP se tiene la impresión de estar, sin más, ante una banda de Death Metal con un sonido cercano al de los polacos Vader; sin embargo, esa presunción va dando paso a la certidumbre de estar, más bien, frente a una propuesta Grindcore: así lo indican el contraste de voces gruesas y rasgadas, el punch marcado que ofrece la batería, la poca duración de las canciones y el modo como a los riffs clásicos del Death o a aquellos otros de sesgo más moderno (como el que abre "Obliterados") se van sumando paulatinamente estructuras más cercanas al Hardcore.

Por supuesto, el plano letrístico aclara mucho más ese perfil: no hay una sola canción en el EP que desatienda el tratamiento de temas sociales o políticos. Redactadas en español y expresadas con una vocalización casi silábica, las composiciones de SubReal van abordando, por turno, situaciones relacionadas con la manipulación mediática, las farsas electorales, la mecanización de lo humano, las mentiras que esconden las doctrinas, la resistencia individual y, en general, la desaparición de lo humano (con su libertad) en medio de los discursos ideológicos. El nombre del EP resalta con implacable sencillez esa especie de realidad que se encuentra oculta por las distintas mascaradas que se ciernen sobre los hombres y cuya pretensión es convertirlos en seres autómatas, incapaces de reconocerse a sí mismos por fuera de los referentes preestablecidos.

SubReal fue grabado y mezclado en mayo de 2014, siendo José Luis Luque (bajista y vocalista de la banda), el encargado de ello. Con todo, el EP solo se lanzó casi un año después, inicialmente en formato digital y, luego, por medio de la Extreme Gore Productions (de Venezuela) en la versión CD que se muestra en la fotografía. El resultado del prensaje es excelente, no solo porque el arte de Rosalynda K. Estrada que se usó para la portada captura el proceso de deshumanización y encadenamiento que Kharma trabaja en sus letras, sino porque el diseño interior, realizado por Rodolfo Ramírez, es equilibrado e inteligente: en él hay espacio para las letras, fotografías, agradecimientos y datos técnicos. Después de este título, Kharma editó otros dos EP`s, ambos en 2019, bajo el nombre Crónicas Deletéreas (I y II).

KHARMA. Sub Real. Extreme Gore Productions. 2015.

RANK: 7.5/10

Demons Gate - Demons Gate

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sat, 31 Jul 2021 00:08:00 +0000

Esta banda procedente de Camberra (Australia) nos invita a volver la mirada hacia una de las combinaciones de sesgo más tradicional: la que se genera entre el Doom y el Heavy Metal. Su EP homónimo, lanzado en 2008, presenta 5 canciones que constituyen una apuesta retrospectiva orientada a recuperar, en una época particularmente saturada de propuestas que abusan de los recursos tecnológicos, ese sonido análogo, orgánico y envolvente de agrupaciones como Candlemass, Dark Quarterer, Cirith Ungol o Witchfinder General. Demons Gate, en este sentido, es un interesante anacronismo, la memoria de una época que ya ha terminado, pero que es susceptible de reconstruirse rastreando cuidadosamente los elementos que le dieron forma e insuflándoles el espíritu requerido para que de ellos vuelve a brotar la vida.

Demons Gate es una banda clásica por donde se la mire: sus composiciones tienen la sencillez y memorabilidad de los grandes referentes, su sonido está cargado de esa distorsión moderada y rica en medios que se usó en el pasado, y su ritmo se afinca en los ritmos medios que caracterizaron también el Metal de antaño. No hay espacio aquí para elementos foráneos: solo una guitarra que deviene los punteos de los riffs con absoluta naturalidad, un bajo totalmente perceptible en cada tema, una batería fértil en su propuesta y una voz madura (gruesa y reverberada) que despunta con modulaciones perfectas. Por demás, Demons Gate es una banda de vuelo, esto es, con amplios espacios de despliegue instrumental que invitan a entregarse a las siempre diferentes ambientaciones o atmósferas.

En el tema "Holy Deceiver", Demons Gate acentúa su tono fúnebre y, apoyándose en vocales susurradas, disonancias y sucios arpegios, llega a asomarse a los terrenos del Black Metal. Sin embargo, esto es solo un atisbo porque, como se mencionó, el grupo sigue con inflexible fidelidad la mezcla entre Doom y Heavy Metal, inclinándose más a un género o al otro de acuerdo a los derroteros que siguen las canciones y encargándose de fabricar otro sentido de la unidad a partir de las letras, pues todas ellas coinciden en la utilización de la imaginería satanista, en ciertos casos (como "Blood and Stone" y "Kiss of Fire") para recrear la destrucción o el apocalipsis, en otros (tipo "Accustomed to the Dark") para denunciar la pérdida de la antigüedad pagana e, incluso, en algunos más (como la mencionada "Holy Deceiver") para reconstruir los lineamientos propios de rituales.

Demons Gate fue originalmente prensado en 2008 por Abysmal Sounds Records en formato TAPE, si bien la banda había editado ya el mismo material de forma independiente dos años antes bajo el nombre Demo 2006. En 2010 el título fue reeditado por Iron Bonehead Productions en LP y en 2012 apareció la edición en CD que estuvo a cargo de la Terror from Hell Records. Esta última edición, aunque digital, no desentona frente a la propuesta de los australianos: su diseño conserva el arte original y, a pesar de su austeridad, ofrece un cuadernillo con información suficiente acerca de letras, agradecimientos y datos de grabación. Como puede observarse en la fotografía, también en el plano visual, Demons Gate buscó subrayar su gusto por lo demonológico, lo cual, sin duda, es otra manera de entrar en comunión con la esencia mística del Doom Metal.

DEMONS GATE. Demons Gate. Terror from Hell Records. 2012.

RANK: 8/10

Trail of Tears - A New Dimension of Might

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sat, 24 Jul 2021 21:25:00 +0000

Trail of Tears hizo parte de la ingente escena gótica que explotó en Noruega a mediados de los noventas, si bien su propuesta supo forjar un camino propio al evitar sustancialmente los aparatajes clásicos y encarrilarse hacia un sonido más moderno y fuerte. De hecho, su música posee un regusto a Black Metal que inmediatamente la aleja de nombres como Tristania, Sirenia o Theatre of Tragedy y la acerca, más bien, a la línea sinfónica de bandas como Dismal Euphony o The Sins of Thy Beloved. En 2002, la época de su tercer álbum, A New Dimension of Might, esa personalidad estaba más que desarrollada, de suerte que el disco resulte muy profesional, tanto en lo que respecta a la calidad operativa de sus músicos, como a la agudeza desde la cual encuadran todos los elementos para crear una obra entretenida y polifacética.

A New Dimension of Might toma forma a partir de tres pilares: una fuente gótica que emana de las voces operáticas, los riffs melódicos, los pasajes sosegados y el contraste entre lo luminoso y lo oscuro; una fuente Black Metal que se descubre en los fragmentos en que Trail of Tears propone vocales desgarradas, acelera la marcha o presenta guitarras sostenidas; y una fuente electrónica que enriquece los temas con el uso de sintetizadores y samples. Según la canción, es posible que una de estas facetas predomine, pero la banda tiene un maduro sentido del equilibrio, gracias al cual, a lo largo de los 50 minutos que dura el disco, se experimenta la sensación de hallarse frente a una propuesta completa que va descorriendo sus distintas dimensiones obedeciendo solamente al discurrir que proyecta la misma música.

La conciencia de lo simétrico en Trail of Tears es admirable, además, porque, a pesar de que a los siete integrantes del grupo se suman varios músicos de sesión (todos ellos con un nivel notable), el álbum realza siempre el espíritu del conjunto sobre la individualidad, abocándonos a una arquitectura sumamente sólida. En lo que sí exhibe la banda un carácter íntimo es en las letras de las canciones: buena parte de ellas está enfocada en el aislamiento, la oscuridad del mundo interior y el modo como la integridad se pierde por efecto de los miedos o la ilusión. Hay una concepción casi laberíntica en el disco, pues por momentos se abre la puerta a voces de auxilio o a la salvación en el plano de lo sexual para cerrarse nuevamente en esos estados extremos que se describen en temas como "Splendid Coma Visions" o "Bloodred Trance".

A New Dimension of Might fue lanzado por Napalm Records en la época más prominente de este sello, es decir, cuando su catálogo presentaba, además de las bandas mencionadas antes, otras tan interesantes como Dargaard, Darkwell, Hollenthon, Lacrimas Profundere o Visions of Atlantis. La presentación del CD es muy cuidada: incluye un cuadernillo de 16 páginas con fotografías de la banda, las letras de las canciones y los agradecimientos. El diseño corrió por cuenta de Nieraj Singh, quien utilizó estrictamente tonos azules, grises y negros para dar forma a un arte que responde correctamente a la música y letras de Trail of Tears. De este mismo título existe también una versión en CD no oficial prensada en Rusia por la Steamhammer Records y otra en TAPE hecha por Irond Records, ambas lanzadas en 2002.

TRAIL OF TEARS. A New Dimension of Might. Napalm Records. 2002.

RANK: 8/10

Hefeystos - Psycho Café

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 18 Jul 2021 14:34:00 +0000

La densidad doomy que caracterizó el álbum debut de Hefeystos (1996) cedió su lugar en Psycho Café (1998) a una experimentación que, pese a no abandonar el cuño místico, desplazó la banda hacia un entrecruce de Heavy Metal, Gótico y Avant-garde. Ese cambio de orientación, sin duda, desanimó a aquella parte de los seguidores que no logró comprender cómo esta segunda placa, en el fondo, respondía a una evolución previsible, al menos si se toman en cuenta los indicios de un sonido más diáfano y confeccionado que ya se encontraban en el primer disco y, sobre todo, el impulso que poseía el genio creativo de la banda que con toda seguridad iba a conducirla, después de la primera grabación, no solo a aumentar su profesionalismo, sino, además, a recorrer las rutas necesarias para que su creatividad fluyese libremente.

Psycho Café constituyó, así, un álbum esencialmente vanguardista, el producto de una experimentación que, interpretando bien el eclecticismo de su época, exhortó a Hefeystos a dar un paso más allá. Las vocales del disco, para dar un ejemplo, son sorprendentes en sus tonos, alcances y combinaciones: solo la figura de Alicja Szumska atestigua resonancias de fuentes tan diversas como Lahka Muza, Diamanda Galas y Mazzy Star. La instrumentación, así mismo, resulta apabullante: bajo, batería y guitarra se ejecutan con una precisión ejemplar, no exenta de feeling; cada instrumento tiene su momento de destacar por medio de solos (el bajo en "Adoration of the Earth", la batería en "Psycho Café" y la guitarra en numerosas ocasiones durante cada corte); además, la conexión del conjunto (en ese predominante mid-tempo que maneja) nunca deja de mostrarse fértil, de suerte que la proyección del álbum sea, al mismo tiempo, individual y colectiva.

Aunque los teclados suelen tener un papel más protagónico en este tipo de títulos, en Psycho Café la base rítmica reposa en las guitarras; esto significa que su música es pesada y que el aporte del teclado se limita a algunos acompañamientos psicodélicos y, a veces también folclóricos (muy bien encuadrados), que aparecen en determinados momentos del disco. Las letras, por su parte, son otro gran acierto de Hefeystos: estas se organizan en textos poéticos que conectan numerosas influencias literarias (Sade, Nietzsche, Byron, Lautreamont, etcétera) con experiencias propias de Piotr Weltrowski (principal compositor de la banda). El disco demuestra una gran atracción por el tópico de la lujuria, de allí que elabore paráfrasis de relatos como el del pecado original o incorpore textos enteros procedentes de los escritos de Aleister Crowley.

De Pyscho Café existen varias versiones: Wounded Love Records prensó en 1998 la edición en Digipak que se muestra en la fotografía y otra promocional en formato Cardboard Sleeve. Ese mismo año, la NEMS Enterprises lanzó otra versión en CD que contiene como bonus tracks los dos temas del EP Vilce Sjen (1997). La presentación que hizo la Wounded Love es impecable: el Digipak está acompañado de un librillo de 12 páginas con las letras de las canciones, agradecimientos, fotografías y datos de grabación. El diseño general establece una mezcla entre lo arcaico y lo moderno, aspecto que captura el enlace que existe entre el nombre del grupo (propio de una etapa remota de lo humano) y su música (la cual nos aboca al lugar más contemporáneo). Vale la pena recordar, para finalizar, que entre los músicos invitados a Psycho Café, se encuentra Nergal de Behemoth, quien hizo parte de las vocales de apoyo en tres temas.

HEFEYSTOS. Psycho Café. Wounded Love Records. 1998.

RANK: 8.5/10

Bael - No Hay Escape de Satanás

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 14 Jul 2021 00:37:00 +0000

La recopilación No hay escape de Satanás (2012) reúne las 5 canciones de la Demo Caída de Cristo (1995) y las 4 del TAPE Ritual (1996) que la banda grabó para sumarlas a las primeras y conformar el material de un álbum debut que no llegó a realizarse. Es por esto que el título permite conocer a Bael en su etapa germinal, es decir, cuando solo estaba integrada por sus miembros nucleares (Sargatanas y Black Pazuzu), cuando los recursos para la producción eran limitados y cuando su música profería el sonido más crudo y rudimentario. Como otras grabaciones de la época, la de estas Demos no se destaca por su calidad, pero es posible conocer la propuesta sin impedimentos y persuadirse de que en manos de esta banda, procedente de Sucre, estuvo buena parte de la configuración de la escena del Black Metal en Bolivia.

La primera Demo de Bael expone un sonido frío que contrasta (casi intercala) la lentitud del Doom con despliegues veloces. Las composiciones son en extremo básicas: a lo largo de los temas, por ejemplo, solo se presenta una guitarra que, excepción hecha de los punteos que hay en "Destrucción", carece de nervio y se afinca en un ataque instintivo y en una desenvoltura privada del respaldo rítmico que podría obtener con otro instrumento. La batería, por su parte, se orienta hacia el acompañamiento, sin pretensiones de orden técnico o algún afán protagónico. En todo caso, la atmósfera de la cinta es envolvente; posee, merced a la fuerte vocal de Pazuzu, esa atracción que brindaban por aquel tiempo bandas tan oscuras como Asaradel o Apolion's Genocide, y a esto se suma el conjuro particular que produce la banda al escribir únicamente letras en nuestra lengua.

El material perteneciente al TAPE Ritual ofrece un mejor sonido y, en consecuencia, sus elementos tienen mayor potencia. La batería exhibe un gran uso de platillos y el punch de su redoblante está mas marcado; la guitarra, así mismo, aun sin dejar de ser solo una, ofrece riffs acentuados, espacios de arpegios y, sobre todo, un control más adecuado de la distorsión. La velocidad y los cambios se multiplican en esta cinta y, la voz, tornándose más furiosa, resulta precursora de ese tono que más tarde usarían grupos como Kulto Maldito o Bestial Holocaust. Lo que sí permanece inamovible en ambas producciones es la orientación lírica, ya que Bael siempre ubica al ser humano en medio de una batalla contra el cristianismo, denunciando, por un lado, la falsedad y blandura de esta creencia y, por otro, encumbrando el poder de Satanás y su eterno deseo destructivo.

El sello Fog Records (Morbillus Records) asumió la tarea de editar No hay escape de Satanás en formato CD y debe afirmarse que el resultado fue más que satisfactorio. En primer lugar, la edición fue ejemplarmente trabajada en el apartado de diseño: el cuadernillo, hecho con papel de alta calidad, se despliega hasta formar un póster de 6 caras que reproduce la portada. Además, el arte interior se enriquece con flyers de conciertos que tuvieron lugar en los noventas, diversas fotografías de la banda, símbolos satanistas y una pequeña semblanza biográfica. Debe recordarse que la misma disquera editó en 2012 el título We Wait for You... Satan!, recopilación que agrupa otras dos Demos importantes del metal boliviano, en ese caso correspondientes a la agrupación Sanctum Regnum.

BAEL. No hay escape de Satanás. Fog Records. 2012.

RANK: 7/10

Undertaker of the Damned - The Falling of the Parody of Misery

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Mon, 12 Jul 2021 01:08:00 +0000

El canon del Black Metal se manifiesta a través de esta agrupación chilena que viene trabajando desde inicios de los noventas: Undertaker of the Damned es modélica, tanto en lo que concierne a su sonido (renuente a las atracciones del teclado o a las maniobras exploratorias), como a su plano conceptual (conservador de una estética oscura y satanista). Su álbum debut, The Falling of the Parody of Misery (2005), bien podría comparecer ante los oyentes más radicales con la certeza de convencerlos, primero, de su firmeza como portavoz de un espíritu y, segundo, de su propia competencia a la hora de componer dentro del (a veces estrecho) espacio que deja la fidelidad a un género. Es así que las 11 canciones del disco emanan de una fuente que, al mismo tiempo, preserva la ortodoxia del Black Metal y busca en el interior de él las pistas para concebir algún rasgo de personalidad.

La música de Undertaker of the Damned despliega ese sonido machacante y violentamente melódico de bandas como Thy Infernal, Thornspawn o Setherial; sin embargo, encuentra un sello personal en el uso de los armónicos (recurso usual dentro de la instrumentación), en la combinación de los tradicionales desgarros con una gutural más gruesa y en ciertas salidas cercanas a la propuesta de Immortal (por ejemplo, en la canción de cierre). La banda se revela rápida durante la mayor parte del tiempo, matizando la marcha para evitar lo lineal y enriqueciendo las composiciones con arpegios, transiciones y ocasionales juegos de guitarra. Como los temas no son largos, la intensidad del álbum no se halla en la epicidad, sino en la celeridad con que modula su espíritu malévolo, algo en lo cual The Falling of the Parody of Misery no ceja un solo instante.

Como se indicó, la agrupación es canónica tanto en lo musical como en lo estético; por ello conserva elementos paradigmáticos de los noventas (como el uso del corpse-paint). Algo similar sucede en el apartado lírico ya que Undertaker of the Damned, aun abordando diferentes campos, siempre firma sus letras con un signo maligno. Varias de sus composiciones instigan a atacar el cristianismo (a nivel simbólico y real), otras incursionan en temas demonológicos o literarios (estos últimos basados en Lovecraft) y algunas más instan al conocimiento del individuo o de las fuerzas de la naturaleza. Todo el plano temático lo desarrolla el grupo en textos relativamente cortos, elaborados mediante un lenguaje ominoso, y compuestos, salvo por el caso de "Summoning Sathanas", en inglés.

The Falling of the Parody of Misery fue mezclado y masterizado bajo la dirección de Claudio Salinas (vocalista y guitarrista de Dominus Xul, además de encargado de por lo menos varias decenas de producciones del metal chileno). El álbum fue lanzado en formato CD (sin número de catálogo) por los propios miembros de Undertaker of the Damned. De esta edición, la única a la fecha, debe destacarse su calidad: el booklet (tipo gatefold de 3 caras) presenta un diseño a tono con la música, una mixtura impecable de tonos azules, negros y grises, y una portada siniestra, realizada por Ricardo Costa, responsable también del arte que eligió la banda para su segundo disco, Lords of the Extreme Mockery (2011). El cuadernillo ofrece las letras de las canciones, los datos de grabación y los agradecimientos.

UNDERTAKER OF THE DAMNED. The Falling of the Parody of Misery. Independent. 2005.

RANK: 7.5/10

Ghast - Terrible Cemetery

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 07 Jul 2021 00:08:00 +0000

Hay en este título de Ghast una conjunción hasta tal punto cautivante de Doom y Black Metal que, aun tratándose de un EP con solo 2 canciones, las expectativas de quien lo escucha se superan con suficiencia. La fuerza de la propuesta que presentan estos ingleses radica en declinar ex profeso el uso de los aditamentos que ofrece la producción moderna e inclinarse hacia un sonido más visceral y frío, pero radicalmente orgánico. En otras palabras, Terrible Cemetary entrega, no el resultado de un ejercicio en el que convergen dos influencias (pues, en ese caso estaríamos ante un simple eclecticismo), sino el fruto único que surge cuando los géneros se articulan por vía natural, garantizando que el tejido de los elementos y su cohesión se dé en una materia realmente viva.

El corte que abre el EP, “O Akhea Rheōn”, recupera y amplía un tema aparecido originalmente en una Demo que la banda grabó durante la época en que funcionaba bajo el nombre Souldust. La canción inicia con una estructura lenta que va mudando hacia el distintivo sonido de Celtic Frost para desembocar en una velocidad pronunciada. La música de Ghast se muestra instintiva en esas transiciones y la voz de Arrrrrrrach unifica aún más el conjunto a través de unos desgarros Black Metal que en algunos finales de frase poseen los quiebres depresivos característicos de bandas como Bethlehem o Silencer. La letra del tema, como lo expresa su título, está basada en la mitología griega y recrea el monólogo de un hombre que exhorta a Caronte a que lo traslade, en cumplimiento de su destino, a las profundidades del inframundo.

La segunda canción comienza otra vez con la morosidad típica del Doom y así se prolonga por más de 10 minutos, adquiriendo después un tono Black Metal que realza la rapidez. Nuevamente aparecen aquí las vocales llenas de emociones negativas (a veces multiplicadas con un leve efecto de delay), en este caso para elaborar el retrato de una conciencia que descubre la muerte en el paisaje y su conexión fatal con lo viviente. Por la extensión del tema, que supera por mucho a la del anterior, la canción contiene numerosos espacios para que las guitarras aborden sus propias líneas o se unan reforzando determinados motivos; asimismo, da el chance al bajo de descollar o integrarse a las disonancias propuestas por Ghast; y, por último, valiéndose únicamente de los instrumentos base (bajo, guitarra y batería), estimula una densa experiencia de lo fúnebre.

Terrible Cemetery fue lanzado en 2010 por el sello inglés Todestrieb Records. Aunque el prensaje original se realizó en CD, también existe una versión en LP (realizada cinco años más tarde por la Forgotten Wisdom Productions) y otra digital compartida en Bandcamp. Como puede observarse, el arte del EP (elaborado por el mencionado Arrrrrrrarch) se adecúa bien al concepto de Ghast: un paisaje en el ocaso, con testimonios de muerte surgiendo de la tierra, todo ello en medio de una atmósfera fantasmagórica y decadente. Ateniéndonos a la información proveída en el booklet, la grabación del disco no se prolongó más que una sesión (la del 15 de agosto de 2009), y seguramente tampoco el proceso de mezcla tomó mucho tiempo, pues, como se indicó, uno de los rasgos distintivos del EP es su crudeza.

GHAST. Terrible Cemetery. Todestrieb Records. 2010.

RANK: 8.5/10

Eminenz - Anti-Genesis

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Fri, 02 Jul 2021 02:02:00 +0000

Eminenz desempeñó un papel decisivo para la consolidación del Black Metal en Alemania; de hecho, por su fecha de formación (1989), antecedió a todos los referentes del género allí: Dark Fortress, Agathodaimon, Mystic Circle, Nagelfar, Katharsis o Nargaroth. En todo caso, su obra sigue circulando dentro de un grupo más bien reducido, lo cual ha determinado, por un lado, su culto dentro del underground, pero, así mismo, una injusta subvaloración. El álbum Anti-Genesis confirma está circunstancia en la medida en que evidencia una banda templada e inteligente, clara en su dirección y cuidadosa en la compaginación de los elementos que integran su propuesta, pero no lo suficientemente atrayente como para que alguien, por ejemplo, se anime a reeditar el disco y presentarlo a un nuevo público a casi 25 años de distancia.

Anti-Genesis es un disco con un planteamiento singular: el Black Metal se presenta aquí como expresión de renuncia y tranquilidad ante el final. Su subtítulo, On the 8th Day I Destroy Godcreation, exterioriza ese enfoque (cargadamente nietzscheano) y las letras de las canciones se encargan de desarrollar la consecuente negación de los principios religiosos a favor de la individualidad; sin embargo, de forma paralela, Eminenz erige hasta tal punto una apología de la muerte en su sentido más totalizante que su música se convierte en una suerte de resonancia apocalíptica: el murmullo de un universo que, en trance de desaparecer, no da ya lugar a los dejos depresivos o las lamentaciones, tampoco a la violencia o el señalamiento vengativo, sino simplemente al vano discurrir del vacío.

Debido a su horizonte, el álbum trabaja exclusivamente los tiempos medios y lentos. Eminenz usa una vocalización pareja, sin excesos, y guitarras melódicas o fundidas, según el caso. Los teclados son el instrumento principal: dirigen el empalme rítmico la mayor parte del tiempo, mostrándose lóbregos, misteriosos y alargados. Como es de esperarse, el resultado es un Black Metal sinfónico y atmosférico con teclados como los artífices de los largos pasajes musicales que hay en las canciones y con solo algunos espacios para que las guitarras figuren en los punteos o determinados riffs. Por cierto que la música de Eminenz alcanza así momentos grandiosos y no requiere ir más a fondo en su velocidad o aumentar la presencia de las cuerdas, porque hay leves cambios en la mezcla que permiten matizar la armonía y, sobre todo, porque, como se mencionó, la orientación general es abiertamente fúnebre.

Anti-Genesis fue prensado originalmente por Last Episode Records en fomato CD, tanto en su versión promocional como en la de circulación. El sello alemán fue cuidadoso en los detalles que conforman la presentación: el cuadernillo que acompaña el CD es de 8 páginas y, aunque no incluye las letras de los temas ni se destaca especialmente por su diseño (reducido a tonos blancos y negros), fue impreso en papel de alta calidad, lo cual favorece las fotografías de los músicos que hacen parte del arte interior. El booklet también incluye datos sobre la grabación y los agradecimientos de la banda. Como se mencionó antes, salvo por una reedición en LP que la propia banda lanzó en 2001, cambiando radicalmente el arte original y esta vez sí incluyendo las letras, no existen más versiones del álbum hasta la fecha.

EMINENZ. Anti-Genesis. Last Episode Records. 1998.

RANK: 8/10

Sadistic Drive - Anthropophagy

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Tue, 29 Jun 2021 18:54:00 +0000

Si Sadistic Drive hubiese aparecido en los primeros años de los noventas, con toda seguridad haría parte de aquel cohorte que hizo gloriosa la temprana escena del Death Metal finlandés y compartiría un estatus de culto junto a Funebre, Xysma, Demigod o Purtenance, bandas con las cuales guarda una relación de identidad. Por ser un grupo más reciente, su condición necesariamente es menos ilustre, si bien constituye un epígono grandilocuente debido al empalme que exhiben sus músicos y, sobre todo, al hecho de que, sin haber presenciado directamente la eclosión del género, su inteligencia le permite aprovechar los elementos emblemáticos de aquella época para elaborar variaciones novedosas y presentarlas en un álbum compacto que, además, por su tipo de grabación, se encuentra ajeno a los sonidos sintéticos o excesivamente depurados.

Anthropophagy es un disco de alta intensidad; posee la fuerza y la rapidez del Death Metal, atildadas con los pasajes melódicos (y siempre oscuros) típicos de Finlandia. Sus canciones no suelen ser extensas y siempre transitan velocidades medias o rápidas, aunque hay en ellas tantos cortes y cambios de ritmo que la propuesta no deja de ser en ningún momento fértil. Debe destacarse el trabajo vocal de Niklas Heiskanen que modula sus guturales de muchas maneras (a veces, incluso, en paralelo), imprimiendo dinamismo en este aspecto y; asimismo, la ejecución del bajo que, dada su extrema distorsión, apoya la parte instrumental como si se tratara de una tercera guitarra. Por otra parte, en varios momentos del álbum, Sadistic Drive incluye intros o extractos de películas que acompañan efectivamente la música y orientan sobre el contenido lírico que maneja la agrupación.

Es positivo en Anthropophagy que Jesse Räsänen no abuse del doble bombo, sino que encare su función de forma creativa, poniéndose a tono con los cambios que constantemente proponen las guitarras o ambientando el espacio en el que los solos ganan terreno. En lo que concierne al plano temático, Sadistic Drive es también una banda retrospectiva: sus letras giran alrededor de tópicos que resultan ya distintivos del Death Metal como el asesinato, los problemas mentales, las deformaciones o lo grotesco. Para emparejarse con lo musical, los textos contienen unas pocas estrofas, de suerte que más que el desarrollo de una idea, la banda propone la construcción de imágenes concretas: un ahorcado en la habitación de un hotel, la escena de un accidente de tránsito, un hombre disparando a otros indiscriminadamente, etcétera.

Anthropophagy fue grabado durante marzo y abril de 2020 (es decir, en medio de la pandemia mundial por el COVID); la mezcla fue hecha por el guitarrista Jusa Janhonen y la portada del álbum la elaboró Dayan Weller. Como puede observarse, el arte (tanto en lo que concierne al cover-art como a los dibujos interiores) recupera toda la imaginería recurrente en los tapes de Metal a inicios de los noventas. La disquera encargada del prensaje fue La Caverna Records, establecida en Bogotá, la cual editó 300 copias enumeradas del álbum y se encargó, asimismo, de su edición digital en Bandcamp. Debe destacarse, por último, que este mismo sello editó un año antes la primera Demo de Sadistic Drive (titulada Street Cannibal Gluttony) junto a un ensayo de 2019 en una versión en CD igualmente limitada a 300 copias.

SADISTIC DRIVE. Anthropophagy. La Caverna. 2020.

RANK: 8.5/10

Hermon - Blackest Night

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Tue, 22 Jun 2021 22:51:00 +0000

Se preguntaba el editor de Necroscope Zine si el calificativo de "banda tributo" resultaría injusto con Hermon o si, por el contrario, el grupo estaría satisfecho con él. Sin duda, se trata de un asunto espinoso puesto que, dentro de una escena como la argentina en la que vienen editándose discos tan llamativos como los de Genuflexión, Windfall o Espiritismo, este debut de Hermon luce hasta tal punto austero, que prácticamente es imposible no calificarlo de emulación u homenaje a Celtic Frost. De este modo, ante el dilema propuesto, lo de ser una "banda tributo" es más que evidente: estos argentinos evocan el estilo clásico de manera abierta y reiterativa, desdeñando los tanteos propios y atrincherándose en un lugar desde el cual elevan lanzas para defender el viejo espíritu frente a los devaneos contemporáneos.

Blackest Night hace pensar desde el primer momento en Celtic Frost, tanto por el uso del mid-tempo característico de los suizos, como por el tipo de riffeo y esa vocalización que media entre lo harsh y el grito. Como la producción no destaca sobremanera y la ejecución de los músicos mantiene un enfoque directo, sin lucimientos, la comparación progresivamente se ahonda. En todo caso, es verdad que Hermon suele acelerar más que sus maestros, y en esos momentos su música adquiere un cariz más fuerte; así sucede en temas como "Funeral Black Winter" o "Blacken Fields" (cercanos al primer Darkthrone). Además de esto, la banda incluye fragmentos en los que solo suena la guitarra para, a partir de ella, reorientar el ritmo o jugar con los riffs: al respecto, el inicio de "The Return of the Imperial Gods" fácilmente se empareja con las maniobras que abren la emblemática "Jesu død" de Burzum.

Algo que resalta dentro del disco es la lograda presencia del bajo: este no solo se escucha, sino que por momentos llega a asumir cierto protagonismo. Las vocales, por su parte, tal vez son el elemento más lineal, aunque quizá por esta misma razón empalman con la música de forma organizada y sólida, algo que habla bien del grupo pues atestigua su noción de conjunto. En cuanto al plano conceptual, existe una fascinación innegable de Hermon hacia la oscuridad; de hecho, el nombre de 5 canciones y el propio título del disco utilizan palabras derivadas de lo negro o relacionadas con él. Este aspecto indudablemente refuerza la faceta Black Metal de la banda, pues sus letras se erigen como exaltaciones de las diferentes formas desde las cuales opera la oscuridad: las deidades, la naturaleza, los sentimientos, el poder, etcétera.

Blackest Night fue lanzado en 2019 en CD y TAPE por uno de los sellos más prominentes que hay actualmente en Argentina: Sons of Hell Productions. La edición es sencilla, su booklet ofrece algunas fotografías de la banda, los datos de grabación y los agradecimientos. Todo el diseño fue obra de Kuntur, exbajista de Espiritismo y creador del arte para decenas de títulos del metal argentino. La imagen de la portada establece un contraste entre las tinieblas y una cruz luminosa ubicada en lo alto de una iglesia local. Vale la pena subrayar que, si bien este álbum es el primero en la carrera de Hermon, la banda se formó a principios de los noventas, época en la que, aun sin llegar a editar material, participó en eventos con dos de los músicos que hicieron parte de esta grabación: Nan Herrera y Devas.

HERMON. Blackest Night. Sons of Hell Productions. 2019.

RANK: 7/10

Cephalic Carnage - Exploiting Dysfunction

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Fri, 18 Jun 2021 23:22:00 +0000

Exploiting Dysfunction causó más incomprensión que entendimiento cuando apareció y, en cierta medida, hoy continúa siendo un título extravagante para muchos. La situación la explica el hecho de que este álbum llevara el Grind a un nivel acaso vislumbrado solo por los propios Cephalic Carnage en su debut Conforming to Abnormality (1998). Hablamos de una obra experimental que se despliega de forma aparentemente anárquica y, por consiguiente, exige sucesivos acercamientos para entender o, al menos, reconocer que ese flujo impredecible, anormal e inconexo, en realidad responde a un nuevo sentido de la disposición y que cada elemento está acondicionado de ese modo por la banda, no para aminorar la extrema densidad del Grind, sino para multiplicarla a través de lo aplastante que resulta para una mente promedio el exponerse a la imponencia de lo excéntrico.

El álbum supera la hora, lo cual ya es algo inusual en el género, y exhibe una disparidad tal en la duración de los temas que algunos alcanzan apenas los 6 o 10 segundos, mientras que otros se extienden hasta los 15 minutos. Por su parte, la música se alimenta de una ilimitada fuente de recursos: una mezcla cargada de bajos, riffs vertiginosos y distorsionados, samples futuristas, numerosos efectos de guitarra, frecuencias disonantes o espaciales, pequeños fragmentos computarizados y ruidosos, imprevisibles cortes de jazz, modulaciones variadísimas de voz, cambios violentos de ritmo y una ejecución francamente asombrosa de los platillos. Con semejante inventario es realmente una virtud de Cephalic Carnage que su fuerza unifique todo y no permita nunca alimentar la idea de estar frente a un proyecto al que le interesa poner en riesgo un solo grado de su pesadez.

El nombre del disco, Exploiting Dysfunction, no es fortuito en lo absoluto. Basta revisar cómo se llaman los otros álbumes de Cephalic Carnage para comprender cuánto le interesa el tema de lo extraño al grupo y con qué persistencia lo ha trabajado. Así pues, las letras giran sobre la manera en la que lo disfuncional se normaliza por medio de los discursos (mediáticos, cívicos o políticos) estableciendo una ampliación contrahecha de lo "normal". En el disco aparece reiterativamente el tema de las drogas (sus efectos y defensa frente a la censura), la violencia infantil, la vida alienígena o los tratamientos psiquiátricos. La composición siempre sigue un tono coloquial y suele alimentarse de otros tópicos como las patologías o lo anatómico, además de generar intertextos impresionantes con otras fuentes, como sucede con los diálogos de la película Gummo que aparecen en el tema homónimo del álbum.

Exploiting Dysfunction fue grabado y mezclado bajo la dirección de Keith Falgout (productor de bandas como Master o Soilent Green) y él mismo participó junto a Kirk Windstein (de Crowbar) como vocalista invitado en la grabación. El arte corrió por cuenta de Wes Benscoter (diseñador de Hypocrisy, Broken Hope, Autopsy, Incantation), siendo formidable el resultado en tanto correlato de lo que es Cephalic Carnage a nivel conceptual. La edición original del CD fue realizada por el sello norteamericano Relapse Records, encargado desde entonces de todos los full-length de la banda. Debe aclararse que el track 6, "Gracias" (un largo enlistado de bandas y personajes a los que Cephalic Carnage hace homenaje), y el 16 (una semblanza del activista de la marihuana Tom Forcade), no aparecen en la contraportada. Por último, después del corte 16 el CD sigue rodando en silencio hasta la pista 66 en la que se escucha la última irreverencia del grupo.

CEPHALIC CARNAGE. Exploiting Dysfunction. Relapse Records. 2000.

RANK: 9.5/10

Stickoxydal - The Perverted Position of Interiors

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Wed, 16 Jun 2021 20:08:00 +0000

Este grupo bielorruso se anuncia bajo la tóxica etiqueta Stickoxydal, asegurándose de sostener musicalmente dicha denominación. Su disco The Perverted Position of Interiors transmite un sonido contaminante y corrosivo, intencionalmente limitado a nivel de producción para suscitar en quien lo escucha la sensación farragosa característica del Grindcore. Como los clásicos exponentes del género –Nausea, Anal Cunt o Agathocles-, Stickoxydal despacha con viva rapidez sus canciones, de suerte que, por un lado, los 14 temas que integran el título apenas superen los 20 minutos y, por otro, la propuesta se encauce sin reticencias en la dirección que le interesa a la banda, a saber: la simpleza compositiva y la elusión de los formalismos que provengan de convenciones temáticas o musicales.

Es importante destacar que, si bien la base del grupo corresponde estrictamente al Grindcore y, en consecuencia, este dispone guitarras elementales, un bajo distorsionado y los usuales ataques de batería, en el ámbito de la vocalización la propuesta de Stickoxydal refleja un mayor grado de creatividad: como dos de sus miembros –Cutlass y Nicotine- abordan esta labor, cada uno de ellos, además, de modos diferentes, hay un entrecruce fértil al respecto. Naturalmente, todas las voces están asociadas a la ininteligibilidad del Grind, pero su combinación otorga dinamismo a un álbum que solo encuentra originalidad en este aspecto, en el prolongado decurso instrumental de "Macerated Fetus" o en las dos canciones infantiles –"Schnappi" y "Вместе весело шагать"- con las que la banda establece un gracioso intertexto.

La comicidad, ciertamente, es un punto relevante para Stickoxydal. El simple título de varias canciones constituye ya una invitación a no tomárselas muy en serio, por ejemplo: "Frequent Desires of Urination" o "Involuntary Defecation". El álbum está atravesado por esta combinación de Gore y humor negro que Carno –vocalista en otra época del grupo y compositor encargado de las letras- maneja con soltura a través de textos cortos, grotescos y confeccionados a modo de befa. Sin duda, el tipo de música, sumado aquí a las vocalizaciones meramente recreativas que se escuchan en algunas partes, la poca extensión de los temas y el efecto de contrapunto que causan las rondas antes citadas o la caja musical de "What a Shit!" permiten multiplicar el sentido hilarante y, a veces también escatológico, propuesto por la banda.

Fue el sello checo Bizarre Leprous Production el encargado de lanzar en 2005 The Perverted Position of Interiors; el prensaje se realizó únicamente en formato CD, utilizando un layout preparado por Cutlass, quien, como se dijo, es uno de los vocalistas del grupo y el encargado, además, de las guitarras, la mezcla y la grabación del disco. El diseño se apropió mayormente de tonos rojos que remarcan la orientación visceral del grupo. El resultado, más bien austero, ofrece un cuadernillo de 4 caras dispuestas para la portada, el track-list, una galería de fotos y los datos técnicos. En 2007, la misma Bizarre Leprous lanzó el segundo álbum de Stickoxydal, llamado Obstetrical Collection y, más adelante, se editaron por otros medios el SPLIT CD y la Demo que constituyeron los últimos materiales de la agrupación antes de desintegrase.

STICKOXYDAL. The Perverted Position of Interiors. Bizarre Leprous Production. 2005.

RANK: 7/10

Hadit - Introspective Contemplation of the Microcosmus

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Tue, 15 Jun 2021 01:51:00 +0000

Bajo el título Introspective Contemplation of the Microcosmus el dúo italiano Hadit presenta una propuesta de Death Metal que se distancia de la composición tradicional del género para explorar el terreno de las disonancias y de esa modulación abismal que vienen descubriendo agrupaciones como Portal, Mitochondrion o Henosis. Su música, en este sentido, cumple una función propiciatoria, pues a través de ella tiene lugar la ascensión de ese sonido cósmico, atávico que tan bien encaja con la exaltación del horror primigenio. Nada dentro de este EP desatiende dicha determinación, razón por la cual el producto resulta admirable: Hadit posee la capacidad de conducirnos ante la presencia de aquello que permanece oculto por los eones a la espera de la fuerza que coadyuve a su reanimación (una idea, sin duda, tomada de la literatura de Lovecraft).

Las cuatro canciones del EP alcanzan una densidad apabullante; esto se debe a que la mayor parte del tiempo las guitarras operan de forma paralela, de manera que el flujo disonante que rebosa de riffs y arpegios multiplica siempre su turbiedad. Además de ello, la gutural de XN se halla perfectamente limitada al volumen de la instrumentación, de suerte que el sonido de Hadit se entregue como una especie de bloque cavernoso, tanto en los momentos en los que su dirección recorre la morosidad del Doom, como cuando la velocidad se precipita hasta la demencia. Al respecto debe aclararse que aunque, efectivamente, todos los temas discurren por estas dos rutas, no llegan nunca a caer en la reiteración, pues las líneas de guitarra no suelen repetirse y Fulgŭrātŏr sabe cómo encarar de forma igualmente creativa los distintos elementos de la percusión.

En la segunda canción del EP hay fragmentos en los que la gutural predominante cede espacio a una vocalización rasgada, lo que, en consecuencia, conduce la atmósfera de Hadit hacia los terrenos del Black Metal; sin embargo, descontando estos atisbos, la música permanece en esa zona de extrañeza y atracción que genera el Death Metal disonante. Esto debe ser así para responder con congruencia al apartado lírico que se está desarrollando, también insólito y atrayente a un mismo tiempo, pues está anclado en el terreno de los mitos lovecraftianos y el terror sobrenatural, temas que la banda aborda con talento, encausándolos en una vía que convierte las letras, como los hadices, en revelaciones sagradas y, sobre todo, en señales que advierten en nosotros mismos los vínculos con las más complejas y lejanas mitologías.

Introspective Contemplation of the Microcosmus fue lanzado en 2015 por dos sellos diferentes: Caligari Records se encargó de la edición en TAPE, y la Terror from Hell Records del prensaje en CD. Ambas versiones poseen la misma portada que, como puede observarse, representa un acto invocatorio de fuerzas cósmicas. El autor del arte fue Raffaele Sobek, encargado asimismo del trabajo gráfico que acompañó el álbum With Joy and Ardour Through the Incommensurable Path (2021). El cuadernillo del EP no presenta las letras de las canciones; en su interior solo se encuentra una fotografía de los dos miembros de Hadit, más los datos de grabación y contacto. La sobriedad de la presentación, empero, se halla en un segundo plano aquí, porque la música suple esa falencia con creces.

HADIT. Introspective Contemplation of the Microcosmus. Terror from Hell Records. 2015.
RANK: 8.5/10

Sacramentary Abolishment - River of Corticone

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 19 Apr 2020 03:29:00 +0000

Sacramentary Abolishment calificaba su música simple y llanamente como Death Metal. Dicha apreciación, sin duda, captura la esencia de esta banda canadiense, pero para quien se acerca a ella basándose en su álbum River of Corticone (1996) esa designación podría resultar insuficiente en la medida en que, por un lado, el disco presenta una vocalización más emparentada con los rasgados que con las guturales y, además, incluye numerosos pasajes y canciones enteras (como "Reassessment of Preliminary Defensive Procedures") que están concebidas desde la extrema lentitud del Funeral Doom. Se trata de una ampliación necesaria, pues, a mi modo de ver, no habría un abordaje inteligente de esta obra de no llevar la mirada un poco más allá de lo genérico, disponiéndola para el encuentro con algo ciertamente excepcional.

River of Corticone es un álbum sumamente denso, sus canciones están muy cercanas en lo abrasivo al sonido de Incantation o Mortician; sin embargo, la vocal que se alza en ellas sigue siempre una línea Black Metal con tintes llenos de ese misticismo propio de bandas como Absu o Melechesh. Así, hay una mixtura extraña, máxime porque las voces alcanzan un atavismo y una animalidad que las tornan ininteligibles (escuchar, si no, el ejemplo de "Eruliaf"). Por otra parte, Sacramentary Abolishment erradica ex profeso toda velocidad media en este álbum, de suerte que la construcción musical semeje un trabajo de antípodas: hay un descuelgue raudo, frenético, o bien, hay una caída en el aletargamiento, pero no transiciones o estadios intermedios entre estos puntos. Es claro, que esta característica es deliberada, no el producto de una insuficiencia técnica de los músicos, quienes, antes bien, llegan incluso a incorporar varios solos en cada canción.

Ese particular eclecticismo de Sacramentary Abolishment no es exclusivo de su apartado musical, sino que fácilmente se descubre también a nivel lírico. La banda propone una serie de letras muy inteligentes que, debido a su carácter difícil e intrincado, parecen exigir de nuestra parte una especie de iniciación. El concepto es verdaderamente interesante porque explora, en medio de un paisaje apocalíptico, lo moderno y lo arcaico, lo caótico y lo ordenado, la psiqué y las dimensiones interestelares, generando entre todo esto vínculos que trascienden las tradicionales nociones de espacio y tiempo. Asimismo, River of Corticone es fértil en el tratamiento de distintas mitologías como la haida o la sumeria, cuyos referentes son convocados para elaborar enlaces con los otros elementos, todo ello a través de un lenguaje poético y evocador.

River of Corticone fue grabado en el invierno de 1995 y, después de que la disquera encargada de prensarlo (Catharsis Records) superara algunos problemas económicos, fue lanzado finalmente en 1996. La edición que se ve en la fotografía, sin embargo, corresponde a la versión lanzada por el sello canadiense Fifth Division en 2006, la cual conserva la mezcla y el front-cover originales. El cuadernillo de 12 páginas que acompaña el CD contiene las letras de las canciones y algunas imágenes de la banda. Resta decir que, después de esta fecha, la agrupación lanzó, aún como Sacramentary Abolishment, otro disco, The Distracting Stone (1997), y posteriormente pasó a llamarse Axis of Advance, nombre bajo el cual trabajó hasta aproximadamente 2007, cuando desafortunadamente dejó de existir.

SACRAMENTARY ABOLISHMENT. River of Corticone. Fifth Division Records. 2006.
RANK: 9/10

Sanatorium - Arrival of the Forgotten Ones

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 12 Apr 2020 00:19:00 +0000

Después de lanzar tres Demos en formato TAPE, la agrupación eslovaca Sanatorium editó este impecable álbum debut, Arrival of the Forgotten Ones (1999). Se trata de una pieza que, en sus líneas generales, se encuentra vinculada al Death Metal, pero que, en todo caso, suscita un interés particular en la medida en que su propuesta no está absorbida enteramente por el género, sino que llega incluso a superarlo, concibiendo algunos reductos por los cuales desborda la defensa de su propia personalidad. Esto quiere decir que, si bien el disco no alcanza una condición sui generis, al menos, a diferencia de todas aquellas agrupaciones que únicamente replican el canon que las obsede, Sanatorium se atreve a plantear una serie de argumentos que colocan en tensión al Death Metal y permiten aflorar ciertos rasgos trabajados de modo singular.

Un primer aspecto interesante que se hace patente en el disco es la transición de tiempos. La banda está lejos de encasillarse en ritmos unívocos; por el contrario, proyecta una alternancia inagotable de velocidades que no funcionan como simples pasajes de empalme, sino como partes esenciales del tejido musical. En relación con este punto el logro es doble porque el ensamble de la instrumentación es notorio y, sobre todo, porque, debido a la poca extensión de varias canciones, los cambios se ejecutan en un breve espacio de tiempo. En todo Arrival of the Forgotten Ones hay esa variedad rítmica (fragmentos morosos y desbordes de frenesí, pasos marcados y declives de marcha) sin que, por otra parte, se afecte con ello la sensación de unidad, pues hay elementos transversales como una gruesa gutural o aquel efecto de reverberación que sugiere la permanencia de la música.

Otro elemento fundamental al que apela Sanatorium para pulir su propuesta es la inclusión de arpegios, pasajes acústicos y riffs abiertamente melódicos. El Death Metal de la banda se enriquece aquí con muchos dejos emotivos que recuerdan, por ejemplo, el trabajo de sus coetáneos Depresy, con la salvedad de que la producción de Sanatorium es mucho más incipiente. Respecto de las letras, hay también un valor agregado en el disco, ya que plantean un movimiento continuo entre el interior del hombre y la naturaleza. No en vano en alguna parte del CD se lee "Brutal Naturalistic Death Metal"; en efecto, hay en él una exploración sobre la trascendencia que alcanza el individuo al comprender y participar de la inmortalidad e infinitud del cosmos, y también de aquellos miedos o búsquedas que invitan en la soledad a la instrospección y el conocimiento.

Arrival of the Forgotten Ones fue lanzado, como se mencionó antes, en 1999 por el sello Erebos Productions, propiedad de Martin Belobrad (bajista y vocalista de Sanatorium), contando con el apoyo para la distribución de la disquera polaca Dagdy Music. El diseño del CD es positivo y corrió por cuenta de la misma banda; quizá pudo pensarse en una mejor forma de disponer las líricas en el booklet, pero hecha esta salvedad, se obtuvo un buen resultado, máxime por el nexo que existe entre el arte y los temas de las letras. Hay otra edición limitada de este título en formato TAPE lanzada por Fatal Ecstasy Productions en Bielorrusia. Resta añadir que varios temas incluidos en el disco habían aparecido previamente en las Demos Autumn Shadows (1996) y Necrologue (1998), lanzadas asimismo por el sello Erebos Productions.

SANATORIUM. Arrival of the Ancient Ones. Erebos Productions. 1999.
RANK: 8.5/10

Fear - Catedral Salvaje

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Sun, 23 Dec 2018 19:41:00 +0000

La biografía de la agrupación ecuatoriana Fear posee dos momentos esenciales: uno se remonta a la década de los noventas, cuando se lanzara el TAPE Catedral Salvaje (1997) y, el otro, coincide con la reactivación de la banda alrededor de 2009 y el lanzamiento de su álbum Dios del Terror (2015). Ambas épocas están separadas por incidentes tales como el prematuro suicidio de Segundo Nieves -baterista fundador del grupo-, una larga temporada en España del guitarrista Edison Naranjo o los permanentes cambios de alineación; sin embargo, inversamente, estas etapas coinciden, tanto en una orientación musical clara, a saber, la del Death/Thrash Metal, como en el deseo de sobresalir dentro de una escena que, a pesar de venir creciendo considerablemente, continúa experimentando inconvenientes de promoción y apoyo.

En Catedral Salvaje encontramos una música que podría emparentarse con la de otras agrupaciones latinoamericanas como Etnocidio, Sepelio o Socavón, pues, como ellas, Fear propone un Death/Thrash que recorre distintas velocidades, y que, sin dejar cierto sesgo primitivo, despunta por momentos merced a algunos solos, combinaciones rítmicas o pasajes limpios. Tal vez, dentro del conjunto, lo que más resalta del TAPE es la potente vocalización de Diego Palacios, la cual ofrece una firmeza que no se altera a lo largo de la grabación y que hace gala de una rápida dicción que solo se esfuma en unos contados finales de verso. Por lo demás, en tanto la mezcla se encuentra en su punto, la tesitura instrumental está garantizada, y da un verdadero gusto escuchar las líneas de bajo que hay, por ejemplo, en la canción homónima del TAPE.

Las composiciones de Fear resultan empíricas en muchos sentidos, pero, como la banda cuenta con una visión muy lograda de la unidad, las transiciones y cambios se hallan perfectamente tejidos, proyectando siempre una música compacta. Solo es lástima que no se hayan incluido punteos de guitarra en todas las canciones, pues esto podría fungir -como sucede en el tema "Extraña Procesión"- a modo de cénit. Por lo que concierne a las letras, todas compuestas en español, estas traslucen la misma cohesión que se destaca en lo musical: entre ellas hay una conexión rastreable de crítica social, a veces manifestada contra lo religioso, y otras, contra la manera como el hombre parece no reaccionar ante el fin del mundo, la devastación, la reproducción de imaginarios o la guerra.

Catedral Salvaje fue grabado a mediados de noviembre de 1997 y fue lanzado por la disquera El Sótano Records, propiedad de José Luis Terán -director de Acero Magazine y Fuego Negro-. La presentación del título es profesional e incluye, a todo color, agradecimientos, letras y fotografías de la banda. En cuanto al sonido, aun sin tratarse de un PRO-TAPE, el resultado obtenido fue positivo y se agradece que la cinta haya sido adecuada para que tuviese la extensión propia del EP, es decir, unos veinte minutos. No existen a la fecha reediciones de Catedral Salvaje, si bien las cuatro canciones que aparecen aquí se retomaron para la grabación del CD Dios del Terror, prensado, como se mencionó más arriba, en el año 2015.

FEAR. Catedral Salvaje. El Sótano Records. 1997.
RANK: 8/10

Krieg - Patrick Bateman

noreply@blogger.com (in_hora_mortis) — Thu, 20 Dec 2018 17:43:00 +0000

Si por alguna circunstancia un psicópata vertiera el flujo de su mente en música, el resultado tendría que parecerse al contenido de este EP, en el que es evidente la ruptura de muchos de los paradigmas bajo los cuales opera tradicionalmente la creación artística. El título, de entrada, nos sitúa frente a uno de los casos de demencia más emblemáticos de la narrativa norteamericana -i. e., el del protagonista de la obra de Easton Ellis, American Psycho (1991)-, y, así mismo, la ausencia de nombres para las canciones, la falta de ensayos previos a la grabación -que, apenas llegó a ocupar una jornada- y el privilegio dado a la improvisación convierten a Patrick Bateman (2003) en una pieza singular del Black Metal y en la oportunidad perfecta para atestiguar ese espacio inédito que surge de la música cuando esta rebasa la racionalidad que usualmente la organiza.

Krieg presenta en Patrick Bateman 5 pistas, 3 de ellas dispuestas a modo de apertura, intermedio y cierre, que corresponden a fragmentos de la adaptación al cine que hizo Mary Harron de la novela de Easton Ellis. Dichos pasajes ofrecen indicios del enrevesado pensamiento que experimenta un psicópata: la identidad escindida, el empuje hacia lo violento y obsesivo, o el vértigo que produce lo incontrolable. Mas, en medio de esos instantes -que constituyen algo así como los resquicios de una conciencia que intenta explicarse-, se alza poderosa la estridencia de Krieg: 2 canciones corrosivas que poseen la impronta de lo que surge de forma súbita. Entonces, la coherencia y el orden se difuminan para dar paso a un contenido que discurre de forma arbitraria e insumisa, lejos de todos los arquetipos compositivos.

En Patrick Bateman se descubre el despotismo de la locura y, en consecuencia, se trata de una "no-música" o, por lo menos, de un Metal que se consuma en la llana entrega a lo ininteligible. Como todo lo inicuo, Krieg se presenta aquí sin intenciones distintas al avasallamiento; por ello, no hay mensajes, sino simples vociferaciones; no hay intereses constructivos, solo disonancias; y, a lo sumo, las treguas que se dan en medio de toda esta abrumadora crudeza, son retornos percusivos que se enlazan con algún vestigio tribal y maligno que pervive en nuestro instinto. La misma sensación del tiempo se desintegra -como sucede en la mente de un psicópata-, de suerte que, para quien escucha Patrick Bateman, ese último asidero también se pierda sin poder recuperarlo ya, ni en la forma ni en el fondo de aquello que única y expresamente es destrucción misma del sentido.

Krieg grabó este EP el 2 de enero de 2003 en el Winterblut Studio de Alemania. Como cabe esperar, el espíritu arbitrario del que surgió su música no se entorpeció con una producción sofisticada, de manera que, incluso, en lo que compete al diseño visual, todo fue conducido por una violencia no meditada. En la fotografía se puede observar la primera edición del CD, que, ante la ausencia de cualquier clarificación, parece haberse prensado como lanzamiento independiente. Existen dos reediciones del título hechas en Lituania en DIGIPACK y CD estándar por la Inferna Profundus Records, la primera de esas versiones en edición limitada a 500 copias. En todas estas ediciones se conserva este mensaje consagrador de Imperial -líder de Krieg-: "This recording is dedicated to the spirit of greed and decadence that resides in every human".

KRIEG. Patrick Bateman. Self-released. 2003.
RANK: 8/10