Volantes de Privados

Wiki - Adolfo Aristarain: trivia, easter eggs y recurrencias (en progreso)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Fri, 03 May 2013 19:28:00 +0000

No se necesita demasiado: viendo varias películas de Aristarain con un poco de atención (lo que hice durante el último BAFICI, mientras me secaba las lágrimas) se encuentran estas cosas. Es una guía en progreso y se aceptan contribuciones y correcciones.

Próximamente:

- Recopilación de "Las mujeres siempre traen problemas" (por ahora en Tiempo de revancha y La discoteca del amor, seguramente en La ley de la frontera)

- Recopilación de "La penúltima antes de dormir" [por ahora en Martín (Hache) y Un lugar en el mundo]
- Lista de actores con más participaciones en la filmografía

- Lista de nombres de personajes repetidos

TULSACO

Es la empresa minera en Tiempo de revancha

La que va a construir la represa en Un lugar en el mundo

La productora cinematográfica en Martín (Hache)

Y la inmobiliaria en Lugares comunes

CAMEOS DE ARISTARAIN

Bailando en La playa del amor

Vendedor de discos en La discoteca del amor

Kiosquero en Últimos días de la víctima

Espectador de cine en The Stranger

Vendedor de libros en Un lugar en el mundo

EL ASESINO DIFUSO

Es el título de la lista de razones para vivir que Martín le hace a Hache

Y el título tentativo de la novela que escribe Fernando Robles (Luppi) en Lugares comunes

BAFICI 2013

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 29 Apr 2013 06:50:00 +0000

El primer efecto que provoca el rejunte de 473 películas podemos notarlo leyéndonos unos a otros: hay infinitos BAFICIs posibles de vivir. Procedo a hacerme cargo solamente del mío, un encuentro inesperado pero bienvenido con la parte más introspectiva de la cinefilia (algo perdida cuando el festival es en Mar del Plata, porque las chances de cruzarse conocidos crecen y en la ciudad donde se vive uno sigue con su rutina) que mutó en un viaje de egresados con algunos colegas de mi edad. Fue mi estadía más larga en la ciudad y mi primera vez lidiando en serio con las distancias, los cortes, las marchas y los colectivos. Todo en contexto de tiempos festivaleros: pasé mis últimos dos días confinado en el departamento que me hospedó, nulo el deseo de salir por un par de películas más.

La última vez que había pensado un rato en la cuestión, parecía que algunos directores argentinos habían encontrado buenos resultados en trabajar con actores del teatro under, buena química entre nociones del espacio y el discurso y las cámaras que las captaban, manejadas por gente que de no ser parte de ambos ambientes ya habían formado cofradías de artes mixtas. Lo visto en este BAFICI fue más intenso, una entrada bastante seria de la expresión corporal en la ecuación de las películas, no tan difícil de notar en las estrenadas hace apenas un año (Dioramas, por supuesto) pero imposible de ignorar en la sumatoria de ejemplos de esta edición. Las amigas, Mujer lobo y Viola hacen uso del cotoneo femenino en espacios reducidos, aunque por argumento son distintas las voracidades y las intenciones. También varían los resultados: en los dos primeros ejemplos los movimientos humanos y de cámara buscan dar con ciertos signos que sobrecargan innecesariamente de sentidos a los apetitos carnales de las chicas involucradas. Por cuestiones de guión, Viola acude a la tensión de momentos mucho más cómodos a la moral del espectador, en cuatro grandes escenas donde la ferocidad de los personajes por morfarse no pierde el estilo cuando las actrices se mueven por el living de un departamento minúsculo, ni cuando la cámara se acerca a las miradas bastante cargadas de ganas (dentro de unos párrafos, igualmente, no serán todas flores para la de Piñeiro). El caso más obvio en este apartado también es el mejor: Los posibles de Santiago Mitre se retiró tapada del festival, por películas mejores o más esperadas, por su duración y por no querer escapar demasiado de ser un espectáculo de danza y expresión con un par de perspectivas extras. Se me escapa el límite entre lo que aportó la filmación y lo que la obra traía desde sus presentaciones previas, pero Los posibles se enchastra en el imaginario suburbano de una publicidad de Nike sin caer en sus clichés. Hay un intervalo que parece salido de 2001: odisea del espacio y que separa de manera incómoda a los dos números musicales, pero que el único momento de cine más bien "puro" no funcione no quita que las dos partes principales no sean muy disfrutables. Genial banda sonora y quichicientos trucos de cámara sobre el recorrido de los bailarines: ninguno sobra.

La controversia caprichosamente causada y resuelta respecto a la mesa de la revista Kilómetro 111 se produjo casi al mismo tiempo en que la Metropolitana avanzaba brutalmente sobre los acampantes de Sala Alberdi, a falta de mejores ideas para solucionar el conflicto de fondo o poder recuperar control del complejo. Mientras escribo esto, además, la misma situación se está viviendo con el taller del Borda. A esta altura lo más certero es notar (no es que sea muy difícil hacerlo) la total falta de cintura que hay desde el macrismo y los funcionarios en áreas culturales para lidiar con los aspectos menos cómodos de sus gestiones (otros calificativos más fuertes fueron utilizados en su momento, y en otros ámbitos). La ausencia de la mesa en el programa de actividades no es la constancia física de las desprolijidades cometidas para hacer enojar a gente sin necesidad, porque justamente no salió impresa, pero un buen ejemplo a mano es la suspensión de la charla con Hong Sang-soo, el principal invitado del festival, pobremente notificada y que de hecho causó que algunas personas fueran al Centro Cultural Recoleta a encontrarse con una actividad distinta. Eso sí, de los problemas operativos, políticos y éticos, ninguno llegó siquiera a rozar mi experiencia personal de festival. Ni siquiera el hecho de que este blog aloje al Bafileaks. Si llegó a existir un cuestionamiento o reflexión al respecto, desde quienes me otorgaron o podían denegarme la acreditación, se agradece la salida positiva, a menos que ahora mismo se estén enterando del emprendimiento paralelo.

La mudanza pareció haber molestado menos de lo esperado, aunque es cierto que me moví una sola vez hasta Caballito, sin ningún apuro, y la caminata desde Recoleta al MALBA servía de ejercicio diario. Sólo pasé 5 días yendo al Abasto, cuando había estado en la edición 2010, y no llegué a apreciar la diferencia de precios o contextos barriales. Pero puede resultar bastante embolante para el paisano marplatense quedar completamente librado a la potestad colectivera, y para el quilombo de horarios el subte era el perfecto aliado. Si Village es realmente más amistoso que Hoyts con el festival habrá que intentar achicar las distancias, incorporando salas más cercanas (¿Atlas Recoleta?) y ordenando secciones y formatos entre las sedes para no forzar a viajes incómodos en las grillas. Aunque esto último seguramente nunca no tenga solución.

Leviathan fue la película con la que arranqué mi festival, y habiendo visto cosas tan o más buenas, no llegué a cruzarme con nada parecido: es el registro crudo y bastante turbio del trabajo completamente normal en un barco pesquero. Si se proyectara en Mar del Plata su tono lúgubre podría cargar las tintas sobre los problemas crónicos de los trabajadores de la industria, pero limitándonos al perímetro del cine, Leviathan toma las imágenes de un laburo quizá un poco alienante y asqueroso, para transformarlas en escenas de una película snuff practicada sobre los pobres pececitos, que llegan a salpicar la lente con sus tripas y ojos salidos. El truco es lo directo que llega a la mesa lo filmado; el ruido es ensordecedor siempre que puede y las postales logran ser tan potentes como el olor en ese barco, que por suerte el cine no contempla. Incluso así no se priva de presentar momentos estéticamente agradables, sin vueltas: la transición del barco navegando en aguas crispadas a la ducha muy tranquila de uno de los marineros es maravillosa.

Hubo quienes cortaron la actividad festivalera para asistir por un rato a alguna de las concenctraciones por el 18A. Muchas de esas personas fueron entusiastas respecto a El Olimpo vacío, el documental con Juan José Sebreli exponiendo oralmente las objeciones de su libro a las figuras del Che, Evita, Diego y Gardel, y que contó con función privada para Mauricio Macri y otros funcionarios y figuras seguramente no muy kirchneristas. Dejamos en un costado todas las consideraciones sobre Sebreli, los cuatro íconos y los cinéfilos que fueron a la marcha o a la función exclusiva: el documental se conforma con hacer oír algunas hipérboles desde ambos lados ideológicos, ayudado por la nula intención de Sebreli, las figuras que la película elige para defender a los íconos y los personajes que aparecen en el material de archivo de relativizar alguna cuestión. Cafiero desbarranca criticando la sexualidad del protagonista, hay un montaje muy grasa entre el audio de una publicidad futbolera de Quilmes con imágenes de la dictadura y Sebreli se posiciona como un Iorio para viejos lectores de revista Sur. El Olimpo vacío se agarra de los exabruptos y las opiniones de menor sustento y así pierde cualquier chance de movilizar políticamente. Casi un contrapunto a la meseta cinematográfica de izquierda que es el documental sobre Néstor.

Loza y Fund tendrán otro buen año en lo cinematográfico. La Paz hace equilibrio perfecto entre una cabeza acomplejada y distintas maneras de vivir representadas a su alrededor, sean por clase social o necesidades personales. El reencuentro con sí mismo que tiene el personaje principal (tremendo Lisandro Rodríguez, aunque todas las actuaciones en la película lo son) no es una apuesta menor: La Paz se conecta de manera franca y concreta con emociones en ambos extremos del ánimo, una movida siempre más adjudicable a dramas del mainstream, cuando el circuito festivalero, seamos sinceros, nos acostumbra a historias donde los sentimientos están más bien dopados en un estado más neutro. Cuando puede predecirse por dónde van a anudarse y resolverse los asuntos de la película, hay que dejarse llevar y tocar por las bolas de nervios que implican serenarse de una buena vez. AB fue, por su parte, lo mejor que vi en este BAFICI. El tour que emprenden las dos chicas resulta perfecto para trazar un mundo en el pueblo donde viven (podría saberse cuál es si se empezara investigando desde las sucursales de Grido existentes), capturar los hermosos momentos de morondanga que al menos por acá hacían a una amistad en los 90, refugiarse en la espiritualidad para intentar explicar el magnetismo cósmico que es una amistad bien entendida, y apreciar a cachorritos durante casi una hora, incluyendo cachorritos en 3D en los últimos diez minutos. ¿Y saben qué lindo se siente ver una caminata en ojotas por una calle de tierra, pero en 3D?

Cuando se calmó el barullo de las decisiones más improductivas, el BAFICI pareció haberse conformado con la camaradería bastante protegida que se mantuvo en el aire. Y muchas cosas, tiene razón Seijas, quedaron sin charlarse, ni qué digo resolverse. Hace un año se rechazó injustamente a Tierra de los Padres, antes de llegar a esta edición se despidieron programadores (y ahora viene la parte discutible) por e-mail, sucedió lo que ya mencioné con la mesa de Kilómetro 111, y una vez cerrado el evento no se dieron explicaciones muy claras de qué pueda llegar a suceder con el presupuesto, el precio de las entradas y la autarquía.

Asistimos a Viola con las descripciones previas causadas por la gira de la película por distintos festivales. ¿Shakespeare explícito e implícito? Sí. ¿Las actuaciones que no podrían ser mejores con otros actores? Están. ¿Cámara magistral, fotografía tan o más linda que las actrices? Más bien. ¿Rohmer en Palermo Brooklyn? No sé si habré leído eso en algún lado, pero lo percibí y está perfectamente ejecutado. Los trucos que se esperaban están bien ubicados y son completamente reconocibles, y por eso lamento que la película no supere la hora de duración. Esto provoca que los cruces amorosos y sexuales se reduzcan al encuentro ocasional de sus protagonistas o la voz de Viola describiendo el culebrón al final, desperdiciando la chance de que los flirteos se produzcan plenamente (esto sí pasa en la escena del levante en casa de Sabrina, y jamás pensé que me iba a calentar tanto por dos minas recitándose una escena de Shakespeare veinte veces seguidas). Las charlas más sueltas se van acumulando y casi no hay tiempo para que entre los diálogos se cuelen las miradas, los silencios y las persecuciones teatrales que se hacen estos hipsters adorables, como si fueran patrulleros y ladrones en una autopista. Es lo más parecido a ver un documental sobre animales depredadores en fast forward.

He visto más películas de las que comento en este post, y la única omisión injusta sería hacia El gran simulador de Néstor Frenkel, documental que no se achancha en salir a jugar con René Lavand adelante, y hace una -gran- película aparte con las cosas que pueden pasar en Tandil y en su casa. Los gifs que ilustran esta crónica pertenecen a películas de Adolfo Aristarain, exhibidas en una retrospectiva de altísimo efecto terapéutico para mí. Genialidad única en el cine nacional, que es aquella de personalizar inconfundiblemente una coproducción con España, un número musical puesto por encargo o un thriller demasiado fuerte para Argentina y 1981. Fue un viaje de amistad, nuevas y buenas personas, despedidas y un quilombo indescriptible de emociones, muchas descargadas en llanto viendo las películas de Aristarain.

BAFICI 2013, primeras palabras

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Tue, 23 Apr 2013 18:29:00 +0000

Antes de subir el balance personal del festival, al que asistí en toda su extensión, comparto dos audios radiales en los que intervine durante la semana pasada. Con Zurita el Deejay hicimos una versión modificada de Pink Moon Radio, pasando música negra y comentando lo visto y oído en el BAFICI, y unos días después hablé por teléfono con la gente de Autopista del Sur: derecho al cine, por AM 750, para presentar el Bafileaks y discutir un poquito sobre piratería. Justo después de que termina el audio que me pasaron (¡no es que dije eso último y me levanté del móvil!) Sergio Nápoli dio sus argumentos en contra, pero obviamente todo fue en muy buenos términos.

Bafileaks 2013: lista de links a películas del 15° BAFICI

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 01 Apr 2013 15:59:00 +0000

Mi hermoso y perfecto Linux Mint

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 28 Feb 2013 04:16:00 +0000

En los dos años anteriores, a la altura del Festival Latinoamericano de Instalación de Software Libre, comenté mis experiencias usando Linux. Más allá de algunas nociones técnicas básicas y comentarios sobre el ecosistema y la comunidad, el último reporte tenía un humor de mierda por culpa de los cambios repentinos en los principales entornos de escritorio, que obligaban a la migración y a aprender a manejar un entorno nuevo si se quería continuar emulando la experiencia gráfica de Windows XP con las ventajas de una distribución conocida de Linux.

La rendija de esperanza que dejaba ese reporte era respecto a los caminos que pudiera disponer Clement Lefevbre sobre las distintas versiones de su Linux Mint, lo cual no era definitivo en su momento porque las ediciones llamadas a reestablecer el orden del escritorio clásico estaban todavía en desarrollo.

Y la verdad es que cumplieron. Hace varios meses que tengo instalado Linux Mint 13 en la laptop que había comprado el verano anterior, y la experiencia de uso es similar -y mejor, por el tema de la computadora nueva- a la que gozaba en las primeras versiones de Ubuntu que conocí. Mamá usa esta máquina sin un solo problema, y desde que configuré los aspectos básicos del sistema, un rato después de instalarlo, no tengo que hacer más que dar un par de clicks a las actualizaciones automáticas que se me ofrecen. No es que la mayoría de las cosas negativas que describía el año pasado hayan cambiado demasiado, si no que simplemente (pero miren el tiempo que llevó), encontré la alternativa que esperaba.

Así que decidí adelantarme a la fecha del festival y compartir brevemente las configuraciones y adaptaciones que le hice al sistema y a los programas que más uso. Vale aclarar que lo hago sin ningún tipo de tutorial o instrucción sobre la instalación o el manejo del software que recomiende, porque llevaría un tiempo enorme explicar -mal- varios conceptos y porque si no están dispuestos a googlear con criterio y paciencia la solución a muchos problemas que les surgieran, no deberían ni pensar en probar o instalar cualquier distribución de Linux. Solamente puedo aconsejar que si van a bajar algún programa de los que mencione en un momento, lo busquen primero en el gestor de software que trae el sistema antes de conseguirlo por cualquier otra vía.

Sistema operativo: Linux Mint 13 MATE. Tiene soporte de seguridad hasta abril de 2017, y MATE está perfectamente operable. Se descarga en versión de 32 o 64 bits, según corresponda a sus máquinas (revisar bien cuál corresponde).

Escritorio y gestor de ventanas: como los ven en la foto, MATE y Caja están perfectos como vienen. Es exactamente la misma disposición de las cosas que tenía el inmejorable GNOME 2. Los retoques son estéticos: el tema es Elegant Brit, el borde de la ventana es Shiki-Colors, los íconos son Faenza* y la fuente es Free Sans. El fondo es un poco más rebuscado: una captura de pantalla justa sobre el menú del sitio de Shabazz Palaces. La barra de inicio de arriba forma con (de izquierda a derecha): botón de menú clásico, botón de mostrar escritorio, accesos directos ("lanzadores") a navegadores y carpetas, lista de ventanas, área de notificación, botón de "Forzar la salida" (para cerrar programas que se cuelguen), reloj y botón de apagado.

Navegador: Firefox. Viene con Linux Mint y se actualiza solo, revisando el gestor de actualizaciones. Mis complementos indispensables son Adblock Plus, Pocket, Tab Mix Plus, Status-4-Evar, Quickdrag, Omnibar y esta Persona con la espalda del más grande. Opera también está disponible, y si prefieren el Chrome mejor instalen Chromium, una versión algo modificada (porque el original es de código libre), totalmente confiable y mucho más popular en Linux.

Reproductores: para conseguir la simpleza de un Foobar o un Winamp está Audacious. Para conseguir la apariencia del viejo Winamp, por haberme acostumbrado a la computadora del trabajo, el camino fue un poco más largo (bajo MATE, Audacious tiene un problema con las skins). Bajar el Qmmp vía PPA (este sistema estilo RSS para que el sistema operativo se suscriba a las actualizaciones que el desarrollador disponga) y usar esta skin. Que dice "AUDACIOUS" arriba, sí, pero es lo mejor que conseguí. Después, por supuesto, está el VLC pre-instalado en Mint.

Equivalencias a Windows y otros programas útiles: LibreOffice por Microsoft Office, GIMP por Photoshop, Brasero por Nero (todos vienen pre-instalados), Nicotine por Soulseek, aMule por eMule, KolourPaint por Paint, Avidemux por VirtualDub, Audacity por Soundforge. Mi cliente de torrents favorito es qBittorrent, mi lector de PDFs es Okular, mi ripeador de música es Rubyripper, para taggear música uso el Kid3-qt, para crear DVDs con menúes uso DeVeDe. Hay versiones para Linux de Skype, Dropbox y, créanlo o no, MusicBrainz Picard. Es maravilloso.

* Los temas pueden bajarse del sitio donde los encuentren (mientras sea confiable, más vale), y el link a los íconos Faenza tiene unas instrucciones bastante sencillas para instalarlos vía terminal.

2012: 25 discos

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Fri, 21 Dec 2012 21:13:00 +0000

Blues Control - Valley Tangents

No pude encontrar el momento exacto con imágenes, pero desde la primera vez que escuché Valley Tangents pensé que perfectamente podría ser el disco de la banda de café concert que el militar les recomienda ir a ver a los Spinal Tap. Varios otros discos de 2012 desafiaron con mayor fuerza la confianza del oyente en lo genuino de sus sonidos, pero ninguno tuvo tanto esfuerzo en la ejecución de los instrumentos. Es que la música de Blues Control está muy lejos de ser hecha irónicamente, pero bien cerca de todo cliché que puedan recordar de lo que escuchaba algún tío tan fanático del rock progesivo como para tirar formaciones de bandas como si fueran equipos de fútbol. Más bien el disco se codea con un sonido propio del Steely Dan más snob, o de un solo de Traffic que dura menos de diez minutos, aunque con una menor obsesión por la fidelidad del corte final. Si prometen no recomendárselo a ninguna persona menor de 40 con la que quieran tener alguna relación, va a ser una gran escucha.

Sun Araw & M. Geddes Gengras Meet The Congos - Icon Give Thank

La serie FRKWYS de la editora RVNG tuvo en sus ocho volúmenes anteriores la picardía de juntar nombres con tan buen criterio que los discos que se produjeron siempre estuvieron algo debajo de las expectativas, además de que en varias ocasiones se disolvieron las virtudes particulares de los convocados. Sin tener el trasfondo necesario en Sun Araw, Pocahaunted y los Congos como para dictaminar que Icon Give Thank considera adecuadamente pergaminos y estilos, simplemente salió un muy buen disco de Dub, donde los nerds del sintetizador respetaron el cuelgue del ritmo ancestral sin perder virtuosismo en su campo, un cruce que fascina a nos los turistas y no debería indignar a aquellos con la potestad de levantar el índice hacia Nairobi y acusar falsedad. Si se sienten inspirados fíjense qué tal lo que hicieron Ricardo Villalobos y Max Loderbauer sobre un track de The Orb con Lee Scratch Perry, y hablaremos algo más en el puesto 12.

Benoit & Sergio - New Ships EP

En el año más ortiba para la música electrónica en mucho tiempo (ver puesto 19), el mejor EP de Benoit & Sergio hasta la fecha llevó las cosas a lo que en Argentina serían unos años atrás, el sonido de la Metro cuando una bebida alcohólica quería prender en un target ávido de tweetear qué disco está sonando y qué trago está tomando en directo. De todos modos ninguna canción en New Ships pasaría una reunión de creativos en Puerto Madero, con letras conscientes de las responsabilidades una vez cumplidos los 30 y bases tan relajadas como firmes en su postura de no explotar en un bajo demasiado catártico después de dos estrofas. La canción homónima se rebela bien bolichera, pero confiamos en el mal gusto de nuestros publicistas para no quemarla.

Las malas amistades - Maleza

Con la atención exclusiva de los blogs anglosajones (descubierto gracias a Gorilla vs. Bear) y casi imposible de rastrear, desde Bogotá salió un disco Folk de 28 canciones por debajo de los 4 minutos, letras antojadizas en voces neutras e instrumentaciones curiosas de Casio. Claro que todo esto es novedoso para gente que no lleva casi una década soportando a la pandilla de Minimal, Mimi Maura y sus derivados indies, el Folk de palta y vino tinto y Onda Vaga y la iglesia de jóvenes palermitanos conversos a los pantalones de bambula. Si a un disco nuevo no le proyectamos el patrón de los problemas que tuvimos con discos anteriores no vamos a sufrir tanto (o quizá eso aplicaba a las novias), pero con disfrutar del anti-Freak Folk de Violeta Castillo y Paula Trama van a poder meterse tranquilos en Maleza. Es conseguible en Soulseek.

Symmetry - Themes for an Imaginary Film

Del destape creativo del productor Johnny Jewel durante 2012 (todo está en su SoundCloud) me quedo con la banda sonora que había preparado con Nat Walker para Drive. El material no fue usado, y ya no hay ninguna necesidad de acudir a la película: dos horas de Synth Noir sostenidas como las miradas sensuales en Kill For Love de Chromatics o la angustia en una Batman de Nolan. Pese a esto se nota el oficio del dúo en adaptar su tamiz electrónico a la variedad de momentos de la película (cualquier película urbana y oscura), si bien el disco queda condicionado a su condición fallida de soporte, y la escucha se complica con semejante duración. No renegar de alinearla con su par de Reznor y Ross en 2010: maestría del dominio electrónico y acústico para plasmar un sonido propio en un contexto ajeno.

Julia Holter - Ekstasis

Una sobreviviente de adicción a la producción en dormitorio (lo cual nunca se notó tanto) con la obra menos baqueteada de la actualidad. Hizo muy bien en encarar desde un principio (Tragedy, del año pasado) un sonido con Laurie Anderson como faro y en Ekstasis fue capaz de aplicar su obsesión por hacer todo barroco a canciones con estructuras más rigurosas. Los dos discos son engañosamente parecidos, pero ahora muchos tracks del debut parecen interludios ambientales para ventilar al Pop de sacra de Ekstasis.

Actress - R.I.P

Swim de Caribou pudo tener tranquilamente la culpa: nadie quiso hacer bailar demasiado este año. Y Actress viene recorriendo esta senda antes que muchos, pero la contundencia de R.I.P para acercarse a la pista a incomodar puso las cosas en perspectiva y provocó la creación de varios términos para un género inventado este año. Voy a llamarlo Anti-House: tiene el pulso, el bajo y el sintetizador, y ningún atisbo de conjugar estos elementos en pos de darle una mano a un DJ. Es cierto que nunca escuché algo de Actress en Sobremonte, y que para intenciones truncas de música House está el puesto 13 de esta lista, pero el trabajo de Cunningham está signado por las ganas de desarmar, romper, deconstruir: el ritmo en R.I.P queda por la mitad, no llega a construirse o sale tremendamente vestido y parece dejarse el calzoncillo en la cama.

VVAA - Don't Break My Love: A Collection Of Lost Memories From Sunset & Clown

Un chico de 22 años que crece acomodado y culturalmente estimulado entre dos países completamente distintos no sólo es capaz de sacar el debut más exitosamente snob en mucho tiempo y vendérselo a Resident Advisor como oro (es efectivamente un gran disco que omití en 2011), sino que también puede fundar su propia editora y sacar un disco colectivo que hasta que fue pirateado sólo podía escucharse en un cubo de edición limitada. Don't Break My Love cumple como producción coral en dar impresión de la existencia de una cofradía (Jaar acostumbra tocar con amigos de la infancia) de gente interesada en el punto muerto donde un acordeón y un violín pueden apoyarse en golpes producidos por una Mac. Un punto muerto como la casa de té donde estas canciones deberían acompañar los domingos de nuestras madres.

THEESatisfaction - awE naturalE

El dúo fue colaboracionista en el nacimiento del Hip-Hop cósmico a cargo de Shabazz Palaces, participando en Black Up de 2011. Y aplican un enfoque más o menos similar a un R&B claramente heredero de Erykah Badu, pero menos interesado en instalar climas que en tirar algunas ideas sueltas sobre sampleos originales e inconclusos. Pese al tratamiento de snack sobre varias canciones, algunas otras (QueenS, Existinct, Sweat, God -con devolución de gentilezas de Ishmael Butler-) encuentran un camino con principio y fin, que no necesariamente incluyen estrofas y estribillo. Grandes singles recientes fueron armados con segundos sampleados por J Dilla, y THEESatisfaction podría presentar un disco menos inquieto sin dejar de ser boutique.

MediaFired - The pathway through Whatever

Canciones populares mal consideradas, institucionales, material corporativo, publicidades, confort, capitalismo, guiño guiño. La obra maestra del género que no tenía nombre fue pergeñada por James Ferraro en 2011, pero este año salieron muchos artistas a puro sampleo y un estilo similar: nació la Vaporwave. El portugués MediaFired entra en la bolsa al ser editado por Beer on the Rug, pero The pathway through Whatever (cassette del año), es demasiado simple y entretenido para tener que filtrarse con ideas demasiado retorcidas sobre un momento cultural que ni siquiera podemos vivir con el tiempo suficiente. El único hilo conductor entre las canciones es el headbanging que permiten en menos de media hora, entre el Dubstep de VHS (Pepsi Van, Cinderella's Big Score) y la hipnagogía murguera de Inner Jerks. Demasiado divertido para el público que llegó a conocerlo.

Extraperlo - Delirio específico

La fórmula del Roxy Music baleárico que tan bien funcionó en Desayuno continental (2009), aunque alguien entre El Guincho (productor) o los músicos han descartado los momentos más calmos que aireaban bastante aquel debut. Delirio específico no baja nunca pero tampoco llega a saturar; Extraperlo es heredera de muchos ejemplos ochentosos en su país como para no manejarse con cintura en ese sentido. Las canciones dependen menos de la hermosa voz de Borja Rosal, que aparece seguido entre guitarras y bajos transversales o acompañado en unas armonías maravillosas con Alba Blasi. Ojo con la lujuria que chorrean las letras y la sexualidad bien perturbada en el video del primer single.

Ty Segall & White Fence - Hair

El más tranquilo de los 3 discos que salieron de Ty en 2012. Va a ser difícil lanzarse a tirar una bolsa de calificativos cada año, con el ritmo de producción que tiene (2 de estudio, un vivo y un compilado en 2011), pero puede señalarse la metamorfosis exitosa después de tanto ruido, en tan poco tiempo. En Hair y con la colaboración de Tim Presley, Segall da un paso grande más allá de los pasajes calmos de Goodbye Bread, que siempre se diluían en algún asunto con distorsión o un solo. Este es un disco pleno de Garage en otro año de recreo con el Rock para Segall, bastante joven y talentoso aún para tener que decidirse por un sonido que tomar para siempre: en Hair surgen otro tono de voz, ritmos más lentos y exploraciones más pacientes de guitarra por profundizar. Sus mentores de Thee Oh Sees también asomaron exitosamente este año, con Putrifiers II.

Ricardo Villalobos - Dependent and Happy

Ricardo se está convirtiendo en el Hitchcock de la electrónica. Dejando de lado cualquier valoración o canon, si juntan las dos carreras a sendas alturas van a ver a dos grandes manipuladores de los sentidos involucrados en sus trabajos buscando desafíos por la mera necesidad de superarse a ellos mismos. No están forzados a satisfacer el gusto del público, no están limitados por ninguna imposición de un jefe (pueden producirse a ellos mismos) y la reprobación crítica que pudieran recibir no podría dañarlos en ningún sentido. Es cierto que en los '60 comenzaron para Hitch los mayores problemas con las actrices, pero esto lo deja a Villalobos aún más cerca de lo que quiero demostrar: la vuelta a la House después de sus vacaciones experimentales de 2011 (Re: ECM, sin dudas la peor omisión de mi selección) está incluso más pasada de rosca de lo que se esperaba de él. Como hace casi 20 años sigue llevando la pelota contra el córner a los 40 del segundo tiempo, pero 8 años después del último LP de estudio hay algunos cambios imperceptibles/totalmente notables: el enchastre de bases jazzeras metidas entre los cuatro cuartos groguis de siempre, algunas canciones desnudas de membranas que pudieron venir sonando desde hace minutos y durar dos horas más pero se cortaron para que quepan en el disco, la ensalada de sonido ambiental (Zuipox) y urbano (Ferenc), y la mayor abominación contra el concepto de canción que conozca de Villalobos al día de hoy: Tu Actitud, track del año y pieza indescriptible que prefiero no saltar a defender.

Peaking Lights - Lucifer

936 (la última omisión de discos en 2011 que voy a mencionar en esta lista para no pasar más vergüenza) me dejó un poco mal colocado para el instante en que quise acercarme a Lucifer: esperaba más dosis del Dub de plástico que había en el debut. Evidenciando mi inmadurez en la manera que me relaciono con las cosas y la gente a mi alrededor, tuve que saciar esa necesidad con las remixes que el mismo dúo sacó de algunos tracks de Lucifer. Y recién desde ese punto pude apreciar mayormente el esfuerzo del segundo disco: me doy cuenta de que ni siquiera es tal la escasez de cuelgue respecto a 936. Sí hay una paleta más amplia de paseos en terrenos áridos, que en ritmos más rápidos, letras prístinas y melodías accesibles no pierden el efecto de los hongos en los oídos.

Hot Chip - In Our Heads

El regreso al equilibrio distintivo de la banda que se había perdido en el existencialismo excesivo de One Life Stand. Es la vuelta de los contrapuntos tan irónicos como para que Hot Chip esté cada vez más afianzado en las responsabilidades de una adultez en el Pop: donde siempre estuvieron las armonías de Motown saliendo de cabezas pálidas sobre cruces de sintetizadores, los cultos a la monogamia eterna en paquetes hechos para el top 40 y los himnos de FM en el taxi de vuelta a casa en la mitad del disco, hoy se suman los singles de 7 minutos donde un estribillo no se repite durante los últimos 3, las reflexiones subliminales entre instrucciones de baile y el camino propio del que Hot Chip puede presumir en los primeros signos de anarquía en la electrónica desde que DFA no significa algo en concreto.

Traxman - Da Mind of Traxman

La curiosa historia del género musical que encuentra un disco que redescubre sus posibilidades de expansión durante el mismo año en que el género se hace conocido. Esto es un poco porque los más despiertos supieron sobre el Footwork con unas compilaciones en 2010 y 2011, y por otro lado porque, en el fondo de nuestras conciencias, no creemos que se pueda ir demasiado lejos con ese ritmo y los sampleos tartamudos. Y Traxman logra muchísimo, la verdad: una gran nube donde el Juke se confunde con Jazz, House, Techno, Hip-Hop instrumental, Brostep, ¿¡Samba?!, Lounge, Prince y un borrador de sí mismo para un posible futuro, popular y próspero. No olvidemos que hay gente en Chicago que usa esto hace años para bailar. Rashad y Spinn hicieron los otros grandes aportes al género en 2012, en los dos volúmenes de Teklife.

Dent May - Do Things

La crítica negativa común a Do Things tuvo un tufillo al ensañamiento de Pitchfork contra el Weezer contemporáneo, exigiendo algo innecesario detrás de la simpleza del mensaje del disco, una supuesta complejidad que termina homogeneizando a tantísimos estilos en cuestión de meses. El disco tiene la inocencia genérica de las cosas que los Animal Collective deciden editar como si estuvieran envidiosos: las armonías de Beach Boys que Dent May maneja de taquito pero con el equipamiento de una banda de fiesta de casamiento (en ácido, declaró el músico) en vez del ukulele del disco anterior. Las letras, recontra poperas, se permiten algún retrato de las decepciones particulares de cualquier familiar nuestro, esas de las que no escaparemos con ninguna posmodernidad.

Swans - The Seer

A mi favor voy a dudar de que teniendo más música encima, más años, un gusto más amplio, un hermano que me hubiera hecho conocer a Swans hace un tiempo, estudios musicales o 666 de Aphrodite's Child en vinilo yo podría escribir algo sobre The Seer que ocultara el hecho de me enteré de todo por una etiqueta de Pitchfork. El placer que brinda disfrutar de estas aristas del Rock a esta altura de la música me parece suficiente.

Tropa Macaca - Ectoplasma

Descubierto de casualidad, viendo qué hacía un nombre en español editado por Software, el área que tienen Joel Ford y Daniel Lopatin dentro de Mexican Summer. Tropa Macaca es en realidad un dúo portugués, pero el sonido encaja perfectamente con lo todavía poco que Software viene lanzando: son dos singles tremendos de 15 minutos, salidos del mismo basurero de sintetizadores donde surgen los discos de Oneohtrix Point Never, pero evidentemente con una mayor paciencia para ir construyendo pequeñas suites Noise, con variedad de partes pero en continua tensión.

Mac DeMarco - 2

Un disco medio hermano del puesto 9 en sus descripciones tan amables del paisaje pequeño y tiernamente triste de cualquier hogar en un suburbio blanco. DeMarco se mete además en la matriz del sonido de un lado B en un cassette medio gastado de Matador Records, como en una ópera narrada por un slacker, Fry de Futurama antes de los viajes en el tiempo o cualquier amigo nuestro reconocible en jogging y campera Adidas trucha. Hubo tal obsesión con la idea del zeitgeist que DeMarco representa que Rock And Roll Night Club, su otro lanzamiento de este año, perfectamente puede ser la banda sonora en la vida del personaje surgido en 2. Si llegaron a los 30 sin hacerse demasiado daño y escucharon a los Departmentstore Santas de jóvenes, el disco es un premio a la supervivencia.

Killer Mike - R.A.P. Music

Todo en el Hip-Hop necesitó ser justificado con varias vueltas en 2012, buscándole la quinta pata a la mixtape de un chico de 17, declarando el status clásico del disco de Kendrick Lamar o teniendo que justificar el gusto por Chief Keef porque este año fue noticia más seguido por sus conflictos de barrio que terminaron con un pibe asesinado a tiros que por cualquier lanzamiento musical. R.A.P. Music parece un título puesto a propósito en ese contexto, y es un disco que suena como un despertador bidireccional en el Hip-Hop: llamado a jóvenes demasiado enroscados en boludeces sin siquiera haber firmado un contrato, y mayormente una lección de compromiso a otros rappers del mainstream. ¿Por qué la primavera obamista tendría que calmar cualquier reclamo? Killer Mike se mete en algunos tópicos que no dependen de quién gane una elección o que se sancione una ley de salud, y dispara algunos existencialismos sobre el Hip-Hop con el entusiasmo propio de quien tiene toda la vida por delante. Esa es la irónica merma en estos tiempos de sobreproducción: jóvenes con entusiasmo noble en el género, adultos con conciencia de los problemas a su alrededor. ¿O realmente tengo que escuchar el nuevo de Kendrick Lamar?

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Mature Themes

Es un disco mejor que Before Today porque es un disco más melómano: las excavaciones de Ariel están dando material nuevo después de mucho tiempo, teniendo en cuenta que Before Today es un disco de covers. Y es el principio de una profesionalización inédita en su carrera, con giras mundiales, responsabilidades con la editora y presupuesto para trucos de estudio más complejos. Da ahora la sensación de que cualquier influencia aplicable se disolvía previamente en el filtro del lo-fi, y ahora se distinguen orígenes nuevos: Mature Themes es un disco de Zappa si las Mothers of Invention fueran una banda universitaria. Y lo que separaba a Ariel de Zappa era un respeto mucho menor por la técnica con los instrumentos, un numerito que prácticamente no podía hacer sobre el escenario cuando estuvo en Buenos Aires. Se convirtió en un músico condicionado por las intenciones de llegar a un sonido complejo, que sigue pareciendo hecho hace 30 años pero con un nivel de apreciación para los detalles que no existía por ese entonces. Para sentirse joven otra vez siempre tendrá sus recreos de 62 canciones con R. Stevie Moore.

Death Grips - The Money Store

¿Alguien recuerda en serio a qué se le decía Hardcore Rap? Eran bodoques de resentimiento en atuendos enteramente negros, las pieles pálidas de quedarse llorando en la pieza, letras solemnes atormentando las venas de chicos que nada más tenían demasiado tiempo libre. The Money Store es solamente un MC muy enérgico sobre los beats más vertiginosos desde Fear of a Black Planet, un producto que demuestra cuánta apertura musical y mental es necesaria para instar a la catarsis. El colchón de ruido multicultural, Brostep meets Bollywood que construyeron Zach Hill (a quien tal vez conozcan del volumen insoportable en los discos de Marnie Stern) y Flatlander se para de manos con total dignidad ante la canilla de ira de MC Ride. Es lo hardcore entendido a la manera de John Waters, el pogo con invitación a todos los freaks que Odd Future y M.I.A. fallaron en construir. En entrevista con Pitchfork se revelaron algunas ideas maravillosas sobre la música y la manera en que la llevamos por la vida, bastante alejadas del barullo berreta que provocaron con Epic Records.

Voices From The Lake - Voices From The Lake

El disco para auriculares del año, y un ejemplo inmejorable sobre los orígenes inciertos de las obras que pueden cambiar a un género: el DJ set de un productor y un ingeniero italianos para un festival hecho sobre un escenario absurdo montado en Tokio. Difícil de expresar es el manjar auditivo que representa el set en sus distintas escenas, pero después de varias escuchas enteras las canciones van cobrando más virtudes en lo simple de su arquitectura: con los pocos elementos que van superponiéndose (percusiones, sintetizadores, bajos tímidos y una banda de sonidos ambientales), tomar dos tracks distantes entre sí y ver la distancia abismal que el set fue recorriendo en el medio, no poder distinguir el paso de los tracks si no se presta atención a los cortes de los archivos, apreciar las pequeñas piezas que se arman juntando dos o tres partes consecutivas, aislar una canción distinta cada semana según qué parte del set se haya pegado. La cumbre en la obsesión de Donato Dozzy y Neel por pegar el Techno a los sentidos hasta que forma parte de nuestro ambiente.

Frank Ocean - Channel Orange

Todavía me sorprende la frialdad con la que pude reseñar Channel Orange hace unos meses. Ese intento de profesionalismo era más bien una necesidad: vivía tiempos bastante enroscados y empecé a pedir discos en Rocktails como una manera de apuntalarme a escribir con un plazo más o menos fijo y quitarme pensamientos tortuosos de la cabeza por un par de días. No había pedido específicamente Channel Orange, sino que fue el primer encargo que me hizo la editora del sitio, y no sé si tenía la intuición de que el disco venía con una carga importante que me iba a detonar muchas emociones latentes, pero hasta que surgió la chance de la reseña me había casi prohibido escucharlo demasiado. Y me cuesta acercármele ahora mismo, después de una recuperación anímica limpia y propia que sin embargo lastimó a otras personas en el camino.

Esa reseña tan sobria fue el resultado de días jugándome el corazón vía mail, llorando espontáneamente y buscándole el ancla a cualquier parte del disco para que me pudiera sacar un rato de un invierno que me tenía desempleado, lejos del estudio y los hobbies y pensando mi vida como si fuera un episodio de Twin Peaks. No sé si consideraba a Ocean como un ícono para sacarme las mochilas (de cualquier tipo de problemas) de encima, pero recuerdo que durante las semanas posteriores al lanzamiento de Channel Orange hice mucha catarsis pública sobre las ollas que se me destaparon en conjunto este año, al estilo de Ocean con el amor no correspondido que sacó a la luz. Una vez que me había cansado de repetir mis problemas en voz alta empecé a moverme con una paciencia inédita en la dirección de las cosas que me llenan, y de repente estamos a fines de diciembre y me encuentro imperturbable frente a las cosas que me jodieron por meses.

No encontré un disco que me gustara más que Channel Orange en todo el año. Lo puse en el trabajo varias veces, hablando encima de las canciones con compañeros, y ni de fondo pierde la calidad que le notaba objetivamente cuando andaba con mal de amores. Ocean será capaz de sacar discos que les podamos regalar a nuestras madres en Navidad, porque va a ser un crooner que transforme cualquier single en algo aparte. No hay mucho más que discutir: yo hice esa reseña exhaustiva en agosto y ahora merecía descargarme. Ahí decía que Channel Orange será un discazo sin la historia de Ocean encima, pero ignoraba que en 2012 formó parte importante de la mía.

#27MDQFest, los cinco anteriores: balance

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 20 Dec 2012 14:31:00 +0000

El camino de cinco años que se cumplen bajo gestión de José Martínez Suárez no consiste en un ascenso desde la primera edición (2008), sino en algo como una recuperación, desde el año siguiente: el festival sufre un recorte importante de presupuesto, que quita salas, películas, días, invitados y despliegue urbano, e interrumpe de arranque la radicación de ciertas ideas de programación que empezaban a dibujarse sobre un molde bastante similar a lo que entregaba la gestión Pereira (espacios aparte al cine nacional y latinoamericano, estrenos fuertes de Europa y Asia, alguna variación de la sección Contracampo de los noventa para un público alternativo que ya se había renovado). Mayormente obligado por la plata en falta que motivado por convicciones u objetivos, Mar del Plata declara encarar un enfoque filmocéntrico desde 2009, mientras se repliega rápidamente a las proyecciones en Beta para varias secciones, y a la selección de muchos productos provenientes de televisión e Internet.

Por lo menos dos ediciones fueron precedidas por un barullo de meses sobre la posibilidad de que el festival fuera anestesiado o cambiado de ciudad. El INCAA comenzó a organizar la semana con la provincia y el municipio, y en semejante previa Liliana Mazure exigía desde Buenos Aires una dirección y un perfil. Desde 2009 Ventana Sur se llevó a Capital el mercado de películas, una decisión razonable cuando la feria se armaba en Mar del Plata mientras se caía el techo del hotel Provincial, pero que también desconectaba a sus participantes del flujo mayor de películas y personas del ambiente (desde allí empiezo a tocar de oído y alguien sabrá decir mejor si la decisión convino).

De 2008 hasta acá el festival y su gestión actual desplegaron una serie de virtudes, defectos y características neutrales, propias de cualquier festival y propias de la historia y presente de Mar del Plata como evento y ciudad anfitriona. Todo eso se mostró exacerbado en 2012: en una semana entraron la delegación coreana de directores, Diego Torres, Cristina, Enrique Piñeyro, Pablito Ruiz, un encuentro palpitando las comunicaciones y productos de la ley de medios y otro señalando problemas de distribución en el cine nacional, los rescates de películas argentinas y la ruina de copias de películas extranjeras, las proyecciones en Super 8 con un sitar tocado en vivo y las proyecciones donde el ṕúblico le enseñaba al operador del Ambassador a manejar el proyector de fílmico. Presentando más del doble de películas, el BAFICI ni se acerca a la vorágine que puede representar un día en una rambla con proyecciones al lado de una pista de skate, el movimiento de cinco hoteles llenos de acreditados y la Presidenta haciendo el estreno costero del documental sobre Néstor.

Son varias las líneas, en ciertos casos paralelas, que se fueron trazando para llegar a este panorama.

Programación: cuestión ampliamente tratada en la edición pasada, que aun con algunos aspectos que podrían modificarse se encuentra en una situación mucho más positiva de lo que aparenta. Por cuotas indefinibles de criterio y casualidad hay un equipo de programadores ecléctico en lo colectivo (supongamos un grupo conformado por Alderete, Barrionuevo y Conde y otro por Campos, Flomembaum y Pérez Laguna), y según el conocimiento de gustos que se tenga de sus integrantes pueden distinguirse algunos senderos personales a medida que pasan las ediciones. Las dicotomías se forman solas (viejo/nuevo, latino/coreano, Blu-Ray/Super 8, antropología/frisbees, algunas de las cuales notoriamente se dan entre secciones programadas por un mismo grupo) y más allá de los gustos la programación tiene que considerarse en términos de disponibilidad, cercanía o alejamiento intencional del circuito de festivales, hasta qué punto forzar la variedad de la selección, equilibrar la repetición de lo difundido durante el año con los descubrimientos propios y tener la frialdad necesaria para proyectar menos cosas por mera prolijidad.

Si me preguntan, mucha programación nacional y latinoamericana pierde visibilidad amuchándose en Mar del Plata cuando podría circular mejor en INCAA TV u otros festivales nacionales, y las secciones fijas cuyo hilo conductor es un género o temática sufren un desgaste al tener que curarse cada año, y podrían disponerse con más flexibilidad de selección o incluso realización, para poder ofrecer una mayor regularidad. Estoy en contra de dar funciones a producciones disponibles legalmente en (o creadas para) Internet, y a favor de la presencia/omnipresencia de Peña y Manes, y el material que aportan para una sección estilo Bazofi y proyecciones de tanques clásicos en copias bien cuidadas.

Infraestructura y recursos materiales: la edición 2005 contó con 18 salas, de las que al año siguiente el festival ya había perdido un tercio (Atlas, América, Olympia, Neptuno, La Subasta -hoy teatro Güemes- y el aula magna de la facultad de derecho). Para el 2008 Peña usó la cueva del Olympia para pasar cosas como Nobleza Gaucha con música en vivo, y en 2009 se perdieron esa sala y las dos del shopping Los Gallegos. Desde 2010 se recuperaron estas últimas y se mantiene una cantidad de 12, sumando 4 del Ambassador, 4 del Paseo Diagonal, el teatro Colón y la sala Piazzola del teatro Auditorium.

Se me escapan los motivos reales por los que hayan dejado de utilizarse las salas mencionadas, pero obviamente la reducción presupuestaria y/o de películas pueden ser las principales razones. Hay otras: el complejo América-Atlas y las salas Neptuno y Olympia no funcionan como cines desde hace varios años, abriendo solamente para las obras teatrales veraniegas, y lo mismo sucede con el teatro Güemes (sala inconveniente por zona y "comodidades"), que igualmente funciona durante una mayor parte del año, mientras que el aula de Derecho alojó durante algunos años un espacio INCAA con resultados pobrísimos, para dejar de proyectar películas hace un tiempo largo.

El problema no reside en las salas que no están. Las que se usan todos los años dan justo con la cantidad de películas que el festival abarca, pero las condiciones de exhibición repiten a cada edición los mismos baches: el proyector del Auditorium deja en banda a películas de las competencias y funciones en fílmico que agotan más de mil entradas, las Ambassador 3 y 4 se invaden mutuamente con el sonido de las películas que pasan, y las salas del Paseo y el Ambassador 2 (la del diseño en herradura donde se puede estar incómodo sentándose en cualquier butaca) se suelen ver sobrepasadas de gente cuando se les asignan funciones de alta relevancia festivalera. Otros problemas determinados de imagen y sonido afectan a cualquiera de las salas en momentos aleatorios: los complejos de Mar del Plata sufren durante el todo del año a operadores complicados tanto por la desaparición progresiva del fílmico como por las novedades que trae el digital. Para recursos humanos, igualmente, el siguiente ítem.

Staff: voy a plantear tres posibles mejoras desde la completa ignorancia de situaciones de trabajo, jerarquías y vías de concreción (incluso de saber si lo propuesto está de hecho funcionando): la inclusión de un puesto que le quite a los programadores la tarea de gestionar cada copia o invitado necesarios para la presentación de una sección o película, permitiendo así que las selecciones vayan amoldándose con mayor tiempo y comodidad; una coordinación técnica equipada para resolver cualquier cuestión surgida en la proyección de cualquier sala del festival, y direcciones en cada departamento que puedan capacitar adecuadamente a los voluntarios que tendrán que lidiar con los típicos contratiempos, público y divos de un festival. Es harto sabido que igualmente ninguna utopía de personal llegaría a prevenir todos los problemas que pueden surgir.

Actividades paralelas: más allá de las charlas y presentaciones de libros hay proyecciones, exposiciones y otros eventos que crecen, decrecen o merman casi aleatoriamente año a año (mencionamos al principio que el mercado se mudó a Capital), muchas veces sin ser merecidamente difundidos, y quizá debido a eso. Programa País organiza mesas interesantes y trae a muchos estudiantes de cine y gente metida en el fomento del cine en el interior a analizar las condiciones de la cultura cinematográfica argentina, de lo cual prácticamente nada termina al alcance del público (bajen el video resumen que se ofrece al final de ese link si no me creen); el Encuentro de Comunicación Audiovisual palpitó algunos aspectos que la Ley de Medios viene a cambiar, con un grado de injerencia en la semana festivalera que quiero discutir en el siguiente ítem, mientras que este año se adjuntaron dos eventos que venían realizándose en la ciudad pero lejos de noviembre: el concurso de filmación express Cinexperiencia y la maratón de 24 horas de cine nacional en la sala Melany, una idea que prende increíblemente bien todos los años para una ciudad bastante traicionera hacia su supuesta tradición cinéfila (para hablarlo en otro momento). Se enfilaron unos cines móviles relucientes en la rambla de la Bristol, que no sé si fueron usados este año o simplemente presentados en el marco del ECA. Durante el invierno y desde hace algunos años, el festival presenta algunas películas de la última edición en muestras itinerantes por algunas ciudades que vaya a saber uno si proyectan algo comercial por el resto del año (en este sentido el BAFICI se dispersa siempre por ciudades más grandes, movida menos federal pero más práctica), y organiza un ciclo de películas nacionales como previa en Mar del Plata, semanalmente en el teatro Colón. Son muchas cosas aprovechables de las que siempre cuesta enterarse.

Presencia oficial: cuando se corría la bola de que el INCAA pensaba en algo parecido a desprenderse del festival, se me ocurrió levantar el índice y plantear que ningún gasto podía ser en vano si el gobierno lo aprovechaba como vehículo para hablar de la ley de medios, los canales de tele que iban a llegar o los proyectos del Instituto. Si me escucharon a mí, yo no hablaba demasiado en serio: por lo menos no para que esos anuncios llegaran a opacar los tópicos más festivaleros en la presentación que se hizo este año en la Manzana de las Luces, o menos para que el festival se politice al punto de seguir descuidando los aspectos logísticos básicos en la sala de prensa o la cabina de proyección, mientras la plata que podría solucionarlos se gastó en habitaciones de hotel para camarógrafos de canal 7, o asistentes inertes al Encuentro de Comunicación Audiovisual. La imagen naif que se me venía a la mente era la de un stand del INCAA, la Afsca y la TV pública en el Auditorium, que sirviera de puesto de información para realizadores, productores y público en general sobre las herramientas a disposición hace 5 años, hoy mismo y post-7D. Contra la realización del ECA en pleno festival tengo simplemente una cuestión pragmática: es un evento que Cristina mediante pisó mucho más fuerte, y podía hacerse en cualquier otro lado y momento del año, llevando tanta o más cantidad de gente (varias charlas interesantes en aspectos de la Ley de Medios que quedan detrás del tema Clarín superpuestas en la ya cargada agenda del festival) y sin necesidad de coparle tanto la parada.

Promoción y despliegue: las ediciones 2011 y 2012 terminaron con años -provenientes de gestiones anteriores- de poca, mala y tardía publicidad del festival, que llegaron a levantar voces sobre la falta de público no especializado en las salas, justamente en el evento emblema de los jubilados en el Auditorium. El paso de marzo a noviembre -desde 2008- pareció afectar la presencia otrora clásica de los mayores de 50 (discusiones sobre moral en plena proyección de películas más o menos vanguardistas), y si bien se debió principalmente a buscar una mayor comodidad en el reparto de películas con el BAFICI, y cayendo cada año en los períodos cruciales para estudiantes de entregas y finales, logró una distribución más equitativa de distintos grupos acordes a la onda de cada sección. La publicidad estática supo de fiascos en varias ediciones y desde hace dos años aparece por muchos rincones recónditos de Mar del Plata, mientras que la televisiva acompañó los entretiempos de muchos partidos de fútbol. Otro día discutiremos cuánta gente fue a ver Vida en sombras o alguna película del foco coreano influenciada por una publicidad con Fierita o Agustín Pichot.

Frank Ocean - Channel Orange

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 02 Aug 2012 18:57:00 +0000

Esta reseña aparece originalmente en Rocktails, en versión levemente editada. Venía escuchando bastante el disco antes de que se me asignara reseñarlo, casi por razones terapéuticas, y Nayla permitió amablemente que publicara la versión completa por acá. El puntaje original que le di al disco fue un 9.2.

“Un tornado voló alrededor de mi habitación antes que ustedes vinieran, disculpen el lío que hizo”. Traducir incorrectamente la segunda persona en la frase que abre Thinkin Bout You, como si nos hablara a los espectadores y no a esa personita especial en escena, puede servirnos para intentar resumir y separar de arranque los muy divulgados sucesos que atravesaron la carrera y vida de Frank Ocean, desde que se enamoró perdidamente de alguien sin recibir el mismo sentimiento a cambio (algunos párrafos más adelante veremos por qué puede importar que esa persona sea un hombre) hasta que el año pasado, con la salida de Nostalgia, Ultra, se distanciaba con brillo de las controversias de plástico que sus amigos de Odd Future plantearon en vez de intentar hacer un disco coherente. Nostalgia, Ultra, justamente, se sumaba a ese flirteo con el profesionalismo propio de los miembros de OFWGKTA, mientras dejaba la sensación de que había una búsqueda sonora seriamente cautivante, una sugerencia elegante de cuánto Frank Ocean podía subirse el listón en el futuro.

Desde la edición de aquel álbum, y sin certeza cronológica de los hechos, el cantante aportó una participación al disco de Jay-Z y Kanye West, rechazando una propuesta de producción de este último por la voluntad de emprender una carrera con sus propias armas; y aceptó un contrato con Def Jam pero frenó la edición de una versión de Nostalgia, Ultra limpia de sampleos imposibles de acordar, los cuales habían despertado reacciones disímiles entre algunos artistas citados: Don Henley de los Eagles o la misma Warner amenazaron con acciones judiciales para que Ocean no tocara American Wedding en vivo, mientras que Coldplay se lo llevó de telonero por Europa, como reconociendo el perfecto empalme del final de Strawberry Swing.

Si Nostalgia, Ultra suponía una tierna promesa de los viajes que podrían emprenderse cuando Ocean tomara nuevamente el timón de su búsqueda, Channel Orange es una confirmación avasallante. Un disco que ratifica su capacidad para unir las distintas direcciones que el R&B, el Soul y el Hip-Hop pueden emprender desde que sus diferencias sonoras entre independencia y mainstream se están borrando sin demasiada resistencia. Hay más colaboraciones musicales entre artistas consolidados y veinteañeros recién iniciados (Ocean mismo en Watch The Throne es un ejemplo), artistas que notoriamente encolumnan al mainstream de la música negra en sonidos disímiles (The xx, James Blake) y un reconocimiento creciente de la crítica alternativa a figuras largamente establecidas en la escena de las grandes discográficas: la cruzada de The-Dream (nombre que asomó desde los singles más recientes de Beyoncé) hacia el mejor sonido de Prince posible parece ser tan bien recibida por los blogs abonados al Indie que por los puestos en Billboard.

Por todo esto sorprende que según muchas reseñas las influencias reconocibles en Channel Orange se limiten a nombres de las figuras reconocibles por clásicas, cronológicamente desde Marvin Gaye e incluyendo a Prince, Sly Stone o Stevie Wonder. Arriesgando poco con agregar la sensibilidad instrumental de Curtis Mayfield y artistas derivados en blaxpoitations y corrientes conscientes del Soul, quizá también sea justo mencionar que algunas de las marcas más concretas del disco provengan de tiempos mucho más cercanos, incluso corrientes: Frank Ocean encara, en algunos tramos del disco, la misma búsqueda irreverente del clasicismo que planteó el Neo-Soul en los '90, incurriendo también en la alteración del formato de las canciones y los discos, entre interludios y volantazos, de la misma manera en que lo hicieran D'Angelo en Voodoo (2000), o Erykah Badu en New Amerykah Part One: 4th World War (2008), mientras maduraban junto a la corriente que constituyeron. Tener en cuenta los 24 años que lleva Frank Ocean es pensarlo, a la vez, como el producto y el impulsor de cambios del Soul, el Hip-Hop y el R&B recientes, y de las conjunciones que pueden darse entre estos. Por cuestiones de géneros musicales, naturaleza de los relatos, el formato de un disco en tiempos de preponderancia del formato digital y canciones como Lost, Pink Matter y Pyramids (esta última que parece un demo perdido de Kanye West), es imposible pensar a Frank Ocean sin atravesar las dos últimas décadas. El aspecto menos amigable de Channel Orange no escapa a esta noción: las pequeñas piezas que se escuchan en tracks como Fertilizer y End (esta última fue presentada como fragmento de una versión limpia, llamada Voodoo) deslizan la idea de descartes que pudieron haber sido canciones impresionantes.

Cuando se ponen las manos estrictamente sobre lo sucedido en Channel Orange, sin embargo, puede hablarse de una influencia que se desentiende de otros ejemplos contemporáneos: el periodista Nitsuh Abebe señala con buen tino cómo Frank Ocean se para en una postura distinta a observar el hedonismo, la comodidad y el aburrimiento que lo rodean, y de los que al menos en el estribillo de Novacane parecía formar parte: una mirada impresionista y casi objetiva de los excesos que matan el tiempo de los niños mimados. Lejos de la construcción de poses o el exorcismo de lo cometido en el VIP de la vida, Frank Ocean tiene una necesidad mayor de sacarse de encima algunos malos recuerdos, entre los cuales está esa noche lluviosa representada en el último track del disco: la confesión en la camioneta, su amigo que digiere la declaración como puede, se mete en la casa y sube las escaleras para ver a la novia. Ese desparpajo para hablar de su corazón es lo que le permite contar las historias propias y ajenas de este disco, jugar a cantar como sus ídolos y brillar por sí mismo, ventilando además una habitación encerrada como es la conciencia de la felicidad propia para la música urbana negra, si eso implica abrirse sobre preferencias sexuales: magistral demostración de lo alegre que puede resultar la liberación mental en el género.

En algún tiempo debería ser injusto caer sobre este álbum sin discriminar la historia personal que en parte lo edifica. Hoy por hoy, su aspecto estrictamente musical parece tan sólido que el análisis escapa inevitablemente a la construcción de una película propia alrededor de las canciones, y las circunstancias que las inspiraron. Lo cual no deja de ser un mérito válido.

Boiler Room cambió la forma de las cosas que prefiero escuchar

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Wed, 04 Jul 2012 18:24:00 +0000

Soy un buen evangelizador en lo musical. Ustedes entran acá desde hace un tiempo o pueden revisar los archivos para saber entre qué corrientes me muevo, y si me siguen en Twitter llegan a presenciar en directo cómo se me bifurcan, quiebran y doblan las obsesiones. Pero mi irrisorio acto de magia se produce cuando el resultado de esos volantazos se exhibe ahí donde no está ninguno de ustedes para favearme, felicitarme o agitar la cabeza por complacerme.

La noche de un hotel junto al mar, vacío salvo por posibles fantasmas, puede predisponer a quienes la afrontamos a entregarnos mansos a un sonido. Que nos sirva en bandeja las ideas a poner encima de la imagen estática del puente contemporáneo, horriblemente juntado a unas réplicas balnearias de Belle Époque, que además nos impiden ver la orilla del mar al nivel de la vereda. Con mano firme para persistir en un set de celular, o quebrar la ruta reconociendo un error de lista, llegué a poner durante mi turno laboral cosas complicaditas de incorporar al oído, respetadas por las siestas de los compañeros, toleradas por otros parlantes y que en ocasiones llegaron a despertar la aprobación y hasta la curiosidad de quienes, por el azar de los horarios bajados de gerencia, contaron con varios días consecutivos para ser taladrados. Después de ese altísimo levante llegaba el momento más difícil: había que revelar el secreto. Pasar canciones compuestas por una banda o persona deja el asunto en decir "Esto es _________, hacen _______, son bastante buenos", pero de repente me vi teniendo que explicar cosas como que un dúo que se llamaba Games, pero se tuvo que cambiar el nombre a Ford & Lopatin, editó dos cassettes con canciones de los '80 lentificadas, o, con más frecuencia y dando pie al asunto principal de este post, que cierto artista fue invitado a un boliche que tiene muchas sucursales por el mundo a poner música, y que esto que sonaba fue lo que pasó. Que no sé cómo se llaman las canciones.

¿Qué ganará Boiler Room por transmitir DJ sets impensados hasta la fecha en antros de locación secreta y en fiestas efímeras con exclusiva entrada por lista? ¿Cómo llegó a expandirse por Norteamérica y Europa en un lapso menor a dos años? ¿Quién bancó todo eso? Hay una página de información generosa para responder esto, que no me interesa averiguar. Como muchas otras series, sitios y pymes al servicio del Indie, Boiler Room ya está crecido, pareciera ser barato y rentable y ofrece un ritmo de producción que sobrepasa cualquier intento de demanda abarcativa.

Boiler Room llega con su Edipo de revivir la experiencia radio-clandestina de su Inglaterra natal. Anuncia semanalmente sets de distintos artistas diseminados por sus sedes en el mundo, con horario de transmisión a la Internet. Una vez realizado el evento, días después aparece el audio grabado, posiblemente con el video capturado del streaming, y comienza la caza más o menos inútil de nombres de canciones en los comentarios. Ya no se trata simplemente de conocer el gusto de un artista, como en cualquier serie de mezclas en las que se embarcaban al pedo los blogs hace unos años, sino además de ver al artista en otra cancha, probar sus habilidades de DJ, incomodarse a distancia con las cosas que le pasan a la gente que quizá fue pensando en bailar, quizá fue sabiendo qué esperar o simplemente está en la lista y no entiende quién pincha la bandeja, o el touchpad. Según cercanía caprichosa al nicho Indie distintos blogs mencionarán la noticia del set, pero como sucede con las producciones de plataformas como Daytrotter o Yours Truly, es imposible no encontrar una cantidad de cosas a recomendar que saturarían a cualquier entusiasta. Llega el momento de decir que entren, y ya. Está pasando de todo.

¿Qué nos está pasando con los satélites de discos? ¿Cómo podemos incorporar estas grabaciones a nuestras escuchas habituales sin que terminen acaparando toda nuestra jornada audiófila? Como cuando digo e insisto con que las mixtapes gratuitas les sacan mejores ideas a los rappers que sus propios discos, estos pequeños eventos les dan un mayor campo de acción a la creatividad de los artistas, haciendo con las obras existentes -propias o ajenas- lo que quieran en pos de mostrarnos qué puede ser la música según ellos. Entre mis sets favoritos de Boiler Room están los ofrecidos por James Murphy y MF DOOM, desde distintas ciudades pero enmarcados en una especie de clínicas musicales que dispuso Red Bull, el back to back de casi dos horas que emprendieron Jamie xx y Caribou, las grabaciones más recientes a cargo de James Ferraro y A Guy Called Gerald y las de nuevo formato matutino, con Animal Collective y la dupla entre Juan Maclean y Shit Robot. Todo descargable si se saben usar Flashgot, jDownloader u otras herramientas de apropiación de streaming. Spend The Night With... GAMES y la mix de Caribou para el sitio Resident Advisor formaron parte de mis listas de mejores discos en 2010 y 2011, respectivamente.

MCA (1964-2012)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 07 May 2012 07:52:00 +0000

Lejos de poder traer a colación algún recuerdo de fanatismo durante mi adolescencia, o marcar algún tipo de identificación de rebeldía que tuviera con alguno de ellos, los Beastie Boys me marcaron ciertamente hace unos pocos años y en un plano estrictamente musical, no tanto en lo que refiere al sonido sino en la manera en que lo podemos apreciar.

Seguramente hace 2 o 3 años publiqué en La Lectora Provisoria este texto sobre Paul's Boutique de Beastie Boys y Fear of a Black Planet de Public Enemy. Si lo hice en ese blog, de público en su mayoría ajeno al género, fue simplemente por un ingenuo -pero genuino- interés por el choque cultural que pudiera producirse, con más intenciones de mostrar al Hip-Hop como un producto de acceso universal y amistoso que de causar discordia o reacciones hostiles. Lo cual no quita que el hobbie fuera, al principio, de la mano de ciertas fijaciones personales propias de los terremotos sociales en los que quería acomodar mi personalidad de adolescente: el rechazo progresivo que tuve por un círculo de amistades y minas en el que me movía cicatrizó en un desdén hacia poses y gustos musicales muy presentes en los chicos de mi ciudad, juventud rabiosa y liberal con algunas notas rednecks de subestimar la música de los suburbios nacionales y extranjeros, estimando por adelantado que, pongámosle, Pez o Manu Chao hacen canciones con significados y referencias más profundos que los de cualquier artista de Hip-Hop, o Cumbia. Y no es que tal sentimiento me haya surgido espontáneamente por despecho, como tampoco que nunca hubiera minimizado al Hip-Hop, o particularmente a los Beastie Boys alguna vez: fui contemporáneo (y tenía televisión por cable) cuando rotaban los videos de Body Movin', Intergalactic y, unos años después, Ch-Check It Out. Si bien los videos eran geniales y los beats pegadizos, ellos me parecían básicamente payasos, y tanto a los 8 como a los 14 años estaba lejos de llegar a absorber todas sus características notables, como también de poder construir un imaginario de sus carreras habiendo visto, a lo sumo, videos de (You Gotta) Fight For Your Right (To Party), o Hey Ladies, sin saber de qué años databan, o qué había en el medio de todo eso. Los Beastie Boys presentaban esa especie de fachada que naturalmente uno se armaba de los Beach Boys, y que iba derribando cuando separaba las nociones de Super Ratones y Beach Boys, conocía la historia de Brian Wilson, escuchaba los discos famosos, etc.

En 2009 tenía una gran dificultad para volver sobre bandas de Rock clásico que había compartido antes con una chica, y me volcaba promiscuamente menos sobre chicas nuevas que sobre discos de cualquier género, que llenaran un vacío que por supuesto es más dañino que el sexual, o el amoroso. Paul's Boutique, como la discografía de los Beastie Boys y las vidas individuales de sus integrantes, son lecciones sobre el goce ilimitado de cargar en una valija cósmica las influencias positivas que uno pueda tomar de cualquier origen, mientras nos ayuden a sortear obstáculos en el camino. La lección de eclecticismo cultural de los Beastie Boys es bidireccional; enseñaron a una etnia a dejar de mirar de reojo las influencias de la otra, menos como embajadores políticos que como curadores rebeldes de lo cool en diversos orígenes. Los sampleos y rimas que ingresan clandestinamente a los beats son muestras gratuitas del caleidoscopio sonoro en que el Indie está inmerso, y tras esos signos crípticos que no se revelan sino después de varias escuchas, averiguación de canciones y traducción de letras subyace un mensaje tan simple como el de un coro cristiano juvenil. Yauch fue el cerebro conceptual de esa idea propia de Claudio María Domínguez, servida en bandeja en el hit del primer disco y escondida bajo vinilos gastados al siguiente. Paul's Boutique me empuja a escribir este obituario, tras el cual me doy cuenta de que probablemente seguí ese mensaje, y hoy soy más feliz.

Linux y yo, un año después: viudas e hijas de GNOME 2

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Fri, 04 May 2012 16:53:00 +0000

Mientras escribo esto se están dando las últimas charlas del FLISoL 2012 en Mar del Plata, el evento latinoamericano que por estas zonas se encarga de organizar gulBAC. Tenía pensado ir, como el año pasado, pero me llamaron ayer para trabajar por el fin de semana largo (conserje nocturno de hotel), desperté hace un rato y no vale la pena apurarse para cubrir sin la información necesaria lo que está sucediendo desde la mañana. Más allá de esa omisión quiero seguir con el ritmo anual en la crónica de mi relación con Linux, un poco para compartir las experiencias con los varios linuxeros que descubrí, por ejemplo, entre mis seguidores de Twitter (muchos se deschavaron con la salida de Ubuntu 12.04, el jueves pasado), y también para intentar describir la velocidad con que se expande el software libre, y cómo quedamos parados los que, por falta de recursos o sedentarismo digital, no podemos seguirle el ritmo.

A esta altura es imposible que considere una vuelta a Windows: me encuentro completamente acostumbrado al manejo de archivos, uso de programas y diseño personalizado que ofrece mi distribución actual (Linux Mint 11, derivada de Ubuntu 11.04), y la arquitectura de seguridad, que le permite al usuario navegar sin necesidad alguna de antivirus o programas similares, me quita cualquier preocupación a la hora de navegar - siempre por lugares de confianza-, o sobre todo cuando mi madre se dispone a ver los Power Point y demás huevadas que se envía con amigas, sin considerar mucho lo que le pueden hacer a la máquina. Mamá también se acostumbró rápido a la interfaz, que siempre intento sea lo más parecida a lo que teníamos cuando usábamos Windows XP.

Pero si tengo que contar lo que es usar Linux, como si estuviéramos hablando de desahogo, es porque durante este año me la pasé, supongo que junto a otros cientos de miles de personas, buscando una comodidad de trabajo y uso muy difícil de alcanzar si uno no puede, o no quiere, arremangarse y programar exactamente lo que necesita. Algunas nociones básicas pueden explicarse tarde, e intenté por todos los medios evitar los saltos de fechas, la superposición de cifras y la ramificación excesiva de datos en lo que estoy por contarles, pero en algunos tramos el asunto fue y es así de retorcido.

Febrero/marzo de 2011. Cuando arranqué definitivamente a usar Linux lo hice desde Ubuntu 10.10 (para no marearse con las fechas de lanzamiento pueden ubicarse temporalmente con la nomenclatura de las versiones: "año.mes"). Esta edición, que ya no tiene soporte de seguridad, incluía un software lo más actualizado posible a la fecha, había ampliado abismalmente la configuración gráfica de sus componentes respecto a versiones anteriores (los cuadros que permiten habilitar o deshabilitar funciones cliqueando botones en vez de escribiendo comandos en una terminal) y sobre todo venía acompañado por un diseño consolidado de sus gestores de escritorio y ventanas. El entorno de escritorio GNOME, en su versión 2 (que estoy usando ahora mismo, según la foto que ilustra el post), presenta al primer arranque de sistema dos barras "de inicio" -una arriba, otra abajo- similares a las que conocemos de XP, con la diferencia radical de que podemos hacer lo que queramos con ellas: cambiarles el tamaño, borrarlas, sumar otras a los costados de la pantalla, agregarles o quitarles botones, accesos directos, widgets con distintas funciones. Compiz y Metacity, mientras tanto, eran las opciones de gestores de ventanas, con más o menos efectos y opciones para personalizar el comportamiento de estas, y por ende un mayor o menor gasto de recursos de la máquina. El exiliado de Windows llegaba a una interfaz reconocible, y se le ofrecían medios amables para modificarla.

Abril 2011. Para su siguiente edición Ubuntu presentó Unity, un entorno de escritorio que venía probando en una versión para netbooks. Y para no tener que explicarlo con palabras: si al arrancar la máquina Ubuntu 10.10 mostraba este escritorio, Ubuntu 11.04 mostraba uno como este. La barra inferior desapareció, la de arriba no podía modificarse en ninguno de los aspectos que GNOME 2 permitía, y la columna con accesos directos de la izquierda permitía una personalización mínima que no todos los usuarios podían realizar. La frutilla del postre era la manera propuesta de abrir programas, carpetas y archivos que no estuvieran en los accesos directos, un paradigma que increíblemente algunos usuarios defienden como un avance: cliqueando sobre el ícono de Ubuntu, arriba a la izquierda, surge un menú que cubre toda la pantalla, y en el cual hay que escribir el nombre del programa en un cuadro de texto, o buscarlo entre todos los íconos. El cambio de ventanas de un mismo programa con Unity también requiere comerse otra pantalla: si yo tengo dos ventanas abiertas del Firefox, y quiero pasar de una a otra, tengo que cliquear a la izquierda del ícono de Firefox en la barra de programas, y otro menú me cubre toda la pantalla mostrándome esas ventanas. Y ahí puedo seleccionar.

Ubuntu -o Canonical, la empresa sudafricana que lo desarrolla- incluyó GNOME 2 como alternativa a Unity en la edición 11.04, pero anunció que no lo haría más, desde la 11.10. Y a GNOME, por su parte, se le ocurrió terminar con el mantenimiento de la versión 2, para enfocar todos sus esfuerzos en la 3, repleta de caprichos de diseño similares a los de Unity.

¿Pero cuál es el problema? (Y de qué estamos hablando, de paso). En listas de correo, foros, blogs y redes sociales los usuarios se debaten entre qué caminos tomar para seguir operando sobre interfaces parecidas: uno no puede seguir usando un entorno vencido porque los programas dejarían de funcionar correctamente con ellos, y los desarrolladores de software libre, usualmente laburando ad honorem, no pueden maquillar un programa para todos los entornos y distribuciones disponibles. La licencia permisiva de la gran mayoría de proyectos en Linux permite cualquier combinación de distribuciones con entornos. Linux es, en sí mismo, un kernel, un núcleo, materia prima: las distribuciones son los sistemas operativos, el producto que no es final porque puede ser modificado y redistribuido. Algunos, entonces, deciden cambiar de distribución (derivados de Ubuntu, Fedora, Debian, openSUSE, Arch Linux, enorme etcétera), y otros cambian de entorno dentro de la misma distribución: le instalan KDE, LXDE, Xfce u otro gran etcétera a Ubuntu. Y casi de la nada, una distribución derivada de Ubuntu, reconocida pero con un nicho mucho menor de usuarios asoma con una decisión importante: Linux Mint 11, con soporte de seguridad hasta octubre de este año, sale únicamente con GNOME 2.

Octubre 2011. De nada servía mudarse a una versión algo más pulida de Unity en Ubuntu 11.10, o a los sensatos pero incompletos parches que Linux Mint 12 aplicaba sobre GNOME 3. Aparece en escena MATE, entrañable esfuerzo nacional equivalente a un mantenimiento oficial de GNOME 2, que avanza contra la corriente hacia una estabilidad por ahora utópica a largo plazo.

Hacia diciembre el francés Clement Lefebvre, fundador de Mint, lanza Cinnamon, un intento más acertado de domestizar GNOME 3 que está camino a ser el escritorio por defecto en la versión 13. Desde el respaldo a GNOME 2, además, comenzó a posicionar a Mint como una distribución atenta y respetuosa por las necesidades de sus usuarios: el sistema ya era reconocido por encargarse de asuntos sensibles para Ubuntu y otras distribuciones, como los códecs de audio y video (que trae pre-instalados) y la compatibilidad del software con las versiones de las distribuciones (con un gestor de actualizaciones que sugiere qué saltos de versiones realizar). Si tal cuota de sensatez resultaba extraña en esta historia, el blog inglés OMG! Ubuntu se despachó con críticas a la idea inclusiva de Mint, desmintió de manera agresiva que la distribución le hubiera quitado el primer lugar en popularidad linuxera a Ubuntu e instaló una polémica absurda sobre la configuración en un programa de audio (permitida por la licencia) que le remitía unos pocos dólares mensuales a Mint de la compra de canciones en Amazon.

Abril 2012 y más allá. Ubuntu 12.04 presentó la mejor versión de Unity hasta la fecha. Desde la raíz su diseño sigue entorpeciendo el uso simultáneo de varios programas, pero las vías para personalizarlo crecieron notablemente: MyUnity, Ubuntu Tweak, Unsettings y scripts como este mejoran en gran manera la experiencia. Trajo, además, un modo clásico de GNOME que es prácticamente el regreso de la versión 2 (bien pensado para un sistema operativo que tendrá soporte por 5 años), pero que por ahora abunda en baches, presentes desde hace meses pero nunca solucionados en la urgencia de pulir otros aspectos para la fecha de lanzamiento. GNOME 3.4 sería prácticamente desechable si no fuera por las extensiones que los usuarios mismos desarrollaron. Linux Mint editó su versión basada en Debian, que salió con Cinnamon y MATE actualizados, dejando muy buenas impresiones sobre ambos entornos y encuestando a sus usuarios de cara a la llegada de la versión principal, a fines de este mes. Otras distribuciones hicieron su propia remix de GNOME. Trisquel particularmente se mandó un gran laburo con el escritorio, pero su intransigencia respecto a incluir solamente software con cada línea de código libre me impide instalar algunas piezas fundamentales, y me disuadió de dejarla instalada.

Me compré en febrero una laptop con recursos más que suficientes para dejar arriba del armario a mi vieja amiga de escritorio, pero entre problemas con Wi-Fi y estas vueltas sin fin solamente la desenfundo de vez en cuando para ir viendo el desarrollo de las distribuciones. Parece mentira que ideas tan buenas sean así de complicadas para llevarse a cabo: el linuxero vive pensando, implementando o pidiendo por parches, soluciones a problemas inmediatos lógicos por la enorme variedad de hardware en que se instalan las distribuciones, pero también producto de la atomización en los proyectos y el desinterés que grupos mínimos de usuarios despiertan en las grandes empresas de programas, códecs y drivers. La decisión de Canonical con Unity, totalmente respetable y dentro del marco de libertad en que se ubica Linux, dio pie a una serie de divergencias que en vez de contribuir al crecimiento de las alternativas que surgieron las mostró bastante debilitadas frente a la falta de fondos y tiempo de los programadores. El apoyo económico es evidentemente un factor importantísimo para evitar las demoras y la falta de resolución sobre los problemas que acarrean las distribuciones, y a veces ni siquiera esto asegura un desempeño feliz de los sistemas: de manera paulatina, en los últimos tiempos Google bajó la persiana a la versión linuxera de Picasa, Adobe terminó con el soporte para su producto Air y anunció que su versión de Flash sólo estará disponible para el navegador Chrome, y programas como Skype (ahora a cargo de Microsoft) quedaron en un estado de beta indefinido. Mientras surgen este tipo de problemas las distribuciones se imponen tiempos y metas innecesarias, y quienes quieren voluntariamente solucionar inconvenientes se encuentran sobrepasados con matices, y sin la suficiente colaboración en bases pequeñas y muy diferenciadas de usuarios, según la distribución. Figuras pesadísimas en Linux como Canonical y GNOME están avanzando en sus ideas prácticamente sin oir a los usuarios, demasiado seguros de sí mismos como para considerar a la accesibilidad como un gancho para atraer a más máquinas.

Mal que les pese a los más hardcore, hay que parar la pelota y llegar con tranquilidad a un nuevo escritorio estable, que deje de llamar la atención y se integre silenciosamente al ritmo de producción o huevo que todos pretendemos alcanzar cuando prendemos la máquina. El usuario tiene que llegar de a poco a la autonomía que Linux le ofrece sobre el sistema, sentir que va domando cada vez más aspectos de lo que opera para poder llevarlo a su ideal. Que sea inexperto no significa que pueda ponérsele cualquier cosa enfrente y convencerlo de que así se va a enfocar más en sus cosas.

Así y todo voy a ponerme en el apriete de sugerirles una distribución para empezar. En un ambiente cada vez más repelente a los novatos la postura de Linux Mint no se cansa nunca de ser la correcta. Es la distribución que más cerca se encuentra de estar lista ni bien se instala, arreglar baches surgidos en el crecimiento, ofrecer la mayor cantidad de documentos de ayuda (por su derivación de Ubuntu) y, muy sabiamente, no moverse en ninguna dirección si es peligroso hacerlo. Decenas de veces me mantuve sin tener que realizar actualizaciones para después retrotraerlas, gracias al gestor que les otorga números según su conveniencia. Pueden instalar la versión 11 para disfrutar de los últimos meses del auténtico GNOME 2, y ver si pueden reemplazarlo con MATE, como también empezar a probar Cinnamon en la versión 12: para fines de este mes es muy probable que ambos vengan instalados en la 13, según la encuesta que ofrece Lefebvre. Si quieren quedarse desde el arranque con un solo gestor de escritorio consolidado y similar a GNOME, dentro de una distribución masiva, Xubuntu es el camino.

Daniel Burke: programa en WZRD (1988 aproximadamente)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Wed, 25 Apr 2012 18:37:00 +0000

En el blog de radio WFMU encuentro extractos del programa de una figura reconocida (no exactamente por mí) de la música experimental de Chicago, en el aire de una emisora freeform de la universidad pública de la ciudad. WZRD opera históricamente con fuertes principios de transmisión, como la libertad (probablemente obligatoria) con la que sus DJs exploran géneros musicales, tipos de sonidos y discursos emitidos sin restricciones comerciales o editoriales de ningún tipo, y probablemente con el horario del slot como único límite. Burke claramente aprovecha esta situación para intercalar la lectura de noticias con sonidos ambientales y loops que parecieran integrarse conjuntamente con el entorno lúgubre que rodea a las instalaciones de la radio, según su sitio oficial.

¿Podríamos darnos el lujo de forzar de esta manera los límites del lenguaje radial en el circuito, al menos alternativo o comunitario, de emisoras con planta física y compartida en nuestro país? ¿Hay algún ejemplo actual de programas con esta libertad de movimiento? ¿Se muestran estos caminos en los institutos que forman radioastas? ¿Cuán puro y limpio de periodismo/magazine podría ser lo que emitimos? Ir al primer link de este post para descargar unas 8 horas de, digamos, radio abstracta.

50 discos de 2011: cierre simbólico

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Fri, 13 Apr 2012 13:49:00 +0000

El conteo de los mejores discos del año pasado se detuvo abruptamente en el puesto 7 por motivos laborales. Una vez conseguido el descanso considero que lo mejor es esbozar las razones fundamentales por las que elegí los 6 discos que quedaban por mencionar, cerrar el anuario musical y, una vez posteado esto, empezar a hablar de lanzamientos de este año (ya que radio semanal no voy a hacer durante 2012).

¿Qué pasó con el imaginario sobre los artistas? ¿Es posible tener alguna especie de fantasía sobre algún músico si estamos continuamente enterados de sus emanaciones? La ingeniosamente nula intervención en redes sociales de algunos músicos es un aspecto clave que quiero desarrollar en el puesto 1. Smoke Ring for My Halo es un disco sobre un Huckleberry Finn de las rutas contemporáneas, un papel que Vile puede ejecutar sobre el escenario (lo dirán mejor quienes lo hayan visto esta semana en Buenos Aires) con la facilidad de rockear con modorra y esconder la mirada con ese pelo hermoso. Las historias en las canciones no se anclan en el presente inmediato y particular, extensión de Twitter que John Darnielle supo pergeñar con anterioridad, si no en añoranzas de un pasado jovial y argumentos trazados desde frases hechas y pequeños actos cotidianos. La ventaja no es tanto imaginarse a un hombre sin reglas que vive en el camino (quizá sí para las chicas), sino más bien poder encontrar esos grandes momentos en nuestras vidas supuestamente ordinarias.

La canción del título, bueno, es sobre una mujer que arenga a un profesor a que dé 50 traducciones a la palabra nieve. Soy partidario de que las obras complicadas de inculcar a principiantes deben recomendarse y disfrutarse sin más. La intransigencia de este disco -no es otra cosa que la claridad de Bush sobre a dónde dirigirse- puede ser malinterpretada, como en el caso del último choclazo de Joanna Newsom, como un condicionante para empezar a buscar virtudes más o menos coherentes y distraer la atención de la duración de las canciones, la falta de asco a los silencios, al melodrama y al ensayo interlingüístico. 50 Words For Snow puede disfrutarse desde sus aristas más visibles: la generosidad de estribillos por canción, las Torres Gemelas como cumbres borrascosas contemporáneas para que aparezca Elton John, la posible cuica que marca el patrón en la canción del título. Una canción de 13 minutos tiene todo el derecho a ser pegadiza.

Combo extraño el de voz choppeada, saxo tenor y cuerdas en pizzicato para un disco de electrónica que llega a tener momentos bailables. Todo está dispuesto de manera excéntrica para dar luz al monstruo que nos habla en las canciones. A diferencia de la bruja sueca, vieja en la profesión que es Fever Ray, consciente y abogada de su condición, esta discípula urbana parecería estar narrando una historia de adolescencia, de alguien que empieza a divisar todo lo que tendrá que enfrentar al mismo tiempo que reconoce sus limitaciones para tal fin, con el cinismo propio de la edad encarnado en el uso poco ortodoxo que reciben los instrumentos.

No hay salvación del Rock, elogio desmedido al virtuosismo ni reivindicación de la juventud: Ty Segall es un pájaro libre y lo más probable es que salgamos lastimados si le ponemos todas las fichas. Lo frontal y concreto de Goodbye Bread, esa falta de humectación en la mano que nos pega la trompada, hace a las canciones atemporales, piezas de la ortodoxia glam producidas como jingles de los '50 en la baja fidelidad impostada de nuestros días. También debería ser un disco que resista el paso del tiempo y los efectos colaterales del palo artístico que Ty podría pegarse en cualquier momento.

Hoy todo puede ser objeto de la ironía: criticamos el laburo ajeno por Twitter o una foto romántica en Facebook y cuando nos metemos en la mesa chica o en una relación seria pasamos a ser las víctimas, a la vez que no hay logro o noticia impermeable al chascarrillo cibernético en algún punto. En ese ida y vuelta constante de la destrucción a la construcción en la que nos sumimos cada día, rara vez somos testigos de una muestra del dedo mayor tan sutil, contundente y excelsamente engendrada. Arquear la ceja pensando en el tipo de personas que mencionan las canciones (algunas veces podemos señalarlas, otras veces somos nosotros), mientras sin darnos cuenta nos hundimos en el barro de una rotación momificada de canciones en una AM: bra-vo, señor Dejar.

Misterio es el McGuffin con Shabazz Palaces. Misterio de no saber nada de sus miembros cuando ya habían lanzado dos EPs, de no tener la mínima idea sobre los sampleos de las canciones, qué instrumentos se usaron, qué se tocó en estudio y qué se sampleó, qué onda con los títulos de las canciones, qué significan las letras, y sobre todo la magia de que, si bien ya se conocía la identidad de los dos integrantes, nunca tuvimos en las redes sociales un relato constante que los humanice. Son científicos locos, magos, jazzistas, cualquier cosa que uno quiera imaginarse.

El sonido post M.I.A. de Shabazz Palaces y Of Light se dirigió a un terreno propio y nuevo en Black Up. Canciones con cero o dos basamentos que se improvisan en vivo con posibilidades ilimitadas (nuevamente el misterio), fraseo preciso de letras que parecen robadas a un testamento religioso oriental y una producción bielsista que permite, y por favor prueben esto, poner el volumen al máximo y descubrir más sonidos a los costados en vez de aturdirse.

Los mejores discos de Hip-Hop en los últimos tres años tienen en común su capacidad de ser tomados por otro objeto artístico, sin otra necesidad que la mental para pensarlas en otros soportes: si Only Built 4 Cuban Linx... Pt. II podía imaginarse como un musical de Broadway sobre la vida callejera más allá de cualquier ícono vendible, y My Beautiful Dark Twisted Fantasy como una masturbación a la altura estética y discursiva de los bufarras del Saló de Pasolini, Black Up tiene el agregado de no saber decirnos exactamente a dónde nos está transportando, mientras nos lleva en una alfombra persa por el aire.

BAFILeaks 2012: lista de links a películas del 14º BAFICI

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 02 Apr 2012 15:38:00 +0000

BAFILeaks 2012 - Beta 5

SOPA

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Wed, 18 Jan 2012 18:21:00 +0000

Últimos Gritos #72

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Fri, 06 Jan 2012 00:10:00 +0000

El final del ciclo. Declaré como disco del año a Black Up, de Shabazz Palaces, y ese mismo disco será elegido en el conteo de este blog, que se terminará cuando se pueda. Estoy pasando el verano entre dos laburos: uno es seguir en la radio. De martes a domingos, de 16 a 19 y con varios días de programación alterada por los recitales en la playa, estamos junto a Ignacio Sacchi y Sebastián Duarte con un programa completamente distinto, obviamente adecuado a la época del año, la hora y los compromisos que mencionar, pero relajado y terapéutico para quien escribe.

Ahora que estamos frente a la despedida por tiempo indefinido de este formato, no me queda más que agradecer tanto a los artistas, bloggers y editoras involucrados (cuando pude o debí contactarlos), por la siempre buena predisposición a preguntas y pedidos, a Nacho por la confianza y paciencia de siempre, a Javier, Diego y Fernando por la operación técnica y a Manuel por haber permitido, básicamente, un bloque de música pretenciosa y criterios caprichosos durante dos años. Oyentes nunca sobraron, o eran muy tímidos; el horario siempre fue algo incómodo y no todos se enteraban de estos posts, por más que insistimos bastante en ese punto. Pero puede suponerse que, incluso si hubiera mucha más gente escuchando, el oyente y músico Emiliano (alias Dr. Pepovich), seguiría siendo el fanático número 1 del bloque.

Últimos Gritos #71

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 29 Dec 2011 23:01:00 +0000

Penúltimo balance de 2011, penúltimo episodio de la serie. Hoy sale al aire el último, de hecho.

The Weeknd - What You Need
DJ Quik - Killerdope
Frank Ocean - Lovecrimes
Violeta Castillo - Mi Cárcel
Twin Sister - Gene Ciampi
Tennis - Origins
Planningtorock - Milky Blau
James Ferraro - Adventures in Green Foot Printing
Los Dientes - Verdaderamente Negro
Spaceghostpurrp - Possessed The Intro
Big K.R.I.T. - R4 Theme Song
Kendrick Lamar - Hol'Up
Yin Jerei - Technocumbia

Todos los jueves a las 24 (UTC-3) en Antes que Nada (streaming en directo), con Ignacio Sacchi y Juan Francisco Gacitua. Por Rock & Pop Beach, FM 98.9, Mar del Plata, Argentina.

50 discos de 2011: puesto 7

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Tue, 27 Dec 2011 07:30:00 +0000

SoundCloud

Robag Wruhme - Thora Vukk. Como con todo género o subgénero establecido en bases sonoras sólidas y definidas, y surgido previamente a muchas de las corrientes musicales actuales, me resulta imposible escribir con total conocimiento de causa sobre la House. Aprendí a disfrutarla un poco a los bifes, intrigado por conocer el encanto de Alcachofa, cuando Resident Advisor lo elegía como disco de la década ignorando a discos y artistas mucho más involucrados en la causa de lo que el indie contiene en su cerco. Es una especie de visión universal precolombina que me afectó hasta darme cuenta de que sitios como Resident Advisor operan sobre un cosmos amplio pero mucho más definido que el de sitios como Pitchfork, si bien en estos últimos años ambas publicaciones compartieron la cobertura y preferencia de muchos estilos y artistas, muestra involuntaria del amplio movimiento de la artesanía musical al terreno electrónico.

La música electrónica es un barrio aparte, donde figuras de cierta reputación para un público mayormente anclado en el Rock y el Pop pueden tener una imagen completamente distinta. Como a los metaleros ortodoxos puede parecerles -de hecho les pareció- una blasfemia el acercamiento al Death Metal de Liturgy, muy celebrados por un público menos experto en el tema, en mi postura turística sobre la música electrónica tardé en asimilar positivamente la actitud relajada y rítmicamente flatulenta de Ricardo Villalobos, eminencia en lo que respecta a cantidad de estilos que desde la ignorancia percibo similares, cuando aún no lograba separar a una canción de electrónica de una estructura Pop, y menos unos años atrás, cuando me regía por lo que hicieran personajes tan poco significativos para la escena como Moby y Fatboy Slim.

Si me dejan adivinar, puede que haya un problema de arranque con la música House, Techno y afines, y sea la falta de una posibilidad explícita de empatizar con las letras mínimas y las melodías que usualmente no expresan ningún tipo de sentimientos; quizá climas, momentos o frases definidas, pero rara vez un sentimiento por el cual uno no tenga que escarbar un poco al sonido. Alcachofa, que es un disco totalmente disfrutable sin una paleta de expresiones del autor a la vista, tiene muchas historias complejas y grandes detrás de sus canciones. There Is Love in You, de Four Tet, provocaba reacciones mucho más desde la calma que alcanzaban sus elementos acústicos que desde los títulos explícitos de las canciones. Thora Vukk contagia emociones sin haberse escuchado: la hermosísima tapa predispone a hablar por unos minutos de familia, despedidas, lugar de origen, lugar de destino, infancia y pasado.

Pero dos puestos atrás había hablado de trampa en ligar la música a momentos y situaciones, y de hecho Thora Vukk no arranca yendo a las costillas. Cinco tracks de pulso uniforme, levemente evocativos pero de fuerte sobriedad, suenan muy respetuosos de las estructuras genéricas y quedan claramente detrás de la segunda mitad. Lo que sucede a partir de Pnom Gobal es especial: la voz del mismo Wruhme (alias de Gabor Schablitzki), grabada en su notebook y con notas de alcohol, sobre percusiones descuajeringadas en síncopas y variedad. Melodías tarareadas por amigos, chicos arengados por lo que parece ser un animador, una práctica coral con una nena y teclados simplísimos moviéndose entre acordes y notas cercanas entre sí, como si no quisieran irse nunca del colchón que tiran en el piso. Enorme capacidad de sorprender al técnico que quiera sorprenderse por la movilización que puede provocar Schablitzki en su minimalismo, y de hacer que aquel de sensibilidad Pop desee que estas canciones acompañen los sentimientos que la noche le haga florecer. No debía decir eso.

50 discos de 2011: puesto 8

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Sun, 25 Dec 2011 23:29:00 +0000

James Ferraro: Far Side Virtual by alteredzones

“The thing from the agency said, 'We want a piece of music that is inspiring, universal, blah- blah, da-da-da, optimistic, futuristic, sentimental, emotional,' this whole list of adjectives, and then at the bottom it said 'and it must be 3 1/4 seconds long.'”

-Brian Eno sobre el sonido de inicio de Windows 95.

Por pensamiento lateral esta sería la música más comercial, vendible y confortable jamás hecha: si el trabajador de 25 a 50 vive regido por la ocurrencia de sonidos de intenciones amables que marcan el éxito o fracaso de sus acciones cotidianas (el encendido de una computadora, un mensaje de error del sistema, el pitido de la puerta del edificio al abrirse, el spot de una productora antes de cada episodio de una serie), hacer un disco basado en sonidos de este carácter debería ser una invitación irresistible a vivir 24/7 en la comodidad que el capitalismo laboral nos ofrece. Cierto es que sólo a los patrones les gusta hacer de vida y trabajo una sola cosa (lo sabrán ustedes, si sus jefes revisan las cámaras de seguridad continuamente, pasan a toda hora por el local o los llaman al celular por cualquier estupidez), por lo cual uno, parásito, pretende que la música se lo lleve lejos del ambiente al que le da un tercio de su vida útil, pero al menos estas canciones de Ferraro, las más cálidas y accesibles de su carrera, son sin lugar a duda su mejor acto de terrorismo cultural a la fecha.

Pensar este disco me remite a la primera vez que escuché a la Penguin Cafe Orchestra, lo cual me llevó unos años atrás a la banda sonora del Sims, música indicada para tener paciencia a la hora de armar la casa del personaje cuya vida íbamos a regir (si ya conectaron esta oración con la publicidad de Speedy, estamos en sintonía). Es claro que, más allá de la paridad de sonido, hablo de tres ejemplos con vectores muy distintos entre sí: el genio de Simon Jeffes, el juego para PC más vendido de la historia y, en el caso que nos ocupa, una exploración provechosa del costado musical del trabajo y ocio de los grupos socioeconómicos que más controlan y/o disfrutan la vida microcéntrica de la posmodernidad.

Con tanto trasfondo expuesto, son incontables los momentos diarios en los que podríamos introducir segundos de algún track de Far Side Virtual. Sonido 100% libre de distorsión, en suave percusión enlatada, con teclados en pizzicato, sintetizadores lineales e infinitos y climas en crescendo de fanfarria como ringtone polifónico, con dejos de referencias vocales a las tierras asiáticas de donde provienen las noticias de hombres dormidos en la oficina después de haberse quedado a laburar unas decenas de horas de más, u operarios de Apple rodeados por redes que evitan sus intentos de suicidio. La descripción técnicamente sonora de Far Side Virtual no es más fuerte que la catarata de reminiscencias que les produzca, pero exigir que la calidad de las canciones esté a la altura del concepto planteado -cosa que ya me cuestioné gracias a su disco anterior- es una injusticia: Ferraro se mimetiza demasiado bien en nuestro mundo, para ser un alien.

50 discos de 2011: puesto 9

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Tue, 20 Dec 2011 22:35:00 +0000

Run DMT: Dreams by alteredzones

Run DMT - Dreams. Pocos géneros, lanzamientos y artistas hablan de manera directa y... Casual del consumo de drogas. Es una tapa habitual en mixtapes, con el rapper con la cabeza levemente hacia abajo y un costado y el humo subiendo, un concepto adherido a la impronta de bandas herederas de los Grateful Dead, como Woods y White Denim en cierto sentido, y una excusa para glorificar discos de críticos a los que no deberían hacer más caso, porque cuando el argumento principal es la situación en la que el disco funciona, se supedita su poder, efecto o virtud a una experiencia subjetiva que no todos podrán compartir. Además de que el debate pasa a ser cómo le pegó a cada persona el combo, en vez de centrarse en la música. Después, cientos de discos son descriptos por su atmósfera dreamy o dope, lo cual es más un signo involuntario de estos tiempos que un tic escrito a propósito.

Como fumador/consumidor de absolutamente ninguna droga (¿Ibuprofeno no cuenta?) me gusta enfrentar situaciones como las que me provocó Pilot Talk II de Curren$y en 2010. El disco psicodélico o simplemente fumón tiene un encanto por sí mismo; no se trata de emparentar cualquier maniobra musical a lo que el músico haya consumido para realizarla, sino de considerar, cuando la cata del autor puede confirmarse, que el disco implicará un recorrido (no redundemos diciendo viaje) por los recovecos psíquicos de quien nos habla, en un estado de inflamación, supresión, ramificación o igualación de ideas. Ustedes sabrán mejor, manga de junkies.

El celosamente guardado Dreams (ver esta crónica) vendría a ser una descripción verbal y sonora de las visiones de Michael Collins vía dimetiltriptamina, pero su estilo desarmó ese molde con el que iba a escucharlo: ¿es un disco psicodélico o un ensayo sobre música psicodélica? ¿Las atmósferas y las narraciones fueron predigitadas para sonar en esa clave o son registros auténticos del vuelo que emprendió Collins?

Despejando la especulación hay que hablar de un gran álbum de Ambient, de canciones indudablemente pictóricas, a las que es imposible reducir a una relación con el consumo, o las imágenes prácticamente abstractas que Collins describe. No sólo por el hecho de que cada uno de nosotros, en caso de escuchar esta cassette fumados, tendríamos visiones totalmente propias, sino porque en cualquier estado las canciones nos van a empujar a distintos lugares, de calma, inquietud o lo que se les ocurra. Hay algo perturbador en el sonido lo-fi de toda la cinta, que impide mantenerse pasivo a los sonidos en repetición, y que hace que uno pueda emprender su propio viaje, limpio de sustancias o no, en vez de detenerse en lo contado por Collins. Cuando la música se acerca a formas Folk el álbum amplía su victoria. Un sahumerio sesentoso se prendía silencioso detrás de mi sospecha de que hubiera un estereotipo en Dreams.

50 discos de 2011: puesto 10

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 19 Dec 2011 16:39:00 +0000

James Drake Mixtape - Bombé & Mr. Caribbean by Bombé

(Descarga gratuita en dos versiones)

Bombé & Mr. Caribbean - James Drake. Como Bart cuando, jugando al magistrado en una isla desierta, exonera a Milhouse de todo cargo en el juicio por la desaparición de la comida, tengo que admitir que al día de hoy estoy bastante irritado por mi propio veredicto. Una de las ventajas de mantener en soledad este blog es la posibilidad de ejercer cualquier tipo de despotismo, maneje o bajada de línea editorial (obviamente considerando que hablamos de discos y películas sin impactar significativamente en la carrera o vida de nadie) sobre mí mismo, sin ningún prurito a la hora de, en este caso, modificar drásticamente la disposición de esta lista por diversos motivos: cotejando la importancia de un disco para estos tiempos, el virtuosismo musical, desmerecida omisión ajena o simplemente la atención que me quitó durante el año.

A James Drake le falta solidez para integrar un top 10 anual -y de esto me di cuenta muy tarde-, pero fue uno de los álbumes que más escuché en estos meses: una mezcla que condensa sin brillo pero con efectividad a dos patas muy demostrativas de lo que representa actualmente el concepto de música urbana. Si uno lo lleva con descuido por la calle va a encontrarse sumergido rápidamente en la simpleza de beats, versos y coros seleccionados, con más ingenio que trabajo duro: el tratamiento electrónico, en algunos tramos, no supera el mero retoque de CMYK, de Blake, o la reducción de Ransom de Drake a un pedazo que en repetición cobra una fuerza mucho más relacionada al resto de la mezcla. La deconstrucción de las fuentes y la constante victoria del teclado del inglés sobre las bases y reflexiones del canadiense dejan lo mejor de cada parte en su justa medida: el exceso de palabras lleva a Drake de la crónica crítica del estrellato a un lamento de mediático que llena horas de televisión veraniega, dejando discos con altibajos discursivos que resultan menos cautivantes que humorísticos. Durante la mayoría del tiempo la acción pasa por las nuevas facetas que cobran muchas de las canciones de Blake, cuyas versiones originales son vinculadas al R&B cuando en algunos casos solamente samplean las voces de sus figuras.

La mezcla no logra escapar de disonancias y momentos mal cuajados, especialmente notables a la escucha de la versión de un track, que son imposibles de ignorar cuando un álbum de pulso lento y cara de resaca dura apenas 30 minutos. Escuchándola con los tracks separados, cada uno de estos demuestra la inteligencia de los dos DJs responsables, y el sentido altamente sexual que emerge de la música de los artistas sampleados cuando se dejan sus problemas personales de lado, pero incluso de este modo algunas ideas tienen pinta de haber podido ser pulidas con más tiempo.

Me había planteado no revelar las ideas que llevaron a la disposición de los discos en esta lista, pero después de haber repasado cosas del calibre de Let England Shake y w h o k i l l en posiciones anteriores me parecía meritorio ratificar la presencia de este disco en este puesto. Con sus momentos agrios, su nula repercusión y concepto simple James Drake no va a durar en ningún imaginario por sí mismo de acá a unos años, pero al menos por estas semanas de balance me parecerá un buen memo del tipo de música que nos enmarca las ojeras cada jornada en el transporte público.

Últimos Gritos #70

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Mon, 19 Dec 2011 16:33:00 +0000

Balance 2011, tercera parte.

Girls - Die

Smith Westerns - Still New

Yuck - The Wall

Robag Whrume - Pnom Gobal

Monster Rally - A Voice/Big Sur

Peaking Lights - All The Sun That Shines

Destroyer - Savage Night at The Opera

Metronomy - Some Written

Fucked Up - The Other Shoe

Todos los jueves a las 24 (UTC-3) en Antes que Nada (streaming en directo), con Ignacio Sacchi y Juan Francisco Gacitua. Por Rock & Pop Beach, FM 98.9, Mar del Plata, Argentina.

50 discos de 2011: top 20 (2)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Sat, 17 Dec 2011 23:27:00 +0000

Clickear las tapas para escuchar.

The Decemberists - The King Is Dead. Cenicientas al tope de Billboard, sus movidas sonoras son menos notorias una vez instalados en el VIP del Rock mainstream, que a sus miembros homogeiniza. The King es la mejor reconstrucción de las fábulas rednecks de R.E.M. en sus discos del '85 y alrededores: historias sureñas en inglés de antaño, hechas a guitarra de pedal y con letras sin tanta intención de reflejarse actualmente, como acostumbraban los R.E.M. para quejarse de Reagan, sino más bien de establecer relatos apócrifos pero certeros de una época inspiradora, mas no vivida.

Beyoncé - 4. Qué irónico: no sólo es la peor tapa de la discografía de Beyoncé sino que encima es la que más carne deja ver desde la del debut, esta vez incluyendo un poquito de bombacha. Sin embargo es el testimonio confesional de una mujer madura, en su otra adultez que es la musical, renovando sus votos de amor eterno a una pareja récord para sendas estrellas del R&B y el Hip-Hop (por duración y aparente solidez de vínculo), en lo que luego se expresaría en forma de un bebé por nacer. Si todo es una vida armada por la discográfica para vender más discos al audiófilo de Wal-Mart, bienvenida la vieja escuela del Pop: de haber quitado Party y Run the World (Girls) de la lista final, nos habríamos quedado con una obra maestra de la melosidad noventosa al servicio de la voz intérprete. No me estoy diferenciando del insoportable que haya elegido a Adele en su lista contando que la artista le puede salvo en la manera en que 4 me agarró débil: el recuerdo de las visitas al hipermercado para comprar cassettes de Luis Miguel, como el Elvis vuelto a Memphis pero sin historias que ahuyenten clientes. Ojalá que esa figura no la acompañe nunca más, y nos empiece a hablar de amor desde la calza, la camisetita y el pañuelo en la cabeza. Como si fuera nuestra madre.

PJ Harvey - Let England Shake. Como el disco del puesto 15, Let England Shake se ubica en tiempo y espacio para hablar según sus códigos y signos, pero es imposible no pensar que sus ideas expresadas en lengua de Galípoli no quieran decir algo actual. A diferencia de muchos músicos en los Estados Unidos, Inglaterra no tenía hasta el momento una fotografía crítica de su idiosincrasia, un cimbronazo sobre la supervivencia de las ideas sociopolíticas de antaño a través de la repetición cíclica de conflictos y tragedias que elevan al patriotismo sobre un sentimiento de existencia conjunta e interdependiente: más bien consecuencias; la música de los suburbios como opio del joven indignado. El disco cae en un momento tan urgentemente penoso para Inglaterra que parece inapropiado -aunque no- llegar a la raíz del trauma europeo para desnudar los factores que lo condujeron a esta actualidad. Encapsulado atemporalmente también sirve: banda sonora para un parte de guerra; Rock épico a fuerza de autoharp.

Anna Calvi - Anna Calvi. El revival compulsivo propio del Indie no suele llegar a los rincones que alcanza Calvi en su debut: la voz de Piaf estirándose con la contracción intermitente en la garganta, la tensión morriconeana y los climas noir para secuencias inexistentes, las letras vocales ligadas como un instrumento más. Como Neko Case y la Americana, Calvi se acerca a lo que toca tocándolo como se toca. Hay campo para hacer discos de género, alejarse de los focos fáciles que microprocesan a las songwriters y no ser un ambiente de Starbucks o cortina de iPod sobre el escenario. Debut del año.

tUnE - yArDs - w h o k i l l. El pulso enérgico y el sonido cosmopolita deberían asegurarle un espacio en el menú de un videojuego de fútbol, donde suelen ubicarse temas baratos de derechos que den jovial, prendido y dinámico para que duren sonando lo que los muchachos tarden en limpiarse el aceite de los dedos y configurar el Barcelona - United. Como The ArchAndroid en 2010, w h o k i l l se llevó el mérito, a lo largo del año, de ser tan lúdico como para levantar muertos. Un casillero más Pop que Gang Gang Dance y dos más que Animal Collective, el caleidoscopio musical de Merrill Garbus es universal más allá del sonido, por lo que su potencial movilizador va más allá de hipsters con pretensiones tribales de recuperar la infancia (nunca) perdida. Es complejidad sonora transformada en hits con contenido político. La figura graciosa y adorable de Garbus suma en gran parte.

50 discos de 2011: top 20 (1)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 15 Dec 2011 20:52:00 +0000

Clickear las tapas para escuchar.

Caribou - RA.246. Debería ocupar un lugar mucho más alto pero lo dejo en este puesto simbólico, siendo una mix sin totalidad de producción propia ni intervención significativa sobre las canciones ajenas incluidas. El proyecto Daphni de Daniel Snaith tiene su primera edición en esta mix, con cinco tracks incluidos (más la remix de Thomas Mapfumo) entre selecciones de distintos géneros electrónicos ensamblados de una manera en la que cuesta no sólo reconocer cuánto retocó Snaith las canciones, sino además, y dejando de lado la lista de tracks, qué viene a ser propio y qué sería lo ajeno. Hay Disco rescatado del olvido ochentoso, Ghetto House, un Villalobos bien clubber y hasta un track de Charanjit Singh, el músico que le metió sintetizador y LSD al Disco hindú. La veta de DJ de Snaith puede disfrutarse también en otros sets y mixes de gira, disponibles en su SoundCloud.

Daphni editó cinco singles (uno compartido con Four Tet) que separan algunas de las canciones de la mix más algo de material nuevo, representando una extensión de lo hecho en el último disco de Caribou pero dentro de estructuras electrónicas más ortodoxas (un track como Bowls en Swim), y en vertientes que por distintas razones quedan afuera de la disco lyncheana que se imponía en aquel último álbum: Afro-beat desmenuzado en distintas piezas de Microhouse (Mapfumo, Hypersphare, Balladins, Ne Noya, Jiao), más otros tracks en el mismo ritmo pero con caminos más oscuros y sonido menos pulcro, en la tónica Reznor/Atticus (NPE, Ahora).

Big K.R.I.T. - ReturnOf4Eva/Big K.R.I.T. & Grillade - The 'Wuz Here' Sessions. Figura descollante de la cantera sureña -porque no vamos a tener para siempre a Big Boi- cuyo estilo incorporé con mucha más fluidez para este que es su segundo disco. Returnof4Eva tiene una característica muy difícil de encontrar en un álbum del género y es que, si bien hay canciones que me gustan mucho más que otras, no siento que ninguna esté de filler, es decir, para llenar un espacio, o quizá incluida caprichosamente en la lista. Habría motivos para que esto pasara, teniendo en cuenta que los dos discos de K.R.I.T. fueron lanzamientos digitales gratuitos, por lo cual no tiene ningún tipo de limitación técnica o comercial que le impida armar el disco simplemente como a él se le ocurra. Son 21 tracks, con dos versiones limpias como extras, y logran el cometido de evitar que la excitación baje en cualquier momento del álbum, dando como resultado una mejor escucha para el álbum completo y en orden que para algunas de las canciones sueltas. El estilo sureño es tan ortodoxo que brilla en la originalidad con la que utiliza elementos harto conocidos: beats anclados en el Soul, una métrica impecable y letras propias de la corriente consciente, que por ya escritas de otras maneras no dejan de ser ciertas. La adultez musical de Big K.R.I.T. está en su capacidad de lograr un disco buenísimo sin una producción superlativa, sobrecarga de invitados ni polémicas en mutualismo con su carrera. El EP elegido para compartir el puesto es un pequeño aporte filántropo del blog Yourstru.ly, recreando algunas canciones de K.R.I.T. Wuz Here con el gran acompañamiento de la banda R&B Grillade.

The Mountain Goats - All Eternals Deck. Presentando canción en Lollapalooza, John Darnielle revelaba el método tonal a la hora de componer rápido, cuando las letras salen apuradas del horno. All Eternals Deck no descuida en ningún momento la originalidad melódica, pero Darnielle se parece cada día más a un rapper, con menos deseo que necesidad por expresar lo que se le va ocurriendo. Algo más abierto que el conceptual The Life of the World to Come, despunta de una manera hermosa desde Age of Kings hasta For Charles Bronson: predominio de historias sombrías en segunda persona en tracks que representan algunas de las mejores instrumentaciones de toda su discografía. A la hora de las letras ya no tiene nada que demostrar, pero Darnielle puede cantar y tocar mejor, y en All Eternals Deck lo confirma. High Hawk Season, excentricidad que nunca se va a poder agradecer demasiado, fue la primera canción que pasamos en la radio este año.

Clams Casino - Instrumentals. Este es un triunfo totalmente adjudicable al buzz, la hype, el rebote y el fogueo de los blogs a los nuevos artistas. Dudo que en cualquier otra época un estudiante de fisioterapia que fabricara beats con una computadora en el altillo de la casa de su madre consiguiera el reconocimiento que esta mixtape se merece. Al menos hasta que consiguió sus primeros recitales, se sabe que Mike Volpe no conoció personalmente a ninguno de los rappers que utilizan sus bases, enviándoles por mail los archivos. Hay que decir que su popularidad se da más por una suma de menciones que por la calidad final de las canciones que lo involucraban: Clams Casino termina siendo el productor de un grupo de rappers harto populares pero aún no demasiado reconocidos críticamente. El sonido es el que escucharíamos en una clase de yoga, arrollado por percusiones, capas permanentes de sintetizadores y voces en eco constante, tan fumado como reflexivo a la vez. Estas piezas instrumentales valen oro en sí mismas, pero sería interesantísimo ver qué surge de un trabajo adecuado de Volpe en conjunto con un MC.

Monster Rally - Coral LP. Reseñado a principios de año (de hecho estaba digitalmente disponible en 2010, pero tomaremos en cuenta su edición en vinilo), con muchas referencias nacionales y algún exceso en mis declaraciones. Sobrevivió en mis gustos a través de los meses por su disposición similar a la de Donuts: canciones como snacks, que se pueden disfutar en puñado, de a dos o tres o mandándose el paquete entero. Ver el resto del Bandcamp por otros lanzamientos gratuitos, y un interesante análisis de la venta de Coral.

50 discos de 2011: menciones (3)

noreply@blogger.com (Jotafrisco) — Thu, 15 Dec 2011 00:07:00 +0000

Ordenados alfabéticamente. Clickear las tapas para escuchar.

Smith Westerns - Dye It Blonde. Si tuviera una moneda por cada banda esperanzadora surgida en el post-Strokismo... Pero soy muy difícil de convencer por estribillos beatlescos y tengo que admitir que lo disfruté mucho. Tomaron una idea de canción muy parecida a la de Girls y la llevaron a un terreno más concreto y Pop; en ese sentido la duración del disco es elocuente. Seguro prendería mucho si la pasaran en algún pub marplatense, donde escasea una idea de perfección del Rock que pase de 1977.

SP-33 - Escape From Tha Carter. Álbum de mashups entre la banda sonora de Escape From New York, de Carpenter, con las voces de Lil Wayne. Se distingue técnicamente de la media del método porque las voces y canciones se deconstruyeron y reformaron antes de ser mezcladas, en vez de integrarse desde sus versiones originales. Un mashup de una remix, en definitiva. Una manera amable, obviamente por lo conocido de ambas partes, de acercase a géneros como el Grime y el Dubstep, los Black Metal del Hip-Hop, dentro de los cuales el concepto suele comerse al producto en sí y su calidad.

Spaceghostpurrp - Blvcklvnd Rvdix 66.6 (1991). Supongo que cuando escuchen esto les voy a deber una explicación sobre el rechazo selectivo a los veinteañeros iracundos que llenan homes de portales musicales a fuerza de polémicas inaceptables para esta época de la historia. Blackland Radio tiene la misma carga de imbecilidad lírica que cualquier disco de Odd Future, quitando apenas, aunque no es poca cosa, las declaraciones homofóbicas y de apología al asesinato de mujeres embarazadas (si recién se enteran de que eso narran las letras de Odd Future les mando un abrazo contenedor). Quedan los "bitches", "niggas", "dick", "pussy", la misoginia noventosa y las declaraciones de autosuficiencia propias de la pose de una generación que por edad y estándares de vida norteamericanos difícilmente haya vivido las historias que hereda de las canciones de N.W.A., pero que tecnología mediante puede alienarse hasta expresarlas sin detenerse a pensar en que puedan estar sucediéndoles a millones de personas, en contextos muy lejanos a lo artístico e irónico. Establecido lo anterior de arranque, Spaceghostpurrp (20 años, Miami) corrió con la ventaja de una cobertura muy discreta de la crítica sobre su música, lo cual probablemente se desencadena del hecho de que Blackland Radio sea enteramente la declaración de un personaje -no necesariamente un alter ego- que no deja filtrar datos autobiográficos o declaraciones "importantes" sobre las cosas. Mientras el soporífero Goblin de Tyler, The Creator se conduce a los tumbos entre una pose rapper de antaño, juegos adolescentes sobre la moral universal parecidos a chicanas de Lars von Trier, pases de factura interminables y lloriqueos obsesivo-compulsivos sobre la infancia sufrida, Blackland Radio sale con su estupidez desnuda, a la libre interpretación del oyente, a intentar entretener como entretiene un chiste antisemita del tío en la sobremesa de un asado. Quiero decir: si el tío contara ese chiste en el medio de un discurso que se pretende serio, ya tendríamos un familiar menos que saludar en las fiestas. Nota aparte al impresionante tratamiento lo-fi del sonido, construcción originalísima del clima turbulento que ayuda a sacar risas cómplices en vez de hacernos temer que el Nü-Metal haya ejercido alguna influencia en las estrellas del futuro.

Tennis - Cape Dory. Si no vieron este disco en muchas listas de lo mejor del año, déjenme contarles con poco decoro lo sucedido: después de meses de inflar a este dúo retro cuando editaba singles y cassettes, la crítica decidió que no estaba satisfecha con el salto al LP y decidió pasar a bendecir permanentemente a otro dúo retro que es Cults. Yo hice el camino inverso, llegando con poca confianza al álbum e inesperadamente disfrutándolo mucho. La pérdida de distorsión no los afectó en lo absoluto, y en cambio hizo mucho más apreciable la voz de Alaina Moore. Maduración para una ola (la del Retro Pop) gastada antes de nacer. Muchas de las canciones pueden apreciarse bastante cambiadas en los anteriores lanzamientos del dúo.

The War on Drugs - Slave Ambient. Primo hermano de Smoke Ring for My Halo, sobre el cuál escribiré en una mejor ubicación numérica. Está más relacionado con Springsteen que este último, aunque termina de diferenciarse en sus varios momentos definidamente Shoegaze.

The Weeknd - House Of Balloons. Un tweet de Drake: retweets, hits, rebote, BNM y una convulsión colectiva por la segunda mixtape de un artista de 21 años, reconocido este año por el gran público gracias a un tweet de Drake. Pero váyanse un poco a cagar... Es un muy buen álbum, pese a la irritante fama repentina. Cuando salió House Of Balloons, su primera mixtape, ni siquiera se sabía que era -o quién era- Abel Tesfaye. En las mejores canciones, debajo de su falsete privilegiado se disponen bases parejitas (el intraducible término smooth), que casi siempre se encuentran en constante tensión, mayormente desatada en los climas tormentosos de Thursday. Sus letras de polvos y consecuencias se alinearon con una estética de resaca de publicidad de perfume, en una unidad de imagen, arte y videos también reconocible en los Odd Future.

Twin Sister - In Heaven. No es técnicamente el primer LP, teniendo en cuenta el cassette Alternates, del año pasado, pero sí su primer esfuerzo desde un lugar con ciertas responsabilidades. La principal virtud de la banda es su facilidad para el eclecticismo en la suma de las canciones, si bien en general se reconocen dentro del Dream-Pop: el año pasado se desviaban entre la Chanson y la Bossa Nova, y para este disco se meten exitosamente con el Retro-Pop asiático (Gene Ciampi), el Disco (Bad Street) y Kimmi In a Rice Field, una gema que llegó 20 años tarde a cualquier episodio de Twin Peaks. El Tumblr de Andrea Estella, hermosura de cantante, revela influencias importantes de la cultura asiática del entretenimiento contemporáneo.

Violeta Castillo - Uno/Otro. Una nueva songwriter nacional que viene con letras impresionistas, un buen background de la escena argentina de los '90 y principios de los '00 como herencia musical y una sana inclinación a las ornamentaciones electrónicas. Los dos EPs de Castillo (me juego a que las canciones mezcladas hubieran armado un gran álbum) son como una extensión de lo que hubiera sido A-Tirador Láser si hubiera dejado una yapa después de El título es secreto, pero con una mayor simpleza y uniformidad de estructuras (convengamos que para lo último de Martí en ATL había que calcular mínimamente dos vueltas melódicas de tuerca por canción). Este año en la radio pasamos a otros artistas argentinos igual de interesantes, como la discípula de Castillo, Paula Trama.

White Denim - Live at Third Man. D es un muy buen disco, pero decido quedarme con una gran prueba pasada por la banda. Jack White, como productor del disco, habría tenido la idea de mandar lo grabado a cinta directo a los vinilos, por lo cual todo ripeo que consigan del disco debería sonar bastante como un bootleg. De Pearl Jam, si fuera una jam band todavía creativa. Ese fue mi intento de descripción de sonido.

Yuck - Yuck. Esto sí que es valentía: Punk noventoso, y no estoy confundiendo de género a los Silver Jews o a Sonic Youth. Esto hubiera salido en MTV junto al video de Basket Case. Puede provocar reminiscencias de todos los sentidos a esa época, en demasía si hacen un esfuerzo.