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ANNUAL MUSIC CHART: 60 ALBUMS OF 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 12 Jan 2008 12:00:00 +0000

1. Radiohead - In Rainbows : Una vez mas una de las mas grandes bandas del siglo pasado a sobrepasado las espectativas y roto con lo moldes que ellos mismos antes habian creado. In Rainbows es el séptimo álbum de estudio del grupo musical británico Radiohead. El álbum fue lanzado inicialmente el 10 de octubre de 2007 como una descarga de ficheros MP3 sin ninguna protección DRM y permitiendo pagar al usuario la cantidad que creyese conveniente. Radiohead have made a record. So far, it is only available from this website. Con estas palabras, la banda firmo uno de los desplantes mas importandes e historicos a la industria discografica. Desafiando todas las leyes de mercado, el séptimo disco de estudio de Radiohead no fue lanzado en formato fisico sino que se ofrecio a traves de su site. http://www.inrainbows.com/

La gente de Radiohead ha optado por profundizar en su raíces desde el rock distorsionado de Pablo Honey a la angustia existencial de y la electrónica experimental de Kid A, ha mecido sus canciones en un cóctel orgánico que suena más humano que nunca, le han añadido una poderosa sección rítmica, y de ello han salido 10 joyas con diferentes texturas pero mismo sabor que componen un disco homogéneo que sin duda se sitúa entre lo mejor de la banda. Las canciones son todas excelente, desarrollando un mundo sonoro y lírical creado en etapas. Cada sonido en cada canción tiene razones de ser. Son como estratos sonoros mezclados para crear hermosas armonías que a veces chocan entre si. La música y la voz son mezcladas perfectamente, y forman una pareja maravillosa. Dando vida a temas únicos, canciones que comienzan en digital y terminan con un piano, como el disco en si que nos da la bienvenida con un claustro de sonidos digitales, y se despide con una transición instrumental a digital simplemente hermosa. A pesar de su fuerte carga postmoderna puede llegar a seducir varios oídos permitiéndoles degustar un poco más el post-rock, pues las composiciones son hermosas, las melodías buscan la belleza y algunos traces proveen un intensa experiencia sonora como “15 Step” con su breakbeat y su poderoso bajo o “Bodysnatches” con su complejo esquema rítmico y una fuerte dosis de psicodelia en las guitarras de Johnny Greenwood. La piedra angular del disco es 'Nude', una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas del disco, que al lado de 'Weird Fishes/Arpeggi' o '15 Step', mucho más deudoras de su propio sonido exhibido en Hail To The Thief, encajan en la intención ya explicada de mantener las coordenadas expuestas pero ensanchar las miras. El resto del In Rainbows gira en torno a temas más lentos con efectos atmosféricos para las voces de Thom Yorke, guitarras minimalistas y bajos que marcan las cambios en las secuencias electrónicas. Incluso se incluyen algunas bellas orquestaciones como en "Faust Arp".

2. LCD Soundsystem - Sound of Silver : Nueva York ha resurgido, y desde luego una de las personas responsable de ello es James Murphy artífice de LCD Soundsystem. Tras convertirse en los salvadores de la escena electrónica hace dos años gracias a temazos como 'Tribulations' o 'Losing my edge', LCD Soundsystem vuelven con 'Sound of silver'. Junto a ellos, otros grupos de indie rave o new rave, como !!! o Klaxons, están haciendo bailar a los rockeros. Con Sound of Silver, su nueva entrega, Murphy nos recuerda que tiene la capacidad y el talento para inventarse y reinventarse a sí mismo, a su banda y a su estilo. Como él bien lo explicita, su música es punk/funk/disco-house, una patada a los parámetros cómodos del pop y un claro manifiesto de que lo bueno de la historia de la música debe recuperarse para así crear algo completamente nuevo. Es exactamente en este último punto, el de la novedad, en donde hay que buscar a estos nuevos LCD Soundsystem e intentar validarlos, ya que si bien Sound of Silver nos puede hacer recordar el anterior trabajo de la banda, hay que pensar la inventiva de Murphy como una propuesta a largo plazo.

Asi, este nuevo compendio de canciones de LCD Soundsystem no deja de sorprender y de ser una grata explosión de baterias protagonistas, bajos sintetizados y guitarras robadas del punk, junto al peculiar timbre vocal de Murphy que lleva el timón de los tracks de manera casi permanente conformando líneas melódicas que se alejan de fórmulas aseguradas, para lograr una atmósfera que atrapa al oyente y que da coherencia a los tracks. Ellos cierran una circularidad sonora que hace pensar que, sea cual sea el estilo que inventaron, lo inventaron bien.

3. Bjork - Volta: Volta es una apuesta por la sencillez de las músicas antiguas: ritmos claros que a veces nos recuerdan a las marchas militares y a veces a las danzas tribales. Björk ha comentado que se debe a su descubrimiento de una visión menos religiosa y más científica del ser humano. Su recategorización como animal ante todo, realidad de la que nos suelen alejar las filosofías.

La vanguardista islandesa, tiene ese sello particular, de innovar en cada placa, ya demostrado en "Medúlla", que fue realizado completamente por voces, sin ningún instrumento, invitando a Rahzel que realizo las bases con Beat Box y además fue parte el hiperquinético Mike Patton. Toda esta frescura innovadora continúo en la senda creativa de Björk y "Volta" no es la excepción, desde la primera hasta la última nota se aprecia la conceptual estampa sonora de la cantante. Bailable y alegre, con interludios que mezclan canciones con los sonidos de barcos que zarpan y echan anclas, sirenas en la niebla, aves marinas y el sonido de un tren, “VOLTA”, el último capítulo en la cambiante carrera de Björk, que supone un nuevo despegue para la artista. Estamos frente a un finísimo trabajo en bajo y en percusiones así como también en la estructuración de todas las voces en juego, siguiendo la astucia de su disco anterior Drawning Restraint 9 (OST 2005) y del mismo Medùlla. Las sintetizaciones más agresivas pueden llegar a ser incluso bailables, mientras que la orquestación, esta vez casi sin cuerdas, está protagonizada por un vasto conjunto de trompetas e instrumentos de viento que recuerdan aquellas canciones de Selmasongs (OST 2000), de Debut y de Post (1995), cuyo tema ‘I miss you’ encierra varias claves para entender el nuevo álbum. El arpa, constante piedra angular de su discografía y cuya máxima expresión es Vespertine, también tiene una presencia en ‘I see who you are’ y en ‘My juvenile’ (con la voz de Antony acompañándola). De esta manera, Volta es un disco que posee varios estilos mezclados y revueltos, desde el hip hop a la orquestación, desde el R&B a la ópera, desde la indietrónica hasta el melodrama, sin reposar sobre ninguno en preponderancia sino sobre la idiosincrasia de esta extraña criatura, cuyos gustos siempre avecinan lo que las generaciones pop venideras podrán digerir de manera más fácil. Porque, es cierto, los discos de Björk son difíciles y poco digeribles.

4. UNKLE - War stories: A 4 años de distancia de “Never, Never Land” y a casi diez de su aclamado debút “Psyence Fiction”, James Lavelle toma una vez más las riendas de el proyecto que inició en 1998 al lado de Dj Shadow, y que ha logrado reunir a colaboradores de la talla de Thom Yorke, Richard Ashcroft, Ian Brown y Gavin Clarke a lo largo de casi una década. En “War Stories”, los colaboradores que acompañan a Lavelle no le piden nada a las alineaciones anteriores. Basta nombrar a Ian Atsbury de The Cult en “Burn My Shadow” y “When Things Explode”, a Josh Homme de Queens Of The Stone Age en “Restless” y a 3D de Massive Attack en “Twilight” para darnos una idea del calibre de esta producción.

La innovadora fusión de electrónica, hip hop, y rock experimental que le valió a U.N.K.L.E. el reconocimiento generalizado por parte de la critica musical en su primer álbum, está de vuelta con “War Stories”, una placa que a diferencia de sus predecesoras ofrece al escucha un sonido más digerible y con buen balance entre las bases rítmicas generadas a partir de percusiones orgánicas y beats generados con sampleos y programaciones digitales. El resultado final de esta disco retrata la obscuridad que vivimos estos días y la forma en la que frecuentemente ni siquiera la percibimos. Pero que a pesar de todo, siempre nos afecta. Hay depresión, hay melancolía, hay amor y también mucha carga espiritual en el sentido de que la vida va retribuyendo a todas tus acciones de una forma consecuente. Quizá para algunos este disco no tenga el mismo impacto que cuando se debutara con Psyence Fiction pero creo que con tiempo se podría ver como una obra clásica de la talla de Mezzanine de Massive Attack, el Maxinquaye de Tricky u otros, sólo que en un contexto nuevo y distinto. Como resultado de ello nos da una colección de canciones vanguardistas llenas de energía que te enganchan desde el primer minuto del disco para no soltarte jamás.

5. Amy Winehouse - Back to black: Heredera de infinidad de sonidos retro, Amy Winehouse no hace sino confirmar el talento, la heterogeneidad de registros y la riqueza sonora que demostrara en su disco debut. Si con 'Frank' sorprendió a propios y extraños y se atiborró de premios y alabanzas, este 'Back To Black' no parece que vaya a cambiar la visión de esta chica.

Y es que de tal mezcla inteligente de gospel, soul y jazz sólo puede salir lo que sale, un disco grandioso. Si Christina Aguilera lo hace bien en "Back to Basic", Amy logro convertirse en una leyenda. Sí, es verdad que Winehouse no inventa nada, pero lo que reinventa lo hace mejor que bien, consiguiendo captar la atención desde los primeros compases de 'Rehab'. 'Back To Black' además supone un paso hacia delante en la senda de un sonido propio y característico del Reino Unido, que antes tenía entre sus principales estandartes a Craig David, Lilly Allen, Corinne Bailey Rae o Mys Dynamite y a la que ahora se une este nuevo talento. “Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana.” Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en “Back To Black”. Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en “Just Friends” o en “Rehab”. “Love is a Losing Game” es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, “Me and Mr Jones”, la hermosa “Wake Up Alone”, “I’m No Good”, la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues “Back To Black”.

6. Arcade Fire - Neon Bible: No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de "la otra" novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de La conjura de los necios. Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trababa de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.

Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en esta Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos). Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas.

Lo primero es entender que Neon Bible es muy distinto a Funeral (Merge, 2004), sin perder principios claves y acumulando la experiencia de los conciertos. Rayos desordenados disparados al cielo, un fino hilo de racionalidad bajo la urgencia y el frenesí, oscuridad desde el fondo y muchos segundos incendiados en un juego carnavalesco y alucinado. Pasión religiosa de blues y baladas que transmutan en corrientes de post-punk y new wave (menos ahora) y un pop sinfónico que puede recordar las ambiciones de Mercury Rev con el alboroto caricaturesco de Arhictecture in Helsinski. La comunidad de Arcade Fire sigue tomándose muy en serio, y se juegan el todo o nada, con una consistencia brutal que no da tiempo a los baches, cubriendo todo de una emoción instrumental que encuentra un faro lírico en Win Butler (guitarra y voz). Arcade Fire es único en su estilo pop-punk de múltiples influencias, pero esta vez lo han extremado, perdiendo elegancia y sutileza en el entramado total. Neon Bible se diferencia naturalmente de Funeral, porque no tendría razón emular un disco tan singular y porque significa un nuevo salto sin red.

7. M.I.A. - KALA: Maya Arulpragasum, más conocida como M.I.A., es el ejemplo perfecto de que ahora se vuelve a llevar eso de samplear, aunque su caso sea particular por las influencias africanas y por tener un talento innato para cantar lo que la plazca. Mezclando ragga, hip hop, dancehall, grime, electrónica e incluso reggaeton, las canciones de M.I.A. son una avalancha que no respeta fronteras. Se pasea con total libertad por los estilos y se asegura de incluir en sus letras mensajes explícitamente críticos que apuntan contra las barreras sociales, los conflictos bélicos, la desigualdad, la injusticia y en contra de todos los atropellos a los derechos humanos que ella experimentó en carne propia mientras vivió con sus abuelos en Sri Lanka, en la más extrema pobreza -escapó de la guerra civil a India y luego a Londres, en donde entró en contacto con la música occidental-. Si con "Arular" (el nombre de su padre) consiguió acabar en boca de todos, ahora saca este "Kala" (el nombre de su madre) con gente tan opuesta como el archiconocido productor Timbaland o el ampliamente desconocido Afrikan Boy, por poner dos ejemplos. M.I.A., es una inglesa de ascendencia tamil que mezcla rap, dancehall, miami-bass, baile funk, música tradicional india y electro, todo eso acompañado con una estética tercermundista, letras combativas y un look "me cago en la elegancia" que está a años luz de la ostentación menemista de sus pares yanquis.

Kala suena tan bien como su predecesor, los arreglos electrónicos y las sintetizaciones están al servicio de cada tema y le dan un sustento, base sobre la cual las voces de M.I.A. se levantarán contra el enemigo que toma diferentes formas: el capitalismo, las diferencias raciales y en general todos los mecanismos de poder, incluyendo el mercado comercial que consume su música y la pone en las listas junto a Timbaland y asociados. Aunque ella no pueda entrar físicamente a EE.UU porque le negaron la visa, hits como ‘Boyz’ o ‘Birdflu’ luchan codo a codo con las producciones derivadas del R&B y del hip hop norteamericano. En ese sentido las reflexiones que la música de M.I.A. busca producir en el oidor se ven amenazadas, porque resulta problemático en ese contexto completamente mainstrem repensar las consecuencias de la colonización y de los monopolios culturales, ya sea para poner en entredicho el proceso de globalización o para arremeter contra los grandes íconos imperialistas. Sin embargo, mientras seguimos tratando de digerir las líricas y de reaccionar ante su arremetida feroz, ahí están los ritmos en ebullición que no permiten mirar hacia otro lado. La música de M.I.A. simplemente no puede dejar a nadie en aguas tibias sin ganas de moverse. Desde este punto, Kala continúa esa obligación musical que incita a la acción, aunque esta vez está más apaciguada.

8. Kanye West - Graduation: Graduation parece ser el definitivo intento de West de abrir el hip hop a nuevas audiencias intensificando su vertiente melódica. Uno de los principales problemas del hip hop es que no se puede tararear en la ducha, especialmente cuando es en un idioma diferente. Transmite mucha información, tiene muchas palabras, intensifica el ritmo con la rima, pero por todo ello satura a los no iniciados. Como si fuese consciente de ello –y quien lo va a ser si no él, que se ha hecho un nombre como productor del género- Kanye West construye sus temas con brutal intensidad melódica. Los raperos ortodoxos recurren a los grandes nombres del soul y el funk para crear las bases, pero West no tiene recato alguno en echar mano de un tema de Elton John o de Steely Dan. Más llamativo todavía, se atreve a poner al lado de tanta sofisticación y melodía el ritmo sintetizado de Daft Punk o el minimalismo experimental de los alemanes Can. Con ello saca al hip hop de la maraña rítmica y, al tiempo, lo hace más cosmopolita y lo acerca a otros géneros. West muestra una notable cultura musical y una muy destacable ausencia de prejuicios sonoros. Si además unimos la maestría en el oficio de la producción, estamos ante un disco más que sorprendente y un muy buen camino para iniciarse en el rap desde unos oídos pop. (Texto Héctor Fouce)

Kanye West va un paso más allá, en esa progresión que comenzó con su debut ‘The college Dropout’ y se llena de influencias un tanto eclécticas, se mezclan U2, Daft Punk o The Rolling Stones. Con la polémica suscitada por salir el mismo día que el album de 50 Cent (11 de Septiembre), Kanye afronta un importante 4º disco en solitario, con el que romper los records de ventas en todo el planeta. Para ello Kanye se ha rodeado de gente en alza, como Lil' Wayne o T-Pain, de expertos como Dj Premier en la producción, y ha experimentado incluso con Daft Punk. Es un disco sobresaliente, las producciones son increiblemente buenas (y sorprendentes algunas), e incluso se permite el lujo de experimentar con música electrónica. En definitiva que Kanye West nos ofrece un disco bastante creativo, fácil de escuchar y con melodías, algo que parecía muy difícil en el hip hop hasta hace poco tiempo. Total, que es muy recomendable.

9. PJ Harvey - White Chalk: Después de 15 años de carrera, PJ Harvey cambia de registro y se arriesga con White Chalk, un álbum muy personal, melódico e inquietante, que se sitúa al opuesto de sus discos anteriores en los que reinaban las guitarras eléctricas y las baterías potentes. La “dama” del punk deja una vez más patente su talento y el inmenso potencial de su voz. No hay ni guitarra ni blues. Recién llegada al piano, lo convierte en el eje de una obra que apela al folk de cámara con una frialdad victoriana. Ella canta casi todo el rato con una voz de soprano adolescente y sus registros altos acentúan la sensación fantasmagórica y de viento helado que recorre los temas. En White Chalk da un giro radical de su anterior álbum Uh huh her. Este nuevo disco es básicamente de piano, con muy pocos elementos extras, y desprovisto de adornos en lo instrumental, abandonando casi totalmente las guitarras. Es un disco que engancha por su sobriedad, más que por su fuerza. En “White Chalk” se cuentan historias sobre notas suicidas y entierros de niños que han llegado a nacer. Está acompañada por su inseparable John Parish en labores de mano derecha y respaldada por un equipo reducido (Jim White y Eric Drew Feldman), que le cubren la espalda instrumental de forma casi imperceptible. Su voz alcanza los momentos más agudos de su carrera, dejando de lado sus tonos graves pero intensos. La propia PJ Harvey ha afirmado que aprender a tocar un nuevo instrumento ha provocado que se libere su imaginación. Así, el piano ha abierto una nueva vía de comunicación para la cantante de Yeovil (Inglaterra), donde los techos se mueven (en el single de presentación, "When Under Ether"), los dedos sangran ("White Chalk") y los martillos golpean a las familias desestructuradas ("The Piano"). White Chalk nos ofrece a una nueva Polly Jean. En este caso, sutil, vaporosa y sumergida en las brumas de la tristeza. Pero, en ningún caso, pierde la capacidad para emocionar.

10. Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare: Si en el 2006 ocuparon el primer lugar del año con sus disco debut, en el 2007 no podian dejar de estar dentro de los 10 primeros. Si Whatever People Say I Am, That's What I'm Not había alcanzado tamañas dimensiones mediáticas, Favourite Worst Nightmare resulta su continuidad lógica. En sus 12 tracks, los Monkeys siguen apostando por su vieja fórmula: guitarras afiladas, arrebatos de post punk sincopado y fervorosos destellos como ‘Brianstorm’, un primer single que ineludiblemente recuerda a The Jam. También hay novedades: el tono intimista con que el cantante Alex Turner aborda un tema como 505 (con piano a la Ennio Morricone) y las excelentes líneas de bajo que imprime por pasajes el nuevo integrante Nick O’Malley. Todavía existen las letras astutas, si en el primer álbum “When the sun goes down” hablaban de un modo muy hábil acerca de la prostitución, ahora en “Fluorescent Adolescent” ya hablan de cómo la ‘madurez sexual’ es sinónimo de ‘amargura sexual’, en la pícara manera que siempre lo hacen “You used to get it in your fishnets /Now you only get it in your night dress /Discarded all the naughtiness for niceness /Landed in a very common crisis”, pero lo que ya no se puede encontrar en su segundo álbum son esas melodías valemadristas, como “Fake tales of San Francisco” o “I bet you look good on the dance floor”, ni su característico humor up-beat post-punk; Favourite Worst Nightmare se llena de elementos como lo oscuro, lo sombrío, lo confiado y lo emocional, logrando hacer lo callado, escandaloso.

Favourite Worst Nightmare, es la manera en que tratan de demostrar que ya no son el grupo de adolescentes rebeldes que buscaba la suerte en los conteos de su MySpace. Con melodías poderosas, arraigadas en la estrepitosa saturación pero que al mismo tiempo cuentan con un orden pegajoso, que se puede convertir en hipnótico por los ritmos rimbombantes que se llevan a lo largo del álbum. Un poquito más oscuros y menos poppy que en su esfuerzo anterior, los Arctic Monkeys apuestan una vez más a la potencia de la clásica estructura rocker de bajo-guitarra-batería y a la desestructura particular que, como en una montaña rusa, altera constantemente su velocidad y recorrido en cada tema desdibujando cualquier horizonte de lo previsible. Sin impactar ni decepcionar, esquivan la presión de las expextativas con una inteligente actualización de su sonido.

COMPLETE LIST

Radiohead - In rainbows
LCD Soundsystem - Sound of Silver
Bjork - Volta
U.N.K.L.E. - War Stories
Amy Winehouse - Back to black
Arcade Fire - Neon Bible
M.I.A. - Kala
Kanye West - Graduation
PJ Harvey - White Chalk
Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare
Spoon - Ga Ga Ga Ga Ga
Bloc Party - A Weekend In The City
Feist - The Reminder
Timbaland - Presents: Shock Value
Against Me! - New wave
Foo Fighters - Echoes, silence, patience & grace
Mika - Life in a Cartoon Motion
Justice - + (Cross)
Brett Anderson - Brett Anderson
Siouxsie - Mantaray
The White Stripes - Icky Thump
Panda Bear - Person Pitch
Animal Collective - Strawberry Jam
Soulsavers feat Mark Lanegan - It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land
Devendra Banhart - Smokey Rolls Down Thunder Canyon
Cocorosie - The Adventures And The Ghosthorse Of Stillborn
Loney Dear - Sologne & Loney, noir
The National - The Boxer
Peter Bjorn and John - Writer's Block
Bright Eyes - Cassadaga
Wilco – Sky Blue Sky
Mark Ronson - Version
Norah Jones - Not Too Late
Michael Bublé - Call Me Irresponsible
The Rapture - Pieces of the People We Love
Jay Z - American Gansters
Bruce Springsteen - Magic
Gwen Stefani - The Sweet Escape
The Gossip - Standing In The Way Of Control
Klaxons - Myths of the near future
Alicia Keys - As I am
Joss Stone - Introducing Joss Stone
Linkin Park - Minutes to Midnight
Chris Daughtry - Daughtry
Nine Inch Nails - Year Zero
Client - Heartland
Air - Pocket Symphony
Dave Gahan - Hourglass
Kaiser Chiefs - Yours Truly, Angry Mob
Gus Gus - Forever
Liars - Liars
Smashing Pumpkins - Zeitgeist
Kelly Jones - Only the Names Have Been Changed
Lil Wayne - Da Drought 3
The Coral - Roots & echoes
Menomena - Friend and Foe
Fall Out Boy - Infinity on high
Dolores O'riordan - Are You Listening?
Duran Duran - Red Carpet Massacre
Good Charlotte - Good morning revival

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ANNUAL MUSIC CHART: 100 SONGS OF 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 12 Jan 2008 11:55:00 +0000

WeblogMusic YEAR END 100 SONGS / SINGLES 2006

1. Earth Intruders - Bjork: Las más audaces sinfonías de los últimos diez o quince años han provenido de ella. Su música cala profundo en las receptoras almas. La belleza pareciera provenir de su cuerpo con serena limpieza, suntuosa. La sublimidad, la esplendidez discurre con persistente naturalidad en sus intrépidos discos. Ella, la más original de los artistas de las pasadas décadas, será amada, adorada –como es de corresponder- por los de seres humanos en el planeta. Su figura, su agujero en la historia del arte, su interferencia con el libre desarrollo de los hechos humanos, su islandesa palidez unida a la más sana y divertida década del siglo XX, la harán la más entera expresión artística del mundo pop. Tras haber realizado, y luego cubierto con ella, la más entera expresión musical de los noventa y la presente década, su nombre quedará coligado a la historia de las grandes aventuras humanas. Cuanto ha realizado desde 1993 la inmensa, aparatosa islandesa merece un juicio: ningún paso ha errado, su obra es inmaculada, su genialidad es desbordante. Oscura y majestuosa: Björk. Solo alguien con esta descripcion puede ocupar el primer lugar de año, genialidad como sinonimo de esta canción es una palabra que queda corta. El primer single de Volta es "Earth Intruders" y fue lanzado el 9 de abril de 2007 en las tiendas virtuales de música. El lanzamiento del sencillo en tiendas físicas será el 23 de mayo, ya que ahora estan siendo producidos los remixes que contendrán el mismo.

El vídeo fue dirigido por Michel Ocelot, quien dirigió la cinta de animación francesa Kirikou y la hechicera. Björk afirma que el protagonista del vídeo es el mismo Kirikou a la edad de 20 años. El también francés Michel Gondry dijo que dirigirá el siguiente video de Björk, que sera Declare Independence. En ‘Earth Intruders’ Una percusión tribal señala los espacios por los que irá experimentando la Islandesa. Voces hipnóticas que llevan el ritmo apresurado cuasi bailable, conjugadas con las características sintetizaciones de Timbaland, pero puestas al servicio de una expresión más pueril que el uso erótico que hasta ahora habían tenido con Timberlake y Furtado. El video dirigido por Michel Ocelot (Kirikou y la Hechicera) muestra una tribu de nativos que hacen referencia a las tierras del pacífico, visitadas por Björk tras el desastre del sudeste asiático que la inspiró fuertemente.

VIDEO: EARTH INTRUDERS - BJORK

2. Nude - Radiohead: es la tercera pieza y quizas la mejor del disco, y ya se conocía desde tiempo atrás, pues se remonta a la época del ‘OK Computer’, y aunque no entró a formar parte de aquel magnífico disco, Radiohead no se olvidó de ella en sus actuaciones. Dicho esto, conviene aclarar que no es, ni mucho menos, una cara B, y que su calidad es tal que no desmerece en absoluto de cualquier canción del ‘OK Computer’, y que bien podría situarse al lado de clásicos como ‘Let Down’ o ‘No Surprises’. En Nude la tristeza se acerca al jazz crooner, con un ritmo muy, valga la redundancia, downtempo jazz, aplicando violines y coros celestiales al final del track, melancólicos acordes sintetizados y delirante bajo, nos lleva a una estratosférica composición que destila calidez gracias a un aroma trip hop, un bajo penetrante y una melodía que te arrastra hacia otro mundo. Desnuda, empática, brillante, es una de las piezas más arriesgadas y oscuras del disco. Es emotiva, delicada y penetra en lo más profundo de la sensibilidad.

VIDEO: NUDE - RADIOHEAD

3. Burn My Shadow - UNKLE: A la mitad del álbum, una joya. Burn my shadow es una obra de arte: Ian Astbury, de The Cult, presta su voz para ésta canción. Arreglos sólidos en secuencias rápidas, con una estructura majestuosa y una interpretación impecable: "I have burned my tomorrow, and I stand inside today. At the edge of the future, and my dreams all fade away.(...) Oh how I loved you." Una promesa de un mejor mañana, a costa de quemar el ayer; Burn my Shadow es una gran canción que exalta el trayecto y encanta al oído.

UNKLE, con “Burn my Shadow” y la voz de Ian Astbury, en Novo. Un gran tema para un gran video. Al mismo estilo de “Rabbit in Your Headlights” de hace 9 años, el tema cantado por Thom Yorke pasaba a segundo plano, para mostrar una microhistoria de surrealismo urbano: un indigente se paseaba por un túnel con gran afluencia vehicular, indiferente a ser atropellado. Todo lo contrario, de algún modo inexplicable, éste personaje se había vuelto inmune a los choques al grado que es un automóvil el que vuela a pedazos al toparse con el protagonista.
En esta nueva trama, un hombre soltero en plena crisis adulta, despierta en su apartamento de un modo rutinario, para darse cuenta de modo sorpresivo, que una bomba de tiempo está injertada en su pecho: los dígitos decrecientes le ofrecen al personaje muy pocos minutos para actuar o resignarse a explotar.

En estos tiempos ya nadie compra la idea de que el futuro pueda ser un lugar mejor para vivir. Cada esfuerzo que se hace por mejorar el planeta va acompañado de cien más por exterminarlo. Lo cual nos deja mirando angustiosamente los minutos que nos quedan antes de que la bomba estalle en nuestras manos. Este sentimiento de incertidumbre se aborda en el video de “Burn My Shadow”, primer sencillo del nuevo disco de U.N.K.L.E. : “War Stories”, editado por el sello indie Mo' Wax Records. En el video dirigido por Miguel Sapochnik, un hombre despierta después de una larga noche de farra con un reloj en cuenta regresiva pegado a su pecho, conforme avanzan los segundos, el protagonista trata desesperadamente de entender las causas que lo llevaron a esa situación, sin darse cuenta de que en esos momentos vale mas apelar al instinto de sobrevivencia que al pensamiento racional. La analogía que hace esta escena Kafkiana, empata a la perfección con la situación actual del planeta, en donde el miedo y la incertidumbre son lugares comunes que se abordan a lo largo de 14 tracks que integran el regreso de James Lavelle al frente del colectivo de electro rock U.N.K.L.E.

VIDEO: BURN MY SHADOW - UNKLE

4. No cars go - Arcade Fire: No Cars Go es la mejor canción del disco. Pese a venir del primer EP, la conversión es perfecta y la orquestación marca la diferencia. La forma sí importa, pese a lo que crea cierto movimiento de música puramente destructivo de los 70/80. No hay nada en absoluto que se le pueda reprochar a esta canción. Es curioso que sea lo mejor que haya hecho Arcade Fire sin ser totalmente nuevo (estaba ya en su ep homónimo del 2003). Simplemente, se puede decir que una banda puede desaparecer tranquila tras crear una aventura mítica de este calibre. Es su ideal estético de belleza llevado al máximo – niños creciendo en un mundo extraño, refugiados en sus fantasías con la fuerza fraternal del talento concentrado-, una suerte de Historia sin Fin, nostálgico, esperanzado, otro himno que no será generacional, pero sí magnífico para quien sea arrastrado por sus casi seis minutos de alegría.

VIDEO: NO CARS GO - ARCADE FIRE

5. All My Friends - LCD Soundsystem: Canciones como Daft Punk Is Playing At My House y Tribulations quedaron en el recuerdo del año 2006 al convertirse en un rescate de la electronica newyorquina , LCD con su nuevo disco nos ha vuelto a brindar uno de esos grandes clasicos imposibles de olvidar, James Murphy ha escrito una de los grandes clasicos de la musica de este siglo. Es el gran momento del disco. All My Friends tiene todos los elementos de un himno, en lo particular, el mejor tema que han escrito, piano minimalista que da paso a una narración nostálgica y a dos guitarras que se engarzan en ir creciendo para llegar a un clímax. "All My Friends" parece efectivamente una declaración de unos LCD para todos los públicos. Elegida por muchas listas como la canción del año es casi casi un homenaje a New Order.

VIDEO: ALL MY FRIEND - LCD SOUNDSYSTEM

6. Rehab - Amy Winehouse: Podrá ser mal hablada, estar psíquicamente mal, estar tatuada, yonki y todo lo que quieras, pero lo que también es cierto es que es la princesa del soul. "Escribo canciones porque estoy hecha mierda de la cabeza y necesito sacar algo bueno de toda esa mierda". Así se despacha la joven británica cuando habla de sus composiciones. Y fue siguiendo este método como creó su gran éxito, 'Rehab' (Rehabilitación), en el que cuenta sus dudas sobre si debería ingresar en una clínica de desintoxicación, después de que una ruptura sentimental hace dos años la empujara por la pendiente del alcohol.

El 2007 ha visto a Amy establecida como una de las más grandes estrellas mundiales, tanto para los ojos de la crítica como comercialmente. El éxito permanente al tope de las listas en el Reino Unido ("Back To Black" solo ha estado fuera de los 10 principales del Reino Unido por una semana este año), se reproduce en los Estados Unidos, donde "Back To Black" ingresó a la tabla de los 100 álbumes principales de Billboard en el puesto número 7, convirtiendo a Amy en la artista debutante femenina británica con el puesto más alto en la historia de la lista de éxitos de los EE.UU. El álbum continúa disfrutando del inquebrantable éxito entre los 10 principales en los EE.UU. La respuesta de la crítica ha sido impresionante y Amy ha cosechado varios premios, incluyendo los siguientes: Brit, Ivor Novello, Mojo, Glamour y Elle Style. La londinense de 24 años también ha recibido nominaciones para los MTV VMA'S, el premio Nationwide Mercury Music y los premios MOBO & Q.

VIDEO: REHAB - AMY WINEHOUSE

7. Icky Thump - The White Stripes: Nada más pulsar el play, vemos que esto va a ir en serio. “Icky Thump” nos enseña que han madurado, que dominan el estilo, los cambios de ritmo. La instrumentalización es simplemente grandiosa. El riff intermedio, demoledor. The White Stripes están dispuestos a demostrar con este Icky Thump que están muy por encima de las expectativas y que no necesitan de nadie más para llegar directos al público más exigente. Jack sigue con su guitarra y la mirada más perdida que nunca. Meg prefiere continuar con su imagen de niña cándida y dejar su lado más salvaje para cuando golpea la batería. Sin duda "Icky Thump" supone una vuelta de White Stripes por todo lo alto. Tras la sofisticación melódica que registraba "Get Behind Me Satan" la banda apuesta por una regresión a su espiral de rock básico y turbador, con mayor profusión de teclados e instrumentos folclóricos combinados con altas dosis de rabia guitarrera. Los rumores de disolución han estado ahí, así que veremos lo que dura la banda, pero mientras tanto, a disfrutar. Destaca el preciso riff de guitarra, lo irregulares solos de órganos y la voz de Jack aullando sobre un yanqui que cruza la frontera a México, conociendo "redhead señoritas", con alguna que otra crítica al estadounidense intolerante (Hey, americanos, ¿no tienen nada mejor que hacer?/¿Por qué no se echan a ustedes mismos? Son inmigrantes también).

VIDEO: ICKY THUMP - THE WHITE STRIPES

8. D.A.N.C.E. - Justice: Justice es un dúo francés de música electrónica compuesto por Gaspard Augé y Xavier De Rosnay. Son el grupo más exitoso de Ed Banger Records, y son representados por el director de la discográfica, Pedro Winter ("BusyP"). Su marca registrada es una larga cruz luminosa que brilla durante sus shows. Un grupo controvertido entre los fanáticos de la música dance, conocidos por incorporar un fuerte influencia rock a su música e imagen. El disco comienza como en la biblia con el Genesis una intro que parece sacada de una película épica, seguido de Let There Be Light, con el tema D.A.N.C.E hacen una especie de tributo a Michael Jackson con la utilización de un “coro de niños” y la utilización de frases procedentes de canciones del americano. Una de las canciones más pegadizas de 2007 viene de la mano con uno de los videos más llamativos del año a cargo del dúo francés compuesto por Gaspard Augé y Xavier de Rosnay. Con diversas y coloridas tipografías, las inscripciones de numerosas remeras aparecen, desaparecen y hasta interactúan entre sí.

VIDEO: D.A.N.C.E. - JUSTICE

9. The Pretender - Foo fighters: The Pretender, es el primer single del álbum Echoes, Silence, Patience and Grace del grupo norteamericano Foo Fighters. El single salió a la venta en iTunes Store el 8 de agosto de 2007 antes que saliera en las tiendas de discos.La Canción sera parte del soundtrack del videojuego Tony Hawk´s Proving Ground. En una entrevista con XFM, Dave Grohl explico de forma corta el significado detrás de "The Pretender". Segun el, las raices del tema se deben a la actual inestabilidad politica.

"Eso es lo que pasa con las letras, uno nunca quiere regalar los detalles, porque es bueno para las personas tener su propia idea o interpretación de la canción. Pero, todo el mundo ha sido (censurado) antes y creo que mucha gente se siente (censurado) en este momento y no están recibiendo lo que se les prometió, y tiene algo que ver con todo esto. Grohl también dijo a XFM que "The Pretender", no se había previsto inicialmente para el álbum y todo sucedió muy rápidamente. "Esta canción no se hizo hasta despues de las sesiones. No fuimos directamente a grabar el disco con esa canción, la agregamos despues de haber grabado mucho material. Antes de llegar a ese punto, no sabía si había una buena canción de apertura o no. Por lo tanto, después de que lo grabamos, pensé, oh, esto es perfecto, tenemos la canción para abrir el disco, y se convirtió la canción favorita de todos. ...Es el tipo de canción que espero ansioso para abrir los shows. Hicimos esta canción juntos en, no se, un día, mientras que rn muchas de las otras canciones trabajamos por semanas".

VIDEO: THE PRETENDER - FOO FIGHTERS

10. Brainstorm - Arctic Monkeys: no solo es el primer sencillo de Favourite Worst Nightmare, es la canción con la que los Arctic se dejan caer a la alberca con tiburones, ya que de este sencillo depende como será aceptado el segundo álbum; si comienzan a escribir nuevas canciones y organizar nuevas giras que los llevarán a la gloria o terminarán sirviendo pintas de lager en un oscuro pub de Sheffield, contando sus glorias como rockstars efímeros del MySpace a borrachos que ponen a Oasis en la rockola. Es un gran sencillo, sin duda de los mejores de la primera mitad del año. Es suficientemente rápido, duro y al grano. De alguna manera los Arctic Monkeys saltan del sonido del 2006 al sonido del 2007 con cierta facilidad en la primera parte del disco, mostrándonos una sección rítmica muy bien amarrada y potente. Los Arctic Monkeys trazan un paralelo con los Stones acerca de su propio cisma. La letra de “Brianstorm” comienza con una violenta demostración de lo que las estruendosas, esenciales y enojadas guitarras de Alex Turner y Jamie Cook pueden hacer, “Brian /Top marks for not tryin' /So kind of you to bless us with your effortlessness /We're grateful and so strangely comforted”, es una cruda crítica hacia “alguien” que no aguantó lo suficiente en esta pesada ruta hacia el estrellato; quizá el nombre de Andy Nicholson surja si este track se escucha al revés, ya que Andy dejó la banda por “una fatiga extrema causada por la extenuante gira”, pues “…Well see ya later Innovator!”. “Brianstorm”, describe también a un personaje, que responde por el nombre de Brian, aquel engreído poser, que entra a cualquier cuarto pensando que es requerido en ese preciso momento, en su cabeza todas las mujeres mueren por el y todos los hombres lo imitan; saco, corbatas delgadas y Air Force son adjetivos con los que reacciona, en el instante que se liga a una bella jovencita, en busca de un efímero pero satisfactorio encuentro, toma su mano, la besa y se presenta “Storm, Brian Storm”.

VIDEO: BRAINSTORM - ARCTIC MONKEYS

COMPLETE LIST

Earth Intruders - Bjork
Nude - Radiohead
Burn my shadow - UNKLE
No cars go - Arcade Fire
All my friends - LCD Soundsystem
Rehab - Amy Winehouse
Icky Thump - The White Stripes
D.A.N.C.E. - Justice
The Pretender - Foo Fighters
Brainstorm - Arctic Monkeys
I Still Remember - Bloc Party
When Under Ether - PJ Harvey
Hold my hand - UNKLE
Jigsaw Falling Into Place - Radiohead
Roc Boys - Jay-Z
Jimmy - M.I.A.
Into the swan - Siouxsie
My moon my man - Feist
Peacebone - Animal Collective
The Underdog - Spoon
Four Winds - Bright Eyes
Back to You - Pleasure ft. Brett Anderson
Working Class Hero - Green Day
Boyz - M.I.A.
1234 - Feist
Stronger - Kanye West
You Got Yr Cherry Bomb - Spoon
White People For Peace - Against me!
Someone Great - LCD Soundsystem
Grace Kelly - Mika
You Know I’m No Good - Amy Winehouse
No One - Alicia Keys
Love i dead - Brett Anderson
What I´ve done - Linkin Park
Say it right - Nelly Furtado
Comfy In Nautica - Panda Bear
Signal Fire - Snow Patrol
Sinkin' Soon - Norah Jones
Weird Fishes/Arpeggi - Radiohead
Me Llaman Calle - Manu Chao
Apologize - Timbaland feat. OneRepublic
Ayo Technology - 50 Cent ft. Justin Timberlake & Timbaland
Fake Empire - The National
Way I are - Timbaland
Stop Me - Mark Ronson
I Get Money - 50 Cent
Umbrella - Rihanna
Beautiful Girls - Sean Kingston
This Ain't A Scene, It's An Arms Race - Fall Out Boy
From yesterday - 30 Seconds to mars
Ruby - Kaiser Chiefs
Hey There Delilah - Plain White Ts
Give it to me - Timbaland
Forever - Papa Roach
Tell Me 'Bout It - Joss Stone
Accident & Emergency - Patrick Wolf
The Songs That We Sing - Charlotte Gainsbourg
Breath - Breaking Benjamin
Never too late - Three Days Grace
Makes Me Wonder - Maroon 5
Kiss Kiss - Chris Brown featuring T-Pain
Crazy Ex-Girlfriend - Miranda Lambert
Girlfriend - Avril Lavigne
Pain - Three Days Grace
Paralyzer - Finger Eleven
The Songs That We Sing - Charlotte Gainsbourg
Home - Daughtry
You! Me! Dancing! - Los Campesinos!
Impossible Germany - Wilco
Mistaken For Strangers - The National
1973 - James Blunt
Freak Out - Liars
Seahorse - Devandra Banhart
The Magic Position - Patrick Wolf
The Last Flight - Velvet Revolver
Down Boy - Yeah Yeah Yeahs
Make It Witchu - Queens Of The Stone Age
Big Girls Don't Cry (Personal) - Fergie
Satan Said Dance - Clap Your Hands Say Yeah
2 Hearts - Kylie Minogue
Halloweenhead - Ryan Adams
Closer - Travis
Gimme more - Britney Spears
The sweet scape - Gwen Stefani Featuring Akon
Rockstar - Nickelback
Wild Mountain Nation - Blitzen Trapper
Honey Bee (Let's Fly To Mars) - Grinderman
Is There A Ghost - Band Of Horses
Threshold Apprehension - Black Francis
I Wish That I Could See You Soon - Herman Dune
Computer Camp Love - Datarock
Dashboard - Modest Mouse
Lip Gloss - Lil Mama
Seahorse - Devandra Banhart
Are You Alright? - Lucinda Williams
The People - Common
Piece Of Me - Britney Spears
The Past Is A Grotesque Animal - Of Montreal
Long Walk Home - Bruce Springsteen
Dough Is What I Got - Lil Wayne

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CHART JULIO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 31 Jul 2007 04:52:00 +0000

JULIO 2007 (DEL 16 JUNIO AL 31 JUNIO)

El gran experimento de sonidos que ha creado Bjork con su nuevo albúm Volta se apodera del WeblogMusic Chart con su primer single "Earth Intruders" por 4ta. semana consecutiva. Pero sin lugar a dudas este chart le pertenece a Timbaland que colabora con la primera posición y se apodera al mismo tiempo del segundo lugar con "The Way I are". El mejor debut para la revelación inglesa Kate Nash y su single de presentación "Foundations"

Earth Intruders - Bjork
The Way I Are - Timbaland feat. Keri Hilson
Icky Thump - The White Stripes
Umbrella - Rihanna ft Jay-Z
What I've Done - Linkin Park
Relax (Take It Easy) - Mika
Big Girls Don't Cry - Fergie
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Makes Me Wonder - Maroon 5
Foundations - Kate Nash (BEST HOT DEBUT !!!)
Smashing Pumpkins - Tarantula
I Don't Wanna Stop - Ozzy Osbourne
Hey There Delilah - Plain White T's
When You're Gone - Avril Lavigne
Party Like A Rockstar - Shop Boyz
Black Mirror - Arcade Fire
Brianstorm - Arctic Monkeys
Working Class Hero - Green Day
(You Want To) Make A Memory - Bon Jovi
Rehab - Amy Winehouse
I Still Remember - Bloc Party
Last Night - Diddy feat. Keyshia Cole
Never too late - Three Days Grace
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Home - Daughtry

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion (aproximada) de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales y las tendencias de este weblog.

JULIO 2007 (DEL 01 JUNIO AL 15 JUNIO)

El gran experimento de sonidos que ha creado Bjork con su nuevo albúm Volta se apodera del WeblogMusic Chart con su primer single "Earth Intruders" por 2da. semana consecutiva. El mejor ingreso al chart es para Timbaland que posee dos singles y una colaboración con Bjork, esta vez lo hace con Keri Hilson y el segundo single de su último albúm "The way I are".

Earth Intruders - Bjork
Icky Thump - The White Stripes
Umbrella - Rihanna ft Jay-Z
What I've Done - Linkin Park
I Don't Wanna Stop - Ozzy Osbourne
Hey There Delilah - Plain White T's
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Makes Me Wonder - Maroon 5
Smashing Pumpkins - Tarantula
Relax (Take It Easy) - Mika
Big Girls Don't Cry - Fergie
Party Like A Rockstar - Shop Boyz
Black Mirror - Arcade Fire
Brianstorm - Arctic Monkeys
The Way I Are - Timbaland feat. Keri Hilson (BEST HOT DEBUT !!!)
I Still Remember - Bloc Party
Working Class Hero - Green Day
(You Want To) Make A Memory - Bon Jovi
Rehab - Amy Winehouse
When You're Gone - Avril Lavigne
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Home - Daughtry
Last Night - Diddy feat. Keyshia Cole
Never too late - Three Days Grace
Girlfriend - Avril Lavigne

CHART JUNIO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 01 Jul 2007 01:45:00 +0000

JUNIO 2007 (DEL 16 JUNIO AL 30 JUNIO)

The White Stripes llega al 1ST. del Weblogmusic Chart con "Icky Thump" el primer single de su nuevo album homónimo. "Tarantula" el primer single oficial del disco Zeitgeist de la banda The Smashing Pumpkins es el mejor ingreso junto con Green Day y su nuevo sencillo "Working Class Hero" que forma parte del Instant Karma: The Amnesty International Campaign to Save Darfur en honor a John Lennon.

Icky Thump - The White Stripes
Umbrella - Rihanna ft Jay-Z
What I've Done - Linkin Park
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Makes Me Wonder - Maroon 5
Brianstorm - Arctic Monkeys
I Still Remember - Bloc Party
Smashing Pumpkins - Tarantula (BEST HOT DEBUT !!!)
Working Class Hero - Green Day (BEST HOT DEBUT !!!)
Relax (Take It Easy) - Mika
(You Want To) Make A Memory - Bon Jovi
Rehab - Amy Winehouse
Big Girls Don't Cry - Fergie
Party Like A Rockstar - Shop Boyz
Black Mirror - Arcade Fire
Girlfriend - Avril Lavigne
Forever - Papa Roach
Signal Fire - Snow Patrol
Grace Kelly - Mika
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Home - Daughtry
Last Night - Diddy feat. Keyshia Cole
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Never too late - Three Days Grace

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion (aproximada) de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales y las tendencias de este weblog.

JUNIO 2007 (DEL 01 JUNIO AL 15 JUNIO)

Linkin Park por cuarta semana consecutiva ocupa el primer lugar de WeblogMusic Chart con el single What i´ve done. El mejor debut es para el single Party Like A Rockstar de Shop Boyz . Rehab de Amy Winehouse reingresa al chart y Nelly Furtado con el sencillo Say it right es la canción de mas permanencia en el ranking.

What I've Done - Linkin Park
Umbrella - Rihanna ft Jay-Z
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Makes Me Wonder - Maroon 5
Brianstorm - Arctic Monkeys
Signal Fire - Snow Patrol
I Still Remember - Bloc Party
Icky Thump - The White Stripes
Grace Kelly - Mika
Party Like A Rockstar - Shop Boyz (BEST HOT DEBUT !!!)
Black Mirror - Arcade Fire
(You Want To) Make A Memory - Bon Jovi
Rehab - Amy Winehouse
Girlfriend - Avril Lavigne
Forever - Papa Roach
Big Girls Don't Cry - Fergie
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Better Than Me - Hinder
Home - Daughtry
Last Night - Diddy feat. Keyshia Cole
Buy U A Drank (Shawty Snappin') - T-Pain Featuring Yung Joc
Closer - Travis
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Never too late - Three Days Grace

LINKIN PARK - MINUTES TO MIDNIGHT

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 06 Jun 2007 03:06:00 +0000

Minutes to Midnight es el tercer álbum de estudio de la banda californiana Linkin Park. Salió a la venta el 14 de mayo de 2007 en la mayoría de los países, y el 15 de ese mismo mes en los Estados Unidos. Contiene 12 canciones y demuestra un cambio considerable en el estilo del grupo. La banda propone un nuevo estilo bastante diverso y los mensajes de las canciones son más humanos. Si hasta ahora existía un grupo que era una apuesta segura en el sentido de no decepcionar a sus fans, éste era Linkin Park. Sus dos primeros trabajos seguían las mismas coordenadas, dentro del nu-metal, y eso era algo que volvía locos a sus fans. Ahora, tres años después de Meteora, vuelven con Minutes to Midnight (Warner), y la intención de tirar por los suelos cualquier imagen que tengas de ellos.

Cuatro años después, la banda intenta superar el estigma del nu metal con su nuevo álbum, ‘Minutes to midnight’. “Hybrid Theory”, y “Meteora”, son dos grandes discos iconos quizás de la historia de la música por incursion en el Numetal aunque a muchos les parecian el mismo disco en dos partes. Pues bien, esto ya no se repite con “Minutes to midnight”, Linkin Park a cambiado, ya no son Nu-Metal, donde se les encasillo anteriormente, eso a quedado atras, y dan paso a un disco mucho mas maduro, y dejando atras los riffs del guitarrista Brad Delson, el rapeo de Mike, los schach de Mr. Hanh y dando paso a unas guitarras mas curtidas (es un cambio muy sustancial respecto al del anterior cd, un cambio muy bueno), un Mike que llega a rapear en un par de canciones como de verdad sabe, pasa tambien a hacer unos buenos coros, e incluso marcarse una cancion cantando melodicamente el solito. Estamos ante un buen disco, y de hecho mejor que cualquiera de los anteriores, Linkin Park lo anucio y asi es.

Y es que los americanos que han crecido viendo la MTV han cambiado el nuevo metal por el rollo emo rockero de grupos con amplio seguimiento como Fall Out Boy o Chemical Romance o Panic! at the disco, bandas que, no por casualidad, planean sobre los nuevos Linkin: van a girar este verano en Estados Unidos con los segundos y sus críticos ya les han llamado Fall out Park, a la vista del alejamiento del híbrida numetalero que elevó por encima de los 14 millones las ventas acumuladas de su debut ‘Hybrid theory’ (00) y ‘Meteora’ (03).

«Han pasado ya siete años desde que comenzamos y hemos cambiado y aprendido mucho en todo este tiempo; cuando grabamos ‘Hybrid theory’ teníamos entre 18 y 24 años y unas 30 canciones para elegir. Ahora nosotros y ellos hemos cambiado. En este disco empezamos a trabajar a partir de 130 canciones. Elegir las mejores ha sido un proceso muy largo y duro. Eso, unido al concepto artístico del disco, que cuidamos mucho, ha alargado los plazos. Este disco es el resultado de año y medio de errores, experimentos, ideas y mucho trabajo. Hemos asumido muchos riesgos para tratar de no repetirnos haciendo un tercer capítulo de una trilogía o algo así. Cada vez que algo nos sonaba como los discos anteriores, lo desechábamos inmediatamente. Las nuevas canciones apuntan en muchas direcciones y, en su conjunto, el disco no se parece a los anteriores», explica el cantante Chester Bennington.

Linkin Park recurrieron al solicitado productor Rick Rubin, una especie de hombre para todo del rock (por algo le llaman Mr. Fix it) que ha estado detrás de álbumes de gente tan dispar como RCHP, Beastie Boys, Run DMC, Jagger, Slayer, Johnny Cash, Jayhawks o Dixie Chicks. Una elección que en principio no fue del agrado de buena parte de sus fans, pero que el grupo considera «una gran experiencia».

El contacto de Linkin Park con el fundador de Def Jam, sello crucial en la colisión rock-rap, surgió a raíz de escuchar su trabajo con Jay Z mientras se encontraban en el momento de reciclar sus canciones con el millonario rapero. «Nos gustó mucho lo que había hecho con temas como ‘99 problems’ y pensamos que estaría bien trabajar con él. No sólo ha producido discos de algunos de nuestros grupos favoritos, como System of a Dawn, Slayer, Public Enemy, Bestie Boys o Run DMC. También es un tío muy versátil, capaz de trabajar con artistas como Neil Diamond o Dixie Chicks. Nos dio algunos consejos que nos ayudaron de cara a nuestro nuevo disco. Nos dijo que nos olvidáramos de cómo se esperaba la gente que sonáramos y que hiciéramos lo que quisiéramos, la música que tuviéramos dentro, la que sintiéramos. Rick ha sido el tío ideal para entender todo lo que queríamos mezclar sin dejar de ser reconocibles», justifica el sampleador, guitarrista ocasional y rapero reconvertido en cantante Mike Shinoda (aka Shinnizle o The Glue), que pasa por ser otra voz dominante en el grupo junto al bajista y cerebro en la sombra Dave ‘Phoenix’ Farre.

En Minutes to Midnight, Linkin Park no muestran ni un ápice de nu-metal. De hecho, a juzgar por este disco, ya no tendrían que ser considerados una banda de metal, sino una de rock de masas. Y es que, pese a que el single del nuevo trabajo, 'What I've Done', es la canción más parecida a sus dos discos anteriores, es sólo un farol que se marca el grupo para que el desengaño de sus fans no sea tan grande desde el principio.

Significado del titulo

En una entrevista, Chester explicó el porqué del nombre del nuevo CD. El título hace referencia al Doomsday Clock, creado por científicos de la ciudad de Chicago durante la Segunda Guerra Mundial. Este reloj indica "cuán cerca de la medianoche estamos" (en términos metafóricos, significa "cuán cerca del final estamos") en forma de minutos. Los diferentes acontecimientos ocurridos durante y después de la Segunda Guerra alteraron los minutos restantes para la "medianoche". Actualmente estamos a 5 minutos.

El título, más allá de ser "apocalíptico", pretende marcar también un cambio en la banda en todo sentido, tanto en las líricas como en el uso de los instrumentos. Este es un cambio que se hará visible en este nuevo CD, según se ha prometido.

EL DISCO

Lo de ser reconocibles es más bien relativo al escuchar ‘Minutes to midnight’, álbum breve que pierde irremisiblemente fuerza según avanzan los cortes. Con doce temas justificados en el amplio y cuidado libreto interior y sin plantear una ruptura tan radical con el nu metal como auguraba, la tercera entrega de estudio de los californianos tiene menos pegada heavy y combina temas de stadium rock a lo U2 o los Metallica de ‘Load’, cortes melódicos con punto oscuro de Evanescence, alguna balada casi propia de Coldplay y no pocas evocaciones a la angustia de los más triviales y teatrales grupos de emo adolescente.

El disco abre con la intro Wake, ya nos anuncio desde el comienzo que estamos ante algo diferente.

Dando paso a “Given Up”, los ritmos de la batería al estilo punk rock son potentes, las guitarras pesadas, y Chester Bennington canta con todos sus pulmones, con un estribillo muy potente que se queda en la cabeza desde un principio.

La tercera pieza del disco es “Leave Out All The Rest”, seguramente uno (de los seguro que muchos) single del disco, primera cancion lenta, algo a lo que no nos tenian acostumbrados, pero que no por ello tiene nada de malo, el ritmo es marcado por una base, mientras Chester sigue perfecta con su voz.

En “Bleed It Out” volvemos a ver a un Mike rapeando y haciendo de las suyas, seguido de la potente voz de Chester en el estribillo, marcando el guion al que en los anteriores discos nos tenian acostumbrados: introducción de guitarras, voces en rap melódico, voz melódica/agresiva de Chester Benington, bajo y batería que rallan a buen nivel. Pero no por ellos deja de ser una mala cancion, una buena introduccion con toda esa gente gritando, y una guitarra pegadiza, de lo mejor del disco, y buen siguiente single.

“Shadow of the day”, es una otra historia, una cancion Pop, que mantiene el ritmo en toda la cancion, recordando a U2 en sus tiempos.

Seguimos y nos topamos con “What I’ve Done”. Comienza increiblemente con ese piano, unas voces increibles durante la parte central del tema, antes de desarrollarse en un puente brillante y un final climático, muy buena eleccion como primer single.

En su crisis o búsqueda de su nueva identidad, Shinoda hasta se ha reconvertido en cantante gruñidor y el cuidado del lenguaje que les hacía originales en su género ha dado paso a las etiquetas de letras explícitas que, paradójicamente, contrastan con ese amén propio del rock cristiano que sueltan en ‘Hands held high’, otra soflama anti Bush que no deja de ser uno de los temas más potentes del disco. Una parte que llama la atencion es el canto melódico de Chester viene después pero el tema central de esta canción parece ser soldados volviendo a casa tras la desgracia de la guerra, una buena cancion.

Ya nos vamos hacercando al final del disco, y nos traen la cancion con las guitarras mas pesadas del disco, pero que no dejan de ser buenas. Nos abre la cancion con una espeluznante guitarra pincipal, seguido por un bajo y bateria que bien marcan el ritmo a segir, la melodía fluye naturalmente con un puente pesado seguido por una modulación y gritos aún más agudos, sin ningun arreglo por parte del DJ del grupo.

"No More Sorrow" (el único atisbo de metal del disco) nos devuelve a un sonido mas calmado, como vimos en anteriores canciones, balada triste que Chester sabe marcar, pero que no llega a ser buena hasta pasados los 2 minutos de cancion.

“In Between” nos sorprende con un Mike cantando melodicamente, con una cancion con un buen ritmo, y una buena melodia. Pero ahora llega el mejor momento del disco con dos canciones apoteosicas, la primera es “In Pieces”, comienza con el rítmico sonido de una batería sintética, imposible no ser arrastrado adentro. El conmovedor piano y bajo poderoso prueba ser una combinación ganadora para la banda - con voces en lo mejor y eventualmente más guitarras distorsionadas, sin gritos. La canción va más despacio y termina dramáticamente con un simple golpe y un punteado de guitarra al estilo ska.

Puestos a caer en tópicos y pese a recalcar aquello de que «no somos una banda política», hasta han filtrado críticas a Bush y al desastre del ‘Katrina’ en ‘The little things give you away’. Es esta probablemente la canción que mas sorprenda. Guitarra acústica y Linkin Park en la misma oración, asi es, acompañando la melodica voz de Chester, que llega a su apogeo en un magnifico estribillo. Todo vuelve a cambiar cuando un solo de guitarra en mitad de la cancion como si ella misma cantara la letra, sin duda el mayor esfuerzo a nivel creativo y compositivo que Linkin Park hayan hecho jamás.

Track listing

"Wake" – 1:40
"Given Up" – 3:09
"Leave Out All the Rest" – 3:29
"Bleed It Out" – 2:44
"Shadow of the Day" – 4:49
"What I've Done" – 3:25
"Hands Held High" – 3:53
"No More Sorrow" – 3:41
"Valentine's Day" – 3:16
"In Between" – 3:16
"In Pieces" – 3:38
"The Little Things Give You Away" – 6:23

B-Sides

"No Roads Left" – 3:48 (B-side released with all pre-orders of the iTunes version of the album)
"No More Sorrow" – 3:47 (Live) (Best Buy purchase and Zia Records Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
"Given Up" – 3:11 (Live) (Best Buy purchase Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
"What I've Done" – 3:27 (Live) (Best Buy purchase and Itunes Bonus Track, originally performed at AOL Sessions on March 5, 2007)
"Breaking the Habit" – 4:23 (Live) (Wal-Mart purchase, originally performed at Wal-Mart Soundcheck in 2007)
"What I've Done" – 3:24 (Live) (Wal-Mart purchase Bonus Track, originally performed at Wal-Mart Soundcheck in 2007)
"Faint" – 2:46 (Live) (Japanese edition Bonus Track)

En su conjunto, ‘Minutes to midnight’ conserva poco de su batido de rock metálico, rap de vieja escuela, desgarro vocal y melodía aderezado con electrónica ochentera, aquel híbrido con el que arrancaron Linkin Park cuando el guitarrista Brad Delson y el cantante, diseñador gráfico y rapper Mike Shinoda se aliaron primero al batería Rob Bourdon y después al DJ Joseph Hahn.

Para bien o para mal, la nueva apuesta de ‘Minutes to midnight’ no ha dejado indiferentes a los seguidores del grupo. Su sector más hardcore lo ha puesto a parir y el resto lo ha saludado como lo mejor de su discografia. En todo caso, las ventas, sin llegar a las cotas de su debut, les están dando la razón. El disco ha entrado al ‘número 1’ en casi veinte países, entre los que figuran los tres mercado más importantes del mundo -Alemania, Reino Unido y Estados Unidos-, donde han batido los récords de ventas del año.

Esto nos lleva a concluir que, en conjunto, Minutes to Midnight es un disco con buenas canciones que desconcierta por su gran número de baladas, algunas de ellas (como 'Shadow of the Day') en las que invocan sin tapujos a U2. No son mas la banda de rock para adolescentes que nos dejo sin voz de tanto cantar "In the end" (una de las mejores canciones de la historia del rock) o "Faint". La nueva dirección de la mitad contundente de Minutes to Midnight es sin duda la correcta, pero la otra mitad puede que tan sólo sea la comercialmente necesaria.

VIDEO: WHAT I´VE DONE - LINKIN PARK

PUNTUACION: 8.0 / 10

BJORK - VOLTA

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 01 Jun 2007 05:42:00 +0000

Volta es el sexto álbum de estudio de la cantante Islandesa Björk, lanzado el 7 de mayo de 2007. Será el primer álbum de estudio producido completamente por Björk y contará con 10 temas. El sello discografico de la cantante One Little Indian, espera que este álbum sea el más vendido en toda la carrera de Björk. En una entrevista hecha por la página musical Pitchfork, Björk habló la primera sobre el tema de este album:

Pero con este ábum, fue diferente porque sabía que quería algo más emocionante. Y porque he elaborado dos o tres proyectos que fueron muy serios, quizas necesitaba sacar todo esto de mi. Todo lo que realmente quería hacer para este álbum era solo divertirme.

Sobre el nombre del disco Björk dice:

Siempre he tratado de escoger titulos que sean como latinos o algo así, pero que no sean en ingles, que es algo chistoso porque nosotros europeos creemos que el castellano o el habla hispana es un lenguaje neutral.
Entonces encontré Volta, no recuerdo como, pero lo googleé y encontré que es el nombre de un científico italiano que inventó la pila, es tambien un río en Africa que fue hecho por el hombre y es tambien un lago construido por el hombre Lake Volta.
Entonces tengo muchas cosas en una sola palabra.
H6. Visir.is 22 march 2007

Björk visitó en 2005, Banda Aceh, el pueblo que resultó como más de 180.000 muertos por el tsunami del sudeste asiártico. Fue tan impactante para Björk que le sirvió de inspiración para crear Earth Intruders. Según la entrevista dada a Mtv.com, Volta será una expresión de el sufrimiento por la raza humana, y con pensamiento crítico, al igual de la frase "Construiré un altar, alejado de todos los Osamas y Bushes" de Mouths Cradle, del álbum Medúlla. Para colaborar por las causas benéficas llevadas a cabo luego del desastre en Asia, Björk y sus fans remasterizaron Army of Me de Post.

Volta es una apuesta por la sencillez de las músicas antiguas: ritmos claros que a veces nos recuerdan a las marchas militares y a veces a las danzas tribales. Björk ha comentado que se debe a su descubrimiento de una visión menos religiosa y más científica del ser humano. Su recategorización como animal ante todo, realidad de la que nos suelen alejar las filosofías.

La vanguardista islandesa, tiene ese sello particular, de innovar en cada placa, ya demostrado en "Medúlla", que fue realizado completamente por voces, sin ningún instrumento, invitando a Rahzel que realizo las bases con Beat Box y además fue parte el hiperquinético Mike Patton. Toda esta frescura innovadora continúo en la senda creativa de Björk y "Volta" no es la excepción, desde la primera hasta la última nota se aprecia la conceptual estampa sonora de la cantante. Bailable y alegre, con interludios que mezclan canciones con los sonidos de barcos que zarpan y echan anclas, sirenas en la niebla, aves marinas y el sonido de un tren, “VOLTA”, el último capítulo en la cambiante carrera de Björk, que supone un nuevo despegue para la artista.

“Fue muy distinto a como trabajo normalmente” dice Björk de su auto producido sexto disco.

“Con Homogenic, Vespertine, y Medulla, si había un punto de inflexión, eran los ritmos… pero con éste, fue diferente, porque yo sabía lo que quería de una manera más emocional. Y como he hecho dos o tres proyectos de golpe que eran bastante serios, quizás lo que necesitaba era desconectar mi sistema o algo así. De modo que todo cuanto quería hacer con este disco era divertirme y hacer algo que fuera potente y alegre.”

Un trabajo que nos remite de inmediato a los primeros años de su exitosa carrera (Homogenic, Debut, Post). Acá se conjugan delicadas melodías pop, bases disonantes, suaves arreglos y ritmos aletargados que seducen a la primera escuchada. Su contraparte regala ese clásico sonido experimental y atípico que predomina en sus composiciones desde la era “Medulla” o “Vespertine”. Y la mixtura de estas dos facetas es “Volta”, un disco redondo de principio a fin, lleno de vitalidad y creatividad.

Volta, según ella, es un retorno al ritmo lúdico y a los juegos de Debut (1993) después de proyectos tan serios y tan orientados a una elegancia que no le permitía divertirse. “Quería algo más emocionante” , declaró en una entrevista a Pitchfork. Por una parte es cierto, pero también Volta es una manera de salir del callejón sin salida que significó Medùlla, pues una vez que (teóricamente) se llega a la ontología del sonido y se construye sobre la esencia del ruido ¿qué más le queda por hacer? Intentar ser menos pretenciosa no es una opción para alguien como Björk, y es que hasta ahora ha sido un icono que da cátedras de todo lo que a reinvención se refiere. Por ello cada nuevo álbum de la escandinava encanta más que el anterior y propone un mundo completamente diferente.

Estamos frente a un finísimo trabajo en bajo y en percusiones así como también en la estructuración de todas las voces en juego, siguiendo la astucia de su disco anterior Drawning Restraint 9 (OST 2005) y del mismo Medùlla. Las sintetizaciones más agresivas pueden llegar a ser incluso bailables, mientras que la orquestación, esta vez casi sin cuerdas, está protagonizada por un vasto conjunto de trompetas e instrumentos de viento que recuerdan aquellas canciones de Selmasongs (OST 2000), de Debut y de Post (1995), cuyo tema ‘I miss you’ encierra varias claves para entender el nuevo álbum. El arpa, constante piedra angular de su discografía y cuya máxima expresión es Vespertine, también tiene una presencia en ‘I see who you are’ y en ‘My juvenile’ (con la voz de Antony acompañándola).

De esta manera, Volta es un disco que posee varios estilos mezclados y revueltos, desde el hip hop a la orquestación, desde el R&B a la ópera, desde la indietrónica hasta el melodrama, sin reposar sobre ninguno en preponderancia sino sobre la idiosincrasia de esta extraña criatura, cuyos gustos siempre avecinan lo que las generaciones pop venideras podrán digerir de manera más fácil. Porque, es cierto, los discos de Björk son difíciles y poco digeribles.

La mayor parte de este trabajo es producido por Bjork, exceptuando los temas Earth Intruders, Innocence y Hope, co-producidos con Timbaland (Jay-Z, Justin Timberlake) y Mark Bell (LFO, Depeche Mode). El material una vez mas presenta a una artista arriesgada con un estilo único que puede deleitar o entorpecer al oido más critico.

En Volta, Bjork incluye sus tradicionales secuencias con mezclas interesantes de instrumentos de viento. Sobresale el tema Wanderlust, que muestra un excelente arreglo con un ensamble de metales que se mueve sin problemas sobre una dominante secuencia.

El estilo de los temas es variado a lo largo del discom lo que resulta un atractivo irrechazable ya que podran tener una muestra de las cualidades de Bjork en cada tema. Los arreglos han alcanzado madurez y se presentan suavemente para ser disfrutados con detenimiento.

La producción de Volta cuenta con artistas invitados de la talla de Antony Hegarty, vocalista de Antony And The Johnsons, quien con su poderosa voz logra plasmar uno de los momentos más emotivos de “Volta”, la hipnótica The Dull Flame of Desire. Otro de los artistas que nos encontramos en “VOLTA” es el pionero Mark Bell de LFO y a dos baterías únicos como Chris Corsano (Sonic Youth entre otros) y Brian Chippendale de Lightning Bolt. BJÖRK, nos trae también en este trabajo a dos aclamados artistas africanos, Toumani Diabate y Konono (Ganador del BBC World Music Award en el 2006). BJÖRK ha reunido en “VOLTA” a su propia banda islandesa de metal formada por mujeres y que participa en tres canciones.A su vez la prestigiosa Min Xiao-Fen (Chinese Pipa) aparece en un tema.

Colaboradores

Timbaland (productor de R&B y hip-hop); Ha trabajado con Björk en tres canciones de este álbum. Diez y seis canciones fueron grabadas durante las sesiones de grabación, los cuales fueron grabadas en 4 estudios del centro de Manhattan en Nueva York, EE.UU. Jimmy Douglas y Halsey Quemere fuerón Ingeniero y asistente de ingeniero respectivamente. Timbaland ha pensado incluir una de las canciones que escribió con Björk en su nuevo álbum. El primer single de Volta, Earth Intruders, está co-producida por Timbaland.
Antony Hegarty (Frontman y lead singer de la banda Antony and the Johnsons; dos duos aparecerán en el álbum, "My Juvenile". y "The Dull Flame of Desire" (La colaboración surgió en Jamaica)
Brian Chippendale (Baterista/vocalista de la banda Lightning Bolt)
Chris Corsano (Baterista)
Toumani Diabaté (Tocador del Malian kora)
Mark Bell (Musico y productor de grabación; ha sido colaborador en el álbum Homogenic)
Sjón (Autor; ha escrito las canciones "Bachelorette" y "Oceania"; el colaborará con una canción escrita para este álbum)
Konono N°1 (Grupo músical de Kinshasa, República Democrática del Congo; canción grabada en Junio 2007 en Bruselas)
Min Xiao-Fen (China tocadorá de la pipa y vocalista)
Björk ha puesto juntas un grupo de 10 mujeres que tocan en tres canciones del álbum.

Track listing

All tracks written by Björk except where noted.

"Earth Intruders" (Björk, Timothy Mosley, Nate Hills) – 6:13
"Wanderlust" (Björk, Sjón) – 5:50
"The Dull Flame of Desire" – 7:30
"Innocence" (Björk, Mosley, Hills) – 4:26
"I See Who You Are" (Mark Bell, Björk) – 4:21
"Vertebrae by Vertebrae" – 5:07
"Pneumonia" – 5:13
"Hope" (Björk, Mosley) – 4:02
"Declare Independence" (Bell, Björk) – 4:10
"My Juvenile" – 4:01

10 original tracks in total: 3 tracks are co-produced by Timbaland, two are duets with Antony Hegarty.

El primer single de Volta es "Earth Intruders" y fue lanzado el 9 de abril de 2007 en las tiendas virtuales de música. El lanzamiento del sencillo en tiendas físicas será el 23 de mayo, ya que ahora estan siendo producidos los remixes que contendrán el mismo. El vídeo fue dirigido por Michel Ocelot, quien dirigió la cinta de animación francesa Kirikou y la hechicera. Björk afirma que el protagonista del vídeo es el mismo Kirikou a la edad de 20 años. El también francés Michel Gondry dijo que dirigirá el siguiente video de Björk, que sera Declare Independence. En ‘Earth Intruders’ Una percusión tribal señala los espacios por los que irá experimentando la Islandesa. Voces hipnóticas que llevan el ritmo apresurado cuasi bailable, conjugadas con las características sintetizaciones de Timbaland, pero puestas al servicio de una expresión más pueril que el uso erótico que hasta ahora habían tenido con Timberlake y Furtado. El video dirigido por Michel Ocelot (Kirikou y la Hechicera) muestra una tribu de nativos que hacen referencia a las tierras del pacífico, visitadas por Björk tras el desastre del sudeste asiático que la inspiró fuertemente.

VIDEO: EARTH INTRUDERS- BJORK

Le sigue ‘Wanderlust’ cuya orquestación de trompetas se ve transgredida poco a poco por una programación fría muy a lo Massive Attack, que con el ritmo de la voz de Björk se pone en tensión crecientemente hasta llegar al coro, que explota en una dramática interpretación de trompetas que desplazan y de los gritos de la escandinava, que ponen la piel de gallina. El contrapunto entre la electrónica y la orquestación es quizás una buena manera de describir la música de ella, y que sumado al drama de su interpretación como en “Jóga” o en “Sodd off”, logra notables niveles de emoción en el receptor.

El primer dúo con el andrógino californiano es ‘The dull flame of desire’, toda una opereta de perfecta armonía entre la voz vibrante y frágil de Antony con la potencia desgarradora de las cuerdas vocales de Björk. Las trompetas le inyectan un aire épico y ensoñador que recuerdan a canciones como ‘New world’ del soundtrack de Dancer In The Dark (Lars Von Trier 2000) o ‘Play dead’ de Debut. Una percusión se va colando tímidamente a lo largo de la extensa dimensión del track, para terminar con un clímax que condensa toda la tensión que las dos divas habían estado generando en la fusión de sus voces y de sus propios ritmos: un deleite. Sigue ‘Innocence’, que retrae al indie y al hip hop, un juego similar al de ‘Allarm call’ o al de ‘Triumph of a heart’, con una programación excelente e ideal para bailarla después de un tema de Diplo.

Los temas étnicos o con tintes orientales, a Björk se le hacen como anillo al dedo, "I See Who You Are" es el claro ejemplo. Con una fuerte atmósfera oriental, Björk demuestra su brillantes vocal. Y para esta composición, la cantante se hizo acompañar del músico chino Min Xiao-Fen.

"Vertebrae by Vertebrae", pausadas piezas musicales que evocan nuevamente los primeros años de Bjork, donde sin grandes artilugios la islandesa hace gala de su penetrante voz, para involucrarnos en un viaje que despegó hace largo rato.

Las revoluciones bajan de manera abismaste en la espectral "Pneumonia", que se escuda sólo en una pequeña orquesta de vientos y la voz arrolladora de Bjork. Es el turno de Hope, otra pieza a cargo de Timbaland y el africano Toumani Diabaté quien agrega un instrumento llamado Kora (suena muy parecido a un arpa). Una dupla excepcional que trasciende todo tipo de fronteras.

la diversión vuelve a ‘Hope’ y el tono cálido de las arpas y de las otras cuerdas junto con la conjunción de voces es un reconfortante abrigo para luego arrojarnos a ‘Declare independence’, anunciado como segundo single y cuyo video será dirigido por Michel Gondry. Una canción ruda como si Autechre se hubiera unido con Peaches, o como si ‘Come to daddy’ de Aphex Twin tuviera voces femeninas. El ruido extraño y las sintetizaciones enajenantes recuerdan el tema ‘Pluto’ de Homogenic, así como la voz retrotrae a cualquier cantante de metal industrial con inclinación electrónica. De seguro será un paradigma de ahora en adelante para referirse al aspecto más terrorífico de la electrónica de Björk.

Para terminar encontramos la revolucionaria "Declare Independence", una pequeña, “declaración de principios”, que se rige por un beat fuerte y dominante, sintetizadores al extremo de su capacidad y una voz urgente y precisa.

Ya está todo dicho, es el turno de "My Juvenile", canción que cierra el disco. Esta hace referencia al amor de madre y al nacimiento de su hija. En esta ocasión quien se repite el plato es Anthony Hegarty, el favorito de Bjork en estos momentos. Juntos logran plasmar otro momento de alta emotividad, gracias a un grandioso registro vocal y una bellísima letra.

Las más audaces sinfonías de los últimos diez o quince años han provenido de ella. Su música cala profundo en las receptoras almas. La belleza pareciera provenir de su cuerpo con serena limpieza, suntuosa. La sublimidad, la esplendidez discurre con persistente naturalidad en sus intrépidos discos. Ella, la más original de los artistas de las pasadas décadas, será amada, adorada –como es de corresponder- por los de seres humanos en el planeta. Su figura, su agujero en la historia del arte, su interferencia con el libre desarrollo de los hechos humanos, su islandesa palidez unida a la más sana y divertida década del siglo XX, la harán la más entera expresión artística del mundo pop. Tras haber realizado, y luego cubierto con ella, la más entera expresión musical de los noventa y la presente década, su nombre quedará coligado a la historia de las grandes aventuras humanas. Cuanto ha realizado desde 1993 la inmensa, aparatosa islandesa merece un juicio: ningún paso ha errado, su obra es inmaculada, su genialidad es desbordante. Oscura y majestuosa: Björk.

Cabe destacar que “Volta” fue grabado en distintos países del mundo, lo que le da un toque mucho más ecléctico a sus composiciones, haciendo referencia a lo perteneciente de Bjork en el planeta, conectada con las raíces intrínsecas del ser humano. Este nuevo trabajo de Björk, como otros muchos de la cantante, no es apto para oídos mediocres, en donde hay que darle varias vueltas, a un trabajo que tiene un mar de ritmos y arreglos melódicos.

Diez canciones lujosas, a menudo oscuras, que van desde una electrónica marciana hasta baladas inimitables o ensueños de búsqueda de la identidad, con percusión africana, muchos metales y una voz profundamente emocional: así es el nuevo álbum de Björk y, como siempre, no suena parecido a nada que no sea ella. Volta es seguramente su disco más suelto y reflexivo, y aunque se relaciona con todo lo que hizo antes, no es tan atrapante ni coherente como su mejor material, el notable Vespertine (2001). Pero con la mano de colaboradores muy bien elegidos, incluyendo a Timbaland y a Toumani Diabaté (oriundo de Mali), Volta contiene algunos momentos geniales. Dos cortes producidos por Timbaland –“Innocence” y el que abre, cargado de percusión, “Earth Intruders”– son los que más se parecen a los placeres instantáneos; y Björk muestra los que menos en dos picos de fantasía: “Hope”, un tema increíble que pondera a los bombarderos suicidas e incluye una voz suya más tierna y ágil que nunca, y la maravillosa “I See Who You Are”, un remolino de cuerdas asiáticas y melodías zumbantes que parece referirse al sexo. Por sobre todo, es un buen argumento para que Björk siga haciendo lo que se le canta, que es lo que suele hacer. LINK

PUNTUACION: 9.5 / 10

CHART MAYO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 31 May 2007 02:57:00 +0000

MAYO 2007 (DEL 16 MAYO AL 31 MAYO)

Linkin Park por tercera quincena consecutiva ocupa el primer lugar de WeblogMusic Chart con el single What i´ve done. El mejor debut para Snow Patrol con Signal Fire de la banda de sonido de la pelicula Spiderman. Y Nelly Furtado con el sencillo Say it right es la canción de mas permanencia en el ranking.

What I've Done - Linkin Park
Makes Me Wonder - Maroon 5
Brianstorm - Arctic Monkeys
Signal Fire - Snow Patrol (BEST HOT DEBUT !!!)
I Still Remember - Bloc Party
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Umbrella - Rihanna ft Jay-Z
Better Than Me - Hinder
Girlfriend - Avril Lavigne
Icky Thump - The White Stripes
Forever - Papa Roach
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Home - Daughtry
Buy U A Drank (Shawty Snappin') - T-Pain Featuring Yung Joc
Because Of You - Ne-Yo
Heart-shaped Glasses - Marilyn Manson
Black Mirror - Arcade Fire
Closer - Travis
Tell Me 'Bout It - Joss Stone
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Don't Matter - Akon
Baby's Coming Back/transylvania - McFly
NYC Beat - Armand Van Helden
Never too late - Three Days Grace

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion (aproximada) de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales.

MAYO 2007 (DEL 01 MAYO AL 15 MAYO)

Linkin Park por segunda quincena consecutiva ocupa el primer lugar de WeblogMusic Chart con el single What i´ve done. El mejor debut para The White Stripes con Icky Thump de su nuevo albúm que lleva el mismo nombre. Y Nelly Furtado con el sencillo Say it right es la canción de mas permanencia en el ranking.

What I've Done - Linkin Park
I Still Remember - Bloc Party
Brianstorm - Arctic Monkeys
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Makes Me Wonder - Maroon 5
From Yesterday - 30 Seconds To Mars
Girlfriend - Avril Lavigne
Icky Thump - The White Stripes (HOT DEBUT !!!)
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
Buy U A Drank (Shawty Snappin') - T-Pain Featuring Yung Joc
Breath - Breaking Benjamin
Grace Kelly - Mika
Off the hook - CSS
Tell Me 'Bout It - Joss Stone
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Don't Matter - Akon
Baby's Coming Back/transylvania - McFly
Rehab - Amy Winehouse
Because Of You - Ne-Yo
Black Mirror - Arcade Fire
Closer - Travis
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
Survivalism - Nine Inch Nails
Pain - Three Days Grace

ARCADE FIRE - NEON BIBLE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 24 May 2007 04:52:00 +0000

Arcade Fire es un numeroso grupo nacido en Montreal, Canadá. Su estilo es calificado como "post-rock experimental", art-rock e indie rock. El grupo está compuesto por Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara. Desde mayo de 2005 la banda incluye en sus conciertos a Pietro Amato que toca la trompa y al violinista Owen Pallet.

Arcade Fire han conseguido introducir instrumentos que no son frecuentes en una banda de rock como pueden ser violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y hasta reliquias medievales como la zanfona, consiguiendo unos sonidos completamente nuevos que funcionan muy bien con sus complejas y rítmicas letras.

Arcade Fire se crearon entorno al matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne. Sus inicios se remontan a mediados del año 2003 y la actual formación se consolidó entre finales de 2003 y principios de 2004, cuando se grabó su primer álbum (Funeral). Anteriormente a este álbum grabaron un EP (de nombre Arcade Fire y conocido por sus seguidores como Us Kids now) que vendían en sus primeros conciertos. Cuando la banda comenzó a adquirir relevancia, el EP fue remasterizado y puesto a la venta.

Arcade Fire es conocido por sus cautivadoras presentaciones en vivo, así como por el uso de un gran número de instrumentos musicales. En adición a los tradicionales guitarra, batería y bajo, los miembros tocan el piano, violín, viola, cello, bajo doble, xilófono, teclados, cuerno francés, acordeón, el hurdy gurdy y el arpa. Con variados músicos eximios, la banda lleva su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo

El número de instrumentos, junto con un amplio repertorio de influencias les han proveído de una enorme paleta sonora al momento de grabar su música. La espectacularidad y originalidad de sus conciertos les permitió sellar un contrato con la discográfica independiente Merge Records.

Consultado acerca del rumor sobre si el origen de la banda se refería a un fuego dentro de un juego de arcade, Win Butler respondió: "No se trata de un rumor, esta basado en una historia que alguien me contó, no se trata de un hecho real sino que yo lo tomo como si hubiese sido real. Yo diría que es probablemente algo que un chico inventó, pero que yo en ese tiempo creí." El juego en cuestión estaba ubicado en el centro comercial de Exeter, New Hampshire, donde Butlers asistió a la Phillips Exeter Academy.

NEON BIBLE

Neon Bible es el segundo álbum de estudio de los canadienses Arcade Fire. Fue lanzado el 5 de marzo de 2007 en Europa y el 6 de marzo en Norteamérica. El disco fue distribuido por Rough Trade en el Reino Unido y por Merge Records en Estados Unidos. Neon Bible o lo que es lo mismo, la Biblia de Neón, es el último trabajo de este grupo que fue uno de los más aclamados del 2005. Ganaron muchos simpatizantes con su primer disco, Funeral. La crítica lo calificó como uno de los mejores discos del año. El primer trabajo de los canadienses estuvo marcado por muertes de familiares de los miembros, de las cuales se destaca la del abuelo del cantante, guitarrista y compositor de la mayor parte de las canciones.

No es fruto de la casualidad que el título del nuevo disco de Arcarde Fire sea idéntico al de "la otra" novela de John Kennedy Toole, el malogrado autor de La conjura de los necios. Para quien lo desconozca, Toole se suicidó en 1969 tras la negativa de unos editores a publicar La conjura, libro que, consideraron, no trababa de nada. En 1980 conseguía el premio Pulitzer. Mucho tiempo antes, siendo todavía un adolescente, escribiría La Biblia de Neón, una crítica satírica de un pueblo dominado por el fanatismo religioso. Rodeados de este mismo halo de desgracia, tremendismo y dolor, y la apoteosis acústica que ya acompañó su disco debut, Funeral, regresan de nuevo los canadienses.

Las nuevas y emotivas canciones que se incluyen en esta Neon Bible fueron concebidas en una pequeña iglesia del siglo XIX situada a las afueras de Montreal, grabadas en directo al estilo de los viejos discos de los 60 y con la colaboración del legendario productor Bob Johnston (responsable del Blonde On Blonde de Bob Dylan o Songs Of Love And Hate de Leonard Cohen, por poner dos ejemplos). Como en Funeral, conforman el esqueleto musical del disco diversos instrumentos como organillos, bombos de metal, acordeones, flautas e, incluso, un órgano de iglesia. Como en su disco debut, detrás esos sonidos repletos de vitalidad y épica (bien entendida) encontramos una letras plagadas de historias oscuras y trágicas.

El primer single, "Intervention", fue lanzado en iTunes el 28 de diciembre de 2006. Más tarde, la propia banda reveló los detalles del álbum en un vídeo promocional en YouTube. Semanas después el álbum se filtraría y distribuiría por internet casi un mes antes de la salida oficial.

El 26 de junio de 2006, Win Butler anunció que la banda había progresado en el trabajo de composición del nuevo álbum y que contaba con quince canciones para grabar, usando una amplia variedad de nuevos instrumentos. Algunas de estas grabaciones se hicieron en la sala de estar de la casa de Win y Regine.

Posteriormente, el 14 de julio de 2006, Win anunciaba en su diario digital que el nuevo álbum sería producido por el grupo, diciendo que “Después de intentar decidir si debíamos trabajar con algún productor nos dimos cuenta que ya sabíamos como queríamos que las cosas sonaran, así que debíamos correr detrás de ese sonido lo más pronto que pudiéramos y no confiar en alguien más para guiar el buen barco de Arcade Fire.” También indicó que la banda iba a trabajar con los ingenieros Scott Colburn y Marcus Dravs.

La gira para el año 2006 fue anunciada en diciembre de 2006. Los primeros conciertos tendrían lugar en Londres (del 29 de enero al 2 de febrero), tres en St Johns Smith Square y dos en Porchester Hall. Es reseñable que ambas localizaciones están más relacionadas con la música clásica que con el rock. Así mismo darían cinco conciertos en su ciudad natal Montreal. El álbum fue lanzado el 5 de marzo de 2007 (6 de marzo en Norteamérica), el primer single en Norteamérica fue "Black Mirror", mientras que en el Reino Unido se lanzó "Keep the Car Running".

Lo primero es entender que Neon Bible es muy distinto a Funeral (Merge, 2004), sin perder principios claves y acumulando la experiencia de los conciertos. Rayos desordenados disparados al cielo, un fino hilo de racionalidad bajo la urgencia y el frenesí, oscuridad desde el fondo y muchos segundos incendiados en un juego carnavalesco y alucinado. Pasión religiosa de blues y baladas que transmutan en corrientes de post-punk y new wave (menos ahora) y un pop sinfónico que puede recordar las ambiciones de Mercury Rev con el alboroto caricaturesco de Arhictecture in Helsinski. La comunidad de Arcade Fire sigue tomándose muy en serio, y se juegan el todo o nada, con una consistencia brutal que no da tiempo a los baches, cubriendo todo de una emoción instrumental que encuentra un faro lírico en Win Butler (guitarra y voz). Arcade Fire es único en su estilo pop-punk de múltiples influencias, pero esta vez lo han extremado, perdiendo elegancia y sutileza en el entramado total. Neon Bible se diferencia naturalmente de Funeral, porque no tendría razón emular un disco tan singular y porque significa un nuevo salto sin red.

De hecho, Neon Bible es más salvaje que Funeral. Arrancan con la misteriosa ‘Black Mirror’, gema fría, ligero calentamiento de lo que viene después, bajo la cadencia de Lou Reed en su tradición de oscura sensualidad: “Black mirror knows no reflection/ it’s no pride or vanity/it cares no about your dreams/it not cares for your pyramid schemes”. La pesadilla se convierte en escape con ‘Keep the car running’, hasta ahuyentar los miedos con ‘Neon Bible’. La primera, banjo, acordes graves de guitarra sureña y soundtrack de carretera para un ritmo campechano, que anima la danza pensando en Johnny Cash con arranques del rock’n roll de Presley , aunque los miedos sigan en lo profundo. ‘Neon Bible’, tal como el disco, toma su nombre de la primera novela de John Kennedy Toole (1937-1969), escritor americano de Louisiana quien se suicidó violentamente a los treinta y dos años y dejo una gran obra póstuma, merecedora del Pulitzer: La Conjura de los Necios. Su vida y su obra reflejan aquella comunidad norteamericana –el underground intelectual y contestatario- cuyo genio es demasiado brillante y frágil para encontrar cabida en el mundo actual. Win y Regine recitan con dulzura el amargo veneno, cuando el miedo y la esperanza se confunden bajo la luz de neón: “Neon Bible, no most chance for survival”. Debe ser la canción más tranquila en el repertorio de estos canadienses, bañada por la calma de pares como M. Ward.

Luego, las cosas se trastornan y es entonces cuando Arcade Fire dan cuenta de rumbos silvestres. Los picos más altos de esta montaña mágica son ‘Intervention’, “Ocean of Noise’ y ‘No Cars go’. Aprovechando el órgano de tubo como plataforma y crítica, ‘Intervention’ construye la historia anónimo de un soldado de guerra condenado a ser consumido por la guerra y el olvido; blues de guerrilla, contemporáneo que derriba ídolos. ‘Ocean of Noise’ nos devuelve a las baladas tristes y pasivas de Funeral, con una pasión amorosa hermana de Nick Cave para florecer en el más puro romanticismo de bronces (¡Calexico!), guitarras aullando lejos en un bar terrible y un piano impasible. Por cierto, todo el álbum se apoya en una ambición sinfónica sin igual, con el trabajo de cuerdas de una orquesta húngara, violines y otras curiosidades como el empleo de un Hurdy Gurdy, instrumento de cuerdas propio del folk francés.

‘No Cars go’ merece mención aparte. Es curioso que sea lo mejor que haya hecho Arcade Fire sin ser totalmente nuevo (estaba ya en su ep homónimo del 2003). Simplemente, se puede decir que una banda puede desaparecer tranquila tras crear una aventura mítica de este calibre. Es su ideal estético de belleza llevado al máximo – niños creciendo en un mundo extraño, refugiados en sus fantasías con la fuerza fraternal del talento concentrado-, una suerte de Historia sin Fin, nostálgico, esperanzado, otro himno que no será generacional, pero sí magnífico para quien sea arrastrado por sus casi seis minutos de alegría.

Arcade Fire lucha contra el bien y el mal. ‘Black Wave/Bad Vibrations’ se interna en lo profundo del mar con la voz aguda y encantada de Règine, para desaparecer con el vendaval y la gran ola negra que absorbe esta canción en el final apocalíptico, imprevisto. ‘The Well and the lighthouse’ recuerda porque este grupo fue reconocido junto a Interpol y otros de la camada, pero las múltiples piruetas y recursos dan muestras de un colectivo mucho más avanzado que el simple revival post-punk. Tanto ‘Windowstill’ como ‘Antichrist Televisión Blues’ muestran sin pudores los demonios propios con que lucha Win Butler, de la infancia, la adultez y el futuro, con un talante de cantautor que puede ser tan molesto como sincero, según se mire. Y ‘My body is a cage’ funciona como final quebrantahuestos – con su pesada sección final con coros soul- pero ‘’Back Seat’ demostraba que no era necesario clavar tanto los dientes para dar la mordida melodramática.

VIDEO: ARCADE FIRE - BLACK MIRROR / NO CARS GO

Track listing

"Black Mirror" – 4:13
"Keep the Car Running" – 3:29
"Neon Bible" – 2:16
"Intervention" – 4:19
"Black Wave/Bad Vibrations" – 3:57
"Ocean of Noise" – 4:53
"The Well and the Lighthouse" – 3:56
"(Antichrist Television Blues)" – 5:10
"Windowsill" – 4:16
"No Cars Go" – 5:43
"My Body Is a Cage" – 4:47

The song "No Cars Go" is a new recording featuring full orchestral arrangement of an earlier version on the band's self-titled EP from 2003.

Editions

The deluxe case (left), and the regular version (right)

Regular CD
Deluxe CD, in a paperboard clamshell box (which has a lenticular front cover) with two 32-page flip books designed by Tracy Maurice.

The vinyl version of the album, showing the etching on the 4th side.

Double LP, featuring the album on 3 sides of the vinyl and an etching on the 4th side. The album also comes with a code that allows purchasers to download the entire album in the MP3 format. Due to manufacturing delays, the vinyl's release was pushed back to May 8, 2007.

El 24 de febrero actuaron en el Saturday Night Live interpretando "Intervention" y "Keep the Car Running".

Neon Bible fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal el cual le da al disco un sonido mucho mas acustico y espectral. La rareza del disco es origen de su diversidad de sonidos. Grabaron los temas en una iglesia acondicionada para la ocasión. Utilizaron un órgano militar y una orquesta húngara.

En el álbum se han utilizado entre otros instrumentos: órgano, zanfonía, trompa militar y toda una orquesta húngara. Win Butler describió el sonido del álbum como "permanecer de pie sobre el océano".

PUNTUACION: 8.5 / 10

FAVOURITE WORST NIGHTMARE - ARCTIC MONKEYS

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 05 May 2007 03:45:00 +0000

Arctic Monkeys son una banda de indie rock procedente de High Green, un barrio de Sheffield, Inglaterra. Sus primeros dos sencillos, "I Bet You Look Good On the Dancefloor" y "When The Sun Goes Down", fueron directos al número 1 de la lista de singles del Reino Unido, y el álbum de debut de la banda, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, tiene el record como el álbum de debut más vendido en sus primeras semanas en el Reino Unido, superando al Definitely Maybe, disco de debut de los legendarios Oasis. La banda ganó el premio "Best New Act" en los "Brit Awards" de 2006, y crearon historia en los premios de NME de 2006 al convertirse en la primera banda en ganar el premio a la "Mejor Nueva Banda" y "Mejor Banda Británica" en el mismo año.

Las raíces de la banda en el norte de Inglaterra a menudo se destaca como elemento clave del estilo del grupo, y han sido etiquetados como los Libertines del norte, mientras su sonido único y sus letras irónicas - a menudo con crítica social - se han comparado a las de The Jam, Blur, Pulp y The Streets. La banda está formada por Alex Turner (voz y guitarra), Jamie Cook (guitarra rítmica), Matt Helders (bateria y coros) y Nick O'Malley (bajista); este último incorporado a la banda en junio de 2006 tras el abandono de Andy Nicholson.

Es raro el fenómeno del cuarteto de Sheffield: no parecen mejores músicos que bandas como The Strokes, están lejos de las pretensiones de otras como Arcade Fire y no inventan nada nuevo. Pero así y todo su disco debut, el multiventas Whatever People Says I Am, That’s What I’m Not, fue ungido por sus compatriotas como “uno de los cinco debuts más importantes en la historia del rock británico”. Todo gracias a un puñado de riffs contundentes, letras que hablaban de las vicisitudes de la clase obrera y un sonido que emulaba la urgencia de un grupo como The Libertines.

Si Whatever People Say I Am, That's What I'm Not había alcanzado tamañas dimensiones mediáticas, Favourite Worst Nightmare resulta su continuidad lógica. En sus 12 tracks, los Monkeys siguen apostando por su vieja fórmula: guitarras afiladas, arrebatos de post punk sincopado y fervorosos destellos como ‘Brianstorm’, un primer single que ineludiblemente recuerda a The Jam. También hay novedades: el tono intimista con que el cantante Alex Turner aborda un tema como ‘505′ (con piano a la Ennio Morricone) y las excelentes líneas de bajo que imprime por pasajes el nuevo integrante Nick O’Malley.

Puede parecer que exista una pieza faltante en Favourite Worst Nightmare: todavía existen las letras astutas, si en el primer álbum “When the sun goes down” hablaban de un modo muy hábil acerca de la prostitución, ahora en “Fluorescent Adolescent” ya hablan de cómo la ‘madurez sexual’ es sinónimo de ‘amargura sexual’, en la pícara manera que siempre lo hacen “You used to get it in your fishnets /Now you only get it in your night dress /Discarded all the naughtiness for niceness /Landed in a very common crisis”, pero lo que ya no se puede encontrar en su segundo álbum son esas melodías valemadristas, como “Fake tales of San Francisco” o “I bet you look good on the dance floor”, ni su característico humor up-beat post-punk; Favourite Worst Nightmare se llena de elementos como lo oscuro, lo sombrío, lo confiado y lo emocional, logrando hacer lo callado, escandaloso.

El productor del Whatever People Say I Am, That's What I'm Not fue Jim Abbiss, productor también de Goldfrapp, Björk y Massive Attack, eslabón indispensable para el exitoso debut de los Arctic Monkeys; para Favourite Worst Nightmare, pidieron las manos redentoras de Mike Crossey y James Ford, el primero colaboró con The Zutons y The Black Velvets entre otros, y el segundo, James Ford miembro de Simian Mobile Disco, es el autor de la fama ahora mundial con la que cuentan nada más y nada menos que los Klaxons y aparentemente no es por coincidencia que “Brianstorm” comience con una escandalosa alabanza al nuevo y cada vez más explotado NuRave.

LA CRITICA

“‘Favourite Worst Nightmare’ es totalmente equivalente a su predecesor” (Andrew Perry, The Telegraph).

“¿Qué continuación puede tener el mejor álbum de debut en los últimos años? En el caso de los Arctic Monkeys, el mejor segundo álbum. Es un sueño hecho realidad.” (Pete Paphides, The Times).

El debut 2006 de estos ingleses punky resonó con brillantez sincera al retratar en un fresco sonoro la vida nocturna de la clase obrera de Sheffield (de esa ciudad también son oriundos Pulp y Cabaret Voltaire). Un poco más pesado y no tan urgente, Favourite Worst Nightmare es un disco levemente inferior, aunque de ninguna manera decepcionante. El material básico es igual que el del debut: ímpetu fluido, guitarras duras, y las melodías ágiles y pegadizas de Alex Turner. Temas como “Brianstorm” y “505” suenan a la vez movedizos y sólidos. Y entre otros cortes más tiernos, el ganador es el adorable “Fluorescent Adolescent”, una mirada sobre una chica salvaje domesticada: “You used to get it in your fishnets/ Now you only get it in your nightdress” [solías obtenerlo en tus redes de pescar/ahora sólo lo obtenés en tu camisón]. Aunque se mantienen las instantáneas poco románticas sobre chicos y chicas que recorren discotecas, las letras de Turner son más cortas y algunos temas son menos que memorables que otros. Pero la mayor parte de Favourite Worst Nightmare suena tan sencilla como consistente. La noticia final es, entonces, muy buena: los Arctic Monkeys son los nuevos Arctic Monkeys. (ROLLING STONES)

“Brianstorm” no solo es el primer sencillo de Favourite Worst Nightmare, es la canción con la que los Arctic se dejan caer a la alberca con tiburones, ya que de este sencillo depende como será aceptado el segundo álbum; si comienzan a escribir nuevas canciones y organizar nuevas giras que los llevarán a la gloria o terminarán sirviendo pintas de lager en un oscuro pub de Sheffield, contando sus glorias como rockstars efímeros del MySpace a borrachos que ponen a Oasis en la rockola. Es un gran sencillo, sin duda de los mejores de la primera mitad del año. Es suficientemente rápido, duro y al grano. De alguna manera los Arctic Monkeys saltan del sonido del 2006 al sonido del 2007 con cierta facilidad en la primera parte del disco, mostrándonos una sección rítmica muy bien amarrada y potente. Los Arctic Monkeys trazan un paralelo con los Stones acerca de su propio cisma. La letra de “Brianstorm” comienza con una violenta demostración de lo que las estruendosas, esenciales y enojadas guitarras de Alex Turner y Jamie Cook pueden hacer, “Brian /Top marks for not tryin' /So kind of you to bless us with your effortlessness /We're grateful and so strangely comforted”, es una cruda crítica hacia “alguien” que no aguantó lo suficiente en esta pesada ruta hacia el estrellato; quizá el nombre de Andy Nicholson surja si este track se escucha al revés, ya que Andy dejó la banda por “una fatiga extrema causada por la extenuante gira”, pues “…Well see ya later Innovator!”. “Brianstorm”, describe también a un personaje, que responde por el nombre de Brian, aquel engreído poser, que entra a cualquier cuarto pensando que es requerido en ese preciso momento, en su cabeza todas las mujeres mueren por el y todos los hombres lo imitan; saco, corbatas delgadas y Air Force son adjetivos con los que reacciona, en el instante que se liga a una bella jovencita, en busca de un efímero pero satisfactorio encuentro, toma su mano, la besa y se presenta “Storm, Brian Storm”.

VIDEO: BRAINSTORM - ARCTIC MONKEYS

“Teddy Picker” es interesante porque mantiene esa onda rítmica pero a la vez tiene unas guitarras poco convencionales. Ponerle ‘Play’, sentir el inicio veloz y explosivo es una sensación adictiva. “More a question of feeling than it is a question of fun” dice Alex Turner, una declaración muy creíble de no ser porque su música me expresa lo contrario.

La segunda mitad del disco la marca una balada profunda, en canciones como “Only One Who Knows” y “505”, las power ballads del álbum, logran alejar el concepto de poder encasillar a estos artistas, que ya cuentan con la estampa de ‘Internacionalmente reconocidos’ en sus maletas, pues demuestran que en sus composiciones no solo hay restos de cannabis, corcholatas de cerveza y polos sudadas, pero que hay una melancolía: era lo suficientemente tímida para resguardarse detrás de sus instrumentos y no salir en el primer álbum. Son canciones como “Fluorecent Adolescent”, la neo-new wave “Teddy Picker” u “Old Yellow Bricks” las que todavía remiten a su estilo característico ya tan aclamado por las masas, pero con el obvio cambio evolutivo que tarde o temprano llegaría. La segunda mitad sube de tono y de ánimo gradualmente, canción a canción empieza a rockear cada vez un poco más hasta llegar a una energía similar a la del principio. El ritmo y sonido del álbum es una V, sólo baja de ritmo a la mitad.

“This House Is A Circus”, muestra un pesar de su rápido ascenso a la fama, “the more you open your mouth/ the more you are forcing performance/ and all the attention is leading me to feel important/ maybe I’m not just completely obnoxious/ now that we are here, we might as well go too far”. Quizá los Arctic Monkeys no estaban listos para llegar tan rápido a todos los iPods ingleses, y ahora, les es difícil saber qué hacer con tanta fama. No imaginaban que Noel y Liam iban a estar celosos de ellos y que Morrissey iba a salir al quite a defenderlos.

Los personajes de esta secuela tienen mucho que explicar, el nostálgico “505”, que mantiene una relación de larga distancia, en la que al decir “hola” al mismo tiempo tiene que decir “adiós”, pues nunca tiene el tiempo suficiente para estar con su novia; para la mujer en “Do the Bad Thing”, es aguantarse las ganas de quitarse su anillo de casada, imposible, pues ya tiene su mirada en una vulnerable víctima; con “Old Yellow bricks” se da la escena de la persecución, con el hombre que corre lo más rápido que sus piernas lo dejan, pero corre de algo que no conoce, decepcionado porque aparentemente quería algo mejor. De fondo para la historia, los ladrillos con los que están construidos el común de los edificios tradicionales de clase media-baja, en Inglaterra. “If You Were There, Beware” es uno de los mejores momentos del disco con sus riffs chidos. Las rolas enérgicas que finalizan el álbum muestran aún más tintes de lo que está de moda sin alejarse del todo de ese 2006 que los caracteriza. El disco mantiene su sonido no tan rasposo, sombrio o meloso como algunas otras bandas de su era. Un sonido emblemático de los últimos dos años (algo se trae con las tendencias de The Libertines o The Futureheads). Por supuesto tambien presentes el pop sincppado de “Fluorescent adolescent” altamente adictivo y el cool-dance-rock -en la sintonía de Franz Ferdinand- de “Old yellow bricks”.

VIDEO: FLUORESCENT ADOLESCENT - ARCTIC MOKEYS

Track listing

Words written by Alex Turner, except where noted; music by Arctic Monkeys.

"Brianstorm" – 2:50
"Teddy Picker" – 2:43
"D Is for Dangerous" – 2:16
"Balaclava" – 2:49
"Fluorescent Adolescent" (Turner/Bennett) – 2:57
"Only Ones Who Know" – 3:02
"Do Me a Favour" – 3:27
"This House Is a Circus" – 3:09
"If You Were There, Beware" – 4:34
"The Bad Thing" – 2:23
"Old Yellow Bricks" (Turner/McClure) – 3:11
"505" – 4:13

Bonus tracks

"Da Frame 2R" – 2:20 (Japan)
"Matador" – 4:57 (Japan)
"Brianstorm" (video) – 2:50 (iTunes pre-order bonus)

El escenario, o más bien portada, de Favourite Worst Nightmare, se basa en una obscura y tenebrosa noche, con un edificio que parece igual de muerto por dentro, excepto por tres ventanas, únicamente con la luz prendida, sino que con un papel tapiz aguantable solo por inquilinos bajo una fuerte influencia de estupefacientes, quizá en representación del mensaje que los simios quieren crear en las bocinas, como aquellos adolescentes que no pueden dormir por estar escribiendo canciones, grabando podcasts, o arreglando sus MySpace en la madrugada; a diferencia de Whatever…, que en su portada tenía un hombre que fumaba al mismo tiempo que mostraba una cara de absoluta posesión por el alcohol, un mensaje muy diferente al que ahora quieren enviar, quizá ya dejan atrás las tocadas en los pubs, donde era más importante conseguir el dinero suficiente para comprar decenas de cajetillas de cigarros y la cerveza suficiente para recordar que son los mejores amigos en la faz de la tierra. No sólo la portada del disco cambió, ahora también su logo, que es muy similar al de la serie El Túnel del Tiempo, afirmando que la ciencia ficción es uno de los temas centrales de su película.

En resumen Su segundo LP no transgrede nada ni rompe con ningún formato establecido. Pero al parecer en Favourite Worst Nightmare, es la manera en que tratan de demostrar que ya no son el grupo de adolescentes rebeldes que buscaba la suerte en los conteos de su MySpace. Con melodías poderosas, arraigadas en la estrepitosa saturación pero que al mismo tiempo cuentan con un orden pegajoso, que se puede convertir en hipnótico por los ritmos rimbombantes que se llevan a lo largo del álbum. Un poquito más oscuros y menos poppy que en su esfuerzo anterior, los Arctic Monkeys apuestan una vez más a la potencia de la clásica estructura rocker de bajo-guitarra-batería y a la desestructura particular que, como en una montaña rusa, altera constantemente su velocidad y recorrido en cada tema desdibujando cualquier horizonte de lo previsible. Sin impactar ni decepcionar, esquivan la presión de las expextativas con una inteligente actualización de su sonido. Ni más ni menos.

PUNTUACION: 8.5 / 10

CHART ABRIL 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 30 Apr 2007 23:16:00 +0000

ABRIL 2007 (DEL 15 ABRIL AL 30 ABRIL)

What I've Done - Linkin Park (BEST HOT DEBUT !!!)
I Still Remember - Bloc Party (2nd BEST DEBUT)
Brianstorm - Arctic Monkeys
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Makes Me Wonder - Maroon 5
Tell Me 'Bout It - Joss Stone
Rehab - Amy Winehouse
From Yesterday - 30 Seconds To Mars
Girlfriend - Avril Lavigne
Beautiful Liar - Beyoncé & Shakira
I Don't love you - My Chemical Romance
Off the hook - CSS
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
Survivalism - Nine Inch Nails
Pain - Three Days Grace
Breath - Breaking Benjamin
Gravity - John Mayer
Glamorous - Fergie featuring Ludacris
Grace Kelly - Mika
Don't Matter - Akon
Anna-Molly - Incubus
My Love - Justin Timberlake feat. T.I.
All good things (Come to an end) - Nelly Furtado

Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Rehab - Amy Winehouse
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
Pain - Three Days Grace
From Yesterday - 30 Seconds to Mars
Breath - Breaking Benjamin
Gravity - John Mayer
Lithium - Evanescence
Glamorous - Fergie featuring Ludacris
Snow - Red Hot Chili Peppers
Brianstorm - Arctic Monkeys
Grace Kelly - Mika
Survivalism - Nine Inch Nails
I Don't love you - My Chemical Romance
Don't Matter - Akon
Anna-Molly - Incubus
All good things (Come to an end) - Nelly Furtado
Tell Me 'Bout It - Joss Stone
Window in the skies - U2
Girlfriend - Avril Lavigne
Beautiful Liar - Beyoncé feat Shakira
My Love - Justin Timberlake feat. T.I.
Give It to Me - Timbaland featuring Nelly Furtado and Justin Timberlake
The Saints Are Coming - U2 & Green Day

THREE DAYS GRACE - ONE-X

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 24 Apr 2007 02:24:00 +0000

Three Days Grace es una banda canadiense de alternative metal formada en Norwood, Ontario en 1997. Los miembros de la banda son Adam Gontier (vocales y música), Brad Walst (bajo), Neil Sanderson (batería), y Barry Stock (guitarra). Originalmente la banda se formó como un quinteto en 1992 bajo el nombre Groundswell; pero cambiaron su nombre por Three Days Grace y se convirtieron en un trío en 1997. El grupo se mudó de Norwood a Toronto y conoció al productor Gavin Brown, anteriormente de la banda Big Sugar. Brown ayudó a producir su auto-titulado primer álbum, Three Days Grace, el cual fue puesto a la venta en 2003; éste llegó al top diez de las listas de álbumes canadienses, el top 100 de las listas de discos de E.E.U.U. Billboard 200, y al número uno en el Billboard's Top Heatseekers chart (. El primer single del álbum, "(I Hate) Everything About You", alcanzó el número uno en Canadá y el top diez en los E.E.U.U.. El segundo single "Just Like You", le dio al grupo un segundo número uno en Canadá. Un tercer single, "Home", también fue puesto a la venta, consiguiendo el número uno en Muchmusic Top 30.

Los miembros de la banda estaban todavía en el instituto cuando ellos tuvieron su primera actuación, y ellos actuaron en todas partes donde los aceptaran - incluyendo comienzo para una película. Three Days Grace se trasladó eventualmente a Toronto y fueron presentados al productor Gavin Brown por su viejo manager. La banda dio una habitación privada a Brown, y él seleccionó lo que él sintió que eran las pistas más prometedoras. El grupo entonces produjo una demo para EMI Music que publicó en Canadá. Con Brown en el timón, Three Days Grace grabó "(I Hate) Everything About You". La canción les permitió llegar a un acuerdo de publicación con EMI, y ellos pronto fueron contratados por Jive después de ser expuesto por el presidente de la empresa. Brown y Three Days Grace fueron enviados a un estudio en Boston, MA, para comenzar el álbum de debut del grupo. La banda completó su álbum autotitulado de larga-duración en Woodstock, Nueva York, en una ubicación aislada libre de distracciones de la gran ciudad. Fuertemente influenciados por Kyuss y Sunny Day Real Estate, la oscuridad, los cuentos muertos de angustia sobre amor provinciano y odio de Three Days Grace les trajeron al grupo la etiqueta de "Próxima Gran Cosa". El álbum "Three Days Grace" salió el 22 de julio de 2003, a esas alturas "(I Hate) Everything About You" ya era un hit en las emisoras de radio alternativas de Canadá.

Brown ganó un Juno Award en 2004 (ver Juno Awards of 2004) por su producción en el álbum y por su trabajo en Try Honesty de la banda Billy Talent. Three Days Grace también fue nominado para Mejor Grupo Nuevo De El Año, pero perdió en favor de Billy Talent.

Track listing

"It's All Over" – 4:11
"Pain" – 3:25
"Animal I Have Become" – 3:54
"Never Too Late" – 3:35
"On My Own" – 3:09
"Riot" – 3:27
"Get Out Alive" – 4:22
"Let It Die" – 3:09
"Over And Over" – 3:12
"Time Of Dying" – 3:10
"Gone Forever" – 3:41
"One X" - 4:47
"Running Away" (Limited Edition bonus track sold only at Target stores in the U.S.) - 4:00

Su segundo álbum, titulado One-X, fue puesto a la venta el 13 de junio de 2006. Posteriormente la banda inició una gira junto a Staind y Hurt.

Después del suceso alcanzado por su disco debut en 2003 (llamado igual que la banda), Three Days Grace se tomó su tiempo para volver a colocar material en el mercado. Si bien es verdad que buena parte de esos tres años los utilizó para promover el disco, tocando por todo Estados Unidos y su país natal, no es menos cierto que debieron pensar con mucha profundidad el siguiente paso. El éxito de “I Hate Everything About You” podía condenarlos a ser un one-hit wonder para siempre, y aunque el primer álbum no había sido brillante sí había logrado buenas críticas, buenas ventas y una interesante carrera en el chart de la Billboard. “One-X”, lanzado oficialmente en julio, es la respuesta de la banda a todo ese proceso. Y a decir verdad, se nota al escucharlo que es un trabajo elaborado concienzudamente. El primer corte, “Animal I Have Become”, no sólo los liberó del fantasma anterior sino que superó con creces a “I Hate…”, con posiciones en ocho charts distintos, incluyendo dos número 1 simultáneos en Mainstream y Modern Rock.

“Pain”, en tanto, se encargó de demostrar que podía haber más de un hit por disco, y que además Three Days Grace estaba capacitado para innovar en su propia música. No todo en este disco es riff, ritmos constantes y melodías pegadizas con alaridos (entonados, claro) al tono: en un par de temas, la banda arriesga a bajar un cambio en cuanto al poder del sonido y logra cosas, sino novedosas, al menos distintas para su propia carrera. Ejemplos: “Get Our Alive”, “Over and Over” y el mismo “Pain”, como decíamos antes. Sin ninguna duda, el álbum deja conformes tanto a los fans ocasionales como a los seguidores de siempre, al tiempo que introduce ciertas alternativas bienvenidas en la música de la banda. Los doce temas del disco (entre los que podemos rescatar, aparte de los nombrados, a “Riot”, “On My Own” y “Gone Forever”) son oscuros y dramáticos, pero no depresivos, sino en cierto modo trágicamente humanos.

VIDEOS: ANIMAL I HAVE BECOME - THREE DAYS GRACE

VIDEO: PAIN - THREE DAYS GRACE

PUNTUACION: 8.0 / 10

TIMBALAND - PRESENTS SHOCK VALUE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 18 Apr 2007 03:53:00 +0000

Timbaland es similar a productores como Phil Spector, Brian Eno o Norman Whitfield en que han ayudado a redefinir el sonido de un género musical entero con un estilo de producción inmediatamente reconocible. Las canciones que produce se caracterizan por su sonido e instrumentación, vinculados por una marca registrada de espacio y ritmo. Como ocurre con Spector y Whitfield, las producciones de Timbaland a veces eclipsan al cantante y convierten al productor en la "estrella" real de la canción. Con los cantautores Steve "Static" Garrett y su amiga de la infancia Missy Elliott, Timbaland ha ayudado a crear algunas de las canciones más exitosas de la música R&B y Hip Hop moderna y urbana, incluyendo singles para Aaliyah, Ginuwine, Jay-Z, Justin Timberlake, Ludacris y Nelly Furtado, y recientemente ha colaborado con Bjork, entre otros.

El súper-productor Timbaland ha dejado su imborrable huella en la escena musical desde mediados de los 90s. Su trabajo como productor ha ayudado a crear éxitos que han definido las carreras de artistas como Jodeci, Aaliyah, Ginuwine, Missy Elliott, Destiny’s Child, Ludacris, Snoop Dogg y Jay-Z, entre otros. Respetado más allá de los géneros de la música urban y hip hop, Timbaland, cuyas influencias musicales cruzan las líneas culturales, también ha sido buscado por artistas cuyo parecido musical no conoce fronteras, desde la estrella pop Justin Timberlake a la innovadora cantante Björk.

El exitoso sencillo de Ginuwine, Pony, asi como su álbum debut Ginuwine… the Bachelor, producidos por Timbaland, introdujeron un estilo rítmico único que definió la nueva ola de música de los 90s: R&B y hip hop mezclados con una amplia variedad de efectos sostenidos por complejos ritmos sincopados de batería. Al mismo tiempo, su sociedad con Missy Elliot, su amiga desde la secundaria, rindió frutos con un doble platino para One in a million de Aaliyah y se convirtieron en uno de los equipos de composición/producción más exitosos. Naturalmente Elliot se fijó en Timbaland para definirla a ella como artista, pistas como The Rain, impulsaron a Elliot al estrellato y el reconocimiento de la crítica. El singular sonido de Timbaland ha generado numerosos imitadores, aunque siempre ha mantenido el reconocimiento como iniciador. Dado su talento, no es de sorprender que iniciara un nuevo sello en sociedad con Interscope incluso mientras preparaba otros tres álbumes para Elliot, incluyendo The cookbook, de 2005. También lanzó a Tweet, quien debutó con Southern Hummingbird y produjo The jump off de Lil’ Kim. The Game confió en Tim para Steer y Put on the game. La ruptura de géneros de Timbaland ha cambiado la música popular de la actualidad.

Él asume orgullosamente este éxito, manteniéndose a la cabeza con experimentación y originalidad. Carismático y seguro de sí mismo, su meta sigue siendo hacer explotar la mente del escucha y moverlo al ritmo de la música. En el plano personal este artista/productor es un ávido físico-culturista comprometido con una rigurosa dieta y un régimen de entrenamiento, y es tan serio para el ejercicio como con su tiempo en el estudio. “Puedes alcanzar cualquier objetivo que tengas en mente si te mantienes persistente y disciplinado”, explica el determinado y dedicado Timbaland, un innovador del sonido que continúa fijando el gusto popular mientras aventuradamente expande su paleta musical.

Timbaland Presents Shock Value

El 4 de Abril fue lanzado Timbaland Presents Shock Value (Blackground/Interscope/Mosley Music Group), su segundo álbum solista, el cual sigue a su producción de la mayoría de las pistas del disco Future Sex/Love Sounds de Justin Timberlake, que alcanzó la posición #1 y que incluía el sencillo SexyBack, que se colocó en el mismo lugar de las listas. Con Timberlake también había colaborado en su éxito previo, Justified. Nacido el 10 de marzo de 1972 en Norfolk, Virginia, bajo el nombre de Timothy Z. Mosley, fue apodado por Devante Swing, miembro de Jodeci por el “boot” Timberland; ha tenido varias “reencarnaciones”, desde DJ Tiny Tim o como la mitad del grupo de hip hop Timbaland & Magoo; desde su participación en el crew Swing Mob de Devante Swing, donde era conocido como Da Bassment, a S.B.I. (Surrounded By Idiots), un ensamble de producción que incluye a Pharrel Williams, o como CEO de su propio sello, Mosley Music Group.

Track Listing

#	Title	Feature guest(s)	Producer(s)	Songwriter(s)	Length
1	"Oh Timbaland"	-	Timbaland	Timothy Clayton/Timothy Mosley/Nina Simone	3:32
2	"Give It to Me"	Nelly Furtado and Justin Timberlake	Timbaland, co-produced by Danja	Timothy Clayton/Nelly Furtado/Nate Hills/Timothy Mosley/Justin Timberlake	3:54
3	"Release"	Justin Timberlake	Timbaland	Longmile/Timothy Mosley/Justin Timberlake	3:25
4	"The Way I Are"	Keri Hilson and D.O.E.	Timbaland, co-produced by Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Maultsby/Timothy Mosley/Balewa Muhammad/Candice Nelson	2:59
5	"Bounce"	Dr. Dre, Missy Elliott and Justin Timberlake	Timbaland	Missy Elliott/Timothy Mosley/Justin Timberlake/Andre Young	4:04
6	"Come And Get Me"	50 Cent and Tony Yayo	Timbaland, co-produced by Danja	Marvin Bernard/Timothy Clayton/Curtis Jackson/Timothy Mosley	3:30
7	"Kill Yourself"	Sebastian and Attitude	Timbaland	Timothy Clayton/Garland Mosley/Timothy Mosley	4:06
8	"Boardmeeting"	Magoo	Timbaland, co-produced by Danja	Melvin Barclif/Robert Bell/Ronald Bell/George Brown/Timothy Clayton/Eumir Deodato/Nate Hills/Robert Mickens/Timothy Mosley/Charles Smith/James Taylor	2:29
9	"Fantasy"	Money	Walter (Lil Walt) Millsap III, co-produced by Boss Beats	Greenfield/Walter Millsap III/Candice Nelson/VanSciver/Watson/Watson	4:11
10	"Scream"	Keri Hilson and Nicole Scherzinger	Timbaland, co-produced by Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Timothy Mosley	5:41
11	"Miscommunication"	Keri Hilson and Sebastian	Danja	Nate Hills/Keri Hilson/Garland Mosley	3:19
12	"Bombay"	Amar and Jim Beanz	Timbaland	Dhanjan/Timothy Mosley/James Washington	2:55
13	"Throw It On Me"	The Hives	Timbaland	Timothy Clayton/Randy Fitzsimmons/Timothy Mosley	2:11
14	"Time"	She Wants Revenge	Timbaland	Adam Bravin/Timothy Clayton/Timothy Mosley/Justin Warfield	3:57
15	"One And Only"	Fall Out Boy	Timbaland, co-produced by Hannon Lane	Hannon Lane/Timothy Mosley/Patrick Stump/Pete Wentz	4:16
16	"Apologize"	OneRepublic	Greg Wells, co-produced by Timbaland and Ryan Tedder	Timothy Mosley/Ryan Tedder	3:04
17	"2 Man Show"	Elton John	Timbaland and Elton John	Nate Hills/Elton John/Walter Millsap III/Timothy Mosley	4:25
18	"Hello" (International Bonus Track)	Keri Hilson and Attitude	Timbaland	Timothy Mosley/Timothy Clayton/Keri Hilson	4:35
19	"Come Around" (UK & Japan Bonus Track)	M.I.A.	Timbaland	Timothy Mosley/Timothy Clayton/Mathangi Arulpragasam	3:52

El 1er sencillo del álbum es “Give It To Me”, y cuenta con las colaboraciones ni más ni menos que de los 2 cantantes POP del momento… Nelly Furtado y Justin Timberlake. Por que además cuenta con grandes colaboraciones, como lo son… Nicole (Cantante principal de Pussycat Dolls), She Wants Revenge, Fall Out Boy, The Hives, Elton John entre otros. Bjork y Kanye West eran dos de los invitados de lujo para Presents, pero sus canciones no llegaron al corte final del disco. Lujos que se puede dar una estrella con el ego de Timbaland.

VIDEO: GIVE IT TO ME - TIMBALANDA FEAT Nelly Furtado and Justin Timberlake

PUNTUACION: 7.5 / 10

MIKA - LIFE IN CARTOON MOTION

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 16 Apr 2007 02:51:00 +0000

Es probable que este sea uno de los artistas revelación de este 2007. Si por algo se caracteriza la sociedad actual es por la velocidad con la que ocurren las cosas, y en el mundo de la música somos testigos de esto cada día. Mika entrega su primer álbum, llamado Life in Cartoon Motion, una explosión de sonidos semejantes a aquellos pegajosos jingles de los programas que los niños añoraban ver los sábados en las mañanas.

Life in Cartoon Motion contiene una pequeña pizca del drama de todos los días, para ver que “no todo es color rosa”, pero si suena bien, qué importa. Mika fue nombrado como “El sonido del 2007” por una encuesta de la BBC, y su álbum debut llegó este año al #1 de los charts Ingleses. Nacido en Líbano, criado en París y actual londinense, Mika, era un nerd gordito y la burla de todos; tomaba clases de canto en las tardes con un estricto maestro ruso, que lo llevó hasta la Royal Opera House. Mika prefirió su libertad empírica para salir del Nunca Jamás académico hacia la “industria” (El Capitán Garfio), ahí encontró aliados: Greg Wells, (personaje clave en producciones como Duets de Elton John, y el álbum homónimo de The Deftones), Jodi Marr (quien escribió éxitos para Alejandro Sanz, Steven Tyler, Billie Myers, entre otros) y John Merchant (productor para Barbara Streisand). Mika puede ser talentoso pero es claro que el disco no sería tal sin los tres artífices que lo ayudan a cruzar el mar de cocodrilos.

El arte de Life in Cartoon Motion, es como una pequeña ventana a la mente de Mika, coloridos rayos que emanan de su nombre, tuercas que lo hacen funcionar, flores y una paloma blanca para recordarnos que hay paz dentro de todo este caos. En la portada, podemos ver a personajes que aparecen dentro de las canciones del álbum, al igual que una estilizada fotografía de Mika, ejemplo perfecto de estrella pop. El arte del álbum fue creado por la hermana de Mika, Yasmine (DaWack es su nom de plume), y por él mismo.

Track listing (U.S./Canada)

(All song written by Mika unless otherwise stated.)

"Grace Kelly" (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) – 3:09
"Lollipop (Mika song) 3:05
"My Interpretation" (Mika, Jodi Marr, Richie Supa) – 3:37
"Love Today" – 3:57
"Relax, Take It Easy" – 4:32
"Ring Ring" (Mika, Jodi Marr)
"Any Other World" – 4:21
"Billy Brown" – 3:16
"Big Girl (You Are Beautiful)" – 4:10
"Stuck in the Middle" – 4:11
"Erase" (Mika, Jodi Marr, Desmond Child) - 3:38
"Happy Ending" – 4:30
"Over My Shoulder" – 4:42

Best Buy exculsives

"Love Today" (Acoustic) (Best Buy Bonus Track)
"Satellite" (Acoustic) (Dave Matthews) (Best Buy Bonus Track)

Digital download

"Grace Kelly (Acoustic)" (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) (iTunes Canada Bonus Track) - 3:54
"Stuck in the Middle" (Acoustic) (iTunes Canada Bonus Track) - 3:54
"Relax, Take It Easy" (Acoustic) (iTunes Canada Bonus Track) - 3:02

Track listing (UK)

(All song written by Mika unless otherwise stated.)

"Grace Kelly" (Mika, Jodi Marr, John Merchant, Dan Warner) – 3:09
"Lollipop" – 3:05
"My Interpretation" (Mika, Jodi Marr, Richie Supa) – 3:37
"Love Today" – 3:57
"Relax, Take It Easy" – 3:43
"Any Other World" – 4:21
"Billy Brown" – 3:16
"Big Girl (You Are Beautiful)" – 4:10
"Stuck in the Middle" – 4:11
"Happy Ending" – 4:30 (10:21 including Hidden Track)
- "Over My Shoulder" – 4:42
"Ring Ring" (Mika, Jodi Marr) (Bonus Track)

Digital download

"Grace Kelly" [Acoustic]
"Stuck in the Middle" [Kukustik]
"Relax, Take It Easy" [Acoustic]

Al momento de apretar “play”, espirales rosas y azules salen de las bocinas al ritmo de un bajo coqueto; ya en las primeras notas Mika evoca aquella distintiva voz que daba escalofríos cuando cantaba “she’s a killer queen gunpowder gelatine…”, pues el fantasma de Freddie Mercury se adentra en las venas de Mika desde la primera canción (y primer sencillo) de Life In Cartoon Motion, que es “Grace Kelly”, tema con un simple mensaje, “I could be anything you like”. Como crítica a la industria musical, Mika canta “Should I bend over?/ Should I look older just to be put on your shelf?”, dejando entre ver que para tener un disco de alta prioridad para una disquera, ¡hay que apostar el trasero!, satirizando la idea de que los artistas, también tienen botones en el trasero como en aquellos mamelucos usados por los niños perdidos, amigos de Peter Pan. El coro remata esta crítica: “I could be brown/ I could be blue/ I could be violet sky/ I could be hurtful/ I could be purple/ I could be anything you like”, para recalcar que la identidad de un artista es moldeada por la disquera, (caso que le sucedió al comenzar su búsqueda por una carrera musical). “

Lollipop” es un alegre himno donde se dice que las paletas son mejores que el amor “Sucking too hard on your lollipop/ Or love's gonna get you down”; la canción está animada por voces de niños que parecen estar en el recreo de las 11:00 de la mañana, juegan manitas calientes y brincan la cuerda.

Si Life in Cartoon Motion es un viaje a Nunca Jamás, entonces nuestro niño perdido soñaba todas las noches con poder besar a Peter Pan. Mika evita a diestra y siniestra hablar de su sexualidad, pero como argumento expone a su álbum, “Todo está ahí”, por lo que causa sospechas una pequeña canción llamada “Billy Brown”, que es el viaje emocional de un hombre que ha vivido como heterosexual, con su esposa, hijos y perro, pero se ve confundido al darse cuenta que su amante (otro hombre) le causaba mucho estrés emocional, y al no poder soportar la presión busca resguardo en una isla por las playas de México, donde encuentra una señorita con la que comparte una pasional noche. Sin embargo, su verdadero self sale del clóset, “Billy Brown fell in love with another man”, canción perfecta para soundtrack de Feelgood Movies, cuando al fin el personaje gay sale del clóset.

Cuando entra el track 8 “Big Girl (You are beautiful)”, es evidente la influencia de las “Fat Bottomed Girls” de Queen, pero en toda esta travesía, Mika ‘Mercury’ Pan no vuela solo. También lo acompaña la lucesita de un trend que se inició hace 3 años, una Campanita conocida como Jake Shears de Scissor Sisters, pues guía a este niño perdido por un camino rosa que le es común, el éxito internacional que se puede obtener al seguir un simple hechizo de composición y estilo musical atractivo a las masas.

La muy alocada “Love today” y “Relax, take it easy” siguen; la primera destaca la habilidad de las cuerdas vocales de Mika (cuyo alcance es de cinco octavas), al igual que su delirio de grandeza cuando dicta “Anyway you’ve got to love, love me…” y transformarla en un placer pecaminoso; la segunda utiliza la melodía de “I just died in your arms tonight” de Cutting Crew, para recrear una high energy power ballad reminiscente de los medianos ochentas.

Hacia el final del disco “Stuck in the middle” y “Happy ending” nos indican que Mika sabe usar la capa de terciopelo rojo, y porta con orgullo la corona de heredero, pues su voz y sus letras se perfeccionan para llegar a un clímax emocional y melancólico en el hidden track “Over my shoulder”. Este último corte difiere completamente del resto del contenido del álbum, regresando sanos y salvos a la vida real, a aquellos niños perdidos, después de su inolvidable viaje de regreso a sus aburridas rutinas y cielos grises, donde los días como niños son limitados, y Campanita no nos cobija por las noches, aunque muchos van a querer regresar, y lo único que tienen que hacer es apretar “repeat”.

"Con su fulgurante salida a escena, Mika tiene todas las papeletas para convertirse en el próximo fantoche que distraiga con sus estribillos y su cara bonita a los millones de seguidores de un programa televisivo de música ligera y máxima audiencia, o, cuando menos, en el icono gay de la temporada. Sin embargo, además de histrionismo cabaretero, se aprecian en Life In Cartoon Motion, el impecable álbum de debut del artista británico, unos ejercicios miméticos que rivalizan con la caligráfica escritura de sus canciones, obra de un compositor que –en su propio lenguaje, difícil de pronunciar– sabe comunicar: se maneja con la orquesta y los coros, domina la narrativa de Broadway, conoce la música negra de grano gordo y juega solitarios con su garganta, bien dotada para hiperpersonalizar sus canciones con falsetes falleros. Verguüenza, ninguna. Que Mika utilice su inmenso fondo de armario cultural para divertirse representa una rareza que no merece la pena rechazar por complejos estéticos. Sería agotador que siguiese así hasta hacerse mayor, pero de momento su altivez resulta tolerable y, por extraordinaria, incluso recomendable."

Es cuando Peter Pan se enfrenta al final del camino amarillo para encontrarse con el Mago de Oz, y darse cuenta de que sólo es un muñequito dentro de una pesada máquina prefabricada, él no es tan fuerte como se veía: un producto con poderes extraños.

Mika se despega de esa imagen característica de un homosexual, es muy delgado personaje con una cabellera alborotada, y su manera de vestir consta de suéteres de tweed, sudaderas y Vans, concepto muy diferente a aquel Tom of Finland que alguna vez fue la cúspide de la imagen gay, un hombre con pantalones de cuero y chamarras muy pegadas a un torso musculoso, imitado por George Michael y por el mismo Freddie. Es evidente la autonomía artística que busca Mika, aunque es difícil separarlo de un concepto prefabricado para ser convertido en bocadillo de tastemakers. Si anteriormente Elton John, Freddie Mercury, George Michael y Prince fueron íconos de la música gay en épocas pasadas, nada detiene a Mika para ser aquél que redefina la música gay de nuestra época y de paso convertirse en uno de los nuevos pilares del glam rock.

VIDEO: GRACE KELLY - MIKA

PUNTUACION: 7.5 / 10

CHART MARZO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 31 Mar 2007 02:39:00 +0000

MARZO 2007

Rehab - Amy Winehouse
Lithium - Evanescence
Pain - Three Days Grace
From Yesterday - 30 Seconds to Mars
Gravity - John Mayer
Say It Right - Nelly Furtado
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
Snow - Red Hot Chili Peppers
Grace Kelly - Mika
Listen - Beyoncé Knowles
The Saints Are Coming - U2 & Green Day
Glamorous - Fergie
Like a star (release) - Corinne Bailey Rae
Set the Fire to the Third Bar - Snow Patrol feat Martha Wainwright
My Love - Justin Timberlake feat. T.I.
Smack That - Akon feat. Eminem
Anna-Molly - Incubus
Window in the skies - U2
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
You Know I'm No Good - Amy Winehouse
All good things (Come to an end) - Nelly Furtado
Glamorous - Fergie Featuring Ludacris
I Wanna Love You - Akon featuring Snoop Dogg
Waiting On The World To Change - John Mayer
Hurt - Christina Aguilera

NOTE: WEBLOG MUSIC Chart es una recopilacion de los Charts Mundiales mas importantes: BILLBOARD, UK CHARTS, WORLD CHART, que usan los datos de las ventas de discos (Single, LP o Album) en formato digital y CD y la medición de popularidad de las radios mas importantes para determinar el single mas popular en el Mundo. Este chart es solo una aproximacion a los conteos mensuales.

JOSS STONE - INTRODUCING JOSS STONE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 30 Mar 2007 04:50:00 +0000

Joss Stone ha vendido más de 7,5 millones de álbumes en todo el mundo; forma parte de la invasión inglesa de artistas femeninas dentro de la que se encuentran también KT Tunstall, Corinne Bailey Rae, Lily Allen, y Amy Winehouse. Ha estado nominada a cuatro premios Grammy incluyendo Mejor Artista Revelación, e interpretó un memorable tributo a Janis Joplin con Melissa Etheridge en la ceremonia de los premios. Su versión de “Cry Baby”/”Piece of My Heart” se editó como single, y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Stone en los EEUU y también ha participado en la gala de los Grammy de 2006 en el tributo a Sly & the Family Stone, su versión de “Family Affair”, que aparece en el álbum de tributo a Sly Stone, Different Strokes By Different Folks, ha sido nominada para un premio Grammy por “Mejor Interpretación R&B por un dúo o grupo”. Dispuesta siempre a honrar a las leyendas que llegaron antes que ella, Stone provocó un gran aplauso con su versión del "Son of a Preacher Man" de Dusty Springfield en la ceremonia de los UK Music Hall of Fame Awards en noviembre; ha aparecido en el escenario con James Brown, The Rolling Stones, Stevie Wonder, Elton John, Patti Labelle, Mavis Staples, Donna Summer, y Smokey Robinson; se sentó para una entrevista con Oprah Winfrey; protagonizó dos grandes campañas publicitarias para la marca Gap; y actuó para más de 200.000 personas en el concierto 2005 Live 8 Concert en Londres, todo esto sin haber cumplido la mayoria de edad.

Se dio a conocer al concursar en el programa Star for a Night (estrella por una noche) en el año 2002. Más tarde, en 2003, Betty Wright ayudó a Joss a crear un disco que fue todo un éxito mundialmente, titulado "The Soul Sessions". En el disco también colaboraron en la parte de la producción Angie Stone y el grupo The Roots. Joss Stone a pesar de su juventud decidió dar un estilo muy adulto que se puede situar en la línea del neo soul de otros artistas como Jill Scott o Nikka Costa. El álbum tiene un cierto sonido rememorante de los años '70 con versiones de temas de Laura Lee, Bettye Swann, Aretha Franklin o Betty Wright. Al álbum se le añadió en cierta forma algo del sonido de Miami por la participación de músicos de soul como Benny Latimore, Timmy Thomas y Little Beaver. Comenzó a irrumpir en el panorama musical con la versión del tema de The White Stipes "Fell in Love with a Boy".

En 2004, también bajo el sello S-Curve Records editó "Mind, Body & Soul". En este nuevo disco todas las canciones están escritas o co-escritas por ella y también comienza a participar de forma activa en la producción. El álbum continua con el sonido neo-soul pero ahora mucho más maduro. En este mismo año editó un DVD, "Mind, Body & Soul Sessions: In Concert".

Ha colaborado en los álbumes de Elton John, Carlos Santana y Herbie Hancock, entre otros. Al igual que en bandas sonoras como las de "Alfie" o "Chicken little" donde canta junto a Patti Labelle el éxito "Stir it up". En 2005 aparece en el álbum tributo a Queen "Killer Queen: A Tribute to Queen" cantando el tema "Under Pressure". En 2006 participa junto a Dead Celebrity Status en la canción "Erica".

Introducing Joss Stone

Desde su debut con "The Soul Sessions" (2003), álbum de versiones magistralmente interpretadas por una voz potente y a la vez sedosa, el cual le otorgó un reconocimiento extremo para su corta edad. Hoy podemos decir que Joss ha logrando desarrollar un estilo maduro con suficiente apoyo mediático como para convertirse en superventas. Tres años han pasado desde su última incursión discográfica, "Mind, Body & Soul" (2004), tiempo suficiente para focalizar sus ideas y componer su mejor disco hasta la fecha “Introducing… Joss Stone”.

“Introducing Joss Stone” es el tercer álbum de estudio de la cantante soul blanca más respetada del momento. Con una voz que recuerda las etapas más grandiosas de Aretha Franklin, Etta James o Gladys Knight, Joss Stone interpreta lo que será una de las mejores piezas de soul de la historia. Posee además un toque pop - en menor medida que los anteriores - que, sin duda, ayudará a acercar el estilo y la música de Joss a un público mucho más abierto y mayoritario que en sus anteriores discos “Mind, Body & Soul” y “The Soul Sessions”.

En su tercer álbum, Introducing Joss Stone, siente esta cantante y compositora soul británica que está expresando su verdadera visión musical. “Este es el primer disco que he hecho que es verdaderamente yo” declara. “Esa es la razón por la que lo llamo Introducing Joss Stone (Presentando a Joss Stone). Estas son mis palabras, y esto es quien soy como artista".

Sabiendo que necesitaba escribir el álbum sola, Stone se escapó a la isla caribeña de Barbados para componer. Allí, entre las playas arenosas y las cálidas brisas tropicales, tuvo una epifanía. “Voy conduciendo en mi coche y pienso, ‘¿Por qué voy por la vida buscando el amor incondicional de un ser humano, cuando es la música lo que es incondicional?” expone. “Siempre está ahí para mi. Es el amor de mi vida. Lo he encontrado”.

Esa sencilla comprensión se convirtió en un temática importante, tanto en las letras como musical, en Introducing Joss Stone, y explica la electrizante mezcla en el álbum de cálido soul antiguo, R&B estilo años '70, armonías de grupos de chicas de la Motown, y ritmos jazzy interpretados por una banda en directo dirigida por el principal colaborador musical de Stone y productor Raphael Saadiq (conocido por su trabajo con D'Angelo, The Roots, y Macy Gray). "Raphael [que toca el bajo en el álbum] es el músico más alucinante que he conocido en toda mi vida", declara Stone. "Musicalmente, siento que lee mi mente. Con sólo una mirada sabe exactamente lo que quiero". Stone y Saadiq pasaron dos meses grabando en las Bahamas, y luego mezclaron el álbum en los legendarios estudios Electric Lady Studios en Nueva York.

Track listing

"Change (Vinnie Jones Intro)" – 0:35
"Girl They Won't Believe It" – 3:15
"Headturner" – 3:16
"Tell Me 'Bout It" – 2:48
"Tell Me What We're Gonna Do Now" (featuring Common) – 4:22
"Put Your Hands on Me" (featuring Mix Master Mike) – 2:58
"Music" (featuring Lauryn Hill) – 3:41
"Arms of My Baby" – 2:52
"Bad Habit" – 3:48
"Proper Nice" – 3:24
"Bruised But Not Broken" – 4:15
"Baby Baby Baby" – 4:34
"What Were We Thinking" – 4:24
"Music Outro" – 3:48

Deluxe edition

In the Studio
Common
String
Choosing Songs
On the Set - "Tell Me 'Bout It"
Tour Rehearsal
"Tell Me 'Bout It" (Music Video)

European iTunes edition

"There's Nothing Better Than" – 3:52

Japanese edition

"Big Ol' Game"
"My God"
"Untitled Additional Bonus Track"

Tras un inquietante comienzo con “Change” (Vinnie Jones Intro). Abre el disco la canción "Girl, they wont believe it", tema con referencias Motown y sus principales exponentes, The Supremes; un corte soul que se adentra en una más que digna instrumentación y orquestación clásica propia de la nueva vertiente neosoul. El tema trata sobre encontrar la felicidad a través de la música. “Cuando estaba en el colegio, quería ser cantante y todo el mundo decía que estaba loca”, cuenta Stone. “Me decían, ‘Quítate esos pájaros de la cabeza y ven a hacer tu trabajo de matemáticas’. Así que ahora yo les digo, ‘Chica, no me creían, finalmente encontré algo dulce entre las amarguras de la vida. Todo lo que necesito es un beso de una melodía”.

Como cualquier álbum de soul que se precie, Introducing Joss Stone incluye su ración de canciones sobre relaciones, desde la extasiada “Catch Me I’m Falling”, con un groove aleatorio y unos arreglos de cuerda de los que estaría orgulloso Marvin Gaye, hasta la dulce y ensoñadora “Tell Me What We’re Going To Do Now” (con el rapero Common), hasta el clásico toque de la Motown de “In the Arms of My Baby”, que Stone compuso sobre sentirse sola en las giras. “Esa canción trata sobre necesitar apoyarse en alguien con el que me sienta como en casa”, explica. “A veces se necesita el abrazo o el afecto de alguien. Eso no se puede tener a través del teléfono”.

Por supuesto el amor no es siempre de color de rosa. En la amarga, canción de ruptura y arrepentimiento “I Wish” Stone canta: “Ojalá nunca te hubiera conocido / Por fin tuve ya bastante de tu mierda / Te debería haber dejado hace mucho tiempo”. “Ahora ya está todo bien”, explica con una sonrisa. “Somos amigos, pero cuando algo acaba, todo lo que te queda es esa herida profunda. But I had to go through that hurt in order to write these songs”.

En “Head turner”, tercer corte del disco, los acompañamientos hip hop son más presentes. Incluso, de manera muy sutil, ella se atreve hacer lo mismo en pasajes de la canción, aunque rápidamente retoma su forma de cantar.

En "Tell me bout it" single de presentación del álbum, nos adentramos en una vibrante colección de canciones, que brotan de las raices del soul clásico en correcta fusión con elementos del rythm & blues de los setenta y tendencias claramente influenciadas por el funk. Descubrimos a Stone avanzando, buscando un nuevo amor, pero preguntándose porqué él no puede tomar la iniciativa. “Es la historia de mi vida”, cuenta, suspirando. “Es como, vamos, dime cómo te sientes. No seas tan gallina. Está claro que te gusto y me gustas, así que ¡hagamos algo al respecto!”

En “Music”, canta: “Estoy tan enamorada de mi música / La forma en la que me mantienes en marcha / Nadie va a hacer lo que haces”. El tema, inspirado originalmente por “The Mask” de The Fugees, incluye un rap de la cantante de los Fugees, Lauryn Hill. El colaborador de Stone en la canción, Novel, un compositor y productor que es el nieto de la leyenda del soul Solomon Burke, sugirió bromeando que le pidieran a la estrella famosa por ser recluirse que participase como invitada. “Y por supuesto, siendo como soy, pensaba, ‘voy a conseguirla’”. Stone llamó a la madre de Hill todos los días durante un mes y medio, preguntando si su hija había escuchado la canción. “Cada día preguntaba, ‘¿Has sabido algo de Lauryn?’ y ella me decía simplemente, ‘No’. Clic. Pero yo no podía dejarla escapar hasta que lo consiguiera”.

“Bad habit” y “Proper nice” son canciones que, aunque resultan agradables al oído, seguramente no se convertirán en singles, por lo convencionales de su sonoridad. No ocurre lo mismo con “Bruised but not broken”, una interesante balada, una de las pocas en el disco, donde Stone, entrega una interesante estructura musical.

De ahí siguen “Baby, baby, baby”, un tema que recuerda los mejores años de “Jackson Five”, para continuar con “What were we thinking”, otra balada que explícitamente recuerda temas como “(You make me fell like) A Natural Woman”, un verdadero clásico del soul que seguramente inspiró a Stone. La placa concluye con “Musc outro”, tema que continúa en la línea de la balada y que también recuerda a la gloriosa Aretha, pero que a estas alturas del disco parece demasiado.

Desde el momento en que la Stone de Devon, criada en Inglaterra emergió en la escena musical a la edad de 16 años, siempre ha demostrado fuerza e intensidad, a pesar de insistir que por entonces, siendo tan joven, no sabía lo que hacía. La crítica disentía, calificándola como una cantante que posee un “cinturón rico y profundo, lleno de soul”, como la describía el New York Post, y “distinta de cualquier cantante de su generación”. En el 2003, Stone publicó The Soul Sessions, un álbum de versiones de oscuros temas de soul, se lanzó a la carretera durante un año, luego grabó el Mind, Body & Soul de 2004, su primer álbum de material original. De ese disco, la revista Newsweek apuntaba: “Stone puede cantar dulcemente con voz triste, profunda y gutural, berrearlo estilo garito con rocola, o ponerse marchosa y funky para el público marchoso”, mientras que Interview la elogiaba “voz audaz, que puede picar como un bourbon añejo, o fundirse como cinta de melaza”.

"Introducing… Joss Stone", es un disco que plantea un reencuentro con lo artístico y la completa devoción por la música que la joven artista ha manifestado. Ha llegado el momento que conozcamos quien es realmente Joss Stone y cuáles son sus reflexiones más intimas; algo totalmente acertado por su parte, ya que, desgraciadamente, el mundo de la música está muy carente de la naturalidad y talento innato.

VIDEO: JOSS STONE - TELL ME BOUT IT

PUNTUACION: 8.5 / 10

FALL OUT BOY - INFINITY ON HIGH

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 24 Mar 2007 03:25:00 +0000

Estamos viviendo la época de Oro de los largos títulos en las canciones, y Fall Out Boy lidera la fila. En los viejos tiempos, las estrellas de rock usaban paréntesis y barras para demostrar que eran artistas serios, negándose a reducir su verborragia para los djs radiales o las jukeboxes. Pero en la era MySpace, las bandas han descubierto las comas y, como resultado, los títulos de las canciones se volvieron cada vez más extensos."This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race" [Esto no es una escena,es una lucha armada] tal vez sea la declaración definitiva de FOB. En un mundo del rock cada vez más dividido por los nichos de lealtades, FOB usa la coma como palanca para romper las fronteras.

Fall Out Boy es una banda de música pop punk, de los suburbios de Chicago, Illinois (Estados Unidos) que se formó en el 2001. El nombre de la banda se debe al acompañante del Hombre Radioactivo en la serie de TV, Los Simpsons.

La banda se conoció en el 2001 y se han consolidado como una de las mejores en el género con sencillos como Grand Theft Autumn , Where Is Your Boy? y Saturday, registrándose en Island records en el 2003. La banda está integrada por Patrick Stump, Pete Wentz, Andrew Hurley y Joseph Trohman, amigos de infancia que compartían el mismo gusto y afinidad por la música, especialmente por el rock y el Neopunk emergente.

Fall Out Boy se caracteriza por ser una banda muy original por eso se reinventa y explora nuevos sonidos constantemente.

Su primer disco es Take this to your grave, aunque previamente la agrupación lanzó dos mini álbumes o EP’s: Fall Out Boy´s Evening Out With Your Girlfriend y My heart will always be the B-side of my tongue.

El 3 de mayo del 2005 sacaron su mejor debut, From Under The Cork Tree (Island), del que vendieron más de 70.000 copias en la primera semana. Su sencillo Sugar, We're Going Down alcanzó el número 1 en MTV TRL. El video también gano el premio MTV2 en los MTV Video Music Awards. La banda fue nominada por Mejor Artista Nuevo en los Grammy Awards, pero después perdió contra John Legend. Actualmente, aumentó su fama con la canción titulada Dance, Dance y el sencillo A Little Less Sixteen Candles, a Little More Touch Me.

Ese mismo año, la estabilidad de la banda se vio amenazada por el discutido intento de suicidio de Wentz al ingerir una sobredosis del sedante Ativan. El cantante dijo en una entrevista para la revista Rolling Stone que tiene una fascinación con los suicidios de Elliot Smith e Ian Curtis. El título de la canción "I've Got a Dark Alley and a Bad Idea That Says You Should Shut Your Mouth (Summer Song)" está basada en su intento de suicidio.

El 6 de Febrero del 2007 lanzaron su nuevo álbum, Infinity on High, con This Ain't a Scene, It's an Arms Race como single de presentación y posteriormente editaron Thnks Fr Th Mmrs como segundo sencillo y The Take Over, The Break's Over como el tercero.

Hace un año, Fall Out Boy puso a bailar al público mundial y a escuchar atento su álbum "From Under The Cork Tree". Para este año, han regresado con una placa firme y pegajosa.

Un primer sencillo se desprende bajo el nombre de This Ain’t A Scene, It’s An Arms Race y ya ha alcanzado excelentes críticas.

Según la propia banda, éste es un trabajo más tranquilo, más familiar. No andan muy preocupados por hacerse a un nombre ni por buscar cómo promocionarse de inusulaes maneras.

En el anterior trabajo, la banda dejó ver un poco de rabia y nostalgia en sus letras. Con este nuevo sorprende por sus invitados, en este caso Jay Z que da la bienvenida a la placa. El discurso es tan sencillo pero tan directo que convence: este disco está dedicado a las personas que no quieren al grupo y a todas aquellas que lo han apoyado hasta estos días.

Track listing

"Thriller" – 3:29
""The Take Over, The Breaks Over"" – 3:33
"This Ain't a Scene, It's an Arms Race" – 3:32
"I'm Like a Lawyer with the Way I'm Always Trying to Get You Off (Me + You)" – 3:31
"Hum Hallelujah" – 3:50
"Golden" – 2:32
"Thnks fr th Mmrs" – 3:23
"Don't You Know Who I Think I Am?" – 2:51
"The (After) Life of the Party" – 3:21
"The Carpal Tunnel of Love" – 3:23
"Bang the Doldrums" – 3:31
"Fame <>
"You're Crashing, But You're No Wave" – 3:42
"I've Got All This Ringing in my Ears and None on my Fingers" – 4:06

Bonus tracks:

"G.I.N.A.S.F.S." – 3:17
"It's Hard To Say 'I Do', When I Don't" [Exclusive Wal-Mart bonus track] – 3:23

Original track listing

"Car Crash Hearts" (now "Thriller")
"Satisfaction" (now ""The Take Over, The Breaks Over"")
"You Can't Spell Star Without A&R" (now "This Ain't a Scene, It's an Arms Race")
"Me and You" (now "I'm Like A Lawyer with the Way I'm Always Trying to Get You Off (Me + You)")
"Hum Hallelujah"
"How Cruel" (now "Golden")
"Thanks for the Memories" (now "Thnks fr th Mmrs")
"Stitch Away" (now "The (After) Life of the Party")
"Carpal Tunnel of Love" (now "The Carpal Tunnel of Love")
"Yellow Checkered Cars" (now "Bang the Doldrums")
"Better with a Pen" (now "Fame <>
"Law and Order" (now "You're Crashing, But You're No Wave")
"Truth Hurts Worse" (now "I've Got All This Ringing in my Ears and None on my Fingers")

Tracks 8-13 on the original track listing became tracks 9-14 on the final track listing, because "Don't You Know Who I Think I Am?" did not originally make the cut for Infinity on High. Many of the original titles were lines from the lyrics of the song.

Al comienzo, Infinity on High puede sonar repetitivo, como continuación del anterior. Sin embargo, la base de Wentz se torna más fuerte.

Fall Out Boy se arriesgó a hacer más mezclas y fusiones de ritmos y tendencias provenientes del funk británico y a trabajar de la mano de Babyface en cortes como "I'm Like a Lawyer the Way I Keep Trying to Get You Off (Me and You)", ofreciendo un material más abierto para mayor cantidad de públicos. Pero por otro lado, el contenido del disco sugiere que no quieren dejar atrás el truco que les funcionó, la fórmula que los mantuvo en el ojo de los fanáticos durantes estos dos años.

Todos adjetivos positivos son los que nos vienen a la cabeza después de escuchar varias veces el nuevo trabajo de Fall Out Boy. El cuarteto de Chicago sigue demostrando con su Infinity On High (editado por Island Records) que son una de las bandas de punk más completas del panorama musical.

Patrick Stump, Pete Wentz, Andrew Hurley, y Joe Trohman presentan catorce temas con una producción muy buena tanto a nivel de presentación como de sonido. Catorce temas muy pegadizos, con melodías fáciles de memorizar y coros instantáneos que los convierten en una banda apta para todos los públicos a nivel musical. Otra cosa son las letras. Ahí, Fall Out Boy continua la temática juvenil de rebeldía ante el sistema político, con críticas que van desde la industria discográfica a la armamentística. Por supuesto, el amor y el desamor, trabajos mal pagados, y exámenes suspendidos también tienen un hueco.

A nivel de canciones, nos quedamos con Thriller, la que abre el disco, enérgica y potente como su mensaje contra todos aquellos agoreros que pronosticaron un final rápido al grupo.

Golden es otro tema que capta rápido la atención del oyente por el cambio de ritmo que supone dentro del disco; un cambio hacia tiempos más lentos que Fall Out Boy domina también.

Tnks Fr Th Mmrs, que en plan sms significa Thanks For The Memories, es un ejemplo perfecto de la facilidad de estos chicos para componer éxitos, para componer canciones que con una sola escucha te atrapan.

VIDEO: This Ain't a Scene, It's an Arms Race

Controversia

La banda recibio fuertes criticas por parte de los miembros de The Killers en una entrevista realizada por NME.COM:

El guitarrista de The Killers Dave Keuning opino sobre las bandas emo: "All those bands, Fall Out Boy, Panic! At The Disco, they only influenced by each other and Blink 182. How can that be a good thing?", mientras que el cantante Brandon Flowers dijo: "Emo, whatever you want to call it, is dangerous."

En otra entrevista con la misma revista Brandon Flowers siguio con sus criticas:

"You don't realize what you could be getting yourselves into, with Fall Out Boy, and what kind of impact it could have in a way that you don't really want."

"Culturally, if it gets as big as it is in America, it could change an entire generation of people growing up here. Emo, pop-punk, whatever you want to call it, is dangerous. We don't wanna dislike anyone, and we've still never met Fall Out Boy, but there's a creature inside me that wants to beat all those bands to death. They just all go into the happy emo funnel and everyone loves 'em without thinking. 'Oh, Fall Out Boy likes you? Fuck! I'm gonna go buy your CD!'"

PUNTUACION: 7.5 / 10

CHART FEBRERO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 26 Feb 2007 00:55:00 +0000

FEBRERO 2007

Listen - Beyoncé Knowles
Anna-Molly - Incubus
Snow - Red Hot Chili Peppers
Rehab - Amy Winehouse
The Saints Are Coming - U2 & Green Day
Like a star (release) - Corinne Bailey Rae
Set the Fire to the Third Bar - Snow Patrol feat Martha Wainwright
You Know I'm No Good" - Amy Winehouse
My Love - Justin Timberlake feat. T.I.
Smack That - Akon feat. Eminem
Lithium - Evanescence
Window in the skies - U2
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
Waiting On The World To Change - John Mayer
Hurt - Christina Aguilera
Irreplaceable - Beyoncé
The Sweet Escape - Gwen Stefani feat. Akon
All good things (Come to an end) - Nelly Furtado
Say It Right - Nelly Furtado
Pain - Three Days Grace
A Moment Like This - Leona Lewis
Fergalicious - Fergie
I Wanna Love You - Akon featuring Snoop Dogg
Welcome To The Black Parade - My Chemical Romance
Runaway Love - Ludacris feat. Mary J.Blige

BLOC PARTY - A WEEKEND IN THE CITY

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 23 Feb 2007 02:18:00 +0000

La banda liderada por Kele Okelele regresa para sorprendernos con un segundo álbum Nada de continuaciones, adiós a la diversión y las baterías veloces que revelaban su pasión por el postpunk. Bloc Party ha marcado su terreno con esta placa, un compendio de canciones nada digeribles y que advierte la promesa de su vocalista en reformar la nueva oleada del british rock que nada tiene que ver con Oasis, Coldplay o Travis.

La superficialidad y el frenesí opresor de la vida en una gran ciudad del siglo XXI son ejes de 'A weekend in the city', el segundo álbum del conjunto de rock inglés Bloc Party, que quiso que el disco transmitiera "el ruido vivo de una metrópolis". La carga política se incrementa conscientemente y ataca directamente a quienes tienen las riendas del mundo. Hay críticas directas contra el racismo y la xenofobia ya que Inglaterra luego del 7/7 se ha vuelto más cuidadosa, los inmigrantes han sentido el cambio y cómo no incluir a quienes descendien de Nigerianos (Kele Okelele).

"Cada ciudad tiene su propia energía: la gente que corre frenéticamente de un lado a otro, toma el metro, vuelve del trabajo. Este álbum trata de captar ese sonido, el sonido de la gente que vive hacinada", explica a la AFP Kele Okereke, cantante de Bloc Party, cuyo disco se edita este lunes en el mundo entero (el martes en Estados Unidos).

"Quise hablar de las reacciones negativas de esa vida. Algunos tienen crisis de nervios, otros se refugian en la droga, el sexo o el acohol. La inspiración me viene al observar a algunos de mis amigos, de la tristeza que surge de la manera como viven", agrega el líder del conjunto, que integran también Russell Lissack (guitarra), Matt Tong (batería) y Gordon Moakes (bajo).

Las letras de Okereke describen 'East London', el barrio a la moda de Londres, como un "vampiro". Hablan de adolescentes para quienes la ropa a la moda es un uniforme y que se ocultan tras "una máscara de informalidad e indiferencia". Otros tratan de no asfixiarse refugiándose en "los crucigramas o el sudoku".

El músico de origen nigeriano hace casi una obra de sociología, evocando también la paranoia sobre la seguridad aparecida tras los atentados de Londres de julio de 2005, o las dificultades que afronta un negro en Inglaterra.

"El calificativo 'concept album' evoca demasiado a los grupos de rock de los años 70, pero seguramente puede ser utilizado en este caso, puesto que un solo tema atraviesa todo el disco", dice sonriendo Okereke, de 25 años de edad.

'A weekend in the city' (Wichita/V2) es claramente diferente de 'Silent alarm', el primer álbum de Bloc Party, que recibió en 2005 los elogios de la crítica internacional y vendió más de un millón de ejemplares en el mundo.

En este caso no hay temas de eficacia inmediata que puedan compararse al célebre 'Banquet' del primer disco, pero la estructura de las composiciones es más densa, compleja y ambiciosa, y hace evocar por momentos al grupo neoyorquino TV on the Radio. A weekend in the City sin embargo tiene momentos oscuros, intensos, optimistas, refleja parajes de una ciudad intensa y emotiva. Quizás como dicen las primeras líneas que abren el disco “Estoy tratando de ser heróico en una era de modernidad” (I am trying to be heroic, in an age of modernity) - podría ser la misión de esta banda en tiempos inestables, tensos, donde Bloc Party parece buscar un nuevo comienzo musical.

El disco fue producido por Jacknife Lee (U2, Editors, Snow Patrol, Kasabian). Lleno de excelentes letras y beats asesinos, el primer tema llama la atención por su paralelo con el autor americano Brett Easton Ellis. El cambio osado en la dirección musical tiene su premio. Su intro “Song For Clay”, similar al muy bien logrado Origin of Simetry de Muse, marcan el camino de este álbum. “Song for Clay (dissapear here)”, rompe a la mitad de la pieza con un riff de guitarra asesino, uno de los mejores que Block Party haya producido en los dos discos que llevan. Pero lo más interesante son las referencias Eastonianias. Cualquiera que haya leído su primer libro, “Less than zero”, se acordará del personaje principal, Clay, mientras atraviesa fiestas branchés de Los Ángeles, consume drogas y se pierde en la alienación capitalista de los años ’80. El famoso “dissapear here” (desaparece aquí) se le atraviesa como una premonición en un baño de una discoteca y lo lleva a desear nunca haber existido.

Este trabajo es para sentarse a esbozar con placer, atendiendo la madurez de la banda. “Haunting Witches”, -dedicado a la paranoia existente luego de los atentados en Londres-, The Prayer – himno de estadio sobre una base dancefloor y palmas ochentonas de urgencia estimulante-, Uniform –introspectiva, reflexiva y con un arrebato discopunk con riffs sórdidos típicos de la banda-, aún mantienen esa carga musical energética, desfachatada y vertiginosa.

Matt Tong sigue demostrando su habilidad en la batería, aunque la velocidad haya sido sacrificada. Temas como “Sunday”, una de esas canciones para el “ratón” que, aún sumergido en los excesos del día anterior te parece celestial, con su coro: “Te amo en la mañana aunque aún tengas resaca”, se aprecian, aunque normalmente no provoca oír música después de la rumba, pero esta parece ideal.

Por ser un disco maduro como si arrancara desde “This Moder Love” (Silent Alarm), muy parecido al final de una película de Danny Boyle, así se percibe A Weekend in the City. Guitarras armoniosas de la mano de Russel Lissack, riffs urgentes, perforadores y creativos como la nostálgica y atormentada “Where is home”, una critica directa al racismo, dedicada al estudiante Christopher Alaneme asesinado a puñaladas por skinheads en el pueblo de Kent.

La línea del bajo se mantiene firme como su antecesor gracias a la integridad y serenidad de un Gordon Moakes capaz de aferrarse a la idea compositiva original tanto en el disco como en tarima, donde Bloc Party ha tenido sus criticas negativas.

excelentes temas como “Kreuzberg” trazan la vida nocturna alemana (“Saturday night, in East Berlin/ We took the U-Bahn to the east side gallery/ I was sure that I’d found love with this one lying with me/ Crying again in the hauptbahnof”), mientras “Hunting for witches” contiene unos samplings excelentes. En contar del disco podemos decir que si antes Bloc Party tuvo que vivir con la sombra de Franz Ferdinand o Gang Of Four, esta vez, su idea de canciones de estadios como “I still remember” o “SXRT”, le acercan a U2 tratando de convencer a la multitud de que la vida te enseña y que podemos cambiar la depresión mientras hacen su transición bajo la influencia de The Cure.

Track listing

CD: Wichita / WEBB120CD (UK)

"Song for Clay (Disappear Here)" – 4:49
"Hunting for Witches" – 3:31
"Waiting for the 7:18" – 4:17
"The Prayer" – 3:45
"Uniform" – 5:32
"On" – 4:46
"Where Is Home?" – 4:54
"Kreuzberg" – 5:27
"I Still Remember" – 4:23
"Sunday" – 4:59
"SRXT" – 4:51

DVD: Wichita / WEBB120CDL (UK)

CD as above plus the following on DVD:

"Studio Footage"
"Interviews"
"The Prayer [Video]"
"I Still Remember [Video]"

Bonus tracks

"We Were Lovers" (Japanese edition) – 4:12
"England" (Japanese edition) – 4:15
"Cain Said to Abel" (iTunes US) – 3:24
"Atonement" (iTunes US pre-order) – 3:46
"Version 2.0" (Best Buy version) – 3:19
"Emma Kate's Accident" (Best Buy version) – 5:38
"Secrets" (Canadian version & Target version) – 4:06
"The Once and Future King" (Canadian version & Target version) – 3:20
"Rhododendron" (eMusic US) – 4:49
"Selfish Son" (Napster and Rhapsody) – 4:59

En sisntesis el disco es agudo, amargo, etéreo, oscuro y difícil de digerir, pero placentero cuando le agarras el pulso, así se presenta este Weekend in the City. Es un disco que intenta lidiar con el abuso de drogas, inmigración, las bombas en Londres, el racismo, el modo de vida Black British, la homosexualidad y la crítica a la subcultura juvenil acompañado del sexo casual. "Para mí, lo que hace a los líderes de los grupos más atractivos es esa mezcla entre ego y vulnerabilidad -ha declarado-. Quieres ver que hay algo que les asusta, que hay conflicto".

Esas luchas internas se muestran de forma fehaciente en un segundo CD, que funde el comentario social con el hedonismo y la depresión existencial, en lo que pretende ser el análisis de cómo es para un joven vivir en una gran ciudad occidental actualmente: las diferentes formas de experimentar el ocio y el consumo, la fiesta, la droga, la sexualidad, las subidas y bajadas sentimentales o incluso el racismo implícito con que el vocalista tiene que convivir día a día.

Es un disco que busca escapar conscientemente de la abstracción lírica del primero pero, a cambio, adquiere más pretensiones y sacrifica la inmediatez en pos de un barullo sonoro sin rumbo fijo. Ya están componiendo nuevas canciones que, dicen, les llevarán por otro camino diferente pero, mientras la incertidumbre creativa ensombrece su momento de la verdad, el público no sólo no les ha dado la espalda, sino que ha hecho que su popularidad crezca en progresión geométrica.

Las guitarras se conservan bajo la necesidad de explicar historias londinenses y cosmopolitas en un marco sonoro alentado por samplers y letras meditabundas. Es una dirección menos complaciente cargada de la intención de germinar el talento compositivo de esta banda, que por supuesto lo tiene. La característica común de los discos es que ambos parecen motivados por la misma urgencia, en parte transmitida por la sección rítmica, bajo y batería.

'A weekend in the city' se revela por etapas, un poco más cada vez que se lo escucha y, como los antidepresivos de los que habla, torna al auditor progresivamente adicto. Este disco quizás no tiene la magnificencia del SILENT ALARM pero a cambio de ello nos entregan algo mas social y político, personalmente me gusta mucho más.

VIDEO: I STILL REMEMBER - BLOC PARTY

VIDEO: THE PRAYER - BLOC PARTY

PUNTUACION: 8.5 / 10

NORAH JONES - NOT TOO LATE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 10 Feb 2007 18:34:00 +0000

Norah Jones acaba de publicar Not too late, su tercero y último disco de estudio. Esta artista con apenas 22 años logro llevarse 8 premios en los Premios Grammy de 2002 con su primer disco Come Away With Me, del que vendió más de veinte millones de copias. Esta vez, la cantante compuesto todos los temas del disco sin embargo el resultado conseguido es inferior.

EN PALABRAS DE NORAH JONES:

Dice Jones que éste es su disco más personal: “Estas canciones son mucho más sinceras y viscerales. Algunas son oscuras y cínicas pero hay también un sentido de esperanza. Esa es la razón por la que el álbum se llama Not Too Late (No demasiado tarde). Me gusta el mensaje positivo”.

Aunque la cantante neoyorquina, de 27 años, "todavía" está "orgullosa" de sus dos primeros discos, "Come Away with me" y "Feels Like Home", se siente "más cercana" de su último trabajo, ya que "tenía más claro lo que quería cuando lo estaba grabando". Además, ha compuesto nueve de las once canciones del disco, algo de lo que se siente "realmente orgullosa".
"Reflejan más de mí que cuando canto las de otros artistas. No tenía que demostrar a nadie que era capaz de hacerlo, pero estoy realmente feliz de que así haya sido", asegura, satisfecha, la hija del legendario maestro indio del sitar Ravi Shankar.

También por primera vez Jones ha incluido crítica política en sus temas, como en "Wish I Could", la historia de un antiguo novio enviado a la guerra, o "My dear country", el retrato de su país natal. "No pensé: "Voy a escribir una canción política"", pero "es difícil no darse cuenta de lo que sucede en el mundo", afirma. Para ella, "escribir es difícil porque es algo muy profundo tuyo y por lo que quizás te juzgue la gente, por lo que quieres estar segura de que lo que dices representa lo que piensas".

La tercera novedad de "Not too late" es que sus temas fueron grabados principalmente en su apartamento en Manhattan -"podría haberlo grabado en pijama", bromea- y luego mezclados en estudio, con un nuevo productor, Lee Alexander. Alexander, coautor de varios de los temas y antiguo bajista de la banda, releva así a Arif Mardin, fallecido el pasado junio.

"Al grabar en casa, fue más fácil decidir el calendario" de colaboraciones de los músicos. "Tan sólo llamabas y decías: "¿Cuándo estás libre? ¿Tal día? ¡Bien, ven a mi casa!"", señala, divertida.

En la mezcla se percibe asimismo una mayor presencia de la guitarra respecto al piano, al que habitualmente se asocia a Jones. "El piano no me gusta como instrumento rítmico ni que suene en cada canción, porque tengo una técnica limitada. La gente me conoce como intérprete de piano, pero últimamente he tocado mucho la guitarra y muchas de las canciones fueron compuestas" en este instrumento durante los huecos de su gira mundial de 2004 y 2005, explica.

Jones se esforzó por dejar claro que ya no es la joven abrumada por el éxito y obsesionada por las opiniones ajenas de hace unos años. "Me siento mucho más cómoda conmigo misma, probablemente porque soy mayor y porque ahora no siento que tenga tantas cosas que demostrar ni que la gente me vaya a juzgar tanto", dice.

De hecho, se alegra de ser ahora "un músico normal" para la que "ya no es tan importante" que sus composiciones gusten ni siente que todo el mundo la está mirando. Después de su primer disco, la gente la veía como "muy tranquila, melancólica y romántica, ¡y no soy ninguna de esas cosas!", exclama.

"Cuando tienes un éxito enorme, como con mi primer disco, la gente cree que eres mejor de lo que eres. Te prestan demasiada atención", se lamentó Jones, tras reconocer que no espera despertar en el resto de su carrera el interés de su estreno musical.

EL DISCO

Track listing

"Wish I Could" (Norah Jones, Lee Alexander)
"Sinkin' Soon" (Alexander, Jones)
"The Sun Doesn't Like You" (Jones, Alexander)
"Until the End" (Jones, Alexander)
"Not My Friend" (Jones)
"Thinking About You" (Jones, Ilhan Ersahin)
"Broken" (Jones, Alexander)
"My Dear Country" (Jones)
"Wake Me Up" (Jones, Alexander)
"Be My Somebody" (Jones)
"Little Room" (Jones)
"Rosie's Lullaby" (Jones, Daru Oda)
"Not Too Late" (Jones, Alexander)
"2 Men" (Jones, Alexander) (Japan bonus track)

Deluxe version (CD and DVD)

"Thinking About You" – music video
"Sinkin' Soon" – music video
"Until the End" – music video
"Thinking About You" – Making Of....
"Sinkin' Soon" – Making Of....
"Live Performances" – filmed in Burbank, CA, in November 2006
"12 minutes interview" – with Norah Jones

Es notorio que “NOT TOO LATE” es un álbum con sonidos más próximos al country. La joven compositora e intérprete que, sentada al piano deslumbró al mundo con un sonido jazz ignorado hasta ese momento por las radios de música pop, ahora ratifica una tendencia más cercana al folk. En su última producción como integrante de “The Little Willies", ya reforzó su cercanía con el Bakersfield sound y el outlaw country que impusiera Willie Nelson, y que aquí vuelve a asomar.

“SINKIN’ SOON”, una canción espectacular, en especial por el solo de trombón de J. Walter Hawkes y el sonido del guitjo (instrumento nacido de la cruza entre el banjo y la guitarra) a cargo de Jesse Harris. Seguramente de lo mejor del disco.

En la línea de las famosas “Come away with me” o “Don’t no why” está la hermosa “UNTIL THE END”. Otra balada de melodía dulce en que la voz de Norah luce hermosa es “NOT MY FRIEND”.

En “THINKING ABOUT YOU” (“ayer vi el sol brillar/y las hojas caían lentamente/mis manos frías necesitaban calor/un toque de calor/y pensé en ti”), una trompeta suave y en segundo plano crea una atmósfera muy particular.

Se destaca “MY DEAR COUNTRY”, un curioso vals que Jones dotó de una melodía también muy hermosa. Aquí se despachó una muy buena letra, donde utilizó la figura literaria de la comparación para asimilar la noche de halloween con el horror del día de una elección. Ese día sí que da susto (“nothing is as scary as election day”). En esta canción ella asume la tardía autocrítica del pueblo estadounidense sobre la elección de Bush Jr.

Cuando todos en el mundo les pedíamos que no votaran por él, los estadounidenses se engrupieron con el discurso republicano y reeligieron al títere de Bush Padre, el verdadero jefe de la mafia petrolera que se tomó la Casa Blanca (“we believed in our candidate / but even more it’s the one we hate”). Norah asume el amor por su terruño, pero sin entender por qué a veces actúan como lo hacen (“i love the things that you’ve given me / i cherish you my dear country / but sometimes i don’t understand / the way we play”).

LA CRITICA

Norah Jones parece cada vez menos preocupada (incluso yo diría que nada) por los resultados comerciales de sus álbumes. Si en Feels like home pudo sentirse lógicamente presionada, no debe haber sido el caso en Not too late, y en eso tiene mucho que ver la grabación en casa, porque la creación entre dos personas, sin ejecutivos ni productores rondando, ayuda mucho a olvidarse de la audiencia, de las expectativas de sus seguidores, para hacer lo que a ella realmente le apectezca.

El éxito de Jones parece explicarse por su sencillez; tanto personal como musicalmente (sobre todo, en este último trabajo). La calidez de su voz, su juventud y su bonita cara, discreta y dulce, además de sus historias familiares (no tiene ningún tipo de relación con su famoso padre), contribuyen a crear la imagen de una persona agradable, que está sin estar, que no quiere ni molestar, ni destacar. Lamentablemente, si aplicamos estas mismas cualidades a su último disco, nos encontramos con un jazz con poco relieve, quizás demasiado sencillo y poco original, si con sus dos primeros discos soprendió por atraer nuestra atencion hacia el jazz esta vez no lo logra del todo.

En un género, además, donde conviven genios y maestros con voces inigualables y sentidos del ritmo casi inhumanos, Jones parece pertenecer todavía a la generación de los buenos músicos que cumplen con las reglas básicas del juego, pero sin destacar con nada, excepto su discreción. Jones nos ofrece un producto redondo, suave y muy personal, pero que tiende a confundirse con música de fondo. Por primera vez, la cantante de Nueva York ha compuesto todos los temas y ha declaro, en numerosas entrevistas, que este último trabajo era su preferido, el que sentía más suyo. Quizás le falte todavía la distancia necesaria para encontrar el equilibrio entre su forma de cantar jazz de sus primeros álbumes y su faceta de compositora.

La carrera de Nora Jones está avalada por 44 millones de copias vendidas, 8 premios Grammys en su haber y dos discos colocados en el número uno de las listas británicas y americanas. Pero esto no es todo, ya que en 2007 Norah Jones debutará en la gran pantalla con la película My Blueberry Nights, dirigida por el director chino Wong Kar-Wai. Tanto éxito esconde mucho talento. El cuarto álbum de Jones será quizás el que realmente desvelará la gran artista que lleva dentro.

VIDEO: NORAH JONES - THINKING ABOUT YOU

VIDEO: NORAH JONES - SINKIN´SOON

PUNTUACION: 7.5 / 10

LILY ALLEN - ALRIGHT, STILL

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 30 Jan 2007 05:39:00 +0000

Esta británica es el fenómeno musical que se nos avecina. Su página en MySpace está saturada y ya es una estrella en el Reino Unido. Con "Alright, Still" (EMI, 2006), su debut discográfico, se convirtió en uno de los mejores discos del 2006 incluso para los mas exigentes. Este 30 de enero se lanza en Estados Unidos.

De vez en cuando ocurren ciertos milagros en esto de la música. Lejos de los lugares comunes, andan escondidas melodías que asoman la cabeza y lo curan todo. Canciones que suenan perfectas y todo está en su sitio. En pocas horas parece que habían estado ahí toda la vida. Y sucede: no puedes dejar de escucharlas a sabiendas de que con cada escucha vas perdiendo el bullicio de las primeras sensaciones. El debut de Lily Allen encierra todas esas emocionas y deja a las claras que existe el mainstream inteligente.

Lily firmó para Regal Records UK en Octubre de 2005. Su sonido está muy influido por música de comienzos de los 90's como Baby D, Happy Mondays, Neneh Cherry and Beats International, así como de artistas más viejos tales como The Specials, Blondie y Kate Bush; y otros como Björk, Scissor Sisters o The Streets.

En noviembre de 2005, Lily hizo una cuenta en MySpace para publicar algunas canciones y conseguir fans a espaldas de su sello discográfico, que la quiso mandar a una “fábrica de éxitos” (hit factory) y rodearla de superproductores y asesores de imagen para comprarle el estrellato. Esto la hizo hacerse popular entre fanáticos del pop y bloggers de todo el mundo. La nueva estrella del pop ha sido proclamada por la revista NME como "el arquetipo de cantante-compositora para la generación iPod". Y es que Lily Allen sabe manejar las nuevas tecnologías a su entojo y para su interés.

Pero no es todo. Sus blogs semanales despiertan casi tanta expectación como las canciones. Esto llamo la atención de medios como la Revista NME, la web MusicOMH.com, entre otros, dándole a sus demos muy buenas críticas. Luego de toda esta exposición, la publicación "The Observer" le dedicó una nota y un tiempo después su single "LDN" fue tocado en BBC Radio One por Jo Whiley. Esta canción fue lanzada en una edición limitada en vinil como su primer single el 24 de abril de 2006. Usa sitios como iTunes -donde comparte su música- y su propio club vía celular (ofrece ringtones exclusivos, wallpapers y comentarios diarios). Además, se escribe con sus fans en su propio blog, en donde responde cada crítica.

Luego del lanzamiento de su primer material, gracias a la enorme publicidad, se decidió que "Smile" sería el primer single oficial para su álbum debut, que se titulará Alright, Still. La canción fue mandada a la radio en mayo de 2006 y fue inmediatamente programada en radios de todo el Reino Unido. Además, en mayo, le dedicaron una portada de Observer Music Monthly, y ofreció entrevistas a medios como The Guardian y NME. Actualmente ella escribe periódicamente en su blog de MySpace, contando anécdotas de su vida tanto profesional como personal. El single de Smile está a la venta desde el 3 de julio de 2006, con dos canciones, que no se hallan en el álbum, como Lado B. Su primer álbum (Alright, Still) apareció el 17 de Julio de 2006. Desgraciadamente, debido a que se adelantó el lanzamiento del disco, su canción "Nan, You're a Window Shopper", una parodia de "Window Shopper" de 50 Cent, no fue incluida ya que no se pudo producir a tiempo el material.

Track listing

"Smile" – 3:17
"Knock 'Em Out" – 2:54
"LDN" – 3:10
"Everything's Just Wonderful" – 3:28
"Not Big" – 3:16
"Friday Night" – 3:06
"Shame for You" – 4:16
"Littlest Things" – 3:02
"Take What You Take" – 4:06
"Friend of Mine" – 3:57
"Alfie" – 2:46

Bonus tracks

"Cheryl Tweedy" - 3:14 (Japan edition)
"Absolutely Nothing" - 4:02 (Japan edition)
"Nan You're a Window Shopper" – 2:50 (U.S. edition)
"Smile" (version revisited) - 3:12 (U.S. edition)
"Blank Expression" – 2:30 (UK and U.S. iTunes Store editions)
"Smile" (video - enhanced CD editions)

'Smile', primer single y uno de los sencillos más vendidos en el Reino Unido en los últimos tiempos. Este tema tiene todos los ingredientes para ser la canción del verano. Esto es: una voz que parece caída del cielo, un estribillo pegajoso y una vitalidad que lo llena todo. Muchos encuentran en el verano el resorte necesario para aguantar lo peor del año y 'Smile' va de eso: de ver el vaso medio lleno en una época propicia para ello.

Cuando todavía estás disfrutando de los efectos curativos de la maravilla que abre el disco, te topas con 'Knock 'Em Out', algo así como una mezcla entre The Streets y Sugababes con excelentes resultados. Le sigue 'LDN', otra ración más de colores, luz y felicidad, esta vez con guiños a los ritmos caribeños. 'Everything's Just Wonderful' y 'Shame For You' ahondan en los mejores patrones del R&B, mientras que 'Not Big' y 'Friday Night' se sumergen en el reggae comercial de bandas como Ace Of Base.

Y cuando el disco ya te ha ganado por completo, ocurre otra vez. Si 'Smile' era el la banda sonora perfecta para vivir el verano, 'Littlest Things' es un regalo caído del cielo para hacer balance. Balada redonda sin discusión. Algunos verán cursilería en la propuesta, pero ¿acaso el enamoramiento no lo es?

'Take What You Take' y 'Friend Of Mine' bajan un poco el listón, pero la cabaretera 'Alfie' (esta chica toca todos los palos) vuelve a poner las cosas en su sitio.

En MySpace, los usuarios descubrieron “ Smile ”, “Everything’s Just Wonderful”, “Alfie” y la voz de su talento se corrió por la Web. Los temas eran contundentes. Compuestos por ella. Con una cuidada mezcla de easy-listening, hip hop con funk, drum ‘n bass, y reggae; las letras inteligentes y descaradas (¿Qué pensarías si te dijese que en un año juntos nunca tuve un orgasmo contigo? / ¿Que todo el tiempo que estuve en tu cama estuve drogada, volando como una cometa?, “Not Big” ) Lilly Allen se hizo famosa. Si el perfil de MySpace y las letras de sus canciones ya eran buenas, con sus declaraciones la cosa se puso mejor. Entre otras perlas, dijo que Bob Geldof (el protagonista de “The Wall”, el artífice junto a Bono del Live 8 ) era un huevon, y que si Kylie Minogue se presentaba en el Festival de Glastonbury sería “el peor insulto” a este evento.

VIDEO: SMILE - LILY ALLEN

PUNTUACION: 8.0 / 10

CHART ENERO 2007

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 26 Jan 2007 00:30:00 +0000

ENERO 2007

The Saints Are Coming - U2 & Green Day
Like a star (release) - Corinne Bailey Rae
Set the Fire to the Third Bar - Snow Patrol feat Martha Wainwright
My Love - Justin Timberlake feat. T.I.
Smack That - Akon feat. Eminem
Listen - Beyoncé Knowles
Waiting On The World To Change - John Mayer
Hurt - Christina Aguilera
Irreplaceable - Beyoncé
Lithium - Evanescence
Wind It Up - Gwen Stefani
Rehab - Amy Winehouse
I Don't Feel Like Dancin' - Scissor Sisters
Sexyback - Justin Timberlake
A Moment Like This - Leona Lewis
Patience - Take That
Snow - Red Hot Chili Peppers
Fergalicious - Fergie
Tell me - P Diddy feat Christina Aguilera
I Wanna Love You - Akon featuring Snoop Dogg
What Goes Around...Comes Around - Justin Timberlake
You Know I'm No Good" - Amy Winehouse
Window in the skies - U2
Crazy - Gnarls Barkley
Chasing Cars - Snow Patrol

GWEN STEFANI - THE SWEET ESCAPE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 21 Jan 2007 02:56:00 +0000

La cantante Gwen Stefani presentó su segundo álbum titulado The Sweet Scape ,un disco más bailable y actual que su anterior producción en solidario Love. Angel. Music. Baby, que combina ritmos como balada, pop y hip hop.

Con the Neptunes como uno de los consejeros fuertes de la vocalista de No Doubt, este trabajo tiene matices diferentes.

Al comienzo puede parecer algo repetitivo en comparación con el anterior, conteniendo incluso cortes tan evocadores como el nuevo sencillo "The Sweet Escape" con un aire a Madonna en su primer trabajo. El primer sencillo "Wind it Up" dejó a muchos con la boca abierta por tratarse de una muestra que no aprovechó del todo las cualidades vocales de la artista.

Sin embargo, una vez se escuche por segunda o tercera vez, se descubren nuevos sonidos, esta vez con bastante influencia de Pharrell Williams. La intérprete de ‘What are you waiting for’ definió su nueva producción como un “caramelo para los oídos” y añadió que “el álbum es sorprendentemente distinto del anterior. Lo empecé a grabar en el 2005 antes de que naciera Kingston y evolucionó mucho durante el último año. El sonido dance es muy actual. Es moderno, no es muy retro”.

Gwen siempre recordó a Madonna físicamente. Pero desde que No Doubt abandonó el ska y el rock para decantarse por ritmos modernos, las semejanzas llegaron también a lo musical. 'The Sweet Escape' sería el disco que haría Madonna si alguna vez le hubiera interesado el hip-hop.

Gwen puede ser Beyoncé ('Now that you got it'), ochentera ('Fluorescent') o, en sus mejores momentos, como en la canción que da título al disco, 'The Sweet Escape', aunar las dos cosas. 'Wind it up' irrita por hortera y ninguna canción brilla tanto como 'What you waiting for', pero los matices synthpop de 'Wonderful life' y R&B de 'Orange county girl' levantan un poco el disco.

Gwen deja ver también su amor por figuras como Betty Boop y todas las divas del Hollywood de los 30. En su gira para la presentación de este disco, incluyó a las Harajuku Girls, Love Angel Music y Baby.

Track listing

#	Title	Time
1.	"Wind It Up"	3:09
2.	"The Sweet Escape" (featuring Akon)	4:06
3.	"Orange County Girl"	3:23
4.	"Early Winter"	4:44
5.	"Now That You Got It"	3:00
6.	"4 in the Morning"	4:51
7.	"Yummy" (featuring Pharrell)	4:57
8.	"Fluorescent"	4:18
9.	"Breakin' Up"	3:46
10.	"Don't Get It Twisted"	3:37
11.	"U Started It"	3:08
12.	"Wonderful Life"	3:58

Pharrell Williams, canta junto a Gwen Stefani en el tema Yummy, aunque esta es solo una de las muchas colaboraciones que incluye el nuevo álbum.

Akon participa en el tema que da título al disco. Martin L. Gore de Depeche Mode toca la guitarra en Wonderful Life y el Tim Rice-Oxley (Keane) es el autor de Early Winter, canción a la que también aporta su inconfundible piano. Además, está muy presente en varios cortes Tony Kanal, bajista de No Doubt, en labores de producción. Tal fue el agrado de la cantante con No Doubt que declaró que no cree volver a hacer otro disco en solitario, pues tras esta producción realmente le dieron ganas de volver a No Doubt.

Aunque declaró que tiene aproximadamente 10 canciones que le sobraron de la manufactura de The Sweet Escape , dice que no sabe qué hará con ellas. “Podría hacer un álbum muy rápido con ellas, así que veremos qué pasa”, dijo la artista.

"The Sweet Escape" es el segundo sencillo del álbum The Sweet Escape de Gwen Stefani, lanzado durante el primer cuarto del 2007. La canción cuenta con la colaboración musical de Akon.

Stefani dijo a MTV, "Esta canción me puso en camino al disco de No Doubt que quisiera hacer. puedo casi olerlo. 'Sweet Escape' y otras melodías me recuerdan el sentir de No Doubt."

"The Sweet Escape" fue bien recibido por los críticos. Bill Lamb de About.com llamó a la canción "un cambio bienvenido a la anterior sobre-producción 'Wind It Up,'" pero también dijo que "facilmente entra por un oido y sale por el otro sin dejar rastro de su prescencia."

Este video musical salió en Enero 10, 2007, en Yahoo! Music. El video fue filmado en California antes de que el álbum fuera lanzado. En el video se muestra a Gwen en una cárcel, y las Harajuku Girls están otra vez apareciendo fuertemente en este video. Gwen y sus bailarinas escapan con la ayuda de Akon. El video, lleno de imágenes de oro, contiene alusiones con el cuento de "Rapunzel" así como la aparición de la Chevrolet Tahoe 2007.

"The Sweet Escape" fue lanzado como el segundo sencillo en el 2007. Ha alcanzado el top 8 de EE.UU. y Canada. Esta canción debutó en el Billboard Hot 100 en la posición 72 en diciembre de 2006. Y en la actualidad se encuentra en el primer lugar de World Chart por cinco semanas consecuitvas.

VIDEO: GWEN STEFANI - WIND IT UP

VIDEO: GWEN STEFANI - THE SWEET ESCAPE

PUNTUACION: 7.0 / 10

CANSEI DE SER SEXY - CANSEI DE SER SEXY

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 19 Jan 2007 05:12:00 +0000

Cansei de Ser Sexy (en español, "Cansé de ser sexy"), frecuentemente CSS, es una banda musical brasileña formada en São Paulo en 2003, que mezcla influencias de rock, pop, música electrónica y otros tipos de arte, como cine, diseño y moda. Está entre las bandas independientes brasileñas de mayor éxito internacional, caracterizándose por su imagen despreocupada y alternativa. Los brasileños de CSS o Cansei de Ser Sexi (“Cansado de ser Sexy”) son la primera banda sudamericana en ser fichada por la SubPop -otrora abanderada del grunge-, convirtiéndose en una exótica adquisición, no sólo por su sangre latina y sus cinco féminas (una de origen asiático) más un tipo afortunado, sino además por su mezcla de rock, disco, techno y chispazos de art noise.

Cansei de ser Sexy desata amores y odios en Brasil. No habían siquiera lanzado un disco y en cada rincón del país tenían fans que cantaban sus canciones. Fueron dos años de temas colgados en un site de internet y fotologs donde postear fotos de sus shows para que las broncas, los fanatismos encontrados y los rumores se volvieran parte de ésta banda que según dicen, tiene todo para convertirse en éxito mundial.

Formada en septiembre de 2003, la banda comenzó de forma casual y, a excepción del batería, ninguno de sus integrantes sabía tocar en directo sus respectivos instrumentos. El nombre de la banda proviene, presuntamente, de una entrevista realizada a la cantante Beyoncé Knowels, donde ésta declaró que estaba "cansada de ser sexy" ("cansei de ser sexy", en portugués). Los miembros de la banda concluyeron que la frase era bastante tonta, y eventualmente decicieron bautizar con ella a la banda.

El grupo empezó a destacar después de crear un fotolog (blog de fotos), y pronto aparecieron en el periódico Folha de São Paulo, unas columnas de Lúcio Ribeiro y Érika Palomino. En 2004 fueron la atracción principal del Tim Festival, tocando antes de los 2manydjs y en el mismo escenario que Kraftwerk.

A pesar de tener lanzados dos EPs - Em Rotterdam Já é Uma Febre (distribuido apenas para amigos) y A Onda Mortal / Uma Tarde Com PJ (vendido en tiendas de São Paulo) - ya en 2005 firmaron con la productora Trama. Durante las grabaciones de álbum homónimo y del EP CSS SUXXX (éste vendido en shows y por Internet), Clara Ribeiro y María Helena Zerba dejaron la banda. El álbum tuvo una distribución nacional con la ayuda de diversos medios, e introdujeron una propuesta innovadora, en una edición limitada, que consistía en incluir un CD-R en la misma caja. Con esto intentaban que el comprador pasase las canciones al ordenador y grabase el contenido en el CD-R para presentárselo a algún amigo, consiguiendo de esta forma una rápido difusión a través de Internet. Una canción fue incluida en una serie de Paris Hilton en la FOX (The Simple Life), otra en el juego The Sims 2: Vida Nocturna y uno de los mayores éxitos de la banda, Superafim, llegó a sonar en Big Brother Brasil 6.

CANSEI DE SER SEXY

Track listing

All songs by Adriano Cintra/Lovefoxxx unless noted otherwise

"CSS Suxxx"
"Patins" (Adriano Cintra/Luiza Sá/Lovefoxxx)
"Alala" (Adriano Cintra/Carolina Parra/Lovefoxxx)
"Let's Make Love and Listen to Death From Above"
"Art Bitch"
"Fuck Off Is Not the Only Thing You Have to Show"
"Meeting Paris Hilton"
"Off the Hook" (Adriano Cintra)
"Alcohol"
"Music Is My Hot Hot Sex"
"This Month, Day 10"

Personnel

CSS - performer
- Lovefoxxx - lead vocals, backing vocals, artwork
- Ana Rezende - guitar
- Luiza Sá - guitar
- Carolina Parra - guitar, drums ("Let's Make Love", "Art Bitch", "Music Is My Hot Hot Sex"), keyboards ("Alala"), backing vocals, mixing assistant
- Iracema Trevisan - bass
- Adriano Cintra - drums, guitar, keyboards, bass ("Let's Make Love", "This Month Day 10"), harmonica, lead vocals ("Patins", "Alcohol"), backing vocals, producer, mixing assistant
Clara Ribeiro - backing vocals
Maria Helena Zerba - keyboards ("Art Bitch")
Clayton Martin - engineer
Rodrigo Sanches - mixing
Eduarda de Souza - photography
Sabrina Roistacher - image coordinator
Tatiana Zanini - image coordinator
João Marcello Bôscoli - executive producer
André Szajman - executive producer
Cláudio Szajman - executive producer
Emanuela Carvalho - direction
Ricardo Garcia - mastering
Carlos Eduardo Miranda - A&R
Tony Kiewel - A&R

En 2006 la banda firmó un contrato con la productora Sub Pop para lanzar su primer álbum en los Estados Unidos, Europa e Japón, una grabación de once canciones propias del grupo en inglés, que se encuentran en el EP CSS SUXXX y del álbum Cansei de Ser Sexy. En julio la banda parte en una gira internacional para los Estados Unidos y Canadá, junto a Bonde do Role y del DJ americano Diplo. En la segunda mitad de 2006, compartirían escenarios fuera de Brasil con grupos como Ladytron, 1990s y Basement Jaxx.

Algunos críticos ironizan al decir que CSS “miente” respecto a que están cansados de ser sexy porque la mayoría de sus letras demuestran lo contrario. Dicha aseveración no toma en cuenta el correcto significado de la palabra sexy, que está referida a la persona que tiene gran atractivo físico y sexual. Partiendo de esto decimos con sustento que los CSS si están cansados, y demuestran su aburrimiento y alejamiento del atractivo erótico con algunas expresiones que rozan lo vulgar (Art Bitch: “lick my art tit and suck my art-hole”), lo estúpidamente misógino (Meeting Paris Hilton: “Fui dónde la perra, la perra estaba caliente...ella vino hacia mi y dijo: ¿te gusta la perra?, perra”) y hasta el sin sentido gramatical como en Fuck Off Is Not The Only Thing You Have To Show.

Afortunadamente si logran llamar la atención en el plano musical. Este matriarcado convence con el rock pop de Patins, el pegajoso techno rock de Alala o la notable versión disco de Let`s Make Love And Listen To The Death From Above, su single de presentación. Los feedback y las distorsiones se inoculan muchas veces, con resultados interesantes como en CSS Suxx, donde la retroalimentación de la guitarra distorsionada se mantiene de principio a fin mientras se repite unas setenta veces el título de la canción. Si queremos darnos al desenfreno en las pistas de baile, con esto estamos más que servidos. El disco teje un provocativo patchwork de art-rock sucio y dance-pop en chándal, que engancha sin remedio y que sienta como un polvo a medianoche en los recobecos de la disco. Sus también emergentes colegas Diplo y Bonde Do Role las secundan en su único objetivo: la inminente propulsión del indie carioca.

Desde el lanzamiento de Cansei de Ser Sexy, disco que trae de regalo un guante y un CDR personalizado que estimula el intercambio de música, que la vorágine que envuelve a la banda pareciera no parar de crecer.

Algunas cosas. El fotolog de Lovefoxxx (una de las cantantes) llegó a ser el más visitado del planeta, fueron entrevistados por el periodista del diario británico The Observer, Peter Culshaw, quien los destacó por su sensibilidad pop y comportamiento subversivo y consideró que podrían convertirse en la mayor banda a surgir en América Latina (!!). Eso no es todo, dijo además haber oído de boca de Malcolm McLaren que poseen el potencial para convertirse en éxito mundial. Su tema Meeting Paris Hilton se convirtió en apertura del programa de las ex amigas Paris y Nicole emitido por Fox. Se transformaron en personajes del juego The Sims y firmaron contrato con Sup Pop para lanzar CSS en EE.UU, donde estarán de gira en Julio y tocarán en más 30 ciudades. Oficcial Site.

VIDEO: LET´S MAKE LOVE AND LISTEN TO DEATH FROM ABOVE - CANSEI DE SER SEXY

VIDEO: OFF THE HOOK - CANSEI DE SER SEXY

PUNTUACION: 8.5 / 10

30 SECONDS TO MARS - A BEAUTIFUL LIE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 18 Jan 2007 03:19:00 +0000

Creada en 1998 por Jared Leto (guitarra y voz), y su hermano Shannon (batería), "30 Seconds to Mars" comenzó como un pequeño proyecto familiar. Las cosas empezaron a funcionar con cierta rapidez y pronto Matt Wachter se unió a la banda como bajista.

Aunque Jared Leto es un conocido actor de Hollywood, prefiere no usar esa información para promocionar la banda; de hecho, el grupo rechaza tocar en lugares en donde se utilice su nombre como actor para promocionar el show.

El primer álbum de 30 Seconds to Mars (homónimo), producido por Bob Ezrin, fue lanzado en 2002 con buenas críticas, pero sólo alcanzó ventas de un poco más de 100.000 copias. El 29 de enero de 2003, Tomislav Milicevic (Tomo) ganó unas audiciones para ser el próximo guitarrista de 30 Seconds to Mars. El segundo álbum de la banda, "A Beautiful Lie", fue lanzado el 30 de agosto de 2005. Para este proyecto, la banda viajó durante el curso de tres años a cuatro continentes diferentes, incluyendo cinco países distintos, perfeccionando su sonido y también tomando en cuenta la carrera de actor de Jared. El álbum fue producido por Josh Abraham, cuyos créditos como productor también incluyen a grupos como Orgy, Velvet Revolver, y Linkin Park.

Las primeras escuchas de “A Beautiful Lie” dan cuenta de que algunos elementos que tan buen efecto hacían en el disco predecesor han sido reducidos o se han simplificado, el principal es la disminución de recursos electrónicos y efectos que daban a las canciones ese toque de psicodelia espacial y creaba ambientes realmente propicios para las letras del disco. Hay temas a destacar y la voz de Jared no tiene desperdicio. Nos muestra a un Jared mas épico y combativo de lo que nos tenía acostumbrado. “The Kill” es quizás el más claro ejemplo de ello. “Savoir” aporta un poco de dinamismo aunque repitiendo la fórmula de partes relajadas con estribillos acompañados de buena instrumentación. Cierran el disco “Re-Evolve” y a “Modern Myth”, dos cortes lentos y emotivos a los que les falta una pizca para tener esa ambientación y magnetismo que tenían las canciones antiguas.

Debido a que A Beautiful Lie se filtró cinco meses antes de su lanzamiento, la banda decidió incluir dos "bonus tracks": "Battle of One" (una canción original que había sido escogida para ser la pista de título del álbum cuando fue anunciado por primera vez) y "Hunter" (un cover de Björk). Para promover el álbum aún más, la banda también incluyó "golden passes" (pases dorados) en un número limitado de copias, los cuales otorgaban entradas a cualquier concierto de 30 Seconds to Mars gratuitamente, con acceso tras bastidores, durante tres años.

Track listing

#	Title	Length
1.	"Attack"	3:09
2.	"A Beautiful Lie"	4:05
3.	"The Kill"	3:51
4.	"Was It a Dream?"	4:15
5.	"The Fantasy"	4:29
6.	"Savior"	3:24
7.	"From Yesterday"	4:08
8.	"The Story"	3:55
9.	"R-Evolve"	3:59
10.	"A Modern Myth"	2:47
	Hidden track "Praying for a Riot" starts at 12:26	1:48
11.	"Battle of One" (Bonus track)	2:47
12.	"Hunter" (Bonus track)	3:54

Deluxe edition

Released November 21, 2006

#	Title	Length
13.	"The Kill (Rebirth)"	3:39

DVD track listing

#	Title
1.	"The Kill"
2.	The Making of "The Kill"
3.	The International Music Feed Interview
4.	"ATTACK" (MTV2's All That Rocks)
5.	"The Kill" (MTV2's All That Rocks)
6.	"The Fantasy" (Fan-generated take) (MTV2's All That Rocks)
7.	MTV2's T-Minus Rock Interview
8.	Red Carpet Arrival (MTV Video Music Awards)
9.	MTV2 Award Acceptance Speech (MTV Video Music Awards)
10.	MTV2 $2Bill Internet Promo
11.	MTV2 $2Bill Pre-Sale Tour Promo
12.	MTV2 $2Bill Ticket Sale Tour Promo

Logo

El logo de la banda, phoenix (conocido por ellos como "Mythra") tiene escrito la frase en latín "Provehito in Altum", el lema de la banda. La traducción aproximada del Latín es "Lanzarse hacia lo profundo" ("Launch forward into the deep"). El logo se usó principalmente para la promoción de su álbum homónimo, mientras que para su segundo lanzamiento "A Beautiful Lie", se creó el nuevo logo "Trinity" que consiste en tres calaveras, junto con el nombre de la banda y su lema. Estos dos logos fueron creados con especial cuidado por su vocalista [Leto].

Echelon

"Echelon" se utiliza como terminología militar de guerra, de ataque frontales, enfrentamientos impulsivos y periódicos. Significa atacar por olas. Esta táctica era utilizada por Napoleón durante las guerras napoléonicas. El ataque estaba "en echelon", en olas.

La banda denominó con este término a su grupo de seguires, identificándolos con el mismo significado de la palabra. Por lo tanto el Echelon es un grupo de admiradores que tuvieron la motivación para empezar a hacerle promoción a 30 Seconds to Mars desde sus comienzos, pegando afiches, pidiéndolos en las radios y canales televisivos. Ahora, pasado el tiempo, cada vez hay más Echelon distribuídos alrededor del mundo.

Cabe aclarar que el Echelon posee una ideología totalmente diferente a la de los clubs de fans, aquí no hay competencia sino que todos formamos una gran familia. Para un seguidor de 30 Seconds to Mars, no es lo mismo ser fan que Echelon.

Así mismo, Echelon es el track 6 del disco homónimo de 30 Seconds to Mars (conocido entre sus seguidores como "Self-titled"). A partir de la formación del Echelon, este tema fue dedicado especialente a los seguidores de la banda. En español la palabra significa peldaño o escalera y en en este caso se toma como ascender.

Los "Glyphics"

Respecto al significado de los jeroglíficos que representan a la agrupación existen varias interpretaciones, es particularmente convincente la que sostiene que representan al nombre de la banda:

- El primer jeroglífico es un 3 intercalado representando el 30 (₪).

- El segundo son las manecillas del reloj apuntando en sentido contrario representando la palabra "seconds" (ø).

- El tercero es un número 2 romano invertido. Al pronunciar en inglés la alabra "two" también se lee "to" (Ξ).

- Finalmente, el cuarto jeroglífico representa al planteta Marte con Fobos y Deimos, sus dos lunas (.o·).

Cabe acotar que no deben denominados "símbolos", sino como jeroglíficos o "glyphics".

EL 31 de agosto de 2006 ganaron el MTV2 Award por “The Kill” en el MTV Video Music Awards, una de las dos categorías a las que estaban nominados.

Todos los videos de 30 Seconds to Mars se pueden encontrar aquí en su página web oficial.

OTRAS CANCIONES

Además de las canciones incluídas en sus dos LP hasta ahora, la banda ha grabado algunas otras pistas. Entre ellas se encuentran “Phase 1: Fortification” y “Valhalla”, esta última también presente en un antiguo demo. “Phase 1: Fortification” fue lanzada dentro del sencillo internacional de “Capricorn (A Brand New Name)”. Otra canción incluida en ciertos lanzamientos importados de 30 Seconds to Mars es “Anarchy in Tokio”, una canción grabada durante el proceso de su disco homónimo. “Revolution” también fue grabada para el primer álbum, pero no fue incluida ya que no encajaba dentro del tema del LP, y por temor a que los escuchas tomaran la letra muy literalmente, especialmente después de los ataques del 11 de septiembre. “Occam’s Razor” también fue grabada, pero nunca se incluyó en ninguno de los lanzamientos de la banda. Como resultado, es considerada la más difícil de encontrar de las cinco canciones nunca lanzadas.

Las versiones demo de las canciones de su álbum homónimo son a su vez ligeramente distintas, con nombres diferentes. Por ejemplo, “Fallen” se titulaba “Júpiter” y “Year Zero” se llamó previamente “Hero”. También se encuentran disponibles las versiones demo de “Buddha for Mary” y “93 Million Miles”, esta última originalmente tenía letras referidas a la banda Deadsy, cuyos miembros Dr Nner y P. Exeter Blue I ofrecieron instrumentación extra en varias pistas, pero la letra se cambió luego de que ambas bandas estuvieron envueltas en un pequeño conflicto entre ellas.

Durante presentaciones en vivo recientes, la banda ha estrenado dos canciones nuevas, de las cuales una podría terminar en el nuevo álbum: “Some Other Son/The Believer” que fue escrita para el disco homónimo pero fue descartada durante la grabación, y “Sisters of Heresy”. Los fanáticos que han escuchado estas canciones dicen que se encuentran dentro de un estilo progresivo, similar al primer álbum de la banda, en oposición al estilo de rock alternativo de A Beautiful Lie.

VIDEO: THE KILL - 30 SECONDS TO MARS

VIDEO: FROM YESTERDAY - 30 SECONDS TO MARS (7:19 minutos)

PUNTUACION: 8.5 / 10

AMY WINEHOUSE - BACK TO BLACK

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 13 Jan 2007 02:11:00 +0000

Amy Jade Winehouse (nacida el 14 de septiembre, 1983) es una cantante y escritora británica de jazz y soul. Su albúm debut, Frank (editado en 2003) fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello award en 2004, por su single "Stronger than Me". En 2006, sacó su segundo album, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica.

Heredera de infinidad de sonidos retro, Amy Winehouse no hace sino confirmar el talento, la heterogeneidad de registros y la riqueza sonora que demostrara en su disco debut. Si con 'Frank' sorprendió a propios y extraños y se atiborró de premios y alabanzas, este 'Back To Black' no parece que vaya a cambiar la visión de esta chica.

Y es que de tal mezcla inteligente de gospel, soul y jazz sólo puede salir lo que sale, un disco grandioso. Si Christina Aguilera lo hace bien en "Back to Basic", Amy logro convertirse en una leyenda. Sí, es verdad que Winehouse no inventa nada, pero lo que reinventa lo hace mejor que bien, consiguiendo captar la atención desde los primeros compases de 'Rehab'. 'Back To Black' además supone un paso hacia delante en la senda de un sonido propio y característico del Reino Unido, que antes tenía entre sus principales estandartes a Craig David, Lilly Allen, Corinne Bailey Rae o Mys Dynamite y a la que ahora se une este nuevo talento.

Con canciones directas y escritas de su puño y letra a Amy Winehouse sólo le hacía falta una producción cuidada para que el resultado fuera el deseado. Y ahí estaba de nuevo la chispa jazzy de Salaam Remi y el buen conocedor de los sonidos pegadizos Mark Jonson -encargado de la producción de Lily Allen o Christina Aguilera-.

Bajo su tutela productiva la nueva figura del pop británico lleva a su terreno sonidos y cualidades vocales que mucho recuerdan a una Nina Simone y a una Aretha Franklin mezcladas -no agitadas- con Macy Gray y PJ Harvey.

“Yo no quería hacer más jazz otra vez. Estaba aburrida de las estructuras de acordes complicados y necesitaba algo más directo. He estado escuchando mucha música de grupos de chicas de los cincuenta y los sesenta. Me gusta la simplicidad de aquella música. Da en la diana.” Se puede escuchar en la sutil referencia a las Supremes en “Back To Black”.

Pero su búsqueda se extiende aún más allá. Mientras que los grupos femeninos de los sesenta por los cuales se ha sentido cautivada, contenían sus voces, Amy se libera con el estilo vocal de Aretha en “Just Friends” o en “Rehab”. “Love is a Losing Game” es una composición moderna puramente clásica: breve y empapada de emoción. Otros puntos álgidos del disco incluyen la canción inspirada en Nas, “Me and Mr Jones”, la hermosa “Wake Up Alone”, “I’m No Good”, la epifanía personal que nos habla de poder comportarnos tan mal como esos tipos que nos han causado daño y nos han dejado huella, y la cariñosa canción de estilo blues “Back To Black”.

Track listing

#	Track
1.	"Rehab"	3.35
2.	"You Know I'm No Good"	4.17
3.	"Me and Mr Jones"	2.33
4.	"Just Friends"	3.13
5.	"Back to Black"	4.01
6.	"Love Is a Losing Game"	2.35
7.	"Tears Dry on Their Own"	3.06
8.	"Wake Up Alone"	3.42
9.	"Some Unholy War"	2.22
10.	"He Can Only Hold Her"	2.46
11.	"Addicted" (Ireland/UK only)	2.45
11.	"You Know I'm No Good" featuring Ghostface Killah (US only)	3.22

Durante la promoción de su álbum apareció en la prensa británica en repetidas ocasiones por asuntos relacionados con su "vida privada". En septiembre de 2006, salió a la luz que Winehouse adelgazó seis tallas debido a los comentarios sobre su talla. En una entrevista en el periódico The Daily Telegraph Magazine (16 septiembre de 2006), cuando le preguntaron si esa fue la causa del adelgazamiento ella respondió: "No. No. No escucho a nadie más que a mi misma ... sería una niñata sino fuera asi. Si alguien me dijera que tengo que perder kilos - cuando no tendrían que decirlo - No lo escucharía nunca más."

En el mismo mes, el periódico The Independent publicó un artículo hablando de su diagnóstico como maniaco depresiva y su negativa a ser tratada con medicamentos. En octubre de 2006, Winehouse admitió haber tenido desorden en sus hábitos alimenticios. "Un poquito de anorexia, un poquito de bulimia. Creo que no estoy del todo bien, pero creo que ninguna mujer lo está".

Los siguientes dos meses, Winehouse hizo numerosas apariciones en los medios británicos en los que se apreciaban comportamientos propios de una alcohólica. Apareció alcoholizada en el show The Charlotte Church Show (el cual se encuentra colgado en YouTube, mandó callar a Bono en la rueda de prensa de los Q Awards, le dio un puñetazo a una seguidora que había acudido a verla a un concierto. Cuando se le preguntó por sus reacciones cuando bebe, Winehouse respondió: “Lo paso bien algunas noches, pero luego me paso y le arruino la noche a mi novio. Bebida soy una gilipollas, realmente lo soy.”

El 7 de enero de 2007 Winehouse canceló un concierto en la G-A-Y Part cuando después de su primera canción salió a vomitar, según se dijo producto de una intoxicación. En los premios Elle Style el 14 de febrero de 2007, a Winehouse se le fotografió una serie de cicatrices nuevas y más antiguas en sus brazos. Para Amy Winehouse, la música no es sólo un mecanismo de defensa. Es su vida. En los dos años que han pasado desde que “Frank” causara tal revuelo al poner a este voluble y extraordinario ser humano en el centro de la palestra, Amy cree que son sólo las circunstancias las que han cambiado, pero no ella. Se puede comprobar en su creciente creatividad, en el maquillaje de sus ojos ligeramente más agresivo, y en la gran cascada de cabello negro que le cae por la espalda y parte de la cara.

VIDEO: AMY WINEHOUSE - REHAB

VIDEO: AMY WINEHOUSE - BACK TO BLACK

PUNTUACION: 9.5 /10