WINGS FOR WHEELS

YOU REALLY GOT ME by The Kinks

2016-01-04T07:58:00.001-08:00

Tema del grupo británico The Kinks escrita por su lider Ray Davies y publicada como sencillo en Agosto de 1964. Al mes siguiente de su publicación, llegó al número 1 del UK Singles Chart y permaneció en ese puesto durante 2 semanas. Con este éxito consiguieron saltar a la fama y ser una de las bandas más representativas de la llamada invasión británica.

Dave Davies

Dave Davies, guitarrista del grupo y hermano de Ray, dejó embarazada a su novia Sue, la cual quería que se casaran y seguir adelante con el embarazo. Pero los padres de ambos les consideraron demasiado jóvenes y les obligaron a separarse. Esto, a Dave, un chico rebelde y siempre mal carado con sus padres le afecto bastante. Le lleno de ira y una tarde en su habitación empezó a jugar con una hoja de afeitar y varios alfileres. Podia haberme cortado las venas afirmó Dave pero en cambio se fijo en su amplificador, un pequeño equipo de color verde de la casa Elpico. Dave decidió descargar su ira con el equipo y clavo los alfileres y la hoja de afeitar en el mismo ya que según él estaba sonando como una mierda. Cortó el cono al altavoz y al volver a tocar, el sonido que emitió su guitarra le impactó. Entonces, conectó el amplificador a otro Vox AC30 que potenció el sonido haciéndolo crecer y crecer. Y así fue como nació esa distorsión que para muchas bandas posteriores fue el inició del Punk o del Heavy metal.

Si hay algo que caracteriza a You Really Got Me es su riff tocado en quintas, sencillo pero terriblemente directo y salvaje. Ray Davies estaba escuchando el tema The Train And The River de Jimmy Giuffre y jugueteando con su piano acabó dando con ese riff de dos notas que posteriormente interpretaría su hermano Dave potenciándolo con el nuevo sonido que casualmente había descubierto. Había nacido You Really Got Me.

El tema se grabó varias veces buscando la forma perfecta. En la primera, el productor, jugando a ser Phil Spector, puso eco en todos los instrumentos y voces y el resultado fue desastroso, no le gustó a nadie de la banda. En esta grabación fallida puede oírse a Ryan gritar a su hermano mientras este trataba de clavar el famoso solo del tema. El productor quería grabar el tema como si fuera un blues, con un tempo mucho mas lento que el que quería Ray quien finalmente se llevó el gato al agua. Cuando se lanzó el tema nadie pensó que fuera a ser un hit, de hecho a la banda les sorprendió y sus vidas nunca fueron ya las mismas.

Hay una leyenda que ha perseguido al solo del tema desde sus inicios. En la grabación del tema estuvo presente Jimmy Page y eso hizo crecer el bulo de que el mismo había interpretado el salvaje solo, cosa bastante difícil de creer porque por aquel entonces Jimmy era tan solo un músico de sesión más y además fue desmentido por el mismo protagonista.

El tema está claramente inspirado en las viejas figuras del blues como Leadbelly. El éxito obtenido fue tal que su productor intento repetir la formula una año después en I Can´t Explain, el segundo single de otro grupo con el que estaba trabajando.... The Who.

Trs el éxito de You Really Got Me, The Kinks se convirtieron en una banda de reconocido prestigio y a pesar de que a día de hoy, bandas como Rolling Stones o The Betales están, para el gran público, muy por encima de ellos, para numerosos críticos musicales están a la par.

Studio Version

Live Version

OHIO by Neil Young

2016-01-02T11:22:00.003-08:00

Ohio fue escrita y compuesta en el año 1970 por el músico canadiense Neil Young en respuesta a la masacre de la Universidad Estatal de Kant o Matanza del 4 de Mayo, donde un grupo de universitarios fueron tiroteados por la Guardia Nacional mientras protestaban por la invasión estadounidense en Camboya dentro de la guerra de Vietnam. En un principio el tema fue editado como single de la formación Crosby, Stills, Nash & Young y no aparecería en un álbum suyo hasta el LP en directo titulado Four Way Street casi un año después de su grabación.

Portada Revista Life

La historia cuenta que Neil Young se encontraba en su casa de california cuando David Crosby llegó con la revista Life en sus manos. La portada de la revista hablaba por si sola. Tres jóvenes atendían a otro, tendido en la hierba, herido de bala. La Guardia Nacional había respondido con fuego real a las protestas estadounidenses en la Universidad de Kent por la invasión de Camboya. 63 disparos en 13 segundos, 4 muertos y una herido que acabó con parálisis total para toda su vida. Los miembros de las fuerzas de seguridad aseguraron que actuaron en defensa propia y así fue aceptado por el Tribunal de Justicia Criminal.

Un dato para valorar esa presunta defensa propia:
Allison Krause, distancia a la que se disparo el arma: 105 metros, herida mortal a la izquierda del pecho.
Jeffrey Glen Miller, distancia a la que se disparo el arma: 81 metros, disparo a la altura de la boca.
Sandra Lee Scheuer, distancia a la que se disparo el arma: 119 metros, herida mortal en el cuello.
William Knox Schroeder, distancia a la que se disparo el arma: 116 metros, herida mortal en el pecho.

Juzgad vosotros mismos...

Según palabras de los propios protagonistas del momento, el tema surgió de manera rápida y prácticamente espontánea. Young agarró su guitarra como si de un arma se tratase y en pocos minutos tenia el tema listo. Escueto, duro, directo y nombrando al mismísimo presidente Nixon acusándole como responsable de la matanza. Hoy en día este hecho puede parecernos con escasa importancia pero en 1970 que unos músicos de la talla y fama de Crosby, Stills, Nash & Young acusasen directamente a todo un presidente de los Estados Unidos y le nombrasen con todas las letras en un tema suyo era un acto de una tremenda valentía.

Crosby, Stills, Nash & Young

El tema tiene la marca de Young clarísima, cualquiera que conozca mínimamente al lunático canadiense reconocerá su mano en esa cadencia musical. Eso, unido a las increíbles voces de sus compañeros de batalla de aquella época, hacen de este tema un himno atemporal.
En 1997, Crosby, Stills & Nash, Young no acudió a la cita, interpretaron el tema en la Universidad de Kent y, digamos que cerraron el círculo. Al final del tema, cuando todavia resonaban los últimos versos del tema, ...cuatro muertos en Ohio..., Crosby, entre lágrimas, gritó, ...¿por qué? ¿puedes decirme por qué? quiero saber por qué.

Original Version

Young Acosutic Version

MATILDE LANDA por Barricada

2015-10-06T03:23:00.002-07:00

Incluida como corte 6 del decimoséptimo disco de estudio del grupo navarro Barricada La Tierra Está Sorda publicado en 2009, álbum conceptual sobre la Guerra Civil española. Enrique Villareal, El Drogas, conmocionado tras la lectura de La Voz Dormida de Dulce Chacón y movido por su ignorancia sobre la guerra, comenzó a investigar, leyendo mucho, viendo documentales y, sobretodo, entrevistándose con supervivientes del bando perdedor y familiares de las victimas. El resultado fue un álbum compuesto por 18 canciones que se título La Tierra Está Sorda utilizando el verso de Luis Cernuda.

¿Pero, quien fue Matilde Landa?

Matilde Landa

Matilde Landa Vaz fue una destaca militante del PCE. Nacida en Badajoz el 24 de Junio de 1904 en el seno de una familia bien posicionada y librepensadora. En su casa siempre se fomentó la cultura y la educación, incluso en el caso de las mujeres, cosa poco común en esa época. No fue bautizada, detalle que acabaría marcándola para siempre e incluso sus padres solo estaban casados civilmente.

Pasó su infancia en su Badajoz natal y se traslado a Madrid para licenciarse en Ciencias Naturales, cosa muy poco frecuente para las mujeres a principios del siglo XX, licenciándose finalmente en 1929. En 1930 se casó con Francisco López Ganivet. Fruto del matrimonio nacieron dos niñas, Carmen en 1931 y Jacinta en 1933 (murio a los pocos meses). El matrimonio se disolvió amistósamente durante el transcurso de la guerra.

Ingresó en el PCE en 1936 poco antes del golpe de estado de las fuerzas fascistas y durante la guerra desempeñó diversas tareas, sanitarias en diversos hospitales, de coordinación de evacuación de diversas ciudades que habían caído en manos fascistas, dando charlas para levantar el ánimo entre las tropas...

Ya en Madrid, el 12 de Abril de 1939 fue detenida y conducida a la Sede del Ministerio de Gobernación donde fue interrogada, torturada y asilada durante casi 6 largos meses. El 26 de Septiembre de 1939 ingresó en la prisión de Ventas. Fue procesada y condenada a muerte en Diciembre de 1939 y consiguió crear en su propia celda de la galería de penadas (a las condenadas a muerte las separaban del restode reclusas) una especie de oficina de ayuda donde empezó a dar soporte psicológico y legal a las condenadas a muerte consiguiendo, no en muchos casos pero si en algunos, revocaciones de condenas para compañeras suyas. En 1940 y gracias a diversos amigos del exterior se consiguió que se conmutara su pena por 30 años de prisión pero condicionado a su traslado a una prisión fuera de la península, concretamente a Palma de Mallorca. Una vez que Matilde abandonó Ventas, la oficina de penadas fue clausurada y en su lugar se habilitó un taller de costura.

En Mallorca, en la prisión de Can Sales, una de las mas terribles de la postguerra por su pésimas condiciones alimenticias y su masificación, no consiguió permiso para habilitar su celda para las mismas funciones. Eso si, por sus características de mujer culta, con formación universitaria y gran carisma rápidamente se convirtió en una lideresa moral entre el resto de reclusas, organizando numerosos actos de protesta. Por ello, fue objeto de acoso constante por parte de las autoridades del penal y se decidió incluso trasladarla a un penal de incorregibles en Santa Cruz de Tenerife.

Enrique Villareal El Drogas

Sus fuertes convicciones, coherencia y actitudes consecuentes provocaron que las autoridades religiosas de la prisión, las Hermanas de la Santa Cruz, se interesaran de manera muy especial por su conversión al catolicismo, lo cual habría supuesto un acto propagandístico de primer orden para la dictadura. Así, desde 1941 sufrió fuertes presiones para que accediera a recibir el bautismo.

Matilde prefirió la muerte. La dictadura franquista le ofreció mejoras en la alimentación de los hijos de las presas del penal de Mallorca a cambio de su bautismo y conversión. Matilde eligió sus principios. El 26 de Septiembre de 1942, día en que estaba prevista la ceremonia de bautismo, Matilde se precipitó por la terraza hacia el patio interior de la prisión. Se suicidó. En los 45 minutos que duró la agonía, completamente inconsciente, las autoridades eclesiásticas de las Islas Baleares aprovecharon para bautizarla en árticulo mortis.

Minutos antes de su suicidio, Landa escribió una carta a su hija donde, de manera encubierta, se despidió de ella rogándole perdón. La ceremonia de su bautizo ya estaba preparada.

Hoy es el gran día, dicen. Doña Bárbara, otras señoras de Acción Católica y las monjitas andarán relamiéndose con el triunfo. El dolor del pecho no me deja pensar, Carmencilla; pero no creo que el aceite alcanforado alivie mi sufrimiento, porque otro dolor, más hondo, es el que me acucia (...)

No puedo ver sin llorar los rostros de esos niños a los que amenazan con dejar sin leche si yo no me convierto. Tú sabes, Camencilla, lo mucho que me preocupan los niños, los más desgraciados, con sus corazoncitos, tan sensibles y tan a merced de los caprichos de los mayores. No puedo, no puedo aceptarlo. Sería como prostituirme. Ay, esos niños...

¿Será lo mío un capricho? (...)

Quien sobra soy yo. (...)

Espero que me sigas queriendo y que te acuerdes de mí a pesar de lo que te cuenten, a pesar de lo que voy a hacer. Que tú, mi niña, mi chiquitina, y esos pobres niños me perdonéis.

Mi homenaje a todos y todas aquellas que lucharon por la libertad en mi país.

Matilde Landa - Version de Estudio

Maildel Landa Nov 2009 FNAC Donosti

+ INTRO El Drogas

JEREMY by Pearl Jam

2015-07-17T03:30:00.001-07:00

Incluida como corte 6 del álbum de debut Ten de la banda de Seattle Pearl Jam, lanzado el 27 de agosto de 1991 por la discográfica Epic Records. Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy de 1993: Mejor Canción de Rock y Mejor Interpretación de Hard Rock. El álbum no obtuvo mucha notoriedad inicialmente y no fue hasta finales de 1992 que consiguió que los críticos y el público se fijaran en él, junto con la explosión grunge que provocó Nirvana. La letra es de Eddie Verder y la música de Jeff Ament, bajista de la banda. Para escribir la canción, Vedder se inspiró en una noticia que leyó en un periódico la mañana del miércoles 9 de junio y que le dejo impresionado: el suicidio de un adolescente, su nombre: Jeremy.

Jeremy Wade Delle tenía 16 años. La mañana del 8 de enero de 1991 llegó tarde a su clase de literatura, en el Instituto Richardson, en Texas (EEUU). Su maestra, ante las constantes faltas y retrasos le ordenó pedir un permiso al director del centro para poder entrar tarde al aula. Jeremy salió y volvió minutos después y le dijo a la profesora: Encontré lo que realmente estaba buscando. Sacó un arma de su bolsillo, se la metió en la boca y se voló la cabeza antes de que la maestra o sus compañeros pudieran reaccionar.
Jeremy era un chico, según otros adolescentes, solitario y tímido, pero no parecía capaz de actuar como lo hizo. Se había mudado de Dallas y vivía con su padre, con quien asistió varias veces al gabinete psicológico del colegio por sus constantes ausencias de clase. Una compañera solía recibir notas de su parte:

Era normal, hablaba de su vida y esas cosas, pero siempre firmaba las notas con un "escribe de vuelta" y el lunes, un dia antes de lo sucedido, escribió "ya es tarde"

Al parecer la única nota que Jeremy dejó antes de su suicidio se la envió a una amiga y se cree que decia:

Lo siento, Nancy, cuando leas esto, ya me habré volado la cabeza. No es tu culpa, es Michelle junto con otros 137.5 problemas. Sólo te escribí para ver si querías ir a mi funeral. Llama a mi casa y pregunta por mi padre. Por lo menos no tuviste que escuchar el boom. Con amor, Jeremy Wade Delle.

Se dice que el joven dejó otras notas suicidas en las que explicaba sus motivos, pero esa información nunca ha sido confirmada.

El día de la muerte de Jeremy, aproximadamente a las 09:45, la Instituto Richardson siguió con su programa normal de clases. Los cerca de 30 compañeros que presenciaron el suicidio fueron conducidos al salón de actos para recibir una charla sobre manejo de situaciones críticas y como medida excepcional a algunos, quizá los más afectados, se les dio permiso para salir más temprano, pero la realidad fue, que la escuela retomó sus actividades de inmediato. La fría reacción de la institución educativa fue una de las cosas que más impactó a Eddie Vedder, quien en una entrevista posterior comentó:

Lo que esta canción significa es que cuando te matas, solo recibes un pequeño espacio en un periódico. El mundo sigue, y tu ya te has ido, nada cambia. Asi que la mejor revancha es vivir y ser más fuerte que la gente que te desprecia.

Además de hablar sobre Jeremy, la canción, según otra entrevista que dio Vedder, habla de todos los chicos que tienen problemas y nadie les da la ayuda necesaria:

Conocí a alguien cuando iba a la escuela en San Diego, California, que hizo lo mismo que Jeremy, sólo que él no se voló la cabeza, sino que disparó en una sala llena de acuarios. Recuerdo haber estado en los pasillos y escuchar las detonaciones. Yo había tenido problemas con él porque yo era un tipo rebelde de quinto grado y peleamos algunas veces. Así que la canción es sobre Jeremy, pero también un poco sobre Brian, a quien conocí, pero no conozco. La canción dice mucho. La gente la interpretó de distintas formas, pero espero que nadie se ofenda y me crean..., cada vez que la canto, pienso en Jeremy.

Al fuerte contenido de la canción se le unió la grave controversia que causó su videoclip. Cuatro premios en los MTV Video Music Awards en 1993 y un enorme éxito en la televisión comenzaron a causar dudas en los miembros de la banda: No queremos grabar un videoclip, queremos tocar en directo declaró Eddie Vedder en un entrevista televisiva cuando se le preguntó al respecto del tema Jeremy. Y, a todo lo sucedido, se añadió algo inesperado: la censura no tardó en llegar, la MTV cortó dos escenas. Una en la que los compañeros lanzaban un saludo nazi a Jeremy, y otra en la que explícitamente se podía ver como éste introducía una pistola en su boca y se pegaba un tiro manchando al resto de sangre. Como era lógico, con estas escenas censuradas, el vídeo perdía todo el significado, pues daba a entender que el protagonista no se disparaba a sí mismo, sino al resto de la clase. No queremos que la gente recuerde nuestras canciones como nuestros vídeos, declaró el bajista Jeff Ament. Así que el grupo tomó la decisión de no grabar ninguno más (de hecho no lo hicieron hasta 1998, con Do the evolution y realizado por animación.

Os dejo dos versiones del tema, el vídeo clip oficial y la grabación que hicieron para la serie de Unpluggeds de la MTV en 1992. Que las disfrutéis.

Video Clip Oficial Jeremy

MTV Unplugged 1992

NANA CRUEL por Robe Iniesta

2015-07-13T04:04:00.000-07:00

Incluida como corte 3 del primer álbum en solitario, que ni mucho menos debut, del cantautor extremeño Roberto Iniesta, líder y alma de Extremoduro y publicado en Junio de 2015 por El Dromedario Records.

Contraportada Lo que aletea en nuestras cabezas

Tras mas de 20 años trabajando como Extremoduro, Robe decide romper, aunque sea temporalmente con la banda que lo encumbró y reunirse junto con amigos en su Plasencia natal para grabar un puñado de canciones que rondaban su cabeza y a las que sentía que debía darles un sentido distinto al que hubiese llegado de hacerlo junto con su banda de siempre. Robe, siempre tan enigmático, ha llegado a afirmar que no tenía muy claro cual era el resultado final que estaba buscando pero una vez escuchado el disco con atención queda claro que es un disco muy trabajado y de hecho si tuviese que hacerle alguna crítica, yo diría, en mi modesta opinión, que incluso ligeramente sobreproducido. En sus propias palabras, necesitaba sorprenderse para seguir teniendo ganas de hacer cosas nuevas y junto con sus compañeros de Extremoduro eso se hacía más difícil. Preguntado mil veces por si esto es un punto y final a Extremoduro siempre ha afirmado lo mismo; que este disco no cierra la puerta para nada a un nuevo LP del mítico grupo; que son dos proyectos paralelos pero en ningún caso excluyentes.

Pero centrémonos en el corte del disco que nos ocupa, Nana Cruel. Si, una nana, pero una nana cruel. El título del tema ya nos recuerda claramente ante quien estamos, no sea que que se nos haya podido olvidar. Robe siempre ha tenido una magia especial para mezclar conceptos y la mezcla de una nana o canción de cuna con una palabra tan inhóspita como cruel es muy potente y atrayente.

El tema arranca con unos versos bellos, cálidos, suaves, cómodos, redondos y la imagen de cualquiera de nosotros acunando a nuestros hijos rápidamente se adueña de nuestros cerebros:

Duérmete,

que ya estás a salvo de todo,

el Sol se ha ido entusiasmado,

le ha salido bien

este atardecer.

La voz de Robe es suave, o todo lo suave que puede ser esa particular voz, con ciertos tintes de Albert Plà. Los instrumentos de cuerda nos mecen y junto con unos suaves acordes de guitarra nos va llevando despacio y suave hacia un sueño que a priori parece que va a ser dulce pero ya hemos leído el título del tema y ya conocemos a Robe... En la segunda estrofa llega el hachazo e incluso se nota en la voz, aunque solo en las palabra nana.

Duérmete,

que te voy a cantar

una nana tan cruel

como la realidad:

Érase una vez

una humanidad.

Desolador...

El tema se descubre y llega el Robe de siempre. Desgarrador, cruel, rabioso y como siempre con unas dosis de realidad que parece que te está hablando a ti de ti. La letra transmite una familiaridad que llega a doler, que nos ataca despiadada, que nos señala, que nos hunde en el aire y nos ahoga poco a poco. El texto no deja de ser simple y las ideas que expresa manidas y ya muy oídas pero cómo llegan... Ahí radica su secreto, coger lo familiar y lanzártelo cómo un dardo envenenado del que no puedes escapar porque ya lo tenías clavado de antemano en el corazón. Imposible huir.

Robe

El tema tiene tintes de lucha por sobrevivir, muy típico de Robe y de sus letras, ...a la vida hay que buscarle otra razón... Pero ojo, sin ningún tipo de épica, aquí no hay héroes, no caben, esto es la vida, una lucha constante, despiadada y que no da respiro, pero en la que, a veces, no queda mas remedio que aceptar las derrotas para así poder seguir avanzando y no caer atrapado en una lucha eterna. Es una canción con grandes dosis de resignación, de comprensión, escrita por un hombre de 50 años no por un chaval de 20 y eso se nota, se transmite, se palpa. La evolución del artista ha sido clara y es imposible que Robe vuelva a escribir textos como los de Jesucristo García a estas alturas o que aquel Robe de los años 90 escribiera textos y melodías como las actuales. Y eso no solo hay que aceptarlo, si no que hay que aplaudirlo. La voz esta sumamente controlada, sin excesos; hacia ningún lado, ni excesivamente rabiosa ni demasiado dulce. En su sitio, como pegada a la realidad.

Volviendo al tema, musicalmente es muy rico: vientos, cuerdas, percusión, giros instrumentales y detalles, infinidad de detalles, de hecho como ya he dicho anteriormente ligeramente sobreproducido. Quizá más desnudo hubiese ganado mas fuerza, aunque puede que hubiese sido demasiado despiadado también. El maestro es él, así que escuchémoslo tal y como el ha querido que suene.

Al final, tras los versos finales en los que ...solo hay monstruos, solo hay gente, que te compra y que te vende, que te odia y que te miente, que te roba, que te mata, que te viola y que no siente nada... cierra el tema con la promesa de volver porque a pesar de todo, la vida sigue y hay que seguir viviéndola:

Duérmete, que ya se ha ido el Sol.

Que tenía que hacer, dijo, y se marchó,

y prometió volver al amanecer.

Nana Cruel por Robe Iniesta

Os dejo la letra completa porque vale la pena como siempre con Robe.

Disfrutad de la desolación que también se puede.

Duérmete,
que ya estás a salvo de todo,
el Sol se ha ido entusiasmado,
le ha salido bien
este atardecer.

Duérmete,
que te voy a cantar
una nana tan cruel
como la realidad:
Érase una vez
una humanidad.

Yo que, yo que pensaba...
Yo que creía firmemente en el amor,
hoy ya sé que no, que ya no importa
y que a la vida hay que buscarle otra razón;
y busco en los colores del atardecer
y no la encuentro.

Yo que pasaba las noches en negociación...
Yo, que te espero.
Yo, que hice cada segundo otro mundo mejor...
Yo, que te espero.
Yo, que velaba las noches enteras...

Yo que, yo que querría poder contarte
que ahí afuera está la vida y solo hay gente
que quisiera comprenderte
y abrazarte y alegrarte
y ayudarte siempre.

Yo, que estudié al ser humano, te digo
que no, que ya nada espero.
Yo, que intenté comprender sus motivos...
Que no, que ya nada espero.
Yo, que quisiera encontrarme contigo...

Yo que, yo que pensaba...
Yo que creía firmemente en el amor... No,
hoy ya sé que no, que ya no importa
y que a la vida hay que buscarle otra razón;
y busco en los colores del atardecer
y no la encuentro.

Duerme, que ahí afuera
solo hay monstruos, solo hay gente
que te compra y que te vende,
que te odia y que te miente,
que roba, que te mata,
que te viola y que no siente nada.

Duérmete, que ya se ha ido el Sol.
Que tenía que hacer, dijo, y se marchó,
y prometió volver al amanecer.

HOUND DOG by Elvis Presley

2014-09-22T05:14:00.001-07:00

La historia dice que en agosto de 1952 el cantante y director de orquesta Johnny Otis llama a los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller y les pide componer una canción para la cantante de blues Willie Mae (Big Mama) Thornton. Mientras Otis se reúne con Big Mama en su casa, Leiber y Stoller comienzan a trabajar en el pedido y en ocho minutos crean ese famoso "Perro Sabueso".
Hound Dog fue grabada por primera vez en un estilo de blues por Big Mama Thorton en 1953. Su versión fue número 1 en las listas americanas de Rhythm & Blues americanas y fue de largo su mayor éxito. Ha aparecido en infinidad de películas como American Graffiti, Grease o Forrest Gump.

Big Mama Thornton

La versión que cantó Presley, esta basada en la que lanzaron los tejanos Freddie Bell and the Bellboys. En la primavera de 1966, un joven Elvis Presley tocaba en Las Vegas y asistió a un espectáculo de los musicos tejanos en el hotel Sahara y les vio realizar su particular versión, menos blusera y mas rockera que la original y decidió que quería grabarla el mismo.

Hay un suceso entre trágico y curioso en relación a Hound dog. Mike Stoller cuando se casó en 1956, se fue a Europa de luna de miel. Su regreso a Nueva York lo hizo en el transatlántico Andrea Doria, nave que el 25 de julio fue chocó con un barco sueco provocando su hundimiento. 46 pasajeros murieron en el choque y 1.660 pasajeros fueron rescatados, entre ellos Stoller y su esposa. Cuando Mike llegó al muelle de Nueva York, Jerry Leiber lo estaba esperando y según contó más tarde Stoller en una entrevista, lo primero que hizo su socio fue abrazarlo y antes de preguntarle sobre el accidente o su estado físico le gritó: “Tenemos un gran éxito con Hound Dog a lo que un tanto perplejo Stoller pregunta: ¿Qué hizo Big Mama? Nada, respondió Leiber, sólo que el tema lo grabó un muchacho blanco recién llegado llamado Elvis Presley... el resto ya es historia.
Hound Dog se lanzó como single junto con Don´t Be Cruel y se convirtió en el único single en alcanzar el numero 1 en las listas con las dos caras en los Estados Unidos. De hecho, el tema fue número 1 durante once semanas, record que perduró hasta 1992 y fue superado por End of the Road de Boyz II Men.

A finales de 1952, Presley se presentó para su segunda aparición en el show televisivo de Milton Berle en junio de 1956 cuando todavía solo era una estrella en crecimiento. Durante los ensayos, Berle le animó a interpretar la canción Hound Dog sin su guitarra para que de esa manera la audiencia pudiera tener una mejor visión de él. Elvis decidió aceptar y comenzó Hound Dog a tempo, pero después de la tercera estrofa lo ralentizó y ocurrió el estallido. Los niños y la multitud se volvieron locas, pero también lo hizo la prensa en los días que siguieron. Un crítico comparó su actuación con un espectáculo pornográfico y se le comparó con las bailarinas de cabaret en el sentido mas peyorativo del mismo. Ed Sullivan, el gurú de la televisión, dijo que era simplemente no apto para la visión de la familia. Pero el fenómeno Elvis ya era imparable. De hecho la controversia sólo hizo a Elvis más atractivo en comparación con el resto de productos básicos de la televisión e hizo que tudo el mundo quisiera tenerlo en su show.

Steve Allen le contrató para su show de la semana siguiente y le pidió que interpretara Hound Dog, pero bajo ciertas condiciones que Elvis o mejor dicho su representante aceptaron erróneamente. Ante una audiencia de televisión en vivo, Allen comenzó reconociendo la controversia en torno a la última actuación de Presley para después presentar a un Elvis embutido en un esmoquin formal. Después de saludar con la mano un rollo de toallas de papel firmado por 18.000 aficionados, Allen volvió al escenario con Presley y un perro de caza con un sombrero de copa invitando a este a que le cantará su archiconocido tema. Puede parecer un buen numero cómico para pasar el rato y Allen siempre afirmó que así fue pensado, pero la realidad era evidente. Allen era un músico, un pianista y compositor que escribió baladas de salón para cantantes como Steve Lawrence, Eydie Gormé, y Perry Como. Siempre hacia bromas y mofas sobre el rock and roll en su programa, y lo solía llamar basura y analfabetos a los que lo escuchaban. Incluso jugó con el racismo al denominarlo sonidos tribales en alusión a su origen en la música negra.

Elvis Preslty 1952

Está bastante claro que Allen quería a burlarse del niño del Sur y de su música. Y aunque gran parte de la audiencia no vio el espíritu hostil en la broma de Allen, Elvis y su banda si lo sintieron. El guitarrista Scotty Moore fue el primero en quejarse de que toda la farsa era un insulto; Elvis más tarde etiquetó esa actuación como el momento más ridículo de su carrera y arremetió contra los críticos que se cebaron y mofaron de él tras la actuación.

No me importa lo que digan. No es desagradable. E incluso si lo fuera, esa gente en Nueva York no se me va a cambiar nada, voy a mostrar cuál es el verdadero Elvis esta noche

Es por eso, que la revista Rolling Stone etiquetó Hound Dog como una declaración de independencia de una generación a sus ancianos rígidos y fríos. Hay un poco de verdad en esto. Después de la emisión del show de Steve Allen, Elvis decidió no volver a dejarse manipular nunca mas por la televisión y la industria, pero la independencia que logró estaba lejos de ser completa. En cuestión de semanas, aparecía en el Ed Sullivan Show, el show televisivo donde todo artista que quisiese ser alguien debía triunfar y sin lugar a dudas el más seguido por el país. Presley lo sabía y por eso aceptó la invitación. Pero Sullivan también sabía que necesitaba a Presley y por eso lo invitó y jugó sus bazas de una manera muy distinta a Allen; reconoció, mejor que Allen, el futuro de la música americana. Y así, a sabiendas de que se necesitaban el uno al otro, Presley y Sullivan, en silencio, llegaron a un acuerdo. Presley podía realizar lo que quisiera; Sullivan sólo le filmaría de cintura para arriba.

En otras palabras, el incidente con Steve Allen, más que a una guerra civil, derivó en una forzada y pactada reconciliación. Elvis y Sullivan, rock and roll y la industria del entretenimiento.

PD: Ya lo tienes Noe

Elvis Presley performs Hound Dog in Milton Berle Show

Elvis Presley performs Hound Dog in Steve Allen Show

Elvis Presley performs Hound Dog in Ed Sullivan Show

SO LONG, MARIANNE by Leonard Cohen

2014-09-19T05:25:00.000-07:00

Incluida como corte 1 de la cara B del álbum de debut del cantautor canadiense Songs of Leonard Cohen en 1967, la canción habla de la relación que mantuvo con Marianne Ihlen a quien conoció en la paradisíaca isla griega de Hydra en 1960.

Conocerás a un hombre que habla con lengua de oro, le vaticinó su abuela a Marianne como una profecía. Todo comenzó cuando en 1960, el por entonces todavía desconocido cantautor canadiense desembarcó en la isla griega de Hydra con su guitarra, su ya famosa gabardina azul y su eterna Olivetti verde, ávido de experiencias, historias y sensaciones con los que alimentar sus poemas y canciones. Marianne y esa Olivetti fueron inmortalizadas en la contraportada del álbum de 1969 Songs From A Room.

Contraportada álbum Songs from A Room

Su primer encuentro fue en la terraza de una tienda de comestibles en el muelle y ahí el cantautor la invitó por primera vez a su mesa. Ella había llegado hacia tres años a la isla junto con su marido Alex Jensen, pero la relación se truncó y éste acabo fugándose con otra mujer por lo que podemos decir que ella era una mujer libre. Ella convivía con su hijo Alex y juntos iniciaron una relación que duró aproximadamente siete años aunque de forma intermitente. Cohen afirmó que instalado en la casa de Marianne consiguió una paz insólita para el hasta el momento. Escuchaba mucho a Ray Charles y solía escribir en la terraza de la casa a primera hora de la mañana. Eran un pareja muy alejada del hippismo de la época. Eran ordenados, metódicos, rutinarios, ...los dos éramos anticuados, en cuanto a que teníamos un sentido muy asceta y ordenado de la vida... La relación tuvo numerosos altibajos debido en gran parte a la necesidad del Cohen de salir en busca de afiliaciones neuróticas en palabras de la propia Marianne.

En la isla de Hydra, Cohen finalmente vivió su verdadera transición hacia la música. Cohen tenía 33 años cuando decidió dedicarse a la música. En algunas declaraciones de Marianne, desde hacía años le venía confesando que quería convertirse en cantautor. En declaraciones del propio artista, se había dado cuenta que no podía procurar su sustento con su trabajo como autor, y mantener su estilo de vida. Escribir sus volúmenes de poesía y, por otro lado, sus novelas, lo dejaban agotado creativamente. Después de escribir Beatiful Losers, su segunda novela, tuvo que ser hospitalizado después de algunos abusos de speed y hachís, y unos 10 días de ayuno. Escribir canciones era más ligero, no perdía su poesía, y podía, simplemente, tener dinero de forma más rápida. La cultura hippy convirtió a la música en un gran medio transmisor de la cultura que al final acabó atrapando al canadiense. Decidieron mudarse a la multicultural New York y concrétamente al mítico Chelsea Hotel.

Cohen & Alex Jensen hijo

El nombre original de la canción era Come on Marianne. Cuando comenzó a escribir el tema, la relación ya estaba muy deteriorada y de hecho el texto tiene unos claros tintes amargos. La joven la interpretó como un venga! intentémoslo otra vez! Pero un año más tarde, en el estudio de grabación, el músico dudaba sobre las dos palabras que variaban el significado de la canción-—optó por so long, hasta pronto, en inglés—. Yo no pensaba que estuviera diciendo adiós, pero supongo que era así, afirmó mas adelante, por lo que mas que de una canción de amor podemos decir que se trata de un tema de despedida, melancólico y triste. Marianne siempre ha afirmado que aunque la canción llevara su nombre, no era con la que mas se identificaba o mas cercana se sintiera. Siempre prefirió Bird on a wire, ...Recuerdo aquella mañana cuando al abrir la ventana nos encontramos que habían puesto el cableado del teléfono...

Podría considerarse que aunque hubo muchas e importantes mujeres en la vida de Leonard Cohen como la inmortal Suzanne Verdal que dio nombre a quizás su mayor éxito (Suzanne), Cohen encontró a Marianne en un momento crucial de su carrera y fue su sostén y quien le dio el coraje necesario para no abandonar en un momento muy delicado del artista ...Creo que le di coraje para escribir y no tirar la toalla...

Quizá para algunas personas sea un poco difícil la música de Cohen cuando no se está familiarizado a escucharlo, pero en cuanto pasa el tiempo empieza a cobrar sentido. Su estilo peculiar, voz ronca o aguda, aunado a su sentir melancólico en sus temas, termina por atraernos tarde o temprano.

So Long Marianne, Studio Version

POLLY by Nirvana

2014-09-08T03:03:00.003-07:00

Incluida como sexto corte del álbum Nevermind en 1991, segundo de estudio de la banda de Seattle y que supuso el salto a la fama del grupo y la aparición de lo que más tarde se denominó como sonido grunge o sonido de Seattle, y del que se nutrieron grupos y bandas como Pearl Jam, Soundgarden y Smashing Pumpkins entre otros.

El tema está basado en un hecho real que ocurrió en la ciudad de Tacoma, Washington en 1987, donde una chica de 14 años que regresaba de un concierto punk fue secuestrada por un hombre llamado Gerald Friend. El agresor, la llevó a su caravana y, además de abusar de ella, la torturó con un soplete, un látigo y una navaja de afeitar. Por fortuna la chica, de la cual nunca de publico el nombre, logró escapar cuando el hombre de 49 años de edad se detuvo en una gasolinera a repostar. Un día más tarde, fue detenido por una falta de tránsito, reconocido y condenado a 75 años de cárcel.

En propias palabras de Kurt Cobain:

Kurt Cobain

Polly es una canción de amor muy personal acerca de una violación. Le sucedió a una de mis amigas : fue secuestrada y violada por un individuo durante días. Le debía esa canción. Tardé bastante, tenía que eliminar el trauma. La música existía antes que el texto y era tan melódica y accesible que pensé que necesitaba una letra amarga para atenuar su belleza. Enseguida se nos acusó de promover la violación, cuando es todo lo contrario. Más o menos como sucedió con Steve Albini, que fue atacado a propósito del nombre de su grupo, "Rapeman" (Violador). Nunca hizo una apología de la violación. Lo escogió por su connotación chocante. Enseguida pensé que era una palabra dominante, que te hacía reflexionar sobre la violación.

En la escalofriante letra de la canción, en la que se refiere a una soga y al soplete, Cobain canta como si él fuese el violador, lo que desató una ola de críticas sobre su persona, además de que uno de los miembros del jurado que sentenció a Gerald Friend afirmó que hay cuestiones alteradas en la concepción que tenía el músico con respecto a los hechos.

Para colmo, años después, dos sujetos violaron a una joven mientras sonaba Polly de fondo, lo que provocó indignación y pesadumbre en Kurt, quien tuvo que redactar una breve nota al final del disco de rarezas Incesticide, editado en 1992: El año pasado, una niña fue violada por dos desperdicios de esperma y huevos mientras cantaban nuestro tema Polly. Me cuesta creer que hay placton en nuestros fans.

La versión que aparece en el álbum fue grabada en Madison, Wisconsin en el estudio del productor , Butch Vig en Abril de 1990. Digamos que la versión final fue rescatada de una cinta de demos. Se intentó realizar la grabación de nuevo con la banda en los Sound City Studios en California en Abril de 1991 junto con el resto de temas que componen Nevermind pero no se consiguió un sonido satisfactorio. Polly fue compuesto junto con el resto de temas que formaron Bleach el primer trabajo de la banda pero Cobain la descartó aludiendo a que era demasiado hermosa para incluirla en ese trabajo. Eso hace que la batería que se oye en el tema no este tocada por Dave Grohl, sino por Chad Channing, batería de la banda entre 1988 y 1990, aunque este no lo supo hasta diez años después.

En contra del rechazo que tuvo el tema en un primer momento al estar grabado digamos desde el punto de vista del violador y poder parecer ponerse de su lado, Bob Dylan afirmó sentirse conmovido y declaró a numerosos medios una vez que escucho el tema, ese chico tiene corazón.

Hay un momento en el tema en que Cobain canta Polly says... antes de parar y comenzar de nuevo el verso. Si, fue un error en el estudio que tanto a la banda como al equipo de técnicos del momento les gusto por lo que decidieron dejarlo en el álbum e incluso Kurt lo incluyó a partir de entonces en sus tomas en directo.

Para la grabación, se utilizó la misma guitarra de cinco cuerdas desafinada que Cobain utilizó para Something In The Way con lo que se consiguió ese sonido tan característico del tema, áspero y lúgubre.

Os de dejo la versión del álbum y la cover versión de Amanda Palmer que creo que merece la pena y de la que Kurt Cobain estaría orgulloso. Captó el mensaje de Cobain, de otra manera, pero capto el mensaje sin duda.

Nirvana, Polly Studio Version

Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra - "Polly"

LA LEY INNATA por Extremoduro

2014-09-04T23:34:00.001-07:00

La Ley Innata es un disco conceptual que supuso el noveno álbum de estudio del grupo Extremoduro. Fue publicado por DRO el 9 de Septiembre del año 2008 tras seis años sin publicaciones nuevas de la banda extremeña. No puede hacerse un análisis de las distintas canciones o temas que lo componen (seis en total) y separarlas unas de otras ya que el álbum forma un todo que se entrelaza constantemente tanto en los textos como en la música. Desarrollos larguísimos de guitarras, cambios de ritmos pronunciados, momentos calmos, tiempo para los instrumentos de viento, percusiones, flamenco, gritos en primer plano, voz susurrante, relajada, agresiva… transgresora. Para que os hagáis una idea de lo instrumentalmente rico que es éste disco: Dos violines, viola, violoncello, oboe, flauta, piano, trompetas mariachis, slide, caja, platos.

Y luego, el discurso: Robe se va arrinconando en lo que es, un poeta diferente y con una mirada única, protestona y tierna al mismo tiempo, reivindicativa.

Robe Iniesta

Para muchos fans supuso el fin de Extremoduro debido a que la música de la banda dio un giro evidente desde su trabajo anterior Yo Minoría Absoluta, aunque a mi particular modo de ver es una evolución más de un grupo magnifico y además no creo que en ningún caso perdieran su esencia en ningún momento. Hace tiempo que se ve venir que lo que le interesa a Robe es la poesía y hacia eso ha ido derivando cada vez más en sus ultimas creaciones.

El álbum abre con Dulce Introducción al Caos. Atentos al riff de guitarra inicial. Dulce, pegadizo y manso nos adentra en una especie de calma en la que ya se va mascando una tensión subyacente que parece preceder a la mas terrible de las tempestades. Como quieres que escriba una canción? canta Robe como recordándonos los casi 6 años en los cuales el mismo afirmó que fue incapaz de escribir ni una sola nota. Nos presenta a una pareja que vive en paz, en armonía, ...la canción de que el tiempo no pasara..., ...la canción de que el tiempo se parara... Pero todo se rompe en la tercera estrofa ...Un otoño el demonio se presentó, fue cuando el arbolito se deshojó. La canción de que el tiempo se atrasará, donde nunca pasó nada... Los violines le dan dramatismo al momento, el tiempo verbal cambia, ya no es donde nunca pasa nada ahora es donde nunca pasó nada. Pero la pareja sigue, aguanta el envite creyendo que podrá con el en las siguientes estrofas pero ya no es lo mismo ...sueño que despierto a su vera, me pregunto si estará sola, hay algo dentro de una hoguera (atención a esta hoguera que también volverá, no es gratuita). El protagonista pierde la ambición, se rinde ...Como quieres que escriba una canción? Si a tu lado he perdido la ambición... Hay momentos en los que parece que se puede, ...agarrado un momento a la cola del viento me siento mejor, me olvidé de poner en el suelo los pies y me siento mejor. Volar, volar!... Pero todo es mentira, con los pies en el suelo, el caos se adueña del tema, y la intensidad guitarrera sube y sube mientras Robe afirma una y otra vez que ya no hay esa canción, porque el viento se la llevó.

Y llegamos al primer movimiento, El Sueño, donde todo es como un sueño, una pesadilla. La intro es oscura y tenebrosa, con mucho reverb. El protagonista no deja de correr, la besa pero no son sus labios, cae en picado, se mira en el espejo pero no hay reflejo, la vida se vuelve roja (ojo no negra), no muere, esta herido y sufriendo, la letra se le olvida... Pero despierta y entonces ...y escarbo en un cajón, por si aparece entre mis cosas... buscando que nada haya sido real,pero no es así, sigue vivo pero su vida es como un mal sueño donde nada va bien, todo va mal, y su vida se basa solo en

Buscando mi destino,

viviendo en diferido,

sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido

quisiera hablar contigo,

y, así, sintonizar.

Jose Ignacio Cantera, Miguel Colino, Robe Iniesta e Iñaki "Uoho" Anton

Estos versos se van a ir repitiendo durante todo el disco y constituirán digamos que el estribillo de la obra por decirlo de alguna manera. El álbum al fin y al cabo es una búsqueda de la identidad perdida de alguien destrozado por el final de una relación.

La realidad sigue mezclándose con los sueños, y la voz de Robe se va tornando cada vez más áspera y dura. ..No hay día que me levante y no haya muertos delante... un hombre-bomba entró en un bar dispuesto a dialogar... Y dicen por la tele que han muerto más mujeres y que han sido ellos... El personaje enloquece por momentos y va perdiendo el control de su vida, de sus pensamientos, ya no sabe que es real y que no, o mejor dicho no lo quiere saber.

Y así pasamos al segundo movimiento, Lo de Fuera, la negación ...Y el amor, se fue volando por el balcón... El protagonista sigue confundido ...Y es que soy, maestro de la contradicción..., preso de su amor pero decide renegar de el y buscar fuera lo que ya no puede tener ...Y sigo preso, pero ahora el viento corre alrededor... La locura va en aumento pero el no se da cuenta de ello y busca resarcir su sufrimiento con nuevas aventuras, ...Necesito saber, dime tu nombre... Pero no puede olvidar. Nada ni nadie puede hacer que su cabeza no este con su amada, buscándola ...Tú y yo en la habitación para que vuelva amor, naturaleza. Unas estrofas mas adelante cambia el naturaleza por chorros de lefa (Robe en estado puro)...Vente a la sombra, amor, que yo te espero; nada ha cambiado en sus sentimientos por ella, conserva todo su amor por ella ...que tengo el corazón aquí con bien de hielo... Pero no está, se acabó, ...Se me cae, la casa desde que se marchó..., aunque no es capaz de admitirlo, de olvidarla ...Y ahora sólo pienso en ella, y no encuentro razones, cuando su recuerdo se me clava entre las cejas... está continuamente torcido. Y vuelve a soñar con ella, con que todo vuelve a estar en su sitio aunque es todo pasado, ...vivo en el eco de su voz.. ...Sigo la estela de su olor... Y claro, al final vuelve a caer, ...y se le caen los pajaritos a tu higuera, que ya no cantan para mi... y se encuentra con el destino de cara y se pregunta si tal vez mañana. El protagonista va a estallar y nos ha llevado paulatinamente y lentamente al siguiente movimiento donde la rabia y la desesperación van a alcanzar su punto culminante.
Musicalmente este segundo movimiento es una pequeña obra maestra. El resto de piezas del álbum son de un gran nivel pero en mi opinión en este la calidad se dispara hasta cotas altísimas. Oboes, ambientes, cambios de ritmo perfectamente llevados, guitarras y mas guitarras perfectamente ensambladas, la voz de Robe transmitiendo sentimientos a flor de piel. El tema va subiendo y subiendo en intensidad para de repente caer y al rato volver. Nos sacude, nos impacta, nos hiere y nos cura en el mismo minuto con una facilidad pasmosa. Una pequeña gran obra maestra sin duda.

Robe, Cantera, "Uoho" & Miguel

Y entonces estalla el tercer movimiento, Lo de Dentro, el movimiento mas Extremoduro por decirlo de alguna manera o que conecta más musicalmente hablando con el Extremoduro que se conocía hasta el momento. Guitarrero, furioso, sucio, transgresivo. Así suena, lleno de rabia y fuerza. Robe se desgañita, la locura se apodera de él, la ira llena todo su ser. El tema está lleno de versos marca de la casa, ...me siento extranjero fuera de tus agujeros. Miente el carné de identidad, tu culo es mi localidad... No hay salida, no hay nada que hacer, no hay donde ir ni nada que hacer porque cualquier cosa que haga no lleva a nada. No sabe que pensar, que sentir ...Miente, si dice no, me miente; si dice sí, me miente; y si calla, también miente... Se ha ido su motor y le ha dejado a oscuras ...Desde que no estás tú en este rincón, no se atreve a pasar la luz del sol, y sin ella, ya no es nada,...Oigo que vuelve y vuelvo a ver, vuelvo a mover los pies... Ojalá pudiese volver a revivir los momentos ...Tiempo, devuelveme el momento... Juega con versos anteriores, ...vuelven a salir chorros de la naturaleza... (..Tú y yo en la habitación para que vuelva amor, naturaleza/chorros de lefa). Busca soluciones a su realidad donde sea y como sea ...Y dicen que mi vida es un exceso... ...¿Y qué voy a hacer, si vivo a cada hora esclavo de la intensidad? Vivo de la necesidad... Dejadme en paz! parece gritar. Busca la luz, que le ciega y le ilumina a la vez, que le va matando pero que a la vez le mantiene en pie, que le lleva a la locura aunque esta, quizá es la única solución, ...No se ve, la vida se me queda a oscuras. Venme a ver caminito de la locura... No comprende y necesita entender, como todos, necesitamos entender pero a veces hay que bajar al barro para entender y no quedarnos en nuestro rincón esperando que nos expliquen ...Se volvió a gusano, mariposa, cansada de volar y no poder arrastrarse al fondo de las cosas, a ver si dentro puede comprender... Para mi este es el verso básico para entender todo el movimiento y el paso al siguiente, La Realidad.

Tema para oir a todo trapo, hay que dejarse llevar, dejar que la rabia y el desespero de la voz y los textos te innunden. En un principio puede sonar atropellado, excesivamente violento, aturdidor, pero si consigues pararlo y subirte en él, cabalgar sobre él, descubres toda su fuerza y te agarra para no soltarte.

Robe & Uoho

Y después de la tormenta, del caos absoluto, llega la paz, o mejor dicho el sosiego, La Realidad. Ahora si, todo se ha acabado, pero ya lo ha aceptado, ya lo ha entendido, ya lo ha asumido. Entiende lo que ha pasado y ya lo ve desde otra perspectiva, desde otro prisma ...Acostumbrado a escapar de la realidad, perdí el sentido del camino... Perdió el sentido de las cosas, el sentido de la vida, la razón pero ya sabe por qué ...Y la encuentro donde se me perdió, cuando dijiste que no... Ahora puede explicar con claridad lo que siente, sin que nada lo tape, sin que nada se interponga, con claridad, con serenidad ...si no puedo acercarme ni oír los versos que me dicta esa boca...; y ahora que ya no hay nada, ni dar la parte de dar que a mí me toca... ya ni siquiera existe la posibilidad de dar nada aunque tenga mucho que dar, ya no

Por eso no he dejado de andar...

buscando mi destino,

viviendo en diferido,

sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar

Ya solo quiere ser feliz ...quisiera ser un perro y oliscarte, vivir como animal que no se altera, tumbado al sol lamiéndose la breva... y ojalá fuera con ella aunque ya sabe que no puede ser.

Gran balada, enorme, consigue que te olvides el estallido del Tercer Movimiento, hace que parezca lejano. Esa es una de la magia de este álbum, pasas de un estado de ánimo a otro con una facilidad pasmosa y hace que el anterior se quede en el olvido de una manera increíble.

Y aquí podría acabar el álbum pero Robe y compañía deciden regalarnos un último tema, la Coda Flamenca: Otra Realidad, donde Robe decide adentrarse en el mundo del flamenco, conociendo siempre sus limitaciones, sin pretensiones. Nos presentan un tema que en ocasiones puede recordar a Triana pero con el sello característico de Extremoduro. Sosegado y ya mas tranquilo el protagonista ve un camino por el que seguir, un halo de esperanza, ...Y el fuego del infierno ya es sólo humo... (recordad en la Dulce Introducción al Caos que en un momento dado, cuando todo se rompe canta ...hay algo dentro de una hoguera...). De repente encuentra un resquicio ...En el hueco del eco de su voz... donde poder vivir (en el Segundo Movimiento cantó ...vivo en el eco de su voz...) y le dice a su amor que ...Agarrados del aire, viviremos... porque sin poner los pies en el suelo se siente mejor y es cuando vuela (Dulce Introducción al Caos). Nada puede con él, es fuerte y está seguro porque ...Hay un brillo mágico que alumbra mi camino... Y llegamos al final...

¿Y qué, si me condeno por un beso?

¿Y qué, si necesito respirar?

Canta la de que el tiempo no pasara.

Canta la de que el viento se parara.

Canta la de que el tiempo no pasara.

Donde nunca pasa nada.

Robe & Uoho

Donde volvemos a entonar la de que el tiempo no pasara y volvemos a oír el riff de guitarra inicial con lo que el disco se convierte en una especie de circulo y acaba con un claro sabor a esperanza.

Una obra maestra del rock español, que eso si, precisa de una escucha atenta para poder degustarla en toda su grandeza.

En la portada del disco aparece una frase en latín que guarda una estrecha relación con el título del álbum: "Est enim iudices haec non scripta sed nata lex quam non didicimus accepimus legimus uerum ex natura ipsa arripuimus hausimus expressimus ad quam non docti sed facti non instituti sed imbuti sumus", atribuida a Cicierón, cuya traducción, que aparece en el interior del disco, es: "Existe, de hecho, jueces, una ley no escrita, sino innata, la cual no hemos aprendido, heredado, leído, sino que de la misma naturaleza la hemos agarrado, exprimido, apurado, ley para la que no hemos sido educados, sino hechos; y en la que no hemos sido instruidos, sino empapados"

Os dejo las letras y al final unos enlaces de youtube con el álbum completo.

Dulce Introducción al Caos

Como quieres que escriba una canción?
Si a tu lado no hay reivindicación.
La canción de que el tiempo no pasara,
donde nunca pasa nada

Una racha de viento nos visitó,
y al árbol ni una rama se le agitó

La canción de que el viento se parara,
donde nunca pasa nada.

Un otoño el demonio se presentó,

fue cuando el arbolito se deshojó.
La canción de que el tiempo se atrasará

donde nunca pasó nada.

Una racha de viento nos visitó,

pero nuestra veleta ni se inmutó
La canción de que el viento se parara,

donde nunca pasa nada

Mientras tanto pasan las horas,

sueño que despierto a su vera,
me pregunto si estará sola

hay algo dentro de una hoguera.

Como quieres que escriba una canción?
Si a tu lado he perdido la ambición.
La canción de que el tiempo no pasara,
donde nunca pasa nada

Se rompió la cadena que ataba el reloj a las horas,
se paró el aguacero ahora somos flotando dos gotas,
agarrado un momento a la cola del viento me siento mejor,
me olvidé de poner en el suelo los pies y me siento mejor.

volar, volar!

Una racha de viento nos visitó,
y a nosotros ni el pelo se nos movió.
La canción de que el viento se parara,
donde nunca pasa nada

Ya no quiero una piedra en pie,
porque que el viento lo derribó,
no, no hay esa canción.

Ya no queda nada de ayer,
porque el viento se lo llevó,
no, no hay esa canción.

Ya no quiero una piedra en pie,
porque que el viento lo derribó,
no, no hay esa canción.

Ya no queda nada de ayer,
porque el viento se lo llevó,
no, no hay esa canción.

Primer Movimiento: El Sueño.

No hay nada en el espejo,
y persigo mi reflejo,
es igual que en los sueños.

De andar desorientado,
voy cayendo en picado;
es igual que un mal sueño.

La vida es roja si te vas
y me derrota igual
que en los sueños,

y olvido y ya no sé qué hacer;
no dejo de correr,
como en sueños.

Te estaba dando un beso
y mis labios no eran esos,
es igual que un mal sueño.

La gente está que trina
y la letra se me olvida;
es igual que en mi sueño.

La vida es roja si te vas
y me derrota igual
que en los sueños,

y olvido y ya no sé qué hacer,
no dejo de correr,
como en sueños.

Si no te vuelvo a ver,
no quiero despertar;
la realidad no me abandona.

Busco un mundo mejor
y escarbo en un cajón,
por si aparece entre mis cosas.

Buscando mi destino,
viviendo en diferido,
sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar.

No hay día que me levante
y no haya muertos delante;
es peor que un mal sueño.

Hoy han dicho en la tele
que han muerto tres mujeres
y que han sido ellos;

que un hombre-bomba entró en un bar
dispuesto a dialogar
con sus muertos;

que bombardean una ciudad,
y algo ha salido mal;
por supuesto.

Una bomba inteligente
ha matado al presidente;
pensó que era bueno.

Y dicen por la tele
que han muerto más mujeres
y que han sido ellos.

La vida es roja si te vas
y me derrota igual
que en los sueños,

y olvido y ya no sé qué hacer;
no dejo de correr,
como en sueños.

Si no te vuelvo a ver,
no quiero despertar;
la realidad no me abandona.

Busco un mundo mejor
y escarbo en un cajón
por si aparece entre mis cosas.

Buscando mi destino,
viviendo en diferido,
sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar.

Segundo Movimiento: Lo de Fuera

Se acabó,
el odio me arrolló la razón,
con mi época estoy comprometido.

Y el amor,
se fue volando por el balcón
adonde no tuviera enemigos.

Y ahora estoy
en guerra contra mi alrededor.
No me hace falta ningún motivo.

Y es que soy,
maestro de la contradicción
y experto de romper lo prohibido.

Y por eso los chiquillos ya se acercan a mí,
que intento ser feliz.

Y desde entonces de esta cárcel no me dejan salir,
ni tengo adónde huir.
Voy a hacer un butrón,
que saque la cabeza fuera.

Y sigo preso,
pero ahora el viento corre alrededor.
Por mis pecados, sigo preso.

Carne y hueso.
Si muere de hambre el mundo alrededor,
tú y yo, total, de carne y hueso.

Por dinero, los maderos, ¡ay!, van detrás de mí,
que intento ser feliz.

Y abocado, a los tejados, me he mudado a vivir,
por desobedecer,
por ver al sol salir,
por sacar la cabeza fuera.

Y sigo preso,
pero ahora el viento corre alrededor.
Por mis pecados, sigo preso.

Carne y hueso.
Si muere de hambre el mundo alrededor,
tú y yo, total, de carne y hueso.

Necesito saber,
dime tu nombre,
de dónde sale el sol
y de qué se esconde.

Necesito saber,
dime tu nombre,
de dónde sale el sol
y de qué se esconde.

Si miro alrededor, no puedo comprender, me da pereza.
Si hay algún escalón pa' dar un tropezón, voy de cabeza.
Tú y yo en la habitación para que vuelva amor, naturaleza.
Hay un televisor en medio del salón, no me interesa.

Vente a la sombra, amor, que yo te espero;
que tengo el corazón aquí con bien de hielo.
Vente a la sombra, vente, amor, que yo te espero;
que tengo ya el cerezo en flor dentro del cuerpo.

Se me cae
la casa desde que se marchó.
Y ahora ya sólo espero el derribo,

y es que perdí
la pista del eje del salón,
y estoy continuamente torcido.

Y ahora sólo pienso en ella
y no encuentro razones
cuando su recuerdo se me clava entre las cejas,
sueño con melones encima de la mesa.

Buscando mi destino,
viviendo en diferido,
sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar.

Sueño que empieza otra canción;
vivo en el eco de su voz,
entretenido.

Sigo la estela de su olor,
que me susurra: vámonos,
vente conmigo.

Hay un desierto, hay un vergel
lleno de flores de papel.
Pensaba

que sería frío el amanecer.
Te equivocabas otra vez:
Quemaba.

Llegó el verano y asoló la primavera,
y el sol asfixia en tu jardín,
y se le caen los pajaritos a la higuera,
que ya no cantan para mí.

Abrí los ojos para ver;
con el destino me encontré... de cara.
Lo tengo todo a medio hacer.
Me preguntaba si tal vez... mañana.

Necesito saber.
Dime tu nombre,
de dónde sale el sol
y de qué se esconde.

Necesito saber.
Dime tu nombre,
de dónde sale el sol
y de qué se esconde.

Vente a la sombra, amor, que yo te espero;
que tengo el corazón aquí con bien de hielo.
Vente a la sombra, vente, amor, que yo te espero;
que tengo ya el cerezo en flor dentro del cuerpo.

Si miro alrededor, no puedo comprender, me da pereza.
Si hay algún escalón pa' dar un tropezón, voy de cabeza.
Tú y yo en la habitación, para que vuelva amor: chorros de lefa.
La buena educación de la televisión no me interesa.

Tercer Movimiento: Lo de Dentro

Sin patria ni banderas,
ahora vivo a mi manera;
y es que me siento extranjero
fuera de tus agujeros.

Miente el carné de identidad,
tu culo es mi localidad.
Miente el destino para hacer
que no te vuelva a ver.

Miente, si dice no, me miente;
si dice sí, me miente;
y si calla, también miente.

Dice, que yo ya no te espero.
Un cabrón embustero,
es mi corazón, que miente.

No se atreve la luz, si no estás tú,
a pasar por aquí si oye mi voz.
Desde que no estás tú en este rincón,
no se atreve a pasar la luz del sol.
Si oye mi voz, se queda fuera.

Luz, maldita sea la luz,
que me desvela.
No. Aquí no ve y la luz
se desespera.

Me arroja a ver el mundo,
y me lo encuentro furibundo.
Si quiero ir a la moda,
necesito una pistola.

Dijo amor antes de marchar:
ya no me gusta este lugar.
Oigo que vuelve y vuelvo a ver,
vuelvo a mover los pies.

Viento, me pongo en movimiento
y hago crecer las olas
del mar que tienes dentro.

Tiempo, devuélveme el momento.
Quiero pasar las horas
nadando mar adentro,

y revolcarme por el suelo
para empezar todo de cero.

Luz, si fuera el cielo azul,
si enloqueciera...
Mira, que ha venido una luz
como de fuera.

Ya vuelvo a caer, voy derechito de cabeza. Sí.
Vuelven a salir chorros de la naturaleza.
Caigo derechito, derechito de cabeza. Sí.
Vivo derribando, derribando las barreras.

Y dicen que mi vida es un exceso,
y yo me vendo sólo por un beso.
¿Qué voy a hacer, si vivo a cada hora
esclavo de la intensidad?
Vivo de la necesidad.

Estaba el cielo lleno de estrellas,
y he pasado la noche con ellas.
¿Qué voy a hacer, si vivo a cada hora
esclavo de la intensidad?
Vivo de la necesidad.

Y me revuelco por el suelo
para empezar todo de cero.

Luz, si fuera el cielo azul,
si enloqueciera...
Mira, que ha venido una luz
como de fuera.

Luz, maldita sea la luz
que me desvela.
No. Aquí no ve y la luz
se desespera.

No se ve;
la vida se me queda a oscuras.
Venme a ver
caminito de la locura.

Me mira, me droga,
las fuerzas me abandonan.
Me droga, me mira.

Me dice, guasona,
métete en mi persona.
Me droga, me mira.

Se volvió a gusano, mariposa,
cansada de volar y no poder
arrastarse al fondo de las cosas,
a ver si dentro puede comprender.

No se ve,
la vida se me queda a oscuras.
Veme a ver
caminito de la locura.

Cuarto Movimiento: La Realidad.

Agazapado, espero, como un arraclán,
bajo las piedras escondido,
porque a la vida era lo único que le da
sentido.

Acostumbrado a escapar de la realidad,
perdí el sentido del camino
y envejecí cien años más de tanto andar
perdido.

Y me busco en la memoria el rincón
donde perdí la razón.
Y la encuentro donde se me perdió,
cuando dijiste que no.

Hice un barquito de papel para irte a ver.
Se hundió por culpa del rocío.
No me preguntes cómo vamos a cruzar
el río.

Y me busco en la memoria el rincón
donde perdí la razón.
Y la encuentro donde se me perdió,
cuando dijiste que no.

Sin ser,
me vuelvo duro como una roca,
si no puedo acercarme
ni oír
los versos que me dicta esa boca;
y ahora que ya no hay nada,
ni dar
la parte de dar que a mí me toca.
Por eso no he dejado de andar

buscando mi destino,
viviendo en diferido,
sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar.

Para contarte
que quisiera ser un perro y oliscarte,
vivir como animal que no se altera,
tumbado al sol lamiéndose la breva,
sin la necesidad de preguntarse
si vengativos dioses nos condenarán,
si, por Tutatis,
el cielo sobre nuestras cabezas caerá.

Buscando mi destino,
viviendo en diferido,
sin ser, ni oír, ni dar.

Y a cobro revertido
quisiera hablar contigo,
y, así, sintonizar.

Coda Flamenca (otra realidad).

Por verme amado de ella por todo el día,
mañana, en perder la vida, consentiría.

Y el fuego del infierno ya es sólo humo.
Ahora el fuego ya es sólo humo.
Después de arder, el fuego ya es sólo humo.
El infierno ya es sólo humo.

En el hueco del eco de su voz,
vive el eje que desapareció.

Agarrados del aire, viviremos;
no me importa adónde vamos.
Apriétame bien la mano, que un lucero
se me escapa entre los dedos.

Arráncate a cantar y dame algún motivo
para decirle al Sol que sigo estando vivo.

¡Ay del desánimo! Que no puede conmigo.
¡Ay del destino! Que no juegue conmigo.
Hay un brillo mágico que alumbra mi camino.

Y el fuego del infierno ya es sólo humo.
Ahora el fuego ya es sólo humo.
Después de arder, el fuego ya es sólo humo.
El infierno ya es sólo humo.

Ay, ay, ay, ponte a cantar canijo.
Una mijita me arregla el sentío.

¡Ay del desánimo! Que no puede conmigo.
¡Ay del destino! Que no juegue conmigo.
Hay un brillo mágico que alumbra mi camino.

¿Y qué, si me condeno por un beso?
¿Y qué, si necesito respirar?

Canta la de que el tiempo no pasara.
Canta la de que el viento se parara.
Canta la de que el tiempo no pasara.
Donde nunca pasa nada.

Dulce Introducción al Caos

Primer Movimiento: El Sueño

Segundo Movimiento: Lo De Fuera

Tercer Movimiento: Lo De Dentro

Cuarto Movimiento: La Realidad

Coda Flamenca (Otra Realidad)

ALL YOU NEED IS LOVE by The Beatles

2014-08-27T07:11:00.001-07:00

Incluida como corte 5 de la cara B del álbum Magical Mistery Tour lanzado el 8 de diciembre de 1967 en el Reino Unido. Compuesta por John Lennon y acreditada a la sociedad Lennon-McCartney tal y como hacían con sus composiciones ambos beatles mientras duró el grupo.

Brian Epstein

El origen del tema viene de la oferta que los Beatles recibieron, a través de su manager, Brian Epstein, de representar al Reino Unido en la primera retransmisión vía satélite a nivel mundial. Epstein consiguió que el programa Our World de la BBC le propusiera a los Beatles participar representando a Inglaterra junto a otras figuras de renombre internacional. La banda tocaría solamente un tema, dentro de un programa de televisión que duraría mas de dos horas y que sería transmitido en simultáneo via satélite a mas de 30 países del mundo. En un primer momento a ninguno de los miembros de los Beatles les hizo mucha gracia tener que participar en ese evento. Hacía ya un tiempo que habían tomado la decisión de dejar las giras y no tocar en directo y concentrarse en grabar discos de estudio experimentando mas y mas con nuevos sonidos y conceptos. Finalmente, y ante la insistencia de Brian Epstein, Lennon aceptó ocuparse de componer un tema para la ocasión.

Como era una transmisión mundial, se le dio a la canción un sentido internacional, abriendo con el himno francés La Marseillaise, e incluyendo pedazos de otras piezas durante la larga coda final, incluyendo la segunda parte de la invención nº 8 en Fa de Johann Sebastian Bach, trasladada a Sol e interpretada con dos piccolos; Greensleeves (con cuerdas); In the Mood, de Glen Miller, con saxofon; uno de los primeros éxitos de The Beatles, She Loves You, y la Marcha Príncipe de Dinamarca, de Jeremiah Clarke, al final. Varias fuentes, incluyendo al productor de The Beatles George Martin, han confundido o mal recordado la cita de Bach como parte del Concierto de Brandeburgo n.º 2. También, se puede escuchar a Lennon mencionar algo parecido al título Yesterday.

Para el evento en cuestión inicialmente se decidió que este no fuera en vivo, ya que nadie quería cometer un error delante de tal número de espectadores aunque finalmente, John se encaprichó de cantar en vivo, Paul de tocar el bajo y ambos convencieron a George de que tocara el solo en directo también. Si Ringo tocó en directo o no, no esta tan claro ya que hay diversas versiones. Para la parte instrumental del tema, George Martin había escrito unos arreglos que la misma mañana de la grabación fueron rechazados por Lennon y tuvieron que reescribirse en un tiempo record. Lo mismo para la orquesta que se contrató en el momento, tuvieron que aprenderse la nuevas notas en tan solo unas horas para tenerlo todo listo para el momento de la retransmisión.

Potada single 1967

También a última hora, Paul decidió que quería un micrófono abierto para poder meter lo que se le ocurriese a última hora en los coros, los cuales habían sido pregrabados y sonarían junto con la base del tema. Más tarde un nutrido séquito de amigos (Mick Jagger, Keith Richards, Eric Clapton, Marianne Faithfull, Graham Nash, Keith Moon), parientes y casi-parientes (Patty Boyd, Jane Asher, Mike McCartney), y los sempiternos Neil y Mal, técnicos y asistentes de grabación se les unieron en el estudio para formar una amalgama de lo más exótica. Todo estaba listo para el gran momento, Lennon mascaba chicle para calmar los nervios, McCartney estaba extrañamente serio y quieto, George jugueteaba con su guitarra recordando el solo y Ringo, como siempre, feliz tras su batería.

Y, tras los acordes de La Marseillaise, los Beatles volvieron a hacer historia...

Lennon olvidó escupir el chicle e interpretó todo el tema mascándolo tal y como puede observarse en el vídeo de la retransmisión. McCartney usó el micro abierto que tan insistentemente había pedido como puede oírse con sus all together y everybody. Quién es el que canta She loves you yeah yeah yeah al final. No hay una definición concreta de quién lo hace, porque la voz que se escucha es casi seguro la de Paul, y se ve a John (en la segunda o tercera repetición) cantando eso en el vídeo. Es muy posible que fueran ambos los que cantan esas líneas: muy probablemente Paul lo hizo en el backing track (y se olvidó de sincronizar durante el vivo), John se dio cuenta en la segunda repetición (que es lo que se ve en el vídeo, con el agregado de una rápida mirada pícara y risueña de John a Paul como diciendo te olvidaste), y luego los dos la cantaron juntos. George tocó su solo bastante bien… pero se equivoca hacia el final, justo cuando la orquesta hace un crescendo que casi oculta el pifie. Escuchad una copia de buena calidad de la canción y prestad atención al detalle. La cámara se detiene unos segundos en Mick Jagger. Afortunadamente para la transmisión, no se aprecia que el Stone estaba fumando marihuana solamente segundos antes. Cabe aclarar que, casualmente, Mick fue víctima de un procedimiento policial por drogas al día siguiente. Pocos días después del programa, se editó el simple con el objetivo de aprovechar la oportunidad e incrementar las ventas potenciales. El simple se publicó el 7 de julio de 1967 en Inglaterra y como siempre que se trataba de un trabajo de los Fab Four triunfo en las listas.

Grabacion All You Need Is Love

La estructura de la canción es compleja. La parte principal (el verso) está en el poco usual tiempo 7/4 con dos compases de 7/4, uno de 8/4, luego regresa a 7/4 con los coros repetidamente cantando love, love, love hacia arriba donde entra la voz de Lennon cantando:There's nothing you can do that can't be done. Nothing you can sing that can't be sang. Nothing you can say but you can learn how to play the game. It's easy

En contraste, el coro es simple: All You Need is Love, en tiempo 4/4 repetido contra la respuesta de los metales pero, cada coro tiene solamente siete compases lo opuesto a los usuales ocho, y la séptima es 6/4, luego regresa al verso en 7/4.Lennon había experimentado con tiempos mezclados, la canción We Can Work It Out de 1965 tiene un puente de 16 compuesto por Lennon en el cual yuxtapone 4 medidas de 4/4 y 3/4 cada una.

All You Need is Love continúa siendo una de las dos únicas canciones que fueron escritas en tiempo 7/4, y que lograron llegar al top 20 en los Estados Unidos (la otra es Money, de Pink Floyd, que logró el puesto nº 13 en la lista musical de 1973). All You Need is Love llegó al puesto nº 1 tanto en Estados Unidos como en Inglaterra.

Grabacion All You Need Is Love

NEW YORK por Albert Pla

2014-08-12T03:24:00.000-07:00

Corte 9 del álbum Cançons d´Amor I Droga y titulado como Me Moro, Me Moro y como corte 12 del álbum Un Regalito Para Espanya como New York. Cançons d´Amor I Droga fue el octavo disco lanzado al mercado por el cantautor catalán Albert Pla. El trabajo constó de un doble CD con 19 canciones interpretadas en catalán y 12 en castellano (traducidas). Se publicó en 2005 por la multinacional discográfica BMG.

Albert Pla

Pla, bajo la dirección de Alex Rigola y a partir de textos de Pepe Sales creo un espectáculo en el que explotaban al máximo todas las sensaciones que rodean a la provocación, la rabia, la ternura, el odio, el afecto, la complicidad, el humor, el miedo, el asco, la fragilidad, el sexo, la muerte... La historia hablaba de un toxicómano y la consciencia de autodestrucción que le acompaña, marcando su vida, sus iras, sus deseos y matando poco a poco sus esperanzas y su propia fe en la vida. Tanto el espectáculo como la posterior edición del disco son homenaje póstumo a Pepe Sales.

Le conocí en un bar, muy poco antes de que muriera. Él se me presentó, pero yo ya sabía de su existencia y nos teníamos admiración mutua. Escribía canciones para Bocanegra, pero no formaba parte de la banda. Nunca se subió al escenario. Su material había llegado a mi oficina de management. Era la maqueta de un disco que nunca se llegó a grabar, porque ya estaba bastante jodido. Solamente le vi ese día, en aquel bar, sería en 1994. Después, cuando murió, he ido recopilando textos suyos.

Pepe Sales nació en Barcelona en 1954 y murió víctima del virus del sida en 1994 con 39 años. Fue el octavo hijo de once hermanos de una familia de fuertes convicciones cristianas. Pasó por prisión (La Modelo) en 1973-74 12 meses por posesión de hachís y fue heroinómano desde 1975. Homosexual, fundador del grupo de rock Bocanegra, aunque nunca se subió a un escenario, solo era el compositor. Poeta y pintor (hacia el final de su vida, con su propia sangre). Residente por un breve espacio de tiempo en New York, pionero del videoarte y portador del virus del VIH desde 1988. De todo esto habló Pepe Sales en unos textos cuya principal virtud radica en su honestidad y en la forma en que constituyen el paroxismo de ese tipo de literatura de la experiencia tan habitual en la literatura hispanohablante y que en muchos casos parece haber sido escrita a manera de paliativo por quienes no han tenido experiencia alguna.

En el tema que nos ocupa (New York) el protagonista es consciente de que se muere, de que todo se acaba. Una línea de cellos abre y lleva al tema; melancólica, triste, arrastrándose. Cada día mas enfermo... Es un tema como mucho ruido, las guitarras suenan atronadoras, hacen ruido junto con los sintetizadores, ensordecen... La terapia del sueño me tortura los nervios... (Pepe Sales fue conejillo de indias de un tratamiento fallido para abandonar la adicción a la heroína). No me cura ni un cura, no me cura ni Dios!... ya hemos anotado que Sales nació en el seno de una familia profundamente católica y claramente hace una referencia a lo absurdo de la religión, para que si no puede salvarme.

Pepe Sales

El sufrimiento es la base del tema, el sufrimiento de un hombre que se ve condenado en vida, condenado por querer vivir. El sida a principios de la década de los 90 era una condena que parecía destinada única y exclusivamente a los homosexuales ... el amor que me corroe la sangre... Si eras toxicómano y encima homosexual eras basura, la sociedad te despreciaba y no eras mas que escoria, ...devuelve al container, lo que es del container..., de hecho todavía hoy ocurre. Los tesoros que le quedan por descubrir, por vivir, la poca felicidad de la que puede disfrutar ya no esta aquí, están ...ocultos allá abajo, pero allá abajo del todo...

Pla destila fuerza por todos sus poros. Pocas veces he visto una interpretación con semejante intensidad. Imaginaos por un momento a la gente que está viendo el espectáculo y ver aparecer este hombre muriéndose a un metro escaso de ti. Babeando, noqueándose a puñetazos. No podemos decir que Pla sea un músico de brillantes melodías y hermosas canciones porque no lo es, tampoco es un letrista al uso. Es más bien un trovador del siglo XX. Un bufón que nos engaña y a través de un personaje débil y gracioso (no es el caso del tema del que nos ocupamos) nos coloca una semillita en la cabeza de que tal vez el mundo no sea tal y como nos lo quieren contar. Es un genio transmitiendo sensaciones y los textos de Pepe Sales le vienen como anillo al dedo. A Albert Pla hay que escucharle, detenidamente, si no, no lo disfrutas, no te das cuenta de todo lo que hay detrás.

Un diez para Alex Rigola & Albert Pla por el espectáculo, os dejo el fragmento del tema de New York introducido por un monologo de Judit Farrés. Para los impacientes, el tema empieza en el minuto 3:10.

New York Version en Directo

OCEAN by John Butler

2014-08-07T04:20:00.000-07:00

Esta entrada va a ser distinta, va a tomar otro orden, otro formato, el tema lo requiere así. Os voy a pedir que lo primero que hagáis sea escuchar el tema, con atención, con calma, con relajo, detenidamente, mejor si es con los ojos cerrados. Aquí os dejo un enlace.

John Butler Ocean Studio Version Audio Only

Puede haberos gustado o no, no lo se, pero estoy seguro que a la mayoría no os habrá dejado indiferentes.

Tema dificilísimo de definir. Intensidad, fuerza, pasión, dinamismo... Quizá si lo tuviese definir de alguna manera utilizaría el adjetivo hipnótico. Te atrapa, te lleva. Te arrastra hacia dentro, te empuja hacia fuera. Te mece a veces, te revuelca con violencia otras. Huele a libertad, a aire fresco, a nubes (¿a que coño olerán las nubes?). No para de moverse, no puede, no quiere, no sabe...

El autor cuando habla de este tema nunca habla en términos de describir una canción, una composición, sino que siempre habla de el como si de un ser vivo que tomara parte de su propia existencia se tratara. No es un tema, no es una canción, es algo que siente, sufre, disfruta, se mueve... eso también se oye. De hecho se refiere a él afirmando que forma parte de su propio ADN, que todas las palabras, vida, recuerdos, perdidas, victorias, amores y espíritu están ahí. Se fusionan sobre la música para dar vida a Ocean...

John Butler

¿Por qué Ocean?, ¿por qué ese titulo? El mar es un elemento fantástico para hacer una analogía con la vida. El mar es misterioso, no puede parar como la vida. Puede estar en calma, quieto, pero en el fondo siempre está en movimiento. El mar está formado por millones de cosas, como la vida de uno mismo que la forman sentimientos, experiencias, amigos, amores... El mar tiene una encarcelada libertad como la vida. Es infinito pero limitado a la vez. Se disfruta pero también se puede sufrir. Puede ser solitario y amenazador pero también puede ser un elemento de gran calidez y sosiego. Puede ser violento, muy violento, pero puede tener un violencia tranquila muy extraña y mágica. ¿Habéis visto alguna vez romper las olas del mar contra las rocas desde mucha altura? El efecto óptico hace que parezca que toda esa violencia sucede a cámara lenta, como cuando revivimos sucesos de nuestra vida que a veces parece que podemos revivirlos con sumo detalle y detenimiento. El mar nos habla y sobretodo, nos escucha, es un gran interlocutor, comprensivo y paciente. Sentarse en un roca frente al mar y hablarle es algo que todos hemos hecho alguna vez (los que vivimos junto al mar claro). Tiene un espectro de colores muy amplio y muta como muta el color del que vemos nuestra vida. Puede ser brillante y luminoso y en pocas horas oscuro y melancólico. En definitiva, el mar parece estar vivo.

John Butler siempre ha tenido mucha relación con el mar, con el océano más bien, no en vano es nacido en las costas californianas de los Estados Unidos aunque de padre australiano se mudo y afincó allí en 1986 y siempre ha vivido con el océano frente a su ventana. Empezó como músico callejero en Fremantle, Australia Occidental y siempre ha mantenido ese aire callejero en sus diferentes composiciones a lo largo de su ya extensa carrera. Su estilo bebe del Blues, de la música celta o hasta de estilos indios y aborígenes.

Océano Pacífico

John toca la armónica, el didgeridoo, la batería y multitud de instrumentos acústicos como la guitarra acústica de 11 cuerdas (a la que le quita la octava cuerda, Sol Mayor, debido a las preferencias y enseñanzas de su profesor de guitarra Ori Rossi),el lapsteel y el banjo. Butler usa principalmente una Matón de 11 cuerdas y amplificadores Marshall JMP Super Lead Head, con un cabinet Marshall 4x12, reconocible por la bandera con la Cruz del Sur pintaba en su frontal. Usa también varios efectos, entre los que se incluye: distorsión, reverb/delay y una pedal wah wah, que le permiten adquirir un sonido único.

Ocean esta incluida como corte 5 del álbum de debut de John Butler Trio y publicado en Diciembre de 1998. La grabación original se realizó en los Couch Studio en Fremantle bajo la producción de George Nikoloudis y Shaun Callagham.

Y ahora si, por favor, ved el vídeo de a continuación y veréis que es capaz de hacer este hombre con una guitarra de 12 cuerdas (11 para ser exactos) y unos pocos efectos de sonido. Si habéis leído hasta aquí ved el vídeo entero y no lo olvidaréis fácilmente.

GOD by John Lennon

2014-08-05T00:42:00.000-07:00

Incluída como corte 10 del álbum John Lennon / Plastic Ono Band, disco de debut en solitario del compositor de Liverpool tras la disolución de los Beatles. Publicado en 1970 y considerado una de las grabaciones más representativas del siglo XX. Fue gestado durante el desarrollo de la terapia primal a la que, tanto Lennon como Ono, se sometieron bajo la supervisión del Arthur Janov durante cuatro meses en Los Ángeles.

John Lennon & Yoko Ono

De acuerdo con Janov, la neurosis es causada por los dolores reprimidos, resultado de los traumas de la infancia. Según afirma el autor, el dolor que se reprime puede ser sacado a la conciencia para ser re-experimentado el incidente traumático de la infancia y para expresar plenamente el consiguiente dolor; volver a experimentar los traumas y expresar los sentimientos dolorosos largamente enterrados permite la resolución de los síntomas neuróticos. Janov sostiene que en la terapia primal, los pacientes encuentran sus verdaderas necesidades y sentimientos en el proceso de experimentar todo su dolor. El término "dolor" se refiere en la teoría general a cualquier angustia emocional y a sus supuestos efectos psicológicos a largo plazo.

La producción del mismo corrió a cargo de Phil Spector y contó con Ringo Starr en la batería, Klaus Voormann al bajo y Bill Preston únicamente para los teclados del tema God. El resto de instrumentos fueron tocados por el propio Lennon y se buscó un sonido austero y básico.

Estamos ante un tema explícitamente instrospectivo, un documento en el que Lennon ilustra claramente la perdida de fe en su páis, sus padres, sus amigos, sus ídolos, sus seguidores... desgarrador y gratificante a la vez. La introducción de la canción describe a Dios como un concepto por el cual medimos nuestro dolor. En palabras del propio Lennon,

...uno nace en el dolor, el dolor es lo que somos en la mayor parte del tiempo, y creo que cuanto más grande es el dolor, más buscas a Dios...

Aquellos primeros años de la década de 1970 fueron muy complicados para Lennon. Los Beatles se habían desintegrado, la relación de amistad con Paul , George & Ringo estaba deteriorada con algunos y rota con otros, su carrera profesional estaba digamos que en "stanby" y su relación con Yoko le había enfrentado al mundo entero. En ese contexto Lennon escribió God. Con una desgarradora sinceridad Lennon lista las cosas en las que ya no cree. Y no es una lista cualquiera, es una lista de personas, objetos y disciplinas a partir de las cuales él mismo se inundó, se alimentó, lo formaron... la magia, el Ching, la Biblia, el Tarot, Hitler, Jesus, Kennedy, Buda, el Mantra, Gita, el Yoga, los reyes, Elvis, Zimmerman (Dylan)... Y como elemento final, con un tono muy especial y haciendo a la banda parar y generando suspense, grita ¡I don´t believe in Beatles! Para acabar entonando

...solo creo en mi, en Yoko y en mi, esa es la realidad...

I Am The Walrus TV Film

Lennon afirmó que a la lista se le podían haber añadido infinidad de cosas y personalidades y que de hecho en algún momento tuvo que decidir parar y dejarla. Que se planteó la idea de dejar un hueco y cantar, rellenadla vosotros, rellenadla con cualquier cosa en la que ya no creáis. Pero que los Beatles tenían que ser los últimos porque queria afirmar que no iba a volver a creer nunca en ningún mito y que los Beatles eran ya únicamente otro mito más.
En la ultima parte del tema, describe perfectamente el cambio que ha sufrido, ya no es el tejedor de sueños, ya no es la morsa (I´m the Walrus es un tema básico de la discografía de los Beatles), ahora sólo es John... para cerrar con el lapidario the dream is over... (el sueño se acabó). Lennon afirmó que esa frase no iba dirigida a los Beatles, si no a todos los sueños que se generaron durante la década de los 60. Numerosos hippies de la época se identificaron con dicha frase y la hicieron suya para definir el fin de una época.

Podríamos definir a God como una de las mas sinceras y devastadoras canciones de amor jamas escritas. Al fin y al cabo, Lennon afirma no creer en nada, ni en ideales, ni en sueños, ni en revoluciones ni en nada mas que en él mismo y en Yoko, o sea en el amor. En ese sentido podríamos decir que es una canción de amor radical. Lennon siempre defendió su relación con Yoko incluso enfrentándose al mundo y eso le costó numerosos problemas durante su vida.
Otra posible lectura es que God es una canto a la individualidad, donde el protagonista se despoja de todo lo que le rodea y lo deforma para desnudarse y anclarse en lo único que verdaderamente sabemos: que somos y que en nuestro propio ser hay suficiencia. Como escribió Robert Anton Wilson, la creencia es la muerte de la inteligencia. Dejar de creer en lo ajeno es el paso fundamental para ser uno mismo, sin miedos. Para muchos John era un soñador, pero quizá simplemente él veía la realidad y nosotros no...

Como curiosidad mientras Lennon cantaba que Dios es una concepto por el cual medimos nuestro dolor, en el estudio contiguo, George Harrsion grababa My Sweet Lord.

God 1970

Cuando tenía 5 años mi madre siempre me decía que la felicidad es el secreto de la vida. Cuando iba al colegio, me preguntaron que quería ser de mayor y yo escribí "¡Feliz!". Me dijeron que no había entendido la pregunta y yo les dije que ellos no habían entendido la vida.

John Lennon

EL WALTZ DE LOS LOCOS por Nacho Cano

2014-07-29T07:28:00.001-07:00

Incluida como corte 3 del álbum instrumental Un Mundo Separado Por El Mismo Dios compuesto entre octubre de 1992 y Mayo de 1994 y grabado entre Londres, Madrid y Nueva York durante el verano de 1994. Forma parte del primer trabajo en solitario del músico madrileño. Las influencias de músicos como Mike Oldfield son claramente visibles. El disco constituyó una apuesta arriesgada del autor y se vio claramente influenciada por la religión budista que predicaba así como sus vivencias en la India y contactos con personalidades como La Madre Teresa de Calcuta.

Para el tema en cuestión, El Watlz De Los Locos, así como para la mayoría de cortes del disco se utilizaron numerosas grabaciones de sonidos reales entremezcladas con instrumentos habituales como cuerdas, pianos... Las voces se integraron también siempre como un instrumento más, sin querer nunca ganar protagonismo como solistas.

Portada Un Mundo Separado Por
el Mismo Dios 1994

Los sonidos presentes en la grabación del El Watlz De Los Locos fueron registrados en El Centro Don Orione, una institución sin ánimo de lucro perteneciente a la Congregación religiosa fundada por San Luis Orione localizada en un pequeño pueblo del oriente asturiano denominado Posada de Llanes y que da cobijo y atención en la actualidad a alrededor de 170 personas con discapacidad intelectual con el fin de que estos puedan integrarse lo mejor posible en la sociedad y lograr una buena calidad e vida.

Según palabras del propio Nacho, éste tenía una relación con este centro de deficientes desde hacía algunos años ya que solía visitarlo en Navidad. La primera vez que acudió sintió, también según sus propias palabras, un fuerte impacto, afirmando incluso que llegó a sentir miedo al tratarse de una situación que definió como caótica. Tuvo una cierta sensación que llego a calificar de repulsión.

Los olores, los sonidos, el ambiente como que me echó para atrás. No sabes muy bien como van a responder esta gente. Pero a medida que tu estas ahí te das cuenta de que hay una especie de armonía. Cada uno tiene un papel que interpreta cada día y luego hay una relación muy bonita entre la gente que los cuida y ellos y ves una serie de cosas muy sutiles.

El autor intentó plasmar todo ese tierno y sutil caos en un vals. Busco construir una especie de analogía entre los niños que son deficientes y los instrumentos que están un poco desafinados. Declaró que entrar dentro de ese mundo paralelo era como romper las ataduras que normalmente nosotros tenemos, las formas...

Portada Alternativa Un Mundo
Separado Por el Mismo Dios

El cariño se expresa continuamente. Los niños quieren que se les abrace y ellos siempre te devuelven un abrazo... Uno se olvida de lo que es un hombre, de lo que representa o de lo que el cree que representa y se convierte en un trozo mas de ser humano que forma parte de los otros trozos.

Para el tema se registraron numerosos sonidos en el propio centro, registrando ambientes, voces, pasos, sonidos... intentando captar la esencia del ambiente del lugar. Una vez registrados los diferentes sonidos se mezclaron con bases de piano, cuerda... notas y progresiones muy básicas y sobretodos ellos se fue construyendo el tema en palabras del propio Nacho. La orquesta suena de una manera muy especial, los violines da la sensación de que "patinan", como si no quisieran dar la nota exacta en el momento adecuado, como si todo fuera llorando, arrastrándose, con dificultad. Con todo ello se consigue reflejar una gran ternura. Quizá la palabra que defina el tema sea esa, ternura.

El autor en una entrevista comentó que el mismo día que acudió al centro para registrar los sonidos, después acudió a la academia de baile donde se grabaría el videoclip para su tema El Profesor De Baile y que estuvo con un grupo de bailarines de la compañía.

Los bailarines, todo lo que hacen es bonito, cogen una vaso y es bonito, dicen una cosa y es bonito... Era muy curioso ver los dos mundos así como contrastados, y ver, que hay belleza en los dos, que lo que pasa es que tenemos que tener la óptica correcta...

Nadie sobra en esta orquesta...

Una lástima que Nacho volviera a las composiciones digamos más "Mecano" y abandonara está linea instrumental ya que el disco completo es una pequeña joya, de no fácil escucha, pero joya si se le dedica el tiempo adecuado.

A modo de anecdota, el video de presentación del tema fue dirigido por Penelope Cruz, por entonces pareja sentimental del compositor.

Video Promocional de El Waltz De Los Locos

BOOTS OF SPANISH LEATHER by Bob Dylan

2014-07-28T01:29:00.002-07:00

Corte 7 del tercer álbum de estudio del cantautor de Minnesota The Times They Are A-Changin´ publicado el 13 de Enero de 1964 por Columbia Records. El álbum fue producido por Tom Wilson y es el primer trabajo de Bob Dylan que solo incluye temas propios.

La melodía de Boots of Spanish Leather esta inspirada en la canción folklorica inglesa Scarborough Fair al igual que otra composición del cantante estadounidense Girl From The North Country. El tema versa en la ruptura del cantautor con Suze Rotolo, la chica de la portada del mítico álbum The Freewheelin´Bob Dylan.

Rotolo & Dylan

Suze Rotolo fue la musa de Dylan a principios de los sesenta, con el que mantuvo una relación amorosa. Ambos se conocieron en 1961 durante un concierto cuando ella tenía 17 años y él 20. Se convirtió en inspiración para el músico de Minnesota que compuso temas como Boots Of Spanish Leather, Tomorrow Is A Long Time y Don't Think Twice, It's All Right con Rotolo en la cabeza.
En la grandiosa Don't Think Twice, It's All Right, Dylan canta: ...Le di mi corazón, pero quería mi alma...
La marcha de la joven a Italia durante medio año marcó el tono agridulce de las composiciones en el artista. También de forma accidental influyó en la hipnótica Girl From The North Country, que luego regrabaría con Johnny Cash en el album Nashville Skyline.
Por aquella época, las referencias a Rotolo estaban siempre en la música de Dylan, aunque la más explícita se encuentra en el primer volumen de su libro de memorias, Chronicles, donde el músico escribió: Desde el primer momento en que la vi no pude quitarle los ojos de encima, ella era la cosa más erótica que jamás había visto. Era muy hermosa, con la piel y el cabello dorados y de sangre italiana. Empezamos a hablar y mi cabeza comenzó a girar.
A decir verdad, Rotolo fue más que un enamoramiento físico de Dylan. Su influencia también se dejó notar en las ideas que transmitió al cantante, por entonces una esponjaba que asimilaba todo lo que sucedía a su alrededor. Hija de padres con ideas afines al comunismo, Rotolo radiaba conciencia de clase en los convulsos EEUU de principios de los sesenta. La temática pacifista y contestataria de Dylan en aquella época le debe bastante a ella, lectora compulsiva de ensayos y miembro activo de organizaciones a favor de la lucha por los derechos civiles.

Dylan & Rotolo

El músico escribió esta canción en Roma cuando se fue a buscar a la joven a Italia, que ya había regresado a Nueva York sin que el mismo lo supiera. Estamos ante una clásica historia dylaninana de dos amantes, una encrucijada y el mar abierto. El tema está escrito como un dialogo, con los primeros seis versos alternándose entre el hombre y la mujer. En ellos la chica pregunta si podría enviarle algo ...is there something I can send you from across the sea... e insiste una y otra vez ...Oh, but I just thought you might want something fine... como buscando sentirse mejor al ser ella la que ha decidido marchar, como buscando redimirse. Él, sin embargo le contesta insistentemente que lo único que podría calmar su pena sería que ella regresase ...there's nothin' I wish to be ownin'. Just carry yourself back to me unspoiled, from across that lonesome ocean...
A partir del séptimo verso, la chica desaparece, el dialogo se transforma en monologo. Se produce un cambio en el contexto y no es sólo que la chica ya no está, sino también un cambio en la actitud de él. Ya no hay esperanza de que su amante vuelva, ahora solo hay soledad.

Bob Dylan

Hay una evolución clara en los sentimientos del chico, pasamos del amor de los primeros versos ...Oh, but if I had the stars from the darkest night, And the diamonds from the deepest ocean, I'd forsake them all for your sweet kiss... donde parece que éste será capaz de resistir cualquier tiempo y distancia, a la tristeza intermedia ...Oh, how can, how can you ask me again, It only brings me sorrow..., donde, poco a poco, el protagonista va perdiendo fuerza, para llegar a la decepción ...I'm sure your heart is not with me... y acabar incluso en la ira ...take heed of the western wind, Take heed of the stormy weather... (el cambio en el tono en la grabación es evidente, no es una advertencia lanzada con cariño) y acabar sucumbiendo y cerrando la canción aceptando el regalo, resignandose ...there's something you can send back to me, Spanish boots of Spanish leather... volviendo a la idea del principio del tema y cerrando el circulo.

La voz de Dylan sueña quizá más ronca de lo habitual, con una ligera reverberación dándole a la composición un aire sombrío y melancólico. Como acompañamiento, únicamente un punteo de guitarra con aires de folk sureños, como salido de los campos de algodón del Mississippi, potenciando con esa austeridad la tristeza del tema.

Composición tremendamente personal del genial poeta estadounidense donde abrió su corazón para dejarnos una de las canciones de amor más sinceras y crudas de la historia del folk, ¿quien no se ha sentido como el protagonista de la historia alguna vez? Diez años más tarde volvería a usar esa misma manera de expresarse en una grabación y volvería a ser una mujer, Sara Lownds, la culpable de ello. Sería en el álbum Blood In The Tracks , donde destriparía a base de canciones el fin de su propia familia.

Oh, I´m sailing away my own true love

"Zarpo de viaje, mi verdadero amor,

I’m sailin’ away in the morning

zarpo de viaje por la mañana.

Is there something I can send you from across the sea

¿Hay algo que pueda mandarte, a través del océano,

From the place that I’ll be landing?

desde el país en el que desembarque?"

No, there’s nothin’ you can send me, my own true love

No, no hay nada que puedas mandarme, amor mío,

There’s nothin’ I wish to be ownin’

no hay nada que desee poseer.

Just carry yourself back to me unspoiled

Solo quiero que regreses a mí, intacta,

From across that lonesome ocean

desde el otro lado de aquel solitario océano.

"Oh, but I just thought you might want something fine

"Oh, pero yo pensé que podrías querer algo bonito,

Made of silver or of golden

hecho de oro o de plata,

Either from the mountains of Madrid

proveniente de las montañas de Madrid

Or from the coast of Barcelona"

o de las costas de Barcelona".

"Oh, but if I had the stars from the darkest night

"Pero si poseyera las estrellas de la noche más oscura

And the diamonds from the deepest ocean

y los diamantes del más profundo océano,

I’d forsake them all for your sweet kiss

renunciaría a todo eso por un dulce beso tuyo,

For that’s all I’m wishin’ to be ownin’

porque eso es todo lo que deseo poseer".

"That I might be gone a long time

"Pero quizá me ausente por un largo tiempo

And it’s only that I’m askin’

y solo por eso te lo pregunto:

Is there something I can send you to remember me by

¿hay algo que pueda mandarte para que me recuerdes,

To make your time more easy passin’"

para hacer que el tiempo se te pase rápido?"

"Oh, how can, how can you ask me again

"Oh, ¿cómo puedes?, ¿cómo puedes preguntarlo de nuevo?

It only brings me sorrow

eso solo me causa tristeza.

The same thing I want from you today

Lo mismo que quiero hoy de ti

I would want again tomorrow"

lo seguiré queriendo mañana".

I got a letter on a lonesome day

Recibí una carta un solitario día,

It was from her ship a-sailin’

desde el barco de ella en altamar,

Saying "I don’t know when I’ll be comin’ back again

decía "No sé cuando regresaré de nuevo,

It depends on how I’m a-feelin’"

dependerá de cómo me sienta".

"Well, if you, my love, must think that-a-way

"Bueno, si tú, amor mío, piensas de esa manera,

I’m sure your mind is roamin’

estoy seguro de que tu mente está divagando,

I’m sure your toughts is not with me

estoy seguro de que tus pensamientos no están conmigo,

But with the country to where you’re goin’

sino con el país al que te diriges.

So take heed, take heed of the western wind

Así que ten cuidado, ten cuidado con el viento occidental,

Take heed of the stormy weather

ten cuidado con el tiempo tormentoso.

And yes, there’s something you can send back to me

Y sí, hay algo que puedes mandarme de vuelta:

Spanish boots of Spanish leather"

las botas de cuero español".

Versión de Estudio

TE JUZGARAN SOLO POR TUS ERRORES (YO NO) por Extremoduro.

2014-07-24T07:40:00.004-07:00

Incluida como corte 9 del álbum Rock Trangresivo de la banda extremeña Extremoduro. Publicada en 1994 tras la revisión de las mezclas del álbum de debut Tú En Tu Casa, Nosotros En la Hoguera de 1989 con la producción ya de Iñaki “Uoho” Antón. Los máster originales se remezclaron, se añadieron nuevas tomas de guitarra y teclado a cargo del propio Uoho, y se grabaron 3 temas nuevos, contando para ello con la colaboración de varios amigos de la banda. La intención de la banda fue que esta nueva publicación (que retomó el título de su maqueta, Rock Transgresivo) sustituyera a la deficiente Tú en tu casa, nosotros en la hoguera.

Marcos Ana

La letra del tema es una versión del poema Canto Absoluto A La Libertad del poeta Marcos Ana, seudónimo formado con los nombres de sus padres. Nacido en la pedanía de San Vicente (Salamanca) en 1920 hijo de jornaleros profundamente católicos, de formación académica escasa ya que a los doce o trece años dejó los estudios y se puso a trabajar como dependiente de una tienda para poder aportar así ingresos a la familia. Con apenas dieciséis años se afilió a las Juventudes Socialistas, que poco antes de la Guerra Civil se convertirían en las Juventudes Socialistas Unificadas(JSU), bajo la órbita comunista. En paralelo fue abandonando la religión. Marchó al frente al estallar la Guerra Civil Española, en 1936, dentro del batallón de milicias «Libertad» de las JSU, combatiendo en la zona de Peguerinos, en la sierra de Madrid. Al producirse la militarización de las milicias y la creación del Ejercito Republicano, fue obligado a abandonar el campo de batalla por ser menor de edad. Volvió a Alcalá de Henares donde fue secretario general de las JSU en la comarca de Alcalá. Durante la contienda, se afilió al Partido Comunista de España. En enero de 1937, su padre murió en un bombardeo de la Legión Cóndor sobre Alcalá. No pudo incorporarse al ejército regular hasta que cumplió 18 años ya en 1938. Trabajó como comisario político en la 44 Brigada Mixta (estacionada en El Pardo) y más tarde como instructor político de la juventud en la 8ª División del Ejercito del Centro, también en El Pardo, responsabilidad que ocupó hasta el fin de la guerra. Antes del cerco total a la capital, consiguió escapar en dirección a Levante, al igual que muchos cuadros y dirigentes del ejército republicano, las organizaciones del Frente Popular, o del aparato estatal de la República. Como muchos otros miles, llegó al puerto de Alicante en espera de que algún buque los rescatase. No pudiendo alcanzar barco alguno debido al bloqueo naval franquista, se rindió a la unidades italianas (la División Littorio) que cercaban el puerto el 31 de marzo y fue apresado y confinado, primero en el campo de prisioneros de los Almendros, y posteriormente en el campo de concentración de Albatera. Pocos días después escapó y realizó el trayecto de vuelta a Madrid, donde fue nuevamente detenido a la semana de llegar, tras ser delatado por un confidente de la policía.

Su primera prisión fue la cárcel de Porlier. El régimen franquista le atribuyó el asesinato de tres personas, hechos por los que fue condenado a muerte en 1941. En sus memorias, Marcos Ana señaló:

En mi caso personal quedé impresionado y perplejo por las acusaciones del fiscal. Me hacían responsable de hechos sucedidos en Alcalá de Henares por los que ya habían sido juzgados muchos compañeros y algunos de ellos fusilados. Era la práctica habitual en aquella época confusa, especialmente en los pueblos: imputar a los dirigentes más conocidos la responsabilidad de todo lo ocurrido en el lugar.

Dos años después, su condena fue anulada por defecto de forma, si bien fue juzgado otra vez y condenado a muerte de nuevo. A este respecto, a principios de 2010, los periódicos del Grupo Intereconomía lanzaron una campaña en contra de Marcos Ana, presentando las acusaciones de los tribunales franquistas como hechos probados y verídicos.

En Porlier participó en la creación de un periódico clandestino, Juventud, en 1943, hecho por el que fue trasladado a la Dirección General de Seguridad, donde fue torturado. Fue condenado de nuevo a 30 años de reclusión por un delito contra la Seguridad del Estado y trasladado al penal de Ocaña en 1944. Tras pasar por la cárcel de Alcalá de Henares, terminó su trayectoria carcelaria en el penal de Burgos, donde permaneció desde 1946 hasta 1961. En 1944 su pena de muerte había sido conmutada por treinta años de cárcel, siendo condenado en total a sesenta años. No fue ejecutado por haber cometido los crímenes que se le imputaban en minoría de edad.

Homenaje Marcos Ana 50 Aniversario de su liberación

Durante su tiempo en prisión sufrió palizas y reiterados periodos de incomunicación. Su afición a la lectura se inició con antiguos libros que circulaban por el penal de obras autorizadas de clásicos españoles: Quevedo, Lope de Vega, Calderón. Pudo tener acceso a El Quijote a pesar de no estar permitida su lectura y, más tarde, a las obras prohibidas de Rafael Alberti.Miguel Hernández o Federico García Lorca gracias a la introducción clandestina de libros cuando se relajaron las medidas contra los presos políticos a partir de 1950.

A mediados de esa década fue cuando comenzó a escribir sus primeros poemas bajo el seudónimo de Marcos Ana que, escondidos, consiguieron salir al exterior y conocerse por muchos opositores a la dictadura. Su poesía animaba a combatir la dictadura con la palabra y hacía un llamamiento a la liberación de los presos políticos. Sus poemas contribuyeron a hacerle conocido fuera de España y a desencadenar una campaña internacional por su liberación, en la que destacaron Rafael Alberti y Pablo Neruda, que consiguió su liberación el 17 de noviembre de 1961. Al producirse su liberación, sin embargo, y ante la repercusión internacional que había tenido la salida de Marcos Ana de la cárcel, el Ministerio de Información y Turismo, dirigido por Manuel Fraga, publicó un folleto titulado Marcos Ana, asesino, en el que reiteraban las acusaciones contra Ana que le habían supuesto su condena a muerte.

Robe Iniesta

Marchó al exilio en Francia, donde el Partido Comunista le invitó a establecer un servicio en París destinado a la propaganda antifranquista y al apoyo de los presos políticos españoles con la ayuda de personalidades del mundo de la cultura francesa y españoles exiliados: el Centro de Información y Solidaridad con España (CISE) con Pablo Picasso de presidente de honor, dirigido por Marcos Ana. Desde ese puesto recorrió Europa y Sudamérica, pronunciando conferencias y organizando campañas de apoyo a los exiliados y opositores al franquismo.

A principio de la década de los setenta, Ana se alineó con el secretario general del PCE,Santiago Carrillo, en contra de la facción más próxima a la Unión Soviética.

Tras la muerte de Franco regresó a España en 1976. Durante la Transición continuó sus actividades dentro del Partido Comunista del que fue candidato al Congreso de los Diputados en las elecciones de 1977, por la provincia de Burgos, sin obtener escaño, y en el que ocupó distintas responsabilidades, como la de solidaridad internacional.

Su poesía ha sido calificada de «poesía de trinchera» y ha sido atribuida a «la fuerza de la convicción, la sentida sinceridad poética, la angustia, el miedo del hombre en el presidio». Su obra poética completa no se ha publicado, si bien se han recopilado en Venezuela. En 2007 publicó un libro de memorias, Decidme cómo es un árbol. Memoria de la prisión y la vida, prologado por José Saramago, y centrado en su estancia en la cárcel y en su actividad política fuera de ella hasta la Transición. Está traducido al portugués y al italiano. Fue la publicación de este libro de memorias la que le supuso su actual notoriedad a Marcos Ana

Letra:

Su herida golpead de vez en cuando;
no dejadla jamás que cicatrice:
que arroje sangre fresca a su dolor,
y eterno viva en su raíz el llanto.

Si se arranca a volar, gritadle a voces
su culpa: ¡qué recuerde!
Si en su palabra crecen flores, nuevamente,
arrojad pellas de barro oscuro al rostro;
pisad su savia roja.
Talad, talad, que no descuelle el corazón
de música oprimida.

Si hay un hombre que tiene
el corazón de viento,
llenádselo de piedras
y hundidle la rodilla sobre el pecho.

Pero hay que tajar noche
- tajos de luz- para llegar al Alba
y acuchillad los muros de las heridas altas
y ametrallar las sombras con la vida
en las manos
sin paz,
amartillada.

Tengo más vidas que un gato:
me muero siempre, y me mato
un poco cada vez que muere
cualquiera de mis hermanos:
la hierba, ratones, las tías, los gitanos,
los peces, los pájaros, los invertebrados,
las moscas, los niños, los perros, los gatos,
la gente, el ganado, los piojos que mato,
los bichos salvajes, los domesticados,
y que pena, si mueres, de los pobres gusanos.

Tú arranca:
yo oigo gritar a las flores.
Allá tú con tu conciencia,
yo soy cada día más malo;
estoy perdiendo la paciencia.

Tú arranca,
yo aprendo como aguilucho.
Vuelo a un mundo imaginario
(No puedo seguir: escucho
los pasos del funcionario)

Robe & "Uoho"

Tema básicamente acústico y bastante alejado musicalmente de lo que habitualmente se asocia con Extremoduro. Guitarras acústicas que sirven de mero acompañamiento a la callejera voz de Robe Iniesta y a unos coros inquietantes que acompañan todo el tema. Es una pena que Robe no se haya prodigado más en este contexto porque el poema tiene muchísima fuerza y la voz del extremeño, de una tremenda personalidad, gana mucho en este tipo de ambientes acústicos y oscuros. Poesía pura, un grito desesperado de La Libertad, de un hombre encerrado, preso, torturado hasta doblegar su voluntad y su conciencia. Robe masculla cada frase con su habitual modo de expresarse que parece salida del fondo de un reformatorio o de la mismísima prisión. Sinceramente, no podría encontrar a nadie mejor para recitar, leer o decir estos versos de Marcos Ana, versos desesperados de un hombre al que la lucha por la libertad suya y de sus hermanos le hizo perder los mejores años de su vida.

El texto es crudo, frío, sucio y con alusiones evidentes a la tortura tanto física “Su herida golpead de vez en cuando; no dejad que cicatrice…” como psicológica “…si hay un hombre que tiene el corazón de viento, llenádselo de piedras y hundidle la rodilla sobre el pecho…” El peligro para el Régimen no era sólo el hecho de que hubiese personas que defendieran la libertad si no el hecho de que su semilla perdurará, se extendiera, creciera. Había que ser duro en el castigo y sobretodo tenía que ser público, ejemplar. Hay que controlar y doblegar psicológicamente al enemigo y eso, era casi más importante que eliminarlo, “…me muero siempre, y me mato un poco cada vez que muere cualquiera de mis hermanos…”

Hay que matar lentamente con el miedo “… Tú, arranca: Yo oigo gritar a las flores…”, atenazar. Pero también se palpa la fuerza de un alma que no se condena y busca vías de escape “…Vuelo a un mundo imaginario…”.

El final del texto, es simplemente estremecedor. Todo el tema valdría la pena solo por esa última frase que te deja realmente paralizado y que consigue trasladarte al horror que debió sufrir Ana Marco durante su cautiverio “…No puedo seguir: escucho los pasos del funcionario…”

Desde aquí el homenaje de Robe y en menor medida, el mío.

Versión de Estudio

MIDNIGHT RAMBLER by The Rolling Stones

2014-07-23T03:14:00.000-07:00

Incluida como corte 1 de la cara B del álbum Let it Bleed, décimo álbum de estudio de la banda británica editado en 1969. Su grabación tuvo lugar en los estudios de sonido London´s Olympic Sound Studios de la ciudad de Londres durante la primavera de 1969 con Jagger a la harmónica y las voces, Richards tocando todas las guitarras, Bill Wayman al bajo, Waits la batería y la aparición en los créditos de Brian Jones como percusionista. Fue publicado por la discográfica DECA Records el 5 de Diciembre de 1969.

El tema está inspirado en la historia del estrangulador de Boston Albert De Salvo e incluso algunos pasajes de la letra son parte de la propia confesión de De Salvo.

Entre el 14 de junio de 1962 y el 4 de enero de 1964, 13 mujeres solteras entre los 19 y 85 años de edad fueron asesinadas en el área de Boston. La mayoría de las mujeres fueron asaltadas sexualmente en sus apartamentos y luego estranguladas con artículos de ropa. La víctima más anciana murió de un ataque al corazón. Otras dos fueron apuñaladas hasta la muerte, una de ellas fue también golpeada. Sin ningún signo de entrada forzada en sus viviendas, se supuso que conocían a su asesino o voluntariamente permitieron la entrada a sus hogares.

Albert De Salvo

La policía no estaba convencida de que todos estos asesinatos fueran trabajo de un solo individuo, especialmente debido a la gran diferencia de edad de las víctimas; la opinión pública creía que los crímenes eran cometidos por una única persona.

El 27 de octubre de 1964, un desconocido entró a la casa de una mujer joven en East Cambridge haciéndose pasar por un trabajador de mantenimiento enviado por el supervisor del edificio. Ató a la víctima a su cama, procedió a asaltarla sexualmente, y se fue de repente, diciendo "lo siento" mientras se iba. La descripción de la mujer llevó a la policía a identificar al asaltante como De Salvo y cuando su fotografía fue publicada, muchas mujeres lo identificaron como el hombre que las había asaltado. A principios del 27 de octubre, De Salvo se hizo pasar por un automovilista con un problema en su coche e intentó entrar en una casa en Bridgeater, Massachusetts. El dueño de la casa, Richard Sproles, comenzó a sospechar y tras una disputa acabó disparando a De Salvo.

De Salvo no estaba como sospechoso de estar involucrado en los asesinatos. Sólo después de que fue acusado de violación dio detalles de sus actividades como el Estrangulador de Boston bajo hipnosis inducida por William Joseph Bryan y sesiones no inducidas por hipnosis con John Bottomly. Inicialmente confesó a su compañero preso George Nassar; luego informó a su abogado F. Lee Bailey, que tomó el caso de De Salvo. Aunque había algunas inconsistencias, De Salvo fue capaz de citar detalles que no habían sido públicos. Como tal, fue juzgado por delitos anteriores, sin relación de robo y delitos sexuales. Bailey intento una defensa por demencia, pero se descartó por improcedente por el juez.

Mick Jagger & Keith Richards,

NYC, 1972

DeSalvo fue sentenciado a cadena perpetua en 1967. En febrero de ese año, escapó con dos compañeros de Bridgewater State Hospital, lo que provocó una persecución de gran escala. Se encontró una nota en su cama dirigida al superintendente. En ella, De Salvo afirma que escapó para centrar la atención en las condiciones en el hospital y su propia situación. El día después del escape, se entregó a su abogado en Lyn, Massachusetts. Seguido a su fuga, fue transferido a una prisión de máxima seguridad conocida en el momento como Walpole donde fue encontrado seis años después asesinado en la enfermería. Robert Wilson, que fue asociado con Winter Hill Gang, fue juzgado por el asesinato de De Salvo, pero el juicio terminó en un jurado indeciso. Nadie fue encontrado culpable por su asesinato.

Jagger afirmó, en una entrevista de 1995, que Midnight Rumbler, era uno de los pocos temas que realmente habían compuesto él y Richards juntos. Durante unas vacaciones en la preciosa ciudad italiana de Positano, crearon esta “opera blues en cuatro partes” según Richards. Es curioso como de unas vacaciones en una ciudad soleada y de ambiente festivo y jovial pudiese salir un tema con ese ambiente tan oscuro y agobiante, como sacado de un sótano húmedo y sórdido.

El tema tiene un tempo clásico de blues que cabalga sobre la guitarra rítmica de Richards. La harmónica de Jagger dialoga con la slide guitar de Richards y nos introducen en la noche oscura, siniestra, llena de sombras extrañas. Hace calor, un calor que asfixia. Una voz nos pregunta si hemos visto a alguien merodeando mientras el ambiente se va cargando cada vez más y más. La carga sexual de la música es sencillamente brutal. Parece que de un momento a otro se va a oír el jadeo de la respiración entrecortada de alguien. De hecho el tema se abre con una especie de gruñido animal prácticamente imperceptible.

Mick Jagger

Pasamos a la segunda parte de la canción, una cambio de tempo instrumental que acelera el ritmo, como si se tratase de una persecución, una persecución donde se oyen voces repetidas como en la cabeza del perseguidor (…) Oh don´t do that, oh don´t do that (…), como si el perseguidor tuviera una lucha interna aunque sabe que no va a servir de nada, la excitación sexual es más fuerte y poderosa. La caza está llegando a su fin y la víctima parece no tener escapatoria posible, o quizá es la voz de la misma víctima suplicando. El ritmo se va frenando, lentamente, como ahogándose en un lamento infinito, la tercera parte de la opera blues de la que habla Richards. Está exhausto. Todo se ha acabado. Los remordimientos se hacen presentes pero lo que es seguro es que habrá una próxima vez porque una vez que empiezas y sales indemne que te impide volver a hacerlo…

El tema acaba en un tono animal, triunfal, casi de semidios. La vida y el cuerpo de una persona a sus pies. El criminal se siente poderoso, seguro, enorme, saciado de su sed de sangre y sexo.

Mick Jagger & Keith Richards

Jagger y Richards consiguieron captar la tensión sexual en el tema de una manera brutal. Es cierto, no es bonito, no es tierno, no es cariñoso, es simplemente animal, salvaje, sexo en estado puro. El tema está visto desde el punto de vista del criminal, donde no hay compasión, no hay sentimientos, no hay nada más que la sed de sexo y sangre. Por eso no creo que haya ningún tema en la historia del rock con una carga sexual tan fuerte y pura, y entendamos pura como sin artificios, como Midnight Rambler. Y por su puesto no hay voz que sea capaz de transmitir ese morbo y fuerza animal como la de Jagger.

El debut de Midnight Rambler en escena fue el 5 de Julio de 1969 y los Stones la tocaron regularmente durante sus giras hasta 1976 con Jagger corriendo como un animal enjaulado por el escenario golpeando a su paso los equipos con un cinturón. Especial mención a la grabación que aparece en el recopilatorio Hot Rocks 1964-1971 recogida de un directo de 1970, muy aclamada por sus fans. Personalmente la versión en estudio me parece superior pero para gustos colores.

Midnight Rambler, Studio Version

Midnight Rambler Live 1970

THUNDER ROAD by Bruce Springsteen

2014-07-17T07:37:00.000-07:00

Incluida como corte 1 del álbum Born to Run, tercer álbum de estudio del cantautor estadounidense de rock Bruce Springsteen editado en 1975. Su grabación tuvo lugar en los estudios de sonido Record Plant de la ciudad de Nueva York entre 1974 y 1975 bajo la producción de Mike Appel, Jon Landau y el propio Springsteen. Fue publicado por la discográfica Columbia Records el 25 de agosto de 1975.

Cuando Springsteen escribió Born to Run, el disco que le consagró, vivía en una casa en West Long Branch, New Jersey, no muy lejos de Asbury Park. Compuso prácticamente todos los temas del álbum al piano, cosa que según propias palabras suyas, nunca más ha hecho y lo hizo utilizando para todas ellas un pasaje de piano a modo de introducción. En la casa tenía un tocadiscos al lado de su cama y todas las noches escuchaba discos de los 60 y, especialmente a Roy Orbison o a los Beach Boys. Una canción de Orbison suena en la radio en Thunder Road, para los solitarios. Según palabras propias buscaba hacer un disco que sonara como los de Phil Spector, con la voz de Roy Orbison y los textos de Dylan.

Film Thunder Road 1958

Springsteen cogió el nombre de Thunder Road de una película de serie B de 1958 protagonizada por Robert Mitchum, film que, por cierto, nunca vio. “Sólo vi el poster en el vestíbulo de un teatro, cogí el título y escribí la canción”. Una canción que incialmente se llamaba Wings for Wheels y en la que había un solo de saxo y guitarra en medio. La primera gran aportación de Jon Landau como productor fue proponerle eliminarlo y hacer un solo al final de Bruce y Clarence que aportaría un tono triunfal a la historia.

Thunder Road trata sobre la búsqueda del propio destino. El protagonista propone a su chica, Mary, huir de una vida vacía y sin esperanzas, de un día a día sin futuro. El mensaje es claro: “puedes morir ahí fuera, pero también puedes morir escondido dentro de ti mismo”. Springsteen siempre ha entendido el rock como algo liberador: “cada uno de nosotros tiene la posibilidad de elegir aunque siempre hay que pagar un precio a cambio, como es el de tener que elegir más de una vez.”

“Tengo esta guitarra y aprendí a hacerla hablar y mi coche está ahí detrás, si estás dispuesta a recorrer ese largo camino desde tu portal hasta mi asiento delantero. La puerta esta abierta, pero el viaje no es gratis(…). Esta noche seremos libres, se romperán todas las promesas (…)Así que sube, Mary. Esta ciudad está llena de perdedores y yo me largo de aquí para triunfar”.

El protagonista va hasta casa de Mary y la desafía a que apueste por la vida, que apueste por él: “ten un poco de fe, hay magia en la noche”. Sabe que ella puede elegir quedarse en casa, a salvo, esperando que alguien más fuerte venga a rescatarla. Springsteen sólo tenía 24 años cuando compuso Thunder Road y por eso llama la atención que contenga una de las frases más sentidas y profundas de Bruce: “ ya no somos tan jóvenes”. Cuando a Springsteen le preguntan por ello siempre responde: “A ver pero es que en 1974 ya nadie era tan joven, ya no…. Se tenía esa tremenda sensación de que el país había envejecido deprisa y de forma especialmente violenta y ese sentimiento formaba parte de tus huesos”.

Springsteen decidió abrir el álbum con este tema porque siempre lo ha considerado como una invitación, una invitación a la vida, a recorrer ese camino. Camino que a todos nos toca decidir si quedarnos estancados ó vivir un futuro arriesgado, pero esperanzador y mejor según nuestros sueños…

¿Pero a dónde va a parar Thunder Road?

A la tierra prometida, donde quiera que esté. A la tierra donde están los sueños que permiten creer que puede existir un lugar mejor. Thunder Road significa un viaje en busca de la libertad aunque también un himno del pasado, es una canción repleta de esperanza y honestidad.

“No eres una belleza pero, oye, no estás nada mal. Oh, y para mí eso basta (…) Bueno, no soy un héroe, eso está claro. La única redención que puedo ofrecerte, chica está debajo de este sucio capó con una posibilidad de que salga bien…”

Sugiere que si tienes fuerzas para encontrarte a ti mismo ya habrás logrado un gran triunfo.

La poesía y el lirismo, las metáforas están presentes de una manera directa, que dejan entrever la situación a la que nos lleva el trazo de esta hermosa historia, chico, chica, jóvenes, sueños, todo un mundo por delante.

Portada Born To Run

Musicalmente el tema abre con una introducción a piano y armónica que evoca a una noche de verano en alguna casa de tablas quejosas de madera típica estadounidense. La armónica cesa y deja paso a los primeros versos del tema. La puerta se cierra, el vestido de Mary ondea, como una visión, Roy Orbison en la radio, un coche en la puerta con el motor en marcha, no soy un príncipe azul y tu no eres ninguna princesa pero ¡hey! tenemos una oportunidad y quiero compartirla contigo. Tras esos primeros versos iniciales entra la banda al completo, guitarras, bajo, batería… Puedes esperar a alguien mejor toda tu vida y quizá aparezca, o puedes coger mi mano y salir hacia la carretera del trueno, hacia la tierra prometida pero sin perder un ápice de realidad, de honestidad, “…cambiar esas alas por unas ruedas(…) sé que te sientes sola por las palabras que no he dicho. Pero esta noche seremos libres, se romperán todas las promesas ”.

El piano predomina durante el tema y es quien lleva la voz cantante junto con la voz de un joven Springsteen que canta como si le fuera la vida en ella. También es su última oportunidad tras dos discos aclamados por la crítica pero fracasos en ventas. Es ahora o nunca. Y ha tomado una decisión, “Esta es una ciudad llena de perdedores, y yo me largo de aquí para ganar”, chica, no prometo nada, solo que voy a luchar por lo que quiero.

El tema acaba con una coda triunfal, grandiosa, vitalista, llena de energía donde el saxo de Clarence Cleamons cobra vida y se une a la guitarra de Springsteen y el piano de Roy Bittan en una de las melodías mas conocidas del cantante de New Jersey.

Tema básico en el repertorio de Bruce Springsteen durante casi 40 años y que ha sido interpretado en numerosos formatos a lo largo de las diferentes giras del cantante. Especialmente emocionante la versión que solía tocar en solitario al piano a principios de 1975 cuando la banda aun no conocía en demasía el tema y este no había sido ni siquiera grabado en un estudio y que puede escucharse en el 3LP oficial de Live/1975-85 publicado en 1986 con una recopilación de temas grabados en directo abarcando desde 1975 hasta 1985. Una vez más vuelve a utilizar el tema como apertura de la obra, volviéndonos a invitar a recorrer ese maravilloso viaje juntos.

Thunder Road Studio Version

Thunder Road Live At Hammersmith Odeon 1975