Winoki

Un verdadero paseo espacial

2015-01-13T09:41:00.000-08:00

Frank Sinatra - Fly me to the moon

Los primeros segundos los consume en exclusiva la percusión para empezar a marcar el ritmo que más adelante seguiremos. Son sólo seis segundos pero suficientes para identificar esta canción. Circulamos a un ritmo tranquilo pero continuo hasta que en el segundo siete cambiamos nuestro paso del mismo modo que hacía la Pantera Rosa. El toque de batería se altera ligeramente para dar la bienvenida a la primera intervención del instrumento clave de esta composición. Su importancia no radica en ningún aspecto musical, radica en que nuestros oídos buscaran su aparición de ahora en adelante para siempre. El Punto de No Retorno lo provocan las dos tímidas notas que deja caer el piano sobre la composición y la enorme fuerza que desprende la voz de Sinatra una vez que la pulsación de esas dos teclas le invita a desplegar el título del tema. Esta será la única ocasión en la que se pronuncie. No será necesario repetirlo porque ya estamos enganchados. Esas cinco palabras son las primeras en pronunciarse y serán las que retenga nuestra memoria tarareadora. Cinco palabras y cinco notas serán las absolutas protagonistas de la composición. Las palabras ya están en nuestra cabeza y las notas lo estarán desde la segunda escucha. Cada vez que suene esta canción esas cinco notas dejarán su huella en nuestros sentidos.

El piano ha sido el encargado de invitar a la voz, en este caso La Voz, con dos sutiles notas. Desde el momento de su aparición la voz que narra nuestro viaje se encarga de comenzar un diálogo con diferentes instrumentos. Desde el segundo diez hasta el 32 una flauta revolotea a su alrededor como si fuese una mariposa. En el 33 aparece el sonido de los primeros metales. Estos no revolotean sino que poco a poco van ganando protagonismo y desde el segundo 40 promueven su propia melodía con pequeñas llamadas de atención como la agudeza de la trompeta con sordina en el 56. En el 1'09'' los metales toman el control absoluto de la canción explosionando junto con la batería pocos segundos después. La voz desaparece para que todos esos sonidos de viento nos regalen un interludio con un primer instante de tormenta y unos posteriores segundos de elegante y tranquila calma. Nuestro narrador regresa en el 1'46'' tras la estela dejada por los últimos truenos de las trompetas. Si nos fijamos tras su voz los metales se han dividido y parecen seguir dos caminos, uno entrecortado y agudo, y otro continuista con lo escuchado antes del interludio, más sosegado. Al mismo tiempo la voz ha cambiado su modo de entonar. Cada sílaba cantada parece un escalón hacia la luna y Sinatra se encarga de remarcar cada uno de los pasos que damos junto a el. Son pequeños saltos sobre los peldaños que surcan la Vía Láctea. Casi podrían contarse sus pasos sobre las estrellas. Estamos llegando y debemos apreciar cada avance hasta nuestro destino.

A partir del 2'06'' se desata la competencia directa entre la potencia vocal de la voz y las notas que desprenden los metales. La energía aumenta sin control hasta que súbitamente todos los sonidos desaparecen en el 2'23''. Es entonces cuando el instrumento que hizo saltar la chispa para que la canción se encendiese decide regresar para enmarcar con sus notas todo el recorrido. En el comienzo el piano nos dejó dos notas y ahora nos trae tres más. Las cinco notas enmarcan toda la canción conteniendo entre sus dos apariciones toda la canción. Fuera de su acotación sólo quedan dos cosas, la apertura que nos invitó a entrar en este paseo estelar y la última palabra que pronuncia nuestro protagonista para que no exista ninguna duda: You. Tú eres lo único importante y por eso se suprimen todos los sonidos para no dejar ningún atisbo de duda. Tú.

Listos para ocupar cuatro sillones de la RAE

2015-01-13T09:06:00.000-08:00

Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán – Señora Azul

Si a cualquier canción de este Disco redondo le suprimiéramos los acordes, las melodías, los instrumentos, es decir, toda la música, seguiría siendo una obra magistral. Sus virtudes son muchas, muchísimas, pero sin duda su contenido es lo más impactante de todas las maravillas que encierran estos 11 temas.

Es realmente difícil encontrar en el ámbito musical alguien capaz de usar las palabras que usan estos cantantes sin sonar grandilocuentes, falsos o postizos. Su uso del diccionario es magnífico y demuestran que se pueden construir grandes temas sin recurrir a las rimas fáciles, los versos previsibles y los títulos vacíos listos para oídos poco exigentes. No buscan los lugares más recónditos del diccionario de la RAE, simplemente lo utilizan de forma natural. Es ahí, en la naturalidad, donde sus canciones ganan nuestro interés. Términos tan poco habituales en la música como mezquindad, olímpico desdén, mercader, engendró, liturgia, doncella, usura, detentar o cátedra son capaces de exponer toda su sonoridad sin que nuestro oído se altere. El contenido es brillante, pero el continente tampoco se aleja de la excelencia. La música que elaboran para dar a conocer sus versos se encuentra a la misma altura que sus textos. Canciones llenas de pegadizas melodías y que a las primeras escuchas son capaces de quedarse en nuestra memoria.

El disco se abre con Carrusel un tema que incluye las notas de un sintetizador que nos transporta a la fecha de su composición, mediados de los años 70. El juego de voces que desarrolla el coro va y viene durante toda la canción y los metales podrían recorrer sin problemas el sendero marcado por una tal Penny Lane.

La segunda canción es la capilla Sixtina de este disco. Sólo pienso en ti es un tema perfecto de principio a fin. Todos los instrumentos de cuerda crean un paisaje maravilloso donde el piano es el encargado de enseñarnos la luz del camino sobre el que la voz desarrollará una letra tan sencilla como sincera. Los violines harán el resto para que nunca podamos alejarnos de esta composición precisa, perfecta y exacta. El Río es el intervalo necesario tras una obra maestra para llegar a Don Samuel Jazmín.

Este último es un tema curioso en su letra y divertido en sus notas. Se puede decir que es, tanto por su inicio como por su contenido, el Money de Pink Floyd pero a nivel nacional. El disco sigue avanzando y recorremos los parajes delicados con Si pudieras ver, cambiamos el ritmo para decir las cosas claras y a la cara con Nuestro problema, para poco después encontrarnos Buscando una solución. Tres temas con muchos puntos en común pero con una forma de desarrollo completamente distinta. Supremo director rompe con lo anterior y trae algo más de rock para compensar los diferentes ritmos que hemos escuchado en todo el disco. María y Amaranta vuelve a bajar el ritmo para que nos fijemos en su letra y para convertirse en el preludio de los dos últimos temas del album.

El penúltimo es El vividor y se trata de una canción rápida en su música y vertiginosa en los acontecimientos que narra la letra. Pegadiza desde su primera escucha y con un sonido cercano al country que consigue engatusarnos sin mucho esfuerzo. Los coros, las guitarras y la armónica consiguen enrolarlos en la vida y aventuras del protagonista con una facilidad pasmosa.

El disco se cierra con Señora Azul, un tema con dobles lecturas más que evidentes y donde el juego de coros y cambios de voces consigue elevar todo el disco a cotas muy altas.

Una obra de arte de principio a fin que merece ser escuchada y admirada. La música, las letras y los juegos vocales del grupo hacen de este disco un verdadero Disco Redondo. Una creación para escuchar con atención en todos sus aspectos.

La emisora con una sola canción

2015-01-13T08:53:00.000-08:00

Pink Floyd - Wish you were here

Encendemos la radio y vamos oyendo lo que emiten diferentes emisoras. La rueda de sintonización sigue girando y escuchamos diálogos, los sonidos armónicos de una orquesta y finalmente detenemos el dial en la frecuencia que comienza emitir las primeras notas de una guitarra. El audio no es limpio, contiene los trazos sonoros que deja la aguja sobre el vinilo mientras este gira. La melodía desgranada es sencilla y logra que no volvamos a girar el dial en busca de alguna otra emisora. Queremos conocer más esta canción.

Justo antes de cruzar la frontera del primer minuto surge la guitarra que nos mostrará la melodía principal en todo su esplendor. El sonido es mucho más limpio, más directo y fundamentalmente mucho más cercano. El tema ya se ha puesto en marcha. En el 1'30'' la guitarra deja a un lado sus punteos para dejar paso a la voz encargada de la narración. Durante más de treinta segundos voz y guitarra caminan juntos sin la necesidad de más acompañantes. Lo importante es lo narrado y no necesitan adornos o distracciones musicales. En el 2'04'' la percusión hace su aparición y con ella más instrumentos capaces de hacernos valorar la sencillez y proximidad de lo escuchado hasta ahora. Las notas del piano se dejan oír de vez en cuando para aumentar el ámbito sonoro.

En el 2'39'' la guitarra vuelve a desgranar su selección de notas para recordarnos como empezó todo. La melodía es perfecta y logra que nos dejemos llevar por su enriquecedor sonido, pero algo ha cambiado. Las cinco cuerdas cuentan con un inesperado acompañante. La voz principal emprende su propia melodía secundando a la guitarra y tarareando las notas en un tono más agudo. Ese alarde vocal se quedará impregnado en nuestro cerebro y será uno de los principales motivos para volver a escuchar esta canción una y otra vez. Ese alarde, y el Punto de No Retorno que se produce inmediatamente después con la explosión que produce el nombre del tema. Estamos en el 3'16'' y la canción nos explica cual es el motivo principal de esta creación, el mensaje que pretende transmitir no puede ser más sincero y directo: Wish you were here, Ojalá estuvieras aquí. Esa es la idea y ese es el remate idóneo para una estructura y construcción musical tan sencilla como pegadiza.

En el 3'49'' la guitarra apoyada sobre un órgano vuelve a repetirnos una y otra vez las notas que hace algunos minutos encontramos casualmente en un escondido dial de la radio. Esas notas poseen un magnetismo especial y logran hacernos revivir mentalmente lo escuchado previamente sin la necesidad de volver a reproducirlo. Desde el 4'27'' la voz retorna para volver a realizar agudos punteos vocales sobre la melodía establecida. Es una forma perfecta para volver a degustar esas notas tan especiales. Una melodía que podría repetirse una y otra vez sin encontrar nunca su fin. Para evitar interrumpir la melodía a partir del quinto minuto el viento comienza a soplar cada vez más fuerte como queriéndose llevar la señal que llega hasta nuestra radio y de ese modo conseguir dos cosas, primero diluir la canción de los altavoces y segundo activar en nuestro recuerdo el tema. La canción ya está en nuestra memoria y ese sonido de viento evitará un final brusco e innecesario. Las notas ya forman parte de nosotros.

Palabras melosas 51. Loquillo y Los Trogloditas

2012-11-27T10:55:00.003-08:00

"No vine aquí para hacer amigos

pero sabes que siempre puedes contar conmigo

dicen de mi que soy un tanto animal

pero en el fondo soy un sentimental"

Feo, fuerte y formal

Loquillo y Los Trogloditas

Sube a mi coche y no mires atrás

2012-11-20T02:41:00.000-08:00

Bruce Springsteen and The E Street Band - Thunder Road

¿Qué hago aquí? ¿Por qué no me largo de aquí a algún sitio mejor? ¿Es esto lo que realmente necesito o me merezco? Si alguna vez te has preguntado esto en el trabajo, en tu día a día, o en cualquier otro momento de tu vida esta es tu canción. Prepara las maletas.

Las primeras notas que se escuchan en esta canción proceden de una armónica y un piano que brotan de la nada. Aparecen como en mitad de la oscuridad como el sol que surge en lo que hasta hace unos instantes era noche cerrada. Los sonidos que emergen de la armónica se estiran en el aire como intentando desperezarse de su inactividad previa mientras que el piano comienza a dar los primeros pasos algo más estables. La teclas presionadas despliegan un abanico de notas que ganan firmeza y velocidad conforme se aventura la llegada de la voz principal. Esto sucede en el segundo 19 justo después de que el único instrumento de viento que nos acompañaba desaparezca para dejar vía libre a la protagonista de toda la composición: su historia. Esta canción es toda una historia. Todo un relato lleno de sinceridad en el que las palabras y pensamientos surgen sin apenas dejar espacio a los instrumentos musicales. No es que los instrumentos no tengan protagonismo en la melodía sino que la musicalidad de las palabras, y la forma de narrar el texto, crearán el caldo de cultivo perfecto para sigamos a una voz no demasiado brillante pero eficaz en su cometido como guía. Los instrumentos que dejan notar su presencia lo hacen sin llamar demasiado la atención y siempre manteniéndose en segundo plano. Sus sonidos son importantes pero se mantienen como un apoyo la inmensa mayoría del tiempo. Hay mucho que contar y es necesario despejar el mayor número de impedimentos que puedan distraer la atención del oyente.

Desde que Bruce Springsteen comienza a cantar sólo el piano sigue su estela. Durante casi un minuto estos dos viajeros solitarios serán los encargados de todos los sonidos del tema. El piano se dedica a hacer todas las variaciones que considera oportunas pero siempre permaneciendo tras la voz principal. En el 1'11'' se unen al viaje la percusión y las guitarras que rápidamente entienden su cometido y desde el primer instante ocupan su lugar en la segunda línea junto al piano. El relato sigue invariable su desarrollo, sin un solo alto en el camino. En el 1'42'' la carretera del trueno conoce a los últimos viandantes que se animan a recorrerla. La llegada del coro coincide con el pequeño paso al frente que realiza la batería para marcar un ritmo mucho más decidido. La intensidad de la canción poco a poco comienza a crecer.

Tras el redoble de batería del 2'09'' aparece por primera vez, y única, el estribillo que da nombre al tema. Es un estribillo que no se volverá a repetir y que como el resto de párrafos atraviesa a toda velocidad la canción. Es un ligera variación de lo narrado hasta ese momento pero no hay tiempo para detenerse sobre él. Llega, se escucha y del mismo modo se esfuma ante nosotros.

A partir del 2'38'' el tema sigue huyendo hacia delante sin mirar atrás. Justo en ese instante se produce un guiño entre la guitarra y la voz principal. Springsteen explica que ha aprendido como hacer que su guitarra “hable” y esta se destaca sobre el fondo con unas breves notas en primer término.

Nuestra meta se encuentra más cerca y la intensidad ya se ha colado en todos los rincones de la canción. La voz principal comienza a desgranar sus últimos versos, sus últimas palabras hacia la persona que quiere convencer desde que sonaron las primeras notas. En el 3'37'' una guitarra se destaca levemente para decirle a Mary que se suba con él en el coche y en el 3'40'' es el piano el que se deja notar para recalcar las últimas dos frases de la canción. La realidad y la verdadera razón de todo lo contado hasta aquí: It’s a town full of losers, and I’m pulling out of here to win o lo que es lo mismo: “Esta es una ciudad llena de perdedores y necesito huir de aquí para poder ganar”. Esas dos frases son para mi el Punto de No Retorno perfecto de esta canción. Descubrir el motivo de la huida hace que nos quedemos enganchados a toda la composición, a lo narrado y a nuestras ganas de comenzar el viaje ahora que conocemos su anhelo.

Ahora que ya se ha desvelado la idea que quería transmitir todo el tema, ahora que la narración ha llegado a su fin, ahora que toda la construcción gramatical ha concluido, ahora y sólo ahora, la voz deja paso a sus acompañantes instrumentales para que ocupen el vacío dejado por ella. Ha llegado el momento de la batería, las guitarras, el saxofón, el retorno de la armónica y por encima de todos las notas del piano que nos acompañaron desde el principio. Por fin todos ellos consiguen escalar hasta la parte frontal del escenario para desarrollar todos sus sonidos sin reservas. El viaje ya ha concluido, o quizás no ha hecho más que comenzar. ¿Quieres subir?

Palabras melosas 50. Sam Cooke

2012-11-13T08:12:00.002-08:00

"It's been too hard living but I'm afraid to die

'Cause I don't know what's up there beyond the sky

It's been a long, a long time coming

But I know a change gonna come, oh yes it will"

A change is gonna come

Sam Cooke

Aquí mucho más.

El Rey del Rock and… Risas

2012-11-06T04:24:00.001-08:00

Elvis Presley - Are you lonesome tonight (the laughing version)

¿Puede una voz prodigiosa mantener su ímpetu y clase tras improvisar y hacer una broma? ¿Puede un genio de la canción reírse de parte de su público y aún así seguir siendo un genio? ¿Puede toda una banda permanecer impasible mientras su líder decide tirar todos sus esfuerzos por la borda? Créeme, Elvis Presley es capaz hacer todo esto, no importarle nada en absoluto y aún así habitar con toda elegancia en la cima del Olimpo.

Pongámonos en situación. Elvis llevaba tanto tiempo en la cima que en numerosas ocasiones le gustaba cambiar, durante sus actuaciones, algunos versos de sus canciones por puro divertimento personal. Ese pequeño pasatiempo casi siempre pasaba desapercibido, y digo casi siempre porque el 26 de agosto de 1969 fue imposible no llamar la atención de un modo tan sonoramente lúdico.

La canción comienza de un modo normal, la voz de Elvis lo inunda todo y segundos después su banda comienza a tocar al mismo tiempo que llegan los habituales aplausos del público con cada nuevo tema. A partir del segundo 12 los coros comienzan a hacerse algo más tangible. El piano revolotea por la melodía mientras la batería marca un ritmo estable pero acorde a nuestra tranquila velocidad de crucero. Hasta aquí todo es normal. En el segundo 35 aparece una nueva voz en forma de coro, mucho más agudo, mucho más protagonista, mucho más autónomo. Ahora que ya están sobre el tapiz todos los elementos es cuando la voz busca nuevos horizontes. Es ahora cuando Elvis Presley decide cambiar un verso de su canción, pero no sólo cambiará un verso, sin esperarlo cambiará toda la actuación para hacer de estos escasos dos minutos y medio algo único, histórico y por supuesto muy divertido.

Llegamos al segundo 44 y donde el verso decía “Do you gaze at your doorstep and picture me there” la improvisación le llevo a decir “Do you gaze at your bald head and wish you had hair”. Es decir, cambió la frase original que decía algo así como “Miraste hacia el umbral de tu puerta y me visualizaste” por un verso algo menos delicado: “Miraste hacia tu cabeza calva y deseaste tener pelo”. Cuenta la leyenda que este cambio le sobrevino al ver la baldía cabellera de uno de sus espectadores. Desde este momento la canción cambia por completo debido a la total incapacidad para mantener la compostura de la voz principal. Pero lo que realmente hace de este tema algo único es el aguante y saber estar de todos los músicos que acompañaban a Elvis, incluido el agudo tono que conocimos en el segundo 35. Todo la construcción musical permanece estable y firme mientras el arquitecto se tambalea al frente de la representación. A partir del segundo 51 la risa se apodera de toda la narración y una y otra vez Elvis intenta retomar su faceta de líder con escaso éxito. Consigue enlazar palabras sueltas pero poco más. Su propio chiste le ha desmontado y sólo su banda mantiene el aplomo sonoro. En el 1'16'' consigue terminar un verso completo y eso, en vez de restablecer la coherencia, nos llevará al Punto de No Retorno. Ese verso rescatado del hundimiento dice “You know someone said that the world's a stage, and each must play a part” o lo que es lo mismo “Ya sabes, alguien dijo que el mundo es un escenario y que cada uno debe ocupar su puesto”. Este verso forma parte de la canción original pero ahora parece tomar un nuevo significado debido al cambio realizado anteriormente. El Punto de No Retorno es la sincera e imparable carcajada que Elvis emite en el 1:25. Ya no puede volver atrás y la profesionalidad incuestionable de la banda, con su penetrante coro, consiguen un escenario tan extraño, tan insólito, tan excepcional que hace que nos quedemos atrapados por dos risas, la de Elvis y la nuestra.

Rebasado el segundo minuto de canción Elvis Presley vuelve a hacer un intento de regreso al sendero de las estrofas. Pero no será hasta el 2'13'' cuando retome por completo la letra de la canción para terminar el tema junto a la banda que ha mantenido un saber estar lejos de toda duda. Desde ahora está canción ya nunca volverá a ser la misma, cada vez que asomen sus notas en cualquier lugar desearemos que sea esta divertida versión la que llegue hasta nuestros oídos. La original es estupenda pero esta consigue alegrarnos la vida. Melancolía versus pitorreo.

Palabras melosas 49. Celtas Cortos

2012-11-02T04:30:00.001-07:00

"Y acurrucados el mundo es diferente

calor humano y hambre que compartir

y adormecidos y amontonados

de esta trinchera no quiero salir"

Calida trinchera

Celtas Cortos

A veces, elegir no es un problema

2012-10-24T02:50:00.000-07:00

Van Morrison - If you love me

La Original versión de hoy nace y renace en la voz de Van Morrison. La primera vez que la interpretó fue para el disco The Healing Game, donde también se encontraba otra joya imprescindible. Esta canción hace de la sencillez virtud y con muy poco es capaz de construir un universo propio y perfecto. Un entorno armónico envidiable. El saxofón y una suave batería nos reciben en la entrada de la canción para hacernos pasar a la estancia principal donde los protagonistas serán tres: la voz inigualable de Van Morrison, unos coros perfectamente acompasados y unas notas de piano capaces de alterar nuestros sentidos. Nota a nota, tecla a tecla el piano ha conseguido coser nuestra atención a una melodía tan sencilla como pegadiza. El saxofón es un mero acompañante pero logra elaborar la consistencia que el tema necesita.

Caminamos por ese tranquilo sendero hasta que llegamos al 1'13'' y la voz principal decide hacerse notar un poco más. La batería refuerza su sonido mientras que el piano sigue desplegando sus agudas notas por toda la canción. El ritmo ha cambiado ligeramente pero nuestro caminar continúa siendo más que placentero. En el 2'10'' necesitamos cerrar los ojos para saborear con todos sus matices un Punto de No Retorno brillante. La voz desaparece para hacerse cargo de la armónica. Los coros se asocian con ese nuevo instrumento, y durante casi un minuto consiguen evadirnos de cualquier realidad. Nuestros oídos están en sus manos y nosotros totalmente rendidos a su propuesta sonora. En el 3'06'' la voz principal retoma el relato para abordar el último tramo de canción. La construcción musical vuelve a sus orígenes pero el poso del Punto de No Retorno ha sido tan profundo que en el 3'59'' la armónica vuelve para hacernos caer de nuevo en su evocador sonido. La evasión mental vuelve a adueñarse de nosotros. Desde este punto hasta el final todos los participantes irán desarrollando los sonidos que hicieron de esta canción un lugar perfecto en el que asentarnos.

Van Morrison y B. B. King - If you love me

El gran, en todos los sentidos, B. B. King reunió a un grupo de amigos y compañeros de profesión para grabar un disco de duetos. Ese disco se llamó Deuces Wild y fue allí donde Van Morrison decidió reinterpretar una de sus canciones, realizando una Original versión. En esta canción los coros no aparecen por ningún lado, muchos instrumentos desaparecen y en su lugar surgen otros nuevos, e incluso algunos de ellos permanecen entre los protagonistas pero su trabajo e importancia cambia.

Esta vez el piano es el encargado de abrirnos la puerta, tras el se presenta un órgano y dos familias de cuerdas, primero los violines y después las cuerdas de una guitarra eléctrica con nombre propio. El piano ya no revolotea con sus notas por toda la canción, su función se ha transformado. En el segundo 32 surge la voz que nos guiará por todo el camino. Su tono respecto a la original ha cambiado, es mucho más potente, mucho más decidida. Sabe lo que quiere contar y lo hace sin miramientos. La ausencia del coro obliga a esa voz a ganar en presencia y poder. Su relato comienza y enseguida notamos que se adapta perfectamente a las variaciones que ha experimentado el tema. El entorno es mucho más jazzístico. El órgano eleva sus notas con facilidad, la notas de la guitarra se erigen casi como una voz secundaria, la batería se acaricia, no se golpea, los violines replican a la voz principal. Todos los sonidos son suaves como el terciopelo, la canción nos atrapa con una delicadeza absorbente.

En el 2'36'' B. B. King decide tomar el control absoluto hablando a través de su guitarra para conducirnos durante todo un minuto por la senda que construyen las cuerdas de su querida Lucille. Se trata de un Punto de No Retorno diferente porque no hay un momento álgido destacado, simplemente nos dejamos llevar por su calidez y por sus punteos decididos y certeros. La voz principal, y única, vuelve en el 3'36'' para cantarnos de un modo mucho más desgarrado, más sincero. El órgano, el piano, la batería e incluso la guitarra palidecen cuando los violines unen sus fuerzas para ganar notable intensidad y presencia a partir del 3'52''. Su fuerza está fuera de toda duda. En el 4'35'' surge la armónica del tema original para unirse a esta exquisita orquesta y acompañarnos en el último tramo del camino.

Cada una de las versiones posee una idiosincrasia única y bien diferenciada, una esencia irrepetible. Cualquiera de los dos temas propuestos puede conquistarnos sin problemas, la decisión es complicada. Lo que hace grande a los dos temas es que mientras disfrutas con los sonidos del primero no echas de menos ninguna de las propuestas del segundo y viceversa. Dos canciones gigantes, dos versiones brillantes. Difícil elección, ¿con cuál te quedas?

Palabras melosas 48. Cake

2012-10-17T03:15:00.003-07:00

"I want a girl who gets up early

I want a girl who stays up late

I want a girl with uninterupted prosperity

Who used a machete to cut through red tape"

Short skirt long jacket

Cake

Los problemas de la tristeza

2012-10-09T01:24:00.000-07:00

Enrique Urquijo y Los Problemas – Desde que no nos vemos

La voz de Enrique Urquijo tuvo siempre un tono tan especial, tan diferente, tan único que era capaz de conseguir que la canción más alegre y luminosa regurgitara un cierto sabor amargo. Sus composiciones fueron únicas pero su voz las convertía en parajes solitarios sobre los que poder reflexionar. Lugares llenos de soledad para recorrer a media luz y sobre los que poder pensar en el mensaje que sus cuerdas vocales querían hacernos llegar. La melancolía se respira detrás de cada nota y florece en casi cualquier rincón de este fantástico disco. La tristeza está presente pero en ningún momento llega a ganar la batalla. Es nuestra compañera de viaje pero no nuestro objetivo.

El álbum se abre con la dualidad sonora y lírica que plantea Desde que no nos vemos. La letra está infectada de reproches, lamentos y alguna que otra queja pero la música permanece a salvo de todo lo que la voz relata. La melodía es alegre y en todo momento continúa en ese estado, navegando entre los avatares que relata las diferentes estrofas.

En Amor se escribe con llanto música y letra caminan de la mano para desarrollar toda la canción. Un ritmo tranquilo y acompasado se instala en toda la composición. El acordeón y los violines comienzan a dar muestras de la gran importancia que van a tener en todo el disco. Se dejaron ver en el primer tema pero es a partir de este segundo corte donde su sonidos evocadores empiezan a regalarnos las notas perfectas para complementar lo narrado.

No quiero que me veas esta noche continúa regando las semillas plantadas en la canción previa. Seguimos con letras otoñales pero la música comienza a descubrir las primeras hojas de la primavera. En pleno florecimiento llega Aunque tú no lo sepas. Una obra maestra que se desarrolla entre tres tipos de cuerdas. Las guitarras, los violines y el puñado de agudas notas que desprende el piano para aunar a todas esas cuerdas que pueblan esta canción imprescindible. Una letra perfecta para degustar con calma que se quedará zurcida en nuestra mente gracias a las puntadas sonoras de la guitarra, el tacto sedoso de los violines y los trazos de color que despliegan sobre toda la creación las teclas del piano. Nos quedaremos Atrapados en la telaraña de cuerdas.

Después de algo tan inmenso el grupo recurre a una versión para cambiar de aires: Ojala que te vaya bonito. El acordeón se hace dueño y señor de la composición para lograr una elegante interpretación.

Tu tristeza continúa explorando la dualidad entre música y letra. Esta última discurre por un camino mientras que la melodía intenta sacar a flote la alegría que en algún lugar, y escondida, transporta el texto.

La séptima canción del álbum pertenece al disco Señora Azul de Canovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán pero esta versión de Sólo pienso en ti logra cotas de creatividad inmensas. La soledad de la guitarra da paso a la voz de Enrique Urquijo y poco después el acordeón y una segunda voz convierten el sonido en un estado de ánimo diferente al del tema original pero con un derroche de calidad sonora apabullante. Demasiado tarde ahonda en el espíritu que deambula por todo el disco y Perla de Cristal nos sorprende con una pegadiza y rítmica polca donde nuestros pies serán incapaces de estarse quietos. No seguir el ritmo marcado durante toda la melodía es imposible. María la Portuguesa es otra versión que por momentos, muchos momentos, hace olvidar a la original de Carlos Cano.

En Desordenada habitación se unen las voces de Enrique Urquijo y Antonio Vega junto a los sonidos que desprenden unos violines hipnóticos. El diálogo entre los tres convierten a este tema en otro de los puntos álgidos del disco. Continuará y Amanecí otra vez vuelven a insistir en todo lo expuesto con anterioridad pero es No digas que no el tema perfecto para resumir este gran disco. La melancolía florece desde los altavoces y nos quedamos enganchados a sus ramas sin poder, ni querer, bajarnos.

Palabras melosas 47. Derek and The Dominoes

2012-10-03T01:30:00.004-07:00

"Like a fool, I fell in love with you

Turned my whole world upside down"

Layla

Derek and The Dominoes

Aquí mucho más sobre Layla.

Acordes acordados para atraparnos

2012-09-26T09:23:00.000-07:00

Fleetwood Mac - Sara

Las guitarras que se encargan de abrir esta canción comienzan a desplegar sus sonidos con la esencia que desprenderá toda la composición, es decir, un bucle melódico inigualable. Tras quince segundos aparece el timbre, la intensidad y todos los parámetros que hacen de la voz de Stevie Nicks un instrumento sonoro único. Una vez presentados los dos elementos clave de esta composición, la repetición y la voz, la música comienza a capturarnos en el segundo treinta y ocho con la cadencia matemática que aporta la recién llegada batería. Esta nueva protagonista marcará el camino que recorremos una y otra vez.

En el 1'24'' algo cambia. Aparece el sonido apagado del bombo. Llega para ocupar el hueco que quedaba libre en la percusión y desde ahí consigue que la resonancia gane en intensidad. Tan sólo seis segundos después la voz principal invita a formar parte de la creación a las voces que dan forma a los coros. Estas voces serán las encargadas de cubrir toda la canción con un manto sonoro muy especial. Estas voces fantasmagóricas inundan la estancia. Estas voces no pronuncian palabras, se mueven entre sombras sin llegar a vocalizar algo concreto, ecos sin aparente dirección. Si lo explicara Edgar Allan Poe diría que se trata de susurros, eso es todo, y nada más.

Mientras todos estos elementos se van combinando y entrelazando entre si la cadencia sigue siendo el combustiblede toda la canción. Esta cadencia sugiere que todo vuelve a comenzar tras el pequeño redoble de batería del 2'39''. Parece que todo es igual pero existe una gran diferencia: ya conocemos el camino. La voz desprende ahora más firmeza aunque todo lo demás continúe atrapado en el mismo círculo sin fin. En el 3'25'' vuelve a resurgir el bombo que desapareció sin darse importancia en el 2'40'', vuelven del mismo modo la intensidad y los coros. Todo ha desaparecido y vuelto a florecer para seguir igual, o no. Los coros vienen y van pero cada vez con más presencia, siguen sin llegar a concretar contenido pero su importancia aumenta.

En todo el tiempo que llevamos de canción sólo una vez, en el 2'54'', se ha pronunciado el nombre que da título a esta melodía. Una sola vez y prácticamente de pasada. La música sigue invariable con su constante reiteración pero no existe un estribillo claro ni tampoco un Punto de no retorno bien definido. Esa es la clave, no ha habido ninguna chispa puntual pero desde que las guitarras, la voz y el constante retumbar de la batería coincidieron en el tiempo, y nos acorralaron, ya nunca pudimos encontrar la salida. La canción nos tiene atrapados dentro de su vaivén, pero todavía queda espacio y tiempo para algo más. Unos vaporosos coros nos esperan.

En el 4'25'' la batería sigue con su imparable ritmo pero es capaz de introducir un pequeño matiz algo más agudo, las guitarras se atreven con sutiles punteos sobre la melodía y la voz introduce una variación en el texto narrado (4'44''). Tras esto la voz principal vuelve a nombrar el título de la canción pero el momento culminante llegará en el 5'29'' con la resolución en forma de dos sílabas que alcanzan lo que hasta ahora habían sido susurros fantasmales y nada más. Desde aquí hasta el final queda algo menos de un minuto para disfrutar de la sencillez musical y de como la voz principal es admitida entre el grupo coral para fundirse en un solo sonido mientras el bucle armónico se aleja lentamente.

Palabras melosas 46. Rainbow

2012-09-23T08:11:00.002-07:00

"I want you so bad don't turn away

what does it take to stay by my side

you know I'll do what you want me to

don't take away this feeling inside

I'm still in love with you"

I surrender

Rainbow

Recuerdos de un pasado mejor

2012-09-12T06:52:00.000-07:00

Tom Jones – Green Green grass of home

Una canción puede atraparte por muchas y muy diversas razones. La composición de hoy lo consigue de dos formas distintas. La primera de ellas se circunscribe a su forma musical, la segunda se esconde tras el sentido de lo cantado. Sin duda para que la segunda parte llegue hasta nosotros la primera debe ser suficientemente brillante como para picar en nuestra curiosidad y hacernos investigar un poco para regalarnos una segunda captura emocional. Eso será más adelante.

Los primeros cinco segundos los invade el dulce sonido de un órgano y una batería que nos indica el ritmo tranquilo que conducirá toda la creación. La canción fue compuesta como canción country y eso se deja notar con la llegada de las primeras voces en el segundo seis. Los coros se cruzan en nuestro camino para presentarse tímidamente. En el segundo quince aparece la voz principal con una capacidad sonora brutal. Sin apenas esfuerzos consigue llenar hasta el último resquicio de nuestros altavoces. Ese instrumento inigualable trae de la mano las notas que va desprendiendo el piano. En el segundo 34 los coros comienzan a apoyar la narración con una suave presencia que ganará enteros a partir del segundo 53 cuando comiencen a realizar segundas voces sobre la voz principal. Tres segundos después la percusión aprovecha la llegada del estribillo para cambiar su sonido. La batería se vuelve más ruidosa, más metálica. Ahora mismo ese sonido no es más que un golpeo diferente, más adelante veremos el significado tan visual que posee.

Tras el estribillo la canción continúa con el mismo ritmo, con esa cadencia matemática que otorga la batería. Con esos coros en segundo plano y por encima de todos las cualidades vocales de Tom Jones. El tema sigue desgranando verso tras verso, palabra por palabra, la alegría que sentimos cada vez que volvemos a casa tras un tiempo sin estar allí. La placentera sensación que se origina en nosotros al volver a saborear los lugares que nuestra memoria guarda en su rincón más privilegiado. Desde el 1'16'' a nuestro caminar se ha unido un grupo de violines que potencia aún más el poder de los recuerdos. Cuando todo el cuento parece encajar perfectamente, cuando casi podemos palpar nuestros recuerdos de juventud, cuando ya estamos a punto de cruzar el umbral de nuestro hogar llegamos al Punto de No Retorno. En el 1'56'' la voz principal deja de cantar para comenzar a hablar. Es entonces cuando vivimos casi treinta segundos embarcados en un momento exquisito por su calidad y su modo de expresarse.

¿Por qué las canciones en las que de pronto el cantante se pone a hablar suelen ser tan buenas? Sin venir a cuento, o incluso viniendo, la canción continúa con su ritmo normal, con su cadencia musical, con su estructura habitual, y sin embargo la voz principal decide dar un paso al frente para acercarse un poco más a nosotros. Nos está hablando directamente, como queriéndose apartar del resto de la composición. Como si de entre toda su audiencia nos hubiese elegido a nosotros para hacernos caer en la cuenta de su situación. En el texto que pronuncia Tom Jones, charlando, se encuentra el secreto que esconde la canción. Todo ha sido un sueño y nuestro protagonista se encuentra atrapado en la cárcel. Encerrado entre cuatro paredes aguardando que llegue el momento de su ejecución. Mientras esperaba en el corredor de la muerte soñaba con volver a tocar la hierba verde de su hogar y en este pequeño monólogo hablado descubrimos que volverá a su casa pero para yacer bajo esa hierba verde una vez que se ejecute su condena.

Ahora entendemos porque la batería se volvió más ruidosa allá por el segundo 56. Lo hizo para intentar avisarnos del mensaje final. Su sonido no es más que el que producen las cadenas de los presos al caminar. Hemos estado junto a nuestro narrador en sus últimos pasos mientras nuestra mente imaginaba esas verdes praderas. El protagonista ha despertado del sueño para vivir sus últimos instantes antes de adentrase en otro sueño, esta vez eterno.

Palabras melosas 45. Roy Orbison

2012-07-03T05:15:00.000-07:00

"Only the lonely

Know the heartaches I've been through

Only the lonely

Know I cried and cried for you"

Only the lonely

Roy Orbison

Una letra con más que palabras

2012-06-26T02:45:00.001-07:00

Rise against - Hero of war

Una canción puede conquistarte de muchas y diversas maneras. Puede hacerlo, evidentemente, por su música, por el momento o el lugar en el que la escuchaste, por la compañía de la que gozaras y por mil motivos más pero las grandes canciones además logran quedarse contigo para siempre por lo que cuentan, por su letra. El tema de hoy posee una melodía sencilla pero interesante, pero sobretodo el tema de hoy cuenta una historia brillante. Una gran historia siempre tiene mérito pero hacerlo entre los limitados márgenes de una canción siempre me ha parecido un verdadero milagro. Contar tanto en tan poco tiempo es un motivo más para imantarte a una canción.

Todo comienza con una pequeña invitación, una insinuación de todo lo que podríamos llegar a conocer y llegar a ser como personas. Es la puerta que abre la entrada al ejército.

He said, "Son, Have you seen the world?

Well, what would you say  If I said that you could?

Just carry this gun, you'll even get paid.

I said, "That sounds very good."

Él dijo,"Hijo, ¿has visto el mundo?

Bien, ¿qué dirías si te dijera que podrías?

 Simplemente lleva este arma, e incluso te pagarán.

Dije, "Eso suena bastante bien"

Por el momento solo nos acompaña el sonido de las guitarras y la voz encargada de relatarnos toda la historia. La música es franca y no tiene ninguna complicación. El cantante comienza a definir nuestro nuevo aspecto tras aceptar la invitación previa.

Black leather boots, spit-shined so bright 

They cut off my hair but it looked alright 

We marched and we sang  We all became friends

As we learned how to fight

Botas negras de cuero, lustradas por saliva brillan bien

Me cortaron el pelo pero me veía bien 

Marchamos y cantamos, nos hicimos amigos,

mientras aprendimos a luchar.

Hemos llegado al segundo 55 y el estribillo se encarga de relatar lo que se espera de nosotros, aquello por lo que nos alistamos, la esencia de nuestro compromiso.

A hero of war.  Yeah, that's what I'll be

And when I come home  They'll be damn proud of me

I'll carry this flag  To the grave if I must 

Because it's flag that I love

And a flag that I trust

Un héroe de guerra.  Sí, eso es lo que seré 

Y cuando vuelva a casa  estarán orgullosos de mí

Llevaré esta bandera a la tumba si tengo que hacerlo 

Porque es la bandera que amo

 y la bandera en la que confío

Ya estamos asentados en la historia y el relato comienza a ganar en crudeza, a toparse con la realidad. El mundo real ya nos ha recibido y nuestra misión es enfrentarnos a el.

I kicked in the door  I yelled my commands

The children, they cried  But I got my man

We took him away  A bag over his face

From his family and his friends 

They took off his clothes  They pissed in his hands

I told them to stop  But then I joined in

We beat him with guns  And batons not just once

But again and again

Di patadas en la puerta, grité mis órdenes

los niños lloraron, pero encontré a mi hombre.

Lo sacamos de allí, con una bolsa sobre su cara,

lejos de su familia y amigos. 

Le quitaron la ropa,  orinaron en sus manos, 

les dije que pararan,  pero luego me uní.

Le golpeamos con armas  y bastones no sólo una vez

sino una y otra vez.

En el 2'09'' vuelve el coro para recordarnos nuestros ideales, para darnos fuerzas para continuar adelante, para, en definitiva, concienciarnos sin mirar atrás. Un lavado de cerebro necesario. En el 2'37'' la guitarra nos regala un pequeño requiebro como queriéndonos indicar que de aquí en adelante debemos prestar aún más atención a la historia. Tras esas notas sucede esto:

She walked through bullets and haze

I asked her to stop  I begged her to stay 

But she pressed on So I lifted my gun 

And I fired away 

Ella caminó entre las balas y el humo,

le pedí que se detuviera,  le rogué que se quedara

pero ella insistió.  Así que levanté mi arma  y disparé.

Justo en este instante, en el 3'01'' aparece una batería y su sonido de redoble hace que nuestra mente deje de imaginar para comenzar a concretar con hechos. Es un Punto de No Retorno pequeño en duración pero enorme en significado. Esa percusión suena como si el batallón militar en el que estamos se transformara en un pelotón de fusilamiento. La batería es la encargada de adelantarnos los acontecimientos que inmediatamente después narrará la única voz de el tema.

And the shells jumped through the smoke

And into the sand  That the blood now had soaked

She collapsed with a flag in her hand

A flag white as snow

Los cartuchos saltaban entre el humo,

y sobre la arena  que ahora estaba manchada de sangre

Ella se derrumbó con una bandera en su mano,

una bandera tan blanca como la nieve.

Hemos visto como la historia que comenzó con ilusiones y promesas de un mundo desconocido se ha tornado en desgracia por enrevesados motivos. Falta de preparación, inexperiencia, miedo o pura imprudencia han convertido nuestros actos en desgracia y nuestros sueños en pesadillas. En escasos minutos hemos vivido toda una historia completa. Una narración con los detalles necesarios para entender un todo bastante más global. Sólo nos queda escuchar, tras un nuevo estribillo, el remate final de la canción y ver como tras conocer todos los datos las palabras que nos introdujeron en esta historia siguen siendo las mismas pero su significado ha cambiado para nosotros, y lo ha hecho para siempre.

He said, "Son, Have you seen the world?

Well, what would you say If I said that you could?

Él dijo,"Hijo, ¿has visto el mundo?

Bien, ¿qué dirías si te dijera que podrías?

Una detonación controlada

2012-06-12T04:01:00.000-07:00

Phil Collins - In the air tonight

El Punto de No Retorno de una canción es el elemento fundamental que consigue anclarnos a un tema. Pero este instante puede lograr más cosas, puede lograr que toda una canción gire a su alrededor y sin su presencia difícilmente la creación hubiese llegado a ver la luz. Hay canciones con un toque magistral, un matiz único e imprescindible, y hay canciones que nacen para poblar con sus hojas el tronco que supone su Punto de No Retorno. Esta composición de Phil Collins, a simple vista, no posee nada realmente magistral, pero su clímax es tan brillante que por si solo es capaz de engancharnos a toda la canción.

Lo primero que hacen nuestros altavoces es vibrar de un modo muy tenue con una percusión prefabricada. Es un sonido repetitivo, automático, sin alma. La primera guitarra aparece en el quinto segundo. Todo lo que escuchamos suena metálico, pesado. No hay ninguna melodía, ni nada que se le parezca. A partir del segundo 20 los sonidos se dulcifican un poco con la llegada de algún órgano. Esas notas mantenidas en el aire aligeran la composición y desentrañan un pequeño atisbo de melodía. Muy escasa, pero por fin se desvela algo. En el segundo 51 surge la voz encargada del relato y lo primero que pronuncia es el título de la canción. En su narración se esconde la verdadera música del tema. Estrofa tras estrofa el tema permanece inalterable con los elementos que se han presentado hasta el momento. Lo que cuenta es importante pero el escenario parece poco iluminado. Las guitarras realizan algún que otro guiño, las teclas del órgano desprenden alguna nota más y la narración sigue hacia adelante pero la esencia continúa casi estática. Los segundos siguen pasando. La segunda vez que escuchamos el título del tema, en el 2'13'' la voz ha ganado un marcado eco, una especie de segunda voz que refuerza su presencia. Su importancia va en aumento, la intensidad de la canción también. Nada más atravesar la frontera del tercer minuto escuchamos un efecto distorsionador sobre la voz principal. Apenas se aprecia pero la música nos va rodeando cada vez más. Parece que en breve algo va a suceder. Las notas de los sintetizadores generan cada vez más energía. Prepárate.

Sube el sonido de tus altavoces, el Punto de No Retorno ha llegado. La batería destroza en el 3'40'' la paz reinante con un potente martilleo acústico que hace explotar el tema definitivamente. Es una batería accionada por brazos humanos. No hay ninguna máquina encargada de su sonido. No se trata de el sonido prefabricado que escuchamos al principio. La percusión, que suele ocupar un lugar secundario en cualquier canción, ha llegado para hacerse notar y detonar cualquier creencia preestablecida sobre ella. La canción muta por completo. En este instante nos damos cuenta de que apenas había sucedido nada en todo el tiempo transcurrido. Es un tema nuevo y desde ahora hasta el final la batería marcará la melodía a seguir. El relato continúa, debe continuar, pero ya nada será igual. Los tambores se han adueñado de toda la estancia y estamos imbuidos por su presencia.

La próxima vez que escuchemos este tema notaremos con mucho más detenimiento que el camino sobre el que nos desplazamos sólo puede entenderse con ese Punto de No Retorno tan soberbio. Todo lo demás es importantísimo pero el momento cumbre de la percusión será lo que se quede en nuestro cerebro. Nuestras manos esperarán agazapadas hasta que llegue el momento de dibujar sobre el aire los golpes que la batería expulsa a través de nuestros altavoces. Te reto a permanecer inmóvil mientras el estruendo se apodera de tu oídos. Inténtalo. Sólo podrás intentarlo.

Palabras melosas 44. Bruce Springsteen & The E Street Band

2012-06-04T14:53:00.000-07:00

"I check my look in the mirror

I wanna change my clothes, my hair, my face"

Dancing in the streets

Bruce Springsteen & The E Street Band

Palabras melosas 43. Fleetwood Mac

2012-05-21T15:34:00.004-07:00

"I've been afraid of changing

'Cause I, I've built my life around you

But time makes you bolder, Children get older

I'm getting older too"

Landslide

Fleetwood Mac

Un juego de agudeza sonora

2012-05-15T10:52:00.000-07:00

Supertramp - Goodbye stranger

Las notas del primer instante de esta canción aparecen precipitadas, como queriendo dar a entender que quieren llegar rápidamente a nuestros oídos. Es sólo un instante porque acto seguido los acordes del piano se estabilizan para construir unos cimientos sobre los que poblar todo el tema. En el segundo ocho surge la narración necesaria para continuar edificando pero es en el 27'' cuando el estruendo de la batería rompe la tranquilidad reinante hasta ese momento. Únicamente son cuatro golpes de la percusión pero suficientes para presentarse ante nosotros y dejar de manera permanente una ligera base rítmica tras los acordes del piano. Cada golpe de la batería está apoyado por una guitarra casi imperceptible.

El tema sigue avanzando cada vez con más elementos hasta que poco antes de alcanzar la frontera del primer minuto vuelven los golpes de la percusión. Esta vez se dobla la cantidad y tras el octavo golpe musical la canción cambia de dirección. En el 1'14'' la base rítmica continúa pero sobre ella el piano decide aportar algo más que acordes y comienza a desgranar poco a poco unas notas más agudas capaces de engancharnos al tema de un modo más certero. Cuando el piano nos tiene totalmente engatusados con sus sencillas pero hipnóticas notas llegamos al 1'30''. En ese momento la canción vuelve a sufrir otro giro inesperado regalándonos un Punto de No Retorno sorpresivo y tranquilo. La voz principal ha cambiado y nuestro nuevo narrador utiliza el falsete para llamar nuestra atención, para dejarnos su marca en nuestro recuerdo, para que en definitiva, no olvidemos este estribillo nunca más. No es un momento espectacular pero si claramente diferenciador. El tema continúa progresando y en el 1'44'' la batería retoma parte de su protagonismo. En el minuto dos la voz que ya conocíamos regresa para enredarse coralmente con nuestra nueva y aguda compañera.

En el 2'25'' la estructura musical parece volver al comienzo del tema pero incorporando varios sonidos nuevos. Los golpes de la percusión tardan menos en llegar, 2'46'', puesto necesitamos volver a disfrutar con el estribillo y sabemos que la percusión es la antesala de ese estribillo. En el 3'03'' vuelven a aparecer las notas melódicas del piano y dos nuevos invitados. El primero de ellos es un silbido que camina sobre el dibujo planteado por el piano y en el 3'11'' una guitarra se suma a ese mismo trazado. Ocho segundos después vuelve el agudo estribillo para volver a conquistarnos y algo más tarde, en el 3'48'', también regresa la voz principal para entrelazarse con la otra voz que hasta ahora mismo nos guiaba. Ambas voces continúan con su diálogo cerca de medio minuto para dejar de jugar al unísono en el 4'30'' y dejar paso al último giro musical. Los golpes de percusión esta vez no dan paso a las notas del piano sino a una guitarra que estaba deseando acaparar todo el espacio posible. Durante toda la canción ha gozado de apariciones esporádicas pero es ahora cuando puede desarrollar todas sus notas sin tener que ceder el protagonismo a ningún otro instrumento. De aquí hasta el final se convertirá en el único centro de atención.

Mientras nuestros oídos escuchan esa guitarra que ansiaba libertad parece difícil recordar dentro de la misma canción aquellas notas del piano y aquel estribillo tan agudo. Sin embargo la próxima vez que retomemos este tema, y estemos disfrutando con el juego de voces del estribillo, nos será difícil imaginar que al final del tema nos espera una guitarra tan rockera.

El Disco redondo al que pertenece esta canción aquí.

Palabras melosas 42. Van Morrison

2012-05-08T04:39:00.002-07:00

"And as I'm looking at the colour of the leaves,

in your hand.

As we're listening to Chet Baker on the beach,

in the sand"

When the leaves come falling down

Van Morrison

Caminar a hombros de un gigante

2012-05-01T03:21:00.002-07:00

Passengers y Luciano Pavarotti - Miss Sarajevo

Los instrumentos que participan en esta canción ya están tocando cuando nosotros, oyentes, irrumpimos en la sala. La sensación que vivimos en los primeros segundos es la de estar llegando, andando, al concierto. Nos vamos acercando al centro del escenario y poco a poco percibimos como todos los rumores sonoros logran ceñirse en el nivel de audio correcto. Los sonidos alcanzan su plenitud cuando nos aposentamos en el centro de la acción. Desde el segundo treinta comenzamos a disfrutar el tema con toda su intensidad. Ahora que todo está en su sitio la voz narradora puede comenzar a expresarse, segundo 38. Bono comienza a cantar rodeado de todos los instrumentos convocados. Únicamente se incorporará un solo invitado más y se hará notar cuando la canción haya sobrepasado su ecuador.

El ritmo sosegado se mantiene durante todo el recorrido que realiza la construcción musical. Paso a paso la canción avanza sin sobresaltos, no los necesitamos para ir desgranando el texto propuesto. En el 1'16'' se incorpora el coro y mantiene la estructura establecida. Esa unión es lo más parecido a un estribillo que vamos a encontrar y se ve salpicada por el agudo falsete que nos regala Bono en el 1'20''. Tras esta mínima agitación el tema continúa con su imperturbable caminar. En el 1'36'' el coro comienza a apoyar la narración principal. Esas segundas voces se convierten en el eco que las palabras de Bono necesitaban para resaltar su presencia. Pasan los segundos y el disimulado estribillo que vivimos en el 1'20'' se repite casi de idéntica forma y fondo en el 2'14''. No es exactamente igual porque un nuevo instrumento ha llegado para hacer que la intensidad de toda la canción comience a despegar. Los violines han llegado para quedarse. Su sonido va de menos a más hasta que en el 2'32'' dejan paso a un Punto de No Retorno vocal impresionante. La voz de Luciano Pavarotti inunda hasta el último rincón de nuestro sistema auditivo y la composición en ese instante queda grabada en nuestra memoria. Toda su intervención es magnética y no podemos evitar quedarnos enganchados a su derroche vocal. Los violines son el aliado perfecto para que su voz se enmarque en el mejor entorno posible. Su increíble voz se extiende durante 82 segundos pero conquista por completo todo el tema. Es un Punto de No Retorno largo pero el tiempo parece evaporarse mientras se produce. Pavarotti se convierte en un Gulliver musical y cualquier cosa que se mida con él se antoja diminuta. La comparación es demoledora. Su voz se encuentra fuera de su escenario habitual pero aún así logra redefinir todo lo que hasta ese momento habíamos oído.

En el 3'56'' retornan los actores que ya conocíamos pero tras lo que hemos escuchado su vuelta es algo circunstancial. No pueden competir y enseguida donan su espacio para que lo ocupen los violines. Tras la marcha de la voz que logró la exquisitez sonora únicamente ellos se atreven a aportar algo nuevo con su peculiar deambular musical. Su vaivén de cuerdas logra mecernos en el ritmo perfecto para paladear todo el camino recorrido. La canción ya no puede aportarnos nada más y por eso decidimos salir de la sala. Comenzamos a alejarnos mientras nuestra memoria todavía está catalogando la voz de ese tenor que logró desarmar nuestros conceptos musicales. Su inesperada aparición todavía retumba en nuestro interior. Grande, gigante, en todos los sentidos.

Palabras melosas 41. Rod Stewart

2012-05-01T03:19:00.001-07:00

"I suppose I could collect my books and get on back to school

Or steal my daddy's cue and make a living out of playing pool

Or find myself a rock and roll band that needs a helpin' hand

Oh Maggie I wish I'd never seen your face"

Maggie May

Rod Stewart

La facilidad de hacer propio lo ajeno

2012-04-30T16:28:00.000-07:00

Johnny Cash - Hurt

La capacidad interpretativa de Johnny Cash es tan absolutamente brutal que es complicado catalogar esta canción dentro de la sección Original versión. Es capaz de hacerla tan suya que es difícilimaginarla entonada por Nine Inch Nails o por cualquier otro. De hecho, el autor afirma que no ha vuelto a escuchar su propia versión después de oír la de Cash.

La canción comienza con las notas de una guitarra y ya en esas primeras notas percibimosla sabiduría, la experiencia y las vivencias de esa guitarra. Es increíble como unos pocos sonidos pueden transmitir tanto conocimiento. Como toda una vida puede mostrarse en el sabor añejo que se le presta a una melodía. Trece segundos después la voz de Cash inunda nuestros altavoces y la sapiencia detoda una vida comienza a desplegarse por toda la estancia. Su voz es portadora del conocimiento que otorgan los años, una voz ajada por las vivencias y que hace de la ausencia de matices su matiz principal. La intensidad crece como lo haría una enredadera, sin control y llegando hasta el último rincón de nuestras emociones. Guitarra y voz caminan de la mano para relatarnos un texto imprescindible. Tras medio minuto de canción los acordes de un piano llegan para que la guitarra obtenga un lugar sobre el que apoyar sus notas. Su presencia es secundaria por el momento. En el segundo 57 las seis cuerdas comienzan a cambiar la forma de su sonido y el piano obtiene cada vez más importancia. Desde el 1'16'' piano y guitarra se aúnan para hacer que la intensidad suba exponencialmente con cada nuevo acorde. Al mismo tiempo la narración de Cash permanece inalterable en su cometido y ese contrapunto hace que el tema alcance nuevas cotas de brillantez.

Una relativa calma vuelve a dominar la escena en los segundos posteriores al 1'36''. En el 1'49'' la canción retoma su estructura inicial, narración inalterable, guitarra constante y piano como apoyologístico. Una flauta aparece poco después pero su presencia es testimonial. En el 2'39'' comienza un Punto de No Retorno que se construye a si mismo poco apoco. La música edifica peldaño a peldaño una escalera de intensidad total, un lugar al que agarrarnos para no volver a soltarnos nunca más. El piano martillea nuestros oídos mientras la guitarra pasa a un segundo plano. La voz de Cash, ahora sí, tiene que ponerse en pie para que sus palabras no se vean enterradas bajo todos esos sonidos. Nosotros hace bastantes segundos que estamos enganchados a un tema magistral y a una interpretación sobresaliente.

La fuerza de la narración es devastadora y con cada nueva escucha no hace más que crecer. Nuestros sentimientos se aturden y el interprete consigue desarmarnos únicamente con la fuerza de su voz y el poder de sus palabras. La canción es única, su mensaje revelador.

Vuelve a sentirte atrapado, esta vez por su letra: