With Music In My Mind

2012 - Barry Adamson - I Will Set You Free - Review / Chronique

2012-02-23T09:35:00.000+01:00

I Will Set You Free by Sabrine Carrein on Grooveshark

C'était hier, en fait c'était en juillet 2008, il y a déjà de cela presque quatre ans et je n'arrive pas encore à y croire que cela soit si loin et si proche à la fois. Je vous contais mon énorme coup de coeur pour le terrible et ô combien sous-estimé Barry Adamson, ce type un peu génial, surtout très décalé, qui a fait partie des Magazine, des Bad Seeds de Nick Cave, qui a travaillé en collaboration avec David Lynch sur la BO de Lost Highway mais qui possède surtout une discographie solo incroyable : son dernier né en date I Will Set You Free, qui vient d'apparaître dans les bacs fin janvier 2012, constitue son dixième opus.

Avec Back To The Cat (2008), il m'avait séduit car il semblait mixer avec succès un peu tous les genres musicaux qui lui étaient chers : musique cinématographique, expérimentale, soul, rock, jazz, etc., I Will Set You Free emprunte une nouvelle direction musicale lorgnant vers les sentiers de la pop/rock musique. Pourtant, je ne peux affirmer que cette dernière fournée pourra attirer davantage d'auditeurs, ni d'ailleurs que c'était l'intention initiale de l'anglais, car elle ne semble toujours pas composée pour attirer les foules malgré les quelques mélodies racoleuses que l'opus abrite. Non, cela reste trop caustique et extravagant pour séduire un grand public peu sensibilisé au second degré et à une musique aussi chiadée.

Maintenant, je dois bien admettre, question d'un tantinet d'objectivité, que ce nouvel opus, qui promet monts et merveilles à travers son titre, ne tient pas toutes ses promesses. Il s'avère moins élégant et sophistiqué que Back To The The Cat, je trouvais que Barry Adamson se démarquait davantage dans une musique sensuelle et ténébreuse, mélange de jazz et de soul alternatives. Cependant, inutile de voir le verre à moitié vide quand il se trouve également à moitié plein : I Will Set You Free, en fait au lieu de nous libérer car le bonhomme se la joue prédicateur du dimanche en associant à chacune de ses chansons un proverbe issu de la bible, libère essentiellement son créateur qui prend son pied avec ses nouvelles compositions plus dynamiques et revigorantes qu'usuellement.

Il n'y a pas à (re)dire, I Will Set You Free est le genre d'album qui donne la pêche : que cela soit par le biais de titres axés sur le rock, aussi puissants que les déjantés Get Your Mind Right, Destination, que sur des titres pop accessibles tels que Turnaround, le cabotin The Power Of Suggestion et le psychédélique The Sun and The Sea ou encore sur le soul et sexy Looking To Love Somebody ; le tout procure à l'album un cachet lumineux et aéré dans lequel Barry Adamson n'oublie jamais de démontrer qu'il reste un instrumentaliste de grande classe en rajoutant quelque complexité ici ou là sur ses compositions étrangement mélodieuses (le très cinématographique The Trigger City Blues en est le plus bel et génial exemple, la ballade If You Love Her et l'ovni électronique Stand In).

Au final, ce I Will Set You Free est un très bon disque de Barry Adamson, le plus accessilbe et fun à ce jour, cependant un poil trop cabotin et pas assez félin à mon goût. A écouter car il est cool.

Note Finale : 16,5/20

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2011 - Synne Sanden - When Nobody's Around - Review / Chronique

2012-02-22T15:16:00.000+01:00

When Nobody's Around by Sabrine Carrein on Grooveshark

Ce n'est qu'en début octobre 2011 que j'ai su que c'était elle. Ma découverte, mon coup de coeur absolu 2011. Pourtant, j'ai encore des dizaines d'albums de l'an dernier à écouter mais je n'imagine pas revivre par leur biais un tel coup de foudre. Elle s'appelle Synne Sanden et a sorti l'un des meilleurs premiers albums issus de la scène scandinave de 2011 avec en compagnie : Moddi et son chef d'oeuvre Floriography, Phaedra et son exquis The Sea, Mirel Wagner et son diamant noir éponyme ou encore Christina Owman et son vénéneux Throwing Knives et j'en passe quelques autres afin de réserver de belles surprises et découvertes pour un peu plus tard. Aujourd'hui, il n'y plus qu'elle qui compte, que je vois, que j'entends, son chant de sirène m'attire de façon irrépressible, quand j'ai entendu pour la première fois le titre When Nobody's Around, j'ai été émue jusqu'aux larmes, je n'ai pas oublié cette rencontre musicale si intense et inattendue, au détour d'un morceau, d'une vidéo en noir et blanc reflétant une profonde mélancolie et empathie. Pourtant, ce n'est que depuis quelques semaines que je passe en boucle ce premier Lp When Nobody's Around.

Une première oeuvre d'une beauté fulgurante, d'une maturité formidable pour cette toute jeune norvégienne qui l'a conçu à 19 ans et qui nous le fait partager alors qu'elle vient à peine de dépasser la vingtaine. Elle a écrit, composé, co-produit (aidée entre autre de Bugge Wesseltoft et de Peter Baden) cette oeuvre avec l'aide de musiciens chevronnés (pour ne citer qu'eux : Bugge Wesseltoft, Mathias Stubø/Proviant Audio et Mathias Eick) de tout premier rang. Ce qui frappe le plus, outre sa maturité qui se constate de l'écriture d'une grande finesse et analyse jusqu'au perfectionnisme des arrangements, ce sont les sonorités empruntées et la voix de l'artiste multi instrumentaliste. Synne Sanden vogue dans une musique minimaliste et emphatique allant de la pop alternative au jazz. De plus, chaque instrument, et en particulier la trompette de Mathias Eick, apporte clarté et luminosité au sein de cet univers musical personnel, tissé de désespoir et de passion.

Les deux premiers morceaux frappent en plein coeur : The Way Your Cry et When Nobody's Around sont des morceaux bouleversants sur la nature humaine et la profonde tristesse qui peut nous envahir jusqu'à nous annihiler et nous couper du monde. D'emblée, on remarque le formidable duo qui s'installe entre la sublime voix élégiaque de Synne Sanden et le trompettiste Mathias Eick sur le titre The Way You Cry et on appréciera l'atmosphère éthérée et planante instaurée sur When Nobody's Around qui contraste merveilleusement avec le chant doux et plaintif de la norvégienne. Une des plus belles chansons de 2011. Don't Miss The Sun continue sur cette lancée délicieusement mélancolique avec un duo de choc que Synne forme avec Moddi. Ce magnifique titre va un peu plus loin que ses prédécesseurs dans la complexité de ses sonorités, impression confirmée sur Tired Heart qui flirte avec l'electro/ jazz de façon subtile avec cerise sur le gâteau la présence de la vocaliste Torun Eriksen.

Intimiste, feutré, avec un minimum d'effets de mise en scène, Empty Bed envoûte et étreint le coeur car s'avérant infiniment touchant. Alors qu'Emotional Creature confirme être le titre le plus "léger" vêtu d'habits musicaux amples et lumineux, So Fragile renoue avec un certain sens du dépouillement et d'une sensibilité à fleur de peau tandis que Returning Monster est le morceau le plus obscur et intriguant de l'opus : le chant de sirène de Synne Sanden ressemble étrangement à celui de Björk et les sonorités développées flirtent avec la pop expérimentale dans toute sa beauté. Un petit chef d'oeuvre noir et intense qui dévoile une partie du potentiel de cette artiste étonnante. How To Let Go reflète à la perfection mon état d'esprit à la fin de cet opus. Impossible de le laisser m'échapper, de m'en défaire, de le quitter, ce premier Lp m'époustoufle tout simplement. Je suis bluffée par le talent de cette si jeune et belle artiste. Synne Sanden est un nom à retenir. When Nobody's Around est un album inoubliable, fondamentalement beau et sophistiqué.

Attention chef d'oeuvre !

Note Finale : 20/20

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2011 - Red Heart The Ticker - Your Name In Secret I Would Write - Review / Chronique

2012-02-21T15:44:00.000+01:00

Your Name by Sabrine Carrein on Grooveshark

Red Heart The Ticker est l'un des plus jolis secrets issus de la scène folk de ces dernières années car niché dans un petit coin de paradis perdu de l'Amérique profonde. Je suis leur carrière depuis quelques années sans avoir jamais essayé de vous les présenter, je voulais, en réalité, les garder, les écouter secrètement sans personne pour me rétorquer qu'il ou elle les connaissait aussi, c'est puéril mais c'est ainsi. Cependant, je ne pouvais plus continuer à les cacher car après deux excellents, mais trop confidentiels en dépit d'élogieuses critiques qui les accompagnaient, opus For The Wicked (2006) et Oh My! Mountains Below (2009), leur dernière oeuvre Your Name In Secret I Would Write m'a profondément touchée. Une si belle pépite folk ne pouvait que faire l'objet d'un partage.

Red Heart The Ticker, c'est un duo, à la ville comme sur la scène, celui de Robin MacArthur et de Tyler Gibbon en provenance du Vermont. Leur musique s'avère aussi sincère que dépaysante et leur nouvel Lp est certainement leur album le plus émotionnellement riche déjà rien que par sa noble démarche artistique. Les chansons reprises sur cet opus sont traditionnelles particulièrement chéries par la grand-mère de Robin MacArthur décédée en 2006. Son héritage consistait en une ancienne ferme-maison et un patrimoine musical. En effet, Margaret MacArthur était une artiste qui avait à son actif neuf albums. Après avoir terminé leur second opus et donné naissance à leur premier enfant, le duo a voulu redonner vie à l'oeuvre de cette figure familiale qui n'hésitait pas à emmener sa petite-fille en tournée. Un retour aux sources s'est naturellement imposé à eux et c'est ainsi que Your Name In Secret I Would Write naquit un beau jour de septembre 2011.

Que pourrait-on dire au sujet de cet opus ? Qu'il est incroyablement emouvant, par moments même poignant, on ressent qu'il a été fait dans un tel respect et amour de la musique, que l'on se trouve happé par cet album sans prétention, charmant et chaleureux mais qui dévoile aussi des facettes mélancoliques et nostalgiques qui le magnifient. Elégant, rustique, tendre, grâcieux, sont les quelques adjectifs qui peuvent décrire cette perle d'album folk acoustique hanté par ce personnage familial atypique car le couple a enregistré avec une partie des instruments familiaux dans le bureau de cette grand-maman. Et en effet, quand on écoute Your Name In Secret I Would Write, il y règne une ambiance apaisante et intrinsèquement intimiste, les arrangements sont d'une grande finesse et permettent au sublime chant sensible et émouvant de Robin MacArthur de parler aux vivants et de rendre un hommage vibrant à la famille. Un témoignage immortalisé par cet enregistrement magnifique. A découvrir absolument pour les amoureux de la folk musique américaine. Superbe.

Note Finale : 17,5/20

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2011 - Intergalactic Lovers - Greetings & Salutations - Review / Chronique

2012-02-20T16:16:00.000+01:00

Greetings & Salutations by Sabrine Carrein on Grooveshark

Ce n'est pas la première fois que je relève ce "problème" mais les parties flamandes et wallonnes de la Belgique semblent se trouver aux antipodes du monde culturel alors nous sommes (par la force des choses, selon certains politiques, la population étant heureusement plus nuancée sur notre cohabitation) si proches géographiquement parlant. Le cas du premier opus des Intergalactic Lovers en est un exemple assez étonnant. Alors que le groupe a rencontré un très beau succès auprès du public flamand et a engendré des critiques dithyrambiques auprès de la presse néerlandophone, très peu de chroniques francophones leur ont été consacrées. Je me pose des questions sur cette indifférence de plus en plus banalisée, de la part de nos médias, de part et d'autre de la frontière, qui s'intéressent davantage à la scène musicale du reste du monde que celle de notre petit pays pourtant assez riche.

Intergalactic Lovers est un groupe originaire d'Alost composé de Lara Chedraoui, Brendan Corbey, Maarten Huygens et de Raf De Mey et leur spécialisté consiste à enrober leur musique dynamique et mélodieuse de sonorités rock. Bien que je sois pas une mordue de pop/rock, je dois admettre en toute objectivité que c'est ce qu'il ce fait de mieux dans le genre : le quatuor a trouvé un équilibre parfait entre indie et mainstream. Les morceaux pourraient passer à la radio mais leur accessibilité n'est pas ostentatoire, leur musique s'adresse autant au grand public qu'aux mélomanes. Greetings & Salutations, leur premier Lp sorti en 2011, est un petit bijou polissé qui étincelle principalement en raison de la sublime personnalité vocale, aussi soyeuse que puissante, de Lara Chedraoui qui s'avère époustouflante (les comparaisons avec PJ, Karen O et Feist pleuvent) et des mélodies qui sont tout simplement entêtantes et absolument irrésistibles, celles-ci d'ailleurs sont souvent aditionnées d'un petit riff de guitare bien senti afin de leur apporter un peps supplémentaire. Alors, il est vrai ce premier opus est un peu lisse par moments, attendu même, mais vraiment il est bon, assez même pour s'avérer addictif et passer en boucle. Châpeau bas à eux pour nous offrir ces belles et intenses sonorités pop/rock.

Une découverte Made In Belgium indispensable.

Note Finale : 16/20

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poi

2011 - Moddi - Floriography - Review / Chronique

2012-02-17T22:40:00.000+01:00

Floriography by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je vous parle (ou plutôt écris serait un terme plus approprié) beaucoup d'artistes féminines folk en provenance de Scandinavie, beaucoup moins de leurs homologues masculins. Non pas que je les apprécie moins (quoique), mais j'admets connaîtrez relativement peu ce pan de la scène musicale de cette région du monde. Bien entendu il y a José Gonzalez, Loney, Dear, The Tallest Man On The Earth pour les plus connus (selon moi) et quelques très beaux coups de coeur pour The Prince Of Assyria, Christian Kjellvander ou encore Peter Von Poehl. Puis, j'ai rencontré la musique de Moddi et je suis restée scotchée, j'ai pris une claque. Pour sa fougue, pour sa musique à la beauté insaisissable, pour son accent à couper au couteau, pour son envie de liberté et sa profonde sincérité. C'est sur ce dernier point que je désire insister : beaucoup de chanteurs ou d'artistes "pensent" être ou habiter leur musique, et au final très peu le sont ou arrivent à transmettre des émotions. S'il y a bien un point sur lequel tout le monde tombera d'accord concernant ce tout jeune homme, c'est qu'il est transcendé, happé par son art, c'est si rare et si précieux, rien que pour il s'avère incontournable.

Après avoir sorti quelques ep's et même un live, son premier Lp studio est apparu en 2010/2011 (selon votre localisation). Sous la houlette du génial Valgeir Sigurðsson (Björk, Ane Brun, Bonnie Prince Billy, Wildbirds & Peacedrums, Feist, etc.), Pål Moddi Knutsen a réalisé sa première oeuvre distribuée par l'excellent label indépendant Propeller Recordings (Katzenjammer, Hanne Hukkelberg). Floriography s'avère une oeuvre somptueuse et tempêtueuse. Elle nous entraîne au coeur de paysages sauvages - mêlant forêts de couleur émeraude, neige à perdre de vue et un ciel bleu sans nuages -dont la beauté est à couper le souffle, elle enivre de par sa pureté vivifiante et son aspect sauvage et brut, elle captive de par sa complexité, ses mélodies non évidentes, elle enflamme les sens car ses envolées lyriques sont d'une intensité foudroyantes et belles à en pleurer. Le multi instrumentaliste est le second artiste à me réconcilier avec l'accordéon après la fabuleuse Wendy McNeill (qui elle aussi a sorti un chef-d'oeuvre en 2011 avec For The Wolf, A God Meal), il en joue magnifiquement rendant ses compositions mélancoliques et brûlantes encore plus uniques et poignantes.

Attention Chef-d'oeuvre intense et artiste à fleur de peau à découvrir absolument.

Note Finale : 20/20

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2012 - Sofia Talvik - The Owls Are Not What They Seem - Review / Chronique

2012-02-15T14:24:00.000+01:00

<a href="http://music.sofiatalvik.com/album/the-owls-are-not-what-they-seem">The Owls Are Not What They Seem by Sofia Talvik</a>

Sofia Talvik aura toujours une place à part sur ce blog. Pour tout ce qu'elle représente : la beauté simple et authentique de sa musique, son indépendance artistique ainsi que sa personnalité douce, généreuse et fondamentalement positive. J'aurai toujours en tête sa rencontre musicale lors du visionnage du titre A Summer Pass et elle m'émouvra toujours sur le titre My James Dean, tous deux issus de son album, véritable joyau pop, Jonestown (2008). Je ne compte plus réellement le nombre de billets (doux) qui lui sont adressés bien que celui-ci aurait du être le dixième, je parle bien au conditionnel passé car quand Sofia Talvil a sorti 4 ep's pour son intéressant projet L.O.V.E. (tous en écoute et disponible sur Bandcamp), je n'ai pu répondre présent pour des raisons personnelles et de temps.

Après deux albums pop/folk Blue Moon (2005) et Street Dreams (2007), on sentait doucement que les inspirations et aspirations de Sofia Talvik s'orientaient tout doucement pour les United States of America car ses deux albums suivants portant le nom d'une ville Jonestown (2008) et d'un Etat des Etats-Unis Florida (2010). en effet, depuis quelques années, la jeune femme sent davantage d'opportunités à saisir dans ce pays beaucoup plus vaste que sa Suède natale, elle s'est lancée dans la grande aventure américaine et se produit dans le sud américain avec pas mal de réussite que cela soit dans des festivals d'importance comme celui de Lollapalooza à Chicago que dans des plus petites salles.

Le périple américain de Sofia Talvik lui a donné envie de davantage d'émancipation en live, elle se produit désormais le plus souvent seule, et cela se ressent également sur ses dernières oeuvres qui sont spécialement produites par ses soins : son album Florida a bénéficié d'une version acoustique sans l'aide d'autre musiciens qu'elle-même et si les tonalités de son projet L.O.V.E. sont résolument pop, son jumeau Lp (car il reprend une bonne partie des morceaux originaux issus des ep's) The Owls Are Not What They Seems qui vient de sortir fin janvier 2012, est orienté vers un dépouillement folk ne requérant que le minimum d'aide extérieure. Ecouter Sofia Talvik est désaltérant, elle me fait fondre à chaque fois : son chant limpide et lumineusement élégiaque choie l'oreille, ses compositions sont toujours simples mais efficaces et addictives. Point d'artifices vous trouverez chez cette artiste, elle chante telle qu'elle est dans sa vie, elle s'avère un petit rayon de soleil capable aussi de jolies subtilités comme en démontre sa dernière oeuvre.

The Owls Are Not What They Seem est un charmant album folk qui enrobe de jolies mélodies pop et des vocalises plus touchantes les unes que les autres. C'est le genre d'albums que l'on a posé sur sa table de chevet, celui qui vient vous réconforter quand cela ne va pas, un petit bijou qui pourrait être insignifiant, de par sa simplicité ou son apparence candide, mais il est bien plus que cela. Impossible de se tromper, tant de jolies perles qui délivrent autant d'émotions et de sensibilité ne peuvent passer inaperçues : le doux amer Delusional, le sublimement sombre The Garden dans lequel Sofia nous emmène sur un terrain plus dur et complexe faisant de ce titre le plus beau de l'opus, l'entêtant et léger Glow qui serait parfait comme lead single, le bucolique et fragile Circle Of Friends qui est l'un de mes morceaux préférés, le rêveur et délicat Everyone's Favorite Concubine, le planant Bitter Sweet Bliss, le romantique et exquis Awfully Aware et bien entendu cette clôture somptueuse incarnée par le jazzy Nothing Quite So Gentle.

Malgré tous les bons mots que j'ai pu écrire à son propos, The Owls Are Not What They Seem n'est pas parfait, la perfection étant une notion aussi abstraite que subjective et ennuyeuse. Il est délicieux, sensible, subtil et gracieux, il représente un petit moment d'enchantement absolu à son écoute. Alors, pour ceux qui apprécient Sofia Talvik et son oeuvre, n'hésitez pas à la soutenir et l'encourager, tout son travail en version digitale est disponible via bandcamp et i-tunes, à prix plus que démocratique, et en version physique sur cdbaby, par conséquent, vous savez ce qui vous reste à faire afin d'aider cette jolie étoile à atteindre son firmament.

Note Finale : 17/20

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2012 - Clairy Browne & The Bangin' Rackettes - Baby Caught The Bus - Review / Chronique

2012-02-14T11:17:00.002+01:00

<a href="http://banginrackettes.bandcamp.com/album/baby-caught-the-bus">Baby Caught The Bus by Clairy Browne & The Bangin' Rackettes</a>

A chaque fois c'est la même histoire, je me dis que je n'ai plus rien à ajouter concernant la soul vintage, que cela n'est qu'une mode, que cela ne peut constituer en l'avenir de la soul, qu'il n'y a plus rien à découvrir et puis je me trompe, il suffit de voir avec ces vieux briscards que sont Sharon Jones, Charles Bradley ou encore Lee Fields et Raphael Saadiq pour savoir que c'est redevenu un genre à part entière. Au final, il n'y a rien d'honteux à remettre au goût du jour cette musique intemporelle et qu'en guise d'exemple, en qui concerne la musique folk, je ne me pose pas autant de questions concernant sa modernité ou son passéisme. En résumé, qui aime bien, châtie bien, je suis dure avec la soul moderne et je m'en rends compte : le R&B flirte tant avec la pop que je n'arrive plus à en retrouver ses beats, il n'y a que l'électro qui se marie pour le moment à la perfection avec la soul pour lui redonner un coup de fouet, merci à Robin Hannibal et son Quadron, à Vikter Duplaix ou encore dans le genre nu soul ou pop alternatif Cee-Lo, Janelle Monae, Maxwell et Erykah Badu pour nous redonner un peu d'espoir.

Bref, pourquoi ne pas se diriger vers les valeurs refuge de cette soul chaleureuse d'antan qui nous faisait tant vibrer au son d'Otis, de Sam, de Ray, de Diana, de Minie et de Marvin, en résumé l'âge d'or de la soul. En provenance de Melbourne, Clairy Browne accompagnée de ses Bangin' Rackettes (groupe d'harmonies vocales) : Ruby Jones, Camilla McKewen, Loretta Miller et de son band Gabriel Strangio (piano, synthétiseur), Jules Pascoe (basse), Peter Bee (guitare), Darcy McNulty (saxophone) et Nick Martyn (batterie) vient ajouter sur la liste des soul woumen son nom en lettres de feu. Il faut admettre l'évidence que son premier opus Baby Caught The Bus est une bombe musicale sortie fin novembre en Australie et qui ne devrait tarder à débouler dans nos bacs en Europe si les distributeurs avaient un peu de bon sens. Naviguant avec aisance, et une touche de cambouis qui fait un bien fou, dans le blues, le doo wop style et le R&B, Clairy Browne possède une puissance vocale phénoménale, une énergie qui donne envie de se trémousser sur les dancefloors, avec des morceaux en poche qui sont d'une efficacité redoutable : leurs mélodies impitoyables sont entêtantes, voire obsédantes. Une fois goûté à cet album, je vous défie de ne pas prendre un plaisir immense à vous délecter de ce bijou soul scintillant de tous ses cuivres et de toutes ces belles harmonies vocales ô combien sensuelles.

Plus que le travail d'une seule artiste, c'est le travail de groupe qui prime sur cette première ouevre australienne qui devrait faire sensation en cette année 2012 que l'on souhaite la plus soul possible.

Une reprise de Whatta Man à élécharger librement ici.

Note Finale : 17/20

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2011 - Ane Brun - It All Starts With One - Review / Chronique

2012-02-13T20:37:00.000+01:00

It All Starts With One by Sabrine Carrein on Grooveshark

Ane Brun est, au même titre qu'Anna Ternheim, l'une des artistes pop/folk les plus exportées de scandinavie. Du moins, c'est l'impression qui ressort de mon point de vue belgo/français. Elle est aussi l'une des musiciennes parmi les plus précieuses toutes scènes musicales confondues de notre espace spatio temporel. Cela pourrait paraître exagéré, pourtant c'est un constat qui me paraît réaliste. L'entendre chanter, c'est tutoyer les anges en sa douce et intense compagnie, son vibrato possède une palette de nuances à faire pâlir les plus grandes divas de la planète, le cristal de sa voix est capable de fendre les coeurs les plus endurcis et de les convertir à sa cause. Ane Brun est un trésor national et cela devrait même dépasser les frontières de son pays natal qu'est la Norvège et de son pays d'adoption qu'est la Suède. En l'espace de dix ans de carrière et de quatre albums studio, un opus de démos (Sketches, les origines de Changing Of Seasons) et de deux sorties live, Anes Brun est devenue une artiste essentielle, un monde musical sans Ane Brun paraîtrait incompréhensible car son authenticité, sa simplicité et son aura sont devenues fondamentalement indispensables.

Qui peut réellement prétendre ne pas tomber sur son charme en écoutant des titres tels que Humming One Of Your Songs, To Let Myself Go, Rubber and Soul, My Lover Will Go, Such A Common Bird ? Et que dire des chansons qui jalonnent son chef d'oeuvre Changing Of The Seasons (chroniqué et en écoute ici) : ils sont (tous) inoubliables et uniques : My Star, The Puzzle, The Treehouse Song, Don't Leave, The Fall, Ten Seconds, Gillian, Lullaby For Grown Ups, ainsi que sa mémorable reprise du standard de Cyndi Lauper True Colors. Et en live, elle est juste divine, ses concerts toujours parfaits et habités qu'elle se produise dans des petites salles ou dans des espaces plus conséquents comme au Live At Stockholm Concert Hall (chroniqué et en écoute ici). Ane Brun est définitivement une artiste avec un parcours artistique impressionnant : elle respectée par la profession, elle croule sous les éloges, il suffit qu'elle propose une collaboration et c'est comme si c'était chose faite. Il suffit de jeter un coup d'oeil sur ses duos issus de son troisième opus Duets (des français de Syd Matters au canadien Ron Sexsmith) sa renommée la précédait déjà à l'époque et depuis, elle a fait un sacré bout de chemin en participant même à la dernière tournée pendant un an de Sir Peter Gabriel.

Après la sortie de Changing Of The Seasons et de Sketches (qui reprenait les démos du premier - en s'avérant peut-être encore plus essentiel que sa copie studio), difficile d'imaginer un (nouvel) opus plus réussi, plus abouti. Et en effet, Ane Brun a esquivé les comparaisons avec l'intelligence qu'on lui connaît. Son dernier opus en date It All Starts With One, sorti dans les bacs fin 2011, emprunte si peu les mêmes sentiers musicaux, qu'il est impossible de le mettre en compétition avec son prédécesseur. En effet, Ane Brun s'est quelque peu éloignée du monde de la folk/blues music pour un univers musical plus moderne s'il est possible de mettre une étiquette sur ce nouvel opus. Davantage basé sur les percussions (c'est assez dans le vent depuis que Björn Yttling a révélé Lykke Li et redonner des couleurs pop originales à Anna Ternheim), et produit par Tobias Fröberg (Theresa Andersson, Rebekka Karijord, Asha Ali, Sofia Talvik, etc.), ce nouvel opus est un diamant noir de toute beauté et d'une élégance rare. On pourra noter aussi la présence de la talentueuse violoncelliste Linnea Olsson qui prête ses talents de musicienne et de vocaliste tout le long de l'opus. Les sonorités sont polissées, feutrées, rehaussées par l'omniprésence de percussions et avec comme arrière fond un travail sublime sur les cordes. L'album impressionne, déroute et emballe après maintes écoutes. On se rend compte, au final, qu'il s'avère aussi exquis que divin, qu'une fois de plus Ane Brun, rien que de par sa présence, brille, illumine, transcende les genres musicaux sans forcer, elle chante toujours avec une justesse et finesse rares.

Chacune des dix chansons (de l'édition simple) est confectionnée avec le plus grand soin et la plus grande méticulosité. Prises dans leur ensemble, elles pourront rebuter du premier abord de par leur caractère un peu froid et chirurgical car tout y semble contrôlé, tout sauf cette émotion que dégage Ane Brun, car la musique n'est que là pour mettre en exergue le talent d'écriture et de vocaliste que possède la norvégienne. Le claustrophobe et glacial These Days ouvre l'album sur une note sombre et intense, de quoi étonner l'auditeur qui sera pris de vertige dans le refrain de ce morceau avant de succomber à la douce lumière qui émane du morceau folk planant Words. Un titre ô combien précieux. Worship continue dans cette veine folk à l'ambiance pop/jazz avec un guest de choix en la présence de José Gonzales. Qu'ajouter de plus au sujet de ce magnifique duo ? Qu'il est somptueusement accompagné de cordes élégantes et soyeuses à se damner. C'est par le biais de Do Your Remember, sur lequel Ane Brun est accompagné des soeurs de First Aid Kit, que l'on a été introduit à ses nouvelles aventures musicales. Désarçonnante de prime abord, l'artiste ne nous avait pas habitué à sortir des morceaux aussi légers et orientés up tempo. Pourtant, force est de constater, que c'est rafraîchissant et réjouissant à défaut de plus... d'ailleurs la version en live acoustique est bien plus prenante et personnelle.

What’s Happening With You And Him renoue avec une sobriété, marque de fabrique d'Ane Brun. Ce morceau majestueux et glacé possède une force à la fois tranquille et inquiétante. Puissant avec très peu d'effets. Et puis, on s'envole vers le paradis en compagnie de Lifeline, c'est ce que donne l'impression que l'on vogue parmi des arpèges et une voix d'ange sur cette berceuse dépouillée jusqu'à l'os. Tout simplement sublime, ce moment en apesanteur. Avec en guise des choeurs la douce Jennie Abrahamson, le titre One apporte un aspect théâtral et grave à l'opus. Le résultat sentencieux est terriblement séduisant. The Light From One est ses airs jazzy traîne une mélancolie et une déception magnifiées par une interprétation à fleur de peau et des arrangements atmosphériques. Superbe. En toute légèreté, malgré quelques nuages qui menacent cette belle ballade, Oh Love renoue avec une simplicité et efficacité qui siéent à la perfection à l'artiste mais c'est Undertow (avec encore une fois des backing vocals de luxe en la présence de Ellekari Larsson, la moitié de The Tiny) qui attire l'attention. Ce titre vibrant qui clôt l'album est d'une beauté et intensité célestes. Magistral. Je vous invite, plus qu'ardemment d'ailleurs, à vous procurer la version deluxe comprenant un second disque de huit inédits tout à fait indispensable. Je pense sérieusement qu'il s'avère à la fois plus lumineux et diversifié que le premier. Ane est brillante dans toutes les facettes qu'elle dévoile de façon décomplexée : quand elle reprend avec beaucoup d'émotions Another World (Antony and The Johnsons) ou encore Alfonsa Y El Mar (de Mercedes Sosa), quand elle chante en norvégien sur le lumineux et enveloppant Du Gråter Så Store Tåra ou encore quand elle se lance en live sur l'euphorisant Queen and King façon cabaret saloon.

Album essentiel, il se pare des habits d'un nouveau habits de chef d'oeuvre.

Note Finale : 19/20 / Note Finale ave cd Bonus : 20/20

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Bengans.se (simple version), Bengans.se (Deluxe Version), Amazon.fr, Fnac.fr

2012 - Liz Green - O, Devotion ! - Review / Chronique

2012-02-10T14:42:00.003+01:00

O, Devotion! by Sabrine Carrein on Grooveshark

Au début de la semaine, je vous contais les (mes)aventures musicales d'une certaine Liz Grant, aujourd'hui, c'est d'une autre Liz dont je tiens absolument à (re)partager mon énorme coup de coeur ne datant pas d'hier si l'on s'en réfère à ce petit billet doux postée à son sujet il y a maintenant bientôt quatre ans de cela... Cette Liz, c'est Liz Green, et si je ne sais pas si elle a la main verte (elle était trop facile), elle a le blues qui coule dans ses veines et sa musique. Les médias en parlent depuis quelques semaines, pas mal de webzines (Les Inrocks, Music In Belgium, Libération, etc.), un peu moins les blogs mais qu'importe, elle semble assez transparente pour le grand public qui lui préfère si injustement l'autre Liz. En effet, cela fait bien trois mois que je possède O, Devotion! et cela ne fait que quelques jours qu'il hante jours et nuits mes pensées comme pour me punir de l'avoir snobé si longtemps, de l'avoir laissé prendre la poussière sur l'étagère, de l'avoir préféré temporairement à d'autres oeuvres plus futiles.

Maintenant, je suis toute dévouée à sa cause, à vous conter le plus grand bien de cette petite merveille, à vous convaincre de faire passer le message suivant : Liz Green, bien qu'elle soit apparue sur le circuit musical il y a quelques années et qu'elle ait sorti quelques ep's confidentiels et autoproduits, est l'une des révélations essentielles de 2012. Sa voix, extraordinaire, à la fois rauque et veloutée (comme quoi tout est possible), véhicule, du tréfonds de ses tripes, des compositions qui brouillent la temporalité musicale : du cabaret jazz des 30's au blues/folk des seventies, le tout drapé d'une brise de modernité apportée par le bienveillant producteur Liam Watson (The White Stripes).

L'anglaise, qui n'a pas encore fêté ses trente ans, offre une première oeuvre racée, au-delà de toute mode et calcul possibles, qui transporte l'auditeur dans une autre dimension musicale, laquelle prend vie non sur base d'une écriture évoquant des maux d'amour mais plutôt de contes noirs, de personnages sombres et ambigus, d'histoires d'amour funestes. O, Devotion! est un album homogène, on pourra même dire monochrome, les nuances y sont subtiles mais saisissables, les atmosphères davantage enfumées qu'enflammées mais le charme suranné qu'il distille dans toute sa longueur est si puissant qu'il s'avère rapidement indispensable comme un ami que l'on connaît depuis toujours. En résumé, c'est tout un univers atypique, rehaussé de quelques cuivres scintillant dans sa noirceur, que Liz Green nous offre sur un plateau avec cloche. A vous de la soulever pour savoir ce qui vous sera réservé.

Liz Green. Une découvre incontournable made in 2012.

Note Finale : 18/20

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2012 - Lana Del Rey - Born To Die - Review / Chronique

2012-02-06T15:43:00.003+01:00

Born To Die by Sabrine Carrein on Grooveshark

Tellement d'artistes intéressants à vous faire découvrir, tant d'albums en attente d'écoute et de chronique et l'on pourrait aisément penser, à juste titre, que je perds mon temps à vous (re)parler d'elle. Pourtant, je lui dois quelque chose. L'an passé, j'ai écris beaucoup moins, ma grossesse ayant grandement diminué mon envie de partage, certains de mes lecteurs, les moins fidèles, s'en sont allés en toute logique vu que je ne maintenais plus la cadence infernale tenue depuis plus de trois ans. Puis, les mois ont passé, mon envie de partager est réapparue peu à peu, et j'ai décidé d'écrire en septembre 2011 sur l'inattendu et excellentissime premier Lp de Lizzy Grant qui était passé inaperçu. Cet article a résucité les statistiques de mon blog. Je n'avais jamais fais vraiment attention à ces statistiques même si je trouvais que pour un petit blog aussi insignifiant que le mien, elles étaient déjà impressionnantes. Je n'avais rien calculé, je ne savais même pas à l'époque que le phénomène Lana Del Rey, au final, n'était encore qu'à ses balbutiements vu tout le ramdam médiatique qui n'a réellement pris de l'ampleur à partir de la rentrée 2011.

Le nom est dit. Lana Del Rey aka feu Lizzy Grant. Elle qui déchaîne autant de passions que de désamours depuis qu'elle a envahi la toile vers mai 2011. Une vidéo bricolée, une chanson Video Games qui joue sur la fibre nostalgique d'une période (50's et 60's) qui s'est contruite sur des fantasmes au vu d'une réalité autrement plus sombre (si l'on se réfère aux destins tragiques de James Dean et Marylin Monroe et je ne parle même pas des dizaines d'autres dont ceux de Marlon Brando ou encore d'Elizabeth Taylor, personne ne peut envier leur sort et leur descente en enfer même s'ils ont eu l'opportunité de vivre jusqu'à un âge relativement avancé). La différence entre la pellicule (et/ou le papier glacé) qu'on nous vend/vendait du rêve et la réalité est tout simplement abyssale. D'ailleurs, on peut faire le même parallèle entre la montée en épingle du phénomène "Lana Del Rey" et sa chute (prédestinée, fallait pas rêver, soyons juste logique, à défaut de pragmatique : que peut sortir une artiste signée sur Interscope/Universal ? Certainement pas un chef d'oeuvre. Et bien, si certains y ont cru, j'en connais qui mettent toujours une chaussette auprès du sapin à Noël). Entre le fantasme des premiers jours d'une future diva et/ou princesse de l'indie façon lynchéenne (cela fait trop cool de le dire, dans genre on est cultivé) et à l'arrivée une artiste qui a fait appel à un producteur de hip hop bling bling pour ses "débuts" calculés, le choc n'en n'est que plus rude. La réalité a rattrapé l'artiste dont on ne sait plus si elle est sincère ou si elle n'est que la synthèse de l'équation issue de calculs marketing savamment orchestrés, à tout le moins au départ, par son management mais qui tourne, depuis quelques semaines, en eau de boudin (le retour de manivelle ?).

Pourtant, les prémisses du désenchantement médiatique étaient bel et bien présentes, et cela depuis même le début, et n'a eu de cesse d'évoluer en crescendo : un physique atypique et rafistolé qui séduit (fascine) ou rebute, une identité cachée, derrière le personnage de Lana Del Rey (un mix de Lana Turner et de la chevrolet Del Rey), bien c'est au final que Elisabeth Grant la fille d'un milliardaire, qui a certes fait des bétises peu reluisantes (drogues, alcool, etc.) mais somme toutes banales au possible en signe de rebellion adolescente. Ensuite les accusations de plagiat d'une chanson grecque et au final ses performances en live qui sont assez particulières et considérées comme faiblardes par une presse à l'affût du moindre faux pas. D'ailleurs, celui-ci (si attendu) interviendra à l'occasion de sa très maladroite prestation à l'émission américaine Saturday Night Live, le présentateur n'hésitera pas à déclamer que c'était le pire live qu'il ait vu en 30 ans d'émission, ce fut le début de la fin. A partir de ce moment-là, les médias se sont déchaînés, comme rarement auparavant, sur une jeune artiste, je n'avais plus assisté à ce genre de lynchage médiatique depuis l'incident Sinead O'Connor. J'en suis venue à me demander s'ils n'avaient perdu la tête et si au final, ils n'attendaient que cela.

Pour en revenir à nos moutons, le "premier" Lp de Lana Del Rey : Born To Die faisait déjà le buzz avant même sa sortie, tout le monde était dans les starting blocks afin de savoir ce qu'il en était de cette artiste bien mystérieuse et surtout pour se trouver dans les premiers pour encenser ou critiquer cette oeuvre attendue comme le messie en ce début 2012. Et personne n'a été déçu, car même ceux (et ils représentent la grande majorité) qui ont été déçus (pour des raisons le plus souvent injustes et infondées), ils ont tout de même réussi à se défouler et à attirer les haters du coin. En effet, on peut désormais aujourd'hui affirmer, une semaine après sa sortie officielle, que Born To Die a été descendu en flamme. Les gens qui ont au départ adulé Lana Del Rey se sont sentis dupés, ils n'ont pu se résoudre à admettre la triste réalité ou plutôt ils se sont pris la vérité en pleine face : leur princesse indie glamour s'était transformée en princesse pop tout ce qu'il y a de plus ordinaire... Bouhhh, Born To Die, avec sa superbe pochette, au concept mi-ange mi-démon, n'est qu'un (de ces nombreux) opus clinquant, un ramassis de mélodies entêtantes, bref un excellent opus de musique mainstream. Par conséquent, rien d'intéressant à se mettre sous la dent quand on se croit à la tête d'un site ou blog de musique hype.

Ce qu'ils ne savaient pas ces bloggeurs, c'est que Lana ne voulait pas les toucher, non, elle ne désirait qu'une chose : devenir une star de la pop (pour elle c'est Britney Spears la reine de la pop, comme choix douteux, on ne peut faire mieux) que tout le monde s'arrache, sur son vrai premier Lp, le titre Brite Lites est tout à fait évocateur de cette envie brûlante et lancinante, à l'image de sa voix. S'il y a bien une chose que l'on ne pourra jamais enlever à Lana, c'est bien sa voix d'une sensualité froide et détachée, inimitable, inoubliable, elle a une façon de faire cohabiter les aigus et les graves vraiment unique, elle est hypnotique. Son "nouvel" opus quant à lui ne sera pas si inoubliable, largement un cran au-dessous de son "ancien" album que Lana préfère mettre sous silence car cela entacherait sa nouvelle identité, Born To Die est maladroit, inabouti, trop sage et outrancier, mélodramatique au possible et un peu trop homogène. Il rend schizophrène car au-delà de tous ses défauts, je ne peux m'empêcher de l'écouter non stop depuis sa réception il ya une semaine. Je n'arrive pas à m'en détacher et quand il me prend l'idée saugrenue d'écouter autre chose, c'est Lana qui vient hanter mes pensées. Elle est trop forte cette Lana.

Je ne sais pas quoi penser de cette grosse machine commerciale jouant à la fois la carte de la modernité (on divague vers le hip hop et le R&B par moments, de plus, on sent la patte du producteur Emile Haynes qui a déjà travaillé pour Kanye West, Kid Cudi, Ice Cube, etc.) et celle du glamour d'antan, l'Hollywood des années 50's, période de tous les fantasmes et qui n'est pourtant qu'une des plus grandes fumisteries vendues à ce jour... Pourtant, pourra-t-on en vouloir à Lana Del Rey de s'être construit un personnage, un univers à elle ? N'est pas le propre d'un artiste ? Bien sur que oui, elle n'a rien fait de plus mal qu'une autre Madonna, et j'en passe. Lana n'est pas une artiste accessible, elle se prend pour une star et cela depuis le début. Le mystère autour d'elle a été dévoilé trop vite, beaucoup de morceaux présents sur Born To Die sont connus depuis une éternité (d'ailleurs, elle a voulu se rattraper avec une édition bonus tracks en y mettant trois titres supplémentaires), le buzz n'a plus lieu d'être et cela devient si facile d'en dire du mal, de se marteler que l'on s'y attendait, etc. Pourtant, l'album s'écoute sur repeat sans fin ni réelle faim. Il est addictif pour ceux qui ont la capacité d'être touchés par la musique mainstream ce qui s'avère mon cas de temps en temps.

L'album s'ouvre (presque) bizarrement sur le trio gagnant : Born To Die, Blue Jeans et Video Games, en résumé les morceaux qui ont bénéficié officiellement d'une vidéo, ceux qui sont connus de tous. Et bien que le vénéneusement catchy et prenant Off The Races, lequel pourrait tout droit sortir d'une bande originale d'un film de gangsters, se situe après l'envoûtant Born To Die et avant le magnifiquement pompeux Blue Jeans (que je me promets - pas si secrètement puisque je l'écris - d'aimer jusqu'à la fin de ma vie) et le nonchalant , voire endormant, Video Games qui n'a jamais recueilli mes faveurs, c'est bizarre de voir un tel choix de tracklisting, de constater que la machinerie lourde soit mise comme cela en avant, pour cela, la Lana, elle se doit être sûre du reste de la qualité de son opus pour se mettre en danger de la sorte. Diet Dew Mountain ne tient pas la mesure devant ce quatuor qui le précède, il paraît insignifiant, faiblard mais sorti du contexte il est intéressant, le chant sexy de Lana, l'instrumental, tout tient la route, sauf quand il en vient à succèder à... Blue Jeans et Video Games. National Anthem vient relever un peu le niveau, le chorus est intéressant, on se croirait dans un morceau made in Kanye West ou de Jay-Z, bref c'est bizarre et en même temps surprenant : on nage dans l'inconnu, ce morceau pop aux relents hip hop est résolument très intriguant et plutôt galvanisant.

Et puis, un coup de coeur pour Dark Paradise, le retour au théâtral, au drame, à cette mélancolie un peu forcée sur fond de percussions synthétiques venant appuyer l'intensité de ce chant plaintif. Et puis, il y a cette mélodie tellement entêtante et frissonnante qu'on pardonnera même la partie "dance" d'un goût absolument douteux qu'à force d'écouter, j'adorerai par la suite, cela s'appelle du lavage de cerveau mais je suis consentante. Radio est un titre sympathique qui navigue entre dream pop et R&B, c'est agréable et plutôt bien foutu à défaut de marquer les esprits. Carmen renoue avec du lourd, voire du très lourd, se partageant entre des couplets graves et un refrain enchanteur tout en paillettes, le résultat est original et bien maîtrisé. Million Dollar Man lui semble être taille pour être une chanson générique d'un James Bond et même si ce morceau lounge est terriblement séduisant, il ne peut me faire oublier le groupe The Postmarks qui avait fait un boulot remarquable sur leur opus Memoirs At The End Of The World. D'ailleurs, à ce niveau, l'album semble n'exister pour moi qu'au travers du fantastique Summertime Sadness. Je n'ai pas encore trouvé l'explication du pourquoi et du comment mais je suis juste devenue accro à ce morceau et cela risque hélas de durer un moment certain. A ma décharge, ce titre pop incroyablement lumineux frôle la perfection. Sera t'il ou non un hymne de l'été prochain : mystère ? En tous les cas, il est celui de mon hiver. La version simple de Born To Die clôture sur This What Makes Us Girls, un titre anodin au refrain accrocheur, un de plus sur une liste un peu saturée et un brin lassant à ce niveau. Les Bonus Tracks valent le détour : le romantique Without You est soyeux, Lolita aussi aguicheur qu'espéré et d'ailleurs n'est pas sans rappeler une version améliorée (dixit non autotunée) de Britney Spears et Lucky Ones clôture (cette fois-ci pour de vrai) sur une envolée lyrique et théatrale une peu réminiscente à celle de Video Games en version quelque peu édulcorée.

Loin d'être la révélation ou l'artiste de l'année 2012, Lana Del Rey n'a pas à rougir de cet excellent album de pop mainstream. Pourquoi attendre autre chose d'une artiste signée sur Universal/ Interscope, telle est la question ?!

Note Finale : 15/20

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2011 - Sea Lion - Mercy Land - Review / Chronique

2012-02-04T20:05:00.000+01:00

&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;a href="http://inmykitchen.bandcamp.com/album/mercy-land"&gt;Mercy Land by Sea Lion&lt;/a&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;

Si Mercy Land est apparu sur bandcamp le 25 juillet 2011, c'est surtout en cette période hivernale, rebaptisée pour la circonstance en ce début février 2012 de nouvelle période glaciaire, que la musique de Sea Lion prend toute son ampleur. Auto produit et entièrement confectionné avec soins par Linn Osterberg qui a été épaulée par le label IMK Records, Mercy Land est le genre de "petit album" qui peut devenir grand avec le bouche à oreille.

Pourquoi ? Parce qu'il est pur, beau et foncièrement innocent, il réveille notre imaginaire, notre enfance : nos plaies et nos bonheurs simples et pourtant si intenses sans qu'ils aient eu déjà l'occasion d'être édulcorés par notre capacité à nous sentir blasés pour mieux cacher nos émotions. La suédoise en provenance de Göteborg possède une voix mutine troublante, à priori si jeune et pourtant sans âge, une voix unique qui se ballade et nous entraîne au coeur d'un univers folk intemporel, dans la même veine que ceux de Karen Dalton, Linda Perhacs et Sibylle Baier, des comparaisons dont la suédoise n'a pas à rougir.

Mercy Land est un album touchant, à la fois si simple et pourtant si indispensable, il résume bien tout ce que l'on peut attendre de la musique : il donne le sourire puis nous étreint le coeur en un battement de cil, il est constitué de ritournelles légères, de morceaux folk acoustiques lumineux et aussi de morceaux inoubliables, dépouillés à l'extrême laissant l'émotion ressortir à nu, de celle qui vous prend à la gorge et qui ne vous lâche plus. Alors, à ces moments-là, on se dit que Sea Lion possède un avenir radieux, que l'on s'avère impatient de suivre, pas à pas, vers encore plus de lumière, celle que vous lui ferez en ébruitant l'existence de cette musique si basique et nécessaire.

Note Finale : 17/20

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Pas de possibilité en édition physique car toutes les copies ont été épuisée mais possibilité de le télécharger en version digitale sur Bandcamp, Amazon.com

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2012 - Big Fox - Premier Disque Eponyme - Review / Chronique

2012-01-30T20:03:00.000+01:00

Big Fox by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je ne peux m'empêcher de tomber en émoi pour une belle scandinave talentueuse et cette année 2012 débute sur les chapeaux de roue avec ce nouveau talent en provenance de Suède qui répond au doux nom de Big Fox. C'est vrai que celle qui se cache derrière Big Fox : Charlotta Perers a déjà tout d'une grande : auteur, compositrice, productrice, multi-instrumentaliste, et surtout, car c'est le premier contact que l'on a avec sa musique, elle est incarnée par une voix céleste à la fois douce, légère et profonde, possédant des aspérités qui me font chavirer, une rencontre qui s'impose comme un coup de foudre. Signée sur l'excellent label indépendant suédois Hybris , Big Fox a sorti un premier opus éponyme pop d'une telle qualité, maîtrise et maturité qu'elle ne peut que briller cette année pour rejoindre les autres étoiles scandinaves : Jenny Wilson, Frida Hyvonen et américaines : parce que les influences de Feist et de Cat Power sont évidentes (et l'artiste ne s'en cache d'ailleurs pas). Cependant, Charlotta Peters possède la petite étincelle (dixit le talent) pour imposer son savoir faire et sa personnalité sur une scène musicale débordante d'artistes intéressants, pour cela il suffit de se montrer curieux.

Le disque s'ouvre sur le délicat électro pop de Boring Ones accompagné de chorus exotiques et d'une mélodie irrésistible, un bijou de pop music comme on voudrait davantage entendre sur la FM. Cut You Out et Grow Up continuent sur une lancée toute en légèreté l'un sur base de sifflotements et l'autre sur fond de percussions bricolées et ludiques, deux titres formidablement enjôleurs. Passées les trois premières pistes réjouissantes, l'album prend une tournure plus sérieuse avec Why, Oh Why une sublime ballade au piano finement orchestrée débordant d'une émotion sous-jacente avant de nous faire frémir sur Dear Therapist, un somptueux morceau qui fini sur une envolée musicale magistrale. Si Saturday renoue avec des sonorités pop électroniques, au service de ce morceau malicieusement désabusé, ce n'est qu'un interlude de luxe pour mieux nous replonger dans les méandres de l'âme humaine sur le déchirant Tired, un morceau époustoufflant qui n'est pas sans rappeler l'un de mes morceaux favoris de Feist : The Limit To Your Love. Easy, Thank You et Too Late, les derniers morceaux de l'opus sont de véritables joyaux qui instaurent des ambiances cotonneuses et mélancoliques distillant beaucoup de grâce et d'émotions. Un opus pop raffiné classe, sobre et brillant. Impossible de demander davantage.

Big Fox s'impose par le biais de son premier Lp comme une artiste incontournable de 2012. A découvrir de toute urgence. Right Now.

Note Finale : 18/20

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2011 - The Sandman's Orchestra - Silver Linings - Review / Chronique

2012-01-28T20:02:00.002+01:00

&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;a href="http://thesandmansorchestra.bandcamp.com/album/silver-linings"&gt;Silver Linings by The Sandman's Orchestra&lt;/a&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;

C'est une histoire de famille. Lors d'un déjeuner, Léonie Gabriel, âgée de 15 ans, prend sa guitare et décide de chanter quelques reprises devant les membres de sa famille. C'est à ce moment précis que survient le choc : celui de la découverte d'une voix exceptionnelle, d'une maturité, pureté et clarté exceptionnelles. Ce mini concert n'est pas tombé dans l'oreille d'un sourd : Pierre Laplace son oncle, impressionné, lui propose de travailler avec lui. En effet, ce dernier n'est pas un inconnu sur la scène musicale, il a fait partie du groupe lillois Vera Clouzot qui a existé pendant une petite quinzaine d'années et sorti pas moins de quatre opus studio, leur musique pouvant être comparée à Smog et Red House Painters. C'est ce déjeuner qui fut la première pierre à l'édifice de leur projet The Sandman's Orchestra.

Leur premier opus Silver Lining, apparu uniquement sur la plateforme Bandcamp en 2011, est un disque de folk/jazz noir au service de la superbe symbiose existant entre les deux protagonistes : Léonie chante avec intensité et sincérité les beaux textes subtils poétiques de Pierre Laplace et celui-ci s'avère une partenaire vocal aussi complémentaire qu'indispensable avec sa très belle voix grave et captivante. Ce qui est le plus agréable, à l'écoute de ce merveilleux et inattendu disque, est qu'il ne ressemble à rien d'autre, ne souffre d'aucune comparaison, car le duo a réussi à créer, en l'espace d'un seul disque, un univers musical remarquable : personnel, intimiste, so(m)bre et profond. Silver Lining résulte d'un travail d'orfèvre particulièrement minutieux : de son écriture à la production, Pierre Laplace a maîtrisé son sujet, ce multi-instrumentaliste a expérimenté, pendant deux ans dans son studio personnel, afin de peaufiner chaque détail et cela s'entend, rien n'est laissé au hasard juste celui des émotions qui en découlent car Silver Lining fait partie de ces grands et beaux albums dont on ne se lasse d'écouter.

Dès son ouverture sur Cast A Shadow, le sort est jeté, le charme opère immédiatement sur base de quelques notes de banjo auréolées de la présence angélique de Léonie et avec en arrière plan, comme une ombre inquiétante, celle du destin, la voix de Pierre. Sans prévenir, l'élégante ballade How Lonely tisse une toile délicate dans laquelle nous nous retrouvons comme engourdis devant sa beauté vénéneuse et troublante. Une merveille qui en appelle souvent une autre cette fois-ci sous la forme du cabaret jazz May Flowers, ce titre, smoky à souhait, donne littéralement le vertige avant que le subtil et planant You Won't Be Lost nous réchauffe quelque peu avec sa douceur indolente et son refrain sensuel. Le tempo accélère et l'ambiance se fait plus sentencieuse sur le surréaliste To The Moon dont le coeur bat au rythme des belles vocalises de Léonie. Qu'il est bon se laisser bercer sur le mélodieux duo délivré sur le sublime et hypnotique How We Used To Feel et émouvoir sur la berceuse à fleur de peau Cradle Of Light. Renouant avec des sonorités folk roots, Hello Stranger enchante de par la grâce véhiculée par le chant élégiaque de Léonie et la subtilité des arrangements ainsi que la sobriété parée d'habits jazzy qui habite le lucide et noir The World Won't Remember Your Name. The Darkest Waters permet un solo de toute beauté de Pierre Laplace avant que l'opus clôture sur l'épique et magistral Everything Comes Alive, une plongée, au coeur des ténèbres, dispensée par cet orchestre du marchand de sable tout à fait hors du commun.

Je vous recommande personnellement de vous procurer cette pépite folk/jazz sur bandcamp qui est disponible en version digitale et physique à des prix plus que raisonnables afin de contribuer et entretenir cette fibre artistique indépendante précieuse. Un album magnifique qui requiert absolument une suite aux aventures musicales de ce duo.

Note Finale : 17,5/20

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2012 - 907Britt - Middle of the Rainbow - Review / Chronique

2012-01-26T17:22:00.003+01:00

&lt;a href="http://907britt.bandcamp.com/album/middle-of-the-rainbow"&gt;Middle of the Rainbow by 907Britt&lt;/a&gt;

Je comptais vous introduire à Britt Arnesen par le biais de son premier Lp Continental Divide (vous pouvez l'écouter en entièreté et vous le procurez sur ce lien Bandcamp) mais faute de planning surchargé, je n'ai pas eu ou pris le temps, je ne peux revenir en arrière mais avec le recul je trouve que son second opus Middle Of The Rainbow mérite davantage qu'on s'y attarde. L'américaine connue sous son 907Britt, pour la petite histoire elle est née et élevée en Alaska et le 907 correspond au préfixe téléphonique de cet état américain, est une artiste indépendante qui écume les scènes du Montana, de Washington et d'Alaska depuis quelques années.

En 2010, Continental Divide s'imposait comme un charmant album pop/folk candide et touchant cependant il est indubitable que Middle Of The Rainbow s'avère davantage abouti, sobre, on sent que la jeune artiste a beaucoup travaillé pendant les deux années qui séparent les deux disques afin de peaufiner et d'étoffer son répertoire musical. Ce nouvel opus sorti il y a seulement quelques jours, diligenté par le musicien Richie Reinholdt, est un petit bijou de folk teinté de blues voire de bluegrass.

C'est si joliment réalisé et le résultat est si spontanné, ravissant, sincère et chaleureux que j'ai littéralement fondu pour Middle Of The Rainbow et en particulier pour ces titres : le rustique No Kind Of Angel, la sexy attitude sur Come On Over, le sensible et émouvant Man On The Moon, le sublime et craquant Ciel Etoilé chanté à la perfection en français et enfin le titre éponyme qui clôt sur une jolie ritournelle Middle Of The Rainbow, genre que maîtrise désormais Britt. Et puis, j'ai failli oublier, comment ne pas succomber à une voix si belle, lumineuse, caressante et rafraîchissante ? Mission impossible pour ma part, j'espère qu'il en sera de même pour vous, elle le mérite tant.

Note Finale : 16/20

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2012 - Einar Stray - Chiaroscuro - Review / Chronique

2012-01-26T11:51:00.003+01:00

Chiaroscuro by Sabrine Carrein on Grooveshark

Einar Stray n'a qu'une petite vingtaine d'années et pourtant si il y a bien une chose qui ne compte pas concernant le talent c'est bien l'âge. Ce jeune norvégien a déjà tout compris de la musique. Il écrit, compose et a un sens des envolées symphoniques qui concurrence aisément (fingers in the nose) des artistes aussi incontournables que l'américain Sufjan Stevens et les islandais de Sigur Ros, bref c'est du lourd... enfin non c'est même tout le contraire : son univers muscial à mi-chemin entre musique classique, rock, pop, celtique et nordique s'impose comme subtile, élaborée, foisonnante, boisée, organique, d'une beauté foncièrement revigorante.

En résumé, sa première oeuvre Chiaroscuro étant apparue dans les bacs scandinaves début 2011 et qui vient d'être rééditée notamment en Allemagne en ce début 2012 (décidémment ces allemands ont des goûts bien plus intéressants que nous), l'occasion est, par conséquent, trop belle pour découvrir ce multi-instrumentaliste au talent hors pair. Accompagné (souvent) par la chanteuse Hanna Furuseth, Einar s'avère un chanteur plaisant, il enrobe avec sa voix chaude et intense, cependant il faut bien se l'avouer c'est sur son travail (de titans) concernant les arrangements et le intrumentaux que réside le principal attrait de Chiaroscuro : d'ailleurs, et je ne suis pas un cas isolé, c'est la piste de clôture : le tempêtueux et imprévisible Teppet Faller qui s'avère le point d'orgue de cet opus vertigineux et intriguant.

Einar Stray une découverte incontournable 2012. Il a assurément des points à améliorer : sa présence vocale pâle face à son talent de musicien, ses compositions (un peu trop) longues et parfois (un peu trop) brouillonnes mais on ne ne peut nier qu'un petit génie se cache sous ses traits.

Note Finale : 17/20

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2010 - Le Futur Pompiste - Premier Opus Eponyme - Review / Chronique

2012-01-25T10:12:00.001+01:00

Le Futur Pompiste by Sabrine Carrein on Grooveshark

Que connaissons-nous vraiment de la scène musicale finlandaise ? Pas grand chose, mis à part les groupes de death metal, cependant il existe pas mal de trésors cachés dans les catégories indie pop et folk ; le groupe au nom surréaliste Le Futur Pompiste en fait partie. Ce sextuor en provenance de Vaasa, souvent comparés à Stereolab ou Broadcast (on a vu pire comme références), produisent une musique pop enthousiasmante à mi-chemin entre dream pop et psychédélisme des seventies.

Il aura fallu six longues années afin de donner un successeur à leur premier Lp Your Stories and Your Thoughts (2004) mais leur nouvelle oeuvre éponyme valait le coup d'attendre. Einar Ekström (guitare, chant), Jessika Rapo (chant), Ville Hopponen (batterie), Axel Ekström (percussions), Johann Höglund (basse) et Janne Koskinen (flute) apportent leur talent et leur fraîcheur au service d'un univers musical vintage, léger, chaleureux et coloré, en résumé : absolument irrésistible. Alors pourquoi se dispenser d'un petit rayon soleil au coeur de cet hiver morose ? Aucune, je vous l'accorde :bienvenue dans leur univers.

Note Finale : 15,5/20

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2012 - Maissiat - Ep - Review / Chronique

2012-01-23T10:15:00.001+01:00

Maissiat by Sabrine Carrein on Grooveshark

"" C'est beau ! "
Voilà ce qu'on entend invariablement lorsqu'on fait entendre pour la première fois la musique de Maissiat."Ce sont les premières phrases qui apparaissent sur la biographie musicale de Maissiat. Je trouve ce qualificatif trop restreint pour décrire les premières sensations éprouvées lors de la première confrontation à une artiste aussi complexe, originale et troublante. N'étant pas une adepte naturelle de la musique francophone, j'ai été surprise par la qualité de ses compositions, de son écriture ainsi que du soin apporté aux arrangements de ses morceaux ; la française cite parmi ses références Dominique A ou encore Alain Bashung et c'est bien dans ces sentiers aiguisés et sinueux qu'elle nous emmène à mille lieux des musique de variété convenues voire dépassées.

Maissiat incarne le renouveau d'une scène francophone que je connais relativement peu où les artistes français ne se cachent pas derrière "la facilité de l'anglais" pour nous faire frémir. Elle surmonte la difficulté mélodique de cette langue pour mettre en avant sa richesse linguistique avec intelligence et poésie. Son premier Ep éponyme qui sort aujourd'hui officiellement est un prélude de son premier Lp Tropiques qui fera son apparitions dans les bacs en automne prochain. On pourrait même dire que c'est au coeur d'un paradis désenchanté que Maissiat nous propulse. Un voix sensuelle et diaphane mise en valeur par un duo de choc piano (Marc Chouarian) et batterie/percussions (Denis Bannarosh) offrent une équation parfaite et donnent un résultat voluptueux, charnel et élégant. Les cinq morceaux de cet ep respirent la perfection, leur beauté plastique envoûte durablement et leur sophistication n'en n'est que plus troublante, Iris étant le point d'orgue de cet ep fantasmagorique.

Maissiat, une découverte incontournable de 2012. L'évidence même.

Note Finale : 17/20

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2009 - Gianna Lauren - Some Move Closer, Some Move On - Review / Chronique

2012-01-22T15:19:00.000+01:00

Some Move Closer by Sabrine Carrein on Grooveshark

Il y a des artistes comme cela qui s'imposent sur la pointe des pieds dans votre vie. Ils vont et viennent sans faire de bruit dans les médias, juste dans vos oreilles qui fondent de bonheur pour leur simplicité et sincérité. La canadienne Gianna Lauren en fait partie. Peu la connaissent mais ceux qui l'ont découverte n'ont pas regretté le voyage. Discrète, cette jeune femme originaire d'Ottawa a sorti deux opus dont le dernier en date (et d'ailleurs le seul dont j'ai pris connaissance) : Some Move Closer, Some Move On (2009) qui résume bien la situation : certains se rapprocheront et d'autres passeront leur chemin lors de l'écoute de ce petit bijou folk.

J'aime l'intimisme, la bulle qu'elle crée autour d'elle et de ses auditeurs, découvrir ce dernier opus en date s'avère une expérience intense : la trame sonore est folk mais c'est bien plus riche et diversifié dans la réalité : il y a de l'électricité dans l'air dès Become What You Can't Be qui est enrobé par les angéliques vocalises de Gianna Lauren. D'ailleurs, ce petit courant électrique entourera l'album d'une aura particulière opus dont les ambiances jazzy/folk invitent à écouter les morceaux une fois que le crépuscule se soit installé au dehors afin de garder intacts le mystère et la fragilité qui transcendent la musique de cette jeune artiste si prometteuse et ensorcelante. Standstill est le must du must hear de l'opus. A découvrir, vous pourriez être surpris par un si joli univers.

Note Finale : 16,5/20

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2010 - Black Dub - Premier Disque Eponyme - review / Chronique

2012-01-22T14:50:00.000+01:00

Black Dub by Sabrine Carrein on Grooveshark

Daniel Lanois a été l'un de mes héros de l'ombre pendant quelques années. Je ne l'ai pas beaucoup écrit (ni crié sur les toits) mais lors de mon adolescence (genre 15/18 ans), j'étais une grande amatrice de U2. Oui, vous lisez bien, en fait j'étais à la limite de la fanatitude mais n'étant pas quelqu'un d'exclusif (dans le domaine musical) cela m'a toujours permis d'avoir le recul nécessaire afin de ne jamais tomber dans la subjectivité aveugle du fan. Daniel Lanois a co-produit (avec Brian Eno) sans doute les meilleurs opus des irlandais : le sous-estimé The Unforgettable Fire (1984), le classique rock The Joshua Tree (1987) et le pop culte Achtung Baby (1991), il a également produit des artistes de renom tels que Peter Gabriel, Bob Dylan, Ron Sexsmith, Emmylou Harris, les Neville Brothers et même Neil Young. Un parcours extraordinaire pour ce québécois d'origine qui a la musique dans la peau depuis toujours.

D'ailleurs, il n'est pas que producteur, il possède aussi une discographie personnelle, c'est un musicien accompli qui garde un enthousiasme intact pour le monde musical malgré ses collaborations prestigieuses. Le long de son parcours, il a fait de nombreuses rencontres musicales plus ou moins durables dont celles avec les musiciens Daryl Johnson (basse) et Brian Blade (batterie) avec lesquels il fait régulièrement de la musique depuis plusieurs années. Ne manquait plus que la chanteuse : Trixie Whitley, fille de feu le grand guitariste de blues Chris Whitley, un ami de Daniel Lanois, pour compléter le super band nommé Black Dub. En général, je suis assez dubitative concernant l'association de plusieurs artistes, ce n'est jamais un bon présage car les égos (le dernier en date Superheavy qui réunissait Mick Jagger, Joss Stone, Damien Marley et Dave Stewart a fait un four retentissant) s'entrechoquent davantage que s'harmonisent.

Black Dub c'est tout autre chose. Premièrement, les artistes qui y sont réunis sont excellentissimes mais sont tous restés relativement à l'ombre des autres : Daniel Lanois par rapport aux artistes produits, Brian Blade de Wayne Shorter et Daryl Johnson d'Emmylou Harris et ensuite parce que justement ces musiciens ont donné la chance à une inconnue du grand public de rayonner en avant plan : la belgo-américaine Trixie Whitley qui est certainement l'un de plus beaux trésors cachés de Belgique. Je vous écris tout de go : Trixie, elle est fantastique, mieux qu'Amy, que Joss Stone, que Selah Sue et toutes autres soulwoman blanche (sau Alice Russell qui reste unique), quand elle chante, elle le fait comme on construit une oeuvre d'art : chaque tonalité est pesée, habitée par la chaleur, la rondeur et l'intensité de sa voix, elle n'en fait jamais de trop et c'est d'une précision à vous couper le souffle. Bref, je ne taris pas d'éloges à son encontre et elle les mérite amplement.

Malgré ce casting de premier ordre, le premier disque éponyme de Black Dub n'atteint pas exactement sa cible. Non qu'il soit mauvais, que du contraire car les sonorités reggae, post rock qui y sont développées sont des plus intéressantes et rafraîchissantes (à défaut d'être foncièrement originales). Le groupe semble s'être enfermé dans sa bulle, les membres prennent à l'évidence beaucoup de plaisir à jouer ensemble, cela se ressent, mais l'auditeur est relégué à la position désagréable de témoin de trop et est rapidement confronté à des difficultés à rentrer dans leur monde malgré la générosité dispensée par le quatuor. C'est un peu dommage car les compositions sont de qualité et l'alchimie des musiciens évidente. Il manque peut-être la petite étincelle pour faire décoller le tout, davantage de cohérence et de consistance à leur projet. En dépit de cela, l'ensemble de l'opus provoque une écoute agréable et un peu décalée due principalement à son ambiance jamaïcaine. A découvrir pour ses musiciens de qualité.

Note Finale : 15/20

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2011 - Anna Kaenzig - Four Acres And No Horse - Review / Chronique

2012-01-20T23:43:00.000+01:00

Four Acres by Sabrine Carrein on Grooveshark

Il y a un an de cela Anna Kaenzig publiait Four Acres And No Horse. La jeune femme, au visage poupon, offrait à ses admirateurs un opus aux saveurs jazzy/folk faisant davantage songer aux paysages sauvages américains qu'à sa Suisse allemande natale. Ce premier Lp ne révolutionne pas ce genre musical pris d'assaut par beaucoup de jeunes artistes mais il est assez doux, agréable et rafraîchissant pour être mériter le détour. Une plume délicate, de jolies mélodies, une belle voix posée, sans fioritures, des arrangements soignés, bref Four Acres And No Horse est un "petit" album qui n'a d'autre prétention que celui de ravir les oreilles. C'est déjà pa mal du tout et Anna Kaenzig a tout le temps devant elle pour davantage s'affirmer... A suivre.

Note Finale : 14/20

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2011 - Jay-Jay Johanson - Spellbound - Review / Chronique

2012-01-20T14:39:00.000+01:00

Jay Jay Johanson by Sabrine Carrein on Grooveshark Looking Glass by Sabrine Carrein on Grooveshark

Quand on m'évoque Jay-Jay Johanson, j'ai toujours en tête un artiste excentrique qui a fait les beaux jours du trip hop et de l'electro pop. Je connais moins son goût pour la musique sobre, c'est peut être du à son incursion électro pop sur son album Antenna (2002, accompagné d'une pochette d'une laideur à faire frémir Marylin Manson). Tout avait bien commencé pourtant avec la sortie de son premier opus Whiskey (1997) et de son successeur Tatoo (1998) puis j'ai perdu le fil avant de le rattraper sur The Long Term Physical Effects Are Not Yet Known (2006) et Self-Portrait (2009) sans pour autant que j'accroche autant que je l'aurais espéré. Et puis bim bam bada boum la vidéo du titre Dilemma apparaît sur Youtube et c'est le coup de foudre, on vogue dans les eaux brûlantes et sinueuses de Fever et de Feeling Good. Emballé, c'est pesé, je me suis procuré la version spéciale son huitième opus solo qui porte à la perfection son titre : Spellbound.

Envoûté, le sort est lancé sur cette oeuvre qui permet à Jay-Jay Johanson de prendre un virage musical aussi prévisible qu'inattendu. Prévisible car sa voix de fausset cache en définitive de très beaux graves, et les habits de crooner qu'il emprunte sur Spellbound lui vont à ravir. Inattendu car c'est un peu l'album que tout le monde espérait mais que plus personne n'attendait, Self-Portrait semblait être le mieux qu'il pouvait faire en matière de sobriété. Raté, bien que son avant-dernier opus est tout de même une jolie perle, il restait des lambeaux d'électronique d'un joli effet mais trop attendu et j'avais envie d'entendre sa voix au naturel. Voeu exaucé à l'écoute de sa dernière oeuvre en date. Album de la maturité, habité par un magnifique artiste désenchanté, il enjôle, cajole les oreilles avec une voix splendide, fatiguée, sensuelle faisant remonter à la surface les fantômes de Chet Baker, Jacques Brel, Nick Drake et autres crooners de l'au-delà qui ont su charmé, mettre à genoux des millions d'auditeurs.

Spellbound est un album de la perfection : peu d'effets de mise en scène, peu d'instruments pour le mettre en relief, aucune cabriole vocale à l'horizon. Quelques cordes, des percussions qui semblent lointaines, des textes touchants et poétiques au service d'une voix nonchalante, d'une transparence et beauté troublantes, on la devine qu'un jour (pas si lointain), elle était pure, celle d'un jouvenceau maintenant, elle est celle d'un homme qui a vécu sa somme d'amours et de désamours et cela ne fait que renforcer cette impression de cheminement qui parcourt ce fabuleux disque. Sur un frissonnement orchestral feutré, Driftwood nous introduit avec classe sur le soulful et ténébreux Dilemma. Si Sexy et ensorcelant, que celui-ci constitue une petit claque musicale de 2011. Rien que cela ! Et que dire de la grâce absolue que véhicule le Shadows, il me fait songer à Felt Mountain de Goldfrapp. Mon album culte par excellence. Son ambiance délicate et diaphane est planante.

On The Other Side est une sublime ballade conventionnelle et angélique à faire fondre le reste de la banquise alors que Jay-Jay fait preuve d'originalité dans son choix de reprise du thème de la série culte MASH.: Suicide Is Painless. Monologue est un joyau de musique folk dépouillée auquel nous avait très peu habitué le suédois, beau à en pleurer en réalité. L'artiste renoue avec la classe de la musique jazz sur le soyeux et bouleversant Blind avant de nous plonger dans les méandres de son âme qui espère toujours aimer sur le frissonnant morceau de piano alternatif The Chain. Presque irréel tant il est beau. Le disque clôture sur des ambiances plus que jamais minimalistes, épurées avec le spleenesque et cinématographique An Eternity, le titre éponyme qui n'est au final qu'un interlude avant d'aboutir sur le brumeux et élégiaque Out Of Focus comme pour finir en apesanteur.

L'album Spellbound a également été édité en version spéciale comprenant un second disque Looking At Glass composé de reprises d'anciens morceaux de l'artiste. Un peu dans la même veine que l'album d'original, le concept piano/voix avec forte vibe jazzy imprègne ces relectures qui mises à nues révèlent leur profondeur, leur sensibilité, leur vraie couleur. C'est simple la seule reprise à preoprement dite The Thrill Is Gone s'emboîte parfaitement au milieu de toutes ces morceaux qui sonnent désormais comme des classiques de jazz. Le résultat est bluffant de mélancolie et de sobriété, rarement j'aurai autant vibré pour des reprises d'anciens titres. Ce disque apporte un plus appréciable à Spellbound. Petit chefs d'oeuvres, musts have de 2011, quelque soit l'appelation empruntée, ces deux disques sont à écouter d'urgence si cela n'est fait. Pour les amoureux du romantisme, pour les amateurs de belles musiques élégantes et épurées. Un moment de grâce absolu.

Note Finale de Spellbound : 19/20

Note Finale de Spellbound + Looking At Glass : 20/20

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2008 - Erin & Her Cello - Premier Opus Eponyme - Review / Chronique

2012-01-18T15:43:00.001+01:00

Erin and Her Cello by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je ne sais pas mais j'écoute le plus souvent dans la vie de tous les jours de la musique assez triste ou à tout le moins qui possède une trame mélancolique en filigrane. On ne peut pas dire que mon blog musical respire la joie et la bonne humeur tous les jours, je vous l'accorde. J'ai toujours considéré que faire de la musique qui vous donne la banane est beaucoup plus compliqué que de composer des morceaux tristes (même chose pour les films, une comédie réussie relève de l'exploit alors que les films vous donnant le cafard pullulent à tous les coins de rue). Cela résulte du fait qu'on a tous tendance à davantage s'épancher sur les mauvaises que les bonnes nouvelles. C'est une constatation, nous, humains, semblons davantage inspirés quand nous désirons partager le malheur que le bonheur... Et puis, je l'ai rencontrée, son nom de scène est Erin & Her Cello mais en réalité elle s'appelle Erin Hall et ce n'est pas tant elle et son violoncelle (son instrument de prédilection sur scène) qui composent le duo vedette de son premier opus éponyme (2008) mais bien sa personnalité pétillante et sa capacité à survoler les genres musicaux avec brio et légèreté. Elle m'a donné envie de sourire et de danser en écoutant sa musique, quelque chose de rare et de précieux.

On craquera pour son français si charmant sur Un Petit Problème, un morceau acoustique qui met magnifiquement en exergue le violoncelle et la délicieuse voix d'Erin. Irene prend le pas pour un morceau jazz cabaret théâtral du plus bel effet avant de prendre un aller simple pour le monde de la country sur l'entraînant et doux amer Sober. On ne peut s'empêcher de dodeliner de la tête et de taper le pied, et surtout d'avoir le sourire. Complexe, lumineux, entêtant At The Zoo est un bijou de morceau pop vintage, un hightlight incontournable de l'album. Et puis, la surprise totale, on découvre Erin sous un nouveau jour : sensuelle et troublante sur le jazzy et crépusculaire Fresh, Clean Towels,. Passé cette incursion dans une autre dimension, on retrouve Erin plus malicieuse et insaisissable que jamais sur Subway Crush et démontre une fois de plus son talent de conteuse hors pair. Après des mini trips en France, en Amérique sous diverses époques et lieux, on a droit à des chinoiseries sur mon morceau préféré : Tiny Burns. La superposition des couches sonores et pianistiques est époustouflantes. La bonne humeur et l'insouciance habitent le morceau de blues endiablé Bitten Mad tandis que On My Stoop clôt l'opus, de la même façon qu'il a débuté, sur une note intimiste et gracieuse, signature musicale d'une artiste dont le charme simple et intemporel ne peut laisser de glace.

Premier opus brillant qui attend une suite attendue avec une impatience folle. Merci Erin pour cette tranche de bonheur.

Note Finale : 17/20

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2010 - Forest City Lovers - Carriage - Review / Chronique

2012-01-12T17:42:00.003+01:00

Carriage by Sabrine Carrein on Grooveshark

Tant de belles musiques sur terre et si peu de temps pour en parler et écrire à leur propos. Je suis tellement en retard que j'ai même des albums qui datent de 2010 qui prennent la poussière sur mes étagères. C'est à ces moments là que je constate que je suis nulle part, que j'aime trop d'artistes, que je ne suis peut être pas assez sélective. Et puis non, quand j'écoute des pépites d'albums comme le dernier opus des Forest City Lovers, j'ai l'intime conviction que je ne suis pas en cause, c'est juste que les journées ne seront jamais assez longues pour vous parler de tout mais que je ferai toujours de mon possible pour vous faire découvrir un maximum de talents. Les membres de Forest City Lovers réalisent l'exploit depuis sept ans maintenant de faire l'une des plus belles musiques folk/pop du continent nord américain, c'est la classe, non ? Avec à leur atcif de nombreux ep's et deux opus : The Sun and the Wind (2006) et Haunting Moon Sinking (2008), le groupe est passé à un cran supérieur avec Carriage. Tout les prédisposait à accéder à ce niveau d'excellence : des musiciens talentueux, une chanteuse Kat Burns qui est décrite très justement comme une "princesse" par la Quenelle Culturelle, une voix magnifique, délicate et intense, à vous briser le coeur d'une seule note, des compositions solides, mélodieuses, une écriture intéressante, bref de la belle oeuvre. Ce qui leur manquait ? Un coup d'éclat que représente leur dernier né Carriage.

Et si le quatuor n'est pas encore assez connu sur notre vieux continent, c'est tout simplement incompréhensible. Comment est-ce possible que seule la Quenelle Culturelle ait fait la chronique de leur dernier opus en France, et les autres ? Des bouchons dans les oreilles ? Une question de timing peut être, j'en sais rien, je ne fais pas ma maligne pour autant car je fais la chronique deux ans après sa sortie mais mieux vaut tard que jamais. Carriage est un album multi facettes, il est ludique, surprenant, ne tombe jamais dans la facilité, il est un peu comme l'album idéal, un album témoin, un de ceux dont on ne se lasse dans le temps. Phodilus & Tyto débute sur une ambiance électrique et lumineuse, ce titre dégage une énergie irradiant l'opus d'une aura positive. Tell Me, Cancer continue sur une note de folk cosy pour aboutir sur des tonalités péitllantes, complexes, superbement maîtrisées tandis que Minneapolis nous entraîne immédiatement dans son sillon, que dis-je dans son tourbillon de pop étourdissante. Pourquoi il n'a pas été mis sur le pied d'estale de hit ou d'hymne ? Mystère ! Moment de douceur avec le mélancolique et beau Sea To Land avec d'atterrir au paradis avec Keep This Kids Inside qui pourrait être mon titre préféré. Élégant, symphonique, revitalisant, il s'avère un feu d'artifices sonore. Peu à peu le groupe se dirige vers des sonorités rock comme le démontre le psychédélique Pocketful Of Rock (partagé avec Luke LaLonde de Born Ruffians) ou le nerveux Constellations et cela leur réussi au final mais c'est invariablement vers les morceaux lumineusement folk que je suis charmée par la fin du disque avec l'intimiste et le captivant Oh The Wolves ! (Ou Es Ma Soeur), la ravissante ritournelle Light You Up et en guise de clôture le superbe rayon de soleil qu'offre If I Were A Tree.

Un Must Have pop/folk de 2010. Jamais trop tard pour s'extasier.

Note Finale : 17,5/20

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2011 - Irma - Letter To The Lord - Review / Chronique

2012-01-11T17:58:00.000+01:00

Letter To The Lord by Sabrine Carrein on Grooveshark

De temps en temps, je craque et succombe à d'autres types musicaux davantage mainstream. Par là je ne vous parle pas des infâmes Black Eyed Peas, de David Guetta, Rihanna, Beyoncé ou autres "références" relativement médiocres qui n'existent que sous le coups de marketing pour passer à la radio ou pour se produire dans des shows aussi artificiels que superficiels mais d'autres qui font peut être de la musique un peu plus convenue que ce dont j'ai l'habitude d'apprécier mais qui ont une telle sincérité que cela accroche votre attention. La jeune camerounaise Irma fait partie de cette catégorie un peu à part capable de toucher un plus large public et donc de le rediriger vers une musique un peu plus intéressante et authentique. Cette amatrice de Ben Harper ou encore de Tracy Chapman a sorti un premier opus en 2011 grâce à l'aide de ses 416 producteurs de My Major Company (c'est grâce à cette plateforme communautaire que Siobhan Wilson a pu produire Songs). En l'espace 48 heures seulement, elle décroche la somme qui lui permet de prendre les chemins du studio.

Cependant, si le processus pour récolter les fonds a été rapide, tout ne s'est pas fait sans embûches : la jeune femme a eu l'occasion d'enregistrer à New York sous la houlette d'Henry Hirsch (Lenny Kravitz) mais de retour à Paris, Irma découvre un résultat qui, loin de lui plaire, la pousse à tout à réengegistrer afin d'apporter à son opus des sonorités moins américanisées. Une fois cela de fait, Letter To The Lord est enfin prêt à jouer sur les platines. L'univers pop/folk/soul d'Irma est doux, chaleureux, sans aucune prétention, c'est "juste" la musique d'une girl next door dotée d'un belle voix jeune, ronde et veloutée capable de provoquer quelques jolies émotions. Le seul bémol, qui ne vient pas directement des faits de la demoiselle, c'est la légère saturation de cette scène pop/folk/soul franco/anglaise : Ayo, Asa, Madjo, Imany, etc. cela commence à être compliqué de se démarquer. Cependant, car aussi non je ne prendrai pas la peine de vous faire partager ce petit coup de coeur fort sympathique, j'apprécie ce que fait Irma, je la trouve rafraîchissante, lumineuse, spirituelle, elle a une jolie plume, un sens du groove impeccable, une force tranquille appréciable, ce qui rend Letter To The Lord attachant. A seulement 22 ans, Irma a tout l'avenir devant elle et on devine qu'avec un peu de maturité et davantage de prise de risques (des compositions un peu moins linéaires et plus travaillées), elle pourrait aisément se détacher du lot des appelées pour devenir une élue.

Note Finale : 14/20

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2011 - Clare Louise - Castles In The Air - Review / Chronique

2012-01-10T20:05:00.000+01:00

<a href="http://clarelouise.bandcamp.com/album/castles-in-the-air">Castles in the air by Clare Louise</a>

Dire que j'ai une bonne opinion de Clare Louise n'est plus à démontrer : je vous l'ai présentée à travers son premier ep sorti (malheureusement) de façon confidentielle il y a de cela maintenant plus de trois ans. Je vous y décrivais une jeune artiste française établie en Belgique après avoir beaucoup voyagé et même vécu une longue période en Irlande. J'aime, en toute simplicité, son univers folk raffiné et intemporel. Cousine vocale des grandes Vasthi Bunyan, Rosemary Standley (Moriarty) et d'Alela Diane, Clare Louise séduit avec une voix exceptionnelle voix haut perchée sensible et particulièrement expressive, de belles compositions rehaussées par un joli travail de cordes mis en pratique avec l'aide de la violoncelliste Charlotte Danhier et du guitariste Cédric Van Caillie. Un joli trio qui officiait pour donner forme à un premier ep réussi auquel on attendait l'ajout d'un Lp. Ce jour est enfin venu avec la sortie de Castles In The Air fin octobre 2011. Au premier abord, on pourrait croire que ce dernier n'apporte pas grand chose de neuf sous les tropiques et vous vous tromperez (peut être) de la même façon que moi. A la première écoute, je n'ai pas réussi à être transportée, puis au fil du temps, j'ai dépassé l'arbre qui cache la forêt.

Une métaphore qui vient à point nommer pour démontrer en réalité que la musique de la française n'est pas centrée que sur une certaine idée du revival folk, le monde musical de Clare Louise est à la fois riche et humble, il est poétique, subtil et fantastique à l'image de sa pochette qui est un clin d'oeil aux travaux artistiques du maître du dessin Miyazaki. Castles In The Air est une oeuvre complète qui séduit durablement car ses charmes agissent sur le long terme : les moments intimistes et mélancoliques sont intenses, bouleversants et délicieusement fébriles (le délicat imaginaire développé sur le titre éponyme Castles In The Air, le minimaliste et bluesy False Mirror, le lumineux et doux A House, le psychédélique et troublant She's Floating) d'autres sont davantage électriques et inattendus (This Dance invite à une danse aussi vertigineuse qu'entraînante, les sombres et envoûtants Be et Black Stars, l'intense et épique You Don't Know My Name, le tempétueux Hard Disk) faisant en sorte (qu'une fois de plus) Clare Louise ne tombe dans le piège de l'opus fade, sans relief, enfilant les ballades sans grande inspiration.

Castles In The Air est un petit bijou folk intemporel à écouter sans faim.

Note Finale : 16,5/20

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