焼き物 [Yakimono] - Керамика Японии

Сегодня блог переходит в формат сайта.

2017-03-09T22:00:00.000+02:00

Некоторые статьи будут редиректить на сайт orientalist.pro. Блог остается, но писать тут я уже вряд ли буду.

Всем, кому интересна тематика, ёросику на новый сайт!

Также, у вас есть возможность стать соавтором статей и писать о том, что интересно именно вам.

«Свету ли провалиться, или мне чаю не пить?»*

2014-11-29T17:33:00.001+02:00

Хочется поделиться с читателями моим маленьким любопытным открытием.

Японцы, как вы, наверное, слышали, создают мангу и аниме в любом, практически, жанре, охватывая большинство (если не сказать все) явлений современного общества и его интересов - школьная жизнь, исторические сюжеты, мелодрамы, спорт, искусство и т.д.

Не обошло стороной аниме-индустрия и керамику, а вернее тему чайной церемонии.

Сейчас я в процессе просмотра аниме "Hyouge Mono" ("Чудные вещи") и, знаете, невозможно оторваться! Несмотря на то, что сюжет вымышлен, а имена героев изменены, мы легко можем узнать и основателя школы чайной церемонии Рикю Сэн-но Рикю (в аниме Сэн-но Соэки) и его последователя Фуруту Орибэ (в аниме Фурута Саскэ).

Вся интрига закручивается вокруг фигуры Фуруты Саскэ и его страсти к редким вещам, предметам чайной церемонии. Будучи эстетом по натуре, он умудряется служить верой и правдой (хотя бывают и промахи) своему господину. Исполняя свой самурайский долг, поднимаясь по служебной лестнице, то тут, то там, он умудряется пополнять свою коллекцию "Чудных вещей".

Интересно наблюдать за незаурядным характером героя, за его метаниями между воинским долгом и эстетством. Весь якобы-исторический сюжет становится фоном для раскрытия темы вожделения прекрасных редкостей. Что тут скажешь, настоящий коллекционер! :)

* Слова главного героя повести «Записки из подполья» (1864) Ф. М. Достоевского (1821 — 1881): «Свету ли провалиться, или вот мне чаю не пить? Я скажу, что свету провалиться, а чтоб мне чай всегда пить». Ироническая фраза-символ крайнего индивидуализма, эгоизма.

Блогу 6 лет!

2014-11-29T16:32:00.002+02:00

В этот день 6 лет назад родился мой блог. Отпраздновала я его походом на маленькую, но уютную выставку "Пути и Перекрестья", посвященную керамике Раку и не только, созданной членами клуба "Свободная кисть суми-э" и занимающимися в мастерской керамики "Кудуцай".

Нэцкэ в фарфоре

2014-08-17T11:48:00.001+03:00

Тыква. Нэтскэ, Фарфор Хирадо.

Каштан завернутый в лист. Нэцкэ. Фарфор.

Морская жизнь. Нэтскэ. Фарфор Хирадо.

Коробочка для благовоний в виде собаки. Нэцкэ. Киото. Середина 19 века.

Цикада. Фарфор Хирадо. конец 18 - начало 19 века.

Разнообразие стилей и техник Кутани

2014-08-11T10:49:00.000+03:00

Данная статья является компиляцией автора блога.

Любое копирование обязательно сопровождать ссылкой на блог.

Памятник Ри Сампэй в Арита.

Фарфор в Японии появился относительно поздно - почти на тысячу лет позже, чем в Китае (620 г.). Все это тысячелетие японский двор был вынужден покупать дорогой китайский фарфор с материка или же использовать простую глиняную посуду.

Только после корейского похода Тоётоми Хидэёси, когда с корейского полуострова были вывезены целые семьи форфористов, тысячелетняя жажда фарфора могла быть утоленной.

В 1616 году корейский керамист Ри Сампэй обнаруживает в Арита залежи белой глины. Тогда же было изготовлено первое японское фарфоровое изделие.

В деревне Кутани (в пер. с яп. яз."долина девяти деревень") были обнаружены кварцевые залежи и местный правитель Маэда Тосихару способствовал постройке первой печи под управлением Гото Сайдзиро (1623-1704) - мастера, который решил пойти простым путём и не изобретать велосипед ведь секрет изготовления фарфора находится совсем рядом - в Арита. Проучившись у Сакайда Какиэмона, он выведывает секреты, технологию и способствует появлению фарфора Кутани.

Ко-Кутани или Старый Кутани (古九谷). 1650-1704 гг.

Белая глина в Японии отличалась высоким содержанием железа и различных примесей, поэтому черепок не обладал нужной белизной, был весьма тяжелый, крупнозернистый. Непластичность сырья не позволяла использовать гончарный круг и формовка производилась на специальных формах, а не на гончарном круге. Пятицветная роспись госай - красный, желтый, зеленый, синий и фиолетовый. Стиль росписи был ориентирован на китайские традиции школ эпох Мин и Цин. Мотивами были цветы, птицы, пейзажи, геометрические орнаменты.

Данный вид фарфора очень схож с Арита, но в отличии от Арита Кутани изготавливался не на экспорт. Вскоре Ко-Кутани пришло к упадку и печи закрылись почти на сто лет. Причиной закрытия печей некоторые исследователи связывают с кончиной Гото Сайдзиро и его покровителя. Другая версия связана с контрабандой фарфора Ко-Кутани. Еще одна версия гласит, что изделия печей Кутани подпали под очередной декрет правительства о запрете на роскошь.

Блюдо Ко-Кутани

Мокубэй (木米). 1805-1816 гг.

Название данного стиля произошло от имени мастера Аоки Мокубэй (1767-1833), который был приглашен в Кутани для возрождения керамического производства после ста лет упадка.

До приезда в Кутани, Мокубэй уже снискал славу в Киото как керамист, интеллектуал, знаток китайской живописи и мастер чайной церемонии сентя (листовой зеленый чай). Создавал утварь для чайной церемонии.

Керамика Мокубэя также, как и Ко-Кутани пятицветная - госай. Особой чертой стиля мастера стал красный цвет, который служит фоном его изделий. Не стоит однако считать такой тип керамики единственным в творчестве Мокубэя. Он также создавал изделия сомэцукэ (бело-синюю керамику и фарфор).

Сюжеты мастер брал из китайской прозы, поэзии и даосских текстов. Частым был мотив цветов и птиц. Вся поверхность изделий заполнялась надглазурной и подглазурной росписью, черепок практически не проступал.

Многоуровневая коробка для еды. Фарфор, надглазурная роспись. Фрукты и сцены из китайской мифологии. Аоки Мокубэй, начало 19 века. Музей Виктории и Альберта. Лондон.

Ёсидая (吉田屋). 1824-1831 гг.

Стиль получил название от The Yoshidaya Kiln Company - компании, основателем которой был Тоёта Дэнуэмон 4-ый. Его бизнес псевдоним был Ёсидая. После упадка печей Кутани Дэнуэмон 4-ый решил инвестировать в фарфор и возродить Ко-Кутани.

Для достижения цели были приглашены в знаменитые художники-керамисты - Хонда Тэйкити и Аоя Гэнуэмон.

Стилистические особенности фарфора Ёсидая заключались в четырёхцветности изделий - зеленый, синий, фиолетовый и желтый. Последний использовался как фоновый цвет и покрывался ритмичным точечным рисунком. Изделия Ёсидая часто называют Ао-Кутани (синий или зеленый Кутани).

Как и в фарфоре Мокубэй, в Ёсидая практически не было проступающих сквозь надглазурную роспись участков белого черепка изделия, вся поверхность покрывалась растительными орнаментами, изображениями цветов и птиц. Причиной тому была та же проблема, что и в фарфоре Ко-Кутани и Мокубэй - мастерам пока не удавалось достичь чистого белого оттенка черепка.

Кроме того, черный контур рисунка Ёсидая стал тоньше в сравнении с Ко-Кутани и, как следствие, роспись приобрела большую утонченность и детализацию.

На протяжении своего недолгого существования, компания Ёсидая испытывала финансовые трудности, дело становилось нерентабельным, а владельцы компании сменяли друг друга, передавая наследнику всё большие долги. В конце концов Дэнуэмон 7-ой, не справившись с положением дел, продал дом и семейный бизнес в 1833 году.

Однако, вклад компании Ёсидая несмотря ни на что велик и стиль Ко-Кутани получил если не продолжение, то развитие. И поныне существуют мастера, создающие фарфор в стиле Ёсидая.

Ваза с павлинами. Ёсидая.

Иидая (飯田屋) 1830-1845 гг.

Миямото Уэмон купил печь Ёсидая у Дэнуэмона 7-го и нанял прекрасного рисовальщика Иида Хатироэмон. На тот момент Иида уже получил опыт росписи ака-э (в пер. с яп. "красная картина") в печах Миндзан, работая у Миямото Уэмона он становится основателем стиля Хатиродэ или Иидая. Следует отметить, что в то время уже существовали и дургие художники ака-э, судя по всему это был популярный способ декора фарфора и керамики.

В стиле Иидая использовалась роспись красным по белому фарфору с орнаментальными мотивами золотом. Черепок фарфора и в то время не отличался белизной, но в сочетании с красной и золотой красками - этот "дефект" не требовалось маскировать. Иида Хатироэмон был искусным рисовальщиком и его изделия отличаются тонкостью линии и детализацией декора - цветы и птицы, разнообразные растительные и геометрические орнаменты, пейзажи.

Печь Миямото производила не только изделия Иидая, но и Ёсидая и Ко-Кутани. Наряду с чашами для чая, и утвари для чайной церемонии создавались сосуды для сакэ.

Бутыль для сакэ. Стиль Иидая.

Эйраку (永楽) 1865-1868 гг.

Художественный стиль Эйраку приобрел известность, когда мастер в 12-ом поколении Эйраку Вадзэн (1823-1896) прибыл из Киото, в Кутани чтобы управлять печью Миямотоя, где существовал до этого стиль Иидая и которая с приездом мастера была переименована в Кутанихон.

Кинрандэ - название техники росписи золотыми арабесками по цветному фону, известного с 16 века и пришедшего в Японию из Китая. Эйраку Вадзэн использует золотую роспись по красному фону изделий.

Однако, красно-золотой не единственный тип фарфора, который создает мастер. Необходимо упомянуть, что отец Вадзэна - Дзэнгоро Ходзэн (1795-1854) 11-ый освоил секрет китайского фарфора династии Мин, и на ряду с кинрандэ превосходно владел техниками сомэцукэ (бело-голубой фарфор), селадон и др. Эти техники, как фамильное достояние и перенял Эйраку Вадзэн.

Эйраку Вадзэн. Чаша в техниках сомэцукэ и кинрандэ.

Сёдза (庄三) 1841-настоящее время.

Название художественного стиля происходит от имени мастера Сёдза (1816-1883), который также, как и его предшественники был приглашен в Кутани для развития фарфорового производства.

Его творчество примечательно тем, что он использует все перечисленные выше стили, чтобы создать богато украшенные, филигранно выполненные работы, которые быстро стали популярны на западе. Изделия Сёдза так пришлись по вкусу европейцам, что отныне именно его стиль стали считать "настоящим" Кутани. Его даже стали называть Отцом Кутани.

Из его мастерской вышло много прекрасных мастеров. В числе самых знаменитых Касами Яитиро, Такэгоси Дзэмбэй I,Токуя Сандзи, Накагава Дзинсаку, Исо Эмон, Накано Тюдзи.

Блюдо в стиле Сёдза. Возможно, сам Сёдза.

Это были основные художественные стили печей Кутани. Ниже перечислены другие разновидности декора фарфора Кутани.

Аотибу - (от яп. "Синее зерно") способ оформления фарфора и керамики путем нанесения сине-зеленых точек часто в виде центрических линий. Мастер должен соблюдать равномерное нажатие на кисть, чтобы точки были одного размера и располагались строго по незримому контуру рисунка. Благодаря такому способу декора, поверхность изделия становилась рельефной. В дополнение к синим точкам фарфор оформлялся изящными золотыми арабесками в виде цветов. Имеются вариации, когда вместо синей эмалевой краски используется белая или золотая, а также совмещение с другими техниками, например с кинрандэ.

Гинсай - ("гин"от яп. "серебро") нанесение серебряной фольги под прозрачную или цветную глазурь изделия. Также существует Юри Кинсай - техника с использованием золотой фольги.

Как следует из определения, техника отличается от кинрандэ тем, что серебро и золото (в листах или порошковое) наносится под прозрачную глазурь, что создает более яркое сияние росписи. Таким образом золото и серебро не потускнеет, не оботрется и будет служить в веках.

Ваза с журавлями. Гинсай.

Ваза Юри Кинсай с орнаментом "сараса". Ёсита Минори, 2012 г.

Ёсай - способ декора четырьмя цветами путём поливания поверхности изделия глазурями таким образом, что две рядом нанесенные глазури смешиваются, создавая мягкие переходы и новые оттенки. Чем-то данная техника напоминает сансай. Знаменитыми мастерами Ёсай являются Ясокити Токуда III и Хироси Сибата.

Ясокити Токуда III. Ваза Ёсай, 2003 г.

Источники:

1. www.kutani.co.jp

2. www.ishibi.pref.ishikawa.jp

3. www.onishigallery.com

4. www.gbouvier.com

Ай Вэйвэй "Волна", 2005 г.

2014-08-10T19:01:00.003+03:00

Источник.

Ито Нандзан в Российском Этнографическом Музее

2014-08-06T19:25:00.000+03:00

Ито Нандзан. Коро (коробоска для хранения благовоний) с драконом.

Ито-сан и я.

Сегодня побывала на выставке современного японского фарфора мастера Ито Нандзана 伊藤南山 (Киото) в Этнографическом музее. Несколько дней назад я анонсировала это небольшое событие.

Впечатления от выставки самые хорошие, несмотря на душный зал. После вступительного и ответного слов обеих сторон (делегация из Японии и представители администрации Ленинградской области) все принялись рассматривать яркие, звучные работы Ито-сана.

Посетителей "с улицы" было совсем немного (реклама проекта была совсем мизерная), поэтому неудивительно, что меня попросили дать небольшое интервью и сфотографироваться с мастером, что я с удовольствием и сделала.

Ито-сан мастер в третьем поколении и создает красочную посуду Кё-яки с применением техники kouchin.

Кё-яки - керамика и фарфор, производимая в Киото с середины 17 века, почти параллельно с фарфором Арита. Только в отличии от Арита, фарфор Кё-яки был ориентирован не на внешний рынок, а на внутренний и учитывал вкусы двора. Интересной особенностью было то, что керамика и фарфор Арита чаще всего создавались без подписей. Оно и логично, поставленное на поток производство фарфора для угоды европейцев не требовал подписей. Фарфор из Киото, наоборот, был исключительно авторским и имел клейма мастеров, таких как Огата Кэндзан, Нономура Нинсей, Аоки Мокубэй. Декор изделий Кё-яки богат и орнаментален, часто с обильным золочением и предназначался для чайных церемоний.

Ито Нандзан. Мидзусаси - сосуд для холодной воды.

Ито Нандзан. Фрагмент тяван.

Техника kouchin (交趾) представляет собой нанесение орнамента на поверхность бисквита изделия путем выдавливания глины из конуса с отверстием на конце. Что-то наподобие того, как кондитер украшает торт кремом :) После обжига, в образовавшиеся ячейки кистью наносится эмалевая краска.

Ито Нандзан. Коро - коробочки для хранения благовоний.

Ито Нандзан. Тяван.

Для сравнения. Эта одна из последних чаш Ито Нандзана. Ниже чаша Нономуры Нинсэй 17 век.

Сайт мастера.

Осакский музей керамики Востока

2014-08-02T18:25:00.000+03:00

Осакский музей керамики Востока.

Керамика из префектуры Киото

2014-08-02T17:25:00.000+03:00

Флаг префектуры Киото

5 августа 2014 года в Российском Этнографическом Музее пройдет открытие выставки "Керамика из префектуры Киото".

Экспозиция организована в рамках 20-летия подписания соглашения «О дружбе и сотрудничестве между Ленинградской областью и префектурой Киото (Япония)», сообщает пресс-служба областного правительства.

Именно в Киото мастера стали создавать фарфоровые предметы в особом, утонченном и изысканном стиле, который получил широкую известность. Зачастую фарфор инкрустирован драгоценными камнями.

Метод производства керамики, зародившийся под влияние китайского и корейского гончарного искусства, развился в уникальное японское ремесло.

Завораживающий стиль кермики «коучинкоджи», напоминающий изделия «сансай» из Китая, заимствован японцами у мастеров из Вьетнама примерно 400 лет назад. В названии керамики «коучинкоджи» и «сансай» отражен способ и место производства.

На выставке представлены предметы чайной церемонии, предметы для сервировки стола, курительницы, подставки, миски для риса и др. Автор выставочных экземпляров Нандза Ито — автор многих персональных выставок за рубежом.

UPDATED: Отчет о прошедшем мероприятии.

Ссылка на источник.

Керамика в акварелях Яманака Осаму.

2014-08-01T19:28:00.003+03:00

Обновление блога.

2014-07-21T16:51:00.001+03:00

Зевающий Дарума.
Керамика Кутани.
Подзний период Мейдзи.

Дорогие читатели моего блога.

В ноябре этого года моему детищу исполнится шесть лет. К этой праздничной дате я хотела бы полностью привести его в порядок. Работа над оптимизацией уже ведется.

Изменен дизайн под более современный, проверяются ссылки на актуальность, добавляются кнопки соцсетей под каждым сообщением, чтобы вы могли делиться понравившимся постом с вашими друзьями. В тестовом режиме под каждым постом добавлена кнопка "Donate".

Также перечитываю посты и корректирую их по необходимости. Особое внимание уделяю комментариям с запросами интересующих вас тем.

Но главное, это то, что я стараюсь каждый день узнавать что-нибудь новое и делиться с вами.

Если у вас будут какие-либо пожелания и рекомендации, касающиеся информативности статей или оформлению блога - комментируйте.

P.S. В виде иллюстрации к этому посту я выбрала Зевающего Даруму, который в процессе своих долгих медитаций зевал и потягивался, чтобы тело наполнялось силой, а разум становился ясным. Зевайте и потягивайтесь чаще ;)

Омори Дзюмпэй и его яркие дзёмоны.

2014-07-20T21:22:00.002+03:00

Омори Дзюмпэй обращается к древней керамике периода Дзёмон и являет нам любопытный синтез доисторической эстетики и современного дизайна.

Помимо разноцветности, нам сразу бросается в глаза иная технологическая основа создания декора его ваз и горшков - орнаменты не лепные, а резные. Другие работы Омори Дзюмпэй тут.

Омори Дзюмпэй. Красный Дзёмон. 2011 г.

Горшок Дзёмон. Середина эпохи Дзёмон (2500 - 1500 гг до н.э.)

Искусство стран Востока. Анисимов А.Н., Гумилев Л.Н., Желоховцев А.Н.

2014-07-20T16:14:00.000+03:00

Хочу порекомендовать вам, дорогие читатели, этот сборник статей об искусстве стран Востока. И хоть он и заявлен, как учебное пособие для учащихся старших классов, уверена, что он будет очень полезным всем интересующимся культурой Востока и Японии в частности.

Книгу можно приобрести на Alib.ru или же читать он-лайт тут.

Лично я люблю "живые" книги, особенно те, что выпущены до девяностых годов и завтра я стану обладательницей этого сборника, изданного в 1986 г.

Моя статья на сайте галереи KASUGAI.

2014-07-19T15:14:00.002+03:00

На сайте галереи японского искусства KASUGAI появилась моя статья об уникальном мастере фарфора Кутани - Кадзунори Такэгоси и его персидском голубом фарфоре.

Чем же уникален этот автор, вы можете узнать пройдя по ссылке.

Стиль Орибэ.

2014-07-14T20:17:00.000+03:00

Стиль Орибэ в японской керамике. (С 16 в по наст. вр.)

Основатель стиля, Фурута Орибе (1543-1615 гг.) был японским генералом и следующим после основателя мастером чайной церемонии знаменитой школы Рикю, основанной в XVI веке.

Для чайной церемонии Фурута Орибэ выбирал посуду, резко отличавшуюся по внешнему виду от традиционно использовавшейся в чайном действе. Для чашек и других емкостей были характерны асимметричные формы. Очень часто предпочтение отдавалось деформировавшейся во время обжига посуде. Известен случай, когда в качестве кувшина-мидзусаси Орибэ использовал керамические емкости с трещинами, из которых вытекала вода. В чайных чашках, в которых мастер приготовлял гостям напиток, нередко неудобно было размешивать веничком-шлсэн чайный порошок. Однако оригинальность внешнего вида имела для Орибэ, пожалуй, более важное значение, чем пригодность утвари в утилитарном плане.

Чайная утварь у Фурута Орибэ была, как правило, японского изготовления с гончарных производств в Сэто и Бидзэн, причем новая. По свидетельству трактата "О чае", чайные чашки, которые Орибэ использовал из года в год, были свежеобожженые и искривленные изделия из Сэто. Орибэ выносил в чайную комнату и другие чайные чашки, большей частью они были обожжены в том же году. Именно такую утварь чайный мастер, судя по Записям услышанного от господина Фурута Орибэ, признавал отвечающей принципам эстетики ваби. Еще при жизни Сэн Рикю Орибэ повернул во время чайной церемонии в сторону гостей впадину на керамической чайнице, и Рикю похвалил своего ученика.

По свидетельству крупного феодала Окоти Кимбэя, знавшего Орибэ, чайный мастер умышленно разбивал утварь тонкой работы и отдавал ее в ремонт, чтобы она выглядела совершенной.

Впоследствие он создал своеобразный стиль, сочетавший грубоватую небрежность форм раку и элегантную простоту декора. Изготавливались первые изделия в гончарных печах Мино (Префектура Гифо). Глина, с высоким содержанием железа, формируется вручную на гончарном круге или рапированной лепкой. Орибэ использовал зеленую глазурь, полученную путем смешения пепловой глазури с полевым шпатом и окисью меди (сульфатом меди). Такой глазурью покрывалась только часть изделия, а на оставшуюся открытой поверхность коричневым железистым пигментом наносился эскизный узор, который затем окрашивался белой полевошпатной глазурью. Для получения бриллиантового зелёного цвета, изделия Орибэ подвергают окислительному обжигу при температуре 1220 С. Мастер говорил, что эти цвета, ставшие традиционными, отражают расцветку изготавливаемых в ту эпоху тканей.

Поверхность Орибэ расписывается живими геометрическими узорами, узорами природных явлений или их сочетанием. Они предельно лаконичны и изящны: рисовый колосок, сохнущая на шнурке хурма, спицы колеса. Были времена, когда роспись выполнялась детьми ,которые еще не заботятся о совершенстве владения кистью. Сквозь кракелюры в черепок проникают частицы чая, окрашивая его и образуя сетку благородной патины, которая с каждым употреблением чаши становится все красивее.

Существует несколько ответвлений этого стиля, например Наруми Орибэ. Тело сосуда делалось из красной глины, что дает возможность использования белого ангоба. Белые пятна почти всегда обрамлены коричневой росписью.

Куро (черное) Орибэ очень ценилось в период начала развития этого стиля, так как оно лучше подходило к идеалам ваби, чем коричнево-зеленое Орибэ. Декорировались изделия строгими черными в основном геометрическими узорами. Внешне они очень походили на Раку, но видно было, что обжиг производится при более высокой температуре, и черепок был гораздо тверже. При росписи иногда использовались шаблоны - их накладывали на те части, которые должны были оставаться белыми перед окунанием в глазурь.

Взято тут.

И снова Кинцуги!

2014-07-12T16:29:00.000+03:00

Иллюстрация с сайта Ассоциации Ремесла Кинцуги.

Все любят кинцуги! За последний год пост об этой технике стал очень популярным.

Только сегодня нашла сайт ассоциации ремесленников, специализирующихся на ремонте разбитых керамических изделий и изделий из лака, дерева и стекла с применением кинцуги.

Делюсь ссылкой, мало ли кому пригодится.

Наследник династии Какиэмон.

2014-07-11T14:05:00.004+03:00

Документальный фильм об истории фарфора, производимого несколькими поколениями семьи, чье наследие не стареет со временем и противостоит современному массовому производству. Фильм затронул

Трейлер.

Фильм полностью (рус).

Особенности стиля и декора керамических изделий Японии эпохи Мэйдзи (1868-1912)

2014-07-06T17:04:00.002+03:00

Кондратова А.О.

Дипломированный специалист, Санкт-Петербургский Гуманитарный университет Профсоюзов

Аннотация

Актуальность исследования заключается в том, что в данное время в обществе возник большой интерес к искусству Японии в целом, и к предметам керамики эпохи Мэйдзи в частности. Коллекционирование этих предметов – выгодное капиталовложение, но пока ещё довольно рискованное, так как нет исследований, в которых содержатся подробные сведения о стилях и видах японской керамики изучаемой эпохи. Цель исследования — выявить отличия и стилистике керамических изделий, изготовленных в период Мэйдзи, на экспорт и для внутреннего рынка. Материалы этой работы могут быть полезны начинующим коллекционерам, владельцам галерей и антикварных салонов, арт-дилерам, искусствоведам, и всем тем, кто интересуется японской керамикой эпохи Мэйдзи.

Стилем, или стилистическим оформлением японской керамики, следует считать совокупность признаков, характеризующих предметы керамики определенного региона или центра изготовления. К этим признакам относятся колорит, орнамент, декоративные элементы или сюжет росписи.

Изначально, японские гончары-ремесленники в росписях керамики копировали китайские или корейские образцы. Это объясняется тем, что фарфор появился в Японии позднее, чем у её ближайших соседей, и тем что первые печи на территории Японии были построены корейскими гончарами.

Первый фарфор в Японии появился в начале XVII века, в Арита, и в подражание китайскому фарфору Минской эпохи, мастера стали украшать сосуды подглазурной росписью, используя голубую или синюю краску, полученную из минерального кобальта [Илл.1]. Поэтому фарфор этого периода довольно сложно отличить от китайского (Каневская Н.А. Японский фарфор XVII – XIX вв.. По материалам коллекции Государственного Музея Востока. – М.:ГМИНВ, 2004. — С. 6.) [Илл.2].

1. Блюдо Арита, конец XVII в.

Подглазурная роспись кобальтом, д 26см.

Государственный Музей-Заповедник Гатчина,

Санкт-Петербург.

2. Блюдо, Китай, 1644-1662.

Роспись кобальтом в стиле «цветы и птицы».

Государственный Музей-Заповедник Гатчина,

Санкт-Петербург.

На экспорт керамика из Арита вывозилась через город-порт Имари, потому в Европе она получила известность как керамика Имари. Для более точной атрибуции керамики, изготовленной в этом регионе, Н.А. Каневской была предложена хронология, по которой изделия до 1868 года из провинции Хидзэн, где находится городок Арита, называлась Имари, в разных вариациях, а с 1868 все именовалось керамикой Арита.

Фарфор, сделанный в Арита в 1620-1650 годах, назывался сёки-Имари, а изделия 1650-1720 годов – ко-Имари (Каневская Н.А. Японский фарфор XVII – XIX вв.. По материалам коллекции Государственного Музея Востока. – М.:ГМИНВ, 2004. — С. 15).

3. Блюдо, XVII в. Керамика Ао-Кутани,

надглазурная роспись, эмаль, д 20 см.

Коллекция Хасэбэя, Токио.

В 1650-1710 годах был создан фарфор, сильно отличающийся по стилю от Ко-Имари, который пользовался большой популярностью у японцев и получил название Ао-Кутани (зелёные Кутани) [Илл.3]. В декоре его использовались стилистические приемы, характерные для японского декоративного искусства XVI-XVII вв.

Керамика Арита знаменита цветом подглазурной эмалеи, особенно это относится к изделиям Ао Кутани – так называемое зеленое кутани. Типичные цвета керамики Арита – интенсивный зеленый, в сочетании с желтым, черным, синим, и пурпурно-красным, переходящим в темно-фиолетовый. Самые знаменитые изделия Ао-Кутани восходят ко второй половине XVII века. Преимущественно, это большие, парадные блюда с пышной росписью, выполненной в двух или трех цветах. Более мелкие предметы украшены, как правило, скромнее, часто только одним рисунком, выполненным в характерных тонах кутани, на белом фоне [Илл.4].

4. Тарелка, эпоха Эдо XVII -середина XVII в.
Керамика Кутани, д 19,5 см.
Музей Хатакэяма, Токио

Керамика 1823-1831 годов получила название Сайко-Кутани (возрожденный Кутани), и создавалась гончарами купца Ёсидая, который привлек мастеров из Кутани, Киото и Сигараки. Для стиля Сайко-Кутани характерно возвращение к технике Кинрандэ с использованием в большом количестве красной и золотой эмали.

В 1848-1863 керамика Ко-Кутани (старый Кутани) внешне похожа по стилю на Ко-Имари – это также сине-белый фарфор с подглазурной росписью.

В XVIII-XIX веках стиль Имари сильно развился благодаря тому, что в Арита работало очень много мастерских, и все они производили предметы разного стиля. Так, стиль Имари этого периода включал в себя такие стили как Хакудзи, Рури, Суйсака, Сэйдзи, Сомэцукэ, Иро-э, Кинрандэ и Нисикидэ (Каневская Н.А. Японский фарфор XVII – XIX вв.. По материалам коллекции Государственного Музея Востока. – М.:ГМИНВ, 2004. — С. 15).

Во второй половине XIX века в стиле Кутани создавались фарфоровые изделия с тонким черепком, и важное место отводилось декоративной роли белого цвета.

На протяжении всего XIX века по всем районам страны продолжалось активное распространение стиля Имари.

В 1868 году стиль изделий, изготовленных в окрестностях Имари-Арита, был окончательно назван Арита. Изделия, выполненные в этом стиле, расписывались синим кобальтом с обильным добавлением красной и золотой эмалей. К основной синей подглазурной росписи, добавлялась роспись золотыми красками, благодаря чему создавалось ощущение глубины и казалось, будто один сюжет наплывает на другой. Часто встречаются композиции из цветов и орнаменты, по краю горловины, или отделяющие одну часть сосуда от другой.

5. Миска, конец XVII-начало XVIII в.
Керамика Какиэмон, д 23,5 см.
Музей Хатакэяма, Токио.

Керамика Какиэмон отличается от остальных изделий Арита чрезвычайно изящным рисунком, гармонирующим с нерасписанной поверхностью. Этот эффект можно обнаружить на изделиях с цветными эмалями [Илл.5], и на предметах с подглазурной росписью. Сакаида Какиэмон (1596-1666) – создатель керамики, разработал особо тонкий фарфор отличного качества. Его изделия были расписаны полихромными эмалями по молочно-белому фону. Иногда в живописи цветными эмалями различимы тонкие черные контурные линии, благодаря которым рисунок выделяется на фоне. Изделия Какиэмон также знамениты тщательно нанесенной подглазурной росписью кобальтом и подглазурной и надглазурной эмалью.

6. Блюдо, начало XVII в. Керамика Набэсима,
шир. 18,5. Музей Хатакэяма, Токио.

Набэсима – еще один вид фарфора из Арита, совершенно другого стиля и качества. Лучшие годы новаторского дизайна Набэсима приходятся на первые три десятилетия XVIII века (Искусство Восточной Азии (Ostasiatische Kunst). Сост. Г.Фар-Бекер. Пер с нем. Бушуева Ю.С., Яшина Г.А., Цымаблова О.Б. – Мюнхен: Tandem Verlag GmbH, 2007. — С.620). Для керамики этого стиля характерны круглые блюда, которые выпускались в наборах по пять, десять или двадцать штук. Кроме того, изготавливались маленькие чашки, сосуды для сакэ, курильницы. Большинство блюд и подносов имели высокие основания, украшались под- или надглазурной росписью, разноцветными эмалями, иногда с использованием только зеленого селадона или в комбинации с другими цветами [Илл.6]. Декоративное оформление было изысканным и исполнено с фантазией, в композициях часто использовались рисунки тканей того времени.

7. Чаша с праздничной процессией Вторая половина XIX в.
Ябу Мэйдзан (1853 — 1936), керамика Сацума – Осака,
фаянс, роспись, позолота.
Государственный Музей Востока, Москва

Керамика Сацума выполнена из светлой керамической массы и покрыта глазурью с мелкими трещинками, с яркой росписью и позолотой [Илл.7]. Большая популярность в Европе XIX – XX века керамики Сацума вызвала производство предметов в этом стиле в других гончарных центрах Японии. Эти изделия предназначались для вывоза на европейский рынок.

На формирование стиля керамики Сацума оказали влияние корейские и китайские образцы. Это четко прослеживается в орнаментах на сосуде из темной глины с инкрустацией белым ангобом, сосуде с рельефным изображением птицы, и на фигурке Хотэя — божества довольства и благополучия [Илл.8].

8. Хотэй, Япония, 1870-е гг. Мастер Кидзан, керамическая масса, глазурь, полихромная роспись, позолота, высота 7,7 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

К середине XIX века в мастерских Кагосима, Наэсирогава и Татэно сформировался свой особый стиль керамических изделий: из черепка кремового цвета с мелким кракелюром на глазури и полихромной росписью, получившей название нисикидэ («парчовый узор» или «золотая парча»). Примером такого рода изделий может послужить фигура слона, украшенная сложной росписью [Илл.9]. Одним из характерных приемов, использовавшихся керамистами Сацума, является широкое применение ажурной резьбы, как это видно в декоре коробочки с крышкой [Илл.10].

9. Слон с трехъярусной пагодой на спине, 1890-1891 гг. Мастерская Того Дзюкацу.
Керамика Сацума. Керамическая масса, глазурь, надглазурная роспись, позолота, высота 42 см.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

10. Коробочка с крышкой, Япония, конец XIX – начало ХХ века.
Керамика Сацума, керамическая масса, глазурь, резьба, надглазурная полихромная роспись, позолота.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Кинкодзан Собэй VI (1824 — 1884) и Кинкодзан VII (1867 — 1927) — первые мастера, создававшие предметы в стиле Сацума. Кроме орнаментальных мотивов и композиций в жанре «цветы и птицы» в 1870 — 1880 годах широкое распространение получили жанровые сцены с сюжетами из литературных произведений и легенд о доблестных воинах прошлого (Японская керамика Сацума в собрании Эрмитажа. Каталог выставки / сост. Т.Б. Арапова, А.А. Егорова; Государственный Эрмитаж. – СПб: Издательство государственного Эрмитажа, 2009. — С. 72.) [Илл.11].

11. Ваза со сценами из рассказа о победе
Минамото-но-Ёримицу (Райко) и его вассала над демонами
на горе Оэ, 1870 — 1890-е гг. Мастер Кинкодзан Собэй VII,
Киото, Япония. Керамическая масса, глазурь, роспись,
рельеф, позолота.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

К концу XIX века литературные сюжеты уступают место сценам праздников, развлечений и изображениям знаменитых видов древней столицы. Декоративное оформление усложнялось, так как контакты со странами Европы расширили технические возможности гончарного производства. Так, в частности, японские мастера стали использовать технику Суйкин («жидкое золото»), заимствованную у художников Мейсенской фарфоровой мануфактуры в Германии.

В 1880 — 1890-е годы появляются росписи с мелким цветочным узором, изображениями миниатюрных птиц, бабочек. В таком стиле исполнен декор чашки с изображением бабочек внутри [Илл.12].

12. Чаша с декором из мелких бабочек, 1890-е гг.
Кинкодзан Собэй VII, Киото, Япония.
Керамическая масса, глазурь, роспись, позолота.
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

13. Ваза с изображением птиц, 1880-е гг..
Мастер Кодзан (1846 — 1916),
роспись, золочение.
Государственный Эрмитаж,
Санкт-Петербург.

С именем Миягава Кодзана (1846 — 1916) связано появление изделий, в которых роспись комбинировалась с высоким рельефом и отдельно выполненными фигурками птиц и насекомых. Такие изделия получили название Сайкумоно (изделия ручной работы). Представление о них дает ваза с изображением птиц на ветках из мастерской Кодзана [Илл.13].

Рост спроса на японскую керамику за рубежом вызвал появление торговых компаний, заказывавших изделия определенного типа, для этого издавались специальные альбомы заказов с образцами форм и декора. В Сацума создавались формы для чайных и кофейных сервизов, украшенных высоким рельефом, а в Иокогама они расписывались. Сюжетами служили батальные сцены, изображения божеств, архатов и драконов на фоне пейзажа, которые тиражировались на самых разных предметах. Часто применялся рельеф, тиснение, роспись плотными красками, создающими рельефные линии, позолота. В некоторых случаях сюжетная роспись комбинировалась с геометрическими узорами, орнаментами в виде золотых точек, на их фоне помещались гербы семьи Симадзу [Илл.14] — императорского дома (Японская керамика Сацума в собрании Эрмитажа. Каталог выставки / сост. Т.Б. Арапова, А.А. Егорова; Государственный Эрмитаж. – СПб: Издательство государственного Эрмитажа, 2009. — С. 14).

14. Фрагмент: герб клана Симадзу.
Ваза. Фаянс Сацума. Конец XIX в,
глазурь, роспись, позолота.
Галерея Шон, Москва.

Исследование стилей в керамике эпохи Мэйдзи, и их разновидностей позволяет сделать вывод, что в данную эпоху существовало несколько ведущих центров гончарного производства. Фарфоровые изделия, выполненные в стиле Арита, Имари и Кутани, в XVIII веке производились в районе окрестностей одного города и имеют между собой много общего. Во всех стилях использовалась роспись синим кобальтом. К середине XIX века каждый из этих стилей приобретает характерные особенности. В изделиях Кутани появляется больше зелёного цвета, в роспись Имари активно вводится красная эмаль. С началом экспорта фарфора в Европу, с учетом европейских вкусов, стало применяться обильное золочение. Фарфор Набэсима расписывался подглазурными красками по особой технологии. В сюжетах часто можно встретить изображения цветов – символов императорского дома или ведущих кланов Японии, так как изготавливался этот фарфор по заказу представителей японской знати, и по специальному заказу для европейских аристократов.

Керамика выполненная в стиле Хирадо, практически не расписывалась, потому что гончары стремились показать высокое качество глины и натуральный белый оттенок. За редким исключением можно встретить предметы Хирадо, в декоре которых применяется цветная эмаль. В эпоху Мэйдзи мастера могли только украсить некоторые детали предмета позолотой.

Сацума – ведущий стиль керамики в эпоху Мэйдзи. Изделия, выполненные в этом стиле имеют молочно-белый оттенок керамической массы, которую, правда, иногда трудно увидеть за обильным декором. Керамика Сацума расписывалась яркими разноцветными эмалями по глазури с кракелюром. Сюжеты отвечали представлениям европейцев о японцах: исторические сцены сражений, самураи, гейши, мифологические персонажи и т.п.

В эпоху Мэйдзи начался выпуск предметов фарфора всех стилей для экспорта в Европу, которые соответствовали быту европейцев: чайные и кофейные сервизы, парадные блюда, большие напольные вазы и др.

Подводя итог тому, какими стилистическими особенностями обладают керамические изделия эпохи Мэйдзи, следует отметить, что под влиянием европейского рынка, среди предметов японского фарфора стали появляться такие изделия, которые никогда не существовали в Японии, но активно применялись в Европе: парадные вазы, блюда, наборы посуды, чайные и кофейные сервизы и т.п. В каждом из стилей керамики, мастера стараются сохранить все традиционные черты и виртуозно сочетают их с новыми декоративными приемами – золочением и контрастными эмалями.

Литература.

1. Искусство Восточной Азии (Ostasiatische Kunst)/ сост. Г.Фар-Бекер. Пер с нем. Бушуева Ю.С., Яшина Г.А., Цымаблова О.Б. – Мюнхен: Tandem Verlag GmbH, 2007. – 740 с.

2. Каневская Н.А. Японский фарфор XVII – XIX вв. По материалам коллекции Государственного Музея Востока. – М.:ГМИНВ, 2004. –74 с.
3. Японская керамика Сацума в собрании Эрмитажа: каталог выставки/ Государственный Эрмитаж; сост. Т.Б. Арапова, А.А. Егорова. – СПб: Издательство государственного Эрмитажа, 2009. – 168 с.

Источник.

Зимние травы.

2014-07-06T13:04:00.000+03:00

Нашла пост новосибирского художника-керамиста Владимира Юделевича о вазах, зимних травах и поэзии. Написано очень проникновенно и живо, поэтому спешу поделиться.

Внимательно вглядись:

Цветы пастушьей сумки

Увидишь под плетнём...

В прежние времена я почти не замечал красоты трав, во всяком случае, пока был молод. Всё деревья, знаете ли, рисовал... Как теперь могу судить, очень плохо. Не способен нарисовать множество веток и листьев так, чтобы из них возникла сложная цельность более высокого порядка тот, кто и одиного листа изобразить не сумеет хотя бы так, как художник Ниггль у Толкиена. А лучше как Сэссю... Японцы, кстати, всегда понимали силу и монументальность трав, способных заполнить двухметровые сёдзи не хуже какого-нибудь кипариса. Сёдзи расписывать мне не пришлось, но для вазовой живописи травы оказались очень подходящим сюжетом. Сгибаясь по ветру и охватывая криволинейную поверхность стеблями и листьями, наши сибирские ковыли и осоки ничуть не менее прекрасны, чем воспетая Сайгё "трава сусуки"...

Да разве только они? Любой сорняк, хоть лопух, хоть репей, и даже злостный мой огородный враг - осот - все они прекрасны своей подлинностью и для внимательного зрителя обладают особой, незаезженной красотой. Рисовать сакуру нам, пожалуй, не стоит, а травы наших полей - другое дело. А почему именно зимние? Пусть это будет элемент моего личного восприятия. Осенний холод и первый мороз, скручивая листья, придают им неповторимую индивидуальнось старческих лиц. Летом все травы несколько имперсональны, как персонажи Пьеро делла Франческо; зато осенью, на пороге увядания, приобретают уникальность, которая, сказать по секрету, присуща всему на свете - каждому мгновению, каждой вещи и каждому человеку, вот только надо быть чем-то больше, чем мы с вами, чтобы уметь этим по-настоящему любоваться.

Честно говоря, для меня любая травинка в этих снежных полях напоминает повесть о трудной человеческой жизни. А если травы это люди, то зимой вся судьба как на ладони, и красоваться больше не перед кем. Зимним травам ни к чему наряд. какого "не носил Давид во всей славе своей". Пусть цвет будет один - коричневый, как на старой фотографии. Техника тоже без ухищрений - каллиграфичное мазковое письмо по сырой эмали, изредка немного кракле, да ещё для изображения метели и снега я применял иногда технику многократной иммерсии, при которой каждое следующее погружение вазы в глазурный раствор немного разрушает предыдущие слои, кроме самого первого, и если соединить быстроту с удачливостью, у вас как бы сами собой смогут получиться свинцовые тучи и летящий снег, и много ещё всего - если повезёт...

Зато при таком аскетическом подходе особую выразительность приобретает не только каждый мазок, каждый поворот кисти, но даже само пустое пространство фона начинает играть, как музыка, которую нельзя слышать, зато можно чувствовать. Трогательны затерянные в снегу хрупкие стебли, бесконечно разнообразны по форме изгибы сухих листьев, а пух осота или лепестки замёрзших цветов - это вообще особая история... .

Но главное, конечно, небо... Что особенно приятно, - его рисунок при этой технике никогда не повторяется. Моей заслуги тут нет: если что-то получилось удачно, это чудо в чистом виде, а если неудачно - тут, напротив, виноватого найти легко.

Пусть холодный ветер перебирает листья трав; движение - необходимое условие успеха росписи. Это одна из немногих вещей, в которых я совершенно уверен. В самом деле, заставить нашего зрителя пробыть наедине с вазой достаточно времени, чтобы он успел её почуствовать, можно только с помощью чего-нибудь сродни тем приёмам, к каким прибегал Леонардо, точно рассчитывавший движение глаза по поверхности картины и заставлявший взгляд зрителей снова и снова возвращаться в композиционный центр. Нечто в этом роде пытался делать и я, только не на плоскости, а на криволинейной поверхности... Хорошо, если хоть что-то из задуманного получилось.

Всё же что-то есть в идее о том, что можно воспринимать вазу не как сосуд большего или меньшего размера, а как маленький мир, замкнутый прозрачной поверхностью, совпадающей с поверхностью вазы, так что каждый может взять его в руки и рассмотреть; но проникнуть внутрь не может никто...

В годы, когда шла работа над серией с зимними травами, было сделано немало ваз; одни получились удачнее, другие слабее. Значительная часть их разошлась кто куда - а те, что пока под рукой, я постараюсь со временем сфотографировать и добавить сюда, так что вскоре должны появиться новые страницы - надо только немного подождать...

Раку к нам приходит!

2014-07-03T17:49:00.002+03:00

В следующем году в Государственном Эрмитаже будет проходить выставка работ Раку Китидзаэмона XV и Анна Алексеевна Егорова уже активно взялась за подготовку к этому событию, в связи с чем на днях у нее произошло знакомство с самим Раку-сан, как он сам попросил его звать-величать.

Впечатлениями от встречи Анна Алексеевна поделилась в своем блоге. Вот небольшая выжимка из поста: «В четверг прошедшей недели я познакомилась лично с Раку Китидзаэмон XV, которого отныне буду называть просто Раку-сан. Что уже смешно. Мне, конечно, хотелось называть его как-нибудь особо почтительно... Вот так представить себе, что пра-(13 раз)-дедушка гонял чаи с Сэн-но Рикю...»

Раку Китидзаэмон XV, Чаша Хитан (Струя горного потока), 1989

Анна Алексеевна в своем блоге уже писала о творчестве мастера. Приведу часть (большую) ее текста:

"Раку Китидзаэмон XV, сегодняшний глава мастерской Раку в Киото, родился в 1949 году.

Он унаследовал положение главы мастерской от своего отца, будучи его старшим сыном. На протяжении последних четырёх поколений наследование происходит от отца – к старшему сыну, хотя исторически соблюдение этого порядка было совершенно необязательным. Часто наследником становился представитель боковой ветви семьи, или муж дочери мастера, или усыновлённый ребёнок.

Китидзаэмон XV получил художественное образование на факультете скульптуры Токийского Университета изящных искусств, закончил его в 1973 году. После окончания университета он уехал продолжать образование в Италию. Но в 1980 году Китидзаэмон XIV умер, и его сыну пришлось вернуться из Италии в Японию, где в 1981 году он принял имя Китидзаэмон XV и управление семейной мастерской.

В 2007 он стал архитектором нового Музея Раку в Киото и чайного домика (павильона дома Раку) и Художественного музея Сагава в префектуре Сига.

Знаете, я даже совершенно не удивилась, узнав о том, что и в Токийском Университете, и в Италии он занимался скульптурой. Дарю тему диссера: «Влияние мастеров европейской скульптуры на японских керамистов XX-XXI веков». И формы, и фактуры его работ очень «скульптурны», и это прекрасно легло на традицию Раку, которая всегда лепилась только от руки, без гончарного круга.

Другим нововведением мастера был высокотемпературный обжиг якинуки ("предельный обжиг").

Глазури наносятся кистью по традиционной технологии, зелёная глазурь имеет в основе древесный пепел, а чёрная делается из камня Камогава.

Красные всполохи и полосы образуются при восстановительном обжиге медной глазури при наличии древесного пепла.

Обращу внимание, что наличие пепла в обжиговой камере не предполагает ни оборачивание вещи соломой, ни предварительное опускание в опилки, ни остужение в опилках или соломе. Это естественное явление (как в керамике Сигараки), которое можно только несколько активизировать, подавая воздух в поддувало печи, чтобы поднять пепел с пола обжиговой камеры и мягко и достаточно равномерно осадить его на поверхность предметов, обжигающихся без капсулей.

Техника обжига «якинуки» заключается (как это можно понять из редких публикаций) резким повышением температуры в печи для обжига изделий типа куро-раку и резким же охлаждением. Как только глазурь начинает созревать и плавиться, изделия вынимают из печи при помощи длинных щипцов, и остужают. Температура 1200° и выше достигается при помощи ручных мехов.

Такой обжиг традиционно производится после обжига обычных чёрных раку, происходящего каждый апрель и ноябрь."

Оригинал статьи с иллюстрациями высокого разрешения тут.

Музей керамики раку.

Атрибуция японской керамики и фарфора.

2014-07-03T17:19:00.000+03:00

Проблема атрибуции предметов искусства вообще стоит очень остро. Необходимо быть супер-специалистом или, как минимум, быть знакомым с парой таковых. А вот с керамикой и фарфором Японии дела вообще караульные. Форумы коллекционеров пестрят мольбами о помощи. Даже мне приходят письма с просьбой помочь определить автора того или иного изделия. Чего я пока сама сделать не в состоянии. Но стараюсь! :)

Сегодня нашла замечательный блог (как же я люблю блогспот!), где автор постит статьи с фотографиями изделий разных стилей японской керамики и фарфора с маркировкой (!!!).

Автор сразу же оговаривается, что это ее хобби и что наверняка будут ошибки, но я бы рекомендовала данный блог всем заинтересованным в поисках "ниточек" к лучшему узнаванию ваших (или не ваших) ваз, чаш, чайников и пр. или просто увлеченным японской керамикой.

В блоге также много полезных ссылок и списки книг по теме.

Эксперимент "Кинцуги"

2014-06-29T17:19:00.000+03:00

Эксперимент №2 (№1 тут) представляет собой попытку склеить разбитую чашку золотым лаком. Подробнее о технике можно прочесть тут. Чашка эта была сделана замечательной девушкой-керамистом Кариной Гезацян и мне было очень жаль выбрасывать такую красавицу. Пить из нее я пока не осмелюсь, так как состав клей+пигмент не вызывают доверия, но занять место в моей коллекции она может по праву :)

Эксперимент "Кинпаку"

2014-06-29T15:40:00.001+03:00

На днях поработала над применением техники кинпаку. Что из этого получилось? Судите сами.

Кинпаку (в пер. с яп. "золотой лист") - это золочение сусальным золотом и относится не столько к керамике, сколько к изделиям из лака и интерьерному (а иногда и экстерьерному) убранству японских храмов и замков.

Несколько иллюстраций по теме.

Керамисты кутани чаще других использовали и используют эту технику.

Естественно, техника не является японской, её использовали мастера всего мира во все времена. Однако именно японская техника золочения по керамике вдохновила меня на эксперименты с тем, что было под рукой.

Золотой горшок.

Был у меня вот такой горшок, доставшийся когда-то от подруги и стоявший забытый в углу. Совершенно простой, на одну треть покрытый прозрачной глазурью (нормальный такой русский горшок!). На шероховатую неглазурованную поверхность мне и захотелось нанести золото.

Очередное "затишье" в блоге прерываю постом о том.... как у меня дела :)

2014-05-23T17:43:00.002+03:00

Всем здравствуйте!

Давно не писала и вот сейчас хочу поделиться новостью (хотя этой новости уже 7 месяцев).

С октября прошлого года работаю в галерее японского искусства KASUGAI. Сайт галереи.

Семь месяцев я входила в рабочий процесс и изучала предметы искусства, но только сейчас в пору отпусков и дач, когда поток посетителей чуть схлынул мне удалось вырвать минутку, чтобы рассказать пару слов об этом чудесном месте.

Без преувеличения, это единственная галерея в Петербурге, в которой можно встретить произведения японского декоративно-прикладного и изобразительного искусства высокого уровня и в таком объеме - около 1000 наименований. Это просто сокровищница для ценителей японской культуры и искусства.

Любопытно, что шесть лет назад я уже писала в блоге о мастере Като Кобэй, чьи работы можно было увидеть в Государственного Эрмитаже на выставке "Семь веков от отца к сыну".

Нет-нет, это не антикварная ширма с маки-э, это чехол для iPhone - реплика маки-э.

Фрагмент одной из двух парных ваз в технике сиппо (клуазоне).

Кукла Кимэкоми.

Хаяси Танигоро Ваза с хризантемами. Фрагмент. Сиппо (клуазоне).

Кукла Кимэкоми.

Ваза с карпами. Сиппо (клуазоне).

Като Кобэй. Блюдо. Люстровая роспись по фарфору.

Парные вазы Сумида-яки.

Като Кобэй. Панно "Петух" Глазурь "персидская ржавчина" по фарфору.

Като Кобэй. Блюдо квадратное. Сансай (трёхцветный фарфор)

Дорогие гости моего блога! Dear guests of my blog!

2013-09-17T09:45:00.001+03:00

Какого рода информацию вы бы хотели найти тут?
Пожалуйста, оставьте комментарии под этим постом и я буду "копать" :) Спасибо!

Which info would you like to find here? Please leave comments under this post and I will be "digging" ^_^ Thank you!

Dish with figure, Edo period, ca. 1620, Japan, Porcelain with underglaze blue (Hizen ware, early Imari type) (1975.268.495)