Jam Station

[Diário de Bordo] Yatta no Japão (episódio 1)

2026-11-07T19:26:01.495-03:00

Para os aficionados pelo Japão, apaixonados pela cultura asiática e curiosos em geral pela vida em outros países, eu, Yatta, estou trazendo o meu diário de bordo sobre como é ser um brasileiro no Japão.

Diário de bordo #01 — Do Brasil ao Japão: quando o sonho finalmente saiu do papel

Uma mudança de país, duas malas, um teclado cheio de histórias e uma quantidade absurda de coisas que eu ainda precisava resolver.

Existem viagens que começam quando compramos uma passagem. Outras começam muito antes, quando uma ideia vai crescendo na cabeça até chegar ao ponto em que não dá mais para simplesmente imaginar como seria.

A minha viagem para o Japão foi um pouco assim.

Depois de tantos anos alimentando o sonho de viver no Japão, finalmente chegou a hora de transformar os planos em realidade. E não era apenas uma mudança de endereço. Eu estava levando comigo projetos musicais, planos profissionais, videogames, instrumentos, referências culturais e uma expectativa enorme sobre o que encontraria do outro lado do mundo.

Meu destino seria Kanagawa, mais especificamente a região de Yokosuka. A ideia era começar uma nova vida, trabalhar, organizar minha casa, continuar produzindo música e, quem sabe, construir uma trajetória artística no próprio Japão. Inclusive, é bem nessa região em que estou que começaram X Japan, dentre outras bandas, e inclusive nasceu e cresceu e o Yoshiki Fukuyama (um dos meus maiores ídolos da voz e guitarra do Japão).

Parecia simples quando eu explicava em uma frase.

Na prática, havia apenas um pequeno detalhe: eu precisava colocar uma parte considerável da minha vida dentro de algumas malas.

A fase final no Brasil: o chefão da organização

Os últimos dias antes da viagem foram uma verdadeira operação logística (e bem caótica, diga-se de passagem).

Era preciso organizar os pertences, separar o que ficaria, proteger objetos, resolver o que ainda precisava ser vendido e tentar fazer a casa funcionar enquanto eu preparava minha saída.

Entre caixas, roupas, videogames, fitas VHS, equipamentos musicais e lembranças acumuladas ao longo dos anos, fui descobrindo que decidir morar no outro lado do planeta é uma coisa. Decidir o que realmente merece acompanhar você nessa mudança é outra completamente diferente.

E, como se a organização da casa não fosse suficiente, ainda havia as malas.

A passagem pela Air France previa duas bagagens despachadas de 23 kg cada e uma bagagem de mão. Só que eu tinha um "problema" chamado Yamaha Reface DX. Eu precisava decidir dentre todos os instrumentos que eu tenho em casa, qual eu levaria comigo. Eu possuo algumas guitarras, mas guitarra é fácil de conseguir no Japão, inclusive melhores do que as que eu tenho. As minhas, em grande parte eram porque eu não tinha dinheiro para comprar algo melhor, ou mesmo porque tem uma história especial cada uma em minha vida. Minha bateria eletrônica seria algo grande e pesado demais para viagem. Teclados grandes, aqui no Japão seria muito mais fáceis de conseguir e às vezes por muito mais barato do que no Brasil. Escaleta e outros instrumentos de sopro, aqui também são muito mais fáceis de achar. Agora, o Yamaha Reface DX, além de ser uma réplica oficial de um sintetizador raro, ele também se tornou um item de colecionador de certa forma semi-raro, por ter sido lançado com o número limitado de peças pelo mundo.

O teclado era importante para meus planos musicais, mas não cabia direito na mala de mão. Comecei até a preparar artesanalmente (com ajuda da minha mãe na parte da costura) uma case acolchoada para tentar levá-lo comigo na cabine.

Foram conversas, consultas, dúvidas sobre autorização, possibilidades de cobrança e muita preocupação com a possibilidade de precisar deixar o instrumento para trás.

Eu não queria despachar o teclado, e pagar mais de mil reais para transportá-lo dessa maneira estava longe de ser uma solução agradável. Foram dias de suspense e terror na minha vida.

Em algum momento, percebi que minha mudança internacional estava começando a parecer uma missão de contrabando de equipamentos musicais - embora tudo fosse perfeitamente legal e declarado dentro das regras aplicáveis.

O objetivo era simples: chegar ao Japão com condições de continuar fazendo música.

A véspera: ansiedade, malas e aquela sensação de que faltou alguma coisa

Quanto mais a data se aproximava, mais a ansiedade aumentava.

As malas ainda exigiam atenção, havia preocupação com excesso de peso e algumas coisas que eu gostaria de ter resolvido no Brasil acabaram ficando para trás.

Também havia aquela sensação muito particular de quem está prestes a atravessar o mundo: você olha para um objeto qualquer e começa a pensar se deveria levá-lo, vender, guardar ou simplesmente aceitar que ele não vai acompanhar você.

É curioso como uma mudança dessas faz a gente reavaliar até os objetos mais banais.

No meio de toda aquela confusão, havia uma certeza: depois de tantos preparativos, eu finalmente estava indo.

Curiosidade: na pressa, eu acabei esquecendo a fonte do teclado da Yamaha no Brasil, e tive que pedir para me enviar em pelo correio!

São Paulo, Paris e o caminho até o Japão

A viagem começou em 3 de novembro de 2026 (data que coincide com 72 anos do lançamento do primeiro filme do Godzilla mundialmente), no voo AF0453, saindo de Guarulhos com destino a Paris.

A conexão seguinte seria no voo AF0282, de Paris para Haneda, no Japão.

Foram dois trechos internacionais separando minha antiga rotina de uma vida completamente nova. Nem digo fato de eu ter medo de altura extremo. Essa era a minha primeira viagem internacional na vida, a última vez que eu andei de avião foi em 2008 e era para o Piauí e depois voltar para São Paulo.

Não era apenas a distância física. Era a transição entre dois mundos que eu conhecia de maneiras muito diferentes: o Brasil, onde estavam minhas referências, amigos, histórias e hábitos, e o Japão, que durante tantos anos existiu para mim principalmente através da música, dos videogames, dos animes, dos filmes e da cultura pop (e dos costumes ensinados para minha família pelos meus avós).

Eu estava indo viver no lugar que tantas vezes havia visitado pela imaginação.

E finalmente chegou o momento de pousar. O caminho foi um tanto curioso, passei por cima do Cazaquistão, perto da Rússia, raspando na Coreia do Norte, passando por cima da Coreia do Sul, por cima da Mongólia, até que o avião deu um drift e a gente desceu no aeroporto de Haneda. Na minha cabeça até tocou trilha sonora do Initial D!

5 de novembro de 2026: bem-vindo ao Japão!

Minha chegada a Haneda estava prevista para as 6h50 da manhã do dia 5 de novembro.

Depois de todo o planejamento, o Japão deixou de ser uma possibilidade distante e se tornou o lugar onde eu estava.

A primeira impressão de um país novo é uma mistura de encantamento e pequenas dificuldades práticas. Você pode ter estudado o idioma, pesquisado os costumes e assistido a centenas de vídeos sobre o lugar, mas nada substitui precisar resolver as coisas pessoalmente.

E eu tinha muita coisa para descobrir (muita MESMO).

O destino final era Yokosuka, em Kanagawa. No caminho, uma das imagens que ficaram marcadas na minha chegada foi a travessia de uma ponte que parecia saída de um cartão-postal da região de Tokyo e Kanagawa. Inclusive, fiz uma live no Instagram durante o trajeto de carro entre as cidades.

Era aquele tipo de cena em que você olha pela janela e pensa:

"Caramba... eu realmente estou no Japão."

Depois de tantos anos imaginando como seria chegar ali, finalmente estava atravessando aquela paisagem como parte da minha própria história.

Olhando para a parte portuária, eu ficava imaginando se eu viria ou Godzilla saindo da água a qualquer momento.

A primeira missão: sobreviver à vida cotidiana

Nos primeiros dias, descobri que morar no Japão envolve desafios que não aparecem nos animes.

Por exemplo: encontrar um adaptador de tomada para usar equipamentos brasileiros!!!

O Japão utiliza tomadas com pinos achatados, enquanto vários dos meus equipamentos trazidos do Brasil utilizavam pinos redondos. Uma coisa tão simples quanto ligar um aparelho passou a exigir pesquisa, vocabulário e uma pequena aventura pelas lojas.

Também comecei a descobrir pessoalmentr os konbinis, os supermercados e as lojas da região.

Em uma das primeiras saídas, precisei enfrentar a madrugada, o bairro escuro e aquela sensação de que eu poderia entrar acidentalmente no cenário de um filme de terror japonês.

A diferença é que, em vez de um fantasma perseguindo o protagonista, meu maior inimigo era errar o caminho de volta para casa.

Aos poucos, comecei a aprender expressões essenciais para sobreviver:

"Sumimasen, kore wa arimasu ka?" — Com licença, vocês têm isto?

"Ikura desu ka?" — Quanto custa?

"Toire wa doko desu ka?" — Onde fica o banheiro?

O japonês ainda estava longe de ser fluente, mas já era possível resolver pequenas missões.

Também descobri que precisava aprender a reconhecer produtos pelo nome escrito nas embalagens. Procurar arroz pré-lavado, por exemplo, virou uma aula de japonês: 無洗米 (musenmai).

E, como todo bom brasileiro tentando montar uma casa, comecei a procurar panelas, utensílios, comida e tudo aquilo que transforma um imóvel em um lar.

Uma nova vida está começando

Minha chegada ao Japão não significa que todos os problemas desapareceram ou que tudo será fácil daqui para a frente.

Ainda preciso me adaptar ao trabalho, aprender os procedimentos da fábrica, melhorar meu japonês, controlar os gastos e organizar minha rotina.

Mas existe uma diferença enorme entre planejar essas coisas do Brasil e começar a realizá-las aqui.

Agora tenho um endereço em Kanagawa, uma casa para organizar, um emprego para aprender e muitos planos para colocar em prática.

Quero continuar fazendo música, desenvolver meus projetos artísticos, explorar a região, conhecer lugares novos e descobrir como é construir uma vida no Japão sem deixar de ser quem sou.

Talvez essa seja a parte mais interessante de toda a mudança: não estou abandonando minha história brasileira. Estou levando tudo o que vivi comigo para escrever um capítulo novo em outro país.

E, considerando a quantidade de aventuras que já aconteceram antes mesmo de completar minha primeira semana, desconfio que ainda teremos bastante assunto.

Próximo capítulo: os primeiros dias em Kanagawa — konbinis, supermercados, lojas japonesas e a descoberta de que comprar uma panela pode ser uma aventura internacional.

O Diário de bordo do Yatta. Continua...

[BGS 2026] Reply All transforma e-mails corporativos em batalhas épicas

2026-10-12T15:00:00.000-03:00

Com humor satírico, visual Y2K e mecânicas Roguelike e Deck Builder, game indie transforma a rotina de escritório em uma disputa pela sobrevivência profissional.

Imagem: Peculiar Path/Divulgação

O fim dos anos 90 chegou, e você é um jovem adulto tentando sobreviver a essa nova fase brutal da vida (e provavelmente ao bug do milênio).

Conseguiu seu primeiro emprego formal e, em uma segunda-feira qualquer, chega ao escritório, que mais parece um labirinto de cadeiras; senta à mesa, liga seu super ultra moderno computador com processador Pentium e monitor de plasma e dá de cara com 50 e-mails pendentes da semana anterior, demandas urgentíssimas daquele colega braço curto que não podem ser adiadas de forma alguma, e convites para reuniões presenciais importantíssimas com seu supervisor.

É o momento de colocar em prática sua bagagem de resiliência nível 99 e habilidades de sarcasmo para contornar e escapar das armadilhas do ambiente empresarial.

Essa é a premissa de Reply All, jogo independente desenvolvido pela Peculiar Path.

Ambientado em um escritório, o título transforma a comunicação corporativa em um sistema de combate por turnos, no qual e-mails e respostas passivo-agressivas são suas principais armas.

Entre referências aos anos 90 e 2000, segredos empresariais e atividades de integração promovidas pelo RH, o objetivo é descobrir o que realmente acontece nos bastidores da Weevil, uma corporação aparentemente disposta a tudo. Salvar o mundo pode ser uma possibilidade, mas não ser demitido já é uma grande vitória.

Um visual longe do convencional

Sob a direção de arte do ilustrador e desenvolvedor Denny Borges, o jogo aposta em ilustrações de traços livres e expressivos, preenchidas por uma paleta de cores pastel pouco convencional. Os elementos visuais recebem animações sutis e pequenas interações, criando uma apresentação que remete às ilustrações editoriais de revistas adolescentes de meados dos anos 2000.

Aliás, a estética Y2K também ocupa um lugar importante no visual do game. Para quem cresceu utilizando computadores da época, as grandes molduras azuladas e janelas em tons de marrom-claro podem despertar uma boa dose de memória afetiva ajudando a estabelecer a personalidade do game e reforçar sua ambientação.

Imagem: Peculiar Path/Divulgação

O resultado é um visual que foge do convencional dos jogos de cartas e estratégia. Em vez de apostar em cenários grandiosos ou efeitos exuberantes, Reply All encontra seu charme na simplicidade da interface e na personalidade de suas ilustrações.

Responder a todos nunca foi tão perigoso

No quesito gameplay, o jogo se apresenta de forma bem acessível. Na demonstração disponibilizada durante a Brasil Game Show 2026, a Peculiar Path não fez rodeios: colocou o jogador diretamente em contato com o gameplay core.

A interface simula uma janela de e-mail, apresentando o remetente (ou inimigo da batalha, como preferir), o título da mensagem, os indicadores de status, como pontos de vida, ação, e os espaços destinados à elaboração da resposta (tabuleiro).

O jogador precisa preencher diferentes blocos da mensagem, como a saudação, o corpo do e-mail e a assinatura ou despedida, utilizando as cartas disponíveis em sua mão.

Cada carta contribui para a construção da mensagem, permitindo combinar diferentes elementos e produzir respostas capazes de contornar os problemas apresentados pelos colegas de trabalho.

Imagem: Peculiar Path/Divulgação

Para quem já está familiarizado com jogos no estilo, a curva de aprendizado não deve representar um grande obstáculo. A estrutura é intuitiva, e a própria interface ajuda a compreender a lógica das ações. O desafio está em administrar as cartas disponíveis e encontrar combinações adequadas para cada situação.

A proposta também incorpora elementos Roguelite, incentivando a construção e o aprimoramento do baralho ao longo da progressão. Por trás das trocas de e-mails, há ainda a possibilidade de descobrir segredos da Weevil e conhecer melhor os colegas por meio das atividades de integração do RH; afinal, toda empresa tem seus mistérios.

Uma experiência curiosa, mas sem grandes pretensões

Reply All encontra seu principal diferencial na combinação entre humor corporativo, construção de baralho e uma identidade visual fortemente associada aos anos 2000.

É uma proposta inusitada, que transforma situações reconhecíveis do cotidiano profissional em confrontos estratégicos e encontra na sátira boa parte de sua personalidade.

Por outro lado, sua apresentação acessível e a estrutura relativamente simples não necessariamente fazem dele um título capaz de sustentar o interesse por muito tempo.

Ainda assim, o game tem um espaço próprio entre os jogos indie que apostam em conceitos exóticos. Pode não ser o título que fará alguém tentar “platinar” ou explorar todas as possibilidades, mas oferece uma experiência descontraída para quem procura algo diferente.

Reply All chega a PC (via Steam e Epic Games) no 1º trimestre de 2027 com suporte a Português Brasileiro na interface e textos.

[BGS 2026] Sonic Pico Park transforma a cooperação em protagonista

2026-10-12T12:00:00.000-03:00

Colaboração da SEGA e TecoPark leva o universo do ouriço azul para uma experiência estratégica e cooperativa na BGS 2026.

Imagem: Sega/Divulgação

Existe algo curioso na trajetória de Sonic the Hedgehog. Desde sua estreia em meados dos anos 90, o personagem se tornou sinônimo de velocidade, reflexos ágeis e estágios arquitetados de forma que incentivassem os jogadores a avançar cada vez mais rápido por loops gigantes, destruindo inimigos e coletando anéis do poder pelo caminho.

Mas o que aconteceria se colocassem esse mesmo universo em uma experiência na qual correr na maioria das vezes não é a melhor solução?

Em Sonic Pico Park, colaboração entre a gigante SEGA e a franquia indie Pico Park, os personagens da turma do ouriço azul são apresentados a uma proposta pouco explorada em sua série tradicional: estágios recheados de puzzles cooperativos, nos quais, ao invés de depender apenas de habilidades individuais, os jogadores são convidados a coordenar movimentos, encontrar soluções estratégicas em conjunto e descobrir que o trabalho em equipe pode ser tão desafiador quanto enfrentar Dr. Eggman e seus Badniks.

De um fenômeno indie aos loops de Green Hill:

Desenvolvido pelo estúdio independente japonês TecoPark, Pico Park vem ao longo de uma década construindo uma identidade a partir de uma fórmula básica e assertiva: transformar ações simples em desafios que dependem da colaboração entre participantes para alcançar objetivos em comum.

Imagem: Sega/Divulgação

Em Sonic Pico Park a franquia não foge de sua premissa, mantendo seu visual simples, estágios intuitivos construídos a base de plataformas monocromáticas, personagens em pixel art cúbicas exageradamente expressivas, e combinando componentes de plataforma 2D e elementos de ação.

A comunicação e a coordenação continuam sendo fundamentais, especialmente quando um ato individual pode comprometer o progresso de todo o grupo.

Aqui é importante destacar que o elenco de Sonic não está alí apenas como coadjuvante ou mero recurso cosmético. Além de compartilhar o tradicional Spin Dash, os personagens carregam características próprias que podem ampliar as possibilidades de movimentação e mecânicas do game.

Tails e Cream, por exemplo, são capazes de voar e transportar companheiros pelo cenário durante um período limitado, enquanto Knuckles pode planar por longos espaços e atingir locais mais afastados. Há também obstáculos que só podem ser destruídos por personagens específicos, introduzidos por mecânicas determinadas nos estágios, como Big the Cat.

Imagem: Sega/Divulgação

Outros elementos clássicos da franquia também marcam presença, como loops gigantes, aceleradores, molas, e as tradicionais placas giratórias de final de estágio.

Esses elementos não apenas reforçam a familiaridade com o universo de Sonic, mas também integram o conjunto de referências e mecânicas que o jogador precisa reconhecer para avançar pelos desafios.

Funciona para os dois lados?

À primeira vista, Sonic Pico Park pode parecer uma verdadeira bagunça: se acostumar com a dinâmica, compreender as habilidades de cada personagem e decidir em conjunto os próximos passos exige coordenação e, de forma inevitável, um exercício de tentativa e erro.

Essa dinâmica ganha novas proporções com os modos multiplayer, que permitem reunir até quatro amigos localmente ou até oito jogadores online, com diferentes perfis compartilhando a mesma tela.

Mesmo partindo de propostas extremamente opostas, Sonic Pico Park funciona melhor do que se imagina. De um lado, o ritmo e o universo de personagens da SEGA; do outro, a dinâmica cooperativa inerente do indie já consolidado. A combinação consegue equilibrar as características de ambas as franquias e agradar aos dois públicos, fazendo da interação entre os jogadores o principal incentivo para continuar a jogatina.

Sonic Pico Park chega em 12 de Novembro de 2026, com versões físicas e digitais para Playstation 5, Nintendo Switch 1 e 2 Xbox Series X/S, e PC (via Steam).

[crítica] Resident Evil (2026)

2026-09-20T04:01:56.051-03:00

A nova adaptação para as telonas de Resident Evil chegou e não parece o que se esperava!

O novo Resident Evil finalmente entendeu os jogos?

Eu fui assistir ao novo Resident Evil em uma cabine de imprensa e confesso: saí da sessão bem mais surpreso do que esperava. E não é porque o filme tenta simplesmente reproduzir algum dos jogos. Na verdade, acontece justamente o contrário.

Dessa vez, não temos Jill, Chris, Leon, Claire ou qualquer outro dos protagonistas conhecidos. A história acompanha um personagem novo, vivendo uma situação paralela dentro do universo de Resident Evil. E foi justamente essa escolha que me chamou atenção. Manteve a atmosfera dos dos primeiros jogos e de Outbreak com uma pessoa comum em meio ao caos, sem precisar dos personagens dos jogos, mas ocorrendo em paralelo, drante os acontecimentos dos jogos.

Depois dos filmes estrelados pela Alice, que eram divertidos, mas cada vez mais voltados para a ação, da série da Netflix problemática e daquela tentativa de juntar elementos dos primeiros jogos em uma história completamente reorganizada (mas que foi mal organizada, diga-se de passagem), finalmente temos um filme que me passou uma sensação que eu não tinha tido nas adaptações anteriores:

“Isso parece Resident Evil.”

E não é apenas por causa dos "zumbis" e monstros infectados.

A atmosfera lembra bastante os primeiros jogos. Existe aquela sensação de entrar em um lugar que você não conhece, explorar, descobrir o que aconteceu, encontrar uma ameaça e nunca saber muito bem o que está esperando na próxima área.

Até algumas escolhas de câmera me fizeram lembrar de diferentes fases da franquia, incluindo Resident Evil Outbreak e Resident Evil Village.

E o filme também entende uma característica muito particular de Resident Evil: o horror pode ser realmente tenso e, ao mesmo tempo, existir um certo humor absurdo no meio daquele caos.

A comédia funciona justamente porque não transforma tudo em paródia. O protagonista reage às situações de uma maneira bastante humana, e isso cria momentos engraçados sem destruir completamente a tensão.

Também gostei muito da maneira como as referências aos jogos aparecem.

Não parece que alguém parou a história para dizer “OLHA A REFERÊNCIA!”.

Elas simplesmente estão ali.

Um exemplo que achei particularmente legal é a presença da máquina de escrever em uma sala de save. Para quem conhece os jogos, aquilo tem um significado imediato. Para quem não conhece, continua sendo simplesmente um elemento daquele ambiente.

É assim que eu gosto de fan service.

O filme não precisa copiar a história de Resident Evil 1, 2 ou 3 para lembrar os jogos. Ele parece muito mais interessado em reproduzir a sensação de estar jogando um deles.

E talvez essa seja justamente a maior surpresa dessa nova adaptação.

Não sei se todo fã vai concordar comigo (e certamente existem escolhas aqui que vão dividir opiniões), mas, pessoalmente, saí da sessão pensando que finalmente alguém encontrou uma maneira interessante de levar Resident Evil para o cinema sem simplesmente tentar transformar um jogo em filme (o que deu muito errado nas vezes anteriores, com vários jogos).

Sem spoilers: vale a experiência.

E agora eu quero saber o que vocês acharam.

Nota: 8,5

Comic Market Brasil 2026 aposta em novos talentos e coloca artistas brasileiros em contato com Hideki Tsuji

2026-08-14T13:28:54.346-03:00

O mercado brasileiro de quadrinhos ainda tem muitos artistas que produzem, publicam e vendem seus próprios trabalhos sem necessariamente conseguir chegar às grandes editoras ou estabelecer contato com empresas do setor. É justamente nesse espaço que o Comic Market Brasil pretende atuar.

Em sua segunda edição, o evento amplia a estrutura e a programação e recebe o mangaká japonês Hideki Tsuji, conhecido por Souten no Ken REGENESIS, para um encontro que pretende aproximar ainda mais os mercados de quadrinhos do Brasil e do Japão.

Durante uma coletiva de imprensa realizada antes do evento, os organizadores apresentaram as novidades da edição de 2026 e Tsuji falou sobre sua carreira, suas referências, inteligência artificial, tokusatsu, diferenças entre os mercados brasileiro e japonês e até sobre a possibilidade de trabalhar futuramente com artistas do Brasil.

De encontro de fãs a espaço para negócios

Segundo Thiago Spyked, diretor e sócio do Comic Market Brasil, a ideia nasceu de uma dificuldade que ele próprio observou durante sua trajetória profissional.

O Brasil possui uma produção grande de quadrinhos independentes, mas muitos desses trabalhos permanecem restritos a círculos pequenos. Faltaria, na visão dos organizadores, uma ponte entre os criadores e o restante da cadeia profissional.

Por isso, o Comic Market Brasil foi estruturado em três frentes: educação, negócios e produção artística.

O Comic Learning oferece aulas e masterclasses. O Comic Business coloca artistas em contato com empresas de áreas como impressão, animação, 3D, aplicativos e registro de marcas. Já a área de artistas funciona como espaço para autores e editoras apresentarem suas obras.

A intenção é simples, mas ambiciosa: fazer com que um artista não precise apenas criar uma boa história, mas também encontre caminhos para transformá-la em carreira.

Primeira edição deixou uma comunidade

A experiência de 2025 parece ter dado força ao projeto.

Os organizadores relataram que o Instagram do evento chegou a cerca de 1 milhão de visualizações e posteriormente ultrapassou 1,2 milhão. O perfil também cresceu de aproximadamente 7 mil seguidores para quase 12 mil.

Mas, para Thiago e Henrique, o dado mais significativo foi outro.

Durante semanas depois da primeira edição, o público continuou falando espontaneamente sobre o Comic Market Brasil. Vídeos, fotos e outros conteúdos foram publicados por criadores sem que houvesse uma solicitação da organização.

A percepção dos responsáveis pelo evento foi de que havia surgido algo mais difícil de medir: uma comunidade.

Mais espaço, mais artistas e novas experiências

A edição de 2026 será maior.

A FAPCOM, na Vila Mariana, receberá quatro andares do evento, contra três utilizados no ano anterior. A área de artistas terá 70 mesas, número que, segundo a organização, já representa o limite de espaço disponível.

Entre as novas atividades está a Arena Portfólio Review, que permitirá aos participantes apresentar seus trabalhos a profissionais e receber avaliações.

Outra novidade é o Comic Pit. A dinâmica coloca autores diante de empresários para apresentar projetos autorais de quadrinhos em uma rodada de negócios inspirada no formato de Shark Tank.

A proposta é particularmente interessante para quem pretende transformar uma história independente em propriedade intelectual e precisa aprender a apresentar o projeto de maneira profissional.

Também fazem parte da programação a Quest do CMB, que transforma o evento em uma espécie de gincana; uma loja com produtos exclusivos; podcast ao vivo; espaço para jogos de mesa; apresentações de projetos de animação; degustação de café; desafios de patrocinadores e sorteios.

O resgate da memória dos quadrinhos brasileiros

A organização também quer olhar para o passado.

Em 2026, o artista homenageado será Eli Barbosa. Henrique, um dos responsáveis pelo evento, explicou que existe uma preocupação em recuperar a memória de profissionais brasileiros que tiveram importância para a indústria e que acabaram ficando esquecidos pelo grande público.

Barbosa teve uma carreira importante nas décadas de 1970, 1980 e 1990, com atuação em animação, personagens, licenciamento e merchandising.

O evento terá uma exposição dedicada ao artista e também realizará a oitava edição do Prêmio Eli Barbosa, voltado a profissionais que trabalharam com quadrinhos durante as décadas de 1970 e 1980.

É uma maneira de lembrar que a história dos quadrinhos brasileiros não começou com a geração atual — e que muitos dos profissionais que ajudaram a construir esse mercado não tiveram sequer seus nomes publicados nos trabalhos em que participaram.

Hideki Tsuji encontra o público brasileiro

A presença internacional mais aguardada desta edição é Hideki Tsuji.

O artista japonês participou da coletiva e mostrou bastante interesse em conhecer a produção nacional. Antes do evento, ele visitou a loja de Thiago e teve contato com diferentes trabalhos brasileiros.

Foi uma experiência nova para Tsuji, que admitiu não conhecer profundamente a produção de mangá brasileira antes da viagem.

A primeira impressão, entretanto, foi positiva.

O que mais chamou sua atenção foi a liberdade encontrada nos trabalhos nacionais.

“Vocês escrevem o que querem”

Ao comparar os dois mercados, Tsuji percebeu uma diferença que pode parecer pequena, mas que diz muito sobre os dois sistemas de produção.

Na visão dele, muitos artistas brasileiros possuem liberdade para escrever e desenhar exatamente aquilo que desejam. A possibilidade de produzir uma obra, colocá-la à venda e apresentá-la diretamente ao público também chamou sua atenção.

No Japão, explicou Tsuji, o caminho tradicional pode passar por diferentes etapas editoriais. A participação de editores e outras pessoas no processo pode fazer com que a versão final não seja exatamente aquela imaginada originalmente pelo autor.

Para o artista japonês, a liberdade criativa que encontrou no Brasil é um dos pontos fortes da produção nacional.

É uma observação interessante justamente por vir de alguém que trabalha dentro de uma das maiores indústrias de mangá do mundo.

“Não desistam”

Tsuji também deixou uma mensagem simples para quem está começando.

Quando perguntado sobre o que aconselharia aos artistas brasileiros que sonham em viver de mangá, sua resposta foi continuar sonhando, não desistir e continuar desenhando.

Para um evento que tenta justamente aproximar novos autores do mercado, a frase acabou funcionando quase como um resumo de sua proposta.

IA pode ajudar, mas não cria tudo sozinha

Como não poderia deixar de acontecer em uma conversa sobre produção artística atualmente, a inteligência artificial também entrou na pauta.

Tsuji vê a IA como uma ferramenta que pode ajudar o artista.

Ele não acredita, porém, que a tecnologia possa substituir completamente a criatividade humana. Para ele, uma inteligência artificial pode fazer parte do processo, mas não deveria ser responsável sozinha pela criação de uma obra.

A criatividade continua sendo, em sua opinião, o diferencial do autor.

De Akira ao tokusatsu

As referências de Tsuji também revelam bastante sobre sua formação.

O artista citou Akira e Dōmu, de Katsuhiro Otomo, como influências importantes. Ele destacou detalhes de cenários, texturas, iluminação, sujeira das ruas, reflexos nos olhos dos personagens e cenas de ação.

A influência de Akira não aparece, portanto, apenas na temática. Está também na forma de construir visualmente uma cena.

O tokusatsu é outra presença importante.

Tsuji contou que acompanha o gênero desde a infância e continua assistindo atualmente. Entre os títulos mencionados durante a coletiva estão Jiraiya, Dynaman e Bicrossers.

Ele também reconheceu que o gênero influenciou alguns personagens de sua produção, além de citar Tiger Mask entre suas referências.

Modernizar sem perder a identidade

Ao falar sobre Souten no Ken REGENESIS, Tsuji explicou uma das dificuldades de trabalhar com personagens e conceitos que já possuem uma história anterior.

É necessário preservar a base conhecida pelo público, mas também modernizar determinados elementos.

A maneira de falar dos personagens e alguns aspectos de sua caracterização foram atualizados para aproximá-los de uma audiência contemporânea.

Essa mesma preocupação aparece quando o assunto é o público.

A leitura digital mudou bastante o mercado, mas Tsuji acredita que o papel ainda tem espaço. Leitores mais jovens podem estar mais acostumados ao smartphone, enquanto fãs de gerações anteriores continuam preferindo livros e revistas físicas.

Uma parceria Brasil-Japão não está descartada

Se depender de Tsuji, a conversa entre os dois mercados não precisa terminar quando o evento acabar.

Perguntado sobre a possibilidade de desenvolver um novo mangá ao lado de um artista brasileiro, ele demonstrou interesse.

Para o autor, seria uma experiência nova e também uma oportunidade de conquistar leitores que ainda não conhece.

Naturalmente, uma colaboração dependeria de propostas e projetos concretos, mas a ideia foi recebida de maneira bastante positiva.

Ele também demonstrou interesse em incentivar outros artistas japoneses a conhecer o Brasil caso perceba que eles tenham vontade de participar de uma experiência semelhante.

O Comic Market como ponte

A presença de Tsuji acaba dando um significado maior à segunda edição do Comic Market Brasil.

O evento foi criado para aproximar artistas de empresas e profissionais, mas a participação de um mangaká japonês abre uma possibilidade adicional: conectar dois mercados que possuem características bastante diferentes.

Tsuji espera conversar com artistas brasileiros, conhecer suas histórias e entender de onde vêm suas ideias. A organização, por sua vez, espera que esse contato possa gerar novas relações entre autores, editoras e empresas dos dois países.

E talvez esse seja o aspecto mais interessante do evento.

O Comic Market Brasil não está tentando apenas importar uma referência japonesa para o público brasileiro. A proposta é permitir que os dois lados se encontrem — e que o Japão também descubra uma produção brasileira que, nas palavras do próprio Tsuji, surpreendeu justamente por sua liberdade.

Para quem acompanha quadrinhos, mangá e cultura pop, a segunda edição do evento representa uma oportunidade de conhecer artistas, descobrir novos projetos e, principalmente, observar de perto como uma cena independente brasileira tenta encontrar seu espaço profissional.

Com Hideki Tsuji no meio dessa conversa, o encontro ganha ainda uma dimensão internacional: talvez o maior resultado do Comic Market Brasil 2026 não seja apenas apresentar um artista japonês ao público brasileiro, mas começar a fazer com que artistas dos dois países descubram uns aos outros.

Para ver a coletiva de imprensa na íntegra, assista o vídeo abaixo:

Kenko Festival 2026

2026-08-10T12:12:02.367-03:00

O evento Kenko Festival, edição de 2026, ocorreu neste final de semana na Faculdade São Judas, em São Paulo, no bairro da Mooca.

O público pôde conferir Artists Alley, estandes de vendas, shows de bandas, concurso Cosplay, dubladores ao vivo, e salas temáticas, relembrando um pouco os eventos do início dos anos 2000.

Este ano, o álbum de figurinhas trazia uma caçada ao tesouro com pacotes de figurinhas sortidas, e os primeiros 10 a completar o álbum, ganharam revistas autografadas por Adriel, o Jaspion brasileiro do Circo Show do Jaspion nos anos 80/90.

Se apresentaram bandas como Raijin, AniPower e Sons Of Sogeking. Já no outro palco, rolou karaokê o dia inteiro.

Houveram palestras e bate papo com os dubladores das três versões do Homem Aranha, além de algumas ações diferenciadas.

Você foi ao evento? Diz aí nos comentários o que você achou da edição deste ano.

Second Stone: The Legend of the Hidden World

2026-08-03T21:01:50.839-03:00

Misturando exploração em mundo semi aberto, combates em tempo real e um sistema de evolução bastante personalizável, Second Stone: The Legend of the Hidden World surge como uma das promessas para os fãs de RPGs de ação. Ainda em desenvolvimento, o título já demonstra ambição ao combinar elementos que lembram clássicos modernos como The Legend of Zelda: Breath of the Wild e a franquia Final Fantasy, sem deixar de buscar sua própria identidade.

Logo nos primeiros minutos, o jogo me impressionou pela direção de arte. Os cenários são amplos e convidam o jogador à exploração, enquanto o design dos personagens e a trilha sonora ajudam a criar uma atmosfera de fantasia que prende a atenção desde a introdução. Embora a versão atual ainda apresente problemas de otimização (especialmente em computadores mais modestos), o potencial visual do projeto já fica evidente.

A narrativa também chama a atenção. O universo de Second Stone gira em torno de um antigo mito envolvendo duas pedras lendárias ligadas ao amanhecer e ao anoitecer, artefatos que desapareceram há séculos. O protagonista inicia sua jornada em busca de seu espírito guardião, embarcando em uma aventura cercada por mistérios, criaturas mágicas e segredos espalhados pelo mundo (e a animação feita para explicar essa história está incrível).

Um dos maiores destaques está no sistema de progressão. Ao longo da exploração, o jogador encontra as chamadas Mana Stones, que são gemas elementais que podem ser encaixadas em armas, armaduras e equipamentos especiais. Cada pedra oferece atributos diferentes e desbloqueia novas habilidades mágicas, permitindo criar combinações bem variadas e adaptar o personagem ao estilo de jogo de cada pessoa. Além disso, é possível fundir pedras para fortalecê-las, ampliando ainda mais as possibilidades de personalização.

A exploração recompensa constantemente a curiosidade. Barris, caixas e cristais escondem moedas, itens, relíquias e materiais de melhoria, enquanto o mapa reserva áreas secretas, pontos de viagem rápida e diversos inimigos, o que torna o jogo um prato cheio pra quem gosta de vasculhar cada centímetro dos mapas dos jogos. O jogo ainda inclui um sistema de cartas chamado Mana Clash, oferecendo uma atividade paralela para quem gosta de estratégia e colecionáveis (assim como eu).

O combate acontece em tempo real, utilizando ataques físicos, esquivas, bloqueios e magias elementais. Conforme novos equipamentos são obtidos, o personagem ganha acesso a diferentes combinações de atributos, incentivando o jogador a experimentar algumas builds variadas. O primeiro chefe encontrado já demonstra que o desafio será significativo, exigindo domínio das mecânicas e preparação adequada antes da batalha.

Mesmo em seu estágio atual de desenvolvimento, Second Stone: The Legend of the Hidden World demonstra possuir uma base bastante sólida. A mistura entre exploração, progressão profunda, combate dinâmico e uma ambientação envolvente faz do projeto uma opção promissora para quem procura um RPG de fantasia inspirado em grandes clássicos do gênero, mas com espaço para construir sua própria identidade.

Se os desenvolvedores conseguirem refinar a otimização e manter a qualidade apresentada nesta versão, Second Stone tem potencial para se tornar uma excelente surpresa entre os RPGs independentes dos próximos anos, e se tornar um dos favoritos dos jogadores.

E você, pretende dar uma chance ao jogo, quando for lançado oficialmente?

Abaixo, a primeira live que fiz mostrando a primeira build do jogo:

RetroCon 2026 - Uma experiência única

2026-07-28T03:13:42.600-03:00

A edição de 2026 da RetroCon foi bem intensa e, em alguns momentos, inusitada. Os atores originais dos primeiros jogos de Mortal Kombat vieram, assim como o criador dos designs de Diddy Kong e Battletoads, da mesma forma que André Santi, Daniel Pinheiro e Rik Editor retornaram para apresentar gincanas divertidas nos palcos.

Á primeira vista, a Retrocon tem o formato clássico de eventos de colecionismo de jogos antigos, parecido com os que ocorrem nos Estados Unidos e Japão, e tem boa variedade de estandes de vendas e exposições. Lá dentro do Expo Transamerica, os pavilhões estiveram lotados de produtos variados, sejam vintage ou modernos, além de espaços para meet&greet com os artistas internacionais, e também filas para autógrafos e fotos com streamers.

Os visitantes chegavam no evento e recebiam ao entrar, após pegar o crachá de visitante, um suco da marca Tial (patrocinadora do evento, e que está com embalagens em aprceria com Minecraft). No pavilhão de entrada, já podiam ser encontrados estandes de jogos indies (lançamentos) em mídia física (Metal Canary e Infinitevania), e também cardgames (Odisséia, jogo feito por desenvolvedores da baixada santista).

Ainda no mesmo pavilhão, havia o estande de sacolas surpresa da Piticas, um palco de palestrantes, a praça de alimentação, e algumas lojinhas de produtos retrô (a presença ilustre de Busa Filmes, Bazani Store e da locadora do Charada, com filmes em VHS, DVD e Bluray sendo a alegria dos cinéfilos).

Já no segundo pavilhão, haviam áreas de gameplay gratuito à vontade, com máquinas de fliperama, videogames antigos ligados á televisões de tubo, enormes estandes das lojas de games (Mr Games, Pereira Games, Bumber 1, dentre outras), área de Meet&Greet, a loja da Nerd Ao Cubo com promoções imperdíveis (e alguns itens raros a preços muito baixos), e até mesmo um estande especial do ator, dublador e desenhista KevBayliss, que fez o redesign de Donkey Kong, Diddy Kong, além de criar designs clássicos de Battletoads, e vários jogos da Rare nos temposd áureos de parceria com a Nintendo.

Vale lembrar que haviam também lançamentos, como o novo livro do nosso querido Velberan, e a demo exclusiva do jogo em desenvolvimento do Capitão Ninja, do Marcelo Cassaro (Holy Avenger, O Pequeno Ninja, Kim e Hakai, dentre outros). A Wizard Idiomas também marcou presença pelo evento.

Havia também a presença da ONG AbleGamers Brazil, que faz doação de controles especiais para pessoas com deficiência física, e que fazem um ótimo trabalho de inclusão há quase uma década no Brasil.

A Warpzone, A Casa do Videogame e a Mr Games, novamente unidas para organizar um belíssimo encontro de retrogamers, em um ambiente agradável e divertido. E que venham mais edições do evento nos próximos anos!

[Crítica] Águas Mortais

2026-07-21T22:18:19.465-03:00

Com direção de Renny Harlin (“Duro de Matar 2”, “Os Estranhos”), o filme acompanha o desespero que toma conta da tripulação e dos passageiros de um voo que parte de Los Angeles com destino a Xangai. Quando um incidente ocorre no compartimento de carga, a aeronave vira palco de uma luta pela sobrevivência quando cai no meio do oceano.

Os sobreviventes, que já precisam lidar com as consequências do acidente e as perdas irremediáveis, descobrem um novo pesadelo: as águas onde caíram são habitadas por tubarões famintos por sangue que não vão poupar ninguém. Agora, a única saída para o grupo é superar suas diferenças e se unir em busca de escapar vivo da situação.

No elenco, estão incluídos nomes como Ben Kingsley (“A Lista de Schindler”), Aaron Eckhart (“Batman: O Cavaleiro das Trevas”), Molly Belle Wright (“Mistletoe Ranch”), Elijah Tamati (“Holy Days”), Wenhan Li (“Quase Amor”), Simei Zhao (“Behind the Scenes”) e Angus Sampson (“O Poder e a Lei”).

Entregando Mais Que o Prometido

O filme tem uma boa vantagem, ao escolher Aaron Eckhart e Ben Kingsley para contracenarem como piloto e co-piloto, com boa profundidade mostrada em breves e sutis momentos desde o início. Mesmo com um título genérico e um tema que se tornou clichê nos anos 90 e 2000 (acidentes de avião e sobrevivência), o roteiro e a escolha de elenco transformam este em um ótimo filme, que prende atenção do início ao fim.

Até mesmo os atores mirins que fazem os meio irmãos Finn e Cora traem bastante intensidade em vários momentos, com emoções bem executadas. A trilha sonora , que em alguns momentos conta até com Ben Kinsgley cantando Frank Sinatra em um karaokê ou accapela, por exemplo, consegue ser um elemento leve e conciso.

O perigo sempre á espreita

Como era de se esperar, o filme usa a fórmula clássica de dois tipos distintos de filme, sendo um o "Disaster Movie" (acidente de avião) e o perigo dos tubarões (que foi bem forte a partir de JAWS, de Steven Spielberg, e se repetiu exaustivamente por algumas décadas), mas feito com sabedoria e maestria, dando um belo toque de suspense.

Alguns personagens mereciam um tempinho a mais de tela, mas ainda assim, tudo que foi entregue nas cenas, foi suficiente para dar angústia, torcida por alguns, comemoração em outros. O filme lida bastante com as idéias de culpa e arrependimento, na maioria das experiências pessoais, podendo dar muito mais contexto do que diálogos enormes.

Veredito Final

Muito suspense, tubarões e motores pegando fogo, este filme tem um bom ritmo e é ótimo ver na telona do cinema, além de te fazer pensar muitas vezes antes de pegar um avião, e principalmente lhe traz uma mensagem importantíssima: JAMAIS leve power bank na sua mala!

Com distribuição Diamond Films, a maior distribuidora independente da América Latina, o aflitivo ÁGUAS MORTAIS estreia nacionalmente em 23 de julho.

Nota: 8

10 vezes em que os tokusatsus foram sombrios demais

2026-07-13T22:44:58.902-03:00

Imagem gerada por Gemini

Mesmo nos diass atuais, muita gente ainda acredita que tokusatsus são programas infantis.

Hoje, trago algo que quebra um pouco aquela imagem de que "tokusatsu é só para crianças". Nas décadas de 70, 80 e 90, principalmente, roteiristas como Shozo Uehara, Hirohisa Soda e Toshiki Inoue tratavam assuntos surpreendentemente pesados.

1. Jetman (1991): o Super Sentai que parecia uma novela para adultos

Muitos fãs consideram Jetman o Super Sentai mais sombrio já produzido, e não é para menos.

Ele abordava: triângulo amoroso; ciúme; alcoolismo; desejo de vingança; morte permanente de personagens; relacionamento tóxico.

O caso mais famoso acontece no final: Depois de salvar o planeta, Gai Yuki (Black Condor) é esfaqueado por um assaltante comum. Não é um monstro, nem é o vilão. É simplesmente um criminoso qualquer.

Ele morre silenciosamente sentado em um banco de praça enquanto observa o casamento dos amigos.

Para um programa infantil de domingo de manhã, foi um final completamente inesperado.

2. Ultraseven teve episódios censurados

Existe um episódio real que foi retirado de circulação: O episódio 12, conhecido como "From Another Planet with Love", apresentava alienígenas afetados por radiação, com cicatrizes semelhantes às provocadas pelas bombas atômicas.

Após críticas por lembrar vítimas de Hiroshima e Nagasaki, o episódio foi removido das reprises e permaneceu décadas sem ser exibido oficialmente.

É um dos casos mais famosos de censura da história do tokusatsu.

3. Kamen Rider Black começa com um experimento humano

Muita gente esquece porque assistiu quando criança, mas a premissa de Black é extremamente pesada.

Kotaro Minami (Issamu MInami, no Brasil) é sequestrado; operado contra sua vontade; transformado em um ciborgue; destinado a virar o líder da organização Gorgom.

Ou seja, o herói inteiro nasce de uma experiência de mutilação humana!!!

Essa origem vem diretamente do Kamen Rider original de 1971, que tinha uma pegada muito inspirada em filmes de horror e ficção científica da época.

4. Metalder fala sobre a Segunda Guerra Mundial

Pouca gente percebe isso, pra ser bem sincero. Metalder foi criado durante a Segunda Guerra Mundial, pois seu criador queria construir um "soldado perfeito". Depois da guerra ele fica adormecido por décadas e desperta em um mundo completamente diferente.

É praticamente uma reflexão sobre militarização, consequências da guerra e até "humanidade versus máquinas".

5. Jaspion tem episódios mais tristes do que muita gente lembra

Jaspion costuma ser lembrado pelo humor, mas alguns episódios são surpreendentemente pesados.

Por exemplo: crianças órfãs; pessoas sacrificando a própria vida para salvar outras; monstros que na verdade são vítimas; Edin morrendo diante do próprio filho adotivo; o planeta inteiro quase sendo transformado em um mundo dominado pelos monstros.

O clima dos episódios finais muda bastante em relação ao início da série.

6. Changeman fala sobre genocídio

O Império Gozma não quer apenas conquistar planetas, ele extermina civilizações inteiras. Logo no começo da série, é dito que centenas de planetas já foram destruídos pelo império.

Para uma produção infantil, isso estabelece uma escala de ameaça enorme!

7. Flashman tem um dos finais mais cruéis dos Sentais

Os cinco heróis finalmente encontram a Terra (seu planeta de origem), depois de terem sido sequestrado quando bebês, e sido treinados por seus sequestadores (agora "pais adotivos") em um sitema solar distante. Mas descobrem que seus corpos não conseguem permanecer no planeta por causa da chamada "reação anti-Flash". Com isso, eles são obrigados a abandonar seus familiares logo depois de reencontrá-los.

Não existe solução milagrosa, eles simplesmente vão embora, para não pederem a vida. Até hoje é considerado um dos finais mais melancólicos da franquia.

8. Liveman começa com uma traição

O primeiro episódio já mostra algo raro.

Dois colegas de faculdade dos protagonistas: assassinam amigos; traem toda a equipe; unem-se ao vilão em troca de conhecimento científico.

Não é "lavagem cerebral", eles escolhem fazer isso!

Essa ambiguidade moral era incomum para programas infantis.

9. Ultraman frequentemente trata monstros como vítimas

Um tema recorrente da franquia Ultra é mostrar que nem todo kaiju é mau.

Muitos perderam seu habitat; sofreram experiências humanas; foram contaminados; apenas estavam tentando sobreviver.

Em vários episódios, a vitória do herói é apresentada como uma tragédia, e não como um triunfo. Isso levou a série a discutir temas como destruição ambiental, avanço tecnológico e responsabilidade humana muito antes de esses assuntos se tornarem comuns na TV infantil.

10. Existia uma regra: nem todo final precisava ser feliz

Hoje é comum que séries infantis encerrem cada episódio com uma lição positiva, ao estilo que He-Man fazia nos finais de episódios nos anos 80. Só que nos tokusatsus dos anos 70 e 80 era diferente.

Era relativamente comum terminar um episódio com: alguém morrendo; uma família destruída; um personagem não conseguindo realizar seu sonho; um monstro sendo morto apesar de ser inocente; um herói incapaz de salvar todos.

Essa abordagem refletia uma influência maior da ficção científica e do drama japoneses da época, em vez de seguir a estrutura mais otimista de muitos programas infantis ocidentais.

Uma curiosidade pouco conhecida sobre Jaspion

Existe uma história verdadeira (bem diferente da lenda do "episódio proibido"). Um roteiro para um episódio de Jaspion chegou a ser desenvolvido por Shigemitsu Taguchi, roteirista ligado à franquia Ultraman, mas acabou não sendo produzido. Segundo relatos de bastidores, a proposta teria uma atmosfera mais próxima das séries Ultra, com um tom mais contemplativo e dramático. Isso alimentou por anos especulações entre fãs sobre "o episódio perdido", embora esse episódio nunca tenha sido filmado.

[Lendas da Internet] Your Love (The Outfield)

2026-06-16T07:10:49.867-03:00

Ao contrário do que muitos pensam, "Your Love" não é baseada em uma história real. A personagem "Josie" foi totalmente inventada pelo guitarrista John Spinks, que compôs a música junto com o vocalista Tony Lewis em apenas 20 minutos na varanda de um apartamento

A Origem e o Processo Criativo

A letra foi escrita de forma despretensiosa por John Spinks, que apenas queria capturar a intensidade e a urgência de um relacionamento fugaz. A famosa personagem "Josie" não existiu na vida real.

Originalmente, a música foi pensada com um arranjo mais leve e suave. No entanto, durante a produção do álbum de estreia da banda, o produtor William Wittman encorajou o trio a adotar uma pegada mais voltada para o hard rock, o que resultou na sonoridade enérgica que se tornou a marca registrada da canção.

O Significado da Letra

Embora tenha um ritmo contagiante, a letra de Your Love carrega um conflito moral. O protagonista da história aborda o interesse por outra mulher enquanto sua parceira (Josie) está de férias ou distante.

A música expõe insegurança, carência e uma certa dose de traição ou desejo enganoso, ilustrada no famoso refrão:

- "I just wanna use your love tonight, I don't wanna lose your love tonight" (Só quero usar o seu amor esta noite, não quero perder o seu amor esta noite).

Isso demonstra um conflito interno do protagonista, que busca um conforto imediato e físico com outra pessoa, mas teme perder o vínculo emocional principal que possui.

Mas há uma teoria de que Josie seria a irmã mais nova do vocalista, e ele está afim da amiga menor de idade, enquanto ele é maior, mas, é apenas loucura da internet.

Essa teoria perturbadora é um mito da internet que surgiu da má interpretação (e de uma "tradução mental" equivocada) de uma única linha da música, combinada com piadas da cultura pop.

As principais razões que alimentaram esse boato na internet incluem:

1. O verso "You know I like my girls a little bit older"

O maior culpado pela confusão é o verso: "You know I like my girls a little bit older" (Você sabe que eu prefiro garotas um pouco mais velhas).

O erro de interpretação: Algumas pessoas associaram essa frase ao fato de que, se o cantor gosta de garotas "mais velhas", a garota com quem ele está conversando seria muito jovem (uma menor de idade) e ele estaria tentando se justificar.

O significado real: Na verdade, o eu-lírico (o personagem da música) é quem é um jovem rapaz. Ao dizer que gosta de mulheres "um pouco mais velhas", ele está elogiando a maturidade da amiga de Josie, tentando seduzi-la ao sugerir que ela é madura e atraente o suficiente para ele.

2. A paródia do Saturday Night Live (SNL)

O boato de que Josie seria a irmã mais nova ganhou muita força nos Estados Unidos após uma famosa esquete cômica do programa Saturday Night Live em 2013.

Na paródia, o ator Josh Hutcherson interpreta o irmão mais novo de Josie. Ele usa as falas exatas da música para tentar seduzir uma amiga de sua irmã mais velha que foi visitá-lo.

Como a esquete viralizou, muitas pessoas que não conheciam o contexto original da composição passaram a acreditar que a dinâmica de "irmão mais novo/amiga da irmã" era a história oficial por trás da letra.

3. O "telefone sem fio" das redes sociais

Em plataformas como o TikTok e fóruns do Reddit, vídeos de curiosidades musicais frequentemente distorcem os fatos para gerar cliques. O rumor de que Josie seria a irmã viajou pela internet e foi distorcido no Brasil: a história mudou de "irmão mais novo tentando pegar a amiga mais velha da irmã" para a versão inversa e problemática de um "homem mais velho tentando pegar a amiga menor de idade da irmã".

O Fato Consumado

O vocalista Tony Lewis e o compositor John Spinks (que tinha cerca de 30 anos quando escreveu o hit) sempre deixaram claro que Josie é uma namorada fictícia que viajou, e o protagonista é apenas um jovem comum passando por uma tentação de fidelidade típica da juventude. Não há qualquer subtexto de menor de idade ou parentesco familiar na composição original.

[Crítica] Corações Jovens

2026-06-12T01:52:39.331-03:00

Existem filmes que tentam emocionar através de grandes reviravoltas, discursos impactantes ou tragédias pesadas. Corações Jovens segue pelo caminho oposto. O longa belga dirigido por Anthony Schatteman encontra sua força justamente na simplicidade.

A história acompanha Elias, um garoto que começa a descobrir sentimentos que nunca havia experimentado antes quando conhece Alexander. A partir daí, o filme constrói uma narrativa sobre primeiro amor, inseguranças e autodescoberta sem transformar isso em um grande drama. Tudo acontece de forma muito natural, quase como uma lembrança de adolescência que poderia pertencer a qualquer pessoa.

O que mais me chamou atenção foi a forma como o diretor confia nos seus personagens. Há muitos momentos em que o filme prefere um olhar, um silêncio ou uma expressão tímida em vez de explicar tudo ao espectador. Essa escolha dá autenticidade à história e faz com que as emoções pareçam reais. Lou Goossens e Marius De Saeger entregam atuações extremamente sinceras, sem exageros ou artificialidade.

Outro ponto forte é a atmosfera. A pequena vila onde a trama acontece transmite uma sensação de conforto, reforçada pela trilha sonora delicada de Ruben De Gheselle. É aquele tipo de filme que parece abraçar o espectador em vez de tentar chocá-lo.

Ao mesmo tempo, entendo algumas das críticas que a produção recebeu. Em determinados momentos, a história parece idealizada demais. Alguns conflitos familiares e sociais são resolvidos de maneira tão tranquila que podem soar otimistas além da conta. Dependendo da experiência de vida de cada espectador, isso pode passar uma sensação de conto de fadas.

Também não é um filme que reinventa o gênero coming-of-age. Quem já assistiu muitas histórias sobre amadurecimento e primeiro amor provavelmente reconhecerá vários elementos familiares. Além disso, o ritmo é bastante contemplativo e pode parecer lento para quem prefere narrativas mais movimentadas.
Mesmo assim, saí da sessão com uma impressão positiva. Em uma época em que tantas histórias sobre jovens LGBTQIA+ acabam focando exclusivamente na dor, no preconceito ou na tragédia, Corações Jovens escolhe falar sobre afeto, descoberta e esperança. Talvez não seja um filme revolucionário, mas é um filme necessário.

No fim das contas, Corações Jovens não tenta mudar o mundo. Ele apenas lembra que o primeiro amor, com todas as suas dúvidas e inseguranças, pode ser uma experiência bonita. E às vezes isso já é suficiente.

[Crítica] Dia D (Disclosure Day)

2026-06-10T16:37:38.056-03:00

Steven Spielberg passou décadas ajudando o cinema a construir nossa imagem dos extraterrestres. De "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" a "E.T.", ele sempre preferiu o fascínio ao medo. Em "Dia D", o diretor retorna a esse território familiar, mas agora através de uma história que mistura conspiração, memória perdida, política e uma pergunta capaz de mudar a humanidade para sempre: o que aconteceria se a verdade sobre a vida extraterrestre fosse finalmente revelada ao mundo?

A trama acompanha dois personagens cujas vidas parecem não ter ligação alguma: uma repórter responsável pela previsão do tempo em uma cidade do Kansas e um hacker que trabalha para uma empresa associada à defesa nacional dos Estados Unidos. Aos poucos, ambos descobrem que compartilham um passado em comum e que suas histórias estão ligadas a um segredo guardado há décadas.

Spielberg conduz essa jornada como poucos diretores conseguem fazer. Existe um forte senso de maravilhamento em cada descoberta, ao mesmo tempo em que a narrativa mantém um clima constante de mistério e perseguição. Em vários momentos, o filme lembra um herdeiro espiritual de "Contatos Imediatos" e "E.T.", não por compartilhar personagens ou acontecimentos, mas pelo mesmo olhar curioso e quase infantil diante do desconhecido.

Nem tudo funciona perfeitamente. Alguns efeitos visuais impressionam, mas em determinadas cenas a computação gráfica se aproxima do chamado vale da estranheza, causando um leve desconforto visual que destoa do restante da produção. Felizmente, são momentos pontuais em um filme visualmente bastante competente.

O aspecto mais interessante da obra talvez esteja nas discussões que ela provoca. O roteiro brinca com diferentes interpretações científicas, filosóficas e religiosas sobre a existência de vida extraterrestre. Para alguns personagens, a revelação representaria o colapso de antigas certezas. Para outros, seria apenas mais uma peça de um universo muito maior do que imaginamos.

A tensão criada em torno da possibilidade de décadas de documentos, registros e evidências serem exibidos ao vivo para toda a humanidade é o combustível que move a narrativa. E é justamente aí que Spielberg encontra seu tema favorito: não os alienígenas em si, mas a reação humana diante do impossível.

"Dia D" talvez não esteja entre os trabalhos mais revolucionários de sua carreira, mas prova que Spielberg continua dominando uma habilidade rara no cinema moderno: fazer o público sair da sala olhando para o céu e se perguntando se estamos realmente sozinhos.

Veredito: Um thriller de ficção científica com alma de aventura clássica, que mistura conspiração, emoção e questionamentos existenciais em uma história que parece conversar diretamente com os grandes sucessos extraterrestres da carreira de Spielberg.

[Crítica] Amor Apocalipse

2026-06-10T15:43:50.418-03:00

O dono de um canil, lutando contra a ansiedade climática, se apaixona por uma atendente de serviço ao cliente por telefone. Em meio a um desastre natural, ele embarca em uma jornada romântica, bilíngue e aventureira para encontrá-la.

Quando o Fim do Mundo é Menos Assustador Que a Solidão

Existem filmes que você assiste pela história. Outros, pelos personagens. E existem aqueles que dependem completamente do estado de espírito de quem está assistindo. "Amor Apocalipse" pertence à terceira categoria.

A trama acompanha Adam, um homem extremamente sensível, consumido por ansiedade, inseguranças e preocupações existenciais. Dono de um canil, ele vive preso em uma rotina melancólica, incapaz de se conectar verdadeiramente com o pai ou de impor limites às pessoas ao seu redor. Sua vida começa a mudar quando uma simples ligação para o suporte técnico de uma lâmpada terapêutica o coloca em contato com Tina, uma atendente cuja voz parece oferecer exatamente aquilo que ele não consegue encontrar sozinho: conforto.

É importante deixar uma coisa clara para quem pretende assistir: apesar de ser divulgado como uma comédia romântica, o filme funciona muito mais como um drama romântico com pequenas doses de humor.

A primeira meia hora pode ser um desafio para alguns espectadores. O ritmo é lento, a trilha sonora é quase inexistente e a narrativa mergulha de cabeça nas angústias de Adam. A ansiedade do personagem é tão presente que, em alguns momentos, chega a ser desconfortável acompanhar seus pensamentos e sua forma de enxergar o mundo.

Mas é justamente quando Tina entra na história que o filme começa a respirar.

O encontro dos dois não transforma a narrativa em uma aventura romântica convencional, mas acrescenta leveza suficiente para equilibrar o peso emocional que dominava a trama até então. A partir desse ponto, o filme encontra um ritmo mais agradável, alternando momentos delicados de romance com pequenas situações inesperadas.

Algumas das melhores cenas surgem justamente desses desvios de rota: uma visita a um vendedor de maconha que quase termina em prisão, uma pequena vingança contra um antigo desafeto ou situações embaraçosas que revelam mais sobre os personagens do que longos diálogos seriam capazes de mostrar.

Quem procura grandes reviravoltas ou revelações chocantes talvez não encontre o que deseja aqui. "Amor Apocalipse" é um filme de observação. Ele está mais interessado em acompanhar pessoas tentando lidar com suas fragilidades do que em surpreender o público a cada quinze minutos.

Talvez sua maior qualidade seja justamente essa honestidade. O longa entende que nem toda história de amor nasce de gestos grandiosos. Às vezes ela surge no meio de um dia ruim, durante uma conversa inesperada, quando alguém aparece exatamente no momento em que você mais precisava ouvir uma voz amiga.

Não é um filme para todos os públicos. Mas quem aprecia dramas intimistas, romances discretos e personagens emocionalmente complexos pode encontrar aqui uma experiência bastante recompensadora.

No fim das contas, "Amor Apocalipse" fala menos sobre o fim do mundo e mais sobre algo muito mais assustador para muita gente: a sensação de enfrentar a vida sozinho.

Nota 7,0

[Cinema] Hit Para Dois

2026-06-09T19:09:12.399-03:00

A Comédia Trágica da Vida de Quem Faz Música. Rick é um cantor de casamentos que já sonhou alto. Danny é um ex-astro de boy band que viu a fama passar rápido demais. Quando os dois se encontram por acaso e acabam improvisando uma música durante uma jam session madrugada adentro, nasce uma amizade improvável. Mas tudo muda quando uma composição criada naquele encontro se transforma em um grande sucesso — e apenas um deles recebe os créditos.

Se você é músico, provavelmente vai se identificar com pelo menos uma parte dessa história.

Paul Rudd interpreta Rick Powers, um músico talentoso que vive tocando em casamentos enquanto guarda a frustração de nunca ter alcançado o sucesso que imaginou para sua carreira. Do outro lado está Danny Wilson, vivido por Nick Jonas, um cantor que experimentou a fama muito jovem, mas que, ao contrário de seus antigos colegas de banda, não conseguiu manter o mesmo nível de reconhecimento em carreira solo.

O interessante é que o filme não trata nenhum dos dois como herói ou vilão. Ambos carregam inseguranças, arrependimentos e sonhos que ficaram pelo caminho. E talvez seja justamente isso que faça a história funcionar tão bem.

Quando a Ficção Parece Real Demais

Uma das coisas que mais chamam atenção em "Hit Para Dois" é como ele retrata uma realidade conhecida por praticamente qualquer artista independente.

A maioria dos músicos nunca terá a oportunidade de tocar para multidões. Muitos passam anos compondo, ensaiando, gravando e divulgando suas músicas sem conseguir alcançar o público certo. Talento, infelizmente, nem sempre é suficiente.

Por isso, mesmo trabalhando dentro de uma trama relativamente simples, o filme acerta ao mostrar as frustrações, expectativas e até a inveja que podem surgir quando o sucesso bate à porta de alguém próximo.

Curiosamente, as músicas originais do longa foram compostas pelo próprio diretor e se misturam a clássicos do rock ao longo da narrativa, ajudando a construir a identidade musical do filme sem parecer forçado.

Um Conflito Que Poderia Ser Resolvido Com Uma Conversa

É impossível assistir sem pensar que boa parte dos problemas da trama poderia ter sido resolvida com uma conversa honesta.

Mas a vida real também é assim.

Muitas vezes, pequenas omissões, decisões impulsivas ou conselhos errados acabam gerando consequências muito maiores do que deveriam. O filme entende isso e explora essa ideia de forma natural, sem precisar recorrer a grandes reviravoltas ou exageros dramáticos.

Simples, Mas Eficiente

"Hit Para Dois" não tenta reinventar a roda.

Seu maior mérito está justamente em saber o que quer ser: uma comédia dramática leve, fácil de acompanhar e que funciona muito bem graças à química entre Paul Rudd e Nick Jonas.

Em vários momentos, o filme lembra produções como "Letra e Música", principalmente pela mistura entre humor, música e personagens tentando encontrar seu lugar em um mercado extremamente competitivo.

Também é curioso observar como Nick Jonas parece brincar com aspectos da própria trajetória artística, enquanto Paul Rudd entrega um personagem que precisa amadurecer justamente quando acredita já ter aprendido tudo sobre a vida.

Veredito

"Hit Para Dois" é daqueles filmes confortáveis de assistir. Não é uma obra revolucionária nem pretende ser. Em vez disso, entrega uma história sincera sobre amizade, ego, reconhecimento e as voltas inesperadas que a vida dá.

Para músicos, compositores e qualquer pessoa que já tenha sonhado em viver de arte, a identificação é quase inevitável.

Uma boa mistura de comédia e drama, com personagens carismáticos, uma trilha sonora competente e uma mensagem otimista sem cair no sentimentalismo exagerado. Um daqueles raros filmes que conseguem mostrar as dificuldades da vida artística sem perder a leveza.

Nota: 8/10

Mestres do Universo | He-Man

2026-06-04T08:30:00.000-03:00

Criada como um longo comercial televisivo de 22 minutos de duração, e exibida entre 1983 à 1985, a série de animação He-Man e os Mestres do Universo desenvolvida pelo estúdio Filmation em parceria com a gigante dos brinquedos Mattel, nasceu com o simples objetivo de dar suporte narrativo, ao que viria ser, uma das franquias de brinquedos mais populares dos anos 1980.

Como uma delicada carta de amor à série e seus personagens, o projeto de Travis Knight (Kubo e as Cordas Mágicas - 2015, e Bumblebee - 2018), busca revisitar as origens de He-Man, dos Mestres do Universo e do maligno Esqueleto, levando o espectador por uma nova jornada através das terras mágicas de Eternia, rica em detalhes e repleta de fan service.

A produção de 2026, lançada em 4 de junho, dá continuidade à estratégia adotada pela Mattel em Barbie (2023): transformar suas propriedades intelectuais em narrativas mais humanas e densas, aprofundando seus personagens e fortalecendo a conexão emocional com o público.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

O longa acompanha o jovem e atrapalhado príncipe Adam (Nicholas Galitzine), herdeiro do trono de Eternia, que, após uma invasão devastadora causada pelas hordas de demônios de Esqueleto, é enviado com urgência pela Feiticeira (Morena Baccarin), para a realidade do planeta Terra ao lado da Espada do Poder, objeto que guarda todo o poder do reino. Forçado a deixar sua vida para trás, ele se torna a última esperança de salvação para seu povo.

Quase vinte anos depois, Adam vive como um adulto deslocado e sem perspectivas, em busca do artefato mágico, perdido ainda na infância. Dividindo um apartamento em meio a cidade e agora profissional de Recursos Humanos, evitando conflitos e preferindo o diálogo (uma clara menção as lições de moral que encerravam os episódios da série original).

Seu retorno a Eternia, porém, o coloca diante da missão de recuperar seu poder e restaurar a ordem em um reino devastado pelo caos e pela destruição semeados por Esqueleto.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Praticamente nada do visual original dos personagens foi alterado, algo perceptível desde os primeiros minutos. Um ponto importante a se destacar, porém, é a mudança na forma como Eternia e seus habitantes são retratados.

Aqui, o diretor opta por aprofundar seus personagens, afastando-os do simples conceito de eterna guerra entre bem e mal, que caracterizava a série original, e inserindo-os em conflitos mais complexos, envolvendo temas como alcoolismo, abandono, fuga e relacionamentos abusivos.

Longe de ser um aspecto negativo, essa abordagem acrescenta uma camada extra de profundidade e contexto à narrativa, tornando seus personagens mais humanos e suas motivações mais compreensíveis.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

O desenvolvimento da trama é um dos pontos fortes da produção. O longa mantém um ritmo consistente e dosado, equilibrando ação, humor e drama sem se alongar além do necessário. Não há pancadarias enfadonhas, nem momentos melodramáticos em demasia quebrando a experiência.

Cada elemento introduzido pela narrativa recebe atenção adequada e encontra uma resolução satisfatória. Simples, direto e eficiente, sem espaço para pontas soltas no roteiro.

(Foto: Luiz Rodrigues/Jam Station)

Provando mais uma vez que é muito mais do que um rostinho bonito esculpido em uma montanha de músculos, Nicholas Galitzine (Vermelho, Branco e Sangue Azul - 2019) entrega um personagem surpreendentemente rico, transitando com naturalidade entre situações contrastantes e nuances emocionais distintas.

O resultado vai muito além da caricatura do brutamontes de tanguinha e peruca chanel que marcou o imaginário popular ao longo dos anos cantando What's Going On do 4 Non Blonds com um fundo psicodélico.

Adam não é um personagem excessivamente sério, mas também não se transforma em uma máquina de piadas (Oi, Thor) fora de contexto apenas para arrancar risadas da plateia. O equilíbrio entre humor e drama é um dos pontos fortes da interpretação.

Já Jared Leto (Tron: Ares - 2025), mesmo oculto sob o pesado trabalho de CGI aplicado ao personagem durante a pós-produção, ainda encontra espaço para brilhar com um eficiente trabalho de captura de movimentos apresentado no crânio de Esqueleto, e atuação vocal, ajudando a dar personalidade ao vilão.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Se distanciando de tendências recentes em direção de arte e fotografia, o longa não adere a paletas desbotadas e ambientação excessivamente escura e com pouca iluminação, característica presente em muitas produções atuais. Pelo contrário, Eternia surge como um universo vibrante e repleto de detalhes, com biomas que se diferenciam a cada novo cenário, esbanjando cores e uma iluminação rica e cuidadosamente trabalhada.

A fotografia merece uma menção honrosa, sendo uma das grandes responsáveis por integrar efeitos práticos e CGI em uma fusão tão eficiente que, em diversos momentos, torna-se difícil distinguir onde termina o cenário físico e onde começa a computação gráfica.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Contando com nomes de peso como o compositor Daniel Pemberton (Devoradores de Estrela – 2026 e Os Caras Malvados – 2025), colaborações de Brian May, guitarrista do Queen, e uma música-tema composta e interpretada pela banda The Darkness, "Masters of the Universe", a trilha sonora traz temas nostálgicos fortemente inspirados no pop rock e no synth pop dos anos 80, inseridos de forma orgânica entre as cenas, sem parecerem forçados ou colocados ali apenas para preencher espaço.

Mestres do Universo chega aos cinemas como uma tentativa bem-sucedida de revitalizar um clássico da década de 80 de forma leve e acessível.

O longa entrega um bolo robusto: recheado de nostalgia e referências para os fãs de longa data, mas também decorado com elementos capazes de atrair um público mais jovem ou aqueles que jamais tiveram contato com a série animada ou com a linha de brinquedos da Mattel.

O resultado é uma aventura despretensiosa, brega (no bom sentido) e que ri de si mesma, funcionando tanto para quem cresceu assistindo ao cartoon, quanto para quem procura apenas um filme divertido e visualmente interessante para toda a família.

Mestres do Universo (Masters of the Universe)
04 de Junho de 2026 - 140 Minutos - Amazon MGM Studios / Sony Pictures Entertainment

País: EUA
Gênero: Espada e Feitiçaria, Ação, Fantasia
Direção: Travis Knight
Roteiro: Chris Butler, Irmãos Nee, Alex Litvak, Michael Finch
Elenco: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba, Jared Leto

★★★★★

Opinião: Sem Elvis, não haveriam Beatles e nem Black Sabbath

2026-05-27T22:25:36.208-03:00

Elvis Presley não nasceu em um vácuo; ele foi o catalisador que unificou a música negra e branca dos Estados Unidos, transformando o Rock 'n' Roll em um fenômeno global. Sem ele, talvez nunca teríamos a chance de ter toda a gama de bandas que existem hoje em dia.

Acom base nisso, montei essa linha do tempo detalhada dessa evolução musical, desde as raízes rurais até o nascimento do Heavy Metal.

Imagem gerada por IA

1. O que veio antes (As Raízes de Elvis)

Antes de Elvis gravar sua primeira música na Sun Records em 1954, a música americana era rigidamente segregada pelo racismo estrutural. O cenário dividia-se em dois grandes blocos:

- Blues e Rhythm & Blues (R&B): Criados pela comunidade afro-americana. O Blues do Delta do Mississippi e o R&B urbano de artistas como Big Joe Turner, Arthur Crudup (compositor de "That's All Right", o primeiro sucesso de Elvis) e Sister Rosetta Tharpe trouxeram a guitarra elétrica distorcida, o ritmo acelerado e a entrega vocal visceral.

- Country & Western e Gospel: A música branca rural, frequentemente chamada de "Hillbilly". Elvis cresceu frequentando igrejas pentecostais, onde absorveu o fervor do Gospel, e ouvindo o Country de artistas como Hank Williams, que trazia a estrutura narrativa e o lamento melódico.

O Estalo: O Rock 'n' Roll já existia de forma embrionária com pioneiros negros como Ike Turner (com "Rocket 88" em 1951) e Fat Domino. No entanto, as rádios de grande alcance (controladas por brancos) se recusavam a tocar esses artistas. O dono da Sun Records, Sam Phillips, verbalizou o sentimento da época: "Se eu encontrasse um homem branco que tivesse o som negro e o sentimento negro, eu poderia faturar um bilhão de dólares". Esse homem era Elvis.

2. A Explosão de Elvis (O Catalisador)

Ao misturar o Blues negro com o Country branco, Elvis popularizou o subgênero Rockabilly. A existência dele causou três impactos imediatos que mudaram a história da cultura pop:

Derrubada de Barreiras: Elvis serviu como uma "ponte". Ao estourar na grande mídia, ele forçou o público branco a consumir e validar as estruturas rítmicas da música negra. Isso abriu espaço para que gigantes contemporâneos como Little Richard, Chuck Berry e Bo Diddley também conquistassem as paradas pop.

Criação da Cultura Jovem: Até a década de 1950, o conceito de "adolescente" não existia comercialmente; as crianças se vestiam e ouviam as mesmas músicas que os pais. Elvis, com seu rebolado chocante e atitude rebelde, criou a primeira fresta de divisão geracional da história.

A Linha de Frente Comercial: Ele provou que o Rock 'n' Roll era uma commodity trilionária. Isso fez com que grandes gravadoras (como a RCA) investissem massivamente no gênero, espalhando o som pelos navios e rádios até chegar à Europa.

3. A Reação em Cadeia (Dos Beatles ao Black Sabbath)

A partir do impacto de Elvis, a música seguiu um efeito dominó geométrico:

[Blues / Country] ➔ [Elvis Presley] ➔ [Os Beatles] ➔ [Black Sabbath]

Passo 1: O Impacto em Liverpool (Os Beatles)

No final dos anos 50, o Reino Unido estava devastado pelo pós-guerra. Os discos de Elvis chegavam de navio pelo porto de Liverpool. John Lennon e Paul McCartney, ao ouvirem o Rei, decidiram abandonar o Skiffle (uma espécie de folk acústico improvisado) para formar bandas de rock.

Os Beatles pegaram a energia de Elvis, somaram a harmonia dos Everly Brothers e a genialidade de escrita de Buddy Holly, criando o formato moderno de banda (onde os próprios membros compõem e tocam).

Passo 2: A Resposta Britânica e a Experimentação

Em 1964, os Beatles lideraram a Invasão Britânica. O sucesso deles abriu as portas para bandas como The Rolling Stones e The Who, que decidiram eletrificar e acelerar o Blues de Chicago de forma muito mais agressiva.

Em 1968, os próprios Beatles decidiram responder aos críticos que os chamavam de "comportados" e gravaram "Helter Skelter". A faixa trouxe guitarras extremamente distorcidas, vocais berrados e uma bateria violenta. Era o rascunho definitivo do que viria a ser o Metal.

Passo 3: O Nascimento do Heavy Metal (Black Sabbath)

Em Birmingham, uma cidade industrial cinzenta e operária da Inglaterra, quatro jovens (Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward) tentavam sobreviver. Inspirados pela revolução dos Beatles, eles montaram uma banda.

Porém, em vez do otimismo pop dos anos 60, eles decidiram traduzir o som das fábricas britânicas. Tony Iommi, após perder as pontas dos dedos em um acidente de fábrica, teve que afrouxar as cordas da guitarra para conseguir tocar sem dor. O resultado foi um som incrivelmente pesado, denso e fúnebre.

Somando as temáticas de filmes de terror ao Blues pesado (que os Beatles ajudaram a popularizar), o Black Sabbath lançou seu álbum de estreia em 1970, oficializando o Heavy Metal para o mundo.

Tanto John Lennon, em relação à Elvis, quanto Ozzy Osbourne, em relação aos Beatles, expressaram essa admiração de forma muito visceral e poética. Eles deixaram claro em entrevistas ao longo de suas vidas como essas epifanias musicais moldaram seus destinos.

John Lennon sobre Elvis: O Big Bang Cultural

Para John Lennon, a descoberta de Elvis Presley não foi apenas uma influência musical; foi uma quebra de realidade. Ele descrevia a experiência em tons quase religiosos, definindo Elvis como o marco zero de sua existência.

- "Antes de Elvis, não havia nada."

Esta é a frase mais famosa de Lennon sobre o Rei. Ele explicava que, em termos de cultura e música popular, o mundo antes de 1956 parecia estático e sem cor. Elvis dividiu a história entre "antes" e "depois".

- O impacto de Heartbreak Hotel:

Lennon relembrou o exato momento em que sua vida mudou: "Quando ouvi Heartbreak Hotel, minha vida inteira se transformou. Fiquei completamente abalado com aquilo. Pensei: 'É isso!' E comecei a tentar deixar costeletas e comprar aquelas roupas".

- A obsessão e a rivalidade:

Mesmo após alcançar o estrelato global, Lennon continuava carregando o fã dentro de si (chegando a usar um broche de strass escrito "Elvis" no Grammy de 1975). Ele resumia o tamanho dos Beatles em relação ao ídolo de forma cirúrgica: "Queríamos ser maiores que Elvis, mas um a um nenhum de nós conseguia encará-lo. Paul era fraco demais, eu não era tão bonito, George era muito quieto e Ringo era só o baterista. Mas juntos, nós vencemos Elvis".

Ozzy Osbourne sobre os Beatles: Da Escuridão para as Cores

Se Elvis tirou Lennon de Liverpool, os Beatles tiraram Ozzy Osbourne da miséria e do destino sombrio das fábricas de Birmingham. Ozzy sempre declarou que deve sua carreira inteira aos Fab Four.

- O raio azul de 1963:

Ozzy tinha 14 anos, andava por uma rua operária e carregava um pequeno rádio transistorizado azul. Quando a música começou, o mundo dele parou: "Eu ouvi 'She Loves You' e aquilo me derrubou. É como se você conhecesse todas as cores do mundo, aí alguém te mostra uma cor totalmente nova e você diz: 'Puta que pariu, cara'".

- A faísca que criou o vocalista:

A experiência foi tão violenta que traçou o plano para o resto de sua vida: "Foi como ser atingido por um raio. Mudou minha vida para sempre, e naquele exato momento eu soube o que queria fazer da vida. Eu sabia que queria ser o vocalista de uma banda".

- O contraste que gerou o Sabbath:

Ozzy era fascinado pela dinâmica de composição entre Lennon e McCartney, definindo-os como "o doce e o azedo". Enquanto Paul cantava que as coisas estavam melhorando ("It's getting better all the time"), John rebatia dizendo que não podia piorar ("It couldn't get much worse"). Foi essa faceta mais cínica, direta e poética de John Lennon que fisgou a mente do jovem Ozzy, servindo de base lírica para quando ele começou a escrever o heavy metal industrial do Black Sabbath.

Como você pode ver, a história do rock é feita dessas pequenas epifanias no rádio.

O encontro entre os Beatles e Elvis Presley, em 1965, foi marcado por um constrangimento quase cômico antes da música quebrar o gelo. Décadas mais tarde, o encontro entre Ozzy Osbourne e Paul McCartney inverteu essa dinâmica, mostrando o Príncipe das Trevas totalmente desarmado e em choque diante de seu maior herói.

O Encontro em Bel Air: Os Beatles conhecem Elvis (1965)

O encontro aconteceu na noite de 27 de agosto de 1965, na mansão de Elvis Presley em Bel Air, Los Angeles. Os Beatles estavam no meio de uma turnê estrondosa pelos Estados Unidos e o encontro foi planejado sob extremo sigilo para evitar o caos de fãs na porta.

- O Silêncio Constrangedor: Ao entrarem na enorme sala circular iluminada por luzes vermelhas e azuis, os quatro rapazes de Liverpool ficaram completamente paralisados. John, Paul, George e Ringo simplesmente sentaram no chão e no sofá e ficaram encarando Elvis fixamente, sem conseguir dizer uma única palavra de tão maravilhados.

- A Frase que Quebrou o Gelo: Vendo aquele silêncio desconfortável durar minutos, Elvis, que segurava um baixo elétrico, perdeu a paciência com bom humor e disparou: "Olhem, se vocês vão ficar aí sentados só me encarando, eu vou subir para o meu quarto dormir".

- A Jam Session Improvisada: Todo mundo caiu na risada e o clima mudou instantaneamente. Elvis mandou trazer guitarras e eles começaram a tocar juntos. Paul McCartney deu algumas dicas de baixo para Elvis, que tentava acompanhar canções no instrumento, enquanto John Lennon tocava guitarra. Eles passaram cerca de quatro horas conversando e tocando clássicos do rock e do R&B.

- O Recado de John: Ao ir embora, sem fotos oficiais ou gravações permitidas, John Lennon fez questão de dizer a um dos amigos de Elvis: "Garanta que ele saiba que, se não fosse por ele, os Beatles não seriam nada".

O Contraste: Ozzy Osbourne conhece Paul McCartney (2001)

Se os Beatles ficaram mudos diante de Elvis, o encontro de Ozzy com Sir Paul McCartney foi um choque de pura emoção e vulnerabilidade. O encontro aconteceu em outubro de 2001, nos bastidores do programa de rádio de Howard Stern, em Nova York.

- "Como conhecer Jesus Cristo": Ozzy Osbourne nunca escondeu de ninguém o quanto os Beatles salvaram sua vida na juventude. Ao ver McCartney caminhando em sua direção nos bastidores, o homem que já tinha comido morcegos no palco e liderado o Black Sabbath ficou visivelmente trêmulo e nervoso. Ele abraçou Paul e disse de forma doce: "É a ambição de uma vida inteira te conhecer, cara. Vocês me fizeram entrar na música".

- O Cavalheirismo de Paul: McCartney, conhecido por sua simpatia, respondeu com extrema leveza. Ele brincou com as histórias do passado de Ozzy, citando um causo engraçado sobre uma invasão de domicílio que o vocalista do Sabbath havia sofrido ("a história das luvas sem dedos"). Paul agiu como um velho amigo, deixando Ozzy em um estado de êxtase que ele mais tarde resumiria em entrevistas: "Foi como conhecer Jesus Cristo ou ver Deus. Ele era um homem tão legal".

- A Recusa Respeitosa: Anos mais tarde, a admiração continuava tão gigante que Ozzy pediu a Paul McCartney para tocar baixo em uma de suas músicas solo. Paul ouviu a faixa, elogiou muito, mas recusou educadamente dizendo: "Eu não consigo pensar em nada para colocar aqui que você mesmo ou seu baixista já não tenham feito de forma perfeita". Para Ozzy, receber um elogio desses de seu maior herói foi melhor do que qualquer gravação.

Em resumo, são casos em que a máxima "jamais conheça seus heróis" mostra suas excessões, de forma épica!

[Cinema] Chopin, Uma Sonata Em Paris

2026-05-27T20:14:15.342-03:00

Você teria coragem de transformar um dos maiores gênios da música clássica em uma estrela do rock boêmia e sarcástica? Pois é exatamente isso que o filme "Chopin, uma Sonata em Paris" faz. E olha... isso dividiu completamente a opinião do público e da crítica!

OS PONTOS POSITIVOS (O que brilha)

Se você vai ao cinema esperando aquela cinebiografia tradicional, lenta e certinha... esquece. O diretor Michał Kwieciński desconstrói o mito do poeta melancólico. O Chopin aqui é humano, cheio de defeitos, irônico e magnético.

A atuação do Eryk Kulm tá sendo aclamada no mundo todo — ele entrega um carisma surreal mesmo quando a tuberculose consome o personagem. Sem falar na fotografia e na reconstrução de Paris, que são visualmente deslumbrantes. É um banquete para os olhos e para os ouvidos!

OS PONTOS NEGATIVOS (Os problemas)

Mas nem tudo são notas perfeitas. Muita gente reclamou que o roteiro é fragmentado, e de fato, é. Personagens históricos importantes, como Franz Liszt, entram e saem da tela sem desenvolvimento, o que corta um pouco a conexão emocional.

Além disso, o filme mergulha fundo na decadência física e no sofrimento do Chopin. Para os puristas, o longa pesou a mão no drama e ignorou fatos reais importantes do final da vida dele.

CONCLUSÃO

Meu veredito? Vale muito o ingresso se você desapegar do livro de história e aceitar um drama psicológico intenso sobre a finitude.

Mas e você, já assistiu ou ficou curioso? Deixa aqui nos comentários se você prefere biografias mais certinhas ou essas mais ousadas!

Opinião: Você percebeu que ninguém mais se diverte?

2026-05-13T04:34:37.561-03:00

Você já percebeu que nos últimos anos as pessoas só andam procurando algo para reclamar, ao invés de aproveitar? Todo mundo fala mal até dos filmes que antes gostavam ou achavam legais, qualquer coisa nova que é lançada procuram pelo em ovo, e ficam reclamando até daquilo que não viram nem usufruíram... Por que será que o mundo está ficando tão chato assim? E o mais estranho é que é um fenômeno global, não é apenas regional.

Eu acho que existem várias camadas acontecendo ao mesmo tempo — tecnológicas, sociais e psicológicas — e todas acabaram se misturando globalmente.

Uma das maiores mudanças foi que a internet deixou de recompensar “aproveitar” e passou a recompensar “reagir”. Plataformas inteiras funcionam em cima de engajamento, e indignação gera muito mais clique, comentário e compartilhamento do que satisfação. Quando alguém fala “gostei do filme”, a conversa morre rápido. Quando alguém fala “esse filme destruiu minha infância”, vira guerra, meme, vídeo, thread, corte, resposta, algoritmo empurrando mais e mais.

Isso cria um efeito curioso: reclamar virou entretenimento.

E aí aparece outra coisa importante: hoje as pessoas consomem opinião antes de consumir a obra. Muita gente já entra num filme, jogo ou série procurando defeitos porque passou dias vendo thumbnail no YouTube, ragebait no TikTok ou discussão no X/Twitter. A experiência deixa de ser espontânea. A pessoa não assiste mais “pra ver como é”; ela assiste quase como jurada.

Também existe um fenômeno de saturação cultural. Antigamente, quando algo novo surgia, havia menos comparação instantânea. Hoje qualquer lançamento compete simultaneamente com décadas de nostalgia, milhões de opiniões online e expectativas impossíveis. Um filme não é apenas um filme — ele vira “o representante de uma franquia”, “o símbolo da indústria”, “a prova de que Hollywood morreu” ou “a salvação do cinema”. As pessoas colocam um peso absurdo nas obras.

E tem outro ponto que pouca gente comenta: muita gente está cansada emocionalmente. Crises econômicas, excesso de informação, ansiedade constante, pressão social, doomscrolling… tudo isso deixa as pessoas mais irritadiças e menos abertas ao encantamento. Quando alguém está mentalmente esgotado, fica mais fácil procurar problema do que entrar no clima da experiência.

Curiosamente, isso não significa necessariamente que o mundo tenha piorado artisticamente. Às vezes o ambiente de discussão ficou mais tóxico do que as obras em si.

Um exemplo claro é como filmes que eram massacrados anos atrás hoje são revisitados com carinho. A trilogia prequel de Star Wars: Episode I – The Phantom Menace foi extremamente criticada na época e hoje tem fãs apaixonados. O mesmo aconteceu com Spider-Man 3, Speed Racer, vários jogos do PlayStation 3 e até músicas que eram consideradas “cafonas”. Muitas vezes o problema não era a obra em si — era o clima coletivo em torno dela.

Outra coisa interessante: reclamar também virou forma de pertencimento social. Em muitos grupos online, ser extremamente crítico passa uma imagem de inteligência ou “bom gosto refinado”. Demonstrar entusiasmo genuíno às vezes é tratado quase como ingenuidade. Então algumas pessoas entram num ciclo onde desaprovar tudo vira identidade.

Mas apesar dessa impressão pesada, ainda existe muita gente aproveitando as coisas de verdade — só que elas costumam fazer menos barulho. Quem está feliz jogando um jogo geralmente está… jogando. Quem odiou o jogo provavelmente está fazendo vídeo de 40 minutos explicando por que a indústria acabou.

E talvez esse seja o detalhe mais importante: a internet amplifica descontentamento de um jeito desproporcional. O mundo real normalmente é menos amargo do que o feed parece.

Quais seriam formas possíveis de se resolver este estranho problema que estamos vivendo?

Não existe uma solução única, porque isso virou um comportamento cultural global, alimentado por tecnologia, economia de atenção e até pelo jeito como as pessoas constroem identidade online. Mas existem caminhos bem reais que poderiam diminuir bastante esse ciclo.

Um dos principais seria mudar o incentivo das plataformas. Hoje, algoritmos recompensam reação intensa — especialmente raiva. Conteúdo equilibrado quase nunca viraliza no mesmo nível que “isso destruiu minha infância” ou “o cinema morreu”. Enquanto indignação gerar mais lucro, ela continuará sendo empurrada. Plataformas poderiam reduzir alcance de ragebait repetitivo e valorizar mais descoberta, análise genuína e discussão saudável. Não resolveria tudo, mas mudaria o clima aos poucos.

Outra coisa importante seria recuperar o hábito de experimentar antes de opinar. Muita gente forma opinião baseada em cortes, thumbnails e comentários. Isso cria uma cultura de julgamento preventivo. Talvez uma mudança simples — socialmente falando — seria normalizar frases como: “Ainda não vi”, “Não é pra mim, mas entendo quem gosta”, ou mesmo “Talvez eu esteja fora do público-alvo”

Parece pequeno, mas isso desmonta muito do comportamento tribal.

Também ajudaria bastante separar crítica de identidade pessoal. Hoje muita gente sente que gostar ou não gostar de algo virou posicionamento moral. Um filme deixa de ser “divertido ou ruim” e vira “sinal de inteligência”, “prova de caráter” ou “guerra cultural”. Isso transforma entretenimento em campo de batalha permanente. A cultura ficaria mais leve se as pessoas voltassem a permitir que certas coisas fossem apenas… entretenimento.

Existe ainda um problema de excesso de consumo. Antigamente alguém assistia alguns filmes por ano e mergulhava neles. Hoje muita gente consome trailers, leaks, reviews, teorias, reação ao trailer, reação da reação, análise da análise… antes mesmo da obra sair. Quando finalmente assiste, já está emocionalmente saturada. Parte da magia morre antes da experiência começar.

Talvez uma solução pessoal muito poderosa seja reaprender a sentir descoberta sem mediação constante. Assistir algo sem procurar opinião antes. Jogar um jogo sem ver ranking. Ouvir um álbum inteiro sem algoritmo interrompendo. Parece simples, mas isso reconstrói a relação emocional com arte e diversão.

Outra coisa que ajudaria muito seria valorizar entusiasmo sincero novamente. Hoje existe uma ironia constante online, como se demonstrar alegria genuína fosse “cringe”. Só que entusiasmo é parte essencial da experiência humana. Fandom saudável cria comunidade, criatividade, amizade, música, cosplay, mods, animações, memes bons, eventos… praticamente toda cultura pop forte nasceu de gente apaixonada, não de gente tentando parecer intelectualmente superior.

E talvez exista uma mudança maior acontecendo lentamente: muitas pessoas já estão cansando da negatividade contínua. Dá pra perceber um movimento crescente de gente buscando conteúdos mais tranquilos, acolhedores ou honestamente divertidos. Vídeos de conforto, jogos cozy, comunidades menores, experiências mais humanas. É como se uma parte do público estivesse começando a perceber que viver permanentemente irritado não é sustentável.

No fim, talvez a “cura” passe por algo quase contraintuitivo hoje: voltar a permitir encantamento!!!

Porque uma sociedade que desaprende a se divertir começa a transformar tudo em disputa, teste ideológico ou competição de cinismo. E isso acaba esvaziando justamente aquilo que fazia cultura pop, arte e entretenimento serem especiais.

“A Morte do Demônio: Em Chamas” ganha primeiro trailer. Filme estreia dia 9 de julho nos cinemas do Brasil

2026-05-05T22:09:26.042-03:00

Com distribuição da Sony Pictures, novo capítulo da franquia propõe uma experiência selvagem e aterrorizante

O novo capítulo da franquia “Evil Dead/Morte do Demônio” chega aos cinemas do Brasil no dia 9 de julho com a proposta de promover uma experiência ainda mais selvagem e aterrorizante nas telonas. Intitulado “A Morte do Demônio: Em Chamas”, o filme acaba de ter o trailer divulgado pela distribuidora Sony Pictures. A direção do longa é do cineasta francês Sébastien Vaniček (“Infestação”), que também assina o roteiro ao lado de Florent Bernard, com produção de Sam Raimi e Rob Tapert, responsáveis pelos filmes originais. O elenco é formado por Souheila Yacoub (“Clímax” e “Duna: Parte 2”), Tandi Wright (“Pearl”), Hunter Doohan (“Wandinha”), Luciane Buchanan (“O Agente Noturno”), entre outros.

Na trama, após perder o marido, uma mulher busca consolo com os sogros em sua casa de família isolada. Contudo, um a um, eles são transformados em Deadites - criaturas demoníacas -, o que torna o encontro uma reunião diretamente saída do inferno.

Criada por Sam Raimi (trilogia do “Homem-Aranha”), a franquia de terror sobrenatural foi iniciada em 1981 e, até o momento, tem cinco filmes e uma série. “A Morte do Demônio: Em Chamas” marca a chegada do sexto longa-metragem.

SINOPSE

A Morte do Demônio: Em Chamas desencadeia a experiência mais selvagem e aterrorizante da franquia até hoje, chegando às telonas com um capítulo totalmente novo de carnificina e caos demoníaco. Após a perda do marido, uma mulher busca consolo com os sogros em sua casa de família isolada. À medida que, um a um, eles são transformados em Deadites — transformando o encontro em uma reunião familiar saída do inferno — ela descobre que os votos que fez em vida continuam… mesmo na morte.

FICHA TÉCNICA

Direção: Sébastien Vaniček

Roteiro: Florent Bernard e Sébastien Vaniček

Produção: Rob Tapert e Sam Raimi

Produção Executiva: Romel Adam, Bruce Campbell, Lee Cronin e Jose Canas

Elenco: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Errol Shand, George Pullar, Maude Davey e Greta Van Den Brink.

Super Mario invade Kinder Joy e transforma nostalgia em conexão entre gerações

2026-04-13T16:24:00.004-03:00

Coleção aposta na força da cultura pop para aproximar pais e filhos e ampliar a presença da marca no dia a dia das crianças.

O universo de Super Mario acaba de ganhar um novo espaço fora das telas: dentro do Kinder Joy. Em uma aposta na força da cultura pop, Kinder®, marca do grupo Ferrero, lança uma coleção especial inspirada em um dos personagens mais icônicos da história dos games — com o objetivo de transformar nostalgia em conexão entre gerações.

Mais do que um licenciamento, a iniciativa reforça o papel de Kinder Joy como um ponto de encontro entre pais e filhos. Para muitos adultos, Mario faz parte da própria infância; agora, surge como uma oportunidade de compartilhar esse universo com os filhos de forma leve, divertida e presente no cotidiano.

A coleção chega ao mercado com uma variedade de acessórios inspirados no personagem, pensados para acompanhar as crianças no dia a dia. Entre os itens estão bonecos 2D e 3D que podem ser usados como chaveiros, decoradores de zíper e de caneta, clips, pop its e tags para personalizar a mochila e muito mais. Mais do que simples surpresas, os itens incentivam a criatividade e a expressão individual, especialmente no ambiente escolar, onde as crianças constroem identidade, compartilham interesses e criam vínculos.

De fases clássicas nos videogames aos lançamentos mais recentes no cinema e no entretenimento, Super Mario atravessa gerações como um verdadeiro fenômeno cultural. Com mais de 40 anos de história, o personagem segue relevante, com uma base de fãs ativa e engajada ao redor do mundo — o que reforça sua força como ponte entre diferentes públicos.

Esse movimento também acompanha uma mudança no comportamento de consumo, cada vez mais conectado à cultura pop. Entre os principais públicos da coleção estão pais millennials, que cresceram jogando videogame, criando uma ponte natural entre gerações - e fãs da franquia que mantêm uma relação próxima com itens licenciados e colecionáveis.

“Kinder Joy tem como propósito criar momentos de conexão entre pais e filhos por meio da surpresa e da diversão. Trazer esse universo de Super Mario para Kinder Joy é transformar uma simples surpresa em uma experiência que pais e filhos podem compartilhar juntos” comenta Diego Caride, diretor de Marketing de Kinder®.

O lançamento faz parte de um plano que inclui ativações com influenciadores, iniciativas voltadas às comunidades de fãs e forte presença no ponto de venda, ampliando o alcance da coleção e reforçando a conexão da marca com diferentes gerações.

A coleção marca ainda a primeira distribuição nacional de uma linha temática de Super Mario dentro do portfólio de Kinder Joy, com presença ampliada no varejo e ações de comunicação ao longo do lançamento. O produto já está disponível em pontos de venda de todo o país, com preço sugerido de R$11,79.

[Crônica] Sinto falta de críticos como Rubens Ewald Filho

2026-04-05T01:32:00.006-03:00

Hoje eu queria falar de alguém que, talvez sem muita gente perceber na época, ajudou a formar o olhar de uma geração inteira sobre cinema no Brasil: Rubens Ewald Filho. E não é exagero.

Eu sinto falta de críticos como o Rubens Ewald Filho. E hoje, vou comentar o por quê eu digo isso tanto. Aliás, pode ser levado como uma crítica aos "críticos" de internet atuais, aos influencers digitais, e ao mesmo tempo até uma homenagem ao próprio saudoso Rubens.

Ele podia até errar — e errava — mas existia uma coisa essencial: coerência. Ele analisava cinema como cinema.

Hoje, muita crítica parece mais interessada em empurrar uma visão de mundo do que em avaliar um filme de verdade. Muita gente não analisa mais filme… analisa posicionamento. Se não encaixa numa visão específica, já vira problema — independente da qualidade. Não é mais sobre roteiro, direção, trilha sonora ou atuação… é sobre se o filme segue ou não uma expectativa ideológica.

E aí acontece o absurdo: obras bem feitas, divertidas, com boa construção narrativa, são ignoradas ou massacradas por não entrarem em certos temas — como se todo filme tivesse obrigação de carregar um discurso específico. Ou Seja, não por serem ruins, mas por não seguirem uma cartilha.

E o mais curioso é a incoerência. Tem gente que cobra discurso, cobra postura… mas na prática não vive nada disso. Exige do cinema aquilo que nem aplica na própria vida.

Cinema não é só isso. Cinema também é entretenimento, emoção, escapismo.

Se um filme cumpre bem a proposta dele — seja fazer rir, emocionar ou encantar — isso deveria importar, ser o principal.

Aos diretores, eu digo, se quiser falar de política, a sua visão, pode colocar no roteiro, mas conta uma boa história, faça uma boa escrita. Faça valer a pena ver o seu pensamento sobre o assunto em uma forma que entretem de verdade nas telas, e não que fique parecendo uma cartilha, com qualidade duvidosa.

No fim das contas, crítica não deveria dizer no que você tem que pensar… mas te ajudar a entender melhor o que você está assistindo.

MAS, QUEM FOI RUBENS EWALD FILHO?

Rubens Ewald Filho não era só um crítico… era praticamente um tradutor do cinema pro público brasileiro.

Se você já parou pra assistir ao Oscar em algum momento entre os anos 90 e 2000, é praticamente impossível que você não tenha ouvido a voz dele. Era aquele tipo de presença que não precisava aparecer o tempo todo — quando aparecia, você sabia que vinha informação, contexto, história… e opinião. Muita opinião.

Mas o mais curioso é que o Rubens não ficou só na TV. Ele estava em tudo quanto era canto onde o cinema passava. Pra muita gente, ele era aquela voz nas transmissões ao vivo comentando filme, ator, diretor… quase como um guia, te explicando o que você estava vendo sem te tratar como burro. Pra outros, ele estava nas revistas, nos jornais, nas críticas escritas. E tem um detalhe que muita gente esquece: ele também esteve, indiretamente, dentro da casa de muita gente através das fitas VHS.

Sim, VHS.

Naquela época em que a gente alugava filme no fim de semana, muitas traduções, adaptações e até escolhas de títulos passavam pela mão dele. Ou seja, ele não só comentava cinema — ele ajudava a moldar como o brasileiro consumia cinema.

E aí entra um ponto que, pra mim, é o que mais diferencia ele de muita gente hoje: a forma como ele falava de cinema.

O Rubens não tinha aquela coisa travada, elitista, cheia de termos que parecem mais pra afastar do que pra aproximar. Ele conseguia falar de um filme complexo de um jeito simples… sem simplificar demais. Isso é muito difícil. Ele traduzia o cinema. Ele fazia a ponte entre a obra e o público comum.

E ao mesmo tempo… ele não era neutro.

Muito pelo contrário.

Ele tinha opinião forte, às vezes polêmica, às vezes direta até demais. Mas isso fazia parte do pacote. Ele não estava ali pra agradar todo mundo — ele estava ali pra dizer o que pensava. E isso, gostando ou não, dava personalidade. Hoje em dia a gente vê muito crítico tentando ficar em cima do muro… o Rubens não. Ele escolhia um lado, defendia, e pronto.

Os críticos atuais, no máximo tentam empurrar o seu lado, mesmo que sequer tenham um, e apenas finjam ter um, apenas por visualizações, ou mesmo "porque o pagamento caiu". Há muito mais cr´tiicos "famosos" que são "rasos" do que realmente entendam de cinema, infelizmente. E é um copiando/imitando o outro. E os poucos autênticos (de alguma forma), não conseguem ter relevância em números.

E talvez seja por isso que ele ficou tanto tempo relevante. Porque ele não era só “mais um crítico”. Ele era uma figura. Uma referência. Alguém que você podia concordar ou discordar, mas não ignorar.

E aí vem a parte inevitável.

Em 2019, o Rubens Ewald Filho faleceu.

E quando isso aconteceu, muita gente sentiu como se tivesse perdido uma espécie de “guia” — aquele cara que, por décadas, esteve ali ajudando a gente a entender melhor o cinema, mesmo que a gente nem percebesse isso conscientemente.

Hoje, olhando pra trás, dá pra perceber o tamanho do impacto.

Ele não só comentou filmes. Ele não só analisou obras. Ele não só apareceu na TV.

Ele ajudou a formar o olhar de quem assistia.

QUEM FOI, LONGE DAS TELAS?

Bom, tenho alguma propriedade, memso que pouca, para falar ao menos o que eu conheci. Tive o prazer de tê-lo conhecido presencialmente, tendo conversado algumas vezes. Ele era super receptivo com todos, independente de serem famosos ou desconhecidos.

Um de seus filmes favoritos (que pode-se dizer até que era um "guilty pleasure") era Professor Aloprado (o primeiro do Eddie Murphy, não o do Jerry Lewis). Ele alugava ao menos uma vez por mês, junto de outros filmes, novos e antigos, na antiga 2001 Video de Moema. Sei disso porque muitas vezes eu o atendia lá, quando fui freelancer por alguns anos (principalmente entre 2013 e 2015), e se a loja não estivesse lotada no dia, eu gostava de conversar sobre cinema com ele.

Tanto ele, quanto Paulo Gustavo (antiga revista SET), tinham opiniões bem diretas desde sempre, e estavam abertos à idéias diferentes em um bate papo sobre cada filme que acabavam de assistir, nas cabines de imprensa. Nem sempre eu concordava com algumas opiniões mais pessoais, mas, havia respeito e uma boa prosa, sempre!

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho era exatamente aquilo que muita gente imaginava… e ao mesmo tempo, um pouco mais humano do que a figura pública deixava transparecer.

Ele era, antes de qualquer coisa, um cara completamente obcecado por cinema — no melhor e no pior sentido da palavra. Não era só profissão. Não era só trabalho. Era rotina, era hábito, era praticamente o jeito dele existir no mundo. Ele assistia filme como quem respira. E isso moldava tudo ao redor dele.

Quem convivia mais de perto costumava comentar que ele tinha uma memória absurda. Não era só “ah, já vi esse filme”. Era:

— lembrar elenco completo

— ano de lançamento

— bastidores

— curiosidades específicas

Tipo uma enciclopédia viva… só que com opinião.

E isso vinha junto com uma personalidade muito característica.

Ele não era exatamente o tipo de pessoa “polida” o tempo todo. Não fazia muito esforço pra suavizar o que pensava. Se gostava, falava. Se não gostava… falava mais ainda. Isso podia soar duro pra algumas pessoas, até meio impaciente às vezes. Mas também era o que tornava ele autêntico. Não tinha filtro artificial.

Ao mesmo tempo, existe um lado que pouca gente comenta:

ele era extremamente dedicado ao trabalho. Não era aquela dedicação performática de aparecer… era disciplina mesmo. Ver filme, estudar, escrever, comentar, repetir. Por décadas. Sem parar.

E isso cobra um preço.

Porque quando alguém vive tanto dentro de um universo — no caso dele, o cinema — é comum que a vida pessoal fique mais reservada, mais fechada. Ele não era uma figura de exposição íntima. Você sabia muito mais sobre o que ele pensava dos filmes… do que sobre a vida dele fora disso.

E talvez isso seja até coerente.

Porque, no fim das contas, o Rubens nunca tentou vender uma imagem pessoal. Ele não era o “influencer de si mesmo”. Ele era o cara do cinema. E só.

Mas tem um detalhe importante nisso tudo:

mesmo sendo direto, crítico e às vezes duro… ele também tinha um lado de admiração genuína pelo cinema. Quando ele gostava de algo, dava pra perceber. Não era só análise técnica — tinha paixão ali.

E isso é o que segura tudo.

Porque você pode discordar de um crítico… mas quando você percebe que ele ama aquilo de verdade, a conversa muda.

Se fosse resumir esse lado mais pessoal dele, no seu estilo:

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho não era um personagem… era um cara que viveu tanto o cinema, que acabou se tornando parte dele.

E talvez seja por isso que, mesmo depois de tanto tempo… a ausência dele ainda é sentida.

E QUEM FOI ELE, DENTRO DO CINEMA?

Muita gente conhece o Rubens Ewald Filho só como “o cara que comentava filmes”… mas isso é só uma parte da história.

Porque, antes — e durante — tudo isso, ele também tentou viver o cinema por dentro.

E isso muda bastante a forma como a gente enxerga o trabalho dele.

Rubens não ficou só na cadeira de crítico. Ele estudou cinema, escreveu sobre cinema, mas também se envolveu diretamente com produção, roteiro e até atuação, mesmo que muita gente não associe isso de imediato ao nome dele.

No começo da carreira, ele teve contato direto com o fazer cinematográfico, principalmente no Brasil, numa época em que a indústria era muito mais limitada e difícil. Ele participou de projetos como roteirista e colaborador criativo, ajudando a construir histórias — o que, pra um crítico, é um diferencial enorme.

Porque uma coisa é analisar filme pronto.

Outra coisa completamente diferente é entender o processo de criar um.

E isso aparece na forma como ele falava.

Quando ele criticava um roteiro, por exemplo, não parecia alguém “de fora chutando”. Parecia alguém que sabia onde doía. Onde travava. Onde funcionava ou não funcionava.

Além disso, ele também fez participações como ator, geralmente pequenas, quase como participações especiais. Nada que definisse a carreira dele, mas o suficiente pra mostrar uma coisa: ele não via o cinema como algo distante, ele queria fazer parte daquilo (Mesmo que não fosse o foco principal.).

Mas talvez a parte mais forte desse “lado de dentro” dele esteja em outra coisa:

Tradução e adaptação

Isso aqui é subestimado demais.

Rubens trabalhou com:

tradução de filmes
adaptação de diálogos
versões para o público brasileiro

E isso, principalmente na época de VHS e TV, era praticamente uma arte invisível.

Porque não era só traduzir palavra por palavra. Era:

adaptar contexto
ajustar timing
manter sentido cultural
fazer o filme “funcionar” em português

E isso influencia MUITO a experiência de quem assiste

Muita gente cresceu vendo filmes “do jeito que ele ajudou a moldar”… sem nem saber disso.

E aí entra um ponto que amarra tudo: Ele não era só alguém que opinava sobre cinema.

Ele já tinha estado dentro, já tinha tentado construir, já tinha participado do processo. E isso dá um peso diferente pra crítica.

Eu mesmo, tento seguir seus passos neste ponto, afinal, também trabalho como ator, já fui locutor de rádio, escrevo minhas críticas de filmes e games em alguns sites. Levo comigo o seu intuito: falar de forma direta e simples, sem palavras difíceis, para que todos possam entender do que se trata aquilo que estou falando!

Rubens Ewald Filho não era só um cara que falava de cinema… ele já tinha colocado a mão na massa — e isso fazia toda diferença na hora de criticar.

E talvez seja por isso que, mesmo quando a gente discorda de algumas opiniões dele… ainda assim dá pra respeitar. Porque não vinha só de teoria. Vinha de vivência.

AONDE VIMOS ELE ANTES?

Embora mais reconhecido como crítico de cinema, Rubens Ewald Filho (1945–2019) teve breves experiências como ator, incluindo o filme Amor, Estranho Amor (1982). Sua atuação artística foi mais intensa como roteirista de telenovelas (como Éramos Seis) e diretor teatral. Ele é lembrado como o "Homem do Oscar".

Destaques de Rubens Ewald Filho no cinema e teatro:

Atuação: Participou do filme Amor, Estranho Amor (1982).

Roteirista: Escreveu o roteiro de filmes como A Árvore dos Sexos (1977) e Elas são do Baralho (1977), além de colaborar na novela Éramos Seis (SBT).

Direção Teatral: Dirigiu peças como O Amante de Lady Chatterley e Querido Mundo (de Miguel Falabella).

Legado: Comentou o Oscar por mais de 30 anos e catalogou mais de 37 mil filmes.

Além de ator e roteirista, ele foi um dos críticos mais influentes do Brasil, com passagens pela TV Cultura, TNT, HBO Brasil e jornais como o Jornal da Tarde.

AONDE QUERO CHEGAR COM TUDO ISSO?

Embora mais reconhecido como crítico, Rubens Ewald Filho foi muito mais do que isso. Passou pelo cinema como ator em Amor, Estranho Amor (1982), escreveu roteiros, dirigiu teatro, colaborou com televisão… mas, no fim, encontrou seu verdadeiro lugar entre a tela e o público. Foi ali que ele construiu algo raro: não apenas opinião, mas ponte.

Rubens não falava difícil pra parecer inteligente — ele tornava o cinema acessível sem tirar sua complexidade. Tinha opinião, tinha personalidade, tinha coragem de discordar. E, acima de tudo, tinha paixão verdadeira pelo que fazia. Em um tempo em que muitos preferem agradar ou seguir tendência, ele fazia algo mais simples e mais difícil: era autêntico.

Talvez seja por isso que faça tanta falta.

Não só pelo conhecimento, mas pela presença. Pela forma como guiava o olhar, como contextualizava, como fazia a gente enxergar mais do que estava na tela. Hoje, com tanta informação disponível, ainda assim parece que falta alguém que realmente saiba traduzir o cinema como ele fazia.

Porque o Rubens Ewald Filho até apareceu em algumas produções… mas o lugar onde ele realmente “atuava” era na TV — comentando, explicando e, de certa forma, fazendo a gente enxergar o filme junto com ele. O homem que não estava dentro do filme… mas estava em todos eles.

E talvez seja exatamente por isso que sinto falta de críticos como ele. Porque mais do que assistir filmes, ele nos ensinou a ver.

[Crítica] O Drama

2026-03-31T10:00:00.001-03:00

Robert Pattinson e Zendaya protagonizam este filme sobre um casal e seus dias de preparação para o dia mais importante de suas vidas: seu próprio casamento!

O filme consegue ser um misto de drama, humor negro, com aquele ar de suspense/thriller, que te faz tentar desvendar os próximos passos, até o final, e mostra várias nuances da mente humana, quando algo inesperado é revelado.

O ritmo do filme consegue ser leve, ao misturar tensão e romance numa dosagem homeopática, carregado de uma edição não linear em certos momentos, que te faz parar pra pensar o que realmente está acontecendo, e o que é imaginação, quase como em "500 dias com Ela", mas, mais dinâmico.

Essa dupla improvável de Hollywood consegue ter boa química em tela, o que nos faz torcer para que tudo acabe bem. Há mais de uma mensagem importante como tema deste filme, mas, com certeza, o mais impactante é o sentimento de ansiedade, e suas consequências possíveis, sendo mostradas de forma nua e crua.

Este é um dos poucos filmes atuais que fala sobre como funciona o amor, mesmo que ele seja contraditório, e funciona bem, com cada elemento se encaixando. A trilha sonora tem impacto em poucos momentos, enquanto os cortes conseguem ser um ótimo destaque, ao fazer o público duvidar de si mesmo durante cada cena de impacto.

É um filme que supera expectativas, mas sempre no limite do estilo de Kristoffer Borgli.

Nota: 7,5

"Homem-Aranha: Um Novo Dia”, com Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jon Bernthal e Mark Ruffalo, ganha trailer oficial

2026-03-18T21:29:47.674-03:00

A Sony Pictures acaba de divulgar o aguardado trailer de "Homem-Aranha: Um Novo Dia”, filme protagonizado por Tom Holland e dirigido por Destin Daniel Cretton (“Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”). No novo capítulo de um dos maiores fenômenos do Universo Cinematográfico Marvel (MCU, no original), Peter Parker precisa lidar sozinho com os desafios da vida adulta e de ser o Homem-Aranha. Escrito pela dupla Chris McKenna e Erik Sommers, que também assinaram o roteiro de "De Volta ao Lar”, "Longe de Casa” e "Sem Volta para Casa”, o longa estreia dia 30 de julho nos cinemas.

O filme também conta com o retorno de Zendaya (MJ), Jacob Batalon (Ned) e Michael Mando (Escorpião), além de ter no elenco Sadie Sink (“Stranger Things”) e Tramell Tillman (“Ruptura”), Jon Bernthal (“Justiceiro”) e Mark Ruffalo (“Vingadores”), esses dois últimos como Justiceiro e Hulk, personagens do MCU.

O primeiro trailer do filme foi lançado de maneira inédita, com uma ação global de fãs que durou 24 horas. Tom Holland liderou o lançamento, convidando um grupo seleto de fãs do Homem-Aranha de diferentes países para compartilhar histórias pessoais no Instagram sobre o que o personagem significa para eles, antes de revelar um trecho exclusivo do trailer oficial. Cada participante marcava o próximo fã na sequência, incentivando o público a acompanhar o revezamento através dos fusos horários, e, enquanto isso, os fãs da saga ao redor do mundo se uniam para celebrar “Um Novo Dia”.

No Brasil, o escolhido foi Wirley Contaifer, fã do teioso e voz brasileira de Tom Holland. Confira aqui o vídeo e o trecho do novo trailer divulgado pelo dublador.

“Homem-Aranha: Um Novo Dia” é uma sequência direta de “Homem-Aranha: Sem Volta para Casa”. No filme lançado em 2021, o Peter Parker de Tom Holland se uniu às duas outras versões do Homem-Aranha, interpretadas por Tobey Maguire e Andrew Garfield, para salvar o multiverso. Contudo, após inúmeras tentativas, a única forma de o jovem herói aracnídeo atingir esse objetivo foi a partir de um feitiço lançado pelo Doutor Estranho, em que todos esqueceram a existência de Peter Parker.

SINOPSE

Após o fenômeno global de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, Homem-Aranha: Um Novo Dia marca um capítulo totalmente novo para Peter Parker e o Homem-Aranha. Quatro anos se passaram desde os eventos de Sem Volta Para Casa, e Peter agora é um adulto vivendo completamente sozinho, tendo se apagado voluntariamente da vida e das memórias de quem ama. Combatendo o crime em uma Nova York que já não sabe mais o seu nome, ele se dedica integralmente a proteger a cidade — um Homem-Aranha em tempo integral —, mas, à medida que as exigências aumentam, a pressão desencadeia uma surpreendente evolução física que ameaça sua própria existência, enquanto um estranho padrão de crimes dá origem a uma das ameaças mais poderosas que ele já enfrentou.

FICHA TÉCNICA

Direção: Destin Daniel Cretton

Roteiro: Chris McKenna e Erik Sommers

Baseado nos quadrinhos da MARVEL: Stan Lee e Steve Ditko

Produção: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor

Produção Executiva: Louis D'Esposito, David Cain

Elenco: Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando, Mark Ruffalo

[Crítica] Devoradores de Estrelas

2026-03-13T15:24:00.002-03:00

Ryan Gosling no espaço: quando Interestellar bate de frente com o humor lúdico!

Quando o universo depende de um professor cansado: a beleza nerd de Devoradores de Estrelas

À primeira vista, Project Hail Mary, conhecido no Brasil como Devoradores de Estrelas, parece só mais uma ficção científica sobre o fim da humanidade. Mas não se engane: Essa não é uma história sobre explosões espaciais, invasões alienígenas ou presidentes discursando dramaticamente enquanto um meteoro vem destruir a Terra.

Na verdade, é algo muito mais perigoso para o cinema moderno: uma história sobre ciência funcionando. Sim. Aquela "coisa chata chamada ciência" (por assim dizer).

O apocalipse mais silencioso do cinema

A premissa é simples e assustadora.

Um microrganismo alienígena começa a consumir energia das estrelas — incluindo o nosso Sol.

Resultado: o planeta Terra caminha lentamente para uma era glacial global.

Sem explosões. Sem alienígenas atacando cidades. Só uma morte lenta e gelada. É quase poético.

A humanidade não seria destruída pela guerra ou pela tecnologia… mas por uma bactéria espacial com fome de energia.

O herói improvável

O protagonista da história é Ryland Grace, interpretado no filme por Ryan Gosling.

E aqui está uma das maiores qualidades da obra: Grace não é um herói. Ele não é um comandante lendário nem um astronauta cheio de frases épicas. Ele é um professor de ciências do ensino fundamental. Um cara que provavelmente passaria a vida inteira explicando por que vulcões existem para crianças entediadas.

Mas quando o Sol começa a morrer, é exatamente esse tipo de pessoa que acaba sendo enviado para o espaço.

E isso já é uma crítica social maravilhosa: quando o mundo realmente precisa ser salvo, quem resolve o problema não são influencers, políticos ou bilionários. São cientistas. E professores.

Rocky: o alienígena mais simpático da ficção científica moderna

No sistema estelar Tau Ceti acontece o encontro que transforma a história. Grace descobre que não está sozinho tentando salvar sua estrela. Outra civilização também está lá. E dessa nave surge Rocky.

Rocky é um alienígena que parece uma mistura de aranha com tanque de guerra e se comunica através de acordes musicais. Sim. Um alienígena que fala em música. O que poderia ser ridículo se torna simplesmente genial. Porque a relação entre Grace e Rocky vira o coração da história. Eles não brigam. Não competem. Não discutem política interestelar. Eles fazem algo extremamente radical: tentam se entender.

Ciência como espetáculo

O grande desafio da adaptação cinematográfica era transformar um livro cheio de experimentos científicos em algo visualmente interessante. E o filme consegue isso surpreendentemente bem.

O organismo alienígena conhecido como Astrophage é representado como partículas negras que absorvem energia de forma quase hipnótica. É ciência transformada em espetáculo visual.

Mas sem abandonar a lógica científica que torna a história tão fascinante. Algo que lembra o melhor de filmes como Interstellar ou Arrival.

Humor no meio do apocalipse

Outro elemento que funciona muito bem é o humor. Grace reage às situações absurdas exatamente como qualquer pessoa reagiria. Quando ele descobre que existe um alienígena na nave ao lado, sua reação não é filosófica.

É basicamente: “Ok… isso definitivamente não estava no manual.”

Esse humor lembra bastante o estilo de Andy Weir, autor do livro. O mesmo responsável por The Martian, outra história onde um cientista tenta sobreviver usando ciência… e sarcasmo.

A amizade mais improvável do espaço

Mas no fundo, Devoradores de Estrelas não é sobre salvar o Sol. É sobre amizade. A relação entre Grace e Rocky é construída com paciência, curiosidade e cooperação científica.

Eles começam trocando números. Depois palavras. Depois piadas. E quando percebemos, dois seres de planetas completamente diferentes se tornaram parceiros tentando salvar suas espécies. Isso é algo raríssimo na ficção científica moderna. Não é uma história sobre conflito entre civilizações. É uma história sobre colaboração entre inteligências.

Uma crítica social silenciosa

Talvez a maior mensagem da história seja esta: o mundo não é salvo por grandes discursos.

Ele é salvo por pessoas curiosas o suficiente para fazer perguntas e pacientes o suficiente para testar hipóteses.

Em outras palavras:

o mundo é salvo por nerds.

Conclusão

Devoradores de Estrelas é uma raridade. Uma ficção científica que acredita na inteligência. Uma história sobre amizade entre espécies. E um lembrete de que o conhecimento ainda pode ser a ferramenta mais poderosa da humanidade. No fim das contas, o universo não foi salvo por armas gigantes. Foi salvo por dois cientistas de espécies diferentes tentando resolver um problema juntos.

E honestamente? Isso é muito mais inspirador do que qualquer explosão de blockbuster.

Até porque, como a própria história sugere… talvez o verdadeiro milagre do universo não seja a vida.

Talvez seja duas formas de vida completamente diferentes conseguirem se entender.