Jam Station

[Crítica] Corações Jovens

2026-06-12T01:52:39.331-03:00

Existem filmes que tentam emocionar através de grandes reviravoltas, discursos impactantes ou tragédias pesadas. Corações Jovens segue pelo caminho oposto. O longa belga dirigido por Anthony Schatteman encontra sua força justamente na simplicidade.

A história acompanha Elias, um garoto que começa a descobrir sentimentos que nunca havia experimentado antes quando conhece Alexander. A partir daí, o filme constrói uma narrativa sobre primeiro amor, inseguranças e autodescoberta sem transformar isso em um grande drama. Tudo acontece de forma muito natural, quase como uma lembrança de adolescência que poderia pertencer a qualquer pessoa.

O que mais me chamou atenção foi a forma como o diretor confia nos seus personagens. Há muitos momentos em que o filme prefere um olhar, um silêncio ou uma expressão tímida em vez de explicar tudo ao espectador. Essa escolha dá autenticidade à história e faz com que as emoções pareçam reais. Lou Goossens e Marius De Saeger entregam atuações extremamente sinceras, sem exageros ou artificialidade.

Outro ponto forte é a atmosfera. A pequena vila onde a trama acontece transmite uma sensação de conforto, reforçada pela trilha sonora delicada de Ruben De Gheselle. É aquele tipo de filme que parece abraçar o espectador em vez de tentar chocá-lo.

Ao mesmo tempo, entendo algumas das críticas que a produção recebeu. Em determinados momentos, a história parece idealizada demais. Alguns conflitos familiares e sociais são resolvidos de maneira tão tranquila que podem soar otimistas além da conta. Dependendo da experiência de vida de cada espectador, isso pode passar uma sensação de conto de fadas.

Também não é um filme que reinventa o gênero coming-of-age. Quem já assistiu muitas histórias sobre amadurecimento e primeiro amor provavelmente reconhecerá vários elementos familiares. Além disso, o ritmo é bastante contemplativo e pode parecer lento para quem prefere narrativas mais movimentadas.
Mesmo assim, saí da sessão com uma impressão positiva. Em uma época em que tantas histórias sobre jovens LGBTQIA+ acabam focando exclusivamente na dor, no preconceito ou na tragédia, Corações Jovens escolhe falar sobre afeto, descoberta e esperança. Talvez não seja um filme revolucionário, mas é um filme necessário.

No fim das contas, Corações Jovens não tenta mudar o mundo. Ele apenas lembra que o primeiro amor, com todas as suas dúvidas e inseguranças, pode ser uma experiência bonita. E às vezes isso já é suficiente.

[Crítica] Dia D (Disclosure Day)

2026-06-10T16:37:38.056-03:00

Steven Spielberg passou décadas ajudando o cinema a construir nossa imagem dos extraterrestres. De "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" a "E.T.", ele sempre preferiu o fascínio ao medo. Em "Dia D", o diretor retorna a esse território familiar, mas agora através de uma história que mistura conspiração, memória perdida, política e uma pergunta capaz de mudar a humanidade para sempre: o que aconteceria se a verdade sobre a vida extraterrestre fosse finalmente revelada ao mundo?

A trama acompanha dois personagens cujas vidas parecem não ter ligação alguma: uma repórter responsável pela previsão do tempo em uma cidade do Kansas e um hacker que trabalha para uma empresa associada à defesa nacional dos Estados Unidos. Aos poucos, ambos descobrem que compartilham um passado em comum e que suas histórias estão ligadas a um segredo guardado há décadas.

Spielberg conduz essa jornada como poucos diretores conseguem fazer. Existe um forte senso de maravilhamento em cada descoberta, ao mesmo tempo em que a narrativa mantém um clima constante de mistério e perseguição. Em vários momentos, o filme lembra um herdeiro espiritual de "Contatos Imediatos" e "E.T.", não por compartilhar personagens ou acontecimentos, mas pelo mesmo olhar curioso e quase infantil diante do desconhecido.

Nem tudo funciona perfeitamente. Alguns efeitos visuais impressionam, mas em determinadas cenas a computação gráfica se aproxima do chamado vale da estranheza, causando um leve desconforto visual que destoa do restante da produção. Felizmente, são momentos pontuais em um filme visualmente bastante competente.

O aspecto mais interessante da obra talvez esteja nas discussões que ela provoca. O roteiro brinca com diferentes interpretações científicas, filosóficas e religiosas sobre a existência de vida extraterrestre. Para alguns personagens, a revelação representaria o colapso de antigas certezas. Para outros, seria apenas mais uma peça de um universo muito maior do que imaginamos.

A tensão criada em torno da possibilidade de décadas de documentos, registros e evidências serem exibidos ao vivo para toda a humanidade é o combustível que move a narrativa. E é justamente aí que Spielberg encontra seu tema favorito: não os alienígenas em si, mas a reação humana diante do impossível.

"Dia D" talvez não esteja entre os trabalhos mais revolucionários de sua carreira, mas prova que Spielberg continua dominando uma habilidade rara no cinema moderno: fazer o público sair da sala olhando para o céu e se perguntando se estamos realmente sozinhos.

Veredito: Um thriller de ficção científica com alma de aventura clássica, que mistura conspiração, emoção e questionamentos existenciais em uma história que parece conversar diretamente com os grandes sucessos extraterrestres da carreira de Spielberg.

[Crítica] Amor Apocalipse

2026-06-10T15:43:50.418-03:00

O dono de um canil, lutando contra a ansiedade climática, se apaixona por uma atendente de serviço ao cliente por telefone. Em meio a um desastre natural, ele embarca em uma jornada romântica, bilíngue e aventureira para encontrá-la.

Quando o Fim do Mundo é Menos Assustador Que a Solidão

Existem filmes que você assiste pela história. Outros, pelos personagens. E existem aqueles que dependem completamente do estado de espírito de quem está assistindo. "Amor Apocalipse" pertence à terceira categoria.

A trama acompanha Adam, um homem extremamente sensível, consumido por ansiedade, inseguranças e preocupações existenciais. Dono de um canil, ele vive preso em uma rotina melancólica, incapaz de se conectar verdadeiramente com o pai ou de impor limites às pessoas ao seu redor. Sua vida começa a mudar quando uma simples ligação para o suporte técnico de uma lâmpada terapêutica o coloca em contato com Tina, uma atendente cuja voz parece oferecer exatamente aquilo que ele não consegue encontrar sozinho: conforto.

É importante deixar uma coisa clara para quem pretende assistir: apesar de ser divulgado como uma comédia romântica, o filme funciona muito mais como um drama romântico com pequenas doses de humor.

A primeira meia hora pode ser um desafio para alguns espectadores. O ritmo é lento, a trilha sonora é quase inexistente e a narrativa mergulha de cabeça nas angústias de Adam. A ansiedade do personagem é tão presente que, em alguns momentos, chega a ser desconfortável acompanhar seus pensamentos e sua forma de enxergar o mundo.

Mas é justamente quando Tina entra na história que o filme começa a respirar.

O encontro dos dois não transforma a narrativa em uma aventura romântica convencional, mas acrescenta leveza suficiente para equilibrar o peso emocional que dominava a trama até então. A partir desse ponto, o filme encontra um ritmo mais agradável, alternando momentos delicados de romance com pequenas situações inesperadas.

Algumas das melhores cenas surgem justamente desses desvios de rota: uma visita a um vendedor de maconha que quase termina em prisão, uma pequena vingança contra um antigo desafeto ou situações embaraçosas que revelam mais sobre os personagens do que longos diálogos seriam capazes de mostrar.

Quem procura grandes reviravoltas ou revelações chocantes talvez não encontre o que deseja aqui. "Amor Apocalipse" é um filme de observação. Ele está mais interessado em acompanhar pessoas tentando lidar com suas fragilidades do que em surpreender o público a cada quinze minutos.

Talvez sua maior qualidade seja justamente essa honestidade. O longa entende que nem toda história de amor nasce de gestos grandiosos. Às vezes ela surge no meio de um dia ruim, durante uma conversa inesperada, quando alguém aparece exatamente no momento em que você mais precisava ouvir uma voz amiga.

Não é um filme para todos os públicos. Mas quem aprecia dramas intimistas, romances discretos e personagens emocionalmente complexos pode encontrar aqui uma experiência bastante recompensadora.

No fim das contas, "Amor Apocalipse" fala menos sobre o fim do mundo e mais sobre algo muito mais assustador para muita gente: a sensação de enfrentar a vida sozinho.

Nota 7,0

[Cinema] Hit Para Dois

2026-06-09T19:09:12.399-03:00

A Comédia Trágica da Vida de Quem Faz Música. Rick é um cantor de casamentos que já sonhou alto. Danny é um ex-astro de boy band que viu a fama passar rápido demais. Quando os dois se encontram por acaso e acabam improvisando uma música durante uma jam session madrugada adentro, nasce uma amizade improvável. Mas tudo muda quando uma composição criada naquele encontro se transforma em um grande sucesso — e apenas um deles recebe os créditos.

Se você é músico, provavelmente vai se identificar com pelo menos uma parte dessa história.

Paul Rudd interpreta Rick Powers, um músico talentoso que vive tocando em casamentos enquanto guarda a frustração de nunca ter alcançado o sucesso que imaginou para sua carreira. Do outro lado está Danny Wilson, vivido por Nick Jonas, um cantor que experimentou a fama muito jovem, mas que, ao contrário de seus antigos colegas de banda, não conseguiu manter o mesmo nível de reconhecimento em carreira solo.

O interessante é que o filme não trata nenhum dos dois como herói ou vilão. Ambos carregam inseguranças, arrependimentos e sonhos que ficaram pelo caminho. E talvez seja justamente isso que faça a história funcionar tão bem.

Quando a Ficção Parece Real Demais

Uma das coisas que mais chamam atenção em "Hit Para Dois" é como ele retrata uma realidade conhecida por praticamente qualquer artista independente.

A maioria dos músicos nunca terá a oportunidade de tocar para multidões. Muitos passam anos compondo, ensaiando, gravando e divulgando suas músicas sem conseguir alcançar o público certo. Talento, infelizmente, nem sempre é suficiente.

Por isso, mesmo trabalhando dentro de uma trama relativamente simples, o filme acerta ao mostrar as frustrações, expectativas e até a inveja que podem surgir quando o sucesso bate à porta de alguém próximo.

Curiosamente, as músicas originais do longa foram compostas pelo próprio diretor e se misturam a clássicos do rock ao longo da narrativa, ajudando a construir a identidade musical do filme sem parecer forçado.

Um Conflito Que Poderia Ser Resolvido Com Uma Conversa

É impossível assistir sem pensar que boa parte dos problemas da trama poderia ter sido resolvida com uma conversa honesta.

Mas a vida real também é assim.

Muitas vezes, pequenas omissões, decisões impulsivas ou conselhos errados acabam gerando consequências muito maiores do que deveriam. O filme entende isso e explora essa ideia de forma natural, sem precisar recorrer a grandes reviravoltas ou exageros dramáticos.

Simples, Mas Eficiente

"Hit Para Dois" não tenta reinventar a roda.

Seu maior mérito está justamente em saber o que quer ser: uma comédia dramática leve, fácil de acompanhar e que funciona muito bem graças à química entre Paul Rudd e Nick Jonas.

Em vários momentos, o filme lembra produções como "Letra e Música", principalmente pela mistura entre humor, música e personagens tentando encontrar seu lugar em um mercado extremamente competitivo.

Também é curioso observar como Nick Jonas parece brincar com aspectos da própria trajetória artística, enquanto Paul Rudd entrega um personagem que precisa amadurecer justamente quando acredita já ter aprendido tudo sobre a vida.

Veredito

"Hit Para Dois" é daqueles filmes confortáveis de assistir. Não é uma obra revolucionária nem pretende ser. Em vez disso, entrega uma história sincera sobre amizade, ego, reconhecimento e as voltas inesperadas que a vida dá.

Para músicos, compositores e qualquer pessoa que já tenha sonhado em viver de arte, a identificação é quase inevitável.

Uma boa mistura de comédia e drama, com personagens carismáticos, uma trilha sonora competente e uma mensagem otimista sem cair no sentimentalismo exagerado. Um daqueles raros filmes que conseguem mostrar as dificuldades da vida artística sem perder a leveza.

Nota: 8/10

[Crítica] Mestres do Universo | He-Man

2026-06-04T08:30:00.000-03:00

Criada como um longo comercial televisivo de 22 minutos de duração, e exibida entre 1983 à 1985, a série de animação He-Man e os Mestres do Universo desenvolvida pelo estúdio Filmation em parceria com a gigante dos brinquedos Mattel, nasceu com o simples objetivo de dar suporte narrativo, ao que viria ser, uma das franquias de brinquedos mais populares dos anos 1980.

Como uma delicada carta de amor à série e seus personagens, o projeto de Travis Knight (Kubo e as Cordas Mágicas - 2015, e Bumblebee - 2018), busca revisitar as origens de He-Man, dos Mestres do Universo e do maligno Esqueleto, levando o espectador por uma nova jornada através das terras mágicas de Eternia, rica em detalhes e repleta de fan service.

A produção de 2026, lançada em 4 de junho, dá continuidade à estratégia adotada pela Mattel em Barbie (2023): transformar suas propriedades intelectuais em narrativas mais humanas e densas, aprofundando seus personagens e fortalecendo a conexão emocional com o público.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

O longa acompanha o jovem e atrapalhado príncipe Adam (Nicholas Galitzine), herdeiro do trono de Eternia, que, após uma invasão devastadora causada pelas hordas de demônios de Esqueleto, é enviado com urgência pela Feiticeira (Morena Baccarin), para a realidade do planeta Terra ao lado da Espada do Poder, objeto que guarda todo o poder do reino. Forçado a deixar sua vida para trás, ele se torna a última esperança de salvação para seu povo.

Quase vinte anos depois, Adam vive como um adulto deslocado e sem perspectivas, em busca do artefato mágico, perdido ainda na infância. Dividindo um apartamento em meio a cidade e agora profissional de Recursos Humanos, evitando conflitos e preferindo o diálogo (uma clara menção as lições de moral que encerravam os episódios da série original).

Seu retorno a Eternia, porém, o coloca diante da missão de recuperar seu poder e restaurar a ordem em um reino devastado pelo caos e pela destruição semeados por Esqueleto.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Praticamente nada do visual original dos personagens foi alterado, algo perceptível desde os primeiros minutos. Um ponto importante a se destacar, porém, é a mudança na forma como Eternia e seus habitantes são retratados.

Aqui, o diretor opta por aprofundar seus personagens, afastando-os do simples conceito de eterna guerra entre bem e mal, que caracterizava a série original, e inserindo-os em conflitos mais complexos, envolvendo temas como alcoolismo, abandono, fuga e relacionamentos abusivos.

Longe de ser um aspecto negativo, essa abordagem acrescenta uma camada extra de profundidade e contexto à narrativa, tornando seus personagens mais humanos e suas motivações mais compreensíveis.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

O desenvolvimento da trama é um dos pontos fortes da produção. O longa mantém um ritmo consistente e dosado, equilibrando ação, humor e drama sem se alongar além do necessário. Não há pancadarias enfadonhas, nem momentos melodramáticos em demasia quebrando a experiência.

Cada elemento introduzido pela narrativa recebe atenção adequada e encontra uma resolução satisfatória. Simples, direto e eficiente, sem espaço para pontas soltas no roteiro.

(Foto: Luiz Rodrigues/Jam Station)

Provando mais uma vez que é muito mais do que um rostinho bonito esculpido em uma montanha de músculos, Nicholas Galitzine (Vermelho, Branco e Sangue Azul - 2019) entrega um personagem surpreendentemente rico, transitando com naturalidade entre situações contrastantes e nuances emocionais distintas.

O resultado vai muito além da caricatura do brutamontes de tanguinha e peruca chanel que marcou o imaginário popular ao longo dos anos cantando What's Going On do 4 Non Blonds com um fundo psicodélico.

Adam não é um personagem excessivamente sério, mas também não se transforma em uma máquina de piadas (Oi, Thor) fora de contexto apenas para arrancar risadas da plateia. O equilíbrio entre humor e drama é um dos pontos fortes da interpretação.

Já Jared Leto (Tron: Ares - 2025), mesmo oculto sob o pesado trabalho de CGI aplicado ao personagem durante a pós-produção, ainda encontra espaço para brilhar com um eficiente trabalho de captura de movimentos apresentado no crânio de Esqueleto, e atuação vocal, ajudando a dar personalidade ao vilão.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Se distanciando de tendências recentes em direção de arte e fotografia, o longa não adere a paletas desbotadas e ambientação excessivamente escura e com pouca iluminação, característica presente em muitas produções atuais. Pelo contrário, Eternia surge como um universo vibrante e repleto de detalhes, com biomas que se diferenciam a cada novo cenário, esbanjando cores e uma iluminação rica e cuidadosamente trabalhada.

A fotografia merece uma menção honrosa, sendo uma das grandes responsáveis por integrar efeitos práticos e CGI em uma fusão tão eficiente que, em diversos momentos, torna-se difícil distinguir onde termina o cenário físico e onde começa a computação gráfica.

(Foto: Sony Pictures Entertaiment/Divulgação)

Contando com nomes de peso como o compositor Daniel Pemberton (Devoradores de Estrela – 2026 e Os Caras Malvados – 2025), colaborações de Brian May, guitarrista do Queen, e uma música-tema composta e interpretada pela banda The Darkness, "Masters of the Universe", a trilha sonora traz temas nostálgicos fortemente inspirados no pop rock e no synth pop dos anos 80, inseridos de forma orgânica entre as cenas, sem parecerem forçados ou colocados ali apenas para preencher espaço.

Mestres do Universo chega aos cinemas como uma tentativa bem-sucedida de revitalizar um clássico da década de 80 de forma leve e acessível.

O longa entrega um bolo robusto: recheado de nostalgia e referências para os fãs de longa data, mas também decorado com elementos capazes de atrair um público mais jovem ou aqueles que jamais tiveram contato com a série animada ou com a linha de brinquedos da Mattel.

O resultado é uma aventura despretensiosa, brega (no bom sentido) e que ri de si mesma, funcionando tanto para quem cresceu assistindo ao cartoon, quanto para quem procura apenas um filme divertido e visualmente interessante para toda a família.

Mestres do Universo (Masters of the Universe)
04 de Junho de 2026 - 140 Minutos - Amazon MGM Studios / Sony Pictures Entertainment

País: EUA
Gênero: Espada e Feitiçaria, Ação, Fantasia
Direção: Travis Knight
Roteiro: Chris Butler, Irmãos Nee, Alex Litvak, Michael Finch
Elenco: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba, Jared Leto

★★★★★

Opinião: Sem Elvis, não haveriam Beatles e nem Black Sabbath

2026-05-27T22:25:36.208-03:00

Elvis Presley não nasceu em um vácuo; ele foi o catalisador que unificou a música negra e branca dos Estados Unidos, transformando o Rock 'n' Roll em um fenômeno global. Sem ele, talvez nunca teríamos a chance de ter toda a gama de bandas que existem hoje em dia.

Acom base nisso, montei essa linha do tempo detalhada dessa evolução musical, desde as raízes rurais até o nascimento do Heavy Metal.

Imagem gerada por IA

1. O que veio antes (As Raízes de Elvis)

Antes de Elvis gravar sua primeira música na Sun Records em 1954, a música americana era rigidamente segregada pelo racismo estrutural. O cenário dividia-se em dois grandes blocos:

- Blues e Rhythm & Blues (R&B): Criados pela comunidade afro-americana. O Blues do Delta do Mississippi e o R&B urbano de artistas como Big Joe Turner, Arthur Crudup (compositor de "That's All Right", o primeiro sucesso de Elvis) e Sister Rosetta Tharpe trouxeram a guitarra elétrica distorcida, o ritmo acelerado e a entrega vocal visceral.

- Country & Western e Gospel: A música branca rural, frequentemente chamada de "Hillbilly". Elvis cresceu frequentando igrejas pentecostais, onde absorveu o fervor do Gospel, e ouvindo o Country de artistas como Hank Williams, que trazia a estrutura narrativa e o lamento melódico.

O Estalo: O Rock 'n' Roll já existia de forma embrionária com pioneiros negros como Ike Turner (com "Rocket 88" em 1951) e Fat Domino. No entanto, as rádios de grande alcance (controladas por brancos) se recusavam a tocar esses artistas. O dono da Sun Records, Sam Phillips, verbalizou o sentimento da época: "Se eu encontrasse um homem branco que tivesse o som negro e o sentimento negro, eu poderia faturar um bilhão de dólares". Esse homem era Elvis.

2. A Explosão de Elvis (O Catalisador)

Ao misturar o Blues negro com o Country branco, Elvis popularizou o subgênero Rockabilly. A existência dele causou três impactos imediatos que mudaram a história da cultura pop:

Derrubada de Barreiras: Elvis serviu como uma "ponte". Ao estourar na grande mídia, ele forçou o público branco a consumir e validar as estruturas rítmicas da música negra. Isso abriu espaço para que gigantes contemporâneos como Little Richard, Chuck Berry e Bo Diddley também conquistassem as paradas pop.

Criação da Cultura Jovem: Até a década de 1950, o conceito de "adolescente" não existia comercialmente; as crianças se vestiam e ouviam as mesmas músicas que os pais. Elvis, com seu rebolado chocante e atitude rebelde, criou a primeira fresta de divisão geracional da história.

A Linha de Frente Comercial: Ele provou que o Rock 'n' Roll era uma commodity trilionária. Isso fez com que grandes gravadoras (como a RCA) investissem massivamente no gênero, espalhando o som pelos navios e rádios até chegar à Europa.

3. A Reação em Cadeia (Dos Beatles ao Black Sabbath)

A partir do impacto de Elvis, a música seguiu um efeito dominó geométrico:

[Blues / Country] ➔ [Elvis Presley] ➔ [Os Beatles] ➔ [Black Sabbath]

Passo 1: O Impacto em Liverpool (Os Beatles)

No final dos anos 50, o Reino Unido estava devastado pelo pós-guerra. Os discos de Elvis chegavam de navio pelo porto de Liverpool. John Lennon e Paul McCartney, ao ouvirem o Rei, decidiram abandonar o Skiffle (uma espécie de folk acústico improvisado) para formar bandas de rock.

Os Beatles pegaram a energia de Elvis, somaram a harmonia dos Everly Brothers e a genialidade de escrita de Buddy Holly, criando o formato moderno de banda (onde os próprios membros compõem e tocam).

Passo 2: A Resposta Britânica e a Experimentação

Em 1964, os Beatles lideraram a Invasão Britânica. O sucesso deles abriu as portas para bandas como The Rolling Stones e The Who, que decidiram eletrificar e acelerar o Blues de Chicago de forma muito mais agressiva.

Em 1968, os próprios Beatles decidiram responder aos críticos que os chamavam de "comportados" e gravaram "Helter Skelter". A faixa trouxe guitarras extremamente distorcidas, vocais berrados e uma bateria violenta. Era o rascunho definitivo do que viria a ser o Metal.

Passo 3: O Nascimento do Heavy Metal (Black Sabbath)

Em Birmingham, uma cidade industrial cinzenta e operária da Inglaterra, quatro jovens (Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward) tentavam sobreviver. Inspirados pela revolução dos Beatles, eles montaram uma banda.

Porém, em vez do otimismo pop dos anos 60, eles decidiram traduzir o som das fábricas britânicas. Tony Iommi, após perder as pontas dos dedos em um acidente de fábrica, teve que afrouxar as cordas da guitarra para conseguir tocar sem dor. O resultado foi um som incrivelmente pesado, denso e fúnebre.

Somando as temáticas de filmes de terror ao Blues pesado (que os Beatles ajudaram a popularizar), o Black Sabbath lançou seu álbum de estreia em 1970, oficializando o Heavy Metal para o mundo.

Tanto John Lennon, em relação à Elvis, quanto Ozzy Osbourne, em relação aos Beatles, expressaram essa admiração de forma muito visceral e poética. Eles deixaram claro em entrevistas ao longo de suas vidas como essas epifanias musicais moldaram seus destinos.

John Lennon sobre Elvis: O Big Bang Cultural

Para John Lennon, a descoberta de Elvis Presley não foi apenas uma influência musical; foi uma quebra de realidade. Ele descrevia a experiência em tons quase religiosos, definindo Elvis como o marco zero de sua existência.

- "Antes de Elvis, não havia nada."

Esta é a frase mais famosa de Lennon sobre o Rei. Ele explicava que, em termos de cultura e música popular, o mundo antes de 1956 parecia estático e sem cor. Elvis dividiu a história entre "antes" e "depois".

- O impacto de Heartbreak Hotel:

Lennon relembrou o exato momento em que sua vida mudou: "Quando ouvi Heartbreak Hotel, minha vida inteira se transformou. Fiquei completamente abalado com aquilo. Pensei: 'É isso!' E comecei a tentar deixar costeletas e comprar aquelas roupas".

- A obsessão e a rivalidade:

Mesmo após alcançar o estrelato global, Lennon continuava carregando o fã dentro de si (chegando a usar um broche de strass escrito "Elvis" no Grammy de 1975). Ele resumia o tamanho dos Beatles em relação ao ídolo de forma cirúrgica: "Queríamos ser maiores que Elvis, mas um a um nenhum de nós conseguia encará-lo. Paul era fraco demais, eu não era tão bonito, George era muito quieto e Ringo era só o baterista. Mas juntos, nós vencemos Elvis".

Ozzy Osbourne sobre os Beatles: Da Escuridão para as Cores

Se Elvis tirou Lennon de Liverpool, os Beatles tiraram Ozzy Osbourne da miséria e do destino sombrio das fábricas de Birmingham. Ozzy sempre declarou que deve sua carreira inteira aos Fab Four.

- O raio azul de 1963:

Ozzy tinha 14 anos, andava por uma rua operária e carregava um pequeno rádio transistorizado azul. Quando a música começou, o mundo dele parou: "Eu ouvi 'She Loves You' e aquilo me derrubou. É como se você conhecesse todas as cores do mundo, aí alguém te mostra uma cor totalmente nova e você diz: 'Puta que pariu, cara'".

- A faísca que criou o vocalista:

A experiência foi tão violenta que traçou o plano para o resto de sua vida: "Foi como ser atingido por um raio. Mudou minha vida para sempre, e naquele exato momento eu soube o que queria fazer da vida. Eu sabia que queria ser o vocalista de uma banda".

- O contraste que gerou o Sabbath:

Ozzy era fascinado pela dinâmica de composição entre Lennon e McCartney, definindo-os como "o doce e o azedo". Enquanto Paul cantava que as coisas estavam melhorando ("It's getting better all the time"), John rebatia dizendo que não podia piorar ("It couldn't get much worse"). Foi essa faceta mais cínica, direta e poética de John Lennon que fisgou a mente do jovem Ozzy, servindo de base lírica para quando ele começou a escrever o heavy metal industrial do Black Sabbath.

Como você pode ver, a história do rock é feita dessas pequenas epifanias no rádio.

O encontro entre os Beatles e Elvis Presley, em 1965, foi marcado por um constrangimento quase cômico antes da música quebrar o gelo. Décadas mais tarde, o encontro entre Ozzy Osbourne e Paul McCartney inverteu essa dinâmica, mostrando o Príncipe das Trevas totalmente desarmado e em choque diante de seu maior herói.

O Encontro em Bel Air: Os Beatles conhecem Elvis (1965)

O encontro aconteceu na noite de 27 de agosto de 1965, na mansão de Elvis Presley em Bel Air, Los Angeles. Os Beatles estavam no meio de uma turnê estrondosa pelos Estados Unidos e o encontro foi planejado sob extremo sigilo para evitar o caos de fãs na porta.

- O Silêncio Constrangedor: Ao entrarem na enorme sala circular iluminada por luzes vermelhas e azuis, os quatro rapazes de Liverpool ficaram completamente paralisados. John, Paul, George e Ringo simplesmente sentaram no chão e no sofá e ficaram encarando Elvis fixamente, sem conseguir dizer uma única palavra de tão maravilhados.

- A Frase que Quebrou o Gelo: Vendo aquele silêncio desconfortável durar minutos, Elvis, que segurava um baixo elétrico, perdeu a paciência com bom humor e disparou: "Olhem, se vocês vão ficar aí sentados só me encarando, eu vou subir para o meu quarto dormir".

- A Jam Session Improvisada: Todo mundo caiu na risada e o clima mudou instantaneamente. Elvis mandou trazer guitarras e eles começaram a tocar juntos. Paul McCartney deu algumas dicas de baixo para Elvis, que tentava acompanhar canções no instrumento, enquanto John Lennon tocava guitarra. Eles passaram cerca de quatro horas conversando e tocando clássicos do rock e do R&B.

- O Recado de John: Ao ir embora, sem fotos oficiais ou gravações permitidas, John Lennon fez questão de dizer a um dos amigos de Elvis: "Garanta que ele saiba que, se não fosse por ele, os Beatles não seriam nada".

O Contraste: Ozzy Osbourne conhece Paul McCartney (2001)

Se os Beatles ficaram mudos diante de Elvis, o encontro de Ozzy com Sir Paul McCartney foi um choque de pura emoção e vulnerabilidade. O encontro aconteceu em outubro de 2001, nos bastidores do programa de rádio de Howard Stern, em Nova York.

- "Como conhecer Jesus Cristo": Ozzy Osbourne nunca escondeu de ninguém o quanto os Beatles salvaram sua vida na juventude. Ao ver McCartney caminhando em sua direção nos bastidores, o homem que já tinha comido morcegos no palco e liderado o Black Sabbath ficou visivelmente trêmulo e nervoso. Ele abraçou Paul e disse de forma doce: "É a ambição de uma vida inteira te conhecer, cara. Vocês me fizeram entrar na música".

- O Cavalheirismo de Paul: McCartney, conhecido por sua simpatia, respondeu com extrema leveza. Ele brincou com as histórias do passado de Ozzy, citando um causo engraçado sobre uma invasão de domicílio que o vocalista do Sabbath havia sofrido ("a história das luvas sem dedos"). Paul agiu como um velho amigo, deixando Ozzy em um estado de êxtase que ele mais tarde resumiria em entrevistas: "Foi como conhecer Jesus Cristo ou ver Deus. Ele era um homem tão legal".

- A Recusa Respeitosa: Anos mais tarde, a admiração continuava tão gigante que Ozzy pediu a Paul McCartney para tocar baixo em uma de suas músicas solo. Paul ouviu a faixa, elogiou muito, mas recusou educadamente dizendo: "Eu não consigo pensar em nada para colocar aqui que você mesmo ou seu baixista já não tenham feito de forma perfeita". Para Ozzy, receber um elogio desses de seu maior herói foi melhor do que qualquer gravação.

Em resumo, são casos em que a máxima "jamais conheça seus heróis" mostra suas excessões, de forma épica!

[Cinema] Chopin, Uma Sonata Em Paris

2026-05-27T20:14:15.342-03:00

Você teria coragem de transformar um dos maiores gênios da música clássica em uma estrela do rock boêmia e sarcástica? Pois é exatamente isso que o filme "Chopin, uma Sonata em Paris" faz. E olha... isso dividiu completamente a opinião do público e da crítica!

OS PONTOS POSITIVOS (O que brilha)

Se você vai ao cinema esperando aquela cinebiografia tradicional, lenta e certinha... esquece. O diretor Michał Kwieciński desconstrói o mito do poeta melancólico. O Chopin aqui é humano, cheio de defeitos, irônico e magnético.

A atuação do Eryk Kulm tá sendo aclamada no mundo todo — ele entrega um carisma surreal mesmo quando a tuberculose consome o personagem. Sem falar na fotografia e na reconstrução de Paris, que são visualmente deslumbrantes. É um banquete para os olhos e para os ouvidos!

OS PONTOS NEGATIVOS (Os problemas)

Mas nem tudo são notas perfeitas. Muita gente reclamou que o roteiro é fragmentado, e de fato, é. Personagens históricos importantes, como Franz Liszt, entram e saem da tela sem desenvolvimento, o que corta um pouco a conexão emocional.

Além disso, o filme mergulha fundo na decadência física e no sofrimento do Chopin. Para os puristas, o longa pesou a mão no drama e ignorou fatos reais importantes do final da vida dele.

CONCLUSÃO

Meu veredito? Vale muito o ingresso se você desapegar do livro de história e aceitar um drama psicológico intenso sobre a finitude.

Mas e você, já assistiu ou ficou curioso? Deixa aqui nos comentários se você prefere biografias mais certinhas ou essas mais ousadas!

Opinião: Você percebeu que ninguém mais se diverte?

2026-05-13T04:34:37.561-03:00

Você já percebeu que nos últimos anos as pessoas só andam procurando algo para reclamar, ao invés de aproveitar? Todo mundo fala mal até dos filmes que antes gostavam ou achavam legais, qualquer coisa nova que é lançada procuram pelo em ovo, e ficam reclamando até daquilo que não viram nem usufruíram... Por que será que o mundo está ficando tão chato assim? E o mais estranho é que é um fenômeno global, não é apenas regional.

Eu acho que existem várias camadas acontecendo ao mesmo tempo — tecnológicas, sociais e psicológicas — e todas acabaram se misturando globalmente.

Uma das maiores mudanças foi que a internet deixou de recompensar “aproveitar” e passou a recompensar “reagir”. Plataformas inteiras funcionam em cima de engajamento, e indignação gera muito mais clique, comentário e compartilhamento do que satisfação. Quando alguém fala “gostei do filme”, a conversa morre rápido. Quando alguém fala “esse filme destruiu minha infância”, vira guerra, meme, vídeo, thread, corte, resposta, algoritmo empurrando mais e mais.

Isso cria um efeito curioso: reclamar virou entretenimento.

E aí aparece outra coisa importante: hoje as pessoas consomem opinião antes de consumir a obra. Muita gente já entra num filme, jogo ou série procurando defeitos porque passou dias vendo thumbnail no YouTube, ragebait no TikTok ou discussão no X/Twitter. A experiência deixa de ser espontânea. A pessoa não assiste mais “pra ver como é”; ela assiste quase como jurada.

Também existe um fenômeno de saturação cultural. Antigamente, quando algo novo surgia, havia menos comparação instantânea. Hoje qualquer lançamento compete simultaneamente com décadas de nostalgia, milhões de opiniões online e expectativas impossíveis. Um filme não é apenas um filme — ele vira “o representante de uma franquia”, “o símbolo da indústria”, “a prova de que Hollywood morreu” ou “a salvação do cinema”. As pessoas colocam um peso absurdo nas obras.

E tem outro ponto que pouca gente comenta: muita gente está cansada emocionalmente. Crises econômicas, excesso de informação, ansiedade constante, pressão social, doomscrolling… tudo isso deixa as pessoas mais irritadiças e menos abertas ao encantamento. Quando alguém está mentalmente esgotado, fica mais fácil procurar problema do que entrar no clima da experiência.

Curiosamente, isso não significa necessariamente que o mundo tenha piorado artisticamente. Às vezes o ambiente de discussão ficou mais tóxico do que as obras em si.

Um exemplo claro é como filmes que eram massacrados anos atrás hoje são revisitados com carinho. A trilogia prequel de Star Wars: Episode I – The Phantom Menace foi extremamente criticada na época e hoje tem fãs apaixonados. O mesmo aconteceu com Spider-Man 3, Speed Racer, vários jogos do PlayStation 3 e até músicas que eram consideradas “cafonas”. Muitas vezes o problema não era a obra em si — era o clima coletivo em torno dela.

Outra coisa interessante: reclamar também virou forma de pertencimento social. Em muitos grupos online, ser extremamente crítico passa uma imagem de inteligência ou “bom gosto refinado”. Demonstrar entusiasmo genuíno às vezes é tratado quase como ingenuidade. Então algumas pessoas entram num ciclo onde desaprovar tudo vira identidade.

Mas apesar dessa impressão pesada, ainda existe muita gente aproveitando as coisas de verdade — só que elas costumam fazer menos barulho. Quem está feliz jogando um jogo geralmente está… jogando. Quem odiou o jogo provavelmente está fazendo vídeo de 40 minutos explicando por que a indústria acabou.

E talvez esse seja o detalhe mais importante: a internet amplifica descontentamento de um jeito desproporcional. O mundo real normalmente é menos amargo do que o feed parece.

Quais seriam formas possíveis de se resolver este estranho problema que estamos vivendo?

Não existe uma solução única, porque isso virou um comportamento cultural global, alimentado por tecnologia, economia de atenção e até pelo jeito como as pessoas constroem identidade online. Mas existem caminhos bem reais que poderiam diminuir bastante esse ciclo.

Um dos principais seria mudar o incentivo das plataformas. Hoje, algoritmos recompensam reação intensa — especialmente raiva. Conteúdo equilibrado quase nunca viraliza no mesmo nível que “isso destruiu minha infância” ou “o cinema morreu”. Enquanto indignação gerar mais lucro, ela continuará sendo empurrada. Plataformas poderiam reduzir alcance de ragebait repetitivo e valorizar mais descoberta, análise genuína e discussão saudável. Não resolveria tudo, mas mudaria o clima aos poucos.

Outra coisa importante seria recuperar o hábito de experimentar antes de opinar. Muita gente forma opinião baseada em cortes, thumbnails e comentários. Isso cria uma cultura de julgamento preventivo. Talvez uma mudança simples — socialmente falando — seria normalizar frases como: “Ainda não vi”, “Não é pra mim, mas entendo quem gosta”, ou mesmo “Talvez eu esteja fora do público-alvo”

Parece pequeno, mas isso desmonta muito do comportamento tribal.

Também ajudaria bastante separar crítica de identidade pessoal. Hoje muita gente sente que gostar ou não gostar de algo virou posicionamento moral. Um filme deixa de ser “divertido ou ruim” e vira “sinal de inteligência”, “prova de caráter” ou “guerra cultural”. Isso transforma entretenimento em campo de batalha permanente. A cultura ficaria mais leve se as pessoas voltassem a permitir que certas coisas fossem apenas… entretenimento.

Existe ainda um problema de excesso de consumo. Antigamente alguém assistia alguns filmes por ano e mergulhava neles. Hoje muita gente consome trailers, leaks, reviews, teorias, reação ao trailer, reação da reação, análise da análise… antes mesmo da obra sair. Quando finalmente assiste, já está emocionalmente saturada. Parte da magia morre antes da experiência começar.

Talvez uma solução pessoal muito poderosa seja reaprender a sentir descoberta sem mediação constante. Assistir algo sem procurar opinião antes. Jogar um jogo sem ver ranking. Ouvir um álbum inteiro sem algoritmo interrompendo. Parece simples, mas isso reconstrói a relação emocional com arte e diversão.

Outra coisa que ajudaria muito seria valorizar entusiasmo sincero novamente. Hoje existe uma ironia constante online, como se demonstrar alegria genuína fosse “cringe”. Só que entusiasmo é parte essencial da experiência humana. Fandom saudável cria comunidade, criatividade, amizade, música, cosplay, mods, animações, memes bons, eventos… praticamente toda cultura pop forte nasceu de gente apaixonada, não de gente tentando parecer intelectualmente superior.

E talvez exista uma mudança maior acontecendo lentamente: muitas pessoas já estão cansando da negatividade contínua. Dá pra perceber um movimento crescente de gente buscando conteúdos mais tranquilos, acolhedores ou honestamente divertidos. Vídeos de conforto, jogos cozy, comunidades menores, experiências mais humanas. É como se uma parte do público estivesse começando a perceber que viver permanentemente irritado não é sustentável.

No fim, talvez a “cura” passe por algo quase contraintuitivo hoje: voltar a permitir encantamento!!!

Porque uma sociedade que desaprende a se divertir começa a transformar tudo em disputa, teste ideológico ou competição de cinismo. E isso acaba esvaziando justamente aquilo que fazia cultura pop, arte e entretenimento serem especiais.

“A Morte do Demônio: Em Chamas” ganha primeiro trailer. Filme estreia dia 9 de julho nos cinemas do Brasil

2026-05-05T22:09:26.042-03:00

Com distribuição da Sony Pictures, novo capítulo da franquia propõe uma experiência selvagem e aterrorizante

O novo capítulo da franquia “Evil Dead/Morte do Demônio” chega aos cinemas do Brasil no dia 9 de julho com a proposta de promover uma experiência ainda mais selvagem e aterrorizante nas telonas. Intitulado “A Morte do Demônio: Em Chamas”, o filme acaba de ter o trailer divulgado pela distribuidora Sony Pictures. A direção do longa é do cineasta francês Sébastien Vaniček (“Infestação”), que também assina o roteiro ao lado de Florent Bernard, com produção de Sam Raimi e Rob Tapert, responsáveis pelos filmes originais. O elenco é formado por Souheila Yacoub (“Clímax” e “Duna: Parte 2”), Tandi Wright (“Pearl”), Hunter Doohan (“Wandinha”), Luciane Buchanan (“O Agente Noturno”), entre outros.

Na trama, após perder o marido, uma mulher busca consolo com os sogros em sua casa de família isolada. Contudo, um a um, eles são transformados em Deadites - criaturas demoníacas -, o que torna o encontro uma reunião diretamente saída do inferno.

Criada por Sam Raimi (trilogia do “Homem-Aranha”), a franquia de terror sobrenatural foi iniciada em 1981 e, até o momento, tem cinco filmes e uma série. “A Morte do Demônio: Em Chamas” marca a chegada do sexto longa-metragem.

SINOPSE

A Morte do Demônio: Em Chamas desencadeia a experiência mais selvagem e aterrorizante da franquia até hoje, chegando às telonas com um capítulo totalmente novo de carnificina e caos demoníaco. Após a perda do marido, uma mulher busca consolo com os sogros em sua casa de família isolada. À medida que, um a um, eles são transformados em Deadites — transformando o encontro em uma reunião familiar saída do inferno — ela descobre que os votos que fez em vida continuam… mesmo na morte.

FICHA TÉCNICA

Direção: Sébastien Vaniček

Roteiro: Florent Bernard e Sébastien Vaniček

Produção: Rob Tapert e Sam Raimi

Produção Executiva: Romel Adam, Bruce Campbell, Lee Cronin e Jose Canas

Elenco: Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Errol Shand, George Pullar, Maude Davey e Greta Van Den Brink.

[Lançamento] Super Mario invade Kinder Joy e transforma nostalgia em conexão entre gerações

2026-04-13T16:24:00.004-03:00

Coleção aposta na força da cultura pop para aproximar pais e filhos e ampliar a presença da marca no dia a dia das crianças.

O universo de Super Mario acaba de ganhar um novo espaço fora das telas: dentro do Kinder Joy. Em uma aposta na força da cultura pop, Kinder®, marca do grupo Ferrero, lança uma coleção especial inspirada em um dos personagens mais icônicos da história dos games — com o objetivo de transformar nostalgia em conexão entre gerações.

Mais do que um licenciamento, a iniciativa reforça o papel de Kinder Joy como um ponto de encontro entre pais e filhos. Para muitos adultos, Mario faz parte da própria infância; agora, surge como uma oportunidade de compartilhar esse universo com os filhos de forma leve, divertida e presente no cotidiano.

A coleção chega ao mercado com uma variedade de acessórios inspirados no personagem, pensados para acompanhar as crianças no dia a dia. Entre os itens estão bonecos 2D e 3D que podem ser usados como chaveiros, decoradores de zíper e de caneta, clips, pop its e tags para personalizar a mochila e muito mais. Mais do que simples surpresas, os itens incentivam a criatividade e a expressão individual, especialmente no ambiente escolar, onde as crianças constroem identidade, compartilham interesses e criam vínculos.

De fases clássicas nos videogames aos lançamentos mais recentes no cinema e no entretenimento, Super Mario atravessa gerações como um verdadeiro fenômeno cultural. Com mais de 40 anos de história, o personagem segue relevante, com uma base de fãs ativa e engajada ao redor do mundo — o que reforça sua força como ponte entre diferentes públicos.

Esse movimento também acompanha uma mudança no comportamento de consumo, cada vez mais conectado à cultura pop. Entre os principais públicos da coleção estão pais millennials, que cresceram jogando videogame, criando uma ponte natural entre gerações - e fãs da franquia que mantêm uma relação próxima com itens licenciados e colecionáveis.

“Kinder Joy tem como propósito criar momentos de conexão entre pais e filhos por meio da surpresa e da diversão. Trazer esse universo de Super Mario para Kinder Joy é transformar uma simples surpresa em uma experiência que pais e filhos podem compartilhar juntos” comenta Diego Caride, diretor de Marketing de Kinder®.

O lançamento faz parte de um plano que inclui ativações com influenciadores, iniciativas voltadas às comunidades de fãs e forte presença no ponto de venda, ampliando o alcance da coleção e reforçando a conexão da marca com diferentes gerações.

A coleção marca ainda a primeira distribuição nacional de uma linha temática de Super Mario dentro do portfólio de Kinder Joy, com presença ampliada no varejo e ações de comunicação ao longo do lançamento. O produto já está disponível em pontos de venda de todo o país, com preço sugerido de R$11,79.

[Crônica] Sinto falta de críticos como Rubens Ewald Filho

2026-04-05T01:32:00.006-03:00

Hoje eu queria falar de alguém que, talvez sem muita gente perceber na época, ajudou a formar o olhar de uma geração inteira sobre cinema no Brasil: Rubens Ewald Filho. E não é exagero.

Eu sinto falta de críticos como o Rubens Ewald Filho. E hoje, vou comentar o por quê eu digo isso tanto. Aliás, pode ser levado como uma crítica aos "críticos" de internet atuais, aos influencers digitais, e ao mesmo tempo até uma homenagem ao próprio saudoso Rubens.

Ele podia até errar — e errava — mas existia uma coisa essencial: coerência. Ele analisava cinema como cinema.

Hoje, muita crítica parece mais interessada em empurrar uma visão de mundo do que em avaliar um filme de verdade. Muita gente não analisa mais filme… analisa posicionamento. Se não encaixa numa visão específica, já vira problema — independente da qualidade. Não é mais sobre roteiro, direção, trilha sonora ou atuação… é sobre se o filme segue ou não uma expectativa ideológica.

E aí acontece o absurdo: obras bem feitas, divertidas, com boa construção narrativa, são ignoradas ou massacradas por não entrarem em certos temas — como se todo filme tivesse obrigação de carregar um discurso específico. Ou Seja, não por serem ruins, mas por não seguirem uma cartilha.

E o mais curioso é a incoerência. Tem gente que cobra discurso, cobra postura… mas na prática não vive nada disso. Exige do cinema aquilo que nem aplica na própria vida.

Cinema não é só isso. Cinema também é entretenimento, emoção, escapismo.

Se um filme cumpre bem a proposta dele — seja fazer rir, emocionar ou encantar — isso deveria importar, ser o principal.

Aos diretores, eu digo, se quiser falar de política, a sua visão, pode colocar no roteiro, mas conta uma boa história, faça uma boa escrita. Faça valer a pena ver o seu pensamento sobre o assunto em uma forma que entretem de verdade nas telas, e não que fique parecendo uma cartilha, com qualidade duvidosa.

No fim das contas, crítica não deveria dizer no que você tem que pensar… mas te ajudar a entender melhor o que você está assistindo.

MAS, QUEM FOI RUBENS EWALD FILHO?

Rubens Ewald Filho não era só um crítico… era praticamente um tradutor do cinema pro público brasileiro.

Se você já parou pra assistir ao Oscar em algum momento entre os anos 90 e 2000, é praticamente impossível que você não tenha ouvido a voz dele. Era aquele tipo de presença que não precisava aparecer o tempo todo — quando aparecia, você sabia que vinha informação, contexto, história… e opinião. Muita opinião.

Mas o mais curioso é que o Rubens não ficou só na TV. Ele estava em tudo quanto era canto onde o cinema passava. Pra muita gente, ele era aquela voz nas transmissões ao vivo comentando filme, ator, diretor… quase como um guia, te explicando o que você estava vendo sem te tratar como burro. Pra outros, ele estava nas revistas, nos jornais, nas críticas escritas. E tem um detalhe que muita gente esquece: ele também esteve, indiretamente, dentro da casa de muita gente através das fitas VHS.

Sim, VHS.

Naquela época em que a gente alugava filme no fim de semana, muitas traduções, adaptações e até escolhas de títulos passavam pela mão dele. Ou seja, ele não só comentava cinema — ele ajudava a moldar como o brasileiro consumia cinema.

E aí entra um ponto que, pra mim, é o que mais diferencia ele de muita gente hoje: a forma como ele falava de cinema.

O Rubens não tinha aquela coisa travada, elitista, cheia de termos que parecem mais pra afastar do que pra aproximar. Ele conseguia falar de um filme complexo de um jeito simples… sem simplificar demais. Isso é muito difícil. Ele traduzia o cinema. Ele fazia a ponte entre a obra e o público comum.

E ao mesmo tempo… ele não era neutro.

Muito pelo contrário.

Ele tinha opinião forte, às vezes polêmica, às vezes direta até demais. Mas isso fazia parte do pacote. Ele não estava ali pra agradar todo mundo — ele estava ali pra dizer o que pensava. E isso, gostando ou não, dava personalidade. Hoje em dia a gente vê muito crítico tentando ficar em cima do muro… o Rubens não. Ele escolhia um lado, defendia, e pronto.

Os críticos atuais, no máximo tentam empurrar o seu lado, mesmo que sequer tenham um, e apenas finjam ter um, apenas por visualizações, ou mesmo "porque o pagamento caiu". Há muito mais cr´tiicos "famosos" que são "rasos" do que realmente entendam de cinema, infelizmente. E é um copiando/imitando o outro. E os poucos autênticos (de alguma forma), não conseguem ter relevância em números.

E talvez seja por isso que ele ficou tanto tempo relevante. Porque ele não era só “mais um crítico”. Ele era uma figura. Uma referência. Alguém que você podia concordar ou discordar, mas não ignorar.

E aí vem a parte inevitável.

Em 2019, o Rubens Ewald Filho faleceu.

E quando isso aconteceu, muita gente sentiu como se tivesse perdido uma espécie de “guia” — aquele cara que, por décadas, esteve ali ajudando a gente a entender melhor o cinema, mesmo que a gente nem percebesse isso conscientemente.

Hoje, olhando pra trás, dá pra perceber o tamanho do impacto.

Ele não só comentou filmes. Ele não só analisou obras. Ele não só apareceu na TV.

Ele ajudou a formar o olhar de quem assistia.

QUEM FOI, LONGE DAS TELAS?

Bom, tenho alguma propriedade, memso que pouca, para falar ao menos o que eu conheci. Tive o prazer de tê-lo conhecido presencialmente, tendo conversado algumas vezes. Ele era super receptivo com todos, independente de serem famosos ou desconhecidos.

Um de seus filmes favoritos (que pode-se dizer até que era um "guilty pleasure") era Professor Aloprado (o primeiro do Eddie Murphy, não o do Jerry Lewis). Ele alugava ao menos uma vez por mês, junto de outros filmes, novos e antigos, na antiga 2001 Video de Moema. Sei disso porque muitas vezes eu o atendia lá, quando fui freelancer por alguns anos (principalmente entre 2013 e 2015), e se a loja não estivesse lotada no dia, eu gostava de conversar sobre cinema com ele.

Tanto ele, quanto Paulo Gustavo (antiga revista SET), tinham opiniões bem diretas desde sempre, e estavam abertos à idéias diferentes em um bate papo sobre cada filme que acabavam de assistir, nas cabines de imprensa. Nem sempre eu concordava com algumas opiniões mais pessoais, mas, havia respeito e uma boa prosa, sempre!

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho era exatamente aquilo que muita gente imaginava… e ao mesmo tempo, um pouco mais humano do que a figura pública deixava transparecer.

Ele era, antes de qualquer coisa, um cara completamente obcecado por cinema — no melhor e no pior sentido da palavra. Não era só profissão. Não era só trabalho. Era rotina, era hábito, era praticamente o jeito dele existir no mundo. Ele assistia filme como quem respira. E isso moldava tudo ao redor dele.

Quem convivia mais de perto costumava comentar que ele tinha uma memória absurda. Não era só “ah, já vi esse filme”. Era:

— lembrar elenco completo

— ano de lançamento

— bastidores

— curiosidades específicas

Tipo uma enciclopédia viva… só que com opinião.

E isso vinha junto com uma personalidade muito característica.

Ele não era exatamente o tipo de pessoa “polida” o tempo todo. Não fazia muito esforço pra suavizar o que pensava. Se gostava, falava. Se não gostava… falava mais ainda. Isso podia soar duro pra algumas pessoas, até meio impaciente às vezes. Mas também era o que tornava ele autêntico. Não tinha filtro artificial.

Ao mesmo tempo, existe um lado que pouca gente comenta:

ele era extremamente dedicado ao trabalho. Não era aquela dedicação performática de aparecer… era disciplina mesmo. Ver filme, estudar, escrever, comentar, repetir. Por décadas. Sem parar.

E isso cobra um preço.

Porque quando alguém vive tanto dentro de um universo — no caso dele, o cinema — é comum que a vida pessoal fique mais reservada, mais fechada. Ele não era uma figura de exposição íntima. Você sabia muito mais sobre o que ele pensava dos filmes… do que sobre a vida dele fora disso.

E talvez isso seja até coerente.

Porque, no fim das contas, o Rubens nunca tentou vender uma imagem pessoal. Ele não era o “influencer de si mesmo”. Ele era o cara do cinema. E só.

Mas tem um detalhe importante nisso tudo:

mesmo sendo direto, crítico e às vezes duro… ele também tinha um lado de admiração genuína pelo cinema. Quando ele gostava de algo, dava pra perceber. Não era só análise técnica — tinha paixão ali.

E isso é o que segura tudo.

Porque você pode discordar de um crítico… mas quando você percebe que ele ama aquilo de verdade, a conversa muda.

Se fosse resumir esse lado mais pessoal dele, no seu estilo:

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho não era um personagem… era um cara que viveu tanto o cinema, que acabou se tornando parte dele.

E talvez seja por isso que, mesmo depois de tanto tempo… a ausência dele ainda é sentida.

E QUEM FOI ELE, DENTRO DO CINEMA?

Muita gente conhece o Rubens Ewald Filho só como “o cara que comentava filmes”… mas isso é só uma parte da história.

Porque, antes — e durante — tudo isso, ele também tentou viver o cinema por dentro.

E isso muda bastante a forma como a gente enxerga o trabalho dele.

Rubens não ficou só na cadeira de crítico. Ele estudou cinema, escreveu sobre cinema, mas também se envolveu diretamente com produção, roteiro e até atuação, mesmo que muita gente não associe isso de imediato ao nome dele.

No começo da carreira, ele teve contato direto com o fazer cinematográfico, principalmente no Brasil, numa época em que a indústria era muito mais limitada e difícil. Ele participou de projetos como roteirista e colaborador criativo, ajudando a construir histórias — o que, pra um crítico, é um diferencial enorme.

Porque uma coisa é analisar filme pronto.

Outra coisa completamente diferente é entender o processo de criar um.

E isso aparece na forma como ele falava.

Quando ele criticava um roteiro, por exemplo, não parecia alguém “de fora chutando”. Parecia alguém que sabia onde doía. Onde travava. Onde funcionava ou não funcionava.

Além disso, ele também fez participações como ator, geralmente pequenas, quase como participações especiais. Nada que definisse a carreira dele, mas o suficiente pra mostrar uma coisa: ele não via o cinema como algo distante, ele queria fazer parte daquilo (Mesmo que não fosse o foco principal.).

Mas talvez a parte mais forte desse “lado de dentro” dele esteja em outra coisa:

Tradução e adaptação

Isso aqui é subestimado demais.

Rubens trabalhou com:

tradução de filmes
adaptação de diálogos
versões para o público brasileiro

E isso, principalmente na época de VHS e TV, era praticamente uma arte invisível.

Porque não era só traduzir palavra por palavra. Era:

adaptar contexto
ajustar timing
manter sentido cultural
fazer o filme “funcionar” em português

E isso influencia MUITO a experiência de quem assiste

Muita gente cresceu vendo filmes “do jeito que ele ajudou a moldar”… sem nem saber disso.

E aí entra um ponto que amarra tudo: Ele não era só alguém que opinava sobre cinema.

Ele já tinha estado dentro, já tinha tentado construir, já tinha participado do processo. E isso dá um peso diferente pra crítica.

Eu mesmo, tento seguir seus passos neste ponto, afinal, também trabalho como ator, já fui locutor de rádio, escrevo minhas críticas de filmes e games em alguns sites. Levo comigo o seu intuito: falar de forma direta e simples, sem palavras difíceis, para que todos possam entender do que se trata aquilo que estou falando!

Rubens Ewald Filho não era só um cara que falava de cinema… ele já tinha colocado a mão na massa — e isso fazia toda diferença na hora de criticar.

E talvez seja por isso que, mesmo quando a gente discorda de algumas opiniões dele… ainda assim dá pra respeitar. Porque não vinha só de teoria. Vinha de vivência.

AONDE VIMOS ELE ANTES?

Embora mais reconhecido como crítico de cinema, Rubens Ewald Filho (1945–2019) teve breves experiências como ator, incluindo o filme Amor, Estranho Amor (1982). Sua atuação artística foi mais intensa como roteirista de telenovelas (como Éramos Seis) e diretor teatral. Ele é lembrado como o "Homem do Oscar".

Destaques de Rubens Ewald Filho no cinema e teatro:

Atuação: Participou do filme Amor, Estranho Amor (1982).

Roteirista: Escreveu o roteiro de filmes como A Árvore dos Sexos (1977) e Elas são do Baralho (1977), além de colaborar na novela Éramos Seis (SBT).

Direção Teatral: Dirigiu peças como O Amante de Lady Chatterley e Querido Mundo (de Miguel Falabella).

Legado: Comentou o Oscar por mais de 30 anos e catalogou mais de 37 mil filmes.

Além de ator e roteirista, ele foi um dos críticos mais influentes do Brasil, com passagens pela TV Cultura, TNT, HBO Brasil e jornais como o Jornal da Tarde.

AONDE QUERO CHEGAR COM TUDO ISSO?

Embora mais reconhecido como crítico, Rubens Ewald Filho foi muito mais do que isso. Passou pelo cinema como ator em Amor, Estranho Amor (1982), escreveu roteiros, dirigiu teatro, colaborou com televisão… mas, no fim, encontrou seu verdadeiro lugar entre a tela e o público. Foi ali que ele construiu algo raro: não apenas opinião, mas ponte.

Rubens não falava difícil pra parecer inteligente — ele tornava o cinema acessível sem tirar sua complexidade. Tinha opinião, tinha personalidade, tinha coragem de discordar. E, acima de tudo, tinha paixão verdadeira pelo que fazia. Em um tempo em que muitos preferem agradar ou seguir tendência, ele fazia algo mais simples e mais difícil: era autêntico.

Talvez seja por isso que faça tanta falta.

Não só pelo conhecimento, mas pela presença. Pela forma como guiava o olhar, como contextualizava, como fazia a gente enxergar mais do que estava na tela. Hoje, com tanta informação disponível, ainda assim parece que falta alguém que realmente saiba traduzir o cinema como ele fazia.

Porque o Rubens Ewald Filho até apareceu em algumas produções… mas o lugar onde ele realmente “atuava” era na TV — comentando, explicando e, de certa forma, fazendo a gente enxergar o filme junto com ele. O homem que não estava dentro do filme… mas estava em todos eles.

E talvez seja exatamente por isso que sinto falta de críticos como ele. Porque mais do que assistir filmes, ele nos ensinou a ver.

[Crítica] O Drama

2026-03-31T10:00:00.001-03:00

Robert Pattinson e Zendaya protagonizam este filme sobre um casal e seus dias de preparação para o dia mais importante de suas vidas: seu próprio casamento!

O filme consegue ser um misto de drama, humor negro, com aquele ar de suspense/thriller, que te faz tentar desvendar os próximos passos, até o final, e mostra várias nuances da mente humana, quando algo inesperado é revelado.

O ritmo do filme consegue ser leve, ao misturar tensão e romance numa dosagem homeopática, carregado de uma edição não linear em certos momentos, que te faz parar pra pensar o que realmente está acontecendo, e o que é imaginação, quase como em "500 dias com Ela", mas, mais dinâmico.

Essa dupla improvável de Hollywood consegue ter boa química em tela, o que nos faz torcer para que tudo acabe bem. Há mais de uma mensagem importante como tema deste filme, mas, com certeza, o mais impactante é o sentimento de ansiedade, e suas consequências possíveis, sendo mostradas de forma nua e crua.

Este é um dos poucos filmes atuais que fala sobre como funciona o amor, mesmo que ele seja contraditório, e funciona bem, com cada elemento se encaixando. A trilha sonora tem impacto em poucos momentos, enquanto os cortes conseguem ser um ótimo destaque, ao fazer o público duvidar de si mesmo durante cada cena de impacto.

É um filme que supera expectativas, mas sempre no limite do estilo de Kristoffer Borgli.

Nota: 7,5

"Homem-Aranha: Um Novo Dia”, com Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jon Bernthal e Mark Ruffalo, ganha trailer oficial

2026-03-18T21:29:47.674-03:00

A Sony Pictures acaba de divulgar o aguardado trailer de "Homem-Aranha: Um Novo Dia”, filme protagonizado por Tom Holland e dirigido por Destin Daniel Cretton (“Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”). No novo capítulo de um dos maiores fenômenos do Universo Cinematográfico Marvel (MCU, no original), Peter Parker precisa lidar sozinho com os desafios da vida adulta e de ser o Homem-Aranha. Escrito pela dupla Chris McKenna e Erik Sommers, que também assinaram o roteiro de "De Volta ao Lar”, "Longe de Casa” e "Sem Volta para Casa”, o longa estreia dia 30 de julho nos cinemas.

O filme também conta com o retorno de Zendaya (MJ), Jacob Batalon (Ned) e Michael Mando (Escorpião), além de ter no elenco Sadie Sink (“Stranger Things”) e Tramell Tillman (“Ruptura”), Jon Bernthal (“Justiceiro”) e Mark Ruffalo (“Vingadores”), esses dois últimos como Justiceiro e Hulk, personagens do MCU.

O primeiro trailer do filme foi lançado de maneira inédita, com uma ação global de fãs que durou 24 horas. Tom Holland liderou o lançamento, convidando um grupo seleto de fãs do Homem-Aranha de diferentes países para compartilhar histórias pessoais no Instagram sobre o que o personagem significa para eles, antes de revelar um trecho exclusivo do trailer oficial. Cada participante marcava o próximo fã na sequência, incentivando o público a acompanhar o revezamento através dos fusos horários, e, enquanto isso, os fãs da saga ao redor do mundo se uniam para celebrar “Um Novo Dia”.

No Brasil, o escolhido foi Wirley Contaifer, fã do teioso e voz brasileira de Tom Holland. Confira aqui o vídeo e o trecho do novo trailer divulgado pelo dublador.

“Homem-Aranha: Um Novo Dia” é uma sequência direta de “Homem-Aranha: Sem Volta para Casa”. No filme lançado em 2021, o Peter Parker de Tom Holland se uniu às duas outras versões do Homem-Aranha, interpretadas por Tobey Maguire e Andrew Garfield, para salvar o multiverso. Contudo, após inúmeras tentativas, a única forma de o jovem herói aracnídeo atingir esse objetivo foi a partir de um feitiço lançado pelo Doutor Estranho, em que todos esqueceram a existência de Peter Parker.

SINOPSE

Após o fenômeno global de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, Homem-Aranha: Um Novo Dia marca um capítulo totalmente novo para Peter Parker e o Homem-Aranha. Quatro anos se passaram desde os eventos de Sem Volta Para Casa, e Peter agora é um adulto vivendo completamente sozinho, tendo se apagado voluntariamente da vida e das memórias de quem ama. Combatendo o crime em uma Nova York que já não sabe mais o seu nome, ele se dedica integralmente a proteger a cidade — um Homem-Aranha em tempo integral —, mas, à medida que as exigências aumentam, a pressão desencadeia uma surpreendente evolução física que ameaça sua própria existência, enquanto um estranho padrão de crimes dá origem a uma das ameaças mais poderosas que ele já enfrentou.

FICHA TÉCNICA

Direção: Destin Daniel Cretton

Roteiro: Chris McKenna e Erik Sommers

Baseado nos quadrinhos da MARVEL: Stan Lee e Steve Ditko

Produção: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor

Produção Executiva: Louis D'Esposito, David Cain

Elenco: Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando, Mark Ruffalo

[Crítica] Devoradores de Estrelas

2026-03-13T15:24:00.002-03:00

Ryan Gosling no espaço: quando Interestellar bate de frente com o humor lúdico!

Quando o universo depende de um professor cansado: a beleza nerd de Devoradores de Estrelas

À primeira vista, Project Hail Mary, conhecido no Brasil como Devoradores de Estrelas, parece só mais uma ficção científica sobre o fim da humanidade. Mas não se engane: Essa não é uma história sobre explosões espaciais, invasões alienígenas ou presidentes discursando dramaticamente enquanto um meteoro vem destruir a Terra.

Na verdade, é algo muito mais perigoso para o cinema moderno: uma história sobre ciência funcionando. Sim. Aquela "coisa chata chamada ciência" (por assim dizer).

O apocalipse mais silencioso do cinema

A premissa é simples e assustadora.

Um microrganismo alienígena começa a consumir energia das estrelas — incluindo o nosso Sol.

Resultado: o planeta Terra caminha lentamente para uma era glacial global.

Sem explosões. Sem alienígenas atacando cidades. Só uma morte lenta e gelada. É quase poético.

A humanidade não seria destruída pela guerra ou pela tecnologia… mas por uma bactéria espacial com fome de energia.

O herói improvável

O protagonista da história é Ryland Grace, interpretado no filme por Ryan Gosling.

E aqui está uma das maiores qualidades da obra: Grace não é um herói. Ele não é um comandante lendário nem um astronauta cheio de frases épicas. Ele é um professor de ciências do ensino fundamental. Um cara que provavelmente passaria a vida inteira explicando por que vulcões existem para crianças entediadas.

Mas quando o Sol começa a morrer, é exatamente esse tipo de pessoa que acaba sendo enviado para o espaço.

E isso já é uma crítica social maravilhosa: quando o mundo realmente precisa ser salvo, quem resolve o problema não são influencers, políticos ou bilionários. São cientistas. E professores.

Rocky: o alienígena mais simpático da ficção científica moderna

No sistema estelar Tau Ceti acontece o encontro que transforma a história. Grace descobre que não está sozinho tentando salvar sua estrela. Outra civilização também está lá. E dessa nave surge Rocky.

Rocky é um alienígena que parece uma mistura de aranha com tanque de guerra e se comunica através de acordes musicais. Sim. Um alienígena que fala em música. O que poderia ser ridículo se torna simplesmente genial. Porque a relação entre Grace e Rocky vira o coração da história. Eles não brigam. Não competem. Não discutem política interestelar. Eles fazem algo extremamente radical: tentam se entender.

Ciência como espetáculo

O grande desafio da adaptação cinematográfica era transformar um livro cheio de experimentos científicos em algo visualmente interessante. E o filme consegue isso surpreendentemente bem.

O organismo alienígena conhecido como Astrophage é representado como partículas negras que absorvem energia de forma quase hipnótica. É ciência transformada em espetáculo visual.

Mas sem abandonar a lógica científica que torna a história tão fascinante. Algo que lembra o melhor de filmes como Interstellar ou Arrival.

Humor no meio do apocalipse

Outro elemento que funciona muito bem é o humor. Grace reage às situações absurdas exatamente como qualquer pessoa reagiria. Quando ele descobre que existe um alienígena na nave ao lado, sua reação não é filosófica.

É basicamente: “Ok… isso definitivamente não estava no manual.”

Esse humor lembra bastante o estilo de Andy Weir, autor do livro. O mesmo responsável por The Martian, outra história onde um cientista tenta sobreviver usando ciência… e sarcasmo.

A amizade mais improvável do espaço

Mas no fundo, Devoradores de Estrelas não é sobre salvar o Sol. É sobre amizade. A relação entre Grace e Rocky é construída com paciência, curiosidade e cooperação científica.

Eles começam trocando números. Depois palavras. Depois piadas. E quando percebemos, dois seres de planetas completamente diferentes se tornaram parceiros tentando salvar suas espécies. Isso é algo raríssimo na ficção científica moderna. Não é uma história sobre conflito entre civilizações. É uma história sobre colaboração entre inteligências.

Uma crítica social silenciosa

Talvez a maior mensagem da história seja esta: o mundo não é salvo por grandes discursos.

Ele é salvo por pessoas curiosas o suficiente para fazer perguntas e pacientes o suficiente para testar hipóteses.

Em outras palavras:

o mundo é salvo por nerds.

Conclusão

Devoradores de Estrelas é uma raridade. Uma ficção científica que acredita na inteligência. Uma história sobre amizade entre espécies. E um lembrete de que o conhecimento ainda pode ser a ferramenta mais poderosa da humanidade. No fim das contas, o universo não foi salvo por armas gigantes. Foi salvo por dois cientistas de espécies diferentes tentando resolver um problema juntos.

E honestamente? Isso é muito mais inspirador do que qualquer explosão de blockbuster.

Até porque, como a própria história sugere… talvez o verdadeiro milagre do universo não seja a vida.

Talvez seja duas formas de vida completamente diferentes conseguirem se entender.

[Evento] Abrin 2026: Os lançamentos que todo fã de Cultura Pop vai querer

2026-03-09T21:26:00.005-03:00

Quem acha que brinquedo é só coisa de criança nunca ouviu falar da Abrin.

O maior evento da indústria de brinquedos da América Latina rolou de 4 a 7 de março, na Expo Center Norte, reunindo mais de 200 marcas expositoras e mais de 1500 lançamentos exclusivos.

A 41ª edição contou com novidades de personagens licenciados famosos entre o público geek e gamer, tendências de mercado e várias inovações que chegarão às prateleiras ao longo do ano.

A Jam Station esteve por lá e garimpou algumas das novidades que irão dominar 2026!

Sunny Brinquedos celebra os 30 anos de Pokémon:

Com um portfólio com diversos licenciados de peso, como Sonic the Hedgehog, Teenage Mutant Ninja Turtles (TMNT), DC Comics e Harry Potter, a Sunny Brinquedos, consagrada como uma das principais importadoras de brinquedos do Brasil, comemorou os 30 anos da franquia Pokémon em grande estilo.

O estande apresentou uma variedade de produtos, incluindo action figures de vinil, modelos articulados, pelúcias oficiais e quebra-cabeças 3D da linha 4D Building.

Mas quem realmente prendeu a atenção de todos foi o Pikachu Puppetronic. Capturando toda a simpatia do Pikachu que os fãs já conhecem dos jogos e anime, o fantoche de pelúcia fofo por fora, porém high-tech por dentro, combina a manipulação clássica de brinquedos do gênero com tecnologia de ponta:

Sensores ao toque espalhados pelo corpo, cabeça e nariz, olhos que piscam, boca e orelhas articuladas, e bochechas que acendem.

Uma representação fiel do roedor elétrico que inclui mais de 120 efeitos sonoros e movimentos capazes de oferecer uma experiência imersiva para fãs de todas as gerações.

Super Mario Galaxy - O Filme: Yoshi é destaque na feira:

Sequência direta de The Super Mario Bros. Movie (2023), Super Mario Galaxy marca o próximo capítulo da aventura cinematográfica produzida pelo estúdio americano Illumination em parceria com a nipônica Nintendo.

O enredo traz de volta os irmãos bigodudos Mario e Luigi, além de velhos conhecidos como Princess Peach e Toad, agora embarcando em aventuras além do Reino dos Cogumelos, através de diferentes galáxias.

Inspirada nesse universo, a Sunny Brinquedos apresenta sua nova linha de produtos, com playsets interativos, como o Castelo de Bowser e o Ovo de Yoshi, além de bonecos articulados e veículos temáticos.

Entre as novidades do enredo, um personagem roubou a cena: o simpático dinossaurinho verde Yoshi. Um dos grandes destaques foi o ovo interativo Hatchin' Yoshi, que aposta na experiência interativa por meio do toque e voz, para conquistar tanto o público mais jovem quanto os fãs de longa data da franquia.

Líder Brinquedos aposta em visual Kawaii com Tom & Jerry Gokko:

Focada na primeira infância e baseada no visual kawaii, a Líder Brinquedos apresentou sua nova linha de bonecos de vinil e pelúcias de Tom & Jerry Gokko (2025).

Os brinquedos reproduzem o visual do anime de forma fiel, marcado por cores pastéis e contornos suaves.

A proposta é aproximar o clássico da animação dos anos 40 de uma nova geração, renovando valores mas preservando o charme nostálgico dos personagens.

Faber‑Castell faz sua estreia na Abrin com a linha Creativity for Kids

Participando da feira pela primeira vez, a Faber-Castell apresentou sua marca recém-introduzida no Brasil em 2024, a Creativity for Kids.

Com mais de 40 anos de experiência internacional, a linha chega ao país com a proposta de oferecer experiências divertidas e criativas para crianças e seus pais por meio de atividades manuais, visuais e sensoriais.

Os produtos abrangem diferentes áreas, como artesanato, dobradura em papel, moda e criação de bijuterias.

A proposta é estimular o desenvolvimento da autoconfiança infantil por meio da resolução de problemas, da autoexpressão e do incentivo à independência.

Com mais de quatro décadas de história, a Abrin segue se consolidando como o principal termômetro da indústria de brinquedos na América Latina.

A edição de 2026 deixou claro que o setor continua apostando na combinação entre nostalgia, grandes licenças da cultura pop e experiências cada vez mais interativas e disruptivas para conquistar novas gerações de consumidores.

[Crítica] Manual Prático Da Vingança Lucrativa

2026-02-24T01:22:00.005-03:00

Se no pós-guerra britânico a aristocracia era o alvo preferido da ironia elegante, em 2026 o bilionário é o novo duque — e o sangue continua sendo o método mais direto de ascensão social. Manual Prático da Vingança Lucrativa (título internacional: How to Make a Killing) pega a espinha dorsal do clássico humor negro sucessório e a injeta com ansiedade millennial, capitalismo tardio e um protagonista que sorri como quem vende startup — enquanto cava sete covas.

Ficha Técnica

Título: Manual Prático Da Vingança Lucrativa
Ano de Produção: 2026
Dirigido Por: John Patton Ford
Estreia: 26 de Fevereiro de 2026
Duração: 1h40m
Classificação: 16
Gênero: Humor Negro/Thriller
País de Origem: Estados Unidos

Sinopse: Renegado ao nascer por sua família rica, Becket Redfellow não mede esforços para recuperar sua herança, não importa quantos parentes fiquem em seu caminho.

Um Conto Curioso

Dirigido com ritmo afiado e estética de thriller financeiro polido, o filme acompanha Becket Redfellow (Glen Powell), filho da herdeira deserdada que decide transformar ressentimento em plano de negócios. O objetivo? Eliminar, um a um, os parentes que o separam de uma fortuna obscena. O diferencial aqui não está apenas na contagem de corpos, mas na embalagem: cada morte funciona como uma sátira personalizada do arquétipo que a vítima representa.

O primo influencer morre como viveu — superficial e performático. O artista pretensioso é vítima da própria aura de superioridade. O pastor moralista encontra um fim que desmonta sua fachada pública. A tia autoritária cai como quem tropeça no próprio pedigree. O magnata corporativo sucumbe num arranjo que parece auditoria divina. O tio “bondoso” é o ponto de inflexão moral — ou quase — da narrativa, aquele momento em que o roteiro testa se Becket ainda possui algo semelhante a um coração. E o patriarca? O confronto final transforma herança em duelo ideológico: velho dinheiro versus ambição ressentida.

Arrependimentos?

É aqui que o filme revela seu maior trunfo e sua maior limitação. Ao contrário do cinismo quase clínico do original, esta versão insiste em oferecer fissuras emocionais ao protagonista. Becket hesita? Talvez. Arrepende-se? Não exatamente. O roteiro flerta com a ideia de conflito moral, mas nunca a abraça de verdade. Ele não é um sociopata puro — é um oportunista racionalizado. O problema é que, ao tentar humanizá-lo, o filme dilui parte da acidez que tornaria a jornada mais desconfortável (e, paradoxalmente, mais honesta).

O triângulo amoroso sintetiza essa tensão. Julia (Margaret Qualley) é a chama cúmplice: ambiciosa, ambígua, sedutora na medida exata do perigo. Ela não apenas deseja Becket — deseja o que ele pode se tornar. Já Ruth (Jessica Henwick) encarna o contraponto moral, a possibilidade de uma vida comum, quase banal. Não se trata apenas de duas mulheres disputando um homem, mas de dois futuros competindo por uma consciência. E o filme é mais interessante quando transforma romance em campo de batalha ético.

A Imagem Diz Tudo

Visualmente, a obra aposta numa sofisticação fria: mansões minimalistas, jantares silenciosos, closes que capturam microexpressões de cálculo. Há algo de thriller corporativo misturado com comédia de costumes — uma combinação que funciona melhor nas mortes mais irônicas do que nos momentos introspectivos. Quando abraça o humor negro, o filme brilha; quando tenta ser drama psicológico, perde parte da mordida.

Inevitável falar do ancestral ilustre. Kind Hearts and Coronets (lançado no Brasil como As Oito Vítimas) é uma obra-prima de elegância cruel. Lá, o protagonista eliminava seus obstáculos com uma frieza quase burocrática, enquanto a sátira à aristocracia britânica era tão seca quanto devastadora. A grande diferença? O clássico não pede desculpas. Não oferece redenção emocional. Não suaviza seu anti-herói. Já Manual Prático da Vingança Lucrativa é filho de seu tempo: precisa justificar, contextualizar, "psicologizar". Se o original era um sorriso envenenado, o novo é um pitch deck com manchas de sangue.

Veredicto Final

No fim, o filme funciona como retrato ácido do sonho americano distorcido: meritocracia como desculpa para eliminar concorrentes — literalmente. Não é tão cirurgicamente cruel quanto o clássico, mas tem energia, charme e um protagonista carismático o suficiente para fazer você torcer — ainda que contra seu próprio juízo.

E talvez essa seja sua maior ironia: em 1949, matar por título era absurdo aristocrático. Em 2026, matar por bilhões soa quase como estratégia de mercado.

O mistério da capa americana de Phalanx

2026-02-19T04:39:00.003-03:00

O velhinho do banjo que virou ícone inesperado dos games: A história real por trás da capa mais estranha da era 16-bit!

Na década de 90, quando os jogos de tiro espacial disputavam espaço nas prateleiras com capas praticamente idênticas, uma imagem completamente fora do padrão chamou atenção: um simpático senhor tocando banjo.

O homem da foto se chamava Bertil Valley. Durante 25 anos, ele trabalhou como Papai Noel voluntário, além de administrar sua própria empresa de construção. Ele faleceu em 2004, mas acabou eternizado graças a uma das ideias mais bizarras – e geniais – da indústria dos videogames.

O “fator huh” que virou lenda

Por trás dessa decisão estava Keith Campbell, publicitário responsável pela conta da Kemco na época. Ele poderia ter seguido o caminho previsível: uma capa genérica de tiroteio espacial, cheia de naves, lasers e explosões.

Mas escolheu outro caminho.

A maioria dos jogos daquele período parecia igual — mesmo gênero, gráficos parecidos, identidade visual repetitiva. Nada realmente se destacava. E o próprio time de publicidade admitia: ninguém ali era jogador.

Ainda assim, Keith era conhecido por ser um “cara das ideias”. Ele sabia que o jogo em si não tinha nada extraordinário a oferecer. Então a estratégia foi apostar tudo na embalagem.

Ele chamava isso de “forte fator huh” — aquela reação imediata de estranhamento que faz alguém parar, olhar duas vezes e pensar: “O que está acontecendo aqui?”

Hoje, talvez chamássemos isso simplesmente de um momento “WTF”.

Marketing como arma secreta

A agência era responsável por desenvolver a embalagem e o material promocional de mais de 40 títulos da Kemco, que frequentemente licenciava jogos de desenvolvedoras terceirizadas no Japão.

Alguns títulos eram bons. Outros, nem tanto.

E eram justamente os mais fracos que precisavam de um empurrão visual para chamar atenção nas prateleiras. A missão era simples: fazer com que as pessoas pegassem a caixa, se interessassem pela história e levassem o jogo para casa.

A embalagem também precisava convencer os varejistas de que aquele produto venderia bem.

E vendeu — pelo menos em termos de memória cultural.

Uma capa que superou o jogo

O jogo em si pode ter sido apenas mediano. Mas a capa? Essa entrou para a história.

Décadas depois, as pessoas ainda falam sobre ela. E talvez essa seja a maior prova de que a ideia funcionou.

Bertil Valley, o senhor do banjo, pode nunca ter imaginado que seu rosto se tornaria um dos momentos mais inesperados da história dos videogames. Mas graças a uma decisão ousada de marketing, ele se tornou parte permanente da cultura gamer.

E às vezes, no mundo do entretenimento, isso é mais poderoso do que qualquer nave espacial cheia de lasers.

Fantasma (Phantasm - 1979, 1988, 1994, 1998, 2016) - Uma Franquia de Terror Atemporal

2026-01-21T23:18:00.002-03:00

abe aquele clássico que você valoriza mais anos após ser feito, e não quando é lançado?

Sabe quando você olha pra um filme e pensa:
“isso aqui não deveria existir desse jeito… mas existe”?

É exatamente isso que eu sinto quando penso na franquia Phantasm… principalmente no Phantasm IV: Oblivion, de 1998.

Porque, vamos ser sinceros…
1998 não parece o ano certo pra um filme de Phantasm existir.
A gente tava vivendo Jurassic Park, Godzilla, American Pie, blockbuster, efeito digital, outro ritmo de cinema…
E de repente surge um filme que parece ter saído direto dos anos 70 ou 80, como se o tempo tivesse simplesmente passado por cima dele.

E aí muita gente olha pra isso e fala:
“ah, esse filme é ruim”,
“ah, esse filme é preguiçoso”,
“ah, esse filme recicla cena antiga”.

Mas o ponto é: Phantasm nunca foi uma franquia normal.

Ela nunca funcionou no tempo certo.
Nunca saiu no intervalo certo.
Nunca se explicou direito.
Nunca tentou agradar todo mundo.

E talvez por isso ela funcione tão bem hoje.

Phantasm é uma franquia “fora do tempo”

Um dos pontos mais importantes é a estranheza temporal da franquia. Phantasm nunca seguiu a lógica industrial comum dos slasher movies dos anos 80:

O primeiro filme é de 1979

Phantasm II só surge 9 anos depois

Os filmes seguintes continuam surgindo com intervalos irregulares

Isso cria um efeito raro: a franquia envelhece junto com seus personagens e com o público. Ao contrário de séries como Friday the 13th ou Halloween, que eram produtos anuais, Phantasm parece existir à margem da indústria, quase como um projeto pessoal e contínuo de Don Coscarelli.

Esse descompasso faz com que Phantasm IV (1998) pareça “errado” à primeira vista. Em um mundo pós-Jurassic Park, American Pie e Godzilla, um filme que soa, parece e se comporta como algo dos anos 70/80 causa estranhamento — e exatamente aí reside sua força.

O primeiro Phantasm já era estranho na época.
Ele não explicava tudo.
Era onírico, confuso, fragmentado.
Parecia mais um pesadelo do que uma história linear.

E conforme os filmes avançam…
eles não ficam mais organizados.
Eles ficam mais quebrados.
Mais melancólicos.
Mais conscientes da própria passagem do tempo.

E aí chega o Oblivion.

Um filme que muita gente rejeita porque reutiliza imagens antigas.
Mas quando você para pra pensar…
isso não é um defeito.
Isso é o próprio tema do filme.

Memória.
Passado que invade o presente.
Fragmentos que não se encaixam perfeitamente.

O personagem lembra, mas lembra errado.
O espectador lembra, mas lembra diferente.

Isso não é um truque barato.
Isso é Phantasm sendo Phantasm.

E no meio disso tudo… tem o Tall Man.
Angus Scrimm.

Cara… poucas figuras do terror envelheceram tão bem quanto ele.
Mesmo quando o filme tropeça,
mesmo quando o orçamento é curto,
mesmo quando a narrativa se perde…

Toda vez que ele aparece em cena, o filme ganha peso.
Ganha presença.
Ganha ameaça.

E tem cenas em Oblivion que, sinceramente, são melhores do que muita coisa de franquia grande por aí.
Aquela sequência quase lovecraftiana, o confronto físico, a sensação de “isso não vai acabar bem”…
Aquilo é horror puro.
Sem pressa.
Sem piadinha.
Sem fórmula.

Angus Scrimm é o coração da franquia.

Assim como Freddy Krueger sustenta A Nightmare on Elm Street, o Tall Man sustenta Phantasm. Independentemente da qualidade de cada filme:

Sua presença é sempre ameaçadora
Seu carisma é estranho, hipnótico e melancólico
Ele carrega um peso quase mítico

Mesmo em Ravager (parte 5, que aqui ficou como "Fantasma: Devastador", em 2016), quando sua saúde já não permitia uma atuação plena, sua presença continua significativa. Revisitar os filmes hoje também é revisitar uma das grandes figuras do horror, construída de forma mais sutil e menos caricata do que muitos vilões da época.

Revisitar Phantasm hoje é perceber que essa franquia não tentou se modernizar à força.
Ela não tentou virar algo que não era.
Ela envelheceu do jeito dela.

E talvez por isso ela converse tanto com a gente agora.
Porque hoje a gente aceita mais o estranho.
Aceita mais o não-linear.
Aceita mais o filme que não mastiga tudo.

Phantasm não é sobre entender tudo.
É sobre sentir desconforto.
É sobre memória falhando.
É sobre envelhecer lutando contra algo que nunca morre.

Então, se você lembra desses filmes como “confusos”,
ou “malucos”,
ou “meio errados”…

Talvez seja exatamente por isso que eles merecem ser revistos hoje.

Porque alguns filmes não envelhecem mal.
Eles simplesmente esperam o tempo certo pra serem entendidos.

E talvez Phantasm nunca tenha sido um filme do ano em que saiu…
mas sim do ano em que você decide voltar pra ele.

Se você já reviu, comenta aí o que você acha.
Se nunca viu, dá uma chance.
E se você odeia… beleza também.

Porque Phantasm nunca foi feito pra agradar todo mundo.

[Crítica] Sr Blake Ao Seu Dispor

2025-12-23T13:39:00.000-03:00

Quando o luto vira gentileza — e o conforto vira limite

Existe um tipo muito específico de filme que não quer te impressionar.
Ele não quer gritar, não quer correr, não quer te sacudir pela gola.
Ele só quer sentar do seu lado, servir um chá quente e perguntar, com educação quase constrangedora:
“Você está bem?”

Sr. Blake ao Seu Dispor é exatamente esse tipo de filme.

John Malkovich interpreta Andrew Blake, um homem que já viveu tudo o que precisava viver — e agora só está sobrevivendo. A morte da esposa não é um gatilho narrativo espetacular, é um vazio silencioso. E isso já diz muito sobre a proposta do filme: aqui, o drama não vem em ondas, vem em goteiras.

Blake volta à França tentando reencontrar algo que não sabe mais se existe. E, por um erro quase cômico — mas nunca caricato — acaba virando mordomo de uma mansão decadente, cercado por pessoas tão quebradas quanto ele. Cada uma à sua maneira. Cada uma fingindo funcionar.

O charme está no humano — e o risco também

O maior acerto do filme é também seu maior risco:
ele aposta 100% em humanidade, e 0% em pressa.

Não há grandes viradas.
Não há discursos inflamados.
Não há catarse hollywoodiana.

O que existe são olhares, silêncios, pequenas vergonhas sociais, desconfortos sutis e uma comédia que surge mais do absurdo da convivência humana do que de piadas propriamente ditas.

John Malkovich está confortável — talvez até demais. Ele carrega o filme com presença, mas não com intensidade explosiva. É um trabalho de contenção. De alguém que já chorou tudo o que tinha pra chorar e agora só anda com os cacos no bolso.

Fanny Ardant funciona como contraponto elegante, quase etéreo. Os personagens secundários existem menos para “arcos” e mais para reflexos. São espelhos quebrados, não trajetórias heroicas.

Por que o filme divide tanto o público?

Porque Sr. Blake ao Seu Dispor não quer agradar todo mundo.
E, ao mesmo tempo, quer ser gentil demais com quem assiste.

Parte da crítica viu charme, sensibilidade e calor humano.
Outra parte viu um filme frouxo, sem ritmo, sem coragem de ir além da própria delicadeza.

E as duas estão certas.

O filme é bonito, mas previsível.
É sensível, mas seguro.
É aconchegante, mas raramente desafiador.

Em alguns momentos, ele parece aquele amigo que tem algo muito profundo para dizer… mas prefere não incomodar ninguém com isso.

O luto como espaço, não como conflito

O luto aqui não é superado.
Ele é habitado.

E isso é honesto.
Mas também limita a narrativa.

O filme prefere ficar nesse estado de suspensão emocional, como se tivesse medo de quebrar o clima. Não há grande confronto interno, apenas pequenas reorganizações afetivas. Isso pode ser lindo para quem está no mesmo estado de espírito — e entediante para quem espera transformação.

Talvez o maior problema seja esse:
o filme termina quase do mesmo jeito que começa, só um pouco menos triste.

Um filme que abraça — mas não empurra

Sr. Blake ao Seu Dispor é um filme sobre continuar vivendo quando já não se espera nada da vida. Ele entende a dor, respeita o silêncio e acredita na gentileza como último gesto de resistência.

Mas também é um filme que evita riscos narrativos, que não se permite ser feio, duro ou verdadeiramente desconfortável. Ele prefere o tom agradável à verdade mais áspera.

Ainda assim, há valor nisso.
Nem todo filme precisa te destruir.
Alguns só querem te acompanhar.

Veredito final

Sr. Blake ao Seu Dispor é uma comédia dramática delicada, bem-intencionada e emocionalmente honesta — mas que joga excessivamente seguro.

Funciona melhor como experiência sensorial tranquila do que como história memorável. É um filme para quem está cansado, não para quem quer ser provocado.

Não é ruim.
Não é incrível.
É humano.

E, às vezes, isso basta. Bonito, gentil… e talvez educado demais para deixar cicatriz.

Nota Yatta: 7 / 10

[Notícias] Rebelde no Brasil: Atores da novela desembarcam em abril de 2026

2025-12-01T11:34:00.002-03:00

**Atores de Rebelde virão ao Brasil em 2026 para o Somos Talks – Edição Rebelde**

Os fãs da icônica novela mexicana Rebelde têm motivos de sobra para comemorar. Em abril de 2026, três atores que marcaram toda uma geração estarão no Brasil para participar do Somos Talks – Edição Rebelde, evento oficial realizado pela Somos. Zoraida Gómez, Karla Cossío e Rodrigo Nehme reencontrarão o público brasileiro em uma experiência repleta de nostalgia, emoção e histórias inéditas.

Três capitais recebem o evento

O encontro acontecerá em um mini–tour por três cidades brasileiras:

São Paulo – 03 de abril, no Immensitá – Wyndham Garden
Rio de Janeiro – 04 de abril, no Américas Barra
Goiânia – 05 de abril, no Teatro Madre Esperança Garrido

Cada edição promete aproximar ainda mais os fãs dos atores que interpretaram alguns dos personagens mais memoráveis da trama original.

Bastidores, memórias e curiosidades

Durante o evento, Zoraida, Karla e Rodrigo irão relembrar momentos marcantes de suas trajetórias, compartilhar histórias exclusivas dos bastidores das gravações e revisitar lembranças da novela que se tornou um fenômeno cultural em diversos países. Será uma oportunidade única para conhecer de perto detalhes que nunca chegaram ao público.

Experiências especiais para os fãs

Além do bate-papo, o público terá a chance de viver momentos inesquecíveis, como:

Sessões de fotos com os atores
Interações especiais durante o evento
A possibilidade de participar de um jantar exclusivo com os artistas

Uma experiência imperdível para quem cresceu acompanhando a novela e continua carregando o carinho por Rebelde.

Um sucesso que atravessa gerações

Mesmo após mais de 15 anos de sua estreia, Rebelde segue conquistando fãs no Brasil. A novela já foi reprisada diversas vezes pelo SBT, sempre registrando altos índices de audiência e renovando sua legião de admiradores. Atualmente, está disponível no Globoplay, onde figura entre as produções mais assistidas da plataforma — prova de que seu legado permanece mais vivo do que nunca.

Ingressos já disponíveis

Os ingressos para o Somos Talks – Edição Rebelde já estão à venda pelo link:

Clique e garanta seus ingressos!

Realização: Somos - @somosassessoria

[Crítica] Wicked: Parte II

2025-11-18T13:10:00.213-03:00

Não surpreende que Wicked: Parte I tenha sido um grande sucesso mundial. O premiado cineasta Jon M. Chu já provou por diversas vezes que conhece a fórmula perfeita para traduzir toda a magia dos palcos para as grandes telas.

Junto de sua amiga de longa data e diretora de fotografia, Alice Brooks, ele trabalhou ao longo de vinte anos, em diversos projetos do gênero (Se Ela Dança, Eu Danço 2 e 3, Em um Bairro de Nova York, Jem e as Hologramas).

Agora, possui a difícil missão de entregar uma conclusão digna para uma obra que arrecadou cerca de US$ 756 milhões (R$ 4 bilhões) mundialmente e recebeu 10 indicações ao Oscar, levando duas estatuetas (Melhor Figurino - Paul Tazewell, e Melhor Design de Produção - Nathan Crowley).

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Podemos definir o mote de Wicked: Parte II como “contrastes e mudanças”.

Isso fica claro ao sermos apresentados a uma Elphaba (Cynthia Erivo) mais madura, empoderada e segura de suas habilidades mágicas, porém reclusa, perseguida, demonizada, e agora conhecida pelos quatro cantos das terras de Oz como a grande Bruxa Má do Oeste.

De pronto, a trama estabelece o clima que irá manter até seus últimos minutos.

Em contraste com a primeira parte, o filme traz um tom mais sério e soturno, cenas de maior foco em ação, planos de câmera mais dinâmicos e efeitos visuais abrangentes.

O longa mantém seu premiado design de produção, com efeitos práticos e pós edição em CGI, uma mesclagem de técnicas que funciona de forma eficiente e coesa em grande parte, mas parece, ainda, que não conversa com a fotografia apresentada, essa que por sua vez lava suas cores e tenta apagar seu charme por meio de uma iluminação defeituosa, principalmente em cenas noturnas.

Dessa vez Oz é apresentada de forma mais ampla ao espectador. Saindo da Universidade Shiz, fora das fronteiras da Cidade das Esmeraldas, somos levados até lugares mais interessantes do mapa.

Além do arco-íris “vivenciamos”, finalmente, a Estrada de Tijolos Amarelos (ainda em construção), a Munchkinlândia e sua arquitetura fantasiosa revestida por arte nouveau e pitadas de steampunk; as profundas florestas de Oz, e o covil de Elphaba em um dos castelos abandonados da família Tigelaar.

Os cenários são sólidos, mas falham em raras ocasiões, já presentes anteriormente, onde extensões em chroma key eram evidentes e a falta de profundidade ficava clara em alguns ambientes.

Com maior tempo de tela, os animais marcam retorno em Wicked: Parte II, e por sua vez, a animação CGI dos personagens é um show à parte. O longa não repete erros de produções recentes, onde animais antropomórficos são retratados de forma extremamente realista, sem qualquer expressão facial ou corporal.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Jon M. Chu tenta manter a obra o mais fiel possível a já vista nos palcos da Broadway, mas fãs mais assíduos do musical percebem com rapidez algumas mudanças.

Com o objetivo de preencher lacunas, explicar contextos, e ganhar um maior peso emocional no enredo – o que o musical acaba deixando de lado por falta de tempo, o diretor adiciona novas interludes, remaneja algumas estruturas, modifica atos inserindo novos personagens e inclui duas novas canções.

No Place Like Home e The Girl in the Bubble, interpretadas por Cynthia Erivo e Ariana Grande, respectivamente, estão presentes para um maior apoio de desenvolvimento de personagem, as humanizando e elucidando sua evolução pessoal desde o início da história, o modo como estão lidando com as consequências de seus atos e relações conturbadas.

Elphaba e sua jornada pelo autoconhecimento, a luta contra a discriminação em Oz, e a causa dos animais silenciados. Glinda - A boa, e seu dilema de menina rica e mimada, vivendo o glamour que a bondade mascarada pode trazer, e finalmente, descobrindo que o mundo não gira em torno de seu pedestal.

Compostas por Stephen Schwartz, premiado compositor americano de teatro, as duas canções integram perfeitamente a trilha do musical, sem muita diferenciação do material original. Embora ótimas novidades, a música interpretada por Erivo soa mais interessante em sua melodia e vocais.

Apesar do esforço do diretor em tentar encaixar situações e deixar as coisas as mais fluídas possíveis, é inegável que algumas cenas pareçam desconexas e perdidas no roteiro, alí só para contextualizar um ponto crucial na trama.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Assim como no musical, personagens secundários da primeira parte dão as caras por menos de cinco minutos, e logo após são esquecidos sem qualquer tentativa de conclusão ou destino. É o caso de Pfannee (Bowen Yang) e Shen Shen (Bronwyn James), que apenas aparecem em duas cenas.

Dorothy (Bethany Weaver), o grande mistério do elenco, surge de forma resumida – até mais que no musical da Broadway, diria. Não que o filme tente esconder a identidade da garotinha do Kansas, a qual aparece apenas em closes estratégicos e que foquem no que interessa para a trama, como sua chegada, os sapatinhos de Nessarose (Marissa Bode), e o encontro com o Maravilhoso Mágico de Oz (Jeff Goldblum). Mas em momento algum dá abertura para um envolvimento maior.

Como mencionado por Jon M. Chu em uma entrevista a revista digital “TheWrap”, com a intenção de não interferir na imagem que o espectador tem da personagem vinda diretamente da obra original que Wicked foi derivado, e focar em Elphaba e Glinda, decidiu por omiti-la: “Ela é um peão em um jogo que não é dela”, declarou o diretor.

Glinda (Ariana Grande-Butera) recebe um aprofundamento necessário – o arco dramático da personagem está longe de ser considerado raso, mas a atuação deixa a desejar em momentos de maior tensão dramática, onde a atriz não consegue transmitir a emoção do personagem ao público e não convence.

Outros personagens como Fiyero (Jonathan Bailey) e Bok (Ethan Slater), ganham maior relevância e peso no enredo, com números musicais de maior impacto. Curiosamente não necessariamente com maior tempo de tela, mas o necessário para usufruírem de todo o aparato de efeitos especiais da pós da produção.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

O longa traz o clímax da História não contada das Bruxas de Oz de forma grandiosa.

Mantém o que musical já faz de forma expandida, preenche lacunas que poderiam ser mal compreendidas, aprofunda o que já havia sido desenvolvido e melhora o que o primeiro ato já entregava.

O musical flui de forma natural. Emociona na medida (mesmo que a atuação superficial de Ariana Grande atrapalhe um pouco em cenas de maior impacto, o que é balanceado pela desenvoltura de Cynthia Erivo).

Apresenta os mesmo problemas em fotografia e montagem, tenta evoluir uma coisa aqui e ali, mas não é o suficiente. Nada que atrapalhe os olhos desavisados, mas tem algo que falta na obra, visualmente falando.

O filme funciona perfeitamente mesmo para aqueles que não conhecem nada da história. Deve agradar a fãs de Wicked, musicais no geral, e curiosos que estão experimentando o universo de Oz.

Não é perfeito, mas chega ao ponto do que se propõe. Em comparação a outros musicais, é um dos melhores traduzidos para as telonas.

Wicked: Parte II (Wicked: For Good)

20 de Novembro de 2025 - 137 Minutos - Universal Pictures

País: EUA

Gênero: Fantasia/Musical

Direção: Jon M. Chu

Roteiro: Winnie Holzman, Danna Fox, Gregory Maguire

Elenco: Cynthia Erivo, Ariana Grande-Butera, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Marissa Bode, Colman Domingo, Bowen Yang, Bronwyn James

★★★★☆

[Tech] Lexar lança cartões ARMOR GOLD e SILVER PRO SDXC™ com 1 TB e construção em aço inoxidável

2025-11-06T17:59:00.004-03:00

Os novos cartões SD da Lexar elevam o padrão de resistência e desempenho, trazendo design robusto em aço inoxidável e velocidades ideais para criadores que buscam confiabilidade em qualquer ambiente.

San José, CA, EUA — 6 de novembro de 2025 — A Lexar, marca global reconhecida por suas soluções de armazenamento de alto desempenho, acaba de anunciar a chegada da capacidade de 1 TB para seus poderosos cartões ARMOR GOLD SDXC™ e ARMOR SILVER PRO SDXC™. Voltados para fotógrafos, cinegrafistas e profissionais que atuam em campo, os novos modelos combinam durabilidade extrema, rapidez nas transferências e construção premium em aço inoxidável.

Resistência fora dos padrões

Fabricados em aço inoxidável — material 37 vezes mais resistente que cartões SD comuns — os novos modelos foram projetados para sobreviver em condições severas.
Ambos contam com classificação IP68, garantindo proteção contra poeira, água e quedas de até 5 metros. O design sem nervuras e sem o tradicional interruptor de proteção contra gravação proporciona uma estrutura mais limpa e sólida, sem comprometer a compatibilidade com câmeras e leitores.

Desempenho profissional

Os cartões ARMOR GOLD SDXC™ e ARMOR SILVER PRO SDXC™ chegam com velocidade de leitura de até 280 MB/s¹ e classificação Video Speed Class 60 (V60), o que garante gravação estável e contínua de vídeos em resolução 6K.
Com essa taxa de transferência, o processo de captura, backup e edição se torna mais ágil — especialmente quando utilizados com leitores USB 3.2 UHS-II, também compatíveis com os novos cartões.

Mais espaço, menos trocas

A nova capacidade de 1 TB oferece liberdade total para longas sessões de filmagem e sequências contínuas de fotos em alta definição, reduzindo a necessidade de trocar cartões com frequência.
“Projetados para máxima durabilidade, os cartões ARMOR foram criados para resistir a condições extremas sem sacrificar desempenho”, afirma Joey Lopez, Diretor de Marketing da Lexar.
“Com 1 TB de capacidade, os criadores podem permanecer mais tempo em campo, gravar mais material e capturar o momento certo sem interrupções.”

Lançamento e disponibilidade

Lexar® ARMOR GOLD SDXC™ 1 TB — compatível com dispositivos UHS-II e UHS-I, chega ao mercado no final do 3º trimestre de 2025.
Lexar® ARMOR SILVER PRO SDXC™ 1 TB — também compatível com UHS-II e UHS-I, será lançado no 4º trimestre de 2025.
Na América Latina e Brasil, a Lexar confirma a disponibilidade do modelo ARMOR SILVER PRO SDXC™.

Sobre a Lexar

Com mais de 25 anos de história, a Lexar é uma das líderes mundiais em soluções de memória flash. Sua linha premiada inclui cartões de memória, pen drives, leitores, SSDs e módulos DRAM, reconhecidos pela qualidade e confiabilidade em ambientes profissionais e domésticos.

Notas e esclarecimentos

A velocidade máxima de leitura é de 280 MB/s; a de gravação é inferior. O desempenho total é atingido apenas quando utilizado com leitores SD UHS-II. Resultados baseiam-se em testes internos; o desempenho real pode variar. (1X = 150 KB/s).
A garantia vitalícia limitada equivale a 10 anos em países como a Alemanha ou regiões que não reconhecem garantia vitalícia total.

[Cinema] Dollhouse - A Boneca da Casa

2025-10-31T17:08:00.000-03:00

Se você achava que o universo das bonecas sobrenaturais já tinha dado tudo o que podia, prepare-se: Dollhouse (Japão 2025) chega para misturar luto, terror psicológico e um toque de humor subversivo, e entregar uma experiência de J-horror que se alimenta de referências como Ringu, Annabelle e aquele incômodo que só uma boneca pode trazer.

Dirigido por Shinobu Yaguchi — mais conhecido por comédias como Waterboys e Swing Girls — o filme mostra que ele resolveu “pegar pesado” e mergulhar de cabeça no terror.

Ficha Técnica

Título: Dollhouse - A Boneca da Casa
Ano de Produção: 2025
Dirigido Por: Shinobu Yaguchi
Estreia: 6 de Novembro de 2025
Duração: 1h40
Classificação: 14 Anos
Gênero: Terror/Drama
País de Origem: Japão

Sinopse: Yoshie (Masami Nagasawa) e Tadahiko (Kōji Seto) são casal, têm uma filha de 5 anos chamada Mei, que morre num trágico acidente. Devastada, Yoshie compra uma boneca que se parece fisicamente com Mei, como forma de consolo. Anos depois, quando a segunda filha Mai (Aoi Ikemura) cresce, encontra a boneca esquecida — e aí o terror se instala.

O que funciona

Mistura de emoções fortes + sustos
Esse filme não é só feito de sustos baratos: ele investe no luto da mãe, no vazio deixado pela filha, e na ambiguidade entre consolo e obsessão — o que torna a atmosfera bem mais densa que “uma boneca que anda e mata”.
Direção inesperada de Yaguchi
Era algo que ninguém esperava: de comédias feel-good para um terror que joga com o desconforto, o familiar e o bizarro. Isso traz uma camada “estranha” que atualiza o gênero.
Referências culturais e visuais capazes
Elementos típicos do J-horror — bonecas, objetos inanimados que ganham vida, rituais, culpa — são bem usados. Aqui podemos ver “parental grief e spiritual terror” colidindo.

O que peca / onde o filme perde pontos

Pacing e excesso de elementos
Por querer “ter tudo” — humor, família, rituais, mistério, perseguição, boneca, investigação — o filme perde um pouco de ritmo (mas não estraga tanto, apenas deixa mais tenso).
Originalidade limitada
Quem já viu dezenas de filmes de boneca possuída vai reconhecer muitos trópicos: boneca que reaparece, ritual de cremação, criança que encontra o objeto esquecido. Isso não é problema em si, mas o filme não reinventa radicalmente o gênero (mesmo utilizando bem destes elementos).
Susto versus atmosfera
Para quem espera sustos intermináveis, pode achar que o terror aqui está mais em tensão do que em jump scares constantes. Aqui você sente o peso dos sentimentos do casal muito mais do que medo de um fantasma aparecer de repente.

Por que assistir?

Se você ama terror psicológico e não tem problema em que seja “menos sangue, mais mente”, aqui está uma pedrada.
Se gosta de filmes japoneses que misturam cultura, luto e horror, esse se destaca.
Ideal para assistir com amigos que não são hardcore de terror — dá para ser “divertido + assustador” mesmo.

Para quem pode não dar muito certo

Se você quer terror ultra-atual, com sustos em série e roteiro ultra enxuto — talvez ache “ligeiramente previsível”.
Se não curte bonecas ou objetos que viram vilões, fique sabendo que a boneca está no centro da história (obviamente).

Conclusão

Dollhouse consegue fazer algo raro: pegar um diretor reconhecido por comédias e fazê-lo mergulhar no horror com certa confiança, construir uma história que mexe com culpa, perda, objetos simbólicos e o “estranho no lar”. Não é o filme de terror mais revolucionário da história, mas para fãs de J-horror — e para quem gosta de reflexões por trás do susto — funciona muito bem. Altamente recomendado, com pequenas ressalvas.

Lexar apresenta o ES5 Magnetic Portable SSD — o novo padrão de armazenamento portátil compatível com MagSafe

2025-10-27T14:59:00.002-03:00

A Lexar, uma das marcas mais tradicionais e respeitadas no setor de armazenamento digital, acaba de lançar o Lexar ES5 Magnetic Portable SSD, um dispositivo que promete unir velocidade, durabilidade e praticidade em um formato compacto e compatível com o sistema MagSafe. Voltado especialmente para criadores de conteúdo, cinegrafistas e profissionais que dependem de gravações em alta resolução diretamente no smartphone, o novo SSD chega com velocidades impressionantes de até 2000 MB/s tanto em leitura quanto em escrita, e uma proposta clara: ser o companheiro definitivo para produções 4K e 8K em dispositivos móveis.

Um SSD que se prende magneticamente — e não solta a performance

Com o design inspirado na versatilidade dos acessórios MagSafe, o Lexar ES5 pode ser fixado diretamente em iPhones compatíveis ou em qualquer superfície magnética. Essa característica transforma a experiência de gravação e transferência de dados, eliminando a necessidade de cabos pendurados ou bases improvisadas.

O dispositivo vem acompanhado de um anel magnético acessório, que permite adaptar qualquer smartphone — mesmo os que não possuem MagSafe nativo — para usufruir da fixação magnética. Essa flexibilidade é um dos grandes diferenciais do produto, que chega para atender desde usuários de iPhone até donos de aparelhos Samsung da linha Galaxy S.

Potência em movimento: gravações em 4K e 8K sem interrupções

O desempenho técnico é o coração do ES5. Segundo a Lexar, o SSD é capaz de gravar vídeos em Apple ProRes 4K a 120 FPS e Samsung Pro Video 8K a 30 FPS, mantendo estabilidade e integridade de dados durante todo o processo de captura.
Isso significa que o ES5 não é apenas um dispositivo de armazenamento: ele funciona como uma extensão direta da câmera do seu smartphone, abrindo espaço para gravações longas e complexas sem comprometer a qualidade.

Os testes realizados pela fabricante confirmam compatibilidade total com as novas gerações de smartphones, incluindo a série iPhone 17, além de modelos Android de ponta. Para quem grava diretamente em formatos profissionais, como ProRes, a Lexar promete fluxos de trabalho otimizados, sem engasgos ou gargalos de transferência.

Capacidade de até 4 TB e design preparado para o dia a dia

Disponível em versões que chegam até 4 TB de capacidade, o ES5 oferece armazenamento de sobra para projetos de vídeo, música, fotografia e backups completos de dispositivos.

Visualmente, o produto aposta em um design fino e ergonômico, pensado para quem trabalha em movimento. Seu revestimento de silicone líquido garante uma pegada confortável e segura, enquanto o corpo compacto evita o volume excessivo, mesmo quando acoplado a um smartphone.

Mas a elegância vem acompanhada de resistência: o ES5 possui classificação IP65, o que significa proteção contra poeira e respingos d’água, além de suportar quedas de até 3 metros, conforme os testes internos da empresa. Essas características o tornam ideal para gravações em locações externas, sets de filmagem e viagens.

Controle térmico inteligente

Um dos desafios dos SSDs portáteis de alta velocidade é a temperatura. Pensando nisso, a Lexar desenvolveu um sistema de controle térmico integrado, que mantém o dispositivo em temperatura estável mesmo sob uso intenso.
O resultado é uma performance constante, sem quedas de velocidade causadas por superaquecimento — algo essencial para gravações longas em 4K e 8K, que exigem máxima estabilidade de leitura e gravação simultâneas.

Uma ferramenta feita sob medida para criadores

De acordo com Joey Lopez, Diretor de Marketing de Marca da Lexar, o objetivo do ES5 é oferecer aos criadores a liberdade de gravar, editar e armazenar grandes produções sem depender de computadores ou nuvens:

“A SSD portátil Lexar ES5 é compatível tanto com gravação em Apple ProRes quanto em Samsung Video, garantindo que usuários de iOS e Android tenham o armazenamento necessário para filmar, salvar e organizar vídeos em 4K e 8K sem interromper sua criatividade”, afirma Lopez.
“Com até 4 TB de espaço adicional, os criadores têm liberdade total para capturar, editar e exportar toda a jornada de gravação a partir de um único dispositivo.”

Essa visão reforça a estratégia da Lexar de se posicionar como uma marca voltada à comunidade criativa — de cineastas independentes a produtores de conteúdo digital e influenciadores.

25 anos de tradição em inovação

Com mais de duas décadas e meia de história, a Lexar construiu uma reputação sólida no mercado global de soluções de memória. Sua linha inclui cartões de memória, unidades USB Flash, leitores de cartões, SSDs e módulos DRAM, todos reconhecidos por sua confiabilidade e desempenho.
O lançamento do ES5 marca mais um passo na jornada da marca, que segue adaptando sua tecnologia às novas demandas da era móvel e da criação de conteúdo multiplataforma.

Especificações e notas técnicas

Velocidade máxima: até 2000 MB/s (leitura e escrita)¹
Capacidades disponíveis: até 4 TB
Compatibilidade: iPhone 12 e posteriores (MagSafe); gravação externa ProRes em iPhone 15 Pro/Pro Max ou superiores
Resistência: IP65 (poeira e água) e quedas de até 3 metros⁴
Formatos de gravação suportados: Apple ProRes 4K/120 FPS, Samsung Pro Video 8K/30 FPS²
Sistema de controle térmico ativo
Design ultrafino com revestimento em silicone líquido
Compatível com série iPhone 17 e Samsung S25 ou posteriores

¹ Velocidades baseadas em testes internos com dispositivos compatíveis com USB 3.2 Gen 2x2; o desempenho pode variar conforme o hardware e condições de uso.
² Requer dispositivos compatíveis.
⁴ Testes realizados sob condições controladas; danos físicos não são cobertos pela garantia.

O futuro: integração com o Final Cut Camera 2.0

A Lexar já confirmou que testará a compatibilidade do ES5 com o Final Cut Camera 2.0, próxima atualização da Apple que trará suporte ao ProRes RAW. Essa integração deve ampliar ainda mais as possibilidades do SSD em ambientes profissionais de pós-produção, tornando-o uma solução completa da captura à edição.

Conclusão

O Lexar ES5 Magnetic Portable SSD não é apenas mais um acessório tecnológico: ele representa a convergência entre mobilidade, potência e praticidade. Ao unir design inteligente, compatibilidade ampla e desempenho profissional, a Lexar reafirma seu compromisso em fornecer ferramentas que mantêm o ritmo criativo dos profissionais modernos.

Para quem grava, edita e produz conteúdo em qualquer lugar — o ES5 chega como o novo aliado indispensável da criação portátil.

[Entrevista] Lexar na BGs 2025

2025-10-23T03:47:00.004-03:00

E tivemos um bate papo com o Luis Valladares da Lexar, que veio ao Brasil para a BGS 2025, e logo abaixo, transcrito diretamente do vídeo, a entrevista na íntegra!

Jam Station: Para quem talvez não conheça — como você descreveria a Lexar e o mercado de periféricos?

Luis: Bom, a Lexar é conhecida principalmente pelo nosso principal produto, que são os cartões de memória. A Lexar já existe há trinta anos. O produto mais conhecido da marca são os cartões de foto e vídeo — microSD, SD, CompactFlash, CFexpress — todos esses formatos em que já trabalhamos no passado e com os quais continuamos trabalhando até hoje.

Esses cartões cobrem uma ampla variedade de produtos — desde pequenas câmeras de vídeo e câmeras de ação, até câmeras DSLR, mirrorless, equipamentos para criadores de conteúdo e até mesmo celulares. Temos uma ampla gama de suporte na indústria.
E não apenas isso: também oferecemos as velocidades mais altas possíveis disponíveis no mercado atualmente.

Jam: Que bom saber disso. E eu gostaria de saber: quais são as principais inovações que vocês estão trazendo nos produtos mais recentes?

Luis: O principal produto que lançamos recentemente — e uma das maiores novidades — é o microSD Express. É um novo formato de microSD de altíssima velocidade. A Lexar foi uma das primeiras a lançar esse produto. O principal dispositivo atualmente compatível com esse formato é o Nintendo Switch 2.

Fomos os primeiros a lançar cartões com suporte ao microSD Express para ele. Mas o mais importante é que não lançamos apenas cartões rápidos — lançamos também capacidades que ninguém mais oferecia. Fomos os primeiros a lançar cartões de 512 GB e 1 TB, algo que até hoje muitos concorrentes ainda estão tentando alcançar.

Então, a inovação da Lexar está em oferecer não apenas desempenho, mas também a capacidade que nossos clientes precisam.

Jam: E como a Lexar equilibra desempenho, design e durabilidade nos periféricos?

Luis: Isso é sempre um desafio, certo? No fim das contas, sempre existe um equilíbrio a ser feito — você precisa decidir o que é mais importante para a sua necessidade.

A forma como equilibramos isso é simples: criamos produtos em várias faixas de velocidade, para atender diferentes tipos de usuários.
Por exemplo: você pode precisar apenas de um cartão de 100 MB/s — não necessariamente de um microSD Express.
Então, fabricamos cartões para esse nível também, o que proporciona uma solução mais acessível e econômica.

Mas, se você precisa de velocidades mais altas ou mais capacidade, nós também temos essas opções.

A Lexar é única porque oferece quatro ou cinco classes de velocidade diferentes em cada categoria de produto.
Dessa forma, garantimos que exista uma opção ideal para cada cliente.

Em termos de suporte e garantia, a qualidade é resultado do nosso próprio design. Nós desenvolvemos nossos produtos internamente, o que nos permite garantir que sejam robustos e confiáveis — mantendo ao mesmo tempo preços competitivos, equilibrando qualidade, desempenho e custo.

Jam: O mercado de games e criação de conteúdo está crescendo muito rápido. Como a Lexar está se adaptando para atender esse público?

Luis: A Lexar sempre foi uma empresa que lidera em inovação. E, realisticamente, o mundo dos games e o dos criadores de conteúdo são bem diferentes — embora se misturem. Existem muitos criadores de conteúdo no universo dos games, mas as necessidades de um gamer e de um criador de conteúdo são diferentes.

A Lexar é conhecida há muitos anos no segmento de foto e vídeo, e os criadores de conteúdo fazem parte disso. Então, o que fazemos é garantir que estamos sempre na frente em inovação.

Por exemplo: aqui no estande temos um produto chamado Lexar Professional Go, que é um SSD externo feito especialmente para uso com iPhone.
Ele permite gravar diretamente do celular para o SSD, sem usar a memória interna do aparelho.
Além disso, o dispositivo permite conectar microfones, luzes e baterias externas, oferecendo uma solução completa para criadores de conteúdo.

No mundo dos games, acontece algo parecido. Os gamers têm perfis muito variados — alguns precisam de muita capacidade, então oferecemos SSDs de 2 TB e 4 TB.
Mas também oferecemos diferentes velocidades, porque nem todo jogo precisa de 7.000, 8.000 ou 15.000 MB/s. Depende do tipo de jogo e da experiência desejada.

Então, oferecemos produtos que cobrem todas essas necessidades.
Em resumo: quando você vem até a Lexar e conhece nossos produtos, vai perceber que temos uma opção para praticamente qualquer cliente. Se você precisa de uma solução de armazenamento específica, nós temos o produto certo pra você.

Jam: O que diferencia a Lexar de outras marcas que oferecem acessórios e dispositivos de armazenamento semelhantes?

Luis: Então, a Lexar se orgulha da sua inovação, mas não apenas disso. Também nos orgulhamos da ampla variedade de produtos que oferecemos.
A Lexar sempre será uma das primeiras empresas a lançar os cartões e unidades mais rápidos do mercado. Mas a maior diferença entre nós e nossos concorrentes está exatamente nessa variedade.

Como mencionamos antes, na linha de cartões para foto e vídeo, por exemplo, temos seis ou sete classes de velocidade diferentes, oferecendo várias opções para o cliente.
A maioria das marcas concorrentes tem apenas uma ou duas velocidades, e só.
Nós somos diferentes porque cobrimos uma faixa muito mais ampla de necessidades.

Além disso, somos uma empresa de armazenamento que atua em todos os segmentos:
temos SSDs, memórias DRAM, pen drives USB, SSDs externos, e também cartões para foto e vídeo profissionais. No fim das contas, cobrimos uma linha de produtos muito mais extensa do que qualquer outro fabricante de armazenamento que você encontra no mercado.

Jam: E quão difícil foi desenvolver, por exemplo, aquele cartão microSD de 1 terabyte para o Nintendo Switch 2?

Luis: Olha, o desafio é grande. Quando você atinge velocidades e capacidades como as do microSD Express, precisa projetar soluções com base na qualidade da memória flash usada.

Para conseguir colocar 1 terabyte no espaço físico de um cartão microSD, é preciso trabalhar com tecnologias específicas de memória flash. E para isso, você precisa criar os controladores, todo o suporte de hardware e firmware que faz aquilo funcionar.

O desafio está em garantir velocidade, capacidade e confiabilidade ao mesmo tempo.
E isso envolve vários fatores: temperatura, durabilidade, memória com múltiplas camadas, interação entre o controlador e o chip, e até o design físico dos conectores.

Mas uma coisa importante: a Lexar foi a primeira empresa a lançar um cartão microSD de 1 TB compatível com o Nintendo Switch. E agora, seremos também os primeiros a lançar uma versão para o Switch 2, com essa mesma capacidade. Atualmente, somos a única empresa que oferece 1 TB. As outras ainda estão em 256 GB, porque não conseguiram resolver a complexidade técnica necessária para isso.

Jam: E o novo cartão vai funcionar também no primeiro Switch, ou só no Switch 2?

Luis: O microSD Express não é retrocompatível. Ele usa um controlador e um design específicos, então não funciona em slots de microSD comuns. Você precisa de um slot próprio — que é justamente o que vem no Switch 2.

Jam: Entendido. E o quanto o feedback dos usuários é importante no processo de desenvolvimento da Lexar?

Luis: É muito importante. Nós atuamos globalmente e mantemos canais ativos nas redes sociais, além dos nossos sites regionais. Recebemos bastante retorno dos clientes dessas plataformas — mas não só depois do lançamento.

Nós trabalhamos junto com diferentes tipos de clientes durante o desenvolvimento dos produtos, para entender exatamente o que eles precisam. Esse feedback direto é o que guia nossos projetos.

Depois de ouvir os consumidores, começamos a desenhar as soluções. Se percebemos que algo precisa mudar — pode ser um simples ajuste de firmware ou até uma mudança no design físico —, nós fazemos. Se houver um problema, como superaquecimento, tratamos imediatamente. Mas tudo isso parte do feedback dos clientes, que é essencial para nós.

Jam: Você pode compartilhar alguns projetos ou parcerias futuras que os fãs devem ficar animados para ver?

Luis: Tem várias coisas vindo aí. Já lançamos produtos como o microSD Express, e no ano passado, na BGS, mostramos o Lexar Professional Go. Mas sim, estamos preparando novidades.

Podem esperar SSDs ainda mais rápidos, e novas linhas de memórias DRAM em diferentes formatos e capacidades. Agora, realisticamente falando... (risos) tem alguns projetos que, se eu te contar, vou ter que te matar!

Jam: (risos) E qual é a visão da Lexar para o futuro da tecnologia de periféricos nos próximos anos?

Luis: Nossa visão é continuar sendo uma empresa de armazenamento completa. Trabalhamos constantemente com nossos parceiros e fabricantes, como foi o caso do microSD Express, onde colaboramos com as empresas que adotariam o padrão antes mesmo do produto ser lançado.

Nosso papel é garantir que tenhamos o maior número possível de formatos, cobrindo o máximo de segmentos do mercado.

Por exemplo: no caso do CFexpress, existem os tipos A e B. Trabalhamos de perto com marcas como a Sony, que usa o tipo A, e também com Canon e Nikon, que usam o tipo B. Ou seja, adaptamos nossas soluções a cada padrão.

Também acompanhamos as novas gerações de memória, como a DDR5. Ela existe há mais de um ano, mas só começou a ser realmente adotada em 2024 e 2025. No início, tínhamos uma ou duas opções; hoje já temos seis ou sete modelos diferentes. Conforme o mercado cresce, nós expandimos junto com ele.

Jam: E por fim — você consegue imaginar um futuro em que alguém tenha um servidor doméstico todo feito com microSDs de 1 TB?

Luis: (risos) Essa é uma boa pergunta! Há várias soluções sendo exploradas, mas, sinceramente, acho que não será com microSDs. O mais provável é que isso aconteça com sistemas RAID de drives NVMe, que estão se tornando o padrão.

O que está acontecendo hoje é que os HDs mecânicos, apesar de baratos, são muito lentos. Então o mercado está migrando para armazenamento de alta velocidade.

O que vemos para o futuro é o crescimento tanto da capacidade quanto da velocidade. E tudo isso de forma localizada — seja em servidores pessoais ou PCs de alto desempenho.

Outro fator importante é a evolução da resolução de vídeo: cada vez que passamos de 1080p para 4K, ou de 4K para 8K, o espaço de armazenamento não dobra — cresce de forma exponencial.

Então hoje, alguém dizer “tenho 8 TB ou 10 TB” ainda é impressionante, mas no futuro estaremos falando em 30, 40, 50 terabytes como algo comum.

Em resumo, o mercado de armazenamento vai continuar crescendo em velocidade e capacidade — e a Lexar quer estar sempre à frente dessa evolução.

Jam: Muito obrigado!
Luis: Que isso, o prazer foi meu. Obrigado!