Jam Station

[Crônica] Sinto falta de críticos como Rubens Ewald Filho

2026-04-05T01:32:00.006-03:00

Hoje eu queria falar de alguém que, talvez sem muita gente perceber na época, ajudou a formar o olhar de uma geração inteira sobre cinema no Brasil: Rubens Ewald Filho. E não é exagero.

Eu sinto falta de críticos como o Rubens Ewald Filho. E hoje, vou comentar o por quê eu digo isso tanto. Aliás, pode ser levado como uma crítica aos "críticos" de internet atuais, aos influencers digitais, e ao mesmo tempo até uma homenagem ao próprio saudoso Rubens.

Ele podia até errar — e errava — mas existia uma coisa essencial: coerência. Ele analisava cinema como cinema.

Hoje, muita crítica parece mais interessada em empurrar uma visão de mundo do que em avaliar um filme de verdade. Muita gente não analisa mais filme… analisa posicionamento. Se não encaixa numa visão específica, já vira problema — independente da qualidade. Não é mais sobre roteiro, direção, trilha sonora ou atuação… é sobre se o filme segue ou não uma expectativa ideológica.

E aí acontece o absurdo: obras bem feitas, divertidas, com boa construção narrativa, são ignoradas ou massacradas por não entrarem em certos temas — como se todo filme tivesse obrigação de carregar um discurso específico. Ou Seja, não por serem ruins, mas por não seguirem uma cartilha.

E o mais curioso é a incoerência. Tem gente que cobra discurso, cobra postura… mas na prática não vive nada disso. Exige do cinema aquilo que nem aplica na própria vida.

Cinema não é só isso. Cinema também é entretenimento, emoção, escapismo.

Se um filme cumpre bem a proposta dele — seja fazer rir, emocionar ou encantar — isso deveria importar, ser o principal.

Aos diretores, eu digo, se quiser falar de política, a sua visão, pode colocar no roteiro, mas conta uma boa história, faça uma boa escrita. Faça valer a pena ver o seu pensamento sobre o assunto em uma forma que entretem de verdade nas telas, e não que fique parecendo uma cartilha, com qualidade duvidosa.

No fim das contas, crítica não deveria dizer no que você tem que pensar… mas te ajudar a entender melhor o que você está assistindo.

MAS, QUEM FOI RUBENS EWALD FILHO?

Rubens Ewald Filho não era só um crítico… era praticamente um tradutor do cinema pro público brasileiro.

Se você já parou pra assistir ao Oscar em algum momento entre os anos 90 e 2000, é praticamente impossível que você não tenha ouvido a voz dele. Era aquele tipo de presença que não precisava aparecer o tempo todo — quando aparecia, você sabia que vinha informação, contexto, história… e opinião. Muita opinião.

Mas o mais curioso é que o Rubens não ficou só na TV. Ele estava em tudo quanto era canto onde o cinema passava. Pra muita gente, ele era aquela voz nas transmissões ao vivo comentando filme, ator, diretor… quase como um guia, te explicando o que você estava vendo sem te tratar como burro. Pra outros, ele estava nas revistas, nos jornais, nas críticas escritas. E tem um detalhe que muita gente esquece: ele também esteve, indiretamente, dentro da casa de muita gente através das fitas VHS.

Sim, VHS.

Naquela época em que a gente alugava filme no fim de semana, muitas traduções, adaptações e até escolhas de títulos passavam pela mão dele. Ou seja, ele não só comentava cinema — ele ajudava a moldar como o brasileiro consumia cinema.

E aí entra um ponto que, pra mim, é o que mais diferencia ele de muita gente hoje: a forma como ele falava de cinema.

O Rubens não tinha aquela coisa travada, elitista, cheia de termos que parecem mais pra afastar do que pra aproximar. Ele conseguia falar de um filme complexo de um jeito simples… sem simplificar demais. Isso é muito difícil. Ele traduzia o cinema. Ele fazia a ponte entre a obra e o público comum.

E ao mesmo tempo… ele não era neutro.

Muito pelo contrário.

Ele tinha opinião forte, às vezes polêmica, às vezes direta até demais. Mas isso fazia parte do pacote. Ele não estava ali pra agradar todo mundo — ele estava ali pra dizer o que pensava. E isso, gostando ou não, dava personalidade. Hoje em dia a gente vê muito crítico tentando ficar em cima do muro… o Rubens não. Ele escolhia um lado, defendia, e pronto.

Os críticos atuais, no máximo tentam empurrar o seu lado, mesmo que sequer tenham um, e apenas finjam ter um, apenas por visualizações, ou mesmo "porque o pagamento caiu". Há muito mais cr´tiicos "famosos" que são "rasos" do que realmente entendam de cinema, infelizmente. E é um copiando/imitando o outro. E os poucos autênticos (de alguma forma), não conseguem ter relevância em números.

E talvez seja por isso que ele ficou tanto tempo relevante. Porque ele não era só “mais um crítico”. Ele era uma figura. Uma referência. Alguém que você podia concordar ou discordar, mas não ignorar.

E aí vem a parte inevitável.

Em 2019, o Rubens Ewald Filho faleceu.

E quando isso aconteceu, muita gente sentiu como se tivesse perdido uma espécie de “guia” — aquele cara que, por décadas, esteve ali ajudando a gente a entender melhor o cinema, mesmo que a gente nem percebesse isso conscientemente.

Hoje, olhando pra trás, dá pra perceber o tamanho do impacto.

Ele não só comentou filmes. Ele não só analisou obras. Ele não só apareceu na TV.

Ele ajudou a formar o olhar de quem assistia.

QUEM FOI, LONGE DAS TELAS?

Bom, tenho alguma propriedade, memso que pouca, para falar ao menos o que eu conheci. Tive o prazer de tê-lo conhecido presencialmente, tendo conversado algumas vezes. Ele era super receptivo com todos, independente de serem famosos ou desconhecidos.

Um de seus filmes favoritos (que pode-se dizer até que era um "guilty pleasure") era Professor Aloprado (o primeiro do Eddie Murphy, não o do Jerry Lewis). Ele alugava ao menos uma vez por mês, junto de outros filmes, novos e antigos, na antiga 2001 Video de Moema. Sei disso porque muitas vezes eu o atendia lá, quando fui freelancer por alguns anos (principalmente entre 2013 e 2015), e se a loja não estivesse lotada no dia, eu gostava de conversar sobre cinema com ele.

Tanto ele, quanto Paulo Gustavo (antiga revista SET), tinham opiniões bem diretas desde sempre, e estavam abertos à idéias diferentes em um bate papo sobre cada filme que acabavam de assistir, nas cabines de imprensa. Nem sempre eu concordava com algumas opiniões mais pessoais, mas, havia respeito e uma boa prosa, sempre!

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho era exatamente aquilo que muita gente imaginava… e ao mesmo tempo, um pouco mais humano do que a figura pública deixava transparecer.

Ele era, antes de qualquer coisa, um cara completamente obcecado por cinema — no melhor e no pior sentido da palavra. Não era só profissão. Não era só trabalho. Era rotina, era hábito, era praticamente o jeito dele existir no mundo. Ele assistia filme como quem respira. E isso moldava tudo ao redor dele.

Quem convivia mais de perto costumava comentar que ele tinha uma memória absurda. Não era só “ah, já vi esse filme”. Era:

— lembrar elenco completo

— ano de lançamento

— bastidores

— curiosidades específicas

Tipo uma enciclopédia viva… só que com opinião.

E isso vinha junto com uma personalidade muito característica.

Ele não era exatamente o tipo de pessoa “polida” o tempo todo. Não fazia muito esforço pra suavizar o que pensava. Se gostava, falava. Se não gostava… falava mais ainda. Isso podia soar duro pra algumas pessoas, até meio impaciente às vezes. Mas também era o que tornava ele autêntico. Não tinha filtro artificial.

Ao mesmo tempo, existe um lado que pouca gente comenta:

ele era extremamente dedicado ao trabalho. Não era aquela dedicação performática de aparecer… era disciplina mesmo. Ver filme, estudar, escrever, comentar, repetir. Por décadas. Sem parar.

E isso cobra um preço.

Porque quando alguém vive tanto dentro de um universo — no caso dele, o cinema — é comum que a vida pessoal fique mais reservada, mais fechada. Ele não era uma figura de exposição íntima. Você sabia muito mais sobre o que ele pensava dos filmes… do que sobre a vida dele fora disso.

E talvez isso seja até coerente.

Porque, no fim das contas, o Rubens nunca tentou vender uma imagem pessoal. Ele não era o “influencer de si mesmo”. Ele era o cara do cinema. E só.

Mas tem um detalhe importante nisso tudo:

mesmo sendo direto, crítico e às vezes duro… ele também tinha um lado de admiração genuína pelo cinema. Quando ele gostava de algo, dava pra perceber. Não era só análise técnica — tinha paixão ali.

E isso é o que segura tudo.

Porque você pode discordar de um crítico… mas quando você percebe que ele ama aquilo de verdade, a conversa muda.

Se fosse resumir esse lado mais pessoal dele, no seu estilo:

Fora das câmeras, Rubens Ewald Filho não era um personagem… era um cara que viveu tanto o cinema, que acabou se tornando parte dele.

E talvez seja por isso que, mesmo depois de tanto tempo… a ausência dele ainda é sentida.

E QUEM FOI ELE, DENTRO DO CINEMA?

Muita gente conhece o Rubens Ewald Filho só como “o cara que comentava filmes”… mas isso é só uma parte da história.

Porque, antes — e durante — tudo isso, ele também tentou viver o cinema por dentro.

E isso muda bastante a forma como a gente enxerga o trabalho dele.

Rubens não ficou só na cadeira de crítico. Ele estudou cinema, escreveu sobre cinema, mas também se envolveu diretamente com produção, roteiro e até atuação, mesmo que muita gente não associe isso de imediato ao nome dele.

No começo da carreira, ele teve contato direto com o fazer cinematográfico, principalmente no Brasil, numa época em que a indústria era muito mais limitada e difícil. Ele participou de projetos como roteirista e colaborador criativo, ajudando a construir histórias — o que, pra um crítico, é um diferencial enorme.

Porque uma coisa é analisar filme pronto.

Outra coisa completamente diferente é entender o processo de criar um.

E isso aparece na forma como ele falava.

Quando ele criticava um roteiro, por exemplo, não parecia alguém “de fora chutando”. Parecia alguém que sabia onde doía. Onde travava. Onde funcionava ou não funcionava.

Além disso, ele também fez participações como ator, geralmente pequenas, quase como participações especiais. Nada que definisse a carreira dele, mas o suficiente pra mostrar uma coisa: ele não via o cinema como algo distante, ele queria fazer parte daquilo (Mesmo que não fosse o foco principal.).

Mas talvez a parte mais forte desse “lado de dentro” dele esteja em outra coisa:

Tradução e adaptação

Isso aqui é subestimado demais.

Rubens trabalhou com:

tradução de filmes
adaptação de diálogos
versões para o público brasileiro

E isso, principalmente na época de VHS e TV, era praticamente uma arte invisível.

Porque não era só traduzir palavra por palavra. Era:

adaptar contexto
ajustar timing
manter sentido cultural
fazer o filme “funcionar” em português

E isso influencia MUITO a experiência de quem assiste

Muita gente cresceu vendo filmes “do jeito que ele ajudou a moldar”… sem nem saber disso.

E aí entra um ponto que amarra tudo: Ele não era só alguém que opinava sobre cinema.

Ele já tinha estado dentro, já tinha tentado construir, já tinha participado do processo. E isso dá um peso diferente pra crítica.

Eu mesmo, tento seguir seus passos neste ponto, afinal, também trabalho como ator, já fui locutor de rádio, escrevo minhas críticas de filmes e games em alguns sites. Levo comigo o seu intuito: falar de forma direta e simples, sem palavras difíceis, para que todos possam entender do que se trata aquilo que estou falando!

Rubens Ewald Filho não era só um cara que falava de cinema… ele já tinha colocado a mão na massa — e isso fazia toda diferença na hora de criticar.

E talvez seja por isso que, mesmo quando a gente discorda de algumas opiniões dele… ainda assim dá pra respeitar. Porque não vinha só de teoria. Vinha de vivência.

AONDE VIMOS ELE ANTES?

Embora mais reconhecido como crítico de cinema, Rubens Ewald Filho (1945–2019) teve breves experiências como ator, incluindo o filme Amor, Estranho Amor (1982). Sua atuação artística foi mais intensa como roteirista de telenovelas (como Éramos Seis) e diretor teatral. Ele é lembrado como o "Homem do Oscar".

Destaques de Rubens Ewald Filho no cinema e teatro:

Atuação: Participou do filme Amor, Estranho Amor (1982).

Roteirista: Escreveu o roteiro de filmes como A Árvore dos Sexos (1977) e Elas são do Baralho (1977), além de colaborar na novela Éramos Seis (SBT).

Direção Teatral: Dirigiu peças como O Amante de Lady Chatterley e Querido Mundo (de Miguel Falabella).

Legado: Comentou o Oscar por mais de 30 anos e catalogou mais de 37 mil filmes.

Além de ator e roteirista, ele foi um dos críticos mais influentes do Brasil, com passagens pela TV Cultura, TNT, HBO Brasil e jornais como o Jornal da Tarde.

AONDE QUERO CHEGAR COM TUDO ISSO?

Embora mais reconhecido como crítico, Rubens Ewald Filho foi muito mais do que isso. Passou pelo cinema como ator em Amor, Estranho Amor (1982), escreveu roteiros, dirigiu teatro, colaborou com televisão… mas, no fim, encontrou seu verdadeiro lugar entre a tela e o público. Foi ali que ele construiu algo raro: não apenas opinião, mas ponte.

Rubens não falava difícil pra parecer inteligente — ele tornava o cinema acessível sem tirar sua complexidade. Tinha opinião, tinha personalidade, tinha coragem de discordar. E, acima de tudo, tinha paixão verdadeira pelo que fazia. Em um tempo em que muitos preferem agradar ou seguir tendência, ele fazia algo mais simples e mais difícil: era autêntico.

Talvez seja por isso que faça tanta falta.

Não só pelo conhecimento, mas pela presença. Pela forma como guiava o olhar, como contextualizava, como fazia a gente enxergar mais do que estava na tela. Hoje, com tanta informação disponível, ainda assim parece que falta alguém que realmente saiba traduzir o cinema como ele fazia.

Porque o Rubens Ewald Filho até apareceu em algumas produções… mas o lugar onde ele realmente “atuava” era na TV — comentando, explicando e, de certa forma, fazendo a gente enxergar o filme junto com ele. O homem que não estava dentro do filme… mas estava em todos eles.

E talvez seja exatamente por isso que sinto falta de críticos como ele. Porque mais do que assistir filmes, ele nos ensinou a ver.

[Crítica] O Drama

2026-03-31T10:00:00.001-03:00

Robert Pattinson e Zendaya protagonizam este filme sobre um casal e seus dias de preparação para o dia mais importante de suas vidas: seu próprio casamento!

O filme consegue ser um misto de drama, humor negro, com aquele ar de suspense/thriller, que te faz tentar desvendar os próximos passos, até o final, e mostra várias nuances da mente humana, quando algo inesperado é revelado.

O ritmo do filme consegue ser leve, ao misturar tensão e romance numa dosagem homeopática, carregado de uma edição não linear em certos momentos, que te faz parar pra pensar o que realmente está acontecendo, e o que é imaginação, quase como em "500 dias com Ela", mas, mais dinâmico.

Essa dupla improvável de Hollywood consegue ter boa química em tela, o que nos faz torcer para que tudo acabe bem. Há mais de uma mensagem importante como tema deste filme, mas, com certeza, o mais impactante é o sentimento de ansiedade, e suas consequências possíveis, sendo mostradas de forma nua e crua.

Este é um dos poucos filmes atuais que fala sobre como funciona o amor, mesmo que ele seja contraditório, e funciona bem, com cada elemento se encaixando. A trilha sonora tem impacto em poucos momentos, enquanto os cortes conseguem ser um ótimo destaque, ao fazer o público duvidar de si mesmo durante cada cena de impacto.

É um filme que supera expectativas, mas sempre no limite do estilo de Kristoffer Borgli.

Nota: 7,5

"Homem-Aranha: Um Novo Dia”, com Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Jon Bernthal e Mark Ruffalo, ganha trailer oficial

2026-03-18T21:29:47.674-03:00

A Sony Pictures acaba de divulgar o aguardado trailer de "Homem-Aranha: Um Novo Dia”, filme protagonizado por Tom Holland e dirigido por Destin Daniel Cretton (“Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”). No novo capítulo de um dos maiores fenômenos do Universo Cinematográfico Marvel (MCU, no original), Peter Parker precisa lidar sozinho com os desafios da vida adulta e de ser o Homem-Aranha. Escrito pela dupla Chris McKenna e Erik Sommers, que também assinaram o roteiro de "De Volta ao Lar”, "Longe de Casa” e "Sem Volta para Casa”, o longa estreia dia 30 de julho nos cinemas.

O filme também conta com o retorno de Zendaya (MJ), Jacob Batalon (Ned) e Michael Mando (Escorpião), além de ter no elenco Sadie Sink (“Stranger Things”) e Tramell Tillman (“Ruptura”), Jon Bernthal (“Justiceiro”) e Mark Ruffalo (“Vingadores”), esses dois últimos como Justiceiro e Hulk, personagens do MCU.

O primeiro trailer do filme foi lançado de maneira inédita, com uma ação global de fãs que durou 24 horas. Tom Holland liderou o lançamento, convidando um grupo seleto de fãs do Homem-Aranha de diferentes países para compartilhar histórias pessoais no Instagram sobre o que o personagem significa para eles, antes de revelar um trecho exclusivo do trailer oficial. Cada participante marcava o próximo fã na sequência, incentivando o público a acompanhar o revezamento através dos fusos horários, e, enquanto isso, os fãs da saga ao redor do mundo se uniam para celebrar “Um Novo Dia”.

No Brasil, o escolhido foi Wirley Contaifer, fã do teioso e voz brasileira de Tom Holland. Confira aqui o vídeo e o trecho do novo trailer divulgado pelo dublador.

“Homem-Aranha: Um Novo Dia” é uma sequência direta de “Homem-Aranha: Sem Volta para Casa”. No filme lançado em 2021, o Peter Parker de Tom Holland se uniu às duas outras versões do Homem-Aranha, interpretadas por Tobey Maguire e Andrew Garfield, para salvar o multiverso. Contudo, após inúmeras tentativas, a única forma de o jovem herói aracnídeo atingir esse objetivo foi a partir de um feitiço lançado pelo Doutor Estranho, em que todos esqueceram a existência de Peter Parker.

SINOPSE

Após o fenômeno global de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, Homem-Aranha: Um Novo Dia marca um capítulo totalmente novo para Peter Parker e o Homem-Aranha. Quatro anos se passaram desde os eventos de Sem Volta Para Casa, e Peter agora é um adulto vivendo completamente sozinho, tendo se apagado voluntariamente da vida e das memórias de quem ama. Combatendo o crime em uma Nova York que já não sabe mais o seu nome, ele se dedica integralmente a proteger a cidade — um Homem-Aranha em tempo integral —, mas, à medida que as exigências aumentam, a pressão desencadeia uma surpreendente evolução física que ameaça sua própria existência, enquanto um estranho padrão de crimes dá origem a uma das ameaças mais poderosas que ele já enfrentou.

FICHA TÉCNICA

Direção: Destin Daniel Cretton

Roteiro: Chris McKenna e Erik Sommers

Baseado nos quadrinhos da MARVEL: Stan Lee e Steve Ditko

Produção: Kevin Feige, Amy Pascal, Avi Arad, Rachel O'Connor

Produção Executiva: Louis D'Esposito, David Cain

Elenco: Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando, Mark Ruffalo

[Crítica] Devoradores de Estrelas

2026-03-13T15:24:00.002-03:00

Ryan Gosling no espaço: quando Interestellar bate de frente com o humor lúdico!

Quando o universo depende de um professor cansado: a beleza nerd de Devoradores de Estrelas

À primeira vista, Project Hail Mary, conhecido no Brasil como Devoradores de Estrelas, parece só mais uma ficção científica sobre o fim da humanidade. Mas não se engane: Essa não é uma história sobre explosões espaciais, invasões alienígenas ou presidentes discursando dramaticamente enquanto um meteoro vem destruir a Terra.

Na verdade, é algo muito mais perigoso para o cinema moderno: uma história sobre ciência funcionando. Sim. Aquela "coisa chata chamada ciência" (por assim dizer).

O apocalipse mais silencioso do cinema

A premissa é simples e assustadora.

Um microrganismo alienígena começa a consumir energia das estrelas — incluindo o nosso Sol.

Resultado: o planeta Terra caminha lentamente para uma era glacial global.

Sem explosões. Sem alienígenas atacando cidades. Só uma morte lenta e gelada. É quase poético.

A humanidade não seria destruída pela guerra ou pela tecnologia… mas por uma bactéria espacial com fome de energia.

O herói improvável

O protagonista da história é Ryland Grace, interpretado no filme por Ryan Gosling.

E aqui está uma das maiores qualidades da obra: Grace não é um herói. Ele não é um comandante lendário nem um astronauta cheio de frases épicas. Ele é um professor de ciências do ensino fundamental. Um cara que provavelmente passaria a vida inteira explicando por que vulcões existem para crianças entediadas.

Mas quando o Sol começa a morrer, é exatamente esse tipo de pessoa que acaba sendo enviado para o espaço.

E isso já é uma crítica social maravilhosa: quando o mundo realmente precisa ser salvo, quem resolve o problema não são influencers, políticos ou bilionários. São cientistas. E professores.

Rocky: o alienígena mais simpático da ficção científica moderna

No sistema estelar Tau Ceti acontece o encontro que transforma a história. Grace descobre que não está sozinho tentando salvar sua estrela. Outra civilização também está lá. E dessa nave surge Rocky.

Rocky é um alienígena que parece uma mistura de aranha com tanque de guerra e se comunica através de acordes musicais. Sim. Um alienígena que fala em música. O que poderia ser ridículo se torna simplesmente genial. Porque a relação entre Grace e Rocky vira o coração da história. Eles não brigam. Não competem. Não discutem política interestelar. Eles fazem algo extremamente radical: tentam se entender.

Ciência como espetáculo

O grande desafio da adaptação cinematográfica era transformar um livro cheio de experimentos científicos em algo visualmente interessante. E o filme consegue isso surpreendentemente bem.

O organismo alienígena conhecido como Astrophage é representado como partículas negras que absorvem energia de forma quase hipnótica. É ciência transformada em espetáculo visual.

Mas sem abandonar a lógica científica que torna a história tão fascinante. Algo que lembra o melhor de filmes como Interstellar ou Arrival.

Humor no meio do apocalipse

Outro elemento que funciona muito bem é o humor. Grace reage às situações absurdas exatamente como qualquer pessoa reagiria. Quando ele descobre que existe um alienígena na nave ao lado, sua reação não é filosófica.

É basicamente: “Ok… isso definitivamente não estava no manual.”

Esse humor lembra bastante o estilo de Andy Weir, autor do livro. O mesmo responsável por The Martian, outra história onde um cientista tenta sobreviver usando ciência… e sarcasmo.

A amizade mais improvável do espaço

Mas no fundo, Devoradores de Estrelas não é sobre salvar o Sol. É sobre amizade. A relação entre Grace e Rocky é construída com paciência, curiosidade e cooperação científica.

Eles começam trocando números. Depois palavras. Depois piadas. E quando percebemos, dois seres de planetas completamente diferentes se tornaram parceiros tentando salvar suas espécies. Isso é algo raríssimo na ficção científica moderna. Não é uma história sobre conflito entre civilizações. É uma história sobre colaboração entre inteligências.

Uma crítica social silenciosa

Talvez a maior mensagem da história seja esta: o mundo não é salvo por grandes discursos.

Ele é salvo por pessoas curiosas o suficiente para fazer perguntas e pacientes o suficiente para testar hipóteses.

Em outras palavras:

o mundo é salvo por nerds.

Conclusão

Devoradores de Estrelas é uma raridade. Uma ficção científica que acredita na inteligência. Uma história sobre amizade entre espécies. E um lembrete de que o conhecimento ainda pode ser a ferramenta mais poderosa da humanidade. No fim das contas, o universo não foi salvo por armas gigantes. Foi salvo por dois cientistas de espécies diferentes tentando resolver um problema juntos.

E honestamente? Isso é muito mais inspirador do que qualquer explosão de blockbuster.

Até porque, como a própria história sugere… talvez o verdadeiro milagre do universo não seja a vida.

Talvez seja duas formas de vida completamente diferentes conseguirem se entender.

[Evento] Abrin 2026: Os lançamentos que todo fã de Cultura Pop vai querer

2026-03-09T21:26:00.005-03:00

Quem acha que brinquedo é só coisa de criança nunca ouviu falar da Abrin.

O maior evento da indústria de brinquedos da América Latina rolou de 4 a 7 de março, na Expo Center Norte, reunindo mais de 200 marcas expositoras e mais de 1500 lançamentos exclusivos.

A 41ª edição contou com novidades de personagens licenciados famosos entre o público geek e gamer, tendências de mercado e várias inovações que chegarão às prateleiras ao longo do ano.

A Jam Station esteve por lá e garimpou algumas das novidades que irão dominar 2026!

Sunny Brinquedos celebra os 30 anos de Pokémon:

Com um portfólio com diversos licenciados de peso, como Sonic the Hedgehog, Teenage Mutant Ninja Turtles (TMNT), DC Comics e Harry Potter, a Sunny Brinquedos, consagrada como uma das principais importadoras de brinquedos do Brasil, comemorou os 30 anos da franquia Pokémon em grande estilo.

O estande apresentou uma variedade de produtos, incluindo action figures de vinil, modelos articulados, pelúcias oficiais e quebra-cabeças 3D da linha 4D Building.

Mas quem realmente prendeu a atenção de todos foi o Pikachu Puppetronic. Capturando toda a simpatia do Pikachu que os fãs já conhecem dos jogos e anime, o fantoche de pelúcia fofo por fora, porém high-tech por dentro, combina a manipulação clássica de brinquedos do gênero com tecnologia de ponta:

Sensores ao toque espalhados pelo corpo, cabeça e nariz, olhos que piscam, boca e orelhas articuladas, e bochechas que acendem.

Uma representação fiel do roedor elétrico que inclui mais de 120 efeitos sonoros e movimentos capazes de oferecer uma experiência imersiva para fãs de todas as gerações.

Super Mario Galaxy - O Filme: Yoshi é destaque na feira:

Sequência direta de The Super Mario Bros. Movie (2023), Super Mario Galaxy marca o próximo capítulo da aventura cinematográfica produzida pelo estúdio americano Illumination em parceria com a nipônica Nintendo.

O enredo traz de volta os irmãos bigodudos Mario e Luigi, além de velhos conhecidos como Princess Peach e Toad, agora embarcando em aventuras além do Reino dos Cogumelos, através de diferentes galáxias.

Inspirada nesse universo, a Sunny Brinquedos apresenta sua nova linha de produtos, com playsets interativos, como o Castelo de Bowser e o Ovo de Yoshi, além de bonecos articulados e veículos temáticos.

Entre as novidades do enredo, um personagem roubou a cena: o simpático dinossaurinho verde Yoshi. Um dos grandes destaques foi o ovo interativo Hatchin' Yoshi, que aposta na experiência interativa por meio do toque e voz, para conquistar tanto o público mais jovem quanto os fãs de longa data da franquia.

Líder Brinquedos aposta em visual Kawaii com Tom & Jerry Gokko:

Focada na primeira infância e baseada no visual kawaii, a Líder Brinquedos apresentou sua nova linha de bonecos de vinil e pelúcias de Tom & Jerry Gokko (2025).

Os brinquedos reproduzem o visual do anime de forma fiel, marcado por cores pastéis e contornos suaves.

A proposta é aproximar o clássico da animação dos anos 40 de uma nova geração, renovando valores mas preservando o charme nostálgico dos personagens.

Faber‑Castell faz sua estreia na Abrin com a linha Creativity for Kids

Participando da feira pela primeira vez, a Faber-Castell apresentou sua marca recém-introduzida no Brasil em 2024, a Creativity for Kids.

Com mais de 40 anos de experiência internacional, a linha chega ao país com a proposta de oferecer experiências divertidas e criativas para crianças e seus pais por meio de atividades manuais, visuais e sensoriais.

Os produtos abrangem diferentes áreas, como artesanato, dobradura em papel, moda e criação de bijuterias.

A proposta é estimular o desenvolvimento da autoconfiança infantil por meio da resolução de problemas, da autoexpressão e do incentivo à independência.

Com mais de quatro décadas de história, a Abrin segue se consolidando como o principal termômetro da indústria de brinquedos na América Latina.

A edição de 2026 deixou claro que o setor continua apostando na combinação entre nostalgia, grandes licenças da cultura pop e experiências cada vez mais interativas e disruptivas para conquistar novas gerações de consumidores.

[Crítica] Manual Prático Da Vingança Lucrativa

2026-02-24T01:22:00.005-03:00

Se no pós-guerra britânico a aristocracia era o alvo preferido da ironia elegante, em 2026 o bilionário é o novo duque — e o sangue continua sendo o método mais direto de ascensão social. Manual Prático da Vingança Lucrativa (título internacional: How to Make a Killing) pega a espinha dorsal do clássico humor negro sucessório e a injeta com ansiedade millennial, capitalismo tardio e um protagonista que sorri como quem vende startup — enquanto cava sete covas.

Ficha Técnica

Título: Manual Prático Da Vingança Lucrativa
Ano de Produção: 2026
Dirigido Por: John Patton Ford
Estreia: 26 de Fevereiro de 2026
Duração: 1h40m
Classificação: 16
Gênero: Humor Negro/Thriller
País de Origem: Estados Unidos

Sinopse: Renegado ao nascer por sua família rica, Becket Redfellow não mede esforços para recuperar sua herança, não importa quantos parentes fiquem em seu caminho.

Um Conto Curioso

Dirigido com ritmo afiado e estética de thriller financeiro polido, o filme acompanha Becket Redfellow (Glen Powell), filho da herdeira deserdada que decide transformar ressentimento em plano de negócios. O objetivo? Eliminar, um a um, os parentes que o separam de uma fortuna obscena. O diferencial aqui não está apenas na contagem de corpos, mas na embalagem: cada morte funciona como uma sátira personalizada do arquétipo que a vítima representa.

O primo influencer morre como viveu — superficial e performático. O artista pretensioso é vítima da própria aura de superioridade. O pastor moralista encontra um fim que desmonta sua fachada pública. A tia autoritária cai como quem tropeça no próprio pedigree. O magnata corporativo sucumbe num arranjo que parece auditoria divina. O tio “bondoso” é o ponto de inflexão moral — ou quase — da narrativa, aquele momento em que o roteiro testa se Becket ainda possui algo semelhante a um coração. E o patriarca? O confronto final transforma herança em duelo ideológico: velho dinheiro versus ambição ressentida.

Arrependimentos?

É aqui que o filme revela seu maior trunfo e sua maior limitação. Ao contrário do cinismo quase clínico do original, esta versão insiste em oferecer fissuras emocionais ao protagonista. Becket hesita? Talvez. Arrepende-se? Não exatamente. O roteiro flerta com a ideia de conflito moral, mas nunca a abraça de verdade. Ele não é um sociopata puro — é um oportunista racionalizado. O problema é que, ao tentar humanizá-lo, o filme dilui parte da acidez que tornaria a jornada mais desconfortável (e, paradoxalmente, mais honesta).

O triângulo amoroso sintetiza essa tensão. Julia (Margaret Qualley) é a chama cúmplice: ambiciosa, ambígua, sedutora na medida exata do perigo. Ela não apenas deseja Becket — deseja o que ele pode se tornar. Já Ruth (Jessica Henwick) encarna o contraponto moral, a possibilidade de uma vida comum, quase banal. Não se trata apenas de duas mulheres disputando um homem, mas de dois futuros competindo por uma consciência. E o filme é mais interessante quando transforma romance em campo de batalha ético.

A Imagem Diz Tudo

Visualmente, a obra aposta numa sofisticação fria: mansões minimalistas, jantares silenciosos, closes que capturam microexpressões de cálculo. Há algo de thriller corporativo misturado com comédia de costumes — uma combinação que funciona melhor nas mortes mais irônicas do que nos momentos introspectivos. Quando abraça o humor negro, o filme brilha; quando tenta ser drama psicológico, perde parte da mordida.

Inevitável falar do ancestral ilustre. Kind Hearts and Coronets (lançado no Brasil como As Oito Vítimas) é uma obra-prima de elegância cruel. Lá, o protagonista eliminava seus obstáculos com uma frieza quase burocrática, enquanto a sátira à aristocracia britânica era tão seca quanto devastadora. A grande diferença? O clássico não pede desculpas. Não oferece redenção emocional. Não suaviza seu anti-herói. Já Manual Prático da Vingança Lucrativa é filho de seu tempo: precisa justificar, contextualizar, "psicologizar". Se o original era um sorriso envenenado, o novo é um pitch deck com manchas de sangue.

Veredicto Final

No fim, o filme funciona como retrato ácido do sonho americano distorcido: meritocracia como desculpa para eliminar concorrentes — literalmente. Não é tão cirurgicamente cruel quanto o clássico, mas tem energia, charme e um protagonista carismático o suficiente para fazer você torcer — ainda que contra seu próprio juízo.

E talvez essa seja sua maior ironia: em 1949, matar por título era absurdo aristocrático. Em 2026, matar por bilhões soa quase como estratégia de mercado.

O mistério da capa americana de Phalanx

2026-02-19T04:39:00.003-03:00

O velhinho do banjo que virou ícone inesperado dos games: A história real por trás da capa mais estranha da era 16-bit!

Na década de 90, quando os jogos de tiro espacial disputavam espaço nas prateleiras com capas praticamente idênticas, uma imagem completamente fora do padrão chamou atenção: um simpático senhor tocando banjo.

O homem da foto se chamava Bertil Valley. Durante 25 anos, ele trabalhou como Papai Noel voluntário, além de administrar sua própria empresa de construção. Ele faleceu em 2004, mas acabou eternizado graças a uma das ideias mais bizarras – e geniais – da indústria dos videogames.

O “fator huh” que virou lenda

Por trás dessa decisão estava Keith Campbell, publicitário responsável pela conta da Kemco na época. Ele poderia ter seguido o caminho previsível: uma capa genérica de tiroteio espacial, cheia de naves, lasers e explosões.

Mas escolheu outro caminho.

A maioria dos jogos daquele período parecia igual — mesmo gênero, gráficos parecidos, identidade visual repetitiva. Nada realmente se destacava. E o próprio time de publicidade admitia: ninguém ali era jogador.

Ainda assim, Keith era conhecido por ser um “cara das ideias”. Ele sabia que o jogo em si não tinha nada extraordinário a oferecer. Então a estratégia foi apostar tudo na embalagem.

Ele chamava isso de “forte fator huh” — aquela reação imediata de estranhamento que faz alguém parar, olhar duas vezes e pensar: “O que está acontecendo aqui?”

Hoje, talvez chamássemos isso simplesmente de um momento “WTF”.

Marketing como arma secreta

A agência era responsável por desenvolver a embalagem e o material promocional de mais de 40 títulos da Kemco, que frequentemente licenciava jogos de desenvolvedoras terceirizadas no Japão.

Alguns títulos eram bons. Outros, nem tanto.

E eram justamente os mais fracos que precisavam de um empurrão visual para chamar atenção nas prateleiras. A missão era simples: fazer com que as pessoas pegassem a caixa, se interessassem pela história e levassem o jogo para casa.

A embalagem também precisava convencer os varejistas de que aquele produto venderia bem.

E vendeu — pelo menos em termos de memória cultural.

Uma capa que superou o jogo

O jogo em si pode ter sido apenas mediano. Mas a capa? Essa entrou para a história.

Décadas depois, as pessoas ainda falam sobre ela. E talvez essa seja a maior prova de que a ideia funcionou.

Bertil Valley, o senhor do banjo, pode nunca ter imaginado que seu rosto se tornaria um dos momentos mais inesperados da história dos videogames. Mas graças a uma decisão ousada de marketing, ele se tornou parte permanente da cultura gamer.

E às vezes, no mundo do entretenimento, isso é mais poderoso do que qualquer nave espacial cheia de lasers.

Fantasma (Phantasm - 1979, 1988, 1994, 1998, 2016) - Uma Franquia de Terror Atemporal

2026-01-21T23:18:00.002-03:00

abe aquele clássico que você valoriza mais anos após ser feito, e não quando é lançado?

Sabe quando você olha pra um filme e pensa:
“isso aqui não deveria existir desse jeito… mas existe”?

É exatamente isso que eu sinto quando penso na franquia Phantasm… principalmente no Phantasm IV: Oblivion, de 1998.

Porque, vamos ser sinceros…
1998 não parece o ano certo pra um filme de Phantasm existir.
A gente tava vivendo Jurassic Park, Godzilla, American Pie, blockbuster, efeito digital, outro ritmo de cinema…
E de repente surge um filme que parece ter saído direto dos anos 70 ou 80, como se o tempo tivesse simplesmente passado por cima dele.

E aí muita gente olha pra isso e fala:
“ah, esse filme é ruim”,
“ah, esse filme é preguiçoso”,
“ah, esse filme recicla cena antiga”.

Mas o ponto é: Phantasm nunca foi uma franquia normal.

Ela nunca funcionou no tempo certo.
Nunca saiu no intervalo certo.
Nunca se explicou direito.
Nunca tentou agradar todo mundo.

E talvez por isso ela funcione tão bem hoje.

Phantasm é uma franquia “fora do tempo”

Um dos pontos mais importantes é a estranheza temporal da franquia. Phantasm nunca seguiu a lógica industrial comum dos slasher movies dos anos 80:

O primeiro filme é de 1979

Phantasm II só surge 9 anos depois

Os filmes seguintes continuam surgindo com intervalos irregulares

Isso cria um efeito raro: a franquia envelhece junto com seus personagens e com o público. Ao contrário de séries como Friday the 13th ou Halloween, que eram produtos anuais, Phantasm parece existir à margem da indústria, quase como um projeto pessoal e contínuo de Don Coscarelli.

Esse descompasso faz com que Phantasm IV (1998) pareça “errado” à primeira vista. Em um mundo pós-Jurassic Park, American Pie e Godzilla, um filme que soa, parece e se comporta como algo dos anos 70/80 causa estranhamento — e exatamente aí reside sua força.

O primeiro Phantasm já era estranho na época.
Ele não explicava tudo.
Era onírico, confuso, fragmentado.
Parecia mais um pesadelo do que uma história linear.

E conforme os filmes avançam…
eles não ficam mais organizados.
Eles ficam mais quebrados.
Mais melancólicos.
Mais conscientes da própria passagem do tempo.

E aí chega o Oblivion.

Um filme que muita gente rejeita porque reutiliza imagens antigas.
Mas quando você para pra pensar…
isso não é um defeito.
Isso é o próprio tema do filme.

Memória.
Passado que invade o presente.
Fragmentos que não se encaixam perfeitamente.

O personagem lembra, mas lembra errado.
O espectador lembra, mas lembra diferente.

Isso não é um truque barato.
Isso é Phantasm sendo Phantasm.

E no meio disso tudo… tem o Tall Man.
Angus Scrimm.

Cara… poucas figuras do terror envelheceram tão bem quanto ele.
Mesmo quando o filme tropeça,
mesmo quando o orçamento é curto,
mesmo quando a narrativa se perde…

Toda vez que ele aparece em cena, o filme ganha peso.
Ganha presença.
Ganha ameaça.

E tem cenas em Oblivion que, sinceramente, são melhores do que muita coisa de franquia grande por aí.
Aquela sequência quase lovecraftiana, o confronto físico, a sensação de “isso não vai acabar bem”…
Aquilo é horror puro.
Sem pressa.
Sem piadinha.
Sem fórmula.

Angus Scrimm é o coração da franquia.

Assim como Freddy Krueger sustenta A Nightmare on Elm Street, o Tall Man sustenta Phantasm. Independentemente da qualidade de cada filme:

Sua presença é sempre ameaçadora
Seu carisma é estranho, hipnótico e melancólico
Ele carrega um peso quase mítico

Mesmo em Ravager (parte 5, que aqui ficou como "Fantasma: Devastador", em 2016), quando sua saúde já não permitia uma atuação plena, sua presença continua significativa. Revisitar os filmes hoje também é revisitar uma das grandes figuras do horror, construída de forma mais sutil e menos caricata do que muitos vilões da época.

Revisitar Phantasm hoje é perceber que essa franquia não tentou se modernizar à força.
Ela não tentou virar algo que não era.
Ela envelheceu do jeito dela.

E talvez por isso ela converse tanto com a gente agora.
Porque hoje a gente aceita mais o estranho.
Aceita mais o não-linear.
Aceita mais o filme que não mastiga tudo.

Phantasm não é sobre entender tudo.
É sobre sentir desconforto.
É sobre memória falhando.
É sobre envelhecer lutando contra algo que nunca morre.

Então, se você lembra desses filmes como “confusos”,
ou “malucos”,
ou “meio errados”…

Talvez seja exatamente por isso que eles merecem ser revistos hoje.

Porque alguns filmes não envelhecem mal.
Eles simplesmente esperam o tempo certo pra serem entendidos.

E talvez Phantasm nunca tenha sido um filme do ano em que saiu…
mas sim do ano em que você decide voltar pra ele.

Se você já reviu, comenta aí o que você acha.
Se nunca viu, dá uma chance.
E se você odeia… beleza também.

Porque Phantasm nunca foi feito pra agradar todo mundo.

[Crítica] Sr Blake Ao Seu Dispor

2025-12-23T13:39:00.000-03:00

Quando o luto vira gentileza — e o conforto vira limite

Existe um tipo muito específico de filme que não quer te impressionar.
Ele não quer gritar, não quer correr, não quer te sacudir pela gola.
Ele só quer sentar do seu lado, servir um chá quente e perguntar, com educação quase constrangedora:
“Você está bem?”

Sr. Blake ao Seu Dispor é exatamente esse tipo de filme.

John Malkovich interpreta Andrew Blake, um homem que já viveu tudo o que precisava viver — e agora só está sobrevivendo. A morte da esposa não é um gatilho narrativo espetacular, é um vazio silencioso. E isso já diz muito sobre a proposta do filme: aqui, o drama não vem em ondas, vem em goteiras.

Blake volta à França tentando reencontrar algo que não sabe mais se existe. E, por um erro quase cômico — mas nunca caricato — acaba virando mordomo de uma mansão decadente, cercado por pessoas tão quebradas quanto ele. Cada uma à sua maneira. Cada uma fingindo funcionar.

O charme está no humano — e o risco também

O maior acerto do filme é também seu maior risco:
ele aposta 100% em humanidade, e 0% em pressa.

Não há grandes viradas.
Não há discursos inflamados.
Não há catarse hollywoodiana.

O que existe são olhares, silêncios, pequenas vergonhas sociais, desconfortos sutis e uma comédia que surge mais do absurdo da convivência humana do que de piadas propriamente ditas.

John Malkovich está confortável — talvez até demais. Ele carrega o filme com presença, mas não com intensidade explosiva. É um trabalho de contenção. De alguém que já chorou tudo o que tinha pra chorar e agora só anda com os cacos no bolso.

Fanny Ardant funciona como contraponto elegante, quase etéreo. Os personagens secundários existem menos para “arcos” e mais para reflexos. São espelhos quebrados, não trajetórias heroicas.

Por que o filme divide tanto o público?

Porque Sr. Blake ao Seu Dispor não quer agradar todo mundo.
E, ao mesmo tempo, quer ser gentil demais com quem assiste.

Parte da crítica viu charme, sensibilidade e calor humano.
Outra parte viu um filme frouxo, sem ritmo, sem coragem de ir além da própria delicadeza.

E as duas estão certas.

O filme é bonito, mas previsível.
É sensível, mas seguro.
É aconchegante, mas raramente desafiador.

Em alguns momentos, ele parece aquele amigo que tem algo muito profundo para dizer… mas prefere não incomodar ninguém com isso.

O luto como espaço, não como conflito

O luto aqui não é superado.
Ele é habitado.

E isso é honesto.
Mas também limita a narrativa.

O filme prefere ficar nesse estado de suspensão emocional, como se tivesse medo de quebrar o clima. Não há grande confronto interno, apenas pequenas reorganizações afetivas. Isso pode ser lindo para quem está no mesmo estado de espírito — e entediante para quem espera transformação.

Talvez o maior problema seja esse:
o filme termina quase do mesmo jeito que começa, só um pouco menos triste.

Um filme que abraça — mas não empurra

Sr. Blake ao Seu Dispor é um filme sobre continuar vivendo quando já não se espera nada da vida. Ele entende a dor, respeita o silêncio e acredita na gentileza como último gesto de resistência.

Mas também é um filme que evita riscos narrativos, que não se permite ser feio, duro ou verdadeiramente desconfortável. Ele prefere o tom agradável à verdade mais áspera.

Ainda assim, há valor nisso.
Nem todo filme precisa te destruir.
Alguns só querem te acompanhar.

Veredito final

Sr. Blake ao Seu Dispor é uma comédia dramática delicada, bem-intencionada e emocionalmente honesta — mas que joga excessivamente seguro.

Funciona melhor como experiência sensorial tranquila do que como história memorável. É um filme para quem está cansado, não para quem quer ser provocado.

Não é ruim.
Não é incrível.
É humano.

E, às vezes, isso basta. Bonito, gentil… e talvez educado demais para deixar cicatriz.

Nota Yatta: 7 / 10

[Notícias] Rebelde no Brasil: Atores da novela desembarcam em abril de 2026

2025-12-01T11:34:00.002-03:00

**Atores de Rebelde virão ao Brasil em 2026 para o Somos Talks – Edição Rebelde**

Os fãs da icônica novela mexicana Rebelde têm motivos de sobra para comemorar. Em abril de 2026, três atores que marcaram toda uma geração estarão no Brasil para participar do Somos Talks – Edição Rebelde, evento oficial realizado pela Somos. Zoraida Gómez, Karla Cossío e Rodrigo Nehme reencontrarão o público brasileiro em uma experiência repleta de nostalgia, emoção e histórias inéditas.

Três capitais recebem o evento

O encontro acontecerá em um mini–tour por três cidades brasileiras:

São Paulo – 03 de abril, no Immensitá – Wyndham Garden
Rio de Janeiro – 04 de abril, no Américas Barra
Goiânia – 05 de abril, no Teatro Madre Esperança Garrido

Cada edição promete aproximar ainda mais os fãs dos atores que interpretaram alguns dos personagens mais memoráveis da trama original.

Bastidores, memórias e curiosidades

Durante o evento, Zoraida, Karla e Rodrigo irão relembrar momentos marcantes de suas trajetórias, compartilhar histórias exclusivas dos bastidores das gravações e revisitar lembranças da novela que se tornou um fenômeno cultural em diversos países. Será uma oportunidade única para conhecer de perto detalhes que nunca chegaram ao público.

Experiências especiais para os fãs

Além do bate-papo, o público terá a chance de viver momentos inesquecíveis, como:

Sessões de fotos com os atores
Interações especiais durante o evento
A possibilidade de participar de um jantar exclusivo com os artistas

Uma experiência imperdível para quem cresceu acompanhando a novela e continua carregando o carinho por Rebelde.

Um sucesso que atravessa gerações

Mesmo após mais de 15 anos de sua estreia, Rebelde segue conquistando fãs no Brasil. A novela já foi reprisada diversas vezes pelo SBT, sempre registrando altos índices de audiência e renovando sua legião de admiradores. Atualmente, está disponível no Globoplay, onde figura entre as produções mais assistidas da plataforma — prova de que seu legado permanece mais vivo do que nunca.

Ingressos já disponíveis

Os ingressos para o Somos Talks – Edição Rebelde já estão à venda pelo link:

Clique e garanta seus ingressos!

Realização: Somos - @somosassessoria

[Crítica] Wicked: Parte II

2025-11-18T13:10:00.213-03:00

Não surpreende que Wicked: Parte I tenha sido um grande sucesso mundial. O premiado cineasta Jon M. Chu já provou por diversas vezes que conhece a fórmula perfeita para traduzir toda a magia dos palcos para as grandes telas.

Junto de sua amiga de longa data e diretora de fotografia, Alice Brooks, ele trabalhou ao longo de vinte anos, em diversos projetos do gênero (Se Ela Dança, Eu Danço 2 e 3, Em um Bairro de Nova York, Jem e as Hologramas).

Agora, possui a difícil missão de entregar uma conclusão digna para uma obra que arrecadou cerca de US$ 756 milhões (R$ 4 bilhões) mundialmente e recebeu 10 indicações ao Oscar, levando duas estatuetas (Melhor Figurino - Paul Tazewell, e Melhor Design de Produção - Nathan Crowley).

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Podemos definir o mote de Wicked: Parte II como “contrastes e mudanças”.

Isso fica claro ao sermos apresentados a uma Elphaba (Cynthia Erivo) mais madura, empoderada e segura de suas habilidades mágicas, porém reclusa, perseguida, demonizada, e agora conhecida pelos quatro cantos das terras de Oz como a grande Bruxa Má do Oeste.

De pronto, a trama estabelece o clima que irá manter até seus últimos minutos.

Em contraste com a primeira parte, o filme traz um tom mais sério e soturno, cenas de maior foco em ação, planos de câmera mais dinâmicos e efeitos visuais abrangentes.

O longa mantém seu premiado design de produção, com efeitos práticos e pós edição em CGI, uma mesclagem de técnicas que funciona de forma eficiente e coesa em grande parte, mas parece, ainda, que não conversa com a fotografia apresentada, essa que por sua vez lava suas cores e tenta apagar seu charme por meio de uma iluminação defeituosa, principalmente em cenas noturnas.

Dessa vez Oz é apresentada de forma mais ampla ao espectador. Saindo da Universidade Shiz, fora das fronteiras da Cidade das Esmeraldas, somos levados até lugares mais interessantes do mapa.

Além do arco-íris “vivenciamos”, finalmente, a Estrada de Tijolos Amarelos (ainda em construção), a Munchkinlândia e sua arquitetura fantasiosa revestida por arte nouveau e pitadas de steampunk; as profundas florestas de Oz, e o covil de Elphaba em um dos castelos abandonados da família Tigelaar.

Os cenários são sólidos, mas falham em raras ocasiões, já presentes anteriormente, onde extensões em chroma key eram evidentes e a falta de profundidade ficava clara em alguns ambientes.

Com maior tempo de tela, os animais marcam retorno em Wicked: Parte II, e por sua vez, a animação CGI dos personagens é um show à parte. O longa não repete erros de produções recentes, onde animais antropomórficos são retratados de forma extremamente realista, sem qualquer expressão facial ou corporal.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Jon M. Chu tenta manter a obra o mais fiel possível a já vista nos palcos da Broadway, mas fãs mais assíduos do musical percebem com rapidez algumas mudanças.

Com o objetivo de preencher lacunas, explicar contextos, e ganhar um maior peso emocional no enredo – o que o musical acaba deixando de lado por falta de tempo, o diretor adiciona novas interludes, remaneja algumas estruturas, modifica atos inserindo novos personagens e inclui duas novas canções.

No Place Like Home e The Girl in the Bubble, interpretadas por Cynthia Erivo e Ariana Grande, respectivamente, estão presentes para um maior apoio de desenvolvimento de personagem, as humanizando e elucidando sua evolução pessoal desde o início da história, o modo como estão lidando com as consequências de seus atos e relações conturbadas.

Elphaba e sua jornada pelo autoconhecimento, a luta contra a discriminação em Oz, e a causa dos animais silenciados. Glinda - A boa, e seu dilema de menina rica e mimada, vivendo o glamour que a bondade mascarada pode trazer, e finalmente, descobrindo que o mundo não gira em torno de seu pedestal.

Compostas por Stephen Schwartz, premiado compositor americano de teatro, as duas canções integram perfeitamente a trilha do musical, sem muita diferenciação do material original. Embora ótimas novidades, a música interpretada por Erivo soa mais interessante em sua melodia e vocais.

Apesar do esforço do diretor em tentar encaixar situações e deixar as coisas as mais fluídas possíveis, é inegável que algumas cenas pareçam desconexas e perdidas no roteiro, alí só para contextualizar um ponto crucial na trama.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

Assim como no musical, personagens secundários da primeira parte dão as caras por menos de cinco minutos, e logo após são esquecidos sem qualquer tentativa de conclusão ou destino. É o caso de Pfannee (Bowen Yang) e Shen Shen (Bronwyn James), que apenas aparecem em duas cenas.

Dorothy (Bethany Weaver), o grande mistério do elenco, surge de forma resumida – até mais que no musical da Broadway, diria. Não que o filme tente esconder a identidade da garotinha do Kansas, a qual aparece apenas em closes estratégicos e que foquem no que interessa para a trama, como sua chegada, os sapatinhos de Nessarose (Marissa Bode), e o encontro com o Maravilhoso Mágico de Oz (Jeff Goldblum). Mas em momento algum dá abertura para um envolvimento maior.

Como mencionado por Jon M. Chu em uma entrevista a revista digital “TheWrap”, com a intenção de não interferir na imagem que o espectador tem da personagem vinda diretamente da obra original que Wicked foi derivado, e focar em Elphaba e Glinda, decidiu por omiti-la: “Ela é um peão em um jogo que não é dela”, declarou o diretor.

Glinda (Ariana Grande-Butera) recebe um aprofundamento necessário – o arco dramático da personagem está longe de ser considerado raso, mas a atuação deixa a desejar em momentos de maior tensão dramática, onde a atriz não consegue transmitir a emoção do personagem ao público e não convence.

Outros personagens como Fiyero (Jonathan Bailey) e Bok (Ethan Slater), ganham maior relevância e peso no enredo, com números musicais de maior impacto. Curiosamente não necessariamente com maior tempo de tela, mas o necessário para usufruírem de todo o aparato de efeitos especiais da pós da produção.

(Foto: Universal Pictures/Divulgação)

O longa traz o clímax da História não contada das Bruxas de Oz de forma grandiosa.

Mantém o que musical já faz de forma expandida, preenche lacunas que poderiam ser mal compreendidas, aprofunda o que já havia sido desenvolvido e melhora o que o primeiro ato já entregava.

O musical flui de forma natural. Emociona na medida (mesmo que a atuação superficial de Ariana Grande atrapalhe um pouco em cenas de maior impacto, o que é balanceado pela desenvoltura de Cynthia Erivo).

Apresenta os mesmo problemas em fotografia e montagem, tenta evoluir uma coisa aqui e ali, mas não é o suficiente. Nada que atrapalhe os olhos desavisados, mas tem algo que falta na obra, visualmente falando.

O filme funciona perfeitamente mesmo para aqueles que não conhecem nada da história. Deve agradar a fãs de Wicked, musicais no geral, e curiosos que estão experimentando o universo de Oz.

Não é perfeito, mas chega ao ponto do que se propõe. Em comparação a outros musicais, é um dos melhores traduzidos para as telonas.

Wicked: Parte II (Wicked: For Good)

20 de Novembro de 2025 - 137 Minutos - Universal Pictures

País: EUA

Gênero: Fantasia/Musical

Direção: Jon M. Chu

Roteiro: Winnie Holzman, Danna Fox, Gregory Maguire

Elenco: Cynthia Erivo, Ariana Grande-Butera, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum, Jonathan Bailey, Ethan Slater, Marissa Bode, Colman Domingo, Bowen Yang, Bronwyn James

★★★★☆

[Tech] Lexar lança cartões ARMOR GOLD e SILVER PRO SDXC™ com 1 TB e construção em aço inoxidável

2025-11-06T17:59:00.004-03:00

Os novos cartões SD da Lexar elevam o padrão de resistência e desempenho, trazendo design robusto em aço inoxidável e velocidades ideais para criadores que buscam confiabilidade em qualquer ambiente.

San José, CA, EUA — 6 de novembro de 2025 — A Lexar, marca global reconhecida por suas soluções de armazenamento de alto desempenho, acaba de anunciar a chegada da capacidade de 1 TB para seus poderosos cartões ARMOR GOLD SDXC™ e ARMOR SILVER PRO SDXC™. Voltados para fotógrafos, cinegrafistas e profissionais que atuam em campo, os novos modelos combinam durabilidade extrema, rapidez nas transferências e construção premium em aço inoxidável.

Resistência fora dos padrões

Fabricados em aço inoxidável — material 37 vezes mais resistente que cartões SD comuns — os novos modelos foram projetados para sobreviver em condições severas.
Ambos contam com classificação IP68, garantindo proteção contra poeira, água e quedas de até 5 metros. O design sem nervuras e sem o tradicional interruptor de proteção contra gravação proporciona uma estrutura mais limpa e sólida, sem comprometer a compatibilidade com câmeras e leitores.

Desempenho profissional

Os cartões ARMOR GOLD SDXC™ e ARMOR SILVER PRO SDXC™ chegam com velocidade de leitura de até 280 MB/s¹ e classificação Video Speed Class 60 (V60), o que garante gravação estável e contínua de vídeos em resolução 6K.
Com essa taxa de transferência, o processo de captura, backup e edição se torna mais ágil — especialmente quando utilizados com leitores USB 3.2 UHS-II, também compatíveis com os novos cartões.

Mais espaço, menos trocas

A nova capacidade de 1 TB oferece liberdade total para longas sessões de filmagem e sequências contínuas de fotos em alta definição, reduzindo a necessidade de trocar cartões com frequência.
“Projetados para máxima durabilidade, os cartões ARMOR foram criados para resistir a condições extremas sem sacrificar desempenho”, afirma Joey Lopez, Diretor de Marketing da Lexar.
“Com 1 TB de capacidade, os criadores podem permanecer mais tempo em campo, gravar mais material e capturar o momento certo sem interrupções.”

Lançamento e disponibilidade

Lexar® ARMOR GOLD SDXC™ 1 TB — compatível com dispositivos UHS-II e UHS-I, chega ao mercado no final do 3º trimestre de 2025.
Lexar® ARMOR SILVER PRO SDXC™ 1 TB — também compatível com UHS-II e UHS-I, será lançado no 4º trimestre de 2025.
Na América Latina e Brasil, a Lexar confirma a disponibilidade do modelo ARMOR SILVER PRO SDXC™.

Sobre a Lexar

Com mais de 25 anos de história, a Lexar é uma das líderes mundiais em soluções de memória flash. Sua linha premiada inclui cartões de memória, pen drives, leitores, SSDs e módulos DRAM, reconhecidos pela qualidade e confiabilidade em ambientes profissionais e domésticos.

Notas e esclarecimentos

A velocidade máxima de leitura é de 280 MB/s; a de gravação é inferior. O desempenho total é atingido apenas quando utilizado com leitores SD UHS-II. Resultados baseiam-se em testes internos; o desempenho real pode variar. (1X = 150 KB/s).
A garantia vitalícia limitada equivale a 10 anos em países como a Alemanha ou regiões que não reconhecem garantia vitalícia total.

[Cinema] Dollhouse - A Boneca da Casa

2025-10-31T17:08:00.000-03:00

Se você achava que o universo das bonecas sobrenaturais já tinha dado tudo o que podia, prepare-se: Dollhouse (Japão 2025) chega para misturar luto, terror psicológico e um toque de humor subversivo, e entregar uma experiência de J-horror que se alimenta de referências como Ringu, Annabelle e aquele incômodo que só uma boneca pode trazer.

Dirigido por Shinobu Yaguchi — mais conhecido por comédias como Waterboys e Swing Girls — o filme mostra que ele resolveu “pegar pesado” e mergulhar de cabeça no terror.

Ficha Técnica

Título: Dollhouse - A Boneca da Casa
Ano de Produção: 2025
Dirigido Por: Shinobu Yaguchi
Estreia: 6 de Novembro de 2025
Duração: 1h40
Classificação: 14 Anos
Gênero: Terror/Drama
País de Origem: Japão

Sinopse: Yoshie (Masami Nagasawa) e Tadahiko (Kōji Seto) são casal, têm uma filha de 5 anos chamada Mei, que morre num trágico acidente. Devastada, Yoshie compra uma boneca que se parece fisicamente com Mei, como forma de consolo. Anos depois, quando a segunda filha Mai (Aoi Ikemura) cresce, encontra a boneca esquecida — e aí o terror se instala.

O que funciona

Mistura de emoções fortes + sustos
Esse filme não é só feito de sustos baratos: ele investe no luto da mãe, no vazio deixado pela filha, e na ambiguidade entre consolo e obsessão — o que torna a atmosfera bem mais densa que “uma boneca que anda e mata”.
Direção inesperada de Yaguchi
Era algo que ninguém esperava: de comédias feel-good para um terror que joga com o desconforto, o familiar e o bizarro. Isso traz uma camada “estranha” que atualiza o gênero.
Referências culturais e visuais capazes
Elementos típicos do J-horror — bonecas, objetos inanimados que ganham vida, rituais, culpa — são bem usados. Aqui podemos ver “parental grief e spiritual terror” colidindo.

O que peca / onde o filme perde pontos

Pacing e excesso de elementos
Por querer “ter tudo” — humor, família, rituais, mistério, perseguição, boneca, investigação — o filme perde um pouco de ritmo (mas não estraga tanto, apenas deixa mais tenso).
Originalidade limitada
Quem já viu dezenas de filmes de boneca possuída vai reconhecer muitos trópicos: boneca que reaparece, ritual de cremação, criança que encontra o objeto esquecido. Isso não é problema em si, mas o filme não reinventa radicalmente o gênero (mesmo utilizando bem destes elementos).
Susto versus atmosfera
Para quem espera sustos intermináveis, pode achar que o terror aqui está mais em tensão do que em jump scares constantes. Aqui você sente o peso dos sentimentos do casal muito mais do que medo de um fantasma aparecer de repente.

Por que assistir?

Se você ama terror psicológico e não tem problema em que seja “menos sangue, mais mente”, aqui está uma pedrada.
Se gosta de filmes japoneses que misturam cultura, luto e horror, esse se destaca.
Ideal para assistir com amigos que não são hardcore de terror — dá para ser “divertido + assustador” mesmo.

Para quem pode não dar muito certo

Se você quer terror ultra-atual, com sustos em série e roteiro ultra enxuto — talvez ache “ligeiramente previsível”.
Se não curte bonecas ou objetos que viram vilões, fique sabendo que a boneca está no centro da história (obviamente).

Conclusão

Dollhouse consegue fazer algo raro: pegar um diretor reconhecido por comédias e fazê-lo mergulhar no horror com certa confiança, construir uma história que mexe com culpa, perda, objetos simbólicos e o “estranho no lar”. Não é o filme de terror mais revolucionário da história, mas para fãs de J-horror — e para quem gosta de reflexões por trás do susto — funciona muito bem. Altamente recomendado, com pequenas ressalvas.

Lexar apresenta o ES5 Magnetic Portable SSD — o novo padrão de armazenamento portátil compatível com MagSafe

2025-10-27T14:59:00.002-03:00

A Lexar, uma das marcas mais tradicionais e respeitadas no setor de armazenamento digital, acaba de lançar o Lexar ES5 Magnetic Portable SSD, um dispositivo que promete unir velocidade, durabilidade e praticidade em um formato compacto e compatível com o sistema MagSafe. Voltado especialmente para criadores de conteúdo, cinegrafistas e profissionais que dependem de gravações em alta resolução diretamente no smartphone, o novo SSD chega com velocidades impressionantes de até 2000 MB/s tanto em leitura quanto em escrita, e uma proposta clara: ser o companheiro definitivo para produções 4K e 8K em dispositivos móveis.

Um SSD que se prende magneticamente — e não solta a performance

Com o design inspirado na versatilidade dos acessórios MagSafe, o Lexar ES5 pode ser fixado diretamente em iPhones compatíveis ou em qualquer superfície magnética. Essa característica transforma a experiência de gravação e transferência de dados, eliminando a necessidade de cabos pendurados ou bases improvisadas.

O dispositivo vem acompanhado de um anel magnético acessório, que permite adaptar qualquer smartphone — mesmo os que não possuem MagSafe nativo — para usufruir da fixação magnética. Essa flexibilidade é um dos grandes diferenciais do produto, que chega para atender desde usuários de iPhone até donos de aparelhos Samsung da linha Galaxy S.

Potência em movimento: gravações em 4K e 8K sem interrupções

O desempenho técnico é o coração do ES5. Segundo a Lexar, o SSD é capaz de gravar vídeos em Apple ProRes 4K a 120 FPS e Samsung Pro Video 8K a 30 FPS, mantendo estabilidade e integridade de dados durante todo o processo de captura.
Isso significa que o ES5 não é apenas um dispositivo de armazenamento: ele funciona como uma extensão direta da câmera do seu smartphone, abrindo espaço para gravações longas e complexas sem comprometer a qualidade.

Os testes realizados pela fabricante confirmam compatibilidade total com as novas gerações de smartphones, incluindo a série iPhone 17, além de modelos Android de ponta. Para quem grava diretamente em formatos profissionais, como ProRes, a Lexar promete fluxos de trabalho otimizados, sem engasgos ou gargalos de transferência.

Capacidade de até 4 TB e design preparado para o dia a dia

Disponível em versões que chegam até 4 TB de capacidade, o ES5 oferece armazenamento de sobra para projetos de vídeo, música, fotografia e backups completos de dispositivos.

Visualmente, o produto aposta em um design fino e ergonômico, pensado para quem trabalha em movimento. Seu revestimento de silicone líquido garante uma pegada confortável e segura, enquanto o corpo compacto evita o volume excessivo, mesmo quando acoplado a um smartphone.

Mas a elegância vem acompanhada de resistência: o ES5 possui classificação IP65, o que significa proteção contra poeira e respingos d’água, além de suportar quedas de até 3 metros, conforme os testes internos da empresa. Essas características o tornam ideal para gravações em locações externas, sets de filmagem e viagens.

Controle térmico inteligente

Um dos desafios dos SSDs portáteis de alta velocidade é a temperatura. Pensando nisso, a Lexar desenvolveu um sistema de controle térmico integrado, que mantém o dispositivo em temperatura estável mesmo sob uso intenso.
O resultado é uma performance constante, sem quedas de velocidade causadas por superaquecimento — algo essencial para gravações longas em 4K e 8K, que exigem máxima estabilidade de leitura e gravação simultâneas.

Uma ferramenta feita sob medida para criadores

De acordo com Joey Lopez, Diretor de Marketing de Marca da Lexar, o objetivo do ES5 é oferecer aos criadores a liberdade de gravar, editar e armazenar grandes produções sem depender de computadores ou nuvens:

“A SSD portátil Lexar ES5 é compatível tanto com gravação em Apple ProRes quanto em Samsung Video, garantindo que usuários de iOS e Android tenham o armazenamento necessário para filmar, salvar e organizar vídeos em 4K e 8K sem interromper sua criatividade”, afirma Lopez.
“Com até 4 TB de espaço adicional, os criadores têm liberdade total para capturar, editar e exportar toda a jornada de gravação a partir de um único dispositivo.”

Essa visão reforça a estratégia da Lexar de se posicionar como uma marca voltada à comunidade criativa — de cineastas independentes a produtores de conteúdo digital e influenciadores.

25 anos de tradição em inovação

Com mais de duas décadas e meia de história, a Lexar construiu uma reputação sólida no mercado global de soluções de memória. Sua linha inclui cartões de memória, unidades USB Flash, leitores de cartões, SSDs e módulos DRAM, todos reconhecidos por sua confiabilidade e desempenho.
O lançamento do ES5 marca mais um passo na jornada da marca, que segue adaptando sua tecnologia às novas demandas da era móvel e da criação de conteúdo multiplataforma.

Especificações e notas técnicas

Velocidade máxima: até 2000 MB/s (leitura e escrita)¹
Capacidades disponíveis: até 4 TB
Compatibilidade: iPhone 12 e posteriores (MagSafe); gravação externa ProRes em iPhone 15 Pro/Pro Max ou superiores
Resistência: IP65 (poeira e água) e quedas de até 3 metros⁴
Formatos de gravação suportados: Apple ProRes 4K/120 FPS, Samsung Pro Video 8K/30 FPS²
Sistema de controle térmico ativo
Design ultrafino com revestimento em silicone líquido
Compatível com série iPhone 17 e Samsung S25 ou posteriores

¹ Velocidades baseadas em testes internos com dispositivos compatíveis com USB 3.2 Gen 2x2; o desempenho pode variar conforme o hardware e condições de uso.
² Requer dispositivos compatíveis.
⁴ Testes realizados sob condições controladas; danos físicos não são cobertos pela garantia.

O futuro: integração com o Final Cut Camera 2.0

A Lexar já confirmou que testará a compatibilidade do ES5 com o Final Cut Camera 2.0, próxima atualização da Apple que trará suporte ao ProRes RAW. Essa integração deve ampliar ainda mais as possibilidades do SSD em ambientes profissionais de pós-produção, tornando-o uma solução completa da captura à edição.

Conclusão

O Lexar ES5 Magnetic Portable SSD não é apenas mais um acessório tecnológico: ele representa a convergência entre mobilidade, potência e praticidade. Ao unir design inteligente, compatibilidade ampla e desempenho profissional, a Lexar reafirma seu compromisso em fornecer ferramentas que mantêm o ritmo criativo dos profissionais modernos.

Para quem grava, edita e produz conteúdo em qualquer lugar — o ES5 chega como o novo aliado indispensável da criação portátil.

[Entrevista] Lexar na BGs 2025

2025-10-23T03:47:00.004-03:00

E tivemos um bate papo com o Luis Valladares da Lexar, que veio ao Brasil para a BGS 2025, e logo abaixo, transcrito diretamente do vídeo, a entrevista na íntegra!

Jam Station: Para quem talvez não conheça — como você descreveria a Lexar e o mercado de periféricos?

Luis: Bom, a Lexar é conhecida principalmente pelo nosso principal produto, que são os cartões de memória. A Lexar já existe há trinta anos. O produto mais conhecido da marca são os cartões de foto e vídeo — microSD, SD, CompactFlash, CFexpress — todos esses formatos em que já trabalhamos no passado e com os quais continuamos trabalhando até hoje.

Esses cartões cobrem uma ampla variedade de produtos — desde pequenas câmeras de vídeo e câmeras de ação, até câmeras DSLR, mirrorless, equipamentos para criadores de conteúdo e até mesmo celulares. Temos uma ampla gama de suporte na indústria.
E não apenas isso: também oferecemos as velocidades mais altas possíveis disponíveis no mercado atualmente.

Jam: Que bom saber disso. E eu gostaria de saber: quais são as principais inovações que vocês estão trazendo nos produtos mais recentes?

Luis: O principal produto que lançamos recentemente — e uma das maiores novidades — é o microSD Express. É um novo formato de microSD de altíssima velocidade. A Lexar foi uma das primeiras a lançar esse produto. O principal dispositivo atualmente compatível com esse formato é o Nintendo Switch 2.

Fomos os primeiros a lançar cartões com suporte ao microSD Express para ele. Mas o mais importante é que não lançamos apenas cartões rápidos — lançamos também capacidades que ninguém mais oferecia. Fomos os primeiros a lançar cartões de 512 GB e 1 TB, algo que até hoje muitos concorrentes ainda estão tentando alcançar.

Então, a inovação da Lexar está em oferecer não apenas desempenho, mas também a capacidade que nossos clientes precisam.

Jam: E como a Lexar equilibra desempenho, design e durabilidade nos periféricos?

Luis: Isso é sempre um desafio, certo? No fim das contas, sempre existe um equilíbrio a ser feito — você precisa decidir o que é mais importante para a sua necessidade.

A forma como equilibramos isso é simples: criamos produtos em várias faixas de velocidade, para atender diferentes tipos de usuários.
Por exemplo: você pode precisar apenas de um cartão de 100 MB/s — não necessariamente de um microSD Express.
Então, fabricamos cartões para esse nível também, o que proporciona uma solução mais acessível e econômica.

Mas, se você precisa de velocidades mais altas ou mais capacidade, nós também temos essas opções.

A Lexar é única porque oferece quatro ou cinco classes de velocidade diferentes em cada categoria de produto.
Dessa forma, garantimos que exista uma opção ideal para cada cliente.

Em termos de suporte e garantia, a qualidade é resultado do nosso próprio design. Nós desenvolvemos nossos produtos internamente, o que nos permite garantir que sejam robustos e confiáveis — mantendo ao mesmo tempo preços competitivos, equilibrando qualidade, desempenho e custo.

Jam: O mercado de games e criação de conteúdo está crescendo muito rápido. Como a Lexar está se adaptando para atender esse público?

Luis: A Lexar sempre foi uma empresa que lidera em inovação. E, realisticamente, o mundo dos games e o dos criadores de conteúdo são bem diferentes — embora se misturem. Existem muitos criadores de conteúdo no universo dos games, mas as necessidades de um gamer e de um criador de conteúdo são diferentes.

A Lexar é conhecida há muitos anos no segmento de foto e vídeo, e os criadores de conteúdo fazem parte disso. Então, o que fazemos é garantir que estamos sempre na frente em inovação.

Por exemplo: aqui no estande temos um produto chamado Lexar Professional Go, que é um SSD externo feito especialmente para uso com iPhone.
Ele permite gravar diretamente do celular para o SSD, sem usar a memória interna do aparelho.
Além disso, o dispositivo permite conectar microfones, luzes e baterias externas, oferecendo uma solução completa para criadores de conteúdo.

No mundo dos games, acontece algo parecido. Os gamers têm perfis muito variados — alguns precisam de muita capacidade, então oferecemos SSDs de 2 TB e 4 TB.
Mas também oferecemos diferentes velocidades, porque nem todo jogo precisa de 7.000, 8.000 ou 15.000 MB/s. Depende do tipo de jogo e da experiência desejada.

Então, oferecemos produtos que cobrem todas essas necessidades.
Em resumo: quando você vem até a Lexar e conhece nossos produtos, vai perceber que temos uma opção para praticamente qualquer cliente. Se você precisa de uma solução de armazenamento específica, nós temos o produto certo pra você.

Jam: O que diferencia a Lexar de outras marcas que oferecem acessórios e dispositivos de armazenamento semelhantes?

Luis: Então, a Lexar se orgulha da sua inovação, mas não apenas disso. Também nos orgulhamos da ampla variedade de produtos que oferecemos.
A Lexar sempre será uma das primeiras empresas a lançar os cartões e unidades mais rápidos do mercado. Mas a maior diferença entre nós e nossos concorrentes está exatamente nessa variedade.

Como mencionamos antes, na linha de cartões para foto e vídeo, por exemplo, temos seis ou sete classes de velocidade diferentes, oferecendo várias opções para o cliente.
A maioria das marcas concorrentes tem apenas uma ou duas velocidades, e só.
Nós somos diferentes porque cobrimos uma faixa muito mais ampla de necessidades.

Além disso, somos uma empresa de armazenamento que atua em todos os segmentos:
temos SSDs, memórias DRAM, pen drives USB, SSDs externos, e também cartões para foto e vídeo profissionais. No fim das contas, cobrimos uma linha de produtos muito mais extensa do que qualquer outro fabricante de armazenamento que você encontra no mercado.

Jam: E quão difícil foi desenvolver, por exemplo, aquele cartão microSD de 1 terabyte para o Nintendo Switch 2?

Luis: Olha, o desafio é grande. Quando você atinge velocidades e capacidades como as do microSD Express, precisa projetar soluções com base na qualidade da memória flash usada.

Para conseguir colocar 1 terabyte no espaço físico de um cartão microSD, é preciso trabalhar com tecnologias específicas de memória flash. E para isso, você precisa criar os controladores, todo o suporte de hardware e firmware que faz aquilo funcionar.

O desafio está em garantir velocidade, capacidade e confiabilidade ao mesmo tempo.
E isso envolve vários fatores: temperatura, durabilidade, memória com múltiplas camadas, interação entre o controlador e o chip, e até o design físico dos conectores.

Mas uma coisa importante: a Lexar foi a primeira empresa a lançar um cartão microSD de 1 TB compatível com o Nintendo Switch. E agora, seremos também os primeiros a lançar uma versão para o Switch 2, com essa mesma capacidade. Atualmente, somos a única empresa que oferece 1 TB. As outras ainda estão em 256 GB, porque não conseguiram resolver a complexidade técnica necessária para isso.

Jam: E o novo cartão vai funcionar também no primeiro Switch, ou só no Switch 2?

Luis: O microSD Express não é retrocompatível. Ele usa um controlador e um design específicos, então não funciona em slots de microSD comuns. Você precisa de um slot próprio — que é justamente o que vem no Switch 2.

Jam: Entendido. E o quanto o feedback dos usuários é importante no processo de desenvolvimento da Lexar?

Luis: É muito importante. Nós atuamos globalmente e mantemos canais ativos nas redes sociais, além dos nossos sites regionais. Recebemos bastante retorno dos clientes dessas plataformas — mas não só depois do lançamento.

Nós trabalhamos junto com diferentes tipos de clientes durante o desenvolvimento dos produtos, para entender exatamente o que eles precisam. Esse feedback direto é o que guia nossos projetos.

Depois de ouvir os consumidores, começamos a desenhar as soluções. Se percebemos que algo precisa mudar — pode ser um simples ajuste de firmware ou até uma mudança no design físico —, nós fazemos. Se houver um problema, como superaquecimento, tratamos imediatamente. Mas tudo isso parte do feedback dos clientes, que é essencial para nós.

Jam: Você pode compartilhar alguns projetos ou parcerias futuras que os fãs devem ficar animados para ver?

Luis: Tem várias coisas vindo aí. Já lançamos produtos como o microSD Express, e no ano passado, na BGS, mostramos o Lexar Professional Go. Mas sim, estamos preparando novidades.

Podem esperar SSDs ainda mais rápidos, e novas linhas de memórias DRAM em diferentes formatos e capacidades. Agora, realisticamente falando... (risos) tem alguns projetos que, se eu te contar, vou ter que te matar!

Jam: (risos) E qual é a visão da Lexar para o futuro da tecnologia de periféricos nos próximos anos?

Luis: Nossa visão é continuar sendo uma empresa de armazenamento completa. Trabalhamos constantemente com nossos parceiros e fabricantes, como foi o caso do microSD Express, onde colaboramos com as empresas que adotariam o padrão antes mesmo do produto ser lançado.

Nosso papel é garantir que tenhamos o maior número possível de formatos, cobrindo o máximo de segmentos do mercado.

Por exemplo: no caso do CFexpress, existem os tipos A e B. Trabalhamos de perto com marcas como a Sony, que usa o tipo A, e também com Canon e Nikon, que usam o tipo B. Ou seja, adaptamos nossas soluções a cada padrão.

Também acompanhamos as novas gerações de memória, como a DDR5. Ela existe há mais de um ano, mas só começou a ser realmente adotada em 2024 e 2025. No início, tínhamos uma ou duas opções; hoje já temos seis ou sete modelos diferentes. Conforme o mercado cresce, nós expandimos junto com ele.

Jam: E por fim — você consegue imaginar um futuro em que alguém tenha um servidor doméstico todo feito com microSDs de 1 TB?

Luis: (risos) Essa é uma boa pergunta! Há várias soluções sendo exploradas, mas, sinceramente, acho que não será com microSDs. O mais provável é que isso aconteça com sistemas RAID de drives NVMe, que estão se tornando o padrão.

O que está acontecendo hoje é que os HDs mecânicos, apesar de baratos, são muito lentos. Então o mercado está migrando para armazenamento de alta velocidade.

O que vemos para o futuro é o crescimento tanto da capacidade quanto da velocidade. E tudo isso de forma localizada — seja em servidores pessoais ou PCs de alto desempenho.

Outro fator importante é a evolução da resolução de vídeo: cada vez que passamos de 1080p para 4K, ou de 4K para 8K, o espaço de armazenamento não dobra — cresce de forma exponencial.

Então hoje, alguém dizer “tenho 8 TB ou 10 TB” ainda é impressionante, mas no futuro estaremos falando em 30, 40, 50 terabytes como algo comum.

Em resumo, o mercado de armazenamento vai continuar crescendo em velocidade e capacidade — e a Lexar quer estar sempre à frente dessa evolução.

Jam: Muito obrigado!
Luis: Que isso, o prazer foi meu. Obrigado!

[BGS25] Jogamos o novo Bubble Bobble - Sugar Dungeons

2025-10-19T12:00:00.091-03:00

Imagine um cenário fantástico com castelos, montanhas e florestas feitas de biscoitos e sorvetes, onde um dragãozinho verde com espinhos amarelos corre soltando bolhas pela boca a torto ea direito, atravessando portais dimensionais em forma de rosquinhas decoradas e fugindo de doces fofinhos recém saídos de uma confeitaria.

Isso pode parecer a descrição de um sonho muito louco ou uma alucinação visual saída de um motor de AI moderno, mas é apenas a premissa de Bubble Bobble: Sugar Dungeons, novo game da clássica série Bubble Bobble da desenvolvedora japonesa Taito, que nasceu nos arcades na década de 80 e continua brilhando nos consoles até os dias atuais.

Disponível no estande da Arc System Work — sua distribuidora internacional — durante a Brasil Game Show 2025, a versão demo do jogo apresentou de forma assertiva ao público as novidades que estarão presentes na nova aventura do carismático dragão bolha, Bub.

Calabouços aleatórios e novas habilidades:

Se mantendo inventivo, simples e divertido, o game traz a jogabilidade clássica da série, mas agora revitalizada com maior fluidez e a adição de elementos inéditos.

O jogador pode se locomover livremente pelos cenários laterais, inflar bolhas que podem ser usadas para confinar inimigos e logo após explodi-los, ou como plataformas para acessar áreas altas e escondidas dos estágios.

Itens como tesouros e frutas ainda se fazem presentes espalhados pelas salas, mas desta vez com uma maior função do que apenas somarem um score para o jogador. Por meio do inventário, Bub pode infundir diferentes itens para modificar os elementos e funções de suas bolhas, e os mesmos podem ser usados para upgrades e novas habilidades num novíssimo sistema de skills estratégico.

Diferentemente de títulos anteriores, em Sugar Dungeons o embate com os inimigos é opcional, não sendo mais necessário a derrota de todos de certa área do calabouço para poder avançar para a próxima — a não ser que o jogador queira coletar sugareess, a moeda corrente do game — apenas encontrar um portal rosquinha localizado em uma das extremidades da sala.

Falando em calabouços, é interessante destacar que o game é o primeiro na série a trazer um sistema rogue lite, ao estilo Spelunky. Quer dizer, os cenários e inimigos são gerados de forma aleatória, trazendo sempre uma nova experiência a cada visita.

Na vitrine da confeitaria:

Com cenários vibrantes e detalhados, cores pastéis contrastantes Bubble Bobble: Sugar Dungeons mantém o visual kawaii que carrega desde seu primeiro título, com personagens cartunescos e animações super deformadas, mas desta vez com uma roupagem diferente da habitual, em “alto teor de açúcar”. Explico: a direção visual do game foi toda pensada para emular doces, desde os personagens, até os elementos da interface.

Aliás, vale ressaltar que as artes bidimensionais, como os retratos exibidos em caixas de diálogos, são infinitamente mais interessantes que sua contraparte tridimensional.

O jogo possui modelos 3D pouco detalhados, com texturas “lavadas”, iluminação demasiada, e animações sutis mas bem executadas. Não chegam a destoar dos cenários que são em grande parte tiles 2D pré renderizados, mas deixam a desejar para a geração atual.

Sonoramente o jogo traz novos temas e remixes de músicas já conhecidas levando um quê nostálgico ao público.

Os efeitos sonoros são poucos, mas eficientes em traduzir com clareza as ações vistas em tela.

As linhas de diálogos não possuem dublagem; os personagens no máximo exprimem balbucios típicos, o que não é uma grande perda para o estilo.

Bubble Bobble: Sugar Dungeons chega em 27 de Novembro de 2025, com versões físicas e digitais para Playstation 5 e Nintendo Switch; apenas digital para PC (Steam).

Prós:

• Gameplay simples e divertida;

• Calabouços e inimigos procedurais, ganhando maior fator replay;

• Sistema de upgrade de skills;

Contras: • Não há localização PT-BR;

• Gráficos simplistas demais para a geração atual;

• Aspectos mínimos da versão PC razoavelmente altos;

[Música-Games] Street Fighter 6 faz parceria musical com Cavalera Conspiracy

2025-10-16T00:50:00.004-03:00

Street Fighter 6 Faz Colab Com A Banda Cavalera Conspiracy Grava Música Original Para O Lançamento da Roupa 4 do Personagem Zangief

Matéria por: João Rafael "Kakashi"

A banda Cavalera, que conta com os ex-membros do Sepultura Max (guitarra, vocal) e Igor "Iggor" Cavalera (bateria), gravou uma nova música original chamada "Piledriver" para celebrar o lançamento da Roupa 4 de Zangief em "Street Fighter 6", o jogo de luta e ação desenvolvido pela Capcom. A Roupa 4 de Zangief estará disponível em 15 de outubro junto com a personagem DLC C. Viper e uma colaboração com a visual novel "Banshee's Last Cry" da Chunsoft, de 1994. Um equipamento especial de avatar com o logo da banda Cavalera também estará disponível gratuitamente.

[Crônica] Teorias Perturbadoras de Terror Que Você Nunca Deveria Saber

2025-10-13T23:45:00.003-03:00

Sabe aqueles filmes de terror que te deixam com aquela sensação estranha?

Aquela sensação de que tem algo ali… além do que a gente tá vendo?

Às vezes, o verdadeiro horror não tá na tela.

Tá nas entrelinhas.
Nas ideias escondidas, nas metáforas, nas mensagens que… talvez, a gente nunca devesse entender completamente.

Alguns desses filmes foram feitos pra isso mesmo.
Pra provocar, pra cutucar, pra deixar a gente desconfortável…
Porque o terror, quando é bem feito, ele não só assusta.
Ele faz a gente pensar.

E quando você finalmente entende o que tá acontecendo…
O medo muda de lugar.
Ele sai da tela… e entra na sua cabeça.

1. Mary Poppins e Pennywise são a mesma criatura

Parece loucura, né?
Mas pensa comigo.

Os dois descem do céu.
Aparecem sempre pra lidar com crianças.
E quando vão embora… ninguém lembra direito do que aconteceu.

Mary Poppins chega com guarda-chuva, cantando, sorrindo, e transformando a rotina das crianças em algo mágico.
Pennywise aparece com balões, dançando, rindo… antes de devorar quem chega perto demais.

Os dois representam forças que moldam a infância.
Mas uma desperta alegria… e a outra, medo.

E se forem a mesma coisa?
A mesma entidade, alternando entre luz e sombra?

Pense: Mary surge quando a família tá em crise, quando as crianças tão tristes, confusas.
Ela traz felicidade, mas… sempre com uma sensação estranha, quase manipuladora.
Ela canta, sorri, muda a realidade à vontade… e depois desaparece, como se nunca tivesse existido.

E Pennywise faz o mesmo — só que do outro lado da moeda.
Ele se alimenta do medo, aparece a cada 27 anos, muda de forma, brinca com as crianças antes de matá-las.

Dois polos de uma mesma energia — uma que se alimenta da emoção humana.
Um demônio emocional.
Um vampiro de sentimentos.

Mary Poppins suga alegria. Pennywise suga terror.
E ambos, de alguma forma, deixam as pessoas vazias quando vão embora.

É como se fossem entidades cósmicas, existindo desde sempre, aparecendo em formas diferentes… pra se alimentar de nós.
De tudo o que sentimos.

E o mais assustador é perceber que talvez… o bem e o mal não sejam opostos.
São apenas lados diferentes da mesma fome.

2. “Nope” é sobre anjos, não alienígenas

Agora vamos pra Nope, do Jordan Peele.
Um dos filmes mais enigmáticos e simbólicos dos últimos tempos.

Todo mundo pensa que o bicho no céu é um OVNI, né?
Mas e se… não for isso?

A criatura não tem forma definida.
Ela se comporta mais como um ser vivo do que como uma nave.
E o modo como ela age lembra muito as descrições dos anjos bíblicos — aqueles seres do Antigo Testamento, que não têm asas de pena nem rostos bonitos.
Eles eram descritos como criaturas de múltiplos olhos, com formas impossíveis de entender, e que, só de olhar pra eles, as pessoas já enlouqueciam.

E quando você olha pro “OVNI” de Nope… é exatamente isso.
Algo que não deveria ser visto.

No Velho Testamento, anjos vinham pra punir os humanos que tentavam desafiar o divino.
E em Nope, o que acontece?
O ser aparece, e todos que tentam explorá-lo, filmá-lo, tirar vantagem… são devorados.

Não é uma invasão alienígena.
É um julgamento.

A gente tá acostumado a ver o terror vindo de fora — mas Nope mostra o contrário.
Mostra o que acontece quando o ser humano tenta domesticar o sagrado, transformar o mistério em espetáculo, e o desconhecido… em conteúdo.

O terror de Nope não é extraterrestre.
É espiritual.
É o horror de brincar com o divino, achando que pode controlar o que tá além da compreensão.

3. “Um Lugar Silencioso” é uma crítica à própria humanidade

Agora… Um Lugar Silencioso.
Todo mundo fala das criaturas, do silêncio, da tensão…
Mas quase ninguém fala sobre o que elas podem simbolizar.

E se aquelas criaturas não fossem alienígenas?
E se fossem criações humanas?

Pense: elas são cegas, rápidas, perfeitas na caça, e reagem ao som.
Parece até que foram feitas em laboratório, né?
Uma arma biológica que fugiu do controle.

A humanidade criou a ferramenta da própria extinção.

Isso transforma o filme completamente.
Deixa de ser um simples terror de invasão e vira uma metáfora sobre arrogância.

Porque, no fundo, Um Lugar Silencioso é sobre o preço da ciência sem consciência.
Sobre como a busca pelo poder pode destruir tudo.
É uma parábola moderna, onde o castigo vem não do espaço… mas das nossas próprias mãos.

O filme mostra uma família tentando sobreviver num mundo que a própria espécie destruiu.
E o silêncio vira o símbolo da culpa.
O silêncio que resta depois da destruição.

O verdadeiro terror ali não é morrer…
É perceber que fomos nós que causamos tudo.

4. O verdadeiro monstro é o trauma

Essa é uma das minhas favoritas.

Filmes como Oculus, Halloween 2018 e The Lighthouse têm algo em comum:
O mal… não vem de fora.
Ele mora dentro das pessoas.

Em Oculus, o espelho não é mágico.
Ele é um símbolo da loucura familiar.
Um reflexo do que as pessoas não querem ver em si mesmas.

Em Halloween, Laurie Strode passou 40 anos tentando se livrar de Michael Myers.
Mas ela também virou refém dele.
A vida dela gira em torno do próprio medo.
E no fim… eles se tornam iguais.
Ambos vivem em função do trauma.
Ambos são definidos por ele.

E em The Lighthouse… as coisas ficam ainda mais estranhas.
Dois homens presos num farol, enlouquecendo aos poucos.
Mas e se eles não forem dois?
E se forem o mesmo homem, em conflito com ele mesmo?

Tudo ali é simbólico: o farol, a luz, o isolamento.
É a culpa tomando forma.
É o castigo mental de alguém que já não sabe mais quem é.

Esses filmes mostram que o horror verdadeiro não vem de monstros.
Vem do peso que a gente carrega.
Do que a gente reprime.
Do que a gente finge que não sente.

O trauma… é o monstro que nunca morre.

5. O inferno é pessoal

Agora, essa última parte… é pesada.

Em Krampus, ninguém morre.
Eles são punidos.
Presos num loop eterno, vivendo o mesmo Natal pra sempre — o Natal que eles estragaram com egoísmo e falta de amor.
É o castigo perfeito: reviver pra sempre o momento do erro.

Em It Follows, a maldição que persegue as pessoas pode ser só uma representação da culpa sexual.
Algo invisível que te acompanha, que nunca te deixa em paz, até você aceitar o que fez.

E em Men e Skinnamarink, o inferno vira casa.
Um lugar familiar que de repente se torna estranho.
As paredes se fecham, o tempo não passa, e tudo que era seguro vira ameaçador.

Esses filmes falam sobre o inferno interno.
Sobre viver preso dentro da própria mente.
Sobre o castigo que vem de dentro — e não de fora.

O inferno não tem fogo, nem demônios com tridentes.
O inferno é psicológico.
É o eco da própria consciência.
É o arrependimento, o trauma, o vazio.

E quanto mais a gente tenta fugir… mais fundo ele puxa.

Conclusão

O terror mais assustador…
não vem dos monstros.
Nem dos fantasmas.
Nem dos demônios.

Vem daquilo que a gente guarda aqui dentro.
Das culpas, dos medos, dos segredos que a gente nunca contou pra ninguém.

E quando os filmes de terror tocam nessas verdades…
eles deixam de ser apenas histórias.

Eles viram espelhos.
Espelhos do inferno… que existe dentro de nós.

Porque, no fim das contas…
o terror mais perturbador…
não é o sobrenatural.

É o humano.

Genshin Impact: Versão “Luna II” chega em 22 de outubro com o lançamento oficial do sistema UGC Miliastra Arcanum

2025-10-12T07:18:00.003-03:00

Atualização traz o aguardado Miliastra Arcanum, novos capítulos em Nod-Krai e a estreia de Nefer como personagem jogável

Singapura, 10 de outubro de 2025 — A HoYoverse anunciou oficialmente a chegada da versão “Luna II” de Genshin Impact, intitulada “Canção da Lua Nova — Bis: Ecos do Luar Esquecido”, com lançamento marcado para 22 de outubro.
Entre os destaques da atualização estão o lançamento do sistema UGC Miliastra Arcanum, novas histórias na região de Nod-Krai, e a estreia de Nefer, uma nova personagem jogável de 5 estrelas. Além disso, personagens muito aguardados, como Varka e Arlecchino, também farão seu retorno.

Miliastra Arcanum: criatividade e aventura em um novo sistema UGC

O Miliastra Arcanum é o novo sistema de criação de conteúdo de Genshin Impact, que chega trazendo centenas de fases inéditas para os jogadores explorarem.
Disponível para todos que concluíram a missão “Prólogo: Ato I – O Forasteiro que Voa a Favor do Vento”, o sistema permite mergulhar em uma ampla variedade de experiências — desde simulações de gestão e minijogos de festa até batalhas PvP e desafios de aventura.

Os jogadores poderão se unir a amigos ou competir entre si, explorando fases que contam com sistemas de conquistas, rankings e classificações globais, incentivando a busca por novas estratégias e habilidades.

Personalização completa e recompensas no Arcanum

Dentro do Arcanum, os jogadores são representados pelos Manequins, avatares totalmente personalizáveis. É possível ajustar o cabelo, traços faciais, acessórios e roupas, criando um visual único tanto no Arcanum quanto em Teyvat.
As peças de vestuário podem ser misturadas livremente ou aplicadas em conjuntos predefinidos com um clique.
Eventos e missões especiais dentro do sistema oferecerão cupons de teste de vestuário, novos conjuntos e recompensas exclusivas.

Caixa Miliastra: torne-se um Artesão e crie suas próprias fases

Com a Caixa Miliastra, os jogadores poderão assumir o papel de Artesãos e criar suas próprias fases utilizando os diversos recursos de Genshin Impact.
A ferramenta oferece módulos personalizáveis, componentes interativos e sistemas de lógica que permitem criar experiências únicas, desde desafios simples até modos de jogo complexos.
A HoYoverse também disponibilizará tutoriais oficiais, fórum dedicado e um Plano de Incentivo que recompensará os criadores de fases em destaque.

Nova Missão do Arconte e rostos familiares retornam

A versão “Luna II” também marca a chegada de uma nova Missão do Arconte, que continua a história contra Rerir, o Vingador da Lua.
O Grande Mestre Varka finalmente faz sua aparição para ajudar na batalha, enquanto personagens icônicos dos Fatui — Serva e Marionette — se juntam inesperadamente à causa.
Guiados por Damselette, os jogadores contarão com o auxílio de Nefer, da Curadoria dos Segredos, para descobrir os mistérios por trás da obsessão de Rerir.
Concluir a missão principal renderá aos jogadores 560 Gemas Essenciais adicionais.

Nefer: a nova personagem Dendro de 5 estrelas

Nefer chega como uma personagem Dendro de 5 estrelas que utiliza um Catalisador e apresenta uma nova mecânica de Dano de Florescimento Lunar.
Com sua Habilidade Elemental, ela absorve Orvalho Verdejante, transformando seus Ataques Carregados em ataques especiais que não consomem Stamina.
Quando o grupo atinge o estado de Reluzir Cheio, Nefer pode converter Núcleos Dendro em Núcleos da Falsidade, aumentando ainda mais seu poder ofensivo.

Como chefe da Curadoria dos Segredos, Nefer também tem o dom de perceber os segredos ocultos das pessoas — informações que podem ser trocadas na Guilda de Aventureiros por histórias secundárias exclusivas.

Orações e eventos da versão “Luna II”

Na primeira fase das Orações, Nefer será destaque ao lado do retorno de Furina.
Na segunda metade, Arlecchino e Zhongli voltam aos banners.

Outros eventos e missões sazonais também estarão disponíveis, incluindo novas tarefas de Damselette, que concedem recompensas raras, o estado de Reluzir Cheio, um Cartão de Visita exclusivo, e a chance de recrutar Collei gratuitamente em Sumeru.

Disponibilidade e plataformas

A versão “Luna II” de Genshin Impact estará disponível a partir de 22 de outubro em PlayStation®, Xbox, PC, Android e iOS, com progressão cruzada e modo multijogador habilitados.
O jogo é classificado como T (Adolescente) pela ESRB no PS5, Xbox, PC e Google Play, e 12+ no iOS.

Para mais informações, visite o site oficial genshin.hoyoverse.com ou siga @GenshinImpact no X (Twitter), Instagram e Facebook.

A Versão 2.3 "Memórias de Sonhos Passados" do Zenless Zone Zero será lançada no dia 15 de outubro. Explore as misteriosas histórias de terror!

2025-10-12T07:10:00.000-03:00

Junte-se à facção Casa Paranormal e explore as misteriosas histórias de terror que ecoam na Esfera Negra. A nova versão do Zenless Zone Zero traz novos modos de jogo, Figurinos de personagens e recompensas generosas.

29 de setembro de 2025, Singapura. A marca global de entretenimento interativo HoYoverse anunciou hoje que a Versão 2.3 "Memórias de Sonhos Passados" do RPG de ação e fantasia urbana Zenless Zone Zero será lançada oficialmente no dia 15 de outubro. Nesta atualização, os jogadores se juntarão à Casa Paranormal para explorar uma região recém-desbloqueada, as "Colinas do Passado". Um local onde lendas misteriosas ecoam pela Esfera Negra abandonada. Lúcia, Yidhari e Komano Manato se juntam ao campo de batalha como novos Agentes, além de trazer novas mecânicas de jogo, novos Figurinos para Vivian e Komano Manato, e uma rica variedade de eventos.

A nova área "Colinas do Passado" é famosa por suas ricas reservas de lumita, onde se encontram instalações de pesquisa abandonadas e Ruínas do Campo de Testes. Ali, histórias de terror começaram a surgir: mineiros que desapareceram no miasma, o som de sinos ecoando na Esfera Negra, criaturas que espreitam a mente humana e hipnotizadores capazes de arrastar pessoas para os sonhos. Vários rumores assombram este lugar e uma nova aventura começa com o desaparecimento de mineiros e funcionários da Porcelumex, obrigando os Proxies a entrar na Esfera Negra para revelar uma perturbadora verdade.

Os novos integrantes da Casa Paranormal não são somente especialistas em histórias de terror, mas também possuem várias habilidades de combate. Como uma entusiasta fervorosa do Etéreo, Lúcia, Agente de Assistência de Éter Classe S, pode recriar imagens de Etéreos durante o combate. Ao acumular Pontos Oníricos, ela consegue entrar no estado Onírico e ativar o Véu de Éter: Nascente, aumentando o Máx. de PV de toda a equipe enquanto aumenta o dano de Força Bruta dos aliados ou ativa Ataques Subsequentes para ampliar o dano da equipe. Yidhari, Agente Destruidor de Gelo Classe S, possui um estilo de combate que combina risco e resistência. Ela aumenta sua Força Bruta com base em seu Máx. de PV, e todo o dano de Gelo causado por suas habilidades é Dano Bruto, ignorando a defesa do inimigo. Quanto mais baixa sua % de PV, maior o dano causado, tornando crucial o equilíbrio entre consumo e recuperação de PV. Além disso, Komano Manato se juntará ao campo de batalha como Agente Destruidor de Fogo Classe A, com ataques que aumentam a Força Bruta baseados no Máx. de PV. Por último, as Agentes de Classe S Vivian (Anomalia de Atributo de Éter) e Ju Fufu (Atordoador de Fogo) retornarão nesta versão.

O Zenless Zone Zero continua trazendo muito conteúdo variado e uma experiência de combate otimizada para os jogadores. Na Versão 2.3, a Soldado N.º 0 - Anby terá suas mecânicas de dano ajustadas através da liberação de potencial, melhorando sua experiência de combate e liberando ainda mais seu potencial de batalha. O novo modo de jogo "Simulação do Limiar" oferece aos jogadores um desafio duplo de combate e estratégia, onde os Proxies precisarão treinar várias equipes para resistir a situações complexas de batalha. O evento "Quando Sonhos Permanecem Inacabados" introduz um sistema de combate em turnos, onde os Proxies podem controlar monstros de diferentes raças e utilizar várias táticas em batalha, com a possibilidade de obter gratuitamente o Agente Komano Manato ao completar o evento. Além disso, o popular evento de fotografia de batalha "Clique! Investida Brilhante" retornará com aprimoramentos, oferecendo ângulos de câmera mais livres e diversos filtros e molduras, proporcionando uma experiência ainda mais rica.

Com o avanço da história de Nova Eridu, o Zenless Zone Zero revela um vislumbre do futuro aos jogadores. Os Agentes Banyue, Dialyn, Zhao e Ye Shunguang se juntarão a essa jornada em um futuro próximo. Para agradecer aos Proxies por embarcarem nesta aventura que está prestes a começar, além de Gravação Original Criptografada ×10 e Boopon ×10, os Proxies também poderão resgatar um bônus de Policromo ×600 durante a Versão 2.3.

A Versão 2.3 "Memórias de Sonhos Passados" do Zenless Zone Zero será lançada no dia 15 de outubro para PlayStation®5 Pro, PlayStation®5, Xbox Series X|S, Xbox Cloud Gaming, PC, iOS e Android. O jogo recebeu classificação Teen da ESRB e PEGI 12. Para mais informações, visite https://zenless.hoyoverse.com/ ou siga @ZZZ_PT_BR no X.

Sobre Zenless Zone Zero

Zenless Zone Zero é um ARPG de fantasia urbana da HoYoverse, no qual um desastre conhecido como Esfera Negra destruiu a sociedade moderna. Nova Eridu, a última metrópole remanescente, se ergueu contra as probabilidades em meio a essa catástrofe destrutiva e se tornou a único da civilização contemporânea restante. No jogo, os jogadores assumirão o papel de "Proxy", liderando os aventureiros que irão explorar as imprevisíveis Esferas Negras. Ao longo do caminho, juntamente com personagens únicos, os jogadores irão se aventurar nas Esferas Negras, enfrentando inimigos, completando missões e desvendando os mistérios por trás de Nova Eridu.

[HorrorExpo25] Lisa Wilcox: 5 Curiosidades de A Hora do Pesadelo 4

2025-10-08T17:11:00.000-03:00

Lançado na virada da década de 80, o quarto episódio do clássico de terror slasher A Hora do Pesadelo 4 - O Mestre dos Sonhos (Nightmare in Elm Street 4 - The Dream Master), marcou época trazendo um novo ciclo de pesadelos para a saga do onírico vilão Freddy Krueger, o retorno de personagens já conhecidos e queridos pelo público — e o sutil surgimento de uma das mais carismáticas e emblemáticas protagonistas da franquia, Alice Johnson — vivida por Lisa Wilcox.

A seguir, cinco curiosidades sobre os bastidores do longa. Confira:

1. Lisa não foi cogitada inicialmente para o papel de Alice:

Considerada “bonita demais” para interpretar uma personagem tão introvertida, tímida e vulnerável, Wilcox teve a sua primeira rejeição para o papel após a avaliação de seu portfólio fotográfico enviado por seu agente para os produtores do filme. Loiríssima e com o físico de uma cheerleader. Definitivamente nada do que buscavam para uma “final girl” que precisaria evoluir com a trama.

O papel de protagonista foi o último a ser definido durante a pré-produção do projeto. Concorrido entre mais de 600 candidatas, Lisa não teve sua chance de teste de cena até praticamente todas as outras opções estarem esgotadas.

2. Alice Johnson foi como seu “presente de núpcias”:

Após algumas semanas de espera, o telefonema com o retorno positivo do teste de Lisa ocorreu exatamente no dia de seu primeiro casamento em Março de 1988, faltando algumas horas para subir ao altar, o que acarretou posteriormente em uma Lua de Mel bem resumida e com seu então marido nada feliz com a situação.

3. Escrito nas estrelas:

O Mestre dos Sonhos teve suas gravações iniciadas no dia 27 de Abril de 1988, coincidentemente a data do aniversário da atriz.

4. A ordem dos fatos:

De forma de lidar com a disponibilidade de agenda de todos os envolvidos no filme, as cenas do roteiro não eram filmadas em ordem cronológica, o que Lisa afirma ter sido um desafio árduo porém recompensador para manter a consistência técnica e evolução de sua personagem.

5. I could smell the smoke. I could feel the heat from the fire:

Algumas cenas e falas de personagens foram improvisadas e escritas pelos próprios atores devido a paralisação de roteiristas que afetou a indústria de audiovisual Hollywoodiana em 88 e fez com que diversas produções ficassem estagnadas.

Lisa recorda que muitos dos diálogos entre Alice e Rick foram completamente escritos por ela e seu parceiro de cena, Andras Jones.

A frase “Posso sentir a fumaça. Sinto o calor do fogo. Isso não é um sonho!” é considerada uma de suas favoritas.

Recentemente a atriz esteve presente como atração internacional na Horror Expo 2025, ocorrida nos últimos dias 4 e 5 de Outubro no Centro de Eventos São Luís em São Paulo.

A entrevista exclusiva com a atriz para a Jam Station pode ser vista logo abaixo:

Em breve.

A Jam Station na Horror Expo 2025:

Em breve.

[Música] The Monkees - Um Legado Incrível

2025-09-30T02:07:00.000-03:00

Quem foram The Monkees, e por quê são tão importantes para a música e para a Cultura Pop?

1. Contexto antes dos Monkees

Hoje eu vou contar a história de uma banda que nasceu como um roteiro de TV, mas acabou virando algo que ninguém esperava: uma banda de verdade. E não uma banda qualquer, mas um dos maiores fenômenos da música pop dos anos 60. Eu tô falando dos Monkees. Ou como alguns diziam na época: os ‘Beatles de brinquedo’. Só que, ironicamente, eles acabaram vendendo mais discos que os Beatles e os Rolling Stones juntos em 1967. Quem é de brinquedo agora?

Imagina só… é 1964. Os Beatles pisam nos Estados Unidos e viram um terremoto cultural. A Beatlemania não era só música — era corte de cabelo, roupa, jeito de falar. De repente, tudo tinha que ser jovem, rápido, engraçado, com sotaque britânico. E claro, a televisão americana, que nunca perde uma chance de copiar o que dá certo, pensou:

‘Por que não criar o nosso próprio Beatles… só que de laboratório?’"

Pensa comigo: naquela época, a TV era cheia de sitcoms familiares, casais perfeitos, vizinhos engraçados. Mas nada realmente voltado pros adolescentes. Era como se os jovens fossem invisíveis. Então a ideia dos produtores Bob Rafelson e Bert Schneider foi simples: criar uma série sobre quatro garotos atrapalhados, tentando ser uma banda de rock. Meio comédia pastelão, meio aventura, mas sempre com música. Um Frankenstein televisivo costurado em cima da sombra dos Beatles.

Sim, os Monkees começaram como uma ficção. Mas a ficção, às vezes, é mais poderosa que a realidade. E aqui a gente vai mergulhar fundo: desde os bastidores da série, as comparações inevitáveis com Beatles, Beach Boys, Byrds, passando por músicas que nasceram quase sem querer e viraram clássicos… até chegar nos paralelos com boybands modernas, tipo Backstreet Boys e até K-pop. E claro, não dá pra esquecer a vida solo de cada um deles — incluindo alguns filmes B maravilhosamente ruins que o Micky Dolenz topou fazer depois. Porque aqui no Corte Brutal, a gente não passa pano: a gente mostra o sucesso, mas também o ridículo.

2. Criação da série/Como surgiram – o “plano Beatles”

Pra entender os Monkees, você precisa lembrar o impacto dos Beatles em 1964. A Beatlemania explodiu, todo mundo queria ter seu próprio grupo que vendesse milhões. E na TV americana, produtores pensaram: ‘E se a gente não procurar músicos… mas sim atores, que podem interpretar músicos?’ Ou seja: não importa se os caras tocam ou não. Importa se eles têm carisma de tela. Esse foi o conceito. Uma série de TV sobre uma banda fictícia.

E sabe o que é mais louco? Esse formato não era novidade absoluta. Os Beatles já tinham feito dois filmes de comédia musical: A Hard Day’s Night e Help!. A diferença é que os Beatles eram músicos que viraram atores, enquanto os Monkees eram atores que virariam músicos. É quase como se o roteiro tivesse sido invertido. E, ironicamente, deu certo.

E aí começa a fase mais divertida: os testes de elenco. Centenas de candidatos apareceram. Gente de todo tipo: atores, músicos, malucos, caras que só estavam lá porque leram o anúncio no jornal. O casting era caótico, mas os produtores queriam algo bem específico: quatro tipos diferentes que, juntos, seriam explosivos.

Os testes de elenco dos Monkees viraram lenda. Mais de 400 jovens fizeram audições. O anúncio no jornal pedia ‘quatro malucos, músicos ou não’. E apareceram de tudo: gente tentando imitar Beatles, surfistas estilo Beach Boys, e até uns que mais pareciam figurantes de faroeste. O objetivo era encontrar quatro personalidades diferentes que juntas formassem um grupo atrativo. Algo meio… Beatles meets The Three Stooges.

E os escolhidos foram… Davy Jones, o britânico bonitinho com cara de galã teen. Micky Dolenz, o ex-ator mirim que já tinha rodagem em TV. Michael Nesmith, o cara mais sério, texano, que já compunha músicas próprias. E Peter Tork, o hippie de verdade, músico de barzinho, indicado pelo Stephen Stills. Sim, o Stephen Stills do Crosby, Stills & Nash. O cara foi chamado, não passou, mas disse: ‘Chamem meu amigo, ele é bom’. E chamaram o Peter.

Nenhum dos quatro se conhecia de antes. Cada um tinha sua bagagem, mas nenhum era famoso de verdade. Só Davy Jones tinha um pezinho na Broadway. Ele já tinha feito teatro musical em Londres e até apareceu no Ed Sullivan Show na mesma noite que os Beatles estrearam na TV americana. Ou seja, o cara já tava no lugar certo na hora certa. Uma coincidência de ouro

E é engraçado ver os depoimentos em documentários… o Micky sempre dizia que entrou porque era o único que conseguia ser engraçado sem roteiro. O Nesmith já falava que só foi porque precisava do cheque. O Davy dizia que se via como um astro inevitável. E o Peter… bom, o Peter só queria tocar. Cada um já tinha uma visão diferente desde o início.

3. Primeira fase: o fenômeno televisivo

A série estreia em 1966… e pá!… sucesso imediato.

Era colorida, rápida, cheia de cortes ousados. Misturava humor físico, sátira de espionagem, ficção científica e até faroeste.

Cada episódio tinha números musicais, que eram basicamente… clipes. Isso antes mesmo da MTV existir. Então sim, de certa forma, os Monkees inventaram o videoclipe sem querer.

E claro, veio a avalanche de marketing. Bonecos, figurinhas, lancheiras, revista em quadrinho… qualquer coisa que pudesse ter a cara deles, tinha. Era a Disney antes da Disney dominar tudo. E o público adolescente foi à loucura.

Só que… tinha um problema. O público comprava, mas a crítica não. Pra imprensa séria, os Monkees eram… uma fraude.

4. O dilema da banda de mentira

E aí chegamos ao ponto mais polêmico. Nos primeiros discos, os Monkees não tocavam nada. As músicas eram escritas por compositores de estúdio, gravadas por músicos profissionais.

Eles só botavam a voz — e olhe lá.

Don Kirshner, o produtor, tratava o grupo como marionetes. Chamava compositores de peso, como Neil Diamond e Carole King, e garantia que os hits estivessem prontos. ‘Last Train to Clarksville’, ‘I’m a Believer’… tudo feito na fábrica. O público amava, mas os jornalistas logo perceberam: 'peraí, eles nem são uma banda de verdade!'

E isso começou a incomodar os próprios Monkees. Em entrevistas, o Dolenz dizia: ‘Eu via aquilo como um trabalho de ator. Interpretar um músico era só mais um papel.’ Já o Nesmith odiava. Pra ele, era humilhação. Ele queria gravar suas músicas, mostrar que tinha talento. E o Peter Tork estava do lado dele. Já o Davy Jones… bem, ele estava feliz em ser ídolo teen. Ele gostava dos holofotes, ponto.

E aí vem a parte mais deliciosa dessa história: os produtores queriam apenas uma banda fictícia, mas os Monkees começaram a se rebelar. Eles não queriam só dublar músicas gravadas por músicos de estúdio. Eles queriam tocar. Queriam compor. Queriam ser uma banda de verdade. Michael Nesmith era o mais teimoso nesse ponto — ele dizia em entrevistas: ‘A gente tá vendendo discos como uma banda, então deixem a gente ser uma banda’. Peter Tork também era músico de verdade, tocava piano e baixo. E Micky Dolenz, que começou como ator mirim, se virou na bateria. Era meio desengonçado no começo, mas aprendeu rápido. Resultado: eles viraram uma banda de verdade na marra.

A primeira música de impacto dos Monkees foi Last Train to Clarksville. Escrita por Tommy Boyce e Bobby Hart, que eram basicamente os ‘fornecedores de hits’ da série. Se você ouvir com atenção, dá pra perceber que Last Train to Clarksville é quase um clone estilizado de Paperback Writer dos Beatles. Só que com uma pegada mais folk-rock, no estilo dos Byrds. Ou seja, eles eram uma colagem de influências que já faziam sucesso. Só que o público… amou.

Outra música icônica é I’m a Believer, escrita por Neil Diamond. Olha o nível da coisa: Neil Diamond, que depois viraria um dos maiores artistas dos EUA, estava escrevendo músicas pros Monkees antes de estourar por conta própria. E I’m a Believer foi número 1 por semanas. Não dá pra chamar de ‘banda de mentira’ quando você tem esse tipo de repertório, certo?

Aliás, "I'm a Believer" ainda teve uma "sobrevida" dupla curiosa: nos anos 90 teve uma versão em português, de sucesso, por Lulu Santos, e também teve uma versão modernizada para a saga de SHREK.

5. A revolta interna

Voltando aos anos 60, a coisa estava andando, até que a corda estourou.

Nesmith ficou tão irritado que chegou a confrontar Don Kirshner numa reunião. E a frase entrou pra história: ‘Com esse dinheiro, você pode comprar uma nova gravata… mas não o meu respeito.’ O cara quase partiu pra cima do chefão. E isso virou o ponto de virada.

O resultado foi o álbum Headquarters, em 1967. Pela primeira vez, os quatro tocaram de verdade. Escreveram, tocaram instrumentos, brigaram no estúdio, mas fizeram um disco só deles. E o som mudou: ficou mais folk-rock, mais experimental, mais cru. Foi quando os Monkees deixaram de ser fantoches e começaram a ser uma banda de verdade.

Se os Beatles eram a inspiração óbvia, os Monkees também beberam da fonte dos Beach Boys e dos Byrds. Por exemplo, Pleasant Valley Sunday, escrita por Gerry Goffin e Carole King, tem um estilo muito próximo dos Byrds, com guitarras brilhantes em 12 cordas. Já algumas harmonias vocais dos Monkees lembram diretamente os Beach Boys, só que de uma forma mais pop, menos sofisticada. Enquanto Brian Wilson tava surtando no estúdio criando Pet Sounds, os Monkees estavam gravando hits de 2 minutos e meio. Mas adivinha? Venderam milhões. O mercado não premia necessariamente a genialidade, premia o que gruda na cabeça.

Agora, pensa comigo: os Monkees foram praticamente a primeira boyband mainstream. Só que sem coreografia ensaiada. Se fosse hoje, eles estariam competindo com BTS, EXO, ou sei lá, Stray Kids. A diferença é que, em vez de dança sincronizada, eles tinham episódios de TV com piadas pastelão. Ou seja: onde hoje você teria TikToks coreografados, nos anos 60 você tinha um episódio dos Monkees tropeçando num sofá. Evolução ou involução? Aí depende do seu gosto.

E outra: será que as boybands atuais conseguem dizer que venderam mais que Beatles e Stones juntos em um único ano? Não né? Pois é. O ‘fake’ venceu.

6. O filme Head (1968)

E aí vem um dos capítulos mais loucos dessa história: o filme Head.

Co-escrito por ninguém menos que… Jack Nicholson. Sim, o futuro Coringa, o cara de O Iluminado.

O filme era uma desconstrução total da imagem dos Monkees. Surreal, psicodélico, cheio de críticas sociais, cenas sem sentido, e basicamente dizendo: ‘Nós sabemos que vocês acham que somos falsos… e vamos rir disso na sua cara.’

O resultado? O público adolescente não entendeu nada. O filme foi um fracasso total. Mas anos depois, virou cult. Hoje é visto como uma das coisas mais ousadas que a indústria pop já tentou fazer. Só que na época, foi o começo do fim.

7. O fim da série e a fragmentação

Depois disso, a série foi cancelada. O interesse caiu.

Peter Tork foi o primeiro a sair, cansado da bagunça.

Nesmith tentou seguir carreira solo, fundou uma banda de country rock e até se envolveu na criação de videoclipes anos depois.

Dolenz e Davy ainda tentaram manter a chama acesa, mas era impossível.

O mito dos Monkees estava se desfazendo. Eram vistos como uma moda passageira, um truque de televisão.

8. Reuniões e nostalgia

Mas os Monkees nunca morreram de verdade.

Nos anos 80, a MTV começou a reprisar os episódios. Uma nova geração descobriu a série, e isso reacendeu o interesse.

Eles fizeram turnês nostálgicas, lançaram compilações, e cada vez que voltavam, aparecia uma leva de fãs novos.

Claro, as brigas internas nunca acabaram. Jones e Dolenz eram os mais abertos pra ganhar dinheiro com nostalgia. Nesmith sempre relutava, só aceitava voltar de vez em quando. E o Peter… bom, ele era aquele hippie que topava, mas reclamava.

A morte de Davy Jones em 2012 foi um choque. Mas mesmo assim, os outros continuaram. Em 2016, lançaram o álbum Good Times!, com músicas escritas por gente moderna, como Rivers Cuomo, do Weezer, e Noel Gallagher. E sabe o que é engraçado? O disco foi elogiado! Parecia que os Monkees tinham encontrado de novo sua razão de existir.

E antes de morrer em 2021, Nesmith ainda fez uma turnê com Dolenz. Foi a despedida. Uma espécie de 'final feliz' pro cara que sempre brigou contra o sistema, mas no fim entendeu que o legado era maior do que ele mesmo.

9. Carreiras Solo - cada um por si

Michael Nesmith:

Depois dos Monkees, o Nesmith seguiu carreira country-rock. Ele basicamente antecipou o som que depois seria popularizado pelos Eagles. Gravou discos respeitados, fez turnês, e ainda ficou milionário porque a mãe dele inventou… a fita corretiva Liquid Paper. Sim, aquele branquinho de apagar caneta. Às vezes, o rock não paga as contas, mas a papelaria paga.

Peter Tork:

O Tork foi o mais hippie do grupo. Tocava vários instrumentos, participou de jams com grandes músicos dos anos 60, mas nunca alcançou um sucesso solo muito grande. Ele acabou virando uma espécie de ícone cult, sempre lembrado como ‘o músico sério preso numa banda fake’.

Davy Jones:

O Davy Jones seguiu carreira de cantor romântico, aparecendo em programas de TV e até em Brady Bunch. Ele virou o Monkee mais associado à imagem de galã teen. Até em Os Simpsons ele apareceu, como piada, cantando ‘Girl’. Davy era o coração romântico da banda.

Micky Dolenz:

O Micky foi o que mais se manteve ativo no entretenimento. Ele virou dublador, fez direção de TV e cinema, e estrelou alguns filmes B hilários, tipo Night of the Strangler e Teen Alien. Sabe aquele tipo de filme que você aluga na locadora achando que vai ser sério e descobre que é quase uma paródia involuntária? Pois é, Micky Dolenz tava lá.

10. O legado cultural

E o que ficou dos Monkees? Eles provaram que uma banda fabricada podia se tornar real. Inventaram o videoclipe sem querer. Influenciaram a linguagem pop da TV, da música, da moda. E abriram um debate que até hoje existe: o que é autêntico em arte?

Se você começa falso, mas depois encontra sua voz… você ainda é falso? Ou você se torna verdadeiro pelo processo?

No fim das contas, os Monkees provam uma coisa: às vezes, a mentira dá mais certo que a verdade. Eles nasceram como uma invenção, mas a insistência deles em se tornarem músicos reais transformou o projeto numa banda histórica. O paralelo com boybands modernas é inevitável: será que algum grupo de K-pop vai conseguir quebrar esse estigma e virar algo além de um produto? Talvez sim, talvez não. Mas os Monkees já mostraram que é possível.

E eu vou ser sincero: entre ver mais um reality de K-pop e reassistir a série dos Monkees com aqueles cortes rápidos e piadas nonsense, eu fico com os Monkees. Porque no fundo, a vida já é tão caótica que rir de quatro caras fingindo ser músicos é quase… reconfortante.

E é isso que torna os Monkees tão fascinantes.

Eles são uma das bandas mais 'Corte Brutal' da história. Porque nasceram como produto, mas acabaram virando arte. E até hoje dividem opiniões, mas nunca deixam de ser lembrados com carinho.

[Show] SAULO FERNANDES RETORNA A SÃO PAULO COM PROJETO "SAULO, SOM E SOL"

2025-09-03T23:39:00.003-03:00

A festa marca o esquenta oficial do verão na capital paulista

No próximo dia 28 de setembro, o cantor e compositor baiano, Saulo Fernandes, desembarca na capital paulista para mais uma edição do “Saulo, Som e Sol”. O evento será realizado na casa de show Varanda Estaiada, a partir das 14h, abrindo oficialmente o esquenta do verão em São Paulo. O projeto “Saulo, Som e Sol” já passou pelas principais capitais do país, como: Salvador, Rio de Janeiro, Recife, Aracaju, Maceió e Fortaleza. No segundo semestre de 2025, Saulo Fernandes retorna sua turnê para preparação do carnaval e verão baiano. “Estou muito feliz de poder voltar a São Paulo com esse projeto que transborda alegria, amor e levar axé music para a galera. São Paulo sempre me recebeu de braços abertos e cantar aqui é especial demais”, conta Saulo.

“Saulo, Som e Sol” edição São Paulo é uma idealização do apresentador e empresário Betinho - pioneiro do axé music na capital paulista - e do empresário musical Fábio Ponte. “Esse é um dos nosso primeiro projetos juntos, e ainda, no segundo semestre deste ano iremos trazer outras grandes festas baianas aqui para capital”, afirma o apresentador e empresário Betinho. O abadá / ingresso pode ser adquirido pela plataforma de ingresso ticket 360.

Informações complementares:

- 28/09, às 14hs, Varanda Estaiada - Avenida Magalhães de Castro, 6118 - Cidade Jardim, São Paulo. Ingressos a partir de R$ 165.

“Esse show conta com a modalidade de ingresso solidário, o público pode adquirir esse ingresso com desconto mediante a entrega de 1kg de alimento não perecível na entrada do evento, exceto sal e fubá".

10 Motivos para Você Não Perder a Brasil Game Show 2025

2025-08-13T10:54:00.000-03:00

Entre os dias 9 e 12 de outubro, o Distrito Anhembi, em São Paulo, será novamente o epicentro dos games na América Latina. A Brasil Game Show (BGS) volta com convidados de peso, atrações inéditas e experiências para todos os gostos. Aqui vão dez razões para colocar o evento na sua agenda.

1. Palestras e anúncios no BGS Conference

O BGS Conference abre a programação com painéis e apresentações de grandes nomes da indústria, trazendo novidades, bastidores e discussões sobre o futuro dos jogos.

A BGS Conference destaca-se como um dos pilares da Brasil Game Show, abrindo a programação do evento com uma série de painéis e apresentações de grandes nomes da indústria de jogos, tanto nacionais quanto internacionais. Durante a conferência, os participantes têm a oportunidade de aprofundar-se nas últimas novidades do setor, obter acesso exclusivo aos bastidores do desenvolvimento de grandes títulos e participar de discussões enriquecedoras sobre o futuro dos jogos eletrônicos.

Será que a SNK trará novidades após seu sucesso de estande na edição anterior?

A programação da BGS Conference é cuidadosamente curada para abordar uma ampla gama de tópicos, desde as tendências de mercado e novas tecnologias (como realidade virtual e inteligência artificial) até os desafios da produção de jogos, design, monetização e estratégias de e-sports. Os palestrantes, que incluem desenvolvedores renomados, executivos de grandes publishers, designers de jogos independentes e influenciadores digitais, compartilham suas experiências, insights e visões para o amanhã do universo gamer.

Além das palestras e painéis, a BGS Conference frequentemente oferece sessões de perguntas e respostas, workshops interativos e oportunidades de networking, permitindo que profissionais da área, estudantes e entusiastas troquem conhecimentos e façam contatos valiosos. É um espaço privilegiado para entender as dinâmicas da indústria, identificar oportunidades e antecipar as próximas grandes inovações que moldarão a forma como jogamos e interagimos com os games.

2. O retorno de Hideo Kojima

O lendário criador de Metal Gear e Death Stranding volta ao Brasil para sua segunda participação na BGS. Além de reencontrar os fãs, ele participará de sessões especiais, compartilhando histórias e visões únicas sobre o desenvolvimento de games.

3. Naoki Hamaguchi e o universo Final Fantasy

Diretor de Final Fantasy VII Remake, Hamaguchi promete compartilhar curiosidades e detalhes sobre a criação de um dos RPGs mais icônicos da história.

4. Yoko Shimomura, a “musa” das trilhas sonoras

Compositora de temas marcantes como Kingdom Hearts, Street Fighter II e Final Fantasy XV, Yoko estará presente para falar sobre sua carreira e seu processo criativo.

5. PlayStation The Concert

Um espetáculo sinfônico reunindo músicas inesquecíveis dos jogos da PlayStation, com arranjos grandiosos que prometem emocionar.

6. “A New World: Intimate Music from Final Fantasy”

Concerto intimista com arranjos especiais de Final Fantasy, perfeito para quem quer reviver , ou conhecer algumas das trilhas mais amadas da franquia.

7. Área Indie Games

Espaço dedicado aos estúdios independentes, onde é possível jogar títulos autorais, conversar com os criadores e descobrir projetos inovadores. Uma oportunidade de apoiar e conhecer o que há de mais criativo no cenário nacional e internacional.

8. Cosplays e desfiles temáticos

Concursos e desfiles com cosplayers que dão vida a personagens de todos os estilos e épocas, transformando os corredores da BGS num verdadeiro espetáculo visual.

9. Meet & Greet

Momentos exclusivos para tirar fotos, pegar autógrafos e trocar uma ideia com dubladores, streamers, influenciadores e personalidades do mundo dos games.

10. Testes e lançamentos exclusivos

Os grandes estúdios e desenvolvedores independentes apresentam demos jogáveis, conteúdos inéditos e ativações criativas, garantindo experiências que só quem está lá pode ter.

Créditos de imagens

Algumas das imagens de divulgação utilizadas neste artigo são de autoria e propriedade da Brasil Game Show (BGS) e foram extraídas do site oficial do evento. Uso destinado exclusivamente para fins editoriais e informativos.

⚡ BGS 2025: Uma imersão total na cultura gamer

2025-08-06T19:10:00.000-03:00

Prepare-se para viver algo além dos games. A Brasil Game Show 2025, que acontecerá de 9 a 12 de outubro no Distrito Anhembi, em São Paulo, vai muito além de lançamento e jogatina: é uma verdadeira celebração da cultura digital, arte, música e conexão coletiva no universo gamer.

🏗️ Uma nova era: cinco pavilhões conectados

Pela primeira vez, a BGS ocupará todos os cinco pavilhões do Distrito Anhembi, um centro de eventos com pé-direito alto, acessibilidade aprimorada e circulação fluida — perfeito para ativações ousadas, estandes criativos e experiências imersivas que dialogam com todo tipo de público.
“A mudança tem como principal objetivo oferecer uma experiência ainda mais marcante… oferecer ao público mais conforto…” afirma Marcelo Tavares, CEO da BGS.

🎶 Quando música e games se unem

Dois concertos inesquecíveis prometem efetivamente elevar este evento ao patamar de festival:

PlayStation | The Concert: estreia na América Latina nos dias 11 e 12 de outubro, com orquestras oficiais executando trilhas de The Last of Us, Ghost of Tsushima, Horizon e God of War, conduzidas por compositores originais.
A New World: intimate music from FINAL FANTASY: pela primeira vez na América Latina, temas clássicos de Final Fantasy serão apresentados em versão chamber-orquestral, com a participação do diretor Naoki Hamaguchi.

🌐 Muito além da diversão: comunidade, carreira e negócios

A BGS 2025 reforça seu papel como conexão entre comunidades, indústria e inovação:

Networking estratégico: ambiente business com pitchs, rodadas de parcerias e prospecção de investimentos;
Espaço social inclusivo: iniciativas voltadas para diversidade, acessibilidade e diálogos sobre cultura gamer;
Indie Arcade: estúdio independente em destaque, buscando engajamento com público e publishers;
Campus Gaming: nova área com oficinas, workshops e estandes universitários especializados em game design, trilha sonora, arte e produção — ideal para quem quer seguir carreira na indústria.

📌 Resumo prático

Item	Detalhes
Datas	9 a 12 de outubro de 2025
Local	Distrito Anhembi – Av. Olavo Fontoura, 1209, São Paulo (SP)
Horário	Das 13h às 21h
Dia 9	Exclusivo para imprensa, negócios e portadores de credenciais especiais
Ingressos	Vários modelos (unitário, passaporte, premium), vendidos no site oficial da BGS
Credenciamento	Disponível agora, com prazo até 19 de setembro

🔥 Por que essa edição promete?

A BGS 2025 não será só mais uma feira de games. Será uma convergência intensa de experiências: onde o som encontra o pixel, onde cultura digital tem voz, e onde o Brasil se posiciona como palco de futuros criativos. Seja profissional, fã ou criador — este ano, a BGS vai ser o seu lugar.