YERBA MALA CARTONERA

Reseñas YMC. Un cúmulo de ficciones en saltos

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Tue, 25 Aug 2026 16:13:11 +0000

Por Serena Vargas

Un salto de circunstancias como un cuerpo de cuento en cuento que explora la necesidad de vivir disfrazada en intentos de suicidio, drama, abandono, relaciones de convivencia y cuidado complejas. Necesidad de salir de bucles cotidianos, intensidades de tiempos pasados en objetos, perros, héroes animalescos que salvan al mundo desde su rareza, o la necesidad de entrar en paralelismos opuestos a la vida misma para revolver a la magia de algo tan simple y poético como cuatro panes… y así saltar de ficción en ficción una y otra vez.

Hace unas semanas leí la antología de los ganadores del III Concurso de Cuento «Crispín Portugal», organizado por la Yerba Mala Cartonera. Si bien me considero una lectora lenta, es porque me gusta tomar tiempo para disfrutar del trazado de palabras, imágenes y sensaciones en un texto y cómo estas tienen la potencia de llevarte a lugares, sensaciones dialécticas, paradojas o percepciones de una realidad que puede volverse alterna o paralela a la tuya, considerando a estos paralelismos como la magia que ejerce un libro en las manos. De esta forma, al comenzar a leer la propuesta de Daniela Calani, es remarcable la potencia de la primera línea: «Otro día sin sol», una metáfora bastante atractiva y poéticamente visual en Granizo, donde nos narra un tedio y la monotonía de una vida sumergida en expectativas sociales casi estructurales como sacadas de un guion algorítmico a las que el cuerpo se predispone, pero del cual buscamos salidas desde algo bastante particular. Calani usa en este cuento la espera, pero no como esa espera de la llegada predecible de un amor romántico, de un otro que te va a traer un sentido a la vida, sino a ese algo mágico que sucede en la vida, un encuentro, una llamada o una relación compleja (destinada a fracasar o no), algo que rompa con la odiosa y aburrida simetría de la monotonía y te haga encontrar esos matices que necesitan los tediosos días grises, para hallar en esos mismos el impulso que tiene el cuerpo para seguir viviendo. Por otro lado, al seguir con Máquina Sublime pasamos de una atmósfera completamente grisácea a un relato con una visualidad en rojo, lo suficientemente seductora como fatalista, los encuentros imaginarios, pero casi predecibles desde la intensidad del contacto entre dos, la forma en la que la miran, se perciben y las intenciones casi animalescas o bestiarias que tienen al compartir la intimidad, a lo que me deja la pregunta: ¿Está la intimidad en el cuerpo o en las intenciones de la mente?

Siguiendo la lectura, Miguel del Carpio da un salto deleitándonos con una propuesta de conversación que acerca la monotonía de la vida compartida, de su tiempo y peso, de estar atrapado en un bucle cotidiano y esos impulsos tímidos e íntimos para saltar (o salir) de un bucle infinito, con esta misma lógica de la fuerza de lo cotidiano, Del Carpio nos muestra en Vajilla una escena pintoresca de una relación de cuidado mutuo, sumida en las tensiones y en detalles domésticos, contada desde la primera persona, pero con una tensión que se acumula en años de una vida compartida y los intentos de ambos personajes para saltar de un bucle de vida. El autor nos narra los cuentos desde una primera persona para adentrarnos de forma honesta al lugar de sus personajes y tensiones. Desde este punto, Nathan Leaño nos invita a dar un brinco completamente opuesto en Un pretencioso siglo XXV. Lejos de ser un cuento de ciencia ficción, nos atrapa con postales visuales acerca del fracaso entendido como el impulso que tiene el cuerpo de mantenerse con vida. Si bien se habla de suicidio, tenemos un personaje que nos presenta sus intentos fallidos y al azar como ese impulso que tiene el cuerpo para mantenerse con vida, esto con un realismo casi futurista, pero teñido con algo de humor e ironía en segunda persona. Asimismo, en Mordelón el autor nos relata también en segunda persona la rareza de un ser de otro mundo o de un interespecie, una suerte de héroe imperfecto, asimilado como un casi villano por su estado animal casi salvaje, en un pueblo donde su presencia se toma con un suspenso inquisidor, Leaño nos hace conocer a un ajusticiador que libera de la maldad al mundo desde sus impulsos animales.

Si bien a este punto de la antología se cree que las intensidades han ido al límite, Fabricio Lobatón nos trae Viejo Perro, un cuento que se desliza desde lo hiperrealista y poético, narrado con la visualidad de escenas familiares en crisis, tensiones generacionales, abandonos, rabia, toda una vida en tiempos pasados, pero que se sobreentienden en las sensaciones del cuerpo y los objetos del lugar dejando un peso conceptual en la interrelación de lo doméstico, la vida misma y el cuerpo animal. Debo decir que me encantan los textos que conllevan rarezas o me invitan a destramar lo dicho entre líneas. Dos Mil te trae realismo puro casi contado en doble pantalla, no solo porque jugamos con la visualidad de videojuego, sino porque te transporta a la cotidianidad de quienes se adentran a un universo completamente distinto al propio para encontrar paralelismos en su universo, a la dureza de una vida casi en ruinas donde tanto la madre como el hijo viven el ahora desde una condición casi estoica, pero debo decir que lo más interesante de esta propuesta fue el giro realista que va más allá de la fatalidad, un giro en la historia a través de algo tan simple, pero cargado de tanto afecto y poesía como cuatro panes para mirarse entre sí y seguir viviendo los días.

Reseñas YMC. Retratos de una realidad incómoda.

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Wed, 19 Aug 2026 03:30:37 +0000

Por: Christian Rivero

DALENA CALANI

Encuentro los relatos de Dalena bastante ricos en la forma de su escritura, especialmente en los puntos en los que convergen temática y soledad, que engloban a ambos personajes y los llevan a tomar acciones que pueden ser cuestionables. El nivel de detalle en los sentimientos y pensamientos de sus personajes es simplemente enriquecedor. Gran mensaje de salud mental en Granizo, que muestra la realidad de personas que viven incómodas con sus propias realidades, y por otro lado el efecto contrastante con Máquina Sublime, donde la cruda realidad solitaria supera el pensamiento y se vuelve acción, detonando en ambos la idea de una salida fácil y poco sutil. Hay muchos aspectos en el segundo cuento que simplemente te mantienen en la orilla de la silla, atento a lo siguiente que puede pasar.

MIGUEL CARPIO

Miguel nos presenta aquello que es tan común en el entorno, pero con un giro algo satírico. En el primer cuento, la no conexión dentro de una relación oculta consigo un problema de confianza y determinación por dejar ir aquello que se ha vuelto una costumbre. Por otro lado, en Vajilla, el desenlace determina una acción de “liberación”, por así decirlo, de aquello que apresa al personaje. En ambos cuentos se muestran los aspectos humanos, lo que le da mucha riqueza al relato: aquellas emociones sin filtros y detalles sórdidos e incómodos que se ocultan en la mayoría de los casos dentro de cuatro paredes, temas principales como el desgaste y la costumbre dentro de un escenario que debería ser de amor entre dos personas.

NATHAN LEAÑO

Interesante comparación de la depresión humana con los “defectos” mecánicos de un androide. Ese contraste en el relato le da sentido a la conexión entre ambos cuentos. Me gustó mucho ese toque contemporáneo que estamos viendo en este momento, hemos pasado del realismo mágico al realismo incómodo. Aspectos del horror latinoamericano se ven en la pluma de Nathan, no es la primera vez que leo sus escritos, siempre tomando temáticas que bordean un poco la razón “natural” de los hechos, ese aspecto fantástico que fusiona aquella característica humana y lo vuelve máquina o animal, el conflicto moral donde los predicadores, ya sean religiosos o sociales, acaban en condenas no cumplidas, cuyo desenlace termina con lo peor de las víctimas. Son sobresalientes estos aspectos en sus escritos. Para mí viene siendo el favorito y su escritura abarca mucho más.

FABRICIO LOBATÓN

De lejos, su forma de escribir me ha parecido muy llamativa, siendo la primera vez que leo algo del autor. El hecho de usar palabras precisas para formar el contexto narrativo es interesante. Encuentro entretenido el hecho de que su forma de expresar la historia encaja a la perfección y le da sentido al momento de escuchar los pensamientos de la mascota, ya que da a entender las emociones del animal sin la necesidad de conectores en las oraciones. Siento además que tiene una suerte de ciclo completo, no te deja en ningún momento espacios libres a la interpretación, sus historias son bastante completas y significativas.

Ambos relatos me llevan a un punto donde efectivamente la realidad supera la ficción, realidades alternas para unos, cruentas para otros; escenarios que te muestran la marginalidad de los espacios silenciados y poco concurridos más allá de los mismos pobladores.

Reseñas YMC. La ficción plena

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 17 Aug 2026 23:41:58 +0000

Por: Keila Vasquez Ledezma

Los cuentos del tercer concurso «Crispín Portugal» mutan entre la palabra y el cuerpo, que nos orilla a plantearnos la existencia en la versatilidad de la ficción, tan necesaria en nuestra piel. En las cotidianidades, abismos y futuros imaginados.

La obra ganadora de Calani nos enfrenta a la soledad moderna y a las expectativas de la amistad con una naturalidad cronológica, convirtiéndonos irónicamente en amigos fantasmas de su protagonista. Esas intensas ganas de "desvivición" que apremian hoy y siempre, recordándonos cómo, a veces, un simple mensaje encierra la ternura necesaria para decidir quedarse... o no. De esa vulnerabilidad, de pronto nos atora en un ¡kaj! lector, semejante a un disparo conjeturado.

En Carpio, el romance cotidiano anida con carisma hacia la fatalidad. Sin embargo, muda un par de páginas después con el dolor, dejándonos una intriga sincera sobre el amor. Acaecemos en Leaño que nos presenta a un Oblitas socarrón que tararea y nos confronta con su farsa e irónica falta de ganas con la vida. Y Mordelón nos advierte de las sombras permanentes, injustas y malolientes que tienen voz litúrgica.

La narración de Lobatón, con acciones puntuales nos conecta con el dolor de un can leal y la humana indiferencia semanal, hasta reflexiones sobre los juegos en red, el sacio por el hambre y el sacio emocional.

Cada cuento es autónomo, pero todos se codean entre sí construyendo un sentido de forma progresiva, lo real, lo no real: la ficción plena. Lo que lo hace un libro accesible y memorable.

Reseñas YMC. Una incómoda dosis para entender el presente

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Fri, 14 Aug 2026 03:51:47 +0000

Por: José Ricardo Ureña

Sugiere nuestra actualidad que el pesimismo debe ser un mal necesario y cotidiano, cosa que por ningún motivo podemos declarar como infundada. Los cuentos del III Concurso «Crispín Portugal» son inevitablemente el reflejo del espíritu de la época que pululan incomodidad, frustración y quizás caos, calificativos sintetizadores de la crudeza narrativa disponible en esta colección de historias premiadas.

En Granizo, Dalena Calani nos refresca la angustia de la vida filtrada por las redes sociales que con su retorcida magia pueden convertir los peores días de la protagonista en hermosos recuerdos listos para viralizar. Máquina Sublime es la expresión del apetito desenfrenado y digitalizado por los gadgets a escala humana, sin tener miedo a desmontar los camuflajes de la violencia.

Vajilla de Miguel del Carpio esboza la sentencia de la senectud, los recuerdos nebulosos y la convivencia hanekiana que pone a prueba hasta el vínculo más sólido. El desgaste mental presenta en su última forma una llave que desbloquea las cerraduras que impone lo predecible.

Nathan Leaño y Fabricio Lobatón juegan con el tiempo, ya sea viajando a un futuro donde el suicidio no se ha erradicado o regresando a un pasado dibujado entre nostalgia y precariedad. Tal parece que la condición humana y sus miserias, narradas por estos autores, son inmunes a la mercadotecnia optimista de los avances tecnológicos.

Solo teníamos para ofrecer sopaipillas con mostaza. Crónica a tres manos

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Wed, 12 Aug 2026 16:31:07 +0000

Por: Iris, Eva y Jazz

La imposibilidad de encontrar nuevos espacios para realizar talleres me instó a contactarme con Roberto Bustamante, un amigo que conocí en Iquique hace ya varios años. Le pregunté si podía ayudarme a realizar un taller de fotografía y escritura. Me dijo que sí y que le mandara la descripción.

Con el tiempo, la idea fue mutando. Contacté con otra amiga, Jazmine, quien colabora con Yerba Mala Cartonera en Cochabamba. Juntas pensamos en la realización de una pequeña feria y una lectura.

Ya teníamos una fecha programada, pero sucedió lo inesperado. Bolivia entró en una crisis alimentaria y vial: las carreteras se cerraron por la falta de diésel y conseguir los alimentos básicos, cuyos precios estaban inflados, se volvió cada vez más difícil. Esto hizo que nuestro viaje se retrasara casi dos meses.

A principios de julio, Roberto nos mandó las fechas actualizadas: 31 de julio, 1 y 2 de agosto. Para ese momento, Roberto tenía una programación de dos días que incluía una feria de editoriales, en la que iban a participar varias editoriales del bloque norte, además de otras de La Paz y Cochabamba.

Antes del viaje, contactamos con otras editoriales de La Paz y Cochabamba para el envío de libros. No llevamos mucho, puesto que no sabíamos cuál sería la reacción del público iquiqueño.

Días antes del viaje, se sumaron a nuestra comitiva boliviana dos nuevas propuestas artísticas. Eva, actriz y dramaturga del elenco Teatro Azul, participaría con una adaptación de la pieza teatral chilena Isabel desterrada en Isabel. Por su parte, Jazmine se animó a presentar una improvisación de danza contemporánea de cinco minutos, al ritmo de la canción Intiu Khana, del Grupo Aymara. Con estas incorporaciones, nuestras propuestas artísticas estaban listas para presentarse en la feria y la organización del viaje ya estaba en marcha.

Hasta que llegó el día del viaje. Quedamos con Jazmine y Eva en encontrarnos en la ciudad de Oruro para continuar el viaje juntas. El paso por la frontera fue estresante y tedioso, pero entre charlas logramos reducir el tiempo de aburrimiento en la fila.

Una vez en la zona de rayos X, abrieron las maletas y comenzaron las preguntas. Entre los libros cartoneros y artesanales, las fotografías, revistas y fanzines, los aduaneros preguntaron extrañamente dos veces por el fanzine, pues no sabían qué era. Jazmine hizo una explicación y yo otra. Sin embargo, el aduanero que me tocó era bastante altanero, así que me hizo abrir todos los paquetes y, al no encontrar nada, se molestó.

Finalmente, logramos pasar contentas y celebramos con algunos shots de whisky.

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Llegamos a un Iquique de ambiente festivo, pues nos enteramos de que recientemente se había celebrado la Fiesta de La Tirana y que, en pocos días, también se celebraría la fiesta de San Lorenzo, la fiesta popular más importante del norte chileno. Nada nos pareció más genial, pues nos alojábamos justamente en un barrio obrero muy devoto a este santo. Ya desde ese momento, todo empezaba a sonar a la cadencia y ritmo de caporales, diabladas y cumbias de las bandas de bronce iquiqueñas, mientras practicaban por las noches estas melodías bastante conocidas para nuestros oídos. Nos sentíamos como en casa.

En la inauguración de la feria, La Master Band de Iquique nos recibió con su repertorio festivo, a manera de inauguración: bailamos, cantamos y, cómo no, como buenas latinoamericanas, una vez finalizado su repertorio, voceamos que tocaran una “cumbia más” como yapa, como se dice en quechua, o lo que en los recitales se suele decir: “¡Una más y no jodemos más!”.

La I Feria Chileno-Boliviana se inauguraba en la Casa Municipal de Cultura Iquique, en pleno paseo Baquedano, y daba paso a una lista completísima de charlas, presentaciones de libros, conversatorios, talleres, teatro, danza, música y cine durante dos días.

Desde nuestra experiencia, solo fuimos tres bolivianas más: una poeta, una bailarina y una actriz. Nos fuimos cargadas de libros, vestuario y utilería: libros de Yerba Mala Cartonera, Sietemesinos, Nuevos Clásicos, además de otras editoriales independientes que la luchan cada día en este tan necesario oficio que es el de escribir. Un aguayo y un par de telas serigrafiadas que decían “SIN AGUA NO HAY CHICHA” o “EL AGUA ES VIDA” distinguían nuestra mesa de exposición con literatura boliviana.

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El primer día nos dedicamos a organizar y tener listo nuestro sector y, claro, a conocer a todos los escritores y poetas chilenos que fueran parte del evento. Mucha gente llegó a la feria y, como debe de ser, con paciencia recorrió cada stand. Miraban con detenimiento cada libro que les interesaba para, finalmente, tomar la decisión más importante: ¿cuántos libros elegir?

Entre las actividades principales de la feria se encontraba la lectura de poesía Chile-Bolivia, en la cual nos fue grato escuchar y apreciar el trabajo poético de las bolivianas Iris Kiya y Jazmine Ortiz. Como contraparte chilena, participaron los poetas Marcela Solo de Zaldívar, Simón Villalobos, Marcia Segura, Juvenal Ayala, Jaime Ceballos, Giannina Espínola, Carolina Gonzales y la nueva y flamante voz iquiqueña, publicada por Sismo Editorial, Iván Scopinich.

Este encuentro, según comentaban los locales, fue un éxito, pues la asistencia fue masiva, como no se ve muy repetidas veces en el mítico bar El Curupucho. La sorpresa también fue nuestra, puesto que en Bolivia la situación es la misma, y eso siendo optimistas.

Nuestra asistencia como feriantes bolivianas, nuestra sencilla propuesta y el ánimo aventurero que nos llevó hasta Iquique para participar y ser testigos del nacimiento de la I Feria Chileno-Boliviana nos deja más que satisfechas con respecto a todo lo sucedido, pues se mostró notoria la búsqueda de puentes literarios entre ambos países.

Como nos recordaba nuestro buen amigo Roberto Bustamante, la literatura transfronteriza se hace evidente al existir puntos en común que hacen que las perspectivas de los escritores y editoriales de ambos países confluyan de una u otra forma, de una manera tan única que esta primera feria nos anima a proyectarnos en busca de una segunda, con la participación de más editoriales amigas de ambos países. Nos deja pensando en encontrar una manera de distribuir, difundir y cooperar mutuamente a largo plazo para lograr este fin.

El recibimiento y la calidez de la gente —ahora amigos— que asistieron a la feria fue, sin duda, un abrazo hermano, un descanso entre todo lo que implicaba el viaje autogestionado y cruzar el invento llamado frontera desde diferentes departamentos de Bolivia hasta Iquique.

Las noches de interminables charlas y risas, hablando de libros, festivales, música y anécdotas, mientras probábamos excelentes vinos chilenos y, cómo no, uno que otro sorbo de singani boliviano, fueron algunos de los momentos que más atesoramos. Entre brindis y conversaciones se fueron tejiendo entrañables amistades entre editoriales y escritores, haciendo de esta experiencia una de las más memorables de nuestra colección de viajes y ferias.

Muy humildemente confesamos que no esperábamos que la sencillez de la propuesta —algo así como una sopaipilla con mostaza en medio de la calle, así, sin muchas pretensiones, una expresión de lo cotidiano y sencillo, medio punk, medio rock, medio cumbia chicha— y el ánimo de aventura por conocer un poco más de la movida literaria iquiqueña se convirtieran en un programa tan interesante y completo gracias a la gestión de Editorial Navaja, promotora e impulsora principal de tan hermosos días de feria, charlas, guía turística y alojamiento.

Nos despedimos modificando la letra del icónico tema de la banda Sinergia, elogiando su delicada lírica y expresión gastronómica chilena, que se queda en nuestra memoria:

¡Solo tenemos para ofrecer sopaipilla con mostaza!

¡Sopaipilla con mostaza y singani!

Hasta que nos volvamos a encontrar, o como se diría en quechua: tinkunakama.

Agradecimientos especiales a Editorial Navaja, La Mutual y la Casa Municipal de Cultura de Iquique por confiar y abrirnos sus puertas a tan maravillosa feria. ¡Qué se repita!

Así concluimos nuestra participación en la 1.ª Feria del Libro Chileno-Boliviana —Iquique 2026—.

Bonus Track

Saludamos a nuestro amigo metalero, Jonathan Guillen.

A quien nos invitó las sopaipillas con mostaza, Juan José Podestá.

Al que llegó tarde al asado, pero llegó: Rodrigo, de Ala Negra Ediciones.

A las tres gatas: Tóxica, Selma y Paty.

A nuestro vendedor estrella, Rodrigo Bañados.

A nuestro DJ de punk chileno, Roberto Bustamante.

A Cuchi, por alegrarnos los momentos silenciosos de feria.

A la chelada, la michelada y la empanada de jaiba.

Reseñas YMC. Una hábil demostración de equilibrio entre Técnica y Tema.

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Tue, 11 Aug 2026 15:21:25 +0000

por: Fabian Aruquipa

Esta reseña se divide en dos secciones: un comentario general sobre la colección completa —desde la obra ganadora hasta las menciones de honor— y un análisis específico de los cuentos de la autora ganadora. A su vez, ambas secciones se subdividen en dos áreas principales de análisis: la técnica y el oficio (el uso del lenguaje para construir la prosa) y la temática (qué temas, en qué escenarios, con qué tensiones y resoluciones, y cómo la técnica y el tema se articulan entre sí).

La colección es envolvente, variada en técnicas y temas, y logra un equilibrio perfecto entre tema, personaje, tensión y los recursos narrativos que proporcionan de estructura y vivacidad a los relatos.

Los temas resultan próximos, pero incómodos a la vez; realidades que en algunos casos no son las nuestras, pero que continúan siendo terrible y escalofriantemente reconocibles. Los cuentos de la ganadora, Dalena Calani, son la puerta perfecta para una colección cautivadora y representativa de las voces y técnicas contemporáneas en la prosa.

Comentario general

La colección se distingue por su variedad: multiplicidad de estilos, de técnicas y de temas. Cada uno de los cuentos merecería un análisis en profundidad, pues cada uno despliega un conjunto de recursos literarios que tejen una realidad particular y envolvente, en la que el lector se sumerge para ser finalmente aniquilado por construcciones cortantes y desconcertantes que potencian las transiciones y los finales de los relatos. Esto ya es una virtud de la colección: nos lleva por un recorrido de recursos y procedimientos propios de la buena prosa, esos que manejan tanto los grandes como los pequeños, y que aquí aparecen con actualidad y destreza, como ser el uso de múltiples tipos de narrador, escogidos además para funcionar con un tema, un personaje o una realidad creada por el autor. Encontramos al narrador omnisciente, pero también variaciones interesantes como el narrador en modo instrucción, el diario personal, el monólogo interior, el diálogo y sus combinaciones. Como se ha dicho, estas variaciones están cuidadosamente elegidas para servir al tema, al personaje y a la historia y tensión que se tejen. El diálogo resulta un canal ideal para transmitir la tensión familiar, como se ve en varios relatos. Las entradas de diario crean una sensación de carácter y personalidad en voces estresadas y determinadas a la vez, que se están jugando sus últimas cartas, y permite que el principio de mostrar, no decir funcione a plenitud, ya que el lector tiene que ir tejiendo las piezas por sí mismo. Pero los cuentos que recurren a formas más tradicionales —como el narrador omnisciente— también están perfectamente construidos y concentran su lenguaje en la superficie exacta como para permitir que el lector construya el resto en una segunda o tercera lectura, ya que el lenguaje está tan bien escogido que no se limita a revelar o contar, sino que crea oleadas de acontecimiento y personaje y presión que el lector debe ir armando hasta el fatal desenlace. Este uso del narrador se ve potenciado por dos cualidades que comparten todos los relatos y que son propias de la buena prosa: inicios envolventes y finales contundentes. Todos los cuentos empiezan y terminan con un trueno; un trueno que inicia, que da paso a la construcción de la realidad, el personaje, la tensión y la prosa a través de los recursos mencionados, y que culmina en otro trueno. La buena prosa está en el cuerpo, en el trabajo del lenguaje, pero se hace efectiva en la apertura y el cierre mediante oraciones iniciales envolventes y frases finales inexorables. El lenguaje es cercano, funcional a los personajes y a las realidades tejidas; el lector no siente desconexión alguna, sino que, al estar el lenguaje tan bien ajustado al personaje, al tiempo y a la realidad —incluso en los relatos con matices de ciencia ficción— es arrastrado con mayor fuerza a la vivacidad de la historia creada con maestría, y es ejecutado con cada final, sintiéndose obligado a releer, a pasar al siguiente relato, a descubrir. En otras palabras, todos los recursos técnicos garantizan una colección de prosa corta efectiva y cautivadora.

En cuanto a los temas, son tan variados como las técnicas y los enfoques narrativos, pero también son cercanos, presentes y palpables, incluso en los relatos de realidades ajenas a la nuestra. La soledad, el existencialismo, el fatalismo ordenado, el destino ineludible, las relaciones tensionadas —familiares, de pareja, sociales— y, en algunos relatos, realidades que parecen otras, pero cuyo horror reside en lo cercano del tema. Los cuentos abordan los temas, crean una realidad, arrastran al lector y lo aniquilan al final. El equilibrio entre tema, estructura y técnica es notable en la colección; notable y eficaz. Los conflictos, los personajes, la estructura elegida para transmitir un acontecimiento particular y el ritmo claro convierten la colección en una lectura perfecta, rápida y de gran altura técnica.

La brevedad y la concisión son grandes virtudes de la colección: no hay una palabra de más, ni una de menos.

Sobre los cuentos de la ganadora

Los cuentos ganadores, como se ha mencionado arriba, encapsulan las cualidades presentes en toda la colección. Granizo y Máquina Sublime son interesantes contrastes entre sí, tanto en tema como en técnica. Granizo está narrado en primera persona, con cierta certeza sobre el personaje, pero un final incierto, y una gran dosis de incertidumbre a pesar de la naturaleza determinada de la protagonista. El uso de la estructura de diario funciona perfectamente con el personaje y la narración, y sirve bien a la historia. Los subtemas de Granizo relacionados con la tecnología y la nostalgia añaden otra capa de complejidad al relato.

Por otro lado, Máquina Sublime está narrado en un estilo instructivo, casi como un manual, que recuerda a algunos relatos clásicos de ciencia ficción en los que el final o la tragedia están predestinados, pero que resultan desconcertantes y se presentan en espiral ante el lector, que no puede evitar caer en el manual para la tragedia final, la violencia y la premonición. ¿Y qué si recibiera una comunicación de este tipo? ¿Y si tratase sobre sobre un evento pasado que ya no puede cambiarse? Estas son solo algunas de las preguntas que suscitan los relatos, además de nuestra conexión con la tecnología y el sexo como ritual de amor y daño al mismo tiempo. Estos dos cuentos abren la colección, a la que siguen mutiladores héroes-brutos, madres e hijos, parejas ahogadas en la rutina ciega, el horror de la distorsión de la memoria en el daño cerebral y el amor a quien la padece (una suerte de The Notebook trastocado, una historia de amor real sobre los desafíos de la memoria en la disfunción cerebral). Todos ellos son relatos que siguen a estos dos grandes cuentos de Dalena Calani que abren la colección.

Felicitaciones a los autores por este despliegue de destreza técnica y sensibilidad temática, y al jurado por ofrecer a los lectores buena prosa en tiempos en los que abunda la mala.

Reseñas YMC. Voces descubiertas

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Thu, 06 Aug 2026 04:01:31 +0000

por: Araceli Castro

En la brevedad y el impacto de los escenarios fabricados dentro de los cuentos se encuentran las historias que pueden impresionar más al ser humano.

La tercera entrega del concurso de cuentos “Crispín Portugal” es una antología de cuentos que recopila las obras ganadoras y menciones de honor que participaron gracias a la convocatoria de Yerba Mala Cartonera. Estos cuentos, muy diferentes entre sí, incomodan, pero de una forma en la que el lector termina cuestionando los temas centrales que estos abarcan.

La ganadora, Daniela Calani, abre esta antología con dos cuentos que si bien no tienen un tema en común, nos transmiten demasiada intensidad. Comenzamos con “Granizo”, donde entendemos que el ser humano es un mundo dentro de su cabeza: planifica, maquina, idealiza escenarios con un propósito que muchas veces puede o no resultar, sin dejar de lado que, por fuera, se presenta de otra manera, como si el objetivo fuese distinto. La protagonista de este cuento idealiza cómo ponerle fin a su vida, “disfrutando” sus últimos momentos, pero al final quizá algo le hará cambiar de parecer. En “Máquina Sublime” nos encontramos con una narrativa que, en lo personal, adoro. Tener un narrador que te guía, es tener una voz de fondo que te dice lo que pasará, y es inevitable que pase, pues te condiciona a ello. Con este recurso nos muestra cómo el dolor, un duelo no superado, la obsesión a la que puede desembocar este y, ayudado de los recursos tecnológicos, se siente más como un peso cuando te dicen que lo puedes vivir en carne propia y no se queda en un escenario más.

Sin duda, estos dos cuentos como apertura a una antología, demuestran por qué fueron las obras ganadoras, dejándote la piel chinita.

Con las menciones de honor no nos quedamos cortos.

Miguel Carpio, con “El tercero de la segunda fila” y “Vajilla”, nos presenta una voz donde la comunicación, que aunque siempre digamos que es lo primordial en el día a día, siempre es algo que aún se nos complica, más cuando tenemos que tratar un temita serio. El más impactante es “Vajilla” donde Carpio, creando un ambiente complicado, nos pone una premisa en la que el amor no siempre puede con todo.

Nathan Leaño se presenta con “Un pretencioso del siglo XXV” en el que puede tomarse como una crítica a la moral humana(?) y lo absurdo que se toma a veces el tema del suicidio, o la poca importancia con la que muchos la tratan. Y luego nos entrega “Mordelon” un cuento que explota con su giro al final, donde nuevamente se pone en mesa de debate la moral y hace una crítica evidente de cómo las personas defienden, a veces (por no decir casi siempre), a las personas incorrectas por los estereotipos e imágenes que se perciben de estas, por más que las evidencias demuestran culpabilidades… Pero, en fin, sociedad.

Culminamos con Fabricio Lobatón, con dos cuentos que juegan con los sentidos y la carga de los simbolismos. “Viejo Perro” retrata el peso de las generaciones y lo costoso que es romper con un ciclo complejo, tóxico. “Dos Mil” aún mantiene esa voz a través de los ojos de un niño al que se le exige una madurez temprana, en un ambiente decadente donde busca un refugio en los videojuegos.

Reseñas YMC. El tránsito por el valle profundo

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Tue, 04 Aug 2026 16:10:33 +0000

Por: Alan Miguel Santos Isnado

El concepto uncanny valley —valle profundo— de Masahiro Mori permite ilustrar el leitmotiv de las obras que componen el libro que germina del III Concurso de cuento «Crispín Portugal», publicado en 2026 por Editorial Yerba Mala Cartonera.

Cimiento Gestalt, el objeto de estudio invita a experimentar la totalidad a través de sus partes. El cordón umbilical de la inquietud conecta las lecturas. ¿Qué preguntas no nos atrevemos a formular? Son las mismas que, quizás, no nos atreveríamos a responder.

Uncanny valley, el pico subterráneo que incomoda por la similitud con lo ajeno antinatural. Suicidio, muerte en vida, el dolor de existir. Qué nos dice la ficción sobre nuestro paso por este plano. La maniquea aspiración del falso verdadero enmascara los matices que esconde el alma ávida de respuestas cuando el acto de iniciar el día se ha convertido en un hecho heroico, como lo es el de cruzar el cordón de seguridad que separa el deseo del verbo.

Ficcionalizar temas como la depresión y la ansiedad requiere —se sobreentiende— haber transitado estos estados o estar en tránsito de. Se comprende, de este modo, al deseo de no querer existir como una forma de existir. El qi del asunto brota del remordimiento involuntario de un porqué sin propósito.

Cuando el miedo de ver nuestro rictus en otro rostro nos paraliza, cuando el tiempo duele, cuando no amanece a pesar del cenit. El caldo de neurotransmisores espera en la mesa del condenado a la última cena que no llega; la que se teme y se anhela con asco compulsivo.

El gusto por la vida es un gusto adquirido; tan cierto esto es como afirmar que no se puede hacer el amor sin amar. Calani, Carpio, Leaño y Lobatón no dan recetas. A cada preparación su justa medida de dopamina, noradrenalina, cortisol o quién sabe qué otro yuyo.

Vida: un levantamuertos a manera de salsa que permite pasar sin arcadas la carne de un zombi, las mentiras de quien se amó, el pan duro que en un día bien vivido puede saber a gloria o una morcilla de aceite de androide.

¿No es eso, acaso, existir? Saber que hemos despertado. Un día más en tránsito por el valle profundo; acompañados por una multitud solitaria, también. Con la certeza imborrable de que nuestro destino último será fundirnos con la materia onírica de la que venimos.

“Maestranza”: Un programa de talleres literarios para construir y desmontar textos.

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 20 Apr 2026 21:43:00 +0000

El Proyecto mARTadero abre la convocatoria para “Maestranza”, una serie de talleres secuenciales de producción y [des]montaje textual, destinado a personas interesadas en desarrollar habilidades en los géneros de poesía y narrativa.

Uno de los principales propósitos de esta propuesta radica en abordar el poema y el texto narrativo como materia prima susceptible de intervención. A través de un recorrido de tres módulos por género, los participantes explorarán la escritura desde un análisis formal, sostenido en lecturas y en una práctica constante.

Otra de las particularidades que Maestranza presenta, es la publicación de una antología que reunirá lo más destacado de los trabajos desarrollados durante los tres meses de taller. La publicación estará a cargo de la Editorial Yerba Mala Cartonera.

Un recorrido secuencial en tres módulos

Cada módulo ha sido pensado como complemento de aquel que lo antecede y sucede. En el caso de la sección narrativa el Módulo 1 se propone desarrollar habilidades para desmontar el texto y comprender su estructura interna a través de lecturas y ejercicios de análisis. El Módulo 2 explorará y ensayará diversas herramientas narrativas —como el punto de vista, el manejo del tiempo y el diálogo, — para transformar anécdotas, imágenes o recuerdos en material escrito. Finalmente, en el Módulo 3 se afinará y pondrá a punto la coherencia, la progresión, la voz, los umbrales del texto y el diálogo entre las partes.

En la sección poesía, el Módulo 1 buscará desarrollar habilidades para el ensamblaje del poema, interviniendo textos propios y ajenos mediante pies forzados, mecanismos aleatorios y reformulaciones; el Módulo 2 explorará y ensayará la construcción de la propia voz poética a partir de la escritura y reescritura, transformando elementos cotidianos —objetos, canciones, películas— en materia poética. Finalmente, en el Módulo 3 se afinarán los textos trabajados en una edición entendida como práctica poética.

Estos talleres, concebidos como un lugar de ejercicio y experimentación literaria, estarán a cargo de escritoras y escritores con amplias trayectorias en sus respectivos géneros. Así, en narrativa cuentan con:

Leni Flores (Cochabamba, 1989) Escritora y educadora con un MFA en Escritura Creativa por NYU. Galardonada, entre otros, con el Premio Nacional de Cuento Franz Tamayo (2023) y reconocida por la Cámara de Diputados de Bolivia (2025).

Claudia Michel (Potosí, 1980) Autora de “Corema” (2021), “Chubascos aislados” (2022) y “Tríptico de Kanata” (2024). Entre otros reconocimientos ha sido ganadora del Premio Eduardo Abaroa los años 2018 y 2023.

Claudio Ferrufino-Coqueugniot (Cochabamba, 1960). Autor de una vasta obra que incluye “El Señor Don Rómulo” (2003) y “El exilio voluntario” (2009). Ganador del Premio Casa de las Américas (Cuba, 2009) y del Premio Nacional de Novela de Bolivia (2011).

A la vez, los módulos dirigidos a poesía cuentan con:

Juan Malebrán (Iquique, 1979) Autor, entre otros, de “Trópico” (2019), “Tardío” (2022) y “Eriazo” (2025). Ganador del Premio Internacional de Poesía en Lengua Española Manuel Acuña de Poesía (México, 2019).

Roberto Oropeza (Cochabamba, 1986) Autor de “Ferro” (2018), Nervadura (2021), “Doméstico” (2023) y “El libro de Tomás” (2024). Ganador del Concurso Nacional de Literatura “Pura Letra” (2024).

Marcia Mendieta (Sta. Cruz, 1992): Poeta, narradora y docente con MFA en Escritura Creativa por NYU. Autora de “La casa que nos habita” (2017), “El cuerpo es una válvula de destrucción” (2019) y “Qué más queda cuando” (2022). Ha sido traducida al portugues, ruso y chino.

Para ser parte de esta maestranza debes ser mayor de 18 años, tener interés en la escritura y conocer los siguientes detalles relativos a las fechas de comienzo, costos y beneficios:

Detalles de participación

- Inicio de módulos (secuenciales):

Poesía: Módulo 1 desde el 4 de mayo.

Narrativa: Módulo 1 desde el 6 de mayo.

- Días y horarios:

Poesía: lunes y viernes de 19:00 a 20:30.

Narrativa: miércoles y viernes de 19:00 a 20:30.

- Lugar: Proyecto mARTadero (Cochabamba).

- Aporte por módulo: 200 bolivianos.

- Descuentos especiales: 20% por pago de tres módulos (480 Bs.), 15% por dos módulos (340 Bs.) y 10% para los primeros 5 inscritos a un solo módulo (180 Bs.). Los descuentos no son acumulables.

Se entregará un certificado virtual a quienes concluyan los tres módulos.

Becas para jóvenes

“Maestranza” otorgará 4 becas del 50% de descuento (300 Bs. por los tres módulos) para jóvenes de entre 18 y 30 años: dos para narrativa y dos para poesía. Los interesados deben escribir a letras@martadero.org justificando su solicitud, adjuntando un texto inédito de no más de dos páginas y una foto de su CI.

Inscripciones

Para inscribirse, los interesados deben completar el formulario en línea aquí y adjuntar el comprobante de pago. Para mayor información escribe al whatsapp: 72262533.

Entrevistas cartoneras: Fabricio Lobatón

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Sat, 18 Apr 2026 17:38:00 +0000

Donde el lenguaje se vuelve cuerpo

Lenguaje, cuerpo y entorno en la narrativa de Fabricio Lobatón,
mención de honor del Premio «Crispín Portugal»

En Viejo perro, el lenguaje es muy particular, muy sensorial. ¿Cómo decidiste que esa era la forma adecuada para el cuento?

Creo que no lo decidí racionalmente. Cuando escribo me interesa mucho el ritmo, y para mí el ritmo implica jugar con las texturas, porque una palabra áspera frena distinto que una palabra suave; digamos que el metal no suena igual que la madera. En ese cuento quería que la lectura tuviera fricción, que costara un poco, como cuesta estar en ese lugar.

Y después está la pregunta de qué le debe el lenguaje al personaje, si la forma tiene que responderle a él y no al escritor. El narrador de ese cuento no tiene tiempo para el adjetivo, tiene grasa en las manos y un perro que se está muriendo y un abuelo que levanta la mano; entonces usar un lenguaje más limpio, más literario, hubiera sido mirarlo desde afuera. Y yo quería estar adentro, que el lector también estuviera adentro.

La figura del abuelo mezcla violencia cotidiana con una historia más oscura que apenas se sugiere. ¿Te interesa más insinuar que explicar?

Siempre. Explicar es desconfiar del lector. Y el lector lo siente: se siente tratado como idiota y tiene razón. El libro con los uniformes y la cruz rara, eso está ahí y no digo nada más porque no hace falta. En el momento en que lo nombro se vuelve como un dato más, que creería que no tendría el mismo impacto; de hecho, hasta puede parecer panfleto. Y no es lo que me interesa, por lo menos no ahora. Lo que me interesa en este momento es buscar al lector. Antes de escribir me gusta pensar a quién le interesa esto, a quién le podría interesar y por qué.

Hay una relación muy fuerte entre los personajes y el entorno. ¿Qué tanto influye el espacio en tus historias?

Mucho. Demasiado, a veces. Me cuesta escribir personajes que flotan; para mí necesitan pisar algo, necesitan oler a algo. Nuestra existencia es directamente afectada por nuestro entorno y viceversa. Por ejemplo, el abuelo sin la tienda no existe (por lo menos en ese momento de su vida). El niño de Dos mil, sin el café internet, sin la cabina siete con la mancha que podría ser sangre, no existe. El espacio no es el fondo del cuadro, es parte del cuerpo del personaje.

Dónde vive alguien me dice más de quién es que cualquier descripción psicológica. Y además es más honesto. La psicología la invento yo. El espacio lo reconoce el lector.

En Dos mil, lo cotidiano y lo duro conviven todo el tiempo. ¿Qué te interesa contar de esa realidad?

Ese momento cuando algo empieza a doler y recién te das cuenta. Esos instantes que apenas empiezas a procesar sin saberlo. Siento que cada vez existen más formas de evadir sentir (facilitadas por lo espectacular).

Sobre todo creo que en la infancia se constituyen muchas cosas que nos marcan de por vida. No es que se haya vuelto malo, es que aprendió a sobrevivir. Eso me parece lo más brutal y lo más verdadero de cierta infancia: la velocidad con que te adaptas a lo que no deberías tener que soportar. Y lo haces solo, sin que nadie te explique que lo estás haciendo. Un día simplemente ya no lloras.

Eso quería capturar: la forma en que, aunque estemos rotos por dentro, pareciera que siempre hay carreras que no tienen fin.

¿Cómo definirías tu estilo o tu forma de escribir hoy?

Se me hace un poco complicado, no me gustan las definiciones propias, casi siempre mienten o se quedan cortas. Pero, si tengo que decir algo: economía y desconfianza. Desconfianza del adjetivo fácil, de la emoción subrayada y de las frases que se nota que quieren ser bonitas.

Una influencia que sí reconozco es Foster Wallace, aunque parezca raro, dado que él era todo lo contrario a económico: oraciones de tres páginas, digresiones dentro de digresiones. Pero lo que me quedó de él no es eso, sino la idea de que escribir tiene que costarle algo al que escribe. Que, si no hay algo real en juego, el lector lo huele. Él decía que el único problema básico de la escritura era cómo conseguir empatía con el lector. Eso no lo olvidé, aunque mi camino para llegar ahí sea completamente distinto al suyo.

¿Qué representa para ti publicar en Yerba Mala Cartonera?

Me gusta publicar en físico. Hay algo en la textura del cartón, en saber que alguien lo cortó y lo pintó, que no tiene vuelta atrás.

Y el gesto de Yerba Mala me inspiró a escribir de cierta manera. Ver que se podía hacer algo así, con las manos, sin pedir permiso, me hizo pensar que yo también podía.

¿Sientes que estás escribiendo desde una generación que ha sido marcada por ciertas crisis específicas, o eso es una lectura externa?

Las dos cosas, y no creo que se contradigan. Hay algo autoficcional en estos textos que no puedo negar y no quiero negar. Crecí viendo cómo ciertas cosas que iban a ser no fueron. Cómo los adultos prometían un horizonte que, cuando llegaste, ya no estaba. Creo que somos una generación de decepciones en el sentido más literal, lo cual para mí tiene su gracia.

Aprendimos muy temprano que las cosas no iban a funcionar como decían, y eso te forma de una manera particular, sumado a un bombardeo de influencias y estímulos, lo que de cierta manera te vuelve más concreto, muy desconfiado de los grandes relatos, muy atento a lo pequeño, porque lo pequeño es lo único que puedes ver con tus ojos. Casi siempre lo pequeño eres tú en una esquina. El niño que aprieta tres monedas mientras se duerme. Eso sí existe. Eso sí es verdad. Si eso habla de una generación, bien. Pero yo no empiezo escribiendo desde una generación. Empiezo desde las tres monedas.

Entrevistas cartoneras: Nathan Leaño

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Thu, 16 Apr 2026 16:36:00 +0000

El absurdo no necesita tecnología

Lenguaje, ego y banalización: lo inquietante sigue siendo humano
en la obra de Nathan Leaño, mención de honor del III Premio «Crispín Portugal»

En Un pretencioso del siglo XXV hay una convivencia entre lo humano, lo artificial y el absurdo. ¿De dónde viene ese tono? ¿Te interesa más criticar la tecnología o la forma en que los humanos la usamos para seguir siendo igual de ridículos?

En realidad, no creo buscar en este cuento una crítica contra la tecnología. Los personajes más bondadosos, de cierto modo, son justamente los androides, que tienen que arriesgar la vida solo para salvar a un humano. Los errores de la tecnología están entre nosotros, pero nosotros los creamos. Yo creo que, si algo intenté “criticar”, por así decirlo, fue la profunda banalización del suicidio que encontramos en esta sociedad actual. Y eso no es por entera culpa de la tecnología; en todo caso, la tecnología facilita este tipo de conductas, pero son nuestras, de cierto modo, es parte de nuestro absurdo. Mientras que en el pasado una práctica impactante como las fotos post mortem entre familias era algo feo pero solemne y de cierta importancia, aquí tratar de moldear un suicidio, o todo lo referente a él, de una manera estética y vistosa es puro ego, y es nuestro ego, no es el ego de la “máquina”. Y si le preguntas a una IA al respecto, no alimentará tus ideas ridículas aconsejándote las mismas diez canciones que todos repiten, las mismas veinte frases, o el sentimiento de que eres alguien hardcore y buena onda por pensar en tu suicidio; la IA te preguntará si necesitas ayuda, si te encuentras bien y que, lo que sea que estés pensando hacer, por favor, no lo hagas.

Vienes del terror, pero en estos cuentos se nota una libertad para moverte entre tonos y registros, incluso con toques de humor e ironía. ¿Cómo manejas esa versatilidad sin perder una identidad propia como autor?

Siempre trato de hacer las cosas de manera diferente. Es cierto —y esto es algo que he aprendido con cada cuento y cada escrito— que tengo mis lugares recurrentes. Pero por ese motivo trato de hacer cosas diferentes. No me interesa que me relacionen con mis escritos de manera automática. Todo lo contrario, me pondría más feliz si el origen del autor les resulta sorpresivo a los lectores.

En Mordelón, el lenguaje (o la falta de él) define quién es considerado humano. ¿Qué es lo que te interesaba mostrar desde ese punto de vista?

Es un contraste: tienes a un chico que no puede hacer otra cosa que ladrar y a un cura que tiene una labia convincente y engatusadora.

En el giro final El Perro invierte completamente la noción de víctima y monstruo. ¿Cómo esperas que el lector tome este aspecto?

En relación con la pregunta anterior, es una subversión evidente. Un chico que es llamado “perro” por su pueblo y considerado como una peste resulta ser el héroe de esta historia, frente a un personaje que exuda bondad y ternura en el exterior, pero cuyo interior es aberrante. No sé cómo los lectores tomarán este detalle, ni tampoco es algo que me quite mucho el sueño. Pero es importante que, como todo cuento de terror, este les sirva de advertencia. Al final, la literatura de terror nos enseña, desde pequeños, que todo —absolutamente todo— es capaz de matarte o hacerte daño, y que uno, en lugar de temerle a todo, debe ser consciente de este detalle para enfrentarse apropiadamente a ese “todo”.

Tus cuentos tienen una mirada bastante ácida sobre lo humano. ¿Cómo ves el panorama literario actual frente a ese tipo de narrativas más incómodas o grotescas?

Las editoriales locales —sean bolivianas, colombianas, peruanas, entre otras— tienen una fuerte ventaja en comparación con las grandes editoriales de corte internacional. Y es que nuestras editoriales son más libres a la hora de tomar riesgos y escoger voces que no sean del agrado del mercado general. La gente que dice que un libro como Lolita no podría publicarse hoy en día tiene y no tiene razón, porque en una editorial como Penguin Random House una obra así no se convertiría en un lindo best seller de tapa dura y dibujitos, pero en una editorial local, en una editorial boliviana, esa obra tendría la oportunidad de mostrar su valía hacia un mercado más abierto.

¿Qué significa para ti ser publicado por Yerba Mala Cartonera?

Me interesa mucho el formato cartonero; vi la oportunidad y la tomé. Me parece una labor interesante, atractiva y noble. Y, al final, todas mis participaciones en antologías tienen el interés egoísta de leer a los autores convocados. Creo que es mi mayor premio: leer a los integrantes de las antologías, leer nuevas voces o voces ya conocidas, pero en exclusiva y para la antología en general.

¿Sientes que tus textos dialogan con una tradición específica o estás escribiendo más bien contra algo?

No tengo una cruzada personal cuando escribo. No sigo un norte por el cual todos mis escritos tengan que pasar para ser aprobados. Si lo que tengo en mente necesita tal estructura, la uso; si requiere otra, uso la otra. No pienso demasiado en eso, la verdad.

Entrevistas cartoneras: Miguel Alejandro Carpio

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Sun, 12 Apr 2026 17:18:00 +0000

El lenguaje no alcanza

El silencio como forma en la narrativa de Miguel Alejandro Carpio,
mención de honor del III Premio «Crispín Portugal»

En El tercero de la segunda fila, la tensión está en lo que no se dice. ¿Qué te interesa más: el conflicto o la incapacidad de nombrarlo?

En este cuento, la relación entre ambos aspectos es lo que funciona como el eje del relato. No se trata sólo de la existencia de un conflicto, sino del peso que éste tiene en la vida del personaje. Pero, al mismo tiempo, él no puede, o no sabe cómo, hablar del tema y la angustia que se genera se acentúa en esa incapacidad de comunicarse. Supongo que, si lo sobreanalizo, la relación entre el conflicto y el no poder nombrarlo tiene que ver con la insuficiencia del lenguaje frente a la realidad misma, y cómo la experimentamos en situaciones que nos producen angustia.

¿Cómo trabajas los silencios en la escritura?

Todavía no he encontrado una forma clara de hacerlo. En algunos casos, opto por contarlo todo y luego eliminar aquello que se busca no decir. En otros, yo mismo trato de evitar abordar el conflicto y orbitar el tema, acercándome lo más posible para que ese silencio sea lo más claro posible. En el caso de estos cuentos intenté ambas cosas en distintas versiones y fases de la escritura. El tercero de la segunda fila fue más fácil de abordar a través de no decir aquello que genera la tensión dramática, porque ese silencio funciona como un impulso para el resto de las acciones. Con Vajilla fue más complicado encontrar el equilibrio y la mayor parte del proceso fue quitar y ver cómo iba funcionando.

En Vajilla, el deterioro de la memoria transforma el amor en algo ambiguo, incluso violento. ¿Qué es lo que te interesaba explorar en ese texto?

Creo que esa ambigüedad en el amor era una parte esencial de lo que me interesaba. Incluso hoy en día, que se ha dicho y analizado tanto sobre la idea de amor, tratando de desromantizarla en la mayoría de los casos, todavía se lo concibe de una manera muy idealizada. El amor es una experiencia que, creo yo, genera más crisis y dolor que otra cosa, pero que funciona bajo una matemática extraña en la que el poco beneficio que nos brinda sirve para contrarrestar el resto. Me imagino, o al menos desde un análisis que he venido haciendo en estos años, que tiene que ver con toda la herencia cristiana de la cultura occidental en la que la prueba, o casi condición básica para validar el amor, es el dolor. En este sentido, la situación de la pareja me interesaba para indagar en la pregunta: ¿qué tanto está bien perdonar/aguantar cuando se ama? Si el varón cede al impulso violento, ¿es peor que la violencia en las palabras de la mujer? Por otro lado, desde hace mucho tiempo la discapacidad intelectual me llama la atención desde un punto de vista narrativo, porque permite transformar la (aparente) inocencia de la infancia en una disonancia desde la impasibilidad de esa inocencia. ¿Qué pasa si el niño no crece? ¿Hasta dónde se puede tolerar su maldad?

El momento de quiebre en Vajilla es mínimo pero brutal. ¿Cómo trabajas esa dosificación para que el golpe llegue sin exagerar?

Borrando y reescribiendo. En estos años tuve la suerte de conocer y compartir con varias personas que también escriben y cuyas lecturas me han ayudado mucho a ver los textos propios desde nuevas perspectivas. El mayor beneficio en el proceso creativo ha sido el de hacerle preguntas constantemente al texto para evaluar si funciona y cómo lo hace, o cómo más podría funcionar. En Vajilla traté de sostener una intención de pulcritud y precisión en las escenas y en cómo las retrataba. Si el texto funcionó, fue una suerte de prueba(s) y error(es).

Tus textos parecen apostar por lo íntimo y lo contenido. ¿Cómo ves ese tipo de escritura dentro del panorama literario actual?

No estoy seguro. En lo que he podido leer que se ha escrito últimamente sobre temas parecidos, siempre siento una especie de grandilocuencia en el discurso que trata de justificar la premisa de “lo personal es político”; premisa que, como cualquiera, no es pertinente en todos los casos. Creo que se tiende a caer en esa gestualidad de contar algo que creen que encierra una problemática más profunda. A mí me interesa algo diferente. Me interesa la profundidad de la problemática en la situación particular del sujeto o el personaje. Por más que un personaje pase por una situación que sea estadísticamente mayoritaria, el peso dramático del conflicto no se ve afectado por eso. Terminar una relación amorosa no duele menos al enterarse del índice de divorcios. Pero me parece que actualmente, al menos en los libros que se publicitan más, esa grandilocuencia es usual.

¿Qué implica para ti publicar en Yerba Mala Cartonera?

Implica dos logros: a nivel personal e institucional. Me gusta mucho el catálogo que la editorial ha ido formando, tanto de autores nacionales como internacionales, así como de clásicos y obras más actuales. El Crispín Portugal me parece una apuesta interesante porque invita a pensar en dos textos que, aunque sean breves, abren la posibilidad de imaginar una articulación entre ambos, aunque no sea plenamente consciente. Además, los autores que han participado como jurados, tanto en esta versión como en anteriores, son también un estímulo para pulir los textos lo más posible. Además, en estos últimos años he ido sintiendo más curiosidad por proyectos editoriales que, lejos de ser masivos, se enfocan en la coherencia y calidad de lo que publican.

¿Qué autores o lecturas han influido en tu forma de escribir?

No sé si “influido” es la palabra que usaría, pero sí puedo nombrar algunos que han sido referentes en distintos momentos desde que comencé a escribir. De adolescente me gustaba mucho Stevenson, sobre todo porque el nivel de imaginación que sus historias plantean me parecía infinito. Varios gringos, como Bukowski, Faulkner o Berlin, me gustan por el compromiso que tenían con la literatura, más allá del mercado. Me interesa mucho el uso del lenguaje en otros, como Carver o McCarthy, pero, por ejemplo, el trabajo que hace Claudio Ferrufino también me parece una ventana hacia otra forma de economía del lenguaje y sintaxis que merece más atención. Para el humor y el juego en la escritura, sigo admirando mucho a Cárdenas y a Foster Wallace. Hace poco leí por primera vez a Clara Obligado y el optimismo que encontré en sus textos de ensayo fue una especie de respiro en lo que he estado leyendo y escribiendo últimamente.

Entrevistas cartoneras: Dalena Calani

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Wed, 08 Apr 2026 01:47:00 +0000

Dos relatos, un mismo pulso

La intensidad como eje en la escritura de Dalena Calani,
ganadora del III Premio «Crispín Portugal»

¿En qué momento te encuentra ganar el Premio «Crispín Portugal»?

El premio me encuentra en una etapa de cambio. Pasar de la intensidad de los veintes a los golpes de realidad que traen los treintas está siendo un poco traumático; situaciones como ganar el premio me ayudan a descifrar una ruta existencial que no había contemplado.

¿Hay algún autor o autora que haya influido de forma significativa en tu escritura?

Creo que todos los autores que he leído me han, de alguna manera, influenciado; sobre todo en entender que la literatura acoge cientos de formas y posibilidades. Específicamente, para estos cuentos me sedujo la producción cuentística de Clarice Lispector. También releí El pozo al momento de escribir Granizo, porque pienso que algunas depresiones se sienten como cavar un pozo hasta la asfixia y la desesperación.

Tus dos textos trabajan registros muy distintos: uno íntimo y directo, otro más conceptual y oscuro. ¿Cómo conviven esas dos formas en tu escritura?

Siento que no conviven registros o formatos determinados: cada pieza es producto de impulsos o estados anímicos muy fuertes que suceden en mi cotidiano y que intento llevarlos al extremo en la escritura. Es la única manera en que me sueltan un poco.

En Granizo hay una voz muy frontal, casi sin filtros. ¿Esa transparencia fue una búsqueda o apareció de manera natural?

De manera natural. Quería transmitir el diálogo interno de una persona en pleno brote de depresión y no encontré mejor manera que hacerlo desde un registro privado: un diario.

En Máquina sublime trabajas con distancia, segunda persona y un dispositivo casi técnico. ¿Por qué elegiste ese enfoque?

Escribí ese cuento hace un par de años como un regalo de aniversario; entonces quería que fuera un mecanismo de memoria en formato de ciencia ficción. Una experiencia placentera e íntima que pueda ser repetida para vivirse intensamente una y otra vez en determinada fecha.

¿Qué temas sientes que atraviesan ambos textos?

Los más obvios serían la depresión en Granizo y la suplantación del ser amado en Máquina sublime, y hay subtemas más ricos de sentir, como la esperanza o la inagotable necesidad del otro.

¿Qué lugar tiene para ti la incomodidad en la experiencia del lector?

Es central en lo que quiero transmitir. Sobre todo porque pienso que cada experiencia llevada hasta sus últimas consecuencias está acompañada por una constante sensación de incomodidad, la cual comparto profundamente.

¿Qué te motivó a enviar estos textos al Premio «Crispín Portugal»?

Salir de la timidez. Me divierte escribir, pero siempre he sido muy tímida con mi producción. Creo que es difícil para una saber si lo que hace es bueno o malo. Entonces pensé que una oportunidad como esta sería un buen medidor para considerar la publicación de lo que fui escribiendo estos años.

Ahora que van a publicarse, ¿Qué te interesa del trabajo con una editorial como Yerba Mala Cartonera?

Me interesa el soporte y la plataforma que maneja Yerba Mala Cartonera. En mis años como investigadora en literatura boliviana, encontré a autores publicados únicamente por esta editorial, como Carlos Maceda. Entonces, para mí, ser parte del catálogo es un honor. Me otorga un espacio para ser encontrada como yo lo hice cuando buscaba a otros autores.

¿Cómo ves el movimiento literario juvenil en Bolivia?

Con una respetuosa distancia. Como observadora, creo que hay nuevas voces y propuestas, pero de manera muy esporádica y desarticulada. Agradezco que premios como éste u otros que se dan en el país ayuden a articular y visibilizar estas voces.

¿Cómo te gustaría que el lector reciba tus textos?

Me importa que el lector capte los motivos personales; mas defiendo su libertad de recibirlos como le plazca. Por mi parte, quedo agradecida con todos quienes me den un poco de su tiempo para acompañarme en esta perpetua incomodidad.

III Concurso "Crispín Portugal", menciones de honor: Fabricio Lobatón

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Fri, 20 Mar 2026 01:18:00 +0000

Fabricio Lobatón.

Soy comunicador, aunque lo que más hago es escribir. No sé muy bien si lo que escribo es poesía, dramaturgia o qué; me parece que los géneros son básicamente un acuerdo sobre la extensión y el espacio en blanco, y no me interesa mucho respetar ese acuerdo. Lo que me importa es el ritmo: que las palabras suenen antes de significar, y la imagen, que algo se vea aunque no se entienda del todo. Escribo descarnado, o lo intento: sin adornos, sin anestesia, dejando que las cosas sean feas o hermosas solas, sin avisarles. Dirijo Casa de Nadie junto a Alejandra Almaraz. También estoy metido en el (espacio) Cuerpo sin Órganos y hacemos cosas con MalaLeche. Quería hacer cine.

III Concurso "Crispín Portugal", menciones de honor: Nathan Leaño

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Wed, 18 Mar 2026 18:39:00 +0000

Nathan Leaño. Nacido en 2002. Escritor y cineasta, con cuentos publicados en las antologías Pueblo Místico (Palabra Herida, 2024) y Yawar: Cuentos sobre vampiros latinoamericanos (Speedwagon Media Works, 2024). Publica su primera novela corta, Hikari no akuma, con Editorial 3600 en 2025. Se especializa en el género del terror, pero puede variar de un texto a otro con cierta fluidez.

III Concurso "Crispín Portugal", menciones de honor: Miguel Carpio

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Tue, 17 Mar 2026 18:33:00 +0000

Miguel Carpio (Bolivia, 1993). En 2012 ganó el Premio Pablo Neruda con el poemario Jazzologías (2015, Editorial 3600). Publicó la novela Dejad que los niños vengan a mí (2024, Editorial 3600) y fue seleccionado por la Unión Europea para la antología Bolivia sub-35: Narrativas emergentes con su libro de cuentos Dos botellas más cerca de la muerte (2021, Editorial 3600). Fue seleccionado en la convocatoria 100 Artists de Sudkulturfonds y ha publicado relatos y poemas en revistas de Estados Unidos, México, Colombia, Chile, Bolivia y Eslovenia.

III Concurso "Crispín Portugal", ganadora: Dalena Calani

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 16 Mar 2026 18:25:00 +0000

Dalena Calani. Lectora paceña que nació un sábado y estudió Literatura en la UMSA. Trabajó en edición, gestión cultural y, sobre todo, educación. Actualmente enseña Lenguaje.

Resultados del III Concurso de Cuento “Crispín Portugal”

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 23 Feb 2026 22:35:00 +0000

La tercera versión del Concurso de Cuento “Crispín Portugal” ya tiene resultados. Antes de anunciarlos, queremos agradecer a todas las personas que formaron parte de esta edición: a los participantes que enviaron sus textos, a quienes colaboraron en la difusión y al público que siguió el proceso.

Agradecemos especialmente a los jurados de esta edición —Tomás Downey, Magalí Etchebarne y Gabriel Mamani— por su lectura rigurosa y comprometida, fundamental para el desarrollo del concurso.

El jurado resolvió otorgar los siguientes reconocimientos:

Ganadora

Dalena Alejandra Calani Yenz

Menciones de honor

Miguel Alejandro Carpio Mirones

Nathan André Leaño Cabrera

Antony Fabricio Lobaton Delgadillo

Cada edición del concurso representa una oportunidad para conocer nuevas voces y fortalecer el espacio de circulación de la narrativa breve. Celebramos la participación recibida y el interés sostenido en esta convocatoria.

Agradecemos a todos los participantes y al público que acompañó esta tercera versión del concurso.

Como organizadores, nos alegra haber hecho posible esta tercera versión del concurso y seguir aportando a la construcción de un espacio para la escritura y el encuentro literario.

III Concurso de cuento "Crispín Portugal"

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 13 Oct 2025 02:07:00 +0000

La Editorial Yerba Mala Cartonera, invita a jóvenes escritores bolivianos a participar del III Concurso de Cuento “Crispín Portugal”. A este premio podrán optar las obras que se ajusten a las siguientes bases:

Podrán concursar autores bolivianos, entre 18 y 35 años, con obras escritas en español, inéditas y cuyos derechos no hayan sido cedidos a ningún sello editorial.
No podrán concursar quienes hubieran resultado ganador o mención de honor, de la anterior versión de este concurso de cuento.
Cada escritor debe presentar 2 cuentos en tipografía Times New Roman tamaño 12, Interlineado doble. La extensión de cada cuento tendrá un mínimo de 3000 caracteres sin espacios y un máximo de 4000 caracteres sin espacios.
La temática de los cuentos es libre.
Los trabajos se remitirán mediante el llenado del siguiente formulario en línea.
El plazo de admisión de originales finalizará el día 5 de diciembre 2025 a las 23:59 hrs.
Se establecen como premios para el ganador:

La publicación de los cuentos ganadores en la Antología de III Concurso Crispín Portugal.
La publicación de un libro para el ganador (que incluirá los dos cuentos seleccionados más otros que el autor desee añadir).
Un kit cartonero que consistirá en una polera Yerba Mala y 5 libros cartoneros a elección

Para las tres menciones de honor:

Publicación de los cuentos ganadores en la Antología del III Premio “Crispín Portugal”
Dos libros cartoneros a elección.

7. El jurado está conformado por:

Tomás Downey (Buenos Aires, 1984) es un escritor, guionista y traductor argentino. Ha publicado tres libros de cuentos, Acá el tiempo es otra cosa (2015), El lugar donde mueren los pájaros (2017) y Flores que se abren de noche (2021), y una novela, López López (2025). Su obra obtuvo varios premios y reconocimientos, y ha sido traducida al italiano y al inglés.

Magalí Etchebarne (Buenos Aires,1983) escritora y editora. Estudió Letras en la UBA y trabaja como editora en Penguin Random House. Ganadora del VIII Premio Ribera del Duero de Narrativa Breve por los cuatro relatos sobre el amor, el trabajo, la madre y la muerte de La vida por delante. Ha colaborado en distintos medios y ha publicado relatos en revistas literarias y en las antologías Historias de mujeres infieles (Emecé, 2008), El amor y otros cuentos (Mondadori, 2011), El tiempo fue hecho para ser desperdiciado (El perro negro, Chile, 2012). Los mejores días (Tenemos las máquinas, 2017; Las afueras, España, 2019) su primer libro, es considerado una de las mayores revelaciones de las letras argentinas de los últimos años.

Gabriel Mamani Magne (La Paz, Bolivia, 1987) es magíster en Literatura Comparada por la Universidad Federal de Río de Janeiro y doctor en Letras por la Universidad Federal de Goiás. En la actualidad reside en Goiânia, Brasil, donde es profesor universitario y traductor, además de guionista de cine y cómic, y colaborador del diario El País. Su primera novela, Seúl, São Paulo (Periférica, 2023), recibió el Premio Nacional de Novela en Bolivia en 2019. Ha publicado también el álbum para niños Desorden, en colaboración con la ilustradora Lucía Mayorga. El rehén, aparecida en su país en 2021, es su segunda novela.

El fallo del premio tendrá lugar durante la segunda quincena de febrero de 2026.
El premio será indivisible. El jurado no podrá declarar desierto el premio.
Los organizadores no mantendrán correspondencia acerca de los originales enviados y los archivos de los concursantes no ganadores serán destruidos una vez proferido el fallo.

Reseñas YMC. Apuntes de lectura sobre La ciudad imaginada

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Fri, 26 Sep 2025 14:48:00 +0000

Por: Cristina Rentería Garita

Alberto Chimal (Toluca, 1970) es una de las figuras de la literatura mexicana contemporánea actual superando ya, desde hace mucho tiempo, el tilde de ser escritor de literatura fantástica.

Las premisas fantásticas de los cuentos de Alberto Chimal en La ciudad imaginada (Yerbamala Cartonera, 2022) son limpias y claras, directas: si de una ciudad se borraran todos los elementos materiales que nos hacen distinguirla como tal, quedando solo las personas, ¿seguiría siendo una ciudad?; una transcripción de la China milenaria donde dos hermanos gemelos se esconden de lo que los hace vibrar; una mesa con la superficie de mar que ha de ser devuelta a la tienda para que se entregue a su comprador original.

Entender la premisa de las historias, como primer round, estaría ganado por el lector y he aquí está el trampantojo. Y bueno, ¿qué sigue? El segundo round, el de la revancha y el disfrute, el de entender que lo se ha leído ha fluido como el agua limpia en un claro. Eso no es normal ni común, como encontrar, justamente, agua limpia en un claro. El remate viene con la relectura. Ya sin el ansia de ver el final, la luz se proyecta en cada uno de los detalles de la narración, ahí se nota la fineza, la flexibilidad, la belleza del oficio. El bordado fino, finísimo y natural.

Siempre hay forma, no sólo en la presentación de la premisa, la historia o la anécdota, sino que esa forma también es mucho fondo: cambio de narrador, atmósfera, escenario. México es y vive, las realidades alternativas se funden sin fisuras. El resultado de esta combinación es una lectura tan fluida que concluimos 12 narraciones de un conjunto de microficciones de robots, o el periplo de un niño que descubre y usa su poder de hacerse invisible (personaje que podría inspirarse en el autor, dicho sea de paso). Otras veces, Chimal agarra flojito de la mano y nos va metiendo por túneles e intersticios hechos con palabras hasta dejarnos con la boca abierta con un cuento redondo como Parasitismo.

La ciudad imaginada son degustaciones con la calidad Alberto Chimal donde nos muestra no solo los malabares imposibles que sabe hacer con la palabra sino también, la imaginación deslumbrante que posee. Esto va más allá de un tilde, lo fantástico, para ser pura literatura, capaz de explorar en nosotros como conjunto de seres construyendo el mundo.

Reseñas YMC: Ácido, acerca de Cocaine Bergoglio

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Fri, 19 Sep 2025 21:32:00 +0000

Por: Mauricio Angulo

Cocaine Bergoglio es el libro más reciente de Pedro Mancini, historietista y músico de Buenos Aires, Argentina. Cuenta con trazos atrevidos y visualmente memorables, una historia tan rara que a pesar de leerlo más de tres veces, sigue sorprendiéndome, además de un humor surrealista y referencias a Black Sabbath y al mismísimo Papa.

Al leerlo por primera vez sentí que estaba en un mal viaje en ácido: una mezcla de incomodidad, mucha fascinación y curiosidad por personajes que no aparecen en más que una página. El diseño de personajes resultaba peculiarmente memorable. El hecho de que ninguno de los personajes del cómic parecía sorprenderles por las cosas tan bizarras que pasaban a lo largo de la historia solamente me creaba más curiosidad por tratar de entender lo que pasaba.

En la mayoría de las páginas, el diálogo es mínimo; creo que el fuerte de este cómic es más la vibra o la atmósfera incómoda que genera. El orden de las viñetas y el uso de grises contrastan de muy buena forma con el contenido caótico, tanto en lo visual como en la historia.

Si te interesa la idea de adentrarte a un cómic tan extraño que no podrás leerlo solamente una vez, esto es para ti.

Semana Bergoglio en Yerba Mala Cartonera

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Thu, 18 Sep 2025 15:28:00 +0000

Arrancó la Semana Bergoglio en Yerba Mala Cartonera y el protagonista es Cocaine Bergoglio, la novela gráfica de Pedro Mancini en la que un robot suplanta al papa Francisco haciendo estragos por toda la ciudad. Una sátira corrosiva, que ya está circulando en Cochabamba y en todo el país.

Del 16 al 23 de septiembre, puedes conseguir el libro bajo la modalidad “paga lo que quieras”. Así de simple: si quieres dar 5Bs, adelante; si quieres dar más, mejor. La idea es que este título llegue a la mayor cantidad de lectores posibles.

📍 Entregas en Cochabamba: calle Lanza y Av. Heroínas.

🚚 Envíos al resto del país: por flota.

El papa ya tiene su robot. ¿Vos todavía no tienes tu ejemplar?

Buscar la luz en la sombra, no en la luz. Reseña de «Pirámide» de Valeria Tentoni

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Thu, 14 Aug 2025 16:11:00 +0000

Por Fabián Aruquipa

Valeria Tentoni construye en Pirámide (Yerba Mala Cartonera, 2025) un universo poético donde la palabra actúa como un artefacto capaz de erigir montañas en el desierto de lo cotidiano. Siguiendo la cita de Georges Sonnier que abre el libro —«Allí donde la montaña no existe, el espiritualismo humano, en su genio, la inventa»—, Tentoni emplea un lenguaje aparentemente sencillo para crear paisajes lingüísticos complejos, donde la oscuridad y la ambigüedad son territorios fértiles para la poesía.

Técnica y polifonía

Uno de los mayores aciertos de Tentoni radica en su uso estratégico del encabalgamiento y los cortes versales, que generan una sensación de movimiento suspendido. En Pronunciar, por ejemplo, la autora presenta al lector con versos quebrados que imitan el vaivén del trompo, mientras la palabra «se desenvuelve» en la página, activando una «potencia inédita / capaz de destruir / el mundo entero». La brevedad de los versos y su disposición espacial, por otro lado, recuerdan la economía del haiku, pero Tentoni va más allá: cada poema es una narración mínima donde lo poético emerge a partir del evento descrito —un zorzal que calla, una mujer violeta, o un guanaco que cruza el asfalto— que transporta al lector a experiencias léxicas más amplias y complejas.

La polifonía enriquece estos momentos. Voces humanas y no humanas se entrelazan en cada poema y las interacciones descritas: la tortuga impaciente, las hojas del falso banano o el perro que aparece / que sonríe. Estos recursos técnicos —junto con repeticiones estratégicas, musicales: «muy dentro, / muy dentro, muy en el fondo»— transforman lo convencional en algo extraordinario.

Metapoética y oscuridad creadora

Pirámide es también un manifiesto sobre el acto de escribir. En Esto no me dice nada, Tentoni compara el lenguaje con un gato que huye «antes de que se pueda asegurar» su estado o condición real. La poesía, sugiere la autora, es un fenómeno elusivo que ocurre en los intersticios de la percepción. Esta idea se refuerza en El diamante equivocado, donde la imagen de una mujer, que «clava como mariposa / la vida ajena» y luego voltea el cuadro para mostrar las alas rotas, ilustra cómo el lenguaje puede deformar y revelar simultáneamente.

Para Tentoni, la oscuridad no es un vacío, sino un espacio generativo. En Eclipse, la voz poética retira una piedra de la noche, cuestionando el destino y la acción, contraponiéndolos: «es tarde para esas cosas… se llega tarde del todo, siempre, / cuando no se ha llegado a tiempo». Aquí, la autora alude a la pirámide como símbolo de lo construido en la ausencia —el poema que surge donde no hay nada—, tal como invoca con la cita inicial de Sonnier.

Lenguaje cotidiano, universalidad y memoria

Aunque los poemas se anclan en lo anecdótico —una cocina que gira, un piano negado—, Tentoni eleva estos momentos a reflexiones cósmicas. En Uruguay 27, los días tienen «paredes tibias / de hule transparente», y en Madera que pudo haber sido fuego, las hormigas ejecutan un escape planeado «por siglos», metaforizando la creación artística como un acto continuo de paciencia y sigilo.

La memoria y las relaciones interpersonales son pilares de los poemas piramidales de Tentoni. En Los amantes azules, el gesto que «se queda / con algo mío» captura la intimidad como un robo silencioso, mientras en La oficina abandonada explora el desapego familiar a través de una cebolla que «despega / como un adhesivo seco / su historia / de la mía».

Pirámides de lenguaje

Tentoni demuestra que la poesía no reside en la claridad, sino en la sombra que la lengua proyecta al torcerse. Este libro es una invitación a pisar «el vértice secreto / de la montaña» y descubrir que, en sus versos, la madera sí se hace fuego.

Pirámide confirma a Tentoni como una voz esencial de la poesía contemporánea, donde lo narrativo y lo lírico se funden para construir, desde la ambigüedad, desde lo oscuro, un lenguaje nuevo, necesario y luminoso.

Entrevistas cartoneras. Pedro Mancini

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Mon, 04 Aug 2025 02:57:00 +0000

De la aversión religiosa al humor ácido:
Pedro Mancini habla de Cocaine Bergoglio

El autor reflexiona sobre su obra más provocadora y la relación con sus influencias y estilo.

¿Cómo surge la idea de Cocaine Bergoglio? Con un título de por sí provocador, ¿qué disparadores te llevaron a construir esta historia tan singular, con un papa androide como protagonista? ¿Y qué buscabas provocar con esa elección de título?

En general, siempre estoy trabajando en historietas largas, novelas gráficas de alrededor de 200 páginas. Cuando termino uno de estos proyectos, siempre trato de hacer algo que me dé un respiro. Casi siempre voy con algo de humor absurdo, que es lo que más me divierte hacer. En este caso dibujé las primeras tres viñetas de Cocaine Bergoglio en un cuaderno mientras tomaba algo en un bar. Me gusta ir a bares solo, con mi cuaderno, para escribir y garabatear nuevas ideas. Me hizo gracia la interacción entre esos dos personajes extraños y todas las cosas que podían pasar alrededor de ese mundo, que es prácticamente cualquier cosa. De un tirón, salió todo el resto del guion y el proyecto completo lo cerré en menos de un mes.

Con el título supongo que quise lograr ese choque entre dos conceptos que uno no imaginaría ver unidos. Esa vieja definición del humor que es “poner algo en donde no debería estar”.

¿Cómo describirías tu relación con la religión?

En general es de aversión total. Como casi todas las familias ateas en Argentina, fui bautizado para dejar tranquila a mi abuela católica. Pero después de eso casi ni pisé una iglesia. Más adelante en la vida casi todas las cosas que me gustaron me llevaron a pensar en la iglesia como una de las peores cosas que nos pasó a la humanidad. Me refiero a las bandas que escuchaba, a mis lecturas, las películas que me gustaban, etc. Sin embargo, las lecturas de algunas novelas de Philip K. Dick me hicieron interesar en algunos temas religiosos.

Tus obras anteriores van desde Burroughs hasta alienígenas. ¿Cómo se inserta Cocaine Bergoglio dentro de tu recorrido?

Siempre pienso que en mi trabajo hay dos líneas más o menos delimitadas. Una parte más solemne y dramática, y otra más humorística. Sobre todo, esta última a partir de mi personaje Alien Triste. Cocaine se alinea con esta última, aunque por su formato me permitió explorar en otras direcciones. Alien Triste es una tira, para la cual necesito remates instantáneos. No me permite desarrollar historias tan largas.

El tono satírico y la crítica a lo religioso atraviesan el libro. ¿Tenías influencias o referentes claros al momento de desarrollarlo, tanto desde lo narrativo como desde lo gráfico?

No tenía referentes claros, o por lo menos nunca parto desde ellos. Los referentes están ahí y aparecen casi sin que yo lo registre. Identifico que en Cocaine se colaron las influencias que tengo de diferentes autores que trabajan con humor absurdo. Seguramente algo del Mayor Grubert, mi historieta preferida de Moebius, algo de Boris Vian, algo de Leonora Carrington, algo de Alberto Laiseca, algunas cosas de David Lynch y algunas de Quentin Dupieux.

Cuéntanos tus inicios en el dibujo y la historieta. ¿Cómo fueron tus primeros acercamientos al dibujo y a la historieta? ¿Qué experiencias o lecturas te marcaron tu camino?

De chico leía las historietas de los dibujos animados que veía en televisión. Los Superamigos, Thundercats, Robotech y mi preferido, Masters of the Universe. Estaba obsesionado con uno en particular, El suplicio de Man-E-Faces. Sospecho que era porque relataba la historia de un actor devenido en villano. Mi abuelo también era actor, y de ahí que seguramente haría un paralelo.

Siendo muy niño dibujaba sin parar. Recién a partir de mis veinte años lo empecé a tomar un poco más en serio. Así comencé a formarme en diferentes talleres de dibujo e historieta de Buenos Aires. Algunos años después, por el 2008 más o menos, formé el grupo Niños junto a dos colegas, Santiago Fredes y Darío Fantacci. Con ellos llegamos a publicar siete números de la antología de historietas Ultramundo.

Tu trazo es expresivo, vibrante, a veces incluso violento. ¿Cómo encontraste tu estilo? ¿Sientes que ya has llegado a algo definido o que sigue en evolución?

No lo sé a ciencia cierta. Me cuesta entender cómo se forma ese gusto primordial de cada artista que termina moldeando el estilo. Por algún motivo unos dibujantes despiertan mayor interés en uno que otros. Esas influencias más todo lo que uno lleva adentro decantan en una forma de hacer las cosas. Y va más allá del dibujo. Mi gusto por la fantasía y el terror seguramente va de la mano con el hecho de que a muy temprana edad vi películas como Laberinto o El joven Frankenstein. Y con “lo que uno lleva adentro” me refiero a toda experiencia personal. La muerte de un familiar, el desamor, la traición de alguna amistad. Para mí, esas cosas marcan la manera en la que uno hace las cosas tanto como cualquier obra artística. La personalidad del dibujo es una extensión de la propia personalidad. Y esta se forma a lo largo del tiempo a partir de todas las experiencias que uno va viviendo.

Sin dudas el dibujo no para nunca de evolucionar. Siempre se encuentran cosas nuevas dentro del estilo propio.

Tus obras han sido publicadas en varios países. ¿Has notado diferencias en la recepción según el contexto cultural o editorial?

En Argentina, el público además de conocerme por mis historietas también me conoce por otras actividades. Tengo una banda llamada Nave Nodriza junto a otros dibujantes, participo en actividades en ferias y festivales, participé en una serie de TV. Estas cosas muchas veces se complementan con lo que hago en mis historietas. En otros países es como empezar desde cero. Pero igual no me puedo quejar. Tuve buenas experiencias publicando en otros países. Sobre todo en Francia, donde estuve viviendo durante un año a partir de una residencia artística en París.

Desde 2022 integras una banda de shoegaze y dream pop formada por dibujantes y animadores. ¿Qué lugar ocupa la música en tu vida y cómo dialoga con tu trabajo como historietista?

La música ocupa un lugar muy importante en mi vida. Toco la batería desde los quince años, aunque en mis veintis me encontré con que no podía sostener las dos actividades en simultáneo. Tenía que elegir entre dibujar y tocar. En ese momento me sentí más seguro con el dibujo y creo que elegí bien. Es lo que me sale mejor y lo disfruto mucho también. Pero por suerte la vida me dio esta revancha. Nave Nodriza es una de las cosas que más disfruto hacer. Y creo que la banda tiene un punto especial justamente en esto de que somos dibujantes que tocamos. Tiene algo muy narrativo, las canciones cuentan historias.

¿La música influyó de algún modo en la creación de Cocaine Bergoglio? ¿Escuchabas algo en particular mientras trabajabas en el libro?

La música me acompaña de diferentes maneras en el proceso de hacer una historieta. Cuando escribo el guion lo más probable es que no escuche nada en absoluto. A lo sumo puedo escuchar música instrumental. Canciones cantadas no me dejan concentrar en lo que estoy escribiendo. Pero cuando la idea ya está más formada disfruto de acompañarme con todo tipo de música a la hora de dibujar. Desde metal hasta jazz. Me gustan muchas cosas, pero creo que tengo una inclinación hacia lo deforme y lo ruidoso. En algunas cosas que hice la música está súper enlazada al ritmo narrativo. Tengo historietas del pasado que puedo releer y descifrar exactamente qué es lo que estaba escuchando al hacerlas. En el caso de Cocaine está la referencia explícita de Black Sabbath, que es una de las bandas que más amo en la vida.

¿Qué esperas que provoque esta obra en tus lectores bolivianos? Más allá del humor o la irreverencia, ¿hay una reflexión o pregunta que quieras dejar abierta?

Ojalá que le guste a la gente que está abierta a este tipo de material. Espero que sea la primera de muchas publicaciones mías por allá. Y lo que más me gustaría es vivir la experiencia de visitar el país, presentar algún libro, ir a algún festival, conocer a los artistas de allá. Siempre es lo que más me gusta, el intercambio.

La reflexión creo que está en la forma de la misma obra. Yo siento que este tipo de material surge de jugar. Y creo que jugar es la cosa más importante que tenemos los humanos. Es la chispa inicial del trabajo creativo. Y es una pena que se subestime el poder de lo lúdico en general, aplicado a cualquier cosa. Se interpreta que jugar es algo únicamente para los niños, y yo no creo que sea así. Intento con este tipo de historias que se respire la forma en la que fue hecha. Y que en el mejor de los casos eso contagie a otra gente a hacer cosas. Como a mí me pasa con las cosas que me marcaron.

En tus posts de Instagram, que están llenos de ilustraciones, siempre haces referencia a un término que ya es tu marca personal: “espectrar” ¿En qué consiste y cómo se vincula con tu obra?

Tal vez sea una experiencia espiritual trascendental o tal vez solamente consista en tomar vino y escuchar Cabaret Voltaire. Prefiero que quede el misterio para ser revelado por los lectores al leer mis libros. Que ellos mismos saquen su conclusión.

Nuevo libro YMC: Cocaine Bergoglio de Pedro Mancini

noreply@blogger.com (Roberto Ö.) — Sat, 02 Aug 2025 23:51:00 +0000

✝️ Habemus libro!!!

Cocaine Bergoglio

Un papa robot, una sátira feroz y una historia que desarma la solemnidad con humor y dibujo.

Pedro Mancini nos entrega una novela gráfica en la que un autómata suplanta al papa Francisco y abre la puerta a un mundo donde la religión, la política y la ficción se cruzan con desparpajo.

Parte de la colección de Yerba Mala Cartonera.