Yggdrasiles

Centenario de Mario Bava maestro del cine de terror

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 01 Aug 2014 10:10:00 +0000

El 31 de julio se cumplía el centenario de Mario Bava director de procedencia Italina que dio el pistoletazo de salida al género denominado 'Giallo', un cine de terror típicamente italiano similar al Slasher americano. 'Seis mujeres para el asesino' dirigida por Bava en 1963 fue una de las grandes fundadoras del género.

Entre sus títulos más destacados se encuentran 'La máscara del demonio' (Barbara Steele interpreta a la bruja vampira del cine Italiano), 'Las tres caras del miedo' presentadas por un magnífico Boris Karloff, o 'Terror en el espacio' la que es para algunos el germen de Aliens.

Bava simpre fue un director infravalorado pero que duda cabe que supo crear algunas de las más inquietantes admósferas de la historia del género.

A continuación puede verse el reportaje elaborado por Alejo Moreno para Días de cine en el que hace un lúcido recorrido por la carrera del director además de intervenir directores como Dario Argento o Guillermo del Toro comentando la influencia que Mario Bava ha ejercido en directores como Federico Fellini , George A. Romero o Tim Burton.

Centenario de Mario Bava, maestro del terror

Mad Max: Fury Road el reinicio de la saga creada por George Miller

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 01 Aug 2014 06:05:00 +0000

Warner y Village Roadshow dieron a conocer en la Comic-Con de este año el primer tráiler de Mad Max: Fury Road, el film que reinicia la saga orignial creada, dirigida, y guionizada por el australiano George Miller que se ha hecho cargo la dirección de la nueva entrega y del guión junto a Nick Lathouris y Brendan McCarthy.

Según los chicos de Scifiworld Mad Max: Fury Road retomará las aventuras post-apocalipticas de Max Rockatansky. Nuestro planeta se ha convertido en un desierto. Un lugar donde los recursos escasean y en el que la humanidad, o lo que queda de ella, esta dispuesta a todo por sobrevivir. Max y Furiosa son dos rebeldes en fuga. El primero ha perdido a su mujer y a su hijo, la segunda quiere llegar al lugar donde nació. Juntos atravesarán este mundo, luchando por su supervivencia, sin importarles quién se cruce en su camino.

Y para esta cuarta entrega de la saga Miller ha contado en los papeles principales con Charlize Theron que acompañará a Tom Hardy en el papel de Max Rockatansky interpretado en la trilogía original por el gran Mel Gibson.

El tráiler desde luego es espectacular, la fotografía de John Seale (ganador de un Óscar por el film "El paciente inglés") es vigorosa y las secuencias de acción repletas de explosiones y persecuciones adrenalínicas de vehículos que recorren a toda mecha los paisajes desérticos de este futuro plagado de miseria, codicia y barbarie es lo que nos muestra este primer avance.

La historia promete y mucho. Lo que me me pregunto es si Miller dará con la clave para contentar tanto a las nuevas juventudes como a los fieles seguidores de la saga que quedamos cautivados hace ya más de tres décadas por las aventuras de este peculiar antihéroe solitario del futuro.

No se a vosotros pero a mi me ha entrado el gusanillo y para este fin de semana volveré a visitar el universo de Mad Max. Abajo tenéis el tráiler que se estrenó en la Comic-Con y también el tráiler doblado al español.

Lucy la nueva cinta de Luc Besson llegará a nuestras carteleras el 22 de agosto

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Thu, 31 Jul 2014 18:21:00 +0000

RTVE.es ofrece, en primicia, el video de una entrevista con Morgan Freeman, en la que nos habla de su nueva película, Lucy, dirigida por Luc Besson, y en la que Scarlett Johanson interpreta a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar, con una memoria prodigiosa y una velocidad del rayo.

Una espectacular película (no os perdáis el tráiler que tenéis en la columna de la izquierda) de uno de los mejores directores de cine de acción. Desde Nikita, dura de matar, pasando por El profesional (León), hasta El quinto elemento, el guionista y realizador Luc Besson ha creado algunos de los papeles femeninos de acción más duros y memorables del cine.

Ahora, Luc Besson dirige a Scarlett Johansson en este thriller de acción que sigue los pasos de una mujer envuelta involuntariamente en un asunto muy oscuro del que sabrá salir utilizando a sus captores, y que acabará transformándose en una guerrera despiadada cuya evolución supera la lógica humana.
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Morgan Freeman: 'Scarlett Johanson es una actriz fascinante"

Tráiler de 'Lucy'

vía: Rtves

Matthew McConaughey y Anne Hathaway atravesaran un agujero de gusano en Interstellar, la nueva película de Christopher Nolan. Aquí podéis ver el tráiler

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Thu, 31 Jul 2014 07:02:00 +0000

Interstellar, la próxima película del director Christopher Nolan, presenta su nuevo tráiler. A continuación podréis echar un nuevo vistazo a la aventura de ciencia ficción que promete arrasar en las taquillas de todo el mundo este mismo año con Matthew McConaughey y Anne Hathaway a la cabeza del reparto.

Ya podéis ver el último tráiler de Interstellar que Warner Bros. ha distribuido. La nueva cinta de ciencia ficción dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por actores de renombre como los ganadores del premio Oscar Matthew McConaughey y Anne Hathaway, acompañados de otros de la talla de Casey Affleck, Michael Caine o Matt Damon llegará a las salas el 7 de noviembre con una particular propuesta.

Una aventura que nos hablará sobre los viajes espaciales y en la que un grupo de exploradores atravesará un agujero de gusano con la intención de superar los límites conocidos. Con un guión que corre a cargo de Jonathan Nolan y la banda sonora compuesta, como no podía ser de otra forma, por Hans Zimmer, Interstellar llegará a las carteleras con la intención de convertirse en un nuevo referente dentro del cine de ciencia ficción [vía: hobbyconsolas.com]

¡Ya está aquí la primera Revista Valinor ! dedicada a noticias, relatos, artículos, entrevistas e ilustración

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 28 Jul 2014 22:03:00 +0000

Comenzar un proyecto es siempre algo ilusionante: emprendemos con energías, llenos de ideas y entusiasmados con lo que puede llegar a ser. En todos los viajes, al principio los aventureros bromean, juegan y se divierten, cantan canciones y aprovechan para conocerse mejor. Más adelante vendrán los obstáculos y las dificultades, pero el inicio de una aventura rara vez es menos que perfecto.

Lo verdaderamente difícil es perseverar, se guir adelante, tener continuidad y constancia. Y en un mundo como el actual, en el que la información caduca en el tiempo que se tarda en enviar un tweet y los intereses se agotan con tanta rapidez, llevar a buen puerto un proyecto con tesón y además contando con el apoyo y la atención del público no es nada fácil. Han pasado ya cuatro meses desde que vimos la luz. La gran acogida que nos dispen sasteis en el primer número no ha hecho más que aumentar. Cada mes tenemos más lecturas, cada número hay más relatos y mejores contenidos que ofrecer.

Tenemos material para los próximos tres números, y aun así seguimos recibiendo colaboraciones. Y estamos encantados. Nuestro símbolo es un barco, una nave que se dirige hacia el lugar donde todo es eterno, donde nada caduca ni pasa de moda, donde todo lo auténtico prevalece. Y en el que cabe mucha gente. Cada uno de nuestros lectores le da sentido al sueño que todos compartimos, nos hace sentirnos un poco menos locos.

Y cada uno de nuestros colaboradores aporta algo único y especial a la revista Valinor, tanto los esporádicos como los que vienen para quedarse o los que repiten de vez en cuando. En este cuarto número damos las gracias de nuevo (nunca será suficiente) a todos los que estáis ahí, al otro lado, y también a los que han estado aquí, remando con nosotros. Podéis seguir enviando vuestros relatos o artículos para que podamos publicarlos a partir de octubre. Esto está en marcha, amigos. Pronto perderemos de vista el puerto. Como dijo el sabio, el camino sigue y sigue desde la puerta...

El equipo de Editorial Valinor

Contacto:
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"The Grimscribe's Puppets" (Antología homenaje a Thomas Ligotti) gana el premio Shirley Jackson Award

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Tue, 15 Jul 2014 00:59:00 +0000

cover by Daniele Serra

Para aquellos que hemos ahondado en los relatos de Thomas Ligotti hemos podido degustar con gran placer historias extraordinarias e inquietantes, pesadillescas y oníricas ya sea en la La fábrica de pesadillas que fue el primer libro editado en España del autor y que consiguió alzarse con el Premio Bram Stoker a la mejor colección de relatos o en Nocturario sus únicos libros (este último también de relatos) publicados hasta la fecha en nuestro país. Su prosa es difícil de seguir en ocasiones, pero eso sí , su estilo es exquisito, detallista y complejo. Para los que no conozcáis a este peculiar escritor, sus influencias y los temas que refleja en sus relatos nada mejor que recurrir a un brevísimo resumen del excelente prólogo de Jesús Palacios para Noctuario, titulado "Pasos en la oscuridad".

«Thomas Ligotti (Detroit, 1953) es sin duda uno de los grandes maestros del relato de horror y fantasía oscura repletos de pesadillas abstractas y expresionistas que parecen estar ligados como si de un cordón umbilical se tratase a los ya tantas veces citados nombres de Poe y Lovecraft a los que también se unen M.R. James, Dunsany, Machen, Blackwood, Robert W. Chambers, Clark Ashton Smith. Por lo tanto no es de extrañar que Thomas Ligotti se encuentre claramente en la larga tradición de lo fantástico y lo sobrenatural, lo extraño y lo grotesco, y que como ya he mencionado se remonta a Poe, y con Lovercraft adquiere dimensiones cósmicas y encuentra en su obra una nueva cumbre de terror, poesía y maravilla. Una cumbre donde se apunta el desnudo horror de la Nada, travestido en imágenes distorsionadas de mitos antiguos, dioses paganos moribundos, maniquíes inertes, autómatas y marionetas de vida ambigua, cultos extraños, paisajes desolados y sueños de los que no podemos despertar. Si Poe creó el horror psicológico y Lovecraft el cósmico, Ligotti, ha creado el horror ontológico, sin dejar de ser fiel por ello a los principios fundamentales y fundacionales de la mejor ficción gótica y de terror.»

Pero adentrémonos en el tema que ha dado lugar a la elaboración de esta entrada, y es que desde la web Lovecraft eZine se ha dado a conocer la noticia de que The Grimscribe's Puppets un libro que recoge 22 historias que homenajan a Thomas Ligotti editado por Joseph S. Pulver, Sr. acaba de ganar el premio Shirley Jackson Award a la mejor antología.

Joseph encargó a varios escritores tanto noveles como consagrados en el género de terror a participar con una serie de nuevos cuentos que rindieran homenaje a Ligotti y en los que se celebran las inquietantes pesadillas, oníricas y visionarias del de Detroit. Entre los autores que han participado en el proyecto están: Livia Llewellyn, Daniel Mills, Michael Cisco, Kaaron Warren, Joel Lane, Darrell Schweitzer, Robin Spriggs, Nicole Cushing, Cody Goodfellow, Michael Kelly, Eddie M. Angerhuber, Jon Padgett, Mike Griffin, Richard Gavin, Scott Nicolay, Simon Strantzas, Paul Tremblay, Allyson Bird, Jeff Thomas, John Langan, Gemma Files.

Daniele Serra. El ilustrador de la portada de The Grimscribe's Puppets

(podéis visitar su página web oficial pinchando en la ilustración)

La portada del volumen The Grimscribe's Puppets ha sido confeccionada por Daniele Serra. Ilustrador profesional cuyos trabajos han sido publicados en Europa, Australia, Estados Unidos y Japón y exhibidos en varias exposiciones. Ha trabajado para diversas editoriales y ha ilustrado portadas para Weird Tales magazine. También ha trabajado para DC y otras editoriales de cómic, además de haber diseñado las portadas de numerosos volúmenes de literatura de género. Asimismo Serra ha sido galardonado con el British Fantasy Award en 2012.

Se cumple medio siglo de 'Por un puñado de dólares'

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 14 Jul 2014 16:46:00 +0000

Este verano, concretamente en el mes de agosto, se cumplen 50 años del estreno de tapadillo en Florencia de Por un puñado de dólares, un western modesto, coproducido por Italia, España y Alemania, que no tenía excesivas ambiciones comerciales pero que acabó convirtiéndose en uno de los filmes más taquilleros de la historia del cine italiano. Su éxito rebasó fronteras y, tras estrenarse en diferentes países europeos, llegó a Estados Unidos en enero de 1967, donde terminaría recaudando algo más que un puñado de pasta (casi 15 millones).

El miércoles 16 de julio TCM recuerda el mítico film de Sergio Leone, una película que, junto a El bueno, el feo y el malo y La muerte tenía un precio, formaría la Trilogía del dólar (un nombre creado por United Artists) y que este año cerró el Festival de Cannes en una proyección presentada por uno de sus mayores fans: Quentin Tarantino. Algunos también le adjudican al film la etiqueta de ser el primer spaghetti western, y aunque es cierto que fue la primera obra importante del género, antes hubo otros westerns italianos como Tierra brutal (1961), de Michael Carrera, o El terror de Oklahoma (1959), de Mario Amendola. También en España el director Joaquín Luis Romero Marchent había retratado el salvaje Oeste con títulos como El sabor de la venganza o Antes llega la muerte.

Leone (que adoptó para la ocasión el pseudónimo de Bob Robertson) buscaba reinventar un tipo de cine que consideraba estancado, y para ello se sirvió de una historia llena de violencia inspirada en el clásico del cine japonés Yojimbo, de Akira Kurosawa. “Leone hizo una gran película. Pero era mi película”, diría más adelante el cineasta nipón, que demandó a Leone a través de la productora Toho.

Por un puñado de dólares supuso también el nacimiento de uno de los grandes personajes del western: el Hombre sin nombre (otro invento de United Artists). El papel fue ofrecido a muchas estrellas del cine americano (Henry Fonda, Charles Bronson, James Coburn…), pero la mayoría lo rechazaron porque consideraban que el guión era muy flojo. Finalmente, fue uno de los candidatos que desechó el trabajo, el actor Richard Harrison, el que sugirió el nombre de Clint Eastwood: “Quizás fue mi mayor contribución a la historia del cine”, declararía después Harrison.

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Las aventuras de Eastwood en su visita a la pobre España de los años 60 (el film se rodó en Hoyo de Manzanares y en Almería) darían para otra película que seguramente clavaría David Trueba. “No conozco Italia, no conozco Alemania, no conozco España. No conozco ninguno de los países que producen la película, así que lo peor que puedo sacar de esto es un viaje agradable”, dijo el actor tras aceptar el papel.
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Eastwood, acostumbrado a las comodidades y a los abundantes medios de Hollywood, debería haber sospechado las estrecheces que le esperaban en el rodaje al ver que el chaleco, los vaqueros, el sombrero y hasta los cigarros que trajo de su país se usaron para su vestuario en la película. Sin embargo, el hecho de que absolutamente nadie del equipo hablase inglés (con la excepción de un extra llamado Benito Stefanelli), hacía muy difícil que el pobre Clint se enterara de algo. “No había electricidad. No teníamos un trailer con baño. Hacíamos nuestras cosas detrás de las piedras”, recordaba en sus memorias el actor, que se marchó a su país sin imaginar el cambio que iba a experimentar su carrera tras esta película.

No podemos terminar este post, por supuesto, sin recordar al otro gran nombre propio de esta película. Nos estamos refiriendo al gran músico Dan Savio, sin cuyas composiciones ni este ni otros títulos de Leone serían lo mismo. ¿No os suena? Quizás os resulte más familiar (hats off) su nombre real: Ennio Morricone.

vía: TCM

'Noé', el cómic del relato bíblico llevado a la gran pantalla por Darren Aronofsky

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 23 May 2014 10:39:00 +0000

Las historias sobre el fin del mundo siempre han acompañado al ser humano desde tiempos remotos; y en particular el relato del diluvio universal ha formado parte distintas mitologías y textos sagrados. La inquietud sobre el final de todas las cosas y el resurgir de un nuevo universo tras la destrucción total parece impreso en el código genético del ser humano, y multitud de culturas y civilizaciones a lo largo de la Historia lo han plasmado en diferentes versiones.

Atendiendo a profecías, predicciones y fenómenos meteorológicos extremos, el cine de los últimos años ha plagado de catástrofes apocalípticas la gran pantalla, con argumentos que van desde lo científico a lo mitológico y religioso, adecuándolo a una ficción lo más impactante posible para el espectador.

Este viernes, 4 de abril, el cineasta Darren Aronofsky, director de obras tan personales como La fuente de la vida o Cisne negro, estrena Noé la adaptación cinematográfica de la historia del diluvio universal. Por cierto que en la columna de la izquierda tenéis un clip que rtve.es estrena en exclusiva.

Pero realizar esta película no ha sido un trabajo fácil y antes de embarcarse en este titánico proyecto, optó por trasladarlo primero al cómic.

¡Un cómic espectacular!

Así, en 2011 y 2012 la editorial belga Le Lombard publicó dos álbumes con la personal versión del realizador estadounidense del relato bíblico. Son esos dos álbumes los que aparecen ahora recopilados en un tomo de cómodo formato publicado por De Bols!llo (del grupo editorial Penguin Random House).

La historia se completa con dos nuevos álbumes que acaban de aparecer en el país vecino, coincidiendo con el estreno del filme, y que en España se publicarán en abril, también recopilados en un manejable volumen.

Aronofsky ejerce de guionista junto a su colaborador habitual y productor Ari Handel, con quien comparte la autoría de todos sus trabajos para el comic.

Del dibujo y el color se encarga el canadiense Niko Henrichon, un autor formado en la escuela Saint-Luc de Lieja, y que ha trabajado tanto para las grandes editoriales norteamericanas como para la industria de la historieta francobelga, y eso se nota tanto en la composición de las páginas como en la planificación de las viñetas.

Un cómic más audaz que la película

En ocasiones la figura de Noé nos puede recordar al poderoso Thor de los tebeos Marvel y otras veces nos encontramos con viñetas que perfectamente podrían encajar en obras de Moebius.

La estética nos recuerda la aridez de Dune, con escenarios que parecen sacados de El Señor de los anillos o 300, con unos evocadores cielos estrellados plagados de enormes astros, que nos remiten a grandes sagas de ciencia ficción.

En líneas generales, y vistos algunos trailers y fotogramas de la película, podemos afirmar que la propuesta gráfica del comic es mucho más audaz, grandiosa y atrevida que lo que veremos finalmente en los cines, aunque se hayan dejado buena parte del presupuesto en efectos digitales.

Se retrata un mundo desértico y sin esperanza, dominado por hordas bárbaras, en el que habita Noé, que sólo quiere vivir en paz con su familia. Sin embargo noche tras noche tiene oscuras visiones sobre la destrucción del mundo, que le alertan del peligro que corre la raza humana por su violencia y corrupción. Inspirado por estas visiones, comienza la construcción de un gigantesco navío en el que salvará a todas las criaturas inocentes…

Es la historia ya conocida por todos con alguna que otra sorprendente licencia que se toma el autor.

Mitológico, religioso, épico, o ecológico son sólo algunos de los aspectos del relato de Noé que pueden despertar el interés del lector. Sea cual sea el motivo, es innegable que a nivel gráfico y narrativo Aronofsky, Handel y Henrichon han puesto máxima dedicación en esta obra.

vía: rtv.es

Primera imagen oficial de "The legend of Conan" con Arnold Schwarzenegger

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Tue, 20 May 2014 10:27:00 +0000

Los chicos están bien, 2010. Dirigida por Lisa Cholodenko e interpretada por Annette Bening y Julianne Moore

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 07 Apr 2014 13:06:00 +0000

Una gran película dirigida por Lisa Cholodenko y protagonizada por Annette Bening y Julianne Moore que ganó dos Globos de Oro (mejor película comedia y mejor actriz -Bening-) y fue nominada a cuatro Oscar. Narra la historia de una pareja de lesbianas que vive con sus dos hijos adolescentes. Hoy, a las 22:00, en El Cine de La 2

La crítica opina

"Ninguna otra película de este año me ha dejado con tan plena sensación de satisfacción" Michael Phillips: Chicago Tribune "Cálida, divertida, sexy e inteligente (...) Conducidos por un guión impresionante, todos son capaces de produndizar en sus personajes" Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly

"Es tremendamente divertida sin exagerar sus efectos cómicos, y desgarradora con apenas unos mínimos adornos melodramáticos." A. O. Scott: The New York Times

"Divertida y argumentalmente insólita" Carlos Boyero: Diario El País

"La película avanza con gracia, buenas maneras y algún que otro diálogo delirante. Muy graciosa. (...) Pronto, todo lo bueno (que es mucho) de la película es tirado por la borda por culpa de ese empeño de la normalidad a machamartillo." Luis Martínez: Diario El Mundo

"Una perla 'indie' (...) muy divertida, que sorprende y atrapa de principio a fin, y cuyo calado es irrebatible (...) Mariló García: Cinemanía

"Si en lugar de estar ante una familia homoparental estuviésemos ante una tradicional, el relato, filmado con cierta desgana, quedaría conformado por un carrusel de tópicos con tendencia hacia el folletín" Javier Ocaña: Diario El País

"Una inteligente comedia (...) huye del panfleto, es cierto. Pero, por evitar la propaganda, cae a veces en el proselitismo conformista" Salvador Llopart: Diario La Vanguardia

"Interpretaciones brillantes (...) un buen guión (...) una comedia ligera, que aboga sorprendentemente por la vida en familia y burguesa." E. Rodríguez Marchante: Diario ABC

'Los chicos están bien', esta noche en El Cine de La 2

75 Happy Birthday Mr. Coppola

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 07 Apr 2014 09:17:00 +0000

Francis Ford Coppola es el realizador americano más importante que ha dado el cine en el último medio siglo. Un director que a lo largo de su vida siempre ha soñado con hacer películas pequeñas y personales, cercanas al arte, y alejarse de las ataduras comerciales que imponen los grandes estudios. Sus eternos problemas económicos y el grandísimo éxito que tuvo con su trilogía de El padrino hicieron que el director italoamericano siempre se moviera en la industria cinematográfica haciendo equilibrios, como si fuera un funambulista, entre sus deseos profundos y sus necesidades reales. Afortunadamente, a lo largo de ese camino ha ido regalando a los espectadores un buen puñado de obras maestras.

El 7 de abril Francis Ford Coppola cumple 75 años. Una acontecimiento que TCM celebra rindiendo un más que merecido homenaje a esta gran figura, uno de los pocos verdaderamente imprescindibles del cine, con la emisión el mismo día de su cumpleaños de tres de sus películas más emblemáticas, que a la vez simbolizan perfectamente lo que ha sido toda su carrera: La ley de la calle, un filme realizado en sus queridos estudios Zoetrope, el lugar que quería convertir en una alternativa a Hollywood; Cotton Club, uno de los encargos que tuvo que aceptar para pagar sus numerosas deudas, y Apocalypse Now Redux, la versión íntegra de su profunda reflexión sobre la guerra y el horror y la locura que crean los hombres.

vía: TCM

Lunes 7 de abril
18:10 La ley de la calle (Rumble Fish, 1983)
19:50 Cotton Club (The Cotton Club, 1984)
22:00 Apocalypse Now Redux (Apocalypse Now Redux, 2001)

El universo Coppola cumple 75 años

Ha optado 14 veces al Oscar y se ha llevado cinco, el último en 1974, por el guión de El padrino II. Pero, aunque hace tiempo de aquello, Francis Ford Coppola sigue estando en primera línea. El genial director, productor y guionista cumple hoy 75 años.

En octubre, recibió en Japón el Praemium Imperiale, uno de los galardones más importantes de las Artes a nivel mundial. Tres años antes, en 2010, la Academia de Hollywood le rendía tributo nuevamente entregándole el premio Irving-G.-Thalberg por su labor como productor.

Pero, pese a sus tres cuartos de siglo de vida, no parece que Coppola tenga ganas de jubilarse. El pasado mes de marzo anunció nuevos planes durante un evento cinematográfico en Denver (Colorado). «Será algo grande, una película, en realidad una serie de cuatro filmes que he escrito. La obra de mi vida», señaló según la revista 303 Magazine. Por el momento, no se sabe nada del contenido de este proyecto. Tras una pausa de una década como director, en 2007 presentó en el Festival de Cine de Roma la misteriosa historia de amor El hombre sin edad. Se trata de una obra experimental sobre la edad y la juventud, protagonizada, entre otros actores, por Bruno Ganz y Alexandra Maria Lara. Las críticas fueron mixtas, pero el estadounidense quedó impertubable. «Hice la película que quería», explicó.

Asimsimo, en 2009, mostró en Cannes el drama familiar Tetro. «Ahora puedo realizar las cintas que hubiese querido hacer de joven», aseveró contento sobre su tardía libertad, tras algunos fracasos y crisis en su vida.

VINOS Y HOTELES. «Comparado con mi ídolo Orson Welles, me va extraordinario. No solo soy más flaco que él», apuntó el director a los 70 años, poniendo su mano sobre su panza redonda. «También soy más rico». Entonces, admitió que, tras la quiebra financiera en la década de los 80, sus finanzas no solo procedían de la industria cinematográfica. «Mi viñedo y mis hoteles me ayudaron a recuperarme», indicó.

Criado en Nueva York, este hijo del músico Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, administra desde hace más de tres décadas un gran viñedo en Napa Valley, en el norte de California. Además, posee complejos vacacionales de lujo en Belice, Argentina y Guatemala.

En la década de los 70 le dio la espalda a Hollywood con su propia compañía productora, Zoetrope, en San Francisco. También es el jefe de un clan familiar que tiene entre sus filas a varios grandes del cine, como su hija Sofia, de 42 años, y su hijo Roman, de 48.

Coppola descubrió su amor por el cine a los 10 años, cuando sufrió poliomielitis, enfermedad que lo tuvo durante meses postrado en la cama, tiempon que aprovecho para ver muchas películas.

Posteriomente, visitó la Academia Cinematográfica en Los Ángeles y, ya con 22 años, rodó su primera cinta, Tonight for Sure!, ganando un Oscar en 1970 por el guión de Patton. No obstante, su gran salto como director lo logró en 1971, con la genial versión del bestseller El Padrino, de Mario Puzo. Así, la trilogía sobre la mafia de Coppola fue galardonada con innumerables premios.

En la década de los 90, sus filmes Dracula, (de Bram Stoker) y el thriller judicial Legítima defensa, basado en una novela de John Grisham, se convirtieron también en grandes éxitos. Pero no todo fueron triunfos en su trayectoria. Ejemplo de ello es la comedia familiar Jack, que fue un fracaso total.

vía: latribunadecuenca.es

Michael Kaluta Series Two # 63. Prince Valiant. The Black Ship

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 04 Apr 2014 09:16:00 +0000

Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Thu, 03 Apr 2014 16:52:00 +0000


Cartel oficial del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, creado por el artista Manuel Bejarano

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014 presenta su cartel oficial, creado por el artista Manuel Bejarano, que nos ofrece un doble juego con la imagen del festival y el rostro de Cthulhu, el mítico dios primordial creado por el escritor HP Lovecraft, que es uno de los iconos del certamen madrileño y que se funden en una imagen que refleja con exactitud el espíritu de festival. Desde Nocturna agradecemos el magnífico trabajo de Bejarano.

Con más de 600 cortometrajes y cerca de 450 largometrajes recibidos de todos los rincones del mundo (Estados Unidos, Canada, Irán, Corea del Sur, Japón, China, Filipinas, Irán, Rusia, Reino Unido, Francia, Bélgica, Alemania, Países Bajos, Chile, Argentina, Honduras, Nueva Zelanda, entre otros), la segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, que tendrá lugar del 26 de mayo al 1 de junio de 2014, calienta motores presentando parte de su programación.

La Sección Oficial Fantástico de Nocturna volverá a ofrecer una selección de títulos del más amplio espectro fantástico, muchos de ellos inéditos en nuestro país. BENEATH es un intenso y claustrofóbico filme dirigido por Ben Ketai (30 días de oscuridad 2: Tinieblas), que inspirándose en hechos reales, nos presenta a un grupo de mineros de carbón que se quedan atrapados a 600 metros bajo tierra y se verán atrapados en una espiral de locura que terminará enfrentando a unos contra otros. La ganadora a la mejor película canadiense en el Toronto After Dark, SILENT RETREAT, de Tricia Lee, nos cuenta como la protagonista es enviada a un retiro en el bosque para rehabilitarse y descubre que los hombres al frente del centro lavan el cerebro a las internas para conseguir su sumisión, y que hay algo verdaderamente extraño en ese bosque. SECOND COMING 3D, dirigida por Herman Yau (The Untold Story, The Legend is Born - Ip Man, Ip Man - The Final Fight) llegará desde Hong Kong para presentarnos una historia sobrenatural en la que oscuros secretos del pasado volverán en busca de venganza. La suiza CHIMÈRES, de Olivier Beguin, que ha cosechado numerosos galardones en festivales como Neuchâtel, Screamfest, o Fantasporto, nos relatará cómo una transfusión desata una extraña atracción por la sangre en su protagonista. Y la secuela de una de las mejores películas de terror de la pasada década, WOLF CREEK 2, dirigida por Greg McLean, nos hará viajar de nuevo hasta el impresionante cráter australiano para relatarnos las nuevas andanzas del psicópata Mick Taylor.

Nocturna Dark Visions, una de las secciones de más éxito de la pasada edición del festival, contará una vez más con las propuestas más innovadoras y transgresoras del fantástico. LORD OF TEARS, del director Lawrie Brewster, nos presentará la historia de un profesor de colegio torturado por pesadillas de su infancia con una extraña e indescriptible entidad: una figura vestida con ropas de la época victoriana con la cabeza de un búho. SOULMATE, el debut en la dirección de Axelle Carolyn, que obtuvo el premio a la mejor interpretación femenina en Fantasporto, nos ofrecerá una vuelta de tuerca a las historias de fantasmas. FRACTURED, la nueva película de Adam Gierasch, protagonizada por Callum Blue y Vinnie Jones, nos mostrará cómo un hombre, tras despertar de un coma, deberá enfrentarse a su antiguo jefe con el fin de librarse de las garras del diablo y así de una condena eterna.

Nocturna Madness, la sección más divertida y sangrienta del Festival, presentará títulos como PINUP DOLLS ON ICE, un slasher dirigido por Geoff Klein y Melissa Mira que nos garantizará sangre, erotismo y risas a través de la historia de una pinups que son contratadas para realizar un espectáculo en un aislado campamento en el que se verán acosadas por un obseso homicida. En APRIL APOCALYPSE, de Jarret Tarnol, veremos cómo, tras sufrir un accidente de coche, un joven despertará en medio de un apocalipsis zombie teniendo que luchar contra las hordas de no-muertos para salvar a su amada.

Fuera de competición, la sección Nocturna Panorama, acogerá de nuevo las mejores y más interesantes producciones internacionales de género fantástico. THE STATION (BLUTGLETSCHER), primer largometraje del alemán Marvin Kren, que sorprendió en 2010 con su mediometraje zombie Rammbock, que en esta ocasión nos trasladará a una estación climatológica cercana a un glaciar del que mana un extraño líquido rojo que terminará obligando a los científicos a luchar por sus vidas. FOUND, un filme transgresor y arriesgado, dirigido por Scott Schirmer, que ha cosechado ya numerosos galardones y que nos presentará a un curioso muchacho, obsesionado con el terror, que descubre que su hermano es un asesino en serie..

Pronto daremos a conocer más títulos de las diferentes secciones, así como los filmes de inauguración y clausura, invitados, el póster y la localización de esta segunda edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, es una producción de La Cruzada Entertainment, con la colaboración de Scifiworld Entertainment.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014 tendrá lugar del 26 de mayo al 1 de junio en los cines Palafox de Madrid, que vuelven a ser un año más la sede del festival.

Si quieres saber más sobre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014 visita también la redes sociales del festival en las siguientes cuentas:

Twitter: https://twitter.com/Nocturnafest
Facebook: https://www.facebook.com/Nocturnafilmfestival
Página oficial del festival: FESTIVAL DE CINE NOCTURNA 2014

El mundo de Atenas y su oligarquía

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Thu, 03 Apr 2014 16:04:00 +0000

Desde hace más de dos mil años, Atenas representa mucho más que el nombre de una ciudad en el imaginario occidental. Se considera que en Atenas se inventó la democracia, es decir el régimen institucional y de gobierno más difundido actualmente en el mundo. Este libro reconstruye la historia de la ciudad poniendo en tela de juicio su imagen idealizada, restituyéndola tal como emerge de la riqueza de fuentes de aquella época extraordinaria. Canfora desmonta la máquina retórica acerca de Atenas, demostrando que los críticos más radicales del sistema fueron precisamente los propios atenienses. «Un amplio fresco de la democracia antigua que nos llega en tiempos de grave crisis de los sistemas democráticos contemporáneos» (Massimo Stella, Il Manifesto). «Una inmersión en los orígenes de la democracia, en la que el lector es guiado por los historiadores antiguos, los autores de tragedias y de comedias, los poetas, los filósofos» (Il Messaggero).

“La lucha política abierta, el debate en público y el conflicto intelectual son la verdadera herencia de Atenas. Una herencia duradera, mucho más fecunda que la retórica banal omnipresente en la enseñanza escolar”. De esta manera, el veterano profesor de filología clásica de la Universidad de Bari Luciano Canfora explica a El Confidencial aquello que, a su juicio, debería recordarse de la Atenas clásica, principal protagonista de su último trabajo, El mundo de Atenas (Anagrama).

En él, el autor de La historia falsa (Capitán Swing) somete a escrutinio la actual capital del Ática para someter a prueba la idílica imagen que de ella se ha transmitido durante los últimos siglos, y revelar otra menos amable, donde la eliminación del enemigo político, la esclavitud o la concentración del poder eran mucho más habituales de los que sus defensores querrían creer. ¿De dónde surge tal mito? “Durante la Revolución Francesa, los políticos que se sentaban en la tribuna, los periodistas en la prensa y los profesores de los ‘colegios centrales’ volvían a menudo sobre las ‘repúblicas de la época grecorromana’ (Atenas, Esparta y Roma)”.

Su conocimiento sobre la Antigüedad clásica era “superficial”, en palabras de Canfora, que recuerda que durante el siglo XIX, “se admiraba a Atenas por su literatura y no por su política”, con contadas excepciones como George Grote –autor de la Historia de Atenas– y sus adláteres. “Por el contrario, los historiadores conservadores o simplemente de derechas no dudaron en documentar aquello que consideraban como los desastres de la democracia ‘a lo Atenas’”.

Sin embargo, Canfora considera que esta visión apenas ha inspirado a los políticos modernos. “Es el caso de Ségolène Royale cuando era candidata a la presidencia de la República”, explica el historiador. “Ella había imaginado el sorteo de los representantes del pueblo ‘a la manera de Atenas’, pero todo el mundo se mofó de dicha propuesta”.

'La escuela de Atenas', de Rafael Sanzio, es una celebración renacentista de la filosofía y ciencia de la Atenas clásica.

La fiesta de la democracia

Si hay algo que resulta particularmente problemático con el mito de Atenas es que, unido indefectiblemente a él, se encuentra el de la democracia, la forma de gobierno existente en la mayor parte de países desarrollados actuales. ¿Sigue siendo útil este mito, a pesar de sus debilidades? Canfora propone revertir dicha pregunta, al señalar que “el descubrimiento de la verdadera naturaleza oligárquica de la ‘democracia’ ateniense es de una utilidad máxima para comprender mejor aquello que se oculta entre los bastidores de nuestros sistemas políticos”.

Esta oligarquía de la que habla Canfora contrasta con los alrededor de 115.000 esclavos que pudieron llegar a formar parte de la servidumbre ateniense, y que carecían por completo de derechos civiles y políticos. Esclavos tanto por nacimiento como por sentencia, el historiador recuerda que en el siglo XIX Alexis de Tocqueville escribió en La democracia en América que “Atenas, con su sufragio universal, no era más que una aristocracia amplia”. Algo refrendado por el marxista Vere Gordon Childe, autor de Qué sucedió en la historia, cuando en 1941 señaló que “el ‘pueblo’ ateniense no era otra cosa que una clase dominante bastante extensa y diversificada”.

Pensadores de escuelas e ideologías contrapuestas que, junto con el “elitista-radical” Max Weber, llegaron a una misma conclusión: el poder estaba en manos de los menos, que utilizaban a la mayoría en su provecho. A tal respecto, Canfora añade que “la esclavitud, al igual que la explotación de los aliados, se encontraba en la ‘base’ de la democracia ateniense, que derivó en su opuesto”.

Cómo se construye una falsa democracia

La maquinaria ideada por los gobernantes de Atenas entre la reforma de Clístenes en el 508 a.C. y la muerte de Sócrates en el 399 a.C., ha utilizado herramientas semejantes a las de las naciones modernas para construir su identidad y eliminar al disidente. En ese sentido, Canfora destaca que la derrota del Gran Rey Jerjes durante las Segundas Guerras Médicas “fue largamente explotada para legitimar el imperio, es decir, la dominación sobre los aliados”, que habían apoyado al persa durante la invasión de Atenas. “Los aliados fueron acusados de no reconocer su lealtad”.

Es en ese punto donde irrumpe Heródoto, uno de los más importantes historiadores de la Atenas clásica, a pesar de haber nacido en Halicarnaso (entonces bajo el poder del Gran Rey), señaló que “quien diga que los atenienses fueron los salvadores de Grecia no faltará a la verdad, pues la balanza se habría inclinado a cualquiera de los lados que ellos se hubieran vuelto. Habiendo decidido mantener libre a Grecia, ellos fueron quienes despertaron a todo el resto de Grecia que no favoreció a los persas y quienes, con ayuda de los dioses, rechazaron al Gran Rey”. En opinión de Canfora, “la legitimación más clara del ‘derecho del imperio’”. Una estrategia retórica que “se ha observado por parte de Estados Unidos o la URSS después de la Segunda Guerra Mundial”.

El historiador advierte que todo imperio repite estrategias semejantes, y que al igual que Atenas acababa con sus enemigos a través de la violencia física, el ostracismo, el exilio o el asesinato, este procedimiento ha sido imitado por Estados Unidos desde el siglo XIX. Ejemplo de ellos son las muertes de Lincoln, John Fitzgerald Kennedy o Martin Luther King, que tienen sus ecos en la eliminación de Efialtes, Hiparco, Androcles o Frínico. “La historia ‘retórico-oleográfica’ dice una cosa muy distinta”, advierte Canfora. “Lleva a cabo su trabajo, que es el de la falsificación”.

Una de las víctimas más célebres del sistema ateniense fue Sócrates, una eliminación “de naturaleza política bien conocida”, tal como puso de manifiesto su contemporáneo Polícrates en su panfleto Acusación contra Sócrates, en el que enumeraba, entre los debes del filósofo, haber educado como un “mal maestro” a Alcibíades y Critias, considerados como “dos enemigos de la democracia”. Por si fuera poco, Sócrates, como su discípulo Platón, “no escatimaron ninguna crítica ante los considerables inconvenientes de la democracia ateniense”, lo que condujo a su eliminación.

Esparta, los nazis y la democracia actual

Paralela a la idealización de Atenas se ha producido una caricaturización de Esparta como una sociedad militarizada, racista y violenta que, no obstante, no se corresponde por completo con la realidad. “Isócrates ya dijo que el verdadero sueño de la ‘igualdad’ se había producido en Esparta, aunque cambió de opinión varias veces a lo largo de su vida”, recuerda Canfora. “Lo que es remarcable es que Esparta era un modelo al menos para parte de la élite ateniense. Decían que se trataba de ‘la Constitución perfecta’, y a veces se vestían a la manera espartana”.

No obstante, la reivindicación tardía de la sociedad espartana, en cuanto estructura militarizada y “aparentemente racial”, por los jacobinos y, en el siglo XX, por ciertos dirigentes nazis, quizá hayan generado otro mito, en el sentido absolutamente opuesto del de Atenas, es decir, negativo y autoritario.

“Hace unos años, Gabriel García Márquez protestó contra el ‘fundamentalismo democrático’ de la prensa y otros centros del poder político-mediático en Occidente”, concluye Canfora, autor a la sazón de Exportar la libertad (Ariel), en el que denunciaba la intromisión de un país en territorio ajeno para extender su sistema político. “Tenía razón y la fórmula que ha adoptado como síntesis de la dictadura oculta que nos oprime me parece completamente eficaz”, explica el historiador, aludiendo a esa mentira inherente a un gran número de democracias.

vía: elconfidelcial.com

Marathon Man, John Schlesinger 1976. Paramount Golden Classics

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Tue, 18 Mar 2014 19:43:00 +0000

La etiqueta "actor/modelo" rara vez se asocia con genialidad empresarial y talento creativo, pero en la década de 1970, un antiguo actor y modelo, Robert Evans, consiguió dar un vuelco al destino de uno de los grandes estudios de Hollywood, produciendo algunas de la películas más entretenidas e importantes del cine norteamericano del siglo XX. Como jefe de Paramount Pictures, Evans financió La semilla del diablo, El Padrino, Chinatown, y una de las películas de suspense mas significativa de la década, Marathon Man.

En los años setenta, el público entendido en cine tenía mucho donde elegir. La sofisticación de las películas producidas por los estudios era cuantiosa en comparación con las décadas anteriores, y los escritores y los directores disfrutaban de más libertad creativa que nunca. Aparte de recaudar enormes ingresos en taquilla y numerosos galardones para el equipo de Evans en Paramount, películas como French connection, Taxi Driver o Todos los hombres del presidente marcaron unos hitos tan señalados que llevaron a muchos críticos a considerar a los setenta como "la segunda Edad de Oro" de Hollywood.

En aquellas numerosas ofertas de Hollywood con más prestigio, habría sido fácil que una película como Marathon man pasase ampliamente desapercibida, pero las mentes que había tras la película estaban ansiosas por traspasar los límites de las películas de suspense convencionales. Al hacerlo así, muchos forzaron sus propios límites personales de una forma que nunca hubieran creído posible. Así, el resultado fue una película que exigía interés, y lo tuvo.

John Schlesinger nunca había dirigido una película de intriga. No obstante, su carrera como cineasta había sido creadora e innovadora. Nacido en Londres, Inglaterra, en 1926, Schlessinger mostró su interés por hacer películas desde pequeño. A los 17 años se enroló en el Ejército, formando parte de un número de magía para entretener a sus compañeros de armas mientras estaban destinados en ultramar. Después de la guerra, Schlessinger estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Oxford. Mientras estuvo en Oxford, dirigió un club de teatro experimental y, tras su graduación, se unió al Colcherter Repertory Theatre como actor profesional.

Después de realizar algunos cortometrajes, Schlessinger empezó a dirigir documentales para la BBC. Su primera película para la cadena se llamó Terminus. Hoy en día, la televisión a ambos lados del Atlántico está repleta de los llamados "reality shows" y de exhaustivos documentales, pero Terminus aparición a principio de los años sesenta y fue realmente revolucionaria, narrando la vida cotidiana de los obreros de la estación de trenes de Waterloo en Londres. Terminus ganó un premio de la Academia Británica, y su éxito animó a Schelsinger a probar suerte con películas de ficción.

Dustin Hoffman y Marthe Keller

Sus películas de los años sesenta ayudaron a definir una época. Sus primeras películas Esa clase de amor y Billy el embustero son clásicas en su género. No sólo recibieron grandes elogios de la crítica, sino que también ayudaron profesionalmente a Schlessinger al hacer que conociera a quienes iban a ser durante mucho tiempo sus colaboradores y amigos: el productor Joseph Janni, y los actores Alan Bates y Julie Christie. Schlessinger dirigió a conticuación Darling, que ganó dos Oscars incluido el de Mejor Actriz para Julie Christie, siendo el propio Sachlessinger nominada par el de Mejor Director. Después vino la adaptación de la novela de Thomas Hargy Lejos del mundanal ruido, que reunió de nuevo a Schlesinger con Bates y Christie, teniendo también como protagonista a otro icono de los sesenta, Terence Stamp. El año 1969 fue testigo del estreono de la primera película norteamerica de Schlessinger, Cowboy de medianoche. La película estaba protagonizada por Dustin Hoffman, quien ya era una reputada estrella, habiendo sido nominado al Oscar por una película que supuso un giro en su carrera, El graduado. Cowboy de medianoche fue clasificada "X", algo que normalmente equivale a una sentencia de muerte para una película dirigida al público en general. Sin embargo, la controvertida calificación de la película no disuadió a los espectadores, que acudieron en masa. Se convirtió en un enorme éxito de taquilla y, en la ceremonia de los Oacars de 1970, cosechó un buen puñado de ellos, incluido el de Mejor Película. Sigue siendo la única película clasificada "X" que ha recibido el máximo galardón de la Academia. A finales del mismo año, la reina de Inglaterra concedió a Schlessinger la Orden de Caballero del Imperio Británico por su contribución al cine.

En cuanto el productor Sydney Beckerman le pasó la novela al jefe de Paramount Robert Evans, el actor/modelo/magnate cinematográfico supo de que Marathon man debía ser llevase al cine. Los co-productores se pusieron en contacto con el autor, un tal William Goldman, para pedirle que adaptase su obra para la pantalla. Goldman, que ya era un veterano en Hollywood, y responsable de clásicos como Dos hombres y un destino y Todos los hombre del presidente, aceptó complacido. Posteriormente, Evans declararía que, en todo el tiempo que llevaba como presidente de Paramount, nunca había podido reunir el reparto deseado en un principio. Los repartos se habían venido haciendo basándose en soluciones de compromiso. Todo eso cambió con Marathon man.

Siendo una estrella joven, Dustin Hoffman tenía fama de ser uno de los trabajadores más infatigables de Hollywood. Era de la escuela del Método y, al igual que sus coetáneos Gene Hackman, Robert Duvall, Al Pacino y Robert De Niro, Hoffman rompía los esquemas convencionales de la interpretación en cada papel que encarnaba. Después de su papel en El graduado, Hoffman estaba de máxima actualidad. Su notoriedad continuó creciendo gracias a una serie de elecciones valientes y de admirables interpretaciones: Pequeño gran hombre, Perros de paja, Lenny, Todos los hombres del presidente y, por supuesto, Marathon man.

Calificado por Evans como "el Bogart de los años setenta", Roy Scheider tenía ya una gran reputación gracias a sus trabajos en French connection y Klute. Cuando se estrenó Marathon man, Scheider estaba en la cresta de la ola, tras haber sido rescatado por su papel del comisario Brody en la película Tiburón, el rotundo éxito internacional de Steven Spielberg.

Roy Scheider y Dustin Hoffman

En contraposición, la actriz suiza Marthe Keller era relativamente desconocida para el público norteamericano. Cuando era pequeña, Marthe Keller soñaba con ser bailarina, pero un accidente de esquí a los 16 años puso fin a sus sueños infantiles. En lugar de eso, Keller se puso a estudiar interpretación en la famosa Escuela Stanislavsky de Alemania, completando su formación en la igualmente respetada Escuela de Teatro Brecht. Keller trabajó duramente en los teatros de Europa con la Compañía de Repertorio de Heidelberg y, tras trasladarse a Francia, su esfuerzo le sirvió para participar en dos películas del director Philippe de Boca, Dale la luna y El diablo por la cola. No obstante, fue su aparición en la película de Claude Lelouche de 1974 Y ahora mi amor lo que llamó la atención hacia Keller de los directivos de Paramount y la condujo a la actuación más reconocida de su carrera a escala mundial.

La mejor baza del reparto de Marathon man fue conseguir que participara esa leyenda de la escena inglesa que era Laurence Olivier. Lord Olivier estaba delicado de salud cuando Schlessinger le visitó por primera vez en Londres, y llevaba más de dos años sin trabajar. Débil y parcialmente incapacitado para moverse, el gran actor tenía intactas, no obstante, las ganas de actuar, y se lamentaba de que ya no había buenos papeles. Estaba ansioso por ejercitar de nuevo su músculo interpretativo, e intrigado por el guión de Marathon man. Con Evans y los productores entusiasmados porque interpretase al malo de la película, Christian Szell, ya sólo restaba encontrar una póliza de seguros que cubriese a la película a pesar de la mala salud de la estrella. Al final, Robert Evans voló a Londres para entrevistarse en persona con representantes de Lloyd´s. Evans propuso que esa empresa se hiciera cargo del seguro de Olivier durante un período de sólo seis semanas. Llyd´s rechazó la oferta, pero Evans, fiel a su reputación, siguió insistiendo en el tema. Olivier, les dijo, era el actor británico vivo más importante. Había hecho lo indecible a favor de las artes. "Devuélvanle su dignidad", les instó enfáticamente Evans. Lloyd´s cedió y certificó la póliza de seis semanas. Al final, Lord Olivier invirtió casi tres meses en la película, y vivió otros 13 años más.

Laurence Olivier

Las localizaciones de Marathon man incluían Paris, Nueva York para alguna secuencia clave con especialistas, y los estudios Paramount en Hollywood. El escenario acuático donde tiene lugar el enfrentamiento culminante entre Babe (Hoffman) y Szell (Olivier) ocupó dos estudios de sonido de Paramount enteros, que tardaron seis meses en ser construidos. Cada director tiene su forma de trabajar, y John Schlessinger no era ninguna excepción. Creía que ensayar era muy importantes, sólo para los actores, experimentando con diferentes orientaciones en cada escena. Se llevaba esas cintas a casa y las escuchaba una y otra vez, eligiendo al final la versión que se iba a rodar. También se filmaban los ensayos, algunos de los cuales pueden verse en esta edición en DVD.

Lord Olivier estaba encantado de ensayar, y lo consideraba útil. William Devane, muy conocido en norteamérica en las audiciones y pruebas para películas y televisión como el inmenso Peter Janeway de Marathon man, narraba sus vivencias trabajando con Olivier en una conversación recordada por William Goldman en su libro de mayor éxito, Aventuras en el negocio del celuloide. A Devane, nada más terminar de interpretar su primer escena con Olivier, le preguntaron qué pensaba al ensayar con aquel gran hombre. "No importa", le dijo Devane a Goldman, "ha sido sólo un ensayo. No ha sido nada. Pero cuando las cámaras empiecen a rodar, él hará una cosa por aquí, y otra cosa por allá, y ya ni se sabrá que estoy en la película. Nadie me mirará: así es Olivier, hombre". Olivier era en gran medida el peso pesado de la producción, Reverenciado por sus compañeros de reparto, más jóvenes. Para Hoffman, era un sueño colaborar tan estrechamente con alguien cuyas actuaciones había estudiado toda su vida. Sin embargo, la técnica de Hoffman era muy diferente de la del histrión inglés. En una escena de Marathon man el personaje de Hoffman, Babe, permanece despierto durante tres días. Hoffman, un hombre fiel al Método, hizo lo mismo, en la creencia de que nadie sería capaz de resistir semejante desgaste. Preocupado, Olivier le preguntó a Hoffman por qué tenía tan mal aspecto. Hoffman se lo explicó. "Pero hombre", contestó Olivier, "¿por qué no actúas, simplemente?". Es una historia que se cuenta frecuentemente entre los actores. No obstante, la historia sigue, con Olivier contando a Hoffman que todas las noches, interpretando Hamlet, daba un salto de seis metros. "¡Sé lo que digo!", afirmó. El último día de rodaje, los actores y los técnicos de Marathon man prepararon una fiesta para Lord Olivier, para darle las gracias y despedirse de él. Le regalaron una estatuilla diseñada para la ocasión, con una inscripción que decía: "es un Lord en Inglaterra, pero para nosotros, los de Marathon man, es un rey". Olivier se mostró visiblemente emocionado por aquella muestra de afecto. Contra todo pronósticos, y frente a todos los agoreros, había añadido ora muesca a su cinturón: otra gran actuación de uno de los mejores acores de primer siglo del cine.

Lancelot Narayan y Toby Starbuck

Fuentes
"Aventuras en el negocio del celuloide", de William Goldman

All movie Guide

Leonard Maltin´s Movie Encyclopedía

Documental "La magia del cine es la magia de la gente"

Documental "Recordando Marathon man"

En el siguiente vídeo se puede ver el tráiler del filme dirigido por John Schlesinger e interpretado por Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, Marthe Keller entre otros. Asimismo también aporto foto reportaje de la edición Golden Classics Paramount del DVD, incluyendo sinopsis y datos técnicos del film, más unos carteles de cine originales que venían con la edición sobre este magnífico thiller con grandes dosis de suspense.

'En bandeja de plata', Billy Wilder 1966.

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 14 Mar 2014 12:28:00 +0000

Hay muchos tópicos al respecto, pero lo cierto es que la afición por los deportes, aunque sea solo como espectador, no tiene por qué estar reñida con la inteligencia. Al genial Billy Wilder, por ejemplo, le gustaba tanto el fútbol americano que tenía dos televisiones en el salón para ver más de un partido simultáneamente. De hecho fue en una de estas sesiones de sillón-ball donde encontró la inspiración para una de sus más celebradas comedias: En bandeja de plata. Al igual que sucede en su película, Wilder vio en una retransmisión cómo un jugador arrollaba a una persona del público. En seguida supo detectar no solo que ahí podía estar el arranque de una excepcional comedia, sino quién debía interpretarla: “¡Eso es una película! -afirmó haberse dicho a sí mismo-. Y ese tipo es Jack Lemmon“.

Adjudicado el papel de Harry Hinkle a un Jack Lemmon en la cima de su carrera, faltaba encontrar un actor para interpretar a su cuñado, un personaje que en el guión de Wilder e I.A.L. Diamond aparecía descrito con las mismas palabras con que William Holden definió en su día al director austriaco: “un hombre con el cerebro lleno de cuchillas de afeitar”.

Los productores querían confiar el papel a Jack Gleason o Frank Sinatra, pero Wilder, respaldado por Jack Lemmon, tenía en mente a un actor menos famoso con el que ya había querido contar años antes en La tentación vive arriba: Walter Matthau. Cuando Matthau, que en más de 10 años de profesión no había logrado pasar de secundario, recibió el ofrecimiento, aceptó sin haber leído siquiera el guión. Semanas más tarde, al echarle un primer vistazo a los diálogos de su personaje, su sorpresa fue mayúscula. “Pero… ¡si mi papel es más importante que el tuyo!”, le dijo a Jack Lemmon, con quien aún no había trabajado. “Bueno, ya era hora de algo así, ¿no te parece?”, le respondió un generoso Lemmon.

En bandeja de plata fue el primer filme del tándem Lemmon-Matthau.

Aquel fue el comienzo de una próspera y legendaria relación entre los dos actores que se vio reforzada aún más por el infarto de miocardio que Matthau sufrió durante el rodaje. Matthau, fumador de dos cajetillas diarias, era también un jugador empedernido, y su corazón no pudo soportar el estrés añadido que le provocaban las deudas contraídas. Temeroso de perder el papel de su vida, trató de hacer pasar su infarto por una hepatitis. Jack Lemmon no tardó en descubrir la verdad y, de nuevo junto a Wilder, no solo convenció a la productora de no buscar a un sustituto, sino que, durante la convalecencia de su colega, se encargó personalmente de recoger cada día un sobre con dinero en su casa y entregarlo al corredor de apuestas de Matthau, un tipo al que Lemmon describiría como “un gángster terrorífico”.

Semanas más tarde, un Matthau con 13 kilos menos (se nota en algunos planos) se reincorporó al rodaje para terminar lo que empezó y acabar ganando su primer y único Oscar. Sin embargo, quién sabe si como venganza por los malévolos planes de su personaje, sus percances aún estaban lejos de terminar. Dos días antes de ganar la estatuilla, se cayó de una bicicleta mientras pedaleaba por la Pacific Coast Highway y se rompió el brazo por 16 sitios diferentes. Cuando salió a recoger su premio, con la cara arañada, el brazo en cabestrillo y un aspecto tan lamentable como el de su cuñado en la ficción, el público no pudo reprimir las carcajadas.

[vía: TCN]

La moda femenina y los secretos para ponerse guapa hace 2000 años

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 14 Mar 2014 11:27:00 +0000


Siguiendo la moda romana, las mujeres e ponene un gran "Chal" rectangular, llamado palla, que bajha hasta las rodillas, dibujando elaborados pliegues. A menudo, por la calle, lo utilizan para cubrirse la cabeza. El peinado, las joyas de oro y los modales elegantes indican el origen aristocrático de esta matrona (izquierda). Todas las mujeres romanas llevan una larga túnica: es fina, de color, y cae has el suelo. Un cinturón a la altura del pecho realza las formas del cuerpo, como se ve en esta mujher del puebla llano (derecha).

Contrariamente a la época moderna, los atuendos masculinos y femeninos se parecen mucho. También las mujeres llevan vestidos parecidos a túnicas (stolae), que sin embargo son más largos, llegan hasta los pies. Su aspecto es decididamente más elegante: son fluctuantes, bastante similares al quitón griego. La peculiaridad es que van ceñidos no con uno, sino con dos cinturones: además de alrededor de la cintura hay otro que rodea el tórax, justo debajo de los senos. De esta forma realza su forma y su volumen.

En teoría también una mujer romana podría ponerse una toga, pero dificilmente veréis a una que lo haga. efectivamente, es la señal de una condena por adulterio o bien el atuendo de una prostituta. Así, por encima de la túnica, la moda femenina prevee un largo chal rectangular que cuelga hasta la altura de las rodillas, dibujando elegantes pliegues. Su nombre es palla : es tan grande que amenudo las mujeres lo utilizan para cubrirse la cabeza cuando van andando por la calle. Pensadlo bien, es algo que habréis visto muchas veces sin darle mucha importancia: en todas las representaciones de la vida de Cristo, desde las películas hasta los cuadros de las iglesias, desde los belenes a la crucifixión, María y las mujeres en general tienen la cabeza cubierta precisamente con ese tipo de chal.

A diferencia de las prendas masculinas, las femeninas son mucho más coloridas, y casi siempre están bordadas. Los colores son vívidos y consiguen que una mujer llame enseguida la atención por la calle, aun cuando está abarrotada de gente. A veces también por su calzado, mucho más aelegante y fino respecto al masculino, a menudo de color blanco.

Hay una curiosidad que tiene que ver con la «ropa interior» de las mujeres romanas: ¿que llevan bajo el vestido? Tienen un slip bastante reducido, parecido al taparrabos masculino, pero más elegante. Y además llevan también un «sujetador». Se trata en realidad de una suave faja de tejido o de piel, el strophium (o mamillare). El nombre puede variar, pero la sustancia es la misma: su finalidad es sujetar y realzar los senos. En sus escritos, Ovidio sugiere a las mujeres que rellenen la faja, en aso de que el sino no sea suficiente vistoso...

Los arqueólogos han encontrado muchas representaciones de esos sujetadores. Como en las famosas pinturas eróticas del lupanar de Pompeya. Pero la que más impresiona es el famoso mosaico de la villa romana del Casale, en la localidad siciliana de Piazza Armerina. En él se ve a unas muchachas que llevan puesto un auténtico bañador dos piezas sorprendentemente moderno: así se vestían las romanas para darse un baño en la piscina o para practicar ejercicios de gimnasia. La conclusión no deja lugar a dudas: el biquini es un invento romano...La ropa de las mujeres con las que os cruzáis por las calles de Roma es habitualmente de lino o de lana. Pero las mujeres ricas pueden disponer de otros tipos de tejido, muy exclusivos: algodones finísimos y, sobre todo, seda. Se han convertido en un auténtico símbolo de estatus, para exhibir en las grandes ocasiones.

Como es sabido, la seda fue durante mucho tiempo monopolio de China, que custodiaba el secreto de su origen, los gusanos de seda. A Roma la seda llegaba a través de larguísmos viajes en caravanas, tras atravesar las estepas de Mongolia, los desiertos de Asia, para llegar finalmente a las costas del Mediterráneo. El precio era, por tanto, altísimo. Y muchos aristócratas dilapidaban inmensas fortunas para poder vestirse con ella o emplearla en la decoración. Hasta el punto en que más que un emperador intentó inútilmente regular su comercio mediante leyes, entre otras cosas, en los bolsillos de los enemigos declarados de Roma, los partos. Efectivamente, las caravanas tenían que atravesar su territorio, situado entre Irán e Irak. Pero todo fue inútil. En realidad, el secreto de la seda fue posteriormente desvelado por los romanos: los gusanos fueron importados a Constantinopla. Pero era demasiado tarde: Roma y el imperio romano de Occidente ya habían caído bajo las invasiones de los bárbaros. Quien se benefició de ello fue el Imperio romano de Oriente, la renacida Bizzancio, bajo el emperador Justiniano.

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Secretos para ponerse guapa hace dos mil años .
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Del cuarto de tortura del dominus surgen pequeños gritos ahogados por cada pelo arrancado. Uno de los gritos es tan grotesco que el semblante de los esclavos se ilumina con una sorisa fugaz. rápidamente ocultada. Para no llamar la atención, se encorvan aún más y frotan el suelo con mayor vigor. Parecen dos grumetes ocupados en limpiar la cubierta de un velero, pero en realidad están puliendo un bellísimo mosaico utilizando pequeños bloques de piedra pómez. Es el mejor sistema para mantener limpias y radiantes esas obras maestras de piedra.

Ahora la actividad la actividad matutina ya está en todo su apogeo. En un cuarto en concreto hay un ir y venir de mujeres, todas ellas esclavas: es el cuarto de la esposa del amo, la domina. Una esclava aparta la cortina, y ante nuestros ojos se abre una escena muy peculiar: tres ancilas están maquillando a la señora de la casa.

Está sentada en una butaca de mimbre de alto respaldo. Estamos en una fase delicada, una esclava está "alargando con un bastoncillo de carbón las cejas de la domina. Las difuminará con la ayuda de un poco de ceniza. Emplea un cuidado infinito. Delante, otra esclava sostiene un espejo de bronce de modo que la domina pueda seguir paso a paso el progreso del maquillaje. Hay una tensión parecida a la de una operación quirúrgica.

Miramos a nuestro alrededor. A un lado, sobre una mesilla con patas de león, está el neceser de belleza abierto. Es un elegante cofre de madera recubierto de placas de marfil labradas. Es su interior se adivinan cremas, perfumes y ungüentos contenidos en pequeñas anforitas de vidrio, de cerámica y de alabastro. Se advierten también dos peines finísimos de hueso, grandes alfileres par el pelo tallados en marfil, unas pinzas, y además unas espatulitas de plata para untar las cremas y hacer máscaras de belleza. En torno al cofre hay esparcidos pequeños recipientes abiertos con más esencias.

Los gestos y los instrumentos para el maquillaje son al fin y al cabo muy parecidos a los que conocemos hoy en día: se realzan las pestañas, se crean sombreados en los párpados, etcétera. Los ingredientes, no tanto. Por ejemplo, los que se emplean para el maquillaje de los ojos, a los que se presta un especial cuidado. Ya existe el Kohl, pero para perfilar los ojos se utiliza también la tinta de sepia, el antimonio, o el hollín e dátiles asados. En el caso de nuestra domina se está usando otra cosa, verdaderamente sorprendente. sobre la mesa hay una valva de una concha utilizada como platillo, que todavía contiene un poco de una pasta oscrurísima: Su ingrediente principal consiste en ... ¡hormigas tostadas!

Ahora la maquilladora está preparando el toque final: va a dar color a los labios. Si hacemos caso a Ovidio, las damas romanas pueden contar con una extensa gama de colores, pero el preferido es, como en la época moderna, el rojo vivo. Se obtiene a partir del minio o del cinabrio (que por desgracia son tóxicos).

La domina ahora junta los labios y contempla el espejo. La mirada es penetrante y la piel luminosa. El trabajo se ha hecho bien: una mirada es suficiente para dárselo a entender a la esclava, que, intimida, baja la cabeza. En realidad, nosotros hemos asistido sólo a la fase final del maquillaje matutino. Si hubiéramos entrado unos minutos antes habríamos asistido a la preparación de un fondo tinta muy peculiar. El objetivo era simple pero delicado: rejuvenecer el rostro de la domina, que ya se acerca a los cuarenta años (una edad respetable para la época). ¿Qué hay que hacer? La esclava ha preparado una ligera capa de miel, añadiendo sustancias grasas y un poco de albayalde. El albayalde es un pigmento blanco que se emplea para dar luminosidad al rostro. Para conferirle también un color sonrosado y juvenil, ha añadido pigmentos rojos. Después, tras untarla delicadamente sobre la cara, ha cubierto las mejillas con polvo de hematities: de esa forma la piel ha adquirido una luminosidad peculiar...

El maquillaje matutino de una rica romana, en suma, es muy complejo y a veces recuerda a una receta de cocina. A veces se colorea también el resto del cuerpo: las plantas de los pies y las manos, de rojo, y las pntas de los senos con polvo de oro. Quien pueda permitírselo, obviamene...

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Máscaras de belleza

Finalmente, merece la pena abrir un brevísimo paréntesis sobre las máscaras de belleza y las cremas para la piel. Están muy de moda en la época romana, y las recomiendan muchos autores, desde Ovidio a Galeno y Plinio el Viejo. Las hay de distintos tipos. Lo que sorprende son sus ingredientes y sus virtudes, sobre todo par quien tenga problemas en la piel. Por ejempo, placenta de vaca para las ulceraciones de la cara; hiel de toro para las manchas de la cara (y lentejas para las de las piel); mantequilla para los forúnculos; bulbos de narciso como emolientes y blanqueadores; bicarbonato de sodio como cicatrizante; raíces de melón y comino como blanqueadores; mientras que para las dermatitis se aconseja un extracto de genitales de ternero...

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Peinados Faraónicos

La esclava de confianza de la domina da unas palmadas. La maquilladora sale del cuarto y entran otras dos muchachas. Se van a ocupar del pelo de la señora. Unas de ellas, la peluquera, saca de un armarito tres pelucas y las deja sobre una mesilla. Son de tres colores distintos: rubio, pelirrojo y negro. No debe sorprender que existan las pelucas en la época romana. De hecho, están muy de moda entre las mujeres. Están hechas con cabello auténtido: los rubios y rojizos provienen de Germania, los negro, de países orientales, incluso de la India. Es un tipo de mercancía de lujo, sobre la que ha habido que pagar fuertes aranceles aduaneros.

En la época que estamos describiendo, en tiempos de Trajano, los peinados alcanzan dimensiones faraónicas. Algunos son tan imponentes y putiagudos que recuerdan la tiara de un papa (izquierda). Los peinados de las matronas son muy complejos: la caracola de tenzas enrolladas y la "cresta" que se eleva por encima de la frente están formadas con postizos hechos de pelo importado. Las que lanzan las nuevas modas son las esposas de los emperadores (derecha)

La domina elige la roja: se la va a poner esta tarde en un banquete. La tarea de la esclava en las póximas horas será arreglarla y dejarla en perfectas condiciones para la velada. Un trabajo muy exigente, teniendo en cuenta que la pelcula es verdaderamente importante y está llena de rizos que hay que volver a ordenar. Durante el día la domina no llevará peluca, mostrará su pelo verdadero, que por tanto necesita ser peinado y acicalado. Por eso ha mandado llamar también a la segunda muchacha, la peinadora. Trae consigo una larga serie de peines de marfil, tenacillas, cintas y peinetas. Le va a tocar un largo trabajo: efectivamente, tendrá que rizar el pelo de la domina, que de suyo es sólo un poco ondulado. Por eso ha mandado llamar también a una segunda muchacha, la peinadora. Trae consigo una larga serie de peines de marfil, tenacillas, cintas y peinetas. Le va a tocar un largo rabajo: efectivamente, tendrá que rizar el pelo de la domina, que de suyo es sólo un poco ondulado. Por tanto utilizará una técnica que ha permanecido hasta la época moderna. Ha ordenado a oro esclavo que raiga un pequeño brasero encendido: servirá para calentar dos hierros (los calamistra) que le permitirán rizar los mechones de pelo.

Hay que decir que la moda de la peluquería femenina ha alcanzado, durante el reinado de Trajano, una complejidad impresionante, fruto de una evolución gradual. Tenéis que imaginaros algo parecido a nuestro moda: según las épocas, los peinados varían radicalmente. Y quien lanza la nueva forma de llevar el pelo eslla primera dama, es decir la nueva la nueva esposa del emperador, o las mujeres de su familia. Todas las exponentes del sexo débil del Imperio, al observar las estatuas de esas mujeres de poder en los lugares públicos, o sus rostros en las monedas, intentan imitarlas. En suma, los grandes estilistas del mundo romano son precisamente las mujeres de palacio.

Y así, con el pasar de la dinastías por el poder, nacen peinados cada vez más complejos. Octavia, la herman de Augusto, lanzó por ejemplo el peinado a la Octavia . Eso significaba llevar el pelo ondulado en las sienes, y un pequeño mechón en la frente, del que partía una trenza que recorría la parte más alta de la cabeza a modo de creta hata enlazar, en la nuca, con un rodete (hecho también de trenzas enrolladas). Si este peinado os parece complicado, escuchad lo que ocurre a continuación durante el reinado de Nerón y sobre todo en tiempos de los Falvios (Vespasiano, Tito y Domiciano).

Surgió la costumbre de enmardar el rostro con coronas de rizos. Y se empezó a exagerar. El pelo de verdad ya no era suficiente y por tanto se recurría a tupés dispuestos en distintos órdenes, como las filas de butacas en el cine. Estos tupés se levantaban, hasta dar al peinado el aspecto de altísimas fuentes de rizos. Eran peinados un poco chabacanos, parecidos a los renacentistas y los barrocos, que se remataban con la inevitable caracola en la nuca hecha de trenzas enrrolladas. Es fácil imaginar el larguísimo trabajo de las esclavas encargadas del peinado, las ornatrices, que había detrás de estos tocados. Como cuando un cocinero tiene que hacer una tarta nupcial...

Al parecer estos peinados tan monumentales eran lucidos por mujeres de baja estatura para aumental su visibilidad. Y en la época romana, como veremos, las mujeres no eran muy altas...En la época que estamos describiendo, los peinados de las ricas matronas romanas alcanzan la cúspide de esta evolución, con formas y alturas inverosímiles: crean sobre la cabeza un abanico vertical de cabellos que va de una oreja a la otra, terminando con elegantes bucles a modo de pendientes. En algunas mujeres da la sensación de ver el respaldo de una silla colocado en la cabeza, en otras el peinado es tan imponente y puntiagudo que recuerda el tocado del papa, la tiara. La responsable de esta nueva moda es la esposa de Trajano (primer emperador romano hispano), Plotina. Por ello, el peinado ha sido bautizado "a la Plotina".

Nos detenemos aquí. Pero resulta útil saber que ésta es tan sólo una de las muchas etapas de la evolución de la peluquería romana: con las generaciones siguientes, surgirán nuevos peinados famosos, como el estilo "melón", el estilo "tortuga", el estilo casco", etc.

Hay una última curiosidad. A las mujeres romanas, obviamente, les encanta también teñirse el pelo: mixturas especiales permiten tener el pelo rubio o rojo. Para el negro ala de cuervo hay que mezclar grasa de oveja y antimonio. Exixten también tintes azules y naranjas, pero normalmente los usan las prostitutas y las mujeres de dudosa virtud... Está claro que, a la larga, los tintes terminan por arruinar el pelo. También por eso se hace un generoso uso de pelucas de colores, que permiten tener, de un día para otro, un cabello con peinados y tonaliades muy diferentes.

Bibliografía
Alberto Angela, Un día en la antigua roma, . Primera edición. Madrid. 2009.
ISBN: 978-84-9734-906-2

'Las Furias, de Tiziano a Ribera'. Alegoría política y desafío artístico

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Wed, 12 Mar 2014 05:00:00 +0000

Las Furias se conocieron en España como los cuatro personajes mitológicos del Hades greco-latino condenados por haber desafiado a los dioses: Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre; Sísifo, condenado a portar una enorme piedra; Ixión, condenado a dar vueltas sin fin en una rueda; y Tándalo, castigado a procurarse alimento en vano.

Ellos son los protagonistas de la nueva exposición del Museo del Prado, que exhibe entre el 21 de enero y el 4 de mayo bajo el título 'Las Furias, de Tiziano a Ribera', 28 obras en distintos soportes firmadas por artistas del siglo XVI y XVII y que, según el director del museo, Miguel Zugaza, lleva a los visitantes "al infierno".

La exposición se compone de dos dibujos, ocho grabados, una medalla y 16 pinturas que giran en torno a una copia del Laoconte procedente del Museo de Valladolid. Las más llamativas son un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres y pinturas de Rubens, Rombouts, Glotzius, Assereto, Rosa o Langetti. El Prado aporta sus ejemplares de Tiziano y Ribera y el Ticio encadenado de Gregorio Martínez, adquirido en 2011.

Recorrido histórico en cinco secciones

La muestra se divide en cinco secciones. La primera de ellas se centra en el único precedente iconográfico del conjunto encargado a Tiziano, el dibujo de Ticio de Miguel Ángel, que se expone por primera vez en España.

Una imagen de la Gran Sala del palacio de Binche, creada para agasajar a Carlos V y al príncipe Felipe, abre la segunda sección, dedicada al encargo a Tiziano de María de Hungría. Precisamente ella es la responsable de la irrupción de las Furias en la Historia del Arte en 1548, cuando solicitó al pintor cuatro lienzos con estos personajes, algo que hizo "con clara intencionalidad política", explica el comisario de la muestra, Miguel Falomir, jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa.

María de Hungría identificaba a estos seres mitológicos con los cuatro príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano el emperador Carlos V y a quienes éste había derrotado un año antes en Mühlberg. Falomir precisa que las Furias "es uno de los escasísimos temas mitilógicos cuya promotora principal es una mujer".

"Esfuerzo titánico" de restauración y estudio

La tercera parte de la exposición se centra en Haarlem y Amberes durante los años finales del siglo XVI y comienzos del VXII como primeros receptores de las Furias. La cuarta ilustra el retorno del tema a Italia y la importancia de Nápoles como capital barroca de las Furias con Ribera como máximo representante.

La exposición concluye con la diseminación del tema por Italia hasta finalizar en Venecia con Langetti y los 'tenebrosi', cerrando un círculo imaginario iniciado por Tiziano. "Hacia 1700 el tema desaparece porque se agota", precisa Falomir.

Para Zugaza la muestra es el resultado de un "esfuerzo titánico" de restauración y estudio que ha patrocinado la Fundación Amigos del Museo del Prado. "Una exposición es una lección de Historia del Arte, y esta lo es de principio a fin", ha señalado el director durante la presentación a los medios de comunicación.

[vía: rtve.es]

Inauguración exposición Las Furias

La NASA muestra 42 espectaculares imágenes con motivo de la revisión de 'Cosmos: A Personal Voyage'

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Tue, 11 Mar 2014 15:42:00 +0000

Con motivo de la revisión y puesta al día de la mitíca serie Cosmos: Un viaje personal de Carl Sagan la Nasa ha mostrado 42 magníficas fotografías que pueden visionarse en un archivo flickr donde se aprecian planetas, cráteres, tormentas solares, nebulosas... Sin duda un lugar interesante que visitar. Para aquellos que no conozcan la serie original emitida en 1980 se puede explicar a 'grosso modo' de la siguiente manera:

Cosmos: un viaje personal (Cosmos: A Personal Voyage) es un documental sobre ciencia y astronomía que fue escrita por Carl Sagan, Ann Druyan y Steven Soter (con Sagan como guionista principal y presentador), cuyos objetivos fundamentales fueron: difundir la historia de la astronomía y de la ciencia, el origen de la vida, concienciar sobre el lugar que ocupa nuestra especie y nuestro planeta en el universo, las modernas visiones de la cosmología y las últimas noticias de la exploración espacial; en particular, las misiones Voyager. El programa de televisión estuvo listo en 1980 y constó de trece episodios, cada uno de aproximadamente una hora de duración. La música utilizada fue mayormente obra de Vangelis, y torso. Ganó un Premio Emmy y un Peabody. La serie se ha emitido en 60 países y ha sido vista por más de 500 millones de personas[cita requerida]. Tras el rodaje de la serie, Sagan escribió el libro homónimo Cosmos, complementario al documental. [vía: wikipedia]

Para ver todas las imágenes dirígete al siguiente enlace

'Cosmos' - NASA Images of a Space-Time Odyssey

Especial 'The Wire', la serie urbana del canal HBO

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 10 Mar 2014 19:55:00 +0000

The Wire es una serie de televisión que fue emitida desde 2002 a 2008 por el canal de pago HBO. Consta de 5 temporadas compuestas por 60 episodios en los que David Simons, periodista de la ciudad de Baltimore (que es justo donde sucede la acción) y creador de la serie nos muestra un inmenso mosaico donde se dan situaciones y personajes que están interrelacionados de una u otra manera hasta la conclusión, reflejando las entretelas de cómo funciona toda la ciudad.

Nos encontramos ante una serie intensa que nos devuelve la importancia de los rostros y además posee en nómina un plantel de maravillosos actores que aportan a sus personajes riqueza y profundidad, algo que no es todo lo habitual que quisiéramos. También conserva ese gusto por el cuidado mililimétrico en la trama y subtramas que desarrolla (que son muchas), ensamblando perfectamente elementos como la intriga, la acción, el suspense, el humor, y el drama, atesorando la virtud de sorprendernos en todo momento ya que está continuamente ofreciéndonos giros. Ha sido aclamada como uno de los grandes logros de la maestría de la televisión y está considerada, si no la mejor, si una de las mejores series de toda la historia. Puede parecer una barbaridad realizar tales afirmaciones, pero son muchos los telespectadores que han visto en ella un complejo puzzle en el que todas la piezas acaban por encajar como si ante nosotros tuviéramos un perfecto engranaje de relojería, convirtiéndose en un trabajo descomunal y brillante en el que lo que prima es la calidad, ya que HBO no es un canal que viva de la publicidad, cosa que si sucede con otros canales que están constantemente pendientes del share obtenido.

Antes de pasar a exponer el argumento de The Wire, en el que seré escueto a fin de no destripar mucho la historia, hay que realizar una observación para aquellos que todavía no la hallan visto, y es que The Wire no resulta un serial necesariamente fácil de ver, sobre todo para el telespectador medio acostumbrado a series que poseen la velocidad de la trama y la continua utilización de la elipsis, aspectos que las convierten en productos de comida rápida. Pero esos mecanismos no están presentes en The Wire, y es por ello que al comienzo de su visionado puede hacerse cuesta arriba , pero poco a poco te va seduciendo hasta que logra que caigas de lleno en sus redes captando la atención del telespectador, y sumergiéndolo en un mundo donde la corrupción es verdaderamente el eje sobre el que pivota todo la serie. También nos hace partícipes de las distinciones entre lo que hay de bueno y de malo en la sociedad que retrata la serie, y en donde el crimen, y el castigo son puestos en tela de juicio en todo momento y en todo estrato social.

The Wire está narrada desde la perspectiva de los personajes principales -la policía y sus objetivos- y la historia arranca en los barrios bajos de Baltimore, donde se investigan asesinatos relacionados con el mundo de las drogas. Jimmy Mcnulty, un policía heterodoxo pero inteligentísimo es el encargado junto a un grupo de policias de detener a los miembros de una importante banda dedicada al narcotráfico, dueña de buena parte de la ciudad. Además la ciudad no escapa a la corrupción judicial, policial y política, asimismo el espectador se encuentra en medio de las frágiles lealtades y guerras intestinas entre las diversas bandas que se disputan cada esquina de los barrios para poner la droga en la calle, siendo testigos de la desazón y la miseria que va unida al narcotráfico en su primera temporada; el puerto, que es donde transcurre la segunda temporada, nos muestra los entresijos de un mercantilismo salvaje donde la moralidad de determinados personajes brilla por su ausencia con tal de amasar dinero a espuertas; la corrupción inmobiliaria en la tercera; la fragilidad de un sistema educativo cuando anda de por medio la pobreza, el desamparo, y por ende la inmersión de los chavales en la vida de la calle obligándolos casi irremisiblemente al trapicheo y el vagabundeo en su cuarta temporada e incluso también hay para la prensa y sus cuestionables mecanismos de comunicación en la quinta y última temporada. Pero todavía hay más, ya que nos sumerge en el mundo de los confidentes; en el mundo judicial, sus fallas y corruptelas; el mundo del Boxeo; el mundo de la prostitución... En fin, que la serie plantea un buen número de temas, presentándolos eso sí, con un altísimo grado de verosimilitud.

Mucha gente pensó (yo entre ellos) que después de haber visto The Soprano (también creada por HBO de la que ya hablaré más adelante) el canal estadounidense había llegado a la cima de su capacidad creativa. Pero estábamos equivocados. Los premios recibidos y la unanimidad de la crítica no deja lugar a dudas, The Wire es una de las cimas de la televisión de todo los tiempos, léase las siguientes opiniones, algunas de ellas recogidas en un documental emitido por el canal TNT y que me merece la pena su visionado sobre todo para aquellas personas que desconozcan la serie, y si ya la habéis visto no viene mal revisionarlo por lo gratificante de escuchar críticas fundamentadas y coherentes. Pero aviso, puede que haya personas que se sientan molestas al escuchar determinados comentarios, ya que, a lo largo del documental subyace una crítica para aquellas series que se consideran fast food. Tambien he de comentar que la serie pierde muchísimo al verla doblada, osea que no verla en V.O.S.E me parece un sacrilegio.

Cualquiera de los capítulos de 'The Wire' es tan bueno o mejor que cualquiera de las películas presentadas a los Oscar"Lisa Schwarzbaum: Entertainment Weekly

"Si sólo dispones de una hora a la semana para ver la televisión, concédesela a 'The Wire'."Maureen Ryan: Chicago Tribune

"Vibrante y magistral obra de arte, la saga novelesca y urbana de la HBO 'The Wire' es la mejor serie de la televisión." Robert Abele: LA Weekly

"Han conseguido aquello que muchos bienintencionados escritores con conciencia social han intentado y han fracasado: escribir una historia sobre los sistemas sociales, con toda su complejidad, y aun así hacerla humana, divertida y, lo más importante de todo, fascinantemente entretenida." James Poniewozik: Time

"El retrato más lúcido y pavoroso de los mecanismos del narcotráfico que yo he visto nunca." Carlos Boyero: Diario El País

"Con el último episodio de 'The Wire' acaba una de las mejores (el adjetivo es aquí innegociable) series de la historia." Alberto Rey: Diario El Mundo

"Una de las mejores series de todos los tiempos, una auténtica obra maestra." Enric González: Diario El País

"Es la obra de televisión más asombrosa que nunca se ha hecho en Norteamérica, posiblemente la obra de televisión más asombrosa jamás hecha", según Alan Moore -autor de obras maestras del cómic como "Watchmen"- en una entrevista en Entertainment Weekly. Filmaffinity

En el siguiente reportaje emitido por la TNT los críticos Carlos Boyero, Miguel Salvat, Juan Cueto, Marcos Ordóñez, Enric González, Maruja Torres y Hernán Casciari analizan los pormenores de lo anteriormente comentado, ampliado y visto desde el prisma personal de cada uno de ellos. Además incluyo en la entrada un vídeo que reúne cada una de las Intro de cada temporada más un foto reportaje de la edición española de la serie completa en DVD.

Calificación:

Reportaje

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Especial The Wire from Yggdrasil on Vimeo.

The Wire - Intro Theme Songs 5 Sessions

Foto reportaje de la edicción en españa

El corto español 'Aquel no era yo' pierde el Oscar frente al danés 'Helium'. Oscars 2014

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Mon, 10 Mar 2014 09:30:00 +0000

Helium, del danés Anders Walters ha arrebatado el Oscar a Aquel no era yo, de Esteban Crespo.El cortometraje cuenta la historia de un trabajador de un hospital para niños que conoce a un pequeño con pocas esperanzas de vida. Entonces le habla sobre "Helium", un lugar donde los niños pequeños pueden ir a "descansar". Un lugar alternativo al cielo.

El cortometraje de Crespo, ganador del Goya a mejor cortometraje de ficción en la pasada edición de los premios al cine español, era la única baza española en los Premios de la Academia de Hollywood después de que se hubiesen quedado fuera el hispano-alemán Daniel Brühl y el largo de animación O Apóstolo. Aquel no era yo tenía como rivales por el premio a Just Before Losing Everything, Helium, Do I Have To Take Care of Everything? y "The Vooman Problem. El cortometraje de Crespo trata la historia de un niño soldado africano.

Aquel no era yo parte del contacto del director con el continente africano como cooperante. “Estuve en Guinea Ecuatorial y Namibia, no en las zonas armadas más conflictivas”. Su experiencia se completó con relatos de primera mano para confeccionar el guion. “También entré en contacto con todas las ONG porque era un momento en el que se habían unido todas las que trabajan con niños: Save the children, Amnistía Internacional, etc., desde la más grande a la más pequeña. Nos prestaron ayuda, información, leyeron el guion y nos dieron sus opiniones”.

Aquel no era yo, protagonizado por Alejandra Lorente, Gustavo Salmerón y Babou Cham, reúne a una cooperante española con un niño soldado en una encrucijada de violencia y redención que ha cosechado más de 90 premios internacionales (entre ellos el Goya a mejor cortometraje en 2013) y que, como colofón, se ha convertido en el quinto cortometraje español nominado al Oscar de la historia (ninguno ha conseguido el premio)

Esteban Crespo lleva desde el pasado 3 de febrero en Los Ángeles, con la habitual tournée promocional. El 10 de febrero acudió al almuerzo de nominados, en el que posó junto a Cate Blanchett en la tradicional foto de grupo. “No soy muy mitómano y no voy a pedir autógrafos”, declaraba antes de partir a EE.UU, “pero soy muy de Uno de los nuestros y Toro Salvaje, de Scorsese. No he visto El lobo de Wall Street y, en mis pesadillas, se me acerca Scorsese y me dice «he visto tu corto», y yo no puedo decirle nada”, bromea.

Rodado en inglés y español “por una cuestión de credibilidad”, el mayor desafío a priori -el casting de niños soldados- resultó lo más fácil. “Fue duro pero tuve una suerte grandísima porque al protagonista le encontré el primer día y eso te relaja. Porque el problema era encontrar un niño de 12 años con tantos matices: tenía que parecer un indefenso y en otro momento el ser más sanguinario de mundo”. Para parte del casting colgaron carteles por el barrio de Lavapiés. Los niños no hablaban inglés “ni ninguno de los tres conductores sabía conducir”, recuerda. El resultado, sin embargo, es asombroso en cuanto a su verosimilitud. El drama se combina con un contundente giro argumental que es el secreto del éxito de Aquel no era yo.

Parece además que la temática de los niños soldados despierta sensibilidades en Hollywood. El año pasado la dura ábula Rebelde se coló en la categoría de Mejor película de habla no inglesa. Su director Kim Nguyen (que también fue cooperante en África), afirmaba en RTVE.es que existía futuro para África. ¿Comparte Crespo el optimismo? “Sí, estoy convencido de que hay futuro y esperanza sin lugar a dudas. África es un continente maravilloso. Todo el que ha viajado se enamora. Al final, no son ellos, somos todos: el problema de África es global”.

TRAILER Aquel no era yo from quieneslala on Vimeo.

Del Goya a Hollywood

Crespo, de 42 años, se inició tarde en la dirección. Estudió arquitectura de interiores y cuando finalizaba sus estudios, realizó un cortometraje. “Me di cuenta de que me había equivocado”. Ahora vive un momento dulce. En Los Ángeles, los nominados viven un cortejo por parte de la industria estadounidense. Una situación que contrasta con la poca repercusión industrial que supone ganar un Goya. “Estoy encantado de tener un Goya y es un orgullo tremendo porque es tu profesión votándote y es maravilloso, pero, en España, los que mandan en la industria no ven cortos. Ni un solo productor me llamó tras el Goya para preguntarme si tenía algo. No te digo para contratarme, sino para preguntarme si tenía algún proyecto aunque, si te reciben, ya tienen una referencia”, sostiene. “En cambio, tras una entrevista que me hicieron al superar la shortlist de 10 finalistas a los Oscar, ya hizo que me llamaran productores”:

Ilustra con un dato la diferente consideración. “Solo con la nominación ya soy académico de Hollywood. Sin embargo, tengo un Goya y no soy académico de España. Los cortos no podemos serlo”.

El director presume del estado del mundillo de los cortos. “Antes era un sitio donde se aprendía; ahora mismo es un formato. En esta crisis hay un montón de directores superválidos que no podemos dar el salto al largo y estamos haciendo cortos. Y nuestros cortos ganan 100 veces más premios y tienen un movimiento internacional a años luz de los largos. Han ganado en Berlín, Sundance, Clermont-Ferrand… Ahora vamos a los Oscar. Nuestro nivel de cortos, internacionalmente, es mucho más alto al nivel de largo. Pero si ni las instituciones se enteran ¿cómo queremos que se entere la sociedad?”, lamenta.

Crespo lo tiene claro si aparece el dilema entre continuar su carrera en España o una eventual oferta en EE.UU. “Tengo un motón de entrevistas con agentes y productores muy gordos. Aunque Los Ángeles es así: son entrevistas que muchas veces no llegan a nada. Yo voy abierto absolutamente de mente. De repente, me han ofrecido trabajos pero no sé qué va a ser de mi vida. Lo normal es que mi futuro inmediato esté en España, pero estamos pasando una crisis muy gorda. EE.UU. es un mundo que no controlo. No lo descarto, pero no quiero cometer errores”, concluye.

[vía: rtve.es]

Resumen de los Oscars 2014

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Sat, 08 Mar 2014 16:22:00 +0000

Días de cine dedica el siguiente reportaje a la entrega de los Oscar 2014. Estas son sus impresiones:

Celebramos que una Academia rotundamente blanca por primera vez encumbre a un hombre negro y su mensaje antiesclavista. En el mismo viaje también ganó Lupita Nyong'o el Oscar a Mejor actriz secundaria. Aunque el de Guión adaptado hubiéramos preferido que lo recibiera la joyita de Philomena.También nos agrada que el mejicano Cuarón con Gravity sea declarado mejor director y cuente hasta siete estatuillas en total, las innegociables técnicas, montaje, sonido, efectos visuales, y las artísticas, fotografía y banda sonora. Si Sandra Bullock hubiera visto recompensado su gran trabajo con el octavo oscar de esta aventura espacial pero intimista, lo hubiéramos aplaudido igualmente. Sin embargo también aplaudimos que haya sido Cate Blanchett quien se llevara la codiciada presa de mejor actriz, a las órdenes de Woody Allen. Y también lo hubiéramos hecho con Judi Dench, por Philomena o Mery Streep, por Agosto. En las categorías espejo, la de Mejor actor principal y secundario, nuestra apuesta era inequívoca y hemos acertado. Aquí no había dudas: Matthew McConaughey y Jared Leto, estaban enormes, más que nadie, con su extraña pareja de Dallas Buyers Club. ¡Bien, por la Academia!

Resumen de los Oscar 2014

Reportaje: La leyenda de Stanley Kubrick

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Fri, 07 Mar 2014 11:23:00 +0000

El 7 de marzo, osea hoy, se cumplen exactamente 15 años del fallecimiento Stanley Kubrick víctima de un ataque al corazón mientras dormía. Con motivo de su desaparición no se me ocurre mejor idea que recorlarlo mediante el reportaje realizado por Informe Semanal dedicado al director de cine estadounidense titulado "La leyenda de Stanley Kubrick"

La leyenda de Kubrick

Tráiler de "A Dame to Kill For". La segunda entrega de Sin City un universo creado por Frank Miller y que dirige junto a su amigo Robert Rodriguez

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Thu, 06 Mar 2014 23:10:00 +0000

Vuelve el universo de Cin City creado por Frank Miller para el noveno arte y que dio el salto a la gran pantalla con una primera adaptación titulada simlemente Sin City. A fecha de hoy ya está disponible el tráiler de "A Dame to ill For" la segunda entrega de Sin City un universo creado por Frank Miller y que dirige junto a su amigo Robert Rodriguez.

The Weinstein Company ha lanzado el primer tráiler de 'Sin City: A Dame to Kill For', la durante laaaargo tiempo esperada secuela que por fin llegará a los cines norteamericanos el próximo mes de agosto (mientras en España seguimos esperando a conocer quién, cómo y cuando la distribuirá). Como es de recibo Robert Rodriguez & Frank Miller repiten nuevamente como máximos responsables artísticos de esta continuación en la que, entre repetidores y novedades, se dejarán ver Josh Brolin, Eva Green, Mickey Rourke, Jessica Alba, Bruce Willis, Rosario Dawson, Jaime King, Joseph Gordon-Levitt, Dennis Haysbert, Christopher Meloni, Jeremy Piven, Ray Liotta, Juno Temple, Stacy Keach o Julia Garner, entre otros.

Ficha técnica

Título: Por determinar
Título original: Sin City: A Dame to Kill For
País: USA
Estreno en USA: 22/08/2014
Estreno en España: Sin fecha de estreno
Productora: Dimension Films (The Weinstein Company)
Director: Robert Rodriguez, Frank Miller
Guión: Frank Miller, William Monahan
Reparto: Mickey Rourke, Joseph Gordon-Levitt, Jessica Alba, Eva Green, Rosario Dawson, Jaime King, Dennis Haysbert, Jamie Chung, Chris Meloni, Josh Brolin, Ray Liotta, Juno Temple, Jeremy Piven, Bruce Willis, Julia Garner, Stacy Keach, Lady Gaga
Web oficial del film: Sin City: A Dame to Kill For

Sinopsis
En la película, Dwight es perseguido por la única mujer que ha amado, Ava Lord, mientras ve como su vida se va al infierno. Cronológicamente hablando, esta historia tiene lugar antes que 'The Big Fat Kill' (una de las historias que aparecen en la película de Frank Miller, 'Sin City') y muestra cómo Dwight (Clive Owen en la primera película) llegó a tener una cara completamente distinta, de ahí que el papel ahora vaya a ser interpretado por Josh Brolin.

Notas de producción
Segunda entrega basada en la obra original de Frank Miller, previamente adaptada en 2005 con 'Sin City (Ciudad del Pecado)'.

Tráiler

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First Looks At Jessica Alba, Micky Rourke & Joseph Gordon-Levitt In ‘Sin City: A Dame To Kill For’

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vía: elseptimoarte.net

Vivimos en un mundo político. Political World (Oh Mercy, 1989) Bob Dylan

noreply@blogger.com (Yggdrasi l) — Wed, 05 Mar 2014 19:48:00 +0000

Political World		Mundo político

We live in a political world, Love don't have any place. We're living in times where men commit crimes And crime don't have a face		Vivimos en un mundo político Donde el amor no tiene lugar, Vivimos tiempos en que el hombre comete crímenes, Y el crimen no tiene cara.

We live in a political world, Icicles hanging down, Wedding bells ring and angels sing, clouds cover up the ground.		Vivimos en un mundo político Estalactitas colgando Suenan las campanas de boda, los ángeles cantan Las nubes ocultan el suelo.

We live in a political world, Wisdom is thrown into jail, It rots in a cell, is misguided as hell Leaving no one to pick up a trail.		Vivimos en un mundo político La sabiduría acaba entre rejas, Se pudre en una celda, está endiabladamente desorientada, No queda nadie que le pueda seguir la pista.

We live in a political world Where mercy walks the plank, Life is in mirrors, death disappears Up the steps into the nearest bank.		Vivimos en un mundo político Donde la piedad camina por la plancha, La vida es un reflejo, la muerte desaparece Escaleras arriba en el banco más cercano.

We live in a political world Where courage is a thing of the past Houses are haunted, children are unwanted The next day could be your last.		Vivimos en un mundo político Donde el valor es algo del pasado, Las casas están encantadas, los niños no son deseados, Mañana puede ser tu último día.

We live in a political world. The one we can see and can feel But there's no one to check, it's all a stacked deck, We all know for sure that it's real.		Vivimos en un mundo político El que podemos ver y sentir, Pero no hay nadie para comprobarlo, todo es una baraja marcada Y sabemos que es real.

We live in a political world In the cities of lonesome fear, Little by little you turn in the middle But you're never why you're here.		Vivimos en un mundo político En las ciudades del miedo solitario, Poco a poco, te encuentras en medio, Pero nunca sabes por qué.

We live in a political world Under the microscope, You can travel anywhere and hang yourself there You always got more than enough rope.		Vivimos en un mundo político Bajo el microscopio, Puedes ir a cualquier parte y ahorcarte allí, Siempre encontrarás soga de sobra.

We live in a political world Turning and a'thrashing about, As soon as you're awake, you're trained to take What looks like the easy way out.		Vivimos en un mundo político Zarandeados y vapuleados, Apenas te despiertas, te preparan para tomar Lo que parece la salida más fácil.

We live in a political world Where peace is not welcome at all, It's turned away from the door to wander some more Or put up against the wall.		Vivimos en un mundo político Donde la paz no es bienvenida, Se le cierra la puerta para que vagabundee algo más, O se la coloca contra la pared.

We live in apolitical world Everything is hers or his, Climb into the frame and shout God's name But you're never sure what it is.		Vivimos en un mundo político Todo es de él o de ella, Cuélate en la foto y grita el nombre de Dios Aunque no estés seguro de cuál es.

Letra y traducción extraída de la web www.goddylan.com

una publicación de Laguna Natives Music Page.