Yo hago Música

A grandes males...

noreply@blogger.com (Ramón) — Thu, 26 Jan 2012 18:07:00 +0000

Grandes remedios...

Esto es lo que debió pasar por la cabeza del violista Lucas Kimt cuando un teléfono móvil comenzó a sonar durante su concierto.

En un principio la reacción fue de enfado (algo normal en estos casos), pero como la molestia no cesaba decidió que era el momento de contraatacar: si no puedes con tu enemigo, únete a él.

Así fue como este músico realizó una improvisación sobre la melodía que le había interrumpido, en concreto la conocida como Melodía Nokia, que pertenece a un fragmento de el Gran Vals del compositor de Vila- Real Francisco Tárrega.

Esperemos que este tipo de interrupciones no se den tan a menudo, pues hay que entender que el silencio es muy importante para el músico.

Así que, recordad, hay que silenciar el teléfono o incluso apagarlo y disfrutar de la Música.

Música desde el Espacio Exterior

noreply@blogger.com (Ramón) — Thu, 19 Jan 2012 22:09:00 +0000

La Agencia Espacial Europea (ESA) acaba de hacer pública una lista muy especial: la de la música que acompañó a los distintos astronautas en sus viajes espaciales desde el año 1965 hasta las últimas expediciones de nuestros días. La lista completa la podéis encontrar aquí.

Lo curioso del caso es que el 7 de diciembre de 1965, durante la misión Gemini, los astronautas escucharon la primera música en el espacio: una canción hawaiana. Alguno de nosotros hubiera pensado mejor en algo más épico, compuesto para la ocasión. Pero eso no ocurrió hasta unos años después.

El 15 de diciembre de ese mismo año 1965, se produjo una conversación muy curiosa entre los astronautas y el centro de mando:

"We have an object, looks like a satellite going from north to south, probably in polar orbit.... Looks like he might be going to re-enter soon.... You just might let me pick up that thing.... I see a command module and eight smaller modules in front. The pilot of the command module is wearing a red suit."

"Tenemos un objeto, se parece a un satélite que va de norte a sur, probablemente en órbita polar .... Parece que podría estar pasando para volver a entrar pronto .... Es posible que sólo me dejó coger esa cosa .. .. veo a un módulo de comando y ocho módulos más pequeños en el frente. el piloto del módulo de comando está usando un traje de color rojo. "

Inmediatamente después los astronautas realizaron el primer concierto espacial: con la ayuda de una armónica y unos cascabeles, interpretaron una versión de un conocido villancico: jingle bells.

De este modo el primer concierto espacial fue bastante corto y con un repertorio acorde a las fechas que se acercaban.

Muchos años después otros músicos como Jean Michel Jarre tendrá la idea de escribir una pieza con una parte de saxofón que se interpretaría desde el espacio. El astronauta Ronald McNair fue elegido para interpretar la parte de saxofón de Last Rendez-Vous de Jarre, en órbita desde el Transbordador Espacial Challenger

Tras el desastre del Challenger el 28 de enero de 1986, la pieza fue grabada con otro saxofonista, retitulada Ron's Piece, y su trabajo Rendez-Vous fue dedicado a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo Ron McNair.

Vuelta al trabajo

noreply@blogger.com (Ramón) — Sun, 08 Jan 2012 17:24:00 +0000

Hay que volver con ganas para afrontar los nuevos retos, muchos de ellos formulados el día de Año Nuevo.

Uno de los míos es el tocar el piano (tan solo lo aporreo), pero viendo como lo hace el gran Michel Camilo me lo tomaré con un poco de calma...

Feliz 2012

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 27 Dec 2011 11:39:00 +0000

Orquesta - Trompa

noreply@blogger.com (Ramón) — Wed, 07 Dec 2011 07:37:00 +0000

La trompa es un instrumento de viento-metal que se desarrolló a partir de la trompa de caza (más conocida como cuerno de caza).

Estos instrumentos primitivos estaban hechos a partir de un cuerno de animal que, una vez vaciado, se usaba para realizar señales en los campos de batalla.

Poco a poco el instrumento fue evolucionando y le fueron añadidos los tonos, en el siglo XVIII, y las válvulas, en el XIX.

En un principio la trompa se tocaba gracias a los sonidos que emitía la serie armónica en la que estuviera afinada. La interpretación de un músico de una pieza con dicha trompa, supone un gran esfuerzo para el intérprete, lo que implica un gran virtuosismo del músico. Para tocar ciertas notas el músico se ayuda de su mano derecha, tapando la campana del instrumento (esta es la razón por la que la trompa se toca con la mano izquierda).

Posteriormente la trompa fue mejorándose y llegó al estado actual, en el que no puede faltar para resaltar ciertas melodías. Es un instrumento que se ha convertido en necesario en las bandas sonoras de nuestro cine.

Llegado a este punto no podía terminar el artículo sin presentaros a una gran músico, mejor persona y además de mi "segundo pueblo". Ella es Paola Rodilla e interpreta así de bien la trompa.

Adiós a la Sibila

noreply@blogger.com (Ramón) — Thu, 24 Nov 2011 21:47:00 +0000

Ayer falleció en Barcelona la voz de la Sibila: Monserrat Figueras.

Monserrat era una soprano que fundó, junto a su marido Jordi Savall, alguno de los mejores grupos de música especializados en la época antigua: Hespèrion XX, La Capella Reial de Catalunya y Le Concert des Nations.

Cuando yo era un estudiante de música descubrí, con gran asombro, que existía un grupo de músicos en nuestro país que se dedicaban a la difícil tarea de recuperar la música antigua. Con el matrimonio Savall- Figueras conocí la música sefardita, la música de la corte de los Borgia, pero especialmente me impresionó el trabajo realizado sobre el Llibre Vermell de Monserrat y el Canto de la Sibila.

Monserrat y Jordi creían que la voz humana era el modelo más perfecto y expresivo del canto melódico, como única vía para acentuar el sentido de la palabra. De este modo destacaron como los máximos exponentes de la música anterior a 1800, a la que dieron un nuevo enfoque estilístico.

El Canto de la Sibila es un drama litúrgico que se canta en Mallorca durante la Misa del Gallo. Este canto fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 2010. En este drama se profetiza el fin del mundo por parte de La Sibila: profetisa de la mitología clásica que se adapta al cristianismo con el concepto del juicio final. La noche de Navidad se interpreta este juicio final en el que los buenos y los malos tendrán su recompensa o su castigo.

Esperemos que Monserrat reciba su recompensa por habernos dejado tantos momentos mágicos con su voz. Descanse en Paz.

Feliz Aniversario

noreply@blogger.com (Ramón) — Fri, 11 Nov 2011 16:24:00 +0000

Cuando una señorita cumple años nos encontramos, tarde o temprano, con la coquetería que impide a muchas de ellas revelar su edad. Evidentemente cuando la edad no es lo más importante, nadie se pregunta por ello.

La protagonista del aniversario sobre la que quiero hablar es la película "Breakfast at Tiffany´s". Una película del genial Blake Edwards del año 1961. Este film fue protagonizado por dos actores que llegaron a su rodaje como "segundos platos": el papel de la protagonista era para Marilyn Monroe (según Truman Capote, autor del libro en el que se basaba la película), en su lugar apareció una maravillosa Audrey Hepburn. Por otro lado el protagonista masculino tenía que ser Steve McQueen, pero por incompatibilidad de fechas fue a parar a manos de George Peppard.

La música de esta película fue escrita por Henry Mancini (el de la música de "La Pantera Rosa") y contiene una maravillosa canción llamada "Moon River".

Esta canción se escribió para la actriz protagonista, que no destacaba por sus dotes musicales, con lo que el compositor tuvo que adaptarse al registro vocal de la actriz, que fue bailarina antes que actriz. Asimismo la canción estuvo a punto de no aparecer en la película, fue la determinación de Audrey la que consiguió que apareciera en las primeras escenas, en las que el protagonista conoce a la chica cantando acompañándose de una guitarra.

El tema se convirtió en un gran éxito y obtuvo el Oscar a la mejor canción el año 1961. La banda sonora obtuvo también el Oscar de ese mismo año. Si tengo que destacar algún momento de la película me quedo con la secuencia inicial, en la que una elegantísima Audrey Hepburn desayuna delante de la famosísima joyería que da nombre a la película (en su versión original, pues en castellano la película se llamó "Desayuno con diamantes"), mientras suena la banda sonora de Henry Mancini.

50 años es una maravillosa edad para una película que sigue siendo recomendable para todo el mundo, aunque es posible que las nuevas generaciones no se sientan atraídas por ella. Os guste o no, espero que la disfrutéis tanto como yo.

Música y Literatura

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 31 Oct 2011 10:48:00 +0000

Cuando las únicas formas de escuchar música eran analógicas: discos, cassettes, pues el CD era un lujo al alcance de muy pocos, llegó a mis manos un disco único. Se grabó para el 50 aniversario de la muerte del maravilloso poeta Federico García Lorca.

Este disco, que se llamó "Poetas en Nueva York", en homenaje al libro del mismo nombre de Lorca, apareció en el año 1986. Se grabó en distintas ciudades del mundo: París, Madrid, Roma, Londres y los cantantes eran todos de gran calidad: Lluis Llach, Angelo Branduardi, Paco de Lucía, George Moustaki y Mikis Theodorakis, entre otros.

Cada uno de los artistas cantó un poema de Lorca creando una simbiosis perfecta entre Música y Literatura (con sus características propias, evidentemente). Todas aquellas canciones me dejaron marcado, pero siempre hay un aspecto en una de ellas que consigue ser más importante.

De ese álbum me dejó perplejo la versión de Leonard Cohen, sobre el "pequeño vals vienés". No se si fue su voz: ronca y áspera, casi sin aliento al cantar. Su compromiso con la realidad que le rodea (intentó cambiar el sistema empresarial denunciándolo en sus canciones). Su eterna imagen de tristeza. Su puesta en escena. Su inseparable sombrero.

Esta es la versión que se rodó en la Alhambra, aunque no se le permitió el acceso a la misma, se rodaron imágenes de su exterior, de una belleza extraordinaria. (No se puede ver incrustada en esta página, pero si la podéis ver en la página de Youtube, para ello hacer clic en "Ver en Youtube")

Hubo algo en él que me cautivó, tanto que consiguió que me convirtiera en un seguidor más de este gran músico. Por ese motivo me alegró que fuera galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, que se le entregó el 21 de octubre pasado.

En esta gala pronunció un discurso memorable, recordando los primeros pasos con una guitarra (gracias a un guitarrista español), su relación con España, y en especial con García Lorca (su hija se llama Lorca en homenaje a este poeta), su instrumento, fiel escudero que compró en una tienda cercana al Teatro Real de Madrid.

Aquí os dejo este discurso. Espero conseguir que alguno de vosotros se transforme en un seguidor de Cohen como yo lo hice.

Trombones guerreros

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 25 Oct 2011 12:16:00 +0000

Es posible que alguno de vosotros piense que he confundido el nombre de la obra de Edmund Loffler, y que se llama Trombones Bravos, al escribir el título del artículo de hoy.

Si hacéis una búsqueda por la Red encontraréis muchos ejemplos de esta obra, que resulta muy atractiva para el repertorio de las bandas de Música y se interpreta con mucha asiduidad.

Pues bien, en este momento, yo me refiero al hecho de la transformación de un trombón normal y corriente, en algo parecido a un arma bélica conocida con el nombre de lanzallamas.

La finalidad de este experimento no la tengo muy clara, pero, después de encontrar el vídeo que aquí os dejo, he observado, con gran incredulidad, que es una "costumbre" muy extendida, y que incluso existen varios "récords" entre los distintos creadores.

En fin, me gustaba más este instrumento en su variante más clásica, así que os dejo una muestra de lo que se puede hacer dominando al instrumento (sobre todo si te llamas Christian Lindberg)

¿De dónde viene el RAP?

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 18 Oct 2011 06:55:00 +0000

El Rap: mezcla de recitado y poesía rítmica que aparece en Estados Unidos a mitad del siglo XX.

Esta es una de las definiciones que podéis encontrar buceando por la Red. El nacimiento de un nuevo estilo musical siempre es algo confuso, pues muchos artistas se postulan como los primeros creadores del mismo.

El Rap se asocia a otros elementos, como el MC (Maestro de Ceremonias: aquel que animaba al público en las fiestas de las discotecas), el DJ (Disc Jockey: el encargado de "pinchar" las distintas canciones desde un lugar privilegiado conocido como "cabina"), el baile de los bboy (tipo de baile acuñado como breakdance) o el grafiti (forma de expresión gráfica mediante pintadas en las paredes).

El hip hop (otra forma de denominar al Rap), tiene su origen en el uso de la onomatopeya utilizada para referirse al desfilar de los soldados: hip/hop/hip/hop. Este término fue usado por primera vez por Afrika Bambaataa para referirse a esta nueva cultura, que posteriormente derivaría a otros géneros y culturas urbanas (con sus respectivas formas de vida).

De todas las canciones que marcaron un antes y un después en la historia del Rap hay una que supone el inicio (aunque siempre habrá quien diga que no es así). Me refiero a la canción Rappers delight (1979) del grupo The Sugarhill Gang.

En ella encontramos aspectos típicos de este estilo que hoy nos ocupa:

El cantante realiza una mezcla de poesía recitada y canción.
Se puede oír una base que pertenece a otra canción (en concreto Good Times del grupo Chic)
Se convirtió en la primera canción que tuvo una denuncia por derechos de autor
Su duración era tal (14 minutos) que tuvieron que hacer una versión específica para las radios (dando lugar al nacimiento de las Radio Version)
Su letra es tan extensa que resulta hasta complicado seguirla, podéis intentarlo aquí.

Espero que os guste

P.D.: si intentáis cantar partes de la canción con la traducción fonética al castellano, obtendréis una canción que tuvo mucho éxito hace unos años: The Ketchup Song o Aserejé.

Un pianista en la Casa Blanca

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 10 Oct 2011 21:46:00 +0000

El pasado 8 de Octubre falleció Roger Williams, pianista y compositor que tenía el récord de haber tocado para más presidentes de los EEUU que ningún otro. En concreto comenzó a dar sus recitales desde la época de Harry Truman (1945-1953).

También es el creador de la única canción instrumental que ha alcanzado el número 1 en la lista de ventas Billboard´s: Autumn Leaves, canción francesa del año 1945 que ha visto como era versionada en innumerables ocasiones.

Si esto os parece poco os comentaré que fue el primer pianista en tener una estrella en el paseo de la fama de Hollywood.

Consiguió más de 18 discos de oro o platino a lo largo de toda su carrera, incluyendo un número 1 en ventas con una versión de la Banda Sonora de la película Nacida libre.

Es curioso pensar que este pianista que logró hacer famosa una canción sobre el otoño, haya dejado atrás este mundo en esta estación. Esperemos que, haya donde esté, consiga los mismos éxitos que consiguió cuando estaba entre nosotros y que podamos seguir disfrutando de ellos durante mucho tiempo. Descanse en Paz.

Échale la culpa al Boogie

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 03 Oct 2011 16:06:00 +0000

Quizás penséis que no tiene sentido esta frase: "Échale la culpa al Boogie". En realidad es una canción escrita en 1978 (han pasado unos cuantos años) por Michael Jackson, junto a uno de sus hermanos (david), para el álbum de "The Jackson Five" llamado Destiny.

En aquellos momentos Michael escribió la canción para intentar venderla a otra gran figura de todos los tiempos: Stevie Wonder.

Quizás fuera el destino el que hizo que esta canción pasara a formar parte de aquel álbum, en el que consiguieron volver a tener éxito.

La popularidad del grupo que formaba con sus hermanos fue tal que incluso llegaron a tener una serie de dibujos animados durante los primeros años 70, o una serie de televisión (en 1976 aunque después tuvieron un reality en 2009) . Sus éxitos fueron el comienzo de lo que luego se conocería como "Boy Band".

Hay que reconocer que el planteamiento del sello discográfico Tamla Motown fue muy bueno: un grupo de adolescentes (hermanos) que se preparó y presentó como un producto que iba a ser un éxito del pop. De hecho fue una banda de raza negra que vendió sin problemas entre la juventud blanca.

Sea como fuere lo cierto es que en cada ocasión en la que escucho esta canción, no dejo de sentir un hormigueo por todo el cuerpo, terminando (en muchas ocasiones) bailando este gran tema. Espero que os ocurra algo parecido y que lo utilicéis cuando algo no funcione del todo bien: ya sabéis "échale la culpa al Boogie".

P.D.: sirvan estas líneas como recordatorio a la figura de Michael Jackson en los días en los que se está celebrando el juicio sobre su muerte.

Led Zeppelin - Un nombre mítico

noreply@blogger.com (Ramón) — Wed, 28 Sep 2011 08:09:00 +0000

Led Zeppelin son un grupo de rock de los míticos. Su principal actividad se desarrolla en los años 70 y 80, pero su influencia sigue marcando a varios grupos de los que acaban de aterrizar en el mundo de la música.

A principios de los 70, Jimmy Page (uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos) se une a John Paul Jones (bajo y voz), John Bonham (batería) y Robert Plant (voz), para crear un nuevo grupo.

Existen varias teorías para el origen del nombre del grupo, pero quizás la más extendida (que no tiene que ser la verdadera) es la que atribuye este nombre a una ocurrencia de Keith Moon (batería del grupo The Who y considerado como el mejor batería de la historia). Moon dijo en una ocasión que el nuevo grupo de Jimmy Page "fracasaría y caería como un Zeppelin de plomo - Lead Zeppelin- ". Posteriormente se cambia, por problemas de pronunciación la primera palabra para adoptar su forma definitiva.

Sea como fuere, lo cierto es que la banda no cayó como un Zeppelin (para todos aquellos que no saben lo que es un zeppelin les recomiendo que investiguen acerca del dirigible llamado Hindenburg, que supuso el final de los vuelos comerciales de este tipo de aeronaves), sino que remontó el vuelo y se convirtió en el grupo que más discos de diamante ha conseguido a lo largo de su historia, sólo superada por los Beatles. En total han conseguido vender más de 300 millones de álbumes en todo el mundo.

Su influencia ha sido una parte decisiva para el nacimiento de lo que conocemos como Heavy Metal, junto a Deep Purple o Black Sabbath. Existe un gran número de grupos que reconocen la influencia de este grupo en sus trabajos: Rage Against the Machine o Living Colour entre ellos. Pero lo más curioso es la cantidad de grupos que intentan imitar (con mayor o menor fortuna) el sonido de esta formación: esto es el verdadero tributo a un grupo mítico.

Os dejo dos canciones que se pueden considerar dos obras maestras: "Stairway to Heaven" y "Black Dog".

Libre

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 19 Sep 2011 17:03:00 +0000

La canción habla del primer alemán que murió intentando atravesar el muro de Berlín, el 17 de agosto de 1962. Peter Fechter, un obrero de la construcción de 18 años.

Peter y su amigo Helmut Kulbeik, tenían pensado esconderse en el taller de un carpintero, cerca del muro, y, tras observar a los guardias de la "frontera" alejándose, saltar por una ventana hacia el llamado "corredor de la muerte", atravesarlo corriendo y saltar por el muro, a Berlín Oeste.

Hasta llegar al muro las cosas salieron bien, pero cuando se encontraban arriba, a punto ya de pasar al otro lado, los soldados les dieron el alto, y a continuación dispararon. Helmut tuvo suerte, Peter resultó alcanzado por varios disparos en la pelvis, cayó hacia atrás, y quedó tendido en el suelo en la "tierra de nadie", durante cincuenta angustiosos minutos, moribundo, desangrándose, a la vista de todos, y sin que nadie hiciera nada. Gritó pidiendo auxilio, pero los soldados soviéticos que le habían disparado no se acercaron, y lo único que pudieron hacer los soldados americanos fue tirarle un botiquín, que no le sirvió de ayuda, ya que sus graves heridas internas le impedían moverse, y poco a poco fue perdiendo la consciencia.

Durante casi una hora, los ciudadanos de ambos lados de Berlín contemplaron impotentes su agonía, gritando a los soldados de ambos lados para que le ayudasen. Pero ambos bandos tenían miedo de que los del otro lado les disparasen, como había pasado en otras ocasiones anteriores.

Cuando por fin se acercaron los soldados de la RDA y se lo llevaron, los ciudadanos de ambos lados gritaron repetidamente "¡asesinos, asesinos!". En el lado occidental, se sucedieron las protestas y las manifestaciones los días siguientes, y los habitantes del Berlín Oeste comprendieron claramente lo difícil que sería para sus familiares y amigos del Berlín Este el intentar escapar. Asimismo, también se dieron cuenta, decepcionados, de que los soldados americanos, en pleno auge de la Guerra Fría, no harían nada para ayudarles en circunstancias similares.

TIENE CASI VEINTE AÑOS y ya está

cansado de soñar;

pero TRAS LA FRONTERA está su hogar,

su mundo y SU CIUDAD.

Piensa que la ALAMBRADA sólo es

un trozo de metal

algo que nunca puede detener

sus ansias de volar.

Libre, como el sol cuando amanece yo soy libre,

como el mar.

Libre, como el ave que escapó de su PRISIÓN

y puede al fin volar.

Libre, como el viento que recoge MI LAMENTO Y MI PESAR,

camino sin cesar, detrás de la verdad,

y SABRÉ LO QUE ES AL FIN LA LIBERTAD.

Con su amor por bandera se marchó

cantando una canción;

marchaba tan feliz que NO ESCUCHÓ

LA VOZ QUE LE LLAMÓ.

Y TENDIDO EN EL SUELO SE QUEDÓ,

SONRIENDO Y SIN HABLAR;

SOBRE SU PECHO, FLORES CARMESÍ

BROTABAN SIN CESAR.

La canción, escrita diez años después de los hechos, recoge una historia que dieron la vuelta al mundo, y que todavía hoy son símbolo de la crueldad humana. En el lugar donde murió Peter Fechter, se levantó en 1990 un monumento. Ya en 1997, dos antiguos soldados de la RDA fueron juzgados, y admitieron haber disparado contra Peter Fechter. Se les declaró culpables, y fueron condenados a un año de cárcel. En el juicio el forense declaró que toda ayuda hubiera sido inútil, ya que la gravedad de las heridas le hubiera causado la muerte en cualquier caso.

Si de Reggae hablamos...

noreply@blogger.com (Ramón) — Fri, 02 Sep 2011 10:49:00 +0000

Todo el mundo conoce un género musical que viene de la isla de Jamaica: el reggae.

Durante los últimos 50 años esta música ha conseguido hacerse un hueco en todas nuestras vidas. Todos, de una forma o de otra, hemos bailado alguno de sus grandes éxitos, reconocido a sus principales artistas o disfrutado de sus letras.

Quizás el cantante más famoso sea el mítico Bob Marley, junto a su familia (que asciende a 10 hijos naturales y 2 adoptados), pero dejaremos que otros hablen de esta figura de la música. Nosotros vamos a centrarnos en alguien que puede resultar un poco menos conocido, pero que resulta ser un eslabón muy importante en esta cadena: Jimmy Cliff.

Jimmy Cliff tiene mucho que ver con el auge del reggae en todo el mundo. En 1973 una película comienza a conocerse en los Estados Unidos: The Harder They Come. La historia de un jamaicano que consigue trabajo como cantante. La banda sonora consiguió más éxito que la película y catapultó a su protagonista hacia las listas de éxitos.

Posteriormente una serie de canciones consiguen un gran número de ventas, afianzando a nuestro cantante como uno de los más importantes de la historia del Reggae. Es el caso de canciones como Many Rivers to Cross o Reggae Night.

Quizás estéis empezando a conocer a este gran músico, pero penséis que es un cantante de otra generación, de esos que sólo les gusta a vuestros padres. Es posible que sea así, pues su primer éxito lo obtuvo en la década de los años 70, pero os aseguro que lo conocéis y que incluso habéis cantado una versión que hizo de una canción de Elton John. Espero que os guste.

Jim Morrison. El muerto "resucitado"

noreply@blogger.com (Ramón) — Fri, 08 Jul 2011 10:42:00 +0000

El día 3 de Julio se cumplieron 40 años de la muerte de Jim Morrison, cantante del grupo The Doors.

En los años 60 muchos grupos optaron por la psicodelia como medio de expresión y de vida. Mediante sus canciones (o temas instrumentales) se intenta reflejar las experiencias que se conseguían con el uso de drogas de todo tipo, especialmente de laboratorio: LSD.

Las melodías describen sueños, visiones o alucinaciones. Las canciones son especialmente largas y existe una clara referencia a la droga en las letras: es el caso de la canción Lucy in the Sky with Diamonds (LSD) del grupo The Beatles.

La relación de los músicos con las distintas drogas de cada época quedará para otro día, hoy voy a hablar del inigualable Jim Morrison.

The Doors era un grupo atípico: cantante, guitarra, batería y teclado. El bajo que podemos oír en sus canciones era interpretado, de forma magistral, por Ray Manzarek, el teclista. En alguna grabación de estudio si se usó un bajista profesional, pero es curioso ver la facilidad que tenía Manzarek para interpretar dos instrumentos tan importantes a la vez.

The Doors tenían un halo de misticismo creado a su alrededor, principalmente por la figura de su cantante (con un gran magnetismo, llegando incluso a cantar de espaldas al público), por unas letras muy atormentadas, y por la retirada de su cantante cuando eran uno de los pocos grupos norteamericanos capaces de hacer sombra a los grupos de moda de aquel entonces: Beatles y Rolling Stones.

Como buen músico destinado a ser considerado "inmortal", Jim Morrison murió joven, demasiado joven. A los 27 años fue encontrado muerto en la bañera de su casa de París. Todo alrededor de su muerte fue un tanto raro:

No hubo autopsia, aunque supuestamente murió por un paro cardíaco.
Sus tarjetas de crédito y cuentas bancarias siguen operativas hoy en día.
Su cuerpo desapareció del cementerio francés de París en el que fue enterrado ( y en el que todavía se conserva su tumba).
Los únicos que vieron el cuerpo sin vida de Morrison fueron su novia y un médico que ya no ejercía.
Se dice que murió de sobredosis de heroína, pero tenía diagnosticada una fobia a las agujas.
Hay quien afirma haberlo visto en varios lugares vestido de cuero negro (su uniforme).
Hubo quien cobró cheques destinados a su persona después de estar oficialmente muerto.
Murió con 27 años, como otros grandes como Janis Joplin, Jimi Hendrix o Kurt Cobain.

En su epitafio se puede leer: Kata ton daimona eaytoy (griego antiguo) y se puede traducir como "cada quien su propio demonio".

¿Será este el fin de Jim Morrison? El tiempo ha demostrado que no: sus canciones siguen siendo versionadas (en 2004 Riders on the Storm fue cantada por Snoop Dogg).

Descanse tranquilo, donde quiera que se encuentre.

Clausura de Curso

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 27 Jun 2011 21:00:00 +0000

El pasado día 17 de junio tuvimos la ceremonia de clausura de Curso 2010-2011.

Por este motivo se organizó una ceremonia especial, pues era la primera vez que la hacíamos. En esta ceremonia se proyectó un cortometraje que hablaba de la juventud de hoy en día: "Algo más". En él se nos mostraba el trabajo de varios alumnos del Centro que dedican su tiempo libre a algo más que estar sentados sin hacer nada en el sofá de casa.

Posteriormente el Departamento de Música demostró que somos capaces de llevar el peso de una ceremonia. En primer lugar tuvimos una actuación del alumnado de 2º ESO, que hizo una demostración de sus habilidades con el instrumental Orff.

Después el que os escribe se puso al frente de un grupo de alumnos, algún ex-alumno y profesores, para formar una Banda que fuera la guinda del pastel.

Este grupo de alumnos tuvo que ensayar durante los recreos, así que los bocadillos se mezclaban con las partituras y los instrumentos tenían "sordinas" de distintos sabores. También nos reunimos en todas las ocasiones que consideramos necesario, pero no estuvimos todos juntos hasta el día del concierto, cuando no faltaba un instrumento, faltaba otro.

De todos estos esfuerzos apareció una gran familia que sorprendió a todos con su buen hacer. Valga este pequeño ejemplo como muestra de un enorme trabajo. Espero que os guste.

P.D: por si esto fuera poco, al terminar la entrega de orlas (todos los alumnos estaban guapísimos) y los discursos emotivos, el Departamento de Música proyectó el último trabajo del curso: un lip dub grabado días antes.

Me gusta el botellón

noreply@blogger.com (Ramón) — Wed, 08 Jun 2011 10:55:00 +0000

Y antes de nada me explicaré:

No estoy de acuerdo en beber alcohol sin ninguna finalidad distinta a la de conseguir un estado de embriaguez cuanto antes posible.

Me gusta lo que se puede hacer con las botellas: se convierten en instrumentos. Al soplar en ellas tenemos instrumentos de viento, al golpearlas con un objeto tenemos un instrumento de percusión.

Si además de ello tenemos mucho tiempo libre, imaginación y una orquesta que se preste al experimento tenemos un anuncio único.

Desde aquí lanzo el reto a mis alumnos para que sean capaces de conseguir algo tan creativo cuando van de botellón.

Música de bar

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 07 Jun 2011 16:50:00 +0000

Eso es lo que tenía que hacer John Williams para una de sus películas más taquilleras: Star Wars.

Todos conocemos los temas principales (teniendo en cuenta que son seis películas la cantidad de música es bastante impresionante), pero hay un montón de música incidental (también llamada diegética) que también merece nuestra atención.

Para la película Star Wars (llamada posteriormente Episodio IV - Una nueva esperanza) Williams compuso música de fondo (me gusta más que el nombre de incidental) para una cantina algo especial: la cantina de Mos Eisley. En este tugurio se reunían personajes al margen de la ley y bastante extraños (George Lucas dio rienda suelta a su gran imaginación con la pléyade de criaturas que allí aparecen).

A Williams sólo se le ocurrió, y por eso es un genio, el componer una música inspirada claramente en el Jazz, más concretamente en un Ragtime. Este tipo de música fue puesto de moda durante el final del siglo XIX llegando hasta el XX. Todos hemos oído ejemplos de esta música con la melodía The Entertainer de Scott Joplin, sobre todo si hemos gozado con la maravillosa película El Golpe, en la que dos estafadores interpretados por Paul Newman y Robert Redford organizan una venganza (en forma de estafa) a un gangster de la ciudad.

Una música del siglo XIX se usa para ambientar la acción que tiene lugar "hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana", pues no se dan datos de época alguna.

Los instrumentos que aparecen en la película también pertenecen a la imaginación del equipo que creo la película, pero los que suenan son algo más ortodoxos: trompeta, saxofón, clarinete, piano eléctrico, steel drums, sintetizador y percusión.

Aquí os dejo esta maravilla de música, espero que os guste. La música aparecerá después de la publicidad, es el precio que hay que pagar para que todo nos salga gratis...

Ipad - Garageband. La unión perfecta

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 31 May 2011 15:10:00 +0000

Hace un tiempo escribí un artículo sobre el uso del iPhone como instrumento musical. Hoy le toca el turno a su "hermano mayor el iPad.

El iPad puede verse como un tablet pc único, existen muchos en el mercado, pero ninguno ha sabido conquistar al público como el construido por Apple. Apareció en el mercado como un sustituto para los e-books o lectores digitales (con sus carencias por culpa de una pantalla que refleja demasiado la luz), una consola de videojuegos, o un reproductor de música y de vídeo con pantalla táctil, entre otras muchas prestaciones.

Dejando a un lado los inconvenientes, que los tiene, voy a defender su compra, desde el punto de vista musical, por un programa más que sorprendente: Garageband. Este programa forma parte de un conjunto de aplicaciones llamado iLife. Los poseedores de un ordenador con sistema operativo Mac Os X, ya sabíamos lo que podía hacer este programa.

Pero los programadores han ido un paso más lejos en la versión de iPad. Al tener como sistema de entrada de datos una pantalla táctil todo es mucho más fácil e intuitivo.

Garageband para iPad (que es como se llama este programa) nos permite:

Utilizar un teclado como el de un piano.
Usar un simulador de batería con los sonidos bastante conseguidos.
Un amplificador de guitarra a nuestra disposición, tan solo es cuestión de encontrar un interface para conectar la guitarra real.
Un grabador de audio.
Un sampler.
Los instrumentos smart drums, smart guitar, smart bass y smart keyboard.
Un secuenciador integrado.

Lo verdaderamente interesante es la facilidad de uso que nos dan los distintos instrumentos. Si sabemos tocar alguno de ellos podemos hacerlo como si de instrumentos reales estuviéramos hablando, incluso al tocar más fuerte, sonará más fuerte. Pero para aquellos que no saben de la técnica se ha implementado una serie de facilidades.

Cada instrumento "inteligente" nos ofrece la posibilidad de tocar notas pertenecientes a un acorde, el programa hará el resto (aunque posiblemente nos cansemos pronto de oír siempre los mismos acompañamientos y ritmos). Esta característica supone un gran avance para aquellas personas que tienen un gran sentido creativo pero no han tenido tiempo para aprender a dominar un instrumento. La facilidad de creación de una pieza musical es asombrosa (podéis ver distintos ejemplos aquí).

Siempre he creído que la música es algo que nos tiene que hacer sentir mejor y que tenemos que disfrutar todos con ella. Este binomio iPad + Garageband es algo que puede ayudarnos a conseguirlo.

En este caso el "artista" se atreve con una versión de una canción de Toto (grupo mítico de los 80) llamada Hold the line. Espero que os guste.

P.D: no tengo comisión alguna por recomendar esta compra, pero los precios no son nada excesivos: desde 479€ para el iPad y 3,99€ por el programa.

Des-Concierto

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 24 May 2011 14:43:00 +0000

Me envía Lucía (una alumna que pronto se convertirá en "amaestradora" de niños) un vídeo sobre Ara Malikian para que os lo muestre a todos.

Ara Malikian es un GRAN (así con mayúsculas) músico nacido en el Líbano, pero de familia de Armenia. Comenzó a tocar el violín cuando no era más que un niño y su trabajo ha sido recompensado en más de una ocasión: Primeros Premios obtenidos en los Concursos Internacionales “Felix Mendelssohn” (1987 Berlín, Alemania) y “Pablo Sarasate” (1995), premios recibidos en concursos como “Niccolo Paganini” (Génova), “Zino Francescatti” (Marsella), “Juventudes Musicales (Belgrado), “Internacional Artist Guild” (Nueva York, USA), y en la “Internacional Music Competition of Japan”. En 1993 recibió el “Premio a la Dedicación y el Cumplimiento Artístico” del Ministerio de Cultura de Alemania.

En la actualidad reside en España y es concertino de la Orquesta Sinfónica de Madrid. En el año 2008 forma, junto a otros grandes músicos, el cuarteto de cuerda PaGAGnini, con el que hacen una revisión de piezas consideradas muy importantes en la historia de la música occidental, siempre desde un punto de vista humorístico.

Os invito a que disfrutéis de estos maravillosos músicos con un vídeo resumen de su último trabajo.

P.D.: En Noviembre estarán en Castellón y en Sagunto en Diciembre. Espero volver a hablar de ellos después de ver su actuación en directo.

Me gustan las flores

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 17 May 2011 15:34:00 +0000

Continúo con mis gustos personales.

Ya que tengo un poco de tiempo, me gusta pasear durante estos días y observar las flores que han aparecido en todos los lugares. Unas son más coloridas, otras más sombrías, pero todas tienen su función: servir de medio de reproducción de las plantas.

Desde siempre la humanidad ha tenido con las flores una relación especial, no en vano cultivamos flores desde hace más de 5000 años.

La floricultura (cultivo de flores y plantas) ha tenido un gran auge y nos provee de innumerables muestras de color y olor.

Cada uno de nosotros tiene una flor preferida: una rosa, una orquídea, una petunia o una amapola. Pero yo tengo unas flores muy especiales que quiero compartir con vosotros.

Se trata de un dúo de flores muy famoso (ha aparecido en muchas ocasiones como sintonía de diversos anuncios publicitarios). Su nombre "dueto de las flores" de la ópera Lakmé del compositor francés Léo Delibes.

Sus protagonistas Lakmé (hija de un sacerdote hindú) y Mallika (sirvienta de Lakmé) se encuentran recogiendo flores en el templo, antes de conocer a Gerald (oficial del ejercito inglés), de quien se enamorará al instante. La versión que he escogido es del año 1976. Sus protagonistas Joan Sutherland y Huguette Tourangeau, dirigidas por Richard Bonynge.

El diseñador de sonidos

noreply@blogger.com (Ramón) — Wed, 04 May 2011 14:10:00 +0000

Si leemos la definición de diseñador de sonidos encontraremos esto: "aquel profesional-artista capaz de determinar ( y crear en algunos casos) el conjunto de músicas y sonidos que acompañarán una película, una representación teatral, una instalación o una presentación..."

Teniendo esta definición en mente, es fácil pensar que el diseñador de sonido es una persona armada de un gran número de artefactos tecnológicos, entre los que destacarían los ordenadores que utilizaría para disparar muestras (samples) que necesitara en su trabajo.

Todo lo contrario es lo que supone la figura de Diego Stocco, un italiano que se ha especializado en encontrar sonidos únicos, y en ocasiones irrepetibles, en todo aquello que nos rodea.

Armado de un arsenal de micrófonos de toda índole, Diego destaca por grabar instrumentos rotos, y fusionar esos sonidos con los generados por instrumentos de fabricación casera. De esta forma graba desde el simple movimiento de arena sobre una superficie sólida, hasta al sonido que despide un piano en llamas.

Esta obsesión por el sonido le ha hecho ser contratado para trabajar en las bandas sonoras de series como Los Tudor, videojuegos como The Conduit o películas como Sherlock Holmes (con un contrabajo especialmente creado por él).

Su trabajo forma parte del cine de hoy en día, tanto que hasta la tarjeta de presentación del sonido DTS (Sistema de sonido digital para cine) es fruto de su imaginación. Aquí os dejo la presentación de este trabajo. Podemos ver los elementos utilizados y el resultado final. Es interesante subir el volumen de nuestros altavoces a partir del 4´25´´ para tener una idea del efecto que produce en una sala de proyección.

De mayor quiero ser como él...

noreply@blogger.com (Ramón) — Mon, 18 Apr 2011 14:46:00 +0000

Hace un tiempo descubrí un grupo de jazz que no es nada del otro mundo, incluso sus interpretaciones dejan mucho que desear (comparando con los "grandes"), pero no hablaría de este grupo si no fuera por una razón muy poderosa.

Sus integrantes tienen entre 8 y 18 años (una edad en la que muchos no sabíamos lo que era el Jazz). Proceden de la Escuela de Música de Sant Andreu de Palomar, en Barcelona, y aparecieron como formación en 2006, durante el Festival Internacional de Jazz de Terrassa.

Su nombre: la Sant Andreu Jazz Band. Es un nombre a recordar, pues en su corto período de vida, ya han grabado 2 discos, actuando con lo mejor del Jazz, tanto nacional como internacional.

Su director es Joan Chamorro y desde aquí quiero darle mi más sincera enhorabuena por un trabajo bien hecho. No solamente ha sabido inculcar el amor por la música a un grupo de jóvenes (que no están todo el día sin hacer nada), sino que sus interpretaciones pueden convertirse en algo único, irrepetible y admirable.

Está claro que los "grandes" siempre serán únicos, pero yo se lo que supone el trabajo con niños y adolescentes, así que desde aquí escribo estas líneas para que este trabajo no quede en el olvido y pueda ser admirado por todos aquellos que os acercáis a esta página de vez en cuando.

De este grupo ya ha salido una de las nuevas figuras del Jazz: Andrea Motis, que supone una nueva bocanada de aire puro y fresco en la música de hoy en día. Hace tiempo que no escuchaba una voz como la suya, tan personal y tan rica en matices. Como leí en la calle vacía, "...Andrea cambió los juguetes por el Jazz... o quizás ha añadido el jazz a sus juguetes..."

Lo dicho, yo de mayor quiero ser como él... y conseguir lo que el consigue.

Trabajo en equipo: Stepping

noreply@blogger.com (Ramón) — Tue, 05 Apr 2011 15:56:00 +0000

Cuando trabajamos en clase la película "Stomp the Yard", los alumnos se quedan anonadados por varias razones:

El profesor de música les ha puesto una película que trata sobre música actual (cosa que creían que no existía dentro de la asignatura)
Los bailes que aparecen en la película son verdaderamente increíbles.
Algún alumno descubre que para bailar hay que tener claro lo que es el ritmo.

El Stepping (step) es una forma de baile de percusión en el que se utiliza el cuerpo entero de los participantes como un instrumento para producir ritmos complejos y sonidos a través de una mezcla de pasos, la palabra hablada, y palmas. De esta forma, se restringen los movimientos del cuerpo y de los brazos considerados como secundarios . El Stepping ha sido popularizado por el Consejo Helénico nacional (National Pan-Hellenic Council). Aquella variación tiene raíces africanas y forma parte de una tradición afro-americana. Los miembros del grupo denominado "fraternities and sororities" han creado pasos y elaboran montajes sincronizados con el grupo para luego realizar competiciones con otros grupos y espectáculos llamados "Step Shows".

Estas demostraciones de stepping incorporan el "cheerleading"(animación de equipos), movimientos militares y otras formas de entrenamiento de grupo. Por lo general se realiza por grupos de tres o más.

Si algo queda claro en toda la película es que los individualismos son contraproducentes, el trabajo en equipo es lo que llevará a los protagonistas a conseguir su meta final.

Asimismo el esfuerzo es la base para conseguir un resultado óptimo. Por ese motivo los ensayos se repiten una y otra vez, con gran sacrificio para los integrantes del grupo, que llegan a actuar como si de un sólo individuo se tratara.

Espero que nos sirva a todos para comprender la importancia de la perseverancia y el esfuerzo ante cualquier aspecto de nuestra vida, sobre todo para unos alumnos que encuentran una dificultad y se rinden sin intentar superarla.