YO PONGO LA PELI

Aquí hay gato encerrado. Teaser tráiler de 'Gatto', una película de Pixar Animation Studios

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 11:01:40 -0700

Pixar Animation Studios presenta el primer avance y el primer cartel de 'Gatto', una aventura animada que lleva a los espectadores a los bajos fondos de Venecia gobernados por felinos.

La película nos presenta a Nero, un gato negro que después de estar moviéndose durante años por la supersticiosa ciudad de Venecia comienza a preguntarse si ha vivido la vida correcta. En deuda con Rocco, el jefe de la mafia felina local, Nero se encuentra en un dilema y se ve obligado a forjar una amistad verdaderamente inesperada que podría llevarle finalmente a encontrar su propósito. A menos que Venecia se le adelante.

Mark Ruffalo y Laurence Fishburne prestan sus voces a Nero y Rocco, respectivamente, en la versión original de esta película dirigida por Enrico Casarosa y producida por Andrea Warren, quienes ya trabajaron juntos en 'Luca', la ópera prima del cineasta italiano estrenada directamente en Disney+ en junio de 2021.

'Gatto' se estrenará en los cines de todo el mundo el 5 de marzo de 2027, nueve meses después de que la semana que viene lo haga la esperada 'Toy Story 5'. A continuación su primer avance, en el cuál podemos ver a Nero y Rocco mientras interrogan a otro gato.

Texto: Vía Pixar Animation Studios por Wanchope Foto/Via: El séptimo arte

'Cape Fear' comete la chifladura de convertir una película en una serie de 10 horas, pero que sale a flote gracias al Max Cady de Javier Bardem: "Dejad algo a la imaginación"

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:44:46 -0700

Es una historia que ya hemos visto dos veces en la gran pantalla, primero con el dúo de Robert Mitchum y Gregory Peck y después con Robert De Niro y Nick Nolte en el remake. Un clásico sobre un criminal que sale de la cárcel y busca venganza contra el hombre que ayudó al encarcelarlo que nos fascina con una historia cargada de terror psicológico y tensión, y que ahora llega una nueva versión para televisión con 'Cape Fear' de la mano de Apple TV+.

Nuevos terrores para nuevas épocas

Esta nueva versión de 'Cape Fear' está protagonizada por Javier Bardem, Amy Adams y Patrick Wilson en un proyecto ideado por Nick Antosca, el creador de 'Channel Zero'. Alejandro G. Calvo ya ha visto prácticamente la serie al completo, y en su crítica analiza los puntos fuertes y flacos de esta nueva versión.

"Llegamos a la serie, que cuando me la pongo pienso que no tiene ningún sentido que necesiten diez horas para contar lo que Scorsese contaba en dos y Lee Thompson en hora y cuarenta y cinco... Todos los elementos que están esta serie, parece que están puestos para mi disfrute", asegura Alejandro.

Y es que al fin y al cabo, Antosca es uno de los creadores más interesantes del género del terror, además de que 'Cape Fear' cuenta con una reformulación la maravillosa banda sonora reutilizada de la película de 1991. Otro de sus mayores aciertos sin duda es su reparto, especialmente con el fichaje de Bardem como "el mejor Max Cady posible de 2026".

Sin embargo, ni siquiera la cuidada fotografía y el elenco potente ha conseguido convencer del todo a Alejandro, que confiesa que se ha sentido bastante frustrado con la duración de 'Cape Fear'. Y, especialmente con su necesidad de explicar todo mediante flashbacks y sobreexposición.

"Es al mismo tiempo una serie muy llamativa, muy funcional, puede estar hasta bien, pero a la vez es un signo de lo mal que están ahora mismo los tiempos que corren para el cine y las series", sentencia Alejandro. "He acabado exasperado".

Texto: Mariló Delgado FOTO/vIA:Espinof

Steven Spielberg fue rechazado varias veces cuando quiso hacer una película de James Bond. Ahora tiene claro cuál sería su durísima respuesta si se lo pidiesen

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:36:55 -0700

Si un genio me concediera un deseo cinéfilo, es probable que lo gastara en saber qué habría hecho Steven Spielberg en el mejor momento de su carrera con la saga de James Bond. No sería, desde luego, porque el director no lo intentara una y otra vez allá por los 70, solo para encontrarse con que su versión de 007 no pegaba con la que querían sus productores. ¿Quién va a querer que James Bond sea divertido, emocionante, loco y con una dirección que sabe componer planos como ninguna otra?

Mi nombre es Berg. Spiel Berg.

Tal y como recuerda en el podcast The rest is entertainment (para celebrar, claro, la llegada de 'El Día de la Revelación'), Spielberg intentó que Cubby Broccoli, productor de la franquicia, le diera la oportunidad: "Me acerqué a Cubby después de que 'Tiburón' fuera un gran éxito. Siempre había querido dirigir una película de James Bond desde el día en que vi 'Dr. No', así que llamé a Cubby y me ofrecí voluntario. Le dije, 'Si necesitas un director, me encantaría dirigir una'. Y dijo que no".

En su lugar, Lewis Gilbert, que ya había hecho 'Solo se vive dos veces', volvió a la franquicia para dirigir 'La espía que me amó' y 'Moonraker'. Precisamente para esta película Spielberg recibió una llamada de Cubby, porque quería usar las famosas cinco notas de 'Encuentros en la tercera fase'. Y el director volvió a proponerle un trato. "Le dije 'Hagamos un trato. Te daré el permiso para usar las cinco notas si me dejas dirigir una película de Bond'. Y dijo que no. Pero le di las cinco notas de todas maneras".

Este juego del gato y el ratón se repitió durante años, con el productor de Bond negando al director más famoso del mundo entrar en su saga: "Me rechazaron consistentemente. Nunca me explicó por qué no me dejaba entrar en la familia de Bond". Cuando le contó esta historia a George Lucas, este le confesó que estaba preparando algo mejor que 007: un tal Indiana Smith. Han pasado 50 años desde entonces, y Spielberg tiene muy claro lo que es el karma.

Si me pidieran hacer una película de Bond ahora, mi respuesta sería "No podéis permitíroslo".

Texto; Randy Meeks Foto/Via: Espinof

La trágica historia real detrás de la canción más famosa de 'La Sirenita' que casi nadie conoce: "Ocultó su enfermedad a todo el equipo"

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:32:21 -0700

Hay canciones que creemos saber de memoria hasta que descubrimos la historia que esconden detrás. 'Parte de tu mundo', el gran himno de 'La Sirenita' (John Musker, Ron Clements, 1989), es una de ellas. Inspirada libremente en el cuento del danés Hans Christian Andersen, la película marcó a toda una generación y abrió una nueva era para Disney, conocida como el Renacimiento del estudio, en la que empezaron a centrarse en personajes femeninos fuertes, alejados de los cuentos de hadas tradicionales donde los príncipes rescatan a damiselas en apuros.

Disney

Tras un arduo proceso de animación, marcado por la complejidad técnica de sus escenas submarinas, 'La Sirenita' llegó a los cines en 1989 convertida en un fenómeno inmediato. Además de cosechar gran éxito de crítica y taquilla, se convirtió en el VHS más vendido de 1990, ganó dos premios Oscar y contribuyó a revitalizar la reputación de Disney. Sin embargo, detrás de su legado hay una historia mucho menos conocida. Porque si millones de espectadores podrían cantar de memoria 'Parte de tu mundo', muy pocos conocen el significado que tenía realmente para su autor, Howard Ashman.

Una drag queen y un desamor

A principios de los 80, junto a su amigo y compositor Alan Menken, Howard Ashman escribió el que sería su primer gran triunfo: el musical 'Little Shop of Horrors', basado en la película homónima de 1960. Gracias al éxito de la obra, y de la posterior versión filmada en 1986 por Frank Oz –por la que Ashman recibiría su primera nominación al Oscar–, el letrista encontró trabajo en Disney. El estudio no solo le contrató para escribir las canciones de 'La Sirenita', sino también para producirla.

En calidad de productor, Ashman pudo contratar a Alan Menken y ambos compusieron todas las canciones de la película. Pero su implicación en el proyecto fue mucho mayor: tomaba decisiones visuales –como la estética de Úrsula, basada en la drag queen Divine, a quien muchos conocerán por las películas de John Waters–, narrativas –fue él quien sugirió que el cangrejo Sebastián fuese jamaicano– e incluso luchó con uñas y dientes por mantener 'Parte de tu mundo', canción que los ejecutivos querían eliminar por considerarla demasiado "lenta".

Ilustración de ’La sirenita’ realizada por Edmund Dulac en 1911, perteneciente a la obra de Hans Christian Andersen ’La Reina de las Nieves y otros cuentos’.

Si escuchamos con atención la letra de ‘Parte de tu mundo’ —no en su versión en castellano, sino directamente traducida del inglés— y la leemos conociendo el contexto en el que fue escrita, todo adquiere un sentido completamente distinto y trágico. Pero el trasfondo queer de 'La Sirenita' no termina ahí. El cuento original fue escrito por Hans Christian Andersen como una desgarradora metáfora de su propia vida tras el rechazo amoroso de su amigo íntimo, Edvard Collin, quien terminó casándose con una mujer.

De 'La Sirenita' a 'La Bella y la Bestia'

Howard Ashman escribió 'Parte de tu mundo' cuatro años después de que su novio de la universidad falleciera de sida. Durante la producción de la película, él mismo fue diagnosticado. "Creo que, como hombre gay, Howard creció sabiendo lo que era sentirse marginado, deseando formar parte del mundo que lo rodeaba pero sin poder integrarse por completo", escribió su compañero y compositor Alan Menken en The AIDS Monument.

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Alan Menken y Howard Ashman recibiendo el galardón a la Mejor Canción Original por ’La sirenita’ en la 62ª edición de los Premios Oscar.

"Durante dos años, mientras se rodaba 'La Sirenita', Howard sabía que tenía VIH, pero ocultó su enfermedad a todo el equipo, incluyéndome a mí", continúa Menken. "La noche en que ambos ganamos nuestros Oscar, me dijo que teníamos que hablar seriamente, y al regresar a Nueva York, me reveló que tenía sida. Acabábamos de alcanzar la cima de nuestras carreras tanto en el teatro como en el cine, y habíamos trabajado codo con codo durante 11 años, pero mi querido amigo mantuvo en secreto ante todos sus compañeros que padecía una enfermedad terminal incurable. Ese era el tipo de miedo con el que vivía la gente entonces: miedo al rechazo, a la muerte, a una enfermedad fatal sin cura. Y había muchísimo estigma y discriminación".

"Pero Howard no dejó que el sida lo venciera", recalca el compositor. "Estaba decidido a seguir trabajando, a seguir creando momentos musicales mágicos y personajes inolvidables. Creo que el sida lo impulsó a trabajar aún más duro porque sabía que su tiempo se estaba acabando". Después de 'La Sirenita', ambos fueron contratados para componer la banda sonora de 'La Bella y la Bestia', "pero Howard estaba demasiado enfermo para viajar a Los Ángeles, así que finalmente tuvo que decir la verdad", continúa.

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Howard Ashman y Paige O’Hara grabando para ’La Bella y la Bestia’.

El homenaje a su memoria

"Al mismo tiempo, también estábamos trabajando en 'Aladdin'", recuerda Alan Menken, "que Howard había desarrollado inicialmente. Debido al sida, Howard sufría neuropatías, empezó a perder la sensibilidad en los dedos, la voz y gran parte de la vista, mientras colaborábamos en canciones alegres e increíbles. Howard estaba decidido a seguir trabajando mientras pudiera. Hacia el final de su vida, Howard y yo escribimos la canción 'Príncipe Alí' desde su cama de hospital. Pesaba solo 36 kilos. No podía ver y apenas podía hablar", remata.

Aunque ambos ganaron otro Oscar a la Mejor Canción por 'La Bella y la Bestia' (la primera película de animación nominada a Mejor Película), "Howard falleció antes de poder ver el éxito de la película", escribe el compositor. El premio fue recogido por su compañero de siete años, Bill Lauch. En los últimos tres años de su vida, Howard Ashman escribió las letras de 'La Sirenita', 'La Bella y la Bestia' y 'Aladdín'. Canciones sobre intentar encajar en una sociedad no siempre amable, la soledad, el amor y la esperanza.

El 14 de marzo de 1991, a los cuarenta años de edad, Howard Ashman falleció a causa del sida. No llegó a ver la finalización ni el estreno de 'Aladdin' (1992) ni de 'La Bella y la Bestia' (1991), película que, en cambio, fue dedicada a su memoria. El documental 'Howard', disponible en Disney Plus+, recupera su figura a través de la mirada del productor Don Hahn —que trabajó estrechamente con él— y traza un retrato íntimo de su vida, su obra y la manera en que ambas estaban profundamente conectadas.

Texto; Por María Juesas Foto/Via: Fotogramas

Quentin Tarantino, sobre Pedro Almodóvar

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:28:06 -0700

Antes de convertirse en uno de los directores más emblemáticos del Hollywood de las últimas tres décadas, Quentin Tarantino se ganaba la vida como dependiente en el ya famoso videoclub Video Archives, situado en Manhattan Beach, Los Ángeles. Allí, Tarantino coincidió con otros compañeros entusiastas del séptimo arte, como el también director Roger Avary, con el que compartía largas diatribas en las que discutían sobre cineastas, estilos, intérpretes y géneros. Además, el propio Tarantino ha asegurado que el hecho de conocer los gustos de los clientes, y sus conocimientos enciclopédicos a la hora de hacerles recomendaciones, fueron una enorme experiencia a la hora de desarollar posteriormente su carrera como cineasta.

Getty Images

Aquel empleo también permitió al director de ‘Reservoir Dogs’ (1992) o ‘Pulp Fiction’ (1994) tener acceso a todo tipo de material fílmico, entre el que se podía encontrar algunas de las películas más famosas de los directores europeos emergentes. De este modo, Tarantino pudo así introducirse en la filmografía del director español Pedro Almodóvar, del que se ha declarado fan en varias ocasiones.

Bernardo Doral

De hecho, el propio Tarantino ha afirmado que algunos de los filmes de Almodóvar fueron los que le motivaron a convertirse en director, tal y como explicó en el podcast ‘The Joe Rogan Experience’ en junio de 2021:

“Pedro Almodóvar tenía una película titulada ‘Matador’, con Antonio Banderas, muy graciosa. Cuando empieza la película, en los créditos iniciales, hay un sujeto sentado en una silla, en su salón, con los pantalones bajados. Y se está tocando con las escenas más sangrientas y violentas de películas slasher. Tiene todos sus momentos favoritos de mujeres siendo asesinadas, todos juntos. ¡Y esa es la escena inicial! En ese momento, no había nada parecido a aquello disponible en América. Yo estaba como: ‘¡Oh, Dios mío! ¡Esta es la mierda más salvaje de la historia! ¡Esto es increíble!’ Recuerdo haber estado sentado en Video Archives y haber dicho: ‘Quiero hacer mierdas de este tipo cuando esté rodando una película’. Y luego, uno de los muchachos dijo: ‘Pero ellos no te dejarán, Quentin’. Y mi respuesta fue: ‘Bueno… ¿Quiénes son ellos? ¿Quiénes son para decirme lo que puedo y no puedo hacer?’ Nunca dejé que ellos me detuvieran, siempre hice lo que quería hacer. Y al hacer lo que queríamos hacer, fuimos capaces de cambiar los 90. Y entonces los 90 dejaron de ser políticamente correctos”.

Algunos años antes, en una entrevista para ‘Vulture’ realizada en agosto de 2015, el realizador también se deshizo en elogios hacia Almodóvar: “Me duele reconocerlo, pero cuando en Estados Unidos se habla de los grandes escritores y directores del cine de autor, no se habla lo suficiente de él. Durante 30 años, ha pasado por encima de casi todos sus homólogos estadounidenses. Pasó por un período un poco débil durante una época, después de ‘Kika’ (1993) y antes de ‘Todo sobre mi madre’ (1999). Personalmente no entendí ‘Los abrazos rotos’ (2009), pero aún así estuvo bien. Pero con las cosas que ha estado haciendo los últimos siete años, ha tenido una racha magnífica. Es un director fantástico. Sus guiones son maravillosos y suponen una apuesta segura. Y es tan específico… Pero, a diferencia de muchos de esos directores de cine de autor tan particulares de los que acabas cansándote, como Wong Kar-Wai, uno nunca se cansa de Almodóvar. Porque, aunque tenga todos esos elementos reconocibles, nunca da la sensación de estar haciendo la misma película una y otra vez. ‘La piel que habito’ (2011) fue Pedro Almodóvar en estado puro haciendo una película de terror, y fue jodidamente increíble. Me dio la impresión, y estoy bastante seguro de que tengo razón, de que Pedro estaba viendo ‘El ciempiés humano’ (Tom Six, 2009) y pensando: ‘¿Sabes qué? Yo sé cómo hacer esto. Podría hacer algo realmente especial con esta idea’. Y eso fue ‘La piel que habito’”. .

Texto: Por Fernando Sánchez Foto/Via: Fotogramas

"El regreso del Steven Spielberg más disfrutón": Crítica de 'El día de la revelación

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:22:52 -0700

Al regresar a sus obsesiones, muchos artistas descubren demasiado tarde que, en realidad, ya no tienen nada nuevo que decir sobre ellas. Por suerte para todos, Steven Spielberg no es como ningún otro cineasta y, si vuelve a hablarnos de extraterrestres, es porque sabe que la falta de respuestas contundentes es tan irresistible como el propio universo. 'El día de la revelación' representa la expresión última de la fascinación del director por aquello que él mismo ha definido como "los grandes desconocidos del cosmos", una inquietud que atraviesa su filmografía y que ahora, sesenta años después de rodar la casera 'Firelight' con amigos y familiares, vuelve a subrayar el magnetismo de nuestro brillante planeta azul para seres con más curiosidad y tecnología que los locales.

Universal

La inspiración inmediata procede, según él mismo ha explicado, del célebre reportaje publicado por 'The New York Times' en 2017 sobre el programa secreto del Pentágono dedicado a investigar fenómenos aéreos anómalos. Aquella información, que revelaba la existencia de investigaciones militares reservadas y vídeos de encuentros inexplicables registrados por pilotos de combate, reactivó su interés por un asunto que nunca abandonó del todo. Tras 'Encuentros en la tercera fase' (1977), 'E.T. El extraterrestre' (1982) y 'La guerra de los mundos' (2005), tres aproximaciones distintas a un mismo misterio, 'El día de la revelación' parece dialogar con ellas mientras plantea qué ocurre cuando la verdad deja de estar oculta por los gobiernos y pasa a pertenecer a la humanidad. Pánico religioso mediante.

Universal

Para este cuento de alienígenas, utiliza la maquinaria narrativa de 'Minority Report' (2002) y desarrolla una intriga política cercana a 'Los archivos del Pentágono' (2017). De ahí nace este thriller conspiranoico que, pese a intentar recuperar el espíritu de clásicos como 'Los tres días del cóndor' (Sydney Pollack, 1975), está marcado por una pátina visual contemporánea. La espectacularidad de ciertas secuencias (y la evidente voluntad del director de divertirse rodando aparatosas escenas de acción) impiden que el film se sienta como una de esas irresistibles joyas setenteras. La mezcla nunca alcanza la potencia de ninguno de sus referentes y, sin embargo, funciona. Es una película de Steven Spielberg.

Roswell, círculos de las cosechas, proyectos secretos de la CIA, tecnología alienígena recuperada y décadas de folklore ufológico conviven dentro de un título que nunca pierde el sentido del entretenimiento. A sus casi ochenta años, Spielberg sigue arriesgando más que muchos de los directores con los que comparte cartelera y que han pasado de ser sus hijos cinematográficos a sus nietos.

Universal

Josh O'Connor cumple con solvencia como el matemático brillante empeñado en iluminar a la humanidad, pero cuando la película realmente se vuelve interesante es en las escenas en las que aparece Emily Blunt. Encargada de interpretar a una meteoróloga de una televisión local de Kansas, es el auténtico corazón emocional del relato por intervención divina tanto de Spielberg como de sus criaturas de otro mundo. Es ella la que convencerá al espectador para que ayude a la bacheada narrativa de David Koepp, autor de un guion artificialmente enrevesado durante buena parte de su metraje. Abrazando tropos gastados, el libreto llega incluso a convertir su macguffin en un deus ex machina multiusos mientras tropieza en la construcción del antagonista, un villano interpretado por Colin Firth tan desdibujado como aquel que Ben Mendelsohn encarnaba en la igualmente divertida 'Ready Player One' (2018).

Universal

Pero incluso cuando hace trampas, y por muy circunspecta que se presente, 'El día de la revelación' marca el regreso del Spielberg más disfrutón, el cineasta empeñado en maravillarse a sí mismo y regalar a cada espectador un viaje alucinante que, además, volverá a alimentar las fantasías de quienes llevan décadas convencidos de que Hollywood nos prepara para la gran noticia. Después de presentarnos tanto extraterrestres benévolos como visitantes de aviesas intenciones, el director centra ahora su discurso en subrayar, para bien o para mal, la presencia de ojos más allá de las estrellas.

Universal

Y si para ello termina jugando a replicar (literalmente) 'Los ensayos' de Nathan Fielder, solo queda obedecer al mejor cuentacuentos de nuestro tiempo y acomodarse en la butaca, apagar las luces y mirar al cielo que proyecta en una enorme pantalla.

Para seguir mirando al cielo junto a Spielberg, el mejor contador de historias de Hollywood

Lo mejor: la mezcla de asombro, conspiración y espectáculo que solo el cineasta sabe convertir en cine popular.

Lo peor: el espectador tiene que poner de su parte para comprar un guion no precisamente refinado.

Texto: Por Ricardo Rosado Foto/Via: Fotogramas

La gran incógnita del Paseo de la Fama en Hollywood, resuelta: ¿Por qué Robert De Niro o Clint Eastwood aún no tienen su estrella?

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Thu, 11 Jun 2026 10:14:48 -0700

En 2018, la solicitud del Ayuntamiento de West Hollywood para retirar la estrella de Donald Trump del Paseo de la Fama de Hollywood sorprendió a todos, pero la Cámara de Comercio de Hollywood, encargada de su gestión, la rechazó. Hasta entonces, ningún alcalde había pedido la retirada de una estrella concreta. La iniciativa se apoyaba en las críticas a sus declaraciones sobre minorías y en los reiterados actos de vandalismo contra la placa del presidente, cuyo mantenimiento está resultando en un gran coste. El caso abrió un debate más amplio: ¿Cómo funciona realmente este paseo y por qué nunca se ha retirado una estrella en toda su historia?

Ni Julia Roberts ni Robert De Niro

Actualmente, el Paseo de la Fama cuenta con más de 2700 estrellas y la Cámara de Comercio añade un promedio de dos estrellas al mes. Según recoge la BBC, cualquier persona puede nominar a una celebridad del mundo del cine, la televisión, la música, el teatro o la radio para recibir un hueco, incluidos sus fans. Eso sí, el proceso de solicitud es muy extenso y, por supuesto, la persona en cuestión debe aprobar la nominación, razón por la cual Julia Roberts, Robert Redford, Dustin Hoffman, Robert De Niro, Leonardo DiCaprio, Clint Eastwood o Al Pacino, por ejemplo, no tienen estrellas en el Paseo de la Fama0

Según la página web del Hollywood Wall of Fame, cada candidatura debe incluir una lista de méritos y premios, contribuciones a la comunidad del entretenimiento, una biografía de menos de cinco páginas y, quizás lo más importante: 85.000 dólares. Este importe, supuestamente, se destina a la creación, instalación y mantenimiento de la estrella, lo que ayuda a explicar su carácter permanente: el contrato establece que las baldosas están pensadas para permanecer de forma indefinida, lo que también explica su elevado precio.

¿Y qué ocurre cuando se envía la candidatura? Una vez recibida la solicitud, un comité de la Cámara de Comercio decide si la celebridad tiene logros profesionales significativos en su campo, si ha estado activa durante cinco años o más, si ha realizado contribuciones cívicas adecuadas y si ha garantizado su asistencia a la ceremonia de inauguración en caso de ser seleccionada. En ocasiones, advierte la página oficial, se requieren "varias candidaturas anuales" antes de que un nominado obtenga el estatus de estrella.

Getty Images

La excepción a la regla

Actualmente, el paseo fundado en 1953 ocupa unas 15 manzanas de Hollywood. Aunque hay más de 2700 estrellas, teóricamente hay espacio para más de 10.000. Es decir, que tardarán siglos en agotar físicamente el espacio, otra razón por la cual nunca se retiran, se rotan ni se reemplazan estrellas para dar cabida a nuevos nombres en el suelo. La única baldosa que no está en la acera se colocó en el muro contiguo durante la inauguración y pertenece al boxeador Muhammad Ali. El motivo fue evitar la falta de respeto que, según sus convicciones religiosas, supondría que el nombre de un profeta tan venerado fuera pisoteado, ya que en la cultura islámica los pies simbolizan lo más bajo e impuro (basta recordar el incidente del zapato lanzado a Bush, un insulto mayor de lo que se percibe en la cultura occidental).

Getty Images

El Paseo de la Fama distingue cinco categorías de estrellas: cine, televisión, música, teatro y radio, cada una identificada con un icono junto al nombre del homenajeado. Sin embargo, existen algunas excepciones. Disneyland cuenta con su propia estrella representada por un edificio, y el Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD) tiene otra con la insignia de un agente. Los astronautas del Apolo XI, primeros en pisar la Luna, recibieron además una baldosa especial con forma lunar, sobre la que orbitan sus estrellas. Y en cuanto a Donald Trump, recibió su placa en 2007, en calidad de productor del certamen de belleza Miss Universo durante más de dos décadas. Pero no es el único presidente con una estrella: Ronald Reagan fue incluido en 1960 por su carrera como actor.

Texto: Por María Juesas Foto/Via: Fotogramas

Estrenos (10 de junio). 62 series, películas y documentales en Netflix, Prime Video, Disney+, HBO Max, Movistar Plus, Filmin y SkyShowtime

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 12:20:46 -0700

Entre la visita del Papa a España, las finales de la NBA, los playoffs de la ACB y la inminente llegada del Mundial de fútbol de 2026 parece que apenas vamos a tener tiempo (o por lo menos, un servidor) de ponerse al día en materia de series y películas. Pero afortunadamente lo bueno del streaming es que puedes ponerte las cosas cuando puedas y así no perdernos lo que nos interesa.

De esta manera, esta semana tenemos nada menos que 62 series, películas y documentales que llegan desde hoy a Netflix, Prime Video, Filmin, Movistar Plus, SkyShowtime, HBO Max y Disney+. Veamos

Todos nuestros años (Every Year After)

Showrunner: Amy B. Harris | Reparto: Sady Soyverall y Matt Cornett

Prime Video ha puesto desde hace unas semanas su modo veranos para los romances de jóvenes y su nueva serie nos lleva a eso. Una historia romántica sobre los primeros amores narrada a lo largo de seis años.

Estreno el miércoles en Prime Video | 8 episodios

Tráfico aéreo (In Flight)

Guion de Mike Walding y Adam Randall | Reparto: Katherine Kelly, Ashley Thomas, Stuart Martin

Miniserie thriller que cuenta la historia de una azafata de vuelo que, cuando su hijo es encarcelado por un asesinato que niega haber cometido, es empujada al contrabando chantajeada por una peligrosa banda.

Estreno el jueves en HBO Max | 6 episodios

Todos los estrenos

Netflix

Agárralos como puedas. La película (jueves)
Beowulf (sábado)
Bhooth Bangla (jueves)
La cocina del infierno (jueves)
Los colores del mal negro (miércoles)
Cuando menos te lo esperas… (sábado)
Doblemente feliz (jueves)
Las dos caras de la ley (jueves)
Dulces Magnolias T4 (jueves)
Entourage. El séquito (jueves)
La extraña que hay en ti (sábado)
Flashdance (viernes)
La historia de mi familia T2 (miércoles)
Hit Viral (jueves)
Instinto maternal (viernes)
El jilguero (jueves)
Keanu (jueves)
Miss Agente Especial 2 (sábado)
Morir todavía (viernes)
Perdiendo el juicio (viernes)
Pleasantville (jueves)
El polígamo (viernes)
La Princesa Cisne: Navidad (miércoles)
Salvando las distancias (jueves)
Sonic 3. La película (miércoles)
Soy Frankelda (sábado)
Sully (jueves)
Superintelligence (jueves)
Superman Returns. El regreso (jueves)
Supervivencia en equipo. La jungla (miércoles)

Prime Video

Atasco T4 (viernes)
Por encima de tu cadáver (miércoles)
Todos nuestros años (miércoles)

HBO Max

Un amor (jueves)
Indomables (jueves)
Orgullo (viernes)
Tráfico aéreo (jueves)

Disney+

Amor por la borda
Dragon Striker
Sin conexión

Movistar Plus

El agente secreto (sábado)
Alpha (domingo)
F1 (viernes)
Orwell: 2+2=5 (sábado)
El último duelo: Cristiano vs. Messi (viernes)

Filmin

A nuestros amigos
El agente secreto
Baba Yaga y el Libro de los Hechizos
La batalla de Varsovia
El especialista
La indignada Annie
Ip Man 4: El final
Llueve sobre Babel
Un lugar común
El lunes mojado
Mi casa sobre el oceano
Mi primera navidad
Nena
Not Knowing
Sauna

SkyShowtime

Blaze y los Monster Machines T9B (sábado)
Ligas (jueves)
El mejor (jueves)

Texto; Albertini Foto/Via: Espinof

Toda revolución comienza con un ajuste de cuentas. Teaser tráiler de 'The Social Reckoning', la secuela de 'La red social'

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 12:07:19 -0700

Sony Pictures presenta el primer tráiler de 'The Social Reckoning', la secuela espiritual de 'La red social', de nuevo escrita por Aaron Sorkin, quien a su vez ha reemplazado a David Fincher como director.

Aunque la película no es una secuela directa del filme de 2010, sino más bien una suerte de "complemento" inspirado en "The Facebook Files", una serie de artículos escritos por el reportero Jeff Horwitz para el Wall Street Journal que en 2021 expusieron el funcionamiento interno de la red social más grande del mundo, así como los múltiples daños causados por ella.

Tanto la serie de artículos como la película se centra en cómo Frances Haugen (Mikey Madison), una joven ingeniera de Facebook, reclutó al mencionado Horwitz (Jeremy Allen White) y emprendió una peligrosa cruzada para revelar los secretos mejor guardados de la red social.

Wunmi Mosaku, Betty Gilpin, Bill Burr y Jeremy Strong -como Mark Zuckerberg- y Billy Magnussen -recién salido del éxito de 'The Audacity'- encabezan el reparto de esta película que se estrenará en cines el próximo 9 de octubre.

Además de escribirla y dirigirla, Sorkin también la ha producido junto a Todd Black, Peter Rice y Stuart Besser. 'The Social Reckoning' es su cuarta película como director después de que debutase como tal en 2017 con 'Molly's Game'. Desde entonces, el también guionista de 'Moneyball: Rompiendo las reglas' y 'Steve Jobs' ha dirigido otros dos largometrajes: 'El juicio de los 7 de Chicago' en 2020 y 'Ser los Ricardo' en 2021.

Texto: Vía Sony Pictures por Wanchope Foto/Via: El séptimo arte

Las probabilidades de que una ballena te trague vivo... no son cero. Teaser tráiler de 'Whalefall'

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 12:00:41 -0700

20th Century Studios presenta el primer avance de 'Whalefall', la adaptación cinematográfica de la novela de igual título de Daniel Kraus inédita por el momento en nuestro país.

Descrita como un cruce entre 'Marte (The Martian)' y '127 horas', tanto la novela como la película se centran en un buceador que buscando los restos de su difunto padre es tragado por una enorme ballena, teniendo sólo una hora para escapar de su interior antes de quedarse sin oxígeno.

Es, según la versión oficial, la historia de un joven que había renunciado a la vida que encontrará una razón para vivir en el lugar más improbable...

Austin Abrams, conocido por su partipación en 'Wolfs', 'Weapons' y la próxima película de 'Resident Evil', encabeza el reparto de esta película dirigida por Brian Duffield, en la que es la reválida del responsable de 'Nadie te salvará', también guionista junto al propio Kraus.

A su vez, Duffield también la ha producido junto a Brian Grazer, Jeb Brody y Allan Mandelbaum a través de Imagine Entertainment, en una película que llegará a los cines tanto de España como de Estados Unidos el próximo 16 de octubre.

Clic aquí para verlo en YouTube.

Texto:Vía 20th Century Studios por Wanchope Foto/Via: El séptimo arte

'Satisfacción garantizada' - Search Party

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 11:53:26 -0700

Una vez que una idea agarra en tu cabeza no hay quien la saque de ahí.

En cuanto relacioné 'Satisfacción garantizada' con 'Search Party' no he vuelto a salir de ahí. No puedo pensar en la primera sin hacerlo en la segunda... bueno, en la primera temporada de la segunda. Y también en la segunda. Y es que 'Satisfacción garantizada' es, al igual que lo es aquella, una particular mezcla de géneros muy resultona que se hace querer.

Un difícil equilibrio del que sale viva gracias a su alegría y determinación. Por mantenerse firme en su apuesta, fiel a un postulado que despliega con fluidez, la complicidad de Tatiana Maslany y el toque justo de excentricidad como para ser más o menos inverosímil, nadando entre medias del suspense, el humor y el drama sin perder la cara en ninguna de las tres.

De las que sin vergüenza acaban ofreciendo más de lo que pueda parecer a simple vista, como corresponde a un thriller de tan fácil visionado, intrincado en su imperfección y deliciosamente intrigante al que sobre la marcha se van sumando algunos giros y secundarios no tan previstos. Quizá le falta algo de mala leche. O de violencia. O puede ser al revés.

Que no se termine de desmadrar, que aun con todo mantenga los pies sobre el suelo y la cabeza en su sitio. Quién sabe, si a la espera de una segunda temporada... Como 'Search Party', otra sátira noir que también va de guay en serio, tal vez de manera inconsistente cuya principal virtud es su característico tono a mitad de camino de afinar su propia voz.

La duda, recurrente, siempre es la misma: cuánto hay de genuino, cuánto de impostado (o de casual). Cuánto de "garantizado" hay cuando de "satisfacción" se trata. Series como 'Satisfacción garantizada' arriesgan con quedarse en fuera de juego, sólo para demostrar que quien juega con fuego, a poco que uno esté o no afinado, es el defensa y no el atacante.

La serie creada por David Rosen es, obviamente, el Álvaro Morata de la cuestión. Punta de lanza de una serie con la que merece la pena arriesgarse. Por voluntad y lo intrigante de un viaje que, aun con sus altibajos, siempre merece la pena, por cuanto juega al ataque. A no ser otra cualquiera, sino a destacar de entre tantas que en cualquier caso tampoco garantizan nada.

Por Juan Pairet Iglesias

Via: El séptimo arte

'La maldición de Widow's Bay' - There's something in the fog...

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 11:52:04 -0700

Es normal pensar en 'Twin Peaks'. Al igual que aquel, Widow's Bay es un pintoresco pueblo en el que "pasan cosas". Aunque su alcalde, al igual que el de, por ejemplo, Amity Island, se niegue a aceptarlo... lo acabará haciendo de igual manera que en 'Tiburón': A golpe de evidencias... relativas (o no). Porque en 'La maldición de Widow's Bay', al igual que en 'Twin Peaks', la realidad es algo maleable que no siempre parece... ser.

Es, un poco, la gracia de esta comedia de terror que se siente a mitad de camino de John Carpenter y Stephen King, en algo así como un 'Doctor en Alaska' dirigido por Mike Flanagan con un fondo costumbrista y satírico que, según el momento, fluctúa entre 'Parks and Recreation' y 'La cabaña en el bosque'. Todo ello, agitado pero no revuelto con la elegancia del director Hiro Murai, uno de los principales ideólogos de 'Atlanta'.

Quizá por esto mismo, la serie adopta el mismo carácter semiantológico de aquella, en este caso, apoyándose en el protagonismo de un como siempre estupendo Matthew Rhys (oportunamente respaldado por algunos singulares vecinos). Cada episodio, de entre 35 y 40 minutos muy bien ajustados, forma parte de un todo a la vez que se defiende y habla por sí mismo, en ambos casos, de forma tan orgánica como firme y fluida.

'La niebla' llega a 'Castle Rock' en el primer episodio de 'La maldición de Widow's Bay' para, a partir de ahí, desplegarse episodio a episodio envuelta en una aura de pausado folklore gótico alimentado por los numerosos guiños a clásicos y leyendas del género. Lo mejor, sin duda, es la expectación referencial que despierta cada episodio, al funcionar como una enigmática sucesión de historietas de las que no sabes qué esperar.

Al menos de primeras, siendo de hecho que, llegado el momento, la conclusión quizá sea lo menos logrado de toda la serie, al no quedarle más remedio que afrontar dar algunas respuestas. Algo que, en cualquier caso, sigue estando servido con la misma seriedad y elegancia que caracteriza a esta estrambótica producción que se siente viva. Es, posiblemente, lo más importante: La serie desprende respeto y cariño hacia sí misma.

Orgullo por ser y proponer, por más que se apoye en directrices a menudo tan clásicas (y granuladas) que tienden a pensar en la referencia y el homenaje. Todo ello, bajo un marcado pero soterrado y sutil tono humorístico servido, como todo en 'Widow's Bay', en concisas dosis tan efectivas como convincentes cuya espontánea convivencia con el terror folclórico, hacen de ella un adictivo y jugoso ejercicio de turismo cinematográfico.

Por Juan Pairet Iglesias

Via: El séptimo arte

Suelo tener fichada cualquier serie de Mindy Kaling y 'No aptos para el trabajo' es otro acierto para mí. Una comedia ligera con un exceso controlado

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Wed, 10 Jun 2026 11:42:17 -0700

Mindy Kaling vuelve a pisar su terreno favorito con 'No aptos para el trabajo' ('Not Suitable for Work'), una comedia romántica coral ambientada en una versión idealizada y glamurosa de Nueva York. La serie sigue a un grupo de veinteañeros que intentan abrirse camino en el trabajo, el amor y la vida adulta mientras comparten edificio en Murray Hill.

Y entre ascensos profesionales, relaciones complicadas, amistades que se ponen a prueba y crisis existenciales, la ficción apuesta por el tono ligero y desenfadado que ha convertido a Kaling en una de las creadoras más reconocibles de la televisión actual.

Fantaseando con la vida adulta

La historia gira en torno a cinco jóvenes profesionales que intentan triunfar en Nueva York. Desde el competitivo mundo de las finanzas hasta la industria de la moda, cada uno afronta sus propios desafíos laborales y sentimentales mientras trata de construir la vida con la que siempre soñó.

Pero el camino no es sencillo y las complicaciones aparecen desde el primer episodio. Secretos, traiciones, desengaños amorosos, cambios de carrera y tensiones entre compañeros de piso alimentan una trama coral donde prácticamente todos los personajes terminan cruzando sus caminos de formas inesperadas.

Aquí encontraremos muchos de los elementos característicos de las producciones de Kaling: diálogos rápidos, referencias a la cultura popular, relaciones románticas llenas de obstáculos y personajes que intentan encontrar el equilibrio entre la ambición profesional y la felicidad personal.

Y también a un reparto a la altura, con Ella Hunt, Avantika, Will Angus, Nicholas Duvernay y Jack Martin, cuyo carisma se convierte en uno de los grandes puntos fuertes de la serie.

Aunque aborda temas como las diferencias de clase, las expectativas laborales o las relaciones familiares, 'No aptos para el trabajo' nunca pierde su tono ligero. Con apartamentos imposibles, fiestas elegantes y espectaculares vistas de Manhattan, la serie ofrece una versión estilizada y optimista de los problemas que acompañan a los primeros años de la vida adulta. Y creo que merece la pena dejarse embaucar por ella.

Está disponible en Disney+.

Texto: Belén Prieto Foto/Via: Espinof

'Michael' rompe todos los récords de Lionsgate y va directo a por el trono de 'Bohemian Rhapsody'

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 11:19:14 -0700

Ninguna película de Lionsgate ha logrado jamás lo que 'Michael' acaba de hacer. Según informa Deadline, el biopic sobre Michael Jackson acumula ya 897.9 millones de dólares a nivel mundial tras su séptimo fin de semana. La película dirigida por Antoine Fuqua recaudó 23.1 millones de dólares en este último fin de semana, y ya se encuentra a unos 13 millones de dólares de superar el récord de 'Bohemian Rhapsody' (910.8 millones de dólares) como el biopic musical más taquillero de la historia.

Este fin de semana el filme superó tanto a 'Los juegos del hambre: En llamas' (865 millones de dólares a nivel mundial) como a 'La saga Crepúsculo: Amanecer - Parte 2' (868.5 millones de dólares a nivel mundial). El biopic se estrenó en el mercado doméstico (EE. UU. y Canadá) el 24 de abril con 97.2 millones de dólares, estableciendo el récord histórico para el estreno de un biopic musical.

El rendimiento de 'Michael' en el extranjero sigue impulsando el éxito del proyecto, con una recaudación internacional que ya alcanza los 543.7 millones de dólares. En este escenario, Japón será un mercado clave: la película llegará a ese territorio el próximo fin de semana, lo que supondrá un impulso significativo hacia la ansiada meta de los 1000 millones.

Jaafar Jackson interpreta a su tío Michael en la película, mientras que Colman Domingo encarna a Joseph Jackson y Nia Long a Katherine Jackson. Respecto a su presupuesto de producción, este se situó cerca de los 200 millones de dólares, con los costes divididos entre Lionsgate, Universal y los herederos de Jackson. Su lanzamiento en plataformas digitales está programado para el 9 de julio.

Texto:Vía Deadline por jescri

Foto/Via. El séptimo arte

No hay mejor revulsivo a la visita del Papa que 'La Luz', una osada y fabulosa película en la que Fernando Franco vuelve a meterse en un jardín y salir indemne

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 11:03:02 -0700

Es imposible escapar a la visita del Papa a España, sobre todo si vives en una de las ciudades que va a pisar: las calles están repletas de jóvenes enfervorecidos con la religión, los autobuses empapelados con la cara de León XIV y las noticias monotemáticas con cada una de sus palabras. No se podía haber escogido un mejor momento para estrenar 'La Luz', la nueva película de Fernando Franco donde, como viene siendo habitual, se mete en un jardín planteando preguntas muy complejas sobre la fe, el perdón y el silencio cómplice entre aleluyas.

Bajo mi sotana puedes encontrar a Dios

Fernando Franco se está volviendo un experto en encontrar la puntilla a los temas más espinosos posibles, poniendo el foco en los lugares más inesperados y saliéndose del camino marcado por los discursos paternalistas. Consciente de que ya podemos intuir perfectamente qué va a ocurrir en una película actual cuando vemos a un cura con un secreto inconfesable, le da la vuelta rápidamente: lejos de ser una película sobre la investigación o el dolor causado a las víctimas (aunque algo de esto también hay, por supuesto), el director se centra en el perdón a lo imperdonable, la culpa y el supuesto arrepentimiento cristiano rechazado por la sociedad.

Pocos protagonistas más complejos podemos encontrar en el cine actual que Manuel, un sacerdote muy querido por su comunidad hasta que su secreto inconfesable sale a la luz y él mismo es quien lo lleva a la vista de todos. Desde ese momento empieza un (merecido) calvario a medio camino entre el arrepentimiento genuino y tratar de lavar y salvar su imagen denunciando a aquellos que le protegieron durante años. Por el camino se va a encontrar con sentimientos más que lógicos del resto de la sociedad, desde el odio hasta la incomprensión. Nuestro trabajo como público es tratar de traspasar nuestros instintos naturales y empatizar con un villano que quiere reformarse. Si podemos.

Aunque es un punto de vista comprensible, es cierto que la escena final de la película se equivoca a la hora de captar el sentimiento de un público lógicamente desconfiado. Sí, Manuel está haciendo todo lo posible por recibir un castigo por sus pecados (delitos, como le recuerda su abogado), pero solo lo hace cuando ve que va a explotar y tras tratar de tirar a otros compañeros a los leones. ¿Cuánto hay de verdad en sus actos y cuánto es para autoconvencerse de que es buena persona? ¿Desea ser perdonado o sentir, simplemente, que se perdona a sí mismo? ¿Hay salvación en una iglesia católica envenenada, o están eternamente condenados a un flujo constante de pedofilia y dolor?.

Madre, misericordia

'La Luz' teme, con razón, la literalidad de un público que parece haber olvidado los segundos sentidos y el análisis fílmico. Ese público que decidió que 'Los Domingos' era una película a favor de la iglesia católica pese a su más que obvio discurso (tanto explícito como visual) podría destruir esta película si se estrenase sin subrayar y sobreexplicar cada una de las decisiones de su protagonista... y acaba convirtiéndose en uno de sus mayores problemas. Franco no puede evitar volver una y otra vez a lo mismo, sin dejar dudas en el ambiente o situaciones en tonos de gris. Es comprensible, pero la película resultante acaba sufriendo mella y perdiendo una sutileza que le vendría estupendamente.

Al final, excepto las víctimas, todo el mundo es culpable en la historia: quien perpetra el delito, quien lo encubre, los medios que lo convierten en morbo, los que atacan a ciegas, los que perdonan por cariño. 'La Luz', aún presentando personajes bondadosos, presenta una visión pesimista del mundo, donde vivimos entre monstruos con piel de cordero que creen ser perdonados por un avemaría y dos padrenuestros. Es más: los pone en el centro del relato, obligándonos a ponernos en sus zapatos, tratando de entender su camino de redención, por inexplicable e inadmisible que nos resulte.

Alberto San Juan, que se rodea aquí de un reparto de primer orden espectacular, demuestra por qué debería llevar camino a ganar el Goya también este año. Su trabajo dota de una sensibilidad exquisita a un personaje que podría parecer carente de empatía, y consigue que el público se replantee todo en lo que cree apoyado por un guion abrumador. 'La Luz' podría haber sido un panfleto sencillo y fácil de deglutir sobre la pedofilia en la iglesia católica, pero, en su lugar, da por hecho el punto de vista del público y gira el foco para hacernos pensar, debatir con nosotros mismos, aprender y juzgar sin, por ello, tener que poner a prueba nuestras creencias más profundas. Ojalá el Papa aproveche su visita por España para verla, ya puestos. Quizá aprenda un par de cosas.

Texto: Randy Meeks

Foto/Via: Espinof

Siempre fue esa chica. Tráiler de 'Elle', la precuela de 'Una rubia muy legal'

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 10:55:14 -0700

Lo prometido es deuda: Prime Video presenta el tráiler de 'Elle', la precuela televisiva de 'Una rubia muy legal'. Una producción de Amazon MGM Studios en colaboración con Hello Sunshine que se estrenará en la plataforma el próximo 1 de julio, en exclusiva en más de 240 países y territorios de todo el mundo.

El lanzamiento de este primer avance viene acompañado además por la confirmación de que la serie ya ha sido renovada por una segunda temporada.

'Elle' sigue a Elle Woods antes de que se sintiera como un "pez fuera del agua" en Harvard. La conocemos en 1995, en pleno instituto, desenvolviéndose en un entorno lleno de altibajos, donde lidia con amistades complicadas, romances prohibidos y decisiones de moda bastante cuestionables.

A lo largo de todo este proceso, Elle encontrará en su familia su principal apoyo y reforzará aún más el vínculo con su madre, demostrando que pueden superar cualquier cosa que la vida les depare siempre que se tengan la una a la otra. Con cada reto al que se enfrenta, Elle se acerca más a la Elle Woods que todos conocemos y amamos.

Lexi Minetree encabeza el reparto de 'Elle' junto a June Diane Raphael como Eva, su madre, y Tom Everett Scott como Wyatt, su padre.

Jacob Moskovitz, Gabrielle Policano, Chandler Kinney, Zac Looker, Amy Pietz, Jessica Belkin, Danielle Chand, Matt Oberg, Chloe Wepper, Logan Shroyer, Sharon Taylor, David Burtka, Brad Harder, Kayla Maisonet, Lisa Yamada y James Van der Beek completan su reparto.

'Elle' está creada por Laura Kittrell ('Escuela secundaria'), quien actúa también como showrunner junto a Caroline Dries. A su vez, ambas son productoras ejecutivas junto a Reese Witherspoon, Lauren Neustadter, Amanda Brown, Marc Platt y el director Jason Moore, responsable de sus dos primeros episodios. Por su parte, Bryan J. Raber y Asmita Paranjape ejercen como productores.

Clic aquí para verlo en YouTube.

Texto: Vía Prime Video por Wanchope Foto/Via: El séptimo arte

'El día de la revelación' - Ya están aquí...

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 10:52:06 -0700

El regreso a la ciencia ficción de Spielberg, cineasta que entiendo no suscita tanto respeto entre los jóvenes como entre los no tan jóvenes. Y es que es difícil mantenerse fresco, relevante y en lo más alto durante más de cincuenta años. Toda una vida, siendo que por ejemplo para un servidor, nacido cinco años después de 'Tiburón', Spielberg siempre ha sido el Rey Midas. Cada una de sus películas es un acontecimiento, una cita ineludible... aunque a decir verdad la sensación actual, diría, es que al menos como director lleva años, tantos o más que el Real Zaragoza en el Infierno, sin lograr un triunfo incontestable.

'El día de la revelación' comienza bastante bien, con Spielberg siendo ese Spielberg que nunca ha dejado de ser. Un cineasta capaz de sorprender en al menos uno de cada cinco o diez planos con algún tipo de virguería visual, algo que suele hacer con tanto virtuosismo como aplicada discreción. La primera mitad de 'El día de la revelación', además de avanzar con serena y refinada firmeza narrativa, está repleta de todo tipo de hallazgos, en especial visuales de forma conveniente acompañados por la música de John Williams, posiblemente la última, lo que añade una carga emocional a poco que uno lo piense...

Una carga emocional que no es capaz de generar la propia película (o partitura) de por sí, en especial, cuando en la segunda mitad el mensaje se va apropiando de ella. Hasta que esta termina completamente canibalizada por él. 'El día de la revelación' parte de una idea del propio Spielberg, y al final el cineasta subraya tanto el mensaje que quiere transmitir que la película, como tal, como fin en sí mismo, prácticamente se apaga. Y con ella Spielberg, quien en su apalabrero (anti)clímax apuesta por una puesta en escena solemne y casi rutinaria en la que su característica y genuina alegría plástica prácticamente tiende a cero.

Porque es un momento serio: Spielberg le está diciendo algo IMPORTANTE al mundo. Spielberg, que no la película. Un mensaje por otro lado manoseado sin sutileza alguna durante todo el metraje de una película cuyo título actúa un poco como espóiler. No es que pretenda ser una revelación, pero tampoco resulta siendo algo más que una excusa, al final poco impactante para que Spielberg transmita SU mensaje. A pesar de coquetear con ideas que dan para más. Para una película con el suficiente amor propio para, al margen de su mensaje, no dejarse engullir por un trazo grueso discursivo tan inocente e ingenuo.

El recuerdo (e influjo) de 'Encuentros en la tercera fase' está sin duda tan presente como sugieren algunos claros paralelismos, tanto, como la apagada frialdad y desapego emocional con los que en esta ocasión Spielberg resuelve un filme que parece responder más a una (cara) necesidad personal que a una (inquietud) cinematográfica. Al fin y al cabo han pasado cincuenta años. Desde luego el mundo es más cínico. Y aunque 'El día de la revelación' encaja en la sensibilidad spielbergiana, no deja de apreciarse, al igual que 'He-Man y los másters del universo', como una película que no encaja en el momento.

Me flipa el estilo de Spielberg, y aunque lleva años sin -parece- un título tan rotundo -a nivel social- como los que le valieron el sobrenombre de Rey Midas, rara vez me ha decepcionado como lo ha hecho en 'El día de la revelación'... una película a la postre, espóiler, poco reveladora que, tras un primer tramo bastante entonado, va claramente a menos hasta caer en un ocaso demasiado cercano a la indiferencia alienígena de 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal'. Al igual que en aquella, Spielberg confia (y se confia) demasiado; en sí mismo, en el espectador, en la empatía, en George Lucas, en el pasado...

... como si no hubieran pasado cincuenta años, cuando sí han pasado cincuenta años. Por más que su 'West Side Story' sea una película estupenda.

Por Juan Pairet Iglesias

Via: El séptimo arte

Ha pasado tanto que me había olvidado de que existía, pero 'Lupin' acaba de desvelar la fecha de estreno de su temporada 4 en Netflix

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 10:38:31 -0700

Hay ocasiones en las que uno se olvida de que hay ciertas series que siguen en marcha. Y es que, aun habiendo sido todo un fenómeno global, la falta de información en torno a la temporada 4 de 'Lupin' ha hecho que, personalmente, pensara que ya no habría más delitos para el ladrón encarnado por Omar Sy.

Netflix acaba de desvelar que estrenará la parte 4 de 'Lupin' el 23 de octubre, poniendo así final a una sequía de tres años. Sequía que además fue agravada por el hecho de que la plataforma tardase año y medio desde el final de la temporada 3 en renovar la serie criminal.

Fecha lupeada

Un final de temporada 3 que acababa con Assane (Sy) entre rejas tras el robo de la Perla negra con la compañía de la colección de novelas de Arsène Lupin. Ahora bien, si bien imaginamos que el ladrón ha salido de la cárcel para esta temporada, de momento no hay detalles de lo que pasará.

Algo parecido pasa con el reparto, ya que más allá de la presencia de Sy y otros habituales como Ludivine Sagnier como Claire Laurent, Antoine Gouy como Benjamin Férel, Soufiane Guerrab como Youssef Guédira, Shirine Boutella como Sofia Belkacem, no hay más miembros confirmados, de momento.

Texto;Albertini

Foto/Via: Espinof

Las largas esperas entre temporadas de las series se ha duplicado en cinco años. Algunas plataformas lo han convertido en estrategia

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 10:02:36 -0700

Algunos casos de series recientes de éxito en las que se detecta una tendencia más que comprobada: 'Stranger Things' tardó más de tres años en lanzar su quinta temporada. 'Separación', casi el mismo tiempo para su segunda. 'Miércoles' tampoco fue la serie más veloz. El patrón es tan claro que hasta le han puesto nombre. Y por una vez no le podemos echar toda la culpa a la pandemia o a las huelgas de guionistas (aunque tuvieron su importancia en haber llegado a este punto).

Las cifras. Hace diez años, la espera media entre temporadas de series originales en las principales plataformas de streaming era de 10 meses. En 2025, ese dato llegó a los 21 meses, según un informe de Ampere Analysis publicado en mayo de 2026. Este análisis abarca 1.611 series originales en plataformas muy diversas, como Netflix, Prime Video, Apple TV+, Disney+, HBO Max, Hulu, Paramount+ y Peacock. La firma ha bautizado el fenómeno como "el efecto Stranger Things".

Se veía venir. Pero aunque la pandemia no es la causa final de este fenómeno, su impacto es indiscutible en el cambio de paradigma. La brecha entre temporadas ya crecía lentamente hasta que la pandemia de 2020 la disparó de 12 a 16 meses en un solo año. Después de eso, el dato se estabilizó relativamente hasta que las huelgas de guionistas y actores de 2023 provocaron el segundo gran salto: de 17 a 21 meses entre 2023 y 2024. En 2025 la tendencia se estabilizó, de momento de forma definitiva.

Pero hay que entender el contexto más allá de "la industria se paralizó por la pandemia". Por ejemplo, en 2022 estábamos en el punto álgido de la "guerra del streaming", y las grandes plataformas publicaron 599 temporadas de series originales, es decir, más material que en todo el período 2015-2019. De acuerdo, la pandemia había estragado más de una economía en la industria, pero es que ese volumen de producción también agotó recursos humanos, estudios y calendarios. Cuando llegaron las paradas forzosas, primero por la pandemia y luego por las huelgas, el cuello de botella fue inevitable.

La contrapartida: funciona. La cuestión es que en contra de lo que podría dictar el sentido común, el informe detecta que las series que volvieron tras más de treinta meses de pausa (es decir, dos años y medio) registraron la mayor actividad de búsqueda en internet en el mes de estreno. Por ejemplo, 'Stranger Things' acumuló un aumento del 300% en visualizaciones durante el segundo semestre de 2025, antes del estreno de su temporada final, con un repunte especialmente fuerte de la primera temporada: eran nuevos espectadores descubriendo la serie y fans revisando episodios anteriores. 'Miércoles' y 'Separación' casi duplicaron la media de engagement de sus plataformas.

Películas en televisión. Hay una lectura posible de estos datos: el modelo de los blockbusters cinematográficos ha migrado a la televisión. Si una película muy esperada de una franquicia genera expectativas desde meses antes de su estreno, una temporada muy esperada de una serie también lo hace, de una manera que un lanzamiento anual rutinario no consigue. Lo que se combina con otro motivo: a veces las series de gran complejidad (efectos, guión, postproducción, reparto, como sucede con las tres mencionadas) exigen más tiempo. El caso de la segunda temporada de 'Separación' y sus múltiples reescrituras es significativo.

Es decir, igual que los blockbusters, hay series que exijen más tiempo de rodaje que la media. Debido a ello tardan más en ver la luz, pero también generan más expectación porque el público espera que se compense la espera con más espectáculo.

El riesgo. Esta práctica puede generar expectación, sí, pero hay un peligro para las plataformas que especifica Ampere: "Los streamers necesitan equilibrar los plazos de producción de los grandes títulos con un flujo constante de contenido. Los huecos prolongados pueden generar anticipación en torno a los títulos estrella, pero también pueden animar a las audiencias a cancelar suscripciones y volver solo cuando sus series favoritas están de regreso". Es el fenómeno del churn and return, es decir, cancelar una suscripción y renovarla cuando vuelve la serie, algo que desde el punto de vista del ingreso mensual, es básicamente lo mismo que no estar suscrito.

¿Generar expectación desmedida o asegurarse una audiencia fiel y expectante, habituada a un suministro casi continuo de episodios, como está pasando por ejemplo con 'The Pitt'? En el término medio está la virtud, posiblemente: ni estirar la soga hasta que se rompa ni asfixiar al espectador con exceso de contenido. Tarde para eso último, por otra parte.

La analista de Ampere Christen Tamisin lo formuló así en el informe: "Los streamers necesitan equilibrar los plazos de producción de los grandes títulos con un flujo constante de contenido. Los huecos prolongados pueden generar anticipación en torno a los títulos estrella, pero también pueden animar a las audiencias a cancelar suscripciones y volver solo cuando sus series favoritas están de regreso." La paradoja no tiene una solución sencilla: reducir la espera puede significar comprometer la calidad que, precisamente, convierte esas series en eventos.

Texto:John Tones

Foto/Via: Xataka

¿Qué son realmente las Backrooms? El director del bombazo de A24 explica el final de la película y da las claves para comprender estos espacios liminales

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Tue, 9 Jun 2026 08:29:17 -0700

Si has ido a ver 'Backrooms' y has salido con más preguntas que respuestas, es algo perfectamente normal. Después de todo, una de las grandes virtudes del largometraje producido por A24, que ha puesto patas arriba la taquilla de medio mundo, radica en el modo en que se niega a dar demasiadas explicaciones para centrarse en lo verdaderamente importante: ofrecer una experiencia lo más visceral posible en la que la atmósfera lo es prácticamente todo.

No obstante, esto no quiere decir que no exista cierta lógica en este universo de espacios liminales, criaturas imposibles y traumas emocionales sin resolver. De hecho, la gente de Polygon ha entrevistado al director Kane Parsons para intentar aclarar algunas de las principales dudas que han rondado la cabeza de no pocos espectadores tras salir de la proyección en sus salas de cine de cabecera.

Eso sí, el cineasta ha dejado claro que no es muy aficionado a dar las cosas demasiado masticadas a posteriori:

Soy algo contrario a explicar los eventos que ocurren en mis trabajos. Juro que no quiero que parezca una excusa, solo es que a mi público le gusta acercarse a mi mundo a través de sus propias interpretaciones. Quiero ser cuidadoso, porque cualquier cosa que diga se podría tomar demasiado en serio.

[A partir de este punto habrá spoilers de 'Backrooms', así que lee bajo tu responsabilidad].

La psique y los espacios liminales

Antes de nada, cabe recordar que 'Backrooms' cuenta la historia de Clark, un arquitecto frustrado que se ve obligado a trabajar en una tienda de muebles para sobrevivir que, de golpe y porrazo, descubre un portal a una especie de espacio liminal infinito repleto de habitaciones en el que termina, a priori, perdido. Al menos hasta que su psicóloga Mary, interpretada por Renate Reinsve, se adentra en este laberinto amarillo.

Es entonces cuando la terapeuta termina siendo presa de Clark, quien a su vez es acechado por una versión distorsionada y grotesca de si mismo conocida como Pirate Clark —el Clark pirata, vamos—. La criatura, a priori, es inofensiva para su alter ego, pero en un giro inesperado de los acontecimientos, asesina a Clark y persigue a Mary por las backrooms hasta que es rescatada por los miembros de una organización desconocida que está estudiando este universo.

Sabiendo esto, llega el momento de salir de dudas, comenzando por la naturaleza de las Backrooms y su estrechísima relación con la psique de Clark, que no termina de ser lo que, en última instancia, las moldea. Así lo razona Parsons:

Clark está en esta especie de cámara de eco. Este lugar se está convirtiendo en un bucle de retroalimentación de su mundo interior, proyectado en las paredes y expresado como algo que parece que está haciendo algo por él. Es atractivo para un tipo de deseo prolongado o un hueco que ha tenido dentro durante demasiado tiempo. Hace que se sienta que se está llenando. Pero no creo que sea una versión de la curación o la paz que sea auténtica para la experiencia del sistema nervioso. Creo que, definitivamente, es un estado atenuado de ser en al que se ha visto forzado por su vida anterior a esto, anterior a encontrar las Backrooms.

En lo que respecta al Pirata Clark, el director lo define como "una extensión de la lógica sobre la que se construye este lugar". Del mismo modo que hay lugares "recordados de forma errónea" en las backrooms, también hay personas que se proyectan en ellas del mismo modo. Según Parsons, "Surgen fundamentalmente del mismo principio. El motivo por el que tienes todas esas habitaciones es el mismo por el que tienes a toda esa gente recordada erróneamente".

Ahora bien: ¿quién controla las Backrooms? De nuevo, volvemos a la mente de Clark y cómo sus deseos afectan directamente a estos espacios liminales hasta el punto de que su experiencia en ellos no refleja su realidad objetiva.

La forma en que lo describe es solo la mejor suposición de Clark. Creo que demuestra claramente que, a pesar de todo el conocimiento que parece tener sobre este lugar —cuando regresa a esta conexión con Mary, con su terapeuta, este punto de contacto con el mundo exterior del que aparentemente ha estado dispuesto a alejarse y al que afirma que ya no necesita estar atado—, el permitirse darse cuenta de que se ha estado engañando a sí mismo de alguna manera, o notar que no ha encontrado la paz que buscaba, rompe la estabilidad de esta pequeña vida de juego de rol en la que ha estado.

Por desgracia, Kane Parsons no tiene respuestas para todo, ya sea por no haberse planteado ciertas cuestiones o por no querer soltar prenda. Las motivaciones del Pirata Clark para merendarse a su reflejo humano quedan en el aire, al igual que el origen real de las Backrooms que, según se puede intuir por las palabras del cineasta, se explorará en una más que probable secuela:

Desgraciadamente, no puedo hablar sobre ello. Es algo que tengo que proteger para el futuro.

Texto:Víctor López G.

Foto/Via: Espinof

Teme a los supervivientes. Nuevo tráiler de 'La constelación del perro'

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Mon, 8 Jun 2026 11:54:17 -0700

20th Century Studios presenta un nuevo tráiler y un nuevo cartel de 'La constelación del perro', la adaptación a la gran pantalla de la novela de Peter Heller de igual titulo que se estrenará en los cines de España y Estados Unidos el próximo 28 de agosto.

Se trata de un thriller ambientado en un mundo donde la supervivencia es un instinto, pero la humanidad es una elección que cuenta la historia de Hig, un joven piloto que, junto con un militar experto en supervivencia, Bangley, ha construido un hogar eficiente pero aislado en un mundo postapocalíptico. Hasta que una misteriosa transmisión de radio impulsa a Hig a aventurarse en lo desconocido en busca de la esperanza y la humanidad que aún cree que existen...

Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Allison Janney, Benedict Wong y Guy Pearce son los protagonistas de esta película que ha dirigido Ridley Scott a partir de un guión escrito por Mark L. Smith ('El renacido', 'Twisters') y Christopher Wilkinson ('El caso Fisher', 'Géminis').

El lanzamiento de este nuevo tráiler (y nuevo cartel) coincide con el anuncio de que a sus 88 años Scott ha sumado un nuevo proyecto a su agenda. Según adelanta Deadline, el cineasta se hará cargo de una nueva versión de 'La isla del tesoro' de Robert Louis Stevenson que contará con Hugh Jackman en el papel de John Silver el Largo.

Escrita por Jack Thorne, también responsable de la nueva versión de 'El señor de las moscas' recién estrenada en Movistar Plus+ -cuya crítica podéis leer aquí-, el proyecto será ofrecido en los próximos días a los estudios y plataformas de streaming norteamericanas después de que 20th Century Studios lo haya rechazado; no por falta de interés, sino porque según dicho medio, Disney no ha querido involucrarse en otro proyecto "pirata" teniendo la franquicia de 'Piratas del Caribe' (que lleva años tratando de reflotar, por ahora sin suerte).

Sin más, a continuación, el nuevo tráiler y elnuevo cartel de 'La constelación del perro'.

Clic aquí para verlo en YouTube.

Estos y otros vídeos los podréis encontrar en nuestro canal de Dailymotion,
o en la sección de Tráilers y vídeos de películas de la web.

Texto: Vía 20th Century Studios, Deadline por Wanchope Foto/Via. El séptimo arte

El final de temporada de 'Spider-Noir' rinde homenaje plano por plano a un clásico inconfundible de Orson Welles

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Mon, 8 Jun 2026 11:51:59 -0700

A lo largo de la fenomenal 'Spider-Noir' no solo abraza la estética del cine negro más clásico, sino que también rinde homenaje de forma directa a algunas de las películas más influyentes de la historia de Hollywood. La serie, protagonizada por Nicolas Cage, bebe claramente de los grandes títulos del género surgidos en los años 40 y lleva esa inspiración hasta su espectacular final de temporada.

Allí, una escena clave protagonizada por Felicia "Cat" Hardy y el mafioso Silvermane recrea casi plano por plano una de las escenas más icónicas del cine de Orson Welles. El resultado es un guiño que conecta el universo de Marvel con una obra maestra de 1947 y demuestra hasta qué punto la serie ha construido su identidad a partir de las raíces más clásicas del noir.

Espejito espejito

El homenaje aparece en el episodio final, cuando Cat Hardy se enfrenta a Silvermane dentro de un laberinto de espejos. Rodeados por múltiples reflejos, ambos se buscan mientras las imágenes duplicadas dificultan distinguir quién es real y quién no. El duelo concluye con una lluvia de disparos que va destruyendo los espejos hasta que solo uno de ellos queda en pie.

La secuencia recuerda al clímax de 'La dama de Shanghái' (1947), dirigida y protagonizada por Orson Welles. En aquella película -que, por cierto, está disponible en Movistar Plus-, Michael O'Hara termina atrapado en una compleja trama criminal que desemboca en un enfrentamiento final dentro de un salón de espejos, una de las escenas más célebres de la historia del cine.

Pero lo cierto es que la comparación va más allá de la ambientación. Tanto en 'Spider-Noir' como en 'La dama de Shanghái', los personajes quedan multiplicados por los reflejos, los disparos rompen los cristales uno a uno y la tensión surge precisamente por la imposibilidad de identificar la imagen real entre tantas copias.

De hecho, el uso de los espejos era además una de las obsesiones visuales de Welles. Ya había explorado este recurso en 'Ciudadano Kane', donde los reflejos infinitos del protagonista servían para reforzar uno de los temas centrales de la película: la imposibilidad de comprender por completo a una persona a través de las distintas versiones que proyecta de sí misma.

Curiosamente, el propio Welles tenía una relación complicada con los homenajes cinematográficos. Durante una aparición pública en Francia en 1982 dijo esto:

"Cuanto más inocentes son nuestros ojos, más tenemos que decir. El hábito más detestable del cine moderno es el homenaje. No quiero ver otro maldito homenaje en ninguna película. Ya hay suficientes, y son inconscientes".

Sin embargo, el cineasta también matizó posteriormente esa postura al recordar que "por supuesto que hay que ver películas, y hay que ver grandes películas". Una reflexión que encaja con el caso de 'Spider-Noir', cuya escena final funciona como una declaración de amor a una de las grandes obras del cine negro clásico.

Texto: Belén Prieto Foto/Via: Espinof

He-Man y los junior del universo

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Mon, 8 Jun 2026 11:05:52 -0700

29 millones (siempre) de dólares. 'He-Man y los másters del universo' ha recaudado poco más de 29 millones en su primer fin de semana en 3.677 cines de todo Estados Unidos. Dato al que cabe sumar otros 25 millones del mercado internacional... así, a bote pronto, parece poco para una producción de al menos 170 millones. Y sí, lo es...

Aunque al mismo tiempo no del todo. No deja de ser una producción de Amazon MGM Studios, por lo que se puede ver de dos maneras. Una, la de siempre: sólo ha recaudado 55 millones... y dos, la de ahora: ya ha recaudado 55 millones más que, por ejemplo, 'Jefes de Estado', película estrenada en Prime Video que se convirtió en un gran éxito para la compañía (según la propia compañía) a pesar de haber costado la friolera de 190 millones (que luego, eso sí, se quedaron en 155 gracias a las desgrabaciones fiscales). Recaudó 0 millones. Nada. Solo suscripciones, visionados y ese rollo...

Obviamente, cuando Amazon le dio luz verde con vistas a su lanzamiento en salas esperaba un resultado comercial algo mejor; puestos a elegir, más en la línea de 'Proyecto Salvación' que de 'Las ovejas detectives'. Pero también, que Amazon es y sigue siendo en esencia una plataforma de streaming cuyo concepto de éxito es mucho más complejo (y completo) que un simple suma y resta que te puede hacer un niño de primaria.

Aunque siempre va a ser mejor recaudar 200 millones que 100, a Amazon le basta -léase entre comillas- con cubrir los costes derivados de su exhibición en salas (incluyendo lo que se lleva Sony como socio internacional), al menos, siempre y cuando luego la película rinda como es debido en Prime Video, SU plataforma. De ahí que, por ejemplo, no le tiemble el pulso al invertir 60 millones en 'Sin piedad' o 90 en 'Ruta de escape'. En Chris Pratt. Y en Chris Hemsworth. En sus caras en sendos pósters. En dos películas que recaudaron 54 y 72 millones antes de petarlo en Prime Video.

Lo cierto es que el éxito (o la rentabilidad) no se mide solo por el rendimiento en la taquilla, por más que nos guste hacer como que sí o los titulares; como tampoco lo hacía antes del streaming, cuando las ventas en VHS o DVD podían podían llegar a superar -y por mucho- lo recaudado en cines. Así se convirtieron en franquicia 'Blade' o 'El caso Bourne'. Lo uno no quita lo otro, y por eso mismo en parte Netflix le tiene tanto miedo a la exhibición cinematográfica: porque el relato escapa a su control. Y con ello la noción de éxito y fracaso; me vale o no me vale.

Pase lo que pase, canta victoria y jamás admitas una derrota...

Sí, 'He-Man y los másters del universo' quedará señalada como el fracaso que -por ahora- tampoco se puede negar que ha sido... aunque tres días después aún esté por ver hasta qué punto lo es. No en balde, de una película así siempre se espera que recaude al menos los más de 400 millones que 'Backrooms' y 'Obsession' han recaudado -por ahora- en conjunto. Y aun así, no serían pocos los que seguirían tildandola de fracaso como a 'Star Wars: The Mandalorian and Grogu' pase lo que pase, aun siendo de Disney/Disney+. O precisamente por eso: porque los casi 300 que lleva saben a poco siendo un filme de Star Wars... cuando a la de Amazon le sabrían a gloria.

En fin, que los que se han quedado con ganas de una secuela de 'He-Man y los másters del universo' no desesperen, porque la película, en líneas generales, está gustando. Y a diferencia del 95% del contenido de streaming llegará a su plataforma siendo más que de sobra conocida por todo el mundo. Una mezcla que suele dar buenos resultados... aunque como en los casos de 'La cosa' o 'Blade Runner' haya que esperar (muchos) años para ratificarlo. Y es que hacer un buen trabajo, aunque sea a la larga, casi siempre acaba compensando...

¿Algo más que decir? Pues ya que estamos... 'Scary Movie' ha recaudado más de 100 millones en su primer fin de semana en los cines de todo el mundo, aunque en general parece que no ha gustado ni a los Wayans. Entre tanto, las citadas 'Backrooms' y 'Obsession' han superado los 200 millones en todo el mundo cada una, lo que las convierte de manera oficial en las películas más taquilleras de A24 y Focus Features, respectivamente.

Por su parte, 'Michael' también se ha convertido en la película de Lionsgate más taquillera a nivel local y mundial, con 898 millones. 13 millones menos de los que recaudó 'Bohemian Rhapsody', el biopic en teoría más exitoso... aunquer el mejor siga siendo -y por mucho- 'Better Man'.

Sin embargo, no parece que la película sobre los Jackson 5 vaya a superar la barrera de los 1.000 millones como por fin ha hecho 'Super Mario Galaxy: La película'. Le ha costado y lo ha hecho por los pelos, sudando la gota gorda, pero por fin se ha convertido en la primera película estrenada en 2026 en conseguirlo.

P.D.: Esta semana es la Fiesta del Cine, de lunes a jueves... justo antes de que empiece el Mundial de fútbol y abran todas las piscinas. Y justo después del peor fin de semana del año, el del 29 al 31 de mayo. Aprovechad. Eternia os necesita...

Texto:Vía Box Office por Wanchope

Foto/Via: El séptimo arte

100 años de Marilyn Monroe: Las mejores películas de la actriz a la que Hollywood le pagó 1000 dólares por un beso y 50 centavos por su alma

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Mon, 8 Jun 2026 10:51:19 -0700

Getty Images

Como escribió la célebre periodista Maruja Torres en el suplemento especial que hizo FOTOGRAMAS en julio de 2012 con motivo de los 50 años de la desaparición de Marilyn Monroe (1926-1962), "más allá de su personalidad torturada, de sus matrimonios, de sus amantes, de sus abortos, de sus intentos de suicidio, de sus frustraciones y de su muerte. Más allá de toda la literatura y los documentales y las exposiciones y las opiniones acumuladas desde su muerte, Marilyn se presenta como lo que fue. Una actriz que también era una star que, más allá del system –y a pesar del system–, dejó para la posteridad unas cuantas interpretaciones memorables en películas que ya nadie rodaría hoy".

12 años y 30 películas

Con una niñez y adolescencia turbulentas, marcadas por familias adoptivas estrictas y castradoras –sobre todo la primera–, Norma Jeane Baker empezó como modelo a los 21 años antes de probar suerte en Hollywood donde empezó a despuntar ya como Marilyn Monroe (nombre artístico que luego registró) a finales de los cuarenta. Su carrera duró poco más de 12 años y participó en una treintena de películas que no la ayudaron a acabar con su perpetua inseguridad: "Antes de rodar una escena era tal la tensión a la que me veía sometida que me ponía enferma, aunque en el plató sonriese y contase chistes. Nadie sospechaba hasta qué punto tenía los nervios deshechos", confesó. Sin embargo, todas ellas y, sobre todo, la atención mediática que suscitó, la convirtieron en un icono cultural tan desgraciado como eterno.

"En Hollywood te pagan 1000 dólares por un beso y 50 centavos por tu alma", llegó a decir la autora de otras célebres citas sobre el negocio de la fama como: "Si soy una estrella es porque la gente me ha convertido en una estrella". No dudó en poner en entredicho la industria que la explotaba y que la empleaba como un objeto, comentando: "Quiero ser artista, no un afrodisíaco de celuloide", o diciendo que "una actriz no es una máquina, pero te tratan como una máquina. Una máquina de hacer dinero".

Símbolo del Hollywood de la edad de oro, Norma Jeane fue también un juguete roto a manos de su propio atractivo y de un sistema de estudios depredador que se terminó convirtiendo en una perenne tormenta al acecho. Voluptuosa y bellísima, pero también insegura y depresiva, fue musa de artistas, políticos y cineastas. Por el centenario de su nacimiento, escogemos sus papeles más celebrados.

'Amor en conserva' (David Miller, 1949)

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Latas de sardinas, el robo de la joya de un zar ruso y una compañía teatral con historia de amor de por medio. Esos son los ingredientes de esta película, que parodia el cine negro, y que no solo es recordada por ser la última en la que trabajaron juntos los hermanos Marx (Groucho, Harpo y Chico) sino también por la brevísima participación de Marilyn Monroe, que hacía solo dos años había comenzado su carrera.

Cuarenta segundos en los que se presenta en la oficina del detective Grunion (Groucho) para contratar sus servicios porque unos hombres me siguen, asegura. No me diga, no puedo comprender por qué, le dice el investigador sin dejar de mirarla. El cine también cayó enseguida rendido ante aquella actriz de incuestionable atractivo, tan seductora como vulnerable.

Título original: Love Happy
Dirección: David Miller
Guion: Frank Tashlin, Mac Benoff (historia de Harpo Marx)
Reparto: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Melville Cooper, Ilona Massey, Marilyn Monroe
Año: 1949
Duración: 92 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Prime Video, Filmin

'Eva al desnudo' (Joseph L. Mankiewicz, 1950)

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"Sentí que Marilyn tenía carácter. Había en ella una inocencia como pegada con pegamento que me resultaba atractiva". Así justificó el icónico Joseph L. Mankiewicz la elección de Monroe para su (pequeño) rol –la aspirante a actriz Claudia Casswell, protegida de un crítico teatral–, en este monumental drama sobre los egos del universo actoral y el oportunismo, lleno de frases memorables (sobre todo de Bette Davis, formidable como Margo Channing).

Solo tres escenas de minutos en pantalla –y un lunar pintado a lápiz que ya mantuvo para siempre– sellaron su futuro. Como le diría su protector Addison (George Sanders) en el film, "puedo ver cómo tu carrera se eleva por el Este como el sol".

Título original: All About Eve
Dirección: Joseph L. Mankiewicz
Guion: Joseph L. Mankiewicz (historia de Mary Orr)
Reparto: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Marilyn Monroe, Thelma Ritter
Año: 1950
Duración: 138 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: -

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'La jungla de asfalto' (John Huston, 1950)

4 minutos y 52 segundos. Eso es todo lo que necesitó Marilyn Monroe para llamar la atención de público e industria de tal manera que pasó de ni siquiera aparecer en los carteles a protagonizarlos casi por completo. Más allá de ese pequeño pero decisivo papel, 'La jungla de asfalto' terminó convirtiéndose en uno de los referentes fundamentales del cine negro.

Su retrato desencantado de criminales condenados al fracaso, la precisión casi mecánica del atraco y la visión de la ciudad como un entorno corrupto y devorador marcaron el camino para películas posteriores como 'Atraco perfecto' de Stanley Kubrick, también con Sterling Hayden como protagonista.

Título original: The Asphalt Jungle
Dirección: John Huston
Guion: Ben Maddow, John Huston (novela de W.R. Burnett)
Reparto: Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, Marilyn Monroe
Año: 1950
Duración: 112 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus, Filmin

Getty Images

'Me siento rejuvenecer' (Howard Hawks, 1952)

Ben Hecht, biógrafo en la sombra de Monroe –la ayudó en la redacción de sus memorias 'My Story'–, escribió el guion de esta screwball comedy, lisérgica y enloquecida, de Howard Hawks ('¡Hatari!'). A pesar de no ser la protagonista, Marilyn con su Lois Laurel, secretaria del jefe de la compañía química donde trabaja como científico Barnaby Fulton (Cary Grant), se convierte en una robaplanos de categoría (para muestra esa escena tan sutil como provocadora enseñándole la pierna a Grant con un inocente "¿No es maravilloso? Las nuevas medias de plástico irrompibles que inventaste").

Pecisamente Hawks, ante un Darryl F. Zanuck, ejecutivo de 20th Century-Fox, quejoso por lo poco que habían recaudado las películas con Monroe, contratada en 1950 por el estudio, le dijo: "Ella pertenece a una comedia disparatada o a un musical". Y, efectivamente, tras esta película cargada de gags que mezcla elixir de la juventud, simio inventor, transformaciones físicas y reflexiones matrimoniales y científicas en la América atómica de la posguerra, Hawks y Marilyn rodaron 'Los caballeros las prefieren rubias' ya con Monroe en rol protagonista aunque compartido con otra sex symbol también polémica y también de las que quitaban el hipo: Jane Russell.

Título original: Monkey Business
Dirección: Howard Hawks
Guion: Ben Hecht, Charles Lederer, I.A.L. Diamond
Reparto: Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn, Marilyn Monroe, Hugh Marlowe
Año: 1952
Duración: 97 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

Getty Images

'Niebla en el alma' (Roy Ward Baker, 1952)

La habitación 809 del neoyorquino Hotel McKinley albergó las crisis de Nell Forbes, una enigmática y autodestructiva joven que ejerce de niñera durante una noche. El primer papel protagonista de la actriz, con el que intentó demostrar una capacidad interpretativa nunca suficientemente reconocida, le ofreció una vulnerabilidad que solo repitió en 'Vidas rebeldes' (1961).

Con Ward Baker a los mandos y Richard Widmark haciéndole los coros, los 75 minutos de metraje resultaron ser una analogía de la propia vida de Monroe, que, como su rol en la ficción, solo sentía la necesidad de querer y ser querida.

Título original: Don't Bother to Knock
Dirección: Roy Ward Baker
Guion: Daniel Taradash (novela de Charlotte Armstrong)
Reparto: Richard Widmark, Marilyn Monroe, Anne Bancroft, Donna Corcoran, Jeanne Cagney
Año: 1952
Duración: 73 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: -

Michael Ochs Archives//Getty Images

'Los caballeros las prefieren rubias' (Howard Hawks, 1953)

Basada en el musical de Broadway, a su vez basado en la novela 'Gentlemen Prefer Blondes', de Anita Loos, la cinta de Howard Hawks nos dejó para el recuerdo –además del increíble trabajo de Travilla en el diseño de vestuario– unos numerazos musicales al más puro estilo del Hollywood dorado.

Quizás el más conocido sea el de 'Diamonds Are a Girl’s Best Friend' –en el que aparece George Chakiris, el Bernardo de 'West Side Story'–, pero qué decir de 'Two Little Girls from Little Rock', a dúo con Jane Russell, dos divas iluminando la pantalla a golpe de glitter en glorioso Technicolor. Se dice que cuando le dijeron a Marilyn Monroe que no sería la estrella del film, ella respondió: "Well, whatever I am, I AM the blonde". A sus pies.

Título original: Gentlemen Prefer Blondes
Dirección: Howard Hawks
Guion: Daniel Taradash (novela de Charlotte Armstrong)
Reparto: Marilyn Monroe, Jane Russell, Charles Coburn, Tommy Noonan, George Winslow, Elliott Reid
Año: 1953
Duración: 91 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

Getty Images

'Niágara' (Henry Hathaway, 1953)

Los años 50 fueron un momento de transición para Hollywood. El cine negro abandonaba parcialmente sus atmósferas urbanas y el blanco y negro clásico para explorar nuevas fórmulas visuales. Henry Hathaway situó este relato en las cataratas del Niágara y rodó a Norma Jeane en Technicolor, una rareza dentro del film noir de la época. Mientras una joven pareja disfruta de su luna de miel cerca de las famosas cataratas, la relación entre Rose y George Loomis deriva hacia la manipulación, el adulterio y el asesinato.

Monroe interpretó a esta femme fatale construida alrededor de la sensualidad y la ambigüedad moral que, además de hacer que Joseph Cotten perdiese los papeles, contrastó con los roles secundarios decorativos que había asumido hasta entonces. La crítica de la época aplaudió el redescubrimiento del mito y el film supuso un punto de inflexión en su carrera, siendo uno de sus primeros grandes papeles protagonistas y consolidando la imagen pública que 20th Century Fox explotaría inmediatamente después en 'Los caballeros las prefieren rubias' y 'Cómo casarse con un millonario'.

Título original: Niagara
Dirección: Henry Hathaway
Guion: Charles Brackett, Walter Reisch, Richard L. Breen
Reparto: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Denis O'Dea, Max Showalter, Lurene Tuttle
Año: 1953
Duración: 89 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

'Cómo casarse con un millonario' (Jean Negulesco, 1953)

Getty Images

Tercera y última de las películas que Monroe rodó en 1953, tras haber alcanzado ese año el estrellato, como sex symbol y mujer fatal en el noir 'Niágara', y de romper la taquilla como ingenua en el musical 'Los caballeros las prefieren rubias'. Encabezó este nuevo reparto con Lauren Bacall y Betty Grable, como trío de cazafortunas en busca de marido, pero la auténtica protagonista de la función era ya ella.

Tomaba el relevo como reina de la 20th Century Fox de Grable, y en contra de vaticinios agoreros reinó la paz en el set entre las tres divas. Su personaje, la inocente e insegura Pola Debevoise, que se niega a usar gafas a pesar de su miopía, como le pasaba a ella misma, le brindó la ocasión de mostrar su talento innato para la comedia. El film acaba con un final feel-good delicioso y memorable.

Título original: How to Marry a Millionaire
Dirección: Jean Negulesco
Guion: Nunnally Johnson
Reparto: Marilyn Monroe, Betty Grable, Lauren Bacall, William Powell, Rory Calhoun, David Wayne
Año: 1953
Duración: 96 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: -

20th Century Studios

'Luces de candilejas' (Walter Lang, 1954)

Musical escrito por la dupla de guionistas Phoebe y Henry Ephron, padres de la célebre Nora Ephron, presenta a los Donahue, una familia de artistas que triunfa en los teatros estadounidenses. En cuanto Vicky Parker (Marilyn Monroe) aparece en escena, no solo enamora al pequeño de los Donahue, sino que brilla y acapara la película sin perder la categoría de actriz secundaria.

La aspirante a artista que interpreta encandila en su primera actuación, vestido blanco icónico incluido, y no solo se interna en el show business por sus propios medios, también radiografía la industria y mantiene su vis cómica sin perder un ápice de glamour: "Soy una chica de gustos sencillos: prefiero un filete de cinco centímetros de grosor con patatas fritas". Marilyn en estado puro.

Título original: There´s No Business Like Show Business
Dirección: Walter Lang
Guion: Phoebe Ephron, Henry Ephron (historia de Lamar Trotti)
Reparto: Ethel Merman, Dan Dailey, Donald O´Connor, Marilyn Monroe, Johnnie Ray, Mitzi Gaynor, Hugh O´Brian
Año: 1954
Duración: 117 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

'Río sin retorno' (Otto Preminger, 1954)

Getty Images

Fue el único western (de aventuras) de Marilyn Monroe y también del director Otto Preminger ('Laura', 'Anatomía de un asesinato'). Él lo abordó por encargo y ella con desgana, igual que Robert Mitchum, ambos descontentos con la mutua compañía y con el guion de Frank Fenton ('Escrito bajo el sol', John Ford, 1957).

Sin embargo, pasado el tiempo se considera uno de los mejores papeles de Monroe dando vida con fragilidad, ternura, pero también fuerza, a una cantante de salón indómita (inolvidable su interpretación del tema 'One Silver Dollar') metida, junto a un expresidiario viudo y su hijo, en una balsa sobre aguas salvajes para huir de los indios.

Título original: River of No Return
Dirección: Otto Preminger
Guion: Frank Fenton, Louis Lantz
Reparto: Robert Mitchum, Marilyn Monroe, Rory Calhoun, Tommy Rettig, Douglas Spencer, Murvyn Vye
Año: 1954
Duración: 91 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: -

'La tentación vive arriba' (Billy Wilder, 1955)

Getty Images

Tras el rechazo de George Cukor, Billy Wilder se puso al frente de esta comedia sobre un neoyorquino que se queda trabajando el mes de agosto mientras su mujer y su hijo están de vacaciones. Todo va bien hasta que aparece la tentación: su vecina de arriba, interpretada por Marilyn Monroe. La actriz, que estuvo obligada por contrato con la Fox a rodar antes 'Luces de candilejas', atravesaba uno de sus peores momentos. La depresión que sufría provocó continuos retrasos en el rodaje que dispararon el presupuesto muy por encima de lo esperado.

La icónica secuencia sobre la rejilla del metro se rodó en pleno Manhattan, de madrugada pero frente a 5.000 espectadores y más de 100 fotógrafos. Cuando fueron a montarla, se dieron cuenta de que era imposible por el ruido así que hubo que rodarla de nuevo en un estudio de Los Ángeles. La intérprete tuvo que repetir la toma más de 40 veces porque no recordaba las líneas de guion.

Título original: The Seven Year Itch
Dirección: Billy Wilder
Guion: Billy Wilder, George Axelrod
Reparto: Tom Ewell, Marilyn Monroe, Oskar Homolka, Carolyn Jones, Evelyn Keyes, Sonny Tufts
Año: 1955
Duración: 105 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

Getty Images

'Bus Stop' (Joshua Logan, 1956)

Marilyn consideró esta película su proyecto decisivo. Tras estudiar junto a Lee Strasberg en el Actors Studio, luchó por tener el control artístico del film (participó en la producción con su empresa Marilyn Monroe Productions) en una jugada que ponía en peligro su inversión, su credibilidad como actriz seria y el futuro de una carrera, siempre en el punto de mira.

Insistió en utilizar el célebre Método para interpretar a Chérie, una desamparada cantante con sueños de llegar a Hollywood que se cruza en el camino de un vaquero huérfano en ruta para participar en un rodeo. El riesgo asumido tuvo sus frutos y los críticos más duros lo reconocieron. "¡Agárrense bien a sus asientos, y prepárense para una sorpresa estremecedora!", anunció The New York Times. "Marilyn Monroe finalmente ha demostrado ser una actriz".

Título original: Bus Stop
Dirección: Joshua Logan
Guion: George Axelrod (obra de William Inge)
Reparto: Marilyn Monroe, Don Murray, Arthur O'Connell, Betty Field, Eileen Heckart, Robert Bray
Año: 1956
Duración: 96 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

Archive Photos//Getty Images

'El príncipe y la corista' (Laurence Olivier, 1957)

Basada en una obra de teatro de Terence Rattigan, Laurence Olivier ya había interpretado el papel de Príncipe Regente en la escena londinense, con su esposa Vivian Leigh en el papel de la corista. Ese rol fue asumido por Monroe cuando su productora, creada junto a su amigo, el fotógrafo Milton Greene, adquirió los derechos. Contraposición absoluta de estilos, la naturalidad expresiva de Monroe (por no hablar de sus frecuentes retrasos y la presencia constante en el rodaje de su profesora de actuación, Paula Strasberg) chocó frontalmente con el formalismo clásico de Olivier.

Fracaso de taquilla en Estados Unidos, tuvo más éxito en Europa. Olivier quedó tan traumatizado por la experiencia de trabajar con Monroe que no dirigió otra película hasta 'Tres hermanas' (1970), aunque el resultado final fue una amable comedia romántica que recibió buenas críticas para las actuaciones de Monroe y el propio Olivier. Por este papel la actriz fue nominada a un BAFTA y recibió el premio David di Donatello de la Academia del Cine de Italia.

Título original: The Prince and the Showgirl
Dirección: Laurence Olivier
Guion: Terence Rattigan
Reparto: Laurence Olivier, Marilyn Monroe, Sybil Thorndike, Richard Wattis, Jeremy Spenser, Esmond Knight
Año: 1957
Duración: 115 min.
Pais: Reino Unido
Dónde ver: Movistar Plus

'Con faldas y a lo loco' (Billy Wilder, 1959)

Michael Ochs Archives//Getty Images

"Tengo a una vieja tía en Viena que estaría en el plató a las seis de la mañana y sería capaz de recitar los diálogos incluso del revés, pero ¿quién querría verla?" Así dio cuenta Billy Wilder, brillante y cáustico como solo él podía serlo, del suplicio que fue trabajar con Marilyn en este clásico absoluto de la comedia escrita a cuatro manos por el vienés e I.A.L. Diamond, su guionista de confianza tras finiquitar su colaboración con Charles Brackett.

La trama arranca con una matanza mafiosa, sigue con un par de fugitivos travestidos –Jack Lemmon y Tony Curtis– uniéndose a una banda de jazz femenina, y acaba con uno de los finales más redondos de la historia del cine. "Nadie es perfecto", cierto, pero a la Sugar Kane que dibuja Monroe, que ukelele en mano solo pide ser amada, poco le falta. "Mientras esperábamos, no perdimos totalmente el tiempo", dijo Wilder. "Yo tuve la oportunidad de leer 'Guerra y paz' y 'Los miserables', por ejemplo". Genio y figura.

Título original: Some Like It Hot
Dirección: Billy Wilder
Guion: Billy Wilder, I.A.L. Diamond (historia de Robert Thoeren y Michael Logan)
Reparto: Marilyn Monroe, Jack Lemmon, Tony Curtis, George Raft, Pat O'Brien, Nehemiah Persoff
Año: 1959
Duración: 120 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Prime Video, Filmin

'El multimillonario' (George Cukor, 1960)

Donaldson Collection//Getty Images

Más que por la película, la penúltima de Monroe y dirigida por George Cukor, se recuerda por el amour fou entre sus estrellas. Monroe estaba casada con Arthur Miller; Montand (quien debutaba en Hollywood sugerido a Cukor por el propio Miller ante las negativas de Cary Grant y Rock Hudson), con la actriz Simone Signoret. Las parejas compartían cenas a diario y las mujeres charlas al borde de la piscina. Que Signoret y Miller tuvieran que ausentarse al mismo tiempo por compromisos laborales, propició el affaire que provocó el divorcio de la siempre inestable Monroe y una herida de por vida en Signoret.

Los cameos de Milton Berle, Bing Crosby y Gene Kelly enriquecen este enredo como profesores de un excéntrico magnate encaprichado por una actriz de musical a la que quiere conquistar fingiéndose actor. Y para no olvidar Marilyn cantando 'My Heart Belongs to Daddy'.

Título original: Let's Make Love
Dirección: George Cukor
Guion: Hal Kanter, Norman Krasna
Reparto: Marilyn Monroe, Yves Montand, Tony Randall, Frankie Vaughan, Wilfrid Hyde-White
Año: 1960
Duración: 118 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus

'Vidas rebeldes' (John Huston, 1961)

Archive Photos//Getty Images

La leyenda de esta película ha acabado devorando al propio film, por varias razones. Fue la última de Marilyn Monroe, aunque luego empezó 'Something’s Got to Give', pero falleció antes de terminarla. También la de Clark Gable, fulminado por un infarto el día siguiente de acabar el rodaje. Y a Montgomery Clift le costó enormemente sacarla adelante, mermado ya por sus adicciones. Mientras, Arthur Miller, quien había escrito el guion para su todavía esposa, Marilyn, comprobó en el set cómo su matrimonio estaba ya roto. Toda esa dinamita a punto de estallar quedó inmortalizada por los grandes fotógrafos de la agencia Magnum (Cartier-Bresson, Bruce Davidson, Elliott Erwitt o Inge Morath) cuyas instantáneas son hoy en día tan célebres como la propia película.

En cada negativo se mascaba ya la tragedia. Nunca Marilyn estuvo tan bella pese a que el propio Huston contaría: "Tomaba pastillas para dormir y para despertarse, y pasaba la mayor parte del tiempo ausente". Tampoco unos caballos salvajes han resultado tan hipnóticos ni el desierto de Nevada tan hermoso… y eso que hacía más de 40 grados. Vista desde la distancia, nos permite entender con perspectiva el mito de Marilyn. Ni siquiera en esta película, creada precisamente para alejarla de él, consigue borrar el efecto que provocaba en los hombres y la perturbación que generaba en ella, y de la que nunca pudo escapar.

Título original: The Misfits
Dirección: John Huston
Guion: Arthur Miller
Reparto: Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Eli Wallach, Thelma Ritter, Estelle Winwood
Año: 1961
Duración: 124 min.
Pais: Estados Unidos
Dónde ver: Movistar Plus, Filmin

Texto:Por Redacción Fotogramas

Foto/Via: Fotogramas

Los youtubers conquistan Hollywood

noreply@blogger.com (YO PONGO LA PELI,TÚ LAS PALOMITAS) — Mon, 8 Jun 2026 10:42:27 -0700

La película más taquillera del momento en todo el mundo, 'Backrooms', no pertenece a una gran franquicia, no está basada en ningún libro bestseller, videojuego o cómic, y no la protagonizan megaestrellas de Hollywood. Está dirigida por un chaval de 20 años y se basa en una leyenda urbana que nació en un foro de internet y en varios cortos que acumulan decenas de millones de visualizaciones online.

Durante décadas, Hollywood miró hacia las escuelas de cine, los festivales o los circuitos independientes en busca de nuevos talentos, pero ahora parece estar mirando hacia YouTube. Y no se trata únicamente de una cuestión generacional o de marketing. Detrás de algunos de los títulos de terror más exitosos de los últimos meses hay cineastas que aprendieron a montar, rodar, crear efectos visuales o medir la reacción del público subiendo vídeos a internet mucho antes de pisar un set profesional.

YouTube: la mejor escuela de cine

Los gemelos australianos Danny y Michael Philippou (33 años) fueron de los primeros en abrir la puerta. Antes de dirigir 'Háblame' y, posteriormente, 'Devuélvemela', acumulaban millones de visitas con RackaRacka, un canal conocido por sus vídeos de acción, humor y efectos especiales. Sin embargo, cuando intentaron dar el salto al largometraje, descubrieron que parte de la industria seguía observando con desconfianza a los creadores surgidos de internet, tal y como nos comentaron cuando charlamos con ellos antes del estreno de 'Háblame': "Cuando intentamos vender el proyecto en Hollywood, algunas personas nos miraron un poco por encima del hombro porque éramos youtubers que llegaban con un guion", recuerdan. "Había cierto rechazo por parte de algunas personas de la industria".

No obstante, para ellos, la plataforma había sido una escuela de cine más útil que cualquier otra. "YouTube fue el mejor campo de entrenamiento que podríamos haber tenido. Aprendimos sobre las reacciones del público, sobre efectos prácticos, efectos visuales, maquillaje y escenas de acción. Pudimos perfeccionar nuestro trabajo y aprender realmente a dirigir mientras hacíamos todo eso".

Sony Pictures

La misma idea aparece en las palabras de Curry Barker (26 años), responsable de 'Obsession', otro de los fenómenos recientes del terror independiente. Barker sí que comenzó por la vía 'convencional', pero después de conocer a su colaborador Cooper Tomlinson (27 años) en la escuela de cine, comenzaron a crear contenido por su cuenta. Nos lo contó él mismo en una entrevista reciente: "Durante mucho tiempo intentamos seguir la ruta tradicional de festivales", explica. "Pero al final pensamos: 'Vamos a subirlos a YouTube y veremos qué pasa'. La respuesta fue enorme". Para Barker, (este es su canal de YouTube) la plataforma ha cambiado por completo las reglas de acceso a la industria. "Si tienes un teléfono móvil y un programa de edición barato, puedes hacer una película. Ya no hay excusas".

Público entregado

La teoría se ha convertido este año en una realidad comercial difícil de ignorar. 'Backrooms', el debut cinematográfico de Kane Parsons (20 años) para A24, ha irrumpido en la taquilla mundial con más de 100 millones de dólares durante su primer fin de semana. La película, producida con un presupuesto de apenas 10 millones, nació como una serie de vídeos publicados en YouTube a partir de una popular creepypasta de internet. Parsons estrenó el primer corto en su canal cuando tenía apenas 16 años, y un año después A24 se fijó en él para adaptarlo a largometraje aunque solo fuera un adolescente. A día de hoy, ese vídeo acumula más de 82 millones de visualizaciones.

Elástica Films

El éxito de Parsons, además, se ha visto acompañado del fenómeno 'Obsession', que ha logrado algo histórico. Con un presupuesto de alrededor de un millón de dólares, ya ha superado los 100 millones en la taquilla estadounidense y su curva sigue en ascenso, puesto que es uno de los poquísimos casos en la historia del cine reciente en los que una película sube su recaudación superándose cada semana. Ambas han copado los dos primeros puestos de la taquilla USA dejando a 'The Mandalorian & Grogu' en tercer lugar, en un resultado histórico para el cine independiente (no solo de terror).

'Obsession' (Curry Barker, 2026)//Universal

La situación recuerda a otros nombres que también están intentando recorrer el mismo camino. Mark Fischbach (36 años), conocido en internet como Markiplier, ya avisó de esta tendencia a principios de año logrando unos increíbles 50 millones de dólares con 'Iron Lung', producida por apenas 4 millones, mientras que Chris Stuckmann (38 años), uno de los críticos cinematográficos más populares de YouTube, debutó recientemente como director con 'La maldición de Shelby Oaks' con unos meritorios 8 millones en taquilla tras convencer en varios festivales de género.

Relevo generacional

La pregunta ya no parece ser si un creador de internet puede dirigir una película, sino qué aportan exactamente estos autores al cine actual. Parsons, el más joven de todos ellos, cree que la respuesta está en la manera en la que su generación entiende las historias, tal y como nos confesaba hace unos días: "Crecí rodeado de webseries y ARGs", explica. "Las fronteras entre el contenido de una historia y la manera en la que se presenta nunca han sido tan importantes". Para el director de 'Backrooms', "el concepto de 'cine' es bastante flexible". Su formación no procede únicamente de películas, sino también de videojuegos, narrativas experimentales y formatos digitales que rara vez formaban parte de la conversación cinematográfica tradicional.

Elástica Films

El director de ’Backrooms’, Kane Parsons, junto al actor Chiwetel Ejiofor, durante el rodaje de la película.

Barker comparte una visión parecida, aunque formulada desde otro ángulo. "Creo que representamos a nuestra generación", afirma. "Mi voz creativa tiende a ser bastante Gen Z porque pertenezco a esa generación". Los Philippou, por su parte, rechazan la idea de que YouTube y cine sean mundos incompatibles. De hecho, afirman que "si YouTube hubiese existido en los años 70 u 80, los cineastas de aquella época lo habrían utilizado sin ninguna duda. Una vez hablamos con George Miller, el director de 'Mad Max', y nos dijo exactamente eso, que si YouTube hubiera existido cuando él empezaba, también lo habría usado. Hay cierto estigma alrededor de los creadores de contenido", admiten. "Pero también hay cineastas reales en estas plataformas. Hay gente que está ahí porque quiere hacer películas".

Sony Pictures

Los hermanos Philippou durante el rodaje de ’Devuélvemela’.

Quizá esa sea la idea que une a todos ellos. Ninguno parece interesado en sustituir el cine por internet. Más bien ocurre lo contrario. Después de construir comunidades de millones de seguidores en la red, todos han terminado persiguiendo la misma meta que generaciones anteriores de directores: estrenar películas en salas. Y a juzgar por la respuesta del público más joven, Hollywood empieza a descubrir que la próxima generación de autores de terror quizá no esté esperando en Sundance ni en una escuela de cine. Puede que lleve años subiendo vídeos a YouTube.

Texto:Por Fran Chico

Foto/Via: Fotogramas