By Zoë Lang

This post addresses a topic that I’ve hoped to write about for a while: resources for listening to classical music online. I’m planning to stick to resources that are free (no iTunes) and accessible to anyone (no Naxos/Classical Music Library) as well as not potentially infringing on copyright (YouTube). For this post, I will discuss three of my favorites and welcome you to submit others. I’d like to investigate other possibilities for listening online, so please feel free to comment and leave more suggestions.

It is truly humbling to think about the sheer quantity of music that is at our fingertips today. Think about what was available a mere hundred years ago, when one had to rely on either what was playing at their local concert hall (and/or discussed in newspapers), what was in piano arrangements, or what could be studied in scores. Today, we can simply pull up whatever we want from some digital resource and investigate it, making copies onto our hard drives for future hearings. This freedom is unprecedented and astounding.

And yet, how many of us truly take advantage of this potential? It can be equally easy to fall into ruts, simply listening to the same pieces (or composers) as always. Even though I want to expand my knowledge of pieces, it becomes difficult to know where to begin. The same freedom of choice is also constricting in this respect. Attending concerts of an adventuresome orchestra can help redress this problem as well, but many groups are canon perpetuators as well. Also, unless one subscribes to a season, it is easy to fall into the trap of only attending concerts with favorite works, rather than seeking the new.

What I like about the following three resources — apart from the fact that they cost nothing — is the fact that they all encourage the listener to go beyond his/her knowledge of repertoire and explore new works. They do so by making access easy and providing a wide variety of choice. Also, from my experience, all are reliable (they don’t crash often) and have good quality performances. Here are my top three:

1) Klassik auf Klick from SWR 2. I subscribe to this weekly podcast and am alerted to a new recording every Monday from the SWR 2 archives. These recordings are available for free download for that week and can be heard at any time from the SWR 2 website. While these performances can feature canonic composers and works, they also explore lesser known pieces and composers. Either way, it’s a very convenient way of learning new repertoire when it simply appears in my Google Reader once a week. I do my best to keep up with the recordings, even listening to pieces that I (think I) know. For instance, recently Mendelssohn’s Trio in d minor was featured, which has never been one of my favorite works. The first movement is featured in the textbook that I use for teaching my music history survey and it never clicked with me. But the second movement — now that one I liked! Had I not listened to the recording, I wouldn’t have known about it at all, barring accidental attendance at a concert at which it was featured. I will admit that I often find myself loading Beethoven’s Opus 18, no. 5 for the umpteeth time, but I am pleased that this service makes it so easy to also hear works I don’t know.

2) The Schoenberg Center website. Apart from providing digital archives of the Schoenberg Center holdings and creating fun YouTube videos, the Schoenberg Center has also managed to make recordings easily accessible for all of Schoenberg’s works on their website as a ‘Jukebox.’ This is great! I find that it’s one of the easiest ways to get to know new works and explore pieces you might not know otherwise. If you are not familiar with the Schoenberg Center website, and especially the Jukebox, then I highly recommend that you investigate (and if you haven’t already seen that YouTube video, seriously, you really should).

3) Carnegie Hall Commissions. I stumbled upon this website accidentally once when I wanted to learn more about David Lang’s Match Girl Passion. Much to my surprise, not only did I learn more about this piece, but I could also hear the entire work online, for free. The same goes for most of the pieces that have been commissioned for Carnegie Hall since 2006. That is a whole lot of new music by many of the most influential composers working today. For free. There are also biographies of the composers and a wealth of interesting works. I especially liked Evan Ziporyn’s Sulvasutra, but I would encourage you to explore and find your own favorite.

Herr Oswald, warum ein Festival für Neue Musik in der Abgeschiedenheit der steirischen Berge? Woher kommt die Motivation, was sind Ihre Ziele?

Peter Oswald: Das Gesäuse ist eine magische Region, ein fantastischer Ort dessen musikalische Implikationen bereits im Titel anklingen. Als ich zur Programmierung des Festivals eingeladen worden bin, habe ich sofort ja gesagt.

Inhaltlich spannen die Konzerte des Festivals einen weiten Bogen um ein Repertoire, das vom Anfang des 20. Jahrhunderts bis in die unmittelbare Gegenwart reicht. Welche Schwerpunkte setzen Sie als künstlerischer Leiter in der Zusammenstellung der Programme?

Peter Oswald: Das Arcana Festival ist ganz bewusst als Festival konzipiert, dass zur Repertoirebildung der Moderne beitragen will. Wir verzichten nicht auf Uraufführungen (fünf Werke werden für das Festival geschrieben), wollen aber ganz bewusst Werke, die wir als unverzichtbar empfinden programmieren. So ist eine Komposition von Edgar Varèse, der das Festival seinen Namen verdankt, auch heute noch moderner als viele Kompositionen, die 2010 uraufgeführt werden.

Ihr Festival ist Teil der Regionale10, ein größeres Festival für zeitgenössische Kunst im Bezirk Liezen der Steiermark. Über den konkreten Bezug auf das “magische Gesäuse” hinaus, inwieweit bezieht das Arcana Festival auch lokale und regionale Musiker und Komponisten in das Programm mit ein?

Peter Oswald: Das Arcana Festival bezieht regionale Musiker in zwei konkreteten Projekten mit ein. Zuerst in dem Musikvermittlungsprojekt “Von Sternen, Nebeln und Galaxien…” der Firma Georg Fischer, des größten Arbeitgebers der Region. Hier erarbeiten drei professionelle MusikerInnen mit MitarbeiterInnen der Firma (und somit auch regionale MusikerInnen) ein neues Werk. Bezug nehmend auf Iannis Xenakis “Pleiades”, und beim zweiten Projekt “Schwarzer Peter” begibt sich das Arcana Festival auf die Spuren eines legendären Wilderes, der Ende des 19 Jahrhunderts in einer konspirativen Beziehung mit den Bauern der Region gestanden ist. Bei diesem Projekt, dass in einer atemberaubenden Naturkulisse, nach 550 Höhenmeter Aufstieg zu erleben sein wird, nehmen Blasmusikkapellen und Chöre der Region teil. Auch werden MusiklehrerInnen der Region eingebunden, die den Aufstieg in mehreren Stationen musikalisch in einer “Klangpromenade” gestalten.

Ein wichtiger Teil des Arcana Festivals ist der gesamte Komplex der Musikvermittlung. Sie bieten unter anderem Workshops zur Komposition für jedermann, Konzerte an untypischen Orten, musikalische Wanderungen, eine musikalisch-kulinarische Performance, sowie traditionelle Einführungsveranstaltungen an. Zusätzlich gehen Sie in einem “Labor” der Frage nach dem Verhältnis von Neuer Musik und den Naturwissenschaften nach. Wieviel Vermittlung braucht die Neue Musik? Ist das alles unter dem Aspekt des Marketings zu sehen oder tut sich hier eine neue Kultur des Erlebens auf, die das Erfahren der Musik durch das Publikum in den Mittelpunkt des Interesses rückt?

Peter Oswald: Ich bin überzeugt davon, dass jede Musik Vermittlung braucht. Der Vermittlungsgedanke ist dementsprechend in den letzten Jahren immer mehr in den Vordergrund getreten. Ich habe in meiner mittlerweile 25-jährigen professionellen Tätigkeit die Erfahrung gemacht, dass die Lebenswirklichkeit des einzelnen in einem direktem Verhältnis zu Neuer Musik, zu deren Struktur, zur Wahrnehmung stehen, und dass Neue Musik nicht ein “Spezialisten-Medium” ist. Deshalb sollte die Musikvermittlung den Menschen dort abholen, wo er sich in sozialer, bildungsmäßiger und psychologischer Hinsicht gerade befindet. Natürlich ist ein Quäntchen Marketing dabei, da wir volle Hallen sehr schätzen, und dies wesentlich auch zur guten Stimmung bei den Künstlern beiträgt. Entscheidend ist aber die Neue Kultur des Erlebens, die, wie Sie ja schreiben, die Erfahrung von Musik durch den einzelnen/einzelne HörerIn in den Mittelpunkt des Interesses rückt.

Auf Ihrem preisgekrönten Musiklabel Kairos veröffentlichen Sie zusammen mit Barbara Fränzen seit über zehn Jahren Neue und Neueste Musik. Wie empfinden die zahlreichen Komponisten mit denen Sie zusammenarbeiten diese neue Erfahrungs- und Eventkultur? Ich könnte mir vorstellen, dass der eine oder die andere diesen Entwicklungen eher skeptisch gegenübersteht und darin eine “Verflachung” der Musikkultur sieht.

Peter Oswald: Sämtliche bei Kairos veröffentlichten Komponistinnen empfinden aufgrund der spezifischen Kairos Philosophie die publizierten Werke nicht als Eventkultur, sondern als einen spezifischen und originären Zugang zu im sonstigen Musikleben verschütteten Aspekten einer Partitur (das sinnliche Erleben von Musik!). Deshalb kann von einer Verflachung der Musikkultur keine Rede sein, sondern von einer perspektivischen Vertiefung.

Vielen Dank, Herr Oswald, für das spannende Gespräch.

Das Gespräch führte Matthias Röder.

I like to think of myself as open-minded, musically speaking. But I am quite enough of a musical snob to have never attended an orchestral “pops” concert. So imagine my mixed feelings when the offer to see Sting, one of the century’s musical superstars, in concert with the pops wing of the Royal Philharmonic came my way. Would it be pure unbridled kitsch or an inspiring and creative fusion of styles? Would it profoundly upset my musical sensibilities to see a miked, funked up symphony orchestra performing in a hockey arena? Or would it open my mind to a whole new world of possibilities for this incessantly “dying” ensemble?

The opening minutes I feared the worst, with all my anxieties focused on the conductor. There is simply nothing more painful than watching classical musicians trying to be hip, and this one was going at it full pelt. His third beats looked like Rafael Nadal taking a backhand, with musical gestures simply hurled across the orchestra. Significant downbeats, meanwhile, were mostly accompanied with an ecstatic leap in the air. And all against a backdrop of swaying, jerking, and gyrating unbecoming a conductor. How on earth does one conduct with panache a man as effortlessly stylish as Sting? I have no idea.

Thankfully, however, I slowly managed to avert my gaze and take in what was going on around this wildly dancing animal. Sting’s voice remains as pure and strong as ever and with some first-rate assistance, I assume, he has produced a bevy of spectacular orchestrations of his best-loved songs for this tour. “Russians” was perhaps the finest for sheer orchestrational spectacle. Beginning with an orchestral introduction featuring some entirely new, glorious, and noisy Russian-style bombast, the rather puny synthesized Prokofiev quote from the original song was then blown up into something approximating the original. To hear an orchestra playing Lieutenant Kije at full volume (and miked) with drums, guitars—the works—was truly a thrill. The audience of aging couples was cheering fit to bust. All in all, this very youthful orchestra did a first rate job with a challenging three hours of highly imaginative, harmonically and rhythmically complex orchestrations, which also featured a number of stunning solos.

Ultimately, I was entirely sold on this fantastic ensemble of diverse musical talent. During the interval the conductor took off his tails and switched into a simpler jacket, a wardrobe change that certainly helped de-classicize him a little, and I found myself increasingly charmed by his leaping, frisbee-throwing, spell-casting moves. Who doesn’t love a bit of musical enthusiasm anyway?

Sting has been exploring all kinds of new musical directions these last few years with varying degrees of success, some of which have been reviewed on Zeitschichten as well. Here, though, he has hit on a winning formula—one which he did not invent, but which he has brought to new heights.