ZONA LIBRE - MUSICA

Recordando al Beatle más rebelde...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 9 Dec 2010 12:50:00 -0800

El miércoles 8 de diciembre se cumplieron 30 años de aquel terrible día en el que Lennon fue asesinado.

Ese día, a las 10:50 de la noche Mark David Chapman lo asesinó de cuatro disparos por la espalda en momentos en que el ex Beatle entraba a su edificio acompañado por su esposa, Yoko Ono.

Hoy me voy a concentrar en los años con The Beatles, enfatizando en la figura de Lennon como el centro y líder de la banda más importante en la historia del rock.

No quiero teorizar ni gastarle mucha energía al conflicto entre Lennon y McCartney.

El simple hecho de que hayan escrito juntos tantas canciones buenas es una simple muestra del poder creativo que hubo entre los dos. En The Beatles hubo un genio creador y fue Lennon, McCartney se fue por el lado de la fama y tomó el camino del pop, sin olvidar que es otro de los grandes genios en la historia de la música contemporánea. George Harrison fue el líder espiritual, un excelente guitarrista y compositor de varias canciones que son referentes indispensables en el listado de éxitos de The Beatles. Ringo, además de ser un baterista preciso y discreto para la época, ayudó a mantener el buen espíritu en la banda con su humor. Afortunadamente la historia le ha dado más crédito a su rol creador en The Beatles.

Tras esta breve descripción del perfil de cada Beatle, hay que profundizar en el temperamento de John Lennon, que conjuga varias personalidades. El músico de rock, activista social, político y padre de familia. Estas cuatro características enmarcaron la vida de John Lennon. Desde los primeros años él fue quien se encargó de darle a la banda una imagen más polémica, cuando la prensa lo único que quería mostrar era cuatro jóvenes de Liverpool que demostraban su rebeldía con su pelo largo.

Ahí Lennon, entre ingenuo y crítico lanzó frases celebres como: "For those of you in the cheap seats I'd like ya to clap your hands to this one; the rest of you can just rattle your jewelry!" (Aquellos que están en los puestos baratos me gustaría que aplaudieran. Los otros, hagan sonar su joyas) o la inocente “somos más famosos que Jesucristo” Estos son dos de los ejemplos más claros de la capacidad que tuvo Lennon para confrontar al establecimiento, las normas y la sociedad.

Lennon provino de un hogar destruido y esto lo marcó. Su espíritu rebelde se forjó a base de golpes emocionales en su infancia. Luego apareció Elvis y él puso el ojo en la capacidad creativa de este chico americano. Ahí Lennon se fijó su primera meta, imitar a Elvis. La música de Elvis Presley lo acompaño durante toda su carrera. En varias entrevistas y reportajes se menciona la pasión que sentía Lennon por la primera época en Memphis.

Lennon cargaba con varias cajas de sencillos en 45rpm con sus temas favoritos como parte de su equipaje y hablaba te tener una rockola dedicada a Elvis. Durante las sesiones de 1971, cuando grabó Happy Christmas (War Is Over) con Phil Spector, la mayor cantidad de música que Lennon escuchó fueron temas clásicos de Elvis sumado a Chuck Berry y Bo Didley.

Volviendo a la era con The Beatles, Lennon promovió siempre romper con las normas tradicionales, esto le valió la fama de rebelde, incluso, se ha llegado a mencionar ésta como una de las causas que llevaron al fin de The Beatles.

Por otro lado, Yoko Ono jugó un papel decisivo, pues abrió la puerta para que Lennon explorara su lado artístico y creativo de manera profunda y libre. Yoko, a pesar del mito que se ha creado como la causante de la ruptura, liberó a Lennon del peso histórico de ser parte de The Beatles. Ella le mostró que podía trabajar sin McCartney y ser igualmente creativo. La prueba es que quizás las canciones más sensibles las escribió después de 1969.

John Lennon: el soñador
La década del setenta inició con varios hechos que marcaron la historia del rock: La ruptura de los Beatles, la temprana muerte de Janis Joplin, Jimmy Hendrix y Jim Morrison y la creciente oposición entre la juventud contra la guerra de Vietnam en Estados Unidos. Al rededor de estos hechos, se creó el ambiente propicio para que la música popular y el arte en general, construyera parte de su discurso a lo largo del decenio. En ese punto surgió la figura de John Lennon que con singular agudeza, pudo plasmar el momento histórico a través de canciones tan conmovedoras como su obra maestra: Imagine.

Sólo un artista como él, con su pasado sellado por la gloria de los Beatles, podía invertir parte de su capital de prestigio en dar golpes de imagen tan fuertes, como las famosas “bed-ins” sesiones de entrevistas, literalmente, metido en la cama en hoteles de Amsterdam y Montreal en 1969. Estas sesiones marcaron lo que sería el estilo de protesta que Lennon usó durante los primeros años de los setenta.

Al separarse de una entidad tan influyente como The Beatles Lennon consiguió equilibrar la figura política y la creatividad artística. En lo político, Lennon se convirtió en un vocero internacional contra la guerra, casualmente la más grande de todas en su época fue Vietnam.

Contra este conflicto usó todo su ingenio para generar una conciencia pacifista, lo que desató una reacción brutal entre los estamentos conservadores de Estados Unidos en el poder en ese momento, llegando al extremo de declarar a Lennon y Yoko Ono como enemigos del gobierno de Estados Unidos.

Pero la música de Lennon no solo sirvió para que promoviera causas humanitarias, a través de sus canciones abrió su vida y mediante una especie de terapia, buscó la paz con consigo mismo. En este proceso surgieron canciones muy duras, como la famosa “How do you sleep?” de 1971, escrita “aparentemente” contra Paul McCartney.

Precisamente esta rivalidad histórica, llevada a la música por dos de los más grandes compositores del siglo XX como son Lennon y McCartney, mediante canciones de lado y lado, se fue diluyendo con los años. Cada miembro de The Beatles se dedicó a hacer su vida y construir carreras sólidas. Seguramente superar el éxito de la banda fue una tarea titánica. Pero cada uno poseía el talento necesario. Así, la música fluyó y las canciones comenzaron a demostrar que tenían una personalidad musical suficientemente grande como para triunfar en solitario.

John Lennon se aferró a Yoko Ono. Ella fue su complemento y su musa. Los dos construyeron un proyecto musical sólido bajo el nombre Plastic Ono Band. Lennon expresaba su interés en el rock and roll y Yoko liberaba su espíritu experimental ligado al arte. Como había mencionado anteriormente, las canciones de Lennon comenzaron a reflejar su intimidad, su estado de ánimo y, poco a poco, lo alejaron de la sombra Beatle.

Menos de un mes antes de su asesinato Lennon y Yoko lanzaron “ ”. El disco reflejaba, en canciones, la evolución de su relación. Hoy es difícil saber qué habría pasado con la carrera de John Lennon si el 8 de diciembre de 1980 a las 10:50 de la noche Mark David Chapman no le hubiera disparado. Cualquier posibilidad es válida.

¿Se habrían unido nuevamente los Beatles?, ¿habría participado en política?, todas estas preguntas se quedaron en el aire. John Lennon dejó un legado de música, buena energía y amor. Así se imaginó el mundo.

Por Juan Restrepo
Yahoo México

Paco de Lucía defiende el flamenco como Patrimonio de la Humanidad

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 10 Oct 2010 02:22:00 -0700

El guitarrista Paco De Lucía celebró este lunes con un concierto en el Teatro Real de Madrid la candidatura a la que opta el flamenco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, una designación tan internacional como el arte que brota de la música del maestro algecireño.

Francisco Sánchez Gómez, conocido artísticamente como Paco de Lucía, es considerado el mayor exponente del flamenco mundial. Por esta razón, el guitarrista andaluz, quien cumplirá 63 años en diciembre, no dudó en ejercer como padrino de una iniciativa que busca preservar tanto el entorno como el desarrollo de este arte.

A la cita con este músico universal acudieron el vicepresidente tercero del Gobierno de España y ministro de Política Territorial, Manuel Chaves; la ministra de cultura, Ángeles González-Sinde; la ministra de Igualdad, Bibiana Aído; la ministra de Sanidad y Política Social, Trinidad Jiménez y el presidente de la Junta de Andalucía, José Antonio Griñán.

Además estuvieron presentes el portavoz del PSOE en el Congreso de los Diputados, José Antonio Alonso; la diputada socialista y ex ministra de Cultura, Carmen Calvo y el vicepresidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González. Tampoco faltaron rostros importantes del mundo de las artes, una lista encabezada por el cantaor Diego "El Cígala", la bailarina Sara Baras y el guitarrista José Fernández Torres "Tomatito", tres iconos del cante, el baile y el toque flamenco, respectivamente.

Lo mejor de Pink en Greatest Hits So Far

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sat, 9 Oct 2010 15:39:00 -0700

El próximo 16 de noviembre sale a la venta su primer recopilatorio.

"Greatest Hits... So Far!" es lo nuevo de Pink, y contiene todos sus grandes éxitos y dos canciones inéditas, entre ellas el nuevo single 'Raise Your Glass', producido por Max Martin y en cuya composición ha participado la cantante. La canción 'Raise Your Glass' se publica para descarga digital el 18 de octubre.

Desde su aparición en el año 2000, Pink se ha establecido como uno de los grandes talentos del pop contemporáneo, lo cual quedó demostrado en su fulgurante aparición en la ceremonia de los Grammy 2010 interpretando su éxito 'Glitter In The Air'.

El álbum "Greatest Hits... So Far!" contiene los éxitos de sus discos anteriores: "Can't Take Me Home" (2000),
"M!ssundaztood" (2001), "Try This" (2003), "I'm Not Dead" (2006) y "Funhouse" (2008).

Las canciones de "Greatest Hits... So Far!!!" son las que siguen:

01. Get The Party Started
02. There You Go
03. Don't Let Me Get Me
04. Just Like A Pill
05. Family Portrait
06. Trouble
07. Stupid Girls
08. Who Knew
09. U + Ur Hand
10. Dear Mr President
11. So What
12. Sober
13. Please Don't Leave Me
14. Funhouse
15. I Don't Believe You
16. Glitter In The Air
17. Raise Your Glass
18. Bonus Track

Rechazada por sexta vez la petición de liberación del asesino de John Lennon

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Wed, 8 Sep 2010 16:52:00 -0700

La Junta de Libertad Condicional del estado de Nueva York rechazó hoy por sexta vez la petición presentada por el asesino de John Lennon, Mark David Chapman, para que se que decrete su liberación tras 29 años de prisión.

Chapman, de 55 años, deberá esperar ahora otros dos años, hasta agosto de 2012, para poder volver a pedir que se le ponga en libertad, después de que hoy los tres miembros de la junta encargada de revisar su caso se hayan entrevistado con él a través de una videoconferencia y hayan decidido rechazar su petición.

La División de Libertad Condicional de Nueva York confirmó hoy a Efe, sin detallar los motivos, el rechazo a conceder la libertad de Chapman cuando están cerca de cumplirse los treinta años del asesinato del músico británico en diciembre de 1980 ante las puertas de su residencia en el edificio Dakota, frente al Central Park de Nueva York.

Chapman fue condenado entonces a una pena de entre veinte años y cadena perpetua por un delito de asesinato en segundo grado.

Desde que cumplió la pena mínima, Chapman ha tenido ya seis ocasiones (una cada dos años) de pedir que se le conceda la libertad, aunque hasta ahora siempre se le ha negado.

Yoko Ono, la viuda del componente de The Beatles, ya expresó el pasado julio su oposición, también por sexta vez, a la liberación de Chapman a través de un escrito remitido a la Junta de Libertad Condicional neoyorquina.

Como en ocasiones anteriores, Yoko Ono argumentó en su escrito más reciente que teme por su propia seguridad y la de su familia si el asesino de Lennon es puesto en libertad.

En la anterior cita, en agosto de 2008, la junta denegó la petición de Chapman, ante "preocupaciones por la seguridad y el bienestar público".

La Junta de Libertad Condicional recordó entonces que Chapman, que se encuentra encerrado en la prisión de máxima seguridad de Attica (en el estado de Nueva York), "disparó cinco tiros a John Lennon, de los que cuatro lo alcanzaron causándole la muerte".

Ese organismo añadió entonces que, durante su comparecencia, Chapman reconoció que planeó y llevó a cabo de forma consciente el asesinato de Lennon, una muerte que "impactó a muchos individuos", aunque desde que está en prisión tiene un historial de buen comportamiento.

En la carta que Yoko Ono mandó a las autoridades en aquella ocasión afirmó que la liberación del asesino de Lennon podría "traer de nuevo la pesadilla, el caos y la confusión", y haría que "yo misma y los dos hijos de John no volviéramos a sentirnos a salvo jamás".

Además, argumentó que Chapman, que trabaja en una de las bibliotecas de la prisión y tiene derecho a encuentros conyugales con su esposa, tampoco estaría a salvo en las calles. EFE

Ringo y McCartney, juntos de nuevo...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Fri, 9 Jul 2010 17:15:00 -0700

Paul sorprendió a su ex compañero de los Beatles en el festejo de sus 70 años

MEXICO, D.F., julio 8 (EL UNIVERSAL).- Ya habían pasado por el escenario del Radio City Music Hall artistas como Yoko Ono, Joe Walsh, Brian Johnson, Jeff Lynne y Steve Van Zandt.

El concierto que conmemoraba los 70 años del baterista de The Beatles, Ringo Starr, parecía estar concluyendo, y ninguno de los espectadores pensó que alguien más se subiría al escenario para actuar junto al cumpleañero.

Menos cuando las luces comenzaron a encenderse.

Pero fue en ese preciso momento que se escuchó un singular solo de bajo, que provocó la histeria del público presente.

Se trataba de Paul McCartney, ex compañero de banda de Starr.

Así lo dio a conocer la publicación Rolling Stone, en donde además se señaló que el tema interpretado por los artistas británicos fue “Birthday”, del popular “White Album”.

Según el medio, los gritos que se oían pueden ser comparables sólo con los que sonaban en los conciertos de la banda de Liverpool, hace 45 años.

El recital, bajo el nombre "All Starr", comenzó con el solo del baterista, “It don't come easy”.

Uno de los puntos altos de la velada fue la participación de Derringer, que interpretó “Hang on sloopy” y “Rock and roll Hoochie Koo”.

Otro momento que quedará grabado en la memoria de los presentes fue cuando varios de los artistas que se encontraban entre el público saltaron al escenario.

Yoko Ono, Jeff Lyne, Joe Walsh y otros músicos interpretaron juntos “With a little help from my friends”, mientras que el hijo de Starr, Zak, tocaba la batería.

Starr interpretó varios temas por sí mismo, como los clásicos “Yellow Submarine” y “Act Naturally”, pero también presentó algunas canciones de su nuevo trabajo, titulado “Y Not”.

Tipos de tenor

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sat, 5 Jun 2010 22:18:00 -0700

De Fuente: Wikipedia

La voz humana, es difícil de clasificar. Es por eso que las siguientes categorías tienen fronteras difusas y variables pues muchos tipos vocales son evoluciones de otros precedentes, y todos, a su vez, quedan subordinados a la fisiología del cantante. Los tenores cambian muchas veces, con los años, de tipo vocal, por la evolución física de sus cuerpos.

La clasificación de la voz de tenor es una herencia de la historia de la ópera. Durante el período clásico, la voz de los tenores tendía a ser ligera para no romper el equilibrio musical, que era una de las características más resaltantes del período.

Durante el romanticismo, sobre todo en Italia, se aumentó la potencia de las orquestas, y por tanto los requisitos de las voces. Es entonces cuando se consolida la figura del tenor spinto.

En Francia, donde se mantuvo por algún tiempo la tendencia a la elegancia y el equilibrio, se consolidó el tenor lírico. Finalmente, a partir de Wagner la orquesta creció notablemente y así la potencia que demandaban de los cantantes, lo que dio lugar al nacimiento del tenor heroico.

Cheque los tipos de tenor:

Tenor ligero
También llamado tenorino o tenore di grazia, posee una voz clara, aguda y ágil. Es una voz frecuente entre los tenores, aunque la calidad es siempre difícil. Dentro de este tipo de tenores vale la pena destacar algunos tipos especiales de voces, por sus muy específicas características:

Tenor mozartiano
Con emisión limpia , belleza tímbrica, línea de canto segura, musicalidad, cierta elegancia y más dominio técnico del fiato que de la agilidad. Quizá los más destacados tenores de los que se tiene constancia sonora son Francisco Araiza, Anton Dermota o Fritz Wunderlich.

Tenor rossiniano
Se le exige virtuosismo en la agilidad, dominio técnico para terribles saltos de octava y agudos altísimos que con frecuencia deben atacarse en falsete. Se puede destacar como especialistas modernos a Bruce Ford, Rockwell Blake, Juan Diego Flórez, Chris merrit o a, otrora, Ramón Vargas.

Haute-contre (Contra-alto)
Un tipo de tenor muy específico de la ópera francesa reformista. Requiere un dominio absoluto del registro mixto; esto es, la capacidad de cantar en el límite entre el registro de pecho y de cabeza o falsete. Portentos técnicos como Nicolai Gedda o Alain Vanzo han podido cantar estos roles, pero quizá solo Léopold Simoneau y Rusell Oberlin (por tesitura, que no por repertorio) hayan sido los únicos haute-contre de entidad en el siglo XX.

Tenor lírico ligero
Posee una voz con más cuerpo de la del ligero y con ciertos matices líricos, siendo también llamado tenor cantante. Empezaron a popularizarse a finales del siglo XVIII y dominaron el período del bel canto durante el siglo XIX hasta el advenimiento de Wagner por un lado y el verisimo italiano por el otro, que exigían otro tipo de tenores. Quizá los más importantes de los que se tiene constancia discográfica sean: Tito Schipa, Fritz Wunderlich y Alfredo Kraus.

Tenor lírico
Voz de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz. Se exige un buen dominio del registro medio y belleza en el agudo. Es una voz muy apreciada y no infrecuente, aunque solo destacan las voces de extraordinaria belleza tímbrica como las de Luciano Pavarotti, Giusseppe Di Stefano, José Carreras o Jaume Aragall.
El papel más emblemático del tenor lírico es el del Rodolfo en la ópera La Boheme (de Puccini).

Tenor lírico spinto
El canto spinto (del italiano spinto: ‘empujado’) fue apareciendo a finales del siglo XIX para atender las óperas del naciente repertotio verista y popularizado despues por las grabaciones del tenor italiano Enrico Caruso. En el canto spinto se abandonan las virtudes más técnicas del bel canto (como la coloratura o la mezza di voce) para lograr un canto mas potente, espontáneo y capaz de imitar expresiones de emoción desencadenada propias del verismo.
Aunque la palabra spinto ha llegado a ser un término para un determinado tipo de papel, el verbo spíngere no describe un tipo de voz, sino el defecto técnico de ‘empujar’ la voz. Así, el cantante llega al agudo con una exagerada presión subglótica de aire. Por eso, el «tenor spinto» comúnmente no puede realizar coloraturas pero su volumen se ve incrementado, puediendo sobreponerse a las cada vez más nutridas orquestas. Voces ejemplares de ese tipo fueron las de , Carlo Bergonzi, Jussi Björling, Enrico Caruso o Franco Corelli, entre muchos otros.
El papel más emblemático del tenor spinto es el del Manrico en la ópera Il Trovatore (de Giuseppe Verdi).

Tenor dramático
De mayor potencia en la octava central y en los graves, y capacidad suficiente en los agudos. Aunque hoy es una voz poco común, fue muy utilizada en el repertorio postromántico y verista, donde se necesitaban voces suficientemente potentes como para ser oídas por encima de la opulencia de la orquesta. Especial mención para el Otello (de Giuseppe Verdi), rol de tenor dramático por antonomasia. Existe constancia discográfica de grandes tenores dramáticos como Mario del Mónaco, Ramón Vinay o Jon Vickers .

Heldentenor
En el repertorio alemán, el Heldentenor es el tipo vocal del tenor dramático antes mencionado. La concepción musical de Richard Wagner exigía un tipo vocal muy concreto y exigente: voces de corte dramático, pero de enorme resistencia física para sobreponerse durante horas a la orquesta wagneriana. Frecuentes en otro tiempo, hoy son directamente inexistentes. Los más celebrados tenores wagnerianos de los que hay constancia discográfica fueron Lauritz Melchior y Max Lorenz, con permiso del musicalísimo aunque algo lírico Wolfgang Windgassen, además de Set Svanholm, Ludwig Suthaus o Jon Vickers.

Aquí les dejo un extraordinario video de tres Tenores jóvenes (niños), que se presentaron dentro de un concurso de televisión italiana, que seguramente disfrutarán:

Declan Galbraith... chequen el dato

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 3 Jun 2010 17:36:00 -0700

Un singular niño, que tiene una prodigiosa voz, nos regala éste tema que seguramente les va a encantar!... Declan Galbraith es un cantante inglés con ascendencia escocesa e irlandesa.

Su primera aparición publica fue a la edad de 7 años en el festival anual “Rochester Dickens”, donde él insistió en participar, y en el que la gente se viste en un estilo victoriano para celebrar la vida de Charles Dickens y sus vínculos con la ciudad de Rochester. Se dice que cuando Declan empezó a cantar “la multitud enloqueció”. A partir de entonces comenzó a participar en concursos locales de talento, y en menos de un año había ganado 15 competiciones y más de £1000.

Así es de que, les dejo una de las letras de las canciones que Declan interpreta, que por cierto lleva mucho fondo y al final, disfrute de su video...

TELL ME WHY?
Canta: Declan Galbraith

In my dream children sing a song of love for every boy and girl
The sky is blue and fields are green and laughter is the language of the world

Then I wake and all I see is a world full of people in need

Tell me why (why) does it have to be like this ?
Tell me why (why) is there something I have missed ?
Tell me why (why) cos I don't understand.
When so many need somebody we don't give a helping hand.
Tell me why ?

Everyday I ask myself what will I have to do to be a man ?
Do I have to stand and fight to prove to everybody who I am ?

Is that what my life is for to waste in a world full of war ?

Tell me why (why) does it have to be like this ?
Tell me why (why) is there something I have missed ?
Tell me why (why) cos I don't understand.
When so many need somebody we don't give a helping hand.
Tell me why ?

(children) tell me why ? (declan) tell me why ?
(children) tell me why ? (declan) tell me why ?
(together) just tell me why, why, why ?

Tell me why (why) does it have to be like this ?
Tell me why (why) is there something I have missed ?
Tell me why (why) cos I don't understand.
When so many need somebody we don't give a helping hand.

Tell me why (why,why,does the tiger run)
Tell me why (why why do we shoot the gun)
Tell me why (why,why do we never learn)
Can someone tell us why we let the forest burn ?
(why,why do we say we care)
Tell me why (why,why do we stand and stare)
Tell me why (why,why do the dolphins cry)
Can some one tell us why we let the ocean die ?

(why,why if we're all the same)
tell me why (why,why do we pass the blame)
tell me why (why,why does it never end)
can some one tell us why we cannot just be friends ?

Los Orígenes Del Rock and Roll

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sat, 29 May 2010 15:42:00 -0700

Durante la era jazzística del swing de los 30´s y 40´s y principios de los 50´s en la era crooner, artistas como Frank Sinatra, Andy Williams, Doris Day, Bing Crosby, Dick Haymes, Eddie Fisher y otros más, acaparaban los listados de éxitos con su música romántica a toda una nación.

Para ese entonces era lo único que se escuchaba, era de lo más convencional y que sin querer hablar mal de ella, llegó a un punto en donde ya no cabía más en el gusto de la sociedad norteamericana, pero sobre todo para los jóvenes.

La generación joven americana, surgida bajo un tradicionalismo de los padres, sentía que no había futuro, para que pensar en ser adultos si, la guerra nuclear borraría todo de la faz de la tierra. Apenas se estaba aceptando la segunda guerra mundial, ya se había visto a los aviones norteamericanos lanzando bombas atómicas sobre las ciudades japonesas Hiroshima & Nagasaki al finalizar la Segunda Guerra Mundial en 1945. Mientras los adultos se afanaban por reafirmar los valores tradicionales, con la promesa de una recompensa futura, para la nueva generación no había futuro.

La interacción entre la música de los blancos y de los negros empezaba a gestar nuevos estilos. Los blancos pobres del sur de los Estados Unidos y los negros marginados por la opulenta sociedad del norte, compartían aún sin desearlo, costumbres, idioma, religión y sobre todo ; música.

Esa mezcla de música negro espiritual con raíces en el blues y canciones country folclóricas blancas harían de su fusión un nuevo movimiento. Era todo lo que el mundo estaba deseando, se aproximaba una revolución.

Por un lado, la música negra o "de raza" estaba compuesta por los elementos esenciales del blues, del góspel y del jazz. Más tarde seria llamado como R&B (Rhytm and blues). Y por el otro lado, se tenía al country & western, con orígenes en la música folclórica europea y de otras formas musicales como la música espiritual.

El apoyo de la radio ,de la televisión y más tarde del cine, serían clave para que la música llegara a más personas. En lo que se refiere a la radio, los adolescentes blancos, sintonizaban las emisoras que tocaban race music (música de raza), al tiempo que los disc-jockeys jugarían un papel importante en la organización de eventos musicales y en la promoción de música negra a un público más general, ya que el problema era que en las emisoras, las canciones eran prácticamente las mismas.

Alan Freed, un famoso disc-jockey mejor conocido como el "Moondog", enloquecía a los adolescentes con su programa de la noche en la ciudad de Cleveland. Miles de muchachos y muchachas escuchaban clandestinamente al "Moondog", mientras sus padres, inocentes, dormían. Era música vivaz, alegre, juvenil, llena de deseos, y provocaba bailar. Más tarde, Alan Freed comenzaría a llamarla rock and roll.

Gracias al crecimiento de difusión de la radio, canciones como Rocket 88, de Jackie Brenston y sus Delta Cats en 1951, penetraban en la vida de los jóvenes. Todo era a cerca de carros, mujeres, sexo, rebeldía, era música diferente; el carro se había convertido en un símbolo de status.

Mientras tanto en Chicago, los hermanos Chess; Leonard y Phil, se convertirían en los propulsores de la "nueva música".

Logran el éxito cuando un guitarrista del sur de Estados Unidos, Muddy Waters graba con ellos, logrando ser todo un suceso por su forma innovadora de tocar la guitarra. El éxito de Waters, hace que los hermanos Chess contraten a otros artistas que puedan seguir la línea de su guitarrista estrella. Llegan a sus estudios Howlin´Wolf, Elmore James,Willie Dixon, Little Walker-miembro de la banda de Muddy Waters-, John Lee Hooker, Sonny Boy Williamson y el grupo vocal the Flamingos. La semilla del Rock and roll estaba sembrada.

Sam Phillips, locutor y productor musical dueño del sello Sun Records, sería el personaje que marcaría la diferencia. El visionario y genio de Sam, llevaría la música a otro nivel, siendo uno de los responsables del auge del rock and roll.

Fue el cazatalentos de grandes artistas como Ike Turner, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, B.B King, Jackie Brenston, Johnny Cash y Elvis Presley.

Un momento clave en la historia de Sun Records, se remonta al hecho de Sam Phillips había estado buscando durante mucho tiempo a "un cantante blanco que sonara como negro y tuviera sentimiento negro". A su estudio llegaría un joven camionero de Mississipi amante del góspel y del country llamado Elvis Aaron Presley. A Phillips lo impresionó la voz, pero se desilucionó cuando intentaron grabar unas canciones en el estilo de música country, algo faltaba; no sabía que era, pero faltaba algo.

En medio de un descanso entre una y otra balada, Elvis empezó a cantar espontánemente "That´s all right", tema del legendario Arthur "Big Boy" Crudrup. Comenzó a cantar lento; así era la canción. Como tomando el pelo, aceleró el ritmo, su guitarrista y su bajista empiezan a acompañarlo. Elvis salta, se sacude, interpreta la canción de una manera original. Phillips acababa de encontrar lo que había estado buscando. Era la grabación de la primera canción del rock and roll.

Hay quienes dan el origen del Rock & Roll a Bill Haley & the Comets especialmente con el gran éxito "Rock around the clock", que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros consideran como creador a Elvis Presley con su "Heartbreak hotel" y eligen como fecha 1954 año en que Presley editó su primer disco.

Entre los artistas más destacados de la época se puden citar a Little Richard, Elvis Presley, Richie Valens, Fats Domino, Bill Haley, Carl Perkins, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Eddie Cochran, Bo Diddley entre muchos otros.

Para concluir, el Rock & Roll se colocó como una revolución cultural, social y hasta política, que influyó notoriamente a la personalidad de generaciones posteriores.

Se inició como bandera de la rebelión juvenil de los años cincuenta en contra del tradicionalismo familiar y a las leyes institucionales.

Gracias al Rock & Roll, tenemos un corazón rebelde como James Dean, bailamos en las pistas de baile al compás del reloj con Bill Haley y conquistamos a las chicas como Elvis.

El mundo había sido igual, pero cuando llegó al Rock & Roll todo fue diferente.

Sobre el Autor:
Ricardo Escarcega Tavares.
Estudiante Universitario de la Ing. en Innovación y Diseño de la Universidad Panamericana campus Aguascalientes.

Compositor, arreglista y músico. Participando en diversos concursos como el UP Talent´s award, obteniendo el primer lugar por 2 años seguidos.

A colaborado con los periódicos locales y nacionales en temáticas del arte, música, diseño y temas sociales. Hoy en día se encuentra colaborando para el canal Aguascalientes Tv. Aparte del diseño, otras de sus grandes pasiones son el futbol, la lectura y la música.

Actualmente se encuentra como manager y arreglista del grupo musical Amatista

El Cuarteto de Liverpool...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sat, 29 May 2010 15:39:00 -0700

•George Harrison

Aunque siempre en un segundo plano dentro del grupo debido al eclipse del tándem Lennon- McCartney, George empieza a incluir temas propios en los discos del grupo. Son canciones de gran belleza, más introspectivas que las de sus compañeros, debido también a su carácter. Empieza a sentir mucha curiosidad por la música hindú a la vez que por toda la cultura que la engloba. Poco a poco se involucra de lleno en la religión y música hindú. La primera vez que utiliza el sitar es en el tema Norwegian Wood en el álbum Rubber Soul de 1965. “En septiembre de 1966 fui a la India. Cuando oí por primera vez un disco de Ravi Shankar, tuve el presentimiento de que algún día nos encontraríamos. Dio la casualidad de que en junio lo conocí en Londres” para George Harrison empezaba una nueva etapa, una búsqueda espiritual que tomó como estímulos el yoga y el sitar pero como nos dice él mismo: Ravi y el sitar eran excusas; aunque fuesen una parte muy importante de ello, en realidad estaba buscando una conexión espiritual. Después, un año más tarde incluirá el tema Love you to en el álbum Revolver.

•Paul McCartney

Paul es una persona muy activa y con un gran sentido del trabajo. Disciplinado siempre y con madera de líder fue el que llevo al grupo a su cima, aunque también fue uno de los culpables de su ruptura. La idea de todo el disco surge de él. Como nos dice él mismo: Sgt. Pepper fue una idea que tuve, creo, en un avión de Los Angeles a algún sitio. Pensé que estaría bien perder nuestra identidad y sumergirnos en la de un grupo falso. Las canciones son compuestas casi en su totalidad por Paul y además es el que más trabajo le dedica, tocando, cantando, componiendo, sugiriendo ideas y dirigiendo a la orquesta, todo sin formación clásica, cosa que le lleva pronto a considerarlo el Mozart de siglo XX.

Es francamente complicado citar una influencia directa en el caso de McCartney que no sea el afán de superación, el trabajo continuado y un gusto musical fantástico. Al contrario que sus compañeros que fueron influenciados por movimientos culturales, grupos o personas, Paul, según mi opinión, siguió con una línea de trabajo que llevaba desarrollando desde su adolescencia y que ahora, después de más de una década de trabajo, a sus 25 años daba sus frutos en este álbum.

•Ringo Starr
Si con Paul es complicado citar fuentes que influenciaron su trabajo a nivel personal, más difícil es con el simpático Ringo. El batería del grupo siempre fue el menos talentoso de sus miembros, y por tanto el que menos participó en el grupo. Declaraciones de Ringo sobre el álbum nos demuestran su grado de ilusión sobre el mismo: "Con Sgt. Pepper me sentí mas bien como un músico de estudio, porque lo que nos interesaba era hacer un álbum con cuerdas, metales y partituras. Todo el mundo dice que este disco es un clásico, pero no es el que yo prefiero".

Por tanto no parece que para el músico este disco fuera decisivo ni participara mucho en él.

En la introducción y a la vez justificación de este trabajo, comento una por una las principales aportaciones de este disco a la historia de la música. Ahora, una vez vistos los antecedentes que lo hicieron posible, es recomendable ver una por una las canciones que lo integran así como sus detalles más representativos. Son analizados aquí esos detalles con los antecedentes que los hicieron posibles:

1. Sargent Pepper’s Lonely Heart Club Band: primer tema del disco, con la marca indiscutible de Paul, se escucha como el público está presente en una sala. Los alter egos del grupo están iniciando el show, tal como se le ocurrió a Paul en ese avión de Los Angeles.

2. With A Little Help From My Friends: típica composición Lennon- McCartney aunque se ha demostrado que un 75% es trabajo de Paul. Es un tema muy comercial, incluso en su letra, interpretada por Ringo. Ha sido objeto de múltiples versiones, aunque la más famosa fue a cargo de Joe Cocker, el cual consiguió tanto éxito con la canción que se olvidó que era un tema de los Beatles.

3. Lucy in the Sky with Diamonds con una letra casi infantil pero que sirvió de inspiración para el nombre del en aquel entonces más antiguo antepasado del ser humano, "Lucy" la Australopithecus afarensis, es una de las canciones de la que se han dicho muchas cosas, sobre todo por sus iniciales: Lucy in the Sky with Diamonds, LSD, el ácido lisérgico, la famosa droga de los 60. Realmente, como explica Lennon, Julian, el hijo de John, tenía una amiga que se llamaba Lucy, y la canción está basada en un dibujo que hizo el hijo de Lennon de Lucy, en el cielo y con diamantes. En Lucy In The Sky With Diamonds se utilizó la grabación a distintas velocidades para conseguir el famoso sonido del tema. Además Harrison introducía la tamboura dándole un toque más místico.

4. Getting Better La idea del tema le vino a la cabeza a Paul McCartney cuando recordaba que en el 64 Ringo cayó enfermo y tuvo que ser sustituido por Jimmy Nicols. McCartney estaba paseando a su perra, Martha, cuando vio salir el sol y pensó "It's getting better" (Esto se va arreglando), lo cual le recordó que Jimmy Nichols solía decir esta frase. Cuando llegó Lennon aquel día para seguir componiendo material para Sgt. Pepper, McCartney sugirió que compusieran una canción titulada "Getting Better". Trabajaron en ella durante doce horas, parando una vez para comer algo rápidamente. Presentaron la canción a George y a Ringo y grabaron parte de la instrumentación la noche siguiente.

Lo realmente original de esta canción fue que es la primera combinación real de Lennon- McCartney casi por igual en este disco. Uno decía una frase y el otro la completaba. Paul nos lo cuenta así: "La compuse en mi casa de St. John's Wood. Sólo recuerdo que dije 'It's getting better all the time' (Esto sigue arreglándose) y John aportó el verso legendario 'It couldn't get much worse' (Tampoco podía ir mucho peor), que encontré muy bueno. Iba contra el espíritu de la canción, que era tan super-optimista: ahí está ese verso deliciosamente sardónico.

Típico de John". Lennon por el contrario no tenía una idea igual, decía que esos versos hablaban de ser cruel y pegar a la mujer. "Solía ser cruel con mi mujer, y, físicamente, con cualquier mujer. Les pegaba. No sabía cómo expresarme y entonces les pegaba".

5. Fixing A Hole, es una canción típica de Paul. La escribió un día en el que estaba arreglando un agujero en el techo de su granja escocesa. Más tarde se le atribuyeron otros significados relacionados con drogas, pero él siempre lo desmintió, diciendo que “esta canción sólo trata del agujero en la carretera donde se mete la lluvia; es una vieja analogía: el agujero en tu constitución, que deja entrar la lluvia e impide que tu mente vague libremente... También es sobre los fans... Si eres un yonqui pegándote un chute en tu habitación, pues eso es lo que significará para ti, pero cuando la escribí quería decir que si hay alguna grieta o si a la habitación le falta color, pues voy a pintarla".

6. She's Leaving Home es una preciosa balada al estilo de Eleanor Rigby. Una noticia sobre el conflicto generacional y los adolescentes que escapan del hogar motivó a McCartney a componerla. Lennon contribuyó con parte de la letra. "Es una chica mucho más joven que Eleanor Rigby, pero es el mismo tipo de soledad. Era otra historia del Daily Mirror: la chica se había escapado de su casa y el padre decía: 'Se lo dimos todo, no sé por qué se ha marchado de casa'. Pero no le habían dado tanto, por lo menos no lo que ella quería cuando se marchó". La letra sobre el sacrificio que hacen los padres proviene de la propia infancia de Lennon. Las palabras salieron espontáneamente: John citaba a su tía Mimi.

7. Being for the benefit of Mr. Kite, esta canción tiene posiblemente una de las mejores atmósferas que jamás un productor consiguiera dar a un disco; los sonidos de la canción nos llevan de manera inmediata a una feria o un circo, la letra fue sacada de un póster publicitario de un circo. Being For The Benefit Of Mr. Kite parece que está sacada de la presentación de alguna actuación de un circo que pasa de feria en feria, ya que no sólo se utiliza un órgano, sino también un armonio, varias armónicas. Este sonido se consiguió gracias a un calíope, un instrumento raro que utilizó George Martin.

8. Within you Without You contiene una de las letras más hermosas que The Beatles hayan escrito y al estilo hindú de la mano de George Harrison. Within You Without You es uno de los ataques de psicodelia india de George Harrison, que fue el único que estuvo presente en todas las sesiones de grabación. When I'm Sixty-Four está en la línea de Honey Pie, con un aire un tanto antiguo pero con un sonido realmente especial. Harrison la compuso después de cenar en casa de Klaus Voorman en Hampstead, Londres. “Klaus Voorman tenía un armonio en su casa y yo nunca lo había tocado. Me puse a tocarlo distraídamente, para divertirme, y entonces empezó a salir 'Within You Without You” (G. Harrison)

9. When I’m Sixty-four es una canción de Paul compuesta en la niñez. Compuso la melodía cuando tenía quince o dieciséis años, en el piano de su casa, antes de marcharse de Liverpool. Era como una melodía de cabaret. Años más tarde le puso la letra cuando su padre cumplió esa edad.

10. Lovely Rita es un tema delicioso en el que, por ejemplo, John Lennon utilizó para los ecos un rollo del papel higiénico contra un peine. Es obra de Paul, él mismo nos cuenta como le vino la idea de la canción: "Estaba aporreando el piano en Liverpool cuando alguien me dijo que, en América, a las guardias que se ocupan de los parquímetros las llaman "doncellas" de los parquímetros (meter maids). Aquello me encantó y entonces salió 'Rita Meter Maid' y luego 'Lovely Rita Meter Maid'; al principio pensé vagamente en una canción de odio: 'Te has llevado mi coche y me has dejado colgado', para que ella te cayera mal; pero luego pensé que sería mejor amarla, y que podría ser un poco rara, como un militar, con el bolso al hombro. Una canción animada, pero simpática. "En la canción imaginaba que me tomaba la matrícula y que de pronto me enamoraba de ella; entonces pensé en qué tipo de persona tenía que ser yo para enamorarme de una "doncella" de parquímetros, quizá un tímido oficinista que le dice 'May I inquire discreetly when you are free to take some tea with me' (¿Puedo preguntarle discretamente cuándo está Vd. libre para tomar el té conmigo?).

11. Good Morning, Good Morning es un tema demasiado extravagante, ya que dentro del tema podemos oír diferentes animales haciendo ruido: gatos, perros, caballos, gallos, ovejas, leones, elefantes y un zorro. Un anuncio televisivo de cornflakes aportó el título y el espíritu de "Good Morning Good Morning". Lennon, autor de esta canción nos cuenta algo sobre ella: Me siento a menudo al piano y me pongo a trabajar en las canciones, con la tele bajita como ruido de fondo. Si estoy algo bajo de forma y la cosa no avanza, entonces empiezo a escuchar lo que dicen en la tele. Fue así como oí 'Good Morning, Good Morning' (Buenos días, buenos días)... era un anuncio de cornflakes”

12. Sgt. Pepper’s Lonely Heart Club Band(Reprise). Paul tuvo la idea de repetir el tema al final del disco para introducir el último tema, que sería un bis con la Banda de los Corazones Solitarios despidiéndose del auditorio del mismo modo en que empezó presentándose. Más que un grupo de rock and roll, los Pepper’s parecen un grupo de rock bastante duro.

13. A Day In The Life, un tema escrito conjuntamente por John y Paul. Empieza diciendo "I saw a film today oh boy". El film es How I Won The War, en el que John interpretaba a un soldado. Es un tema en el que al final se puede escuchar un gran crescendo increíble. Paul nos cuenta: “El crescendo de la orquesta y todo eso estaba basado en ideas que me habían sugerido Stockhausen y gente así, algo más abstracto”. El último acorde dura 53 segundos. Además, una nota de alta frecuencia fue añadida en el surco de salida del vinilo, y unos galimatías, para que cuando acabase el disco se repitiese una y otra vez si el tocadiscos no se detenía automáticamente. Varios hechos concretos penetraron en sus alteradas sensibilidades e impulsaron la creación de varias canciones. La primera parte de "A Day In The Life" salió de artículos que John leyó en un periódico. “Un día estaba leyendo el diario y me fijé en dos noticias. Una era sobre el heredero de los Guinness que se había matado en un coche. Esa era la noticia de titulares. Murió en Londres en un accidente de coche. En la página siguiente estaba la noticia de que en las calles de Blackburn, Lancashire, había cuatro mil agujeros que había que llenar. La contribución de Paul fue la preciosa apostilla de la canción, 'I'd love to turn you on' (Me encantaría excitarte), que le había estado rondando por la cabeza y no sabía dónde ponerla. Me pareció un trabajo realmente muy bueno.

4. Consecuentes

4.1 SOCIALES

Hijo de la cultura pop, el álbum Sgt. Pepper contribuyó a elevar todavía más el pop art. Durante un tiempo hizo furor; su portada fue reproducida hasta la saciedad en las revistas y su influencia se reflejó en películas de cine y televisión, en la decoración de interiores y en la moda.

La obstinada reivindicación del control creativo por parte de los Beatles les llevó al desastre artístico de la película Magical Mystery Tour aquel mismo año; pero ese control les dio alas en Sgt. Pepper. Al igual que otros de su generación, creían que podían mejorar el mundo.

4.2 MUSICALES

La influencia de The Beatles está presente en tantos grupos de diversos estilos, que haría falta un trabajo a parte para hablar de ello. Aún así es necesario dejar constancia del alcance tan esplendoroso que tuvieron.

El álbum causó sensación en su época y sigue causándola, manteniendo la emoción y frescura. Es un disco difícil de superar y que ha influido en generaciones de músicos con diferentes propuestas y estilos. De hecho, en septiembre de 2005, este disco fue elegido por la revista Rolling Stone como el mejor álbum de todos los tiempos.

Uno de los hechos más destacados y más directos de la influencia de este álbum estuvo relacionado con Los Rolling Stones. Este grupo, eterno rival de The Beatles, sacó poco después un disco titulado Their Satanic Majesties Request, en el que según muchos parodiaban a sus rivales, según otros era parte de un tributo, y según otros simplemente quedaron marcados y la influencia del Peppers se dejaba ver en todos los discos después de su lanzamiento.

El hecho de que fuera concebido como un disco concepto-aunque como luego diría Lennon no lo fue tanto-, influyó también en la creación de otras obras, las conocidas como óperas-rock. Los primeros que grabaron una fueron The Pretty Things tan solo un año después del Pepper’s, en 1968. Se llamó S.F Borrows y ciertamente no tuvo mucho éxito ya que el grupo no fue promocionad como otros de la época. Luego a esta ópera le seguiría Tommy, la famosa obra del grupo inglés The Who, que al contrario de la de sus colegas se convertiría para muchos en la primera ópera rock del mundo siendo todo un éxito de ventas en todo el mundo.

Influenciaron a los músicos de rock progresivo, al pop que se hacía y se hace – Oasis, Blur-, en El Reino Unido, al rock – The Kinks-, incluso a grupos que a la vez fueron una influencia para ellos, como The Byrds. Grupos de distintos estilos como U2, Black Sabbath, Queen o Nirvana coinciden en decir que fueron una influencia vital en sus vidas. Cada uno escogió un factor que hacía de la música de los Beatles exquisita. Unos se fijaban en sus melodías, otros en su sencillez aparente, otros en su imaginación, otros en el sonido de grupo, otros en el poder innovador, y otros hasta en el estilo tan peculiar de Ringo al tocar la batería.

Después de este disco, el sonido hindú se puso de moda entre los grupos de la época. De ello surgen discos como The twain shall meet(1968), de Eric Burdon; Mr. Fantasy (1967), de Traffic; The Original Humble Being de Blue Cheer (1970); o más modernos como los Kula Shaker que en 1996 sacaron su primer disco con aires muy orientales.

4.3 PERSONALES

•John Lennon
Para Lennon, tanto el éxito como el trabajo del Pepper’s, le dio fuerzas renovadoras para seguir una línea de experimentación e innovación que no abandonaría hasta su muerte. Revolution, del White Album (1968) fue la primera canción abiertamente política de Lennon, a menudo mal entendida como apolítica o conservadora, pero que es más bien una crítica sobre todo de los maoístas y otros grupos de la izquierda radical de su tiempo, defensores de una revolución que sólo "habla de la destrucción". Al fin y al cabo, una revolución triunfante no sólo trata de la destrucción de un viejo orden, sino también de la construcción de un orden nuevo.

Toda su producción se centró en dos puntos importantes. Por un lado en la temática política desde una visión pacifista. De ahí surgieron temas como Imagine, todo un himno a la libertad y a la paz. De hecho, estuvo tan inmerso en esa temática que se rumorea que su asesinato fue un asesinato político encubierto por ser una persona influyente y propagar esas ideas en contra del gobierno.

Por otro lado se interesó por el arte contemporáneo, influido directamente por su mujer Yoko Ono, artista contemporánea. De ahí surgieron discos crudos, experimentales, que aunque con poco éxito demostraban un Lennon innovador y atrevido.

•Paul McCartney
Las consecuencias del Pepper’s hizo más fuerte a Paul. Se hizo el líder del grupo reemplazando a Lennon que ya no quería saber nada. Al morir Brian Epstein, Paul tomó las riendas. Lennon se arrepentía años después de haber grabado el último disco de los Beatles, Let it Be: “Luego de la muerte de Brian, colapsamos. Paul se hizo cargo y supuestamente nos dirigía, pero ¿Qué es dirigirnos cuando avanzábamos en círculo? Ahí fue que se acabó. Ahí fue la desintegración”.

“Paul tenía la impresión y la tiene ahora, como un padre, de que deberíamos estar agradecidos por lo que hizo para mantener unidos a los Beatles, pero cuando se mira objetivamente, nos mantuvo unidos para su propio beneficio”.

Paul continuó la empresa en la que se había convertido The Beatles hasta el máximo. Se dice que los otros tres miembros estaban hartos de él y ni siquiera aparecían por el estudio y que él mismo se encargaba de grabar todos los instrumentos, cosa que luego, en sus discos en solitario, se ha dedicado a hacer siempre. Paul sigue siendo muy prolífico, al igual que lo hacía en su época beatle. Ha intentado hacer cosas en el mundo de la música clásica, como oratorios, y también ha escrito libros de poemas. Produce otros grupos, compone, graba y aún hace giras mundiales.

•George Harrison
Cuando empieza 1968, los Beatles marchan a Rishkesh en la India, los últimos acontecimientos les hacen buscar caminos alternativos para abrir la percepción de sus mentes, un camino que buscaban en las drogas y ahora bajo la tutela de Maharishi Mahesi Yogui lo harán en la meditación trascendental. Ringo fue el primero en abandonar esta mística etapa de los Beatles, poco después le siguió Paul.

Sólo John y George estuvieron más pendientes de los temas del espíritu que de los terrenales y aguantaron hasta el final.

Finalmente, John se centró más en temas pacifistas y fue George el que durante toda su vida siguió investigando los sonidos orientales así como su religión y cultura. En su carrera en solitario se distinguen dos estilos. Por un lado el puramente hindú, haciendo temas inspirados en la época hippie, utilizando el sitar y a instrumentistas indios. Por otro siguió con un aire pop parecido a la época beatle, muy melódico y pegadizo hasta su muerte en el 2001.

•Ringo Starr
A pesar de que todo el mundo esperaba que después de la separación de los Beatles, Ringo Starr se hundiera en el completo anonimato, él fue el único miembro de los Beatles que después siguió una carrera seria dentro del cine, y también sorprendió su capacidad como compositor en múltiples proyectos que le dieron muchas satisfacciones. Siempre tuvo gracia para el cine, de hecho se le dio el papel principal en la película de los Beatles “A hard day’s night”. Ha hecho varios discos, que aunque con éxito diverso, siempre ha permanecido en el mercado. Parece ser el más natural del grupo, no sabiendo demasiado de su vida privada y tomándose la vida de forma más tranquila.

5. Conclusiones

Después de hacer un largo recorrido por los procesos que llevaron a la consecución de la obra, es hora de extraer una serie de conclusiones que cierren este trabajo. Son las siguientes:

♫ La primera observación que realizo del proceso creador que lleva al grupo a componer, grabar y sacar al mercado esta obra, me lleva a fijarme en la importancia que tiene la Teoría de Sistemas tanto para la creatividad como para el proceso creador. Gracias al modelo de Csikszentmihalyi se ve claramente que la creatividad no depende exclusivamente de la persona, de hecho parece que aspectos como el contexto, en todas sus categorías, influye tanto que la persona casi está obligada a crear. Es decir, los Beatles en este caso se vieron influenciados por distintas “fuerzas” que les llevaron a la creación de este álbum. Gracias a este modelo se puede ver más claramente muchos de los factores que lo hicieron posible.

♫ Por otro lado, lo que se ha hecho aquí se asemeja bastante a un estudio de casos sobre el grupo, en una época concreta y analizando sus ideas hasta la consecución de un producto concreto. Al igual que decía Gruber, las ideas trabajan en paralelo, pero ahora no sólo las de una persona, sino de cuatro personas, que aunque no participaron de igual modo ni intensidad en el producto final, no hubiera sido posible sin todos ellos. Todas esas ideas llevadas hasta el final, compartidas entre todos y llevadas a consenso, son como ríos que avanzan poco a poco hasta encontrarse en el mar, esa obra final de la que hablamos. Muchas ideas seguramente quedaron por el camino, desechadas y perdidas, pero sobrevivieron las más aptas (como en la teoría de la evolución) y gracias a ese filtro que tan sólo dejó pasar las buenas, todas se dieron cita fusionándose en ese álbum. Pensado así casi le quita un poco de mérito a la obra. Es algo que se desprende de todo análisis que, una vez descubierto el proceso que lleva a la creación de algo, todo se justifique y se evapore el halo de misterio que inevitablemente va asociada a la creatividad. Pero no deja de ser curioso que, al igual que para los componentes de los Beatles, el contexto social y musical de la época era el mismo para todos los demás, y sin embargo nadie hizo eso antes que ellos. Aquí es donde podemos plantear una pregunta: ¿el factor Persona es el que nos da la última palabra? Según lo que se desprende del estudio parece que sí, aunque yo no me atrevería a afirmarlo definitivamente.

♫ Por último comentar que, al igual que en las explicaciones que se dan sobre el genio en la que se dice que para que se de un genio hace falta un cúmulo de coincidencias extraordinarias, ocurriría lo mismo con esta obra. Me explicaré mejor. Lo que quiero decir es que hubo una serie de coincidencias de circunstancias favorables para la consecución de una obra así. Veamos algunas: Es algo sabido que las circunstancias que llevaron al grupo al estrellato fueron ya especiales. Una vez conseguido ese éxito tan fuerte, crecieron muy rápido como personas. Sólo hay que ver el video en el que se recogen todas las actuaciones del programa de televisión americano Ed Sullivan Show, en el que empiezan siendo unos inocentes jóvenes cantando canciones de amor – 1964- y a lo largo de tan sólo tres actuaciones más y un intervalo de dos años, su nueva aparición en el programa sorprende por el cambio radical tanto en el aspecto como en su música. Nadie en sólo ese tiempo es capaz de progresar tan rápido como ellos lo hicieron. Y eso se debe al profundo éxito que tuvieron, al dinero que consiguieron, a la gente que pudieron conocer, etc...

En un contexto social proclive a la expansión mental y a la evolución, como eran esos, donde surgían grupos con una excelente calidad y podían ser vistos como rivales, uno no podía estancarse, había que avanzar. Y ellos lo tenían todo para hacerlo, por eso creo que la serie de eventos que se dieron, hicieron posible, siempre junto al talento indudable del grupo, a realizar una obra bisagra para la música contemporánea como lo fue el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

6. BIBLIOGRAFIA
v Csikszentmihalyi, M. 1988ª: Society, cultura and person: a systems view of creativity. En R, J. Sternberg (Ed); The nature of creativity: contemporany psychological perspectives. Cambridge University Press.

v Gruber, H. E. 1984: Darwin sobre el hombre: Un estudio psicológico de la creatividad. Madrid, Alianza.

v The Beatles.2000: The Beatles Anthology. Barcelona, Ediciones B, S.A.

Sobre el Autor:
Guzmán López es, entre otras muchas cosas, consultor, formador, escritor, psicólogo, músico y viajero. Profesionalmente colabora con distintas empresas y universidades, y en todo lo que hace hay un mínimo común múltiplo: la creatividad. Su último libro se llama Serendipity (Alienta Editorial) donde trata de explicarnos eso de por qué algunos tienen éxito y otros no. Blog: explorandoelkilimanjaro.blogspot.com

The Beatles: Sgt. Peepers Lonely Hearts Club Band. Una Obra Bisagra Para La Música Contemporánea

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sat, 29 May 2010 15:36:00 -0700

1. Justificación

“That the singer's going to sing a song

And he wants you all to sing along

So let me introduce to you

The one and only Billy Shears

And Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ”

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

The Beatles, 1967

De esta manera tan jocosa introducían The Beatles a sus alter egos, los miembros inventados por ellos mismos que formaban la Banda del Club de Corazones Solitarios del Sargento Pimienta.

Estamos en 1967 y este sería el noveno disco de estudio de The Beatles. Curiosamente el número nueve era el número de la suerte de John y Yoko, los cuales se conocieron justamente un 9 de noviembre (en 1966). La superstición de ese número le siguió durante muchos de los eventos de su vida, nació un 9 de octubre, igual que su hijo Sean, el primer contrato de The Beatles fue un 9 de mayo de 1962 e incluso murió un 9, el 9 de diciembre de 1980 (realmente fue un 8 en New York pero en Londres ya era 9). Ellos creían en la magia de los números, pensaban que los números les podían decir algo del futuro y basaban muchas de sus opiniones en esa información.

Por eso, este nuevo trabajo, el que hacía el noveno en una carrera llena de éxitos no podía ser algo trivial; y no lo fue, de hecho se convirtió en un antes y un después en la historia de la música popularmente conocida como Pop.

Las razones que lo llevaron a ser una obra bisagra de este tipo de música son múltiples y variadas. En este primer apartado trataré de dar una descripción de, al menos, las principales.

♫ En primer lugar es un disco precursor de técnicas de grabación y composición. Fue el primer disco grabado en ocho canales, con dos consolas de cuatro canales. En la grabación también surgieron cosas nuevas, como el invento de la Direct Injection: antes del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, los grupos grababan directamente con un micrófono el sonido de los instrumentos, con la Direct Injection, los Beatles conectaron directamente las guitarras a las cajas de grabación. En su grabación se emplearon más de 700 horas de trabajo y su costo sobrepasó considerablemente cualquier producción anterior.

♫ La idea de disco-concepto, es la forma que tuvieron The Beatles de convertirse en una grupo de rock dentro de un disco de otro grupo que experimentaba con nuevos sonidos en la que el grupo se convierte en otra banda, una especie de alt-band, que realizará el show durante todo el disco, en la que todas las canciones están unidas y casi no tienen separación entre unas y otras, fue algo muy novedoso para la época. Fue considerado incluso como la primera ópera – rock de la historia. De hecho, realmente la primera ópera – rock de la historia vería la luz un año después gracias a los británicos The Pretty Things, como veremos más adelante (véase el punto 4. Consecuencias)

♫ Fue el primer álbum que incluyó las letras de las canciones en la cubierta, lo que ocasionó una protesta por parte de la discográfica, ya que así, las letras no podrían venderse de manera independiente. Sin embargo, ya que The Beatles habían escrito todas las canciones, la compañía EMI no pudo hacer mucho al respecto. La funda del álbum incluía un juego de recortables de cartón: un bigote, galones de sargento, dos insignias, una tarjeta y un recortable de sobremesa con los Beatles como banda del Sgt. Pepper.

♫ Sgt. Pepper no destacó sólo por su música, sino también por el concepto y el diseño de la portada, diseñada por el artista pop Peter Blake. Paul McCartney se empeñó en que Sgt. Peppers era una gran obra artística y por tanto insistió en que la portada del álbum debía de ser digna de su contenido. El concepto de ésta era sencillo: se presentó a The Beatles como una banda dentro de otra banda, ofreciendo un concierto, tal vez en un parque, vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres. Blake les pidió sugerencias a cada uno de ellos. John quiso incluir a Jesús, a Ghandi y, en una actitud cínica, a Hitler. Sin embargo, habían pasado pocos meses desde la famosa frase, hecha por él, en la cual afirmaba que « los Beatles eran más populares que Jesús », y se decidió que era mejor no incluirlo. George sugirió a algunos maestros y sabios de la India. Ringo no tuvo interés en sugerir a alguien. Robert Fraser y Blake también sugirieron personalidades como Marilyn Monroe, Bob Dylan, Cassius Clay, D.H. Lawrence y hasta Shirley Temple. El rostro del actor mexicano Germán Valdés "Tin Tan" aparecería en la portada, pero se negó a última hora, enviando en su lugar un árbol de la vida de Metepec (planta tradicional mexicana) que aparece en un extremo de la fotografía. Brian Epstein, manager de los Beatles, al igual que la compañía de discos, se opusieron a esta portada por miedo a posibles pleitos, por temor a posibles demandas ya que muchas de las personas que aparecían en la portada continuaban vivas en ese momento. Además Epstein pensaba que tanta personalidad le quitaba atención al grupo. Finalmente la portada salió como estaba pensada y además de no dar problemas se hizo muy popular.

♫ Por primera vez en la historia del pop, son capaces de transformar al pop en objeto de culto. En 13 canciones, llevan al límite el concepto del rock, agregando orquestaciones, instrumentos hindúes, grabaciones tocadas al revés y sonidos de animales. Rock, music hall, baladas, jazz y hasta música oriental se mezclan en este álbum. El hecho de que se de esa fusión de géneros en un solo álbum, y además tan inusuales, lo hacen un disco de referencia para la historia de la música.

♫ El disco también destaca por la gran cantidad de instrumentos que aparecen en él. Dentro de esto es necesario destacar dos aspectos fundamentales.

•Primero de todo que la mayoría de instrumentos los tocan ellos. De hecho, según The Beatles Book, una publicación mensual de la época, comentaba lo siguiente: ahora los Beatles tocan muchos más instrumentos. Actualmente pueden contarse catorce guitarras, una tamboura, un sitar, un órgano Vox de doble teclado y la batería Ludwig de Ringo. Además de varios pianos y órganos facilitados por EMI.
•Lo segundo que cabe destacar es la variedad de instrumentos tocados y la idea de meter instrumentos orientales en canciones de pop. Así se pueden escuchar a lo largo del disco instrumentos como la tamboura - laúd sin trastes de largo mástil con cuatro cuerdas de alambre tocadas con los dedos, que se utiliza para proporcionar el acompañamiento de zumbido en la música hindú, -el sitar- instrumento indio de largo mástil, parecido a una guitarra, con trastes movibles, de tres a siete cuerdas, y diez o más cuerdas afines, el Swordmandel - instrumento hindú parecido a la cítara -, la Tabla - par de tambores de cobre recubiertos de piel, utilizados en la música del norte de la India, en los que el parche de la mano izquierda (bajo, o bonya) es mayor que el otro (tenor)- o el Dilruba - instrumento hindú, de largo mástil, con tres o cuatro cuerdas principales y algunas cuerdas afines, que se toca con un arco-.

2. Antecedentes

Todos los estudiosos de la creatividad están de acuerdo en que si no hay un producto no podemos hablar de creatividad, ya que éste es fundamental para el análisis posterior, el cual nos indicará si realmente es creativo o no lo es. Pero centrarse únicamente en el producto es un error. Normalmente se ve el producto enteramente vinculado a la persona que lo crea sin ver más allá. En mi opinión esto es algo que simplifica en exceso el estudio de la creatividad como proceso.

Así, según Csikszentmihalyi (1998):

«Debido a que estamos habituados a pensar que la creatividad comienza y acaba con la persona, es fácil que pasemos por alto el hecho de que el mayor acicate de la creatividad puede proceder de los cambios que se realicen fuera del individuo.»

Con esta afirmación desmitifica el hecho de ver a la persona como la única responsable del producto creativo; por eso, y siguiendo la Teoría de Sistemas, en la que basa su propio modelo; es necesario un complejo compuesto por tres factores: persona, campo y ámbito.

Una persona aporta una novedad al campo simbólico y un ámbito de expertos reconoce y valida esa innovación, incorporándose a las reglas simbólicas de ese campo. Es el equivalente cultural del proceso de cambios genéticos que dan como verdadero resultado la evolución biológica.

Por tanto, siguiendo el modelo triangular de Csikszentmihalyi podríamos analizar los tres factores de la siguiente manera: primero de todo la personalidad del creador, en este caso de cuatro creadores – Persona - , que aportan una obra (que también estamos analizando) a una sociedad – Campo- en un cronotopo determinado, y que, inevitablemente es juzgada por músicos contemporáneos a ellos – Ámbito-.

Por otro lado Gruber, afirma que debemos de ver el proceso creativo desde una perspectiva global, viendo el detalle de cada idea relacionado con la obra final, de lo particular a lo general. Hay que ver la serie de ideas y como se entrelazan entre sí para dar lugar al producto analizado.

Desde un punto de vista psicológico, Gruber nos dice:

«El que un individuo se ocupe en más de un tarea le permite proseguir su trabajo en un frente cuando se ve forzado a detenerse en otro. Cuando esas tareas están relacionadas, el progreso en una de ellas puede permitir avanzar a la otra». Gruber, H. (1984)

Csikszentmihalyi, al igual que Gruber, piensa que el proceso creativo no es lineal, sino recurrente, y de distintos tipos según los temas de que se trate. A veces, una idea creativa incluye una intuición profunda y un número incalculable de otras menores. Otras veces, la intuición básica puede aparecer paulatinamente, en destellos separados e inconexos, luego de una larga incubación, lo cual se corresponde con uno de los hallazgos principales del trabajo de Gruber (1984), la creatividad lleva tiempo y esfuerzo.

Por tanto, los factores que llevaron a la creación de la obra - antecedentes- así como los que se sucedieron de ésta - consecuentes- además del seguimiento de las distintas ideas que trabajaban en paralelo, serán lo que, desde esta teoría de sistemas, analicemos para explicar el proceso creativo que llevó a su construcción.

2.1 ANTECEDENTES SOCIALES: Campo

Nos encontramos en el año 1967. Estamos en una época donde los conflictos bélicos abundan – Guerra Fría, Crisis de los Misiles, movimientos revolucionarios en Latinoamérica alentados por el ejemplo de la revolución cubana, etc...-, pero lo que sucede alrededor de la guerra de Vietnam marcará a una generación de jóvenes revolucionarios sin precedentes. Me refiero al movimiento de contracultura de los años 60 llamado hippie. Esta década fue marcada inevitablemente por este movimiento propagado por unos jóvenes que adoptaban un modo de vida comunitario o estilo de vida nómada, que renegaban del nacionalismo y sobretodo de la Guerra de Vietnam. Tomaban aspectos de religiones como el budismo, el hinduismo y también de las religiones de los indios norteamericanos tan desprestigiados en esa época. Los jóvenes intentaban abrir sus mentes a cualquier precio, y fieles a sus principios utilizaban todo lo que tenían a su alcance, drogas, música oriental, libros de ideas anarquistas, etc…

Todo el movimiento de la contracultura que utilizaban los hippies, estaba basado en otro que había surgido unos años antes, concretamente después de la Segunda Guerra Mundial, y que pondría los cimientos del movimiento hippie. Se trata de la Generación Beat, forjadores de la identidad inconformista, en la que rechazaban todas las posturas políticas por considerarlas intrínsecamente opresivas y optaron por despojarse de todas las falsas moralidades donde se exaltaba y se celebraba la identidad del individuo como único.

Otro de los movimientos de la época es la Psicodelia. Psicodelia es la adaptación al castellano del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de las palabras griegas psyché, "alma", y délomai, "manifestar". El científico Humphrey Osmond inventó la palabra psychedelic, "que hace manifestarse el alma", para referirse a las drogas comúnmente llamadas alucinógenas, como la LSD. El uso recreativo de este tipo de sustancias desde los años 50 estimuló el desarrollo de un arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, que evoca los efectos de las mismas: sinestesia, alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la identidad, etc. A pesar de la tendencia de algunos a aportar demasiadas lecturas a sus textos, no cabe duda de que las drogas impregnaron el espíritu del álbum y que éste había sido liberado por la potencia del LSD, una droga que por entonces ya habían tomado los cuatro Beatles.

La psicodelia alcanza su apogeo en la segunda mitad de los años 60 y primera de los 70. A partir de entonces, pierde notoriedad y es desplazada por otras corrientes culturales, aunque su influencia persiste en múltiples manifestaciones contemporáneas, siendo especialmente obvia en la publicidad, el video-clip, el cine y la música pop de vocación underground.

Por tanto, el mundo está sumido en una lucha continua y no puede deshacerse de el simple hecho de la acción-reacción, es decir, ante todas esas acciones bélicas, independencias y revoluciones, está el grupo de las reacciones, el movimiento hippie y su contracultura, los pacifistas, la revolución de las mentes, de la paz y del amor.

Puede decirse en gran medida, que, producto del ambiente desinhibido del Londres de mediados de los años sesenta, el álbum se convirtió en la banda sonora del florecimiento del movimiento hippie en Estados Unidos, durante su "Verano del Amor”.

2.2 ANTECEDENTES MUSICALES: Ámbito.

La música de The Beatles, aunque es vista como una creación original y altamente innovadora, está basada en cientos de discos que los muchachos escuchaban desde su infancia. No se puede entender la música del grupo sin saber lo que escuchaban, lo que les gustaba, influenciaba, y en cierta manera copiaban y transformaban adaptándolo a su estilo.

Los antecedentes musicales de The Beatles son numerosos y cambiantes a lo largo de su historia como formación musical, por lo que es necesario establecer unas etapas cronológicas hasta el nacimiento del Sgt. Peppers.

•Primera etapa: Pre-beatle. El escenario de la música norteamericana a principios de la década de los 50 era prometedor, ya se estaban gestando nuevas tendencias, desde el sur estaba naciendo una música que años más tarde revolucionará el mundo. Esta música fue el Rock & Roll, un género musical que, aunque inicialmente fue aceptado mayormente por la comunidad negra, a la otra parte del océano, en Liverpool, existían un par de jóvenes que estaban ávidos de escuchar esos discos. No era fácil, tal y como dice Harrison en el Anthology vol.1: “intentabas escuchar el disco del momento, pero ni se podía conseguir una taza de azúcar, imagina un disco de rock”. Pero la verdad es que de una manera o de otra lo conseguían.
Por ese entonces las principales influencias para los muchachos era la música negra que llegaba desde el sur de Estados Unidos. John y George sentían una predilección por artistas que venían de la escuela del Blues, ChucK Berry y Little Richard por nombrar algunos. Paul tenia preferencias de música blanca, artistas como "Bill Haley & His Comets", con mucha influencia de jazz y del country. También nombra a Fats Domino como uno de sus artistas preferidos. Unos años más tarde, un evento sin precedentes llegaría a sus vidas al fusionar la música negra con la blanca, se trata de Elvis Presley. McCartney se refería así a este momento histórico: recuerdo estar en la escuela cuando era pequeño, vi una foto de Elvis en una de las revistas musicales... era un anuncio publicitario de “Heartbreak Hotel”, al verlo pensé que era muy atractivo, parecía prefecto. En ese preciso momento pensé, aquí está, el Mesías que esperábamos ha llegado. Por otra parte John se refería al mismo suceso: “cuando yo tenía 16 años Elvis era el cantante de moda, un tipo de pelo largo engominado moviendo el culo y cantando “Hound Dog”, “That’s all right mama” y todos esos éxitos de su mejor época”.

Otra de las influencias en sus inicios fue Buddy Holly, sobretodo, y como dice Paul: “nos encantaba su voz y forma de tocar la guitarra, pero lo que más nos gustó fue que él escribía e interpretaba sus propias canciones”.

Artistas como Chuck Berry, Little Richard, The Crickets, Eddie Cochran o Gene Vincent & His blue caps, fueron los que acabaron de marcar los inicios de estos jóvenes que no muchos años después revolucionarían la música popular.

•Segunda etapa: primeros trabajos. Con todo el peso musical que llevaban acumulados de su época pre-beatle, los chicos hacen sus primeros tres discos con un gran éxito de crítica y ventas. A partir de ahí se meten en una gira por los Estados Unidos que les dejará exhaustos. Pero es hora de cumplir con el contrato discográfico y el estrés y el agotamiento de la gira se hacen notar. Por eso el cuarto disco, Beatles for Sale, es un disco forzado, grabando 6 temas de otros artistas y tan solo 8 de Lennon-McCartney, lo que prueba que ni siquiera tuvieron tiempo de componer un álbum completo. Es ahí cuando sus canciones empiezan a alejarse de las letras convencionales para conseguir otras más complejas. La influencia de Bob Dylan puede ser ya vista en este trabajo, sobretodo en el segundo corte, I’m a Loser donde John demuestra que empieza a tener pensamientos más profundos en sus canciones.
En su sexto trabajo, Rubber Soul, también se hace evidente la sombra de Dylan, se puede apreciar en temas como Bringing it back, aunque también encontramos influencias de The Byrds – If I need someone-. En esos momentos hay una explosión de grupos en Estados Unidos e Inglaterra como los Rolling Stone, The Hollies, The Kinks, Beach Boys o The Zombies, que prácticamente competirán unos con otros influyéndose mutuamente a lo largo de unos años.

•Tercera etapa: hacia el Sgt. Peppers. Ya desde su sexto trabajo – Rubber Soul - The Beatles dejan claro que avanzan en una dirección concreta, que no piensan estancarse en canciones de amor para adolescentes y que su evolución es algo que avanza en paralelo con una sociedad revolucionaria, ávida de conocimiento exótico y de apertura mental. Tres son las influencias musicales más directas que acabaron por incidir en The Beatles para la realización del álbum.
•En primer lugar, la psicodelia está presente y, aunque el Sgt. Peppers se convertirá en el álbum introductor de las corrientes psicodélicas en la cultura inglesa pop, otros grupos habían utilizado ya aspectos de esa cultura. Los primeros músicos influenciados por la psicodelia pertenecían a corrientes jazzísiticas y folk. El primer grupo que hizo uso del término psicodélico en la música popular fue The Holy Modal Rounders, una banda de acid-folk. Pero el primero en hacerlo en un contexto de rock se le atribuye a la banda 13th Floor Elevators. Grupos como Pink Floyd o Grateful Dead se dejarán influenciar por esta tendencia.
•La segunda influencia en esta etapa son discos de sus coetáneos que marcaron de manera eficaz su capacidad de composición. Dos discos destacan por la influencia musical que causarían, y los dos en el mismo año, 1966. Uno de esos discos fue el Pet Sounds –de los Beach Boys. En agosto de 1980 McCartney hablaba sobre este disco: “Creo que la gran influencia sobre Sgt. Pepper fue el Pet Sounds de los Beach Boys. Aquel álbum me alucinó. Sigue siendo uno de mis álbums preferidos: su inventiva musical es increíble. Ahora se lo pongo a mis hijos y les encanta. Cuando lo oí, pensé: 'Madre mía, éste es el mejor álbum de todos los tiempos. ¿Que demonios vamos a hacer? A partir de allí empezaron a venirme las ideas". El otro es el Freak Out de Frank Zappa. A lo largo de las sesiones de Sgt. Pepper, Paul McCartney no dejaba de decir: 'Este es nuestro Freak Out'”.
•Por último, la tercera influencia fue la música hindú. Unido al movimiento hippie y de la psicodelia, la música hindú era algo que se estaba poniendo de moda, y, como veremos más adelante, George se interesó mucho por este tipo de cultura incluida la música. La música de Ravi Shankar fue una de las más grandes influencias en lo que a la música hindú se refiere. Aunque la primera vez que se escucha rasgos de esta música es en el disco Rubber Soul – 1965-, no es hasta el Sgt. Peppers cuando su potencia llega a su máximo esplendor.
2.3 ANTECEDENTES PERSONALES: Persona.

Aunque The Beatles era un grupo, las personas que lo constituían eran cuatro, y por tanto cuatro personalidades distintas, que interactuaban entre ellos, dando lugar a una serie de combinaciones a lo largo del tiempo. Además de todo eso no todos participaban con el mismo interés en el proyecto. Ahora recogeré las líneas más directas que influenciaron a cada uno de ellos a nivel personal, relacionándolo con el resultado visible en el álbum.

•John Lennon

Desde finales de 1965 las composiciones de Lennon con McCartney ya no eran tan equilibradas. Al contrario que Paul, el cual sigue componiendo canciones de amor, John se hace más político y más satírico en sus letras.

Nowhere Man, del álbum Rubber Soul (1965), trata asimismo de la alienación, incluso si no está situada en el mundo del trabajo o del poder, pero amonesta por su pasividad a quienes se permiten ser invisibles para pasar inadvertidos y los urge (a ellos y a todos nosotros, "¿acaso él no es como tú o yo?") a que tomen el control del mundo que los rodea.

En 1966 conoce a Yoko Ono, la cual se convertirá en la gran influencia de John hasta la muerte. A finales del 66 estaban ya muy enganchados a las drogas y empieza el declive que llevará a la separación del grupo que durará hasta 1970. Yoko le influencia en su música y más allá de ésta. Es cierto que en Sgt. Peppers aún no se ven cosas extrañas como luego en discos como el álbum blanco o en los trabajos en solitario de John y Yoko, pero está claro que es una persona importante por su influencia en este álbum.

En I’m Only Sleeping, de Revolver (1966), Lennon habla otra vez de nuestras vidas precipitadas y exhibe sin reparos su pereza (los socialistas promueven "el derecho a la pereza", en contraposición con el "derecho al trabajo" de los capitalistas).

Para entonces, la influencia de Yoko Ono ya se hacía sentir en su música y en sus acciones. A pesar de que ella a menudo ha sido retratada como una influencia negativa en su vida, un estudio de aquel periodo sugiere lo contrario, es decir, que de verdad le proporcionó la influencia intelectual, política y estética y el permiso que necesitaba para llegar a la plenitud de su potencial creativo.

En los álbumes Sgt. Pepper’s y Magical Mystery Tour (ambos de 1967), las letras de John Lennon empezaron a volverse cada vez más surrealistas (I Am The Walrus) bajo la influencia de las drogas, la cultura oriental y una obvia liberación personal, reflejada en esta declaración artística.

Ex beatle afirma seguir con miedo en pequeños conciertos

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Mon, 3 May 2010 12:49:00 -0700

Londres, 3 de mayo (Télam).- Paul McCarney, el ex integrante de la mítica banda Beatles, afirmó que a pesar de décadas de experiencia en el escenario, aún sigue teniendo miedo cuando canta en pequeños conciertos.

McCartney declaró a la cadena británica Absolute Radio que tocar en festivales frente a miles de personas no es inconveniente alguno, aunque sí cantar en recitales más íntimos, según destacó la agencia internacional Ansa.

El ex Beatle que tiene previsto participar en junio próximo del festival Hard Rock Calling en el parque londinense de Hyde Park, como también del evento musical en la Isla de Wight, sostuvo además que le cuesta más cantar frente a audiencias que no son fans de su obra.

"Les diré lo que me pone nervioso, cuando toco frente a un pequeño grupo de personas", afirmó McCartney.

"Si son recitales corporativos o benéficos, uno nunca sabe quién compone la audiencia. Puede ser gente a quien realmente no le guste el rock & roll, y uno está allí sentado diciendo 'Vamos a pasar un gran momento esta noche y ellos están hablando entre sí'", agregó.

El músico contó además que durante un concierto con los Beatles en la década del ´60 estuvo a punto de vomitar en el escenario y abandonar la carrera de cantante profesional para siempre, aunque agregó que luego dejó de tener problemas con los grandes recitales.

"Ya no me pongo nervioso de esa forma, porque las entradas se venden muy bien, uno se da cuenta que la gente realmente quiere venir a verte y escucharte. Siento que somos como amigos, por eso no se siente tan mal", concluyó. (Télam) ld-agf03/05/2010 09:06

Woodstock y el trauma de quienes no lo vivieron...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:15:00 -0800

De: José Brechner

JOSE BRECHNER

“Los videos destruyeron la vitalidad del rock´n roll. Antes de eso, la música decía: escúchame. Ahora dice: mírame”. –Billy Joel

¿Se puede añorar algo que no se vivió? Parece que sí. Por lo menos es lo que manifiestan miles de adolescentes y otros más grandes, que no vivieron la época, o no estuvieron en Woodstock el 15 de Agosto de 1969.

Woodstock dejó una marca grabada en aquel lugar donde habita la melancolía, y recorrió el mundo. Incluso llegó a la Argentina, donde cuando toca un conjunto, el público imita anacrónicamente el estribillo de los que se reunieron 40 años atrás en New York.

¿Qué conexión existe entre Woodstock y Argentina? Ninguna. Ni cuando sucedió ni ahora. Si bien la música no tiene fronteras, para entender el rock de los 60 hay que saber inglés. El fenómeno socio-cultural hippie, fue producto de experiencias norteamericanas, emparentadas artísticamente con las británicas.

La explosión psicodélica, la guerra de Vietnam, el auge económico, los nuevos valores sociales y el surgimiento de los baby boomers, son cosas de los americanos. Woodstock fue netamente anglosajón. Pero ni en Estados Unidos se palpa tanta añoranza por algo que los que experimentaron simplemente recuerdan como un loco fin de semana. ¿Incongruencia? Tal vez. Una más que hace que en la Argentina haya más psicólogos y gente en terapia que en cualquier lugar.

Woodstock marcó un momento histórico pero no por ser el concierto más grande. El Festival de Monterey Pop, dos años antes, en 1967, también fue gigantesco. Y después de Woodstock hubo muchos y más colosales. Lo que marcó la diferencia entre Woodstock y los demás, fue el espíritu de camaradería que existió entre los asistentes, siendo la culminación de una muda conexión entre jóvenes de todas partes que compartíamos la misma frustración generacional y existencial.

Como dijo Tom Constanten, ex tecladista de The Grateful Dead: “Woodstock fue un relámpago en una botella. Creó el sentimiento de comunidad, hizo conectarse a gente que se sentía sola e indefensa”.

Hasta entonces los hippies de convicción éramos palmeras solitarias en el desierto. Los demás se disfrazaban de hippies para salir el fin de semana, pero no entendían la filosofía ni el misticismo detrás del movimiento.

El ver cómo 500.000 personas convivieron tres días en paz y armonía bajo la lluvia y el barro, con la psicodelia bailándole en las neuronas, hizo que el concepto sobre el uso de drogas recreativas pasara a ocupar un status novedoso. Hoy la marihuana ha sido probada por 43 por ciento de los norteamericanos (120 millones de personas). Porcentualmente, más que en Holanda (22,6 por ciento) donde su consumo fue despenalizado hace tres décadas.

Stu Cook, bajista de Creedence Clearwater Revival, que era el acto central del evento, rememora que él y su grupo llegaron del ambiente rockero del Área de la Bahía de San Francisco con escepticismo. “Siempre miramos de la nariz para abajo a la Costa Este, nosotros teníamos el Golden Gate Park. Pensamos que teníamos algo especial. Pero en Woodstock vimos que había freaks en todas partes”.

El concierto se hizo visible, debido al excesivo tráfico vehicular que atoró las carreteras con un millón de personas, tratando de llegar al diminuto pueblo que apareció en el mapa porque autorizó el show en sus laderas.

Woodstock se volvió famoso por el caos que ocasionó, pero sin víctimas, como sucedería en Altamont. No había agua, alimentos, ni baños suficientes. Lo único que sobraba eran drogas, y nadie pensó que medio millón de jóvenes con los sentidos alterados podría manejarse sensatamente en ese ambiente.

Los medios importantes mencionaron la noticia llegando a la tapa de la revista Time. De lo contrario hubiese sido nada más que una nota en los periódicos locales de Berkeley y Haight Ashbury. Posteriormente vino la película ganadora del Oscar.

El contagioso sentimiento de camaradería duró corto tiempo. La realidad nos hizo retomar la vida como siempre fue y seguirá siendo. The Grateful Dead quiso mantener el espíritu de la época en su constante peregrinar, pero nunca se volvió a sentir aquella singular unión que se dio en un breve e inolvidable momento de la historia del rock.

www.josebrechner.com

Acerca del autor:

Biografía corta

Analista Internacional
Biografía

José Brechner nació en Bolivia. Fue diputado -1985-1989- embajador, y miembro fundador de Acción Democrática Nacionalista, partido político de centro-derecha. Presidió la comisión de Política Exterior del Congreso Nacional de Bolivia y actuó como representante oficial del país ante distintos foros y organismos internacionales, entre ellos, la OEA. Durante su actividad congresal fue catalogado por todos los órganos de prensa de Bolivia, como el mejor parlamentario del país. Columnista de opinión y analista político con presencia regular en prestigiosos periódicos de Latinoamérica, Norteamérica, Europa y el Medio Oriente, es el periodista boliviano más leído en el mundo. Participó en importantes programas televisivos del calibre de "60 Minutes" y "The MacNeil/Lehrer Report". Brechner es activo defensor de la propiedad privada, de la economía de mercado y de las libertades y derechos del individuo.

Fuente: de Articuloz.com

Schumann y su Carnaval...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:14:00 -0800

De: Carlos Mora Vanegas

Carlos Mora Vanegas

Robert Schumann, nació en Zwickau, Alemania, el 8 de junio de 1810. Murió el 29 de julio de 1856 en Endenich, Alemania.

Todo pareciera indicar que Robert Schumann pecó de modesto frente a esta hermosa obra, en donde no cabe la menor duda, manifestó su talento original, especialmente en cuanto a música dedicada al piano. Como lo manifiestan los expertos, en estas juveniles confidencias al piano, parece estar el Schumann auténtico. Son muchísimas las versiones de esta admirable obra pianística que se han editado, entre ellas la de Alexander Brailowsky (RCA); Arthur Rubestein (RCA) Wilhelm Kempff; Meter Frankl y otros más, con las que usted puede deleitarse escuchando las extraordinarias interpretaciones de estos pianistas.

En este “Carnaval”, como lo señala un escritor, “la brevedad de las piezas se halla en razón directa con la sinceridad. La duración de cada fragmento no va un sólo compás más allá de lo que dura la inspiración de lo que lo ha encendido.” El mismo Schumann, en la carta que escribió a Moscheles, analiza su obra. Dice: “¿No es siempre la música suficiente por sí misma y suficientemente expresiva?.

“Estrella” es un nombre al estilo de lo que uno escribe debajo de un retrato, a fin de fijar éste en la memoria”. En otra parte de su carta expresa: “Como conjunto la obra no tiene en absoluto valor artístico, pero individualmente los diferentes estados de ánimo me parecen de interés”…

Sigue comentando Schumann sobre su obra: “Carnaval (Opus 9), fue compuesto en su mayor parte en ocasiones diferentes y se fundó principalmente en las notas A,S, C,H, que es la nomenclatura usual en Alemania y corresponde respectivamente a las notas La, Mi bemol, Do, Si, que forman el nombre de una aldea de Bohemia, en donde tenía una amiga; por curiosa coincidencia, son las únicas letras musicales de su nombre. Los títulos los agregué posteriormente”…

¿Por qué esto de títulos?, porque como destaca en un artículo Muñoz, este Carnaval, subtitulado “Scenes mugrones sur Quatre notes” es una serie de unas 21 breves estampas, cada una de las cuales lleva un título indicativo. La idea general es, justamente, la de una galería de máscaras carnavalescas, en los que los personajes de las antiguas comedias del arte se entremezclaban con los miembros de la Cofradía de David, que Schumann había inventado para atacar a los filisteos del arte.

Se dice que la influencia de Schumann fue más grande en el extranjero que en Alemania, donde, en verdad, sólo hubo un único schumanniano auténtico: Peter Cornelius (1824-1874)

Acerca del autor:
Ing. Industrial-administrador, abogado. (UC) (ITESM) Postgrados maestrías en Administración de empresasmención mercados, recursos humanos; calidad y productividad; educación

Doctorado en Filosofía de la Educación
Profesor titular de Area de Postgrado de Faces UC. Consultor -asesor empresarial,Deproimca
Exatec

Fuente: de Articuloz.com

Eddie Condon: Pionero y Leyenda del Jazz

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:13:00 -0800

De: Rafael

El guitarrista Albert Edwin "Eddie" Condon nació el 16 de noviembre de 1905 en Goodland, Indiana. Eddie pasó su infancia en Chicago Heights, Illinois y aprendió a tocar el banjo siendo adolescente. Trabajo con bandas de Chicago a comienzos de la década de 1920, época en la que inicio su larga trayectoria de 50 años con leyendas musicales como el clarinetista y saxofonista Pee Wee Russell, el cornetista Muggsy Spanier, el baterista Gene Krupa y el trompetista Jimmy McPartland.

Eddie Condon se convirtió también en leyenda como pionero en guitarra rítmica e igualmente como promotor de la música de jazz. Condon organizo combos, grupos pequeños y grandes bandas durante décadas que abarcaron varios estilos de jazz.

Eddie Condon se convirtió en un portavoz del jazz cuando su fama como historiador se hizo conocer a través de su autobiografía "We Called It Music" (Lo llamamos música) fue publicada en 1947. Es también autor de otros 4 libros sobre historia y técnicas de jazz.

El mas popular fue "Treasury of Jazz" (Tesoros del jazz), donde escribió: "He tocado todos los temas con todos los músicos de jazz que usted conoce y también con cien mas a los cuales nunca oyó nombrar, pero que debería haber oído. Había muchísimos músicos extraordinarios que no se llamaban Duke ni Louis, pero que tocaban fantásticamente".

Después de una sesión de grabación con Louis Armstrong, Condon se unió al vocalista Red McKenzie para formar "The Chicagoans". Más tarde organizó una serie de bandas que definieron el estilo Chicago. Entre aquellos grupos notables se cuentan "The Chicago Rhythm Kings", que grabo una maravillosa versión de "I've Found a New Baby" (Encontré una nueva chica); los "Mound City Blue Blowers" y "The Rhythmakers", un grupo que se hizo famoso por grabar una serie de standards de jazz como "Yellow Dog Blues" y "Mean Old Bed Bug Blues" en el estilo Chicago tradicional.

El cornetista y guitarrista Bobby Hackett contrato a Condon en 1938. El resultado fue otra serie de grabaciones que hicieron época, temas como "At the Jazz Band Ball" y "Doin' the New Lowdown". Condon escribió sobre su trabajo con Hackett: "fue lo mas excitante de mi vida". Los dos eran tan buenos amigos que inspiraron al saxofonista y clarinetista Bud Freeman a componer "Better Than Brothers" (Mas que hermanos).

Eddie Condon trabajó en "Nick's" en el barrio neoyorquino Greenwich Village desde 1942 mientras promovía conciertos de jazz en municipalidades a lo largo de toda la costa oriental de Estados Unidos. La década de 1940 fue el apogeo de su fama, entradas agotadas en sus conciertos, promociones de jazz de alto perfil y una serie de composiciones muy conocidas como "Home Cooking" y "That's a Serious Thing". La cúspide de su éxito llego cuando abrió su propio club de jazz en 1945, "Eddie Condon's" en Greenwich Village. El club se traslado al East Side en 1958 y cerro en 1967.

Eddie Condon desempeño varios roles históricos, incluyendo haber sido el primero en llevar el jazz a la televisión, el primero en vender un millón de discos en un álbum LP (long playing).

El periódico New York Times anuncio su fallecimiento ocurrido el 4 de agosto de 1973 en New York, diciendo "Mr. Condon, considerado uno de lo mas grandes guitarristas de jazz, hizo su actuación final en publico en el Festival de Jazz de Newport realizado en el Carnegie Hall de New York el 5 de julio. En esa ocasión su concierto fue dedicado al jazz tradicional en compañía de casi una docena de los músicos con quienes había tocado durante su vida. Dos días mas tarde Eddie Condon fue hospitalizado".

Acerca del autor:

Fuente: de Articuloz.com

¿Qué es Afinar un Piano?

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:12:00 -0800

De: Hugo Landolfi

La afinación de pianos es un arte que se viene desarrollando desde hace muchos siglos y ha ido evolucionando con el piano mismo desde su creación por Bartolomeo Cristófori a comienzos del 1700. Actualmente el tono patrón para la afinación de pianos es de 440 Hertz para el La central del piano.

Durante algunos años del siglo XVII, Bartolomeo Cristofori inventó dos instrumentos de teclado antes de que comenzara su trabajo definitivo sobre el piano. El primero de ello fue el spinettone, del italiano “gran araña”, era un intrumento que percusionaba unas cuerdas (un clavicordio en el cual las secuencias se procesan para ahorrar el espacio). La mayoría de las espinetas tienen apenas un grupo de cuerdas. Esta invención pudo haber tenido la intención de poder colocar un instrumento en el hoyo apretado de la orquesta en las representaciones teatrales, su alto volumen sonoro le convertía en un instrumento ideal de cuerda. La segunda invención en el año 1690 fue el spinettone oval, un instrumento muy original, una especie de virginal con las secuencias más largas en el medio del caso.

Afinar un piano consiste en la realización de un conjunto de procedimientos. En primer lugar se debe temperar la escala para que dentro de la misma quepan todos los intervalos musicales, sean estos las quintas, las cuartas, las terceras, las octavas y muchos otros. El temperado que realiza el técnico afinador de pianos se fundamenta en colocar los intervalos mencionados dentro de la octava.

Luego de realizado el temperado, que se realiza en la zona central del piano en una extensión de una octava, una décima e incluso dos octavas, se debe transporar la afinación de esa zona al resto de las notas del piano aún no afinadas.

Finalmente, se afinan los unísonos de cada nota haciendo coincidir exactamente la frecuencia de las cuerdas de cada grupo de tal manera que no existan batidos en ellas. Recordemos que "unísono" significa "un solo sonido" y se dice del conjunto de cuerdas del piano que al sonar en forma conjunta simulan sonar como una sola cuerda.

El trabajo del afinador de pianos es un trabajo que se realiza completamente de oído y exige un aprendizaje teórico práctico al cual cualquier persona puede acceder.

Acerca del autor:

El Prof. Lic Hugo Landolfi, maestro internacional en Tecnología Pianística, es Director de la Escuela de Tecnología Pianiística
de Buenos Aires donde se ofrecen cursos de
afinación de pianos de estudio a distancia.

Fuente: de Articuloz.com

Vende tu propia Música por Internet...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:10:00 -0800

De: Marisa Fernandez

Como empezar tu tienda online de musica

No es un secreto que desde los últimos años, la formas tradicionales de triunfar los grupos y artistas han cambiado radicalmente. Hasta no hace mucho tiempo, unas pocas compañias monopolisticas controlaban la distribución y el marketing, forzando a los artistas a indeseables y nada provechosos contratos musicales para asegurarse la distribución nacional e internacionales de sus canciones, asi como todos sus derechos de autor.

Las grupos underground, que se lo hacian todo ellos sin distribuidoras, siempre han existido en la escena underground, pero sus actuaciones se limitaban a concursos, actuaciones en pequeños pueblos y cosas similares. Vender sus producciones era todo un reto y practicamente imposible sin ayuda de las grandes distribuidoras.

Eso se ha acabado. En estos dias, cualquier artista puede empezar su propia tienda online de música en unos pocos minutos, y ofrecer su obra para escucharla, evaluarla y comprarla a cualquier persona del mundo. Es realmente, una época muy excitante de los artistas.

Los resultados de los búscadores de internet pueden dirigirte a una multitud de sitios que te permiten subir tus singles o albums en Mp3 u otros formatos digitales de mayor calidad.

Dependiendo de la tienda de musica online, tu musica puede ser entregada a los cliente como descarga digital o por los métodos físicos tradicionales.

Naturalmente, tu música debe esta disponible en .MP3, .WAV, y formatos similares para ser aceptado. La mayoria de las bandas o grupos musicales graban actualmente en formato digital, pero también es posible convertir tus archivos al formato aceptado mediante multitud de apliaciones informatica y encontrarás en Internet.

Simplemente no hay excusa para intentar convertise en una superestrella. Algunas tiendas promocionaran tus archivos colocandolos junto a producciones de artistas consagrados, pero en otras tal vez sea un poco mas dificil la tarea de promoción, por lo que deberás ayudarte de redes sociales, amigos y familia. De todos modos, tu tendrás los derechos sobre tu propia musica, podrás publicitar en tus conciertos tu sitio web y comenzar a vender! Un ejemplo famoso es "Soulja Boy", que empezó a conocerse a traves de Youtube y ahora es el ejemplo a seguir por su rotundo éxito.

Las tiendas de música online estan diseñadas para que es poco clicks de ratón, subas, organices, describas y prepares tu musica para ser vendida. Cuando haces click en "Finalizar", tu producto esta listo para ser compra. ¡Es así de simple!

Algunos ejemplos de sitios populares con millorenes de visitantes donde puedes configurar tu tienda online son:

- imeem.com

- snocap.com

- myspace.com

- last.fm

- ourstage.com

La mayoria de estos sitios tienen estadisticas, rankings, analisis de quien escucha tu música, etc...información muy valiosa para saber enfocar tu música al público determinado. La mejor parte es que eres tú quien determina el precio de tus canciones y puedes controlar los beneficios. ¡El poder esta en tus manos!

Empieza a vender tu música hoy y comienza tu camino hacia el éxito.

Acerca del autor:

Visita mi última web http://www.homecinemainalambrico.com con información para comprar un Home Cinema Inalambrico

Fuente: de Articuloz.com

El Pájaro de Fuego de Stravinsky...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Sun, 29 Nov 2009 14:08:00 -0800

De: Carlos Mora Vanegas

Igor Stravinsky, Nació en Oraniembaum, Rusia, el 17 de junio de 1882. Murió en Nueva York el 6 de abril de 1971.

Son muchos los que han considerado que el gran músico, Igor Stravinsky , es el supremo compositor del siglo pasado. Sobre su vida, se ha escrito bastante y se ha señalado que nunca fue un imitador, puesto que todo parece indicar que absorbió, con suma avidez, la influencia de quienes lo rodeaban; así se ha comentado que, quizás, la más grande y fructífera de ellas, se debe al empresario de la compañía del Ballet ruso, como lo era en ese entonces Sergio Diaghilev.

Justamente con respecto a éste último, se ha escrito, que no fue un extraordinario creador en el sentido estricto de la palabra; no obstante, Diaghilev, sí le ayudó a que desarrollara su talento musical. Cuando ellos se encontraron, todavía Stravinsky era demasiado joven, y estaba bajo la enseñanza de su maestro Nicolai Rimsky Korsakov.

También hay que recordar, que él había sido iniciado en la música por su padre, que era barítono e interprete favorito de las óperas, como lo fue el fantástico y gran músico Peter Tschakowsky. Todo entonces parecía indicar que sí tuvo influencia de la generación de los músicos anteriores, así, como desde luego, de su maestro Alexander Scriabin y de algunos impresionistas franceses, como lo señala Muñoz en uno de sus escritos.

Pero ¿cómo nace el Pájaro de Fuego, objetivo de nuestro artículo? Simplemente ,por una petición de Diaghilev. Y en donde Stravinsky, empezó a escribir la partitura, en San Petersburgo, durante un invierno del año 1909, terminándose en mayo del año siguiente.

Existe el antecedente de que fue ejecutada por primera vez el 25 de junio de 1910 en la famosa Opera de París. De esta manera Stravinsky se hace famoso de la noche a la mañana.

¿En que está basado este hermoso ballet? En una de las muchas leyendas rusas acerca del joven Iván Zarevich.

Éste se pone a perseguir al pájaro y lo alcanza cuando se posa en un árbol, al que los rayos de la luna le dan una apariencia metálica. Al verse prisionero, el pájaro implora su libertad y de ésta forma el príncipe se la otorga; y como recompensa, éste le obsequia una de sus hermosas plumas. El nuevo día aparece, y entonces se encuentra una verja que rodea un misterioso castillo. Iván empuja la puerta y entra en el jardín. Salen del castillo trece doncellas, informándole que se encuentra en el reino de Kotschei, el monstruo inmortal, que no era más que un inmenso gigante de dedos verdes que petrifica a todos los que ahí llegan, reteniéndolos como prisioneros. Sin embargo, una de las doncellas se enamora del príncipe, invitándolo a huir, pero Iván no atiende el consejo y decide adentrarse al jardín por curiosidad. Al estar dentro, un repiqueteo de campanas, a través de sus gong, denuncia la presencia de un intruso; entonces, los habitantes del castillo, proceden a rodear al príncipe con una danza infernal. Esta cesa cuando hace su aparición Kotschei, quien se arroja sobre Iván para convertirlo en piedra. En ese momento el príncipe comprende su situación y llama en su ayuda al Pájaro de Fuego. Entonces, inesperadamente, el monstruo vacila y se detiene, porque ha visto la pluma que el pájaro le había dado a Iván. Los moradores del castillo vuelven a la danza, hasta que por fin caen todos al suelo, con ellos también Kotschei. El Pájaro de Fuego canta una canción de cuna, que sumerge en profundo sueño al monstruo y a su gente. Se sabe que en un lugar secreto, está un huevo que contiene el alma de Kotschei y, que por consejo del Pájaro de Fuego, Iván lo debe de coger; pero éste se le va de la mano, cae en el suelo y se rompe. Kotschei, entonces muere y se deshace el encanto infernal.

Sin duda alguna, como lo indican los expertos, desde el punto de vista musical, es el primer trabajo importante de Stravinsky y quizás, la primera obra en donde se perfilan bien algunos de los caracteres estilísticos, que después se manifiestan con una extraordinaria originalidad en “Petruchka”.

Invitamos al lector a escuchar esta obra, que sin duda alguna las disfrutará mucho

www.camova.com

Acerca del autor:

Ing. Industrial-administrador, abogado. (ITESM) Postgrados en Administración de empresas, gerencia, educación
Doctorado en Educación
Profesor titular de Postgrado de Faces UC. Consultor -asesor empresarial,

Fuente: de Articuloz.com

Aplicaciones de la Música como Terapia...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 26 Nov 2009 00:24:00 -0800

La musicoterapia se basa en el principio de que todos los malestares tienen su origen en el cerebro, el cual manda señales al organismo, produciendo como consecuencia diversos padecimientos.

Mediante la musicoterapia se envían al cerebro sensaciones que lo llevan a la relajación, por lo tanto se anulan los impulsos que producen la enfermedad, obteniendo en la mayoría de las ocasiones resultados sorprendentes.

La música también provoca reacciones en el sistema nervioso, despertando su dinamismo e influyendo principalmente en la memoria y en la actividad intelectual.

El encargado de la interpretación del sonido es la corteza cerebral y el tálamo.
La glándula hipófisis, que forma parte del hipotálamo, juega también un papel importante; entre sus funciones es mantener el equilibrio orgánico y entre ellas una fundamental que es la que produce la hormona antidiurética.

Cuanto más suave y armónico sea el sonido musical, provocará que ésta hormona segregue más o menos hormonas antidiuréticas y que desencadenen las catecolaminas (adrenalina).

Los musicoterapeutas permanecen en constante investigación de los padecimientos físicos y mentales de la sociedad para hacer las terapias más específicas para cada persona; pero lo cierto es que para que la terapia funcione correctamente, se deben lograr tres fases importantes

Una fase anímica

Una fase neutralizadora

Una fase de equilibrio estable

El resultado de éstas 3 fases, darán por resultado la mejoría, agregando también que todo depende del grado de concentración que se logre y se lleve a cabo mediante las técnicas de relajación que cada uno practique.

En casos de estrés, el cual es percibido por el cerebro, el musicoterapeuta da a escuchar al paciente fragmentos musicales específicos, ayudándolo a contraatacar el efecto negativo.

Para lograr dormir tranquilamente, la musicoterapia produce un efecto adormecedor mediante instrumentos de cuerda y ritmos suaves semejantes a las canciones de cuna.

Si se busca la relajación, se utiliza música que mezcle sonidos naturales y electrónicos.

En el tratamiento contra la depresión se usan melodías tristes que luego llegan a un tono más dinámico.

Si te interesa saber en qué piezas te puedes apoyar para un determinado casos y quieres practicar la musicoterapia básica en casa, te damos una guía que te puede orientar.

Para obtener más energía: Suite Karalia de Sibelius, Serenata de Cuerdas (Op. 48) de Tschaikowsky, Obertura de Guillermo Tell de Rossini.

Para aliviar el dolor de estómago: Música para la Mesa de Telemann, Concierto de arpa de Haendel, Concierto de oboe de Vivaldi.

Para remediar el dolor de cabeza: Sueño de Amor de Liszt, Serenata de Schubert, Himno al Sol de Rimsky-Korsakov.

Para disminuir la ansiedad: Concierto de Aranjuez de Rodrigo, Las cuatro estaciones de Vivaldi, La sinfonía de Linz, K425 de Mozart.

Para ayudar a la depresión: Concierto para piano no. 5 de Rachmaninov, Música acuática de Haendel, Concierto para violín de Beethoven, Sinfonía no. 8 de Dvorak.

Para controlar la hipertensión: Las cuatro estaciones de Vivaldi, Serenata no. 13 en sol mayor de Mozart.

Para la Anorexia: La gran marcha de Tannhauser de Wagner, La Sinfonía No. 5 del Nuevo Mundo de Dvorák, Aída de verdi y el minueto de Boccherini.

Para infecciones hepáticas y sobre todo alteraciones de cansancio, adelgazamiento, estreñimiento, diarrea: renacimiento del Arpa de stivell, Concierto de Oboe de Vivaldi, Claro de Luna de debussy y el Adagio de Albinoni.

Por ser la patología tan variada dentro del cuadro hepático, las obras empleadas deben ser estimulantes y relajantes:

Estimulantes:

El Príncipe Igor de Borodin

Don juan de Mozart

Relajantes:

El Mar de Debussy

La Flauta Romántica de Pan de Zamfir

Para la gastritis:

Concierto de Flauta de Vivaldi, Concierto de Arpa de haendel, Concierto de Oboe de Vivaldi y la Música para la Mesa de Telemann.

Cálculos en la vesícula biliar:

La obertura de Rienzi de Wagner, Días Lejanos (anónimo popular escocés), Santa Lucía (anónimo popular napolitana), Ojos Negros (canción rusa popular)

Para el páncreas:

Ave María de Schubert, Aria de Suite No. 3 de Bach, Tristeza de Chopin y Para Elisa de Beethoven.

Si tu padecimiento es más severo, te recomendamos que acudas con un especialista. Pero también cuando una música te provoque sentimientos negativos, mejor no la escuches y busca una melodía que te reviva el ánimo y el deseo de sonreír.

Efectivo Curso de Guitarra...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Fri, 20 Nov 2009 00:25:00 -0800

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Curiosidades sobre Ludwing Van Beethoven...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Mon, 9 Nov 2009 19:22:00 -0800

De: Carlos Mora Vanegas
En pleno siglo XXI las grandes obras, música del genio Ludwig van Beethoven (1770-1827), quien nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770, hijo de Johann Van Beethoven y María Magdalena Keverich, se siguen escuchando y pasarán muchos años en donde sus obras seguirán deleintando a todos los identificados con la música clásica.

Fragmento de la Fantasía Coral

Uno de los más importantes músicos y compositores de Alemania y del mundo, estudió con profundidad en una escuela de carácter excesivamente rígido. Su formación musical inicial la realizó con su padre, quien era tenor de la corte. A los 12 años comenzó a estudiar con el organista Christian Gottlob Neefe.Beethoven admiró al público vienés con sus composiciones sinfónicas, con su armonía y su instrumentación, con su carácter innovador, con características del romanticismo y de la expresividad subjetiva que reflejan el gran conflicto interior del gran músico y compositor.

Dentro de las curiosidades más importantes se pueden señalar:

Su romance con Giulietta Giucciardi, una condesa de dieciséis años, que fue alumna de Beethoven, a quien dedicó la inmortal sonata "Claro de Luna".
Desaliñado y extraño: Beethoven solía ir por la calle con ropas viejas, con los pelos desordenados, gritando las melodías que se le ocurrían a plena voz (el no podía oírse) y anotándolas en un cuaderno. Por no hablar de sus monumentales e históricos ataques de ira, y lo llegaban a comparar con un "animal salvaje", ya que incluso en ocasiones llegaba a destrozar las habitaciones donde se alojaba. Aunque con la gente que el quería, como su sobrino Karl, si que era cariñoso y cambiaba radicalmente de actitud.
La intoxicación con plomo comenzó 111 días antes de la fecha de su fallecimiento en Viena, el 26 de marzo de 1827.
Beethoven sufrió una hidropesía del vientre, y el médico tuvo que hacerle cuatro punciones para que pudiera liberarse de parte del líquido retenido, pues Beethoven “casi no podía respirar” en esa situación. El caso es que luego el médico cerró las punciones usando jabón de plomo, ya que éste desinfecta y tiene la ventaja de impedir que las bacterias se aniden en la herida o entren en el organismo.
La cirrosis fue favorecida por el consumo de alcohol de Beethoven, pero se descartó que el músico “bebiera de forma excesiva”. Al parecer, el mal se debió principalmente a que su hígado había quedado debilitado por una hepatitis A.
Para Elisa’ es en realidad ‘Para ‘Teresa’: La famosísima bagatela para piano de Beethoven que todo el mundo conoce como "Para Elisa" (compuesta el 27 de Abril de 1810), en realidad es "Para Teresa", ya que es el título que aparece en el manuscrito original de Beethoven. Se cree que un error en los copistas por la mala caligrafía de nuestro compositor provocó esta ‘pequeña’ confusión.
Beethoven no oyó la 9ª sinfonía: En el estreno de esta gran obra, Beethoven estaba completamente sordo. De hecho, se dice que al terminar el concierto el pensó que los músicos habían dejado de tocar por algún motivo, y se dio la vuelta y vio a toda la sala de pié aplaudiendo: El concierto había finalizado.
En cierta ocasión, Ludwing Van Beethoven Fue invitado a donde se encontraban varios Chiquillos de diferentes edades, los cuales retozaban sin parar, le llamo mucho la atención una hermosa niña llamada Elisa, la que al ser informada de quien era el maestro se le acerco y comento que también ella era artista, pues ya tocaba algunas piezas al piano, esto cayó muy en gracia a Beethoven y antes de retirarse, le pidió que tocase algo al piano. La niña con toda alegría interpreto obras de varios compositores, pero cuando Beethoven le solicito que tocase alguna de sus sonatas, ella con toda la pena explico que le gustaban mucho, pero que eran muy difíciles, por lo que el maestro le prometió, que haría una pieza mucho mas sencilla, para que fuese tocada por ella al piano. Ese fue el motivo por el que compuso una de las obras más conocidas y gustadas por los jóvenes pianistas de todo el mundo, la que titulo “Para Elisa“ y a la que le agrego el subtitulo “Recuerdos del 27 de abril de 1808”.
Misterioso Himno a la Alegría: Beethoven pasó años obsesionado con una cancioncilla que no paraba de tararear, y en numerosas composiciones la incluía pero sin definir del todo. Lo más llamativo de esto es que hay una pieza anterior a él de Mozart que es casi igual que esta melodía, cantada por un coro. Se desconoce si Beethoven la conocía o fue casualidad, el caso es que el sueño de Beethoven se cumplió al ver esta melodía integrada en la culminación de su 9º sinfonía
Su carácter arisco e independiente le hacía vivir replegado en sí mismo; su misantropía aumentó con la aparición de una sordera progresiva y el pesimismo que le embargaba se refleja en el Testamento de Heiligenstadt, que escribió en 1802. Sin embargo, a pesar de las reservas que formuló la crítica, su música acabó por imponerse.
El Dr. Barry Cooper, un musicólogo y estudiante de Beethoven, se decidió a principios de 1980 para encontrar algunas pruebas de este trabajo sin precedentes. “Yo no estaba buscando un Décima Sinfonía. Yo estaba buscando una”, dijo. Leyendo una descripción del trabajo de Karl Holz, un amigo de Beethoven que había escuchado los inicios del trabajo tocado en el piano por el propio Beethoven, conocía el trabajo iniciado con una introducción en la clave Mi bemol y seguida por un Allegro en Do menor. Fiel a la descripción, Cooper encontró bocetos que coincidían con la misma!
Beethoven amaba la naturaleza hasta el punto de decir "Prefiero mil veces a los árboles que a cualquier persona". Su pasión por la naturaleza se ve traducida en la sexta sinfonía, "La Pastoral", donde el compositor es capaz de traducir la imagen de la naturaleza a los sonidos orquestales.
Con veinticinco años Beethoven empieza a padecer la sordera. Escribió en su diario “¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años!. Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se revele todo entero”.
El gran amor de su vida fue Antoine von Birkenstock, casada con Franz Brentano. Antoine ha pasado a la historia como la inmortal “bienamada”, como es llamada en sus tres misteriosas cartas, pero otros historiadores creen que podrían ser tres mujeres, Giulietta Guicciardi, y sus primas, las hermanas Josephine y Therese de Brunswick. De las tres estuvo enamorado sucesivamente Beethoven, aunque se discute si ese amor se quedó o no en lo “puramente platónico”, debido a que el estatus social de un músico no era en aquella época tan elevado como para aspirar a la mano de una aristócrata.
En 1806 compuso la cuarta sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundió, basado en un relato de dudosa autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa.
Cuatro años después se enamora de Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr. Wegeler documentos personales para ese fin.
Realizó la petición al padre de Teresa a través de su amigo Gleichenstein y recibió como contestación la siguiente observación de un tío de la propia interesada,“Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios”.

Acerca del autor:
Ing. Industrial-administrador, abogado.EGADE (ITESM) Postgradosmaestrías en Administración de empresas: calidad y productividad; educación

Doctorado en Educación

Profesor titular e investigador Area de Postgrado de Faces UC. Consultor -asesor empresariade DEPROIMCA

EXATEC

Fuente:
Articuloz.com

Musicoterapia... acordes musicales...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 5 Nov 2009 19:25:00 -0800

El conocido Efecto Mozart, la musicoterapia y otros estudios sobre el tema apuntan a reafirmar el poder curativo de la música.

El uso de la música como vía terapéutica es tan antiguo como el hombre mismo. Ya en los papiros médicos egipcios del año 1500 A.c. hay evidencias de su valor para resolver asuntos relacionados con la fertilidad femenina. Pero fueron los griegos quienes consideraron la música con criterio científico, al utilizarla como agente terapéutico. De hecho Pitágoras, filósofo griego, recomendaba cantar y tocar algún instrumento musical a diario para extraer del organismo emociones nocivas como el miedo, las ansiedad y la rabia. No es nada nuevo que la música cure, pero en nuestra cultura occidental se necesitan pruebas de laboratorio para reconocer que su poder es realmente efectivo.

El sonado Efecto Mozart
A comienzos de los '90 un estudio efectuado por la psicóloga Frances Rauscher y el neurobiólogo Gordon Shaw, de la Universidad de California, EEUU, sacó a la luz en la revista Nature lo que sería el inicio de la controversial teoría conocida como Efecto Mozart: 36 estudiantes escucharon la Sonata para dos pianos en Re Mayor de Wolfgang Amadeus Mozart durante 15 minutos; inmediatamente después les sometieron a tests para evaluar su razonamiento espaciotemporal. Otros dos grupos realizaban idénticas pruebas, con la única diferencia de haber pasado ese mismo tiempo escuchando cintas de relajación unos y en absoluto silencio otros.

Curiosamente, las puntuaciones (traducidas para su evaluación a la escala del coeficiente intelectual) resultaron ser de ocho a nueve puntos superiores después de escuchar a Mozart, frente al resto de las situaciones. Aquel hallazgo era muy breve, pero lo suficientemente importante para no dejar indiferente a ningún investigador.

Un par de años más tarde, Rauscher y Shaw indagaron aún más sobre las bases neurológicas de este aumento en la capacidad de razonamiento, con pruebas de inteligencia espacial: En esta ocasión a 79 jóvenes se les proyectaban 16 figuras de papel dobladas de diferentes maneras; cada proyección duraba un minuto y ellos debían adivinar qué forma tendrían estas figuras cuando se desplegaran.

Durante 15 días, un grupo escuchó la sonata de Mozart, otro grupo hizo la prueba en silencio y un tercero escuchó una mezcla de otros compositores. Los resultados fueron que el grupo de Mozart logró predecir un 62%, mientras que el porcentaje del grupo en silencio fue de 14 y de 11 en el grupo de sonidos mezclados.

La polémica estaba servida: Varios investigadores trataron de reproducir aquel efecto sin éxito; otros tuvieron ocasión de comprobar los resultados positivos, aumentando así el interés por las repercusiones de la música del famoso compositor sobre el cerebro humano. En la actualidad no se duda de que el efecto Mozart exista, aunque limitado al razonamiento espaciotemporal.

Medicina recuperativa
Hacia finales del siglo XIX el músico y educador austriaco Émile Jaques-Dalcroze desarrolló un método para el aprendizaje y experimentación de la música a través del movimiento. Sostenía que el organismo humano es susceptible de ser educado eficazmente conforme al impulso de la música; de esta manera se convirtió en el precursor de la musicoterapia como alternativa médica para el tratamiento de diversas enfermedades.

Esta práctica terapéutica consiste en la utilización de la música y/o sus elementos por un profesional calificado, con un paciente o grupo, en un proceso destinado a facilitar y promover comunicación, aprendizaje, movilización, expresión u otros objetivos terapéuticos relevantes, a fin de asistir a necesidades físicas, psíquicas, sociales o cognitivas. Lo que se busca es restituir funciones del individuo para que alcance una mejor organización intra e interpersonal, y por tanto, mejorar su calidad de vida.

Cómo cura la música?
La influencia positiva y terapéutica de la música es un asunto complejo, condicionado por la estructura y las funciones del sistema nervioso central y el sistema neurovegetativo, las glándulas de secreción interna y los órganos internos. Todo ello se conjuga en una complicada cimentación, con la obra musical, con su melodía, su armonía, su ritmo, el timbre y la disposición psíquica particular del paciente. La música, según las características señaladas, puede movilizar o bloquear la sensibilidad emocional del sujeto, su memoria, su imaginación y sus representaciones mentales. El terapeuta que utiliza la música como método de tratamiento debe saber con
exactitud cuándo y cómo debe reforzar o debilitar, según sea necesario, esas cualidades inherentes al ser.

Ciertas pautas sónicas pueden generar per se ondas cerebrales alfa. Cuando se escucha una melodía, el cuerpo tiende a seguir el ritmo. No hace falta una concentración profunda en lo que está ocurriendo, sino que debe dejarse que se produzca como una sintonía automática y sincrónica. De esa manera, el efecto de la música se irá convirtiendo en una especie de masaje sónico que ayuda a eliminar las tensiones, provocadas por una vida cotidiana cargada de estrés y ansiedad.La musicoterapia se sitúa dentro del campo de la medicina recuperativa y está indicada para el estrés, problemas de socialización, además de trastornos físicos, mentales y emocionales y sirve como un regulador de los estados de ánimo.

Busque su melodía
Según cada problema de salud, existen piezas clásicas terapéuticas:

» Insomnio: Nocturnos de Chopin (op. 9 No. 3; op. 15 No. 22; op. 32 n 1; op. 62 No. 1) Preludio para la siesta de un Fauno, Debussy Canon en Re, Pachebel.

»Hipertensión: Las cuatro estaciones, Vivaldi, Serenata No. 13 en Sol Mayor, Mozart.

»Depresión: Concierto para piano No. 3, Rachmaninov. Música acuática, Haendel. Concierto para violín, Beethoven, Sinfonía n 8, Dvorak.

»Ansiedad: Concierto de Aranjuez, Rodrigo. Las cuatro estaciones, Vivaldi. La sinfonía Linz, k425, Mozart.

»Dolor de cabeza: Sueño de amor, Listz. Serenata, Schubert. Himno al Sol, Rimsky-Korsakov.

»Dolor de estómago: Música para la Mesa, Telemann.Concierto de Arpa, Haendel. Concierto de oboe, Vivaldi.

»Energéticas: La suite Karelia, Sibelius. Serenata de Cuerdas (op. 48), Tschaikovsky. Obertura de Guillermo Tell, Rossini.

“Si yo fuera un dictador, obligaría a cada persona, entre los 4 y 80 años
de edad, a escuchar a Mozart durante un mínimo de 15 minutos al día
al menos durante cinco años.”
Sir Thomas Beecham (músico director inglés: 1879-1961)

“La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor,
sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso”
Franz Liszt (pianista y compositor austríaco de origen húngaro (1811-1886)

El Fado: Canción Triste y Melancólica...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 5 Nov 2009 19:17:00 -0800

El fado es el corazón del alma portuguesa y está más vivo que nunca. Una nueva y férrea generación de artistas se une a las voces míticas de antaño. El elemento esencial de la música fado el “saudade”, o lo que en portugués se traduce como anhelo. Se trata de una música triste que canta al destino (fado viene del latín fas, fatum, y es sinónimo de "destino"), a la muerte, al amor traicionado, a la desesperación y a la melancolía.

El origen de esta música popular se remonta a principios del siglo XIX de entre las clases más bajas y los barrios marginales. El fado era la música desgarradora de las tabernas, los burdeles y los rincones oscuros de los barrios de Alfama y Mouraria, la parte antigua y pobre de Lisboa. Más adelante, estas canciones procedentes de los suburbios, se pusieron muy de moda entre la clase aristocrática, que la introdujo estos versos en sus vidas a modo de excentricidad. Como muchos otros tipos de músicas populares, como el tango argentino, el blues americano o el flamenco español, el fado no debería definirse, sino padalearse como un manjar exquisito.

Tanto hombres como mujeres pueden cantar fados, aunque el gran público casi siempre prefiere una voz femenina para este género. Un buen fadista exagera sus expresiones faciales y gesticula con tesón en sus actuaciones. Las manos se mueven de un lado a otro con vaivenes elegantes, mientras el cuerpo permanece estático.

Este género alcanzó su época dorada en la primera mitad del siglo XX, cuando la dictadura portuguesa de Salazar forzó a los cantantes de fado a convertirse en profesionales y los confinó en las casas de fado (locales que se habilitaron con tal propósito). Hoy en día, el fado está protegido por las instituciones oficiales y se cultiva como un espectáculo turístico.

Amalia Rodrigues ha sido la reina del fado, idolatrada en su tierra y celebrada en el extranjero como la más famosa representante de la cultura portuguesa. Otros grandes de este género han sido Carlos Ramos, Alfredo Marceneiro, Berta Cardoso, Maria Teresa de Noronha, Hermínia Silva, Fernando Farinha, Fernando Maurício, Lucília do Carmo o Manuel de Almeida.

En la actualidad, Cristina Branco y Mariza son dos de las fadistas más vitoreadas. Ambas tratan de llevar este género entre el ejercicio de la tradición y las nuevas tendencias.

Si viajas a Lisboa, no olvides visitar un espectáculo de fado. Hay numerosos restaurantes donde podrás cenar al son de preciosos fados. Las mejores casas de fados se encuentran en los barrios de Alfama, Mouraria, Bairro Alto y Madragoa. Encuentra el mejor alojamiento entre estos apartamentos en Lisboa.

Artículo aportado por Articulo.org.

Acerca del autor:

Diana Pérez Roig-Gironella

El Cante Jondo del Flamenco...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 5 Nov 2009 19:10:00 -0800

Los diversos tipos de manifestaciones de la cultura de diferentes países del mundo juegan un gran papel en el desarrollo y expresión de esos lugares, puesto que hacen parte fundamental de su vida y representa las tendencias propias de aquellos lugares. Las manifestaciones culturales se pueden dar de muchas formas, ya sean arte, música, baile o canto, entre muchas otras formas; así entre todos estos tipos de manifestaciones culturales, sobresale una que permite combinar varios factores que hacen que esta expresión cultural sea de gran valor y es el flamenco, en el cual se presenta un estilo muy propia de España, mas exactamente de Andalucía, donde la combinación entre canto, baile y la música, convierten al flamenco en una hermosa y apasionante manifestación cultural, que alcanza un nivel de aceptación y de estética tan alto que es considerado todo un arte.

Como se puede entender el flamenco estaría compuesto por tres factores, sin embrago en el presente articulo se hará desarrollo explícitamente al canto, o expresado en la forma en la que se denomina en el flamenco, el cante, puesto que, a pesar de lo que muchas personas creen, que el puno principal del flamenco es baile, el cante con la fuerza y el alto contenido que imprime a esta tradición se roba el protagonismo, haciendo vivar tanto el cuerpo como el alma.

En un momento inicial del flamenco, el cante solo era acompañado de las palmas del publico y nudillo percusión, pero mas adelante apareció el toque, que se refiere al uso de guitarras para brindar sonidos musicales al flamenco, pero con el avance del tiempo se han agregado otros elementos del toque como el piano, lo cual se armoniza perfectamente con el cante.

Como es bien sabido el flamenco es la expresión máxima de cultura de Andalucía, en España, de igual manera lo es el cante como una de las mayores tradiciones musicales de aquel lugar. Los orígenes del cante, se trasladan a los pueblos del este indio, de igual manera posee gran influenza de las tradiciones árabes y tal vez la mayor influencia se debe a la participación de los pueblos gitanos de gran parte de Europa, en el cante también se pueden observar algunas influencia de América latina, las cuales llegaron al ante flamenco gracias a diversas canciones de los países de América del sur como Colombia.

Las primeras expresiones del flamenco al igual que del cante, se presenta para finales del año 800 de la presencia del imperio árabe en España, de tal forma la presencia del cante y el flamenco en su momento inicial, se presentaron básicamente como un expresión sociocultural, en muestra de protesta y como voz de esperanza para los pueblos que se encontraban oprimidos por tal situación, puede ser por esto que el cante básicamente es una pura expresión del alma, donde quien sea el cantor, con su voz expresa y demuestra en gran medida en fuerte contenido sentimental sobre diversa experiencia, donde evidente mente se presenta un vinculo de comunicación on el oyente, donde se despertaran muchas emociones.

Artículo aportado por Articulo.org.

Acerca del autor:

Administración de artículo.org

La Teoría del Jazz vs Libros...

noreply@blogger.com (ZONA LIBRE - MUSICA) — Thu, 5 Nov 2009 19:05:00 -0800

Un gran solo de jazz consiste en algo mágico desde el 1 % al 99 % que es Explicable Analizable Clasificable y tal vez hasta Factible.” Amplio esto. Cuando escuchamos un solo de jazz, el músico que ha estudiado jazz puede explicar lo que esta escuchando pero no llega al 100% de la explicación. Por ejemplo si escuchamos a Chick Corea, preguntamos ¿Que esta haciendo? ¿Que toca en la mano izquierda? ¿Que acordes toca? ¿Qué escala usa en los solos? Cuando uno estudia jazz podemos lograr entender lo que hace Chick Corea, pero no vamos a llegar al 100% de la explicación, porque el jazz tiene miles de variantes y lleva tiempo poderlas estudiar y comprender su funcionamiento.

El jazz comparado con otros estilos, tiene esa libertad suprema de la improvisación que hace que cada gran artista de jazz incorpore nuevas ideas y propuestas dentro del estilo. Por esto digo que el jazz es un estilo vanguardista, que no se queda con lo ya hecho, sino que busca variantes continuamente y cada ejecutante puede poner su sello. Ahí podemos meter ese 1% que es lo que no se puede explicar o tal vez solo los que proponen esas nuevas ideas podrían explicarlas. Que un libro te explique un 99% de lo que se hace en el jazz, es mas que suficiente.

Esto no pasa con otros estilos, que si son el 100% explicable, por eso se transforman en músicas predecibles. El músico de jazz, particularmente los que tocamos jazz, padecemos de ese tipo de cosas, nos aburren ciertos estilos, porque la armonía, el ritmo y la melodía siempre giran para el mismo lado, los solos siempre entran en el mismo lugar, sin defenestrar y sin poner por debajo esos estilos, comento lo que me pasa a mí, y respeto todos los estilos musicales, y un estilo musical bien hecho me merece los honores y respeto.

Desde ya que existe la música artística y comercial pero no quiero ampliarme tanto. Pero el estilo de jazz tiene muchas variantes y por eso resulta muy interesante, porque no solo tienes que conocer el 99% explicable, que ya eso lleva años comprenderlo, sino que luego debes poner tu grano de arena en la ejecución, nuestra personalidad, nuestro toque, nuestra propuesta como artista. Por eso Chick Corea es Chick Corea, Bill Evan es Bill Evans, y Keith Jarret es Keith Jarret. Ellos seguramente saben el 99% de todo el conocimiento, pero después estos grandes del jazz, le ponen su toque, su distinción y su propuesta, que justamente es lo que no se puede explicar.

¿Los libros de jazz ayudan?

Se encuentran libros que expliquen todo lo que se hace en el jazz con ejemplos, y demás, pero a la hora de estudiarlos no es fácil hacernos la idea de que vamos a tocar como Bill Evans, En ese caso habría que buscar un libro de Bill Evans y saber que métodos usaba para estudiar. Pienso que la teoría se hace verdad cuando se la ejecuta sino es como si las palabras se llevara el viento, o para hablar somos todos mandados hacer, lo importante para mi siempre fue el detalle de lo que hay hacer, el plan de estudio, el día a día y los métodos y las estrategias para llegar al objetivo, que es tocar jazz. Una de las cosas que aprendí fue que para tocar jazz lo mejor que se puede hacer, es transcribir lo que escuchamos, y al mismo tiempo tratar de explicar con nuestras palabras lo que estamos tocando. Si logramos mezclar el conocimiento con nuestra percepción, vamos por el camino ideal.

Actualmente estoy haciendo un libro digital llamado "El Pianista Que Toca Jazz", en un futuro lo pondré en Internet

Saludos!

Artículo aportado por Articulo.org.

Acerca del autor:

Alejandro Ariel Perez