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32 AÑOS SIN AKIRA KUROSAWA

2020-09-06T05:34:00.003-07:00

Fotografía fuente Revista Yume:https://revistayume.com/

“Puede que sólo puedas escribir una página por día, pero si lo haces todos los días, te encuentras al final de un año con 365 páginas de un guion”.

Akira Kurosawa

Akira Kurosawa , quien muriera un día como hoy, pero hace ya 32 años; convirtió el arte de la imagen en motivo de su vida. Comenzó su carrera con notables influencias de Hollywood, sobre todo de aquel Hollywood de John Ford, cuando los western seducían al mundo. Sin embargo, pocos años después dejó atrás la magia de sus maestros para crear la suya propia. Fue a partir de los premios a “Rashomon” cuando en Occidente descubrieron que en Japón se hacía un cine universal.

Y por él y solo por él se abrieron las puertas para que otros realizadores de su generación fueran reconocidos y admirados. La obra de Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi, Nagisa Oshima, Kon Ichikawa, Shoei Imamura y Masaki Kobayachi, entre otros, mereció el respeto universal y trascendió en tiempo y espacio, gracias a la impronta de Kurosawa.

Occidente vislumbró en ellos, más que una voz propia, una escuela, una estética cinematográfica creada a partir de un retrato a determinada identidad cultural de hondas raíces milenarias que supo unir la tradición folclórica con las perspectivas de modernidad.

El cine oriental, a partir de Kurosawa y su generación, fue rompiendo el concepto de “sociedad cerrada” con que se conocía a Japón.

Una mirada no convencional a la carrera de Akira Kurosawa nos presenta a un director que sufría sus películas, un artista que diseñó un lenguaje muy personal para retratar la idiosincrasia de un país que, como Japón, conservaba una rica tradición y una gran cultura.

Esto hizo posible que el director no mostrara preferencia por género alguno y saltara, entre drama, thriller y aventura, para trascender el trasfondo de sus historias, con personajes caricaturescos, sacados de la propia idiosincrasia nacional, aunque con perfiles similares a las obras literarias de donde provenían originalmente. Pero también su naturaleza creativa partió de una mirada particular, como apunta la profesora cubana Berta Carricarte en su libro “A la sombra del elogio, creando, incluso, modos de abordar ciertos géneros, o de filmar ciertas escenas, o darle una particular impronta al uso del sonido.”

Kurosawa amaba el dibujo, y su práctica la llevó a algunos de sus filmes como ‘Escándalo’ y ‘Dreams’, entre otros. Aquella vocación solo sería para él otra de sus tantas referencias culturales. Ya había comprendido que su trascendencia en la cultura universal no llegaría con telas y pinceles, sino con una cámara, con la cual podría reproducir con mayor fidelidad sus sueños, paisajes e ideales.

Hizo cine japonés, para los japoneses. Por eso triunfó con su obra en todos los escenarios donde la exhibió. Esa peculiaridad de trascender al hombre y a la mujer dentro de una sociedad cerrada que clamaba por una apertura a la condición humana fue su sello de garantía.

Tampoco hizo concesiones ni permitió que su pulso dejara de temblar ante la insensibilidad. Él soñaba con el cine, se inhibía detrás de la cámara. Parecía morir con cada película para volver a renacer en la siguiente. Fueron un total de treinta obras que dejó como legado.

A veces se equivocaba, otras no. En 1971, intentó el suicidio ante el sucesivo fracaso de taquilla de algunas de sus películas más amadas, como Barbarroja (1965) y Dodes´ ka-Den (1970). Supo reponerse y seguir adelante para retornar con nuevos filmes ejemplares.

Akira Kurosawa ha influido de alguna manera en la mayoría de los directores que más nos gustan en la actualidad.

Se me vienen a la cabeza Christopher Nolan o Wes Anderson, sin ir más lejos.

Pero también ha influido mucho en Sergio Leone, o en George Lucas, al que le influyó mucho una película suya para la creación de la saga Stars Wars

Baldra Torres

Carlos Vives y Rúben Blades "Canción para los enfermos"

2020-04-17T08:09:00.000-07:00

Este tema no es nuevo, fue grabado en septiembre de 2019, lo lanzaron durante el concierto "Panamá solidario".

"La estamos adelantando porque el tema es muy del momento. La idea de escribir, 'No estás solo/a', se me ocurrió porque noté que hay canciones para todo excepto para la gente que está enferma. Por la reacción a mi tema 'Amor y control'¨ me percaté de que mucha gente experimenta la necesidad de expresar su sentimiento frente a la situación de tener a un pariente o ser querido enfermo", dijo Rubén Blades en "Diario de la Peste", su bitácora sobre el coronavirus.

Cuando Carlos Vives lo invitó a colaborar en su nuevo álbum, el artista panameño le sugirió grabar "Canción para los enfermos", y juntos escribieron la letra y la música sobre la maqueta que Blades había trabajado

"También hay que destacar la contribución de Roberto Delgado y Orquesta, de Panamá, que trabajó la instrumentación y contribuyo en la grabación de la canción", agrega Blades.

El cantante panameño y el colombiano participaron el domingo pasado en el concierto virtual "Panamá solidario", cuyo objetivo era recaudar a través donaciones para enfrentar el coronavirus.

Durante el espectáculo se conocieron algunas historias de hombres y mujeres de Panamá que trabajan para proteger la salud de todos los habitantes del país, así como el testimonio de algunas de las personas beneficiadas con el programa Panamá Solidario, mediante el cual el Gobierno de Panamá reparte alimentos y un bono monetario con el objetivo de alcanzar a 1,3 millones de personas.

Baldra Torres ( Fuente: El Espectador)

Excente cover de un clásico de Bangles.

2020-04-08T10:09:00.000-07:00

Billie Joe Armstrong de Green Day en tiempos de cuarentena apuesta por los No Fun Mondays, en los que ha versionado "I think we're alone now" de Tommy James and the shondells, "You can't put your arms around a memory" de Johnny Thunders, y ahora el Manic Monday que en su día Prince regaló a las Bangles.
Podemos ver además en el audiovisual correspondiente a Susanna Hoffs, del grupo femenino.
Te invitamos a sumarlo a tu playlist de videos referidos para esta cuarentena.

Es imperdible.

Baldra Torres

José María Vitier: “Le debo mucho a mis noches de insomnio”

2018-04-12T17:34:00.000-07:00

“Será de respuestas cortas”, replica José María Vitier cuando se le dice que esta es una entrevista de preguntas cortas, y el periodista no puede por menos que darle la razón. El músico (La Habana, 1954) estuvo esta semana en Madrid, donde recibió un homenaje por sus 40 años de trayectoria profesional. Cuatro décadas en las que su música de marcado acento cubano se ha movido por discos, conciertos y bandas sonoras como la de Cosas que dejé en La Habana o Fresa y chocolate (por la que fue nominado al Oscar en 1994).

De pequeño quería ser…

De muy pequeño, peluquero.

¿Cuál es el mejor consejo que le dio alguno de sus padres?

Mi madre me dijo que la gente pensaba que la gloria y la fama eran sinónimos. Pero que en realidad eran lo contrario.

¿Con quién le gustaría quedar atrapado en un ascensor?

Con nadie.

¿Algún sitio que le inspira en especial?

La Habana.

¿Y algún rincón en especial de La Habana?

Mi casa.

“Mi madre dijo: ‘La gente cree que gloria y fama es lo mismo. Y son lo contrario”

¿Cuándo fue la última vez que lloró?

Ahora, cuando te he hablado de mi madre. No se notó, ¿verdad?

¿Cuál ha sido el mejor regalo que ha recibido?

Nunca lo he llamado regalo, pero creo que mi hijo.

¿Qué significa ser músico?

La música es una manera de ver el mundo. Un lenguaje, una explicación de la vida, incluso una anticipación de la vida. La idea es esta: la música es el arte que nos permite recordar lo que no ha sucedido.

¿Para qué sirven los premios?

Para los periodistas. Aunque, bueno, hay premios en metálico...

¿Qué canción o partitura mataría por haber escrito?

Me hubiera gustado escribir la música de La Misión. Tal cual la hizo Morricone.

¿El punto más duro de estos 40 años de carrera?

Cuando uno se da cuenta de lo que ya no va a poder hacer.

¿Pero por tiempo, por talento, o por qué?

Por tiempo, por tiempo. Cosas que pensaste que te iba a dar tiempo a hacer, pero resulta que no.

¿Dónde no querría vivir jamás?

En tierra firme. Siempre seré de una isla.

“La música es el arte que nos permite recordar lo que no ha sucedido”

¿Qué le deja sin dormir?

Padezco insomnio. Duermo muy pocas horas seguidas. Cualquier tontería me quita el sueño.

¿Y ese insomnio ha sido mucho castigo?

No, porque el momento más creativo de mis 24 horas son las tres o cuatro antes de que salga el sol. Le debo mucho a este insomnio.

¿Cuál es su olor preferido?

No me gustan los perfumes... Yo creo que es el olor que sale de la cocina cuando mi esposa está cocinando.

¿Qué personaje del cine o la literatura que se asemeja a usted?

Diría que Riobaldo, el narrador en primera persona del Gran sertón, de Guimarães Rosa. El que no se lo ha leído, no tiene remedio.

¿Qué siente cuando ve su foto en los diarios?

Melancolía.

Si tuviera a Raúl Castro delante, ¿qué le diría?

Varias cosas... [se lo piensa un rato]. Es que nuestra relación con la gente del poder es tan larga y tan compleja... Ya sé. Le diría: Patria y vida.

Respecto a su trabajo, ¿de qué está más orgulloso?

Cuando percibo gratitud en personas desconocidas.

¿Cuál es la noticia que siempre ha esperado leer?

Que no hay guerras.

¿Cómo se imagina el futuro de Cuba?

Luminoso y caluroso.

Lenny Kravitz cree que el rock volverá a dominar la música

2018-04-12T17:29:00.000-07:00

Durante la promoción de su “Raise Vibration World Tour" en México, el artista dijo que en la industria existen "ciclos que se repiten", ya sea con el pop, el hip-hop o cualquier otro estilo musical.

Lenny Kravitz aseguró que "el rock no está muriendo" y que en la música todo es cuestión de "ciclos", por lo que pronosticó que en unos años este género volverá con fuerza.

En una rueda de prensa celebrada en Ciudad de México, donde el próximo viernes arrancará su "Raise Vibration World Tour", el cantante dijo que el rock no está siendo promocionado tanto en estos momentos ni "suena en la radio como antes".

No obstante, agregó, en la industria existen "ciclos que se repiten", ya sea con el pop, el hip-hop o cualquier otro estilo musical.

Por eso, "en los próximos años (el rock) volverá a ser una fuerza dominante en la música, estoy seguro", aseveró el músico estadounidense, quien mencionó que al día de hoy están apareciendo bandas jóvenes que avivan el género.

El intérprete habló brevemente sobre cómo ha sido su proceso de composición de los temas que aparecerán en "Raise Vibration", su próximo disco de estudio, que saldrá a la venta en otoño.

Reconoció que no se sienta a escribir con un horario fijo, sino que espera hasta que "escucha algo" en su interior.

"(Para esta nueva producción) normalmente me despertaba entre las tres y cinco de la mañana con esas canciones en la cabeza", sostuvo, y añadió que algunas de ellas le venían "casi completas" y con otras le aparecía meramente un "marco de trabajo" que tenía que llenar.

"Me gusta esperar hasta que reciba algo. Creo que es la manera más pura de trabajar", sentenció.

Al preguntársele su opinión sobre el futuro de la música, Lenny Kravitz contestó que es algo difícil de saber porque está en constante cambio, aunque aventuró que seguirá la tendencia de que "el artista pueda contactar directamente con el público".

"Muchos de los artistas o estrellas que hoy son famosos lo son por el mundo online. Y creo que va a seguir en esa dirección", abundó el cantante, quien considera que esto es "completamente diferente" a lo que encontró él cuando irrumpió en la industria hace 30 años.

Respecto a sus influencias, mencionó a aquellos artistas que han sido clave para él como James Brown y Marvin Gaye, y apuntó que todavía sigue aprendiendo y que pretende hacerlo hasta su "último aliento".

"La mejor educación musical que recibí fue escuchando discos" y más tarde "yendo a conciertos", refirió.

Lenny Kravitz, quien también pasará por Monterrey y Guadalajara durante su estancia en México, señaló que en el país latinoamericano están "algunas de las personas más cálidas" que ha conocido.

Consideró que la actuación que realizó en el Estadio Azteca en 2002 -la única en México- fue "una de las experiencias más alucinantes" de su vida, y expresó su voluntad de incluir al país en su agenda con más regularidad.

Asimismo, dijo que para los días que quedan hasta su concierto en el Arena Ciudad de México planea, además de prepararse para la cita, "ver qué está pasando en la ciudad", tras lo cual los reporteros le hicieron sugerencias como visitar las Pirámides de Teotihuacan o el Bosque de Chapultepec.

"Veo que tengo gente con ganas de llevarme a sitios, genial", bromeó el cantante.

Fuente: El Espectador

Enrique Bunbury le canta al amor eterno en "La constante"

2018-04-04T14:52:00.002-07:00

El cantante español estrena un nuevo video del álbum "Expectativas".

Enrique Bunbury estrenó el video de "La constante", el nuevo sensillo extraído de su más reciente álbum, "Expectativas", editado el pasado otoño y con el que consiguió el número 1 en la lista de ventas española. (Leer Enrique Bunbury: “El proceso creativo es una necesidad”).

El video es una pieza audiovisual cinematográfica rodada en Los Ángeles (California) y dirigida por Jose Girl, pareja y fotógrafa habitual del músico español. La canción es una oda al amor eterno, que en su plasmación en imágenes juega con la idea de la inmortalidad de los vampiros y el intercambio de sangre de los enamorados.

Después de haber recorrido España y América durante los últimos meses,Enrique Bunbury está actualmente tomándose un descanso antes de iniciar la segunda parte del Ex Tour 2017 - 2018, empezando en esta ocasión por México el 19 de abril. Después, Estados Unidos y España hasta septiembre.

Fuente: El Informador

LEIVA, TOQUEMOS JUNTOS HASTA QUE LA MUERTE NOS JODA

2018-04-04T14:47:00.002-07:00

Se publica el libro de fotos oficial de la gira "Monstruos" a través de la mirada de Wilma Lorenzo

El 10 de abril se publica Toquemos juntos hasta que la muerte nos joda (vía Temas de Hoy), el libro de fotos oficial de la gira Monstruos de Leiva a través de la mirada de Wilma Lorenzo.

El músico comenta: "En estas páginas veo los precipicios y las miradas brillantes de una banda en ruta. La gloria después de un show, los fantasmas del día después, las jams de las pruebas de sonido, el poder de la crew, la afonía, los SMS apaga incendios, el culito de ron, nuestro grito de guerra... Pero creo que lo que más me gusta es lo bien retratado que está el sentimiento de banda de instituto que tenemos. Wils leyó la esencia desde el primer clic y esto hizo que nos relajáramos todos".

4.37 h del 9 de julio de 2017. La frase "toquemos juntos hasta que la muerte nos joda" fue un mensaje de Leiva a toda su banda. La Leiband, una forma de vida. Sinceridad de madrugada convertida en lema. El libro no pretende ser una descripción o un anecdotario; ni un recopilatorio de fotografías. Se presenta como "la historia de un artista que comparte su talento y trabajo con un equipo de personas que se mantiene desde hace años; la verdad de un viernes lleno y un sábado a medio llenar; salir hasta las mil y dormirse a las once, compartir el desayuno y el cubata".

Wilma Lorenzo (1989, Madrid), periodista y fotógrafa especializada en música; licenciada en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid; ha trabajado en el sector de la música desde los 20 años. Especialista en comunicación e imagen; ha trabajado y asesorado a artistas, sellos, salas de conciertos, festivales y marcas; en su expresión de valores y atributos en el entorno online y offline; siendo el primero su especialidad. Entre sus clientes destacan Mad Cool Festival, Warner Music Spain, Sony Music Spain, Wizink Center, Mercury Wheels @ Live Nation, Rolling Stone, Efe Eme, Mondosonoro o Sol Música TV; además de haber trabajado puntualmente con artistas como Izal, Iván Ferreiro o Sidecars; para desde octubre de 2016, convertirse en la responsable de comunicación e imagen de Leiva.

Fuente: Higuera

Scorpions lanza ‘Follow Your Heart’

2017-11-25T06:01:00.000-08:00

Ya está disponible el nuevo lyric video del primer single extraído de su nuevo disco “Born To Touch Your Feelings – Best of Rock Ballads“.

Fuente: Kiss FM

"Dual" Lo nuevo de Ana Belén

2017-11-17T07:27:00.001-08:00

Dual es un álbum de Ana Belén, quien ha ido uniendo su voz a la de muchos artistas de la música cantada en español a lo largo de su carrera. Todo ese material y nuevos dúos aparecen en este disco que recopila esas colaboraciones y presenta cinco nuevas grabaciones.

Un total de 33 colaboraciones aparecen en este doble álbum. Las nuevas grabaciones son para los temas De paso con Luis Eduardo Aute; Vuelves con Rozalén; Algo contigo con Rubén Blades; Motivos con Abel Pintos; y Yo me pido vida con Vanesa Martín.

El resto, son 28 dúos que Ana Belén ha realizado a lo largo de su carrera, con artistas como Chavela Vargas, Chico Buarque, Djavan, Miguel Poveda, Serrat, Sabina, Lucio Dalla, Camarón, Fito Páez, Antonio Banderas, María Dolores Pradera, Pablo Milanés, Carlos Berlanga, Cecilia, Antonio Flores, Miguel Ríos, Sole Giménez, Chico Buarque, Pasión Vega, y Víctor Manuel.

Fuente: Higuera

BUNBURY Nº1 DIRECTO EN DISCOS EN ESPAÑA CON "EXPECTATIVAS"

2017-11-05T07:26:00.000-08:00

Esta semana con la festividad de Todos los Santos, llega un poco más tarde de lo habitual la información de la lista de ventas de discos en España, con los datos entre el 20 y 26 de octubre pasados.

5 entradas en el top 10, comenzando por el nuevo número 1 para Bunbury con Expectativas. Desplaza un escalón a Sergio Dalma con Vía Dalma III (nº2), y Manolo García con Todo es ahora en directo (nº3).

También inician recorrido entre los diez primeros: Niall Horan con Flicker (nº4), Rubén Pozo con Habrá que vivir (nº7), George Michael con la reedición de Listen without prejudice(nº8), y José Ignacio Lapido con El alma dormida (nº9).

En la lista de popularidad de canciones el liderato es para Natti Natasha y Ozuna con Criminal. El segundo mencionado es número 1 además en álbumes en streaming con Odisea.

Cabas Ft. December Bueno. Rompe los niveles

2017-10-28T08:36:00.001-07:00

Cabas define esta canción como "una cumbia electrónica urbana, no dejo de hacer estos ritmos y esos aires en la melodía, además las letras son de lo que es nuestro, pero digamos que tiene un formato más moderno". "Rompe los niveles" se estrena luego de "Enamorándonos" y "Tanto que te amo", una balada romántica dedicada a su hijo Simón de 8 años.

Buena Vista Social Club, el sabor de la experiencia

2017-10-28T08:28:00.000-07:00

El colectivo cubano, que logró reunir en un mismo concepto a Compay Segundo, Rubén González, Ibrahím Ferrer, Omara Portuondo y Elíades Ochoa, protagoniza el documental “Buena Vista Social Club: el adiós”

Fuente:El Espectador

Camilo Sesto y Carlos Vives, nuevos integrantes del Salón de Fama de Compositores Latinos

2017-10-20T09:00:00.000-07:00

El español Camilo Sesto, el colombiano Carlos Vives, los mexicanos Ana Gabriel y Martín Urieta, la panameña Erika Ender y el argentino Roberto Livi ingresaron al Salón de la Fama de los Compositores Latinos (LSHOF), en una ceremonia celebrada en el teatro James L. Knight Center de Miami (EE.UU.).

Fuente: EL INFORMADOR

Duras críticas de Silvio Rodríguez a realidad cubana en nuevo tema

2017-10-15T06:46:00.000-07:00

El trovador Silvio Rodríguez sorprendió a los asistentes a su concierto en el Centro Histórico de la Habana con el estreno público de la canción “Para no botar el sofá” (canción editorial), en la que pronuncia frases como “la realidad es un relajo de ineficiencia”, “los vi truncar publicaciones inteligentes”, y “la juventud se fuga en masa y ellos se alteran porque una boca no es de raza o de su acera”.

El fundador de la Nueva Trova había publicado por primera vez la canción en su blog Segunda Cita en octubre pasado pero no la había incluido en su repertorio durante un concierto. Esta presentación fue la número 77 que realiza como parte de su gira por los barrios. Este proyecto lo inició en 2011 y le ha permitido tomarle el pulso a zonas de la periferia de La Habana y de otras provincias del país.

En el nuevo concierto tuvo como invitada a la rapera chilena Ana Tijoux , quien llegó a Cuba para participar en el festival de rock Patria Grande, que inicia este sábado en la Tribuna Antiimperialista José Martí.

Silvio, sobre todo en su primera época como trovador, ha sido un acérrimo crítico de la burocracia y de los funcionarios que aprovechan su estatus para mantener privilegios sin tomar decisiones que contribuyan a la movilidad económica y social del país.

Pero esta canción sorprende sobre todo por el lenguaje directo que emplea para referirse a la parte más incómoda del entorno social de la isla, pues el trovador la mayoría de las veces ha utilizado metáforas y un lenguaje de alto valor poético para aludir a los temas más espinosos de Cuba.

El trovador también ha criticado a la prensa por no reflejar sistemáticamente los problemas del país y omitir contenidos que estimulen a fondo el debate entre el pueblo cubano.

Defensor histórico de la revolución, Rodríguez en los últimos años ha cargado también contra la intolerancia, la doble moral y otros conflictos que lastran a la sociedad cubana.

En su estreno menciona además expresiones como “qué feos se ven los cuadrados queriendo imponer su patrón,

en nombre de lo inmaculado y de una sagrada razón”, mientras alude directamente aquellos que no permiten abordar con valentía la realidad del país escudándose en las permanentes acechanzas del enemigo.
y a toda hora.”

Lo dice por lo claro, por ejemplo, en este verso: “Silencio, porque llega el lobo y te devora; el enemigo acecha todo

El músico, de 69 años, publicó recientemente su disco “Amoríos” y en su próximo material podría grabar esta canción que ya despierta polémica en las redes sociales aunque no se ha radiado en los medios de la isla.

Cibercuba comparte este tema de Silvio acabado de salir del horno que nos recuerda los inicios de un trovador devenido símbolo para Cuba y América Latina.

Fuente: CiberCuba

¿CONOCES AL GRUPO FAVORITO DE ADELE ESTE AÑO?

2017-10-15T06:38:00.001-07:00

Si hay algo que nos encanta de los músicos es que son unos consumidores impulsivos de música. Siempre en busca de inspiración o por el simple hecho de disfrutar de otros artistas sus descubrimientos siempre sorprenden. Y cuando los comparten con nosotros, como Adele, nos encanta.

La solista británica es una de las artistas más importantes a nivel mundial y por ello su opinión o sus piropos suponen todo un éxito para bandas menos conocidas. Como Ibeyi.

Ibeyi es un dúo frances formado por las hermanas Diaz, Lisa-Kaindé y Naomi, hijas del percusionista cubano Miguel Angá Díaz.

En Francia son ya una banda de culto con apenas un EP (Oya) y dos LP (Ibeyi y Ash) en el mercado. Jain ya nos dió alguna pista sobre ellas, Beyoncé les hizo un hueco en Lemonade y ahora Adele ha terminado por encumbrarlas.

Según la intérprete británica es uno de los discos del año: "impresionante". Gracias a canciones como I wanna be like you.

Ibeyi domina las canciones en inglés, francés y castellano y de hecho en su último disco hay una colaboración con Mala Rodríguez, Me voy.

Rubén Pozo "Habrá que vivir"

2017-10-15T06:32:00.000-07:00

Habrá que vivir es el tercer álbum en solitario de Rubén Pozo.

Da continuidad a En marcha(2015), en el que exploraba el rock desde varias posiciones: del folk a la ranchera, en acústico o eléctrico, acelerado o con el freno puesto. Era "un disco de aire californiano, con guitarras que guiñaban el ojo a Tom Petty o The Byrds".

"Habrá que vivir" se anuncia como "un álbum de esos que pegan directo en el corazón: sin rodeos, a golpe de guitarras y estribillos burbujeantes", y en el que no abandona del todo esa influencia americana. "Un disco cien por cien Rubén Pozo, más madrileño, más pegadizo".

Con la colaboración de Ariel Rot en uno de sus temas. Algo del poso que le ha dejado la gira con Mark Olson, ex de The Jayhawks, se desprende también de sus canciones.

Con Caperucita feroz como primer single.

CANDIDATOS PARA EL ROCK AND ROLL HALL OF FAME EN 2018

2017-10-06T16:13:00.000-07:00

Bon Jovi, Depeche Mode, Dire Straits, Eurythmics, Kate Bush, Radiohead, y Nina Simone, entre los 19 nominados

Se han anunciado los candidatos a entrar en el Rock And Roll Hall Of Fame en 2018, una lista de 19 nombres de la que al final se elegirán unos 6. Se quedarán fuera grupos o artistas de prestigio, porque no hay espacio para todos, aunque pueden tener más oportunidades en el futuro, como es el caso de Depeche Mode, que no entraron en la pasada edición y vuelven a tener una nueva opción. Recordamos que para estar en esta lista previa, deben haber publicado su primer álbum al menos 25 años antes.

Bon Jovi
The Cars
Depeche Mode
Dire Straits
Eurythmics
J. Geils Band
Judas Priest
Kate Bush
LL Cool J
Link Wray
MC5
The Meters
The Moody Blues
Nina Simone
Radiohead
Rage Against The Machine
Rufus featuring Chaka Khan
Sister Rosetta Tharpe
The Zombies

El voto del público ha llegado también al Rock And Roll Hall Of Fame (vía web oficial). Hay tiempo hasta el 5 de diciembre. Los elegidos se anunciarán unas semanas después, y las inducciones se realizarán el próximo año.

Fuente:HIGUERA

SERGIO DALMA Y LIAM GALLAGHER EN LAS NOVEDADES DE LA SEMANA

2017-10-06T16:09:00.000-07:00

Tercer y en principio último volumen de versiones de clásicos de la música italiana a cargo de Sergio Dalma, con quien comenzamos el habitual repaso de los viernes a las novedades discográficas de la semana. Un artista con un montón de seguidores, fue con el primer volumen, Vía Dalma (2010), con el que relanzó su carrera musical. Al año siguiente se ponía en circulación la segunda parte. A partir de ahí ha publicado un directo, un grandes éxitos en catalán, y dos colecciones con nuevo material, entre ellos, Dalma (2015), producido por Pablo Cebrián. Ahora ha vuelto a trabajar con Claudio Guidetti en Milán para Vía Dalma 3. Como primer single, Solo tú, un tema que popularizara Matia Bazar a finales de la década de 1970.

Sergio Dalma y Liam Gallagher en un mismo titular... El pequeño de los hermanos publica un primer álbum firmado con su nombre, ya al margen de lo que fue Oasis y Beady Eye. Para As you were cuenta con la producción de Greg Kurstin en cuatro pistas, el resto a cargo de Dan Grech-Marguerat. Bajo el influjo de clásicos y de la música de los años 60s/70s. "Yo nunca intenté reinventar nada o trasladarme a una era especial de jazz, es un disco bajo el influjo de Lennon, los Stones, los clásicos, pero a mi modo... ahora", comentó Liam. Entre los avances, el que más nos ha gustado es For what it's worth.

Segundo álbum de Ángel Stanich, un tipo que se aleja de lo convencional en el mundo de la música. Una obra titulada Antigua y barbuda, cuyo primer single, Mátame camión, no deja indiferente. Se anuncia como "una canción suicida de tintes seudobiográficos", parcialmente inspirada en "Amanece que no es poco" de Jose Luis Cuerda.

A los británicos les encanta los arreglos sinfónicos en las canciones pop. Se han publicado durante los últimos años dos recopilatorios de éxitos de Elvis Presley con la Royal Philharmonic Orchestra, que han sido número 1 en UK. Ahora la fórmula se repite, pero con canciones navideñas en Christmas with Elvis and the Royal Philharmonic Orchestra.

Manolo García publica su primer álbum en concierto en solitario, Todo es ahora en directo, el de la gira presentación de su anterior trabajo en estudio. Así comenta la jugada el músico: "Un directo donde el artista (en este caso, con perdón, un servidor) verifica la propuesta artística, graba, mezcla las canciones y procura que todo ello tenga la mejor calidad posible". Como primer sencillo, Carbón y ramas secas.

Estos días también se ponen en circulación nuevos álbumes de The Rasmus, Mi Capitán, La Bien Querida, Marilyn Manson, Kelela, The darkness, Ricardo Lezón, Ducktails, Isma Romero, The Noises, JP Cooper, Kele Okereke, Lagarto Amarillo, C. Tangana, y Tierra Santa; un EP de Gabrielle Aplin; disco navideño de Fantasia; versiones en clave francesa de Carla Bruni; un disco infantil de Natasha St-Pier; una reedición de Los Ronaldos; y la banda sonora de Blade Runner 2049.

Fuente: HIGUERA

Lo mejor de Bob Dylan

2017-10-01T07:10:00.000-07:00

Uno de los mejores periodos de Bob Dylan regresa con “Trouble No More – The Bootleg Series Vol. 13 / 1979-1981” el viernes 3 de noviembre.

Esta nueva entrega de la aclamada Serie Bootleg de Bob Dylan contiene la música que Dylan escribió e interpretó durante uno de los periodos más sorprendentes, controvertidos e inspirados de su carrera.

Según terminaba la década de los setenta y comenzaba la de los ochenta, Dylan acompañó el cambio de décadas con una trilogía —Slow Train Coming (1979), Saved (1980) y Shot of Love (1981)— compuesta por canciones emotivas de alabanza, devoción y veneración.

La caja de lujo contiene un libro en tapa dura con una introducción escrita por el experto en Dylan, Ben Rollins, acompañado de las notas a cargo de Amanda Petrusich, Rob Bowman y Penn Jillette.

Redacción (Sony Music España)

Elton John publicará una colección de éxitos

2017-10-01T07:07:00.000-07:00

El músico británico Elton John publicará el próximo 10 de noviembre “Diamonds”, una colección “definitiva” de los grandes éxitos de su carrera, según anunció hoy la discográfica Universal Music.

El álbum de recopilación reúne los temas más emblemáticos del artista inglés, incluidos “Rocket Man“, inspirada en un cuento de Ray Bradbury, y “Candle In The Wind“, que dedicó a la princesa Diana de Gales tras su muerte, ambas escritas con la colaboración del letrista Bernie Taupin.

La publicación de “Diamonds“ coincide con el 50 aniversario de la asociación artística de John y Taupin, dos creadores que cruzaron sus carreras profesionales en 1967 gracias a un anuncio en una revista musical que buscaba compositores.

El cantante y pianista, que publicó en 2013 su último álbum de estudio, “The Diving Board“, ha logrado situar sus temas en lo alto de las listas de éxitos durante varias décadas.

El álbum “Diamonds” saldrá a la venta en formato digital y en tres formatos físicos: Una versión de dos cedés con 34 canciones, una caja de dos vinilos de 180 gramos y una edición limitada de tres cedés con 17 temas adicionales seleccionados por el músico.

Fuente: Kiss FM

Johnny Cash, el cantante de los presos

2017-09-15T08:51:00.001-07:00

Hace un mes un supremacista blanco marchó con una de sus camisetas en Charlottesville sin conocer su verdadera historia. Este martes, en el aniversario número catorce de su muerte, recordamos la faceta social del rey de la música country.

“¡Hola, mi nombre es Johnny Cash!” Con esta frase el considerado rey del country abrió su concierto en la prisión de Huntsville, el primero que daba dentro de una penitenciaría norteamericana.

Johnny Cash entró y salió de muchas prisiones estadounidenses, casi siempre sin otro cargo que el de robarse el corazón de su audiencia. Apodado como “el hombre de negro” por vestir siempre de ese color, Cash fue una de las figuras más importantes de la música en el siglo XX, tanto por sus melodías como por su rol social.

Por tres décadas el hombre de negro ofreció conciertos gratis a los prisioneros estadounidenses. Las precarias condiciones en las que vivían los presos despertaron el interés de Cash por la vida de los reclusos, quienes, aunque con errores en su pasado, merecían un trato digno.

El objetivo de Cash era mostrar el problema del sistema penitencial atrayendo la atención del público mediante una serie de conciertos por varias prisiones. Uno de ellos, en la prisión estatal de Folsom, California, fue grabado en vivo y producido como un álbum en 1968. Un año más tarde, Cash repite su idea con un concierto en la estatal de San Quentin, California, esta vez transmitido en televisión nacional.

El activismo de Cash llegó al Senado de los Estados Unidos el 26 de julio de 1972, cuando el cantante, acompañado de dos prisioneros, rindió testimonio frente a los senadores para reformar el sistema penitenciario. “Las personas se tienen que preocupar por la reforma en las prisiones”, dijo Cash a los miembros del Senado.

Para comienzos de la década, las torturas, abusos sexuales, y condiciones nefastas que pasaban los prisioneros, salieron a la luz y el sistema penitenciario fue declarado inconstitucional. La campaña de Cash por reformar las prisiones cumplió su cometido y logró que se fijaran en el problema.

Pero esta no fue la única intervención social que Cash hizo con su música. En su álbum de 1964 “Lágrimas amargas: Baladas de los indios americanos” Cash inmortaliza como nadie hasta ese momento los problemas de las comunidades indígenas en Estados Unidos. El compositor aseguraba ser descendiente de la tribu Cherokee y por tener una conexión especial con sus antepasados destacó la discriminación que vivían las tribus americanas desde la colonización del país.

El mayor éxito de este álbum fue la Balada de Ira Hayes, una canción compuesta por Peter La Frange y versionada por Cash en la que se hace un homenaje al indio pima de nombre Ira Hayes, quien fue uno de los marines estadounidenses encargados de izar la bandera del país en la batalla de Iwo Jima. El “Jefe nube caída”, como fue apodado por sus compañeros, fue usado con fines propagandísticos por el gobierno estadounidense en campañas que recogían dinero para financiar la guerra. Sin recibir ninguna comisión y con los recuerdos de su participación en combate, Ira Hayes terminó por entregarle su vida al alcohol, como señala la letra de la canción.

Pero Cash no ha sido el único en este género que nadó contracorriente. Otros artistas han expresado su inconformidad con las políticas del gobierno. En 1966 y en pleno apogeo de la Guerra de Vietnam, Loretta Lynn, apodada como “la reina del country”, lanzó la canción “Querido tío Sam”, una de las primeras canciones que hablaba de guerra. Cuenta la historia desde la perspectiva de una esposa que se entera de la guerra y le pide al Tío Sam, la figura usada por el gobierno para invocar soldados, que le devuelva a su hombre.

Más tarde, Lynn escribiría el éxito “La píldora”, en 1975. La canción habla sobre la famosa píldora anticonceptiva y el control natal en las zonas rurales, un tema que por su controversia fue vetado en algunas estaciones de radio. No es un mito, la industria musical está ligada al poder político, y tiene el poder de decidir qué transmite y qué no.

A comienzos de este milenio, las Dixie Chicks, un trío muy popular de country oriundo de Texas, recibieron el mayor golpe de la industria musical. Era 2003 y la Guerra en Irak, comandada por George W. Bush, era inevitable. El 10 de marzo de 2003, nueve días antes de la invasión a Irak, la vocalista líder del grupo, Natalie Maines, dijo en la mitad de un concierto en Londres: “no queremos esta guerra, esta violencia, y nos avergüenza que el Presidente de los Estados Unidos sea de Texas”.

A su regreso de su gira por Europa, las Dixie Chicks fueron vetadas de las estaciones de música country y perdieron una gran porción de sus seguidores. Desde ese momento los artistas de country han tenido mucha cautela con el tema político y por eso los de corte más liberal han decidido dejar sus acordes en silencio. La industria tiene mucho poder, y, en el country, ser un activista liberal que va en contra del gobierno puede significar el fin de una carrera.

La música country y sus estrellas han sido erróneamente vinculados a los sectores extremistas republicanos y a supremacistas del sur de Estados Unidos. Hace un mes, durante las marchas de Charlottesville, la fotografía de un supremacista blanco vistiendo una camiseta de Johnny Cash circuló por internet. Luego de eso para evitar confusiones los hijos de la estrella de country, furiosos por la imagen, emitieron un comunicado en el que señalaron las buenas virtudes de su padre y dejaron en claro que él nada tenía que ver con las posiciones radicales de quienes marchaban ese día.

Esta asociación se debe a que la historia de la música lo enseña así: el blues de los negros y el country de blancos. Al ser un género musical que nació en el sur del país durante un periodo marcado por la segregación y la esclavitud, se le ve como el estilo más blanco entre los matices de la música norteamericana. Pero la verdad es que, aunque cercano al patriotismo norteamericano y a la raza blanca, este estilo musical está lleno de liberalismo, y algunos de sus intérpretes, como Johnny Cash, han buscado por mucho tiempo darle protagonismo a los oprimidos y buscar con sus acordes justicia social.

Un artículo de: Andrés Camilo Gómez. EL ESPECTADOR

Bryan Adams y su conexión española

2017-09-15T08:47:00.000-07:00

La empresa española Tweet Binder ha desarrollado una innovadora plataforma para la gira mundial del artista canadiense. Se trata de una herramienta que recoge todas las fotos de los conciertos de Adams y que los usuarios publican en redes sociales .

A partir de ahora, todas las instantáneas de los directos del artista que se suban a Instagram o a Twitter quedarán integradas y clasificadas en un mapa que se publicará en la página oficial de Bryan Adams. De esta forma, cualquier fan que lo desee podrá consultar las fotos del concierto al que asistió.

Cada ciudad tendrá un hashtag específico y en función del impacto y “ruido” en redes sociales de las publicaciones, éstas ocuparán un puesto determinado en un ranking de ciudades, creando así una innovadora y sana competición.

Maite Muruzábal, responsable de marketing en Tweet Binder ha destacado la importancia de trabajar con un artista de talla mundial. “En breve veremos nuevos grupos con sistemas parecidos desarrollados por nosotros”, asegura.

Redacción: Kiss FM

Fotografía: Billboard

La partitura de Eleanor Rigby

2017-09-02T07:14:00.000-07:00

La partitura original de la canción “Eleanor Rigby” de los Beatles se pondrá a la venta el próximo 11 de septiembre en una subasta dedicada a objetos de recuerdo del popular cuarteto de Liverpool.

Paul Fairweather, de la casa de pujas Omega Auctions, en la localidad inglesa de Warrington, indicó hoy a la cadena BBC que se espera alcanzar la cifra de 20.000 libras (21.900 euros) por la partitura, manuscrita por Paul McCartney y firmada por el ya fallecido productor del grupo, George Martin.

McCartney siempre explicó que el nombre “Eleanor” se debió a la actriz Eleanor Bron mientras que se tomó, según su versión, el apellido “Rigby” del nombre de un comercio.

Sin embargo, alguien encontró una tumba en el patio de la iglesia St.Peter, donde el músico conoció a John Lennon por primera vez, en el que figuraba el nombre de Eleanor Rigby en el epitafio, lo que hizo pensar que ambos hechos podrían estar relacionados.

La casa de pujas ha anticipado una “feroz competencia por parte de compradores de todo el planeta” por la partitura original.

“Eleanor Rigby”, una canción que versa sobre la soledad, se publicó en la cara B del álbum “Yellow Submarine“, que la banda sacó en 1966.

La partitura, escrita con lápiz, incluye entre sus anotaciones que la canción se iba a grabar en los míticos estudios de grabación londinenses de Abbey Road y que incluiría cuatro violines, dos violas y dos chelos para su interpretación.

Su venta se incluirá en una puja dedicada a objetos de recuerdo del famoso grupo británico de pop, compuesto por McCartney, Lennon, Ringo Starr y George Harrison.

Fuente: KISS FM

Bruce Springsteen en los Invictus 2017

2017-09-02T07:08:00.000-07:00

El cantante estadounidense Bruce Springsteen actuará el 30 de septiembre en la ceremonia de cierre de los terceros Juegos Invictus que este año se celebran en la ciudad canadiense de Toronto.

Los juegos, en los que participan militares activos y retirados con discapacidades o que hayan padecido traumas, se celebrarán en Toronto del 23 al 30 de septiembre, donde se prevé la participación en Invictus de 550 militares procedentes de 17 países.

La organización de la competición, que se inició en 2014 en Londres, dijo hoy en un comunicado que, además de Springsteen, en la ceremonia de cierre participarán artistas como Bryan Adams, Bachman & Turner, Kelly Clarkson y Coeur de pirate.

Springsteen dijo que “los Juegos Invictus no se limitan a los obstáculos que los competidores experimentan durante los eventos sino que también se refieren a los obstáculos que la vida les ha colocado”.

Redacción (Agencias)
Imagen: Facebook Oficial

Fuente: KISS FM

Le damos la bienvenida a esta nueva versión de "Si ella me faltara alguna vez"

2017-07-21T06:43:00.002-07:00

Esta combinación de voces es lo mejor!

Felicidades a Julieta Venegas y Haydée Milanés.