X-Statix: ruido mediático y la muerte del superhéroe

Cuando X-Force vol.1 #116 apareció en 2001, parecía otro relanzamiento más dentro de una Marvel que todavía buscaba recomponerse tras la bancarrota de los años noventa.

Pero no, estábamos muy equivocados. Peter Milligan y Michael Allred estaban a punto de dar un paso en firme que podía acabar en el abismo; algo así como el salto de fe de Indiana Jones de camino al Grial. O todo, o nada.

Lo que ambos autores hicieron fue a todas luces una ejecución pública, no sólo de un equipo de mutantes, sino de una forma concreta de entender el cómic de superhéroes. Adiós músculos, hola adolescentes, bienvenido narcisismo, buenos días desconexión de la realidad.

Milligan y Allred se apropiaron del envoltorio más tóxico del Marvel de los 90, X-Force, el legado de Rob Liefeld. Era un envoltorio ostentoso, donde se primaba el culto a la imagen, la pose y el exceso; ambos desmontaron pieza a pieza una construcción con cimientos endebles.

El resultado no fue una parodia amable ni un homenaje irónico, sino una sátira cruel e incómoda, donde la muerte es permanente, la fama es una maldición y el heroísmo es una prostitución mediática.

Ambos autores nunca buscaron seguir a Watchmen ni el cinismo cool de The Authority. Su objetivo fue exponer el ridículo del superhéroe como producto cultural en la era del espectáculo.

El aporte conceptual de X-Statix es entender al superhéroe como celebridad mediática, no como símbolo. El equipo no lucha por ideales; lucha por ratings, contratos, merchandising y visibilidad. Esto conecta directamente con el auge de los reality show (Big Brother -1999- y Survivor -2000-, entre los destacados) a finales de los 90 y principios de los 2000. X-Statix anticipa y satiriza una cultura donde, ser visto es lo más importante, la identidad es una suerte de performance y la tragedia es contenido muy disfrutable por el público (véase La isla de las tentaciones, el mejor programa de humor de este milenio).

En este sentido, la serie es menos una obra “sobre superhéroes” que una crítica cultural amplia, utilizando el género como laboratorio.

Sería imposible que este discurso funcionara sin Michael Allred. Su estilo, limpio, deudor del pop art y del diseño gráfico de los 60, es una provocación consciente dentro de Marvel. Donde otros dibujantes buscan músculo y dramatismo, Allred ofrece, sonrisas congeladas, colores brillantes y lo más importante, composiciones publicitarias. Esta estética no suaviza la violencia, al contrario; la hace más obscena. Me explico; ver cuerpos destrozados en un mundo visualmente alegre produce espanto, inquietud, incomodidad.

Del X-Force de Rob Liefeld al X-Force de Milligan: parodia y de un legado envenenado

Peter Milligan y Michael Allred se hacen con el concepto de Rob Liefeld y de una manera directa a critican el monstruo de los noventa. Ambos autores no son respetuosos ni conciliadores, sino que hacen una labor eminentemente quirúrgica extirpar un tumor, X-Statix existe porque X-Force existió antes, y este hay que eliminarlo.

El X-Force original, surgido en 1991 bajo el mando creativo de Rob Liefeld y Fabian Nicieza, encarnaba una versión del superhéroe diametralmente diferente de lo visto hasta la fecha. Más joven, más agresivo, más armado y, sobre todo, más consciente de su propia imagen. Los personajes eran siluetas impactantes sin personalidad.

Sin embargo, Milligan critica ese legado no desde la nostalgia ni desde la superioridad moral, sino desde la exageración consciente y la inversión de sus valores.

X-Force vol. 1 #116 funciona como un manifiesto. Desde sus primeras páginas, se establece el tono; un equipo mediático, autoconsciente e incompetente. La muerte de varios miembros del equipo no solo es brutal, sino narrativamente impactante y directa. No hay tiempo para duelo, épica ni redención. La cámara narrativa no se detiene a honrar a los caídos porque el espectáculo debe continuar. Aquí aparece uno de los grandes temas de la serie: la deshumanización absoluta del héroe.

Es importante señalar que Milligan no escribe X-Statix como si estuviéramos ante The Boys de Garth Ennis o Hulka de John Byrne. No hay chistes, ni ruptura constante de la cuarta pared. El humor es incómodo y cruel. Los personajes no saben que son ridículos, al contrario, se creen importantes y poderosos.

Este enfoque es clave. La sátira funciona porque los personajes se toman en serio a sí mismos. El lector no se ríe con ellos, sino de ellos.

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Otro de los grandes conceptos de esta serie es la transformación del equipo en una marca registrada. Ya no responden a Charles Xavier ni a una misión ideológica clara. Responden a un contrato, estudios de mercado y ratings. Tal es así que la figura del mánager del equipo es tan importante como la del líder de campo. Las decisiones no se toman por necesidad moral, sino por potencial mediático. Las tragedias se evalúan en términos de impacto de audiencia. Este enfoque anticipa un debate muy actual, influencers, cultura de la cancelación y monetización de la identidad.

La celebridad como maldición.

Toca hablar de uno de los aspectos más importantes de X-Statix; la celebridad. Peter Milligan ya no nos habla del superhéroe como un ser excepcional. Los protagonistas son ahora identificados de tal forma que no son nada sin la mirada del público.

Tradicionalmente la máscara no solo protegía al individuo, sino que funcionaba como frontera simbólica entre el yo privado y el mito público. En X-Statix, esta frontera ha desaparecido. Los miembros del equipo conceden entrevistas, miden su popularidad, discuten estrategias de marketing. La identidad se construye desde la percepción externa. El guionista capta a la perfección una sociedad en la que la importancia y la fama se miden en cotas de visibilidad.

Uno de los hallazgos más incómodos de la serie es su insistencia en presentar una terrible idea; la popularidad se convierte en una jaula. Tal es así que, si tienes éxito, debes repetirlo, si fracasas, eres descartado.

Michael Allred refuerza visualmente esta crítica. Los trajes de X-Statix parecen diseñados para ser carteles, no para el combate. Los cuerpos se convierten en superficies publicitarias.

Quizá el aspecto más incómodo de esta serie es su relación con el lector. Milligan consigue, muy a nuestro pesar, que queramos nuevos personajes, olvidando muy pronto a los caídos y aceptando la muerte como como entretenimiento. Mediante un discurso textual articula el núcleo duro de X-Statix, y le da forma con su guion: el nihilismo y la exposición de la celebridad como sistema destructivo.

El autor británico rompe con la linealidad tradicional. Los arcos de X-Statix se sienten fragmentados, pero cuidadosamente calculados. Encontramos cambios abruptos de misión, muertes inesperadas y eliminación de personajes casi efímeros en cuestión de páginas. De esta forma se refleja el caos del sistema mediático: todo es remplazable, efímero, y la continuidad emocional es secundaria.

La muerte como motor narrativo.

Siguiendo el hilo con lo anteriormente expuesto tenemos que hablar de la muerte. En el cómic de superhéroes tradicional, la muerte es un evento reversible. Lo hemos visto hasta la saciedad para disgusto de muchos. El lector experimentado sabe que toda muerte importante es provisional. Esta certeza constituye uno de los pilares no escritos del género. X-Statix dinamita ese pacto desde dentro.

Milligan y Allred, nos ofrecen una muerte frecuente, abrupta y carente de solemnidad. Los personajes mueren sin monólogos finales, sin redención y sin garantía de ser recordados. Cada misión puede ser la última. No hay homenajes prolongados. Los personajes caídos son reemplazados y olvidados. Esto refleja con crudeza la lógica del mercado cultural actual; lo nuevo reemplaza a lo viejo sin remordimiento.

Dentro de esta colección, que parece un relato obsesionado con la mortalidad, Chica Muerta funciona como una figura irónica. Su incapacidad para morir la convierte en una anomalía narrativa y emocional. Mientras otros personajes temen la muerte, ella vive atrapada en un ciclo sin fin de resurrección. Sin embargo, su aparente inmortalidad es más bien un castigo, de ahí la ironía. Esto es así porque su historia no se cierra. No puede desaparecer del foco mediático, y no puede escapar de un rol que le es asignado y del que no puede escapar.

Al matar personajes de forma irreversible, X-Statix rompe con uno de los aspectos o pilares fundamentales del cómic mainstream. De esta forma Milligan busca responsabilidad emocional; debes aceptar el riesgo de perder a los personajes por los que sientes afecto.

Michael Allred y la estética pop como discurso

Hablar de X-Statix sin detenerse en el trabajo de Michael Allred sería reducir la serie a la mitad. No porque el dibujo “acompañe” al guion, sino porque funciona como un segundo texto, autónomo y complementario. La crítica cultural que articula Peter Milligan sería imposible sin la elección consciente de una estética que choca frontalmente con las convenciones visuales del cómic Marvel de su época.

Como todos bien sabemos el estilo de Allred bebe abiertamente de la cultura pop art de los años sesenta y del diseño gráfico publicitario. Cada viñeta de X-Statix está pensada para ser comprendida de inmediato, como un anuncio o un cartel. Por ello el artista, con malvada intención, no está dibujando escenas, sino imágenes pensadas para ser vistas y recordadas.

El trabajo de color, a menudo realizado por Laura Allred, es fundamental para entender el impacto emocional de la serie. Los colores son saturados, brillantes y alegres. De esta forma se produce una disonancia constante entre forma y contenido. La violencia, la muerte y el trauma ocurren en un mundo que parece diseñado para vender felicidad. ¿No creéis que es un fiel reflejo de nuestra sociedad?

El efecto es perturbador.

A nivel de narrativa secuencial, Allred apuesta por una composición clara y controlada. Las páginas rara vez son caóticas. Incluso en escenas de acción, la lectura es fluida, casi elegante. Este control refuerza una violencia coreografiada. Todo parece diseñado y planificado.

Tal y como os he dicho antes los diseños de los personajes en X-Statix funcionan como logotipos vivientes. Cada miembro del equipo es reconocible por una silueta clara, un esquema de color definido y una pose característica.

El dibujante no intenta “humanizar” visualmente a los personajes. Al contrario, los presenta como productos listos para ser consumidos, actúa malévolamente de la mano de Milligan.

X-Statix como sátira política y cultural.

El eje central de la sátira de X-Statix es la transformación del superhéroe en producto de consumo. Esto se refleja en varios niveles. En primer lugar las misiones ya no se realizan por justicia, sino por pago o por visibilidad mediática. En segundo lugar, cada miembro del equipo es una marca, con su logo, color y estilo personal. Finalmente, los héroes son intercambiables; el ciclo de producción y consumo no permite vínculos permanentes. Milligan muestra cómo la ética se subordina al mercado, y cómo la sociedad celebra la muerte y el fracaso cuando estos generan beneficios.

Aunque X-Statix parece centrarse en Nueva York y en misiones locales, muchas tramas abordan conflictos bélicos y terrorismo de forma directa o implícita. La guerra se convierte en un telón de fondo performativo. Tal es asó que la violencia global se banaliza. La serie cuestiona la indiferencia de la sociedad ante el sufrimiento masivo cuando se convierte en espectáculo mediático.

Por otro lado la crítica no se limita a los medios o el mercado. Milligan aborda también un tema interesante; la política corporativa y burocracia. Esta idea pivota sobre un eje claro; los managers, jefes y ejecutivos son más poderosos que los héroes. Siguiendo con la idea de la maldición de la celebridad, el guionista señala que los actos heroicos son evaluados por su visibilidad, no por su valor ético. El resultado es un nihilismo político: el sistema no es corrupto porque haya villanos, sino porque está estructurado para funcionar así, sin excepciones.

Recepción, legado e influencia: de la polémica a la obra de culto

Aunque X-Statix nunca alcanzó cifras de venta comparables a las sagas más icónicas de Marvel, su impacto cultural y artístico ha sido profundo y duradero. La combinación de narrativa radical, crítica social y estética pop lo convirtió en una obra adelantada a su tiempo, capaz de influir en generaciones de creadores posteriores.

Durante su publicación, la serie recibió críticas divididas. Por un lado, se elogió la valentía de Milligan y Allred para subvertir convenciones del cómic superheroico. Además, como punto a su favor su mezcla de ironía, violencia y reflexión cultural fue vista como innovadora y sofisticada. Respecto a la estética pop de Allred, ésta fue celebrada como refrescante y coherente con la narrativa.

En contra un sector señalaba que la serie era irreverente y distante del canon. El ritmo fragmentario y la elevada mortalidad de los personajes generaron incomodidad y pérdida de apego emocional. Y, finalmente, algunos críticos consideraron que la sátira era demasiado cruel o nihilista, dificultando la identificación con los protagonistas.

Sin embargo, una obra es digna de recordar y de subrayar, siempre que no busca agradar a todos, sino desafiar las expectativas del género, y este aspecto es lo que encumbró a X-Statix.

La serie fue cancelada tras 26 números, una duración relativamente corta para Marvel. La cancelación se debió a unas ventas moderadas, incapaces de sostener el título a largo plazo y que su contenido, polémico, desafiaba la visión corporativa de Marvel. Posteriormente tuvimos una segunda venida de la mano de ambos autores. Sin embargo no fructificó puesto que se sentía fuera de lugar y que, en parte, había traicionado la esencia de sus inicios. Ya se sabe que las segundas partes, salvo Aliens: El regreso, Regreso al Fururo 2, Terminator 2, Indiana Jones 2 y Star Wars: El Imperio Contraataca, no suele ser plato de buen gusto.

La cancelación reforzó a X-Statix como obra subversiva y marginal, un cómic demasiado adelantado para su tiempo, pero que dejó una huella indeleble en la industria.

Edición original: Bizarre Year None #1 (DC Comics, 2026)
Guion: Kevin Smith, Eric Carrasco
Dibujo: Nick Pitarra
Entintado: Nick Pitarra
Color: Michael Garland
Formato: Grapa. 24 páginas. 3,99€

Bizarrada

«I prefer coffee guy.»

Bizarro es un villano clásico, uno de los favoritos de la redacción, aunque su carácter humorístico hace que muchos fans no se lo tomen demasiado en serio.

Representa uno de los clichés del género al ser el reverso del héroe por excelencia: Superman. El cliché del cliché.

Creado por Otto Binder y George Papp en Superboy #68 (1958), debutó en la Edad de Plata. Bizarro es un reflejo distorsionado de Superman, un reflejo de espejo, ya que es un Superman al revés.

En su nacimiento editorial, fue creado por el Profesor Dalton y su máquina duplicadora. Utiliza esta para duplicar a Superboy, pero lo que surge es una copia defectuosa con la piel blanca. Nace Bizarro. En esta primera aventura Superboy se ve obligado a matarlo mediante kryptonita azul.

Años después el personaje es devuelto a la continuidad por Lex Luthor, convirtiéndose en un concepto recurrente y algo torpe del universo Superman. Cada reformulación/reincio/etapa larga de Superman ha contado con su Bizarro, con su matiz del concepto, desde Byrne a Johns, pasando por las Aventuras de Superman. Además, que ha pertenecido una innumerable cantidad de supergrupos de villanos y eventos.

Es difícil encontrar cómics del personaje interesantes debido a su estupidez bondadosa, su involuntaria capacidad de destrucción y a su desesperante forma de expresarse. Sin embargo, en los últimos años han aparecido autores que han sabido darle cierto empaque.

Además del especial Bizarro Comics y de la miniserie puramente humorística y caricaturesca por parte de Heath Corson y Gustavo Duarte, tenemos el arco de Geoff Johns en su venerada etapa en Superman y el mucho más reciente de Jason Aaron.

Estos dos autores han intentado rebajar el tono humorístico de Bizarro para darle profundidad y encaje en la continuidad, desarrollando dos interesantes arcos en los que conocemos más y mejor la psicología de Bizarro y la sociología de su tierra cúbica.

Pero el personaje tiene poco recorrido y a pesar del esfuerzo de estos dos destacados guionistas, no tiene capacidad por si mismo para aguantar grandes sagas (a no ser que sea usado como arma o secundario muy, muy lejano). Su nivel de poder y su estupidez lo hacen difícilmente manejable.

No en vano, DC se caracteriza por su dispersión, diversidad y falta de cohesión. Líneas, sellos, universos alternativos… todo es posible en DC fuera de la pegajosa y dichosa continuidad.

El cineasta Kevin Smith, se une a Eric Carrasco a los guiones para formar un tridente letal con el dibujante Nick Pitarra, para un nuevo cómic de Bizarro.

Bizarro Year None es el título con un juego de palabras que nos hace temer lo peor: la incomodidad del sobadísimo juego de palabras reverso de Bizarro.

Sin embargo, el no-juego se queda ahí, si bien se trata de un cómic humorístico.

El centro de la historia es el Planet en el que vemos una redacción intensa, atropellada, llena de chistosos tópicos sobre el periodismo y sobre la irrelevancia del entrañable Jimmy Olsen.

Irrumpe, en una página desaforada, un soldidato (soldadazo más bien) de plomo gigante del Juguetero, que se pasea por la ciudad como si esta fuera de juguete, sembrando caos y destrucción.

El (estrafalario y contracultural) profesor David Dalton activa su máquina duplicadora para salvar la ciudad y entra en acción Bizarro, pero no solo él. Su presencia es contaminante y transforma poco a poco el entorno, las personalidades de los protagonistas e incluso la forma del planeta.

Se trata de un inicio divertido, humorístico sin ser cargante, original, con diálogos chispeantes y en ellos que vemos una panorámica estimulante de Metropolis con versiones carismáticas de los personajes que se nos hacen familiares y reconocibles, yendo a la esencia de su personalidad. Uno se siente como si se reencontrara con viejos colegas. Esta es parte de la gracia de estas historias, más o menos frívolas, fuera de continuidad.

Tampoco es una comedia descacharrante, pero tiene un tono despreocupado, estimulante, con un clima de que puede pasar cualquier cosa.

Desataca de forma primorosa el dibujo de Nick Pitarra. Con un estilo de la escuela de Quitely o Burnham, con elementos caricaturescos y trazos de underground, Pitarra ofrece un desempeño espectacular con un planteamiento tridimensional de la viñeta. A diferencia de autores mucho más mecánicos, cuyo trabajo parece más industrial, en el que tenemos personajes en primer plano y fondos intercambiables y despersonalizados detrás, Pitarra dibuja escenarios y mete a los protagonistas dentro, interaccionando con el entorno.

Se trata de un planteamiento mucho más personal, artesanal, detallado y bello (a pesar de la fealdad de los personajes). Uno devora las páginas gracias a la riqueza de detalle, al trazo voluptuoso y al movimiento hipnótico de la acción (aquí se emparenta fuertemente con Quitely (dibuja una portada alternativa que ponemos como imagen destacada)).

La fuerza y la personalidad de Pitarra suponen un chute de adrenalina para el lector que tiene la sensación de estar leyendo un tebeo que mezcla el underground de Crumb y Shelton, con All Star Superman, el Jimmy Olsen de Fraction, además de una visión humorística de los medios de comunicación.

Se trata de un soplo de aire fresco, un comic luminoso, divertido, que sabe sacarle el jugo a la parte lúdica de Metropolis, una reformulación de los conceptos de la Edad de Plata y a sus gigantescas posibilidades (como siempre defendió el gran Morrison).

Se suma a la también espectacular miniserie sobre las nuevas kryptonitas por parte de los “heladeros” de pronta llegada en nuestras tiendas.

¡Larga vida a la Edad de Plata (reformulada)!

Lo mejor

• El dibujo de Pitarra
• Un cómic muy entretenido.

Lo peor

• Alguna reseña USA lo ve como algo ya visto (¿en serio?)

Género: Drama.
Creador Richard Gadd.
Reparto: Richard Gadd, Jamie Bell, Mitchel Robertson, Stuart Campbell, Neve McIntosh, Charlie de Melo, Tim Downie, Anjli Mohindra, Tom Andrews, Marianne McIvor, Amy Manson, Sandy Batchelor, Kal Sabir y otros.
Producción: BBC Studios, HBO, Mam Tor Productions, Screen Scotland, The Forge Entertaiment, Thistledown Pictures.
Canal: BBC One y HBO Max

Hoy en día, y prueba de ello es esta Half Man de la que hablamos hoy, está muy de moda hablar de relaciones tóxicas. Y lo está, porque la toxicidad en las relaciones humanas ya sean estas sexo afectivas o no, familiares o de amistad, es una de esas cosas que siempre han estado presentes en la vida de casi todo ser humano (o bien en la propia, o bien en la de gente muy cercana nosotros) pero no hemos sido capaces de sacar a la luz hasta que el término toxicidad ha llegado a nuestras vidas.

En el ámbito de la pareja sentimental o de la familia, así como en el de la amistad, la toxicidad suele aflorar de forma más fácil, porque no es tan fácil cortar el contacto con una persona que, por mucho daño que te haga a nivel emocional, estás hasta cierto punto “obligado a aguantar” por la naturaleza del vínculo que te une a ella.

Con este contexto, toca hoy hablar de Half Man, la nueva serie de Richard Gadd a quien conocimos en el año 2024 con la magnífica Mi Reno de Peluche, que narraba los abusos sexuales y emocionales sufridos por el propio Gadd cuando trataba de labrarse un futuro como monologuista, a manos de una mujer que le acosaba y, también de un compañero de trabajo.

Aquella serie puso en el punto de mira a Gadd, que de cómico frustrado con una vida muy difícil en la que había sido víctima de acoso y de violación, pasaba a ser uno de los showrunners televisivos más a tener en cuenta en el momento actual.

Pues bien, alejado de sus vivencias personales y esta vez a cargo de una historia puramente ficcional, pero en la que seguro que hay mucho de experiencias personales del propio Gadd o de sus seres queridos, llega Half Man, mini serie de seis episodios nacida en el sento de la BBC que hemos podido disfrutar en nuestro país a través de HBO Max y que hoy mismo ha emitido su último capítulo.

Half Man

Half Man, en la que Richard Gadd es creador, director y guionista, como ocurría en la ya mencionada Mi Reno de Peluche, si bien en la labor de dirección también están acreditadas Alexandra Brodski (Somewhere Boy) y Eshref Reybrouck (Los amos de la ciudad).

Half Man cuenta la historia de Niall Kennedy (Jamie Bell en su encarnación adulta, Mitchell Robertson en su encarnación adolescente) quien el día de su boda con su futuro marido Alby (Charlie de Melo) ve como aparecen en la misma, de forma sorpresiva su hermano Ruben Pallister (interpretado por el propio Richard Gadd, si bien en las escenas en las que éste era adolescente, es Stuart Campbell quien hace lo propio).

Niall y Ruben llevaban años sin verse, y a lo largo de los seis capítulos que dura Half Man, veremos vía Flashback como se construyó la complicada relación entre estos dos hermanos.
Ya en el primer capítulo, lo que se nos cuenta es que las madres de Niall (Lori, interpretada por Neve McIntosh) y Ruben, viuda la de Niall, divorciada la de Ruben (Maura, a quien da vida Marianne McIvor), comienzan una relación amorosa, viviendo juntas en el piso que Lori comparte con su un adolescente Niall. Sin embargo, pronto llega Ruben a sus vidas, quien viene desde un reformatorio, con un historial muy delicado debido a las malas compañías y a los delitos cometidos en el pasado.

Niall, quien además tiene una relación muy complicada con su sexualidad, rechazando de plano (trauma que arrastrará durante años) una homosexualidad más que evidente, vive con miedo al día que Ruben aparezca en su casa pero, sin embargo, lo que comienza como una relación en la que Ruben manda y Niall obedece, se convierte rápidamente, y al menos al principio, en una estrecha relación de hermanos en la que Niall ayuda a Ruben a progresar en los estudios, mientras que Ruben evita que Niall sufra acoso escolar.

Ello hace que a lo largo de los años ambos hermanos desarrollen una compleja relación en la que Niall no puede vivir sin el apoyo emocional y violento de su hermano, al que recurre para resolver cualquier situación social que se la vida le pone por delante, lo que termina por poner a ambos en una situación muy complicada de cara a un juicio.

A lo largo de los seis capítulos que dura Half Man, de una duración de más o menos una hora cada uno, y siempre intercalando los comienzos en la boda de Niall y Alby con el pasado de ambos hermanos, vamos viendo como ni Niall es tan bueno ni Ruben tan malo, como los dos se aman al tiempo que se hacen daño constantemente y como la toxicidad y la codependencia emocional impregna todas sus vidas.

A nivel de argumento esta serie es una de las más duras que me ha tocado ver. Y es que es más lo que no cuenta, que lo que dice. No veremos en Half Man escenas excesivamente violentas o sangrientas, ni de sexo muy explícito pero constantemente se hará referencia a ellas, o podremos colegirlas tras ominosos fundidos a negro que nos dejan sin aliento.

Pocas veces he visto en televisión una serie que entienda tan bien las complejas relaciones humanas y la toxicidad de algunas de ellas, lo que se consigue con un guion y dirección casi perfectos unidos a un reparto de altura.

En cuanto a la fotografía, la misma está llevada a cabo por Carlos Catalán (Killing Eve) y por Frederic Van Zandycke (El deshielo) quienes consiguen plasmar casi perfectamente la Escocia barriobajera y de pueblos pequeños en el que todo el mundo se conoce en la que transcurre Half Man.

En lo relativo a la banda sonora, ésta está llevada a cabo por Evgueni Galperine (Malavita) y por Sacha Galperine, hermanos que han colaborado juntos en Eva, La familia Bélier y Malavita. Estos dos hermanos rusos afincados en Francia (que también colaboraron en la infame Kraven the Hunter) logran entender perfectamente la vida en Escocia con una música que conecta con el folclore de esas tierras y que de configurar la magistral ambientación de esta serie.

Podría pasarme páginas y páginas hablando de Half Man, de lo mucho que me ha horrorizado a nivel emocional esta serie, pero a la vez cautivado como espectador, pero ello supondría incurrir en innumerables spoilers que he tratado de evitar a lo largo de este texto.

Baste con decir que pocas personas entienden lo peor y lo complicado del ser humano como Richard Gadd quien consigue superarse a sí mismo en esta serie que está un paso por delante de Mi Reno de Peluche, sin que aquella fuera ni mucho menos mediocre.

Un Must que nadie debería perderse.

Dark Horse cierra sus tiendas de cómics

Hace unas semanas anunciamos la salida de Mike Richarson, creador de Dark Horse, de la empresa, entrando Jay Komas, un directivo de Middle-Earth Enterprises. Pero no quedan ahí los cambios y desde Dark Horse han anunciado el cierre de sus tiendas de cómics. Esta cadena tiene importancia histórica, pues Mike Richardson fundó Dark Horse con el capital que le dio la primera tienda.

En los próximos meses echarán la llave en las tres tiendas y desde su web agradecen el trabajo a los empleados, con un comunicado que da a entender que se van a la calle. En cambio, esta nueva etapa e Dark Horse piensa potenciar Dark Horse Entertainment, dedicada a los medios audiovisuales, y la recientemente creada Dark Horse Games, como su nombre indica preocupada por llevar las creaciones editoriales al mundo de los videojuegos, algo normal si tenemos en cuenta que es a lo que se dedica la empresa matriz y dueña de la editorial.

Fuente: Dark Horse Comics.

El personal de Dark Horse forma un sindicato ante los cambios en la cúpula

Ante todo este cambio que está sufriendo la editorial los empleados han decidido formar un sindicato, pidiendo mediante una carta a su nuevo presidente, Jay Komas, que lo reconozca voluntariamente. Esta decisión llega justo tras el anuncio del cierre de las tiendas del que acabamos de hablar. Obviamente.

Entre sus peticiones se incluye un sueldo equitativo, decisiones democráticas en el puesto de trabajo y continuar con su compromiso con los proyectos de creación propia y sus autores. Esto último viene como respuesta al miedo que muchos tenemos con respecto a que Dark Horse deje de lado los cómics que la han hecho crecer, y por ende al noveno arte, para apostar por las licencias externas.

Fuente: Dark Horse Comics.

Kyle Baker reinterpreterá La Guerra De Los Mundos con… ¡Godzilla!

IDW Publishing ha anunciado la próxima entrega de Godzilla’s Monsterpiece Theatre Presents: el one-shot Roar of the Worlds (La garra de los mundos (?)), que llegará en agosto y continuará la serie de mezclas literarias absurdas. La historia estará escrita por Kyle Baker.

El cómic estará disponible a partir del 12 de agosto en el mercado norteamericano. Entre tanto, podemos disfrutar de otras joyas de la misma colección como «Romeo y Julieta y Godzilla» o «La odisea de Godzilla». ¡Altísima cultura!

Fuente: Comicsbeat.

Dark Horse anuncia la edición en papel de Shift, la novela gráfica de 3 Worlds, 3 Moons

Dark Horse Comics ha anunciado Shift, un nuevo one-shot de 64 páginas ambientado en el universo de Three Worlds / Three Moons. Estará escrito por Hickman e ilustrado por del Mundo. En la historia se explorará una época muy anterior a los acontecimientos de Foundations, con un protagonista que tiene por misión descubrir los secretos de la vida y evitar el colapso de los mundos mientras fuerzas oscuras buscan reactivar una máquina capaz de iniciar un nuevo ciclo científico.

Shift se publicará el 2 de septiembre de este 2026 en el mercado norteamericano.

Fuente: Dark Horse Comics.

Iman Vellani anuncia la miniserie Chachu

Estamos muy acostumbrados a ver a celebrities de lo más variadas meter la nariz en el mundo del cómic participando en nuevas series, generalmente en calidad de co-creadores apoyados por un guionista experimentado. El caso de Iman Vellani, la actriz que encarna a Ms. Marvel en el MCU, parecía ser uno de esos, cuando en 2023 ejerció como co-guionista de la serie de su propio personaje, Ms. Marvel: The New Mutant.

Sin embargo, parece que Vellani le ha cogido el gusto de verdad a esto de las viñetas, porque se acaba de anunciar el lanzamiento de Chachu, una miniserie que supondrá su debut como guionista en solitario. El arte vendrá de la mano de Marianna Ignazzi (Exquisite Corpses), con color de la magna Jordie Bellaire.

Ubicada en 1979, la serie nos pondrá en los zapatos de Chachu, una joven pakistaní-canadiense de 19 años que viaja a California al encuentro de su tío, un otrora detective que alcanzó cierta fama por casarse con la celebridad a la que contrataron para encontrar. Ahora, su mujer ha vuelto a desaparecer, y Chachu y su tío se verán obligados a embarcarse en un inesperado viaje para encontrarla.

Chachu nace bajo el techo de Tiny Onion, el sello editorial de James Tynion IV, y será publicada por Image Comics. Podremos leerla el 5 de agosto.

Fuente: Variety.

Mad Cave anuncia Lazarus Order

Desde luego, si ha habido una época en la que las plagas y epidemias están de moda, es esta. Por ahí va Lazarus Order, la nueva serie anunciada por la editorial Mad Cave. En ella, los autores nos adentran en una fantasía medieval en la que una extraña enfermedad convierte a sus víctimas en terribles criaturas tales como vampiros, licántropos o zombies, entre otras muchas cosas. La última línea de defensa de la humanidad son los médicos de la peste, solo que en este caso sacrifican su existencia a cambio de obtener poderes con los que combatir a dichas criaturas.

Lazarus Order viene creada por Sloane M. Siegel (Gotham Knights), con participación de Benjamin J. Stockham en la historia y en el diseño de personajes, y por Juan Doe (Vanishing Point) en el arte. La rotulación corre a cargo de DC Hopkins. Su estreno está previsto para el 19 de agosto.

Fuente: Mad Cave Studios.

Edición original: Zorro #1 (Alien Books, 2026)
Guion: Howard Chaykin
Dibujo: Jorge Fornés
Entintado: Jorge Fornés
Color: Walter Pereyra
Formato: Grapa. 32 páginas. 4,99$

El Zorro sigue de viaje: desde Buenos Aires a Europa

La marca del Zorro (y no me refiero a la Z) está gozando de muy buena salud, al menos en el mundo del cómic. Otra vez nos reúne una novedad vinculada a este legendario justiciero, como no hace tanto lo hiciera la publicación de una nueva aventura en Argentina y un poco más atrás una reversión de Sean Gordon Murphy.

Es un personaje que me resulta cautivador y me atrae sin hacer demasiado esfuerzo, pero si la firma de la nueva serie que comienza a publicarse en Estados Unidos es de Howard Chaykin y Jorge Fornés, la atracción se multiplica con calidad artística asegurada.

La dupla fue reunida por Alien Books, sello que tenemos en nuestro radar particularmente por su trabajo en el relanzamiento de Valiant, el cual firmó un acuerdo con Zorro Productions, Inc. hace alrededor de un año permitiendo esta nueva miniserie, una más que saldrá a la luz en los próximos meses (Zorro: Legacy, por Dan Abnett y Aaron Lopresti, con aventuras de un heredero de la máscara en el presente), una reedición de lujo de la versión de Alex Toth, y también el citado cómic en Argentina (dado que los ejecutivos de Alien y los de OVNI Press, editorial de ese país, están estrechamente vinculados).

En efecto, el cómic que tenemos hoy entre manos cuyo #1 salió a la venta este mes de mayo, comienza también en Argentina y es una historia con ribetes internacionales para Diego de la Vega. No hay una referencia directa a Tierra de Capiangos, pero a primera vista diríamos que está vinculada y es una continuación de ella para llevar al Zorro a otras tierras siguiendo al villano de esta nueva historia.

Pero. Si se planteara como una continuidad más o menos lineal estaríamos ante un error cronológico: este cómic ocurre durante la erupción del Monte Tambora que ocurrió en 1815, mientras que Tierra de Capiangos se situaba en 1820. Además de ello, hay algunas referencias visuales y en diálogos que es preferible no poner demasiado el ojo, y tomarlas mejor como una serie de licencias narrativas temporales e históricas concedidas a los autores en pos de su narración, asumiendo que no se trata de un cómic documental ni un libro de historia, sino la aventura de un héroe enmascarado. Y en todo caso, estas habría que atribuirlas más bien a los editores originarios de Argentina más que a los autores, que no tienen por qué ser especialistas ni grandes conocedores de la intrincada historia de estas pampas, en especial de comienzos de siglo XIX.

Hecha esta acotación que me resultaba inevitable, el nuevo cómic se conecta bien en esta especie de universo compartido y continuidad, que saca al Zorro de su escenario habitual para nuevas historias que le añaden atractivo al personaje. En este caso partimos de Buenos Aires pero la trama se vincula internacionalmente con Estados Unidos, España, Francia y el Reino Unido (todas ellas, claro está, con importantes intereses en América del Sur en esta época) con una intriga conspirativa que va tomando forma y afectando al protagonista y a una eventual compañera de aventuras, llamada Esmeralda.

La narración está cargada de escenas de acción de capa y espada en las que Jorge Fornés se luce con páginas dinámicas sin perder atención a los detalles, con calidad artística. El guión de Chaykin no rebosa de originalidad, ni tiene que hacerlo para su tarea de proporcionar una nueva lectura entretenida del personaje. Apelando a las cualidades conocidas del Zorro, con un puñado de detalles que se suman a la mezcla, cumple con creces con sus objetivos, dejándonos con el deseo de completar la lectura de esta miniserie que contará de tres entregas. Cabe notar que ya está programada su edición española, que estaremos esperando para octubre editado por Moztros, según lo anunciado en Cómic Barcelona.

Lo mejor

• El arte de Jorge Fornés.

Lo peor

• Los desajustes cronológicos y las “licencias” históricas

Edición original: Animali domestici (Coconino Press, 2024)
Edición nacional/España: Animales domésticos (Salamandra Graphic, 2026)
Guion: Bianca Bagnarelli
Dibujo: Bianca Bagnarelli
Color: Bianca Bagnarelli
Traducción:: David Paradela López
Compuesto: Sergi Puyol
Formato y precio: Rustica con solapas. 224 páginas. 24,95€

Lo bueno, si breve, dos veces bueno.

«Saber que dentro no tenemos ningún orden… Que no hay ninguna tira, pero que igualmente estamos llenos de mierda.»

La evolución del mercado del cómic ha provocado que cada vez tengamos menos posibilidades de leer historias de pocas páginas salvo en alguna antología. Un formato que, en la época dorada de las revistas, nos dio grandes historias y que cada vez es más difícil de ver por las reticencias de los editores a publicar cómics de carácter antológico. Así que para todos los que disfrutamos de esas narraciones estamos de enhorabuena con la aparición de Animales domésticos de la italiana Bianca Bagnarelli (Milán, 1988). Publicado el año pasado en Italia por Coconino Press y en España hace unas pocas semanas gracias a Salamandra Graphic. En sus páginas nos encontramos con 13 historias breves e independientes aparecidas entre 2013 y 2024 en revistas y cabeceras muy variadas. Por estas historias donde la soledad se entremezcla con lo cotidiano gano el año pasado premios tan prestigiosos como el Lucca Comics Gran Guinigi al mejor cómic de historias breves y el Premio Micheluzzi en la Comicon de Nápoles 2025.

Una joven que llama a una casa para pedir un favor de noche, un desengaño amoroso, un vieja por carretera tras una pérdida de un ser querido, un plan de venganza por celos… estas son las premisas iniciales de algunas de las historias que ha ido creando en los últimos años la autora italiana. Unas fabulas urbanas íntimas sin vinculo aparente y de longitud variable que va desde las cinco páginas hasta las casi treinta donde vemos como su estilo visual va cambiando ya que no están ordenados de forma cronológica. En ese apartado visual vemos cómo va jugando constantemente con el estilo que tiene ecos de autores tan brillantes como Miguel Vila o Rosemary Valero-O’Connell, pero creando uno propio en el que también vemos un gran gusto por jugar con la composición de página y el uso del color y la luz como herramientas narrativas. Algo que potencia unas historias donde los silencios y las miradas tienen un enorme peso. Todo dibujado con una elegante línea limpia y clara que mezcla a la perfección con los tonos pastel del color creando un contraste con la oscuridad y turbación que sienten algunos de sus personajes que están perfectamente dibujadas en sus rostros y palabras. Un gusto por dejar que sean las imágenes las que cuenten las historias que es de agradecer en estos días de historias sobrexplicadas que no exigen nada al lector.

Más allá de la presencia de varios animales domésticos que aparecen en algunas historias a primera vista no es sencillo encontramos elementos comunes en estos relatos breves. Quizás vemos como la gran mayoría de los personajes protagonistas viven con miedo salirse de lo establecido y les resulta muy difícil rebelarse para hacer lo que realmente quieren, como sucede con los animales domesticados a los que alude el título. Unos personajes que transitan en vida secuestradas por la cotidianidad y marcadas por la desconexión, la soledad, la introspección y todo lo que no se atreven a decir. Unas semejanzas muy sutiles pero que permiten dotar a cada historia de puntos en común que otorgan al volumen de una cierta sensación de unidad, algo similar a lo que vemos en los libros de maestros del relato breve como Raymond Carver, Alice Munro o por citar a un autor de cómic que parece una influencia clara: Adrian Tomine. Posiblemente uno de los mejores cuentistas en viñetas que ha dado el medio en los últimos años. Algo que es posible que discuta en un futuro Bianca Bagnarelli gracias a unas historias en las que como consiguen hacer los grandes cuentistas se entrelazan algunas de las emociones que todos sentimos ante un mundo que cada vez se torna en más hostil, individualista y frio, lo que hace que la obra despida una visión bastante pesimista y un sentido del humor sutil y algo cruel.

Estas historias que nos hacen cuestionarnos nuestra relación con el mundo son de un carácter muy universal, ya que todos nos podemos sentir identificados con algunas de las cosas que vemos. Algo a los que ayuda que transcurran en lugares que se antojan comunes en cualquier lugar, pero que no es posible identificar con ninguno en concreto.

Gracias a este Animales domésticos podemos descubrir a una nueva autora procedente de Italia, un país que en los últimos años no hace más que darnos alegrías a los amantes del cómic gracias a obras como Animales a la fuga, No me da la vida, El nido. El último banquete de Hitler o Todas las veces que me hice mayor y autores como Zerocalcare, Manuelle Fior, Miguel Vila o Flavia Biondi, entre muchos otros.

Con Animales domésticos Bianca Bagnarelli hace una inmisericorde y ácida foto fija de la angustia, la desconexión entre seres humanos y la soledad de la sociedad actual. Trece relatos que nos demuestran que en muy pocas páginas se pueden contar historias enormes que saben conectar de una forma muy especial con cada lector. Una autora con un estilo visualmente delicioso y una forma de contar que hace que deseemos tender la oportunidad de leer muchas más historias suyas. Si son cortas mejor.

Lo mejor

• Los diferente que es cada historia entre sí en todos los aspectos.
• La capacidad para contar mucho con pocas páginas.
• El trazo y el color de Bagnarelli.

Lo peor

• Que Bagnarelli tarde otros diez años en reunir historias para otro volumen como este.

Edición original: Cómic radical. Astiberri. Febrero, 2026
Guion: Antonio Hitos
Dibujo: Antonio Hitos
Diseño: Antonio Hitos
Maquetación: Antonio Hitos y Alba Diethelm
Formato: Cartoné. 280 páginas
Precio: 22€

Buscando la raíz de los tebeos

«Lo que quiero reivindicar no es tanto lo que sea que son los cómics, sino una cierta estructura verdadera y singular de su cualidad de lenguaje». Antonio Hitos

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Definición de radical según la RAE:
1.- Perteneciente o relativo a la raíz.
2.- Fundamental o esencial.
3.- Total o completo. Cambio radical.
4.- Partidario de reformas extremas.
5.- Extremoso, tajante, intransigente.
6.- Agrupamiento de átomos que interviene como una unidad en un compuesto químico y pasa inalterado de unas combinaciones a otras.

Aunque en el lenguaje común la palabra radical la solemos utilizar mayoritariamente en su cuarta o quinta acepción, la primera y básica es: “Perteneciente o relativo a la raíz. Fundamental o esencial”. Y así la usa Antonio Hitos en su nueva obra titulada Cómic radical.

Cómic radical busca encontrar el mínimo común denominador de una obra de historieta. Pretende, y a menudo consigue, plasmar lo intrínseco de la narración gráfica con viñetas y mostrarnos la secuenciación de su ADN. Este último proyecto publicado – hasta la fecha – de Hitos parte de una exposición con el mismo título presentada en la Biblioteca Ignasi Iglesias-Can Fabra de Barcelona en marzo de 2025, en el marco del Graf; festival de cómic independiente y de autoedición.

Para ello se fija en algunos clásicos de las tiras diarias norteamericanas, más concretamente en Peanuts de Charles Schulz, para descubrir que la esencia está en el paso del tiempo que se expresa a lo largo del espacio dibujado. Reflexiona sobre los mecanismos de la narrativa y cómo descomponer el movimiento en cuadros para reflejar mejor la fugacidad temporal. En su texto de referencia, Hitos nos explica que en los primeros años de la serie protagonizada por Charlie Brown y su perro Snoopy, su autor estaba sujeto a un férreo esquema de tira diaria para su distribución en varios formatos. Este esquema de cuatro viñetas iguales permitía a los periódicos escoger distintos formatos; el de tira convencional, el de cuadro con dos tiras de dos viñetas cada una o incluso el vertical. Tras el paso de los años y la popularización de la serie, Schulz se permite romper este esquema y optar por el formato de daily con un número variable de cuadros, generalmente tres.
Esta circunstancia permite a Hitos reflexionar sobre qué hubiese pasado si una tira concreta, la del 12 de noviembre de 1994 – de formato libre – hubiese estado sujeta al férreo esquema inicial. La podéis ver a continuación.

En este ejemplo concreto, seguramente el vuelo de la hoja hubiese durado un cuadro más y la sensación del paso del tiempo hubiese sido completamente distinta. Esta es la esencia narrativa que el autor de Materia se permite explorar en su obra.

Pero, ¿de qué va Cómic radical? Se preguntará más de uno. Pues de todo un poco y mucho de nada. Nos encontramos en un universo muy parecido al actual donde hay ordenadores, libros, teléfonos móviles, bibliotecas o exposiciones de arte abstracto. El protagonista de todas las historietas, de todos los mini relatos de este álbum es un mismo ser antropomórfico, chaparro, vestido de una especie de sudadera con capucha, de ojos grandes y algo saltones. No se dice una sola palabra, no hay un solo texto de apoyo en toda la obra, no hay ni diálogos ni onomatopeyas… si acaso algún que otro signo de exclamación; de sorpresa o de enojo. Todo es puro dibujo y narrativa esencial… radical.
En este universo cerrado, coherente en sí mismo, se van sucediendo pequeñas anécdotas que reflejan una situación mínima, un breve lapso de tiempo, una minúscula evolución en el flujo de los acontecimientos.

Son 215 paneles de cuatro viñetas, colocadas dos a dos, que contienen al mismo personaje protagonista, el mismo encuadre, diferentes elementos principales y sin fondos. Lo que varía es la acción del protagonista, normalmente un gesto cotidiano, una tarea usual y es esta mínima evolución lo que nos permite percibir el paso del tiempo. A veces Hitos se permite un colofón, algo parecido a un gag final, pero no es la norma, no es la intención principal.
No nos extrañemos, el autor de Ruido ya nos había ofrecido secuencias similares en sus anteriores obras, pero estaban inscritas en una narración única que mantenía cierta estructura clásica del relato. Aquí tenemos acciones sueltas que unidas una tras otra en un álbum se convierten en una reflexión sobre los mecanismos internos de la historieta. En un ensayo sobre su raiz. Y sin embargo…

Permítanme aportarles otra definición, esta vez del ínclito Javier Coma. Se trata del concepto serie de humor abstracto. Es aquella que desde una posición intelectual pretende explicar el comportamiento humano con un tono filosófico y humorístico, situando a sus personajes en un entorno cerrado, coherente y, a menudo, imaginario o, al menos, no perfectamente delimitado. Añado que este género tuvo su apogeo en las tiras de prensa norteamericanas entre 1955 y 1975, aunque podemos encontrar muchos ejemplos tanto anteriores como posteriores, realizados en cualquier parte del mundo.
Pero volvamos al sin embargo que hemos dejado colgado arriba… La parte más interesante, para el que escribe estas líneas, de Cómic radical es que, a pesar del objetivo inicial, finalmente la obra acaba convirtiéndose en un fabuloso ejemplo de serie de humor abstracto con todas sus características esenciales, con su personaje carismático y emparentada a honorables e ilustres predecesoras como Krazy Kat de George Herriman, Thimble Theatre de E.C. Segar; Barnaby de Crockett Johnson o… ¿no lo adivinan? Efectivamente; con Peanuts de Charles Schulz.

Y esto es así – no sabemos si de una manera indeseada, pero seguro que de una manera inesperada – porque el lector acaba identificándose inevitablemente con las anécdotas, con las minúsculas penalidades del personaje protagonista. A pesar del impecable armazón teórico, por encima de la rigurosa y talentosa ejecución formal, superando, también, la condición de experimento lingüístico y filosófico se acaba produciendo el fenómeno de la vinculación con el sujeto de la obra, con el protagonista y sus acontecimientos. Se cumple así la sexta acepción de radical que señalábamos al principio; la del grupo de elementos que permanece inalterado a pesar de los experimentos efectuados sobre el conjunto. Nos encontramos pues con otra característica esencial de la historieta, con otro eje radical de los cómics; su enorme capacidad para crear personajes que atrapan, comprometen e implican a los lectores, reconociéndose inevitablemente en ellos.

Gráficamente, Antonio Hitos sigue depurando su estilo. Ya hemos comentado que la distribución de cada página es la misma. Son cuatro viñetas iguales, cuadradas, colocadas en dos tiras de dos dando lugar a otro cuadro que conforma la plancha en su conjunto. El trazo es más orgánico, más rudo y cada escena está compuesta exclusivamente por los elementos esenciales de la acción. No hay decorados, no hay fondos, solo el protagonista y los elementos con los que interactúa. Pero si hay contexto. Cada elemento escogido y dibujado en el cuadro nos permite saber exactamente la ubicación de la secuencia, su temática y cómo influye en protagonista. Sillones, mesas con ordenador, cocinas, exteriores campestres… basta un elemento significativo para situarnos de inmediato, un elemento que será el que interactúe con nuestro personaje. El único componente secundario que hemos encontrado es un sol radiante situado en un extremo del cuadro en unas pocas escenas.

El personaje principal está descrito de manera minimalista, con cuatro trazos. Son sus expresiones faciales y su comportamiento gestual lo que nos permiten distinguir una leve evolución, un cambio de humor, el paso ligero del tiempo. El blanco y negro es casi total. Para ciertas partes del mobiliario y decorado esencial Hitos utiliza una gama de grises aguados que dan cuerpo al conjunto, densidad y algo más de forma.

La confección técnica y material del álbum, a cargo de la editorial Astiberri, es una obra de arte en sí misma. El libro es en cartoné, es cuadrado, no muy grande, pero sobradamente suficiente para albergar los paneles que confecciona Hitos y disfrutarlos plenamente. El papel es bueno, mate y poroso y la reproducción es mucho más que correcta. Esta edición contiene numeroso material adicional, en especial un texto del propio autor que a modo de epílogo/manifiesto y con el título de Cómic radical o cómo dibujar el tiempo que nos pasa, nos ilustra acerca de la génesis, los mecanismos y de las pretensiones de la obra. Hay además numerosos bocetos e ilustraciones sueltas y una fotografía de la exposición en la biblioteca Ignasi Iglesias-Can Fabra. El precio de este producto es bastante adecuado.

Cómic radical no es una obra para todos los públicos. Es una investigación serena, personal y rigurosa sobre los mecanismos narrativos y expresivos básicos de la historieta. Al mismo tiempo es una prueba de que el medio es infinito, que permite todo tipo de experimentos, reflexiones y variaciones porque al final uno acaba reconociéndose inevitablemente en sus protagonistas. El lenguaje del cómic es universal, hermoso y exuberante, trabajos como los de Antonio Hitos logran que sus límites sean aún más amplios, absolutamente apasionantes y completamente desconocidos.

Salut!

Lo mejor

• Que funciona en varios sentidos; como ensayo formal y como obra de entretenimiento.
• El concepto teórico del proyecto.
• El arte gráfico y narrativo de Antonio Hitos.

Lo peor

• Que algunos lectores puedan verse intimidados por la propuesta.

Edición original: Green Lantern: War Journal 7-12 y Green Lantern 15 USA (DC Comics, 2022- 2024)
Edición nacional/España: Green Lantern Diario de Guerra 2 (Panini Comics, 2026)
Guion: Phillip Kennedy Johnson.
Dibujo:Montos.
Color: Adriano Lucas.
Rotulación Original: Dave Sharpe.
Traductor: Gonzalo Quesada
Corrección: Enrique Acebes y Marcos Muñoz
Diseño y realización: Fanhunter, Carlota Lloret y Núria Moreso.
Formato: Rústica, color. 152 páginas. 14,00€

La voluntad hecha carne

«No soy solo un Green Lantern, soy un guardián y un constructor»

Hace un par de meses, como regalo de Navidad adelantado, se reseñó el primer tomo de la obra de la que vamos a hablar.

En ella contábamos el comienzo de la historia de John Stewart, antes de la actual Green Lantern Corps que se está editando, su deconstrucción y evolución junto a la culpa, algo intrínseco en el personaje por lo cometido para salvaguardar a su familia.

Phillip Kennedy Johnson —a partir de ahora PKJ— nos relataba la historia y los horrores de un Stewart sumido en el dolor, con una autoinculpación constante junto a un ente multiversal propio del entramado cósmico que PKJ lleva tiempo construyendo en distintas cabeceras.

Aquí tenemos el enfrentamiento final, el porqué de su ataque y la relación del Lantern con sus allegados y pecados.

En este segundo tomo PKJ va a toda velocidad. Todo ha sido explicado en los anteriores capítulos, aquí se trata de sobrevivir en un espacio-tiempo que no se conoce, no hay referencias en ningún lado. John y los rehenes contra todo un universo y dioses primigenios.

Esta trama se va contando junto a la de su madre, enferma de demencia, y su hermana, creada como un ser consciente de pura energía de voluntad, en principio con partes y recuerdos del propio John. Todo ello en Steelworks, con la preocupación de la familia Acero siendo acechados por Varron.

El escritor de Action Comics sigue con sus propias tramas de dioses del Primer Mundo de Jack Kirby que se han visto en todas sus obras de DC. Aquí ya deja totalmente claras todas sus ideas y va contando cada vez más partes de todo lo que hemos ido viendo anteriormente. Todo tiene un sentido y un propósito que, con John Stewart y la idiosincrasia de los Green Lantern, va como anillo al dedo, nunca mejor dicho.

Su reinterpretación de los Darkstar se mezcla además con mucho de Dungeon and Dragons, un terreno que el escritor conoce perfectamente, junto a influencias claras de Moorcock,su particular visión de los héroes y los arquetipos puros. También se nota en cómo plantea las ideas sobre la creación, los primeros dioses y la traición que la reina de los aparecidos nos ha ido contando en números anteriores.

En ese aspecto PKJ es muy parecido a cómo Morrison trata a Superman, por ejemplo. Ambos entienden al héroe como una idea primigenia, como esperanza y voluntad hechas carne. La fuente de ese poder recae en ciertas personas y por ello, según estos escritores, personajes como Superman o John Stewart son capaces de todo. Sus posibilidades son infinitas y eso casa perfectamente con todo lo que nos han contado de John a lo largo de los años.

Además, en esta obra se explica una vez más que los constructos de John son diferentes, tienen sentido y alma, no son manos para atacar y poco más. Tienen un propósito más allá de durar ciertos segundos. Su propósito es crear, construir, como si de un Ptah o Hefesto moderno se tratara.

Como en anteriores capítulos, PKJ, gracias a la gran ayuda al dibujo que supone Montos, sigue con ese horror cósmico y claustrofóbico que se mete dentro de ti mediante las escrituras de los Darkstar y la lucha de Shirley, la madre de John, contra sus miedos y la demencia, en ocasiones parecidas a películas como Sola en la oscuridad o Skinamarink, sin olvidar su propósito superheroico.

He comentado lo del cubano Montos y es que el que fue dibujante de la cancelada etapa de Green Arrow lo da todo y es el compañero perfecto para lo que nos quiere contar PKJ. Su estilo sucio y tenebroso, la inmensidad del espacio, las viñetas cerradas y claustrofóbicas, además de dejar correr las tintas cuando aparecen los Darkstar, dan sensación de algo que no se puede comprender a simple vista.

Con Adriano Lucas la narrativa suya ya era de las mejores que ha tenido la franquicia en mucho tiempo y aquí sigue fluyendo igual de bien, además de darse el lujo de recrear todo un mundo.

En definitiva, un final de maxiserie que cumple sobradamente las expectativas planteadas por el final del primero, las mejora y las sobrepasa. Una de las mejores historias sobre los Lantern junto a Sector Lejano de Jemisin y Jamal Campbell y Green Lantern de Morrison y Sharp que hemos tenido en la última década.

Como apunte final, comentar que el tomo en rústica lleva, como el primero, un prólogo de nuestro compañero Carlos comentando dónde se ha quedado John Stewart, su situación y poniendo en contexto ciertas ideas principales que aquí el propio autor nos cuenta y usa para reivindicar la figura de John Stewart como Green Lantern.

Perfecto complemento que, como en anteriores ocasiones, enseña y da ganas de seguir leyendo más sobre los personajes.

Lo mejor

• PKJ y Montos.
• Las ideas de los autores, la fluidez de guión y dibujo.
• Inspiradora.

Lo peor

• Que se haya terminado.
• No tener Steel de Michael Dorn para comprender mejor a los invitados.

Edición original: Escape 1-6 USA (Giant Generator/Image Comics)
Edición nacional/España: Escape 1 (Norma Editorial, 2026)
Guion: Rick Remender
Dibujo: Daniel Acuña
Color: Daniel Acuña
Rotulación original: Rus Wooton
Traducción: Hernán Migoya
Realización técnica: LimboStudio
Formato: Rústica. 168 páginas. 22€

La Crueldad en tiempos de guerra

«Ese piloto nos va a mirar a los ojos mientras paga por cada niño que nos ha quitado»

Hay ocasiones en las que un primer número ya da muchas pistas de una serie, unas en las que apenas te dice nada y otras en las que el nivel de calidad es tan alto que te dejas llevar a donde sea. Escape está evidentemente entre estas últimas. Esperábamos este tomo con muchas ganas y no ha decepcionado lo más mínimo. Sin duda Rick Remender y Daniel Acuña se han marcado el que ya podemos denominar como uno de los cómics del año.

Cuando por aquí, de la mano del compañero Edu Sesé, reseñábamos el primer número según salía en USA ya contamos un poco de su historia. El equipo de Los Imposibles Vengadores se reunía de nuevo y aprovechaba una idea sacada de una conversación, el hecho de que sus abuelos lucharon en guerras, el de Remender en la Segunda Guerra Mundial y el de Acuña en nuestra Guerra Civil. El resultado era un primer número que resultó un auténtico pelotazo.

Aunque la historia está ambientada en unas naciones imaginarias y con animales antropomorfizados como protagonistas, los autores consiguen que se sienta muy real, con unas referencias a la lucha contra los nazis más que evidentes. Perros, gatos y murciélagos no nos despistan, la fuerza de las palabras, solo hay que ver el primer diálogo explicando cómo funcionan los ejércitos en las dictaduras, y el realismo del dibujo, donde las viñetas hacen daño de lo expresivas que son, nos ambientan en una guerra cruel, como las guerras son.

Traspasada la barrera de ese primer número nos encontramos con lo esperable, que el nivel no baja ni lo más mínimo. Es una historia bélica muy de manual, eso sí, pero no deja de ser lo que siempre anunciaron. Pasamos del frente de batalla a la calma del otro país en forma de flashbacks para contarnos el origen de Milton, el absoluto protagonista de Escape.

«Un pueblo desesperado se nutre con las mentiras»

Milton se mueve entre el típico prototipo de héroe americano, bravucón y con mucha experiencia armamentística que por mucho que le hagan nunca muere, y la persona real con conciencia. Hace lo que hace por el bien, eso lo tiene claro y no va a permitir que nada lo frene, pero se topa muchas veces con la dualidad moral de las bajas colaterales.

Hay una obvia deshumanización del enemigo, eso es algo que siempre pasa en las guerras (e incluso en las posguerras o ciertos momentos críticos) alentado por los gobiernos para que sus soldados actúen sin remordimientos, una realidad que ya sabemos que no funciona por los traumas de los supervivientes. Tanto la explicación de esto como el tratamiento de los personajes es lo que hacen de Escape una obra muy humana, así como un canto en contra de la guerra.

Es un cómic muy equilibrado, a capítulos de calma les siguen momentos de gran acción. El tercer episodio, con ese padre y ese hijo que no dejan de ser otras víctimas del gobierno fascista, es una auténtica maravilla. Maneja muy bien la tensión y mide las palabras con milímetros, solo hay que ver la forma en la que da palabra al enemigo, ya sea civil, soldado o un superior. En todos ellos se ve ese estado de guerra y esa forma de perderse a nivel moral, y eso sin contar la ideología, que también es un tema que trata.

Bebe mucho de las películas bélicas de antes, el capítulo que da cierre al tomo en especial, pero tiene mucho poso y un arte absolutamente increíble. Escape es en gran medida Acuña, todo lo que se diga de él se va a quedar corto. Pero independientemente de la belleza de su trazo, el ritmo de sus páginas y cómo enfoca las diferentes escenas roza la perfección.

Por ello no es de extrañar que Norma sacase una edición especial. El tomo de Escape es el habitual de la editorial, la rústica a juego con los trabajos de Remender, pero la editorial sacó también una edición especial del número uno a gran tamaño y carente de bocadillos o cualquier tipo de letra, para disfrutar al cien por cien del trabajo de Acuña. Es un cómic para los seguidores más acérrimos, evidentemente, pues hablamos de 48 páginas a veinte euros, que está lleno de extras, eso sí, con bocetos, una entrevista a Daniel Acuña, un artículo de Rick Remender sobre cómo se gestó el cómic y la documentación que utilizó y varios guiones, con el proceso de su paso a dibujo.

Como decía, un artículo de lujo para los fans, pero la rústica normal toda una joya para cualquier comiquero.

Lo mejor

• La historia, el ritmo, los diálogos y por supuesto…
• El dibujo.

Lo peor

• Que estas historias sigan siendo necesarias para recordar lo terrible que es nuestro mundo.

Vidas cruzadas por la fatalidad.

«Nada de esto habría pasado si no te hubieras cruzado en mi camino.»

Por muchos planes que hagamos nuestras vidas se ven marcadas siempre por la imprevisibilidad del azar. Estamos a expensas de todos esos elementos que suceden a nuestro alrededor sobre los que no tenemos ningún control provocando que una cita soñada se transforme en una experiencia completamente diferente lo que esperábamos. Justo eso es lo que le sucede a Héctor, uno de los dos protagonistas de La Cita el cómic de Pau Valls (Alcoi, 1985) que Andana Editorial publica en castellano dentro de Andana Gráfica, su sello dedicado al cómic. Nos llega unos meses después de que Finestres lo publicara en catalán.

Héctor es un gris y solitario conserje de un colegio que conduce hacia una cita amorosa cuando una distracción al volante provoca que tengo un accidente en el que se ve involucrado el coche de Víctor. Aunque ambos salen relativamente ilesos sus coches quedan inutilizados y Víctor, el chofer de un mafioso que llevaba un cadáver en el maletero obliga a punta de pistola a Héctor a ayudarla a deshacerse de él. Es el comienzo de un día que no hará más que complicarse.

Pau Valls construye una historia que nos habla de vidas entrelazadas y casualidades que no sigue una narración lineal, ya que se edifica a través de diferentes flashbacks que saltan adelante y atrás en la vida de los protagonistas y nos permiten conocer el pasado de dos personajes mucho más parecidos de lo que en un principio podamos pensar. Y es que tanto Héctor como Víctor son dos perdedores producto de un entorno que siempre ha estado en su contra y nunca han tenido el arrojo para tratar de cambiarlo. Esos diferentes flashbacks centrados en cada uno de los personajes hacen que ambas historias transcurran de forma paralela y se entrelacen cuando la narración nos lleva al presente. Unas transiciones que se producen de forma totalmente orgánica sin necesidad de tener que usar textos de apoyo ni nada parecido y que nos deja muy claro el dominio que tiene del tiempo narrativo y sus diferentes ritmos. Una sensación que se acrecienta cuando llegamos a un final que invita a releer la historia con un nuevo prisma. Un manejo de las herramientas del medio que ya habíamos podido ver en Bigfoot, el cómic que se autoedito hace unos años, y en el fanzine Dan’s Club que ha realizado junto a Nadar, Esteban Hernández, Jaume Pallardó y César Sebastián.

Con La cita Pau Valls nos regala un thriller con mucho humor negro y algunas situaciones realmente absurdas con dos perdedores como protagonistas. Un planteamiento con mucho de tragicomedia criminal que nos hace pensar en referentes como el cine de los hermanos Coen, algunas de las novelas de Paul Auster donde una casualidad es el punto de arranque de la historia o cómics de autores tan relevantes como Daniel Clowes, Adrian Tomine, Jason o Chris Ware. Sin embargo, el autor sabe integrarlos en su estilo creando una historia que tiene entidad y personalidad propias que desde el género negro sabe construir una trama llena de giros inesperados y unos personajes secundarios que también saben brillar, aunque alguno se podría haber aprovechado más como la chica que se cruza con los protagonistas en la parte final.

Pero el peso de la trama recae en Héctor y Víctor, dos perdedores patéticos como los que poblaban algunas de las historias más destacadas de los autores del cómic alternativos americano surgidos durante los noventa, pero sin resultar tan grimosos como algunos de los que protagonizan algunas de las mejores historias de Clowes. Dos desconocidos unidos por el destino cuyas trayectorias vitales son como un espejo que devuelve en un reflejo similar, aunque deformado, pero la casualidad de su encuentro provoca que sus destinos se desvíen con un Héctor que acaba por ejercer un rol que casi le convierte en un héroe. En cambio, Víctor acaba tomando un camino que le lleva por un sendero mucho más oscuro.

Pau Valls dibuja La cita con un estilo de línea pulcra y claro heredero de los grandes autores estadounidenses que ya hemos mencionado. Un dibujo donde lo accesorio no tiene apenas espacio dibujando solo los elementos necesarios para construir la historia, algo que hace que sea virtualmente imposible saber cuál es el lugar donde transcurre, lo que dota al cómic de una universalidad que hace que cualquier se pueda acercar a él, pero también lo reviste de una irrealidad que casa muy bien con la historia. Esa sencillez del trazo se aplica también a los colores que, aunque emplea una paleta amplia, son planos, pero permiten reflejar a la perfección como va cambiando la luz y el entorno. Todo ello complementado con una composición de página muy clásica que hace la lectura muy fluida.

Con La cita Pau Valls firma un thriller sobre la fatalidad lleno de humor negro y violencia con una estructura narrativa que juega a la perfección con los saltos temporales demostrándonos que es un autor al que no perder de vista.

Lo mejor

• Lo bien integrados que están los flashbacks.
• La estructura de la obra es una enorme precisión.
• El humor negro que sobrevuela toda la historia.

Lo peor

• A algún personaje quizás se podría haber sacado más jugo.