Después del estupendo Especial Superman 75º Aniversario – El Hombre de Acero y los cómics, hilado por los compañeros Javier Agrafojo y Enrique Ríos, continuamos la historia de El Hombre de Acero haciendo hincapié en su faceta cinematográfica, desde los seriales de los años cuarenta hasta los tiempos presentes con la última producción de Zack Snyder, en la que conoceremos o nos reencontraremos con figuras clave, o no tanto, en la andadura del primer superhéroe como George Reeves, Richard Donner y Christopher Reeve, el productor Jon Peters o incluso Jerry Seinfeld. Por otro lado, resulta difícil centrar nuestro discurso exclusivamente en el cine, sobre todo para un personaje cuya creación bebió tanto de otros medios como la radio, las tiras de prensa y, posteriormente, la televisión y la animación. Por ello, en este especial también hablaremos de ello, aunque la verdadera importancia de las interpretaciones del kriptoniano que nos ha ofrecido la televisión o la animación la podréis descubrir en futuros artículos de Zona Negativa a cargo de los compañeros Sergio Robla y Luis Javier Capote Pérez. Hoy, ahora, seguimos nuestro vuelo, para adentrarnos en la magia del cine y descubrir cómo Superman se acabó convirtiendo en el padre de todo un género cinematográfico.

	Superman. Un superhéroe de cine. Primera parte: ¿Es un serial? ¿Es una película? ¡Es Superman! 1938 – 1978 El icono universal representado hoy en día por Superman, “el abuelo de todos los superhéroes” como lo califica el guionista Mark Waid en un ensayo suyo publicado en la obra Los superhéroes y la filosofía de Tom Morris y Matt Morris, se ha forjado a lo largo de las décadas perdurando aferrado, contra toda tendencia y moda, a las entrañas de nuestra cultura popular. La inmortal e imperecedera creación de Jerry Siegel y Joe Schuster, alumbrada en 1938 en las páginas de Action Comics #1, ha sido siempre una pionera, marcando propiamente la génesis del género superheroico, el cual a su vez definiría el futuro y devenir del mismo cómic como medio. Por lo tanto, parece lógico fuese también Superman, cuarenta años después de su creación, el elegido para marcar “el kilometro 0 del género superheroico” en el mundo del celuloide, como lo califican Iñigo de Prada y Sara G. Rodríguez en su libro El Viaje del Superhéroe, con el director Richard Donner como maestro de ceremonias y con Christopher Reeve encarnando al increíble e invulnerable Hombre de Acero. Pero la relación de Superman con el cine es mucho más antigua, directa e intima de lo que se podría pensar, se encuentra en su misma esencia, y Jerry Siegel y Joe Schuster reconocerían la gran influencia de un también prematuro lenguaje cinematográfico en la definición y gestación de su personaje. “Éramos grandes fanáticos del cine y nos inspiramos mucho en los actores y actrices que veíamos”, comentaba al respecto Joe Schuster en 1983, «Jerry creó todos los nombres [...] En cuanto a Clark Kent, combinó los nombres de Clark Gable y Kent Taylor. Y Metrópolis, la ciudad que era su base de operaciones, viene de la película de Fritz Lang“. Por otro lado, como nos descubría el compañero Javier Agrafojo en el ya citado Especial Superman 75º Aniversario – El Hombre de Acero y los cómics, “el ágil actor Douglas Fairbanks, popular por sus protagonistas en La marca del Zorro (F. Niblo, 1920), Robin de los Bosques (A. Dwan, 1922) o El ladrón de Bagdad (R. Walsh, 1924), prestó su apostura al nuevo héroe, mientras que su tímido alter ego -la doble personalidad fue incorporada rápidamente- recordaría a Harold Lloyd, por quien Joe Shuster sentía afinidad” siendo este una auténtica inspiración estilística para el autor a la hora de dibujar y retratar al personaje. En definitiva, la misma narrativa de las primeras historias del personaje estaba fuertemente por la magia del cine, intentando trasladar y replicar la cadencia cinematográfica en sus viñetas. Es imposible saber hasta que punto esta simbiosis primigenia entre cine y cómic repercutió de una manera u otra en el posterior éxito de Superman, un personaje, por otro lado, cuya longeva vitalidad y capacidad de supervivencia han servido para transformarlo en un “paradigma multimedia” protagonista de tiras de prensa, cómics, libros, seriales radiofónicos y televisivos, series y películas de animación, largometrajes y videojuegos. En el presente artículo, como ya hemos explicado en la introducción, intentaremos hacer una aproximación a todos estos mundos pero centrándonos, no obstante, en la relación de Superman con el cine, para dejar campos como la animación o la televisión para esas otras futuras publicaciones ya comentadas. Es importante por ello comenzar hablando de las primeras tiras de prensa del personaje, las cuales serían el primer motor de la popularidad de Superman y las que permitirían el venidero e inmediato interés de otros medios por conocer y narrar sus aventuras. En estas tiras de prensa, publicadas por McClure Syndicate desde 1939, Jerry Siegel y Joe Shuster citaron por primera vez el planeta natal de Superman, el misterioso y asombroso Krypton, y sirvieron para hacer debutar a personajes como Lex Luthor y Mr Mxyzptlk. La publicación de las tiras de prensa se haría de forma intermitente hasta 1966 participando en ella artistas como Wayne Boring o el mítico Curt Swan. Entrados los años cuarenta, la fama de Superman llegaría a las ondas de radio con el serial The Adventures of Superman, una dramatización y adaptación de la cadena Mutual Network que se mantendría con sorprendente éxito en antena durante más de diez años hasta que finalmente la televisión, por entonces aún más una curiosidad que una alternativa real, empezaba a tomar muchas más fuerza e importancia en los hogares medios estadounidenses. El show radiofónico de Mutual Network, el cual contaba con la impresionante voz del actor Bud Collyer para encarnar al Hombre de Acero, ayudaría a ampliar sustancialmente la mitología de los cómics incorporando a ella elementos clave como la kriptonita o personajes como Perry White y Jimmy Olsen. El actor y radiodifusor Bud Collyer documentándose sobre Superman La popularidad de este serial sería aprovechada por George Lowther, guionista del programa, para publicar en 1942 la novela The Adventures of Superman, apareciendo en ella por primera, por ejemplo, el nombre kriptoniano de Kal-El asociado al pasado y origen de Superman. Por otro lado, Bud Collyer colaboraría también con su voz en la producción de una serie de hasta diecisiete cortos animados para cine, entre 1941 y 1943, distribuidos por Paramount Pictures y realizados por los Estudios Fleischer, propiedad de Max Fleischer, el creador de Betty Boop, y posteriormente, después de la quiebra de estos, por los Estudios Famous, en mano de directores como Seymour Kneitel, Dan Gordon e Isidore Sparber y compartiendo Superman estrellato con Popeye el Marino, Casper o La Pequeña Lulú. El primer capítulo de esta serie llegaría a estar nominado en 1941 al Premio Oscar al Mejor Corto de Animación y, en conjunto, el trabajo de los precursores Estudios Fleischer resultaría una influencia reconocida por importantes autores posteriores como Frank Miller o Bruce Timm. El siguiente paso importante en la historia de Superman lo daría en 1948 el productor y director Sam Katzman en colaboración con Columbia Pictures produciendo un serial cinematográfico de imagen real de quince episodios de nombre homónimo al de su protagonista, dirigidos por Spencer Bennet y Thomas Carry y protagonizados por el estadounidense Kirk Alyn. Este actor y cantante de Broadway comenta en sus memorias A Job for Superman como cuando le ofrecieron el papel creyó que todo se trataba de un truco publicitario porque le parecía imposible e inviable trasladar al personaje en una producción de ese tipo. Pero el serial sería un nuevo éxito, Superman seguía siendo por entonces un buen reclamo y se acabaría incluso rodando en 1951 una secuela titulada Atom Man Vs. Superman con los mismos responsables e incorporándose al reparto Lyle Talbot en el rol del villano Lex Luthor. No obstante, la fama de Kirk Alyn, el primer actor en interpretar íntegramente a Superman, no sería en nada comparable a la que alcanzaría el tristemente malogrado George Reeves, el heredero de la capa en la película de 1951 Superman and the Mole Men, producida por Barney A. Sarecky, distribuida por Lippert Pictures Inc. y dirigida por Lee Sholem conocido por trabajos previos en Tarzan’s Magic Fountain (1949) y Tarzan and the Slave Girl (1950) o en la televisiva The Adventures of Long John Silver (1956). Los seriales Superman (1948) y Atom Man Vs. Superman (1951) protagonizados por Kirk Alyn Este film serviría como plataforma y piloto para la primera serie de televisión del personaje, con el original título The Adventures of Superman, la cual se mantendría en pantalla durante seis temporadas y ciento cuatro entregas, cincuenta y dos de ellas a color, y con un sponsor de la talla de Kellogg´s. Los episodios de The Adventures of Superman serían dirigidos por Tommas Carr o George Blair pero también repetiría Lee Sholem e incluso se animaría el mismo George Reeves en algunas entregas de la última temporada. Por otro lado, Fredric Whitney Ellsworth, dibujante, escritor y editor de National Comics, llegaría en la segunda temporada de la serie para sustituir en la producción a Robert J. Maxwell y Bernard Luber con el objetivo de lograr una mayor fidelidad y sintonía respecto a los cómics originales. De esta manera, The Adventures of Superman, emtitada entre 1952 y 1958, acabaría sellando el destino de George Reeves, un actor que ya no podría desprenderse del personaje en vida y lo encumbraría en la muerte, nunca volvió a conseguir un papel en un Hollywood que lo había encasillado fatalmente, provocando en última instancia su depresión y aparente suicidio. No obstante, hay bastantes voces discordantes sobre esto último, las cuales consideran la muerte de George Reeves un posible asesinato, el primer sospechoso del cual sería Eddie Mannix, un alto cargo de la Metro Goldwyn Mayer con cuya mujer George Reeves había tenido una relación. Teorías fundamentadas o no George Reeves ya era leyenda. En los siguientes años, Superman desaparecería de la escena, coincidiendo con la caída de interés del público por las publicaciones superheroicas, aunque Fredric Whitney Ellsworth volvería a intentar reflotar el barco en 1961 con una nueva serie de televisión, The Adventures of Superboy, con Johnny Rockwell como protagonista, pero sólo se llegó a rodar un piloto de la misma y el proyecto quedaría definitivamente aparcado. El personaje había debutado en 1945 en More Fun Comics #101 y había conseguido su propia serie en 1949 pero en los años setenta pero no era su momento, el cómic de superhéroes se encontraba justo en un importante bypass, Marvel Comics apadrinaría la llamada Edad de Plata del cómic superheroico, haciéndose la editorial de Martin Goodman con una cuota de mercado cada vez mayor, y la reacción de DC Comics no se produciría hasta la llegada a sus filas de nuevos talentos como Neal Adams o Dennis O´Neill. No obstante, independientemente de su trayectoria en el mundo del cómic, Superman mantuvo intacta su enorme popularidad, se había convertido en un símbolo más de las bonanzas del american way of life, resurgido con fuerza después de la Segunda Guerra Mundial, y esto podría explicar como el personaje pudo en 1966 convertirse en el protagonista y reclamo de un musical de Broadway. Esta inesperada adaptación dirigida por Harold Princes llevaba por título It’s a Bird… It’s a Plane… It’s Superman, había sido escrita por David Nowman y Robert Benton, la música compuesta por Charles Strouse -más conocido por otra adaptación musical de cómic como sería Annie-, con Lee Ada ayudando en las letras y mientras los principales roles principales recaían en Bob Holiday y Patricia Marand. Escena del musical It’s a Bird… It’s a Plane… It’s Superman (1966) con Bob Holiday El éxito de este musical sería esquivo, pese a las buenas críticas recibidas, aunque en décadas posteriores sería revivido en varias ocasiones y versionado, como en 1975 siendo adaptado en un especial de televisión por la cadena ABC con David Wilson y Lesley Ann Warren en los papeles principales. Pero, volviendo a 1966, ese mismo año también comenzaría a emitirse una nueva serie animada de televisión producida por Filmation para la cadena CBS, bajo el ya recurrente título de The New Adventures of Superman, y sometida a la dirección de Hal Sutherland, director de producción de He-man and the Masters of the Universe, la producción contaría de nuevo con el ya veterano Bud Collyer para poner la voz al Hombre de Acero. El proyecto sería asesorado por el editor Mort Weisinger, contando en un principio también con un espacio dedicado a The Adventures of Superboy, finalmente cancelado por su “excesiva violencia”, y se mantendría en el aire durante cuatro temporadas, hasta 1970, para tomar el relevo en 1973 la cadena ABC con la serie Super Friends animada por Hanna-Barbera. En esta adaptación de La Liga de la Justicia la voz de Superman sería interpretada por Danny Dark debido al fallecimiento de Bud Collyer en 1969, el que había convertido a lo largo de los años en una de las grandes figuras asociadas a la historia del personaje como reconocería DC Comics en 1985, durante su 50º Aniversario, incluyendo famoso actor y radiodifusor en un especial como una de las cincuenta personalidades que habían ayudado a hacer grande a la editorial. Por supuesto, en esa lista privilegiada también figuraba por méritos propios el actor Christopher Reeve, el mítico Superman de Richard Donner de 1978, el Hombre de Acero hecho carne y hueso, la persona que nos hizo creer que un hombre podía verdaderamente volar y la película que marcaría en los setenta un antes y después para el personaje, para el cine y para el género superheroico.

	Superman. Un superhéroe de cine. Segunda parte: ¡Este es un trabajo… para Christopher Reeve! 1978 – 1988 El Superman de Richard Donner y Christopher Reeve, un proyecto largamente esperado, vendría a conmemorar de la mejor manera posible los primeros cuarenta años de vida del Hombre de Acero. La película se convertiría inmedidamente en un clásico y en un éxito sin paliativos de la época, 55 millones de presupuesto invertidos se traducirían en una recaudación en taquilla de 300 millones de dólares, desatando todo un fenómeno respaldado por crítica y público. La interpretación superheroica de Richard Donner, condecorada con el Premio Oscar a los Mejores Efectos Especiales, narraba los orígenes de Superman, la destrucción de Kripton, la llegada de Kal-El a la Tierra siendo acogido por sus padres adoptivos, su faceta como reportero del Daily Planet y su primer enfrentamiento con el malvado y maquiavélico Lex Luthor. En el reparto, brillando con luz propia, Christopher Reeve, encarnando al timorato y torpe Clark Kent y a su superpoderoso álter ego Superman, papel para el que se habían barajado anteriormente sorprendentes nombres como Muhammad Ali, Dustin Hoffman, Al Pacino, James Caan, Clint Eastwood o Steve McQueen. Pero Richard Donner confió en un joven y casi desconocido Christopher Reeve y la jugada le salió perfecta. “Nadie podí­a haber interpretado el papel de la manera en la que lo hizo”, comentaba el director en una entrevista fechada en 2011 y concedida al portal virtual Hero Complex de Los Angeles Times, “creo que a estas alturas es imposible encontrar a alguien que lo haga de la misma forma que él. Sea quien sea, quien venga tendrá que hacerlo de una forma distinta”. El reparto lo completaban Margot Kidder, como el interés romántico del héroe Lois Lane, Marlon Brando como Jor-El, Gene Hackman como Lex Luthor, Jackie Cooper como Perry White y Marc McClure como Jimmy Olsen a los que habría que añadir el cameo de Kirk Alyn y Noel Neiil que habían interpretado a Superman y Lois Lane de los seriales de los años cuarenta. En términos generales, la adaptación resultaba bastante fiel a los cómics originales, rescata la misma esencia del personaje para el cine, Christopher Reeve comentaría al respecto, como se hacen eco en la web Fortaleza de la Soledad recuperando el extracto de unas declaraciones del actor al diario Lewiston Evening Journal, como la película se había hecho con mucho cariño y como eran conscientes de que las producciones de la época debían “tener emoción, sorpresas y ambiente para sacar a la gente del entretenimiento blando de la televisión”. En parte, el éxito de la película debe su mérito a un guión en el que había colaborado Mario Puzo y también un Tom Mankiewicz que tenía claro que la clave era la verosimilitud porque debían “convencer a la audiencia de que un tipo puede volar”. No obstante, la mirada de Richard Donner, un auténtico aficionado al personaje haría la parte más importante, demostrando lo acertada que había sido su contratación por encima de la de cineastas como Guy Hamilton, director de algunas películas de James Bond, o Steven Spielberg que finalmente preferiría filmar Encuentros en la Tercera Fase (1977). Pero pese al buen sabor de boca, la revista Variety la calificaría como “una maravillosa, divertida y absurdamente apasionante fantasía”, el camino no había sido nada fácil, la visión de Richard Donner y su obsesión meticulosa demostrada en el rodaje provocaría no pocos conflictos con sus productores Ilya Salkind y su padre Alexander Salkind. Estos habían adquirido los derechos de Superman a Time Warner/DC Comics en 1973 con la intención de convertirlo en una saga parecida a la de James Bond y siguiendo la estela marcada en 1977 por La Guerra de las Galaxias de George Lucas cuyos avances en los efectos especiales les habían acabado por convencer de la viabilidad y futuro de su proyecto. Las secuelas de Superman, con Christopher Reeve pero sin Richard Donner, se sucederían en los siguientes años, Superman II (1980), Superman III (1983) y la catastrófica Superman IV: En busca de la paz (1987). Los directores asociados a estas, Richard Lester y Sidney J. Furie, serían incapaces de superar la calidad y expectativas de la película original, aún manteniendo en ellas idéntico reparto, exceptuando casos como el de Marlon Brando, y con la misma fanfarria superheroica compuesta por John Williams, una melodía inconfundible y mítica convertida en un elemento indisoluble del mito de Superman. Superman de Richard Donner revisionada por Raúl Silvestre Todo el mundo tiene recuerdos de su primera vez en el cine. O al menos, de aquella primera vez que fuera consciente de estar en una sala. Mi primer recuerdo sin embargo, no es mío, sino la idealización de algo contado por un familiar, ese tío que me llevó a ver Superman II (1980) siendo yo un infante precoz, pero lo suficientemente pequeño como para no recordar semejante hazaña. Debía tener unos tres años. Aún así, me porté bien. La pantalla, según me contaron, me mantuvo absorto. Y lo que allí se contaba tuvo que tener un efecto inmediato y perenne en aquella cabecita que aún se estaba formando. Tanto es así, que según mi tío, que en paz descanse por cierto, tras la proyección, me pasé dos horas con los brazos levantados, simulando la posición de vuelo de Superman, recorriendo las calles de La Laguna como si flotara sobre ellas. Y de seguro que en mi pensamiento así era. El efecto, por tanto, fue fulminante. El hechizo había cuajado. Mi tío no sabía la caja de Pandora que acababa de abrir. O sí lo sabía y quizá lo hizo adrede. Lo cierto es que aquella película creó la necesidad de continuar las aventuras de aquel tipo de la capa roja de la manera que fuese. Esa es la razón por la que no recuerdo cual fue el primer tebeo que tuve en mis manos, pues aprendí a leer con ellos. Superman II tuvo la culpa. Fue la raíz de una pasión por dos medios –el cine y el cómic- que marcan a fuego la vida de millones de personas y que en mi caso tuvo un mismo origen. Con el tiempo, ambas pasiones fueron convirtiéndose en obsesiones, llegándome a gastar toda la paga primero y el sueldo después en novelas gráficas, cintas de VHS, bandas sonoras, entradas de cine y más tebeos. Y fue Superman II también el origen de un amor por un personaje con el que, como los amores más longevos, he pasado por rachas y picos en función de la edad. Tanto es así, que durante la adolescencia mis gustos torcieron más hacia el de Gotham –eran los 80, la explosión de Frank Miller y Alan Moore, ¡los cómics parecía que maduraban a la vez que uno mismo!- y Superman sería disfrutado de uvas a peras, con San John Byrne por delante. Pero ha sido entrar en la madurez –si a esta vida de asalariado que cae y salta de paro en paro se le puede llamar edad adulta-, cuando mi interés por Superman ha aumentado en detrimento del de Batman. De pronto, las historias más oscuras han ido perdiendo el brillo para mí frente a la imaginativa parafernalia de ciencia ficción que evoca el de Krypton. Y es que con Superman siempre tengo la impresión de que las mejores historias están aún por contar, lo que me llena de una esperanza irracional, máxime cuando a pesar de llevar setenta y cinco años en los kioscos, el porcentaje de malas historias de Superman es muy superior al de las mediocres de Batman, por continuar con la comparativa. Pero vuelvo, que me voy por las ramas. Superman. 1977. 1981. Richard Donner. El segundo recuerdo vívido de esta versión canónica del personaje –la que más ha calado en el imaginario colectivo en toda su trayectoria, no cabe duda, y con permiso de George Reeves-, fue la emisión en TVE de la primera película, momento que me pilló más mayorcito y con el que pude disfrutar al fin del film predecesor. Y aquello fue otro shock. Un shock que a día de hoy –han pasado más de treinta años, señores- sigue surtiendo efecto en según qué secuencias. Sobretodo en aquellas relativas a Krypton o esas donde el excelente reparto da lo mejor de sí mismo, transformando unos personajes de dos dimensiones en personalidades de carne y hueso, donde la química entre Lois y Clark es tan palpable como trágica supone la muerte de Pa Kent. El Superman de Richard Donner fue una revolución, eso es de todos sabido, ya no sólo por la calidad de sus efectos visuales, sino fundamentalmente por tratar un tema infantil –los tebeos norteamericanos eran para niños, o aquello era la norma en la opinión pública- con un respeto y una seriedad adulta, siempre dentro de un concepto válido para todos los públicos. Aquello era el albor del cine de los ochenta, el cine familiar que invadió las multisalas y que hizo recuperar económicamente las arcas hollywoodienses después de una década de obras maestras que apenas dejaban dividendos. Trailer de Superman (1978) de Richard Donner Superman arrasó por tanto, pero lo hizo con gusto y elegancia, con estrellas de primer orden en su reparto. Si impensable nos parecía en los 2000 que se hiciera un trilogía seria sobre Batman, más loco era pensar en los setenta que Marlon Brando o Gene Hackman actuasen en una cinta sobre un personaje en mallas y que lo iban a hacer con la perspectiva interpretativa de quien afronta un clásico shakesperiano, con un cheque abundante como aliciente, eso sí. El diseño de producción de John Barry, la poderosa paleta del director de fotografía Geoffrey Unsworth y por supuesto la sempiterna banda sonora de John Williams fueron pilares para crear un edificio cuya enjundia fue orquestada por un Richard Donner en estado de gracia. Pero los iconos se crean con personas que prestan su cuerpo. Así que el acierto tremendo llegó con el nombre de Christopher Reeve, cuya silueta quedará vinculada con el personaje hasta que éste desaparezca del imaginario colectivo. Christopher Reeve encarnó a Superman de una manera tan efectiva que influyó en la visión global del héroe, al representar de manera ensoñadora las cualidades más bondadosas del personaje, sin convertirlo en una parodia. Por primera vez, ser un caballero y tratar de hacer lo correcto, sin resquicios morales o egoísmos supuestamente realistas, resultó atractivo. El Superman de Christopher Reeve fue inmenso, no por sus poderes, de innegable capacidad para maravillar, desde luego, si no por su porte y prestancia, que más que tratar de identificarlo con el público, trataba de mostrarlo como un icono al que intentar asemejarse, como un ideal hecho carne. Para humanidades, ya estaba el tímido y torpe Kent, cuya representación bajo la piel de Christopher Reeve supuso otro gran acierto. Por primera vez, el juego del álter ego resultaba verosímil, gracias a las cualidades interpretativas de un tipo que con arquear la espalda y tartamudear lograba hacernos creer que Kent y Kal-El no eran la misma persona. Un triunfo en toda regla. Ojalá que no sea irrepetible. Esta dualidad adquirió mayor importancia incluso en la secuela, donde al despojar al héroe de sus poderes, la debilidad física subsiguiente era retratada desde un punto de vista algo exagerado, pero igualmente efectivo. Lástima que la película no esté a la altura a nivel visual de su predecesora. “Creerás que un hombre puede volar” Luego llegaron la tercera y la cuarta parte, sendas decepciones, que se sumieron en el olvido bajo la implacable y arrogante capa del caballero oscuro. Un jovencísimo Tim Burton tuvo la fortuna de rodar el primer Batman, cuyo paso por las retinas del público creó una impresión que perduró hasta que Christopher Nolan se lo merendó, para bien o para mal, que sus detractores también tiene. Diez años más tarde, el de superhéroes se convirtió en un subgénero por derecho propio con la proyección del primer X-Men de Bryan Singer hasta la culminación de Los Vengadores de Joss Whedon, trece años después. Superman regresó a su vez durante ese tiempo, como todos saben, pero ese retorno fue tan torpe que la película ha sido olvidada. Y esperemos que El Hombre de Acero de Zack Snyder la borre del recuerdo por completo. Papeletas no le faltan. Pero volvamos al Superman de Richard Donner. ¿Cómo se crea entonces una película que esté a la altura del mito? Pues optando por cimentar las bases del personaje. Veamos, unas dosis de ciencia ficción, gramos de épica, savoir faire técnico a la altura del personaje, interpretaciones estudiadas, aventura familiar y una sintonía pegadiza. Parece sencillo, pero no lo es, pues el noventa por ciento de los blockbusters tratan de encontrar la seguridad de esta fórmula tan esquiva. ¿Por qué sigue funcionando el Superman de Richard Donner a día de hoy? Y es que aún lo hace, a pesar de la evolución estética y visual que de manera natural ha sufrido el cine comercial desde su estreno hasta hoy. Lo hace, a pesar de su ingenuidad narrativa, donde los villanos no dan miedo y las amenazas pocas veces llegan a ser verosímiles. Mario Puzo tuvo algo que ver con aquello, desde luego. Pero es en el tono narrativo, en el pulso del relato, donde Superman triunfa. Eso es debido al talento de Donner, quien se dejó la salud, literalmente, en llevar a buen término la película. Además, hicieron brillar la cinta a través de la diferenciación sutil del sabor de cada acto. El prólogo en Krypton, perturbador, con una estética y un ritmo deudores incluso de Stanley Kubrick, pero fascinantes en su particularidad, pues no ha habido una representación tan original de un planeta alienígena desde ese momento. El primer acto en sí, la infancia de Clark, es una épica norteamericana en toda regla, con esos maizales en atardecer, con sus vastísimos planos generales, donde se fragua el carácter del héroe y se presenta su peculiaridad, convirtiéndolo en el hombre más solo del mundo, como solo y único se siente el espectador en su butaca. El segundo acto cambia de rumbo y lo hace de manera salvaje. Pero eso no supone un problema, más bien al contrario. Clark Kent llega a Metropolis y con él, todo brilla, la película arde con la esperanza del caballero andante por antonomasia, del Hércules definitivo, de ese ángel guardián que sobrevuela la ciudad pendiente de nuestro bienestar. Y es aquí donde el film es más fiel que nunca al espíritu del personaje, pues ese candor, esa ingenuidad que desprende Christopher Reeve bajo el atuendo de la gran S, es un compendio de los rasgos definitorios del personaje a lo largo de su vida en viñetas. La pureza, la sencillez, la algarabía de hacer lo correcto, con educación. Sí, aunque parezca un boy scout. Pero es que bajo la piel del malogrado actor, todo eso funciona. Y cuando lo vemos aparecer, queremos que lo haga. Bravo a Christopher Reeve y Richard Donner por ello, pues supieron ver al icono como un individuo cuya mera presencia implica una mejora frente al entorno, el bienhechor por antonomasia y sin vergüenza por serlo. Aplausos. Es entonces cuando entiendes que cualquiera pueda enamorarse de semejante individuo. Y más si Richard Donner tiene la visión de contarnos la maravilla que supone el kryptoniano para el ciudadano de a pie desde la perspectiva alucinada de una Lois Lane que cae rendida ante él. El tema de amor de John Williams, una de los más hermosas melodías románticas jamás escritas para una película, tiene mucho que ver para que la magia cinematográfica funcione. A pesar de que a veces, Margot Kidder no esté a la altura, excediéndose en ese toque excéntrico en el que envuelve a su personaje. El actor Christopher Reeve en una escena de Superman (1978) de Richard Donner Lo que nos lleva a destacar los desaciertos de la cinta, que no todo es oro bajo la capa de Richard Donner y Mario Puzo. Los villanos están descoloridos, poco definidos. Son aún demasiado hijos del papel que los vio nacer. Y si bien dentro de la lógica del film resultan coherentes, hacen cojear a la trama de un mcguffin potente, de un antagonista a la altura, a pesar de la graciosa interpretación de Gene Hackman. La resolución, en exceso grandilocuente y ausente de lógica –qué lógica le puedes pedir a un tipo que vuela, habrán pensado al escribirla-, diluye la eficacia de un guión que fue reescrito durante el rodaje y previo al estreno a petición de los productores. Que Richard Donner fue despedido después de haber rodado gran cantidad de metraje para la secuela es conocido por todos. Y este final impuesto, pensado para su secuela, tuvo que ver en este desagradable proceso. Como el lector atento puede atisbar, esta reseña está preñada de nostalgia, enemiga acérrima de una mirada imparcial para analizar un filme. Pero, como soy espectador, de gustos vehementes, antes que crítico, mis filias están por encima de mis aptitudes para la fría lógica. Así que disculpen si les parece poco profesional, pero a esta cabecita le resulta casi imposible hablar de una película, que como puede verse, me ha marcado de manera tan poderosa. Una obra maestra en toda regla, en definitiva, pues marcó un antes y un después y que sirvió como guía para crear un género específico dentro del fantástico. Pero como cualquier filme comercial, no deja de ser deudora de su época. Una mirada moderna y poco dada a la nostalgia podría dejarla en peor lugar. En el cine, treinta y cinco años son demasiados para una imagen canónica. Es hora de un cambio de rumbo cinematográfico, de modo que Zack Snyder y Christopher Nolan son unos valientes por atreverse a contar de nuevo lo mismo, desde una perspectiva actual. Más con semejante mastodonte popular con quién se le va a comparar. Tan sólo espero que El Hombre de Acero esté a la altura del mito. Si crea nuevos lectores, si el hechizo funciona en los chavales como lo hizo conmigo, tendremos Superman para rato. ¡Que las tiendas de cómics no pueden vivir sólo de treintañeros, señores! En 1980 se estrenaría Superman II, un periodo de tiempo breve se podría pensar si no fuese porque Richard Donner había rodado la mayoría del metraje simultáneamente a su trabajo en la primera película, pero entre medias las comentadas diferencias creativas entre el director estadounidense y los productores de la saga se acrecentarían hasta forzar el despido y la salida del proyecto del primero. El sustituto elegido sería el mencionado Richard Lester, hombre de confianza de Ilya Salkind y Alexander Salkind con los que ya había trabajado en Los cuatro mosqueteros (1974), el cual descartaría finalmente la mayoría de material que Richard Donner había filmado y preparado de cara a la secuela aprovechando sólo un 30% del mismo. En Superman II se incrementaría el tono de comedia de la película original enhebrando una historia que trataba el conflicto de Superman con el General Zod, un personaje de creado por Robert Bernstein y George Papp en 1961 en las páginas de Adventure Comics #283, aunque de escasa repercusión en la mitología del personaje hasta la interpretación de Terence Stamp en esta película la cual, con un presupuesto muy parecido a su primera parte, sólo recaudaría 108 millones de dólares aunque Ilya Salkind y Alexander Salkind seguirían confiando en su valiosa franquicia. El metraje perdido de Richard Donner sería recuperado por Warner Bros. veintiocho años después, una decisión en la que tendría mucho que ver la presión realizada por los aficionados en internet y las redes sociales, y coincidiría con el estreno en 2006 de la malograda Superman Returns de Bryan Singer, película a su vez que devolvía al personaje a la gran pantalla después de veinte años de ausencia y en plena revolución del género superheroico a nivel cinematográfico. El resultado sería una nueva versión de Superman II, conocida como Superman II: The Richard Donner Cut, para la que se recuperó el guión original planteado por Richard Donner y Tom Mankiewickz a finales de los años setenta y se realizó un nuevo montaje de la película con el material conservado. En esos precisos momentos Richard Donner, prácticamente retirado de su faceta como director de cine, aunque como productor había sido partícipe del éxito de los X-Men de Bryan Singer, se encontraba guionizando junto a su discípulo Geoff Johns y el dibujante Adam Kubert algunos números de la mítica cabecera Action Comics dedicada al Hombre de Acero al que el mismo director reconoce deber su carrera. La historia podría haber sido otra pero Superman seguiría en 1983 su vuelo cinematográfico con Richard Lester en Superman III, en una historia en la que Richard Pryor se uniría al reparto para acabar de definir la parodia en la que se había transformado y degenerado la saga. El malestar de Margot Kidder con los productores a raíz del despido de Richard Donner se tradujo en su casi ausencia de la trama de la película y las amenazas en un principio pensadas para hacer frente a Superman, Brainiac y Mr. Mxyzptlk, se acabaron cayendo del guión, el público, por su parte, respondió con una recaudación menguante y muy alejada de las anteriores cifras de la antaño prometedora franquicia. Mientras, Supergirl intentó tomar el relevo, la película de Kara Zor-El se estrenaría en 1984, con Helen Slater como protagonista, secundada por Faye Dunaway, Peter O’Toole, Hart Bochner, Mia Farrow y Marc McClure. El personaje debería haber sido presentado en Superman III pero al final, como en otras cuestiones, la producción acabó tomando otro rumbo, y las aventuras de Supergirl, en las que Christopher Reeve finalmente no apareció con su cameo previamente acordado, pillaron al público desprevenido y poco receptivo. Este spin-off dirigido por Jeannot Szwarc, distribuido en este caso por Tri Star Pictures, sería un fracaso absoluto, con un presupuesto de 35 millones de dólares apenas recaudaría 14, lo cual hizo descartar de inmediato cualquier tipo de secuela o continuación posible sobre la prima de Superman. Escena de Supergirl (1984) de Jeannot Szwarc Parecía que la saga de Superman había llegado a un callejón sin salida, Christopher Reeve se negaría a participar en ninguna otra secuela, aunque el cambio de productores, pasando los derechos a manos de Menahem Golan y Yoram Globus, resultando en una asociación entre la productora de serie B Cannon Films y Warner Bros., y una correspondiente propuesta de aumento de sueldo para el actor sirvieron para tantearle para este nuevo proyecto al que volverían Gene Hackman, Marc McClure y Margot Kidder. Finalmente, Christopher Reeve volvería a vestir la capa, convencido después de acceder los productores a darle derecho a voto en el guión de la película y recibir financiación para su proyecto personal Street Smart (1987) que llevaría a cabo junto al cineasta Jerry Schatzberg y el actor Morgan Freeman. La silla de director para esta nueva secuela sería ofrecida a Richard Donner, pero este rechazó la oferta con buen criterio en favor de Arma Letal (1897), por lo tanto, el honor acabó recayendo en el canadiense Sidney J. Furie. La película resultante, estrenada en 1987, sería una cinta de escaso presupuesto, involutiva en cuanto a efectos especiales, la vapuleada Superman IV: La búsqueda de la paz, la debacle cinematográfica final del personaje que habría de suponer un auténtico e ineludible final de era. Las pretensiones de rodar una quinta entrega, la cual habría sido dirigida por Albert Pyun, se convirtieron en una verdadera quimera ante la posterior quiebra de Cannon Films y el regreso de los derechos del personaje a las manos de Ilya Salkind y Alexander Salkind los cuales escarmentados de experiencias anteriores centrarían a partir de entonces sus esfuerzos en la pequeña pantalla.

	Superman. Un superhéroe de cine. Tercera Parte: ¿Qué le sucedió al Hombre del Mañana? 1988 – 2013 Los tiempos se habían vuelto más oscuros a finales de los ochenta, no había lugar para la fantasía superheroica pura y dura, era el momento de héroes como Batman de Tim Burton cuyo estrenó en 1989 sería el comienzo de un fenómeno comparable en éxito y repersución al que había protaginizado hacía más de una década el Superman de Richard Donner. Por desgracia, Superman desaparecería del panorama cinematográfico durante los años noventa, pese a verse asociado en un sinfín rumores y proyectos, con multitud de nombres asociados a ellos, incluso algunos en una fase de trabajo y pre-producción bastante avanzada, pero reiteradamente cancelados o aparcados por sus productores. Mientras tanto, en televisión se estrenaría en 1988 la serie de imagen real Superboy, renombrado en su tercera temporada como The Adventures of Superboy, una producción de Ilya Salkind y Alexander Salkind para la cadena CBS en la cual colaborarían autores como Mike Carlin, Andrew Helfer, Denny O’Neil o J. M. DeMatteis. En la primera temporada el rol de Superboy sería interpretado por el actor John Haymes Newton y a partir de ahí, hasta el final de la serie en 1992, este sería sustituido por Gerard Christopher más del agrado y beneplácito de los responsables de la serie. Curiosamente, The Adventures of Superboy se empezó a producir durante el 50º Aniversario de la creación de Superman por parte de Jerry Siegel y Joe Schuster pero también, paradójicamente, después de haber borrado DC Comics a Superboy de la continuidad del Hombre de Acero con el reinicio de la destacada etapa de John Byrne. La misma cadena CBS en 1988 había estrenado, paralelamente, una nueva serie animada de Superman, siendo sus responsables Warner Bros. y Ruby-Spears Productions, creadores de Scooby-Doo y Alvin y las Ardillas. El resultado sería una serie de una única temporada de trece episodios, inspirada en los cómics del mencionado relanzamiento de John Byrne, y en la cual colaborarían autores como Marv Wolfman y Gil Kane. Por otro lado, en 1993 Warner Bros. no descartaban el futuro del personaje en el cine, su objetivo era aprovechar el éxito y controversia que había generado un año antes en los cómics La Muerte de Superman llevada a cabo por el equipo creativo formado por Dan Jurgens, Roger Stern, Louise Simonson, Jerry Ordway y Karl Kesel, por lo que los directivos del estudio confiaron en el productor Jon Peters, responsable del Batman de Tim Burton, para llevar a cabo un proyecto capaz de relanzar al personaje y adaptar su mitología a los nuevos tiempos. El experimento sería conocido como Superman Reborn, un guión en el que trabajarían Jonathan Lemkin y Gregory Poirier, tomando a Brainiac y Doomsday como villanos principales, pero Warner Bros. no quedó contenta con él y siguiendo el consejo del director y guionista Kevin Smith decidieron partir de cero. Fotograma de la serie animada de Superman (1988) de Ruby-Spears Mientras tanto, en televisión, la cadena ABC tomaba el relevo en 1993 con Lois y Clark: Las nuevas aventuras de Superman, una serie de cuatro temporadas protagonizada por Dean Cain y Teri Hatcher y desarrollada por Deborah Joy LeVine, la cual sería conocida como “la mujer que revivió a Superman” por conseguir volver a generar interés en el público por el personaje, con una historia en la que el romance y el drama se impondrían definitivamente a la ficción superheroica. El personaje volvía a llamar la atención del gran público pero su regreso cinematográfico continuaba paralizado, Kevin Smith trabajaría en el guión de la conocida como Superman Lives mientras intentaba complacer las absurdas demandas del productor Jon Peters, el cual había ordenado cambiar el tradicional traje de Superman por uno negro y plateado o prescindir de su habilidad de vuelo. El guión de Kevin Smith pasó el filtro de Jon Peters pero con la asignación de Tim Burton como director, y con la fecha de estreno fijada por Warner Bros. para 1998, el cineasta mandó reescribir y cambiar el libreto a Wesley Strick. El proyecto, con el siempre entregado Nicolas Cage asociado para interpretar el rol de Superman, con la pre-producción en un estado muy avanzado, sería finalmente cancelado debido a las diferencias creativas y disputas entre Tim Burton y el conflictivo Jon Peters. Por lo tanto, los plazos no se cumplieron, tanto Tim Burton como Nicolas Cage se desvincularon del proyecto y la lista de propuestas fallidas para las películas de Superman seguía creciendo. El único estreno relacionado con el personaje que podría verse en 1998 serían una serie de sketches publicitarios de American Express presentados en la Super Bowl de ese mismo año, protagonizados por el Hombre de Acero, animado para la ocasión al estilo Curt Swan, y un declarado fanático de Superman, el actor y humorista Jerry Seinfeld. En lo sucesivo, cinematográficamente hablando, se asociarían al relanzamiento del Superman directores tan dispares, aunque siempre con un perfil destinado al cine de evasión, como Brett Ratner, Martin Campbell o Michael Bay pero ninguno de ellos acabaría por cuajar, a lo que había que añadir la facilidad con la cual Jon Peters fulminaba libretos y quemaba guionistas rechazando dispares propuestas realizadas por William Wisher Jr. o el escritor Alex Ford. Pero una nueva circunstancia habría de llevar Warner Bros. a reinterpretar el regreso de Superman a la gran pantalla: el fracaso comercial y artístico en 1997 del Batman & Robin de Joel Schumacher. La saga iniciada por el Batman de Tim Burton se había ido desinflando en manos del director de Jóvenes Ocultos (1987) y Un día de furia (1993), la fórmula estaba totalmente agotada, ni siquiera el público se sentiría atraido por un mediático reparto encabezado por George Clooney, Chris O’Donnell y el veterano Arnold Schwarzenegger. Uno de los spots publicitarios de Jerry Seinfeld y Superman De esta manera, se pensó en la posibilidad de matar dos pájaros de un tiro, Batman Vs. Superman parecía ser una posibilidad, el guionista Paul Attanasio y Andrew Kevin Walker realizaron los primeros borradores del guión y el director McG sería contratado para filmarla. Posteriormente, se hablaría de una película rodada por Wolfgang Petersen y escrita por el guionista Akiva Goldsman, pero nunca más se volvió a saber de ella y Warner Bros. en adelante se centraría en el reinicio de la franquicia de Batman relegando nuevamente a Superman al olvido por una larga temporada. En realidad la mejor versión de Superman en los años noventa se vería en la serie animada Superman: The Animated Series, emitida entre 1996 y 2000 en The WB Television Network, un total de cuatro temporadas desarrolladas por el equipo creativo formado por Alan Burnett, Paul Dini y Bruce Timm. Esta producción era la heredera de Batman: The Animated Series, creada a principios de los noventa por el mismo Bruce Timm y Eric Radomski, y resultaba también un homenaje a los míticos cortos animados de los años cuarenta de los Estudios Fleischer. El éxito de Superman: The Animated Series se trasladaría a los cómics, DC Comics comenzaría a publicar la cabecera Superman Adventures, la cual sobrevivía al final de la serie de televisión, siguiendo el estilo y espíritu de las animaciones de Bruce Timm y compañía y con autores como Paul Dini, Mark Evanier, Devin Grayson, Mark Millar o Ty Templeton implicados en ella. El cambio de siglo se presentaría con una nueva serie de imagen real, Smallville, en la tradición iniciada en los noventa con el Superboy de Cannon Films y Lois y Clark: Las nuevas aventuras de Superman de Deborah Joy LeVine. En el caso de Smallville, como su propio nombre anticipa, encontramos la historia de los orígenes extendidos de Clark Kent, Superman se encuentra en casi todo momento fuera de la ecuación aún jugando con su mitología, personajes y referencias. La acción superheroica de Smallville pasaba a un segundo plano, centrándose la trama en las relaciones entre personajes, el romance, el drama y la comedia. Esto no sería impedimento para que Smallville se convirtiese en la serie de imagen real más longeva asociada al mito de Superman hasta la fecha, con un total de diez temporadas emitidas entre 2001 y 2011 en The WB Television Network, el show estaba protagonizado por Tom Welling al que le acompañaba un reparto lleno de caras jóvenes como Erica Durance, Allison Mack, Aaron Ashmon, Kristin Kreuk y Michael Rosenbaum. El éxito de Smallville seguramente sería un acicate para Warner Bros. a la hora de intentar devolver al Hombre de Acero a la gran pantalla, descartando Batman Vs. Superman y propuestas anteriores, por lo que los estudios se pusieron en contacto con el director y guionista J.J. Abrams para plantear el reinicio de la saga. La propuesta original resultante sería una trilogía que tendría por título Superman FlyBy y cuyos esbozos de guión planteaban un cambio radical en los mismos orígenes del personaje. El proyecto volvió a estar asociado a Brett Ratner y McG aunque finalmente el elegido para desarrollarlo sería Bryan Singer que ya había demostrando su solvencia al encargarse de las películas de los X-Men. Respaldado por Warner Bros. Bryan Singer optaría por un nuevo planteamiento alejado de Superman FlyBy y, posiblemente, más ambicioso e inabarcable, con un guión escrito por Michael Dougherty y Dan Harris el director de Sospechosos Habituales (1995) tenía como objetivo retomar la continuidad original de las películas de Richard Donner y Christopher Reeve. De esta manera, Superman Returns se estrenaba en 2006, continuando allí dónde había quedado la historia de Superman II, descartando las secuelas posteriores, y sirviendo de homenaje póstumo a Christopher Reeve tristemente fallecido en 2004 a la temprana edad de cincuenta y dos años. En el reparto, Brandon Routh se hacía con el mítico doble papel de Clark Kent y Superman, mientras Kate Bosworth encarnaría a Lois Lane y Kevin Spacey hacía lo propio con Lex Luthor intentando mimetizarse con la interpretación de Gene Hackman al mismo tiempo que se recuperaban imágenes de archivo del Jor-El de Marlon Brando. Fotograma de Superman Returns (2006) de Bryan Singer La película fue un éxito de taquilla recaudando más de 391 millones de dólares, la octava película más taquilla de 2006, por debajo de X-Men 3: La Decisión Final de Brett Ratner, pero con un presupuesto por encima de los 270 millones apenas generó beneficios y la Warner Bros. la considero un fracaso cancelando su secuela. Las críticas de Superman Returns tampoco fueron muy entusiastas, resaltando como Bryan Singer se había recreado demasiado en su metáfora cristiana y en su excesivo apego a la fidelidad del Superman de Richard Donner pero sin conseguir encontrar el camino para su Hombre de Acero. El golpe haría caer de nuevo al personaje en el ostracismo cinematográfico, desapareciendo de la pantalla grande durante otros trece años, hasta el presente año 2013 en el cual Warner Bros. conmemora el 75º Aniversario de Superman con el estreno de El Hombre de Acero de Zack Snyder. Previamente, en 2011, se habló de incluir a Superman en una película a mayor gloria de La Liga de la Justicia, el experimento se llamaría Justice League: Mortal y estaría dirigido por George Miller, con un casting formado por Superman (D.J. Cotrona), Batman (Armie Hammer), Wonder Woman (Megan Gale), Aquaman (Santiago Cabrera) y Flash (Adam Brody). Pero, finalmente, Warner Bros. se desentendió del proyecto y volvió a mirar hacía el final de la trilogía de Christopher Nolan con Batman y más de reojo al futuro de el Hombre del Mañana. Precisamente, Christopher Nolan ejerce como asesor y productor de la nueva película de Superman, El Hombre de Acero cuenta con guión de David S. Goyer y con Zack Snyder en la dirección. La apuesta vuelve a ser arriesgada, posiblemente más que nunca, porque El Hombre de Acero supone no ya una nueva oportunidad para Superman en el cine sino también para el futuro y devenir de los personajes de Warner Bros./DC Comics en el medio. No se puede obviar como las reglas del género superheroico han cambiado desde el éxito de Los Vengadores de Joss Whedon y esta nueva encarnación del primer superhéroe de la historia está destinada a hacer frente y lidiar con todo ello. Este Superman, actualizado a los tiempos y sensibilidades modernas, con el rostro de Henry Cavill, al que secunda un reparto de lujo, Amy Adams, Michael Shannon, Kevin Costner, Laurence Fishburne, Diane Lane y Russell Crowe, promete mucha introspección y épica, una fórmula que esperemos haga creer a las nuevas generaciones que un hombre puede volar.

 Todos nuestros artículos y reseñas del Especial Superman 75º Aniversario

Edición original: Superman: Secret Origin #1-6. 2009.
Edición nacional/ España: DC Orígenes: Superman (2011 Planeta DeAgostini).
Guión: Geoff Johns.
Dibujo: Gary Frank.
Entintado: Jon Sibal.
Color: Brad Anderson.
Formato: Cartoné. 222 págs.
Precio: 20€.

En el mundo de los superhéroes hay una norma no escrita que dicta que cada cierto tiempo el origen de los personajes debe ser actualizado para encajar con la continuidad en curso de cada universo superheroico particular y, sobre todo, para adecuarse a los gustos y tendencias de los lectores más jóvenes. Con 75 años a sus espaldas, Superman es uno de los personajes que más veces ha visto revisado y actualizado su origen. La última de estas revisiones antes del reboot de DC data del 2009 y sus encargados fueron el guionista Geoff Johns y el dibujante Gary Frank.

Toda historia encargada de explicar el origen de Superman juega con una serie de elementos más o menos fijos que se asumen como fundamentales para comprender a un personaje con una trayectoria tan larga como ésta. Así, la destrucción de Krypton y la llegada a la Tierra como niño, su infancia en Kansas y el paso a Metropolis en la edad adulta y su encuentro allí con Lois Lane son partes invariables que aparecen siempre cuando se trata el pasado de Superman y de su alter ego Clark Kent. Lo que varía de una versión a otra son detalles que ayudan a ajustar el personaje a la continuidad (algo que en DC no suele durar más de 10 años) y el enfoque que quiera darle el autor de turno. En este caso concreto Geoff Johns apostó por una aproximación que pretendía humanizar al personaje y hacerlo más próximo a los lectores de las nuevas generaciones que habían conocido al personaje a través de otros medios como el cine o la televisión.

A diferencia del origen narrado por John Byrne, que estaba más inspirado por los cómics clásicos del personaje, Geoff Johns se inspira en el Superman cinematográfico para crear su origen del Hombre de Acero. No es de extrañar que Geoff Johns realizara una aproximación tan cinematográfica al personaje y su entorno habida cuenta de su pasado como colaborador de Richard Donner, director de la película de Superman de 1979. Así a lo largo de los seis números de la serie limitada podemos encontrar multitud de referencias a la película y alguna escena directamente sacada de dicho film como la de la primera aparición pública de Superman rescatando a Lois Lane de la caída de un edificio con helicóptero incluido. Esta deuda con la película no se limita a la labor del guionista, sino que Gary Frank, quien realiza un trabajo excelente en toda la obra, contribuye a ello con una caracterización de Clark Kent clavada a la de Christopher Reeve. Además de las referencias a la película de 1979, también podemos encontrar otras como la que el guionista hace a la serie televisiva protagonizada por George Reeves, con la pose de Superman en la primera foto que le hace Jimmy Olsen, o el hecho de Clark y Lex Luthor fueran compañeros de instituto en Smallville como se vio en la serie homónima.

La aproximación cinematográfica de Johns no se limita al uso de elementos provenientes de otros medios, sino que la forma de encarar la historia y los elementos que maneja también están hechos desde un enfoque cinematográfico. Se puede ver este origen como lo que podría ser el guión para una película jamás filmada de Superman, con elementos muy asequibles para todos los públicos. El ritmo de la historia va aumentando a medida que avanza la serie desde la presentación de Clark de niño hasta el enfrentamiento final contra Mentalo, hay mucho desarrollo de personajes y la interacción entre ellos está bien trabajada, las escenas de acción aunque son espectaculares están bastante contenidas y los villanos utilizados (Luthor, Mentalo, Parásito) están asentados en el entorno de los personajes principales y tienen un origen mundano, evitando referencias a elementos cósmicos y alienígenas y, salvo por una excepción, apenas hay referencias a otros personajes del universo DC. Esto no quiere decir que el trabajo de Johns se aleje de la esencia del personaje, al revés, yo creo que el resultado es una buena amalgama de los elementos que han hecho reconocible a Superman presentada de forma que sea disfrutable por el conjunto de lectores más amplio posible.

El único punto de esta historia que se aleja de la perspectiva cinematográfica del personaje es el capítulo dedicado a explicar el primer contacto entre un Clark Kent adolescente y la Legión de Superhéroes del siglo XXX. En este capítulo Johns deja salir su lado más fanboy y devuelve a la continuidad oficial a Superboy, la Legión e incluso a Krypto.

El Superman de Gary Frank y su gran parecido a Christopher Reeve

Aunque la relación de esta obra con otros medios no acaba en el hecho de haber aprovechado elementos propuestos en cine o televisión sino que podemos observar también un intercambio en sentido opuesto. La relación laboral de Johns con el guionista David S. Goyer parece haber tenido cierta influencia en la reciente película dedicada al Hombre de Acero (escrita por Goyer) ya que en ella podemos encontrar escenas calcadas directamente de la historia de Johns, como la emotiva conversación entre Clark y su padre adoptivo cuando el primero descubre su origen Kryptoniano, u otras que parecen inspiradas por algunos pasajes de esta historia como las de Superman enfrentándose a soldados del ejército USA. Estos no son más que algunos ejemplos de cómo la influencia mutua entre diferentes medios sirve para seguir enriqueciendo la visión de un personaje que ya forma parte del acervo cultural de varias generaciones.

En España esta historia fue publicada en el 2010 por Planeta DeAgostini, cuando aun tenía los derechos de edición de DC en nuestro país. Recientemente, ECC ha anunciado la publicación de esta historia en un formato y precio que la hará asequible a todos los públicos.

Si eres de los que piensa: “¿saber más sobre Japón? Me la sopla.” Pues nada, nos leemos en la próxima columna. Pero si tenéis una mínima curiosidad por saber cómo pasamos de pensar que Japón era un país lleno de samuráis, geishas y huelgas “a la japonesa”, a conocerlo con un detalle casi académico, vamos a hacer un breve viaje en el tiempo.

Los japoneses, hasta hace pocos años, pensaban que nadie más que ellos podía tener interés en su cultura. Aunque quizás sea más realista decir que los japoneses creen que nadie más que ellos es capaz de entenderla. Quizás sea por eso que nunca antes se habían prodigado en promocionarla fuera de sus fronteras. Ni falta que les hacía en realidad, ya que con más de 125 millones de habitantes, a su industria cultural le bastaba. Aún así, desde los años 60, en nuestros televisores no hemos dejado de ver animación japonesa, y fuese con intención o no, el manga acabó llegando a nuestras manos.

Pero hasta los 90, muchos ni siquiera sabían que sus dibujos favoritos eran japoneses, ni mucho menos sabían que en Japón existía una industria del cómic capaz de hacer sombra a la americana o europea. Fueron Akira y Dragon Ball las obras que abrieron esa puerta de la que os hablaba. Y como si fuese una de esas puertas mágicas de Doraemon, al atraversarla nos encontramos de repente en un país desconocido, junto a un montón de gente que empezaba a examinarlo todo con lupa.

Uno de los autores que más ha estudiado la expansión de la cultura japonesa en el mundo es un japonés llamado Iwabuchi Koichi. Según él, la cultura japonesa ha conseguido llegar a otras partes del mundo por no tener “olor cultural”, que es su forma de describir aquellos productos que no muestran, de forma más o menos evidente, rasgos culturales de su país de origen (y eso facilita que otras culturas puedan aceptarlo sin problemas). Estamos parcialmente de acuerdo con este señor, y pensamos que es cierto que la mayor parte de manga y anime que nos llegaba no era muy “japonés”. Akira transcurría en Neo-Tokyo, pero no es que nos mostrara precisamente un Japón actual o realista, y Dragon Ball no dejaba de ser una mezcla de cultura asiática y occidental muy particular. Además, en uno de los primeros artículos de la prensa especializada que se escribieron sobre el manga, en la revista Krazy Comics (nº16), se hablaba de la inminente entrada de tebeo japonés, pero se sentenciaba que lo que se iba a publicar solo esos títulos que tenían un aire “occidental”. Y a pesar de todo, esos tebeos nos llamaron tanto la atención por la novedad que suponían en varios frentes, que quisimos saber de dónde venían y si había algo parecido que pudiésemos devorar. Dicho de otro modo, agudizamos nuestro olfato, y finalmente acabamos descubriendo la fragancia cultural japonesa.

De esta forma empezó a gestarse hace poco más de 20 años, nuestra “escena manga”. Y a su vez, empezó todo un proceso de descubrimiento y fascinación del país nipón. Eran dos procesos casi inseparables, simultáneos, cuanto más queríamos saber de manga y anime, más nos interesaba el Japón real. Aún así, editoriales como Planeta, en esa época seguían pensando más o menos como Iwabuchi, y en su opinión, el manga tenía que ser adaptados a lo que estábamos acostumbrados. De ahí que se espejaran los mangas, que se publicara en formatos parecidos al comic-book, y que las traducciones tuviesen que adaptar todo lo posible términos que eran más difíciles de entender por entonces. Esto no significa que alguien quisiera hacer pasar el manga por algo no japonés, en absoluto, de hecho títulos como Crying Freeman, El puño de la Estrella del Norte, y Dragon Ball se promocionaban como una nueva línea editorial, la línea manga, y son muchos los lectores de la serie blanca de Dragon Ball que recuerdan como, a través de los artículos de Alfons Moliné, fueron descubriendo poco a poco lo que se había estado cociendo en Japón en los últimos 40 años.

Pero no les bastaba con “Manga Manía”, esos primeros fans querían saber más, investigaban y luego querían compartirlo. Así llegaron esos primeros fanzines (Japan Anime Fancine, Manganime, MangaZone, etc.), y entre descubrimientos de nuevos anime y manga, entre columnas de opinión sobre lo mal que se programaba anime en Tele5 o Antena3, en casi todos los fanzines había algún rincón para hablar de cultura japonesa. Al principio casi todo giraba alrededor de temas editoriales, interesaba saber como se publicaba el manga, qué tipos de manga existían, etc. Pero al poco tiempo, la necesidad de entender más sobre lo que estaban leyendo llevó a estos fans a interesarse por la cultura tradicional y urbana japonesa. Desde las primeras mini-guías turísticas de viaje, hasta los primeros cursillos de japonés, pasando secciones como “¿Sabías que…?” de MangaZone, que informaban a la vez que alimentaban algunos de los nuevos tópicos sobre Japón.

Con todas estas secciones algunos aprendieron como eran las casas japonesas, como se organizaban las calles en Tokyo, incluso como se emborrachan los japoneses o como funcionan las empresas niponas. Cualquier dato era bienvenido, por anecdótico o irrelevante que pudiera parecerle al no iniciado, todo acercaba al fan un poco más a la tierra prometida.

Después de todos esos manga post-apocalípticos y cyberpunk, finalmente empezamos a ver y leer obras cuya “aroma japonesa” era mucho más evidente. Por ejemplo, con Doraemon rápidamente aprendimos como podía ser la vida del típico niño japonés, y con la publicación de Gamma, el hombre de hierro, descubrimos un manga adulto, del que aprendimos más sobre relaciones sociales, como los japoneses expresan (o no) sus sentimientos. Y llegaron más, sobre la universidad, sobre los yakuza, hospitales…

A los pocos años, esos fanzines dejaron paso a revistas profesionales (Minami, MangaZone, Dokan), y los contenidos eran cada vez más especializados, más exhaustivos, y las pequeñas guías turísticas de antes, ahora eran crónicas de la vida diaria en Japón, gracias a corresponsables como Marc Bernabé (traductor muy conocido del sector). Y el fan del manga y el anime había descubierto otras pasiones dentro del colorido mundo Pop japonés. La música de los grupos de Idols, de las bandas de JRock y Visual Kei aparecían en portadas de revistas, a la vez que algunas chicas empezaban a fijarse en como vestían las japonesas.

Cuando Internet lo revolucionó todo y todas esas revistas empezaron a desaparecer, fueron los blogs los que tomaron el relevo. Y llevaron, una vez más, la afición por lo japonés a un nivel superior. Ahora eran personas que estaban viviendo en Japón las que te contaban casi a diario, con fotos, anécdotas personales, cualquier detalle sorprendente del país. Los que escribían no eran necesariamente fans del manga y anime (aunque muchos sí podían serlo, su blog no estaba enfocado en esa línea), pero buena parte de su audiencia eran lectores de manga o fans del anime, que degustaban cada nuevo post como si fuese maná divino. La especialización del fan había tocado techo, y se podría decir que dominaban algunas cuestiones referentes a Japón incluso más que el japonés de a pie (que por lo general, les importa una mierda lo que pase en el mundo otaku). Aún así, hay que ser conscientes de que la compleja y elaborada realidad que algunos se crearon a través de los blogs, no era necesariamente y enteramente fiel. No es que los bloggers mientan, simplemente nos cuentan una parte de su vida, la que quieren contar. De ahí que a menudo nos encontremos con una idealización exacerbada de la vida en Japón (e incluso, en algunos casos, todo lo contrario), o que los clásicos tópicos sobre el país del Sol Naciente se descarten, para incorporar otros a nuestro imaginario (que los japoneses se pasan el día comprando bragas usadas, que hay restaurantes de body-sushi en cualquier esquina, o que hay millones de japoneses encerrados en sus casas jugando a videojuegos, etc.).

Hasta ahora hemos hablado mucho de lo que los fans llegaron a hacer para acercarse más a Japón, y es que sin duda fueron ellos los más activos a la hora de informarse, a la vez que tiraban del carro de la industria. Los fans siempre iban un paso por delante, y más que sentar cátedra, las editoriales se iban adaptando a las demandas del público. Tampoco es que podamos culparles, tanto el mencionado manga de Gamma, como Shin-chan o incluso el Shônen Mangazine, fueron arriesgadas apuestas con las que se estrellaron (lo único que se pudo recuperar fue Shin-chan). Así pues, se tardó unos cuantos años en dejar atrás la política de “adaptar al mercado occidental”, y abrazar por primera vez la máxima de “cuanto más fiel al original, mejor”. Con la salida de Rurouni Kenshin, cuyo formato de publicación era fiel al japonés, se abrió al veda a la “japonización” del mercado manga. Los debates sobre si había que espejar o no el manga no se daban dentro de la “escena”, y los traductores empezaron a ser algo más valientes a la hora de dejar algunos términos sin traducir (tirando más de las notas de traducción). Todo ello, síntomas inequívocos de que el público tenía un conocimiento más amplio de cultura japonesa, y quería una experiencia lo más nipona posible. Sí, amigos, aunque los otakus os puedan parecer unos lerdos, tienen una curiosidad y una capacidad de aprendizaje a tener en cuenta.

El manga y el anime, como productos japoneses, que en su mayoría están hechos por y para japoneses, llevan consigo una carga cultural muy pesada. Esto no significa que no la lleven productos de otros países, por supuesto, pero teniendo en cuenta que estamos hablando de una cultura muy alejada de la nuestra, es más fácil que destaquen algunos de estos elementos sociales e históricos. Por todo esto, es posible que al principio puede que nos cueste entrar en este mundo, no es lo mismo empezar a leer manga ahora, que hacerlo a principios de los noventa. Ahora se le pide más al lector, aunque también tiene un mayor y más sencillo acceso a la información que esos pioneros. De ahí que sea necesario tener la mente abierta y la maleta vacía cuando nos embarcamos en este viaje, porque poco a poco vamos a ir llenándola de conocimientos nuevos e inesperados.

PD: Perdón por el retraso en la publicación de esta columna, casualidades de la vida, estaba realizando un trabajo académico sobre el impacto de la cultura popular japonesa en los conocimientos de los fans del manga y el anime… y bueno, puede que me haya aprovechado un poco de ello para este artículo.

Oriol Estrada – laarcadiadeurias.net

Clones que empezaron con un profesor de universidad excesivamente cariñoso que no veía problemas en usar las células madre de sus alumnos, y que acabó en un festival de duplicados genéticos en el que Peter Parker llegó incluso a dudar de su propia originalidad. Por suerte o por desgracia, a la editorial le temblaron las rodillas y decidieron devolver al bueno de Parker a su rol habitual, marcando aquella etapa como una de las más rocambolescas y extravagantes del Hombre Araña. Sin embargo un puñado de lectores todavía recuerdan con cariño el paso de Ben Reilly bajo la máscara de Spider-Man con sus peinados noventeros, sus trabajos de perfil discreto y sus secundarios. Desgraciadamente, Marvel quería dar carpetazo a todo aquello y Reilly se convirtió en el cabeza de turco perfecto para ser ejecutado a manos de Howard Mackie El Duende Verde (y dejar bien claro que Peter Parker era el único y verdadero Spider-Man).

Pero como en Marvel nadie puede permanecer muerto demasiado tiempo, y el próximo Agosto Ben Reilly reaparecerá en la cabecera que él mismo diera vida. Protagonizada por el clon malo de Peter Parker desde su relanzamiento a raíz de Spider Island, Araña Escarlata será el escenario en el que Kaine y Reilly volverán a verse las caras por el derecho a llevar el manto. Bajo la atenta mirada de Kraven e hija, la saga Into The Grave supondrá un conflicto de intereses entre los nostálgicos que quieran tener al Araña Escarlata original de vuelta a su antiguo alias, y aquellos que han disfrutado con el contraste entre Kaine y Spider-Man, como para ahora perderlo a manos de un sucedáneo de Peter Parker.

¿Ben Reilly o Kaine? ¿Quién debería alzarse con el título como verdadero Araña Escarlata? ¿El que creo el alias con aquella sudadera azul sin mangas al más puro alias, o el que reparte moratones y brazos rotos entre los criminales de Texas al más puro estilo de los héroes de acción de los 90? Seguro que cada uno tenéis vuestra propia opinión, pero antes de que empecéis con el debate os dejamos con la portada de Ryan Stegman ilustrando este histórico reencuentro entre dos viejos enemigos que vuelven a verse las caras casi veinte años después. En Aracely confiamos.

Superman y Seiya son dos de los invitados al GC Comic Fest 2013

También está publicado un listado general de actividades:

EXPOSICIONES
- Jaime Calderón
- Mélani Garzón Souza
- Nela, de Rayco Pulido
- Tributo a Saint Seiya (versionarios.com)
- La guerra de E.C.
- La muerte de Superman

ACTIVIDADES
- Proyección de películas “De la viñeta al fotograma”
- Concurso de dibujo rápido “D.Benito Pérez Galdós”
- Charlas y conferencias

Página oficial del evento

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Habían muchas apuestas de quien tomaría el relevo de James Robinson en la serie Earth 2. Muchos apostaban por Matt Kindt, quien se hará cargo del Earth #15.2: Solomon Grundy. Otra parte quería a Charles Soule, pero ni esta serie ni Action Comics, le han dado Superman/Wonder Woman. Y muchos deseaban que no fuera Paul Levitz. Al final, DC Comics ha tirado de su cantera digital. No han sido elegidos ni Jeff Parker ni Christos Gage, si no quien lo está petando en el mercado digital, e incluso coloca sus recopilatorios físicos en el Top 100 de ventas, más por encima de otras series costando un dolar más. Hablamos de Tom Taylor, escritor de Injustice: Gods Among Us, quien previamente era más conocido por haber escrito varias mini-series ambientadas en el universo Star Wars. Este será su primer encargo en los Nuevos 52, aunque no el primero tras la creación del nUDC, ya que escribió el National Comics: Rose and Thorn. Declarado fan del trabajo realizado hasta el momento por Robinson, se siente muy honrado de seguir expandiendo el universo creado e intentar llevar a buen puerto esta nueva era. Afortunadamente para él, y para todos nosotros, lo hará acompañada de su compatriota australiana Nicola Scott.

Y es que la dibujante, una de las marcas más visibles de la serie, pese a sentirse triste por el abandono de James, está emocionada por seguir desarrollando los misterios que han ido elaborando este último año, en una señal que todos los motivos porque la gente está tan encantada con la serie no se desvanecerán de la noche a la mañana. Y previo al anuncio, Nicola coincidió una entrevista hablando de sus inicios y su presente y futuro más inmediato. A diferencia de muchos que se dedican en el medio, Nicola no creció su niñez rodeada de cómics, sino fue en casi su adultez que descubrió este mundo. Aun así, si veía series de superhéroes en la tele y eso ya la marcó para siempre. Así pues, a ella le gustaba dibujar y le gustaba Wonder Woman, con lo cual terminó dibujando cómics. Previo a esto, intentó ser actriz pero era un mundo demasiado competitivo para su gusto. También hizo algunos encargos como autónoma de arte comercial, pero no era algo que la ilusionase especialmente, no se sentía completa realizando estas obras. ¿Y cuanto tiempo dedica a dibujar? Pues los 7 días de la semana, y es que las fechas de entrega en una serie regular son muy estrictas, así que tan pronto acaba un número ya hay que ponerse con el siguiente. Lleva dibujando números completos desde hace casi 9 años, y está metida en series regulares desde hace 7 años y medio.

Evidentemente, su personaje favorito es Wonder Woman, y eso fue debido en gran parte por la serie de Lynda Carter. No sólo es fan de Diana, también otros personajes, ya sean de ambos sexos y de ambas editoriales, tales como Superman, Batman, Elektra o Dyna Girl, pero el impacto que le causó en su niñez ha sido imborrable. Y la seguiremos viendo por tiempo en DC, ya que tiene contrato en exclusiva con la compañía, la cual tiene mucho de sus personajes preferidos, como los mencionados anteriormente así como otros como Catwoman o Batgirl. ¿Y como terminó trabajando en Earth 2? Antes del nUDC, Nicola estaba trabajando en Teen Titans, y cuando su contrato allí finalizó recibió un e-mail de Dan DiDio por si estaba interesada en trabajar junto a James Robinson en una nueva serie relacionada con la JSA, siendo un proyecto que llevaba esperando desde hacía años. Y sabiendo de tal proyecto 6 meses antes de poder ponerse a trabajar oficialmente, le dio tiempo de preparar y hacer evolucionar el que y como iba a lucir Earth 2. ¿Su personaje favorito a dibujar? Jay Garrick. Y pese a que hizo muchos diseños previos, acabó imponiéndose el rediseño de Jim Lee, así que poco tuvo que decir del aspecto final del primer Flash. La entrevista fue previa al anuncio, así que no reveló quien tomaría el testigo a James, pero si comenta que ya lo sabía un mes antes del anuncio oficial, y que no hubo un gran drama que desencadenase su marcha. Y que cuando se anunciase el nuevo escritor, la gente entendería que siguiera en la serie – y es que no hay nada como la patria querida. Sobre escritores preferidos con los que trabajar, la lista es demasiado grande, así que destaca con los que ha tenido la oportunidad de trabajar, como Gail Simone o Greg Rucka. De momento la tendremos seguro en la serie hasta septiembre 2014, cuando su actual contrato termine y tenga que re-negociarlo. Y sobre Tom Taylor, hereda un gran trabajo al cual estar a la altura o incluso superar, pero una cosa está clara. Nadie debería jamás justificar un bigote falso (Harley Quinn dixit).

Fuente: MTV Geek y Impulse Gamer.

Es posible que, al empezar a leer, estés oyendo una fanfarria en tu cabeza. La compuso John Williams en 1978 para la primera película del Hombre de Acero. Tal vez hayas pensado fugazmente “Es un pájaro, es un avión…” como en el musical de Broadway. O te haya bailado en la memoria un trozo de mineral verde que se ha convertido en sinónimo de “Talón de Aquiles” desde su presentación en el show radiofónico. Tal vez, entre ilusionado y escéptico, aguardes el estreno del blockbuster del verano, luego de quemar las pestañas viendo unos trailers prometedores. O evoques una figura roja y azul que, desde su modesto púlpito de papel, volvió ilimitada tu infancia. Algún irónico pensará que, en efecto, un texto como este es un trabajo para…

No sé qué preciso recuerdo despierta en ti. Pero estamos dispuestos a asegurar que no hay nadie a ese lado de la pantalla que no conozca a Superman.

Entre películas, series de televisión, muñecos y cómics hemos aprendido a reconocer la capa roja y la S en el pecho. Nombres como Clark Kent, Lois Lane, Lex Luthor o Daily Planet nos resultan familiares. Por descontado, en una página como esta el grado de exigencia es mayor. Algunos (no muchos) habrán leído historietas de todas las décadas del personaje y podrán citar al menos diez, veinte, treinta nombres -al margen de sus creadores- relacionados con su devenir. Claro que 75 años de publicación constante, con infinidad de apariciones en cualquier medio reproducible, dan para mucho. Es el padre de los superhéroes, el género de moda durante, al menos, la próxima hora, el más influyente y, sin duda, el más estudiado y analizado tanto dentro como fuera del medio. Si hay una mitología del Siglo XX, Superman es su Zeus, su Rey Arturo. Su capacidad de fascinación, como su fuerza física, parece inagotable.

Y, sin embargo, sus comienzos fueron de lo más humildes.

En el siguiente artículo hablaremos largo y tendido, en profundidad y sin ningún tipo de prisas, sobre la historia de Superman y su relación con los cómics, un especial construido desde sus cimientos por dos geniales arquitectos como Javier Agrafojo y Enrique Ríos, con el aporte del fondo documental de Zona Negativa recopilado y resumido por el compañero Jordi T. Pardo. Esperemos este completo artículo, a mayor gloria de El Hombre de Acero, guste a los aficionados del más grande superhéroe de todos los tiempos y, en general, a los aficionados al cómic y al género superheroico. En los próximos días podréis disfrutar de otros especiales en los que trataremos la historia de Superman ligada a otros medios como el cine, la televisión o la animación. Pero, esto empieza ya, ahora mismo, ¡alzamos nuestro vuelo!

En 1933 dos adolescentes residentes en Cleveland (Ohio), el estadounidense Jerry Siegel (1914-1996) y el canadiense Joe Shuster (1914-1992), compartían su afición por el cómic, el cine de aventuras y la naciente industria del pulp, donde se refugiaban nuevos géneros como la Ciencia Ficción, de la que ambos eran apasionados. Con 19 años, decidieron emplear sus energías creando sus propios personajes e historias y publicándolos en un fanzine, llamado, precisamente, Science Fiction. Una de esas aventuras precoces llevaba el profético título El reinado del Superhombre (The reign of the Superman). Este “Superman” poco tenía que ver con el personaje que su nombre evoca hoy. Se trataba de un villano calvo con poderes telepáticos más parecido a Lex Luthor que al futuro Clark Kent.

La experiencia encendió una chispa en la imaginación de ambos jóvenes. Descartada la idea inicial, reescribieron el personaje para convertirlo en un campeón de los oprimidos. El ágil actor Douglas Fairbanks, popular por sus protagonistas en La marca del Zorro (F. Niblo, 1920), Robin de los Bosques (A. Dwan, 1922) o El ladrón de Bagdad (R. Walsh, 1924), prestó su apostura al nuevo héroe, mientras que su tímido alter ego -la doble personalidad fue incorporada rápidamente- recordaría a Harold Lloyd, por quien Shuster sentía afinidad. Siegel lo llamó Clark Kent en homenaje a Clark Gable y Kent Taylor, dos de sus intérpretes favoritos. Su colorida indumentaria heroica, a medio camino entre las mallas del circo y los atuendos futuristas vistos en las portadas de las revistas pulp o en las dominicales de Flash Gordon (Alex Raymond, 1934), fue añadiendo y refinando elementos incluso después de su primera aparición pública, con la intención de que fuera lo más llamativa posible. Aunque en algún momento Siegel se planteó que Clark fuera el hijo del último hombre en la Tierra que viajaba al pasado (nuestro presente), pronto se descartó en favor de referentes mitológicos (Hércules) y, por supuesto, bíblicos (Sansón). Poco a poco, las piezas iban encajando. Gladiador, novela de Philip Wylie aparecida en 1930, sirvió como fuente de inspiración para nutrir a Clark de habilidades sobrehumanas y explicaciones pseudo científicas sobre ellas, así como John Carter de Marte, la creación de Edgar Rice Burroughs (autor también de Tarzan), lo que, a la postre, sugirió su procedencia extraterrestre. Una vez presentado en sociedad, los estudiosos no tardaron en indicar las similitudes biográficas con Moisés e incluso Jesucristo, interpretando como una metáfora las raíces alienígenas.

Este Superman primitivo no era ni un boy scout ni una simpática figura paterna, sino un cruzado feroz contra la injusticia. Siegel y Shuster, ambos judíos, eran hijos de padres inmigrantes y habían sufrido en sus carnes la pobreza y la marginación derivada de la Gran Depresión. Sus textos y sus trazos se alimentaban de la frustración de la vida diaria. En palabras del escritor Mark Waid, devoto del personaje, “Superman no era sólo una fantasía de poder; quizá era la ficción más pura de América, ya que había surgido de la rabia emocional de dos niños que buscaban un vengador personal”.

Mientras mimaban a su criatura, Siegel y Shuster empezaron a colaborar con la futura DC Comics en 1936, creando personajes como Dr. Occult, Slam Bradley, Federal Men, Spy o Radio Squad para el emergente mercado del comic book. Este formato había nacido para reimprimir tiras de prensa de los personajes más populares (Flash Gordon, Popeye), pero su éxito urgía a la creación de producto original. Trataron de vender a su superhombre, infructuosamente. Quienes recibían el material, preparado para tiras de prensa, lo juzgaron crudo e inmaduro. Señalaban otro problema: ¿Quién iba a identificarse con un tipo prácticamente invencible?

En verdad, el estilo de Shuster carecía de toda sofisticación. Nervioso y de línea descuidada, tendente a la caricatura (su modelo era el Wash Tubbs de Roy Crane), tampoco estaba dotado para la iluminación o la perspectiva y mucho menos para el detalle. A su favor diremos que las figuras, aunque toscas, resultan dinámicas. También acierta a retratar a Superman como un tipo de cuidado, lo que no es poco mérito si tenemos en cuenta que es un forzudo que se pasea por ahí con los calzoncillos por fuera. Tal vez el secreto es que lo mueve como si fuera un acróbata, justificando así su atuendo de circo. La mezcla con la visceralidad de los textos de Siegel da un cóctel explosivo, no apto para todos los paladares. Se necesitaba una nueva sensibilidad.

Entonces, en 1938, por una de esas carambolas del destino, M.C. Gaines, del Mc Clure Syndicate, examina en su despacho la propuesta que le ha pasado el editor Sheldon Mayer, cuando el presidente de DC, Harry Donnenfeld, telefonea preguntando por material no publicado para elaborar una nueva revista. A Donnenfeld le hace gracia el pintoresco personaje de Siegel y Shuster y decide dedicarle la portada. Las tiras son remontadas para encajar en el formato escogido. Superman es vendido por $130.

En abril de 1938 (aunque con fecha de portada Junio de 1938), el Action Comics#1 llegó a los kioscos norteamericanos.

Hoy día, cuando la ilusión cibernética nos lleva a cuestionar qué es realidad y qué simulacro, es difícil hacerse a la idea del impacto que supuso en 1938 la aparición de Superman. El lector actual encuentra, además, otro obstáculo a menudo insalvable. Las historias en sí pueden localizarse, pero no hay siquiera un conato de análisis o contextualización que las ponga en valor, de suerte que, aparte de la curiosidad histórica de leer la primera aparición del personaje, o de algunos de sus villanos, como Luthor, se prefiere pasar directamente a los más coloristas años 50. Craso error. No se puede entender lo que significa Superman sin estudiar, al menos, sus tres primeros años. Veamos los motivos.

Desde su primera aparición en Action Comics#1, las letras “Superman” se proyectaban dando volumen al título, tradición que ha llegado intacta hasta nuestros días. La primera página establece los orígenes y habilidades del personaje. Nos lo sabemos, ¿no? Kal-El -el futuro Superman- es el único superviviente del planeta Krypton, que llega a la Tierra en un cohete enviado por su padre Jor-El, es recogido por Jonathan y Martha Kent, quienes lo llaman Clark y lo crían como hijo suyo en Smalville (Kansas), y, al crecer, desarolla una fuerza inaudita, es capaz de volar y ver a través de los objetos y nada puede dañarlo.

Pues no del todo. El planeta y el científico que lanza el niño al espacio son anónimos. Al llegar a la Tierra es recogido por un motorista que lo deja en un orfanato. No asoman los Kent por lado alguno (su primera aparición data de la reedición revisada de este número publicada en Superman#1; lo veremos). Clark crece atendido por médicos y cuidadores, que se asombran de sus hazañas, como levantar sillones por encima de su cabeza. En la juventud descubre los poderes que le caracterizarán en esta primera época: saltar grandes edificios, levantar pesos espectaculares, correr mas rápido que un tren expreso y una piel impenetrable, sólo vulnerable a “un proyectil ardiente”, sea lo que sea eso. A continuación, un par de viñetas de cientifismo pulp trataba de justificar estas maravillas con la socorrida comparación con hormigas y saltamontes, extraída de la citada novela de Wylie. La decisión de usar sus habilidades para el Bien le llega por ciencia infusa (recordemos: no están los Kent). Es curioso como en esta primera página no hay dicotomía entre Clark y Superman (no se dice, por ejemplo, “la fuerza de Superman”, sino “la fuerza de Clark”).

Este primer uniforme, con la S roja inscrita en un triángulo amarillo, capa sin emblema (que aparece y desaparece misteriosamente), mallas muy oscuras, sin las botas rojas -lo que, sorprendentemente, lo emparenta con el diseño para la nueva película Man of Steel (Z. Snyder, 2013)- irá cambiando número a número. Las botas de Superman se regularizan a partir de Action Comics#5, aunque dudan a veces entre el amarillo y su definitivo color rojo. El símbolo en la capa no se normaliza hasta la intervención de Fred Ray y Jack Burnley, contratados por Shuster como asistentes en 1939 para afrontar la cada vez mayor carga de trabajo. Tal vez la inspiración en Douglas Fairbanks explique la fisonomía de este primer Superman, de espaldas anchas, torso amplio, cuello de toro, manos grandes, abdomen plano y brazos y piernas proporcionados, sin las exageraciones anatómicas que generaciones de ilustradores endogámicos han originado (la más evidente: la reducción del tamaño de la cabeza en relación al tronco para sugerir mayor envergadura, rémora que inició Wayne Boring a finales de los 40). También el traje parece, en efecto, unas mallas y no pintado sobre la piel. Estamos en una época previa a que los músculos se marquen hasta en la chaqueta del frac o los pantalones de pinzas.

Clark trabaja como periodista en el Daily Star, futuro Daily Planet, donde conoce a Lois Lane, cronista de sociedad. A estas alturas, el único punto en común entre ellos es este y que ninguno de los dos fuma, a despecho del dominio del vicio en el Hollywood dorado. [Alguna vez parece verse a Clark con una pipa (Action Comics#21), pero en Action Comics#48 desmiente este hábito.] Lois es una mujer independiente, obstinada, con un ramalazo cruel. “Me paso el día escribiendo historias lacrimógenas. No me hagas escribir otra ahora”, contesta a Clark cuando le pregunta por qué no acepta salir con él. Aparte de otros desprecios, en Action Comics#5 le engaña para cubrir una noticia que le habían asignado a él, poniéndole en apuros. Clark es despedido y, además de tener que rescatarla en circunstancias similares a las vistas en Superman I (R. Donner, 1978), debe luego recuperar su puesto. El Daily Star pasa a su denominación definitiva durante la ausencia de ambos como corresponsales en Europa (AC#22 y #23), por lo que se entiende que es la misma empresa que, o bien cambia de marca comercial, o bien es absorbida por un conglomerado más poderoso.

Lois suele cargar con el sambenito -merecido casi siempre- de “damisela en peligro”, “reportera metomentodo” o “novia eterna”. Es, sin embargo, una pieza capital de las aventuras del Hombre de Acero, el personaje más importante de la tira después del propio Superman. Y, como también Clark, no siempre se comporta de la misma forma. Lo primero que debemos señalar es que se trata de una serie de acción; los personajes apenas están esbozados para cumplir con su papel. Por tanto, Lois, pero también Clark, carecen de profundidad psicológica. En un sentido estricto, ni siquiera se les podría llamar personajes, pues no representan a “personas”, sino actitudes éticas o roles profesionales y sociales. Esto es aún más claro en el caso de los oponentes. En Action Comics#1, el corrupto congresista Barrows aglutina las características asociadas a este “tipo” en períodos de escasez: descarada obesidad, sonrisa satisfecha, trajes caros, ademanes de opulencia como las manos sujetándose las solapas de la chaqueta, etc. En su habla no hay rastros de personalidad, sino de su misión: “La Ley será aprobada antes de que se den cuenta de las implicaciones reales. Antes de que puedan tomar medidas reales para remediarlo, nuestro país estará enfrentado a Europa.” A lo que el compinche responde: “¡Genial! Se lo agradeceremos financieramente.” El compinche responde a esos rasgos de tebeo que nadie confundiría jamás con los de un sujeto honrado.

Si bien Superman es descrito como “un portento físico, una maravilla mental”, en esta primera etapa de la serie las proezas físicas serán, con mucho, más destacadas que las intelectuales. En una época en que ni el cine explotaba apenas este exhibicionismo sobrehumano, Siegel y Shuster se recrean con la mayor rotundidad y esmero posibles: la salvación de una condenada a muerte allanando el domicilio del gobernador supone una carrera de obstáculos y “trampas”, un cuchillo se rompe contra la impenetrable piel de Superman durante la zurra a un maltratador, un coche vuela por los aires mientras el Hombre de Acero se sacude de encima a unos gangsters y libera a Lois, etc. Los estímulos cinematográficos planean por toda la tira, no sólo en la narración sino en la iconografía. Tras rescatar a la reportera de ese secuestro con intenciones poco claras, la composición imita maneras del género de terror, con Superman inclinándose sombrío sobre Lois, que retrocede y se lleva las manos a la cara con gesto estupefacto. Repárese en el detalle del tirante que se desliza por el hombro. Esta viñeta ha sido abundantemente reproducida e imitada.

La presentación del héroe consta de 98 viñetas exactas, incluyendo el anuncio final de que Superman aparecerá cada mes en la revista, una imagen icónica del Hombre de Acero rompiendo unas cadenas que será versionada hasta la saciedad, de Neal Adams a Jim Lee. No es que me haya dedicado a contarlas. Hasta tal punto estaba concienciado Shuster de que el comic-book no tenía por qué ser el formato definitivo (el proyecto, como se ha dicho, buscó la aprobación de los Syndicates de prensa) que numeraba cada uno de los paneles, por si luego hubiera que remontarlos. Mantendrá esta práctica durante los dos primeros años de la serie, hasta Action Comics#24 (excepción hecha del #23). El Hombre de Acero no volverá a protagonizar la portada hasta el #7 y no se adueñará de ella definitivamente hasta el #19. Dice la leyenda que cuando los propietarios se dieron cuenta de que vendían más ejemplares si lo mostraban. Sin embargo, esta tesis fue desmontada por el especialista Michael Uslan, quien tuvo acceso a los archivos de DC y a las cifras de venta de la época, observando una aceptación parecida entre el público, con independencia del protagonista de la cubierta. Probablemente, Superman tomara el control de Action Comics coincidiendo con el éxito de su propia cabecera, que, a pesar de empezar con reediciones de Action Comics y de las tiras de prensa, obtuvo ventas muy superiores.

La historia de Action Comics#1 acaba abruptamente, en lo que ahora llamaríamos un cliffhanger, con Superman cayendo al vacío al no alcanzar de un salto el edificio próximo (recordemos que aún no podía volar). El efecto no es premeditado. Deriva de fraccionar las páginas originales y adaptarlas al formato de publicación. Tras resolver esta situación, en Action Comics#2 Lois y Clark dejan la ciudad (no recibirá el nombre de Metrópolis hasta AC#40, por influencia de la película dirigida por Fritz Lang) para cubrir la guerra en San Monte, encargo que ya le habían dado a Clark en el número anterior, pero que, por motivos inexplicables, había decidido dejar aparcado para visitar Washington y acechar al corrupto Barrows. Siegel, en una pirueta sin red, relaciona ambos extremos: resulta que Barrows ha sido sobornado por un tal Emil Norvell, fabricante de armas, que se está achinando vendiendo munición en el citado país. Nada más sencillo para Superman que entrar en la guarida del traficante, superar a sus gorilas armados y sugestionarlo para que lo acompañe con un suave movimiento y estas palabras: “¿Ves que fácilmente doblo esta barra de hierro con las manos? Podría ser tu cuello. Así que, por última vez, ¿vas a venir conmigo?”. Sospecho que a nadie extrañará que el tío líe el petate y se ponga en manos de Superman. Así acabará en San Monte, vestido de soldado, oyendo silbar las balas a su alrededor y jurando no volver a producir nada más fuerte que un petardo. Mientras, Lois ha sido engañada por una Mata Hari que andaba por ahí y queda sentenciada a morir fusilada. Superman llega a tiempo de salvarla y terminar con la guerra secuestrando a los generales responsables y obligándoles a que resuelvan sus diferencias cara a cara.

Llegados a este punto lo esencial es que la tira tiene ya los elementos básicos con que desarrollarse. A partir de aquí, Siegel y Shuster explorarán el nuevo formato, con relatos principalmente autoconclusivos. Estos primeros números exudan un marcado tinte social, con tramas simples y directas donde se denuncia el abuso por parte de los poderosos. Superman no repara en subterfugios y amenazas como las descritas para darle al magnate corrupto o al gangster irredento una dosis de su propia medicina. En Action Comics#3, por ejemplo, un minero inválido por un accidente que se podría haber evitado con las medidas de seguridad adecuadas será el detonante para que Clark decida impartir justicia a su modo: encerrando al propietario (¡y a sus invitados!) en el subterráneo sin acondicionar, hasta que promete enmendarse. Parecidas tácticas desplegará en Action Comics#12, destrozando coches de segunda mano o asustando a los infractores de tráfico para evitar la alta mortandad en accidentes viales (por cierto que la última viñeta anuncia el lanzamiento de un nuevo personaje: un tal Batman en Detective Comics#27); o en Action Comics#16, amenazando de muerte a los propietarios de casinos ilegales para que abandonen la ciudad. El citado Mark Waid, escritor de Superman: Legado, lo describió así: “Fuese quien fuese el de la capa roja, no era un superpoli. Era un superanarquista”.

Quizá el más emblemático ejemplo de esta rabia justiciera -al menos, uno de los más logrados artísticamente- sea Action Comics#10, con fecha de portada Marzo de 1939. En la cubierta, el Último Hijo de Krypton abate un avión de un puñetazo, pero esta imagen no aparece en el interior. La historia se abre con media página que reproduce la cubierta de Superman#1, adaptada al formato apaisado, a menor tamaño y contextualizada con edificios, aunque tampoco tiene demasiado que ver con lo que sigue: una denuncia del maltrato a presos a manos de un sádico alcaide. Son varios los puntos de interés, empezando por la incorporación definitiva de la cuadrícula simétrica de cuatro filas y dos columnas, del agrado del editor Vin Sullivan. La sugerencia de las ocho viñetas por página venía cumpliéndose más o menos desde el primer número, con pocas excepciones, pero los paneles variaban de tamaño y disposición. La férrea cuadrícula de viñetas idénticas en 2×4 asomó por vez primera en Action Comics#7, donde Superman se prestaba a actuar ante el público para salvar el negocio de un honrado empresario del circo amenazado por un gangster, pero no fue hasta este capítulo que adquiriría carta de naturaleza. Se prolongará, entrega tras entrega, hasta la sustitución de Shuster por Jack Burnley en Action Comics#28. Rara vez se rompería la monotonía con una panorámica que uniera dos viñetas, respetando, en todo caso, la simetría de la página.

Como decía, este es un buen ejemplo de lo que ofrecía Superman en esta primera época: cien viñetas distribuidas en trece páginas, la primera de ellas con una portadilla de media página donde se recordaban las habilidades del héroe y una última viñeta donde se instaba a seguir sus peripecias en el siguiente ejemplar. Un inspirado Shuster logra que se “lea” la acción casi sin necesidad de diálogos y textos de apoyo. La influencia cinematográfica es notabilísima. La página 11, por ejemplo, está dedicada íntegramente al rescate de un preso fugado atrapado en arenas movedizas, con un cronometraje ciertamente eficaz. Tengamos en cuenta que se produce años antes de los experimentos de Eisner en este sentido (más de un año antes de la creación de The Spirit). Sin embargo, las carencias de Shuster en fondos y perspectivas, hacen que su narrativa sea más bien televisiva que auténticamente cinematográfica (falta profundidad de campo; los encuadres, aunque eficaces, son meramente descriptivos, predominio de planos medios y primeros planos, etc.)

Los elementos argumentales típicos de este primer estadio se refinan también: Kent finge ser un tipo medroso, pero, al mismo tiempo, demuestra ser un tenaz periodista, que se gana el respeto de su jefe y de sus compañeros. El alcaide es un sádico sin escrúpulos, pero también astuto y ladino, que engaña a sus superiores y amedrenta a sus subordinados. Superman prescinde de las mallas para pasar por un preso común y desenmascarar la injusticia (acude a ellas sin que le vean o para vengarse del alcaide, una vez obtenidas pruebas fotográficas que acaben con su carrera). Hay un punto oscuro: solo vemos a Lois en una viñeta, echando pestes de Clark. La periodista había confesado en Action Comics#9 su interés por Superman (ya se habían amartelado entre viñetas en Action Comics#5: “¡Vaya beso!”, dice él; “¡Un super-beso para un super-hombre!”, dice ella) y habrán de pasar algunos números hasta que Clark insista en su asedio (vuelven a trabajar juntos en Action Comics#22, pero la química de la pareja no empezará a funcionar hasta AC#27, adaptándose a las pautas del serial radiofónico).

Siegel y Shuster descargan al personaje de compromisos tremebundos en episodios de corte más ligero o abiertamente humorístico. Pueden citarse Action Comics#4, donde Clark suplanta a un jugador de fútbol americano (también se hará pasar por boxeador en Superman#2; en esta época era muy aficionado a disfrazarse); o Action Comics#6, donde un tipo finge ser el representante del Hombre de Acero y, curiosamente, no engaña a Lois, más perspicaz aquí que con su compañero de oficina.

El origen de Superman 

En la primavera de 1939 Superman obtiene una nueva serie llamada como él mismo. La cabecera homónima empieza con reediciones de material publicado previamente en Action Comics o en las tiras de prensa. Superman#1, por ejemplo, reedita Action Comics#1-4. Se trata de una publicación trimestral de 64 páginas íntegramente dedicada al Hombre de Acero, incluyendo curiosidades como cartas firmadas por Clark Kent (Superman#5), relatos en prosa o artículos sobre los creadores del personaje (Superman#1). Un anuncio en Superman#4 nos muestra seis publicaciones de la editorial en aquella época: Action Comics, donde podíamos encontrar a Superman; Adventure Comics, con The Sandman; Detective Comics, con The Batman; All-American Comics, con Ultra-Man; More Fun Comics, con The Spectre; y Flash Comics, con Flash. Más las secciones habituales de chistes, hechos increíbles, etc.

Sin embargo, la reedición de Action Comics#1 incluida en este primer número está retocada y ampliada: cuenta con 18 páginas frente a las 13 del original, del que elimina una y añade seis. Esta revisión constituye el origen canónico del primer Hombre de Acero, sobre el que se edificarán todas las versiones posteriores. En ella, vemos el planeta Krypton explotando mientras el cohete espacial que lleva al futuro Superman surca el espacio. A su aterrizaje lo encuentra el matrimonio Kent, pero, considerándolo abandonado, lo dejan en un orfanato (tal vez para no descartar la imagen del niño asombrando a sus cuidadores con su fuerza, aunque la viñeta está redibujada). Al poco, los Kent regresan y lo adoptan, para alegría del responsable de la institución. El motorista anónimo de la versión anterior (también presente en las tiras de prensa) ha desaparecido, igual que se esfumará el orfanato en futuras revisiones. En la última viñeta de la primera página, el joven Clark atiende a los consejos de Papá Kent (“Escúchame, Clark. Tienes que esconder esa gran fuerza a los demás o se asustarán de ti.”) y Mamá Kent (“Pero cuando llegue el momento deberás usarla para ayudar a la humanidad.”). Este puede ser el consejo más raro dado nunca por unos padres a su hijo. Y, sin embargo, está en la base de las identidades secretas que proliferan en el género de los superhéroes, a veces sostenidas por justificaciones aún más peregrinas.

El caso es que Clark sigue creciendo y sus poderes con él. Más o menos lo mismo que la vez anterior: saltar edificios, correr más rápido que un tren, levantar grandes pesos (un coche); se añade una escena donde un médico se desespera rompiendo jeringuillas al no poder hacer mella en su piel impenetrable. Y llegamos al final de esta segunda página, cuando, ante la tumba de sus padres -Sí, chicos. Habéis leído bien. ¡Como un Batman cualquiera!-, Clark decide poner sus grandes poderes al servicio de la humanidad vistiendo su colorido atuendo. Esta vez se prescinde de las explicaciones sobre sus habilidades. Ni comparaciones con insectos, ni gravedad ni nada.

Las siguientes cuatro páginas nos ponen en antecedentes del caso presentado en Action Comics#1. Si recordamos, en el citado tebeo Superman llevaba en brazos a una mujer atada y amordazada a la mansión del Gobernador. Se nos dice que es una asesina y que, en su lugar, está a punto de ser ejecutada una mujer inocente. En estas páginas vemos cómo Clark la descubre y la captura. Encuentra la pista al acudir a la prisión para cubrir un artículo e impedir un linchamiento. Este hombre también es inocente y le revela el nombre de la verdadera criminal. La noticia le vale el ingreso en el Daily Star. El resto no varía respecto al Action Comics#1.

Las aventuras de esta época no son tan autocontenidas, ajenas al paso del tiempo o respetuosas con el status quo como suele aducirse. En Action Comics#8, un episodio extraño a nuestra sensibilidad actual, Superman destroza un barrio de los suburbios para obligar al gobierno a reconstruirlo. Pretende acabar así con la pobreza que alienta el crimen y la delincuencia juvenil. Entre tanto, rescata de manos de la policía a varios chicuelos descarriados pillados in fraganti en varios hurtos. Sus intenciones serán todo lo nobles que se quiera, pero, razonablemente, el Comisario Burke expide una orden de busca y captura contra él. Esta será una de las primeras tramas que trascenderá la proeza episódica para generar un cambio de marco. Mientras en Action Comics#1 el gobernador se congratulaba en una reunión de que un personaje de la fuerza y arrojo de Superman estuviera del lado del bien, a partir de este ejemplar Superman será perseguido por las fuerzas del orden. En el siguiente capítulo, Action Comics#9, el detective Reilly, de Chicago (llamado 100% Reilly porque siempre encuentra a su hombre), es encargado de su captura (Obviamente, al final del episodio ha pasado a ser 99% Reilly). Este episodio muestra también la variedad de registros de Siegel, aportando elementos cómicos para el lucimiento de su compañero en personajes caricaturescos como Mortimer Snoop. Esta tirantez con los representantes de la ley, ejemplificada en tipos como el Sargento Casey, siempre dispuesto a dudar de las intenciones del Hombre del Mañana, se mantendrá intermitentemente hasta el cambio de dirección auspiciado por la compañía aprovechando la llamada a filas de Siegel en 1943.

Otras tímidas relaciones de este tipo pueden verse en Action Comics#11, donde se produce la primera aparición de la visión de rayos-X y el superoído, habituales desde entonces en el repertorio del kryptoniano. En este ejemplar, la Maravilla de Metrópolis investiga el suicidio de un accionista que ha sido timado por dos especuladores sin escrúpulos. En el proceso de arruinarlos, se hace con un millón de dólares (¡de 1939!). Pese a ello, no cambia su forma de vida. Sigue trabajando en el Daily Star y combatiendo las injusticias como Superman. En Action Comics#15, un tebeo que encadena situaciones de humor cercanas al slapstick, se desprenderá de él por una buena causa.

También Lex Luthor será presentado en un díptico repartido entre Action Comics#22 y #23. En realidad, su jeta no asoma hasta el capítulo 23, pero es el responsable en la sombra de los sucesos que se inician antes, con un trasunto de invasión de Polonia. Aparece el genio del mal con abundante pelo pelirrojo (detalle que mantendrían en Superman, el film), conspirando en la sombra para llevar la guerra a todas las naciones del mundo. Por lo visto, un error en las tiras de prensa le hizo perder la cabellera. En esta primera época muchos de los antagonistas de Superman son calvos. Como hemos visto, el propio Superman, en su primitiva concepción como villano, empezó de esa guisa.

Pero, sin duda, la aportación más relevante en esta fase temprana es la saga del Ultra Humanita.

El Ultra Humanita es presentado en Action Comics#13, en el curso de una investigación para detener a una banda criminal llamada la Liga de Protección de Taxis. Se trata del primer villano auténtico que pisa la serie: un Mad Doctor calvo y en silla de ruedas con delirios de dominación mundial, que emplea sus ingenios para obtener riqueza y poder, en la órbita del futuro Luthor; muy lejos del gigantesco gorila albino con que renacería en JLA#195-197 (1981), ya en Tierra 2. El Ultra Humanita no duda en matar cruelmente y él mismo parece morir en un accidente de avión provocado por Superman. Pero su cadáver no aparece entre los restos. El inicio de una tradición de malos-Houdini que siempre escapan a la muerte. No tardaremos en saber de él. Concretamente en el siguiente número: Action Comics#14. Investigando un derrumbe sospechoso en el Metro, Superman se topa con la Star Company, una empresa tapadera de la organización criminal del Ultra Humanita, quien trata de matar al Hombre de Acero con aviesas trampas. Superman desarticula la organización, pero no logra atrapar a su cabecilla, quien jura la pronta eliminación del héroe en la última viñeta del número.

El Ultra Humanita reaparece en Action Comics#17, saboteando barcos a troche y moche. Tampoco esta vez es capturado. En Action Comics#19 está detrás de la “plaga púrpura”, una especie de superviruela que diezma la población de la ciudad. Superman lo localiza cuando sus secuaces tratan de eliminar al único investigador capaz de encontrar una cura. El enfrentamiento acaba con la aparente muerte del científico loco. Sin embargo, en Action Comics#20, en un giro inhabitual para la época (y aún ahora) su organización criminal se hace con su cerebro y lo trasplanta en el cuerpo de una joven estrella de Hollywood, Dolores Winters, situación familiar para quienes hayan leído la espléndida La Edad de Oro, de James Robinson y Paul Smith. Superman lo reconoce por el brillo diabólico de sus ojos y debe detenerlo usando nuevas habilidades como el superaliento. Dolores Winters se despedirá de la serie en Action Comics#21, fracasando en su intento de apoderarse de los secretos de la fisión atómica, aunque como sabemos, el Ultra Humanita aún dará que hablar.

La denuncia social mantiene su peso específico: Action Comics#24 alerta de los peligros del juego en un nuevo caso de “falso culpable”; en Action Comics#26 Lois y Clark desenmascaran a un curandero estafador, en una historia dedicada a recaudar fondos contra la parálisis infantil; la pareja resuelve con éxito situaciones de maltrato a niños (Superman#2, Action Comics#27) o de corrupción institucional (Action Comics#37, donde Clark se convierte circunstancialmente en comisario de policía); también hay tiempo para la propaganda bélica enfrentándose a saboteadores y quintacolumnistas (AC#36, #41), además de portadas dedicadas al esfuerzo bélico. Es de reseñar que sólo en dos páginas publicadas en la revista Look en 1943 se implicara Superman en la II Guerra Mundial: en ellas, el Hombre de Acero capturaba a Hitler y a Stalin para que fueran juzgados por crímenes contra la Humanidad.

Los malos con habilidades especiales son cada vez más corrientes. Además de los mencionados Ultra Humanita (que no regresará hasta los años 70 en Superman Family, cuando los comics de la Golden Age se conviertan en Tierra 2) y Luthor (de vuelta en Superman#4, primavera de 1940), se presentan criminales con poderes hipnóticos como Medini (AC#25) o Harold Morton (AC#38), encapuchados como El Arquero (Superman#13) o La Máscara (Action Comics#46, con el interesante Ed Dobrotka), en tramas que parecen de Scooby Doo, se acusa la influencia de Batman con los extravagantes Bromista (AC#51, #57) o Juguetero (AC#64, ya sin el concurso de Siegel) y, por supuesto, otra remesa de científicos locos como Zolar (AC#30), Rompecabezas (AC#49) o Búho Nocturno (AC#53). Mención especial merece El Fantasma (AC#39, con Leo Nowak a los lápices), un ingeniero científico que adquiere poderes por la exposición a la radioactividad, casi 20 años antes de que Stan Lee popularizara esta clase de accidentes. Mr. Mxyztplk no aparecerá hasta 1944, en Superman#30, obra de Jerry Siegel y John Sikela, con la tira cada vez más entregada a elementos fantásticos o paródicos, como las intervenciones de Susie, la sobrina de Lois (AC#59). Antes, sin embargo, debemos retroceder al verano de 1940 y repasar una de las mejores -y más desconocidas- etapas del personaje.

Action Comics#28, con fecha de portada Septiembre de 1940, supone el primer número dibujado íntegramente por Jack Burnley, colaborador habitual de Shuster desde el arranque de las tiras de prensa un año antes, en enero de 1939. Burnley, que había comenzado como ilustrador para la sección de deportes de King Features Syndicate, es recordado sobre todo por ser el primer artista distinto de sus creadores que dibujó con éxito a Superman y a Batman (cubierta de New York World’s Fair 1940, más tarde World’s Finest) y por su gran trabajo en Adventure Comics con el personaje de Starman (Ted Knight), con guiones de Gardner Fox.

Action Comics#1 acababa con la pose clásica de Superman rompiendo las cadenas, como un Sansón de circo. El circo como tal aparecía por primera vez en Action Comics#7. En este, el primer número en manos de Jack Burnley, Lois y Clark vuelven bajo la carpa para investigar a un ladrón forzudo que resulta ser el payaso, descontento por haber perdido antaño el hercúleo rol. Burnley convierte un argumento no especialmente emocionante en unas páginas dignas de leerse y admirarse, aún cuando apenas se separa del patrón Shuster.

En Action Comics#29 nos ofrece la primera Splash-Page inicial de la serie en una portadilla que avanza el contenido. Este recurso ya lo había probado Shuster en Slam Bradley, pero a los editores no les gustaba y lo evitó en Superman. También se observa un trabajo más cuidado en las letras del título, más definidas. Mientras, Siegel se atreve a avanzar en la relación entre Lois y Clark con una nueva cita. Burnley es más aficionado que Shuster a las viñetas panorámicas, de las que obtiene grandes resultados gracias a sus composiciones estudiadas. Su Superman se acerca más al vuelo que al salto, aunque sus poderes siguen sin ser modificados. Los rostros son más definidos, particularmente los de los personajes de nueva creación; embellece los rasgos del elenco clásico, o sea, Lois y Clark, pero sin perder las señas de identidad proporcionadas por su creador gráfico (quien seguía en funciones de supervisor), incluyendo esa dureza característica en el rostro de Superman, sin embargo atemperada, menos ruda y varonil; lo mismo hace con Lois, quien conserva el molde básico de sus facciones, inspiradas en Joanna Carter, la esposa de Siegel, y en la reportera Torchy Blane -una especie de Hildy Johnson (Luna Nueva, 1940)-, pero más armónicas, al uso de Dale Arden (Flash Gondon) o Diana Palmer (The Phantom), con un toque más hollywoodiense, si se quiere. Las figuras se estilizan, manteniendo los patrones esenciales instaurados por Shuster. Burnley es muy superior técnicamente, sus personajes se mueven con más gracia, sus perspectivas sorprenden por su elegancia y la narración se agiliza. Por el contrario, carece de la tensión de Shuster. Tal vez por ello los guiones de Siegel se relajan, abandonan la revancha y la denuncia explícita y se acercan a la investigación y a la comedia. Estos asuntos, lo hemos visto, estaban presentes en la tira, pero con Shuster era un humor crispado, vengativo, y unas indagaciones a fuerza bruta, algo que también se apreciaba en sus otras creaciones con Siegel, como Slam Bradley. Burnley aporta un delicioso toque sofisticado, a lo Historias de Filadelfia (G. Cuckor, 1940) o Al servicio de las damas (G. LaCava, 1936). Fondos más trabajados, expresiones más conseguidas, menos ceñudas, más naturales, lo que favorece a los personajes sin disfraz. El cada vez mayor protagonismo de Lois también la convierte en víctima más a menudo: aquí es atada y amordazada en la mejor tradición Wonder Woman. La trama no es gran cosa. Una investigación sobre pólizas de seguros de ancianas que mueren sospechosamente.

Action Comics#30, con fecha de portada Noviembre de 1940, se abre con una bella imagen inicial de Superman en el aire, casi (salvo la S) como la estampa más reconocible del personaje. Extrañas esferas de energía vaporizan a las personas que se exponen a ellas, dejando solo una sombra tras de sí. Un nuevo archivillano: Zolar, quien controla el clima y el mecanismo de las esferas desintegradoras. ¡No matan a Superman, pero le dejan inconsciente! Reparemos en el detalle de que Lois Lane y Laura Vogel, las dos mujeres de la historia, conducen sus propios vehículos. Nuevas referencias a Flash Gordon y al pulp con las estratonaves. No se sabe si por seguir a su mentor, Burnley también olvida a veces dibujar la S en el pecho de Superman, como en la página 12. Final sorpresa, como el anterior.

Bastantes muertes en este cómic, por cierto.

Action Comics#31 ofrece un nuevo caso misterioso: los habitantes del pueblo de Brentville caen víctimas del sueño en una trama de espías. Llama la atención las malas artes de Clark, quien empieza a portarse deshonestamente con Lois, pinzándole un nervio para desmayarla y que no descubra su identidad secreta. Más interesante es el Action Comics#32, de Enero de 1941, donde comprobamos que a veces la S del pecho sigue inscrita en el triángulo original, pero otras ya se convierte en el famoso pentágono, menos perfecto, sí, pero cerca del diseño definitivo (que Byrne definiría, tantos años después, como dos peces nadando enfrentados). Mientras, el arte de Burnley es cada vez más espléndido. Siegel regresa a las mafias del juego, asunto que repetirá en los primeros años de la tira. Aquí, en enero de 1941, ya tenemos el uso de paneles verticales para dar sensación de caída (piénsese en Gwen Stacy y el Puente de Brooklyn; The Amazing Spider-Man#121), con Superman rescatando a un suicida (menos dramático que el inmortal panel de Gil Kane… ¡pero 30 años antes!) Burnley sigue aprovechando las viñetas panorámicas con excelentes resultados. Siegel sigue extrayendo nuevos poderes a Superman. En este caso, Lois le descubre cambiando a Clark, pero antes un bebedizo le ha arrebatado la memoria y el sentido, dejándola como una autómata. Los médicos dicen que no pueden sacarla de su estupor y recomiendan ingresarla en un asilo. Clark la mira fijamente y arregla su mente con superhipnosis. Además, empiezan las proezas científicas de Clark con la invención del Krypto-Raygun, capaz de tomar fotos, revelarlas y proyectarlas en segundos. Años después contará con su propio laboratorio en la Fortaleza de la Soledad. Otro punto remarcable es la visión menos crítica de los funcionarios públicos, hasta el momento con una larga lista a las espaldas de senadores, policías y alcaldes corruptos. Action Comics#33 insiste en esta nueva confianza en el género humano al declarar Clark que “Se puede tener millones sin perder el corazón”, postura no muy frecuente en la serie hasta el momento. Este ejemplar destaca por unas bellas imágenes acuáticas, como anticipándose a la psicodelia, en el atentado contra Lois y posterior rescate. Clark sigue usando extraños métodos para dejar a Lois inconsciente y que no descubra sus cambios a Superman. Lejos, desde luego, de una moral que hoy consideremos aceptable. Tampoco tiene reparos en interponer una viga en la trayectoria de una bala que, de rebote, acaba matando al villano de un tiro en la cabeza.

En Action Comics#34, último número del gran Jack Burnley, Superman rescata a la heredera de unas minas del siniestro complot urdido por su tío y otro socio para apoderarse de su patrimonio. Siegel aprovecha la facilidad de su colaborador para dibujar mujeres hermosas.

La marcha de Burnley baja el nivel de la tira, cada vez más sometida al arbitrio editorial. Quedan buenas historias y elementos por introducir, como la mítica viñeta de Clark abriéndose la camisa para mostrar el traje debajo (AC#35) o la versión más perdurable del símbolo del pecho con la S inscrita en el pentágono y borrando los bordes de contacto entre las líneas rectas y curvas (AC#41, portada de Fred Ray), pero personajes y situaciones empiezan a adquirir un carácter amable y acomodaticio. Anécdotas, humor y ligereza se enseñorean de la revista: Superman trata de encauzar a una rica heredera en Action Comics#40, desarticula una banda de gangsters que se querían aprovechar de un pobre troglodita descongelado en Action Comics#44 o, en compañía de Lois, aconseja a un precoz jugador de béisbol para que entre en la liga profesional en Action Comics#50. Pese a ello, aún le oiremos decir cosas como “No puedo dejarte morir así cuando te está esperando la silla eléctrica.” (AC#43) o “No me gusta la cara de ese granuja. Quizá debería cambiársela… ¡con mis puños!” (AC#59). Pocos años más tarde, como recordaba Alan Moore, si Superman era grosero con alguien el lector sabía que estaba bajo el influjo de la kryptonita o de alguna villanía por descubrir.

Acabada la II Guerra Mundial, la situación se tornará cada vez más difícil para Siegel y Shuster, molestos por las injerencias editoriales y unas condiciones económicas leoninas. La editorial los despedirá en 1947, aprovechando el conflicto por la autoría de Superboy.

La creación de los dos amigos de Cleveland se ha convertido en uno de los personajes de ficción más reconocidos del mundo. Action Comics#1, al igual que Superman#1, es una de las portadas más homenajeadas de la historia del medio. Pese a ello, este Superman primitivo no ha gozado, en general, de buena prensa. Se le achaca su actitud infantil, fiando en la fuerza y ofreciendo soluciones sencillas a problemas complejos. En verdad, es así. Cuando el superhéroe acaba con un conflicto bélico obligando a que los líderes de ambos bandos en liza se den la mano o cuando alecciona a un empresario minero sobre medidas de seguridad encerrándolo en su propia mina podemos cuestionar tal ingenuidad. A menudo se implica en situaciones curiosas para un superhéroe, como aquella vez que suplanta a un jugador de fútbol americano para dejar en evidencia las malas prácticas de un entrenador. Otras veces resulta incluso aberrante, como cuando se dedica a demoler un barrio de infraviviendas esperando que así el Gobierno se vea obligado a darles casas nuevas, lo que ya de por sí parece cuestionable… ¡Pero es que lo hace para erradicar la delincuencia juvenil, pensando que, gracias a sus esfuerzos, los chavales crecerán en mejores condiciones! No es extraño que la policía decrete su captura, desembocando en el primer número abiertamente humorístico de la serie. En esta primera época la relación del superhéroe con los poderes públicos en general, y la policía en particular, es, como poco, problemática.

Pero, como he tratado de demostrar, esta etapa acumula aciertos indudables que luego otros se han atribuido impunemente. Y no olvido que había mucha gente cimentando la leyenda de Superman: desde los propio colaboradores contratados por Siegel y Shuster hasta el show de radio, los dibujos de los Fleisher o el libro escrito por George Lowther. Sólo digo que en primera línea estaban Jerry Siegel y Joe Shuster haciendo avanzar a su personaje.

Sin embargo, por si aún no les he convencido, voy a escribir, a continuación, una sólo línea:

Superman, el film

¿Se han parado a pensar de dónde salen muchas de esas situaciones tan celebradas? La destrucción de Krypton (tiras de prensa entre 16 y 28 de enero de 1939), la peluca pelirroja de Luthor, guiño a las primeras apariciones del personaje; el propio plan de Luthor con misiles. El dique que cede, el coche atrapado de Lois, el tren que ha de pasar por un puente que se derrumba. La propia relación con Lois, tirante, sin jueguecitos de identidad secreta. El navío en la comisaría (AC#66); el policía que casi muere -muere en la película- en el Metro persiguiendo a la organización criminal (AC#14), etc.

Algún escéptico protestará: señalas lo que te interesa para demostrar tu teoría, porque La Zona Fantasma, Zod, la Fortaleza de la Soledad o la propia kryptonita poco tienen que ver con Siegel y Shuster. Y yo respondo: Así parece… si pensamos que los tipos de Hollywood (en este caso el novelista Mario Puzo y los guionistas David&Leslie Newman, Robert Benton y Tom Mankiewicz) despreciaban el material original. No es así. O no en este caso. Porque, como todo el mundo sabe, los productores proyectaron filmar Superman I y II como una sola película para abaratar costes. De ahí que en la primera parte se introduzcan elementos (casualmente, los citados) que se van a desarrollar en la segunda parte. Y esto es así porque Superman I se inspira en la primera etapa del personaje, mientras que la segunda entra, precisamente, en la era Weisinger. Veámoslo:

El prólogo del Daily Planet (antes de los créditos) es un sentido homenaje a Action Comics#1, incluyendo la contextualización en la Gran Depresión en que unánimemente coincidimos quienes citamos los orígenes del Hombre de Acero (desde Mark Waid a quienes sólo lo conocen de la Wikipedia);

La parte de Krypton y Jor-El nació en las tiras de prensa (Siegel y Shuster habían establecido incluso el consejo de sabios), aunque está enriquecida con apuntes de la era Weisinger (Zod, La Zona Fantasma), para uniformar las versiones y preparar los motivos de la segunda entrega (todo esto, hasta que Clark es recogido por los Kent, bebe de la reformulación del origen en Superman#53, entre otros). Sin embargo, a partir de ser acogido por sus padres adoptivos, recuperamos a Siegel y Shuster, donde Clark (y esto es importante) no ha sido nunca Superboy y se convierte en Superman al morir sus padres y llegar a la edad adulta, como se ha mencionado al analizar Superman#1. Tan es así que la escena del joven Clark adelantando a un tren expreso puede verse tal cual en la citada pág.2 de Superman#1 y en la pag.1 de Action Comics#1, entre otros.

Como ya he apuntado, las situaciones de Siegel y Shuster se encadenan hasta el “viaje en el tiempo”, este sí, característico de la era Weisinger. Las siguientes escenas introducen los elementos típicos de esa época: Lois apunta que Clark nunca está a la vez que Superman (en la segunda parte trata de comprobar su hipótesis, trama característica de los 50); Luthor es entregado a las autoridades, que saludan a Superman como un aliado (cosa que hasta entonces no se ha producido; en la segunda parte ayudará en la reconstrucción de la Casa Blanca, demostrando que ya está plenamente institucionalizado).

Ya en el film de Richard Lester pasa al revés y son los elementos del primitivo Superman los que están en franca minoría (p.ej: el controvertido superbeso del final remite al superhipnotismo de AC#33, publicado en 1941). La homogenización fue tan inteligente que no chirría lo más mínimo, tal vez por la impronta mesiánica, mucho más presente que en el tebeo, y por la gran caracterización del llorado Christopher Reeve.

¿Por qué, entonces, esta etapa es tan poco conocida y apreciada? Quizá porque el conflicto entre los creadores y la compañía propietaria del personaje ha tenido un efecto paradójico: de un lado, Siegel y Shuster son reconocidos y acreditados, pero de otro se les ningunea esparciendo el insidioso rumor de que no eran verdaderos talentos, sino “unos chavales que tuvieron suerte”. O quizá porque la rabia justiciera y la ideología que subyace en las historias primitivas no armoniza con el Superman “amigo de los niños” que monopoliza el merchandising. O quizá porque muchos pretendidos expertos no han leído estos cómics y, si lo han hecho, los han apartado por alguna de las razones anteriores.

Siegel y Shuster poco disfrutaron de la fama planetaria de su personaje. Tras ser despedidos por National Allied Publications, precursora de DC Comics, por interponer una demanda sobre los derechos de Superboy (que ganaron) ambos amigos trabajaron en la tira de prensa Funnyman, que no cosechó el éxito esperado. Shuster publicó ilustraciones picantes (bajo seudónimo) para sobrevivir hasta que sus problemas de visión le apartaron definitivamente del tablero de dibujo. Siegel, por su parte, volvió a escribir para DC en 1959. Con motivo de la filmación de la película Superman DC aprobó la concesión de una pensión vitalicia y la inclusión de sus nombres acompañando al Hombre de Acero.

Sirva este modesto epígrafe de agradecimiento a Jerry Siegel y Joe Shuster, esos chavales que hicieron realidad su sueño y, de rebote, el de millones de niños.

Esta pérdida de crudeza, alentada por las altas instancias, se compensó modificando el escenario. El universo original de Superman, haciendo honor a sus raíces pulp, era esencialmente el nuestro. Las reglas eran las mismas y, si se infringían, había que justificarlo, aunque fuera en tópicos endebles como la comparación con los insectos o el cajón de sastre que supone el Mad Doctor. Poco a poco, se volvieron las tornas y Clark pasó a vivir en un mundo de fantasía donde cualquier cosa podía pasar y, con frecuencia, pasaba. Los paralelismos con nuestras vidas y experiencias se convirtieron en tópicos inmutables, cuando no directamente exógenos (es decir: el lector los proyectaba sobre un personaje que, cada vez más, era una cáscara arquetípica), para sentirse participe de la evasión fantástica. Esta ya era una tendencia en los primeros guiones de Siegel, como hemos visto; pero había otras, acaso más importantes (al menos, para su autor). El cambio de marco las elimina y convierte el ingenio, entendido como prueba, (a la manera de un concurso donde, tras la victoria, vuelves a la casilla de salida) en el principal motor de las historias.

El lector de hoy en seguida se dará cuenta del problema. Si el personaje permanece estático y su entorno es sólo modificable durante el tiempo que dura el capítulo sólo hay una forma de mantener el interés de las tramas: la constante introducción de elementos vistosos que, aunque realicen siempre la misma función, atraigan por su novedad. Y es lo que se hizo. Villanos como U-Ban, Kizo y Mala, los tres superhombres de Krypton (Superman#65, julio de 1950), el extraterrestre Brainiac (Action Comics#242, Julio de 1958), el clon imperfecto Bizarro (Superboy#68, 1958), el gigantesco simio Titano (Superman#127, Febrero de 1959), Metallo y su corazón de kryptonita (Action Comics#252, Mayo de 1959), el General Zod (Adventure Comics#283) o la explicación del odio implacable de Luthor hacia el Hombre de Acero mediante lo que ahora llamaríamos “retrocontinuidad” (Adventure Comics#271), así como distintas combinaciones de enemigos para derrotar al Hombre de Acero (por ejemplo: Luthor, Mr. Mxyztplk y el Bromista en Action Comics#151); pero también aliados como Supergirl o Krypto, viejos intereses románticos como Lori Lemaris (Superman#129, estupendo tebeo de Bill Finger y Wayne Boring), conceptos como la Zona Fantasma o la ciudad en miniatura de Kandor, la introducción de la kryptonita (trasplantada del serial radiofónico) y sus múltiples derivaciones, diversos seres mitológicos o mágicos, las famosas historias imaginarias, viajes en el espacio y en el tiempo (lo que permitió conocer mejor los fundamentos del planeta Krypton). Cualquier cosa que pudiera ser imaginada cabía en Superman.

Esta es una de las épocas más míticas del personaje y suele referirse como la era Weisinger. Mort Weisinger (1915-1978) empezó a trabajar en National Periodicals (futura DC) en marzo de 1941. Para entonces el superhombre creado por Siegel y Shuster participaba en la fundacional Action Comics, en Superman y compartía World’s Finest con Batman, aunque sus caminos sólo se cruzaban en las portadas y no en las historietas (los cómics ya habían establecido que compartían un mismo hábitat -por ejemplo, en Superman#20, donde Bruce Wayne y Dick Grayson aparecían en la misma viñeta que el Hombre de Acero- pero habría que esperar al show radiofónico para que arrancase la tradición de aventuras conjuntas). Weisinger venía del mundo de la ciencia ficción que habían admirado Siegel y Shuster. Junto a su amigo Julius Schwarz, había fundado Solar Sales, una agencia de representación literaria que le permitió tratar a respetados escritores del ramo (entonces jóvenes promesas) como Alfred Bester, Edmond Hamilton, Ray Bradbury, Otto Binder, etc. Muchos de ellos colaborarían con él escribiendo o sugiriendo argumentos para Superman y otros personajes de la compañía.

El primer objetivo de Weisinger fue consolidar la popularidad del Hombre de Acero y añadir nuevos personajes disfrazados que explotaran el filón del superhéroe, como Aquaman, Green Arrow o Johnny Quick, que presentará en More Fun Comics#73. En esta fase temprana la compañía empezó a presionar a Siegel y Shuster para que moderasen la violencia de Superman y embellecieran a Lois Lane, a quien los editores no consideraban suficientemente atractiva. Weisinger fue llamado a filas y no regresó hasta 1946. Al año siguiente despidió a los creadores de la gallina de los huevos de oro y empezó a organizar las cosas a su manera.

En 1945 se había presentado Superboy en More Fun Comics#101, de la que pasará a Adventure Comics y finalmente a su propia cabecera en 1949. La compañera platónica del Hombre de Acero se independizará en Superman’s Girlfriend Lois Lane (1958), al igual que había hecho otro miembro famoso del Daily Planet en Superman’s Pal Jimmy Olsen (1954), gracias a la popularidad alcanzada en televisión. Aunque mantenían el mismo tono ligero y fantasioso, había diferencias entre ellas: Superboy no era más que Superman de joven, reubicado en Smallville, donde vivía con sus padres Jonathan y Martha Kent. Lana Lang sustituía a Lois Lane como interés (es un decir) amoroso. Más allá de ello, sus aventuras eran en su mayoría intercambiables con su contrapartida adulta. En su momento nadie advirtió la incongruencia inherente a la jugada, sobre todo en cuanto los personajes presentados en una serie pasaban a la otra incluso “retroactivamente”, como Luthor o Batman.

La colección de la reportera más dicharachera del Daily Planet se basaba principalmente en los esfuerzos de Lois por “cazar” a Superman, bien con el matrimonio, bien desvelando su identidad secreta. El Hombre de Acero se pasaba la mitad del tiempo salvándola de un peligro y la otra mitad entorpeciendo sus investigaciones. Es lo que en la época se entendía como una serie “para chicas”. Hoy día es recordada, sobre todo, por el buen hacer de Kurt Schaffenberger, quien retrataba a una Lois Lane muy hermosa.

Jimmy Olsen, por su lado, es como una Ley de Murphy andante. Allí por donde pasa, todo lo que puede ir mal, va mal. Y eso, en los años 50, podían ser muchas, pero muchas cosas. Tan asumido lo tiene que va con un reloj de señales para avisar de cuando Superman debe sacarle las castañas del fuego. Vamos, el precedente (elevado a la enésima potencia) del Rick Jones de la Marvel. Jack Kirby y el Cuarto Mundo lo rescataron de la ingenua mediocridad que lo hubiera condenado a una nota a pie de página.

Supergirl 

Este es un concepto que se baraja muy temprano en la serie, probablemente por la influencia de Mary Marvel y el éxito de Superboy (quien ya se encontró con una chica así denominada, sin ninguna relación con la futura Kara Zor-El, en Superboy#5, fechado en Noviembre-Diciembre de 1949). Las aventuras del joven Clark, además de ser motivo de disputa interminable entre Siegel y Shuster y la editorial, tuvieron un éxito fulminante, y demostraron que el mercado simpatizaba con la idea de expandir la franquicia con más seres superpoderosos derivados del icono principal. El test definitivo se produjo en Superman#123 (agosto de 1958), a cargo de Otto Binder, Dick Sprang y Stan Kaye. Jimmy Olsen frotaba un artefacto mágico y pedía una superchica para su amigo Superman en la historia titulada La muchacha de acero (The girl of steel). Tampoco debemos olvidar que su amigo Batman ya había tropezado con una primera versión de Batwoman en 1956.

Con fecha de portada Mayo de 1959, la auténtica y genuina prima venida de Krypton hizo su aparición en Action Comics#252, obra de Otto Binder y Al Plastino. Es una historia de ocho páginas donde todo parece ir a super-velocidad. Supergirl llega a la tierra en un cohete, Superman la encuentra, ella le cuenta su historia (que incluye como aprendió inglés y fabricó su supertraje), descubren que son primos y él la mete en un orfanato mientras aprende a usar sus poderes. Ya sé: la parte del orfanato jamás se entendió. Kara adoptó el nombre de Linda Lee, continuando con el chiste de la doble L en los personajes de la tira, especialmente los femeninos. Desde entonces, la doncella de acero se convirtió en el arma secreta de su primo y compartió muchas aventuras con él. También vivió sus propias peripecias (de complemento en Action Comics) y fue integrándose en el universo del kryptoniano, lo que significaba visitas a Superboy (¡ejem!), la Legión de Superhéroes y los colegas de Gotham, especialmente Batgirl. Como curiosidad, Binder parece olvidar que, a estas alturas, Superman ya no es el único superviviente del planeta Krypton, como erróneamente insiste varias veces a lo largo del relato.

En Action Comics#285 (1962) Superman la presentó a sus conciudadanos, que la recibieron con entusiasmo. Kara obtendría colección propia, de breve duración. El escritor Marv Wolfman bromeó con que la mejor historia que había protagonizado era, mucho después, la de su propia muerte, en Crisis en Tierras Infinitas. No es del todo una boutade, pues es cierto que sus hazañas solían ser de perfil bajo, como demuestra que apenas contase con enemigos propios de envergadura. Sin embargo, ha participado en muchas de las mejores historias de su primo (por ejemplo: La muerte de Superman en Superman#141, donde tomaba el relevo del Hombre de Acero, asesinado por Luthor) y es parte imprescindible de su leyenda. Tal es así que en 1984 protagonizó su película homónima, por desgracia tan espantosa que todo el mundo ha olvidado que también estaba Jimmy Olsen, expandiendo la franquicia cinematográfica unos 25 años antes que el Nick Furia de Iron Man en la competencia.

La Superchica de Krypton sirvió también a los estudiosos del personaje como “justificación” de la heterosexualidad del héroe, según señala Umberto Eco perspicazmente en su influyente Apocalípticos e Integrados. A este respecto conviene señalar que el Hombre de Acero no prima la compañía de los congéneres de su propio sexo (y menos efebos), como es el caso de Batman o Green Arrow (o el Capitán América de la competencia), desactivando las acusaciones del psiquiatra Fredric Wherthan y su insidioso libro La seducción del inocente. Es triste, sin embargo, relegar a un personaje como este a simple excusa para mentes bien pensantes.

Supergirl fue hija de su tiempo. Una “mujercita” bondadosa, ajena -como Superboy- a la conflictividad de la adolescencia y respetuosa con el patriarcado. Muy diferente sería la Kara de Tierra 2, creada en los ’70, y que adoptaría el nombre de Power Girl. Pero esa, como suele decirse, es otra historia.

La Legión de Super-héroes 

Superboy descubrió a su insospechada franquicia del siglo XXX en Adventure Comics#247 (Abril de 1958), con la visita de Saturn Girl, Cosmic Boy y Lightning Lad a la Smallville del siglo XX. Los tres se burlaban de Superboy llamándolo por su identidad secreta antes de descubrirse como viajeros del tiempo de un club de superhéroes que lo había tomado como inspiración. Un inicio modesto para un equipo que llegó a tener más de treinta miembros pululando por ahí, cada uno de un planeta distinto (o casi), y un grupo de sustitutos. Para Otto Binder y Al Plastino era una historia más de sorpresa tras sorpresa que empezaba con unos jovencitos sabiendo la identidad de Clark, seguía con un viaje en el tiempo y varias pruebas para Superboy y acababa con el kryptoniano como socio. El éxito les hizo volver y, casi sin darnos cuenta, habían constituido su propio universo.

La Legión es un grupo paradójico e irreproducible (por mucho que Chris Claremont y Dave Cockrum quisieran homenajearla en la Guardia Imperial Shi’ar de la Patrulla-X). Procede de la rama de la ciencia ficción optimista tipo Star Trek, aunque sus filas están llenas de tragedias. Como dueños y señores del siglo XXX, su escenario era coherente, rico e inspirador. Al no ser exactamente una franquicia, sino un producto derivado, las situaciones eran modificables y sorprendentes, incluyendo el fallecimiento de integrantes cuando aún esto no era una moda. La dependencia de Superboy le traería importantes problemas en los ’80, cuando el personaje fue borrado de la continuidad.

El grupo está radicado en la Tierra, patrocinado por el mecenas R.J. Brande, padre del legionario Camaleón. Todos sus miembros deben de poseer una habilidad propia, distinta a las del resto (pese a lo cual, varios integrantes tienen poderes similares o iguales a Superman: Superboy, Supergirl, Mon-El, Ultra-Boy, etc.). Sus socios pueden volar gracias a un anillo antigravitatorio inventado por Brainiac 5. El villano Darkseid debe mucho de su popularidad actual a que Paul Levitz y Keith Giffen lo recuperaran del olvido en La Saga de la Gran Oscuridad, considerada una de las mejores aventuras del grupo.

Los años 50 popularizaron una curiosa forma de narración: las historias imaginarias (¿acaso no lo son todas?, como diría Alan Moore). Estos relatos cuentan cómo podrían ser las cosas si las cosas no fueran como son. Este recurso supone una velada admisión de esquizofrenia editorial, aceptando no poder hacer cambios para no espantar a los lectores al mismo tiempo que los hacemos “como si no los hubiéramos hecho”. Es indudable que hay gente muy ingeniosa por el mundo. El artificio, en definitiva, permite imaginar situaciones que la necesidad de seguir explotando la gallina de los huevos de oro no consentiría jamás. Especialmente el fin (por cualquier motivo) de la carrera del héroe.

Hay decenas de historias imaginarias. La asombrosa historia de Superman-Rojo y Superman-Azul (Superman#162, 1963), obra de Leo Dorfman, Curt Swan y George Klein, es una de las más populares y completas. Consta de tres partes: Los gemelos titánicos; El rayo anti-maldad; y El fin de la carrera de Superman (la distribución en capítulos también era corriente en la época).

El último hijo de Krypton, el gran héroe de la humanidad, ha fracasado siempre en tres tareas esenciales: desactivar los efectos de la perjudicial kryptonita, devolver su tamaño original a la ciudad de Kandor y acabar con la delincuencia y la maldad en el mundo (Triste es que no le preocupe el hambre; será un reformado Luthor quien erradique la enfermedad con un suero). De modo que el Consejo de Kandor le da un ultimátum: o resuelve estos problemas antes de seis meses o probará suerte en su papel otro de los kryptonianos de la ciudad robada por Brainiac. Consternado, Superman decide recurrir a un aparato de su invención, compuesto por todas las variedades de kryptonita conocidas, fabricado para disparar su cociente intelectual. Supergirl le advierte de los riesgos, pues no ha sido probado antes, pero el Hombre del Mañana está decidido. La máquina, en efecto, multiplica por diez su inteligencia; también propicia una vicisitud inesperada: crea un clon absolutamente idéntico, comprometido asimismo con la noble misión. Ambos se distinguen solo por el color de sus uniformes (de aquí el título). Con sus potentes cerebros aplicados al unísono logran superar todas las dificultades y vivir felices.

El maquiavélico guion de Dorfman está calculado para satisfacer varios aspectos de los mitos de Superman, como la dualidad de afectos Lois/Lana (sin elegir realmente: un Superman para cada una, sin que ninguna proteste) o la capacidad del superhéroe para alterar decisivamente el mundo que le rodea. A este respecto, una observación: si bien la eliminación de la kryptonita o restituir el tamaño original de Kandor no plantea dilemas éticos (aunque, a otros efectos, puedan ser problemáticos), el uso de una máquina de ondas para erradicar la “maldad” de los cerebros humanos, como si de un gigantesco e indoloro método Ludovico se tratara, debería causar lícita alarma en cualquier ente pensante. Ni siquiera vamos a entrar en debates sobre la naturaleza del Bien y del Mal, ni en las consecuencias que tendría en el libre albedrío, radicalmente mermado (sino extinguido) por tal inaudita intromisión. Solo repararemos en que, por muy elevados que sean sus fines e ideales, Superman no está haciendo otra cosa que lo que combatía en Action Comics#52, donde un artefacto de rayos mentales doblegaba la voluntad de la población de Metrópolis y le impedía resistirse a las órdenes dadas por un tirano. El superhombre, inmune a la receta, lo derrocaba. Veinte años después es Superman quien aprieta el botón del invento, tras cerciorarse previamente de que toda partícula de kryptonita ha sido eliminada del cosmos. Escalofriante, ¿verdad? No me extraña que Batman duerma con su anillo de kryptonita. Debe de haber leído esta historia.

Bromas aparte, Dorfman trufa obsesivamente cada esquina del tebeo con referencias a la historia del personaje, desde sus villanos principales (Brainiac, Luthor, Mr. Mxyzptlk) a sus compañeros de trabajo (Lois, Perry, Jimmy), la civilización de Atlantis donde vive Lori Lemaris, sus aliados Supergirl, Krypto y el resto de kryptonianos (por fin libres para iniciar un Nuevo Krypton), la Legión de Superhéroes (que será el nuevo hogar de Kara)… Ni siquiera se resiste a echar una pullita a Fidel Castro y a la carrera armamentística soviética, como quien no quiere la cosa. También se permite ironizar con la calvicie de Luthor (a la vez que pierde su maldad recupera el cabello). La narración es ágil, incluso vivaz, un punto autoconsciente (como esos Supermanes echándose a suertes con quien se va a casar cada uno). No es descabellado aventurar que Moore la tomara como modelo para su aún más ambiciosa (y mejor) ¿Qué le sucedió al Hombre del Mañana?

Los mundos de las historias imaginarias acabarían conformando sus propias dimensiones, susceptibles de volver a ser visitadas, incluso por la continuidad oficial (siguiendo el ejemplo de Tierra 2, concebida para explicar duplicidades de héroes como Flash o Green Lantern y que sirvió también para corregir anacronismos en Superman o Wonder Woman en los 70).

Durante el reinado Weisinger dio sus primeros pasos el hombre que más veces ha dibujado a la Maravilla de Metrópolis y uno de los principales responsables de su imagen más iconográfica: Curt Swan. La primera historia que ilustró del personaje fue Superman#51 (1948). Entonces el canon lo impartía Wayne Boring, contratado por el propio Shuster como ayudante de su estudio en 1941, e independizado más tarde, antes ya de que DC decidiera prescindir de los creadores del superhombre. Otros artistas seguían su estela, como Al Plastino, Dick Sprang o el propio Curt Swan, homogeneizados por las tintas de Stan Kaye. El estilo de Wayne Boring se distanció notablemente de la escuela Shuster (Paul Cassidy, Sam Citrom, Fred Ray, Ed Dobrotka, John Sikela o, el más talentoso de todos, Hardin “Jack” Burnley). A la rudeza, la chulería, la actitud desafiante y el físico de “hombre de acción” (en un sentido “Conan”, para entendernos), Boring opuso una figura paternal, caracterizada por la amabilidad de los gestos y una línea algo rechoncha, con un tronco desproporcionadamente ancho y monolítico, que le hacía parecer envarado y no acechante, como el superhombre primitivo de Shuster. Este nuevo diseño se amoldaba a las historias familiares e imaginativas de este período hasta el punto de que no pueden entenderse las unas sin el otro.

Swan, poco a poco, va liberando su estilo. Su Superman obtiene más definición muscular, sus movimientos resultan más gráciles y dinámicos. Por el contrario, el héroe se ve cada vez más adulto, más cerca de los cuarenta que de los treinta, con aspecto de saludable hombre de familia y no de ágil action hero. Swan será el modelo para los grandes renovadores de la imagen del Hombre de Acero, como Neal Adams, José Luis García López e incluso John Byrne o Jerry Ordway. Su narrativa es clara y fluida, aunque estandarizada. Su sencillez y eficacia para las expresiones sólo tenía un punto débil: dependía demasiado del entintador.

Las historietas de la era Weisinger eran desenfadadas e imaginativas; también un poco ingenuas, por lo que el cambio de mentalidad de mediados de los 60 y principios de los 70 las perjudicó. Reforzaban la idea de un mundo idílico que, sin darse cuenta, se alejó de sus lectores. Esto, en cierta forma, resultaba inevitable. Como observó Umberto Eco, en el ya citado Apocalípticos e Integrados: “El personaje mitológico de los cómics se halla actualmente en esta singular situación: debe ser un arquetipo, la suma y compendio de determinadas aspiraciones colectivas, y por tanto debe inmovilizarse en una fijeza emblemática que lo haga fácilmente reconocible (y es lo que ocurre en la figura de Superman); pero por el hecho de ser comercializado en el ámbito de una producción “novelesca” por un público consumidor de “novelas”, debe estar sometido a un desarrollo que es característico, como hemos indicado, del personaje de novela.”

La tensión subrayada en el análisis de Eco, publicado originalmente en 1965, encaja como un guante con el reinado Weisinger, quien ya dio sus primeros golpes de mano a principios de los cuarenta, limando las asperezas del carácter de “héroe de la clase trabajadora” de Superman, derivándolo primero hacia el humor (con toques de comedia a lo “guerra de sexos”, aspecto recuperado mucho más tarde por la teleserie Lois&Clark, en lo que entonces se vio como una influencia de Luz de luna) y en seguida hacia la farsa y la fantasía más desaforada, combatiendo el éxito del Capitán Marvel en los ‘40, cuando llegó a superarlo brevemente en ventas. Es así como el cruzado social se convierte poco a poco en el bondadoso boy-scout integrado en el sistema, cómplice con la prosperidad de los ’50 que liga la satisfacción individual a la propiedad privada y el american way of life, ahogando cualquier disonancia en el caldo de la diversión desprejuiciada. No es casual que la serie se llene de marcianos y de criminales de opereta, ni que el cada vez más presente Krypton no invite a reflexionar sobre la integración y la identidad. Ni siquiera será el mejor colocado cuando estos asuntos empiecen a salpicar las páginas de los cómics a mediados de los 60.

Los apuntes de Eco sobre el carácter esencialmente iterativo de esta clase de relatos son muy valiosas, al igual que sus conclusiones sobre la función estabilizadora y adormecedora que subyace en sus esquemas narrativos. Sin embargo, pueden inducir a error a quien crea que sólo son aplicables a estas historietas, erróneamente clasificadas como exentas de “continuidad” (y no, no me voy a meter ahora en la polémica: que cada uno la entienda como quiera). La lectura atenta de este material revelará detalles cruzados que cimentan lo que sostengo y que pasan desapercibidos en la aproximación episódica. Eco los obvia porque -aunque de interés para el erudito o el fan- carecen de relevancia al objeto del estudio. A lo que nos interesa, el semiótico no niega que las aventuras hayan pasado (o sea, que se acumulen) sino que, en realidad, no importa porque no tienen un peso específico en la evolución del personaje. No es más que información redundante. ¿Qué más da que Superman y Luthor se hayan enfrentado diez o mil veces? De ahí que extrapole sus conclusiones al resto de superhéroes, porque, sin entrar en detalles o excepciones, la serialización lleva exactamente a lo que indica: que cada suceso sea menos relevante (aún) que el pasado. Y este es un problema que sigue sin ser resuelto (insisto: con carácter general) en la ficción superheroica que Superman inauguró.

Hasta 1978 Superman era, junto a Mickey Mouse, el personaje más popular del tebeo norteamericano. A partir del estreno de la película de Richard Donner, se convirtió en uno de los diez personajes de ficción más reconocidos en todo el mundo.

Desde finales de los 60, con la llegada de artistas como Neal Adams o José Luis García López y la definitiva maduración de Curt Swan, la imagen del kryptoniano se había revisado y modernizado, volviéndose permeable a las nuevas corrientes del mainstream USA gracias a la nueva sensibilidad del editor Julius Schwartz (1915-2004) y a la necesidad de periclitar la agotada fórmula Weisinger. Schwartz había renovado años antes a varios de los héroes clásicos de la compañía, particularmente Flash (con Barry Allen bajo la máscara), lo que se considera el pistoletazo de salida de la Edad de Plata.

Schwartz se movía entre dos fuerzas antagónicas. De un lado, la continuidad con el poderoso legado Weisinger, de quien había sido amigo y colaborador. De otro, los nuevos aires que pedían un Superman menos divino, más apegado a los mortales, dispuesto a aceptar los cambios producidos en los gustos de la masa consumidora, particularmente los chavales atraídos por el enfoque dramático de los tebeos Marvel. La era Schwartz nos regaló un puñado de buenas historias, algunas de las mejores del personaje. El editor, sin embargo, fracasó en acercar a Superman a este nuevo público.

Schwartz cometió un error de enfoque, quizá explicable sabiendo su filiación weisingeriana. El problema de Superman no residía en su grado de “superpoder”, como creyeron -de buena fe- gente como Denny O’Neil o Marv Wolfman. A fin de cuentas, esto es una cuestión subjetiva: ¿mover un planeta está bien, pero no dos? ¿cruzar el mundo en una hora está bien, pero no en un minuto? Evidentemente, era algo que había que abordar, pero más por la arbitrariedad en la adquisición de habilidades (y sí, claro, en la exageración) que por las capacidades en sí mismas.

El quid de la cuestión radicaba en que había que implicar a Clark en su propia vida y, por ende, en la del lector.

“Humanizar” al Hombre de Acero quitándole el superaliento o haciendo que se moviera a la velocidad del sonido en vez de a la velocidad de la luz era una iniciativa destinada al fracaso desde su mismo planteamiento. ¿De qué servía, por ejemplo, reducir a la mitad los poderes de Superman si seguía mirando por encima del hombro a quienes lo rodeaban? ¿De qué servía introducir al magnate Norman Edge y convertir a Clark en presentador de una cadena de noticias -esto parece, simplemente, un disparate contra su identidad secreta- si el estudio de televisión no significaba para él más que el viejo trastero del Planet? ¿De qué servía cambiar a Lois Lane por Lana Lang si la relación seguía siendo, a todos los efectos, la misma? Había que lograr que las cosas le importasen, verlo en situaciones que el lector pudiera identificar. A fin de cuentas, el Superman de Christopher Reeve es casi un Dios, ¿no? Pero un Dios a quien desgarra la pérdida de Lois o que no tiene reparo en desviar un poco de su tiempo en bajar de un árbol el gato de una niña. No es el Dr. Manhattan inmerso en sus experimentos cuánticos, ajeno a las cuitas humanas, como magistralmente narraron Moore y Gibbons en Watchmen.

En este sentido, la famosa saga conocida como Kryptonita… nunca más (Superman#233-238,240-242), obra de Dennis O’Neil, Curt Swan y Murphy Anderson (con portadas del gran Neal Adams), yerra el tiro. Su (loable) preocupación por hacer comprensibles los márgenes en que se mueve Superman, pensando que así prescinden de su faceta “divina”, chocan de frente con el gran problema: no hay motivación ni interés personal alguno. Sólo nos empuja saber qué poder va a perder en la próxima aventura o cómo se las ingeniará para derrotar a su siguiente enemigo. Exactamente igual que antes. Compárese con la crisis emocional que llevó a Peter Parker a tirar su traje arácnido en el cubo de la basura (The Amazing Spider-Man#50) y veremos que las intenciones de O’Neil se desploman como un castillo de naipes con la más leve brisa.

Leídas hoy, resultan más conmovedoras El milagroso retorno de Jonathan Kent y su continuación El mundo secreto de Jonathan Kent (Action Comics#507-508, Mayo-Junio de 1980), obra de Cary Bates, Curt Swan y Murphy Anderson, donde Clark -gracias a una pirueta cósmica de esas tan queridas en los tebeos- puede volver a pasar unos días con su padre fallecido años ha; o Si Superman no existiera (Action Comics#554), obra de Marv Wolfman y Gil Kane, parábola del impacto de la imaginación en nuestras vidas en forma de homenaje a los creadores de la leyenda, Jerry Siegel y Joe Shuster. O Superman: ¿amigo o enemigo? (Action Comics#551), obra del mismo equipo artístico, donde asistimos a un día en la vida del superhéroe mucho antes de que Busiek hiciera lo mismo en Asto City y fuera más elogiado… ¡En fin! Ya ven por donde voy.

Pocas de las innovaciones de este período han resistido el paso del tiempo. Steve Lombard (importado del Curly de Action Comics#7), Norman Edge y su imperio multimedia, el romance con Lana, Vartox, Terra-Man… no creo que estén entre los momentos favoritos de nadie. En cambio, de nuevo Wolfman, con el concurso de Gil Kane, remodeló al clásico Brainiac verde en un engendro mecánico sobrecogedor. Hace unos meses DC recuperó estas (y otras) historias de Wolfman y Kane y el compañero Raúl Silvestre, con excelente criterio, nos habló sobre ella en una reseña suya.

Adventures of Superman de Gil Kane (1982-1988) según Raúl Silvestre

En 1997 Gil Kane fue incluido en el Salón de la Fama del Cómic de Will Eisner y en el Salón de la Fama de Jack Kirby. Merecido reconocimiento para un autor que había dado lo mejor de sí mismo al cómic de superhéroes desde la década de los años cuarenta, siendo uno de los abanderados de la Edad de Plata del cómic estadounidense en los años setenta siendo conocido por sus trabajos en Green Lantern, The Amazing Spider-man, Action Comics o Superman.

Para entender la relación e importancia de este autor en la historia de El Hombre de Acero Raúl Silvestre nos pone previamente en antecedentes: “Corría el año 1982, las Crisis en Tierras Infinitas aún no se atisbaban en el horizonte. Superman era un personaje que gozaba de la salud de dos superproducciones cinematográficas estrenadas con éxito y una tercera por llegar. Un icono indiscutible, pero que tampoco disfrutaba de unas ventas tremendas. Vamos, como ahora. Pero con más gusto. Sin dudas morales o cambios de peinado. Sin muertes y resurrecciones absurdas o reboots torpes. Todo lo anterior era válido y la continuidad era respetada sin caer como una losa en la narrativa. El lector habitual de tebeos era niño o adolescente y como tal se le trataba. Había un pozo de ingenuidad, un regusto naíf en las tramas. Y esto a Superman le sentaba de perlas. Porque es un mito arraigado en blancos y negros, en el Bien y el Mal, donde la bondad y lo que debe hacerse son sus consignas de acción”.

Esto último sería perfectamente comprendido por un guionista como Marv Wolfman cuyo “aterrizaje en DC Comics no pudo ser más exitoso. No en vano, de su pluma surgió el clásico que es hoy Teen Titans, logrando altísimas ventas y críticas muy favorables” y, en el caso de Superman, este autor fue capaz de entender “la naturaleza del kriptoniano. Pero aún mejor comprendió quién iba a encargarse del dibujo”, el gran Gil Kane, resultando todo “en un ejercicio de arqueología y sapiencia deceíta por parte de sus autores”. De hecho, continúa Raúl Silvestre en su reseña de estos cómics que podéis leer aquí mismo, la aportación de Gil Kane “suple cualquier carencia argumental, si como tal se puede considerar la sencillez de unos guiones nada enrevesados, tendentes a la ciencia-ficción más disparatada y concebidos para entretener sin grandes aspavientos mentales”.

“Las habilidades de Gil Kane para el dibujo fueron prodigiosas”, sigue ensalzando Raúl Silvestre el trabajo del dibujante estadounidense, “más que por su capacidad narrativa, que está fuera de toda duda y que incluso nos ofrecía páginas de muy curioso viñeteado, Kane destaca por su capacidad para el espectáculo. Para el espectáculo y la belleza. No en vano, sus splash pages son tremendas, enormes, estirando las posibilidades de la perspectiva casi tanto como Jack Kirby, pero con un trazo más dulce, más redondo. Esto hace que sus secuencias de acción sean antológicas, duras, dinámicas, con golpes que sacan a los personajes de las viñetas, con cuerpos llevados a la extenuación estética, pero con las riendas de la verosimilitud bien agarradas. Y es que su Superman resulta más majestuoso que nunca. Gil Kane conoce cómo potenciar el arriesgado esteticismo del personaje, sacando el mejor partido de su figura hercúlea, haciéndole danzar por las viñetas en posturas de cuidada composición, pero logrando mantenerse siempre dentro de los límites de lo plausible. Así, su capa siempre ondea aprovechando las cinética de los movimientos, sus brazos se congelan en la pose adecuada, como el atleta mejor retratado en plena proeza física, y su rostro resulta icónico, como una mezcla del en aquel momento popularísimo Christopher Reeve y el respeto al trabajo de Curt Swan“.

Por lo tanto, Mark Wolfman sería también un hombre importante en el reseteo de las aventuras de Superman en los años 80, aunque sus conceptos estuvieran por encima de los resultados.

Al mismo tiempo, cabeceras como Superman Family (que integraba historias de Supergirl, Lois Lane, Jimmy Olsen y demás personajes del universo del kryptoniano… incluyendo a Mr. y Ms. Superman) o DC presents (team-up de Superman con otros superhéroes de la compañía) mantenían viva la llama del Superman “clásico”, con imaginativas historias sobre su vida privada o paseos por cualquier rincón del Universo DC. Estas historias son, por lo general, muy entretenidas. ¿Quién no recuerda a Clark disfrazándose de pájaro gigante para evitar que un loro repita “Clark Kent es Superman”? ¿O a Superman y Batman haciendo piña para combatir a un hombre-lobo kryptoniano?

En definitiva, Schwartz tuvo más éxito en actualizar la fórmula Weisinger, del gusto de los viejos fans, que en atraer nuevos lectores a rebufo del film. La editorial se daba cuenta de ello y decidió adoptar medidas drásticas. Pero, antes, en las postrimerías de su reinado, Schwartz se lo jugó todo a una carta. Y triunfó.

Los relatos más celebrados de este período son, sin duda, los escritos por Alan Moore. En Para el hombre que lo tiene todo (Superman Annual#11), dibujado por Dave Gibbons (el mismo equipo de Watchmen) el escritor británico homenajea esa tradición de historias en que Superman regresaba a su mundo de origen, en particular aquella donde asiste a lo que hubiera pasado si no hubiera llegado a explotar (por ejemplo: Superman#132, donde Batman y Robin acuden a la Fortaleza de la Soledad con un regalo que permitirá al kryptoniano, gracias a una máquina, averiguar cómo se hubiera desarrollado su vida en Krypton. ¿Les suena?) Moore cambia la verosimilitud de la premisa y las implicaciones. Mientras en los relatos que le sirven de modelo la pesquisa siempre lleva a soluciones consoladoras (en el ejemplo citado, se habría convertido también en Superman en su mundo natal), en Para el hombre que lo tiene todo, el héroe debe elegir entre la ilusión (cómoda, pero falsa) y la realidad (dolorosa, pero verdadera) en una disyuntiva que anticipa películas como Matrix (Wachowski, 1999) y que refuerza la concepción heroica del personaje, a la vez que indaga en sus fortalezas y debilidades específicas. La humanización, por tanto, procede de los conceptos de pérdida y sacrificio, con los que cualquier lector está familiarizado, y no de diluir sus habilidades.

Pero, indudablemente, el empeño más ambicioso fue el díptico ¿Qué le sucedió al Hombre del Mañana? (repartido entre Superman#423 y Action Comics#583), acompañado de los dibujantes Curt Swan, George Perez y Kurt Schaffenberger, en lo que supone, al tiempo, despedida y recapitulación del personaje. Esa fue siempre la intención, de ahí que la primera opción de Schwartz fuese Jerry Siegel, quien declinó el ofrecimiento. Moore aborda el relato con idénticas intenciones y referentes (en este caso, la inspiración en la mentada La asombrosa historia de Superman-Rojo y Superman-Azul, entre otras), poniendo en juego su capacidad colosal para el detalle y la sinécdoque.

En un futuro indeterminado Superman ha desaparecido. En el aniversario de su último avistamiento un periodista del Daily Planet decide entrevistar a la antigua reportera Lois Lane, ahora Lois Elliot, para obtener una perspectiva única de aquellos días. Superman había vuelto del espacio y, de pronto, todas las cosas empiezan a ir mal. Bizarro se vuelve un asesino y se suicida. El juguetero se alía con El Bromista y revelan su identidad secreta ante los espectadores de la cadena donde trabaja; habían torturado y asesinado a Pete Ross para descubrirla. El Planet es atacado por un ejército de Metallos y Superman se lleva a sus seres queridos a la Fortaleza de la Soledad para poder protegerlos. Luthor y Brainiac se convierten en una única mente y preparan su asalto reclutando a viejos enemigos del Hombre de Acero. Mientras, Superman y Krypto reciben la visita de la Legión de Superhéroes, incluida Supergirl, que viene a hacerle un regalo en estos tiempos difíciles. Kara ha muerto en esa línea temporal, pero ella no lo sabe y Clark no puede decírselo. La situación se vuelve cada vez más comprometida. La alianza de supervillanos sitia la Fortaleza de la Soledad, por lo que sus compañeros superhéroes no pueden auxiliarle. Jimmy y Lana adquieren superpoderes y salen a combatirlos, pero son asesinados. Krypto muere al degollar al Hombre de Kryptonita. Superman descubre entonces que todo ha sido orquestado por Mr. Mxyzptlk, aburrido de sus bromas, que ahora quiere destruir al Hombre de Acero. Superman usa el proyector que envía a la Zona Fantasma mientras el geniecillo intenta escapar y lo mata. Desolado por haber roto su juramento de jamás quitar una vida, Superman entra en la cámara de la kryptonita dorada y desaparece. Pasan los años. Metrópolis da por muerto a su campeón, pero ¿es así?

Aunque conceptualmente hermosa, en especial para los amantes del Hombre de Acero, lo mejor de la historia -como siempre en Moore- no radica en lo que cuenta, sino en cómo lo cuenta, en los recursos desplegados para hacernos llegar su visión. Por desgracia, el análisis formal excedería, con mucho, las limitaciones de este humilde ensayo. Baste decir que su rigor y profundidad la convierten en una de las obras indispensables del género.

Las primeras colaboraciones del Último Hijo de Krypton con otros compañeros de profesión fueron relativamente tempranas y dentro del paraguas de National Periodicals, antigua DC Comics. En 1940 compartió portada con Batman (#1, luego World Finest) y un año después se acercó a saludar a los miembros de la JSA (All Star Comics#7). Poco a poco fue tropezando con todos los héroes de la casa y, a finales de los 50, ingresó en la Liga de la Justicia de America con el resto de pesos pesados, de Wonder Woman a Linterna Verde, pasando por Flash, Canario Negro, Flecha Verde o Aquaman. A mediados de los 70 obtuvo su propia serie de team-ups, DC Presents, distinta a la que compartía con el Hombre Murciélago desde los años 40. Convengamos en que esto es lo habitual en propiedades de ficción tan endogámicas como los superhéroes, incluso antes de la plaga de los crossovers y la manía del universo compartido como último reclamo comercial para el adicto. No obstante, forzoso es reconocer la implicación de algunos héroes en el desarrollo del kryptoniano, más allá del concurso circunstancial de una aventura concreta.

Superman es uno de los vértices de la trinidad deceíta, junto a Batman y Wonder Woman. Cualquier aficionado sabe que son los únicos personajes que llevan publicándose ininterrumpidamente desde la llamada Edad de Oro de los cómics (los años 40), logro de por sí notable. Los tres representan parámetros en parte idénticos, en parte opuestos y complementarios.

Batman, creado en 1939 por Bob Kane, es el único superhéroe que puede disputarle la supremacía a Superman. Si Superman es el día, Batman es la noche. No crean que de esta comparación tan tópica sale el cruzado de la capa bien librado, porque mientras el Sol inspira vigor y masculinidad, la Luna representa la muerte y la feminidad… lo que tal vez explique muchas de las insidias tradicionalmente asociadas al Hombre Murciélago. En todo caso, podemos afirmar que son distintos y complementarios y que los tiempos recientes le han sentado mejor a Bruce que a Clark. Parte del problema viene de una concepción introducida sibilinamente por Frank Miller en El regreso del Señor de la Noche y de la que desde entonces no se ha podido rescatar al Hombre de Acero: Clark defiende el sistema mientras que Bruce lo infringe para impartir justicia. Se han vuelto las tornas y ahora es Batman quien defiende lo que Superman en sus inicios y viceversa.

Superman y Batman son personajes tan extremos, tan “puros”, que, en cierta forma, son el mismo o, por mejor decir, las dos caras de la misma moneda. Su propia resemblanza los delata. Sus físicos son virtualmente idénticos. Quienes buscan diferenciarlos acuden con frecuencia a semejanzas con actores, pues sus rasgos específicos son incómodamente iguales. Al mismo tiempo, como sostenía el filósofo Tom Morris en el libro Los superhéroes y la filosofía, Superman intenta ser humano, sin serlo, mientras que Batman, siéndolo, intenta trascender su condición. En ese punto medio ambos superhéroes se entienden mejor que el resto de colegas. Con todo, esta exploración es bastante reciente, en términos de un personaje que cumple tres cuartos de siglo. Abarca los últimos 25 o 30 años. Antes de que los superhéroes tuvieran neuras, además de poderes, nadie se preocupaba de eso. Se escogía a Superman o a Batman en función del grado de fantasía que estabas dispuesto a aceptar. ¿Cuántas veces hemos oído cosas como “Batman, en el fondo, es humano” o “Superman me hace soñar con un mundo mejor”? Y, tras capas y capas de historias, esta sigue siendo la diferencia primordial. Se trata de creer en el hombre o en la divinidad.

Wonder Woman, sin embargo, es harina de otro costal. La Mujer Maravilla fue la respuesta en 1941 del psicólogo William Moulton Marston al exceso de testosterona de los cómics de preguerra. Así pues, nació conscientemente como modelo de identificación para las lectoras de tebeos. Pasemos por alto ciertos detalles como las acusaciones de sadomasoquismo o lesbianismo y centrémonos en lo importante: no hay superheroína que se le acerque siquiera en difusión y trascendencia a lo largo de los años. Vale que hay quien la confunde con un clon femenino de Superman, centrándose en coincidencias curiosas como que ambos se enmascaran en su vida civil y hasta coinciden en las gafas. Pero Wonder Woman es un personaje mucho más contradictorio. Educada como guerrera en la Isla Paraíso de las amazonas, a menudo se la considera mensajera de la paz en nuestro mundo. Sus raíces mitológicas tampoco facilitan las cosas, sobre todo porque estos cuentos crueles de dioses y mortales se adaptan mal a la mentalidad burguesa del consumidor masivo, de ahí que sean expurgados y terminen convirtiéndose en tipos con toga salidos de un peplum.

En sus primeros años la relación entre Superman y Wonder Woman carecía de la menor trascendencia. Si sus diálogos los asignáramos, un poner, a Flash y Green Lantern nadie notaría la diferencia. Pero, al igual que Batman, en los últimos 25 o 30 años la cosa ha variado sustancialmente hasta el punto de que no son pocos los autores que la conciben como la pareja natural del Hombre de Acero, no sólo por sus características similares en cuanto a modelos de perfección humana y resistencia sin límites sino por sus orígenes semejantes. Ambos son “desplazados” de su mundo original. Sólo Diana puede entender lo que Clark siente viviendo en un mundo que no es el suyo, porque a ella también le pasa… aunque ella siempre puede volver a Isla Paraíso, siquiera de visita.

De resultas de su popularidad, Superman se ha encontrado con virtualmente cualquier personaje creado antes de 1986, incluidos los de compañías rivales como Hulk, Los 4 Fantásticos, Gen 13 o Savage Dragon, cinematográficos como Alien o Terminator, procedentes del pulp como Tarzan, de los dibujos animados como Bugs Bunny o incluso de los muñecos como He-Man y los Masters del Universo. Sin embargo hay tres que, por su relevancia, detallaremos un poco más.

El primer encuentro entre los emblemas de las dos grandes compañías de cómic USA se produjo en 1978 tras arduas negociaciones entre ambas partes. Superman y Spider-Man se enfrentaban a Lex Luthor y al Doctor Octopus a lo largo y ancho del globo. Ross Andru firmó unas páginas tan brillantes que durante años se usaron las splash-pages donde concentraba los poderes y vicisitudes de los héroes como introducción a los personajes. No vamos a cargar contra las debilidades del guion porque, al final, esto es lo que es: una fiesta de los aficionados.

Siguiendo el modelo anterior, con su mismo guionista (Gerry Conway) pero con la participación del soberbio artista José Luis García López, Superman se reunió con la Mujer Maravilla en un especial ubicado en los tiempos de la II Guerra Mundial. Del esta historia, en concreto, así como de la importancia de un artista como José Luis García-López en la historia del kriptoniano, han hablado anteriormente en Zona Negativa los compañeros Raúl Silvestre y Javier Agrafojo.

Adventures of Superman de José Luis García-López (1976-1981) según Raúl Silvestre y Javier Agrafojo

El caso de José Luis García-López es el paradigma de un autor convertido, como comenta Raúl Silvestre, en “una suerte de deidad en la sombra, reverenciada por gran cantidad de profesionales del gremio, con una pequeña horda de seguidores, pero siempre dentro de unos parámetros de culto minoritario. Y es que las cualidades de García López son innegables. Con un estilo clásico, deudor y a la altura de John Buscema o Joe Kubert, su trazo es tan reconocible como el de los recién citados”.

Este fantástico dibujante, nacido en 1948 en España, con unos lápices inspirados por artistas como Alex Raymond, Harold Foster, Milton Caniff o José Luis Salinas, comenzó su carrera trabajando en los años sesenta en las publicaciones de Charlton Comics hasta conseguir dar el salto a DC Comics en el año 1974 de la mano del editor Joe Orlando. En su carrera destacan trabajos de todo tipo para cabeceras como Action Comics, Adventure Comics, All-Star Western, Atari Force, Brave and the Bold, Superman, Wednesday Comics o Weird War Tales.

El dibujo y estilo gráfico de José Luis García-López, como comenta Raúl Silvestre en una reseña dedicada al trabajo de este artista en Adventures of Superman que podéis leer completa aquí mismo, “tiene esa cualidad de los grandes dibujantes de los setenta [...] pendientes de la correcta composición de la página, así como de la perfecta ejecución de las formas. Pero García-López, hijo de su tiempo, se permitió ir un paso más allá, adoptando modos nacidos en los sesenta, con perspectivas más forzadas y personajes cuya coreografía de movimientos, aún siendo descrita al milímetro, busca la expresividad a través de ligeros trucos aberrantes. Esta mezcla entre clasicismo de academia y arrebato expresionista velado, da pie a páginas de una belleza innegable, sofocante, donde la minucia en el trabajo recibe la recompensa de viñetas que se pueden admirar por horas”.

De esta manera, Adventures os Superman, continua el compañero Raúl Silvestre sirvió a José Luis García-López para “crear una imagen icónica de Superman, que incluso hoy persiste, no solo en la retina del aficionado, sino en el pensamiento visual del planeta. Su hombre de acero, tan estilizado como hercúleo, tan limpio como definido, de intensa mandíbula cuadrada y rizo clavado, se alza en el panteón de representaciones gráficas del personaje como un axioma imposible de rebatir”. El resultado daría pie a una serie de “relatos de fantaciencia tremendamente variopintos, donde se entremezclan estereotipos tan naif como alienígenas beligerantes con pinta de duendes paramilitares, con conceptos de ciencia pura y ciencia ficción hard, donde Superman es capaz de transportar planetas enteros a través de agujeros de gusano en mitad del cosmos o donde las dimensiones alternativas en planos vibracionales distintos al nuestro son conceptos asimilados por el lector con la misma ligereza que por los personajes que las padecen. Son por tanto estas, historias que deben ser leídas con sana perspectiva. Mejor no la de la nostalgia, sino entendidas como explosiones imaginativas, que aún ridículas y ciertamente obsoletas, permiten el disfrute por su insólita personalidad y por su descarada subversividad ante parámetros lógico”.

Por su parte, entre las historias relacionadas con Superman en las que participó este dibujante de origen español merece especial atención para Javier Agrafojo “Superman vs. Wonder Woman, publicado en All new collectors’ edition C-54 (1978)”, la que para nuestro redactor, “es junto al Superman vs. Spider-Man, al Superman vs. Muhammad Ali o al Batman vs. Hulk, un ejemplo excelso de este subtipo de “héroe contra héroe”. Los cuatro ejemplos citados apuestan por el gran formato para hacer justicia a estos “choques de titanes” y acaso es por lo que son recordados: por la espectacularidad de sus páginas, específicamente diseñadas para satisfacer a los seguidores de cada uno de los protagonistas”.

En la sinopsis de esta historia guionizada por Gerry Conway encontramos lo siguiente: “Junio de 1942. Tras salvar un portaaviones norteamericano del ataque de unos kamikazes robóticos, Superman es llamado al Departamento de Guerra, donde será informado de la amenaza que se cierne sobre el Proyecto Manhattan (como todo el mundo sabe, responsable de la creación de la bomba atómica). Paralelamente, Wonder Woman (quien, en su identidad civil de Diana Prince, trabaja en el ejército) desarticula una célula terrorista nazi operando frente a la Casa Blanca. Detrás de estos desconcertantes sucesos está una entente germano japonesa dirigida por el Baron Blitzkrieg (palabra alemana que significa “guerra relámpago”), cuyo diabólico plan es cambiar el curso de la guerra gracias al robo de la energía nuclear”.

Escena de Superman Vs. Wonder Woman de Gerry Conway y José Luis García-López

Entrando en detalle en esta obra, reseñada por el compañero Javier Agrafojo aquí mismo, llama la atención ella “el ambiente patriótico que destilan sus páginas [...] cuando en los cines se proyectaban películas como El cazador (M. Cimino, 1978) o Apocalypse Now (F.F. Coppola, 1979), pero mimetiza perfectamente la exaltación característica del periodo que reproduce, acercándose más al espíritu de los tebeos de entonces que a la realidad revisada”. Porque para entender la situación de una obra como Superman vs. Wonder Woman de Gerry Conway y José Luis García-López en el contexto histórico del comic book de la época hay que tener en cuenta que “en los primeros ’70, series como Green Lantern/Green Arrow dinamitaron el concepto de team-up y, gracias a ello, cabeceras como DC presents o The brave and the bold se hicieron más dinámicas. Sin embargo, el modelo original, aunque cada vez más arrinconado en las publicaciones habituales, demostró de nuevo su éxito en el primer cruce entre las dos grandes compañías, limando egos y contentando a los fans con el Superman vs. Spiderman (1976)”.

“El gran José Luis García-López es el encargado de convertir la débil excusa argumental en una pieza memorable”, afirma sin tapujos Javier Agrafojo, mientras “para la lucha entre ambos iconos deceítas, Gerry Conway juzga innecesaria introducción alguna, lo que reduce la historia hasta las 72 páginas más cubiertas y, cerrando el círculo, la vuelve aún más similar en forma y espíritu a los originales que homenajea. Sin llegar a crear un nuevo estándar, la fórmula vuelve a funcionar, como demuestra que, desde entonces, la época se aborde de forma similar, dossier de Roosvelt incluido (p.e.: Captain America#255)”.

Superman vs. Mohammad Ali es la cima del arte de Neal Adams. Solo por esto ya deberían levantarse y salir corriendo a leerlo. Si necesitan más razones, el compañero Jordi T. Pardo nos lo indicó en su reseña de esta obra publicada en su día con motivo de la última edición conocida del trabajo de Dennis O´Neil y Neal Adams en nuestro país.

Superman Vs. Muhammad Ali (1978) de Denny O´Neil y Neal Adams según Jordi T. Pardo

En los años setenta, “los locos años setenta” según Jordi T. Pardo, tuvimos “una época en la que cualquier lector podía encontrarse con verdaderas extravagancias difícilmente repetibles en el panorama del cómic mainstream estadounidense moderno. Por entonces, era completamente normal encontrar publicaciones protagonizadas por ídolos musicales como Kiss o Alice Cooper, igual que lo sería la llegada de personajes clásicos de la literatura de terror como el Drácula de Bram Stoker a las páginas de los cómics marvelitas mientras en DC Comics el Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle vivía nuevas aventuras junto a Batman, su aprendiz más aventajado, y se ponían en marcha los primeros crossovers superheroicos entre editoriales, como el ya mítico Superman vs. The Amazing Spider-man de Gerry Conway y Ross Andru, un precedente a tener en cuenta cuando se habla del Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams“.

“En aquellos años Muhammad Ali, nacido como Cassius Clay antes de su conversión al Islam, era una leyenda viva del deporte y una figura destacable del show business estadounidense, “el Superman negro”, como así lo llamaría el grupo británico Johnny Wakelin And The Kinshasa Band en la canción que dedicarían al popular boxeador en 1974 y que llevaba por título Black Superman. Por su lado, “el auténtico Superman”, se había convertido en todo un cuarentón, la creación inmortal de Jerry Siegel y Joe Shuster había madurado y estaba a punto de convertirse en todo un icono cinematográfico, volando de las viñetas de los cómics al glamour de Hollywood, todo a consecuencia del inminente estreno de la película dirigida por Richard Donner y protagonizada por el fallecido Christopher Reeve“.

La magia del cómic haría que estos dos personajes acabasen por encontrarse en las páginas del citado Superman Vs. Muhammad Ali de Denny O´Neil y Neal Adams, un proyecto en el que tuvo mucho que ver “una figura como Don King, el famoso y extravagante promotor pugilístico que “tenía el corazón de un estafador y la imaginación de un visionario”, organizador de algunos de los combates más recordados de Muhammad Ali contra rivales de renombre como George Foreman y Joe Frazier. Este peculiar personaje, inspirado por el éxito de ese Superman Vs. The Amazing Spider-man, promocionado como The Battle of the Century y en el que también habían colaborado el mismo Neal Adams y John Romita Sr., había sabido ver la posibilidad de seguir rentabilizando la fama de Muhammad Ali más allá de los cuadriláteros, pues no podía haber mejor reclamo publicitario que la de ver al héroe del pueblo enfrentado a un “verdadero Hombre de Acero”.”

Muhammad Alí y Superman retratados por Neal Adams

En este cómic tenemos una premisa muy simple que nos resume Jordi T. Pardo en su reseña de la obra que podéis leer completa aquí mismo: “Cuando Rat’Lar, el líder de una belicosa raza extraterrestre llamada Scrubb y originaria del planeta Bodace, declara a la humanidad una especie peligrosa y destructiva que debe perecer para salvaguardar la integridad del universo. Pero, para evitar la confrontación bélica Rat’Lar propone a la Tierra que escojan a su campeón para enfrentarse y medir sus fuerzas al invicto guerrero Hun-ya, sólo si este es derrotado en un combate en igualdad de condiciones los Scrubb desistirán de sus intenciones y renunciarán a la guerra. Dos son los únicos pretendientes que aceptan el desafío, el altruista y luchador por la libertades Superman y el ególatra campeón de los pesos pesados Muhammad Ali que están dispuestos a enfrentarse en un combate previo para dilucidar quién de ellos debe batirse para representar a la Tierra y liberarla de su fatídico destino”.

Esta obra se ha convertido, contra pronóstico, en un clásico de culto, “un cómic marcado por la acción y por las constantes vueltas de tuerca pero, sobre todo, por la espectacular narrativa gráfica desplegada por uno de los grandes artistas del cómic superheroico estadounidense que resulta todo un uppercut directo a la creatividad. Este aspecto convierte a Superman Vs. Muhammad Ali en todo un clásico, en un cómic referencial, son los lápices de Neal Adams los que consiguen esconder las debilidades argumentales de una historia marcada por una sarta de tópicos recurrentes del género superheroico y convertir el resultado final en un potente gancho visual muy difícil de olvidar”.

Y llegó un día en que Superman arrastraba tanta historia tras de sí que ni siquiera sus superpoderes le permitían sobrellevarla. No era un problema exclusivamente suyo. La compañía que lo albergaba, y que había crecido a su sombra (con la ayudita de Batman, Wonder Woman y compañía), había acusado el golpe de la competencia (léase Marvel: Spider-Man, Hulk y demás), creada en la década de los 60, más joven y dinámica para adaptarse a los gustos del público. El Hombre de Acero seguía siendo, con mucho, el más popular de todos, como sus cuatro películas y un spin-off (Supergirl) certifican, pero en 1986 ya hacía años que sus series se habían acomodado fuera del top 10 de ventas. Así que aprovechando una maniobra de mayor calado (se pretendía resetear y dar cohesión a un universo ficcional que llevaba funcionando casi 50 años), Clark Kent y amigos empezaron de cero tras la macrosaga Crisis en Tierras Infinitas, con modificaciones importantes que los acercaran al aficionado a los cómics, cada vez menos el lector ocasional y más el coleccionista propiciado por el “Mercado Directo”. La tarea recayó en un artista consagrado: John Byrne, célebre por sus trabajos en la compañía rival revitalizando la Patrulla-X y Los 4 Fantásticos, entre otros.

Byrne salió airoso del reto. Entregó una notable reinvención del personaje (y su mundo), con abundantes aciertos que perduraron durante años. La potencia de su versión enmascaró también ciertos deslices, a veces no tan insignificantes como parecieron en un primer momento. Pero el saldo fue indiscutiblemente positivo. A día de hoy sigue siendo uno de los mejores trabajos del autor.

Aunque Byrne es célebre en el fandom por amoldarse a la historia previa del personaje, en realidad lo que hace es justo lo contrario: escoge las cuatro cosas que le convencen y las aglutina bajo un propósito claro, una visión, podríamos llamarlo, que suele coincidir con una búsqueda de la “esencia” o el “impulso” creativo original, según él lo entiende. Su estilo era tan popular, sus narraciones tan directas y entretenidas, que hasta los fans más irredentos de la continuidad le perdonaban que ignorase o desdijese extensas etapas o autores. Pero en Superman era un poco diferente. Se prescindía de la continuidad, sí, con todas las posibilidades que eso abría para cohesionar las distintas interpretaciones del mito. Pero también había un nutrido grupo de fans (quizá el mayor del mundo en su categoría) que tenían su propia visión de las andanzas del kryptoniano. Resumiendo: parafrasear la etapa de Lee y Kirby en Los 4 Fantásticos no daba mayores problemas; existe unanimidad sobre quién representó más adecuadamente las aventuras del cuarteto. Sin embargo, en el caso de Superman, ¿cuál elegir? A lo largo de sus casi cinco décadas de existencia no había una visión unívoca del Hombre de Acero; algunas eran incluso antitéticas.

Byrne tiró por la más unánimemente alabada en esas fechas (y aún hoy): el Superman interpretado por Christopher Reeve. El autor creía que “el error que DC ha cometido frecuentemente es hacer que personajes únicos dejen de serlo. En Superman, estoy luchando con uñas y dientes para que él siga siendo único. A veces parecía que los miembros del Consejo Científico habían sido los únicos que murieron en Krypton, y que todos los demás sobrevivieron y llegaron a la Tierra: Supergirl, Krypto, los criminales de la Zona Fantasma, los habitantes de Kandor… ”. En efecto, a fines de los 60 casi parecía que sólo habían muerto Jor-El y Lara, y aún a estos los visitaba con frecuencia en sueños, viajes en el tiempo o historias imaginarias. Así que Byrne dice: fuera todo eso. Empecemos de cero, recuperemos el personaje original.

Solo que tampoco es el personaje original. Cualquier coincidencia con el duro camorrista de Siegel y Shuster es mera coincidencia. Su Lois Lane puede estar más cerca de aquella mordaz reportera de sociedad, pero, a la vez, tan lejos como podía estar una trabajadora en los años 40 de una en los años 80. Nada en la lectura de su miniserie Man of Steel sugiere que Byrne haya leído más que el Action Comics#1 (vale, Lois llega con una exclusiva que Clark ya tiene en imprenta en Action Comics#36, como en el Man of Steel#2, pero temo que es hilar demasiado fino). Y, personalmente, estoy seguro que se empapó de la historia del personaje con auténtica fruición, con la desesperación maníaca de esos fans que quieren reflejar en cada viñeta sus lecturas preferidas. Aunque lo que sale es la versión Byrne de lo que mejoraría del film de Richard Donner.

El autor admite que no pudo usar los diseños del Krypton fílmico por problemas de copyright. Los enmascara convincentemente, incluyendo robots de sus primeras experiencias en el mundo del comic. Vemos a Clark jugando al rugby. ¿Por qué no? A Byrne no debió gustarle ver al joven Clark hecho un pasmarote y se dice: si hago que desarrolle poco a poco sus poderes no tiene por qué ser deshonesto. Como a continuación explica los poderes de Clark y ya nunca más le vemos jugar, así parece… si no caemos en la cuenta de que está narrado en flash-back. Cuando jugaba ese partido que hemos visto ya se sabía invulnerable, veía a través de los objetos e incluso había sobrevolado Smallville. Pero bueno, su padre le enseña el cohete donde le encontraron, toma conciencia de que no es como los demás, que viene de otro planeta y le entra una crisis de identidad. ¿Por qué te complicas la vida, Byrne?

Esta “búsqueda de las raíces” ha sido una de las contribuciones perdurables al mito hasta el punto de que ya hay bastante gente del mundillo que se preocupa por ello. Ya no sirven las escuetas sentencias de antaño de “Haz el bien sin mirar a quien”. Hasta los 80 si, de pronto, te notabas un superpoder parecía lo más natural ponerse un uniforme y salir por la ventana. Al poco ya podías estar saludándote con un colega o machacando a un supervillano. Hoy día, antes que nada, hay que encontrarse a uno mismo. Byrne lo resuelve magníficamente: cuatro páginas, unos recortes de periódico y Clark está de vuelta. Lo que sigue es la versión de Byrne del rescate de Lois y el helicóptero. Y la confección del traje. Esta es, para mí, una de sus mejores aportaciones. Clark y sus padres se ponen a charlar y deciden lo de la capa y las mallas. Es tan sencillo y ridículo a la vez que estoy seguro que algo así es lo que ocurriría si esto de los superhéroes fuera posible. Nada de que el traje te aparezca ya hecho y a lucirlo, como en la peli. Hay que currárselo. Sam Raimi tomó buena nota y puso a Peter Parker a dibujar hasta que encontró el diseño definitivo en Spider-Man (2002). Además, Byrne cierra el número con una de las mejores imágenes de Superman de todos los tiempos. Entintada por Dick Giordano, que no es quien mejor entiende sus lápices, pero que aquí debió de trabajar durante una semana. El diseño del cómic está muy cuidado, con unas portadas características: el famoso símbolo, el título, un personaje a cuerpo entero a la derecha y una secuencia a la izquierda que indica el contenido del cómic.

¿Por qué me entretengo tanto en el análisis del primer número? Porque toda su etapa es exactamente así. Una idea brillante, al lado de un “¿Por qué te complicas la vida, Byrne?” y de pronto una imagen que te deja clavado. Superman vuelve a ser joven y poderoso, con el punto pícaro y sexy del Sr. Reeve. A medida que avanza en la serie le vemos más rígido, en lugar de más suelto, pero siempre a un buen nivel. Probablemente, es su último gran trabajo como dibujante.

En cuanto a los argumentos, conservar a los Kent, fusionando a Superboy con su contrapartida adulta es algo tan brillante que sorprende que a nadie se le hubiera ocurrido con anterioridad. Probablemente tenga relación con los problemas de copyright del joven de acero. Es decir: no empleamos a Superboy, pero sí sus secundarios y entorno. En Man of Steel#6 nos mostró a la mejor Lana Lang desde… Bueno, a la mejor Lana Lang. Lo hizo, además, con mucha inteligencia, para evitar cualquier idea de competencia con Lois antes de que la reportera estuviera asentada como personaje, sabiendo que en las primeras entregas no iba a ser la típica novia del héroe y el lector masculino podría inclinarse por la pelirroja.

Los elementos vigentes de Superboy (recordemos, eliminado de la continuidad como tal) humanizan definitivamente al personaje. En Metropolis es un superhombre o un sagaz reportero, pero al llegar a Smallville se toma un pastel de carne y se levanta por la noche a beber un vaso de leche. Esta estrategia beneficia a la “faceta” Clark de la dualidad, al establecer, asimismo, otra dualidad (tan humana) entre la vida personal y profesional. Es un hallazgo muy inteligente, poco aprovechado en los cómics, al que se le sacó bastante jugo en la serie Lois&Clark, protagonizada por Teri Hatcher y Dean Cain. Si recordamos, al estar con sus padres no tiene que fingir ser alguien que no es (lo que tradicionalmente se asocia con “Clark”), pero tampoco es “Superman”, el héroe. Es algo entremedias, donde reside su autenticidad.

Byrne se apresura a establecer los principales personajes en los roles en que los va a necesitar: Lois, Lana, Perry, Jimmy, Luthor, Batman, etc. Para ello necesita el paso del tiempo. Y aquí acierta de nuevo. Sin ser exhaustivo, sabemos que entre la exclusiva de Superman que le vale el puesto en el Planet y el encuentro con Luthor ha pasado año y medio. Para la mentalidad del lector actual será algo así como un desperdicio de tiempo de aventuras, pero esa sensibilidad para tomarse el tiempo (y la molestia) de presentar las situaciones redunda en beneficio de la miniserie. Gracias a ese espacio “sugerido”, rellenamos los huecos más satisfactoriamente que con la agonía goteante de los datos entre aventuras. Byrne toma especial cuidado en que entendamos los motivos de Lex Luthor. Este aspecto lo retomaré más adelante.

El aspecto más endeble de esta presentación (y posteriormente de la serie) es la escasa entidad de los nuevos villanos, gente como Urraca (y luego Bloodsport, Rampage, un inválido que le roba la mente a Superman, etc.). Otra preocupación del Sr. Byrne tampoco convence: los superpoderes se han visto reducidos, vale, pero orquesta alrededor de ellos un montón de alambicadas suposiciones que lo único que hacen es que caigamos en la cuenta de lo ridículo del planteamiento. Como cuando afirma no estar seguro del peso de un objeto (una pesa) porque se fía de su tamaño, sin caer en la cuenta que establecer ese precedente (es decir, la falta de sensibilidad para con su propia fuerza) es una puerta abierta al desastre. Lo mismo con lo de la barba superdura. Se queda tan ancho diciendo que el pelo de Clark es, como él mismo, prácticamente indestructible y por eso necesita usar su visión calorífica para afeitarse. El problema -del que el propio Byrne se dio cuenta luego en Next Men- es que si estableces esto puede haber heridas serias si alguien te coge del brazo o te tira del pelo. Quizá Clark debiera someterse a una depilación intensiva si no quiere lesionar a los que le rodean.

Pero hubo decisiones que no parecían para tanto y luego dieron más problemas que hechas a propósito para crearlos: me refiero a las posturas sobre Supergirl y la Legión de Superhéroes. Con la segunda, el peor obstáculo, contrariamente a lo que se dice, no fue la desaparición de Superboy: se podría argüir que fue el “nuevo” Clark quien vivió aquellas aventuras. No iba a dar más problemas de continuidad que la Liga de la Justicia, por ejemplo. Lo del universo de bolsillo, excepto el nombre, tampoco era mala idea, como concepto. Pero pasaba que si nunca habían viajado en el tiempo, que todo era un engaño del villano de turno que los dirigía como parte de su plan maestro, entonces te cargabas la Legión. Porque el grupito había reincidido más veces que Los Vengadores y Los 4 Fantásticos juntos. Era como decir, para que nos entendamos, que Batman había corrido las mismas aventuras que recordábamos, excepto que jamás se había enfrentado al Joker. Un despropósito de los gordos. Tan serio fue que la colección ya no levantó cabeza, salvo excepciones puntuales.

Supergirl, por su parte, nunca debió ser borrada de la continuidad. Si no querías que fuera kryptoniana, por aquello de hacer único a Clark, pues te inventas otra procedencia. A efectos prácticos, igual que teníamos ya al Detective Marciano, podías buscar otro planeta. Pero lo del protoplasma fue un error. Si no me creéis a mí, creed a Peter David, que escribió una estupenda serie sobre el personaje… quitándose de encima, en el primer número, esa tontería de excusa. Pero es que el colmo ya fue que, en cambio, mantuvieron a Power Girl. Un sin sentido que originó sus propios dislates.

Pero retomemos a Lex Luthor. Pocos habrá que nieguen que el villano salió ganando con el tratamiento de Byrne. Convertido en magnate sin escrúpulos, una especie de Kingpin pero sin su mala prensa, se planteó como un genio en la sombra. Rehuiría el enfrentamiento directo con el Hombre de Acero pero dejaría en el aire la sospecha de que había sido él. Un enemigo que estaría siempre maquinando destruirte, porque está en su naturaleza, porque no puede tolerar que alguien quede por encima de él. Obsesivo, ególatra, pero poderoso, porque, en cierta forma, con dinero o amenazas, logra que todo el mundo trabaje a su favor. Un enemigo al que nunca se había enfrentado Superman y para el que su gran fuerza no sirve de nada.

La idea procedía de Marv Wolfman. Wolfman había trabajado en el Hombre de Acero antes del reinicio, en una recomendable etapa con Gil Kane, y había estado pensando cómo afrontar esa oportunidad única que se presentaba. El concepto le vino en una reunión con Frank Miller y Steve Gerber y en seguida se la comunicó a Byrne, cuando supo que sería el encargado del relanzamiento. Pero algo pasó por el camino. Porque Luthor se convirtió en parte fundamental de las series de Byrne y Wolfman tuvo que desarrollar otras tramas (como el terrorismo procedente de Qurac) y otros personajes (como la periodista Cat Grant, Gangbuster, el profesor Hamilton o la familia de Perry White). Y en un año estaba fuera de la serie. Se alegaron discrepancias por el rumbo editorial y mi sospecha recae en el tratamiento de Luthor.

El renovado Superman inspira sueños de un mundo mejor y más justo, mientras que el nuevo y taimado Luthor es la sombra de nuestros fracasos diarios y nuestras frustraciones más íntimas. Uno de los relatos más celebrados de este período (y uno de los favoritos de su autor) se encuentra en el complemento de Superman#9 (Septiembre de 1987), cuya historia principal tenía al Joker de visita en Metrópolis. En él no aparece el Hombre de Acero. El protagonista es su némesis, Lex Luthor, quien se entretiene quebrando las vidas de gente sencilla (una camarera, en este caso). Byrne hizo un magnífico trabajo de secuenciación y timing en apenas siete páginas. La vesania del carácter ha sido elogiada. El crítico Miguel G. Saavedra afirmó que “en toda la historia del personaje nadie había conseguido plasmar la maldad y la crueldad de Lex Luthor de una manera tan definitiva”. Y bien puede ser cierto, aunque hayamos de admitir que, en términos de auténtica perversidad, sea bastante ingenua. En mi opinión, funciona a un nivel distinto: revela el punto débil de Superman una vez alejado de los preceptos de Siegel y Shuster.

El primitivo justiciero no habría tenido el menor reparo en coger a Luthor y darle una tunda, destruir su imperio o lo que fuera (véase AC#11, por ejemplo) para proteger a un inocente. El boy scout de hoy, de paseo por las nubes, ignora lo que pasa a pie de calle. El tiempo que quiera puede seguir Luthor con su jueguecito pues, mientras no pretenda conquistar el mundo (o sea: interferir con el Sistema), está completamente a salvo de Superman. Y esto es descorazonador. DC insistiría en este enfoque con otro estupendo tebeo La biografía no autorizada de Lex Luthor, obra de James Hudnall y Eduardo Barreto, que demuestra la impotencia del Hombre de Acero, atado a las leyes del hombre como a unas cadenas de kryptonita.

Y ahora llega mi presunción. Byrne no sabe ser sutil. De la reunión entre Miller, Gerber y Wolfman deduzco que la noción barajada para el nuevo Luthor se acerca a la que Miller utilizó para Kingpin en Daredevil Born Again. Es la que parece plantearse. Un ser maquiavélico que te vuela la casa y deja el traje de superhéroe a la vista para que sepas que ha sido él aunque -hasta ese momento- te tenía contra las cuerdas porque no sabes de dónde vienen los golpes. Pero Luthor es casi lo contrario. Se pasa sus intervenciones presumiendo de lo que va a hacer, porque no va a dejar pruebas y, si las deja, para eso tiene a sus abogados. No es un tipo calculador y paciente, capaz de esperar meses para comprobar una información que le han pasado en un sobre. Es el tipo que cuando le da esa información una computadora la destruye y despide a quien la compró (Superman#2; El secreto revelado). Y así, cuanto más sabemos de él, menos amenazador resulta. Acaba convertido, de nuevo, en un malo de tebeo, aunque haya sustituido las armaduras chillonas por una malvada corporación.

La etapa Byrne, al incluir los números de Action Comics (convertidos en el nuevo DC presents), se hace variada y amena, aunque leída en su conjunto tampoco parece que progrese en una dirección definida. Consta, en su mayoría, de episodios autoconclusivos o en dos partes. Hizo algún remake, como la historia de Lori Lemaris (basada en Superman#129), escribió un prestigio (Los ladrones de la Tierra, con Curt Swan) y también miniseries (como Mundo de Krypton, Mundo de Smalville, etc.). De vez en cuando se suelta con alguna de las suyas, como el capítulo del vídeo erótico con Big Barda con la excusa de una manipulación mental, pero le queda bastante impostado. Más gracia hace que “un beso que parecía que” se daba con Wonder Woman en un sueño hiciera correr ríos de tinta y fundamentara un cruce con la colección de la amazona, entonces en las capaces manos de George Perez.

Los crossovers ya hacían de las suyas. Con Legends se aplicaron y quedó una historia bastante maja, pero de Millenium en adelante no hay por donde cogerlo. Como Byrne es admirador de la Doom Patrol clásica, organizó un encuentro aprovechando a Metallo.

Wolfman, por su parte, no dio en el blanco. Su tratamiento de los secundarios en Adventures of Superman trabajaba a largo plazo, y la prueba es que le sobrevivió, pero sus argumentos eran convencionales y aburridos y, encima, se metió en camisas de once varas con lo de Quark, de implicaciones políticas que siempre estorban. Está claro que no estaba a gusto. Solo hay que comparar cómo trata aquí a Brainiac con lo que hizo con él antes de Crisis. En cambio, el dibujante Jerry Ordway sería uno de los artistas firmemente asociados al discurrir del Hombre de Acero en el pasado siglo.

Byrne se metió en problemas con la reintroducción de Supergirl. Quiso jugar a Alan Moore, pero que Superman rompiera su juramento no sentó aquí tan bien como entonces. Al ser criticado públicamente por la directiva de DC, decidió levantar el vuelo. Le sucedió su amigo Rogern Stern. Es una pena que no trabajaran juntos, porque este guionista le habría venido muy bien a Byrne para dar coherencia y desarrollo a muchas de sus ideas. De hecho, fue lo que hizo al llegar.

El compañero Alejandro Ugartondo nos ofreció su visión en perspectiva, con el paso del tiempo, sobre el trabajo de John Byrne como autor total en la historia y refundación Superman en una reseña reciente de la ofrecemos a continuación un extracto.

Superman de John Byrne (1987) según Alejandro Ugartondo

En John Byrne tenemos una figura clave y vital para comprender la evolución moderna de Superman, este guionista y dibujante estadounidense sería el encargado de reinterpretar al personaje a finales de los años ochenta, después de los acontecientos narrados en 1985 en Crisis en tierras infinitas por Marv Wolfman y George Pérez. El relanzamiento de El Hombre de Acero supuso un nuevo comienzo para este y John Byrne, como nos cuenta Alejandro Ugartondo, intentó dejar claro desde un primer momento que su Superman ya no era ese “ser casi omnipotente en que se había convertido a lo largo de los años a base de acumular poder sino que es un ser muy poderoso pero con sus limitaciones”.

“Hay que reconocer que John Byrne es un dibujante de superheroes modélico y su representación de Superman sigue siendo la más icónica y recordada por los lectores. La fuerza que le imprime a la figura de Superman realza el aspecto superheroico del personaje y el dinamismo que muestra en las escenas de acción las hace vibrantes y llenas de tensión”, describe el compañero Alejandro Ugartondo aquí mismo, aunque, según también su criterio, y en perpectiva, “una cosa que llama la atención de los guiones de John Byrne en estas series es su estilo clásico, entendiendo clásico por antiguo en el sentido de que las historias son bastante simples y de un desarrollo prácticamente lineal. Casi todas las historias están cortadas por el mismo patrón: Superman se cruza por casualidad con alguna amenaza, que normalmente está relacionada de algún modo con Lois Lane, y resuelve el problema a base de tortazos o de alguna treta conseguida gracias a alguno de sus superpoderes. Es un tipo de historia demasiado esquemático que no permite crear una trama que articule la serie. Además el desarrollo de personajes que hace John Byrne no es muy elaborado y no aprovecha bien el reparto de secundarios de la serie para explorar a fondo las relaciones entre ellos. Es por este motivo, que 25 años después de su publicación estas historias hayan envejecido un poco mal y que puedan resultar demasiado simples al lector de hoy en día”.

Como queriendo contradecir la tesis de Umberto Eco, probablemente sin conocerla, el editor Mike Carlin se propuso trabajar con Superman como nunca antes se había hecho ni (probablemente) se hará: convirtió las cabeceras del kryptoniano en una única serie semanal donde los argumentos pasaban de un creativo a otro y volvían al primero hasta, finalmente, resolverse: y digo bien, porque en aquella época parecía que se resolvían. Es decir: avanzaban. En diez años las biografías del personaje y sus secundarios evolucionaron como no lo habían hecho en los previos 50 años. Sin necesidad de historias imaginarias. Sin perder la coherencia ni el rumbo marcado por la reinvención del personaje a manos de Byrne y Wolfman. Evidentemente, se reincorporaban elementos de la vieja escuela (como distintas kryptonitas), pero se conservaba el tono y la causalidad de lo narrado, sin estridencias.

El nuevo equipo, formado por Roger Stern, Kerry Gammill, Jerry Ordway y, al poco, George Perez y Dan Jurgens, entre otros, cogió el testigo de la última (y polémica) saga de Byrne en la serie y llevó a Superman al espacio para encontrarse a sí mismo y a algún que otro villano aún no introducido en continuidad, como Mongul y su Mundo Guerra, además de desarrollar a la Supergirl/Matrix (que, tras varios intentos, lograría serie propia comandada por un inspirado Peter David). También le tocó arreglar el desaguisado de Wolfman con Brainiac, devolviéndole el rango temible que antaño ostentara. Sin conseguirlo del todo, darían pasos de gigante.

Luthor seguía siendo un elemento recurrente, pero empezó a dar síntomas de desgaste, por lo que empezaron a jugar con él. Desarrolló un cáncer por la radiación de la kryptonita, que llevaba las 24 horas del día en un anillo. La relación con Batman progresó, con Wonder Woman se enfrió y con el resto era prácticamente inexistente, salvo el peaje de los eventos editoriales anuales.

El nuevo equipo se esforzó concienzudamente por recuperar las raíces kryptonianas, empezando por la Fortaleza de la Soledad. La serie se convirtió en un folletín entretenidísimo donde no paraban de salir y entrar gente alrededor del superhéroe. El dibujo había perdido con la marcha de Byrne. Perez no le dedicó el mismo empeño que a su Wonder Woman y las tintas de Breed Breding tampoco ayudaban. El resto cumplía eficazmente, pero son tebeos que se leen ávidamente sin que las ilustraciones llamen la atención.

Síntoma de que las cosas estaban cambiando, Superman se embarcó en un viaje por el tiempo, donde volvería a encontrarse con la Legión de Superhéroes, al poco de revelar a Lois su verdadera identidad (Action Comics#662), como parte de un plan estudiado cuidadosamente para llevarlo en una dirección… que se truncó por causas ajenas al SuperSquad. En el futuro tendríamos una boda y una muerte. Pero no necesariamente por ese orden.

1992, año de la muerte de Superman (1993 si atendemos a fecha de portada). Tal como hemos comentado anteriormente, las colecciones de Superman de aquella época estaban interrelacionadas entre ellas de tal manera que a efectos prácticos se estaba publicando una única colección de cadencia casi semanal. Sin embargo, las diferencias entre un título y otro eran variadas y evidentes. Para descubrir la configuración de estas cabeceras nos debemos remontar a un año antes, pues en julio de 1991 salió a la venta el primer ejemplar de la cuarta serie regular del Hombre de Acero, Superman The Man of Steel, la cual no solo permitió que se vendiesen casi una cincuentena de cuadernos al año, sino que también evidenció las diferencias entre títulos.

La cabecera más puntera y, por tanto, la que más atención recibía por parte de DC Comics (y de los lectores, las ventas nunca fueron a la par entre las cuatro series) era Superman (a secas). En julio de 1991, ésta estaba escrita y dibujada por varias personas, pero a partir del mes siguiente el título perteneció casi en su totalidad a Dan Jurgens, quien acostumbraba a estar acompañado de Brett Breeding. Este último se ocupaba de los acabados y así Jurgens podía visitar de tanto en tanto alguna de las otras colecciones del Último Hijo de Krypton u ocuparse de algún evento importante… En 1991, Jurgens era la cabeza más visible del Super Squad, pero tras la Muerte de Superman, el artista se convirtió en el referente indiscutible de la época. Cualquier imagen utilizada en otros medios o en merchandising solía estar firmada por Jurgens, un efecto que ahora mismo se repite con la figura de Jim Lee, al que podemos ver en bandejas, relojes, camisetas, etc.

La recién llegada era Superman: The Man of Steel y contaba con Louise Simonson a los guiones y Jon Bogdanove a los lápices. Era la menos comercial de las cuatro, a pesar de tener una numeración mucho más accesible. Ya hablaremos de ello más adelante, pero esta época se centró en la parte más humana del Hombre de Acero y en las relaciones personales entre los personajes. Simonson incluso fue más lejos y metió Superman: The Man of Steel dentro del ámbito de la denuncia social. Por ejemplo, en su primer ejemplar, Superman salva un gato de un árbol y se lo da a su propietario, un niño huérfano (y de color) que vive en un orfanato. Este pequeño se llama Keith y lo volveremos a ver una y otra vez porque cumple la función de aleccionar sobre un problema que incumbe a nuestra sociedad.

Portada del núm. 1 de Superman Man of Steel.

El título más clásico siempre ha sido Action Comics, y en aquellos años estuvo escrito por Roger Stern, quién se acompañó de un elenco de dibujantes entre los que destacaba gente como Jackson Guice o Bob McLeod. Por su parte, The Adventures of Superman estaba escrita por Jerry Ordway y dibujada por Tom Grummett. Tanto una como la otra no tenían un carácter diferenciador tan claro como Superman: The Man of Steel y parecían seguir las pautas de la que por entonces era la reina: Superman. Por este motivo – y algún otro más-, a pesar de que el sistema creativo era igualitario y en él participaban todos los miembros del Super Squad a través de varias reuniones a lo largo del año, casi siempre se relaciona el Hombre de Acero de los años 90 a Dan Jurgens.

Dicho esto, expliquemos cuál fue el camino a La Muerte de Superman. Ya os aviso que el final os va a sorprender… Todo se inició unos meses antes, cuando Superman se prometió a Lois Lane y le reveló su identidad secreta. En 1991, la feliz pareja tenía sus más y sus menos y en el núm. 59 de Superman (septiembre, 1991) estuvieron hablando muy seriamente sobre sus problemas. Incluso surgió la palabra ruptura… Sin embargo, una maravillosa cita hizo que Lois estuviese más segura que nunca de su amor por el Hombre de Acero. ¿Veis la conexión con la muerte? ¿No? Pues la tiene, pero es imposible de ver.

Los meses se sucedieron y las colecciones continuaron con su tónica. Cada una se centraba en 3 ó 4 subtramas que las dotaba de continuidad y las diferenciaba de las otras. A veces incluían aventuras independientes que cualquier lector podía saltarse y otras veces introducían a Superman en una saga más o menos importante para aumentar las ventas de las cabeceras. En noviembre de 1991 (siempre según fechas de portadas) utilizaron este recurso con Blackout, una saga de 5 números en la que el Hombre de Acero pierde la memoria y casi se casa con la nativa de una isla tropical (una de esas con dinosaurios). Evidentemente, Lois detiene la boda. Nota: boda es una palabra relacionada con la muerte de cierto personaje…

Aunque nos hemos saltado un hecho vital para entender al Superman de la época… En Action Comics #670 (octubre, 1991) volvió Lex Luthor. Bueno, no, su hijo.. Un tal Lex Luthor II. Bah, que no, que volvió Lex Luthor porque metió su cerebro en un cuerpo clonado – y evidentemente mejorado – y se hizo pasar por su descendiente para autoheredarse. Y esto tendrá unas repercusiones terribles… Ciudadanos de Metrópolis, preparad las palas, que igual tenéis que cavar vuestras propias tumbas… Pero no adelantemos acontecimientos.

Luthor volvió de entre los muertos en un cruce con Armageddon 2001.

1992 se inició con una nueva cita de Lois Lane y Clark Kent en Superman: The Man of Steel #7. El romanticismo campaba a sus anchas… y nosotros no nos dábamos cuenta de lo que eso iba a significar. Después llegaron varios ejemplares centrados en la navidad (sí, regalos, citas y cenas familiares) y ya en Action Comics #674 se inició la saga del año (de la primera mitad del año, más bien), titulada Panic en the Sky. Durante dos meses, las series del Super Squad nos narraron el enésimo ataque de Brainiac, y esta vez vino acompañado por una Supergirl controlada mentalmente. Casi todos los héroes del planeta se unieron para detener la invasión. Lo más relevante de esta saga es que es el perfecto ejemplo de un sistema que pasará factura a Superman en el futuro, y es que Panic in the Sky es una saga puramente comercial. Las subtramas se detuvieron momentáneamente y lo único que presenciamos fueron interminables batallas. Y eso es algo negativo para los tebeos de Superman de la época porque los nuevos lectores no tuvieron oportunidad de ver la verdadera grandeza de los tebeos del Super Squad. Claro que si tienes menos de diez años seguramente te interesa más ver juntos a Batman, Superman y Nightwing que leer sobre los problemas amorosos de Jimmy Olsen, los amagos de cierre del Daily Planet o la última pelea entre Lois y su padre…

Action Comics #677 (mayo, 1992) nos mostró a Supergirl enamorada de Lex Luthor (es que el clon era una copia MUY mejorada) y se inició una disputa que se mantendría hasta que se estrenase la colección de la Chica de Acero. Como era de esperar, Superman no aprobaba la relación (no, no se fiaba de Lex y eso que la copia era MUY MUY mejorada y tenía melena… Clark siempre ha sido un desconfiado). Afortunadamente, en Action Comics #678 (junio, 1992), nosotros descubrimos la verdad sobre Luthor. Los personajes de cómic aún tardarían muchos episodios en descubrir la charada.

Otra característica de la época es que Superman acostumbraba a aparecer de tanto en tanto con personajes de moda de la época. Es fácil adivinar quién reinaba los comentarios de los fans simplemente mirando quién era el afortunado en compartir una aventura con el Último Hijo de Krypton. Por ejemplo, en Superman #68 (junio, 1992), Deathstroke y Superman se vieron las caras en una historia que continuó en la cabecera del mercenario. Superman: The Man of Steel #14 y Superman #70, ambos de agosto, contaron con la presencia de Robin en una historieta llena de vampiros. Tanto Deathstroke como Tim Drake eran los sabores del momento.

Tim Drake, Superman y... ¿vampiros?

La siguiente gran saga fue The Blaze/Satanus War. Abarcó 5 cuadernos entre agosto y septiembre de 1992 y nos explicó el descenso a los infiernos de Superman. Una entidad llamada Kismet lo trajo de vuelta a la Tierra… Y justamente a ese ser lo veremos más adelante, cuando Superman haya… ¡muerto! ¿se estaba preparando ya la verdadera gran saga del año? Efectivamente. Los tebeos que continuaron fueron de relleno, pero en algún caso llegaron a ser más destacables que los anteriores… Por ejemplo, Superman: The Man of Steel #16 y Superman #72 se volvieron a cruzar pero esta vez fue para denunciar la violencia de género. Citemos el interior: “La estaba pegando y ella lo defendió. Tiene miedo, por supuesto. A veces, cuando una mujer deja a un marido maltratador, él la ataca con violencia letal. Pero Andrea tiene miedo de más que la reacción de Gary. Podría haberla llevado a un refugio… al menos sé de uno que aceptan niños… pero, ¿después qué? ¿Encontrará un lugar en el que vivir? ¿Ganará suficiente para mantener a sus hijos? Sin una dirección ni siquiera puede acceder a las prestaciones sociales. Y así ella se queda con él, y puede morir. Ella no dejará que Superman la ayude, pero quizás esta vez Clark Kent puede tener éxito donde Superman falló“. Este diálogo interior de Simonson nos muestra por dónde iban los tiros y la grandeza de esta era. No creo que se vuelva a publicar un tebeo así en muchísimo tiempo. No os digo cómo acaba, pero la experiencia que vive Clark lo puede cambiar más que el enésimo ataque de Luthor.

Tras este interludio de denuncia social, ha llegado el momento de explicar el asunto de la muerte. Los tebeos del Hombre de Acero de 1991 y 1992 nos muestran a un hombre enamorado, que hace planes de futuro con su prometida. Cada vez vemos que la pareja funciona mejor y más harmónicamente… Y eso es así porque querían casarlos a finales de año y explicar una historia en la que el Universo DC tendría que sobrevivir sin la presencia de Superman (ei, que el chico también se merece una luna de miel). Todo estaba preparado para el gran acontecimiento, pero… los planes se truncaron cuando se estrenó la serie de televisión Lois y Clark, las nuevas aventuras de Superman. ¿Por qué? Porque ésta iba a tratar también el tema de la boda y los chicos de los cómics tuvieron que detener sus planes. No podían casarlo antes porque eso sería negativo para la serie de televisión. De manera que tenían una plan que acababa con Superman casado y una saga en la que se exploraba el mundo sin el Hombre de Acero. ¿Qué podían hacer? ¿Echar por tierra todo lo que habían planeado? Alguien dijo en broma que podían matarlo… Y esa broma le costó la vida a Superman.

Superman murió, y nada volvió a ser lo mismo. Es curioso porque cuando saltó la noticia todo el mundo se conmocionó, los fans de Clark lloraron su muerte, la gente se amontonó en las tiendas de cómics para comprar el ejemplar en el que Superman sucumbía ante Doomsday. Hasta las televisiones y los periódicos se hacían eco de la noticia. Estábamos ante algo grande. Y 20 años después podemos decir sin ningún tipo de duda de que no éramos conscientes de cuán grande era ese algo. Era inmenso. Superman no solo murió, cambió el mundo o, al menos, la industria del cómic.

Razonemos esa afirmación por partes. La muerte de Superman es el equivalente contemporáneo a la caja de Pandora. Superman murió, y todos los héroes le emularon, de manera que los años 90 se convirtieron en un tétrico campo de batalla en el que la muerte y los grandes acontecimientos estaban a la vuelta de la esquina. No te podías llamar héroe si no habías mordido el polvo. Y eso supuso un desgaste de la industria del cómic que casi acaba con el noveno arte (en EE.UU.). Los grandes eventos, las portadas alternativas, la llegada de Image, etc. Todos esos elementos – muchos de los cuales están intrínsecamente ligados con La muerte de Superman supusieron la aparición de personas que no compraban cómics para leerlos sino para hacer negocio con ellos, de manera que los tebeos aumentaron de ventas, pero de una manera ficticia. Se creó una burbuja comiquera. Aunque tampoco podemos culpar únicamente a Superman. Como ya he comentado, los chicos de Image y otros “éxitos” de la época también tiene su parte de culpa.

Este tebeo marcó un punto de inflexión en el mercado norteamericano.

Sin embargo, La muerte de Superman no fue negativa. Superman murió, pero resucitó y trajo consigo a personajes y acontecimientos que marcaron al Universo DC hasta Flashpoint. La mitología del Hombre de Acero se vio afectada de una manera muy positiva por la vuelta del Hombre de Acero.¿Quién se iba a imaginar que 3 de los 4 falsos supermanes iban a dar tanto juego? Y lo mejor de todo es que trajo una nueva era de grandeza para las colecciones del Hombre de Acero porque el Super Squad supo aprovechar al máximo la situación. No solo eso, siguió manteniendo el buen trabajo de antaño con todas las subtramas y elementos que convertían a Superman en el personaje más humano de DC Comics… ¿por qué casi nadie se acuerda de eso? Ya lo descubriremos más adelante.

Ahora hablemos de La muerte de Superman propiamente dicha. La saga se inició en Superman: The Man of Steel #18 (que fue el prólogo) y finalizó en Superman #75. Fueron 8 cuadernos que acapararon todas las series del Último hijo de Krypton (y como extra, también el #69 de Justice League of America, que por aquel entonces estaba guionizada y dibujada por Dan Jurgens). Y… ¿qué es lo que vimos? Un ser extremadamente poderoso aparece en la Tierra, la Liga de la Justicia intenta detenerlo pero no lo consigue. Superman y su enigmático enemigo, Doomsday, luchan hasta que los dos mueren. A medida que avanza la historia, la lucha se hace más encarnizada, las subtramas se pierden… Todo se centra en una batalla que incluso utiliza un recurso inusual. Superman #75 solo incluye páginas de una viñeta. Su antecesor, de dos. El antecesor del antecesor, de tres… En definitiva, La muerte de Superman es un producto que consigue su propósito de una manera muy acertada. Es emotivo y atrayente, pero, no nos engañemos, no es más que una encarnizada lucha.

Aquí tenéis una reseña de este cómic:

La Muerte de Superman de Dan Jurgens (1992) según Sergio Robla

Para hablar de La Muerte de Superman recurrimos a un completo artículo realizado por Sergio Robla que podéis leer completo aquí mismo. Este nos cuenta como “en el relanzamiento del personaje tras Crisis en Tierras Infinitas, John Byrne escribió su Superman: El Hombre de Acero desarrollando el romance por primera vez en la historia dejando fuera de la ecuación a Superman. [...] El concepto gustó a todos y en él quiso basar Warner Bros la serie de televisión Lois & Clark: Las Nuevas Aventuras de Superman [...]“. Por lo tanto, “en 1992 los planes inmediatos para los títulos del Hombre de Acero pasaban por la esperadísima boda de Clark y Lois para da un empujón a los argumentos y atraer nuevos lectores, sin embargo… La compañía quiso coordinar la boda televisiva con la de los cómics, pero dado que la serie de televisión aún no había comenzado a emitirse, los guionistas y el editor Mike Carlin se vieron obligados a postergar el acontecimiento hasta nuevo aviso. De repente se encontraban con un hueco que cubrir en su planificación, y la pregunta mil veces antes formulada en las reuniones editoriales, y tantas veces tomada como broma, volvió a oirse en labios de Jerry Ordway“.

“¿Por qué no lo matamos?”

Sobre la muerte en cuestión Sergio Robla comenta como “para acabar con Superman se optó por un enemigo cuya victoria no supusiera una derrota moral para el héroe. Es por ello que el culpable no fue un villano clásico, ni siquiera su opuesto natural, Lex Luthor, sino Juicio Final, creado para la ocasión. Juicio Final se presenta como un auténtico anti-Superman, inteligente como un animal salvaje, una imparable fuerza de la naturaleza que solamente quiere matar y con la que no se puede razonar”.

“La portada de Superman v2 #75 se convirtió en un icono, y se publicó un ejemplar del ficticio Daily Planet con la noticia de la muerte de Superman, con todo el contenido de un periódico. [...] Compusieron la típica muerte de héroe, con el protagonista sacrificando su vida por los demás. Sólo que esta vez no era un personaje cualquiera. Esta vez era Superman.”

“Entonces… ¿cuál era el sentido de matar a Superman?”

Esta pregunta también nos la responde Sergio Robla al hablar de la situación del personaje y sus publicaciones a principios de los años noventa: “Las series eran de una calidad medianamente buena, pero las ventas no acompañaban, y era porque el personaje estaba cayendo en el olvido para el gran público. Como ya es habitual en DC, hicieron limpieza antes de traer los muebles nuevos, presentaron la antítesis antes de llegar a la síntesis. En la familia Batman intentaron una jugada parecida con La Caída del Murciélago, pero llegar a ese extremo les hizo perder lectores más que otra cosa. En el caso de Superman los guionistas fueron hábiles dotando de interés las series mensuales a pesar de no tener al Hombre de Acero presente en sus páginas. En el momento en que decidió matar a Superman, DC decidió hacer Historia. No sabían cuál sería el resultado final, pero no había más: era una de esas cosas que sólo se puede hacer una vez en la vida”.

Lo realmente bueno empieza en el funeral. Esa es la historia que realmente querían contar, la de cómo el mundo se enfrenta a un mundo sin Superman. De manera que el Funeral abarcó ocho cuadernos de las cabeceras del Hombre de Acero y en ellos vimos retratados a todos los secundarios. Supimos qué pensaban realmente sobre Clark, y los vimos sufrir. Seguramente muchos sufrimos junto a alguno de ellos. Fue un contraste muy grande respecto a la anterior saga y seguramente espantó a los nuevos lectores porque mucho de lo que allí sucedía no se podía apreciar o entender si no te había leído los tebeos de Superman al menos desde el estreno de Superman: The Man of Steel. Por lo que respecta al nivel de emotividad, Superman #77 llegó al límite. Jonathan Kent, el padre de Clark, sufrió un infarto. Parecía que Superman no iba a ser el único en “disfrutar” de su propio funeral. Tranquilos, que solo fue un susto. En el siguiente capítulo, correspondiente a Adventures of Superman #500 (junio, 1993), Jonathan viaja al reino de los muertos y rescata el alma su hijo con un poco de ayuda de Kismet. Así abre las puertas a una inminente resurrección que hará que corran ríos de tinta… ¡y de sangre! Y es que ese mismo cuaderno sirvió como presentación para 4 héroes que supuestamente eran Superman resurrecto…

Adventures of Superman #500 supuso el pistoletazo de salida para una saga que titularon El reinado de los superhombres. Veamos colección por colección qué acaeció:

- Action Comics #687, escrito por Roger Stern y dibujado por Jackson Guice y Denis Rodier, nos muestra la aparición de un Superman físicamente idéntico al anterior. Tal como se lo presenta en la edición de Zinco: “él afirma ser El Último Hijo de Krypton y, en efecto, su naturaleza parece más kryptoniana que humana. Frío y distante en la superfície, este Superman guarda muchas emociones en su interior. Y no duda en imponer su propio sentido de la justicia, ¡aunque ello signifique tener que cobrarse vidas humanas!“. Estamos ante el retorno de alguien, pero no del Hombre de Acero. El Superman kryptoniano era en realidad El Erradicador, un aparato que Superman recuperó años ha en su periplo espacial y que le provocó graves problemas cuando lo trajo a la Tierra. Curiosamente, en su debut parecía el canditato a Superman más lógico porque apareció como si fuese un ser de energía y vimos cómo se metía dentro del cuerpo de Superman. Para saber algo más de este ser/aparato haremos el extracto de una ficha publicada en el núm. 34 del Coleccionable Superman de Planeta DeAgostini y escrita por Enrique Rios:

- Superman: The Man of Steel #22, con guion de Louise Simonson y dibujos de Jon Bogdanove, presentó a un Superman negro vestido en una armadura de acero y armado con un martillo gigante. Cito la edición de Zinco de nuevo: “John Henry Irons, alias ‘Iron John’, era un experto en armamento que había trabajado para el gobierno hasta que descubrió la tragedia de la guerra. Sepultado durante el dramático combate de Superman y Juicio Final, debería haber muerto… pero no lo hizo. John Henry siente que ha sido ‘inspirado’ por el espíritu del Hombre de Acero. ¿Podría ser así?“. Evidentemente, no era Superman sino Acero, así que aprovecho la ocasión para citar un artículo escrito por mí mismo y publicado en el núm. 14 de la edición de Planeta DeAgostini de 52 para que tengáis una breve ficha de John Henry:

- Superman #78, escrito y dibujado por Dan Jurgens con acabados de Bret Breeding, es la reaparición de un personaje, un ser monstruoso que en la edición de Zinco describieron así: “reconstruido con partes metálicas que cubren la mitad de su cuerpo, el Superman Ciborg guarda todos los recuerdos de Clark Kent ¡y su código genético coincide con el del Hombre de Acero! Él se proclama a sí mismo un Superman equipado para el futuro y sus hechos corroboran tal aseveración“. lo parece pero no es Superman, es alguien con quien el Hombre de Acero se encontró en el pasado y que ahora vuelve para vengarse. Hagamos una pequeña ficha de él:

- Adventures of Superman #501, con escritos de Karl Kesel e ilustraciones de Tom Grummett, es otro clásico instantáneo en el que se presenta a un joven con poderes muy similares a los del Hombre de Acero: “él es un adolescente superpoderoso, aparentemente un clon fugado del Proyecto Cadmus. A sus dieciséis años, el joven Superman parece determinado a hacerse una reputación como el nuevo héroe de Metrópolis. Sin embargo, para ello tendrá que aprender antes a controlar sus nuevos poderes… y superar sus problemas de amnesia“.

Ya tenemos a los 4 Supermanes. ¿Qué pasó después? Durante tres meses, cada uno de estos pretendientes a Superman protagonizaron las colecciones del Hombre de Acero y vivieron sus propias aventuras. A veces se intentaba convencer a la gente de que tal Superhombre era el verdadero, en otras ocasiones eso era imposible (Que no, Superboy, que no cuela). Sin embargo, pronto se descubrió el pastel. En Superman #80. El Superman Ciborg muestra su verdadera naturaleza y… ¡Destruye Coast City! Como lo leéis. Destruye Coast City, matando a millones de personas de una sola tacada. Eso supondrá un punto de inflexión en los mitos de Green Lantern, pues Hal Jordan intentará reconstruir la ciudad a costa de la eliminación del resto del cuerpo de Green Lanterns. Y ese es precisamente el inicio de una saga que continúa hoy en día. Si Superman no hubiese muerto, Hal Jordan no habría enloquecido, Kyle Rayner no existiría, Hal Jordan no se habría convertido en Parallax ni habría muerto salvando el mundo… Así que quizás la franquicia de los Linterna Verde no existiría tal como la conocemos. Claro que nunca sabremos qué habría sucedido. Quizás Green Lantern hubiese caído en ventas hasta desaparer… o quizás tendríamos 18 colecciones de los Lanterns en vez de 4 ó 5.

El verdadero regreso de Superman se dio en el #690 de Action Comics. Fueron solo unas viñetas, pero pudimos comprobar que Clark seguía vivo y que se dirigía a la batalla vestido con un traje de batalla kryproniano. ¿Por qué? Porque había perdido los poderes… La muerte no le había sentado muy bien. Y eso da pie a una fórmula creativa que se perpetuará durante años… Y es que a partir de La muerte de Superman, todas las sagas siguen un esquema de causa-efecto, o lo que es lo mismo, una saga o acontecimiento importante siempre dará pie a otro. Por ejemplo, si Superman ha perdido los poderes, los recuperará pero eso causará que se convierta en un monstruo deforme que dará pie a una nueva saga. Las historietas derivadas a veces servían de cierre y otras veces no. Por eso siempre nos tenemos que remontar al pasado cuando hablamos de los tebeos de los 90. Es muy difícil encontrar un punto de inflexión claro.

Pues bien, Superman volvió con el pelo largo y con pistolas (era los 90), se enfrentó a Mongul y al Superman Ciborg y entre todos los vencieron. De manera que el núm. 505 de Adventures of Superman es el primer ejemplar de la vuelta a la normalidad. Y Lois y Superman lo celebran por todo lo alto con un tórrido beso en el cielo. Ese mismo mes, Clark regresa con una historia más o menos creíble… Así que volvemos al mismo sistema narrativo de antes, pero con una pequeña diferencia: ahora los pretendientes a Superman también son secundarios. De repente, el Hombre de Acero ha ampliado su galería con 3 héroes que podrían llegar a hacerle sombra.

Dirán lo que quieran pero ese peinado le sentaba bien.
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Por cierto, que con tanta destrucción de Coast City se me ha olvidado deciros cómo resucitó Superman. En Action Comics #687, el ser de energía – que es el Erradicador – no se metió en el cuerpo de Clark sino que lo llevó a la Fortaleza de la Soledad y lo metió dentro de una cámara regenerativa. El cuerpo se curó (se podría decir que Superman no había muerto físicamente) y efectivamente Jonathan Kent vivió esa aventura en el reino de los muertos en la que salvó el alma de Clark. Así que con un cuerpo y un alma se obtiene una resurrección.

Continuemos con el culebrón. tras unos episodios más o menos tranquilos en los que aparecieron enemigos poco importantes, el equipo creativo sufrió cambios en el dibujo. Grummett fue sustituido por varios artistas (pero no se fue muy lejos, fue a parar a la colección de Superboy), e Immonen firmó algunos ejemplares de Superman. Aunque es una aparición eventual, es importante dada la solera del artista y porque posteriormente se ocupará de los lápices de Adventures of Superman, además de la macrosaga La noche final y muchas más cosas que vendrían luego. Marzo de 1994 supuso la reaparición de Bizarro en una saga que juntó de nuevo las 4 cabeceras. Y al mes siguiente se inició dos aventuras, una en la que la recuperación de los poderes de Superman lo habían convertido en un monstruo… y otra en la que Luthor estaba al borde la muerte por culpa de una enfermedad degenerativa que sólo afectaba a los clones, lo cual nos lleva a…

Action Comics #700 (junio, 1994). Un ejemplar tan especial merece una celebración por todo lo alto y el listón era casi inalcanzable tras matar a Superman, así que decidieron sorprender a todos destruyendo Metropolis. ¿Cómo? Lex Luthor estaba al borde de la muerte y no podía aceptar que había perdido su eterna batalla contra el Hombre de Acero, así que decidió que no moriría solo: se llevaría su ciudad con él. La voló. Fin de la historia. Más o menos… Metropolis sí fue destruida, pero Luthor no murió, fue encarcelado. La situación era tan complicada que para reconstruir Metrópolis recurrieron a la magia en una historia que posiblemente sea la más insatisfactoria de aquella época.

Adiós, Metropolis, adiós.
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Vayamos a un punto más positivo. Crisis en tierras infinitas supuso un reinicio para el Universo DC, pero fue un relanzamiento a medias que dejó en el tintero varios agujeros que en algún momento debían resolverse. Con el paso del tiempo, esas incongruencias fueron a más, de manera que en DC Comics se les ocurrió que era el momento de hacer algo para solucionarlo. Contactaron con Dan Jurgens y le dieron su propia gran saga, que se fue a llamar Hora Zero. En septiembre de 1994, Hora Cero nos presentó a la plana mayor del Universo DC enfrentándose a villanos temporales y, sobre todo, a Parallax, quien quería rehacer el universo para que Coast City volviese a existir. Los héroes vencieron, pero el Universo sufrió ligeras modificaciones.

La saga en sí es entretenida y sin pretensiones, pero recibió ciertas críticas porque no solucionó el problema de las incongruencias (más bien fue al revés). Sin embargo, los cruces con Hora Cero nos ofrecieron historias ciertamente interesantes. Por ejemplo, en Superman The Man of Steel #37, el Hombre de Acero se encontró con diversas versiones de Batman… y Bogdanove desplegó todos sus recursos artísticos emulando el estilo de dibujo de gente tan dispar como Neal Adams o Frank Miller. De hecho, mucha gente empezó a tomar en serio a Bogdanoe tras ese ejemplar, pues este artista tiene un estilo de dibujo muy personal pero algo brusco y poco elegante, en definitiva, nada comercial. Ese cuaderno supuso un discurso artístico que solo puede hacer un grande, así que las discusiones sobre el estilo de Bogdanove quedaron finiquitadas.

En el resto de cruces, entre otras cosas, revisitamos Krypton y conocimos a Alpha Centurión, un héroe alternativo que después volvería para colaborar con nuestro kryptoniano preferido. Aich, no, con Clark. Krypto y Centurión no son íntimos.

En octubre de 1994, DC sacó números 0 de todas sus colecciones, para explicar los nuevos orígenes de los héroes, pero el de Superman no había sufrido modificaciones, así que optaron por hablar del pasado de Clark y, de paso, presentaron a un nuevo enemigo: Conducto. Éste sera la némesis de Clark en la próxima gran saga: La muerte de Clark Kent… Pero para saber qué sucede nos debemos esperar unos meses, mientras tanto volvimos a la sucesión de historias más o menos interesantes entre las que destaca el enigma de… ¿el cadáver de Superman? Sí, se encontró otro cadáver del Último HIjo de Krypton y la investigación mantuvo la intriga hasta que se descubrió el causante de todo… ¡Brainiac!

Ahora sí, hablemos de La muerte de Clark Kent. Se inicio conmemorando Superman #100 y trata de algo que en algún momento tenía que suceder: Conducto descubre que Clark y Superman son la misma persona y decide matar a sus amigos uno a uno o, al menos, lo intenta. Para salvar a su familia, Clark decide que tanto él como sus padres han de pasar por muertos. Al final todo se soluciona y esta vez sí se vuelve al status quo.

Portada del tpb.

Julio de 1995 marca un nuevo ciclo en las aventuras de Superman, pero lo hace siguiendo la tónica habitual, con historias con marcado carácter de culebrón y aventuras entretenidas y sin pretensiones. Sin embargo, hay un cambio muy importante y es que se estrena una quinta colección titulada Man of Tomorrow. ¿No eran suficiente 4? Pues no, porque 4 por 12 hacen 48 y eso significa que hay 4 semanas que se quedan sin su ración regular de Superman. De ahí que se publicase una quinta cabecera que debía aparecer únicamente 4 veces al año. Su debut estuvo escrito por Roger Stern y dibujado por Tom Grummett y Brett Breeding, y presentó el retorno de Lex Luthor, pero ahora con un nuevo cuerpo (y ya van 3). El cómo se descubrirá más adelante. Otro hecho importante de este ejemplar es que hace aparición Erica Alexandra del Portenza, más conocida como La Condesa, y es una aristócrata que prácticamente ha comprado LexCorp.

La cuestión es que todo lo que se puede decir de los tebeos de los siguientes años ya se ha dicho. Se trata de una etapa muy continuista. Lo mejor será ir saltando de saga a saga para que sepáis qué fue lo más relevante sucedido en los últimos años del Super Squad:

- Noviembre de 1995 a enero de 1996: el juicio de Superman. Esta saga comprende Superman The Man of Steel #50, #51 y #52 Superman #106, #107 y #108, Adventures of Superman #529, #530 y #531, Man of Tomorrow #3 y Action Comics #716 y #717. Una raza alienígena secuestra a Superman para someterle a Juicio porque lo consideran responsable de la destrucción de Krypton. Al menos eso decían al principio, después se descubrió que los kryptonianos murieron porque no podían escapar del planeta sin morir (algo que ya se sabía desde la primera aparición del Erradicador) y ese defecto genético, por llamarlo de alguna manera, lo creó un antecesor de Clark. De ahí que lo juzguen, porque esa raza considera que los pecados pasan de generación a generación. Clark no se queda conforme cuando lo declaran culpable, y sus amigos vienen a rescatarlo. Curiosamente, a mitad de esta saga aparecieron los cruces con Underworld, una historia – esta vez propia del Universo DC – en la que Neron concedía deseos a los villanos a cambio de sus almas y algunos favores. Es justamente así cómo Luthor recobró la salud.

Portada del tpb.

- Action Comics #720 (abril, 1996): febrero fue un mes de team-ups. Marzo presentó historias cortas y sin importancia, pero abril marcó un cambio de tendencia cuando Lois Lane mandó a paseo a Superman. Lois es una mujer autosuficiente que no se ve como la novia sumisa del héroe, no quiere que sea él quien lleve la voz cantante y tampoco acepta que la abandone a cada momento. Necesita más atención, así que simplemente corta con Clark. Y esto traerá más que cola, no solo porque será el eje central de la colecciones de Superman de los siguientes meses, sino porque es el paso previo al enlace, pero no como pensamos. Ah, y hablando de bodas… En Man of Tomorrow #3 (julio, 1996), Lex y La Condesa se casan. Evidentemente es un engaño de Lex para recuperar su empresa, pero aún tardaremos unos números en descubrirlo.

- Superman #115 (septiembre, 1996): Las desavenencias se acrecientan. Lois marcha de la ciudad porque pide el puesto de corresponsal extranjera. Con Lois fuera del mapa, las cabeceras de Superman se vuelven más superheroicas que nunca, en muchas ocasiones prescindibles. Coincide que Dan Jurgens relanza los Jóvenes Titanes y tampoco emplea todas sus energías en el Hombre de Acero. Lo interesante llega más tarde.

- Noviembre de 1996: los cuadernos de aquel mes (Superman #117, Adventures of Superman #540, Action Comics #727 y The Man of Steel #62) forman parte de la gran saga del año: La noche final. Aquella épica historia fue ideada por Karl Kesel y dibujada por Stuart Immonen (otro ejemplo de pluriempleo que afecta a una cabecera regular del Hombre de Acero) y se convirtió en un gran éxito al narrar una situación inusual: el mundo se sume en la oscuridad cuando un enemigo espacial se dispone a devorar el Sol. Los héroes hacen todo lo posible para detenerlo, pero solo el sacrificio de Parallax salva la situación. Un mundo sin Sol es particularmente pernicioso para Superman, quien toma sus poderes del astro. Los cruces de las colecciones del Super Squad no llegan al nivel de calidad de la historia central, pero cumplen su cometido. Y, lo más importante… marcan a Superman para los años venideros porque… Pierde sus poderes. Y sí, eso tiene unas repercusiones que no supimos ver.

- Diciembre de 1996: el mes de la boda, pero… un momento. ¿Lois y Clark no habían cortado y Lois se había ido del país? Efectivamente. Con la boda repetimos el mismo problema que con la muerte de Superman. Mientras la serie de televisión exploraba la cercanía del enlace, los chicos de los cómics hicieron lo contrario y separaron a los enamorados. Eso implicó que cuando llegó el momento de que Lois y Clark se uniesen para siempre en la pequeña pantalla, en DC Comics se encontraban en pijama. Tuvieron que arreglar la boda de un día para otro… Así que en Superman #118, Lois vive una aventura que le abre los ojos y decide que ha llegado el momento de casarse con SU Hombre de Acero (y mientras, Clark estaba tonteando con Lori Lemaris). El siguiente ejemplar corresponde al especial de la boda, llamado Superman The Wedding Album, y posiblemente nos encontramos ante uno de los enlaces más precipitados de todos los tiempos. En menos de 100 páginas, Lois y Clark deben hacer las paces, mandar a paseo a Lori, preparar la ceremonia y casarse…ante sus amigos y la gente de DC Comics, quienes también aparecen en las viñetas de la boda. Evidentemente, las cabeceras del mes nos explican la accidentada luna de miel.

Portada de especial boda.
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- Enero de 1997. Tras una boda express, una vuelta a la normalidad aún más rápida. Superman #119, Adventures of Superman #542 Action Comics #729 y The Man of Steel #64 se unieron baja una saga que se dio a conocer como Power Struggle. Era una cuestión de tiempo, Superman perdió los poderes en La noche final, pues bien tendría que recuperarlos. Clark se somete a todo tipo de experimentos, sin resultado alguno, hasta que los Nuevos Dioses lo envían al Sol. ¿Resultado? Todo vuelve a la normalidad. Bueno, eso pensábamos…

- Tras una etapa tranquila con episodios bastante entretenidos y acertados (por cierto, no lo hemos mencionado anteriormente, pero David Michelinie es el guionista de Action Comics desde hace unos meses), llegó abril y presenciamos un cambio radical en los poderes de Superman ya que la resolución de Power Struggle tendría consecuencias… Pero antes de hablar de las consecuencias es el momento de citar una serie que se estrenó por aquella época: la de Supergirl. Os lo resumimos rápidamente aprovechando el extracto de un artículo mío aparecido en el núm. 15 de Superman/Batman.

- Superman #123 (mayo, 1997): tras los crecientes problemas con sus poderes, Superman se ha convertido en una amenaza. Sin embargo, el profesor Hamilton encuentra la solución en forma de traje de contención. Así empieza una nueva era para el Hombre de Acero (ahora eléctrico), gracias al cambio más sustancial de los últimos años: nuevos poderes, nuevos colores de piel, nuevo traje, nuevo todo. Eso sí, a pesar del cambio, las aventuras siguieron la misma tónica de antaño: la famosa mezcla entre culebrón y superhéroes. El resto del año fue interesante, pero los autores exploraron la situación y no se enzarzaron en grandes sagas. El cambio más relevante quizá sea que Immonen pasó a ocuparse de los guiones y dibujos de Action Comics, mientras Kesel se encargaba de Adventures.

El Superman eléctrico.
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- 1998 prácticamente se estrenó con el nacimiento de Lena, la hija de Lex Luthor, en Superman #131. La madre, La Condesa, ya había cumplido con su cometido y no tardaría en desaparecer. Mientras tanto, Superman continuaba su periplo eléctrico hasta que las cosas se complicaron en el especial Superman Red/Superman Blue (febrero, 1998). Unos 9 meses después del gran cambio, los chicos del Super Squad dieron una vuelta de tuerca a los mitos del Hombre de Acero y lo dividieron en dos, un Superman eléctrico azul y otro rojo. Y todo porque el Superman Ciborg lo metió en una máquina para desintegrarlo y consiguió el efecto contrario… Evidentemente, la premia era interesante y dio bastante juego. Al menos nos encontramos con situaciones y aventuras muy diferentes de las habituales (y los chistes sobre Lois y los tríos estaban a la orden del día). Sin embargo, esto no podía durar eternamente, y el final llegó en dos pasos. Primero en forma de macrosaga que se repartió en los siguientes ejemplares de abril y mayo: The Man of Steel #78 y #79, Aquaman #43, Challengers of the Unknown #15, Superman #134 y #135, Supergirl #20, The Teen Titans #19, Adventures of Superman #557, Steel #50, Action Comics #744. La historia se dio a conocer como Behold! The Millennium Giants! y supuso la aparición de tres gigantes dispuestos a destruir el mundo. Y poco más, Behold! The Millennium Giants! es la típica saga tipo Panic in the Sky: muchos invitados, mucho peligro pero poco contenido. Y el segundo final llegó con…

- Superman Forever (junio, 1998): tras un año eléctrico, Superman volvió a ser el mismo de siempre como consecuencia de la forma en que venció a los Millennium Giants. Tal como dice Superman “no estoy seguro de cómo ha sucedido“. Así que no busquemos explicaciones, Superman regresa a su traje, a su vida, y perdemos la vis cómica de los últimos meses. Sin embargo, no perdemos el interés por el personales. Los tebeos de junio, julio y agosto (Superman #135 a #137, Adventures of Superman 3558 a #560, Action Comics #745 a #747 y The Man of Steel #80 a #82) exploran versiones alternativas de Superman e incluso parte de su historia… Y todo esto porque alguien está jugando con la realidad. Se trata una etapa nostálgica en la que Bogdanove vuelve a hacer uso de sus recusos y nos regala alguna que otra maravilla, y los demás le van a la zaga… Desgraciadamente, esta etapa finaliza en octubre con la típica batalla Superman-villano de turno.

- En octubre salió a la venta el especial Superman: Save the Planet!. Como podéis suponer, Planet hace referencia al periódico y no al planeta.En esta historia, Luthor es el propietario del diario y ejecuta su maldad cerrándolo. En los siguientes meses, los chicos del Planet harán de todo para que renazca mientras Superman se obsesiona cada vez más con su labor. Llega a tales extremos que intenta salva a la Tierra en su totalidad, y como la gente no se lo agradece apropiadamente, al final acaba haciendo cosas muy raras. Por ejemplo, en marzo de 1999 sale a la venta el especial Supermen of America en el que Superman funda su propio grupo. En The Man of Steel #87 (marzo, 1999), Superboy, Supergirl y Acero dan la espalda a Superman, ergo en Superman #143, el Hombre de Acero crea una armada de robots. La confrontación Superman contra el mundo se complica cada vez más, hasta que llega su conclusión en… Superman King of the World (junio, 1999). El título lo dice todo, Superman se erige Rey del Mundo. Al final se descubre que hay un malo detrás de todo esto. Plas, plas, problema solucionado. Se evidencia que el Super Squad ha visto mejores tiempos…

- De junio a noviembre de 1999 se publican los últimos ejemplares del Super Squad. Algunos son entretenidos, otros son olvidables. Sea como sea, no sucede nada especialmente reseñable excepto que Superman #150 es el último de Dan Jurgens…y The Man of Tomorrow #15, fue el último de la quinta cabecera. Se acaba una época que ha dado grandes momentos y alegrías a los seguidores del Hombre de ACero, y desgraciadamente los autores no se despiden por la puerta grande.

Último ejemplar de Jurgens.

1999, el mundo se estaba preparando para el inminente colapso por el efecto 2000, y mientras tanto, Superman se preparaba para una nueva era por culpa del tradicional descenso en las ventas que había supuesto la última etapa del Super Squad de los 90. La gente ya estaba un poco cansada del antiguo sistema… Sin embargo, lo que por aquel entonces parecía una buena idea (cambiar los equipos creativos), con el tiempo se tornó en una equivocación. ¿En qué me baso para decir esto? Cuando el Super Squad se marchó, tanto Batman como Superman eran dos franquicias punteras, con 4 ó 5 colecciones regulares y alguna derivada (2 en el caso de Superman, alguna más en el caso del Caballero Oscuro, pero eso también se explica porque la familia de Bruce es más amplia). Antes de Flashpoint, Batman mantuvo constantemente el número de colecciones, e incluso las incrementó, pero Superman las fue perdiendo hasta llegar a la mínima expresión; un hecho que también se ha mantenido tras el relanzamiento del nUDC, pero que este mes se está corrigiendo con la nueva serie de Snyder.

¿Cuáles son los factores que hacen que Batman mantenga su popularidad y Superman no? Si tuviésemos que buscar a un único culpable, yo apuntaría a la accesibilidad. Desde Crisis en tierras infinitas hasta la despedida del Super Squad, las colecciones del Hombre de Acero explicaron una historia que continuaba semana a semana, de una cabecera a otra, era difícil meterse de repente porque las tramas y substramas siempre estaban abiertas, pero una vez entendías el culebrón, las cabeceras ofrecían diversión a raudales. Con la entrada del nuevo “Super Squad” se produjo el efecto nostalgia, que consiste en que algunos de los autores allí implicados (y podemos apuntar directamente al más importante de todos ellos) eran enamorados del Hombre de Acero de otras eras y decidieron recuperar elementos de antaño. El problema es que cada vez que se incorporaba algo, se daba una patada a la historia de Superman, de manera que se llegó a un punto en el que era imposible saber cuál era el verdadero origen del Último Hijo de Krypton. Y la publicación de dos maxiseries narrando el origen, poco distanciadas en el tiempo, no hizo más que incrementar el problema.

Aquí tenéis la reseña de una de estas maxiseries:

Superman: Legado de Mark Waid y Leinil Francis Yu (2003) según David Fernández y Marcos Martín

“La mayor dificultad, inherente al paso del tiempo”, como comenta David Fernández en relación a un personaje tan longevo como El Hombre de Acero, “radica precisamente en mantener un vínculo lo suficientemente estrecho entre el lector y el personaje como para alcanzar un significativo grado de empatía e identificación”. En el caso de Superman hablamos de un personaje creado hace casi setenta años, en el Action Comics #1 (1938) por Joe Shuster y Jerry Siegel, con todo lo que eso conlleva, por lo tanto, cada cierto tiempo parece vital para DC Comics volver a contarnos sus orígenes y acercar al kriptoniano a las sensibilidades de la época. “Tal vez en base a esta idea”, argumenta nuevamente nuestro compañero, “DC Comics decidió hacer algo al respecto, concediéndole a Mark Waid la oportunidad de guionizar una miniserie que enraizase con la continuidad del “Hombre de Acero”, enfocando el origen de Superman desde una óptica más cercana a los cánones contemporáneos, siendo el objetivo último lograr una digna actualización del mito”.

Esta historia se llamaría Superman: Legado, reseñada por nuestros redactores David Fernández y Marcos Martín aquí y aquí, un relato para el cual Mark Waid contaría con los lápices del filipino Leinil Fracis Yu, y cuya sinopsis es la siguiente: “Finalizados sus estudios universitarios, Clark Kent decide embarcarse en un peregrinaje alrededor del mundo, con objeto de lograr encontrarse a sí mismo y adquirir la experiencia y el rodaje suficientes como para terminar ejerciendo la profesión de periodista. Durante una etapa de este viaje, Kobe Asuru, líder de una tribu oprimida del África Occidental, quien terminará por influenciar enormemente al joven de Smallville. Tras esta experiencia, Clark decide tomar dos decisiones que cambiarán radicalmente su vida, y la de aquellos que le rodean: trasladarse a Metrópolis, y hacer uso de sus asombrosos poderes en beneficio del bien común”.

En este caso, como en cualquier otra obra de este tipo, “la imagen preconcebida existente en relación a este personaje es un tremendo lastre con el que cargar [...] de modo que más que revolucionar la génesis, el concepto y la mitología que rodea al Kryptoniano, Mark Waid parece limitarse a aportar determinados matices sobre su origen y evolución [...]“. Por su parte, para Marcos Martín el interés de Superman: Legado, como explica en su reseña de esta misma obra publicada hace tan sólo unos días, radica “en cómo se cuenta quién es Superman, el por qué de sus motivaciones mientras asistimos al viaje interior del mayor superhéroe de todos los tiempos”. En este punto, la interpretación de nuestro habitual redactor de actualidad, supone entender la historia de Superman: Legado como “una de la búsqueda del yo, en la que Kal-El/Clark no sólo lucha contra sus enemigos sino también contra sí mismo, y esto es casi literal, por encontrar su lugar en este mundo. El héroe siempre es un elemento subversivo en la sociedad por la que combate y siempre hay quien se interpone en su camino para hacérselo más difícil. La singularidad de Superman es que es un kryptoniano adoptado por la civilización terrestre y por tanto su rechazo comienza desde su llegada a la Tierra ¿Por qué ocultan los Kent su verdadero origen? Por miedo a que sea un niño rechazado por la sociedad o perseguido por su gobierno. Los sucesos posteriores así lo confirman, sobre todo cuando se producen las primeras apariciones públicas de Superman. La tarea del héroe, por tanto, es superar este trance y salir triunfante, tal como ocurre. Superman derrota a los falsos kryptonianos y a Luthor para finalmente descubrir su verdadero yo y quién le dio la vida, pero nunca sin olvidar quién le hizo como hombre. Cuando el individuo se conoce a sí mismo y tiene clara su meta, no hay obstáculo que se le interponga”.

Para el madrileño David Férnandez, por otro lado, “Superman: Legado es, pese a las numerosas concesiones realizadas pensando en los lectores noveles (circunstancia consustancial a la naturaleza del proyecto), una lectura entretenida y amena, que disfrutada de forma individualizada, y sin entrar en agotadoras disquisiciones acerca de la contravención de décadas de continuidad, representa una interesante vuelta de turca a los primeros días de Clark Kent como Superman. Sin embargo, como actualización y puesta al día del mito, mucho me temo que resulta más certera la colección All Star Superman, de Grant Morrison y Frank Quitely [...]“.

Sobre el relanzamiento de 1999. También fue bastante extraño. Grandes autores como Grant Morrison presentaron sus propuestas, pero DC Comics optó por contratar a guionistas de menos peso – supongo que para mantener un control más férreo sobre el personaje – y Superman pasó a estar formado por un nuevo Super Squad que, en realidad, no era tal. Las colecciones llegaron a un punto extraño porque no estaban tan relacionadas como antes, pero tampoco tenían una personalidad que las diferenciase tanto las unas de las otras como las de Batman. Aunque tampoco faltaron los cruces entre colecciones, sobre todo al inicio. Digamos que al empezar se intentó mantener el espíritu del Super Squad, pero éste se fue perdiendo con el tiempo.

Ahora veamos cuál era el Super Squad que no fue tal… Las colecciones en diciembre de 1999 estuvieron capitaneadas por Superman, escrita por Jeph Loeb y dibujada por Mike McKone. Loeb se convertirá en el principal arquitecto del Hombre de Acero de la época y será el responsable de la recuperación de personajes tan importantes como Krypto, Supergirl y tantos otros. Su cabecera será la que haga las propuestas más interesantes… y comerciales. Hay que avisar que éste no es el Loeb de Superman para todas las estaciones. Es el Loeb palomitero. Lo más imporatnte de su debut (Superman #151) es el retorno del Daily Planet y la llegada del hijo de Mongul, quien entrenará a Superman – al estilo Piccolo de Dragon Ball – para prepararlo para la inminente llegada de un enemigo capaz de destruir el planeta.

Este tebeo da inicio a la etapa Loeb.

Adventures os Superman #573 está firmado por el único superviviente del Super Squad: Stuart Immonen. En los guiones le acompaña Mark Millar, pero esta situación durará poco ya que los sustituirá un nuevo guionista a partir del #579: J. M. DeMatteis. En los dibujos se sucederán los cambios, pero el #573 inicial está firmado por Steve Eppting. Y justo en este debut vemos… más de lo mismo. No se aporta mucha información respecto a Superman #151.

The Man of Steel es seguramente la más perjudicada de todas, no porque los sustitutos no merezcan la pena (Mark Schultz a los guiones y Doug Mahnke a los lápices) sino porque la labor de Simonson y Bogdanove era la que otorgaba de más humanismo al serial en cómic del Hombre de Acero. Tras su marcha, tuvimos que decir adiós a todas esas subtramas que quizas no fuesen ni comerciales ni del gusto de todo el mundo, pero sí ponían a esas colecciones en otro nivel. El debut de Schultz es una historia típica superheroica, pero al final se descubre que Acero ahora forma parte del cuerpo de policías de Metropolis.

Finalmente, Action Comics #760 está firmado por Joe Kelly y Germán García. El baile de dibujantes también será la norma, pero Kelly nos ofrecerá aventuras insustanciales y algo más entretenidas que las de las otras cabeceras… No siempre, claro.

Antes se me olvidó decir que el hecho de que se perdiese paulatinamente la conexión entre series facilitó la caída en ventas de algunas de ellas, pues antes el lector prácticamente estaba obligado a comprar las 4, y ahora podía elegir cuál seguir. El pez pequeño no iba a sobrevivir mucho en el mar de ventas.

Y ahora, como en apartados anteriores, hagamos un recorrido por los diferentes acontecimientos que marcaron esta época:

- Action Comics #761 (enero, 2000): primera incongruencia (ya en el segundo mes). Esta historia dio bastante de que hablar en su día ya que Superman y Wonder Woman acabaron combatiendo con los dioses nórdicos en una batalla que duró 100 años. Cuando volvieron a la Tierra, había pasado un tiempo ínfimo en comparación. ¿Resultado? Clark y Lois llevan menos de un año casados pero Kent ya ha pasado un siglo entero junto a Wonder Woman – con quién tuvo escarceos en el pasado y los tendrá en la etapa post Flashpoint – y vuelve como si no hubiese sucedido nada. 100 años después hasta Superman se comportaría de alguna manera diferente, y más si los ha compartido con Wonder Woman.

- Superman #153 (febrero, 2000): El hombre de Acero y Mongul hijo se enfrentan a Imperiex, quien desea destruir la Tierra y en el futuro será pieza clave de Nuestros mundos en guerra.

- Superman Y2K (febrero, 2000) y Superman #154, Adventures os Superman #576, The Man of Steel #98 y Action Comics #763 (febrero, 2000): coincidiendo con la llegada del año 2000 (recordemos que las fechas que pongo son las de portada, pero los cómics salen dos meses antes), Superman vivió su particular efecto 2000 con la llegada de un nuevo y remozado Brainiac. Este es uno de los puntos álgidos de las colecciones, pues lo que se presentó era ciertamente interesante. Brainiac intentó sustituir Metropolis por una ciudad creada por él, y los vecinos de Clark Kent finalmente obtuvieron una ciudad reconstruida con tecnología futurística, de manera que los años que siguen, Metropolis fue literalmente la Ciudad del Mañana. Con eso se cambiaron los edificios y el estilo de las aventuras de Superman de una manera entretenida y respetuosa con el pasado. Y también vimos hasta dónde podía llegar la maldad de Luthor, pues éste intercambió su hija Lena por el control de la ciudad.

Inicio de la saga que transformó Metropolis.
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- The Man of Steel #100 (mayo, 2000): Metropolis no fue la única en actualizarse. Superman consiguió una nueva Fortaleza de la Soledad, esta vez con forma de bola y un interior mucho más grande que el exterior.

- Junio y julio de 2000 trajeron el primer gran cruce desde Y2K. Primero se juntaron Adventures os Superman #579, The Man of Steel #101 y Action Comics #766 en na aventura titulada The search for Lois en la que Superman buscaba por todas partes a su mujer, secuestrada, y sufría un envenamiento por kryptonita. Después, en Superman #158, Adventures os Superman #580, The Man of Steel #102 y Action Comics #767, vimos cómo el Hombre de Acero luchaba contra la muerte en Critical Condition. Y, aunque parezca increíble, Superman no murió. Por supuesto, dada la condición de Clark, lo que vimos fue una sucesión de héroes invitados…

- Septiembre y octubre de 2000 volvió a juntar todas las colecciones en una saga que también cuenta como un punto álgido de la nueva etapa: Emperador Joker. En Superman #160, Adventures os Superman #582, The Man of Steel #104, Action Comics #769 y Emperor Joker #1, descubrimos un Universo DC bizarro y extraño en el que nada es como lo recordamos. ¿El motivo? El Joker se hizo con los poderes de Mr. Mxyzptlk y cambió el universo a su antojo. Dado el buen humor de este personaje, las aventuras que nos encontramos eran tan estrafalarias como divertidas. Al mes siguiente, en Superman #161, Adventures os Superman #583, The Man of Steel #105, Action Comics #770, todo volvió a la normalidad, aunque algunos personajes creados expresamente para la saga también acabarían en el Universo DC tradicional.

- Superman #164 (enero, 2001) acabó con una página en la que se descubría que Lex Luthor había ganado las elecciones presidenciales. Después, en Superman: Lex 2000 se analizó el nuevo status quo del personaje. Otra vez nos encontramos con una buena idea que daría mucho de sí. Era raro ver a Lex presidiendo después de haber intentado destruir Metropolis, pero tiene toda la lógica del mundo dado el carácter manipulador del personaje. Por supuesto, Superman no se erigió como presidente del club de fans de Lex Luthor y se pasó unos cuantos meses intentado echarlo de la presidencia.

- Superman #166 (marzo, 2001): tras una buena idea, viene una mala. En este ejemplar, Jor-El “visita” a Clark y le dice que todo lo que conoce sobre Krypton es falso. Y así se inicia la recuperación del Krypton pre-crisis.

- Action Comics #775 (marzo, 2001): posiblemente la historia más recordada – y mejor valorada – de Joe Kelly. De hecho, está tan bien valorada que llegó a tener su propia versión animada en Superman vs. The Elite. Este ejemplar nos narra la creación de un grupo que lucha contra terroristas y otras amenazas de una manera cruel y violenta. Así que volvemos al eterno dilema sobre si se ha de matar o no a los criminales. Ya sabemos de qué lado está Superman.

Esta historia fue adaptada en animación.
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- Superman #167, Adventures os Superman #589, The Man of Steel #111, Action Comics #776 (abril, 2001): una saga titulada Return to Krypton. ¿Hace falta decir más? Sí, al final no sabremos qué Krypton es el verdadero, pero tenemos a Krypto (el perro) de vuelta.

- Superman #170 (julio, 2001): Superman y Mongul se pelean, Krypto salva a Lois Lane de Mongul y… ¿cuál es su recompensa? Superman lo abandona. Peor aún, lo abandona en la Fortaleza de la Soledad dejándolo al cuidado de sus robots. Es decir, lo deja en un sitio que ha sido destruido en más de una ocasión y al cuidado de robots que tienen la tendencia de volverse locos y matar a todo el mundo. ¿Hace falta decir que estamos ante otra incongruencia? El retorno de Krypto parecía buena idea en un principio, pero tras comprobar que daba más problemas que otra cosa, optaron por deshacerse de él en una historia que justifica ese abandono de la misma manera que un “padre” justifica dejar al perro en el bosque al irse de vacaciones. La lectura puede parecer entretenida, pero la moraleja de la historia es nefasta y pone en muy mal lugar a todos los implicados.

- De agosto a octubre de 2001, todas las cabeceras del Hombre de Acero se convirtieron en la base de una saga titulada “Our Worlds at War” que se propagó por todo el Universo DC. Hubo especiales temáticos, cruces en otras colecciones, etc. Sobre todo nos encontramos con muchas batallas y enemigos espaciales. La saga en sí fue un poco caótica pero gozó de bastante popularidad, en especial en los cruces ya que el resto de personajes se encontraron en unas situaciones ciertamente inusuales. En el caso de Superman… No tanto… Todo es un poco más de lo mismo. Lo mejor de todo, sin duda alguna, es el papel de Luthor. Durante unos episodios se convierte en un verdadero héroe y casi consigue que nos olvidemos de su malvada personalidad. Incluso recupera a su hija…

Un especial de Nuestros mundos en guerra.
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Con la llegada del 2002 sucedió un hecho inusual, y es que las portadas perdieron la doble numeración que había llevado hasta ahora… (Las cabeceras llevaban la numeración tradicional de la serie, pero en la portada se incluía un símbolo de Superman en el que se indicaba una segunda numeración que marcaba el año y el número de episodio según ese año). La desaparición era toda una declaración de intenciones que quería decir lo siguiente: no más interconexión entre series.

Por supuesto, dada la relevancia del hecho, era el momento ideal para un relanzamiento. Pero no hubo tal. Superman #177 seguía con Loeb (ahora con lápices de Ed McGuinness), Adventures of Superman cotinuaba con Joe Casey (quién se había hecho con el poder de la colección unos meses atrás) y ahora lápices de Derec Aucoin. En Action Comics #786 nos volvemos a encontrar a Joe Kelly (ahora con Pascual Ferry), de manera que el único cambio importante se da en The Man of Steel, que pasa a estar escrita por un tal Geoff Johns (con lápices de Todd Nauck). Ya lo hemos dicho antes, y lo repito, a partir de ahora – y como nunca antes – cada colección debe luchar por sí misma. Al haber menos cruces, hay menos hechos relevantes y proliferan las historias reflexivas.

Volvamos a enumerar los hechos más importantes.

- Adventures of Superman #600 (marzo, 2002): especial aniversario que no ofrece una historia interesante pero poco más.

- Superman #178(marzo, 2002): Loeb tiene otra buena idea y hace que Lex Luthor descubra la verdadera identidad de Superman.

- Superman #183: Clark Kent es despedido del Planet.

- Septiembre 2002: primer cruce de esta era. En Superman #184, Adventures os Superman #602, The Man of Steel #128 y Action Comics #793, revisitamos la saga Return to Krypton con Return to Krypton II. Lo que se dijo de la primera se puede repetir de la segunda, así que hablemos de otro hecho importante. Jeph Loeb ya no escribe Superman, su sustituto es Geoff Johns. Y Schultz vuelve a The Man of Steel.

- Noviembre y diciembre de 2002 reunieron las 4 series en la saga que titularon Ending Battle. Las cosas se ponen muy difíciles para Superman e incluso se enfrenta a la muerte “ficticia” de Lois, pero al final de todo vence otra vez e incluso consigue un pequeño regalo: alguien borra de la memoria de Luthor la identidad de Superman.

Marzo de 2003 marcó otro punto de inflexión con la publicación del #134 de The Man of Steel. Superman pasó a tener solo 3 series regulares… Eso dio pie a un semi relanzamiento, ese mismo mes, con la publicación de Superman the 10 c adventure, un episodio firmado por Steven T. Seagle y dibujado por Scott McDaniel, que nos presenta un “nuevo” enfoque para las aventuras del Hombre de Acero ideado por los chicos que pasarán a ocuparse de Superman a partir del #190. El resto de series mantienen a Kelly y Casey y el habitual baile de dibujantes.

Otro nuevo inicio.
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Este relanzamiento en sí no deja de ser curioso porque se sustituye a los autores más comerciales del Hombre de Acero – Loeb y Johns – por alquien que demostró su maestría principalmente en series Vertigo. Adiós a la comercialidad… ¿hola a la calidad? Pues ya sabemos cómo son estas cosas, Superman no es Sandman: Mystery Theatre. Seagle escribe al mismo nivel de Kelly y Casey, con lo que obtenemos una etapa incluso más convencional que la anterior. No hay grandes momentos ni fuegos de artificio. Además, se da una vuelta de tuerca a todo el asunto de Supergirl añadiendo otra. (Como éramos pocos, partió la abuela).

De hecho, esta etapa dio tan malos resultados que el Hombre de Acero tuvo un nuevo relanzamiento (y esta vez en toda regla) en menos de un año. Pero antes de eso, se publicó una cuarta colección completamente independiente de la que os hablaré ahora… ¿Es la cuarta cabecera de Clark Kent? No, es la 3 y 1/2, porque hablo de Superman/Batman…

Jeph Loeb y Ed McGuineess volvieron a la mitología kryptoniana con el #1 de Superman/Batman en octubre de 2003. En aquel primer arco, Luthor perdió la presidencia de los Estados Unidos al ser finalmente desenmascarado. A partir de ese momento, dijimos adiós para siempre al Luthor inteligente y maquiavélico y vimos a una copia defectuosa de sí mismo obsesionada con vestirse en trajes de batallas.

Superman/Batman se compone de números unitarios y sagas, al principio bastante relevantes y luego no tanto. Os enumero los de Loeb:

- #7, Protegé: núm. unitario por Loeb y Jae Lee. Team-up de Superboy y Robin.
- #8 a #13, Supergirl from Krypton: Loeb recupera a la Supergirl de toda la vida con dibujos del malogrado Michael Turner. Es una saga muy importante ya que la leyenda de la nueva Supergirl empieza aquí.
- #14 a #18, Absolute Power: con dibujos de Carlos Pacheco, el Universo DC ha sido modificado y ahora Superman y Batman son los reyes del mundo.
- #19, The Girl of Steel: con dibujos de Ian Churchill, sirve de presentación para la nueva serie de Kara.
- #20 a #25, With a Vengeance!: McGuinnes vuelve para la última saga de Loeb.
- #26: es un especial en el que se homenajea a Sam Loeb, el hijo de Jeph que murió muy joven por culpa de una enfermedad terminal. La historia principal está escrita por Sam y dibujada por los mejores artistas del medio; y también hay una historia secundaria escrita por el padre y dibujada por Tim Sale que también homenajea a Sam.

Portada del homenaje.

A partir de aquí, varios guionistas tomaron las riendas pero sus aventuras no tienen la importancia de las de Loeb, ya que no afectaban al status quo. Simplemente era historias generalmente buenas y entretenidas. Los sucesores de Loeb fueron: Mark Verheiden (#27 a #36), Alan Burnett (#37 a #42), Dan Abnett y Andy Lanning (#43, #58 y #59), Michael Green (#44 a #57 y #60 a #63). Joe Casey (#64 y #68 a #71), Scott Kolins (#66 y #67), Paul Levitz (#72 a #75), Judd Winick (#76), Josh Williamson (#77), Joe Kelley (#78), Chris Roberson (#79 y #80), Cullen Bunn (#81 a 84) y Joshua Hale Fialkov (#85 a #87). También se publicaron 5 anuales.

Después del fiasco Seagle, en DC Comics decidieron relanzar al Hombre de Acero ofreciendo de una vez y por todas, colecciones independientes que sí tenían personalidad propia e iban cada una por su cuenta. Recurrieron a grandes autores, pero antes, en marzo de 2004, las tres cabeceras que continuaban en pie se unieron para narrar una historia escrita por Dan Abnett y Andy Lanning y dibujada por Karl Kerschl que suponía la introducción de Majestic en el Universo DC. Los dos meses siguientes, Michael Turner y Joe Kelly tomaron las riendas de los guiones – y Talent Cadwell, los lápices – para narrar una historia autoconclusiva en 6 partes. Gracias a esto, dieron algo de margen para que los nuevos autores se hiciesen con sus colecciones. El nuevo relanzamiento fue el que sigue:

- Action Comics #814 a #825: escrito por Chuck Austen y dibujado por Ivan Reis. Por aquel entonces, Austen era el hombre de moda pero era tan amado como odiado. Todo el mundo parecía que lo criticaba, pero a la hora de la verdad las ventas le acompañaban. No es raro que lo eligiesen para escribir la cabecera más clásica de Superman. Sus detractores podían criticarle, pero en esta ocasión estuvo a la altura de las circunstancias y nos trajo de Gog de Kingdom Come, entre muchas otras cosas. A partir de un descanso de tres números, Reis se mantuvo a los lápices en toda la andadura. Austen no llegó al final y dejó el #824 y #825 a cargo de J. D. Finn.

- Adventures of Superman #627 a #638: en aquella época habían varios arquitectos en el Universo DC y Greg Rucka era uno de ellos (se encargaría de esta cabecera, la de Wonder Woman y de cuadernos de las grandes sagas de entonces). Adventures of Superman era su serie y Matthew Clark fue su acompañante en casi toda la andadura. Renato Guedes lo sustituyó en los dos últimos episodios. La etapa de Rucka se caracterizó por ser la más humana de las tres y su punto culminante es la presentación de una Lois moribunda tras recibir una bala en el estómago.

- Superman #204 a #215: y llegamos a la joya de la corona. Jeph Loeb y Jim Lee habían convertido Batman en la serie del momento con si famosa saga Silencio. Los chicos de DC Comics decidieron repetir la jugada juntando a Brian Azzarello y Jim Lee y… No lo lograron del todo. Azzarello es famoso por sus series de autor en Vertigo. Lee lo es por sus espectaculares dibujos de carácter comercial. Juntar comercialidad y seriedad en un mismo cuaderno puede resultar en cualquier cosa… Y en este caso no sabría describir lo que leímos. Sea como sea, la serie vendió (y mucho).

Portada mítica de Jim Lee.
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Este primer relanzamiento fue un éxito, aunque se volvió a evidenciar la distancia en las ventas de las series, algo que se haría incluso más evidente en lo que sigue, y es que volvieron a repetir la misma jugada, pero con otros autores, a mediados del 2005. En junio, Judd Winick e Ian Churchill se encargaron de todas las cabeceras del Hombre de Acero en una saga que juntó a Superman con el Capitán Marvel. Después, relanzamiento al canto:

- Superman #217 a #225: tras un periplo escrito por Azzarello y Lee, los sustitutos fueron Mark Verheiden y Ed Benes. Hay que reconocer que aquellos episodios fueron divertidos, sobre todo porque estaban enmarcados dentro de todos los cruces con las sagas que llevaban a Crisis infinita, pero… reconozcámoslo, Verheiden no es Azzarello (ni siquiera en sus malos momentos).

- Action Comics #827 a #835: La etapa más controvertida. Gail Simone escribe, John Byrne dibuja. Ella despunta y ya es una reputada guionista, él está en uno de sus peores momentos (pero se recuperará). Fueron unos episodios divertidos pero con movidas que ahora mismo es mejor olvidar. Por supuesto, lo dicho en Superman se aplica aquí también: ¡¡¡Crisis infinita!!!

- Adventures of Superman #640 a #649: Greg Rucka fue el único superviviente del anterior relanzamiento, y ahora está acompañado por Karl Kerschl. Evidentemente, volvemos a tener Crisis infinita por ahí, pero… sucedió algo inaudito que causaría conmoción. El #649 fue el último número de esta cabeceras de Superman, así que por mucho relanzamiento, las ventas habían bajado tanto que una colección histórica mordió el polvo.

No hay dos sin tres, y en el caso de Superman no hay dos sin 825. Tras estos dos relanzamientos oficiales vino un tercero causado por toda la movida de Crisis Infinita, y es que en esta saga se dejó que entre un tebeo y otro se hiciese un salto de un año. En el caso de Superman, su excusa fue un año de inactividad al perder los poderes (vaya, eso que nunca le pasa). La cuestión es que esta iniciativa, que se dio a llamar One Year Later, fracasó porque creó un punto ideal para empezar a leer los tebeos… ¡o para dejarlos para siempre! Tras unas subidas de ventas iniciales, la mayoría de las cabeceras pasaron a vender menos que antes. Y Superman, con su casi recién cancelada tercera serie, necesitaba un incremento en sus ventas como las rosas necesitan agua.

El relanzamiento en sí fue incluso más raro, porque Kurt Busiek y Geoff Johns escribieron al alimón una historia de 8 partes, que evidentemente se alternaba entre Superman y Action Comics, que estuvo dibujada por Peter Woods y tomó como título Up, Up, and Away!. Y otra cosa bizarra (de esas que ahuyentan a los compradores). Superman continuó con el número 650. Un momento, ¿el anterior no era el #225? Así es, pero en DC dieron la numeración de Adventures a Superman, que a efectos prácticos es lo mismo que cancelar Superman y cambiar el título de Adventures. Por supuesto, en Up, Up, and Away! descubrimos cómo el Hombre de Acero recobra sus poderes.

El #650 de Superman.

Los tres meses siguientes, Kurt Busiek se hizo con ambas cabeceras (Aunque en Action estuvo acompañado por Fabian Nicieza). En Superman el dibujante fue Carlos Pacheco y en Action continuó Woods.

Ya en diciembre, Johns volvió a Superman, pero junto a Richard Donner y Adam Kubert. En aquella clásica historia de 5 episodios (Action Comics #844 a #846 y #851, y Annual #11) titulada Last Son Clark y Lois adoptaban al hijo de Ursa y el General Zod, con la consiguiente desavenencia con los padres adoptivos.

La pauta Busiek-Johns se alargó unos meses. Solo eran dos colecciones, pero ofrecían material mucho más interesante del que se había publicado en años. Eso – y una nueva política editorial de publicar colecciones tipo Leyendas de Batman en todas las franquicias – propició la aparición de una nueva cabecera titulada Superman Confidential en enero de 2007. El resultado no fue el esperado, y la serie se canceló tras 14 números. Y eso que se inició con un arco de 5 capítulos escrito por Darwyn Cooke y dibujado por Tim Sale.

Volvamos a las colecciones regulares… Gary Frank se unió a Johns en Action Comics #858 (diciembre, 2007) y ambos reimaginaron la Legión de Superhéroes. Por su parte, Busiek experimentó cierto baile de artistas, hasta que finalmente fue sustituido por James Robinson (con lápices de Renato Guedes) a partir del #677. Y aquí empieza lo que se podría llamar un nuevo relanzamiento o, al menos, se asientan las bases para ello. La cuestión es que Johns reinventó Brainiac, y a consecuencia del enésimo ataque del alienígena, el Último Hijo de Krypton ganó 100.000 compañeros kryptonianos que camparon durante meses a sus anchas por la Tierra. Es más, Jonathan Kent falleció en el #870 de Action Comics…

En diciembre de 2008 se publicó un especial titulado Superman: New Krypton en el que se dio el pistoletazo de salida a una saga que abarcaría las dos cabeceras del Hombre de Acero más la de Supergirl y que se prolongó hasta julio de 2010. Incluso se recuperó la doble numeración, porque las colecciones volvían a estar entrelazadas, como antaño. Y se trataron muchos temas… Los kryptonianos formaron su propio planeta en el Sistema Solar, Supergirl pudo visitar a sus padres biológicos, se estudió una posible guerra entre Nuevo Krypton y la Tierra… En definitiva, se volvió a la técnica de culebrón, pero desde una perspectiva más kryptoniana que humana. ¿Cómo acabó todo? Con el regreso del status quo. Pista: murió muuuucha gente, todo ello en la miniserie titulada War of the Supermen.

Las portadas de Alex Ross para New Krypton se podían juntar...
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Después de una etapa tan intensa, hubo un nuevo relanzamiento o cambio de equipos creativos. Ejem. A partir de Superman #700 (agosto, 2010) J. Michael Straczynski inició una saga que inicialmente iba a ser de 12 números – y que ni siquiera finalizó por sí solo – que se llamó Grounded. ¿El agumento? Superman se va a dar una vuelta caminando. Action Comics pasó a manos de Paul Cornell, quién sí nos ofreció episodios más amenos, sobre todo gracias a su enfoque centrado en Lex Luthor, el villano por antonomasia del Hombre de Acero.

En octubre de 2011, con Superman #714 y Action Comics #904, vivimos el fin de una era. Ambas colecciones se cancelaron para volver al mes siguiente en un nuevo… ¡Sí! ¡Relanzamiento!

La historia ya la conocemos todos. Flashpoint cambió todo el Universo DC, entonces todas las colecciones empezaron desde su número 1. Superman volvió a tener dos, Action Comics y Superman. Una estuvo capitaneada por Grant Morrison y la otra por George Pérez, pero Pérez la abandonó y empezó un baile de dibujantes y guionistas que recién ahora parece haberse estabilizado. Y aunque ninguna ha funcionado como debería, en DC están relanzando al personaje y ya le han dado 3 colecciones más, una escrita por Scott Snyder – el guionista de moda -, una nueva Superman/Batman... Y ayer mismo se conoció la inminente publicación de Superman/Wonder Woman.

Aquí tenéis un par de reseñas de las nuevas series del Hombre de Acero.

Action Comics de Grant Morrison (2012) según Raúl Silvestre

“Como parte del borrón y cuenta nueva que suponen estos nuevos 52″, comenta Raúl Silvestre a propósito del relanzamiento de la línea editorial de DC Comics en 2011, “retomar Action Comics desde el número uno, sacrilegio para unos, necesidad vital para otros, fue la primera noticia de que esto iba en serio. No en vano se estaban atreviendo a renumerar la cabecera más longeva de la casa, con cerca de un millar de números a su espalda. Y este nuevo comienzo, publicitado a través de unas primeras imágenes temerarias de tan particulares, confirmó la intención de crear un nuevo canon”.

Y el responsable de esta hazaña no sería otro que el escocés Grant Morrison, el cual había maravillado, unos años antes, a propios y extraño, con su All Star Superman al lado de su compañero Frank Quitely, y por tanto, la apuesta, fue recibida “con dosis pares de desconfianza y regocijo”. En este caso, Grant Morrison, en colaboración con artistas como Rags Morales, Gene Ha, Brent Eric Anderson o Andy Kubert, propondría una vuelta de tuerca: “como si de una reinvención de las aventuras de Superboy se tratase, el escocés sitúa al oriundo de Smalville, recién llegado a Metropolis, con aspecto de geek ojeroso y ansioso, vestido con un carácter peleón y contestatario, digno de la típica reacción intelectual de izquierdas de chavales humildes. No en vano, es hijo de granjeros. Y esto se extrapola en principio como el caldo de cultivo de la personalidad del nuevo, joven e inexperto Superman”.

“Por sorprendente que parezca”, continua Raúl Silvestre en su reseña de este título que podéis leer completa aquí mismo, “lo mejor es que en estos primeros números, la propuesta del escritor escocés funciona” pero, por desgracia, “la historia que sigue a los primeros números no hace sino echar por tierra lo anterior. La sencillez expositiva del comienzo se borra de golpe y plumazo con una aparición difícil de seguir de la Legión de Superhéroes, así como la presentación de sopetón de nuevos villanos. La sensación después del segundo arco argumental es la de estar leyendo el capítulo cincuenta y tantos de una saga de la que no hemos visto los capítulos previos. De la concreción de un nuevo comienzo a una algarabía argumental evocadora del pasado multi-universal del superman pre-Crisis”.

Superman Unchained de Scott Snyder y Jim Lee (2013) según Iván Rivas

El Superman Unchained de Scott Snyder y Jim Lee pretende ser la nueva y mas reciente interpretación del mítico superhéroe, una de las que se antojan como serie estrella de DC Comics para los próximos meses, estrenada en compaginación con el regreso del kriptoniano a las salas de cine con El Hombre de Acero de Zack Snyder y Christopher Nolan. Para nuestro estupendo redactor de actualidad Iván Rivas, en sus primeras impresiones de esta obra que podéis leer aquí mismo, el resultado no ha sido muy reseñable empezando por el trabajo de un Scott Snyder que nos planteá el primer número de esta nueva serie “como si fuese cualquier otro. Bien podría ser el Action Comics #568 o el Superman #245… aquí no hay nada que sorprenda a un lector que, no os quepa duda, será el lector de siempre. De hecho, el propio guionista parece aceptar el hecho de que nadie que vea Man of Steel va a comprar su cómic, porque no hace ningún esfuerzo por captar la atención de un neófito o de alguien poco versado en la historia de Superman [...] con un guión que no ofrece nada nuevo y que se imbrica demasiado en el Nuevo Universo DC [...]“.

Respecto al trabajo del dibujante Jim Lee, el compañero Iván Rivas, se toma su tiempo para reflexionar: “Creo que él [Jim Lee] y sus colaboradores habituales (Scott Williams de entintador y Alex Sinclair de colorista) son capaces de ofrecer experiencias visuales satisfactorias. Su Silencio junto a Jeph Loeb estará lleno de agujeros de guión del tamaño del Gran Cañon, pero allí el dibujante exprimió al máximo sus virtudes. Tampoco Brian Azzarello estuvo muy inspirado en la saga Por el mañana, pero otra vez Jim Lee hizo un buen trabajo. Hablando siempre dentro de sus propias limitaciones, claro, que tiene también muchas. Sin embargo, es ver aquel primer número con Brian Azzarello (Superman #204, junio 2004) y compararlo con éste para comprobar que algo se ha perdido en el camino”.

En conjunto, Superman Unchained de Scott Snyder y Jim Lee, concluyé su valoración Iván Rivas, “ni sorprende ni emociona”.

Entre tanto cómic también hemos visto grandes series, números unitarios y sagas protagonizadas por Supermanes alternativos. Os podríamos enumerar todas ellas, pero casi que vamos a optar por copiaros y enlazaros las reseñas de este tipo de producto que se ha hecho en ZN. A medida que se hagan más las iremos añadiendo aquí.

Superman: Para todas las Estaciones de Jeph Loeb y Tim Sale (1998) según David Fernández

El equipo creativo formado por Jeph Loeb y Tim Sale se consagraría en los años noventa como uno de los más exitosos del cómic americano contemporáneo con obras como Batman: El Largo Halloween, Batman: Victoria Oscura, Daredevil: Yellow, Spider-man: Blue y Superman: Para todas las estaciones.

De esta última, “la enésima reformulación de los inicios de este personaje”, David Fernández, autor de la reseña de esta obra que podéis encontrar aquí mismo, nos facilita la sinopsis de la obra: “Termina la primavera. Y con ella se van la adolescencia y los días de Instituto de Clark Kent. Con la llegada del verano, el joven Kent debe abandonar Smallville para afrontar los múltiples e importantes cambios que se avecinan en su vida. Cambios que le llevarán a Metrópolis en busca de su propio futuro. Su propia naturaleza. Su Destino”.

Para David Fernández en este Superman: Para todas las Estaciones merece la pena destacar las maneras utilizas por Jeph Loeb para impregnar de una gran “emotividad una historia en la que, como viene siendo habitual en sus colaboraciones con Tim Sale, priman los sentimientos y el tratamiento de temas universales como la familia, los amigos, las relaciones sentimentales, el miedo a lo desconocido, o la añoranza del hogar y los seres queridos, sobre las escenas de acción, mero pretexto para indagar en el carácter, mentalidad y motivaciones de los personajes”.

“Para lograr componer un retrato convincente del héroe y de la persona que se esconde tras la capa, Jeph Loeb opta por dividir la obra en cuatro partes, correspondientes a las cuatro estaciones que dan título al cómic. Cuatro estaciones en cada una de las cuales un narrador distinto (Jonathan Kent, Lois Lane, Lex Luthor y Lana Lang) toma la palabra para profundizar en el lado humano y superheróico del mito, desde una pluralidad de perspectivas clave a la hora de dotar de mayor profundidad al conjunto de la obra.”

La reseña del compañero David Fernández también nos habla de las influencias y el apartado gráfico de la obra: “Los propios autores afirmaron ser conscientes de que, para lograr plasmar la grandeza del personaje y los contrastes de paisajes y estaciones en las que se desarrolla la acción, debía recurrir a splash-pages donde reflejar los paisajes naturales de Smallville o el skyline de Metropolis. Dicho y hecho: Sale toma reconocidas influencias de Norman Rockwell como punto de partida estético a la hora de mostrarnos la Norteamérica más rústica y tradicional, en contraposición a la inmensidad de la gran ciudad. Un trabajo sensacional, secundado por un Bjarne Hansen, especialmente inspirado a la hora de seleccionar la gama cromática más adecuada para cada pasaje de la obra”.

“En definitiva, una perfecta conjunción de talentos que suman esfuerzos para llevar a buen término un cómic muy recomendable, en el que se viene a confirmar una vez más que es el hombre, y no los poderes, los que hacen al héroe”.

Superman: Hijo Rojo de Mark Millar y Dave Johnson (2003) según Jordi T. Pardo

En la tradición elseworld de DC Comics se publicó a principios de este siglo una de las mejores obras que ha regalo este interesante concepto, la fábula de ciencia ficcción distópica y superheroica Superman: Hijo Rojo de Mark Millar y Dave Johnson, en la que sus autores nos presentan “una vuelta de tuerca respecto al mítico superhéroe pues, al contrario de otras veces, en este cómic Superman no defiende el status quo estadounidense y su salvaje idealismo capitalista, su american way of life que tanto parece preocupar a Mark Millar, sino que se presenta como el abanderado y valedor del comunismo de la hoy desaparecida Unión Soviética”.

En la reseña de esta obra realizada por Jordi T. Pardo, la cual podéis leer completa aquí mismo, nos explica lo siguiente: “Superman: Hijo Rojo se sitúa en los años cincuenta, en la época de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética, un marco histórico que se esta convirtiendo en algo recurrente en el género superheroico, tanto en el mundo del cómic como atestigua el ya clásico y pionero responsable de este tópico, el Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, como en lo referente a las adaptaciones cinematográficas, siendo este el caso de la reciente X-Men: Primera Generación de Matthew Vaughn. El guionista escocés Mark Millar, “el maestro de las ideas simples y obvias”, como él mismo asegura que le tiene en consideración el editor marvelita Dan Buckley, sabe aprovecharse en Superman: Hijo Rojo de algunos “pequeños huecos” e ideas abandonadas y apenas esbozadas por el conocido mago de Northampton en la mencionada Watchmen para reutilizarlas en el beneficio del relato que aquí nos propone”.

Respecto al trabajo en Superman: Hijo Rojo de este siempre polémico autor podemos afirmar que este acaba por resultar en “su obra más redonda hasta la fecha, ofreciéndonos su mejor cara como guionista, con una trama llena de conceptos e ideas que maneja con cierta soltura, a pesar de en el fondo no ser más que un popurrí de influencias que el guionista expolia de diversos lugares, y que se aleja sobremanera del efectismo y el “salvajismo comercial” de otras propuestas suyas más recientes como Kick-Ass, Némesis o Wanted”. Por otro lado, “el revisionismo histórico y la citada novela de ciencia ficción distópica se entremezclan en Superman: Hijo Rojo, como en los esquemas habituales de este tipo de obras, en la línea de Un Mundo Feliz de Aldous Huxley, 1984 de George Orwell, Fahrenheit 451 de Ray Bradbury o la más desconocida, pero antecesora a estas, Nosotros de Yevgeni Zamiatin, es clave la figura del disidente que acaba descubriendo y luchando contra las injusticias del estado totalitario”.

“En el apartado gráfico, el dibujo de Dave Johnson y Killiam Plunkett cumple con lo esperado, un trazo simple pero lo suficientemente agradable y detallado como para no entorpecer la historia desarrollada por Mark Millar que intenta retrotraernos en cadauna de las partes del cómic al momento histórico que representan. Cabe destacar, en este aspecto, las portadas originales y alternativas del cómic que recuerdan, intencionadamente, a las campañas propagandísticas de la Segunda Guerra Mundial y la posterior etapa de Guerra Fría y también la lograda labor de adaptación simbólica de los reconocibles personajes que pueblan las páginas de Superman: Hijo Rojo. Completando el conjunto, las tintas de Andrew Robinson y Walden Wong y el color de Paul Mounts acaban por configurar un estilo estéticamente sobrio y mesurado que resulta en “un cómic kafkiano y propio de Max Fleischer”, como lo describe el escritor y productor cinematográfico Tom DeSanto [...]“

Es un pájaro… de Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen (2004) según Víctor Aguilera y David Fernández

“Steven, guionista de cómics freelance, recibe el encargo soñado por todo profesional del medio: guionizar la colección de Superman, personaje icónico por excelencia. Pero lo que debería ser motivo de alegría no tarda en provocarle auténticos quebraderos de cabeza debido tanto a su dificultad para compaginar la vida personal y laboral, como a su incapacidad de asumir un traumático suceso acontecido durante su infancia”.

Esta es la sinopsis de Es un pájaro… de Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen, un cómic atípico en la historia de Superman puesto que no se trata de un relato superheroico al uso, ni siquiera pertenece al género ni se puede decir que El Hombre de Acero sea el protagonista del mismo, como comentaba en 2004 Víctor Aguilera en una antigua reseña suya para Zona Negativa que podéis leer aquí mismo, al terminar esta obra “la sensación más inmediata es de incapacidad de clasificación de lo que se acaba de leer dentro de alguna categoría “mainstream”. Es una historia amarga, sí, terriblemente personal, y todo lo humana que es posible. Además, el hermoso trazo de Teddy Kristiansen acompaña a la historia de forma que es imposible imaginársela de otra manera”. De lo que trata de hablarnos esta atípica obra de Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen es del mismo mito, el que representan “los valores y las virtudes del personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster y la forma en la que pueden (y deben) aplicarse a la vida de cualquiera [...] conocer al fin lo que se esconde detrás del uniforme rojo, azul y amarillo”.

Por su parte, el veterano David Férnandez, en otro artículo que encontraréis aquí mismo, nos pone en antecedentes sobre los autores responsables de la obra, “Steven T. Seagle comenzó su trayectoria profesional escribiendo diversas novelas gráficas para editoriales independientes, entre las que destacan: la miniserie Kafka, con la que saboreó las mieles del éxito obteniendo su primera nominación a los Premios Eisner. [...] Una vez llamada la atención de las grandes editoriales, no tardó en embarcarse en proyectos de mayor entidad, como Justice League Quarterly o Primal Force para DC Comics, o una de sus obras más conocida, acreedora de varias nominaciones a los Premios Eisner, guionizada junto a Matt Wagner: Sandman Mistery Theatre”. También lo hemos podido ver en series como House of Secrets, precisamente junto a Teddy Kristiansen, Uncanny X-Men, Alpha Flight, Oni Double Feature, Crusades y Fachada. Mientras, el danés Terry Kristiansen, tras debutar como ilustrador en diversas publicaciones danesas asumiría con “naturalidad su papel de “rara avis” del mercado editorial americano, participando en proyectos enmarcados dentro del género de misterio, terror y suspense, que tan bien encajan con su sórdido y tenebroso estilo. Entre sus trabajos más relevantes destacan House of Secrets, House of Secrets: Façade, Sandman Midnight Theatre, The Dreaming o Superman: Metropolis”.

En relación a la presente Es un pájaro… David Férnandez nos sigue describiendo a la perfección la obra de Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen: “el brillante guión de Steven T. Seagle alterna la narración en primera y tercera persona, de modo que nos hace partícipes y confidentes de sus pensamientos más íntimos, y testigos del peculiar proceso de creación de esta novela gráfica. Teniendo en cuenta que el propio guionista ha reconocido que los sucesos narrados en este cómic son semibiográficos, cada cual decidirá hasta qué punto lleva su complicidad con el curioso planteamiento argumental, pero más allá de su veridicidad, la valía de Es un Pájaro… reside en la empatía que despierta al lector, la capacidad de narrar una historia atípica desde todos sus puntos de vista, con un halo de autenticidad y por momentos crudeza, sobrecogedores. Steven T. Seagle desnuda su alma para revelarnos sus miedos más profundos, al tiempo que nos regala pequeñas historias cortas (teóricamente apuntes tomados por el guionista para su proyecto) acerca de todo lo que rodea al personaje ficticio cuyas riendas tiene que tomar: el simbolismo inherente a su vestimenta, su identidad secreta, la huída de su planeta natal, su juventud en Smallville, sus poderes, sus debilidades, así como indagaciones acerca del significado de cuestiones existenciales y valores superiores de nuestra sociedad, como la justicia, el coraje, el poder, la soledad o el sentimiento de alienación”.

Y respecto al apartado gráfico: “En cuanto al trabajo realizado por Teddy Kristiansen, decir que enriquece una obra ya de por sí sobresaliente, valiéndose de una multiplicidad de técnicas, recursos y estilos que ayudan a conformar este deslumbrante crisol. Todo ello haciendo gala de un trazo mayoritariamente tan lineal y esquemático como conmovedoramente expresivo, enriquecido por un coloreado que en su variabilidad ayuda en la tarea de diferenciar tiempo, espacio y voces, garantizando de este modo la fluidez de la narración. Muy alejado estilística y conceptuelamente del cómic mainstream, hace de la originalidad y el rupturismo un medio, y no un fín, para llevar a buen término esta gran obra”.

Superman: Identidad Secreta de Kurt Busiek y Stuart Immonen (2004) según David Fernández

“Cuando el 8 de septiembre de 1975 David y Laura Kent tuvieron a su primer y único hijo en un pequeño pueblo de Kansas, no dudaron ni un instante qué nombre ponerle. La respuesta era obvia: se llamaría Clark. Clark Kent. Por desgracia para Clark, sus compañeros de instituto no comparten el peculiar sentido del humor de los Kent, de forma que el joven es objeto de continuas bromas de dudoso buen gusto, alusivas a la coincidencia de su nombre y apellidos con el del famoso personaje de ficción: Superman. Pero…¿y si un buen día adquiriera los poderes del Hombre de Acero?.”

Esta es la sinopsis de Superman: Identidad Secreta de Kurt Busiek y Stuart Immonen, un elseworld convertido en un clásico de culto, el cual sirve para poner de relieve la iconicidad del mito de Superman con una historia que se desmarca de cualquier relato previo del personaje para demostrarnos su fuerza y poder referencial. Respecto al trabajo de Kurt Busiek en esta obra David Fernández nos habla de las virtudes y aciertos plamados por el guionista al optar por introduir en ella “elementos propios del género superheróico como mero pretexto para indagar en otros temas, en esta ocasión la evolución vital de un Clark Kent que nada tiene que ver con el que conocemos. A lo largo de 208 páginas, el guionista nos sumerge en un coherente y creíble viaje por la adolescencia, madurez y vejez de un personaje marcado por un descubrimiento fortuito que cambiará el resto de su existencia. Para ello, y de forma muy hábil, Kurt Busiek combina el elemento fantástico de la historia con lugares comunes: situaciones que de una forma u otra hemos vivido o muy probablemente viviremos a lo largo de nuestras vidas (adolescencia, inadaptación, experiencias laborales, relaciones sentimentales, …), logrando de esta forma, y desde el primer momento, una inmediata identificación del lector con el protagonista.”

“Y todo ello lo consigue gracias al halo de realismo que desprenden unos personajes perfectamente construidos, cuyos sueños, miedos, temores, ilusiones y ambiciones son expuestos natural y progresivamente. De forma fluida, convincente y verosímil, y huyendo de todo artificio para tratar la historia desde un tono adulto, el cuidado guión de Busiek hace que este cómic sea una obra apta y recomendable tanto para lectores ajenos al medio, como para los recién iniciados, o los ya veteranos.”

En relación al trabajo del dibujante estadounidense Stuart Immonen en Superman: Identidad Secreta David Fernández, en sus reflexiones expresadas en una reseña que podéis encontrar aquí mismo, elogia su trabajo considerándolo en última instancia el “responsable del tránsito de este cómic de muy bueno a obra maestra. Por medio de su trazo fino, limpio, elegante, tremendamente expresivo, y realista, y aplicando un coloreado digital sobre sus lápices, hace que el lector asista desde una posición privilegiada a todo un derroche de talento. El resultado es preciso, precioso, impresionante. Inmejorable. Con una sutileza y mesura envidiables, logra plasmar a la perfección los sentimientos, las emociones y los cambios físicos de los protagonistas. Por no hablar de los variados escenarios en los que se desarrolla la acción: los maizales de Kansas, las luces de Manhattan, o la órbita terrestre son representadas en espectaculares (y justificadas) splash pages que dejan boquiabierto al más veterano lector. Estamos, sin lugar a dudas ante uno de los mayores talentos de la industria del cómic contemporáneo”.

All Star Superman de Grant Morrison y Frank Quitely (2006) según Luis Javier Capote Pérez, Alberto Morán y David Fernández

“Durante una exploración en las inmediaciones de cromosfera solar, la nave Ray Bradbury atraviesa series dificultades. Tripulada por el Dr. Leo Quintum y un grupo de colaboradores de la organización científica P.R.O.Y.E.C.T.O., no solo sufre daños en sus escudos antigravedad, sino que también alberga en su interior a una “bomba suicida con forma humana modificada genéticamente”, fruto de los maquiavélicos planes de Lex Luthor. Efectivamente, éste parece un trabajo para Superman…”

De esta manera comienza una de las últimas grandes historias jamás contadas de Superman, All Star Superman del alabado equipo creativo formado por Grant Morrison y Frank Quitely, una obra cuyo título, como explica David Fernández en su reseña de la obra aquí mismo, resulta “un guiño a la colección clásica All Star Comics, que desde la década de los 40 sirvió como plataforma a través de la cual presentar a personajes tan ilustres como los integrantes de la Sociedad de la Justicia o la mismísima Wonder Woman”.

El compañero Alberto Morán, en su artículo sobre esta misma obra que podéis leer completo aquí mismo, nos explica algo más sobre esta línea de cómics la cual “surgió como una iniciativa por parte de DC de juntar a artistas de primer nivel en series protagonizadas por los personajes más populares de la compañía en historias desligadas de la continuidad, de modo que pudiesen reescribir la trayectoria del personaje y desarrollar sus propios argumentos sin preocuparse por las aventuras mensuales del mismo”. Por su lado, nuestro reseñista matinal Luis Javier Capote Pérez, en otra reseña más reseña a la que podéis acceder directamente desde aquí, completa esta información valorando los resultados de la propuesta: “La línea All Star ha sido una de las premisas más atractivas que ha presentado el cómic estadounidense en los últimos años. Personajes de primera línea que presentaban lo que debían ser los caracteres definitorios del arquetipo de la mano de autores de primera línea. Los dos primeros proyectos, centrados en Superman y Batman, resultaron ser los últimos. De ellos el segundo, ejecutado por Frank Miller y Jim Lee, resultó ser una pasada de rosca digna de las idas de perola con las que el responsable de Ronin, Honor o El retorno del señor de la noche nos deleita (ejem) últimamente. Sin embargo el primero, [...] sirvió para que Grant Morrison y Frank Quitely hicieran disfrutar incluso a quienes no eran seguidores de Superman”.

El Superman de Frank Quitely, en todo su esplendor

Respecto a la historia de la relación creativa y profesional entre los escoceses Grant Morrison y Frank Quitely, nuevamente David Fernández, nos pone en antecedentes y nos hace un repaso a sus colaboraciones previas a su trabajo en All Star Superman: “Su primera obra en común llegaría en 1996, con un Grant Morrison que, tras la “oleada británica” que invadió el cómic americano, parecía plenamente asentado en la industria, tal y como lo atestiguaba el éxito y/o las críticas positivas cosechadas por Animal Man o Arkham Asylum: Un lugar sensato en una tierra sensata. Por aquel entonces, Frank Quitely –cuyo verdadero nombre es Vincent Deigham– tenía a sus espaldas un bagaje profesional de apenas seis años, durante los cuales apuntó buenas maneras a través de The Greens, publicada en la cabecera escocesa Electric Soup, o las series Shimura y Missionary Man, realizadas para la mítica cabecera británica Judge Dredd Magazine. En este contexto, surgió la oportunidad de que ambos unieran talentos y esfuerzos en un atípico spin-off de Doom Patrol titulado Flex Mentallo. Un brutal ejercicio metatextual que narra de forma complementaria la angustia suicida de un joven y las peripecias de un personaje de ficción creado por él mismo, implicando al lector hasta convertir la obra en un estudio en toda regla acerca de las relaciones y las fronteras entre realidad y ficción”.

“Ya en el año 2000 su relación creativa se consolidó con dos nuevas colaboraciones: JLA: Tierra 2 y Los Invisibles.”

“En junio de 2001 los escoceses se reunirían de nuevo para revolucionar la franquicia mutante a través de la colección New X-Men. Los “Hijos del Átomo” nunca habían lucido de esta forma, no solo por los guiones de Grant Morrison, sino también por el particularísimo estilo de Frank Quitely, que suscitó no pocas polémicas entre defensores y detractores. Un debate fútil que debería cesar con la lectura de esa pequeña joya titulada Silencio: Rescate Psíquico en marcha (New X-Men vol.2 #121 en su edición original, que con el pretexto del “mes mudo” en todas las colecciones Marvel, puso de manifiesto la incontestable habilidad narrativa de este dibujante. O el New X-Men #118, en este caso dibujado por Ethan Van Sciver, que pasará a la Historia por contener hasta 18 presencias subliminales de la palabra SEX.”

“Tras relatar la que bien podría haber sido “la última historia de La Patrulla-X”, en 2004 ambos autores desarrollaron un proyecto de creación propia publicado por el sello Vertigo. Bajo el título We3, Grant Morrison y Frank Quitely nos acercaron la historia de Bandido, Pirata y Chapucero: un perro, un conejo y un gato convertidos en víctimas de un programa de desarrollo cibernético impulsado por las Fuerzas Aéreas norteamericanas.”

“Con la maquinaría perfectamente engrasada y convertidos en uno de los equipos creativos más respetados del medio, llegaría su gran obra común, que hoy analizamos: All Star Superman.”

El Hombre de Acero: si no existiera, habría que crearlo

En cuanto a las opiniones de esta obra, como ya ha expresado la crítica especializada y la mayoría de aficionados, nuestros tres redactores, con mayor o menor efusión, reconocen en All Star Superman una obra maestra, una historia que Luis Javier Capote Pérez interpreta como el relato de “un semidiós contemporáneo que afronta su versión de los trabajos hercúleos como preludio de un final que bien podría suponer tanto la muerte como la eternidad. Aquí encontramos elementos que evocan el trabajo de Grant Morrison al frente de la Liga de la Justicia y la historia ambientada en un futuro distante. Todo se aprovecha, hasta las disparatadas aventuras de Jimmy Olsen o la fatuidad del Lex Luthor interpretado por el gran Gene Hackman. Todo pasa por el tamiz interpretativo de las ilustraciones de un Frank Quitely en estado de gracia que vuelve a encandilar logrando algo que no está a la altura de todo el mundo: convencernos de que Clark Kent y Superman pueden pasar por individuos diferentes, más allá de las gafas y el peinado”.

Por su parte, a Alberto Morán le faltan adjetivos para describir el trabajo de Grant Morrison y Frank Quitely en esta obra: “Inteligente, evocadora, impactante, atrevida, profesional, creativa, cualquier calificativo se queda corto para definir una obra que sobresale en todo aspecto concebible. Trabajos como éste le recuerdan a uno por qué los superhéroes son capaces de fascinar y de inspirar, y ponen de manifiesto las posibilidades del género y del cómic como medio. La historia definitiva del superhéroe definitivo ya está aquí. [...] Es impactante, es sorprendente, y deja una profunda sensación de asombro y expectación ante lo que va a suceder a partir de ahora”.

Mientras, para el compañero David Fernández, “una de las grandes virtudes de All Star Superman es devolver al lector –o al menos a este lector– sensaciones experimentadas tiempo atrás, cuando la suspensión de la incredulidad, más que un ejercicio consciente de complicidad, era un acto reflejo inherente al gozoso ritual de leer tebeos. Magia en forma de viñetas… sense of wonder, que dirían los americanos…”. El resultado: “una historia atemporal, clásica y moderna al mismo tiempo, en la que brillan con luz propia rasgos distintivos de la Edad de Plata, durante la cual se publicaron las más disparatadas, bizarras y divertidas aventuras”.

Superman: Tierra Uno de J.M. Straczynski y Shane Davis (2011-2012) según Jordi T. Pardo y Raúl Silvestre

El guonista J.M. Straczynski, nos cuenta Jordi T. Pardo, desembarcó en DC Comics en 2009 “para hacerse cargo de las series de Superman y Wonder Woman, con polémicas y “sacrílegas” etapas que incluyen el cambio de perspectiva o vestimenta de estos personajes, y encargándose de ser uno de los abanderados de la nueva línea de novelas gráficas Tierra Uno, una serie de historias fuera de continuidad que presentarían, una vez más, una nueva visión y actualización de los personajes más emblemáticos de la editorial estadounidense. De esta manera, mientras Geoff Johns y Gary Frank pasaban a encargarse de Batman: Tierra Uno, J.M. Straczynski lo haría de Superman: Tierra Uno junto al dibujante Shane Davis“.

“Justo después de anunciarse el proyecto J.M. Straczynski declaraba que el origen y la génesis de Superman era “probablemente una de las historias más contadas y re-contadas del cómic” por lo que resulta difícil aportar algo nuevo mientras tienes “cuidado para preservar lo que ya está establecido”. Por lo tanto, siguiendo lo comentado por Jordi T. Pardo en su reseña de Superman: Tierra Uno a la que podéis acercaros aquí mismo, este reconoce en ella “una historia poco novedosa y falta de originalidad que poco o nada puede aportar a los aficionados de toda la vida ya que no se aparta lo suficiente de los clichés clásicos del origen del personaje como para llegar a sorprender. No obstante, es de reconocer que no es este el público al que se dirige este cómic, ya que Superman: Tierra Uno esta destinado a captar el interés de nuevos y potenciales lectores ajenos a las décadas de historias y relatos del personaje y que buscan “una sensibilidad (más) moderna” en la obra y, por ello, como bien dice J.M. Straczynski, el proyecto debe ser interpretado como si este icono hubiese sido creado por primera vez en los tiempos presentes”.

El éxito de este cómic fue extraordinario y hasta cierto punto inesperado, algo en lo que incide Raúl Slvestre al hablar de la continuación de la serie con su segundo volumen aquí mismo, recordando como el primero fue “editado en un momento de flaco bajón para las ventas del kriptoniano, Earth One supuso una llamada de atención para la popularidad del personaje, que demostró estar a la altura de lo que se espera de él a nivel económico. La consigna era sencilla, al modo de la línea Ultimate marvelita, Earth One vendría a ser un remozamiento de los mitos de la casa desde una perspectiva moderna y algo más realista para ampliar el espectro de lectores”.

En relación al trabajo de J.M. Straczynski nuestro compañero reconoce que este “procura aportar cierta novedad desde esa perspectiva más humana del personaje, donde tiene más peso lo que éste siente y cómo se desenvuelve con los demás, que el mero espectáculo artificial del uso de los poderes y las batallas con el enemigo”. Por su parte, sobre el apartado gráfico de Shane Davis, nuestro redactor Raúl Silvestre lo tiene muy claro cuando comenta que el dibujante “pone empeño, mima las páginas incluso. Pero aún está lejos de ser un buen narrador. Sus viñetas se acartonan con personajes en poses estáticas. Las facciones son retratadas de manera que no logran desprender emoción alguna. Las secuencias de acción son torpes por esa falta de elasticidad en las posturas y por extrañas elecciones de composición”.

En definitiva, no esta de más rescatar el aviso realizado por Jordi T. Pardo sobre esta obra: “Superman: Tierra Uno es “un hombre de acero para una nueva generación”, abstenerse de acercarse a él incondicionales furibundos del personaje y detractores de facto del polémico guionista y escritor estadounidense porque sólo verán confirmados sus peores y más catastróficos temores”.

 Todos nuestros artículos y reseñas del Especial Superman 75º Aniversario

Edición U.S.A.: Adventures of Superman: José Luis García-López, 2013. Contiene Superman #249, 301, 302, 307-309, 347, DC Comics Presents #1-4, 17 y All New Collector´s Edition C-54; DC Comics, 1976-1981.
Guión: Gerry Conway, Martin Pasko, David Michelinie, Denny O´Neil, Len Wein, Elliot S. Maggin.
Dibujo: José Luis García López.
Entintado: Bob Oksner, Frank Springer, Dan Adkins, José Luis García López, Steve Mitchell, Joe Giella, Dick Giordano.
Color: Jerry Serpe, Glynis Wein, Adrienne Roy.
Formato: tomo de 360 páginas, editado en cartoné con sobrecubiertas con solapas.
Precio: 39,99 $.

Si existe una imagen icónica de Superman, no es la de John Byrne, o la de Curt Swan, que también, pero menos. Me explico. Desde tiempos inmemoriales deambulan por ahí infinidad de camisetas, tazas y demás objetos de mercadería, ilustrados por uno de los artistas menos considerados de la industria. Uno de sus mejores dibujantes, quien lleva lustros sentado a la silla, pero con unas pocas obras de auténtico renombre en su haber, es el creador de esas imágenes, que pueblan incluso las calles con muchachos luciendo camisetas con ese Flash sonriente, ese Batman que parece sacado de algún tebeo de los setenta, o ese Superman anacrónico ya, por desgracia, de musculatura perfecta y mandíbula apolínea. Así que todos hemos disfrutado de sus imágenes –cualquiera que haya visto un capítulo de The Big Bang Theory habrá sido testigo del uso de DC de sus icónicas ilustraciones, ya que muchos elementos de merchandising aparecidos en la serie llevan su firma-. Pero, por supuesto, escarbando más atrás, los criados bajo el influjo de las action figures de Kenner, aquellos Super Powers que lamentablemente fueron ganados en éxito, que no en calidad, por los Secret Wars de Mattel y Marvel, venían acompañadas de ilustraciones míticas de García López, definiendo el diseño de los personajes de una manera que imperó en los ochenta hasta la revolución –algunos dirían que involución- estética de los noventa, con el rediseño de casi todos los uniformes superheróicos de la casa. No en vano, durante años el dibujante hispano argentino estuvo vinculado a DC como creador de las guías de estilo de la compañía, sentando el patrón estético de sus personajes. Con lo que ganamos en estampas hermosas, pero perdimos a un dibujante que bien pudiera haberse dedicado a obras de mayor calado.

La figura de José Luis García López es una suerte de deidad en la sombra, reverenciada por gran cantidad de profesionales del gremio, con una pequeña horda de seguidores, pero siempre dentro de unos parámetros de culto minoritario. Y es que las cualidades de García López son innegables. Con un estilo clásico, deudor y a la altura de John Buscema o Joe Kubert, su trazo es tan reconocible como el de los recién citados. No importa que la mayor parte de los guiones que haya dibujado estén a años luz por debajo de su capacidad como narrador. Da igual si dibuja historias de corte medieval como si llena las viñetas de pistolas de rayos y naves espaciales. García López tiene esa cualidad de los grandes dibujantes de los setenta que bebieron con tremendo respeto el trabajo de Alex Raymond o Hal Foster, pendientes de la correcta composición de la página, así como de la perfecta ejecución de las formas. Pero García López, hijo de su tiempo, se permitió ir un paso más allá, adoptando modos nacidos en los sesenta, con perspectivas más forzadas y personajes cuya coreografía de movimientos, aún siendo descrita al milímetro, busca la expresividad a través de ligeros trucos aberrantes. Esta mezcla entre clasicismo de academia y arrebato expresionista velado, da pie a páginas de una belleza innegable, sofocante, donde la minucia en el trabajo recibe la recompensa de viñetas que se pueden admirar por horas.

En el momento en el que García López cayó en Superman, ya llevaba un par de décadas perfeccionando sus lápices a través de la Editorial Columba en Argentina, donde vivió y creció tras marcharse de España cuando era un infante. Tras el salto al mercado norteamericano y tras años de entintar y realizar proyectos de poca envergadura, su nombre empezó a sonar gracias a su labor para Jonah Hex, que le puso en el punto de mira de la DC, de modo que empezó a saltar por colecciones como Detective Comics, Adventure Comics o Brave and the Bold. Los episodios incluidos en esta antología corresponden a esta etapa de su carrera abarcando una franja que va desde 1975 hasta 1981. Estos números fueron suficientes para crear una imagen icónica de Superman, que incluso hoy persiste no sólo en la retina del aficionado, sino en el pensamiento visual del planeta. Su hombre de acero, tan estilizado como hercúleo, tan limpio como definido, de intensa mandíbula cuadrada y rizo clavado, se alza en el panteón de representaciones gráficas del personaje como un axioma imposible de rebatir.

Aparte de bellas páginas, ¿qué encontramos en este volumen? Pues al hijo de Krypton víctima de la psicotronía habitual que padecieron sus páginas casi desde su concepción. Bien es sabido que el de Smalville nunca ha sido, según los autores, un personaje fácil de escribir. Sus tremendas capacidades, así como su cerrado universo, llevan al eterno problema de enfrentarle a amenazas a la altura. Esto dio pie a que la invasión alienígena en todas sus formas se convirtiese en leit motiv de un buen puñado de historias, arrostrando al de la capa roja a todo tipo de seres extraterrestres y amenazas ultraterrenas. Esto da pie a relatos de fantaciencia tremendamente variopintos, donde se entremezclan estereotipos tan naif como alienígenas beligerantes con pinta de duendes paramilitares, con otros conceptos de ciencia pura y ciencia ficción hard, donde Superman es capaz de transportar planetas enteros a través de agujeros de gusano en mitad del cosmos o donde las dimensiones alternativas en planos vibracionales distintos al nuestro son teorías asimiladas por el lector con la misma ligereza que por los personajes que las padecen. Son por tanto estas, historias que deben ser leídas con sana perspectiva. Mejor no la de la nostalgia, sino entendidas como explosiones imaginativas, que aún ridículas y ciertamente obsoletas, permiten el disfrute por su insólita personalidad y por su descarada subversividad ante parámetros lógicos. Vamos, como lo que hace ahora Grant Morrison, pero eliminando las ínfulas metafísicas y las lecciones de para-ciencia de mercadillo. Y que conste que adoro al escocés.

Como si esto hubiera sido un preámbulo a su trabajo en las guías de estilo, gran cantidad de personajes del Universo DC pre-Crisis deambulan por las páginas de este volumen. Tanto es así, que la mitad de sus episodios forman parte del título DC Comics Presents, una colección de team ups de Superman con otros héroes del panteón deceíta. Así, García López nos regala su visión de tipos como Flash, Robin o Deadman, potenciando las cualidades de ciencia ficción de personajes afines al space opera, como Adam Strange o a la ciencia ficción del disparate como Metal Men o Firestorm.

Por cierto, este volumen incluye además el famoso All New Collector´s Edition C-54, que enfrenta al kryptoniano con la mismísima Wonder Woman, del cual podéis encontrar una estupenda reseña de Javier Agrafojo aquí mismo.

De momento, por tanto, tan solo tenemos para especular los siguientes diseños, realizados por Howard Porter (JLA), de los héroes protagonistas, muy distintos a sus actuales identidades. Y eso es todo, porque la falta de detalles de las series en estos anuncios es alarmante y repercute directamente en el impacto de la noticia, todo parece indicar (tampoco hay que ser muy espabilado para suponerlo ya que basta con interpretar el título) que estará ambientada en una continuidad dentro de un milenio. De esta forma, podría decirse que esta serie releva a la recientemente cancelada Legion de Super-Heroes de Paul Levitz, la cual no encontró su espacio dentro del relanzamiento TheNew52, y apuesta sobre seguro con una nueva (cuarta) colección centrada en la Liga de la Justicia, que se une al anuncio de un nuevo título co-protagonizado por Superman y Wonder Woman y a un mes temático en Septiembre donde solo los títulos más vendidos, con Batman a la cabeza, tienen cabida en el catálogo de DC Comics. Es una osadía afirmar que esta serie sustituye a la Legión de Super-Héroes (y los aficionados más clásicos a la serie sabrán a qué me refiero), pero tan solo con la noticia de los creadores al frente de la misma ya es motivo de celebración y satisfacción. Si bien habían admitido hace un par de años, tras firmar el Retroactive Comic centrado en la Liga de los ochenta, que no volverían a reunirse para contar historias del grupo, han encontrado el “resquicio legal” para hacerlo sin faltar a su palabra. Y nosotros que nos alegramos.

En cuanto a los personajes, poco podemos adelantar hasta que no germinen las entrevistas a los autores, pero de momento podemos llamar la atención sobre el posible parecido que pueda tener ese Flash con Wally West (algo que dará que hablar a nada que los autores sean un poquito ambiguo, aunque también puede ser únicamente porque está dibujado por Howard Porter). ¿Será alguno de estos JLers algún miembro de la Legión? ¿Mon-El como Superman, quizás? ¿O se la van a cargar de esta continuidad? ¿Un nuevo reboot quizá? ¿Se van a olvidar del cupo racial o ese Green Lantern será negro? ¿Respetarán la última información conocida de la mitología GL del futuro vista en Final Crisis: Legion of 3 Worlds y el anterior volumen de la Legión? ¿Soy el único que recuerda una miniserie Elsewords de Robin de hace años centrada en el año 3000? Por último, ¿cuál será el próximo título en ser anunciado? Nuestras apuestas están en un potencial Justice League’s Batman/Batman.

Fuente: CBR.

Bonus track: Como dos crossovers en este 2013 les debían de parecer poco a los dirigentes de DC Comics (Rise of the Third Army, Wraith of the First Lantern), han pensando que lo mejor era añadir un TERCER crossover entre todas las series Lantern en Octubre, que será bautizado de momento como “Lights Out”. Curioso nombre. Quizá nos quieran decir algo sobre su política editorial…

Hace exáctamente treinta días, James Robinson sorprendía a propios y extraños anunciando en su cuenta de twitter que el próximo mes de Septiembre dejaría de trabajar para DC Entretainment, donde ha firmado recientemente proyectos como la maxiserie de Shade y el relanzamiento de Tierra-2 y la versión de la JSA en este Nuevo Universo DC. Los detalles acerca del destino del guionista de Shade o Hawkman eran todo un misterio, incrementado aún más si cabe si tenemos en cuenta un nuevo tweet que el propio autor escribió y borró en el que afirmaba que está preparando un proyecto sobre Namor para Marvel Cómics (nada descartable si tenemos en cuenta su confeso y practicado amor por los personajes de la Edad de Oro). Pues bien, aunque de momento el proyecto de Namor no parece ser una realidad, lo que si es cierto es que James Robinson es el nuevo autor que cambia DC Entretainment por Marvel Comics, tras los casos recientes de Joshua Hale Fialkov (quien ha pasado de guionizar con éxito I,Vampire a tener tres series en Marvel: Alpha, Ultimate Comics: Ultimates y el misterioso proyecto Hunger) o Brian Wood (X-Men). ¿Cuál será el primer proyecto de James Robinson en Marvel? Atentos, que no dejará indiferente a nadie. Spoilers de los gordos a continuación.

Así es cómo Marvel Comics promociona y describe esta obra. Se trata de una novela gráfica original a cargo de James Robinson y Mark Waid (nada más y nada menos que dos guionistas ganadores de Premios Eisner) y cuyo apartado gráfico correrá a cuenta del siempre impresionante italiano Gabriele Dell’otto (Secret War). El descubrimiento de Peter Parker de que tiene una nueva mujer en su vida (ver trailer al final de la noticia para comprobar su “primer encuentro”) llevará a Spiderman desde Nueva York a lugares tan inóspitos como Monte Carlo o El Cairo, con Kingpin como el principal enemigo de esta novela gráfica. Según Mark Waid, el villano “ha decidido finalmente expandir el radio de acción de su imperio del crimen a una escala global… y tan solo Spidey podrá detenerle“. Los acontecimientos del principio de esta historia llevarán a Peter Parker a encontrarse con su hermana, a la que los guionistas describen como “el anti-Peter. Ella estodo lo que Peter no tiene. Delicada y calmanda. Lo más parecido posible al clásico personaje de cómics británicos Modesty Blaise”. Esta revelación vendrá acompañada de más detalles del pasado de los padres de Peter, Richard y Mary Parker, durante su etapa de agentes de la CIA (una subtrama que los más viejos del lugar recordarán de hace no tantos años en las colecciones arácnidas).

Los autores también tienen palabras para refererise al momento exacto de la continuidad actual en el que acontecerá esta historia de tintes Bondianos. Y es que, obviamente, no tiene sentido situarla entre los acontecimientos presentes de Superior Spiderman por razones obvias. Por ello, debemos tener en cuenta que esta historia tuvo lugar antes de los hechos narrados en Amazing Spiderman #698-#700. Y es que el objetivo de esta linea de novelas gráficas Marvel, Marvel Graphic Novel, es apelar a un público más amplio y reunir a autores de primera fila. La primera novela se publicará después del verano (simultaneamente en varios paises, España incluido) y será el Avengers: Endless Wartime de Warren Ellis y Mike McKone. Así pues, ¿se integrará este nuevo personaje en la continuidad arácnida tras la publicación de la novela gráfica? ¿Correrán un tupido velo como hicieron con el polémico injerto de retrocontinuidad que fue el Trouble de Mark Millar y Terry Dodson hace unos diez años? ¿Será un personaje que ha venido para quedarse? ¿Qué nuevos proyectos tiene entre manos en Marvel James Robinson? ¿Era la Tía May consciente de la existencia de esta persona? ¿Necesitará Teresa Parker una… yo qué se… transfusión de sangre radioactiva de su hermanito? Preguntas, preguntas…