¿CUANDO ES LEGAL EL SAMPLEO?

2015-01-25T02:13:00.003-04:00

Por suerte o por desgracia no puedo afrontar esta pregunta con una respuesta definitiva, sin embargo, si puedo decirte que preguntas se hará el juez si alguna vez eres denunciado por infracción de derechos de autor. Son las siguientes:

¿Cuándo una obra se puede considerar un compendio de sonidos provenientes de otras obras?

¿Cuándo el sampleo es lo suficientemente pequeño para ser considerado “mínimo” y por lo tanto no relevante ni en la obra de origen ni en la obra “derivada”?

¿Cuando se puede considerar al autor de la creación original dueño de su propio sonido?

¿Cuándo el muestreo digital constituye un uso justo?

¿Cuándo la obra derivada se puede considerar una parodia de la original y por lo tanto legal?

Todas estas preguntas fueron abordadas en el famoso caso “Grand Upright Music vs Warner Bros Records Inc.” el cual cambio la historia de la música para siempre y más concretamente la historia del HipHop.

EL CASO QUE CAMBIO EL HIPHOP PARA SIEMPRE

En 1991 la historia del Hip Hop cambió para siempre. Desde entonces, los Beatmakers no pueden utilizar la que fue su principal herramienta para la creación musical, el sampling o muestreo, sin pedir permiso a los autores de las obras originales.

¿Consecuencias? Se acabo eso de ir a la tienda de discos a rebuscar tesoros musicales, ya que nunca sabremos si obtendremos permiso para utilizarlos. Cierto es que a nivel underground, y si no tenemos aspiraciones en la industria musical, esto no es un problema, pero para aquellos que ya tienen los 2 pies en el negocio, esto supone un duro revés…

El Hip Hop que conocimos en su época de esplendor, en un 90% basado en breaks y loops fue dando paso a un género musical más electrónico y basado en secuencias midi y aunque aun nos quedan las baterías con pegada, pesadas y grooves (mayor tesoro de los Beatmakers y patrimonio de nuestra cultura) y han surgido nuevos e interesantes conceptos musicales, la transición de los dorados 90´s al nuevo siglo, a muchos de los B-boys, se les hace difícil de digerir.

Por desencadenar todos estos acontecimientos, es conocido el juicio que enfrento a Grand Upright Music vs Warner Bros Records Inc como el que cambio la historia del Hip Hop.

1. Los Hechos:

Biz Markie , un rapero norte americano, (Warner Bros. Records) sampleo parte de la música de la canción “Alone Again (Naturally) del cantante, compositor Gilbert O’Sullivan , para su uso en “Alone Again”.

Biz Markie y sus empresas de producción y grabación fueran co-demandados por Grand Upright Music y O´Sullivan junto con Warner Bros.

Warner Bros alegó que los derechos del autor no eran del artista, sino del sello discográfico.

Grand Upright Music demostró con documentos que no era así, ya que, O´Sullivan había cedido los derechos de autor.

Warner Bros aseguro que el sampleo era común en la industria de la música y que por ello debían ser excusados.

Warner Bros dijo haber pedido permiso sin exito a Grand Upright Music, lo que no solo los hacia totalmente conscientes de que Grand Upright Music, si no que además demostraba que la canción se había usado a sabiendas de que no tenían permiso, es decir, la infracción se había cometido deliberadamente.

2. La sentencia:

Tras las declaraciones de una y otra parte, hablo el tribunal. Me remito a la sentencia:

“…está claro que los acusados sabían que estaban violando los derechos del demandante, así como los derechos de los demás. Su único objetivo era vender miles y miles de copias. Este desprecio por la ley, a los derechos de los demás requiere no sólo la medida cautelar solicitada por el demandante, sino también medidas más severas “.

Finalmente el juez remitió el asunto a un abogado del estado para su enjuiciamiento penal por infracción de derechos de autor de forma intencional por parte de los acusados.

3. Consecuencias:

Esta decisión cambio la historia de la música y del Hip Hop para siempre ya que nunca más se pudo samplear sin pedir permiso a los autores muestreados.

“…el juez Duffy ha sido duramente criticado por su excesivo castigo y por llevar a los acusados a un tribunal de lo penal….La opinión de Daffy revela una dudosa comprensión por parte del juez de los hechos y cuestiones acontecidos antes del caso”. Fuente de recursos sobre derechos de autor en la música, de la Universidad de California (UCLA School of law).

Tip / Consejo

2015-01-24T20:40:00.002-04:00

¡Si Eres Artista Cantante, Te Aconsejo Este Tip!

5 consejos antes de ir a un studio de grabacion

2015-01-10T17:46:00.002-04:00

Muchos talentos me han preguntado y tienen la duda de como mejorar su metodo de grabación, por eso he decidido aclarar muchas dudas y dejar 5 consejos antes de ir y al momento de estar en el estudio.

1.- Inspiracion: la inspiracion es un punto importante antes de componer una cancion. Lo recomendable es relajarse y sentirse comodo ya que si no tienes inspiracion puedes llegar a tener una frustracion y no queremos esto. Si llegas a sentirte frustrado es mejor que dejes todo por ese momento y en el momento que te sientas inspirado vuelves a la composicion de la cancion, todo tiene su momento.

2.- Composicion completa: realizar la composicion de la cancion completa, ayuda a tener una idea principal del tema y ahorrar de tiempo al momento de estar en el estudio.

3.- Ensayar: esto ayuda a tener un control total sobre la cancion, cantar a tiempo con la pista y aparte de esto pueden surgir nuevas ideas. Esto tambien ahorra mucho tiempo, el tiempo es importante ya que hay muchos estudios que cobran por hora.

4.- Calentamiento Vocal: Es importante que mantengas tu voz caliente ya que el objetivo es evitar la sobrecarga y la fatiga vocal mediante un buen uso de nuestra voz. Aqui dejare un video y lecciones de los ejercicios que puedes realizar. Ejercicios para preparar nuestra voz

5.- Grupo de personas: Tratar de no tener personas estorbando, interrumpiendote o que hagan que te sientes incomodo y reprimido.

Espero que estos consejos sean muy utiles para ustedes, ponganlos en practica y veran que mejoraran mucho a la hora de ir al estudio de grabacion.

Tip, sugerencias, cosas, Secretos sobre el mastering, segun Andres Mayo.

2015-01-08T17:50:00.003-04:00

Tip, sugerencias, cosas, Secretos sobre el mastering, segun Andres Mayo.
PDF.
¡Son 5 guías que debes ver!

Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Parte 5

¿Como Es? ¿Cuando? ¿Donde Se Ecualiza Un Sonido?

2015-01-04T19:17:00.002-04:00

BUENO AQUÍ PODRÍA MAS O MENOS AYUDARLOS A MI ME SIRVIÓ MUCHO

imagen Estereo En La Mezcla

2014-12-26T17:02:00.002-04:00

¿Qué es el estéreo?

Es un sistema de grabación y reproducción sonora, que emplea dos canales distintos de audio y que está destinado a una escucha binaural realista en la que se pueden percibir cambios en la profundidad, frecuencia y un campo sonoro de izquierda a derecha entre los dos canales o parlantes, como sucede con nuestros oídos.

El sistema consiste en la implementación de dos canales de reproducción distintos , que alimentan cada uno un parlante. Cada canal emite información distinta, que permite que nuestro oído localice las fuentes o elementos en el plano horizontal, es decir de derecha a izquierda. Por otro lado el sistema permite posicionar elementos en el medio de ambos parlantes en lo que se denomina como “centro fantasma”

Centro fantasma

Una de las propiedades que tiene nuestro sistema auditivo es que si percibe un sonido que venga con el mismo nivel tanto desde la izquierda como de la derecha, el mismo va a ser ubicado al medio.

En el estéreo, este principio es el que nos permite poner algo en el medio del panorama (un bombo por ejemplo). Se puede decir que existe un tercer parlante virtual que está en el centro, este se suele denominar “centro fantasma” o “phantom center” en inglés.

Potenciómetro de paneo

Las consolas y secuenciadores modernos incluyen un potenciómetro llamado “pan pot” que tiene como función ubicar las señales en el plano horizontal de izquierda a derecha. Lo que hace este potenciómetro es enviar mas o menos señal a cada canal dependiendo de la posición en la que este.

Si el potenciómetro está ubicado hacia un lado completamente, la señal se envía completamente a ese canal y por lo tanto solo va a sonar por el mismo en la reproducción.Por otro lado en la posición central o en el medio se envía igual cantidad de señal a ambos canales y por lo tanto el sonido parece que proviene del medio o del centro fantasma. En posiciones intermedias se divide la señal y se envía una cierta cantidad a un canal y el resto al otro.

Sweet spot

Si bien el sistema reproduce la información de ambos canales siempre que esta exista, no en todos los casos el oyente va a tener la sensación completa de un campo sonoro en el plano horizontal que va de izquierda a derecha.

El auditor necesita encontrarse en lo que se denomina como punto dulce o “Sweet spot”, entre los monitores y sus oídos. Este punto o zona es la que se forma con un triángulo equilátero entre los parlantes y los oídos del auditor. Es muy importante mantener una distancia igual entre los parlantes y la cabeza u oídos del auditor, para que se mantenga la simetría entre los parlantes y por lo tanto la mejor percepción del efecto.

Empezar por la grabación

No es posible obtener una amplia imagen estéreo en la mezcla si nuestra grabación no acompañó el proceso. Cuando vayamos a grabar un elemento que pretendemos tenga mucha espacialidad tal vez necesitemos usar una técnica de microfonía estéreo para lograrlo.

Un ejemplo de esto es con las baterías, el sonido espacial con definición de la localización a la que tal vez estamos acostumbrados se logra en primer lugar con una buena técnica de microfonía tanto para los Overheads, como para los micrófonos de room.

Otros elementos que podemos probar grabar con este tipo de microfonía son los pianos,que se benefician de obtener tanto los sonidos de las octavas más graves o bajos como la melodía. También es una buena idea intentarlo con guitarras acústicas solistas, ya que crea un espacio muy realista.
También funcionan con percusiones o secciones de percusión y prácticamente cualquier cosa imaginable.

Estratégias de paneo individuales

Desde el punto de vista de las pistas individuales hay múltiples formas de encarar la situación, a continuación voy a dar algunas de las formas que mejor me han funcionado:

Cada cual en su lugar: SI queremos evitar el enmascaramiento y por lo tanto mejorar la inteligibilidad de cada elemento es mejor darle un espacio a cada uno. Por ejemplo si tengo un elemento en una posición de paneo y necesito ubicar otro, es mejor usar otra posición para el nuevo elemento.Lo bueno acá es que dependiendo del elemento, cambios pequeños en el paneo se pueden notar y permiten dar definición a los instrumentos.

Balance en el paneo: Esta estrategia consiste en buscar un balance entre elementos de la mezcla. Si por ejemplo tengo una guitarra que hace armonía posicionada en la izquierda, es ideal balancearla con otra que haga algo similar musicalmente o también algo complementario.Un claro ejemplo de esto son las guitarras eléctricas y acústicas en el rock y pop, que muchas veces son grabadas dos veces para hacer uso de este concepto. Una guitarra puede estar a la izquierda 100% y la otra complementaria a la derecha 100%. Esta idea se puede usar también con elementos melódicos sin irnos mucho del centro de la imagen ya que se pueden perder.
Distribución de elementos: Es muy importante combinar bien los timbres de los elementos, frecuencialmente hablando, a la hora de buscar su lugar en la imagen estéreo. Si tengo un elemento en la izquierda con contenido en frecuencias medias buscar un elemento similar en frecuencias para colocarlo del otro lado para que la distribución sea pareja en frecuencias. Mezclas con pocos elementos pueden tener una distribución más abierta de los elementos, por ejemplo podemos panear a los extremos y usar eso a nuestro favor ya que vamos a tener mayor definición por la separación.
No todo tiene que estar al 100 %: Mencionamos que es posible usar microfonía estéreo al grabar, pero esto no significa que todos los elementos grabados usando estas técnicas puedan o deban estar abiertos al 100% en la amplitud estéreo.
Recordemos que en la mezcla tenemos un espacio muy reducido para incluir una gran cantidad de elementos, entonces tenemos que reducir el espacio disponible para cada uno para que todos puedan entrar.
Podemos por ejemplo reducir la apertura de los overhead a un 70% o menos de acuerdo a la canción y la cantidad de elementos presentes. Al hacer esto los elementos que estan más allá del 70% empiezan a resaltar mucho más.
Lo mismo sucede con pianos o teclados estéreo, si la mezcla es densa es necesario reducir considerablemente la apertura estéreo de estos elementos, a veces incluso es mejor que estén en mono para ampliar la imagen estéreo de nuestra mezcla.
Sobre los Efectos: Se suele decir que los reverbs, delays etc. deben estar paneados al 100% en el caso de ser estéreo. Eso no tiene por que ser una regla de oro y en mi caso eso no suele ser verdadero. Lo que noto cuando hago eso es que se empieza a empastar todo hasta sonar casi mono, entonces suelo cerrar los paneos de los reverbs o busco usar efectos mono para no ocupar espacio innecesario.
Paneo en Mono: Esta puede ser la alternativa más extraña ya que precisa de colocar nuestra mezcla en mono e ir ubicando elementos donde más claro se escuchan en el estéreo. Lo que estamos haciendo con esta aproximación es encontrar espacio tanto en las frecuencias como en la imagen estéreo. Para lograrlo podemos poner un expansor estéreo en el master fader y cerrar el ancho hasta que la mezcla se haga mono, luego probar posiciones de paneo en contexto hasta que el elemento resalte. Luego volver al monitoreo estéreo y escuchar si el espacio es el más indicado. Reducir la cantidad de señales estéreo: Si usamos muchas señales que vienen ya en estéreo, como es el caso de teclados, sintetizadores, efectos de guitarra o instrumentos virtuales, a veces lo que en realidad hacemos es usar señales pseudo estéreo, ya que no tienen suficientes diferencias de tiempo, timbre como para que sean percibidas como estéreo. En situaciones como esta es recomendable deshacerse de algunas de estas señales y dejar la componente mono que en muchos casos es la señal limpia. En caso de querer generar una sensación de espacialidad/estéreo es recomendable que lo hagamos usando delays/reverb. Otras formas de ampliar la imagen estéreo en tus mezclas:
Además de usar el potenciómetro del paneo tenemos otras formas de lograr una separación y definición de los elementos en el campo estéreo que no tienen tanto que ver con el paneo si no con técnicas y formas de ecualización. Veamos algunas:
Buen Filtrado: Una herramienta que puede hacer que ganemos mucha separación entre izquierda, centro y derecha es una buena etapa de filtrado. Muchas veces tenemos elementos paneados a los lados del estéreo con mucho contenido en bajas frecuencias, lo que dificulta mucho la separación con los elementos del centro, como el bajo o el bombo que tienen gran parte de la información en bajas frecuencias. Atenuar buena parte de este contenido o exceso de bajas frecuencias es un buen primer acercamiento hacia un paneo exitoso y una buena separación entre los canales. Recordemos que por lo general en música filtros de 6 y 12 dB por octava suelen ser suficientes. Si necesitas más filtrado prueba subir la frecuencia de corte hasta llegar a destino.

Ecualización sustractiva: Esta es otra forma de generar espacio frecuencial, que se convierte en espacio en el campo estéreo. Buscamos frecuencias que suenen mal o desbalanceadas en los elementos que componen la mezcla para atenuarlos, con ello conseguimos además de limpiar la mezcla, dar espacio frecuencial y del espacio a otro elemento. Lo mismo podemos hacer con los retornos de efectos o reverberaciones y conseguir que los mismos suenen mucho más grandes aún.

Ecualización complementaria: Otra forma de ganar espacio en el panorama estéreo es hacer ecualizaciones complementarias en elementos que están enfrentados en la mezcla. Por ejemplo dos guitarras eléctricas que se encuentran paneados en lados opuestos de la mezcla por ejemplo L90 y R90, para lograr una separación aún mayor podemos hacerles una ecualización en una guitarra y la curva de ecualización contraria en la otra guitarra. Lo que buscamos es que cada guitarra tenga un timbre distintivo y que al mismo tiempo se pueda liberar espacio de una guitarra hacia la otra.

Conclusiones

Una buena mezcla de audio no es aquella que está equilibrada desde lo frecuencial sino es aquella que está equilibrada desde lo espacial. Como vimos en este artículo, muchas veces y aunque suene paradójico, ampliar la imagen estéreo tiene mucho más que ver con el hecho de deshacernos de elementos que no nos sirven o de cerrar la apertura de elementos que pueden llegar a interponerse con otros que con tener muchos elementos que sean super espaciales o que ocupen mucho espacio en nuestra mezcla.

Otra lección importante para llevarse de acá es que mientras más saturada de elementos esté la mezcla más nos vamos a tener que preocupar porque cada cosa ocupe su lugar y para ello no vamos a tener que usar solamente la perilla de paneo sino que vamos a tener que echar mano al filtrado, la ecualización e incluso a tomar decisiones como disminuir la cantidad de elementos o cambiar el tipo de efectos que usamos.

Lograr una buena mezcla tiene mucho que ver con el contexto y con el hecho de lograr que las cosas interactúen bien y tengan su propio lugar, para esto es muchas veces necesario hacer cosas que en principio parecen contradictorios pero que en contexto se entienden como sacrificios necesarios para lograr un resultado final mucho mejor.

Finalmente creo que hay que notar que en el caso de tener dos guitarras que hagan algo en simultáneo, una buena forma de lograr ubicarlas bien en el estéreo es ecualizarlas complementariamente, esto no modifica donde están en el estéreo sino que modifica como las percibimos y eso es algo a tener en cuenta en todo momento cuando de paneo se trata.

Bueno, espero que estas técnicas les sirvan a todos los que visitan mi website. Un saludo, a mezclar se a dichoo!!

Mezcla Digital Vs Mezcla Analógica (¿Que Es? ~ ¿Cual Es Mejor?)

2014-12-26T16:56:00.001-04:00

Un poco de historia y contexto del audio digital

Si bien el formato de archivos digitales y los primeros medios digitales usados en el audio profesional existen desde hace bastante tiempo, no fue hasta mediados de los años 90 que se masificó el uso de sistemas con la suficiente capacidad de procesamiento equivalente para un estudio profesional de mezcla. Es decir la capacidad de tener 24 pistas simultáneas para mezclar sin problemas de procesamiento. Los primeros sistemas que se usaban dependían de procesamiento externo a la computadora, por las limitaciones de hardware de los sistemas que se podían conseguir de manera masiva en esa época.

En ese sentido se populariza Pro Tools (antes llamado Sound Designer), un secuenciador que además de las características comunes a los secuenciadores de la época incorporaba procesamiento DSP externo. Esto permitía procesar una cantidad de pistas comparable a la de los sistemas de cinta además de una gran cantidad de instancias de procesamiento en tiempo real como compresores, efectos de tiempo, ecualización.

Esto como era de esperarse logro imponer a la plataforma como un estándar para los estudios de grabación o de mezcla y mastering pero era muy costosa para el usuario ocasional o amateur.

A mediados de la primer década del siglo XXI, las computadoras habían evolucionado mucho y podíamos encontrar en muchísimos hogares computadoras con la capacidad de procesamiento suficiente como para trabajar sesiones respetables, naciendo así lo que hoy conocemos como “homestudio” o estudio de grabación digital casero.

Hoy en día casi cualquier computadora puede manejar una sesión de mezclas equiparables a las de un estudio profesional básico sin problemas. Además, el precio de un sistema con la capacidad de procesar sesiones enormes se ha reducido drásticamente dando la posibilidad de acceder a nuestro propio estudio casero con poco dinero y lograr cosas que hace 30 años no hubiese soñado ni el más optimista de los músicos.

Mala reputación

En los comienzos del audio digital de uso comercial, en concreto a finales de los años 80 y comienzos de los 90 se consideraba que lo digital sonaba frío, metálico, sin vida y el concepto quedo estigmatizado hasta nuestros días.

Pasado el tiempo y con la mejora en el diseño e implementación de los conversores AD/DA (analógico-digital/digital-analógico). Específicamente la mejora en el diseño de los filtros que se necesitan para limitar el ancho de banda del audio antes de realizar la conversión a digital, se mejoró notablemente el sonido resultante. Los defectos antes mencionados por los que el audio digital adquirió una muy mala reputación tenían que ver con el rizado o ripple que provocaban los filtros que se usaban y que alteraban la respuesta en frecuencia y fase del audio en la banda pasante que es la importante al final de cuentas.

Ahora, lo de sonar frío o metálico es algo que se sostiene hasta el día de hoy y algo de cierto puede llegar a haber en esa afirmación, el problema es que el sonido de lo digital avanzo muchísimo y hoy por hoy se puede decir que estamos a años luz de la calidad del audio digital en sus inicios, tenemos VST o emuladores como el Kemper Profiler que nos pueden dejar boquiabiertos con la manera en que suenan.

Por esta razón lo mejor es que cada uno saque sus conclusiones y favorezca el método de mezcla que más le convenga en la batalla ITB vs OTB. Analicemos las ventajas y desventajas de la mezcla ITB.

ITB (In The Box mixing)

Cuando nos referimos a mezclas ITB o “in the box”, nos referimos a mezclas que se hacen solamente en el dominio digital o usando solo las opciones que nos pueden brindar el secuenciador y los plugins. En este caso la “caja” no es otra cosa que una analogía referida a la torre de nuestro CPU o el cuerpo de nuestra notebook en donde se procesará todo.

A diferencia de un pasado no tan lejano, hoy por hoy la oferta de secuenciadores y plugins es muy variada. Podemos encontrar desde compresores, limitadores, ecualizadores de diseño propio hasta emulaciones de circuitos considerados imprescindibles e incluso emulaciones de canales de consola.

Algo que es necesario entender sobre las mezclas digitales, es que las mismas han cambiado. En el pasado la idea pasaba por usar los plugins para todo aquello que no se podía lograr usando solo equipamiento analógico y hoy por hoy lo que se busca es una mezcla de lo mejor de ambos aspectos, el comportamiento digital de precisión y el comportamiento analógico de ciertas funciones.

Es decir se usan plugins de precisión para algunas tareas en las que el resultado es mejor con ellos, por ejemplos filtros de fase lineal, ecualización correctiva quirúrgica, compresión multibanda, etc. Y se usan plugins que emulen o tengan cierto comportamiento similar a la de su par analógica para cuestiones como compresión musical, ecualización aditiva, procesadores de tiempo, etc.

Pasemos a ver cuales son las ventajas de las mezclas digitales:

Ventajas de las mezclas digitales o ITB:

Ruido casi inexistente: El ruido inherente del sistema digital es prácticamente nulo y por lo general atribuible a la sala de grabación o a los propios medios con los que se graba como el micrófono o el preamplificador.

Lo mismo sucede en la mezcla ya que el único ruido que se produce es el ruido por la acumulación de errores en los cálculos necesarios para cualquier instancia de procesamiento y dicho ruido es poco probable de ser audible en caso de grabar y mezclar a 24 bits, usando buenas estructuras de ganancia y principios de mezcla.

Son repetibles: La posibilidad de replicar en una mezcla lo que hicimos el día anterior es una de sus ventajas más importantes y uno de los factores que más tiempo nos ahorra en comparación de su contraparte analógica. Hay que decir que puede ser una desventaja también porque contribuye con el fenómeno de inseguridad y de tener varias versiones distintas de una mezcla que en realidad no cambian.

Se pueden hacer cambios no destructivos: Esto implica la posibilidad de introducir cambios con los que no nos tenemos que comprometer o dicho de otra manera podemos volver atrás con un click del mouse o un atajo de teclado, a diferencia del mundo analógico donde los cambios suelen ser destructivos y difíciles o en algunos casos imposibles de revertir.

Importar los datos de otra sesión: Otro aspecto en favor de las mezclas digitales es el hecho de permitirnos importa datos de otra sesión y acelerar los tiempos. Supongamos que tenemos que mezclar 10 canciones de un mismo proyecto, las mezclas se van a parecer entre si y por eso la posibilidad de aplicar la misma cadena de procesamiento para tener un sonido base similar. Esto nos posibilita tener un hilo conductor a la hora de mezclar un disco y que el sonido final sea homogéneo, de tal manera que no todo este peso recaiga sobre la masterización.

Múltiples instancias de un procesador: Esto quiere decir que si tenemos un plugin, podemos usarlo las veces que consideremos necesarias. Supongamos que tenemos un buen plugin que emula al LA-2A, podemos usarlo en 10 pistas al mismo tiempo de ser necesario ¿Se imaginan lo que costaría hacer eso en una mezlca analógica?

El sistema mantiene la respuesta con múltiples escuchas: El sistema de reproducción digital al no producir un desgaste sobre el medio de reproducción con cada vez que se reproduce el material, permite múltiples escuchas tanto en la grabación como en la mezcla sin pérdidas en la respuesta en frecuencia u otro componente del audio.

Esto en contraste con los sistemas completamente analógicos que presentaban el desgaste propio de la cinta.

Automatización total: Sabemos que para que una canción tenga “movimiento” y se mantenga atractiva durante toda la duración de la misma, debe presentar cambios. Es en ese sentido que en la mezcla intentamos ayudar los cambios ya existentes en la canción, por ejemplo cambiando la ecualización que usamos en la estrofa en algún elmento respecto del estribillo o colocando más reverberación en una parte en particular del tambor o caja de la batería. En los secuenciadores actuales podemos automatizar prácticamente todo y si bien la automatización es algo que proviene del dominio analógico, en las mezclas digitales se hace muchísimo más sencilla.

Desventajas de las mezcla digitales o ITB:

El sonido: A decir verdad las mezclas ITB no suenan necesariamente peor que las OTB (depende muchísimo del contexto) pero es cierto que hay cosas que no se pueden hacer en las mezclas ITB como ser exigir un compresor demasiado sin que introduzca problemas sonoros audibles.

La curva de aprendizaje: No es que sea intrínsecamente más difícil hacer mezclas digitales sino que la combinación de habilidades necesarias para la producción musical (grabación, mezcla, masterización) hace que tengamos que saber un poquito de todo. Además la cantidad de herramientas que existen en el mundo digital son tantas que aprender a usarlas puede llevar mucho tiempo, distrayéndonos de lo que importa.En el mundo analógico las cosas pueden ser mucho más sencillas.

Demasiadas posibilidades: Como ya mencioné, el hecho de que las posibilidades sean casi infinitas en el mundo de las mezclas digitales en cuanto a número de pistas, overdubs, instrumentos virtuales etc. es tanto una ventaja como una desventaja. El problema es perder la perspectiva y terminar usando cosas porque las tenemos a mano o llenando nuestras mezclas con elementos innecesarios. Es una paradoja similar a la era de las telecomunicaciones donde hay cada vez menos interacción humana.

La vara es realmente baja: Seamos sinceros, está lleno de música horriblemente grabada y mezclada, esto no se debe a un designio divino sino que el hecho de que cualquiera puede grabar y mezclar pero al ser tan sencillo hacerlo la calidad en promedio disminuye. Aclaro que no estoy pecando de elitista ya que yo mismo empecé de esa manera y unos cuantos cientos de frustraciones más tarde creo que algo decente puedo hacer. Esto no solo aplica al conocimiento sino también al acceso a ciertas herramientas que son imprescindibles para lograr buenos resultados como micrófonos, interfaces de audio, preamplificadores, acondicionamiento acústico y una larga lista de etcéteras.

El auto aprendizaje: El autoaprendizaje es una realidad que vas a tener que afrontar tarde o temprano. Yo estudié Ingenieria en Sonido y hasta el día de la fecha me sigo enseñando cosas o aprendiéndolas a través de terceros. Aunque suene algo nostálgico de una época que no viví, en los años dorados del audio analógico era común la figura del mentor en el estudio, persona que te iba guiando desde ser el que hacía el mejor café con leche a ser un ingeniero en mezcla o masterización. Hoy por hoy uno tiene que ser su propio mentor y eso exige disciplina.

Mezclas analógicas o Out of The Box

Las mezclas OTB en el sentido más estricto de la palabra son aquellas mezclas en las que solamente se usa equipamiento externo al secuenciador y la computadora. Hoy por hoy muy pocos proyectos se hacen de esta manera y por lo general o bien son proyectos de alto presupuesto o bien están relacionados con la nostalgia vintage o el gusto intransigente por lo analógico, algo que , demás está decirlo, es totalmente respetable.

La evolución del audio analógico

Los procesos de grabación, mezcla y masterización fueron evolucionando con el tiempo. En un principio la mezcla la hacían los músicos, el director de la orquesta y la ubicación de los micrófonos. El concepto de mezcla en si no existía y ya el hecho de poder dejar música para la posteridad era suficiente.

Con la invención de la cinta magnética para grabar audio, se empezaron a hacer las primeras mezclas con las pistas disponibles, ahí se mezclaba usando una pequeña consola de mezclas que daba distintos niveles a las fuentes.

Después y de la mano del bounce vino la grabación multipista. Primero fueron 2, después 4 y así hasta llegar a las 24 pistas que fueron una novedad en los 70 que permitían grabar una batería completa usando varios micrófonos y hacer overdubs encima de eso..

Es en este punto en que las consolas se fueron haciendo cada vez más completas y complejas en funcionalidades. Era necesario poder manejar una cantidad importante de pistas y poder modificar las cualidades tímbricas de la señal, para ello venían con secciones de EQ y filtrado, más adelante vinieron incluso con compresores, limitadores, gates y opciones cada vez más avanzadas como ruteos a subgrupos, inserciones externas, medidores o correlatores de fase y vúmetros en canales, subgrupos y master.

En esta época también se desarrolló en paralelo la posibilidad de automatizar parámetros de la consola o escenas, que son equivalentes a fotos de los parámetros de la consola. Luego se colocaron faders motorizados en los canales para poder automatizar el nivel de las pistas y crear mezclas dinámicas.

Pero la razón por la que la consola era la reina y señora de cualquier estudio de grabación profesional viene dada por algunas características propias del audio analógico. Veamos que es lo que lo hace tan especial.

Características del audio analógico:

Para entender mejor las mezclas en formato analógico tenemos que repasar algunas de las características del sistema y sus componentes; veamos.

Ruido: Los componentes de un sistema de mezcla analógico tienen un ruido de fondo que va a determinar el rango dinámico máximo de la señal. El ruido es inherente al audio analógico y es bastante alto en los equipos fabricados hace mucho tiempo por una cuestión de tolerancias de componentes electrónicos.

Lo que diferencia a el ruido de las emulaciones del sistema digital, es que cada equipo tiene un ruido distinto ya que los componentes de los circuitos no son iguales por más que las tolerancias de fabricación sean muy bajas.

Entonces tenemos que una consola analógica tiene distinto ruido entre canales y subgrupos, etc. Lo mismo sucede con ecualizadores, compresores y dispositivos externos. En parte este ruido puede ser positivo ya que el mismo enmascara a señales de bajo nivel en la grabación o mezcla que pueden llegar a ser molestas de no estar presente el ruido.

Distorsión: Bajo el mismo principio que con el ruido los dispositivos analógicos generan distorsión de distinto tipo: fase, armónica, etc. Esta distorsión es distinta en cada canal y dispositivo usado, por el mismo motivo que con el ruido.Esto puede ser deseable ya que esas diferencias influyen en como el oído por ejemplo interpreta el estéreo, recordemos que el sistema auditivo reacciona ante diferencias de nivel, de timbre y de fase.Entonces que el timbre y distorsión sea ligeramente distinta entre canales y en el reparto estéreo puede contribuir a una mayor amplitud o apertura en la imágen estéreo, que es por lo general deseable en nuestras mezclas.

Headroom: Otra de las características que definen a los dispositivos analógicos es su headroom, es decir el nivel de señal máximo por encima del nivel estándar ( +4 dBu o 0VU ) que pueden soportar antes de llegar a la distorsión. Ciertas escuelas de diseño analógico logran niveles envidiables de headroom, por ejemplo los diseños de Rupert Neve y su filosofía.

Compresión y cambios en la respuesta en frecuencia: La cinta tiene una cierta pérdida en su respuesta en frecuencia con el uso y desgaste de la misma. Es decir que al ir avanzando en la mezcla se tiende a perder frecuencias agudas.

Tiene además un máximo de nivel de señal que puede aceptar y cuando se rebasa ese nivel empieza a comprimir la señal tal como haría un compresor. Tal vez este es uno de los motivos por el cual ciertos productores favorecen a la cinta para grabar cierto tipo de material material como puede ser el caso de la batería.

Ventajas y contras de la mezcla OTB

Repasemos algunas de las ventajas y desventajas de mezclar fuera de la caja o en analógico:

Ventajas

Musicalidad: Si observamos el comportamiento de los dispositivos analógicos en general podemos darnos cuenta que no tienen la precisión que existe hoy en día en su par digital. Si hablamos por ejemplo de compresores vamos a ver que por lo general el ataque y release de estos son mucho más amigables con la música e incluso en muchos casos los equipos no tienen una nomenclatura en número, si no por ejemplo tiempos de ataque lentos o rápidos.Algo similar ocurre con los ecualizadores de equipos reconocidos, los anchos de banda que manejan son muy grandes y por lo tanto más permisivos a una “mala” ecualización. Por ejemplo anchos de banda de una octava o más son típicos en modelos clásicos. Esto significa que al ecualizar una zona frecuencial también estamos tocando la octava, que es un intervalo bastante musical. Por lo mismo no son tan selectivos y esto puede evitar llegar a hacer sonar mal al ecualizador.

Simpleza al mezclar: Esto es ciertamente relativo pero al no disponer de tantas opciones en lo que herramientas se refiere, nos vemos obligados a simplificar la manera en la que hacemos las cosas y concentrarnos en lo que es importante para tener una buena mezcla: buen balance tanto frecuencial, de panorama y de niveles. Reducimos por lo tanto la cantidad de procesamiento a veces innecesario de nuestra mezcla.

Espacialidad y profundidad: Tal como mencionamos anteriormente la existencia de diferencias en la respuesta entre canales tanto en distorsión como en ruido dan lugar a una tendencia a mayor espacialidad en los elementos de la mezcla. Esto nos permite una mayor separación entre elementos de la mezcla con un menor esfuerzo.

Obliga al entrenamiento auditivo: El no poder ver las curvas de ecualización que generamos en una pantalla o los tiempos de ataque y release de los compresores con la precisión de la D.A.W nos obliga a estar atentos a que es lo que sucede desde el punto de vista del sonido. A la larga entrenamos nuestro oído para reconocer zonas frecuenciales o problemas en el material de la mezcla y poder solucionarlo sin necesidad de ver los parámetros que estamos modificando.

Fuerza la toma de decisiones: Las limitaciones tanto en la cantidad de procesamiento o dispositivos disponibles, como en las cosas que se pueden hacer con los mismos, nos obligan a tomar decisiones respecto a lo que queremos hacer en la mezcla. Muchas veces el tener demasiadas opciones nos hacen divagar con la dirección de la mezcla y no logramos terminar las mezclas.

Sonido cálido: Este adjetivo está vinculado a la generación de armónicos de ciertos dispositivos, en especial los valvulares. Los mismos al generar armónicos pares dan una textura y calidez al sonido que es muy apreciable en ciertas fuentes o tipos de procesadores.Algunos ejemplos de estos circuitos son: el ecualizador EQP1 de Pultec con amplificación valvular, el compresor LA-2A, el compresor Fairchild 670, el compresor Vari- Mu de Manley, entre otros equipos.

Desventajas

La vara es alta: Así como en las mezclas digitales mencioné que la vara era demasiado baja, en las mezclas completamente analógicas la vara es alta. Ahora, quiero aclarar que con esto no me refiero a mezclar con una mesa Behringer y un ecualizador gráfico en conjunto con un compresor de 150 doláres. Sin querer desmerecer esos equipos, si vas a mezclar así te recomendaría mezclar en digital sin pensarlo dos veces. Los equipos que suenan realmente bien y que no nos van a dar dolores de cabeza (ruido, frituras, interferencia) son caros y valen la pena.

Mayor tiempo para mezclar: Hacer un recall, incluso si se trata de unos cuantos equipos, es tedioso y consume mucho tiempo. Pensemos que si tenemos que hacer una corrección de una mezcla en la consola, necesitamos colocar todas las perillas, interruptores y faders en el lugar en el que estaban.

Por si esto fuera poco hay que hacer lo mismo con los dispositivos periféricos como compresores, ecualizadores, etc.

Esta práctica puede llevar en el caso de una mezcla grande varias horas de recall, para recién poder empezar a mezclar nuevamente o a realizar la corrección necesaria.Recordemos que para poder hacer un recall necesitamos haber almacenado todos los parámetros de los dispositivos via fotos, hojas de recall o grabaciones de video.

No hay automatizaciones: Salvo en las consolas de muy alta gama, las consolas analógicas no proveen de formas de automatización. Si queremos cambiar algo de la mezcla lo tenemos que hacer en tiempo real y hacerlo correctamente. Es por eso que en el pasado se usaban todas las manos que hubieran en el estudio para hacer movimientos de automatización, el ingeniero de mezcla, los asistentes, los músicos y todo el que estuviera cerca.

La mezcla digital que emula a la analógica:

Ya hablé bastante de las ventajas y desventajas de las mezclas digitales y analógicas en la batalla ITB vs OTB, ahora voy a hablar un poco sobre los avances que se han dado en la emulación digital de equipos analógicos y como esta nos puede servir a nosotros.

Volviendo al pasado

Al comienzo del audio digital, se buscó hacer todo lo que no se podía hacer con los dispositivos analógicos, es decir evitar el ruido y las distorsiones a toda costa y manipular las mezclas con una precisión inalcanzable para el mundo analógico.

En ese afán se crearon compresores y limitadores con ataques ultra rápidos, limitadores “look ahead”, ecualizadores paramétricos con anchos de banda minúsculos, ecualizadores de fase lineal etc.

Todo este desarrollo fue y es muy útil, pero los usuarios notaban que a las mezclas les faltaba ese “je ne sais quoi” que tenían las mezclas analógicas y a raíz de esta necesidad nace el desarrollo de plugins que emulan a los equipos considerados legendarios.

La cúspide de la investigación y desarrollo en este sentido son tal vez las emulaciones de canales completos de consolas analógicas legendarias . Ejemplos de esto son las emulaciones de los canales de la consola SSL G-400 y E-4000 disponibles en varios desarrolladores como Waves y las emulaciones de las consolas A.P.I Vision channel strip, Neve 88 RS ambos de universal audio.

El concepto detrás de estas emulaciones es poder usar una instancia de canal de una de estas consolas en cada una de nuestras pistas o canales de mezcla, de tal manera de obtener un sonido unificado en la mezcla.Los canales de este tipo de consolas, de formato grande, se caracterizan por tener una sección de preamplificación seguida de ecualización completa (filtrado, shelvings de agudos y graves, mas 2 bandas paramétricas). Además poseen una sección de dinámica completa (compresor, expansión /compuerta) y finalmente un control del nivel de salida.

Algunos ejemplos de plugins que emulan los famosos “channel strip”:
Entendiendo la emulación digital de equipos analógicos:

Ya mencioné por encima las características del audio analógico, veamos en qué hacen hincapie los plugins digitales de emulación de equipos analógicos:

Distorsión: Una de las características de los dispositivos analógicos de audio en general es su no-linealidad, la señal a la salida tiene otros componentes o cambios en la señal que no estaban a la entrada.Hay varios tipos de distorsión: de fase, distorsión total armónica o THD (Total Harmonic Distortion) y distorsión por intermodulación o IMD (Inter Modulation Distortion).La distorsión de fase sucede típicamente cuando se usa algún dispositivo que cambia algo en el dominio de la frecuencia, por ejemplo un ecualizador. Una vez hicimos una determinada curva de ecualización la zona frecuencial que afectamos también se ve afectada por cambios en la fase de la señal. Estos cambios no son malos en sí y constituyen tal vez uno de los motivos por los que algunos ecualizadores son tan agradables al oído.En general las emulaciones digitales buscan imitar la distorsión que generaba el circuito original. Si bien la distorsión es un fenómeno bastante complejo, algunas emulaciones logran muy bien su cometido.

Ruido: Otra de las características de los dispositivos analógicos es el ruido inherente a los circuitos de los mismos. Principalmente tenemos dos ruidos bien distintivos: el ruido de la alimentación y el ruido de los componentes electrónicos. El ruido de alimentación se manifiesta como una frecuencia superpuesta a la salida de la señal de audio y va a depender de la frecuencia de la red eléctrica del lugar o país donde estemos. Puede ser de 50 Hz o 60 Hz, más sus armónicos es decir 100 Hz, 150 Hz y 120Hz,180 Hz, etc.Algunos plugins permiten deshabilitar el ruido de la línea eléctrica para evitar sumar varias instancias de este ruido y ensuciar innecesariamente la mezcla. De todas maneras este ruido está a un nivel muy bajo y salvo que se usen varias instancias del mismo con el ruido habilitado, en el caso de tener la opción, no se va a notar audiblemente. Por otro lado tenemos el ruido que es generado por los componentes del circuito analógico, este ruido es del tipo constante en frecuencia y similar al ruido blanco.Si bien los dispositivos analógicos generan ruido a la salida, este ruido es distinto en cada uno de ellos. Por este motivo hay que tener cuidado al añadir muchas instancias de ruido en estas emulaciones ya que este puede enmascarar detalles y ensuciar el sonido.

Circuitos de detección (Compresores): Si hablamos de los compresores clásicos que han sido emulados (1176 , LA-2A, Fairchild 670, A.P.I 2500 , DBX 160, etc) uno de los principales aspectos que se tuvieron en cuenta son los circuitos de detección de cada uno de los modelos ya que el mismo es determinante en el carácter del sonido del equipo. El LA2A por ejemplo, tiene un circuito óptico de detección, y un ataque y release más bien lentos mientras que el 1176 que tiene un circuito de detección FET tiene el ataque y el release rápidos
Circuitos de amplificación: Tanto en ecualizadores, como compresores entre otros dispositivos existe una parte que es la que se encarga de amplificar la señal. Que dependiendo del tipo de circuito tiene un carácter y sonido particular.
Comportamiento frecuencial: Si bien cada dispositivo de audio imprime su carácter en el ámbito frecuencial hay algunos dispositivos que claramente modifican la respuesta en frecuencia. Podemos citar los emuladores de cinta y los emuladores de delays analógicos, entre otros.
Los emuladores de equipos de cinta o saturadores nos permiten tener una respuesta con menor contenido en altas frecuencias, controlado por lo general por la velocidad de transporte de la cinta en pulgadas por segundo o IPS (Inches Per Second). A menor velocidad menos contenido en alta frecuencia habrá en el audio. Esta es una forma de suavizar la respuesta de la mezcla en digital y hacer que se parezca más a la del audio analógico.
La tercera posición: la mezcla híbrida

Creo que a esta altura quedó bastante claro que ambos tipos de mezcla tienen sus ventajas y desventajas y es por esta razón que cosechan defensores y detractores por igual. También estoy seguro que sabés que existe una tercera forma de hacer las cosas que es quizás la más común hoy por hoy. Estamos hablando de la mezcla híbrida o lo que es lo mismo, la combinación del mundo digital con el analógico.

En principio se usa el soporte digital como medio de grabación y edición de las pistas, en la mezcla se usan una mezcla de plugins con dispositivos externos de hardware. Estos dispositivos por lo general son: compresores, ecualizadores, sumadoras de señal, entre otros.

Esta filosofía de trabajo es casi una regla en los estudios de mezcla y estudios de mastering actuales. Imaginate por medio segundo tener que editar a un baterista desastroso cortando cinta milimétricamente con un cutter/estilete como lo tuvieron que hacer algunos en su momento. Imaginate repetir una toma 600 veces porque el cantante no afina demasiado bien, imaginate lo que tendrías que cobrar o los potenciales clientes que te perderías

Hoy por hoy hay un estándar de calidad que es casi imposible de lograr mezclando analógicamente (si el estándar está bien o mal es algo muy discutible y escapa al alcance de este artículo) o que es directamente un subproducto de la existencia del audio digital. El uso del Autotune como un efecto es un buen ejemplo de ese fenómeno.

Por esta razón la mezcla híbrida no es otra cosa que el paso lógico a seguir en una industria que quiere las cosas cada vez más rápido y sonando mejor.

La idea detrás de la mezcla híbrida es incorporar equipos analógicos en algunas partes de la cadena de manera de lograr gran parte de los beneficios de la mezcla analógica pero al mismo tiempo contar con las ventajas de la mezcla digital.

Uno de los fenómenos mas interesantes que surgen a raíz de la mezcla híbrida es el nacimiento del hoy por hoy famoso “formato 500″ que no es otra cosa que equipos analógicos en un formato reducido que permite tener una interesante cantidad de equipos ocupando poco espacio. El formato 500 reemplaza de cierta manera a la consola ya que en lugar de obligarnos a comprar 16,24 o 48 canales, podemos tener una consola analógica de calidad con la cantidad de canales que nosotros consideremos convenientes.

La idea cuando se arma un sistema híbrido es poder hacer todas las cosas en las que el sistema digital es superior o más conveniente como la edición, el filtrado de las pistas, las ecualizaciones de precisión o correctivas, el uso de limitadores, compresores multibanda, procesamiento de efectos, distorsionadores, etc, dentro de la caja o computadora.

Luego pasar las señales más importantes, como las voces, el bajo, el tambor/caja/tarola, etc, por equipos analógicos que le van a imprimir un carácter especial a estas señales. Ya sean compresores, ecualizadores o excitadores armónicos entre otros.

Todas las automatizaciones de parámetros de plugins, controles de paneo, nivel, silencios, etc, las hacemos en digital y terminamos la mezcla sumando el resultado en un sumador analógico que funciona como los buses de mezcla de una consola y el master fader. Esto va a brindar apertura y profundidad a la mezcla prescindiendo de consola.

Armar un sistema híbrido de mezcla es casi obligatorio hoy por hoy, es la manera más sencilla de obtener lo mejor del mundo analógico sin perder las ventajas de la mezcla digital.

Conclusiones:

Hemos visto que los dos sistemas tienen sus ventajas y desventajas, cosas que uno hace mejor que el otro y viceversa. Sin embargo personalmente creo que ninguno de los dos sistemas garantiza una buena mezcla, más bien son el conocimiento de los conceptos, parámetros y el entrenamiento el que consiguen obtener una buena mezcla o resultado en una producción.

Personalmente he tenido la oportunidad de trabajar en ambos sistemas y si bien hay diferencias en cuanto al sonido o las posibilidades técnicas, puedo asegurar que ninguno hace el trabajo por si solo y son las buenas prácticas las que hacen que una mezcla sea buena o no.

Por eso los animo a sacar lo mejor de ustedes con las herramientas que tengan a mano porque es ahí donde radica la verdadera esencia del buen sonido. Uno cuando escucha buena música no dice “que buena SG que tenía Tony Iommi eh” uno hace alusión a la habilidad para crear o de la calidad musical pero es muy raro asociar la buena música con las herramientas por si solas porque si bien son cosas complementarias, son distintas.

Un buen ingeniero de mezcla puede hacer una mezcla en una consola de un millón de dólares, así como en una computadora con los plugins de fábrica, no importa que mezcla es mejor porque eso es accesorio para lo que buscamos analizar, importa que la capacidad de hacer una buena mezcla es mucho más importante que las herramientas con las que la misma se hizo.

Piensenlo, cualquiera puede gastar 5000 doláres en un compresor pero no cualquiera puede hacerlo sonar como un compresor de 5000 doláres.

Tutorial: Aprendiendo Mezcla Y Mastering De Una Vez Por Todas

2014-12-26T16:44:00.001-04:00

Download / Descargar: Aprendiendo Mezcla Y Mastering De Una Vez Por Todas

COMO TRABAJAR EN TUS PROJECTOS SIN MIEDO A ARRUINARLOS

2014-12-09T12:02:00.001-04:00

Muchos novatos y tambien los pro utilizan mucho el boton SAVE. Este es el peor enemigo de las modificaciones.

Les prepare esta imagen para que aprendan a modificar sus canciones y experimentar.

introducción a la MASTERIZACION

2014-11-20T00:25:00.001-04:00

introducción a la MASTERIZACION

Parte > º01 <
Parte > º02 <

¿Cómo armar tu Home Studio?

2014-11-17T22:42:00.005-04:00

Si te tomas en serio la producción, te recomiendo ver este vídeo
verás 6 cosas vitales para poder armar tu estudio y producir cómodamente

Teoría Músical

2014-11-17T22:21:00.001-04:00

Aquí Les Dejo Esta Teoría Musical
Para Quienes Comienzan o Quieren Comenzar En Este Mundo Musical

Espero Les Sirva De Gran Ayuda

Aporte Por:

MOTT #MúsiOnTheTracks

LHDNV

2014-11-17T20:29:00.001-04:00

La Historia De Nuestras Vidas

Tutorial | Efecto Pitch Bend (Override Link Controller)

2014-11-17T00:01:00.000-04:00

nuevo tutorial para quienes ya trabajan con algun tipo de controlador midi (ya sea un teclado midi o un fader control o un simple teclado conectado al pc)
asi como para automatizar.
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Tip Del Día

2014-11-16T23:18:00.003-04:00

A veces se nos hace difícil comprender que es m/s o mid y side, esta es una forma en la que podemos separa la señal de "en medio" y la señal "de los lados" sistemas avanzados como izotope Ozone, posee este tipos de herramientas para un tratado más fino de la señal de audio.
Esta imagen te ayudará a entender mejor sobre el procesamiento m/s.

El color naranja representa la información "mid" que es la información mono de una señal de audio, mientras el color azul es el "side" o la información estéreo.

Obtén lo mejor de tu Guitarra

2014-11-16T01:39:00.001-04:00

|COMO SACAR LO MEJOR DE LAS GUITARRA|| 6 CAPÍTULOS || 23 MB ||ESPAÑOL||

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CAPITULO 1:

¿Tienes una guitarra? ¿Y un ordenador? Vamos a demostrarte cómo utilizar uno y otro para aprovecharlos al máximo con esta serie definitiva de tecnología para guitarras...

Este reportaje te llevará de viaje por el apasionante mundo de las guitarras eléctricas y acústicas, partiendo de los fundamentos básicos de configuración y conexión, pasando por la grabación, los efectos y las mezclas, y culminando con técnicas de interpretación y grabación en directo.

Por el camino recorreremos algunas de las rutas menos exploradas de la guitarra, investigando los usos y abusos que pone a tu alcance esa omnipresente herramienta para transformar audio: el ordenador.

Todo lo que necesitas para grabar el sonido de la guitarra es una forma de conectarla al soporte de grabación (aquí supondremos que será un ordenador). Ni siquiera tienes por qué ser un buen guitarrista, ya que puedes hacer muchas cosas con los sonidos de una guitarra utilizando el sampling y todo tipo de procesamientos. Peter Gabriel es un magnífico caso del tipo “no sé tocar, pero puedo sonar”.

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CAPITULO 2:

La variedad de sonidos que es posible sacar a una guitarra es enorme, casi infinita. Sin embargo, los tipos de sonidos que puedas generar dependerán de los equipos que tengas y, sobre todo, de la habilidad del guitarrista. Por ahora no haremos ni una sola mención a los efectos; eso lo dejaremos para otro día.
Antes de nada, debes decidir si vas a usar una guitarra eléctrica o acústica. Cada una tiene un tono bastante característico, pero es tal la variedad de formas y configuraciones existentes, que hay muchos matices intermedios.
Las guitarras acústicas se encuadran en dos grandes categorías: clásicas (o españolas) y acústicas (o folk). Aunque las formas del cuerpo y del mástil suelen ser diferentes, se identifican con más facilidad porque la guitarra clásica lleva cuerdas de nylon, mientras que la acústica lleva cuerdas metálicas.

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CAPITULO 3:

La guitarra es uno de los instrumentos más personales que tienes a tu alcance y, si está bien grabada, una de las mejores adiciones que puedes incluir en un arreglo, del estilo que sea.

Para capturar ese sonido, ya sea acústico o eléctrico, hace falta mucha precisión y atención al detalle; una mínima alteración en el ajuste o la colocación del equipo provocará cambios signifi cativos en el resultado.
No obstante, con un buen uso de tus oídos y algo de experiencia puedes lograr magníficos resultados con muy pocos equipos. Grabar una guitarra acústica no se parece en nada a grabar una guitarra eléctrica, así que debemos tratar cada caso por separado.

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CAPITULO 4:

Gestionar la dinámica de la guitarra tiene mucha importancia a la hora de grabar y mezclar este instrumento. Por supuesto, la dinámica inicial está bajo control del intérprete, pero el uso de la compresión ofrece mucha más flexibilidad que los dedos del guitarrista.
Comprimir la señal cuando grabas genera un efecto de sostenido al reducir el margen dinámico de la señal de guitarra, que permite acercar los niveles de las notas sostenidas más flojas a los de los transitorios más intensos. En este caso, la compresión altera la salida de la guitarra y la interacción del guitarrista con su instrumento mientras lo toca. Aparte del compresor, durante la grabación podrías emplear un limitador que evite recortes de la señal a la entrada. Es posible configurar un limitador/ compresor combinado para que haga eso a la vez que comprimes.

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CAPITULO 5:

Hoy es muy corriente en los estudios producir pistas instrumento a instrumento, sobre todo si trabajas en tu estudio casero, aunque también suele darse este caso en los estudios profesionales. Ese método resulta muy eficaz para hacer música basada en sintes, pero otras veces se consigue mejor el auténtico groove de una pista con todos los músicos tocando juntos en directo, como una unidad. Por supuesto, invitar a la fiesta a un baterista y a un cantante, además del guitarrista, genera algunos problemas técnicos de grabación, pero es posible solventarlos con relativa facilidad (al menos para un guitarrista eléctrico).
El gran problema para grabar un grupo son las fugas de señal. Nos referimos a las grabaciones de un instrumento en una pista dedicada a otro instrumento distinto. La forma más sencilla de evitarlas, consiste en separar cada instrumento, junto a su intérprete y micro, en salas aisladas. Esto tiene el inconveniente de que separando a los músicos estás negando la razón principal para reunirlos, que no es otra que fomentar su comunicación mientras tocan. Además, esta opción presentaría varias dificultades a nivel acústico, sobre todo en un estudio casero.

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CAPITULO 6:

Los pedales y racks de efectos son los recursos más obvios para procesar señales de guitarra, pero vamos a proponerte un par de ideas hardware y software que también afectan al sonido.
Uno de los accesorios más interesantes para cualquier guitarrista eléctrico es el EBow (también funciona con acústicas, pero está más limitado), un curioso dispositivo a pilas que presentaron en el NAMM de 1976 y cuyo primer usuario fue Jerry García.
El EBow se coloca en la zona de las pastillas sobre una cuerda, que hace vibrar por medio de un campo magnético. Como el campo tiene un flujo constante, el sonido de la cuerda estará sostenido todo el tiempo que el EBow permanezca encima, generando increíbles resultados cuando interactúa con el propio campo magnético de las pastillas. El timbre y el volumen de la señal dependen de la distancia del EBow a las pastillas y las cuerdas.

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Download / Descargar: Lo Mejor De Las Guitarras

- Libros y Tutoriales - Producción, Grabación y Acústica

2014-11-16T01:34:00.002-04:00

|| PRODUCCIÓN MUSICAL, GRABACIÓN Y ACÚSTICA || PACK DE LIBROS || 300.1 MB ||

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LiSTA DE LiBROS

(1) - The art and sience of mastering audio. - Bob Katz - Inglés
(2) - The Secrets of the mastering engineers - Bob Katz - Inglés
(3) - The Mixing Engineer Handbook - Bobby Owsinski - Inglés
(4) - The Recording Engineer Handbook - Bobby Owsinski - Inglés
(5) - The Audio mastering Handbook - Bobby Owsinski - Inglés
(6) - Consideraciones generales sobre la utilización de compresores y compuertas - Gabriel Data - Español
(7) - Curso técnico de sonido y Producción Musical - Anónimo - Español
(8) - Acústica Básica 2. Micrófonos - Anónimo - Español
(9) - Acústica y Sonido - Anónimo - Español
(10) - Master Handbook of Acoustics - F. Alton Everest - Inglés
(11) - Introducción al sonido y la Grabación - F. Rumsey - Español
(12) - Introducción a los conceptos fundamentales en la Acústica - José D. Mellado Ramirez - Español
(13) - Manual de referencia para el diseño de Sistemas de Sonido - JBL - Español
(14) - Manual de Estudio de Grabación - Anónimo - Español
(15) - Introducción a la Psicoacústica - Federico Miyara - Español
(16) - La música de las Esferas. De Pitágoras a Xenakis - Federico Miyara - Español
(17) - Osciladores Senoidales - Federico Miyara - Español
(18) - Home Recording Studio - Rod Gervals - Inglés
(19) - Acústica y Psicoacústica de la Música - Roederer Juan - Español
(20) - Sound Reinforcement Handbook - Gary Davis y Ralph Jones - Inglés

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Download/Descargar: Prod Musical,Grabacion&Acustica

Libros y Tutoriales Acerca De Mezcla y Mastering

2014-11-16T01:28:00.001-04:00

|| MEZCLA Y MASTERING || PACK DE LIBROS || 122.42 MB ||

Información

A pedido de un visitante del blog, subo algunos manuales y tutoriales de mezcla y mastering. Además van a encontrar una pequeña cantidad de libros y tutoriales de Softwares para iniciarse en el mundo de la Grabación/mezcla/masterización.

Lista de Libros:

(1) - Introducción a la mezcla Profesional. Español. Ing. Pablo J. Miechi
(2) - Curso Tutorial Midi. Español. Roland
(3) - El Arte de la Mezcla. Segunda Edición. Español. David Gibson.
(4) - Grabando en Casa. Español. José Samplertini
(5) - La Masterización. Español. Anónimo.
(6)- La Masterización de Audio: El Arte y la Ciencia. Español. Robert A. Katz.
(7) - Manual Para Radialistas Analfatécnicos. Español. Santiago G. Gago.
(8) - Mixing Audio; Concepts, Practices & Tools. Inglés. Roey Izhaki (Altamente Recomendable)
(9) - Acústica y Psicoacústica de la Música. Español. Roederer Juan

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Capturas

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Download/Descargar: Pack Libros MM(Mezcla&Master)

MP3 | Disco/MixTape o Noticia

Plan B - La Vecinita | @PLANBLIVE

Diseño / Flyer

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Diseño / Flyer

Download / Descargar:

Pro Tools 10.3.0 + crack y sin error

2014-11-16T01:19:00.002-04:00

PRO TOOLS 10 CON CRACK

Pro Tools 10: El nuevo estándar para la producción de audio

El programa de audio digital más potente se ha hecho aún más poderoso. Pro Tools 11 redeﬁne la producción profesional de música y audio según los ﬂujos de trabajo actuales. Gracias a sus nuevos motores de audio y vídeo, su magníﬁco rendimiento de 64 bits, los mejores instrumentos de medición y los nuevos ﬂujos de trabajo con vídeo HD, Pro Tools 10 te permite enfrentarte a las sesiones más exigentes y maximizar tu creatividad, sin límites ni restricciones.

Aquí ,Algunas Capturas

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instrucciones

En Español, Más Crack

1)> Descarga Aquí ↓↓↓↓↓

Patch Avid Pro Tools 10.3.4

Patch 100% Funcional, errores corregidos

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2)> instalar eL Parche ↓↓↓↓↓

N O T A

¡¡Atención!!

Si utiliza Windows 32 bits.

Cambiar la ubicación del directorio de instalación a

> C: Archivos de programa/Avid Pro Tool <

¡¡¡¡ESTO ES TODO QUE LO DISFRUTEN!!!!

Agregando Plugins En FL 12 BETA

2014-11-13T16:34:00.002-04:00

Publicación de Jandikas Rivera.

Puntos importantes que no se pueden obviar

2014-11-13T16:33:00.001-04:00

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Para que un artista suene bien en vivo, hay algunos puntos importantes que no se pueden obviar:

1- Debe tener un sonidista propio y ese sonidista debe constar de 2 ayudantes: uno de escenario y otro que esté en constante ayuda entre el sonidista de sala y el de escenario.

2- El artista antes de ir a un evento su manager o quien esté encargado de él, debe exigir un backline de acorde al sonido del artista.

3-El artista debe tener un mic propio que más se acomode a su voz en toda situación, puede ser dinámico o condensador (y si es posible los músicos también)

4-Si toca con pistas deben estar masterizadas, para que no haya tanta diferencia entre cada una, para que los sonidistas no tengan sorpresas y en vez de hacer cosas creativas, solo hagan correctivas, eso hace que los artistas no suenen como es debido.

5-El sonidista propio debe conocer muy bien los temas del artista o los artistas,, para que cuando entre un instrumento o voz secundaria, sepa como manejar la situación.

6-El sonidista de sala por ningún motivo debe estar: al lado, atrás o arriba del escenario, debe estar de frente, donde los parlantes estén en su punto dulce y tenga la misma escucha de los oyentes.

Con cosas pequeñas SE PUEDEN HACER COSAS GRANDES.

MENOS ES MÁS.

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FL Studio 12 | Versión BETA

2014-11-13T13:22:00.000-04:00

FL Studio 12 | BETA

Download / Descargar: FL Studio 12 | BETA

FL 12 Beta - info

2014-11-12T11:36:00.004-04:00

Si quieres descargar FL 12 Beta, tienes que ingresar con tu cuenta a image line y dirigirte aquí
image Line necesita beta testers, si quieres ayudar con la labor, solo crea tu cuenta, descarga FL 12 beta e informa en el forum sobre bugs o errores que podría tener esta versión Beta

¿FL Studio 12 BETA? | ¡Empezando!

2014-11-11T23:46:00.002-04:00

Consejos De Jaz Jacob

2014-11-10T21:46:00.000-04:00

5 Vídeos con consejos de Jaz Jacob

Para ayudarte a componer canciones

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Si has tenido el deseo de escribir y componer canciones cristianas o romanticas, incluso aun si ya has tenido la oportunidad de hacerlo, estos consejos por la cantante Jaz Jacob te pueden ser de gran ayuda!

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Video 1: Escogiendo y Escribiendo canciones

-------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Video 2: Primeros pasos para escribir canciones -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Video 3: Estructura de canciones -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Video 4: Fluyendo con El Espiritu -------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Video 5: Componiendo con otros
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¡Espero Te Haya Servido De Gran Ayuda Estos Vídeos Consejos Para Componer/Escribir Canciones!

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¿CUANDO ES LEGAL EL SAMPLEO?

EL CASO QUE CAMBIO EL HIPHOP PARA SIEMPRE

1. Los Hechos:

2. La sentencia:

3. Consecuencias:

Tip / Consejo

5 consejos antes de ir a un studio de grabacion

Tip, sugerencias, cosas, Secretos sobre el mastering, segun Andres Mayo.

¿Como Es? ¿Cuando? ¿Donde Se Ecualiza Un Sonido?

BUENO AQUÍ PODRÍA MAS O MENOS AYUDARLOS A MI ME SIRVIÓ MUCHO

imagen Estereo En La Mezcla

Conclusiones

Mezcla Digital Vs Mezcla Analógica (¿Que Es? ~ ¿Cual Es Mejor?)

Conclusiones:

Tutorial: Aprendiendo Mezcla Y Mastering De Una Vez Por Todas

COMO TRABAJAR EN TUS PROJECTOS SIN MIEDO A ARRUINARLOS

introducción a la MASTERIZACION

¿Cómo armar tu Home Studio?

Teoría Músical

LHDNV

Tutorial | Efecto Pitch Bend (Override Link Controller)

Tip Del Día

Obtén lo mejor de tu Guitarra

- Libros y Tutoriales - Producción, Grabación y Acústica

Libros y Tutoriales Acerca De Mezcla y Mastering

Pro Tools 10.3.0 + crack y sin error

Pro Tools 10: El nuevo estándar para la producción de audio

Agregando Plugins En FL 12 BETA

Puntos importantes que no se pueden obviar

FL Studio 12 | Versión BETA

FL 12 Beta - info

¿FL Studio 12 BETA? | ¡Empezando!

Consejos De Jaz Jacob

5 Vídeos con consejos de Jaz Jacob

Para ayudarte a componer canciones