Acento Negativo

O Pinóquio de Spielberg

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 17 Jan 2012 23:50:00 +0000

Em Cavalo de Guerra, a guerra para Steven Spielberg é um conto de fadas. O diretor, que tem aquela habilidade incrível em retratar o mundo pelos olhos das crianças, como faz de maneira única em E.T - O Extraterrestre e Império do Sol, faz da história de Michael Morpurgo, Lee Hall e Richard Curtirs (autores do romance e da peça nos quais o filme é baseado) uma saga cheia de fantasia.

Cavalo de Guerra é quase a história de Pinóquio, só que no lugar do boneco de madeira temos um cavalo cheio de sentimentos chamado Joey. O garoto que cria o animal desde pequeno, Albert Narracott (interpretado por Jeremy Irvine) seria o Gepeto, criador de Pinóquio. A diferença é que ao contrário do boneco, Joey parte pelo mundo contra a sua vontade. A Primeira Guerra Mundial separa ele do garoto, que ainda não tem idade para se alistar e não pode acompanhar o seu querido companheiro. Em sua jornada, o cavalo cai nas mãos de várias figuras, que se revezam muito bem protagonizando o filme.

Spielberg é especialista em truques do cinema e abusa disso neste filme. Alguns desses truques são bem rasteiros, como, por exemplo, criar tensão com uma arma apontada para alguém - o que ele faz diversas vezes ao longo do filme - ou usar a música de seu compositor preferido, John Williams, para tirar lágrimas do espectador. A verdade é que Spielberg faz um tipo de filme que só ele ainda faz hoje em dia. Mostrar o horror da guerra em um "filme família" não é para qualquer um. Usando um exemplo recente, O Menino do Pijama Listrado tenta, mas não consegue. Pelo menos não da maneira que o diretor de Tubarão e Jurassic Park transforma tudo em uma experiência cinematográfica única. Sonhador, o judeu Spielberg tenta não tomar lados nesta guerra e está mais humano do que nunca, transformando o cavalo em ponte até para uma amizade entre um inglês e um alemão.

Mesmo assim, o filme é cheio de falhas. O roteiro é bem previsível, franceses e alemães falam inglês entre si e o drama às vezes parece infantil demais. Mas plasticamente é impecável. Isso está claramente ligado à beleza dos animais retratados (cavalos sempre foram os mais exaltadados na poesia de todos os tempos) e à fotografia de Janusz Kaminski, que é perfeita, retratando pores do sol tão comuns no cinema de Spielberg, mesmo longe do Technicolor que o diretor tanto ama - vale destacar que este é o primeiro trabalho dele totalmente feito em suporte digital. Uma mudança desastrosa para muitos, mas completamente natural pra ele.

Completam o elenco Emily Watson, David Thewlis, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Benedict Cumberbatch e Toby Kebbell.

Um conto quase inofensivo

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 17 Jan 2012 23:37:00 +0000

Em um dia qualquer em Buenos Aires, um homem encontra um chinês sendo jogado para fora de um táxi. Quando vai ajudá-lo, descobre que o asiático não fala uma palavra de espanhol e tudo o que ele tem é um endereço no braço. O argentino leva o homem perdido para o tal endereço e descobre que a pessoa que ele procurava não mora mais ali. Esse é o ponto de partida de Um Conto Chinês, longa mais recente de Sebastián Borensztein.

O filme conta com Ricardo Darín como protagonista, estrela de nove entre dez longas argentinos que saem em circuito comercial no Brasil, como O Segredo dos Seus Olhos, Abutres, e os mais antigos, O Filho da Noiva e Nove Rainhas. Darín é um talento nato e não decepciona neste filme. No papel do solitário e amargo Roberto, ele mistura a cara fechada de um sujeito durão com a doçura de um homem que ainda está aberto para o amor, de um jeito que poucos conseguem.

Um Conto Chinês não segue a tradição de filmes argentinos densos, rancorosos e cheios de amargura. Há a temática histórica (a Guerra das Malvinas), mas o tom é sempre leve, o que torna o filme “fofinho”, quase inofensivo, apesar do roteiro esperto e muito bem construído. A maioria das cenas entre Darín e o chinês, Jun (interpretado por Ignacio Huang), são cômicas e conseguem ser engraçadas de verdade. Há também Mari (interpretada por Muriel Santa Ana), mulher eternamente apaixonada por Roberto, que é muito frio para corresponder. A atriz, no entanto, consegue fazer com doçura a persistente moça.

O elemento “fábula” do filme – de onde ele tira o seu nome – é o seu charme. Logo na primeira cena, em que uma vaca cai do céu em cima de um barco com um casal chinês, podemos ter uma ideia do rumo que a história vai tomar. E mesmo com um jeito meio fantasioso, às vezes até infantil, Um Conto Chinês é cativante.

Homens políticos em conflito

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Thu, 12 Jan 2012 15:09:00 +0000

A última cena de Tudo Pelo Poder nos remete à última cena de A Primeira Noite de Um Homem, na qual o personagem de Dustin Hoffman, depois de conseguir o que queria - fugir da igreja com a sua amada -, fica com aquela cara de dúvida, de "por que eu lutei tanto por isso? será que é isso mesmo o que quero?". A diferença é que aqui o personagem de Ryan Gosling está lutando para eleger um político custe o que custar. No filme, o resultado da eleição não importa. O que importa é como chegamos até lá.

Stephen Meyers (Ryan Gosling) é o diretor de comunicação da campanha de Mike Morris (George Clooney), governador que almeja ser o candidato democrata nas próximas eleições presidenciais dos Estados Unidos. Morris é uma espécie de Barack Obama, surgiu como um político de espírito livre, contra a guerra, a favor do aborto e cheio de ideias novas, mas que no fim das contas acabou decepcionando a todos, pois nem sempre é possível jogar como desejamos dentro da política. Ainda mais quando surge a necessidade de fazer uma aliança com um senador (Jeffrey Wright), suja, mas que praticamente garante a vitória.

George Clooney, com um belo roteiro em mãos (escrito por ele, Grant Heslov e Beau Willimon, que também escreveu a peça no qual o roteiro é baseado), mostra que é bom diretor. Engajado, ele se aventura novamente pelo suspense político, como fez no ótimo Boa Noite e Boa Sorte, no qual criticava duramente o mcarthismo e a caça às bruxas. Mas diferentemente do filme de 2005, aqui Clooney opta pela fotografia colorida e por uma história mais atual.

O filme é cheio de atores consagrados, e que fazem muito bem as suas partes, como Paul Giamatti (o estrategista chefe da campanha adversária), Philip Seymour Hoffman (o chefe de Stephen), Marisa Tomei (a jornalista sem escrúpulos), Evan Rachel Wood (a estagiária pivô de todas as reviravoltas), além dos já citados Jeffrey Wright, George Clooney e Ryan Gosling, mais uma vez sendo um ótimo protagonista. Gosling prova que pode encarar qualquer papel, como este, de um homem em conflito e que vai custar a descobrir o que motiva o seu trabalho.

Belo e leve estudo do ser humano

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Thu, 12 Jan 2012 14:53:00 +0000

O conflito entre uma mãe de espirito livre e uma filha conformada em viver uma vida estável e classe média dá o tom em Copacabana, filme do diretor francês Marc Fitoussi. A mãe em questão é Babou, vivida porIsabelle Huppert, atriz francesa renomada em um papel bem diferente dos seus personagens mais recentes e soturnos (como em A Professora de Piano). Aqui ela é uma mulher disposta a experimentar de tudo na vida e como consequência não consegue um relacionamento sério ou um trabalho que dê estabilidade financeira.

Babou decide cortar relações com a filha quando esta diz que vai casar e que nem sequer a convidará para o casamento (para não passar vergonha). A filha, Esmeralda (Lolita Chammah, filha de Huppert na vida real), odeia tudo na mãe: o seu flerte com a cultura indiana, as suas fracassadas tentativas de arrumar um trabalho e os seus novos amigos sem-teto, que ela decide abrigar ilegalmente em um quarto.

Babou tenta mudar de vida pela filha. Vai para a Bélgica, onde consegue um trabalho de vendedora e um affair com um estivador no cais. Isabelle Huppert faz bom proveito de um roteiro muito bem escrito para fazer um dos melhores papéis de sua carreira.

Um belo estudo do ser humano, mas contado de maneira leve, usando a melhor das saídas para isso: a comédia. Os personagens são carismáticos e bem construídos, deixando espaço para que Huppert brilhe como protagonista. Aure Atika, Jurgen Delnaet, Chantel Banlier, Joachim Lombard, Noemie Lvovsky, Guillaume Gouix, Magli Woch e Nelly Antignac completam o elenco.

Breguice sem limites em noite de ano novo

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Fri, 06 Jan 2012 11:57:00 +0000

Imagine um casamento no qual a noiva chega na igreja em uma carruagem puxada por cavalos para encontrar o seu príncipe encantado. Talvez o nível de breguice desta cena não seja suficiente para descrever Noite de Ano Novo, de Garry Marshall (diretor de Uma Linda Mulher e Idas e Vindas do Amor), uma das piores coisas já feitas pelo cinema.

O filme, que se passa poucas horas antes da virada de 2011 para 2012, conta com vários figurões de Hollywood, como Hilary Swank, Robert De Niro, Halle Berry, Michelle Pfeiffer, Ashton Kutcher, Sarah Jessica Parker, Seth Meyers, Zac Efron, Katherine Heigl e Jon Bon Jovi, numa verdadeira disputa para ver quem consegue se destacar em meio a tantas histórias sem nenhuma conexão.
Todos personagens são clichês e rasos, como Ashton Kutcher, que faz um cara descolado e metido a depressivo, que na sua "revolta" rasga as decorações de fim de ano dos corredores de seu prédio. Nem adolescente de 15 anos nos seus piores dias faz coisa parecida.

Michelle Pfeiffer faz uma senhora de meia idade, desiludida com a vida (mas que em nenhum momento sabemos o motivo para ela estar assim), esperando encontrar a solução para os seus problemas em um garotão que a leva para satisfazer as suas vontades, como rodar a cidade de moto e visitar uma casa de massagens.

Noite de Ano Novo chega ao cúmulo de criar uma disputa entre dois casais que vão ter o filho na noite do dia primeiro parecer saudável. Por conta de um prêmio em dinheiro, que o hospital dá para o primeiro bebê do ano, as mulheres grávidas consideram cesariana e outros métodos para "forçar" a chegada da criança. Uma bizarrice só.

Como se não bastasse tudo isso, o filme ainda serve para mostrar que Abigail Breslin cresceu para se tornar tudo aquilo que o seu personagem em Pequena Miss Sunshine criticava, a beleza falsa e a futilidade das pessoas. Se diz comédia, mas não tem uma piada engraçada. Se diz romance, mas não há romance ou amor de verdade entre nenhum dos seus personagens. Por todos esses motivos, Noite de Ano Novo, além de ruim, é triste.

Um Dia é cinemão clássico e pouco desafiador

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Mon, 26 Dec 2011 18:23:00 +0000

Um Dia poderia ter sido um bom filme. O próprio autor do livro (David Nicholls) no qual o filme é inspirado fez o roteiro, o que geralmente dá bons frutos. Mas a história é tão cheia de clichês, que já sabemos tudo o que vai acontecer desde a primeira cena.

Anne Hathaway (O Diabo Veste Prada, O Casamento de Rachel) é Emma, uma garota tímida e inteligente que conhece um garoto no último dia de faculdade. Esse se chama Dexter e é vivido por Jim Sturgess (Quebrando a Banca, Across the Universe), um cara babaca que só quer saber de encher a cara, se drogar e pegar todas as mulheres que aparecerem na sua frente. Impossível sentir qualquer simpatia pelo sujeito.

O filme, como o nome sugere, segue o casal durante 20 anos em um determinado dia (no caso, 15 de julho) e assim mostra como está a relação naquele ano. De maneira linear, sem as idas e vindas de um filme que se arrisca muito mais (e é bem melhor sucedido), como 500 Dias com Ela, Um Dia é cinemão clássico. Mas no pior sentido: aquele que todo mundo já fez.

O final com certeza deixará os mais sensíveis emocionados, mas de uma maneira fácil e até apelativa (fazendo o uso de música triste e outros truques). Anne Hathaway não convence no papel principal e Jim Sturgess tem pouco carisma. No fim das contas, o filme tem uma cara de romance de Sessão da Tarde - onde ele provavelmente estará em alguns anos - e fica indicado para aqueles que gostam de uma história melosa e pouco desafiadora.

Bela animação salva história fraca

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Mon, 26 Dec 2011 18:15:00 +0000

Erik é um pequeno pinguim que não sabe sapatear direito. Isso para ele é uma vergonha, uma vez que vive em uma comunidade de dançarinos e cantores. Em um ato compulsivo, decide fugir da sua família e encontra um novo bando, no qual faz amizade com um "pinguim" voador. Assim começa Happy Feet 2, continuação do filme de sucesso de 2006, que trazia as aventuras do pai de Erik, Mano, um pinguim que não sabia cantar, mas descobre no sapateado o seu talento.

A continuação demorou a sair, levando em consideração o sucesso de bilheteria que foi o primeiro filme. Isso talvez se explique pelo trabalho bem feito. Animações muito detalhadas e números musicais impressionantes chamam a atenção. No entanto, o longa peca no seu roteiro. A história com uma forte mensagem ambiental já foi vista no primeiro filme e fica pouco convincente nesse. Paralelamente, os pais de Erik, Mano e Gloria, tentam se aproximar do filho rebelde. Alguns personagens e momentos engraçados salvam o filme de ser muito tedioso, como Ramon, o pinguim chicano e galanteador, e Will e Bill, os krills.

O primeiro filme conseguiu uma proeza: vencer o Oscar de Melhor Animação em 2007, numa categoria que é dominada pela Pixar e seus longas, como Toy Story, Ratatouille e Wall-E. Tudo bem que naquele ano concorriam contra Carros, um dos lançamentos mais fracos da produtora, mas não deixa de ser um grande feito - que pode ser repetido no ano que vem, já que vão enfrentar (possivelmente) Carros 2.

Happy Feet 2 impressiona especialmente pelo seu visual, cheio de belas paisagens da Antártida, efeitos 3D e pinguins cujos olhos expressam tanta emoção, que certamente vão deixar muitos atores com inveja. Mas como um conjunto, os filmes da Pixar (como os anteriormente citados) continuam sendo insuperáveis. O roteiro de Happy Feet é fraco e cheio de histórias paralelas que se encaixam de forma estranha. No final, temos a impressão de que o filme simplesmente "acaba", sem deixar qualquer pista de que estava chegando a uma conclusão.

Publicado originalmente no ÓminhaSantos

As dificuldades do envelhecimento

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Fri, 02 Dec 2011 02:48:00 +0000

Late Bloomers – O Amor Não Tem Fim não é um filme sobre a velhice, como o título em inglês pode sugerir (algo como “desabrochar tardio”). É um filme sobre o envelhecimento em um continente – Europa - que sofre com o excesso de idosos. Sobre a falta de jeito para lidar com a aproximação dos 60 anos. Sobre os desentendimentos pelos quais os casais passam, numa tentativa de afirmar que confusão está sempre no relacionamento romântico, não importa a sua idade ou a longevidade do relacionamento. Mas acima de tudo é sobre envelhecer a dois.

A diretora Julie Gavras, filha do famoso diretor grego Costa-Gavras, já tinha feito um filme de sucesso – pelo menos de crítica -, chamado A Culpa é do Fidel, no qual analisava (pelo ponto de vista de uma criança) como o engajamento político pode afetar a vida de uma família. A crise familiar permanece, mas em Late Bloomers a vida das pessoas é afetada pelo casal protagonista.

Em alguns momentos Late Bloomers me lembrou Longe Dela, de Sarah Polley. No entanto, são poucas as semelhanças entre os dois longas, já que no filme de Polley o casal está na casa dos 70 e a mulher sofre de alzheimer. Mas pensei em Longe Dela por causa de ambos serem feitos por mulheres jovens (Polley tinha apenas 27 anos quando dirigiu este filme), que decidiram se arriscar e falar sobre a velhice. Mas enquanto Polley é bastante dramática na sua história, Gavras trata o tema com leveza (sem deixar de ser profunda).

O filme tem cenas bem engraçadas (em especial as de Isabella Rossellini na aula de hidroginástica), acentuadas pela trilha sonora, que brincam com a idade avançada do casal de protagonistas. Rossellini, bastante elegante no papel da mulher dedicada à família e ao marido – sem nunca ser submissa -, é a maior parte da graça do filme. Decidida a encarar de frente a idade, ela não consegue entender o marido, que ainda tentar viver como um garotão. William Hurt é esse homem, bem sucedido na carreira, mas que prefere passar o tempo com os jovens estagiários de arquitetura do seu trabalho e acaba se envolvendo com uma delas (Arta Dobroshi, famosa por protagonizar O Silêncio de Lorna, dos irmãos Dardenne, um tipo Ellen Page com um charme do leste europeu).

Julie Gavras disse que se inspirou na sua própria história e na de seus pais para o roteiro. Seu pai, um cineasta famoso, que em Late Bloomers vira um arquiteto de renome, acaba nunca tendo muito tempo para a família por conta do trabalho, o que causa todo o conflito. Isso tudo já fica bem claro na primeira cena, na qual Isabella Rossellini o espera pacientemente, enquanto ele faz um discurso em uma conferência, na esperança de que ali seria a sua aposentaria e a partir de então poderiam viver mais tranquilos. Ela estava errada, mas como uma boa comédia o filme deixa todos felizes no fim das contas.

publicado originalmente no site ÓminhaSantos

Ecos de Fellini em O Palhaço

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 29 Nov 2011 02:36:00 +0000

É fácil ver ecos de Fellini no novo filme de Selton Mello, O Palhaço. O diretor italiano já retratou o circo várias vezes em sua obra. A Estrada da Vida (1954) e Os Palhaços (1970) são referências óbvias. Charlie Chaplin também está presente, tanto no protagonista, que é uma espécie de “o vagabundo” brasileiro, quanto na temática circense, explorada por Chaplin em O Circo (1928). É possível também perceber algo de Jim Jarmusch na estranheza dos personagens encontrados pelo caminho, figuras que beiram o bizarro, e na dificuldade de comunicação entre elas.

Sem dúvida esses diretores são referências para Selton Mello, que em O Palhaço faz um filme mais pessoal do que o seu longa anterior, Feliz Natal (2008). Mais pessoal pois é visivelmente bastante autobiográfico. Além de dirigir, Selton também escreveu o roteiro - em parceria com Marcelo Vindicato - e faz o protagonista, Benjamin, que trabalha como o palhaço Pangaré, que nada mais é do que o clichê clássico do palhaço bêbado e tristonho, mas feito com bastante graça pelo ator. O papel também é a chance que Selton Mello encontrou para provar que não interpreta sempre o mesmo personagem. Benjamin é completamente diferente de qualquer coisa que o ator já fez, um homem complexo buscando o sentido da vida.

Benjamin e seu pai Valdemar (interpretado por Paulo José) tocam o Circo Esperança - nome muito bem escolhido - por cidadezinhas do interior, arrastando alguns gatos pingados para as apresentações. A vida deles é o circo e o conflito acontece quando Benjamin decide sair e ver “o mundo lá fora”. Selton Mello homenageia o popular, colocando ícones como Moacyr Franco (em apenas uma ponta, mas que já pode ser considerada umas das melhores pérolas do cinema brasileiro), Jorge Laredo (o Zé Bonitinho) e Ferrugem em pequenos papéis. Além disso, a clássica canção “Tudo Passará”, de Nelson Ned, está na trilha sonora. O próprio Selton disse que os filmes dos Trapalhões também foram influências em O Palhaço. E é bem perceptível.

Talvez o grande ponto fraco do filme seja a falta de um destaque maior para os personagens secundários. Com figuras tão interessantes na mão, Selton Mello opta por esquecê-las um pouco na segunda metade do filme, quando Benjamin ganha mais tempo sozinho na tela. O diretor se contenta em dar apenas uma cena de destaque para cada um deles, como a sequência em que o anão retira uma nota de dinheiro de dentro da cueca ou quando a mulher gorda diz que está precisando de um novo sutiã. Momentos impagáveis de personagens que mereciam mais. Isso, no entanto, não tira o brilho de O Palhaço, um dos filmes nacionais do ano.

texto publicado originalmente no site ÓminhaSantos

Drive (2011)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 08 Nov 2011 01:16:00 +0000

Acredito que vi Drive pela primeira vez na hora em que deve ser visto: de madrugada, em um dia de semana. O filme tem o clima de uma noite vazia, silenciosa, cheia de neblina e de calmaria, um descanso depois de um dia cheio. Ao mesmo tempo ele é um film-noir de primeira, passado nas ruas de Los Angeles, iluminadas pelas luzes de neon e cheio de nostalgia (como entrega a tipografia oitentista do título do filme). É como se o jogo Streets of Rage encontrasse Out Run (o que seria uma das combinações mais fodas de todos os tempos, pensando em termos de games de mega drive do começo da década de 90).

O diretor – premiado em Cannes por este filme -, Nicolas Winding Refn, abusa dessa pegada retrô e consegue fazer um longa estiloso, como há tempos não se via. Assistindo ao filme, fiquei com a sensação de que dirigir é a coisa mais legal do mundo. Mais legal ainda é ter habilidade no volante para conseguir fugir com os homens que te contratam. Tudo isso usando uma jaqueta com um escorpião dourado nas costas, mordendo um palito de dente e com um chaveiro de pé de coelho no bolso. Acreditamos que quando Ryan Gosling está dirigindo é imbatível. Esse é o ponto alto de Drive. Estilo.

Driver (como ele é conhecido, não é chamado pelo nome ao longo de todo o filme) trabalha como dublê de filmes de ação em Hollywood em meio período e no resto do tempo faz serviços em uma oficina mecânica (além do terceiro trabalho, que é o de piloto de fuga para bandidos). Ele é um solitário que finalmente encontra um sentido para fazer aquilo que faz de melhor, que é dirigir, quando começa a se aproximar da vizinha, Irene (Carey Mulligan). Ela leva uma vida difícil, com um filho pra cuidar e um marido na cadeia. As coisas se complicam quando o driver resolve ajudar o marido recém-saído da prisão em um serviço.

A história romântica entre o driver e a vizinha é quase um conto de fadas. Nesse meio tempo, ele precisa eliminar um monte de caras maus e, obviamente, não vai medir esforços para fazer isso. Ryan Gosling consegue provar que não é apenas o “ator do momento” e que Half Nelson não foi apenas um papel de sorte na sua carreira. Gosling já mostrou que consegue se sair muito bem, fazendo tipos bem diferentes. Em Drive é um sujeito calado, frio, mas que mete a porrada em quem merece (ao contrário do cara doce de Namorados Para Sempre ou do próprio Half Nelson). Os tons pastéis da belíssima fotografia de Drive dão ao filme a delicadeza que volta e meia é quebrada com as cenas de violência brutal. É perceptível que Refn pegou dicas com Gaspar Noé (de Into the Void e Irreversível) para filmar as partes mais chocantes.

Mas uma das coisas mais legais do filme é a trilha sonora, que contribui muito para todo o clima oitentista. “Nightcall”, do francês Kavinsky e com vocal da Lovefoxx poderia muito bem ter sido lançada naquela década. Um pop cheio de sintetizadores que não deve nada às melhores bandas da época. “A Real Hero”, uma parceria entre o produtor francês College e o Electric Youth, é a música ideal para ouvir noites adentro, dirigindo ou caminhando por ruas solitárias (como o herói do nosso filme). E a trilha incidental, de Cliff Martinez, só engrandece o filme. Aliás, mesmo que este texto não te faça ter vontade de ver Drive, eu recomendo muito a trilha sonora, que vale a pena ser escutada mesmo sem o filme para completá-la.

Pelé Eterno (2004)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 25 Oct 2011 02:33:00 +0000

É uma pena que chegamos ao ano de 2011 e o filme mais representativo que temos sobre o melhor jogador de todos os tempos é Pelé Eterno. Um documentário bem mais ou menos, cujos melhores momentos são (obviamente) as jogadas e os gols do mito. Ou como bem definiu um comentarista da ESPN (não lembro qual), "o melhor pior filme de todos os tempos". Melhor porque é impossível que um filme que mostre os gols e a carreira de Pelé seja ruim. Pior porque o filme (como filme) é bem ruim.

Resolvi escrever sobre Pelé Eterno por causa da polêmica que foi criada nos últimos dias. O jogador argentino e barcelonista Lionel Messi declarou que nunca viu Pelé jogar. Em resposta, o maior jogador que o mundo já viu brincou, dizendo que enviaria um DVD de Pelé Eterno para Messi. Não sei se isso é verdade (sinceramente espero que Pelé envie o filme, pois é inaceitável que um jogador que almeja ser um craque não ter visto o melhor em ação), mas de qualquer jeito fica a lenda. Tudo ganha um tempero especial com a aproximação do confronto entre Santos e Barcelona (ao que tudo indica), disputando o título mundial em dezembro.

Fico triste quando penso que jogadores menores, como o próprio Maradona (com o filme de Emir Kusturica), já ganharam homenagens melhores no cinema. A edição das imagens de Pelé Eterno é meio tosca, com montagens bem feias dos entrevistados “recortados” em um cantinho da tela, enquanto as cenas sobre as quais eles falam aparecem em destaque. As entrevistas com Pelé também deixam a desejar, mostrando mais o jogador ao lado da família, dizendo coisas que todo mundo já sabe e que pouco acrescentam à sua biografia.

Vale, claro, pelas imagens históricas das conquistas do Santos, de campeonatos paulistas, brasileiros, Libertadores e mundiais. E de vitórias do Brasil também. Outras cenas curiosas, como como a da vez em que o Santos passou pelo Rio e jogaram cada um com a camisa de um time de lá (Pelé vestiu a do Olaria), valem o DVD. Talvez nem fosse necessário que Pelé falasse para deixar o filme bom (afinal, como disse Romário: Pelé calado é um poeta). Mas o fato é que Pelé Eterno fica pequeno diante da grandiosidade do personagem que retrata.

(Fica o apelo para que façam um filme digno do maior jogador de todos os tempos e – sonhando mais alto – do maior time de todos os tempos também)

Cheque em Branco (1994)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Mon, 10 Oct 2011 04:28:00 +0000

Inspirado em um twit que fiz na semana passada, resolvi homenagear o filme Cheque em Branco aqui neste blog, falando um pouco sobre o que este filme representa para a minha infância (e, pelo jeito, para a de muitos outros). Um verdadeiro clássico do Cinema em Casa, no SBT, que – se não me engano – depois foi para a Sessão da Tarde, da Globo, Cheque em Branco é marcante pois mexe com os sonhos infantis de viver no mundo adulto e fazer o que bem entender aos 10 anos de idade.

O filme veio na onda do maior clássico infantil da minha geração, Esqueceram de Mim (vi todos no cinema, inclusive o terceiro, que tem a Scarlett Johansson como irmã mais velha do garoto). O protagonista também é um garoto loirinho que é rejeitado pela família e de repente se encontra numa situação de vida adulta. Não vi Cheque em Branco no cinema, mas lembro perfeitamente da primeira vez que assisti ao filme. Foi em uma tarde qualquer dos anos 90, na sala de vídeo do SESC, dentro do projeto Curumim. Lembro que meus amiguinhos ficaram encantados com o filme e com as situações retratadas nele (ter a própria casa e fazer um verdadeiro parque de diversões dentro dela).

Sinopse: Um garoto é atropelado por um bandido que acabou de escapar da prisão. Para cobrir os gastos da bicicleta que ele destrói, ele dá por engano um cheque no valor de um milhão de dólares para o menino. A partir daí dá pra imaginar o que acontece.

Brian Bosnall em Cheque em Branco e depois

Brian Bonsall, que faz o garoto Preston, parou de atuar. Ao contrário de Macaulay Culkin, que até hoje estrela alguns filmes, Bonsall montou uma banda e começou a dedicar-se à música. Segundo o IMDB, seu livro favorito é Laranja Mecânica, seu filme favorito é Os Goonies, um de seus heróis é Fat Mike (do NoFx) e ele já foi pra cadeia algumas vezes por dirigir bêbado e por agredir a namorada. Mais um clichê “criança-prodígio” que vira “adulto-problema”. Pelo menos deixou um filme que ficará eternamente em nossas memórias.

A arte de adaptar bem uma história em quadrinhos

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 04 Oct 2011 03:42:00 +0000

Estou lendo os quadrinhos do Scott Pilgrim, depois de já ter assistido ao filme (incrível) umas três vezes, e o que mais está me impressionando é a semelhança entre o gibi e o filme. Tão parecido que tenho a sensação de estar vendo cada cena do filme a cada quadrinho, escutando as vozes do atores em cada fala dos personagens.

É sempre um exercício curioso esse de ler a obra na qual um filme é baseado depois de ter assistido a ele. Isso já aconteceu algumas vezes na minha vida (citando alguns que consigo lembrar): Na Natureza Selvagem, Onde Vivem os Monstros e O Guia do Mochileiro das Galáxias.

A incrível...

...semelhança

Em todos esses casos, inevitavelmente, lembrava da cara dos atores ou das cenas específicas no filme. Porém, numa história em quadrinhos isso fica ainda mais forte, pois também estamos lidando com imagens – e ação, movimento. Os livros de Bryan Lee O´Malley são cheios de vida, com personagens ótimos – complexos e com personalidade – e, como toda boa obra, de difícil adaptação.

Como Ghost World, por exemplo.

Ghost World é um caso de história em quadrinhos muito bem adaptada. Mas bem diferente de Scott Pilgrim, o gibi de Daniel Clowes foi pro cinema com uma história bem diferente da original. Alguns personagens, como Seymour (interpretado por Steve Buscemi), nem existiam no livro. Outros, como Josh, perdem bastante importância no filme.

Talvez por isso sempre tive a ideia de que boas adaptações de obras literárias para o cinema eram aquelas que mais fugiam do material original (o roteiro de Ghost World é escrito pelo próprio Daniel Clowes). Mas essa ideia vai por água abaixo com Scott Pilgrim Contra O Mundo. A adaptação é bastante fiel ao livro e não deixa de ser genial.

O diretor Edgar Wright faz bom proveito de tudo aquilo que não podia ser feito no quadrinho. Como há muita influência de videogames, usa sons específicos e efeitos muito legais, tipo slow motion, quando há algum K.O. Há também a música, que não pode ser reproduzida no papel. Beck e os membros do Broken Social Scene fizeram as canções da banda de Scott Pilgrim (Sex Bob-Omb) e das bandas adversárias (nas batalhas de bandas) também.

Tirando a escolha de Michael Cera – muito chato e inexpressivo - para o papel principal, tudo é bem feito e cheio de referências pop. Um grupo bacana de atores jovens (Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Alison Pill, Mark Webber) e uma linguagem bem acessível. Difícil entender por que o filme não foi um sucesso de público. Tanto a história em quadrinhos quanto o filme são altamente recomendados. Em qualquer ordem.

BNH 001 (2011)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Sat, 24 Sep 2011 16:35:00 +0000

Infelizmente perdi a exibição do curta-metragem BNH 001, que estava dentro da programação do festival de curtas-metragens Curta Santos deste ano. Fui a outra sessão de “curtas caiçaras” e acabei descobrindo este filme incrível apenas na internet, em um site com os vencedores (o curta venceu o prêmio de melhor som) da edição 2011.

Muito tocante pra mim, pois mostra uma área da cidade de Santos com a qual me identifico bastante. Já escrevi, inclusive, sobre o tema em textos no meu outro blog, como este e este. O prédio no qual cresci (que não é no BNH, mas no Jaú) aparece em destaque em uma cena – ao lado do novo centro comunitário do BNH.

BNH 001 é sobre o conjunto habitacional que dá nome ao filme e as mudanças que aconteceram com a construção do shopping Praiamar onde era o campinho de futebol da comunidade. Levantado nos anos 60, ainda no período de ditadura militar, o BNH tem hoje cerca de 18,000 habitantes. Por vários motivos, esses habitantes foram atingidos com o surgimento do shopping, no final dos anos 90. O mais grave foi a perda do campinho, onde aconteciam campeonatos entre condomínios e servia de espaço até para o Santos Futebol Clube treinar. Outros problemas, como o ar mais abafado provocado pelo “paredão” que o shopping forma, também são mostrados no filme.

Os depoimentos dos moradores enriquecem bastante o filme. A dupla de funk Danilo e Fabinho aparece falando sobre a vida antes e depois do shopping. Um senhor indignado - naquele que pra mim é o melhor depoimento – diz que shopping é coisa de rico e “pobre não vai no shopping”. “Eu não vou no shopping”. Há outras falas bem emocionantes e momentos bacanas, como o da pintura de rua na copa do mundo. Documento importantíssimo sobre esse momento histórico da vida dos moradores do BNH e - por que não - da cidade de Santos também.

O filme pode ser visto neste link.

O que aconteceu com Scarlett Johansson?

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 14 Sep 2011 23:21:00 +0000

As fotos da Scarlett Johansson pelada que vazaram na internet hoje me fizeram refletir um pouco sobre a sua carreira e como já faz um tempo que ela não faz um filme bom. Achava ela bem mais legal e interessante quando apareceu, antes de atingir o status de “diva” e começar a estrelar blockbusters tipo A Ilha.

Acredito que meu filme favorito com Scarlett Johansson é Ghost World. Scarlett com 16 anos fazendo o papel de uma das persoangens mais legais já criadas, Rebecca, melhor amiga de Enid, protagonista da HQ de Daniel Clowes. Na verdade, Rebecca é tão protagonista quanto Enid no gibi. No entanto, no filme ela é meio que jogada para segundo plano na metade final (o que me incomoda um pouco, uma vez que é uma personagem bem complexa), mas acredito que o Daniel Clowes, que também assina o roteiro do filme (dirigido pelo Terry Zwigoff) sabia o que estava fazendo. Sempre bom ver Scarlett naquelas roupas divertidas, que ela provavelmente nunca mais usará, e com aquele estilo que desejamos para as nossas namoradas. Bom lembrar também que o filme tem Thora Birch como Enid e Steve Buscemi em um dos papéis principais. E, mais importante, é genial.

Outro que gosto bastante é Lost In Translation, da época em que Sofia Coppola ainda fazia bem esses filmes “pobre menina rica” (e não bombas como Somewhere). Neste filme Scarlett Johansson tem a sorte de contracenar com Bill Murray, formando um casal um pouco inusitado, um pouco bizarro, mas de maneira que parece que só funcionaria com os dois. Sofia ainda abre o filme com um close na bunda de Scarlett (usando uma calcinha rosa transparente) e a coloca cantando “Brass In Pocket” do Pretenders. Talvez o filme logo fique datado e essa estética “cool” da Coppola (rodado no Japão com Jesus & Mary Chain de trilha sonora) perca um pouco a sua força, mas a essência – a solidão humana – não se perde.

Também gosto de todos os filmes de Woody Allen com Scarlett Johansson, incluindo Scoop, que muita gente não gosta, mas acho uma comédia que não deve nada para as melhores do diretor. Match Point e Vicky Cristina Barcelona são filmes mais amados, mas igualmente bons e recomendados. Scarlett (já mais madura) consegue ser sensual (e boa atriz) em todos. Especialmente em Scoop, no qual faz uma estudante de jornalismo sedutora, de óculos e investigando um caso sobrenatural.

Difícil entender porque Scarlett Johansson foi se meter em bostas, como Ele Não Está Tão Afim de Você, A Ilha ou Spirit. Mas o que importa é que esses filmes mais antigos estão aí e isso ninguém pode apagar. Nem o status de “diva”, nem fotos de “fotologger” sensualizando na internet.

A Árvore da Vida (2011)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Sun, 21 Aug 2011 01:12:00 +0000

tentando manter isso aqui com o mínimo de spoilers possível, só avisando

Depois de ler várias críticas – bem divididas – de A Árvore da Vida, fiquei pensando um pouco mais sobre os motivos que me levaram a gostar tanto do filme. Com certeza foi uma viagem prazerosa e ao mesmo tempo incômoda (o que quase sempre é um bom sinal). Durante as suas duas horas e meia de duração o filme me levou em uma jornada de questionamentos feitos pelo diretor Terrence Malick (sobre a existência de Deus, a origem da maldade e a perda da inocência). Engraçada foi a reação dos casais jovens de namorados ao final da sessão.

Já pode pedir o dinheiro de volta? - gritavam os mais engraçadinhos.

Uma reação que considero normal, uma vez que A Árvore da Vida não é o filme tradicional com Brad Pitt e Sean Penn que você vai esperando (um tipo vencedor de Oscar).

Terrence Malick coloca sua obra mais próxima a filmes como 2001 – Uma Odisséia no Espaço. A referência é óbvia já que voltamos aos primórdios da vida na Terra e uso de música clássica com imagens espaciais, imagens da natureza e outras imagens psicodélicas é muito bem feito.

Isso nos leva a uma das cenas chave do filme, quando há o encontro de dois dinossauros, uma alegoria para o primeiro encontro entre seres inteligentes na Terra. Um dinossauro caído levanta a cabeça enquanto o maior se aproxima e pisa nele, não deixando o outro se levantar. Enquanto esperamos uma reação mais forte (um matando o outro por sobrevivência), isso não acontece. A atitude do animal foi de pura maldade.

Voltamos aos seres humanos. O casal protagonista (Brad Pitt e Jessica Chastain) tem três filhos pequenos e descobrimos, logo no começo do filme, que o do meio morre – provavelmente na guerra. Vemos o mais velho (Sean Penn) 30 anos depois e por algum motivo a culpa voltou a tomar conta dele.

Uma das imagens mais fortes do filme e que foi onde o diretor conseguir captar exatamente esse momento de “perda de inocência” é quando o irmão mais velho pede para o do meio colocar o dedo dentro da tomada de uma lâmpada, dizendo que não há perigo. A tensão é criada e quando achamos que acontecerá algo, não acontece nada (exatamente como na cena dos dinossauros), ao que o garoto (que representa a doçura e inocência da infância) diz “eu confio em você”.

Um pouco depois, o mais velho (que é atormentado pelo pai extremamente rígido e pela mãe extremamente compreensiva) pede para que o do meio coloque o dedo no cano de uma arma com a qual estão brincando em uma floresta. O do meio – confiante no mais velho – enfia o dedo, dessa vez sem pensar muito, e antes disso acontecer o mais velho aperta o gatilho. O silêncio dessa cena é doloroso. Logo depois, vemos a imagem do mais velho cheio de culpa, ciente de que ao mesmo tempo em que se tornou uma pessoa má também pensa “o que foi que eu fiz?”.

O mundo é cruel e cedo ou tarde nos adaptamos a ele, essa é basicamente uma das mensagens mais forte que Terrence Malick tenta passar.

É na perda do filho mais doce que entra o questionamento a Deus, feito pela mãe devota (que escolhe o caminho da graça, um dos dois caminhos na vida que escolhemos, como é falado no começo). Há também o tema da negação da morte, encarnado na figura do pai, que lamenta o seu último encontro com o filho. Lamenta que briga com ele quando ele vira muito rápido as páginas das partituras ao tocar o piano. O pai (que escolhe o caminho da natureza, o outro caminho) em determinado momento percebe que tudo o que tinha na vida era a sua família, aqueles que ama – ou a quem supostamente deveria amar.

As imagens com as quais o diretor brinca, como a da mãe flutuando, ou a daquele deserto que é uma espécie de paraíso – ou purgatório – onde todos se encontram são cheias de simbolismo e acredito que todos esses são bons motivos para ter gostado desse filme. A Árvore da Vida é um prato cheio para quem gosta de cinema, ousado e questionador.

Melancolia (2011)

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Sun, 14 Aug 2011 20:51:00 +0000

(bom saber: há PEQUENOS spoilers neste texto – portanto, caso você não goste de saber absolutamente nada antes de ver o filme é bom nem começar)

Saí do cinema em um pequeno estado de torpor depois de ver o último filme de Lars von Trier, Melancolia. Um arrepio na espinha depois daquilo que – vou arriscar dizer – pode muito bem ser o melhor final de um filme que já vi. A lua cheia no céu ajudou a compor o cenário que se formou em minha mente com todos aqueles pensamentos que devemos carregar depois de assistir à uma obra prima. Estava muito feliz por ter visto aquilo no cinema e triste por saber que nunca mais teria a sensação de ver aquilo pela primeira vez (como tinha acabado de acontecer). Estava me sentindo vazio e estranho, como Lars von Trier quer que a gente se sinta depois de seus filmes – mas nunca conseguiu dessa forma (pelo menos não comigo).

Não sou fã de Lars von Trier. Acho Dogville ok (Manderley melhor) e Anticristo um bom filme. Todos têm fotografia incrível (muito inspirada por Andrei Tarkovsky) e atuações marcantes (minhas favoritas: Björk em Dançando no Escuro e Nicole Kidman em Dogville). Mas Melancolia é, sem dúvida, o seu filme mais bonito. O mais poético.

Começa com um prólogo lindíssimo, com imagens estáticas daquilo que, já sabemos, é o final de tudo, e com “Tristan und Isolde”, de Richard Wagner, música que se encaixa perfeitamente na atmosfera do filme – e que é usada – muito bem – várias vezes ao longo dele. Kirsten Dunst encara a tela com uma expressão assustadora de tristeza e Charlotte Gainsbourg corre pelo campo de golfe, carregando o filho nos braços. Kirsten Dunst olha para as mãos que soltam uma fumaça branca. Sua expressão é de tranquilidade.

Von Trier começa nos enganando. Kirsten Dunst é a noiva que demora para chegar com o noivo na festa de seu casamento. Os dois se atrapalham com a limosine, mas estão se divertindo. Temos a sensação de que é um casal feliz, “normal”. Mas logo isso muda. Vemos que há algo errado com a noiva e o diretor nos guia por vários caminhos. Podemos imaginar que ela está assim, “estranha”, por causa do homem com quem vai se casar, um marido perfeito (quando faz o discurso para os convidados, diz apenas obviedades: “eu te amo”, “não posso viver sem você” etc). Podemos imaginar que está assim por causa do pai, velho bêbado (John Hurt) que nunca a escuta. Também imaginamos que está assim por causa da mãe, velha burguesa (Charlotte Rampling) que só pragueja contra tudo (tipo “eu não acredito em casamento”, entre outros clichês).

Mas não. Ela começa a agir de maneira estranha quando vê uma estrela diferente no céu.

O filme é dividido em duas partes: Justine (Kirsten Dunst) e Claire (Charlotte Gainsbourg). A primeira se passa toda durante a festa de casamento. E, estranhamente, ninguém menciona a iminência do fim do mundo, com a aproximação do planeta Melancolia, em rota de colisão com a Terra. É como se isso não existisse. E é aí que está o tema mais forte do filme: a negação da morte.

Justine é a única personagem sã do filme. A única que não nega a morte. Em determinado momento do filme (acredito que é exatamente no final da primeira parte), ela vira para a sua irmã, Claire, e diz “eu tentei, eu tentei”. Isso significa muito sobre ela. Justine tentou uma vida normal: um marido devoto que gasta as suas economias em um pequeno pedaço de terra para eles, um chefe escroto (que ela também dispensa em determinado momento), bons amigos. Não conseguiu. Suas fugas constantes mostram isso. Em outro momento – já na segunda parte - ela diz que “sabe coisas” e que o mundo vai acabar. Neste momento sabemos que não há mais saída e Claire (supostamente o personagem “humano”, que representa a Terra) também sabe.

Claire, assim como todos os outros – com exceção de Justine -, vive negando a morte. Pergunta para o marido (Kiefer Sutherland) se tudo vai ficar bem. Diz para o filho pequeno que não há com o que se preocupar e imagina que uma boa maneira de apreciar o fim (quando ela aceita isso) é tomando vinho e ouvindo Beethoven no terraço, o que Justine acha uma “grande bosta”.

(nota: a partir de agora há GRANDES spoilers no texto. Caso você não tenha visto o filme é ALTAMENTE RECOMENDÁVEL que você não continue – mesmo que você não se importe em saber o final antes de ver)

O garoto, já no final, percebe que o mundo vai acabar. Sua mãe, Claire, não sabe o que fazer. Justine (a Melancolia) permanece calma o tempo inteiro. E é a única que sabe como confortar o garoto. Sugere que construam uma “caverna mágica” e que a sua tia “quebra-aço” é a única que consegue fazer. Aí nos aproximamos de um dos momentos mais mágicos da história do cinema, o fim do mundo de Lars von Trier. Os três dão as mão dentro da tal “caverna”, que nada mais é do que alguns pedaços de pau colocados em forma de cabana. Claire chora. A expressão do garoto é de paz, graças à Justine, que diz que tudo vai ficar bem ali dentro. A explosão chega. A música sobe. A música pára. Tela preta. Começam os créditos. Silêncio na sala.

Obviamente o final não seria o que é (teria o impacto que teve) se Lars von Trier tivesse construído o filme de maneira diferente. A maneira como tudo é feito para chegar ao final épico é o que conta. E o que torna o filme perfeito.

Quando um filme cresce em você

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Tue, 09 Aug 2011 00:49:00 +0000

Às vezes esse fenômeno estranho acontece. Podemos não gostar de determinado filme à primeira vista e depois de um tempo começamos a ver nele coisas que gostamos e que passaram em branco antes. Quando assisti à Funny Games (Violência Gratuita) pela primeira vez, no cinema, em 2007, não gostei. Achei o filme uma tentativa boba de explorar as origens da maldade na mente humana, usando a tal da violência gratuita do título em português como meio de chocar. De fato, o filme é bastante perturbador – o que nem sempre significa que é bom. Mas não entendi o que levou o diretor Michael Haneke a fazer um remake exatamente igual de um filme que já tinha feito em 1997, só que falado em alemão e com atores alemães.

Tempos depois, assisti a outros filmes do diretor: A Fita Branca, Cache e A Professora de Piano. Filmes incríveis e que ainda considero melhores que Violência Gratuita. No entanto, percebi que algo ligava todos eles: o gosto pelo perturbador. Elemento que está presente em todos os filmes de Haneke em maior ou menor grau. Diria que Cache é o mais perturbador de todos. O nível de tensão que ele consegue criar com simples movimentos de câmera ou falta de luz em determinados lugares é incrível. Impressiona quanta tensão existe em uma simples cena na qual o protagonista lentamente fecha as cortinas do quarto e deita na cama.

Junto com A Fita Branca, é a melhor de suas tentativas de buscar as “origens da maldade”. Em Cache é a mente de um homem, que não consegue se livrar da culpa de coisas que fez no passado – ainda na infância. E em A Fita Branca é uma pequena vila alemã do início do século XX, cujas crianças – aquelas que viriam a ser os jovens adultos durante o nazismo alemão - são aterrorizadas por acontecimentos estranhos e violentos. Dois filmes geniais, obrigatórios para qualquer um que aprecie a subversão do cinema.

Haneke subverte, brinca com o espectador. Usa alegorias – como por exemplo as fitas de vídeo em Cache, que, para mim, estão ali com o Monolito de 2001 (as duas coisas são invenções dos diretores, que servem para brincar com o tempo e a mente dos personagens - e espectadores) – e deixa mil interpretações para aqueles que assistiram ao filme discutirem depois.

Não há crianças em A Professora de Piano, mas há um jovem doentio (assim como em Funny Games). Também não há tanta tensão como em Cache. Na verdade há mais atitudes estranhas – outra caraterística do diretor – desde o começo, do que qualquer outra coisa.

Funny Games não tem a mesma elegância dos outros filmes citados aqui. Os jovens protagonistas são debochados demais (não que isso seja algo ruim, mas simplesmente não combina com o estilo do diretor), as subversões não são tão sutis quanto nos outros (personagens falando com a câmera, filme rebobinado por meio de um controle remoto) e caras muito famosas (Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt) fazem o terror perder um pouco da “credibilidade”, mas mesmo sendo um título inferior em sua filmografia, Funny Games tem o seu valor. E acrescenta bastante na história de um diretor que é apaixonado por cinema (se há a possibilidade de fazer um filme sobre dois malucos aterrorizando uma família em sua casa de campo, por que não fazê-lo?). Simples.

Scorsese e a música pop

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 03 Aug 2011 19:48:00 +0000

Martin Scorsese sempre foi um dos diretores que melhor soube utilizar as canções pop nos seus filmes. Sujeito de extremo bom gosto e autor de belos registros de shows dos Rolling Stones (Shine a Light) e The Band (o incrível O Último Show de Rock) e de documentários, como No Direction Home, sobre Bob Dylan, Scorsese também sabe como encaixar perfeitamente as músicas de todos esses artistas em suas ficções.

Um dos momentos mais impressionantes é a abertura de Caminhos Perigosos, ainda com os créditos rolando, ele solta “Be My Baby” das Ronettes, muito provavelmente a maior perfeição pop dos anos 60, obra-prima do produtor Phil Spector. Uma decisão ousada, levando em consideração a grandeza da canção – lançada dez anos antes de Caminhos Perigosos (o filme é de 73) – e Scorsese ainda não ser o diretor consagrado de Taxi Driver e Touro Indomável. A simplicidade da letra, a voz de Ronnie Bennett, tudo é perfeito em “Be My Baby”. Isso tudo vai misturado com imagens em super 8 como se fossem de “arquivo pessoal” de um dos personagens do filme (Harvey Keitel em um dos seus melhores momentos), acompanhado de sua mulher, filho e amigos cheios de alegria. Saber como o filme vai se desenrolar depois faz a dramaticidade só aumentar. Hoje, quase 40 anos depois, a cena cresceu ainda mais e, para mim, é uma das coisas mais bonitas já feitas pelo diretor americano.

link para o vídeo.

Mas a melhor combinação é sem dúvida “Layla”, da banda de Eric Clapton, Derek and the Dominoes, e as imagens dos corpos sendo encontrados em lugares inusitados, em Goodfellas. Momento clássico do cinema, é por causa das notas daquele piano e guitarra que Scorsese consegue uma das cenas mais arrepiantes da história. Apenas aqueles corpos ensanguentados, duros, de boca aberta e a polícia ao redor. Enquanto isso toca o trecho final e instrumental de “Layla” (sem a parte roqueira na voz de Eric Clapton do começo) com a voz de Ray Liotta narrando os acontecimentos. Acredito que nesta cena as imagens são mais fortes do que a própria música (ao contrário da abertura de Caminhos Perigosos), até porque já estamos no meio do filme, Scorsese já era diretor experiente e leva tudo com uma maestria raramente vista. Grandioso é pouco para descrever esse trecho de Goodfellas.

link para o vídeo.

Novo blog

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 06 Jul 2011 02:45:00 +0000

Amigos, estou escrevendo agora em outro blog. O tema é diferente, mas o autor é o mesmo. Vocês que me seguiam antes por aqui, agora podem seguir aqui: Memórias do Mar Preto. Aguardo as visitas.

Escrevendo em outro blog

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 27 Oct 2010 20:09:00 +0000

Desculpem a falta de atualizações. Realmente ando sem tempo para escrever neste espaço, mas quero convidar a todos para visitarem o blog da Kinoforum, onde estou escrevendo (junto a outras pessoas com quem trabalho). Nessa época de Mostra Internacional de Cinema estamos atualizando com as nossas impressões sobre os filmes deste ano, como o belíssimo Poesia (da foto). Então, para quem estiver com saudades dos meus textos, pode entrar lá: http://curtakinoforum.blog.uol.com.br

Acento na Copa: O Ano em Que Meus Pais Saíram de Férias

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 23 Jun 2010 20:31:00 +0000

E nesta sexta-feira o Brasil entra em campo novamente para enfrentar o seu adversário mais difícil nesta primeira fase, Portugal. A seleção brasileira já passou por cima da Costa do Marfim e da Coréia do Norte, está convencendo e desponta como uma das favoritas ao título. Um filme interessantíssimo, que aborda a conquista do mundial de 1970, entre outras coisas, é o O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias.

Passado em 1970, um dos períodos mais violentos da ditadura militar, disfarçado pela vitória da seleção brasileira na Copa do Mundo, este filme é uma pérola. Cao Hamburger (diretor de Castelo Rá-Tim-Bum) fez o filme que superou Tropa de Elite para a indicação brasileira ao Oscar de 2008. Os pais de um garoto precisam se esconder, pois são ativistas de esquerda. Deixam o filho no Bom Retiro, bairro judeu de São Paulo, enquanto ele vai descobrindo o motivo das “férias” de seus pais.

Cao Hamburger consegue, por meio do futebol, colocar sutileza em um tema tão pesado e doloroso: a ditadura militar. Caio Blat (Batismo de Sangue, Histórias de Amor Duram Apenas 90 Minutos) estrela o filme. O garoto Michel Joelsas interpreta o protagonista, Mauro, menino cujo sonho é se tornar goleiro. Quem foi criança vai se emocionar com as cenas do futebol na rua, álbum de figurinhas e jogo de botão. Os amigos e novos conhecidos do garoto acompanhando cada jogo da seleção também proporcionam momento especiais.

Apesar de tudo isso, o momento histórico é apenas um pano de fundo para mostrar o amadurecimento do garoto solitário. A vida sem os pais, ao lado de adultos estranhos e crianças novas, com as quais precisa fazer amizade. Uma bela história e um dos melhores filmes brasileiros da última década.

Acento na Copa: Invictus

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 16 Jun 2010 12:55:00 +0000

Hoje a anfitriã da Copa, África do Sul, volta a campo para jogar contra o Uruguai. Não fizeram tão feio no primeiro jogo, empatando com o México por 1 a 1. Time sem tradição no futebol, mas bom no rugby, Clint Eastwood fez um filme sobre a histórica seleção desse esporte que venceu o torneio de 1995, sediado também lá. Publico aqui a minha crítica de Invictus:

Depois de dois filmes incríveis (A Troca e Gran Torino), Clint Eastwood retorna com um filme não tão bom quanto os anteriores. Querer comparar com Gran Torino, um dos melhores de sua carreira, é sacanagem, mas a impressão que fica ao final de Invictus é a de que ficou faltando alguma coisa. O filme é ótimo e Eastwood continua como um dos grandes mestres da câmera em Hollywood, mas uma história com grande potencial melodramático (algo que o diretor adora) acaba sofrendo talvez por um pouco de exagero na emoção.

Baseado no livro de John Carlin, Invictus se passa no começo do mandato de Nelson Mandela como presidente da África do Sul. Depois do apartheid, o país continua dividido entre brancos e negros e Mandela decide resolver isso. Vê na equipe nacional de rúgbi um grande potencial para conseguir a união que deseja. Chama o capitão do time, François Pienaar (Matt Damon), um africâner filho de um racista, para tomar chá no palácio presidencial. Com um poema vitoriano (o Invictus, do título do filme) que lia no seu período na prisão tenta incentiva François a levar a sua equipe à improvável vitória.

Morgan Freeman entrega uma interpretação marcante de Mandela. É o grande destaque do filme. Não há enquadramentos improváveis e nenhuma novidade na narrativa. Há a grande música explosiva nos momentos de grande emoção e uso da câmera lenta em cenas chave. É um filme de Clint Eastwood. Exagerado, como disse antes, na emoção, mas ainda assim bom. Há algumas semelhanças com Menina de Ouro, por causa da temática esportiva, de uma história de superação de um ser humano que segue à risca os ensinamentos de um “mestre”, mas é só isso. Se Eastwood inova é na temática, sempre diferente de um filme para outro.

É interessante notar que a história de Nelson Mandela tem muitos paralelos com a de Lula. Ex-presidiário que chegou ao poder com o apoio da maioria da nação e mesmo assim ainda sofrem preconceitos das “elites brancas” de seus respectivos países. Pacificadores, a paciência dos dois assusta, assim como a falta de espírito revanchista. Líderes natos e incontestáveis, Lula e Mandela são aclamados por veículos internacionais como visionários e mesmo assim ainda sofrem resistência em sua terra natal. O brasileiro nunca precisou usar do rúgbi para unir o país, mas conseguiu grande sucesso trazendo a Copa de 2014 e a Olimpíada de 2016 para cá. Com alguns ajustes, Clint Eastwood poderia muito bem fazer uma história passada no Brasil.

Acento na Copa: Maradona by Kusturica

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Fri, 11 Jun 2010 14:51:00 +0000

Homenageando a seleção argentina, que estréia na Copa do Mundo contra a Nigéria amanhã, deixo aqui a minha resenha do filme sobre o maior craque argentino de todos os tempos: Maradona, em Maradona by Kusturica.

Maradona é um cara que eu admiro. Muito mais do que o Pelé, por exemplo, que jogou no meu Santos. O craque argentino – embora não chegue perto da genialidade do santista em campo – sempre foi um cara que falou o que pensa, sem falsidade, extremamente verdadeiro. Fala abertamente sobre o seu uso de drogas, admite que meteu a bola na final contra a Inglaterra com a mão e não hesita em subir em palanques de líderes socialistas latino-americanos. Pelé jamais faria isso.

Em Maradona by Kusturica, documentário do cineasta bósnio Emir Kusturica, o “deus” (segundo os argentinos, é bom frisar) é o centro das atenções. Ele aparece como o cara simples que é e sempre foi. Jogando bola com o diretor, bebendo e cantando com a família e amigos, dando depoimentos sobre a sua vida, conversando com líderes esquerdistas e mostrando as suas tatuagens. Um sujeito admirável (não tão bom quanto Pelé em campo, mas muito melhor e menos mascarado fora de campo).

O problema do filme é que não é nada muito além disso. Aparecem muitas imagens dos cultos da igreja “maradoniana”, mas não sabemos qual é a origem dela, o que levou aqueles sujeitos a terem essa idéia. Por que Maradona virou “deus” na Argentina? Se você não sabe, não é este filme que vai explicar. Parece que a intenção de Kusturica às vezes é dizer apenas que amigo desse gênio da bola e pronto. Faz umas seqüências de gols marcantes, misturados com umas animações irritantes de Maradona destruindo ícones do imperialismo, como George Bush e Tony Blair, ao som da também irritante “God Save the Queen” do Sex Pistols. Maradona by Kusturica é um filme bom, mas nada definitivo sobre uma das grandes figuras da nossa era.

Acento na Copa: À Procura de Eric

noreply@blogger.com (Ciro Hamen) — Wed, 09 Jun 2010 18:10:00 +0000

Como vocês perceberam andei meio ausente do blog pois ando bastante ocupado com outras coisas. Retomando as atividades do site e animado para a Copa do Mundo da África do Sul, resolvi resenhar alguns filmes sobre futebol ou com temática ligada ao esporte mais amado pelos brasileiros. Para começar, vou publicar uma que já tinha postado há um tempo, sobre À Procura de Eric.

O mais legal de À Procura de Eric é que apesar da referência ao jogador de futebol francês no título, ele não é um filme sobre futebol ou a biografia do craque, mas sim sobre um homem que se apoiava na imagem do seu maior ídolo quando precisava de conselhos para seguir a vida. E ajuda era o que protagonista deste filme estava mais precisando, levando em consideração que vivia em uma casa completamente bagunçada em um subúrbio inglês, com dois filhos problemáticos – um envolvido com uma gangue local – e uma ex-mulher que não saia de sua cabeça - que ele abandonara há muitos anos e vivia com este arrependimento nas costas.

Para quem não sabe, Eric Cantona foi um dos maiores jogadores de futebol do mundo e um dos mais polêmicos também. Ficou famoso defendendo o time inglês Manchester United, até que em 1995, no auge, foi suspenso dos gramados por vários meses depois de agredir um torcedor. Depois ganhou fama fazendo declarações filosóficas – o lado de Cantona que move este filme – e se transformando em ator, participando até de Elizabeth (1998), com Cate Blanchett. Mas em campo, Cantona foi realmente genial e um dos jogadores mais elegantes do esporte bretão.

Cantona é interpretado por ele mesmo, enquanto o protagonista é Eric Bishop, feito por Steve Evets – ex-membro da banda inglesa The Fall. Bishop vive como carteiro e tem poucos momentos de felicidade, que quase sempre acontecem quando está bebendo cerveja com os amigos. Em casa vive a amargar uma vida dura e com a culpa de ter abandonado a esposa ainda jovem. São nesses momentos que Cantona aparece e deixa de ser apenas um pôster no quarto de Bishop. Steve Evets, apesar de cinquentão, tem uma cara de moleque sofrido, o que contribui bastante para o desenvolvimento do personagem.

O diretor Ken Loach (Ventos da Liberdade, Pão e Rosas) consegue mais uma vez colocar a classe operária britânica na tela com seu ponto de vista socialista sem ser panfletário, desta vez usando elementos de surrealismo (o desfecho é sensacional). À Procura de Eric é um verdadeiro deleite, mesmo para aqueles que não são fã de futebol – apesar de as (poucas) cenas das jogadas de Cantona que aparecem emocionarem. Uma vida sofrida e uma história de busca de superação contada de maneira bastante original.