Ah! E por falar nisso...

A Leste do Éden

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 19 Oct 2026 18:04:54 +0000

Quantas gerações são preciso, para uma família aprender que não é preciso atender às expectativas de quem veio antes de nós? Talve zeja isso que A Leste do Éden pretende descobrir. A minissérie de sete episódios que adapta a obra literária de John Steinbeck, é uma das boas surpresas da Netflix em 2026.

Acompanhamos assim a infância dos irmãos Trask no final do século XIX. Charles (Mike Faist) disputa a atenção do pai, que claramente tem Adam (Christopher Abbott) como favorito. Criando inimizade entre os irmãos que só aumenta com a chegada de Cathy (Florence Pugh), espancada e debilitada à sua porta. Ela é acolhida por Adam mas hostilizada por Charles. E já estamos no século XX.

O que Adam ignora, Charles desconfia e que nós acompanhamos, é que Cathy tem um passado. Sendo capaz de usar sua beleza e astúcia para manipular os homens desde o início da adolescêcia. Mas, no momento, que acolhida pelos irmãos está, de fato, desamparada. Mas não despreparada, ela logo planeja tirar vantagem dos Trask. E acaba casando com Adam, que não percebe as intenções e vontades da moça, nem quando ela as verbaliza.

Endinheirado por uma herança duvidosa de seu pai, ele arrasta a moça à contragosto para o outro lado do país. Onde grávida ela vive infeliz, à espera da oportunidade de abandonar pai e bebês. O que ela faz, fugindo para um bordel e engajando um plano para se tornar dona dele.

Enquanto Adam se afoga em depressão, e conta com a ajuda de Lee (Hoon Lee) para criar os filhos Caleb e Aron (Joseph Zada e Joe Anders). É apenas quando os gêmeos estão crescidos que a trama se movimenta novamente. Com os irmãos mais uma vez tentando atender as expectativas do pai, gerando novos conflitos e embates entre eles.

Esta "sinopse" é muito mais extensa e detalhada do que de costume em minhas resenhas para apontar um detalhe importante, a ciclicidade da história. Assim como a canção de Belquior, imortalizada por Eliz Regina, "Ainda somos os mesmos e vivemos como nossos pais". E a repetição de erros vem acontecendo, geração por geração, desde os primeiros filhos, Cain e Abel.

Não é coincidência que a família trask seja formada por irmãos cujas iniciais dos nomes sejam "C" e "A". Cain e Abel, Charles e Adam, Caleb e Aron... O romance de Steinbeck faz diversos paralelos com esta e outras histórias bíblicas para discutir, legado, livre-arbítrio e expecatativas. A série atualiza, e consequentemente amplia a discussão, falando também de honestidade, liberdade, e o espaço da mulher naquela sociedade.

Isso porquê, diferente do livro que a trata apenas como a personificação da maldade, a série dá mais camada e bagagem a Cathy. Não chega a redmi-la de suas ações, mas nos faz entender sua busca. Cathy queria agência, poder comandar a própria vida, mesmo que para isso, precisasse recorrer a profissão mais mal falada da história. Como prostituta ela poderia ganhar o próprio dinheiro sem depender de pai, marido ou filhos. Como cafetina poderia inclusive comandar homens em seu pequeno império. Uma liberdade impossível para qualquer outra posição reservada as mulheres.

Não atoa, a produção escolheu um nome de peso para a antagonista. Florence Pugh consegue transmitir todas as camadas, e o peso das escolhas de sua personagem, sem que o texto seja explicativo. Insatisfação, frustação, ambição, indiferença, soberba, medo, está tudo lá, nos pequenos gestos e expressões da moça.

Outro grande destaque é Hoon Lee. Interprete do "cozinheiro" da família Trask, ele rouba a cena ao ser o personagem mais sensato no caos que é a vida. Mesmo tendo que lidar com os estereótipos que lhe são impostos, e com os impedimentos que sua etnia colocam em seu caminho. Uma interpretação cativante de Hoon Lee.

O restante do elenco apresenta um excelente trabalho, mas admito foram Florence e Lee quem chamaram minha atenção. Mas vale mencionar as boas aparições de Mike Faist e Ciarán Hinds. Além de podermos conhecer um pouco melhor os trabalhos de Christopher Abbott, o futuro Professor Xavier do MCU, e Joseph Zada, protagonista do próximo filme da franquia Jogos Vorazes.

Outro aspecto que chama a atenção é a reconstrução de época, e a criação de atmosfera. Seja através dos detalhados cenários e figurinos, que realmente parecem utilizados no dia-a-dia. Seja nas vastas e belas locações escolhidas, que nos fazem pensar, onde encontraram tantos lugares sem sinal de habitação e "modernidade". Visualmente a série é impressionante.

A Leste do Éden traz uma narrativa rica, e um universo caprichado, e excelentes atuações para ambientar várias gerações de uma mesma família, aprendendo sobre liberdade. Tudo para chegar em um conceito "Timshel", é uma palavra hebraica (aparece em Gênesis 4:7) que significa "tu podes" ou "poderás". Tu poderás ser quem quiser, sem atender expectativas alheias. E talvez também tu poderás aceitar seus filhos como são, e como desejam viver.

A família Trask pode até ter vivido no início do século passado, mas a batalha geracional que enfrentam ainda é a mesma que muitas famílias encaram em pleno 2026.

A Leste do Éden tem sete episódios com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis na Netflix.

A Libélula No Âmbar

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 16 Oct 2026 17:54:25 +0000

Admito, entrei no "esquema de pirâmide" chamado Outlander para suprir uma carência deixada pelo final insatisfatório da série que adapta os livros de Diana Gabaldon. (Leia textos sobre a adaptação aqui no blog!) Logo, não se surpreenda se comparações surgirem ao longo da resenha de A Libélula no Ambar, segundo livro da saga.

Após os traumáticos eventos na prisão de Wentworth, Claire e Jaime se mudam para França. Em Paris, assumem os negócios de bebidas do primo de Jaime, enquanto secretamente tentam evitar o levante Jacobita e o massacre da batalha de Culoden. Nessa missão, o casal se envolve com a alta sociedade parisiense, e com o próprio herdeiro do trono escocês, o príncipe Charles Stuart. Agindo como amigos enquanto tentam minar a revolução, o que os levará a um novo trauma pessoal.

Mais tarde, mesmo com todo o esforço, Claire e Jaime retornam a Escócia para um breve período da vida cotidiana nas terras Fraser, antes de serem forçados a unir forças e lutar na rebelião que tanto tentavam evitar.

Nesse processo, Gabaldon amplia os horizontes de sua série. Agregando novos conceitos e personagens, alguns aparecendo momentâneamete para fazer a história andar, outros se tornando aquisições fixar para a história que está contando.

À começar por Brianna, a filha do casal protagonista que aqui aparece já adulta em 1968, ao lado da mãe, para acertadamente confundir, e deixar curioso o leitor desavisado. Descobrimos que a moça foi criada por Claire e seu primeiro marido Frank no século XX. E em uma visita à escócia após a morte do pai de criação, a mãe revela sua verdadeira origem para a filha. Enquanto com ajuda de Roger, sobrinho-neto e filho adotivo do reverendo Wakefield, as duas iniciam uma busca por descobrir o que acontecera com os homens Fraser na guerra.

É a revelação da jornada da proragonista para a filha, e a pesquisa sobre o passado que nos tira do século XX. E de volta ao século XVIII, continuamos a companhar a história que abandonamos no primeiro livro. Descobrir como Claire fora parar no futuro, é parte do mistério que impulsiona a leitura.

Se a mudança de cenário para nos levar de volta ao seu mundo foi uma boa escolha da autora. O desenvolvimento da jornada não é tão eficaz quanto o afinado primeiro livro. Especialmente no trecho passado na França, há uma quebra de ritmo, e um certo arrasto, que fica mais evidente com a profusão de personagens novos apresentados em tão pouco tempo. Ficar um pouco perdido quanto à quem-é-quem não é incomum.

Por outro lado, os novos personagens fixos e recorrentes apresentados neste período, são os mais interessantes. O adoravel trombadinha Fergus, entra permanentemente para a história. Enquanto o Mestre Raimond e o Conde St German, expandem a mitologia em torno da viagem do tempo e da magia daquele mundo como um todo.

Já o trecho em Lalybrock, nos dá um vislumbre muito bem vindo do casal na vida cotidiana. Um respiro antes de nos jogar em um tenso, e propositalmente confuso, cenário de guerra. O trecho da revolução também sobre com o excesso de personagens, e principalmente com o vai-e-vem deles. Mas a confusão é um pouco menor que o trecho francês. Ou talvez, eu tenha finalmente embalado no estilo. Me conta como foi para você, se já leu.

Com a divisão entre períodos de tempo distintos, também temos duas versões da protagonista. A jovem apaixonada em uma grande aventura que já conheciamos. E a mulher mais madura, que já foi mãe, médica esposa por duas décadas. Uma evolução de personagem cuja promessa é acompanharmos em livros futuros.

Quanto ao texto em si, vou me repetir. Assim como no primeiro livro, o texto é divertido, leve e fluido. É apenas a divisão dos capítulos que continuam a incomodar. Os trechos muito longos são ruins para quem lê em pequenos intervalos entre tarefas. Mas aí, reforço, e uma preferencia desta blogueira que vos escreve. Não necessáriamente um problema para todos os leitores.

Em relação a série, a adaptação fora bastante eficente. Enxugando e simplificando aquele excesso de personagens, e o vai-e-vem que mencionei anteriormente, mas sem deixar nada realmente relevante de fora.

A Libélula No Âmbar é um pouco menos empolgante que A Viajante do Tempo, não o suficiente para desistirmos do universo, mas para demorarmos um pouco mais para chegar ao fim do livro. Mas o universo continua rico, os personagens cativantes, e a pesquisa histórica surpreendente. Os pontos positivos facilmente superam os negativos. "Bora" seguir para o próximo volume da saga!

Outlander tem um total de nove livros publicados, com o décimo à caminho só na trama principal. Conta ainda com histórias paralelas acompanhando outros personagens do mesmo universo. Além da série de TV, com oito temporadas e 101 episódios.

A libélula no âmbar (Outlander - Livro 2)
Diana Gabaldon
1992 - Editora Arqueiro

Leia a crítica de A Viajante do Tempo!

Leia mais sobre Outlander!

Carrie: A Estranha

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 12 Oct 2026 20:45:44 +0000

Desde que foi publicado em 1974, o primeiro romance de Stephen King, Carrie - A Estranha, tem ganhado adaptações recorrentes para as telas. Isso porquê, o tempo passa, a sociedade muda, mas os temas não. Assim, cada geração ganha sua versão da maior propaganda anti-bulling da cultura pop.

Agora é a vez da geração atual, que são os primeiros a conhecer a jovem Carrie através de uma série, não um filme. E pelas mãos de ninguém menos que Mike Flanagan, diretor de A Maldição da Residência Hill, e Doutor Sono. Ou seja, um cara que conhece bem tanto terror, quanto Stephen King.

Em 2026, Carrie precisa ter uma origem diferente. Ela não pode ser apenas a deslocada do colégio, não é possível, com celulares, computadores e o próprio currículo escolar. Ela precisa realmente ser uma forasteira no mundo real. A série resolve isso fazendo referência a um evento absurdo da vida real. O Caso Turpin, onde David e Louise Turpin mantiveram seus 13 filhos em cárcere privado e isolamento absoluto dentro de casa por quase três décadas.

Assim, Carrie White (Summer H. Howell) e sua mãe Margareth (Samantha Sloyan) são encontradas em um armário após a morte repentina de seu pai e marido Ralph White (Tahmoh Penikett). Agora a matriarca religiosa e rigorosa precisa trabalhar, e a adolescente frequentar a escola pela primeira vez.

Chegando em um colégio com detectores de metais na entrada, e ensaios para aprender como agir em ações de atiradores. Nem precisava ser educada em casa para ficar perdida e assustada, basta não ser estadunidense. É claro, que por não saber como agir socialmente, e não ter conhecimento do mundo Carrie é vista como estranha. Mas pasmem, com mais tempo de tela para ser trabalhada, não é hostilizada o tempo todo, e até consegue ter boas experiências no colégio.

Interagindo mais com os estudantes, ela até faz amizade com Sue Snell (Siena Agudong), Tommy Ross (Joel Oulette) e outros personagens menores. É com Chris Hargensen (Alison Thornton) que a relação é mais complexa. Dessa vez, a vilãzinha não é apenas má. Apesar de nada justificar suas ações, é possível compreender de onde vem sua raiva e agressividade. Graças ao maior tempo de tela, que ainda possibilida explorar também o bullying virtual e seu alcance para além dos corredores da escola.

Junto com o bullying nas redes, outras mazelas da sociedade são expostas. A hipocrisia de quem critica, mas segue a página de ódio, a incompetencia das autoridades, e até pedofilia nos corredores da escola.

Margareth White também tem seu próprio desenvolvimento. Muito mais que uma fanática religiosa, a mãe da protagonista também é vítima em alguns aspectos. Não temos certeza se da própria fé cega, da influencia do marido, ou de ambos. Mas também a vemos reaprender a navegar no mundo, tomar decições hipócritas, e temer pelos poderes da filha. A personagem da excelente Samantha Sloyan e do falecido marido também são uma alfinetada nos teoristas das conspirações, negacionistas da ciência, e fanáticos religiosos, que encontramos no mundo real.

De volta à protagonista, Carrieta aqui é melhor apresentada e explorada. Seja pela sua criação enclausurada, passando por seu interesses construídos por livros que ela lê clandestinamente, até seu rigido senso moral. Pela primeira vez, ela não é apenas uma vítima indefesa, mas também é curiosa, esforçada e ávida pelo mundo do qual fora privada. Sua transição para a instabilidade e a catarse final também é constante e bem construida.

Summer H. Howell transmite essa ingenuidade, e empolgação pelo mundo com facilidade. Carrie é uma fofa, que aos poucos vai sendo desiludida e corrompida pela sociedade. Uma pena apenas que a série se acovarde e tire dela parte da responsabilidade dos eventos do baile. Tentando não dar spoilers, a série expande os horizontes e traz personagens de outros universos do autor. E dá a um desses personagens, parte das ações na fatídica festa.

E por falar no baile, a sequencia mais icônica em outras adaptações do livro, é a mais fraca nesta versão. Uma vez que a cena é interrompida constantemente por depoimentos posteriores. A intenção era criar um quebra-cabeças do evento com os relatos, mas as pausas tiram a força da catarse. E principalmente enfraquecem o terror. A série é mais um drama adolescente, que um filme de horro de fato.

Antes de terminar, vale mencionar outros bons nomes no elenco como, Josie Totah, Amber Midthunder, Tim Bagley, Michael Trucco, Tahmoh Penikett, Heather Graham e Matthew Lillard. Enquanto os mais atentos vão conseguir pescar referências do universo de Stephen King e a cultura pop. Como o letreiro de um cinema em que Carrie passa na frente, anunciando uma retrospectiva de Brian de Palma, diretor da primeira versão. Ou ainda os muitos títulos que a Carrie lê como O Apanhador no Campo de Centeio e O Conto da Aia, que influenciam a personagem ao mesmo tempo que fazem referência à própria história da série.

Em resumo, passamos oito episódios vendo a protagonista ser mal tratada, mas na hora de sua vingança, não vemos a cena completa, e responsabilidade da moça é amenizada. Tudo em prol de possíveis continuações. Existe um esforço para criar um universo compartilhado televisivo de King desde IT: A Coisa. Embora a série da HBO e Carrie não tenham os mesmos produtores nem façam parte do mesmo canal. Infelizmente a série deixa pontas soltas para continuação, no destino de Carrie e Emaline (Thalia Dudek), e no mistério em torno de quem faz as perguntas. Desnecessário na minha humilde opinião a história está contada.

Mas apesar do final àquem do potencial, a série de Carrie: A Estranha é excepcional. Atualiza e expande a história clássica, sem perder sua essência. É de fato uma Carrie para novas gerações, e a melhor representação desde o clássico de 1976.

Carrie: A Estranha tem oito episódio com cerca de uma hora cada, todos disponíveis no Prime Video.

Assista também:

Labirinto - A Magia do Tempo | Fora da Lista!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 09 Oct 2026 12:41:00 +0000

Qual seu filme de infância? Aquele responsável por moldar seus gostos cinematográficos, e até literários, na vida adulta? Eu aprendi a gostar de aventura, fantasia, musical e instabilidade temporal com uma obra apenas!

Labirinto - A Magia do Tempo, tem grandes nomes envolvidos e uma produção extremamente criativa. Mas, foi fracasso em seu lançamento, ganhando status de cult com o tempo. Por isso talvez você nunca tenha ouvido falar dele. Mas tudo bem, por isso estou aqui.

Assista outros vídeos do Fora da Lista e do Projeto 1001!

Verity

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 07 Oct 2026 13:28:00 +0000

Admito, eu não fazia ideia sobre o que se tratava Verity antes de entrar na sala de cinema. Eu tinha ciência da existência do livro, mas nunca li sua sinopse. Tão pouco assisti à trailers da sua adaptação cinematográfica. A única coisa que eu conhecia era o elenco, e essa foi a melhor forma de assistir ao filme.

Logo, se quiser parar por aqui, e retornar depois de ler ou assistir esta história, eu vou entender. Para quem ficou, vamos ao que se trata...

Lowen Ashleigh (Dakota Johnson) é uma jovem escritora talentosa, mas sem grande expressão em vendas. Ela acabou de perder a mãe, acumula dívidas médicas (viva o SUS!), e está prestes a ser despejada quando recebe uma proposta que pode tirá-la desta situação difícil. Ela deve trabalhar como ghostwriter (ou co-autora, não fica claro) de uma famosa série de livros, cuja autora encontra-se em estado vegetativo após um acidente.

Assim, a moça vai passar os dias na isolada casa de Verity Crawford (Anne Hathaway) e seu marido Jeremy (Josh Hartnett), para vasculhar as anotações da autora, compreender os rumos que ela pretendia dar a sua série, e aprender a emular sua voz. A dificuldade é que Verity costuma escrever pelo ponto de vista do vilão, tornando sua obra extremamente perturbadora.

Eventualmente, Lowen encontra um manuscrito com a suposta auto-biografia da famosa autora. Onde ela revela seu verdadeiro carater, relatando atos horríveis contra os próprios filho, na tentativa de obter atenção total do marido por quem é obcecada. Ao mesmo tempo a jovem escritora, passa a se envolver e preocupar com a família. Se preocupando com o filho do casal, Crew (Brady Wagner) e principalmente com o extremamente atencioso marido. O que leva a jovem a desconfiar da condição médica de Verity.

A partir disso, cria-se um clima de desconfiança e paranóia que leva a protagonista e o expectador questionarem a realidade. Nos levando a questionar tudo e todos, inclusive a prórpia Lowen. Enquanto ela, faz escolhas ruins baseada em percepções que podem estar errada. Levando a um final propositalmente em aberto, sobre quem é o verdadeiro vilão da história.

Originalmente no livro de mesmo nome em que a obra se baseou, o final também era completamente em aberto, no melhor estilo "Capitu traiu Bentinho?". Posteriormente, a autora Colleen Hoover acrescentou um capítulo extra que da mais força a uma das vertentes. O filme escolhe manter a discussão aberta para o público. Esta acertada escolha, é o que gera impacto é dá força à produção que no geral é bastante mediana.

O roteiro de Nick Antosca enxuga exageros, elimina detalhes desncessários, mas não consegue eliminar completamente as incoêrencias, excesso e dar profundidade aos personagens. A condição de Verity ser sustentada por tanto tempo sem desconfiança, ou mesmo o trabalho policial nos casos de eventos suspeitos serem tão frágeis, exigem muita suspenção de descrença do público.

Outros elementos, são higienizados ou suavizados na produção cinematográfico. Provavelmente para alcançar um público maior. Tornando as cenas de sexo mero fetiche, e diminuindo o teor das cenas violentas. Inclusive a inútil cena do início. Um atropelamento sangrento sem função nenuma na trama a não ser chocar.

Já Lowen e Jeremy não despertam a empatia do público como deviam. Tão pouco seu romance convence, a atração parece apenas existir pela conveniência de estarem sob o mesmo teto. Além do roteiro fornecer pouca bagagem, e interações frágeis entre o casal, Johnson e Hartnett não conseguem entregar química ou carisma para ganhar nossa torcida.

Anne Hathaway é a melhor em cena, o que é irônico, uma vez que ela passa metade do tempo catatônica. A ambiguidade de carater, e o carisma, que ela oferece em momentos de flashbacks e narrações, junto com o apego que já temos pela atriz, são suficientes para que adoremos desconfiar de Verity. Resultado? Racionalmente sabemos que deveríamos torcer para Lowen (ao menos até a dúvida final ser apresentada), mas torcemos mesmo é para a personagem título.

Com uma história interessante, mas um roteiro fraco, o diretor Michael Showalter completa o combo de mediocridáde (não é um xingamento, significa que é mediano!). Entregando o que a história precisa para funcionar, e apenas isso. Perdendo a oportunidade de usar, por exemplo, as excelentes locações e cenários para despertar os sentimentos do público. A exôtica e isolada casa do casal Crawford poderia ser um personagem à parte se o diretor soubesse usá-la

O mesmo vale para as dúvidas e paranóias de Lowen, e a ambiguidade de caráter de Jeremy e Verity. O diretor traz esses temas da forma mais burocrática e comum já feitas. Não é ruim, mas poderia ser muito melhor.

Verity entretém! Especialmente se você, como eu, encarar a sessão às escuras. Não sei como será a recepção dos leitores. Tem mistério e um ritmo bom o suficiente para nos mantér atentos e curiosos até o fim. Enquanto o final em aberto cria divertidas discussões pós sessões. Mas está longe de ser inovador, ou criativo. É mediano, e isso não é necessáriamente ruim.

Verity

2026 - EUA - 117min

Suspense

Lanternas

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 05 Oct 2026 19:26:45 +0000

Para a surpresa de alguns, e raiva de outros, Lanternas não é uma série sobre super-heróis. Quer dizer, não é apenas sobre isso. É sobre caráter, altruismo empatia, perseverança, egoísmo, heroismo, e mais surpreendente, como nossos pais nos conduzem para a forma que encaramos tudo isso. E como nós seguimos com nossos conceitos a partir daí.

O ano é 2016, e o primeiro Lanterna Verde da Terra, Hall Jordan (Kyle Chandler), não faz muito esforço para ensinar algo a seu aprendiz, John Stewart (Aaron Pierre) enquanto a dupla investiga uma ameça em uma cidadezinha no interior do Nebrasca. Pula para 2026, Jordan foi assassinado, e John é chamado para investigar. Nenhum deles é o Lanterna Verde nesse momento.

Assumidamente uma série de drama policial nos moldes de True Detective, acompanhamos dois casos em momentos distintos, mas inevitavelmente conectados. A ameaça misteriosa e Rushville, e a morte de Hall. Acompanhando assim diferentes momentos do relacionamento entre os dois protagonistas, e a contubada passagem de ~~tocha~~ lanterna.

A história de origem do novo Lanterna Verde, está intrinsecamente interligada à despedida do anterior. E apesar de bastante centrada na mitoligia do personagem, não exige conhecimento prévio dos quadrinhos e animações. Escolha acertada para abraçar o público não iniciado, mas que irrita fãs puristas que não entendem a diferença entre adaptação e cópia.

De qualquer forma, a escolha do roteiro é eficiente em criar nossa empatia por Hall e John. Individualmente ao apresentar bem suas histórias e personalidades. E em dupla, ao explorar o relacionamento entre os dois. Tudo isso intensificado com uma química ímpar entre Kyle Chandler e Aaron Pierre. Jordan e Stewart ao mesmo tempo que são opostos, tem muito em comum. Ao mesmo tempo que não se dão bem, funcionam perfeitamente juntos. É impossível não querer ver mais da dupla.

Completando o trio de apego do público, a Sheriff Kerry Kane da muitas vezes subestimada Kelly Macdonald. Conquista nossa confiança rapidamente, ao mesmo tempo que esconde camadas complexas, sob uma personalidade aparentemente simplória. Sua personagem é central na trama, ainda que pareça apenas apenas um guia, ou ferramenta para a investigação dos protagonistas.

O restante do elenco acompanha o bom trabalho. Seja para criar os propositalmente caricatos habitantes da cidadezinha, como os personagens de Jason Ritter e Garret Dillahunt. Para dar vida aos antagosnistas por vezes ambíguos, Laura Linney, Ulrich Thomsen e Poorna Jagannathan. Ou ainda para servir de estofo para a construção dos protagonistas, como os intérpretes dos pais de John, Jasmine Cephas Jones e J. Alphonse Nicholson.

E por falar nos pais dos protagonistas, os dois episódios que focam na infância de cada um deles, conseguem fugir da "investigação principal", sem desviar dos temas da temporada. Em OutKast, terceiro episódio da temporada, vêmos John ser criado para superar séculos de desvantagem social. Na cabeça de seus pais, seu sucesso como Lanterna - independente de sua vontade - vai reparar séculos de privilégios dos brancos sobre os negros.

Enquanto The Jordan Boys' Legacy descobrimos que o legado nem sempre é algo positivo. Que a injustiça nos faz julgar o livro pela capa, Jordan não é tão privilegiado quanto parecia aos olhos dos Stewart. E acima de tudo, vêmos que podem existir muitas formas de se "criar" um herói, e nenhuma delas é fácil para os envolvidos. E que mérito não é sempre o parâmetro dos Guardiões, especialmente se o escolhido tiver livre árbítro, e conceitos que vão de encontro às necessidades da organização.

É assim que John Stewart se torna Lanterna por mérito próprio, apesar da meritocracia não existir. E por isso se torna um herói sob seus próprios parâmetros, e sem amarras. O que proporciona que ele e Guy Gardner (Nathan Fillion), o Lanterna que vimos em Superman de 2025 co-existam.

De volta a trama principal, o mistério não é inovador e revolucionário. Qualquer um mais atento às pistas é capaz de ligar os pontos, ao mesmo tempo, ou mesmo antes que os personagens. O que é divertido. Mas, mais importante que isso, é que a trama é coerente, e a narrativa não se perde ao destrinchá-la, apesar de usar diferentes linhas do tempo.

Bem equilibrada, a narrativa entrega inclusive um "mini-season finale" no meio da temporada. Quando no quinto episódio, Lights Out, encerra uma de suas tramas de forma apocalíptica. Criando a ruptura necessária para seguir com o desfecho da segunda trama.

Em termos de conexão com o universo cinematográfico da DC, apenas uma ponta solta fica para o futuro, Sinestro. Enquanto conexões atuais se limitam a presença do personagem de Nathan Fillion.

É uma série de super-herói, mas poderia ser apenas uma boa série de investigação. É uma história de origem que vai além da mera aquisição de poderes. Vai da construção do personagem desde sua base - a família! Como aqueles que nos criam são essenciais em nossa criação, mas não são determinantes, sejamos nós mocinhos ou vilões. E os sacrifícios que essas figuras paternas e maternas fazem para nos tornar quem somos.

Os Lanternas Verdes são personagens complexos graças à tudo isso. O que possibiliga muito mais camadas e discussões para suas futuras aventuras. Que a contar pela qualidade, e entretenimento que a série Lanternas entrega, só podemos desejar que venham em breve.

Lanternas tem oito episódios com cerca de uma hora cada, todos disponíveis na HBO Max.

Leia também as críticas de Superman e Supergil, os outros heróis do novo universo da DC.

Digger

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 01 Oct 2026 13:46:07 +0000

Um encontro entre uma sátira corajosa como a do clássico Dr. Fantástico*, e do alerta desesperado como o de Não Olhe Para Cima*, é a melhor descrição simpres de Digger. Entretanto, tentar oferecer uma explicação simples para o novo filme do diretor Alejandro G. Iñárritu, estrelado pelo Tom Cruise chega a ser até uma injustiça com uma obra com tantas camadas.

Digger Rockwell (Tom Cruise) maior magnata do petróleo do planeta, e consequentemente o homem mais poderoso do mundo. Causa um desastre ambiental de proporções globais, única e exclusivamente por seu descaso com qualquer coisa que não seja seu lucro. Ignorando os alertas, ele cavou tão fundo em busca de óleo que uma placa de gelo gigantesca se desprendeu e navega em direção à Europa. À partir daí começa uma corrida desenfreada - ou talvez nem tanto - para supostamente reverter uma situação irreversível. Na realidade o foco mesmo é reverter os danos à imagem do trilhonário, e ao país que o apoia os Estados Unidos da América.

Acontece que Digger, e outros representantes do alto escalão do poder mundial, como o presidente dos EUA (John Goodman), não são apenas gananciosos, malvados e sem qualquer vestígio de empatia. Eles são idiotas, grotescos e propositalmente exagerado. Mas não exagerado o suficiente para se diferenciar da realidade atual. As figuras que o roteiro parodia são evidentes, a critica é clara e direta.

O mundo vai acabar pelas mãos dos poderosos. E o resto das pessoas pouco poderá fazer além de lidar com as consequencias da própria conformidade. Trazendo o exemplo para o mundo real, todos estamos preocupados com os danos ecológicos causados pela IA, e a possivel autonomia dela no futuro. Entretanto, não deixamos de utilizá-la por isso.

Iñárritu ainda utiliza um segundo recurso linguístico (que é spoiler, não vou detalhar), para acrescentar mais camadas a seu discurso. Esta escolha torna justifica a construção caricatural dos persongens. Não que fosse necessário, já viu alguns líderes de nações ao redor do mundo atualmente? E também dá um tom mais sério à crítica, equilibrando bem a sátira com uma preocupação real.

Dr. Fantástico por exemplo apostou apenas na comédia, fazendo com que alguns sejam capazes de ignorar a crítica, focando apenas no humor. Aqui o intuito é deixar a crítica social escancarada, a ponto de ser impossível de ignorar. O que vai deixar algumas pessoas desconfortáveis, e até irritadas com o filme. Todos aqueles que tem um viés político contrário ao bem estar social, e preservação do planeta, ainda que não admitam ou tenham consciência disso.

Este recurso lingístico ainda possibilita ao diretor a brincar com metalinguagem, com a forma de filmar certas cenas e com os bastidores do showbiz. Além de lembrar o público que a arte sempre se manterá como forma de prostesto e vávula de escape. Mesmo quando estamos cegos pela aquela conformidade que mencionei anteriormente neste texto.

Tom Cruise nos faz lembrar que ele não é um ator ruim, apenas preguiçoso. Preferindo entregar mil vezes o mesmo herói padrão, do que acertadamente se arriscar em papéis como este. - Por favor Tom, pegue mais papéis como este! - Irreconhecível não apenas pela caracterização, mas por sua postura, gestual e até a voz, o astro cria um protagonista odioso, mas ao mesmo tempo impossível de não acompanhar.

Digger Rockwell é exagerado, nojento, egocêntrico, extremamente caricato, e ainda sim assustadoramente parecido com pessoas reais. E o restante do elenco acompanha o tom satírico e absurdo, sem perder o peso das consequencias das péssimas escolhas dos personagens. Estão em cena além de Cruise e Goodman, Riz Ahmed, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons e Emma D'Arcy. Entre esses nomes algumas atuações dignas de Oscar, se os figurões da indústria não se sentirem ofendidos demais pelo filme.

Digger não é um filme para todos, seu diretor sabe disso, e "tá tudo bem"! Vai causar amor e ódio na mesma medida, e escancarar os príncípios de quem é contra ou à favor. Alguns talvez nem alcancem mensagem nenhuma, e só pensem se tratar de um filme estranho.

Seja como for sua crítica é certeira. A sátira inteligente, e sua mensagem importante. É facilmente meu filme favorito desde diretor, e uma das obras mais eloquentes de 2026.

Digger

2026 - Reino Unido, México, EUA - 129min
Sátira, Comédia, Drama, Catástrofe

* Pra quem não conhece as referências, tem crítica de Não Olhe Para Cima no blog, e vídeo de Dr. Fantástico no meu canal do YouTube. Vem conferir!

Projeto 1001 - Setembro 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 28 Sep 2026 17:03:56 +0000

Interrompemos a nossa programação para aquele balanço necessário da evolução de meu projeto cinéfilo paralelo: Hora de listar todos os filmes assistidos em Setembro no Projeto 1001.

Pra quem chegou agora, eu me desafiei a assistir os 1001 títulos presentes no livro 1001 Filmes para ver antes de Morrer, aquele catálogo cinéfilo famoso de Steven Jay Schneider. E convido vocês a conhecer cada um dos títulos comigo.

Aconteceu Perto da Sua Casa

Zero de Conduta

A Cor da Româ

O Resgate do soldado Ryan

A Dupla Vida de Veronique

Atualizando os números, a contagem está em: 198 já foram, faltam 803!

A lista completa com todos esses filmes você pode conferir aqui!

Além dos vídeos sobre os filmes, você também vai encontrar, curiosidades, críticas e outros projetos em vídeo no YouTube e TikTok. Mas se você é um leitor nato, não se preocupe, este blog continua firme e forte!

Conforme a Música

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 24 Sep 2026 14:35:05 +0000

Imagine A Escolha Perfeita de 2012, mas com grupos de dança indiana ao invés de coral à capela. Essa é a melhor descrição que podemos dar à Conforme a Música, novo filme juvenil da Netflix. Mas não se engane, a comparação não é um demérito, já que a mudança de atividade de competição traz muita personalidade para a obra.

Maya (Maitreyi Ramakrishnan, a Devi de Eu Nunca...) e Anjali (Priyanka Kedia) são melhores amigas a vida toda, tem a dança indiana como atividade favorita, e são realmente boas nisso. Ao encararem seu primeiro semestre na faculdade juntas, a dupla entra também no grupo de dança competitiva do campus. A nova dinâmica construida por este grupo vai despertar sentimentos que eram controlados quando eram só as duas dançando juntas.

Anjali tem dificuldades no estudo, precisa manter as notas altas para permanecer na universidade, e tem uma queda pelo líder do time de dança, Ronak (Ankur Rathee). Maya é inteligente, criativa e disruptiva, e sonha em ser a estrela da dança, mas não tem a confiança, nem a capacidade de liderança para convencer os outros de suas ideias. Apesar de distintos, os objetivos de ambas passam pela dança e causam, pela primeira vez, atrito entre as amigas. Tudo isso regado à números de dança indiana grandiosos, enérgicos e extravagantes, como a dança desse estilo deve ser.

Ah, e tem romance também! Mas o espaço para isso é pequeno diante das aspirações individuais das personagens, e da relação entre elas e com a equipe sim. O romance está lá porque faz parte da vida, mas não determina as ações das personagens. Elas são mais que isso, o que é maravilhoso.

Novatas encaram desafios em uma nova experiência, o que causa conflitos no grupo, sabotagem de concorrentes, e a dificuldade de aceitação de novas ideias, fazendo com que tudo desmorone, ante que o grupo finalmente se entenda, abrace as diferenças e use essa nova perspectiva para vencer o campeonati. O roteiro de Conforme a Música segue um caminho bem conhecido, aquele mesmo de A Escolha Perfeita. Até o plot de desclassificação de um concorrente e o retorno da equipe à competição no último minuto é semelhante.

Felizmente, a dança e a cultura sul-asiática, de onde é a maior parte do elenco, oferecem um carisma e ritimo novos, literal e figurativamente, à dinâmica deste plot bem conhecido. Desde as danças complicadas, exuberantes e com passos únicos, até elementos culturais específicos da cultura desses povos. Alguns inclusive que nós, estranhos à cultura, não compreendemos completamente. Qual é o lance das muitas coisas de banheiro?

Os números musicais, são criativos e bem executados. Enquanto o elenco de apoio entrega bem os estereótipos em que são baseados. Carismáticas e em sintonia, Maitreyi Ramakrishnan e Priyanka Kedia carregam o filme com carisma e personalidade. Embora o foco seja maior em Maya, nunca sentimos que sua melhor amiga é negligênciada pelo roteiro.

A dinâmica da dupla também discute padrões de beleza sul-asiáticos, e os benefícios de quem se encaixa neles. Sim, assim como do lado de cá do globo, outras culturas também tem seus padrões injustos impostos. Nós só não os conhecemos tão bem, este filme está aqui para nos apresentar essa e outras novas realidades.

O que inclui o figurino. Enquanto as roupas de apresentação são luxuosas e grandiosas. No dia-a-dia os personagens se vestem com personalidade que inclui sua cultura, mas não os prendem a estereótipos em que Hollywood costuma aprisionar personagens considerados "étnicos". Isso porque, apesar de ser uma produção estadunidense, seus bastidores são formados por descendentes de sul-asiáticos reais, que vivenciam essa cultura. Desde o elenco, até a diretora Lena Khan.

Divertido, com gostinho de filme conforto, Conforme a Música não é inovador. Mas até consegue surpreender ao abraçar sem medo uma cultura diferente da eurocêntrica. Isso lhes dá carisma e personalidade que compensam seu argumento pouco original. Certamente uma dos melhores lançamentos recentes da Netflix. Suprindo a "cota" de sessão da tarde gostosa de assistir, que precisamos de vez em quando.

Conforme a Música (Best of the Best)
EUA - 2026 - 112 min
Drama, Comédia

Foge, Coelho

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 17 Sep 2026 14:33:22 +0000

O sobrenatural, surtos psicológicos ou mesmo alucinações causadas por elementos externos, suspenses podem usar as mais diferentes explicações para seus mistérios. Podem inclusive, insinuar todas aos mesmo tempo, e no fim deixar o final em aberto, sem confirmar nenhuma. Se a construção for bem feita, respostas exatas não importam tanto, a graça é deixar à cargo do público sua teoria favorita. Foge, Coelho tenta entregar isso, mas falha miseravelmente.

Sarah (Sarah Snook) está passando por uma fase difícil. Divorciada, com uma filha, seu pai acabara de falecer, e sua mãe está internada com demência em uma instituição, quando a filha Mia (Lily LaTorre) completa sete anos e começa a agir de forma estranha. As atitudes da menina trazem de volta problemas mal resolvidos do passado. Mais especificamente, o misterioso desaparecimento de sua irmã Alice (Sunny Whelan) ainda na infância.

E já que o nome é Alice, bora criar um paralelo com o conto de Lewis Carroll, e colocar o aparecimento de um coelho branco como estopim para os eventos extraordinários. Surge então a explicação para o título.

Então o suspense se inicia de forma eficiente, embora bastante previsível. Mia age estranhamente, Sarah não consegue entender, e sem rede de apoio precisa lidar com tudo sozinha. O problema, é que o filme repete esse padrão repetidamente sem que praticamente nada realmente mude. À excessão da condição mental da protagonista, cada vez mais exaltada e descontrolada diante dos eventos estranhos e atitudes da filha.

A personagem é médica, e por mais irracional que seja, não ignoraria a indicação da escola em buscar ajuda proficional da criança. Mas ela o faz. Igualmente sem sentido são sua falta de vontade de resolver o problema, ou mesmo de buscar resposta. Ela se limita a perguntar a criança, que por sua pouca idade, óbviamente não sabe a resposta, e reagir desesperadamente aos absurdos. Nem mesmo quando o pai da menina oferece ajuda, ela expõe o problema.

A desequilibrada forma de agir da personagem, reforça algumas das teorias que mencionei no início deste texto. Vamos explorá-las, mas com spoilers. Prossiga por sua conta e risco, embora o mistério em torno do passado da protagonista seja absurdamente previsível.

SPOILERS A PARTIR DAQUI!

O segredo é que em uma briga entre irmãs, Sarah empurrou Alice de um penhasco. E nunca revelou isso à família, deixando deduzirem que a menina fugiu ou foi levada por terceiros. Como as buscas pela regição nunca encontraram o corpo? O filme não explica, mas a geografia do local nos faz crer que seria possível. Mas ok, seguimos com a interpretação.

A mais frágil delas é a sobrenatural. O fantasma, espírito ou alma de Alice, retornou dos mortos para ter sua vingança. Reencarnando ou possuindo a filha da irmã que a assassinou. Levando Sarah à loucura e pagando na mesma moeda ao, no final, levar a filha dela.

Muito mais coerente, é a de que os eventos acontecem devido ao estado mental da personagem principal. Com a morte do pai, a reponsabilidade de cuidar da mãe, e com a filha alcançando a idade que a irmã tinha quando morreu, as barreiras que Sarah usava para lidar com a culpa foram rompidas. Levando-a a ter alucinações cada vez mais intensas, até alcançar a total insanidade.

Explicação que também pode ser explicada, ou agravada por dois fatores. O início da demência herdada de sua mãe. E alucinações causadas por doenças ou entorpecentes. Minha explicação absurda favorita, é de que ela contraiu raiva da mordida do coelho no início do filme, e desde então está alucinando.

De qualquer forma, apesar de trabalhar relativamente bem seu tema. Foge, Coelho falha em desenvolve-los. Toda essa reflexão acima, é feita por fora, por nós pós sessão. Ao longo do filme acompanhamos apenas o mesmo ciclo de reações da protagonista repetidamente.

Sarah Snook é excelente em entregar o desenvolvimento gradual da insanidade de sua personagem. Uma pena apenas que o roteiro não ofereça mais com que trabalhar. Mesmo assim, ela carrega o filme com eficiencia.

Foge, Coelho é na verdade um filme de 2023, que estrou na época mas saiu de cartaz por problemas de direitos. Retonando só agora ao catálogo da Netflix, e chamando atenção do público em seu relançamento. Em grande parte pela presença de Sarah Snook, que ganhou fama este ano com a série All Her Fault.

Não é excepcional, mas também não é inassistível. É mais uma obra mediana como muitas do catálogo. Um entretenimeto razoável, que até cria um bate papo especulativo pós-sessão, mas ainda é esquecível a longo prazo.

Foge, Coelho (Run Rabbit Run)
2023 - Reino Unido - 100min
Suspense

Da Magia à Sedução - Fora da Lista

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 14 Sep 2026 13:42:00 +0000

Quase três décadas depois, as mulheres Owens estão de volta. Nada mais justo que relembrar sua primeira aventura, e entender porque o filme é tão relevante, mesmo sendo um fracasso de bilheteria.

Assista outros vídeos do Fora da Lista e do Projeto 1001!

Leia a crítica de Da Magia à Sedução - Feitiço de amor.

Golpe Explosivo

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 11 Sep 2026 18:26:49 +0000

Você não odeia quando te vendem algo, e te entregam outra coisa? O único lugar em que essa mudança às vezes funciona, é na "contação de histórias". Livros, filmes, séries e até novelas que mudam seu escopo para te surpreender podem ser uma agradável surpresa. Não é o caso de Golpe Explosivo!

O que foi vendido? Um suspense misturado com filme de assalto com nomes conhecidos no elenco. Uma bomba não detonada da Segunda Guerra Mundial, é encontrada em um canteiro de obras no meio de Londres. Área isolada e evacuada, especialistas de explosivos acionados, polícia no comando de manter a cidade segura durante o procedimento de desarme à bomba. Ao mesmo tempo, um grupo de criminosos aproveita o transtorno, caos e isolamento na região para promover um assalto à banco típico de filmes. Esquemas complexos, traquitanas criativas, ação ensaiada e muita tensão entre os membros da gangue.

O que foi entregue? Uma reviravolta pouco empolgante, que tira toda a força da boa premissa. E ainda exige um nível muito alto de suspensão de descrença do espectador. E olha que o público geral já é bastante generoso, ao fazer "vista grossa" para exageros, e escorregões em filmes dos gêneros usados aqui.

Assim acompanhamos o líder do esquadrão anti-bombas Will (Aaron Taylor-Johnson), trabalhar em cooperação com a polícia comandada pela oficial Zuzana (Gugu Mbatha-Raw). A tensão quanto ao risco de explosão em meio de uma área urbana, é bom o suficiente para comprarmos o personagem de Taylor-Johnson, mesmo com algumas inconsistências em sua expertise.

A polícia também observa a regisão evacuada, originalmente para evitar que civis se machuquem, mas prestes a esbarrar no ousado roubo a banco comandado por Karalis (Theo James). A quinta série que habita em nós não resiste ao ouvir o nome do personagem.

Enquanto dividido entre bomba e assalto o filme brilha. Duas linhas de tensão simultâneas, e a mesma necessidade de saber como cada situação terminará. E isso seria suficiente para preencher todo o filme, mas a obra decide resolver as situações no meio da projeção e partir para o "depois". É aí que as reviravoltas começam, mais absurdas que surpreendentes.

Equipe de bombas dispensada. Polícia completamente incompetente. Bandidos brigando entre si. A segunda metade da história não apenas não era o esperado, como muda o tom, e não consegue extrair o mesmo interesse do público. Acontece que diferente de obras como a franquia Onze Homens e um Segredo, Golpe Explosivo nunca deixou claro que era para torcermos pelos bandidos. Muito menos construiu nossa empatia para com eles.

Assim passamos o restante do filme esperando a grande virada da polícia que - SPOILER - nunca vem. Enquanto acompanhamos perplexos, à conexões e parcerias tão absurdas quanto as ações dos personagens. - Então você coloca seu inimigo na mala do carro, mas deixa ele com celular para pedir ajuda? - Muito amador para um "mafioso profissional".

Tudo parece desconexo e absurdo demais até a chegada do ato final da obra. Um flashback inserido bruscamente, que pretende mostrar como toda a ação começou. Tentando justificar e redmir os ladrões à mocinhos tardiamente de forma rasa, e sem emoção. Não funciona.

No elenco Aaron Taylor-Johnson e Gugu Mbatha-Raw são os que mais se esforçam e até conseguem transmitir sua credibilidade aos seus personagens. Enquanto Theo James se mantém no papel do trapaceiro que está habituado a entregar. Já Sam Worthington continua inexpressivo como sempre, mas agora sem a magia azul de James Cameron que tanto o ajuda em Avatar.

A direção de David Mackenzie é burocrática, mas eficiente para contar a história que se propõe. O que funciona nos momentos em que o roteiro entrega boas ideias. Ou seja na primeira metade do filme. Depois o suspense dá lugar à uma correria desenfreada e confusa, de personagen com os quais não nos importamos.

Atualmente no catálogo do Prime Vídeo, acreditei ser um lançamento do streaming. Qual não foi minha surpresa ao descobrir, que três meses atrás esse negócio estreou nos cinemas. Aparentemente uma estreia silenciosa, rápida e ineficiente. Assim como a polícia no filme.

Golpe Explosivo não promete um filme excepcional. Mas mesmo o suspense mediano que propõe, entrega apenas por metade do tempo. Quase uma propaganda enganosa, promete um produto, e entrega metade dele.

Golpe Explosivo (Fuze)
2026 - Reino Unido - 98min
Suspense, Ação

Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Tue, 08 Sep 2026 13:27:00 +0000

O primeiro Da Magia à Sedução, lá de 1998, estava tão à frente de seu tempo, que os executivos não sabiam como vender o filme, e ele nem conseguiu se pagar com a bilheteria. Eventualmente, o filme encontrou seu público em home-vídeo e em inúmeras reprises na TV. Aqui no Brasil passava no SBT.

Enquanto a discussão social, finalmente alcançava os temas que o filme discute. Preconceito, o papel social que exigido das mulheres, violência doméstica, feminicídio, sororidade.

Somando a popularidade adquirida com o tempo, a relevância de seus temas na atualidade, e a onda de nostalgia por obras dos anos 90 e 2000. A sequência Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor, era uma questão de tempo. O problema, é que a continuação deixou de lado todos os temas que tornou a obra única.

Quase duas décadas se passaram desde que estivemos com as Owens pela última vez. E descobrimos que pouco depois do final feliz do primeiro filme, a família descobriu que a maldição não fora realmente quebrada, com a morte prematura do detetive Hallet.

Abalada pela perda de seu segundo marido, Sally (Sandra Bullock) faz um feitiço para apagar a magia da memória das filhas Kylie e Antonia (agora vividas por Joey King e Maisie Williams). E passa viver uma vida sem magia, e sem romances.

Péssima ideia! Afinal, se você não sabe de uma ameaça, você não se prepara contra ela. E quando as jovens já estão na universidade o namorado de Kylie, vivido pelo Besouro Azul Xolo Maridueña é pego pela maldição, ficando entre a vida e a morte, e levando a família em uma jornada para descobrir as origens da maldição, e consequentemente de sua família.

Quer dizer, quase toda a família. São Kylie, Sally e Gillian (novamente vivida por Nicole Kidman) quem realmente saem em uma aventura. E mesmo Kidman está ali apenas como apoio, e em favor da nostalgia. O foco é na personagem da Sandra Bullock, sua negação da magia e no impacto que isso tem na relação com suas filhas.

E não é surpresa que as jovens vão descobrir sobre a magia, e tomar péssimas decisões em torno disso. Na verdade só Kylie, Antonia é outra presente apenas para completar o quadro, mas sem relevância real na trama, assim como as tias Jet e Frannie, vividas por Dianne Wiest e Stockard Channing.

E assim o trio escolhido pela narrativa vai em busca das origens de sua magia, em uma aventura divertida, apesar de previsível, que expande a mitologia dos poderes das Owens. O que é bacana, mas muito diferente da proposta original.

No filme de 98, a magia era mais sutil, mesmo nos momentos mais exagerados como a ressuscitação de Angelov. Poções, palavras e um ou outro gesto simples, como o acender da vela com um sopro. Neste filme tudo é mais evidente e escancarado, com direito à raios mágicos e tudo mais.

Originalmente também, a magia era mais alegórica. Uma ferramenta para tratar todos aqueles temas que mencionei no início desta crítica. Agora a magia é o tema tratado, abandonando todo o subtexto e reflexão social que tornava Da Magia à Sedução à frente de seu tempo.

Me incomoda também a falta de desenvolvimento para a personagem de Kidman, presente apenas como alívio cômico. E principalmente o retrocesso da personagem de Bullock, na história da família como um todo. Praticamente, todo o final do primeiro filme foi desfeito. A maldição não foi quebrada, Sally renega novamente a magia que tinha finalmente abraçado. E até a cidade que as tinha aceitado, volta a ser hostilizada.

Em resumo, Feitiço de Amor é mais raso. Focando apenas na nostalgia e carisma das personagens. E sim, é muito divertido ver Sally e Gillian em mágicas aventuras por aí. E se é apenas isso que você espera do filme, esta sequência é perfeita. Eu esperava um pouquinho mais de conteúdo, mas não deixei de me divertir com a falta dele.

Quanto ao elenco, as veteranas estão se divertindo e as novatas se esforçando. Uma pena apenas que Maisie Williams não tenha mais espaço. Também estão no elenco Solly McLeod e Lee Pace, em boas atuações. Já a sentida ausência de Evan Rachel Wood, que interpretava Kylie no original, é justificada pela idade da personagem. Enquanto na vida real passaram-se quase trinta anos, no filme aparentemente passou-se metade disso. Embora os celulares que as personagens usam digam o contrário.

A direção de Susanne Bier, é eficiente, mas apenas isso. Sem nada inspirado ou inovador, apenas cumpre seu papel. E em alguns momentos até entrega uma montagem um tanto confusa.

Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor é uma divertida aventura de bruxas. Mas uma sequência pobre para o primeiro filme. Cumpre o papel de matar as saudades das Owen, mas não será tão memorável e duradouro quanto o original.

Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor (Practical Magic 2)

2026 - 110min

Fantasia, Comédia Romântica

O Homem que Sussurra

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 03 Sep 2026 12:41:00 +0000

Ele tem um best-seller como base, o popular gênero criminal como apelo e um elenco estelar para trazer a história a vida. O Homem que Sussurra, novo fenômeno da Netflix parece ter tudo, menos foco.

Baseado no livro homônimo de Alex North, acompanhamos a investigação de Amanda Beck (Michelle Monaghan), sobre o sequestro e assassinato de meninos, que imitam crimes semelhantes de um assassino já condenado e preso conhecido como Homem que Sussura. Ao mesmo tempo acompanhamos a chegada de Tom Kennedy (Adam Scott) e o filho Jake (Acston Luca Porto) à cidade. Ambos em luto pela perda da matriarca da família.

Não demora muito tempo para entendermos, Jake será a próxima vítima. Obrigando seu pai a se aproximar do próprio pai, Peter Willis (Robert De Niro). O detetive aposentado que se afastou da família pelo trabalho, mas tem o mérito de ter prendido o assassino original. Logo, além de profundamente conhecedor do caso, ainda tem acesso à fonte, Frank Carter (Michael Keaton) o primeiro Homem que Sussura.

Também acompanhamos Jake em seu cativeiro. Traumatizado por ter encontrado o corpo da mãe, o menino é introvertido, isolado e tem amigos imaginários. Detalhe interessante que mascarou do pai os sussurros que indicavam que o menino seria a próxima vítima. Além de criar um ou outro momento de suspense que beira o terror.

Outro acerto é a escolha de um elenco talentoso e dedicado. Michelle Monaghan, Adam Scott, Robert De Niro e Michael Keaton são os responsáveis por tornar toleráveis as muitas conveniências e atalhos de roteiro. Keaton é o destaque criando um psicopata complexo e cheio de nuances, mesmo aparecendo em poucas cenas.

É o roteiro o ponto fraco do filme. Dividindo as atenções entre a detetive atual, o veterano, o pai e a criança, a narrativa não consegue seguir de forma fluida e coerente. Impossível não se desconectar em alguns momentos chave, ao perceber que determinado personagem foi esquecido, ou pausado, para que tal cena aconteça. Falta foco para escolher quem seguir, e quando seguir.

O texto raso também faz com que os personagens tenham atitudes impensadas, ou ignorem pistas apenas para manter o andamento que o roteirista escolheu. Assim, Tom encontra um estranho bisbilhotando uma estrutura que não faz sentido existir em seu porão, e não para um segundo para olhar o local. O experiente detetive, ainda em busca da última vítima do caso original, espera mais um corpo aparecer para comparar os casos. Mesmo já tendo outras vítimas recentes.

Até mesmo o clímax é entregue como uma Arma de Chekhov, considerando a probabilidade de que tudo esteja ligado a uma mesma casa. E por falar no desfecho, temos três deles. Um para cada coprotagonista, Beck, Tom e Willis. Obrigando o vilão a fazer hora extra e ter capacidades de lutas impressionantes.

O roteiro ajuda fazendo com que os ferimentos tenham o peso que precisam para o desfecho programado. Sim, todo desfecho de filme é programado, mas a obra falha quando deixa isso óbvio demais para o público. Assim, uma única facada pode ser mais mortal que múltiplas facadas, somadas a uma queda da escada. O mesmo vale para uma queda livre do terceiro andar em um móvel de madeira maciça.

Há tempo ainda para um drama familiar duplo o luto de pai e filho. E a redenção do avô, que resulta em uma reconciliação com o filho que foi alienado parentalmente por ele. Tudo desenvolvido de forma rasa e bastante previsível. O grande medo de Jake de escadas, por exemplo, superado em um grito apenas. E antes ignorado quando conveniente, a escola do menino tem escadas.

Mesmo com tantas conveniências, O Homem que Sussurra consegue intrigar e entreter, especialmente os menos exigentes ou experientes com o gênero. O demais provavelmente vão resolver o crime antes dos personagens, e esperar para ver quanto tempo eles levam para alcançá-los.

Ao menos o elenco é carismático e dedicado o suficiente para nos manter interessados nele. O que somado à conveniência de assistir em casa, não gera grandes frustações pela qualidade mediana. É uma distração tão inofensiva quanto esquecível.

O Homem que Sussurra (The Whisper Man)

2026 - EUA - 111min
Suspense

Projeto 1001 - Agosto 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 31 Aug 2026 13:50:30 +0000

Último dia do mês! Já sabe, né? Hora de listar todos os filmes assistidos no Projeto 1001. O desafio cinéfilo auto imposto por esta blogueira que vos escreve, e que agora também fala com você por vídeo.

Perdidos na Noite

As Aventuras de Robin Hood

Slacker (1990)

Priscilla, a Rainha do Deserto

Terra Sem Pão (1933)

Atualizando os números, a contagem está em: 193 já foram, faltam 808!

A lista completa com todos esses filmes você pode conferir aqui!

Camp Rock 3

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 28 Aug 2026 19:45:54 +0000

Não conte, mostre! Essa é uma das regras de ouro do audiovisual que a produção de Camp Rock 3 parece não conhecer. Em contrapartida, eles conhecem nostalgia, o ritmo das redes e talvez seu público alvo, que não é mais o mesmo dos filmes anteriores. Infelizmente o que a produção sabe, não é suficiente para fazer um filme. E olha que nem esperávamos um clássico, apenas um simpáticol filme para a TV já estava bom.

Mais um ano se inicia no Camp Rock, e Sage (Liamani Segura) chega para seu primeiro verão no acampamento, ao lado do irmão Desi (Hudson Stone) com quem tem se estranhado desde que encerrou a parceria musical para estudar música. Nesta temporada também chegam o enérgico Cliff (Casey Trotter), a musicista clássica introvertida Rosi (Lumi Pollack), e o aparentemente bad boy Fletch (Lumi Pollack). Todos sob a supervisão de Connie (Maria Canals-Barrera), mãe da protagonista dos filmes anteriores agora administra o local. Será que o negócio de buffet dela faliu?

Paralelamente o Conect 3, está prestes a entar em uma mega turnê de reconexão já esgotada, quando a banda que faria seu show de abertura se desfaz. Em busca de um novo número para abrir os shows, e incapazes de concordar em alguma coisa, os agora adultos Shane, Nate e Jason (Joe, Nick e Kevin Jonas respectivamente) retornam ao acampamento do rock, para encontrar um novo talento entre os campistas. Tarefa que fica a cargo de sua estressada empresária Lark (Sherry Cola).

Os participantes vão competir pela oportunidade, e não precisa muito esforço para deduzir, que os cinco que a introdução do filme apresenta serão os finalistas. Cada um com suas motivações e supostos arcos para cumprir em 92 minutos de projeção. Desi e Sage, tem de fazer as pazes e a moça precisa parar de escolher a carreira acima de amigos e família. Cliff precisa fazer amigos. Rosi tem que tomar coragem de se libertar da obrigatoriedade da música clássica imposta pelos pais. Enquanto Fletch tem um trágico segredo.

Somam-se aí interesses romanticos variados, muita musica e dança, e uma "vilã" tentando atrapalhar os finalistas. Não faltam argumentos, ainda que simples e clichês, para se contar uma história cativante. O problema? Focado em não perder a atenção do público das redes verticais, o filme simplesmente não constrói as histórias, partindo diretamente para a "recompensa".

Assim, o casal principal uma primeira oportunidade de uma conversa que os conecta. Mas não vemos a conversa dela, apenas a música que surgiu dela, apontando o interesse amoroso instantâneo, em um ação nada realista. Tá que o adolescente badboy vai abrir seu coração em público de repente, em meio ao julgamento de outros adolescentes sem represálias.

Eliminada da competição, a vilã Madison (Ava Jean) e seus minions arquitetam sua vingança. Não vêmos, mas eles vandalizam objetos pessoais dos rivais (incluindo um caríssimo violoncelo). Apenas para criar uma divertida cena de guerra de gliter, mas sem nenhuma outra consequencia além de um mero "os pais dela vão pagar".

Como não foi castigada, ela faz novamente. Nos conta que vai filmar os competidores e postar nas redes, burlando as regras da competição e eliminando-os. Novamente, não vêmos o plano em ação, ou mesmo o vídeo viralizado. Apenas um personagem nos conta o que houve, ameaça os finalistas, para duas cenas depois toda a armação ser descoberta, fora de tela!

Impossível fugir a sensação de que o roteiro de Camp Rock 3 quer mostrar o show, mas não quer montá-lo. Como se acreditasse que seu público não teria paciencia de acompanhar uma construção, e perdendo qualquer coerência no processo. Seria melhor então fazer vários video-clipes.

Apenas a amizade entre os cinco finalistas ganham um pouco de desenvolvimento, a medida que compartilham cenas juntos, em especial toda a sequencia do ônibus. Ainda sim, parece pouco diante do nível de conexão que o clímax insinua que construíram.

Os números musicais são enérgicos, mas pouco originais. Muito-se bebe das canções dos filmes anteriores. As melhores cantorias são aquelas devidamente encenadas em um palco. Novamente, seria melhor produzir um show, ao invés de um filme musical.

Contudo, eu admito, não sou o público alvo deste filme. Fui dos anteriores (mesmo já tendo saído da adolescência, ainda éramos todos milenials), mas este é para os gen-z. A nós restam acenos de nostalgia, que vão desde passos de dança, passando por canções e a presença dos personagens originais. Além dos Jonas Brothers e da Maria Canals-Barrera, Demi Lovato ainda dá as caras. Embora soe mais como Demi que como Mitchie, não cante nem interaja com o elenco jovem.

Na opinião desta milênial que vôs escreve, Camp Rock 3 está muito aquém dos filmes anteriores. O que siginifica algo, já que se tratam de filmes para TV cheios de carisma, mas ainda bastante simplórios. Entretanto para as gerações Z e Alpha, pode ser exatamente o filme que os atenda. E é isso que a Disney quer, atualizar sempre seu público. Logo, a obra cumpre sua função.

Camp Rock 3

2026 - EUA - 92min

Musical

*Já que no Brasil o Disney Channel não existe mais, por aqui é possível assistir ao filme no Disney+!

Uma Casa na Pradaria

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 26 Aug 2026 18:07:51 +0000

Eu admito, recentemente tenho tido dificuldade de encarar novas séries na Netflix. Tanto pelo formato de lançamento com todos os episódios, que nos faz sentir a obrigação de assistir tudo de uma vez. Quanto pela incerteza de que a história terá continuidade, e quanto esses novos episódios virão. Considerando que a plataforma mais cancela do que renova suas obras, e quando o faz, leva anos para trazer novos episódios.

Mas já que o streaming confirmou a segunda temporada de Uma Casa na Pradaria mesmo antes de sua estreia, apesar de não definir uma data para isso. E graças ao marketing que apela para a ausência que o enceramento de Anne With an E deixou, resolvi arriscar as oito horas de vida necessárias para assistir a primeira temporada completa.

A série adapta a série de livros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder. Acompanhando a família em sua mudança para o isolado oeste estadunidense. Atraídos pela promessa de terras férteis, Charles (Luke Bracey), Caroline (Crosby Fitzgerald), as filhas Mary (Skywalker Hughes) e Laura (Alice Halsey), e o cachorro Jack encontra desafios que nunca imaginaram.

Ambiente inóspito, animais selvagens, doenças desconhecidas, falta de recursos, inimizade com os nativos. A cada episódio um ou mais desafios sem impõem e se entrepõem, e a família encontra a melhor forma de lidar com eles. Com ou sem ajuda de terceiros.

Aliás a presença de terceiros é bastante curiosa, já que raramente há conflitos reais explorados entre eles. Pequenos embates são até insinuados, mas logo resolvidos. A sensação é de que todos que migraram para a área, e até os donos originais dela, os indígenas, tem uma enorme boa vontade e anseiam para que o mundo seja pacífico, colaborativo e lindo. Nada realista, ou mesmo interessante narrativamente. À certa altura, paramos de temer pelos problemas, já que compreendemos que as consequências serão brandas.

O único conflito real, que de fato alimenta a trama ao longo de toda temporada, é a mentira sobre a disponibilidade das terras. Um grande complô de uma grande companhia para tomar o território dos nativos. Deste temos um desfecho não tão positivo, mas a família protagonista pouco se afeta por ele, já que partem para uma nova aventura/temporada em outro lugar.

Um detalhe curioso sobre este conflito, é que o povo que está sendo expulso são os Osage. O mesmo que em Assassino da Lua das Flores de Scorcese, e na vida real, se tornou próspero por um perído, graças a descoberta de petróleo nas terras a que foram designados injustamente. Impossível não pensar que estamos vendo o capítulo anterior aos eventos mostrados no longa metragem.

Além do quarteto principal, Uma Casa na Pradaria também investe em outros personagens interessantes. Emily Henderson (Barrett Doss), é uma mulher negra dona do comércio local que sofre preconceito velado das demais mulheres por causa de sua etnia. E apenas isso, nada muito significativo é feito a respeito. Mas ela ganha um interesse amoroso um dos únicos outros negros em cena (Emily tem um irmão que pouco dá as caras), o Dr. George Tann (Jocko Sims). Curiosamente ele não parece sofrer do mesmo preconceito que ela.

Caleb (Kowen Cadorath) é um órfão que vira interesse amoroso de Mary. Enquanto Laura faz amizade com Good Eagle (Wren Zhawenim Gotts), garota de origem indígena. Essa relação infantil força um laço de amizade entre as duas famílias. A família Osage tem um passado triste, perdeu uma filha, mas isso também é explorado de forma rasa.

Mas novamente, todos esses desenvolvimentos, ainda que frágeis são bruscamente abandonados pelo desfecho da série. A partida da família da região de Independence deixa a sensação de que acompanhamos estes personagens apenas para abandoná-los. Sim, eu sei que isso é fiel ao livro. Mas, talvez nas páginas, essas histórias tenham sido exploradas de forma mais complexa, dando a sensação de encerramento, e não de interrupção.

É o solitário John Edwards (Warren Christie) o único dos coadjuvantes com um arco mais coeso. Um párea em luto, que começa a sair da depressão com a influencia dos Ingals. Sua história de perda reflete em Charles, já que este pode ser seu destino caso esta empreitada com a família não dê certo. John Edwards também é o único que se mantém na história para a próxima temporada.

A reconstrução de época, figurinos, cenários e até a escolha de locações são eficientes para construir um velho-oeste realista e cotidiano. Muito diferente das jornadas de cavaleiros solitários. Mas a direção das cenas nem sempre faz o melhor uso desta atmosfera. Escolhendo os caminhos mais burocráticos para se contar essa história.

Depois de ler tudo isso, você deve estar imaginando que odiei Uma Casa na Pradaria, o que não é verdade. A série tem sim suas falhas, mas é eficiente em se tornar uma "série conforto" tal qual Anne With an E. A inspiração da série da ruivinha é assumida, tanto que convidaram Megan Follows que interpretou Anne nos anos 80.

Uma pena apenas que o número enxuto de episódios, oito apenas, somado ao formato de maratona não ajude para nosso maior envolvimento com o programa. Como foi o caso de Pioneiros, série dos anos setenta que adaptava o mesmo livro, e durou uma década com 24 episódios por temporada, que eram anuais. Mas isso é mais um problema do "formato Netflix" do que da série especificamente.

Uma Casa na Pradaria é gostosa de assistir, tem o narrativa, e o otimismo de uma série conforto. Falta ajustar um pouco o formato. O que pode ser feito em uma já temporada futura. Só esperemos que o segundo ano não demore tanto quanto a longa viagem do Ingals rumo ao oeste.

Uma Casa na Pradaria tem oito episódios com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis na Netflix. E o segundo ano já foi confirmado.

Moana vs Moana!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 24 Aug 2026 20:35:30 +0000

Sabia que além de escrever esta blogueira que vos escreve também faz vídeos? Acontece que algumas análises ficam bem melhores com o apoio de imagens.

É o que acontece com essa comparação dos trechos da canção How Far I'll Go nas duas versões de Moana, a animação de 2016 e o live-action de 2026. O resultado desta observação é que a animação é infinitamente melhor. Vocês estão preparados para esta conversa?

Visite meu canal do Youtube, para críticas, curiosidades e clássicos. Ou leia a crítica de Moana (2016) Moana 2 (2024) e Moana (2026)!

A Última Casa

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 21 Aug 2026 17:52:36 +0000

Um argumento interessante, com direito a paralelos sociais, monstros Lovecraftianos e muito espaço para reflexões. Protagonistas com intérpretes aclamados, presentes em premiações nos últimos anos, e um bom orçamento da Netflix. A Última Casa tinha tudo para ser um fenômeno do streaming, mas falhou na falta de foco, e na execução que pouco aproveita esses atributos.

Em um domingo qualquer, uma família formada por pai, mãe e um casal de filhos, se descobre trancados em sua própria casa. O fenômeno inexplicável atinge toda a vizinhança e desafia a humanidade a sobreviver.

Presos dentro da casa junto com o casal Jason (Wagner Moura) e Ann (Greta Lee), e as crianças Ruth (Riley Chung/Emma Ho) e Graham (Noah Alexander Sosnowski/Gabriel Barbosa), acompanhamos a família descobrir como sobreviver com a escassez de recursos, o mistério e perigos em torno da ameaça, e o isolamento forçado ao longo de anos, antes do roteiro buscar um encerramento apressado, em prol de um clímax de ação.

O paralelo com a Pandemia de Covid-19 que enfrentamos há poucos anos é inevitável. Nos fazendo questionar: e se o isolamento tivesse durado mais? E se fosse mais rígido? Como estaria o psicológico das pessoas? E o mundo ao nosso redor? Questões que o filme trabalha, especialmente em sua primeira metade de forma mais superficial, mas coerente o suficiente para que o público traga essas questões para depois da sessão.

O tratamento dramático é raso, pois a obra também parece querer explorar o mistério em torno do isolamento forçado. Que fenômeno é esse? Quem são os responsáveis? O governo, aliens, criaturas sobrenaturais? Todas essas questões são levantadas e mal respondidas conforme o roteiro acha conveniente. Basta notar que assim que ficam presos e sem internet a família cessa a busca de informações. É sério que não tentaram ligar a TV ou rádio?

Não ter informações do mundo exterior é uma escolha interessante, mas o filme não abraça isso definitivamente. Tentando explicar os eventos, se não para os personagens que tiram conclusões do nada, para nós que acompanhamos narrações bastante didáticas.

Em resumo o filme não decide se quer focar no drama familiar, ou no mistério. Se divide entre os dois temas, e não entrega bem nenhum deles. Sensação que ainda é amplificada pelo clímax de ação cheio de conveniências e exageros.

Embora tenha estabelecido que Jason é um engenheiro bastante criativo, e que sua garagem (conectada à casa) parece ter recursos ilimitados para traquitanas. É difícil escapar da sensação de "Esqueceram de Mim", quando o plano da família se apresenta. Lá na comédia de natal dos anos noventa, esse estilo é mais que bem vindo. Aqui, em um suspense de sobrevivência, desafia nossa suspensão de descrença, ou simplesmente parece bobo.

Isso sem falar nas convenientes falhas de roteiro. Até o solo abaixo da casa é intransponível quando se tenta sair, mas é possível plantar nele? Em cinco anos nunca se pensou em usar o encanamento como fuga? E o mais absurdo deles, a compreensão do monstro local, que além de obtida de forma frágil e sem sentido, parece protegê-los em âmbito mundial.

Wagner Moura e Greta Lee entregam o melhor que podem diante do que o roteiro oferece, e as crianças, especialmente os interpretes mais novos acompanham os veteranos. Se o filme consegue alguma fidelidade do público é por causa dos interpretes e nada mais.

Louis Leterrier bem que tenta usar o ambiente restrito da casa para criar a sensação de isolamento e claustrofobia. Sempre com um cenário abarrotado. No início de objetos e brinquedos espalhados pela casa, na segunda metade pelas gambiarras criadas para sobreviver. Mas sua construção espacial não nos deixa ententer a geografia do lugar, impedindo que o público de fato se sinta morador junto com os personagens. Faltou apresentar e explorar os cenários.

Os efeitos especiais, inclusive a criação das criaturas não fazem feio. Mas também não entregam nada de impressionante. Assim como a extremamente protocolar trilha sonora.

A Última Casa não é excepcional como a Netflix tentou vender. Também não é um desperdício de tempo. É como muitos filmes medianos, o que já o coloca à frente de muitas obras da plataforma. Mais uma obra cheia de potencial, mas que não consegue entregar tudo que pode.

A Última Casa (The Last House)
2026 - EUA - 112min
Suspense

Coyote vs. Acme

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 19 Aug 2026 19:35:43 +0000

Talvez a maior piada de Coyote vs. Acme seja o fato da Warner ter descartado e quase enterrado este filme para sempre depois de pronto. Três anos depois da data de lançamento original, o filme chega aos cinemas resgatado por outra distribuidora e curiosamente fazendo uma crítica esperta a grandes corporações que enxergam seus ativos como mera mercadoria. O paralelo com grandes empresas do mundo real não foi por acaso, mas com a precisão da crítica com a forma que o próprio estúdio tratou o filme foi sim uma feliz coincidência.

O argumento de Coyote vs. Acme é tão bom, que se você assistiu ao menos um episódio da animação do Papa-Léguas, o título é auto-explicativo. Mas se mesmo assim você ainda não alcançou, eis a sinopse.

Após décadas tentando capturar, e almoçar, o Papa-Léguas, e falhando miseravelmente graças ao mau funcionamento dos produtos da Acme, Wile E. Coyote decide processar a empresa de traquitanas por suas múltiplas falhas e ferimentos. Para tal ele busca a ajuda de Kevin Avery (Will Forte), advogado especializado, ou melhor conformado, em fazer acordos baratos para desenhos vítimas de mal funcionamento de produtos Acme.

Mas, a ação do Coyote vira um circo midiático diante da persistência do predador. Um acordo fica fora de cogitação e o caso vai parar nos tribunais onde Avery e sua equipe, incluindo a irritantemente determinaa Paige (Lana Condor), precisam enfrentar Buddy Crane (John Cena), o advogado astro da companhia. Além da conformidade da sociedade, que já colocou as animações como inferiores. É claro que no meio disso tudo, uma conspiração ainda maior é revelada.

E é assim que retornamos ao mundo onde humanos e personagens animados coexistem. A mistura de técnicas existe desde o nascimento do cinema, mas chegou ao seu auge em Uma Cilada para Roger Rabbit, e desde então reaparece esporadicamente no cinema e TV, tanto com obras excelentes como Tico e Teco Defensores da Lei, quanto com execráveis como Space Jam: Um Novo Legado.

Felizmente Coyote vs. Acme está no lado positivo deste universo de animações no mundo real. O argumento é inspirado no artigo de 1990 da revista The New Yorker, "Coyote v. Acme", de Ian Frazier, mas segue um caminho próprio para explorar e expandir a ideia original, aproveitando as particularidades do universo dos Looney Tunes.

Assim, no mundo povoado por live-action e animação, temos aparições diversas tanto de personagens conhecidos, quanto de novos seres que existem apenas para povoar aquele mundo. Mas apesar da presença de Piu-Piu, Pernalonga e companhia, o destaque é sim do Coyote. O personagem é trazido ao mundo real de forma acertada, respeitando suas características, personalidade e habilidades. Ou seja, ele muito determinado, mas não fala, o que o filme contorna com muita expressividade e humor.

E enquanto acompanhamos as explosões e contusões do protagonista, que parece se dar mal não apenas na caça ao Papa-Léguas, mas em tudo que faz, o roteiro propositalmente discute o conceito de propósito, tanto no contexto humano quanto animado.

No cotidiano humano está na atitude do desacreditado advogado, amplificada pelo contraponto com o entusiasmo de sua estagiária, e principalmente em sua relação com o cliente animado. Criando uma deliciosa relação de amizade entre a dupla.

Já no ponto de vista animal, o roteiro busca recursos na mitologia grega, ao usar o mito de Sísifo como paralelo à vida do protagonista. Sísifo é condenado a executar a mesma tarefa sem sentido diariamente. Empurrar uma pedra montanha acima, apenas para vê-la rolar para baixo novamente.

E o que é a vida do Coyote se não caçar o Papa-Léguas, apenas para vê-lo escapar no último segundo. Igualmente a vida da ave é correr eternamente porquê existem alguém para caça-lo. Dinâmica aliás muito comum e popular em animação, repetida por exemplo em Tom e Jerry, e Piu-Piu e Frajola. Se um dia o predador pegar a presa, o que ele fará no dia seguinte? É a tarefa incapaz de ser cumprida que lhes dá propósito, compromisso, e até constrói uma relação de aminimigos, que a gente ama assistir.

Tudo isso expresso na relação de personagens que sequer falam. Mas muito bem expresso pelo excelente trabalho de animação, e sua integração eficiente com o mundo real. E por falar nele, os personagens lá estão mais que acostumados em compartilhar o mundo com desenhos, e assim como nós param para assistir sempre que uma de suas maluquices tomam forma. Mas podem reagir e interagir com elas como realidade.

O elenco abraça o tom lúdico que essa mistura de realidades exige. John Cena com a canastrice caricata que já esperamos dele. Lana Condor e P.J. Byrne com empolgação e dedicação consistentes com suas posições. Ela do lado do mocinho e ele do vilão.

É apenas com Will Forte que senti uma queda. O ator e comediante consegue sim criar uma boa relação com o protagonista, e por causa disso conquista nossa fidelidade. Mas senti que faltou carisma para que torcêssemos por ele, por seu próprio mérito. Em defesa do ator, apenas eu senti essa falta de conexão em minha sessão, então talvez sua atuação agrade a maioria.

E claro Coyote vs. Acme não perde oportunidade de fazer comédia. Seja ela mais física, emulando principalmente tradições da animação, seja em texto. Com piadas para toda a família, e outras apenas para os mais velhos, como aquela que envolve o Pepé Le Pew. E principalmente a liberdade non-sense dos Looney Tunes que a gente ama. Fazendo assim muitas referências e ativando a nostalgia sem ser de forma forçada.

Entre buracos retráteis, tuneis pintados na parede e leões enlatados, Coyote vs. Acme é o melhore filme dos Looney Tunes desde o primeiro Space Jam. Ganhando ou perdendo a luta contra a Acme, o Coyote já venceu uma grande coorporação, provando que a Warner estava redontamente errada em descartá-lo!

Coyote vs. Acme
2026 - EUA - 101min
Comédia, Aventura

A Casa do Dragão - 3ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 17 Aug 2026 16:01:33 +0000

Enfim o final da segunda temporada! Foi ao custo da segunda temporada que o terceiro ano de A Casa do Dragão começou lá em cima. Já que os dois episódios originalmente pensados para encerrar o ano anterior, abriram a temporada três. O problema é desequilíbrio narrativo que isso gerou nos episódios seguintes.

Começamos em alta com a batalha da Goela, e a tomada de Porto Real (sim, usarei os nomes traduzidos dos livros sempre que possível, apesar da série misturar tudo). Dois episódios empolgantes seguidos do que seria um início de temporada excepcional.

Rhaenyra Triumphant, o terceiro episódio inova em formado e segue o ponto de vista da rainha dos pretos (o famoso POV, que é padrão nos livros originais das Crônicas de Gelo e Fogo, um aceno interessante ao universo). Deixando um pouco de lado os outros núcleos para focar em uma de suas protagonistas e estabelecer melhor a nova fase da personagem. Rhaenyra vai mudar, e o começo é visto sob uma lupa.

Se Aegon, se recostava no trono como uma espreguiçadeira e deixava que o avô resolvesse os problemas pra si. A rainha dragão se mostra igualmente despreparada para lidar com as demandas do reino, ainda mais um reino devastado pela guerra, e com tesouro escondido pelos aniversários. Some-se aí o luto pelos dois filhos mais velhos, e até um período menstrual para mostrar a sobrecarga da monarca. O terceiro capítulo sozinho poderia ser foco de uma complexa análise. Mas tem muito mais temporada, então vamos seguir.

Enquanto Rhaenyra lentamente enlouquece, o que já é um avanço em relação à Daenerys (pois é, difícil não comparar as duas séries), outros personagens centrais ganham, ou não seus próprios arcos. Entre os negligenciados estão, Baela e Corlys, que aqui servem apenas de instrumentos para a trama principal.

Deamon e Missaria além de ferramentas de roteiro, entram em um embate um com o outro que não leva a lugar nenhum. Eles são respectivamente o diabinho e o anjinho nos ombros da rainha. Ele ao menos tem funções na guerra e no arco de Rhaena. Ela é apenas uma péssima mestre dos sussuros. Mas talvez agora, que descartada tenha novo papel na próxima temporada.

Adam e Alyn, tem arcos menores mas ainda pouco relevantes, relacionados à sua ascenção diante do reconhecimento de sua paternidade, e de suas habilidades na guerra. Outro com micro desenvolvimento é Sor Criston Cole, desacreditado e kamikaze, sua derrocada foi um deleite para quem detestava o guarda real. Sem ápice, sem grandes glórias, o apagamento que ele merecia.

Entre os arcos mais interessantes, estão o relacionamento místico de Aemond com Harrenhal e Alis Rivers. Que ao mesmo tempo que vai de encontro ao período passado por Deamon no local na temporada anterior, também é um paralelo com a jornada de seu irmão Aegon. A parte incômoda é apenas a obsessão sexual pela mãe que os criadores da série insistem em enfatizar.

O Rei dos verdes é o que tem melhor desenvolvimento nesta temporada. Fugitivo e conhecendo o mundo de verdade, precisa encarar a realidade de sua insignificância sem seus privilégios e dragão. Depois de compreender a péssima pessoa que era, seu retorno triunfante, quase nos faz torcer para seu time. Felizmente não esquecemos que além de um reino horrível, Aegon é um abusador.

Helaena tem seu arco encerrado nesta temporada. Única realmente inocente nesta guerra (além dos Targariens ainda bebês), ela se entende refém por toda vida. Aprisionado por seu nascimento nobre, vítima da guerra e amaldiçoada por visões que a maioria não compreende. Um excelente desfecho, ainda que um pouco apressado.

Não tão apressado foi o arco de Rhaena como Urtigas. A filha sem dragão de Daemon herdou o arco de outra personagem do livro, domando uma fera selvagem, e tendo ações decisivas não programadas na guerra. A forma como desenvolveram seu arco, mantendo sua identidade desconhecida para a maioria de Westeros, é interessante, já que possibilita que a lenda de sua montadora do povo comum ainda exista em Fogo e Sangue. Resta saber se esta história será abandonada e os rumos das personagens a partir daí.

As Sementes de Dragão, Hugh e Ulf também tem arcos próprios, já que ambos percebem que apesar da mobilidade social que tiveram, ainda são meros servos da rainha. O primeiro em uma econômica busca por sua esposa. É de Ulf, o Branco o melhor arco entre os dois. Privado de sua independência, individualidade, sem receber nada em troca, e ainda sendo humilhado por Daemon, ele trai os dois lados da luta. Ulf escolhe lutar por Ulf. Surpreendendo até quem leu os livros.

O que nos leva ao vilão da vez. Ormund Hightower é construído de forma adoravelmente detestável pelo roteiro e seu intérprete. É curioso observar que enquanto vemos Rhaenyra ser julgada por pequenos atos errados, o Lorde é completamente insano, e mesmo assim tem seu poder incontestado. A relação dele com Gwen e principalmente Daeron são um dos pontos altos da temporada.

Uma pena apenas que esta nunca ganhe um grande confronto. Desapontador é verdade, queria ver o mais jovem dos filhos de Alicent desafiar o tio (abraçar os cabelos platinados, eu acho que ele pinta), montar em Tessárion e abraçar completamente o lado Targarien. Mas o universo de Game of Thrones é assim. Repletos de clímaxes interrompidos. A morte de Ned nos ensinou isso há tempos.

Reparou que até agora pouco falei de Alicent Hightower? O contraponto oficial de Rhaenyra pouco faz neste período da história nos livros. Logo, a série precisa inventar coisas para ela fazer. Colocá-la como conselheira informal da rainha inimiga é interessante e resgata o relacionamento das duas sem precisar de grandes concessões e artifícios (como uma delas se disfarçar de freira por exemplo).

Por outro lado, suas tentativas confusas de "salvar" os filhos, e acabar com a guerra, são mal construídas e sem sentido. Ao menos a personagem ganha o prêmio de pior mãe e avô do ano, enquanto Olívia Cooke, surpreende ao entregar um trabalho excelente, apesar do roteiro pouco inspirado.

E por falar no elenco, não há escalação ruim em A Casa do Dragão. Matt Smith não apenas conhece bem Daemon, como se diverte com sua personalidade de príncipe canalha. Emma D'Arcy entrega a alma sempre que o roteiro permite, como na cena onde descobre sobre a morte do filho, e no excelente terceiro episódio. E mesmo quando o texto é mais fraco, nunca nos faz desacreditar de Rhaenyra. Assim como Tom Glynn-Carney, que acerta no desenvolvimento de Aegon, e nos faz até querer torcer pelo personagem.

Outros destaques são o divertidamente canalha Ulf de Tom Bennett. E o vilão que amamos odiar, Ormund, vivido por James Norton. Mas digo e repito, não há escalação ruim nesta série. Todos entregam o melhor de si, dentro do que o roteiro permite.

E o que o roteiro permitiu mais do que tudo nesta temporada, foi ver dragões. Além de várias batalhas (algumas enfumaçadas demais para o bem do CGI), o embate entre quatro deles em plena luz do dia surpreende pela qualidade. Syrax, Caraxes e Fumaresia contra rouba ovelhas, nunca sofremos tanto por criaturas mitológicas de computação gráfica.

O valor de produção transpassa o CGI e se mostra presente em cenários, maquiagem, figurinos e fotografia. Mas isso já era visto desde a primeira temporada. Pausa para exaltar o retorno do Vale de Aryn e sua divônica Lady. Inclusive, ver um pouco de outras casas como os Tully, ou as casas nortenhas dos Lobos do Inverno também são um acerto. Queremos mais deles!

Mas mesmo diante de tanto esmero, a série não consegue escapar de escorregões e armadilhas. Desde os releváveis teletransportes de personagens. Passando pela dificuldade de localizar geograficamente os acontecimentos de forma clara, conveniências de roteiro, e até uma perceptível desacelerada nos episódios cinco e seis. Desequilíbrio vindo desde a temporada anterior, já que este ano herdou episódios dela.

Pra esta blogueira que vos escreve, as falhas não pesaram mais que os acertos. A terceira temporada de A Casa do Dragão ainda não supera a primeira, mas é melhor que o econômico segundo ano. Podia trazer mais, considerando que a quarta temporada é assumidamente última, e ainda há muita história para cobrir. Mas por hora a visita a Westeros foi deveras satisfatória, uma pena apenas que esse passeio só aconteça a cada dois anos. É espera demais!

A Casa do Dragão é exibida pela HBO, e está disponível no Max. A primeira temporada tem dez episódios, segunda e terceira tem oito cada, todos com cerca de uma hora de duração.

Leia a crítica da primeira e da segunda temporadas!

A Morte de Robin Hood

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 14 Aug 2026 16:40:50 +0000

Pode esquecer a figura clássica do Robin Hood - o que pra mim vai ser difícil, pq eu acabei de conhecer a versão clássica do Erol Flyn - porque a versão do Hugh Jackman, apresenta um personagem completamente diferente. Mas, ao mesmo tempo entrega uma jornada que, de certa forma, a gente já viu o Hugh Jackman fazer. Mas em outra época, com outras habilidades e estilo.

É 1247, e Robin (Hugh Jackman) é um ermitão envelhecido que passa os dias sobrevivendo às consequências de seus atos, que são muito diferentes dos contos sobre um herói que rouba dos ricos para dar aos pobres. É nesse contexto em que ele é encontrado por João Pequeno, o Little John (Bill Skarsgård), que o procura em busca de ajuda para recuperar sua família.

E nessa última batalha o protagonista fica a beira da morte e é acolhido em uma espécie de convento. Um lugar de acolhimento e paz, tão diferente do mundo cinzento, úmido e devastado em que ele vivia, que o filme muda até sua razão de aspecto (o tamanho da tela). É nesse lugar em que ele vai enfrentar seus últimos dias, se arrependendo de seus atos cruéis do passado, encontrando um novo propósito, e finalmente morrendo em paz.

Não é spoiler, a morte dele é literalmente o título. Além disso, a graça do filme está muito mais em ver como essa despedida da vida se desenrola, do que de fato saber que é uma despedida. Ver como essa mudança de ares afeta as ações e visão de mundo do não herói.

E por falar em herói, eu comecei essa análise dizendo para esquecer a imagem clássica de Robin Hodd, mas essa não é a melhor ideia na verdade. O diretor e roteirista Michael Sarnoski conta com que você conheça as lendas de Robin Hood, apenas para destruir sua infância, mostrando que nesse filme elas são todas mentiras. Contos fantasiosos criados para mascarar os atos criminosos de Robin que era um bandoleiro cruel, nada altruísta ou religioso.

O risco desta escolha, é beirar a falta de conexão com a lenda. À exceção da habilidade com o arco, e do nome, o protagonista pouco carrega das características da lenda. O que faz com que esta história pudesse ser de qualquer outro criminoso.

Por isso, talvez seu nome bem marcado do título, e a cena inicial que conta quase como uma reapresentação do personagem. A intenção é bater o martelo, este é o Robin Hood, mesmo que não pareça.

E assim a história segue sem medo, entregando o homem consciente de seus crimes, que vai diante da responsabilidade imposta pelas circunstâncias de cuidar de alguém inocente. É essa relação entre Robin e a Pequena Margaret (Faith Delaney), filha do amigo João Pequeno, que lembra outra obra estrelada por Jackman, Logan. Em ambos os casos, um guerreiro idoso e principalmente cansado da vida precisa proteger uma menina inocente, e consequentemente criar uma relação com ela.

Felizmente A Morte de Robin Hood encontra seu camino para se diferenciar do filme do mutante ao apostar em duas características próprias. A construção de outras relações, e uma permissão para a brutalidade que o outro filme não tinha.

As relações com a Sister Brigid (Jodie Comer) e com o “Leprososo” (é o filme que o chama assim o personagem de Murray Bartlett, não eu), são as que vão fazê-lo repensar tanto seu passado, quanto a capacidade de alterar seus atos no fim da vida. Quanto a violência, ela é um curioso recurso narrativo. É intensa, suja e explícita no primeiro ato do filme, para ilustrar a brutalidade com que Robin vivia na juventude. E praticamente abandonada no restante do filme, conforme o protagonista evolui sua visão de mundo.

Hugh Jackman carrega o filme apresentando em feições cansadas sob uma barba espessa e as vezes muita sujeira, toda a complexidade e nuances do protagonista. Um homem solitário que compreende sua culpa, não se orgulha dela, mas também sabe que não pode fugir do passado. Até que alguém lhes mostre que apesar de tudo, há como partir em paz.

Esse alguém é vivido com competência por Jodie Comer, que dá vida a irmã Bridget. Uma mulher de passado também brutal, mas do outro lado da violência, que construiu essa vida de paz e acolhimento à partir desse passado.

O filme ainda conta com atuações competentes de Bill Skarsgård como João Pequeno, e Noah Jupe, como um jovem determinado.

Além do excelente elenco, outras escolha acertada do diretor, é o realismo obtido pela gravação em película, fugindo da e "perfeição” da imagem digital, pela filmagem em locações, e o uso de efeitos práticos. A combinação, oferece o peso, e a hostilidade que aquele mundo precisa para contar a história. Além de conferir um realismo incômodo. Não tem como fugir à sensação de que a vida na Inglaterra do século XIII, era daquele jeito cruel e insalubre.

Sarnoski partiu de balada medieval pouco conhecida sobre a morte de Robin Hood, que ele leu a na infância. Onde o herói nobre é traído e morto por uma prioresa cruel. Mas escolheu inverter os papéis para criar uma nova versão da lenda. Complexa rica, com um tropo conhecido é verdade - o velho guerreiro em uma última missão para salvar a inocência - mas muito bem contado e construído.

Só não sei se vai funcionar com quem foi ao cinema atraído pelo nome, Robin Hood, e procura o herói que sempre conheceu. Já que o marketing do filme tem sido bem fraco e confuso. Para quem estiver disposto, é uma nova versão muito bem vinda, e inédita da lenda.

A Morte de Robin Hood ( The Death of Robin Hood)
2026 - EUA - 122min
Drama

Projeto 1001 - Julho 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 31 Jul 2026 13:13:00 +0000

Último dia do mês, hora de listar todos os filmes que assisti em julho de 2026 para o Projeto 1001! Eu me desafiei a assistir os 1001 títulos presentes no livro 1001 Filmes para ver antes de Morrer, aquele catálogo cinéfilo famoso de teven Jay Schneider. E adoraria ter vocês nessa jornada comigo!

Noite na Ópera (1935)

O Terceiro Homem (1949)

Traídos pelo Desejo (1992)

Os Muppets (1979)

Tongues Untied (Linguas Desatadas - 1989)

Atualizando os números, a contagem está em: 192 já foram, faltam 809!

A lista completa com todos esses filmes você pode conferir aqui!

Homem-Aranha: Um Novo Dia

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 29 Jul 2026 18:09:55 +0000

O Peter Parker de Tom Holland não é mais o "menino-aranha"! Apelido carinhoso que o público deu quando ele apareceu bem moleque em Capitão América - Guerra Civil de 2016. Uma década e muitas aparições depois, o quarto filme solo do herói vem para solidificar esse amadurecimento que começou no fim de Sem Volta para Casa.

Mas calma, Homem-Aranha: Um Novo Dia não é um drama denso sobre a entrada na fase adulta. Ainda é um filme de super-herói de franquia, com seus exageros, licenças poéticas e obrigação de fazer conexões com obras passadas e futuras. Carcacterísticas presentes para o bem ou para o mal.

Após os trágicos eventos do filme anterios, Peter (Holland) decidiu que viver solitário é mais seguro para todos. E assim ele passa quatro anos como amigão da vizinhaça, pegando bandidos menores e até colaborando com órgãos governamenais. Suas maiores relações são sob a máscara com a detetive Jean DeWolff (Liza Colón-Zayas), eventuais parceiros de trabalho como o Justiceiro Frank Castle (Jon Bernthal), e até bandidos recorrentes como o Escorpião (Michael Mando).

A única a chamá-lo de Peter é sua assistente de inteligência artificial que em inglês tem a voz de Naomi Watts. O herói passa a suprimir seu lado humano em prol da responsabilidade do aranha, embora volta e meia dê uma olhada saudoza na vida de MJ e Ned (Zendaya e Jacob Batalon).

É nesse cenário de isolamento e hiperfoco nada saudável que uma ameaça nunca vista antes chega à Nova York. Algo tem possuído cidadãos comuns, para cometer crimes pela cidade. Desafio ainda mais difícil quando a conta do isolamento chega, e os poderes de aranha do personagem passam a mudar e se intensificar.

E o filme não é nada sutil ao abordar a evolução dos poderes como passagem para a fase adulta. O roteiro literalmente coloca um documentário explicando isso em cena. É claro que Peter vai lutar e tentar suprimir a mudança, antes de descobrir que o melhor é aprender a lidar com ela. E que o isolamento social não é a melhor saída para lidar com as consequencias de ser um herói. No MCU eles enfrentaram o blip, enquanto nós a pandemia. Caso contrário o personagem já saberia das dificuldades do isolamento forçado.

Em resumo, existe sim uma evolução do personagem, mas nada muito complexo ou sofisticado. Acredito que nem caberia na proposta deste universo. Os poderes de aranha evoluem, resultando mais recursos para cenas de ação novas e inventivas. Nunca se gastou tanta teia como neste filme.

Enquanto o protagonista evolui como pessoa, aprende a lidar com seu lado humano e herói como um só. Afinal ele é tanto o Peter como o Aranha. Uma boa evidência dessa evolução, é o fato de que pela primeira vez, o personagem não tem um mentor. Tony Stark no primeiro filme, Mistério no Segundo e Doutor Estranho no terceiro. Bruce Banner, Frank Castle e Yelena Belova estão em cena, e até poderiam assumir este papel, mas felizmente eles são apenas recursos para o herói. Não botes salva-vidas.

Banner (e Hulk, claro) são recusos diferentes tanto para o herói quanto para a antagonista em participações pequenas, mas sempre com o carisma de Mark Ruffalo. A Viúva Negra de Florence Pugh é literalmente uma informante, presente apenas para justificar a ausência de outros heróis que sabemos estar vivendo na cidade durante a aventura. E o Justiceiro age mais como side-kick, e alívio cômico, para desespero dos puristas fãs da versão mais hardcore do personagem. Eu, acho que a química entre Holland e Bernthal é um dos pontos altos do filme.

Assim como as interações que já sabemos que tem química, mas agora são apresentadas de forma diferente. É ao mesmo tempo reconfortante e estranho ver Peter, MJ e Ned juntos. Isso porquê sua relação mudou, mas ainda é muito compatível. E depois de uma trilogia inteira, o trio está mais que confortáveis e cientes de seus papéis, mesmo com o novo cenário.

Agora é hora de falar do desafio da vez. Mas não tem como falar da antagonista sem dar spoilers, então... prossiga por sua conta e risco.

Depois de pinceladas do gene mutante no MCU, finalmente um dos X-Men dá as caras em uma versão criada para este universo. É um mutante psíquico que salta de humano em humano para realizar sua missão. A personagem misteriosa de Sadie Sink, como muitos especulava, é a Jean Grey. Mas repare até agora eu tenho me referido a ela como antagonista, não vilã. O verdadeiro vilão do filme é outro, muito menos importante e interessante que a adversária que move a trama.

Jean realmente está cometendo atos criminosos. Mas a moça tem bons motivos para isso, e Sink consegue trasmitir a urgência e desespero da moça mesmo antes de compreendermos seus motivos. Até porquê quase ninguém acreditaria que uma personagem tão conhecida da franquia seria de fato uma vilã. Os poderes da personagens também são usados de forma nova e criativa, um acerto que afasta essa versão das duas outras que já vimos em cena na franquia X-Men.

Entretanto, por mais legal que essa nova Jean seja, sua presença e apresentação rouba parte do filme do protagonista. Todo o ato final é mais sobre ela, que sobre o Homem-Aranha, o que pode incomodar alguns. Assim, como a obrigatoriedade do filme em se encaixar no multiverso, presente até nas cenas pós créditos. Eu já esperava por isso, logo não me incomodei, mas sei que boa parte do público está cansado de filmes que são apenas conexões para proximos filmes.

Tecnicamente, o filme é eficiente em efeitos especiais, figurino, fotografia, mas não traz nada de inovador ou próprio. Em outras palavras, é um tanto quanto genérico, já que, assim como a trama, precisa se encaixar na estética do MCU como um todo. O filme é correto, suas cenas funciona, mas pouco se destaca além de algumas sequencias de ação que fazem uso de poderes ou adversários novos. Como alguns belos takes conta o Tentáculo. Alías quem esperava ver a organização criminosa com destaque, baixe as espectativas, eles também são meros recursos.

Homem-Aranha: Um Novo Dia é divertido e até evolui o protagonista para uma nova fase. Agora temos um homem aranha adulto, mais maduro e independente. Mas o filme ainda é engessado pelas muitas obrigações de fazer parte de um multiverso. Não que isso vá influenciar o interesse do grande público. Miranha ainda é um dos heróis mais carismáticos e adorados do panteão. E se a aventura for empolgante - o que esta é - ninguém vai se recusar a se aventurar junto.

Homem-Aranha: Um Novo Dia (Spider-Man: Brand New Day)
2026 - EUA - 145min
Aventura, Ação

Leia mais sobre o Universo Cinematográfico da Marvel.

Backrooms: Um Não-Lugar

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 27 Jul 2026 14:08:33 +0000

Às vezes, ou melhor, quase sempre a especulação é inevitavelmente melhor do que as respostas. Já que as possibilidades infinitas da dúvida, nos permitem criar igualmente infinitas respostas e caminhos em um exercício de criatividade sem fim. Por outro lado, é da nossa natureza querer explicações diretas para mistérios. Mas, assim como um truque de mágica que perde a graça assim que entendemos como a ilusão é feita, nenhuma resposta será tão empolgante quanto as perguntas.

É nesse limbo entre querer especular, e encontrar respostas que chega Backrooms: Um Não-Lugar. Uma obra nascida da criatividade do ócio internauta, e alimentada por pessoas de todo o mundo por anos. O filme nasce a partir de uma foto postada na internet, que gerou uma creepypasta (uma lenda da internet que cresce conforme os usuários interagem com ela).

O que era uma sala acarpetada em tons de amarelo, vazia e cheia de divisórias, logo se tornou o tal "não lugar". Um espaço para além de nossa realidade, acessível por entradas acidentais, onde tudo é estranho e é possível se perder. A lenda se espalhou e cresceu com a ajuda dos internautas, até que um adolescente chamado Kane Parsons, começou a produzir curta-metragens sobre essas lendas em 2022. A web-série de sucesso no youtube, abriu portas para que anos mais tarde, o próprio Parsons dirigisse um longa para o cinema com o aval da A24. E assim Backrooms: Um Não-Lugar, chega até nós.

Acompanhamos as história de Clark (Chiwetel Ejiofor), um arquiteto frustado e solitário, preso ao trabalho em sua fracassada loja de móveis. Um dia, ao investigar um aumento no consumo de energia de seu estabelecimento, ele encontra uma passagem para o Backroom. Obcecado passa a explorar o lugar, e compartilha suas descobertas, com sua cética terapeuta.

Mary (Renate Reinsve) é uma terapeuta tão solitária quanto seu paciente, que traumatizada pela agorafobia da mãe, prega a busca por "janelas", por caminhos para se libertar de traumas e seguir nova vida. Eventualmente, preocupada com seu paciente, ela também encontra a passagem para esse lugar misterioso que desafia nossa percepção de mundo. Contar mais que isso seria spoiler, mas tentarei proseguir com a reflexão sem extragar sua experiência.

A interpretação mais simples, e totalmente plausível é que os Backroons são um espaço sobrenatural. Mas, convenhamos, não se busca um filme deste procurando a explicação mais raza. E como mencionei no início deste texto, talvez nem queiramos a resposta. As possibilidades por outro lado...

Clark é arquiteto, Mary Terapeuta, juntos eles podem representar a natureza do "não lugar". Uma extensão interdimencional, que tenta emular nossa realidade a partir das memórias daqueles que acidentalmente a visitam. Geograficamente traz uma arquitetura que parece real, mas ignora a funcionalidade, as proporções e criam um labirinto sem fim. E como usa memórias de seus visitantes, materializa também suas referências e traumas, sem completamente compreendê-los. Criando anomalias assustadoras, que durante o filme interagem com as pessoas das quais foram inspiradas.

Indícios que reforçam essa teoria (uma entre muitas possíveis), podem ser captados através de revisitas ao fime, que tenta provocar o espectador empolgado à vasculhar seus mínimos detalhes. Digo tenta pois esse propósito provavelmente funciona com o público já iniciado. Quem conhece a creepypasta e os curtas, e capta as referências, tem mais recurso para montar seus próprios quebra-cabeças e criar teorias.

Já o público geral, entrando em contato com o conceito pela primeira vez provavelmente vai ficar, cansado perdido e insatisfeito. Uma vez que o filme traz repetidamente (três vezes para ser mais exata) a dinâmica da descoberta, joga possibilidades e perguntas na tela, sem responder ou sequer dar propósito à maioria delas. Exigindo uma pesquisa posterior, de quem quer entender a intenção da obra. Mas não é todo mundo que tem um grupo de bar cinéfilo para discutir, ou que vai buscar o "final explicado" no youtube. Muita gente vai apenas esquecer e dar a obra como duas horas de vida perdida.

Entre os prós da obra estão as boas atuações de Chiwetel Ejiofor e Renate Reinsve. Além da construção, ambientação e fotografia dos Backroons. A atmosfera de mistério, insegurança e incômodo é constante, e a principal responsável por continuarmos assistindo.

Outro fator que nos faz ficar no filme, é um "contra", a curiosidade, que nunca é saciada. É verdade que um filme não precisa dar todas as respotas. A força das perguntas é um recorrente neste texto. Mas é preciso sim, dar motivo para estas questões existirem. Criar uma base sólida para a especulação, e Backroons só entrega isso para o público já iniciado.

Backrooms: Um Não-Lugar é um experimento curioso. Pode ser ponto de partida para diversas discussões e reflexões. Mas pode também ser tão vazio e confuso quanto as próprias "salas dos fundos" do título. Vai depender de cada espectador. Diz aí nos comentários, foi fisgado pelas possibilidades? Qual a sua teoria para os não lugares, e a jornada destes personagens nele?

Backrooms: Um Não-Lugar (Backrooms)
2016 - EUA - 110min
Suspense, Terror