Ah! E por falar nisso...

Amanhecer na Colheita

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 09 Mar 2026 20:46:00 +0000

Desde Em Chamas, quando descobrimos que os Jogos de Haymich Abernaty foram um Massacre Quaternário, os fãs leitores imploravam pela história completa. Havia até versões de fãs no YouTube imaginando a história à partir das poucas informações que tinhamos na saga de Katniss. Quando Suzanne Collins finalmente decide contar esta história, ela é ainda mais empolgante do que imaginávamos.

Quarenta anos após os eventos de A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes, e 24 anos antes de Jogos Vorazes acompanhamos a 50° edição do massacre de joves promovido pela capital através dos olhos de outro jovem do Distrito 12.

Haymitch Abernathy, de 16 anos, vive com a mãe e o irmão mais novo. Ajuda a sustentar a casa e morre de amores pela namorada Lenore Dove. Os Jogos Vorazes ainda não são a máquina de matar disfarçada de espetáculo quase impecável que vimos Katniss participar, mas já estão bem longe do "circo improvisado" vencido por Lucy Grey. Embora não longe o suficiente para não ter falhas e trapalhadas.

É em um desses desperparos que torna nosso protagonista um tributo, em uma edição comemorativa de cinco décadas que ceifou o dobro de crianças de cada Distrito. Mas, à essa altura Haymitch é bastante diferente do bêbado desesperançoso que encontramos em sua fase adulta. Ele ainda tem a fagulha de esperança e o ímpeto de se rebelar que verá no futuro em Katniss.

Assim, ele se une a outros rebeldes na tentativa de desmascarar a Capital de dentro dos jogos. Além de seguir o ousado plano de Beete (sim aquele mesmo que conhecemos no segundo livro), ainda precisa sobreviver na arena mais belamente hostil já criada e lidar com os demais tributos, aliados e inimigos.

Sabendo que não esperamos final feliz, já que o futuro do protagonista é conhecido, a autora não teme trazer consequências drásticas para as ações ao longo da trama. Talvez o mais trágico dos livros, a jornada constrói com clareza a personalidade que conhecemos de Haymitch no futuro. As razões para sua bebedeira, isolamento e desesperança.

Seu discurso de que os Jogos nunca terminam para os vencedores, se prova verdadeiro. Tecnincamente e principalmente, para o público, ele ganhou o segundo Massacre Quaternário, mas perdeu todo o resto. Se tornando um recurso eternamente disponível, um prisioneiro em uma gaiola dourada ou, no caso, em uma Vila de Vitoriosos deserta. Que será resgatado sempre que a Capital precisar. Seus esforços na arena e suas perdas fora dela, completamente editados ou apagados pelo governo.

É essa manipulação o tema central deste livro. A forma como ditaduras escolhem e criam narrativas. Mentem e desviam o foco para manter as massas sob controle. Collins certa vez afirmou que só voltaria a escrever sobre este universo, se acreditasse que o mundo precisava ouvir uma mensagem. Novamente ela é cirúrgica em sua escolhas de temas. Afinal, não temos nenhum líder mundial bombardeando países para desviar atenção de seus próprios escândalos, né?!

Além do protagonista, outras figuras conhecidas retornam à cena. Algumas como meros easter-eggs, como a presença do Bando de Lucy Grey, e as versões jovens dos pais de Katniss. Outros com mais funções na trama, como Plutark, Mags e Wiress. Descobrimos como Effie Trinket começou a se envolver nos jogos. Enquanto Beettee tem uma jornada própria paralela.

Entre os novatos se destacam o filho de Beetee, Ampere. E os demais tributos do Distrito 12, Louella McCoy, Wyatt Callow, que dá uma perspectiva nova sobre como os cidadãos comuns lidam com os jogos, e Maysilee Donner uma patricinha atrevida que é a dona original de um dos maiores símbolos da franquia.

Amanhecer na Colheita é provavelmente o melhor dos cinco livros do universo de Jogos Vorazes. A escrita de Suzanne Collins se aprimora a cada novo volume, assim como a compreensão das mensagens que deseja passar. A jornada de Haymitch se encaixa perfeitamente entre os capítulos anteriores da história. Mostra bem a evolução daquela sociedade, da luta e indignação que culminação na revolução e principalmente da máquina de manipulação midiática que é os jogos. Se tem um final relativamente conhecido, compensa com personagens carismáticos, e com as surpresas no caminho para este desfecho.

Nunca um pedido dos fãs superou tanto nossas expectativas. É dinâmico, tenso, empolgante, impossível parar de ler. É fácilmente, meu favorito, de uma saga sem títulos fracos!

Amanhecer na Colheita (Sunrise on the Reaping)

Suzanne Collins
Rocco

Leia críticas de todos os filmes, livros e diversas curiosidades da franquia Jogos Vorazes!

CINDERELA: Escolha a sua favorita!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 06 Mar 2026 20:16:00 +0000

Ela é, provavelmente, a princesa com mais versões para o cinema e TV. O clássico conto da Cinderela vem sendo renovado e conquistando gerações ao longo de décadas. E por isso, cada um tem sua versão favorita.

Então, resolvir listar das dez mais icônicas (na minha humile opinião). Lista as suas também nos comentários!

Sim, eu produzo conteúdo em vídeo também. Segue meu canal no YouTube para não perder nada!

Bridgerton - 4ª temporada (Vol.2)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 05 Mar 2026 14:12:00 +0000

Querido e gentil leitor, quando resenhei a primeira metade da quarta temporada de Brigerton, expressei a esperança que a metade final da narrativa, corrigisse alguns problemas de ritmo e foco. O que para meu desgosto, não aconteceu. Mas isso não significa que a história do segundo irmão Bridgerton não tenha sido capaz de entreter, envolver ou divertir. Ela cumpre estes requisitos cruciais sim, apenas dexia a impressão de que tudo poderia ser mais afinado.

Logo após a proposta indecente de Benedict (Luke Thompson) à Sophie (Yerin Ha), não resta opção à moça a além de fugir do rapaz. O que obviamente não dá muito certo, e o envolvimento apenas aumenta deixando a moça já cheia de segredos, agora também com incertezas. Dúvidas essas que se desenrolam de forma extremamente lenta, acumulando todo embate final e resolução para o último episódio. Resultado? Desenvolvimento lento, seguido de desfecho extremamente corrido.

Tudo causado pelo desequilíbrio gerado pelo foco dividido que mencionei na crítica da primeira parte. O romance principal precisa não apenas dividir tela, mas esperar para que as narrativas paralelas alcance momentos necessários. Coisa que boas novelas brasileiras fazem com maestria, mas a muitas séries gringas tem dificuldade. Trabalhar bem os núcleos.

Assim, enquanto as histórias futuras de Eloise, Hyacinth e Gregory (Claudia Jessie, Florence Hunt e Will Tilston) ganham apenas indícios de desenvolvimento. Já Franchesca (Ruth Gemmell), ganha desenvolvimento complexo, cheio de metáforas e indicios interessantes. O mesmo vale para a libertação sexual e romantica de Violet (Hannah Dodd) e a relação de amizade entre a Rainha e Lady Danbury (Golda Rosheuvel e Adjoa Andoh).

Todas curiosamente com um tema em comum, o luto! Seja de forma mais direta com a perda recente de um marido. Mais sutil como o luto do distanciamento físico de uma amizade. Ou ainda a superação deste sentimento, e a busca por novos relacionamentos. Sophie e Araminta Gun (Katie Leung) também entram nessa equação. A mocinha sente a perda do pai e o sentimento de abandono oriundo dela. Enquanto a madrasta má tenta não desabar sob o peso de uma viuvez dupla, sem cumprir a tarefa de fornecer herdeiros homens, e a vida de dificuldades qu isso acarreta.

Mas calma, não o fato do luto ser um tema recorente, não implica que esta temporada seja triste. Apenas um pouco mais tematicamente corajosa, diante da proposta inicial de ser um romance leve e picante. E apesar do desvio de foco, a forma de trabalhar essas diferentes tramas é bastante interessante.

Interessante também é finalmente ver o casal Mondrich (Martins Imhangbe e Emma Naomi) começar a encontrar relevancia na trama. Herança da primeira temporada eles traçaram um caminho improvável para a alta sociedade. E agora, com a saída de Lady Danbury (sentiremos falta dela!) e as especulações que seu filho seria o par de Hyacinth no futuro, sua existencia parece começar a ter propósito.

A "DowntonAbbeytização" desta temporada também foi uma divertida surpresa. Ok, as histórias dos empregados aqui não chegam a ser tão complexas quanto as da aclamanda série britância, mas é interessante ver um pouco mais dos bastidores dessa vida de luxo. Enquanto consegue um motivo para manter a Lady Featherington (Polly Walker) na história.

Quem também conseguiu uma participação inesperada foi Créssida (Jessica Madsen). Lembra que senti sua falta na primeira metade da temporada. A patricinha malvada vem para encontrar redenção, paz e entregar os looks mais divertidamente absurdos da temporada.

E por falar em figurino, nem preciso dizer que a série vem entregando visuais mais bonitos a cada temporada. Nesta, as fantasias do baile de máscaras foram o ponto alto. Outro destaque são os imponentes vestidos de madrasta má-viúva de Araminta. Já as canções instrumentalizadas não me chamaram atenção. Mas talvez seja uma falha minha, por não estar antenada com os hits do momento.

Faltou ainda falar dos penduricarios. Personagens que precisam estar lá apenas para manter a coerência mas não tem muita função na história. Leia-se casais das temporadas passadas. Dafne e o Duque são mera lembrança. Anthony, Kate e Colin (Jonathan Bailey, Simone Ashley e Luke Newton), apenas batem ponto. Enquanto Penélope (Nicola Coughlan) vem apenas se despedir de sua versão de Lady Whistledown. Sua subita popularidade e a dificuldade de obter fofocas são divertidas, uma pena que pouco exploradas.

E sobre nossa fofoqueira preferida, ela ganhou uma nova autora misteriosa. As apostas sobre sua identidade estão na mesa. Eu acredito que seja Hyacinth, em busca da própria identidade, e temendo que ninguém comente seu debute. E você, quem acha que é?

Então, querido e gentil leitor, quarta temporada de Bridgerton não é infalível! Mas graças ao nosso apego prévio ao universo, a boa química do casal da vez, o conforto de uma história conhecida, no caso a da Cinderela, antende a maioria das expectativa. E entrega aquela maratona gostosa que esperamos a cada novo ano. O que é mais que o suficiente!

Leia a crítica da primeira, segunda e terceira temporadas de Bridgerton, da primeira metade da quarta temporada e da minissérie derivada Rainha Charlote!

Todas as temporadas tem oito episódios com cerca de uma hora cada, e as três primeiras estão completas na Netflix.

Cara de Um, Focinho de Outro

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 02 Mar 2026 18:24:00 +0000

"Gente, isso é tipo Avatar!" - A simplificação da protagonista de Cara de Um, Focinho de Outro que está até nos trailers, diz muito sobre o mais recente filme da Pixar. Primeiro deixa claro que a obra não tem medo de fazer graça consigo mesma. E segundo, e mais interessante, é que tudo bem a história não ser super original, se a execução for bastante criativa!

Mabel é uma jovem univesitaria, amante da natureza que tem um elo forte com uma clareira da sua cidade. E desde que descobriu que a Clareira do Castor será ocupada por uma rodovia criada pelo prefeito Jerry, ela briga solitária e inutilmente para interromper as obras. Até a invenção de uma de suas professoras muda suas chances.

A tecnologia dos Saltadores permite que humanos habitem animais robóticos, para poderem se misturar aos reais e assim estudá-los, sem interferir no ciclo natural. É claro que a mocinha vê uma utilidade muito mais urgente, unir os bichos para salvar a clareira.

Então sim, é realmente parecido com avatar! A diferença está no humor, leveza e capacidade de rir de si mesmo. A começar pela personalidade obsessiva e enérgica da protagonista, que já rende bons momentos em sua forma humana. Mas principalmente quando a moça assume sua forma animal, um fofo castor. É aí que o mundo se expande e ganha personalidade.

Enquanto visto pelos olhos humanos, os animais são belos, mas genéricos. Quando vistos da mesma perspectiva, a partir da Mabel-castor, ganham características físicas próprias e personalidades. Além de se comunicar e terem suas próprias sociedades.

Sem medo de ser louco, o roteiro permite que a bicharada corra solta, e tome as decisões mais radicais e inesperadas em sua luta contra os humanos. O que inclui embates internos, reviravoltas surpreendentes, planos mirabolantes, soluções absurdas, e até umas pitadinhas de terror. Nada apavorante, mas como é delicioso encontrar filmes que não subestime, nem tenha medo de desafiar um pouco os nervos das crianças. Elas também gostam de um medinho ou outro.

Tudo isso, enquanto aproveita para fazer referências inevitáveis à outras obras com animais, como Os Pássaros e Tubarão. E até à obras inesperadas. Certeza que tem fãs de Game of Thrones nos bastidores. Mas isso é para os adultos que acompanham a molecada. Para os pequenos, o filme traz animais fofos e carismáticos. E que, por serem animais, tem permissão de agir de forma mais ingênua e infantil, rendendo excelentes piadas para os pequenos.

E como não dá para existir só de referências e piadas. A protagonista Mabel lida com luto, obcessão, consequencias, reparação e perdão. E boas mensagens ecológicas são passadas. Alguns talvez se incomodem com a redenção de um personagem. Mas como o filme não tem medo de eliminar outros, não vejo como uma escolha covarde, ou lição de moral gratuita.

No elenco de vozes, o elenco original traz nomes como Jon Hamm, Dave Franco e Meryl Streep. A versão brasileira tem como destaques as participações especiais das famosas Renata Sorrah eThaís Fersoza. Enquanto nossos experientes dubladores entregam o bom trabalho de sempre.

Outro bom trabalho de sempre, é a qualidade de animação da Pixar. Na grandiosidade dos eventos do clímax, criação de personagens. E especialmente na construção do universo animal, na variação entre as versões dos bichos, vistos por olhos humanos e animais.

Cara de Um, Focinho de Outro pode tem criatividade e principalmente, coragem de sobra! Essa coragem de seguir caminhos inesperados, e buscar soluções criativas para os problemas que estes caminhos levam, resgatam o que há de melhor na Pixar, a criatividade. Ainda que o argumento não seja original.

Uma bela mudança, já que geralmente as salas de cinema estão povoadas de obras com boas idéias, mas execuções pífias que desperdiçam seu potencial.

Cara de Um, Focinho de Outro (Hoppers)
2026 - EUA - 105min
Animação, Aventura, Comédia

Projeto 1001 - Fevereiro 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 27 Feb 2026 13:53:00 +0000

O mês mais curto do ano chega ao fim, e com ele mais um balanço do meu desafio cinéfilo. A missão auto-imposta de assistir todos os filmes listados no livro 1001 Filmes para ver antes de Morrer de Steven Jay Schneider.

Irônicamente, o mês mais curto do ano, foi um dos quais risquei mais filmes da lista. Nada menos que cinco filmes!

Seguem agora os vídeos, que também sairam em versões mais curtas lá no TikTok.

Rua 42 (1933)

Feitiço da Lua (1987)

O Morro dos Ventos Uivantes (1939)

Ritmo Louco (1936)

Crônica de um Verão (1961)

Ainda tem alguns vídeos que já saíram no TikTok, a serem postados nas versão longa. E por isso a contagem nos próximos meses vai ficar mais lenta... mas "podexá", não vou perder a conta!

174 já foram, faltam 827!

Além dos vídeos sobre os filmes, você também vai encontrar, curiosidades, críticas e outros projetos em vídeo no YouTube e TikTok. Mas se você é um leitor nato, não se preocupe, este blog continua firme e forte!

Magnum

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 25 Feb 2026 13:28:00 +0000

Sabia que já teve série da Marvel esse ano? Pois é, muita gente não ficou sabendo. O próprio estúdio não fez alarde para a estreia de Magnum, que foi lançada completa no Disney+ no final de Janeiro. Uma pena, pois a minissérie é um desvio, não muito grande, mas muito bem da tradicional fórmula do MCU.

Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II) é um ator em busca de seu grande sucesso. Esforçado até demais, acaba exagerando e perdendo oportunidades. Está prestes a desistir quando esbarra em Trevor Slattery (Ben Kingsley), o falso Mandarim de Homem de Ferro 3, alívio cômico em Shang-Chi e que está de volta aos Estados Unidos para tentar retomar sua carreira de ator. Junto com ele, a oportunidade de estrelar o remake de Magnum, um super-herói antigo do cinema.

O problema? Simon poderia ser um super-herói de verdade. Ele tem poderes que esconde de todos, especialmente no ramo da profissão. Já que um incidente com o ator/herói Porta (Byron Bowers) e o Josh Gad (mostrado no excelente episódio 4), mostrou o quão perigoso pode ser usar os poderes nos sets. Já Tervor carrega o estigma de ter interpretado um terrorista de verdade. Passado que vem com consequencias, que colocam segundas intenções em sua amizade com o personagem título.

Brincando muito com a metalinguagem, Magnum faz piada não apenas com a indústria cinematográfica em geral, mas também com o universo de super-heróis. Em uma história extremamente intimista e sem grandes amarras com o multiverso da Marvel. Sim, esse é o mesmo mundo do Capitão América companhia. Eventos grandiosos, tecnologias mágicas, super-poderes, magos e alienígenas são comuns, mas não o foco aqui.

Ao invés de tentar salvar o mundo, Simon tenta apenas sobreviver. Lidar com rejeição no trabalho, expectativas da família, falta de dinheiro, problemas mundanos que pela primeira vez lembramos que ainda existem nesse mundo. Uma perspectiva completamente nova, e muito bem vinda!

Yahya Abdul-Mateen II e Ben Kingsley constroem uma química divertida, entre o veterano relaxado, e o novato ansioso. Enquanto as participações especiais e personagens secundários divertem e surpreendem. Não criem expectativas, essas aparições não trazem Vingadores. Essa série é sim sem amarras, e por isso fácil de acompanhar até por quem nada sabe desse universo.

Como o personagem título faz de tudo para esconder seus poderes, a produção não exige muitos efeitos especiais, a série se sai bem com os poucos momentos em que se aventura nessa área. Enquanto o texto é afiado, mas podia ser mais ácido em relação as críticas que faz em alguns momentos. Mas ainda é uma série da Marvel, então entendemos os limites.

Segunda série do selo Spotlight (a primeira foi Eco, tem crítica aqui) que visa histórias mais intimistas e independentes, Magnum é a primeira que parece ter sido pensada para tal desde o início. É uma visita bem humorada e descompromissada à outro aspecto desse multiverso. Uma pena que nem o próprio estúdio viu potencial dela, se fosse bem divulgada para o grande público.

Magnum tem oito episódios com cerca de trinta minutos cada, todos já disponíveis no Disney+!

O Cavaleiro dos Sete Reinos (1ª temporada)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 23 Feb 2026 19:28:00 +0000

Aqueles que apenas conhecem o universo de As Crônicas de Gelo e Fogo através das produções para a TV, Game of Thrones e A Casa do Dragão, talvez não tenham completa noção que mais encanta os fãs dos livros de G.R.R. Martin, o mundo. Um mundo vasto, complexo, cheio de mitologia e muitas, muitas histórias. Não apenas das grandes casas e sua luta pelo poder, mas das pessoas comum, sem nomes memoráveis, que povoam esse universo entre eles. O Cavaleiro dos Sete Reinos vem suprir a falta deste aspécto no ambito audiovisual.

Embora seja verdade que seus protagonistas vão desempenhar grandes papéis na história e política dos sete reinos, no momento das aventuras que acompanhamos neste "spin-off literário", eles são apenas Dunk e Egg (Peter Claffey e Dexter Sol Ansell). Um jovem ingênuo e honrado recém-nomeado cavaleiro e seu fiel escudeiro, um menino esperto e espevitado, que perambulando pelos Sete ~~nove~~ Reinos, sobrevivendo de pequenas missões.

E não se engane com o título de cavaleiro, Sor Duncan, o Alto, se é que realmente fora nomeado, detem apenas o título. Sem terras, dinheiro, um lar, e nem mesmo grandes conquistas (ainda), ele é apenas um cavaleiro andante. A mais baixa classe da "nobreza", mais proximo da plebe do que de qualquer lorde.

É o começo desta parceria de aventuras que vemos aqui. Dunk acabara de perder o cavaleiro a quem servia como escudeiro, Sor Arlan de Centarbor (Danny Webb, excelente). Herdando seus cavalos, espada e armadura, afirma ter sido sagrado cavaleiro e decide fazer a vida no torneiro de Vaufreixo. No caminho esbarra em um menino de cabeça raspada, que o segue até que o jovem o aceite como escudeiro. Juntos começam a descobrir o mundo de verdade.

A Casa Ashford, que ocupam Vaufreixo, não é das mais grandiosas de Westeros. Logo, é uma surpresa quando vários membros da família real comparecem ao troneio em homenagem ao Dia do Nome da filha adolescente de Lord Ashford. Cerca de oitenta anos antes dos eventos iniciais da série original, o reino ainda está sob o comando dos Targarien, que não tem mais dragões, e por isso vêem seu poder e popularidade enfraquecerem. E temos certeza disso pois desta vez, estamos observando de fora dos salões, no meio do povo, que não gosta muito deles.

E claro, há Egg! Tratado tanto no livro quanto na série como uma grande revelação. - logo SPOILERS à fente! - Mas uma informação bem conhecida pelos fãs do universo, o jovem escudeiro é na verdade Aegon Targarien. Um principe da casa real, mas o quarto filho, de um quarto filho, muito distante na linha de sucessão, e com isso desimportante o suficiente para se aventurar mundo a fora. Seu apelido Egg, é tanto um diminutivo de seu nome, quanto uma referência a sua cabeça raspada semelhante à um ovo (egg em inglês), que esconde os platinados cabelos valirianos, que denunciariam sua identidade.

Embora a longíssimo prazo os eventos das vidas da dupla tenham um peso no futuro do reino. A presença do menino não chega a ser uma ponte entre nobres e plebeus. A graça aqui é a discrepância de perspectiva entre um príncipe e um cavaleiro andante. Uma diferença que se complementa, e faz com que aprendam e cresçam um com o outro.

Peter Claffey e Dexter Sol Ansell transferem essa parceria das páginas para a tela com eficiencia. A quimíca de opostos entre os dois é perfeita. A esperteza inconsequente de Egg complementa ingenuidade honrada de Dunk e vice-versa. Claffey traz um gigante sofrido, cheio de inseguranças, mas cuja única opção é seguir em frente. Enquanto Ansell é tagarela, abusado e desesperado para fugir da família tóxica.

O elenco de apoio segue o bom trabalho, com destaques para Bertie Carvel, trazendo talvez o primeiro targarien sensato - e moreno - que vêmos em tela. Daniel Ings se diverte e nos diverte ao viver o boêmio Sir Lionel Baratheon, o Tempestade Risonha. Tem ainda Shaun Thomas como o amigável Raymund Fossoway, e Finn Bennett como o nojento Aerion Chama Viva, de quem eu certamente adoraria ver o resto da história.

Já a produção mantém o selo de qualidade da HBO, mas tem um escopo menor. À excessão de alguns flashbacks, toda a história se passa em um lugar. Vaufreixo, seu castelo, mas especiamente o lamacento e insalubre. acampamento do torneio, entre feiras e festas. Se o cenário não impressiona pela beleza, mas por sua brutal realidade, as armaduras entregam o que os fãs sempre pediram.

Nos livros as vestimentas dos cavaleiros são coloridas, cheia de emblemas, formas de animais, e invencioníces para chamar atenção. Em Game of Thrones isso foi deixado de lado. A Casa do Dragão, traz algumas peças mais elaboradas. Mas é em O Cavaleiro dos Sete Reinos que as vemos como Martin as descreveu pela primeira vez.

Mantos brancos da Guarda Real inevitavelmente encardidos por aquele mundo. Maçãs cafonas entalhadas em peitorais, elmos em formatos curiosos e até com chifres. Tudo incorporado à cena, sem medo de ser cafona, ou mesmo julgado por isso.

As cenas de ação não são muitas, mas estão bem colocadas e conduzida na narrativa. Culminando no excelente e enervante penúltimo episódio. In the Name of the Mother, consegue em apenas meia hora entregar uma das batalhas mais realistas e enervantes da franquia. Além de um comovente flashback de origem que explica de onde o protagonista tira forças e conhecimentos para a luta. Já que, na verdade, foi Dunk da Baixada das Pulgas, e não Sor Duncan quem de fato venceu o julgamento.

Para não dizer que tudo são flores, escolhas cômicas escatológicas podem incomodar alguns. Embora sua função seja clara, mostrar do quão baixo esta história será contada. Ao mesmo tempo, este ponto de vista pode dificultar a compreensão do quem-é-quem, nos momentos em que títulos são importantes.

No demais, caracterização, design de produção e fotografia seguem complementando a construção de mundo, e as sensações que a história pretende passar. Enquanto a direção mantém nosso interesse mesmo sem batalhas, dragões e lobos gigantes. Tal qual os primórdios da franquia, na primeira temporada de Game of Thrones.

Outra caractrística que esta série mantém da franquia é trazer o grande clímax no penúltimo episódio. Guardando para o episódio final, as consequencias e a tarefa de situar os personagens para o futuro. Terminamos então, felizes por voltar a este mundo, e completamente apegados à Dunk e Egg, que estão pegando a estrada para novas aventuras, que estamos ávidos por acompanhar.

O Cavaleiro dos Sete Reinos é baseado no livro de mesmo nome de G.R.R. Martin, que traz três contos com os personagens. O autor afirma querer contar ainda mais histórias com a dupla. Tem crítica do livro no blog, clica aqui!

A série tem seis episódios com cerca de meia hora de duração cada. Todos disponíveis na HBO Max e exibidos pelos canais HBO.

All Her Fault

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 18 Feb 2026 19:53:00 +0000

"Ei, o Manuel Carlos já fez isso!" - Admito, esse foi meu pensamento imediato quanto ao desfecho de All Her Fault, minissérie de suspense do Prime Vídeo que chamou atenção neste início de ano. Mas não se engane, minha comparação não é nem um pouco pejorativa. É um paralelo com bons momentos da dramaturgia brasileira.

Assim como as novelas do Maneco, a série fala sobre mulheres. Mais especificamente, seus papéis reais, escolhidos e impostos pela soceidade. Através de uma trama de mistério cheia de reviravoltas. E que na busca pelos culpados, a sociedade parece sempre tender a jogar a culpa nas mulheres. Por isso o título, que na tradução em português significa "Tudo Culpa Dela".

Marissa Irvine (Sarah Snook) vai buscar seu filho Milo (Duke McCloud) de cinco anos, em um encontro para brincar na casa de um coleguinha de classe. Ao chegar no endereço, percebe estar na casa errada. Que a mãe da outra criança, Jenny (Dakota Fanning) nunca soube deste encontro. E, o mais preocupante, que seu filho fora levado da escola, por um desconhecido horas antes.

A partir daí entram em cena o detetive Alcaras (Michael Peña, lembrando que não faz apenas papéis cômicos), além da família do menino desaparecido, além de babás, professores, e personagens menores que fornecem pequenas pistas. E, aparentemente, ninguém é inocente!

Não! Não é o caso de todos estarem envolvidos no sumiço do menino (que aliás não parece ser um sequestro, já que não é pedido um resgate). Mas sim, que todos tem segredos, mentiras e atitudes suspeitas que compõe o quadro maior que acarretaram no desaparecimento da criança. Entre os que estão no centro das intrigas, estão as duas mães Marissa e Jenny, seus maridos Peter e Richie (Jake Lacy e Thomas Cocquerel), os tios de Milo, Lia e Brian (Abby Elliott e Daniel Monks). Além do sócio de Marissa, Colin (Jay Ellis) e as babás das crianças Carrie Finch e Ana (Sophia Lillis e Kartiah Vergara).

É claro, não vou destrinchar os segredos e influencias de cada um na história. Esta é a melhor parte da experiência, mas vou enumerar os temas que a série aborda, enquanto traz reviravoltas, e sequencias surpreendentes, sem vergonha nem receio de exagerar.

O maior e mais evidênte é a carga imposta à mulher na sociedade. Casada com homens reprováveis, mas extremamente comuns na realidade, cabe à elas responder por tudo. Inclusive pelos erros deles. Enquanto a protagonista se vê presa a um homem controlador, disfarçado de provedor atencioso, não apenas para ela, mas para toda a família. Jenny é constantemente sabotada por um marido que claramente preferia que ela fosse mãe integral, e que acha que o cuidado com o filho é apenas responsabilidade dela.

Ambas esposas vividas brilhantemente por suas intérpretes. Sarah Snook carrega a série, dando veracidade ao desespero e desalento de Marisa conforme a trama se desenrola. Enquanto Dakota Fanning, faz quase uma ponta de luxo, que consegue prender nossa atenção, mesmo quando deixa o mistério e corre em paralelo com a trama principal. Outro acerto é o fato da narrativa não rivalizar as duas, solução mais óbvia e geralmente escolhida por esse tipo de trama.

Mas nem só de mulheres sobrecarregadas e péssimos pais que vive All Her Fault. Michael Peña vive um pai dedicado de um menino autista, que também se vê confrontado entre o que correto, e o que é necessário para seu filho. Trama que parece acessória, mas que ao final é essencial para o detetive desvendar o mistério e tomar suas decisões sobre como lidar com ele. Independente das normas sociais, vale dizer.

Ainda tem romances escondidos, segredos de família, e brigas épicas, dignas de um bom novelão. All Her Fault é sim merecedora de toda atenção que tem recebido desde seu lançamento. Caprichada, bem construida, com excelentes atuações, e muitas surpresas, é entretenimento puro. Trazer discussões pertinentes à sociedade, é apenas um bônus que torna tudo ainda mais delicioso. Recomendo a maratona urgente!

All Her Fault tem oito episódios com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis no Prime Video.

A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 16 Feb 2026 13:02:00 +0000

Quando se trata de ouvir histórias, as perspectiva, ou ponto de vista é um elemento crucial. Seja quem for o narrador, especialmente quando também é personagem, é preciso que ele conquiste nossa atenção, que nos leve junto com ele. O que muita gente não compreende, é que podemos sim estar engajados em acompanhar sua jornada, sem de fato gostar do narrador, ou mesmo do protagonista.

Isso eu aprendi lendo As Crônicas de Gelo e Fogo, que troca de "POV" (o viralizado "Point of View", ponto de vista em português) a cada capítulo. E onde os capítulos da Arya e do Sam, são infinitamente melhores do que os do idiota do Theon. Mas, pra munta gente, esse aprendizado vira deste livro.

A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes quarto livro do universo de Jogos Vorazes volta no tempo para nos contar a história do vilão. Muito antes de ser presidente, Coriolanus Snow é um jovem de dezoito anos, em seu último ano na escola, que vive de fachada. Dez anos após a grande guerra que estabeleceu Panem, o sistema de distritos e os Jogos Vorazes, toda fortuna de sua família oriunda do agora extinto Distrito 13 se fora. Assim como seus pais, agora ele vive apenas com a avó e a prima nas ruinas de seu apartamento, e à beira a fome.

É uma bolsa de estudos universitários, oferecida para o melhor aluno de sua escola, sua grande aposta para melhorar de vida. Mas neste ano, o prêmio vai além das notas. Os canditatos recebem a tarefa de mentorar os tributos da décima edição dos Jogos. E ajudar a torná-los mais atraentes para o público. Até então o castigo aos distritos revoltosos transmitido ao vivo, era apenas uma carnificina sem apelo.

64 anos antes da midiática e gramurosa edição de Katniss e Peeta, a "competição" era muito diferente, mais simples, precária até. Jovens desconhecidos, viajavam por dia amontoados e sem alimentos, antes de serem jogados em uma antiga arena de shows, com armas e a ordem: matar ou morrer. O único prêmio era sobreviver.

A implementação de novas regras, atrativos, participação do público e outras ideias para movimentar e dar audiência ao show, o ponto forte da contrução de universo aqui. Fazendo um paralelo com a vida real, lá em 2002 era apenas uma casa cheia de desconhecidos. 26 anos depois, é um jogo complexo cheio de regras, provas luxos e desafios que criam narrativas e incrementam o jogo. Aparentemente com os Jogos Vorazes a evolução é a mesma.

Eles descobrem que apresentar tributos carismáticos ajudam a engajar a audiência. Cria torcida, atrai patrocinadores, e ameniza a carnificina gratuita para um nível "aceitavel" de acompanhar. Ao longo de parte do livro, acompanhamos essas ideias surgirem e serem implementadas pela primeira vez. Na maior parte de foma precária e falha, mas é possivel vislumbrar sua evolução até a máquina implacável do futuro.

Já em relação aos personagens, a coisa é mais complexa e menos divertida. Apesar de ainda não ser o Presidente Snow, e aparentar ser um jovem comum, em seu íntimo Coriolanus já demonstra as características do ditador facista que virá a ser. Esnobe, apesar de viver na miséria, extremamente frio e calculista, consegue confundir o leitor, e até a si mesmo, ao tentar demonstrar humanidade. Seja com os colegas de classe, seja com sua mentorada.

E por falar nela, Lucy Grey Baird, tributo feminino do Distrito 12, é uma força do caos. Uma artista, é performatica e misteriosa, pois sabe que isso agrada a platéia. Não demora muito para entender as novas regras midiáticas do jogo, e embarcar nelas. Não apenas na arena, mas em sua relação com Snow.

Se ela é ciente ou não dessa relação de poder (estudante da capital - tributo, pacificador - moradora de distrito) não podemos ter certeza. Mas ela entra em uma relação com o protagonista performando, e continua pisando em ovos conforme o rapaz tem sua jornada de amadurecimento. Crescimento este que vem em duas fases.

Se na primeira metade do livro vemos o sucesso de Snow ao contribuir com os jogos. A segunda metade traz sua queda para o mundo real, e posterior ascenção. A confiança que ele ganhou com os jogos, somado ao desespero de ser rebaixado, quebra as últimas barreiras éticas. Tornando-o o manipulador sedento por poder que conhecemos. Talvez não com tanta experiência, mas no caminho para tal.

Enquanto o final ambíguo de Lucy Grey, adiciona fantasmas à sua bagagem que reverberam por toda sua vida. É por ela que ele menospreza o Distrito 12, e porquê acredita piamente que as coisas que mais amamos são aquelas que nos destroem.

A escrita de Suzane Collins continua dinâmica, sagaz e cheia de conteúdo. E agora que resolveu desenvolver este mundo para além de Katniss, planta sementes de outras histórias deste universo. Particularmente, adoraria ver mais sobre a personagem Tigris. Como a prima de Snow se tornou a mulher que vêmos em A Esperança?

Por hora a autora se aventurou nos jogos de Haymich, o segundo massacre quaternário. Mas, anos atrás ela afirmou que só retornaria à este universo, se o mundo precisasse ouvir suas mensagens. Observando o planeta em 2026, acho que ela precisa continuar escrevendo. O retorno a este universo é mais que bem vindo ou necessário, é urgente!

Meu único porém são as canções. Apesar de a maioria trazer metáforas e alegorias para a história, o universo, e até o futuro do protagonista. O excesso e a repetição por vezes torna a leitura cansativa. Mas nada que não se consiga superar.

A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes é quase dois livros em um. O que explica a discrepância de tom no filme (leia a crítica). Mas não chega a ser tão discrepante quanto a versão das telas. Com tempo de sobra para desenvolver a evolução do personagem, a transição entre realidades é bem feita.

Ao final das contas, sim! Torcemos para o vilão ser bem sucedido, mesmo já sabendo que ele será. Para logo depois relembrarmos do que é capaz e voltar a odiar e temer. Mas dessa vez sem o pedestal que ocupava na trilogia anterior. Agora sabemos, por pior que ele seja, é humano também.

A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (The Ballad of Songbirds & Snakes)
Suzanne Collins
Rocco

Leia críticas de todos os filmes, livros e diversas curiosidades da franquia Jogos Vorazes!

Dele & Dela

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 13 Feb 2026 13:42:00 +0000

Um dos gêneros mais facilmente conquista atenção do público é o de mistério. Mais especificamente as histórias de detetive. O problema é que o gênero já foi tão explorado, que para surpreender, novas obras precisam de reviravoltas cada vez mais malucas e absurdas. O que não significa, que o desenrolar até lá seja ruim. Esse é o caso de Dele & Dela, minissérie de suspense da Netflix, que empolga mais pela jornada, que pelo desfecho.

Anna (Tessa Thompson) uma âncora de jornal que se afastou do trabalho, resolve voltar à ativa. E para comquistar de volta seu lugar na bancada, investiga um assassinato em sua cidade natal, a pequena Dahlonega no norte da Geórgia. Quem também precisa desvendar o mistério é o detetive Jack (Jon Bernthal), que por acaso, ou não, também é ex-marido da repoter.

E a relação entre investigador e jornalista não é a única próxima demais nesse caso. Afinal, é uma cidade pequena, todos se conhecem, e muitos se relacionam intima ou abertamente. O que aumenta o número de suspeitos, e inclui até os protagonistas na lista.

Entre desvendar o caso e se proteger, Anna e Jack fazem, isoladamente, o tipo de investigação que atrapalha o trabalho dos demais. Escondendo fatos, evidências e relações. E nós públicos tentamos montar o quebra-cabeças, enquanto os jogadores omitem peças.

Tessa Thompson carrega a série nas costas, construindo uma mulher ferida, magoada, cheia de segredos e segundas intenções, para quem ora torcemos, ora desconfiamos. Jon Bernthal acompanha o bom trabalho, assim como o resto do elenco, embora sem grandes destaques. Ainda estão em cena Pablo Schreiber, Marin Ireland, Sunita Mani, Rebecca Rittenhouse, Poppy Liu e Crystal Fox.

Já a trama que se desenrola ao longo de seis episódios, intercala entre descobertas e embates pessoais. A cada avanço investigativo, uma pausa repensa relações, históricos e percepções. E inclusive compreender o que corrompeu a relação entre Anna e Jack, um segundo grande mistério. O que pode soar como enrolação em muitos momentos, mas ao menos constrói boas motivações para cada um dos suspeitos.

Uma pena apenas, que toda essa construção é jogada pelo ralo, na tentativa de surpreender e chocar. O verdadeiro assassino tem motivações, métodos e objetivos construido às pressas. Sem revelar muitos spoilers a pessoa resolve punir quem não ajudou uma pessoa que ama durante um ataque. Mas não pune os reais agressores. Além de deixar pistas que incriminariam quem pretende proteger.

Tudo isso, reescrevendo uma reviravolta anterior que se encaixava perfeitamente nas pistas, que seguimos e acreditamos ter desvendado junto com os protagonistas. Será possível que duas pessoas distintas tiveram motivos e meios que proporcionariam o mesmo resultado? Improvavel. Mas aparentemente aqui, este é o caso.

O absurdo das múltiplas reviravoltas no desfecho exige um pouco mais da suspensão de despensa, mas não chega a arruinar a jornada como um todo. De fato, a trama é tão envolvente que é provável que você só perceba esses "poréns", tempos depois de terminar a maratona.

Ao final as contas, Dele & Dela é um entretenimento eficiente. Não chega a ser memorável, mas certamente ocupa algumas horas de maratona descompromissada.

Dele & Dela tem cerca de seis episódios cada um com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis na Netflix.

A Grande Inundação

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 11 Feb 2026 14:35:00 +0000

Mais um fenômeno coreano da Netflix que, confesso, assisti apenas para a plataforma parar de indicar, durante os dias de recesso de fim/inicio de ano. A Grande Inundação tenta ser surpreendente, inteligente e ousado, mas é apenas confuso quanto à história que deseja contar.

E como não muitas formas de comentar o filme, sem contar suas reviravoltas. Excepcionalmente, esta crítica terá spoilers! Siga por sua conta e risco. Embora, devido à grande popularidade da obra, é muito provavel que a maioria dos leitores que chegem até aqui, já a tenham assistido.

A queda de um meteoro na Terra acelera o derretimento das calotas polares, e faz o nível dos mares subir assustadoramente rápido, inundando várias cidades quase que de surpresa. An Na (Kim Da-mi) é uma cientista que trabalha com inteligência artificial, que tenta sobreviver ao dilúvio com o filho pequeno Ja In (Kwon Eun-sung).

Vivendo em um complexo de apartamentos já parcialmente inundado, o único caminho, para mãe filho e outras centenas de moradores é para cima. A correria e o caos tomam conta, e são obstáculos tão grandes quanto à agua em si. Nem mesmo a chegada de Hee-jo (Park Hae-soo), enviado para resgatá-los, uma vez que a pesquisa da moça é essencial para a sobrevivência da humanidade, parece melhorar a situação.

Até que ao meio do filme, quando a moça falha em salvar o menino a história simplesmente recomeça. Por alguns instantes imaginamos ser uma narrativa de sobrevivência com loop temporal. Onde o dia se repetiria até a moça completar sua missão. Mas logo percebemos que não se trata de um "dia da marmota apocalíptico", mas de uma simulação.

Os números da roupa da protagonista deixam claro, que estas tentativas estão sendo contabilizadas e analisadas. Nada é de fato real, trata-se de um computador fazendo estatísticas, e descobrimos no desfecho, treinando uma inteligência artificial.

O problema é que esta percepção do simulacro criou um efeito negativo nesta blogueira que vos escreve: eu parei de me importar. O conhecimento da repetição programada tirou o senso de urgência da situação. Enquanto o fato de se tratar de um programa de computador, eliminou minha empatia com aqueles seres, que sabemos não serem mais humanos.

O curioso é que o filme está discutindo exatamente isso. Humanidade e a dificuldade de criar sentimentos artificialmente. An Na, a da primeira versão da história, em teoria a real, está literamente criando e educando um ser humano sintético, Ja In. Ao mesmo tempo, as simulações seguintes ignoram a suposta importancia do garoto, para treinar uma inteligência artificial.

E fica a dúvida: como de fato eles querem recriar a humanidade? Criando seres sintéticos desde a infância como se fossem pessoas reais, para que elas aprendam a sentir e pensar como tal. Ou treinando um programa através da repetição somada à tentativa e erro? E pegunto ainda mais. Como isso é o futuro da humanidade, se não envolvem humanos? No máximo seria um grande arquivo, ou simulação de como a humanidade costumava ser antes da extinção.

E olha que os filmes nem entram no mérito de reprodução, e virtualidade. Essa inteligência treinada será um ser físico, ou apenas o programa que assistimos? Aliás, não era mais fácil usar toda essa tecnologia para de fato salvar pessoas e garantir a continuidade da espécie?

São muitas questões a serem respondidas para que esta ficção-científica apocalíptica faça sentido. E então, a partir dela possamos fazer os reais questionamentos sobre tecnologia, humanidade, sobrevivência, maternidade, conexão humana, entre outros muitos temas que esta boa ideia poderia proporcionar.

A referência à Arca de Noé é clara, mas a alegoria não é completa adequadamente. Uma vez que ninguém de fato sobrevive. É só um programa de computador. Um museu virtual que simula a humanidade.

O diretor Byung-woo Kim, até sabe os conceitos e temas que pretende explorar, e como atiçar o interesse do grande público. Afinal o filme foi fenômeno na plataforma, provavelmente por apelar para nossos medos de catástrofes naturais. Mas não descobriu a forma mais inteligente, e humana de tornar a simulação real e e verdadeiramente relevante e envolvente, para quem assiste e pensa um pouquinho além das situações de sufoco e desespero a serem superadas. O resultado é um espetáculo apocalíptico vazio e esquecível.

A Grande Inundação (Daehongsu)
2025 - Coréia do Sul - 109min
Ação, Ficção-ciêntifica

"O Morro dos Ventos Uivantes"

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 09 Feb 2026 21:00:00 +0000

Desde que o cinema foi inventado, algumas obras literárias são adaptadas e readaptadas a cada geração, ou até menos. O Morro dos Ventos Uivantes de Emily Brontë é um desses clássicos que ganham novas visões de tempos em tempos. E acaba de ganhar mais uma pela imaginação de Emerald Fennell.

"O Morro dos Ventos Uivantes" - tem ênfase nas aspas do título para demonstrar que esta é a visão própria da diretora sobre a obra. Dessa vez mais preocupada em expressar em todos os sentidos, os sentimentos intensos de seus protagonistas. Mais até do que com a fidelidade ao livro. Se esta é uma boa escolha ou não, aí vai do gosto de cada expectador.

Cathy é uma menina tão mimada quanto encantadora, que logo cria uma relação de afeição turbulenta com Heathcliff, um menino bronco "adotado" por seu pai, que retribui os sentimentos intensos e atribulados da moça. Após uma infância inteira juntos, sob a tutela do nada bondoso pai da moça, a ruína da família começa a ficar insustentável. Cathy vê no novo vizinho Linton, uma forma de escapar da vida miserável em seu lar de nascimento. Apesar dos sentimentos por Heathcliff.

O mocinho vai embora, ela casa, tem uma vida confortável e apropriada. Até o retorno do rapaz, rico com banho de loja e ainda obcecado por ela. E o romance vira tragédia. O cerne do livro está presente na obra de Fennell. É a forma mais intensa e ousada com que ela aborda a história que dão personalidade à história.

Ela possibilita os personagens serem mais sensuais e se envolverem carnalmente. O que no livro, até pela época em que fora escrito, não poderia acontecer. Essa liberdade criativa também extrapola a precisão histórica. Cenários, figurinos e objetos atendem aos sentimentos, não à época.

Assim, a propriedade do Morro dos Ventos Uivantes é escura sufocante, quase medieval. Enquanto a casa dos Linton é luxuosa e intensa. Tem tons fortes e texturas estranhas, como piso vermelho reflexivo, e o quarto com a tonalidade da pele de Margott Robbie.

Os figurinos seguem a mesma lógica, especialmente para as mulheres. Cathy sempre chama atenção. Em sua fase pobre, com estampas chamativas e desencontradas, ainda que rústicas, mas extremamente livres. Quando rica, em um casamento de conveniência, se fecha em corpetes, tecidos finos, saias amplas e jóias gigantescas.

Outra construção a ser observada pelos figurinos é de Isabella. A jovem supostamente ingênua vestida em tons pastéis e vestidos infantis, mas com cabelo desgrenhado, reflete a personalidade estranha por baixo da máscara de doçura, que eventualmente vai cair.

A personagem aliás é uma das grandes mudanças trazida por esta versão. Ao invés de vítima inocente, presa nas intrigas dos protagonistas, ela tem seus próprios anseios e ambiguidades desde o início.

Assim como a criada Nelly, geralmente a fiel narradora nas demais versões. Aqui, ela interfere ativamente no romance. Tem background próprio, e manipula situações à seu favor. Ouso dizer que a história é tanto dela, quanto de Cathy e Heathcliff.

E por falar nos protagonistas, sua construção é eficiente desde o princípio. Charlotte Mellington em seu primeiro trabalho, e Owen Cooper, da excelente minissérie Adolescência, apresentam as versões mais verdadeiras dos personagens. Quando ainda estão na infância, sem filtros e amarras, e consequentemente quando seus sentimentos são expressados mais livremente.

Quando Margott Robbie e Jacob Elordi entram, é para acrescentar os dilemas das regras sociais e desenvolver o romance propriamente. E a dupla performa bem a conturbada relação de amor tóxico, cuja turbulência vem tanto das falhas de comunicação, quanto das personalidades fortes e impulsivas de ambos. Provando-se serem boas escolhas apesar das polêmicas.

Sim Margot Robbie não tem 19 anos como a personagem, mas nunca deixamos de acreditar da impulsividade e até da ingenuidade dela em alguns momentos. Características típicas da pouca idade.

Quanto à etnia de Jacob Elordi realmente, ele não parece ter a mesma procedência que a versão dos livros, mas a caracterização consegue torná-lo alvo de repulsa da sociedade. É verdade que a escolha de um ator racializado seria mais acertada. Mas pela primeira vez, entre as dezenas de adaptações que trouxe um Heathcliff branco, não acredito que a escolha do ator seja meramente por apagamento racial. Uma vez, que a diretora trouxe pessoas racializadas para os papéis de Nelly e Linton. Este último inclusive deveria ser a síntese do branco privilegiado.

Acho que de fato ela buscava pelo melhor elenco, independente de etnias, o que passa não apenas pelo talento, mas pelo “marketing”, já que sua versão teria liberdade criativa quanto à isso. O problema é que em meio às décadas de escolhas calcadas no racismo, a escolha continua sendo problemática.

Outro alvo de polêmicas, a trilha sonora criada por Charlie XCX é intrusiva especialmente quando os vocais entram em cena. Ao invés de complementar as cenas, tenta induzir a grandiosidade. Funcionando apenas nos momentos instrumentais criados por Anthony Willis. E em se tratando de “Ventos Uivantes”, admito, senti falta do vento como trilha sonora, especialmente das sequências em amplas paisagens abertas, onde sua presença é um personagem à parte.

Ao final das contas, "O Morro dos Ventos Uivantes" de Emerald Fennell é mais uma versão de uma história conhecida. E convenhamos, são as diferentes visões que permitem que essas histórias sejam contadas e recontadas eternamente.

Apesar do desapego à fidelidade, e das licenças poéticas, mantém o cerne do romance obsessivo e trágico. E por isso, traz aspas no título. É intenso, vibrante, visualmente deslumbrante. Se vai agradar ou não, depende do apego de cada um à obra original. Eu não odiei, mas também não amei a obra. Me entreteve, e isso é o suficiente.

"O Morro dos Ventos Uivantes" ("Wuthering Heights")

2026 - EUA - 136min

Drama, Romance

Curiosidades e Bastidores de Uma Linda Mulher!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 04 Feb 2026 13:37:00 +0000

Clássico inabalável das comédias românticas, Uma Linda Mulher de Gary Marshal com Julia Roberts e Richard Gere tinha um roteiro inicial completamente diferente. Entretanto seus curiosos e divertidos bastidores mudaram tudo!

Vem descobrir curiosidades e bastidores desse ícone da Sessão da Tarde!

Sim, eu produzo conteúdo em vídeo também. Segue meu canal no YouTube para não perder nada!

Bridgerton - 4ª temporada (Vol.1)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 02 Feb 2026 14:27:00 +0000

Querido e gentil leitor, esta blogueira que vos escreve não tem o hábito de resenhar volumes separados das temporadas de Bridgerton. Geralmente, isto é da única outra vez que a série fora divida, optei por esperar todos os episódios para dar meu veredito sobre o romance da vez. Principalmente porque acredito de que, entre todas as séries que a Netflix poderia e deveria dividir, Bridgerton é a menos apropriada. Uma vez que a leveza da narrativa faz a maratona fluir facilmente, e porque o intervalo entre as partes nos permite especular e imaginar caminhos, que a série não pretende seguir. Criando um excesso de expectativa, e consequentemente a decepção quando esta não é atendida.

Dito isso, dessa vez eu resolvi comentar sim!

Os quatro primeiros episódios que adaptam Um Perfeito Cavalheiro, o terceiro livro da série de Julia Quinn. Segue a história da temporada em que o segundo filho Benedict (Luke Thompson), o libertino finalmente se casa. Trata-se de uma releitura de Cinderela, com direito à madrasta má, ~~sapatinho~~ luva perdida, e tudo mais. Mas é claro em se tratando de Bridgerton tudo um pouco mais picante... ou será que não?

Sim, tive a impressão que a série está mais contida das cenas romanticas. Não em frequencia, mas em escolhas de direção. Mostrando um pouco menos, insinuando mais. No geral não me incomoda, mas pode deixar o grande público insatisfeito, uma vez que parte do sucesso da série vem dessas cenas mais "quentes". Mas vamos esperar a segunda parte.

Quanto ao romance em si, a química entre Luke Thompson e Yerin Ha, que vive a cinderela Sophie Baek é boa. Entretanto, a personalidade despojada, e a lentidão de Benedict é cansativa em muitos momentos. Outra boa química, são os embates entre a madrasta má Lady Araminta Gun (Katie Leung, a Cho Chang de Harry Potter) e a mocinha. A vilã consegue ser tão detestavel quanto a mãe de Cressida Cowper.

E por falar na loira antipática vivida por Jessica Madsen, a personagem desapareceu. Considerada encalhada pela família, foi levada para o interior. Um desfecho triste para uma personagem que ganhou bom desenvolvimento da temporada passada, que sequer foi mencionado aqui. Eu tive que pesquisar para ter certeza.

E por falar em personagens secundários e seus desenvolvimentos. A série insiste em investir no casal Mondrich (Martins Imhangbe e Emma Naomi). Herança da primeira temporada, Will e Alice trilharam seu caminho até a alta sociedade, e agora estão prestes a ganhar relevancia junto a rainha. Uma história à parte, que perto das tramas principais sempre se mostra desinteressante.

Ainda nas tramas secundárias, o vai-e-vem de personagens, e as limitações do elenco criam uma confusão narrativa bastante cansativa. Dafne e Antony praticamente desapareceram, a moça sequer é mencionada. Colin (Luke Newton) parece presente apenas porquê a série não pode se desfazer de Penélope (Nicola Coughlan), uma vez que ela é a narradora, que tendo sua história adiantada, também precisa de uma narrativa forçada para aparecer.

A narrativa ainda precisa lidar com as preparações para o futuro de Eloise, Hyacinth e Gregory (Claudia Jessie, Florence Hunt e Will Tilston), que pipocam aqui e ali, parecendo soltos na história. Além de seguir desenvolvendo as tramas de Franchesca, Violet e Agatha (Ruth Gemmell, Hannah Dodd e Adjoa Andoh), essas com arcos mais lineares e coerentes.

Tem ainda um foco maior na criadagem da alta sociedade, afinal é de onde a mocinha vem (mais ou menos). Com direito a disputa por funcionários bem treinados, e um olhar mais detalhado em seu cotidiano. Não chega a ser um Downton Abbey, mas é um novo ponto de vista interessante.

São muitas tramas para lidar, muito pouco tempo, e principalmente pouco equilíbrio. Assim como na temporada anterior a série luta para lidar com o foco divido, e perde fluidez em muitos momentos. Por sorte, já nos apegamos ao universo e aos personagens. Em outras palavras, é bagunçado sim, mas a gente ainda se diverte.

Mas, assistimos apenas meia temporada e tudo isso pode melhorar nos episódios finais. Logo, nada de bater o martelo quanto a temporada Benophie. Por hora me limito a dizer, tem falhas, mas ainda funciona muito bem! Que venham os próximos bailes e fofocas da alta sociedade.

Leia a crítica da primeira, segunda e terceira temporadas de Bridgerton, e da minissérie derivada Rainha Charlote!

O Volume 2 da quarta temporada de Bridgerton chega 26 de Fevereiro na Netflix. Todas as temporadas tem oito episódios com cerca de uma hora cada, e as três primeiras estão completas na plataforma.

Projeto 1001 - Janeiro 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 30 Jan 2026 12:59:00 +0000

Ano novo, fase nova! Agora é o YouTube que tem o mando de campo do Projeto 1001.

Se você chegou agora por aqui, eu vou esclarecer. Desde 2022, eu estou encarando o desafio de assistir todos os filmes listados no livro 1001 Filmes para ver antes de Morrer de Steven Jay Schneider. O Projeto 1001 era pra ser informal, e eu duvidava que duraria tanto tempo, por isso eu o criei para o TikTok.

Noventa vídeos mais tarde, eu decidi que era muito trabalho e muitos filmes interessantes para ficar restrito a rede de vídeos verticais. Comecei a produzir em um formato que atenderia TikTok e YouTube, mas a rede de vídos horizontais ficava sempre atrás no cronograma. Salvo algumas excessões os vídeos estreavam primeiro em seu formato vertical, e semanas depois em formato horizontal e com alguns minutos a mais de duração. E por cerca de um ano e meio foi assim.

Só agora em 2026 eu decidir transformar o YouTube na plataforma principal, e os vídeos sairão primeiro lá. Mas não se desespere as versões verticais vao continuar existindo. Embora eu recomende fortemente a versão horizontal para quem quer um pouco mais de conteúdo.

Então, a partir de agora, este balanço contará com os vídeos do YouTube. E "bora vê" o que saiu em Janeiro de 2026?

A Grande Testemunha - 1966

Ran - 1985

O Beijo da Mulher Aranha - 1985

O Dorminhoco - 1973

Ainda tem alguns vídeos que já saíram no TikTok, a serem postados nas versão longa. E por isso a contagem nos próximos meses vai ficar mais lenta... mas "podexá", não vou perder a conta!

171 já foram, faltam 830!

Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 28 Jan 2026 19:57:00 +0000

Entre Facas e Segredos já pode pedir música no Fantástico! Ou melhor, é oficialmente uma franquia. O terceiro filme Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out chega para consolidar o universo criado por Rian Jonhson brincando com sua fórmula e mostrando que há muito o que explorar no mundo deste detetive. E que a Netflix fez bem em investir nas continuações.

Benoit Blanc (Daniel Craig) chega para desvendar um novo caso. O assassinato impossível do Monsenhor Jefferson Wicks (Josh Brolin) aconteceu em uma sala fechada, enquanto ele estava sozinho, mas com muitas testemunhas do lado de fora. Os suspeitos são sua congregação, um grupo restrito e bastante hostil, que vêem o recém chegado Padre Jud (Josh O'Connor) como o maior suspeito.

No primeiro filme, o personagem de Ana de Armas servia guia da investigação. Em Glass Onion, Benoit performa sozinho. E neste ele divide as atenções com o personagem de Josh O'Connor, um padre de passado duvidoso ao ponto, que o roteirista o chamou de Jud Duplenticy. A similaridade com a palavra duplicidade não é por acaso, uma vez que todas as pistas parecem apontar para o personagem, mas conforme vêmos os eventos pelos olhos dele, sabemos que este não pode ser culpado. Ou pelo menos, ele acredita que não seja.

Outra novidade é o ambiente. Se nos filmes anteriores a investigação era confinada, uma família em uma mansão, amigos numa ilha. Aqui os suspeitos estão espalhados pela cidade, fugindo assumidamente do detetive, e as relações entre eles, quando existem, podem ser camufladas por esta distância.

Ainda que seja um novo desafio bem vindo, a mudança não funciona taõ bem na prática. O roteiro precisa dividir as atenções entre Benoit, Jud e os vários suspeitos, além de resolver incluir ainda mais reviravoltas que de costume. O resultado é um quebra cabeças maior, mais complexo, e que não entrega boas peças nos momentos certos. Impedindo que o público investigue junto com o detetive. Interação crucial em tramas de "quem matou?".

Não chega a estragar completamente a experiência, mas diminui o envolvimento. E exige um último ato extremamente didático para situar todas as peças no tabuleiro. Costruir a compreensão ao longo do filme é sempre mais interessante que despejar a resposta às pressas no clímax.

Felizmente, Daniel Craig já conquistou nossa torcida com sua construção afetada de Benoit Blanc. É difícil não torcer para o detetive que já figura ao lado de outros grande do gênero como Sherlock Holmes e Poirot. Mesmo que aqui ele esteja mais contido para acompanhar a atmosfera mais sombria desta história.

E essa sobriedade vem do envolvimento da religião com a história, seu lado bom e ruim. Da hipocrisia do Monsenhor e seus seguidores que transformaram a igreja em seu clubinho particular, hostilizado quem é de fora. À batalha interna do jovem padre Jud com sua fé. Luta construída muito bem pela boa interpretção de Josh O'Connor.

E claro, tem o enorme elenco estelar que, embora traga personagens previsíveis e até caricatos, e tenha pouco tempo de tela, traz nomes que entregam no mínimo grande eficiência. Estão em cena Glenn Close, Mila Kunis, Jeremy Renner, Kerry Washington, Andrew Scott, Cailee Spaeny, Daryl McCormack, Thomas Haden Church e Jeffrey Wright.

Rian Johnson mantém a qualidade na direção visto nos filmes anteriores. Dessa vez brincando com luz, sombras, formas e seus significados quando atrelados à religião, fé e o sobrenatural. O completo oposto do solar longa anterior do detetive.

Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out não é meu favorito da trilogia (continua sendo o primeiro filme), mas é um bom filme. Suficiente para reafirmar Benoit na cultura pop, e mostrando que muito pode ser contado através de suas investigações. Que venham novos mistérios.

Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out (Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery)
2025 - EUA - 144min
Suspense, Drama, Comédia

Leia as críticas de Entre Facas e Segredos e Glass Onion.

Emily em Paris - 5ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 26 Jan 2026 19:08:00 +0000

O quarto ano de Emily em Paris já demonstrava o desgaste da fórmula da série queridinha da Netflix. A protagonista já estava estabelecida na capital francesa, o vai-e-vem com seus pares romanticos já beirava a infantilidade, e até mesmo os belos figurinos e paisagens já se mostravam redundante. Mas os episódios finais ensaiavam uma mudança drástica e necessária de ares. Bem, a produção até que tentou, mas o quinto ano não conseguiu sair da mesmice.

Reencontramos Emily (Lily Collins), seus colegas de trabalho e sua melhor amiga se estabelecendo e Roma. A agencia Grateau abriu uma filial na capital romana, e a protagonista está em um relacionamento com Marcello Muratori (Eugenio Franceschini) cuja família, dona de uma grife de luxo também é uma cliente.

Assim, o esperado era reiniciar a brincadeira. Ver a mocinha descobrindo uma nova cidade, seus hábitos, cultura e se atrapalhando no processo. É uma repetição simples da primeira temporada? Com certeza. Mas funcionaria, especialmente para reativar o encantamento que o aspecto "cartão postal" ou "guia turístico" que a série costumava ter. Novas pessoas também criariam novas dinâmicas e novas intrigas. O problema é que nada disso aconteceu.

À começar pelo elenco do qual a série não consegue desapegar. Não é apenas Emily que vai á Roma, é também Mindy, Sylvie, Julien, Luc e até o Alfie (Ashley Park, Philippine Leroy-Beaulieu, Samuel Arnold, Bruno Gouery e Lucien Laviscount. O círculo social da moça se mantém. Assim como, o conforto que vem com ele. Logo, o cenário é outro, mas os desafios e dinâmicas são os mesmos. E com agravante, a pressa!

O título não mudou oficinalmente para Emily em Roma - bem que podia, imagina, cada temporada em uma cidade nova! - continua Emily em Paris, e a série corre para "voltar para casa". Cinco episódios são passados na capital italiana, quatro na francesa, e o último na cidade de Veneza - outra boa candidata para ser o novo lar da mocinha. Se retornar sempre fora o plano, ou se a divisão foi resultado da disputa pública entre o presidente da França e o prefeito de Roma, não sabemos. Só temos certeza que no final a diferença foi mínima.

Então acompanhamos Emily novamente atarefada com trabalho e relacionamento. Ao menos o par romântico da vez é outro, já que as atitudes de Gabriel (Lucas Bravo) chegaram a um nível irritante. Mesmo assim, nem dele a série consegue desapegar, trazendo o chef gato para algumas cenas, e deixando portas abertas para seu retorno. Ainda que sua despedida seja satisfatória.

Um relacionamento "de férias" entre Mindy e Alfie ocupa tempo apenas para manter os personagens ocupados até que a história chegue onde os roteiristas desejam focar. Sylvie surpreendentemente tem uma evolução de ultima hora em seu casamento, após várias aventuras divertidas. Enquanto Luc e Alfie continuam sendo, Luc e Alfie. Esquisitos, caricatos, e exagerados.

A surpresa fica por conta dos três episódios finais, o roteiro parece caminhar para um desfecho definitivo do programa. Um desfecho bastante satisfatório inclusive, com encerramentos de ciclos, e caminhos abertos para novas fases. Mas Emily em Paris ainda tem grande audiência na plataforma, e a Netflix precisa cada vez mais de suas franquias estabelecidas, especialmente com o final de Stranger Things.

Logo, as finalizações de arcos são desfeitas nos minutos finais do último episódios. Novos problemas, incomodamente parecidos com os antigos, são iniciados para uma nova temporada. A agência e ameaça, a solterice da protagonista... enfim, nada de novo na Paris de Emily.

Sim, eu estava torcendo para Emily em Paris, virar Emily em Roma oficialmente neste quinto ano. Trazendo novos cenarios, personagens, dificuldades e dilemas. Mas a série escolheu ficar no mais do mesmo, usando apenas novos cenários para contar as mesmas histórias por um breve período antes de voltar definitivamente para a velha dinâmica.

Só que Emily não é mais novata em Paris. Em uma cena é até confundida com uma rude parisiênse. Começamos a notar que suas idéias geniais de publicidade sempre foram meio genéricas. E até sua vida de influencer ficou de lado. Sua vida nesta cidade ficou repetitiva, cansativa, e nada empolgante. Honestamente, não sei se retorno para a já anunciada sexta temporada.

Cada temporada de Emily em Paris tem dez episódios com cerca de meia hora cada, todos já disponíveis na Netflix.

Leia as críticas da primeira, segunda, terceira e quarta temporadas da série.

Percy Jackson e os Olimpianos - 2ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 23 Jan 2026 18:25:00 +0000

A primeira temporada de Percy Jackson e os Olimpianos não foi das mais sofisticadas ou marcantes. Tanto que esta blogueira que vos escreve, lembra mais da trama de O Ladrão de Raios pelo fraco, mas exibido à exaustão na TV, filme de 2010, do que pela série de fato. As memórias que ficaram da obra do Disney+ foram, o elenco carismático, uma maior fidelidade e capricho, e pontos fracos a serem melhorados. Quase dois anos depois, a segunda temporada da série chega com bem vindas melhoras, e a promessa de uma evolução gradual de sua qualidade.

Cobrindo a trama do segundo livro da saga de Rick Riordan, O Mar de Monstros, acompanhamos o segundo ano de Percy (Walker Scobell) no Acampamento Meio-Sangue. Estadia antecipada pela chegada de Annabeth (Leah Jeffries) com a notícia de que o amigo sátiro Grover (Aryan Simhadri) teria desaparecido em sua busca por Pã. Ao lado da garota e do ciclope Tyson (Daniel Diemer) encara uma missão dupla, encontrar o sátiro e o velocino de ouro.

O artefao mitológico é a única coisa que pode salvar Thalia (Tamara Smart) a árvore que mantém a barreira que proteje o acampamento, e que outrora fora uma semideusa, filha de ninguém menos que Zeus (Courtney B. Vance, substituindo Lance Reddick que faleceu em 2023). E claro, convenientemente tanto o amigo, quanto a lã de ovelha dourada estão perdidos no mesmo lugar, para além do mar de monstros do título.

Enquanto saem uma busca por um mar revolto e cheio de perigos, o grupo ainda precisa lidar com a inimizade de Clarisse (Dior Goodjohn), uma profecia apocalíptica, e o grupo de semideuses comandados pelo vira-casaca Luke (Charlie Bushnell). Antagonista assumido desde o fim da temporada anterior, o filho de Hermes (Lin-Manuel Miranda), continua a missão de trazer o Titã Cronos de volta para subjulgar o Olimpo.

Embora os motivos para deuses seculares e ultrapoderosos deixarem seu futuro à cargo de adolescentes ainda seja um mistério para mim - talvez os livros tenham explicação mais assertiva, embora eu duvide - os vários enredos e empecílios criados para desafiar o protagonista deixam claro a jornada de amadurecimento gradual ao longo dos livros. Conforme os personagens envelhecem o mundo fica mais complexo. O que é esperado e interessante, mas pode ser uma faca de dois gumes, se a narrativa não der conta do aumento dessa complexidade.

Felizmente, Percy Jackson e os Olimpianos ouviu as críticas à temporada anterior, contornou as falhas e fez escolhas melhores neste segundo ano. Os desafios de cada episódio são melhor construídos, e as consequencias das ações ganham mais tempo para serem sentidas. Ok, a maioria não é mortal ou permanente, afinal ainda é uma saga infanto-juvenil em seus "anos mais leves", e a recuperação é rápida. Ainda sim, dessa vez é possível sentir a ameaça, e temer pelo bem estar dos personagens. Coisa praticamente inexistente na primeira temporada.

Por outro lado, ainda falta construção de universo em relação ao acampamento Meio Sangue. Uma vez que o protagonista logo sai em jornadas, falta apresentar melhor o cenário e as pessoas que vivem nele. Falha que não afetou tanto a trama do primeiro ano, mas aqui se faz evidente já que o lugar está sob ameaça. Sem conhecer bem seus moradores, e a importancia do local para eles, é mais dificil temer por seu bem estar.

Isso sem mencionar os poucos momentos em que a ação desse elenco de apoio é necessária. A série acerta ao levar o clímax para uma batalha campal entre as crianças, talvez ensaiando para batalhas maiores no futuro. Mas perde o impacto que poderia ter por não conhecermos ninguém na massa de adolescentes trajando laranja. - Fulano morreu? Não importa, não conheço. Beltrano é um traidor? Nunca ouvi falar dele, não ficarei surpresa ou revoltada. - E assim segue, desperdiçando boas ideias.

E por falar em batalhas, embates e aventuras, os desafios são bem distribuidos ao longo das temporadas, e alguns extremamente criativos e empolgantes. Como a abordagem escolhida para a ilha de Circe (Rosemarie DeWitt), o embate com Polifemo (Aleks Paunovic) e o resgate do velo de ouro no sétimo episódio. - Pausa para mencionar a piada com o funcionário do Starbucks. Maravilhosa! Outros momentos não são tão interessantes, como a conveniente escapada com cavalos marinhos, e o bobo disfarce entre as ovelhas, mas não chegam a comprometer.

Há também pontas soltas que podem ser falhas, ou construção para o futuro. Como o vai-e-vem da pulseira de Annabeth e a perda de seu boné da invisibilidade. Além de easter eggs colocados para agradar os fãs dos livros, mas não explicados o suficiente para quem acompanha a série. O cavalo alado de Luke, o relacionamento da mãe de Percy, a presença de Tântalo. Eu sei, muitas das respostas ausentes na série devem existir nos livros. Mas para se uma boa adaptação, a série precisa funcionar sozinha.

Quanto às interpretações, o destaque fica mesmo com o elenco juvenil, já que os adultos aqui são coadjuvantes de luxo. E a maioria deles já está confortável em seus papéis, e entrosados ao ponto de construir fácil uma quimica convincente. Dior Goodjohn chama atenção pelo crescimento e determinação de sua personagem, conseguindo muitas vezes bradar falas piegas de luta de forma contundente. Já Charlie Bushnell não consegue trabalhar bem a ambiguidade de Luke, falta um pouco de energia, impeto e "malemolência", ao anti-herói.

Daniel Diemer é uma boa nova aquisição e Aryan Simhadri continua divertido. Mas é a química entre Walker Scobell e Leah Sava' Jeffries que deleita os fãs. A dupla compreendeu a dinâmica da relação entre Percy e Annabeth, que passam muito tempo juntos nessa temporada. Enquanto o roteiro começa a reforçar os laços entre os dois. Preparando o terreno tanto para o romance, quanto para o embate entre o garoto e Thalia pela confiança da filha de Atena.

E por último, mas não menos importante, efeitos especiais não são refinados, mas são eficientes para o orçamento de uma série de TV. A presença constante de um ciclope com olho de CGI em cena surprende. Lembra que com mais orçamento por tempo de tela, o filme de 2013, mantinha o personagem de óculos escuros? Além dele aqui ainda há cavalos alados, monstros, centauros (esse ficou péssimo) e outras criaturas, que no geral misturam bem, maquiagem, efeitos práticos e computação gráfica.

A segunda temporada de Percy Jackson e os Olimpianos ainda não é excepcional, mas é definitivamente boa. É evidente que a produção ouviu as críticas, e se esforçou para corrigir erros e entregar um trabalho cada vez melhor. Se essa evolução se mantiver gradual ao longo das temporadas, podemos prever um final épico daqui há alguns anos.

Eu só posso afirmar que, passei de lembrar melhor dos filmes do que da primeira temporada, para ter vontade de encarar os livros. Interesse que as versões para o cinema nunca despertou, mesmo eu tendo sido viciada em mitologia grega na adolescência. Mal posso esperar pela terceira temporada (que está confirmada e deve chegar ainda em 2026) e por uma boa promoção dos livros na Amazon.

As duas temporadas de Percy Jackson e os Olimpianos tem oito episódios cada, todos eles já estão disponíveis no Disney+!

A Única Saída

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 21 Jan 2026 13:48:00 +0000

Muito se fala sobre o descompromisso da geração Z com o mercado de trabalho. Sua recusa em "vestir a camisa" da empresa, e a falta de desejo de seguir um plano de carreira. Pois A Única Saída, novo filme de Park Chan-Wook, nos dá um vislumbre do que os mais jovem tem enxergado para ter tal atitude. Enquanto traz questões ainda mais complexas sob a forma como as gerações mais velhas encaram o trabalho.

Man-su (Lee Byung-hun, o Front Man de Round 6) tem a vida perfeita. Trabalho estável, com cargo condecorado, um casarão de família, mulher e filhos adoráveis, animais de estimação. E tem completa ciência e orgulho das condições que conquistou com seu trabalho em uma empresa de papel.

Quando a companhia é comprada, e grande parte dos funcionários demitidos, inclusive o Man-su, o protagonista vê seu mundo desabar. Diante da queda da qualidade de vida diante do desemprego, e da enorme concorrência para cada "vaga digna", o patriarca só enxerga uma saída: eliminar os demais competidores.

Então passamos a acompanhar um pai de família desesperado, tentando se tornar um assassino em série. Tarefa que nunca havia cogitado, e para qual, inicialmente, não tem nenhuma vocação. A violência conhecida dos filmes do diretor se faz presente de forma diferente. Menos sofisticada e precisa diante do amadorismo de seu executor. Man-su até se planeja, mas é atrapalhado e nervoso, o que proporciona situações tão engraçadas quanto perigosas.

Eventualmente, conforme evolui em sua missão, o amadorismo vai ficando para trás. Dando espaço para a crueldade fria, e uma violência mais certeira. É a perda da humanidade mediante ao desepero que o fime aborda. O hesitante protagonista do início aos poucos se torna o assassino eficiente do final. Sua determinação o transforma. E o motivo dessa determinação, é o que gera a discussão que mencionei no primeiro parágrafo deste texto.

Man-su, como muitos representantes de gerações mais antigas, foram criados com o conceito de recompensa pelo esforço. Se qualificar ao máximo, e oferecer dedicação à uma empresa, para ser recompensado com estabilidade e qualidade de vida. Mas o mundo mudou, e esse plano de carreira deixa de ser uma certeza. E para quem foi criado e moldado nesses termos, recomeçar do zero é tarefa impensável. Logo, a única saída que o protagonista enxerga é extrema.

É claro, na Coréia do Sul, e em outras culturas asiáticas, o papel de patriarca provedor é uma imposição social ainda mais contundente. A perda desse status mexe com a honra, a percepção de si mesmo, indo além da nessessidade de pagar as contas. O homem desempregado, é "menos" nessa sociedade, e o que leva muitos, inclusive, a tirar a própria vida.

Do lado de cá do globo, o impacto dessa mudança de vida é menor, mas ainda relevante. A reação do personagem para nós pode soar como uma hipérbole, mas também é uma excelente crítica ao mercado de trabalho. Assim como lá, aqui, muitas vezes, é exigido comprometimento máximo, para recompensas mínimas. O que nos leva ao comportamento da geração Z, que cresceu assistindo os milênials sofrendo pelo fim, a estabilidade e do plano de carreira, e respondeu a altura: salário mínimo, esforço mínimo!

Uma pena apenas, que essa crítica e a trama principal da eliminação dos concorrentes percam um pouco de fôlego, especialente na segunda metade do filme, ao dividir espaço com outras pequenas tramas. A condição especial da filha, a suposta infidelidade da esposa, as atitudes do filho, e até o fato de o menino não ser filho biológico do protagonista, desviam o foco e pouco contribuem para a trama principal. Extendendo o filme mais que o necessário, e causando certo cansaço no espectador. Não chega a estragar a obra, mas é uma queda notável ritmo.

É curioso como um retrato de algo tão específico, o mercado de trabalho sul-coreano, pode conversar tão bem com temas que discutimos aqui, do outro lado do globo. Com interpretações e contornos que talvez não estivessem na mente do criador, A Única Saída entrega críticas contundentes à sociedade. Além de uma comédia de erros violênta, caprichada e cheia de boas atuações. Pode não ser o melhor do diretor, mas é sim uma obra merecedora de todo o burburinho em seu entorno.

A Única Saída (Eojjeolsuga eobsda)
2025 - Coréia do Sul - 139min
Suspense, comédia, drama

A Empregada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 19 Jan 2026 13:18:00 +0000

Não sei como, mas consegui seguir imune ao sucesso literário Freida McFadden. E fui assistir A Empregada sabendo apenas o que o material promocional do filme oferecia. O que foi o melhor cenário possível para esse típo de filme. Em outras palavras, quanto menos souber, melhor. Logo, não ficarei chateada se você pausar esta leitura por aqui, e voltar mais tarde, após assistir a obra.

Você ficou? Já voltou? Então seguimos, tentando evitar ao máximo os spoilers.

Millie (Sydney Sweeney) está em um momento difícil da vida. Em condicional, vivendo no carro, e precisando urgentemente de um novo emprego e endereço. Mente bastante em uma entrevista de emprego dos sonhos, e para sua surpresa consegue a vaga. Entretanto, cuidar da família de Nina (Amanda Seyfried) não é uma tarefa tão fácil quanto parece.

Não demora muito para a casa e a família perfeita começar a demonstrar sua verdadeira natureza. Cece (Indiana Elle), a filha de sete do casal é antipática e apática. Nina é extremamente instável, ora um amor de pessoa, ora assustadora. Enquanto Andrew (Brandon Sklenar) parece perfeito demais para ser verdade. Bonito, bem sucedido, atencioso, prestativo, um excelente partido que logo encanta a protagonista.

Como isso vai dar errado em todos os sentidos é a graça do filme. Logo não convém contar. Assim como sua reviravolta, que pode ate ser clichê, mas funciona. Especialmente graças a atuação de Amanda Seyfried. Conhecida do público por fazer mocinhas, ou ao menos personagens adoráveis como a Karen de Meninas Malvadas, ele nos consegue fazer alternar entre desconfiança, ódio e empatia com a mesma intensidade. Em mudanças extremamente rápidas e coerentes. É sem dúvida o ponto alto do filme, que até perde um pouco o ritmo quando a moça não está em cena.

Brandon Sklenar convence nas duas versões de seu personagem (movamente, mencionar é spoiler), mas não entrega nada de novo. Enquanto a mocinha atende ao que a personagem precisa na maior parte do tempo. Talvez seja apenas comigo, mas as polêmicas de sua vida pessoal, tornaram difícil acreditar nos momentos de vulnerabilidade. Por outro lado, quando a moça assume o controle, é bastante convincente.

Alguns personagens como o jardineiro Enzo (Michele Morrone) e a sogra (Elizabeth Perkins), pouco contribuem para a trama. Parecendo estar presente apenas porque existem no livro. Quase sem função, podiam ser descartados, mas ocupam tão pouco tempo de tela, que não chegam a incomodar.

Com um pouco mais de ação que o livro, pelo que pesquisei o filna das páginas é mais passivo. O filme ainda encontra espeço para discutir violência domèstica, manipulação, submissão feminina e sororidade. Além de deixar brecha pra uma franquia, para qual Sydney Sweeney ja afirmou que retornaria.

Paul Feig não inova na direção, trazendo convenções bem conhecidas, e algumas até previsíveis demais do gênero. Mas, quando bem feito funciona. E este é o caso! Especialmente, para quem assim como eu, for conhecendo pouco, ou ainda melhor, nada da trama.

A Empregada não é inovador e revolucionário, mas é um filme caprichado. Envolve, intriga e diverte. Talvez não surprenda sempre, mas proporciona um par de horas de bom entretenimento. E não precisa mais que isso.

A Empregada (The Housemaid)
2025 - EUA - 131min
Suspense

Anaconda

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 16 Jan 2026 14:13:00 +0000

Tecnicamente os filmes de Anaconda pertencem ao gênero terror. No entanto, sequencias duvidosas ao longo dos filmes, sempre arrancaram alguns risos involutários da audiência. Aparentemente, quem resolver reviver a franquia tem plena consciencia disso, e resolveu fazer logo uma comédia com toques de terror.

A crise de meia idade chegou forte para o grupo de amigos Doug, Ronald, Kenny e Claire (Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn e Thandiwe Newton). Eles relembram sua infância produzindo filmes amadores e resolvem resolvem realizar juntos o sonho de Doug de fazer seu próprio filme, recriando o clássico Anaconda (1997). Para tal, viajam até a Amazônia brasileira, contratam o adestrador Santiago (Selton Mello) e sua cobra Heitor, alugam um barco e se aventuram nas gravações floresta adentro.

Não precisa ser um gênio para perceber que muita coisa vai dar errado nessa jornada, e que, claro, eles serão perseguidos por uma cobra gigante tal qual os personagens de seu filme. O diferencial é que o filme é assumidamente uma comédia que não se leva à sério, mas sem abrir mão do pavor que a serpente título pode gerar.

Assim temos sequencias de sustos e suspense divertidamente temperadas pelo amadorismo e patetice dos personagens. Um grupo visivelmente despreparado tanto para realizar o filme, quanto para sobreviver na floresta. O que rende sequencias de escapadas, e bastidores do filme igualmente hilárias.

Diversão que alcança o público não apenas pelas boas idéias, mas pela percepção de que o elenco além de entrosado, parece estar se divertindo. Inclua aí, a excelente participação de Selton Mello que traz um tempero extra pra comédia estadunidense, e um gostinho especial para o público brasileiro.

Quanto à cobra, sim ela dá sustos. Mas, é propositalmente falsa, diminuindo a periculosidade e assim, justificando a sobrevivência imposível dos personagens. Além da serpente, o grupo ainda precisa lidar com outra ameaça, o ser humano. Pessoas mal encaradas e armadas perseguem o grupo, e principalmente sua barqueira Ana (Daniela Melchior). Contar mais que isso seria spoiler, mas basta dizer que o filme ainda arrisca uma leve mensagem ecológica com esta trama extra.

O novo Anaconda é um remake, uma sequencia, mas principalmente uma homenagem aos filmes anteriores. Os personagem assumidamente declaram seu amor pela franquia, enquanto o roteiro faz alusões a ela. Mas fique tranquilo, não é preciso conhecer os filmes anteriores para apreciar esse aqui. O resultado é uma deliciosa pataquada nostálgica que diverte e entretém. Tem possibilidade de sequencias sim, mas se encerrar por aqui, já cumpriu o que prometeu com louvor.

Anaconda
2025 - EUA - 99min
Aventura, Comédia

Stranger Things - 5ª temporada (parte 2 e final)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 14 Jan 2026 20:53:00 +0000

Enquanto especialistas apontavam o fim de uma era, o último fenômeno televisivo coletivo, o público se divertia e viajava nas teorias e possibilidades do desfecho de Stranger Things. O que ninguém esperava, era um final tão simplista e cheio de furos para a série mais popular da história da Netflix.

Após uma primeira parte com texto arrastado, mas disfarçado pela recompensa de ver o empoderamento de Will (Noah Schnapp), o segundo volume é corrido, como previsto. Enquanto o episódio final é previsivel, com respostas razas e cheios de furos. Mas vamos por partes, literalmente.

A parte dois lançada pela plataforma no natal, trouxe o desenvolvimento dos planos do vecna, e a tentativa do grupo de mocinhos de compreendê-lo e combatê-lo. Usando o formato de vários núcleos distintos que reunem seus conhecimentos para um grande desfecho.

Assim, vêmos Dustin, Steve, Nancy e Jonatan (Gaten Matarazzo, Joe Keery, Natalia Dyer, Charlie Heaton) descobrindo a verdadeira natureza do Mundo Invertido. Ao mesmo tempo que lidam com seus respectivos dilemas. No caso, o romance do casal, e o luto de Dustin.

Joyce, Mike, Will, Lucas, Robbin, Erica, Murray e até o professor Sr. Clarke ( Winona Ryder, Finn Wolfhard, Noah Schnapp, Caleb McLaughlin, Maya Hawke, Priah Ferguson, Brett Gelman e Randy Havens) tentam localizar os colegas perdidos na Hawkes invertida, ao mesmo tempo que exploram as novas habilidades de Will para tentar localizar as crianças levadas.

Max e Holly (Sadie Sink e Nell Fisher ) tentam escapar da fantasia de Camazots, o mundo de fantasia criado por Vecna (Jamie Campbell Bower). Quase fazendo descobertas importantes no processo. Enquanto Eleven, Hopper e Kali (Millie Bobby Brown, David Harbour, Linnea Berthelsen) apenas chegam para ajudar. E as meninas criadas em laboratório discutem sobre o futuro e o preço de suas existências.

Apesar de ter muita coisa a resover nestes episódios finais, narrando assim, não parece que muita coisa aconteceu. O roteiro parece apenas se limitar a reunir personagens com informações para o plano final. Ao mesmo tempo que gasta tempo com cenas pensadas para ser marcantes e icônicas, mas que sem estofo não funcionam tão bem quanto poderiam.

A intervenção da Sra. Weller (Cara Buono) no hospital e a revelação da homoseualidade de Will para os colegas até empolgam e emocionam, mas geram questionamentos. Precisava mesmo o jovem se abrir para Vicky (Amybeth McNulty) e Kali? Como a Karen sabia que os Demogogons estavam na lavanderia, e como agiu sem que eles a notassem?

Já o longo discurso de Max na fuga de Camazots, e o fato de Eleven poupar a Dra Kay (Linda Hamilton) tiram a urgência e peso dos eventos, na tentativa de criar momentos "viralizáveis". Há ainda a exploração das memórias de Henry, um acento à peça de teatro que retrata a vida do personagem, que parece esquecer que a obra só está em cartaz em duas cidades do mundo.

Não fornece informações suficientes para compreendermos, tão pouco para ser relevante para história, e acaba criando mais questionamentos. - Hopper e Joyce não lembravam que estudaram com o vilão? As idades deles também não fazem sentido. Henry parece muito mais novo. A sensação aqui é que a intenção era apenas divulgar a peça, não construir bagagem para uma mitologia mais coesa.

Assim, com uma construção frágil o segundo volume entrega a trama para um final previsível. Um plano mirabolante que se apoia em sorte, ou melhor conveniências para funcionar. E que, em muitos momentos, esquece as regras do próprio universo. Ora para facilitar a vida dos personagens, como Will não sofrendo com os ataques ao monstro através da mente colméia. Ora pelo que parece ser apenas preguiça de lidar com alguns detalhes. Como a ausência de demogorgons, demobats e demodogs no mundo povoado por eles.

Tudo em prol de amplificar ação, que faz alusão à batalhas de campanhas de RPG. O que é bacana, remete às origens da série. Mas, ficaria ainda mais interessante, se os mestres do jogo, os irmãos Duffers, conseguissem usar de fato toda a mitologia e ferramenta do mundo que criaram. Coisa que não era difícil, basta ver como os fãs conseguiram criar versões mais interessantes para os pontos mal explicados.

A ausência das "democriaturas" por exemplo poderia ser resultado do uso delas para criar o corpo do Devorador de Mentes. Assim como ele fizera com humanos na segunda temporada. Teoria dos fãs completamente coerente com o universo. Mas os criadores escolheram ativamente ignorar detalhes como esses. Criando mais um fenômeno, o delírio do episódio nove misterioso surpresa.

A teoria inundou a internet na semana seguinte ao encerramento da série. Nela a Netflix liberaria um nono episódio que revelaria que o final entregue no episódio oito era na verdade uma manipulação de Vecna. E trazendo um novo embate entre o vilão e os mocinhos. É claro, o capítulo extra nunca veio.

O que foi liberado, foi o documentário da produção que escancara a situação das quais os fãs descofiavam desde as primeiras entrevistas da dupla de criadores após o desfecho. Os Duffers não tinham o final planejado desde o início como alardearam. Também não pareciam estar focados em encerrar apropriadamente a maior obra de suas carreiras. E por fim, subestimaram o fenômeno que criaram, o detalhismo dos fãs, e não estavam preparados para as reações e questionamentos do público.

Mesmo assim, a produção acertas em alguns momentos deste desleixado desfecho. O final que reúne o grupo em um último jogo de RPG, emulando a primeira cena da série, enquanto marca o fim de suas infâncias, e a passagem da tocha para uma nova geração, é tocante.

Já o desfecho ambíguo de Eleven, é interessante se visto da forma correta. Um desejo de um final feliz criado para acalentar os corações de seus amigos, não uma verdade de fato. A personagem morreu sim, e os amigos a imaginam em um lugar melhor. Visto de outra forma, só demonstrria covardia por parte do roteiro, que poupou a todos.

Todos mesmo! Nem mesmo os militares soferam consequencias. Linda Hamilton foi desperdiçada e sequer ganhou um desfecho na pele da Dra. Kay. Esta podia muito bem ser substituida pelo Dr. Owens (lembra dele? Sumiu.), e o coronel Sulivan (Sherman Augustus), que já existiam nas temporadas anteriores.

Também não houve consequencias para os atos os protagonistas. Nancy matou militares. Hopper estava morto, mas voltou a ser xerife sem problemas. Nenhuma das crianças ficou traumatizada. Max se formou sem dificuldades, mesmo perdendo quase dois anos de aulas. Até mesmo o Sr. Weeller sobrevivel. Olhando em retrospectiva, o final covarde da Eleven viva é uma possibilidade sim.

Some-se aí, diálogos fracos, repetições constantes e explicações infantilizadas. Direcionamento da Netflix para atender aos público que divide a atenção com o celular. E a atuação robótica de Millie Bobby Brown, que parece ser resultado de insatisfação com os rumos da personagem, e excesso de procedimentos estéticos. E os "contras" começam a superar os "prós"!

Ao final das contas a quinta e última temporada de Stranger Things, entretem sim. Diverte, empolga e até emociona em muitos momentos. Mérito do nosso apego aos personagens e universo, não do bom trabalho de seus criadores. Prova disso é que por mais que tenhamos nos divertido na jornada, admito me diverti enquanto assistia, o desfecho não sobrevive à conversa pós créditos. Basta pensar um pouco para as falhas e furos começarem a incomodar.

Não chega a ser um "novo Game of Thrones", acho que está mais para Lost, mas está muito aquém do que poderia e deveria ser. Talvez seja hora de começar a julgar melhor o comprometimento dos criadores antes de contratá-los para obras tão longas. Aparentemente, eles cansam!

Os oito episódios da quinta e última temporada de Stranger Things já estão disponíveis na Netflix. Assim como todas as temporadas anteriores.

Leia mais sobre Stranger Things, tem curiosidades e críticas de todas as temporadas aqui no blog.

O Beijo da Mulher Aranha

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 12 Jan 2026 14:00:00 +0000

Eu não sei você, mas eu ficaria receosa de trazer para os cinemas, uma nova versão de um filme extremamente renomado.Tipo, pra quê mexer no que já está perfeito né? Mas, Hollywood não tá nem aí, e pra ser justa, a nova versão de O Beijo da Mulher Aranha não é um remake do clássico de Hector Babenco, mas uma adaptação da peça musical do mesmo livro de Manuel Puig.

Durante a ditadura militar argentina, Valentin Arregui (Diego Luna), e Luis Molina (Tonatiuh) dividem uma cela na prisão. Valentin é um preso político focado na luta contra o regime, já Molina é um homossexual preso por “libertinagem”, que tem um combinado com o diretor da prisão: ele pode ser solto se conseguir informações importantes de seu colega de cela, que resiste bravamente as sessões de tortura..

Assim acompanhamos a convivência desses opostos. Enquanto o revolucionário tenta se manter fiel à causa, Molina tenta criar aproximação narrando a história de seu filme favorito, O Beijo da Mulher Aranha, um musical da era de ouro estrelado pela musa Ingrid Luna (Jennifer Lopez).

O diretor Bill Condon de Dreamgirls e do live-action de A Bela e a Fera, aproveita esta oportunidade para demonstrar seu amor por musicais clássicos. Criando para o filme dentro do filme, cenas que remetem ao estilo da época, na fotografia, no estilo teatral da atuação e principalmente nos números musicais. As sequências de dança são glamourosas, bem executadas e filmadas.

Uma pena apenas, que as músicas não sejam tão memoráveis. O que para um musical - seja nos palcos ou nas telas - é um agravante sério! Infelizmente, a gente não sai da sessão com nenhuma das músicas na cabeça. Mesmo assim as sequencias conseguem expressar bem os sentimentos e idéias que propõem, além do filme, como um todo, fazer bons paralelos com a vida de Molina e Valentin. Com direito aos detentos se colocarem literalmente na história, com Diego Luna e Tonatiuh assumindo personagens na trama dentro da trama.

Curiosamente entre esses números, os que mais se destacam são aqueles que “vazam” para fora da ficção contada pelo detento. Como o número da enfermaria, aquele que relata a tortura de forma escapista, e claro a grande apoteose final de Molina.

Já “no mundo real” do filme, acompanhamos a construção de uma relação de companheirismo e cuidado, que evolui para um romance conforme a dupla convive. É interessante observar como a produção transforma a cela fria e úmida em um lar com a chegada de Molina e seus penduricalhos, que aos poucos fica mais aconchegante conforme os personagens se aproximam.O que torna a separação e o desfecho mais fortes e impactantes, mesmo para quem já conhece a história.

Diego Luna convence ao criar um revolucionário focado e resistente, sem deixar de lado a vulnerabilidade e o sofrimento a que seu personagem é submetido. Tonatiuh surpreende com um envolvimento emocional, um conflito interno intenso e por fim uma entrega aos sentimentos desenvolvidos de forma coerente e envolvente. Enquanto Jennifer Lopez brilha ao criar a musa dos sonhos dos personagens, como uma dama clássica do cinema, e executando complexos números de dança.

O Beijo da Mulher Aranha é bem executado e envolvente. Por outro lado, sofre de um mal muito comum em adaptações musicais, a amenização da história. Já que a comparação com o clássico de 1985 é inevitável, ao colocar os dois filmes em perspectiva fica evidente a simplificação desta versão mais recente em relação à primeira adaptação.

O musical traz a mesma trama, leva de volta a história para a ditadura Argentina, e até traz um desfecho mais contundente e conectado à história real. Mas simplifica tudo isso para tornar a trama mais palatável, mais fácil para o público assimilar. Assim as intrigas são mais simples, as reações mais passionais, mais exageradas e até explícitas, inclusive nas cenas que envolvem violencia e sexo.

Ao final das contas,o novo O Beijo da Mulher Aranha não é um filme ruim. Pelo contrário, é caprichado, interessante e entretém. Mas, usa a parte lúdica do filme dentro do filme, para simplificar e facilitar a compreensão do público. Certamente atinge mais pessoas, mas não consegue ter o mesmo peso e relevancia da versão de 1985. Se for uma porta de entrada para ela, ou mesmo para o livro, acho que já vale a sessão.

O Beijo da Mulher Aranha (Kiss of the Spider Woman)
2025 - EUA - 129min
Musical, Drama

Projeto 1001 - Dezembro 2025

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Tue, 23 Dec 2025 22:08:00 +0000

Fim de ano chegando, e eu fiz uma lista mais curta. Afinal, todo mundo precisa descansar, até da cinefilia. Resolvi riscar da lista uma trilogia inteira! O problema é que apenas dois dos três filmes estão no catálogo 1001 Filmes para ver antes de Morrer de Steven Jay Schneider. Lista que estou tentando assistir inteira.

Então eu trapaceei, e fiz um post bônus, pra não deixar a série incompleta. Dessa vez, os vídeos saíram simultâneamente no YouTube e TikTok. Vou colocar o link para os dois!

Conheçam a Trilogia das Cores de Krzysztof Kieślowski!

A Liberdade é Azul (1993) - YouTube - TikTok

A Igualdade é Branca (1994) - BÔNUS! - YouTube - TikTok

A Fraternidade é Vermelha (1994) - YouTube - TikTok

170 já foram, faltam 831!

It: Bem-Vindos a Derry - 1ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 19 Dec 2025 20:35:00 +0000

Dúvidas que provavelmente foram herdadas do livro, e que o filme não sentiu necessidade de sanar. É verdade que o desconhecido assusta mais, e a produção não precisaria responder tudo, mas particularmente, saí mais curiosa do que gostaria.

O trecho acima fora retirado diretamente da minha crítica de It: Capítulo Dois (2019), do trecho que apontava uma das minhas poucas insatisfações com o filme. Eu queria saber mais sobre Pennywise, sobre Derry, sobre os nativos americanos da região e sobre os ciclos anteirores (a coisa ataca a cada 27 anos, lembra?). Acontece, que eu não devia ser a única àvida por mais deste universo, já que Andy Muschietti voltou a este universo de Stephen King para nos presentear com It: Bem-Vindos a Derry.

Série orignal da HBO, que pretende, a cada temporada, revisitar os ataques do vilão título. Nos filmes acompanhamos o Clube dos Otários nos ataques das décadas de 1989 e 2016, em teoria o úlitmo. Então neste primeiro ano, voltamos ao ciclo anteior a isso, na década de 1962. Onde além de aterrorizar crianças, a coisa também vai brincar com militares.

Bem-Vindos a Derry começa surpreendendo com um enorme blefe, quando quase todas as crianças que apareciam nos materiais promocionais são mortas ao final do primeiro episódio. Deixando Lilly Bainbridge (Clara Stack) uma garota já traumatizada pela morte do pai como única sobrevivente. O incidente também coloca Hank Grogan (Stephen Rider) o pai de Ronnie (Amanda Christine) como principal suspeito das mortes. O que une as duas garotas a um novo grupo de crianças provar a inocencia do pai, e sobreviver aos novos ataques.

O novo "Clube dos Otários", embora não tenha esse nome, mas a atmosfera é a mesma, ainda conta com a piadista Marge (Matilda Lawler), o carismático Rich (Arian S. Cartaya) e o inteligente Will (Blake Cameron James). Este último recém chegado à Derry, graças ao trabalho do pai. O Major Leroy Hanlon (Jovan Adepo) se muda com a esposa Charlotte (Taylour Paige) e o filho para a cidade, à serviço militar.

O exército tem uma base na região, onde investiga uma força superior que haje sobre a cidade. Supostamente, a intenção é descobrir se podem usar este ser como arma contra os soviéticos. Lá também está baseado Dick Hallorann (Chris Chalk), personagem de outra obra de Stephen King. Em O Iluminado, Dick também tem a "iluminação", é ele quem ensina ao jovem Danny, como lidar com suas habilidades. No contraponto do exército, estão os Shokopiwah, os nativo-americanos da religião, que parecem ter mais conhecimento sobre a Coisa, do que revelam para seus vizinhos colonos.

Assim o tabuleiro está montado para explorar melhor a história e mitologia de It ao longo de oito episódios. O que a série faz muito bem, explorando não apenas os eventos de 1962, mas também nos dando vislumbres dos ataques de 1935, 1908 e até antes disso. Antes de Derry ser fundada. E suprindo a necessidade de mais sobre esse universo que mencionei no início deste texto.

Já a dinâmica entre as crianças, não difere muito do visto nos filmes. O grupo mirim alterna entre executar planos mirabolantes no estilo Scooby Doo, e sofrer ataques direcionados com seus medos individuais. A criatividade está na personalidade novas e bagagem de cada uma, que oferece uma nova variedade de ameaças e aparições. Vale lembrar, apesar de Pennywise (Bill Skarsgård) ser sua forma favorita, a coisa aterroriza as pessoas assumindo as formas de seus maiores medos. Garantindo o tempero que precisa antes de devorá-los.

E por falar de Pennywise, a série finalmente revela com detalhes como a criatura escolheu e assumiu essa forma. E ainda conecta essa escolha de forma inteligente aos eventos da trama principal, e dos filmes, através da figura de Ingrid Kersh (Madeleine Stowe).

Enquanto os militares fazem o que o exécito de filmes faz de melhor: entendem tudo errado, e fazem as piores escolhas. Dando aos Shokopiwah motivos para finalmente fazer algo além de zelar e esperar pelo "menos pior" de cada ciclo. Respondendo muitas perguntas sobre sua ausência nos filmes. Eles escolhem sacrificar Derry, em prol do mundo.

Por outro lado, é também na conexão com os filmes que a trama traz alguns furos. Alguns personagens do Clube dos Otários são descendentes de personagens vistos aqui. Pessoas que vivenciaram um ciclo, e não sairam da cidade portanto, não deviam esquecer, segundo a própria mitologia. Entretanto, não parecem cientes do retorno da coisa 27 anos depois, tal qual Mike no Capítulo Dois.

Parece uma grande falha, mas na soma das partes, é coisa pequena diante dos acertos da produção. Que traz uma trama envolvente, desenvolvimento de mundo, ameaça crescente, direção de arte, reconstrução de época e efeitos especiais, caprichados. Além de metáforas e críticas sociais, não é por acaso que o pai de Ronnie, um homem negro seja um suspeito imediato do sumiço das crianças.

E principalmente personagens carismáticos. Chris Chalk nos traz um Dick Hallorann em formação que nos faz querer que a HBO invista em uma série no Hotel Overlook de o Iluminado, apenas para vê-lo mais em cena. Taylour Paige traz uma mulher carismática, inteligente, ativa, e principalmente não submissa às ameaças do racismo e da criatura.

As crianças também nos conquistam facilmente, em especial o esperto Will de Blake Cameron James. E o carismático Rich (Arian S. Cartaya). Todas com seus árcos e interesses próprios nessa jornada contra a coisa. E claro, Bill Skarsgård nos deleita cada vez que aparece, seja como Pennywise, seja como uma versão humana. Embora fique claro, ele se diverte muito mais quando vive a criatura!

Entre os episódios, os destaquem ficam com o sangreto piloto, e o sétimo capítulo. The Black Spot nos coloca literalmente dentro do augúrio, o grande evento com muitas mortes que costuma fechar o ciclo de ataques de Pennywise. Com a atmosfera de tensão no limite, consequencias graves, e um desesperador plano sequencia em um incêndio. Claramente o melhor de uma temporada muito boa.

It: Bem-Vindos a Derry é exatamente o que prometeu. Uma expansão que traz a qualidade dos filmes para a TV. Responde perguntas, cria novas histórias em torno da cidade e da Coisa, diverte e assusta no processo. Na opinião desta humilde blogueira que vos escreve, uma das melhores do ano. Agora resta torcer, para que a HBO confirme logo o plano de tres temporadas. E nos traga com detalhes os ciclos de 1935 e 1908.

It: Bem-Vindos a Derry tem oito episódios com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis na HBO Max!

Leia as críticas de It: A Coisa e It: Capítulo Dois