Ajuste o Foco

Monte seu próprio laboratório para revelar fotos

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 09 Nov 2018 03:30:00 +0000

Com a melhoria dos equipamentos e o consequente aumento da capacidade de armazenamento da última década, é seguro afirmar que temos um número de fotos muito maior do que jamais conseguiremos imprimir. Acontece que gostaríamos de imprimir algumas dessas fotos, e na verdade pode ser possível imprimi-las a baixo custo, em processos artesanais ou automatizados - em sua própria casa!

Laboratório fotográfico artesanal

Veja como transformar um cantinho qualquer da sua casa num laboratório para imprimir fotos! Não é algo tão simples, mas também não é nada impossível: com um pouquinho de dedicação, qualquer um que não esteja familiarizado com esse tipo de processo conseguirá montar um laboratório e revelar suas fotos sem problemas.

Câmera de lata: faça sua própria câmera pinhole

Se você tiver um amigo que também pretende fotografar com uma câmera pinhole, vocês podem dividir os custos com material e montar um único laboratório para revelar todas as fotos.

> VOCÊ PRECISARÁ DE...

um ambiente (de preferência um banheiro) onde a entrada de luz possa ser vedada
lona preta, blackout ou algo do tipo (para isolar a luz)
revelador para papel fotográfico
fixador para papel fotográfico
4 bacias plásticas (não deverão ser usadas para armazenar alimentos depois disso)
1 luminária para lâmpada incandescente
1 lâmpada incandescente fraca (pode ser 40W)
papel celofane vermelho
fita isolante
1 folha de papel-cartão preto

O ambiente escolhido para realizar o processo não precisará servir como laboratório para todo o sempre. A lona ou blackout (que pode ser encontrado em lojas de tecidos) podem ser colocados e retirados quando você desejar.

O revelador e o fixador você encontra em lojas de equipamentos fotográficos, ou até mesmo em laboratórios express de marcas como Fuji e Kodak. Locais que vendem filmes fotográficos tradicionais provavelmente oferecem esses produtos também, e você deve conseguir comprar tudo com cerca de R$20,00.

Os demais itens você deve ter em casa, ou os encontra facilmente em qualquer supermercado (exceto o papel celofane e o papel-cartão, ambos à venda em gráficas).

> MONTANDO SEU LABORATÓRIO

Para começar a montar o laboratório, isole o ambiente que você escolheu: cubra as janelas e frestas da porta com lona preta ou blackout. Feche a porta, apague a lâmpada, e veja se a luz consegue entrar por algum ponto. Se forem pontos pequenos, cubra-os com fita isolante; se forem frestas maiores, ajeite a lona de forma a encobri-las.

Como o papel fotográfico não é muito sensível ao espectro vermelho da luz, a luminária servirá para que você não fique completamente no escuro dentro do laboratório enquanto trabalha. Para montar a lâmpada de segurança, faça um cone com o papel-cartão (a parte mais larga deve ficar um pouco afastada da lâmpada e a parte mais fina deve envolver o soquete). Ligue a lâmpada e passe fita isolante em qualquer ponto onde a luz escape do cone. Depois, dobre a folha de celofane vermelho algumas vezes (para que filtre melhor a luz), e fixe-a com fita adesiva ou elástico ao cone (imagem à esquerda).

> REVELANDO AS FOTOS

Coloque as quatro bacias lado a lado (se você estiver fazendo isso num banheiro, poderá substituir uma das bacias pela pia), prepare as soluções de acordo com as instruções das embalagens dos produtos químicos, e posicione-as da seguinte forma:

1) revelador

2) banho de água com vinagre

3) fixador

4) banho de água

O tempo de permanência do papel fotográfico em cada solução é indicado na embalagem dos produtos químicos. Para revelar a imagem, abra sua câmera de lata dentro do laboratório escuro, apenas com a luz de emergência acesa. Retire o papel fotográfico de dentro da câmera e mergulhe-o em cada uma das soluções, prestando muita atenção ao tempo de espera. Feito isso, tire sua foto de dentro da última solução e grude-a numa parede de azulejos ou num espelho; ela deverá ficar ali até secar bem.

Pronto! Agora você tem um laboratório fotográfico improvisado, onde poderá revelar imagens em papel fotográfico preto e branco.
.

4 dicas infalíveis para fotografar ambientes internos

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 05 May 2017 17:47:00 +0000

Ainda que um ambiente interno esteja bem iluminado, nem sempre as fotografias ficam boas. A maioria das reclamações nesse sentido diz respeito à tonalidade das imagens, que fica muito diferente do ambiente que vemos ao vivo: ou ficam amareladas, ou ficam pálidas demais; e muitas vezes, o flash só piora a situação, deixando o ambiente um tanto artificial. Quer saber quais são as melhores maneiras de fotografar ambientes internos? Esse é o assunto do nosso artigo de hoje.

Foto: Ibán Ramón

Se prestarmos atenção a alguns detalhes, dá sim para conseguir fotos internas decentes - e melhor: sem depender da luz cegante do flash das câmeras automáticas.

> ILUMINAÇÃO

Primeiramente, desligue o flash da sua câmera. A proposta inicial é que façamos o possível para aproveitar a luz ambiente (melhor ainda se ela for natural): caso haja luz natural suficiente para iluminar bem a cena, sem precisar acender nenhuma luz, ótimo.

Durante o dia, abra todas as janelas e portas para permitir que a luz natural ilumine o ambiente. Se você perceber que apenas essa luz não basta para deixar o cenário nítido, acenda uma lâmpada ou abajur - teste todas as opções que você tiver disponível (veja o exemplo abaixo, com mais de uma fonte de iluminação).

Se ainda assim a cena ficar escura, não resta opção a não ser recorrer ao flash. Certamente a foto sairá nítida e o ambiente será bem retratado, mas é provável que as sombras resultantes disso pareçam mais duras do que pareceriam sob outro tipo de iluminação.

> ISO

Como a iluminação em ambientes internos geralmente é mais fraca que a luz disponível ao ar livre, você precisará ajustar um valor de ISO mais alto. A lógica é a seguinte: quanto menos luz disponível, maior será o valor do ISO que você irá selecionar. Só evite usar o valor máximo que sua câmera oferece, pois quanto maior o valor do ISO, mais ruído a imagem terá. (ruído é aquele monte de pontinhos coloridos que aparecem na foto de uma parede lisa, por exemplo)

Se você não sabe qual valor ISO utilizar, pode tomar estes como base:

100 ISO para sol bem forte

200 ou 400 ISO para ambientes internos com luz + flash

400 ISO para dias nublados

800 ou 1600 ISO para fotos internas ou sob holofotes

Para capturar imagens de movimento o ideal é utilizar 400 ISO ou mais. Isso congelará a ação e evitará que a foto saia borrada.

Foto: Santinha

> AF ILLUMINATOR

A tradução de AF illuminator é algo como iluminador auto-foco. É aquela luzinha vermelha disparada para que a câmera calcule a distância de você até o assunto que pretende fotografar, e isso ajuda no ajuste do foco. O AF illuminator é ideal para fotografar em ambientes pouco iluminados ou completamente escuros

Ao ativar o AF illuminator, as chances do assunto da foto sair desfocado diminuirão. Claro que também é possível resolver isso de outra forma, caso sua câmera não possua esse recurso ou você simplesmente não queira usá-lo: ajuste a distância do foco manualmente (veja aqui como fazer isso), ou faça uso da luz do flash.Aliando o iluminador AF ao flash, você conseguirá estender o alcance do foco quando houver pouca luminosidade disponível. Ou seja, se apenas com o flash sua câmera conseguiria fotografar nitidamente um objeto que está a três metros de distância, com o auxílio do AF illuminator o alcance poderá chegar a quatro ou cinco metros.

> ATENÇÃO PARA OS DIFERENTES TIPOS DE LUZ ARTIFICIAL
Quando falei sobre o White Balance, lembrei como esse detalhe é capaz de arruinar o resultado final de qualquer imagem. Já que estou falando muito em iluminação artificial, vale lembrar que a maioria das câmeras oferece diferentes tipos de ajuste para lâmpadas fluorescentes e de tungstênio.

As lâmpadas fluorescentes são projetadas para fornecer luz difusa discreta. Portanto, são boas para fotografar em preto e branco. Compare a cena que você vê com a que aparece na tela de LCD da câmera para chegar ao ajuste mais adequado à situação - é a melhor maneira de alcançar o tom que você procura.

Já as lâmpadas incandescentes emitem uma luz mais amarelada, o que transmite às imagens a sensação de calor.

Fotos HDR (parte II): criando imagens HDR a partir de arquivos JPEG

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 29 Dec 2016 19:07:00 +0000

Esta é a segunda parte do artigo sobre fotos HDR. Primeiro, falei um pouco sobre o método tradicional de criação desse efeito; hoje preparei para vocês este pequeno tutorial, que mostrará como criar uma "falsa HDR" a partir de arquivos JPEG. Para entender o que são imagens HDR e como conseguir esse efeito através da combinação de três fotos semelhantes, clique aqui e veja a primeira parte do artigo.

Arquivo JPEG

Arquivo JPEG após edição: a falsa HDR

As imagens que utilizarei aqui foram retiradas do Flickr do Christiaan L, que também costuma fazer uso dessa técnica para conseguir fotos diferenciadas. Ele diz o seguinte: "Would you buy an expensive D-SLR, expensive lenses, and lots of filters, when you can get similar effects with just a cheap compact camera and cheap tripod?" (em português: Você compraria uma D-SLR cara, lentes caras, e um monte de filtros, quando você pode conseguir efeitos semelhantes com apenas uma câmera compacta barata e um tripé barato?). Assim como eu, muitos leitores do blog não têm condições de investir pesado em coisas desse tipo no momento - por isso que dividi o tutorial: a parte tradicional e a parte "acessível" ;)

Não vou falar novamente sobre as diferenças entre D-SLR e câmeras automáticas, não é esse o ponto. O que importa é que é possível conseguir um efeito similar com arquivos JPEG. Para começar, você pode escolher qualquer arquivo com essa extensão que já tenha salvo no computador.

> 1ª PARTE: DO PHOTOSHOP AO PHOTOMATIX

Nada de pânico: são oito passos super simples, você terminará essa parte em poucos minutos.

Abra sua imagem no Photoshop
Pressione Ctrl+M para abrir a ferramenta "curvas" e aumentar o brilho da foto
Salve a imagem com um outro nome, semelhante ao original
Desfaça as curvas pressionando Ctrl+Alt+Z
Salve novamente (escolha um nome parecido com o das duas outras imagens)
Abra as imagens no Photomatix para que a HDR possa ser criada (veja aqui como fazer o download do programa e o tutorial que ensina o passo-a-passo para criar sua HDR)
Pronto! Agora só faltam mais alguns ajustes...

> 2ª PARTE: TONE MAPPING

Agora você já criou sua HDR - lembre que inicialmente ela parecerá bem feia, não se assuste. Serão necessários alguns ajustes no Photomatix, e para isso utilizaremos o Tone mapping.

Tela de edição do Tone Mapping

O Tone mapping fica na palheta à esquerda. Nesse momento, configuramos a HDR para que ela possa ser transformada em uma foto com profundiade de cor menos abrangente, mas já com a aparência desejada.

Existem várias opções de Tone mapping, e a melhor forma de descobrir como elas funcionam é criando diferentes HDR's e... fuçando nos botões! Se você não sabe por onde começar, dá para conseguir uma boa edição usando as opções da aba Details enhancer:

- Strength: é a força da HDR, ou seja: o quanto que você quer misturar das diferentes exposições numa única imagem. Quanto menor o valor, mais discreta será sua HDR; quanto maior, mais forte será a edição.

- Color saturation: saturação. Quanto maior o valor, mais colorida (cores mais saturadas) ficará sua imagem.

- Light smoothing: uma das opções mais importantes. Note que, ao selecionar a primeira “bolinha”, sua foto ficará um tanto forçada e cheia de halos nas bordas. A última “bolinha” significa máxima suavização do efeito.

- White point: essa opção define um ponto de luminosidade, clareando a cena.

- Black point: essa opção define um ponto de sombra, escurecendo a cena.

- Gamma: possui uma característica diferente das opções de gamma que nos são familiares. Essa opção utiliza a luminosidade da cena para mostrar mais detalhes.

- Process: após fazer as edições desejadas, você clica nesse botão para processar a imagem e transformá-la em um arquivo que pode ser exportado (salvo) em outros formatos. Assim você pode continuar editando a foto em outros programas, como o Photoshop.

É isso: você pode brincar à vontade com as opções de Tone Mapping e criar imagens interessantes. Solte sua imaginação!

(+) BÔNUS!
Caso você ainda não se sinta confortável para mexer nos comandos do Tone Mapping, pode seguir as dicas abaixo para editar sua imagem:

Luminosity: entre -2 e +2
Strength: entre 30% e 60%
Saturation: entre 30% e 50%
White point: posicione o slider próximo à metade da barra
Black point: posicione o slider a cerca de 1/10 da barra (da esquerda para a direita)
Smoothing: quanto mais alto, melhor

Fotos HDR (parte I): o método tradicional

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 Dec 2016 15:17:00 +0000

Na semana passada eu recebi um e-mail da Andreia, do blog Momentos (não deixem de conferir - tem várias fotos lindas por lá!), sugerindo que eu falasse um pouco sobre fotos HDR aqui no Ajuste o Foco.

E agora você deve estar pensando: mas o que são fotos HDR? Essa sigla é a abreviação de high dynamic range photos (em português: fotos com alto alcance dinâmico ). A maneira tradicional de conseguir uma dessas é fotografando em RAW (para o nosso azar, a maioria das câmeras automáticas salva os arquivos automaticamente em formato JPEG); além disso, é preciso conseguir três imagens exatamente iguais, mas com diferentes tempos de exposição: uma sub-exposta, uma normal e uma super-exposta (clique aqui para entender como isso funciona). Uma vez que você tem as fotos, é preciso juntá-las com um programa específico - veja o exemplo abaixo:

Foto: Claudia Regina

Maaas não existe apenas uma maneira de conseguir um efeito parecido com o da foto acima - ainda bem! Sendo assim, resolvi dividir o assunto em duas partes: a primeira mostrando a maneira tradicional de conseguir esse efeito, e a segunda ensinando a transformar qualquer arquivo JPEG em uma "falsa HDR".

> O MÉTODO TRADICIONAL
Antes de mais nada, certifique-se de que sua câmera possui tudo que é preciso para conseguir esse efeito da maneira tradicional. Geralmente isso só é possível com câmeras D-SLR, mas algumas automáticas também oferecem as opções necessárias. Sua câmera precisará:

permitir o ajuste manual do tempo de exposição

salvar o arquivo em RAW (o processo pode ser feito com arquivos JPEG também, mas com RAW a qualidade da imagem final será melhor)

Além disso, você precisará de um tripé ou uma superfície estável para apoiar sua câmera. Escolha um assunto imóvel, pois serão necessárias três imagens idênticas (o ideal é começar com landscapes). Verifique também se sua câmera possui a função AEB (Auto Exposure Bracketing): esse recurso programa a câmera para tirar as fotos com diferentes exposições sem precisar refazer os ajustes (isso mesmo: com um clique, a máquina irá tirar uma foto sub-exposta, uma normal e uma super-exposta).

A função AEB numa Canon Rebel

Caso sua câmera não tenha a função AEB, você precisará fazer os ajustes manualmente entre uma foto e outra. Na primeira, o tempo de exposição deve ser -2 ou -1 (sub-exposição); na segunda, o tempo de exposição deve ser 0 (exposição normal); e na terceira, o tempo de exposição deve ser de +2 ou +1 (super-exposição).

Apóie a câmera sobre o tripé ou alguma superfície estável e faça as fotos com os diferentes tempos de exposição. Você também pode fazer mais alguns "trios" de fotos por precaução - afinal, o menor movimento pode prejudicar o resultado final.

Agora que você já tem as fotos, podemos passar para a edição.

> EDITANDO SUAS IMAGENS

O programa mais utilizado para editar e criar fotos HDR é o Photomatix (faça o download da versão de testes aqui). Se você preferir, também pode utilizar o Photoshop. Neste tutorial* eu mostrarei o passo-a-passo utilizando o Photomatix.

Abra o programa e escolha a opção Generate HDR Image:

O Photomatix vai pedir para você selecionar os arquivos-fonte. Vá em Browse para escolher as fotos:

Selecione as três fotos com diferentes exposições (utilize Shift ou Ctrl para selecionar mais de uma por vez):

Clique em OK. Agora serão exibidas as opções de alinhamento e correção.

Align source images

Ao selecionar essa opção, o programa alinhará suas fotos. Mas se você utilizou um tripé e o modo AEB, provavelmente não será preciso habilitá-la: as fotos já estarão perfeitamente alinhadas. Se você não utilizou AEB, selecione a opção By correcting horizontal and vertical shifts.

Se você não utilizou nem tripé nem a função AEB, o ideal é selecionar a opção By matching features, pois a probabilidade de as fotos terem ficado com algumas diferenças entre si é grande.

Attempt to reduce ghosting artifacts

Essa opção é para corrigir qualquer coisa que possa ter se movido na cena entre uma exposição e outra.

- Moving objects/people: para corrigir pessoas ou outros objetos que se movimentaram entre as fotos.

- Background movements: movimentos na própria cena (como nuvens e água).

Ao utilizar fotos em RAW, você também pode mudar algumas opções do formato (mas não há problema nenhum se deixar como está).

Clique em OK e espere até o programa criar sua HDR.

Após isso, você verá uma foto bem feia - mas tenha caaalma! É a sua HDR, mas nenhum monitor consegue “ver” a profundidade de cores de uma HDR; por isso só enxergamos um preview bem limitado. Agora que a HDR foi criada, vamos para a parte mais importante: o Tone mapping.

O Tone mapping fica na palheta à esquerda. Nesse momento, configuramos a HDR para que ela possa ser transformada em uma foto com profundiade de cor menos abrangente, mas já com a aparência desejada.

Existem várias opções de Tone mapping, e a melhor forma de descobrir como elas funcionam é criando diferentes HDR's e... fuçando nos botões! Se você não sabe por onde começar, dá para conseguir uma boa edição usando as opções da aba Details enhancer:

- Strength: é a força da HDR, ou seja: o quanto que você quer misturar das diferentes exposições numa única imagem. Quanto menor o valor, mais discreta será sua HDR; quanto maior, mais forte será a edição.

- Color saturation: saturação. Quanto maior o valor, mais colorida (cores mais saturadas) ficará sua imagem.

- Light smoothing: uma das opções mais importantes. Note que, ao selecionar a primeira “bolinha”, sua foto ficará um tanto forçada e cheia de halos nas bordas. A última “bolinha” significa máxima suavização do efeito.

- White point: essa opção define um ponto de luminosidade, clareando a cena.

- Black point: essa opção define um ponto de sombra, escurecendo a cena.

- Gamma: possui uma característica diferente das opções de gamma que nos são familiares. Essa opção utiliza a luminosidade da cena para mostrar mais detalhes.

- Process: após fazer as edições desejadas, você clica nesse botão para processar a imagem e transformá-la em um arquivo que pode ser exportado (salvo) em outros formatos. Assim você pode continuar editando a foto em outros programas, como o Photoshop.

(+) BÔNUS!

Se você ainda ficou com alguma dúvida, o site How To: Take HDR Photos disponibiliza tutoriais em vídeo (em inglês) para diferentes tipos de câmera. Clique aqui para acessar o site e assistir os tutoriais.

(*) este tutorial foi feito com base nesse artigo..

Descubra como adicionar texturas a suas fotos

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 22 Oct 2016 19:57:00 +0000

Textura - uma das palavras que mais vi por aí, soltas ao acaso em sites e blogs de fotografia, pelo Flickr... confesso que nunca me ative a esse tema a ponto de aprofundá-lo. Mas a curiosidade acabou me levando a pesquisar um pouco sobre isso, e o resultado é este pequeno post.

Enfim: textura é o que nos permite imaginar como é a superfície que estamos vendo nas fotos - como se pudéssemos sentir o material do qual ela é feita.

> ÁRVORES, FLORES E FOLHAS

Mesmo morando em centros urbanos, sempre é possível dar uma volta e encontrar, logo ali, diversas opções de árvores, folhas, galhos, flores para fotografar. Flores secas, folhas viçosas, galhos emaranhados... basta um passeio até a pracinha da esquina para constatar como é grande a variedade.

Foto:Tuane Eggers 

> METAL 

Do aço frio de um garfo pousado sobre a mesa à ferrugem de um velho navio encalhado, também temos várias opções. Observe as vigas de um ginásio, o traçado das grades ao longo da calçada, as rodas de uma bicicleta, etc.

Foto: Philipp Klinger

> PEDRAS 

Preciosas, afiadas, polidas, brutas: pedras. Até mesmo uma trilha de pedregulhos pode guiar o olhar do observador para um ponto de interesse em sua foto.

Foto: Batikart 

> MADEIRA 

A mesa do seu escritório, troncos de árvores enfileiradas ao longo de um lago, raízes, lenha em brasa, lascas...

Foto: Brandon Christopher Warren 

> TIJOLOS E PARALELEPÍPEDOS 

Talvez essa seja a mais pop dentre as texturas. Muros e tijolos estão por toda a parte, basta dar uma olhada através da janela. Além disso, as linhas da junção dos tijolos com o cimento podem criar formas geométricas e padrões interessantes.

Foto: Joep R. 

> TINTA 

Podemos aproveitar desde a cremosidade da tinta molhada até as bolhas e ranhuras que se formam quando ela começa a envelhecer.

.

Técnicas fotográficas avançadas: retratos

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 15 Oct 2016 20:07:00 +0000

Continuando com a série "Técnicas fotográficas avançadas", chegou a vez de falar um pouco mais sobre um dos estilos de fotografia mais populares: o retrato. Todos nós queremos guardar boas lembranças das pessoas que convivem conosco e de nós mesmos - e é por isso que os retratos são tão amados.

Foto: Fmelot

Por mais que o retrato seja um estilo bastante popular, não significa que seja algo tããão simples quanto parece. Vale a pena investir um pouquinho de tempo para aprimorar a qualidade de nossos retratos - afinal, eles ficarão conosco pelo resto da vida. Abaixo, pequenos truques que podem fazer uma grande diferença na hora de fotografar outras pessoas ou tirar um auto-retrato.

> POSE?

A tendência de quase todo mundo é fazer uma pose ao ser fotografado. Se a foto parecerá "forçada" ou não... bem, isso vai depender de vários fatores (ângulo, imuminação, fotogenia, etc.).

Digamos que você tenha viajado com a família para o litoral. Provavelmente você não vai querer perder um tempão escolhendo cenários e compondo a cena - vai querer mesmo é curtir a viagem, né? Pois bem: basta seguir alguns passos simples e rápidos para garantir um bom registro da viagem e não perder um minuto sequer de diversão.

Primeiramente, reflita se o que você quer é mesmo um retrato ou um registro da paisagem. Nem sempre é possível unir as duas coisas numa única foto e ainda esperar que ela fique boa. Na dúvida entre um retrato mais detalhado e uma landscape, invista nos dois: a landscape registrará o cenário de forma mais ampla, mostrando a essência da paisagem natural ou da arquitetura; e o retrato estará focado na pessoa em questão, podendo aparecer aí um detalhe do cenário ao fundo ou qualquer outra coisa que possa identificar o local.

O ônibus vermelho ao fundo não deixa dúvida: é Londres.
No entanto, o assunto principal é a garota (foto: Mika_I)

> GRUPOS

Fotografar grupos é mais complicado: alguém sempre acaba saindo com uma cara estranha, outro sai piscando, ou olhando para o lado errado... aqui também entra em questão a fotogenia de cada um. É pos isso que posicionar todos numa única linha e olhando diretamente para a câmera pode acabar sendo um "desastre" (porque sempre vai ter aquele que vai ver a foto e se achar horrível). O que fazer, então?

Se possível, leve o grupo para um ambiente ao ar livre. A foto ficará mais leve e a luz natural melhorará a aparência de todos. Caso seja um dia ensolarado, posicione-os de forma que a luz ilumine seus rostos (ou use um flash de preenchimento); em dias nublados, não são necessárias grandes preocupações em relação à iluminação.

Quanto ao posicionamento, você pode (e deve!) usar a criatividade: peça para que alguns olhem diretamente para a câmera, outros para direções diferentes; que alguns fiquem de pé, outros agachados; alguns podem segurar objetos, outros podem se abraçar...

Fotografar grupos pequenos (de três ou quatro pessoas) é um pouco mais fácil. Você pode dispor todos perto de uma árvore, um carro ou qualquer outro ponto que possa ajudar a organizar a formação. Tome cuidado com o fundo: se for chamativo demais, poderá atrair mais atenção do que as pessoas que estão sendo retratadas.

Foto: Debba Haupert

Ao fotografar em ambientes internos, é muito provável que seja necessário usar o flash para evitar que o rosto de algumas pessoas fique escurecido. Tome uma certa distância do grupo (dois ou três metros) para garantir que a luz do flash se distribua de maneira mais ou menos uniforme, mas procure manter todos dentro do enquadramento. Evite formações de mais de duas linhas (algumas pessoas na frente e outras mais atrás), senão luz do flash poderá não iluminar a todos.

> AUTO-RETRATO

Muita gente não gosta de ser fotografada por outras pessoas: sentem-se mais à vontade em auto-retratos. Para quem é tímido ou não se acha muito fotogênico, o auto-retrato é a oportunidade perfeita para ousar e fazer coisas que jamais conseguiria na frente dos outros.

Nem todo auto-retrato precisa ter cara de auto-retrato. Fotos fora de enquadramento, com ângulo estranho e braço esticado aparecendo? Só mesmo se você fizer questão disso.
Antes de começar a ajustar sua câmera, pense no clima que você quer transmitir ao espectador ou na finalidade das fotos: quer parecer introspectivo ou amigável? a foto é para um avatar, para seu álbum de fotos ou para um currículo? Após pensar nisso, invista um tempinho na pré-produção: escolha a roupa, o local, a maquiagem, etc. (é sempre bom fazer um auto-retrato quando você estiver com algum tempo livre, sem maiores compromissos)

Agora que esses detalhes já foram definidos, você pode ajustar a câmera e escolher os ângulos que vai fotografar. Se quiser enquadrar apenas seu rosto, pode usar o zoom, virar a lente para si e fotografar - basta conferir na tela o resultado da foto e ver o que precisa ser corrigido (postura, enquadramento, iluminação, etc.) nos próximos clicks.

Se deseja uma foto que mostre mais partes do seu corpo ou uma distância maior entre você e a câmera, use o timer. Caso não tenha um tripé, apoie a câmera em uma superfície estável (mesa, carro, cama, muro, etc.), faça os ajustes necessários, defina o enquadramento, programe o timer e corra! Você pode "treinar" algumas poses em frente ao espelho antes da sessão fotográfica, mas é sempre bom conferir o resultado de cada imagem no visor para ir fazendo os ajustes necessários.

Auto-retrato de Manu Ebert

Você tirou uma foto sua e não gostou do resultado? Não desista: às vezes é preciso tirar 30 fotografias para gostar de apenas uma. Tire o maior número de fotos possível, varie, invente: tente coisas que talvez possam parecer loucura na hora. E lembre-se que sempre é possível corrigir algum defeito de iluminação, enquadramento, saturação e outras coisas com a ajuda do Photoshop!
.

Você sabe qual é a função do histograma?

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 10 Oct 2016 19:37:00 +0000

Na categoria das ferramentas mais mal-compreendidas, o histograma certamente ocupa seu lugar entre os primeiros da lista. Algumas pessoas dizem que não conseguem viver sem; outras, sequer imaginam para que serve e como utilizá-lo na hora de fotografar.

Pois bem: para esclarecer de uma vez o que são histogramas e como decifrá-los, escrevi este artigo. Pegue sua câmera e vamos aos testes!

> PARA QUE SERVE, AFINAL?

Um histograma pode nos dar muitas informações, como:

se a imagem foi exposta corretamente
se o tipo de luz era dura ou suave
quais ajustes funcionam melhor em sua câmera

Nas imagens, cada pixel tem uma cor, que por sua vez foi produzida através de uma combinação de cores primárias (vermelho, verde e azul - ou RGB: red, green e blue). Cada uma dessas cores pode ter um brilho, que varia de 0 a 255 numa imagem digital com profundidade de bits de 8-bits. Um histograma RGB é produzido quando o computador varre a imagem em cada um desses valores de brilho RGB e conta quantos pixels há em cada nível de 0 a 255. O resultado dessa varredura é um histograma semelhante ao da imagem acima.

> TONS

Gama tonal é o nome da região onde a maioria dos valores tonais se encontra. A gama tonal pode variar bastante de uma imagem para outra; portanto, desenvolver um conhecimento acerca de como os números se transformam em valores de brilho é essencial. Não existe um modelo de histograma ideal a ser seguido - cada histograma deve, simplesmente, seguir a gama tonal que o fotógrafo pretende transmitir.

Existe um mito que diz que para a exposição estar correta o gráfico do histograma deve criar uma montanha simétrica (semelhante ao exemplo abaixo), e que se as colunas tenderem para a esquerda ou para a direita a foto sairá super ou sub-exposta. Mas é preciso lembrar que algumas cenas jamais atingirão uma representação como a do gráfico acima. Acontece, por exemplo, quando você enquadra paisagens noturnas ou cenas com predomínio de tons claros. O gráfico irá tender para a esquerda ou para a direita, inevitavelmente, e nem por isso a exposição correspondente será incorreta.

Veja os exemplos abaixo, que resumem o que acabei de explicar:

O close numa flor bege faz com que os registros do histograma se concentrem à direita

Aqui a imagem está com uma boa exposição: os registros estão distribuídos por todo o histograma, os detalhes das partes escuras da imagem foram preservados

Ainda que haja concentração de dados à esquerda do histograma, esta foto também está bem exposta: é possível ver os detalhes das sombras

Já os exemplos abaixo nos mostram quando um histograma pode denunciar uma imagem lavada ou sub-exposta:

Sub-exposição

Exposição normal

Super-exposição

> CONTRASTE

Um histograma também pode descrever quanto contraste há numa determinada imagem. Contraste é a medida da diferença de brilho entre as áreas claras e escuras de uma cena. Histogramas largos são típicos de cenas com bastante contraste; histogramas estreitos resultam de imagens com menos contraste, que podem parecer achatadas e sem-graça.

O contraste alto ou baixo pode ser determinado por uma combinação de fatores de luz e sujeito. Assim: fotos tiradas em condição de neblina ou fumaça terão baixo contraste; fotos tiradas sob sol forte, por outro lado, terão contraste muito mais alto.

O contraste pode ter um impacto visual muito grande se o objetivo é enfatizar texturas (como é o caso da imagem acima, por exemplo). A imagem em alto contraste tem sombras mais profundas e brilho mais pronunciado, criando texturas que saltam aos olhos do espectador.

A medida do contraste também pode variar de acordo com a região de uma mesma imagem, se houver diferentes condições de luz e sujeito nela. Observe a imagem abaixo:

A região ao topo contém mais contraste que as outras, pois a imagem é criada a partir da luz que é refletida diretamente dos objetos. Isso produz sombras mais profundas logo abaixo do barco, e brilhos mais fortes nas áreas acima e expostas. As regiões do meio e de baixo são inteiramente produzidas por luz difusa, luz refletida pela superfície da água, e por isso têm menos contraste - como se a foto fosse tirada sob neblina.

A região de baixo tem mais contraste que a do meio (apesar de apresentar um céu com um único tom de azul), porque ela contém uma combinação de sombra e luz intensa do sol. As condições de luz na parte de baixo criam brilhos mais acentuados, mas mesmo assim ela não apresenta as mesmas sombras profundas que a região do topo. A soma dos histogramas das três regiões produz o histograma geral (abaixo).

Guia expresso para compor cenas rapidamente

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 31 May 2016 16:07:00 +0000

As câmeras digitais facilitaram muito a vida de quem gosta de fotografia: se você ajustar sua câmera antes, ou mesmo se preferir deixá-la no modo easy (point & shoot), estará livre para se preocupar mais com a composição do que com outros aspectos técnicos.

Quando você começa a dar maior atenção à composição percebe que não é necessário ter uma bela paisagem ou cenário para fotografar, mas que qualquer lugar pode render uma boa imagem - desde que saibamos como compor uma boa cena. Mover um objeto, escolher a textura da parede do fundo, mudar o ângulo... todos esses pequenos ajustes podem fazer uma grande diferença no resultado final.

Foto: Photoactive

Já falei aqui no blog sobre como compor cenas rapidamente; hoje volto a falar sobre o assunto de forma mais detalhada, pois a composição - mais talvez do que os ajustes mecânicos feitos na câmera - é a grande responsável pela transmissão de sentimentos e outras sensações ao espectador.

> SEM TEMPO? ANALISE O CENÁRIO MENTALMENTE

Será que é possível parar e pensar na composição em nosso corrido dia-a-dia?

Digamos que você viu uma cena interessante e está com a câmera logo ali na mochila, mas sabe que vai levar algum tempo para fazer os ajustes necessários (foco, WB, etc.) e enquadrar os objetos ou sujeitos que a compõem... daí, quando você finalmente está com tudo pronto, o sol se escondeu atrás ds nuvens e o objeto que você queria registrar já não está mais ali. Frustrante, não?

Para prevenir esse tipo de frustração, é bom ter a câmera previamente ajustada (como falei aqui). Eu tenho o costume de fazer os ajustes enquanto caminho mesmo, pois tenho em mente o local para onde estou indo (quando sei para onde estou indo, claro) e imagino quais serão as condições de iluminação e a qual distância pretendo me posicionar; e caso seja preciso fazer algum ajuste depois, certamente será muito mais rápido e não perderei tanto tempo.

Outra coisa que você pode fazer é enquadrar a cena mentalmente. Isso é bom quando você não quer chamar muita atenção para si e deseja um resultado natural ao fotografar pessoas - porque todo mundo sabe o quanto alguns se assustam ou artificializam seus atos quando avistam alguém com uma câmera na mão, né? Então: se você enquadrar a cena mentalmente, praticamente só precisará ligar a máquina e bater as fotos - o que pode levar poucos instantes, dependendo do quanto você conhece sua câmera -, simples assim.

> FOQUE NO MELHOR

Tome cuidado para não incluir muitas coisas no enquadramento: elas podem desviar a atenção do espectador. Procure incluir coisas que destaquem ou direcionem o olhar diretamente para o assunto principal.

Foto: Andrew Hefter

> PRESTE ATENÇÃO AO FUNDO

O que você vai usar como fundo para compor a cena pode (e deve) ser interessante - mas não mais que o assunto principal. Procure um fundo suficientemente uniforme e preste atenção à textura e às cores.

Foto: Cuba Gallery

É possível simplificar suas fotos e reforçar o interesse sobre o objeto central se você selecionar fundos simples, evitando assuntos não-relacionados ao assunto principal e chegando mais perto (ou fazendo uso do zoom).

Em geral, a fusão de fundos é desagradável e pode roubar a atenção do assunto principal. Fusões de fundo são objetos ou linhas que estão muito próximas do assunto principal e dão a impressão de "pertencerem" a ele (como quando os galhos de uma árvore parecem sair da cabeça de alguma pessoa, como se ambos estivessem no mesmo plano).

> HORIZONTAL X VERTICAL

Essa é outra dica simples que faz toda a diferença. Se você girar a câmera em 90º, poderá incluir ou priorizar diferentes elementos no enquadramento. De modo geral, dá para conseguir retratos mais interessantes ao posicionar a câmera verticalmente (veja o exemplo abaixo).

> LINHAS

Elas podem ser muito úteis quando o objetivo é direcionar a atenção do espectador para algum ponto específico da foto. Não é necessário que sejam linhas retas e perfeitas: pode ser o traçado de uma estrada, as árvores no horizonte, uma cerca ou um rio. Você pode tanto usar uma linha de forma parcial (como uma estrada que conduz até a gruta que é o assunto principal da sua foto), ou fazer com que a linha atravesse a imagem de um lado até outro, formando uma diagonal (como no caso abaixo).

Foto: nature-photography-central

Se a idéia é transmitir vivacidade, as linhas são a aposta mais segura: a imagem passará sensação de movimento para quem a estiver observando. Você pode utilizar mais de uma linha na composição da cena, ou registrar uma intersecção (como um rio que é cortado por uma cerca lá adiante); mas é preciso ter em mente que um emaranhado de linhas pode levar ao efeito contrário e criar uma confusão visual.

Foto: Ursi's Blog

Observe a imagem acima: logo de cara fica evidente que o assunto principal da foto é o rochedo. Tanto à esquerda quanto à direita das rochas estão presentes linhas que conduzem o olhar diretamente para lá. Olhando ainda mais atentamente dá para perceber qual é o grande feito de quem a registrou: tanto o mar quanto o céu ou a areia em primeiro plano poderiam ter desviado a atenção, mas ao invés disso nosso olhar é conduzido imediatamente ao rochedo.

> EQUILÍBRIO

Alcançar um bom equilíbrio também é uma das recomendações para conseguir boas composições. Equilíbrio perfeito é simplesmente o arranjo das formas, cores, áreas de luz e sombra que se complementam mutuamente - dando à cena uma aparência equilibrada.

Essa é minha: casa bem colorida

> ÂNGULOS

Acredite ou não, o melhor ângulo para uma foto nem sempre é "vertical - diretamente de frente para o tema". Abaixe-se até o nível das flores para fotografar um jardim, suba numa árvore para registrar um campo. Experimente e tente perspectivas diferentes: procure ângulos que sejam interessantes e demonstrem o tom e a inspiração que você está tentando transmitir.

> (NOVAMENTE) A REGRA DOS TERÇOS
Divida mentalmente o visor da câmera em três colunas e três linhas, como se fosse um jogo da velha (algumas câmeras oferecem esse recurso para ser visualizado na tela de LCD; verifique as configurações da sua). Na fotografia, isso também é conhecido como "a regra dos terços".

Posicione nas intersecções das linhas os pontos que você considera mais interessantes na cena. Nas linhas propriamente ditas também podem ser mostrados pontos de destaque, como por exemplo os olhos de uma pessoa ou o horizonte.
(+) BÔNUS!

Eu costumo falar isso por aqui, mas não perco a oportunidade de repetir: todas as dicas e técnicas servem como apoio, mas ninguém deve se preocupar apenas em decorá-las e se ater a aspectos puramente técnicos. Com o tempo e a prática, essas coisas acabam se tornando quase naturais. O que importa mesmo é exercitar sua criatividade: fotografe o que tiver vontade da maneira que você achar melhor - suas imagens terão personalidade própria. E me mostre o resultado depois: deixe o link aqui nos comentários, mande pelo Twitter ou por e-mail. Tudo o que é interessante deve ser compartilhado ;)
.

Saiba qual a melhor maneira de utilizar o fotômetro

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 09 Dec 2015 15:17:00 +0000

O fotômetro (metering mode, em inglês) serve para nos auxiliar a medir a quantidade e a intensidade da luz que será capturada através da lente. Sua escala de medição varia entre -2EV e +2EV, sendo que 0EV representa a exposição ideal.

Existem modelos de fotômetros externos ou embutidos na própria câmera, bem como modelos manuais (imagem abaixo).

A maioria das câmeras compactas permite o ajuste manual desse valor; entretanto, outros valores (como ISO e velocidade do obturador, por exemplo) também podem alterá-lo.

> MODOS DE MEDIÇÃO

Medição média: é o ajuste automático padrão de todas as câmeras compactas. Leva-se em consideração a quantidade de luz disponível em toda a cena, e é de acordo com esse valor que será feita a calibração do obturador e do diafragma. Recomenda-se esse modo de medição para cenas bem iluminadas e com baixo contraste.

Medição centralizada média: um pouco mais precisa do que a anterior, prioriza a luz presente na área central. Essa medição é indicada para situações em que a iluminação do objeto central da cena é um pouco diferente da iluminação do fundo. Ideal para retratos.

Medição central ou Spot: para cenas em que a diferença entre a iluminação do objeto central e a do fundo são muito diferentes (como shows ou peças teatrais onde o palco é iluminado por holofotes, por exemplo). A fotometria é medida pela parte central do visor da câmera , descartando-se as informações do resto do cenário. O importante nesse modo é mirar o ponto central (spot) no objeto a ser medido, que não necessariamente precisa estar no centro do enquadramento (dei essa dica nesse artigo).

> FOTÔMETRO MANUAL

O site Câmara Obscura disponibilizou uma versão para impressão do um mini-guia que desvenda os mistérios do fotômetro manual. Aqui.

> COMPENSAÇÃO DE EXPOSIÇÃO

Todas as câmeras fotográficas possuem esse recurso. Como o próprio nome sugere, ele serve para compensar exposições incorretas, que podem ser causadas por inúmeros fatores. Mas ele não serve exclusivamente para corrigir: você também pode fazer uso desse recurso para criar diferentes climas em suas fotos.

Através da regulagem desse valor, é possível programar sua câmera para que ela absorva uma maior ou menor quantidade de luz e evitar que a imagem fique super ou sub-exposta. Grosso modo, pode-se dizer que

de -0.3EV até -2EV = a câmera absorverá menos luz

de +0.3EV até +2EV = a câmera absorverá mais luz

Ao compensar a exposição, você estará informando à câmera que a medição de luz em determinada cena não é adequada e que ela deverá, portanto, capturar uma maior ou menor quantidade de luz.

Para que as sombras ficassem mais acentuadas na foto acima, compensei a exposição com -0.7EV

Só não esqueça de reajustar o valor EV para 0 (zero) ao final da sessão ;)

5 passos para fotografias noturnas perfeitas

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 25 Mar 2015 18:07:00 +0000

De modo geral, paisagens urbanas tornam-se fotograficamente mais interessantes ao cair da noite. Edifícios cuja arquitetura passaria despercebida durante os dias coloridos revelam sua outra face sob a iluminação artificial dos postes e faróis dos carros.

Foto: Adriana Cecchi

A noite revela novos tons e possibilidades, mas tenho certeza que muitos de vocês já tentaram conseguir imagens noturnas com uma câmera automática e o resultado deixou muito a desejar... não é mesmo? Sei que eu já me frustrei muuuitas vezes, e justamente por isso resolvi falar um pouco sobre o assunto neste artigo.

> O QUE VOCÊ VAI PRECISAR?

Antes de mais nada, é preciso ter um cuidado especial com a segurança. Quem mora numa cidade grande sabe que as ruas ficam ainda mais perigosas à noite, e é sempre importante estar precavido. Convide alguns amigos para lhe acompanhar e evite andar por regiões desertas. Parece meio óbvio falar disso, mas é fácil nos distrairmos quando estamos fotografando - e alguém pode aproveitar a oportunidade para nos surpreender. Não custa prevenir, portanto.

Quanto ao equipamento, certifique-se antecipadamente que a bateria da câmera esteja com a carga completa e o cartão de memória funcionando adequadamente (não sei se isso acontece com vocês, mas meu cartão de memória é meio temperamental e já me deixou na mão algumas vezes). Se você tiver um tripé, leve-o junto: é praticamente impossível conseguir fotos noturnas nítidas sem apoiar a câmera em algum lugar estável. Ah, e uma lanterna e alguns pedaços de papel celofane coloridos podem ser bem úteis (veja abaixo por que).

> AO CAIR DA NOITE

Um bom horário para fotografar é pouco antes do cair da noite (na "hora mágica", mais precisamente), quando o céu ainda está levemente iluminado pelo sol e é possível avistar o contorno das construções no horizonte; ao mesmo tempo, a luz gerada pelos postes e faróis dos carros já se faz presente, e o contraste entre os diferentes tipos de iluminação resulta em imagens fantásticas, algo urbano com um certo ar bucólico.

Foto: Lady Vervaine

Aproveite esse momento para conseguir imagens que incluam o céu no enquadramento.

> DEPOIS QUE A NOITE CAI

Se sua câmera oferece controle manual do tempo de exposição... sorte sua! Você pode conseguir muitas imagens interessantes com esse recurso: dá para captar o "rastro" dos faróis dos carros, deixar nítido um cenário que ficaria escuro com um tempo de exposição baixo, e muito mais. Outra coisa interessante para se fazer com esse recurso é aliá-lo à luz de uma lanterna: durante o tempo em que a lente estiver exposta, você pode iluminar partes específicas de uma cena; assim, cria-se um jogo de claro e escuro e você destaca apenas o que quiser.

Caso você escolha usar a lanterna como iluminação auxiliar, é válido levar também alguns recortes de papel celofane de diversas cores, para testar um visual diferente no resultado final das imagens. Lembre-se também de que, ao contrário do flash – que ilumina uma área grande e de maneira relativamente uniforme – a lanterna serve principalmente para ressaltar detalhes e causar efeitos dramáticos.

Foto: Catch the dream

Geralmente é melhor deixar as lâmpadas artificiais de fora do enquadramento, mas dá para aproveitar suas luzes e o contraste claro/escuro numa rua, por exemplo. Se você enquadrar as lâmpadas, a foto pode ficar superexposta e o resultado será ofuscado pela claridade excessiva.

> ISO

E que valor de ISO escolher para esse tipo de foto? O ideal é utilizar um valor mais baixo (entre 200 e 400), para evitar a formação de pontos coloridos nas imagens. Caso sua câmera não permita o ajuste manual do ISO, fotografe com a maior qualidade disponível nas configurações; assim você poderá tratar a imagem posteriormente para corrigir possíveis falhas da máquina.

> (+) BÔNUS!

Se você seguiu todas as dicas mas ainda assim acha que o resultado não está bom... caaalma! Fotografia noturna não é algo simples e também não existe uma fórmula infalível que você possa seguir e acertar rapidamente. É preciso ter paciência, tentar várias vezes, errar muito para começar enfim a acertar. Não desista: uma vez que você persistir e descobrir como conseguir o melhor de sua câmera à noite, tudo começará a melhorar ;)
.

Fotografe com o celular - e qualidade profissional

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 25 Feb 2014 17:37:00 +0000

Em 2009, quatro em cada cinco usuários de celular possuíam um modelo com câmera fotográfica integrada. Isso já não é mais novidade, é um item que acompanha praticamente todos os aparelhos que estão à venda atualmente.

Foto: mattbeechan

A maior vantagem que esse tipo de câmera oferece é a portabilidade: você a carrega tranqüilamente para qualquer lugar, sem nem mesmo chamar atenção. Apesar disso, muitas pessoas evitam utilizar o celular para fotografar, seja por não saber ao certo como lidar com os recursos limitados dessas câmeras ultracompactas ou por achar o resultado final insatisfatório.

O fato é que às vezes não temos outra câmera disponível no momento em que precisamos... o que fazer, então? Será que dá para conseguir fotos interessantes com uma câmera dessas, fotos que realmente agradem ao espectador?

> TESTE OS LIMITES DO SEU CELULAR

Já existem modelos de celular com câmeras quase tão boas quanto uma câmera automática tradicional, que oferecem várias opções de ajustes manuais. Entretanto, tais modelos geralmente não são muito ace$$íveis, e a maioria dos celulares possui câmeras que deixam bastante a desejar. É por isso que a maioria das pessoas acaba deixando de lado esse recurso, e só usam a câmera do celular quando é a última opção que lhes resta.

Para conseguir fotos melhores, é imprescindível que você conheça seu equipamento - só assim saberá como agir e os ajustes que devem ser feitos em diferentes situações. E se você usa a câmera do celular muuuito de vez em quando, fica difícil conhecê-la bem.

Proponha-se o seguinte desafio: utilizar apenas a câmera do celular durante um mês, com o compromisso de registrar ao menos uma foto por dia. Explore diferentes estilos e objetos, veja quais opções de ajuste você pode usar, fotografe em diferentes horários. Dois pontos devem ser observados com maior atenção:

Profundidade: algumas câmeras possuem um ótimo alcance de profundidade, mas nem todas são assim. Para descobrir o alcance da sua, faça o seguinte teste: escolha um objeto para ficar em primeiro plano e observe o que acontece com o fundo. Se o fundo ficar desfocado, sua câmera possui um alcance bastante limitado (e você deverá ter isso em mente ao fotografar landscapes e outras cenas distantes); se estiver nítido, o alcance é bom.

Medição de luz: observe se sua câmera possui a opção de medir a luminosidade de uma cena através de um ponto central; se a resposta for afirmativa, é um grande ponto a seu favor. Como falei nesse outro artigo, é possível controlar o tempo de exposição através dessa medição, e através desse recurso você poderá conseguir silhuetas ou uma cena mais nítida.

> CORES OU PRETO E BRANCO?

Essa é a primeira pergunta que você deve se fazer: qual será a vantagem de registrar a cena que estou vendo em preto e branco? Se o cenário oferece formas interessantes e poucas cores, talvez seja melhor investir no PeB; mas se você está fotografando um jardim florido, PeB pode não ser a melhor opção.PeB é uma ótima opção quando o fundo é confuso e você quer destacar um objeto ou sujeito específico. Fotógrafos urbanos costumam utilizar esse recurso para atrair a atenção imediatamente para o assunto principal da foto, já que as ruas das grandes cidades costumam ser movimentadas e multicoloridas.

Foto: iimarre

Você também pode optar por fotos coloridas ao amanhecer e entardecer, e por PeB durante os demais horários do dia (quando a luz é muito intensa).

> ZOOM

Aqui também é preciso ter cuidado, pois muitos celulares não possuem zoom ótico, apenas digital. O zoom digital nada mais é do que uma ampliação de determinada parte da cena que está sendo fotografada, ou seja: a imagem perderá qualidade.

Caso seu celular possua tanto o zoom ótico quanto o digital, verifique se é possível desabilitar o zoom digital - então você poderá usar o recurso sem problemas e sem comprometer a qualidade da foto. Mas evite utilizar o zoom se o celular possui apenas a opção digital.

(+) BÔNUS!

Em 2005, o fotógrafo Robert Clark publicou um dos primeiros livros de fotos feitas exclusivamente com uma câmera de celular. Image America é um registro da viagem de Clark através da América do Norte, e você pode conferir várias fotos em seu site: www.robertclarkphoto.com

A ponte de Williamsburg, em Nova York

Os últimos desejos no coredor da morte: a série fotográfica de James Reynolds

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 09 Mar 2013 03:27:00 +0000

Sinceramente, não lembro há quanto tempo eu não me deparava com algo tão impactante quanto o trabalho do fotógrafo e designer James Reynolds. Recém graduado em Design Gráfico pela Kingston University, o jovem londrino começou a chamar bastante atenção já com seus primeiros trabalhos.

A série Last Suppers mostra nove imagens que retratam a última refeição de prisioneiros norte-americanos no corredor da morte. As fotos desses últimos pedidos traduzem as diferentes reações das pessoas diante da morte: vemos desde pedidos simples e inusitados, como uma única azeitona, um maço de cigarros, apenas frutas ou até mesmo uma cebola crua.

A temática poderia ser mórbida e pesada demais, mas ganha um ar interessante devido à disposição minimalista dos alimentos feita por Reynolds. Abaixo, todas as imagens da série Last Suppers; conheça melhor o trabalho dele aqui.

Para que serve o AF illuminator?

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 31 Jul 2012 03:57:00 +0000

Há alguns dias, a Mau (do blog Fragmentos do Dia) comentou que tinha certa dificuldade para fotografar a cadelinha dela: em parte por que a Nina é tímida, mas também por causa daquela luzinha vermelha.

A famosa luzinha vermelha (foto: Nick See)

Mas você sabe para que serve essa luzinha (cujo nome é AF illuminator)? É necessário deixá-la ligada o tempo todo?

> AFINAL, ISSO SERVE PARA QUE?

A tradução de AF illuminator é algo como iluminador auto-foco. Ele é disparado para que a câmera calcule a distância de você até o assunto que pretende fotografar, e isso ajuda no ajuste do foco.

A luz emitida nem sempre é vermelha: também pode ser branca ou laranja, dependendo do modelo da câmera. Até não muito tempo atrás, esse recurso era mais comum em câmeras fabricadas pela Sony; agora é mais fácil encontrá-lo em marcas como Olympus e Canon.

> QUANDO USAR?

O AF illuminator é ideal para fotografar em ambientes pouco iluminados ou completamente escuros - logo, você não precisa deixá-lo ligado durante o dia ou em ambientes claros.

Ao ativar o AF illuminator, as chances do assunto da foto sair desfocado diminuirão. Claro que também é possível resolver isso de outra forma, caso sua câmera não possua esse recurso ou você simplesmente não queira usá-lo: ajuste a distância do foco manualmente (veja aqui como fazer isso), ou faça uso da luz do flash.

Para testar a eficácia da luzinha vermelha, tirei duas fotos com minha câmera: uma com o AF ligado, outra com ele desligado. Ambas foram tiradas sem flash, tendo como fonte de luz apenas a televisão, ISO 800; para ampliar, clique na imagem. (e antes que alguém pergunte: sim, essa é minha sala!)

Foto sem AF illuminator: pouca definição, as cores não se destacam

Foto com AF illuminator: maior nitidez, a captura de cores
fica mais próxima daquilo que vemos com nossos próprios olhos

Aliando o iluminador AF ao flash, você conseguirá estender o alcance do foco quando houver pouca luminosidade disponível. Ou seja, se apenas com o flash sua câmera conseguiria fotografar nitidamente um objeto que está a três metros de distância, com o auxílio do AF illuminator o alcance poderá chegar a quatro ou cinco metros.

Uma das coisas que você deve ter em mente é que esse recurso exige bastante da bateria de sua máquina. Se você está viajando e não tem bateria reserva, é melhor evitar utilizá-lo. Para desativá-lo, vá até o menu configurações (ou setup) de sua câmera - lá deverá estar disponível a opção de deixar o AF em modo automático (auto) ou desligado (OFF).
.

Você usa o visor ótico da sua câmera?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 16 Jun 2011 03:07:00 +0000

Logo que as câmeras digitais foram lançadas, alguns fabricantes passaram a oferecer modelos que contavam com a sensação tecnológica do momento: a tela de LCD. Tão grande foi a euforia em torno dessa novidade, que certos modelos foram lançados apenas com a tela de LCD, sem o tradicional visor ótico das câmeras analógicas (é o caso da Samsung A402 da foto à direita).

Foi uma novidade e tanto - afinal, quem gostava de esperar até o filme ser revelado para descobrir como as fotos ficariam? E veio para ficar: tanto agradou, que quase ninguém sentiu falta do ultrapassado visor ótico.

A maioria das pessoas utiliza a tela de LCD para enquadrar suas fotos. Mas o que será melhor na hora de fotografar: o visor ótico ou a tela de LCD?

> EM DEFESA DO VISOR ÓTICO

Escrevi que a maioria das pessoas utiliza a tela de LCD como se eu mesma não fizesse parte dessa maioria, mas a verdade é que só descobri as vantagens do visor ótico há pouco tempo. E foi por pura necessidade, admito! Vou contar para vocês: eu estava tirando algumas fotos nas dunas num dia nublado, e a claridade era tão grande que o reflexo na tela me impedia de visualizar a imagem a ser capturada; resolvi usar o pequeno e esquecido visor ótico... e o resultado foi surpreendente! Consegui visualizar tudo de forma clara, e achei-o muito melhor que a tela de LCD.

Uma das primeiras fotos que tirei com o auxílio do visor ótico

Depois disso, quase não usei mais a tela de LCD - só mesmo para fazer alguns ajutes na configuração da câmera e visualizar as fotos tiradas.

Ao optar pelo bom e velho visor, você desfrutará das seguintes vantagens:

economia de energia: numa viagem longa, é a melhor opção caso você não esteja levando uma bateria reserva (claro que isso só funcionará se você não ficar revendo a cada instante as fotos tiradas);

maior tempo com a lente aberta: você já reparou que as câmeras automáticas recolhem a lente depois de um tempo inativas, certo? Isso é irritante quando a intenção é tirar mais de uma foto em seqüência. Desligando a tela de LCD e usando o visor, a lente permanecerá aberta por muito mais tempo, por vários minutos. Ou seja: você vai estar com a câmera pronta pra fotografar, sem gastar quase nada da carga da bateria;

melhor visualização da cena em alguns ambientes: é o que eu mencionei acima: se você estiver em um local muito iluminado, que esteja causando reflexo na tela, melhor utilizar o visor.

> DUAS DESVANTAGENS

Embora o visor ótico ofereça vantagens tentadoras, é preciso ficar atento a alguns detalhes. Coisas simples, mas é bom que você saiba do que se trata.

Em primeiro lugar, você perceberá que o enquadramento da sua foto não sairá do mesmo jeito que você viu através do visor; é pouca diferença e sua foto não sairá "cortada", apenas com o enquadramento um pouco maior do que o desejado. Conhecendo bem sua câmera, você poderá prever o que ela incluirá a mais e fazer o ajuste de acordo com isso - é o que eu faço, por exemplo. Aqui você encontrará algumas dicas para driblar esse erro.

Mas por que isso acontece? Nas câmeras compactas (ao contrário das D-SLR), o visor ótico é separado da objetiva, estando posicionado acima dela. Isso ocasiona uma ligeira diferença entre o ângulo que vemos através dele e o que será de fato fotografado. É o chamado erro de Paralaxe.

O erro se agrava em fotografias à curta distância. Para macros, prefira sempre a tela de LCD, que lhe mostrará a imagem tal qual será captada.

Fora o incômodo erro de Paralaxe, o que resta nem é tão incômodo assim. Se você gosta de fotografar com alguns efeitos (sépia, BW, ajuste de contraste, etc), não será possível visualizá-los através do visor. A mim isso pouco incomoda, pois prefiro tirar fotos "ao natural", com poucos ou nenhum ajuste.

Agora, cabe a você testar e decidir o que mais lhe agrada: o visor ótico ou a tela de LCD?
.

Aqui estão 53 ideias para você começar seu "projeto 365" ainda hoje

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 13 Mar 2011 15:37:00 +0000

No começo do ano passado, falei aqui sobre a grande quantidade de "projetos 365" que encontrei através do Flickr. Aquele foi um dos artigos de maior repercussão desde a criação do blog, e vários leitores mandaram e-mails comentando que haviam começado seu próprio projeto 365.

Na época em que o artigo foi publicado, confesso que tinha a real intenção de começar o meu também, mas só de pensar em arranjar assunto para tanta foto, todos os dias... acabei nem começando. Até que hoje encontrei um artigo muito bom no DPS, com idéias interessantes para um projeto desse tipo.

Abaixo, uma lista com 53 temas - um para cada semana. Você pode incluir assuntos de seu interesse ou explorar ao máximo cada um dos itens abaixo; lembre-se que a tabela serve apenas como um ponto de partida para suas próprias idéias.

> TÓPICOS

semana #01 juventude
semana #02 memórias
semana #03 café-da-manhã
semana #04 calor
semana #05 cansaço
semana #06 água
semana #07 cercas
semana #08 festa
semana #09 preto e branco
semana #10 flores e folhas
semana #11 espelhos
semana #12 sono
semana #13 vizinhos
semana #14 pôr-do-sol
semana #15 partes do corpo
semana #16 bicicletas

Foto: Martin Godwin

semana #17 macro
semana #18 observadores
semana #19 vento
semana #20 panning
semana #21 romance
semana #22 sombras
semana #23 automóveis
semana #24 frio
semana #25 ânimo
semana #26 insetos
semana #27 balanços

Foto: Stacy Magallon

semana #28 trabalho
semana #29 rente ao chão
semana #30 tempo
semana #31 sépia
semana #32 paz
semana #33 pimenta
semana #34 acima de nós
semana #35 família
semana #36 tentação
semana #37 cores
semana #38 desafio
semana #39 pais
semana #40 música
semana #41 texturas
semana #42 vegetais
semana #43 sorrisos
semana #44 raiva
semana #45 cozinha

Foto: Paul Outerbridge

semana #46 ferramentas
semana #47 mães
semana #48 silhuetas
semana #49 cenas da rua
semana #50 máquinas
semana #51 árvores
semana #52 janelas
semana #53 velhice

Foto do leitor: Neto Miguel

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 27 Oct 2010 00:37:00 +0000

Nesta edição da Foto do leitor conto com a participação de Neto Miguel. Confira abaixo as fotos dele e a mini-entrevista, e se você também quiser mandar suas fotos para serem publicadas aqui, entre em contato através do e-mail ajusteofoco@gmail.com.

> MINI-ENTREVISTA + FOTOS

Quando você começou a se interessar por fotografia?

Faz muito tempo que me interesso por fotografia. Há uns 4 anos, tinha uma câmera MUITO RUIM MESMO, aquelas que compra por telefone, sabe? Aí ficava tirando foto de todos os encontros com amigos, mas não entendia muito bem porque as minhas não ficavam tão boas. Mas nem encanei muito, nem era ligado com isso e deixei pra lá. Em setembro de 2009, ganhei a minha câmera atual (Sony DSC-H20) e a partir daí não parei mais MESMO. Comecei a pesquisar muito sobre todos os assuntos relacionados a fotografia, composição, enquadramento, tratamento etc e nomes de outros fotógrafos, foi quando virei fã de vários, a maioria aqui do Brasil mesmo.

Acho que é minha foto favorita e foi muito impensada. Estava rolando um encontro da minha classe na piscina, peguei a câmera e cliquei. A fumaça ficou surreal. E a menina é a minha melhor amiga.Combinou

Qual estilo de fotografia mais te atrai? (landscape, retratos, preto e branco, etc.)

Gosto muito de retratos e principalmente de fotografia de shows.

Já fez algum curso na área?

Nunca, só leio muito pela internet. Pretendo, o ano que vem, fazer faculdade de fotografia.

Foi feita no intervalo de uma sessão de fotos que estava fazendo de uma menina. Ficou cru, mas gostei do resultado com a edição.

Qual equipamento utiliza?

Somente uma câmera compacta, a DSC H20, da SONY.

Você tem algum "truque" na hora de fotografar, alguma dica que possa ser partilhada com todos que lêem o blog?

Não sei se é uma dica muito boa mas, sempre tiro mais de uma foto do mesmo local/objeto/paisagem, mudando um pouco o enquadramento, composição etc.

Essa fiz num lugar abandonado aqui da minha cidade, sai dar uma volta com essas duas amigas e saiu isso. Gostei bastante do resultado final!

Ídolos?

Sou fã de vários fotógrafos brasileiros, a maioria que fotografa bandas. Alguns: César Ovalle, Gustavo Vara, Coletivo BLACKBOX. São muitos!

Mais fotos do Neto estão disponíveis nos seguintes endereços:

http://br.olhares.com/netaao

http://www.flickr.com/photos/netaao

Agradeço ao Neto Miguel pela participação!

Edward Burtynsky revela os bastidores das fábricas chinesas

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 23 Sep 2010 20:37:00 +0000

O trabalho de Edward Burtynsky é um fotógrafo canadense mundialmente reconhecido por seu trabalho, que retrata cenários industriais e minérios. Descendente de ucranianos, nasceu em 1955, em St. Catharines (Ontario), e estudou na Graphic Art at Niagara College in Welland. Em suas fotos, Burtynsky explora a delicada relação entre natureza e indústria; disse que grande peso teve em sua formação o contato com instalações de uma fábrica da General Motors em sua cidade natal desde cedo.

> CHINA

A exposição China rodou pela Ásia, EUA, Canadá e Europa entre 2003 e 2005. As fotos abaixo, que mostram o cotidiano em fábricas da província sulista de Guangdong, fazem parte dela.

90% dos enfeites de Natal são de origem chinesa.

29% dos televisores.

75% dos brinquedos.

70% dos isqueiros.

Esses dados monstruosos escondem algo ainda mais perturbador: como vivem as pessoas por trás das fábricas, as pessoas que rodam as engrenagens desse sistema? Alojamentos, refeitórios e linhas de produção: pessoas dispostas num padrão, como se fossem nada mais que peças dessa engrenagem.

Para conhecer melhor o trabalho de Edward Burtynsky, acesse seu site oficial. .
.

Destaques da exposição do fotógrafo Fernando Rabelo em Porto Alegre

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 11 May 2010 14:27:00 +0000

Acontece hoje (11/05) a abertura da exposição do fotógrafo Fernando Rabelo (editor do blog Images&Visions) aqui em Porto Alegre. Para quem puder conferir, o evento começa às 19h na Aliança Francesa e fica em cartaz até o dia 05 de junho.

Bistrot no Marais

A cidade de Paris foi imortalizada em preto e branco nas lentes de fotógrafos franceses conhecidos mundialmente como Henri Cartier-Bresson e Robert Doisneau. Influenciado por esse olhar, de uma Paris humanista da segunda metade do século XX, Fernando Rabelo iniciou sua carreira aos quatorze anos na capital francesa, onde viveu durante a adolescência e tomou contato com as primeiras luzes da fotografia. Retratou a cidade no final dos anos setenta, onde realizou sua primeira mostra em preto e branco.

A exposição "Um Flâneur Brasileiro em Paris" conta com fotografias produzidas entre setembro de 2005 e junho de 2006, período em que o fotógrafo residiu novamente na França, e mostra o olhar de Fernando sobre uma Paris popular e cosmopolita, desvendando becos, ruas, igrejas, pontes e personagens da cidade.

Mulher na janela

O termo flâneur se refere àquele que caminha tranqüilamente pelas ruas, observando cada detalhe, sem ser notado, sem se inserir na paisagem, sempre à espera do momento mais propício, de uma luz particular. A Curadoria da exposição está a cargo da pesquisadora Teresa Bastos e o texto de apresentação é assinado pelo escritor Alcione Araújo. A mostra já foi exibida em 14 capitais brasileiras.

“Como flâneur, pude não só retratar Paris a partir de ângulos inusitados, como experimentar outra relação entre o tempo e a imagem fotográfica, houve momentos em que passava o dia flanando e voltava para casa sem nenhuma imagem. No dia seguinte, eu retornava aos mesmos lugares e realizava as fotografias, onde eu podia esperar pacientemente o melhor momento, a melhor luz, o instante mágico”, conta Rabelo. Para ele, a possibilidade de fotografar sem tempo determinado foi fator decisivo para o resultado das fotografias que integram a exposição.

Foire a la brocante

Durante mais de vinte anos Fernando Rabelo atuou como fotojornalista, tendo trabalhado para os mais importantes jornais brasileiros. “Na imprensa diária, a relação tempo/foto é completamente diferente da proposta do flâneur”, declara.

A idéia surgiu a partir de estudos de Rabelo sobre a importância do "olhar estrangeiro" na história da fotografia francesa. Desde a segunda metade do século XIX, após o surgimento do daguerreótipo, a contribuição dos estrangeiros enriqueceu a fotografia de Paris. Vindos de várias partes do mundo, eles transformaram a cidade luz na "capital da fotografia mundial".

Não é de se estranhar que em várias épocas surgiram por lá tantos profissionais vindos de Nova York, Berlim, Budapeste, Roma, Amsterdã, entre outras. Artistas consagrados como André Kertézs, Germaine Krull, Robert Capa, Brassaï, Man Ray deixaram uma extensa e representativa obra fotográfica tendo Paris como cenário. A sábia inocência do "olhar estrangeiro" lhes permitiu melhor captar e eternizar momentos inesquecíveis na história da fotografia universal de Paris, uma das cidades mais fotografadas do mundo, fonte de inspiração permanente para cineastas, fotógrafos, pintores, poetas, escritores e simples anônimos.

A proposta de Fernando é tentar expressar em imagens a poesia do cotidiano da cidade, permeada por momentos de extrema beleza estética retirados a partir do simples olhar diante do banal. Olhar a metrópole "de fora", como estrangeiro, mas não como turista e testemunhar seu movimento. Esse foi seu grande desafio.

Caminhada à beira do Rio Sena

Onde?
Aliança Francesa
Rua Doutor Timóteo, 752 - Porto Alegre

Quando?
de 12 de maio a 5 de junho de 2010
de segunda a sexta-feira, das 9h às 19h

Dica de filme: Os Famosos e os Duendes da Morte

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 01 Apr 2010 18:57:00 +0000

Amanhã (02/04) estréia o tão aguardado longa-metragem Os Famosos e os Duendes da Morte, dirigido por Esmir Filho. Portanto, se você ainda não tem um bom programa para o feriado e quer uma dica, pode aproveitar a folga para assistir o filme no cinema.

Ah, você ainda nem tinha ouvido falar do filme? A sinopse abaixo, do site e-Pipoca, dá uma pista do que se trata:

"Baseado no livro homônimo de Ismael Caneppele, conta a história de uma cidade em que cada um de seus habitantes sonha em segredo. O menino sem nome conhece a garota sem pernas, que lhe mostra um mundo no qual ele embarca como alguém que nunca mais deseja voltar à realidade. Para o menino, a vida virtual é a única verdade. Mas a garota parte para outro mundo, deixando imortalizada sua história em vídeos e fotos na internet. A partida da única pessoa da cidade com quem ele se identifica deixa o menino ainda mais sozinho. Guiado pela música de Bob Dylan, ele mergulha em suas lembranças até o surgimento de Julian, uma figura misteriosa que desencadeia uma série de acontecimentos em sua vida até então previsível."

O filme foi o grande vencedor do Festival do Rio 2009 e vem surpreendendo e conquistando a opinião da crítica especializada (clique aqui e assista o vídeo com a opinião de Isabela Boscov, colunista da Veja). Para aqueles que reclamam que o cinema brasileiro quase sempre mostra o lado mais violento e sofrido do nosso país, essa é uma ótima chance de ver retratada essa outra face, mais delicada e sombria, que corresponde à realidade de parte da população.
O autor do livro que deu origem ao roteiro, Ismael Caneppele, também nasceu e foi criado na região - como todos os atores e o músico Nelo Johann, responsável pela trilha do filme. Ismael também atua no longa como Julian. "São cidades pequenas, onde não há nada nem ninguém próximo. Só o rio e o campo. Os cidadãos têm uma visão de mundo muito fechada, muito vinculada ao protestantismo, com rádios e jornais em alemão e na qual não se pode fazer nada diferente, porque o vizinho é seu inimigo", declarou o autor.

> E O QUE EU TENHO A VER COM ISSO?

Pois então: o filme se passa em Lajeado, uma cidade que pertence ao Vale do Taquari, interior do Rio Grande do Sul. E creio que a maioria de vocês não sabe, mas eu nasci e morei lá até completar 20 anos (hoje eu tenho 23), quando deixei a cidade para estudar em Porto Alegre (e também por me sentir estranha e sufocada lá - quem assistir o filme talvez consiga entender).

Além disso, foi publicada recentemente na ShareMag uma entrevista que fiz com Tuane Eggers, a garota Jingle Jangle do filme. Ela falou sobre a participação no longa-metragem e sua ligação com a fotografia. Veja a entrevista completa aqui.

Foto: Tuane Eggers

> PARA SABER MAIS

Abaixo, os links de algumas pessoas que colaboraram com o filme (veja aqui a lista completa dos colaboradores):

Esmir Filho - diretor e co-roteirista: twitter
Ismael Caneppele - autor do livro e co-roteirista / Julian: twitter / blog
Henrique Larré - "Mr. Tambourine Man": twitter
Tuane Eggers - Jingle Jangle: twitter / flickr
Nelo Johann - trilha sonora: twitter / myspace

Espero que vocês gostem da dica, e sintam-se livres para deixar seus comentários a respeito do filme. Bom feriado a todos ;)
.

Um ano em 365 imagens

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 08 Feb 2010 21:27:00 +0000

Quem circula com certa freqüência pelo Flickr já deve ter percebido que o número de usuários aderindo ao chamado 365 cresce a cada dia. Mais do que um modismo, o 365 também serve como um incentivo para muita gente que gosta de fotografia, pondo a persistência e criatividade de cada um à prova.

Foto nº 296/365, de Maciek Lesniak

> MAS O QUE É 365, AFINAL?

Eu já falei por aqui sobre o blog 1000 imagens, cujo objetivo é a publicação de 1000 fotos - uma por dia. A idéia do 365 é similar a essa: simples, porém desafiadora: uma fotografia para cada dia do ano. Ao mesmo tempo em que você define uma meta a ser atingida, também estará estimulando sua criatividade - afinal, não é nada fácil conseguir uma fotografia interessante a cada dia.

As fotos da polonesa Anna Szczekutowicz ganharam
fama no Flickr devido à originalidade e a seu caráter intimista

Para quem encara a fotografia como algo sério (como uma carreira a seguir e daí tirar seu sustento no futuro), o 365 pode ser uma excelente oportunidade. Muita gente ganhou fama e popularidade devido às fotos originais publicadas em seus 365.

> CRIANDO O SEU 365

Se você está em dúvida sobre qual estilo de fotografia mais lhe atrai, um 365 pode lhe ajudar de maneira muito natural. Existem diferentes tipos de 365: alguns dedicados à fotografia de rua, outros a landscapes, outros a retratos ou auto-retratos... mas é claro que você não precisa restringir seu 365 a um estilo específico: proponha-se o desafio de postar uma foto por dia, qualquer uma; aos poucos, você começará a perceber qual estilo mais lhe atrai, irá se sentir mais à vontade com ele e, portanto, seu 365 tomará esse rumo naturalmente.

Podemos observar isso no perfil do Roni Gomes, leitor aqui do blog. Ele começou o 365 no início deste ano, está seguindo firme o desafio de postar uma foto por dia e muitas das imagens são em preto e branco - eu já havia dito a ele que suas imagens nesse estilo são muito boas, embora as outras também não deixem a desejar.

Foto nº 8/365, de Roni Gomes

Você pode também acrescentar ao 365 os detalhes que quiser para dar seu toque pessoal. Vale dar uma descrição detalhada do processo de produção da foto, postar trechos de autores que você admira ou ainda transformá-lo numa espécie de mini-diário, para ter uma recordação mais viva daquela data.

> GRUPOS

Não faltam no Flickr grupos onde você pode ver fotos de outros usuários e divulgar as suas. Abaixo, alguns dos maiores e mais famosos:

As inspiradoras imagens do The Big Picture

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 31 Dec 2009 12:17:00 +0000

O post de hoje vai ser curtinho, porque nessa época do ano quase todo mundo está em ritmo de festa - e ninguém quer passar muito tempo lendo em frente ao computador, certo? De qualquer forma, eu gostaria de dividir com vocês um site bem legal que encontrei: o The Big Picture, que faz parte do The Boston Globe (um jornal tradicional de Boston). A proposta do The Big Picture é interessante: ele apresenta uma mistura de ótimas fotos e artigos relacionados a elas (os artigos estão em inglês, mas vale conferir mesmo se for só para olhar as fotos e buscar inspiração).

Aproveito a oportunidade para desejar a todos um ótimo 2010 (=
2009 foi um ótimo ano, mas espero que 2010 seja ainda melhor para todos nós. Agradeço a companhia, os comentários e os e-mails que recebi de todos vocês ao longo do ano: muito obrigada, de coração (=

Abaixo, algumas fotos que selecionei no The Big Picture:

4 dicas infalíveis para criar um um bom avatar

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 08 Dec 2009 19:17:00 +0000

Nos últimos anos, as redes sociais vêm se multiplicando e assumindo um papel importante na vida de muita gente. Twitter, Orkut, Facebook, MySpace, Last.fm, Blogger... tudo chega até nós com uma velocidade impressionante - mas não é só a velocidade que impressiona: a cada minuto temos à disposição um volume de dados colossal, e mesmo que tivéssemos toda a boa-vontade do mundo, jamais conseguiríamos assimilar tanta coisa. Assim sendo, temos pouco tempo para analisar atentamente o perfil de outras pessoas e empresas disponíveis nessas redes; muitas vezes acabamos ficando mesmo é com a impressão que nos é transmitida através do avatar (ou você vai me dizer que nunca entrou no perfil de alguém só porque a foto lhe chamou a atenção?).

Mas o que fazer para conseguir um avatar que transmita algo sobre você àqueles que não o conhecem? No que você deve prestar atenção na hora de tirar uma fotografia para ser usada como avatar?

> PREENCHENDO A CENA

O principal segredo de um bom avatar? Simplicidade. A menos que você faça questão, não há necessidade de incluir nada além de você mesmo no enquadramento. Muita informação numa mesma cena pode deixar o avatar confuso, ou talvez ele fique incompreensível em tamanho pequeno (lembre-se que uma imagem genial em tamanho grande pode ficar simplesmente feia quando reduzida) . Como eu disse acima, pouca gente tem tempo (e paciência) para analisar atentamente uma imagem - os poucos segundos que alguém dedica para observar nossa foto podem fazer toda a diferença.

Foto: istanbulmike

Preencha a maior parte do enquadramento com o que você quer realmente mostrar - ou seja: você mesmo! Aquele quadro colorido que você tem na sala pode até ser interessante, mas deixe-o de fora se não quiser que ele chame mais atenção que você mesmo.

> NATURALIDADE

Seja num auto-retrato ou numa fotografia tirada por outra pessoa, procure sempre uma maneira simples de mostrar algo que indique aos outros um pouco sobre a sua personalidade ou algo que você aprecia. Pode ser algo que tenha a ver com sua profissão, com um hobby - enfim, qualquer coisa que represente você.

Foto: creativefi

Antes de começar a sessão, reflita um pouco sobre o que você pretende transmitir: será uma foto que mostra apenas seu rosto? Então pense na expressão facial, se você prefere estar olhando diretamente para a câmera ou se vai se posicionar lateralmente... Parte do seu tronco também estará aparente? Então você também precisará pensar um pouquinho na roupa que irá usar e o contraste que ela terá contra o fundo.

Efeitos de pós-edição podem deixar sua foto ainda mais interessante, mas tome cuidado para não exagerar: certos efeitos podem deixar a imagem confusa, e o único que saberá com certeza do que se trata será... você mesmo! Talvez algumas pessoas se perguntem: "será que isso é um rosto de perfil ou uma borboleta em preto e branco?". Portanto, pense beeem nisso quando estiver editando seu avatar.

> TOME CUIDADO COM O FUNDO

A melhor opção para este caso é um fundo clean, de preferência com uma única cor ou estampa. Isso deixará você em evidência. Muitos detalhes geométricos ou coloridos e outros objetos podem distrair a atenção do espectador, e seu avatar passará completamente batido em meio a tantos outros.

Foto: Randy

Observe a imagem acima: à primeira vista, ela até pode parecer uma boa imagem para ser usada como avatar. Mas ainda que o foco esteja no sujeito, o fundo apresenta muitos elementos. Veja abaixo a versão reduzida: é ou não é um avatar confuso?

> EXPLORE OS ÂNGULOS

Modelos profissionais sabem aproveitar muito bem os ângulos para conseguir boas fotos - e nada impede que você também faça uso desse recurso. Não existe uma fórmula pronta, ou um ângulo mágico: você precisará testar. Fotografe com a câmera acima de você, abaixo... tente todas as opções possíveis, até achar o ângulo ideal para o seu caso!

Foto: Jessie Shipe
.

Driblando o erro de paralaxe das câmera automáticas

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Nov 2009 18:57:00 +0000

Se a sua câmera fotográfica possui um visor ótico, você já deve ter notado que o enquadramento que vemos através dele é um pouco diferente daquilo que aparece na tela de LCD. Enquanto a tela de LCD nos mostra a cena exatamente como será capturada e armazenada, o visor ótico apresenta essa pequena diferença de ângulo, que é conhecida como erro de paralaxe.

Na imagem acima é possível ver como isso acontece. Essa diferença pode ser suficiente para estragar o resultado final de uma imagem - ainda mais se você estiver usando a regra dos terços para compor a cena.

Organizei este tutorial para ajudar a driblar o erro. É sempre bom estar preparado para o caso de algum dia você precisar fazer uso do visor ótico: como já falei nesse outro post, ele é excelente em viagens longas (quando não temos bateria reserva) e em ambientes com muita luminosidade.

> MAS O QUE É O ERRO DE PARALAXE?

Ao conferirmos o resultado de uma sessão de fotos que foram enquadradas através do visor ótico de uma câmera amadora, é muito comum percebermos que algum elemento ficou de fora. Pode ser a cabeça de alguém, os pés, a árvore ao longe: você tinha certeza que a foto estava bem enquadrada, mas... o erro de paralaxe fez mais uma vítima!

Nas câmeras compactas (ao contrário das D-SLR), o visor ótico é separado da objetiva. Isso causa uma ligeira diferença entre o ângulo que vemos através dele e o ângulo que será de fato fotografado. Ou seja: a lente da sua câmera não percebe a imagem pelo mesmo ângulo do visor ótico, porque ele fica mais à esquerda e um pouco acima da própria lente.

> DRIBLANDO O ERRO

1ª etapa

1 - Procure um objeto com linhas retas verticais ou horizontais: uma casa com uma janela na frente, um poste onde você possa pendurar uma tira larga de papel ou papelão colorido ou até mesmo uma pessoa em frente a um muro pouco mais baixo do que ela.

2 - Fotografe o objeto mantendo-o exatamente no centro do visor. Se você tiver escolhido um poste, deixe a tira de papel no terço central do enquadramento. O ideal é que essa foto seja feita à luz do dia.

3 - Confira no computador (ou na tela de LCD) o resultado. Observe em qual lado ficou o objeto que você fotografou: direito, esquerdo, superior ou inferior.

2ª etapa

Se o objeto fotografado ficou à esquerda, faça o seguinte:

Cole um pequeno adesivo com o desenho de uma seta virada para a direita logo abaixo do visor ótico, na parte de trás da sua câmera;

De agora em diante, sempre que você quiser fotografar utilizando o visor ótico, enquadre os elementos um pouco mais à direita. O adesivo só serve mesmo para que não esqueçamos, já que o visor ótico é muito menos utilizado que a tela de LCD.

Atenção!

1 - Observe que o adesivo deve mostrar o lado contrário ao do erro de paralaxe da câmera.

2 - As câmeras amadoras podem apresentar o erro de paralaxe em lados diferentes.
.

Aprenda a usar a luminosidade a seu favor na hora de fotografar

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 05 Nov 2009 20:57:00 +0000

Já falei muitas vezes aqui no blog sobre a importância da iluminação adequada na fotografia, e vocês também devem ter percebido isso em suas experiências pessoais. Seja num retrato ou numa landscape, uma boa iluminação pode mudar a impressão do espectador sobre qualquer imagem: um castelo pode parecer chato sob o forte sol do meio-dia, mas ao entardecer pode formar uma silhueta de tirar o fôlego.

Foto: bkwdayton

Sabendo usar a iluminação a seu favor, você já terá percorrido boa parte do caminho para uma boa foto. Em artigos anteriores, falei sobre o uso da luz natura l e do flash nas câmeras automáticas; hoje vou tratar de mais algumas fontes de luz com as quais nos deparamos freqüentemente.

> LUZ SOLAR

A luz natural é uma grande aliada nossa, mas saber fotografar sob luz solar direta é uma questão de paciência e experiência. Você deve levar em consideração o horário em que a foto será tirada e que efeito essa iluminação terá sobre o resultado final (como eu disse, trata-se de uma questão de experiência). Comece a observar a incidência dos raios solares ao longo do dia: veja como eles se portam sobre edifícios, árvores, pessoas, etc., em diferentes horários. Logo, você vai se acostumar a procurar pela luz e encontrar rapidamente o melhor ângulo para fotografar em cada horário.

Para conseguir boas landscapes sob a luz do sol, o melhor é sempre investir na hora mágica: aqueles momentos que antecedem o amanhecer e o anoitecer. Uma dica valiosa, sobretudo se você pretende incluir o próprio sol no enquadramento (como na imagem abaixo).

Foto: traveladventures.org

Fotografar o sol direto em qualquer outro momento que não seja a hora mágica pode não ser uma boa idéia para nós, usuários de câmeras automáticas. É provável que aconteça o mesmo que aconteceu na foto abaixo: a câmera fica perdida diante de tanta luz e a imagem sai desfocada.

Essa é minha!

Nos retratos também é preciso tomar cuidado com a luz forte: ela pode formar sombras duras, destacando ou distorcendo algumas partes do corpo (isso ocorre muito freqüentemente com a sombra do nariz de quem está sendo fotografado); para corrigir o problema, pode ser necessário usar um flash de preenchimento. Se possível, mova o sujeito para a sombra: isso ajudará a evitar distorções e caretas estranhas.

Caso a intenção seja fotografar paisagens urbanas, o melhor momento é após as 16h dos dias ensolarados. Após esse horário, a luz incide lateralmente sobre os objetos, o que ressalta sua textura. Isso acontece porque o olho humano tende a focar automaticamente nas sombras para reconhecer diferentes formatos.

> CÉU NUBLADO

Foto: Wild Blue Yonder Photography

Dias nublados são bons para quase todos os tipos de fotografia. Perfeitos para retratos, perfeitos para registrar detalhes arquitetônicos sem sombras que poderiam atrapalhar; também são ótimos para fotografar florestas e parques.

> LÂMPADAS FLUORESCENTES

Esse tipo de lâmpada é projetado para fornecer luz difusa discreta. Portanto, é boa para fotografar em preto e branco. Só tome cuidado quando estiver tirando fotos coloridas, pois a maioria das câmeras automáticas oferece mais de uma opção de ajuste WB para lâmpadas fluorescentes (a minha oferece três!).

Exemplo de diferentes ajustes de WB para fluorescentes

Compare a cena que você vê com a que aparece na tela de LCD da câmera para chegar ao ajuste mais adequado à situação; acredite, a escolha do tom de fluorescente errado pode estragar completamente o resultado final (basta comparar a foto de cima com a de baixo para perceber a diferença gritante).

> LÂMPADAS DE TUNGSTÊNIO

Lâmpadas incandescentes emitem uma luz mais amarelada, o que transmite às imagens a sensação de calor. Esse tipo de lâmpada geralmente é responsável pela iluminação das ruas. Se você já tirou várias fotos noturnas na rua e saíram tooodas borradas, a culpa é das lâmpadas de tungstênio! Ok, deixando as gracinhas de lado agora: você precisa ter um bom apoio para conseguir uma foto definida com esse balanço de brancos; utilize um tripé, apóie a câmera em uma superfície (ou sente em um banco, dobre o joelho próximo ao peito e firme a câmera sobre ele - é o que eu faço quando não resta outra opção).

Foto: Pentax Forums

Você pode usar esse ajuste de WB para fotografar as chamas do fogo, raios, ou qualquer outra fonte que emita luz amarelada.

Se você estiver fotografando com luz natural e tiver alguma lâmpada incandescente por perto, faça um teste: ligue-a e fotografe o assunto para ver o resultado. Uma boa dica para quando você quiser deixar suas fotos com um aspecto mais aconchegante.
.

Compondo cenas rapidamente

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Oct 2009 21:57:00 +0000

Ter um bom conhecimento sobre as regras básicas de composição ajuda muito na hora de fotografar, mas nem sempre conseguimos fazer um checklist mental e prestar atenção em tooodos os detalhes. Se demoramos muito tempo para bolar a composição, podemos perder a chance de registrar a cena que queríamos por causa da enrolação.

A famigerada regra dos terços:
uma das regras de composição mais básicas

Se compor uma imagem já não é fácil, imaginem só quando o tempo é curto... Pensando nisso, resolvi montar este tutorial expresso com dicas simples, que ajudarão você a compor fotos rapidamente - porque às vezes não temos muito tempo sobrando, mas ainda assim queremos imagens dignas, não é mesmo?

> TREINE O OLHAR

Mesmo quando você não estiver com a câmera por perto, acostume-se a observar a cena não apenas como espectador tradicional, mas como compositor. Um cachorro pode ser apenas mais um cachorro numa foto qualquer, ou pode se tornar o cachorro daquela foto comovente: a maneira como as pessoas verão a foto vai depender muito da sua composição.

Comece a prestar mais atenção no contraste entre as cores, luzes e sombras, nas formas geométricas que estão ao seu redor. Pense em como você poderia se posicionar para registrar aquela cena, crie histórias em sua cabeça, defina o que poderia ou não ser incluído no enquadramento. Com o tempo, você se acostumará a compor as cenas rapidamente e não perderá muito tempo com isso quando precisar.

> NA PRÁTICA

Baseei este trecho do artigo num tutorial que foi escrito pelo fotógrafo Neil Cree para o blog Digital Photography School. As fotos abaixo foram retiradas do post feito por Neil, e as legendas indicam um passo-a-passo do que ele estava pensando ao registrar as cenas.

Flores e patos de borracha

1 Essas flores são interessantes! Mas o que poderei enquadrar como fundo para elas?

2 A cor dos patos de borracha pode formar um belo contraste com as flores que ficarão em primeiro plano. Posso ajustar a distância focal de maneira que dê ênfase às flores, ou até mesmo utilizar a função macro da câmera: isso deixará os patos borrados.

3 Tem lixo boiando sobre a água da lagoa, é melhor que isso fique de fora do enquadramento. Vou me posicionar em um ângulo mais baixo para evitar isso.

4 Chegou a hora de conferir no visor como ficará a cena.

1 Agora sim: a cena parece muito mais interessante! Utilizarei a regra dos terços para deixar as flores próximas à linha vertical da direita.

2 Posicionei o pato sobre a linha vertical esquerda.

Tijolos contra o céu

1 Esse prédio pode render uma boa foto, mas não contrasta muito bem com os arredores (ainda mais agora que o sol se escondeu atrás das nuvens). Os tijolos têm uma textura interessante, talvez um outro ângulo possa ajudar a dar mais destaque a isso.

2 Esse canto recurvado é bastante incomum, posso tirar proveito disso também.

3 Se eu me posicionar próximo ao muro num ângulo mais baixo, enquadrando o céu por cima dele, talvez consiga uma imagem minimalista.

1 O sol apareceu e mudou o clima da cena! As linhas dos tijolos na parede curva conduzem o olhar diretamente para o centro da foto.

2 O muro tem a textura que eu esperava, e contrastou bem com o céu azul. Aqui as linhas dos tijolos também estão conduzindo para o centro da foto.

3 O topo do muro está posicionado sobre a linha horizontal mais baixa.

4 Posicionei a curva final do muro arredondado sobre a linha horizontal mais alta.

Nuvens refletidas

1 O céu nublado está interessante. Seria bom inclui-lo na cena de alguma forma.

2 As janelas refletem as nuvens do outro lado do céu.

3 Esses arbustos podem ajudar a enquadrar a cena, e também contrastam com o azul do céu.

4 Se eu me posicionar perto daqui, poderei enquadrar as janelas e as nuvens logo acima.

1 As janelas ficaram próximas à linha horizontal inferior.

2 O poste ficará sobre a linha da direita, e também será o elemento vertical da minha composição.

3 Essa nuvem grande ficará sobre a intersecção superior esquerda.

4 Temos a impressão de que a nuvem grande está refletida na janela: isso ajuda a manter a atenção do espectador na parte central da imagem.
.