Tengo que reconocer que mi periplo con 007 First Light ha ido de menos a más. A pesar de que desde el principio me quedaba claro el nivel altísimo de producción, el sigilo al más puro estilo Hitman, mítica franquicia de la que los desarrolladores son responsables, se me atragantó ligeramente. Y es que a mi los juegos de sigilo no me vuelven loco.

Sin embargo, a medida que los niveles iban sucediéndose, e iba comprobando como el nivel de los escenarios no bajaba, los pros superaron de largo a mi reticencia por el género del sigilo. Y es que encima el argumento, las interpretaciones y, sobre todo, los diálogos, son de tantísimo nivel, que te quedas atrapado en una historia que podría ser perfectamente una película de James Bond. Sería un feo no hace al cariño a la obra original, donde se describe la cicatriz que Bond luce en la cara en el juego, o la propia esencia del argumento, que describe los primeros pasos de James en la agencia de inteligencia británica.

007 First Light ha sido tachado de «El mejor juego de Bond». Yo creo que es tan diferente de GoldenEye, el pepinazo de Nintendo 64, que no tiene sentido compararlos, y ambos pueden coexistir en lo más alto del podium de los títulos basados en la obra de Ian Flemming. Pero me estoy anticipando.

La propuesta del título de IO Interactive nos pone a los mandos de un joven soldado llamado James Bond, que se ve envuelto en una situación crítica durante una misión. Gracias a su buen hacer (espero que no sea demasiado spoiler), es invitado a participar en el programa de entrenamiento del MI6. Y ya te puedes imaginar qué pasa a continuación.

Combinando la estrategia y la acción de forma muy acertada, 007 First Light es capaz de alcanzar un nivel de producción audiovisual altísimo, y con un argumento e interpretaciones incluso superiores. Y es que este 007 First Light llega para unirse al Olimpo de mejores aventuras creadas nunca, un Olimpo copado por juegos de PlayStation Studios, pero con algunos invitados de excepción.

Y es que si tuviera que compararlo con algo sería con el brutal videojuego Indiana Jones y el Gran Círculo. Y es que los dos son títulos basados en franquicias cinematográficas míticas, que son capaces de incluso superar a muchas de las películas en las que se inspiran.

007 First Light es, con diferencia, de lo mejor que he jugado en los últimos años. Una aventura creada con muchísimo cariño, cuidado, y con un nivel de producción tan alto que uno se pasa todo el juego temiendo que este vaya a bajar en algún momento. Y cuando descubres que esto no va a suceder, te das cuenta que estás delante de un videojuego muy especial. [95]

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En el de ayer, además del bombazo del remake de Zelda Ocarina of Time, se anunció la mejora de Xenoblade Chronicles para Nintendo Switch 2. Por un precio de 10€, desde ya, los poseedores del juego pueden mejorar a 4K (en TV) y 60 frames por segundo (tanto en portátil como en TV) la experiencia visual.

Además, en este parche se incluyen nuevos atuendos para los personajes y el estreno de un medio de transporte, el bautizado como Jet Etérico. Este deslizador contará incluso con un modo de juego dedicado a él. Además, se incluyen por primera vez voces para los diálogos, en dos idiomas: inglés y japonés.

Esa mejora visual no fue lo único que se anuncio de la saga en el Nintendo Direct, sino que un nuevo título hizo acto de presencia. Xenoblade Genesis, presentado como «un nuevo comienzo», cuenta con un estilo visual muy personal, y lució palmito en su estreno en un trailer que enseñó combates, monstruos pero también lo que parece una decidida apuesta por una profundidad argumental.

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Y es que en el marco del Nintendo Direct celebrado hoy, se ha publicado el primer teaser de Zelda Ocarina of Time remake, anunciándolo para este mismo 2026. Aunque no se ve casi nada del juego, aparece un Link fotorealista, correspondiente a la primera fase del juego, en la que es un niño. No sé si será motor ingame, pero tiene bastante pinta que sí. Y si es el caso, es un salto de calidad a la altura de los tiempos que corren.

Yo, que estaba aguantando con mi Switch 1 y mirando con envidia los Donkey Kong Bananza, Mario Kart World, Kirby Air Riders y demás exclusivas de la consola de Nintendo, me acabo de quedar sin excusas.

Y es que Ocarina of Time es uno de los juegos más míticos de mi vida como jugador. Siempre recordaré cuando fui a buscarlo el día de lanzamiento por la mañana al Toys’R’Us, haciendo pellas de la universidad, con tanto hype que me dio igual que no fuera un cartucho dorado al abrirlo. Parece que ha pasado toda una vida, y es que así ha sido: 28 años desde el lanzamiento del juego en Nintendo 64. El juego fue colosal, y aunque las expectativas estaban por las nubes, acabó por superarlas.

Es por ello que este regreso es mágico, especialmente para los amantes de los Zelda clásicos, que echan de menos fórmulas más tradicionales en vez de las propuestas innovadoras de Breath of the Wild y Tears of the Kingdom.

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Muchas sorpresas

La principal sorpresa para mi ha sido el regreso de los exclusivos para consola. Solo han sido dos los anunciados durante el evento, pero son nombres de peso. Gears of War E-Day y Clockwork Revolution son los escogidos para llevar la responsabilidad, pero no deja de ser llamativo despues de lo que venía sucediendo con el manejo de la exclusividad.

Esto muestra las claras intenciones que tiene la nueva directora de la marca, Asha Sharma, que ya ha realizado otros cambios, como la reducción del precio de Game Pass y la intención de que más nombres clásicos de la consola cuenten con nuevos juegos.

Regresando precisamente a los juegos, me gustaría resaltar los anuncios de: Minecraft Dungeons II, Senua (en un juego con mucha más acción), Spyro a real beyond, Doom The dark ages revelations y Magicians. Este último no será exclusivo ni first party, pero me sorprendió bastante su propuesta.

Los ya conocidos

No todo fueron nuevos juegos en la Xbox Game Showcase 2026. Pudimos tener avances de State of Decay 3, Fable (que se va hasta 2027), Modern Warfare 4 DMZ, Resonance A plague tale legacy y Halo Campaign Evolved.

Me encantó poder ver algo más de Castlevania Belmont’s Curse, Crazy Taxi World Tour y Metro 2039, que no serán exclusivos, pero tienen una pinta fenomenal y estarán llegando entre lo que queda de 2026 e inicios de 2027.

El nuevo gears a fondo

Xbox Game Showcase 2026 tuvo un espacio especial para conocer Gears of War E-Day con un poco más de detalle. El juego busca generar muchas de las emociones de los primeros juegos, teniendo a Marcus y Dom como protagonistas al inicio del dia de la emergencia.

Es precisamente esa fecha la que permite que conozcamos una parte de Sera antes de la destrucción. El juego busca contar la historia que forjó la amistad de estos personajes, pero también el inicio de mucho del lore que ha representado a la serie, como es el caso de la mítica Lancer.

El juego luce espectacular y no me desagrada volver un poco al estilo narrativo de las primeras entregas, pero sí espero que podamos tener un poco de espacio para la exploración en un mundo que los mismos desarrolladores consideran vivo y detallado.

No es de mis favoritos

El evento me gustó, pero el Xbox Game Showcase 2026 no quedará dentro de mis favoritos. A pesar de las sorpresas creo que en años anteriores ha logrado más impacto y quiero ver como la nueva estrategia beneficia a la marca y los jugadores, especialmente en cuanto al tema de los exclusivos.

Algunos estudios importantes tanto de Bethesda como Activision no hicieron acto de presencia y me sigue sorprendiendo como Double Fine no ha lanzado un juego apoyado en sus franquicias conocidas desde que hace parte de Microsoft.

Gears of War E-Day

Call of Duty Modern Warfare 4

Halo Campaign Evolved

Metro 2039

Fable

Minecraft Dungeons II

Senua

Wo Long 2: Wings of Ember

State of Decay 3

Resonance: A Plague Tale Legacy

Clockwork Revolution

Spyro: A Realm Beyond

Doom: The Dark Ages – Revelations

Persona 4 Revival

Castlevania: Belmont’s Curse

Where Winds Meet

Persona 6

Microsoft Flight Simulator 2024

Crazy Taxi: World Tour

Sea of Thieves: Custom Seas

Fallout 76: Infestations

Valor Mortis

Bad Magpie

Vivarium

Join Us

Magicians: The Devil’s Deal

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A su manera

Debo admitir que nunca he jugado alguno de los títulos de la saga, así que mi primer acercamiento a la franquicia ha sido con Onimusha Way of the Sword. Durante toda la demo mi palabra clave ha sido adaptación.

No estamos frente a un souls que requiere precisión milimétrica o un Devil May Cry que apuesta por la rapidez y los combos casi imposibles. Aquí es importante tomarse el tiempo para todo, ya sea en los combates o la exploración.

Eso me encanta, porque es el tipo de juegos que es exigente pero sin exagerar y que una vez se tienen claras las mecánicas es muy satisfactorio, lo que normalmente busco en juego de acción y aventura.

Mantiene la tendencia

Capcom está en racha y en parte se debe a la calidad de sus últimos títulos que han sorprendido a nivel jugable y visual. Onimusha Way of the Sword hace uso de la última versión de RE Engine, lo que le otorga un apartado visual impresionante al juego, en especial durante las cinemáticas.

En la demo recorremos más que todo camino rurales, pero en los templos es donde más se puede notar el nivel de detalle, no solo visual sino también destructivo, porque gran parte de los elementos se ven afectados por los combates.

Se atiende de uno o varios

Los combates en Onimusha Way of the Sword son fluidos, aunque no siempre espectaculares. Casi siempre durante los recorridos entre escenarios podemos encontrar un puñado de enemigos que mueren con muy pocos golpes.

Es en los templos donde encontramos más variedad y se puede sentir la espectacularidad del juego. Porque son momentos de esquivar, contraatacar y eliminar enemigos de formas variadas. El enfrentamiento con el jefe, ni se diga. Me costó un par de derrotas entender sus movimientos, pero una vez entras en ritmo todo se siente muy bien

Los controles aportan bastante a estas mecánicas de combate por su simpleza, con dos botones para atacar y otros dos para esquivar o bloquear. Es muy fácil adaptarse a estos movimientos y entender el momento adecuado de realizar dicha acción.

Momentos de calma

No todo es acción en Onimusha Way of the Sword, en algunos casos es necesario recorrer el escenario para descubrir alimentos curativos, sellos para aplicar en combate o solucionar puzzles, que en la demo son muy sencillos y espero encontrar algo más de exigencia en la versión final.

Eso sí, los momentos de calma son ideales para contemplar la majestuosidad de los escenarios y disfrutar la ya mencionada calidad gráfica que tiene el título.

Conclusiones

La demo de Onimusha Way of the Sword me ha encantado. Un juego de todo mi gusto en todos sus apartados. Lo jugable, lo visual, incluso el lore se ve muy interesante. Es un juego el medio de lo que nos tienen acostumbrados los souls y los beat’em up.

Aún falta mucho para la llegada oficial a las tiendas, que será en Septiembre de 2026, pero por fortuna la espera no será tan larga, porque después de esta demo me han quedado muchas ganas de jugarlo.

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Un momento de la vida

Mixtape nos cuenta la historia de Stacey, Van y Cass durante su último día antes de que la primera emprenda un viaje a Nueva York para conseguir su trabajo soñado, ser supervisora musical.

Cada situación en el juego es una oportunidad para que Stacey demuestre lo que sabe, porque tiene una canción para cada momento, la cual explica y nos acompaña hasta que el evento termina.

Una noche repleta de sentimientos, amistad, peleas e incluso explosiones. Una noche donde se termina la juventud y comienza la vida adulta, dejando de lado momentos que tal vez nunca regresaran.

Viviendo el momento

El título es netamente narrativo, no creo que llegue a ser walking simulator, porque tampoco hay libertad de movimiento, vamos acompañando a los personajes a lo largo de la trama, conociendo parte de su pasado, sus historias y problemas.

Mixtape es totalmente lineal, no tomamos decisiones o podemos alterar la trama de ninguna manera. Solo acompañamos a estos personajes durante su último día junto con una música muy interesante, con bandas reconocidas y ritmos variados.

En temática me recordó al primer Life is Strange, pero nada más allá del sentimiento, porque es un juego diferente en cuanto a mecánicas y jugabilidad. Nuestra participación como jugadores es poca, no va más allá de interactuar con objetos, hacer preguntas y movernos mientras se desciende en patineta.

Visualmente llamativo

Siento que el juego destaca en dos elementos, la historia y el apartado gráfico. Este último muy bien cuidado, con muchos colores y detalles a pesar de no ser hiperrealista. Es como una especie de stop motion muy bien logrado, similar a South of Midnight. No es que la musica del juego no me guste, varias canciones me mantuvieron enganchado, pero no son las bandas que suelo escuchar.

Lo visual le cae muy bien a una historia bonita, con ciertos momentos de tensión, tristeza y nostalgia, y que si le adicionamos la música, que es el centro del juego, Mixtape termina siendo una aventura que nos invita a participar en el último día juntos de estos personajes. Escuchar la historia que Stacey cuenta a través de su mezcla el día que tomó una difícil decisión.

Conclusiones

Mixtape, para mi, no es un GOTY, pero tampoco es lo más malo que haya jugado. Es un juego bueno y punto. Con una historia enternecedora, una música interesante y unos gráficos llamativos.

La duración es corta y creo que tampoco está mal. Los hechos transcurren en un día y hablamos de personajes comunes y corrientes que solo quieren pasar bien el último día que están juntos.

Creo que es ahí donde Mixtape pega más, porque todos hemos tenido ese momento, donde hemos dejado atrás amigos y familia por tratar de alcanzar un sueño y a veces la música nos regresa a esos momentos donde la vida era diferente y tal vez más simple.[70]

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Mucha carne en el asador

Se intuía que este nuevo State of Play iba a estar cargado. Su duración era de más de una hora y uno de los juegos importantes era Wolverine. Precisamente con el nuevo título de Insomniac se da inicio a la presentación y no puede ser más espectacular.

Rápido, repleto de acción, brutal, sangriento. Sobran los adjetivos para la nueva obra de este importante estudio. Pero ese fue solo uno de los tres exclusivos que Playstation presentó. Hablo de exclusivos desarrollados por sus estudios internos.

Until Dawn 2 fue otro de esos nombres. La escencia del primer titulo se mantiene, pero la historia se desarrolla en una isla, que recuerda a FarCry 3, sin dejar de lado la sangre, las decisiones y las muertes. El tercer título, lo dejo para más adelante.

Desfile de nombres

Dentro lo más llamativo para mi estuvo Rayman Legends Retold, juego que me encanta y me alegra poder tener de nuevo a este personaje. Kemuri, que tiene a la cabeza a una de las encargadas de Ghostwire:Tokyo. Onimusha Way of the sword que ya tiene una demo disponible.

ILL es un juego que se que no jugaré, pero me sorprende el nivel gráfico y el gore que presenta el título, cada que veo un avance me sorprende más. Silent Hill Townfall que busca seguir la racha de Silent Hill f. Ace Combat 8, saga que nunca me ha enganchado, pero que tiene muchos seguidores.

Lo de Control Resonant no deja de sorprender, es otro de esos títulos a los que les tengo muchas ganas y también me quedo con Stuntman Hollywood, un juego de conducción que no parece de esta época.

El broche de oro

Este nuevo State of Play cerró con God of War Laufey. Un spin-off de la saga de Kratos que tiene como protagonista a su esposa y su estadía en el inframundo. El adelanto es bastante largo, pero con una calidad impresionante a nivel visual, jugable y de casting.

Cada minuto de lo presentado era mejor al anterior, con una batalla final impresionante, dejando claro la importancia que tiene para el estudio Santa Monica esta nueva aventura que luce sensacional, a la altura de los títulos dentro de la saga principal.

En general un State of Play redondo. Con mucho gameplay, mucho título single player y nombres potentes que me llevaron a pensar “¿y se me consigo una play 5?”. Ojalá mantengan el nivel.

Wolverine

Rayman Legends Retold

Kemuri

Tomb Raider Legacy of Atlantis

The lost wild

No Rest for the Wicked

Onimusha Way of the Sword

Silent Hill Townfall

Ace Combat 8

Stuntman Hollywood

ILL

Control Resonant

Until Dawn 2

God of war Laufey

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¿Heroes o villanos?

Lo primero a destacar es la gran cantidad de cartas y mecánicas con las que contará el set tanto conocidas y antiguas como exclusivas del set, ya que como vimos en su anterior preview cada super héroe o super villano aparecerá en diferentes versiones en los diferentes productos de la colección.

Cada versión puede tener habilidades diferentes a las anteriores, como las diferentes versiones en el Marvelverso y os puedo asegurar que esta colección, al tener tantas mecánicas y versiones diferentes, traerá refuerzos para cualquier mazo que tengas olvidado y del cual no le sacan cartas desde hace tiempo.

Además de eso la cantidad de personajes tanto importantes como secundarios que aparecen el set es abrumadora y la delicia de el buen fan de cómics Marvel ya que parte de los textos de ambientación provienen de diálogos de los cómics.

Nuevos tratamientos

Como toda nueva colección que se precie Wizards ha creado las Iconic Covers recuperando las grandes portadas de estos super heroes/villanos con tratamientos que tal vez os parezcan «sencillos» pero tener una portada del gran Jack Kirby como carta es algo increíble.

Además de este tratamiento contaremos con las comic versions, tal y como vimos en la colección Spiderman, de ciertas cartas como sagas o personajes importantes.

También existen unas llamadas Logo version que son una auténtica preciosidad si ese personaje es tu comandante del mazo.

Y para acabar el último tratamiento es el llamado Borderless source material donde cartas antiguas de Magic volverán adaptadas al estilo Marvel.

New York, el plano recurrente

A pesar de las críticas por volver a new York, Wizards ya ha aclarado que este set pasa en más localizaciones y que tanto en las cartas como en las tierras vamos a ver más ciudades aparte de New York.

Y esto afecta tanto a las tierras normales como a las duals de esta colección que tienen un punto de visión curioso al mostrar imágenes en mitad de combates.

Vuelven las escenas… ¡y que escenas!

Sabíamos que las escenas volvían cuando se anunciaron en las Vegas pero hemos podido ver que, además del producto en si, podremos montar 2 escenas nuevas con las cartas de la colección.

Una de ellas es una batalla campal increíble entre super heroes vs super villanos que rivaliza con la que tuvimos en el Señor de los anillos tanto a calidad como cantidad de cartas (18 en total).

He intentado poner las cartas para hacer el mosáico pero la web no me deja, por mucho que lo intente, así que os pongo las imágenes en orden, contando que faltan algunas cartas de por medio.

El segundo mosaico costa de 6 cartas y está basado en Hulk principalmente.

Por Marvel, ¡cuanta carta!

Os dejo el resto de cartas mostradas porque la cantidad enseñada es brumadora.

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¿Y como mejorar un clásico?

World of Tanks HEAT se trata de un shooter táctico de vehículos free-to-play construido desde cero en el propio motor de Wargaming con soporte completo para juego cruzado y progresión cruzada.

El juego tiene lugar en una línea temporal alternativa tras la Segunda Guerra Mundial, donde los jugadores pelearán con nueva tecnología.

El lanzamiento del juego contará con una Launch Season, que incluye cinco Pases de Batalla semanales gratuitos, cinco tanques y numerosas recompensas.

¿Que trae nuevo?

Entrando ya en materia el juego contará con lo siguiente:

Comenzaremos nuestra aventura con tres Agentes base: Chopper (Defender, M1E1), Kent (Assault, XM1 90) y Hound (Marksman, Leo 1A6A1).

El resto de agentes, junto con sus tanques, se desbloquearan progresivamente a través de los Pases de Batalla semanales gratuitos de Temporada.

• Ocho Agentes en total: Tres roles de batalla: Defender, Assault y Marksman.

Cada Agente dirige dos tanques y cada uno de ellos está diseñado en base a su rol en combate.

• Quince vehículos: cada uno tiene un estilo de juego distinto y completamente personalizables.
• Ocho mapas: Los distintos campos de batalla poseen una amplia variedad de biomas, localizaciones y estilos visuales, y cada uno diseñado para los diferentes modos de juego.
• Cuatro modos PvP: Hardpoint, Control, Kill Confirmed y Conquest.

Pero si queréis realmente ver como es el juego y su gameplay no os perdáis el siguiente trailer, ya que tanto si te gusta el combate cercano como hacer de francotirador, hay un tanque perfecto para ti.

¿Requisitos?

Y si os lo estáis pensando seriamente os dejo los requisitos para disfrutar de la mejor experiencia posible en PC:

Mínimo

• OS: Windows® 10 64 Bit (última versión)
• Procesador: Intel® Core i5-4670K o AMD Ryzen 3 2200G
• Memoria: 8 GB RAM
• Gráfica: NVIDIA GeForce® GTX 1050 (2 GB), AMD Radeon RX 560 (2 GB), o Intel® Arc A310 (4 GB)
• DirectX: Versión 12
• Conexión a internet: conexión a internet de banda ancha
• Almacenamiento: 60 GB de espacio disponible
• Datos adicionales: El juego funciona a 1080p / 60 FPS con los ajustes al mínimo y usando el escalado de imagen en modo Rendimiento (DLSS / XeSS / FSR). Si hay muchos elementos en pantalla, podría afectar al rendimiento. Se recomienda usar una SSD para un rendimiento óptimo

Recomendado

• OS: Windows® 10 64 Bit (última versión)
• Procesador: Intel® Core i7-8700K o AMD Ryzen 5 5600X
• Memoria: 16 GB RAM
• Gráfica: NVIDIA GeForce RTX 2060 (6 GB), AMD Radeon RX 5600XT (6 GB), o Intel® Arc A750 (6 GB)
• DirectX: Versión 12
• Conexión a internet: conexión a internet de banda ancha
• Almacenamiento: 60 GB de espacio disponible
• Datos adicionales: El juego funciona a 1080p / 60 FPS con los ajustes al máximo usando el escalado de imagen (por ejemplo: DLSS en modo Calidad o FSR en modo Calidad Ultra). Si hay muchos elementos en pantalla, podría afectar al rendimiento. Se aconseja usar una SSD.

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La historia nos pone en la piel de Mere Turei, una astrofísica Māori, desciende a una estación que flota sobre el vasto Océano Rojo de Kiwa, un planeta lejos del sistema solar, para buscar a alguien cercano que ha desaparecido. Para encontrarla, deberá luchar contra su mente juntando su experiencia como científica y sus conocimientos Māories, pues el Océano Rojo provoca alucinaciones que rompen con lo que se conoce como real.

Red Dreams, como ya vimos en el anterior juego del estudio, Verne: The shape of Fantasy, promete unos detallados escenarios y un buen sonido, tanto en música como en actuación de doblaje. Que si queréis saber más de él, os dejamos por aquí el análisis que le hicimos en su día. Desde la Redacción de AKB tenemos ganas de ver que propone esta nueva aventura tanto en lo jugable como el la exploración del mundo.

Gametopia tiene planeado su lanzamiento para el segundo trimestre de 2027 para PC/Mac y Nintendo Switch, y estará en inglés, español, alemán, francés y chino simplificado. Podéis ver más información en su página de Steam.

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Ya cuando me enteré que el juego iba a estar ubicado en Japón, me empezaron a entrar las dudas. Y es que el país del Sol Naciente es una de mis debilidades. Si hacían algo de nivel parecido al México de Forza Horizon 5, podía ser la bomba. ¿Sería capaz Playground Games de volver a crear un blockbuster que rompiera moldes y que dejara al personal con la boca abierta?

Y así ha sido. Visualmente Forza Horizon 6 es tan espectacular como su predecesor, estando a la vez perfectamente optimizado. Y la jugabilidad es tan buena como en su anterior entrega, a la que le metí decenas de horas y nunca llegué a hartarme.

Eso sí, me siento obligado a compartir una reflexión. Lo ordenado y cuidado que está todo en Japón hace que el offroad y el ir a saco, eso que en Forza Horizon es pan de cada día, chirríe un poco. Y es que destrozar jardines y propiedades que están cuidadas con tanto mimo me hace sentir muy culpable. Por suerte, los escenarios se regeneran, pero siento que lo de ser salvaje, que es de lo que creo que va esta saga, pega poco con el país nipón.

Pero ese mismo cuidado hace que una de las mecánicas del juego, que es la de descubrir secretos por los escenarios, sea tremendamente gratificante. Los objetos a buscar, al menos las mascotas, están diseñados de forma Kawaii, super monadas, y pegan a la perfección con el juego y con la localización japonesa. Y las visitas guiadas, en las que se nos presentan algunas de las maravillas de Japón incluidas en el juego, explotan el carisma y la belleza de un país que, obviamente, no podía implementarse 1:1, pero que ha sido perfectamente retratado por Playground Games.

Y luego, claro, están los coches. Más de 600 vehículos, DLCs y pases aparte, que localizar, desbloquear y disfrutar, con sus estilos de conducción radicalmente diferentes. Pilotar cada uno de los coches del juego es una experiencia individualizada que nos hará olvidar el concepto arcade que lo sustenta todo. Aquí los coches se abollan y los cristales se agrietan, pero los vehículos siempre están a tope, los árboles no son un obstáculo y la velocidad es innegociable. Y con entrar en el modo Foto ya vuelves a tener a tu coche tan reluciente como sacado del concesionario..

Creo que es fácil discutir que los Forza Horizon sean juegos de conducción. Es más, a mi me encantaría discutir con unas birras mediante incluso si es ajustado decir incluso que Forza Horizon 6 sea juego de coches. Un argumento que veo defendible, porque aquí los coches son muchas veces solo las caras bonitas que aparecen en un mundo abierto, que es a la postre el verdadero protagonista del juego. Pero si en vez de coches fuéramos paseando en plan mochilero y pudieras, qué se yo, comprarte diferentes bicicletas o incluso caballos, descubriendo sitios, tomando fotos y coleccionando mascotas regionales, la experiencia core del juego seguiría estando ahí.

Xbox, como compañía, está buscando su sitio, pero Forza Horizon 6 va a la suya, y espero sinceramente que no lo toquen, ni a la franquicia ni a sus desarrolladores, porque sería una absoluta catástrofe. Playground Games no hace prisioneros, y la dimensión de su videojuego está a la altura de los títulos más importantes de los últimos años. La nota, en este caso, es absolutamente irrelevante, porque ni el [100] que le pongo le puede hacer justicia.

La entrada Forza Horizon 6, la perfección no fue un espejismo aparece primero en Akihabara Blues.

Game Design Document · v1.0 · Novela gráfica interactiva · Narrativa de elecciones · Europa 1920–1960 · Basado en Egon Schiele · Un solo jugador · PC · Switch · iOS

No es un juego de victoria o derrota. Es un juego de comprensión: cada elección abre nuevas preguntas sobre el poder, el cuerpo, la clase y la dignidad. El jugador navega las vidas entrelazadas de cinco personajes tomando decisiones que moldean el destino colectivo y revelan capas de cada historia. Cada elección abre nuevas preguntas sobre el poder, el cuerpo, la clase y la dignidad. Inspirado en obras como Disco Elysium, Kentucky Route Zero y 80 Days.

«Todos los hombres tienen el mismo cuerpo. Erika, desposeída de sí misma en las noches del burdel, había aprendido a estar cansada con los años.»
— Almudena Anés, capítulo I

Visión del juego

Género: Novela gráfica narrativa
Duración: 8–12 horas (primera partida)
Plataformas: PC, Nintendo Switch, iOS

El diseño se articula en torno a cuatro pilares fundamentales. La agencia narrativa garantiza que las elecciones no sean buenas ni malas, sino que abran ángulos distintos de la misma verdad. La honestidad radical hace que el juego no romantice ni juzgue: muestra, como Schiele, sin velo. Los saltos temporales entre capítulos revelan consecuencias diferidas, mientras que la polifonía convierte a cada personaje en protagonista de su propio capítulo, sin héroe único.

Personajes jugables

• Erika — Protagonista central · Madrid → Berlín → Budapest → Brasil. Veintisiete años, los ojos de quien ha vivido demasiado. Fue entregada al burdel siendo niña, pero con el tiempo se convierte en su gestora. Su arco va del sometimiento a un acto extremo de justicia, y termina en la playa de Copacabana, sola pero dueña de sí. Es el hilo conductor de toda la historia. Arco: víctima → superviviente → exiliada. 11 capítulos. Final abierto.
• Blanca — Personaje dual · Madrid → Europa Central. Doctora de clase media que descubre a Erika en el barrio de Chueca. Llevará su amor en secreto mientras el cáncer avanza. Su muerte es el nudo dramático central: un duelo que el jugador puede presenciar desde tres perspectivas distintas. Arco: descubrimiento → amor → enfermedad. 7 capítulos. Muerte narrativa fija.
• Jules — Personaje de apoyo · Trans · Berlín → Marrakech. Trabaja en el burdel berlinés. Hombre trans en una época sin lenguaje para nombrarse. Su voz narrativa —la carta a la pequeña Eva— es uno de los momentos más poéticos del juego. Morirá de cáncer de colon a los cuarenta años, pero habrá vivido como quien es. Arco: identidad → paternidad elegida. 5 capítulos. Narrador epistolar.
• Nagore — Personaje secundario · Berlín → Tokio. La que calla. Observa la escena berlinesa con ojos de testigo. Guarda un secreto sobre la noche en que todo cambió. Su silencio es una mecánica: el jugador puede intentar —o no— hacerla hablar. Parte hacia Japón sin despedirse. Arco: silencio → partida. 4 capítulos. Testigo clave.
• Isabella — Personaje de cierre · → Marrakech. Mujer que asume la maternidad de la pequeña Eva junto a Jules. Representa la posibilidad de la familia elegida fuera de cualquier convención. Su historia cierra el ciclo: del burdel al pequeño negocio de hostelería en Marruecos. Arco: explotada → madre → libre. 4 capítulos.
• Eva de la Calle — Epílogo · Madrid · Transición española. Hija de Blanca y Erika, criada por Jules e Isabella en Rabat. Llega a Madrid en la Movida. Su capítulo es el epílogo: recoge los hilos de todas las historias y les da nombre. El jugador juega como Eva leyendo las cartas que le dejaron. Arco: herencia → identidad propia. 1 capítulo (epílogo).

Estructura narrativa

El juego se divide en tres actos y un epílogo, con capítulos que se desbloquean a veces simultáneamente, permitiendo al jugador elegir el orden de lectura.

Acto I — El placer y su precio (Madrid, 1925–1930)

El primer capítulo, «La primera vez dolió», introduce a Erika: el jugador aprende el lenguaje visual del juego mientras los cuadros de Schiele se animan como escenas jugables. Primera elección: ¿cómo sobrevivir esta noche? En «Sociología del placer», Blanca despierta sola después de su primera noche con Erika y el jugador la sigue en la búsqueda de esa mujer misteriosa por todo Madrid. «Oferta y demanda / La soledad de los cabarets» son capítulos paralelos —el interior del burdel desde Erika, el exterior burgués desde Blanca— y el jugador puede cambiar de perspectiva.

Acto II — La geografía del dolor (Berlín, Budapest, 1935–1950)

En «Grietas / Hetaira» aparece Jules en el Berlín de entreguerras. El burdel funciona como microcosmos político: los clientes son el fascismo ascendente. El jugador gestiona el burdel con decisiones morales. «Dinámicas de poder / El señor Monstruo» da forma al antagonista: Blanca enferma, Erika descubre que tiene el poder de acabar con ello y el jugador toma una decisión irreversible. «Odiar a los que dicen «la mujer mi esclava»» recoge las consecuencias: Erika es arrestada y el jugador vive el funeral de Blanca desde la perspectiva de los que se quedan.

Acto III — Neopuritanismo y dispersión (1950–1960)

«Lágrimas en la lluvia / Neopuritanismo» narra el cierre del burdel: Jules, Isabella y Nagore deciden hacia dónde ir y el jugador ayuda a repartir las rutas. «Coração vagabundo» es el epílogo de Erika, fugada de la cárcel en Copacabana, con final abierto.

Epílogo — Canapé (Madrid, Movida 1978)

Eva llega a Madrid. El jugador lee las cartas, fotos y objetos que le dejaron sus padres adoptivos. La historia se cierra —o se abre de nuevo.

«Atrás quedaban el señor Rodillas, el señor Garras, el señor Monstruo, todos los señores se perdían ya en el pasado. Ahora por fin se encaminaban hacia el futuro.»
— Almudena Anés, capítulo «Te tengo que meter en mi vida»

Mecánicas de juego

El sistema de perspectivas permite jugar varios capítulos desde distintos puntos de vista. La misma noche berlinesa tiene tres versiones posibles —Erika, Jules y Nagore— y solo jugando las tres se revela el secreto completo. Los diálogos con peso diferido no tienen efecto inmediato: sus consecuencias aparecen capítulos después, a veces en boca de otro personaje, en la idea de que las acciones pasadas siempre regresan.

La gestión del burdel en el Acto II obliga a Erika a decidir precios, protección y alianzas con clientes o con el sindicato. Ninguna decisión es «correcta»: el jugador experimenta la opresión estructural desde adentro, no desde el juicio externo. El cuaderno de Schiele permite recopilar a lo largo del juego fragmentos de la obra del pintor —bocetos, pinturas, citas— y cada objeto desbloquea una memoria jugable narrada en segunda persona.

Finalmente, las cartas de Eva en el epílogo conforman la mecánica de «lectura del pasado»: su contenido cambia según las decisiones tomadas a lo largo del juego, y Eva reconstruye la historia que el jugador ya vivió.

Los tonos de respuesta en los diálogos se articulan en cuatro registros: resistencia activa, resignación estratégica, ironía y distancia, y silencio (no responder). Cada personaje tiene su propio rango disponible, coherente con su voz literaria.

Mundo y escenarios

El juego recorre seis espacios históricos. Madrid en los años 20: Chueca, Gran Vía, burdeles de lujo y tugurios, la efervescencia antes de la República. Berlín en los 30: cabarets, pobreza, ascenso del nazismo, el lupanar como zona franca amenazada. Budapest en los 40: el cementerio Kerepesi, la guerra terminada pero el duelo no, el penal donde duerme Erika. Marrakech en los 50: la nueva vida de Jules e Isabella, colores cálidos, primer plano de la infancia de Eva. Río de Janeiro en los 60: Copacabana, Erika envejecida bajo el sol, el único espacio que le pertenece del todo. Madrid en 1978: La Mallorquina, Sol, la Movida, Eva de la Calle como primera de su familia con DNI.

Los momentos históricos —República española, ascenso del nazismo, Segunda Guerra Mundial— no son telón de fondo sino agentes narrativos que presionan a los personajes.

Arte y sonido

El referente visual es Egon Schiele: líneas nerviosas, cuerpos sin idealizaciones, colores terrosos interrumpidos por carmines y negros. Las escenas estáticas son ilustraciones en tinta y aguada; las transiciones animan los trazos como si el cuadro cobrara vida. La paleta se construye sobre tinta de noche, ocre dorado, carmín, piel, pizarra fría y papel.

La banda sonora es diegética: la música surge del espacio —el piano del cabaret, el vals que alguien toca en la habitación de al lado, la radio de Copacabana. Cada ciudad tiene su paleta sonora: tango berlinés, fado, samba, flamenco de la Movida. Los momentos de mayor peso narrativo —la muerte de Blanca, el arresto de Erika— son silenciosos o tienen solo un hilo de cuerdas: el jugador nota la ausencia de música antes de entender lo que está pasando.

Los diálogos se muestran en tipografía de máquina de escribir envejecida. Las voces en off —el texto literario de Almudena Anés— aparecen en cursiva, diferenciadas del diálogo interactivo. El cuaderno de Schiele usa una fuente caligráfica a mano.

«Brasil sería la única mujer que vería el ocaso de su vida. La vida de la gran Erika. La mujer hecha a sí misma.»
— última línea del libro, punto de partida del final jugable

Este AKB GDD está basado en el propio libro de Almudena Anés, del mismo nombre («Historia de Todos los Burdeles de Europa«), publicado por El Zorro Ediciones, disponible para su lectura gratuita desde este enlace.

Almudena Anés (LinkedIn) es una narradora española especializada en arte, videojuegos e identidad. Trabaja desde la escritura para indagar la fragmentación y el simulacro.

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Buscando clones con personalidad probé títulos como Brotato, que me dejaron bastante frío. Pero recientemente, gracias a GamePass, he llegado a Halls of Torment (Chasing Carrots, 2024), y tras una primera impresión normalita, al final he acabado sucumbiendo a sus encantos.

Para empezar, la estética de Diablo II le queda de lujo para retratar las pantallas que, por otra parte, tienen una estructura muy similar a la de Vampire Survivors. Después, la plantilla de personajes, con ataques muy variados, posibilita muy diferentes experiencias de juego, sobre todo por el sistema de control.

Y es que en Halls of Torment, a diferencia de Vampire Survivors, podemos apuntar de forma manual con la palanca derecha a dónde dirigimos el ataque del protagonista. Este elemento es uno de las principales diferencias de este título, creado por el estudio alemán Chasing Carrots, con la obra de Poncle, y algo que impacta la jugabilidad de forma directa, dándole una dimensión más interactiva.

Otros elementos interesantes es la configuración del equipo de los personajes. Al principio del juego contaremos con elementos más o menos básicos, pero gracias al uso del pozo durante las runs, que nos permite extraer piezas de armadura de los jefes que liquidemos en los niveles, las siguientes partidas contaremos con ventajas adicionales. También incorpora pociones, que podremos usar recolectando los ingredientes y combinándolos gracias a las botellas que también encontraremos en los niveles.

Estos dos elementos, las armaduras y las pociones, combinadas con el apuntado manual, convierten a Halls of Torment en algo más que un clon de Vampire Survivors. Evidentemente pertenecen al mismo género o subgénero, pero la calidad y personalidad de Halls of Torment son tan potentes que merece la pena valorarlo por sus propias virtudes.

Si te gustó Vampire Survivors no deberías dejar pasar Halls of Torment, un juego que mantiene la adictiva fórmula pero a la que añade lo suficiente como para que merezca la pena volver a caer en otro pozo de horas.

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El objetivo no es trasladar el texto de forma literal, sino convertir sus conflictos centrales —colapso civilizatorio, domesticidad como sistema de control, maternidad ambivalente, disolución del lenguaje y emergencia del instinto— en mecánicas jugables y estructuras narrativas propias del videojuego.

Conceptualización

Idea central del videojuego

El juego plantea una experiencia narrativa interactiva centrada en una mujer que atraviesa dos espacios simbólicos:

• Un mundo exterior en colapso (naturaleza invadiendo la ciudad).
• Un mundo interior doméstico (casa, maternidad, pareja, familia).

Ambos espacios no son sólo escenarios, sino estados mentales y políticos. Las decisiones del jugador modifican tanto el entorno físico como la percepción subjetiva del personaje. El eje principal no es la supervivencia física, sino la transformación identitaria.

Género y enfoque

Propuesta de género híbrido:

• Aventura narrativa en tercera persona.
• Exploración semi-abierta.
• Sistema de decisiones con consecuencias acumulativas.
• Interacción ambiental significativa.

No se plantea como novela visual pura ni como «película interactiva». El jugador debe intervenir activamente en el entorno para producir cambios visibles y sistémicos.

Visualización

Cámara en tercera persona cercana, ligeramente desplazada sobre el hombro del personaje. En momentos específicos (capilla, dormitorio, cocina), la cámara puede adoptar posiciones fijas para reforzar la sensación teatral o de encierro.

Diferencias por bloque:

• Exterior (Apertura): planos más amplios, horizonte desdibujado, vegetación que invade el encuadre.
• Interior (Domesticidad): planos más cerrados, marcos arquitectónicos dominantes, sensación de contención espacial.

El jugador mantiene control general, pero en escenas clave la cámara puede restringirse para reforzar el tono narrativo.

Interacción

La interacción se basa en cuatro pilares:

1. Exploración

El jugador recorre:

• Ciudad invadida por líquenes.
• Biblioteca abandonada.
• Estación de tren.
• Casa familiar (cocina, dormitorio, patio, desván).

No hay combate convencional. El conflicto es ambiental y psicológico.

2. Manipulación del entorno

Acciones posibles:

• Limpiar o ensuciar superficies.
• Arrancar o permitir el crecimiento de vegetación.
• Reordenar objetos domésticos.
• Romper elementos simbólicos.
• Escribir en un diario.
• Interactuar con objetos vinculados a la hija.

Estas acciones afectan variables internas del sistema.

3. Diálogos con elecciones

Opciones múltiples, no binarias. Las respuestas modifican estados emocionales y relaciones.

4. Estados internos sistémicos (no visibles directamente)

Propuesta de ejes:

• Domesticidad
• Instinto
• Culpa
• Vínculo materno
• Desapego del lenguaje
• Disolución del yo

No se muestran como barras explícitas. Se manifiestan a través de cambios ambientales, frases disponibles y alteraciones en la iluminación y sonido.

Información e interfaz

• Interfaz mínima y diegética.
• Diario físico accesible.
• Fragmentos de pensamiento en momentos de pausa.
• Ausencia de indicadores numéricos visibles.
• Sin mapa tradicional; orientación basada en referencias espaciales.

La información se transmite mediante ambiente, cambios visuales y comportamiento de personajes.

Ritmo y estructura

La experiencia se divide en dos grandes actos:

ACTO I – APERTURA

• Exploración del mundo exterior.
• Colapso del orden civilizatorio.
• Encuentro con otras mujeres.
• Disolución progresiva del lenguaje y las estructuras religiosas.

ACTO II – DOMESTICIDAD

• Retorno o memoria del espacio doméstico.
• Maternidad, agotamiento, mandato social.
• Tensiones con pareja y familia.
• Posibles desenlaces relacionados con ruptura o permanencia.

No hay «game over» clásico. Las decisiones generan trayectorias distintas, pero el juego continúa hasta alcanzar uno de varios estados finales.

Tecnología

Motor

Motor recomendado: Unreal Engine o equivalente con:

• Iluminación dinámica avanzada.
• Sistemas de materiales modificables en tiempo real.
• Soporte para cambios ambientales progresivos.
• Sistema robusto de diálogos ramificados.

Sistemas técnicos clave

Sistema de transformación ambiental dinámica

• Crecimiento procedural de líquenes.
• Variaciones en textura según variables internas.

Sistema de estados emocionales interconectados

• Variables que afectan diálogos, iluminación y diseño de niveles.

Sistema de narrativa ramificada condicional

• Activación de frases y escenas según acumulación de estados.

Animaciones procedurales leves

• Ajuste de pisada en desniveles.
• Cambios sutiles en la postura corporal según el estado emocional.

Construcción y riesgos

La complejidad no debe centrarse en combate o física avanzada, sino en coherencia sistémica.

Principales riesgos:

• Exceso de ramificaciones incontrolables.
• Incoherencias entre narrativa y entorno.
• Saturación de variables invisibles.

Se recomienda prototipo jugable temprano (vertical slice) antes de cerrar el guión definitivo.

Arte y diseño

Dirección artística

Dos universos visuales diferenciados:

APERTURA

• Verdes saturados.
• Gris hormigón.
• Espacios abiertos.
• Arquitectura invadida.

DOMESTICIDAD

• Blancos clínicos.
• Tonos carne y amarillo leche.
• Espacios cerrados.
• Repetición de objetos.

La protagonista debe presentar alto nivel de detalle expresivo, mientras que algunos escenarios pueden ser más minimalistas para reforzar carga simbólica.

Diseño de niveles

El espacio comunica estados psicológicos. Ejemplos:

• Si aumenta Domesticidad → espacios más ordenados pero más estrechos.
• Si aumenta Instinto → la vegetación invade incluso interiores.
• Si aumenta Culpa → iluminación más fría, aparición de sombras o presencias.

El diseño de niveles debe permitir estas variaciones sin reconstrucción total del mapa.

Sonido y música

• Banda sonora ambiental minimalista.
• Sonidos orgánicos en exteriores (viento, humedad).
• Sonidos domésticos amplificados en interiores (electrodomésticos, agua, pasos).
• Uso estratégico del silencio.

El sonido debe funcionar como indicador emocional no explícito.

Narrativa

Adaptación del texto al medio interactivo

El videojuego no debe reproducir el texto como guión lineal. Debe fragmentarlo y distribuirlo en:

• Escenas jugables.
• Diálogos ramificados.
• Monólogos activados por acción.
• Elementos ambientales (grafitis, objetos, libros).

La escritura debe adaptarse al contexto interactivo: frases más breves, mayor carga implícita, menos densidad continua.

Sistema de consecuencias

Las decisiones no conducen a éxito o fracaso clásico. Ejemplos:

• Priorizar el cuidado → entorno más estable pero más opresivo.
• Priorizar la ruptura → entorno más orgánico y descontrolado.
• Reprimir emociones → aparición de visiones o distorsiones.
• Intensificar vínculo materno → alteraciones en percepción del exterior.

Finales posibles

Estados finales posibles:

• Integración en la comunidad femenina.
• Permanencia en la casa transformada.
• Disolución en el paisaje natural.
• Fusión simbólica con la figura de la hija.
• Aislamiento total.

No se presentan como «bueno» o «malo», sino como resultado coherente de trayectorias.

La adaptación de INTELIGENCIAS ARTIFICIALES al videojuego requiere convertir metáforas en sistemas y tensiones en mecánicas. El foco no debe estar en espectacularidad técnica, sino en coherencia atmosférica y profundidad interactiva. El objetivo es que el jugador no solo observe el colapso del orden doméstico y civilizatorio, sino que participe activamente en su transformación. La experiencia final debe ser íntima, incómoda y consistente con el núcleo temático de la obra: la disputa entre mandato y libertad, entre estructura y desborde, entre inteligencia impuesta e inteligencia vivida.

Almudena Anés (LinkedIn) es una narradora española especializada en arte, videojuegos e identidad. Trabaja desde la escritura para indagar la fragmentación y el simulacro.

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¡¡Presentaciones de Unleashed!!

Unleashed entra fuerte, sin pedir permiso y sin mirar atrás.
La expansión trae nuevas Leyendas, mecánicas más agresivas y un montón de herramientas nuevas que prometen sacudir el meta desde el primer día.

Lo más llamativo es cómo cada dominio evoluciona hacia estilos más complejos:

• Los agresivos ahora son más agresivos y versátiles.
• Los controleros tienen juguetes nuevos para hacer sufrir a sus oponentes.
• Y los midrange… bueno, siguen siendo midrange, pero con más trucos para mejorar su jugabilidad.

Añadir que estas presentaciones han tenido un ligero cambio y es que la promo por participar, en este caso Ashe, no es jugable durante la presentación por normativa de Riot.

La sensación general es que Unleashed quiere que las partidas se muevan, que haya acción y que cada turno cuente.

¡¡El meta evoluciona y no todos los cambios son buenos!!

Aunque todavía estamos en los primeros días, ya se empiezan a ver patrones interesantes y algunos preocupantes. Algunas Leyendas están destacando por encima del resto, y ciertos arquetipos parecen haber encontrado sinergias bastante desagradables.

Por ahora, el meta de Unleashed se está moviendo en torno a estas sinergias y combos. La más preocupante hasta la fecha es Leblanc y sus combos con Karthus, aunque hay varias interacciones que están pasando más desapercibidas, habrá que tener cuidado con estas…

Lo divertido es que aunque estas interacciones se consideran “rotas”, Riot últimamente se está pasando con el cambio de las normas y esto podría cambiar en cualquier momento. ¡Pero sí hay cartas que están levantando cejas! Y ya sabes cómo va esto: si la comunidad levanta cejas, es cuestión de tiempo que empiece a levantar antorchas.

¡¡Falta de material… y recortes inesperados!!

No todo es fiesta, claro.
Unleashed ha llegado con mucha fuerza, pero también con menos material del que muchos esperaban.

Esto ha generado dos sensaciones en la comunidad:

• Ilusión por lo que sí tenemos, porque el contenido es bueno, mejor que Spiritforged según algunos.
• Frustración por lo que no ha llegado, bastante gente no ha podido conseguir todo el material que ha pedido o querido.

Los recortes se notan especialmente en la escasez de singles y en la alta demanda de material sellado.

Sea como sea, Unleashed deja claro que ha aterrizado con energía, personalidad y ganas de mover la grieta del invocador.
Lo que trae es potente y abre un montón de posibilidades para los próximos meses.

Así que, invocadores… Id afinando vuestras listas, probad combinaciones locas y preparaos para lo que viene y recordad…¡¡DEMACIA!!

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