No es la primera vez que pasa con Kojima Productions, y el motivo huele a Excel que no cuadra.Vayamos por partes. Kojima Productions ya tenía OD en marcha con Xbox Game Studios desde 2022, un proyecto de terror con Jordan Peele del que todavía no sabemos casi nada más allá de que «va a acojonar más que ningún otro videojuego que nadie ha haya hecho nunca», como soltó Kojima tan pancho. Ahora PHYSINT ha seguido el camino, cuál Ferrán fichando por el PSG y siguiendo el camino de Démbelé.

El patrón que se repite cada década

En 2015 Kojima rompió con Konami de la peor manera posible, literalmente borrado de la carátula de Metal Gear Solid V. Sony le acogió con los brazos abiertos y salió Death Stranding. Diez años después, la historia se repite con el papel cambiado: según ha trascendido, PlayStation retiró el respaldo a PHYSINT por dudas sobre presupuesto y rentabilidad, señalando directamente al rendimiento comercial de Death Stranding y su secuela como parte del problema. Todo reducido al vil metal, más allá del prestigio de publicar un juego de uno de los grandes auteurs de los videojuegos.

Sony mira más los euros que el prestigio

El problema de fondo es que esta decisión encaja perfectamente con la manera en la que PlayStation lleva unos años gestionando su catálogo cuando entra en juego el departamento financiero. Ahí está Concord: ocho años de desarrollo, la adquisición completa de Firewalk Studios y un cierre de servidores a las dos semanas de salir al mercado, con el estudio disuelto meses después.

No hay que olvidarse tampoco de la compra de Bungie, presentada como la gran apuesta de Sony por los juegos como servicio y que, años después, sigue sin justificar ni de lejos la inversión, salvo por el más que tardío Marathon. Y ahí está la cancelación silenciosa de otros proyectos GaaS en estudios como Bend o Bluepoint —uno de ellos, un God of War multijugador que nunca llegó a ver la luz.

Lo llamativo es que Concord es exactamente el tipo de riesgo que Sony sí estuvo dispuesta a asumir hasta el final —incluso con un lanzamiento desastroso ya anunciado por dentro— mientras que a PHYSINT, un proyecto con la firma de uno de los creadores más reconocibles de la industria, se le corta el grifo en la mesa de planificación. Parece que los criterios económicos son diferentes en unos y otros, muy posiblemente por las expectativas de retorno de la inversión.

Qué gana Xbox con todo esto

Microsoft ha pescado en río revuelto, para conseguir un cromo de esos que a PlayStation le ha parecido demasiado caro de costear. Ya lo hizo con OD y ahora repite jugada con PHYSINT. Tras haber cerrado estudios internos y echado a miles de personas, lo de Microsoft podría ser perfectamente una operación de relaciones públicas para lavar una imagen muy maltrecha en los últimos años. Seguramente en Xbox esperan que el pagarle el juego a Kojima les haga de efecto paraguas por un tiempo por las críticas a su política de recortes constantes. Y en PlayStation quizá crean que el prestigio, a determinado coste, quizá ya no les hace falta. Aunque buena parte de la comunidad de jugadores lo vea como una derrota.

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El multiverso de Jace

Como bien sabéis en esta colección nos enfrentaremos a un Jace Beleren megalómano que tras fusionarse con el plano de meditación al final de Tarkir ha decidio rehacer todo el multiverso.

Con ello Jace ha creado un multiverso paralelo, el ecoverso, donde las grande catástrofes nunca sucedieron: no existe Pirexia, no existen los Eldrazis, tampoco Nicol Bolas etc.

Todo remodelado a su conciencia y según su memoria.

Por ello es normal encontrarnos versiones alternativas de los Planeswalkersu otras criaturas alteradas según el beneplácito de Jace cambiando incluso de color.

La nueva mecánica

Una de las nuevas mecánicas en esta colección de Magic: The Gathering, no se ha confirmado que haya más o que sea la única nueva, es Empower Jace.

Una mecánica que sirve para cualquier token de Jace, no hace falta que tengamos uno, porque la propia habilidad nos creará uno, pero si se combinan con otros Jace de nuestro multiverso puede resultar interesante.

Correcto, estos tokens se ven afectados por el Empower. ¿Veremos un clon de planeswalkers en esta colección?

Como está colección estará localizada en el Hexhaven, la versión alternativa de Strixhaven, continuaremos teniendo criaturas con la mecánica de preparado.

Otra de las mecánicas presente en la colección es Landfall que viene acompañada de auténticas bombas como esta versión alternativa del famoso Negador Pirexiano:

Viejos conocidos

En esta colección nos encontraremos constantemente a viejos conocidos y cartas alteradas o cambiadas de colores ya que está garantizado que en cada sobre aparezca una carta normal y su versión alternativa.

Tal y como sucedió en Strixhaven los lideres de cada casa tendrá su representación en forma de carta y preparaos porque hay alguno de ellos que es una auténtica locura.

Volveremos a contar con un ciclo de tierras dobles de Strixhaven pero, en este caso, el cilco de colores dede Hexhaven.

También deciros que no os perdáis las tierras básicas con arte extendido y que que forman el panorama de una torre en vertical, 3 tierras de cada color, que son una preciosidad.

Podéis conseguirlas garantizadas en el Secret Lair Bundle de la colección.

Sin más dilación os dejo el resto de cartas mostradas en el reveal oficial para que vayáis pensando que tal vez comprar una caja de esta colección no es tan mala idea.

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Ficha de autor

El cambio más gordo sería el de la inclusión de una mini ficha de autor, con sus redes, rango en AKB y una pequeña introducción, que aparece al final de cada post. Si el texto es un análisis, como en la captura de arriba, los posts incluirán una nueva sección destacada, con la nota y una frase a modo de conclusión.

Página de posts de autor

Otro cambio relacionado con el autor es que, al hacer click en el nombre de un autor o autora, navegaremos como hasta ahora al listado de sus posts. La diferencia es que en esta página/listado, se incluye la ficha de autor, la misma que he comentado que se ha añadido al final de cada post.

Otros pequeños cambios

Para acabar, un par de pequeños ajustes estéticos en los posts, que creo que quedan espectaculares. La primera letra de cada post, al entrar en él, aparecerá con formato capitular. Los títulos de párrafo también han cambiado el formato, presentándose con un símbolo de viñeta, dándoles así más protagonismo visual.

¡Gracias de nuevo a Cristóbal por la currada y gracias a ti por leernos!

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Hay una pregunta que lleva décadas persiguiendo a los videojuegos con licencia: ¿qué demonios significa exactamente «hacer un juego de Star Wars»? Durante mucho tiempo, la respuesta parecía obvia. Había que meter sables de luz, blásters, algún droide con personalidad, una melodía que recordara discretamente a John Williams y, si quedaba espacio en el presupuesto, una estrella de la muerte asomando por el fondo. El problema es que eso describe una ambientación, no un videojuego.

Los juegos de Star Wars que más tiempo han resistido suelen ser los que toman la decisión contraria. Primero deciden qué quieren ser. Un RPG. Un simulador espacial. Un shooter de escuadrón. Un arcade de carreras. Después obligan a la licencia a vivir dentro de esas reglas. Cuando funciona, la galaxia no parece más pequeña por someterse a un género; parece más creíble.

Una licencia no es una mecánica

La reseña de ReStory: Chill Electronic Repairs me hizo pensar precisamente en esto. Su encanto no depende de llenar la pantalla de referencias reconocibles a consolas viejas. Funciona porque reparar, limpiar, comprar licencias y atender a una pequeña comunidad forman una fantasía coherente. El tema y las acciones del jugador tiran en la misma dirección.

Star Wars ha tropezado muchas veces cuando ha hecho lo contrario: confiar en que reconocer un universo sea suficiente. Un viejo análisis de Star Wars: The Clone Wars – Republic Heroes lo resumía con bastante crueldad al señalar que el juego se aprovechaba de la licencia sin tener demasiado que aportar por sí mismo. Esa crítica sigue siendo útil porque separa dos cosas que tendemos a mezclar: gustarnos Star Wars y gustarnos el juego que tenemos delante.

La galaxia funciona mucho mejor cuando el género manda. Knights of the Old Republic no es memorable porque permita visitar Tatooine. Es memorable porque BioWare convirtió Star Wars en un RPG de compañeros, decisiones, estadísticas y conversaciones. X-Wing y TIE Fighter no necesitaban que el piloto saliera de la cabina cada diez minutos para recordarnos dónde estábamos; eran simuladores espaciales tan comprometidos con radares, energía, escudos y objetivos que el universo aparecía a través de los instrumentos. Republic Commando hizo algo parecido con el shooter táctico: Delta Squad era importante porque dar órdenes, cubrir puertas y depender de otros soldados era parte del verbo del juego.

Al recorrer la historia completa de los juegos de Star Wars se ve un patrón bastante claro: la licencia sobrevive a casi cualquier género siempre que el juego se tome ese género en serio.

Zero Company deja que la táctica tenga la última palabra

Zero Company es el ejemplo más reciente y quizá el más limpio. Claro que hay clones, droides, planetas conocidos y una capa cinematográfica muy Star Wars. Pero en cuanto empieza un combate, la prioridad no es que el jugador se sienta dentro de una escena de The Clone Wars. La prioridad es que lea coberturas, líneas de tiro, puntos de acción, habilidades, amenazas y el orden correcto en el que cuatro personas deberían hacer cosas muy violentas.

La iconografía es Star Wars; la pregunta real es táctica: coberturas, amenazas, líneas de tiro y orden de acciones. Imagen: EA / Bit Reactor.

Eso es importante. El juego no intenta «starwarsificar» cada sistema. Una cobertura sigue siendo una cobertura. Un porcentaje sigue siendo un porcentaje, incluso cuando decide traicionarnos de la manera estadísticamente correcta. Un buen turno puede consistir en empujar a un enemigo, colocarlo en la línea de otro Operador y gastar Advantage en la habilidad adecuada. La fantasía Star Wars aparece después, cuando ese empujón lo hace un Jedi o cuando la asistencia llega en forma de fuego de bláster.

Cuando los apoyos y porcentajes deciden el turno, la licencia aporta contexto; la mecánica sigue hablando el idioma de la táctica. Imagen: EA / Bit Reactor.

Hasta la parte más narrativa está apoyada en la estructura táctica. Los Operadores ganan experiencia, establecen Bonds, se especializan y pueden acumular Injuries. Si alguien cae demasiadas veces con la muerte permanente activada, desaparece de la campaña. No hace falta una escena de veinte minutos para explicarnos que un soldado importa. Basta con haber invertido en su build y descubrir que de pronto estamos protegiendo a una hoja de estadísticas como si fuera familia.

El análisis de Persona 5 Tactica ya demostraba que cambiar de género no obliga a borrar una identidad. Atlus quitó gran parte de la estructura social del Persona 5 original y construyó un juego de estrategia por turnos mucho más directo, pero conservó suficiente lenguaje visual, personajes y ritmo como para que siguiera siendo reconocible. Zero Company hace algo parecido desde el otro lado: no adapta un juego existente a la táctica, sino que deja que la táctica decida qué parte de Star Wars necesita en cada momento.

Galactic Racer necesita cultura del motor, no solo naves rápidas

Galactic Racer tiene un reto distinto. Correr muy rápido en Star Wars no es una idea nueva. Episode I: Racer ya demostró en 1999 que dos motores gigantes, un cable de energía y una política de seguridad laboral inexistente eran material más que suficiente para un arcade magnífico. Lo interesante del nuevo juego es que Fuse Games parece querer construir algo más grande que una secuela nostálgica: una cultura del motor dentro de la galaxia.

Galactic Racer no quiere limitarse a recuperar el podracing: la ambición es construir una competición con identidad propia. Imagen: Star Wars: Galactic Racer, build previa.

La Galactic League es una competición ilegal nacida después de la caída del Imperio. Hay sindicatos patrocinando pilotos, paddocks, talleres, rivalidades, apuestas y diferentes clases de repulsorcraft. Las rutas se bifurcan, los vehículos tienen comportamientos distintos y las decisiones de una run afectan a cómo seguimos compitiendo. Es decir, el mundo no está decorando la carrera. La carrera está organizando el mundo.

Las clases de vehículo y las rutas importan cuando obligan a conducir de otra manera, no cuando solo cambian la silueta. Imagen: build previa de Star Wars: Galactic Racer.

Ahí resulta útil mirar Denshattack!, un juego que convierte trenes, raíles, trucos y velocidad en una identidad completa. Su Japón postapocalíptico funciona porque cada elemento estético acaba alimentando la forma de jugar. Y también sirve el caso contrario: Screamer tenía anime, carreras callejeras y drifting, pero su propio análisis señalaba que la variedad y las mecánicas no aguantaban el encanto inicial. La lección es sencilla y bastante cruel: una cultura del motor no se construye con neones. Se construye con reglas.

Galactic Racer tendrá que demostrar que un speeder bike, un landspeeder y un podracer no son simplemente tres carrocerías alrededor del mismo sistema. Si una clase exige frenar tarde, otra conservar momentum y otra aceptar que cada curva es una negociación con la muerte, entonces Star Wars estará apareciendo a través de la conducción. Eso vale mucho más que colocar un TIE Fighter en el cielo para recordar de qué licencia estamos hablando.

La prueba no será cuántos iconos de la saga caben en el circuito, sino cuántas decisiones distintas obliga a tomar la conducción. Imagen: build previa de Star Wars: Galactic Racer.

Ser fiel no significa copiar la superficie

Creo que ahí está la mejor forma de entender una buena adaptación. Ser fiel a Star Wars no significa usar todos sus iconos a la vez. Significa encontrar una fantasía concreta del universo y entregársela por completo a un género.

A veces esa fantasía es sentarse en una cabina y gestionar escudos. A veces es discutir con un compañero en un RPG. A veces es mandar a un clon detrás de una cobertura porque tiene dos Injuries y no estamos dispuestos a perderlo. Y a veces es entrar demasiado rápido en una curva porque el rival de delante lleva veinte segundos resultando insoportable.

Los mejores juegos de Star Wars usan la licencia como material. Después dejan que el RPG sea RPG, que la táctica sea táctica y que la carrera sea carrera.

Curiosamente, cuanto menos intentan recordarnos a cada minuto que estamos jugando a Star Wars, más fácil resulta creer que estamos viviendo allí.

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Más profundo de lo que pensaba

Tal vez sea el unico que apenas ha entendido el trasfondo de las historia de A Plague Tale y debo confesar que inicialmente, por lo menos a nivel narrativo Resonance: A Plague Tale Legacy me decepcionó, principalmente porque se aleja demasiado de lo que sucede en la historia principal, pero también porque no hay ratas.

Para mi las ratas son marca de esta franquicia. Pero por “coincidencias” del internet encontré un interesante hilo en X que da contexto a la historia de este juego. Una plaga diferente, de otra época, que impactó a Sophia, la protagonista de esta historia y cuyas características y debilidades se aprovechan muy bien en el juego.

Así que no se que tantas plagas hayan azotado a la humanidad y de cuantas más nos quiera contar Asobo Studio, con su ya característico estilo.

Grandes diferencias

Aparte de la ausencia de ratas, en Resonance: A Plague Tale Legacy el sigilo no hace parte de las mecánicas de juego. Sophia es un personaje netamente de acción, con un interesante arsenal de cuchillos y espadas, junto a habilidades que pueden ser mejoradas a lo largo de la aventura.

Una de las críticas más grandes que ha recibido el juego está relacionada con el combate. Debo decir que a mi me gusta y que depende de nosotros, como jugadores, hacerlo más interesante o no. Eso sí, en los momentos finales del juego, con muchos enemigos al ataque, se siente muy dinámico.

Aquí la historia también es potente, pero no tiene tanta carga dramática como la de Amicia y Hugo. Eso sí, los personajes son potentes, tiene muchos momentos de acción, giros en la trama y situaciones trágicas, siendo para mi el punto más alto de todo el juego.

Explorando el pasado

En Resonance: A Plague Tale Legacy recorremos un momento de la historia de una joven Sophia, quien tras la muerte de su padre decide ir a una isla a conocer el origen de su tormento. Unas pesadillas que la hacen ver cosas extrañas de una época muy lejana a la suya.

El hecho de desarrollarse en una isla ofrece una gran variedad de escenarios, como cuevas, playas, bosques y ruinas. Todas repletas de coleccionables, acertijos y enemigos. Cabe decir que es una aventura narrativa, así todo está debidamente coordinado y pasa cuando el guion quiere que pase.

Pero eso no quita que el diseño de niveles sea interesante, da pie a la exploración y los acertijos son ingeniosos. No significa que sean super complicados, pero por lo menos hay ideas diferentes. Tanto los combates como los puzzles están bien repartidos y cuando es momento de la acción logra meter su dosis de adrenalina.

Todo en su punto

Siento que Resonance: A Plague Tale Legacy está bien equilibrado. Los enemigos no son difíciles, ni siquiera los jefes, pero el intentar usar las diferentes habilidades le puede dar algo de variedad a los combates. Los nuevos escenarios siempre dan pie a la exploración y la historia tiene una buena mezcla entre diálogos y acción.

La duración también es la adecuada para la historia que está contando y se alarga gracias a los coleccionables, pero de manera orgánica. Lo que sí siento es que el sigilo le hubiera venido bastante bien para darle algo de variedad, porque hay situaciones donde cae de perlas.

Y respecto al apartado visual ninguna queja. Los personajes, escenarios y los paisajes son bellísimos. El manejo de colores y texturas es bastante acertado, haciendo que sea de esos títulos donde es necesario quedarse viendo al horizonte, sin importar lo que esté sucediendo.

Conclusiones

Resonance: A Plague Tale Legacy termina siendo un experimento interesante por parte de Asobo Studio para seguir contando la historia de las plagas con mecánicas y personajes ajenos a la historia principal (la cual considero que está terminada).

La ausencia de sigilo y ratas le puede pasar factura, porque son marca registrada de la saga. Sin embargo, el combate no me parece tan malo y en los momentos finales de la historia se siente fluido y divertido. Los acertijos, a pesar de no ser complejos, me parecen creativos.

A nivel visual y narrativo es donde siento que tiene la nota más alta. La historia es menos dramática que la de los dos juegos anteriores, pero tiene su toque, con buenos personajes secundarios y algunos giros en la trama. A nivel visual destaca bastante, especialmente los paisajes.

Un juego muy correcto, entretenido, con una historia interesante, que sin embargo no supera a las entregas anteriores.

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Ocarina of Time, un juego legendario

Recuerdo con una sonrisa en la boca cuando hice pellas de la universidad el mítico viernes 21 de noviembre, cuado se puso a la venta en el cada vez más lejano 1998. Lo tenía reservado en un Toys’r’Us y convencí a mi primo de saltarnos la única clase que teníamos ese día para ir a recogerlo a primera hora de la mañana, tras haberlo reservado hacía semanas.

Recuerdo también el amago de decepción cuando, al abrirlo en el coche, vi que el cartucho no era dorado. También las sesiones non-stop que me metí durante muchos días, sin salir de mi habitación, y cómo hojeaba el librito que Nintendo había incluído con el juego.

Monolith Soft, como estudio encargado del remake, bajo la producción de Eiji Aonuma (co-director del original, de Majora’s Mask, director de Twilight Princess y productor de los Zelda next-gen), han parido un juego que parece hecho del material del que están hecho los sueños.

Un cocktail imparable

Si no sabías qué imaginarte el remake de Ocarina, o quizá no te atrevías a soñarlo, tranquilo: Nintendo lo ha soñado por todos nosotros y ha convertido ese sueño en realidad. Es que es una burrada, más allá del rediseño detalladísimo de todo, el juego ha ganado una espectacularidad cinematográfica.

Sin duda deja claro que se trata de una superproducción que podría haber brillado perfectamente como «nuevo juego de Zelda», sin necesidad de tirar de la nostalgia de la entrega original. Pero combinando ambos factores – una superproducción y un juego mítico que salió hace ya 28 años – el resultado es un cocktail imparable.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time remake, a la venta el 5 de noviembre de este año. Ya lo de ponerlo a la venta el mismo día que el original, el 21 de noviembre, les habrá parecido demasiado.

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ADN 100% Japonés

El estilo Anime, del que el Director Creativo Marcos Ramos ha detallado sus principales influencias aquí, es el absoluto protagonista de Orbitals, con unos visuales trabajadísimos y carismáticos a más no poder. Tanto es así, que en las primeras horas uno no acaba de tener claro si está jugando un juego o viendo una pelicula Anime que tiene secciones interactivas, tal es el encanto y buenas maneras de la producción.

Esto podría sonar a alguien como una crítica, pero teniendo en cuenta el nivel artístico del juego, es complicado verlo como algo negativo. Y es que visualmente es una verdadera maravilla, con una personalidad ochentera que me ha hecho recordar al videoclip de One More Time de Daft Punk y a una de las series más queridas de mi infancia, Pirata Espacial Capitán Harlock, una de esas joyas que en Cataluña se podían ver gracias al amor al género de TV3 / 3Cat.

Ambas obras eran obra del legendario artista Manga Leiji Matsumoto, y su estilo me recuerda mucho al estilo de Orbitals, lo que es un piropazo. La tipografía del juego al presentar los niveles, con caracteres japoneses gigantes, imitando un Anime, contribuye a crear una ambientación nipona a tope. La verdad es que es un juego con un estilo tan japonés como ningún otro que recuerde, incluso más que los Yakuza, lo que es verdaderamente refrescante y lo agradezco un montón, como enamorado de Japón que soy.

A nivel jugable, Orbitals consiste en una sucesión de puzles, algunos de dificultad alta, apreciablemente más de la que estaba acostumbrado a ver en los juegos de Hazelight, el estudio que ha convertido el cooperativo de calidad y de autor en su seña de identidad. A pesar de que algunos de los desafíos son simplemente mecánicos o refritos (como un reto musical de ritmo), a medida que avanza la aventura estos van subiendo de nivel, alcanzando el calificativo de brillantes en las mecánicas de colaborar para superar peligros (proteger del fuego, buceo…), por lo original o por lo bien integrados que están en el juego, además de lo gratificante que resulta el superarlos.

Además de los retos que son parte de la aventura y que hay que superar para avanzar, será posible conseguir modos de juego secundarios, disponibles en la nave principal, que podremos disfrutar de forma relajada. Para ello, tendrás que recorrer los niveles buscando los terminales que los desbloquean, algo no obligatorio pero que te permitirá ver otra cara de Orbitals.

Tan bueno y divertido es Orbitals como loco e imprevisible es su argumento, que no voy a desvelar. Realmente los retos del juego están desconectados de la trascendentalidad que se plantea, y en mi cabeza solo encuentro justificación porque en los Anime ochenteros en los que se inspira no había tampoco mucha coherencia que digamos. Pero sí, me he quedado un poco ojiplático tanto con el principio como con el final del juego. Lo que hay en el medio – el juego en si – podría existir perfectamente con cualquier otro argumento mucho más banal y quizá hasta se digerería mejor.

No solo brilla en lo visual

Es imprescindible mencionar el temazo musical central del juego, en japonés, que podría ser perfectamente el main theme de cualquier serie de moda. El repertorio de temas y efectos de sonido también está a la altura y las voces, que he disfrutado en inglés y en castellano, son de un nivel estelar, acordes con los visuales tan trabajados. Pero ten en cuenta que el juego cuenta con doblaje al castellano, tanto al de España como al latino, así como en Japonés, Alemán, Francés, Portugués Brasileño y Chino.

Orbitals es una gran adición al catálogo de Nintendo Switch 2, un lujazo inesperado para la plataforma de Nintendo. Su fórmula de juego en cooperativo, en local u online con un amigo o amiga, hace que tengas que cuadrar agendas para darle, lo que complica el poder jugarlo cuando y como quieras, pero, junto a la dificultad de algunos de los puzles y lo absolutamente loco del argumento, es de lo poco que puedo listar como «negativo», entre comillas, a lo que es, sin duda, un grandísimo juego con personalidad, carisma y buenas ideas a raudales.

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¡Hay que jugar!

Lo primero a comentar es los eventos a los que podías optar en el evento, en mi caso, al tener entrada para el evento principal obviamente pude jugar el main event, para los demás invocadores que no tenían una entrada para el main podían optar por varios eventos secundarios tales como: Mazo sellado, Mazo preconstruido, 2VS2, Draft, entre otros muchos…

Tengo que decir que en cuanto a variedad de eventos secundarios la verdad es que estoy muy satisfecho con estos, incluso pude jugar 2 sellados Tambien hay que comentar las partes negativas y en este caso es que también habían otros eventos secundarios llamados On Demand, pero estos fueron muy limitados durante los 3 días del evento, por falta de espacio según tengo entendido… Así que para la próxima vez hay que conseguir que todos los jugadores puedan disfrutar del juego de la manera que más les guste.

El Evento principal

Hablando ya sobre materia del main event, no tuve mucha suerte, hice un resultado de 3 victorias, 3 derrotas y me sali del main porque ya no tenía posibilidades de llegar a algún top. Por suerte me junte con algunos amigos y conocidos y pude jugar un On Demand. Por lo que he podido ver del nuevo meta de Vendetta, parece ser que los decks de miracle han revivido grácias a Kennen, siendo este uno de los decks más jugados en el evento, aunque viejos favoritos como Irelia y Maestro Yi del proving grounds siguen estando tambien arriba del metajuego.

Estos eventos secundarios dan unos tickets que puedes canjear por premios especiales pero por la falta de estos eventos bastante gente se quedo sin poder jugar durante bastante tiempo… Aún así conseguí varios tickets que pude canjear por cositas bonitas y todo el mundo fue muy amigable y las partidas y los eventos fueron muy divertidos de jugar.

¡Cartitas Brillantes!

Entre las cartitas que vendí en algúna de las tiendas, los tickets que conseguí jugando eventos secundarios y los sobres de los eventos de sellados la verdad es que conseguí bastante material. Las cosas más relevantes con las que me hice: una Kaisa Cristal Rose, 2 Sonas Cristal Rose, un Ezreal Cristal Rose y 2 Barones Nashor arte alternativo

La verdad es que recomiendo mucho asistir a estos eventos porque aunque no te sientas preparado tienes muchas cosas por hacer y siempre hay muy buen ambiente de comunidad. Y por último, pero no menos importante… ¡DEMACIA!

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Al port, en cuanto a contenido, no se le pueden poner pegas, al contrario. En la bautizada como Tarnished Edition se incluye el juego base, la expansión Shadow of the Erdtree y, de propina, clases nuevas, equipo, habilidades y hasta skins para Torrentera, el caballo del juego. La misma versión aparece en todos los sistemas, pero el morbo estaba en ver cómo la genial obra de Miyazaki corría en la portátil de Nintendo.

Y aquí vienen buenas noticias, al menos para quien haya seguido la evolución del juego en los últimos meses. En el mundo abierto, cuando se juntan varios personajes, el framerate baila entre unos nada desdeñables treinta y cuarenta frames por segundo, lo cual es sin duda un progreso muy importante con respecto a lo que se vio en las primeras versiones. Concretamente en las primeras demos de ese lugar sin ley conocido como Gamescom, donde la tasa de frames bajaba de la treintena en ocasiones. Por cierto, no hay modo Performance o Rendimiento a escoger: FromSoftware ha cocinado un plato único.

Así, Elden Ring se sigue dejando querer. Los interiores, las mazmorras, tiran sin problemas, y ahí es donde Switch 2 aguanta mejor el tipo. Además, claro, de la exclusiva carta que juega en consolas, el ser portátil. ¿Merece la pena si ya te lo pasaste en otra consola? Esa ya es una pregunta muy personal que te tienes que hacer tú mismo . Si no lo has tocado nunca, y quieres jugarlo en cualquier lugar, Elden Ring: Tarnished Edition te parecerá como caído del cielo.

En cambio, si ya le has dado duro en PC, PS5 o Series X, seguramente le verás costuras que no existían en esas versiones y tendrás la sensación de retroceder más que avanzar. Eso, en un juego de más de 3 años, quizá es algo que te quieras ahorrar experimentar en una consola a la que le quedaban aún muchos meses para ponerse a la venta cuando apareció Elden Ring.

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Quizá sea precisamente en el remaster del primer Onimusha, el Warlords, donde se le han visto recientemente las costuras. Tenía muchas ganas de ver si es que Capcom había dejado de lado la franquicia o, simplemente, se trató de un accidente. Y viendo la calidad de este Onimusha Way of the Sword (Capcom, 2026) parece más bien eso último.

Kurosawa estaría orgulloso

Ya viendo al actor que presta su cara al protagonista del juego uno tiene claro que para Capcom esto no es un juego menor. El mítico actor Toshiro Mifune (Rashomon, Seven Samurai, Yojimbo, entre otros grandes clásicos), fallecido hace años, ha sido el modelo utilizado para volver a encarnar, de forma póstuma, a uno de sus personajes más recordados: el legendario samurai Miyamoto Musashi.

Y es que el protagonista de este Onimusha no es un personaje random o inventado, sino que se trata de un samurai que no perdió nunca una pelea y que, además, se prodigó en otros artes como la pintura o la escritura, siendo el autor del tratado sobre estrategia y combate titulado como «El Libro de los Cinco Anillos«.

Así, encarnando a Musashi, aterrizamos en este Onimusha Way of the Sword, en una dinámica muy propia a la del histórico personaje: enfrascado en peleas con otros guerreros para determinar, de una forma más o menos justa, quién es el mejor samurái de todos. Ese es el punto de partida de un Onimusha colosal, el juego más grande al que he podido jugar de la franquicia.

Es tan grande para un título de la saga que tuve la sensación de estar algo descolocado durante mucha de mi experiencia con el juego. La forma en la que se desplegan en el mapa las misiones, con Onimusha Way of the Sword no dejándote claro qué es vital y qué no, es algo que me ha costado digerir.

Onimusha Way of the Sword tiene un diseño cinematográfico, con una estructura de niveles con momentos que flirtean con el mundo abierto y otros, los más, en los que nos encontramos en una aventura a lo Uncharted, lo que supone una revolución para esta franquicia, más dada de una estructura de Survival Horror de la Vieja Escuela que de las formas de esta entrega, mucho más de Juego-Peli. Los personajes que pueblan su mundo son muy carismáticos, como Ganryu Kojiro, el espadachín archirival de Musashi, que en la vida real se enfrentaron cara a cara también, convirtiendo las cinemáticas y sus diálogos (lo he jugado con la pista de audio en japonés) en una auténtica gozada.

La lucha, el epicentro

Sobre los combates, me ha encantado la profundidad, que es evidente pero que no avasalla, sin igual en la saga. La presencia de parries, esquivas, poder usar un arco para larga distancia y otras técnicas de combate se van introduciendo de forma natural gracias a los poderes de Musashi da mucha a los enfrentamientos. Dependiendo de lo difícil que queramos que las cosas sean, ya sea por nuestra habilidad o por querer ir por faena, las luchas serán más o menos cuesta arriba.

Onimusha Way of the Sword incluye, de partida, dos modos de dificultad: el Historia y el Normal. El Historia, para los enemigos «normales», no supone un reto, al menos durante las primeras horas. Los bosses son otra cosa, y aunque evidentemente no llegan a la dificultad del Normal, sí que necesitan que, al menos, conozcas las mecánicas de ataque y defensa y seas capaz de desplegarlas con algo de soltura. Cuando te pasas el juego, por cierto, se desbloquea un modo Difícil, por si te animas a una nueva ronda en plan reto.

Yo por ejemplo estaba tranquilísimo pasando escenas en el modo Normal, y me pegué una hostia bastante importante con el primer boss, que me obligó a cambiar a Modo Historia si quería desatascarme. Por cierto, la dificultad se puede cambiar en los mini templos, donde también se puede guardar la partida y gastar los puntos recolectados para mejorar las diferentes habilidades.

El camino del Samurai

En la mecánica de secundarias encuentro una de las fisuras del juego, dado lo repetitivo que resultan. Por ejemplo, una casa concreta del mapa recibía sin parar ataques de enemigos, y la he tenido que liberar tantas veces y hablar con el dueño de la casa otras tantas que al final el concepto de «héroe» pierde totalmente el sentido y se acerca más a un «recadero». El principal problema es que, tal y como está estructurada la aventura, estas secundarias son casi parte de la narrativa principal, por lo difusa de esta, que da la sensación de ir a salto de mata, no te lleva de la mano por un argumento más allá del conflicto marco retratado.

Onimusha Way of the Sword es, posiblemente y a pesar de sus «peros», sobre todo narrativos, el videojuego de Capcom que más he disfrutado recientemente durante las más de 20 horas que me ha durado la aventura, en una entrega que hace avanzar claramente a una saga mítica. Y, teniendo en cuenta lo que ha ido sacando la compañía nipona, eso son palabras mayores.

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El evento

El RQ de este año ha caído en Barcelona y se celebró en el recinto ferial de Plza. España, conocido por albergar ferias importantes como salones del cómic, manga etc pudiendo albergar los 2224 jugadores registrados.

Muchas mesas para jugar, varias tiendas para comprar material, una parte para aprender a jugar, un photobooth, zona de creadores o incluso un booth donde abrías un sobre en directo y te mandaban el video entre otras zonas.

En líneas generales un evento bien montado que tiene espacio de mejora ya que, una vez acabada la primera vuelta, se te quedaba el evento muy corto.

Sé que las comparaciones son odiosas pero si bien está mejor montado que un Regional de One Piece, le falta mucho por llegar a un evento de Magic.

Me faltaron más tiendas y más estatuas o decoraciones, un prize wall más llamativo así como una mejor optimización del espacio o un mejor control de zonas por parte de los jueces (tubimos 2 torneos mezclados en las mismas mesas).

El ambiente

Aquí se venia a jugar y abrir cajas, MUCHAS cajas.

Era constante ver cajas y cajas de bulk en las mesas de free play y no es una queja, ya que gracias a ello pude hacerme 3 colecciones completas solo de comunes e infrecuentes junto el 25% de raras.

La gente era muy maja, como es costumbre en este tipo de eventos, había gente en cosplays y mucha presencia internacional haciendo de este evento un sitio multicultural y bastante tranquilo.

Algo que me sorprendió, comparado con otros TCG, fue el nivel de ruido generado por las mesas jugando: mucho mas bajo del que estoy acostumbrado, cosa que agradecí porque daba gusto jugar en las mesas sin tener que gritar para que te oiga el oponente.

El juego

Después de hacer mi primera demo y que una amiga me hubiera enseñado los conceptos básicos decidí participar en un Challenger deck, un evento donde te dan un deck preco aleatorio y un sobre para tunearlo y listo: a jugar.

No me tocó un preco muy espectacular: Shen – Eye of Twilight pero lo suficiente para empezar a practicar los conceptos y fases del juego.
Casi gano.

Mi nota negativa fue la app/web del torneo que gestionaba los tiempos: la mayor parte del tiempo no actualizaba bien y llegue a mi 2ª ronda tarde y no pude jugarla.

Tras mi última ronda quedé con un decente 1-2. Un buen sabor de boca para mi primera vez y habiendo aprendido a jugar a un tcg nuevo hacía 10 minutos.

Es cierto que viniendo de otros tcg el juego se hace un poco extraño pero me parece un juego muy táctico a la hora de tener que conquistar o holdear los campos de batalla para ganar puntos y así ganar la partida.

No hay interacción en los turnos del rival, a menos que entres en batalla en un battlefield, por lo que hace más tranquilo el hacer tu juego o estrategia pero las batallas le dan ese punto de caoticidad en el que debes tener respuestas o planificar tus movimientos con antelación.

En resumen

La victoria de este RQ fue finalmente para Mateo Ferreira «TheManland» con su mazo de Ornn – Fire Below the Mountain, integrante del equipo Micellion, al igual que Pedro (que quedó 3r), así que todo quedó en casa.

El evento ha sido una toma de contacto muy buena puesto que me ha parecido un buen evento, con un buen ambiente, gente muy maja y dispuesta a enseñarte o ayudarte en todo momento.

Si estás cansado de la especulación de ciertos tcg o el precio astronómico para montarte decks decentes, mi recomendación es que te mires Riftbound, ya que a nivel precios es bastante mucho más económico y no hay problemas para conseguir material o participar en torneos.

¿Quien sabe si tu serás el próximo en levantar esta copa?.

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Antes de nada, al César lo que es del César, el juego se ve a nivel gráfico, de pelotas. La iluminación trabajada en RDRII les ha servido a Rockstar para trasladarla a una Vice City llena sol, clubes nocturnos, pantallas y demás aparatos que crean y plasman la luz de una forma que sólo habíamos visto en el salvaje oeste.

Esta iluminación se le suma el casi-enfermizo detalle que tiene todo. Las localizaciones (cómo la casa de Lucía o la trastienda que revienta Jason) contiene un número de elementos que o interactúan entre sí de maneras hiper-realistas o añaden realismo a la escena. Al igual que lo hacen los pelos y pieles de nuestros personajes que, cómo ya nos imáginabamos, llegan al punto de ver los poros y sudar.

Por suerte para mi gusto, el detalle que más me ha gustado es el de la interacción entre ambos protagonistas.

Podremos controlar a los dos y, aunque cada uno tendrá sus misiones, vamos a estar interconectados con el otro personaje en todo momento. Tanto a nivel físico, ya sea intercambiando posiciones en el coche en una persecución o cambiando de perspectiva en una infiltración; cómo a nivel emocional entre la pareja.

Aún no sabemos si el sistema de honor que parece que han implementado afectará a la relación, pero lo que sí sabemos (y hemos podido ver en el trailer) es que existirán no pocas pequeñas interacciones con nuestra pareja criminal para expresar la relación entre ambos. Darse la mano, meter prisa en el baño, cómo se miran en las cinemáticas, y otras cosas que no hemos visto, son parte de lo que me fascina de este tipo de juegos, como en el Yakuza coges de la mano a Haruka o vas a trabajar en el Shenmue.

Son los pequeños detalles de un mundo que parece tan vivo y que tengo ganas de comprobar de primera mano hasta dónde puede llegar Rockstar y de sí la espera ha merecido la pena.

Hoy estoy con más ganas que ayer, pero mi medidor de ganas no llega al nivel de comprarme una PS5 y el juego en digital para poder comprobarlo. Esperaré a PC para conocer más ésta historia de dos, dónde nos lleva y, no poco interesante, cómo reacciona el videojuego después.

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Para mi, el resumen del anticipo de GTA VI es «Foco en narrativa». Cada secuencia que he visto en el tráiler me ha parecido puesta a dedo y rodada con un cuidado cinematográfico para explicar una historia. Sin prisas para llegar al desenlace, cada paso en la cadena de la misión era importante.

También me ha sorprendido – para bien – la iluminación, que realza las escenas y modelos de una forma muy top, con unos acabados alucinantes que, según parece, se han mostrado en la, atención, PS5 base. Nada de Pro, en la base. Una locura.

En cuanto a la pareja protagonista, la química es innegable, y parece evidente que separar a Jason y Lucía a la hora de jugar será algo circunstancial, porque son uña y carne y, por lo menos lo que se ha podido ver, argumentalmente son como siameses.

Pensaba que, a nivel de evolución de la propuesta, GTA VI tendría un foco importante en valorar la vida de los NPCs, pero parece Rockstar no se ha animado aún a recorrer ese camino. Doblar el foco en la narrativa es otra apuesta importante, pero sinceramente espero que en GTA VII/RDR III la vida digital no sea trivial como hasta ahora.

No queda tanto ya para el 19 de noviembre, la fecha en la que, salvo cataclismo, este GTA VI se pondrá a la venta y reventará un buen número de récords. Muchas ganas de jugarlo, disfrutarlo y, sobre todo, vivirlo, porque, como el anticipo de Netflix ha dejado bien claro, va a ser un acontecimiento histórico de los Videojuegos.

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¿Un videojuego de arreglar consolas – y otros aparatos electrónicos – clásicos? ¿Localizado en una tiendecita en Akihabara? Si el objetivo era que me dejara los dineros, con la mitad tenían suficiente.

Soy muy fan de los Wholesome / Cozy games. Al Powerwash Simulator no sé ni cuántas horas le metí porque sí, y luego le metí muchas más porque dije, no lo voy a dejar sin platinear con lo mucho que me ha gustado. Con otros títulos, como Minami Lane, Mika and the Witch Mountain o Lil Gator Game me conformé con ver los títulos de créditos pasar. Con otros como Outbound, ni me planteo acabármelos: me pongo a dar vueltas, a lootear unas horas y a disfrutar, simplemente, del viaje.

Una propuesta ganadora

Así que era muy fácil que me enamorara fuerte de ReStory: Chill Electroni Repairs, y más con la temática que tiene: reparar videoconsolas retro – o versiones estilo Roberto Larcos de las mismas – y otros gadgets rollo versión fake de teléfonos Nokia 3310 o Walkmans. Las mecánicas son muy sencillas, y el juego, acertadamente, las va incorporando poco a poco y, lo que es más importante, no te las impone.

Por ejemplo, tú te puedes centrar en limpiar determinados tipos de máquinas, sin obligarte ni a repararlas, que es un proceso que implica más pasos, o incluso a trabajar con aparatos que exijan la adquisición de una licencia separada, algo que, también, añade una complejidad adicional. Esto me recuerda ligeramente a TCG Card Shop Simulator, un título en el que, si te vienes arriba y empiezas a ampliar la tienda, te puedes ver en la situación de no poder parar de hacer cosas para mantener el negocio a flote.

Aquí, sin embargo, la cosa es mucho más relajada, y la complejidad en la que te puedes encontrar es más de avanzar, digámoslo así, en el árbol tecnológico de ReStory, saliendo temporalmente de la zona de comfort de las reparaciones que ya teníamos por la mano, que en una situación equiparable a las mil actividades que en todo momento están requiriendo tu tiempo en TCG Card Shop Simulator.

Y, como capa adicional, la narrativa. La gente que se va pasando por la tienda (el repartidor de pedidos, vecinos, policías o hasta la Yakuza…) compartirá sus historias, sus motivaciones, creándose así una comunidad de personajes que nos irán acompañando, día a día. Esta capa añade aún más carisma al juego, reforzando la experiencia y el encanto de gestionar un negocio de barrio.

Cada encargo, una vez completado, se traducirá en unos ingresos, muy necesarios si quieres adquirir elementos que te ayuden a facilitar el trabajo, a complicarte la vida adquiriendo más licencias o, simplemente, en pagar las facturas para poder seguir manteniendo la tienda abierta.

0 stress

Pero no te preocupes. En ReStory: Chill Electronic Repairs, a poco que no te duermas, irás generando lo suficiente como para poder tirar para adelante con mucha comodidad, lo que, al final, es lo que se busca con este tipo de juegos. Una grata sorpresa la de Mandragora Games a la que, sin duda, le meteré un buen montón de horas con una sonrisa en la cara y 0 estrés. Qué gustazo que cada vez haya más videojuegos como ReStory.

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El tiempo no pasa, vuela, y de eso ya hace 25 años. A pesar de la delicada situación que atraviesa, intentando encontrar su sitio a base de mover fichas de ajedrez y despedir a diestro y siniestro, la marca está celebrando su 25 aniversario con diferentes colaboraciones, incluyendo una con Razer que me ha flipado.

Utilizando el verde transparente tan mítico de las versiones especiales de las consolas Xbox, incluyendo el de la edición 25 aniversario, Razer ha creado versiones conmemorativas muy molonas del acontecimiento de sus auriculares Hammerhead v3 x Hyperspeed, su ratón Basilisk v3 Pro 35k y de su teclado Blackwidow v4 75%.

Que el lanzamiento de hardware para ordenadores se vea tan natural para conmemorar el aniversario de una consola es el resultado de la estrategia de Xbox de presentarse como una máquina que puede jugarse en cualquier dispositivo, sin estar vinculada desde hace años a una experiencia en consola. Yo, por ejemplo, hace años que juego los títulos de Xbox en PC, sin echar de menos una consola debido a lo bien que funciona el Xbox Game Pass en Windows.

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