Entregando el testigo

La prueba Castlevania Belmont’s Curse da en el clavo. Es corta, pero lo suficientemente sustanciosa para dejar ver las novedades y cambio que tendrá esta mitica franquicia en su nueva e inesperada entrega.

Konami ha puesto en manos de Evil Empire esta nueva entrega que nuevamente será un metroidvania (afortunadamente). Esta vez con una mujer, Rose, como protagonista, en París y con un apartado visual diferente, pero interesante.

Si, es más colorido que de costumbre, pero mantiene el estilo gótico y por momentos los escenarios se sienten como un vitral de iglesia, donde diferentes peligros, ya sean enemigos o del entorno, complican nuestro recorrido. Pero en cuanto a sensación, tiene todo lo que se le pide a un juego de la saga.

El giro de tuerca

Una de las novedades importantes en Castlevania Belmont’s Curse tiene que ver con las cartas del tarot. Estas representan habilidades que se potencian con el uso, pero para conseguirlas es necesario derrotar a ciertos jefes.

La demo ofrece uno de estos encuentros y me alegra decir que es un combate como los de antes. Pausado, donde se deben analizar los patrones del enemigo, entender sus movimientos y atacar en el momento adecuado.

Derrotar jefes también significa obtener herramientas para avanzar por el mapa. Durante la prueba obtenemos el mítico látigo, que en esta ocasión sirve para navegar verticalmente por los escenarios y alcanzar terrenos altos. Pero tambien nos encontramos un camino cerrado, que requiere, ya en la versión completa, adquirir la habilidad necesaria para continuar.

A su ritmo

Castlevania Belmont’s Curse no es un juego frenético, pero va a su ritmo. Los movimientos son un poco más pausados, pero encadenar habilidades genera un sensación de rapidez, más aún cuando se aprovechan los elementos del entorno.

No tenemos muchos enemigos en pantalla, pero creo que son los suficientes para permitir enfrentamientos interesantes y un poco tácticos, porque aquí lo importante no es acabar rápido con los enemigos, sino sobrevivir de cara a la siguiente habitación.

Tambien tenemos la opcion de subir nivel, lo que aumenta el daño, la salud y permite usar ciertas habilidades, aunque es muy poco lo que se puede ver de este sistema durante la demo.

Con ganas de más

La prueba de Castlevania Belmont’s Curse muestra lo suficiente para enganchar. El combate, Rose (la protagonista), las habilidades, el estilo visual y los enemigos son los adecuados para impresionar y generar más hype, que de por si viene con el título del juego.

Ojalá las cosas salgan bien para Evil Empire, que hizo un gran trabajo con The Rogue Prince of Persia, y Konami, para que la saga no vuelva al cajón del olvido y podamos tener más entregas y a un buen nivel. El próximo 15 de Octubre será la fecha para confirmar todas estas buenas sensaciones.

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Dejo esto claro desde el principio porque mis sensaciones pueden no ser extrapolables para los que llevéis siguiendo a la saga desde hace varias entregas. Las cosas que a mi me han soprendido podrían ser, básicamente, señas de identidad de la franquicia y no una novedad de esta entrega.

Un pozo sin fondo

También me gustaría decir que escribo estas impresiones para poder cumplir y escribir algo de este juego. Si me esperara al final seguramente, sin exagerar, solo podría hacerlo a partir del 2027, y quizá no a principios de año. Llevo 20 horas de juego y, por lo que he leído, Fire Emblem: Fortune’s Weave puede llevarte más de 100 horas.

Desde hace muchos años, cuando quiero poder pasar al siguiente juego desde el punto de vista de cobertura en AKB, al menos para los juegos nuevos, en el que intento equilibrar el tiempo que hace que el título en cuestión ha salido a la venta y el tiempo de juego. Es por ello que, con este título, he escrito estas impresiones, porque sino la cobertura no iba a llegar nunca.

Sensaciones inmejorables

Tras dejar estos dos puntos claros, espero que nadie se confunda: Fire Emblem: Fortune’s Weave no se me ha hecho para nada pesado en las 20 horas de juego que llevo, y con mucho gusto le echaría otras tantas, como mínimo.

Es un título que se despliega maravillosamente delante del jugador, independientemente de si ha jugado o no a títulos anteriores, y las posibilidades y opciones que plantea son muchísimas. Además, como estas novedades se van liberando durante la partida, a mi al menos no me han apabullado, sino que me han permitido alargar el idilio con el juego al ir disfrutando de muchos cambios durante el camino.

El epicentro, el combate

El juego, en mi opinión, debería llevar el sobrenombre de «Tactics» en su título, en algún lado, porque su fórmula de juego principal son los combates estratégicos por turnos. Así, cuando nos enfrentemos a los enemigos, deberemos desplegarnos por el escenario de la mejor forma para poder maximizar las habilidades de nuestros personajes y minimizar, en la medida de lo posible, las opciones de las fuerzas contrarias.

Hay que destacar la mecánica de «rebobinado», que nos permitirá deshacer los últimos movimientos que hayamos realizado durante un combate, en el caso de que el resultado no haya sido tal y como estábamos esperando, ya sea el fracaso absoluto de la misión o la muerte de un personaje clave en nuestra táctica, sobre todo en el caso de que tengamos permadeath activado.

Nuestros personajes irán adquiriendo nuevas habilidades y subiendo de nivel a medida que vayamos avanzando en la historia, lo que será fundamental, junto con nuestro nivel de «Fama», para ir desbloqueando la posibilidad de fichar a nuevos integrantes para nuestra cuadrilla, o para poder acceder a nuevas partes del mapa. Así, este permanecerá bloqueado, evitando que podamos acceder a nuevas zonas del escenario hasta que alcancemos determinado nivel de renombre.

Una historia de muchos quilates

Pero sin duda lo que más me ha sorprendido de Fire Emblem: Fortune’s Weave es lo bien tirada que está la historia, y eso tiene un mérito enorme teniendo en cuenta que hay varias historias paralelas en las que los personajes se entrecruzan y expresan sus motivaciones e intereses en arcos personales. Estos arcos son extensos, pero están tremendamente cuidados, lo que los hace sorprendentemente disfrutables.

La letra pequeña

Lo que llevo peor de todo es el sistema de comercios y el desbloqueo de habilidades. Como es un no parar de descubrir nuevas tiendas y los poderes de los personajes se van desbloqueando todo el tiempo, he sido incapaz de seguir «conectado» a la necesidad de identificar nuevas armas o habilidades que me den un extra en los combates. Así, al final, en mis últimas partidas ya lo dejaba todo a la táctica y al poder inherente por haber subido de nivel.

Conclusión

Teniendo en cuenta mi experiencia de juego inconclusa con Fire Emblem: Fortune’s Weave, podría acabar este texto sin puntuarlo. Pero creo que estas 20 horas de juego que llevo merecen ser puestas en valor por lo mucho que he disfrutado la experiencia hasta este momento.

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La propuesta, en cualquier caso, no ha evolucionado técnicamente mucho más desde la versión de Acceso Anticipado, hasta el punto que chirría jugar a algo así en consolas. Hace gracia que en el trailer del juego se hayan mejorado los modelos de los personajes para hacerlo más resultón, pero es que no es tema de que sea un juego indie, es que literalmente lo apuesta todo por el diseño de las cartas. Ahí la cosa está mucho mejor, con mucha diferencia, y las cartas, aunque son inventadas, son muy resultones.

Al César lo que es del César

Eso no quita que haya apreciado una ligera mayor calidad gráfica en la versión de PS5, comparada con la Early Access de PC a la que jugué hace meses. Sí que es cierto que el ratón y teclado son un sistema de control bastante más cómodo que el mando, pero las sensaciones con la versión de consola han sido buenas; no buenísimas, por cómo se han adaptado los controles y los interfaces, pero sí lo suficientemente decentes como para que las personas que no tengan compatibles puedan disfrutar de este TCG Card Shop Simulator.

La propuesta en si, a nivel de jugabilidad, sigue siendo la misma que te puedes encontrar en PC, super adictiva, en la que una vez que te sumerges no ves el momento de parar, aunque las versiones de consola se quedan sin esa capa de atractivo extra que es la posibilidad de instalar mods que te cambien los diseños de las cartas por otras como las de Pokémon.

Si buscas uno de esos juegos infinitos a los que echarle todas las horas que tengas y encima te gustan las cartas de colección, TCG Card Shop Simulator te va a robar la vida por los 20€ que cuesta.

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Los días 9, 10 y 11 de octubre se celebra el SAGA Barcelona Game Fest, un evento que viene a reunir a entidades y profesionales del sector con público general. Un espacio oficial de Nintendo, más de 500 puntos de juego, un potente mercado profesional y la presencia de estrellas internacionales se reparten a lo largo del programa del evento durante todo el fin de semana. Entre los nombres más sonados tenemos a Géraud Zucchini, game designer de Sol Cesto. Miki Higashino, compositora en juegos como Gradius o la saga Suikoden. Manami Matsumae compositora japonesa conocida por su trabajo en Mega Man, Shovel Knight o Mighty No. 9. Sin descuidar nombres más cercanos como la genial compositora pianista Eleski que estará hablando sobre bandas sonoras y deleitará al personal con su espectacular talento en el escenario. El gran Víctor Matute, conocido como Pazos64 tendrá un espacio para su tradicional espacio Charlando incluso de videojuegos con Eric Rodríguez (EricRod) que además tendrá charla propia para hablar del juego que ha creado Farlands. Al final del post tenéis link con toda la información con los horarios de todos los eventos.

Pero esto no es todo. Aparte de las charlas y actividades para todos los públicos, el evento tendrá torneos y competiciones, exposiciones como la Famicase Collection recién visitada por Cristian o el MUVIC (Museo del Videojuego de Cataluña) que recorre la historia del videojuego con visitas guiadas. Y para el area profesional existe el espacio llamado MeetToMatch donde se prevé realizar 1500 reuniones de área de negocio. Todo con el soporte institucional de la Generalitat de Catalunya, del Ajuntament de Barcelona y del Ministerio de Cultura.

Ya ni me acuerdo de la última vez que estuve cubriendo un evento para AKB y esta ocasión no podía dejarla pasar y estaré por el recinto haciendo fotos y probando todos los videojuegos que me dejen probar

Información y venta de entradas en la web oficial.

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Nostalgia y modernidad

Gears of war E-day comienza justo el día de la emergencia, con unos jóvenes Marcus y Dom aún con los traumas de Aspho y el final de las guerras del péndulo. No son los amigos que conoceremos después y el inicio de esa amistad lo podemos ver un poco en este juego.

Los protagonistas, con un par de personajes nuevos, forman un nuevo escuadrón que busca defender Kalona de la recién iniciada amenaza locust y el juego nos pone de frente al peligro desde el primer momento. Tan es así que las transiciones de cinemática a juego son imperceptibles.

Esos primeros minutos y misiones también son un viaje a la nostalgia. La serie tiene unas mecánicas que no envejecen y volver a ellas es sencillo, siempre y cuando seas seguidor de la saga. Ya sean coberturas, recargas, armamento o cerrar los huecos de emergencia, la memoria nos lleva fácilmente a ese lugar, solo que esta vez con un apartado visual de escándalo.

Los nuevos aportes

Por un momento me preocupé, porque a pesar de lo bien que se ve se seguía sintiendo como esos primeros juegos y llegué a temer que el camino sería similar al de Gears of War 4, prescindiendo del mundo abierto y privandonos de la posibilidad de explorar Kalona así fuera un poco.

Por fortuna tenemos secciones de mundo abierto en Gears of War E-day y podemos recorrer varios lugares en diferentes momentos de la emergencia. Ese es otro gran acierto, porque vemos el deterioro del escenario a lo largo de las misiones y como la destrucción acaba con el lugar.

Otro punto a favor es que los escenarios invitan a ser recorridos, porque nos vamos a encontrar misiones secundarias, coleccionables, enemigos e historias que dan contexto al lugar y los nuevos personajes.

De igual manera el título se ha vuelto muy vertical y los escenarios están diseñados para ello. La exploración y los combates invitan a buscar altura, lo que otorga variedad y un ritmo diferente a los enfrentamientos.

Viejos conocidos y nuevos por conocer

A nivel de enemigos también tenemos variedad, lo que me sorprende. Porque The Coalition se pudo ir por la fácil y poner los mismos de siempre, al menos de las primeras dos entregas, pero aquí mezcla viejos y nuevos, siendo estos últimos muy enfocados a los ataques que nos alejan de las coberturas.

Entonces tenemos las mecánicas clásicas, que aquí se apoyan en la verticalidad, junto a escenarios bien diseñados para facilitar combates ágiles y entretenidos, sumado a enemigos que nos quieren fuera de las coberturas, lo que resulta en combates agiles y muy satisfactorios.

Gears of War E-day los ofrece de todos los tamaños. Enemigos grandes, medianos o pequeños forman parte de las hordas y también tenemos jefes, cuyos combates no serán espectaculares, pero añaden esos momentos de impacto a la trama.

A tu manera soldado

El juego pone a disposición las herramientas y ya depende del jugador, y tal vez la dificultad asignada a la partida, la manera de afrontar las situaciones. Por momentos los enfrentamientos serán rápidos, en otras ocasiones requieren algo de estrategia preparando el escenario para las oleadas.

A ello se suma la posibilidad de mejorar el armamento, ya sea de la CGO o los locust. Personalmente es una mecánica que no usé mucho, junto a la parte estratégica de los enfrentamientos pero siento que su valor se nota más en las dificultades altas.

De igual manera las misiones principales se pueden completar sin recorrer al detalle los escenarios o encontrar todos los coleccionables, pero son elementos que aportan a la trama o generan satisfacción, especialmente cuando los combates se tornan complejos, haciendo que la duración del juego aumente. Tengamos en cuenta que la franquicia nunca se ha caracterizado por entregar juegos supremamente largos.

El inicio de una amistad

Lo mencionaba al inicio y aunque no puedo contar mucho la acerca de la trama, si puedo decir que aqui vemos como Dom y Marcus afianzan esa amistad que los lleva a vivir aventuras y tristezas en juegos posteriores.

De igual manera la presentación de nuevos personajes me sorprende, porque siendo una precuela se arriesgaron a contar otras historias de soldados que obviamente no veremos en los demás juegos, pero que le dan color a la historia o ayudan a estos protagonistas en sus dilemas morales y personales.

Duele un poco escuchar a Dom hablar de lo que espera de su familia e hijos o ver cómo para muchos gears las guerras del péndulo significaban el fin de su carrera militar, pero se vieron obligados a pelear por su pueblo con la llegada de los locust y aceptar un final fatídico.

Conclusión

Como fan de la saga, a nivel de incluso consumir contenido más allá del juego, Gears of war E-day me ha sorprendido gratamente. The Coalition logra contar una historia que ya está limitada por otros juegos de la saga, pero le agrega mecánicas, personajes y lugares nuevos que expanden ese lore, pero que además generan valor. No es solo contar la misma historia con mejoras gráficas.

Si, algunas mecánicas como las mejoras de armas, la preparación de escenarios o los combates con algunos jefes no me terminan de convencer, pero esto no opaca el resultado final, porque es un juego que toma muchas cosas buenas, especialmente de Gears 5, y las adapta a esos personajes entrañables e historicos dentro de la industria, mezclando muy bien nostalgia y modernidad.

Ahora mi preocupación es que sigue, porque está claro que el reset de Xbox ha pasado de cerrar y/o vender estudios, a entregar propiedades intelectuales o estudio enteros para que sean gestionados por otros. Sería una lástima no ver más juegos alrededor de estos personajes y sus historias a cargo de un estudio tan talentoso como The Coalition. [90]

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En ella es posible disfrutar de una colección de 250 propuestas para juegos de la Famicom, la NES japonesa. Estas propuestas consisten en el arte del cartucho, enganchado en un cartucho funcional original Famicom, y en un game design condensado en unas pocas líneas, a modo de presentación, en el reverso. Lo maravilloso es que tanto el arte gamberro como las propuestas jugables son, en la mayoría de los casos, tan locas como sugerentes.

En la My Famicase Exhibition encontramos obras de artistas de todo el mundo, incluyendo a españoles como, por ejemplo, Victor, de los amigos de Anait Games, en una colaboración con el artista Sebastià López, Mariona Valls, de Mango Protocol o Jerónimo García, ilustrador de la revista de cultura de videojuegos Loop.

Un aplauso a Indie Dev Day y su propuesta sin ánimo de lucro BCN Game Gallery, que incluso han puesto a la venta guías de la exhibición como los que se podían adquirir en Japón, y han acompañado a los cartuchos con un par de consolas japonesas Famicom.

Y es que incluso han traido una Twim Famicom, de la que no conocía su existencia y que contaba con un lector de disquettes que se podía usar para jugar a los juegos que se podían adquirir en máquinas especiales y que se cargaban en disquettes. Personalmente estoy deseoso de saber cuáles serán sus próximas exposiciones, que sin duda enriquecerán el panorama cultural de Barcelona con su evangelización de los videojuegos.

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Otro pueblo, pero igual de misterioso

Este Silent Hill, totalmente en primera persona, nos sitúa en el pueblo costero de Santa Amelia. Ahí van, en una sola línea, dos de las grandes diferencias de este spinoff con respecto al resto de juegos principales de la longeva y exitosísima franquicia de Konami.

Sin embargo, la esencia de terror y de desconocimiento de «qué cojones está pasando» se mantienen como parte innegociable de la fórmula, y en Silent Hill Townfall nos adentraremos en un misterio que ha conducido que toda la población del pueblo se haya transformado en monstruos, haya muerto o, simplemente, haya desaparecido.

Lo mejor

Hay tres cosas que son las que más me han gustado del juego, con mucha diferencia. La primera es la narrativa ambiental, que nos permite cosas como leer cartas que familiares y amigos dedican a las primeras víctimas del pueblo, antes de que ellos, presumiblemente, corrieran el mismo destino.

La segunda cosa ha sido lo bien que Silent Hill Townfall integra los puzles con los escenarios. A pesar de que en diferentes ocasiones nos enviarán a recorrer los niveles para recoger objetos, o a analizar con lupa habitaciones buscando cualquier pista que nos pueda ayudar a abrir una caja fuerte, no recuerdo haber tenido en ningún momento la sensación de estar haciendo de recadero o de estar sumido en mecánicas rellena-horas.

El último elemento que me gustaría destacar por encima del resto, que hay muchos aspectos muy elogiables, es la forma en la que se explica el misterio. Silent Hill Townfall tiene muy poca prisa en darnos detalles de qué está pasando, y cuando lo hace, muchas veces es de forma confusa o centrándose en aspectos prácticos para los habitantes de ese mundo, pero que a nosotros, como jugadores, nos dejarán en ascuas igual.

Screenburn Interactive, así, nos pone en la misma situación que el protagonista del juego, Simon Ordell, que estará tan perdido como nosotros, intentando atar cabos con cada detalle que va descubriendo en este Survival Horror. Por cierto, Simon no será el único personaje que controlemos en el juego. No voy a entrar en más detalles, pero el hecho de cambiar de personaje nos permitirá experimentar la historia desde un punto de vista completamente nuevo.

Lo peor

Mientras que con los factores positivos he hecho una mini-lista, con los aspectos que menos me han gustado tengo bastante menos donde elegir, pero tengo claro qué es lo que cambiaría, si pudiera, del juego. Lo peor, de largo, es los enfrentamientos con los enemigos, que no están precisamente equilibrados y que nos conducirán, con mucha probabilidad, a una muerte sin esperanza.

Y es que el juego apuesta por el sigilo como estrategia clave para superar los retos, a pesar de que, desperdigados por los niveles, iremos encontrando armas como trozos de madera, tuberías e incluso una pistola y balas. Pero entre que la munición será escasísima y que las armas blancas se degradan con el uso, la estrategia de Rambo aquí no servirá más que para ver el mensaje de Game Over antes de tiempo. Yo he tenido que repetir muchas zonas por ser incapaz de esconderme de los putos zombies y lo cierto es que en ocasiones he tenido que dar por concluida la sesión de juego por pura frustración.

Y eso sin hablar de algunos de los enemigos que no podrán ser derrotados de ninguna forma y que, en esos casos, sí que no habrá más remedio que escapar de ellos utilizando tácticas de sigilo y de despiste. Ahí tendrás que sacar el máximo partido de forma obligatoria a la mini pantalla CRT que el protagonista utilizará para espiar la posición en el nivel de los enemigos, un recurso que, sin duda, me ha parecido de lo más rescatable, con diferencia, de la apuesta por el sigilo. Por cierto, te recomiendo que vayas salvando la partida siempre que puedas, porque en cualquier momento te vas a poder encontrar con una amenaza que te ponga las cosas muy complicadas.

Técnicamente cumplidor

A pesar de que no pondría a Silent Hill Townfall como ejemplo de juego Next-Gen, lo cierto es que la ambientación tanto visual como, sobre todo, sonora es capaz de trasladarnos sin problemas al pueblo maldito. No se alcanza ni por asomo el nivel de virtuosismo ambiental de Still Wakes the Deep, pero mientras he jugado a este juego he sentido en algunos momentos, sobre todo al visitar los pisos de Santa Amelia, vibes del gran juego de The Chinese Room.

Conclusión

Silent Hill Townfall se pondrá a la venta en unos pocos días, este jueves 24 de septiembre. Si te gusta el terror, los misterios, resolver puzles y el sigilo, muy difícilmente te van a decepcionar las cerca de 20 horas que dura, a poco que te resistas a poner el pie en el acelerador. Eso sí, si el sigilo no es lo tuyo, casi te recomendaría que lo probaras antes, porque en el juego de Screenburn Interactive, para lo bueno y para lo malo, es una pared maestra.

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Viendo la pintaza de los tráilers (no me pude resistir a verlos, a pesar de que odio el concepto de spoilers voluntarios) y los trabajos previos del director, acudí al cine con el hype por las nubes. Y aún así me sorprendió.

Lo primero a destacar, lo bien que posiciona el humor en los primeros compases de la película, definiendo un tono desenfadado a pesar de toda la movida de epidemia zombie. El actor protagonista, Austin Abrams, brillante, lleva muchísimo del peso de la cinta, y con su actuación hace de metrónomo, determinando el ritmo y el tono de cada momento.

A esta película Resident Evil se la ha acusado injustamente de olvidarse de los videojuegos al no utilizar a personajes de la saga. Sin entrar en spoilers, solo puedo decir que a Zach Cregger no le hace falta en ningún momento echar mano de nombres conocidos para plantarnos una cinta que no para de evocar a la franquicia de la que toma prestado el nombre utilizando argumentos quizá menos explícitos pero muy efectivos. Una cinta redonda que me es imposible no recomendar a todo el mundo, sea fan de la saga de Capcom o no.

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No es la primera vez que pasa con Kojima Productions, y el motivo huele a Excel que no cuadra.Vayamos por partes. Kojima Productions ya tenía OD en marcha con Xbox Game Studios desde 2022, un proyecto de terror con Jordan Peele del que todavía no sabemos casi nada más allá de que «va a acojonar más que ningún otro videojuego que nadie ha haya hecho nunca», como soltó Kojima tan pancho. Ahora PHYSINT ha seguido el camino, cuál Ferrán fichando por el PSG y siguiendo el camino de Démbelé.

El patrón que se repite cada década

En 2015 Kojima rompió con Konami de la peor manera posible, literalmente borrado de la carátula de Metal Gear Solid V. Sony le acogió con los brazos abiertos y salió Death Stranding. Diez años después, la historia se repite con el papel cambiado: según ha trascendido, PlayStation retiró el respaldo a PHYSINT por dudas sobre presupuesto y rentabilidad, señalando directamente al rendimiento comercial de Death Stranding y su secuela como parte del problema. Todo reducido al vil metal, más allá del prestigio de publicar un juego de uno de los grandes auteurs de los videojuegos.

Sony mira más los euros que el prestigio

El problema de fondo es que esta decisión encaja perfectamente con la manera en la que PlayStation lleva unos años gestionando su catálogo cuando entra en juego el departamento financiero. Ahí está Concord: ocho años de desarrollo, la adquisición completa de Firewalk Studios y un cierre de servidores a las dos semanas de salir al mercado, con el estudio disuelto meses después.

No hay que olvidarse tampoco de la compra de Bungie, presentada como la gran apuesta de Sony por los juegos como servicio y que, años después, sigue sin justificar ni de lejos la inversión, salvo por el más que tardío Marathon. Y ahí está la cancelación silenciosa de otros proyectos GaaS en estudios como Bend o Bluepoint —uno de ellos, un God of War multijugador que nunca llegó a ver la luz.

Lo llamativo es que Concord es exactamente el tipo de riesgo que Sony sí estuvo dispuesta a asumir hasta el final —incluso con un lanzamiento desastroso ya anunciado por dentro— mientras que a PHYSINT, un proyecto con la firma de uno de los creadores más reconocibles de la industria, se le corta el grifo en la mesa de planificación. Parece que los criterios económicos son diferentes en unos y otros, muy posiblemente por las expectativas de retorno de la inversión.

Qué gana Xbox con todo esto

Microsoft ha pescado en río revuelto, para conseguir un cromo de esos que a PlayStation le ha parecido demasiado caro de costear. Ya lo hizo con OD y ahora repite jugada con PHYSINT. Tras haber cerrado estudios internos y echado a miles de personas, lo de Microsoft podría ser perfectamente una operación de relaciones públicas para lavar una imagen muy maltrecha en los últimos años. Seguramente en Xbox esperan que el pagarle el juego a Kojima les haga de efecto paraguas por un tiempo por las críticas a su política de recortes constantes. Y en PlayStation quizá crean que el prestigio, a determinado coste, quizá ya no les hace falta. Aunque buena parte de la comunidad de jugadores lo vea como una derrota.

La entrada Kojima, PlayStation y Xbox: presupuestos desbocados y una campaña de imagen aparece primero en Akihabara Blues.

El multiverso de Jace

Como bien sabéis en esta colección nos enfrentaremos a un Jace Beleren megalómano que tras fusionarse con el plano de meditación al final de Tarkir ha decidio rehacer todo el multiverso.

Con ello Jace ha creado un multiverso paralelo, el ecoverso, donde las grande catástrofes nunca sucedieron: no existe Pirexia, no existen los Eldrazis, tampoco Nicol Bolas etc.

Todo remodelado a su conciencia y según su memoria.

Por ello es normal encontrarnos versiones alternativas de los Planeswalkersu otras criaturas alteradas según el beneplácito de Jace cambiando incluso de color.

La nueva mecánica

Una de las nuevas mecánicas en esta colección de Magic: The Gathering, no se ha confirmado que haya más o que sea la única nueva, es Empower Jace.

Una mecánica que sirve para cualquier token de Jace, no hace falta que tengamos uno, porque la propia habilidad nos creará uno, pero si se combinan con otros Jace de nuestro multiverso puede resultar interesante.

Correcto, estos tokens se ven afectados por el Empower. ¿Veremos un clon de planeswalkers en esta colección?

Como está colección estará localizada en el Hexhaven, la versión alternativa de Strixhaven, continuaremos teniendo criaturas con la mecánica de preparado.

Otra de las mecánicas presente en la colección es Landfall que viene acompañada de auténticas bombas como esta versión alternativa del famoso Negador Pirexiano:

Viejos conocidos

En esta colección nos encontraremos constantemente a viejos conocidos y cartas alteradas o cambiadas de colores ya que está garantizado que en cada sobre aparezca una carta normal y su versión alternativa.

Tal y como sucedió en Strixhaven los lideres de cada casa tendrá su representación en forma de carta y preparaos porque hay alguno de ellos que es una auténtica locura.

Volveremos a contar con un ciclo de tierras dobles de Strixhaven pero, en este caso, el cilco de colores dede Hexhaven.

También deciros que no os perdáis las tierras básicas con arte extendido y que que forman el panorama de una torre en vertical, 3 tierras de cada color, que son una preciosidad.

Podéis conseguirlas garantizadas en el Secret Lair Bundle de la colección.

Sin más dilación os dejo el resto de cartas mostradas en el reveal oficial para que vayáis pensando que tal vez comprar una caja de esta colección no es tan mala idea.

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Ficha de autor

El cambio más gordo sería el de la inclusión de una mini ficha de autor, con sus redes, rango en AKB y una pequeña introducción, que aparece al final de cada post. Si el texto es un análisis, como en la captura de arriba, los posts incluirán una nueva sección destacada, con la nota y una frase a modo de conclusión.

Página de posts de autor

Otro cambio relacionado con el autor es que, al hacer click en el nombre de un autor o autora, navegaremos como hasta ahora al listado de sus posts. La diferencia es que en esta página/listado, se incluye la ficha de autor, la misma que he comentado que se ha añadido al final de cada post.

Otros pequeños cambios

Para acabar, un par de pequeños ajustes estéticos en los posts, que creo que quedan espectaculares. La primera letra de cada post, al entrar en él, aparecerá con formato capitular. Los títulos de párrafo también han cambiado el formato, presentándose con un símbolo de viñeta, dándoles así más protagonismo visual.

¡Gracias de nuevo a Cristóbal por la currada y gracias a ti por leernos!

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Hay una pregunta que lleva décadas persiguiendo a los videojuegos con licencia: ¿qué demonios significa exactamente «hacer un juego de Star Wars»? Durante mucho tiempo, la respuesta parecía obvia. Había que meter sables de luz, blásters, algún droide con personalidad, una melodía que recordara discretamente a John Williams y, si quedaba espacio en el presupuesto, una estrella de la muerte asomando por el fondo. El problema es que eso describe una ambientación, no un videojuego.

Los juegos de Star Wars que más tiempo han resistido suelen ser los que toman la decisión contraria. Primero deciden qué quieren ser. Un RPG. Un simulador espacial. Un shooter de escuadrón. Un arcade de carreras. Después obligan a la licencia a vivir dentro de esas reglas. Cuando funciona, la galaxia no parece más pequeña por someterse a un género; parece más creíble.

Una licencia no es una mecánica

La reseña de ReStory: Chill Electronic Repairs me hizo pensar precisamente en esto. Su encanto no depende de llenar la pantalla de referencias reconocibles a consolas viejas. Funciona porque reparar, limpiar, comprar licencias y atender a una pequeña comunidad forman una fantasía coherente. El tema y las acciones del jugador tiran en la misma dirección.

Star Wars ha tropezado muchas veces cuando ha hecho lo contrario: confiar en que reconocer un universo sea suficiente. Un viejo análisis de Star Wars: The Clone Wars – Republic Heroes lo resumía con bastante crueldad al señalar que el juego se aprovechaba de la licencia sin tener demasiado que aportar por sí mismo. Esa crítica sigue siendo útil porque separa dos cosas que tendemos a mezclar: gustarnos Star Wars y gustarnos el juego que tenemos delante.

La galaxia funciona mucho mejor cuando el género manda. Knights of the Old Republic no es memorable porque permita visitar Tatooine. Es memorable porque BioWare convirtió Star Wars en un RPG de compañeros, decisiones, estadísticas y conversaciones. X-Wing y TIE Fighter no necesitaban que el piloto saliera de la cabina cada diez minutos para recordarnos dónde estábamos; eran simuladores espaciales tan comprometidos con radares, energía, escudos y objetivos que el universo aparecía a través de los instrumentos. Republic Commando hizo algo parecido con el shooter táctico: Delta Squad era importante porque dar órdenes, cubrir puertas y depender de otros soldados era parte del verbo del juego.

Al recorrer la historia completa de los juegos de Star Wars se ve un patrón bastante claro: la licencia sobrevive a casi cualquier género siempre que el juego se tome ese género en serio.

Zero Company deja que la táctica tenga la última palabra

Zero Company es el ejemplo más reciente y quizá el más limpio. Claro que hay clones, droides, planetas conocidos y una capa cinematográfica muy Star Wars. Pero en cuanto empieza un combate, la prioridad no es que el jugador se sienta dentro de una escena de The Clone Wars. La prioridad es que lea coberturas, líneas de tiro, puntos de acción, habilidades, amenazas y el orden correcto en el que cuatro personas deberían hacer cosas muy violentas.

La iconografía es Star Wars; la pregunta real es táctica: coberturas, amenazas, líneas de tiro y orden de acciones. Imagen: EA / Bit Reactor.

Eso es importante. El juego no intenta «starwarsificar» cada sistema. Una cobertura sigue siendo una cobertura. Un porcentaje sigue siendo un porcentaje, incluso cuando decide traicionarnos de la manera estadísticamente correcta. Un buen turno puede consistir en empujar a un enemigo, colocarlo en la línea de otro Operador y gastar Advantage en la habilidad adecuada. La fantasía Star Wars aparece después, cuando ese empujón lo hace un Jedi o cuando la asistencia llega en forma de fuego de bláster.

Cuando los apoyos y porcentajes deciden el turno, la licencia aporta contexto; la mecánica sigue hablando el idioma de la táctica. Imagen: EA / Bit Reactor.

Hasta la parte más narrativa está apoyada en la estructura táctica. Los Operadores ganan experiencia, establecen Bonds, se especializan y pueden acumular Injuries. Si alguien cae demasiadas veces con la muerte permanente activada, desaparece de la campaña. No hace falta una escena de veinte minutos para explicarnos que un soldado importa. Basta con haber invertido en su build y descubrir que de pronto estamos protegiendo a una hoja de estadísticas como si fuera familia.

El análisis de Persona 5 Tactica ya demostraba que cambiar de género no obliga a borrar una identidad. Atlus quitó gran parte de la estructura social del Persona 5 original y construyó un juego de estrategia por turnos mucho más directo, pero conservó suficiente lenguaje visual, personajes y ritmo como para que siguiera siendo reconocible. Zero Company hace algo parecido desde el otro lado: no adapta un juego existente a la táctica, sino que deja que la táctica decida qué parte de Star Wars necesita en cada momento.

Galactic Racer necesita cultura del motor, no solo naves rápidas

Galactic Racer tiene un reto distinto. Correr muy rápido en Star Wars no es una idea nueva. Episode I: Racer ya demostró en 1999 que dos motores gigantes, un cable de energía y una política de seguridad laboral inexistente eran material más que suficiente para un arcade magnífico. Lo interesante del nuevo juego es que Fuse Games parece querer construir algo más grande que una secuela nostálgica: una cultura del motor dentro de la galaxia.

Galactic Racer no quiere limitarse a recuperar el podracing: la ambición es construir una competición con identidad propia. Imagen: Star Wars: Galactic Racer, build previa.

La Galactic League es una competición ilegal nacida después de la caída del Imperio. Hay sindicatos patrocinando pilotos, paddocks, talleres, rivalidades, apuestas y diferentes clases de repulsorcraft. Las rutas se bifurcan, los vehículos tienen comportamientos distintos y las decisiones de una run afectan a cómo seguimos compitiendo. Es decir, el mundo no está decorando la carrera. La carrera está organizando el mundo.

Las clases de vehículo y las rutas importan cuando obligan a conducir de otra manera, no cuando solo cambian la silueta. Imagen: build previa de Star Wars: Galactic Racer.

Ahí resulta útil mirar Denshattack!, un juego que convierte trenes, raíles, trucos y velocidad en una identidad completa. Su Japón postapocalíptico funciona porque cada elemento estético acaba alimentando la forma de jugar. Y también sirve el caso contrario: Screamer tenía anime, carreras callejeras y drifting, pero su propio análisis señalaba que la variedad y las mecánicas no aguantaban el encanto inicial. La lección es sencilla y bastante cruel: una cultura del motor no se construye con neones. Se construye con reglas.

Galactic Racer tendrá que demostrar que un speeder bike, un landspeeder y un podracer no son simplemente tres carrocerías alrededor del mismo sistema. Si una clase exige frenar tarde, otra conservar momentum y otra aceptar que cada curva es una negociación con la muerte, entonces Star Wars estará apareciendo a través de la conducción. Eso vale mucho más que colocar un TIE Fighter en el cielo para recordar de qué licencia estamos hablando.

La prueba no será cuántos iconos de la saga caben en el circuito, sino cuántas decisiones distintas obliga a tomar la conducción. Imagen: build previa de Star Wars: Galactic Racer.

Ser fiel no significa copiar la superficie

Creo que ahí está la mejor forma de entender una buena adaptación. Ser fiel a Star Wars no significa usar todos sus iconos a la vez. Significa encontrar una fantasía concreta del universo y entregársela por completo a un género.

A veces esa fantasía es sentarse en una cabina y gestionar escudos. A veces es discutir con un compañero en un RPG. A veces es mandar a un clon detrás de una cobertura porque tiene dos Injuries y no estamos dispuestos a perderlo. Y a veces es entrar demasiado rápido en una curva porque el rival de delante lleva veinte segundos resultando insoportable.

Los mejores juegos de Star Wars usan la licencia como material. Después dejan que el RPG sea RPG, que la táctica sea táctica y que la carrera sea carrera.

Curiosamente, cuanto menos intentan recordarnos a cada minuto que estamos jugando a Star Wars, más fácil resulta creer que estamos viviendo allí.

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Más profundo de lo que pensaba

Tal vez sea el unico que apenas ha entendido el trasfondo de las historia de A Plague Tale y debo confesar que inicialmente, por lo menos a nivel narrativo Resonance: A Plague Tale Legacy me decepcionó, principalmente porque se aleja demasiado de lo que sucede en la historia principal, pero también porque no hay ratas.

Para mi las ratas son marca de esta franquicia. Pero por “coincidencias” del internet encontré un interesante hilo en X que da contexto a la historia de este juego. Una plaga diferente, de otra época, que impactó a Sophia, la protagonista de esta historia y cuyas características y debilidades se aprovechan muy bien en el juego.

Así que no se que tantas plagas hayan azotado a la humanidad y de cuantas más nos quiera contar Asobo Studio, con su ya característico estilo.

Grandes diferencias

Aparte de la ausencia de ratas, en Resonance: A Plague Tale Legacy el sigilo no hace parte de las mecánicas de juego. Sophia es un personaje netamente de acción, con un interesante arsenal de cuchillos y espadas, junto a habilidades que pueden ser mejoradas a lo largo de la aventura.

Una de las críticas más grandes que ha recibido el juego está relacionada con el combate. Debo decir que a mi me gusta y que depende de nosotros, como jugadores, hacerlo más interesante o no. Eso sí, en los momentos finales del juego, con muchos enemigos al ataque, se siente muy dinámico.

Aquí la historia también es potente, pero no tiene tanta carga dramática como la de Amicia y Hugo. Eso sí, los personajes son potentes, tiene muchos momentos de acción, giros en la trama y situaciones trágicas, siendo para mi el punto más alto de todo el juego.

Explorando el pasado

En Resonance: A Plague Tale Legacy recorremos un momento de la historia de una joven Sophia, quien tras la muerte de su padre decide ir a una isla a conocer el origen de su tormento. Unas pesadillas que la hacen ver cosas extrañas de una época muy lejana a la suya.

El hecho de desarrollarse en una isla ofrece una gran variedad de escenarios, como cuevas, playas, bosques y ruinas. Todas repletas de coleccionables, acertijos y enemigos. Cabe decir que es una aventura narrativa, así todo está debidamente coordinado y pasa cuando el guion quiere que pase.

Pero eso no quita que el diseño de niveles sea interesante, da pie a la exploración y los acertijos son ingeniosos. No significa que sean super complicados, pero por lo menos hay ideas diferentes. Tanto los combates como los puzzles están bien repartidos y cuando es momento de la acción logra meter su dosis de adrenalina.

Todo en su punto

Siento que Resonance: A Plague Tale Legacy está bien equilibrado. Los enemigos no son difíciles, ni siquiera los jefes, pero el intentar usar las diferentes habilidades le puede dar algo de variedad a los combates. Los nuevos escenarios siempre dan pie a la exploración y la historia tiene una buena mezcla entre diálogos y acción.

La duración también es la adecuada para la historia que está contando y se alarga gracias a los coleccionables, pero de manera orgánica. Lo que sí siento es que el sigilo le hubiera venido bastante bien para darle algo de variedad, porque hay situaciones donde cae de perlas.

Y respecto al apartado visual ninguna queja. Los personajes, escenarios y los paisajes son bellísimos. El manejo de colores y texturas es bastante acertado, haciendo que sea de esos títulos donde es necesario quedarse viendo al horizonte, sin importar lo que esté sucediendo.

Conclusiones

Resonance: A Plague Tale Legacy termina siendo un experimento interesante por parte de Asobo Studio para seguir contando la historia de las plagas con mecánicas y personajes ajenos a la historia principal (la cual considero que está terminada).

La ausencia de sigilo y ratas le puede pasar factura, porque son marca registrada de la saga. Sin embargo, el combate no me parece tan malo y en los momentos finales de la historia se siente fluido y divertido. Los acertijos, a pesar de no ser complejos, me parecen creativos.

A nivel visual y narrativo es donde siento que tiene la nota más alta. La historia es menos dramática que la de los dos juegos anteriores, pero tiene su toque, con buenos personajes secundarios y algunos giros en la trama. A nivel visual destaca bastante, especialmente los paisajes.

Un juego muy correcto, entretenido, con una historia interesante, que sin embargo no supera a las entregas anteriores.

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Ocarina of Time, un juego legendario

Recuerdo con una sonrisa en la boca cuando hice pellas de la universidad el mítico viernes 21 de noviembre, cuado se puso a la venta en el cada vez más lejano 1998. Lo tenía reservado en un Toys’r’Us y convencí a mi primo de saltarnos la única clase que teníamos ese día para ir a recogerlo a primera hora de la mañana, tras haberlo reservado hacía semanas.

Recuerdo también el amago de decepción cuando, al abrirlo en el coche, vi que el cartucho no era dorado. También las sesiones non-stop que me metí durante muchos días, sin salir de mi habitación, y cómo hojeaba el librito que Nintendo había incluído con el juego.

Monolith Soft, como estudio encargado del remake, bajo la producción de Eiji Aonuma (co-director del original, de Majora’s Mask, director de Twilight Princess y productor de los Zelda next-gen), han parido un juego que parece hecho del material del que están hecho los sueños.

Un cocktail imparable

Si no sabías qué imaginarte el remake de Ocarina, o quizá no te atrevías a soñarlo, tranquilo: Nintendo lo ha soñado por todos nosotros y ha convertido ese sueño en realidad. Es que es una burrada, más allá del rediseño detalladísimo de todo, el juego ha ganado una espectacularidad cinematográfica.

Sin duda deja claro que se trata de una superproducción que podría haber brillado perfectamente como «nuevo juego de Zelda», sin necesidad de tirar de la nostalgia de la entrega original. Pero combinando ambos factores – una superproducción y un juego mítico que salió hace ya 28 años – el resultado es un cocktail imparable.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time remake, a la venta el 5 de noviembre de este año. Ya lo de ponerlo a la venta el mismo día que el original, el 21 de noviembre, les habrá parecido demasiado.

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ADN 100% Japonés

El estilo Anime, del que el Director Creativo Marcos Ramos ha detallado sus principales influencias aquí, es el absoluto protagonista de Orbitals, con unos visuales trabajadísimos y carismáticos a más no poder. Tanto es así, que en las primeras horas uno no acaba de tener claro si está jugando un juego o viendo una pelicula Anime que tiene secciones interactivas, tal es el encanto y buenas maneras de la producción.

Esto podría sonar a alguien como una crítica, pero teniendo en cuenta el nivel artístico del juego, es complicado verlo como algo negativo. Y es que visualmente es una verdadera maravilla, con una personalidad ochentera que me ha hecho recordar al videoclip de One More Time de Daft Punk y a una de las series más queridas de mi infancia, Pirata Espacial Capitán Harlock, una de esas joyas que en Cataluña se podían ver gracias al amor al género de TV3 / 3Cat.

Ambas obras eran obra del legendario artista Manga Leiji Matsumoto, y su estilo me recuerda mucho al estilo de Orbitals, lo que es un piropazo. La tipografía del juego al presentar los niveles, con caracteres japoneses gigantes, imitando un Anime, contribuye a crear una ambientación nipona a tope. La verdad es que es un juego con un estilo tan japonés como ningún otro que recuerde, incluso más que los Yakuza, lo que es verdaderamente refrescante y lo agradezco un montón, como enamorado de Japón que soy.

A nivel jugable, Orbitals consiste en una sucesión de puzles, algunos de dificultad alta, apreciablemente más de la que estaba acostumbrado a ver en los juegos de Hazelight, el estudio que ha convertido el cooperativo de calidad y de autor en su seña de identidad. A pesar de que algunos de los desafíos son simplemente mecánicos o refritos (como un reto musical de ritmo), a medida que avanza la aventura estos van subiendo de nivel, alcanzando el calificativo de brillantes en las mecánicas de colaborar para superar peligros (proteger del fuego, buceo…), por lo original o por lo bien integrados que están en el juego, además de lo gratificante que resulta el superarlos.

Además de los retos que son parte de la aventura y que hay que superar para avanzar, será posible conseguir modos de juego secundarios, disponibles en la nave principal, que podremos disfrutar de forma relajada. Para ello, tendrás que recorrer los niveles buscando los terminales que los desbloquean, algo no obligatorio pero que te permitirá ver otra cara de Orbitals.

Tan bueno y divertido es Orbitals como loco e imprevisible es su argumento, que no voy a desvelar. Realmente los retos del juego están desconectados de la trascendentalidad que se plantea, y en mi cabeza solo encuentro justificación porque en los Anime ochenteros en los que se inspira no había tampoco mucha coherencia que digamos. Pero sí, me he quedado un poco ojiplático tanto con el principio como con el final del juego. Lo que hay en el medio – el juego en si – podría existir perfectamente con cualquier otro argumento mucho más banal y quizá hasta se digerería mejor.

No solo brilla en lo visual

Es imprescindible mencionar el temazo musical central del juego, en japonés, que podría ser perfectamente el main theme de cualquier serie de moda. El repertorio de temas y efectos de sonido también está a la altura y las voces, que he disfrutado en inglés y en castellano, son de un nivel estelar, acordes con los visuales tan trabajados. Pero ten en cuenta que el juego cuenta con doblaje al castellano, tanto al de España como al latino, así como en Japonés, Alemán, Francés, Portugués Brasileño y Chino.

Orbitals es una gran adición al catálogo de Nintendo Switch 2, un lujazo inesperado para la plataforma de Nintendo. Su fórmula de juego en cooperativo, en local u online con un amigo o amiga, hace que tengas que cuadrar agendas para darle, lo que complica el poder jugarlo cuando y como quieras, pero, junto a la dificultad de algunos de los puzles y lo absolutamente loco del argumento, es de lo poco que puedo listar como «negativo», entre comillas, a lo que es, sin duda, un grandísimo juego con personalidad, carisma y buenas ideas a raudales.

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