Eso no quiere decir que Pragmata sea un juego complicado en modo Normal, al contrario. Pero, antes de hablar de la dificultad, déjame rebobinar. Conocí Pragmata gracias a las primeras impresiones de Mau, que me hicieron interesarme por el juego. Tras pasarme la demo, me quedaron muchas ganas de más, pues tenía curiosidad por saber si Capcom sería capaz de crear un juego convincente alrededor de las mecánicas presentadas en la versión de prueba. El resultado ha superado mis expectativas.

Rápido y mal, Pragmata se me ha antojado como una aventura con toques de Bioshock, por lo narrativo a través de mensajes, en un mundo deshabitado que podría evocar la melancolía de Rapture. Pero también tiene cosas de Dead Space, por transcurrir en la Luna y por enfrentarnos a una colección de monstruos con un arsenal acojonante.

Pero no sería justo hablar de Pragmata sin darle la debida importancia a la mecánica con la que se han implementado los combates. Y es que para llevar los enfrentamientos a buen puerto hay que combinar los ataques con las diferentes armas con el sistema de hackeo que la Diana, la niña-robot coprotagonista, es capaz de realizar.

Este sistema, por si no lo has visto, consiste en interactuar con una especie de puzzle tras apuntar a los enemigos. Al completar el puzzle, los enemigos La verdad, suena más complicado y menos intuitivo de lo que realmente es, y su inclusión, lejos de complicar las cosas, lo que hace es refrescar tremendamente los combates. Además, a medida que vas progresando en Pragmata, vas desbloqueando diferentes modificadores y armas que revitalizan la experiencia de enviar a los enemigos al otro barrio.

Hay mucho que aplaudir en Pragmata

Una vez aplaudida la jugabilidad, que ya se podía ver en la demo, hay que hablar de la historia. El guión de Pragmata no es una excusa, es uno de los principales pilares del juego. Y no me refiero únicamente a Diana, sino a la relación entre ella y Hugh, el personaje humano que está dentro de la armadura. Esta relación, que bordea los territorios de Padre e Hija, es uno de los principales alicientes del juego, y es capaz de carrilear un argumento general que es más predecible de lo que me hubiera gustado.

Pragmata, además, cuenta con un apartado visual y sonoro de muchos kilates. Hay un buen montón de pistas de doblaje, incluyendo el castellano, inglés y japonés. Yo personalmente me he dejado la inglesa, pues es la que más me ha convencido. Sobre los gráficos, me parecen cuidadísimos y muy efectivos a la hora de crear una atmósfera interesante y amenazadora, situada en una estación espacial. Quizá el problema de los escenarios es que no ofrecen mucho margen a la hora de investigar, pero Pragmata no va de eso.

A les que se queden con ganas de más material aparte de la historia principal, que dura unas 10 horas, puedo tranquilizarles: Pragmata cuenta con un buen montón de material adicional para alargar la experiencia de juego durante muchas horas. Para empezar, los retos de entrenamiento, estilo las VR Missions, que se irán desbloqueando a medida que los encontremos por los escenarios. Los niveles en si constituyen otro pozo de horas, si te propones localizar todos los items desperdigados por ellos. Pero, además, cuando superas el juego por primera vez se desbloquea un buen montón de material, incluyendo un modo New Game +, que te darán suficientes excusas, incluyendo un modo de juego difícil titulado «Lunático», no soltar los mandos en días.

Se acaban los adjetivos para calificar el buen hacer de Capcom. Casi sin dejarnos tiempo de recuperarnos del sobresaliente Resident Evil Requiem, este Pragmata deja claro que la excelencia de la compañía nipona no tiene pinta de acabar pronto. A día de hoy, Pragmata es, para mi, candidato a GOTY, porque es de los juegos que más he disfrutado este 2026. [92]

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Para empezar, Jotego deja clara la calidad de Neo Geo AES+, comparándola con la máquina original. A pesar de la diferencia de componentes, el resultado parece ser fidedigno, además de haber sido auditado por la propia SNK. También ha confirmado que la máquina tendrá salida RGB, y que los cartuchos, por desgracia, no pueden tener un precio menor debido a la tirada de unidades, que obliga a usar chips de memoria flash. Si Plaion Replai fabricara tiradas de 100.000 unidades, entonces sí que se podrían bajar los costes de los cartuchos.

Pero para mi el titular de la entrevista que deja Jotego es que Plaion Replai va a sacar otras máquinas próximamente. Por el contexto, parece que por «máquinas» se podría referir a consolas, pero esto ya es una especulación. Tampoco parece que vaya a ser una máquina de Nintendo o la Megadrive, también por contexto. Dependiendo de cuál sea la afortunada, esto podría ser otro bombazo para los fans del retro.

Una interesantísima entrevista a cargo de Creativo en Japón que te recomiendo que devores, sobre todo si estás pensando en hacerte con la Neo Geo AES+.

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Acer Nitro V 16 AI: la gama de entrada al universo gaming Acer

Van pasando productos por el canal y vemos como algunas marcas van incluyendo el apellido IA. Acer actualizó el año pasado sus modelos e incluyó, como casi todo el mundo, el mundo de la inteligencia artificial a sus equipos de la mano de Microsoft y Copilot. Algo que muchos de nosotros hemos sufrido con la nueva actualización de Windows 11. Pero, obviando esto, es normal que las empresas quieran enseñar, desde el primer vistazo, que sus equipos están preparados para el futuro próximo.

En el caso que nos ocupa, Acer y su gama Nitro, es una entrada perfecta dentro de su ecosistema. Está un par de peldaños por debajo de los todopoderosos Predator, pero aun así, estamos hablando de portátiles bastante top para considerarlos como una gama baja dentro de la compañía.

Si es cierto que, en comparación, se nota mucho cuando tenemos los dos portátiles frente a frente. Este Acer Nitro V 16 AI está enteramente acabado en plástico negro mate, en comparación con otros modelos que incorporaban el aluminio. Esto tiene sus problemas ya que con el tiempo el plástico tiende a romper, sobre todo en las zonas de las bisagras y la pantalla.

Especificaciones

• SISTEMA OPERATIVO
  • Sistema Operativo: Windows 11 Home
• PROCESADOR
  • Fabricante: AMD
  • Tipo: Ryzen 7 260
  • Núcleos:8
  • Hilos: 16
• PANTALLA Y GRÁFICOS
  • Gráfica: NVIDIA® GeForce RTX 5070
  • Memoria Gráfica: 8 GB GDDR7 (Dedicada)
  • Pantalla: 16″IPS
  • Resolución: 2560×1600
  • Refresco: 180 Hz
• MEMORIA
  • Memoria Instalada: 32 GB
  • Tecnología: DDR5 SDRAM
  • Lector de Tarjetas: Sí (SD)
• ALMACENAMIENTO
  • Capacidad SSD: 2 TB
  • Interfaz: PCI Express Gen4 (M.2)
• REDES Y COMUNICACIONES
  • Wi-Fi: MediaTek (IEEE 802.11be / Wi-Fi 6E)
  • Ethernet: Killer E2600 1GbE
  • Bluetooth: 5.3 o superior
• PUERTOS E INTERFACES
  • HDMI 2.1: 1
  • USB Total: 4
  • USB 3.2 Gen 1 Tipo-A: 1
  • USB 3.2 Gen 2 Tipo-A: 2
  • USB 4: 1
  • Red (RJ-45): Sí
• DISPOSITIVOS INCORPORADOS
  • Cámara/Micrófono: Sí (Micrófono incluido)
  • Altavoces: 2
• TECLADO Y ENTRADA
  • Teclado: Membrana retoiluminada, color naranja
  • TouchPad: 126x83mm
• BATERÍA Y ENERGÍA
  • Batería: 76 Wh (Ion Litio)
  • Alimentación: Adaptador de 135 W
• CARACTERÍSTICAS FÍSICAS
  • Dimensiones: 359 mm (Ancho) x 274 mm (Profundo) x 25 mm (Alto)
  • Peso: 2,38 kg
  • Color: Negro
• CONTENIDO DE LA CAJA
  • Acer Nitro V 16 AI
  • Adaptador y cable de alimentación

Como vemos en las especificaciones, de gama baja poca cosa. Esto es algo que veremos más adelante en los test sintéticos, pero ya os adelanto que la dupla AMD Ryzen más una Nvidia 5070 tiene sus más y sus menos en cuanto a rendimiento. No nos va a dar una de cal y otra de arena, pero no termina de ser un combo ganador.

Algo que me ha llamado la atención es que el cargador(135W) va al límite de la carga teórica del sistema entre CPU(40W aprox) y GPU(95W aprox). Entiendo que en el conjunto se limitará el consumo a los 135W de carga máxima, por lo que el rendimiento, en general, se verá afectado.

Los 32 GB de RAM ya son un clásico en este tipo de equipos y es algo que ya debería ser el estándar. Si lo juntamos a los 2TB de almacenamiento y la pantalla QHD de 180 Hz, con 400 nits de brillo, tenemos un equipo perfecto para multitarea y videojuegos.

Otra de las cosas que me ha llamado la atención es que el teclado es solo retroiluminado en naranja, a juego con los colores de Acer Nitro.

Barebone y conectividad

Como comentábamos al principio, el Acer Nitro V 16 AI está construido íntegramente en plástico negro mate. No es necesariamente malo, pero sí se nota la diferencia respecto a otros portátiles de gamas superiores que combinan plástico con aluminio. La tapa y el chasis tienen cierta flexión si apretamos con las manos, algo esperable en este segmento de precio. Las bisagras aguantan bien la pantalla y permiten abrirla con una sola mano, aunque con el tiempo son precisamente estas zonas las que más sufren en los chasis plásticos.

El diseño es el clásico Nitro: discreto, con los detalles en naranja que le dan ese toque gaming sin llegar a ser hortera. Nada de RGB exagerado ni luces por todos lados, algo que personalmente agradezco para un equipo que también quieres usar en entornos de trabajo o estudio.

La pantalla de 16″ IPS con resolución QHD (2560×1600) y 180 Hz es, sin duda, uno de los puntos fuertes del equipo. Los 400 nits de brillo la hacen bastante usable incluso en exteriores o cerca de ventanas. Los colores son buenos para un panel IPS de esta gama, sin llegar a la precisión de un panel OLED, pero más que suficientes tanto para jugar como para editar contenido de forma casual.

En cuanto a la conectividad, Acer no ha escatimado demasiado. Tenemos un USB4 que permite conectar monitores externos o periféricos de alta velocidad, dos USB 3.2 Gen 2 Tipo-A, uno Gen 1, HDMI 2.1 y RJ-45 con el chip Killer E2600, pensado para optimizar el tráfico de red en juegos. El Wi-Fi 6E también es un punto a favor para los que tengan un router compatible. El lector de tarjetas SD es un detalle que se agradece y que cada vez escasea más en portátiles de este tipo.

El teclado de membrana retroiluminado en naranja cumple su función. El recorrido de las teclas es correcto y se escribe cómodamente durante sesiones largas, aunque los más exigentes echarán de menos la retroiluminación RGB por zonas. El touchpad de 126x83mm responde bien y tiene un tamaño generoso.

El sistema de refrigeración hace un trabajo decente, aunque bajo carga sostenida los ventiladores se escuchan con claridad. No es nada que sorprenda en un portátil gaming de este segmento, pero conviene saberlo si piensas usarlo en espacios silenciosos.

Test sintéticos

Antes de meternos en harina, un dato importante que nos revela el CPU-Z: la RTX 5070 Laptop en este equipo tiene un TDP configurado a 60W. Utiliza un sistema en el que la GPU es capaz de adaptarse hasta el máximo teórico de 95W que pone en las especificaciones. Esto hace que el cargador de 135W nos cuadre perfectamente.

En las especificaciones del producto nos indica esos 95W, en nuestros benchmarks nos indicaba 60W por lo que, tras consultar y ver el problema, hemos visto que la RTX 5070 se mueve en esa horquilla.

Dicho esto, vamos con los números.

Cinebench R2024

En el test de CPU obtenemos 825 puntos en Multi Core y 100 puntos en Single Core, con un MP Ratio de 8,29x. Para ponerlo en contexto, el ranking interno de Cinebench nos sitúa en cuarta posición de su tabla de referencia, justo por delante de un Ryzen 7 5800X de sobremesa. Son cifras más que respetables para un portátil de esta categoría, y el rendimiento monocore de 100 puntos es especialmente bueno, quedando a la altura de los Apple M1 Max y M1 Ultra. La CPU no es el problema de este equipo.

3DMark Time Spy

En este benchmark de DirectX 12 conseguimos 11.298 puntos en total, con una puntuación gráfica de 11.834 y una puntuación de CPU de 8.993. Aquí es donde empieza a verse la limitación del TDP: la media para este hardware se sitúa en 13.248 y el máximo registrado en 14.528. Estamos aproximadamente un 15% por debajo de la media de sistemas equivalentes, lo que confirma que la GPU está trabajando con las alas cortadas.

3DMark Steel Nomad

En el test más exigente obtenemos 2.775 puntos, quedando también por debajo de la media (2.984) y del máximo (3.313) para este hardware. La prueba de gráficos se queda en 27,76 FPS, algo que en escenarios de carga pesada continua vuelve a dejar en evidencia esa restricción de consumo.

3DMark Solar Bay

En el test de trazado de rayos las cosas cambian un poco. Aquí conseguimos 56.309 puntos, con resultados de 214, 223 y 200 FPS en las tres secciones. En este caso no hay datos de media disponibles en la versión demo de 3DMark, pero los números son sólidos y demuestran que la arquitectura Blackwell de la RTX 5070 sigue siendo muy eficiente con ray tracing incluso a TDP reducido.

Almacenamiento

El equipo viene con dos SSDs WD PC SN5000S de 1TB cada uno en RAID 0 para dar los 2TB totales. En CrystalDiskMark el disco C: alcanza velocidades de lectura secuencial de 2.394 MB/s y escritura de 2.086 MB/s, mientras que el disco D: sube hasta 3.778 MB/s de lectura y 2.735 MB/s de escritura. Son velocidades de PCIe 4.0 correctas, aunque no son los SSDs más rápidos del mercado. El estado de salud de ambas unidades es bueno (97% y 100% respectivamente).

RAM

La memoria DDR5 funciona a 2.793 MHz efectivos (5.600 MT/s) en configuración de cuatro canales de 32 bits, con latencias CL46. Nada destacable, es lo habitual en portátiles con memoria LPDDR5 integrada.

Jugando con el Nitro V 16 AI

Para algunas de las pruebas en juego hemos tirado de Fortnite con ajustes épicos y distintas configuraciones de DLSS. Y aquí vienen las conclusiones más interesantes. Es un juego que es muy demandante de CPU, por lo que nos sirve para hacernos una idea de como rinde el portátil.

Con los ajustes en épico y sin DLSS activo (resolución nativa QHD al 100%), el equipo mantiene una fluidez correcta pero sin llegar a aprovechar los 180 Hz de la pantalla. En el NitroSense podemos ver cómo la GPU trabaja al 97% de carga con temperaturas en torno a los 72ºC y la CPU rondando los 76ºC, valores perfectamente normales y dentro de lo esperado para un portátil gaming.

Cuando activamos DLSS en modo Calidad (resolución interna al 66%), la cosa cambia radicalmente. Los FPS se disparan y el juego empieza a explotar la pantalla de 180 Hz. La GPU sigue al 89% de carga y las temperaturas se mantienen similares. La diferencia visual entre nativo y DLSS Calidad en la pantalla integrada es prácticamente imperceptible, y la ganancia de fluidez es enorme. En un portátil de este tipo, jugar con DLSS activado no es trampa, es sentido común.

El NitroSense, la aplicación de control de Acer, nos ofrece cuatro modos: Silencioso, Equilibrado, Rendimiento y Turbo. Para jugar, el modo Rendimiento es el más recomendable: aplica overclocking a CPU y GPU manteniendo la velocidad del ventilador bajo control. El modo Turbo desata toda la potencia pero los ventiladores se vuelven bastante ruidosos. En reposo y en modo Equilibrado, las temperaturas se quedan en 55ºC de GPU, 74ºC de CPU y 52ºC de sistema, que son cifras muy razonables.

Conclusiones

El Acer Nitro V 16 AI es un portátil que sobre el papel promete mucho, y en parte cumple. Pero hay un dato que Acer no te va a contar en la ficha técnica y que cambia bastante la ecuación: la RTX 5070 Laptop de este equipo está configurada a 60W de TDP. No a 95W, no a 115W. A 60W. Eso significa que cuando ves «RTX 5070» en la caja, lo que realmente tienes es una tarjeta que rinde bastante por debajo de lo que ese nombre sugiere, y que en los benchmarks se queda entre un 10 y un 15% por debajo de la media de sistemas con el mismo hardware. Es algo que el comprador tiene todo el derecho a saber antes de pasar por caja.

Una vez aclarado eso, y poniéndolo en contexto con su precio, el equipo tiene argumentos serios. La CPU no decepciona: 825 puntos en Cinebench R2024 Multi Core y 100 en Single Core son cifras excelentes para un portátil de esta gama, y en rendimiento monocore se planta al nivel de los Apple M1. Los SSDs en RAID 0 ofrecen velocidades más que suficientes para el día a día, y los 32 GB de RAM DDR5 garantizan que no vas a tener cuellos de botella en memoria en mucho tiempo.

En juego, con DLSS activado en modo Calidad, el equipo se defiende con nota en títulos como Fortnite, aprovechando bien la pantalla QHD de 180 Hz. Sin DLSS, los 180 Hz son difíciles de alcanzar en títulos exigentes a resolución nativa. Las temperaturas son razonables —72ºC de GPU y 76ºC de CPU bajo carga— y el NitroSense hace un buen trabajo permitiéndote ajustar el perfil de rendimiento según lo que necesites en cada momento.

La construcción en plástico más la cubierta de aluminio han que este equipo sea resistente, aunque tendrás que tener cuidado en la zona de las bisagras. No es un problema inmediato, pero a largo plazo es algo a tener en cuenta. Que el teclado solo sea en naranja puede no gustarle a todo el mundo.

En resumen: si encuentras este equipo gaming a un precio ajustado y lo valoras sabiendo que es un producto perfecto como gama de entrada al ecosistema Acer, es una compra razonable para gaming y productividad. [75]

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Game Pass Ultimate has become too expensive for too many players. Starting today, we’re dropping the price from $29.99 to $22.99/month.
Future Call of Duty titles will no longer join Game Pass Ultimate on day one. They will join this tier the following holiday after launch (about…

— Asha (@asha_shar) April 21, 2026

Así lo ha anunciado Asha Sharma, la nueva CEO de Xbox, en una de sus primeras decisiones para tratar de estabilizar el barco. Y yo me pregunto ¿quién juega a un Call of Duty un año después? Eso ya es territorio de PSN Plus, Epic Store y servicios similares, que «regalan» videojuegos que ya han pasado su momento de gloria. Los Call of Duty tienen un pico de popularidad que, 1 año después, no es que no se mantenga, es que básicamente ha desaparecido.

Microsoft, así, parece reconocer que la fórmula Game Pass Ultimate no es sostenible, ni tan siquiera tras la subida de precio del año pasado. Los 70.000 millones que pagó para hacerse con Activision Blizzard han sido demasiada losa en los libros contables, aparentemente, como para aspirar a amortizarlos con unas suscripciones que, imagino, bajarían en número de usuarios tras la subida del año pasado. La propuesta de «Juega a todo lo de Xbox Game Studios aquí» ya tiene un asterisco más. Los números parece que no salen y necesitan que los fans pasen por caja y compren los juegos.

¿Quién nos dice que no pasará lo mismo con los Forza Horizon y otras franquicias con potencial de vender muchos millones de unidades? Evidentemente, tras lo de hoy, nadie. La viabilidad de Game Pass queda en entredicho.

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World of Warcraft: Midnight, un regreso dulce a casa

Y tengo que reconocer que, tras el tiempo que me ha llevado traeros este texto, he madurado. Blizzard sabe dónde tiene que pinchar para que te enganches, pero claro, no es lo mismo tener 25 años que 45. El tiempo no es el mismo, las valoraciones son distintas, y sobre todo, han pasado 15 años desde la última vez que toque World of Warcraft.

Pero tengo que reconocer que, si hay una expansión que te enganche y que te haga seguir pagando la suscripción, esta es World of Warcraft: Midnight.

El peso de 20 veinte años de historia

World of Warcraft: Midnight no llega sola. Es la undécima expansión del MMORPG de Blizzard Entertainment y el segundo capítulo de la Saga del Alma-Mundo, una trilogía de expansiones concebida por Chris Metzen que arrancó con The War Within en 2024 y que culminará en The Last Titan. Por primera vez en décadas, Blizzard está contando una historia con principio, nudo y desenlace planificados. Eso, para los que llevamos años aguantando arcos narrativos que se resolvían con un parche y una cinemática, es mucho decir.

El punto de partida de Midnight es directo, como ya pasó en la anterior expansión: los héroes de Azeroth se vieron forzados a aliarse con Xal’atath, la Heraldo del Vacío, para detener a su antiguo amo, el señor del vacío Dimensius, durante los eventos de The War Within. Fue un trato peligroso. Y, como era de esperar, salió rematadamente mal. Con Dimensius derrotado y su poder absorbido, Xal’atath alcanzó una fuerza sin precedentes y desencadenó a su Hueste del vacío sobre la Isla de Quel’Danas, con un único objetivo: corromper la Fuente del Sol y sumir Azeroth en la oscuridad.

Xal’atath es, en ese sentido, uno de los antagonistas más elaborados que ha tenido el juego en mucho tiempo. Casi al nivel de Sargeras, Illidan, o el mismísimo Rey Exánime. También es cierto que, darle una línea argumental tan amplia, utilizando tres expansiones, ayuda a darle cuerpo. Xal’atath tiene un trasfondo de tragedia y motivación a partes iguales que pocas veces hemos visto en otros antagonistas, una manipuladora nata que nunca sabes si está diciendo la verdad o mintiendo, por lo que es imposible de descifrar por el jugador.

En esta nueva expansión volvemos a Quel’Thalas, el reino de los elfos de sangre, que ha sido rediseñado desde cero. Una de las novedades es que los cuatro mapas de los que consta esta expansión están unificados en uno, por lo que no tenemos pantallas de carga y esto nos da una cohesión que ayuda a esconder que esta expansión no amplía el mapa con un continente más. No tienes esa sensación de lugar pequeño, sino que todo fluye.

Sin machacaros el desenlace, Midnight gira en torno al conflicto entre la Luz y el Vacío, con personajes como Lor’themar Theron, Lady Liadrin, Turalyon o Alleria que ocupan el lugar principal de la trama. La narrativa continua justo donde terminaba The War Within y confirma que Blizzard se ha puesto las pilas y quiere demostrar que World of Warcraft está muy vivo.

La promesa que se hizo hace 20 años: el sistema de hogares

Todavía me acuerdo de un huevo de pascua que encontramos hace años en World of Warcraft: cerca de la ciudad de los enanos había un aeropuerto y una zona amplia, llana, con casitas. Esto se convirtió en leyenda urbana dentro de la comunidad de WoW. Todos pedíamos un lugar en el que exponer nuestros trofeos más allá del sistema de logros. Por fin, con Midnight, la espera ha terminado. Y lo ha hecho de una manera mucho más completa de lo que esperaba.

Lo primero y más importante: cada jugador tiene acceso a una casa sin coste inicial ni mantenimiento. Sin sorteos, sin colas, sin sistema de parcelas escaso que obligue a madrugar. Tu casa es tuya desde el primer día, y la comparte toda tu banda de guerra, es decir, todos tus personajes independientemente de la facción. Ese detalle, que puede parecer menor, es en realidad una declaración de intenciones: Blizzard no ha diseñado esto como un lujo para jugadores hardcore, sino como algo que pertenece a todo el mundo que juega a WoW.

La personalización es, sobre el papel, profunda. Los exteriores parten de cuatro plantillas —Elfo de Sangre, Elfo de la Noche, Orco y Humano— con opciones de personalización en ventanas, fachadas, torres y más, y los muebles y decoraciones se pueden teñir y redimensionar libremente. La mayoría de objetos decorativos se obtienen jugando: mazmorras, bandas, logros, misiones. Blizzard ha introducido una moneda premium llamada Hogarita para comprar ciertos cosméticos en la tienda, siguiendo un modelo similar al de monturas y mascotas, con la intención de que el sistema sea claro y predecible para quien quiera gastar dinero real. Sinceramente, me esperaba más un traga monedas que un expositor de tus logros en el juego.

La respuesta de la comunidad ha sido espectacular. Yo creo que ni la propia Blizzard pensaba que esto iba a funcionar. Según algunas informaciones en las dos primeras semanas del acceso anticipado, los jugadores acumularon más de 4 millones de horas diseñando sus casas y colocaron 14 millones de adornos. También es cierto que en ese momento no había mucho más que hacer en la expansión. El objeto más popular, por si alguien tenía dudas sobre el alma de la comunidad de WoW, fue el muro de estantería discreto: un lienzo en blanco sobre el que montar trofeos, recuerdos y cachivaches de veinte años de aventuras. Difícil resumir mejor para qué sirve realmente este sistema: 20 años de nostalgia pura.

Además se han añadido sistemas sociales con proyectos comunitarios mensuales que recompensan a los jugadores con cupones, oro, experiencia en los hogares, etcétera. No han inventado la pólvora, pero es algo que hace que te motives a seguir cuidando tu parcela y a tu comunidad. Y ojo, que si eres un asocial o simplemente no quieres utilizar las opciones sociales de este sistema Blizzard te deja aislarte del mundo en tu propio entorno privado.

Tiene limitaciones, pero los cimientos de este sistema ya están colocados y dependerá de Blizzard mantenerlo sano. De momento el arranque es sólido y para muchos jugadores, tener su propio espacio privado dentro de Azeroth donde colocar sus logros y recibir a sus amigos ya vale la pena.

Lo que hay debajo de la historia y los hogares: novedades jugables

Si la narrativa y los hogares son los escaparates de Midnight, lo que hay debajo, el tejido jugable que tendrás que aguantar cientos de horas, es donde una expansión de WoW se gana realmente el precio de entrada. Y aquí Blizzard ha llegado con las manos llenas, aunque no todo tiene el mismo peso.

La novedad más llamativa a nivel de clases es la nueva especialización Devorador para los Cazadores de Demonios, la primera que recibe la clase desde su introducción en Legión hace casi una década. Devorador es una especialización de media distancia que inflige daño Cósmico, acumula Fragmentos de Alma y se transforma con Metamorfosis del Vacío durante sus ventanas de daño máximo. Nos pusimos manos a la obra con este personaje y es el personaje principal con el que hemos disfrutado de la expansión.

Esta clase a media distancia te da espacio para jugar tranquilamente como quieras: cuerpo a cuerpo, te alejas, atacas a distancia,… todo recogiendo Fragmentos de Alma, lo que te obliga a moverte constantemente para acumularlos y poder lanzar las habilidades más poderosas como Metamorfosis del Vacío o Rayo del Vacío. Tengo que deciros que me ha resultado una clase muy divertida de jugar.

Pero más allá del Devorador, donde Blizzard ha metido mano es en la interfaz. Por fin no tenemos tanta dependencia de addons de terceros y casi todo lo vamos a poder configurar desde la interfaz nativa del juego. La comunidad llevaba años pidiendo a Blizzard que actualizase basándose en los addons de la comunidad más importante y por fin, se cumple. No todos los addons o utilidades están, como por ejemplo mi querido Healbot que he tenido que instalar, pero es un avance prometedor.

En cuanto a los árboles de talentos, estos se amplían en 10 puntos al subir el nivel máximo al nivel 90, incluyendo los nuevos talentos ampliados que se sitúan en la rama de especialización del personaje.

Las mazmorras y las raids, el alma de World of Warcraft

En cuanto al contenido de grupo, Midnight rompe con la estructura habitual de una mega-raid al lanzamiento. La Temporada 1 distribuye sus nueve jefes en tres instancias separadas: La Aguja del Vacío como banda principal, con desbloqueos escalonados que obligan a pensar el plan de equipo desde el principio.

A las bandas se suman ocho mazmorras nuevas: Aguja Brisaveloz, Bancal del Magister, El Frontal de la Muerte, Guarida de Nalorakk, Cavernas de Maisara, Valle Cegador, Punto de Nexo Xenas y Arena Lacravacua. Un grupo bastante variado en cuanto a localizaciones y mecánicas.

Regresan también las mazmorras individuales, que tuvieron muy buena acogida en The War Within. En Midnight hay 11 nuevas mazmorras, incluyendo una Némesis especial donde Valeera Sanguinar está disponible como compañera de aventuras. Es el tipo de contenido que mantiene ocupados a los jugadores más casuales o a los que no tienen tiempo para raidear en horarios fijos, y que con cada expansión parece encontrar mejor su sitio en el ecosistema del juego.

La novedad más original que introduce Midnight es el sistema de Presa. Nos permite rastrear y cazar objetivos poderosos por todo Azeroth con varios niveles de dificultad. Pero ojo, la Presa también puede cazarte a ti… es la idea más original que ha tenido Blizzard en muchos años.

Conclusión

Tras todo esto, lo que nos queda pendiente de ver es si toda esta masa de contenido que tiene Midnight se sostiene con los parches de la Temporada 1 y más allá. Esta expansión es muy sólida, al nivel de World of Warcraft: Wrath of the Lich King, pero por experiencia ya sabemos que el verdadero juicio a un producto de Blizzard se hace a los seis meses, cuando el polvo del hype se asienta y empiezan a salirse los hilos de las costuras. [85]

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No porque sean un escándalo nuevo, sino porque confirman lo que muchos ya sospechábamos: que Jim Ryan se cargó a uno de los arquitectos más importantes del gaming moderno simplemente porque no le obedecía. Un… aquí mandan mis cojones toreros, aunque no tengas ni idea de videojuegos.

Dejemos que los hechos hablen. Bajo el mandato de Yoshida, Santa Monica resucitó con un God of War que reinventó el género. Naughty Dog nos dio Uncharted y después The Last of Us, dos de las franquicias más influyentes de la historia reciente. Sucker Punch se trabajó Ghost of Tsushima, una carta de amor al cine de samuráis que todavía hoy sigue siendo uno de los juegos más bellos que ha parido esta industria. No es un currículum. Es un legado.

Y aún así, en 2019, Jim Ryan dijo que no. Que había que hacer «cosas ridículas», según las propias palabras de Yoshida, y que cuando este se negó, la respuesta fue la puerta. Sin ceremonia, sin debate. La lógica del ejecutivo que confunde el liderazgo con la obediencia ciega.

Aquí es donde conviene pararse a pensar. Sony PlayStation vivió su época dorada en gran parte gracias a una cultura creativa que priorizaba la visión artística sobre la métrica trimestral y las ventas. Yoshida era parte fundamental de esa cultura. Era el tipo que daba cobertura a los estudios, que les dejaba hacer, que confiaba en equipos cuando la industria apostaba por lo seguro. Los resultados están ahí: una generación de PS4 que es probablemente la más redonda en términos de juegos first party que ha tenido PlayStation en toda su historia.

¿Qué pasó después del despido? Ryan siguió al frente hasta 2023, con una gestión que dejó un sabor agridulce: buenos números de ventas, sí, pero también una deriva hacia los juegos como servicio que no acabó de cuajar, una política de precios agresiva que alienó a muchos jugadores, y la sensación creciente de que PlayStation se estaba convirtiendo en una empresa más preocupada por los ingresos recurrentes que por el tipo de juegos que hacen que la gente siga hablando de una consola décadas después.

Lo de Yoshida no es solo la historia de un despido injusto. Es un síntoma. El síntoma de una industria que cada vez tiene más difícil proteger a las personas que saben hacer grandes juegos frente a las personas que saben hacer grandes presentaciones ante inversores. Son dos habilidades muy distintas, y durante demasiado tiempo se ha premiado la segunda a costa de la primera. Por eso nos encontramos últimamente tantos juegos sin alma…

Y lo más triste es que esto no es exclusivo de Sony. Es una tendencia. Los estudios se compran como el que compra pipas en el kiosco, los directivos creativos se sustituyen por gestores, los proyectos ambiciosos se recortan o se cancelan porque el Excel o el Project no cuadran. De eso Microsoft sabe un rato. Mientras tanto, los jugadores siguen esperando ese próximo juego que les parta el corazón como lo hizo The Last of Us o les robe cien horas como lo hizo Ghost of Tsushima.

Yoshida dijo que no a lo ridículo. Que alguien tome nota.

Fuente: https://thisweekinvideogames.com/news/shuhei-yoshida-says-jim-ryan-fired-him-from-playstation-studios-because-i-didnt-listen-to-him/

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Aunque aún no hay reviews al uso, hay motivos para ser optimista con la bautizada como la Neo-Geo AES+ (AES significa Advanced Entertainment System, en contraposición al hardware para recreativas, el MVS, Multi Video System). El principal, que esto no va de emulación. Plaion Replai es la empresa detrás del Atari 2600+ y el Atari 7800+, y la AES+ es su proyecto más ambicioso porque, a diferencia de esos dos, en lugar de usar emulación software o FPGA como hacen Analogue o MiSTer, han fabricado nuevos ASICs que replican los chips originales capaces de ejecutar los cartuchos originales. Lo que está por confirmar es si esta reedición de juegos va a poder ejecutarse an las Neo-Geo originales.

Especificaciones técnicas:

Hardware

• Chips ASIC re-ingeniados a partir de los originales (sin emulación software, sin FPGA)
• Compatible con cartuchos AES originales y nuevas producciones AES+
• Guardado de high scores por juego a través de Memory Card
• Consumo reducido respecto al modelo original

Vídeo

• Salida HDMI de baja latencia hasta 1080p
• Salida AV analógica para CRT
• Modos de visualización seleccionables

Audio

• Estéreo (el AES original era mono en su salida doméstica)

Región e idioma

• Region free
• BIOS en pantalla con DIP switches físicos en la parte inferior
• Cambio de región e idioma instantáneo
• Opción de overclocking del hardware

Conectividad

• Conector de mando de 15 pines clásico (compatible con mandos originales AES)

El listado de juegos de lanzamiento se compone de 10 títulos con alicientes diferentes:

Portada	Juego	Comentario
	Metal Slug	No necesita presentación, quizá este Run and Gun sea el juego más carismático del catálogo de Neo-Geo, lo que es muy loco teniendo en cuenta que no es precisamente el género más popular de la compañía. Esta oda al Pixel art a mano de tanta calidad se ha ganado un lugar en el imaginario de los Videojuegos, traspasando incluso las fronteras del hardware que lo vio nacer.
	The King of Fighters 2002	No es el último KoF pero es el previo al cambio de meta que tan criticado fue, y el que la comunidad competitiva considera el pico de la saga.
	Garou: Mark of the Wolves	El mejor juego de la lista, el clímax de la lucha de SNK y uno de los mejores juegos de lucha 2D de la historia.
	Samurai Shodown V Special	El último Samurai Shodown para Neo-Geo, una de las sagas más carismáticas de la 100 Mega-Shock y que —imagino— provocó con su inclusión en esta lista la salida de Art of Fighting.
	Shock Troopers	Todo un acontecimiento esta inclusión en la lista, porque nunca salió en formato doméstico. Un juego que tentará incluso a los que ya tengan la Neo-Geo clásica, si se confirma que estos cartuchos son compatibles con las consolas originales.
	Pulstar	Balancear esta lista con diferentes géneros seguramente ha sido un ejercicio complicado, debido a la naturaleza eminentemente de plataforma de juegos de lucha. Pulstar es uno de esos shooters espaciales exigentes, pero yo me quedaría con lo tremendamente impresionante que es visualmente.
	Twinkle Star Sprites	Como Jarkendia comentó en Vida Extra, es un «un ‘Bust-a-Move’ con espíritu de shmup». Quizá la incorporación más exótica de la lista, en mi opinión.
	Magician Lord	Aunque es el juego que ha envejecido peor de la lista, el haber sido el primer juego de Neo-Geo hace que su inclusión en esta parrilla inicial de juegos se pueda justificar desde el prisma nostálgico.
	Over Top	Incluido para tocar, imagino, el máximo número de palos posibles, Over Top es un juego de rallies top-down con física de tracción real.
	Big Tournament Golf	Bautizado como Neo Turf Masters en su momento en España, podría parecer que se ha incluido solo para representar algún deporte en la lista, pero lo cierto es que es un juegazo de golf. Imagino que la cosa estaría entre incluir este o algún Super Sidekicks.

La lista de títulos se olvida de clasicazos tan queridos como Wind Jammers o Super Sidekicks, pero se espera que en el futuro próximo haya nuevos lanzamientos.

Por cierto, hay que hablar del precio. Más allá de los 200€ de la máquina en si, cada uno de los juegos se han puesto a la venta por 80€, lo que democratiza el acceso a estos clásicos, dado lo brutal de los precios en el mercado retro. Como referencia, pongo los precios referencia del mercado de segunda mano:

Hay 2 modelos de Neo-Geo AES+ a la venta. La versión negra, que respeta la estética de la original, y una blanca conmemorativa del 35 aniversario. Esta, además, incluye un cartucho de Metal Slug en blanco, una edición exclusiva que únicamente está disponible con la consola en blanco.

Yo pensaba que no iba a caer, pero más vueltas le he dado, más claro lo he tenido. La Neo-Geo fue el amor imposible de mi adolescencia gamer, y el reencontrarme con ella con un hardware tan fiel al original, y con unos precios que se desmarcan de los números del mercado de segunda mano, más propios de novedades de hoy en día.

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Género: Action-Stealth / RPG | Plataformas: PS5, Xbox Series X/S, PC | Perspectiva: Tercera persona | Ambientación: Oriente Próximo, siglo VII a.C. | Duración estimada: 30–35 horas

1. Premisa y visión

Judith es una viuda de la ciudad hebrea de Betulia que, mientras el ejército asirio de Holofernes bloquea la ciudad hasta la rendición, decide actuar por su cuenta. Armada con fe, astucia y su guadaña, se infiltra en el campamento enemigo con su sierva y consigue decapitar al general que tenía sometida a toda una región.

El juego transforma esta historia bíblica —recogida en el Libro de Judit, texto deuterocanónico— en una épica de sigilo y combate directamente inspirada en la saga de Ezio Auditore de Assassin’s Creed: exploración libre de ciudades y campamentos, parkour por estructuras de adobe y tiendas de campaña, herramientas de sigilo con base histórica, asesinatos de alto impacto narrativo y una historia personal sobre duelo, fe y decisión política.

La propuesta de valor central es una inversión de símbolos: donde la saga Ezio usa espadas italianas y hojas ocultas de alta tecnología, Judith porta una guadaña —herramienta de labranza, símbolo de la cosecha y de la muerte— elevada a instrumento divino. El arma del campesino contra el poder del imperio.

Referente histórico: El Libro de Judit es un texto deuterocanónico que aparece en la Biblia católica y ortodoxa pero no en la protestante. Fue compuesto entre los siglos IV y II a.C., aunque la historia se ambienta en el VII a.C. Todas las herramientas y gadgets del juego —el aceite de ungir, el zurrón, el vino del festín, el manto de luto— tienen base directa en el texto original.

2. Historia: los tres actos

Acto I — El Luto: Betulia sitiada

Judith lleva tres años de viudedad en Betulia. Manases, su marido, murió de un golpe de calor trabajando en el campo. Ella ha aprendido a gestionar sus tierras sola: sus viñas, sus campos de siega, su casa. Cuando el ejército asirio bajo el mando del general Holofernes inicia el bloqueo de la ciudad y los ancianos del consejo amenazan con rendirse en cinco días si Dios no interviene, Judith toma la decisión.

El Acto I es el tutorial del juego y transcurre íntegramente en Betulia. El jugador aprende las mecánicas de parkour por las terrazas de piedra caliza de la ciudad, completa misiones de supervivencia —raciones de agua, medicamentos, mensajes entre familias— y establece relaciones con los personajes principales: la sierva Abra y Salomé, una artesana y tejedora que conoció a Judith antes de su matrimonio.

Acto II — La Infiltración: el campamento de Holofernes

Judith y Abra cruzan las líneas enemigas disfrazadas de refugiadas que huyen de la violencia. Lo que sigue son cuatro días —tiempo real del juego— en los que Judith se mueve por el campamento asirio con una identidad falsa: aprende las rutas de patrulla, roba mapas de campaña, libera presos hebreos en misiones secundarias y gana progresivamente el favor personal del general Holofernes durante una serie de audiencias y banquetes.

El clímax del acto es la noche del gran festín: Holofernes cae ebrio en su tienda y Judith actúa. La misión de escape del campamento —de noche, con la cabeza del general en el zurrón de Abra— es el set-piece más tenso de todo el juego.

Acto III — La Victoria: la consecuencia del acto

Judith regresa a Betulia al amanecer. El ejército asirio, sin liderazgo efectivo, entra en pánico y huye. La victoria es total. Pero sus consecuencias políticas no lo son: algunos quieren convertir a Judith en figura de autoridad pública, otros la temen, otros la instrumentalizan. El Acto III examina lo que ocurre después de que una persona ordinaria comete un acto extraordinario y tiene que vivir con ello.

El desenlace es una elección real: ¿Judith acepta el liderazgo de Betulia, se retira a su viudedad o parte hacia tierra desconocida con Salomé? Tres finales posibles, cada uno con consecuencias narrativas distintas.

3. Personajes principales

Judith — protagonista jugable

Viuda de unos 35 años. Inteligente, creyente, decidida. No es una guerrera de nacimiento: su fuerza viene de la claridad de propósito, no del entrenamiento físico. A lo largo del juego evoluciona de gestora de tierras a tácita líder militar, pero su arco verdadero no es «aprender a matar» sino «aprender a vivir con haber matado».

Salomé — interés amoroso y aliada

Artesana y tejedora betuliana, diez años más joven que Judith. Su relación con Judith fue cercana antes del matrimonio de esta y quedó en suspenso. Durante el asedio, la proximidad de la muerte aviva sentimientos que ambas habían silenciado. Salomé ofrece apoyo logístico y emocional durante los tres actos, y es quien toma la decisión definitiva en el desenlace.

Sobre el nombre: Salomé (del hebreo שָׁלוֹם, shalom, paz) es una elección intencionada: su nombre es la antítesis de lo que Judith hace. Su presencia ancla a la protagonista en la vida que quiere proteger, no solo en la misión que debe cumplir.

Holofernes — antagonista principal

General asirio del ejército de Nabucodonosor. Brillante en campaña, soberbio en la victoria. No es un monstruo unidimensional: cree genuinamente en el destino manifiesto de su rey y tiene escenas que lo humanizan. Su condescendencia hacia Judith —verla como una mujer hermosa e inofensiva, un entretenimiento— es exactamente lo que lo mata. Su muerte es más compleja moralmente de lo que parece al principio.

Abra — sierva y cómplice

Compañera inseparable de Judith durante el Acto II. Cumple la función narrativa de Leonardo da Vinci o Claudia en la saga Ezio: proporciona recursos, diálogos de descompresión emocional y desbloquea misiones secundarias. Su lealtad es incondicional pero no acrítica. A través de diarios desbloqueables, el jugador puede explorar su perspectiva sobre los eventos.

Achior — aliado y voz moral

General amonita que servía a Holofernes y que fue expulsado del campamento por advertir al asirio de que atacar a Israel era un error estratégico. Entregado a los betulios como insulto, se convierte en nexo entre ambos mundos. En el juego funciona como personaje de tutorial moral: explica las reglas y la psicología del campamento enemigo, y es el primer personaje no hebreo que trata a Judith como igual.

4. Jugabilidad central

Parkour y movimiento

El sistema de movimiento libre está inspirado en Assassin’s Creed Brotherhood. Judith escala muros de adobe, terrazas con viñas, tiendas de campaña y estructuras de asedio. La diferencia fundamental con Ezio es el tempo: Judith no es una atleta entrenada desde la infancia. Su movimiento es más lento y deliberado, más calculado. Usa el entorno con inteligencia, no con acrobacia. Los mapas —la ciudad de Betulia y el campamento asirio— son entornos de mundo abierto con zonas de acceso restringido que se desbloquean con disfraces y progresión narrativa.

Sigilo y la mecánica de Máscara Social

El corazón del sigilo en Judith no es hacerse invisible sino hacerse irrelevante. La mecánica de Máscara Social permite adoptar roles reconocibles para los NPCs: refugiada, comerciante, concubina invitada al festín. Cada rol modifica las zonas de acceso y tiene un medidor de sospecha independiente. Acciones inconsistentes con el rol —correr, robar, entrar en zonas prohibidas— lo suben. El sistema recuerda al sigilo social de AC1 pero con una capa de interpretación activa: el jugador elige cómo comportarse dentro del rol, no solo si lo mantiene.

Fe y Audacia: el sistema de visión especial

En lugar del Eagle Vision de la saga Assassin’s Creed, Judith tiene la Visión de Propósito: al activarla, resalta las rutas de patrulla, los puntos de huida y los objetos interactivos del entorno. Se recarga completando objetivos y a través de breves minijuegos de concentración (oraciones) en puntos clave del mapa.

Cuando el medidor de Audacia está lleno, Judith puede ejecutar una Acción Decidida: una ventana de tiempo extendido para encadenar hasta tres asesinatos silenciosos o escapar de una zona en alerta máxima. La mecánica es funcionalmente similar al Eagle Sense pero su lógica narrativa es completamente distinta: no es tecnología ni instinto de asesino entrenado, es claridad de propósito.

Herramientas y gadgets

Todas las herramientas del inventario tienen base en el texto bíblico o en costumbres documentadas de la época:

• Aceite de ungir: distracción sonora al derramarse o zona inflamable si hay antorchas cercanas.
• Cuerda de lino: descenso silencioso por muros o trampa de estrangulamiento pasiva.
• Incienso alucinógeno: desorientación de guardias en un área pequeña, duración limitada.
• Cabello de Judith: mecánica de seducción táctica que atrae a un guardia específico hacia una zona predefinida.

Árbol de habilidades

El árbol se divide en tres ramas temáticas. Cuerpo abarca el combate, la resistencia y la velocidad de movimiento. Mente cubre el sigilo, la gestión de disfraces y la lectura del entorno social. Espíritu potencia el sistema de Fe y Audacia, los rituales y las habilidades de apoyo de Abra. No hay camino equivocado: cada rama permite completar la historia principal, pero las combinaciones determinan cómo se juega.

5. El arma estrella: la guadaña

La guadaña de Judith es una versión estilizada del kópesh egipcio-cananeo, una hoja curva ceremonial que en el mundo antiguo era símbolo de autoridad divina. En el juego tiene historia propia: perteneció a Manases, el marido difunto, y era la herramienta con la que segaba sus campos. Judith la toma al inicio del juego como un acto de luto activo —coger lo que era de él, usarlo para lo que él nunca hizo— y la convierte en arma.

Por qué la guadaña y no una espada: la hoja oculta de los Assassin’s es un arma de élite, diseñada en secreto, tecnológica. La guadaña es exactamente lo contrario: una herramienta de campesino que cualquiera reconocería. Esa inversión es el corazón visual y temático del juego. El poder no viene del arma, viene de quien la empuña y de por qué.

El arma tiene tres niveles de mejora, cada uno ligado a un momento narrativo concreto:

• Nivel 1 — Hoz de labor: el estado inicial, herrumbrosa y funcional.
• Nivel 2 — Hoja ungida: tras el cruce de las líneas enemigas, afilada y consagrada.
• Nivel 3 — Kópesh de la Providencia: tras la muerte de Holofernes, reforjada con materiales del campamento asirio.

Los movimientos exclusivos de la guadaña son: Segador Silencioso (sigilo de acercamiento), Arco del Señor (ataque en barrido de 270°), Lazada de Vid (engancha y derriba al enemigo) y la Decapitación Ritual, la ejecución especial reservada para los objetivos clave que desencadena una cinemática.

6. Estructura de capítulos

• Capítulo 01 — Los campos de Manases: Tutorial. Judith gestiona sus tierras. Primer encuentro con Salomé.
• Capítulo 02 — El polvo y la sed: Betulia bajo asedio. Misiones de supervivencia. La cuenta atrás de cinco días comienza.
• Capítulo 03 — La oración del amanecer: Judith decide actuar contra el consejo de los ancianos. Primera noche junto a Salomé.
• Capítulo 04 — Más allá de las puertas: Cruce de las líneas enemigas. Primer contacto con el campamento asirio.
• Capítulo 05 — La huésped hermosa: Judith es llevada ante Holofernes. El juego de máscaras comienza. Infiltración progresiva del campamento.
• Capítulo 06 — Cuatro noches, tres mentiras: Los cuatro días en el campamento. Misiones secundarias: presos hebreos, mapas de campaña, alianza con Bagoas el chambelán.
• Capítulo 07 — El festín de los vencedores: La noche del banquete. Holofernes cae ebrio. La misión más tensa del juego.
• Capítulo 08 — La cabeza en el zurrón: Escape del campamento con Abra. Persecución, parkour nocturno, sigilo extremo.
• Capítulo 09 — La mañana de Betulia: Regreso. Celebración. Las consecuencias políticas empiezan. Reencuentro con Salomé.
• Capítulo 10 — El precio de la espada: Desenlace. Tres finales según las decisiones del jugador y el estado de la relación con Salomé.

7. Mundo, ambientación y dirección artística

Betulia

Ciudad hebrea amurallada en las colinas de Samaría. Arquitectura de piedra caliza, terrazas con viñas y olivares, una cisterna central que es el corazón social del mapa. Durante el asedio, la ciudad se degrada visualmente con el paso del tiempo: menos gente en las calles, pozos secos, el mercado cerrado, huertos sin regar. El diseño de nivel refleja el estado de la población en cada momento del Acto I.

El campamento de Holofernes

Una ciudad de tiendas para cien mil soldados. Dividida en zonas de acceso: la periferia (patrullas ligeras, accesible desde el inicio), la zona de mando (acceso por disfraz a partir del Capítulo 05) y la tienda del general (acceso solo en el Capítulo 07 con la misión específica). El ambiente es el de un ejército que lleva meses ganando: música, festines nocturnos, comercio activo del botín de guerra. No es un campamento sórdido; es un campamento de vencedores.

Dirección artística

La paleta general es cálida y ocre para el mundo exterior —piedra, arena, piel, lino— y muta hacia azules densos y sombras pronunciadas para el interior del campamento de noche. Las influencias visuales principales son las pinturas de Artemisia Gentileschi, que retrató esta misma historia dos veces con una crudeza física que sigue siendo impactante cuatro siglos después; los relieves asirios del British Museum; y la arquitectura documentada arqueológicamente en los yacimientos de Megiddo y Hazor.

Artemisia Gentileschi (1593–1656) fue una pintora barroca italiana que pintó la escena de Judith decapitando a Holofernes en al menos dos versiones conocidas. Sus representaciones son brutales y físicas, sin la idealización heroica habitual: dos mujeres haciendo un trabajo difícil con los brazos en tensión. Son el referente visual principal de este proyecto.

Música

La banda sonora usa cuerdas de tripa, percusión de bronce y flautas de caña con influencias del near-east arcaico. El leitmotiv de Judith es una melodía de oboe y arpa que evoluciona en los tres actos. El de Holofernes se construye sobre metales y caja bélica. Las escenas con Salomé usan música diegética: Salomé toca un instrumento real en escena, visible para el jugador. El silencio total —ausencia completa de banda sonora— se usa como mecánica de tensión en las misiones de sigilo más extremas.

8. La relación Judith–Salomé

La relación con Salomé no sigue el esquema del romance de videojuego estándar: no hay medidor de afecto visible, no hay opciones de diálogo marcadas como «románticas». Es una historia de amor adulto silenciado por años de luto y deber social que resurge en el contexto más extremo posible.

El jugador influye en la relación a través de decisiones de diálogo y acciones opcionales: volver a ver a Salomé antes de partir, traerle un objeto del campamento, confiarle el plan antes de ejecutarlo. El juego registra estas decisiones sin mostrarlas y las devuelve en el Acto III.

Salomé tiene su propio arco emocional: al inicio teme perder a Judith, al final debe decidir si puede amar a alguien que ha matado con esa clase de calma. No es una pregunta con respuesta correcta, y el juego no pretende darla.

Los tres finales

Final A — La viña compartida: Judith rechaza el poder político y vuelve a sus tierras con Salomé. Un final tranquilo, íntimo, el más cercano al personaje bíblico que regresó a su viudedad.

Final B — La profetisa sola: Judith acepta el liderazgo de Betulia. Salomé no puede seguirla en ese camino. Se separan con respeto mutuo y sin rencor. El final más trágico.

Final C — El éxodo: Ambas parten de Betulia hacia tierra desconocida. El final más ambiguo narrativamente y el más épico visualmente: una imagen final abierta, sin respuesta.

9. Contenido adicional

El juego incluye entre 35 y 40 misiones secundarias organizadas en cuatro líneas temáticas. Las Memorias de Manases reconstruyen el luto de Judith a través de objetos y lugares de Betulia. Los Relatos del campamento ofrecen historias de soldados asirios individuales con perspectiva humana, diseñadas para complicar moralmente la misión de Judith. Los Encargos de Salomé son misiones de construcción de relación que amplían su historia. Los Secretos de Betulia cubren lore histórico y coleccionables del mundo.

El New Game+ desbloquea el modo Abra: los capítulos del campamento jugados desde la perspectiva de la sierva. Las misiones son completamente distintas —sin combate, centradas en sigilo puro y engaño social— y revelan lo que Abra piensa de Judith, de la misión y de su propio papel en la historia.

Almudena Anés (Linkedin) es diseñadora narrativa y está especializada en literatura, arte y tecnología. Trabaja desde la escritura para indagar la fragmentación y el simulacro.

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Para ponernos en contexto, hay que viajar a la época de Game Boy Advance. Allí nació Mega Man Battle Network, un giro radical que transformó la clásica acción de plataformas en un RPG táctico con cartas. Cuando Nintendo DS tomó el relevo, Capcom decidió crear un sucesor espiritual en lugar de continuar la misma historia. Así nació Star Force. Y aunque en su día se vio como un «más de lo mismo» que no llegó a las mismas cotas de cariño con respecto a GBA, con el tiempo se ganó un estatus de culto e incluso su propia serie de anime.

Un culebrón adolescente en el mundo de las ondas

Esta colección es un auténtico «todo en uno». Incluye las siete entregas que salieron originalmente en DS, divididas en tres generaciones que seguían esa estrategia comercial tan Pokémon de lanzar varias versiones con ligeros cambios: Pegasus, Leo y Dragon (la primera ola); Zerker x Ninja y Zerker x Saurian (la segunda); y Black Ace y Red Joker (la tercera). El gran aliciente histórico aquí es que estas dos últimas entregas jamás llegaron a Europa en su día, por lo que es la primera vez que podemos jugarlas de forma oficial en nuestro territorio.

La historia nos pone en la piel de Geo Stelar, un chaval bastante deprimido tras la desaparición de su padre, cuya vida cambia al cruzarse con Omega-Xis, un alienígena hecho de ondas electromagnéticas. Al fusionarse, se convierten en Mega Man y adquieren la capacidad de viajar entre el mundo real y el EM World (una especie de dimensión paralela de datos). El tono narrativo va evolucionando: empieza tocando temas un poco más serios y sentimentales sobre la pérdida y la amistad, y poco a poco se va volviendo un shonen más desenfadado. Es una historia muy hija de su tiempo que, aunque peca de tener muchísimo texto explicativo, tiene su encanto.

Cartas, cuadrículas y acción táctica

A nivel jugable, si vienes buscando pegar tiros y saltar pinchos, te has equivocado de juego. Star Force es un RPG de los pies a la cabeza. Nos movemos por escenarios isométricos explorando, hablando con NPCs y resolviendo pequeños puzles. Pero la verdadera chicha está en los combates aleatorios.

Las batallas cambian la perspectiva a un entorno 3D dividido en una cuadrícula de 3×5 donde solo podemos movernos lateralmente. Aquí no gana el que dispara más rápido, sino el que mejor usa sus Battle Cards (el mazo de cartas de ataque, curación y efectos que nos hemos construido previamente). Es un sistema rápido, muy dinámico y con una profundidad táctica que engancha desde el minuto uno. Envejecer, ha envejecido sorprendentemente bien, y la personalización de los mazos sigue siendo muy satisfactorio.

El reto de adaptar la doble pantalla (y triunfar en el intento)

Llevar juegos de Nintendo DS a pantallas actuales de 16:9 es siempre un dolor de cabeza, pero hay que aplaudir a Capcom porque aquí han hecho un trabajo bien traído. Las opciones de visualización son inmensas de hecho. Podemos colocar la pantalla táctil original a un lado, hacerla más pequeña, ponerlas en vertical, e incluso jugar con el monitor girado 90 grados si jugamos en PC. A nivel visual, incluye filtros HD opcionales. Como suele pasar, el filtro suavizado hace que el pixel art original se vea algo borroso para mi gusto, pero el juego te permite aplicar el filtro HD solo a las cartas y los retratos de los personajes, dejando los escenarios con su pixelado original. Todo un acierto.

Además, el recopilatorio suma puntos con extras muy interesantes: una galería de arte, reproductor de música, y ayudas de «calidad de vida» modernas (poder recibir menos daño, ganar más dinero) para quienes solo quieran disfrutar de la historia sin farmear. Pero la joya de la corona es el modo Online. Capcom ha revivido las batallas multijugador permitiendo combates casuales y rankeados, además del intercambio de cartas a través de internet.

Una falta de respeto al jugador hispanohablante

Llegamos a la sombra de este análisis, y es una muy alargada. Como ocurre en otros relanzamientos recientes de juegos de rol clásicos, Capcom ha decidido traer esta colección exclusivamente en inglés, japonés y chino.

A estas alturas, y viniendo de una de las empresas que más dinero genera en la industria, es una decisión sencillamente imperdonable. Star Force no es un juego arcade; es un RPG donde te pasas la mitad del tiempo leyendo diálogos, entendiendo las sinergias de cientos de cartas y asimilando tutoriales. Si no dominas el inglés a un nivel medio-alto, la experiencia se convierte en un muro frustrante. Es incomprensible que la localización a veces se siga tratando como un lujo y no como un estándar en pleno 2026.

¿Merece la pena sintonizar esta frecuencia?

Mega Man Star Force Legacy Collection es un caramelo agridulce. Por un lado, a nivel técnico y de mimo hacia la franquicia, es una recopilación competente. Las opciones de adaptación de pantalla, el modo online y el hecho de incluir entregas inéditas en Europa justifican su existencia y harán las delicias de los fans más acérrimos. Además de tener un sistema de juego bastante llamativo.

Sin embargo, para el jugador que sienta curiosidad por descubrir esta peculiar rama de Mega Man, se encontrará de bruces con un RPG lento en sus compases iniciales y, sobre todo, completamente en inglés. Una oportunidad perdida para acercar una saga de culto a las nuevas generaciones, pero que sigue siendo un pozo de diversión táctica para quienes consigan saltar la barrera del idioma. [70]

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La estética como bandera

Lo primero que golpea al arrancar Marathon es su apartado visual. Bungie ha apostado por una estética futurista maravillosa: armas y arquitecturas cubiertas de códigos de barras, bloques de color de alto contraste, una paleta de neones y pasteles que le dan al juego un aspecto inconfundiblemente propio. Como jugador habitual de Arc Raiders, llegar a un extraction shooter tan diferenciado estéticamente es, sin duda, un plus: Marathon se atreve a ser diferente, consiguiendo así su propio espacio.

Si Bungie tiene una seña de identidad indestructible, es cómo se sienten sus armas. Marathon no es la excepción. Cada pieza del arsenal tiene un peso, una cadencia y una firma acústica propia que comunican potencia de forma inmediata. El diseño sonoro merece una mención especial: los disparos, los pasos, el sonido ambiente de cada mapa se combinan para crear una inmersión que atrape al jugador en un mundo virtual tan peligroso como atractivo.

El diseño de mapas también refleja la experiencia acumulada de Bungie con Destiny: capas verticales, rutas de flanqueo, puntos de estrangulamiento que castigan el juego predecible. En el plano mecánico, Marathon es sencillamente uno de los mejores shooters en primera persona disponibles ahora mismo.

El problema —o la virtud, según se mire— es que Marathon lleva el género de los extraction shooters directamente a territorio hardcore. No es un juego que venga a hacer amigos. Mientras que Arc Raiders tiene espacio para partidas cooperativas centradas en PVE donde los jugadores pueden colaborar e incluso improvisar momentos de comunidad, aquí la propuesta es diametralmente opuesta: cada Runner que encuentras en el mapa es una amenaza, la confianza no se da, y morir significa perder todo el equipo que llevabas encima. La IA enemiga refuerza esa presión; los robots de la UESC flanquean, usan granadas e incluso imitan comportamientos humanos para mantenerte alerta. La tensión es constante, y eso, para quienes buscan exactamente eso, es adictivo.

La progresión a largo plazo se sostiene sobre contratos de facciones, un sistema de loot modular con armas altamente personalizables, y un lore que se va desvelando a través de entradas de códex y cinemáticas breves. Habrá que ver si este tipo de narrativa consigue convertirse en uno de los alicientes para mantener a la comunidad de jugadores enganchada.

Donde Marathon se le va la mano es en la interfaz. Los menús cargan con la misma identidad visual del juego —fuentes blocosas, colores agresivos, disposición heterodoxa— lo que resulta en una experiencia de usuario que bordea lo hostil, especialmente durante las primeras horas. Acceder a los contratos, gestionar el inventario o configurar el loadout requiere demasiados clics y demasiada paciencia.

A mí, personalmente, Marathon no me ha enamorado. Estoy muy a tope con Arc Raiders, y esta propuesta está en las antípodas de lo que busco ahora mismo, tanto en nivel de exigencia como en filosofía de juego. Eso no lo convierte en un mal juego, ni mucho menos. Es un shooter mecánicamente excepcional, con una identidad visual única y una profundidad que se revela con decenas de horas de juego. Pero si, como yo, disfrutas más de la tensión colaborativa que de la hostilidad estructurada, probablemente tampoco sea tu momento.

Si, en cambio, buscas un extraction shooter exigente, con un apartado visual que no se parece a nada, y con el sello de calidad de Bungie en cada disparo, Marathon quizá sea el juego que estés jugando.

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La temporada de spoilers está en su recta final y a una semana del lanzamiento oficial de la colección Wizards ha sacado la que es, sin duda, la mejor colección del año.

La reseved list sin imprimir la reserved list

Lo primero que tenemos que destacar, y que nos quedamos todos los jugadores un poco locos, fue como Wizards of the Coast, sin faltar a su palabra de reimprimir la reserved list, ha usado efectos de cartas de dicha lista añadiéndolos a una nueva mecánica: Preparado.

La nueva mecánica se basa en criaturas que tienen una segunda parte en forma de instantáneo o conjuro que podremos lanzar las veces que queramos siempre que la criatura este preparada.

Para preparar una criatura se deben cumplir condiciones especiales, pero hay otras criaturas solo están preparadas cuando entran en el campo de batalla. Wizards ha pensado en ello y nos ha dejado un regalito para esta últimas en forma de tierra.

Además de los hechizos de la Reserved list, Secrets of Strixhaven nos trae hechizos clásicos de cada color para rememorar viejos tiempos, aprovechando la nueva mecánica.

Vuelve el Mystical Archive

Creado en la anterior colección de Strixhaven, el Mystical Archive se trata de hechizos importantes dentro de la historia y lore de Magic que reciben un tratamiento especial.

Dentro de la universidad de Strixhaven este archivo recopila todos los hechizos del multiverso que se han lanzado y las cartas reflejan el primer momento en que se lanzó y en que colección o momento del lore de Magic.

Los artes son … INCREIBLES, no sé como definirlos porque no las palabras no hacen justicia a la calidad de los artes o el potencial de los propios hechizos.

Además no podemos olvidar que existe el Mystical archive Japonés donde los artes han sido adaptados al estilo nipón antiguo y que sinceramente, no sé con cual quedarme de lo bonitos que son.

No tardéis en reservarlo

Como siempre, esta colección contará con los productos habituales pero hay que hacer mención especial a los commanders, uno por cada casa de la universidad, que vienen cargados de reprints super valiosos y son de lo mejorcito visto hasta ahora.

Ojala pudiera poneros todas las cartas mostradas pero os recomiendo encarecidamente que os paséis por el spoiler oficial para verlas y disfrutarlas.

De momento os dejo unas cuantas cartas procedentes de la colección.

La entrada Se desvelan los Secretos de Strixhaven [Spoilers] aparece primero en Akihabara Blues.

Para empezar, es un evento, no un modo nuevo. Esto quiere decir que es comparable a la brutal colaboración de Captain Tsubasa (que tuvo una segunda entrega) o la no menos destacable celebración de su 30 aniversario, o sea que tiene fecha de caducidad.

Para seguir, está capadísima y parece más una versión simplificada al máximo de PC Fútbol que la Master League tal y como la recordamos. Y es que la mayoría de los partidos no se podrán jugar, sino que se simularán y se decidirán por un stat bautizado como Sinergía, que se calculará en base a parámetros como los stats de los jugadores, su motivación y su condición física. Pero vamos, que el resultado será aleatorio, y parece más algo como una tragaperras de bar que una simulación futbolística.

Pero lo peor de todo no es eso, aunque parezca mentira. Lo peor es que el número de partidos que podremos jugar está limitado, y tan solo podremos desbloquear más partidos esperando un buen rato para recargar un indicador bautizado como «Vidas», pero que más bien es de «Créditos», o pagando monedas. Como lo oyes.

Y es que Konami ha creado un modo que pegaría mucho más en los salones recreativos de Japón que en un juego de fútbol para jugar en casa, dada la falta de chicha y lo dramático a la hora de poder avanzar en la liga.

Yo personalmente he caído en la tentación y me he dejado más de 500 monedas (entre las que tenía ahorradas y las que he ido desbloqueando jugando al modo) porque la nostalgia me ha podido. Alinear de nuevo a Minanda, Castolo, Iouga y compañía es todo un chute de recuerdos mítico al que no me he podido resistir. Además, si avanzas lo suficiente, puedes conseguir a Castolo para tu equipo de eFootball online, lo que es un puntazo, no te lo voy a negar.

Así estoy, pasadas las 3 am, esperando que se vuelva a recargar una Vida para poder «jugar» (más bien simular) el último partido, con el que he completado una temporada completa. Pero, además de cansado, también estoy muy decepcionado. Porque me ha quedado claro que Konami, jugando esta carta en medio de su celebración de su «Billón» de descargas de eFootball, es muy consciente del cariño que se le tiene a la Master League en la comunidad. Y lo que han lanzado es una aberración que poco más que prostituye el nombre del modo y que hace dudar que se estén planteando seriamente invertir en recuperar el modo offline del que tan buenos recuerdos tenemos.

Por cierto, no te pierdas lo mejor de la celebración del Billón de descargas, un manga gratis que retrata qué pasaría si te mueres y te reencarnas en un jugador del Pro. Tan flipante como suena.

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Enfoque claro

Desde el inicio, el juego deja claro su enfoque. Estamos ante un shooter directo, sin demasiadas florituras modernas. Movimiento rápido, gestión de munición, hordas de enemigos y la necesidad de permanecer en movimiento, apostando por esa sensación de caos controlado donde sobrevivir depende más de reflejos que de estrategia.

El problema es que esa base, aunque sólida, no evoluciona demasiado. Las misiones terminan siendo repetitivas. Defender, avanzar, destruir… repetir. Y repetir. Y repetir. Es un juego que se disfruta en sesiones cortas, pero que pierde fuerza cuando intentas jugarlo de forma continuada.

De corta duración

A esto se suma que Starship Troopers: Ultimate Bug War tiene una duración bastante ajustada. La campaña principal puede completarse en unas pocas horas, y aunque se tiene la posibilidad de jugar como los insectos, este no logra aportar la profundidad necesaria para alargar la experiencia de forma significativa. Más bien al contrario, se siente como un elemento que intenta estirar el chicle.

Donde sí destaca es en su ambientación. El uso de escenas con actores reales y ese tono satírico heredado de la película le dan personalidad. Hay momentos en los que el juego recuerda por qué esta franquicia sigue teniendo relevancia, con ese humor militarista exagerado y ese aire de propaganda que funciona sorprendentemente bien.

El mayor problema que veo yo es que Helldivers II ha logrado tomar muchos de esos elementos y plasmarlos en un juego que se siente más como aquella película. La acción, el humor y el trabajo en equipo, mientras que este título se queda en aprovechar la nostalgia para lograr ventas.

Conclusiones

Starship Troopers: Ultimate Bug War es un juego correcto. Divertido por momentos, especialmente si conectas con su propuesta retro, pero también limitado. Se apoya demasiado en su licencia y en un género que, hoy por hoy, ya no sorprende por sí solo.

Es fácil imaginar una versión más ambiciosa de este juego. Una que aproveche mejor su universo, que arriesgue más (que de hecho ya existe) y que no se conforme con replicar fórmulas del pasado. Lo que tenemos aquí, en cambio, es una experiencia entretenida pero olvidable.

Ideal para fans de la saga o del boomer shooter. Para el resto, difícilmente pasará de ser otro título más en la lista.

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Evolución de la serie H: Qué cambia en la NZXT H5 Flow RGB

En este caso, la NZXT H5 Flow RGB es un rediseño de la H5 Flow de 2022, por si os encontráis en las tiendas los dos modelos. Es cierto que esto puede llevar a confusión y que, cuando busques información, leas cosas del anterior modelo, que tenía algunos problemas de refrigeración por el sistema inclinado que utilizaba para refrigerar las tarjetas gráficas. ¿Habrá corregido la versión de este año los problemas de su antecesora?

Gama media en precio, características sobresalientes

Por suerte, hablamos de chasis o cajas de PC de gama media, por lo que raramente van a superar la barrera de los 100-120 euros. Y por ese precio y tras las pruebas, tenemos que deciros que, si buscáis caja nueva, la NZXT H5 Flow RGB se puede adaptar muy bien a casi todos los montajes.

Uno de los mejores cambios que hemos visto a lo largo del tiempo con NZXT es ver cómo la caja sigue siendo igual de grande. No hay grandes cambios salvo en la estética exterior, pero en su interior se han ido ganando centímetros y comodidad. Hablando de la NZXT H5 Flow RGB, es compatible con todas las placas base ATX del mercado. Este modelo se sitúa en un punto medio: vale para montarte tu primer PC y también se ajusta si lo que quieres es montar algo TOP en cuanto a refrigeración y la posibilidad de montar GPUs de hasta 400mm.

Como tenemos más espacio interno podemos jugar con más posibilidades de refrigeración líquida. Es compatible con refrigeraciones de triple ventilación y, el problema que dijimos de la ventilación en diagonal para la tarjeta gráfica que incluía su hermana, se ha sustituido por un espacio para dos ventiladores de 120mm. De esta manera el sistema térmico de la caja es más eficiente y tiene un flujo de aire que recorre la caja desde el frontal y la parte inferior hasta salir por la parte trasera y la superior.

Características técnicas

• Dimensiones (L x An x Al): 43.0 x 22.5 x 46.5 cm
• Soporte de Placa Base: ATX, Micro-ATX, Mini-ITX
• Espacio para GPU: Hasta 400 mm
• Altura Cooler CPU: Máximo 165 mm
• Espacio para Fuente (PSU): 200 mm (con la caja de discos duros instalada)
• Ventiladores Incluidos: 3x 120mm RGB (Frontales)

Experiencia de montaje y gestión de cables en la NZXT H5 Flow RGB

Aquí es donde la H5 Flow RGB brilla de verdad. NZXT nos da 25 mm de espacio detrás de la placa base. Normalmente las otras cajas, incluso anteriores de la compañía que ya han pasado por el taller de AKB tenían solo 20 mm y la gestión de cables se hacía compleja. Estos 5 mm son la diferencia entre cerrar una carcasa a presión o hacerlo de forma simple y limpia.

Como en otras cajas, los canales para los cables están marcados en la parte trasera de la placa base. De esta manera, ponemos los cables en su sitio y utilizamos las bridas de velcro que vienen incluidas para dejar todo ordenado. Cada 50 mm se han añadido puntos de anclaje para que todo vaya a la perfección. Por ejemplo, si tenemos una fuente de alimentación que no es modular, todos los cables van a ir por la parte trasera sin abultamientos y cerrará perfectamente.

El controlador RGB está en la parte trasera de la placa base. Los tres ventiladores se conectan al concentrador y este a la placa base con un cabezal de 3 pines y un alimentador SATA. Este es otro de los elementos que NZXT ha integrado para hacernos la vida más sencilla, ¿para qué necesitamos tres conectores de alimentación si con uno solo funciona? Si tuviésemos que ponerle un pero al sistema de montaje, se lo pondríamos al sistema de anclaje de discos duros que requiere de tornillos. Incluir un sistema sin tornillos de clic hubiese sido más cómodo.

Compatibilidad, el espacio real

Aquí es donde los chasis demuestran si son realmente útiles o un simple producto de marketing. Sin tener estos productos a mano, pero con las medidas aproximadas de estos, en la
H5 Flow RGB estos serían los topes por categoría:

• GPU: nos entraría una GPU de hasta 400 mm. La ZOTAC GeForce RTX 4090 PGF es la más grande del mercado a día de hoy con sus 381 mm, por lo que nos queda espacio.
• Refrigeración: normalmente la gente utiliza refrigeraciones all in one, como esta que analizamos de NZXT hace unos meses, por lo que el tope lo pondría la NOCTUA NH-D15. Esta refrigeración se pone al límite y haría incluso complicado cerrar la caja con sus 165 mm.
• Ventilación superior: cualquier ventilación de 240/280 mm entrará sin problemas.
• Fuente de alimentación: con espacio de sobra para cualquier fuente de alimentación del mercado, modular o no.

Conclusiones

Tras nuestras pruebas, la NZXT H5 FLOW RGB se gana el puesto como una de las mejores alternativas dentro de la gama media de cajas gaming. NZXT ha equilibrado mucho su estética con los sistemas de refrigeración y flujos de aire que necesitan las GPUs modernas.

El controlador integrado RGB, el espacio trasero de 25 mm y su enorme espacio interior hacen que montar cualquier equipo en esta caja sea sencillo y rápido. Como os decimos, es compatible con todo el abanico de GPUs y solo tendremos problema con los ventiladores de torre más grandes.

En definitiva, si quieres un flujo de aire excelente, una iluminación RGB integrada y un espacio interior que rivaliza con las cajas de gama alta, la NZXT H5 FLOW RGB es tu elección. Vas a disfrutar ensamblando tu equipo.

Nota: 85

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El resultado es muy refrescante, pues el lore de The Witcher permite a Reigns revitalizarse, beneficiándose de su universo de personajes y situaciones. Para quien no conozca la saga, Reigns es una serie de juegos de gestión de decisiones en formato de cartas en las que el jugador debe mantener el equilibrio entre distintos poderes o facciones deslizando las cartas hacia la izquierda o la derecha, cada movimiento representando una elección que tiene consecuencias sobre cuatro indicadores. Cuando cualquiera de ellos llega al límite o se vacía por completo, la partida termina. Una fórmula sencilla pero enormemente adictiva que, entrega tras entrega, ha ido encontrando nuevos contextos temáticos en los que instalarse.

Brujos, magos y no humanos: el lore al servicio de la fórmula

A mí Reigns: The Witcher me ha mantenido atrapado durante unas cuantas horas, mientras su fórmula de juego se iba desplegando. El universo de Geralt de Rivia encaja con sorprendente naturalidad en el molde de Reigns: los dilemas morales ambiguos, las facciones en conflicto permanente y el catálogo de personajes icónicos —Yennefer, Triss, Dandelion, Ciri— se prestan de maravilla a la mecánica de las cartas. Cada encuentro es como un chupito con sabor del mundo de Andrzej Sapkowski.

El equilibrio que lo lastra

Llega un momento, eso sí, en el que el factor de la novedad se va diluyendo, y la sensación de progreso continuo se va matizando cada vez más, hasta que las nuevas bifurcaciones se convierten en caminos cada vez más complicados de recorrer sin llevar al límite alguno de los cuatro niveles que determinarán el fin de la partida: afinidad con humanos, afinidad con no humanos, afinidad con magos y afinidad al camino de un brujo.

Ese equilibrio, a pesar de ser el epicentro de la fórmula Reigns, acaba lastrando la experiencia de The Witcher, porque elimina el libre albedrío y convierte las partidas en una partida de póker en la que tienes que balancear tus decisiones basándote en el estado actual de tus indicadores y no tanto en las situaciones individuales que te vas encontrando. Una decisión que haga llevar al límite o que acabe de vaciar uno de los niveles supondrá un game over inmediato, lo que a menudo choca frontalmente con la lógica narrativa del momento.

Veredicto

Pero eso no quita que las primeras horas con Reigns: The Witcher hayan sido tremendamente divertidas y adictivas, lo que no es un logro menor para Reigns, una saga con ya muchos títulos a sus espaldas. Una colaboración interesante sin duda, cuyo atractivo dura lo suficiente como para considerarla bastante más que una anécdota.

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