Bien qu’il ne s’agisse absolument pas d’un Pixar majeur, Jumpers s’avère de bonne facture et tout à fait honnête sur ce que promettait ses trop rares trailers. Il a beau être avare en terme d’originalité dans son écriture ou dans ses thématiques, Jumpers n’en demeure pas moins très efficace et surtout drôle. On rit souvent, on est parfois ému, et l’ensemble se laisse suivre sans déplaisir, notamment grâce à une dimension visuelle toujours aussi réussie dans les films Pixar. La roche, l’eau et bien sûre la fourrure, les écailles et autres plumes, sont parfaitement rendus ici.

Toutefois il faut aussi reconnaître au film de rester un peu plus faible en terme de récit. Non pas que cela ne fonctionne pas, mais disons qu’il n’y a pas vraiment de second niveau de lecture. Jumpers est donc un brin trop simple, mais il demeure très efficace et va droit au but. Son héroïne est attachante, tout comme les boules de poils qui l’accompagnent. A cela on ajoutera une bonne dose de folie qui vient faire quelques clins d’œil à d’autres grosses productions, et on obtient un film familial idéal et honnête quant à ses intentions.

Je retiendrais cette belle séquence d’échange intergénérationnel au début du film, et cette héroïne plus profonde qu’elle en l’air sous sa tignasse et son hyperactivité. Espérons que Jumpers trouvera son public, car même si Pixar ne livre pas ici l’un de ses films les plus emblématiques, le studio a encore des choses à dire.

« Ce monde est tellement plus profond qu’on ne l’imagine. »

Sam Worthington – « Avatar: De Feu et de Cendres » de James Cameron (2025)

Alors qu’une dizaine d’années d’attente avait été nécessaire pour enfin pouvoir découvrir La Voie de l’eau en 2022, James Cameron revient en cette fin d’année 2025, avec De Feu et de Cendres. Le troisième volet narrant l’histoire de la famille Sully sur la sublime Pandora, était évidemment le film de tous les défis.

Il va sans dire qu’en terme de narration pure, le scénario resserre d’un cran sa prise autour des personnages majeurs, de ce qui forme aujourd’hui une saga à part entière dans l’histoire du cinéma. Si Jake et Neytiri sont bien entendu toujours au cœur du récit, leur ennemi juré, Quaritch, toujours recombiné ici dans un corps d’avatar, prend une dimension neuve et bienvenue. L’écriture jouant habilement en miroir entre Jake et Quaritch, pour leur donner plus de profondeur et progressivement nous amener à ce qui s’apparente à la conclusion de leurs arcs narratifs respectifs.

L’un ayant embrassé sa nouvelle vie sur Pandora, comprenant toute la complexité et la profondeur de ce monde, là où l’autre, même lorsqu’il en a le choix, est incapable de laisser derrière lui sa haine. Une haine désormais utilisée par la RDA pour s’étendre toujours plus sur Pandora, comme l’avait déjà montré le film précédant. L’opposition classique, mais efficace, entre la nature, harmonieuse, organique et pleine de vie, et le désir de contrôle, l’avidité, et la violence froide d’une civilisation qui n’a d’autre objectif que de coloniser sans s’interroger sur le poids de ses erreurs passées et sur celles à venir.

Pandora est ici un personnage à part, où les êtres qui la peuplent sont connectés les uns aux autres, où le champs des possibles s’ouvre pour quiconque décide de la protéger au lieu de l’exploiter. Le film de James Cameron, à l’instar des deux autres volets, est au-delà de son récit familial, une ode écologique. Ce qui est tout à son honneur, tant cette dimension universelle s’imbrique parfaitement dans les autres intrigues liées aux personnages. A ce titre, les personnages de Kiri et Spider sont les meilleurs exemples pour illustrer cet aspect du scénario, tous deux des enfants de Pandora.

En plaçant toujours Eywa, la Grande Mère, non pas comme un enjeu, mais comme une voie naturelle dans la caractérisation des personnage et du monde dans lequel ils évoluent, Cameron explore plus que jamais la dimension mythologique de son œuvre, en sublimant l’ensemble grâce à une mise en scène à l’envergure démesurée.

Entre ses thématiques fortes sur la famille, la rédemption, la transmission, le pouvoir et la vengeance, ce troisième opus laisse exploser le potentiel de chacun de ses personnages, connus ou nouveaux. L’addition de Varang, la tsahik des Mangwan, le redoutable clan des cendres, est bien sûr l’un des éléments forts du film. Une manière simple mais efficace de montrer que Pandora a aussi sa part d’ombre, d’autant plus qu’ici, Oona Chaplin incarne Varang avec brio, lui conférant une aura inquiétante et imprévisible, ce qui renforce sa dimension dangereuse, surtout lorsqu’elle interagit de concert avec Quaritch.

C’est aussi là une autre bonne idée du film, la présence de Varang, renforçant la psychologie de Quaritch, le rendant moins binaire mais plus redoutable, comme si Varang révélait chez lui une facette propre à son nouveau corps, naturellement plus en phase avec Pandora, mais dans des intentions bien moins respectables. La nature est belle sur Pandora, mais elle peut aussi s’avérer dangereuse si l’on cherche à la manipuler ou la trahir.

De Feu et de Cendres est beau, c’est un fait indéniable, même si cela n’est pas un adjectif suffisant, tant le film ne souffre ni de sa durée ni de ses ambitions spectaculaires. Rien n’est de trop dans le montage, pas une image, pas une séquence, tant la densité de l’oeuvre est grande. C’est d’ailleurs somme toute, assez logique, entre la multitude de personnages et d’enjeux qui les entourent.

Bien que selon moi, le film soit moins onirique que son prédécesseur, il n’en demeure pas moins saisissant sans être un vulgaire best of de ses deux aînés. Ce troisième volet est la continuité directe du second, les deux films ayant été tournés en même temps. Il est d’ailleurs assez drôle de voir à quel point les mise en scènes de La Voie de l’eau et De Feu et de Cendres se répondent, également sur le découpage. Les deux films convoquant chacun d’eux, l’épique et le superbe à leur manière. L’un plus poétique et contemplatif, tandis que l’autre tend à être plus frontal, plus énervé, sans jamais tomber bêtement dans un désir d’être avant tout efficace.

Mais là où James Cameron s’avère le plus généreux, le plus touchant aussi, c’est quant il montre à quel point il aime ses personnages. Impossible donc de faire ici, l’impasse sur Neytiri, toujours campée par l’incroyable Zoe Saldaña. L’ancienne tsahik des Omaticaya de la forêt, est sûrement le personnage qui évolue le plus. Cameron a toujours aimé les personnages féminins forts, et il le montre à nouveau ici. Neytiri se bat contre son chagrin, contre ses préjugés, elle se bat surtout pour ce en quoi elle croit, ce en quoi elle a foi. Son peuple, son monde, sa famille.

C’est par le biais de Neytiri, selon moi, que le film ancre ici son univers dans quelque chose de tangible, qui fait sens et corps. Même si cela ne passe que par des détails, comme des interactions entre les personnages, les scènes entre Neytiri et Ronal, la tsahik des Metkayina sont savoureuses. Ce sont les petites choses qui font les grandes œuvres, et De Feu et de Cendres foisonne de petits détails qui pèsent et font la différence.

Avatar – De Feu et de Cendres est donc réussi, du moins en ce qui me concerne. Que le film fonctionne au box office ou pas, la trilogie trouve ici une conclusion qui se révèle satisfaisante. Néanmoins un univers comme celui-ci regorge d’un potentiel qu’il serait intéressant de découvrir un peu plus. Mais quoi qu’il en soit, difficile de bouder son plaisir devant cette grande fresque épique, sa dimension visuelle incroyable, sa créativité. Merci James Cameron, merci de nous avoir offert Pandora, sa faune et sa flore enchanteresse, et ses Na’vis. Oel ngati kameie James.

« On remet la sauce ! »

Michael Keaton – « Beetlejuice Beetlejuice » de Tim Burton (2024)

Préambule :

(Pour la critique du film, il faudra sauter ce premier paragraphe si cela ne vous intéresse pas.)

Voilà près d’une année que je n’ai plus écrit un billet, que ce soit ici ou ailleurs. Pas l’envie, pas l’inspiration, seulement ce vide où les mots sombrent et seules restent les idées. A vrai dire je ne pensais pas revenir écrire pour le dernier film de Tim Burton. Oh non pas que je n’étais pas curieux de découvrir cette suite au cultissime Beetlejuice, non, mais concernant la plupart des films pour lesquels ma torpeur actuelle a bien voulue, à de rares occasions se faire moins présente, ils n’étaient pas transcendants. J’ai donc bêtement pensé que ce film serait une suite sans grande ambition. Ce n’est pas que je n’aime plus écrire, bien au contraire car j’aime encore débattre et échanger sur les oeuvres que je découvre. Non c’est tout simplement que parfois les mots me font faux bond, et cela est devenu une habitude depuis bientôt quatre années. Partagé entre l’envie de revoir ce que j’ai déjà vu et un intérêt amoindri pour ce qu’il me serait possible de découvrir. Je ne sais pas encore en écrivant ces premières lignes si je vais revenir plus régulièrement à l’écrit, ni même si cette critique sera longue ou courte. J’ai un temps pensé à écrire sur des formats plus courts, je verrais bien. L’important est peut-être en fin de compte de se lancer et de voir …

En 1988 Tim Burton, n’ayant à son actif que deux court-métrages et un premier film, nous embarquait dans son univers singulier et déjanté. La mort, l’humour, l’absurde et des gens vivants ou non, un peu paumés au milieu de tout cela. Le revoilà trente-six ans plus tard, armé de la même énergie et de la même folie. Pour mon plus grand plaisir.

Je ne m’en suis jamais caché : j’adore le cinéma de Tim Burton. Ceux qui me lisent le savent, mes proches le savent, j’ai l’intime conviction que même mon chat l’a compris et de toute façon mon avatar en ligne en témoigne. J’aime cette vision, ce style, cette patte à la fois tendre et noire, douce et piquante. Cet humour absurde, à la limite du ridicule parfois, et cet amour pour les marginaux, les freaks et les laissés pour compte. J’aime le cinéma de Burton pour ce qu’il incarne, ce qu’il inspire, ce QU’IL m’inspire et ce qu’il m’évoque chez moi. C’est bête à dire mais je me sens bien plus proche d’un personnage comme Edward par exemple que de la boulangère au coin de la rue, et c’est en partie grâce aux films de Burton que j’ai accepté ce fait. Chacun est unique, singulier, parfois repoussant ou effrayant pour l’autre, mais c’est ainsi et c’est surtout tant mieux. Quand je vois un film de Burton, c’est comme si cette petite voix qui tente sans cesse de me raisonner ou de me faire penser au pire, se décidait pour une fois à me dire « Bon alors écoute : oui tu es sûrement un peu bizarre parfois et c’est OK. »

Avec Beetlejuice Beetlejuice cette maxime prend à nouveau tout son sens. Puisqu’ici même les morts restent uniques. Ils sont tous décédés de manière différente, ils ont tous fait des choix, et cela les caractérise encore. Le scénario, même s’il demeure somme toute classique, bien que très efficace, s’évertue à mettre en avant le fait que même dans la mort, cette inéluctable et ultime étape qu’il nous faudra tous franchir un jour, les gens sont ce qu’ils sont. On devient quelqu’un et on garde ça en soi apparemment. Pourquoi pas ? Après tout cet au-delà tel qu’il est présenté ici serait bien moins fun sinon, non ?

En terme de cinéma ça donne quoi ? Et bien un film assez redoutable en terme d’humour je dois dire et surtout cette impression très agréable qu’il ne s’agit pas simplement d’une suite pour une suite. Certes le film use des codes qui ont fait toute la saveur du premier opus, mais ce n’est jamais vraiment un soucis, puisqu’il s’agit plus ici de rappeler un univers et un style particulier plutôt que de refaire la même histoire. Aussi pourra-t-on dire, et bien que cela soit en vérité assez surprenant à constater : Beetlejuice Beetlejuice est une bonne suite. Pas une redit, pas un remake ni même une suite facile, c’est juste une bonne suite qui se laisse apprécier à sa juste valeur. Avec trente-six ans de plus dans le buffet, Burton garde son énergie pour servir un film inspiré, peut-être même son plus inspirant depuis sa version animée de Frankenweenie en 2012.

Danny Elfman est évidemment de la partie lui aussi pour accompagner la mise en scène et les divers gimmicks et ressorts propres à cet univers. Sa partition est d’ailleurs très convaincante, comme souvent. Elle vient à la fois rappeler l’oeuvre d’origine pour mieux l’ancrer dans cette nouvelle ère. Le ton du film est quant à lui étonnant parfois, comme si Burton ne se retenait pas et c’est tant mieux. Je me souviens que le premier film s’amusait parfois avec le politiquement correct, (on parlait quand même de marier un démon de six cent balais à une gamine de quatorze ans hein …), mais ici j’ai trouvé l’humour parfois plus noir et surtout accompagné d’une dimension visuelle plus graphique. Cette séquence de rafistolage, voir même de réassemblage avec Delores par exemple, ou bien la présence plus pregnante du sang à l’écran notamment avec tout ce délire autour de l’affreux bébé. Difficile d’en dire plus sans spoiler, mais j’ai trouvé le film plus gore dans un sens. Attention rien de vraiment sale non plus, mais le ton est à mon humble avis, un poil plus sombre et délirant.

On retrouve avec plaisir Winona Ryder et Catherine O’Hara, ainsi que bien entendu le génial Michael Keaton qui reprend son personnage de démon farceur comme s’il l’avait quitté la veille. J’exagère peut-être un peu, l’acteur a lui aussi trente-six ans de plus, mais il s’amuse visiblement et cela transpire à l’écran, pour le plus grand bonheur du public assurément. Mais il y a aussi des petits nouveaux, et notamment Jenna Ortega qui a déjà joué pour Burton dans la série Mercredi pour la plateforme au N rouge. L’actrice s’en sort très bien, même si j’avoue que je commence peut-être à me lasser de la voir jouer la même chose régulièrement. Bien que ce constat soit surtout en lien avec des rôles précis et pas le talent de l’actrice qui lui est indéniable. Mais les ados ou jeunes adultes aux traits fermés et à l’humeur blasée pourront vite devenir redondant au bout d’un moment. Je demeure néanmoins curieux de la voir s’illustrer dans autre chose. Willem Dafoe et Justin Theroux quant à eux incarnent de nouveaux personnages, un ancien acteur connu pour avoir joué un flic pour le premier, et un opportuniste un brin cringe et délicieusement loser pour le second. La divine Monica Bellucci quant à elle, semble s’amuser, bien qu’elle soit je trouve sous-exploitée.

Alors quels sont les points plus faiblards au final ? L’écriture peut-être, qui bien qu’efficace et tout à fait suffisante pour cette suite, tend parfois à donner l’impression que certains arcs narratifs s’arrêtent brusquement, celui sur Astrid et Jeremy en est un bon exemple. En revanche je pense que le point le moins réussi du film, et cela me désole, est indéniablement celui sur Delores incarnée par Monica Bellucci. Le personnage n’a une utilité que très mineure, et bien que l’actrice s’en sorte correctement, elle n’a pas grand chose à jouer de plus que cet archétype de veuve noire. Pour être tout à fait franc, je me suis fait la réflexion en quittant mon siège, qu’elle était là parce que Burton voulait faire jouer sa compagne dans son film.

Je pense avoir fait le tour sur ce Beetlejuice Beetlejuice. Le film est imparfait c’est vrai, mais il n’en demeure pas moins sympathique et a surtout pour lui cet avantage indéniable de ne pas être qu’une suite pour une suite. Un Burton qui fait majoritairement plus de bien au moral qu’autre chose et ce n’est déjà pas si mal je trouve.

La vie n’est que souffrance pour les habitants de la colonie minière de Jackson’s Star, auxquels la société Weyland Yutani fait miroiter un espoir d’évasion qui n’est jamais accompli. Qu’à cela ne tienne : des jeunes humains, accompagnés d’un androïde, décident d’aller piller un vaisseau à la dérive, afin de préparer leur propre départ. Toutefois, ils sont loin d’imaginer ce qui se trouve à bord du vaisseau, rempli des créatures cauchemardesques ayant décimé l’ancien équipage du Nostromo…

L’analyse contient quelques spoilers.

Les derniers films de la saga ALIEN, à savoir PROMETHEUS et COVENANT, ont témoigné de la volonté de Ridley Scott de plaquer ses récentes obsessions à une série de films d’horreur SF populaires. Ceci passant par des interrogations pseudo-philosophiques sur l’origine de l’humanité, une misanthropie particulièrement revancharde, ou encore un mépris assumé de la communauté scientifique qu’il a su assumer par ailleurs dans quelques interviews (on peut, par exemple, renvoyer à son propos lors de la promotion de NAPOLEON, niant la légitimité des historiens pour présenter des faits qu’ils n’étaient pas là à l’époque pour observer). En sont ressortis deux films trouvant certes  leurs défenseurs dans la communauté cinéphile (en particulier pour les qualités plastiques du cinéma de Scott ou pour son nihilisme jugé rafraichissant), mais qui ont globalement reçu un accueil soit mitigé, soit très négatif pour le dernier opus. 

Après avoir avorté la version de Neil Blomkamp (DISTRICT 9), Scott laisse donc ici la place à Fede Alvarez, connu pour son apport déjà important dans le cinéma d’horreur, en particulier réalisateur de l’excellent faux-remake d’EVIL DEAD, ou encore de DON’T BREATHE. Loin d’être une coquille vide faite de clins d’œil nostalgiques (sur lesquels on reviendra), le film est pétri et habité par la conscience sociale de son réalisateur. Jamais dans la saga n’a-t-on accordé une place au portrait des personnages principaux et à leur place dans la société, à l’exception peut être des marginaux habitant la colonie pénitentiaire de Fiorina 161 dans le troisième volet. ALVAREZ prend donc l’exact contrepied de PROMETHEUS et COVENANT, délaissant les interrogations métaphoriques sur l’origine de l’humanité pour se pencher sur les aspects concrets de cette humanité : les protagonistes de ROMULUS se trouvent sur le lieu des horreurs parce qu’ils ont préalablement souhaité échapper à leur condition misérable de quasi-esclavage, en trouvant un monde meilleur. Il s’agit donc de réfugiés économiques, qui rencontrent des dangers mortels lors de leur fuite : la métaphore est évidente et n’est qu’une des très nombreuses questions sociales qui parcourent le film (par exemple, la place du robot humanoïde subissant une forme de racisme de la part des personnages humains, allant de la condescendance à l’agression physique). 

Au-delà des questions brûlantes et particulièrement actuelles posées par le film, celui-ci appartient bien évidemment à un ensemble artistico-commercial établi, dont il faut toucher un mot puisqu’une des critiques opposées au film d’Alvarez tient à la profusion de références aux films précédents. Il est vrai que ROMULUS va bien au-delà de son postulat d’origine, à savoir une suite directe au premier film de la franchise : l’ensemble des opus, d’ALIEN à COVENANT, sont effectivement cités par le film. Au-delà de l’intérêt commercial évident qu’il y a à brosser le fan dans le sens du poil, allons un peu plus loin en supposant que le réalisateur d’EVIL DEAD sait ne pas se limiter à des contraintes de ce type. En effet, Alvarez ne se contente pas de placer quelques gourmandises pour que le fan puisse gentiment se laisser endormir : chacune des références proposées par le film a une signification et un impact durable dans la mythologie. Il en va ainsi des quelques notes du score de PROMETHEUS distillées dans le film (évoquant à soi seul la thématique de l’affrontement entre sauvegarde de l’humanité actuelle et création d’une humanité évoluée), ou encore du retour du personnage incarné par Ian Holm (qui permet de faire la distinction entre l’androïde ancien et moderne, le dernier étant beaucoup plus proche de l’humain et plus à même de protéger ce dernier). Il ne s’agit pas de facilités ou de manque d’imagination, mais d’une inscription cohérente sur le fond et la forme dans un univers qui dépasse largement le seul cadre de ROMULUS. 

Ceci est démontré d’autant plus que le film regorge de séquences inventives et originales, et est donc loin de n’être fait que de références abstraites. Certaines idées, c’est d’ailleurs la force du cinéma d’Alvarez, sont absolument répugnantes : l’action précise du parasite créant l’alien en faisant ingérer un tube phallique à l’humain fait partie de ces images qui restent gravées sous la paupière du spectateur bien après le visionnage. Au contraire, certaines idées sont quasi-poétiques, comme lorsque qu’un champ gravitationnel, découvert au début du film, fait office de fusil de Tchekhov (NB : procédé narratif consistant en l’évocation au début d’une oeuvre d’un outil qui sera utile à la fin), lorsqu’il est, bien plus tard, utilisé pour que le sang acide des créatures ne percute pas le sol de la station. En plus d’être riche d’un point de vue thématique, ROMULUS est donc particulièrement satisfaisant sur la forme, faisant le choix d’un univers visuel poisseux et sombre, où l’on devine les formes et les horreurs plutôt que de les montrer en gros plan surexposé. 

ALIEN ROMULUS est donc bien plus qu’une relecture nostalgique de la saga : il s’agit d’une œuvre originale qui n’appartient qu’à elle-même, sans pour autant se priver du bagage culturel solide à sa disposition. C’est, au fond, une autre différence entre Alvarez et Scott : ce n’est pas la destruction qui est, ici, créatrice de sens, mais bien la réparation et la projection vers l’avenir : à nouveau, donc, s’opposent donc ici l’humanisme et la misanthropie. 

Le sommaire de l’émission :

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• Le thème – Les films à réhabiliter
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• Le Jeu – Dans quoi t’a joué ?
• Le thème – Présentation de films d’Halloween qui méritent plus d’attentions
• Les Minutes Nerd

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D’étrangeté à événement, Barbie aura été beaucoup de choses, et les hauteurs stratosphériques actuelles atteintes par le film auront rapidement eu l’effet d’un repoussoir pour beaucoup, loin des nuances. Pour autant, l’objet et l’autrice qui le porte méritent discussion, à ne pas ranger trop hâtivement dans la simple catégorie du bonbon pop inoffensif.

L’un des petits miracles des corpulentes productions hollywoodiennes reste la force et la portée de leurs chevaux de Troie, et en cela Barbie deviendra à n’en pas douter un cas d’école. Chacun placera le curseur de son appréciation du coup porté au patriarcat par la réalisatrice là où bon lui semblera, mais la sincérité qui émane du long-métrage est à mon sens unique.

Il suffit d’une larme coulant sur la joue de Barbie, et une somptueuse séquence de contemplation de tous les instants d’humanité pouvant être glanés dans un parc, pour que l’oeuvre explose les barrières du genre. Une exhortation à respirer et saisir toute notre simplicité et complexité, loin du tumulte occupant une grande partie de la production actuelle. Hollywood n’avait peut-être pas disséminé un si grand instant de vérité aussi poignant et doux-amer que depuis la scène du cri de Furiosa dans le chef-d’oeuvre de George Miller, Mad Max : Fury Road, sorti en 2015.

Le film de Greta Gerwig est un spectacle complet, une merveille pour les yeux diablement référencée auprès des plus grands magiciens ayant porté le septième art à son meilleur, de Jacques Tati à Jacques Demy. On pourra regretter la légère perte en subtilité qui jalonnait les précédentes pièces de la créatrice, ses Little Women ayant été brillamment réinventées en 2019 et son Lady Bird était l’un des coming-of-age les plus justes de ces dernières années. Pour autant, le film est une bulle d’authenticité dans l’amour que porte l’interprète principale – Margot Robbie, au sommet de tout – et sa metteuse en scène pour le voyage initiatique de leur héroïne en plastique. Une oeuvre qui promeut, avant toute chose, l’humain, au-delà des courses à la démarcation créatrice et compétitive, simplement une ode à la jouissance de la vie, à la puissance d’un souffle, d’une larme, d’une étreinte. Barbie est un film fascinant dans ce qu’il incarne, promesse certaine d’un changement. L’histoire du futur très proche d’Hollywood verra quelles leçons en auront été tirées. 

]]> https://moviesnerd.net/critique-de-barbie-par-quentin-penel/feed/ 0 9662 https://moviesnerd.net/critique-de-elementaire-par-e-stark/ https://moviesnerd.net/critique-de-elementaire-par-e-stark/#respond Wed, 21 Jun 2023 22:09:42 +0000 https://moviesnerd.net/?p=9644

« J’ai essayé d’être à la hauteur,

sans me demander qui j’étais vraiment. »

Adèle Exarchopoulos, la voix française de Flam. – « Elemental » de Peter Sohn (2023)

Les Pixar au cinéma sont assez rares ces temps-ci pour faire l’impasse sur celui-ci, à vrai dire après le flop de Buzz l’Eclair l’année passée (pourtant très sympathique) il est plus que réjouissant de constater que Disney n’hésite pas sortir le dernier rejeton de Pixar au cinéma plutôt que sur sa plateforme. Bien que cela semble mal parti pour l’instant et c’est bien dommage …

Elémentaire ne manque pourtant pas d’atouts avec son univers original, cohérent et ultra créatif, qui n’est pas sans rappeler l’excellent Zootopie sorti en 2017. Comme toujours chez Pixar la plastique est au service d’une histoire impactante et Elémentaire ne déroge pas à la règle. Bien que le scénario soit assez classique dans ses grands axes, il n’en demeure pas moins bien écrit et efficace. L’héritage familial est une thématique chère à Pixar, le studio s’y est déjà illustré plusieurs fois comme dans le merveilleux Coco par exemple, ou bien de manière moins impactantes c’est vrai dans Le Voyage d’Arlo, déjà réalisé par Peter Sohn. Ici le film reste assez classique dans sa manière d’aborder cela, mais il y insuffle une belle émotion et un beau message sur l’identité.

Mais là où pour ma part le film s’avère le plus rafraîchissant c’est parce qu’il aborde aussi l’amour. Certes une thématique simple pour ne pas dire bateau mais que le studio n’avait finalement pas abordé depuis longtemps. De mémoire le studio ne l’a fait qu’à de rares occasions plus ou moins réussies comme dans Cars, mais aussi magistralement dans Wall-E. Mais contre toute attente ici, c’est bien cette histoire d’amour qui apporte une vraie dimension supplémentaire au long-métrage, là où elle n’aurait pu être qu’un élément satellite sans grande saveur. Heureusement il n’en n’est rien, au contraire cela vient renforcer les autres thématiques sur l’identité et l’acceptation de l’autre.

On pourra bien reprocher a Pixar de toujours marteler un peu le même message. Mais force est de constater qu’aux vues des mentalités de certains , il reste encore du travail à faire. Quoi qu’il en soit Elémentaire sans être un Pixar majeur réussi tout de même ce qu’il entreprend de faire. Le film est beau, divertissant, souvent drôle et juste.

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• Le Jeu – Le jeu des Taglines
• Le thème – L’émotion est-elle un critère de qualité d’un film
• Les Minutes Nerd

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« Voici donc les diables que je dois gronder ! »

Louis Garrel dans le rôle de Louis XIII – « Les Trois Mousquetaires – D’Artagnan » de Martin Bourboulon (2023)

Une grande fresque épique à la française par le réalisateur de Eiffel et qui adapte le roman d’Alexandre Dumas, sur le papier c’est assez réjouissant, avec la pointe de doute qui subsiste malgré tout …

Au visionnage du film on se rend pourtant bien compte que Les Trois Mousquetaires – D’Artagnan qu’il s’agit là d’un projet ambitieux auquel on a accordé suffisamment de moyens pour permettre à son réalisateur d’aller au bout de ses idées. Certes en soi adapter le roman culte de Dumas n’a rien de très original, et le film n’est pas non plus la production la plus originale qui soit. Cependant il faut bien reconnaître que l’ensemble tient la route et que le long-métrage ne manque jamais d’atouts quand il s’agit de s’imposer comme un grand film d’action-aventure populaire.

On notera ainsi un casting impeccable où chacun trouve sa place grâce à des personnages suffisamment ciselés, car bien connus du public certes, mais quelle joie de voir que toutes les têtes d’affiche ont chacune leur moment dans le film. François Civil est d’ailleurs impeccable, tout comme Eva Green. Mention spéciale aussi à Vincent Cassel et Louis Garrel, tout à fait remarquables l’un comme l’autre. Romain Duris et Pio Marmaï ne sont pas à oublier non plus, bien que légèrement plus en retrait, mais ils n’ont clairement pas à rougir loin de là.

A cela il faut aussi souligner un soin tout particulier apporté aux divers décors et costumes, tout comme c’était le cas dans le précédent film de Bourboulon, à la différence qu’ici le film n’est pas juste qu’un beau film en costumes comme pouvait l’être Eiffel. La photographie est soignée, un peu trop jaunâtre ou en tout cas nuancée pour certains, pour ma part elle ne me gêne absolument pas et rajoute même un certain cachet. Le principal bémol que je retire du film concerne une partie de sa mise en scène. Si cette dernière est en effet de bonne facture, la caméra à l’épaule pour les séquences de combat ne rend pas forcément grâce aux chorégraphies pourtant très réussies du film.

En somme Les Trois Mousquetaires – D’Artagnan est donc un film ô combien réjouissant dans notre horizon cinématographique hexagonal. Les multiples producteurs qui ouvrent le film témoignent certes toujours d’une certaine frilosité à l’égard des films à gros budget sur notre territoire mais nous sommes sur la bonne voie. Vivement la suite en fin d’année avec la vénéneuse Eva Green dont la Milady ne manquera sûrement pas de faire mouche elle aussi.

« La voie de l’eau relie toute chose, de la naissance et après la mort. »

Britain Dalton – « Avatar : La Voie de l’eau » de James Cameron (2022)

Il aura donc fallu plus d’une décennie à James Cameron pour narrer la suite des aventures de Jake Sully et Neytiri. Quatorze ans d’attente pour retourner enfin sur Pandora, revoir ses autochtones et sa faune merveilleuse. Cameron où l’art de remettre les pendules à l’heure tous les dix ans.

J’avais pour ma part été parfaitement enchanté et transporté par Avatar en 2009, le film m’avait instantanément conquis. Bien qu’il ne fut pas forcément de bon ton à l’époque d’encenser le film pour ce qu’il était, jugé trop basique concernant son écriture, et simplement un déluge d’effets spéciaux réussis. Je n’ai jamais été totalement d’accord avec cela. Réduire Avatar à son seul scénario est à mon sens un peu bête. Ce second volet souffre évidemment de la même réputation, quatorze ans après, les gens ne changent pas. Bref !

La Voie de l’eau est une merveille, au temps le dire d’emblée mais c’est vrai, de toute façon on ne reverra pas un film comme celui-ci avant le prochain. Cela étant, et bien que je puisse affirmer après deux visionnages au cinéma (en 3D HFR pour ceux que ça intéressent) que je préfère cette suite au premier, le film est aussi la porte ouverte à un troisième volet qui sera soit génial soit décevant. Je m’explique : si La Voie de l’eau ne brille en effet pas par l’originalité de son scénario, il n’en demeure pas moins que ce dernier s’avère efficace et logique. Ce script, aussi simple soit-il donc, pose les bases nouvelles d’une grande histoire qui pourrait s’étoffer dans les trois films suivants afin d’amener des thématiques intéressantes. Pour l’instant en effet il ne s’agit que d’une histoire de vengeance, celle de Quarritch, et une histoire familiale, celle de Jake et Neytiri. Espérons que cette intrigue sera résolue pour mettre en place des choses plus universelles.

Mais comme pour le premier volet, c’est ce qui gravite et par conséquent vise à justifier ces histoires, qui impacte vraiment en terme de thématique. Car bien que Cameron s’en soit défendu durant la promotion du film en fin d’année 2022, La Voie de l’eau est belle et bien une oeuvre écologique, plus que jamais en phase avec l’état actuel des choses dans nos sociétés et la planète sur laquelle nous vivons. A titre personnel je n’arrive pas à fustiger sous couvert d’un scénario trop faible, un film qui tend à rappeler à quel point l’humain peut-être cupide et peine à apprendre de ses erreurs. Surtout quand tout cela est mis en scène avec la maestria et la passion qui animent James Cameron. Alors oui tout est un peu caricatural, Pandora aussi belle et envoûtante soit-elle ressemble beaucoup à la Terre, mais ce n’est pas grave. J’irais même jusqu’à dire qu’il est nécessaire que tout nous semble familier. James Cameron possède cette capacité (tout de même étonnante quand on y pense) à rassembler les foules, alors si avec cela il peut se permettre de faire réfléchir son public, tant mieux !

Evidemment au-delà de son scénario et de ses thématiques, il est impossible de parler de La Voie de l’eau sans évoquer sa dimension créative et technique. C’est d’ailleurs le point qui semble mettre tout le monde d’accord. La suite d’Avatar dépasse son aîné, qui lui-même après dix ans restait à bien des égards une pointure dans son domaine. Qu’on se le dise (et c’est d’ailleurs un peu triste) mais les films à gros budgets qui sortiront après celui-ci, d’autant plus s’ils situent leur action dans un environnement aquatique, vont nous paraître bien ternes. Il faudra donc savoir les apprécier à leur juste valeur, mais cela sera difficile tant James Cameron signe ici ce qui s’apparente presque à un miracle. Une épiphanie en quelque sorte, tant la technique atteint des sommets ici et montre à quel point le cinéma peut encore repousser les limites du superbe.

L’eau, la faune et la flore, les na’vis, tout vit ici. Tout est tangible, tout semble ancré dans une sorte de réalité fantasmée et captivante. Pandora resplendie de mille feux et pourtant l’histoire opère ici un changement de décors total. Mais grâce à la force des détails et parce que tout est parfaitement pensé, ces personnages et la nature dans laquelle ils évoluent sont crédibles. A cela le scénario convoque aussi le mysticisme, ou du moins quelque chose qui s’y rapporte pour nous simples humains profanes, car bien entendu Eywa est plus que jamais représentée dans le film, rendant Pandora organique au sein de l’histoire racontée et encore une fois crédibilisant l’ensemble. Le monde imaginé par Cameron n’est peut-être pas une référence en terme de world-building comme peuvent l’être par exemple la Terre du Milieu chez Tolkien ou bien la Galaxie chez Lucas, mais force est de constater que Pandora fourmille de détails qui lui donnent de la consistance et une singularité propre. Cette idée d’une nature biologiquement et psychiquement interconnectée est sacrément bonne, puisque cette dernière renforce tout le reste, notamment le scénario.

Bien entendu si Cameron démontre une fois de plus qu’il sait toujours tenir une caméra et découper un script, puisque oui c’est simple mais diablement efficace, cela ne serait rien sans la pléthore d’acteurs et actrices qui servent le film en performance capture. On retrouve évidemment Sam Worthington qui campe à nouveau Jake Sully, ici en père de famille rattrapé par ses exploits passés. Très convaincant et même touchant, plus en phase encore avec son personnage qu’il y a quatorze ans. Zoe Saldaña retrouve Neytiri, toujours aussi forte, son personnage pourrait paraître pourtant plus en retrait, mais je l’ai pour ma part trouvé vraiment marquante à chaque fois qu’elle était là, l’héroïne doit faire des choix et demeure ici guidée par ses sentiments plutôt que par ses devoirs. Cela la rend plus vulnérable, ce qui permet à l’actrice de laisser exploser tout son potentiel. Kate Winslet s’ajoute au tableau dans le rôle de Ronal la Tsahik du clan Metkayina. Si l’actrice retrouve ici celui qui l’a propulsée au rang de superstar avec Titanic, elle n’en demeure pas moins très juste dans son rôle, un personnage d’ailleurs beaucoup plus nuancé que les autres, elle forme un couple avec Tonowari campé par Cliff Curtis, impeccable lui aussi. Stephen Lang est également de retour, et son charisme avec.

Mais les bonnes surprises tant au niveau des personnages que du casting sont chez les plus jeunes. Certes Sigourney Weaver incarne ici avec brio une jeune avatar de quatorze ans, elle fait donc figure d’exception bien que cela soit à saluer car la performance est parfaite, on notera aussi les prestations sans faille de Britain Dalton pour Lo’ak le second fils du couple Sully, Jamie Flatters pour Neteyam son aîné, Trinity Jo-Li Bliss qui joue Tuk la plus petite, Jack Champion dans le rôle plus ambivalent de l’humain Spider, ainsi que Bailey Bass qui incarne Tsireya, loin d’être un simple love interest.

Voilà donc de quoi il en retourne, pour ma part évidemment, d’Avatar : La Voie de l’eau, qui outre une partition musicale un peu moindre que celle du regretté James Horner, s’impose comme un film majeur de ce début de décennie. James Cameron vient donc une nouvelle fois remettre les pendules à l’heure, comme il l’avait fait en 2009. La vraie question c’est de savoir s’il en sera de même pour le troisième volet.

Tel Jaeger Clade (voix originale de Dennis Quaid) dans le dernier acte du film, on aperçoit la lumière au bout du tunnel : Disney se fait toujours maître en semeur de messages, ici sacrifier la facilité de nos modes de vie pour se rapprocher du pouls de notre terre avec, en filigrane, une jolie et pertinente chronique familiale. Pour autant, on regrettera une narration en auto-pilote, sommant que le public est en droit d’attendre plus que de fortes thématiques plaquées. Curieusement, Avalonia – L’étrange voyage se fait toutefois annonciateur, dans son geste, d’un système malade de s’être gavé d’acquisitions sur une décennie, encrassant son souffle d’identité.

Sous couvert du conte environnemental, les auteurs semblent ausculter un titan étouffé d’ambition. Si le film se referme sur lui-même par son bien triste écrin algorithmé (on note néanmoins un protagoniste qui est une petite révolution, subtil et bien écrit), il marquera d’une pierre blanche l’histoire d’un monstre qui devra soit rebrousser chemin, soit imploser.

Le sommaire de l’émission :

• Le Jeu – Je peux te le citer de tête
• Le thème – Nos perceptions des films
• Les Minutes Nerd

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• Get Funky – Muzaproduction
• Nightout With You – BGM President
• Days Like This – MarkDeeHD
• Soft Chill Downtempo – Coma-Media

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Le sommaire de l’émission :

• Le Jeu – De quoi tu parles ?
• Le thème – Les concepts de « surcoté » et « sous-coté »
• Les Minutes Nerd

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« J’assure mais je n’ai pas le temps de m’amuser. »

Jaynelia Coadou, la VF de Mei – « Alerte Rouge » de Domee Shi (2022)

« Cette combinaison est un symbole,

elle ne protège pas que toi mais l’univers tout entier ! »

François Civil, la VF de Buzz l’Eclair – « Buzz l’Eclair » d’Angus MacLane (2022)

« Vos savants étaient si préoccupés par ce qu’ils pourraient faire ou non

qu’ils ne se sont pas demandés s’ils en avaient le droit ! »

Jeff Goldblum – « Jurassic Park » de Steven Spielberg (1993)

En 1993 Steven Spielberg s’appropriait le roman de Michael Crichton pour créer un film qui allait marquer l’histoire, susciter des vocations et faire naître des passions. En 2022 Colin Trevorrow, fanboy ultime de cet univers, nous invite à lui dire au-revoir.

Je me souviens encore quand j’ai découvert pour la première fois des dinosaures en vrai (parce qu’ils l’étaient à mes yeux) à la télévision quelques années après la sortie du film en salles, je n’ai plus la date exacte mais cela devait être aux alentours de 1994-95 sur TF1, la publicité de la chaîne m’ayant bien marqué à l’époque. J’avais littéralement été terrifié par le T.Rex, mais le mal était fait : comme beaucoup d’autres gamins de l’époque, j’allais faire des dinosaures mon sujet de prédilection. Mes Legos en ont vécues des attaques de T.Rex, j’y ai passé du temps sur Jurassic Park Operation Genesis sorti dans les années 2000 sur PC et consoles, à essayer de créer mon parc de rêves et bien sûr j’ai lu les deux romans de Michael Crichton. Aujourd’hui rien n’a vraiment changé, la télé me happe littéralement quand je tombe sur un documentaire sur les dinosaures, j’ai versé ma larme quand la T.Rex rugissait triomphalement dans Jurassic World, j’ai de nouveau versé ma larme quand le brachiosaure n’a pas pu être sauvé dans Fallen Kingdom et je passe encore des heures sur Jurassic World Evolution à chouchouter moult espèces du Mésozoïque comme en témoigne mon temps de jeu sur Steam. Pour finir je passe encore sûrement trop de temps à écrire des critiques pour défendre ces films, qui bien qu’imparfaits, sont à mon humble avis bien trop fustigés comparés à d’autres qui font souvent la même chose.

Alors forcément quand comme moi il ne s’écoule que très rarement une semaine sans que je ne pense aux dinosaures, difficile de ne pas attendre l’arrivée d’un nouveau film Jurassic en salles. Le retour de la franchise en 2015 m’avait conqui, sa suite en 2018 m’avait un peu décontenancé malgré une certaine logique narrative que d’autres revisionnages ont confirmés. Au temps dire que voir comment humains et dinosaures allaient cohabiter dans Jurassic World – Dominion, cela m’intriguait beaucoup, même si comme à chaque fois une pointe d’anxiété n’était jamais bien loin. Une pointe d’anxiété renforcée d’ailleurs par des premiers retours presse et spectateurs chaotiques. Les années passent et bien que je me fasse la réflexion à chaque fois, je continu de lire les critiques avant d’aller me faire mon propre avis. Si bien que je pars en salle avec des à prioris alors qu’au final, qu’il soit positif ou négatif, mon avis n’est souvent pas en adéquation avec ce que j’ai pu lire auparavant. Il faut vraiment que je me force à sauter cette étape. Une critique étant finalement bien plus intéressante à lire dès lors que l’on s’est déjà fait son propre avis, car en matière de divertissement et de cinéma n’est-ce pas notre avis qui prime en définitive ? Oui je m’étale et je n’ai pas encore parlé du film, mais je dois avouer que la sortie de Dominion et son bashing public m’a poussé à réfléchir sur ce sujet précis.

Le film, puisque c’est quand même pour cela que nous somme là, et bien si je voulais être concis je dirais que je n’ai pas détesté, que je n’ai pas adoré non plus, que ce n’est pas en effet la conclusion rêvée pour cette franchise, mais par-dessus tout je dirais que cela pouvait être bien pire. J’aurais aimé que le film prenne plus son temps pour exposer ses nouveaux enjeux, ce qui est assez paradoxal puisque le long-métrage fait déjà plus de 2H30. Je pense que c’est là mon plus gros regret car pour ma part je connais le lore de la franchise, je connais Biosyn et les potentielles dérives génétiques évoquées dans l’univers de la saga. Donc en somme rien ne m’a surpris, mais je n’aime pas trop cette tendance à voir des films en « kits ». C’est un peu comme les Marvel où il faut désormais avoir vus deux ou trois séries associées pour comprendre la suite, je sais que c’est une industrie mais tout de même. Pour Dominion c’est pareil, il est préférable avant d’aller voir le film de parcourir au préalable le site Dino Tracker, c’était le cas avec le site de Masrani Global en 2015 et du Dinosaurs Protection Group en 2018. Le soucis c’est que le film malgré son univers étendu en ligne, laisse tout de même des questions sans réponses. Notamment concernant les lois vis-à-vis des ces nouveaux animaux désormais en libertés sur la planète ou bien l’absence d’interventions militarisées dans certaines zones. Le film n’aborde pas assez en profondeur je trouve la question de la propriété intellectuelle. Sur un tout autre sujet je trouve aussi que le film manque de séquences icôniques. Certes il y en a tout de même des très réussies, notamment tout le passage à Malte, mais malgré un fan-service constant et qui ne surprend pas ( honnêtement, s’imaginer que l’inverse était possible c’est comme penser que Trump puisse se lancer dans l’écologie ), le film manque souvent de moments marquants.

A côté de cela, quitte à être totalement à contre courant, je dois bien avouer que le reste du scénario ne m’a pas dérangé plus que cela, j’ai même trouvé qu’il faisait sens avec le reste de la franchise. Dans les avis négatifs j’ai surtout lu que le soucis du film c’était qu’il ne plaçait pas les dinosaures comme la grande menace du scénario. Mais à quel moment dans la saga les dinosaures ont-ils été des antagonistes ? Ce sont des animaux, qui au préalable ne vivaient que sur deux îles et qui sont maintenant parmi les humains. Mais qui sont les responsables de cette cohabitation forcée ? L’éruption du Mont Sibo dans le film précédent ? Ou l’avidité des hommes qui ont pensés qu’il n’y avait pas de conséquences à ramener des espèces disparues à la vie ? Et pour finir, Malcolm depuis le premier film ne met-il pas en garde le monde face à ces manipulations génétiques et les questions éthiques qu’elles soulèvent ? Le véritable antagoniste de la saga à mon sens ce ne sont pas les dinosaures, qui n’en sont que la conséquence finalement, mais bien la puissance génétique dès lors qu’on l’utilise à tort et à travers. Ian Malcolm en parlait très justement dès le premier film, alors qu’il effectuait la visite préliminaire du Jurassic Park aux côté d’Alan Grant et Ellie Sattler. (Voir citation en haut de la critique.)

Ainsi donc le scénario vient nous rappeler que même après près de trente années à s’efforcer de contrôler la nature, c’est cette dernière qui aura le dernier mot si on essaie pas de rectifier le tir. En cela le film fait evidemment un parallèle avec la crise écologique bien réelle que subit depuis déjà trop longtemps notre belle planète. C’est assez basique et simple comme propos bien sûr, mais c’est malheureusement d’actualité, et pour ma part je pense qu’il n’est pas très sain de blâmer une oeuvre qui tend à nous le rappeler. Mais peut-être est-ce là ce qui ne plaît pas finalement, que l’on rappelle à quel point la nature humaine peut-être parfois pourrie jusqu’à la moelle, même quand elle est animée des meilleures intentions.

Alors bon, oui j’aurais aimé que la conclusion de cette saga soit peut-être un chouilla plus pessimiste. Mais d’un autre côté je ne voyais pas non plus le scénario éradiquer tous les dinosaures. J’aurais aimé voir une séquence nous expliquer une nouvelle législation concernant les manipulations génétiques dans le but de créer de nouvelles espèces ou d’en ramener à la vie. Et cela n’aurait même pas été une prise de risque, puisque le scénario semble en effet les éviter à tout prix. Oui j’aurai préféré voir ça plutôt que de voir en arrière-plan une petite fille nourrir un moros intrepidus, une idée purement « Trevorrowienne ». D’ailleurs je dirais que Trevorrow malgré ses gros sabots ne s’en sort pas trop mal. Certes passer après la mise en scène de Juan Antonio Bayona n’a rien d’une mince affaire, et par conséquent le film paraît beaucoup plus terne que le précédent, idem en terme d’émotion. L’émotion justement ne concernera probablement que les fans pures, qui pour le coup sont bien servis. Je pense néanmoins que Trevorrow pourrait être très à l’aise dans la réalisation de films d’action purs comme un Mission Impossible par exemple, la séquence à Malte le démontre plutôt bien.

Pour finir je ne peux pas faire l’impasse sur le retour du casting original. Tout le monde craignait que Sam Neill, Laura Dern et Jeff Goldblum ne feraient que de la figuration, mais il n’en n’est rien. Tous les trois ont des rôles actifs au sein du film, laissant parfois même le duo formé par Chris Pratt et Bryce Dallas Howard au second plan. La jeune Isabella Sermon n’est pas l’actrice du siècle mais fait le job, quant à DeWanda Wise et Mamoudou Athie ils campent tous deux de nouveaux personnages sympathiques. B.D. Wond lui aussi est de la partie et s’en sort bien, à l’inverse de Campbell Scott qui campe Dodgson, trop caricatural à l’image de Vic Hoskins et Elli Mills dans les deux films précédents.

Voilà la trilogie Jurassic World est terminée et la franchise Jurassic Park tire sa révérence. Ce n’est pas un feu d’artifice mais c’est loin d’être le four annoncé. Pour ma part je ne peux pas nier que j’ai apprécié cette séance et je reverrais le film avec plaisir dès que possible. Longue vie à Rexy et vive les dinosaures !

L’idée d’écrire sur cette oeuvre voguait dans mon esprit depuis de longs mois, tout comme l’imagerie de Jane Campion teinte ma perception du monde et du cinéma depuis que mes oreilles ont épousées les premières notes de musique du début de The Piano résonnant dans le centre d’art et de culture pour lequel je travaille en dehors de mes études. The Power of the Dog est le huitième long-métrage de la réalisatrice australienne, produit et diffusé par la plateforme Netflix, nouvel el-dorado à nos grands auteurs contemporains, de David Fincher et son Mank à Martin Scorsese et son Irishman.

J’aimerais alors nous guider vers le questionnement suivant : Comment Jane Campion use-t-elle du terreau du western pour planter les graines de sa diatribe à l’encontre d’une masculinité phallocrate hautement toxique ? La pertinence de cette autopsie d’un passage de flambeau, celui d’un monde à l’autre, d’une masculinté à une autre, me semble encore à présent de mise lorsque, je l’avais annoncé, The Power of the Dog s’est trouvé mis en avant au sein des discussions du monde du septième art au début du mois de mars 2022, pour des raisons toutes autres que celles bienheureuses des onze nominations aux Oscars du long-métrage.

Alors qu’il participe au podcast de l’humoriste Marc Maron, l’acteur américain Sam Elliott, célèbre pour ses rôles dans de nombreux westerns, eu les propos suivants : « Des Chippendales ! C’est à ça que ressemblent tous ces putains de cow-boys dans ce film ! Ils courent en jambières et torse nu. Il y a toutes ces allusions à l’homosexualité tout au long du film… » avant d’ajouter plus loin dans la discussion « Putain ! Mais qu’est-ce que cette femme venue de tout là bas sait de l’Ouest américain ? Pourquoi diable a-t-elle tourné ce film en Nouvelle-Zélande pour dire ensuite que c’est le Montana ? Dire que ça se passait comme ça ? Ça m’a tellement énervé… Et quand j’ai vu ce putain de film, j’ai pensé : Qu’est-ce que c’est que ce bordel ? Où en sommes-nous aujourd’hui dans ce monde ? »

Ironiquement, Sam Elliott ne pouvait pas mieux rendre service au long-métrage pour prouver sa raison d’être, au-délà de sa maestria visuelle et artistique. La réalisatrice de Bright Star et de la série télévisée Top of the Lake déchire ici le voile autour d’un genre cinématographique ponctué d’élans machistes, à l’instar de Barry Jenkins qui prenait dans Moonlight un cadre social où, également, peu de place était faite à la différence, à la sensibilité. Les deux artistes distillent dans leurs récits une goutte queer, noyée chez Jenkins et transformant Chiron, son protagoniste, en montagne de muscles emmurée. Effervescente et empoisonnée chez Campion, avec le personnage du jeune Peter, bien moins frêle que le laisse paraître la fine silhouette de l’acteur Kodi Smit-McPhee.

Dans son rapport à cette histoire, elle révéla au sein du court making-of diffusé sur Netflix Scènes de tournage avec Jane Campion : « Je ne suis pas un homme et c’est une histoire masculine. J’ai dû me demander ce que Thomas Savage aurait pensé du fait que je réalise cette histoire et que j’écrive le scénario. Selon moi Thomas Savage était un homme assez féminin dans un monde assez masculin, j’ai alors senti qu’il aurait apprécié que ce soit moi ».

Ainsi, j’ai particulièrement été ému de la façon dont la caméra de la réalisatrice semblait, tout du long, caresser les corps masculins. Un female gaze qui contemple ces cow-boys avec grâce, profondément touchants dans leurs dévoilement, le personnage de Phil Burbank en porte étendard, bien entendu. Son personnage entier, ses caractérisations et agissements jusqu’aux subtilités du jeu de Benedict Cumberbatch (déjà bouleversant en Alan Turing dans The Imitation Game de Morten Tyldum, en 2014), sont l’emblème de cette masculinité toxique destructrice. Celle-ci est constituée de toutes pièces factices, de refoulements, et noyau de tous les maux de ce foyer du Montana qui était de façon élargie celui de tous jadis et encore profondément ancré actuellement, d’un degré à un autre – comme en atteste les réactions outragées de la représentation du Far West donnée par le long métrage. Une masculinité emmêlée dans ses contradictions, Phil Burbank est un homme bien né, sortant de hautes études et autrefois bien loin de l’image qu’il a construit comme une fortification autour de son homosexualité inavouable.

The Power of the Dog est donc le théâtre d’un face-à-face, celui du passé et futur des masculinités, de deux hommes que tout oppose : Peter, protecteur de sa mère Rose, en harmonie avec sa sensibilité et délicatesse naturelle, téméraire et érudit, face à Phil. Un homme cruel, sexiste, raciste et homophobe. Un jeu de pouvoir et de domination où les poings ne seront pas nécessairement les armes au centre des joutes entre les deux personnages. Au centre de cette affrontement, la douce mère Rose sombre dans un alcoolisme qui autrefois la rebutait alors que son nouveau mari la laisse aux effluves toxiques de son terrible frère. Au début du long métrage, Peter formait des petites roses de papier pour orner les tablées de sa mère aubergiste. Personnage sacrificiel et agissant comme une ombre dans l’œuvre de Savage, elle est ici mise sur le devant de la scène sous les traits de Kirsten Dunst, absolument fabuleuse de complexité.

Au-délà même des enjeux gravitant autour du personnage, c’est la femme même qu’on écartèle entre ces deux masculinités – de la pression et culpabilité qu’on impute à la mère d’avoir élevé une « sissy » pour avoir encourager la sensibilité et tendresse de son enfant, aux charges mentales déraisonnées de tenir le ranch sous les attaques verbales continues du chef de famille tyrannique qu’est Phil. L’actrice qui avait fait ses premières marques dans le chef-d’œuvre de Sofia Coppola The Virgin Suicides en 1999, livre ici pour moi sa plus belle palette de jeu, une prestation inoubliable.

« Délivre mon âme de l’épée, mon unique du pouvoir du chien ».

D’aucuns liraient ce psaume habilement détourné et aurait entrevu l’entiereté des enjeux du film de Jane Campion. Le long métrage commence sur ces mots annonciateurs par Peter : « Après la mort de mon père, je ne désirais que le bonheur de ma mère. Quel homme serais-je si je n’aidais pas ma mère ? ». Nous aurions dû le voir venir, notre guide à travers le récit est un Œdipe endurci.

Le lien du fils – homosexuel de surcroît – à la mère, a quelque chose d’immatériel. Xavier Dolan, cinéaste canadien, a voué sa jeune et belle carrière à explorer les coutures de ces rapports mythiques, qui vont s’entrechoquer dans The Power of the Dog à la pédérastie. Peu à peu alors que le film dénude ses cowboys, la jeunesse de Phil et sa relation maître-élève avec Bronco Henry, un homme lui ayant « tout appris », se révèle. C’est la même dynamique qui semble alors s’installer et se répéter entre Peter et Phil, et pousse Rose dans le plus grand désespoir de culpabilité. Cela remet alors en idée que la masculinité dont Phil semble lui-même prisonnier prend racine bien plus loin que dans les santiags, mais c’est pourtant un discret venin qui va bientôt couler dans les veines de cette coutume hellénique, que Peter va savoir utiliser à bon escient.

En délivrant son âme de l’épée – le pénis de Phil – il pourra délivrer son unique du pouvoir du chien : sa mère de l’étreinte toxique de celui étant devenu son maître, et aurait potentiellement pu devenir son amant. Cette rupture dans la dynamique et inversement des rapports de force s’incarne dans une séquence d’un érotisme puissant où un simple passage de cigarette des lèvres de l’un à celles de l’autre vaut pour mille mots, et dont Jane Campion fit l’étude pour The New York Times en janvier 20222. La réalisatrice considère ainsi cette séquence comme l’aboutissement du long-métrage. Au regard de mon propre questionnement sur son œuvre, je verrais là l’aboutissement d’un genre, qu’Ang Lee et sa Brokeback Mountain avait déjà lancé, et désormais à marquer d’une pierre blanche.

On ne peut tomber dans une binarité malvenue pour considérer le personnage de Phil envers qui la compassion est inévitable. Néanmoins, d’un coup de main las, le discret Peter place la corde que son mentor avait confectionné pour lui sous son lit, après l’avoir tué en lui transmettant la maladie du charbon sous couverture accidentelle, usant de ses connaissances en médecine. La loi de l’histoire en marche, cheminant impitoyablement, ne peut s’arrêter en route pour quelconque détour. Ironie du sort, Phil avait l’éducation nécessaire face aux dangers de l’anthrax, mais c’est son orgeuil phallocentré qui aura raison de lui, refusant de porter des gants…

« Abre los ojos. »

Dominique Quesnel, la VF de Grand-Mère Alma – « Encanto : La Fantastique Famille Madrigal » de Jared Bush, Byron Howard et Charise Castro Smith (2021)

Alors qu’il vient de remporter l’oscar du meilleur film d’animation, voilà que je me décide enfin à écrire sur Encanto : La Fantastique Famille Madrigal. Il m’aura fallut un certain temps, plusieurs mois à vrai dire pour y parvenir, et malheureusement ce n’est pas, hélas, parce que j’étais submergé par l’émotion du film. Au contraire …

Quand il fut annoncé je dois bien avouer que ce nouveau projet de Disney ne m’a pas vraiment interpellé, la bande-annonce le vendait assez mal et la promo de manière générale était assez anecdotique (pour Disney biensûr, c’est donc relatif). Malgré cela les retours positifs ont su piquer ma curiosité, si bien que j’ai dû voir le film à peu près un mois après sa sortie en salle si ma mémoire est bonne. Malheureusement le charme d’Encanto et de ses chansons n’aura pas fonctionné sur moi. Non pas que je trouve que ce soit un mauvais Disney, il est somme toute trop banal et vain.

A vrai dire quand j’écris dans le paragraphe précédent « pour un Disney », cela résume, je crois, assez bien le problème que j’ai avec le film. En effet l’histoire, les personnages et leur traitement ne m’aura pas interpellés plus que cela venant d’un autre studio comme Blue Sky ou Illumation par exemple, là où en général il est plus souvent question de divertir que de raconter les choses en profondeur, bien que certaines exceptions aient droit de citer évidemment. Mais pas chez Disney et Pixar, deux studios qui aux fils des ans ont toujours su proposer (là aussi à quelques rares exceptions) des films d’animations aux divers niveau de lecture et aux thématiques fortes. Mais Encanto, bien qu’il reprenne le cahier des charges, trop balisé depuis quelques années d’ailleurs, des films d’animation des studios Disney, me semble assez mineur dans la manière qu’il a d’aborder ses thématiques, ou plutôt sa principale thématique : la famille et son unité.

Les chansons ont beau vous rester en tête, même si pour le coup la version française est vraiment plus que passable, elles n’ont pour principal objectif que de nous présenter les personnages et leurs diverses facultés spéciales, pire encore certains passages chantés tendent même à faire penser aux comédies musicales sans grande ambition où l’on chante pour se passer le sel. Alors quand en plus de cela la mise en scène de la plupart des chansons tend plus vers le clip que l’on diffuse sur YouTube (Under the surface et What Else Can I Do notamment), que vers la narration visuelle qui transcende et transpose les émotions des personnages, c’est un problème. Toujours selon moi évidemment. Mais attention tout n’est pas à jeter et par instant se présentent même de beaux moments qui, enfin, allient mise en scène et narration, la chanson Dos Oruguitas en est un bel exemple. Mais ces instants sont bien trop rares, hélas.

Alors que dire de plus ? Oui visuellement c’est beau, évidemment et le cadre du film est plaisant, mais cela suffit-il ? En attendais-je trop en fin de compte de la part de Disney ? Ou bien est-ce qu’Encanto ne coche pas toutes les cases qu’inconsciemment j’attendais qu’il coche ? Peut-être. Ce qui est sûr c’est qu’il faudrait que je le revois, car à l’heure actuelle le souvenir que j’en ai c’est que les studios Disney nous ont déjà montré par le passé qu’ils savaient faire mieux quand il s’agissait de nous dire que : la famille c’est compliqué, que personne n’est parfait et qu’il fallait être soi-même. Etrange impression sur ce film donc …

Comme chaque année, je vous remercie lect·eur·rice·s et/ou audit·eur·rice·s pour votre suivi de ce site et de ses aventures malgré le peu de publications dernièrement. C’est toujours un plaisir de discuter de cinéma à l’écrit ou à l’audio. Je remercie également chaque collaborat·eur·rice avec qui j’ai l’honneur de partager ce site.

Vous retrouverez ci-dessous, notre top 10 en commun de l’année 2021. Après celui-ci vous pourrez voir les tops individuels de chaque collaborat·eur·rice.

Numéro 1 : Dune

Numéro 2 : Zack Snyder’s Justice League

Numéro 3 : Kaamelott – Premier Volet

Numéro 4 : Luca

Numéro 5 : West Side Story

Numéro 6 : Annette

Numéro 7 : Matrix Resurrections

Numéro 8 : Raya et le Dernier Dragon

Numéro 9 : The Green Knight

Numéro 10 : Aline ex æquo avec Inside

Top 7 d’Eddy

Numéro 1 : Luca

Numéro 2 : Kaamelott – Premier Volet

Numéro 3 : Dune

Numéro 4 : Zack Snyder’s Justice League

Numéro 5 : Raya et le Dernier Dragon

Numéro 6 : S.O.S. Fantômes l’Héritage

Numéro 7 : Cruella

Top 10 de Quentin

Numéro 1 : Dune

Numéro 2 : The Power of the Dog

Numéro 3 : Annette

Numéro 4 : West Side Story

Numéro 5 : Illusions Perdues

Numéro 6 : Matrix Resurrections

Numéro 7 : Encanto

Numéro 8 : Julie en 12 chapitres

Numéro 9 : Boîte Noire

Numéro 10 : Cruella

Top 3 d’Oriane

Numéro 1 : The Green Knight

Numéro 2 : Zack Snyder’s Justice League

Numéro 3 : Les Éternels

Top 10 de Morgan C

Numéro 1 : Dune

Numéro 2 : Kaamelott – Premier Volet

Numéro 3 : Zack Snyder’s Justice League

Numéro 4 : Le Sommet des Dieux

Numéro 5 : 11 septembre

Numéro 6 : New Gods Nezha Reborn

Numéro 7 : Annette

Numéro 8 : Suprêmes

Numéro 9 : 5ᵉ Set

Numéro 10 : S.O.S. Fantômes l’Héritage

Top 10 de Morgan D

Numéro 1 : Aline

Numéro 2 : La Fracture

Numéro 3 : Titane

Numéro 4 : Promising Young Woman

Numéro 5 : The Deep House

Numéro 6 : Matrix Resurrections

Numéro 7 : Mourir peut attendre

Numéro 8 : The Suicide Squad

Numéro 9 : Benedetta

Numéro 10 : The Father

Top 10 d’Axel

Numéro 1 : Inside

Numéro 2 : Les Mitchell contre les machines

Numéro 3 : West Side Story

Numéro 4 : Luca

Numéro 5 : Dune

Numéro 6 : Encanto

Numéro 7 : Raya et le dernier dragon

Numéro 8 : In the Heights

Numéro 9 : Tick, Tick… Boom!

Numéro 10 : Cruella

Le sommaire de l’émission :

• Nos découvertes du film
• Discussion autour du film

Les liens évoqués dans l’émission :

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Les crédits musicaux :

• Introduction (title) – Edward Scissorhands Soundtrack – Danny Elfman
• Beautiful New World / Home Sweet Home – Edward Scissorhands Soundtrack – Danny Elfman
• Ice Dance – Edward Scissorhands Soundtrack – Danny Elfman
• The Grand Finale- Edward Scissorhands Soundtrack – Danny Elfman

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous vous donnons rendez-vous prochainement pour un nouveau podcast MoviesNerd !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Focus Edward aux mains d’argent.mp3

Soyons réalistes : le meilleur film SOS Fantômes a déjà été fait.

Celui de 1984 sera éternellement le numéro 1.

Intégrer ça une bonne fois pour toutes, ça vous enlève un poids.

Jason Reitman à propos du film du film original de 1984. Source Ouest France 

Après un reboot-remake féminin sous la houlette de Paul Feig, qui sans être un film exceptionnel il est vrai, ne méritait clairement pas toute la méchanceté gratuite que le casting s’est pris à la figure, voilà que revient S.O.S. Fantômes. Dirigé ici par Jason Reitman, fils d’Ivan, est-ce que ce troisième volet s’avère convaincant ?

Il va sans dire que quand ce S.O.S. Fantômes : L’Héritage fut annoncé par Sony et Columbia, mais cette fois-ci dirigé par Jason Reitman avec la promesse non pas d’être un reboot mais plutôt une suite aux premiers volets : la curiosité mêlée de doute s’est vite imposée. Légitimement on pouvait s’attendre à un film qui reprendrait tous les codes deux premiers opus tout redynamisant l’ensemble avec un casting plus jeune. Jusqu’ici rien de bien surprenant donc, à la différence que contrairement au film sorti en 2016, L’Héritage prend place dans le même univers. Bien évidemment comme prévu, le film de Jason Reitman nous rappelle constamment qu’il va respecter ceux de papa et cela pas toujours de la manière la plus subtile qui soit.

On parvient à caser tout le casting principal des deux premiers films à l’exception de Rick Moranis et du regretté Harold Ramis évidemment (encore que …). Les gimmicks des autres films sont présents aussi, même l’humour d’une certaine manière, qui conserve aussi une certaine insolence, ce qui pour le coup est assez appréciable. Les fantômes et autres créatures propres à l’imaginaire de la franchise sont également là et finalement seul le cadre de l’action change réellement. Exit New York et bonjour l’Oklahoma. Le changement de cadre est appréciable et demeure être un vrai rafraichissement, les étendues arides et rocheuses collent très bien au ton que souhaite prendre le film, lui conférant une ambiance toute particulière.

Le scénario quant à lui est assez classique bien que très efficace. La fille d’Egon Spengler hérite de la maison de son défunt père avec qui elle n’avait plus de contact. La petite Phoebe, maligne et débrouillarde va vite comprendre se qu’il se trame ici et les réelles activités de son grand-père. Un ancien dieu bien connu tente de revenir, on découvre une Ecto-1 bâchée dans la grange, l’activité sismique du coin semble de plus en plus préoccupante et hop ! On obtient là une suite qui sans être originale fonctionne malgré tout parfaitement tant ses rouages sont bien huilés. On saupoudre tout cela d’un peu d’ambiance des productions Amblin si caractéristiques des années 80-90 et l’affaire est dans le sac. A bien des égards Jason Reitman avec son S.O.S. Fantômes : L’Héritage rappelle un certain J.J. Abrams avec son Super 8, avant qu’il n’aille mixer Star Wars et Harry Potter pour Disney.

Quant au casting il s’avère impeccable, une mention toute particulière à Mckenna Grace qui porte le film sur ses épaules, la jeune actrice est impeccable et la transmission entre son personnage et celui d’Egon Spengler fonctionne parfaitement. Les autres personnages sont tout aussi attachants bien qu’un peu plus fonctionnels. A l’image de Finn Wolfhard qui après un passage du côté de l’épouvante avec les deux volets de Ca adaptant l’oeuvre de Stephen King par Andy Muschietti, ainsi qu’une révélation dans la série phénomène de Netflix Stranger Things, s’illustre bien ici dans le registre du grand-frère. On espère qu’il ira maintenant vers des projets moins ancrés dans la réminiscence et plus vers la nouveauté. Le jeune Logan Kim qui n’est pas sans rappeler Corey Feldman dans Les Goonies est un bon exemple du personnage fonctionnel, bien que l’acteur s’en sorte bien et que ses apparitions font mouche. Idem pour Carrie Coon et Paul Rudd qui tous deux sont là surtout pour jouer un rôle primordial à la fin. Et puis bien sûr il y a ce qu’il reste du casting original, c’est un peu facile mais cela fonctionne. De toute manière tout est un peu facile dans ce film, comme dans beaucoup d’autres productions qui depuis une dizaine d’années maintenant jouent la carte de la nostalgie.

Je serais bien mal avisé de jeter la pierre à ce nouveau S.O.S. Fantômes alors que j’apprécie les Jurassic World. Quoi qu’il en soit si Jason Reitman ne révolutionne rien, il signe ici un film qui donne le sourire et qui par la même occasion est un bel hommage au regretté Harold Ramis.

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« Ton destin t’attends Paul. »

Rebecca Ferguson – « Dune » de Denis Villeneuve (2021)

Je n’ai pas une grande passion pour le cinéma de Denis Villeneuve que je trouve tantôt ambitieux et prenant et parfois trop arty. Je me souviens avoir découvert il y a très longtemps le Dune de David Lynch, un souvenir pas vraiment mémorable d’ailleurs. J’ai donc été voir la version de Villeneuve sans grande conviction et même sans curiosité.

Force est de constater que s’il y a bien quelque chose qui frappe d’emblée dans le long-métrage de Villeneuve c’est cette sensation d’un univers aussi vaste qu’énigmatique. Je savais que l’univers du roman de Franck Herbert était dense et un chouilla complexe par moment, Villeneuve a su transposer ça à l’écran et il le fait avec une patte bien singulière et qui sied finalement bien à cette histoire. Tout est très organique en terme de décors mais aussi de mise en scène, le film recèle d’images qui marquent par leur portée visuelle. Dune est un beau film techniquement parlant c’est certain, mais il est aussi très originale dans sa façon d’exposer les décors ainsi que les personnages.

A cela il faut bien évidemment ajouter cette narration, certes lente mais nécessaire qui met en place tout l’univers de cette histoire. Nécessaire puisque comme dit plus haut, Dune est une oeuvre complexe et dense, les personnages y vivent des choses singulières versant dans le mythique et la tragédie. A vrai dire Dune rappelle souvent les grandes légendes antiques et les parcours initiatiques de héros aux destins hors du commun, en soit rien de très original, mais cela rend du plus bel effet transposé ici dans un film de science-fiction hors-normes. Bien que l’immensité des décors et des éléments narratifs tels que les vaisseaux ou bien les costumes nous rappellent que nous sommes ici dans une pure oeuvre de science-fiction au sens propre du terme, Dune est avant tout un film intimiste sur un groupe de personnes, une famille et des destinés souvent tragiques.

On doit évidemment revenir aussi sur le casting qui n’est pas en reste puisqu’il demeure être l’une des pierres angulaires du long-métrage. En tête Timothé Chalamet dans la peau de Paul Atreides le héros principal, comme à son habitude tout passe dans le regard. Félin et parti pour demeurer éternellement juvénile, Chalamet en impose beaucoup même si pour ma part il n’avait déjà plus grand chose à prouver après son passage chez Guadagnino. Rebecca Ferguson également très juste comme souvent et juste parce que c’est gratuit : elle s’illustre bien mieux dans ce genre de films où son talent explose que dans des conneries comme The Greatest Showman. Oscar Isaac que je n’avais pas vu aussi juste depuis Agora d’Alejandro Amenábar en 2009 (pas vu son film avec les Coen), parfait dans le rôle du patriarche Atreides. Mais n’oublions pas non plus Zendaya, décidemment de plus en plus surprenante, Jason Momoa à mille lieux du bourrin qu’on lui connaît habituellement, ou encore Dave Bautista, Stellan Skarsgård, Josh Brolin, Charlotte Rampling et Javier Bardem. Oui c’est ce qu’on appelle une bonne distribution.

Alors je ne saurais pas trop quoi dire de plus sur Dune si ce n’est que j’attends sa suite. L’univers désormais bien posé par la caméra habile de Denis Villeneuve, la seconde partie promet de belles choses, en espérant que cela tienne aussi bien la route.

« Je ne te parle pas d’amour, je te parle de réputation. »

Pierre Deladonchamps – « Eiffel » de Martin Bourboulon (2021)

La vie de Gustave Eiffel et la construction de la tour éponyme, sur grand écran et produit par la France, voilà bien un projet intéressant et intrigant. Malheureusement le film est loin d’être parfait …

Dire d’Eiffel qu’il est un mauvais film serait mentir, à vrai dire le film est tout à fait convaincant dans ce qu’il entreprend de faire. La reconstitution est impeccable, sauf peut-être pour les dialogues, le reste en revanche et j’entend par-là les costumes, les décors et plus globalement le contexte social, tout est soigné. Le casting est également à souligner pour la justesse des diverses interprétations, notamment Romain Duris qui comme à son habitude en impose avec un charisme indéniable, ainsi que la belle Emma Mackey qui commence à gentiment se faire une place. Pierre Deladonchamps est un peu plus en retrait cela dit, bien qu’il n’ai pas à rougir de sa prestation.

Là où le film fonctionne moins c’est concernant son scénario, somme toute assez anecdotique finalement. Bien qu’il n’était pas question ici de faire un film trop académique sur la construction de la tour, rattacher tout cela à une romance trop classique n’a rien de bien original et vient trop souvent ralentir l’ensemble. Autrement dit : plus de tour et moins d’amour n’aurait pas été une si mauvaise idée. L’autre problème ici c’est que la romance mis en place ne semble parfois là uniquement pour justifier la présence d’un personnage féminin en tête d’affiche. Lier la mise en chantier de la tour à un contexte plus social comme le film l’évoque à un moment donné, aurait eu plus d’impact à mon sens. Cela étant comme dit précédemment, le film dans son ensemble fonctionne mais il est juste trop en-dessous de son potentiel pour être un excellent film d’époque sur un contexte bien précis. Cela s’explique aussi par l’ambition d’une telle production dans l’horizon cinématographique française, il faut fédérer.

En espérant donc qu’un film comme Eiffel permettra à terme d’en produire d’autres, en l’occurrence si le film de Martin Bourboulon demeure soigné à bien des égards concernant sa partie technique, le scénario quant à lui donne l’impression d’un film aussi vite vu qu’oublié.

Chantal Birman, sage-femme libérale et féministe aguerrie, est une passeuse de vie, de convictions. Sous la caméra altruiste et pertinente d’Aude Pépin, les derniers instants d’une carrière se dévoilent, mais ceux du combat sont de tous les plans.

Devant nous Chantal Birman éduque, observe, raconte, et c’est dans les scènes de « répit » – dans sa voiture entre deux visites médicales – que sa lutte s’incarne le mieux. Tantôt la sage-femme débat avec sa stagiaire qui représente un porte-parole intéressant aux spectateurs, tantôt la radio en fond narre les défis de notre société – écologie, économie – des défis prégnant de notre actualité, tandis que Chantal Birman continue d’avancer, ne s’arrête jamais, et porte un message de toujours.

Notre héroïne s’aventure à travers les situations sociales les plus difficiles aux plus aisées, arpente les barrières de la langue et de la religion, Aude Pépin y dessine alors un angle empreint d’unicité, au-delà d’un documentaire sur la grossesse : une œuvre sur la liberté de la femme, envers et contre tout.

À la vie car à l’issue de la projection au MK2 Bibliothèque le 12 octobre dernier où la réalisatrice ainsi que la protagoniste du long-métrage venaient à la rencontre du public, la force de conviction de la sage-femme paraît aussi empreinte de vécu que brûlante et éternelle.

De la dépression post-partum aux avortements interdits avant la loi Veil, le spectateur est regardé droit dans les yeux et rien ne lui est fait silence, des moments les plus beaux d’une grossesse à ses heures les plus terribles. À l’heure où les sages-femmes luttent dans la rue pour faire valoir leurs droits et dénoncer l’impossibilité d’accueillir les mères dans la dignité qu’elles méritent, À la vie est l’une des œuvres les plus importantes à découvrir en salles en cette fin d’année, et un précieux objet contemporain d’éducation et d’échange.

Notre gorge se noue lorsque Chantal Birman s’entoure de ses pairs pour un pot de départ, et que la discussion évolue rapidement sur un constat du métier de sage-femme aujourd’hui : les discussions sur les statuts « essentiels » s’entamaient déjà…

En d’autres endroits, c’est la fascination, lorsque notre guide se pose face aux futurs visages de la profession, et que les débats se font complexes entre l’experte et sa stagiaire sur les statuts des embryons et foetus. L’oeuvre d’Aude Pépin se positionne comme un lieu de tous les débats, de tous les regards, de vie, indubitablement.

Alors que L’Événement d’Audrey Diwan adapté de l’ouvrage d’Annie Ernaux remporte le Lion d’or à Venise, le cinéma français est plus vivant que jamais, et nous électrise sur la nécessité de rester alerte, en permanence, sur la fragilité de nos libertés. Le baroud se fait aussi sur nos écrans : en tant que spectateur, donnons lui toutes nos puissances de feu. À la vie est un grand documentaire.

Quentin.

On ne blâmera pas Universal, le pedigree musclé de Matt Damon et la nécessité d’exister dans la myriade de propositions en salles post-covid ouvrait difficilement la porte à d’autres formes de promotions.

Ainsi, Stillwater n’est pas un ersatz de Jason Bourne, le personnage de Bill Baker en est même l’anti-thèse : tout sauf le père-courage qu’on imagine, Matt Damon compose un redneck bouleversant arraché à ses racines pour faire face à ses démons dans la tentative désespérée d’accompagner sa fille accusée de meurtre, dont le dossier est définitivement clôt depuis cinq longues années.

Loin des carcans classiques de quête pour la vérité hollywoodienne, le film de Tom McCarthy nous parle de déterminisme social, de chocs culturels (ceux de l’Amérique et de la France profondes) donnant des teneurs bien plus qu’attendues à ces arcs narratifs fascinants.

Au milieu de tout cela, Camille Cottin se taille son tout premier grand rôle étoilé, avant le très attendu House of Gucci de Ridley Scott en novembre. Dans le rôle de Virginie, l’actrice de Dix pour cent donne merveilleusement la réplique à Matt Damon : le couple inattendu est aussi convaincant que sexy, l’alchimie est de toutes les scènes et nous attache sincèrement au sort des personnages durant les deux heures vingt de cinéma.

Appliqué dans l’écriture de ses personnages, réellement imprégné des décors qu’il filme, Tom McCarthy est toujours l’une des plumes les plus subtiles de notre époque, après son oscar pour Spotlight et le scénario du pixar Là-haut.

On regrettera que le film file sous les radars, Stillwater est la vraie belle surprise de la rentrée cinématographique.

De son propre aveu, Frank Herbert n’avait jamais envisagé sa saga comme un brûlot écologique, malgré l’importante recherche de fond pour transcrire une faune et une flore tangible aux planètes phares de son épopée, théâtres infernaux de la tragédie qu’est Dune, et dont le monde d’Arrakis en est le zénith. Davantage une thématique latente – avant-gardiste à l’époque de la publication du roman au milieu des sixties – qu’un point d’orgue dans la saga spatiale, les réflexions écologiques permettent de glisser vers le cœur réel de la raison d’être de ce conte aux épices : le colonialisme et les dérives anar qu’il engendre, de toutes parts.

Habilement, Villeneuve tourne la grande loupe d’Arrakis vers notre monde, propulse l’œuvre d’Herbert dans le XXIème siècle sans rien en changer ou presque, et illustre alors la modernité saisissante du mythe des Atréides.

Soixante ans après avoir ensablé les librairies, Dune dévore nos écrans et atomise les codes cueillis des dix dernières années comme les écrits d’Herbert fusillaient le Lawrence d’Arabie de David Lean ainsi que son culte du « white savior », sorti en 1962, soit trois ans avant la publication du premier opus littéraire, en août 1965. Dernière incarnation la plus célèbre de ce trope un brin ronflant : Avatar de James Cameron, merveille de cinéma mais néanmoins attachée aux poncifs de l’homme blanc montrant la voie aux peuples opprimés pour se libérer des liens qui les entravent.
Dune prend et a toujours pris le contre-pied de tout cela, et fait de ce schéma impossible à éviter sa thématique la plus noire, thématique ne faisant que prendre racine dans ce chapitre, mais achève d’installer le blockbuster comme l’un des moments les plus importants du cinéma post-colonial.

Résolument « Villeneuvien », Dune : Première Partie est certes l’adaptation attendue par des millions de fans du plus grand roman de science-fiction du siècle passé, mais avant tout l’enfant d’un artiste que celui-ci ne saurait renier.
Entre les sietchs fremens et les pluies de Caladan, Dame Jessica (magistrale Rebecca Ferguson) s’inscrit dans la lignée de Louise Banks, la traductrice au centre de Premier Contact campée par Amy Adams – toutes deux s’élevant contre un funeste déterminisme impactant leurs progénitures, mais aussi passerelles entre les sociétés qu’elles sont censées unir.
Face à cela, Paul Atréides n’est pas sans évoquer le parcours prophétique du réplicant de Blade Runner 2049, auquel Ryan Gosling prêtait ses traits. Dans ce registre, Timothée Chalamet livre une prestation toute en retenue des plus solides, portant ce premier « gros » projet dans sa carrière avec beaucoup d’élégance.

Objet de ses obsessions d’une part, Villeneuve était le lisan al-Gaib à l’adaptation du livre pour une toute autre raison : un sens du détail absolu commun à celui de Frank Herbert, donc, mais aussi et toujours des personnages profondément humains, perdus dans des mondes trop vastes pour eux, des plans qui ne semblent pas connaître les limites de sa caméra.

L’éloge se fait récurrente désormais : Dune version 2021 a tout du lancement d’un univers solide car le metteur en scène est ce que fut Peter Jackson au Seigneur des Anneaux : un artisan passionné, conscient de l’importance du travail de « world-building » dans son exercice d’adaptation. De l’importance du langage (quel bonheur de ne pas découvrir des planètes ayant la langue de Shakespeare pour unique dialecte !) à une exposition consciencieuse des caractéristiques de cet « empire » carburant à l’épice, l’immersion proposée est celle que tout spectateur pouvait attendre d’une œuvre en salle pour ce retour en force du cinéma à grand spectacle.

Irrémédiablement, notre envie de voir ce geste de cinéma aller jusqu’au bout de ses intentions dans une seconde partie et un troisième opus (Le Messie de Dune) nous brûle comme rarement : Généreux, sublimé par la photographie unique de Greig Freser (à l’œuvre sur des décors – de la Jordanie à la Norvège – en prises de vues réelles, méthode qui fit le succès de Rogue One – A Star Wars Story de Gareth Edwards), Dune est le plus beau cadeau que vous apportera le septième art en 2021, le mariage de bien des genres et une porte ouverte à un cinéma hollywoodien plein de promesses et d’unicité, un grand miracle en soi.

Le sommaire de l’émission:

• Nos découvertes du film
• Impact du film sur la culture cinématographique et en général
• Discussion autour du film
• Scènes préférées
• Une future adaptation de Titanic ?

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Les crédits musicaux:

• My Heart Will Go On – Céline Dion
• Leaving Port – James Horner
• Never an Absolution – James Horner
• A life so changed – James Horner

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous espérons que vous apprécierez ce nouveau format et cette émission, n’hésitez pas à nous faire part de votre avis en commentaire ou sur les réseaux sociaux.

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Focus Titanic.mp3

 » – Je ne sais pas nager.

– Et vous partez en croisière quand même ? « 

Emily Blunt et Dwayne Johnson – « Jungle Cruise » de Jaume Collet-Serra (2021)

Ce n’est pas la première fois que Disney nous propose une adaptation live d’une attraction issue des parcs Disneyland. On l’oublie parfois un peu vite, mais avant d’être une excellente trilogie de pirates (Comment ça il y a cinq films ?), Pirates des Caraïbes est avant tout une super attraction. Pour Jungle Cruise c’est pareil, bien que malheureusement je n’ai pas pu tester cette dernière à mon grand regret.

Avec Jungle Cruise Disney renoue avec le genre de la grosse aventure familiale, c’est ce que je voulais voir et c’est ce que j’ai eu. Le film n’est certes pas exempts de défauts, certaines images puent le fond vert et certaines incrustations numériques sont parfois grossières. Néanmoins à la manière d’un George Lucas sur La Menace Fantôme (toutes proportions gardées bien entendu, je supporte assez mal la lapidation étonnamment) Jaume Collet-Serra fait une vraie proposition visuelle. C’est tout à son honneur, son dernier film de requins, Instinct de survie m’avait d’ailleurs bien marqué concernant son ambiance visuelle et c’est une constante chez le réalisateur. Son remake de La Maison de Cire avait de la gueule tout comme son plus connu, Esther ou encore dans une moindre mesure Sans Identité, des films qui sans être vraiment singuliers, demeurent tout de même pourvu d’ambiance visuelle souvent léchée. Jungle Cruise ne fait donc pas exception à la règle et se voit pourvu d’une photographie très propre et qui fait souvent merveille lors des scènes d’action, d’ailleurs très nombreuses ici.

Cette séquence d’évasion du port sinueux sur les rives de l’Amazone au début du film fait parfaitement mouche. La plupart des scènes d’action sont du même acabit. Côté casting c’est également du tout bon puisque Emily Blunt s’illustre parfaitement en aventurière intrépide, quant à Dwayne Johnson comme à son habitude, il sait parfaitement que c’est sur ce genre de rôle qu’il excelle. L’acteur a la délicatesse de se cantonner à ce genre de personnage et il le fait bien. Non pas qu’il ne serait pas intéressant de le voir dans quelque chose de plus dramatique (il s’en sort très bien aussi dans le registre de la comédie), on sait désormais qu’il porte sans problème un film d’action sur ses épaules sans passer pour autant pour la brute épaisse et bête. Jack Whitehall semble bien s’amuser également, même s’il demeure forcément moins marquant que les deux autres têtes d’affiche.

Là où le film fonctionne moins bien c’est sur son scénario. Efficace certes mais un poil tiré par les cheveux sur certains points. Gore Verbinski avait su trouver le ton juste avec sa trilogie de pirates, ce qui lui permettait d’allers parfois dans le fantastique pure tout en conservant sa fougue propre au film de pirates réinventé. Avec Jungle Cruise c’est plus compliqué, disons que l’univers est là, le cadre de l’action aussi, les personnages et les bonnes intentions, mais la mayonnaise peine parfois à monter. Certains détails sont trop étranges parfois et nous sorte un peu du simple film d’aventure. Mais peut-être que l’erreur se tient ici, dans le fait de n’en n’attendre qu’un gros film d’aventure à mi-chemin entre Indiana Jones et Pirates des Caraïbes ? Quoi qu’il en soit, il y avait probablement plus efficace et tout aussi divertissant comme idée à trouver. Quitte à aller dans le repompage d’idées, ce qui pour le coup n’aurait surpris personne.

Bref, Jungle Cruise n’est évidemment pas le film de l’année ni même de l’été, mais il n’en demeure pas moins un long-métrage drôle et divertissant, parfait pour mettre son cerveau sur off.

« Je suis femme, entendez-moi rugir ! »

Emma Stone – « Cruella » de Craig Gillespie (2021)

Parmi la pléthore des films lives proposés par Disney depuis quelques années, les créations originales se font rare alors que les remakes des classiques d’animation sont (trop ?) nombreux. Cruella fait un peu exception à la règle, puisque le remake live des 101 Dalmatiens il est sorti en 1996, réalisé par Stephen Herek avec l’inoubliable Glenn Close dans le rôle de la méchante. Dire qu’Emma Stone avait du pain sur la planche est une euphémisme.

Faisant le choix de donner un background à l’une des plus grandes méchantes de l’univers Disney, le film de Craig Gillespie n’excuse pourtant pas quelques faux pas, telle cette bêtise de présenter une Cruella enfant, nommée Ella, avec des cheveux noirs et blancs. La bêtise n’étant pas de présenter le personnage en tant qu’enfant, mais plutôt ce détails capillaire qui aurait eu plus de sens si il avait relevé plus tard dans l’intrigue, d’un choix du personnage de se teindre les cheveux afin de correspondre à l’image qu’elle se construit. Toutefois si on passe au-dessus de cette bourde, bien que forcément lancée comme ça dès les premières minutes l’inquiétude peut monter, on se retrouve pourtant avec un début d’histoire finalement pas si mal et même cohérent avec ce que l’on sait déjà du personnage.

Le film par la suite va se révéler tantôt rafraîchissant et divertissant, tantôt un peu bête malgré sa volonté de bien faire et de raconter quelque chose. Raconter quelque chose oui, c’est à souligner car finalement assez rare. Ainsi Emma Stone se révèle progressivement être une Cruella charismatique, qui rend à la fois hommage à la prestation géniale de Glenn Close tout en amenant sa propre touche, ce qui est évidemment fort appréciable. La star de La La Land se donne corps et âme, maquillée à outrance, souvent dôle et parfois très sombre. Cette Cruella version 2021 n’est pas une sainte et c’est tant mieux. Face à elle se tient avec prestance et conviction Emma Thompson, qui semble vraiment s’amuser avec ce personnage outrancier et détestable. Son plaisir de jeu est communicatif. Pour ce qui est du reste du casting, tout le monde s’en sort finalement plutôt bien, on ne note pas vraiment de faux pas ou d’interprétation foireuse.

En revanche côté réalisation, si cette dernière fait le job la plupart du temps, jonglant habilement avec la comédie visuelle et une mise en scène efficace à défaut d’être très inspirée, il faut souligner quelques points qui peinent à faire mouche. Notamment les animaux en images de synthèse. Certes ne pas employer de véritables chiens est compréhensible aujourd’hui, mais les incrustations des personnages canins font parfois un peu mal à la rétine, elles manquent de finesse. D’autant plus que le film remet en lumière un genre qui semblait éteint, celui du film où les chiens font des actions quasi humaines. Il y a des faux pas de ce côté-ci, même si bien entendu Cruella reste avant tout un film familial qui ravira sans nul doute les petits et les grands pas trop exigeants, je me considère d’ailleurs comme quelqu’un de moins exigeant avec le temps.

Néanmoins, comme c’était prévisible, Disney peine à faire de son personnage une vraie méchante. Ses intentions ne sont pas louables pour autant, mais on sent bien qu’il est difficile de lâcher la bride et qu’il faut constamment trouver des excuses aux motivations machiavéliques de l’héroïne, parce que s’en est une désormais. Le film demeure très raisonnable et ne prend pas beaucoup de risque, on évoque par exemple jamais l’emploi de la fourrure dans l’univers de la mode, sujet sans doute trop polémique (et à raison d’ailleurs), mais qui fait pourtant partie de l’ADN du personnage et qui aurait pu servir à nous la rendre moins sympathique. Parce que c’est bien ça le noeud du problème : Cruella est ici un peu trop sympathique et ce n’est pas vraiment ce que l’on recherche dans l’origin story d’une méchante emblématique.

En conclusion Cruella est un film assez prévisible mais néanmoins efficace. Si on y va en ayant l’espoir que Disney prendra des risques, alors c’est peine perdue. Mais si en revanche on espère juste voir le personnage s’étoffer un peu plus tout en sachant que Disney ne se mouillera pas trop, alors pourquoi pas.

« – Qu’est-ce que vous entendez exactement par : Vous êtes de retour ?

  – Des fois que vous redeveniez roi …

  – Quoi ?!

  – Oui, oui, ben c’est vrai que ça fait envie quoi. Après si vous le sentez pas … ben vous le sentez pas hein ! »

Alexandre Astier et Alain Chabat – « Kaamelott : Premier volet » de Alexandre Astier (2021)

ATTENTION : Spoilers sur la série possibles.

Dix ans, voilà même plus de dix ans que la série Kaamelott s’est achevée sur le petit écran. Après six saisons et un long silence radio, Alexandre Astier reprend les rennes de son oeuvre pour la transposer au cinéma. Une promesse de longue date à l’origine de tous les espoirs d’une communauté solide de fans.

Dans la culture populaire française, Kaamelott fait indéniablement partie de ces oeuvres qui occupent une place à part. Proposée au départ comme une série en format court de trois à quatre minutes pour remplacer Caméra Café sur M6 en 2005. Qui aurait pu croire qu’Alexandre Astier aurait pu aller jusqu’au bout de ses ambitions en proposant six Livres et ce premier film qui inaugure une trilogie ? Avec un sujet pareil, un humour aussi marqué et casse-gueule ? Pas grand monde, certains voulant surfer sur la vague de l’histoire anachronique s’y sont même cassé les dents (La Petite Histoire de France). Pourtant nous y voilà, plus de dix ans après et une pandémie mondiale repoussant encore l’échéance, Kaamelott : Premier volet sort enfin en salles et en grandes pompes s’il-vous plaît. La France toute entière semble dérouler le tapis rouge, malgré la situation sanitaire, fière sûrement de cette saga bien de chez nous. Que l’on se rassure : il y a de quoi fanfaronner !

Pour situer un peu les choses (en gros), à la fin du Livre VI qui n’était pas la suite du Vème mais bien un flashback sur les jeunes années d’Arthur dans la milice urbaine romaine, l’empire de César étant sur le déclin, le dernier épisode reprend là où s’était arrêté la saison précédente. Arthur se reposant à Tintagel fini par abdiquer en faveur de Lancelot, car trop faible et anéanti par la découverte de sa stérilité. Mais l’ombre de Méléagant plane toujours sur Lancelot, et ce dernier ne tardera pas à brûler la Table Ronde et à traquer les chevaliers fidèles au seul roi capable d’extirper Excalibur de son rocher. Quant à Arthur justement, il est mit à l’abris par le marchand Vénec et finira par retourner à Rome. La dernière scène de la série, dans un formidable hommage à De Funès, montre Arthur semblant reprendre le dessus. Dans l’univers de Kaamelott comme dans la réalité, dix années passeront pour nous amener aux évènements du film. Arthur a donc disparu, les chevaliers se sont organisés en une résistance sous la houlette de Perceval et Karadoc à la tête du clan des Semi-Croustillants, et Lancelot quant à lui se révèle être un régent tyrannique. Je n’en dirais pas plus pour ne rien spoiler du film.

Que dire alors de ce premier volet de Kaamelott au cinéma ? Beaucoup de choses. La première c’est que le film est beau, visuellement parlant, tout est léché et la photographie pleine de clairs-obscures sied parfaitement à l’ambiance et au ton qu’arbore le film. Car qu’on se le dise, le film est aussi drôle que sombre et épique qu’émouvant. L’épique et l’émotion sont d’ailleurs les deux nouveaux ingrédients qui s’ajoutent à la recette originelle. Astier distille dans son film des instants de bravoure et de remise en question, il jauge habilement l’humour et le drame. Dit comme cela on pourrait croire que le film ne fait qu’arborer le ton et l’ambiance des deux dernières saisons de la série. C’est pourtant bien différent car le film est finalement une synthèse assez maligne de l’ensemble de la série, on y retrouve autant les séquences drôles caractéristiques des quatre premières saisons et les passages bien plus sombres et mélancoliques des deux dernières. En cela l’écriture se révèle à nouveau être la véritable force de l’œuvre d’Alexandre Astier. Toujours armée de son verbe fleuri et des anachronismes linguistiques qui vont avec, l’écriture du film est remarquable à bien des égards, tant cette dernière parvient à transmettre aussi bien les émotions d’un Arthur plus que jamais en pleine introspection, que la vaillance de ses chevaliers qui malgré leur bêtise apparente, ont conservés la foi qu’ils avaient en leur roi.

Mais avec Astier aux commandes, l’écriture n’était pas à craindre, la série ayant déjà fait montre de ce que le bonhomme a sous la sandale. En revanche là où le film demeurait intrigant c’était sur sa narration. Comment mettre en images un univers qui nous est aussi familier que celui-ci ? Parce que de la fameuse Kaamelott par exemple, on en connait surtout les intérieurs mais à quoi peut-elle bien ressembler en fin de compte ? C’est là qu’à mon humble avis le film devient génial, parce qu’il donne une toute autre perspective à la série. En montrant les personnages dans leur univers et en sortant du microcosme imposé par le format télé, le royaume de Logres se révèle immense au sein d’un monde qui l’est tout autant. L’univers de Kaamelott devient ici tangible et vrai, immersif et varié comme en témoigne ces séquences superbes en Méditerranée.

Bien entendu cet univers ne serait rien sans les comédiens talentueux qui lui donnent vie. Non sans émotion, on retrouve toutes les têtes familières, Leodagan toujours campé par l’immense Lionel Astier, à ses côtés Joëlle Sevilla toute aussi géniale, mais aussi bien sûr Franck Pitiot et Jean-Christophe Hembert, Anne Girouard, Thomas Cousseau, Audrey Fleurot, François Rollin, Alain Chabat, Antoine de Caunes et Jacques Chambon. Mais aussi les personnages plus secondaires mais pas moins géniaux campés par Christian Clavier, Serge Papagalli, Loïc Varraut, Bruno Fontaine ou encore les nouveaux sous les traits de Guillaume Gallienne, Sting et Clovis Cornillac. Le bonheur en somme, ou plutôt la joie de vivre et le jambon comme dirait Karadoc.

Bien sûr et c’est inévitable tant son aura plane partout : Alexandre Astier. J’emploierais la première personne du singulier pour cet ultime paragraphe, impossible de faire autrement tant celui-ci va être personnel et subjectif. Je sais qu’il n’est pas forcément de bon goût de galvauder certains termes, mais tant pis j’ose, car quand j’y pense c’est bien seulement le mot génie qui me vient en tête pour parler d’Alexandre Astier. Du génie parce qu’il en faut pour être à la fois acteur, réalisateur, compositeur et même monteur sur son propre projet, je suis d’ailleurs sûr que j’oublie quelques casquettes. Mais au-delà de cela, dans notre horizon des artistes en France, force est de constater que s’il y en a bien un qui se détache du lot c’est lui. Il n’est pas le seul bien sûr, mais comment exprimer autrement que cela me met toujours en joie de l’écouter parler franchement en interview, sans filtre, n’hésitant pas à pointer du doigt les vrais problèmes, notamment ceux qui peuplent le petit écran. Humainement parlant et artistiquement tout se recoupe, Astier est un passionné et inéluctablement il devient passionnant. Je me souviens de ce passage où il expliquait à quel point cela l’attristait de voir qu’aux heures de grandes écoutes à la télévision, c’était en quelques sortes festival des crétins. Que là où on avait la possibilité d’apprendre des choses aux gens, de piquer leur curiosité pour leur donner envie de découvrir des choses et d’élargir leurs horizons, on ne saisissait pas cette chance et qu’on préférait leur proposer pléthore de programmes qui n’apportent rien de plus si ce n’est qu’un nivellement par le bas des masses. Et bien Kaamelott c’est aussi pour cela que c’est génial, parce que malgré le ton volontairement anachronique, jamais Alexandre Astier n’a dénaturé son support d’origine. Une comédie dramatique certes, mais au début du Moyen-Âge avec des thématiques et des problématiques propre à cette époque. Personne n’est idiot dans Kaamelott, chacun a sa propre logique, voit le monde par son propre prisme, et le plus beau c’est que tout le monde s’influence. Je terminerais donc là-dessus, en adressant un immense merci à Alexandre Astier de faire ce qu’il fait, comme il le fait et pourquoi il le fait. MERCI !

Ainsi donc, puisqu’il faut bien conclure, Kaamelott : Premier volet s’avère être à la hauteur des attentes, comme à son habitude Astier a fait les choses comme il l’entendait et pas comme les fans le voulaient. Seul maître de son bateau. Certes on pourra peut-être trouver à redire sur la mise en scène, parfois un peu expéditive, mais à cela il faut quand même souligner que la vraie mise en scène du film c’est par la musique qu’elle passe, nous prouvant une fois encore que Kaamelott ne se résume pas seulement à quelques blagues sur la saucisse autour d’une table ronde entre deux quêtes pour trouver le Graal, non. C’est bien plus grand que cela, bien plus.

« Il y a des milliard de choses que l’on se croit incapable d’accomplir,

alors qu’il suffirait d’essayer. »

Emma Berman, la VO de Giulia – « Luca » de Enrico Casarosa (2021)

Le dernier né des studios Pixar sort donc directement sur Disney+ et c’est regrettable. Voilà bien un début de critique peu réjouissant, mais il ne pouvait en être autrement : Luca mérite le plus des écrans. Malgré tout il faudra se contenter d’une bonne vieille télé pour plonger dans cette aventure italienne et colorée.

Un jeune monstre aquatique qui, comme tous les enfants, cherche à briser les interdits pour découvrir le monde et grandir. Son aventure l’amènera à rencontrer un autre jeune garçon comme lui qui l’embarquera dans sa quête de liberté, tout cela les mènera à découvrir le monde des humains, personnifié ici par le sympathique village italien : Porto Rosso. Un pitch simple qui ne brille certes pas par l’originalité de son propos, mais que Pixar parvient à sublimer à bien des égards par de nombreux sous-textes et une poésie visuelle merveilleuse. Ne s’appliquant pas seulement à jouer de manière habile sur l’écriture de l’imaginaire enfantin et l’ambiance visuelle qui l’accompagne, Luca nous parle aussi d’identité, de reconnaissance et de l’acceptation de l’autre.

Comme bien souvent chez Pixar les films sont à deux niveaux de lecture. Certes des oeuvres comme Soul sont parfois trop complexes pour un jeune public, mais Luca est un bon entre-deux. Le film révèle posséder toutes les qualités traditionnelles du studio, il est aussi drôle que touchant, divertissant que profond et animé avec une passion qui transpire à l’image. Luca est un beau c’est un fait, de la gestion de l’eau aux détails sur les visages pourtant très cartoonesques des personnages, Porto Rosso est un petit écrin de vie tangible et réjouissant. La carte postale des Cinque Terre sur la Riviera italienne est bien présente et quelle belle inspiration ! Parce que Luca c’est aussi cela, l’Italie. Les pâtes au pesto, le langage aussi visuel que mélodique, les couleurs des décors et des personnages aux caractères latins bien trempés. Un peu comme pour Coco, Luca invite aussi au voyage.

Mais des qualités techniques et visuelles ne font pas tout, et Pixar nous a toujours habitué à parler des gens et des communautés dans ses long-métrages. Ici bien que cela ne soit pas officiel, difficile de ne pas voir dans la relation Luca/Alberto une bromance en devenir comme en témoigne la jalousie de l’un face aux actions et choix de l’autre. Quand bien même rien n’est directement évoqué, difficile ne pas lire entre les lignes. Certains diront qu’il ne faut pas chercher trop loin non plus, mais compte tenu de la clarté du film sur le sujet et le désir d’inclusion de la maison mère Disney, difficile de passer à côté. Néanmoins tout le film ne repose pas que sur cela, il parle aussi de l’amitié et de tolérance, il évoque aussi l’idée que les apparences sont trompeuses et peuvent révéler de belles surprises. En somme le long-métrage rappelle à tout le monde, puisque c’est toujours nécessaire (et ça c’est triste), que les êtres-vivants sont complémentaires et plus forts ensemble, que la division ne mène à rien.

Luca est un donc un Pixar peut-être plus mineur que d’autres, mais il n’en demeure pas moins être une belle surprise pleine de couleurs et de vie portée par un formidable élan positif. En plus le film met en appétit !

Le sommaire de l’émission:

• • Notre découverte de la saga
  • Matrix
  • Matrix Reloaded
  • Matrix Revolutions
  • Ce que l’on sait de Matrix 4 et nos attentes pour celui-ci

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Les crédits musicaux:

• Clubbed to Death – Rob Dougan
• Look to your orb for the warning – Monster Magnet
• Sleeping Awake – POD
• Navras – Juno Reactor vs Don Davis
• He’s the One alright – Don Davis
• Wake Up – Rage Against the Machine

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous espérons que vous apprécierez cet épisode, n’hésitez pas à nous le faire savoir via les commentaires ou réseaux sociaux !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Saga Matrix.mp3

« C’est peut-être parce que la confiance a disparue que le monde va mal. »

Géraldine Nakache, la VF de Sisu – « Raya et le dernier dragon » de Don Hall, Carlos Lopez Estrada, Paul Briggs et John Ripa (2021)

Un nouveau film d’animation Disney c’est à chaque fois un événement, mais la sortie de Raya et le dernier dragon est un peu particulière. Cause de pandémie mondiale oblige, du moins c’est ce que les dirigeants de Disney aimeraient nous faire croire, Raya n’est pas sorti en salles mais bien sur Disney+ chez nous en France.

A bien des égards, la plateforme Disney+ ne brille pas de mille feux concernant la variété de ses créations originales concernant les films. Certes Raya est une exception à la règle, mais le film n’était clairement pas destiné à être vu sur un petit écran, sa puissance visuelle en est une preuve irréfutable. J’ose encore espérer que le cas de Raya est isolé, comme celui de Mulan, après tout Cruella sortira bien en salle, alors que pour le coup ce dernier aux vues de la bande-annonce pourrait se contenter d’une sortie directement sur la plateforme, mais c’est un autre débat. Quoi qu’il en soit pour Raya et le dernier dragon à l’instar de Soul et Luca, nous devrons nous contenter de nos écrans à la maison, qui aussi qualitatifs soient-ils ne remplaceront jamais l’ambiance et l’excitation de découvrir un nouveau film en salle. Je me répète sûrement et je passe vraisemblablement pour un grincheux, mais je peine vraiment à admettre que la firme Disney ai perdu conscience des émotions que les salles procurent.

Le dernier film d’animation des studios Disney est donc une réussite sur plusieurs points, notamment visuellement comme dit plus haut, mais pas que. Car quand bien même son scénario en forme de parcours initiatique ne transpire pas l’originalité, Raya et le dernier dragon ne manque pas pour autant de profondeur quant à la caractérisation des personnages et leur potentiel sympathie à l’écran. Tous forment une troupe hétéroclite où chacun existe. Pour ce qui est du reste du scénario, tout est assez balisé mais cela convient finalement très bien à la quête menée par les personnages. Pour ma part le seul bémol c’est le Druun, autrement dit la force maléfique qui a poussée les dragons à se sacrifier par le passé pour sauver l’humanité. A l’image comme dans l’intention, ce Druun manque d’impact. Une mélasse violette qui transforme tout en pierre sur son passage. Même dans le fond si on tente de lire entre les lignes, ce n’est pas très clair.

Doit-on y voir une dimension sur l’environnement et l’écologie ? L’impact de l’homme sur la nature ? Pas vraiment puisque les humains de Kumandra ne sont pas à l’origine du Drunn ou de son apparition. En revanche si certes l’antagoniste principal du film est finalement un élément plus qu’un personnage, il permet de mettre en avant de jolies perspectives quant aux fameuses morales propres aux films d’animation Disney. Ici il est question de cohésion et de confiance, l’union faisant la force pour sortir de l’impasse. Difficile de dire que dans l’époque où nous vivons cela n’a pas de sens, tant sur le plan écologique que sur celui de la pandémie qui frappe actuellement le monde, ce ne sont bien sûr que deux exemple. On pourrait aussi y inclure les inégalités et la racisme.

On pourra donc trouver à redire sur le scénario de Raya, pour ma part je n’avais pas d’attente particulière, j’étais simplement curieux, comme c’est souvent le cas concernant Disney en ce qui me concerne. Si je devais le comparer à Vaïana, la production récente la plus proche en terme d’univers et de personnage, Raya fait figure de Disney mineur. Ce qui ne veut pas pour autant dire qu’il n’a aucun intérêt dans le grand édifice qu’est la filmographie des studios aux grandes oreilles. A l’instar d’un Atlantide ou d’un Kuzco, Raya est un Disney qui marque par son univers, son absence de chanson ou bien encore le ton qu’il revêt. Du reste, l’aventure de Raya frappe par sa porté humaine et visuelle. Kumandra est absolument magnifique, riche de divers biomes à l’image d’un Zootopie. Les environnements et les décors fourmillent de détails, la gestion de l’eau est superbe et les ambiances de nuit sont à tomber. Quant aux dragons ils reprennent la forme traditionnelle des descriptions propres aux mythes orientaux, nous rappelant bien sûr le cultissime Mushu qui accompagnait Mulan. Sisu est une dragonne à la fois drôle et gracieuse, les détails du personnage sont impeccables.

Raya et le dernier dragon est un film qui casse certains codes propres aux productions Disney, tout en étant pourtant le produit classique du studio. Une histoire de bien et de mal, de compassion, mais sans chanson. Une belle réussite qui méritait absolument une sortie en salle pour pouvoir en apprécier pleinement toute la portée visuelle certes, mais aussi parce qu’il s’agit d’un film fédérateur.

Top 10 Commun

Numéro 1 : The Tree of Life

Numéro 2 : Mad Max Fury Road

Numéro 3 : Black Swan ex æquo avec Inception

Numéro 4 : Baby Driver

Numéro 5 : Cloud Atlas

Numéro 6 : Mommy

Numéro 7 : La La Land

Numéro 8 : Moonrise Kingdom

Numéro 9 : Le Monde de Charlie ex æquo avec Au Revoir là-haut

Numéro 10 : Zootopie ex æquo avec Gravity

Top 10 d’Anne-Laure

Numéro 1 : Moonrise Kingdom

Numéro 2 : Le Souffle

Numéro 3 : Le conte de la Princesse Kaguya

Numéro 4 : Leto

Numéro 5 : Annihilation

Numéro 6 : Au-delà des montagnes

Numéro 7 : A Ghost Story

Numéro 8 : Interstellar

Numéro 9 : An Elephant Sitting Still

Numéro 10 : A girl walks home alone at night

Top 10 d’Axel

Numéro 1 : Zootopie

Numéro 2 : Baby Driver

Numéro 3 : Les 8 Salopards

Numéro 4 : Black Swan

Numéro 5 : La La Land

Numéro 6 : Vice Versa

Numéro 7 : Nos Souvenirs

Numéro 8 : Cloud Atlas

Numéro 9 : Mademoiselle

Numéro 10 : The Grand Budapest Hotel

Top 10 d’Eddy

Numéro 1 : The Tree of Life

Numéro 2 : Black Swan

Numéro 3 : Agora

Numéro 4 : Avatar

Numéro 5 : Cloud Atlas

Numéro 6 :Once Upon a Time… in Hollywood ex æquo avec Mommy

Numéro 7 : Call me by your name

Numéro 8 : Gone Girl

Numéro 9 : La La Land

Numéro 10 : Coco

Top 10 de Morgan C

Numéro 1 : Mad Max Fury Road

Numéro 2 : Batman V Superman

Numéro 3 : Spider-Man New Generation

Numéro 4 : Logan

Numéro 5 : Whiplash

Numéro 6 : Baby Driver

Numéro 7 : Kick Ass

Numéro 8 : Blackfish

Numéro 9 : It Follows

Numéro 10 : Nous trois ou rien

Top 10 de Morgan L

Numéro 1 : Gravity

Numéro 2 : The Tree of Life

Numéro 3 : Parasite

Numéro 4 : Inception

Numéro 5 : Cloud Atlas

Numéro 6 : Premier Contact

Numéro 7 : La Piel que Habito

Numéro 8 : La La Land

Numéro 9 : Mission Impossible Protocole Fantôme

Numéro 10 : Get Out ex æquo avec Us

Top 10 d’Oriane

Numéro 1 : Au revoir là-haut

Numéro 2 : A Beautiful Day

Numéro 3 : Swiss Army Man

Numéro 4 : Django Unchained

Numéro 5 : Joker

Numéro 6 : The Tiger

Numéro 7 : Mad Max Fury Road

Numéro 8 : La forme de l’eau

Numéro 9 : Traque à Boston

Numéro 10 : Mommy

Top 10 de Quentin

Numéro 1 : Le Monde de Charlie

Numéro 2 : Inception

Numéro 3 : The Grand Budapest Hotel

Numéro 4 : Dragons

Numéro 5 : Mommy

Numéro 6 : 120 battements par minutes

Numéro 7 : Mad Max Fury Road

Numéro 8 : Drive

Numéro 9 : Gone Girl

Numéro 10 : Premier Contact

« Tout à un coup, y compris la vérité. »

Gal Gadot – « Wonder Woman 1984 » de Patty Jenkins (2021)

Il y a de quoi partir peu confiant sur Wonder Woman 1984, cela même si le premier volet était une réussite. Patty Jenkins de retour à la réalisation nous promettait un film pop et coloré, mais qu’en est-il vraiment ?

Alors qu’en 2016 Zack Snyder introduisait la célèbre Amazone au sein du DCEU dans Batman v Superman, le temps était venu pour l’héroïne d’avoir son propre film solo. Ce dernier avait créé à la surprise en étant à la fois rentable au box-office et en faisant même presque l’unanimité du côté des critiques, un succès que l’on aurait pas soupçonné tant la mise en place de l’univers étendu de DC au cinéma semblait chaotique. C’est donc tout naturellement que Wonder Woman a droit à une suite, qui ne se place non pas après les évènements de la Justice League, mais plutôt dans la continuité du premier volet.

Diana Prince après avoir sauvé le monde de la fureur d’Arès, mène une petite vie somme toute assez rangée entre son travail au musée de Washington D.C. et sa condition de super-héroïne. Sa nouvelle collègue Barbara Minerva est même plutôt sympathique bien qu’un peu gauche, mais Diana l’aime bien, c’était en revanche sans compter sur Maxwell Lorde, un tocard bien décidé à devenir le « numéro 1 » mondial par tous les moyens. Une chose en entraînant une autre, une mystérieuse pierre antique amènera progressivement le chaos et forcera notre héroïne et ses antagonistes à faire des choix.

Wonder Woman 1984 frappe en premier lieu avec son changement de ton, c’est je crois d’ailleurs un bon résumé du film dans ce qui le différencie de son aîné. Là où la Seconde Guerre Mondiale faisait rage dans le premier film, ici c’est en pleine Guerre Froide (relativement peu évoquée) que le film prend place, le premier volet fonctionnait car il parvenait à jauger habilement sa dimension dramatique et sa tangente super-héroïque liée à Diana Prince. Malheureusement le souffle épique est trop souvent absent de Wonder Woman 1984, point de scène d’ampleur telle que celle du No Man’s Land dans le film précédent, Patty Jenkins ne propose que le minimum syndical en terme de mise en scène et bon nombre de séquences qui étaient sensée faire mouche tombent malheureusement à plat.

Pire encore, les personnages manquent pour la plupart de relief. Si Pedro Pascal en grand méchant n’est déjà pas en soi une évidence, force est de constater qu’en plus d’avoir un rôle écrit avec les pieds, l’acteur en fait des caisses. Jamais juste et constamment dans la grimace. Voilà déjà un élément problématique. Mais c’est sans compter sur le personnage de Cheetah campée par Kristen Wiig. Le traitement de Cheetah qui est tout de même sensée être la pire ennemie de Wonder Woman, n’est pas convaincant du tout. Exit l’histoire du rituel et du sacrifice pour devenir la super-prédatrice, un simple vœu formulé à côté de la machine à café suffit ici. C’est dommage car l’actrice ne s’en sort pas si mal pourtant, mais le personnage reste bien trop insipide à l’écran. Sans compter sur son design qui à lui seul démontre qu’il existe encore plus traumatisant que la bande-annonce de Cats.

En somme hormis une Gal Gadot toujours impeccable et un Chris Pine plus léger ici certes, mais néanmoins convaincant, il n’y a pas grand chose à sauver de ce Wonder Woman 1984. Trop long, trop kitch, mal écrit et trop rarement divertissant. En espérant que la réalisation saura tirer les leçons de ces erreurs sur le troisième volet, d’hors et déjà annoncé.

J‘adore le cinéma. C’est un fait. Pourtant, lorsqu’il s’agit de films dits « cultes », acclamés et reçus merveilleusement bien tant par le public que par les médias ou les institutions, rien à faire : je traîne. J’ai un mal fou à passer le cap du visionnage, quelque chose me retient. Je suis partagée entre deux justifications. Premièrement, la peur de la déception : et si, moi, je n’en avais rien à fiche de ce film ? Et si le propos ne me touchait pas le moins du monde ? Est-ce que cela fait de moi une mauvaise amatrice de cinéma (la réponse est bien évidemment non) ? Vient ensuite le syndrome inverse. Vous savez, ce sentiment que plus rien ne sera jamais pareil après avoir visionné un film qui vous a bouleversé, que vous ne serez pas prêt de retrouver une œuvre qui arriverait à le cheville de cette dernière. Je n’aime pas trop cette impression car elle (m’)encourage à déprécier d’autres films, alors parfois je préfère éviter les chefs-d’œuvre pour ne pas laisser de côté ces petits plaisirs légers voire coupables. Néanmoins, cette fois je ne me suis pas débinée : j’ai enfin vu Les  Evadés.

Honnêtement, je ne suis pas fan de ce titre français. Pas parce qu’il spoile une partie du dénouement mais parce qu’il donne de l’importance à cette même partie de l’intrigue qui n’est pas si pertinente. Je lui préfère largement le titre original de « Shawshank Redemption », beaucoup plus intéressant et qui honore bien mieux le film. Mais j’écris en français donc cela restera Les Evadés, j’ai simplement tenu à ce que ce titre en VO apparaisse dans ma critique. Cette petite précision faite, direction une autre : de quoi parle ce film ? Les Evadés c’est l’odyssée d’Andy Dufresne, banquier condamné à la double perpétuité pour le meurtre de sa femme et son amant. Meurtre qu’il n’a pas commis. A Shawshank, Andy trouvera des amis, vivra parmi les pires évènements de sa vie, se fera un nom et partira. Le film est également, non pas le portrait de la vie en prison mais celui des prisonniers. On a tous déjà pu voir des films qui traitent du monde carcéral d’ici et d’ailleurs mais, à ma connaissance, jamais de cette manière. Ici, il y a là l’envie de nous présenter des individus et ce, sous des facettes moins connues lorsqu’ils sont entre quatre murs : leurs faiblesses, leurs bontés, leurs goûts… Rappeler que ce sont des humains, qui ont tous commis une erreur impardonnable (lorsqu’ils ne sont pas innocents !) mais qui ont tous leurs charmes.  J’apprécie beaucoup ce regard qui va plus loin : pourquoi les présenter par leurs crimes alors que nous savons déjà que leur place se trouve en prison ? C’est pour cela que si Red commence à évoquer son crime, nous n’en saurons jamais qui est la victime ou son mobile car la révélation est abandonnée en cours de route. Par contre, nous apprenons qu’il aime jouer de l’harmonica. Et, c’est peut-être ça qui est le plus intéressant. 

Au-delà de l’individualité, il y a aussi une grande place pour dépeindre l’intérêt de la communauté, et en même temps c’est tout naturel. Comment s’en sortir en prison si l’on ne parvient pas/refuse de s’intégrer au groupe ? La réponse que nous donne le film est simple : on ne peut pas. Le nombre de plans d’ensemble nous rappelle bien sûr que le quotidien en prison c’est 90% de temps passés en groupe : repas, travail, temps libre, et même hygiène personnelle et Andy avait tout intérêt à se faire des amis. Il se trouve qu’il a un certain talent pour s’attirer les sympathies, pour se mettre les gens dans la poche, mais concernant Red, Haywood, Brooks et tous les autres on sent une réelle sincérité, ce qui rend leurs moments passés ensemble très touchants, au point d’en oublier complètement que ce sont des criminels. On veut leur bien-être, on veut qu’ils s’en sortent. Ce qui m’amène à ce qui est pour moi l’un des points fondamentaux soulignés par le film : ne pas sous-estimer l’importance de la réinsertion et dénoncer ce qu’appelle Red l’institutionnalisation. Il s’agit d’une réaction quasi inexorable de chaque prisonnier qui, lorsqu’il est à l’aube de sa liberté, est pris d’une peur panique de celle dont il a tant rêvé. Il la rejette en bloc, trop installé dans le confort rassurant d’une chambre à barreaux, d’un plateau-repas indigeste, d’une longue journée de travail laborieux et du fruit d’une perte fulgurante d’autonomie. De cette sorte, comment parvenir à (re)devenir un citoyen comme un autre quand la seule aide qui leur est apportée est une chambre de bonne et un job d’étudiant après être lâché en pleine jungle : celle du quotidien de Monsieur tout le monde. Ainsi, on comprend aisément la réaction désespérée de Brooks, qui, sur un coup de folie, se sent prêt à tuer pour rester où il est. Le cas de Brooks est d’ailleurs déchirant, et j’ai eu une compassion énorme pour le personnage car on comprend très bien la détresse que peut ressentir un ancien détenu (repenti) après sa sortie de prison et le décalage absolu que cela doit être de se confronter à une société dont on a été exclu pendant des dizaines d’années. D’autant plus à une époque où le progrès fuse et où les évènements historiques sont fulgurants. Et malgré toutes les difficultés qu’il a supportées en prison, c’est la vie normale, le quotidien de l’innocence qui l’a tué…On se rend aussi compte que jusque-là Red ne faisait pas beaucoup d’efforts pour obtenir la liberté conditionnelle, puisqu’en prison il a tout : statut, amis, sécurité, toit. Dehors, il n’a rien. Le film pose alors la question suivante :

La liberté vaut-elle la peine de perdre tous ces acquis obtenus derrière les barreaux ?

Parlons désormais du dénouement car ce dernier m’a captivée ! J’ai aimé la façon dont le plan rusé d’Andy se déroule au nez et à la barbe aussi bien du spectateur que de Norton et des autres détenus. En servant les intérêts de ses camarades, il a très discrètement servi les siens. Comment imaginer qu’Andy aura réussi à prévoir son évasion de A à Z,  que la fausse identité créée pour blanchir l’argent de Norton sera une aide précieuse à Andy pour se faire oublier d’une facilité déconcertante ? On doit tout ceci à la fluidité des scènes, qui s’enchaînent superbement bien et à l’amitié que l’on se prend à éprouver pour les personnages. Le tandem Morgan Freeman / Tim Robbins y est bien sûr pour quelque chose, on les sent réellement imprégnés par leurs rôles respectifs.

Arrivé au générique, nous voilà devant un film traitant de sujets lourds (un homme condamné à passer sa vie et plus encore en prison à tort , la vie carcérale, le suicide, l’abandon des anciens prisonniers) mais parvenant à délivrer un message paradoxalement des plus humains tout en nous faisant le vivre. Les Evadés est devenu pour moi la meilleure représentation ou du moins, l’une des meilleures représentations ( Je n’oublie pas Midnight Express ou plus récemment Un Prophète qui sont aussi excellents) de l’univers carcéral. 

Et parce qu’il s’agit d’une de mes scènes préférées du film, je vous laisse la revivre avec la musique, pour conclure ma critique : 

« Nous vivons dans une société où l’honneur est un lointain souvenir. »

Jared Leto – « Zack Snyder’s Justice League » de Zack Snyder (2021)

La voici enfin, la version à la fois tant attendue et redoutée de la Justice League de Zack Snyder. Projet laissé de côté par le réalisateur en 2016, suite à un drame familial, puis reprit par Joss Whedon pour finalement échouer dans les salles en 2017. La vision d’origine du réalisateur de Man of Steel est-elle la hauteur du tapage médiatique qui l’entoure ?

Avec les versions longues et les director’s cut, on s’attend avant tout à voir des films plus vastes, plus riches. Ces versions parfois dévoilent aussi pourquoi elles ne sont pas sorti ainsi dans les salles obscures. Fort heureusement ici ce n’est pas le cas, la mouture proposé par Zack Snyder vient rappeler à quel point le film de Joss Whedon aussi divertissant pouvait-il être, demeurait malgré tout bien en-dessous de son potentiel. Remaniant totalement le montage de Whedon, Snyder propose ici un film aussi dense que réjouissant. Certains diront que le long-métrage ne fait de plus que s’attarder sur des détails cosmétiques et sur des scènes à rallonge sur la psychologie des personnages, pour ma part j’y vois l’inverse. Certes en terme de détails visuels, d’ambiance et d’effet-spéciaux, cette Snyder Cut s’avère bien supérieure que la version de 2017, également plus cohérente car rappelant les deux premiers films du DCEU. Concernant les personnages, c’est assurément ici que le film tire sa plus grande force, puisque ces derniers existent désormais tous au sein de la Ligue, comme en témoigne le traitement de Cyborg bien plus intéressant et qui voit ici son rôle comme un élément essentiel du long-métrage.

En terme de scénario, force est de constater également que celui-ci bénéficie d’un traitement bien plus poussé. Les motivations de Steppenwolf, qui n’est plus à proprement parler le seul grand méchant d’ailleurs, sont plus claires. Exit l’unique dimension du méchant très méchant qui veut anéantir le monde. On laissera ça à Darkseid dont la présence sert à reposer les enjeux mais surtout à redéfinir le personnage de Steppenwolf. Du côté des justiciers, c’est Clark Kent dont le personnage bénéficie également d’un traitement plus fin. Nouveau costume pour une dramaturgie plus présente et cohérente au sein de l’univers du film. Zack Snyder sait faire de son Superman le vrai symbole qu’il est censé être. Quant au reste, on notera que malgré ses quatre heures, le film sait aussi divertir. En étoffant son scénario, il parvient aussi à proposer bon nombre de scènes aussi oniriques que dantesques. D’ailleurs de manière générale, Snyder redonne à ses personnages la dimension « icônisante » qui manquait tant au film de Joss Whedon. Pour terminer on notera que Junkie XL revient pour la bande-originale à la place de Danny Elfman, dont les choix étaient parfois étonnants sur le score du film de 2017.

Zack Snyder’s Justice League s’avère donc être un film bien plus satisfaisant et cohérent au sein de son propre univers. Le long-métrage dévoile ce qui devait être l’ultime film de super-héros. Une histoire bien étrange que celle-ci, comme le phénix renaissant de ses cendres, Zack Snyder opère ici une véritable résurrection.

• Le verdict des auditeurs sur l’émission précédente
• Les Couloirs du Temps: Les Visiteurs 2 (1998)
• Les Rois Mages (2001)

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Les crédits musicaux:

• The Man with the Golden Gun (Instrumental) – The Ian Rich Orchestra
• Plastic Love – Mariya Takeuchi
• Voices from the Past – Eric Lévi
• I Was Born to Love You – World’s Apart
• El Dounia – Phileas Fogg & Jeff de la Cruz
• La liberté d’aimer – Frederix François

« Il faut résister au mal. »

August Diehl dans le rôle de Franz Jägerstätter – « Une vie cachée » de Terrence Malick (2019)

Voilà déjà bientôt dix ans que Terrence Malick remportait la Palme d’or à Cannes pour The Tree of Life. En l’espace de neuf ans le réalisateur a sorti plus de films qu’il ne l’avait fait depuis La Balade Sauvage, son tout premier, et La Ligne Rouge près de vingt ans après.

Bien loin de l’errance dans laquelle on raconte qu’il serait tombé, Terrence Malick a fait du chemin depuis son précieux sésame cannois. Quatre films plus expérimentaux, dont un documentaire, et le voilà qui revient avec Une vie cachée, ou la biographie de l’objecteur de conscience autrichien Franz Jägerstätter. Un film qui semble s’imposer par bien des aspects comme une apogée, une oeuvre somme qui vient finalement conjuguer les récentes réalisations du metteur en scène en un long-métrage plus linéaire, plus « grand public » pour faire simple. Car effectivement si quelque chose marque d’emblée dans le dernier rejeton de Terrence Malick, c’est que s’il arbore les atours plastiques d’un Tree of Life ou Knight of Cups, il s’avère en revanche bien moins nébuleux sur le plan narratif. Une vie cachée répond aux schémas classiques d’un long-métrage de cinéma, ce qui ne veut pas pour autant dire que l’oeuvre demeure moins forte ou marquante sur le plan visuel. On retrouve ce qui fait le sel de la mise en scène Malickienne, avec la steadycam, le grand angle et bien évidemment une volonté de contemplation.

A vrai dire si je devais citer un film auquel Une vie cachée m’a le plus fait penser, ce serait sans nul doute La Ligne Rouge. Effectivement et de diverses manières, ce nouveau film s’avère être un long-métrage sur la guerre, c’est à dire centré sur l’humain en temps de guerre. Mais ici il s’agit surtout d’un couple durant la guerre, de comment une famille peut imploser face à l’horreur, quand les convictions sont plus fortes que la mort. C’est de cela que parle le film, et d’amour aussi. Ce n’est pas la première fois que Malick aborde l’amour dans son cinéma bien sûr, mais c’est peut-être la première fois qu’il en explore toute l’importance au sein d’une existence. Sur ce point précis, le film est déchirant, par son propos bien sûr mais aussi grâce au jeu sans faille et bouleversant de Valerie Pachner. Lumineuse et touchante, comme August Diehl, lui aussi saisissant.

On retrouve donc ici tout ce que Malick sait faire, tout ce qu’il fait de plus beau et il conjugue tout son savoir-faire en un film aussi poignant que fort, émouvant qu’intense. Des émotions viscérales qui viennent mettre en lumière une histoire intime mais qui par ce biais justement vient rappeler qu’elle ne fut certainement pas unique. Une vie cachée nous rappelle l’horreur d’une guerre encore très présente dans nos consciences. Présente car elle caractérise la plupart des maux qui accablent le monde dans lequel nous vivons. Le film, comme La Ligne Rouge, est universel dans son propos et ses personnages. A nouveau le thème de la spiritualité a toute sa place ici, c’est une thématique récurrente dans le cinéma de Malick, ici elle caractérise les personnages. Forte en symbolisme, la spiritualité est ici caractérisée également par les décors, les Alpes Autrichiennes rappelant le fameux paradis perdu propre au cinéma de Malick, alors que l’enfer bien réel est ici apparenté à l’emprisonnement de Franz et aux sévices associés. Concernant la foi plus concrètement, si d’ordinaire les films du réalisateur utilisent le thème de la religion comme un fil conducteur, rappelant qu’il faut croire en quelque chose spirituellement ou pas d’ailleurs, pour vivre, ici la religion est traitée en tant que foi et en tant que fanatisme. Le personnage de Franz est un croyant convaincu qui s’opposera au fanatisme du Troisème Reich. A nouveau la nature et la grâce, ont droit de cité ici. La nature humaine gracieuse mais brisée par des idéologies putrides.

Une vie cachée est donc un long-métrage fascinant, par sa maîtrise bien sûr mais aussi par sa force de proposition. Si Malick est toujours jusqu’au-boutiste, il signe pourtant ici un film plus linéaire qui pourrait même s’avérer être l’une de ses oeuvres les plus majeures. Si mon amour pour Tree of Life reste inchangé, Une vie cachée est à n’en pas douter une oeuvre qui m’aura également beaucoup marqué.

Mais passons sur ce rapide bilan de 2020, car je ne suis pas là pour vous rabaisser le moral, mais plutôt vous faire espérer en un avenir plus joyeux et radieux pour l’année suivante. Pour cela toute l’équipe MoviesNerd se joint à moi pour vous souhaiter une très belle et bonne année 2021 ! Qu’elle soit sous le signe du bonheur, de la joie, de la santé et du retour à une vie « normale » pour vous tou·te·s !

J’en profite également pour remercier chaque collaborat·eur·rice avec lesquels j’ai toujours un immense plaisir à travailler et sans qui ce site ne serait rien du tout. Un grand merci et une très belle année 2021 à Eddy, Morgan C, Quentin, Anne-Laure, Morgan D, Oriane et Adrien !

Un énorme merci pareillement à vous, lect·eur·rice·s et/ou audit·eur·rice·s qui continuent à nous suivre ou qui nous ont découverts cette année que cela soit par nos articles ou nos émissions. C’est grâce à votre soutien que nous pouvons continuer à vous proposer tout cela.

Comme à chaque fois avec cet article, vous allez pouvoir retrouver le top commun de l’année 2020 de toute l’équipe ainsi que tous les tops individuels juste ci-dessous. Comme nous n’avons pas tous pu voir autant de films que les années précédentes cette année certaines personnes auront moins de films dans leurs tops. Mais attendez-vous à voir un autre article apparaître très prochainement qui mettra chaque personne travaillant sur le site à contribution et qui ne vous décevra pas, donc soyez à l’affut.

Numéro 1 : Soul

Numéro 2 : En Avant

Numéro 3 : Adieu les Cons

Numéro 4 : Les Filles du Docteur March (Little Women)

Numéro 5 : Jojo Rabbit ex æquo avec Play

Numéro 6 : 1917

Numéro 7 : Invisible Man

Numéro 8 : Séjour dans les Monts Fuchun ex æquo avec Uncut Gems

Numéro 9 : Mank ex æquo avec L’extraordinaire Voyage de Marona

Numéro 10 : Le Cas Richard Jewell

Les tops individuels vont vous permettre de voir ou de découvrir des films qui ne sont pas dans le top en commun. Cette année exceptionnellement, l’équipe du podcast MoviesNerd (Eddy, Morgan D et moi-même), nous vous dévoilons nos tops dans cet article car il n’y aura pas de podcast Bilan de l’année 2020 comme nous vous l’avions annoncé.Mais nous vous réservons quand même une grosse surprise pour la fin du mois de janvier, voir début février (vous nous connaissez avec nos retards de plannings). Mais sans plus tarder voici les tops de chaque collaborat·eur·rice du site MoviesNerd !

Anne-Laure:

1/ Séjour dans les Monts Fuchun
2/ L’extraordinaire Voyage de Marona
3/ Les filles du Docteur March (Little Women)
4/ Corpus Christi
5/ Honeyland
6/ Babyteeth
7/ Monos
8/ Calamity
9/ Ondög
10/ Swallow

Axel:

1/ Soul
2/ En Avant
3/ Play
4/ Les filles du Docteur March (Little Women)
5/ Invisible Man
6/ Uncut Gems
7/ Le Cas Richard Jewell
8/ Été 85
9/ Bob l’éponge, le film: Éponge en eaux troubles
10/ Jojo Rabbit

Eddy:

1/ Soul
2/ En Avant
3/ La Belle et le Clochard

Morgan C (Morgan et son Cinéma)

1/ 1917
2/ Mank
3/ Jojo Rabbit
4/ Adieu les cons
5/ Freaks
6/ Uncut Gems
7/ Soul
8/ Borat, Nouvelle Mission Filmée
9/ Pinocchio
10/ We are Soldiers

Morgan D (Podcasts Jugez-moi Coupable et MoviesNerd):

1/ Adieu Les Cons
2/ Play
3/ Effacer L’Historique
4/ Invisible Man
5/ #JeSuisLà
6/ Les Traducteurs
7/ Le Cas Richard Jewell
8/ La Fille au Bracelet
9/ Un Vrai Bonhomme
10/ Le Bonheur des Uns …

Quentin:

1/ Jojo Rabbit
2/ Les filles du Docteur March (Little Women)
3/ Adieu les Cons
4/ En avant
5/ Antoinette dans les Cévennes
6/ 1917
7/ Tenet
8/ Je voudrais que quelqu’un m’attende quelque part
9/ Play
10/ Soul

« Consacre chaque minute de ta vie

à cultiver ce qu’il y a de mieux en toi. »

Jamie Foxx, voix originale de Joe – « Soul » de Pete Docter (2020)

Dernier rejeton des studios Pixar, Soul embarque son spectateur dans un voyage entre le temps et l’espace. La vie et la mort. Des thématiques chères au studio depuis quelques temps, auxquelles Soul semble donner une apothéose.

En effet cela fait maintenant trois films, quatre même si on compte Vice-Versa (bien que le discours de ce dernier soit différents sur de nombreux points), que Pixar nous parle de la vie, de la mort et de la transmission, c’était également le cas dans Coco ainsi que le récent En avant sorti quelques mois avant Soul. Certes même si toutes les thématiques de Pixar ne tournent pas autour de la mort, elles semblent en revanche toutes faire écho à un sentiment plus général : la perte. Souvenons-nous de Toy Story 4 par exemple, Le Voyage d’Arlo ou bien encore Cars 3, il n’y est pas question de mort à proprement parler, mais ces films sortis au cours des cinq dernières années semblent illustrer une ambiance, un ton, comme s’ils étaient là pour dire adieu à une époque. La grande époque des studios Pixar et des franchises qui leurs sont associées.

Néanmoins comme toujours, c’est à travers une vraie célébration de ses personnages que le studio raconte ses histoires. Soul ne déroge pas à la règle et vient également confirmer que tous les nouveaux films produit par Disney ne méritent pas qu’une simple sortie sur Disney+. C’est peut-être là que ce noue le noeud de cette mélancolie qui tapisse chaque recoins des derniers nés de Pixar. Comme une prise de conscience d’être doucement mais sûrement avalé par l’ogre Disney. Cela étant même si la firme Disney montre qu’elle règne sans partage sur son royaume, elle ne prive pas pour autant les créateurs de Pixar de leurs substantielle carte blanche narrative.

Ainsi Soul au-delà de son impeccable plastique qui révèle à nouveau que le studio est un maître imbattable en la matière, s’impose grâce à d’étonnantes ruptures de tons. Les séquences sur Terre sont empreintes de réalisme, tant au niveau de l’image que du contexte narratif, alors que les séquences dans « le Grand Avant » sont tantôt plus légères, tantôt plus sombres mais toujours très efficace. On rit et on s’émeu devant Soul. On rit d’abord parce que le duo fonctionne parfaitement, Joe et 22 sont deux personnages attachants et crédibles, chacun pourra s’identifier à l’un ou l’autre. C’est aussi pour cela que l’on s’émeu devant Soul, parce qu’à nouveau le film nous ramène à nous même, mais peut-être encore plus qu’a l’accoutumé, puisqu’ici il s’agit de réfléchir non pas juste à nous, mais bien de la vie et de la manière dont ce « nous » s’y intègre.

Soul met en lumière une chose vieille comme le monde : la singularité. Etre unique c’est ce qui caractérise tout individu. Evidemment dit comme ça, cela sonne comme une phrase d’autocollant de pare-chocs. Mais c’est pourtant bien vrai, car quand bien même l’éducation et les expériences forgent qui nous sommes, c’est dans notre façon de vivre chaque chose intensément ou non, que l’on devient l’être unique qui foule cette terre et y laisse sa trace, aussi infime soit-elle.

Quoi dire d’autre ? Soul est une nouvelle merveille des studios Pixar, certes peu accessible à un jeune public. Il s’agit probablement du film le plus mature du studio. A n’en pas douter il y aura un avant et un après Soul.

Le sommaire de l’émission:

• Le verdict des auditeurs sur l’émission précédente
• Maman, je m’occupe des méchants (1997)
• Elfe (2003)
• La Course au Jouet (1996)

Les liens évoqués dans l’émission: 

L’émission qui nous a inspiré : https://www.youtube.com/watch?v=sfvuOLNCen4

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Les crédits musicaux:

• The Man with the Golden Gun (Instrumental) – The Ian Rich Orchestra
• Plastic Love – Mariya Takeuchi
• Bad Bad Leroy Brown – Jim Croce
• What Christmas Means to me – Stevie Wonder
• It’s the Most Wonderful Time of the Year – Johnny Mathis
• All I Want for Christmas is You – Mariah Carey

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et nous vous donnons rendez-vous prochainement pour le prochain numéro de Jugez-moi coupable.

Voir le Fichier : Jugez-moi coupable Épisode 02

Le sommaire de l’émission:

• • Notre découverte de la saga
  • Retour vers le Futur
  • Retour vers le Futur 2
  • Retour vers le Futur 3
  • Notre classements des films

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Les crédits musicaux:

• Back to the Future Theme Music – Alan Silvestri
• The Power of Love – Huey Lewis and the News
• Back in Time – Huey Lewis and the News
• Doubleback – ZZ Top
• Johnny B. Goode – Marty McFly et Michael J. Fox

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous espérons que vous apprécierez cet épisode que nous avons eu beaucoup de plaisir à enregistrer. Nous vous souhaitons également de très bonne fêtes de fin d’année !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Saga Retour vers le Futur.mp3

« Loyal, brave et sincère. »

Liu Yifei – « Mulan » de Niki Caro (2020)

Alors que la première année de cette nouvelle décennie s’achève, Disney+ propose à ses abonnés le remake live de Mulan. Ce dernier aura assurément fait couler beaucoup d’encre.

D’abord proposé en salles, avant que la pandémie ne force Disney à revoir ses plans de diffusion, Mulan échoue finalement sur la plateforme Disney+. L’idée même des remakes lives des grands classiques d’animation de la firme est déjà en soi purement commerciale, mais le cas de Mulan est encore plus singulier en ce sens. Bien que Disney se soit défendu un temps que le moyen de diffusion de ce film serait ponctuel et unique, on voit désormais fleurir pléthore d’annonces concernant les futures créations de la firme, qui ne seront non pas diffusé en salles mais bien uniquement sur Disney+. Mulan qui devait être un cas isolé, s’est donc transformé en test à grande échelle quant à la décision pour la Walt Disney Company d’abandonner ou pas les salles obscures au profit de sa plateforme de streaming. Le résultat semble sans appel.

Pourtant le film de Niki Caro demeure bien terne comme produit d’appel d’offre. En effet la réalisatrice sait tenir une caméra mais l’écriture du long-métrage s’avère trop souvent hasardeuse. Reprenant tantôt des éléments propres à la légende originale chinoise, tantôt en retirant certains éléments incontournables du film d’animation. Le hic c’est que jamais ces décisions scénaristiques ne trouve un véritable intérêt, comme en témoigne par exemple le personnage joué par Gong Li, la sorcière Xiannang qui n’est au final que l’étoffement de l’aigle de Shan-Yu, le grand méchant du premier film. Cette sorcière métamorphe manque d’épaisseur et peine à donner de la profondeur à l’intrigue qui l’entoure et qui s’emmêle à celle de Mulan, à savoir la marginalité et la condition féminine. Le personnage de Mulan est suffisamment fort et passionnant pour se suffire à lui-même sans que l’on ai besoin d’incorporer des éléments magiques dans son histoire. Quitte à se séparer du dragon Mushu (Y’a pas de lézard !), mieux valait ne pas instaurer de fantastique, le film n’en n’aurait été que plus sombre et pas moins accessible ou familial pour autant.

Outre cette écriture hasardeuse qui amène aussi parfois de bonnes idées sans les développer, il faut aussi souligner que le film demeure malgré tout assez efficace en terme de divertissement. A vrai dire, très subjectivement, en sachant que de toute façon le film d’animation d’origine était impossible à surpasser, je n’attendais pas grand chose de plus de cette version live. Sur ce point il faut bien avouer que certaines séquences de batailles et de combats sont très efficaces et belles visuellement. Le film use habilement des effets numériques, que cela soit en terme de création de décors ou d’éléments visuels. Concernant l’ambiance, on notera aussi une photographie la plupart du temps soignée, parfois criarde aussi étrangement. Néanmoins si le film a des défauts, ce n’est pas sur ce point là qu’ils sont le plus à dénombrer.

Côté casting tout le monde s’en sort relativement bien. Liu Yifei évidemment en tête d’affiche, en impose durant les scènes d’action. Pareillement pour Gong Li. On notera aussi les bonnes performances de Donnie Yen, Jason Scott Lee et Yoson An. Pour ce qui est de la musique c’est Harry Gregson-Williams qui s’en charge. Ce dernier n’en n’est d’ailleurs pas à sa première collaboration avec Disney puisqu’on lui doit les bandes originales des deux premiers volets du Monde de Narnia entre autre, d’ailleurs sans être une mauvaise bande-originale, celle de Mulan a énormément de similitude avec les scores des deux films précédemment cités. A tel point d’ailleurs qu’il pourrait être amusant de superposer certaines séquences pour en juger.

En somme ce remake live de Mulan est un film qui manque trop souvent de relief. Certes efficace mais qui ne rend pas justice à la figure légendaire de la guerrière chinoise, là où le film de 1998 en faisait une héroïne aussi forte que touchante, bien plus convaincante.

Le sommaire de l’émission:

• Notre découverte de la saga
• A Nightmare on Elm Street / Les Griffes de la nuit
• A Nightmare on Elm Street 2: Freddy’s Revenge / La Revanche de Freddy
• A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors / Les Griffes du cauchemar
• A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master / Le Cauchemar de Freddy
• Freddy’s Nightmares, a Nightmare on Elm Street: The Series / Freddy, le cauchemar de vos nuits
• A Nightmare on Elm Street 5: The Dream Child / L’Enfant du cauchemar
• Freddy’s Dead: The Final Nightmare / La Fin de Freddy : L’Ultime Cauchemar
• Wes Craven’s New Nightmare / Freddy sort de la nuit
• Freddy vs. Jason
• A Nightmare on Elm Street (Remake 2010) / Freddy : Les Griffes de la nuit
• Notre classements des films

Les liens évoqués dans l’émission: 

La série Freddy’s Nightmare:

• Episode 1: https://www.dailymotion.com/video/x33m144 (Réalisé par Tobe Hooper)
• Episode 2: https://www.dailymotion.com/video/x2oft14 (Présent dans le coffret)
• Episode 3: https://www.dailymotion.com/video/x5togq1 (Présent dans le coffret)

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Les crédits musicaux:

• A Nightmare on Elm Street (1984) Theme Song – Charles Bernstein

• Freddy Krueger Sings A Song (Scary Horror Halloween Parody) – Aaron Fraser-Nash
  

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et un très bon Halloween ! Nous nous retrouverons bientôt pour de nouveaux podcasts.

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Saga: A Nightmare on Elm Street.mp3

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Les crédits musicaux:

• This is Halloween – Marilyn Manson
• Thriller – Michael Jackson

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et également un très bon Halloween. Nous nous retrouvons demain pour un podcast Hors Série Saga !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Halloween.mp3

Le sommaire de l’émission:

• Resident Evil (2002)
• Ma femme s’appelle Maurice (2002)
• Les Bronzés 3 (2006)
• Daredevil (2003)

Les liens évoqués dans l’émission: 

L’émission qui nous a inspiré : https://www.youtube.com/watch?v=sfvuOLNCen4

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Les crédits musicaux:

• The Man with the Golden Gun (Instrumental) – The Ian Rich Orchestra
• Resident Evil Soundtrack prologue / main title – Marco Beltrami
• Resident Evil Soundtrack Undead Shootout – Marco Beltrami
• Baila Casanova – Paulina Rubio
• Le lundi au soleil – Claude François
• Baila Morena – Zucchero
• Bring me to Life – Evanescence
• Hang on – Seether
• My Immortal – Evanescence
• Just Come Back Alive – Arielle Dombasle et Nicolas Ker

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et nous vous donnons rendez-vous prochainement pour le prochain numéro de Jugez-moi coupable.

Voir le Fichier : Jugez-moi coupable Épisode 01

Le sommaire de l’émission:

• Top 3 des films surcotés et de nos déceptions -> 3:36 à 54:48
• Top 10 des films de la décennie -> 54:48 à 3:11:00

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Les crédits musicaux:

• Tints – Anderson .Paak feat Kendrick Lamar
• Love is a wild thing – Kacey Musgrave
• All the Stars – Kendrick Lamar feat SZA

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous nous retrouverons très prochainement pour de nouveaux podcasts !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Bilan de la décennie 2010 Partie 2.mp3

Le sommaire de l’émission:

• Discussion sur les évolutions de l’industrie cinématographique lors de cette décennie -> 1:49 à 2:34:28
• Top 3 B.O, acteurs, actrices et réalisateurs -> 2:34:28 à 3:09:56

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Les crédits musicaux:

• POWER – Kanye West
• Instant Crush – Daft Punk feat Julian Casablancas
• Alright – Kendrick Lamar

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et vous donnons rendez-vous prochainement pour la deuxième partie de ce bilan de la décennie 2010.

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Bilan de la décennie 2010 Partie 1.mp3

La deuxième grande nouveauté que l’on peut observer dans ce troisième opus, c’est la cohabitation soigneusement maîtrisée entre humour et angoisse. On retrouve donc quelques moments réellement destinés à faire rire les spectateurs avec un comique de situation et de gestes telles les scènes avant le Poudlard Express, celle concernant le sort Riddikulus (c’est son cours qui est riddikulus, oui Malefoy, on le sait) et même ce petit plan sur un sorcier qui lit un livre de Stephen Hawking. Et parallèlement, on remarque la présence de topoï réservés à la peur et à l’anxiété, comme des coups de vent soudains (lorsque apparaît le Sinistros) ou bien des objets qui s’animent de façon soudaine : l’aire de jeux pour enfants, le réverbère qui semble disjoncter etc.). Le point d’orgue de ces manifestations étant les scènes liées aux Détraqueurs qui forment à elles seules un vrai point fort du film tant l’angoisse y est personnifiée. On évoque ici des créatures qui se nourrissent des sentiments positifs des êtres humains et même de leur âme, il était donc important de ne pas rater ces apparitions. En parlant des scènes les concernant, celle se déroulant au lac est presque parfaite si je peux me permettre une hyperbole, elle est un savant mélange d’angoisse et de tensions entre l’afflux de ces créatures maléfiques et le fait que tout porte à croire que l’issue des personnages sera dramatique.

De plus,  présence de lieux que nous n’avions pas encore vus à l’écran jusque-là est aussi à pointer du doigt pour son usage de « teaser ». Il s’agit de l’horloge, représentation de l’importance du temps dans ce film, et la cour pavée, d’où Sirius pourra s’échapper. Faits amusants, les scènes de Quidditch d’Harry Potter et la chambre des Secrets et d’Harry Potter et le prisonnier d’Azkaban, n’ont lieu qu’à 1 minute de différence et représentent toutes les deux la charnière du film : elle signe le début des ennuis. Mais ce sont les seuls points communs qu’elles partagent car celle de ce troisième volet est bien à part. Cette fois le temps est maussade, l’ambiance affreuse et rien ne se passe comme prévu, preuve que le vent à tourner et que rien ne sera plus jamais pareil à Poudlard (Vous voyez aisément de quoi je parle si vous connaissez l’histoire).

Tout comme dans le deuxième opus, on accueille de nouveaux acteurs récurrents dont un « nouveau » Dumbledore sous les traits de Michael Gambon. Le directeur de Poudlard prend une nouvelle dimension avec cet acteur. Fini le côté fantasque et papy gâteau, on retrouve ici un homme honorable et avec une image dominée par la prestance. Un personnage duquel on n’oserait pas se moquer ou remettre en question.  Apparaissent également David Thewlis et Gary Oldman, pour les rôles respectifs du professeur Lupin et du criminel de sinistre renommée Sirius Black, qui font tout deux un excellent travail, aussi bien individuellement qu’en duo.

Je vous laisse avec cette scène vivifiante du film, sans doute ma favorite, et à bientôt pour la critique du prochain volet !

La scène d’exposition fait office d’angoisse imagée, et surtout pour notre personnage principal : on y voit une succession de pâtés de maisons moldus, toutes plus similaires les unes que les autres dans une formation qui donnerait presque le tournis. L’environnement radicalement différent de Poudlard aurait pu être supportable si Harry ne vivait pas chez son oncle et sa tante, ces derniers ayant eu l’immense générosité d’offrir une chambre (la deuxième de Dudley en plus !) à leur neveu.  Le contraste entre la chambre d’Harry et le reste de la maison est d’ailleurs plutôt intéressant : le salon des Dursley est chatoyant, rempli de photos et de bibelots divers tandis que sa chambre est presque dénuée d’objets personnels et hérite de couleurs franchement pas pimpantes, les seules nuances agréables étant les objets qui renvoient à Poudlard (cravate, robe de quidditch…). Heureusement, après l’intervention incongrue de Dobby qui vient mettre en garde Harry d’un grand danger avec force autoflagellations et l’arrivée tout aussi inattendue des Weasley pour extirper leur ami de cette situation invivable, l’ambiance du Terrier est un régal visuel ! C’est tout à fait ce que l’on peut attendre d’une maison de sorciers : c’est biscornu, dépareillé, chaleureux et rempli de phénomènes purement magiques. Nous avons ainsi la même réaction qu’Harry qui, bien que sorcier, ne connaît encore pas grand chose du monde de la sorcellerie : on trouve ça génial.

En parlant de décors, Poudlard s’en sort aussi très bien dans ce deuxième film avec des pièces inédites, à savoir la salle du cours de métamorphoses, le bureau de Dumbledore et la chambre des secrets de laquelle le film tire son nom. La première est ornée d’animaux exotiques, que l’on peut deviner être utile pour les sortilèges de métamorphose tandis que le bureau du directeur de l’école est dotée d’une très riche décoration, qui, au-delà de son usage principal, est un véritable portrait de son propriétaire : l’escalier en forme de griffon rappelle sa maison d’étudiant (qui est Gryffondor, vous ne vous vous en seriez pas doutés), le nombre impressionnant de livres et documents qui montrent son érudition et son phénix – à l’animation quelque peu ralentie – qui est son animal préféré et patronus (sortilèges de protection prenant la forme d’un animal). La chambre des secrets, enfin, est…humide, mais imposante et composée d’un corridor encadré de grandes têtes de serpents qui débouche sur un portrait de Salazar Serpentard monumental.

Ce film est la dernière fois que nous voyons Albus Dumbledore joué par Richard Harris, qui décède peu après la fin du tournage d’Harry Potter et la Chambre des Secrets.  Le Dumbledore de Mr Harris fut l’homme prestigieux, seul mage capable de rivaliser avec le plus effroyable des sorciers et de représenter l’âme de Poudlard et ses fondateurs. Ce fut celui qui a donné 160 points de dernière minute à Gryffondor parce qu’il en avait envie et qui a annulé des examens de fin d’année, parce que. Cet article est l’occasion de rendre hommage à son interprétation juste et magique.  Pour ce qui est des autres prestations, celle de Kenneth Branagh est à retenir particulièrement car son personnage de Gilderoy Lockhart est vraiment hilarant et il fait d’ailleurs partie de la majorité des scènes comiques du film. L’arrivée de nouveaux personnages récurrents est plutôt bien amenée : Cornélius Fudge tout d’abord, le ministre de la magie, qui apparaît derrière Dumbledore et qui est présenté comme le patron du père de Ron Weasley avant la précision qu’il est le ministre de la magie. Et surtout, Lucius Malefoy, père de Drago, qui est pour sa part tout à fait capable de se présenter par lui-même. Il n’est cependant pas difficile de comprendre son identité entre les longs cheveux blonds et sa propension à être incroyablement désagréable. Sa première apparition constitue un face à face mitigé avec Harry, Hermione et une partie des Weasley, qu’il injure tous un par un avec, semblerait-il, un vif plaisir, ce qui est en effet très Malefoy-like. On comprend rapidement qu’il va devenir un antagoniste de premier plan par la suite.

Ce film comprend donc quelques différences avec le premier opus avec plus de scènes à vocation comique qui fonctionnent bien (la couardise de Gilderoy Lockhart, la personnalité haute en couleur de Dobby, le running gag avec Errol etc.) et à l’inverse quelques passages plus noirs. Il introduit pour la première fois un plan sombre sur Poudlard avec d’impressionnants nuages et des orages, ce qui produit un fort contraste avec l’image gentillette de l’école de sorcellerie qui semblait être un havre de paix pour Harry après tant d’années de souffrance. En effet, ce deuxième film signe bel et bien la fin de l’innocence et le début d’obscurs ennuis qui n’iront que de mal en pis. Il est aussi la preuve que même les personnages les plus candides ne sont pas exempts d’actes néfastes ou d’avoir leur part d’ombre. En guise de preuve on voit donc un parallèle habilement mener entre Harry Potter et Tom Jedusor qui prononcent mot pour mot les mêmes paroles à Dumbledore quand il leur demande s’ils souhaitent se confier à lui : « Y-a-t-il quelque chose dont tu voudrais me parler ? – Non monsieur, il n’y a rien. – Bon… très bien, tu peux partir. », ou encore des distorsions sur le flash-back concernant Ginny Weasley qui illustrent judicieusement l’état second qu’elle subissait en effectuant ses sombres agissements. Enfin la scène dans la forêt interdite avec Aragog tourmente suffisamment notre côté arachnophobe pour être efficace et même si cette acromentule géante est dotée d’une animation très paresseuse, sa voix (surtout en V.O) est presque glaçante. Ses « enfants » font donc le gros du travail, avec un jeu intéressant sur le premier et les arrières plans et un Deus Ex Machina cocasse finit d’achever ce qui est l’une des meilleures scènes du film.

Au chapitre des points négatifs, car oui, si j’avais pu l’éviter pour Harry Potter à l’école des sorciers, ce n’est pas possible cette fois, on retrouve quelques incohérences qui feraient grincer des dents les plus tatillons comme un fantôme qui fait éclabousser de l’eau et un autre qui peut se décoller la tête du cou avec des bruits de chair : même dans le monde des sorciers cela paraît peu probable. Le mixage audio est souvent dans les chaussettes et le doublage français laisse vraiment à désirer (sans jouer les puristes à deux mornilles, je vous conseille vraiment un visionnage en VOSTFR pour éviter une synchronisation labiale désastreuse). Je gardais pour la fin le pire, c’est-à-dire cet ÉNORME faux raccord durant la scène du club de duel pointé par beaucoup de personnes sur le net. Pendant que Severus Rogue relève Drago on peut en effet voir un membre de l’équipe technique à genoux au beau milieu des autres élèves. L’intervention de ce moldu à Poudlard est moyennement appréciable…

Au final, malgré un certain relâchement de la réalisation, ce volet est une bonne introduction à l’esprit radicalement différent du prochain film avec ses bons moments comiques ou au contraire ténébreux et une très jolie scène finale dont les applaudissements à l’unisson et la belle musique de John Williams donnent des frissons.

Cette critique était sponsorisée par les têtes bizarroïdes de Ron Weasley.

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 2 Mars au 15 Avril

• James Wan prépare un film de monstres pour Universal
• La nouvelle bande annonce de “Soul” (prévu le 19/06/2020 et repoussé 20/11/2020)
• La version live de “Peter Pan” a trouvé ses Peter et Wendy
• Une nouvelle bande annonce pour “Jungle Cruise” (décalé à juillet 2021, Disney+ ?)
• Le CNC étudie la solution du e-cinéma suite à la pandémie Coronavirus
• La bande annonce de “Peninsula” la suite de “Le Dernier Train pour Busan” (sortie maintenue pour l’instant pour le mois d’août)
• Un remake du classique “La Nuit du chasseur” en préparation
• L’édition 2020 du festival d’Annecy se déroulera entièrement en ligne
• La version live de “Robin des Bois” sera réservé à Disney +
• Pas de Festival de Cannes en juin 2020 mais d’autres solutions sont à l’étude
• Cannes 2020: L’annulation officielle pour les sections parallèles
• Cannes 2020: Le marché du film sera virtuel cette année
• Les premières images du “Dunes” de Denis Villeneuve

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• Starpoint – Wanting You
• Bobby Blue Bland – Aint No Love in the Heart of the City

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous vous donnons rendez-vous très prochainement pour un nouvel épisode du podcast Parlons Cinéma.

Erratum audio: quand je parle de « La Nuit du Chasseur » et que je dis qu’il est empreint de « Neo réalisme Allemand » je voulais dire « Néo-expressionisme Allemand ».

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 39.mp3

• La Selec’: Nous parlons dans l’ordre de La Belle et le Clochard, J’ai Perdu mon Corps et The Invisible Man -> de 4:39 à 34:54
• Le Film du Mois de février: Le Cas Richard Jewell -> de 34:54 à 57:15
• Le Film du Mois de mars: En Avant -> de 57:15 à 1:20:39
• La Minute Nerd: Disney + (Plateforme Streaming) -> de 1:20:39 à 1:48:35

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Les crédits musicaux:

• Shotgun – Hot Line
• S-Tone Inc. – Time
• Blues Pills – High Class Woman
• Brandi Carlile – Carried Me with You
• Pertubator – Miami Disco
• Split Phase – The Walk

Il est vrai que je vous ai accoutumé aux critiques de films écrites avec plusieurs semaines voire mois de décalage sur leurs sorties en salles mais jamais avec 19 ans de retard ! Eh oui, il s’agissait d’un habile moyen de vous faire prendre un léger coup de vieux car le premier volet des aventures d’Harry Potter est sorti en 2001.  Si j’ai attendu tant de temps avant de franchir le pas et d’écrire à propos de ma saga littéraire et cinématographique préférée, c’est parce que je n’étais pas sûre d’avoir le recul nécessaire pour proposer une critique en bonne et due forme. Et puis, finalement, partant du postulat que de toute façon il est impossible de produire une critique à 100% objective, je suis désormais prête à vous offrir ma critique d’Harry Potter à l’école des sorciers (et certainement des autres films de la franchise plus tard). Sans compter que le confinement m’ennuie à mourir et que cela m’a paru être une bonne occupation.

Je vais lancer la critique en affirmant quelque chose que certains pourront trouver exagéré : la saga Harry Potter et son premier film ont laissé une empreinte indélébile dans l’histoire du cinéma et ce, à l’instar des autres sagas qu’elle a côtoyé. En effet si Star Wars fait partie de celles qui ont mis en lumière le concept de franchise cinématographique et que Le Seigneur des Anneaux semble avoir réinventé la définition du terme « épique », Harry Potter a posé les bases de ce que j’appellerai la saga d’apprentissage : le héros grandit et mûrit en même temps que son spectateur et produit ainsi un impact très personnel dans le cœur de ce dernier. Ce fut mon cas et celui de la plupart des autres potterhead (= aficionados de l’univers Harry Potter) et tout en reconnaissant que de nombreux films sont sans doute plus qualitatifs, nous garderons inlassablement une affection particulière pour cette saga et déborderons toujours d’énergie pour la défendre, avec force arguments bien sûr. Cela ne veut pas dire que c’est un film parfait loin de là mais, à mon sens, ce premier film Harry Potter s’en sort assez bien.

Derrière la caméra, on retrouve Chris Columbus, bien connu pour ses films familiaux que l’on se plaît par exemple à regarder pendant les fêtes de fin d’années tels Maman, j’ai raté l’avion ! ou Madame Doubtfire avec le regretté Robin Williams, et ce n’est donc pas étonnant de le voir à la réalisation de l’opus qui a la lourde tâche d’introduire la magie à nous tous, pauvres moldus que nous sommes. Il a donc mobilisé toute la technique pour y parvenir et le résultat est plutôt satisfaisant. Une scène d’exposition du chemin de traverse qui insiste sur les devantures des boutiques et qui a même un petit pouvoir immersif, un plan nocturne majestueux pour la première fois que l’on voit Poudlard… De manière générale, les plans sont au service de la magie comme en témoignent les quelques plans larges qui jouent sur la plongée/contre-plongée et démontrent avec brio l’immensité et le faste de l’école de sorcellerie britannique. On trouve également certains gros plans choisis sur des éléments purement magiques : le rapeltout de Neville ou les yeux jaunes de Mme Bibine, la professeure de vol, par exemple. Enfin, un autre élément qui est fortement présent et qui donne une grande part d’âme au film, c’est la bande originale ! Et pour cela il faut remercier le Dieu des B.O : John Williams, qui n’est plus à présenter. Ce dernier a su capter les ambiances et émotions exactes telles qu’elles ont été décrites dans le roman et chaque fois que l’on entend une musique, sa présence est totalement justifiée. Qui n’a pas eu au moins une fois un frisson ou la gorge nouée en entendant Leaving Hogwarts ou tout simplement les toutes premières notes du Prologue devenu aussi mythique que le thème de Star Wars ou Jurassic Park ? Je plaide coupable !

On pourra également remarquer le soin prêté aux décors qui sont féériques à la période de Noël et attentifs aux petits détails : on aperçoit ainsi un rouleau de peinture et une balayette dans le placard-chambre d’Harry, un portrait de famille des Dursley sans Harry (évidemment) dans le salon ou encore un fanion de l’équipe de Quidditch favorite de Ron Weasley lors du plan sur le dortoir de Gryffondor.  En parlant de petits détails, il n’y a pas que les décors qui s’y attachent car c’est aussi le cas de la réalisation. Nous pouvons ainsi souligner que la première fois qu’Harry échange de vraies paroles dans le film, ce n’est pas avec son oncle, sa tante ou son cousin mais avec le serpent du zoo et que le souffle produit par sa future baguette chez Ollivander dévoile sa cicatrice qui était cachée derrière des mèches de cheveux. Ces deux éléments sont intéressants lorsque l’on sait que Harry possède le très rare don de parler aux serpents (chose que l’on n’apprend pas dans ce premier volet) et que la baguette de celui qui lui a infligé ce stigmate possède une plume d’un phénix qui en a fourni une seule autre pour celle de notre héros.  Chris Colombus a pensé à tout et aussi à proposer de vrais bons moments de cinéma ! L’image ci-dessus n’est pas sélectionnée par hasard car la scène sportive qui montre le match de Quidditch opposant Gryffondor et Serpentard fait partie de ces bons moments avec ce qu’il faut d’action et de dynamisme. Aucun participant du match n’est lésé, on évite ainsi des plans inutiles sur Harry qui ne bronche pas pendant une bonne partie du temps de jeu pour se concentrer aussi bien sur les poursuiveurs des Serpentard que le gardien des Gryffondor et même le public est bien là : salves d’applaudissements, écharpes rouge et or ou vert et argent plein les yeux, grands sourires ou petites déconvenues…C’est comme si on y était ! Cela dit le plus beau passage reste la partie d’échecs géants dans la dernière partie du film qui atteint presque l’épique par sa présentation et sa représentation. C’est le moment dans lequel le personnage de Ron Weasley peut enfin briller et montrer de quoi il est capable alors qu’il était jusque-là le copain nigaud d’Harry. On y découvre un jeune garçon doué et courageux qui est prêt à se sacrifier pour ses amis et la paix dans le monde des sorciers sans l’ombre d’un doute. C’est la première fois qu’on le voit aussi déterminé et sûr de lui et sa noblesse d’âme sera d’un grand secours pour leur quête. Le suspens est ainsi très bien amené, aidé par les jeux de lumière et l’agressivité des pièces du jeu qui prennent vie, le tout dans une animation convaincante. Je pourrais vous décrire encore tout un tas de moments et de scènes remarquables et émouvantes comme la belle transition entre l’hiver et le printemps qui se fait via Hedwige, ou le moment où Harry découvre ses parents à travers le miroir du Riséd mais je préfère vous laisser (re)succomber à la magie par vous-même. Et peut-être serez-vous aussi ébahi devant votre écran que Harry l’a été en découvrant Poudlard !

Et surtout, en cette période où les forces du mal rôdent plus que jamais, restez chez vous, regardez Harry Potter 

« Papa a ce tendre respect pour les animaux.

Pour lui chaque animal a une personnalité. »

Diane Disney Miller, extrait de « Walt et ses chiens », bonus Disney+ pour « La Belle et le Clochard » (1955)

Annoncé pour une sortie directement sur la plateforme Disney+, La Belle et le Clochard loin de représenter une énième version live d’un classique Disney, s’avère être une petite surprise rafraîchissante.

Alors que le remake live du Roi Lion en 2019 était un immense ratage, La Belle et le Clochard quant à lui remet en avant les films avec des chiens, un genre désuet depuis une quinzaine d’années. Disney a pourtant déjà su par le passé rendre ce type de films attractif en jouant sur la corde sensible de la mignonnerie et la dimension familiale, on a ainsi vu plusieurs long-métrage comme les cultes L’Incroyable Voyage, 4 bassets pour un 1 danois, et évidemment l’adaptation live des 101 Dalmatiens et sa suite. En 2006 c’était la regrettée star de Fast & Furious, Paul Walker qui menait son équipage de chiens de traîneaux dans Antartica, prisonniers du froid. On ne citera pas la franchise des Copains (dans l’Espace et compagnie … ). D’ailleurs sur Disney+, si vous êtes amateur des films mettant en scène nos compagnons canins, il y a pléthore de films sur le sujet, allant du Chihuahua de Beverly Hills à Croc-Blanc, à noter que Togo avec Willem Dafoe produit par Disney+ semble également très prometteur.

La première chose qui frappe dans cette version live du classique de 1955, c’est sa qualité visuelle. Jonglant habilement entre les prises de vue réelles et les images de synthèse, La Belle et le Clochard déploie sa dimension « mignonne » sans jamais tomber dans la surenchère. La Nouvelle-Angleterre est magnifiquement rendue et fourmille de petits détails, l’architecture des bâtiments est notamment très agréable à l’œil. Le seul reproche visuel réside dans la photographie qui parfois est un peu sombre ou terne, notamment lors des scènes de nuit sans lumière artificielle. Concernant le scénario il reprend la quasi-totalité du film d’origine, tout en modernisant l’ensemble sans véritablement le dénaturer de sa substance. Lady étant une petite chienne avec du caractère, là où le personnage de 1955 correspondait plus à l’image de la femme à cette époque. Rien de neuf ou d’étonnant dans ce traitement, mais cela reste bienvenue.

Les personnages de manière générale possèdent tous une histoire, même les secondaires comme Cesar et Jacqueline qui bien que plus fonctionnels parviennent pourtant aussi à garder en substance. Le Clochard quant à lui demeure tout aussi attachant que sa précédente version, on en apprend même ici plus à son sujet. Jim et Darling en ce qui les concerne forment un couple mixte, certes assez éloignés des conventions de l’époque dans laquelle le film est censé se dérouler, même si ce choix narratif ne manque ni de sens ni d’importance. La Tante Sarah est un personnage plus archétypal et binaire, elle adore ses deux chats, qui ne sont d’ailleurs plus des siamois, donc elle déteste forcément les chiens, ce qui était déjà le cas dans l’autre film.

On regrettera surtout que le « méchant » du film soit incarné par un employé de la fourrière caricatural et sans réelle prestance, pour le coup le personnage n’a qu’une fonction, celle de mettre des bâtons dans les roues de nos deux héros. Les séquences chantées quant à elles, si elles restent mignonnes (hormis celle des chats, assez mal fichue), sont pour la plupart conventionnelles et ne suffisent pas à elles seules à porter le film. En revanche il est fort appréciable de voir la mise en scène reprendre certains aspects qui faisaient la saveur du film d’origine, notamment cette tendance à filmer à hauteur de chien.

La Belle et le Clochard version 2020 s’avère donc être un remake qui s’il ne révolutionne ni n’invente rien, complète bien le film d’origine et lui rend même hommage.

Le réalisateur n’en est pas à son premier essai en terme d’excursion au sein des salles obscures : Jack et la mécanique du coeur, film d’animation sorti en 2014, était un véritable bijou d’inventivité et de douce poésie. Un univers riche, travaillé, foisonnant de fines idées et d’une patte visuelle unique étaient ce qui en faisait un premier essai prometteur, c’est d’ailleurs ce talent au contact du monde de l’animation qui ressort d’une scène où la jeune sirène incarnée par Marilyn Lima (Skam France) regarde un programme animé sur une télévision désuète.

Tristement, c’est également cette scène qui mettra en lumière tout ce que le film aurait pu être, avant de se présenter comme un demi-film, ampoulé d’une continuité d’idées bienvenues auxquelles le format « live-action » choisi par Mathias Malzieu n’aurait finalement jamais pu rendre justice. En effet, Une sirène à Paris est un film handicapé, handicapé car succession de scènes faites, on le ressent, soit pour un budget plus conséquent, soit pour un format animé qui n’a pas été retenu. On regrette une oeuvre en images de synthèse destinée peut-être à un public plus adulte, mais qui aurait alors été au bout de son ambition.

Les prestations livrées par Marilyn Lima et Nicolas Duvauchelle (Polisse) dans la peau de ce couple chimérique, si elles sont des plus sincères, n’y pourront d’ailleurs pas grand chose. En effet, même dans la caractérisation des protagonistes qui évoluent devant la caméra du musicien au chapeau, tout sonne proche de la grandiloquence familière aux personnages de Jack et la mécanique du coeur, qui tombe dans le cas présent complètement à plat. Reste le plaisir de voir une Rossy de Palma (Femmes au bord de la crise de nerfs) en voisine de pallier un peu trop curieuse, absolument savoureuse.

Le sentiment qui résulte est que l’histoire semble s’étirer sur des arcs narratifs bien peu palpitants, à commencer par celui de l’antagoniste sous les traits de Romane Bohringer, infirmière Ratched au rabais, qui détourne le récit autour d’une quête de vengeance anecdotique et en totale dissonance avec le ton du long métrage.

La satisfaction principale à tirer du film est toutefois la beauté de son esthétique. Si elle ne peut servir le récit d’une quelconque manière, soit, reconnaissons néanmoins le travail sur la photographie, sucrée et incarnée, véritable point fort. En outre mesure, la bande-son est remarquable, sans grandes surprises : Mathias Malzieu est un artiste complet, talentueux et rêveur, dont le regard sur le monde et sa réalité est nécessaire aujourd’hui. Un surprisier de tous arts, dont le travail musical, son domaine de prédilection, ne déçoit évidemment pas.

Une sirène à Paris est un beau film, échoué, à l’instar de Lula, la sirène éponyme, sur les mauvaises berges propice à son épanouissement. C’est aussi regrettable qu’on ne peut s’empêcher de saluer l’honnêteté du projet. On attends alors avec encore plus d’impatience les prochaines boîtes à surprises du metteur en scène, riche de nouvelles cordes à son arc.

Quentin

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 1 Janvier au 1 Mars

• La bande annonce de “Sans un bruit 2”
• Plus d’informations sur la prochaine trilogie “Star Wars”
• Un algorithme va aider la Warner dans ses décisions de productions
• Une bande annonce pour “Pinocchio” par Matteo Garrone
• Le premier teaser de “Kaamelott le film”
• Un film live “Bambi” en préparation chez Disney
• Un nouveau film “The Thing” en préparation
• Sam Raimi pourrait réaliser “Doctor Strange 2”
• Palmarès des Oscars 2020
• La bande annonce du nouveau film de Wes Anderson “The French Dispatch”
• Disney prépare un film live “Raiponce”
• Le nouveau film “La Planète des Singes” ne sera pas un reboot
• La bande annonce du remake de “Candyman”
• Une première bande annonce pour “Robert the Bruce” la suite de ‘Braveheart’
• Steven Spielberg ne va pas réaliser “Indiana Jones 5”
• Palmarès des César 2020

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• Starpoint – Wanting You
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Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous vous donnons rendez-vous très prochainement pour un nouvel épisode du podcast Parlons Cinéma.

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 38.mp3

« Autre fois le monde était plein de magie, mais elle n’était pas facile à maîtriser.

Le monde trouva des méthodes plus simples. Pourtant j’ose espérer qu’il reste un peu de magie en vous. »

Kyle Bornheimer, la voix de Wilden Lightfoot – « En Avant » de Dan Scanlon (2020)

Annoncé il y a longtemps, En avant s’annonçait comme un nouveau Pixar original et intrigant, les première infos laissaient planer le doute sur cet univers aussi singulier que fédérateur et très marqué, un peu à la manière d’un Zootopie. Qu’allait bien pouvoir nous raconter le studio à la petite lampe avec cette nouvelle histoire d’elfes et de magie ?

En avant est une fable, un parcours initiatique et une histoire de famille, il se présente comme une épopée comme le cinéma, la littérature et même les jeux-vidéos ont su en conter mille fois. Ian et Barley, deux frères opposés et déchirés par un même sentiment de manque, celui de leur père, parti trop tôt. Deux elfes orphelins de père dans un monde où la magie a disparue, où les licornes font les poubelles, où les sirènes et les tritons font trempette dans la piscine gonflable, un monde où même la farouche et puissante Manticore s’est reconvertie comme serveuse. Partant de là, il faut bien avouer que le film a toutes les cartes en mains et le champ libre pour développer une aventure à la fois haute en couleurs mais aussi empreinte d’une aura de nostalgie. Presque mélancolique, l’aventure de Ian et Barley s’apparente pourtant à un road-trip à la recherche d’un Graal salvateur. Une quête.

En avant est une quête et c’est à la fois là-dessus que repose l’écriture du long-métrage et ses ressorts comiques, pour ce qui est de la dramaturgie c’est du côté des personnage que cela prend forme. Outre un aspect résolument parodique et critique, En Avant est avant tout une histoire de famille à l’équilibre fragile, c’est aussi l’histoire d’un ado qui se cherche et qui tente de se construire. C’est l’histoire de son frère rêveur et casse-cou à qui l’on a demandé de grandir trop vite. En avant bien entendu nous parle d’une famille comme il en existe beaucoup, mais c’est justement parce que ces personnages n’ont finalement rien d’extraordinaire qu’ils sont aussi forts. Certes Ian a un don pour les choses magiques, mais cela est-il finalement aussi surprenant que cela pour le monde dans lequel il existe ? Pourtant ce que le film met en avant tient aussi sur ce détail précis, grâce auquel il rappelle qu’il est important de savoir d’où l’on vient pour savoir où l’on va. On excusera malgré tout quelques petits facilités d’écriture parfois, comme certains éléments de la quête souvent prévisibles, cela n’enlève en tout cas rien à l’émotion magnifiquement orchestrée par le film.

Pour ce qui est du reste, la technique, les images et la mise en scène, l’univers particulier d’En avant permet aux animateurs de Pixar de s’amuser et aux créateurs de laisser exploser leur potentiel. C’est simple : En avant foisonne de détails, d’une pléthore d’éléments qui au-delà de donner du corps à cette histoire, en composent surtout l’univers. Rien n’est laissé au hasard comme en témoignent par exemple les noms de certains lieux que les personnages visitent. Le film aurait pu être un immense fourre-tout de références à la fantasy, mais au contraire il dissémine habilement toute une panoplie d’emprunts et d’hommages pour mieux composer son univers. A cela il faut bien entendu ajouter la qualité toujours aussi impressionnante de l’animation que le studio sait proposer. La peau, les décors, le bois, l’eau et la nature en général sont superbement rendus, la photographie également.

En avant est une belle réussite, un film à la fois drôle et touchant. Aussi foisonnant dans l’image que dans son récit. Une belle histoire qui méritait bien d’être contée.

Le sommaire de l’émission:

• La Selec’: Nous parlons dans l’ordre de Play, Les Filles du Docteur March, 1917, Adoration et Les Traducteurs -> de 5:25 à 56:43
• Le Film du Mois: Jojo Rabbit -> de 56:43 à 1:19:02
• La Minute Nerd: Mass Effect (Jeu Vidéo) -> de 1:19:02 à 1:32:05

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• Shotgun – Hot Line
• S-Tone Inc. – Time
• Blues Pills – High Class Woman
• Pertubator – Miami Disco
• Split Phase – The Walk

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, n’hésitez pas à réagir au podcast partout sur internet et nous vous donnons rendez-vous très prochainement pour le prochain podcast consacré aux films de février.

Voir le Fichier : MoviesNerd 54 Les Petites Femmes et Jojo Lapin Jouent en 1917.mp3

Le sommaire de l’émission:

• Les Flops de l’année 2019 -> de 1:48 à 43:56
• Les Surprises de l’année 2019 -> de 43:56 à 58:11
• Les Déceptions de l’année 2019 -> de 58:11 à 1:09:11
• La B.O de l’année 2019 -> de 1:09:11 à 1:25:14
• Nos Attentes pour l’année 2020 -> de 1:25:14 à 1:52:08

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• The War is Over – Cage the Elephant
• Bad Bad Bad – Young Thug feat Lil Baby
• To be Surprised – Sondre Lerche
• Deception – Monophonics
• Out of my Head – The Wombats
• I knew you were wainting for me – George Michael and Aretha Franklin
• Blinding Lights – The Weeknd
• Mile High – James Blake feat Travis Scott and Metro Booming

Nous vous souhaitons une très bonnes écoute, n’hésitez pas à nous donner vos avis sur les tous les films dont nous parlons et du podcast sur les différents moyens de communications d’internet, quand à nous on se retrouve très prochainement pour le premier podcast « canonique » de l’année 2020 !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série: Bilan 2019 Partie 2.mp3

Le sommaire de l’émission:

• Rapide bilan de l’année 2019 -> de 4:26 à 22:08
• Les Tops 10 de l’année 2019 –> de 22:08 à 2:36:50

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• Water Me – Lizzo
• Advance – Take Me To The Top
• L2B Musique – Beyond the Stars

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, n’hésitez pas à nous donner vos Tops et vos avis sur les nôtres sur les différents moyens de communications d’internet, quand à nous on se retrouve très prochainement pour la deuxième et dernière partie de ce bilan de l’année 2019.

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série: Bilan 2019 Partie 1.mp3

• La Selec’: Nous parlons dans l’ordre de La Vie Cachée -> de 4:18 à 14:36
• Le Film du Mois: Star Wars: L’ascension de Skywalker -> de 14:36 à 1:24:38
• La Minute Nerd: The Movies That Made Us (Série) -> de 1:24:38 à 1:27:50

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• Love Hustler – Sinderella
• Kevin MacLeod – Your Call
• The Runaways – Cherry Bomb
• SoulEye – VVVVVV – Positive Force
• Split Phase – The Walk

On ne va pas se mentir, les sorties cinéma du moment je ne les trouve pas vraiment folichonnes. J’ai déserté les salles obscures à de nombreuses reprises, préférant réviser mes classiques ou me replonger dans un septième art moins récent. En 2019, un seul et unique film a retenu mon attention, cette dernière grandissant de bandes-annonces en articles sur le sujet. N’ayant eu jusque-là aucun attrait pour l’univers « gothamien » et étant complètement novice en la matière, Joker est pourtant bien l’objet de la présente critique, première depuis de longs mois.

Le dernier long-métrage de Todd Phillips, ce n’est pas vraiment le petit film d’auteur que l’on nomme dans les tréfonds d’une discussion cinéphile mais bien l’une des sorties les plus attendues de l’année dernière, accompagnée de nombreuses interrogations : quel sera le propos ? Comment va-t-on dépeindre ce personnage phare ? Peut-on voir un meilleur Joker que celui campé par Heath Ledger (dans The Dark Knight en 2008). De fait, mon avis sur ce film est totalement indépendant des autres versions où apparaît le fameux meilleur ennemi de Batman, je n’ai vu ou entendu que des bribes d’information sur les différentes interprétations et il ne serait que mal placé de dresser un comparatif entre ces dernières, en plus de n’y avoir que très peu d’intérêt.

Joker est bien entendu un portrait mais surtout la lucarne par laquelle on observe la révélation de celui que l’on nomme pendant les trois quarts du film Arthur Fleck.  Ce dernier est alors totalement insignifiant dans le monde dans lequel il évolue sauf lorsque apparaît son handicap : des crises de rires incontrôlables qui interviennent dans les moments les moins opportuns. Il est alors une bête de foire, une personne qui suscite moqueries, agacements mais par dessus tout incompréhension. Dès les premières minutes le topo est donné : Arthur se fait rouer de coups sans raison par une bande de jeunes et reste prostré sur le sol humide d’une ruelle. Il est un homme en ruine, abandonné même de la chance…  La seule personne à laquelle il se rattache, c’est sa mère.  La charnière du film, c’est la mort de Penny Fleck, personnage hautement important et pourtant à la présence mineure. C’est ici qu’Arthur Fleck évolue en Joker pour de bon. Fini l’homme aux épaules lourdes, moqués et handicapés. Bonjour vengeance et la nouvelle vit qui s’en suit.

Todd Phillips introduit d’ailleurs une photographie aux nombreux procédés illustrant l’ambivalence du personnage, et c’est l’un des éléments les plus qualitatifs du film ! Oh que oui, Joker est un beau film : choisissez un moment au hasard et mettez pause, vous obtenez un beau plan avec des couleurs savamment choisies, une maîtrise parfaite de la lumière ou de l’obscurité. Testé et approuvé →

J’évoque le choix des couleurs car il a bien un impact sur le scénario : l’environnement dans lequel Arthur évolue est lugubre, les actions se déroulent souvent dans l’obscurité et même les habits sont ternes. La transformation en Joker est quant à elle une explosion de couleurs, même la nuit. Cela montre bien la mutation de notre protagoniste principal et parfois ce sont des plans entiers qui l’illustrent : une grimace qui consiste à cacher puis révéler son visage ou encore, et surtout, ce fameux escalier présent dans l’une des scènes que l’on croise le plus sur internet. Cette scène est l’antithèse de la signification habituelle. Alors que la montée est symbole de réussite et de pleine satisfaction, la descente est, elle, une belle dégringolade, un dépérissement. Mais pas pour Arthur Fleck pour qui c’est l’exact inverse, il monte la tête basse et descend…en dansant !

Et à ce propos, il n’y a que le Joker qui se trémousse et qui laisse parler son corps, Arthur lui ne laisse même que peu entendre le son de sa voix. Il affectionne les masques, les maquillages, les artifices. Comme s’il avait des difficultés à s’assumer soi-même et les seuls moments où il essaie de se révéler sont montrés et perçus comme un réel et ambiant malaise.

Il échoue tout. Sauf ses vengeances.

Finalisons cette critique en soulignant la volonté du réalisateur de faire un film non manichéen. Arthur Fleck n’est jamais un personnage sanguinaire et sadique. Il est d’abord un homme candide qui n’a pas confiance en lui (ce dernier n’a pas d’autres choix que d’imaginer une relation amoureuse) à la recherche de lumière. Mais même cela est vain comme en démontrent les quelques moments de stand-up qui sont un véritable fiasco : blagues qui tombent à l’eau, notes consultées en direct, tournées en dérision par son idole elle-même. Poussé dans ses derniers retranchements, la violence semble être une issue de dernier recours, au moins au début. Par la suite, il devient Joker. Quelqu’un qui assume sa folie et sait en jouer, qui devient autonome. C’est bien le premier long-métrage qui est entièrement consacré à l’exploration de la psychologie de ce personnage symbolique de l’univers DC. Ce film grouille de procédés qui mettent en valeur le recto et le verso du personnage principal. L’esthétique n’est jamais lésée ainsi que l’importance des mots, c’est pour cela que je conseille vivement de le visionner en VO(ST) !

Et surtout, smile and put on a happy face…

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 16 Novembre au 15 Décembre

• La bande annonce du nouveau film avec Tom Hanks “un Ami extraordinaire”
• Un nouveau film de SF pour Jean-Pierre Jeunet pour Netflix
• Le quatrième film “Star Trek” a trouvé un réalisateur
• Une bande annonce pour “Les Trolls 2”
• La bande annonce du nouveau film de Michel Hazanavicius “Le Prince Oublié”
• La bande annonce de “Mourir peut attendre” le nouveau James Bond
• Un nouveau film “La Planète des Singes” par le réalisateur du “Labyrinthe”
• Une première bande annonce pour “Black Widow”
• Une nouvelle bande annonce de l’adaptation live de “Mulan”
• La première bande annonce de “S.O.S. Fantômes: L’Héritage”
• La suite de “Mad Max: Fury Road” en préparation par Georges Miller
• Une première bande annonce pour “Wonder Woman 1984”
• Tarantino a une idée pour “Kill Bill 3” et veut le réaliser dans les trois ans

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Nous vous souhaitons une très bonne écoute, nous vous donnons rendez-vous très très prochainement pour un nouvel épisode du podcast Parlons Cinéma.

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 37.mp3

Comme chaque année, je profite de ce billet éditorial, pour remercier les personnes qui continuent de nous suivre ou pour les nouveaux de nous découvrir que ce soit par le biais de nos critiques écrites ou nos émissions, nous ne serions rien sans vous et pour cela nous vous remercions profondément.

Ensuite je souhaite remercier les personnes talentueuses et incroyables qui travaillent avec moi à l’élaboration du contenu de ce site que ce soit de près ou de loin, cela me touche toujours autant de savoir que ces personnes prennent de leur temps et énergies pour faire ce que MoviesNerd est aujourd’hui et sera demain. Pour tout cela et bien plus encore, merci à vous tous, Eddy, Morgan C, Quentin, Anne-Laure, Morgan D, Oriane et Adrien !

Comme d’habitude nous avons mis en commun les tops de chaque personnes de l’équipe MoviesNerd pour aboutir à un classement qui représente le Top 10 MoviesNerd des films de 2019:

Numéro 1 : À Couteaux Tirés ex æquo avec Midsommar

Numéro 2 : Once Upon a Time… in Hollywood

Numéro 3 : Parasite

Numéro 4 : Toy Story 4

Numéro 5 : The Irishman

Numéro 6 : Ralph 2.0 ex æquo avec Joker

Numéro 7 : La Belle Époque

Numéro 8 : An Elephant Sitting Still

Numéro 9 : Us ex æquo avec Dumbo

Numéro 10 : Dragons 3: Le Monde Caché

« Affronter la peur c’est le destin de tout jedi. »

Mark Hamill – « Star Wars Episode IX : L’Ascension de Skywalker » de J.J. Abrams (2019)

Je ne peux pas prétendre être un fan absolu de Star Wars, ni un expert en ce qui concerne son univers. Toutefois j’aime la saga, dans ce qu’elle a de bon comme de mauvais d’ailleurs. Alors forcément quand on entre dans la salle pour visionner le dernier segment de plus de quarante années d’aventures intergalactiques, il y a de quoi être pour le moins fébrile.

De part son importance et sa place dans la pop-culture, appréhender un nouveau Star Wars est toujours un moment mêlé d’excitation et d’appréhension. Depuis la sortie du premier film en 1977, chaque épisode s’est imposé comme un événement et L’Ascension de Skywalker ne déroge pas à la règle. D’une part car ce dernier a la lourde tâche de recoller les pots cassés par un Episode VIII, que pour ma part j’apprécie beaucoup, et évidemment de réconcilier les fans « hardcores », ceux à qui, et ce film le confirme totalement, la saga appartient vraiment désormais. Les fans influencent les studios, déjà frileux, c’est une certitude. Partant de ce constat on pourrait se dire que L’Ascension de Skywalker n’est donc rien de plus qu’un remake déguisé du Retour du Jedi, comme Le Réveil de la Force pouvait s’apparenter à un remake/hommage à Un Nouvel Espoir, d’autant plus quand il s’agit d’un film signé J.J. Abrams dont la filmographie ne brille pas d’élans d’originalité.

Pourtant contre toute attente et à moins que je ne me trompe, dans les grandes lignes cet Episode IX n’est pas un remake, ni même dans sa narration là où l’Episode VII pompait tout sur le quatrième. Abrams semble ici faire un film ultra référencé c’est certain, mais pas moins original. Quand bien même les images nous rappellent souvent d’autres grands moments de la saga, devenus au fil des décennies des pierres angulaires de cette univers, L’Ascension de Skywalker s’avère malgré tout un épisode plus singulier que ce à quoi on pouvait, légitimement, s’attendre. Tant mieux, même si cela n’excuse pas les nombreux défauts que la narration générale du film peut comporter, ainsi que les diverses trop grandes facilités d’écriture. Outre les nombreuses révélations assénées façon « twist », le film joue sur la nostalgie non pas seulement par obligation parce qu’il s’agit d’une conclusion, mais aussi parce que c’était plus facile. Tout comme il était plus simple d’éluder certains pans de l’histoire mis en place dans Les Derniers Jedi, il était également plus simple de faire revenir le personnage de Palpatine en tant que grande menace, là où les tourments qui habitent le personnage de Kylo Ren auraient pu suffire à faire de lui un antagoniste convaincant. Idem en terme de facilité, il était impensable pour un nostalgique comme Abrams d’avoir un alter-ego de Dark Vador sans casque, Kylo Ren retrouve donc le sien ici. Sans surprise ce dernier Star Wars est placé sous le signe de l’amitié et de la repentance.

En ce qui concerne les points noirs, on notera surtout un manque d’explications sur bon nombres d’éléments narratifs mis en place et conclus dans ce dernier film. Un peu à la manière de La Revanche des Sith qui devait faire le lien vers la trilogie originale tout en concluant son propre arc narratif, L’Ascension de Skywalker va trop vite et s’attache à être plus efficace que consistant. On regrettera donc l’absence d’explication sur le retour de Palpatine ou sur le lien psychique qui lie Rey et Kylo Ren, et il ne s’agit ici que de deux exemples. Dans la même veine on regrettera aussi le manque d’émotion au profit de l’humour qui lui est très présent, bien que ce dernier fonctionne ce n’est pas un soucis, même si C-3PO n’a plus des réactions de droïde mais bien d’humain par exemple, ou bien encore cette ridicule histoire d’espion au sein du Premier Ordre. La disparition de Leïa peine à convaincre malgré un Chewie poignant, néanmoins ne soyons pas trop dur concernant le traitement du personnage de la princesse jouée par Carrie Fisher, il fallait faire avec ce qu’il restait d’images avant la disparition de l’actrice. Il semble également évident que le gros problème de cette trilogie ou « postlogie » comme vous voulez, c’est son écriture épisodique, là où la « prélogie » aussi imparfaite soit-elle, avait un scénario défini pour trois films avant même d’entrer en production. Pour finir on regrettera aussi le manque de surprise général, même si de ce côté là c’était à prévoir.

Il est donc dommage de dénombrer autant de points négatifs, d’une part parce qu’en terme de cinéma il ne s’agit pas d’un mauvais Star Wars et qu’en terme de divertissement le film fait parfaitement son job. Malgré ses défauts, cet Episode IX en tant que space-opera s’apprécie pleinement. Lorgnant souvent sur la dimension fantaisiste là où les précédents films ne faisaient que l’effleurer, par instant L’Ascension de Skywalker s’émancipe presque des codes cinématographique que la saga à elle-même créée il y a plus de quarante ans, pour s’imposer comme un objet rétro et moderne à la fois. Outre un dépoussiérage plastique du plus bel effet, L’Ascension de Skywalker n’y va pas avec le dos de la cuillère quand il entreprend d’en mettre plein les yeux. Concernant la mise en scène, bien plus ambitieuse ici que sur Le Réveil de la Force, le film peut se vanter d’avoir de superbes images, telle cette lune d’Endor où gît l’épave d’une base bien connue. La bande-originale quant à elle, composée à nouveau par le légendaire John Williams s’apparente à un doux mélange de nostalgie, de morceaux d’anthologies et d’éléments plus modernes. Le compositeur signe assurément ici le meilleur score de cette troisième trilogie. Pour terminer on soulignera le casting qui à nouveau s’en sort globalement bien pour la plupart, Adam Driver et Oscar Isaac en tête, Daisy Ridley peut-être plus en demi-teinte ici mais curieusement plus convaincante aussi, alors que John Boyega stagne définitivement dans un jeu sans nuances.

Star Wars Episode IX : L’Ascension de Skywalker est donc un long-métrage qui aurait pu être largement pire, largement mieux aussi c’est un fait. L’Empire contre-attaque est à des années lumière de tout cela, mais toutefois J.J. Abrams et ses gros sabots parvient malgré des facilités d’écriture et des twists à foison à conclure cette trilogie, pour ce qui est de l’histoire des Skywalker en revanche, disons qu’il vaut peut-être mieux revoir Le Retour du Jedi, dans sa version d’origine évidemment.

Le sommaire de l’émission:

• La Selec’: Nous parlons dans l’ordre de Le Roi, La Belle Epoque, J’accuse, À Couteaux Tirés, Klaus, Lady and the Tramp (+ retours sur Disney+), Chanson Douce et The Irishman -> de 4:16 à 1:37:23
• Le Film du Mois: La Reine des Neiges II -> de 1:37:23 à 2:12:36
• La Minute Nerd: Les Frangines (Musique) -> de 2:12:36 à 2:21:50

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Nous vous souhaitons une très bonne écoute de cet épisode, n’hésitez pas comme d’habitude à réagir sur tous les réseaux sociaux à cette émission, nous vous retrouvons très prochainement pour le dernier podcast MoviesNerd « canonique » de cette année 2019 !

Voir le Fichier : Movies Nerd 52 À Couteaux Tirés Klaus, L’ Irlandais et La Reine Des Neiges Accusent Le Roi.mp3

J’ai beaucoup d’affection pour le premier film, il est drôle, touchant, avec de très jolis visuels et de superbes chansons (j’ai personnellement une préférence pour la Version Originale, tout d’abord parce que j’adore les paroliers que sont Kristen Anderson-Lopez et Robert Lopez, ce dernier qui a écrit deux de mes comédies musicales favorites Avenue Q et The Book of Mormon et ensuite parce que l’orfèvrerie des mots choisis et la qualité d’écriture des chansons ne sont simplement pas comparables). Pour résumer j’étais plutôt satisfait et ne ressentais pas le besoin de voir une suite.

La Reine des Neiges II est un film qui brille tout d’abord par sa qualité d’animation implacable et sans concessions, l’animation précise des visages des personnages permet à chacun d’avoir des expressions très détaillées et différentes selon leurs personnalités ce qui souligne habilement et avec beaucoup de justesses leurs émotions et leurs pensées, ce qui semble évident pour un film d’animation mais qui n’est pas si facile à obtenir car cela demande beaucoup de travail (et de dollars) pour arriver à un résultat aussi satisfaisant. Tous les objets animés que ce soit les personnages, les animaux ou les créatures ont tous fait preuve d’une attention aux détails dans leurs façons uniques de se mouvoir dans l’espace; une mention spéciale aux colosses de pierres et au cheval d’eau qui sont tout simplement incroyables à voir se déplacer et interagir avec l’univers qui les entourent. Les peaux des personnages humains sont également passés à un cran supérieur dans le détail, cet aspect « poupées de porcelaines » qu’on pouvait trouver dans le premier est moins présent, il y a des aspérités et des irrégularités plus importantes (ne vous attendez pas non plus à des personnages avec des boutons ou de l’eczéma, les problèmes de peaux n’existent pas à Arendelle apparemment). Les décors eux aussi sentent bon l’exigence dans la recherche de la perfection dont ils ont fait preuve, des forêts aux couleurs de l’automne en passant par les habitations et villes, tout est fait pour que l’univers soit cohérent visuellement. Le film met en scène pas mal d’évènements météorologiques, ceux-ci sont véritablement impressionnants à voir, que ce soit la gestion très fine de l’eau assez présente dans ce film, aux brouillards pleins de nuances et de textures pour les plus marquants en passant par le feu et la glace bien évidemment, rien n’a été laissé au hasard, on sent pleinement le travail des animateurs à vouloir chercher un rendu le plus réaliste possible et le moins que l’on puisse dire, c’est qu’ils ne se fichent pas de nous.

L’histoire que nous raconte cette suite, Elsa qui est maintenant reine d’Arendelle, entends depuis peu une voix qu’elle seule peut percevoir qui semble l’appeler, hésitante au début, elle va finalement partir pour découvrir l’origine de cette voix qui semble liée à ses pouvoirs, accompagné d’Anna, Kristoff, Sven et Olaf. La trame narrative qui pourrait sembler plutôt anecdotique est finalement plutôt agréable à suivre même si quelques lenteurs et problèmes d’écritures minimes gênent un tout petit peu le fil de la narration et la compréhension. L’univers et les personnages se dévoilent et se développent beaucoup plus que dans le premier, les personnalités de chacun se précisent de manière exacerbée, Anna est toujours de plus en plus surprotectrice envers sa sœur (d’ailleurs une grosse partie du film évoque cela d’une très belle manière, j’y reviens juste après), Elsa de plus en plus téméraire et déterminée à découvrir ses origines et à s’affirmer, Olaf qui se pose toujours des questions existentielles empreintes de mélancolie, Kristoff qui est totalement perdu sans Anna (ce qui donne lieu à une des meilleures, si ce n’est la meilleure scène du film, qui le voit interpréter sa chanson à la manière d’un clip d’une chanson pop des années 80. Je sais que dis comme ça, ça peut paraître horrible et gênant, mais je vous assure que ces trois minutes sont réalisées avec brio et assez d’intelligence pour ne pas tomber dans la parodie sans pour autant laisser de côté le fait que c’est un peu ridicule donc c’est très drôle à voir, j’ai eu d’énormes fous rires pendant toute cette séquence et elle suffit à elle seule l’achat de votre ticket de cinéma). Les moments comiques, fonctionnent toujours parfaitement, même encore mieux que dans le premier et naviguent avec beaucoup de justesse sur la corde de la comédie sans jamais tomber soit dans le ridicule total (puisque le film aborde des thèmes sérieux et graves) soit dans le trop sérieux, ce qui ne fonctionnerait pas du tout. Autrement, le film a provoqué à plusieurs reprises un phénomène physique incontrôlable sur ma personne, des sécrétions des glandes lacrymales, ce que vous humains appelez « les larmes aux yeux », face à certaines scènes qui sont totalement déchirantes et dures pour les personnages (Anna dans la grotte par exemple pour ceux qui ont vu le film) ou la scène de délivrance quasiment épique (Elsa qui trouve l’origine de ses pouvoirs) tout est fait pour que même ceux qui ont un cœur de pierre se retrouve à dire face à ces scènes « ah mince SNIF je crois que j’ai une poussière dans l’œil SNIF ». Les thèmes abordés m’ont surpris, car je ne m’attendais pas en allant voir La Reine des Neiges II à réfléchir sur l’acceptation de son héritage culturel et personnel, dans ce qu’il a de bon et de mauvais, puis comment dépasser tout cela et avancer dans sa vie sans se laisser dévorer par son héritage tout en n’oubliant pas le passé; mais également sur le deuil, la façon de le gérer et ce qu’il peut infliger à une personne, dans le cas d’Anna par exemple, le fait d’avoir perdu ses parents si tôt dans son développement personnel à provoqué un traumatisme qui la rend surprotectrice envers sa sœur. D’ailleurs l’amour entre Anna et Elsa (arrêtez-vous tout de suite avec votre esprit tordu), l’amour qu’elles ont l’une pour l’autre plutôt, est une des choses les plus belles de cette série à mon humble avis et dans ce deuxième volet cet aspect est formidablement développé, on ressent toute l’affection sororale (un mot que je vous invite à placer lors de votre prochaine soirée mondaine) que ce soit par leurs paroles l’une envers l’autre ou par des gestes comme le fait qu’elles se tiennent souvent par la main. Bref c’est un film avec de très beaux messages, qui sont toujours traités avec énormément de justesses, de sensibilités et d’intelligences.

J’ai vu le film en français, de ce fait, je ne peux juger que le travail fait sur le doublage, et celui-ci est vraiment très bon. Même moi qui n’ai jamais vu La Reine des Neiges en français et qui avais un peu peur de ne pas m’y retrouver avec les voix des personnages, je n’ai pas été trop choqué, à part peut-être au début quand j’ai découvert la voix d’Olaf qui est la seule qui ne correspond pas vraiment à la voix de Josh Gad en VO, sinon les autres interprétations fonctionnent parfaitement.

Les chansons sont pour moi un des points forts de ce film (après trois jours de chansons en boucle dans mes oreilles je pense que je peux le dire), je les trouve formidablement écrites (j’ai toujours une préférence pour la VO, même si la VF n’est pas si mauvaise), les mélodies sont superbement travaillées, somptueuses et un pur délice pour les oreilles, le niveau de production semble également avoir pris un cran supplémentaire puisqu’on a l’impression d’avoir de vrais numéros musicaux sortis des meilleures comédies musicales de Broadway (non pas toi Cats on ne t’a pas adressé la parole). Ce qui me sidère toujours autant c’est la qualité d’écriture apportée aux paroles sur toutes les chansons mais je trouve que l’exemple le plus parlant est celui de la toute première, entonnée dans les cinq premières minutes du film qui est une comptine que la mère d’Elsa et Anna chantait avant qu’elles s’endorment, le tour de force étant que cette chanson est une sorte de clé qui explique ce qui va se passer dans le film et principalement comment Elsa va trouver la source de ses pouvoirs ainsi que les autres découvertes qu’elle y fera en même temps. Tout cela est fait d’une manière profondément poétique, qui vous déchire le cœur quand vous réécouterez la chanson après avoir vu le film, cette forme de narration à travers les chansons qui consiste à faire avancer l’histoire tout en donnant des éléments qui pourraient paraître insignifiants, mais qui en réalité sont importants au déroulement du récit, est fait avec une grande intelligence et une beauté lyrique de chaque instant. Ce n’est pas un hasard si dans les crédits de fin pour l’histoire du film, les paroliers sont cités au même titre que les scénaristes du film.

« La Reine des Neiges II » n’est pas la suite inutile qu’on aurait pu craindre, elle a un vrai propos à développer et le fait de la plus belle des manières. Visuellement et musicalement ébouriffant et rafraichissant, les quelques petites longueurs et incohérences d’écritures à certains moments seront les seules ombres au tableau sinon quasiment parfait de ce film. J’ai passé un superbe moment et je vous recommande de le découvrir si ce n’est pas déjà fait.

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 16 Octobre 2019 au 15 Novembre

• Disney envisage d’engager Robert Zemeckis à la réalisation de “Pinocchio”
• Une date de tournage pour “Les Animaux Fantastiques 3”
• Guillaume Canet va réaliser le prochain film Astérix et les premières images
• Le sixième “Pirates des Caraïbes” serait un reboot
• Une série de film sur la maison Lalaurie dans l’univers “Conjuring”
• Les créateurs de Game of Thrones quittent leur trilogie “Star Wars” et les raisons
• Une date pour la suite de “Spider-man New Generation”
• La bande annonce de “Bad Boys 3”
• Une première bande annonce pour “Soul” de Pixar
• La saga “Scream”possiblement de retour au cinéma pour un cinquième volet
• La bande annonce de “Invisible Man” par les scénariste des trois premier “Saw”
• La bande annonce de “Sonic: Le Film”
• La bande annonce de “Scooby !” le film d’animation Scooby Doo
• Une bande annonce pour “Bob L’éponge: L’éponge en eaux troubles”
• Netflix s’offre “Le Flic de Beverly Hills 4”

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Nous vous souhaitons une très bonne écoute, n’hésitez pas à réagir à ce podcast un peu partout sur internet. Rendez-vous très prochainement pour le 37e épisode du podcast et le dernier de l’année 2019 !

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 36.mp3

« Une action vraiment désintéressée en appelle toujours une autre. »

Alex Lutz, la voix de Jesper – « Klaus » de Sergio Pablos (2019)

Avec Netflix on s’attend à tout, si la plateforme sait mettre en avant du contenu original relativement qualitatif du côté des séries, ce n’était pas le cas côté films. Cependant la tendance semble s’inverser en cette année 2019, car après Le Roi de David Michôd et The Irishman de Martin Scorsese, ce mois de novembre 2019 s’avère riche, et Klaus en est le troisième exemple.

Des films de noël il y en a, ils peuplent le petit écran à l’heure où les gens digèrent, sont-ils bons ? Pas vraiment. Mais des bons films de noël il y en a aussi, notamment Le Pôle Express pour les films d’animation et L’Étrange Noël de Mr. Jack chez Disney, d’ailleurs citer ces deux exemples n’est pas anodins, tant Klaus reprend bon nombre des meilleurs éléments de ces deux films pour les adapter à sa sauce. Car si de prime abord c’est bien la palette visuelle qui surprend dans la dernière production Netflix, son scénario à la fois simple mais généreux et efficace reprend des thématiques universelles bienvenues. Des éléments déjà traités maintes fois dans ce registre mais qui ici retrouvent une saveur particulière.

Outre sa plastique superbe qui mêle habilement une animation par ordinateur et des dessins aux caractéristiques très 2D, Klaus s’impose d’emblée comme un florilège de couleurs pastels et de féerie visuelle, pourtant il n’y a pour ainsi dire presque rien de surnaturel ou de magique dans l’histoire, l’univers est souvent décalé, mais au final rien ne vient indiquer quoi que ce soit qui sortent du domaine du fantastique. Klaus raconte les origines de la tradition de noël et du Saint Nicolas d’un point de vue réaliste et terre à terre. Jesper est un apprenti facteur cynique, qui n’a qu’une seule envie : quitter la petite ville dans laquelle il a été contraint d’intervenir. Alex Lutz est parfait dans le doublage. Monsieur Klaus lui est un homme blessé, au passé trouble, un grand bonhomme dont la grange est pleine de jouets. François Berléand est impeccable lui aussi. Tout indique que ces deux protagonistes vont donner naissance à l’une des histoires les plus légendaires du monde, celle du vieux monsieur à barbe blanche qui distribue des jouets aux enfants sages.

Si le film ne brille peut-être pas par sa narration ou son histoire finalement assez classique, il a au moins le mérite de faire les choses bien et d’imposer sa patte, comme pouvait le faire par exemple le film d’Henry Selick chez Disney en faisant prendre la trame dans l’univers d’Halloween puis de Noël. A bien des égards, Klaus gagne en singularité notamment parce qu’il use avec brio de son univers aussi coloré que drôle et décalé. L’humour est présent, étonnamment jamais gras ou envahissant, mais le scénario laisse aussi la place à la poésie et aux messages propres à ce registre de films. La tolérance, la bonté, l’humanité et l’altruisme sont ici des maîtres mots que le film met en scène sans tomber dans le pathos ou l’indigeste.

Au-delà du carcan estampillé « film de noël » qui l’accompagne forcément, Klaus est surtout une belle surprise. Un petit moment d’émerveillement que l’espagnol Sergio Pablos met en scène avec brio. Une belle découverte !

« Je crois en toi Elsa, plus qu’en n’importe qui et n’importe quoi. »

Kristen Bell (VO) – « La Reine des Neiges II » de Chris Buck et Jennifer Lee (2019)

Alors que j’écris ces quelques lignes sur la dernière super-production d’animation Disney, je me pose la question quant à mon appréciation de ce film. Avais-je des attentes inconsciemment, ou bien est-ce que la magie de 2013 n’opère plus aussi bien en 2019 ?

Tandis que la belle Elsa poussait la chansonnette sur sa montagne il y a six ans, voilà que le studio aux grandes oreilles décide de lui donner une seconde aventure. Ce qui en soi n’a rien d’étonnant quand on réfléchi en termes financiers, mais qu’en est-il de la créativité et de l’originalité dans tout cela ? Alors que certains nouveaux univers proposés par Disney semblent plus propices à des idées de suites, tels que Zootopie (qui en aura deux) ou bien Les Nouveaux Héros (qui n’en n’aura pas), c’est La Reine des Neiges qui ajoute un chapitre à l’épopée chantante et magique des soeurs d’Arendelle. Autant dire que l’annonce d’une suite, sans créer l’étonnement avait de quoi attiser la curiosité, cette dernière sortant au cinéma, le temps des suites Disney directement en vidéo semble bel et bien révolu et tant mieux aux vues de la piètre qualité de ces dernières. Cela étant, La Reine des Neiges II trouve-t’il une légitimité autre que financière en fin de compte ?

Oui … et non. Si techniquement le film est absolument somptueux, les visuels, les couleurs et les diverses ambiances sont impeccables et révèlent d’un savoir-faire incomparable, le scénario quant à lui pêche trop souvent malgré de bonnes idées. Autant le dire franchement, tout est bon dans cette suite mais cela ne saute pas d’emblée aux yeux. Il faudra se poser un peu et réfléchir à l’oeuvre pour ce qu’elle est, puis mettre de côté sa démarche monétaire pour finalement en déceler la vraie nature, telle une Elsa en quête identitaire. Le principal soucis réside dans le cheminement de l’histoire qui s’il permet effectivement d’approfondir les personnages et notamment de rendre la relation Anna/Elsa tout à fait juste et touchante, cela se fait au détriment d’autres protagonistes introduits ici. On apprendra donc presque rien sur ce fameux peuple de la forêt, idem concernant les esprits magiques qui peuplent ces bois, cela tiendra du strict minimum. Peut-être la volonté première n’est-elle pas d’étoffer un univers mais seulement les personnages. Ces derniers sont pourtant bien liés ici au monde qui les entoure pour qu’exclure autant ce background universel soit une mauvaise idée.

L’écriture est maladroite mais fait son job malgré tout, le scénario pêche souvent mais cela fonctionne quand on tente de lire entre les lignes. Néanmoins l’ensemble aurait mérité plus de clarté, plus d’attrait autre que les diverses chansons bien trop présentes et qui pour la plupart ne font pas mouche. Si Libérée, délivrée avait le mérite d’être à la fois un hymne et un exutoire pour le personnage principal, Dans un autre monde et Je te cherche auront la même vocation sans en avoir la puissance. La véritable bonne surprise musicale réside ici dans la chanson Tout réparer, qui révèle toute la sensibilité et traduit le sentiment d’abandon d’Anna avec une mélancolie surprenante et magnifiquement mise en scène. En revanche parmi les horreurs qu’il fallait éviter à tout prix, la parodique mais non-assumée J’ai perdu le nord se place en tête ! Elle ne sert ni le personnage de Kristoff, fait sourire le public pour masquer la gêne ambiante, d’autant plus que la version française de Donald Reignoux n’arrange vraiment rien.

En somme il s’agit-là d’une suite étonnante dans la mesure où elle tente plusieurs choses qui ne tiennent pas seulement du projet financier, le problème demeure véritablement dans la narration trop souvent laborieuse et l’ennui général qui pointe parfois le bout de son nez. Chose très rare dans un film d’animation Disney. Tout l’amour des créateurs pour leurs personnages ne suffit pas à combler les manques évidents dans l’écriture. Heureusement le film est souvent sauvé par sa démarche artistique et son humour méta empreint d’auto-dérision.

« Quel connard vient à une réunion en short ?! »

Al Pacino – « The Irishman » de Martin Scorsese (2019)

Projet de longue date pour Martin Scorsese, The Irishman a subi les affres d’une production compliquée et longue. Reprit par le géant du streaming Netflix, le dernier né de Scorsese du haut de ses 3h30 s’impose comme un long-métrage très réjouissant.

C’est un peu un film somme pour Scorsese, l’oeuvre qui vient parfois donner l’impression qu’elle pose la dernière pierre d’une filmographie légendaire. Âgé de 77 ans, Scorsese livre ici une déclaration d’amour passionnée aux films de mafieux, à l’Italie qui l’inspire et à trois acteurs symboliques. Le réalisateur n’a rien perdu de sa superbe quand il s’agit de mettre en scène des histoires de malfrats, des personnages qu’il sublime dans leurs pires aspects. A l’image d’un Robert De Niro ici désabusé et fatigué, Scorsese pose un regard tendre sur cet anti-héros sombre auquel l’acteur confère une prestance et un charisme monstrueux.

Pareillement pour Joe Pesci, tanné par De Niro et Scorsese pour rejoindre le film, il joue ici un personnage propre à ceux qu’il a pu incarner par le passé, mais sous un autre jour. Ses rictus et sa finesse ponctuent parfaitement son jeu pourtant plus en retrait mais pas moins puissant. Quel bonheur de le revoir devant la caméra du réalisateur. Puis il y a Al Pacino qui inaugure ici sa première prestation dans un film de Scorsese. Comme on dit, mieux vaut tard que jamais, car l’acteur est parfait dans la peau de Jimmy Hoffa. On notera aussi dans un rôle moins important, Harvey Keitel qui malgré tout nous régale d’une scène de dialogues savoureuse.

Tout ce beau monde s’agite devant la caméra, s’énerve et s’amuse. Outre l’énergie si particulière et la fluidité dans le montage, le film prend aussi le temps de se poser pour créer l’émotion, instaurer une dramaturgie bienvenue et jouer avec l’irrévérence des situations tantôt méchamment drôles et tantôt noires et sanglantes. Marty est toujours un divin voyou et tant mieux. Le travail sur les couleurs, la photographie et la musique est impeccable et vient lui aussi affirmer le postulat du film, à savoir être à la fois le récit libre d’un fait bien réel, une histoire de mafieux enragée et un grand film ultime dans tous les aspects de sa conception. Casting cinq étoiles, bande-originale et additionnelle aux petits oignons, durée qui permet d’exploiter pleinement toute la narration, Netflix laisse ici le chambre libre à Scorsese, et il en résulte une oeuvre aussi singulière qu’incontournable.

The Irishman est à la fois l’objet cinématographique que tout admirateur de Martin Scorsese pouvait attendre, mais aussi une histoire de gangsters dans les grandes règles de l’art et un film qui se pose comme le dernier témoin d’un âge révolu du cinéma américain, à l’image du réalisateur et des acteurs qui en ont conçus toute la fragrance. Très grand film !

• La Selec’: Nous parlons dans l’ordre de Shaun le Mouton: La Ferme Contre Attaque, Ma vie avec John F. Donovan, Chambre 212 et Joker -> de 6:01 à 1:04:49
• Le Film du Mois: Maléfique: Le Pouvoir du Mal -> de 1:04:49 à 1:31:15
• La Minute Nerd: Enterre mon cœur à Wounded Knee (Bury my Heart at Wounded Knee) (Livre) -> de 1:31:15 à 1:40:00

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« Rompus à l’art de la guerre. »

Timothée Chalamet en Henri V au sujet de ses conseillers. – « Le Roi » de David Michôd (2019)

David Michôd signe Le Roi une adaptation de la pièce de Shakspeare, cependant bien au-delà du travail d’adaptation Michôd met ici en scène un film historique fort et audacieux.

Timothée Chalamet prête ses traits à Hal, le futur Henri V d’Angleterre. Le jeune acteur s’en sort admirablement puisqu’il parvient à incarner avec autant de force que de sensibilité toutes les facettes de ce roi différent et finalement moderne dans le contexte de son époque. Pourquoi parler de l’acteur principal en premier lieu d’une critique ? Parce qu’il porte le film sur ses épaules tout simplement, et cette performance est remarquable, permettant à Chalamet d’exploiter tout son potentiel de composition, chose que l’on ne faisait que soupçonner jusqu’ici malgré des rôles marquants comme celui d’Elio chez Luca Guadagnino.

Le scénario grâce à son écriture fine et habile, sait parfaitement raconter les affres de la royauté, dès lors qu’elle n’est pas souhaitée dans le cas particulier de cette histoire. La caractérisation du personnage d’Henri V en fait un prétendant au trône en total inadéquation avec l’héritage de son père d’une part, et de l’autre avec son temps. Henri V ne souhaite pas bêtement appuyer son nouveau pouvoir de monarque, il veut s’imposer comme l’instigateur de changements en oeuvrant pour la paix. Une paix qui passera irrévocablement par la guerre. Le scénario parle d’un monde et d’un système contrasté, faisant sans cesse des liens habiles avec notre société contemporaine, mais là où l’écriture tire sa force c’est justement dans sa capacité à exploiter les divers contrastes de cette histoire, il n’y a pas de manichéisme ici, simplement des jeux de pouvoir, rappelant parfois une série télévisée bien connue.

Le ton et la mise en scène viennent s’accorder avec l’écriture. Le film ne manque jamais d’impressionner, notamment dans les séquences d’action bien sûr mais surtout dans les scènes de dialogues. Ces derniers sonnent justes et sont pour la plupart très savoureux. Le film joui ici d’une narration simple mais redoutable puisqu’elle pose les enjeux au fur et à mesure tout en prenant le temps d’en exposer chaque paramètre. Henri V peut devenir un « bon » roi aimé de son peuple, mais il se refuse à guerroyer inutilement. La dernière demi-heure du film s’avère très efficace sur ce point puisqu’elle nous amène doucement mais subtilement vers un climax qui prend tout son sens et qui résulte de cette narration fine, jamais avaricieuse en éléments clés sans que ces derniers n’entachent les séquences dans lesquelles ils sont dévoilés. Le casting quant à lui est remarquable, Robert Pattinson qui prend l’accent français est assez risible au premier abord mais l’acteur s’en sort finalement très bien. Idem pour Joel Egerton, juste et nuancé.

Le Roi est un film historique singulier, visuellement superbe grâce à une photographie léchée. Mais par-dessus tout il s’avère être une belle démonstration d’écriture. A voir, d’autant plus que c’est produit par Netflix, alors pour une fois que c’est convaincant !

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 16 Août 2019 au 15 Octobre

• Un reboot de “Resident Evil” en chantier
• “Matrix 4” est bien confirmé
• Disney annonce son prochain film d’animation “Raya and the Last Dragon”
• La bande annonce de la version live de “La Belle et le Clochard”
• La bande annonce de “Lucy in the Sky” 
• Andy Muschietti confirme qu’il va réaliser “The Flash”
• Richard Linklater va tourner une comédie musicale sur vingt ans
• Mark Rylance rejoint le casting du film sur Jésus par Terrence Malick
• Des informations sur le prochain film de Woody Allen
• Kevin Feige va produire un film “Star Wars”
• Sam Neil, Laura Dern et Jeff Goldblum de retour dans “Jurassic World 3”
• L’adaptation de “Uncharted” trouve un nouveau réalisateur
• Officialisation de “Spider-Man 3” chez Marvel pour le 16 juillet 2021
• Le film live “Blanche-Neige” sera une comédie musicale
• La bande annonce de “J’accuse” le nouveau film de Roman Polanski
• La bande annonce de “Jungle Cruise”
• La nouvelle bande annonce de “En Avant” le prochain Pixar
• Une bande annonce du “Dr Dolittle” avec Robert Downey Jr

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Nous vous souhaitons une très bonne écoute de cet épisode 35 du podcast Parlons Cinéma, nous vous donnons rendez-vous très prochainement pour un nouvel épisode.

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 35.mp3

« Je me souviens de l’histoire d’une terrible sorcière et de la princesse

qu’elle avait plongé dans un sommeil éternel. »

Michelle Pfeiffer – « Maléfique : Le Pouvoir du mal » de Joachim Ronning (2019)

En 2014 les studios Disney tentaient le diable en révisant l’un des plus célèbres contes de fées, celui de La Belle au bois dormant. Le film s’imposait comme une relecture, Le Pouvoir du mal quant à lui est un nouveau segment de celle-ci.

J’avais beaucoup attendu Maléfique qui réunissait tous les ingrédients pour me plaire, notamment Angelina Jolie dans le rôle titre ainsi qu’un univers féerique. Le spectacle était au rendez-vous et à vrai le constat n’est pas si différent pour cette suite. Les studios Disney sont décidément bien plus intéressants sur des exercices de relecture comme Maléfique et cette suite. Cela donne naissance à des oeuvres qui se détachent suffisamment du support d’origine tout en en reprenant les meilleurs aspects. Néanmoins ma préférence demeure être pour le film de 2014, car si Le Pouvoir du mal ne manque pas d’atouts, son histoire dans le fond, pourrait très bien fonctionner avec d’autres personnages, autres que ceux du conte de Charles Perrault.

Il s’agit à nouveau de jouer sur les apparences souvent trompeuses, et en cela le film fonctionne, notamment en amenant habilement au détour d’une phrase prononcée en voix-off, que l’on a retenu du conte que c’était le prince qui avait réveillé Aurore et non pas Maléfique. Dit comme ça forcément ce n’est rien, mais cela vient pourtant donner une logique à cet univers dans lequel la puissante fée n’est finalement ni bonne ni mauvaise. Au-delà de cela, le scénario demeure très classique, la suite est là pour capitaliser c’est évident, mais la recette fonctionne. Cette histoire de tolérance et d’utopie peut faire sourire mais replacée dans un contexte plus réaliste, elle prend tout son sens tant il s’agit-là d’un combat mené au quotidien par des milliers de gens sur cette terre.

Le film ne brille pas par l’originalité de son scénario, ni par son imprévisibilité. Si en 2014 le film de Robert Stromberg avait pu surprendre quant aux choix fait dans l’écriture, ici il n’en n’est rien. Cela étant, dès lors que nous ne sommes plus dans la démarche de nous faire à l’idée que la terrible sorcière maudissant un nouveau né n’était finalement qu’une femme bafouée, Le Pouvoir du mal part donc sur une base plus simple mais qui permet aussi d’aller plus loin dans l’efficacité. Bien sûr la relation entre Aurore et Maléfique fonctionne toujours autant et ne perd pas en crédibilité, d’autant plus qu’Angelina Jolie et Elle Fanning sont impeccables, néanmoins il semble évident que le film ici se veut plus divertissant, sans laisser pour autant de côté son univers, qui s’étoffe donc un peu plus ici.

Pour ce qui de la partie visuelle, le film est globalement très joli. Outre un aspect féerique parfois rose bonbon totalement assumé, le film gagne aussi parce qu’il s’autorise quelques instants plus sombres, notamment le réveil de Maléfique chez les fées noires. Visuellement le film ne manque pas de bonnes idées, idem pour la mise en scène certes académique mais solide et efficace de Joachim Ronning. Les scènes de vol sont particulièrement réussies, à l’instar de la dernière demi-heure qui sort l’artillerie lourde pour illustrer le siège d’une forteresse que l’on a rarement vu de cette manière. A noter que James Newton-Howard laisse ici sa place de compositeur à Geoff Zanelli qui s’en sort très bien et reprend évidemment certains morceaux phares du premier long-métrage.

En terme de casting il n’y a pas grand chose à dire hormis qu’Angelina Jolie est à nouveau impeccable, le rôle lui convient parfaitement elle semble s’amuser tout autant que sur le premier film, même si elle sait également se montrer plus nuancée quand il le faut. Elle Fanning en revanche incarne une Aurore plus adulte, moins nunuche que dans le film précédent, ce qui n’est pas une mauvaise chose, tout au contraire ! Son beau prince n’est plus incarné par Brenton Thwaites, parti faire le pirate aux côtés de Johnny Depp, il est ici remplacé par Harris Dickinson qui a la chance d’avoir plus de choses à jouer et qui s’avère en plus tout à fait juste. Quant à la grande méchante de cette histoire, c’est Michelle Pfeiffer qui s’en charge. Moins vénéneuse qu’une Charlize Theron pour Blanche-Neige et le Chasseur, mais l’actrice s’en sort très bien et compose un personnage certes prévisible mais assez jouissif tant il est détestable. Warwick Davis fait également une petite apparition. En revanche là où ça se corse c’est concernant Ed Skrein, qui est clairement un acteur très moyen, idem pour Chiwetel Ejiofor qui d’habitude est excellent, il est ici complètement sous-exploité.

En somme Maléfique : Le Pouvoir du mal est une suite convaincante, certes il ne s’agit ni du film du siècle ni même d’un divertissement extraordinaire, mais pour ma part je compte pas bouder mon plaisir. En revanche un troisième film n’est évidemment pas nécessaire.

« Qu’est-ce qu’un artiste devrait révéler de lui-même ?

Et pourquoi est-ce que ça nous importe au juste ? »

Ben Schnetzer – « Ma vie avec John F. Donovan » de Xavier Dolan (2019)

Voilà déjà dix ans que Xavier Dolan dévoilait au monde son premier film, et il va sans dire que J’ai tué ma mère malgré quelques maladresses s’avérait être une oeuvre puissante et singulière. Dix ans plus tard, le (toujours) jeune réalisateur québécois a-t’il conservé sa fougue ?

Ma vie avec John F. Donovan est donc le premier film de Xavier Dolan dans la langue de Shaekspeare. Armé d’un solide casting cinq étoiles, le film avait tout pour intriguer et sa production mystérieuse ponctuée de rebondissements en tous genres (financement compliqué, la coupe de Jessica Chastain au montage, entre autre) n’a fait que renforcer la curiosité latente d’un public désormais habitué à voir sur le grand écran et dans les festivals de cinéma les derniers films du jeune homme. Il aura fallut trois ans pour que ce nouveau film sorte en salle, accompagné comme pour le précédent, Juste la fin du monde, d’un accueil assez tiède.

Effectivement Ma vie avec John F. Donovan a de quoi dérouter un peu. Si sur le plan technique et mise en scène tout est impeccable bien que moins ambitieux que les films précédents, c’est véritablement en terme de narration et d’écriture qu’il y a des problèmes. Le film tel qu’il est, accuse une production trop chaotique et surtout un remontage tardif, si bien qu’il y a des manques, comme en témoignent les nombreuses ellipses du film. Cela étant, même dans ses films les plus maladroits, Dolan a toujours su mettre en scène des instants forts et rares, ici aussi c’est le cas. Malheureusement si le film sait parfois montrer une certaine fougue dans sa mise en scène, notamment cette séquence de pétage de plomb avec Kit Harrington ou encore ce face à face mère/fils avec Natalie Portman et Jacob Tremblay, certaines autres séquences ne font pas mouche car trop souvent outrancières. Notamment cette scène où le jeune Rupert découvre la nouvelle saison de sa série préféré, Jacob Tremblay en fait des caisses.

Il émane également du film une certaine aura étrange, comme empreinte de mégalomanie. Quelque chose qui est d’ailleurs souvent reproché au cinéma de Dolan dans les billets qui lui sont consacrés. Ma vie avec John F. Donovan est un film très personnel, sûrement trop même. Car si l’on détricote un peu les deux personnages principaux, à savoir John et Rupert, chacun ont en eux des éléments qui caractérisent le réalisateur lui-même. Dolan parle d’un film sur l’admiration, mais laquelle ? Celle d’un jeune fan pour son idole ? Ou bien celle d’un réalisateur pour lui-même ? Mégalomanie ou narcissisme ? Pourtant malgré tout subsiste une réflexion sur la célébrité et sur comment le public vous perçoit en tant que célébrité, un potentiel intéressant mais jamais exploité à fond tant l’écriture semble avoir été passé à la moulinette.

Point d’interprétation en état de grâce ici ni de séquence marquante, malgré son aspect « film somme » Ma vie avec John F. Donovan est un Xavier Dolan mineur à qui il manque cet aspect « de bric et de broc » qui donnait toute leur saveur aux précédentes réalisations du garçon.

Depuis 2015 l’équipe MoviesNerd profite du mois de septembre pour revenir sur l’été cinématographique qu’ils viennent de passer, Eddy me rejoint pour discuter des films de cet été 2019 avec des rattrapages, voici le sommaire de cet épisode.

Le sommaire de l’émission:

• Rattrapage: Glass
• Pokémon Détective Pikachu
• Rattrapage: Alita Battle Angel
• The Dead Don’t Die
• Sibyl
• Rattrapage: L’adieu à la nuit
• Aladdin
• Rocketman
• Rattrapage: Blanche Comme Neige
• Le Daim
• Toy Story 4
• Yesterday
• Wild Rose
• Le Roi Lion
• Comme des Bêtes 2
• Les Faussaires de Manhattan
• Spider-Man : Far From Home
• Once Upon a Time… in Hollywood
• La Vie Scolaire

Les liens évoqués dans l’émission: 

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Les crédits musicaux:

• Viola Wills – Sweetback
• The Rolling Stones – Out of Time

Nous vous souhaitons une très bonne écoute, n’hésitez pas à nous donner vos avis dans les commentaires ou sur les réseaux sociaux, on se retrouve très prochainement pour un épisode canonique du podcast MoviesNerd sur les films du mois de septembre.

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Bilan de l’été 2019.mp3

Nous vous l’avons teasé pendant tout l’été et nous vous souhaitons une bonne rentrée (un peu en retard) avec notre format du podcast MoviesNerd Hors Série Saga qui s’attaque à la saga Harry Potter, mon co-hôte Eddy et moi-même avons le plaisir de recevoir un invité fréquent de nos différents podcasts, Adrien, pour discuter pendant un peu plus de 3H00 de la saga Harry Potter en détail, voici le sommaire.

Le sommaire de l’émission:

• Notre découverte de la saga Harry Potter -> de 3:45 à 17:21
• Harry Potter à l’école des Sorciers -> de 17:21 à 37:49
• Harry Potter et la Chambre des Secrets -> de 37:49 à 55:29
• Harry Potter et le Prisonnier d’Azkaban -> de 55:29 à 1:20:49
• Harry Potter et la Coupe de Feu -> de 1:20:49 à 1:39:08
• Harry Potter et l’Ordre du Phénix -> de 1:39:08 à 2:01:19
• Harry Potter et le Prince de Sang-Mêlé -> de 2:01:19 à 2:25:47
• Harry Potter et les Reliques de la Mort Partie 1 -> de 2:25:47 à 2:47:38
• Harry Potter et les Reliques de la Mort Partie 2 -> de 2:47:38 à 3:06:50
• Nos classements personnels des films + recommandation de Fans Films  -> de 3:06:50 à 3:15:07

Les liens évoqués dans l’émission: 

Les Fan-Films et autres:

• Serverus Snape and the Marauders
• Le Maître de la Mort
• Origins of the Heir
• The Great Wizarding War (Podcast Audio)

Le site sur lequel Adrien écrit: smallthings.fr

Le podcast Four Horsemen

Le podcast Serial Causeur

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Les crédits musicaux:

• The Boyz Who Lived – Wizard Rock
• Yung Mavu – BLACK MAGIC

Nous vous souhaitons une excellente écoute, n’hésitez pas à partager votre avis sur le podcast un peu partout sur internet, nous reviendrons bientôt avec un autre podcast MoviesNerd Hors Série Saga, d’ici là nous vous disons à la prochaine !

Voir le Fichier : MoviesNerd Hors Série Saga Harry Potter.mp3

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 15 Juillet 2019 au 15 Août

• La bande annonce de The King’s Man le prequel de Kingsman
• Warner prévoit une trilogie Shazam et un crossover avec Black Adam
• Matt Damon jouera dans Stillwater le prochain film du réalisateur de Spotlight
• Edward Furlong sera de retour pour jouer John Connor dans Terminator Dark Fate
• La bande annonce de Top Gun 2
• La bande annonce de Ça 2
• Le calendrier de la phase 4 de Marvel Studio annoncé
• Natalie Portman va reprendre le rôle de Thor dans Thor Love and Thunder 
• Les autres projets Marvel annoncés à la Comic Con 2019
• La bande annonce de Gemini Man le nouveau film de Ang Lee avec Will Smith
• Un nouveau film Rocky est en préparation par Stallone ainsi qu’une série
• Le teaser du prochain film de Taika Waititi Jojo Rabbit
• La bande annonce de Retour à Zombieland
• Une nouvelle adaptation de Sa Majesté des Mouches par le réalisateur de Call Me By Your Name
• La bande annonce de 1917 le film sur la première guerre mondial par Sam Mendes
• La première bande annonce de The Irishman le prochain film de Martin Scorsese
• Venom 2 sera réalisé par Andy Serkis
• La bande annonce du film d’animation La Famille Addams par les réalisateurs de Sausage Party
• Disney veut continuer la saga La Planète des Singes
• La bande annonce du prochain Terrence Malick Une Vie Cachée

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• Starpoint – Wanting You
• Bobby Blue Bland – Aint No Love in the Heart of the City

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et n’hésitez pas à réagir à l’épisode dans les commentaires ou sur les réseaux sociaux. Nous vous retrouverons le mois prochain pour un nouveau Parlons Cinéma !

Voir le Fichier : Parlons Cinéma Épisode 34.mp3

Sorti en été 2016 Comme des Bêtes avait trouvé son public en faisant ce que sait faire le mieux Illumination Studio, le studio qui en plus d’être à l’origine de l’addiction insupportable de votre petit-neveu aux Minions sont les auteurs de la série de films Moi, Moche et Méchants, faire de la comédie qu’on appelle de l’autre côté de la manche « relatable comedy », c’est-à-dire montrer des situations que le spectateur à l’habitude de rencontrer dans sa vie de tous les jours pour qu’il puisse se dire cette fameuse phrase que toutes les ménagères de 40 ans ont déjà prononcées en regardant Scènes de Ménages « Haha c’est drôle parce que ça m’est déjà arrivé ». Je n’avais justement pas aimé ce premier film parce qu’il se reposait beaucoup trop à mon goût sur cet effet « Haha mes animaux font aussi ça chez moi, trop marrant »  je l’avais trouvé également paresseux sous tous ces aspects que ce soit scénaristiquement ou visuellement, sans parler du côté « hommage » à Toy Story qui penchait un peu trop vers le plagiat à certains moments, le tout sentait le réchauffé et avait le goût du moindre effort qui se retrouve dans beaucoup des productions de ce studio. Le film ayant rencontré son public, une suite fut annoncée et vous vous doutez bien que je n’étais pas vraiment enthousiaste à l’idée d’aller voir la suite des aventures de Max le chien, maintenant qu’il avait trouvé le moyen de vivre en paix avec Duke le bâtard que sa maîtresse avait ramené chez elle et dont il était jaloux dans le premier film, même si je ne peux nier une certaine curiosité que certains appelleront « malsaine ».

Alors que je pensais que le premier ne pouvait être dépassé en matière de paresse d’écriture, Comme des Bêtes 2 arrive à me faire mentir en proposant une sorte de mélange de trois histoires indépendantes qui se rejoignent à la fin d’une façon vraiment forcée, il s’agit plus d’un empilement de situations propices à des blagues vues et revues qu’une histoire cohérente qui veut raconter quelque chose. Car c’est bien là le souci principal de ce film et celui qui ressort comme étant le plus voyant, il n’y a pas vraiment de but au film et il ne semble pas vouloir chercher à relater quelque chose qui a plus de substance que des blagues à la chaînes au spectateur. Il s’apparente plus à un Direct to Video ou plusieurs épisodes d’une série TV d’animation collés ensemble qu’à un véritable film de cinéma, et une mauvaise série d’animation parce qu’il y en a plus d’une qui raconte plus de choses intéressantes en 11 minutes que ce que Comme des Bêtes 2 arrive à faire en 86 minutes. Pourtant j’ai bien eu un espoir à un moment avec la première des trois histoires qui est celle de l’arrivée d’un enfant dans la vie de Max et de Duke, puisque les cinq premières minutes sont agréables et mignonnes à suivre mais au lieu de se concentrer sur ce qui aurait pu être une grande partie du film et le rendre intéressant, les scénaristes au contraire ont réglé toutes ces scènes en dix minutes pour après s’éparpiller dans tous les sens et n’importe comment sans jamais réussir à recapturer la magie de ces cinq/dix premières minutes, quel dommage.

Le visuel n’est pas à décrier, ça ne détonne pas trop avec le standard des productions 3Ds actuelles, les poils des animaux sont l’équivalent de ce que Pixar faisait sur Monstres Academy en 2013 mais en même temps on ne va pas voir un film du studio Illumination pour être impressionné techniquement. Les animations sont correctes même si les visages manquent peut-être un peu d’expressions plus distinctives et semblent parfois un peu trop figés surtout sur les personnages secondaires, mais là c’est le fan d’animation qui chipote pour pas grand-chose et au final ça reste moins honteux que certains autres films d’animations qui sortent tous les ans et qui semblent venus d’un autre âge (du genre Manou à l’école des Goéland ou Amir et Mina : Les Aventures du Tapis Magique des films qui sont bien sortis cette année et que vous avez déjà oubliés, tout comme moi avant que je fasse des recherches).

J’ai pu le voir en Version Originale de ce fait je ne peux pas attester que le casting vocal en français est moins énervant que dans le précédent, surtout pour ce qui est de Willy Rovelli dans le rôle de Pompon le lapin qui était insupportable à vouloir se crever les tympans. Le cast VO fait le job correctement sans trop de grandes folies ou d’extravagances malgré les dialogues navrants donnés aux acteurs ils arrivent à s’en sortir honorablement, même si dans le même rôle de Pompon le lapin qui se prend pour un super-héros (parce que bien sûr il fallait faire une cinq centième parodie sur les super-héros on en avaient tous besoin pour comprendre à quel point, je sais pas si vous avez remarqués mais c’est pas banal d’être un super-héros), Kevin Hart crie un peu trop et peut énerver à deux, trois reprises.

Comme des Bêtes 2 n’est pas original pour un sou et ressemble plus à un film bâclé fait dans la vitesse pour faire de l’argent honteusement sur le dos des enfants et des parents qui les accompagnent plutôt qu’à un film d’animation travaillé qui ne se fout pas de la gueule de son public de 7 à 79 ans. Avec des blagues vues et revues et rerevues ainsi qu’un scénario qui à l’air d’un brouillon de ce qu’il aurait vraiment pu être et même s’il n’aurait pas été original, il aurait eu une âme, ce que le premier avait (même si c’était volé de Toy Story il en avait quand même une) et c’est ce qui manque cruellement à celui-ci pour en faire un film qui vaut votre temps et votre argent.

Reprenant tous les codes du survival horrifique, Crawl convainc par une efficacité permanente, s’avançant ainsi comme le divertissement idéal de l’été.

Plus encore, en faisant de Kaya Scodelario (Skins) sa tête d’affiche, le réalisateur français Alexandre Aja a su voir l’étoffe d’une grande scream queen moderne, puisant en la jeune femme un personnage fort et une énergie qui portera son film. Dotée de peu de dialogues, Scodelario insuffle une véritable fougue à cette protagoniste complexe et brisée, ayant été préparée inconsciemment durant toute son existence aux épreuves qu’elle sera amenée à rencontrer.

Une nouvelle corde à l’arc de l’actrice principale de la trilogie Le Labyrinthe, qui s’affirme de plus en plus en tant que figure incontournable de la nouvelle génération hollywoodienne.

Sur le papier et à première vue, rien de bien neuf quant au postulat proposé par le long métrage, toutefois c’est bien dans son rythme soigneusement soutenu et son aspect technique que l’oeuvre dénote ; Aja maîtrise le terrain de jeu dans lequel il se lance, et se permet alors des digressions des plus réjouissantes avec celui-ci : à l’instar du reptile qu’il met en scène, les instants d’horreur pur sont imprévisibles, et lorsque la cage de l’effroi s’ouvre grand sur ses protagonistes, le spectacle qu’il orchestre se révèle enragé, explosif.

Ce qui porte le plus défaut au film, en somme, est la manière dont la tension se retrouve bien trop vite relâchée dans les dernières minutes, alors même qu’elle en faisait sa plus grande particularité. On ne peut s’empêcher de penser que l’inspiration aura manqué pour conclure les mésaventures d’Haley Keller (Scodelario). 

In fine, malgré le pétard mouillé qu’est le final, Crawl demeure une approche solide du genre, qu’on verrait volontiers se développer sous une suite, récemment évoquée par le réalisateur. À découvrir à l’occasion.

« Film somme » pour la plupart, le neuvième long-métrage du réalisateur de Pulp Fiction nous offre l’un des plus beaux chapitres cinématographiques de cette année 2019.

Plongée presque immersive dans cet Hollywood rêvé de la fin des années 60, l’oeuvre est le fruit d’une vision menée à bien de son premier dialogue à sa dernière scène. Si le nouveau bébé du metteur en scène est bien la narration d’une réalité rêvée, celle-ci n’a rien d’idéalisée. Les personnages qui y déambulent sont teintés de zones d’ombre, c’est aussi ce qui les rend terriblement attachants ; au moment où le générique défile, c’est à deux amis que l’on dit au revoir en les personnages incarnés par Brad Pitt (immédiatement l’une des plus grandes prestations de l’acteur) et Leonardo DiCaprio, losers magnifiques et au sommet de leur art derrière les costumes de Cliff Booth et Rick Dalton.

En outre de ses personnages profondément humains, Quentin Tarantino semble capturer sur pellicule l’innocence d’une ère, celle des hippies en auto-stop et des bâtisses hollywoodiennes aux portes grandes ouvertes : une hymne à la joie à laquelle il ne peut se résoudre de mettre une dernière note, quitte à repousser le fanatisme à coup de lance-flammes.

Le sentiment qui prévaut en quittant ce voyage d’une durée de trois heures est alors doux-amère, celui d’un souvenir qui n’a jamais été. 

Arpenter Sunset Boulevard sous l’oeil de Tarantino, c’est également faire la rencontre d’une troisième amie inattendue, merveilleuse lumière traversant le long-métrage chaussée de bottes blanches. Le charisme et la fraîcheur de Margot Robbie (Le Loup de Wall Street) est au service de cette somptueuse célébration de la vie de Sharon Tate, dont le nom n’évoquait jusque-là que son funeste destin pour beaucoup. C’est là l’une des très grandes réussites du film, qui par le biais de cette figure emblématique d’un certain âge d’or hollywoodien, transcrit l’ambition même de la mise en abîme orchestrée par le réalisateur.

Plus belle déclaration d’amour à l’art qu’il a porté à ses meilleurs jours par huit fois auparavant, Quentin Tarantino délivre un chef d’oeuvre abouti et jouissif, une bulle hors du temps qui rappelle que le cinéma est, encore aujourd’hui, le plus bel exutoire au réel.

Wild Rose est un film pour lequel je n’avais quasiment aucune attente, je n’avais vu aucunes bandes-annonces, ni lu de synopsis avant de mettre les pieds dans la salle. Tout ce que je savais de lui étaient les 7/8 lignes qui lui était consacré dans les pages critiques du Première de Juillet/Août évoquant un film musical assez prenant autour de la musique Country, cela avait suffi à attiser ma curiosité sans rien avoir dévoilé du film. Il y avait également l’affiche qui clamait haut et fort « Vous pouvez oublier A Star is Born » écrit en si gros en haut de celle-ci qu’on pouvait vraiment douter un instant sur le véritable titre du film. Bref pas grand-chose à quoi me raccrocher pour savoir clairement ce que j’allais voir, surtout que n’ayant pas vu A Star is Born la promesse que ce film me fasse oublier celui-ci ne me concernait pas du tout.

Wild Rose raconte l’histoire d’une jeune femme écossaise du nom de Rose-Lynn dont le rêve le plus cher et celui pour lequel elle est prête à tout sacrifier est d’aller à Nashville (ville emblématique de la musique Country qui est encore aujourd’hui un extraordinaire vivier à talents) pour devenir chanteuse, vous l’aurez deviné, de Country. Mais tout n’est pas si simple dans sa vie, puisque après avoir passé une année en prison pour une histoire de drogues elle sort en liberté conditionnelle, ce qui veut dire qu’elle devra porter un bracelet électronique à la cheville et qu’elle ne pourra pas s’éloigner du périmètre de sa maison de 19h à 7h. Et comme si cela ne suffisait pas à lui causer assez de soucis à notre bonne vieille Rose-Lynn elle a en plus deux enfants (une fille de 7/8 ans et un garçon de 4/5 ans) qui ont été laissés à leurs grand-mère le temps de la virée en prison de leur mère. Elle va accepter à contre cœur un emploie en tant que femme de ménage dans une famille plutôt aisée pour essayer d’accomplir son rêve. Voilà grosso modo les enjeux qui sont expliqués de manière claire et concise lors du quart d’heure d’introduction du film, et qui vont poser les bases sur lesquelles vont se reposer les 85 autres minutes de celui-ci.

Durant ces premières quinze minutes on nous dévoile également la personnalité de Rose-Lynn et le moins que l’on puisse dire c’est qu’il est dur en tant que spectateur de trouver de la sympathie (en tout cas au début) avec un tel personnage principal, ce qui est à n’en pas douter la volonté du réalisateur qui fait tout pour nous la rendre antipathique à souhait, sans jamais aller jusqu’à la faire passer pour une personne avec de véritables mauvaises intentions. Rose-Lynn peut devenir rapidement violente, n’a clairement pas sa langue dans sa poche, elle vole sans aucun remords et est très égocentrique, à tel point qu’on en vient à se demander si elle pourra véritablement changer, comme le veut la sorte de tradition non écrite de ce genre de films qu’on appellera « Coming of Age » pour faire hype et branché, comprenez un récit initiatique. Tous ses défauts mais aussi ses quelques qualités qui se dévoileront timidement au fil de l’intrigue en font un personnage très intéressant à suivre pour le spectateur qui même s’il aura beaucoup de mal à sympathiser avec ses actions, surtout quand il en vient aux scènes avec ses enfants qui sont pour certaines de véritable crève-cœur préférant souvent choisir la poursuite de son rêve plutôt que le bien-être de ceux-ci, ne pourra pas s’empêcher de vouloir connaître la suite de l’intrigue et le développement de celle-ci par le prisme de Rose-Lynn.

La qualité du personnage principal ne tient pas uniquement à son écriture mais aussi en grande partie à son interprète Jessie Buckley, qui déborde d’une énergie communicative qui fait que même si on la voit constamment faire des choses qui m’ont mis hors de moi en me faisant dire intérieurement « Mais pourquoi tu fais ça ? Tu vas tout gâcher ! » à plusieurs reprises, elle reste bizarrement attachante et a ce « jenesaiquoi » (pour emprunter un mot de vocabulaire aux directeurs de casting) qui nous attrape et ne nous lâche pas jusqu’à la fin du film. La distribution des seconds rôles a également été fait avec justesse par le réalisateur, les dialogues sont délivrés sans fausses notes et même les deux enfants acteurs sont très bien dirigés pour nous faire ressentir toutes leurs émotions durant les scènes entre eux et leur mère qui sont les plus réussies du film à mon goût car subtilement mises en scène et dialogués avec une grande maîtrise digne des plus grands films de drames familiaux (Non pas toi, Juste la Fin du Monde rentre chez toi, tu es bourré).

La réalisation quant à elle, assurée ici par Tom Harper qui s’était illustré précédemment principalement dans la réalisation d’épisodes de différentes séries Britannique, est d’un classicisme auquel on s’attend en allant voir ce genre de film, il n’y a pas beaucoup de prise de risque mais il en reste malgré tout quelques scènes qui sortent du lot, comme ce plan aérien au drone à la Zodiac mais aussi la subtilité avec laquelle il filme les scènes de famille ainsi que toute la séquence de Nashville qui nous fait comprendre ainsi qu’au personnage une chose essentielle de l’intrigue juste par sa mise en scène astucieuse. Alors bien sûr vous vous dites à ce moment de la critique que je n’ai toujours pas parlé de la musique dans ce film qui est censé être centré sur la musique Country, cela s’explique par le fait que même si tout cet aspect est très réussi et que la voix de Rose-Lynn (A.K.A Jessie Buckley) est splendide et vous fera frissonner à quelques reprises sous réserve que vous aimiez un tant sois peu la musique Country, ne semble pas être l’aspect qui intéresse le plus le réalisateur, non, avec ce film Tom Harper veut d’abord nous parler du destin d’une jeune mère célibataire de 2 enfants qui vient de sortir de prison et dont le rêve se trouve être d’être chanteuse Country, l’aspect drame familial est celui qui ressort le plus car c’est bien l’aspect du film le plus réussie.

Wild Rose est un film qui ressemble à une chanson de Dolly Parton, Loretta Lynn ou Patsy Cline, ça dégouline de sentiments qu’ils soient bons ou mauvais, mais ça ne cache jamais sa véritable intention de raconter la plus sincère et la plus pure des vérités entre deux, trois phrases qui pourraient sembler d’une banalité affligeante si elles étaient sorties de leurs contextes.

« Tu n’es pas le Simba que j’ai connu dans mon enfance. »

Anne Sila, la VF de Nala – « Le Roi Lion » de Jon Favreau (2019)

Alors qu’en 1994 il marquait pour toujours une génération entière d’enfants, Le Roi Lion revient en 2019 à l’heure où la firme aux grandes oreilles amasse des milliards de dollars en refaisant tous ses grands classiques en live. La magie et surtout l’émotion sont-elles toujours présentes ? Rien n’est moins sûr …

Armé de la seule ambition de se faire de l’argent facilement en jouant sur les émotions d’un public nostalgique, on a vu la compagnie Walt Disney sortir à intervalle régulier les versions live des films qui l’ont hissés au fil du temps au rang de studio d’animation légendaire. Parmi ces derniers films sortis figurent quelques surprises, bonnes ou mauvaises c’est relatif. Maléfique en 2014 par exemple sans être parfait avait au moins le mérite de relire le conte de La Belle au bois dormant, quant à Cendrillon en 2015 ou La Belle et la Bête en 2017 parvenaient également à étoffer un peu les personnages, bien entendu Jon Favreau en 2016 avait déjà officié sur la version live du Livre de la Jungle, un film qui ne manquait pas d’intérêt, notamment en terme de prouesses techniques, chose qu’il réitère d’ailleurs avec Le Roi Lion dont il s’est aussi occupé. 2019 est une grosse année pour Disney, puisque ce n’est non pas un, ni deux mais bien trois versions live de grands classiques qui sortent au cinéma. Tout d’abord Dumbo de Tim Burton qui demeure être la meilleure à ce jour, la plus légitime et la plus aboutie, et également Aladdin de Guy Ritchie, que je n’ai toujours pas vu pour cause de Will Smith intempestif. Enfin débarque Le Roi Lion, véritable ras de marée qui amasse déjà les dollars à la pelleteuse.

C’est certain, la formule « Disney live » fonctionne, le public répond et il est d’ailleurs le seul responsable de la qualité des films qui sortent. Car si Le Roi Lionbrille de mille feux avec sa technologie permettant de faire des images plus vraies que nature, il n’en demeure pas moins être un film où l’absence d’ambition est flagrante. C’est d’ailleurs tout un problème tant l’oeuvre demeure aussi conforme à l’original, dans un désir évident de satisfaire la nostalgie du public, là où certaines autres versions live ont moins séduites, notamment Maléfique et sûrement bientôt Mulan qui fait le choix par exemple de ne pas intégrer le personnage de Mushu, mais ce sera pour une autre critique. Disney avec cette nouvelle version du Roi Lion (pas sûr d’ailleurs que « nouvelle » soit très approprié, mais passons) joue la carte de la prudence, de l’extrême prudence même. En résulte un long-métrage absolument superbe sur le plan technique, dire le contraire serait faire preuve d’une affreuse mauvaise foi. Visuellement le film est incroyable.

Mais c’est malheureusement tout ce qu’il a pour lui. Car aussi beau soit-il, le film a un sérieux problème : il est vide d’émotions, là où la version animée demeure bouleversante. Le choix de l’ultra-réalisme quant au design des personnages ne permet pas de faire ressentir quoi que ce soit au public. Bien sûr qu’ils sont beaux, là n’est pas la question, mais ils sont dépourvus de toute caractérisation. Pire encore, cela demandera quelques instants pour s’habituer, mais le mouvement des lèvres, babines ou becs lorsque les animaux parlent est presque imperceptible sur certaines images. Aslan en 2005 dans Le Monde de Narnialaissait transparaître bien plus de choses en comparative. Problématique pour des personnages censés discuter entre-eux et chanter leurs joies et peines, ou encore faire des blagues. A noter que l’humour fonctionne assez bien cela dit. Je passerais rapidement là-dessus, mais si vous n’avez pas encore vu le film et que vous comptez le voir, faite-le, grand bien vous fasse mais préférez la version originale.

Notre version française est assez chaotique, même si contre toute attente Jamel Debbouze n’est pas si agaçant que cela, à la différence de Rayanne Bensetti qui interprète Simba comme la racaille de la jungle. Quant aux chansons en VF elles sont pour la plupart gênantes, China Moses n’a pas assez de coffre pour « L’Histoire de la vie » en ouverture de film, quant aux autres « Hakuna Matata » demeure être la plus appréciable et je n’y croyais vraiment pas. Pour ce qui est du reste c’est un massacre, « Soyez prêtes » est amputée de tout ce qui faisait sa saveur, « Je voudrais déjà être roi » est un chantée comme un hymne des Kids United, pas mieux avec « L’Amour brille sous les étoiles » chantée comme une audition infructueuse pour The Voice, mais la cerise (enfin la cerise …) sur le gâteau c’est ce rajout infâme lorsque Simba retourne à la Terre des Lions, digne des plus insupportables piaillements d’une Vitaa dépressive.

En somme Le Roi Lion version 2019 est assurément le pire remake live d’un grand classique des studios Disney sorti à ce jour. Il ne rend jamais hommage à l’original malgré sa partie visuelle plus que convaincante. Dans l’ensemble il s’agit-là d’un produit sans aucune once d’ambition et totalement dépourvu de tout ce qui faisait le charme et la richesse de l’histoire originale.

Le Sommaire : Les actualités cinéma du 15 Juin 2019 au 15 Juillet

• “Sans un Bruit 2” révèlerait l’origine des monstres
• Un film “Touche pas à mon Poste” est en préparation
• Un nouveau film chez Pixar par le réalisateur de “Vice Versa” et “Là-Haut”
• Leonardo DiCaprio va tourner à nouveau avec Martin Scorsese dans son prochain film “Killers of the Flower Moon”
• La bande annonce de “Frozen 2”
• Un remake animé de “Flash Gordon” par Taïka Waititi est en cours
• La bande annonce du nouveau film “Charlie’s Angels” 
• La bande annonce de “Midway” le nouveau film de Roland Emmerich
• La bande annonce de “Jumanji 2”
• Le film solo “Flash” perd son réalisateur pour la 3e fois
• La bande annonce du film “Une Jour de Pluie à New York”
• Le Spin-Off de “The Big Lebowski” centré sur le personnage Jesus a une date de sortie
• La polémique sur le choix de Halle Bailey pour le film live « La Petite Sirène »
• Michael Myers de retour pour deux nouveaux films “Halloween”
• La bande annonce de “Maléfique 2”
• La bande annonce de l’adaptation live de “Mulan”
• La nouvelle bande annonce de “Dora et la Cité Perdue”
• Rumeur: Un film live « Atlantide: L’empire Perdu » serait en préparation avec Tom Holland pour le rôle principal

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Les crédits musicaux:

• Starpoint – Wanting You
• Bobby Blue Bland – Aint No Love in the Heart of the City

Nous vous souhaitons une très bonne écoute et n’hésitez pas à réagir à l’épisode dans les commentaires ou sur les réseaux sociaux. Nous vous retrouverons le mois prochain pour un nouveau Parlons Cinéma !

Voir le Fichier : Parlons Cinéma ! Épisode 33.mp3

« On a besoin d’un nouvel Iron Man. »

Tom Holland – « Spider-Man : Far From Home » de Jon Watts (2019)

Après la super déferlante Endgame, voilà que le Marvel Cinematic Universe clôture sa Phase III avec le deuxième volet des aventures de Spider-Man incarné par Tom Holland. Attention, si vous faites partie des peu nombreux à ne pas avoir vu Endgame, je spoile un peu.

Dans l’univers Marvel au cinéma lorsque l’action se situe hors des Etats-Unis, cela donne soit du bon comme Captain America : Civil War ou Black Panther, ou bien du moins bon comme Avengers : Age of Ultron, pour ne citer qu’eux. Heureusement Far From Home se place davantage dans la première catégorie. Sans être un épisode majeur ou une aventure sensationnelle, il s’agit là néanmoins d’un film réjouissant mettant en scène l’Homme-Araignée toujours campé impeccablement par Tom Holland. Far From Home a bien des égards s’apparente à un teen movie super-héroïque comme son prédécesseur, si ce n’est qu’ici le héros existe bien plus par lui-même que par ses homologues Avengers.

Outre la disparition de Tony Stark qui influe évidemment sur Peter Parker, cela devient un élément moteur de cette histoire pour la faire avancer, finalement peut-être même plus que la présence de Mysterio, même si cela ne manque pas d’intérêt non plus. Peter prend ici pleinement conscience de ses responsabilités tout en demeurant un ado, ce qui confère au film une ambiance particulière. Oscillant facilement entre le dramatique et la comédie, au sein d’un récit d’action rondement bien mené. Parce si il y a bien une chose sur laquelle le film ne lésine pas, c’est sa dimension divertissante.

La générosité est au rendez-vous et comble du comble c’est même lisible et joli. Il va sans dire que les scène dans Venise, Prague et Londres sont très efficaces, même si bien entendu cela ne fait pas tout. Quant à Michael Giacchino il s’amuse avec la bande-originale sans oublier de composer de bons thèmes. Il faut bien évidemment souligner aussi les nouvelles pistes fournies par ce dernier film qui vient clore la Phase III tout en nous amenant sur la nouvelle génération d’Avengers. L’univers n’en n’a pas fini et il continue de s’étoffer, d’autant plus que la tendance visant à voir tous les films du MCU pour comprendre pleinement les épisodes indépendamment les un des autres se confirme encore une fois. Il s’agit bien d’un univers partagé.

Le casting est bon, Tom Holland est impeccable en Peter Parker, drôle et touchant, sa relation avec Happy Hogan fonctionne très bien et Jon Favreau s’en donne d’ailleurs à coeur joie. Zendaya qui n’est clairement pas l’actrice du siècle s’en sort plutôt bien ici aussi, son personnage fonctionne et son côté pince-sans-rire du premier film crève l’écran ici. Jake Gyllenhaal vient chercher son chèque mais fait son job, ce n’est pas le rôle de sa vie, cela se voit et il le sait, mais il semble s’amuser. Caricatural mais efficace. Samuel L. Jackson en Nick Fury lui aussi s’amuse toujours autant dans son rôle de grand manitou, quant à Marisa Tomeï elle incarne une version différente de Tante May mais s’impose bien dans le rôle tout en lui conférant une vraie fraîcheur.

En somme Marvel continu de bien mener sa barque avec ce nouveau Spider-Man, Far From Home est un long-métrage sympathique et divertissant à défaut d’être totalement mémorable. Un peu comme Captain Marvel même si le héros tisseur de toiles demeure infiniment plus captivant.

« J’ai été créé pour aider un enfant.

Je ne me souvenais pas que c’était aussi difficile. »

Tom Hanks, la voix de Woody – « Toy Story 4 » de Josh Cooley (2019)

Alors que Toy Story 3 il y a dix ans s’avérait être la parfaite conclusion d’une trilogie d’animation à la fois généreuse, divertissante et ô combien riche en thématiques, Toy Story 4 débarque comme un cheveux sur la soupe.

Je fais partie de ceux qui continueront à penser que le 3 reste objectivement le meilleur des quatre films, même si ma préférence va au second volet, néanmoins Toy Story 4 n’a rien d’un banal projet pompe à fric. Bien au contraire, quand Pixar décide de parler de ces jouets devenus mythique, c’est toujours un peu merveilleux. Voilà donc un film qui sous le couvert d’une aventure familiale et pleine de bons sentiments, vient nous parler de la parentalité. Là où Toy Story 3venait conclure l’histoire d’Andy, le jeune garçon à qui appartiennent les jouets, ce nouveau film s’attache lui à nous parler plus profondément du rôle des jouets, au sein de la franchise bien entendu, mais plus généralement aussi.

Nos jouets sont vivants, quand on les utilise et que l’on invente des histoires, nous leur insufflons la vie, le temps d’un scénario court, ils existent. C’est en partie ce qui explique le succès de Toy Story au cinéma, au-delà de sa galerie de personnages tous plus géniaux et attachants les un que les autres. Dans ce quatrième, et à priori ultime volet, les jouets vivent leurs propres aventures, Bonnie leur nouvelle propriétaire n’intervient que peu, si ce n’est pour la création de Fourchette, qui est d’ailleurs loin de tenir le rôle principal ici, même si ce dernier explique néanmoins parfaitement ce que le jouet représente pour un enfant.

Alors qu’il aurait été facile de simplement mettre en scène une nouvelle histoire où Woody et Buzz auraient dû retrouver Bonnie coûte que coûte, Toy Story 4s’évertue plutôt à prendre le point de vue des jouets et de leur rapport particulier avec leur enfant. Ainsi si Woody assume son rôle de jouet dévoué à la petite Bonnie, il n’en demeure pas moins un visage bienveillant qui a été créé pour une fonction simple : accompagner et réconforter. Tel un géniteur, Woody va devoir trouver sa nouvelle place dans ce monde et accepter de laisser s’évaporer le souvenir d’Andy. Cela remet en contexte la place fondamentale du jouet dans l’apprentissage de la vie pour un enfant. Ainsi Toy Story 4 se mue en une merveilleuse ode à l’imaginaire et à la création, cette période charnière où le petit devient grand, mais plutôt que de simplement montrer un parcours initiatique, le film se place dans la peau de ceux qui aident à la mise en place de ce changement.

Visuellement on est chez Pixar est c’est reconnaissable au premier coup d’oeil, tout est parfait. Le soucis du détail est hallucinant. Des rayures sur la combinaison de Buzz, aux fils sur le gilet de Woody en passant les effets de reliefs sur les personnages en plastique, le film est un déferlement constant d’ambitions visuelles, et cela passe simplement par les aspects les plus simples et pourtant essentiels de l’animation. Pour que cela fonctionne il fallait également une histoire qui tienne la route évidemment, mais aussi un casting vocal de qualité. De ce côté-là il y a à boire et à manger. Si parmi les nouveaux, Audrey Fleurot en Bergère et Angèle en Gabby Gabby s’en sortent admirablement, on ne peut pas en dire autant de Jamel Debbouze ou Franck Gastambide, idem pour Pierre Niney qui si il en s’en sort mieux demeurait plus convaincant dans le rôle de Peur pour Vice-Versa.

Toy Story 4 n’est pas le projet opportuniste auquel on pouvait, légitimement, s’attendre. Au contraire c’est une autre conclusion, un dernier segment tout à fait honorable et qui ne manque pas d’audace. On en attendait pas moins de Pixar rendre gloire une dernière fois à ces jouets si célèbres !

« N’en sois pas l’instrument. »

Patrick Stewart – « X-Men : L’Affrontement final » de Brett Ratner (2006)

Jean Grey, ce personnage passionnant et pourtant malmené par X-Men : L’Affrontement final en 2006, Dark Phoenix avait la lourde tâche de remettre les pendules à l’heure et par la même occasion de clôturer la franchise réamorcée en 2011 avec X-Men : Le Commencement.

Malheureusement si Dark Phoenix ne manque pas d’intérêt, notamment au niveau du casting et des séquences d’action, le film est ampoulé par un scénario trop maladroit. Le Phoenix au cinéma semble vraiment destiné à n’être qu’un poids, une tare, là où Jean Grey pourrait en faire une vraie force. Néanmoins il est important de souligner que Dark Phoenix présente le Phoenix comme une entité propre et pas simplement comme une évolution des pouvoirs de Jean Grey comme le faisait le film de Brett Ratner.

Outre cela le scénario, qui accuse visiblement les multiples réécritures durant la production du film, ne fait finalement que ressasser la sempiternelle lutte entre les idéologies de Charles Xavier et Magneto, qui si cette dernière est bien le sel de la franchise, peine ici à trouver sa vraie place. Un simple ressort scénaristique en somme, pour justifier l’action. La saga nous a pourtant habituée à mieux. La mise en scène quant à elle fait le job, le film n’est pas vilain et il se révèle même généreux quand il s’agit de divertir. Cela étant c’était les mêmes qualités que l’on pouvait attribuer à X-Men : L’Affrontement final, qui est à ce jour le film le moins réussi de l’univers X-Men au cinéma, hors Wolverine évidemment. Hans Zimmer quant à lui fait le job, sans trop se fouler comme il en a l’habitude depuis quelques années, mais sa bande-originale est plaisante, pour quelqu’un qui disait qu’il arrêtai de composer pour les films de super-héros …

Côté casting il y à boire et à manger. Si James McAvoy et Michael Fassbender confirment tous deux qu’ils sont les parfaites incarnations jeunes de Charles Xavier et Magneto, Ty Sheridan quant à lui campe un Scott Summers très plat et binaire dans sa composition, rappelant souvent un certain Hayden Christensen dans une autre saga bien connue. Jennifer Lawrence n’a pas grand chose à jouer ici mais elle s’en sort très bien, quant à Nicholas Hoult il est toujours impeccable dans le rôle du Fauve et gagne en maturité de jeu. Alexandra Shipp en Tornade s’avère tout à fait convaincante elle aussi, idem pour Kodi Smit-McPhee en Nightcrawler et Evan Peters en Quicksilver.

Bien entendu il est impossible de faire l’impasse sur Sophie Turner qui campe parfaitement Jean Grey, elle fait le choix de la sensibilité dans sa composition, ce qui est appréciable, d’autant plus qu’elle n’a pas de mal à se montrer plus redoutable quand il s’agit de laisser s’exprimer le fameux Phoenix. La vraie déception finalement, et je ne pensais vraiment pas dire cela un jour, vient de Jessica Chastain qui tient probablement ici son plus mauvais rôle. J’adore l’actrice, elle ne m’a jusqu’ici jamais déçu, mais force est de constater que son rôle manque à la fois d’épaisseur et d’intérêt. L’actrice s’en sort comme elle peut, mais sa prestation demeure irrévocablement plate peu importe ce qu’elle y met. Infinie tristesse.

X-Men : Dark Phoenix se présente donc comme une conclusion en demi-teinte, une fin douce amère. Si le film fait le job en terme de divertissement, il demeure en revanche être un X-Men mineur, après les déluges qu’étaient Apocalypse et surtout Days of Future Past, on pouvait espérer mieux pour la fin de la saga des mutants avant de les retrouver refaçonné dans le Marvel Cinematic Universe.