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Toho ha presentado el tráiler de la versión restaurada en 4K de ‘The Man Who Stole the Sun’, el aclamado thriller de 1979 dirigido por el difunto Kazuhiko Hasegawa. Esta joya subversiva de la Nueva Ola japonesa sigue a un profesor de ciencias que construye una bomba atómica casera en su apartamento para chantajear al Estado.

Considerada una auténtica obra de culto en Japón, la película alcanzó una fama legendaria por su audaz mezcla de comedia negra y acción visceral, situándose a menudo en las listas de las mejores películas japonesas de la historia e influyendo de forma decisiva en directores como Shinji Higuchi o Quentin Tarantino. Protagonizada por Kenji Sawada y Bunta Sugawara, esta mítica producción de cine guerrilla volverá a proyectarse en las salas de Japón el próximo 16 de octubre.

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Mubi ha lanzado el tráiler estadounidense de Rose, la aclamada película en blanco y negro del cineasta austríaco Markus Schleinzer que representará a Austria en los Premios Oscar. Protagonizada por la prestigiosa actriz alemana Sandra Hüller, este drama histórico ambientado en el siglo XVII sigue la historia real de una mujer que se disfraza de soldado para establecerse en una aislada comunidad protestante y luchar por su libertad personal. Tras su exitoso paso por festivales internacionales como la Berlinale, Telluride y Nueva York, la cinta llegará a los cines de Estados Unidos el 11 de diciembre con vistas a la temporada de premios.

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Ha fallecido a los 91 años, según anunció su familia, tras una carrera de más de siete décadas.

Mighty Sparrow, nacido Slinger Francisco, vino al mundo en Grand Roy Bay (Granada) el 9 de julio de 1935, en el seno de una familia humilde de un pequeño pueblo pesquero, y se trasladó a Trinidad siendo muy niño. Con 14 años formó una steel band para tocar en el Carnaval, lo que despertó su interés por el calipso; aprendió guitarra por su cuenta y empezó a componer sus propias canciones. Sus enérgicas actuaciones le valieron el apodo de Little Sparrow, que más tarde cambió por Mighty Sparrow. La explosión llegó en 1956, cuando ganó el Calypso Monarch con Jean and Dinah, su primer gran éxito, que retrataba los cambios sociales tras el cierre de las bases militares estadounidenses en Trinidad, una actuación que, según la crítica, revolucionó la forma de cantar calipso. Un año después firmó Carnival Boycott, una dura denuncia contra la industria musical trinitense, y pese a negarse a competir en el Carnaval durante los tres años siguientes, Sparrow se convirtió en uno de los artistas de mayor éxito del Caribe.

Su palmarés es difícil de igualar: ganó el título de Calypso Monarch en ocho ocasiones y el Calypso King of Kings dos veces, en 1985 y 1988. Con su voz dulcísima y unas letras que alternaban el romance con la actualidad política, fue un defensor muy crítico, a veces abiertamente hostil, del gobierno nacionalista de Eric Williams, y parte de su repertorio de madurez nació de su colaboración con el compositor Winsford Devine, que le escribió temas como Slave o Survival.  Curiosamente, su mayor éxito fuera del Caribe no fue un calipso propio sino una versión: Only a Fool Breaks His Own Heart, balada de Norman Bergen y Shelly Coburn que grabó junto a Byron Lee & the Dragonaires y que triunfó en 1965 en Jamaica, el Reino Unido y, sobre todo, Holanda, hasta el punto de que durante años se le atribuyó erróneamente la autoría. Bob Dylan lo elogió en Crónicas. Volumen uno (2004) en términos muy elocuentes. Comparaba sus conciertos con combates de boxeo en los que Sparrow siempre acababa ganando, respaldado por una banda de quince o veinte músicos tocando a todo volumen, y remataba con un «he’s fantastic». Conocido como el Rey del Calipso Mundial, Mighty Sparrow fue mentor e inspiración de varias generaciones de artistas caribeños.

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El legendario Stevie Wonder conmemorará medio siglo de una de las mayores cumbres de la historia de la música con su Songs in the Key of Life Performances – 50th Anniversary Tour, una esperada gira que rinde homenaje a su aclamado álbum doble de 1976. Para marcar esta efeméride, el artista ha sorprendido publicando hoy, justo el día del aniversario, cuatro temas inéditos rescatados de las sesiones originales (It’s Easier, My Life Story of Love, I Can See the Sun In Late December e I’m Into Livin’). «No añadimos estas canciones al álbum, pero formaban parte de lo que yo sentía y descubría mientras lo hacíamos. Me devuelven a ese momento de mi vida, y ahora pasan a formar parte de la vuestra». Liderado por sencillos atemporales como Sir Duke, I Wish o Isn’t She Lovely, Songs in the Key of Life debutó directamente en el número 1 del Billboard 200 de EE. UU. y alcanzó el puesto número 2 en las listas de ventas de España, tras firmar un contrato histórico de 13 millones de dólares con Motown que le otorgó libertad creativa total.

Publicado en un momento en que el músico sopesaba retirarse para dedicarse a causas sociales en África, el álbum significó la cúspide artística y emocional de la era dorada de Stevie Wonder, consolidándolo como la figura más influyente del soul, el R&B y el pop global. Songs in the Key of Life no solo fue un hito comercial que arrasó en los premios Grammy ganando el galardón a Álbum del Año, sino que transformó la música popular al entrelazar maestría técnica, innovación con sintetizadores y letras de profunda conciencia social sobre la igualdad, la fe, la infancia y la experiencia negra en Estados Unidos. Considerado por la crítica y por innumerables artistas como una obra maestra perfecta, su impacto perdura como un legado cultural imperecedero.

Fechas europeas de la gira:

• 13 Oct: Utilita Arena (Birmingham, Reino Unido)

• 15 Oct: Accor Arena (París, Francia)

• 18 Oct: Royal Arena (Copenhague, Dinamarca)

• 20 Oct: Unity Arena (Oslo, Noruega)

• 22 Oct: 3Arena (Estocolmo, Suecia)

• 24 Oct: ZAG Arena (Hannover, Alemania)

• 26 Oct: LANXESS Arena (Colonia, Alemania)

• 28 Oct: Ziggo Dome (Ámsterdam, Países Bajos)

• 03 Nov: The O2 (Londres, Reino Unido)

• 08 Nov: Co-op Live (Mánchester, Reino Unido)

• 11 Nov: OVO Hydro (Glasgow, Reino Unido)

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Rod Stewart ha anunciado oficialmente la que será su última gira por el Reino Unido y Europa, bautizada como ‘The Final Encore’. Tras más de seis décadas sobre los escenarios, el legendario cantante británico ha confirmado su despedida de las grandes carreteras con una serie de conciertos en estadios y pabellones de ciudades como Dublín, Londres, Ámsterdam, Berlín y Praga. Rod Stewart contará además con Howard Jones como artista invitado durante su tramo por el Reino Unido e Irlanda, agradeciendo a sus seguidores por haberle brindado una vida profesional «más allá de cualquier imaginación».

El anuncio llega después de una racha de problemas de salud durante su anterior gira norteamericana, en la que tuvo que cancelar varias fechas debido a intervenciones médicas rutinarias, como la colocación de un stent coronario. A pesar de estos contratiempos y de haber manifestado en el pasado su intención de reducir los grandes tours internacionales, Rod Stewart ha reiterado su deseo de no retirarse de la música y busca culminar su carrera en directo agradeciendo en persona al público todo su apoyo a lo largo de los años.

Abril

• 23 de abril: 3Arena – Dublín, Irlanda

• 27 de abril: SSE Arena – Belfast, Reino Unido

• 29 de abril: OVO Hydro – Glasgow, Reino Unido

Mayo

• 4 de mayo: Utilita Arena – Birmingham, Reino Unido

• 6 de mayo: Co-op Live – Manchester, Reino Unido

• 11 de mayo: The O2 – Londres, Reino Unido

• 28 de mayo: Ziggo Dome – Ámsterdam, Países Bajos

• 29 de mayo: AFAS Dome – Amberes, Bélgica

Junio

• 1 de junio: Uber Arena – Berlín, Alemania

• 3 de junio: PSD Bank Dome – Düsseldorf, Alemania

• 6 de junio: Royal Arena – Copenhague, Dinamarca

• 9 de junio: Veikkaus Arena – Helsinki, Finlandia

• 11 de junio: Dalhalla – Rättvik, Suecia

• 13 de junio: Sverresborg – Trondheim, Noruega

• 15 de junio: Plenen – Bergen, Noruega

• 18 de junio: Sportsarena – Budapest, Hungría

• 20 de junio: Olympiahalle – Múnich, Alemania

• 22 de junio: Pula Arena – Pula, Croacia

• 24 de junio: O2 Arena – Praga, República Checa

Julio

• 20 de julio: Tauron Arena – Cracovia, Polonia

• 24 de julio: ZAG Arena – Hannover, Alemania

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Erasure, el legendario dúo británico de synth-pop formado por Vince Clarke y Andy Bell, está de vuelta con Radio!! Radio!!, su vigésimo álbum de estudio y el primero en seis años. Este trabajo, programado para lanzarse el 12 de marzo de 2027 a través de Mute Records, coincide con la celebración de los 40 años de trayectoria de la agrupación desde su debut en 1986. Encabezado por el sencillo Wings Of Love, el disco refleja una profunda química creativa inspirada en influencias orgánicas como el piano y la guitarra acústica, acompañadas del arte conceptual creado por la artista Victoria Topping para sus diversos formatos en vinilo, CD y casete.

De manera complementaria, el grupo emprenderá una gira por estadios del Reino Unido y Europa entre abril y mayo de 2027, acompañados por la agrupación Ladytron como invitados especiales en sus fechas británicas e irlandesas. La gran particularidad de esta gira recae en Vince Clarke, quien ejercerá únicamente la función de director musical sin subir al escenario junto a Andy Bell. Esta decisión responde al desgaste físico generado por los continuos viajes transatlánticos tras establecer su residencia en San Diego, California, permitiéndole dirigir la propuesta escénica a distancia. Próximamente se anunciarán más fechas.

• April 25, 2027 – Utilita Arena, Cardiff, UK (with Ladytron)
• April 26, 2027 – International Centre, Bournemouth, UK (with Ladytron)
• April 28, 2027 – M&S Bank Arena, Liverpool, UK (with Ladytron)
• April 30, 2027 – Utilita Arena, Birmingham, UK (with Ladytron)
• May 1, 2027 – AO Arena, Manchester, UK (with Ladytron)
• May 3, 2027 – 3Arena, Dublin, Ireland (with Ladytron)
• May 5, 2027 – Motorpoint Arena, Nottingham, UK (with Ladytron)
• May 6, 2027 – Connexin Live, Hull, UK (with Ladytron)
• May 8, 2027 – First Direct Arena, Leeds, UK (with Ladytron)
• May 9, 2027 – OVO Hydro, Glasgow, UK (with Ladytron)
• May 11, 2027 – Brighton Centre, Brighton, UK (with Ladytron)
• May 12, 2027 – The O2, London, UK (with Ladytron)
• May 15, 2027 – Palladium, Cologne, Germany
• May 16, 2027 – Inselparkhalle, Hamburg, Germany
• May 18, 2027 – Haus Auensee, Leipzig, Germany
• May 21, 2027 – Jahrhunderthalle, Frankfurt, Germany
• May 22, 2027 – Swiss Life Hall, Hannover, Germany
• May 24, 2027 – Uber Eats Music Hall, Berlin, Germany
• May 26, 2027 – Royal Arena, Copenhagen, Denmark
• May 28, 2027 – Avicii Arena, Stockholm, Sweden

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Durante dos días, La Marina Norte de València funcionó como una máquina del tiempo con un único escenario y sin opción de elegir destino: el Visor Fest propuso un recorrido que arrancaba en el Londres de 1976, con The Damned celebrando medio siglo desde el primer single de punk británico, atravesaba los ochenta del garage australiano de Hoodoo Gurus y el rock insobornable de New Model Army, y desembocaba en unos noventa que ocuparon buena parte del cartel, del shoegaze de RIDE al pop sueco de The Wannadies, pasando por la elegancia de Gene y dos aniversarios que coincidieron en el calendario: los treinta años de Moseley Shoals de Ocean Colour Scene y de Everything Must Go de Manic Street Preachers, publicados el mismo verano de 1996. El riesgo de este tipo de viajes es quedarse atrapado en la época de destino, pero la mayoría de estas bandas sigue publicando discos, y buena parte del interés del festival estuvo en comprobar cómo conviven hoy aquellas canciones con quienes las escribieron y con un público que, en muchos casos, las escucha desde hace décadas.

Primera jornada

Hay algo de declaración de principios en un festival que programa a cuatro bandas en un único escenario y sin solapes, como si alguien hubiera decidido que el público de cierta edad ya no está para correr entre carpas (y tiene razón), y las más de 10.000 personas que pasaron en dos días por el recinto parecen darle la razón. El viernes abrieron los australianos Hoodoo Gurus, a pleno sol y, con una ironía que no sabemos si fue deliberada, con A Place in the Sun. Entre las numerosas camisetas de la banda había también quien los veía por primera vez, y no faltó quien salió asegurando haberlos descubierto. Dave Faulkner y los suyos se apoyaron en Stoneage Romeos (Tojo, Leilani, I Want You Back) hasta llegar a Out That Door, de Blow Your Cool!, una de las mejores canciones de rock de guitarras de cualquier época, tras la cual celebraron que el sol castigador por fin se hubiera retirado; cerraron con Like Wow – Wipeout. Después, New Model Army demostró por qué su credibilidad sigue intacta ante un público valenciano con el que mantienen una relación de décadas: Justin Sullivan, que canta cada verso como un alegato, llevó el concierto de White Light a himnos como 51st State, Vagabonds o The Hunt, y se despidió con Wonderful Way to Go, un título que, a las puertas de The Damned, no dejaba de tener su gracia.

The Damned llegaban con un aniversario marcado por la muerte el año pasado de Brian James, guitarrista fundador. Dave Vanian, impecable en su papel de vampiro de sala de fiestas, y Captain Sensible abrieron con Street of Dreams, de Phantasmagoria, y durante buena parte de la noche mandó su etapa gótica y psicodélica: Shadow of Love, Dr. Jekyll and Mr. Hyde, la versión de White Rabbit de Jefferson Airplane. Una de las más celebradas fue Eloise, el éxito sesentero de Barry Ryan que en 1986 les dio su mayor éxito en listas británicas, paradoja que dice mucho de una banda que inauguró el punk y tocó techo comercial con el melodrama de un crooner. El final regresó a Damned Damned Damned con Neat Neat Neat y New Rose, ambas firmadas por James, cuya fotografía presidió el escenario en una dedicatoria sobria, antes del inevitable Smash It Up.

Cerraron la jornada Ocean Colour Scene, que celebraban el aniversario de Moseley Shoals, aunque no con el disco completo, sino con siete de sus canciones repartidas entre material de Marchin’ Already como Better Day, Travellers Tune o Hundred Mile High City. El momento más singular fue el de Simon Fowler solo con la acústica, enlazando Robin Hood con Live Forever, guiño a Oasis, con quienes compartieron Knebworth el verano de Moseley Shoals. The Riverboat Song y The Day We Caught the Train pusieron el broche a una primera jornada que repasó tres décadas de guitarras británicas y australianas sin necesidad de apelar a la nostalgia, o al menos sin que esta fuera su único argumento.

Segunda jornada

El sábado arrancó con una deuda saldada: The Wannadies no pisaban un escenario español desde su paso por el FIB en los noventa- aunque ellos mencionaban que era su primera vez- algo difícil de explicar para una banda cuya You and Me Song ha sonado en este país más que muchas canciones nacionales. Los suecos no se limitaron a administrar ese himno, que llegó como se esperaba, y reivindicaron también It’s You (It’s You It’s You It’s You) y Someone Somewhere, presentada desde el escenario como la mejor canción que han compuesto, una afirmación que el público, sorprendentemente, no discutió. Después, Gene,  su única fecha exclusiva en España en su esperado regreso a los escenarios tras más de dos décadas de separación, firmó una de las mejores actuaciones del festival. Martin Rossiter conserva una de las voces más elegantes del pop británico de los noventa, pero buena parte del mérito fue de Steve Mason, cuya guitarra, precisa y sin alardes innecesarios, recordó que el sonido de la banda nunca dependió solo de su cantante. El repertorio, que abrió con Be My Light, Be My Guide, tuvo guiños para los más fieles, como As Good As It Gets, que no tocaban desde 2004, o Voice of the Father, ausente desde 1999, momentos realmente memorables como Where are they now? o Yours for the Taking – una de las mejores del último, Libertine de 2001-y un tramo final de Olympian con Haunted by You y el tema titular antes de cerrar con For the Dead, su primer single, como quien vuelve al punto de partida.

RIDE ya habían pasado por el Visor Fest en 2018, en una edición en la que también estuvimos, de modo que el listón estaba donde ellos mismos lo habían dejado, y lo superaron. Conviene recordar un dato que suele pasar desapercibido: desde su reunión en 2014, la banda de Oxford lleva ya más tiempo en activo que en su primera etapa, aquellos ocho años entre 1988 y su separación en 1996, así que hace tiempo que dejaron de ser un grupo de regreso para convertirse, simplemente, en un grupo. Abrieron con Monaco, de su reciente Interplay, pero enseguida Like a Daydream dejó claro que la noche iba a mirar también hacia sus primeros años, con un bloque de Nowhere (Dreams Burn Down, In a Different Place, Seagull) que sonó con una contundencia que el disco, por su propia naturaleza, apenas insinuaba. Andy Bell y Mark Gardener siguen entendiendo las guitarras como una masa de sonido más que como instrumentos solistas, y Loz Colbert, desde la batería, sostuvo esa masa con un pulso que convirtió el recinto en algo muy parecido a un túnel de viento. Entre Twisterella, Lannoy Point y OX4 hubo tiempo para comprobar que su etapa posterior a la reunión no desentona, pero el tramo final fue una sucesión de golpes: Vapour Trail, Leave Them All Behind en toda su extensión y, como cierre, Chelsea Girl, la canción con la que empezaba su primer EP, en un gesto de vuelta al origen parecido al de Gene unas horas antes. Muchos de los que los habían visto en otras ocasiones salían convencidos de haber asistido a uno de sus mejores conciertos.

El cierre correspondió a Manic Street Preachers, que abrieron con Motorcycle Emptiness y dejaron claro desde el principio que no venían a hacer concesiones a la brevedad. James Dean Bradfield, Nicky Wire y Sean Moore combinaron su reciente Critical Thinking, con Decline & Fall e Hiding in Plain Sight, con un repertorio que pasó por casi todas sus etapas, y dedicaron especial atención a Everything Must Go, con el tema titular, No Surface All Feeling y A Design for Life, cuyo primer verso, «Libraries Gave Us Power», apareció en la pantalla como consigna. Hubo espacio para las versiones, de Union City Blue de Blondie a un fragmento de Bring on the Dancing Horses de Echo & the Bunnymen, y para un momento acústico con Suicide Is Painless y The Everlasting. Die in the Summertime, único rescate de The Holy Bible, recordó la sombra de Richey Edwards, que volvió a asomar en la pantalla con un «You Love Us, Richey» antes de que el tramo final, con You Love Us e If You Tolerate This Your Children Will Be Next, cerrara un festival que, en dos días, demostró que las bandas veteranas pueden seguir defendiendo su repertorio sin convertirse en su propio tributo.

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Tender Loving Care se llevó la Concha de Oro, el premio al mejor guion y la Concha de Plata a la mejor interpretación para Kate O’Flynn, compartida con Asta Kamma August por Growth of the Soil, de Hans Petter Moland, que sumó además el premio a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken. Amanda Kernell obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección por Brace Your Heart, y Bian jing, de Ah Biao, el Premio Especial del Jurado.

El cine español tuvo esta vez menos peso en el palmarés. Javier Cámara ganó la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto por 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera, y Javier Calvo y Javier Ambrossi se llevaron el Premio del Público por La bola negra, con un 9,40, la nota más alta registrada por una película española. En las secciones paralelas se impusieron Body of Glass, de Naëmi Ada (New Directors); La ilusión de un verano sin fin, de Alessandra Sanguinetti (Horizontes Latinos), y Teenage Sex and Death at Camp Miasma, de Jane Schoenbrun (Zabaltegi-Tabakalera).

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