El Ryman Auditorium de Nashville acogió ayer Riding With The King: A Tribute To John Hiatt, la 30.ª edición del Concert for Cumberland Heights, un concierto benéfico que desde 1996 recauda fondos para el John Hiatt Fund, dedicado al tratamiento de adicciones en adolescentes y jóvenes.

Cada artista interpretó una canción del homenajeado. Rodney Crowell abrió la noche a las 20:00 con She Loves the Jerk, de Riding with the King (1983), y Shawn Camp siguió con Memphis in the Meantime, de Bring the Family (1987). Después tocaron Holly Williams con Adios to California, de Dirty Jeans and Mudslide Hymns (2011), y Pat McLaughlin con Blue Telescope, de Perfectly Good Guitar (1993). Rosanne Cash cantó The Way We Make a Broken Heart, la canción de Hiatt que ella misma llevó al número uno country en 1987. Jason Scheff eligió Cry Love, de Walk On (1995), y John Doe interpretó The Real One, que grabó por primera vez Marti Jones en 1988. Robert Earl Keen tocó Drive South, de Slow Turning (1988), y Emmylou Harris se quedó con All the Lilacs in Ohio, de The Tiki Bar Is Open (2001). Vince Gill interpretó Tennessee Plates, también de Slow Turning, y Nick Lowe recuperó She Don’t Love Nobody, que él mismo estrenó con Nick Lowe and His Cowboy Outfit en The Rose of England (1985).

Shawn Colvin cantó Feels Like Rain, otra de Slow Turning, y Steve Earle tocó One for the One. Keith Urban interpretó Slow Turning y Jason Isbell eligió Through Your Hands, de Stolen Moments (1990). Amy Grant cantó Long Time Comin’, el tema que abre Terms of My Surrender (2014), y Lilly Hiatt, hija del homenajeado, interpretó Trudy and Dave, de Perfectly Good Guitar. El cierre corrió a cargo del propio John Hiatt, que tocó Mississippi Phone Booth, de Leftover Feelings (2021), el disco que grabó con The Jerry Douglas Band. Terminó con Riding With the King y Have a Little Faith in Me, de Bring the Family.

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Se estrena la nueva película del dramaturgo y cineasta irlandés Martin McDonagh, el autor de Escondidos en Brujas, Tres anuncios en las afueras y Almas en pena de Inisherin, y lo hace con la Copa Volpi al mejor actor que John Malkovich ganó en el Festival de Venecia.

Estamos en Chile, en 1973, poco antes de que el golpe militar derribe al presidente Salvador Allende, y la CIA lleva tiempo trabajando en la sombra para que eso ocurra. Dos de sus hombres, Chris (Malkovich) y Lee (Sam Rockwell), compañeros de toda la vida, reciben de su jefe en Santiago, MJ (Steve Buscemi), la orden de viajar a la Isla de Pascua, ese pedazo de Chile perdido en mitad del Pacífico. Allí, bajo la mirada impasible de los moáis, las célebres estatuas de piedra, los dos viejos espías discuten, se insultan y se quieren mientras les alcanzan sus viejos pecados, y la inesperada amistad de Chris con dos estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) amenaza con desbaratarlo todo. La idea nació precisamente de esa carambola geográfica: McDonagh quería contar la intervención estadounidense en Chile y deseaba que la isla, a la que también se conoce como Rapa Nui, fuera un personaje más. Más tarde añadió la sombra del asesinato de Kennedy como el mayor de los fantasmas de la agencia. Escribió a Lee pensando en Rockwell, y Tom Waits, como Jim, hermano de Chris, y Parker Posey, como una esposa harta de las ausencias de su marido, completan el reparto. Buscemi ocupó el lugar de Mark Ruffalo, que abandonó el proyecto, al parecer, por problemas de agenda.

Rodar en una de las islas más remotas del planeta, a más de 3.500 kilómetros del continente, exigió una pequeña expedición. La isla carecía de infraestructura cinematográfica, de modo que cámaras y coches de época tuvieron que llegar desde fuera para filmar, a partir de marzo de 2025, entre los moáis de Ahu Tongariki, la cantera del volcán Rano Raraku, donde las estatuas se quedaron a medio tallar, la playa de Anakena, Ahu Tahai y Hanga Roa, el único pueblo de la isla. Arqueólogos y asesores culturales vigilaban a diario, en coordinación con la comunidad indígena Ma’u Henua, que nadie se acercara a las figuras más de lo permitido. Muchos vecinos se sumaron como extras o en labores de logística, aunque la llegada de Hollywood dividió a los isleños entre quienes celebraban el empleo y la visibilidad y quienes temían por su cultura. El equipo terminó el 28 de abril en Santiago, entre el aeropuerto, el centro de la ciudad y un club de rayuela de Conchalí. McDonagh había preparado el terreno con unas dos semanas de ensayos, en parte en The Public Theater, y Rockwell cuenta que trabajaron el guión como una obra de teatro, tanto que Malkovich asegura que no dejaron de ensayar en todo el rodaje. De aquellos días quedan confesiones jugosas: Malkovich compara a su compañero con un adiestrador de SeaWorld que le deja saltar del agua de mil maneras, McDonagh admite que el actor conocía la historia de la CIA y de Kennedy mejor que él, y Buscemi, que era un niño en 1963, recuerda haber visto junto a su madre, en directo por televisión, cómo Jack Ruby disparaba a Lee Harvey Oswald.

Sus propios artífices señalan a los clásicos como referentes. McDonagh reivindica el diálogo jugoso y el ingenio afilado de Preston Sturges y Billy Wilder, y Rockwell evoca Luna nueva para describir a su pareja protagonista como un viejo matrimonio. El wéstern ronda también la película: una breve escena de Waits se rodó en John Ford Point, en Monument Valley, como homenaje al plano de la puerta de Centauros del desierto, y Posey la contempla como una cápsula del cine de los setenta, emparentada con Cowboy de medianoche. A quien le recuerde a Escondidos en Brujas, McDonagh le responde que no hubo imitación deliberada y que dos hombres discutiendo en un lugar extraño son un buen cebo para llevar luego la historia hacia terrenos más políticos. Tampoco buscó el eco del presente, aunque admite que lo ocurrido en Venezuela justo después de terminar el montaje le hizo sentir que la historia se repetía de forma cada vez más estúpida.

La crítica en lengua inglesa la ha recibido mayoritariamente con entusiasmo y se rinde casi sin fisuras ante Malkovich: San Francisco Chronicle habla del «broche de oro de la carrera de Malkovich» y Vulture zanja que «nunca ha estado mejor». The Times se queda con su «alegre y malhablado abrazo de la mortalidad», Empire ve en la pareja protagonista «un dúo para la historia» y Los Angeles Times solo encuentra parangón para la ligereza de sus diálogos en los grandes cómicos de la screwball. Los reparos apuntan a la sensación de terreno conocido: The Associated Press y The Globe and Mail señalan que McDonagh no se aleja de su propia fórmula, The Guardian resume que «no es un clásico de McDonagh» e IndieWire la encuentra «espinosa pero poco convincente». Las voces más severas llegan de The New York Times, para el que el peso de la historia real empuja al director a refugiarse en la amistad, la lealtad y la redención y de The New Yorker, que ve en ella «una visión turística de Chile disfrazada de geopolítica».

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Uno de los músicos de sesión más prolíficos de la historia del pop de su país, ha fallecido a los 89 años.

Nacido el 28 de agosto de 1937 en Stoke Newington (Londres) en una familia italiana, trabajó de joven en el restaurante de su padre y empezó a tocar en el 2i’s Coffee Bar del Soho, con Terry Dene, antes de pasar por The Beat Boys, la banda de acompañamiento de las estrellas de Larry Parnes. Con Johnny Kidd & The Pirates grabó Shakin’ All Over (1960), y después fue batería de la casa para el productor Joe Meek. De ese entorno salió The Tornados, cofundado por él en 1961, cuyo instrumental Telstar (1962) pasó cinco semanas en el número uno británico y convirtió a la formación en el primer grupo del Reino Unido en liderar el Hot 100 estadounidense. .El tema también triunfó en nuestro país en 1963, donde alcanzó el tercer puesto en las listas.

En 1965 se dedicó por completo a las sesiones de estudio, y ahí levantó una carrera difícil de igualar: las cifras rondan los 42 o 43 números uno británicos, aunque Discogs eleva el recuento a 45. Suya es la batería de Green, Green Grass of Home (1966) de Tom Jones, You Don’t Have to Say You Love Me (1966) de Dusty Springfield, Release Me (1967) de Engelbert Humperdinck, Everlasting Love (1968) de Love Affair, Hurdy Gurdy Man (1968) de Donovan, Bye Bye Blackbird (1969) de Joe Cocker y (Is This the Way to) Amarillo (1971) de Tony Christie, además de las 11 pistas de Thrillington, la relectura instrumental de Ram que Paul McCartney publicó bajo seudónimo, e incluso la del álbum debut en solitario de Lou Reed (1972). Jimmy Page lo tuvo en su lista cuando formaba Led Zeppelin, pero Cattini prefirió seguir en el estudio y dormir en casa tras nueve años de carretera.

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Dragonflies, el proyecto de Dhani Harrison y Nigel Godrich, ofreció ayer su primer concierto en Reino Unido, en la sala Village Underground de Londres y dentro del Pitchfork Music Festival.

La banda interpretó Dragonflies, su álbum de debut, íntegro y en el orden del disco, desde Slower y Setting Sun hasta el cierre con End of World, con Heart or Head y Ophelia a mitad de recorrido. Repitió así el planteamiento de su estreno en el Masonic Lodge del cementerio Hollywood Forever de Los Ángeles (con ocho canciones publicadas, tampoco había mucho margen para la sorpresa). Para esta cita se había anunciado junto al dúo a Joey Waronker, Nick Valensi, de The Strokes, y Maurice Talbot.

La actuación londinense acabó siendo la única de Dragonflies en Europa, ya que el concierto previsto para el 3 de noviembre en el Élysée Montmartre de París, dentro de la edición francesa del Pitchfork, se suspendió y desapareció del programa, lo que llevó a Dumbhead, que debía compartir cartel, a otro concierto esa misma noche. Por ahora no hay más fechas anunciadas, aunque el dúo asegura tener ya material suficiente para un segundo disco.

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El guitarrista de sesión que convenció a Vox de que el wah-wah era un efecto para guitarristas y cambió con ello el sonido del rock, ha muerto a los 88 años.

Del Casher, nacido Delton Kacher en Hammond (Indiana), descubrió su vocación al escuchar los discos de Les Paul, hasta el punto de agujerear su guitarra acústica para instalarle pastillas y controles, y aún en el instituto presentaba su propio programa de radio, The Many Guitars of Del Casher. Tras licenciarse en la Universidad de Pittsburgh se instaló en Hollywood, fue solista de guitarra y banjo con Lawrence Welk y giró con The Three Suns, con quienes estrenó en Japón su Ecco-Fonic, un eco de cinta portátil que sacaba del estudio efectos hasta entonces confinados en él. Convertido en guitarrista de sesión muy solicitado, su semana podía incluir el programa televisivo de Gene Autry, grabaciones con Frank Sinatra o Sonny & Cher y una visita a The Mothers of Invention en el Whisky a Go Go, además de aparecer en pantalla junto a Elvis Presley en Roustabout y a Jerry Lewis en The Patsy.

Su lugar en la historia llegó como guitarrista y consultor de Vox, donde el ingeniero Brad Plunkett dio con un circuito de medios que producía un «wah» parecido al de una trompeta. Quién propuso alojarlo en un pedal de volumen de órgano depende de a quién se pregunte, pero fue Casher quien convenció a una empresa que pensaba en los instrumentos de viento de que aquello era un efecto para guitarristas, y quien grabó el disco que lo demostraba. El pedal y el single de demostración pasaron inadvertidos al publicarse en 1967 (el mercado no siempre reconoce una revolución a primera vista), pero Frank Zappa, que se había quedado con uno, lo hizo sonar en Nueva York, donde despertó la curiosidad de Jimi Hendrix, que según el propio Casher no tardó en tener el suyo. Entre las primeras grabaciones con wah figuran, ambas de ese mismo año, Tales of Brave Ulysses, de Cream, con Eric Clapton, y Burning of the Midnight Lamp, de The Jimi Hendrix Experience; Hendrix lo llevaría a su uso más célebre en Voodoo Child (Slight Return), y Clapton lo emplearía a menudo en Disraeli Gears y Wheels of Fire. Lo adoptaron después Jimmy Page, Tony Iommi o David Gilmour, que obtuvo con él el «canto de ballena» de Echoes. Resultó decisivo en el funk y el soul de los setenta, con Theme from Shaft, de Isaac Hayes, y Charles Pitts a la guitarra como emblema, y regresó a primer plano con el Madchester de The Stone Roses y Happy Mondays y con el grunge y el rock alternativo de los noventa, de Pearl Jam a Rage Against the Machine. Compositor además para cine y televisión, firmó y grabó la sintonía del informativo de NBC4 en Los Ángeles, que sonó durante 18 años, y dirigió musicalmente más de 200 programas de The New Zoo Revue.

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El guitarrista de la legendaria formación, fundamental en el desarrollo del punk rock y el rock alternativo, ha fallecido a los 75 años.

Television surgió en Nueva York en 1973, poco después de que el mánager Terry Ork llevara a Richard Lloyd (foto 2º dcha) a ver tocar a Tom Verlaine en un club, y Lloyd supo al instante que formarían una gran pareja musical. Completaban la primera formación Richard Hell al bajo y Billy Ficca a la batería; Hell acabó marchándose y lo sustituyó Fred Smith, que venía de Blondie, y el grupo se convirtió en habitual de clubes como el CBGB y el Max’s Kansas City. Frente a la descarga de acordes de potencia de muchos contemporáneos, Lloyd y Verlaine desarrollaron un entramado de riffs y fraseos que no temía adentrarse en terrenos inspirados por el jazz y el art rock. Esa química sostiene Marquee Moon (1977), una obra maestra cuya influencia va mucho más allá del punk, aunque su producción se limitó después a dos discos más, Adventure (1978) y Television (1992).

Nacido en Pittsburgh en 1951 y criado en Nueva York, Lloyd empezó a la batería. Uno de sus primeros compañeros de guitarra fue Velvert Turner, pupilo de Jimi Hendrix, y llegó a tocar con John Lee Hooker en Boston. En Marquee Moon reivindicaba como suyos todos los adornos y arabescos de las estrofas, y fue idea suya doblar pistas: en Guiding Light grabó ocho guitarras distintas para que el disco no sonara a simple documento en directo. Tras Alchemy (1979), la heroína lo hundió hasta que se desintoxicó en 1984 y publicó Field of Fire, y su carrera solista se alargó hasta The Countdown (2018), además de trabajar como músico de sesión con Matthew Sweet en gran parte de su discografía- incluído su fundamental álbum Girlfriend de 1991- o John Doe. Dejó Television antes de la gira por el 30.º aniversario de Marquee Moon en 2007, siempre dolido porque Verlaine se quedó con todos los derechos de autor del grupo.

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Se cumple una década de la muerte del cantautor canadiense, que se despidió con You Want It Darker solo diecisiete días antes.

Leonard Cohen murió el 7 de noviembre de 2016 en su casa de Los Ángeles, a los 82 años y apenas diecisiete días después de publicar You Want It Darker, el disco que produjo su hijo Adam Cohen y en el que el coro de la sinagoga Shaar Hashomayim de Montreal repite ese hineni, «heme aquí», con el que dejó escrito su propio epitafio. Diez años después conviene recordar que, a mediados de los ochenta, era para buena parte de la industria un artista amortizado. Tras la trilogía inicial de Songs of Leonard Cohen (1967), Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1971), llegaron New Skin for the Old Ceremony (1974), el accidentado Death of a Ladies’ Man (1977), donde Phil Spector sepultó sus canciones bajo su muro de sonido- con la anécdota de Don’t Go Home with Your Hard-On, con Bob Dylan y Allen Ginsberg en los coros- y Recent Songs (1979), un disco bien recibido que no frenó la caída comercial.

Después de cinco años de silencio llegó Various Positions (1984), producido por John Lissauer, que supuso un giro hacia un sonido más moderno, con sintetizadores y con la voz de Jennifer Warnes cada vez más presente. Columbia se negó a publicarlo en Estados Unidos, y la frase atribuida a su presidente, Walter Yetnikoff, ha pasado a la historia con más gloria de la que él habría deseado: «Leonard, sabemos que eres grande, pero no sabemos si eres bueno». En España, en todo caso, la historia fue otra: Dance Me to the End of Love (#20, 1985), con su aire de vals centroeuropeo, se convirtió aquí en un éxito y probablemente sea todavía la canción por la que mucha gente lo reconoce a los primeros compases. En el mismo disco estaba Hallelujah, que entonces pasó bastante desapercibida hasta que las versiones de John Cale y Jeff Buckley la convirtieron en un himno universal, nada menos que la canción de un disco que su sello ni siquiera quiso editar.

Con todo, Various Positions fue sobre todo una puerta de entrada, y convirtió a Cohen en uno de los pocos veteranos que sobrevivió a los ochenta sin perder su esencia, en una década en la que muchos de sus coetáneos de los sesenta se dejaron arrastrar por las cajas de ritmos y la producción de moda o directamente desaparecieron del mapa. Él, en cambio, usó los sintetizadores como un decorado nuevo para las mismas obsesiones de siempre, el amor, la fe, el deseo y la derrota, y I’m Your Man (1988), con First We Take Manhattan y Everybody Knows, culminó ese giro con una voz ya definitivamente cavernosa. En el mismo disco estaba Take This Waltz, su adaptación del Pequeño vals vienés de Federico García Lorca, que volvió a encontrar en España prácticamente una acogida excepcional y única (#14, 1986) y que Enrique Morente se encargaría de devolver al castellano en Omega (1996). The Future (1992) prolongó esa etapa antes de que Cohen se retirase al monasterio zen de Mount Baldy. El regreso con Ten New Songs (2001), junto a Sharon Robinson, abrió una última etapa que, forzada en parte por la ruina que le dejó una antigua mánager, lo devolvió a las giras y le dio una vejez sorprendentemente fértil con Old Ideas (2012), Popular Problems (2014) y aquel You Want It Darker con el que se despidió. No está mal para alguien de quien su propio sello dudaba, treinta años antes, que fuese bueno.

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La legendaria banda estadounidense de rock alternativo Pixies celebrará sus cuatro décadas de trayectoria musical en Sevilla con un concierto el 8 de julio dentro de la séptima edición del Icónica Occident Sevilla Fest. Formados en Boston en 1986 por Black Francis, Joey Santiago y David Lovering —a quienes se une la bajista Emma Richardson en la gira mundial Pixies 40—, la agrupación redefinió el sonido alternativo gracias a sus guitarras afiladas, letras surrealistas y explosivos contrastes sonoros. Su discografía incluye álbumes clave como Come On Pilgrim (1987), Surfer Rosa (1988) y Doolittle (1989), cuyos temas sonarán en el escenario hispalense tras la puesta a la venta de entradas a partir del martes 10 de noviembre.

Pixies ha publicado en plataformas de streaming, el pasado 2 de noviembre, cuatro canciones inéditas de su archivo con motivo de su 40º aniversario: una versión temprana de Dig for Fire grabada por Steve Albini, Go Man Go, Brackish Boy y Punk Loop. Los temas habían aparecido antes en las nuevas remasterizaciones de Bossanova (1990) y Trompe le Monde (1991), publicadas el 11 de septiembre, pero solo estaban disponibles en dos singles de 7″ incluidos en las tiradas limitadas Dinked International de ambos discos. La versión de Dig For Fire procede de las sesiones de Surfer Rosa, mientras que Go Man Go, que compusieron Black Francis y Kim Deal, la grabaron tanto Pixies como The Breeders, pero no entró ni en Bossanova ni en Last Splash.

El festival hispalense amplía así un cartel ecléctico e internacional que comenzará el 5 de junio con el concierto de El Barrio (ya sold out) y continuará en junio con las actuaciones de Hakuna (11 de junio), Antoñito Molina (18 de junio), Queens of the Stone Age (20 de junio), Alejandro Astola y Carmen Avilés (25 de junio), SFDK (26 de junio) y Evanescence (29 de junio). Durante el mes de julio pasarán por la Plaza de España figuras como Santana (4 de julio), Rod Stewart (6 de julio), Noah Kahan (7 de julio), Melendi (9 de julio) y Camilo (11 de julio), consolidando al festival como uno de los eventos musicales de referencia en Europa

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El festival Bilbao BBK Live ha anunciado el primer avance del cartel para su XXI edición, que se celebrará los días 8, 9 y 10 de julio de 2027 en Kobetamendi. La programación estará encabezada por referentes de la música internacional como The xx, Pixies, Teddy Swims y The War on Drugs —estos dos últimos con actuaciones exclusivas en el Estado—, junto a una variada oferta musical que incluye al cantautor Jack Johnson, las melodías de alt-J, el indie pop de Two Door Cinema Club, la electrónica de Amelie Lens presents AURA y Bonobo, y la actuación especial de DJ Shadow celebrando los treinta años de Endtroducing…...

La representación de la escena estatal y local tendrá un peso destacado con bandas consolidadas como Viva Suecia, además de emergentes como Alcalá Norte, Barry B, Sexy Zebras, MARTIN, Mala Gestión y LAAZA. El cartel se completa con una diversa propuesta internacional que abarca desde Genesis Owusu, The Womack Sisters, Saint Levant y Los Bitchos, hasta proyectos introspectivos como los de Violet Grohl, paris jackson, Sofia Isella, Ari Abdul, Sofía & The Antoinettes, KEO, Antony Szmierek, mustbejohn, Fat Dog, Frost Children y Oxis. Asimismo, el talento en euskera y la escena vasca estarán presentes de la mano de Merina Gris, Nøgen, SUA, TOC, Indabe y Zeatikez.

La venta exclusiva para asistentes de ediciones anteriores, la venta Fan y la venta general ya están disponibles en la web del festival.

Bono venta exclusiva asistentes y FAN: 155€ + gastos
Bono venta general: 175€ + gastos
Bono Cuadrilla: 146€ + gastos (por la compra de 5 bonos, se reciben 6)
Bono EYCA Gaztea: 140€ + gastos
Camping 4 noches: 40€ + gastos
Acceso gratuito para menores de 11 años (previa cumplimentación de formulario)

Venta en bilbaobbklive.com y Fever Up
#bilbaoBBKlive #bilbaoBBKlive2027
bilbaobbklive.com

BILBAO BBK LIVE
8, 9, 10 julio 2027
Kobetamendi, Bilbao

ARTISTAS ORDEN ALFABÉTICO
ALCALÁ NORTE
ALT-J
AMELIE LENS PRESENTS AURA
ANTONY SZMIEREK
ARI ABDUL
BARRY B
BONOBO
DJ SHADOW CELEBRATES 30 YEARS OF ENDTRODUCING…..
FAT DOG
FROST CHILDREN
GENESIS OWUSU
INDABE
JACK JOHNSON
KEO
LAAZA
LOS BITCHOS
MALA GESTIÓN
MARTIN
MERINA GRIS
MUSTBEJOHN
NØGEN
OXIS
PARIS JACKSON
PIXIES
SAINT LEVANT
SEXY ZEBRAS
SOFIA & THE ANTOINETTES
SOFIA ISELLA
SUA
TEDDY SWIMS
THE WAR ON DRUGS
THE WOMACK SISTERS
THE XX
TOC
TWO DOOR CINEMA CLUB
VIOLET GROHL
VIVA SUECIA
ZEATIKEZ
…

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