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Arranca la semana con STUPID HOT de foamboy (foamboy), el tercer álbum del dúo de electro-pop de Portland formado por el productor Wil Bakula y la vocalista Katy Ohsiek, que desde 2021 viene cultivando un pop de inspiración jazzística y melódicamente personal. Le sigue Speculative Fiction de Smirk (Smoking Room), el tercer álbum del proyecto del compositor y guitarrista Nick Vicario, que cambia la velocidad punk de los dos primeros trabajos por un indie-pop de garage con melodías más cerebrales. Irrumpe POWER HOUSE de Magi Merlin (ONErpm/Bonsound), el debut de la cantante, compositora y productora de Montreal de origen ghanés-canadiense que lleva años construyendo lo que ella misma denomina «Broken R&B». Se suma Naturally de Nectar Woode (RCA/Since 93), la primera mixtape de la cantautora y productora británico-ghanesa de Milton Keynes afincada en Londres, cuya mezcla de neo-soul, jazz y folk vocal con influencias de Lauryn Hill, Erykah Badu y Amy Winehouse le ha valido comparaciones con Nina Simone por parte de Elton John, que aparece en el disco como colaborador invitado. 

El nombre más grande de la semana o uno de ellos, es, CONFESSIONS II de Madonna (Warner Records), su decimoquinto álbum de estudio, concebido como secuela directa de Confessions on a Dance Floor (2005) y producido de nuevo con Stuart Price junto a Martin Garrix, Andrew Watt y Cirkut y que ya ha hecho triplete de nº1, en EEUU, Reino Unido y España.  Apuntamos All We Need Is Now de Las Robertas (Trouble in Mind), el cuarto álbum de la banda costarricense afincada en Nueva York que lleva años siendo uno de los secretos mejor guardados del indie-pop de guitarras, con un sonido deudor del jangle pop australiano de los ochenta que en este disco alcanza su mayor consistencia. Destaca también Your Day Will Come de Chanel Beads (Jagjaguwar), el segundo álbum del proyecto neoyorquino de Shane Lavers, que repite título exacto con su debut de 2024 —una provocación que acaba revelando algo más complejo sobre la imposibilidad de la ruptura limpia con uno mismo—con la colaboración de la vocalista y guitarrista Maya McGrory y el violinista Zachary Paul.

Señalamos Hit The North de The Silver Bars (Cargo), el debut del quinteto de indie-rock de Barrow-in-Furness, Cumbria, producido por Anthony Chapman (Squid, Franz Ferdinand, Klaxons). Pop-rock con instinto melódico y un giro noir que los distingue del pelotón. Se incorpora Thank You, Goodnight. de AG Club con Jody Fontaine (Sony Music), el proyecto del dúo californiano que combina rap alternativo y R&B con ambición conceptual. Emerge Visitor de SIENNA SPIRO (Republic/Universal), debut de la artista cuyo pop alternativo ha llamado la atención de la crítica desde sus primeros singles, y Loveland de Suki Waterhouse (Sub Pop), el segundo álbum de la actriz y cantautora británica afincada en Los Ángeles que consolida la propuesta de indie-folk y dream-pop de I Can’t Let Go (2023) con producción más elaborada y escritura más segura. Apuntamos Shallow Hits de Ebbb (Ninja Tune), el debut del trío londinense formado por el productor Lev Ceylan, el vocalista Will Rowland y el batería Scott MacDonald, que partió de un autodefinido «Brian Wilson meets Death Grips» en su EP de 2024 y llega aquí a un pop electrónico ecléctico que va del calypso a la drum and bass pasando por los coros apilados y la melancolía existencial, todo en once canciones de notable ambición. Y Alchemy de Davion Farris (I Write Life Music), cantautor y productor estadounidense que mezcla R&B de raíz, gospel y soul contemporáneo con una madurez que lo sitúa entre Marvin Gaye y Frank Ocean sin sonar a calco de ninguno.

Destaca See You at the Equator de Kite Vendor (Teahouse Creative), álbum de debut de shoegaze y dream pop autoproducido de la banda Kite Vendor, con sede en Melbourne, que explora el crecimiento personal y las luchas de la adolescencia. Señalamos la reedición expandida de Antidepressants de Suede (Suede Ltd.), que añade material inédito a uno de los proyectos más sólidos de la segunda etapa de Brett Anderson y los suyos, y Congratulations de Jacob Ungerleider (2 Heads), cantautor cuyo folk-rock de inspiración americana recuerda a una sofisticación profunda y sutil entre la elegancia de Elliott Smith y el estilo atemporal de Harry Nilsson. Cobra protagonismo el segundo gran nombre de la semana: Foreign Tongues de The Rolling Stones (Polydor), el vigésimo quinto álbum de estudio de Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood, producido por Andrew Watt en menos de un mes en los estudios Metropolis de Londres. Si es su último disco —Jagger no lo descarta— es una despedida a la altura de lo que exige la leyenda.

Merece atención Precious Cargo de Maiya The Don (MNRK Music Group), el segundo álbum de la rapera de Brooklyn adoptada a los quince años y llegada a la música tras una carrera como creadora de contenido en TikTok, cuyo single «Telfy» la lanzó al circuito del rap femenino neoyorquino. No olvidamos Florida Water Blues de Twisted Teens (Going Underground), el tercer álbum del dúo de garage-rock de Nueva Orleans, que apenas unos meses después de Blame the Clown —ya en varias listas de lo mejor de 2026— regresa con trece canciones que abren un poco la ventana al sonido sin sacrificar ni un gramo de su esencia sucia y campestre. Además Hiding Places de la compositora de Portland Genevieve Stokes (independiente), el tercer álbum de la artista de pop alternativo, grabado en el garaje de los padres tras ser abandonada por su sello discográfico y atravesar un período de pérdidas personales. Señalamos Magic River de JW Francis (Nettwerk), el nuevo álbum del cantautor indie-folk de Nueva York que construye su música en igual medida con sunshine pop, power pop y folk naturalista, escrito mientras recorría el Mississippi en canoa.

Señalamos Watch the World de Gerry Read (8 Head), debut del productor británico de electrónica de baile con raíces en el house más orgánico y tecno experimental, y God Made Me A Star de Girlfriend, Wife (independiente), dúo de country alternativo formado por Kacy Hill y Tessa DeNicola con dos voces e instinto melódico más certero de lo que el circuito suele premiar en su ep debut. Apuntamos YEARNALISM de Baby Rose (Secretly Candian), el tercer álbum de la cantante, compositora y productora de Atlanta, una contralto de presencia inconfundible que llega fresca de ganar su primer Grammy por su participación en MUTT de Leon Thomas: doce canciones de R&B y soul oscuro.

Cierra la semana con otro de los nombres grandes del listado: Frozen Charlotte de Jack White (Third Man Records), el séptimo álbum en solitario del guitarrista de Detroit, grabado en sus propios estudios de Nashville con Patrick Keeler, Dominic Davis y Bobby Emmett tras una gira de actuaciones aclamadas. Se añaden Long Gone Saviors de Idle County (independiente), americana y country alternativo de raíz con solidez narrativa en este debut desde Asheville, North Carolina; Green Hills de The Heavenly Bodes (Fuzz Club), el debut del cuarteto de Cornwall surgido de la escena psych de Falmouth, nueve canciones de garage-psych lo-fi en algún punto entre los primeros Black Lips y la frialdad alucinada de The Velvet Underground; swallowtail de she’s green (independiente), debut del cuarteto de Minneapolis —que se describen a sí mismos como «moss music»— de indie-folk íntimo para perderse en el bosque; Role Model Hermit de mary in the junkyard (Nice Swan), el segundo álbum de la banda londinense liderada por Corinna Antrobus, post-punk de cámara con violines, pianos y una voz que oscila entre la fragilidad y la contundencia o Highly Favored de BiC Fizzle (The New 1017/Atlantic), el nuevo álbum del rapero de Arkansas firmado por Gucci Mane en su sello The New 1017, que lleva varios años construyendo una propuesta de trap preciso y directo con hooks contundentes y una actitud en el micro más cercana al lirismo de JAY-Z o Kendrick Lamar que al ruido de sus contemporáneos de escena.

Además, adelantos de Abbie Ozard, Alabama Shakes, Benjamin Clementine,  Blondshell, Boy Harsher, Bullion y L Devine, Computerwife, Cornelius,Dinosaur Jr., Django Django, Ed O’Brien, Editors, Ella Woolsey, Freak Slug, Genesis Owusu y KYE, Getdown Services, Girlfriend Wife, Grace Cummings, Hannah Cole, Hurry, Interpol Joe Leytrick, Johanna Samuels Jonno Sweetman, Julia Holter, Jungle, Lutt, Meaningful Stone y Jay Som, Peter Gabriel, Phoebe Bridgers, PJ Harvey, Radie Peat, Sabina, Shania Twain y Josh Homme, Softmax, Spacemoth,  Tame Impala, The Darling Buds,  This Is Lorelei, TVOD, U2, url, Wes Parker, Westside Cowboy, entre otros. Y sonido nacional con BALONCESTO, Bon Calso, CAPTAINS, Ciudad Naranco, Eira, El Último Vecino, Hidrogenesse, Kiko Veneno, LA MILAGROSA, Morreo, Patronato, Poster Boy, Señalada o Viva Belgrado.

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Digger es la nueva película de Alejandro G. Iñárritu, una comedia negra satírica que llega a los cines el 2 de octubre de 2026 a través de Warner Bros. Tom Cruise interpreta a Digger Rockwell, un magnate energético recluido que ignoró una advertencia clave sobre uno de sus oleoductos y provoca una catástrofe global como resultado, luciendo un marcado acento sureño, una barriga postiza y un cabello ralo peinado en un peluquín poco convincente. El resto del reparto incluye a Sandra Hüller, Jesse Plemons, John Goodman (como el presidente de EE.UU.), Riz Ahmed, Sophie Wilde y Emma D’Arcy, entre otros.

Es la primera colaboración entre Cruise e Iñárritu, y también el primer filme del director en inglés desde El renacido. El tráiler oficial se acaba de estrenar hoy mismo, 13 de julio, tras semanas de expectación generadas por un adelanto de la transformación física de Cruise. Dado el perfil autoral de Iñárritu y el peso interpretativo de Cruise, ya se habla de la cinta como posible candidata a los Oscar.

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Bon Jovi ha vuelto a los escenarios. El pasado 7 de julio, la banda de Nueva Jersey abrió en el Madison Square Garden de Nueva York el Forever Tour, su primera gira extensa desde 2022 y el cierre de un paréntesis marcado por la cirugía de cuerdas vocales de Jon Bon Jovi.

El parón se remonta a abril de 2022, fecha de su último concierto antes de que el cantante se sometiera a una medialización —una intervención reconstructiva con implante de Gore-Tex— para corregir la atrofia de uno de sus pliegues vocales. Durante los cuatro años siguientes, Bon Jovi mantuvo alguna aparición puntual, pero descartó cualquier gira mientras el propio cantante no considerase su voz a la altura: «Si no puedo ser, genial, me retiro», llegó a declarar en la conferencia Pollstar Live! de 2024. El anuncio de la vuelta llegó en octubre de 2025, coincidiendo con el lanzamiento de Forever (Legendary Edition), una reedición de su último álbum de estudio con duetos junto a Bruce Springsteen, Jelly Roll, Jason Isbell, Robbie Williams o Avril Lavigne, entre otros. Junto al disco se confirmó una gira más modesta de lo habitual en la banda: nueve fechas en el Madison Square Garden (7, 9, 12, 14, 16, 19, 21, 23 y 26 de julio) y tres citas europeas en agosto y septiembre —Murrayfield de Edimburgo (28 de agosto), Croke Park de Dublín (30 de agosto) y Wembley de Londres (4 de septiembre)—, sin fechas confirmadas por ahora en la península ibérica ni en Latinoamérica.

La banda —Jon Bon Jovi, David Bryan, Tico Torres, Phil X, Hugh McDonald, John Shanks y Everett Bradley, de nuevo sin Richie Sambora— se encuentra ahora mismo en la residencia neoyorquina, planteada como un formato de sets variables noche a noche —una fórmula que el propio cantante ha dicho haber consultado con Lars Ulrich, batería de Metallica— y ya ha dejado estrenos de gira: temas como Bed of Roses o Always, ausentes del directo desde 2019, reaparecieron ayer en la quinta función, del 12 de julio.

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John Mellencamp arrancó el viernes en Grand Rapids su gira «Dancing Words – The Greatest Hits», un recorrido de 26 canciones que, por primera vez, repasa sus grandes éxitos.

El repertorio se apoya en cinco temas de Scarecrow (1985) —entre ellos Small Town y Lonely Ol’ Night— y en tres canciones de Lonesome Jubilee (1987) y otras tantas de Uh-Huh (1983). Entre canción y canción, el músico dedicó unas palabras a quienes, dijo, «ven una pared de ladrillos y piensan cómo diablos voy a atravesar esto», para reivindicar después a quienes piensan fuera de la norma. Mellencamp, hoy con 74 años, debutó en 1976 con Chestnut Street Incident y desde entonces ha publicado más de veinte discos de estudio, del American Fool (1982) que lo lanzó al estrellato hasta el más reciente Orpheus Descending (2023), a la espera de su próximo trabajo, Orphan Train. Miembro del Rock and Roll Hall of Fame y cofundador de Farm Aid, es, según el propio artista, la primera vez que reúne en una sola noche sus canciones más queridas, no una gira de despedida sino la voluntad de un músico que, a esta altura de su carrera, decidió que no quería quedarse sentado en el sofá.

Lo más destacable de la noche no fueron los himnos esperables, sino las recuperaciones. De Words & Music: John Mellencamp’s Greatest Hits (2004), el disco recopilatorio que incluyó un puñado de temas inéditos, volvieron Walk Tall y Thank You, ambas ausentes desde 2008. De Freedom’s Road (2007) regresó Our Country, también fuera del repertorio desde 2008. Key West Intermezzo (I Saw You First), de Mr. Happy Go Lucky (1996), no sonaba desde 2012, año en que tampoco se tocaba Love and Happiness, el clásico de Al Green que Mellencamp grabó para Whenever We Wanted (1991). También volvieron I Need a Lover —su primer sencillo, incluido originalmente en A Biography (1978)—, ausente desde 2009; Your Life Is Now, de su disco homónimo de 1998, desde 2002; y la versión de Wild Night de Van Morrison, de Dance Naked (1994), desde 2005.

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El cantautor y pianista napolitano fue pionero del twist italiano con St. Tropez Twist y dos veces ganador del Festival de Sanremo.

Peppino di Capri llevaba en la sangre el napolitanismo pop antes incluso de saber leer partituras: nacido Giuseppe Faiella en 1939, tocaba el piano de oído a los cuatro años para los soldados americanos destinados en la isla que le dio el nombre artístico. El productor Mario Cenci lo llevó a Milán en 1958, y de ahí en adelante encabezó Peppino di Capri e i suoi Rockers, la formación con la que trasladó el twist y el rock and roll estadounidense a la canción napolitana sin renunciar a su vena melódica. Su repertorio de los sesenta —Roberta, dedicada a su primera esposa; Let’s Twist Again; St. Tropez Twist, compuesta para la película Il sorpasso de Dino Risi— lo convirtió en cronista musical de la Dolce Vita, y años después llegaría su consagración definitiva en el Festival de Sanremo, que ganó en 1973 con Un grande amore e niente più y en 1976 con Non lo faccio più.

En España, ese binomio funcionó especialmente bien: Roberta y St. Tropez Twist, publicadas juntas en single en 1964, alcanzaron el top 6 de las listas españolas, situando a Peppino di Capri entre los intérpretes italianos con mayor pegada comercial en el mercado español de la época (nada desdeñable, tratándose de un país que por entonces prefería el pop italiano casi tanto como el propio). Un año después, en 1965, repitió con Melancolía, que llegó al puesto 17; un escalón por debajo del anterior éxito, pero suficiente para confirmar que su fórmula —romanticismo napolitano con ritmo de baile— tenía recorrido más allá de Italia.

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Integrantes de las bandas Green Day (Billie Joe Armstrong), blink-182 (Travis Barker) y Rancid (Tim Armstrong) se han unido al exbajista de los Ramones, CJ Ramone, para formar el supergrupo Cretin Family. Esta nueva agrupación se presentará por primera vez el próximo 30 de agosto en el Hollywood Forever de Los Ángeles, como parte del homenaje oficial por el 50 aniversario de los Ramones, la legendaria banda que desató la revolución del punk global.

El evento benéfico, cuyos fondos se destinarán a la investigación del cáncer, será presentado por el actor John Travolta y contará también con proyecciones de cine y un set de DJ a cargo de Shepard Fairey. Los miembros del supergrupo expresaron su entusiasmo y destacaron el impacto imperecedero de los Ramones, a quienes definieron como el «plano original» y la base sin la cual el punk rock actual no existiría. Como antesala a este gran tributo, Rhino Records lanzará en julio dos ediciones especiales en formato vinilo dentro de su campaña Spirit Of ’76. El 17 de julio se publicará por primera vez el disco homónimo Ramones en una edición limitada en picture disc, seguido el 31 de julio por el álbum Live At The Roxy, grabado originalmente en agosto de 1976.

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Madonna nunca ha entendido el edadismo como límite biológico sino como convención a desmontar, y Confessions II (2026) ya es, con los datos definitivos en la mano, su primer número uno en el Reino Unido en catorce años, desde MDNA en 2012. Antes de entrar en el disco, conviene decir que ese dato no es anécdota: es la prueba de que el regreso a la plena forma que promete el título no se queda en la promesa.

Confessions on a Dance Floor (2005) fue considerada, en su momento, obra maestra, aunque dentro de su propia discografía esa etiqueta resulta ya discutible, y mucho menos sostenible aplicada a esta secuela. Buena parte de la prensa —no sabemos si por convicción propia o por indicación más o menos discreta de la discográfica— ha decidido de antemano que Confessions II merece la misma bendición, y no es el caso: hay mérito de sobra sin necesidad de forzar la palabra. One Step Away funciona como corazón conceptual del álbum, un deep house etéreo donde, sobre saxofones, Madonna reivindica la pista de baile no como superficie sino como espacio casi litúrgico de comunión colectiva. Danceteria opera como una segunda parte de Vogue, recuperando aquel recitado hablado para reconstruir su propia mitología pre-fama, mientras el disco entero se llena de referencias queer y construye identidad alrededor de los clásicos del house de Chicago y el techno de Detroit. Menos afortunada es la insistencia en duetos que no necesitaba: Feid aparece en un cruce generacional tan calculado como el que en su día protagonizaron Justin Timberlake o Maluma, un gesto de captar audiencia joven que no añade nada al disco y que, de hecho, contribuye a la escasez de canciones realmente memorables, con la excepción clara de Fragile, dedicada a su hermano.

Bizarre, con Martin Garrix, la devuelve al EDM, el género que ya fracasó en MDNA, aunque aquí resuelto con más gusto gracias a los sintetizadores ochenteros que lo visten. Hay también momentos de nostalgia explícita, con samples de comienzos de los noventa que funcionan como puente generacional más que como ejercicio de revival, y que confirman que Madonna, al contrario de lo que ocurría en referencias anteriores de su carrera, ya no teme utilizar la nostalgia como argumento. El resultado es un álbum menos cohesionado que el original, que mezcla el universo de Confessions con elementos de otros discos de su discografía, y que por eso mismo se siente como secuela real y no como simple reciclaje de fórmula. La voz, a estas alturas, sigue sosteniendo ganchos adictivos y versos con la personalidad de siempre: prueba, si hacía falta alguna, de que la edad nunca fue el problema que el negocio quiso hacer creer.

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