La cosa è ragionevolmente normale visto che il crossover è un facile espediente narrativo che consente all’editore di monetizzare con facilità, spremendo i lettori per un periodo di tempo limitato ma comunque adeguato a far cassa.

E’ questo il motivo per cui con sempre più facilità le Major si sono lanciate nella terribile moda del crossover annuale che, puntualmente, in estate o sotto le feste, si ripresenta alle porte delle librerie specializzate.

Eppure ce n’è sempre uno oggettivamente brutto che per un motivo o per un altro ti entra nel cuore.

Oggi vi propongo un piccolo sondaggio e vi chiedo qual è il vostro miglior peggior crossover di sempre? Si accetta tutto…grandi eventi, piccoli incroci narrativi e crossover interaziendali!

Volete sapere la mia?

Il crossover brutto che più mi ha colpito è -rullino i tamburi- Image United!

Si tratta di una miniserie annunciata fra il 2009 ed il 2010 (vado a memoria) composta da sei numeri. L’opera avrebbe visto riuniti tutti gli eroi delle varie sottoetichette Image contro un’unica grande minaccia.

La particolarità del progetto era che ogni personaggio sarebbe stato disegnato dal suo ideatore. In pratica nella stessa tavola vedevamo lavorare insieme Erik Larsen su Savage Dragon, Rob Liefeld sugli Youngblood e via dicendo…

Il tutto con una sceneggiatura di Robert Kirkman che vedeva nei panni del super cattivone Al Simmons, qui diventato lo Spawn Omega. A fare da collante fra i vari universi c’era invece un personaggio inedito e creato apposta per l’occasione: Fortress (Baxter Montgomery).

Non c’è bisogno di dirlo: il progetto finì a tarallucci e vino e dei sei numeri annunciati soltanto i primi tre videro la luce (pure discretamente inconcludenti). Forse è proprio questa la motivazione che dona a questo crossover -come in tutte le opere incompiute- un certo magico mistero.

Adesso tocca a voi. Aspetto la vostra nei commenti!

Per oggi è tutto. Qui W@lly, passo e chiudo.

L'articolo Qual è il miglior peggior crossover? proviene da W@lly Said!.

Approfittando però del clamore che mondo reale e sottobosco internettiano stanno facendo sulla pellicola diretta da Todd Philips con Joaquin Phoenix nei panni del clown assassino, vi piazzo lì un nuovo post della rubrica sulle curiosità fumettistiche e non.

Di cose più o meno conosciute da dire sul Joker ce ne sarebbero parecchie, tanto che già una piccola curiosità su di lui era saltata fuori in uno dei post precedenti con protagonista Batman.

D’altro canto il Clown assassino non sarebbe un personaggio di tale caratura se non avesse tanti piccoli scheletri nell’armadio, giusto?

Per l’occasione ne tiriamo fuori un tris assortito. Festeggiamo l’evento con un bel sorrisone, dai.

Nella graphic novel Arkham Asylum si sarebbe dovuto vestire come Madonna(!)

Arkham Asylum, scirtta da Grant Morrison e magistralmente illustrata da Dave McKean, è una delle storie più belle ed iconiche dell’uomo pipistrello.

Il volume introduce uno degli approcci estetici al personaggio più azzeccati ed innovativi di sempre.

Morrison però originariamente voleva che le cose fossero molto più bizzarre…

La sceneggiatura della novel era stata completata nel 1988, proprio a ridosso dell’uscita nelle sale cinematografiche del primo Batman di Tim Burton.

Morrison stesso spiegò a Steve McGinty di Fear Magazine che la DC apportò diversi tagli e censure al suo script originale in modo che il “suo” Batman non si discostasse eccessivamente da quello cinematografico e per poter assicurare all’opera un PG adeguato alla vendita di massa.

A parte la rimozione sistematica di tutti i termini ocme “fuck” e “masturbate”, il cambiamento più importante fu quello riguardante il look del Joker.

Because of this a couple of things came out. The Joker was originally dressed as Madonna. They didn’t want this because they thought people would think that Jack Nicholson was a transvestite. Is this the conclusion you would jump to?’

Decisamente inquietante, non c’è che dire.

La cosa viene confermata anche nell’edizione celebrativa dei 15 anni della Graphic Novel, dove è compresa una copia della sceneggiatura originale.

Quindi il nostro buon vecchio Joker sarebbe dovuto andare in giro vestito così…

Cesar Romero, il Joker baffuto

Cesar Romero, insieme a Jack Nicholson ed a Heath Ledger, è uno degli attori che più comunemente viene associato alla parte del Joker.

Romero ha interpretato il personaggio ben 22 volte contando sia le stagioni dal ’66 al ’68 della serie di Batman trasmessa dalla ABC (la famosa serie “camp”) che nel film Batman: the movie del 1966

Eppure l’attore per poco non rifiutò il ruolo.

Eh si perchè il signor Romero ha basato la gran parte della sua carriera sulla figura del macho ineluttabilmente dotato di un bel paio di folti baffi.

Di fronte alla richiesta di radere i baffi per interpretare il Joker, il rifiuto di Romero fu categorico. I baffi non s potevano toccare.

Ne sarebbe andata della sua figura di mascolino latin lover e perciò non si poteva fare, fine, kaput.

La produzione decise di assecondare il volere dell’attore mascherando (o cercando di farlo) i baffi sotto il pesante trucco da clown. I risultati ovviamente sono quelli che sappiano: i baffi si intravedono e danno quel senso di “stonato” alla figura.

I baffi di Romero alla fine non fecero che evidenziare quel sottotesto “trash” che permeava tutta la serie, risultando perfettamente in tono con l’atmosfera della produzione.

Il Joker ha avuto una breve serie personale

Al giorno d’oggi non è cosa rara che un villain dei fumetti ottenga una sua serie personale.

Vuoi perché bisogna sfruttare al massimo i franchise, vuoi perché -si sa- il cattivo è sempre più figo del buono.

Eppure nel 1975 non era una cosa scontata. Motivo per cui la serie dedicata in quell’anno al Joker dissona ancora di più rispetto alle produzioni contemporanee. Anche per tematiche, visto che il personaggio era e rimaneva un cattivo fatto e finito, completamente scevro da connotazioni da antieroe.

La serie ebbe comunque vita breve e durò soltanto nove numeri concludendosi nell’ottobre del 1976.

La serie non si limitava ad una serie di scontri frontali fra Batman e e Joker ma furono percorse diverse strade alternative che portarono il protagonista ad affrontare la  Royal Flush Gang, Lex Luthor, e Catwoman.

La formula tuttavia era oltremodo ripetitiva ed era composta da una struttura sempre uguale a se stessa con il Joker che scappa dal carcere o dal manicomio all’inizio della storia per poi essere inevitabilmente acciuffato alla fine del numero.

Spero che questo breve trip nella vita del Joker sia stato di vostro gradimento.

Come sempre, per oggi è tutto. Qui W@lly, passo e chiudo.

L'articolo 3 COSE SUL JOKER CHE FORSE NON SAPETE proviene da W@lly Said!.

In questo secondo episodio prenderemo in esame le sigle dei cartoni più recenti, prodotti dagli anni ’90 in poi.

Produzioni molto variegate ed eterogenee fra le cui sigle si nascondono alcuni pezzi decisamente molto validi…

Se fra gli anni ’60 e gli anni ’80 la produzione televisiva ragnesca è stata tutto sommato limitata, nei decenni successivi si è assistito ad un vero e proprio boom delle presenze del ragno in TV.

In parte grazie alle altre produzioni animate Marvel (prima fra tutte la serie animata sugli X-men che ha letteralmente aperto la strada alle produzioni successive) ed in parte per uno sdoganamento trans mediale del buon vecchio Spider-man (a seguito del grande successo riscosso dallo Spider-man cinematografico di Raimi), negli ultimi trent’anni sono state diverse le serie che si sono avvicendate sui vari network americani.

Fatto è che di serie di spessore e durate anche parecchie stagioni se ne contano almeno tre.

Andiamo a vederle una per una.

Spider-man: The Animated Series

Spider-Man, per gli amici Spider-Man: The Animated Series (Spider-Man TAS), è una serie prodotta dalla Marvel Films Animation, andata in onda dal 19 Novembre del 1994 al 31 gennaio del 1998, per un totale di 5 stagioni.

L’intro della serie è una delle sigle più rappresentative non solo del ragno, ma del mondo dell’animazione di quegli anni.

Rappresentata da un unico tarrissimo assolo di chitarra, la sigla era eseguita niente meno che da Joe Perry, storico chitarrista degli Aerosmith. A voi tutte le incarnazioni della opening.

Spider-man Unlimited

Dopo la chuisura dell’acclamata TAS, Spider-man tornò l’anno successivo (1999) a calcare il palcoscenico di casa Fox Kids con la serie Spider-man Unlimited.

La serie era oggettivamente anni luce inferiore rispetto alla precedente e anche il tentativo di cambiare l’assetto del personaggio alterandone drasticamente setting e comprimari non riuscì a risollevarne le sorti.

La serie venne inoltre letteralmente schiacciata dagli ascolti dei Pokemone e dei Digimon ed ebbe una vita corta e difficile.

Ciò nonostante le due sigle (sia quella originale che quella italiana ad opera di Giorgio Vanni) sono nel complesso orecchiabili e meritevoli di almeno un ascolto.

Spider-man: The New Animated Series

Spider-Man: The New Animated Series (per gli amici MTV Spider-Man) fu una serie di soli 13 episodi, realizzata nel 2003 a seguito del grande successo cinematografico del primo film ragnesco di Raimi.

La sfortunata serie si caratterizzava per un uso seminale della CGI che ne rappresentò insieme la peculiarità e la pietra tombale. La realizzazione tecnica era infatti abbastanza deficitaria e non rese adeguatamente giustizia alle avventure del ragno.

Di fatto questa è la serie del ragno più misconosciuta dalla creazione del personaggio ad oggi.

The Spectacular Spider-Man

Spectacular Spider-man è la mia serie preferita. Punto.

Lo stile grafico frizzante, la narrazione scanzonata ma comunque contaminata da vari generi diversi e la serializzazione ben curata con una trama orizzontale sempre intrigante ne fanno a mio modo di vedere l’opera televisiva su Spider-man meglio riuscita.

Purtroppo la serie ha avuto vita relativamente breve (solo due stagioni trasmesse fra il 2008 ed il 2009).

Ho già detto che una delle cose più belle del cartone era la sigla? Se non mi credete ascoltate il pezzo quì sotto. Dopo l’opening del cartone degli anni ’60 è la canzone che meglio incarna il personaggio.

Ultimate Spider-man

Ultimate Spider-Man è la prima serie ufficilamente prodotta sul ragno dopo l’acquisizione della Marvel da parte della Disney.

La serie è andata in onda per un totale di 4 stagioni dal 2012 al 2017.

La serie faceva parte di una specie di universo condiviso con altri programmi contemporanei quali The Avengers: Earth’s Mightiest Heroes.

Con questa serie sparisce la canonica sigla, purtroppo sostituita da questo rapido jingle iniziale.

Marvel’s Spider-man

Marvel’s Spider-Man, è l’ultima nata fra le serie televisive ragnesche. Trasmessa per la prima volta nel 2017 ha già avuto un buona seconda ed una terza stagione in corso d’opera (quest’ultima è stata rinominata Marvel’s Spider-Man: Maximum Venom).

Zitta zitta, quatta quatta, questa serie sta risultando a mio giudizio molto ben fatta e fresca.

Come per la precedente Ultimate, anche in questo caso al posto della sigla abbiamo solo un mesto jingle iniziale.

E con questo è tutto. Con orgoglio osso affermare che dopo svariati anni questa serie di post l’ho finalmente conclusa!

Anche per oggi è tutto. Qui W@lly, passo e chiudo.

L'articolo TUTTE (MA PROPRIO TUTTE) LE SIGLE DI SPIDER-MAN – PARTE II proviene da W@lly Said!.

Stupito del periodo in cui è arrivato il teaser? Si, quello un pochino si.

Non mi aspettavo un rilascio così rapido del teaser anche se la serie era implicito che fosse già in produzione.

Da qui la domanda: che la produzione sia cominciata addirittura subito dopo il termine delle riprese della terza stagione.

Possibile, anche se non è una teoria dimostrabile e alla fine dei conti, neanche particolarmente probabile.

Il Teaser è il seguente, guardatelo (o riguardatelo) che ne riparliamo subito dopo,

Andiamo con ordine. Il filmato inizia con il consueto logo di Strangr Things dietro al quale compare il 4 ad indicare il numero della stagione. Tutto regolare. Dopo però tutto comincia a flippare.

Siamo a Hawkins?

La risposta semplice alla domanda è no.

Il quadro che ci troviamo davanti ha sicuramente degli elementi familiari come la casa nel bosco di Hopper ed il cartello di benvenuto ad Hawkins. Però il tutto è distorto e distopico.

Anche l’orologio nell’albero sulla sinistra ha sicuramente un significato specifico che adesso ci sfugge come anche i fogli che cadono dal cielo o che si vedono per terra. I rami e le radici che invece crescono facendosi sempre più opprimenti e soffocando il logo ed il numero 4 sono un chiaro riferimento al sottosopra.

Ipotesi 1: possiamo quindi immaginare che il sottosopra avrà un ruolo più importante nella prossima stagione si Stranger Things.

Dove siamo?

La frase cohe compare a fine teaser è emblematica. Non siamo più a Hawkins. Se ricordate la stagione precedente si era conclusa con una serie di addii.

In Primis Hopper, che apparentemente ci lascia le penne, salutando la serie nel più drastico dei modi.

La famiglia di Joyce insieme ad Undici lascia la cittadina. Mike ed Undi programmano di vedersi per il Giorno del Ringraziamento (ci torniamo).

Le scene finali della stagione sono ambientate in Russia, dove dei militari prima di dare in pasto un loro prigioniero ad un Demogorgone fanno un misterioso riferimento all’americano.

Le ipotesi diventano 2:

1. che il sottosopra diventi più importante nell’economia della trame,
2. che siano presenti varie sottotrame esterne a Hawkins (in Russia, al seguito della famiglia di Joyce o un ritorno agli altri esperimenti numerati visti brevemente nella stagione 2)

Soprassiedo sulla questione Hopper. Se n’è paralto tanto e sia che l’americano sia davvero lui, sia che le allusioni all’americano siano riferite a qualcun altro, pare palese che gli autori ci sitano trollando al riguardo.

Quando?

Quando vedremo la serie? Come mai un teaser così presto?

Non è da escludere a priori che qualcosa la si possa effettivamente vedere molto presto. Visto che le stagioni precedenti sono state rilasciate nello stesso periodo in cui erano ambientate è possibile che la nuova stagione abbia luogo e venga rilasciata nei pressi del ThanksGiving?

Impossibile rispondere ad oggi. ma teniamo gli occhi aperti alla ricerca di nuovi segnali nell’etere.

Per oggi è tutto, qui W@lly, passo e chiudo!

L'articolo Stranger Things 4 – Non siamo più a Hawkins (analisi del teaser) proviene da W@lly Said!.

Se frequentate le pagine di questo blog e non avete mai visto un episodio della serie succitata probabilmente vi trovate nel posto sbagliato e con ogni probabilità siete delle brutte persone.

(Se invece appartenete al gruppo sopradescritto ma siete qui perché avete voglia di saperne qualcosa di più accomodatevi e ignorate gli insulti scritti sopra).

Super Friends è il nome di una longeva serie a cartoni animati andata in onda dal 1973 al 1985 sulla emittente americana ABC.

Il Cartone, prodotto appunto da Hanna & Barbera, faceva la figura del leone nella programmazione del Saturday Morning cartoon e portava su schermo le avventure dei più noti personaggi della DC comics.

La Line up di personaggi della serie era infatti composta dai membri noti della Justice League (Superman, Batman & Robin e Wonder Woman in primis) a cui venivano spesso affiancati personaggi minori o creati per l’occasione (questi ultimi che fungevano più o meno esplicitamente da spalle comiche).

Un ragguardevole totale di 109 episodi. Senza dimenticare le backdoor che facevano da  collegamento con gli episodi di Sccoby Doo di cui abbiamo parlato nello scorso appuntamento.

Un po’ di storia

Non era la prima volta che la Justice League si guadagnava un suo spazio animato.

Già nel 1967 l lega della Giustizia aveva sfondato il video grazie alla serie DC Super Heroes della Filmation.

Dopo una fortunata esperienza con Superman e Aquaman la Filmation produsse la serie nel contesto di The Hour of Adventure ed all’internodi essa erano presenti svariati blocchi con protagonisti diversi personaggi DC (Flash, Atom, Hawkman, ecc.) oltre che blocchi corali con le avventure dei Teen Titans ed, appunto, della Justice League.

Cosa c’era dietro ai Super Amici (e al cavalluccio marino)

Successivamente la Filmation perse i diritti di sfruttamento dei personaggi che passarono poi ad Hanna & Barbera.

Il cambio di nome per il team (che a tutti gli effetti è la Justice League) fu fortissimamente spinto dai piani alti di Hanna & Barbera.

Dopo l’acquisizione dei diritti per lo sfruttamento televisivo dei personaggi DC, il primo pensiero dei vertici H&B fu quello di renderli più facilmente digeribili e masticabili da un pubblico prescolare. Ogni riferimento alla violenza venne eliminato o sottodimensionato, tanto che non viene mai dato un singolo pugno contro un essere umano se non in rarissimi casi dove il fatto viene ampiamente contestualizzato.

La cosa risultava di per se abbastanza comica in alcune sue declinazioni e buona parte delle trame della prima stagione erano incentrati su alieni invasori o scienziati pazzi che si scoprivano a fine puntata ben intenzionati e che venivano convinti a tornare sui loro passi a suon di parole.

Eppure ai vertici di H6B il solo cambio di tono non bastava e decisero quindi di modificare il nome del gruppo da Justice League in un ben più confortevole Super Friends.

La vittima più illustre di questo cambiamento di tono fu Aquaman. Se prima, nei cartoni Filmation di cui parlavamo sopra, il sovrano di Atlantide era stato protagonista di ben due stagioni di avventure in solitaria dal tono più serio e (per certi aspetti) crudo e violento, nei Super Friends veniva pesantemente downgradato e ridotto spesso a figura di second’ordine.

A ben vedere i Super Friends sono il vero motivo per cui Aquaman è visto ancora oggi come “quello che parla con i pesci”.

Spalle e comprimari

Come dicevo ad inizio pezzo, ai personaggi canonici della Justice League vennero affiancati dei personaggi originali. Furono in molti ad avvicendarsi nelle diverse edizioni dello show.

Togliamoci velocemente dai piedi quelli delle edizioni più tardive. Black Vulcan, Samurai, El Dorado e Apache Chief, che furono aggiunti al roster dei super amici fra il 1977 ed il 1981.

L’intento era quello di creare dei personaggi appartenenti a diverse minoranze in modo da rendere maggiormente inclusivo il cartone. Il problema era che i personaggi in questione il più delle volte risultavano delle macchiette che si poggiavano pesantemente sui cliché razziali, rendendo il risultato finale abbastanza caricaturale e grottesco.

Ben più interessanti erano invece i primi personaggi made in Hanna & Barbera aggiunti alla squadra. I primi in assoluto furono Marvin (White), Wendy (Harris) e Wonder Dog.

Se quest’ultimo rappresentava un chiaro epigono di Scooby Doo, i primi due erano personaggi molto meglio piazzati nella continuity DC di quanto si possa immaginare. Prendiamo Marvin ad esempio: il suo cognome è White. Dalla bio ufficiale del personaggio scopriamo che è figlio di Diana Prince White (l’infermiera da cui Wonder Woman prese il nome civile al suo arrivo nel mondo degli uomini) e Daniel White.

I personaggi diventarono parte integrante dell’universo DC ufficiale e la loro ultima comparsata risale al vol. 3 dei Teen Titans.

Le altre giovani spalle diventate famose grazie al cartone sono Zan e Jayna, i Wonder Twins

Gemelli extra terrestri provenienti dal pianeta Exxor, i Wonder Twins erano dei mutaforma dai poteri peculiari: Zan era in grado di trasformarsi in acqua mentre Jayna in forme animali. I poteri di entrambi i fratelli venivano attivati contemporaneamente dal contatto fra i due.

I gemelli sono diventati ben presto un elemento fortemente iconico della serie e furono a più riprese integrati nei fumetti e citati in diverse serie televisive.

La loro più recente apparizione è in una serie a loro dedicata (Wonder Twins), integrata nel sottobosco DC capitanato da Brian Michael Bendis.

Curiosità a margine: è interessante osservare come i personaggi fossero stati originariamente molto diversi. Lo si evince dai dati di produzione e da studi preparatori come quello che trovate qui sotto, realizzati dal sommo Alex Toth.

Un altro elemento introdotto nella serie e poi diventato canonico nei fumetti per la sua fortissima iconicità era la Hall of Justice, a tutti gli effetti una sorta di membro attivo del cast.La Hall of Justice va assolutamente menzionata per il suo peso nella cultura pop: è stata a più riprese nominata e citata non solo in fumetti e seire televisive ma persino in talk show e programmi radiofonici.

Tutte le cose belle finiscono

La serie si concluse nel 1985 con l’episodio dall’emblematico titolo The Death of Superman. Nonostante le inevitabili ingenuità iniziali e i mille passi falsi produttivi, Super Friends (e derivati) rimane una serie importantissima, entrata di diritto nella cultura pop.

Basti pensare a quanti suoi elementi originali sono entrati di prepotenza nell’immaginario comune e nei canoni DC per avere un’idea della potenza con cui lo show è penetrato nelle famiglie americane (e non) per quasi un decennio.

Ci sarebbe tanto da parlare sulle serie a cartoni ed a fumetti che hanno ripreso i super Friends ma correrei il rischio di trasformare questo post in un trattato. Magari per un’altra volta, se vi va.

Intanto per oggi è tutto. Qui W@lly, passo e chiudo

L'articolo I SUPER-EROI HANNA & BARBERA (PT. XIV): SUPER FRIENDS proviene da W@lly Said!.

Spulciando i vecchi post del blog mi sono accorto che quello con il listone delle sigle del nostro caro Spider-man era andato in vacca.

Quale migliore occasione allora per rivederlo e risistemarlo nei contenuti (aggiungendolo alla rubrica dei “tutti, ma porprio tutti“) e, si spera, completarlo una volta per tutte? Dai che si comincia!

ll buon vecchio Uomo Ragno di quartiere, da bravo personaggio bandiera della Marvel, nel corso dei decenni ha goduto di un godzilliardo e mezzo di trasposizioni televisive (animate e dal vivo). Alcune di queste, decisamente meglio riuscite di altre, sono state capaci di sopravvivere al logorio del tempo. Altre sono finite nel dimenticatoio (e proprio per questo meritano di essere rispolverate e riscoperte). Altre ancora infine sono riuscite a farlo ma non tanto per una questione di qualità quanto per il loro intrinseco squallore, che le ha fatte diventare (loro malgrado) limpidi esempi di quel trash televisivo che alla fine diventa cult.

In questa serie di post vi sollazzerò con tutte (ma giuro davvero tute) le opening, italiane e non, che hanno introdotto le versioni televisive dell’ Uomo Ragno in questi anni. Vi assicuro: non mancheranno sorprese e colpi bassi.

SPIDER-MAN (1967)

Cominciamo con la prima ed in assoluto più conosciuta opening: la theme song del cartone del 1967 prodotto da Ralph Bakshi, composta da Paul Francis Webster and Robert “Bob” Harris.

Tema assolutamente iconico che è diventato prepotentemente l’inno di qualsiasi produzione animata di Spidey e che viene inevitabilmente citata in ogni nuova incarnazione cinematografica o televisiva del Ragno.

C’è poco altro da dire su questa sigla (a parte inchinarsi di fronte alla sua maestosità), per cui, asciugati ilacrimoni napoletani andiamo avanti con…

THE AMAZING SPIDER-MAN (1977)

Il telefilm dell’Uomo Ragno da noi più conosciuto è The Amazing Spider-Man, serie composta di 13 episodi e prodotta tra il 1977 ed il 1979.

Se non altro per il fatto che alcuni episodi e l’episodio pilota furono impacchettati e spacciati nell’italico territorio come tre veri e propri film. Film che, tra l’altro, vengono ancora oggi saltuariamente riproposti in orari assurdi in occasione dell’uscita di ogni nuova pellicola film Hollywoodiano sul ragno.

Prego, apprezzatene l’opening con le mirabolanti espressioni del protagonista Nicholas Hammond.

Ma questa non è stato l’unico telefilm del ragno. Dall’oriente un anno dopo the Amazing Spider-man giuse la serie sul ragno definitiva…

SPIDER-MAN (スパイダーマン Supaidāman)

Il secondo, molto più pregevole in termini di monnezzeria, telefilm del ragno porta un bel “made in Japan” impresso a caratteri di fuoco sul posteriore.

Parlo di Spider-Man (スパイダーマン Supaidāman), meravigliosa serie di 41 episodi prodotta dalla TOEI tra il 1978 ed il 1979.  In quella che forse è la produzione più surreale sul personaggio potrete godere delle mossette e gli urlettini da telefilm giapponese in cui il nostro eroe si prodigherà.

Vi riempirete anche gli occhi  con Leopardon, il robottone immancabile nelle serie Jappo che accompagna il nostro eroe nelle sue avventure. Deliziatevi con quello che è sicuramente uno dei picchi più alti del trash in TV.

Sia Supaidaman che Leopardon sono tra l’altro tornati in auge grazi ai recenti eventi incentrati sul ragno-multiverso.

SPIDER-MAN (1981)

Nei primi ’80 Spidey torna nuovamente ad una incarnazione animata con la famosissima Spider-man.

La serie fu prodotta nel 1981 dai Marvel Studios, da Krantz Animation e da SuperHero Productions ed è composta da 26 episodi in un’unica stagione.

Se l’opening  originale ha  una sua certa riconoscibilità, noi italiani associamo il cartone alla mitica  sigla dal titolo “Spiderman”, incisa da I Sorrisi.

Questa sigla è una di quelle canzoncine che sopravvivono al cartone per cui sono state scritte ed entrano di prepotenza nell’immaginario collettivo.

SPIDER-MAN AND HIS AMAZING FRIENDS

Dopo il successone mondiale di Spider-man, i Marvel studios si lanciarono in un’altra serie sul Ragno.

Per l’occasione si decide di affiancare a Spidey altri da due personaggi (apparentemente messi lì a caso e che nulla c’azzeccano con l’uomo ragno): l’ uomo ghiaccio e Firestar (confezionata ad hoc per l’occasione e solo dopo promossa a personaggio dei fumetti a tutti gli effetti).

La serie fu prodotta nel 1981 dalla DePatie-Freleng Enterprises e realizzata dai Marvel Studios. Si compone di 24 episodi distribuiti in tre stagioni.

Dopodi chè ciccia e tutti buoni. Si chiuse baracca per una decina d’anni. Per poi ovviamente far rinverdire i fasti televisiva del ragno in una nuova incarnazione animata. Ma questo è materiale per la seconda post della serie!

L'articolo TUTTE (MA PROPRIO TUTTE) LE SIGLE DI SPIDER-MAN – PARTE I proviene da W@lly Said!.

Ma andiamo con ordine…

La Continuity Comics fu una etichetta indipendente fondata nel lontano 1984 da Neal Adams, autentico pilastro del mondo del fumetto, che ebbe vita decennale e che concluse le sue pubblicazioni nel 1994.

La leggenda narra che nel 1984 Neal Adams decise di capitalizzare il suo talento ed i suoi profitti, massimizzando contemporaneamente la sua libertà creativa. Nacque così la Continuity Comics.

Per una volta quindi non parliamo di un editore nato nel boom del fumetto super-eroistico dei primi anni ’90. Eppure i punti in comune fra la Continuity Comics e alcuni dei piccoli editori più aggressivi di quegli anni sono tanti e sostanziali.

Questione di Stile

Il tratto distintivo di tutte le pubblicazioni dell’editore era lo stile di disegno di Adams. L’autore infatti volle mantenere uno stretto controllo sulle uscite firmandone quasi tutte le copertine e donando così a tutto il suo universo una certa coerenza estetica.

Ma Adams non si limitò alle copertine, realizzando praticamente tutti i layout di ogni pubblicazione della Continuity e impegnandosi a rifinire i dettagli ed i visi delle tavole interne.

Una cura maniacale verso la produzione che portò anche l’autore a firmare buona parte dei plot, per lo più sceneggiati poi da Peter Stone.

A garantire un livello qualitativo stellare agli albi Continuity c’erano anche una serie di autori che avevano già mostrato o stavano mostrando al fumettomondo di che pasta erano fatti. Artisti che in seguito sarebbero diventati a loro volta pilastri dell’industria come Mark Texeira, Bart Sears, Mike Deodato, Jr. o artisti affermati del calibro di Dave Hoover, Richard Bennett, Tom Grindberg.

Personaggi, contenuti e ruberie

La Continuity Comics pubblicò per lo più storie di personaggi propri (quasi tutti farina del sacco di Adams) anche se non mancarono alcune eccezioni.

La più nota era Ms Mystic, personaggio creato sempre da Neal Adams, già pubblicato dalla Pacific Comics (storico editore che chiuse i battenti proprio nel 1984).

Proprio Ms Mystic è stata al centro di un piccol oscandalo basato sulle aspre accuse fatte da parte di Mike Netzer all’indirizzo di Adams. L’autore, che afferma di aver cocreato il personaggio, accusò Adams di averlo sistematicamente escluso dai credits (rubandogli di fatto la paternità del character) e conseguentemente di non aver mai condiviso con lui guadagni e royalities.

L’accusa fu strutturata in 36 punti a cui lo stesso Adams rispose direttamente, punto per punto, invitando ad ascolta entrambe le campane e suggerendo che “le persone scrivono bugie quando sono arrabbiate”.

Difficile capire da che parte stia la ragione e, come spesso succede, l’ipoytesi più probabile è che ci sia un po’ di torto ed un po’ di ragione da ambo le parti. Se volete leggere direttamente sia le accuse di Netzer che le risposte di Adams per farvi un’idea vostra, vi rimando a questo pezzo di Bleeding Cool. Ovviamente la questione rimane irrisolta e saranno forse i posteri a darne una sentenza definitiva.

Sesso e violenza

I contenuti dei fumetti della Continuity Comics erano tendenzialmente più violenti rispetto a quelli della concorrenza. In questo furono sicuramente antesignani dei fumetti delle decadi successive che del grim’n’gritty fecero il loro motto.

Giusto per fare un esempio, in un numero di Armor al protagonista viene tagliata la mano. E fin quì ‘nsomma, niente di esagerato. Se non fosse che poi l’arto tagliato viene maciullato in un frullatore, con la ovvia cura di dettagli macabri.

Non mancavano neanche le pruriginose ammiccatine al sesso ed alle generose curve delle protagoniste. A tal riguardo le copertine della serie Samuree brillavano di luce propria, mostrando sempre con grande generosità le forme della protagonista.

Forme che, ad onor del vero, erano intelligentemente messe in risalto dal design del costume.

Samuree in un certo senso sopravvisse alla Continuity. Dopo la chiusura dell’editore vennero pubblicati altri due albi sul personaggio dalla Windjammer, una divisione editoriale della Valiant.

E’ evidente che le doti del personaggio non passarono inosservate.

Copertine, cross over e lamentele

Durante gli anni ’90 la Continuity Comics non sfuggì alla moda delle variant cover e dei mega cross over.

Anzi, si può dire che la continuity si lanciò nella bolla delle variant cover con particolare determinazione, inondando i comic-shops di copertine metallizzate, cromate,olografiche e via dicendo. I nodi vennero ovviamente al pettine quando la bolla speculativa scoppio, lasciando la Continuity in fortissime difficoltà finanziarie.

Discorso analogo per i crossover. La Continuity ne mise in cantiere due Deathwatch 2000  e Rise of Magic, entrambi enormi, articolati e diffcili da seguire.

Talmente enormi e complicati che il secondo, Rise of Magic, segnò la chiusura definitiva di tutta la linea editoriale.

La Continuity Comics chiuse definitivamente i battenti nel 1994, schiacciata da enormi problemi economici e da alcune beghe legali. Si lasciò alle spalle tante serie interessanti, alcuni spunti decisamente avanti per i tempi e tante, tantissime critiche da parte dei distributori e rivenditori che rimproverarono all’editore la mancanza di una politica editoriale a lungo termine sensata e la cronica incapacità di rispettare le scadenze e le date d’uscita.

Alcuni personaggi tuttavia sopravvissero alla Continuity (oltre alla già citata Samuree vanno segnalati anche  Valeria e Knighthawk) ed ebbero una (brevissima) seconda vita editoriale sotto l’ala protettiva della Valiant.

Con questo e tutto per oggi. Qui W@lly, passo e chiuso.

L'articolo GLI UNIVERSI FUMETTISTICI PERDUTI: LA CONTINUITY COMICS proviene da W@lly Said!.

Lo facciamo però partendo da uno spunto di riflessione sperando ne possa nascere un dibattito interessante.

Innanzitutto partiamo da una considerazione: quando è nato il termine Cinecomic?

Sarebbe facile far risalire le origini del termine alle prime vere produzioni Hollywoodiane ad alto budget basate su personaggi dei fumetti.

Parlo ad esempio del Superman di Richard Donner o del Batman di Tim Burton. Facile e forse sensato, ma non del tutto corretto. Tanto che in quel periodo quando si parlava di film così costosi si faceva riferimento ad essi chiamandoli Kolossal, a prescindere da quali natali avessero i loro protagonisti.

Andiamo avanti allora, portandoci a tempi più recenti, verso lo Spider-man di Sam Raimi o gli X-men di Bryan Singer. In questi casi forse il termine Cinecomic potrebbe essere usato con maggior ragione.

Eppure  per quanto mi danni a cercare su Internet o sulle riviste di settore di quel periodo, non ne vengo fuori. Il termine non girava con la stessa frequenza e lo stesso significato di oggi.

E allora?

Dobbiamo proiettarci in avanti, verso un’ epoca molto più recente. Per l’esattezza dobbiamo arrivare al l’incirca al 2008-2010 perché il termine prenda effettivamente piede.

Vi viene in mente qualcosa? Esatto, sono gli anni in cui getta le sue basi il Marvel Cinematic Universe.

Di topi ed universi economici

L’entrata in campo dei Marvel Studios (e pertanto della Disney) segna un cambio radicale per il mercato dei film a tema super-eroistico.

Di fatto la multinazionele con le orecchie da topo non fa altro che trasformare delle pellicole fantastiche in un vero e proprio sottogenere con delle regole sue.

Se vi fermate a pensare ai 20 e passa film prodotti dai Marvel Studios fino ad oggi non faticherete a notare come dietro ad essi vi siano valori produttivi diversi e variabili. Non tutti i film sono pellicole ad alto budget come Endgame ed Infinity War. Anzi buona parte dei cinecomic made in Marvel Studios in verità non sono altro che pellicole a medio budget.  Di quelli che un tempo sarebbero passati semplicemente come Blockbuster dalla vita breve al cinema e dalla seconda giovinezza in cassetta.

I Marvel Studios invece, forti di un lavoro di pianificazione a tavolino che fino ad ora non ha avuto eguali, riescono a dare uno stile comune alle pellicole, fatto di azione e humor tagliato per le famiglie

Stile che è stato in grado di diventare un tratto distintivo con cui adesso vengono intesi i cinecomic da quella fetta di pubblico che con i fumetti non ci ha mai avuto niente a che fare.

Già, perché il vero miracolo è stato proprio questo: avvicinare il pubblico di massa ai personaggi e temi abituali per la geek community, livellando le differenze fra le due fette di pubblico.

Chi ne ha tratto il più grande vantaggio?

Sempre la multinazionale con le orecchie da topo.

Tra tentativi e successi

Di fatto dietro alla Mavel comics ed alla DC comics ci sono due giganti come la Disney e la Warner. Di fatto a nessuno dei due interessa davvero più di tanto delle loro produzioni a fumetti.

Guardiamo in faccia la realtà, il mercato dei comicbooks è talmente striminzito da non smuovere una quantità di denaro significativa per le due potenze.

Eppure, la Warner ci ha messo pochissimo a buttarsi nel campo dei cinecomic, cercando di scimmiottare malamente e goffamente quanto fatto dalla Disney.

Gli iniziali sconsolanti risultati li abbiamo visti tutti. Pellicole ad alto budget che tuttavia si sono rivelate deludenti sia in termini di di critica sia di incasso al botteghino.

Eppure la WB ci riprova, non si arrende, arranca ma non molla il colpo.

Mettendo a segno anche qualche pellicola (Aquaman e, soprattutto, Shazam) maggiormente consona al canovaccio imbastito dai Marvel Studios e baciata da un maggiore successo al botteghino.

Come mai? Semplicemente perché quello dei cinecomic è diventato un mercato troppo ghiotto per poterci rinunciare senza combattere. E questo nonostante delle divisioni fumettistiche in verità continui a non interessare più di tanto.

Ma le proprietà intellettuali che quelle divisioni portano come dote? Quelle sono un altro paio di maniche.

Due mondi che non si toccano (più)

Tutto questo discorso per ricollegarmi alla provocazione del titolo. I cinecomic sono meglio dei fumetti?

Per come la vedo io la risposta purtroppo è si. Sono meglio per Disney e Warner, che sono riuscite (più o meno) a trasformare i personaggi dei fumetti da sfigati in icone pop in grado di smuovere le masse.

E per certi versi (odiatemi) lo sono anche per noi. Da tanto ormai i cinecomic sono diventati il vero motore dietro ai fumetti. Se all’inizio le storie cinematografiche traevano spunto ed inspirazione dal mondo fumettistico, ben presto il trend si è invertito.

Adesso sono i fumetti che nella maggior parte dei casi corrono dietro ai film, riproponendone tematiche e personaggi nei tempi e nei modi dettati dal grande schermo. Persino nella caratterizzazione estetica.

Sono certo che altri attori cercheranno di entrare nel mercato, semplicemente perché è troppo ghiotto per restare a digiuno. Sony ad esempio, forte dei diritti di Spider-man e della possibilità di trasporre su schermo il validissimo universo Valiant, sarà quasi sicuramente uno dei prossimi giocatori della partita.

Tutto finché il mercato non sarà non verrà saturato portando al possibile scoppio o ridimensionamento della bolla.

Ma per allora magari ci sarà qualche nuovo nerd, venuto fuori dalla scorpacciata di super eroi al cinema, disposto a seguire i suoi personaggi del cuore nonostante le fortune avverse.

Voi cosa ne pensate? Lo spazio dei commenti e aperto per il dibattito!

Con questo e tutto. Anche per oggi W@lly vi saluta. Passo e chiudo!

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Oggi è il Batman day, l’occasione ideale per pubblicare (insieme a quel branco di debosciati della Geek League) un bel post sull’uomo pipistrello.

Non parleremo però di fumetti o di cinecomics.

In questo giro affronteremo lo scabroso tema degli incontri fra il dinamico duo e la cricca di Sccoby Doo!

Eh si, perché si da il caso che i due brand appartengano allo stesso padrone. Condizione più che sufficiente per dar luogo a diversi incroci e ad una commistione di generi e stili mirati a mischiare personaggi così apparentemente diversi.

La Hanna & Barbera diventò infatti una sussidiaria della Warner Bros. Animation già nel 1996 e ne venne completamente assorbita nel 2001.

I due studi però erano tuttavia evidentemente in contatto già da prima visto che i primi incontri fra Batman e la Mistery Inc. risalgono ad un paio di decadi prima.

Per l’esattezza al 1972 quando venne trasmesso per la prima volta…

The New Scooby-Doo Movies

La serie in questione aveva la particolarità di vedere in ogni episodio un team-up fra la Mistery Inc e personaggi diversi (come ad esempio la famiglia Addams, Stanlio e Ollio, i Tre Marmittoni e via dicendo).

Batman e Robin furono coprotagonisti di ben due episodi: The Dynamic Scooby-Doo Affair (in Italia Scooby-Doo con Batman e Robin contro i falsari) e The Caped Crusader Caper (da noi Scooby-Doo e il cavaliere della notte), rispettivamente trasmessi la prima volta il 16 settembre 1972 ed il 16 dicembre 1972.

Il variegato gruppo si riuniva con lo scopo di affrontare la minaccia combinata del Joker e del Pinguino.

Gli episodi sono complessivamente molto godibili pur risentendo inevitabilmente dell’età e dell’ovvio target infantile. L’animazione e lo stile di disegno rappresentano un bel mix fra i classici stilemi di Scooby Doo e i Super-friends (serie contemporanea da cui evidentemente deriva il design del dinamico duo)  e non è un caso, visto che entrambe le serie erano made in Hanna&Barbera.

I due episodi vennero successivamente riuniti e pubblicati in una compilation per il mercato home video ed intitolata Scooby-Doo Meets Batman.

L’incontro ebbe un buon successo, ma ciò nonostante ci sono voluti parecchi anni prima che Batman e Scooby si reincontrassero. Per l’esattezza si dovette aspettare fino al 2018.

Scooby-Doo! & Batman: The Brave and the Bold (Scooby-Doo! & Batman: Il caso irrisolto)

Per questo nuovo incontro, la Warner decise di fare le cose per benino. Si tratta di un film d’animazione direct-to video, prodotto Warner Bros. Pictures Television Animation Distribution, che rappresenta un vero e proprio incrocio fra Scooby Doo e la Mistery Inc. ed i personaggi della serie animata Batman: The Brave and The Bold (serie di grande successo e decisamente valida dal punto di vista artistico, andata in onda fra il 2008 ed il 2011).

Il film (che venne trasmesso in Italia il 9 giugno 2018 su Boomerang) è a tutti gli effetti un piccolo gioiellino.

Pur non potendo godere di un budget elevato si difende in maniera più che dignitosa sia dal punto di vista dell’animazione che del voice acting.

Il design di The Brave and The Bold si sposa alla perfezione con il character design tipico della cricca di Scooby, tanto che vedere la gang nella parte finale del film indossare i costumi classici della Batman family risulta naturale e per niente forzato, oltre che oltremodo delizioso.

Scooby-Doo! & Batman: The Brave and the Bold è a tutti gli effetti un prodotto per la televisione che però ha il sapore del film e non dell’episodio televisivo dalla durata extra-large. Lungometraggio assolutamente valido, consigliatissimo a tutti i fan di uno o dell’altro brand, che non mancherà di divertirvi e sorprendervi.

Ma i nostri eroi sono destinati ad incrociare le strade ancora una volta…

Scooby-Doo and Guess Who?

Nel 2019 la Warner Bros. Animation ha deciso di ripercorrere i passi delle precedenti produzioni e mise in cantiere per Cartoon Network una nuova serie intitolata appunto Scooby-Doo and Guess Who?

La serie -attualmente in corso- in pratica riprende il format di The New Scooby-Doo Movies, affiancando alla Mistery Inc. una nuova guest star per ogni episodio.

Nell’episodio numero 13, trasmesso giusto un paio di giorni fa (19 settembre 2019), fa capolino come coprotagonista proprio il buon vecchio Batman, doppiato per l’occasione da Kevin Conroy (per chi non lo conoscesse parliamo della storica voce di Bats in tutte le serie del Timm-verso oltre che in svariati lungometraggi animati).

I fumetti

Ovviamente con un colosso come la DC comics alle spalle non potevano mancare gli incroci cartacei fra i nostri eroi.

Nella serie Scooby Doo Team-up, pubblicata dalla DC comics nel 2013 e durata per ben 50 numeri, Scooby Doo e la Mistery Inc. vivevano le loro mensili avventure cartacee affiancati da numerose guest-star, spesso e volentieri provenienti dall’universo DC.

Indovinate un po’ chi fu il primo eroe ad accompagnare Scooby Doo in questa avventura editoriale? Proprio lui, l’eroe con le orecchie a punta.

Ammetto di non aver letto i numeri in questione né nessun’altra storia della serie ma quel che vedo spulciando nella ricerca immagini di Google è davvero interessante…chissà che non mi decida a recuperare queste storie prima o poi. Così, giusto per assaggiare.

Non ho trovato nessun altro albo crossover fra i personaggi ma non mi stupirei se ne saltassero fuori a decine, vista la smisurata vita editoriale di entrambi i brand.

Spero che vi sia piaciuto questo breve viaggio in una piega della vita batmaniana forse meno conosciuta.

Con questo e tutto. Anche per oggi W@lly vi saluta. Passo e chiudo!

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Dopo il primo Homecoming le mie aspettative erano tiepidine. Il primo film mi era piaciuto ma non era riuscito a conquistarmi al 100%.

Bimbo Ragno era forse troppo lontano dal Peter che idealizzo come mio e nonostante la pellicola alla fine (come molti altri film dei Marvel Studios) si adagiasse su una dignitosissima sufficienza piena e più che meritata, si perdeva comunque qualche pezzo per strada.

In primis l’ambientazione non funzionava a dovere. Washington, così lontana dai grattacieli NewYorkesi, mal si adattava come scenario per lo web slinger.

Lo stesso Peter aveva qualcosa di stonato nella sua caratterizzazione e nella sua remissiva sottomissione/ribellione forzata a Tony Stark.

Sarà riuscita quindi questa nuova pellicola a sciogliere i miei dubbi, conquistarmi, divertirmi ed entusiasmarmi?

Spoiler alert: si.

Un ragno mannaro americano a Londra

Parlando di Spider-man: Far From Home bisogna essere chiari. Se state cercando un film impegnato o in qualsiasi modo serioso, guardate altrove.

Se state cercando l’interpretazione migliore del personaggio di Spider-man, guardate altrove.

Far From Home è orgogliosamente un film dal taglio teenageriale. Una commedia avventurosa dove il protagonista è un ragazzino di 17 anni alle prese con i suoi problemi di cuore che accidentalmente ha pure i poteri di ragno e che suo malgrado si trova invischiato in un complotto super-eroistico.

Il taglio scanzonato del film è un problema? Assolutamente no, visto che il tutto è presentato con grande onestà intellettuale e che non si fa in nessun modo mistero del piglio scanzonato della storia.

Ne viene fuori un film leggero e divertente dove tutti i momenti più seri vengono stemperati da battute o gag, spesso autoironiche. Anzi, il film è talmente autoironico che evidenzia e sottolinea da solo alcuni evidenti buchi narrativi riuscendo così a smontarli e disinnescarli.

La beffa per gli stolti (occhio allo spoiler)

Prima dell’uscita del film e dopo la pubblicazione dei trailer buona parte della stampa specializzata italiana e straniera si è lanciata in profonde ed onanistiche elucubrazioni sul personaggio di Mysterio.

In particolare ci si è lanciati in voli pindarici su quello che avrebbe potuto rappresentare il multiverso nell’ MCU post endgame. C’era persino chi si lanciava in azzardate ipotesi secondo cui il multiverso sarebbe stata la porta di ingresso dell’universo mutante made in Fox nelll’universo cinematico della Marvel.

Nessuno, ma proprio nessuno, ha fatto caso a tutti gli allarmi-da-figura-di-merda che stavano suonando. E suonavano tutti insieme come in un concerto di trombe e tromboni.

Eggià perché, insomma, parliamoci chiaro, stiamo parlando di Mysterio. Cioè quello che nei fumetti si spaccia come il maestro delle illusioni. E infatti pensa un po’, alla fine viene fuori che il multiverso tanto decantato è tutta una cialtronata.

Grande figura di merda.

E dire che gli allarmi suonavano.

Siamo tutti GGGiovani

Considerazioni sensazionalistiche a parte, il film funziona proprio per il suo taglio giovanile. Un road movie sentimentale con tanta azione.

Nonostante le licenze poetiche, alla fine sono proprio i personaggi più liberamente interpretati come Ned Leeds e Michelle “MJ” quelli che funzionano meglio.

Spider-man esce dalle due ore e spicci di proiezione con una caratterizzazione lontana anni luce da quella del fumetto ma dotata di una sua dignità. Sicuramente nel futuro Spidey diventerà centrale nell’economia del MCU, magari come sostituto spirituale dello stesso Iron Man.

Diverte, spaventa, emoziona e infine sorprende. Spider-man: Far From Home fa tutto quello che dovrebbe fare e lo fa bene.

Tanto che alla fine della seconda scena post credits, con le luci in sala ormai accese, mi sono trovato sorridente, con mia figlia che saltellava entusiasta nella poltrona accanto a me ed un ragazzino che avrà avuto 15 anni nella fila davanti che urlava “tanta roba!” e con cui non potevo che essere d’accordo.

Statece.

Quì W@lly, passo e chiudo.

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