PERSONAGGI:

• Conte di Almaviva, (baritono )
• Contessa di Almaviva, sua moglie ( soprano )
• Susanna, la sua cameriera , promessa sposa di Figaro (soprano)
• Figaro, fido del Conte (basso)
• Cherubino, paggio del Conte (mezzosoprano en travesti )
• Marcellina, governante (mezzosoprano)
• Bartolo, medico di Siviglia ( basso )
• Basilio, maestro di musica ( tenore )
• Don Curzio, Giudice (tenore)
• Antonio, giardiniere del Conte e zio di Susanna (basso)
• Barbarina, sua figlia (soprano)
• Coro di paesani, di villanelle e di vari ordini di persone

LUOGO: Siviglia, nel Castello del Conte di Almaviva
EPOCA D’AMBIENTAZIONE: 1770 (circa), qualche anno dopo i fatti narrati ne ‘Il Barbiere di Siviglia’.
LINGUA: italiano.
PRIMA RAPPRESENTAZIONE: 1º maggio 1786 al Burgtheater di Vienna

TEMI CHIAVE:
amore – tradimento – inganno – travestimento – agnizione – equivoci – astuzia – potere – seduzione – gelosia

La storia in breve:

A Siviglia il Conte d’Almaviva cerca di sedurre Susanna, la cameriera di sua moglie; le due donne lo contrastano ricorrendo all’aiuto dell’astuto Figaro, servo del Conte e promesso sposo di Susanna. Figaro elabora due piani principali: 1. far credere al Conte che la Contessa sua moglie abbia un amante, in modo da farlo ingelosire e distrarlo; 2. farlo adescare da un paggio travestito da Susanna, in modo che poi la moglie lo sorprenda in flagrante e lo faccia pentire delle sue azioni.
Ci saranno vari contrattempi, equivoci, incomprensioni e gelosie, ma alla fine tutte le coppie ritroveranno la giusta armonia.

• Leggi la Trama dettagliata delle ‘Nozze di Figaro
• Leggi il Libretto d’opera delle ‘Nozze di Figaro’ scritto da Lorenzo Da Ponte

Le più belle arie delle Nozze di Figaro:

Ouverture

(Atto 1)

2. Cinque… dieci… venti… – duetto Susanna – Figaro
3. Se vuol ballare, signor Contino – cavatina di Figaro
4. Via resti servita, madama brillante – duetto Susanna – Marcellina
5. Non so più cosa son, cosa faccio – aria di Cherubino
6. Cosa sento! tosto andate – Terzetto Susanna – Conte – Basilio
7. Non più andrai, farfallone amoroso – Figaro

(Atto 2)

8. Porgi amor qualche ristoro – cavatina della Contessa
9. Voi che sapete che cosa è amor – aria di Cherubino
10. Esci omai, garzon malnato – Susanna, Contessa, Marcellina, Basilio, Conte, Antonio, Bartolo, Figaro
    

(Atto 3)

11. Crudele! perché finora farmi languir così? – duetto Susanna – Conte
12. Hai già vinta la causa – Vedrò mentr’io sospiro – Conte
13. Riconosci in questo amplesso – Susanna, Marcellina, Don Curzio, Conte, Bartolo, Figaro
14. Dove sono i bei momenti – aria della Contessa
15. Canzonetta sull’aria… Che soave zeffiretto – Susanna, Contessa

(Atto 4)

16. L’ho perduta… me meschina – aria di Barbarina
17. Aprite un po’ quegl’occhi – Figaro
18. Deh vieni non tardar – Susanna
19. Pian pianin le andrò più presso – Susanna, Contessa, Barbarina, Cherubino, Marcellina, Basilio, Conte, Antonio, Figaro, Bartolo

Superando censure e divieti

Secondo le Memorie di Da Ponte, fu proprio Mozart a voler comporre un’opera tratta da Le nozze di Figaro; la commedia di Beaumarchais però era stata censurata in Austria perché metteva in scena conflitti di classe, e l’imperatore Giuseppe II l’aveva giudicata pericolosa perché criticava la nobiltà.
Sempre Da Ponte di essere riuscito ad ottenere il permesso dell’Imperatore promettendogli che nella versione in musica sarebbero state tolte le parti più esplicitamente politiche.
Non era affatto semplice volgere in musica una commedia tanto complicata come quella di Beamarchais, ma Da Ponte in sei settimane fece un gran lavoro di semplificazione: abbreviò da cinque a quattro atti, ridusse i personaggi, ma rispettò la trama raccontando le vicende amorose in un italiano poetico e musicale. Mozart ne fu entusiasta: il risultato fu la prima delle tre grandi collaborazioni tra i due autori, seguita da Don Giovanni e Così fan tutte.
Un altro divieto con cui si scontrarono Mozart e Da Ponte fu quello che impediva di rappresentare balli in scena, sempre imposto dall’imperatore; nel finale del terzo atto era prevista proprio una scena di ballo che sarebbe stato un vero peccato togliere; perciò gli autori invitarono l’imperatore ad assistere alle prove, e durante quella scena gli interpreti si misero a danzare in silenzio; l’imperatore lo trovò assurdo, e ordinò subito che fosse inserita la musica.

Una svolta nel teatro d’opera

Con Le nozze di Figaro Mozart e Da Ponte crearono una nuova forma di “dramma per musica” in cui la narrazione non si interrompe nei recitativi, ma scorre con naturalezza negli insiemi vocali e nei grandi finali d’atto. Il finale del secondo atto, con la sua durata di oltre venti minuti, è considerato uno dei più straordinari esempi di costruzione teatrale e musicale mai scritti: otto personaggi si alternano e si intrecciano in un flusso continuo di emozioni e tensioni che si risolvono con equilibrio perfetto.

Mozart adatta magistralmente il linguaggio della musica classica alla psicologia dei personaggi: anche quelli minori hanno arie memorabili a loro appositamente dedicate. Melodie eleganti, modulazioni ricercate e un uso drammatico delle tonalità servono a rappresentare stati d’animo, differenze sociali e trasformazioni interiori. Gli archi accompagnano i momenti più intimi e delicati, mentre i fiati colorano le sfumature emotive; i corni, ad esempio, diventano simbolo ironico del marito tradito.

Un grande capolavoro di musica, comicità e umanità

Superate le naturali resistenze iniziali, l’opera venne accolta positivamente. Alla prima viennese il pubblico chiese diversi bis, tanto che l’imperatore dovette emanare un ordine per limitarli e contenere la durata dello spettacolo. La stampa, dopo alcune esitazioni, lodò la partitura come un capolavoro di arte e ingegno. Pochi mesi dopo, Le nozze di Figaro trionfò a Praga, dove l’entusiasmo del pubblico spinse Mozart a recarsi di persona per dirigere l’opera: fu da quel successo che nacque la commissione per Don Giovanni.

Il fascino dell’opera risiede nella sua umanità: Mozart non giudica, ma comprende e nobilita ogni personaggio, dal servo al nobile, dal buffo al malinconico. È per questo che Le nozze di Figaro è ancora oggi considerata una delle più grandi opere di tutti i tempi, lodata da musicisti come Haydn, Brahms e Verdi, e amata dal pubblico per la perfetta fusione di comicità, sentimento e verità umana.

Consigli d’ascolto:

I migliori CD, DVD, registrazioni audio e video: https://semprelibera.altervista.org/wolfgang-amadeus-mozart/le-nozze-di-figaro/le-nozze-di-figaro-mozart-consigli-cd-e-dvd/

Altri siti interessanti:

• Libretto del Teatro La Fenice con note
• https://opera-inside.com/le-nozze-di-figaro-by-wolfgang-amadeus-mozart/
• https://www.magiadellopera.com/guidaallascolto/mozart-wolfgang-amadeus-le-nozze-di-figaro/
• https://www.raiplaysound.it/audio/2017/04/Le-nozze-di-Figaro-di-Wolfgang-Amadeus-Mozart—WikiMusic-del-29042017-40d41250-b4b5-4e39-8cf2-7216a1fb250a.html

Immagine: Wikimedia

I migliori CD, le registrazioni più pregiate

La registrazione Decca Legends del 1955 diretta da Erich Kleiber con Cesare Siepi, Hilde Güden, Alfred Poell, Lisa Della Casa, Suzanne Danco, Hilde Rössel-Majdan, Fernando Corena

Questo grande classico tramanda quella che è considerata una delle migliori interpretazioni delle Nozze di Figaro. Kleiber, con i Wiener Philharmoniker, coniuga perfettamente vivacità drammatica e calda umanità, restituendo lo spirito familiare e brillante della casa Almaviva. Il cast, formato da alcuni dei migliori cantanti mozartiani dell’epoca offre una resa vocale equilibrata, elegante e piena di vita.
Prima incisione completa dei recitativi, la registrazione si distingue per freschezza, ritmo e naturalezza teatrale, anticipando lo stile delle future esecuzioni su strumenti d’epoca. Nonostante i limiti tecnici dell’epoca, il suono risulta sorprendentemente nitido e bilanciato, ulteriormente migliorato dalla rimasterizzazione digitale a 24 bit. Acclamata con premi come il Grand Prix du Disque e il Diapason d’Or, è oggi ritenuta una delle interpretazioni più autorevoli e affascinanti di Mozart.

La registrazione EMI del 1959 diretta da Carlo Maria Giulini con Giuseppe Taddei, Anna Moffo, Eberhard Waechter, Elisabeth Schwarzkopf, Fiorenza Cossotto

L’incisione è considerata una delle più belle e raffinate versioni in studio del capolavoro mozartiano: elogiata per la chiarezza del suono, la ricchezza timbrica e l’equilibrio drammatico, ricevette una nomination ai Grammy Awards del 1962. Rimasta un classico del catalogo discografico, è stata più volte ristampata da EMI, sebbene alcune edizioni siano state criticate per tagli e per l’interruzione del grande finale del secondo atto. Questa registrazione si colloca nel periodo d’oro di Giulini e rappresenta una sintesi perfetta di eleganza, intensità e rigore musicale.

La registrazione Deutsche Grammophon del 1968 diretta da Karl Böhm con Hermann Prey, Edith Mathis, Dietrich Fischer-Dieskau, Gundula Janowitz, Tatiana Troyanos, Patricia Johnson, Peter Lagger

La direzione di Karl Böhm valorizza ogni sezione dell’orchestra e le voci, rese chiare da un’ottima masterizzazione. Le tre protagoniste femminili, Janowitz, Mathis e Troyanos, offrono un trio straordinario, pur con qualche imprecisione nella dizione. Anche il resto del cast è impeccabile, contribuendo a una performance di altissimo livello. Audio eccezionale.

La registrazione Decca del 1979 diretta da Herbert von Karajan con José van Dam, Ileana Cotrubaș, Tom Krause, Anna Tomowa-Sintow, Frederica von Stade, Jane Berbié, Jules Bastin

È una registrazione in studio ma derivata da una produzione teatrale del 1977, e include anche le arie di Marcellina e Basilio spesso omesse in altre versioni. Karajan adotta un ordine di scene proposto da Moberly e Raeburn, spostando il sestetto del terzo atto dopo l’aria della Contessa, secondo una possibile disposizione originaria di Mozart.
Tutti concordarono sull’eccellenza del cast, in particolare di van Dam e von Stade. C’è chi complessivamente la giudica una lettura elegante ma un po’ fredda, chi invece la ritiene ricca di sfumature e sensibilità teatrale.

La registrazione EMI Classics del 1991 diretta da Otto Klemperer con Elisabeth Söderström, Reri Grist, Geraint Evans, Gabriel Bacquier, Teresa Berganza.

Otto Klemperer dirige con un equilibrio raro tra profondità e umorismo, offrendo una lettura vivace e coinvolgente. Il cast di altissimo livello offre un’interpretazione intensa e brillante. il John Alldis Choir eccellente e la New Philharmonia Orchestra in splendida forma, per un’esecuzione di grande classe.

Film, DVD e adattamenti video:

(1967) Le Nozze di Figaro, film opera, regia di Joachim Hess.
Il cast, pur datato nello stile, convince per energia e naturalezza: Heinz Blankenburg è un Figaro vivace, Tom Krause un Conte impeccabile, Edith Mathis una Susanna deliziosa, Arlene Saunders una Contessa corretta ma non intensa, ed Elisabeth Steiner un Cherubino brillante.

(1976) Le nozze di Figaro di Jean-Pierre Ponnelle. Direttore d’orchestra: Karl Böhm, Wiener Philharmoniker; Cast: Hermann Prey, Mirella Freni, Dietrich Fischer-Dieskau, Kiri Te Kanawa, Maria Ewing, Paolo Montarsolo. Wiener Staatsoper (Deutsche Grammophon, DVD 0440 073 4034 9).
Un classico assoluto tra i film d’opera. Ponnelle unisce rigore musicale e sensibilità cinematografica, ambientando l’opera in scenari settecenteschi di straordinaria eleganza visiva. Karl Böhm dirige con equilibrio e naturalezza, sostenendo un cast leggendario. Ogni gesto e movimento è pensato come parte di una coreografia teatrale perfetta, e la fotografia raffinata valorizza la grazia e la malinconia dell’opera. Rimane, per molti, la trasposizione più poetica e cinematograficamente riuscita delle Nozze di Figaro.

(2006) Le nozze di Figaro, Wiener Philharmoniker/Harnoncourt): DVD in 2 dischi, produzione Deutsche Grammophon/Universal, regia di Nikolaus Harnoncourt con i Wiener Philharmoniker.
La regia, moderna ma fedele allo spirito mozartiano, mette in risalto i contrasti psicologici dei personaggi e un tono a tratti malinconico, lontano dalla leggerezza consueta. Il cast, guidato da Ildebrando D’Arcangelo e Anna Netrebko, offre interpretazioni di alto livello, e la qualità audio-video è eccellente.

(2006) Le nozze di Figaro, versione del Royal Opera House diretta da Antonio Pappano.
Approccio più tradizionale e spettacolare, con un impianto scenico elegante e una regia fluida e cinematografica. La direzione di Pappano unisce precisione ritmica e calore espressivo, facendo risaltare sia la comicità che la complessità emotiva del capolavoro mozartiano. Il cast internazionale, con Erwin Schrott come Figaro e Miah Persson come Susanna, brilla per freschezza e vivacità. Il DVD, curato nella confezione e nella qualità visiva, è una delle scelte migliori per chi desidera un’edizione moderna, ben registrata e facilmente accessibile.

Altre risorse gratuite:

LiberLiber offre mp3 scaricabili gratuitamente delle ‘Nozze di Figaro’ dirette da Carlo Maria Giulini, con Fernando Corena, Elizabeth Söderstrom, Ernst Blanc, Elisabet Schwarzkopf: https://liberliber.it/autori/autori-m/wolfgang-amadeus-mozart/le-nozze-di-figaro-ossia-la-folle-giornata-k-492/

Tanti altri file gratuiti puoi trovarli sul sito The Archive, e anche su Wikimedia Commons.

Sul sito di RaiPlay puoi trovare dei video gratuiti di alcune rappresentazioni delle ‘Nozze di Figaro’: https://www.raiplay.it/ricerca.html?q=le+nozze+di+figaro+mozart

Per conoscere meglio ‘Le nozze di Figaro’:

Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto IV]
Con l’aria ‘Pian pianin le andrò più presso’ prende inizio il finale dell’opera; Cherubino vede il cappello di Susanna, e pensando che sia lei, tenta un approccio; non sa che in realtà quella è la Contessa, travestita da Susanna; le due donne si sono infatti scambiate gli abiti, e al buio è facile confonderle.
Da qui in poi ci saranno vari equivoci e scambi di persona, favoriti proprio dall’oscurità. Anche il Conte si inganna: la moglie, travestita da Susanna, è oggetto di tutte le avances che lui pensa di rivolgere a Susanna, e riceve da lui anche un anello, che poi al momento opportuno tirerà fuori per smascherarlo: quella sarà la prova inequivocabile del suo tentato tradimento.
Al Conte non resta che chiedere perdono alla moglie, cosa che lei magnanimamente gli concede, e finalmente regna la pace e l’armonia tra tutti.

Non metto qui tutto il testo del finale, perché sarebbe troppo lungo; ti rimando al libretto dell’opera, Atto IV.

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Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto IV]
Nel giardino del castello Susanna, per burlarsi della gelosia di Figaro, asseconda i suoi sospetti fingendo di pregustare un incontro amoroso con il Conte. Nasce così la celebre “aria delle rose”, introdotta da un recitativo accompagnato — privilegio riservato ai soli protagonisti — che conferisce al momento un rilievo particolare. La musica si apre su un ritmo dolcemente oscillante, sorretto dai pizzicati degli archi e da delicate risposte dei fiati: una trama sonora di straordinaria raffinatezza che sembra tradurre in suoni il respiro della natura e l’ondeggiare delle emozioni.

Mozart, con apparente semplicità, trasforma un gesto civettuolo in un momento di pura poesia. L’aria, con la sua grazia disarmante, si pone come un’oasi lirica all’interno dell’intreccio frenetico. In questo canto lieve e profumato di rose, Mozart ci consegna la quintessenza della sensibilità di Susanna: ironica, tenera, consapevole, ma ancora capace di sognare.

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Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto IV]
Figaro, all’oscuro del piano di Susanna e della Contessa, si convince che Susanna voglia davvero tradirlo con il Conte; proprio lui, finora sempre così lucido, perde la testa a causa della gelosia e sfoga la sua delusione accusando tutte le donne di essere false ed ingannatrici.
Mentre nella commedia di Beaumarchais Figaro pronuncia un’invettiva contro la nobiltà, Da Ponte, per motivi di censura, lo fa qui inveire contro il genere femminile; aveva infatti promesso all’imperatore che non avrebbe messo in scena allusioni a temi politici e conflitti sociali, soprattutto quelli che potevano urtare il pubblico di aristocratici a cui era destinata l’opera.
La sua grande aria di furore riecheggia per struttura e ambizione quella del suo padrone nell’atto precedente. Come nel caso del Conte, anche qui l’ampio recitativo accompagnato eleva il personaggio al di sopra della sua condizione sociale, conferendogli una nobiltà drammatica che va oltre la maschera comica.
La scrittura orchestrale, vivace e pungente, accompagna il suo monologo misogino con un’evidente punta di caricatura. Mozart infatti non prende del tutto sul serio il furore del servo: l’accompagnamento civettuolo dei violini e l’intervento dei fiati creano un sottofondo di ironia, che smorza la violenza delle parole e restituisce l’immagine di un uomo ferito, ma non tragico.
Nella sezione finale, dove la musica accelera e si infittisce fino a un virtuosistico turbine di sillabe (“maestre d’inganni”), l’ira si trasforma in sfogo teatrale, quasi in autoparodia.

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Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto IV]
All’inizio dell’ultimo atto, la giovane Barbarina appare sola in scena, sconsolata per aver smarrito la spilla che doveva restituire a sua cugina Susanna, sigillo del biglietto destinato al Conte. Nelle Nozze di Figaro, a tutti i personaggi secondari spetta un brano a solo, e ora è arrivato il momento di Barbarina: ma il fatto di metterla proprio ad inizio atto le conferisce un’importanza particolare.
Oltretutto la musica di Mozart conferisce alla scena una struggente intensità. Accompagnata dai soli archi, l’aria si apre con una melodia lieve e malinconica, che restituisce perfettamente l’ansia e la dolcezza infantile della giovane, sospesa tra innocenza e turbamento. La scelta del modo minore — unica in tutto il repertorio vocale dell’opera — conferisce al pezzo una tinta elegiaca di rara poesua.

Sembrerebbe immotivato dare tanto rilievo ad un fatto banale come l’aver perso una spilla; ma siccome l’oggetto non viene mai nominato esplicitamente, qualcuno ha suggerito che in realtà Barbarina qui esprima il suo turbamento per la perdita di qualcosa di più profondo, che la riguarda personalmente, ovvero la sua purezza; non dimentichiamo infatti che anche lei ha dovuto ‘scendere a patti’ con il Conte, concedergli dei ‘favori’ per avere da lui il permesso di sposare Cherubino, di cui è innamorata.

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Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto III]
Seduta al tavolino, la Contessa detta a Susanna il biglietto destinato al Conte, con cui lo invita a un appuntamento notturno nel giardino. Nasce così “Sull’aria… che soave zeffiretto”, uno dei duetti più incantevoli e perfetti mai scritti da Mozart, in cui la semplicità apparente del gesto quotidiano – due donne che scrivono una lettera – si trasfigura in pura poesia musicale.

Le due voci, quella nobile e malinconica della Contessa e quella vivace e arguta di Susanna, si intrecciano in una trama finissima, rispondendosi con leggerezza e simmetria, come due correnti d’aria che si inseguono e si fondono. L’orchestra, con gli oboi e i fagotti che accompagnano in controcanto, evoca letteralmente il “soave zeffiretto” menzionato nel testo: un soffio gentile che porta con sé il profumo della sera, la promessa dell’inganno amoroso e il brivido della complicità.

Le due donne, unite nel loro piano per smascherare il Conte, cantano con un’intesa quasi amorosa, condividendo il piacere di ingannare chi le ha tradite. Mozart traduce questa intelligenza femminile in pura bellezza sonora: ogni linea vocale si specchia nell’altra, fondendo classe e tenerezza, inganno e dolcezza.
L’ascoltatore non può che rimanere estasiato dalla perfezione del respiro comune delle due voci, simbolo di un’intesa che supera le barriere di rango e di ruolo.

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Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto III]
Rimasta sola, la Contessa si abbandona a un’intima malinconia, ricordando con dolcezza e dolore i giorni felici del suo matrimonio.
L’aria “Dove sono i bei momenti” si apre (come quella della vendetta del Conte), con un recitativo accompagnato, che ne sottolinea la statura e la nobiltà d’animo. La Contessa non si abbandona al pianto, ma canta con un’eleganza composta.
Nella prima sezione la melodia si distende in un canto di struggente dolcezza, attraversato da un senso di sospensione e di preghiera. L’incipit richiama volutamente l’Agnus Dei della Krönungsmesse KV 317, quasi a elevare la sofferenza della Contessa su un piano spirituale, rendendola figura di purezza e sacrificio, distinta dalle passioni più terrene che agitano gli altri personaggi.
Nella seconda parte, il tempo si anima e la Contessa manifesta la volontà di reagire, di tentare ancora di riconquistare l’amore del marito. La voce si libra nel registro medio-acuto, sostenuta da un fitto dialogo con l’orchestra, che la incalza e la avvolge. I lunghi La acuti, trattenuti e luminosi, diventano lo sfogo di un cuore che, pur ferito, conserva dignità e desiderio di perdono.

In questo contrasto tra malinconia e fermezza, Mozart costruisce una delle più alte pagine di umanità del suo teatro: la Contessa non è più soltanto una vittima, ma una donna viva, capace di soffrire e di sperare, di elevarsi sopra l’inganno e la gelosia con una nobiltà che la musica restituisce in tutta la sua luminosa energia.

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Opera: Le nozze di Figaro
Musica: Wolfagang Amadeus Mozart
Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto III]
Mentre Figaro prendeva tempo dicendo di non potersi sposare con Marcellina se prima non trovava i suoi genitori, sono emersi indizi che hanno portato ad un grande colpo di scena: Figaro è proprio il figlio perduto di Marcellina e Bartolo, Raffaello, rapito quando era ancora in fasce. È un’agnizione tanto improbabile quanto esilarante, che dissolve ogni tensione e trasforma la scena giudiziaria in una festosa riunione di famiglia.

Mozart e Da Ponte colgono l’occasione per costruire un grande pezzo d’assieme, il sestetto “Riconosci in questo amplesso”, che nasce come quintetto e si arricchisce con l’ingresso di Susanna, accorsa con la somma necessaria per estinguere il debito di Figaro; vedendo lui, il suo promesso sposo, abbracciato a Marcellina, si infiamma di gelosia e lo schiaffeggia, ma poi l’equivoco viene chiarito: con un irresistibile crescendo comico le parole «sua madre» e «suo padre» vengono ripetute e scambiate fra i personaggi, rimbalzano da una voce all’altra in una progressione di puro divertimento musicale. L’episodio diventa una celebrazione collettiva dell’affetto e del perdono,, fino alla piena armonia dell’ensemble.

L’ironia di Da Ponte e la genialità contrappuntistica di Mozart si fondono perfettamente: mentre i protagonisti si abbandonano alla sorpresa e alla gioia, i due “giudici”, il Conte e Don Curzio, restano impotenti e confusi, quasi schiacciati dall’assurdità della situazione. Nella coda solenne, le loro voci sillabate all’unisono sulle ottave suggellano la scena con un effetto di comica maestosità, come se la legge e l’autorità – che avevano cercato di imporsi – fossero costrette a inchinarsi davanti all’imprevedibile vitalità dell’amore e del destino.

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Libretto: Lorenzo Da Ponte

[Atto III]
“Hai già vinta la causa” è la frase che il Conte ha sentito dire da Susanna a Figaro, e da lì ha capito di essere vittima di un raggiro. In quest’aria emerge il suo orgoglio ferito, l’invidia per la felicità amorosa del servo e il desiderio di ristabilire la propria superiorità sociale e maschile
Mozart gli affida un recitativo accompagnato , stilema tipico dell’opera seria, che in teoria dovrebbe elevare il personaggio; la musica tuttavia gioca su un doppio registro, svelando la vanità e la ridicolaggine del suo furore esagerato; proprio in questo contrasto tra stile elevato e comicità latente sta la genialità della scena.

Il Conte entra con un impeto orchestrale solenne, quasi da eroe tragico; i rapidi accordi degli archi e i toni marziali rendono il moto d’ira e la sete di vendetta, mentre la sezione centrale, in minore, mostra un attimo di vero turbamento per la donna che gli ha acceso i sentimenti.
Ma l’orgoglio torna subito a prevalere: nella frase “Tu non nascesti, audace”, la voce del Conte si espande su tre ottave, sostenuta all’unisono dall’orchestra, in un effetto che ne esalta la potenza e la tracotanza. È il grido di un uomo che rivendica il proprio rango e la propria virilità ferita, convinto di poter ancora dominare. L’aria si chiude con una coloratura imperiosa, punteggiata di trilli e virtuosismi che, lungi dall’essere soltanto ostentazione tecnica, rivelano la gioia aggressiva di chi pregusta la vendetta..

Altri video:

Ruggero Raimondi:

Thomas Allen:

Ildebrando D’Arcangelo:

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