En abril de 2024, Ubisoft eliminó The Crew de las bibliotecas de sus usuarios, un movimiento comprensiblemente mal recibido por todo el mundo y que fue el chispazo que encendió la iniciativa Stop Killing Games. Desde entonces, esta iniciativa empezó a recaudar firmas para llevar al Parlamento Europeo una propuesta para impedir que los videojuegos dependan de servidores que, una vez cerrados, los vuelven inaccesibles.

Cerca de millón y medio de firmas después, y a pesar de contar con apoyos dentro del Parlamento Europeo, se ha determinado que no es viable imponer legalmente que los videojuegos se mantengan usables incluso cuando dejan de estar a la venta. Lo más parecido a una medida firme que parece ponerse en marcha tras esta decisión es un código de buena conducta que las compañías podrán firmar para confirmar su intención de gestionar correctamente el «final de vida» de un videojuego. Este código, y un cumplimiento más estricto de las leyes de consumo ya activas, debería «incentivar a los proveedores a ofrecer videojuegos con vidas más largas», dice el comunicado de la UE, «y a explorar soluciones para estar a la altura de las expectativas del consumidor».

En la Recarga Activa de hoy tenemos, además, estos titulares:

• Don’t Nod solo tiene recursos para aguantar hasta noviembre, y su futuro es incierto. Tras la retirada de financiación por parte de Tencent, el estudio francés busca nuevas vías de financiación, y discutirá con la junta, hoy mismo, qué pasos tomar para asegurar su viabilidad más allá del final de este año.
• El cierre de Ninja Theory estaba decidido antes de anunciar Senua, su nuevo juego. En Game File, Stephen Totilo da un nuevo dato sobre la situación de Ninja Theory: parece que la idea era anunciar Senua, su nuevo proyecto, para atraer la inversión necesaria para sacar adelante el proyecto sin Microsoft, independizando el estudio.

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¿Os habéis enterado? Cada día salen cientos, miles, millones de juegos; salen tantos juegos, que si construyéramos una escalera con ellos, apilándolos unos encima de otros, podríamos llegar hasta la luna. Esta semana, en Steam, hay una oportunidad para probar algunos de esos miles de millones de juegos: el Next Fest de junio es una buena oportunidad para terminar de definir wishlists y para descubrir algún que otro título que quizá no había llegado a nuestros radares.

De eso va este artículo. Desde hoy y durante toda la semana, iremos colocando aquí breves reseñas sobre las demos que juguemos, poniendo el foco sobre las que más nos han interesado e intentando descubriros algún juego que quizá no haya terminado de encontrar un espacio en las recomendaciones que lanza Steam. Es también una oportunidad para que nos descubráis juegos, porque hay cientos de miles de millones, como decíamos, así que no dudéis en dejarnos vuestras recomendaciones. Necesitamos muchas mentes para separar el grano de la paja, y cada vez hay más paja, parece.

Sin más dilación, empezamos.

Echobreaker

Upstream Arcade / Weekend Games
Lanzamiento: 2026

A veces un juego solo necesita tres cosas: un set de mecánicas mínimo, niveles breves que recorrer a toda velocidad y un cronómetro que te indique cuánto has tardado en llegar al final. Echobreaker tiene esas tres cosas; las tiene desde el primer nivel, y están todas en la demo, que incluye un puñado de niveles bien diseñados para ser repetidos una y otra vez intentando arañar las décimas que te separan de la mejor calificación, o de subir un puesto más en los leaderboards. La cosa va de llegar al final de cada recorrido en el menor tiempo posible, eliminando por el camino a todos los enemigos que se cruzan en tu camino. Es fácil llegar al final; no es tan fácil llegar rápido, y menos si lo que intentas es conseguir un buen tiempo. Esta demo me ha interesado mucho por cómo el juego te recompensa con pistas, una por nivel, cuando consigues buenos tiempos: jugar bien te enseña cómo jugar mejor, y en muchos casos ese conocimiento te sirve para identificar o localizar atajos también en otros niveles. Un arcade no necesita más que eso: dos o tres acciones, un buen game feel y un botón de reinicio rápido para volver al principio cuando inevitablemente caigas al vacío por intentar apurar un atajo más de la cuenta, aun sabiendo que intentarás apurar también en el reintento: seguro que esta vez sí que te sale, si saltas en el frame exacto… VÍCTOR MARTÍNEZ

Order of the Sinking Star

Thekla, Inc. / Arc Games
Lanzamiento: 2026

Soy de la opinión de que The Witness es uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. (También tengo una relación conflictiva con Jonathan Blow, la cara visible de este Order of the Sinking Star, pero eso lo dejamos para otro momento.) Quizá por eso, mis primeros pasos en el nuevo juego de Thekla estuvieron marcados por el impacto de pasar de la primera persona a la vista cenital sobre cuadrícula, y de la fascinante y solitaria isla de The Witness a este mundo de fantasía en el que las voces a menudo parece competir con los puzzles por el protagonismo. Confieso que la primera impresión no fue la mejor; pero la verdad es que poco a poco Order of the Sinking Star me ha acabado ganando gracias al magnífico diseño de sus puzzles.

Era de esperar, principalmente por lo que tiene este nuevo juego de remake y remix de otros cuatro juegos, más pequeños y originalmente gratuitos, licenciados por Thekla para servir de materia prima para su expansiva y ambiciosa propuesta. Heroes of Sokoban, por ejemplo, es un clásico de PuzzleScript que aquí funciona como «primer mundo»; en él controlas a un grupo de héroes —un guerrero que empuja bloques; una ladrona que tira de ellos; un mago que puede teletransportarse, intercambiando su posición por la de los bloques— que deben colaborar para resolver los puzzles. Hay ecos del original en la versión rehecha que se ve en esta demo, pero los puzzles no son exactamente los mismos. Viajando al oeste en el supramundo, en vez de al norte, llegas a una zona que recrea Promesst, recogiendo su idea de puzzles interconectados a lo largo de un mapa amplio y convirtiéndolo en un capítulo distinto de una historia sobre la que, la verdad, no sé decir nada por ahora; hay más cháchara de lo que me esperaba, a veces quizá más de lo que es oportuno en un juego como este (en el que hace falta concentrarse un poco; a veces casi parece conveniente esperar a que terminen de darte el sermón antes de ponerte a pensar en la solución), pero sin mucho más que esta muestra no me atrevo a ser demasiado tajante.

Es una demo larguísima, de varias horas, con un centenar de niveles que representan, aun así, menos de un diez por ciento del contenido de la versión final. (El progreso de la demo pasa al juego completo, por cierto.) Y aun así apenas se acaricia la superficie, que en cierto momento tiene que empezar a fusionar las mecánicas de los cuatro juegos que usa como punto de partida para expandirse aún más. La presentación es mejorable, pero parece que Order of the Sinking Star va a ser un homenaje excesivo y quizá abrumador al puzzle sobre cuadrícula, uno de esos juegos con los que obsesionarse, algo sobre lo que Blow —que está usando este juego como campo de pruebas no para un motor propio, sino para todo un lenguaje de programación que ha inventado para armar todo esto— parece saber un par de cosas.  VÍCTOR MARTÍNEZ

In Silico

KAZ

Kalinarm / HAKURO
Lanzamiento: 13 de julio de 2026

El nuevo juego del autor de Linkito regresa con un roguelike de partidas breves y repletas de adrenalina. KAZ es un juego que está hecho para jugar con el teclado, con la mano que prefiramos, ya que tendremos que usar las flechas o las teclas WASD para mover a nuestro protagonista por las casillas donde aparecerán nuestros enemigos. Cada partida nos permitirá desbloquear nuevas mejoras y armas que harán que cada build se adapte a nuestro estilo de juego. Hay varios modos ya en la demo y algo que siempre se celebra (a mí no me interesan tanto, pero me consta que a la gente sí): leaderboards para todos los modos, incluidos los que son temporales. Una propuesta muy divertida, fresquita. JUAN T. SALAS

Deer & Boy

Lifeline Games / Dear Villagers
Lanzamiento: 23 de junio de 2026

Anunció su fecha de lanzamiento hace poquito, pero hace tiempo que esperamos esta aventura entre un muchacho y un cervatillo cuyas astas se iluminan. El golpe en el corazón se ve venir de lejos, pero al acercarnos también hemos podido comprobar que merecerá la pena recorrer cada escenario si a nuestro lado se escucha el adorable trote de este herbívoro tan dispuesto a ayudarnos a resolver este o aquel puzzle pulsando un botón que nos abra paso. Apuntar a Inside sería injusto quizá, veremos si juega en la liga de los dos Planet of Lana, por ejemplo, que sí puede ser una piedra de toque más sensata; es curioso el buen año que lleva este tipo de juegos, donde encaja, por qué no, desde Replaced hasta Darwin’s Paradox. JUAN T. SALAS

Dopaminer

Comboi, More_RetroGames y Bibiki / Comboi
Lanzamiento: Próximamente

Algo pasa en Málaga con los juegos incrementales. Ya lo vimos el año pasado con Astro Prospector y ahora sus autores están trabajando en Hole Is Mine, pero es que las ideas locas de Incrementalist —estarán en Guadalindie en unas semanas, por cierto—hay que sumar las de este otro equipo que cuenta con un viejo conocido por aquí como es Bibiki para hacer que el apartado sonoro nos invite a minar una y otra y otra vez. La demo nos permite jugar en una de las cuatro minas y no tardaremos en convertirnos en unos expertos optimizadores de cada segundo, además de conseguir decenas de mejoras para movernos más rápido, cavar más profundo, ganar tiempo, generar una explosión… mucho ojo, poneos una alarma si no queréis pasaros todo el Steam Next Fest dentro de un único juego. JUAN T. SALAS

Wilderings: The Lost Spring

Herobeat Studios / Kabam Games
Lanzamiento: Próximamente

Una aventura de acción tridimensional con elementos de roguelike en el que intentaremos sanarel medio a base de mamporrazos, volteretas y un adorable aleteo. Tras caer derrotados ante una monstruosa polilla a la que más adelante podremos intentar ayudar, descubriremos la existencia de los Hântu, unas criaturas que podremos unir a nuestro equipo para utilizar sus habilidades en combate; habrá quien llegado el momento de elegir prefiera tener más salud máxima o un ataque más poderoso, pero es difícil resistirse a sus diseños, tanto los propios del estudio como los que hemos visto en redes sociales de artistas invitados como Carles Dalmau o Caro Waro. Nos enfrentaremos a los Vlügkins —los masillas iniciales recuerdan a las hadas de los dientes de Hellboy 2—, quienes han destruido una serie de hábitats que está en nuestra mano devolver a su estado natural. Hay mucho del cuidado de la naturaleza y la reparación en lo nuevo de los creadores de Endling, una grata no sorpresa. JUAN T. SALAS

Colorbound

Panpipe Studio / Whitethorn Games
Lanzamiento: Agosto de 2026

El estudio chileno Panpipe firma este juego de puzzles en el que tienes que colorear el mundo para encontrar el camino que te lleve a la meta de cada nivel. La mecánica es sencilla: en los niveles, recoges gotas de pintura que te permiten aplicar colores a algunas plataformas o al fondo. Coloreando y recoloreando aquí y allá, tienes que hacer caminos hasta llegar al banderín que marca el final, destacando plataformas sobre las que saltar, por ejemplo, o «escondiendo» partes del escenario haciendo que su color coincida con el fondo. Es uno de esos juegos de una amabilidad infinita, que te enseña todo lo que tienes que saber con mimo y en detalle; la demo casi hace las veces de tutorial extendido, mostrándote distintos casos de uso de esta idea principal mientras conoces un poco el mundo y sus personajes, inspirados en los aimara, el pueblo indígena del altiplano andino. La demo no deja ver el juego de puzzles más hardcore de la historia, pero sí uno hecho con corazón y cabeza alrededor de una mecánica con muchísimo espacio para crecer en su versión final. VÍCTOR MARTÍNEZ

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La Editorial GameReport ha anunciado una ramificación más de su producción, una nueva aproximación al videojuego a través de la palabra impresa. La Revista Loop continúa su camino, pero lo hará con un compañero de viaje: LOOP#Collections. Esta línea editorial comienza con una colección de cuatro libros, cuatro ensayos escritos por los críticos culturales Iván Campos, Américo Ferraiuolo, Mariela González, Javier S. Diteh y Victoria Belver.

Los cuatro libros de esta LOOP#Collections están ya disponibles para reservar en la web de la editorial, tanto en formato físico como digital. Cuando termine 2026 estarán todos los ensayos disponibles, pero por ahora el único que se puede adquirir ya mismo es ‘Jugar a vivir: La cotidianidad y el paso del tiempo en el videojuego japonés’ de Iván Campos. En este ensayo de 200 páginas el autor «se embarca en un viaje emocional y cultural que utiliza el medio como espejo de nuestra propia existencia».

‘Jugar a vivir: La cotidianidad y el paso del tiempo en el videojuego japonés’ se apoya en juegos como Boku no Natsuyasumi, Persona, Jet Set Radio, Yakuza, Catherine, Roommania #203, Bokura no Kazoku y CLANNAD para recorrer así «las cuatro grandes etapas del ciclo vital» y dar forma a un texto que «disecciona cómo la cultura pop japonesa ha capturado nuestras ansiedades, obligaciones y esperanzas».

Dentro de unos meses, en septiembre, se publicará el segundo de los libros de esta LOOP#Collections, firmado por Américo Ferraiuolo: ‘Recuperar el porvenir’. En él su autor «discute los principales acercamientos que se han planteado para reducir el impacto que las sociedades humanas causan sobre su entorno, y cómo estas lógicas permean en el videojuego y los jugadores».

Los otros dos libros de esta colección están fechados para el último trimestre de 2026. Uno de ellos se titula ‘Kentucky Route Zero, la obsolescencia como zeitgeist’ y lo firma Mariela González, a quien podéis escuchar en podcasts como el de Nivel Oculto o Mochila de juego; este ensayo resuena con el de Javier S. Diteh y Victoria Belver —hablando de podcasts, a Victoria podéis escucharla en Mesón Sol—, ya que ambos se centran en un único videojuego; el ensayo de Mariela González, lógicamente, pone el foco en Kentucky Route Zero, mientras que en ‘En el nombre de Harman’ se realiza un exhaustivo desglose de todo lo que ofrece killer7, el juego de Suda51 «donde lo ficticio y lo real se entremezclan mucho más de lo que parece». 

Estos cuatro ensayos conforman el año uno de LOOP#Collections, el primero de lo que la Editorial GameReport espera que sean varios años publicando este tipo de textos en papel; la versión física costará 16,90€, pero también se podrá adquirir en formato digital por 8,90€. Esta nueva andadura de parte del equipo de la Revista LOOP no afectará a la revista que encara la recta final de su quinto año. Con un nuevo Verkami en el horizonte para financiar el que sería el sexto año de la revista, el equipo de «más de cincuenta personas que conforman su equipo de redactores e ilustradores» ultima los detalles de la que será su décima revista LOOP, el broche al quinto año consecutivo para la revista. La crítica cultural especializada en videojuegos continúa, qué os vamos a contar, pero siempre es motivo de celebración que lo haga más allá de las pantallas.

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El panorama parece haber cambiado mucho desde 2017: una pandemia mundial, varias guerras enquistadas en distintos países y el cambio climático en plena ebullición. Sin embargo la situación, al menos en cuanto a los procesos migratorios, no es muy diferente a cuando el director mexicano Alejandro González Iñárritu presentó su obra inmersiva Carne y Arena en el festival de Cannes ese año, donde se convirtió en el primer proyecto de realidad virtual mostrado allí y tras lo cual obtuvo un Oscar especial.

Su peculiar pieza VR narra algo que conoce bien: el tránsito de México a Estados Unidos a través de la frontera. Sin embargo, él es consciente de que su realidad es distinta. “Yo soy un migrante de primera clase”, admite el artista en la presentación de Carne y Arena en Bilbao. La instalación lleva años moviéndose por espacios y museos de todo el mundo, pero es la segunda vez que recala en España tras su paso por Santiago de Compostela en 2022. Permanecerá en la sede de EITB hasta el 20 de junio, con entrada a diez euros.

El autor de películas como Amores Perros o The Revenant  lleva más de dos décadas residiendo en Estados Unidos, tras el gran éxito de su ópera prima. Ha desarrollado la mayor parte carrera allí, así que goza de una situación privilegiada como observador de la relación entre su país de origen y el de residencia. Carne y Arena hace honor a su subtítulo: Virtualmente presente, físicamente invisible. Al ponernos las gafas viajamos al desierto mexicano, cerca de la frontera con Estados Unidos. Acompañamos a un grupo de migrantes que trata de cruzar al otro lado en plena noche. Una familia de varios miembros que deambula por la arena a escondidas hasta que la policía fronteriza, la temida “migra”, les (nos) pilla. Somos testigos en primera línea de las penurias a las que son sometidos, con violencia, perros y helicópteros. 

Frío en tus pies

Aunque la experiencia virtual dura exactamente seis minutos y medio, la instalación completa empieza antes. Justo cuando entramos a una sala de detención, solos y aislados, donde nos obligan a quitarnos los zapatos y los calcetines. Durante cinco eternos minutos nos cuestionamos qué hacemos ahí, qué pasará a continuación y sufrimos el frío en los pies. Es entonces cuando nos avisan para cruzar al otro lado, sentir la arena bajo nuestros pies y ponernos las gafas. Esa incómoda introducción sirve para establecer el tono de lo que vamos a vivir en nuestras propias carnes, como si fuéramos un auténtico migrante detenido. Carne y Arena emplea no sólo la tecnología, sino este tipo de recursos más propios del arte o del teatro inmersivo, para que empaticemos con la situación descrita.

Para ello, Iñárritu se ha valido de cientos de entrevistas a personas reales que emprendieron ese mismo viaje, incluidos niños y ancianos. El cineasta logra captar hábilmente esas vivencias y las condensa brevemente en una experiencia inolvidable, tan dura como emotiva. Podría haber alargado la pieza, pero el impacto es mayor en un espacio de tiempo corto. Además, reconoce que la tecnología daba problemas cuando la crearon y que sigue habiendo personas que se marean con la VR pasados unos minutos.

Con el objetivo de plasmar su visión, Iñárritu contó con su colaborador habitual, el director de fotografía Emmanuel Lubezki, uno de los mejores del mundo. Precisamente juntos ganaron el Oscar por Birdman y The Revenant. Acostumbrados a sus tonos luminosos, aquí todo ocurre de noche, sin más luz que la luna o los focos policiales. La tradicional narrativa cinematográfica se convierte en un lienzo abierto. “En el cine yo manejo la mirada, pero en la realidad virtual el espectador se convierte en director y tiene plena libertad para moverse”, señala el autor de 21 Gramos; “así, la experiencia de cada persona resulta única”. De esta forma, algunos usuarios empiezan a correr cuando llevan las gafas, otros se tiran al suelo en posición fetal y unos pocos tratan de agredir a los agentes. Las reacciones provocadas por la obra son tan diversas como su público, por lo general no habituado a los videojuegos.

Testimonios posteriores

Iñárritu ya había tratado la migración en Babel y Biutiful, su película ambientada en Barcelona, pero aquí la tecnología le permite llevarlo un paso más allá. Según él mismo cuenta, llevaba años sin probarla, pero quizá exagera al afirmar que al hacerlo esta vez “se me saltaron las lágrimas”. Cuando se puso las gafas y emprendió el viaje, le resultó imposible no acordarse de los sucesos actuales en Estados Unidos con el ICE, la policía migratoria que está aterrorizando a sus propios ciudadanos. La que mató a dos personas en enero y que ahora pone trabas a que ciertas personas accedan al país para el mundial de fútbol. Quizá por eso choca que después se excuse diciendo que Carne y Arena “no es política”. ¿Puede haber algo más político ahora mismo que una pieza que combina cine, documental, reportaje, arte y videojuego para retratar la vida de quienes tratan de cruzar la frontera?

Para documentarse, el director mexicano realizó cientos de entrevistas a refugiados mexicanos de distintas edades. El resultado es un compendio de sus historias, una mezcla que condensa infinidad de relatos trágicos encapsulados en apenas siete minutos. Para quienes se queden con ganas de más, al quitarse las gafas pasarán a una última sala donde las personas reales que inspiran la obra y cuyo aspecto fue recreado ofrecen sus declaraciones grabadas en vídeo. Quienes esperan un alivio o un respiro tras la intensidad de la parte virtual son de nuevo sobrecogidos por la dureza de sus palabras. La parte efectista deja ahora paso a la crudeza de sus testimonios auténticos mirando directamente a cámara, interpelándonos como (ahora sí) espectadores, pues ya no llevamos unas gafas que nos protejan.

Carne y Arena no es otra experiencia genérica más, una de esas exposiciones inmersivas tan de moda y artificiales como las dedicadas a Van Gogh o Frida Kahlo que parecen más una trampa para turistas o para gente que no va a museos. No se trata de un simple vídeo en primera persona con visión 360. Es mucho más que eso. Aunque nuestro control y agencia son limitados, Iñárritu ha sabido combinar el lenguaje narrativo cinematográfico que tan bien conoce con el potencial interactivo. Gracias a ello da lugar a ideas brillantes como que al “penetrar” en los protagonistas, como si fueran fantasmas, podamos ver sus latidos del corazón. Un pequeño secreto oculto que sólo los más curiosos descubren, pero que subraya el mensaje de la obra y que sería imposible realizar en un cortometraje tradicional.

El cine de Iñárritu puede resultar demasiado intenso en ocasiones y su ego narcisista suele desbordar la pantalla, como el plano-secuencia de Birdman, la violencia descarnada de The Revenant o los excesos de la autobiográfica Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades. Sin embargo, en Carne y Arena deja todos esos tics de lado y pone su talento al servicio de una idea con un mensaje muy concreto: empatía. No es casualidad que durante la presentación repitiera esa palabra varias veces. En la década que llevamos desde que creó esta obra, la empatía es un término denostado por políticos, periodistas y empresarios. Ya va siendo hora de reivindicarla.

Fotografía: Emmanuel Lubezki, en NYT.

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Santa Regione ha celebrado un nuevo hito de ventas de Horses, su último desarrollo. El inquietante relato monocromático de un joven que dedica su verano a trabajar en una granja de caballos ha superado las 30.000 copias vendidas, pese a que no puede encontrarse en páginas como Steam. Horses ha alcanzado esta cifra tras su publicación hace poco más de seis meses.

No ha sido el único motivo de celebración para el equipo de Horses, ya que el juego obtuvo el premio a mejor experiencia en los Italian Video Game Awards. La tercera pata de este banco de tallado a base de alegrías es una actualización que añade la traducción del juego al japonés, coreano, alemán, francés, ruso y español, aumentando a nueve los idiomas en los que se puede disfrutar Horses; yo lo jugué en inglés, pero ojalá saber italiano para disfrutar de la experiencia más pura.

Santa Ragione es el estudio responsable de juegos como Wheels of Aurelia, Saturnalia o Mediterranea Inferno, quizá su obra más conocida hasta que saltó toda la polémica con Horses el año pasado. Para quien no recuerde lo sucedido, Valve baneó Horses de Steam a escasos días de su lanzamiento, condenando a sus creadores al tener que renunciar a la principal plataforma en PC para los videojuegos comerciales.

A finales de noviembre del año pasado comentamos en la Recarga Activa que Santa Regione se enfrentaba «al cierre por el injusto baneo de Horses en Steam», antes de que el juego se publicara, y poco después analizamos junto a Clara Doña todo lo que ofrece Horses en el Podcast Reload; un juego que está lejos de ser tan polémico como podría parecer ante el ruido que se generó. Que conste que el ruido fue más que justificado, el baneo de Steam… no tanto. Dice muy poco de la madurez del medio que un juego así de inofensivo no tuviera cabida en una plataforma como la de Valve.

Por desgracia todo parece indicar que Horses será el último juego de Santa Ragione, ya que en redes sociales han comentado que, pese a que «todo el equipo está trabajando en nuevas cosas», es poco probable que haya un nuevo juego bajo el sello del estudio.

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La semana pasada apareció en redes sociales una cuenta con un simpático avatar y un nombre con gancho: club juegofrito. Fue la constatación de que varios rostros conocidos en el sur del país se han juntado para dar forma a un nuevo «club de debate de videojuegos presencial en Málaga». Teniendo en cuenta la experiencia y el mimo con el que la gente de MálagaJam y Guadalindie trata al videojuego, además de la amplia comunidad que han construído allí, esta noticia es tan lógica como bienvenida.

Este viernes 19 de junio club juegofrito celebrará su primera sesión. Tendrá lugar en el centro social y cultural La Invisible (calle Andrés Pérez, 8) a las 18:30 y el juego que protagonizará esta primera conversación será The Last Express, una aventura gráfica hecha con rotoscopia que desarrolló y publicó Dotemu en 1997; seguro que parte de les asistentes al debate ni siquiera podía ir sin compañía por la calle cuando The Last Express llegó a Steam, incluso habrá quien no hubiera ni nacido.

Desde la organización de club juegofrito señalan que The Last Express es una opción «interesantísima» para dar el pistoletazo de salida a este proyecto. Es una «obra que es un legado vivo de los videojuegos», creado por «el primer profeta de juegofrito», Jordan Mechner, quien tras crear Prince of Persia optó por «montarse su propio Orient Express con actores reales».

Incluso en un sector tranquilo, sano y próspero serían bienvenidas este tipo de iniciativas, pero con la que está cayendo es todavía más importante poner el foco en este tipo de propuestas colaborativas que sirven tanto para tejer redes comunitarias sólidas como para darle al videojuego un tratamiento cultural alejado del asfixiante, cruel y limitante aspecto monetario. Un videojuego es mucho más que una cifra en una hoja de cálculo y por suerte estos años hemos podido presenciar como en distintas ciudades de España se han formado clubes de juego como este club juegofrito, pero también el madrileño Espacio Intermedio, el alicantino Let’s Play, el ya veterano Club de Joc de Barcelona o el espacio virtual que ofrece Foco Ludens.

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Menudo lunes el de ayer. El ruido empezó bien pronto, cuando Kotaku informaba de la intención de Microsoft de cerrar Compulsion Games, el estudio de South of Midnight. La cosa fue a más cuando Bloomberg sumó a la lista de estudios en peligro el nombre de Double Fine, que hace poco estrenaron Kiln; se añadía ahí el matiz de que estos equipos parecen estar negociando su salida de Xbox Games Studios para evitar el cierre definitivo.

La cosa fue todavía un poco a más cuando The Verge afirmó que Ninja Theory ya había sido notificada, ayer mismo, de la intención de cierre. De los tres estudios, el posible cierre de Ninja Theory es el más impactante, porque hace apenas una semana se anunció Senua, su nuevo juego, en un Xbox Games Showcase en el que la importancia de los estudios internos de Xbox como columna vertebral de su estrategia a medio y largo plazo parecía innegociable.

Por el momento, Microsoft no ha confirmado ni desmentido ninguna de las informaciones, aunque no parecen sorprender a casi nadie: casi todos los periodistas con fuentes cercanas a la compañía parecen coincidir en que los próximos meses van a ser turbulentos en Xbox, que se prepara para un «reinicio» que pasa por cambios drásticos dentro de la compañía. Ahora mismo, ni siquiera la propia continuidad de Xbox como división de Microsoft parece asegurada; se habla de una posible escisión en favor de un funcionamiento similar al de LinkedIn o Github, que funcionan como empresas aparte aun siendo propiedad de Microsoft.

En la Recarga Activa de hoy tenemos, además, estos titulares:

• Craig Duncan y Louise O’Connor se van de Xbox. Además de los movimientos violentos dentro de los estudios, también ha habido dos marchas importantes en Xbox, las dos de veteranos de Rare: tanto Craig Duncan, jefe de Xbox Games Studios, como Louise O’Connor, jefa de personal, se han ido de la compañía. O’Connor había sido nombrada jefa de personal en septiembre del año pasado, después de 25 años en Rare; Duncan estuvo más de una década en Rare, hasta que dio el salto a Xbox Games Studios en 2024.

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Electronic Arts ha anunciado EA Advertising, una nueva plataforma publicitaria diseñada para ofertar sus juegos a anunciantes.

Esta plataforma no deja de ser una ampliación de las acciones publicitarias que ya se hacen en los juegos de Electronic Arts, principalmente en los deportivos. Abriendo las puertas a un mayor número de anunciantes, la compañía introduce también herramientas de medida que siguen los estándares del Interactive Advertising Bureau. A través de esta nueva plataforma, «los anunciantes pueden colaborar con EA de manera privada para mejorar el targeting y conseguir más información de las campañas». Por su parte, EA «garantiza que los anuncios son visibles, se muestran a público real y se miden usando estándares acreditados por la industria, en colaboración con Integral Ad Science», una compañía norteamericana dedicada a evaluar el impacto de la publicidad en contextos digitales.

Esta plataforma permitirá «a las marcas integrarse directamente en el gameplay a través de emplazamientos dinámicos y en tiempo real, desde carteles en el estadio hasta contenido in-game personalizado, diseñado para mejorar, no entorpecer, la experiencia del jugador», se lee en el comunicado.

«En estos entornos interactivos, las marcas se convierte en parte del juego mismo, reflejando la forma en que los jugadores se relacionan con los anuncios en contextos del mundo real», dicen.

Los juegos deportivos son, como era de esperar, los principales objetivos de este nuevo servicio; la mayor parte de los lanzamientos de Electronic Arts de los últimos años son juegos deportivos, también. En la web de EA Advertising tienen también bastante presencia Los Sims y el nuevo skate, donde Vans ya llevó a cabo una campaña publicitaria. Cualquier marca querría colocar su logo en los carteles de un EA FC 26, pero solo las reales se atreverían a meterse de alguna manera en Immortals of Aveum. Solo digo eso.

La idea de meter anuncios en los videojuegos no es nueva, por supuesto; Electronic Arts lleva, como ilustra la imagen que encabeza este texto, mucho tiempo experimentando con ella. Es más: el público del videojuego tiene, según demuestran algunos estudios, las tragaderas particularmente amplias cuando se trata de darle a las marcas el trato comprensivo y amable que, por lo general, no le damos a otras personas. No sé si decir que nos gusta, pero desde luego no nos molesta tanto como debería que las marcas se infiltren en nuestro día a día, primero como ruido de fondo y poco a poco ganando más protagonismo. En vista de que parece cada vez más complicado crecer como se ha crecido siempre —vendiendo consolas y juegos—, es muy probable que en los próximos años vivamos un auténtico asedio de la publicidad; con la boca pequeña y con algún asterisco, desde Xbox ya van poniendo sobre la mesa la posibilidad de «monetizar» sus servicios y plataformas a golpe de anuncio, si no a través de anuncios in-game (como sí propone, de manera abierta, EA Advertising) sí con propuestas similares a las suscripciones con publicidad de Netflix o Prime Video.

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Hace unos días, encontré en el siempre recomendable Bluesky de Dominic Tarason un juego llamado End of Starchild: un shooter en primera persona hecho en GZDoom. Es la secuela standalone de otro mod de Doom II, Time Tripper, en el que Em Essex ya experimentaba con esto de mezclar movimiento extremadamente veloz, mapas compactos y patrones de disparo de danmaku.

Lo primero es lo primero: End of Starchild se puede descargar aquí. Es gratis y es excelente.

Como el Doom II del que nace, End of Starchild es un juego de tiros en el que te mueves a gran velocidad esquivando proyectiles y eliminando enemigos; mientras intentas sobrevivir, vas activando interruptores, abriendo puertas y consiguiendo llaves de colores que te permiten acceder a nuevas zonas del mapa, hasta que, poco a poco y no sin fatigas, llegas al final del nivel.

Esta es la versión más simple que se me ocurre de una posible descripción de End of Starchild. A los mandos, el juego es un auténtico chorreo de ideas y momentos memorables, dispuestos uno tras otro en una campaña relativamente breve pero extremadamente rejugable. Todo recuerda a Doom, pero nada es exactamente igual que en Doom. El movimiento es más rápido, y sucede en mapas que siguen una filosofía de diseño similar a la de Doom (más precisamente, similar a la de los mapas que hace la comunidad de Doom hoy, tres décadas después de su lanzamiento; es una comunidad asombrosamente activa y que no para de darnos alegrías) aunque comprimiendo la acción en espacios más reducidos y densos. Los niveles tienen algo de laberíntico, pero son laberintos que no se expanden a lo ancho sino que se superponen unos encima de otros; cada botón que activas abre un nuevo camino que se suma a los que ya conocías, abriendo nuevas formas de explorar los niveles y también nuevos recovecos desde los que los enemigos te asedian.

Es un asedio constante, violento y muy vistoso; como decía, End of Starchild toma como inspiración los STG japoneses de la escuela de DoDonPachi y convierte a sus enemigos en letales chorros de proyectiles azules y fucsia que te acosan sin descanso con mantas de balas progresivamente más aterradoras. Verlo es espectacular, y jugarlo es una delicia; es exigente incluso en su dificultad más baja, pero la sensación de esquivar decenas, cientos de balas mientras te mueves a toda velocidad y vas limpiando el escenario es espectacular.

No me tiembla el pulso al escribir que End of Stachild es, ya digo, uno de los mejores juegos del año. Es, también, uno de esos juegos llenos de secretos meticulosamente diseñados para convertirse en una obsesión real. Los secretos de cada nivel se cuentan con los dedos de una mano, pero son secretos tan enrevesados y opacos que podrían alimentar a un foro entero durante meses. Hay un juego dentro del juego, un RPG de NES cuyo manual de instrucciones «escaneado» se puede encontrar entre los archivos de End of Starchild. Hay sistemas ocultos que pueden pasar desapercibidos si no examinas con atención las opciones del juego, como un rank al estilo de los shmups que aumenta o reduce el desafío, y las recompensas, en función de tu efectividad matando sin recibir daño. No hay quicksave, pero sí unas tiendas repartidas por los niveles en las que puedes «comprar» checkpoints a cambio de salud, armadura o puntos.

Es un juego formidable, oscuro y fascinante que deberíais jugar ya; solo está para Windows, pero con un par de toquecitos a los controles es más que jugable en Steam Deck. Para rematar, tiene una banda sonora (técnicamente dos) genuinamente estupenda. Un imprescindible.

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A través de un mensaje en redes, Capcom ha anunciado algunos cambios en la forma en que se vende Dragon’s Dogma 2. Los principales afectados son los micropagos: una decena de fruslerías serán retiradas de las tiendas el próximo día 24, «debido al desarrollo de contenido adicional y a varios ajustes para la futura actualización del título», explica la compañía.

Estos objetos (y la Deluxe Edition que los contenía, y que también se va de las tiendas) fueron polémicos en su día por el impacto que tienen en el progreso del juego. Poesías aparte, funcionan básicamente como atajos de pago: el colgante afectuoso, por ejemplo, permite subir más rápido la afinidad con un NPC de tu elección. El más criticado seguramente fuera el Arte de la Metamorfosis, un libro que permite editar el aspecto de tu personaje o de los peones que te acompañan; un micropago para editar personajes.

De paso, a la edición básica del juego (la que quedará a la venta, a falta de Deluxe Edition) se le aplicará «un descuento permanente», aunque no se ha confirmado de cuánto.

Todo esto es «en preparación para el lanzamiento de Dark Arisen», explican, la expansión anunciada durante el Junio Jugón y con la que el juego viaja a tierras lejanas: a la fría región de Norgan, y a la (esperemos) cálida Switch 2, la nueva plataforma en la que se estrenará la expansión el 9 de octubre.

En la Recarga Activa de hoy tenemos, además, estos titulares:

• Los foros oficiales de RPG Maker cierran, pero contarán con un archivo oficial. Gotcha Gotcha Games ha confirmado el proyecto de archivo de los foros de RPG Maker, que recientemente anunciaron su cierre ahora que la compañía planea mover la actividad de su comunidad a un nuevo foro. Más allá del sentido o los motivos del cambio de plataforma, la cosa es que desde ya los registros en los foros de toda la vida están cerrados; esta semana, pasarán a ser de solo lectura; y la idea original era que a finales de año, el 11 de diciembre, dejaran de estar disponibles, aunque parece que finalmente sí habrá un archivo oficial, una versión estática del contenido de esos foros (donde hay quince años de hilos, recursos, tutoriales y consejos sobre RPG Maker; en Eurogamer hay un buen resumen de la situación) sobre la que se levantará el nuevo foro oficial.
• Los lanzamientos destacados de esta semana:
  • Miércoles 17:
    • goblinAmerica (Steam)
    • Pokemon Champions (iOS, Android)
  • Jueves 18:
    • R-Type Tactics I • II Cosmos (Steam, Switch, PlayStation, Xbox Series X/S)
    • The Adventures of Elliot: The Millennium Tales (Steam, Switch 2, PlayStation 5, Xbox Series X/S)
  • Viernes 19:
    • Thank You For Your Application (Steam)

📝 Léelo en AnaitGames: