La Página Escondida

El cuadro más caro de la Historia

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 06 Feb 2012 15:35:00 +0000

Tercera versión de Los jugadores de Cartas de Paul Cézanne

Hoy nos hemos levantado con un gran notición en el mundo del mercado del Arte: una de las 5 versiones de Los Jugadores de cartas de Paul Cézanne ha sido adquirida por la familia real de Qatar a un coleccionista privado obteniendo la cifra récord hasta hoy de 220 millones de euros.

Con ello se convierte en el cuadro más caro de la Historia desbancando con creces al famosísimo Nº 5 de Pollock. Y es que aunque todas las noticias que se leen hoy aseguran taxativamente que el cuadro más caro hasta hoy era Desnudo, hojas verdes y busto de Picasso no es cierto. Desnudo, hojas verdes y busto era el cuadro SUBASTADO más caro de la historia ya que alcanzó la cifra de 81 millones de euros en una subasta realizada en 2010 en la sede de Nueva York de la casa Christie´s. Pero no logró superar al Nº 5 de Pollock que fue vendido en una transacción privada por 140 millones de dólares en 2006. Cuestión de matices a los que los periodistas, por lo que se ve, no son muy aficionados.

N. Aunque no he podido confirmarlo creo que ésta es la imagen que realmente corresponde a la obra adquirida por la familia real de Qatar ya que era la única que se encontraba en manos privadas mientras que las otras cuatro versiones pertenecen a los fondos de museos y fundaciones.

¡Feliz y próspero comienzo de semana! :)

Conversando con Olga Schäfer (ADAdripping)

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 02 Feb 2012 08:30:00 +0000

"Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento."
Olga Schäfer.

Tras el pseudónimo ADAdripping nos encontramos con una artista joven que realiza una obra tan variada como sorprendente: Olga Schäfer. Pintura, performance, action painting e instalación forman parte del amplio portfolio de esta gran creadora inquieta e inconformista que también desarrolla su trabajo en la labor de investigación en Arquitectura y que tiene un fuerte compromiso social con el mundo que la rodea. Su obra tiene una vertiente profunda que ahonda en el más íntimo de nuestra psicología y nuestro ser espiritual. Olga no sólo posee una técnica impecable, también y sobre todo, es capaz de llegar al interior de nuestra consciencia.

Autorretrato de la artista Olga Shäfer

Collserola

El último día

Mandala

Piel

Desfragmentados

Obra en construcción

Detalle de "Seven. Los siete pecados capitales"

Brota vida

Si el hombre fuera como debiera

Presentación del personaje Olga Schäfer. Pre-performance "Vivido en carne propia"

Olga, siempre nos gusta saber cómo empezó todo, cómo te diste cuenta de tu vocación.

En el año 2000, llegue a Barcelona a estudiar un doctorado de arquitectura en la Universidad Politécnica de Cataluña, mi tema era el “Museo como Monumento Contemporáneo”, al mismo tiempo trabajaba en mi obra artística, con el tiempo empecé a buscar convocatorias para exponer, y poco a poco mi pasión por el arte fue desplazando la tesis del doctorado que tenía que desarrollar.

He expuesto en EE. UU, en Italia, en Colombia y en España. Me di cuenta de que quería pintar y dedicarme a ello, la primera vez que vine a Barcelona, fue en el 96, a un congreso de arquitectura, aun era estudiante y claro, en la Universidad estaba viendo historia del arte y de la arquitectura al mismo tiempo (pues estudiaba ambas carreras al mismo tiempo).

El venir a Europa por primera vez, abrió mis expectativas, el mundo se me hizo pequeño, lo tenia que conseguir, me veía en una buhardilla pintando y escribiendo, todo el dia…decantándome hacia el mundo de las ideas, la investigación, la creación artística, el enriquecimiento intelectual, el interés por otras realidades o manifestaciones culturales, como lo hacían nuestros maestros… por esa razón vine a estudiar un Doctorado, porque me permitiría seguir preparándome intelectualmente y el arte como pasión o medio expresivo y/o espiritual.

¿Cómo te has formado como artista?

En el 93 empecé a estudiar Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia, sede Medellín. En la facultad había la carrera de Artes Plásticas, me encantaba ver los trabajos que hacían los estudiantes de artes. Tanto me gustaba que decidí presentarme (sin decirle nada a mi familia), a Artes Plásticas en otra Universidad, es así como en el 95 empecé a estudiar también Artes Plásticas en la Universidad de Antioquia, estudiandoal mismo tiempo y a ritmo frenético las dos carreras, fue un tiempo maravilloso…lo hacía con tanta pasión, energía y naturalidad… yo quería saber y aprender. En la facultad me llamaban ”la hormiguita”. Lo recuerdo con mucho cariño…

Pintura, performance, instalación, action painting, investigación en arquitectura… tu obra es muy variada pero tiene unas características constantes que la hacen uniforme. ¿Es algo premeditado o simplemente muestras tu personalidad en tu trabajo?

Tengo un perfil que no es encasillable, pero que he ido construyendo dia a dia a base de formación, sacrificio y esfuerzo, lo podría resumir en “creativa”. Mi manera de expresarme mediante el arte, lo represento según lo que quiera transmitir o me este sucediendo en el momento.

Es imposible encasillarme en una sola disciplina, influye mi formación, mi manera de ver la vida, mi proceso, experiencias, dolores, alegrías, que han sido tanto intensas como diversas, por eso la pluralidad, sincretismo y expresividad. Realmente no es algo premeditado, sino una necesidad de expresarme con diferentes medios, puede ser en mi obra artística o en mi carrera como investigadora en arquitectura.

Parece demasiado, para una persona, pero lo hago poco a poco, a lo mejor dejo de pintar durante meses, por que me ha surgido un proyecto de investigación en arquitectura y cuando lo culmine o entremedio, hare una instalación o seguirte pintando o escribiré un guión para un corto. La vida es corta y son demasiadas ilusiones e ideas. Lo más importante es que mi obra o trabajo, me guste, me satisfaga, me transmita, todo lo demás llega.

¿Cómo llegaste a la instalación y qué ha aportado a la evolución de tu carrera?

La instalación es la intervención del espacio, mediante el objeto conceptual, en el caso de “Todos van al mismo camino” o “Si el hombre viviera como debiera” o “Cajitas animadas. Rituales contemporáneos de occidente”. Yo creo que ha tenido que ver mi formación indiscutiblemente. Es la forma de mezclar la arquitectura en cuanto a la concepción del espacio y la conceptualización artística. Mediante la instalación utilizo diferentes medios y materiales, sobretodo materiales de construcción y/o reciclables, por ejemplo “Obra en construcción”. Con materiales como la brea, el cemento, piedrecillas, collage, yeso, acrílicos, esmaltes, madera, tela, entre otros.

La performance sigue siendo un medio de expresión poco conocido por el público general. ¿Qué puedes contarnos de las tuyas?

Mediante el performance expreso lo mas intimo, lo más personal, en el caso de “Vivido en carne propia”, transmito un hecho doloroso que marco mi vida, que la corto en un antes y un después, en el 97 mi hermano se suicido, él tenía solo 19 años, y el mismo año mataron a mi exnovio en Holanda, en una discoteca. Estos sucesos y el hecho que dormía muy poco, por que estudiaba dos carreras bajaron mis defensas y mi estado de ánimo al mínimo.

Mi cuerpo generó una alergia sicosomática (prurigo nodular), que deterioro todo mi cuerpo, durante casi 12 años. En este tiempo de enfermedad, pensaba en la catarsis, como medio de purificación emocional, corporal y mental. Y así mismo en la forma de expresarlo mediante el arte, por eso el expresionismo abstracto, en la forma de pintar, el dripping, como medio y relación entre la emoción y el lienzo. Mi cuerpo es dripping, porque quedo marcado, por el rascado, el chorreado, como la textura de la piel, de las lesiones y de las cicatrices.

¿Quiénes son los artistas que más han influido en tu trabajo? ¿Podemos ver algo de ellos en tu trabajo?

Evidentemente Jackson Pollock, por el «automatismo», en su escritura automática que pretendía reflejar los fenómenos psíquicos que tenían lugar en su interior. Van Gogh, por su colorido y pasión impresionista. ..

¿Cuál es la filosofía de tu obra? ¿Qué quieres expresar con ella?

Depende del momento en el que me encuentre, pero confieso que para mi el arte es catarsis, es la manera que tengo de expresar mis pensamientos más profundos, es la forma de transmitir y de comunicar lo que pienso ante los comportamientos de la sociedad, es la mirada, es la pasión, es la libertad…

Sobre mi obra...

Los elementos que componen mi obra artística, se interrelacionan en armonía, tanto de color como de composición, trabajo con materiales de construcción y objetos reciclables. Mi obra posee una estética en la que el gozo por las formas se une a una significación especial, es lo que las imágenes no se atreven a traducir y al mismo tiempo permite una reflexión sobre lo que se puede llamar, concepto expresivo. En temas como:

- "Rituales contemporáneos de occidente". 2003: Obra realizada con técnica mixta; madera, collage, acrílico, chapapote, etc. Materiales que integran doce cajitas animadas, a partir del concepto...rituales contemporáneos de occidente, como lo son, la moda, lo rápido, lo ligero, entre otros conceptos que ilustran a los cánones seguidos por las masas.

- “Todos van al mismo camino”, 2005. Obra realizada a partir de un objeto estándar, el bidé, como elemento que se disfraza de oveja o de borrego, así mismo el grupo de estos elementos interpreta al rebaño de ovejas que van en la misma dirección, como autómatas, siguiendo todos el mismo camino, pero siempre existe la oveja negra que s

e desvía hacia otra dirección.

- “Obra en Construcción”,2005. Obra realizada con elementos de la construcción, pintura realizada en técnica mixta, a partir del collage, cemento, yeso, acrílicos, piedrecillas, etc. Así mismo es complementada, por elementos utilizados en la construcción de obras arquitectónicas, conformando una instalación. El concepto nace a partir de que la vida siempre es un eterno construir y edificar.

- “Seven”, 2007. Obra pictórica y fragmentada, realizada sobre lienzo, intervenido con collage, acrílicos, esmaltes, látex, etc. Los siete pecados capitales, de la cual la sociedad sigue siendo esclava.

Es así como mi obra se genera a partir de conceptos predeterminados, dentro de los criterios del expresionismo abstracto, aprovechándome de la libertad de las técnicas artísticas, mi obra posee contenidos psicológicos, urbanos y espirituales, sin encerrarse en la técnica propiamente visual. Las formas no se cierran ante la iconografía ni ante los imaginarios colectivos, sino que juegan entre lo retórico y la creación poética.

Y por último cuéntanos, ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos y cuándo estarán listos?

Ahora mismo estoy desarrollando el tema de mi tesis doctoral “Reciclaje de edificaciones abandonadas, para recualificarlas y adaptarlas a las necesidades de la comunidad”, a ver si por fin me centro y la concluyo. El tema es apasionante…por eso creo estar convencida de terminarla, paralelamente he estado trabajando en un proyecto independiente CorCollserola, el cual se ha generado a partir del tema de mi tesis y de mi experiencia en el barrio de Las Planas en el cual llevo habitando 3 años. Para saber más ver la web www.corcollserola.es.

Para contactar con Olga podéis hacerlo a través de sus páginas webs:

http://www.olgaschaefer.org/

http://www.corcollserola.es/

También podéis consultar su perfil en Linkedin y seguir todas sus novedades en su canal de Youtube.

Muchas gracias, Olga, por mostrarnos tu trabajo. Te deseamos mucha suerte con todos tus proyectos y seguiremos atentos a todo lo que hagas.

Xue Mo, la Vermeer china

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 01 Feb 2012 11:11:00 +0000

Xue Mo es la artista creadora de estas bellísimas obras que traemos hoy a La Página Escondida. Nacida en la Mongolia interior actualmente vive en Pekín, ciudad desde la que desarrolla su trabajo. Algunos críticos le han puesto el nada desdeñable apelativo de "la Vermeer china" y hablan de su trabajo "a la manera Medici" (Medici-like).

Junto con Zhao Kailin, quien ya nos visitó en otra ocasión, su obra es representativa de esta nueva corriente china que aúna hiperrealismo con una idealización muy acorde con la tradición del arte asiático.
Me encanta porque es capaz de transmitir toda la belleza y delicadeza de la mujeres orientales y al mismo tiempo dignificar su aparente fragilidad.

¿Y a vosotros, qué os parece?

Feliz miércoles :)

5 ideas para aumentar las ventas de un artista

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 31 Jan 2012 10:53:00 +0000

Vang Gogh

Picasso

Hay 3 motivos fundamentales por los que la obra de un artista no se vende:

1. Tu obra no es buena

2. Tus clientes potenciales (los que estarían dispuestos a comprar tu obra) no te conocen.

3. Mala política de precios

Como verás en ningún momento he mencionado la crisis. ¿Por qué? Porque realmente la crisis es una excusa para autojustificarnos si no conseguimos los objetivos que nos habíamos propuesto. La verdad, la auténtica verdad es que sí que se sigue vendiendo porque ahí fuera hay muchos clientes a los que la crisis no les ha afectado e incluso les ha favorecido. La cuestión es cómo llegar a estos clientes.

Los motivos 1 y 3 quizás los tratemos en otra ocasión, hoy nos vamos a centrar en el que he visto que suele ser el motivo más habitual: tus clientes no te conocen. No se puede vender una cosa si los que pueden comprarla no saben que existe. Así que aquí van 5 sencillas ideas para dar a conocer tu trabajo y, por lo tanto, aumentar tus ventas.

1. Identifica a tus clientes potenciales

Quizás estás invirtiendo dinero y tiempo en mostrar tu obra a los clientes inadecuados. No a todo el mundo le gusta un determinado tipo de arte, es algo lógico y natural. Si a la gente que ve tu obra ésta no le gusta eso no quiere decir que sea mala, sino que ellos no son los mejores clientes para ti. Analiza tu obra y piensa objetivamente qué clientes pueden estar interesados en ella. ¿Qué edad tienen, qué formación, a qué se dedican, cuál es su poder adquisitivo, cuáles son sus gustos? Una vez que tengas un perfil lo más claro posible sabrás a dónde puedes dirigirte, cuáles son las ferias y galerías que más te interesan y con qué clientes no debes perder el tiempo.

2. Fórmate en ventas

Vincent Van Gogh sólo vendió un cuadro en toda su vida (a su hermano Theo) mientras que Picasso nadó en la abundancia casi toda su vida. ¿Acaso Picasso era mejor artista? No. La única diferencia es que Picasso supo vender su obra. Supo a qué personas dirigirse en el momento apropiado y supo evolucionar con los tiempos y crearse su propia marca. Picasso era un buen vendedor de Picasso. Sin embargo esta cualidad es muy escasa entre los artistas quienes normalmente no saben "venderse". Formarse en ventas es algo tan, en apariencia, poco natural para un artista como comer zanahorias para un león. Pero ¿quién quiere acabar como Van Gogh por muy genial que fuera su obra?

3. Crea un presupuesto para difusión

Hace unos días una artista me comentaba en un correo que su presupuesto para difusión era 0. ¿Cómo es posible? Si nadie conoce tu trabajo ¿cómo pretendes venderlo? Si de verdad quieres ganar dinero con tu obra es imprescindible que dediques un presupuesto para darla a conocer, aunque te parezca que este presupuesto es muy bajo, aunque sólo sea unos pocos euros. Piensa que la difusión es algo tan vital para tu carrera como lo son tus pinceles, tus lienzos o tu cámara.

4. Abre tu estudio al público

¿Tienes la suerte de disponer de tu propio espacio de trabajo? Ábrelo al público para que tus clientes puedan visitarte previa cita. De esta forma tendrás tu propia galería permanente por un coste mínimo. Solamente asegúrate de que esté presentable y bien ordenado el día que recibas visita.

5. Crea tu página web

No me canso de repetirlo. Hoy en día es algo imprescindible. Si no puedes pagar a un diseñador profesional para que te la haga, hazla tú mismo. Mi página web está hecha con jimdo, una plataforma completamente gratuita (a no ser que estés dispuesto a pagar sus servicios premium) y muy fácil de utilizar. Otra opción es crear un blog. Yo para artistas prefiero Wordpress porque permite una apariencia mucho más profesional y da opciones más adecuadas a esta actividad.

¿Quieres que te ayude a difundir tu trabajo? Entre los servicios personalizados a artistas que ofrecemos se encuentra éste. Si quieres más información sobre las condiciones para llegar a más clientes, contacta conmigo.

¡Feliz lunes!

Juan J. Sebastián Hernanz Premio Nacional de Grabado

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 30 Jan 2012 11:29:00 +0000

El artista Juan José Sebastián Hernanz en su estudio

Septiembre y Oro III

Hoy estamos de enhorabuena porque Juan José Sebastián Hernanz, uno de los artistas que han tenido la generosidad de mostrarnos su obra en La Página Escondida...¡Ha sido uno de los 5 artistas premiado en los XIX Premios Nacionales de Grabado!

¡Enhorabuena Juan José por este merecidísimo logro! Estamos seguros de que vendrán muchos más. Seguiremos atentos :)

***

Podéis leer la interesante entrevista que Juan José nos concedió en este enlace.
La noticia completa sobre los XIX Premios Nacionales de Grabado está disponible en este enlace.

Arte y Museos en Internet

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 30 Jan 2012 10:52:00 +0000

Queridos amigos, últimamente estoy recibiendo muchos correos preguntando dónde puede adquirirse mi libro Arte y Museos en Internet.

Podéis haceros con un ejemplar en los siguientes lugares:

- Librería La Casa del Libro y también en su página web.

- Amazon

- En la misma editorial, Creaciones Copyright

- En cualquier librería solicitándolo previamente por encargo (sin coste alguno para vosotros)

- En muchas de las bibliotecas públicas y de universidades (Consultar en Google o en el catálogo de vuestra biblioteca).

Podéis elegir entre el formato impreso o bien en edición digital (algo más barato).

Muchas gracias a todos por vuestro interés y por el cariño que me demostráis.

Feliz comienzo de semana :)

***

Arte y Museos en Internet ha sido editado por Creaciones Copyright, una editorial especializada en textos técnicos y divulgativos que cubre temáticas tan interesantes como la astronomía, la biología, la decoración, las finanzas personales...o el arte. Tanto la editorial como los autores estamos muy comprometidos con la difusión de la cultura y del conocimiento por lo que nuestros textos están orientados a un público que disfruta aprendiendo y desarrollándose personalmente. Los precios, además, son muy razonables. Si te apetece saber un poco más puedes visitar su web.

¡Gracias!

Exposición de Hilario Ranera

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 27 Jan 2012 08:49:00 +0000

(clic en la imagen para ampliar)

Si estás en Barcelona o la ciudad condal te queda cerca...¿qué tal si te acercas a conocer directamente la obra de Hilario Ranera? Hilario nos mostraba ayer su obra y precisamente ayer se inauguró su última exposición en la que participa junto con otros artistas. Contemplar la obra de Hilario, como la de los grandes expresionistas abstractos amercianos, es toda una experiencia sensorial así que si tienes la oportunidad no te la pierdas.

¡Feliz fin de semana!

Conversando con Hilario Ranera

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 27 Jan 2012 08:48:00 +0000

"El objetivo final de mi trabajo es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones." Hilario Ranera

Retrato del artista Hilario Ranera

Músico callejero

Madeja

Elipse

Sensual

Art and Law by Calcó 08

Art and Law by Calcó 012

En la noche

Gitana

Jeroglífico

Hilario Ranera es un artista cuya obra hunde sus raíces en el arte más ancestral, ese que aunque hayan pasado decenas de miles de años nos sigue fascinando. Sus obras, como las de aquellos primitivos artistas, suponen una experiencia sensorial única para el observador. Líneas curvas y sensuales que nos recuerdan a un lenguaje largo tiempo olvidado y que se cruzan entre ellas creando una infinidad de planos imposibles, colores fuertes que reclaman la atención de nuestra mirada y composiciones armónicas de una gran calidad estética definen la obra de este artista que contempla el mundo con la mirada de un niño que lo descubre por primera vez. Hilario Ranera es un artista de nuestro tiempo que crea obras intemporales y que nos recibe con la humildad de un genio que no sabe que lo es.

Hilario, cuéntanos en qué momento te diste cuenta de que el Arte era una parte

fundamental de tu vida y necesitabas crear para ser feliz.

Yo creo, que se nace con una facilidad para dibujar, algo innato, como se nace con cualquier habilidad para cualquier actividad. Después el artista se educa y desarrolla esas habilidades. Empecé desde pequeño a pintar, y tenía claro que quería ver mi vida desde una visual plástica, ligada al arte .Trazos, formas, colores, perspectiva, pinceladas, manchas,….. un mundo que te hace apreciar la belleza de diferente manera.

Toda tu vida la hipotecas y arriesgas todo lo que tienes, para dedicarte a vivir de tu pintura.

Ese término tan ambiguo que es la felicidad, no sé que te la da, pero como el amor, el dinero, satisfacción personal, o tu pintura, ayudan a ser más feliz, aunque también puedes sufrir, por no alcanzar tus metas.

Tu obra tiene un colorido casi salvaje y al mismo tiempo muy armónico. ¿Cómo

surge? ¿ Planificas tu obra antes de comenzar a pintar o simplemente va surgiendo?

Mi pintura ha sido y es una evolución en formas y en color, buscando una identidad con mi pintura. Este estilo autodicta, es a la vez espontáneo, ya que creo imágenes como si fueran flash-back de la realidad que me rodea, pero desarrolladas con toda esa evolución plástica.

Hay un estado previo de formas y color, y a partir de esta idea desarrollas tu obra. La fuerza del color, va por épocas, depende del momento en el que te encuentres, estado de ánimo y la visión estética que quieras dar a tu obra.

¿Crees que es necesaria la belleza en el arte o se puede hacer arte sin

estética?

Todos estos términos, belleza, arte, estética, felicidad, son de una interpretación tan personal, que yo prefiero trasladarlo a mi lenguaje universal, que es mi pintura. Que transmita sentimientos independientemente de qué persona, de qué cultura, dónde se encuentre, sea capaz de decirle algo, transmitirle algún sentimiento. Mi pintura tiene una lectura narrativa, que invita a imaginarse historias.

Hemos visto que entre tus técnicas usas los medios digitales. ¿ Qué han aportado estos nuevos medios a tu obra ?

Por motivos de salud, empecé a trabajar formato pequeño, con tintas calcográficas, en mi estudio. A partir de estas tintas creo imágenes digitales, con todas las variaciones posibles, en color, tamaño, formato. Después intervengo con acrílicos, creando un monotipo, con todas las variaciones posibles que me brinda una nueva imagen digital.

Este acercamiento al arte digital, me ha descubierto un abanico de posibilidades en formato y en tamaño, creando una simbiosis entre fotografía y pintura, que me es muy atractiva en planteamientos creativos y de reproducción de imágenes.

Estamos en el siglo XXI, y el lenguaje universal está en el soporte digital. Somos capaces de comunicarnos con cualquier persona de otra nacionalidad, y aunque no nos conozcamos de nada; intercambiándonos imágenes, música, palabras, y por qué no obras de arte, con la cantidad de posibilidades que te brinda de difundir tu obra.

¿Cuál es el objetivo final de tú trabajo ?

El objetivo final de mi trabajo, es crear imágenes con una belleza plástica que trasmita emociones.

Luego está la cruda realidad, que tienes que vender para vivir todos los días.

A lo largo de todos estos años de carrera ¿ qué ha sido lo más gratificante ?

Creo que la pintura me ha dado muchos más momentos buenos que malos, siempre me he planteado la pintura como un reto personal, poniéndola por encima de todo. Sería una lista muy larga de vivencias, que siempre me han aportado buenos valores personales. Que a la gente le guste lo que hago, es mi mayor gratificación.

¿ Qué artistas son los que más han influido en tu trabajo ?

Picasso, Miró, Expresionismo americano (Jackson Pollock, Willem de Kooning),

cualquier vanguardia, el arte primitivo

Y por último siempre nos gusta saber en que proyectos estás trabajando actualmente y cuando podremos disfrutar de ellos.

Voy a hacer una exposición durante el mes de septiembre en la galería SKI GALLERIE (Barcelona).

Además de colaborar en los proyectos del grupo PRO ARTE Y CULTURA. al cual pertenezco, con el mecenazgo de Mayte Spinola, entre los que se encuentra la creación del Museo de Arte Contemporáneo, en el Palacio Ducal de Pastrana (Guadalajara). Además podéis conocer mi obra en los siguientes enlaces:

Figuras

Cuadros tintas

Decorados para una ópera

Tintas

Grabados

Pinturas

La obra de Hilario es dinámica, hermosa y contundente. Si queréis disfrutar de su trabajo no os perdáis la oportunidad de asistir a la exposición en la que participa junto con otros artistas y que se inaugura hoy en SKY GALLERY en Barcelona a las 20.00 en Cabestany 10. ¡Mucha gracias Hilario por habernos mostrado tu trabajo y mucha suerte con todos tus proyectos!

Adiós, Lourdes

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 26 Jan 2012 15:17:00 +0000

Lourdes

Hoy es un día triste en la blogosfera. Ha fallecido mi amiga Lourdes, la autora del maravilloso blog Un abril encantado tras una larga lucha contra su enfermedad.

Lourdes y yo nos conocimos a través de nuestros blogs. Tenía una sensibilidad y un gusto exquisitos y así quedaba patente en cada una de sus entradas, llenas de belleza y delicadeza. Nunca tuve la suerte de conocerla en persona, pero no hizo falta para que la apreciara y la valorara como la persona llena de luz y de vida que era.

Lourdes, estés donde estés (que seguro que es en un lugar mucho mejor que éste) me encantaría que supieras que he disfrutado mucho de tu amistad vía nuestros blogs y que te echo mucho de menos.

Todo mi apoyo y cariño para Pablo, Berta y toda la familia.

Hoy es un día muy, muy triste.

N. La imagen es de La egoteca del antipánico. Bellísimas las palabras de Pablo para despedir a su esposa.

Cuentos Macabros

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 20 Jan 2012 16:52:00 +0000

Retrato de Edgard Alan Poe por Benjamin Lacombe

"Aquellos que sueñan de día comprenden muchas cosas que escapan a los que sueñan sólo de noche"

Edgard Alan Poe

Ayer fue el aniversario del nacimiento de uno de los grandes genios de la Literatura: Edgard Alan Poe nacía hace 202 años. A él le debemos historias deliciosamente macabras, de esas que son un placer leer en pleno invierno, bien arropadita en la cama mientras fuera llueve y truena la tormenta.

Muy recientemente la editorial Edelvives ha sacado un nuevo libro "Cuentos Macabros" en el que se recoge una selección de sus relatos más famosos ilustrados por nuestro ya casi habitual en el blog, Benjamin Lacombe. A él pertenece esta peculiar versión del retrato más conocido del escritor y las otras dos imágenes.

Y para celebrarlo ¿Y si este fin de semana rescatamos algún libro de relatos de Poe y nos deleitamos entre sus elegantes, oscuras e inquietantes líneas?

¡Feliz fin de semana! :)

Conversando con María Jesús Pérez Vilar

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 19 Jan 2012 07:00:00 +0000

"Pintar es un largo camino, lleno de retos y descubrimientos y el color es el que te permite conseguir distintas dimensiones dentro del cuadro. Si sientes el color puedes poner la luz del amanecer o atardecer sin necesidad de verla. Es la creación en estado puro! Para llegar al color hay que sentirlo! Hay que “dibujar“ antes con color, pincelada a pincelada. Creo en la técnica , pero es esencial el juego creativo, el reto de crear".

María Jesús Pérez Vilar

Retrato de la artista María Jesús Pérez Vilar

Amaneciendo mariposas
2010
Acrílico. 40 x 40 cm

Alados
2010
Acrílico. 60 x 60 cm

La Amapola
2010
Tondo. Acrílico sobre papel. 60 x 60 cm

Contigo
2010
Acrílico. 60 x 60 cm

El sueño de la manzana
2010
Acrílico sobre lienzo. 37 x 25 cm

Mares como fresas
Acrílico sobre tabla. 60 x 80 cm

Copa para Cavafis
2010
Acrílico sobre lienzo. 24 x 16 cm

Dos latidos I
2010
Acrílico sobre tabla. 40 x 50 cm

Dos latidos II
2010
Acrílico sobre tabla. 40 x 50 cm

Alguien dijo de María Jesús Pérez Vilar que es una poeta que pinta aunque no escriba versos. Creo que pocas afirmaciones podrían haber descrito tan bien a una artista de una sensibilidad extraordinaria, dotada de un gran talento para encontrar la belleza en los lugares más insospechados y una fragilidad sólo aparente. Porque a pesar de su delicadeza no hay más que fuerza en su obra. En su paleta se alternan colores delicados con otros mucho más radicales pero siempre soberbios, armonizados sólo hasta el punto estrictamente necesario y de ella surgen formas suaves, redondas, femeninas pero al mismo tiempo rotundas, contundentes y siempre hermosas.

María Jesús, ¿Cómo te diste cuenta de que el Arte era para ti una forma fundamental de expresión?

Desde muy joven quería atrapar las cosas que me rodeaban y que me gustaban, y la mejor forma de hacerlo era pintándolas. Si contemplaba las nubes rojizas de la mañana y quería atrapar ese instante para siempre... ese amanecer... lo dibujaba o lo pintaba. Siempre he sentido el deseo de trascender de lo que veía o sentía. Creo que el arte es también un juego y el artista nace siéndolo.

María Jesús, paseándonos por tu excelente blog donde nos narras la historia detrás de cada una de tus obras podemos leer versos de Keats, Whitman, Baudelaire, Lorca. …¿Qué supone para tu obra la Literatura?

Descubrí la Literatura junto con la pintura a edad muy temprana... todas las artes están unidas. La sensibilidad lo une todo... música... literatura... poesía. La Literatura y más concretamente la poesía, es esencial en mi obra. Me ha permitido sentir otras vidas, tener otras visiones, ampliar mi visión del mundo. Considero que la poesía es el arte más sutil y exquisito que existe. Alguien ha dicho de mí que soy una poeta que pinta aunque no escriba versos .

Una de tus series está inspirada en los celacantos auténticos fósiles vivientes que vivieron en el Devónico (hace unos 400 millones de años) y que hasta 1938 se creían extinguidos. ¿Cómo surgió la idea de inspirarte en ellos para crear tu obra?

Tanto el vuelo de una paloma...una sonrisa... una flor... un poema... pueden inspirarme, cosas muy variopintas y a veces tan sutiles como el rastro de una huella sobre el césped...o el viento que agita una rosa...

Hace unos años vi en el Museo de Historia Natural de Londres un ejemplar de celacanto en formol (parecía un Damien Hirst) me impresionó. Que un pez que se creía extinguido, un fósil viviente, nade libremente en aguas de algunos lugares del mundo, me resultó un acontecimiento único y especial . Pensando en este (para mí ) mágico pez hice una larga serie que todavía continúo a lo largo de los años. “Es un lugar aparte” dentro de mi obra, es una investigación plástica, un trabajo más conceptual que me permite adentrarme en lugares abisales, explorar texturas y lugares nuevos.

El dibujo es uno de tus puntos fuertes. Tienen trazos suaves y delicados y nos descubren rostros dulces y melancólicos en tus tres series “Verdad y Belleza”, “Medusa” y “La sombra del ciprés”.

Dibujar me permite “contar”una historia rápidamente, “escultorizando“ casi mi pensamiento en escenas. Dibujando muestro mi faceta más literaria.

La serie Verdad y Belleza está dedicada al poeta John Keats y a su poema “Oda a una urna griega“, donde escribe sobre el tiempo, la belleza y el silencio. El concepto último del poema es que lo único que no puede dañar el tiempo es la eternidad. Los dos versos finales de este poema son “La belleza es verdad y la verdad belleza”...nada más se sabe en esta tierra y no más hace falta”.

En la serie Medusa doy una versión del mito a veces sarcástica, otras ironizando, y las más mirándola más benevolente .

En la serie La sombra del ciprés juego con ambos elementos. El ciprés, porque siempre está presente en mi obra y las sombras, porque sin ellas no encontraríamos la luz.

Tu pincel tiene un colorido brillante y luminoso que, combinado con una pincelada meticulosa te permite crear volúmenes muy marcados. ¿Siempre ha sido así o es el resultado de la evolución de tu técnica?

Pintar es un largo camino, lleno de retos y descubrimientos y el color es el que te permite conseguir distintas dimensiones dentro del cuadro. Si sientes el color puedes poner la luz del amanecer o atardecer sin necesidad de verla. ¡Es la creación en estado puro! ¡Para llegar al color hay que sentirlo! Hay que “dibujar“ antes con color, pincelada a pincelada. Creo en la técnica, pero es esencial el juego creativo, el reto de crear.

Hemos visto que utilizas lápiz y carboncillo para tus dibujos. ¿Qué materiales utilizas para tus demás obras?

Utilizo óleo, acrílico, acuarelas, pasteles, dependiendo de lo que quiera realizar y del soporte a emplear. Normalmente empleo el óleo sobre lienzo y los acrílicos sobre tabla o madera.

Tus tondos son muy originales y arriesgados, ¿cómo surgió la idea de trabajar en este formato?

Suelo trabajar con formatos diferentes, salirme de los formatos tradicionales o habituales. Me gusta trabajar en formato muy horizontal o muy vertical, o bien dividir un cuadro en partes, o pintar tondos .

Los tondos (obra en círculo ) los trabajo desde que comenzaba . El tondo quizás se asemeja al ojo, al iris, al ojo de una cerradura por el que podemos mirar. En estas obras busco más la complicidad del espectador, es también donde mi obra se hace más figurativa y personal.

El círculo también me permite atrapar y jugar más con el espacio desde distintos ángulos y hace que mi obra tenga un aspecto más “aéreo“.

Y por último María Jesús, cuéntanos en qué estás trabajando ahora, cuáles son tus próximos proyectos y cuándo podremos verlos.

Actualmente estoy preparando una colección de mis dibujos (miniaturas) para hacer grabados y posteriormente darles color uno a uno. Este proyecto me ilusiona porque nunca he reproducido mi obra.

Para el mes de Abril o Mayo preparo una exposición en La Casa Roja en Garachico, Tenerife.

***

Los versos de Keats, Baudelaire o Whitman casi pueden percibirse tras cada pincelada de la obra de María Jesús. Porque si aquello que leemos, de alguna forma, pasa a formar parte de lo que somos, también pasa a dar vida a las obras que creamos. La poesía también puede "escribirse" con colores sobre un lienzo.

Para contactar con María Jesús podéis hacerlo a través de su correo electrónico: blogmariajesus@yahoo.es

o bien a través de su maravilloso blog por el que da gusto perderse durante horas:

Miradas y Lugares

¡Muchas gracias, María Jesús, por compartir con nosotros tu trabajo! Te deseamos mucha suerte y éxito en tus nuevos proyectos. Desde aquí estaremos atentos a todo lo que hagas.

¡Feliz jueves!

Recuperando los rostros de la Historia

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 16 Jan 2012 07:00:00 +0000

¿Te has preguntado alguna vez cómo eran físicamente las personas que han determinado el rumbo de la Historia?

M.A. Ludwig sí lo ha hecho y como resultado ha surgido esta serie de vídeos en los que se reconstruyen los rostros de personajes históricos a través de las obras de arte en que fueron representados.

Reina Amosis-Nefertari, esposa de Amosis I

Alejandro Magno

Julio César

Ricardo Corazón de León

Leonor de Aquitania

***

A mí me parece fascinante, ¿y a vosotros?

65 libros de Arte para descargar gratis

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 13 Jan 2012 10:27:00 +0000

El Museo Guggenheim New York ha tenido la excelente iniciativa de digitalizar varios de sus catálogos y publicaciones y ponerlos on line al alcance de todos de manera totalmente gratuita.

La colección incluye catálogos de Calder, Edvar Much, Gustav Klimt, Francis Bacon o Kandinsky entre otros. Además hay disponibles otros títulos como Masterpieces of Modern Art o Abstract Expressionist Imaginist.

Podéis acceder al catálogo completo en este enlace.

Desde aquí nos parece genial este nuevo proyecto del Guggenheim New York para acercar el Arte a todos y nos encantaría poder hacernos eco de más iniciativas del estilo.

¡Ya tenemos lectura para el finde!

¡Feliz viernes! :)

Os presento mi nuevo blog

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 11 Jan 2012 19:11:00 +0000

Chic and Stylish

Como sabéis algunos amigos después del Arte y los libros mi tercera gran pasión es la Moda. Así que hace unos meses me animé a crear este nuevo blog que hoy os presento:

Chic and Stylish.

Al contrario que La Página Escondida no tiene nada que ver con mi trabajo y, por supuesto, trato temas en los no soy ninguna experta. Mis ambiciones con Chic and Stylish no van más allá de compartir ideas sobre moda, estilo y decoración y pasar un buen rato con las lectoras que se animen. (Los chicos también estáis invitados, por supuesto ;)

Algunos amigos ya lo conocíais sobre todo a través de Facebook, muchas gracias por vuestros ánimos y comentarios. A todos los demás (especialmente a las lectoras habituales de La Página Escondida) os invito a visitarlo y a darme vuestra opinión. Todas las sugerencias son buenas ahora que este nuevo blog aún se está formando.

Y si preferís seguir Chic and Stylish por Facebook nos tenéis en este enlace: Chic and Stylish Facebook

Nos vemos por allí :)

Los 7 errores fatales que un artista nunca debería cometer

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Sun, 08 Jan 2012 20:37:00 +0000

No todos los artistas los cometen pero sí muchos de ellos y, aunque ni siquiera lo sospechan, estos pequeños errores suponen un grave boicot a sus propias ventas.

¿Y qué errores son estos? Aquí van los más comunes...

1. No poseer un estilo claramente definido

¿Si alguien ha visto previamente varias de tus obras sería capaz de atribuirte automáticamente una nueva obra que no hubiera visto antes? Si la respuesta es no significa muy probablemente que no posees un estilo propio y definido, lo que yo llamo signature style y eso es negativo. El mercado no premia la falta de originalidad ni la repetición pero sí el poseer una firma claramente identificable.

2. Participar en ferias y galerías poco rentables

Para vender es necesario dar la obra a conocer y el camino clásico es la exposición. Algunas ferias y galeristas poco profesionales lo saben y se aprovechan de ello cobrando precios abusivos por participar en sus exposiciones. He visto muchos artistas pagar sumas desproporcionadas recibiendo muy poco a cambio. Antes de pagar un céntimo estudia detalladamente qué te ofrecen y sopesa si de verdad merece la pena. Averigua si se van a encargar de dar difusión a los artistas participantes y a través de qué foros, cuáles son las condiciones físicas en que se van a exponer las obras (espacio, luz, etc.) y cuál es el perfil del público asistente y si éste se corresponde o no con tu comprador potencial.

3. Mostrar obras de poca calidad

Casi todos los artistas con los que he trabajado hasta hoy tienen una especial predilección por algunas obras determinadas. Como consecuencia las ponen en su sitio web o las añaden a su portfolio. A veces son obras tempranas con poca calidad técnica, otras le ofrecieron mayor resistencia al ejecutarlas y el finalizarlas fue todo un reto aunque el resultado no fuera el mejor. El problema viene cuando esas obras tan queridas para él o ella no son precisamente las mejores, con lo que el nivel global del portfolio baja. Debes ser todo lo objetivo posible y al seleccionar las obras que te van a representar en el portfolio, dossier o en tu web. Sé exigente y elige sólo las mejores. Pide su opinión a alguien ajeno al proceso de creación y en quien puedas confiar.

4. Ser ilocalizables

A veces he intentado contactar con artistas a través de su blog o de su web y...¡NO lo he conseguido! ¡Ni siquiera un simple correo electrónico, nada! Si no se puede contactar con ellos...¿Cómo pretenden vender sus obras? Entiendo que no se habrán dado cuenta y que se trata de un mero despiste pero, por favor, si eres artista, asegúrate de que tus clientes potenciales tengan una forma fácil de contactar contigo. Si tienen que llevar a cabo todo un proceso de investigación solamente para preguntarte el precio de una obra, creéme, desistirán de la compra en escasos segundos.

5. No estar presentes en Internet

Es un requisito imprescindible para vender hoy en día, a pesar de que muchos artistas se resisten a ello. Si no estás en Internet sencillamente estás perdiendo ventas y consecuentemente dinero. Yo no me arriesgo a comprar una obra para mis clientes si no conozco nada del artista al que estoy comprando porque para estar segura de que la obra se va a revalorizar necesito conocer su trayectoria (exposiciones y ferias en que ha participado, evolución de su trabajo, filosofía de su obra, críticas...) y aconsejo a mis lectores no comprar sin antes documentarse bien sobre la obra y su autor.

6. Incidir en su falta de formación

Todos los artistas se han formado de alguna forma, si tu formación no es reglada no te culpes ni te avergüences de ello. Tampoco es necesario que lo propagues a los cuatro vientos. En lugar de hacer hincapié en que no has estudiado Bellas Artes resalta tu formación autodidacta y todos los cursos, talleres, seminarios y conferencias a los que has asistido. Continúa aprendiendo porque la formación de un artista no finaliza nunca. De hecho ninguna formación debería finalizar nunca. Te recuerdo que tampoco Leonardo da Vinci fue a la Universidad y eso no impidió que fuera un genio.

7. Precio inadecuado

He visto auténticos bodrios ofrecidos a precio de oro y obras maravillosas a cifras irrisorias. En ambos casos el precio era inadecuado. En el primero porque nadie va a comprar una birria a un alto precio (es más, yo aconsejo no llevarse una birria a casa ni siquiera gratis) y en el segundo porque al vender por debajo del precio de mercado el artista pierde dinero e incluso clientes que descartan una obra por ser "demasiado barata" asociándola a una calidad insuficiente.

Estos son algunos de los errores básicos muy frecuentes que he detectado a lo largo de estos años de trabajo. Todos tienen solución si se identifican y se trabaja en corregirlos.

¿Quieres que te ayude a difundir tu obra en Internet y aumentar tus ventas?

Contacta conmigo.

Os presento mi nueva web

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Sat, 07 Jan 2012 21:18:00 +0000

anatrigo.jimdo.es

Este año he querido comenzarlo haciendo realidad algunos de los proyectos que, por falta de tiempo porque al final el trabajo es siempre lo primero, he ido postergando. Uno de ellos era la creación de mi propia página web. Así que he aprovechado estos días de vacaciones para ponerme a ello y...¡Aquí está el resultado!

Como veis es muy sencilla. La he hecho yo misma con ayuda (mucha ayuda) de Antonio.

Aún faltan algunos detalles más o menos importantes y tengo la idea de añadir algún apartado más pero Roma no se hizo en un día ;)

Os invito a visitarla y aceptaré agradecida vuestros comentarios, sugerencias y críticas (eso sí, sólo constructivas, por favor, que una está algo sensible últimamente... ;)

¿Y vosotros cómo habéis comenzado el año?

Os deseo un muy feliz y próspero comienzo de 2012 :)

¡Feliz Noche de Reyes!

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 05 Jan 2012 08:16:00 +0000

Hermanos Limbourg

Libro de Horas del Duque de Berry. Hacia 1416

Iluminación sobre pergamino

Musée Condé. Chantilly

En esta bellísima iluminación los Hermanos Limbourg representan el momento en que los Tres Reyes Magos, cada uno procedente de un lejano lugar, se cruzan en su camino siguiendo a la estrella que finalmente les llevará hasta El Niño Jesús.

Me encanta cómo han logrado la sensación de movimiento y de profundidad contando con un espacio tan sumamente reducido. Pero está claro que eran grandes maestros en lo suyo y por eso fueron contratados por el Duque de Berry para iluminar su famosísimo Libro de Horas del que ya hablamos aquí.

Estamos viviendo tiempos difíciles pero esta es una noche muy especial. Que hoy no nos falten la ilusión, la alegría y la esperanza para que podamos hacer felices a nuestros niños y ancianos en esta víspera de Reyes porque... ¿qué puede haber más importante?

¡Feliz Noche de Reyes! :)

El último secreto de Leonardo

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 03 Jan 2012 18:30:00 +0000

Hace unos días tuve la oportunidad de disfrutar de una entrevista realizada a Elisa Ruiz García, catedrática de Diplomática y Paleografía y una de las mayores expertas a nivel mundial sobre la vida y obra de Leonardo da Vinci. La entrevista fue una auténtica delicia de principio a fin porque Elisa tiene el maravilloso don de no aburrir con su erudición, sino que su discurso era tan ameno y los temas que trató tan curiosos que fue todo un placer aprender de ella.

De todas las cosas interesantes que dijo Elisa (y dijo muchas) hubo una que me llamó mucho la atención porque, sinceramente, jamás me lo había planteado: Leonardo da Vinci, el gran genio del Renacimiento, nunca fue feliz.

Por tres motivos fundamentales:

- Fue hijo ilegítimo. Su padre era el principal notario de Florencia (una de las ciudades estados más importantes del momento) y por lo tanto un hombre de gran poder y prestigio. Asumió los costes de manutención y estudios hasta cierto punto pero jamás le reconoció ni le manifestó ninguna prueba de afecto.

- No pudo ir a la Universidad. Una consecuencia de ser hijo ilegítimo era que le estaba prohibido el acceso a la Universidad. A pesar de su gran inteligencia y de su talento natural el no haber cursado estudios superiores le dolía profundamente y fue una gran carga psicológica durante toda su vida. Otro hecho del que incluso llegaba a avergonzarse era su desconocimiento del latín y el griego, las dos lenguas cultas que se utilizaban entre eruditos.

- Era un gran perfeccionista. Como consecuencia abandonaba a menudo lo que estaba haciendo sin concluir (es muy difícil encontrar obras de Leonardo perfectamente terminadas) y retomaba una y otra vez las obras ya concluidas para retocarlas. Rara vez estaba conforme con el resultado de alguna obra y esto le generaba una gran frustración.

Leonardo da Vinci diseñó complicadísimos sistemas hidráulicos, puentes imposibles, magníficos edificios y artilugios cientos de años adelantados a su tiempo como una máquina voladora o una bicicleta. Fue también un escultor soberbio y probablemente el mejor pintor del Renacimiento, con todo lo que ello significa. Las más de 6.500 página manuscritas que nos han llegado de su puño y letra (apenas un 40% de lo que los expertos estiman que fue la producción total) nos hablan de un genio excepcional, con una mente brillante y una sensibilidad exquisita. Fue, a todas luces, un ser humano maravilloso que cambió el mundo en que vivía y al que debemos en gran medida el mundo tal y como lo conocemos hoy en día.

Y sin embargo no fue feliz.

¿Cómo fue posible que la felicidad de un hombre semejante fuera nublada por el rechazo de un padre injusto, la intolerancia del sistema educativo o por su propio afán de perfeccionismo? A nuestros ojos de espectadores actuales estos motivos parecen tan insignificantes comparados con su gran genio creativo que casi resultan inverosímiles. Pero esas 6.500 páginas no mienten. Leonardo, a pesar de su inmenso talento, nunca fue feliz porque no supo vencer a los fantasmas del pasado.

En la Universidad nos enseñan a analizar obras y a memorizar datos más o menos pertinentes pero nunca se nos anima a plantearnos si un artista fue o no dichoso o si llevó una vida plena . De hecho cualquier dato que incite a cierta subjetividad es inmediatamente reprendido y tachado de sentimentalismo, como si los sentimientos de un artista fueran algo insignificante e indigno de ser tratado en las aulas. Algo a lo que no hay que prestar atención. Algo que hay que obviar.

Y sin embargo yo creo que esta es la lección más importantes que tenemos que aprender. El verdadero secreto que ocultan los códices de Leonardo.

¿No creéis?

Feliz miércoles :)

Conversando con Hamilton Duque

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 29 Dec 2011 15:51:00 +0000

" Plasmar la vida, el pasado, el presente y el futuro que esperamos es el significado del artista."

Hamilton Duque

Retrato del artista Hamilton Duque

Grabado V
Grabado

Marca
Grabado

Torso
Dibujo

Mano

Mano trofeo
Escultura

Bonsái
Piedras de amatista

Placa en plata

Trofeo

Huella

La obra de Hamilton Duque es una muestra de su enorme sentido de superación y de su fuerza interior. La combinación de piedras semipreciosas con otros elementos como la resina o la pintura suponen la integración de la Naturaleza con el mundo creativo del Arte. En sus dibujos destacan sus formas sinuosas y líneas limpias, siempre en la búsqueda de un realismo constante, sin un ápice de querer modificar la belleza de las cosas tal y como son. Esta es la visión de un artista que sabe mirar el mundo y ver su belleza en su estado natural y es capaz de plasmarla en su trabajo. El resultado es el sorprendente y emocionante. Conociendo a Hamilton no podía ser de otra forma.

Hamilton, cuéntanos cómo te diste cuenta de que tenías un talento especial para el arte y que querías dedicarte a esto?

En Colombia en el colegio se me daban muy bien el dibujo, la pintura, física y los proyectos. Desde muy pequeño veía a mis familiares trabajando. Vengo de una familia de carpinteros, y en su tiempo libre también hacían trabajos artísticos y a partir de ese momento ya tenía una inquietud, con 10 años cogía maderas y hacia tallas de nombres en llaveros para amigos.

Cuando vine a España en el año 2000 tuve muchos trabajos de casi todo y en el 2004 conocí al escultor Agustín de La Herrán, al trabajar con el he aprendido muchas cosas, por suerte es un escultor que le gusta siempre realizar sus obras con todos los procesos, con lo cual aprendí que desde el dibujo hasta la finalización de la obra, todos los procesos son fundamentales para el éxito. Me di cuenta que me satisfacía mucho el trabajo, se me daba bien, aprendía rápidamente, tenía dudas e investigaba. Entre todos mis trabajos este fue en el que verdaderamente supe que era al que me debía de dedicar.

¿Cómo te has formado, dónde has estudiado?

Yo estudie en Colombia programación de sistemas y contabilidad y licenciatura en educación física. En España he hecho cursos de dibujo, pintura, modelado, vaciado; pero el mejor aprendizaje que he tenido ha sido por medio del escultor Agustín de la Herrán, también soy autodidacta porque profundizo mucho en los trabajos, intento estar lo más informado posible sobre el tema y sobre las técnicas y métodos para realizarlo.

Eres pintor, grabador y escultor, ¿con cuál de estas facetas te encuentras más cómodo? ¿Cómo pasaste de la pintura a la escultura?

Realmente he pasado de la escultura a los otros métodos que son el dibujo, la pintura, la pátina y el grabado. Lo que más me gusta es modelar o tallar ya lo otro son secundarios que dependiendo el trabajo, esta la necesidad ya sea de realizar un boceto por exigencia en dibujo o modelado, o pintar o grabar para darle el acabado a la obra.

En tus esculturas combinas resina con gemas y metales, ¿de qué depende que elijas unos materiales u otros?

Los materiales dependen, si son encargos del cliente, algunas veces elige cómo lo quiere. Cuando son obras personales, me gusta experimentar, investigar, y darme cuenta de todas las posibilidades que hay para hacerlo, mezclo materiales extraños y veo la forma de mejorar la obra, siempre hago pruebas con la resina que es un material que se presta para muchas cosas y las piedras me fascinan, el tema de los colores y los metales, me gusta conocer las propiedades que tienen los minerales, porque el ser humano también necesita de la naturaleza animal, mineral o vegetal y estar en contacto con ella y entre mas conozcamos las propiedades y beneficios de los materiales podemos estar un poco mas conjugados con la existencia.

Retratos, la naturaleza y hasta el rostro famosísimo ya de Anonymous, ¿en qué te basas para inspirarte? ¿Cómo te llegan a la mente estos temas?

La vida misma es una obra, cada uno somos capaces de erigirla como Arte, tenemos la libertad de tomarla como buena o mala, pero siempre nos deja una enseñanza. Siempre estoy pensando en qué hacer, cómo hacerlo, dónde hacerlo, plasmar la vida, el pasado, el presente y el futuro que esperamos es el significado del artista.

Hay mucho realismo en tu trabajo, ¿no te tienta la idea de idealizar tus obras, de hacerlas parecer más bellas de lo que realmente son?

Un artista nunca termina sus obras, nunca las verá lo suficientemente bellas para darlas por finalizadas, cada día que las veo creo que tengo que añadir o quitar, aunque el resto de personas les parezca bien siempre quiero ir mas allá.

El realismo para mi es el presente, lo que tenemos, lo que somos; quiero que no solo veamos una mano, sino un gesto, una gratitud, un sacrificio. Muchas de mis obras representan una enfermedad, una lucha, un sueño o una ilusión.

Un artista tiene una evolución, sé que más adelante pueda tener otro estilo, la vida cambia cada día, el artista también debe de cambiar.

Nacer, crecer, madurar… que es lo mejor? Solo lo sabremos cuando nos demos cuenta de dónde esta nuestro corazón.

¿Cuál crees que es tu gran punto fuerte como artista?

El interés, la perseverancia, la creatividad y el esfuerzo que pongo en cada una de mis obras. Soy un fanático de los retos, me gusta ir hasta el fondo y hacerlo lo mejor posible.

Y por último, cuéntanos en qué trabajas actualmente y cuáles son tus proyectos más inmediatos.

Actualmente trabajo en el taller de Agustín de La Herrán, estamos realizando un relieve de 2 x2.50 m en mármol con resina y tenemos pendientes algunos proyectos.

En mi estudio estoy trabajando en un proyecto con un artista que es caricaturista colombiano “Turcios”; transformando sus dibujos en escultura, es un reto que me anima. Suelo tener encargos de retratos en relieve. Para un futuro tengo en mente poder realizar una exposición, “huellas”, donde quiero reflejar varias muestras de nuestra vida: como dejaremos huella en este mundo, cuando ya no estemos.

***

Artistas como Hamilton Duque suponen la constatación de que en el mundo del arte no está todo dicho. Aún que da mucho por hacer, muchas técnicas y materiales con los que experimentar y con los que crear obras que, como en su caso, puedan conmovernos y llegar a lo más profundo de nuestro interior, justo donde arrancan las emociones. A eso se le llama Arte.

Para contactar con Hamilton Duque podéis hacerlo a través de su página web: www.arteh.es

o bien a través de su perfil en Linkedin: http://es.linkedin.com/pub/hamilton-duque-cardona

Y en Noenga: http://www.noenga.com/community/portfolios/hambo/

Y para estar al tanto de todas sus novedades podéis seguirle en Facebook:

http://www.facebook.com/pages/Arteh/347272532593

Muchas gracias, Hamilton, estaremos pendientes a todo lo que hagas. Te deseamos mucha suerte en tus nuevos proyectos, seguro que la tendrás.

¡Muchas gracias por haber compartido tu trabajo con nosotros!

5 sencillos pasos para difundir tu obra en Internet

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Tue, 27 Dec 2011 14:09:00 +0000

Internet es una excelente aliada a la hora de difundir la obra de un artista pero hay que hacerlo bien para que los resultados sean los mejores.

Muchos artistas creen que con crear un blog al que subir sus obras y abrir una página en Facebook ya tienen presencia en Internet. Y es cierto. La cuestión es si esa presencia es suficiente para dar una imagen profesional y fidedigna de la calidad de su obra. La respuesta es un rotundo NO.

Para un artista la difusión de la obra de arte a través de Internet supone llegar a un amplio público especializado al mismo tiempo que minimizamos los costes en difusión. Pero si no se hace correctamente (lo que ocurre en la mayoría de los casos que he visto) puede ser un completo fracaso y, lo que es peor, desvirtuar nuestra imagen y devaluar nuestro trabajo.

¿Y cómo hacerlo? Para empezar puedes seguir estos 5 sencillos pasos:

1. Analiza la situación

En primer lugar tenemos que ver cuál es nuestra situación real en la red. Para ello introduce tu nombre en Google entre comillas y analiza los resultados. Presta atención especialmente a los resultados relacionados con tu trabajo como artista y sé lo más objetivo posible. ¿Qué te dicen esos resultados?¿Qué le dirían a alguien que no te conoce sobre tu obra? ¿Hablan del verdadero valor de lo que estás haciendo?

Si no puedes ser lo suficientemente objetivo pídele ayuda a alguien cercano que esté dispuesto a darte su sincera opinión.

2. Crea tu propia marca personal

En nuestro mundo globalizado la marca personal es aún más importante que el currículum. ¿Cómo quieres que te vean los demás? ¿Cuál es el verdadero valor de tu obra? ¿En qué destacas? Potencia tus puntos fuertes y asegúrate de crear una imagen en la que los resaltes. Yo siempre aconsejo a los artistas que trabajan conmigo que creen lo que yo llamo "signature style", un estilo propio, único, que haga que sea fácil identificar sus obras a simple vista. De esto quizá hablemos en otra entrada.

3. Utiliza las redes sociales

Pero utilízalas PROFESIONALMENTE. No utilices tu cuenta de Facebook en la que charlas con tus amigos y cuelgas fotos personales para difundir también tu obra. La imagen que das es nefasta. En lugar de eso crea una cuenta con perfil de empresa (no personal) gratuita y úsala para presentar tu trabajo.

La utilización de las redes sociales profesionales es otra clave importante. Yo prefiero LinkedIn con sus más de 40 millones de usuarios registrados pero hay muchas más. Si aún no estás en ellas regístrate hoy mismo y crea tu perfil teniendo en cuenta la marca personal que quieres crear.

4. Ten tu propia página web

Hoy en día tener una web donde mostrar tu trabajo es absolutamente fundamental. Si no la tienes tu imagen se ve anticuada y poco profesional. Existen plataformas online gratuitas que puedes utilizar para crear la tuya propia aunque si el resultado no va a ser el mejor es preferible que contrates a una empresa que te la haga. Supondrá un desembolso inicial importante pero ten en cuenta que es tu imagen profesional la que está en juego.

5. Hazte presente

La idea es que al introducir tu nombre en Google aparezca el mayor número posible de resultados y que estos resultados sean de calidad. Es decir, que surja información sobre tu obra y tu trayectoria profesional: entrevistas personales, artículos de crítica, críticas de tus exposiciones, imágenes de tu trabajo...

Lograrlo es difícil pero si comienzas a aparecer en los medios digitales verás que se trata de una especie de bola de nieve que rueda y cada vez aparecerás más veces en más medios. Lo más complicado es justamente cómo empezar la bola de nieve.

Estas son, a grandes rasgos, algunas de las ideas sobre las que trabajamos para difundir la imagen y obra de nuestros artistas. Si estás interesad@ en difundir tu trabajo en Internet, llegando a un público más amplio y especializado y optimizando tu presupuesto en difusión contacta conmigo.

¡Y que en 2012 se disparen las ventas! :)

¡Feliz Navidad!

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 23 Dec 2011 18:18:00 +0000

CORREGGIO
Natividad.

1528-30

Óleo sobre lienzo, 256,5 x 188 cm
Gemäldegalerie, Dresden

La Navidad es quizás el mejor momento del año para mirar a nuestro alrededor y dar gracias. Hoy quiero daros las gracias a todos los que cada día hacéis posible La Página Escondida. Gracias por habernos acompañado todo este tiempo, por compartir vuestros comentarios, hacernos llegar vuestros correos, seguirnos en las redes sociales o, simplemente, leernos.

Os deseo de todo corazón que paséis unas muy felices fiestas disfrutando de las cosas que de verdad importan en la vida. Porque mientras haya ilusión y esperanza siempre habrá un futuro mejor esperando.

Gracias.

¡¡¡Feliz Navidad!!!

Conversando con Antonio Basso

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Thu, 22 Dec 2011 10:29:00 +0000

"La elección de una composición, un tema, unos colores o un soporte por parte del artista es toda una responsabilidad pues las posibilidades son infinitas". Antonio Basso.

Atadura 1
Óleo sobre madera
81 x 61 cm

Atadura 2
Óleo sobre madera
44 x 33 cm

Atadura 9
Acríico sobre madera
73 x 100 cm

Atadura 8
Acrílico sobre madera
73 x 100 cm

Atadura 6
Acrílico sobre madera
81 x 61 cm

Crossroads 001
Óleo sobre lienzo
80 x 100 cm

Crossroads 002
Óleo sobre lienzo
50 x 100 cm

Crossroads 004
Óleo sobre tela
130 x 160

Serie IMON
Pasteles sobre papel
32,5 x 46 cm
Exposición en Barcelona

Algunas personas desprenden una ilusión y un entusiasmo, una fuerza espiritual y única que además, son capaces de transmitir a los que tienen a su alrededor. Este es el caso del joven artista Antonio Basso. Líneas rectas, colores soberbios y texturas que se funden entre sí en composiciones atrevidas y sorprendentes determinan una obra que lleva el sello del minimalismo trascendental de los expresionistas abstractos americanos y el misticisimo y la espiritualidad de los maestros desconocidos del arte románico. Como un mago genial que aúna conceptos tan dispares en el tiempo como intrísecamente unidos por su significado, Antonio Basso crea un universo muy especial en el que cada trazo, cada pincelada, cada nudo nos hace mirar en nuestro interior en busca de respuestas.

Antonio, la primera pregunta es ya tradición en La Página Escondida, ¿Cómo llegaste a

la pintura, cómo te diste cuenta de que “necesitabas” pintar para expresarte?

Mi relación con la pintura se remonta a mi infancia y juventud. Siempre estuve rodeado de arte, fui un visitante incansable de museos y exposiciones, me apunté a varios cursos, y además empecé a coleccionar. Fue así hasta que un día hace ya 3 años decidí establecer una relación activa con la pintura. Quería ser algo más que observador, profundizar en ella pasando al otro lado, y así empecé. Desde entonces, y gracias a los consejos un gran amigo pintor y artesano, me sigo formando para desarrollar un arte comprometido con un estilo muy personal.

Tu obra me llamó la atención en cuanto la vi porque me recordaba a grandes artistas abstractos a los que he estudiado pero al mismo tiempo era algo completamente diferente. ¿Qué artistas son los que más te han influido? ¿Cómo entraste en contacto con sus obras?

Son varios los artistas que me han influido. Su arte, generalmente abstracto o conceptual, me llama más que el de otros. Es un arte muy personal, de mundos internos muy personal, que me obliga a hacerme preguntas. Soy un gran aficionado a comprar libros de pintura, y junto con las visitas a museos del mundo donde se encuentra su obra, galerías e internet, es lo que me ha acercado a ellos. Nombres como Diebenkorn, Pollock, Rothko, algunos minimalistas americanos de los 60, Millares, Miró, y cada vez más Twombly con su mundo tan personal y su frescura en el lienzo. Además, siempre me ha fascinado el arte románico. Es fabuloso como esos artesanos remarcaban los contornos de las figuras, y hacían lo que hacían hace casi 1000 años con esa paleta tan limitada pero a la vez tan armónica, matérica y naive.

Tus obras con cuerdas en tensión de la serie TIES utilizando los bastidores como soporte me recordaron mucho a las pinturas con alambres y telas de Manolo Millares, pero llevadas un paso más allá. ¿Cómo surge esta nueva forma de expresión? ¿Cuál es tu objetivo con esta nueva técnica?

La obra de Millares es un referente como bien dices. A partir de ahí, y partiendo de mis series anteriores Matrix ,Inside My Own Matrix y Crossroads, decidí simplificar, añadir más volumen a la obra y focalizar mi atención en un punto. Si observas mis pinturas anteriores verás que la repetición es una constante así como el concepto encrucijada (líneas que se cruzan en el plano unas con otras). Pues bien, focalicé mi visión y pensé que la cuerda como elemente matérico y simple me ayudaría. Probé varias veces hasta que conseguí un resultado que me gustó.. La cuerda es en sí misma tensión (concepto sobre el que baso estos últimos trabajos). Además su uso me permite crear composiciones que son sencillamente fantásticas pues trocean el espacio creando uno nuevo que antes no existía. Tienen un punto de magia, que las hace muy atractivas.

Tu background es un poco diferente al de la idea que muchos tenemos del artista bohemio, iconoclasta, que vive al margen de la sociedad para la que crea ya que has estudiado una carrera tradicional en universidades de reconocido prestigio y has trabajado en el mundo de la banca y la empresa privada. ¿Crees que eso puede dar un falso estereotipo de tu trabajo, que se analice tu obra con cierto prejuicio?

Me preocupa poco o nada. Cada cosa tiene su momento y su tiempo. Yo no pude empezar a pintar antes porque no me tocaba. Mi visión es que he tenido que ser todo lo que he sido hasta ahora para poder hacer lo que hago hoy. Gracias a mi pasado hoy soy lo que soy. Me quedan muchos años por delante (confío ) para poder seguir trabajando e investigando. Además, gracias a mi pasado puedo combinar la pintura con otros campos que también me interesan y que aportan sinergias a mi carrera artística.

Volviendo a tu técnica, ésta es muy variada, utilizas óleos, acrílicos, pasteles…¿cómo consigues combinar todos estos elementos de forma que el resultado sea tan armónico?

La verdad que no los combino. Cuando trabajo con óleos sólo trabajo con óleos, y lo mismo sucede con el resto de técnicas. Lo que sí intento, siguiendo los consejos de Xavier Ribas, amigo, gran pintor y mentor, es ser comprometido con la técnica de cara a que la obra perdure y no se “deshaga” en trocitos con el paso del tiempo.

Centrándonos en la filosofía de tu obra, ¿qué buscas, qué pretendes, cuál es tu objetivo último cuando te pones ante un lienzo en blanco?

Esta es una buenísima pregunta. Si lo piensas un poco te das cuenta que la elección de una composición, un tema, unos colores, un soporte, etc..., por parte del artista es toda una responsabilidad pues las posibilidades son infinitas. Partiendo de esto, te diría que mis objetivos son varios. Me gusta entablar conversaciones con las obras pues ellas (cuando son válidas) me hablan. Me fascina el concepto de belleza y armonía, otra de las cosas que busco. También intento divertirme, pues creo que cuando lo hago el resultado es siempre mejor. Por último te diría que otro de mis objetivos es obtener un resultado que sea coherente con el concepto (abstracto) sobre el que esté trabajando en ese momento. Y ta chan!!. .

Antonio, coincido plenamente contigo en que el Arte debe ser bello, debe ser atractivo para disfrutar de su contemplación, aunque el concepto de “belleza” no tiene que ser el tradicional, al contrario, tenemos que reinventarlo continuamente. ¿Cómo logras crear la belleza de tus obras? ¿Planeas previamente el resultado, cómo va a quedar o simplemente va surgiendo?

El concepto de belleza es algo tan personal que al menos para mí, es imposible de definir. Para mí la belleza tiene siempre un punto de serenidad y misticismo. La belleza cuanto más serena más bella. A partir de ahí, hay cosas que simplemente te gustan y cosas que no. Ahora bien, también te digo que la belleza es algo que se entrena siendo un atento observador de lo que te rodea. La naturaleza al igual que la intervención del hombre nos brinda muchísimos ejemplos cada día y en cualquier lugar. Sólo hay que fijarse.

Volviendo a tu pregunta, decirte que no suelo “planear” conscientemente el resultado, aunque si estoy seguro que el inconsciente trabaja en ello. Lo que sí hago es escribir mis ideas en mis cuadernos y seguro que eso me ayuda.

Muchos de mis cuadros son el resultado de hasta 5 pruebas anteriores. Siendo esto así, cuanto más voy trabajando más me relajo delante del soporte, y eso hace que el resultado sea mejor. Hay que perderle el miedo al soporte en blanco!!!

Algunas de tus obras están expuestas en depósito en las oficinas que VBB Abogados tiene en el espectacular Paseo de Gracia de Barcelona. ¿Cómo surgió esta oportunidad, qué os aporta a ambas partes?

Esta fue una gran idea. En VBB abogados querían decorar las paredes del despacho y querían hacerlo con pintura moderna que fuera coherente con el estilo de abogadas que son ellas (son 3 mujeres). Me propusieron hacerlo con mis series Matrix e Inside my Own Matrix y lo hicimos. Con esta colaboración ellas tienen un despacho decorado como querían y yo tengo un precioso lugar de exposición permanente.

Y, por último, Antonio, ¿cuáles son tus proyectos más inmediatos y cuándo podremos disfrutar de ellos?

Desde verano, acabada la exposición de Barcelona, me he concentrado en crear obra y he trabajado intensamente en la serie Ties (Ataduras). Quería tener un número suficiente de piezas que enseñar a galerías y marchantes (algo que ya estoy haciendo). Además estoy desarrollando mi nueva web en inglés donde se podrá adquirir mi obra.

Voy a seguir trabajando sobre el concepto de tensión, espacio y materia.

También decirte que una de mis ilusiones sería moverme en el extranjero. El mundo es muy grande y hay países y lugares donde pienso que mi arte puede encajar muy bien. Si puedo viajar y exponer en ellos sería espectacular. Además, el año pasado me aceptaron en la NYSS, una escuela muy alternativa y comprometida de pintura, dibujo y escultura de Nueva York. Por motivos personales no puede asistir, y espero poder hacerlo en 2012.

Os mantendré informados tanto en mi web como en mis redes sociales, por ejemplo, a través de Facebook: www.facebook.com/yasoypintor

Para acabar quiero agradecerte esta entrevista tan completa que me has hecho y felicitarte por todo lo que haces en tu blog.

Muchas gracias y hasta muy pronto.

***

Alguien dijo que cuando alguien camina en el sentido de sus sueños todo el universo conspira para que éstos se hagan realidad. Escuchando las sabias palabras de Antonio Basso no me cabe duda de que así es, aunque, a decir verdad, en este caso el universo no lo tiene demasiado complicado. Su talento, su fuerza, su entusiasmo y su ilusión son armas muy poderosas que le acompañarán en su camino.

Para profundizar en la obra de Antonio podéis acceder a su obra a través de este enlace donde tenéis una amplia información de su trabajo.

También podéis visitar su página web: http://yasoypintor.com/

Y si queréis estar al tanto de sus novedades y además compartir sus interesantes enlaces y aportaciones sobre Arte Contemporáneo podéis formar parte de su página de Facebook: https://www.facebook.com/yasoypintor

Muchas gracias, Antonio, por mostrarnos tu obra. Ha sido todo un placer aprender de ti y desde aquí seguiremos muy atentos a tus nuevos proyectos y avances. ¡Mucha suerte con todo!

5 (muy buenas) razones para regalar Arte

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Wed, 21 Dec 2011 08:30:00 +0000

¿Y si este año a esa persona tan querida le haces un regalo muy, muy especial? Algo fuera de lo común, algo que casi seguro que no le han regalado jamás, algo original y único, algo que dibuje una gran sonrisa en su rostro...¿Y si estas Navidades regalas Arte? Como muy probablemente no te lo habías planteado o si lo habías hecho aún le estás dando vueltas aquí te dejo 5 (muy buenas) razones para regalar Arte:

1. Al alcance de todos los bolsillos

La mayoría de los habitantes del planeta al pensar en arte piensan en un monet, un rembrandt o un van gogh y la siguiente idea son los en teoría desorbitados precios que estas obras alcanzan en el mercado. Pero ten en cuenta que incluso un monet, un rembrandt o un van gogh fueron asequibles en su día por los compradores contemporáneos. Hoy en día existe una infinita variedad de precios en el mercado del arte y se pueden conseguir obras de gran calidad al alcance de todos los bolsillos.

2. Conviértete en un mecenas

Grandes maestros como Leonardo, Miguel Ángel o incluso Picasso lograron llegar tan lejos porque hubo alguien que, en un momento determinado, confió en ellos, vio su potencial y apostó por su talento. Los artistas necesitan nuestro apoyo para seguir creando y que de esta forma el Arte siga vivo y simplemente, adquiriendo sus obras, contribuirás a ello.

3. Descubre un mundo nuevo

No deja de asombrarme la enorme cantidad de prejuicios que desde fuera se tiene sobre el mundo del arte. Los artistas no son seres irascibles e inalcanzables, muy al contrario suelen ser personas maravillosamente sensibles que disfrutan hablando de su trabajo y aprecian muchísimo el interés de los demás por su obra y los galeristas no son unos snobs insufribles sino grandes profesionales que abren sus puertas y sus conocimientos a todos sus visitantes.

4. Refuerza tu imagen personal

Regalar arte dice mucho de ti, de tu sensibilidad, de tu buen gusto y de tu inquietud cultural. El regalo es siempre una tarjeta de visita de la persona que lo aporta, por eso si regalas arte también tú obtienes algo a cambio.

5. Un regalo para siempre

¿Por qué caer en el eterno consumismo de cada año? ¿Por qué regalar siempre las mismas cosas que no aportan nada y que al poco tiempo se consumen o se quedan obsoletas? El Arte nunca pasa de moda y la belleza de un lienzo, una escultura o una fotografía podría deteriorarse pero nunca desaparecer.

Sea cual sea la obra de arte por la que decidas será el fruto de la creatividad de un artista que ha invertido muchas horas en concebirla y realizarla. Cuando te la lleves a casa y se la ofrezcas a esa persona tan especial piensa que también le estás regalando un poco de su tiempo y un trocito de tu alma.

N. Si no sabes por donde empezar...¿Qué tal si le echas un vistazo a los artistas que han pasado por La Página Escondida? Los tienes en el lateral superior derecho en el apartado ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS.

La Historia del Arte en 140 caracteres

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Mon, 19 Dec 2011 08:30:00 +0000

Queridos amigos, nos hemos sumado a Twitter. Y vamos a celebrarlo de una forma muy especial: llevando a cabo a un recorrido de toda la Historia del Arte, desde la Prehistoria a nuestros días, utilizando únicamente 140 caracteres en twits que irán apareciendo diariamente a lo largo de los próximos 20 días. ¿Imposible? Esperemos que no, aunque sin duda supone todo un reto :)

Para apoyarnos, por favor, síguenos en la siguiente cuenta:

La Página Escondida en Twitter

Además de nuestro "pequeño" repaso a la Historia del Arte, en Twitter actualizaremos todas las entradas de La Página Escondida y compartiremos noticias, curiosidades y comentarios sobre el mundo del arte que, por su naturaleza, no comparto en el blog.

Y para aquellos que preferís Facebook recordaros que podéis seguirnos también a través de esta red social en nuestro pequeño rincón:

La Página Escondida en Facebook

Mañana comienza nuestro pequeño reto. ¿Te apuntas? ¿Lo lograremos? :)

¡Feliz comienzo de semana!

Silvia Sánchez Revuelta: contando historias con un pincel

noreply@blogger.com (Ana Trigo Alonso) — Fri, 16 Dec 2011 09:04:00 +0000

Silvia Sánchez Revuelta

Contando historias con un pincel

“Para mí pintar es VIVIR. Una manera de interpretar la vida

muy personal e íntima.”

Retrato de la artista Silvia Sánchez

A veces ocurre que renunciamos a nuestros sueños. No es por una causa concreta, no es que nada nos impida realizarlos ni que nadie se oponga a ellos abiertamente. A veces, simplemente, la vida da vueltas, nos distrae, nos asusta…y nos hace olvidarlos hasta que no son más que un recuerdo lejano. Sin embargo, a veces, surgen personas como Silvia Sánchez Revuelta, que nos demuestran que no tiene por qué ser así, que los sueños pueden crearse, reinventarse, renovarse e incluso hacerse realidad. Esta es la obra de una artista que ha tomado las riendas de su propio destino, que ha tenido fe en sí misma y en los demás y que ha creado una obra única, llena de matices, que desprende una delicadeza muy especial y que nos habla de la belleza del ser humano y de sus grandes y pequeñas historias cotidianas.

Comenzando a pintar

“Para mí lo minimalista, lo sencillo, un gesto…. me hace sentir muchas más cosas que lo complicado, recargado.”

Nada en la vida de Silvia parecía presagiar que la felicidad la esperaba dentro de una caja de pinturas. Nacida en Bilbao (1970) en el seno de una familia cuyo padre era abogado su camino, al igual que el de una de sus hermanas, parecía ser el mundo de las leyes. A los dos años, la familia se traslada a Madrid, ciudad que durante muchos años será su residencia. Desde muy pequeña Silvia comienza a dibujar y a experimentar con sus lápices de colores y sus acuarelas y, para sorpresa de sus padres, lo hace extraordinariamente bien. Crea e ilustra sus propias historias en un estilo naif fresco y despreocupado, en el que, no obstante, comienzan a perfilarse ciertos rasgos que perduran en su trabajo hasta hoy como una marcada capacidad de observación y un genuino interés por contar historias a través de sus dibujos.

A medida que los años van pasando su carpeta de dibujos va creciendo y su técnica va perfeccionándose mientras finaliza sus estudios de Derecho y se convierte en abogada. Tras casarse, el matrimonio se traslada a Barcelona, ciudad que se convertirá en su hogar durante 15 años. Después de una estancia de 3 años en Lisboa regresan a Barcelona. Durante todo este tiempo Silvia compagina su trabajo y su condición de madre, con su gran pasión, el arte y en sus escasos ratos libres saca tiempo para continuar pintando y formándose.

Es a su regreso a la ciudad condal cuando la carrera como artista de Silvia da un gran salto. Retoma sus estudios de pintura, asistiendo a diferentes talleres locales . Entre sus profesores se encuentran Pamela Martínez y Pablo Ramírez Gallego. Junto a ellos se inicia en la técnica del óleo y se adentra en el estudio del color perfeccionándolo, pero sobre todo, por primera vez, se “arriesga” a exponer su obra ante miradas ajenas, a sus compañeros de taller y sobre todo, se enfrenta a una de las grandes pruebas para todo artista: la opinión de los demás sobre algo tan íntimo y personal como la creación artística. El descubrir que su obra es capaz de provocar emociones en los espectadores, que a través de ella puede expresar sentimientos tan sutiles como la soledad, la simpatía o la gratitud supone sin duda un paso de gigante en la carrera de Silvia.

Es entonces, en este ambiente alternativo y bohemio donde realiza, junto a sus compañeros, sus primeras exposiciones e interactúa por primera vez con otros espectadores, no profesionales, que le manifiestan sus ideas y las emociones que perciben a través de su pintura. Este hecho, y el de participar en talleres de pintura para niños, suponen un fuerte aliciente para comenzar un camino de autosuperación, de perfeccionamiento de su trabajo y de búsqueda de su propio estilo que muy pronto dará sus resultados. En 2010 Silvia y su familia se trasladan a Zurich, donde viven actualmente.

Una historia en cada lienzo

“Igual que te explicas oralmente ante los demás, pintando explico muchas cosas”.

El color inunda todas y cada una de las obras de Silvia. Cada lienzo es un estudio sobre su uso, sus combinaciones y sus posibilidades en todas las gamas y matices. El color supone una forma de expresión con la que transmitir no sólo la serenidad o la quietud de un paisaje sino también de reflejar un estado de ánimo o un guiño de confianza. De ahí que lo utilice de una forma osada, estableciendo fuertes contrastes entre ellos o bien degradándolos en una escala suave y armoniosa.

Un mundo diferente

El óleo sobre lienzo o sobre madera entelada le permite moldear volúmenes a través del color y la creación de brillos y contrastes lumínicos que llenan la obra de vida. La luz es otra de los grandes logros en la pintura de Silvia, una luz que no suele venir de un punto concreto sino que parece irradiarse desde el mismo lienzo, derramándose sobre paisajes y figuras, siguiendo el estilo de obras de Cézanne o del Manet que ya ha conocido las obras de Velázquez en El Prado.

No son los únicos pintores que se adivinan entre las meticulosas pinceladas de Silvia. Las carnaciones entre rosadas y anaranjadas de algunas de sus figuras (como la bailarina en rojo y verde) recuerdan a los soberbios desnudos de Modigliani y el dibujo marcado y bien perfilado parecen una clara reminiscencia de postimpresionistas como Gauguin o Henri de Toulose Lautrec y hay mucho de su aplicación del color de la interminable paleta de Turner o de la audacia irreverente de los primeros fauvistas.

Esta combinación de color, luz y líneas marcadas en las obras de Silvia las dota de un extraño misterio que no alcanzamos a descifrar, de un aire de cuento de hadas envuelto en brumas sinuosas. Y es que todos sus lienzos parecen estar a punto de desvelarnos una historia. ¿Qué hace esa pequeña embarcación amarilla flotando en un lago de aguas lapislázuli? ¿De dónde huyen esas minúsculas figuras que cruzan un paisaje imposible en Escape? ¿Cuál es la historia de amor o desamor de la pareja que camina junta sin cruzar jamás sus miradas?

Como si de un lienzo de Hopper se tratara la obra de Silvia no nos deja indiferentes sino que nos incita a preguntarnos, a observar con más detalle, de una forma más inquisitiva que contemplativa. Y es precisamente esta cualidad la que más sorprende cuando nos acercamos a uno de sus lienzos porque no podemos quedarnos ante él como un simple espectador que admira la belleza de una pintura, tenemos que reflexionar sobre la imagen que nos muestra y plantearnos qué significa, qué está pasando.

Pareja en Manhattan

Y aún debemos llegar más allá porque sus colores, sus formas, sus temas nos provocan, nos inquietan o nos hace sentirnos un poco más alegres o más tristes. Y es que Silvia es capaz de conseguir algo que sólo un artista que siente verdadera pasión por lo que hace puede lograr: contagiar esa misma emoción a las personas que contemplan su obra. Porque un artista, independientemente de lo buena que sea su técnica y de sus años de estudio, nunca puede transmitir ningún tipo de emoción si él mismo no la siente.

Mirando más allá de lo evidente

“A mí me inspiran las situaciones, escenas cotidianas, que nos pasan de largo día a día y que no paramos a observarlas porque nos parecen rutinarias, simples y sin valor.”

Sus personajes se mueven siempre en un escenario cotidiano que nos resulta extraordinariamente cercano: un parque, una playa, un tren…y sin embargo, en este ambiente familiar la situación que se desarrolla nos cuenta una historia, nos habla de alguien o de algo que ya ha pasado o que intuimos que está a punto de pasar.

Escape

Emociones como la empatía, la alegría, el valor o la soledad están muy presentes en los temas de la pintura de Silvia. La mujer es uno de sus temas fundamentales. Figuras femeninas aisladas, con un aire reflexivo que viajan en un tren con destino a un lugar desconocido o se colocan bien el peinado. Otras de sus mujeres sufren y simplemente lloran o friegan el suelo ocultándonos su rostro. En este caso son figuras frágiles que sin embargo desprenden una fuerte dignidad. Otras veces son mujeres hermosas, con un aire decidido que nos contemplan desde su elegante vestido. Pero siempre se trata de figuras creadas con una gran delicadeza que expresan entereza, sensibilidad y una profunda sabiduría, la sabiduría de una mujer que ama, lucha, sufre y mira dentro de sí misma para encontrar respuestas y seguir adelante.

Rubor

Todas estas características las encontramos también en sus bailaoras. Se trata también de figuras femeninas, esta vez vestidas con vaporosos vestidos de flamenca de colores vibrantes que se agitan con sus pasos, sus brazos se alzan al infinito o recogen los volantes de sus trajes luciendo sus tacones, los rostros se mantienen serios, introspectivos, pendientes de ejecutar cada movimiento, las ondas al agua de sus peinados permanecen intactas mientras que todo el lienzo se inunda de un movimiento sugerente, alegre y contagioso.

El movimiento es otro de los temas más importantes en la obra de Silvia, no sólo en sus figuras, también sus paisajes, que parecen curvarse sobre perspectivas imposibles en caminos interminables. Sus paisajes nos muestran una Naturaleza espectacular y salvajemente hermosa, muy influenciada probablemente por los lagos y montañas suizos que la rodean a diario y por sus innumerables viajes a Italia, Portugal, Alemania, Holanda, Francia, Estados Unidos, Argentina… También sus paisajes urbanos hacen referencias a sus viajes y a su forma de concebir el espacio, dinámico, abierto y subjetivo, siempre filtrado a la luz de sus ojos de artista y de mujer.

Historias entrelazadas

“Una vida sin pintar…me la imagino con limites, sin libertad de poder trasladar a los demás lo que yo siento al mirar las cosas, cómo las interpreto.”

Y es que contemplando la obra de Silvia queda claro que no le interesa una realidad fotográfica, captada tal cual del natural. Ella va mucho más allá y se centra en el detalle, en la anécdota pero siempre reinterpretada desde su propio punto de vista y enfocada al espectador; no a complacerle expresamente, pero sí a remover su consciencia, a hacerle pensar, a provocar sus emociones y quizás, por qué no, su reacción. Sólo así puede producirse entre el artista y el espectador que verdaderamente enriquezca a ambos.

Waiting for the tram

Vivir en Suiza ha dado a Silvia la posibilidad de centrarse en la evolución de su trabajo, de conocer a otros artistas de diferentes nacionalidades y de vender su obra. Ha expuesto en el Bénedict-School, en Basilea, donde su obra recibió una muy buena acogida y en la Vinothek- Ugarte donde contó con la visita de compañeros artistas y de otras personalidades interesadas en su trabajo como D. Eduardo Junco, cónsul de España en Suiza.

Sin embargo, cuando hablamos con Silvia nos cuenta que, más allá de la visibilidad para su obra y de las posibilidades comerciales, valora la posibilidad de haber podido observar a los espectadores de su obra, de ser testigo de sus reacciones y de interactuar con ellos. La posibilidad de crecimiento y de aprender de las personas que valoran su obra es, para ella, lo más relevante de su proceso de creación.

Silvia pertenece al grupo artístico Bric Art /Project, del que es socia fundadora, formado por 18 artistas procedentes de distintas disciplinas que apuestan por un mercado artístico libre y sin intermediarios. Junto a ellos expondrá en Barcelona en Mayo de 2012 en su proyecto Ivanow. Poco antes, durante el mes de Abril podremos disfrutar de una vernissage en Zurich en la que expondrá sus mejores trabajos.

Son muchas las historias que se entrelazan en los hermosos lienzos de Silvia. Pero sobre todo destaca la suya propia, la que ha sido dibujada con cada trazo de pincel, la que nos narra el camino de una artista que ha sabido forjarse a sí misma, ganando fuerza, coraje y fe. Es una historia descubrimiento, reflexión y libertad.

Sus obras transmiten la belleza de una mujer que ha sabido mirar al mundo, encontrar las respuestas y contemplar el futuro. Nos hablan de un mundo inmenso con una infinidad de historias por contar, unas tristes, otras alegres, todas humanas. A veces, las historias se cruzan y dos personas que no se conocen de nada, de repente, conectan. Y entonces todo cobra sentido.

Porque la felicidad, a veces, se encuentra en el paraguas que una anciana nos brinda para resguardarnos de la lluvia.

N. Para contactar con Silvia Sánchez podéis hacerlo a través de su web: http://www.silviasanchezrevuelta.com/artissilvia.htm donde tenéis todos sus datos de contacto.

También podéis seguirla a través de su página de Facebook: https://www.facebook.com/pages/ARTist-SILVIA/148922201834814

¡Muchísimas gracias, Silvia, ha sido todo un placer descubrir tu precioso trabajo! Seguiremos atentos :)