Für viele ist es die Stadt der Liebe, der großen Boulevards und der ikonischen Sehenswürdigkeiten. Doch für Renato, und mich war klar: Wir wollten eine andere Seite der Stadt sehen. Drei Tage Zeit, drei Tage voller intensiver Begegnungen, abseits des Eiffelturms und der touristischen Routen.

Auf der Suche nach Gesichtern und Geschichten

Unsere Mission war klar: wir wollten Menschen treffen, ihre Geschichten spüren und besondere Gesichter porträtieren, die etwas mehr erzählen. Nicht die glänzenden Fassaden interessierten uns, sondern das Leben, das sich dahinter davor und darunter verbirgt.

Begegnungen in der Metro

Besonders die Metro wurde für uns zu einem kleinen Mikrokosmos der Stadt. Hier begegnet man Paris in seiner ganzen Vielfalt. Die Kleidung und der Stil der Pariser ist unglaublich faszinierend. Die Stadt der Mode ist tatsächlich eines der vielen Klischees. Aber es stimmt: Immer wieder hatte ich das Gefühl, als würden Menschen direkt vom Laufsteg in die Metro treten. Elegant, individuell und mit einer Selbstverständlichkeit, die nur Paris ausstrahlt. Viele Begegnungen blieben flüchtig. Andere wiederum führten zu Gesprächen, aus denen Porträts entstanden, die genau das festhalten, was wir suchten.

Ich finde, das Bild lebt stark von Gegensätzen und subtiler Symbolik. Wir sehen einen Mann, vermutlich obdachlos, der auf einer Bank in der Metro liegt. Ein Ort des Transits, aber für ihn wohl auch Zuflucht und temporärer Schlafplatz. Neben ihm prangt ein riesiges Werbeplakat, das eine ganz andere Welt zeigt: eine Luftaufnahme von einem Strand, das weite Meer, darin der Schatten eines Flugzeugs. Ein Versprechen von Ferne, Urlaub, Freiheit, Wohlstand. Doch während die Werbung eine glänzende Welt verspricht, bleibt seine Realität die der Großstadt, des Überlebens am Rand der Gesellschaft. Das Bild macht für mich die Kluft zwischen den Illusionen des Konsums und der harten Wirklichkeit jener, die ausgeschlossen sind sichtbar. Dass der Kopf des Mannes in die Richtung dieses Plakats zeigt, wirkt fast wie ein stiller Kommentar. Der Mann liegt buchstäblich neben dem Traum vom Reisen, aber er bleibt für ihn unerreichbar.

Die Frau mit der Katze

Manchmal sind es die unerwarteten Momente, die sich unauslöschlich ins Gedächtnis einprägen. An einer Haltestelle stieg eine junge Frau in die Metro ein, und ich traute meinen Augen kaum: Auf ihrem Rücken saß eine kleine Katze. Ganz ohne Leine, ohne Tasche, ohne jede Befestigung. Einfach so, als gehöre dieser Platz selbstverständlich ihr. Neugierig und fasziniert lief ich sofort zu ihr, während die Metro schon wieder in Bewegung geriet. Das Ruckeln der Bahn, das Dröhnen der Schienen und die lauten Stimmen ringsum schienen die Katze nicht im Geringsten zu stören. Gelassen und mit wachen Augen schaute sie umher, als sei sie längst daran gewöhnt, die Stadt auf diese Weise zu erkunden.

Für einen kurzen Moment wurde die hektische Metro zu einem stillen Raum der Verwunderung. Menschen sahen hin, lächelten und ich spürte dass dies einer jener kleinen Augenblicke war, die unsere Reise so besonders machen. Ich hielt meine Kamera hoch, die Frau nickte zustimmend und ich machte ein paar sehr nahe Bilder.

Wir saßen den beiden gegenüber, als sie sich über unsere Kameras unterhielten, die wir offen trugen damit wir jederzeit schnell reagieren konnten, wenn sich eine spannende Szene ergab. Der Mann rechts im Bild, dessen namen ich mir nicht gemerkt hatte, war Videofilmer, wie sich im laufe des gerade entstandenen Gesprächs herausstellte. Renato tauschte social Media Infos aus und fragte gleich nach einem Portrait. (sobald Renatos Blogpost online ist, verlinke ich ihn, damit ihr sein Bildergebnis sehen könnt)

In der Metro saß ich einer Frau gegenüber, die ihren kleinen Chihuahua fest im Arm hielt. Der kleine Hund wirkt auf mich fast zerbrechlich, gleichzeitig aber aufmerksam und neugierig. Direkt neben ihr klebte auf dem Fenster ein Warnhinweis: „Je monte avec, je descends avec“ – „Ich steige mit ein, ich steige mit aus“. Eine Aufforderung, die eigentlich für Gepäckstücke gedacht ist, aber in diesem Moment schien sie wie eine stille, fast poetische Anmerkung zu der Szene. Ein Schnappschuss, der nicht nur das Tier, sondern auch den besonderen Humor des urbanen Alltags in Paris festhält.

Le Marais

In einem der stilvollsten Viertel von Paris beginnt unser Morgen mit einem besonderen Frühstück. Paris und seine kulinarische Vielfalt sind beeindruckend: Die Bäckereien und Pâtisserien laden mit ihren Auslagen zum Verweilen ein, der Duft von frischem Gebäck liegt in der Luft und macht deutlich, warum die Stadt für ihre Esskultur weltberühmt ist.

Ihr Blick in Richtung Kamera ist durchdringend. Der Pfannenwender wirkt wie ein Messer, das sie in der Hand hält. Es verleiht der Szene eine merkwürdige Mischung aus Bedrohlichkeit und skurriler Entrücktheit.

Das verliebte Paar

Ich hatte mir gerade ein Croissant geholt, während Renato damit beschäftigt war, auf eine Frau zu warten, die er unbedingt porträtieren wollte. In diesem Moment fiel mir ein junges Paar auf: Hand in Hand liefen sie zügigen Schrittes die Straße hinab, so sehr in sich und ihre Welt versunken, dass sie alles um sich herum zu vergessen schienen. Ich hinterher, und sie liefen wirklich schnell. Außer Atem sprach ich sie schließlich an, machte ihnen Komplimente und erzählte, wie wunderbar ich es fand, sie so verliebt und glücklich durch Paris gehen zu sehen. Ich erklärte das ich ein Straßenfotograf aus Deutschland bin, und auf der Suche war nach genau solchen Momenten. Sie schauten sich kurz an, lächelten…. und sagten ja. Ich erklärte ihnen in wenigen Worten, was ich mir vorstellte, und machte dann eine kleine Serie von Bildern. Zum Abschied schenkte ich den beiden noch mein Leporello. Wir verabschiedeten uns herzlich, und als ich mich noch einmal umdrehte, sah ich, wie sie, immer noch Händchen haltend, hinter der nächsten Straßenecke verschwanden.

Ein paar Tage später schrieb mir Charles, der junge Mann, eine Nachricht. Ich konnte ihm die Bilder zuschicken – und er freute sich riesig darüber. Seine Worte rührten mich sehr:

“It looks so great 🥰 Thank you very much! Photos well received, thank you again so much! We are so lucky to have run into you that day!”

Für mich war es einer dieser wunderbaren Momente, in denen die Kamera eine Begegnung möglich macht, die ohne sie vielleicht nie stattgefunden hätte.

Der Mann am Café

Ein weiteres Porträt entstand an einem Café, wo ein älterer Mann saß. Schon von Weitem fiel er mir auf: das weiße Haar, die markante Brille die ihm fast eine theatralische Erscheinung verlieh. Sein Stil und seine Ausstrahlung machten sofort klar: Dies war jemand, der kein Problem damit haben würde, fotografiert zu werden. Also sprach ich ihn an. Für einen Moment zögerte er, als wolle er sich erst überreden lassen. Dann aber schenkte er mir ein leichtes Lächeln sagte: OK You can Do it!. Es war dieses kurze Innehalten, das dem Porträt für mich eine besondere Tiefe gibt als hätte er den Moment bewusst an sich herangelassen.

Liebe überall

An einer Straßenecke begegnete mir ein wunderschöner Moment: Ein Paar lief aufeinander zu, und als sie sich trafen, umarmten sie sich so innig, als hätten sie sich monatelang nicht gesehen. Dann folgte ein leidenschaftlicher Kuss dieser Moment grhörte nur ihnen. Ein Augenblick, der die Hektik der Straße für einen Moment vergessen ließ. Zum Glück konnte ich diesen Moment mit meiner Kamera einfangen und für immer festhalten.

Ein strahlendes Portrait

Ein weiteres Portrait, entstand als Renato gerade an einer sehr spannenden Storytelling Szene arbeitete: Ich sah in der ferne einen Mann mit hellem Hut und einem charakterstarken Gesicht. Ich musste mal wieder ein wenig schneller laufen um ihn einzuholen, da er gerade kurz vor mir die Straße überquerte. Als ich ihn ansprach, willigte er sofort ein. Sein Lächeln war entwaffnend, seine Augen strahlten vor Wärme und Lebensfreude. Er hatte es zwar eilig aber er nahm sich die Zeit für mich und schenkte mir ein paar Sekunden für eine kurzePortraitserie. Ich machte mehrere Bilder, jedes einzelne funktioniert für mich. Am Ende habe ich mich dann für dieses Bild entschieden:

Begegnungen in La Goutte d’Or

Mitten in den Straßen von La Goutte d’Or fiel mir eine Frau auf. Sie trug ihr Kind auf dem Rücken, und ihre Kleidung war farbenfroh, ausdrucksstark, voller Charakter. Ich fragte sie, ob ich ein Bild von ihr machen dürfe. Doch sie schüttelte den Kopf, lehnte freundlich, aber bestimmt ab. Also ging ich weiter.

Plötzlich sprach mich ein großer, kräftiger Mann an. Ob ich gerade versucht hätte, die Frau mit dem Kind zu fotografieren, wollte er wissen. Ich erklärte ihm, dass sie nicht wollte – und war schon im Begriff weiterzugehen. Doch er ging zurück zu ihr und fragte direkt: Warum nicht? Er ist Künstler aus Deutschland, sagte er. Er sprach mit ihr eine ganze weile, ich verstand jedoch das Gespräch zwischen den beiden nicht. Doch die Frau blieb bei ihrer Entscheidung, und er respektierte das. Als er zurückkam, sah er mich an und sagte in gebrochenem Deutsch: Dann mach ein Portrait von mir! Ich war überrascht, dass er Deutsch sprach – und noch mehr, als er mir erzählte, dass er fast ein dreiviertel Jahr in Karlsruhe gelebt und gearbeitet hatte. Verrückt, wie klein die Welt manchmal ist. Ich stellte mich auf die Zehenspitzen, um auf Augenhöhe mit ihm zu sein, zückte die Kamera und sagte: I come closer for a better portrait.

Das mache ich immer so denn ich liebe es, auch Portraits mit 35mm zu fotografieren. Die Nähe, die dabei entsteht, macht das Bild für den Betrachter unmittelbarer, greifbarer, fast körperlich spürbar. Ich machte drei, vier Bilder. Dann gab ich ihm meine Visitenkarte und sagte, er solle mir einfach schreiben, ich würde ihm das Bild gern schicken. Bis heute habe ich nichts von ihm gehört. Aber ich habe mir fest vorgenommen, all meine Paris-Porträts auszudrucken und bei meiner nächsten Reise mitzunehmen.

Die junge Fotografin

Wir liefen weiter, als mir eine junge Frau mit Kopftuch auffiel. Ihr Gesicht wirkte durch das Tuch besonders präsent. Sie war gerade dabei, mit ihren Freundinnen ein Auto auszuladen. In der Hand hielt sie eine Kamera mit Teleobjektiv.

Neugierig kam ich näher, und wir kamen ins Gespräch. Als ich sie fragte, ob ich ein Porträt von ihr machen dürfe, zeigte ich ihr mein Leporello. Ihre beiden Freundinnen eilten herbei. Begeistert blätterten sie durch die Bilder. "These pictures are from you?" fragte eine von ihnen… "WOW!"

Die beiden wollten sofort fotografiert werden. Ich ließ sie einfach auf dem Radweg auf mich zugehen, in Bewegung wirkt alles natürlicher. Sie liefen wie Models, völlig mühelos. Erst danach machte ich das Porträt, das ich ursprünglich im Kopf hatte: das der jungen Fotografin mit Kopftuch.

Im “afrikanische Viertel”, so haben Renato und ich diesen Stadtteil fortan genannt, hatten wir noch so einige Begegnungen. Alle aufzuzählen würde hier jedoch den Rahmen sprengen. Ein letztes Portrait von dort, habe ich jedoch noch für euch.

Der BOSS

Wir kamen an einem kleinen Gemischtwarenladen vorbei. Direkt davor, mitten auf dem Gehweg, saß ein Mann in einem alten Bürostuhl – entspannt, souverän, als gehöre ihm die ganze Straße. Er wirkte wie der ungekrönte Chef des Viertels. Ein kleines Detail bestätigte meine Vermutung: Auf seinem Hemdkragen stand in dicken Buchstaben der Schriftzug einer der bekanntesten Modemarken. BOSS.

La Goutte d’Or war für uns einer der intensivsten Orte dieser Reise. Laut, lebendig, direkt. Aber auch voller Begegnungen auf Augenhöhe. Hier ging es nicht um das perfekte Zusammenspiel von Licht und Schatten, perfekte Kompositionen oder spektakuläre Kulissen. Sondern um Nähe, Respekt und echte Momente.

Ich habe viel gesehen, viel gefühlt und vor allem: viel gelernt. Über das Fotografieren, über Menschen, über Schubladen und auch über mich selbst. Für den Rest des Abends war ich voller Gedanken. All die Begegnungen, Gesichter und Geschichten wollten erst einmal sacken. Obwohl wir noch viel gesehen haben, konnte ich an diesem Abend kaum weiteren Bilder mehr machen. Mein Kopf war voll, mein Blick satt.

Am nächsten Morgen war alles wieder klar. Ich war ausgeruht, wach und motiviert, weiter Bilder zu machen, weiter Geschichten zu entdecken. Es war bereits unser letzter Tag in Paris.

Nebel über dem Platz

Am letzten Tag kamen wir an einen Platz, der sofort eine besondere Atmosphäre verströmte. Aus kleinen Düsen im Boden stieg feiner Wasserdampf auf und legte sich wie ein Schleier über den Ort. Der Nebel schwebte in der warmen Luft, ließ Umrisse verschwimmen, Menschen auftauchen und wieder verschwinden, als befände man sich in einem Traum. Kinder rannten lachend hindurch Radfahrer und Hundebesitzer hatten auch ihren Spaß. Silhouetten kreuzten sich, verschwanden im Dunst. Die Szenerie war geheimnisvoll, fast filmisch. Für einen Moment stand die Zeit still und ich verweilte mindestens eine halbe Stunde an dem Ort um verschiedene Perspektiven zu testen. Paris zeigte sich noch einmal von einer völlig anderen Seite.

DAS MODEL

Auf der anderen Straßenseite fiel mir eine Frau sofort ins Auge. In dunkler, lässiger Kleidung und mit einer großen schwarzen Sonnenbrille lief sie parallel zu mir auf eine Ampel zu. Ihre Haltung, ihre Ausstrahlung – alles an ihr wirkte selbstbewusst und stark. Ein Model, dachte ich sofort.

Als sie die Straße überquerte, sprach ich sie an und fragte nach einem Porträt. Ohne Zögern willigte sie ein. Gemeinsam gingen wir ein Stück um die Ecke, unter die Markise eines Ladens, damit die grelle Mittagssonne keine störenden Spiegelungen in ihrem Gesicht hinterließ. Dort, im weichen Schatten, entstand ein Porträt, das ihre Ausstrahlung perfekt einfing.

Damit schließe ich meinen ersten Blogpost zum Thema Paris Portraits und Storytelling ab. Es war eine Reise voller Begegnungen, intensiver Momente und Geschichten, die ich so schnell nicht vergessen werde.

Im nächsten Teil, den ich in den kommenden Tagen veröffentlichen werde, nehme ich euch mit auf eine klassische Reisereportage durch Paris.

Wenn euch dieser Beitrag gefallen hat, freue ich mich über eure Kommentare, Gedanken und natürlich auch, wenn ihr den Blogpost liked oder teilt.

Dieses Bild entstand in der Nähe einer S-Bahn-Station. Ich hatte die Idee schon länger im Kopf: ein verliebtes Paar, eingefangen im Lichtkegel eines großen Lichtschachts, während hinter ihnen das rastlose Leben der Stadt in Bewegung verschwimmt. Als ich die beiden entdeckte, sprach ich sie gezielt an. Ihre Körperhaltung, ihre Nähe zueinander: das war genau das, was ich suchte. Ich führte sie an die Stelle, an der das Licht präzise fiel. Ein klar definierter, fast theatralischer Spot auf dem Boden. Ich erklärte dem Paar meine Idee und bat sie, für einen kurzen Moment still zu stehen. Mit einer Langzeitbelichtung ließ ich den Hintergrund verschwimmen. Die vorbeifahrenden Straßenbahnen lösten sich in Bewegung auf, zogen helle Schleier durch das Bild. Doch das Paar blieb scharf, klar, still. Ein Kontrast zwischen Rasanz und Ruhe, zwischen anonymer Stadt und Intimität. Es ging mir darum, ein Gefühl sichtbar zu machen: dass Liebe selbst inmitten urbaner Hektik einen eigenen Raum schafft: wenn man hinschaut und diesen Raum bewusst gestaltet.

Liebe ist mehr als ein Kuss

Wenn wir an Liebe im öffentlichen Raum denken, fallen uns vielleicht zuerst Paare ein, die sich umarmen oder küssen. Doch Liebe hat viele Gesichter. Ich sehe sie auch im Blick einer Mutter, die ihr Kind auf dem Arm trägt, in der Fürsorge zweier älterer Menschen, die sich gegenseitig stützen, oder in der Geste, wenn jemand einem Fremden die Tür aufhält – ganz ohne Erwartung.

Streetphotography lebt von der Beobachtung. Von der Fähigkeit, im scheinbar Banalen das Besondere zu erkennen. Wenn ich durch die Straßen ziehe, versuche ich nicht nach der spektakulärsten Szene zu jagen, sondern offen zu bleiben für das, was sich zeigt. Und immer wieder ist es Liebe, die sich wie ein leiser Unterton durch die urbane Kulisse zieht.

Zwischen Nähe und Distanz

Liebe im öffentlichen Raum ist auch ein Spiel mit Grenzen. Was zeigen wir? Was verbergen wir? Was geschieht im Schutz der Anonymität der Großstadt. Und was trauen sich Menschen nur dort, wo sie glauben, unbeobachtet zu sein?

In meinen Fotografien versuche ich, diese Spannung einzufangen. Es geht nicht um das voyeuristische Beobachten, sondern um das ehrliche Interesse am Menschen. Um Empathie. Um Respekt. Und um die stille Anerkennung dessen, was Liebe im Alltag bedeutet – gerade dort, wo sie nicht inszeniert, sondern gelebt wird.

Kapitel

1. Vom 85mm zum 24mm: eine persönliche Entwicklung

2. Der Blickwinkel macht den Unterschied

3. Nähe schafft Emotion

4. Klassische Porträtbrennweiten: 50mm & 85mm in der Geschichte

5. Wandel der Bildästhetik: Street Photography als Einfluss

6. Nicht mehr nur ein Trend: Elopement Wedding Photography

7. Weitwinkel & Social Media: Eine neue Bildsprache

8. Fazit: Der neue Standard

9. Ein Blick nach vorn: Erste Schritte mit 14mm

Lange Zeit war in meinem fotografischen Umfeld klar: Wer Porträts macht, greift zum 50mm oder 85mm. Diese Brennweiten galten, und gelten vielerorts noch, als „die Porträtbrennweiten“. Auch ich habe jahrelang fast ausschließlich damit gearbeitet. Der Bildlook: klassisch, schmeichelnd, mit weichem Bokeh und viel Abstand zum Motiv. Doch in den letzten Jahren hat sich meine Bildsprache stark verändert, und mit ihr auch meine Objektivwahl.

Ich arbeite heute fast ausschließlich mit 24mm und 35mm Festbrennweiten, vor allem mit dem Sony 24mm f1.4 GM, dem Sony 35mm f1.4 GM und für unterwegs auch sehr gern mit dem kompakten Sony 35mm f2.8 Zeiss. Warum ich das tue? Weil ich näher ran will. Weil ich Nähe spüren will. Weil ich echte Momente zeigen will – und weil ich finde, dass diese Brennweiten genau das möglich machen.

Der Blickwinkel macht den Unterschied

Der vielleicht offensichtlichste Unterschied liegt im Bildausschnitt: Mit 24mm oder 35mm bekomme ich mehr Kontext ins Bild. Das Umfeld der porträtierten Person wird zum Teil der Geschichte. Die Umgebung rahmt nicht nur das Gesicht ein, sie erzählt mit. Das ist besonders wertvoll bei Reportagen, Hochzeiten oder dokumentarischen Projekten, bei denen es um mehr geht als nur um ein schönes Lächeln und perfekte Proportionen.

Vor allem das 35mm hat sich für mich als wahres Arbeitstier etabliert. Es ist nah genug für intime Momente, aber weit genug, um Raum zu zeigen. Und genau da liegt für mich der Reiz: Der Betrachter hat das Gefühl, wirklich dabei zu sein. Die Bilder wirken unmittelbarer, authentischer, manchmal sogar roher – im besten Sinne.

Nähe schafft Emotion

Ein weiterer großer Vorteil der kurzen Brennweiten ist die physische Nähe, die sie beim Fotografieren erfordern. Ich kann nicht „aus der Ferne“ mit einem 85mm auf einen Moment warten. Ich muss dabei sein. Ich bin mittendrin – und diese Nähe spüren auch die Menschen vor meiner Kamera. Das verändert die Dynamik des Shootings: Aus einem distanzierten Porträt wird ein echtes Miteinander.

Das bedeutet natürlich auch, dass ich bewusster mit Verzerrungen umgehen muss – besonders beim 24mm. Aber genau das gefällt mir: Ich arbeite aktiv mit der Perspektive, mit Linien und Flächen, mit Nähe und Raum. Die Bilder bekommen dadurch eine visuelle Spannung, die ich bei klassischen Porträts oft vermisse.

Ein Blick zurück – und ein Wandel in der Gegenwart

Historisch gesehen dominierten in der Porträtfotografie lange Zeit die klassischen Brennweiten 50mm und 85mm. Die Tendenz hin zu weitwinkligeren Brennweiten in der Porträtfotografie ist ein verbreitetes Phänomen, vor allem in den letzten 10–15 Jahren. Besonders in der dokumentarischen Hochzeitsfotografie, der Street- und Editorialfotografie kann man eine bewusste Abkehr von den klassischen „Schönzeichnern“ wie 50mm und 85mm hin zu Brennweiten, die mehr Nähe, mehr Kontext und mehr Unmittelbarkeit ermöglichen beobachten.

Warum dieser Wandel?

1. Ästhetischer Zeitgeist: Die Sehgewohnheiten haben sich verändert. Wir leben in einer Zeit von Storytelling, Authentizität und dokumentarischer Bildsprache. Weitwinkel unterstützt genau das. Es reißt die Wand zwischen Fotografierenden und dem Motiv ein.

2. Technischer Fortschritt: Moderne Weitwinkelobjektive wie das Sony 24mm f1.4 GM oder das Sigma 35mm f1.4 DG DN sind optisch so gut korrigiert, dass man sich keine Sorgen mehr über übermäßige Verzeichnung machen muss – bei offener Blende ist das Bokeh weich und die Abbildungsleistung gestochen scharf.

3. Soziale Medien & Nähe: Viele Fotograf*innen wollen heute eine visuelle Nähe erzeugen, die sich auf kleinen Screens genauso gut „anfühlt“ wie gedruckt – auch das fördert kürzere Brennweiten.

Klassische Porträtfotografie: Die Ära der 50mm und 85mm

Historisch gesehen waren 50mm und 85mm tatsächlich die Go-to-Objektive vieler legendärer Porträtfotografinnen und Portraitfotografen. Hier ein paar Beispiele:

• Richard Avedon: Er arbeitete häufig mit einem 85mm Objektiv, besonders für seine ikonischen Studio-Porträts. Die Brennweite ermöglichte ihm, klassische Nähe zu schaffen, ohne zu verzerren.

• Steve McCurry: Der Magnum-Fotograf ist berühmt für seine Arbeiten mit einer Nikon und dem 85mm – z. B. für das legendäre Porträt des „Afghan Girl“.

• Annie Leibovitz: Auch sie nutzte über Jahrzehnte hinweg primär klassische Porträtbrennweiten wie 85mm – besonders bei ihren aufwendig inszenierten Editorial-Porträts.

Und heute?

Viele zeitgenössische Fotografinnen und Fotografen, besonders in der Hochzeits- und Lifestylefotografie, nutzen heute bevorzugt 35mm, 28mm oder gar 24mm:

• Fer Juaristi (Wedding): Sehr dynamische Bildsprache mit 24mm–35mm, bewusst aus der Bewegung heraus fotografiert.

• Peter McKinnon (Lifestyle & Portrait): 35mm ist seine "everything lens", wie er es selbst nennt.

• Tyler Rye (Elopement Photography): Viel 24mm/35mm, weil der Kontext der Landschaft eine große Rolle spielt.

Ich finde das die klassische Bildsprache von 50mm/85mm zunehmend durch eine direktere, emotionalere Ästhetik ersetzt wird. Die Grenzen zwischen Porträt, Reportage und Editorial verwischen, und kürzere Brennweiten unterstützen genau das.

Der Einfluss der Street Photography auf unsere heutige Bildsprache

Ein wesentlicher Grund für den Wandel hin zu weitwinkligeren Brennweiten – nicht nur in der Porträtfotografie, sondern allgemein in der dokumentarischen und reportagestarken Bildästhetik liegt in der Prägung durch die klassische und moderne Street Photography. Die Nähe zum Geschehen, das ungestellte Moment, das Zusammenspiel von Mensch und Umgebung all das sind Prinzipien, die heute immer mehr auch in Hochzeitsreportagen oder redaktionellen Porträts auftauchen. Viele visuelle Codes, die wir heute auf Instagram oder in Magazinen sehen, gehen auf die Pionierarbeit einiger bedeutender Fotograf*innen zurück:

• Henri Cartier-Bresson (50mm): Mit seiner Leica und dem legendären 50mm-Objektiv gilt er als Vater des „entscheidenden Moments“ („decisive moment“). Seine Bilder sind nie rein porträthaft, sondern zeigen Menschen im Kontext – mit Betonung auf Licht, Linien und Timing. Obwohl er häufig mit 50mm arbeitete, ist sein Einfluss auf die visuelle Nähe und Intimität, die heute durch 35mm oder 24mm entsteht, kaum zu überschätzen.

• Joel Meyerowitz (35mm): Einer der ersten, der konsequent mit Farbe arbeitete und dabei das 35mm-Objektiv nutzte, um mitten im Leben zu stehen. Seine Bilder kombinieren komplexe Kompositionen mit ruhiger Beobachtung. Er steht für eine neue visuelle Offenheit, für Ordnung im Chaos und für eine Street Photography, die sowohl intuitiv als auch durchdacht ist.

• Vivian Maier (35mm): Ihre Rolle als unentdeckte Chronistin des Alltags wurde erst posthum gewürdigt. Sie arbeitete mit einer Rolleiflex (Mittelformat, eher klassische Bildwirkung), aber ihre Nähe zu Menschen und ihre Perspektive aus der Hüfte wirken unglaublich modern. Ihre Arbeit zeigt eindrücklich, wie sehr Umgebung und Subjekt miteinander verbunden sind – ein zentrales Element in der heutigen Weitwinkelfotografie.

• Robert Capa (35mm): Der Satz „If your pictures aren’t good enough, you’re not close enough“ stammt von ihm – und ist im Grunde das Credo der Weitwinkelfotografie. Capa arbeitete oft mit 35mm und ging mit der Kamera mitten ins Geschehen. Seine Kriegsfotografie zeigt, wie körperliche Nähe visuelle Dringlichkeit erzeugt – ein Prinzip, das viele heutige Fotograf*innen in zivileren Kontexten (Hochzeit, Reportage, Alltag) adaptieren.

• Saul Leiter: Zwar ein Sonderfall, aber für die heutige Bildästhetik enorm prägend. Leiter arbeitete oft mit Teleobjektiven, aber seine Kompositionen – mit Reflektionen, Farbflächen, zerschnittenen Formen – prägen viele Instagram-Feeds bis heute. Er bewies, dass Street Photography auch leise und poetisch sein kann. Sein Einfluss auf den visuellen Mut zur Unvollständigkeit ist groß.

• Alex Webb (28mm & 35mm): Meister des komplexen Weitwinkels. Seine Bilder zeigen mehrere Ebenen gleichzeitig – Farben, Licht, Körper, Bewegung. Seine Ästhetik ist chaotisch und präzise zugleich, voller Dynamik. Viele heutige Hochzeits und Eventfotografen/fotografinnen lassen sich bewusst oder unbewusst von seinem Stil beeinflussen.

• Bruce Gilden (28mm & 35mm): Berüchtigt für seine radikale Nähe, oft mit Blitz und 28mm direkt ins Gesicht der Menschen. Seine Street Portraits sind konfrontativ, gnadenlos direkt. Auch wenn sein Stil polarisiert, zeigt er, wie Weitwinkel eine enorme Wucht entfalten kann. Gilden bringt einen Aspekt ins Spiel, der heute auch in sozialen Medien eine Rolle spielt: Authentizität, Direktheit, manchmal auch Provokation.

Viele Fotografinnen und Fotografen von heute arbeiten bewusst oder intuitiv, in dieser Tradition: Sie stehen in der Fußgängerzone mit einem Weitwinkel statt am Studioblitz mit einem Tele. Und das hinterlässt Spuren: auch in der Bildästhetik.

Nicht mehr nur ein Trend: Elopement Wedding Photography

Elopement Photography hat in den letzten Jahren enorm an Popularität gewonnen. Nicht nur als Reaktion auf pandemiebedingte Einschränkungen, sondern als bewusste Entscheidung vieler Paare für ein intimes, persönliches und oft naturverbundenes Hochzeitserlebnis. Dabei geht es nicht mehr um große Bühnen oder aufwändige Inszenierungen, sondern um Authentizität, Spontaneität und Nähe. Sowohl emotional als auch physisch.

Dieser Wandel zeigt sich auch in der Bildsprache. Viele Elopement-Fotografinnen und Fotografen setzen gezielt auf Weitwinkelobjektive, wie 24mm oder 35mm, um nicht nur das Paar, sondern auch die Umgebung, das Licht und die Atmosphäre in die Erzählung einzubeziehen. Der enge Kontakt, das Gefühl des „Dabeiseins“ und das Erzählen in Kontexten statt in klassischen Portrait-Isolationen wird durch diese Brennweiten möglich.

Während früher 50mm oder 85mm als Standard für Hochzeits- und Porträtfotografie galten, auch wegen ihrer schmeichelnden Perspektive und des beliebten Bokehs, hat sich die Elopement-Fotografie ganz bewusst von dieser Ästhetik entfernt. Statt weicher Hintergrundunschärfe geht es heute oft um raumgreifende Bildkompositionen, expressive Lichtstimmungen und dynamisches Storytelling. Fotografinnen wie The Foxes, Breeanna Lasher oder Daniela Vallant zeigen eindrücklich, wie kraftvoll diese neue Weitwinkelästhetik sein kann.

Auch ich merke, wie sehr mich dieser Stil inspiriert. Die Nähe, die ich mit 24mm oder 35mm in Porträts herstellen kann, das Gefühl direkt dabei zu sein passt perfekt zu einer intimen Erzählweise, wie sie die Elopement-Fotografie heute verkörpert.

Weitwinkel & Social Media: Eine neue Bildsprache

Instagram, TikTok & Co. haben den Wunsch nach Echtheit, Nähe und Storytelling beschleunigt. Die visuelle Ästhetik der sozialen Medien ist geprägt von Schnelligkeit, Präsenz und unmittelbarer Emotionalität – und genau das liefern 24mm und 35mm auf der Kameraebene. Der „saubere“, weichgezeichnete 85mm-Look wirkt im Feed oft zu inszeniert, zu glatt – während ein leicht verzerrtes, offenes 35mm-Bild mit echter Interaktion oder spontaner Geste mehr erzählt und näher wirkt.

Ein neuer Standard

Natürlich haben 50mm und 85mm ihre Berechtigung. Gerade wenn es um klassische Beauty-Porträts oder Headshots geht, sind sie oft die bessere Wahl. Aber sie schaffen eben auch Distanz – räumlich wie emotional. Wer sich nach einer moderneren, dokumentarischeren Ästhetik sehnt, sollte die weitwinkligeren Alternativen nicht scheuen.

Ich empfinde 24mm und 35mm längst nicht mehr als „ungewöhnlich“ für Porträts, sie sind mein neuer Standard. Sie ermöglichen eine Bildsprache, die näher, mutiger und erzählerischer ist. Sie zeigen nicht nur, wie jemand aussieht, sondern auch, wo er ist, was ihn umgibt, was er fühlt.

Und genau das macht für mich heute ein gutes Porträt aus.

Die heutige Bildästhetik liebt das Unmittelbare. Und genau das liefern 24mm und 35mm – nicht glatt, sondern echt. Nicht distanziert, sondern mittendrin. Vielleicht ist das keine Revolution, aber definitiv ein leiser, stetiger Wandel in der Art, wie wir Menschen fotografieren.

Noch ein Schritt weiter: Erste Experimente mit 14mm

Ganz neu wage ich mich gerade noch weiter in den Weitwinkelbereich vor. Seit Kurzem sammle ich erste Erfahrungen mit dem Sony 14mm f1.8 GM, ein echtes Spezialobjektiv, das sowohl technisch als auch gestalterisch neue Herausforderungen mit sich bringt. Die Möglichkeiten, die sich damit eröffnen, sind enorm, aber sie brauchen Zeit. Zeit für Experimente, für das richtige Motiv, für den richtigen Moment. Ich bin gespannt, wohin diese Reise führt. Später im Jahr werde ich einen eigenen Blogpost dazu schreiben, über Perspektivverzerrung, kreative Freiheit und die Frage, wie weit man beim Porträt eigentlich gehen kann. Das wird spannend!

Literatur zum Thema

Brennweiten & Bildgestaltung

• Michael Freeman: Der fotografische Blick
  Klassiker über Bildkomposition, Perspektive und visuelle Sprache. Hilfreich für das Verständnis, wie Weitwinkel Bildinhalte beeinflusst.

• David duChemin: Within the Frame
  Fokus auf Storytelling, Kontext und bewusste Gestaltung.

• Chris Marquardt: Weitwinkelfotografie

  Mit informativen Texten undpassenden Fotos zeigt der Autor die Vorzüge und Tücken der Weitwinkelfotografie.

Porträt- und Street Photography

• Bruce Gilden: Facing New York
  Extrem nah dran, konfrontativ. Ein Lehrstück in mutiger Bildsprache, meist mit Weitwinkel.

• Joel Meyerowitz: How I Make Photographs
  Persönlicher Einblick in Meyerowitz’ Umgang mit Licht, Farbe und Brennweiten.

• Henri Cartier-Bresson: The Mind’s Eye
  Essays über visuelles Denken, Timing und Komposition. Besonders für den dokumentarischen Aspekt relevant.

• Saul Leiter: Early Color
  Ein poetischer Zugang zur Street Photography mit 35mm.

Ich war gerade auf dem Heimweg, nur noch ein paar Meter von meiner Haustür entfernt, als ich ihn sah: einen Mann mit einem auffälligen Hut, gekleidet wie ein Freiheitskämpfer aus der Zeit Che Guevaras – mit Jacke, markanter Ausstrahlung und einem Bart, der sofort ins Auge fiel.

Instinktiv fuhr ich rechts ran, sprang aus dem Auto und lief ihm hinterher. Als ich ihn einholte, sprach ich ihn auf Englisch an – irgendwie fällt es mir leichter, Fremde in einer anderen Sprache anzusprechen, …auf Englisch.

Er war zunächst skeptisch, sah mich ein wenig ungläubig an. Doch dann zeigte ich ihm mein Leporello, in dem einige meiner besten Straßenporträts zu sehen sind. Ich erklärte ihm, wie spannend ich seine Erscheinung fand, den Hut, die Kleidung, sein ganzes Wesen.

Ein kurzer Moment der Stille, dann ein leichtes Nicken. Er willigte ein und ich durfte ein paar Fotos machen.

Die Zeit war knapp, ich wollte ihn nicht lange aufhalten. An meiner Kamera war das 135mm Objektiv montiert, also musste ich ein paar Schritte zurücktreten, um den richtigen Abstand für das Porträt zu bekommen.

Er trug eine Jacke, auf der ein kleiner Aufdruck wie ein Namensschild zu sehen war: „Jah Love“ stand darauf. Dieser Schriftzug stammt aus der Rastafari-Kultur und bedeutet so viel wie „Gottes Liebe“. „Jah“ ist die Kurzform von „Jahweh“, dem biblischen Namen für Gott. „Jah Love“ steht für eine spirituelle Lebenshaltung: für Respekt, Mitgefühl, und eine tiefe Verbundenheit mit allem Leben. Diese Botschaft passte perfekt zu seiner Erscheinung. Wie ein stilles Statement, das seine Ausstrahlung noch verstärkte.

Das ganze ist jetzt ungefähr einen Monat her. Ich habe diesen Mann seitdem nie wieder gesehen. Er hat sich leider nicht bei mir gemeldet. Für den Fall, dass ich ihm noch einmal begegne, habe ich ein gedrucktes Bild von ihm immer in meiner Fototasche dabei.

Manchmal genügt ein einziger Moment. Direkt vor der eigenen Haustür. Und manchmal hofft man, dass dieser Moment irgendwann eine Fortsetzung findet.

Polarlichtjägerinnen und Sternenfotografie

Vor Ort waren Micha und ich ich nicht allein. Am See wartete bereits Constanze Kempa (Link zu Flickr) auf uns, eine Natur-, Landschafts,- & Polarlichtfotografin. Es war faszinierend, wie viel sie über dieses natürliche Lichtspiel erzählen konnten. Ihre Leidenschaft und ihr Wissen steckten mich an, und ich begann, das ganze Erlebnis mit anderen Augen zu sehen. Polarlichter entstehen, wenn geladene Teilchen der Sonne auf die Erdatmosphäre treffen und diese zum Leuchten bringen. Was normalerweise unsichtbar bleibt, zeigt sich in diesen seltenen Momenten in grünen und violetten Schleiern. Als wir unsere Stative auf einem kleinen Steg aufbauten, gesellte sich eine weitere Fotografin zu uns. Rebekka Lorz (Link zu Instagram) wusste auch sehr viel über Polarlichter und machte diese Nacht alle Bilder mit ihrem Smartphone.

Ein See als perfekte Kulisse

Der See war perfekt, weil wir die Polarlichter nicht nur am Himmel, sondern auch als Spiegelung im Wasser festhalten wollten. Eine wirklich magische Kulisse, die für noch intensivere Bilder sorgen sollte. Die Wasseroberfläche war nahezu glatt, sodass die Reflexionen der grünen und violetten Lichter wie ein zweiter Himmel wirken sollten, so war der Plan. Allerdings ging der nicht so auf wie ich es mir erhofft hatte, denn die Spiegelung kam nicht so gut rüber wie geplant. Dennoch war ich bereits am Anfang sehr beeindruckt von den tollen Farben am Himmel.

Polarlichter mit bloßem Auge sichtbar

Am meisten erstaunt war ich jedoch darüber, dass die Polarlichter mit bloßem Auge sichtbar waren. Ich hatte immer gedacht, sie seien nur auf Kameradisplays wirklich zu erkennen. Doch an diesem Abend tanzten die Lichter klar und deutlich vor uns über den Himmel. Ein Moment, der sich für immer in mein Gedächtnis eingebrannt hat.

Timelapse

Irgendwann kam ich auf die Idee, ein Video des Naturschauspiels zu machen. Da ich sowas noch nie vorher gemacht hatte, wusste ich anfangs nicht wie ich das anstellen soll. Allerdings ist die Bedienung der kleinen Sony A7cii nahezu selbsterklärend. Für Timelapsevideos gibts nen extra Schalter: Jetzt nur noch übers Display die Auslösezeit der jeweiligen Bilder einstellen. Fertig. Total Easy!

Polarlichter Timelapse

Fazit: Ein Abend, der bleibt

Manchmal muss man sich einfach überwinden, um besondere Erlebnisse zu sammeln. Hätte Micha nicht so beharrlich überredet, wäre mir dieses Naturwunder entgangen. Polarlichter in unseren Breitengraden zu erleben und zu fotografieren – das war wirklich einzigartig. Dieser Abend hat mir gezeigt, wie wichtig es ist, die Kamera zu packen, rauszugehen und der Natur zu vertrauen. Sie hält die schönsten Überraschungen bereit. Und ja, ein bisschen Zähneklappern gehört manchmal einfach dazu.

Ein besonderer Dank geht an Constanze für ihre vielen Tipps rund um das Fotografieren dieses Naturschauspiels. Ich freue mich schon jetzt auf ein weiteres Treffen. Vielleicht ja beim nächsten Kälteabenteuer – mit Thermoskanne und doppelt so vielen Socken.

Hier ein paar Bilder der anderen aus der Gruppe:

In Weimar-Nord steht ein bemerkenswertes Projekt, das sich den oft missverstandenen Stadtbewohnern widmet: den Stadttauben. Am Taubenhaus kümmert sich ein engagiertes Team der Stadttaubenhilfe Weimar um die Tiere, die zwar zum Stadtbild gehören, aber oft als Störfaktor und Krankheitsüberträger verkannt werden. Melissa Böhme, Vorstandsmitglied der Stadttaubenhilfe Weimar, erzählt im Interview über die Aufgaben und Herausforderungen ihrer Arbeit, den Nutzen des Taubenhauses und die Wünsche für die Zukunft des Projekts.

Das Taubenhaus wird mehrmals pro Woche  von einem sogenannten „Taubenwart“ betreut. Dieser kümmert sich um die Versorgung und Pflege der Tiere und stellt sicher, dass die Umgebung sauber und die Tauben gesund bleiben. Böhme erklärt: „Im Taubenhaus werden die Futterrinnen und Wasserglocken regelmäßig aufgefüllt, die Nistzellen gesäubert und gelegte Eier gegen Attrappen ausgetauscht.“ Der Eiertaustausch ist eine wesentliche Maßnahme, um die Taubenpopulation zu kontrollieren, ohne die Tiere zu gefährden. Durch diesen artgerechten Eingriff kann das Stadtleben für alle Beteiligten harmonischer gestaltet werden, indem das unkontrollierte Nisten und Brüten eingeschränkt wird.

Das Taubenhaus selbst bietet den Tieren Schutz und Nahrung, sodass sie nicht gezwungen sind, auf Balkonen, Dachrinnen und in Innenhöfen Unterschlupf zu suchen. Dies trägt wesentlich dazu bei, dass die Belästigung und Verschmutzung in diesen Bereichen verringert wird. In Weimar gibt es derzeit drei solcher Taubenhäuser – eines in Weimar-Nord, eines am „mon ami“ und eines in Weimar-West. Das Konzept eines Taubenhauses mag für Außenstehende vielleicht ungewöhnlich wirken, aber es hat viele Vorteile. „Durch das Taubenhaus können wir die Tauben aus den Wohnbereichen in ein kontrolliertes Umfeld bringen,“ erläutert Böhme. Die Tiere erhalten hier ein sicheres Zuhause und die Möglichkeit, sich artgerecht aufzuhalten, während ihre Population kontrolliert wird. Ein Taubenhaus lenkt die Tauben an einen festen Ort und beugt so vor, dass sie unkontrolliert auf Balkonen oder in Innenhöfen nisten.

Zusätzlich erlaubt die zentrale Versorgung, die Gesundheit der Tiere besser im Blick zu behalten. Wenn eine Taube krank ist oder eine Verletzung hat, kann sie schnell behandelt werden. „Viele Menschen denken, Tauben übertragen Krankheiten, aber das ist ein Irrglaube. Tauben verbreiten nicht mehr Krankheiten als streunende Katzen oder andere Wildvögel“, klärt Böhme auf. Böhme selbst kam zur Stadttaubenhilfe, als sie eine verletzte Taube fand und sich fragte, wie sie dem Tier helfen könnte. Nach einer Recherche fand sie die Stadttaubenhilfe Weimar und entschied sich, ehrenamtlich beizutreten. „Ich merkte schnell, wie wichtig die Arbeit der Stadttaubenhilfe ist und dass dringend Hilfe gebraucht wird“, sagt sie. Ehrenamtliches Engagement bildet das Rückgrat des Projekts, denn ohne die Zeit und Mühe der freiwilligen Helfer wäre die Versorgung der Tiere nicht möglich. Das Engagement bringt jedoch auch Herausforderungen mit sich. „Wir sind immer auf der Suche nach neuen Helfern“, so Böhme. „Gerade weil es sich um ein Ehrenamt handelt, haben alle nur begrenzt Zeit, und zusätzliche Unterstützung ist immer willkommen.“

Neben der regelmäßigen Betreuung der Taubenhäuser übernimmt das Team der Stadttaubenhilfe auch Einsätze in der Stadt: „Wir bekommen oft Anrufe von Anwohnern, die Taubennester auf ihren Balkonen oder in Innenhöfen melden. Dann versuchen wir, die Eier gegen künstliche Attrappen auszutauschen, um eine übermäßige Population zu verhindern,“ erklärt Böhme. In der Arbeit mit den Tauben entwickeln die Helfer oft eine enge Bindung zu den Tieren, und jede Taube hat ihre eigene Geschichte. So erzählt Böhme von „Elektra“, einer Taube, die über Monate hinweg am Weimarer Bahnhof beobachtet wurde und immer wieder humpelnd gesehen wurde. Trotz vieler Versuche gelang es dem Team lange nicht, das Tier einzufangen, bis es schließlich am Tag der Landtagswahlen durch Zufall glückte. „Wir nannten sie Elektra, weil es am Wahltag war“, erinnert sich Böhme. Aufgrund ihrer Verletzungen musste Elektra operiert werden, und heute lebt sie in der „Handicap-Voliere“ der Stadttaubenhilfe, wo sie ihren Lebensabend in sicherer Umgebung verbringen kann.

Für die Zukunft wünscht sich die Stadttaubenhilfe Weimar einen weiteren Taubenschlag in Weimar-Nord. „Wir merken, wie gut das Konzept funktioniert und wie positiv sich das Taubenhaus auf den Stadtteil auswirkt. Mit einem weiteren Taubenhaus könnten wir noch mehr Tauben betreuen und den Menschen helfen, die unter den Verschmutzungen leiden,“ sagt Böhme. Neben dem Platz für ein weiteres Taubenhaus ist die Organisation dringend auf Spenden angewiesen, um die Versorgung der Tauben zu finanzieren. „Wir haben eine Amazon-Wunschliste, aber auch Geldspenden sind willkommen, da wir uns ausschließlich über Spenden finanzieren,“ erklärt Böhme. Die Stiftung Wohnen Plus , auf deren Gebäude der Taubencontainer Steht, unterstützt das Projekt in Weimar-Nord finanziell und Logistisch, betont Böhme.

Die Arbeit der Stadttaubenhilfe Weimar zeigt, wie viel Engagement und Fürsorge das Leben in einer Stadt bereichern können. Durch den Einsatz des Teams haben die Stadttauben nicht nur einen sicheren Ort, sondern auch die Bewohner Weimars profitieren von weniger Verschmutzungen und einer besser kontrollierten Taubenpopulation. Das Projekt ist ein gutes Beispiel dafür, wie aus Tierliebe und Ehrenamt etwas Sinnvolles entsteht, das das Stadtbild prägt und das Leben in Weimar noch lebenswerter macht.

Für die Bilder kam die Sony A7cII und die A9 zum Einsatz. Objektive: Viltrox 16mm f1.8 & Sony 24mm F1.4GM

Unterstützung für die Stadttaubenhilfe: (LINKTREE)

Ich bedanke mich nochmals bei Frau Böhme dafür, das sie sich die Zeit für das Interview genommen hat. Ein Auszug dieses Interviews wird in der Ausgabe 3/2024 des NordMAGAZIN erscheinen.

Tauben als Symbol

Taubenportraits

Das erste Portrait

Ich traf mit circa einer Stunde Verspätung gegen 10:30 Uhr in Zürich ein. Renato und Jens warteten schon auf mich. Da es noch so früh am Tag war, und wir weder ins Hotel einchecken wollten, noch konnten, verstauten wir in einer der vielen Gepäckfächer unsere Taschen und Koffer und machten uns mit der Kamera in der Hand in Richtung Hauptausgang des Bahnhofs. Dort angekommen hatte ich meine erste Begegnung des Kurztrips, mit einem sehr netten Touristen aus Indien. Er fragte mich, ob ich von ihm ein Bild vor der Kulisse des Bahnhofsgebäudes machen würde. Natürlich fragte ich ihn auch gleich, ob ich von ihm ein Portrait machen darf. 

Die Universität

Eines unserer ersten Ziele sollte das Uni-Gebäude mit seiner spektakulären Innenarchitektur sein. Vorbei an vielen Einkaufsstraßen sehr Exquisiten und teuren Geschäften und einigen Absperrungen durch die gerade stattfindende Rad-WM, kamen wir nach 1-2 Stunden hier an. Von Innen bot das Gebäude eine Kulisse, wie man sie vielleicht vom Pergamon-Museum in Berlin kennt, und nicht in einer Uni vermuten würde. Beeindruckend.

Bibiliothek

Die Universitätsbibliothek beeindruckt mit ihrer markanten spiralförmigen Architektur. Glas, Stahl und helles Holz schaffen einen modernen, lichtdurchfluteten Raum. Die offene, zylindrische Struktur vermittelt ein Gefühl von Ordnung und Klarheit, das perfekt zur ruhigen Lernatmosphäre passt.

Nur ein Bild

Am nächsten, trüben und verregneten Tag konnte ich nur eingeschränkt fotografieren, da ich mir den Fuß verstaucht hatte. Mega ärgerlich! Ich hoffte das ich am Sonntag wieder Fit sein werde, und vor allem auf besseres Wetter.

Die letzten Stunden

Das Wetter war am Sonntag dann tatsächlich sehr viel Besser, und mein verstauchter Fuß schmerzte etwas weniger. Das viele Kühlen hatte was gebracht. Am Morgen trafen wir auf Samuel und  gingen erstmal in ein Cafe um unsere mitgebrachten, gedruckten  Bilder auszutauschen. Danach zogen wir jeder für sich los, um für wenige Stunden die Stadt zu erkunden. Bis zur Rückreise konnte ich noch einige Bilder in der Stadt machen.

Auch wenn die Ausbeute an Bildern an diesem Wochenende eher gering war, hatte ich doch wirklich sehr viel Spaß in Zürich. Nicht zuletzt durch die Fotofreunde Renato und Jens, und später dann auch Samuel. Wir konnten uns alle sehr gut auf das Thema Streetphotography fokussieren und haben nicht nur über dieses Thema intensiv Erfahrungen austauschen können. Mit seiner Mischung aus urbanem Flair und historischen Elementen bietet die Stadt eine tolle Kulisse für Straßenfotografie. Zürich überraschte mich vor allem  mit der modischen Vielfalt und den ausgefallenen Kleidungsstilen seiner Menschen. Es war, als ob die Straßen der Stadt ein permanenter Laufsteg wären. Eines ist sicher: irgendwann komme ich hierhin zurück.

Friends

Galerie

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Am 11. August 2024, dem Jahrestag der Weimarer Verfassung, fand in Weimar eine Tanzveranstaltung auf dem Theaterplatz statt, die nicht nur an die historischen Ursprünge dieses Tages erinnerte, sondern auch  die Verbindung verschiedenster gesellschaftlicher Gruppen in den Mittelpunkt stellte. Der Tanz, wie schon in den Jahren 1919 und 1921, wurde für alle anwesenden zu einem verbindenden Symbol für das Miteinander in einer vielfältigen Gesellschaft.

Im Zentrum der Veranstaltung stand die Idee, dass Demokratie nicht nur ein politisches Konstrukt ist, sondern vor allem im Zusammenleben der Menschen zum Ausdruck kommt. Musik und Tanz fungierten als verbindendes Element, das die Teilnehmer unabhängig von ihren Unterschieden in einem kollektiven Erlebnis vereinte. In einer Zeit, in der gesellschaftliche Spaltungen und politische Polarisierung oft im Vordergrund stehen, setzte diese Veranstaltung ein Zeichen für das gemeinsame Erleben und die Kraft der Gemeinschaft.

Im Vorfeld der letzten Landtagswahl hatte es in Weimar bereits zahlreiche Initiativen und Events gegeben, die von der Zivilgesellschaft organisiert wurden, um klarzumachen: Es geht darum, gemeinsam für ein „Miteinander“ einzutreten, statt sich gegeneinander ausspielen zu lassen. Die Tanzveranstaltung am Verfassungstag war Teil dieser Bewegung. Sie brachte Menschen zusammen, die unterschiedlicher kaum sein konnten, aber alle die gleichen Werte von Freiheit und Demokratie teilten.

Musik und Tanz, als universelle Ausdrucksformen, haben die bemerkenswerte Fähigkeit, die Grenzen von Herkunft, Alter und Weltanschauung zu überwinden. Die Vielfalt der Musikstile, die von der bekannten Weimarer Streetworkerin und DJ "SCHUCHI” gespielt wurden reichten von klassisch über traditionell bis modern schuf an diesem Abend eine offene und elektrisierende Atmosphäre.

Musik beeinflusst nachweislich die Stimmung der Menschen und spielt eine entscheidende Rolle bei der Steuerung von Emotionen. Studien zeigen, dass rhythmische Klänge und gemeinschaftliche Bewegungen Endorphine freisetzen, die Freude und Glück erzeugen. In solchen intensiven Momenten erleben die Teilnehmer eine art kollektive Ekstase und entwickeln physische Verbindungen, die Vertrauen und Empathie fördern.

Die körperlichen Ausdrucksformen, die durch die Musik geschaffen werden, überbrücken kulturelle Unterschiede und lenken die Aufmerksamkeit auf das Gemeinsame. Diese gemeinschaftlichen Erfahrungen helfen uns Menschen, sich in einer gemeinsamen Identität zusammenzufinden, was Isolation und Entfremdung verringern kann. In Zeiten gesellschaftlicher Spannungen sendet dies ein starkes Signal für Zusammenhalt und Gemeinschaft.

So wurden das Tanzfest zu einem tiefgründigen Symbol für das, was die Demokratie zusammenhält: Vielfalt und den Willen, in einen Dialog zu treten, anstatt sich gegeneinander auszuspielen. In dieser besonderen Atmosphäre, des gemeinsamen Feierns, wurde die politische Idee einer demokratischen Gesellschaft nicht nur theoretisch, sondern als emotionales und erlebbares Gefühl des Miteinanders greifbar.

In einer Stadt, die so viel Geschichte in sich trägt, wurde an diesem Tag deutlich, wie kraftvoll und verbindend gemeinsames Erleben in einer Gesellschaft sein kann. Ich war noch Tage danach tief Bewegt von diesem Ereignis. Selbst jetzt, beim verfassen dieses Blogposts, einige Wochen später muss ich immernoch an diese intensiven Momente denken. Ich wünschte das noch mehr Menschen das gleiche fühlen könnten was ich in diesen Stunden erlebt habe. Die Energie, das Lachen und die Freude der Menschen, die zusammenkamen, um zu feiern und sich auszutauschen, haben einen bleibenden Eindruck bei mir hinterlassen. Diese Momente sind es, die im Leben zählen und die uns manchmal auch unsere Sorgen, Ängste und Probleme neu sortieren lassen.

Die Straßen von Weimar erzählten an diesem Tag eine Geschichte, die weit über die Grenzen der Stadt hinausreicht. Es ist die Geschichte von uns allen, die in dieser Welt nach einem Platz suchen, an dem wir gehört und respektiert werden. Dieser Platz ist dort, wo wir einander mit offenen Herzen begegnen.

In unserem Stadtteil sieht man solche außergewöhnlich gekleideten Menschen selten, was die Begegnung umso spannender machte.

Als ich mich der Gruppe näherte, sprach ich sie auf Englisch an und fragte begeistert, ob ich ein paar Fotos von ihnen machen dürfe. Doch sie schienen mich nicht zu verstehen. Eine Frau in der Gruppe lächelte und sagte zu mir: "Sie sprechen kein Englisch, sie kommen aus Paris. Aber sie verstehen ein wenig Deutsch."

Erleichtert erklärte ich ihnen kurz auf Deutsch, wer ich bin und was ich mache. Dabei drückte ich so gut es ging meine Begeisterung für ihre farbenfrohe Kleidung und ihren einzigartigen Stil aus und erklärte kurz wie sie sich positionieren sollten. Die Gruppe war sofort einverstanden und stellte sich in verschiedenen Posen auf.

Nachdem ich einige Fotos gemacht hatte, bedankte ich mich herzlich bei ihnen. Ich gab ihnen ein Leparello von mir und verabschiedete mich. Ein paar Tage später meldeten sie sich bei mir, und ich schickte Ihnen die Bilder. Dieses kurze, aber besondere Erlebnis erinnerte mich einmal mehr daran, warum ich Street Photography so liebe: die unerwarteten Begegnungen und die Möglichkeit, besondere Momente festzuhalten.

Manchmal lohnt es sich an Orte zurückzukehren, von denen man glaubte, man habe dort schon alles gesehen. Die Anzeigetafel flackert, die Uhr tickt unaufhörlich, Verbindungen werden geknüpft, Abschiede genommen, Herzen schlagen schneller, Tränen fließen. Ich habe in den letzten Tagen versucht, einige dieser  Augenblicke mit meiner Kamera an diesem Ort des Ankommens und des Abschieds festzuhalten.

Heute möchte ich euch einen Einblick in meine Arbeit als Hochzeitsfotograf geben. Ich liebe es, Hochzeiten zu fotografieren, denn es gibt kaum einen anderen Anlass, der so viele schöne, lustige und berührende Momente bietet. Ich begleite die Brautpaare meist den ganzen Tag, vom Getting Ready am Morgen bis zur Party am späten Abend. Dabei bin ich immer auf der Suche nach den besonderen Augenblicken, die den Tag unvergesslich machen.

Meine Hochzeitsreportagen sind sehr vielfältig, denn jede Hochzeit ist anders. Ich fotografiere sowohl traditionelle als auch moderne, kreative oder alternative Hochzeiten. Ich passe mich dem Stil und den Wünschen der Brautpaare an und versuche, ihre Persönlichkeit und ihre Geschichte in den Bildern widerzuspiegeln. Dabei achte ich auch auf die kleinen Details, die oft viel über die Liebe und die Stimmung aussagen.

Dieser besondere Tag im Leben des Paars ist voller Emotionen, spannender und witziger Momente, aber auch voller Herausforderungen für einen Fotografen. Ich muss immer bereit sein, schnell zu reagieren und interessante Szenen zu sehen oder vorherzusehen, zu erkennen was als nächstes passiert und wo es sich vielleicht nicht lohnt zu warten. Ich muss auch flexibel sein und mich an verschiedene Lichtverhältnisse, Orte und Situationen anpassen.

Manchmal muss ich improvisieren oder spontan sein, um das Beste aus jeder Szene herauszuholen. Aber genau das macht mir Spaß und fordert mich heraus.

Um eine perfekte Reportage zu erstellen, ist es für mich sehr wichtig, eine gute Beziehung zu den Brautpaaren aufzubauen. Deshalb treffe ich mich mit ihnen im Vorfeld mehrmals, um sie kennenzulernen und ihre Erwartungen zu besprechen. Wir gehen gemeinsam den Tagesablauf durch und klären alle offenen Fragen. Dabei profitieren sie von meiner langjährigen Erfahrung als Hochzeitsfotograf. Ich habe schon über 50 Ganztagsreportagen fotografiert, über einen Zeitraum von mehr als 15 Jahren. Ich kann ihnen also viele Tipps und Ratschläge geben, wie sie ihren Tag optimal gestalten können.

In meinem Blogpost zeige ich euch einige Bilder aus verschiedenen Hochzeiten, die ich in den letzten Jahren fotografiert habe. Ihr seht zum Beispiel das Getting Ready der Braut, die Trauung in der Kirche oder im Standesamt, das Paarshooting an einem schönen Ort, die Feier mit den Gästen, den Eröffnungstanz und vieles mehr.

Ich hoffe, ihr habt einen Eindruck davon bekommen, wie ich fotografiere und was mir wichtig ist. Natürlich kann ich hier viele Bilder nicht zeigen, denn nicht jeder möchte im Internet von Fremden gesehen werden, Deshalb: Wenn ihr mehr sehen wollt und noch einen Fotografen für eure Hochzeit sucht, schreibt mir gerne eine Nachricht oder ruft mich an. Ich freue mich auf euch!

Eine Straßenunterführung im Gegenlicht. In dieser Gegend war ich bisher noch nie. Ich neige dazu immer wieder die gleichen Orte aufzusuchen. Das wollte ich diesmal ändern.

Die Tiefstehende Sonne sollte mir an diesem Sonntag noch öfter helfen, lange Schatten am Boden abzulichten. Es sind Momente der flüchtigen Schönheit, in denen sich der Schatten mit dem natürlichen Licht vereint, um kleine Geschichten zu erzählen.

Auf den Straßen verbergen sich oft unscheinbare Pools aus Regenwasser, die nach einem Schauer entstehen. Doch diese scheinbar gewöhnlichen Pfützen werden zu kleinen Spiegeln, die eine eigene Welt der Reflexionen offenbaren. Das eröffnet einen anderen Blick auf die Umgebung.

Bei diesem Bild dominieren die Gleise, die durch die Gegenlichtsituation gleißend hell erstrahlen. Dieses Bild musste ich 2 EV unterbelichten. Durch die Telewirkung des 135mm Objektives werden die Linien zusätzlich verdichtet.

Ich mag es, mir Symbole oder Texte von Reklamen oder Schaufenstern zu suchen, und auf Personen zu warten die in der Spiegelung einen Kontext ergeben. Die reflektierten Texte werden zu einem Teil einer Erzählung, die sich in dem Zusammentreffen von Schrift und Menschen ergeben kann. Es ist, als ob die Stadt selbst mir kleine, flüchtige Geschichten offenbart, die nur in diesem besonderen Moment und an diesem bestimmten Ort existieren.

Die Bilder sind diesmal mit der Sony A9 entstanden. Objektive waren:

• 135F1.8 GM

• 40F2.5 G

Ronald ist schuld. Er lag mir monatelang in den Ohren und schwärmte von dem großartigen Gefühl, Bilder selbst drucken zu können. Im August dieses Jahres wollte ich es dann wissen: Ich kaufte mir meinen eigenen FineArt-Printer. Und das war rückblickend die beste und sinnvollste Investition der letzten Jahre. Denn seitdem ich den Pro100 in Benutzung habe, verging fast kein Tag, an dem ich nicht gedruckt hatte.

Euch interessiert bestimmt, wie weit man mit den Patronen so kommt und welche Probleme im Alltag auftreten oder welche Papiere ich empfehlen kann. All das beantworte ich in diesem Artikel und auch die Frage: Werde ich je wieder bei Saal Digital, WhiteWall und Co. bestellen (müssen)?

Aber der Reihe nach.

Warum überhaupt drucken?

Warum tue ich mir das überhaupt an, Bilder zu drucken? In der heutigen Zeit, wo es doch so gute und brillante Displays auf TVs, Tablets und Handys gibt, ist ein Druck nicht überholt? Und was mache ich überhaupt mit den Ergebnissen? Tonnenweise Altpapier in Kartons gestapelt, die man sich nie wieder anschaut? Und teuer ist es auch noch!

Ich liebe es einfach, das gedruckte Bild anzufassen. Das schafft eine andere Art der Verbindung zu dem Bild im Vergleich zur Betrachtung auf einem Bildschirm. Es ist praktisch, weil man es einfach weitergeben kann, ohne dafür ein elektronisches Gerät verwenden zu müssen. Ein gedrucktes Bild kann seine volle Kraft und Magie besonders dann entfalten, wenn es bei hellem Tageslicht betrachtet wird, selbst unter Bedingungen, bei denen Displays bereits Schwierigkeiten haben, etwas darzustellen.

Und stellt euch einfach mal folgende Situation vor: Ihr ladet Freunde zu Essen bei euch zuhause ein, und ihr steht noch in der Küche. Am Tisch liegt ein Tablet vollgepackt mit tollen Bildern vom letzten Urlaub. Daneben ein Stapel gedruckter Bilder. Was wird passieren? Werden eure Freunde das Tablet nehmen, entsperren, die Fotos App öffnen und darauf die Bilder anschauen? Oder werden sie einfach den Fotostapel nehmen und die Bilder durchblättern? Was ist wahrscheinlicher? Die Antwort darauf dürfte klar sein. Das gedruckte Bild ist viel kommunikativer und sorgt mehr für soziale Interaktion.

Und dabei habe ich noch gar nicht davon gesprochen, welche Wirkung ein Bild erst entfalten kann, wenn es so richtig groß gedruckt an der Wand hängt!

In diesem Sommer habe ich immer wieder einen Stapel Bilder mit in die Hängematte genommen und dabei die Details der Bilder und die Haptik der Papiere bestaunt. So etwas habe ich früher nie gemacht.

Warum selbst drucken?

Es ist ja nicht so, dass ich nicht schon vor dem Pro 1000 selbst gedruckt hätte. Jedoch beschränkte sich das nur aufs Wesentliche: ein paar Plakate für den Ortsteil, Dokumente oder Collagen. Im Notfall auch mal ein Foto. Mit der Qualität, der Bedienung und der Haltbarkeit der Bilder war ich aber nie wirklich zufrieden. Und das wollte ich nun ändern. Das waren die Hauptgründe für die Anschaffung eines eigenen hochwertigen Druckers:

• Kontrolle über den gesamten fotografischen Prozess: Mir gefällt der Gedanke, dass man von der Bildidee über das Fotografieren, die Bearbeitung des Bildes, den gesamten Druckprozess von der Auswahl des Papiers bis zur Kalibrierung des Druckers bis zum fertigen Print alles aus einer Hand liefern kann.

• Sofortige Verfügbarkeit: Man kann Fotos sofort drucken, wenn man sie braucht, anstatt darauf zu warten, dass externe Druckdienste oder Labore die Arbeit erledigen. Das ist besonders praktisch, wenn man kurzfristig Ausdrucke benötigt. Wenn ich zeitnahe Änderungen an meinen Fotos vornehmen möchte, kann ich das sofort tun und die aktualisierten Versionen drucken, ohne warten zu müssen.

• Individuelle Anpassung: Du kannst die Drucke genau nach deinen Vorstellungen anpassen. Dies beinhaltet die Wahl des Papiers, die Einstellung der Farbprofile und die Anpassung der Druckparameter, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen.

• Experimentieren mit verschiedenen Medien: Ein eigener Drucker ermöglicht es mir, mit verschiedenen FineArt-Papieren und Medien zu experimentieren, um den Effekt auf meine Bilder zu sehen. Ich kann verschiedene Texturen und Oberflächen ausprobieren, um das beste Ergebnis für jedes Foto zu erzielen. Die Lernkurve ist steil, besonders bei der Frage, welches Bild am besten zu welchem Papier passt. Die Herausforderung, den optimalen Detailgrad und die Schärfe für jedes Papier zu erreichen, wird unmittelbar sichtbar, ohne auf Verarbeitungszeiten warten zu müssen.

• Kosteneffizienz bei größeren Mengen: Bei regelmäßigem Druck größerer Mengen von Fotos kann ein eigener FineArt-Drucker kosteneffizienter sein als die Nutzung von externen Druckdienstleistungen.

• Lernen und Verbessern: Das Drucken zu Hause ermöglicht es, mehr über den Druckprozess zu lernen und die Fähigkeiten im Feintuning von Druckeinstellungen zu verbessern. Man kann schnell auf Ergebnisse reagieren und den Workflow optimieren.

• Flexibilität bei Formaten: Ich kann verschiedene Formate und Größen meiner Fotos drucken, ohne auf Standardgrößen beschränkt zu sein.

• Persönliche Zufriedenheit: Das ist eigentlich der wichtigste aller Punkte: Es macht einfach unglaublich viel Spaß, selber zu drucken. Auch nach über 600 Prints habe ich immer noch ein Grinsen im Gesicht, wenn das Bild langsam aus dem Drucker geschoben wird.

Welches Tintensystem?

Als ich mich in das Thema eingelesen hatte, war mir schnell klar: Ich brauche einen Pigmenttintendrucker. Denn nur mit dieser Tinte ist garantiert, dass die Bilder (auf entsprechendem FineArt-Papier) auch wirklich mehrere Jahrzehnte selbst direktem Sonnenlicht standhalten können. Herkömmliche Tinte kann das nicht. Sie ist jedoch deutlich günstiger und macht weniger Probleme beim eventuellen Eintrocknen des Druckkopfes. Ob das aber wirklich relevant ist, dazu komme ich später.

Welcher Drucker

Din A3 hat mir nicht mehr ausgereicht. Ja, mein alter Drucker konnte auch schon A3+ Papiere drucken, aber ich dachte mir: Wenn ich schon so viel Geld in die Hand nehme, dann wenigstens A2 oder mehr. Aktuell (Stand 2023) gibt es da 2 populäre Modelle:

• Epson P900

• Canon Pro 1000

Beide kosten gleich viel, beide liefern vergleichbar gute Druckergebnisse, beide haben je 1 großen Nachteil:

• Beim Epson gibt es immer wieder Probleme bei der Papierführung, und man muss bei dickeren und größeren Formaten die ganze Zeit das Papier halten. Will ich mehrere Drucke machen, kann ich nicht einfach das Haus verlassen und erwarten, dass der Drucker fertig ist, wenn ich nach Hause komme. Dadurch fiel der Epson leider raus.

• Beim Canon gibt es den großen Nachteil der Tintenverschwendung. Der Drucker spült nach jedem Druckvorgang die Düsen, und dadurch wird der große Tintenrestbehälter sehr schnell voll. Beim Epson ist das alle paar Jahre nötig, der Canon will eher jedes oder sogar mehrmals im Jahr eine neue Tauschkassette.

Dafür ist der Einzug beim Pro 1000 mit Vakuumtechnik und sehr robustem großen Papierschacht sehr hochwertig gebaut. Insgesamt hat der Canon noch einige pfiffige Detaillösungen im direkten Vergleich, die den Drucker ein wenig ausgereifter wirken lassen: Vorheizen der Tinte, Vakuumansaugen der Druckmedien, Erkennen von Fehldrucken mit anschließender automatischer Korrektur usw. Die Tintenpreise sind vergleichbar, bei der Größe und dem Gewicht gehen Punkte an Epson. Der wiegt rund ein Drittel des Canon. Für den braucht man schon ordentlich Platz und auch Kraft beim Hochtragen der 37 kg in die 4. Etage. Insgesamt wirkt der Canon aber durch sein massiveres Auftreten dann doch eine Ecke hochwertiger. Das ist aber am Ende Geschmackssache.

Die Einrichtung

Vom richtigen Auspacken bis zum Einsetzen der Druckpatronen (Die Riesentanks einzusetzen ist das Highlight) wird man sehr gut über eine Anleitung via Papier und Gerätedisplay geführt. Hier gibt es wirklich nichts auszusetzen. Erschrocken war ich allerdings, als ich nach dem fast 30-minütigen automatischen Installationsprozess die Füllstände der Patronen sah: Die waren alle auf 50% gefallen. Aber: Das ist völlig normal. Denn das Befüllen der Schläuche und Vorräte für jede Farbe sowie das Spülen muss ja sein. Beim nächsten Wechsel ist das dann nicht mehr nötig, und somit hält die 2. und darauf folgende Patrone gleicher Farbe dann immer länger.

Das erste Drucken

Die Ergebnisse, die der Drucker ausgibt, sind eine wahre Freude. Ich habe meinen Monitor weder kalibriert noch auf irgendwelche TIFF- oder andere Formate mit bestimmter Bit-Tiefe geachtet. Ich habe einfach ein JPEG direkt auf Photoshop gedruckt. Wahnsinn. Als Papier verwendete ich die Calumet-Eigenmarke Brilliant Paper Lustre 300. Ein tolles Finish, und die besondere Eigenschaft, dass das Papier zwar glänzt, aber nie spiegelt und dabei sehr kontraststarke und farbenfrohe Drucke ermöglicht, sorgten von Anfang an für ein breites Grinsen.

Wie Bereite ich die Datei vor?

Mir ist es wichtig, dass ich bei einem Druck, egal wie groß, auch sehr nah an das Papiermedium herangehen kann. Dabei ist es wichtig, dass man, je kleiner man die digitale Datei druckt, umso stärker nachschärft. Viele vernachlässigen diesen Punkt und überlassen das dem Zufall. Ich habe mir jedoch den Drucker gekauft, um nichts mehr dem Zufall zu überlassen. Und ich weiß: Beim digitalen Verkleinern von Dateien gehen Bildinformationen verloren. Deshalb schärfe ich die Datei vor dem Druck in Photoshop sehr stark nach. Fast schon übertrieben stark. Genau so viel, um auf dem Papier die Grenze des überschärften Eindrucks zu unterschreiten. Somit habe ich bei jeder Druckgröße ein perfektes Ergebnis, was beim ein oder anderen Betrachter, der sich mitunter nicht mit Themen wie Fotografie oder Druck beschäftigt, beim Betrachten des gedruckten Bildes ein "WOW" hervorruft.

Drucken mit Canon Professional Print & Layout

Dennoch kann es sinnvoll sein, die Canon-eigene Druckersoftware zu verwenden. Gerade wenn man sehr groß drucken möchte (denn warum auch immer kann ich in PS nicht größer als A3+ drucken, was mich ein wenig ärgert), will man auf Nummer sicher gehen, dass das Ergebnis auch wirklich dem entspricht, was man auf dem Monitor sieht. Gerade bei Nachtszenen oder generell eher dunkleren Bildern kann es sinnvoll sein, die Musterdruckfunktion von Canons "Professional Print & Layout" Software zu verwenden. Hier kann man einen A4-Druck mit verschiedenen Variationen des Bildes (Helligkeit, Kontrast oder Farben) durchführen. Man nimmt das gedruckte Blatt dann in die Hand und wählt einen Favoriten aus. Unter dem Bild stehen dann die Helligkeits- oder Farbwerte, die man dann in der Software eingibt.

Hier ein paar Tipps im Umgang mit dem Drucker

• Es gibt eine fast unüberschaubare Vielfalt an Papieren, die einen fast erschlägt. Probiert doch daher ruhig erst einmal das von Canon mitgelieferte Papier. Die Qualität ist ausgezeichnet, und die Profile sind alle schon vorinstalliert. Auch bei der Eingabe des Papiers am Drucker gibt es keine Probleme, da jedes Canon-Papier hier aufgeführt ist.

• Wollt ihr auch andere Papiere als die Canon Originale verwenden (das empfehle ich unbedingt), dann müsst ihr auf der Herstellerseite des Papierherstellers das ICC-Profil herunterladen. Das müsst ihr dann nach der Installation (bei Windows reicht ein Doppelklick auf die Datei, bei Mac muss die Datei manuell ins entsprechende Verzeichnis verschoben werden) in der Drucksoftware auswählen. Am Drucker selbst werdet ihr nach dem Einlegen des Papiers aufgefordert, Papiergröße und Papierprofil anzugeben. Euer Papier wird hier aber nicht aufgeführt. Was nun? Ganz einfach, denn eigentlich gibt es nur 3 verschiedene Papiere: glänzend, matt oder Normalpapier. Für ALLE Papiere, die irgendwie glänzen (auch Luster) verwende ich am Canon-Drucker die Einstellung "Seidenmatt". Für matte Papiere dann "Matt", für Dokumentendruck "Normalpapier". Warum so umständlich? Der Drucker hat verschiedene Schwarzpatronen. Bei glänzendem Papier verwendet der Drucker statt normalem Schwarz die Spezialfarbe "Photo-Black". Druckt ihr nur Dokumente, ja auch das ist möglich; so stellt ihr auf Normalpapier, dann wird nicht extra die Farbe "ChromaLux" zur Versiegelung aufgebracht. Das ist die erste Patrone, die ihr wechseln müsst, weil die bei jedem Druck verwendet wird.

Meine Lieblingspapiere

Am liebsten verwende ich die Papiere von Farbenwerk, und da im Speziellen das Luster Papier. Es ist kontraststark, glänzend, aber nicht spiegelnd und fasst sich einfach toll an. Außerdem ist es nicht so klebrig oder empfindlich wie Baryta von Hahnemühle. Das Lusterpapier kann man sogar hinter Glas ohne Passepartout verwenden, ohne dass es kleben bleibt oder auch nur geringe Rückstände davon hat. Versucht das mal mit einem Baryta- oder sogar Hochglanzpapier... oder lieber nicht!

Auch toll sind die PhotoCards von Hahnemühle. Sie werden geliefert in hochwertigen Metallboxen, und die Ecken sind abgerundet. Die Papiere sind sehr dick, vergleichbar mit Postkarten oder sogar noch dicker. Die PhotoCards gibt es in zwei Formaten, leider aber nicht alle Typen. Meine Favoriten sind hier Baryta Satin und PhotoRac Baryta.

Die ganz großen Papiere drucke ich auch gerne mit einem anderen Luster Papier: und zwar der Eigenmarke von Calumet.de. Dem Brilliant Paper Lustre 300. Ich mag die etwas schwerere Grammatur und das etwas hellere Weiß im Vergleich zu den Papieren von Farbenwerk.

Generell kann ich aber sagen: Probiert es selbst aus. Bestellt euch ein paar Mustersets und druckt los. Nehmt das gleiche Motiv auf verschiedenen Papieren und schaut selbst, was euch am besten gefällt. Das Ganze ist eine spannende Reise und der beste Teil am Drucken. Ich finde es immer wieder aufregend, ein neues Papier zu testen.

Kosten

Ich besitze den Drucker nun seit knapp 4 Monaten und kann noch keine richtige Bilanz ziehen. Ich kann aber sagen das das Drucken meiner Bilder zu meiner neuen Lieblingsbeschäftigung geworden ist, und ich schon extrem viel gedruckt habe. Nicht nur für mich, auch für Freunde und deren Ausstellungen. Immerhin produziert der Drucker in Verbindung mit gutem Fineart Papier ja Drucke in Museums oder Galeriequalität. Ich kann aber schonmal quasi als Wasserstandsmeldung sagen, welche Patronen ich schon Tauschen musste, und wieviel genau ich schon gedruckt habe:

Zu den rund 200€, die ich bisher investiert habe, kommen natürlich noch die Preise fürs Papier. Das kann ich aber nur schätzen, da ich nicht genau Buch geführt habe. Ich denke hier liegt die Investition ebenfalls bei rund 200€. Jedoch habe ich die nicht aufgebraucht, vielleicht so um die 50%. Ich verkaufe auch mal den ein oder anderen Print, so daß sich das ganze auch zu einem gewissen Grad refinanziert. 

Fazit

Die Investition in den Pro 1000 hat sich wirklich gelohnt, vielleicht war sie sogar die sinnvollste Anschaffung der letzten Jahre für mich. Die Freude, die ich aus dem Prozess und den Ergebnissen ziehe, ist überwältigend. Es ist erstaunlich, wie lange diese Begeisterung anhält – jedes Mal, wenn ich die Bilder betrachte, zaubert es mir ein Lächeln aufs Gesicht. Das Verschenken von selbstgemachten Fotos ist fast unbezahlbar und bringt mir ebenso viel Freude. Wenn wir irgendwo eingeladen sind, bringe ich immer wieder Bilder mit, und das habe ich früher nie gemacht. Ich wechsle regelmäßig die Bilder in unserem Flur, (unserer kleinen Galerie) und auch sonst in der Wohnung. Den Kalender fürs nächste Jahr gestalte ich nicht nur selbst, der wird natürlich auch selbst gedruckt. Nur das Fotobuch wird noch so lange bestellt, bis ich einen Weg gefunden habe, das selbst herzustellen;).

P.S. vielen Dank an die Bilder von Steffen Kammeler:

lichtfischkollektiv I fotocommunity

Es war längst überfällig: Ein gemeinsames Wochenende mit meinen lieben Fotofreunden Renato Rocha und Ronald Kästner, und nur ein Thema im Fokus – Streetphotography pur!

Vor etwa einem dreiviertel Jahr hatten wir uns für Frankfurt als Reiseziel entschieden, denn die Großstadt liegt mit einer Zugreisezeit von etwa 2,5-4 Stunden für uns alle in etwa gleich weit entfernt. Bereits Wochen im Voraus freute ich mich riesig auf dieses Treffen. Ronald hatte ich schon fast ein Jahr lang nicht gesehen, und bis zu diesem Zeitpunkt hatte ich Renato noch nie persönlich getroffen.

Die kleine Vollformatkamera von Sony mit 42MP und fest verbautem 35mmF2 Objektiv: Die RX1rII ist superklein und leicht und wiegt mit knapp 450gramm deutlich weniger als eine herkömmliche Spiegellose Vollformatkamera mit Wechselobjektiv

Als ich am Vorabend der Reise meine Sachen packte, überlegte ich hin und her bezüglich meiner geplanten Ausrüstung. Die A9 und die 2-3 Objektive, die ich unbedingt mitnehmen wollte, wogen über 2 kg. Das war viel zu viel für meinen kleinen Rucksack. Also musste eine andere Lösung her: Mit weniger als 450 Gramm und ein paar Akkus war die Entscheidung einfach. Die kleine RX1rII sollte in den folgenden drei Tagen mein ständiger Begleiter sein, und mit ihrer fest verbauten, universellen 35-mm Linse sollte ich all meine fotografischen Ziele erreichen können: gefragte Porträts, spontane Streetszenen und natürlich der Blick vom Maintower nach Sonnenuntergang. Ob alles so funktioniert hat, wie erhofft, erfahrt ihr in den nächsten Minuten. Holt euch schon mal einen Kaffee;)

Die Metropole, bekannt für ihre beeindruckende Skyline, Architektur und Vielfalt, hatte ich vor über 25 Jahren zum letzten Mal besucht. Damals absolvierte ich meinen Grundwehrdienst im Amt für Flugsicherung der Bundeswehr, ganz in der Nähe der neuen Börse.

Als ich in Frankfurt ankam, wartete Renato schon am Ausgang des Hauptbahnhofs mit einer herzlichen Begrüßung. Kurz darauf kamen wir im Hotel an, und trafen auf Ronald. Schnell noch die Sachen aufs Zimmer und nur kurz den fantastischen Ausblick genießen, und schon gings los.

Uns zog es gleich in Richtung der Wolkenkratzer und es dauerte nicht lange bis sich die ersten interessanten Motive und Szenen zeigten. Eine Gruppe Frauen mit Kopfbedeckung liefen uns entgegen, als sich ein Mann unter sie mischte. An der nächsten Ampel kamen alle zum stehen und warteten auf die nächste Grünphase. Ich zog die Kamera hoch und machte ein paar erste Aufnahmen.

Weiter Stadteinwärts bemerkten wir, wie das Licht fantastische Schatten der Menschen am Boden zeichnete. Dabei kamen interessante Silhouetten wie diese zustande. Wir machten einige Bilder, warteten ein paar Minuten und zogen dann weiter.

Aufmerksame Leser meines Blogs wissen, das ich ein Fan von Portraits in der Straßenfotografie bin. Auch für Frankfurt hatte ich mir vorgenommen einige fremde Menschen anzusprechen. Ursprünglich wollte ich dafür das 135mmF1.8GM an der A9 verwenden. Wie anfangs erwähnt, hatte ich mich ja auch Gewichtsgründen dagegen entschieden. Mit der großen F2 Blende des 35mm Objektives der RX1rII sind Portraits auch kein Problem. Der Look ist ein anderer, denn hier sieht man in dem unschärfebereich auch noch ein wenig Umgebung. Das ist ja eigentlich meist dann doch interessanter als ein komplett aufgelöster Hintergrund.

Es dauerte nicht lange und ich sah 2 Junge Frauen auf einer kleinen Mauer sitzen. Die beiden sahen sehr symphatisch aus und ihre ganze erscheinung schrie danach: fotografier mich;) Ich sprach sie an, machte komplimente und gab ihnen mein Leparello in die Hand. Sie waren total begeistert gerührt und freuten sich darüber das ich sie angesprochen habe. Ich durfte ein paar Bilder von ihnen machen.

Ich fragte an dem Tag noch weitere Personen, jetzt wo das Eis gebrochen war , fiel mir das auch sehr viel leichter.

Renato hatte vor ein paar Monaten eine Reportage eines Dance Battles in Bern gemacht. Der damalige 2. Platz Carlos Leon hielt überraschenderweise in der nähe des riesigen “My Zeil” Einkaufszentrums…. eine Show mit 4 weiteren Tänzern ab. Ein tolles wiedersehen!

Für eines der Fotos, welches ich unbedingt machen wollte mussten wir hoch hinaus. Ein gedrucktes Bild vom Maintower hinunter auf die beleuchteten Straßen sollte ein paar Tage später in meinem Büro hängen, so hoffte ich. Das Wetter ließ uns jedoch im Stich sobald wir das Ticket bezahlt hatten: Der Maintower wurde für Besucher gesperrt. Eine Fahrt nach Oben war zwar möglich, Jedoch nicht bis zur Aussichtsplattform. Also mussten wir warten bis das Unwetter vorbeizog.

Nach einer gefühlten Ewigkeit war es dann aber soweit, und wir konnten nach ganz oben.

Der nächste Tag begann sehr früh, denn wir wollten die ersten Sonnenstrahlen .. Also gingen wir noch vor dem Frühstück für ein paar Stunden in Richtung Main.

In der Nähe unseres Hotels hat mich von Anfang an ein Punkt immer wieder fasziniert: Ein riesiges Graffiti einer Friedenstaube befand sich an der Stirnseite eines Gebäudes an einer Großbaustelle. Ich dachte mir schon seit unserer Ankunft: damit musst du irgendwas machen. Also begab ich mich in die Nähe und suchte nach Motiven. In der Nähe befand sich eine Litfaßsäule, die sich drehte. Filme und andere Dinge wurden beworben, und ich suchte nach passenden Wörtern, positionierte die Kamera, wählte den Ausschnitt und machte ein paar Bilder.

Nach dem Frühstück wollten wir uns mit einigen Locals vom Collateral Eyes Streetcollective treffen. In der Straßenfotografie-Szene gibt es eine sehr dynamische Community. Wenn man eine Stadt nicht allein erkunden will, findet man in mittlerweile in fast jeder größeren Stadt Straßenfotografen, mit denen man sich treffen kann und die einem ihre Sichtweise auf Ihre Stadt zeigen. Das ist immer sehr unterhaltsam und lehrreich. An dieser Stelle vielen Dank an Faina, Stefan und die vielen anderen, deren Namen ich mir blöderweise nicht gemerkt habe.

Das Problem an solchen Treffen mit anderen Fotografen ist aber, das ich dann kaum fotografiere und mehr quatsche. So entstanden an dem Tag kaum Bilder. Am Abend gingen wir zusammen Essen und wir trafen dort noch auf weitere Fotografinnen. Natürlich probierten wir die Lokalen Spezialitäten aus;)

Am nächsten morgen genossen die ersten wärmenden Sonnenstrahlen auf dem Rundbalkon unserer Etage bei fantastischer, wolkenfreier Aussicht.

Mein Zug fuhr leider schon viel zu früh, dennoch machten wir uns nach dem Frühstück auf, um noch ein Paar Bilder entlang des Mains in Richtung des großen Skaterparks zu machen. Auf dem Weg zur Bahn hatte ich mich dann geärgert, nicht doch 2 oder 3 Züge später gebucht zu haben, denn das Wetter war Sonnig und sehr mild, ständig kam ich an interessanten Spots vorbei, an denen es sich gelohnt hätte noch Bilder zu machen.  Es war ein fantastisches Wochenende und eine sehrt intensive Erfahrung. Die Zeit nur mit dem Thema Fotografie zu verbringen, und ganze 3 Tage im Austausch mit gleichgesinnten gemeinsam eine fremde Stadt zu erkunden wirklich genial, ich kann das nur jedem empfehlen.

Und: die kleine RX1rII hat sich mal wieder bewährt. So kompakt und leichtgewichig zu fotografieren hat schon was befreiendes, obwohl ich mir natürlich schon ab und zu eine andere Brennweite gewünscht hätte. Aber ein anderes Setup kann ich ja beim Nächsten mal ausprobieren.

Falls ihr bis hierhin durchgehalten habt: vielen Dank fürs Lesen, ich würde mich über einen kleinen Kommentar und oder ein Like sehr freuen. Vielleicht möchtet ihr diesen Erfahrungsbericht auch Teilen, auch das fänd ich ebenfalls Super. Ich wünsche euch viel Spaß bei eurem eigenen Städtetrip, vielleicht sieht man sich ja mal.  In diesem Sinne: geht raus und macht Fotos;)

Ronald Kästner: www.fopti.de I Instagram: fopti.de

Renato Rocha: www.rocharenato.net I Instagram: Streetprofil I Instagram: Sportprofil

CollateralEyes I Stefan Lauterbach I Andrea Diener I ffm_Streetphotography I

Es sollte einer dieser vielen heißen Tage werden, im Sommer 2022. Ich machte mich schon früh auf, um die nächstgelegene Großstadt, die diesen Namen auch verdient, zu besuchen. Mit der kleinen Sony und ein paar Flaschen Wasser Proviant und nur einem Ziel: Streetphotography Pur. Kein Shopping oder Besuche von Freunden. Keine Ablenkung... naja, Fast.

Nach einer staufreien Autofahrt, die wie im Fluge verging, während ich Folge 23 des Streetcast.FM Podcasts hörte, erreichte ich endlich mein Ziel. Ich war entspannt und gut gelaunt und bereit für den Tag.

Mitten auf der Promenade stand eine alte Badewanne, bepflanzt mit Bambus und irgendeiner Kletterpflanze. Sie war besprüht mit allerhand Graffiti. Der ganze Straßenblock war voll mit Graffiti und Aufklebern, die schon mehrfach abgerissen und wieder überklebt wurden. Hier war Leben! Ich fühlte mich sofort wohl.

Es war zwar schon fast Mittag, aber ich hatte das Gefühl, dass die Stadt noch schlief. Die Ladenbesitzer waren damit beschäftigt, ihre Geschäfte für den Tag vorzubereiten. Nur wenige hatten bereits geöffnet. Der Duft von frischem Kaffee und frischen Backwaren erfüllte die Luft und ich konnte nicht widerstehen, mir eine Tasse Kaffee und ein Croissant zu gönnen. Ich setzte mich auf einen Vorsprung und genoss den Geschmack und das Gefühl der Sonne auf meiner Haut.

Wenig später kam ich an einem Ort an, den ich vor ein paar Jahren schonmal besuchte. Hier hatte sich viel Verändert, seitdem ich im Januar 2019 zum Street Photography Workshop mit Ralf Scherer war.

Ich sah schon von weitem, wie ein Mann große Stapel mit Holzkisten an seinen Transporter stellte. Ich beeilte mich, schnell dorthin zu kommen, denn mir war klar: Das könnte interessant werden. Als ich an einem kleinen Gemüseladen ankam, wartete ich darauf, dass der Mann den nächsten Stapel holte. Er musste das Leergut vorsichtig durch einen schmalen Eingang und die Treppe jonglieren. Ich machte eine kurze Serie und drückte auf den Auslöser der Kamera, bis er an mir vorbeiging. Sicher hätte ich das auch wiederholen können. Aber ich hatte mein Bild und ging weiter die Straße hinunter zur nächsten interessanten Szene.

Auf der gegenüberliegenden Straßenseite entdeckte ich ein riesiges Werbeplakat. Die neuesten Kopfhörer wurden beworben und ich dachte mir: Wenn jetzt jemand mit einem großen Kopfhörer vorbeikäme, dann wäre das genial. Mir war klar, das ich für eine gute Bildwirkung nah an die Person ran muss. Sehr Nah! Es würde reichen, wenn der Kopf der Person von hinten zu sehen ist, während sie von rechts nach links ins Bild reinläuft. Und tatsächlich kamen einige mit großen Kopfhörern. Leider wirkte es doch nicht so wie erhofft, da ich einfach nicht nah genug am Kopf(hörer) dran war. Ich versuchte es weiter. Die Blende stellte ich auf 16 bei 1/1000 Verschlusszeit, EV-1. der Iso-Wert lag immer noch unter 200, da es an dem Tag fast wolkenfrei war und die Szene gut ausgeleuchtet wurde. Ich wartete und wartete. nach gefühlt einer Stunde (also nach circa 10 Minuten) kam dann ein Radfahrer mit passenden AirPods direkt an mit vorbei. Er war sehr schnell unterwegs, ich bemerkte ihn erst spät. Ich konnte gerade so die Kamera nach unten haltend positionieren und ausrichten. Ich schaute aufs ausgeklappte Display und sah nur ganz kurz einen Schatten der durchs Bild raste. Die Kamera machte ganz leise Klack.Klack.Klack. Da dachte ich mir: verdammt, das war sicher nix. er war nur auf einem, aus einer Serie von 4 oder 5 Bildern zu sehen. Ich schaute es mir auf dem kleinen Display an und war erleichtert: ich hab’s. Wie ein Spotlight fiel das Sonnenlicht durch die Blätter des Baumes neben mir auf sein Ohr und richtet den Blick des Betrachters direkt auf die kleinen Kopfhörer. Dennoch. Aber um ehrlich zu sein hätte die Person ruhig noch größer abgebildet sein können. Mir reichte das aber für den Moment,für mich war die Bildidee umgesetzt.

Ein Selfie musste natürlich auch sein. Ich mag solche alten , verschrabbelten Türen. Die Spiegelung setzte ich genau auf mein Gesicht

Als ich am großen S-Bahnhof im Zehtrum des ankam, versuchte ich ein paar Langzeitbelichtungen vor stehenden Fahrgästen. Ein Klassiker in der Straßenfotografie. Leider war es garnicht so einfach, kaum jemand wollte Stillstehen… Ich hatte dann doch wenig Geduld und zog weiter.

In der nähe eines Einkaufscenters bildete sich eine riesige Menschenmenge. Kreischende Teenager hielten ihre Handys hoch, um Bilder von Katja Krasavice (link führt auf mdr.de) zu machen. Nach dem Namen musste ich erstmal suchen… Die Influenzerin war gerade auf Promo-Tour für ihren Energy-Drink… verrückt.

Chat GBT sagt: Die Bewohner von Leipzig nennen ihre Stadt oft liebevoll "Hypezig" aufgrund der dynamischen und kreativen Atmosphäre, die sie auszeichnet. Keine Ahnung ob das wirklich so ist, mich hat die Stadt mit ihrer faszinierenden Vielfalt und Atmosphäre inspiriert. Leipzig hat unendlich viele Geschichten zu erzählen, und ich hoffe, dass meine Aufnahmen einen Teil davon einfangen konnten. Ich hatte viel Spaß an dem Tag und ich kann euch nur dazu raten:

Wo auch immer ihr wohnt , Geht raus und macht Bilder.

Der Morgennebel hüllt die Welt in ein geheimnisvolles Schleiergewand. Die Sicht wird eingeschränkt, Geräusche verschluckt und die Luft fühlt sich klamm an. In dieser Stille und Abgeschiedenheit können sich auch neue Sinneserfahrungen entfalten, die im klaren Tageslicht oft verborgen bleiben.

In dieser atemberaubenden Atmosphäre kann man die gewohnte Umgebung ganz anders war nehmen. Für ein gutes Bild muss man nicht zwingend in einen Wald oder an einen See fahren.

Sony A9 85mm F1.8 Iso 8000

Diese Szene habe ich nur ein paar Meter von meinem Zuhause fotografiert. Die Lichtquelle im Nebel war ein willkommener Zufall, und ich musste nur warten, bis eine Person hineinlief. Ich bin ein Fan der Monochromen Fotografie. Diesmal musste ich das Bild jedoch in Farbe belassen, da hier einfach auch die warme Lichtquelle und das kühle blau des Nebels perfekt zusammenpassen.

Wen ihr also die Möglichkeit habt, solltet ihr den nächsten Nebelmorgen nutzen, und ein paar spannende Bilder machen.

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